El Gran Premio de Miami 2026, que tendrá lugar este domingo 3 de mayo en el Miami International Autodrome, reunirá a los principales equipos y pilotos de la Fórmula 1 en una competencia decisiva para la temporada. De acuerdo con la organización de la Fórmula 1, la carrera principal se disputará a las 13:00 (EDT), con acceso exclusivo en Estados Unidos mediante Apple TV. Este evento moviliza tanto a la audiencia local como internacional, concentrada en encontrar información precisa sobre la cobertura oficial.

Según el cronograma oficial de la Fórmula 1, el domingo marca la culminación de un fin de semana compuesto por prácticas, clasificación y una carrera Sprint. La transmisión exclusiva en territorio estadounidense a través de Apple TV fue confirmada por el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, que señala que para acceder a la competencia es indispensable contar con una suscripción activa y usar la aplicación en dispositivos compatibles, como televisores inteligentes, consolas y navegadores web. En otras regiones, la cobertura está sujeta a acuerdos con el canal británico Sky Sports F1 en el Reino Unido y la plataforma oficial de streaming F1 TV Pro en América Latina.

La incorporación del Gran Premio de Miami en el calendario reciente del campeonato obedece a la estrategia de expansión de la Fórmula 1 en el mercado estadounidense, que ya suma sedes como Austin y Las Vegas. Para esta edición, la organización destaca la adopción del formato Sprint, con el objetivo de diversificar la competencia durante el fin de semana, según lo publicado en el portal oficial de la F1.

¿Dónde ver la Fórmula 1 en Miami 2026?

La transmisión oficial en Estados Unidos será exclusiva a través de Apple TV. Según el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, la aplicación permitirá seguir todas las sesiones, incluidas las prácticas, la clasificación, la Sprint y la carrera principal del domingo. Los usuarios deben tener una suscripción activa y la aplicación en dispositivos como televisores inteligentes, Roku, Amazon Fire TV, PlayStation, Xbox o cualquier navegador web.

En Latinoamérica, la transmisión principal de la Fórmula 1 está a cargo de ESPN, que posee los derechos exclusivos en la mayoría de los países de la región, excepto México y Brasil. Además, la plataforma oficial F1 TV Pro ofrece acceso directo a todas las sesiones en vivo, aunque la disponibilidad y las condiciones pueden variar según el país, por lo que se recomienda consultar la programación local y la web oficial de la Fórmula 1.

En el Reino Unido, la cobertura completa corresponde a Sky Sports F1, que transmite todas las sesiones en directo. La web oficial de Fórmula 1 señala que la cobertura internacional se adapta a los diferentes husos horarios y acuerdos regionales para facilitar el acceso global.

¿A qué hora es la carrera del Gran Premio de Miami 2026?

La carrera principal se largará a las 13:00 (EDT) el domingo 3 de mayo de 2026, según el programa oficial de la Fórmula 1 (Miami Grand Prix 2026 - F1 Race). Este horario está pensado para captar al público local e internacional. La jornada del domingo incluye la previa y la ceremonia de apertura antes del inicio de la competencia.

¿Cómo será el formato Sprint en el Gran Premio de Miami 2026?

El formato Sprint suma una carrera corta y una sesión de clasificación extra al itinerario tradicional. Según la Fórmula 1, el propósito es aumentar la cantidad de competencias puntuables en el fin de semana. La Sprint y su clasificación correspondiente se realizan el sábado, reservando la carrera principal para el domingo.

La organización confirma que el sistema Sprint otorga puntos para el campeonato, aunque la suma principal permanece en la competencia del domingo. Esta modalidad refuerza la iniciativa de dinamizar cada fecha y abrir más oportunidades de puntuación para equipos y pilotos.

¿Qué plataformas y dispositivos permiten ver el Gran Premio de Miami 2026?

Para acceder en Estados Unidos es necesario instalar la aplicación de Apple TV en dispositivos compatibles como:

• Televisores inteligentes
• Dispositivos Roku
• Amazon Fire TV
• PlayStation y Xbox
• Navegadores web mediante el sitio de Apple TV

Según el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, la plataforma ofrece la carrera en alta definición, repeticiones, datos en tiempo real y contenido extra para suscriptores. En el caso de la plataforma oficial de streaming F1 TV Pro y el canal británico Sky Sports F1, se recomienda revisar condiciones de acceso y compatibilidad según la región.

¿Cuál es el impacto del Gran Premio de Miami en la Fórmula 1?

La introducción de Miami en el calendario forma parte de la estrategia de crecimiento estadounidense, según comunicados de la organización. Se espera la asistencia de 80.000 espectadores al circuito, mientras que la audiencia internacional de la temporada supera los 400 millones, de acuerdo con datos oficiales.

La competencia de Miami figura entre las más vistas del calendario, junto a los grandes premios de Silverstone y Mónaco, según F1 Live Pulse. El trazado del Miami International Autodrome tiene 5,41 km (3,36 millas) y cuenta con 19 curvas, lo que establece un gran reto técnico para escuderías y pilotos.

¿Qué estrategia tiene la Fórmula 1 para su expansión en Estados Unidos?

La organización ha declarado que el objetivo de añadir nuevas fechas estadounidenses es fortalecer la base de aficionados y adaptar su oferta de contenidos a los mercados clave. “La llegada de nuevos Grandes Premios a Estados Unidos refleja el interés creciente por la Fórmula 1 en la región y el compromiso de la organización por acercar el campeonato a más aficionados”, señaló Stefano Domenicali, director ejecutivo de la F1, en un comunicado.

Datos oficiales indican que el impacto económico del evento en Miami supera los USD 400 millones, acompañado de un incremento en la ocupación hotelera y la actividad turística durante el fin de semana. Estas cifras refuerzan la posición del evento dentro del circuito internacional de la Fórmula 1.

¿Qué cambios introduce la cobertura 2026 del Gran Premio de Miami?

El principal cambio es la exclusividad de la cobertura digital estadounidense a través de Apple TV. Los espectadores en ese país deben contar con una suscripción paga para acceder a la transmisión en vivo. En otras regiones, permanecen los acuerdos con cadenas y plataformas autorizadas.

El formato Sprint difiere respecto a ediciones pasadas: la carrera principal del domingo otorga la mayor cantidad de puntos y define la clasificación, mientras que la Sprint añade una carrera adicional el sábado, con menor puntaje y un desafío estratégico distinto para los equipos y pilotos.

La carrera del domingo 3 de mayo decidirá posiciones relevantes en la clasificación antes del arranque de la gira europea. Según la Fórmula 1, la evaluación posterior del evento será clave para ajustar la estrategia de cobertura en próximas ediciones según la respuesta de espectadores y audiencia digital.

La serie ha sido dirigida principalmente por Hiro Murai, conocido por sus increíbles videoclips para Childish Gambino (como el aclamado This Is America) y ha sido ideada por Katie Dippold.

Matthew Rhys (conocido por la serie The Americans) interpreta al alcalde de una isla de Nueva Inglaterra asediada por antiguas maldiciones y un repertorio de amenazas paranormales.

Brujas, caníbales, el hombre del saco y mucho más

En él se aglutinan todas las leyendas propias de la región: brujas, caníbales, nieblas venenosas y asesinatos misteriosos. Así, serie apuesta por una estructura ‘semiantológica’, en la que cada episodio presenta una amenaza o fenómeno sobrenatural diferente, sin resolver por completo los misterios planteados.

Uno de los principales rasgos que definen la serie es la fusión de géneros. Aunque el terror es la base principal, la obra de Dippold incorpora el absurdo y el humor extraído de las relaciones entre habitantes. Estas características han dado pie a comparaciones múltiples: desde Twin Peaks como referente del pueblo encantado, hasta guiños a figuras como John Carpenter o Stephen King, e incluso a series como Parks and Recreation, de la que Dippold fue guionista.

Entre las críticas destacadas, The Guardian la describe como un cruce entre Mare of Easttown y Schitt’s Creek, valorando la interpretación de Matthew Rhys por su fluidez entre la comedia y el espanto, manteniendo en todo momento la credibilidad emotiva.

El personaje central, Tom Loftis (Rhys), representa la dualidad del antihéroe: como alcalde, busca transformar su aislada isla en un destino de moda comparable a Martha’s Vineyard, a pesar de la existencia de leyendas sobre canibalismo, “sea hags” y asesinos de adolescentes. La serie comienza con su intento por atraer turistas e inversores, pero pronto debe enfrentarse a amenazas que incluyen la aparición de un boogeyman y fenómenos propios del horror cósmico.

La habilidad de Dippold para diseñar personajes corales con tramas propias se refleja en figuras como Patricia, la ayudante del alcalde interpretada por Kate O’Flynn. Su desarrollo en la serie abarca enfrentamientos con lo sobrenatural y episodios centrados en traumas pasados. Los secundarios, lejos de funcionar como simples elementos de apoyo, tienen peso en la estructura social y emocional del conjunto para dar consistencia al entramado.

Un cóctel de referencias, de Lovecraft a Carpenter

La serie adapta tropos clásicos del género —con ecos de Lovecraft, King, Carpenter y la literatura gótica— al ámbito televisivo actual, aportando un ritmo visual dinámico y un diseño de producción realizado por Steven Arnold, también vinculado a Misa de medianoche. Elementos como la falta de cobertura móvil, los efectos prácticos, los ambientes brumosos y la atmósfera analógica distinguen a la serie de otras producciones contemporáneas.

La dirección de Hiro Murai, a lo largo de los cinco primeros episodios, imprime elegancia y alterna secuencias de terror con momentos de humor costumbrista y guiños ‘autorreferenciales’ a la cultura reciente de Estados Unidos.

También, una sátira social

Además, la serie emplea el trasfondo sobrenatural para explorar cuestiones sociales como la gentrificación: el afán del alcalde por atraer visitantes a cualquier precio, aunque eso ponga en riesgo a los habitantes originarios. Esta lectura satírica sobre la gestión municipal y los desafíos de las comunidades tradicionales, destaca la fuerza del comentario social dentro del relato.

El tratamiento ‘semiantológico’ de cada capítulo posibilita que leyendas y criaturas —desde una bruja hasta el hombre del saco y hoteles embrujados— se desarrollen con autonomía, aunque la serie deja “nuevas incógnitas” hacia una posible segunda temporada.

En definitiva, estamos ante una serie que asume riesgos, que nos lleva por caminos poco transitados, que sabe cómo fusionar de forma novedosa los géneros, convirtiéndose en un experimento de lo más estimulante y destinado a convertirse en un clásico de culto inmediato.

El éxito de las temporadas anteriores y el origen del cambio hacia el fútbol femenino

Ted Lasso debutó en Apple TV+ en 2020 y rápidamente se consolidó como una de las comedias más exitosas de la plataforma. Basada en un personaje creado originalmente para campañas publicitarias de NBC Sports, la serie se ganó el reconocimiento de la crítica y el público gracias a su humor, calidez y un ritmo emotivo. Obtuvo premios Emmy consecutivos a Mejor Serie de Comedia en sus dos primeras temporadas y fue la más nominada de su categoría al momento de su estreno. Las tres primeras temporadas, disponibles en la plataforma, narran la llegada de Ted, un entrenador de fútbol americano sin experiencia, al banquillo de un club masculino inglés en crisis. El final de la tercera entrega en 2023 cerró la etapa del AFC Richmond masculino y generó dudas sobre el futuro de la serie.

No obstante, en marzo de 2025, Apple TV+ confirmó oficialmente la realización de una cuarta temporada y decidió cambiar el enfoque para centrar la historia en el fútbol femenino. Esta decisión, inédita en el contexto de la serie, responde a la tendencia global de aumentar la visibilidad de las mujeres en el deporte y agrega nuevos retos a la trama. El propio avance revela escenas en las que Ted enfrenta escepticismo y hostilidad al ser cuestionado por dirigir “a un montón de chicas”. La propuesta busca combinar la comedia tradicional de la serie con la exploración de desigualdades persistentes en el fútbol británico.

Reparto consolidado y nuevas integrantes

Uno de los factores clave en el éxito sostenido de Ted Lasso ha sido la química entre los actores principales, varios de los cuales reaparecen en esta nueva temporada. Jason Sudeikis continúa como protagonista y productor ejecutivo, acompañado por Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift, todos reconocidos por la audiencia. A este elenco estable se suman Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely, quienes aportan renovación y diversidad al equipo femenino.

El avance publicado esta semana, que incluye música de Mumford & Sons y Hozier, muestra a Ted Lasso ya instalado en Londres junto a su nuevo plantel. También resalta la presencia de Andrea Anders como la exesposa de Ted y de Matteo van der Grijn, quien fue el interés amoroso de Rebecca en la temporada anterior. Además, Tracey Ullman aparece como invitada en un rol cuya importancia aún no ha sido aclarada por los productores. Este equilibrio entre personajes familiares y nuevos se presenta como una de las principales estrategias para atraer tanto a seguidores de siempre como a una nueva audiencia interesada en el fútbol femenino.

Producción y alcance internacional de la nueva temporada

La cuarta temporada constará de diez episodios, que se estrenarán semanalmente los miércoles desde el 5 de agosto hasta el 7 de octubre de 2026. Apple TV+ garantiza un lanzamiento simultáneo en todas las regiones en las que tiene presencia, lo que refuerza el alcance global de la serie. El equipo creativo también experimenta algunos cambios: Jack Burditt se une como productor ejecutivo tras un acuerdo exclusivo con la compañía, y Jason Sudeikis, junto a Brendan Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee y Bill Wrubel, continúa en la producción ejecutiva. Brett Goldstein, además de interpretar a Roy Kent, colabora como guionista, lo que fortalece la cohesión del equipo creativo que definió la identidad de la serie.

Otros colaboradores destacados son Leann Bowen, Sarah Walker y Phoebe Walsh, quienes alternan entre la escritura del guion y la producción ejecutiva. Sasha Garron se desempeña como coproductora, Julia Lindon se incorpora al equipo de escritores y Dylan Marron asume el rol de editor de historia. Todo el proceso de desarrollo está a cargo de Doozer Productions, la compañía de Bill Lawrence, en colaboración con Warner Bros. Television y Universal Television, dos empresas de renombre en la industria estadounidense y británica.

Impacto cultural y expectativa en torno al nuevo enfoque

La decisión de centrar la nueva temporada en el fútbol femenino pone el foco en un ámbito donde los recursos y la visibilidad suelen ser limitados en comparación con el fútbol masculino. Al situar a Ted Lasso al frente de un equipo femenino, la serie aborda las dificultades y prejuicios que persistentes en el deporte femenino del Reino Unido. El avance revela el tipo de resistencia que experimentará el protagonista, incluyendo insultos misóginos incorporados en el guion para visibilizar críticas reales en el mundo del fútbol.

Para la audiencia global de Apple TV+, esta apuesta no implica solo un cambio de contexto, sino también una reflexión sobre la brecha de género. Los espectadores más jóvenes y quienes apoyan la igualdad de oportunidades en el deporte han reaccionado positivamente en redes sociales, a la espera de que la narrativa mantenga el humor optimista de las primeras temporadas.

La serie continuará ampliando su influencia en el debate cultural, ofreciendo nuevas representaciones en horario estelar y acercando el fútbol femenino a millones de hogares. Mientras tanto, todos los episodios anteriores siguen disponibles bajo demanda, lo que permite a nuevos públicos familiarizarse con la historia antes del estreno de la cuarta temporada.

La serie, que acumula múltiples premios Emmy, retoma su historia con Jason Sudeikis al frente, esta vez con un desafío inédito para su personaje: entrenar a un equipo femenino de fútbol de segunda división en Richmond.

La nueva entrega constará de diez episodios, con estreno semanal todos los miércoles hasta el 7 de octubre.

El primer capítulo se publicará en simultáneo para todas las regiones donde opera Apple TV+, según anunció la compañía.

El regreso del entrenador Ted Lasso al fútbol inglés llega tres años después del cierre de la tercera temporada, que en 2023 concluyó el arco del equipo masculino del AFC Richmond.

Apple TV+ ordenó la nueva entrega en marzo de 2025, tras un prolongado período de especulación sobre el futuro de la serie.

Junto a Sudeikis regresan varios de los actores que acompañaron la producción desde sus inicios: Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift.

A ellos se suman los nuevos integrantes del reparto: Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely.

El tráiler publicado por la plataforma, con música de Mumford & Sons y Hozier, muestra a Ted de regreso en Londres, al equipo femenino en acción y una escena en la que el protagonista es increpado con la frase “¡Entrenando a un montón de chicas, viejo imbécil!”.

El avance también revela la presencia de Andrea Anders como Michelle, la ex esposa de Ted; Matteo van der Grijn como Matthijs, el personaje holandés del que se enamoró Rebecca en la temporada anterior; y Tracey Ullman en un papel de invitada aún no revelado.

En el plano creativo, la cuarta temporada incorpora a Jack Burditt como productor ejecutivo, bajo un nuevo acuerdo general con Apple TV+.

Sudeikis produce junto a Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee y Bill Wrubel. Goldstein, además de actuar, ejerce como escritor y productor ejecutivo junto a Leann Bowen.

Sarah Walker y Phoebe Walsh participan como escritoras y productoras, mientras que Sasha Garron figura como coproductora. Julia Lindon integra el equipo de guionistas y Dylan Marron ocupa el rol de editor de historia.

La producción está a cargo de Doozer Productions, la compañía de Bill Lawrence, en asociación con Warner Bros. Television y Universal Television, división de NBCUniversal.

Jeff Ingold y Liza Katzer, también de Doozer, forman parte del equipo de producción ejecutiva. La serie fue desarrollada originalmente por Sudeikis, Lawrence, Kelly y Hunt, a partir de un formato y personajes creados para NBC Sports.

Ted Lasso debutó en Apple TV+ en 2020 y se convirtió en la comedia con más nominaciones al Emmy en su primera temporada.

Las dos primeras entregas ganaron de forma consecutiva el premio a Mejor Serie de Comedia en esa ceremonia, un logro que ninguna otra producción había alcanzado en ese período. Las tres temporadas anteriores están disponibles en la plataforma.

El inicio de la trama: historia alternativa y una nueva mirada a la carrera espacial

En la línea temporal alternativa presentada en Para toda la humanidad, la Unión Soviética es el primer país en llevar a un hombre a la Luna, lo que altera el curso habitual de la carrera espacial y obliga a Estados Unidos a incrementar sus esfuerzos en la competencia tecnológica y política. Ciudad de las Estrellas transporta al público al año 1969, situándolo en el centro del programa espacial soviético. En contraste con la visión estadounidense predominante en el imaginario colectivo, la historia se narra desde Moscú, mostrando tanto los avances científicos como las luchas internas y el ambiente de sospecha constante bajo el régimen comunista.

La trama, definida como un thriller paranoico, profundiza en los riesgos y sacrificios asumidos por cosmonautas, ingenieros y oficiales de inteligencia dentro del sistema soviético. La sospecha de la presencia de un topo infiltrado alimenta la intriga y expone la complejidad moral y personal enfrentada por quienes impulsaron la carrera espacial desde el otro lado del Telón de Acero.

Personajes desarrollados y destacada participación del reparto internacional

El protagonismo recae en Rhys Ifans, conocido internacionalmente por House of the Dragon y por interpretar figuras de autoridad en situaciones extremas. Junto a él participan Anna Maxwell Martin, Agnes O’Casey, Alice Englert, Solly McLeod y Adam Nagaitis, conformando un elenco que da vida a personajes inspirados en científicos reales y figuras clave del programa espacial soviético, integrando también elementos ficticios para acentuar la tensión narrativa.

La serie ilustra el día a día de los cosmonautas, sometidos a una presión extrema: la desconfianza entre compañeros, el temor constante a la delación y la responsabilidad de representar el orgullo nacional ante el Politburó soviético. Los oficiales de inteligencia se esfuerzan en identificar y neutralizar posibles fugas de información hacia occidente, manteniendo un estricto control sobre las acciones y comunicaciones del equipo técnico. Este ciclo de sospecha y vigilancia refuerza el drama y aporta una visión menos explorada en la ciencia ficción de origen occidental.

Relevancia cultural y significado para el público global

El lanzamiento de Ciudad de las Estrellas no solo amplía el universo de Para toda la humanidad, sino que también invita a reflexionar sobre la naturaleza de la rivalidad política y tecnológica entre superpotencias. La narración desde el lado soviético abre una ventana a las vidas de trabajadores y familias de la Unión Soviética, frecuentemente relegados a los márgenes de la historia convencional. Esta perspectiva contribuye a desmitificar y humanizar a quienes a menudo han sido presentados como antagonistas en los relatos occidentales.

El enfoque basado en el thriller paranoico conecta con inquietudes universales: el miedo al espionaje, el sacrificio individual en función del deber colectivo y las consecuencias personales del progreso tecnológico competitivo. Ciudad de las Estrellas planea explorar la ambigüedad moral de sus personajes, mostrando cómo la obsesión por la seguridad del Estado afecta al ciudadano común, ejemplificado en la presión sobre ingenieros y técnicos para mantener el secreto absoluto o enfrentar graves consecuencias.

Los suscriptores de Apple TV podrán acceder a la serie con el estreno de dos episodios iniciales, a los que se sumarán nuevos capítulos cada viernes hasta completar la temporada el 10 de julio. Según la información oficial, se anticipan revelaciones sobre traiciones internas, victorias inesperadas y dilemas humanos en el centro de una época marcada por la desconfianza y las aspiraciones tecnológicas.

Nuevas incorporaciones y exploración del pasado

La tercera temporada de Silo suma nuevos miembros a su reparto, como Jessica Henwick en el papel de la periodista Helen Drew y Ashley Zukerman como el congresista Daniel Keene. Ambos personajes tienen un papel central en una trama situada en el pasado, que profundiza en una conspiración inédita y desencadena una serie de acontecimientos con consecuencias devastadoras para la humanidad. Esta revisión de los orígenes permite que la serie responda interrogantes que los seguidores han mantenido durante mucho tiempo y brinda contexto al universo del silo, ampliando la mitología que rodea a sus personajes.

La interacción entre diferentes líneas temporales busca mantener la tensión, ya que la acción no se limita únicamente al pasado. En el presente de la trama, Juliette regresa al silo con notables lagunas de memoria tras la rebelión que alteró la estabilidad del lugar. Este trauma, compartido por la comunidad oculta bajo tierra, se amplifica con una nueva amenaza cuya naturaleza aún se mantiene en reserva, pero que, según el adelanto, será decisiva para el grupo.

Reparto ampliado y una narrativa enfocada en la búsqueda de la verdad

Rebecca Ferguson retoma su rol como Juliette Nichols, consolidándose como el eje central del relato. El reparto principal también incluye a Common, Harriet Walter, Chinaza Uche, Avi Nash, Alexandria Riley, Shane McRae, Remmie Milner, Rick Gomez, Billy Postlethwaite, Clare Perkins y el regreso de Steve Zahn. Las nuevas incorporaciones, entre ellas Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie, Reed Birney, Matt Craven y Colin Hanks, refuerzan la intención de la serie de expandir y diversificar sus tramas.

La serie, que ya ha sido renovada para una cuarta y última temporada, se acerca a su desenlace. Apple TV ha confirmado que la tercera temporada contará con diez episodios que se emitirán semanalmente hasta el 4 de septiembre. Cada entrega profundizará en la lucha por descubrir la verdad sobre el silo y conocer si el exterior sigue siendo un entorno mortal. La frase presentada en el adelanto, “La verdad saldrá a la luz”, anticipa que muchos secretos, hasta ahora solo insinuados, serán finalmente revelados tanto a los personajes como a la audiencia.

Consecuencias para los habitantes y el público

La exploración de los orígenes del sistema de silos tiene un impacto directo en la vida de los personajes, cuyas esperanzas y miedos se ven alterados por las revelaciones del pasado. Saber que existen otros bunkers y que sus líderes han manipulado la información genera inquietud y desconfianza, lo que incrementa la tensión social dentro del silo. Los episodios recientes también abordan cómo el manejo del conocimiento y el control de la información pueden determinar el destino de comunidades enteras en situaciones de aislamiento y supervivencia.

Para el público, la trama se vincula con temas contemporáneos como la desinformación, el control y la resistencia frente al poder. El seguimiento de la serie continúa creciendo; Silo ha logrado atraer no solo a los espectadores, sino a figuras como Stephen King, quien ha destacado su capacidad para aportar renovación al género de ciencia ficción actual. Con el estreno previsto para el verano de 2026 y el cierre de la historia ya anunciado, las expectativas se centran en saber si la serie conseguirá mantener el nivel de intriga e interés en su tramo final.

Keanu Reeves, conocido mundialmente por sagas de acción como John Wick, acaba de estrenar la película Outcome en Apple TV+, y la recepción ha sido muy negativa. La crítica especializada ha calificado el filme como un completo fracaso, otorgándole apenas un 26% de aprobación en Rotten Tomatoes y situándolo como una de las producciones de menor nivel en la carrera del actor.

Contexto de Outcome: el intento fallido de un cambio de género

La película Outcome representa un cambio importante en la trayectoria de Keanu Reeves. Tras años protagonizando cintas de acción, Reeves interpreta a Reef Hawk, un actor de Hollywood en recuperación de adicciones que busca rehacer su vida lejos de la atención mediática. Bajo la dirección y co-protagonismo de Jonah Hill, la cinta se adentra en la sátira de la cultura de la cancelación en la era de las redes sociales y TMZ, un ámbito poco habitual para Reeves.

Este viraje del thriller y la acción hacia un drama con matices cómicos generó expectativas tanto en especialistas como en el público general, debido al prestigio de sus responsables. Sin embargo, tras su lanzamiento en Apple TV el viernes 10 de abril, el resultado estuvo por debajo de lo esperado en todos los ámbitos críticos.

Recepción de la crítica, calificaciones bajas y críticas reiteradas

Desde su primer fin de semana, Outcome recibió opiniones mayoritariamente negativas en plataformas reconocidas como Rotten Tomatoes, donde alcanzó un 26% de aprobación entre críticos y apenas un 31% entre el público general. Los expertos señalan las limitaciones del guion, a cargo de Jonah Hill, cuya sátira sobre la cultura de la cancelación fue considerada poco ingeniosa y repetitiva. Este tipo de apreciaciones se repite entre varios críticos, quienes consideran que Outcome es un ejemplo de cómo una premisa atractiva puede fracasar en su desarrollo y dejar sin lucimiento a grandes figuras del cine.

Para Keanu Reeves, conocido por sus interpretaciones sobrias en el drama y su carisma en la acción, el contexto de una sátira hollywoodense parece haber sido una dificultad. Aunque la trama prometía ofrecer una reflexión sobre los riesgos de la fama y los secretos del pasado bajo la presión pública, según la crítica, la película resulta débil tanto en cuanto al argumento como en el desarrollo de sus personajes. Sin embargo, los analistas coinciden en que la responsabilidad del fracaso no recae enteramente en Reeves, sino en un diseño narrativo poco eficaz basado en chistes repetidos y situaciones forzadas.

Consecuencias para la carrera de Keanu Reeves y respuesta del público

Aunque Outcome tiene baja calidad, no es la peor película de toda la filmografía de Keanu Reeves, ya que ocupa el puesto número catorce entre sus títulos peor valorados según Rotten Tomatoes. Aun así, el fracaso en Apple TV+ significa un hito negativo en una etapa avanzada de su carrera, y evidencia que incluso los actores consolidados pueden verse perjudicados por malas decisiones o cambios de género poco acertados.

La reacción del público ha sido similar a la de la crítica: desilusión y una sensación de oportunidad perdida. Los índices de aprobación entre las audiencias muestran una desconexión con el humor y el enfoque propuesto, factor que podría influir en la percepción de futuros trabajos del actor si la tendencia continúa. Entre los seguidores de Reeves, todavía predomina la imagen positiva construida por sus trabajos anteriores y por su reputación personal, pero la cobertura mediática de Outcome como un desastre resalta la inestabilidad de la industria, donde una acumulación de malas reseñas puede afectar incluso a figuras de reconocimiento mundial.

Al mismo tiempo, el hecho de que Reeves no sea considerado el principal responsable fomenta el debate sobre la importancia de las decisiones de guion y dirección, especialmente en una época en la que la sátira sobre la cultura de la cancelación es un recurso frecuente en la ficción actual.

La serie de ciencia ficción y suspenso Dark Matter regresa a Apple TV con su segunda temporada, cuyo estreno está programado para el 28 de agosto. Joel Edgerton y Jennifer Connelly encabezan el reparto en esta nueva entrega, que continuará la historia de Jason Dessen, un físico y profesor que fue transportado a una versión alternativa de su vida durante la primera temporada. Basada en la novela homónima de Blake Crouch, la trama profundiza en las fronteras cada vez más complejas del multiverso y en las consecuencias personales derivadas de las decisiones tomadas.

Nuevos desafíos y peligros en el multiverso

La segunda temporada comienza con la familia Dessen intentando reconstruir sus vidas en una realidad que parece ofrecerles seguridad, después de su agitado regreso al hogar original. No obstante, esta estabilidad se ve interrumpida rápidamente por sucesos imprevisibles que los obligan a huir nuevamente. Este desarrollo reactiva la tensión y el peligro característicos de la serie, elevando el conflicto a dimensiones mayores. El argumento se propone abordar de manera más profunda los dilemas morales y las complicaciones que surgen al entrelazarse distintas versiones de una misma vida.

De manera paralela, la obsesión de Jason con la llamada Caja, el dispositivo que permite los saltos entre realidades, se intensifica. Esto no solo implica nuevos riesgos externos, sino que también ocasiona fracturas en su núcleo familiar, en especial con su esposa Daniela, cuya creciente paranoia la lleva al límite de la desesperación. Este enfoque sitúa en el centro el impacto psicológico del viaje a través del multiverso, mostrando cómo incluso la esperanza de reunir a la familia puede convertirse en una amenaza para su estabilidad.

Búsquedas urgentes y alianzas inesperadas

La serie expande su universo incluyendo subtramas en las que Amanda, interpretada por Alice Braga, y Ryan, representado por Jimmi Simpson, se alían en un intento desesperado por encontrar el camino de regreso a casa. Sus historias confluyen con Blair, interpretado por Dayo Okeniyi, quien trata de obstaculizar sus avances, lo que añade tensión y nuevos antagonismos al desarrollo de los acontecimientos. Además, la presencia de Leighton, empeñado en crear un mundo perfecto, introduce otro nivel de intriga; sus aspiraciones chocan con los intereses de los demás personajes y amenazan con desviar el rumbo del grupo.

Esta dinámica entre los personajes introduce amenazas tanto morales como físicas, y evidencia cómo cada viaje o elección en un universo alternativo genera consecuencias en cadena que afectan tanto a aliados como a adversarios. El trasfondo emocional y ético de sus acciones refuerza el dramatismo de una historia donde la ciencia ficción se entrelaza intensamente con dilemas humanos fundamentales.

Efecto en los espectadores y desarrollo de la narrativa

La primera temporada de Dark Matter fue reconocida por su habilidad para presentar conceptos multiversales complejos a través de relatos comprensibles para una audiencia amplia. En esta nueva etapa, los episodios buscan ahondar en la angustia y la esperanza de los personajes al enfrentarse a realidades alternativas y a distintas versiones de sí mismos. El impacto del relato también se traslada a la audiencia, que puede verse reflejada en las decisiones difíciles de los protagonistas y en la fragilidad de las certezas cotidianas.

Los creadores de la serie han dado a conocer imágenes que anticipan un tono más sombrío y dinámico, además de nuevos escenarios donde el multiverso adquiere formas visuales destacadas. Los recursos narrativos continúan explorando la idea de que cualquier elección, por pequeña que sea, puede cambiar el rumbo de vidas enteras, una premisa que ha captado la atención del público y que se convierte en eje central de esta nueva temporada.

El retorno de Dark Matter ocurre en un contexto en el que la ficción especulativa goza de gran resonancia a nivel mundial, en parte gracias a la capacidad de estas historias para abordar inquietudes y esperanzas contemporáneas desde el enfoque de la ciencia y las emociones.

Una aproximación innovadora al género

Máximo Placer Garantizado se distingue por su singular combinación de géneros. Paula se ve involucrada en situaciones misteriosas y peligrosas, como el chantaje y el asesinato, mientras la trama transcurre en escenarios familiares: campos de fútbol infantil y dinámicas familiares marcadas por el divorcio. El guion de Rosen evita el drama convencional e introduce elementos de comedia negra que suavizan las escenas más oscuras, lo que facilita tanto el desarrollo del relato policial como la inclusión de momentos satíricos sobre la vida suburbana estadounidense.

El elenco, encabezado por Tatiana Maslany, reconocida por sus actuaciones en Orphan Black y The Monkey, y Jake Johnson, conocido por New Girl, se apoya en figuras como Brandon Flynn (13 Reasons Why), Murray Bartlett (The Last of Us), Jessy Hodges, Jon Michael Hill, Charlie Hall, Kiarra Hamagami Goldberg, Nola Wallace y Dolly De Leon. Estos nombres conforman un grupo de talento que busca atraer tanto a público joven como adulto.

Estrategia de lanzamiento y repercusión en la audiencia

El estreno de Máximo Placer Garantizado se enmarca dentro de una estrategia de lanzamientos escalonados de Apple TV, comenzando con los dos primeros episodios el 20 de mayo y continuando con nuevos capítulos cada miércoles hasta el 15 de julio. Este modelo semanal se ha consolidado entre las principales plataformas, pues mantiene una conversación constante y sostiene el interés de la audiencia frente a otros próximos estrenos en la plataforma, como el regreso de Ted Lasso y la aparición de Margo’s Got Money Troubles.

El formato de serialización semanal también permite observar en tiempo real las respuestas del público a una propuesta que asume ciertos riesgos. En producciones anteriores, como Ted Lasso, este sistema favoreció el crecimiento progresivo del interés mediático. Al apostar por una comedia que roza el thriller y satiriza las instituciones familiares y deportivas, Apple TV busca contribuir al debate sobre las expectativas de las series originales, desafiando a la audiencia con temáticas menos convencionales.

Aspectos de producción y desarrollo narrativo

David J. Rosen, responsable del formato, es conocido por sus trabajos previos en Sugar y Hunters, series que exploran áreas complejas de la experiencia humana desde ángulos diferentes. En Máximo Placer Garantizado, retoma esa inclinación por lo oscuro desde una perspectiva más satírica, utilizando a Paula como eje de una investigación que se libra tanto contra el delito como contra las propias dudas e inseguridades de la protagonista.

La narración fusiona el ritmo del caso policial con momentos que caricaturizan la vida diaria. La disputa por la custodia de la hija, los entrenamientos de fútbol y la interacción con otros padres generan situaciones absurdas que combinan peligro y suspenso. El formato de media hora por episodio responde a las tendencias actuales de consumo rápido, aunque mantiene una trama densa gracias a giros inesperados y diálogos incisivos.

Máximo Placer Garantizado funcionará como un espejo de los dilemas contemporáneos de la vida familiar en Estados Unidos, mostrando las conexiones secretas que unen el crimen, el deporte y las rutinas domésticas. Con este lanzamiento, Apple TV reafirma su intención de competir en el ámbito de las comedias de género, diferenciándose de sus éxitos anteriores mediante propuestas experimentales y atrevidas.

La aparición de Madonna en la segunda temporada de la serie The Studio marca su regreso a la pantalla tras dos décadas alejada de la actuación. La cantante fue vista en Venecia mientras filmaba escenas para la producción de Apple TV+, acompañada por figuras como Julia Garner y Donald Glover. La participación de Madonna no solo representa un acontecimiento mediático, sino que también pone en primer plano las dificultades que enfrentó para llevar a cabo su propio biopic, un proyecto que finalmente fue cancelado.

La última vez que Madonna apareció en televisión fue en 2003, con una breve intervención en Will & Grace. Su rol protagónico más reciente en cine data de 2002, en el remake de Swept Away. Por ello, la presencia de la artista en The Studio constituye un logro sensible para Seth Rogen y el equipo creativo de la serie, que ya había convocado a celebridades como Martin Scorsese, Charlize Theron y Ted Sarandos durante su primera temporada. En el centro del interés está el biopic que Universal Pictures planeaba sobre la vida de Madonna. En 2021, el estudio ganó una subasta entre productoras para desarrollar el largometraje. Amy Pascal figuraba como productora y la propia Madonna asumiría la dirección y el guion. El proceso de audiciones fue calificado como extenuante, con actrices como Florence Pugh sometiéndose a pruebas intensivas de canto y baile. Finalmente, Julia Garner, ganadora del Emmy por Inventing Anna y Ozark, obtuvo el papel protagónico en 2022.

El guion del biopic proponía un recorrido desde los orígenes humildes de Madonna en Michigan, su formación artística en la Nueva York de los años 80, hasta el lanzamiento de Ray of Light en 1998, álbum que marcó una transformación en su carrera y consolidó su estatus global. Sin embargo, múltiples reescrituras del libreto y cambios en la dirección creativa antecedieron a la suspensión definitiva del proyecto en 2023. Según fuentes cercanas, Guy Oseary, mánager de Madonna, la persuadió para priorizar una gira mundial y abandonar temporalmente sus planes como directora. Al final, los derechos sobre su vida y catálogo musical expiraron en Universal.

El futuro de Madonna (y el de ‘The Studio’)

Actualmente, Netflix desarrolla una serie autobiográfica sobre Madonna, bajo la dirección de Shawn Levy y un acuerdo exclusivo con la plataforma. Julia Garner no está vinculada a esta nueva producción. La serie The Studio incorpora y parodia estos hechos reales a través de una trama en la que el ficticio Continental Studios, encabezado por personajes interpretados por Seth Rogen, Kathryn Hahn, Bryan Cranston, Ike Barinholtz y Chase Sui Wonders, produce una película sobre la vida de Madonna. En el argumento, el equipo viaja a Italia para presentar el biopic en el Festival de Venecia, con la presencia tanto de Madonna como de Garner, generando expectativas y rumores sobre posibles nominaciones al Oscar.

En la ficción, Madonna no interpreta a la directora de su biopic, sino que asume un rol diferente dentro del universo creado por la serie. Fotógrafos captaron también a Donald Glover en el set junto a Madonna y Garner, aunque no se han precisado detalles sobre su personaje. Fuentes próximas a la producción indican que los episodios donde aparece Madonna dedican especial atención al debate sobre la duración de las ovaciones en festivales, fenómeno que suele medirse para anticipar el éxito de las películas en el circuito internacional.

La filmación en Venecia generó un momento viral entre los seguidores de Madonna. Tanto ella como Garner recrearon imágenes emblemáticas del videoclip Like a Virgin de 1984, posando frente a la cámara y navegando en góndola por los canales de la ciudad. La incorporación de Madonna a The Studio implicó negociaciones complejas para Seth Rogen y Evan Goldberg, quienes lograron convencer a una figura celosa de su imagen para sumarse a una trama que revive un proyecto inconcluso de su carrera. Hasta el momento, ni Netflix ni Apple TV+ han emitido declaraciones oficiales sobre la participación de Madonna o el futuro de la serie.

El fallecimiento de Catherine O’Hara en enero de 2025, a los 71 años, dejó una huella profunda en la industria del entretenimiento y generó un vacío notable en la exitosa serie de Apple TV+, The Studio. Los creadores del programa, Seth Rogen y Evan Goldberg, confirmaron recientemente que la segunda temporada reconocerá de manera explícita la ausencia de la actriz, quien fue esencial para el desarrollo y el éxito inicial del proyecto. O’Hara falleció en su hogar de Los Ángeles por complicaciones relacionadas con un cáncer rectal, apenas unos meses antes del inicio planificado de la producción de la nueva temporada.

La importancia de Catherine O’Hara en The Studio

La primera temporada de The Studio logró un éxito destacado, obteniendo trece premios Emmy y asegurando una segunda temporada en mayo de 2025. Dentro de la serie, Catherine O’Hara interpretaba a Patty Leigh, una influyente ejecutiva de Hollywood y mentora del personaje de Seth Rogen, Matt Remick. Su interpretación le valió una nominación al Emmy como Mejor Actriz de Reparto en Comedia, además de ser reconocida tanto por la crítica como por el público. O’Hara, recordada por papeles memorables en Best in Show, Mi pobre angelito, Beetlejuice y Schitt’s Creek, se caracterizaba no solo por su talento, sino también por la calidez y generosidad que transmitía en el set. Seth Rogen comentó: “Sólo queríamos que pensara que éramos graciosos”.

Consecuencias emocionales y creativas en el equipo y la dirección de la serie

La inesperada muerte de O’Hara obligó a revisar por completo los planes creativos. Las opiniones de Seth Rogen y Evan Goldberg reflejan que el equipo atravesó un proceso de duelo que se manifestó durante la escritura y el rodaje. Goldberg expresó: “Fue un desafío increíble, tanto a nivel emocional como creativo. Todo estaba planeado alrededor de ella. El impacto se sintió en toda la temporada”. El guion original dependía de la presencia de O’Hara como el eje principal del relato, y la ausencia de su personaje dejó, según Rogen, una sensación de estar “a la deriva”.

La producción decidió incorporar el fallecimiento de O’Hara en la narrativa de forma realista, recogiendo así una experiencia humana universal: la pérdida inesperada de una figura central. Rogen aclaró que, aunque el tono de The Studio es mayormente satírico y ligero, la gravedad de lo sucedido estará presente de alguna manera en la nueva temporada. “No lo estamos ignorando”, señaló el actor y productor, adelantando que la serie abordará estos temas manteniendo su esencia.

Repercusiones en la industria y entre los seguidores

Fuera del ámbito del equipo de producción, la muerte de Catherine O’Hara causó una gran impresión en la comunidad creativa. O’Hara era respetada no solo por su talento artístico, sino también por su calidad humana y su ética profesional. En ceremonias recientes, Seth Rogen aceptó el premio Actor Award a Mejor Actriz en Comedia en nombre de su compañera, destacando una enseñanza de vida: “Demostró que se puede ser un genio y a la vez ser amable; una cosa no excluye la otra de ninguna manera”.

El reconocimiento a O’Hara se ha extendido entre el público, que aguarda con expectación y un cierto aire de nostalgia cómo The Studio abordará la ausencia de su personaje. Aunque la segunda temporada conservará el tono característico de la serie, se espera que logre rendir un homenaje sincero a la memoria y el legado de O’Hara, evitando excesos sentimentales pero tampoco eludiendo el tema. La combinación de respeto hacia la actriz y coherencia con la narrativa ha sido bien recibida, lo que incrementa la responsabilidad de los creadores para satisfacer las expectativas generadas.

La nueva adaptación reinterpreta la novela “The Executioners” de John D. MacDonald y toma como principal referente la emblemática versión cinematográfica de 1991 dirigida por Scorsese y producida por Spielberg. El proyecto está comandado por Nick Antosca como creador, showrunner y productor ejecutivo, dentro del marco de su acuerdo general con Universal Content Productions, vigente desde 2017.

El avance, presentado simultáneamente a escala global, consolida a Javier Bardem como nuevo titular del personaje Max Cady, ya considerado un arquetipo del thriller psicológico desde sus interpretaciones por Robert Mitchum (1962) y Robert De Niro (1991). Bardem, también productor ejecutivo, asume el desafío de reinterpretar al exconvicto que busca venganza contra la familia de abogados representada por Adams y Wilson, en una propuesta que, según Apple TV, recupera la atmósfera “opresiva y paranoica” del largometraje de Scorsese, pero amplía la narrativa y la profundidad de los personajes bajo el formato episódico.

Las claves de la producción y su posicionamiento en la industria

Nick Antosca, con experiencia previa en antihéroes y el género de terror (‘Channel Zero’, ‘The Act’), reafirmó en un evento de prensa que la nueva “Cabo de miedo” responde a una lógica de “reinvención” más que a una simple adaptación. Como showrunner, Antosca optó por reproducir algunos elementos icónicos de la película de 1991 —escenas, locaciones, guiños visuales— pero introdujo nuevos matices: “El primer momento de la serie gira en torno al terror ambiental. Y refleja la atmósfera de estar vivo en 2026, con sus incertidumbres, ambigüedades y paranoia”, dijo Antosca en declaraciones difundidas por Apple TV.

La producción ejecutiva suma a Alex Hedlund (Eat The Cat), así como a Darryl Frank y Justin Falvey por parte de Amblin Television, y garantiza la entrega del piloto bajo la dirección de Morten Tyldum, nominado al Óscar y también productor ejecutivo. Esta arquitectura de producción evidencia una convergencia entre showrunners con contratos históricos con estudios y ejecutivos que trabajan bajo estructuras híbridas entre cine y televisión de gran presupuesto.

La miniserie se rodó bajo el paraguas de Universal Content Productions, división de Universal Studio Group, en asociación directa con Amblin Television.

El modelo de estreno escalonado —dos episodios iniciales y uno nuevo cada viernes hasta el 31 de julio— replica la táctica empleada previamente por la plataforma con títulos de gran visibilidad, buscando maximizar conversación en redes sociales y mantener la suscripción activa durante la ventana de emisión. El cast central, completado por CCH Pounder, Joe Anders, Lily Collias, Jamie Hector, Malia Pyles y Anna Baryshnikov, refuerza la ambición global del producto.

La serie reivindica el linaje de clasicismo y terror psicológico de la franquicia, adaptando la trama a la fascinación contemporánea de Estados Unidos por el crimen real como fenómeno cultural, en palabras de la propia sinopsis oficial.

Por primera vez, una adaptación seriada de la obra integra en cargos ejecutivos y creativos a los mismos talentos que impulsaron su consagración fílmica tres décadas atrás. Con el aporte de Amy Adams también como productora ejecutiva, el producto final evidencia el cambio de ciclo en las estrategias de retención y captación de audiencias premium en el streaming internacional.

El actor Jon Hamm, célebre por haber interpretado a Don Drapper en la serie Mad Men, ha regresado como protagonista en la segunda temporada de Vicios ocultos, la ficción de Jonathan Tropper para Apple TV que se ha convertido en uno de los éxitos inesperados de la plataforma de ‘streaming’ y que incluso se convirtió en viral cuando una de sus escenas arrasó en redes sociales.

El episodio inaugural muestra a Coop, el personaje de Jon Hamm, participando en una conversación en el club de campo donde, al dejar claro su desapego a una corriente política concreta con la frase “¿No era vuestro tipo el que iba a hacer a América grande otra vez?”, establece desde el principio la distancia moral que define al personaje.

En la nueva tanda de episodios, la serie de Apple TV estrenó su segunda temporada el viernes 3 de abril y lanzará un capítulo semanal hasta el desenlace, previsto para el 5 de junio. Una de las novedades reside en que el personaje de Coop, tras librarse del cargo de asesinato que marcaría la temporada anterior (imputación promovida por su exnovia Sam, papel interpretado por Olivia Munn), disfruta ahora de una existencia renovada.

Coop está en proceso de recuperar la relación con Mel (Amanda Peet), su exmujer, mientras cultiva una amistad cuidada con sus hijos y transita con desenfado su etapa como soltero. Este proceso coincide con el aumento de autoconciencia tanto en el personaje como en la narración.

La trama mantiene a Coop implicado en robos a las residencias de sus amigos adinerados. A diferencia de la simple ilegalidad, el guion plantea estas actividades como una alternativa más “honesta” frente a su antiguo trabajo en las finanzas. Además, Coop comparte empresa delictiva con Elena (Aimee Carrero), empleada doméstica para la que, a diferencia de Coop, el dinero sí resulta esencial. Ambos venden objetos olvidados en el mercado negro, colaboración que permite conservar cierta empatía por el protagonista, incluso mientras aprovecha lujos como cócteles valorados en 20.000 dólares, una oficina alquilada sin motivo laboral y fiestas en yates de proporciones desmedidas.

Un nuevo personaje antagonista

La presencia de James Marsden como Owen Ashe introduce un antagonista cuya fortuna y energía inagotables ofrecen el principal desafío para Coop. Marsden da vida a Ashe, recién llegado al vecindario, que alterna el papel de adversario impredecible y confidente ocasional. El personaje exhibe una vitalidad desbordante alimentada por su peculiar consumo de estimulantes, lo que desplaza a Coop hacia un papel comparativamente comedido y racional. Esta dualidad potencia el dinamismo entre ambos personajes y consolida el perfil de “buen tipo” de Hamm.

A la tensión entre Coop y Ashe se suma la amenaza existencial de la edad. Un espasmo de espalda sorprende a Coop durante el primer robo de la temporada, dejándole incapacitado para huir y obligándole a pedir ayuda a un amigo, lo que arrastra a este último a futuras tramas delictivas. La dolencia funciona como recordatorio constante de los límites físicos del protagonista, cuestión reforzada por referencias cinéfilas que envían a Coop al Metrograph, mítico cine de Nueva York, cada vez que necesita matar el tiempo en la ciudad.

La serie nunca deja entrever que Coop corra riesgo vital, sino que opta por convertir la angustia ante la muerte y la inquietud por el paso del tiempo en motores del relato. A través de una puesta en escena que rehúye la sátira feroz sobre las élites estadounidenses, la temporada adopta una corriente más ligera y convencional, centrada en el disfrute de los placeres asociados a la riqueza. Esta orientación, resulta preferible para el tono de la serie, que se aleja así de la doble moral implícita en otras ficciones contemporáneas sobre las clases pudientes.

Del “wealth porn” al espíritu disfrutón

Dentro de la actual abundancia de series que muestran los lujos de los ricos, Vicios ocultos gana cuando asume su naturaleza directa y sin complejos, en lugar de pretender una crítica demoledora del sistema. La segunda temporada subraya que “a veces está bien disfrutar de lo que hay que disfrutar”, idea representada tanto en la actitud ‘vitalista’ de Coop como en el propio trabajo actoral de Jon Hamm.

A lo largo de la segunda temporada, la relación entre Coop, su entorno y sus propias limitaciones físicas brinda una perspectiva sobre dinámicas habituales en la ficción contemporánea, además de explorar las ambigüedades morales y las contradicciones inherentes al protagonista.

La segunda temporada de The Studio, la aclamada serie de comedia de Apple TV+, incorporará la muerte de Catherine O’Hara en su trama, según afirmaron sus creadores Seth Rogen y Evan Goldberg.

O’Hara, quien interpretaba a Patty Leigh —una productora y exjefa de estudio que ejerce como mentora del protagonista Matt Remick, encarnado por Rogen— falleció el 30 de enero a los 71 años.

La causa principal de su muerte fue una embolia pulmonar, con un cáncer de recto como causa subyacente.

La artista había ganado recientemente el premio a la Mejor Actriz en una Serie de Comedia en los Actor Awards 2026, galardón que Rogen recogió en su nombre durante la ceremonia celebrada en marzo.

Goldberg describió a The Times la situación como un desafío sin precedentes para el equipo de producción.

“Ha sido un reto increíble”, afirmó. “Evidentemente de manera emocional, al lidiar con la pérdida, pero también en lo que respecta a la serie en sí misma”.

El cocreador reveló además que Catherine O’Hara estaba plenamente integrada en los planes para la nueva entrega.

“Lo escribimos para que ella estuviera. Lo teníamos todo listo, y las ondas de choque se perciben a lo largo de toda la nueva temporada. Ha sido difícil”.

Cuando el medio británico describió a O’Hara como el ancla de la serie, Evan Goldberg respondió: “Lo has expresado mejor de lo que nosotros podríamos hacerlo. Ella era el ancla, y ahora el ancla se ha ido”.

Seth Rogen, por su parte, reconoció que esa sensación de desamparo quedará presente en los nuevos episodios.

“Si acaso, estamos reconociendo la idea de que estamos un poco a la deriva”, señaló el actor y director en diálogo con The Times.

Y agregó en referencia a abordar la muerte de Catherine O’Hara: “Pero, honestamente, eso es parte de la vida y de lo que todos experimentamos. Así que, aunque intentamos no recrearnos demasiado en los temas pesados en esta serie, estarán presentes en esta segunda temporada. No lo vamos a ignorar”.

La ausencia de O’Hara se hace especialmente notable dado el peso que su personaje tenía en la primera temporada, estrenada en 2025.

La actriz, conocida mundialmente por su papel en Beetlejuice y por su trabajo en Schitt’s Creek, era considerada uno de los pilares creativos de la producción.

Seth Rogen ya había expresado públicamente su admiración por la estrella tras conocerse su fallecimiento.

“Realmente no sé qué decir. Le dije a O’Hara cuando la conocí por primera vez que pensaba que era la persona más graciosa que había tenido el placer de ver en pantalla”, escribió en Instagram.

“Mi pobre angelito fue la película que me hizo querer hacer películas. Trabajar con ella fue un verdadero honor. Era intuitiva y generosa”, continuó en su homenaje.

El actor concluyó en su mensaje: “Me hizo querer que nuestra serie fuera lo suficientemente buena como para merecer su presencia. Esto es devastador. Todos somos afortunados de haber vivido en un mundo con ella”.

De igual manera, Rogen la recordó en su discurso al recoger el premio de la DGA a Mejor Director de Comedia en febrero.

“Honestamente, no hay nadie a quien desearíamos más poder agradecer en persona en este momento que a Catherine O’Hara”, declaró entonces. “Fue un honor dirigirla cada día y trabajamos muy duro para hacer la serie lo suficientemente buena como para justificar su tiempo y su presencia”.

En los Actor Awards, Rogen ofreció palabras igualmente emotivas al recibir el galardón póstumo en nombre de su compañera.

“Sé que habría sido un honor para ella recibir este premio de sus compañeros actores, a quienes sé que respetaba enormemente”, dijo. “Era una gran admiradora de todos vosotros”.

La segunda temporada de The Studio aún no tiene fecha de estreno confirmada. La primera entrega está disponible para ver en Apple TV+.

Apple ha sorprendido a muchos usuarios al actualizar sus listas de productos ‘vintage’ y ‘obsoletos’. La decisión afecta a tres dispositivos muy populares que aún se encuentran en uso en todo el mundo: iPad mini 4, Apple TV HD (32GB) y MacBook Air 2017.

Así que detallamos los motivos detrás de la decisión de Apple, los criterios utilizados para catalogar estos productos y el impacto real para quienes todavía los utilizan.

Qué significa que un dispositivo sea ‘vintage’ u ‘obsoleto’ para Apple

Apple clasifica sus productos en dos categorías una vez que dejan de estar disponibles para su venta directa: ‘vintage’ y ‘obsoletos’. Un producto se considera ‘vintage’ cuando han pasado más de cinco y menos de siete años desde que se dejó de distribuir oficialmente. En cambio, un producto es declarado ‘obsoleto’ cuando esa cifra supera los siete años.

Cuando un dispositivo pasa a ser ‘vintage’, Apple puede ofrecer reparaciones en sus tiendas o a través de proveedores autorizados, aunque ya no garantiza la disponibilidad de piezas de repuesto. Si un componente específico no está disponible, la empresa puede ofrecer un modelo de reemplazo de una generación más reciente, aunque esto depende de las existencias y del tipo de problema presentado.

En el caso de los productos ‘obsoletos’, Apple deja de ofrecer cualquier tipo de reparación o servicio técnico oficial, sin importar el estado del dispositivo. La única alternativa para los usuarios es buscar soporte en servicios de terceros o intentar conseguir piezas por su cuenta.

Los tres dispositivos afectados en esta actualización

• iPad mini 4 

Fue lanzado en septiembre de 2015 y retirado del mercado en marzo de 2019. Durante su tiempo en el catálogo, se destacó por su portabilidad y la posibilidad de ejecutar la mayoría de las tareas habituales de un iPad. Aunque ya no recibe actualizaciones de sistema operativo de última generación, todavía obtiene parches de seguridad, como iPadOS 15.8.7, liberado hace menos de un mes.

• Apple TV HD (32GB)

Salió al mercado en octubre de 2015 y se mantuvo como opción hasta octubre de 2022, cuando fue reemplazado por modelos más recientes de Apple TV 4K. La particularidad en este caso es que solo la versión de 32GB ha sido declarada obsoleta, mientras que la de 64GB sigue recibiendo soporte completo. Esta decisión ha generado desconcierto y protestas en foros de usuarios, ya que el dispositivo aún recibe actualizaciones de tvOS, como la reciente versión 26.4, y es muy utilizado para consumo de contenido en streaming.

• MacBook Air (13″, 2017)

Fue el último modelo sin pantalla Retina antes de la renovación estética y funcional de la línea en 2018. Este portátil, muy difundido por su ligereza y autonomía, ha sido recategorizado como ‘vintage’. Esto significa que aún puede recibir reparaciones oficiales, siempre y cuando existan piezas disponibles. Su última gran actualización de software fue macOS Monterey, en la versión 12.7.6, publicada en julio de 2024.

Qué implica para los usuarios el cambio de estatus

El paso de estos dispositivos a las listas de productos ‘vintage’ u ‘obsoletos’ ha generado dudas sobre su funcionamiento cotidiano. Sin embargo, el cambio de estatus no afecta la operatividad básica ni impide el uso normal de las aplicaciones, la reproducción de contenido multimedia o el manejo de archivos.

Para el usuario promedio, la principal consecuencia es la dificultad para reparar el equipo en caso de avería. Si el dispositivo es ‘vintage’, aún puede optar por el servicio técnico oficial, siempre que existan piezas en inventario. Si es ‘obsoleto’, deberá recurrir a talleres independientes o buscar repuestos por su cuenta.

A pesar de la preocupación que estas categorías suelen generar, muchos de estos dispositivos continúan funcionando correctamente y recibiendo parches de seguridad, como ocurre con el iPad mini 4 y el Apple TV HD. La durabilidad y el estado físico de cada equipo serán los factores determinantes para su vida útil.

El camino de Cape Fear en Apple TV

Cape Fear se posiciona como uno de los lanzamientos más importantes que Apple TV tiene previstos para 2026. El estreno comenzará con dos episodios consecutivos el 5 de junio y continuará posteriormente con un capítulo semanal, hasta completar una temporada de diez episodios. La elección de Javier Bardem para interpretar a Max Cady implica un desafío para su capacidad actoral en el género del terror, donde previamente destacó en No es país para viejos, y al mismo tiempo propone una nueva mirada sobre un personaje complejo y oscuro.

Amy Adams y Patrick Wilson participan no sólo como protagonistas, sino también como productores ejecutivos, contribuyendo con su experiencia e implicación creativa al desarrollo de la serie. El reparto se complementa con las actuaciones de Joe Anders, Lily Collias, Malia Pyles y CCH Pounder, consolidando un elenco sólido para dotar a la historia de realismo y profundidad.

Una historia clásica adaptada a la actualidad

Inspirada tanto en la novela escrita por John D. MacDonald en 1957 como en la reconocida versión cinematográfica que dirigió Martin Scorsese en 1991, Cabo de miedo traslada su inquietante argumento al formato episódico. La serie cuenta con el guionista y showrunner Nick Antosca, conocido por proyectos de terror como Channel Zero y The Act. La trama gira en torno a la amenaza constante que representa Max Cady: tras recuperar su libertad, concentra sus esfuerzos en desestabilizar y atormentar a los Bowden, un matrimonio de abogados que logró una condena en su contra.

El personaje de Anna, interpretado por Amy Adams, adquiere relevancia en una narrativa contemporánea, reflejando la vulnerabilidad y la inseguridad de quienes ven amenazada su vida cotidiana por la irrupción de un pasado del que no pueden escapar. El avance presentado en el tráiler ha despertado interés tanto en redes sociales como en medios especializados, quienes anticipan que será una de las propuestas más intensas del año en televisión.

Repercusiones y expectativas del público

Cabo de miedo plantea interrogantes en torno a la seguridad y la integridad en el entorno familiar frente a la amenaza de un criminal implacable. La serie examina cómo una experiencia traumática y la presencia del pasado pueden alterar la estabilidad incluso en los ambientes más protegidos. La ficción televisiva, mediante el terror psicológico, propicia una identificación inmediata en la audiencia, que observa cómo el peligro puede irrumpir en cualquier hogar.

Para los suscriptores de Apple TV, la propuesta ofrece una producción cuidadosamente realizada y la oportunidad de presenciar, tanto con actores consagrados como con nuevas incorporaciones, el enfrentamiento entre víctima y victimario, lo que invita a reflexionar sobre la justicia, la venganza y la evolución del thriller en la era del streaming.

El mes de abril llega cargado de novedades. Tanto es así que resulta casi imposible elegir, entre toda la oferta, tan solo 10 recomendaciones. Y es que la cantidad de estrenos que habrá en las próximas semanas parece inabarcable. Hay nuevas series, continuaciones de lo más esperadas, ‘remakes’, secuelas y temporadas finales.

En el terreno internacional encontramos, además de la ficciones seleccionadas, encontramos Errores épicos, creada por Dan Levy y una de las chicas del momento, Rachel Sennott para Netflix, sobre dos hermanos incompetentes que se ven obligados a trabajar para una banda criminal. Además, la segunda temporada de Vicios ocultos, con Jon Hamm, una de las series más populares en estos momentos de Apple TV. Por último, la despedida de The Boys, la serie de culto de superhéroes que dice adiós después de 5 temporadas.

En el ámbito español, encontramos menos sorpresas. Entre las novedades más despiertan más curiosidad, encontramos Cochinas, protagonizada por un reparto muy coral encabezado por Malena Alterio y Álvaro Mel, sobre una mujer de mediana edad que, en a finales de los años noventa tiene que hacerse cargo del videoclub familiar y decide especializarse en material pornográfico, que es el único que se alquila.

Además, la segunda temporada de Clanes (en Netflix), la quinta de Machos Alfa (pocos meses después del estreno de la cuarta) y La nena, la tercera parte de la saga La novia gitana dirigida por Paco Cabezas e protagonizada por Nerea Barros, que podrá verse en Atresplayer y Disney+.

‘Euphoria’ T-3

Ahora sí que está todo listo para la esperada tercera temporada de Euphoria, en la que nos enfrentaremos a un salto temporal de cinco años con respecto a la última tanda de episodios, en la que los protagonistas se encontraban todavía en el instituto.

Ahora, la adolescencia dará lugar a la edad adulta y veremos de qué forma cada uno se ha adaptado a las nuevas circunstancias. El creador, Sam Levinson ha logrado reunir al reparto original, cosa que, a estas alturas, y con la fama alcanzada por buena parte de ellos, parecía imposible.

Así que nos reencontraremos con los personajes de Zendaya, Hunter Schafer, Jacob Elordi, Sydney Sweeney, Alexa Demie o Maude Apatow, así como la última aparición de Eric Dane antes de su muerte. Entre los nuevos fichajes, además del de la cantante Rosalía, el de Sharon Stone. A partir del 13 de abril en HBO Max.

‘Half Man’

Después de la sorpresa que supuso Mi reno de peluche, una de las miniseries más galardonadas de los últimos tiempos, regresa su creador, Richard Gadd con su esperado nuevo proyecto, de nuevo como creador y protagonista.

Half Man narra la vida de dos hombres criados como hermanos a lo largo de treinta años, desde la Glasgow de los años 80 hasta la actualidad. Así, el reencuentro de Ruben y Niall en la boda de este último, desencadenará una cadena de hechos violentos que pondrán ponen en cuestión la fragilidad de los vínculos humanos. A través de episodios marcados por el suspense, la serie explora cómo la identidad masculinidad puede quebrarse y convertirse en una herida permanente. Junto a Gadd, encontramos a Jamie Bell, el que fuera niño prodigio de Billy Elliot. Se estrena el 24 de abril en HBO Max.

‘Los testamentos’

En este caso, se trata de una secuela, pero que genera las mismas dosis de expectación que las anteriores. Después de la adaptación de El cuento de la criada, y de toda toda la importancia que supuso al advertir sobre los peligros de los regímenes fanáticos y totalitarios, la escritora Margaret Atwood compuso una continuación para seguir a las nuevas generaciones de Gilead después de los acontecimientos abordados en el final de la mítica serie protagonizad por Elisabeth Moss.

En esta ocasión, la trama se centrará en dos jóvenes dentro de la escuela de la tía Lydia, interpretadas por Chase Infiniti (la gran sorpresa de Una batalla tras otra) y Lucy Halliday. A través de estas tres voces, se relatará el principio del fin del régimen teocrático. A partir del 8 de abril en Disney+.

‘Bronca 2′

Segunda entrega de Bronca después del éxito inesperado que supuso la primera parte interpretada por Steven Yeun y Ali Wong. Ahora, el creador de la serie, Lee Sung Jin, presenta una historia independiente, configurando así una serie de antología.

En esta ocasión, una pareja será testigo de la agresiva pelea entre su jefe y su mujer, lo que desencadenará toda una serie de movimientos a favor de uno u otro para ganarse el favor de un multimillonario coreano propietario de un club de campo. El reparto es de auténtico lujo: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton, Cailee Spaeny, Youn Yuh-jung y Song Kang-ho, el que fuera protagonista de Parásitos.

‘Margo tiene problemas de dinero’

El mítico ‘showrunner’ David E. Kelly (creador desde Ally McBeal a Big Little Lies) se encarga de adaptar la novela de Rufi Thorpe para contar la historia de una joven, Margo, que tras abandonar la universidad, quiere ser escritora. Pero no tiene trabajo, es madre soltera y tendrá que ingeniárselas para salir adelante. Una de sus soluciones será abrir una cuenta de OnlyFans y adquirir una identidad independiente, como hizo su progenitor en la época que era luchador profesional.

Otro enorme reparto: Elle Fanning, Michelle Pfeiffer, Nick Offerman, Greg Kinnear, Nicole Kidman y Michael Angarano. En Apple TV a partir del 15 de abril.

‘Stranger Things: Relatos del 85′

Después del final definitivo de la serie después de 5 temporadas, los hermanos Duffer seguirán ampliando el universo de Stanger Things y el primero de los ‘spin-off’ será esta serie de animación ambientada entre la segunda y la tercera temporada en la que participarán los principales personajes (aunque sus voces en inglés no sean las de los actores originales) para acercar estas aventuras a un público de carácter más infantil mientras se siguen destripando los misterios del Upside Down para los fans de la serie. Se estrenará en Netflix el próximo 23 de abril.

‘Outcome’

Apple TV continúa explorando el género de la comedia de autor. Así, tras la gran apuesta de The Studio, de Seth Rogen, que ha terminado siendo de las más premiadas de la temporada, aterriza una nueva propuesta por parte de Jonah Hill protagonizada por Keanu Reeves, Cameron Díaz, el propio creador, Matt Bomer y, de nuevo, Martin Scorsese en su nueva faceta como actor cómico.

En una, una estrella de Hollywood con buena reputación, deberá enfrentarse a su pasado cuando comience a ser extorsionado con un vídeo de hace años que podría terminar con su carrera y destrozar su imagen. Se estrena el 10 de abril.

‘The Audacity’

AMC España estrena el próximo 13 de abril esta nueva serie que ya ha sido renovada para una segunda temporada antes de su estreno. Se encuentra ambientada en Silicon Valley, donde un director ejecutivo, especializado en minería de datos, se esfuerza en conseguir el sueño americano.

Una ficción que reflexiona sobre temas como la inteligencia artificial, la corrupción, la falta de ética o el poder de la información dentro de las grandes empresas. Una serie creada por Jonathan Glatzer (guionista de Succession) y protagonizada Billy Magnussen, Sarah Goldberg, Zach Galifianakis y Lucy Punch.

‘La casa de los espíritus’

Después de su adaptación cinematográfica en 1996, dirigida por Billie August y protagonizada por Meryl Streep, Glenn Close, Jeremy Irons, Winona Ryder y Antonio Banderas, ahora Prime Video ha emprendido la difícil tarea (al igual que ocurrió con la película) de hacer una serie a partir de la novela de Isabel Allende inscrita dentro del realismo mágico.

En ella se contará la historia de la familia Trueba a lo largo del tiempo y varias generaciones mientras tienen lugar los acontecimientos sociales y políticos de la historia de Chile. En el reparto, Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Nicole Wallace, Fernanda Castillo o Juan Pablo Raba entre un numeroso reparto. Dirige Francisca Alegría y Andrés Wood. Se estrena el próximo 29 de abril.

‘Hacks’ (T-5)

Después de cinco temporadas, Hacks se despide como una de las comedias más queridas por los espectadores y que más premios ha conseguido desde que se estrenó en 2021.

Creada por Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky, nos ha introducido como pocas en el mundo del espectáculo de la mano de una legendaria actriz cómica en decadencia que tiene que reinventarse y su relación profesional que establecerá con una joven escritora. Un clásico contemporáneo que ahora llega a su fin y en el que han brillado Jean Smart y Hannah Einbinder.

Apple TV+ ha fijado el 10 de abril de 2026 como la fecha de estreno global para Outcome, la nueva comedia negra con Keanu Reeves y Cameron Diaz en los papeles principales, bajo la dirección y coautoría de Jonah Hill, según informes difundidos por la propia plataforma. Se trata del primer largometraje que reúne a Reeves y Diaz al frente del reparto, una combinación que marca un movimiento estratégico para la división cinematográfica de Apple Studios de cara a su programación de contenido original de 2026.

La apuesta de Apple TV+ por Outcome no solo recae en la visibilidad de sus protagonistas. El film propone una narrativa centrada en la industria del entretenimiento: Reeves encarna a Reef Hawk, una estrella de Hollywood sometida a un proceso de extorsión por un video comprometedor, en una historia que fusiona la sátira con la introspección y el misterio corporativo. Hill, además de dirigir, interpreta al abogado de crisis que acompaña al personaje central en su tentativa por redimir errores pasados y descifrar la identidad del chantajista. El guion, coescrito por Ezra Woods, amplía la tendencia de relatos metacinematográficos que exploran las grietas y presiones de la industria.

En el reparto figuran también Matt Bomer y la propia Cameron Diaz, quien retorna oficialmente al cine tras un periodo de inactividad, lo que añade una capa de interés mediático y de seguimiento a la producción. La lista se completa con nombres como Martin Scorsese —en una aparición que continúa su relación frente a cámara con proyectos de Apple—, Susan Lucci, Laverne Cox, David Spade, Atsuko Okatsuka, Roy Wood Jr., Kaia Gerber, Ivy Wolk y el propio Jonah Hill.

Apple Studios produce la película bajo el sello Strong Baby, encabezado por Hill, con Matt Dines y Alison Goodwin como productores principales y Adam Merims como productor ejecutivo. El carácter de producción interna refuerza la política de contenido exclusivo impulsada por Cupertino, que inició con series de alto perfil como Ted Lasso y The Morning Show, y ahora extiende su inversión al largometraje para consolidar su diferencial ante competidores como Netflix y Amazon.

La estrategia de la plataforma ha consistido en integrar proyectos que desafían convenciones de género y tono. Con Outcome, el giro hacia la comedia negra, marcada por una estructura de “cine dentro del cine”, evidencia la búsqueda de relatos que exploran las contradicciones del estrellato y los riesgos de la exposición mediática. El material promocional ya difundido subraya el contraste tonal, con fotografías que anticipan una atmósfera satírica pero dramática, y apunta a una dualidad que se articula desde la dirección de Hill.

La incorporación de figuras como Scorsese, habitual colaborador de Apple en proyectos recientes, y la participación de Diaz, consolidan el atractivo de Outcome para audiencias globales y coleccionistas de contenido de autor. El regreso de Cameron Diaz a la pantalla, tras una pausa prolongada, se convierte en un elemento de marca para la campaña internacional de lanzamiento, posicionando a la película como evento de temporada.

Tanto Reeves como Diaz son identificados por el estudio como catalizadores de engagement y visibilidad para la ventana de estrenos, que se alínea con el calendario estratégico de Apple para otoño de 2026.

For All Mankind, la serie de ciencia ficción creada por Ronald D. Moore, Matt Wolpert y Ben Nedivi, llegará a su fin oficialmente tras seis temporadas en Apple TV. El anuncio, realizado pocos días antes del estreno de la quinta temporada, asegura que los espectadores podrán conocer la conclusión completa del arco narrativo concebido desde el inicio. Además, la plataforma lanzará el spinoff Star City, que explorará la carrera espacial desde una perspectiva soviética en esta realidad alternativa.

Un repaso por la historia espacial alternativa

Desde su estreno en noviembre de 2019, For All Mankind ha presentado una línea temporal alternativa que se pregunta cómo habría cambiado el mundo si la Unión Soviética hubiera llegado primero a la Luna. Este punto de partida dio origen a una historia en la que la carrera espacial no solo impulsa rápidos avances tecnológicos, sino que también provoca profundas transformaciones sociales, como la temprana aprobación de la Enmienda de Igualdad de Derechos. La serie ha logrado consolidarse como uno de los títulos más representativos de Apple TV y, junto con The Morning Show, es la producción más longeva de la plataforma.

La historia avanza con una quinta temporada situada en la década de 2010, varios años después del robo del asteroide Ricitos de Oro. La colonia Happy Valley en Marte ha evolucionado hasta convertirse en un próspero asentamiento en el que residen miles de personas y que sirve de base para nuevas misiones destinadas a expandir la presencia humana en el sistema solar. Sin embargo, la estabilidad en Marte se ve amenazada por la insistencia de las naciones de la Tierra en reclamar soberanía, lo que genera tensiones con los colonos marcianos.

El anuncio del desenlace de la serie llega en un contexto televisivo donde predominan las cancelaciones inesperadas y pocos creadores tienen la oportunidad de concluir sus historias según su proyecto original. Matt Wolpert y Ben Nedivi destacaron lo poco común que es poder dar forma al final que idearon junto a Ronald D. Moore, enfatizando la importancia de haber logrado mantenerse fieles al plan inicial, según declaraciones recientes de Nedivi.

Elenco rumbo al final y la llegada de Star City

El elenco principal retoma sus papeles en los dos últimos capítulos de la saga. Joel Kinnaman, Toby Kebbell, Edi Gathegi, Cynthy Wu, Coral Peña y Wrenn Schmidt regresan como personajes centrales y afrontan el cierre de sus historias personales junto a la producción. Se incorporan como personajes regulares nuevos talentos como Mireille Enos, reconocida por su trabajo en The Killing, Costa Ronin, Sean Kaufman, Ruby Cruz e Ines Asserson, quienes aportan nuevas dinámicas a una trama que se dirige a su clímax.

Paralelamente, Apple TV expandirá el universo con Star City, el spin-off que se estrenará el 29 de mayo. Esta nueva serie enfocará su atención en la perspectiva soviética de la carrera espacial alternativa, ofreciendo una forma adicional de desarrollar la narrativa sin perder el distintivo nivel de calidad de la serie original. La fecha de estreno de Star City coincide con el final de la emisión semanal de la quinta temporada, estableciendo un cierre y un inicio dentro del mismo universo narrativo.

Reconocimientos, impacto y una historia conectada con el presente

For All Mankind no solo recibió elogios de la crítica, sino que fue reconocida con premios Emmy por su propuesta interactiva y de medios emergentes, así como con el premio a la innovación de la PGA. Entre sus nominaciones se cuentan reconocimientos en los TCA, Critics Choice, Hugo, Saturn y varios gremios dedicados a la dirección y el diseño, consolidando su posición como un referente en la ciencia ficción televisiva.

Más allá del reconocimiento, la serie ha ofrecido al público un ejercicio de historia especulativa cuyos efectos invitan a la reflexión. Al presentar posibles avances sociales y científicos derivados de una mayor inversión en la carrera espacial, la serie impulsa una mirada crítica sobre las decisiones políticas y colectivas que condicionan los avances actuales. En un contexto real en el que la exploración de Marte y el debate sobre la colonización del planeta están en marcha, la propuesta de For All Mankind cobra nueva relevancia para el público general.

El final planeado de la saga constituye un caso poco frecuente de estabilidad creativa en una industria sujeta a constantes cambios, y refuerza la apuesta de Apple TV por proyectos de largo alcance con impacto cultural. El cierre de For All Mankind marca el fin de una etapa, mientras que el lanzamiento de Star City asegura que la narrativa alternativa sobre la humanidad más allá de la Tierra continúe vigente para los seguidores del género.

Entre los detalles más comentados del inicio de grabaciones destaca la aparición inesperada de Madonna en el set. Diversos paparazzis y seguidores de la serie lograron captar a la artista durante una jornada de rodaje, confirmando su participación como invitada especial en la nueva temporada. Además de Madonna, se suman otros nombres reconocidos como Julia Garner y Michael Keaton, quienes también fueron vistos en el entorno de filmación. La tradición de cameos de grandes figuras de la cultura pop se mantiene así como una de las señas de identidad de The Studio: en su primera temporada, la serie contó con la colaboración de Martin Scorsese, Ron Howard, Anthony Mackie y Zoë Kravitz, entre otros. La expectativa crece ante la posibilidad de que la presencia de Madonna aporte una dinámica distinta al desarrollo de los nuevos episodios.

La segunda temporada reúne nuevamente a Seth Rogen, Chase Sui Wonders, Ike Barinholtz y Bryan Cranston, entre otros actores habituales de la serie. Fanáticos y medios especializados informaron que el equipo optó por rodar en Venecia, una decisión que añade un matiz internacional al relato y genera especulaciones sobre el rumbo que tomará la historia. Las grabaciones públicas permitieron que seguidores y curiosos documentaran el ambiente de trabajo y la interacción entre los actores, alimentando las redes sociales con imágenes inéditas. El inicio de la nueva temporada de The Studio responde a la alta expectativa generada por el éxito de la entrega anterior. En la última edición de los Premios Emmy, la ficción se consolidó como la gran ganadora en la categoría de comedia, obteniendo 13 galardones, incluido el de Mejor Serie de Comedia. Este reconocimiento posicionó a la producción como referente del género, reforzando el interés por su continuación y el impacto de sus decisiones narrativas.

Cameos y sorpresas para la audiencia

La participación de Madonna se suma a una lista de apariciones especiales que han caracterizado a la serie desde sus inicios. La inclusión de figuras reconocidas no solo responde a una estrategia de atracción para el público, sino que contribuye a la construcción de un universo en el que la sátira y la autorreferencia conviven con la actualidad del entretenimiento. The Studio mantiene así su sello distintivo, incorporando a personalidades de diferentes ámbitos para enriquecer las tramas y ofrecer momentos inesperados en cada episodio.

Durante el rodaje en Venecia, la presencia de Madonna generó sorpresa y especulación, alimentando rumores sobre el papel que desempeñará en la historia. No se han revelado detalles sobre la extensión de su participación ni sobre el personaje que interpretará, lo que incrementa el interés por el estreno de la temporada. La estrategia de mantener en secreto ciertos elementos del guion responde a la intención de preservar el efecto sorpresa, una constante en la comunicación de la serie.

Un recuerdo a Catherine O’Hara

Una de las novedades más relevantes de esta nueva etapa es la ausencia de Catherine O’Hara, quien falleció el pasado 30 de enero. O’Hara, que interpretaba a Patty Leigh, una legendaria productora dentro de la trama, estaba confirmada para aparecer en la segunda temporada. Su repentina muerte obligó al equipo de producción a modificar el calendario de rodaje y reescribir parte del guion. El impacto de esta baja es significativo, tanto en el desarrollo argumental como en la dinámica del elenco, ya que el personaje de O’Hara era clave en la estructura del estudio ficticio que da nombre a la serie.

La producción optó por no reemplazar a la actriz, eligiendo ajustar la narrativa para reflejar su ausencia y rendir homenaje a su legado dentro del universo de The Studio. Este cambio inesperado añade una dimensión emotiva y real al proceso de creación de la segunda temporada. The Studio se distingue por su enfoque satírico sobre la industria cinematográfica de Hollywood. La serie gira en torno a Matt Remick (Rogen), quien asume la dirección de un legendario estudio de cine. A través de situaciones absurdas y referencias directas a la cultura del cine, la producción explora cómo se toman las decisiones creativas y comerciales en el sector. El tono humorístico convive con un homenaje declarado al séptimo arte, reforzado por una banda sonora compuesta por el mexicano Antonio Sánchez, responsable también de la música en Birdman.

Sobre la trama de la segunda temporada, aún se desconocen detalles concretos. El cierre de la primera entrega dejó abierta la posibilidad de que el estudio sea vendido, una línea narrativa que podría desarrollarse en los nuevos episodios. La combinación de expectativas no resueltas, cambios en el elenco y la incorporación de figuras como Madonna configuran una temporada que promete novedades tanto para seguidores habituales como para nuevos espectadores.

A lo largo de ocho episodios, la historia explora, desde distintas perspectivas, el complejo entramado de relaciones, secretos y traiciones entre tres amigas de toda la vida, sacudidas por un asesinato que pone a prueba los límites de la lealtad y la identidad. Siguiendo la estela de títulos como Big Little Lies, la serie busca adaptar la obra homónima de Araminta Hall a un formato donde el suspense teñido de mirada femenina cobra especial relevancia.

El estreno se ha producido el miércoles 18 de marzo de 2026, con la plataforma lanzando dos capítulos iniciales y programando uno nuevo cada semana hasta el 29 de abril. Ocho episodios conforman la miniserie, que transcurre en Pasadena (California), una localización recurrente en la novela negra estadounidense.

Una narración polifónica entre pasado y presente

Basada en la novela publicada en 2020, la producción muestra cómo las protagonistas, Eleanor, Nancy y Mary (interpretadas respectivamente por Kerry Washington, Kate Mara y Elisabeth Moss) encarnan diferentes versiones del éxito profesional y personal, llevadas a la pantalla con una estructura a base de ‘flashbacks’ que revela la profundidad de su relación y su vínculo con el crimen que vertebra la trama. Este enfoque de narración polifónica permite descubrir, capítulo a capítulo, las distintas aristas de cada personaje y el impacto que tiene el asesinato de Nancy en el equilibrio de sus vidas.

Narrativamente, la serie distribuye el protagonismo entre las tres amigas, permitiendo al espectador reinterpretar cada suceso según el punto de vista de cada una. Así, los primeros capítulos privilegian la historia de Eleanor, mientras que los centrales despliegan una mirada más intimista sobre Nancy y la relación poco idealizada que mantenía con su esposo Robert (Joel Kinnaman). Los capítulos finales se centran en Mary, un personaje aparentemente dócil y tradicional cuya investigación personal revela motivaciones más complejas.

El germen de Mujeres imperfectas se remonta a 2019, cuando Elisabeth Moss adquirió los derechos de la novela de Araminta Hall tras leerla de una sentada durante un viaje en avión, según narra la propia actriz productora. A partir de ese momento, Moss impulsó el desarrollo del proyecto con la colaboración de Kerry Washington, quien también ejerce como productora y destaca el valor de que las intérpretes asuman un rol directivo en la industria.

Un thriller psicológico sobre las heridas y el trauma

La adaptación ha sido conducida por Annie Weisman (responsable de Physical) y dirigida por Lesli Linka Glatter y Nzingha Stewart, quienes han dotado a la serie de un tono de thriller psicológico, combinando el glamour aparente del Sur de California con las grietas invisibles de las relaciones personales. La producción no escatima en recursos para crear una atmósfera visual reluciente, donde los títulos de crédito, inspirados en el arte japonés del kintsugi (la reparación de objetos rotos con laca y polvo de oro), actúan como metáfora de la reconstrucción de las protagonistas tras el trauma y la ruptura.

La trama se desarrolla a partir del asesinato de Nancy, una bailarina proveniente de clase trabajadora que, tras casarse con el adinerado Robert, se integra en un círculo social donde el privilegio convive con secretos ocultos y relaciones problemáticas. La investigación policial, con Eleanor en el punto de mira, sirve de hilo conductor para ahondar en viejas heridas y rivalidades, al tiempo que se deconstruye el ideal de la amistad femenina.

La confrontación entre dos estrellas en el género de comedia negra

Keanu Reeves, reconocido por sus roles en producciones de acción como Matrix o John Wick, asume aquí un papel diferente interpretando a Reef Hawk, una figura querida de Hollywood cuya existencia se desmorona cuando alguien intenta extorsionarlo con un video comprometedor. Al alejarse del habitual retrato del ídolo invulnerable, la película explora aspectos más humanos de la vida tras el estrellato: temores, remordimientos y la presión de mantener una imagen impecable ante la sociedad.

Cameron Diaz aporta una perspectiva inesperada al relato. Tras haber sido la actriz mejor remunerada durante el apogeo de su carrera, decidió alejarse de la actuación durante más de diez años. Su regreso en Outcome como Kyle, la mejor amiga y confidente de Hawk, revive la química que tuvo con Reeves en la película de 1996 Luna sin miel. Este reencuentro despierta interés en quienes crecieron siguiendo los pasos de ambos artistas, y convierte la película en un evento impulsado por la nostalgia, actualizado para abordar la vulnerabilidad en tiempos dominados por lo digital.

Jonah Hill, conocido por su versatilidad actoral y ahora como director, también interpreta el papel de Ira, el abogado encargado de manejar las crisis de Hawk. El elenco se completa con figuras como Matt Bomer, Susan Lucci, Laverne Cox, David Spade, Martin Scorsese y Kaia Gerber. La ambientación en el entorno hollywoodense permite la aparición de numerosos cameos de alto perfil, subrayando el carácter autorreferencial de la historia.

Cameos y sátira sobre el funcionamiento de la industria

Uno de los rasgos más notables de Outcome es la manera en que expone el mundo de Hollywood desde su interior. Más allá de la historia principal de extorsión y búsqueda de redención, la película aprovecha la ocasión para incluir personalidades reconocidas en papeles y cameos que ironizan sobre la cultura de las celebridades y la obsesión por la imagen pública. Martin Scorsese realiza una aparición breve, acompañado también por Laverne Cox y Drew Barrymore. Estos guiños cumplen la función de servir como un espejo humorístico y crítico de la industria, poniendo en evidencia las ironías de la fama y los desafíos personales que enfrentan quienes la experimentan.

El guion se vale del escándalo que rodea a Reef Hawk para explorar los mecanismos clásicos de control de daños en Hollywood: abogados expertos en litigios mediáticos, alianzas estratégicas y una red de confidentes dedicados a sostener la fachada pública mientras los problemas personales permanecen ocultos. En este escenario, la búsqueda del chantajista es tanto un thriller como una excusa para plantear interrogantes en torno a la culpa, el ego y el costo personal de la exposición pública.

Desde el avance de la película, Outcome despliega un tono que combina incomodidad y humor mordaz. La sátira no es superficial. Los personajes y situaciones se basan claramente en escándalos reales que han afectado a figuras del entretenimiento en las últimas décadas, poniendo de relieve la vulnerabilidad de la reputación ante pruebas digitales, a menudo ambiguas o manipuladas.

Reflexiones para el público y la cultura de la fama

El estreno de Outcome invita a un debate importante para quienes siguen el espectáculo: ¿qué ocurre cuando la persona detrás del personaje ya no controla la narrativa sobre sí misma? Al focalizarse en el chantaje mediático y en sus posibles repercusiones para la carrera del protagonista, la película reflexiona sobre la relación entre privacidad, errores cometidos en el pasado y el implacable escrutinio de los medios y las redes sociales.

A diferencia de otros dramas centrados en la caída pública, Outcome equilibra ironía y empatía al mostrar a Reef Hawk como alguien que trata de reparar el daño causado, no solo de evitarlo. Esta visión puede conectar especialmente con espectadores que han sido testigos, desde la distancia, del ascenso y las crisis de sus ídolos personales. Además, el retorno de Cameron Diaz destaca la presión particular que enfrentan las mujeres en el entorno del entretenimiento, donde suelen verse obligadas a reinventarse tras períodos largos de ausencia.

El reparto múltiple y los diversos cameos muestran cómo en la industria las crisis personales rara vez se manejan de forma privada, estando continuamente determinadas por intereses ajenos, relaciones estratégicas y la observación constante del público. De este modo, Outcome se mueve entre la comedia negra, la sátira y el drama con matices de comprensión.

El significado de Outcome en el panorama de 2026

El regreso de Keanu Reeves y Cameron Diaz representa, además de una dosis de nostalgia, una pregunta abierta tanto para los aficionados al cine como para la cultura popular en general: ¿de qué modo puede una celebridad afrontar sus errores y la sobreexposición mediática? La película evita respuestas simplistas, prefiriendo usar el marco de la comedia negra para explorar las ambigüedades de la redención, el arrepentimiento y la búsqueda de reconstruirse bajo el permanente escrutinio público.

El estreno en Apple TV implica no solo la adición de un título de alto perfil al catálogo de la plataforma, sino también una oportunidad para analizar, a través de la sátira, la relación de poder entre la fama, la información o desinformación digital y la opinión de la sociedad. En un contexto en el que cualquier video puede viralizarse y perjudicar la reputación de una persona en cuestión de horas, los problemas que enfrenta Reef Hawk, aunque ficticios, reflejan experiencias reales de muchas figuras del espectáculo y la forma en la que el público consume y difunde noticias sobre sus referentes.

La actriz Elle Fanning encabeza el reparto de “Margo’s Got Money Troubles”, una nueva serie dramática con toques de comedia que llegará al streaming en 2026 y que ya genera expectativa entre los fanáticos de las historias contemporáneas sobre fama digital, maternidad y precariedad económica.

La producción está basada en la novela homónima de la escritora Rufi Thorpe y sigue a una joven que enfrenta problemas financieros tras abandonar la universidad y convertirse en madre. Ante la falta de recursos, encuentra una manera inesperada de salir adelante en internet.

¿De qué trata Margo’s Got Money Troubles?

En Margo’s Got Money Troubles, Elle Fanning interpreta a Margo Millet, una joven aspirante a escritora que queda embarazada tras una relación con su profesor de inglés, lo que la obliga a abandonar la universidad. Sin ingresos estables y con un bebé recién nacido, su situación económica se complica rápidamente.

Para sobrevivir, Margo decide abrir una cuenta en una plataforma de contenido para adultos y aprovechar su talento para contar historias y conectar con la audiencia. Con el tiempo, su presencia en internet comienza a crecer, lo que transforma su vida, pero también la enfrenta a dilemas personales y familiares.

La historia combina drama, humor y reflexiones sobre la economía digital, la maternidad temprana y las presiones sociales que enfrentan los jóvenes adultos en la actualidad.

¿Quiénes actúan en la serie?

Además de Elle Fanning, el elenco incluye a varias figuras reconocidas de la industria:

• Michelle Pfeiffer
• Nick Offerman
• Nicole Kidman
• Greg Kinnear
• Marcia Gay Harden
• Thaddea Graham
• Michael Angarano

La serie fue desarrollada por David E. Kelley, creador de exitosas producciones televisivas, y contará con ocho episodios en su primera temporada.

Plataforma y fecha de estreno en México

La serie se estrenará el próximo 15 de abril de 2026 en la plataforma de streaming Apple TV+.

De acuerdo con la información disponible, el lanzamiento incluirá los tres primeros episodios el día del estreno, mientras que los capítulos restantes se publicarán de forma semanal hasta el 20 de mayo de 2026.

Para verla en México será necesario contar con una suscripción activa a la plataforma, disponible en dispositivos móviles, televisores inteligentes y navegadores web.

El próximo 15 de abril llegará a la plataforma Apple TV la serie Margo tiene problemas de dinero, una comedia dramática que narra la historia de Margo Millet, una joven que se convierte en madre soltera y enfrenta las dificultades de la vida adulta mucho antes de lo esperado. La serie, protagonizada por Elle Fanning e inspirada en la novela homónima de Rufi Thorpe, explora con humor y sensibilidad los desafíos de la maternidad precoz y las estrategias poco convencionales para llegar a fin de mes. El elenco está conformado por Michelle Pfeiffer, Nick Offerman y Nicole Kidman, entre otros.

Contexto y detalles de la producción

La serie es creación de David E. Kelley, un productor con una extensa trayectoria en dramas televisivos como Ally McBeal y Presunto inocente. En esta ocasión, Kelley adapta la novela de Rufi Thorpe para Apple TV, buscando mezclar el drama social con elementos de comedia para profundizar en la resiliencia ante giros inesperados de la vida. Los productores han querido resaltar tanto el carácter audaz como el trasfondo emotivo del relato, confiando en Elle Fanning para interpretar a una protagonista con la que muchos jóvenes adultos pueden sentirse identificados.

El elenco de apoyo incluye a reconocidas figuras como Michelle Pfeiffer en el papel de la madre de Margo y Nick Offerman como su padre. Marcia Gay Harden y Greg Kinnear, junto a actrices y actores jóvenes como Thaddea Graham y Sasha Diamond, completan un grupo que promete aportar tanto dramatismo como humor.

Margo Millet, la protagonista, es hija de una ex camarera de la cadena Hooter’s y de un ex luchador profesional. Tras abandonar la universidad por un embarazo inesperado, debe cuidar sola a su bebé mientras enfrenta una economía doméstica cada vez más precaria. El relato se inspira en historias reales de jóvenes madres que compaginan aspiraciones profesionales con responsabilidades familiares, viéndose en ocasiones obligadas a recurrir a soluciones poco tradicionales para salir adelante.

Desafíos sociales y laborales de una generación

La historia de Margo, interpretada por Elle Fanning, refleja las dificultades que enfrentan muchos jóvenes para acceder al mercado laboral cuando se ven obligados a dejar la educación formal por obligaciones familiares o falta de recursos. La dificultad de Margo para conseguir un empleo estable es una constante en la trama y representa la inseguridad generalizada de una generación que debe conformarse con trabajos mal remunerados o enfrentar la inestabilidad socioeconómica.

Uno de los elementos centrales de la serie es la decisión de Margo de grabar videos eróticos como fuente de ingreso, lo que añade tensión, conflicto familiar y plantea preguntas complejas sobre los límites del tabú y la supervivencia económica. Este aspecto, tratado tanto con seriedad como con dosis de humor, ilumina la realidad de quienes, ante la falta de opciones en el mercado laboral formal, recurren a alternativas para subsistir. El tráiler muestra, junto a la precariedad y el cansancio de la protagonista, cómo este tipo de trabajos repercute en sus relaciones personales y en la percepción social que se tiene de ella.

El dramatismo de la trama se equilibra con momentos de comedia, resaltando el absurdo de ciertas situaciones y la vulnerabilidad tanto de Margo como de su entorno. Michelle Pfeiffer y Nick Offerman encarnan a padres poco convencionales, cuyas trayectorias laborales han estado marcadas por la inestabilidad, lo que añade profundidad a la exploración generacional que se desarrolla a través de la protagonista.

Impacto, recepción y debate alrededor de Margo tiene problemas de dinero

El estreno de Margo tiene problemas de dinero representa una apuesta de Apple TV por relatos contemporáneos que abordan inquietudes actuales como la independencia económica, los desafíos de la maternidad precoz y la necesidad de reinventarse en un contexto social cambiante. La serie busca abrir el debate sobre la estigmatización de ciertas formas de ganarse la vida y sobre el costo emocional que a menudo implica la supervivencia cotidiana.

Los creadores han señalado que, aunque el drama social es un motor importante, el componente humorístico es esencial para permitir que el público conecte de manera empática con los personajes. La producción ha generado interés por la colaboración de figuras como Michelle Pfeiffer y Elle Fanning en una misma serie, así como por el guion firmado por uno de los creativos más influyentes de la televisión estadounidense.

El enfoque de la serie sobre los trabajos alternativos y la dificultad para alcanzar la estabilidad resuena especialmente entre espectadores jóvenes y familias en situaciones de vulnerabilidad. La representación de una madre soltera lidiando con facturas, trabajos temporales y presión social puede generar identificación y conversación sobre las verdaderas opciones con las que cuentan muchas mujeres en la actualidad. Según adelanta la campaña promocional, cada episodio equilibrará el humor y el drama, y buscará retratar la resiliencia cotidiana con honestidad y realismo.

Apple encara 2026 con una estrategia de lanzamientos que marca un ritmo inusual en su calendario. Más de una docena de productos aún esperan su presentación oficial en los próximos meses, y la hoja de ruta —aunque sujeta a posibles cambios de última hora— ya perfila el que podría ser uno de los años con más novedades en la historia reciente de la compañía.

En lo que va del año, la empresa ya ha mostrado siete productos en diferentes categorías, desde el iPhone 17e hasta nuevos monitores para creación de contenido. A continuación, un repaso exhaustivo de los lanzamientos recientes y los dispositivos que aún esperan su turno en el calendario de la empresa.

Lo que Apple ya presentó en 2026

Apple abrió el año con el lanzamiento de la nueva generación de iPhone, encabezada por el iPhone 17e. Este modelo, presentado oficialmente, incorpora la tecnología MagSafe para carga inalámbrica y accesorios, algo ausente en el iPhone 16e. Además, el iPhone 17e viene con el chip A19, el más avanzado de la línea base, y el módem C1X, que duplica la velocidad de transferencia respecto a la versión anterior.

Se anunció en tres colores: negro, blanco y un nuevo tono rosa suave. Destaca por duplicar la capacidad de almacenamiento base respecto al modelo anterior, ofreciendo 256 GB desde el precio inicial de $599 (USD) y una opción de 512 GB por $799 (USD).

En el segmento de tablets, la compañía presentó el iPad Air con chip M4, que representa un avance significativo en rendimiento y capacidades de inteligencia artificial. El dispositivo, disponible en 11 y 13 pulgadas, mantiene el precio inicial de $599 (USD) y $799 (USD) respectivamente, e incorpora conectividad avanzada con los nuevos chips N1 y C1X, compatibilidad con Wi-Fi 7 y una memoria unificada de 12 GB.

El M4 lo hace hasta un 30% más rápido que el modelo anterior con M3 y 2,3 veces más rápido que la versión con chip M1, mientras que la experiencia se ve potenciada por iPadOS 26 y accesorios como el nuevo Magic Keyboard y el Apple Pencil Pro.

La línea de monitores también se renovó con la llegada del Studio Display y el Studio Display XDR. El primero sobresale por su pantalla Retina 5K de 27 pulgadas, cámara Center Stage de 12 MP, sistema de sonido envolvente y conectividad Thunderbolt 5.

Por su parte, el Studio Display XDR eleva la experiencia profesional con retroiluminación mini-LED, hasta 2.000 nits de brillo HDR, frecuencia de actualización de 120 Hz y una gama de colores ampliada, pensado para flujos de trabajo exigentes como la edición de video HDR o la animación 3D.

Próximos lanzamientos de Apple para Mac en 2026

Apple aún tiene varios productos en desarrollo para el segmento Mac. Entre los más próximos se encuentran el M5 Max y M5 Ultra Mac Studio, cuyo lanzamiento está previsto para el primer semestre de 2026, según reportes de Bloomberg. Estos equipos serán el siguiente paso en la potencia de escritorio, integrando procesadores de última generación.

Más adelante en el año, se espera la actualización del Mac mini y el iMac, que podrían incorporar los chips M6, alineándose con la estrategia de mantener actualizada la línea de sobremesa. Para el otoño, la empresa planea presentar un MacBook Pro rediseñado con procesadores M6 Pro y M6 Max.

iPad y dispositivos para el hogar en 2026

En el universo iPad, aunque el nuevo iPad Air ya está en el mercado, la compañía aún no presentó la esperada actualización del iPad económico, que según filtraciones incorporaría el chip A18. Aunque su anuncio estaba previsto para principios de año, aún no se concretó y se espera para la primera mitad de 2026.

Además, no habrá renovación del iPad Pro este año, pero sí se anticipa un nuevo iPad mini con pantalla OLED y chip A19 Pro para el otoño.

La división de productos para el hogar también recibirá atención. Apple trabaja en una versión actualizada del Apple TV 4K con procesador A17 Pro, compatible con Apple Intelligence y equipado con el chip de red N1 propio de la firma.

El HomePod mini tendrá su primer refresh en más de cinco años, con nuevo chipset y opciones de color, incluido el rojo. Pero la gran novedad será el HomePad, un display inteligente con chip A18 y pantalla de 7 pulgadas.

Cuándo llegarán el nuevo iPhone, Apple Watch y AirPods

En septiembre, Apple prepara el lanzamiento de sus dispositivos insignia. Se espera la presentación de los iPhone 18 Pro y iPhone 18 Pro Max, con nuevas opciones de color, mejoras en la cámara y baterías de mayor capacidad. El gran salto será la introducción del primer iPhone plegable de la compañía, una novedad largamente rumoreada.

La estrategia de lanzamientos escalonados se mantendrá, por lo que el iPhone 18 base y el iPhone Air 2 no verán la luz hasta la primavera de 2027.

En ese mismo evento, llegarán los Apple Watch Series 12 y Ultra 4, con sensores de salud adicionales, posible soporte para Touch ID y mejoras en la autonomía. Además, podrían debutar los AirPods Pro 3 con cámaras integradas, diseñados para aprovechar las capacidades de inteligencia visual y permitir consultas a Siri sobre el entorno del usuario.

La reciente celebración del 40º aniversario de los Premios Goya ha colocado al cine español en el centro de la conversación digital, impulsando el interés por ver las películas más reconocidas de la temporada.

A diferencia de años anteriores, donde el acceso a los títulos dependía del circuito de salas y festivales, hoy la experiencia de maratón Goya es, ante todo, tecnológica: plataformas como Movistar Plus+, Netflix, Amazon Prime Video y Apple TV lideran la distribución, pero también abren interrogantes sobre seguridad, privacidad y calidad de transmisión en la era del streaming.

Por qué no usar plataformas ilegales para ver películas

El auge de las plataformas digitales ha hecho que disfrutar del mejor cine español sea cuestión de unos pocos clics. Sin embargo, la proliferación de servicios no autorizados y aplicaciones pirata, como Magis TV o XUPER TV, ha puesto en alerta a usuarios y especialistas en ciberseguridad.

El riesgo de robo de datos, malware y fraudes financieros convierte la elección de la plataforma en un aspecto crucial de la experiencia de usuario.

En qué plataformas de streaming legales, puedo ver las nominadas en los Goya

Movistar Plus+ se posiciona este año como el principal referente para quienes buscan ver la mayoría de las películas nominadas y premiadas en los Goya. Entre las producciones destacadas se encuentran “Sorda”, “Tardes de soledad”, “Sirat”, “Los tigres”, “Maspalomas” y “La cena”, todas accesibles en alta calidad y con protección de datos garantizada.

Además, la película más nominada de esta edición, “Los domingos”, tendrá un estreno exclusivo en la plataforma justo después de la gala.

Netflix refuerza su catálogo español con títulos como “El cautivo”, dirigida por Alejandro Amenábar, una de las producciones más esperadas del año, que suma nominaciones clave y destaca por su apuesta visual y narrativa.

Apple TV y Amazon Prime Video, por su parte, ofrecen la posibilidad de alquilar o comprar títulos seleccionados, permitiendo el acceso legal incluso para quienes no tienen suscripción permanente.

La tentación de recurrir a aplicaciones ilegales es alta, sobre todo cuando la oferta parece más barata o inmediata. Sin embargo, expertos en tecnología y ciberseguridad insisten en que el uso de sitios no autorizados pone en riesgo no solo la experiencia de visionado, también la integridad de los dispositivos y la información personal.

Plataformas como Magis TV y XUPER TV han sido bloqueadas en varios países tras múltiples denuncias de malware, robo de datos bancarios y fraudes electrónicos. Acceder a películas de estreno por vías no oficiales puede exponer cuentas bancarias, contactos, fotos y hasta la identidad digital del usuario.

Innovación en streaming

El ecosistema de streaming en 2026 no solo se define por la variedad de títulos, también por la integración de algoritmos de recomendación, calidad de imagen adaptativa y seguridad en las transacciones. Las plataformas emplean inteligencia artificial para sugerir contenidos según el historial de cada usuario, lo que permite planificar maratones temáticas o descubrir nuevos géneros y directores.

Además, la mayoría de los servicios oficiales ofrece funciones como control parental, perfiles personalizados y soporte técnico 24/7, todo bajo un marco de cumplimiento de normativas internacionales de privacidad.

Consejos tecnológicos para una maratón segura

Para disfrutar de la maratón de los Goya sin sobresaltos, se recomienda:

• Descargar solo las aplicaciones oficiales desde las tiendas de Google o Apple.
• Mantener actualizado el sistema operativo del dispositivo y las apps de streaming.
• Usar contraseñas seguras y activar la autenticación en dos pasos.
• Evitar enlaces de dudosa procedencia en redes sociales o grupos de mensajería.
• Revisar los términos de privacidad y las opciones de control de datos en cada plataforma.

Elegir plataformas oficiales como Netflix, Amazon Prime Video y Apple TV no solo garantiza una experiencia de calidad, sino que protege la privacidad del usuario y apoya al sector creativo. En la nueva era del streaming, maratonear películas es tan seguro como la plataforma que se elija para hacerlo.

Llega el mes de marzo con un buen puñado de novedades tras un febrero flojo en el que han sido protagonistas series que venían marcadas como un fenómeno internacional, como Más que rivales (Movistar Plus+) u obras de autor como Portobello, de Marco Bellocchio (HBO Max).

Durante estas semanas, a nivel internacional aterrizarán grandes estrellas de Hollywood en diferentes ficciones, como Rachel Weisz, Steve Carell, Nicole Kidman, Jamie Lee Curtis o Elizaberth Moss.

En el terreno de nuestro país, aterrizan propuestas de diversos géneros: desde el terror tecnológico a la particular adaptación española de Solo asesinatos en el edificio.

‘DTF St. Louis’ (HBO Max)

He aquí una nueva serie de HBO a la que merece prestar atención por sus particularidades, ya que aborda el suspense criminal desde una perspectiva inusual.

El argumento parte de un triángulo amoroso en la mediana edad que desemboca en un asesinato pero, a diferencia de títulos como True Detective o Big Little Lies, la serie revela pronto el enigma central y se dedica a reconstruir los hechos entre los protagonistas.

Uno de los aspectos más destacados es la atmósfera extraña y los personajes singulares, con influencias del tono y la construcción de película de culto como Fargo.

La trama gira en torno a una aplicación ficticia para encuentros adúlteros, pero la serie se centra en la soledad y las aspiraciones de los personajes, sin polarizarlos en buenos o malos.

Los actores principales, Jason Bateman (Ozark), David Harbour (Stranger Things) y Linda Cardinelli (Freaks and Geeks), ofrecen momentos de comedia y profundidad dramática, a los que se suman secundarios de lujo Peter Sarsgaard o Richard Jenkins.

‘The Hack’ (Filmin)

Basada en hechos reales, aborda las escuchas telefónicas ilegales que afectaron al periodismo británico y a la sociedad en general por parte de los tabloides sensacionalistas.

El actor David Tennant interpreta al periodista Nick Davies, quien lideró la investigación original, y la producción explora tanto el orgullo por la labor periodística que permitió destapar los hechos como la vergüenza por las prácticas ilegales realizadas por algunos profesionales del sector.

La narrativa se apoya en el testimonio de un informante clave, Mr. Apollo, interpretado por Adrian Lester, quien revela que el alcance de las escuchas fue mucho mayor de lo admitido oficialmente, llegando a implicar hasta 3.000 teléfonos.

La serie explica cómo la vulnerabilidad de los mensajes de voz de los teléfonos facilitó el espionaje de personalidades que abarcaban la película, como a las celebrities. Siete episodios a modo de investigación criminal adictiva.

‘El joven Sherlock’ (Prime Video)

Un joven Sherlock Holmes debe resolver su primer caso de asesinato en el Oxford de los años 1870 para evitar la cárcel, lo que lo lleva a descubrir una conspiración internacional y enfrentar un destino que alterará su vida por completo.

La trama seguirá al futuro detective, aún inmaduro y rebelde, embarcado en aventuras fuera del Reino Unido y antes de convertirse en el célebre inquilino de Baker Street.

El relato mostrará la relación temprana de Sherlock Holmes con James Moriarty, ‘archienemigo’ que, al cruzarse en su camino, desencadenará una investigación peligrosa para ambos.

Una serie dirigida por Guy Ritchie que explora los orígenes del personaje creado por Arthur Conan Doyle, protagonizada por Hero Fiennes Tiffin, Dónal Finn, Zine Tseng, Joseph Fiennes, Natascha McElhone, Max Irons y Colin Firth.

‘Vladimir’ (Netflix)

Una mujer de mediana edad enfrenta el colapso de su vida personal y profesional al desarrollar una intensa obsesión por Vladimir, su carismático colega universitario.

Su decisión de perseguir estas peligrosas fantasías pone en riesgo todo su entorno mientras secretos y deseos reprimidos salen a la luz.

La historia, basada en la novela homónima de Julia May Jonas, combina elementos de humor, drama y erotismo para retratar el conflicto interno de la protagonista, escritora y profesora universitaria atrapada en la rutina de su matrimonio y carrera.

El personaje central, interpretado por Rachel Weisz, ve cómo su vida da un giro inesperado al cruzarse con Leo Woodall, quien, además de ser su objeto de deseo, también está casado.

El relato explora los límites difusos entre la realidad y la fantasía, mostrando a la protagonista decidida a transgredir normas en su búsqueda de liberación, sin medir las consecuencias para quienes la rodean. Weisz encarna el dilema de una mujer cuya necesidad de cambio la conduce al borde del abismo.

‘Rooster’ (HBO Max)

Un exitoso escritor llamado Greg Russo enfrenta nuevos desafíos al incorporarse a la universidad de élite donde trabaja su hija Katie, quien atraviesa una crisis personal tras descubrir una infidelidad por parte de su marido.

El vínculo entre ambos se pone a prueba cuando Katie, desempeñándose como profesora, ve amenazada su carrera al haber incendiado su casa tras el impacto emocional, un hecho que la coloca al borde de ser despedida.

Mientras se adapta a un ambiente ajeno y complejo, Greg Russo busca cómo brindar apoyo sin invadir la independencia de su hija.

Una comedia firmada por el productor de Terapia sin filtro, Scrubs o Ted Lasso y protagonizada por Steve Carell como protagonista y Charly Clive en el papel de la hija.

‘Scarpetta’ (Prime Video)

Nicole Kidman asume el papel de la doctora Kay Scarpetta, forense reconocida por su habilidad para investigar crímenes y su objetivo de enfrentar a un asesino serial, en la nueva adaptación de la saga literaria de Patricia Cornwell, que ha superado los 120 millones de ejemplares vendidos a nivel mundial.

La producción cuenta también con la participación de Jamie Lee Curtis, quien interpreta a la hermana de la protagonista. El elenco se completa con Bobby Cannavale como detective, Simon Baker en el rol de agente del FBI, y Ariana DeBose en el papel de la sobrina de Scarpetta.

La trama explora el caso que definió la carrera de la forense Kay Scarpetta hace 28 años, buscando demostrar que ese episodio no arruinó su vida profesional y dándole voz a las víctimas.

‘Day One’ (Prime Video)

Un antiguo prodigio de la informática, Ulises Albet, regresa a Barcelona después de una década de ausencia, movilizado por una urgente llamada durante el Mobile World Congress.

El personaje, interpretado por Álex González, recibe la advertencia de su antiguo socio y mejor amigo, Samuel Barrera (Asier Etxeandia): “El mundo está en peligro”.

La trama se desarrolla en un contexto donde los límites de la tecnología ponen en entredicho la condición humana. El reencuentro conduce a Ulises a vincularse con una joven (Alba Planas) mientras ambos deben enfrentarse a un enemigo común: un gurú tecnológico, inspirado en figuras como Elon Musk, al que da vida Jordi Mollà.

El regreso de Ulises a la capital catalana ocurre exactamente diez años después del fallecimiento de su hermana menor, marcando el conflicto central entre el avance tecnológico y la preservación de aquello que define a la humanidad. Una miniserie de terror alrededor de los avances de Internet en nuestra era.

‘Mujeres imperfectas’ (Apple TV)

Una miniserie de 8 episodios que adapta la novela homónima de Araminta Hall, y que se presenta como un thriller psicológico que aborda las consecuencias de un crimen que altera para siempre la vida de tres mujeres.

El relato, protagonizado por Elisabeth Moss, Kerry Washington y Kate Mara, profundiza en los efectos de la culpa, la venganza, el amor y la traición, exponiendo los compromisos que modifican destinos de manera irreversible. A través del desarrollo de la investigación, se demuestra cómo incluso los lazos más fuertes pueden ocultar secretos y falsas percepciones.

‘Por cien millones’ (Movistar Plus+)

En 1981, tres mecánicos de Zaragoza (Alfonso, Jorge y Salva) secuestraron al delantero del FC Barcelona Enrique Castro “Quini”, entonces máximo anotador de la Liga, con la exigencia de un rescate de 100 millones de pesetas por su libertad.

Este caso mantuvo en tensión a España y evidenció la desesperación de los autores, quienes enfrentaban deudas y meses sin empleo.

La historia ha sido reconstruida por Nacho G. Velilla, abordando las consecuencias personales y sociales del secuestro tanto para el ‘exfutbolista’ como para los responsables, quienes pronto comprendieron la dificultad de sobrepasar sus propios límites morales. En la producción intervienen Raúl Arévalo, Gabriel Guevara, Vito Sanz y Agustín Otón.

‘Si es martes, es asesinato’ (Disney+)

Un grupo de turistas españoles llega a Lisboa y, tras la primera noche, uno de los viajeros aparece muerto. Cuatro miembros del grupo, apasionados de las novelas de misterio, asumen la tarea de esclarecer si el asesino está entre ellos.

Este escenario portugués servirá como base para que surja la sospecha entre desconocidos y, al mismo tiempo, el impulso detectivesco de quienes disfrutan resolviendo enigmas.

Carlos Vila, conocido por Los misterios de Laura, explora aquí el género ‘cozy crime’ y el formato clásico ‘whodunit’, involucrando a un elenco formado por Álex García, Inma Cuesta, Ana Wagener, Pedro Casablanc y Biel Montoro.

La segunda temporada de Monarch: El legado de los monstruos, disponible desde el 27 de febrero en Apple TV, lleva la saga del Monsterverso a nuevas profundidades con el regreso de monstruos imponentes y una organización Monarch dividida por secretos familiares y cargas emocionales. Bajo la dirección de Chris Black y con un elenco encabezado por Kurt Russell y Wyatt Russell, la serie muestra cómo los seres humanos intentan controlar o convivir con criaturas titánicas capaces de destruir el mundo, mientras sus propias vidas se ven afectadas por traiciones y problemas personales.

Origen y evolución del Monsterverso

Godzilla, lanzada en 2014, estableció las bases del Monsterverso y, con la llegada de Monarch: El legado de los monstruos, la franquicia amplió su mitología hacia la organización secreta responsable de investigar y, en ocasiones, intentar controlar a los titanes. La primera temporada fue bien recibida tanto por la crítica como por los fanáticos, presentando dos tramas paralelas en el pasado y el presente, y destacando tanto a monstruos legendarios como a las personas que buscan hacer frente a una nueva era de colosos.

La nueva temporada introduce un salto temporal después de la expedición al Área Axis. Tras el llamado “Día G”, la humanidad sigue adaptándose a una realidad en la que los monstruos, conocidos como kaiju o titanes, existen e irrumpen en la vida cotidiana con consecuencias devastadoras. En este contexto, la organización Monarch debe afrontar la aparición de un nuevo titán, identificado como Titán X. La narrativa sigue a varios protagonistas atrapados entre la política del secreto, la investigación científica y el peso de traumas familiares que la serie aborda abiertamente.

Kurt y Wyatt Russell regresan para interpretar al coronel Lee Shaw en las dos principales épocas de la serie, ofreciendo una mirada compleja sobre la toma de decisiones en tiempos de crisis existenciales y amenazas monstruosas reales. Anna Sawai (Cate), Ren Watanabe (Kentaro Randa) y Kiersey Clemons (May) continúan la trama familiar, pero se enfrentan a una desconexión y falta de profundidad en sus personajes, algo que ha sido señalado por la crítica.

Relación entre la humanidad y los monstruos: eje temático principal

Una característica de esta temporada es cómo los conflictos personales se entrelazan con la amenaza titánica. Desde el primer episodio, la serie deja claro que evita limitarse a secuencias de destrucción y prefiere explorar la complejidad de la experiencia humana ante lo inesperado. No obstante, el mayor énfasis en los problemas personales, en particular los vínculos familiares y las heridas emocionales del pasado, ha desplazado parte del protagonismo que tenían los monstruos en la trama.

Según Kurt Russell, la esencia de Monarch reside en la continuidad emocional y la cuestión de la identidad. “Es como si Alicia cayera por la madriguera del conejo. Empiezas a abrir preguntas sobre quiénes son realmente estas personas y qué vínculos los conectan con el pasado”. El romance trágico y los conflictos no resueltos ahora impulsan muchas acciones de los personajes.

Por su parte, la productora ejecutiva Tory Tunnell comenta que el despliegue visual de los monstruos representa una metáfora de conflictos internos. “Hablamos mucho de cómo gente herida hace daño a otras personas y pueden tener resultados monstruosos, del arrepentimiento y del monstruo interior”. Así, la representación de los titanes funciona como un reflejo de luchas personales, más allá del simple enfrentamiento físico.

Comentarios sobre el desarrollo de los personajes

Aunque la primera temporada fue elogiada por equilibrar acción y desarrollo de personajes, en esta nueva entrega parte del público y la crítica ha percibido una falta de dirección en los protagonistas más jóvenes. Los personajes interpretados por Anna Sawai, Ren Watanabe y Kiersey Clemons parecen quedarse atrapados en dinámicas familiares poco novedosas, tomando decisiones arriesgadas cuyas consecuencias no resultan del todo creíbles.

Cate y Kentaro Randa, hermanastros motivados antes por la búsqueda de sus orígenes y la verdad sobre su familia, caen ahora en patrones cercanos al melodrama convencional. El peso del misterio familiar aumenta, pero a costa de la acción que muchos seguidores esperan de una serie del universo kaiju. Solo la interpretación de Anna Sawai logra dar matices a un personaje que busca sentido en medio de un guion que prioriza el dramatismo familiar.

En contraste, el triángulo amoroso entre Bill, Lee Shaw y Keiko, que abarca presente y pasado, muestra más profundidad y crecimiento. Para los Russell, la relación entre padre e hijo en la actuación refleja la adaptación y el aprendizaje mutuo de sus personajes. “Todos aprenden del otro. Hay momentos en que uno tiene razón y otros en que se equivoca. Lidian constantemente con no tener una manera claramente correcta de afrontar algo”, explica Kurt Russell.

Significado y expansión de la mitología del Monsterverso

A pesar de las críticas mencionadas, esta segunda temporada destaca por mantener vivo el universo del Monsterverso y expandir la mitología de Monarch, Apex y el origen de los titanes. La alternancia entre distintas líneas temporales continúa siendo valorada por los espectadores, permitiendo entender los orígenes de los conflictos y cómo diferentes generaciones enfrentan retos inéditos.

La temporada consta de diez episodios, estrenados uno cada viernes, lo que mantiene el interés de la audiencia y facilita un desarrollo gradual de la intriga. Además de los conflictos internos y familiares, Monarch debe hacer frente a la amenaza creciente de Titan X, que desafía los límites de la ciencia y la ética humana.

Más allá del despliegue visual de los titanes, la serie profundiza en la vulnerabilidad humana y la responsabilidad de quienes poseen conocimiento y poder. El coronel Shaw, interpretado por ambas generaciones de Russell, encarna el dilema de proteger a la humanidad mediante el control y el secreto o bien abrir nuevas posibilidades de comprensión y convivencia con lo desconocido. Persiste la pregunta principal: ¿cómo respondería nuestra sociedad si lo inusual y monstruoso de Monarch se convirtiera en realidad?

Apple TV y Netflix sellaron una alianza por los contenidos de Fórmula 1 marcando un antes y un después en la industria del streaming en Estados Unidos.

El pacto, orientado a capitalizar el furor que la F1 despierta en el público estadounidense, involucra un intercambio sin precedentes de contenidos exclusivos y plantea interrogantes sobre el futuro de la competencia entre gigantes del entretenimiento digital.

En qué consiste el acuerdo entre Apple TV y Netflix

El acuerdo firmado tiene como principal objetivo potenciar la presencia de la Fórmula 1 en las pantallas estadounidenses durante la temporada 2026. A diferencia de otros contratos previos en el sector, esta alianza no se basa únicamente en la cesión o licencia de contenido de una plataforma a otra. Por el contrario, ambas compañías han optado por un intercambio directo de productos estrella, abriendo la puerta a futuras colaboraciones similares.

En concreto, el pacto establece que la octava temporada de la serie documental Drive to Survive estará disponible de forma simultánea tanto en Netflix como en Apple TV para los usuarios de Estados Unidos.

Este movimiento representa una excepción a la tradicional política de exclusividad de Netflix, que rara vez comparte sus producciones originales con competidores. La decisión responde a la estrategia de Apple, interesada en sumar a su catálogo un contenido que ha demostrado ser el motor principal del crecimiento de la F1 en Norteamérica.

Como parte del acuerdo, Apple TV cede a Netflix los derechos de transmisión en streaming del Gran Premio de Canadá, una de las citas más emblemáticas del calendario. De esta manera, ambos servicios transmitirán el evento de manera simultánea, permitiendo a los suscriptores elegir su interfaz preferida para disfrutar la carrera. Este simulcast se presenta como una prueba piloto y marca un hito en la distribución de derechos deportivos en el país.

Qué motiva la colaboración entre Apple TV y Netflix

La motivación principal de Apple TV para promover esta alianza radica en su obsesión por consolidar un ecosistema completo de Fórmula 1 en su plataforma. La compañía fundada por Steve Jobs ya había invertido $150 millones por cada temporada de derechos de la F1, buscando posicionarse como referente en la transmisión de la máxima categoría del automovilismo.

Sin embargo, la popularidad de Drive to Survive y su impacto en la expansión de la F1 en Estados Unidos llevó a Apple a buscar una fórmula para incorporar la serie a su oferta. El acuerdo con Netflix surgió como respuesta a esta necesidad estratégica y como reconocimiento del papel que la plataforma rival ha jugado en la transformación del deporte.

“Netflix ha jugado un papel fundamental en el crecimiento de la F1 desde el lanzamiento de Drive to Survive. Y estamos encantados de hacer que el contenido de F1 esté disponible para los fanáticos estadounidenses tanto nuevos como ya existentes a través de Netflix y ahora en Apple TV”, expresó Eddy Cue, vicepresidente de servicios de Apple.

Para Netflix, la colaboración representa la oportunidad de ampliar el alcance de su contenido estrella y de experimentar con nuevas formas de distribución, manteniendo el control sobre la narrativa que ha consolidado su éxito en el ámbito deportivo.

Qué novedades trae la octava temporada de Drive to Survive

La octava temporada de Drive to Survive se estrenó el 27 de febrero de 2026 y cuenta con ocho capítulos, cada uno con una duración inferior a una hora. Los episodios están dedicados a las historias más impactantes de la temporada 2025 de la Fórmula 1, manteniendo el tono dramático y polémico que caracteriza a la saga.

Entre los ejes narrativos principales destacan el primer campeonato de Lando Norris, la salida de Christian Horner de Red Bull tras el Gran Premio de Gran Bretaña, el cambio de Liam Lawson de Red Bull a Racing Bulls y el regreso de Checo Pérez a la F1 con Cadillac. Además, el primer capítulo está centrado en los rookies y en las rivalidades internas de equipos como McLaren, incluyendo la doble descalificación en Las Vegas.

Con más de cincuenta años en la industria cinematográfica, Harrison Ford calificó Shrinking como una experiencia “muy especial”. El intérprete explicó que el trabajo en la serie lo llevó a replantearse su trayectoria y le proporcionó una sensación de valor renovado.

“Lo que han conseguido con los recursos disponibles y la premisa de la producción es notable”, afirmó Ford, señalando que el ambiente creativo y el enfoque del equipo lo motivaron de una manera que no experimentaba desde hacía tiempo.

Interpretar al doctor Paul Rhoades, terapeuta principal diagnosticado con Parkinson, le permitió a Ford explorar registros dramáticos inéditos en su carrera. Esta oportunidad marcó un cambio significativo en su proceso artístico, facilitando una conexión más profunda con el personaje y con las temáticas abordadas en la serie.

El aporte de Michael J. Fox y nuevas dinámicas

La tercera temporada de la serie presentó la incorporación de Michael J. Fox, quien apareció en tres episodios. Jessica Williams, integrante del elenco, subrayó el impacto de su llegada.

En ese sentido, relató que presenciar la interacción profesional entre Ford y Fox resultó “asombroso” y calificó a este último como “uno de los actores más grandes de todos los tiempos”. Williams también describió el ambiente como “un momento irreal” que acentuó la importancia de la colaboración entre actores de generaciones distintas.

El co-creador de la serie, Bill Lawrence, resaltó que la presencia de Fox motivó tanto al equipo veterano como a los actores jóvenes y explicó que el talento cómico de Fox sigue siendo sobresaliente y que su participación fue un estímulo adicional para todo el equipo.

La llegada de Jeff Daniels y el crecimiento de la serie

En paralelo a la participación de Fox, la tercera temporada de Shrinking sumó a Jeff Daniels como una de las figuras destacadas del elenco. Su presencia amplió el abanico interpretativo y elevó el nivel de los desafíos para los protagonistas.

La interacción entre Daniels, Ford y Fox generó escenas de alto impacto, consolidando la serie como una de las propuestas más atractivas de Apple TV para el público internacional.

Apple TV anunció que la serie estrenará episodios cada miércoles hasta el 8 de abril de 2026. Además, confirmó la renovación para una cuarta temporada, lo que refuerza la proyección global de la producción e incorpora nuevas oportunidades para el desarrollo de los personajes y la exploración de historias inéditas.

Motivación y sentido profesional

Para Ford, Shrinking representa mucho más que un regreso al set: es la oportunidad de reconectar con la esencia de la actuación y recuperar el entusiasmo por su profesión.

El actor manifestó que este proyecto le brindó el valor y el sentido que buscaba en su trayectoria, permitiéndole redescubrir la pasión que impulsó sus primeros años en la industria.

El enfoque colaborativo del equipo, la llegada de figuras legendarias como Fox y Daniels, y la respuesta positiva del público han consolidado la relevancia de Shrinking en el panorama televisivo actual.

Ford, lejos de conformarse con los logros del pasado, encontró en este proyecto una fuente renovada de inspiración y una oportunidad de crecimiento personal y artístico.

Un fenómeno en expansión

La serie continúa sumando seguidores a nivel internacional y ha generado expectativa por las nuevas historias que presentará en la próxima temporada. Sin radares, ni comunicación por radio, el equipo de Shrinking apuesta por la autenticidad de los vínculos entre los personajes y la profundidad de los temas tratados.

La suma de talentos, la renovación constante y la búsqueda de excelencia actoral prometen mantener a la audiencia cautiva, consolidando a Shrinking como uno de los títulos más destacados de la plataforma.

La experiencia de Ford en Shrinking se ha convertido en un testimonio de resiliencia y renovación para actores de todas las generaciones. La serie, impulsada por un elenco de figuras consagradas y nuevas incorporaciones de peso, reafirma la vigencia de las historias bien contadas y el impacto de los proyectos que apuestan por la calidad y la innovación.

El contrato, valorado en 750 millones de dólares, se firmó meses después del estreno de ‘F1’, dirigida por Joseph Kosinski. El filme, rodado con acceso especial al entorno de la Fórmula 1 gracias al visto bueno del director ejecutivo de la competición, Stefano Domenicali, se convirtió en la película deportiva más taquillera hasta la fecha y figura como candidata a cuatro premios Óscar. Según detalló EFE, la colaboración cercana entre los equipos de la Fórmula 1 y Apple durante la realización de la película permitió a la plataforma experimentar de primera mano los desafíos y particularidades de este deporte, lo que, según Cue, abrió “una gran oportunidad para seguir innovando” en la manera en que se presenta la competencia en directo.

Entre las funciones avanzadas que ofrecerá la transmisión en Apple TV, Eddy Cue adelantó a EFE que los usuarios podrán elegir seguir a sus pilotos favoritos con un solo clic. Se habilitará la visualización de acciones simultáneas de otros monoplazas, buscando que la experiencia en pantalla refleje la complejidad y exigencia de conducir vehículos de Fórmula 1. La plataforma también incorporará recursos visuales para dotar a la cobertura de un carácter más cinematográfico, intentando trasladar la intensidad y dificultad de las carreras al público general. Cue sostuvo que, tras la experiencia vivida en el proceso de filmación, la percepción sobre el nivel atlético de los pilotos cambió: “La película hizo que la gente viera lo difícil y lo increíbles que son los atletas que manejan esos carros... Parece fácil pero es una de las cosas más difíciles en el mundo”, dijo el ejecutivo a EFE.

Apple TV refuerza así su apuesta por la programación deportiva en directo. EFE consignó que la plataforma ya había anunciado en noviembre que desde 2026 todos los partidos de la Major League Soccer (MLS) estarán disponibles para suscriptores en Estados Unidos, sumándose a la transmisión de los Friday Night Baseball iniciada en 2022. Cue aseguró que anticipa el año más importante para el catálogo deportivo de la plataforma, “más grande que hemos tenido en deporte”, en palabras recogidas por la agencia.

En cuanto a otros vínculos de Apple con el espectáculo deportivo, el medio EFE puntualizó que, aunque Apple TV no transmite el Super Bowl, sí mantiene presencia a través del patrocinio de Apple Music al espectáculo del medio tiempo. Para la edición correspondiente, el puertorriqueño Bad Bunny encabezará el show, convirtiéndose en el primer solista hispano en asumir ese rol. Cue expresó su entusiasmo, recordando los logros recientes del artista y mencionando que espera ver lo que considera será “el espectáculo de medio tiempo más grande del mundo”.

Apple TV también aprovechó la ocasión para anunciar próximas producciones de entretenimiento previstas para 2026. Según EFE, el evento de presentación reunió numerosas figuras y adelantó algunos estrenos destacados, como la serie 'Lucky' con la actuación de Ana Taylor-Joy; 'Outcome', una película protagonizada por Keanu Reeves; y la adaptación televisiva de 'Cape Fear' con la participación de Amy Adams, Patrick Wilson y Javier Bardem.

Todos estos movimientos refuerzan la estrategia de Apple TV de posicionarse como un actor relevante tanto en la transmisión deportiva en directo como en la producción de contenidos audiovisuales originales, en un mercado donde la oferta por derechos y experiencias innovadoras continúa en expansión, conforme al panorama detallado por EFE y declaraciones de alto nivel en la compañía.

Apple TV apuesta fuerte para 2026 con el anuncio de una docena de nuevas series y películas originales que llegarán a la plataforma a lo largo del año.

La empresa celebró su “Apple TV Press Day” en Santa Mónica, donde reunió a figuras consagradas y emergentes de la industria para presentar su renovada estrategia de contenidos exclusivos y fechas de estreno que marcarán la agenda del streaming. Entre los invitados estuvieron Jon Hamm, Anya Taylor-Joy, Kurt Russell, Jennifer Garner, Keanu Reeves, James Marsden y muchos más.

Durante el evento, Apple reafirmó su apuesta por la creación de contenidos originales de alta calidad. Tras el éxito de títulos anteriores como ‘Severance’ y ‘Silo’, la compañía busca repetir la fórmula con una cuidada selección de historias nuevas que abarcan desde el thriller psicológico hasta la comedia, pasando por la acción, la aventura y el drama de época.

Series que buscarán conquistar al público de Apple TV en 2026

Entre las novedades más destacadas de Apple TV para 2026 sobresalen varias series originales que cubren géneros diversos y prometen captar tanto a los seguidores de producciones de autor como al público generalista.

Imperfect Women inaugura la temporada de estrenos el 18 de marzo, abriendo la lista de lanzamientos del año. A finales de abril, el día 29, llegará Widow’s Bay, una serie que combina el terror y la comedia en una isla de Nueva Inglaterra. La trama sigue a un personaje interpretado por Matthew Rhys, empeñado en convencer a los turistas de que todo está bajo control a pesar de los extraños sucesos que inquietan a la comunidad local.

El 15 de julio será el turno de Lucky, una miniserie protagonizada por Anya Taylor-Joy. Inspirada en una novela de éxito, la historia sigue a una joven que intenta dejar atrás un pasado criminal, pero se ve forzada a enfrentar la oscuridad para sobrevivir. El 24 de julio debutará The Dink, una comedia con Jake Johnson y Mary Steenburgen en los papeles principales.

Otra serie esperada es Maximum Pleasure Guaranteed, cuyo estreno está previsto para el 20 de mayo. La producción se presenta como un thriller cómico encabezado por Tatiana Maslany. En abril, el día 15, también llegará Margo’s Got Money Troubles, que adelantó su primer avance durante el evento.

La plataforma decidió renovar anticipadamente algunas de sus producciones más exitosas. La temporada 2 de Your Friends & Neighbors ya tiene tráiler y la compañía confirmó que la serie contará con una tercera entrega.

Películas originales de Apple TV para 2026

El catálogo cinematográfico de Apple TV también se amplía con propuestas de alto perfil y repartos de renombre. El 10 de abril se estrenará Outcome, una comedia negra con Keanu Reeves en el papel protagónico.

El 5 de junio verá la luz Cape Fear, una reinterpretación moderna del clásico, con la producción ejecutiva de Martin Scorsese y Steven Spielberg. La historia sigue a una pareja de recién casados que debe enfrentarse a un hombre que busca venganza tras salir de prisión.

Mayday, protagonizada por Ryan Reynolds y Kenneth Branagh, está programada para el 4 de septiembre. Por su parte, Matchbox: The Movie llegará el 9 de octubre con John Cena, Jessica Biel, Sam Richardson, Teyonah Parris y Arturo Castro en los roles principales. Esta película de acción y aventuras promete escenas espectaculares y una trama trepidante de espionaje, con Cena interpretando a un agente especial de la CIA.

El cierre de la temporada cinematográfica lo marcará Way of the Warrior Kid, que se estrenará el 20 de noviembre. Este filme cuenta con la participación de Chris Pratt, Linda Cardellini y Jude Hill, y se inscribe dentro de los contenidos originales de alto nivel que la plataforma planea para el tramo final del año.

Fechas de estreno confirmadas para Apple TV en 2026

• Eternity: 13 de febrero
• Imperfect Women: 18 de marzo.
• Outcome: 10 de abril.
• Margo’s Got Money Troubles: 15 de abril.
• Widow’s Bay: 29 de abril.
• Maximum Pleasure Guaranteed: 20 de mayo.
• Cape Fear: 5 de junio.
• Lucky: 15 de julio.
• The Dink: 24 de julio.
• Mayday: 4 de septiembre.
• Matchbox: The Movie: 9 de octubre.
• Way of the Warrior Kid: 20 de noviembre.

Se abre el telón. En las oscuras calles de Los Ángeles, un taciturno detective arrastra su gabardina de bar en bar en busca de la pista que resuelva el caso que lo trae de cabeza. A su alrededor, gente de todo tipo trata de engañarle, pero cuando todo parece estar perdido, una extraña e inquebrantable fe en la justicia le hace no rendirse hasta el final... mientras suena música jazz de fondo.

Conocemos este tipo de historias: las hemos leído más de una vez en novelas de Raymond Chandler o James Ellroy, o visto en producciones como Chinatown o L.A. Confidential. Sin embargo, de vez en cuando este género se revitaliza con propuestas como Sugar, una serie que en apariencia debería estar destinada a cumplir con todos los tópicos del suspense clásico, pero que en el momento menos esperado se revuelve hasta convertirse en una serie absolutamente distinta.

Pero ¿de qué va Sugar? Todo empieza cuando John Sugar, un investigador privado estadounidense, empieza una investigación para resolver la misteriosa desaparición de Olivia Siegel, la adorada nieta de un famoso productor de Hollywood. Ahora, ¿qué pasaría si esta premisa se viera de repente absolutamente interrumpida por uno de los giros de guion más locos que pueda uno imaginarse? Esto es lo que ocurre con esta serie en la que destaca en todo momento la interpretación de su actor principal, Colin Farrell.

Una película de detectives hecha con películas de detectives

Ahora bien, Sugar es mucho más que una serie con un impactante volantazo. La revisión del género de las historias de detectives privados se da desde un principio, por ejemplo, en la personalidad de su protagonista. John Sugar no es un tipo duro y amargado, sino todo lo contrario, un buenazo que preferiría no hacerle daño a nadie y por el que es muy fácil sentir cariño. ¡Hasta ama a los perros!

A este giro del típico detective habría que sumarle el singular estilo visual de la serie, firmado entre otros por el oscarizado cineasta brasileño Fernando Meirelles. Este director combina la estética del noir más clásico con momentos de cine experimental en los que se insertan fragmentos de películas clásicas de suspense, que subrayan la conexión entre Sugar, serie de 2023, con todas las obras maestras que la preceden.

Es así como podemos encontrarnos con fragmentos de Los sobornados, de Fritz Lang, El beso mortal, de Robert Aldrich o Johnny Guitar, de Nicholas Ray, entre muchas otras películas. Por si fuera poco, estas ‘pausas’ en el tiempo tienen una explicación: John Sugar es, además de un investigador, un cinéfilo empedernido que no puede evitar relacionar todo lo que le ocurre con fragmentos de sus clásicos favoritos.

Si no has visto la serie, no busques nada sobre ella

La mayoría de críticas que recibió la serie fueron positivas. Así, la reseña del medio británico The Telegraph celebraba la serie como “un museo conservado de las películas de mediados del siglo XX” y aplaude la interpretación de Farrell, definiéndola como una “lección magistral de elegancia”. Sin embargo, dado el giro de guion deja claro que puede tratarse de una serie que “te convence o no te convence”, pero que en ningún caso te deja indiferente.

En el caso de la audiencia, Sugar se convirtió pronto en una de las producciones favoritas de los usuarios de Apple TV+, plataforma en la que muy pronto se estrenará su segunda temporada. “A mí, personalmente, me encanta la combinación de una historia clásica con un giro argumental diferente a todo lo que hayas visto antes”, aclara un usuario de Imdb en una de las reseñas más destacadas. “Por favor, no hagáis como yo”, advierte otro. “No busquéis detalles de la nueva temporada antes de terminarla, porque revela la originalidad de la trama y es una sorpresa total”. Desde aquí, suscribimos este sabio consejo.

Apple TV acaba de presentar el primer avance de Margo tiene problemas de dinero, una nueva serie que llegará a la plataforma el 15 de abril. La producción, liderada por Elle Fanning, cuenta con un reparto destacado que integra a Michelle Pfeiffer, Nick Offerman y Nicole Kidman. La historia, basada en la novela de Rufi Thorpe, muestra el recorrido de una joven embarazada y sin recursos que busca alternativas para sobrevivir en un entorno marcado por la precariedad y la presión familiar.

La trama sigue a Margo, interpretada por Fanning, una aspirante a escritora que atraviesa una etapa crítica: sin dinero, embarazada y emocionalmente agotada. En una de las escenas del adelanto, Margo se rinde en la sección de bebés de una gran tienda. El breve teaser, revelado durante un evento de prensa de Apple TV, anticipa la tensión y el humor negro que caracterizan a la serie. La madre de la protagonista, Shayanne (Michelle Pfeiffer), se muestra inflexible ante la situación y le exige que se levante del suelo, argumentando: “No hay víctimas en Bloomingdale’s”.

El reparto incluye a Pfeiffer y Offerman en los papeles de los padres de Margo. Shayanne, madre de la protagonista, fue camarera en un restaurante Hooters, mientras que su esposo, interpretado por Offerman, es un exluchador profesional. El elenco se completa con Nicole Kidman, Thaddea Graham, Marcia Gay Harden, Greg Kinnear, Michael Angarano, Rico Nasty y Lindsey Normington, aportando diversidad y experiencia a la producción.

La serie es una adaptación de la novela de Rufi Thorpe, cuyo relato examina cómo una mujer joven recurre al mundo digital para salir adelante. David E. Kelley, conocido por su trabajo en Big Little Lies y Presunto inocente de Apple, es responsable de la adaptación y cumple funciones de showrunner. Este proyecto marca la primera colaboración televisiva entre Kelley y Michelle Pfeiffer, quienes están casados desde hace treinta y dos años. Anteriormente, Kelley escribió el guion de la película To Gillian on Her 37th Birthday, protagonizada por Pfeiffer en 1996, pero hasta ahora no habían coincidido en una producción para la pantalla chica.

Uniendo creativos

La propuesta cuenta con la participación de varias productoras de renombre. Kelley comparte la producción ejecutiva con Elle Fanning, Dakota Fanning y Brittany Kahan Ward a través de Lewellen Pictures; Nicole Kidman y Per Saari de Blossom Films; Matthew Tinker por David E. Kelley Productions; y la propia Michelle Pfeiffer, además de la autora Rufi Thorpe, Eva Anderson, Boo Killebrew y la directora del episodio piloto, Dearbhla Walsh (con antecedentes en Bad Sisters y Fargo). El equipo de dirección de la serie también incluye a Kate Herron (Loki) y Alice Seabright (Sex Education), aportando una mirada contemporánea y dinámica al relato.

A24, reconocida por su influencia en el cine y la televisión independiente, respalda la producción, lo que añade expectativas en torno a la calidad y el enfoque artístico de la serie. El estreno mundial está programado para el 15 de abril en Apple TV, que apuesta por esta historia de superación y sátira social como parte de su catálogo de novedades para 2026. El lanzamiento del teaser, breve pero contundente, busca generar expectativa entre los espectadores. Con una protagonista enfrentada a la adversidad y un reparto multinominado, la serie se perfila como uno de los estrenos más relevantes de la temporada para la plataforma, que continúa ampliando su oferta de contenido original con producciones de alto perfil y colaboraciones inéditas en el ámbito televisivo.

La segunda temporada continúa la historia en un momento crítico, con el destino de Monarch —y del mundo— en juego. En el adelanto, la personaje Cate Randa, interpretada por Anna Sawai, reflexiona sobre las consecuencias de sus acciones.“Presioné el botón. Saqué al genio de la botella”, dice.

El “genio” al que se refiere no concede deseos, sino que es un Titán mitológico que emerge del mar con la intención de destruir todo a su paso. La tensión aumenta cuando Kurt Russell, en el papel de Lee Shaw, pregunta: “¿Qué sigue?”, y Joe Tippett, como Tom, responde: “Consecuencias”.

El avance conduce a un giro dramático: Shaw concluye que para enfrentar a un monstruo de tal magnitud será necesario otro monstruo, o incluso dos. “Necesitamos a Kong. Y a Godzilla”, declara.

Esto anticipa un enfrentamiento épico en el que los dos icónicos monstruos del Monsterverse se unirán para combatir a la criatura que Apple describe como Titan X, un ser que no solo es un monstruo, sino “un cataclismo viviente”.

Además de Kurt Russell, la serie cuenta con la participación de su hijo en la vida real, Wyatt Russell, así como de Anna Sawai, Joe Tippett, Kiersey Clemons, Ren Watabe, Mari Yamamoto y Anders Holm.

La segunda temporada también incluirá apariciones especiales de Takehiro Hira, Amber Midthunder, Curtiss Cook, Cliff Curtis, Dominique Tipper y Camilo Jiménez Varón.

El tráiler fue presentado durante el press day de Apple TV en el Barker Hangar de Santa Mónica, donde el elenco y el equipo creativo participaron en un panel de discusión sobre la serie.

Monarch: Legacy of Monsters es producida por Legendary Television. Entre los productores ejecutivos figuran Harold y Tory Tunnell, de Safehouse Pictures, junto a Chris Black, Jen Roskind, Matt Shakman y Lawrence Trilling, quien dirigirá cuatro episodios de la temporada.

Andrew Colville escribe dos episodios y también ejerce como productor ejecutivo. Chris Black es el showrunner de esta segunda temporada. Por parte de Toho Co., Ltd., propietario del personaje de Godzilla, participan como productores ejecutivos Hiro Matsuoka y Takemasa Arita.

Apple TV mantiene un acuerdo de múltiples series con Legendary Entertainment, que incluye esta segunda temporada de Monarch: Legacy of Monsters y varios spinoffs, algunos en desarrollo.

En diciembre, la plataforma confirmó que avanzará con una serie precuela centrada en el joven Coronel Lee Shaw, interpretado por Wyatt Russell en ambas producciones.

Joby Harold, encargado de supervisar todo el Monsterverse en Apple TV, será el showrunner de la precuela bajo un acuerdo general con Legendary.

El universo de Monsterverse de Legendary también tiene otros proyectos en preparación, incluido el esperado secuela cinematográfica Godzilla x Kong: Supernova, programada para 2027.

La primera temporada de Monarch: Legacy of Monsters está disponible en Apple TV para quienes deseen ponerse al día antes del estreno de la segunda.

La autenticidad y el carisma de Williams convierten a su personaje, Gaby, en el eje de la historia, según relató la actriz en una entrevista con Rolling Stone.

En una cancha de baloncesto en Glendale, California, Williams despliega la energía que la distingue dentro y fuera de la pantalla. “La atracción de ‘Shrinking’ es que son personas con las que quieres pasar el tiempo”, declaró la actriz, quien añadió: “No es una serie cool, entre comillas. Es una serie accesible y tierna”.

Williams aporta a Gaby una riqueza emocional inspirada en sus propias experiencias. “Siento que el duelo me ha cambiado, la vida es corta y ahora solo quiero decir lo que no me deja dormir. Me resulta liberador estar en ese espacio en televisión. Me da libertad para ser yo misma”, afirmó.

La conexión del elenco se produjo de inmediato desde la primera lectura del guion, según Jason Segel. “La energía de esa reunión fue: ‘Jessica Williams nunca va a dejar caer la pelota’”, explicó el actor principal a Rolling Stone.

Michael Urie, compañero de reparto, resaltó la capacidad de Williams para improvisar: “Es la mejor improvisadora con la que he trabajado”.

Trayectoria personal: talento, duelo y autenticidad

Nacida en Los Ángeles, Williams eligió el teatro desde pequeña, prefiriéndolo por encima de los deportes. Asistió a la universidad y luego se integró a la famosa compañía de improvisación Upright Citizens Brigade. Con solo 22 años, fue la corresponsal más joven en la historia de The Daily Show.

En 2019, Williams atravesó una etapa difícil por la muerte de su pareja. “Fue como si me hubieran arrancado una parte del alma”, recordó durante la entrevista con Rolling Stone.

“Me cambió profundamente. Ahora me considero más sensible, lloro por todo: cuando estoy feliz, cuando mi perro hace algo tierno, y cuando estoy triste o molesta”, aseguró la actriz. Y agregó: “Como mujer negra, me siento triste y molesta casi todo el tiempo. Pero tuve que incorporar eso en mis elecciones de vida y en mi trabajo como actriz”.

Este proceso llevó a Williams a definirse como una persona y una intérprete con un cartel de “manéjese con cuidado”. “Siempre estamos de duelo. Creo que el proceso es aprender a estar cómodo con la incomodidad”, reflexionó.

La conexión con Shrinking fue inmediata cuando los creadores le propusieron construir a Gaby considerando su sensibilidad. “Bill Lawrence quería que Gaby fuera para mí. Querían que aportara mi forma de sentir para dar vida a este personaje. Eso es muy especial”, señaló.

El efecto Williams: reconocimiento, éxito y filosofía vital

El avance de la serie fue progresivo, logrando nominaciones al Emmy tanto para Williams como para Jason Segel, Harrison Ford y Michael Urie, así como una nominación a mejor comedia. “A veces es difícil no ser una sensación instantánea, pero agradezco que haya sido un éxito que va creciendo poco a poco. No sé si uno es más feliz siendo superfamoso, no sé cómo afecta eso mentalmente”, manifestó.

La actriz prefiere mantener un perfil bajo y disfrutar de una vida tranquila, paseando a su perro o dedicándose a pasatiempos lejos de los reflectores. “Creo que por haber crecido aquí, me mantengo alejada del negocio en ese sentido. Sufro mucha ansiedad social. Llego a una fiesta, me tomo unas fotos, me voy a casa y luego hablo con mis amigos de siempre”, admitió.

En el trabajo, su naturalidad marca una diferencia notoria. Michael Urie comentó al erspecto: “Le he contado mis problemas y luego recuerdo que no es mi terapeuta real, solo interpreta a uno en la serie”.

Para Williams, parte del atractivo de Shrinking reside en la autenticidad con la que el elenco representa versiones de sí mismos: “La otra vez mi depiladora me preguntó: ‘¿Todos son como sus personajes?’. Es un trabajo de ensueño”.

Nada la intimida al lado de celebridades. Sobre Harrison Ford, relató con humor que pensó que necesitaba ayuda, pero solo estaba comprando ropa y comiendo tacos con un vendedor.

Para Williams, el reconocimiento más valioso llega a través del público. “Estaba en Best Buy y un chico me dijo: ‘No sé de dónde te conozco, pero me inspiras mucha simpatía’. Fue una interacción perfecta”, relató a Rolling Stone.

El medio destaca que, la serie y el personaje de Gaby transmiten una calidez genuina, reflejo directo del espíritu que Jessica Williams imprime en cada capítulo. La autenticidad, la naturalidad y el crecimiento personal definen tanto a la actriz como a la producción que lidera. La conexión emocional con el público es el mayor logro de esta etapa en su carrera.

La función A cantar requiere una suscripción a Apple Music y un Apple TV 4K (tercera generación) con tvOS 26 o posterior. Cualquier usuario con iOS 26 o posterior y conexión WiFi puede utilizar un iPhone SE (segunda generación o posterior) o iPhone 11 o modelos más nuevos como micrófono.

Cabe señalar que cualquier persona que esté conectada a la misma red WiFi y use un iPhone con iOS 26 o posterior puede unirse a la fiesta; solo la persona que inició la sesión necesita una suscripción a Apple Music.

Cómo activar esta función de karaoke de Apple Music

Para activar la función A cantar en Apple TV 4K, sigue estos pasos:

1. Selecciona el ícono de A cantar en la pantalla de inicio del Apple TV 4K o entra en la app Música en tu iPhone y ubica la opción A cantar en la parte superior.
2. Desplázate hacia abajo para explorar las listas de canciones seleccionadas especialmente para esta función, organizadas por género, artista o década.
3. Navega a la izquierda o derecha en cada fila para revisar mixes o playlists y selecciona la opción que desees.

Dentro de cada mix o playlist puedes:

• Iniciar la reproducción desde el principio seleccionando Reproducir.
• Conectar tu iPhone como micrófono eligiendo Conectar micrófono del iPhone.
• Reproducir canciones en orden aleatorio seleccionando Aleatorio.
• Agregar canciones a una playlist existente o crear una nueva.
• Mantener presionado sobre una canción para ver más opciones, como ir al artista o álbum, ver la letra o crear una estación.

Al comenzar la reproducción, se abre la pantalla En reproducción, donde puedes controlar la música, ver información adicional y consultar la letra si está disponible.

Para usar tu iPhone como micrófono en la función A cantar de Apple Music, sigue estos pasos:

1. En el Apple TV 4K, selecciona el ícono de A cantar en la pantalla de inicio o entra en la app Música y busca la opción en la parte superior.
2. Elige un mix o playlist y selecciona Conectar micrófono del iPhone. También puedes hacerlo desde cualquier canción con letra sincronizada, mostrando los controles de reproducción.
3. Escanea el código QR que aparece en la pantalla del televisor con la cámara de tu iPhone. Una vez conectado, los controles del micrófono estarán disponibles en tu iPhone y podrás ver la letra y escuchar tu voz a través del televisor.
4. El código QR permanece visible para que hasta 30 personas puedan unirse, aunque solo un micrófono puede estar activo a la vez.
5. Sigue las instrucciones en pantalla para ajustar la salida de audio a tu TV o a bocinas cableadas (no es compatible con bocinas inalámbricas tipo HomePod).
6. Cuando estés listo, selecciona Empezar a cantar en el Apple TV 4K o en el control remoto.

Durante la reproducción, desde tu iPhone puedes:

• Activar o desactivar el micrófono.
• Ajustar el volumen del micrófono.
• Modificar la voz de la canción y la reverberación.
• Agregar canciones a la lista.
• Enviar reacciones con emojis animados.

Para finalizar, selecciona Desconectar micrófono en el Apple TV 4K o en tu iPhone.

Cuándo activar esta nueva función de karaoke de Apple Music

La función de karaoke ‘A cantar’ de Apple Music es ideal para reuniones con amigos, celebraciones familiares o simplemente para disfrutar de una noche cantando en casa. Puedes activarla en cumpleaños, fiestas temáticas o durante una tarde relajada para animar el ambiente.

También es perfecta para practicar tus canciones favoritas antes de una presentación o simplemente para divertirte, convirtiendo cualquier momento cotidiano en una experiencia de karaoke personalizada.

En esta nueva etapa, Farrell regresa a Los Ángeles tras una misión en Japón. Su nuevo caso lo lleva a colaborar con Jonathan Siegel, un reputado productor de Hollywood interpretado por James Cromwell, quien le encarga la búsqueda de su nieta Olivia, desaparecida en circunstancias misteriosas. Esta investigación se entrelaza con la vida personal del detective y con una red de personajes complejos: su ex madrastra Melanie, antigua estrella del rock encarnada por Amy Ryan; su padre, interpretado por Dennis Boutsikaris; y su hermano David, al que da vida Nate Corddry, implicado en una serie de acusaciones de acoso sexual. Todo ello mientras Sugar continúa buscando a su propia hermana, desaparecida tiempo atrás, lo que añade una dimensión personal y melancólica a su trabajo.

John Sugar es un detective privado atípico dentro del género negro. A diferencia de los clásicos sabuesos duros y antipáticos que han poblado la ficción durante décadas, Sugar es un hombre serio, de pocas palabras pero cercano, marcado por una moral rígida y un carácter melancólico. Su pasión por el cine clásico lo diferencia aún más: es un cinéfilo empedernido, suscriptor de publicaciones especializadas como Sight and Sound, Cahiers du Cinéma y American Cinematographer. El imaginario detectivesco del Hollywood dorado alimenta su vocación y su forma de abordar los casos, otorgándole un perfil singular dentro de la narrativa televisiva actual.

El personaje que encarna Colin Farrell no solo destaca por su ética, sino también por su empatía: frecuentemente ayuda a personas en situación de vulnerabilidad, incluidos los sin techo, y siente un especial cariño por los perros. Vive en Los Ángeles y se considera especialmente dotado para localizar a personas desaparecidas, lo que lo convierte en una figura indispensable dentro del universo de la serie.

Sugar no oculta sus referencias ni su homenaje al cine negro. La dirección de la ficción está en manos de cineastas reconocidos como Fernando Meirelles, responsable de Ciudad de Dios, y Adam Arkin. Ambos aprovechan el potencial visual del género, alternando secuencias en color y blanco y negro, e incorporando influencias de obras emblemáticas. El primer episodio incluye guiños explícitos a películas como Los sobornados de Fritz Lang, con Glenn Ford; Gilda de Charles Vidor; Johnny Guitar de Nicholas Ray; El beso mortal de Robert Aldrich y El extraño amor de Martha Ivers de Lewis Milestone. El resultado es una propuesta metacinematográfica que convierte cada capítulo en una carta de amor al noir, fusionando lo clásico con una sensibilidad contemporánea y cierta estética vintage.

Así será la 2º temporada

La nueva temporada incorpora a Tony Dalton, Raymond Lee y la actriz Sasha Calle, conocida por su paso por Supergirl. Colin Farrell, además de protagonizar, ejerce como productor ejecutivo junto al creador Mark Protosevich, guionista de títulos como La celda, Oldboy y Soy leyenda. Sam Catlin asume las funciones de showrunner y productor ejecutivo, acompañado por Simon Kinberg.

La primera temporada de Sugar consiguió un 81% de aprobación entre la crítica y un 80% entre el público en Rotten Tomatoes, manteniéndose durante varias semanas entre las producciones más vistas de Apple TV. Estas cifras elevan las expectativas para el nuevo ciclo, que busca sostener el éxito con el regreso de Farrell y la incorporación de nuevos talentos al reparto.

En el panorama actual de la plataforma, la serie más vista es Hijack, con Idris Elba al frente, que atraviesa una segunda temporada envuelta en controversia tras la buena acogida inicial. El fenómeno de ciencia ficción Pluribus persiste en los listados de popularidad, mientras que la película F1, protagonizada por Brad Pitt, destaca como el título más exitoso en taquilla, superando los 600 millones de recaudación. El regreso de Sugar llega así en un momento de alta competencia dentro del catálogo de Apple TV, reforzando la apuesta de la plataforma por el género negro y las producciones de alto perfil.

Apple cerró un acuerdo con el escritor Brandon Sanderson para adaptar el Cosmere, el universo literario que conecta la mayor parte de sus novelas de fantasía, en lo que se perfila como uno de los proyectos más ambiciosos en la historia de la plataforma de streaming.

El pacto incluye la participación directa del autor en el desarrollo y la producción de las adaptaciones, con control creativo sobre guiones, enfoques narrativos y fidelidad respecto a las obras originales.

La información fue adelantada por The Hollywood Reporter y confirma que Apple se quedó con unos derechos que durante años fueron objeto de interés y disputas en Hollywood. El Cosmere reúne sagas de enorme popularidad como Nacidos de la bruma (Mistborn) y El archivo de las tormentas, además de novelas independientes que comparten un mismo universo, reglas mágicas y eventos interconectados.

Uno de los puntos centrales del acuerdo es el rol de Sanderson. El escritor será productor ejecutivo y tendrá poder de decisión en aspectos clave de las adaptaciones, algo poco habitual en producciones de este calibre.

En distintas ocasiones, el autor había manifestado su reticencia a llevar sus libros a la pantalla si eso implicaba perder el “alma” de las historias. “No quiero que mis libros sean una mercancía para la televisión o el cine si eso significa perder el alma de la historia”, llegó a declarar públicamente.

Esa postura explica por qué, pese a la popularidad del Cosmere, las adaptaciones nunca avanzaron de forma concreta hasta ahora. El propio Sanderson reconocía hace poco que “aún no era el momento”, aunque también dejaba claro que su exigencia era poder escribir y controlar la narrativa. Según trascendió, Apple aceptó esas condiciones, lo que habría sido decisivo para cerrar el acuerdo.

En cuanto al plan creativo, se dice que Nacidos de la bruma sería la primera obra en llegar a la pantalla, probablemente en formato de franquicia cinematográfica. Más adelante, El archivo de las tormentas se desarrollaría como una serie, aprovechando su estructura extensa y coral.

El objetivo sería construir un universo compartido coherente, con historias que se desplieguen en distintos formatos audiovisuales, aunque por el momento no hay confirmaciones oficiales sobre el orden, los plazos ni el alcance exacto del proyecto.

Tampoco se conocen detalles sobre el elenco, los equipos técnicos o las fechas de estreno. De hecho, todo indica que las producciones aún se encuentran en una etapa temprana de desarrollo. Lo que sí está confirmado es que el acuerdo ya está cerrado y que el trabajo creativo está en marcha.

Para Apple TV, el Cosmere representa un salto peculiar. La plataforma ya cuenta con series reconocidas como Separación, Silo, Fundación o la reciente Pluribus, pero este proyecto va más allá de sumar una nueva producción de prestigio. Se trata de una apuesta a largo plazo por una franquicia de gran escala, con una base de millones de lectores en todo el mundo y un universo narrativo pensado desde su origen para crecer y expandirse.

En términos de potencial, el Cosmere suele ser comparado con fenómenos como Harry Potter o El Señor de los Anillos dentro de la fantasía contemporánea. A diferencia de otras sagas literarias, el entramado creado por Sanderson conecta personajes, conceptos y acontecimientos entre distintas historias, lo que ofrece múltiples posibilidades para el desarrollo audiovisual.

Además, Apple no solo adquiere derechos sobre obras ya publicadas, sino sobre un universo que sigue en expansión. Sanderson tiene previstas nuevas novelas del Cosmere para los próximos años, lo que abre la puerta a que el crecimiento del material literario y el audiovisual avancen de forma paralela.

El inesperado regreso de Michael J. Fox a la pantalla con la tercera temporada de Shrinking sorprendió al público.

En esta nueva etapa, el actor interpretó a Jerry, un paciente con Parkinson, y volvió a trabajar junto a Bill Lawrence, el creador de la serie, con quien compartió la experiencia de Spin City.

Fox, diagnosticado con Parkinson a los 29 años, interrumpió su retiro tras ver el programa.

Según contó a People, tras terminar los episodios, llamó a Lawrence y le dijo con su característico humor: “¿Cómo hicieron una serie sobre Parkinson y no me llamaron?”.

El comentario, que provocó risas, se convirtió en el punto de partida para su regreso.

Lawrence confirmó a LA Times que cada vez que Fox anunciaba su retiro, él lo creía, pero no tardaba en surgir una nueva oportunidad para colaborar.

En la ficción de Shrinking, su personaje se cruzó en una sala de espera con el Dr. Paul Rhoades, encarnado por Harrison Ford.

Ambos personajes viven con Parkinson, lo que les permitió compartir experiencias y humor, dos elementos que definen el tono de sus escenas.

Al hablar sobre su encuentro con Ford, el artista relató a LA Times que él resultó ser “increíblemente amable y atento”.

Explicó que observar la manera en la que su compañero de escena abordó su personaje le permitió comprender por qué es una de las figuras más reconocidas del cine.

Para Michael J. Fox, volver al set no implicaba una campaña para relanzar su carrera. Su motivación fue mucho más personal: buscaba algo que le resultara divertido y genuino.

Explicó a People que, por primera vez, llegó al set sin preocuparse por el cansancio o por posibles toses: “Era la primera vez que iba al plató y no tenía que preocuparme por si estaba demasiado cansado o tosía o cualquier otra cosa”.

“Simplemente lo hago. Fue muy bueno, porque en los momentos en los que digo: ‘No voy a poder hacerlo’, entonces digo: ‘Bueno, simplemente lidiaré con el hecho de que no puedo hacerlo en la escena’. Y lo superas”, resumió.

Cuando surgían dificultades físicas, decidió integrarlas a la escena, logrando así una naturalidad poco habitual en televisión.

El origen del personaje de Jerry se dio en diálogo con Bill Lawrence. El actor pidió no interpretarse a sí mismo conviviendo con el Parkinson, sino “a un tipo cualquiera”.

Lawrence contó a People que la incorporación de Fox llevó la historia a “un nuevo nivel de autenticidad”.

Además, reconoció que la enfermedad no debía verse como una sentencia, sino como una condición ante la que se puede mantener la esperanza y el sentido del humor.

La dinámica entre los personajes de Fox y Ford sirvió para mostrar la importancia de encontrar un par, alguien que comparte la misma experiencia.

En ese sentido, Michael J. Fox recalcó a LA Times que “solo alguien que lo vive realmente puede comprenderlo”.

Según Lawrence, el equipo de guionistas evitó la compasión superficial y apostó por una perspectiva basada en la esperanza y el humor.

En el set, el retorno del actor fue recibido con entusiasmo tanto por el equipo joven como por los más experimentados.

Bill Lawrence relató a People que todos destacaron su “impresionante sentido del humor”, una cualidad que sigue presente en su trabajo.

Además, la presencia de Fox aportó un ambiente especial durante las grabaciones y permitió que nuevos integrantes del equipo apreciaran su estilo y profesionalismo.

Durante los años de retiro, la estrella de Volver al futuro dedicó su tiempo tanto a su familia como a la fundación que lleva su nombre.

Ahora, con sus hijos ya adultos, decidió regresar a la actuación de manera ocasional.

Como él mismo explicó a LA Times, no busca reconocimiento profesional ni iniciar una nueva etapa en su carrera, sino aprovechar oportunidades que le resulten valiosas y placenteras.

“Y pensé: ‘Hazlo por el simple hecho de hacerlo’. No tengo ningún plan. No tengo por qué volver a actuar ni nada por el estilo. Será divertido. Y además está Harrison Ford, lo cual es una locura”, afirmó.

Sobre su relación con el Parkinson, Fox manifestó que la enfermedad añadió a su vida “una dimensión más dinámica y cargada de posibilidades”.

Insistió en que su objetivo es vivir plenamente, aprovechar cada oportunidad y seguir haciendo lo que le gusta hasta el final.

La tercera temporada de Shrinking estrenó su primer episodio el pasado 28 de enero y continuará con nuevos capítulos cada miércoles hasta abril en Apple TV.

Después de casi tres años de incertidumbre, Ted Lasso está oficialmente de vuelta. Este 28 de enero, Apple TV+ presentó el primer vistazo de la esperada cuarta temporada de la comedia deportiva protagonizada por Jason Sudeikis y confirmó que los nuevos episodios de la premiada serie llegarán en el verano de 2026.

Nuevamente, la fe en el crecimiento personal y colectivo funcionará como motor narrativo de la trama. Según la sinopsis oficial difundida por Apple TV+, “Ted regresa a Richmond, enfrentando su mayor desafío hasta ahora: entrenar a un equipo femenino de fútbol de segunda división”.

“A lo largo de la temporada, Ted y el equipo aprenden a saltar antes de mirar, asumiendo riesgos que nunca pensaron que tomarían”.

Este punto de partida conecta directamente con una de las ideas que había quedado insinuada al final de la tercera temporada, cuando Keeley Jones sugería la creación de un equipo femenino y Rebecca Welton reafirmaba su compromiso con el futuro de AFC Richmond.

En las primeras imágenes oficiales, la plataforma de streaming muestra al protagonista en plena tarea. También se ve el regreso de Hannah Waddingham y otros miembros del elenco original.

El retorno de Ted Lasso fue una total sorpresa para los fans, ya que su temporada 3 había sido planteada como una despedida en 2023. En el capítulo final, Ted decide regresar a Estados Unidos para estar más cerca de su hijo Henry, dejando AFC Richmond en manos de Roy Kent, quien asume el rol de entrenador principal. Rebecca, por su parte, evalúa vender el club, pero finalmente decide conservarlo al comprender su importancia para la comunidad. Por su parte, Keeley continúa con su carrera en el mundo de las relaciones públicas con su propia empresa.

“Este es el final de la historia que queríamos contar, que esperábamos contar y que nos encantó contar”, declaró en su momento Sudeikis. Sin embargo, también reconoció el entusiasmo del público: “El hecho de que la gente quiera más y tenga curiosidad por lo que sigue es halagador”.

Reparto confirmado y nuevas incorporaciones

Apple TV+ confirmó que, además del protagonista, regresan Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift. Goldstein interpretará nuevamente a Roy Kent, y además participa esta vez como guionista y productor ejecutivo.

La cuarta temporada suma nuevos nombres al elenco: Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsey, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely, quien asumirá el rol de Henry, el hijo de Ted, tras un recast del personaje.

Otros actores históricos de la serie no han sido confirmados, aunque podrían aparecer como invitados.

El rodaje de la nueva temporada comenzó en julio de 2025 en Kansas City, Missouri, ciudad clave en la historia personal de Ted Lasso. Para anunciar el inicio de la producción, Apple TV+ compartió un video del elenco reuniéndose nuevamente, un gesto que reforzó el tono nostálgico y celebratorio del regreso.

Según la nota de prensa de la serie, la cuarta temporada se estrenará globalmente en el verano de 2026 en Apple TV+, aunque aún no se ha precisado una fecha exacta.

Durante la jornada del 21 de enero de 2026, millones de usuarios reportaron dificultades para acceder a los servicios y aplicaciones de Apple en todo el mundo.

La falla que comenzó a generar mensajes de alerta en redes sociales y plataformas de monitoreo como Downdetector, fue reconocida por la propia compañía en su página de soporte oficial. Tras varias horas de interrupción, fue confirmado que los servicios de Apple volvieron a estar activos y operativos, devolviendo la normalidad a su ecosistema digital.

Qué servicios de Apple sufrieron una falla durante el 21 de enero de 2026

Durante varias horas, usuarios de todo el mundo experimentaron problemas para acceder a servicios clave del ecosistema Apple. Entre los más afectados estuvieron la App Store, Apple TV, Canales de Apple TV, iTunes Store, Apple Maps (incluyendo navegación y visualización de tráfico), y Apple Fotos.

La caída también impactó en la sincronización de archivos a través de iCloud y en el funcionamiento de aplicaciones empresariales como iWork.

La incidencia no solo afectó a quienes utilizan productos y servicios de Apple en su vida diaria, también a desarrolladores y a tiendas de aplicaciones de terceros en Europa, que dependen de la conectividad con la base de datos de la App Store para operar normalmente.

Durante la caída, los usuarios se encontraron con errores al intentar descargar o actualizar aplicaciones, reproducir contenido en Apple TV, alquilar o comprar películas digitales y acceder a archivos almacenados en la nube.

En el caso de Apple Maps, la visualización de rutas y el tráfico en tiempo real se vieron afectados, generando problemas para quienes dependían de la aplicación para la navegación.

Especialistas recomendaron no insistir en la descarga o actualización de aplicaciones hasta que Apple restableciera el servicio, para evitar errores adicionales o pérdidas de datos. Muchos usuarios optaron por alternativas temporales, como descargar Google Maps o recurrir a servicios de música en streaming como Amazon Music, que ofrecía pruebas gratuitas durante el periodo de inactividad de Apple Music.

La interrupción también afectó a profesionales que dependen de iWork en iCloud para el trabajo colaborativo y la sincronización de documentos en tiempo real. Algunos usuarios informaron no poder acceder a archivos críticos almacenados en la nube, lo que generó inconvenientes en entornos laborales y educativos.

Cómo verificar cuando los servicios de Apple tienen una caída

Para quienes desean verificar el estado de los servicios en tiempo real, plataformas como Downdetector se han consolidado como recursos confiables. Estos sitios recopilan reportes masivos de usuarios y muestran gráficos de incidencias, permitiendo identificar rápidamente interrupciones generalizadas antes de los comunicados oficiales.

En el caso de la caída de Apple, Downdetector reflejó un pico pronunciado de reportes que coincidieron con el periodo de inactividad, confirmando la magnitud global del incidente.

El episodio pone de relieve el papel central que ocupan los servicios digitales en la vida diaria y la necesidad de contar con mecanismos de información y respaldo para minimizar el impacto de caídas inesperadas en plataformas críticas para la comunicación, el entretenimiento y el trabajo.

Qué hacer si la nube está presentando fallas

En caso de que los servicios en la nube presenten fallas, la estrategia más efectiva para mantener el control de tus archivos es recurrir al almacenamiento local y físico. Entre las alternativas más seguras se encuentran el uso de discos duros externos, unidades SSD y memorias USB para transferir y resguardar información de manera rápida y accesible.

También es recomendable habilitar el acceso sin conexión en herramientas como Google Drive o OneDrive, lo que permite crear copias locales que se sincronizan automáticamente cuando el servicio se restablece.

Las tarjetas SD, por su parte, son útiles para ampliar la capacidad de dispositivos móviles y cámaras. Como medida preventiva, aplicar la regla 3-2-1 (tres copias de seguridad, en dos soportes diferentes y una fuera de línea) garantiza mayor protección y disponibilidad de los datos ante cualquier imprevisto.

La serie del momento es sin duda Pluribus. La ficción de, por ahora, nueve episodios, estrenada en Apple TV el pasado mes de noviembre, se ha convertido en la más vista de la plataforma en toda su historia -nació en 2019- y el pasado 11 de enero le dio a su protagonista Rhea Seehorn su primer Globo de Oro, y unos días antes el Critics’ Choice Award a la mejor actriz de serie dramática por el mismo papel.

Creada por Vince Gilligan, la mente detrás de Breaking Bad y Better Call Saul, Pluribus -título que deriva de la expresión latina e pluribus unum, que significa “de muchos, uno”-,se sitúa en Albuquerque y sigue a un virus de origen extraterrestre que ha infectado a casi toda la población mundial. Carol Sturka, a quien da vida Seehorn, una escritora de vida aparentemente anodina, descubre que es inmune. La serie cuenta además con un reparto coral en el que figuran Karolina Wydra, Carlos Manuel Vesga, Miriam Shor, Samba Schutte, Peter Bergman y Max Reeves.

No es casual que tras su éxito, Apple TV ya haya confirmado una segunda temporada. Y si te has quedado atrapado por su universo, hay una miniserie que también puede conquistarte: Maniac.

Disponible en Netflix y estrenada en septiembre de 2018, está protagonizada por la dos veces ganadora del Oscar Emma Stone y Jonah Hill, y fue creada por Patrick Somerville. Ambientada en un Nueva York retrofuturista, la serie sigue a dos desconocidos, Annie Landsberg (Stone) y Owen Milgram (Hill) que participan en un ensayo farmacéutico experimental que promete curar cualquier problema psicológico.

Lo que dicen los que la han visto: “La mejor interpretación de sus carreras”

Formado por diez capítulos, el primero se centra en Owen, mientras que el segundo se narra desde la perspectiva de Annie, pero ambos se centran en lo que sucede mientras se preparan para cruzar las puertas de Neberdine Pharmaceutical y participar en ese ensayo clínico de tres días.

La serie recibió muy buenas críticas por parte del público de la crítica. En Rotten Tomatoes, página web que recopila reseñas de críticos de cine y televisión, y también del público, obtuvo una puntuación total de 84 puntos sobre 100, la misma puntuación que por parte de los espectadores.

“Es salvaje, audaz, adictiva y oscila tan precariamente entre la realidad y la fantasía que el público se preguntará de inmediato qué es real y qué no”, describió en su crítica la periodista Jen Chaney, crítica de televisión en los medios estadounidense Vulture y New York.

The Guardian también alabó a la ficción tachándola de “maravillosa”. “Posiblemente la serie de televisión más redentora, inquietante y fascinante que ha aparecido en nuestras pantallas en mucho tiempo”, escribió el crítico Euan Ferguson.

Por otro lado, el público también se deshizo en elogios. “Puede que sea la mejor interpretación de sus respectivas carreras [de Stone y Hill]. Acabo de volver a verla por segunda vez. Sigue siendo la mejor miniserie del 2018″, escribió un usuario en la mencionada plataforma.

La leyenda del tenis estadounidense Andre Agassi será llevada a la pequeña pantalla con una serie documental que abordará Apple TV para explorar la complicada vida y carrera deportiva de El Kid de Las Vegas.

“16 años después de la publicación de su celebrada autobiografía Open: Memories, considerada como uno de los libros deportivos más importantes de la literatura estadounidense, Apple TV ha anunciado que estrenará una serie documental de varios episodios sobre la increíble vida de Andre Agassi”, informó este martes la plataforma en un escrito.

La serie “narrará la emocionante, compleja e inspiradora historia del ícono del tenis” y estará dirigida por el cineasta ganador del premio Emmy Chris Smith, producida por Smith’s Library Films y contará con la producción ejecutiva de Stacy Smith y Justin Gimelstob, agregó Apple TV.

Por el momento se desconoce la fecha de estreno de este proyecto, que se espera aborde detalles como su difícil infancia con su padre Mike, quien lo impulsó con fuerza desde pequeño, antes de ser enviado a la Academia de Tenis de Nick Bollettieri en Florida a los 13 años.

Considerado uno de los jugadores más emblemáticos de los años 90, Agassi alcanzó por primera vez el número 1 del ranking en 1995 y ganó 8 títulos Gran Slam: Abierto de Australia (1995, 2000, 2001, 2003), Roland Garros (1999), US Open (1994, 1999) y Wimbledon (1992).

Fuente: EFE.

Fotos: archivo.

Por paradójico que suene, el presente está lleno de futuros distópicos a la vuelta de la esquina. El miedo al futuro es algo compartido por muchos, pero de cara a imaginarlo, ayudan (y mucho) los grandes clásicos de ciencia ficción que, en especial desde el siglo XX, han proliferado tanto en el ámbito de la literatura como en el del cine y las series de televisión.

En este último ámbito, cabe destacar tanto el éxito como la calidad de propuestas recientes como Fundación o Separación, series de Apple TV+ que, ya sea a través de la adaptación de clásicos de la ciencia ficción o desde propuestas completamente originales, han logrado encarnar en el futuro algunos de los problemas más acuciantes del mundo actual.

Sin embargo, a esta lista de éxitos bien podría añadirse otro título de la plataforma que también ha causado furor desde su lanzamiento. Estamos hablando de Silo, una serie que desde su lanzamiento en 2023 (la segunda temporada se estrenó a principios del año pasado) se ha convertido en uno de los referentes del género.

Protagonizada por Rebecca Ferguson y Tim Robbins

En un mundo tóxico y en ruinas, la humanidad sobrevive en un gigantesco silo en el subsuelo. La convivencia en este lugar, sin embargo, se ve gravemente afectada cuando su sheriff incumpla una regla básica y varios residentes mueran en extrañas circunstancias. A raíz de este acontecimiento, una ingeniera llamada Juliette empieza una investigación que acaba por revelar varios secretos espeluznantes y la verdadera naturaleza del lugar en el que viven.

Creada por Graham Yost (guionista de series tan renombradas como Hermanos de sangre), Silo adapta la famosa serie de novelas de ciencia ficción Crónicas del Silo, escritas por Hugh Howey. Para ello, cuenta con un reparto estelar en el que destacan Rebecca Ferguson en el papel principal, junto a Common y Tim Robbins.

"Te mantendrá al borde de tu asiento durante cada episodio"

Aplaudida tanto por el público como por la crítica, la ambientación de la serie es uno de los elementos más destacados. El lugar en el que viven recluidos los supervivientes se expande a través de múltiples pisos llenos de pasillos, áreas ocultas y zonas comunes donde se desarrolla la vida. Es en este ambiente donde evoluciona toda la tensión que, capítulo a capítulo, la trama va acumulando hasta convertirse en una ficción realmente adictiva.

Este elemento ha hecho que muchos hayan descrito la serie como una fiel sucesora de Perdidos (Lost), si bien por el tono y la temática, otros tantos han destacado también su proximidad a lo reflejado por algunos de los grandes clásicos de la ciencia ficción. “Tiene toda la profundidad (y el terror) de 1984”, destaca una crítica del periódico británico Telegraph en relación con el famoso libro de George Orwell.

Por su parte, quienes ya han disfrutado de las dos primeras temporadas de la serie (se esperan, como mínimo, dos más en el futuro) también se han mostrado más que satisfechos con el resultado. “Hay muchas series postapocalípticas para elegir, pero Silo es una de las mejores que han salido en mucho tiempo”, destaca un usuario en Imdb. “Tiene tantos giros y vueltas geniales que te mantendrá al borde de tu asiento durante cada episodio”.

En 2025, la App Store ha impulsado su presencia al estar activa en 175 países y regiones, consolidándose como una de las plataformas digitales más relevantes a nivel global. De acuerdo con los datos divulgados por Europa Press, esta tienda virtual no solo ha alcanzado una cifra semanal promedio de más de 850 millones de usuarios en el mundo, sino que ha permitido que los desarrolladores acumulen más de 550.000 millones de dólares en ingresos desde 2008 provenientes de la venta de bienes y servicios digitales. Sumado a esto, durante 2024, el ecosistema de la App Store generó 1,3 billones de dólares en facturación y ventas, de las cuales el 90 por ciento no implicó el pago de comisiones a Apple por parte de los desarrolladores.

Según detalló Europa Press, la expansión internacional de estos servicios ha sido uno de los pilares del crecimiento de Apple en el último año. Tiendas digitales ubicadas en Estados Unidos, India, Japón y China registraron cifras inéditas en número de visitantes, con fechas como Nochebuena y Año Nuevo situándose entre los días de mayor tráfico. En palabras del vicepresidente sénior de Servicios de Apple, Eddy Cue, "el crecimiento extraordinario, la expansión internacional y la innovación continua" definen el desempeño de la compañía en 2025. Cue subrayó la obtención de nuevos récords en visitas, descargas y visualizaciones en las plataformas principales de la empresa.

Apple TV, el servicio de streaming de video de la compañía, experimentó un incremento del 36 por ciento en las horas de visualización en comparación con el año anterior. Según publicó el medio, la plataforma marcó su propio récord de audiencia mensual, demostrando una tendencia al alza en el consumo de contenidos digitales audiovisuales en el ecosistema de Apple.

Otro de los servicios que finalizaron el año con resultados positivos fue Apple Music, que celebró su décimo aniversario incorporando nuevas funcionalidades para sus usuarios. Entre las novedades introducidas en 2025 se encuentran la traducción y pronunciación de letras, la función AutoMix y la posibilidad de utilizar el iPhone como micrófono gracias a la característica Canta. El servicio Shazam, también parte del portafolio de Apple, superó los mil millones de reconocimientos mensuales y actualizó tanto su aplicación móvil como su versión web.

Según consignó Europa Press, Apple Pay afianzó su presencia global al estar disponible en 89 mercados y al asociarse con más de 11.000 bancos y socios de red, incluyendo más de 20 redes de pago locales. Este servicio evitó fraudes en todo el mundo por un valor superior a los mil millones de dólares durante 2025 y generó 100.000 millones de dólares en ventas adicionales para comercios en el mismo periodo.

En cuanto a Mapas de Apple, el servicio amplió la exploración detallada de ciudades a 34 urbes tras incorporar Nueva Orleans, Singapur y Mónaco a la lista, lo que permite visualizar lugares de interés en tres dimensiones. El medio también informó que el servicio Buscar aumentó sus funcionalidades agregando a 27 aerolíneas la opción 'Share Item Location', que posibilita la transmisión de la localización de AirTags o accesorios conectados directamente con los servicios de atención al cliente de esas compañías.

Europa Press informó que 2025 marcó fechas conmemorativas para distintos servicios de la compañía. Apple Podcasts celebró 20 años de operación, mientras que Apple News cumplió 10 años de actividad. Por su parte, Apple Fitness+ experimentó la mayor expansión internacional desde su creación, llevando su oferta a 28 nuevos países y regiones a lo largo del año.

Apple Arcade, la plataforma de juegos de la compañía, integró en el último año más de 50 nuevos títulos, entre los que se destacan Bob Esponja: Cangreburger 2 y PGA TOUR Pro Golf, junto con juegos dirigidos a usuarios de PC. Además, se añadieron más de 500 actualizaciones a títulos ya existentes, consolidando así su catálogo en expansión.

La información proporcionada por Europa Press dejó ver que los esfuerzos de Apple en cuanto a expansión internacional, innovación tecnológica y diversificación de servicios refuerzan el compromiso de la empresa con el crecimiento sostenido de su ecosistema digital. Desde la App Store hasta Apple Pay, pasando por servicios de entretenimiento y actividad física, la compañía ha presentado cifras y novedades que dan cuenta de su estrategia para mantener una posición relevante en el mercado global de servicios y plataformas digitales.

Rhea Seehorn ha sido reconocida con el Globo de Oro a la mejor actriz en una serie dramática por su trabajo en Pluribus, una producción de Apple TV dirigida por Vince Gilligan. Esta distinción ha supuesto su primera nominación y victoria en los galardones de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, situando su nombre en el foco tras años de trayectoria marcada por papeles aclamados, pero hasta ahora, sin el respaldo de los grandes premios internacionales.

La propia Rhea Seehorn ha manifestado su sorpresa al recoger el galardón, agradeciendo de forma espontánea tanto a las presentadoras Dakota Fanning y Queen Latifah, como a sus compañeras de nominación, a las que ha dirigido palabras de aprecio y admiración.

Seehorn ha expresado: “Mi discurso dice: ‘Consigue una receta de betabloqueantes’, pero no lo he hecho. ¡Lo siento! Voy a hacer lo posible. Disculpad, estoy algo en shock”. Esta confesión, leída desde una hoja, ha marcado el tono de una intervención marcada por la emoción y la gratitud. Antes incluso de dirigirse al público, Seehorn se ha detenido a rememorar un encuentro pasado con Queen Latifah, una de las ‘entregadoras’, a la que ha agradecido su amabilidad recordando: “Te conocí hace unos 20 años, entre trabajos, en un Koo Koo Roo, y fuiste muy agradable, así que gracias”. Estas palabras han precedido sus reconocimientos, uno a uno, a las demás actrices candidatas de la noche: Kathy Bates por Matlock, Britt Lower por Separación, Helen Mirren por MobLand, Bella Ramsey por The Last of Us y Keri Russell por La diplomática.

“Estar en la misma lista que Bella Ramsey, Britt Lower, Helen Mirren, Kathy Bates y Keri Russell… Estoy asombrada por todas vuestras interpretaciones. Valoro mucho estar aquí con vosotras”, ha recalcado Seehorn. Dirigiéndose a las mujeres del auditorio, ha añadido: “He asistido a muchas de estas fiestas que a veces pueden ser bastante ‘intimidantes’ para alguien como yo, y las mujeres de esta sala han sido increíbles en las últimas semanas. Gracias por ello”.

La trayectoria de la actriz antes del Globo de Oro

Seehorn ha agradecido de manera especial a Vince Gilligan y al equipo de Pluribus, describiendo el proyecto como “el papel de mi vida”. “Y aún más que eso, gracias por haber creído en mí. Eso está por encima de todo. Me haces querer ser mejor cada día. Te lo agradezco mucho”, ha declarado la actriz, rematando su intervención con: “Sigo muy agradecida de poder dedicarme a esto, y esto es una guinda increíble sobre ese pastel”.

El reconocimiento a Seehorn llega tras otros éxitos recientes: hace apenas una semana, se ha llevado el Critics’ Choice Award a la mejor actriz de serie dramática por el mismo papel. En el pasado, la actriz ha sido nominada en varias ocasiones tanto a los Critics’ Choice como a los Emmy con su interpretación de Kim Wexler en Better Call Saul, la precuela de Breaking Bad emitida por AMC entre 2015 y 2022. Pese a la aclamación de la crítica, la serie no llegó a ganar ninguno de los 54 premios Emmy a los que optó en seis temporadas.

Pluribus, la serie de Apple TV+, ha contado además con la nominación a mejor serie dramática en los Globos de Oro. Sin embargo, esa distinción ha recaído finalmente en The Pitt. El proyecto de Gilligan ha establecido un récord al convertirse en el estreno de una serie dramática de mayor alcance global en Apple TV+, superando la marca previa de Separación (temporada 2), con un lanzamiento simultáneo en más de 100 territorios, incluidos Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Brasil, Alemania, México, India y Francia.

El futuro de la serie y su impacto

Apple TV+ ha adquirido Pluribus en régimen de dos temporadas, y ya está confirmada una segunda entrega de esta serie que combina elementos de distintos géneros dentro de la ciencia ficción.

Seehorn, emocionada y agradecida, ha reconocido la fortuna de poder continuar en una carrera interpretativa que, tras años de cifras y méritos, ha encontrado ahora en Pluribus y en el respaldo de la crítica y los votantes de la industria un nuevo punto de inflexión.

Esta vez, su papel en la serie estará vinculado directamente al Parkinson, enfermedad con la que Fox lidia en la vida real y que también afecta al personaje de Harrison Ford.

Es precisamente Ford, en su rol del Dr. Paul Rhoades, quien abre el adelanto de la temporada 3 con un entusiasta: “El GOAT ha vuelto”.

Jimmy Laird (Jason Segel) y la doctora Gaby Evans (Jessica Williams) celebran su llegada, reforzando la dinámica central del grupo de terapeutas.

El clip luego profundiza en los conflictos de Jimmy, quien debe enfrentar que la partida de su hija Alice (Lukita Maxwell) rumbo a la universidad en Connecticut tras ser reclutada para jugar fútbol.

Aunque intenta mostrarse entusiasmado, el avance deja ver que el personaje lucha por ocultar su tristeza.

La sucesión de escenas está musicalizada con el tema “Mr. Miracle” de Kid Cudi, un track optimista alineado con la propuesta central de la temporada 3: “seguir adelante”, como indicó el creador Bill Lawrence.

Luego, en una sala de espera médica, se registra la primera aparición de Michael J. Fox. Paul llega al lugar y se sienta al costado de este personaje.

Al preguntarle por qué está allí, Paul responde con naturalidad: “Parkinson”. Cuando Rhoades le devuelve la pregunta, Fox lanza con humor: “Solo por un corte de pelo”.

De qué trata ‘Shrinking’

Creada por Bill Lawrence, Jason Segel y Brett Goldstein, Shrinking se estrenó en 2023 en Apple TV y sigue la historia de Jimmy Laird, un terapeuta que atraviesa un profundo duelo y decide romper deliberadamente las reglas de su profesión.

En lugar de mantener la distancia clínica, Jimmy comienza a decirle a sus pacientes exactamente lo que piensa, ignorando la ética tradicional y provocando cambios radicales en sus vidas… y en la suya propia.

La serie se desarrolla en el Cognitive Behavioral Therapy Center, donde conviven terapeutas con personalidades muy distintas, encabezados por Paul Rhoades, un personaje que fue diagnosticado con Parkinson y cuya condición se ha abordado desde una perspectiva humana, sin convertirla en un recurso cómico.

La tercera temporada contará con el regreso de Harrison Ford, Jason Segel y Jessica Williams, junto a Christa Miller, Luke Tennie, Michael Urie, Lukita Maxwell y Ted McGinley. A ellos se suma Jeff Daniels, quien se incorpora al elenco en esta nueva entrega.

Además, vuelven como invitados Damon Wayans Jr., Brett Goldstein, Wendie Malick y Cobie Smulders, mientras que Brett Goldstein retoma su rol como Louis Winston, quien comparte escenas clave con Jimmy en el adelanto.

En 2025, Shrinking obtuvo siete nominaciones al Emmy, incluida la primera nominación en la carrera de Harrison Ford como Mejor Actor de Reparto en una Serie de Comedia, reconocimiento que reforzó el prestigio de la producción.

¿Cómo se concretó el cameo de Michael J. Fox?

La llegada del actor de Volver al futuro a esta serie fue una sorpresa satisfactoria para el propio showrunner. Según contó Fox, tras ver que el personaje de Harrison Ford había sido diagnosticado con Parkinson, decidió llamar a Bill Lawrence, con quien había trabajado anteriormente en Spin City.

“Hiciste una serie sobre Parkinson y no me llamaste”, le dijo en tono distendido. El creador de la serie le respondió preguntándole si le interesaba participar, y Fox aceptó de inmediato.

A partir de esa conversación, el equipo de guionistas desarrolló un personaje especialmente pensado para él. Fox interpreta a alguien que también vive con Parkinson, lo que le permitió actuar sin ocultar su condición.

Según explicó, fue la primera vez que pudo llegar a un set sin preocuparse por parecer cansado o por disimular sus limitaciones físicas, integrándolas directamente a la escena.

Este papel marca su primer trabajo de actuación “live-action” desde su retiro en 2020, aunque en los últimos años participó en proyectos animados y documentales, incluyendo Still: A Michael J. Fox Movie.

La temporada 3 de Shrinking se estrenará el 28 de enero de 2026 en Apple TV, con un episodio inaugural de una hora, seguido de estrenos semanales cada miércoles. Las temporadas 1 y 2 se encuentran actualmente disponibles en la plataforma.

El sector de plataformas streaming experimenta una oleada de cancelaciones para 2025 que afecta tanto a Apple TV como a Netflix, dejando fuera de sus catálogos varias producciones que habían conseguido consolidar audiencias y prestigio.

Aunque el servicio de Apple TV ha alcanzado notoriedad tardía con éxitos como Severance y The Studio, y éxitos recientes como Pluribus ―que, según la plataforma, ya ostenta el récord del título más visto—, su estrategia para el próximo año marca la salida definitiva de tres programas clave.

La cancelación de producciones que pueden llevar varias temporadas al aire siempre genera incertidumbre entre los espectadores, así que se presentan las series que Apple TV y otras plataformas streaming cancelaron en 2025.

Cuáles series fueron canceladas en 2025 por Apple TV

En el caso de Apple TV, el anuncio de las cancelaciones supuso el cierre anticipado de The Completely Made-Up Adventures Of Dick Turpin. El final sobrevino tras la retirada del actor principal, Noel Fielding, en pleno rodaje de la segunda temporada. Además, la serie de suspenso The Last Frontier concluyó su recorrido tras una única temporada.

La trama, protagonizada por Jason Clarke en el papel de Frank Remnick, exploraba el dilema de un alguacil encargado de mantener el orden en una recóndita región de Alaska, donde un accidente aéreo libera a decenas de reclusos peligrosos y desata una serie de acontecimientos que ponen en entredicho la estabilidad de la comunidad y la naturaleza del propio incidente.

Por otra parte, Apple TV+ confirmó el cierre de Mythic Quest tras cuatro temporadas en la plataforma. La serie, considerada uno de los lanzamientos fundacionales del servicio en 2020, tuvo una despedida especial con un episodio final revisado.

Los productores ejecutivos Megan Ganz, David Hornsby y Rob McElhenney compartieron su emoción y agradecimiento en un comunicado, subrayando: “Los finales son difíciles. Pero después de cuatro temporadas increíbles, ‘Mythic Quest’ llega a su fin”.

Agregaron que, con el respaldo de Apple, efectuaron una actualización en el último episodio para poder ofrecer una despedida genuina: “Con la aprobación de Apple hicimos una última actualización a nuestro último episodio para poder despedirnos, en lugar de simplemente decir fin del juego”.

Qué series fueron canceladas por Netflix

En el universo de Netflix, la volatilidad de los catálogos se hace evidente. Deadline informó que la plataforma optó por no renovar la serie americana Reclutas, a pesar de que la ficción, creada por Andy Parker, fue señalada como una de las mejores del año.

Con un 90% de valoración en Rotten Tomatoes y cerca de 15 millones de visualizaciones en su primera semana, Reclutas alcanzó el segundo lugar en el top 10 de la plataforma y mantuvo su posición durante cuatro semanas consecutivas, según datos de la compañía streaming.

La serie desarrollada en colaboración con Sony Pictures Television, tenía como base el libro de memorias The Pink Marina y relataba el periplo de un joven homosexual que, huyendo de su familia en los años noventa, se alista en el Cuerpo de Marines para forjar su identidad.

Asimismo, sumado a Reclutas, Netflix deja fuera de su programación los títulos Olympo y El refugio atómico, reforzando la tendencia de reajustes en la industria y el impacto que estas cancelaciones tienen tanto en creadores como en espectadores.

Cuáles fueron las reacciones en redes sociales con esta decisión de Netflix

La decisión de Netflix dejó su huella en el elenco: Miles Hazer, Blake Burt y Angus O’Brien recurrieron a las redes sociales para compartir sus reflexiones.

Burt enfatizó la falta de control frente a determinadas situaciones, alentando a buscar fuerza para afrontar los contratiempos, mientras O’Brien subrayó los lazos personales y profesionales forjados durante el rodaje.

Todo apunta a que Apple estaría preparando el lanzamiento de una nueva generación de Apple TV en 2026, según versiones filtradas por el portal MacRumors.

El dispositivo incorporaría el chip A17 Pro, presentado en 2023 junto con el iPhone 15 Pro y el iPhone 15 Pro Max. Aunque este procesador no representa la tecnología más reciente de la compañía, permanece entre los más potentes dentro del ecosistema Apple y ofrece compatibilidad con Apple Intelligence, su plataforma de inteligencia artificial.

Entre las novedades, se destaca una Siri renovada que promete optimizar la experiencia de los usuarios, así como soporte para videojuegos.

El Apple TV 4K de tercera generación fue presentado en 2022. A lo largo de 2025, hubo múltiples rumores que señalaban su posible reemplazo en distintos eventos de Apple. Ninguno de esos anuncios se concretó.

Cuándo se lanzaría el próximo Apple TV

El próximo Apple TV podría ver la luz en 2026. Diversos rumores sostienen que la compañía presentaría esta nueva generación cuatro años después del lanzamiento del Apple TV 4K de tercera generación, que debutó en 2022.

Con qué características contaría el nuevo Apple TV

El próximo Apple TV podría incorporar avances en hardware y software. Uno de los aspectos más destacados sería la integración del chip A17 Pro, lanzado en 2023 junto con el iPhone 15 Pro y el iPhone 15 Pro Max.

Aunque este procesador no es el más reciente de la compañía, se mantiene entre los más potentes del ecosistema Apple, lo que supondría un salto considerable respecto a las generaciones anteriores del Apple TV.

La llegada del A17 Pro permitiría que el dispositivo gestione tareas exigentes con mayor fluidez, elevando la experiencia en streaming y abriendo la posibilidad de ejecutar videojuegos AAA de forma nativa.

Esta capacidad representaría un cambio frente a otros dispositivos de streaming, que suelen estar limitados a títulos casuales o dependen de servicios en la nube.

La compatibilidad con juegos de gran presupuesto, como los vistos en el iPhone 15 Pro, posicionaría al futuro Apple TV como una alternativa para los aficionados al gaming.

El soporte para mandos físicos también se vería fortalecido. Con tvOS 26, Apple amplió la compatibilidad con controles como el DualSense de PlayStation 5 y los mandos inalámbricos de Xbox, lo cual facilitaría la adopción de títulos más complejos si los desarrolladores deciden expandir el catálogo más allá de Apple Arcade.

Otro eje central sería la integración de Apple Intelligence, la plataforma de inteligencia artificial presentada por Apple en la WWDC 2024. Gracias al A17 Pro, el nuevo Apple TV contaría con funciones avanzadas de IA, imposibles de implementar en modelos anteriores.

Además, incluiría una versión renovada de Siri, orientada a potenciar la interacción y personalización para los usuarios.

Con qué características cuenta Apple TV 4K de tercera generación

El Apple TV 4K (Wi‑Fi + Ethernet) de tercera generación y el modelo solo WiFi se distinguen por incorporar el procesador A5, que proporciona soporte para streaming, aplicaciones y juegos.

Ambos dispositivos reproducen video en 4K y son compatibles con HDR10+, Dolby Vision y HDR estándar, además de soportar audio espacial Dolby Atmos y otros formatos.

En materia de conectividad, disponen de WiFi 6 y Bluetooth 5.0. El modelo con Ethernet añade puerto Gigabit y compatibilidad con Thread para dispositivos de hogar inteligente. Ambos modelos incluyen HDMI 2.1 para salida de video en 4K a 60 fps.

El almacenamiento varía entre 64 GB (solo WiFi) y 128 GB (WiFi + Ethernet). El Siri Remote de tercera generación, presente en ambos dispositivos, permite carga por USB-C, control por infrarrojos y conexión Bluetooth.

La integración con el ecosistema Apple permite calibración automática del color mediante iPhone o iPad y el uso de estos dispositivos como control remoto. Los modelos son compatibles con aplicaciones streaming como Netflix, Disney+ y Apple TV+, así como con juegos disponibles en la App Store.

En enero de 2026, Apple TV renovará su catálogo con nuevas temporadas de series reconocidas. Entre las novedades resalta el regreso de Terapia sin filtro, protagonizada por Jason Segel y Harrison Ford.

La nueva temporada estará disponible desde el 28 de enero y se centra en la vida de un terapeuta que, tras vivir un duelo, decide involucrarse de manera profunda en los conflictos de sus pacientes.

El elenco principal suma ahora a figuras invitadas como Jeff Daniels y Michael J. Fox, ampliando las historias personales y profesionales de los personajes. La serie explora, con humor y sensibilidad, el duelo, las relaciones y la búsqueda de equilibrio emocional.

Otra propuesta es la segunda temporada de Hijack, disponible desde el 14 de enero con Idris Elba nuevamente como protagonista. En esta entrega, la acción se traslada al metro de Berlín, donde un asalto mantiene a los pasajeros como rehenes.

La narración en tiempo casi real sostiene la tensión y el sentido de urgencia. El reparto incorpora a Christine Adams, Max Beesley, Archie Panjabi y Toby Jones, fortaleciendo las dinámicas y la intensidad de la trama.

Qué otros estrenos llegan Apple TV

Además de Terapia sin filtro e Hijack, Apple TV incorporará otros estrenos destacados. Teherán estrenará su tercera temporada el 9 de enero, Las gotas de Dios lanzará su segunda temporada el 21 de enero y Yo Gabba Gabba Land! presentará su segunda temporada el 30 de enero.

Aún no se ha confirmado si la plataforma sumará nuevos estrenos adicionales.

Apple TV transmitirá la Fórmula 1

Apple y la Fórmula 1 establecieron un acuerdo de cinco años que convertirá a Apple TV en la plataforma exclusiva para la transmisión de todas las carreras de F1 en Estados Unidos a partir de 2026.

El servicio ofrecerá cobertura integral para suscriptores, incluyendo entrenamientos, clasificaciones, sesiones sprint y Grandes Premios. Parte de las carreras y todas las sesiones de entrenamiento estarán disponibles de forma gratuita en la aplicación de Apple TV durante la temporada.

La compañía también anunció que, además de la transmisión en Apple TV, se sumará contenido relacionado en Apple News, Apple Maps, Apple Music y Apple Fitness+.

La aplicación gratuita Apple Sports para iPhone permitirá seguir en vivo cada sesión de clasificación, sprint y carrera, con actualizaciones en tiempo real, tabla de pilotos y constructores, notificaciones en la pantalla de bloqueo y un widget especial para la pantalla de inicio.

Por su parte, la opción F1 TV Premium seguirá disponible únicamente a través de suscripción en Apple TV, con acceso sin costo para nuevos suscriptores. Esta alianza profundiza la relación entre las dos entidades, consolidada tras el éxito mundial de la película F1 The Movie, de Apple Original Films.

Según Eddy Cue, vicepresidente sénior de Servicios de Apple: “Estamos encantados de ampliar nuestra relación con la Fórmula 1 y ofrecer a los suscriptores de Apple TV en Estados Unidos acceso privilegiado a uno de los deportes de mayor crecimiento”.

Apple TV+ desaparece: ahora se llama Apple TV

Apple anunció la simplificación del nombre de su servicio de streaming, que pasa de Apple TV+ a Apple TV, un cambio ya visible en el logotipo de la aplicación móvil. La compañía explicó que esta actualización responde a la adopción de una nueva identidad para la plataforma.

Junto con este anuncio, se confirmó que la película ‘F1: La película’, protagonizada por Brad Pitt, estará en la plataforma de forma permanente. Tras su estreno en cines el 27 de junio de 2025, el film encabezó la taquilla y alcanzó una recaudación mundial de USD 629 millones.

La producción se consolidó como la película deportiva más exitosa en recaudación, el largometraje original más destacado del año y el mayor lanzamiento de una producción original de acción real en Estados Unidos en los últimos cinco años.

Apple se prepara para renovar su dispositivo de streaming más avanzado. A medida que se acerca el cierre de 2025 sin novedades oficiales, distintos reportes y filtraciones apuntan a que el nuevo Apple TV 4K llegará finalmente en 2026, con mejoras clave en rendimiento, inteligencia artificial y capacidades que podrían ampliar su rol más allá del entretenimiento tradicional.

Entre los cambios más mencionados aparecen un nuevo procesador, soporte para Apple Intelligence y una Siri renovada, además de un posible salto en el terreno de los videojuegos. La expectativa se explica, en parte, por el tiempo transcurrido desde la última actualización.

Cabe precisar que el actual Apple TV 4K de tercera generación fue lanzado en 2022 y, desde entonces, se sucedieron rumores que ubicaban su reemplazo en distintos eventos de Apple durante 2025. Sin embargo, ninguno de esos anuncios se concretó. Esto refuerza la idea de que la compañía ya apunta al próximo año para presentar una nueva versión del dispositivo.

Un nuevo chip como eje de la actualización

Uno de los rumores más relevantes tiene que ver con el procesador que integraría el próximo Apple TV 4K. Según información publicada por MacRumors, Apple estaría evaluando incorporar el chip A17 Pro, presentado en 2023 junto con el iPhone 15 Pro y el iPhone 15 Pro Max. Si bien no se trata del chip más reciente de la compañía, sigue siendo uno de los más potentes dentro del ecosistema Apple.

Para un dispositivo de streaming, este salto de hardware sería significativo. El A17 Pro ofrece un rendimiento gráfico y de procesamiento muy superior al de los chips actuales del Apple TV, lo que permitiría ejecutar tareas más exigentes sin comprometer la fluidez del sistema. Esta mejora técnica es clave para entender dos de los grandes ejes que se le atribuyen al próximo modelo: los videojuegos y la inteligencia artificial.

Podrían llegar juegos AAA en el Apple TV

El uso del chip A17 Pro abre la puerta a una posibilidad que genera especial interés: la ejecución de videojuegos AAA de forma nativa. Apple ya dio pasos en esta dirección con el iPhone 15 Pro, al llevar títulos de consola como Assassin’s Creed Mirage, Resident Evil 4, Death Stranding, Hitman: World of Assassination y Sniper Elite 4 a iOS. Incluso Red Dead Redemption llegó recientemente al iPhone, disponible sin costo adicional para usuarios con suscripción a Netflix.

Si ese mismo hardware llegara al Apple TV 4K, el dispositivo podría convertirse en una plataforma capaz de ejecutar juegos de gran presupuesto sin depender del juego en la nube. Esto marcaría una diferencia frente a otros dispositivos de streaming, que suelen limitarse a juegos casuales o a servicios de streaming de videojuegos.

A este escenario se suma la compatibilidad con mandos. Con tvOS 26, Apple amplió el soporte para controles físicos, incluyendo el DualSense de PlayStation 5 y los mandos inalámbricos de Xbox, que pueden conectarse por Bluetooth. Actualmente, el catálogo de juegos nativos en Apple TV se limita a Apple Arcade, con una oferta más acotada. Un Apple TV más potente podría cambiar ese panorama si los desarrolladores deciden adaptar más títulos de alto perfil.

Apple Intelligence y una Siri renovada

Más allá del gaming, otro de los pilares del próximo Apple TV 4K sería la integración de Apple Intelligence, el conjunto de funciones de inteligencia artificial presentado por Apple en la WWDC 2024. El A17 Pro fue el primer chip compatible con estas capacidades, ya que los procesadores anteriores no contaban con la potencia necesaria.

Según Mark Gurman, periodista de Bloomberg especializado en Apple, el nuevo Apple TV 4K incorporará “nuevos chips y componentes inalámbricos internos” y servirá como una de las plataformas para mostrar las nuevas funciones de Siri basadas en Apple Intelligence, previstas para 2026. Esto incluiría una asistente más contextual, capaz de comprender mejor las solicitudes del usuario y ofrecer respuestas más personalizadas dentro del ecosistema Apple.

¿Cuándo llegaría el nuevo Apple TV 4K?

Por ahora, Apple no confirmó fechas oficiales. Sin embargo, algunos reportes sugieren que el lanzamiento podría darse a comienzos de 2026, posiblemente entre marzo y abril, coincidiendo con la llegada de la nueva versión de Siri impulsada por Apple Intelligence. Esta ventana encajaría con el calendario habitual de lanzamientos secundarios de la compañía.

Hasta que Apple haga el anuncio oficial, todos estos detalles se mantienen en el terreno de los rumores. Aun así, el consenso entre analistas y filtradores es claro: el próximo Apple TV 4K será una actualización relevante, pensada para acompañar la nueva estrategia de Apple en inteligencia artificial y, potencialmente, abrir una nueva etapa en el entretenimiento y los videojuegos dentro del ecosistema de la compañía.

Sin embargo, no toda la historia se centra en Estados Unidos, ya que con algunas buenas estrategias detrás de las cámaras, la ficción nos permite viajar a otros lugares porque la “colmena” puede controlar desde un pequeño jet hasta el avión presidencial. Es así como, además de Carol, introduce a los otros seres humanos inmunes al virus y que aún mantienen su autonomía.

Manousos Oviedo, interpretado Carlos-Manuel Vesga, es uno de ellos y su locación es Paraguay. El actor colombiano, conocido por las telenovelas Amor sincero y La prepago, es uno de los dos latinos que formaron parte de la producción original de apple tv y, a propósito del final que se lanzó hoy, Infobae conversó con él acerca del enigmático personaje y su experiencia trabajando con el elenco.

A través de redes sociales, se suscitó un debate en torno al acento utilizado por Vesga, pues no sonaba en absoluto como un hombre paraguayo. Previamente, las series de Gilligan han sido cuestionadas por la elección de los actores para interpretar personajes latinos, como el caso de Giancarlo Esposito en el papel del “chileno” Gus Fring, cuyo español no fue satisfactorio al oído de la audiencia sudamericana.

Al respecto, Carlos-Manuel aclaró cuál es verdadero origen de Manousos, que no fue descrito del todo en la misma serie. “Todo el proceso de audición para el personaje lo hice con mi acento porque fue lo que me pidieron”, afirmó en conversación con este medio y admitió que reaccionó con sorpresa la primera vez que leyó el guion, donde se describía que Manousos vivía en Paraguay.

“Recuerdo que fue un momento muy particular cuando me mandaron los primeros libretos y yo comencé a leer y decía: ‘Interior, bodega, Manousos, noche, Paraguay’. Me quedé congelado y llamé inmediatamente a una de las productoras y le dije: ‘¿Este personaje es paraguayo? Porque si es paraguayo, nosotros rodamos en un mes y yo ese acento necesito trabajarlo, porque es un acento que honestamente en Colombia no se conoce mucho’. Si me hubieran pedido mexicano, argentino, cubano, podría haber hecho algo con eso, pero un mes no era suficiente”, sostuvo.

“No te preocupes, él es un colombiano que vive en Paraguay”, fue la respuesta de la productora ejecutiva de Pluribus, lo que permitió a Carlos-Manuel Vesga mantener la calma en torno al trabajo que era necesario para interpretarlo y el tiempo tan próximo para comenzar el rodaje. “Es un tipo que ha dejado su país y vive en otro. Es ahí donde lo encuentra todo el proceso del joining (unión) de la historia. Afortunadamente, mi acento se daba para la historia”, agregó el actor.

Para Vesga, resultó interesante sumar este trasfondo al personaje, aunque este no se refleje en pantalla. De hecho, Manousos sigue resultando un misterio hacia el final de Pluribus, porque se desconoce de dónde provienen sus habilidades o cuáles son sus motivaciones para destruir a la “colmena”.

“Me parece que informa muchísimo acerca de Manousos”, aseguró en referencia al origen del personaje. “El hecho de que él es un migrante, una persona que ya tuvo que dejar su país para ir a adaptarse a otro, con todo lo que eso implica, habla mucho de cómo él aborda este nuevo orden mundial. Explica por qué él no está dispuesto a negociarlo. Es como si él dijera: ‘Otra vez no. Ya perdí todo de una vez, ya no voy a dejar que suceda de nuevo’”.

En torno a la química con la protagonista Rhea Seehorn en la serie, Carlos-Manuel Vesga dijo buscar una “complicidad” desde el inicio y la encontró con su co-estrella. Manousos y Carol se conocen por primera vez en el noveno y último episodio; pero inicialmente no parecen llevarse del todo bien, incluyendo la barrera idiomática que los obligaba a utilizar un traductor para entenderse.

“Uno tiene que encontrar un cómplice en su compañero de escena, tiene que confiar en ellos completamente y saber que pase lo que pase no te van a dejar caer. Eso lo encuentro en Rhea”, expresó Vesga a Infobae. “Con Rhea uno siente que ella le guarda la espalda pase lo que pase, no va a dejar que uno caiga en la escena, no va a dejar que la escena se caiga porque ella lo va a salvar a uno pase lo que pase.

Además del apoyo que encontró en la actriz, describió la dinámica que tuvieron en es escena: “Con ella pasa lo que yo pienso que es el ideal entre actores en escena, y es que es como jugar un partido de tenis, que se juega no para ganar, sino por el placer de jugarlo. Entonces tú juegas lo mejor que puedes y el otro juega lo mejor que puede, pero no se trata de ganar, sino de hacer que el partido sea lo mejor que se pueda, que los dos lo disfrutemos y sintamos placer de jugar”.

El actor colombiano admitió que eso es lo que consiguió con Seehorn al actuar juntos, pues se trata de tener una experiencia compartida y pasarla bien. “Vamos a jugar este juego y lo vamos a disfrutar al máximo juntos y va a ser una experiencia de los dos y una creación dialéctica entre los dos”, concluyó. Se espera que en la segunda temporada pueda verse más acerca de su trabajo en conjunto, ya que Manousos y Carol intentarán acabar con la “colmena”.

Este 24 de diciembre, el final de Pluribus se estrenó a través de apple tv y ya crece la expectativa por ver cómo continuará la serie de ciencia ficción creada por Vince Gilligan.

Como casi cualquier cosa hoy en día, no hay una explicación racional a por qué ha sucedido esto, pero lo cierto es que Hamm se ha convertido en un meme por derecho propio. Los creadores de contenido han empezado a usar esta imagen para cualquier mensaje de felicidad, alegría y puro entusiasmo, pero lo cierto es que el resto de personas se han unido al movimiento. No obstante, muchos ni siquiera sabrán a que producción pertenece la imagen, que no es otra que la gran serie de Hamm desde que diera vida al mítico Donald Draper.

Hablamos de Vicios ocultos, la serie de Apple TV que puede verse también a través de Movistar+ y que Hamm protagoniza junto a Amanda Peet y Olivia Munn. La imagen en concreto pertenece al episodio número ocho de la serie, en la que el personaje de Hamm, Andrew Cooper, se marcha de fiesta para celebrar un golpe, y acaba en una discoteca de lujo junto a sus amigos y bajo los efectos de las drogas. La música que suena de fondo en dicha escena no es otra que el tema Sentient System de Joseph William Morgan, aunque es probable que en internet se haya difundido con el Turn All the lights off o cualquier otra música de fiesta.

De qué va ‘Vicios ocultos’

La serie se ambienta en el exclusivo barrio de Westmont Village, en donde solo viven las familias más adineradas y poderosas. La de Andrew Coopere (Hamm) está entre ellas, pero está a punto de venirse abajo. Después de descubrir la infidelidad de Mel (Amanda Peet) con su mejor amigo, el exjugador de baloncesto Nick Brandes (Mark Tallman), y de ser despedido de su trabajo por un supuesto escándalo sexual, Coop se ve sin familia, sin trabajo y sin esperanzas. Pero lejos de bajar los brazos, el padre de familia decide arreglar sus problemas a través de pequeños robos en los domicilios de sus amigos y vecinos, ignorando que está a punto de descubrir secretos de lo más terribles.

La serie, que ha sido uno de los grandes éxitos de 2025 en la plataforma, ya ha sido renovada para una segunda temporada, que verá la luz en abril de 2026. Mientras tanto, la imagen de Hamm bailando al son de la música seguirá inundando las redes hasta que internet encuentre otra que capte mejor esa energía festiva y despreocupada que encarna como nadie el actor.

El fenómeno de Pluribus, serie que batió récords en Apple TV y que ya suma dos nominaciones a los Globos de Oro 2026, puso en el centro de la conversación internacional a un actor colombiano: Carlos Manuel Vesga.

La producción, que marca el regreso de Vince Gilligan tras el cierre de Better Call Saul en 2022, se convirtió en la más vista en la historia de la plataforma y generó debate por los dilemas existenciales que plantea, especialmente en torno a la felicidad y la individualidad.

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A medida que la serie se acerca a su desenlace, con el estreno del penúltimo episodio este viernes 19 de diciembre de 2025, el papel de Vesga cobró una relevancia inesperada. El bogotano, conocido previamente por su trabajo en Amor sincero y Secuestro del vuelo 601, interpreta a Manousos Oviedo, un colombiano que migró a Paraguay y que, junto a la escritora estadounidense Carol Sturka, es uno de los pocos inmunes a la transformación radical de la humanidad que narra la trama.

Vesga relató a El Colombiano que para construir a Manousos fue esencial comprender la experiencia migratoria y sus consecuencias emocionales: “La pérdida, el miedo, la incertidumbre y el trauma que implica. Todo eso, para mí, explicó en gran medida por qué Manousos reacciona como reacciona y asume la postura que toma frente a este fenómeno que se toma el mundo”.

La serie, compuesta por nueve episodios y protagonizada por Rhea Seehorn —que ya había trabajado con Gilligan en Better Call Saul—, se adentra en una distopía donde la humanidad debe ser salvada de la felicidad por la persona más infeliz del planeta. Vesga, seleccionado entre 686 actores que aspiraron al papel de Manousos, fue uno de los cinco finalistas y finalmente elegido como protagonista. El actor confesó que inicialmente envió sus audiciones en español e inglés sin saber que se trataba de un proyecto de tal magnitud ni que estaba vinculado con Gilligan.

El personaje de Manousos destaca por su silencio y profundidad, revelando su importancia en la historia de manera gradual. Vesga subrayó que, además del acento, la devoción de Manousos a la Virgen del Carmen —patrona nacional de Colombia— es un rasgo distintivo, visible en una estampita en el espejo de su auto. Sobre el proceso de selección, el actor enfatizó: “Fue seleccionado entre los cinco finalistas y, finalmente, elegido como uno de los protagonistas”.

Más allá de su factura técnica, Pluribus ha suscitado preguntas filosóficas entre el público y el elenco. Vesga compartió que durante el rodaje, tanto él como Seehorn reflexionaron sobre cuestiones como la posibilidad de ser sabio e inocente simultáneamente, a lo que respondió: “No, una condición anula a la otra”. También abordó el concepto de felicidad, afirmando: “Personalmente, como artista, siempre he creído que está dentro de uno”. Para el actor, la serie destaca porque “no te dice qué pensar, pero te deja pensando. Es un show maravilloso porque tiene muchas capas: uno puede quedarse en una sola o leer varias. Plantea preguntas profundas y trascendentales”.

Antes de este proyecto, Vesga consideraba inalcanzable una carrera en Hollywood. “Yo ni siquiera me había permitido soñar con llegar ahí porque era algo que simplemente no iba a pasar. En mi ecuación eso no existía: que vinieran a buscar a un colombiano en Colombia. Siempre pensé que me iba a quedar trabajando aquí; ir a probar suerte como actor en otro país era una posibilidad que descarté desde el inicio. Yo decía: ‘Bueno, tengo una carrera en Colombia’, así que me quedo acá. Si vienen a buscarme aquí, voy; si no, no. Y no era por mamón, ¿sabes?, sino porque sabía que eso no iba a pasar”, explicó al medio citado.

Actualmente, Vesga no proyecta nuevos horizontes fuera de la serie. Su atención está centrada en la segunda temporada de Pluribus y en ofrecer su mejor desempeño, dejando para después cualquier decisión sobre su futuro profesional.

La posibilidad de retransmitir contenidos de la aplicación Apple TV desde teléfonos Android directamente hacia otros dispositivos equipados con Google Cast representa una expansión relevante para los usuarios interesados en integrar diferentes plataformas en su entorno doméstico. Esta característica llega en la actualización más reciente y se suma a las funciones originales de la versión para Android lanzada por Apple. Según Engadget, el soporte para Google Cast amplía las posibilidades de visualización y facilita que tanto series como películas adquiridas o suscritas puedan reproducirse en televisores compatibles sin necesidad de equipos adicionales.

Engadget detalló que la compañía de Cupertino introdujo a principios de año la aplicación nativa de Apple TV para Android, disponible en la tienda oficial de Google. Esta aplicación permite el acceso a todo el catálogo del servicio Apple TV+ y a contenidos adquiridos de forma individual, replicando en Android las prestaciones que los usuarios conocen de la versión para iOS. Además de la navegación y reproducción, la app incluye la gestión de biblioteca y las funciones de control parental, buscando equiparar la experiencia en ambos sistemas operativos.

Con la integración del estándar Google Cast, los usuarios pueden iniciar la reproducción de un contenido en su teléfono y, mediante un icono en la interfaz de la app, enviarlo en tiempo real a un televisor, pantalla inteligente u otro dispositivo con soporte para dicha tecnología. Este avance elimina la limitación de visualizar exclusivamente en el móvil o tablet, integrando Apple TV en el ecosistema de transmisión inalámbrica que ya protagonizan otras plataformas de streaming.

Según Engadget, esta actualización marca un paso en la dirección de compatibilidad multiplataforma. Hasta antes de la llegada de la app a Android, quienes deseaban consumir contenidos de Apple TV+ desde dicha plataforma debían recurrir a soluciones alternativas, como el navegador web, las cuales no ofrecían transmisión directa a pantallas externas mediante servicios como Google Cast.

La aplicación para Android incluye todas las funciones relevantes de la versión previa para iOS, de manera que los suscriptores tienen acceso a recomendaciones personalizadas, búsqueda avanzada, control de descargas para reproducción offline y la posibilidad de adquirir producciones de terceros dentro del ecosistema Apple. Los controles de reproducción, el sistema de perfiles y la sincronización con la cuenta Apple completan una oferta pensada para usuarios fieles al servicio, según publicó Engadget.

La actualización también responde a la tendencia de consumo audiovisual en hogares multifuncionales que cuentan tanto con dispositivos de Apple como de otras marcas. El medio Engadget subrayó que el soporte para Google Cast no solo facilita el visionado en pantalla grande sino que refuerza el objetivo de Apple de extender su servicio a más públicos, sin limitarse a quienes utilizan exclusivamente productos propios de la compañía.

Los usuarios pueden acceder desde smartphones, tabletas y dispositivos plegables Android, con la misma experiencia y sin restricciones en la funcionalidad de transmisión. Engadget destacó que esta integración favorece la interacción doméstica, permitiendo combinar equipos y plataformas para un consumo de entretenimiento más flexible y personalizado en el hogar.

Una reciente filtración ha revelado los posibles planes de Apple para 2026, dando a conocer los dispositivos que lanzaría la empresa, entre los que se encuentra el esperado iPhone plegable.

El origen de la revelación se vincula con un prototipo de dispositivo Apple que ejecutaba una versión temprana y sin terminar de iOS 26. El equipo, adquirido por un particular, contenía referencias a más de una veintena de productos inéditos en el código del software, lo que ha permitido a medios especializados como MacRumors y Macworld acceder a la hoja de ruta de la compañía.

Cuáles son los nuevos dispositivos que lanzaría Apple en 2026

La filtración precisó una gran cantidad de equipos y accesorios de Apple en distintas etapas de desarrollo. Entre ellos se destacan productos que la empresa nunca antes ha oficializado y variantes de líneas tradicionales que apuntan a satisfacer una mayor variedad de usos.

• iPhone: cinco nuevos modelos y un iPhone plegable

El segmento de smartphones agrupa al menos cinco modelos. Llama la atención la mención de un iPhone plegable (código en clave V68), lo que confirmaría que Apple trabaja en la introducción de este formato en su catálogo, aunque sin profundizar en sus características.

A este modelo se suman los iPhone 18 Pro y iPhone 18 Pro Max, el iPhone Air 2 y el iPhone 17e. Aunque el iPhone Air 2 aparece listado, la continuidad de ese proyecto es incierta debido al rendimiento de su antecesor en el mercado.

• iPad y nuevos procesadores

En la familia de tablets, Apple apuesta a renovar tanto el iPad estándar como la línea Air. La próxima generación será el iPad de 12ª generación, disponible en versiones WiFi y celular. La gama iPad Air incorporará el chip M4 y llegará con cuatro versiones según tamaño (11 y 13 pulgadas) y conectividad (solo WiFi y celular), bajo los códigos J707, J708, J737 y J738 respectivamente.

• Mac

En cuanto a computadores portátiles y de escritorio, la filtración detalla tanto actualizaciones regulares como innovaciones en la arquitectura interna:

• MacBook Pro: versiones con chips M5 Pro y M5 Max de 14 y 16 pulgadas, y una futura edición con chip M6 de 14 pulgadas, así como modelos M6 Pro/Max.
• MacBook Air: modelos de 13 y 15 pulgadas con procesador M5.
• Mac Studio: variantes con M5 Max y M5 Ultra.
• Mac mini: opciones con chips M5 y M5 Pro.
• Un novedoso MacBook con el chip A18 Pro derivado del iPhone.

Estas referencias sugieren una transición tecnológica que apunta a chips más potentes y eficientes.

• Apple Watch, Vision Air y gafas inteligentes

El apartado de dispositivos vestibles revela una estrategia que va más allá del Apple Watch. La Serie 12 del Apple Watch y el Watch Ultra 4 aparecerán en el mercado junto a variantes nuevas de visores de realidad aumentada y mixta.

El Apple Vision Air representa una versión más accesible y ligera del Vision Pro, y un prototipo de gafas AR quedó finalmente cancelado, igual que las gafas de realidad aumentada conectadas al Mac. Por otro lado, destaca la referencia a unas gafas inteligentes que competirán con las Ray-Ban Meta.

• Hogar inteligente y robotización

Otra vertiente importante corresponde al hogar inteligente y la robótica. Se mencionan modelos como el Apple TV de próxima generación, una versión renovada del HomePod mini (B525), y el Apple Studio Display 2.

Destacan además equipos experimentales de robótica, como el Home hub en dos variantes: uno con base y otro concebido para instalar en la pared, un dispositivo de sobremesa con brazo robótico y pantalla, y un accesorio aún desconocido identificado como J229.

• Localizadores, accesorios y Apple Silicon

El AirTag 2 aparece como una de las novedades en el terreno de la localización de objetos, y se prevén actualizaciones para chips Apple Silicon. Entre los nuevos procesadores figuran los modelos A20, A20 Pro, M5 Pro, M5 Max, M5 Ultra, M6, S11 y U3 de banda ultraancha.

Pluribus, la nueva serie de Vince Gilligan (creador de Breaking Bad) y protagonizada por Rhea Seehorn (Better Call Saul), se encuentra en la recta final de su emisión y aún alberga interrogantes no resueltas.

La historia, mayormente ambientada en Albuquerque, nos sitúa en un escenario distópico donde toda la humanidad —a excepción de 13 personas en el mundo— ha sido infectada por un virus que los convierte en seres pacíficos y que forman parte de una misma colmena mental.

Los capítulos 8 y 9, que se lanzarán el 19 y 26 de diciembre respectivamente en Apple TV, contendrán algunos de los momentos más esperados de la serie: el reencuentro de Zosia (Karolina Wydra) y Carol Sturka, y la llegada de Manousos Oviedo (Carlos Manuel Vesga) a Nuevo México en su misión para salvar el mundo junto a Carol.

Anteriormente, Carol hizo importantes descubrimientos sobre la naturaleza de los “otros”. Esto cruzó una línea para la colmena y llevó a estos mismos a tomar su distancia de ella, alejándose por completo de la ciudad. Así es como la protagonista queda sola y comienza a perder la cordura.

En el final del séptimo episodio, Carol les pide que regresen al escribir “vuelve” en la acera, pues los “otros” pueden verlo todo gracias al control de los satélites. Poco después, Zosia regresa al vecindario y el capítulo concluye con el emotivo abrazo de Carol.

Pero, aunque el relato se haya tornado un poco más feliz para el personaje principal, aún quedan preguntas sueltas que deberían resolverse a puertas de su final.

¿Qué es y de dónde viene el virus?

Desde el principio, Pluribus confirmó que el virus que infecta a los seres humanos es de origen alienígena, pero se desconoce cómo fue creado o si fue desarrollado por seres extraterrestres con algún motivo.

Si bien este agente patógeno afecta a los seres humanos únicamente, no se explica del todo cómo el primer contagio sucedió a través de una rata que fue expuesta a las ondas que provenían desde fuera de la Tierra. O tal vez, solo fue el único y primer infectado animal.

Lo que sí se conoce hasta el momento es que el virus convierte a las personas en sujetos felices y pacíficos, aunque no son capaces de mentir, son complacientes y no gozan de un criterio de elección. En esa misma línea, aunque no pueden matar ningún ser vivo ni cosechar verduras o frutas, se alimentan de carne humana procesada en cajitas de leche.

¿Por qué Carol y otras personas no fueron infectadas?

La colmena deja claro desde un comienzo que desconoce cómo es que Carol y otras 12 personas en el mundo son inmunes a la infección. Sin embargo, le aseguran que están en un arduo proceso de investigación para saber qué sucede y cómo resolverlo.

Más adelante, Koumba Diabaté (Samba Schutte) le revela que los “otros” habían descubierto esta forma de transmitirles el virus, no obstante, el procedimiento es bastante invasivo y requiere el consentimiento de cada individuo.

La personalidad de Carol Sturka podría darnos indicios de por qué ciertas personas no fueron contagiadas de forma inmediata por el contacto de saliva. Antes de la catástrofe, ella era una escritora de literatura fantástica que estaba inconforme con su carrera profesional y mantenía una relación amorosa con Helen, su agente, sin que nadie lo supiera.

Es pesimista y tiene un mal temperamento, pero su reacción ante lo que sucede a su alrededor es la más humana de la serie. Otros que son como ella aún mantienen vínculos con sus familiares y se relacionan con la colmena de manera natural, sin cuestionar demasiado que el mundo ya no es como antes.

¿Manousos Oviedo podrá ser la salvación?

El personaje cobró protagonismo en los recientes episodios, que relatan su viaje desde Paraguay hasta los Estados Unidos. El hombre, que se aisló completamente para evitar contacto con la colmena, decide incluso cruzar la peligrosa selva en camino a Panamá.

Sin embargo, lo último que se sabe sobre él es que resulta herido y es rescatado por la colmena. Su objetivo es encontrarse con Carol y encontrar la solución para salvar el mundo, razón por la que practicó su inglés durante el largo recorrido.

Por ahora, no está claro si realmente Carol esté de su lado después de su último acercamiento a la colmena.

¿Carol y Zosia llegarán a estar juntas?

El parecido entre Zosia y el personaje ficticio creado por Carol, Raban, generó también una fuerte interrogante acerca de los posibles sentimientos la escritora, quien después de todo perdió a su pareja durante la propagación del virus.

El más reciente capítulo mostró un conmovedor abrazo entre ambas y anteriormente, bajo el efecto del suero, Carol admitió que Zosia le parecía una mujer atractiva. Además, tampoco permitió que Koumba se la llevara para hacerla parte de su harén.

El problema en torno a este posible romance es que Zosia sigue siendo parte de una colmena y no es en realidad un solo individuo, sino básicamente el mundo entero. Es posible que esta idea siga manteniendo a Carol al margen de expresar su gusto por ella.

¿Los “otros” podrían revertir su proceso de extinción?

Debido a la actitud pacífica de la colmena, no es posible que su existencia en el planeta se mantenga por un plazo mayor a 10 años, especialmente por su dificultad para producir alimentos que satisfagan las necesidades de todos.

Al no poder matar ni cosechar, se ven limitados a consumir un líquido a base de carne humana para sobrevivir. Mientras tanto, investigan la manera de elevar su esperanza de vida e incluso invocan a los no infectados a compartirles sus ideas.

Queda en duda si es que este problema podría tener una solución o si finalmente sea necesario que la colmena desaparezca para la subsistencia de la humanidad.

Apple TV ha logrado un nuevo hito en la industria televisiva estadounidense al incluir tres series originales entre los 10 mejores programas del año, según la selección anual del American Film Institute (AFI).

Las producciones reconocidas —Pluribus, Severance y The Studio— marcan la primera vez que la plataforma alcanza esta cifra en la prestigiosa lista, superando sus registros anteriores.

El AFI publica cada año su listado de las 10 mejores series y películas, considerado un referente en la industria audiovisual de Estados Unidos. Hasta ahora, Apple TV solo había conseguido incluir una o, en ocasiones excepcionales, dos series en este ranking, lo que resalta la importancia del logro actual y el crecimiento de la plataforma en el competitivo mercado del streaming.

Las tres series elegidas de Apple TV

Las tres series seleccionadas presentan propuestas variadas en cuanto a género y narrativa. Pluribus, creada por Vince Gilligan, es una serie de ciencia ficción que narra la historia de Carol Sturka, una escritora que se convierte en una de las pocas personas inmunes a un virus alienígena.

Este virus transforma a la humanidad en una mente colmena pacífica y conformista, y la protagonista debe decidir si resiste la asimilación o se integra en la nueva realidad, explorando temas como la individualidad y la naturaleza de la felicidad.

Severance, dirigida por Ben Stiller, se centra en los empleados de Lumon Industries, quienes se someten a un procedimiento quirúrgico que divide sus recuerdos entre la vida personal y la laboral, creando dos identidades separadas.

La trama sigue a Mark Scout (interpretado por Adam Scott) y a su grupo de compañeros, que intentan descubrir la verdad sobre la empresa y el alcance del procedimiento, especialmente tras la reaparición de un colega en su vida exterior.

Por su parte, The Studio está protagonizada por Seth Rogen en el papel de Matt Remick, el nuevo director de Continental Studios.

La serie ofrece una visión satírica del mundo de Hollywood, mostrando los esfuerzos del protagonista por salvar la productora en crisis y equilibrar las demandas corporativas con las aspiraciones artísticas, en un entorno marcado por egos y creativos narcisistas.

Apple TV se supera a sí misma

En años anteriores, la presencia de Apple TV en la lista del AFI había sido más limitada. En 2024, solo Shrinking logró entrar en el ranking; en 2023, fue el turno de The Morning Show; en 2022, Pachinko y Severance compartieron el reconocimiento; y en 2021, Ted Lasso fue la única representante de la plataforma.

El salto de una o dos series seleccionadas a tres en la edición actual evidencia una evolución significativa en la oferta y el impacto de Apple TV.

El reconocimiento simultáneo de Pluribus, Severance y The Studio refleja tanto la popularidad de estas producciones como su recepción positiva por parte de la crítica y su éxito en el circuito de premios. Mientras Pluribus y Severance han acumulado nominaciones, The Studio ya ha obtenido galardones importantes y se perfila como favorita en futuras ceremonias.

Este avance posiciona a Apple TV como un actor cada vez más relevante en la industria del entretenimiento, combinando éxito comercial y prestigio crítico en un entorno de creciente competencia.

La noticia sobre la suspensión de la serie francesa The Hunt (Traqués) ha sacudido al sector audiovisual internacional, según publicó Apple Insider el martes. La plataforma Apple TV retiró de manera repentina la esperada producción de su programación de diciembre tras recibir denuncias de plagio que vinculan la trama de la serie con la novela estadounidense Shoot, escrita por Douglas Fairbairn en 1973 y llevada al cine en 1976 bajo el mismo título.

El conflicto emergió cuando el especialista mediático francés Clément Garin reportó las similitudes argumentales entre The Hunt y Shoot, lo que motivó la investigación periodística de Apple Insider y el eco inmediato en otros medios como Variety. Ambas obras describen a un grupo de amigos cazadores que, tras un fatal encuentro con otro grupo durante una expedición, deciden ocultar los hechos y enfrentan las consecuencias de una creciente amenaza de venganza y paranoia. Estos elementos compartidos avivaron las sospechas de apropiación de la historia original.

La reacción de las productoras fue inmediata. El estudio francés Gaumont, responsable de The Hunt, confirmó el martes en un comunicado el cese temporal de la difusión del título mientras se lleva a cabo una investigación interna sobre las reclamaciones de propiedad intelectual. “La transmisión de nuestra serie The Hunt ha sido pospuesta temporalmente. Actualmente estamos realizando una revisión exhaustiva para abordar cualquier duda relativa a nuestra producción. Tomamos muy en serio los asuntos de propiedad intelectual”, afirmaba por su parte Gaumont.

La rápida reacción por parte de Apple

Simultáneamente, Apple TV eliminó todos los materiales promocionales y páginas del contenido vinculado a la serie en su plataforma, ampliando la incertidumbre sobre el futuro de la producción. Originalmente, The Hunt tenía previsto estrenarse mundialmente el 3 de diciembre con dos episodios iniciales y una emisión semanal hasta final de mes.

El creador y director Cédric Anger, conocido por “Next Time I’ll Aim for the Heart”, encabeza el proyecto junto a los productores ejecutivos Isabelle Degeorges, Clémentine Vaudaux, Alexis Barqueiro y Sidonie Dumas para Gaumont, responsables también de títulos de renombre como “Lupin” y “Becoming Karl Lagerfeld”. El reparto incluye a Benoît Magimel y Mélanie Laurent en los papeles principales, secundados por Damien Bonnard, Manuel Guillot, Cédric Appietto, entre otros actores franceses.

El argumento presentado oficialmente por la serie describe la historia de Franck (Magimel) y un grupo de amigos que cada fin de semana disfrutan de la caza, hasta que un encuentro inesperado con otro grupo de cazadores termina en violencia. La situación desata una espiral de secretos y sospechas, con el protagonista sintiendo que tanto él como sus allegados son perseguidos por quienes ahora buscan venganza.

La novela Shoot, en la que se sustentan las acusaciones, narra una estructura muy similar. Su protagonista, Rex, lidera a un grupo de amigos en una salida de caza en Canadá, resultando en un enfrentamiento con otro grupo tras un tiroteo que termina con víctimas fatales. Los personajes, al optar por no informar del caso a las autoridades, se ven arrastrados a una dinámica de sospechas mutuas y preparación para un posible enfrentamiento, elementos que también aparecen en la nueva serie, según documentos de prensa y fuentes consultadas por Apple Insider. Hasta el momento, no se han recogido declaraciones por parte de Cédric Anger ni de los productores ejecutivos acerca de la polémica. Tampoco Apple TV ha comentado públicamente sobre la duración de la suspensión ni sobre la posibilidad de reprogramar o modificar la serie en función de los resultados de la revisión legal.

El caso abre un nuevo debate sobre la protección de la propiedad intelectual y los procesos de adaptación e inspiración dentro del sector creativo, especialmente en proyectos destinados a plataformas globales. La decisión de plataformas y estudios de suspender grandes lanzamientos ante cualquier sospecha también evidencia un cambio en los protocolos de control frente a posibles conflictos legales y reputacionales dentro de la industria audiovisual internacional. Según Variety, la serie sigue “en el limbo” hasta esclarecerse el alcance del conflicto.

Con un 100% de aprobación inicial en Rotten Tomatoes y elogios generalizados en redes sociales, esta producción de Apple TV+ también ha encendido un intenso debate sobre si la trama funciona como una metáfora de la IA, o una advertencia de su predominio.

Aquí va la sinopsis: Pluribus sigue a Carol Sturka (Seehorn), una autora de novelas románticas que parece ser la única persona en la Tierra inmune a un misterioso fenómeno, una especie de “pegamento psíquico” extraterrestre que ha fusionado las mentes de casi toda la humanidad en un solo ente híper positivo y servicial.

Mientras el planeta entero opera como una conciencia colectiva —también llamados “los Otros”—, Carol debe entender qué está ocurriendo y si existe forma de revertirlo.

Las similitudes que los fans ven con la inteligencia artificial

El episodio tres, “Grenade”, disparó la mayoría de las teorías. En él, Carol descubre hasta qué punto la mente colmena está dispuesta a satisfacer cualquier petición, por absurda o peligrosa que sea.

Ella solicita una granada a la mente grupal y esta se la entrega, aunque el dispositivo genera una explosión que hiere gravemente a Zosia, su enlace con los Otros

Más tarde, un repartidor —hablando en nombre de la conciencia colectiva— justifica lo ocurrido con un simple “fue tu solicitud”. Incluso cuando Carol pregunta si también le conseguirían un arma nuclear, el personaje asiente.

Para muchos críticos, estas dinámicas evocan la forma en que funcionan los chatbots actuales: sistemas entrenados para complacer al usuario, incluso cuando eso conduce a respuestas equivocadas, poco éticas o fuera de contexto.

Además de la complacencia extrema y su tono adulador, existe otra similitud: la aparente omnisciencia de la mente colmena.

Zosia, por ejemplo, recita información enciclopédica sobre una marca de vodka. Este personaje tiene acceso a esa data porque puede ingresar a los pensamientos y recuerdos de otros infectados.

Otra pista importante es el disclaimer enfático que aparece al finalizar cada capítulo: “Esta serie ha sido realizada por humanos”.

Así respondieron los creadores

Gordon Smith, guionista y director del episodio, reconoce que la serie inevitablemente ha sido asociada con un mensaje anti-IA pues “hay elementos sobre la inteligencia artificial que se asemejan a la forma de operación de los Otros”, declaró a The Hollywood Reporter.

Sin embargo, el colaborador de Vince Gilligan se resiste a limitar la lectura de la obra a una sola interpretación.

“Es menos rico decir ‘Oh esta serie es sobre ‘esto’. Eso reduce la narrativa y el alcance de la historia de generar preguntas”.

Asimismo, Smith insiste en que Pluribus es una serie conceptual que invita a múltiples lecturas. De hecho, mencionó otras posibles capas, incluyendo la adicción o la polarización política. Su objetivo, afirma, es que cada espectador encuentre su propio significado.

Vince Gilligan, por su parte, ha sido aún más frontal respecto a su postura personal sobre la inteligencia artificial y en varios medios ha manifestado abiertamente su rechazo.

A Polygon le dijo: “No he usado ChatGPT porque, hasta ahora, nadie me ha puesto una pistola en la cabeza para usarla. Nunca la usaré.

También lo calificó como “la máquina de plagio más costosa e intensa del mundo” en diálogo con Variety; mientras que ironizó en una entrevista con Rolling Stone al decir que si desean despertarlo “con sudor frío a las tres de la mañana”, basta con mencionarle la IA.

Su principal preocupación es el impacto de dichas herramientas en la creatividad.

“No me importa la IA, pero no veo cómo puede hacer del mundo un mejor lugar”, expuso a Deadline. “Ni siquiera me refiero a una especie de Skynet. Creo que incluso antes de que llegue a eso, no vamos a querer vivir porque se nos habrá arrebatado la chispa creativa, nadie sabrá construir una oración, nadie tendrá pensamiento crítico porque esto nos habrá superado”.

Pero fuera de sus perspectiva individual, Gilligan insiste en que la serie no nació como una metáfora de la IA. De hecho, concibió la idea entre ocho y diez años atrás, mucho antes de la irrupción de ChatGPT y de la pandemia de COVID-19.

Pero, como le dijo a Polygon, tampoco niega la validez de esas lecturas. “No digo que estés equivocado, ya que muchas personas están haciendo esa conexión. Pero no deseo imponerle a la gente sobre qué es esta historia”.

Pluribus está disponible en streaming vía Apple TV+, con nuevos episodios disponibles cada viernes.

La actriz y productora Reese Witherspoon fue distinguida como Mujer del Año por Harper’s Bazaar, un reconocimiento que resalta tanto su éxito en la industria del entretenimiento como su historia personal atravesada por la ansiedad y el perfeccionismo.

En una entrevista exclusiva, Witherspoon explicó que estos rasgos impulsaron su carrera, permitiéndole redefinir el poder femenino en Hollywood y construir un imperio mediático de alcance global.

El galardón, correspondiente a la edición diciembre/enero 2025 de Harper’s Bazaar, pone en primer plano el rol de Witherspoon como fundadora de Hello Sunshine, una compañía que transformó la representación femenina en las pantallas. “Si algo me preocupa, siempre seré esa persona que empuja los límites”, resumió.

La conversación, desarrollada en Electric House, Notting Hill, en Londres, evidenció el costado íntimo de la artista: “Probablemente, tuve éxito porque tenía mucha ansiedad. Van de la mano”, afirmó Witherspoon, quien asocia sus desafíos internos con su progreso profesional.

Definida por su pasión en el trabajo, reconoce que la autoexigencia y el perfeccionismo la llevaron a alcanzar metas exigentes, aunque considera que una búsqueda constante de perfección no resulta sostenible.

De Nashville a Hollywood: una outsider decidida

Nacida en Nashville, Tennessee, y sin vínculos en el sector audiovisual, Witherspoon debutó a los 14 años en “The Man in the Moon” y dejó sus estudios en Stanford para dedicarse a la actuación.

Su actitud abierta y origen sureño la hicieron sentirse foránea en un ambiente controlado por la élite costera, donde a menudo fue subestimada. A pesar de los obstáculos, se apoyó en mentoras como Diane Keaton y cultivó una determinación férrea para avanzar en su carrera.

La escasez de papeles relevantes para mujeres de más de 30 años la llevó, en 2012, a invertir su propio capital en producciones lideradas por mujeres. Así surgieron éxitos como Alma Salvaje, Perdida y Big Little Lies, que abordaron temas como la violencia doméstica desde una perspectiva innovadora y con repartos destacados.

No obstante, ni los reconocimientos ni el éxito en taquilla le garantizaron el respeto inmediato del sector. “Incluso cuando Perdida y Alma Salvaje recaudaron más de USD 600 millones y obtuve tres Óscar, seguían cuestionando si era una productora real o solo un proyecto de vanidad”, relató Witherspoon a Harper’s Bazaar.

La resistencia de algunos ejecutivos, que dudaban del interés del público en relatos femeninos, la llevó en 2016 a fundar Hello Sunshine, empresa concebida para enfrentar la falta de representación y que evolucionó al ritmo del streaming y las redes sociales.

El auge de Hello Sunshine y un nuevo modelo cultural

El impacto de Hello Sunshine se consolidó con “The Morning Show”, serie original de Apple TV+ que Witherspoon protagoniza y produce junto a Jennifer Aniston.

La ficción explora el movimiento #MeToo y la transformación del periodismo, convirtiéndose en un referente cultural y abordando temas actuales como la inteligencia artificial y el liderazgo femenino. Conquistar el control creativo y promover buenas prácticas laborales fueron logros sustanciales en esta etapa.

Herencia familiar, salud mental y crianza

Las raíces de su perfeccionismo y su deseo de destacar se vinculan con la historia de su abuela, Dorothea Draper, una mujer educada que abandonó su carrera al formar una familia y sufrió depresión. La madre de Witherspoon, enfermera pediátrica, le advirtió de la posible herencia de esas dificultades y siempre mantuvo un diálogo abierto sobre salud mental.

La propia actriz atravesó episodios depresivos, especialmente tras el nacimiento de su primera hija, Ava, en 1999. “En los primeros seis meses, estaba feliz y deprimida al mismo tiempo. Lloraba todo el tiempo, no dormía, estaba agotada”, recordó Witherspoon. Además, reconoce que el acceso a apoyo médico fue un privilegio, mientras millones de mujeres enfrentan el mismo proceso sin apoyo ni contención.

Esta vivencia modificó su estilo de crianza y su visión del bienestar emocional. Madre de tres hijos, impulsa conversaciones sinceras sobre salud mental y sexualidad, siguiendo el ejemplo de su madre, quien nunca trató estos temas como tabúes.

“Si algo me preocupa, siempre seré esa persona que empuja los límites y hace las preguntas difíciles a mis hijos”, señaló Witherspoon. Además, aboga por normalizar la menopausia y valora el impulso de figuras como Gwyneth Paltrow y Naomi Watts en la visibilización de estos procesos.

Nuevos proyectos y madurez

Actualmente, Witherspoon combina su función empresarial con proyectos creativos. Hello Sunshine impulsó documentales como F1: The Academy, dedicado a mujeres en el automovilismo, y lanzó Sunnie, una plataforma digital dirigida a la generación Z.

También organiza la conferencia Shine Away para mujeres profesionales y trabaja junto a Harlan Coben en la publicación de su primera novela, Gone Before Goodbye. Próxima a cumplir 50 años, planea viajar por Europa junto a su hijo menor, celebrando la madurez como una etapa de mayor sabiduría y autoconocimiento.

Witherspoon disfruta plenamente de este presente, celebra la conexión con su público y valora la posibilidad de elegir su propio destino, bajo los principios de resiliencia, autenticidad y desafío constante a los límites.

Ver a Lionel Messi desplegar su talento en el Inter Miami CF ahora es posible sin cargos adicionales. Apple anunció que, desde 2026, todos los partidos de la Major League Soccer (MLS) estarán disponibles para los suscriptores de Apple TV sin costo extra.

Desde la próxima temporada, los seguidores podrán acceder a todos los encuentros de la temporada regular, el torneo anual Leagues Cup, el Juego de las Estrellas de la MLS, la Campeones Cup, los Playoffs de la Audi MLS Cup y más, todo incluido en la suscripción a Apple TV.

Apple indicó que la suscripción independiente al Pase de Temporada de la MLS en la app de Apple TV se eliminará al finalizar la temporada 2025.

“Esta iniciativa mejora la experiencia para los aficionados e integra la MLS a la aclamada oferta de Apple TV, que incluye series originales, películas, documentales, partidos dobles de béisbol de los viernes por la noche, carreras de Fórmula 1 en Estados Unidos y mucho más”, señalo Apple.

Apple se une a la Fórmula 1

Apple y la Fórmula 1 establecieron un acuerdo de cinco años que transformará a Apple TV en la única plataforma donde se transmitirán todas las carreras de F1 en Estados Unidos a partir del próximo año.

Los suscriptores tendrán acceso completo a la cobertura, que incluye entrenamientos, clasificación, sesiones sprint y Grandes Premios. Además, durante toda la temporada, algunas competencias y todas las sesiones de práctica estarán disponibles de forma gratuita a través de la app de Apple TV.

La empresa detalló que, junto con las transmisiones en Apple TV, la experiencia se enriquecerá con contenido adicional en Apple News, Apple Maps, Apple Music y Apple Fitness+.

La aplicación gratuita Apple Sports para iPhone ofrecerá actualizaciones en tiempo real de cada clasificación, sprint y carrera. Los usuarios podrán consultar resultados en directo, las tablas de pilotos y constructores, recibir notificaciones en la pantalla de bloqueo y acceder a un widget especial en el inicio del iPhone.

La opción F1 TV Premium, el servicio principal de la Fórmula 1, continuará disponible en el país exclusivamente con suscripción a Apple TV y será gratuita para quienes se suscriban por primera vez.

Eddy Cue, vicepresidente sénior de Servicios de Apple, expresó: “Estamos encantados de ampliar nuestra relación con la Fórmula 1 y ofrecer a los suscriptores de Apple TV en Estados Unidos acceso privilegiado a uno de los deportes de mayor crecimiento”.

Esta nueva alianza fortalece la colaboración entre ambas organizaciones, consolidada tras el éxito mundial de F1 The Movie, una producción de Apple Original Films convertida en la película deportiva más taquillera de 2025.

Esta película, protagonizada por Brad Pitt, llegará a la plataforma streaming el próximo 12 de diciembre de 2025.

Tras su estreno en cines el 27 de junio de 2025, la película mostró un desempeño excepcional al liderar la taquilla y sumar una recaudación global de USD 629 millones.

Además de convertirse en la película deportiva más exitosa en ingresos, se consolidó como el largometraje original más rentable del año y el mayor lanzamiento de una producción original de acción real en Estados Unidos en el último lustro. Este éxito también representó el mayor logro comercial en la carrera de Brad Pitt.

F1: La película obtuvo una calificación A en CinemaScore y un 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, donde fue considerada la representación más fiel de las carreras automovilísticas hasta la fecha.

Apple TV+ desaparece

Apple anunció que ha simplificado el nombre de su servicio de streaming, cambiando deApple TV+ a Apple TV, modificación que ya se muestra en el logotipo de la aplicación móvil. La compañía explicó que este cambio obedece a la implementación de una nueva identidad para la plataforma.

Acaba de llegar a Apple TV+ la triunfadora del premio del público del Festival de Sundance, un documental que se convirtió en el favorito de los espectadores del certamen por narrar desde un punto de vista inesperado la enfermedad y la muerte de una de las poetas y activistas referente indiscutibles de los derechos LGTBI en Estados Unidos, Andrea Gibson.

El documental, dirigido por Ryan White (responsable de trabajos tan alabados como The Keepers) se adentra en la cotidianidad de Gibson y su esposa, la también poeta Megan Falley, en su hogar de Longmont, Colorado, durante la etapa final de la enfermedad de Gibson, diagnosticada con cáncer de ovario incurable en 2021.

Documentar la enfermedad

La cámara acompaña a la pareja en sus rutinas diarias, las visitas al oncólogo, las sesiones de quimioterapia y los momentos de intimidad, mostrando tanto el dolor como la capacidad de encontrar alegría y belleza en medio de la adversidad. El acceso concedido por Gibson y Falley al equipo de rodaje ha permitido captar escenas de una honestidad poco habitual, en las que el humor y la vulnerabilidad se entrelazan de forma natural.

La película arranca con una escena significativa: Ryan White llega a la casa de la pareja y Gibson le recibe con un abrazo y la frase “Supongo que vas a estar conmigo cuando muera”. Esta bienvenida, lejos de ser dramática, marca el tono de la obra, que rehúye el sensacionalismo para centrarse en la experiencia real de vivir con una enfermedad terminal.

El documental alterna imágenes actuales con material de archivo que recorre la trayectoria de Gibson, desde su infancia en Maine hasta su consagración como poeta laureada de Colorado en 2023, pasando por sus actuaciones en clubes y competiciones de ‘slam’, donde su poesía ‘performativa’, política y profundamente humana le granjeó una legión de seguidores.

“Vivir con belleza aunque duela”

La convivencia con la enfermedad y la decisión de documentar este proceso han sido, para Gibson y Falley, una forma de reafirmar su compromiso con la vida. Según ha relatado Falley a The Observer, la pareja llegó a un pacto amoroso: “vivir con belleza aun cuando doliera; encontrar alegría incluso cuando el cuerpo fallaba; convertir la vulnerabilidad en una forma de arte”.

Esta determinación se refleja en la película, donde la pareja afronta cada resultado médico, cada recaída y cada día de dolor con una mezcla de gratitud, humor y ternura. Falley ha explicado que, aunque sus amigos y familiares tenían dificultades para comprender cómo podían estar tan felices en medio de la adversidad, para ellas era fundamental no dejarse arrastrar por la tristeza.

El humor, a menudo oscuro y desarmante, es uno de los pilares del documental. Una de las primeras escenas muestra a la pareja bromeando en la cocina sobre la enfermedad, en una conversación que provocó la risa del equipo de rodaje y que, según White, les convirtió en “sujetos únicos” por su capacidad de abrirse ante la cámara desde el primer momento.

Esta actitud ha sido destacada también por Tig Notaro, productora y amiga cercana de Gibson, quien ha señalado en que la forma en que Andrea elegía vivir, entrenando cada día y manteniendo la curiosidad y la luminosidad incluso en los peores momentos, era “el ejemplo más excepcional de no rendirse”.

Activismo hasta el final

La poesía de Gibson, que siempre ha abordado cuestiones de género, identidad, política y justicia social, adquiere en el documental una dimensión existencial. La propia Gibson lo expresa en una de sus intervenciones: “Esto es el comienzo de una pesadilla, pensé… mi peor miedo hecho realidad. Pero quédate conmigo… porque mi historia trata de que la felicidad es más fácil de encontrar cuando nos damos cuenta de que no tenemos para siempre para encontrarla”.

El filme utiliza fragmentos de sus poemas más emblemáticos, como Tincture o Life Anthem, y muestra cómo la escritura y la palabra se convierten en herramientas para afrontar el dolor y encontrar sentido en la experiencia de la enfermedad.

La relación entre Gibson y Falley, marcada por la complicidad y el apoyo mutuo, es otro de los ejes de la narración. Ambas se conocieron en el circuito de poesía y, tras años de relación, se casaron en 2022.

Falley ha relatado a The Observer cómo la convivencia con la enfermedad les llevó a vivir “más enamoradas y más felices que nunca”, y cómo la decisión de grabar el documental surgió de la necesidad de compartir esa experiencia con el mundo. La película recoge tanto los momentos extraordinarios como los más cotidianos, y Falley ha destacado el privilegio de contar con miles de horas de grabación de su vida junto a Gibson: “Todo el mundo pierde a alguien, pero no todo el mundo tiene miles de horas de su amor documentadas”, ha afirmado.

El documental no concluye con la muerte de Gibson, que falleció en julio de 2025 a los 49 años, rodeada de su esposa, familiares, amigos y mascotas. La película opta por detenerse antes, en un punto intermedio entre la vida y la muerte, mostrando a Gibson vibrante y llena de asombro ante la existencia.

Come See Me in the Good Light se presenta así como un testimonio luminoso sobre la vida, el amor y la muerte, y como el legado más duradero de Andrea Gibson repleto de ternura que encoge por dentro.

A diferencia de sus historias vinculadas a criminales y antihéroes, Gilligan explora ahora un terreno distinto, más cercano a la filosofía y la conexión humana, sin abandonar los elementos que lo han convertido en uno de los creadores más influyentes de la televisión reciente.

“Después de 15 años de antihéroes, pensé que era hora de escribir algo sobre alguien que intenta hacer el bien”, comentó el propio showrunner a Deadline.

La premisa de “Pluribus”

Ambientada en una versión alternativa del Albuquerque contemporáneo, la historia acompaña a Carol Sturka, una autora de fantasía que se convierte, casi por accidente, en la última esperanza de la humanidad.

Según la sinopsis difundida, un extraño virus se expande por la ciudad y luego por el mundo, generando un estado de felicidad absoluta en todas las personas infectadas. Esta especie de “utopía viral” elimina el conflicto, el descontento y la violencia, pero transforma a la población en una colectividad uniforme y lista para ser manipulada.

Solo Carol se mantiene inmune. Su aparente desventaja se vuelve crucial: al conservar su individualidad, puede investigar el origen del contagio y buscar una solución antes de que toda la sociedad pierda su esencia.

El logline de la serie es bastante curioso por esa ironía: “La persona más miserable de la Tierra debe salvar al mundo de la felicidad”.

El regreso de Rhea Seehorn

Pluribus está protagonizada por Rhea Seehorn, que encarnó a Kim Wexler en Better Call Saul. Gilligan escribió el personaje específicamente para ella, quien lo describió como uno “dañado pero con buenas intenciones” y “muy distinto a todo lo que había hecho antes”.

El elenco también incluye a Karolina Wydra como Zosia, además de Carlos Manuel Vesga, Miriam Shor, Samba Schutte, Jennifer Bravo y McKenzie Scott.

La producción reúne nuevamente a parte del equipo creativo que acompañó a Gilligan en el universo de Breaking Bad, lo que ha despertado la atención de seguidores de la famosa franquicia.

Apple TV+ depositó su confianza absoluta en la propuesta de Vince Gilligan, ya que firmaron la renovación para una segunda temporada antes de que la primera entrega debute en la pantalla.

¿Qué dice la crítica sobre “Pluribus”?

El estreno ha sido recibido con una ola de elogios. Pluribus debutó con una puntuación perfecta de 100% en Rotten Tomatoes.

Asímismo, diversos críticos especializados se han referido a la ficción como uno de los títulos imprescindibles de 2025. Caryn James, para BBC, escribió que era una de las ”series más inteligentes y entretenidas del año”.

También respalda esa visión un periodísta de The Hollywood Reporter. Si bien falta ver cómo se desarrolla el desenlace, el potencial de la trama y la ejecución narrativa la coloca entre lo más destacado de la temporada.

La audiencia también está respondiendo favorablemente.

Según datos de FlixPatrol citados por ScreenRant, la producción ingresó al Top 10 de Apple TV+ en varios países latinoamericanos —incluidos Perú, México y Colombia— apenas un día después del estreno.

¿Cuándo y dónde ver “Pluribus” en streaming?

La serie debutó el 7 de noviembre de 2025 en Apple TV+ con dos episodios disponibles desde el primer día. Serán nueve capítulos en total para esta primera temporada, que estrenará nuevas entregas cada viernes hasta el 26 de diciembre.

Y lo hace con una serie que se presenta como un auténtico ovni en todos los sentidos. Se trata de Pluribus, que ha llegado este viernes a Apple TV+ y que se ha presentado envuelta en un secretismo inusual, con una sinopsis tan escueta como intrigante: “La persona más desgraciada de la Tierra debe salvar al mundo de la felicidad”. Esta premisa, deliberadamente ambigua, ha sido el único adelanto durante meses, generando una expectación inusitada entre público y crítica.

De qué va ‘Pluribus’

El punto de partida de Pluribus se sitúa en el descubrimiento de una señal de radio procedente de 600 años luz, hallazgo que desencadenará una transformación global. La humanidad, salvo una única excepción, se ve afectada por un código extraterrestre replicado en laboratorio, que une las conciencias y elimina la individualidad.

Solo Carol Sturka, escritora de novelas románticas y protagonista de la serie, permanece ajena a este fenómeno. Rhea Seehorn, reconocida por su papel en Better Call Saul, encarna a Carol, una mujer insatisfecha y sarcástica que se convierte en el eje dramático de la historia.

La serie, rodada en gran parte en Albuquerque, retoma la colaboración de Gilligan con su equipo habitual y explora territorios de ciencia ficción, comedia negra y drama psicológico. El creador ha declarado que la idea de Pluribus surgió hace casi una década, durante los descansos del rodaje de Better Call Saul. Inicialmente, pensó en un protagonista masculino al que todos trataban con una amabilidad inexplicable, pero con el tiempo la historia evolucionó hasta centrarse en Carol.

Más allá de los antihéroes

La construcción de Carol como “la persona más miserable de la Tierra” responde, según Gilligan, a la dificultad de crear drama cuando todos los personajes son felices.

Además, ha señalado que, tras el auge del antihéroe en televisión con personajes como Walter White, sentía la necesidad de escribir un personaje al que se pudiera aspirar a parecerse, aunque reconoce que Carol no es un modelo a seguir en todos los aspectos.

Y es que, con Pluribus, el creador busca un enfoque diferente, explorando la humanidad desde una perspectiva filosófica y emocional.

La crítica ha destacado la originalidad y el carácter imprevisible de la serie. Así, Pluribus se desmarca de los clichés habituales de la ciencia ficción y el terror, evitando los giros argumentales convencionales y sorprendiendo al espectador con cada desarrollo de la trama.

La interpretación de Rhea Seehorn ha sido calificada como “rabiosa, divertida, irónica y desesperada”, consolidando su papel como columna vertebral de la producción.

¿Una fábula anticapitalista?

La serie aborda cuestiones profundas sobre la búsqueda de la felicidad, la individualidad y el duelo. A pesar del trasfondo de virus extraterrestre y la transformación de la humanidad, la historia es, en esencia, una reflexión sobre el resentimiento y la dificultad de aceptar que el mundo sigue adelante mientras uno atraviesa una crisis personal. Además, también podría interpretarse como una fábula anticapitalista o una crítica a la deshumanización contemporánea.

El propio autor ha reconocido que la serie puede leerse en clave de metáfora sobre las redes sociales y la cultura de la ‘positividad’, aunque insiste en que su principal interés reside en el desarrollo de los personajes.

Apple ha renovado por completo la imagen de su plataforma de streaming con la introducción de un logotipo vibrante y colorido que acompañará a todas sus producciones. Esta actualización coincide con el cambio de nombre del servicio, que pasa de Apple TV+ a simplemente Apple TV, y simboliza una nueva etapa en la estrategia de la compañía dentro del universo audiovisual.

El lanzamiento se acompaña de una melodía compuesta por el ganador del Óscar, Finneas Baird O’Connell, diseñada para sonar en la introducción de series y películas.

Nueva identidad de Apple TV: logotipo y música mnemotécnica como sello distintivo

La transformación de la marca Apple TV responde a un compromiso explícito de Apple por aportar una identidad nueva y vibrante para su servicio, promesa que se ha hecho visible con este rediseño. El video de presentación publicado en el canal oficial de YouTube de Apple TV —con más de 2,21 millones de suscriptores— anticipa que “esto es solo el comienzo”, señalando que vendrán más novedades.

El logotipo renovado tendría como objetivo crear una huella visual y auditiva inconfundible al inicio de cada contenido. Finneas, compositor y artista galardonado, describió su participación diciendo lo siguiente en su cuenta de Instagram: “He creado el nuevo logo mnemotécnico para Apple TV”.

“Nunca pensé que llegaría a hacer algo así, pero me siento muy honrado y realmente no podría haber disfrutado más trabajando en ello. Espero que esta breve pieza musical refleje lo que tanto me gusta de Apple: crean herramientas maravillosas. ¡Qué suerte tengo de usarlas!”, agregó.

La decisión de simplificar la denominación a Apple TV, eliminando el signo +, fue anunciada en octubre y representa una actualización de marca que apunta a una comunicación más directa y reconocible para la audiencia global.

Éxitos, premios y reconocimiento en el streaming mundial

Desde su lanzamiento en 2019 con ocho series originales —incluidos títulos como ‘The Morning Show’, ‘For All Mankind’ y ‘Dickinson’—, Apple TV ha cosechado logros notables en la industria. El servicio hizo historia al ganar el Óscar a la Mejor Película con CODA, convirtiéndose en la primera plataforma de streaming en lograr ese reconocimiento.

Además, el cortometraje original ‘El niño, el topo, el zorro y el caballo’ obtuvo el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación, y la película ‘Los asesinos de la luna’ fue nominada a 10 premios Óscar, incluido Mejor Película.

Hasta la fecha, las producciones originales de Apple han sumado 620 premios y 2.816 nominaciones, consolidando su posición en la élite del entretenimiento audiovisual. Entre estos galardones, la comedia ‘Ted Lasso’ ha sido reconocida con múltiples premios Emmy, y la compañía obtuvo 22 premios en la 77.ª edición de los Premios Primetime Emmy.

El anuncio del nuevo logotipo y el cambio de identidad visual marcan una etapa en la que Apple TV busca consolidar su posicionamiento en el mercado global del streaming y la producción de contenido original, mediante ajustes en su imagen, propuestas audiovisuales y enfoque de marca.

Servicios y características de Apple TV

Apple TV ofrece una plataforma de streaming que brinda acceso a series, películas, documentales y programas originales producidos por Apple, conocidos como Apple TV+. Los contenidos incluyen ficciones, dramas, comedias y producciones infantiles, tanto propias como de socios exclusivos.

Además de su catálogo original, el servicio permite alquilar y comprar títulos populares de otras productoras, integrando todo el contenido en una sola interfaz personalizada. Los usuarios pueden acceder desde diversos dispositivos como iPhone, iPad, Mac, Apple TV y televisores inteligentes compatibles.

La plataforma incluye recomendaciones personalizadas y la opción de compartir la suscripción con otros miembros de la familia a través de Family Sharing, optimizando la experiencia de entretenimiento en el hogar.

Se trata de El misterio de Cemetery Road y acaba de aterrizar en Apple TV+. La trama se desarrolla en un apacible barrio de Oxford, donde la rutina se ve abruptamente interrumpida por la explosión de una vivienda. Este suceso, que en un principio se atribuye a una fuga de gas, deja como saldo la muerte de un matrimonio y la desaparición de su hija, quien es evacuada al hospital bajo un manto de secretismo.

La inquietud de Sarah Tucker (interpretada por Ruth Wilson), una restauradora de arte insatisfecha con su vida personal, la impulsa a investigar el caso, motivada inicialmente por el deseo de entregar un dibujo a la niña desaparecida.

Una detective que busca mascotas extraviadas

La búsqueda de respuestas lleva a Sarah a contactar con la detective privada Zoë Boehm, encarnada por Emma Thompson. Boehm, cuya agencia comparte con su esposo Joe (Adam Godley), se dedica habitualmente a casos menores, como infidelidades o mascotas extraviadas. Sin embargo, la insistencia de Sarah y la negativa de las autoridades a colaborar la convencen de involucrarse en una investigación que pronto revela conexiones con el gobierno británico, los servicios de inteligencia y el ejército, así como la presencia de peligrosos sicarios.

A medida que la serie avanza, la aparente sencillez del caso inicial se transforma en una compleja red de conspiraciones y secretos de Estado. La desaparición de la niña Dinah se convierte en el eje de una trama que lleva a las protagonistas desde las calles de Oxford hasta una remota isla escocesa, enfrentándose a amenazas constantes y a una violencia inesperada. El personaje de Amos Crane, interpretado por Fehinti Balogun, emerge como una presencia amenazante que intensificará la tensión.

El guion y la adaptación de la serie están a cargo de Morwenna Banks, quien ya había trabajado en Slow Horses y que logra trasladar el característico humor negro y la ironía de Herron a la pantalla. La dirección de los ocho episodios se reparte entre Samuel Donovan, Börkur Sigþórsson y Natalie Bailey, aportando variedad de estilos a la narrativa.

La construcción de los personajes es uno de los puntos fuertes de la serie. Zoë Boehm es descrita por la propia Emma Thompson como una detective pragmática, directa y poco dada a las convenciones sociales, que compensa sus carencias personales con una actitud moral firme y una notable resistencia emocional. “Ella es buena asumiendo los riesgos necesarios. Es maleducada y directa, y no es buena en las conversaciones intrascendentes porque no le interesa la vida privada de la gente. Es muy moral, aunque se presenta como un poco amoral, y es fascinantemente resistente al cariño”, dijo Emma Thompson a Radio Times.

El gran reto de Emma Thompson

La actriz también destaca el esfuerzo físico requerido para el papel, mencionando: “Me he preparado tanto como he podido: por ejemplo, he intentado entrenar más y comer menos pasteles. He hecho pesas y sentadillas, y llevaba un reloj de aquellos que te miden el ritmo cardíaco y son una constante fuente de decepción”, según sus declaraciones a Radio Times.

Por su parte, Ruth Wilson define a Sarah como una mujer de clase media con un pasado complicado y un trauma no resuelto, lo que añade profundidad a su obsesión por el caso.

La actriz subraya que la serie, aunque comparte el trasfondo de los servicios de inteligencia británicos con Slow Horses, adquiere un tono más salvaje y peligroso a medida que avanza, especialmente en los últimos episodios, que se asemejan a una película de acción.

El tono de la serie oscila entre el drama y la comedia negra, manteniendo la tensión a través de diálogos ingeniosos y situaciones inesperadas. Aunque la serie sigue los cánones del thriller británico clásico, la combinación de humor y gravedad resulta efectiva, permitiendo que las protagonistas, a pesar de no estar preparadas para enfrentarse a amenazas de seguridad nacional, logren desenvolverse con éxito en situaciones extremas.

El reparto se completa con actores como Adeel Akhtar, Nathan Stewart-Jarrett, Tom Goodman-Hill, Darren Boydy Tom Riley, quienes aportan matices a una galería de personajes secundarios que, en ocasiones, rozan la caricatura pero contribuyen al dinamismo de la historia.

La saga literaria de Zoë Boehm, iniciada en 2003 con Down Cemetery Road, no había sido publicada en España, pero goza de reconocimiento en el Reino Unido.

Entre ellas se encuentran títulos tan esperados como Anatomía de un instante, de Alberto Rodríguez, Yakarta, del siempre infalible Diego San José o la adaptación del éxito ‘súperventas’ de Javier Castillo, El cuco de cristal.

En el ámbito internacional, habrá que estar muy atentos a la última temporada de Stranger Things, cuya primera parte que aterriza en Netflix el 26 de noviembre.

‘Cometierra’ (Prime Video)

Se estrena el 31 de noviembre, pero no se había desvelado la fecha hasta hace muy poco, así que durante este mes podremos saber cómo se ha adaptado al formato serie la gran obra de la argentina Dolores Reyes del mismo título y que aquí se traslada al territorio mexicano.

En ella, una adolescente, después de perder a su madre, se dará cuenta de que ha adquirido unas habilidades excepcionales: es capaz de tener visiones de una persona desaparecida si come tierra que esta haya pisado.

Así, se convertirá en una detective paranormal en un espacio lastrado por la violencia hacia las mujeres.

‘I Love La’ (HBO Max)

Conocimos a Rachel Sennott gracias a su papel en Shiva Baby, de Emma Seligman y, a partir de ese momento, se convirtió en una de las reinas del cine ‘indie’ en títulos como Muerte, muerte, muerte, de Halina Reijn, Antes era divertido, de Ally Pankiw o la comedia lésbica El club de las luchadoras, junto a Ayo Edebiri, con la que ya había formado pareja en su sitcom Ayo and Rachel are single.

Ahora, Sennott se convierte en la creadora de esta comedia que consta de ocho episodios en la que un grupo de amigos se reúne después de años sin verse. Inevitablemente cada uno habrá cambiado a su manera, y será el momento de saber si la conexión continúa más allá del tiempo. Una disección de la amistad ‘millennial’ en la que también participa Josh Hutcherson, True Whitaker, Odessa A’zion o Elijah Wood. A partir del 3 de noviembre en Max.

‘Todas las de la ley’ (Disney+)

Por ahora es un misterio qué nos deparará la enésima serie de la temporada de Ryan Murphy, en esta ocasión separado del ‘true crime’ y de su franquicia Monstruo.

Sin embargo, el reparto que acumula esta nueva propuesta resulta difícil de pasar por alto: Kim Kardashian, Naomi Watts, Glenn Close, Niecy-Nash Betts, Teyana Taylor y Sarah Paulson.

La serie, seguirá a una exitosa abogada de divorcios que es propietaria de un bufete exclusivamente femenino dedicado a ayudar a las mujeres. A partir del martes 4 de noviembre.

‘Yakarta’ (Movistar Plus+)

Después de Celeste, que ya era una comedia atípica, Diego San José, da un paso más allá en su trayectoria con esta serie que tiene más de drama que de comedia. Y mucho de incomodidad y tristeza.

José Ramón (un fabuloso, como siempre, Javier Cámara) es un ex jugador olímpico de bádminton que que siente frustrado y que ha terminado dando clases en un instituto de Vallecas. Una día verá jugar a una adolescente, Mar (Carla Quílez) en la que creerá haber encontrado a una deportista de élite. Ambos iniciarán una serie de viajes que los llevarán por todos los pueblos de España para intentar clasificarse al mejor campeonato del mundo, el de Yakarta. A partir del 6 de noviembre.

‘Pluribus’ (Apple TV+)

El creador de Breaking Bad y de Better Caul Saul, Vince Gilligan tiene nueva serie que ya ha sido renovada por una segunda temporada antes de su estreno.

En esta ocasión, el ‘showrunner’ se adentra en el terreno de la ciencia ficción, a través de una de las personas más desgraciadas de la Tierra que debería de salvar a los habitantes del planeta... del virus de la felicidad. Una distopía inesperada protagonizada por Rhea Seehorn, que estará acompañada de Karolina Wydra y Carlos-Manuel Vesga.

El 7 de noviembre se estrenarán los dos primeros capítulos seguidos de una nueva entrega cada viernes hasta el 26 de diciembre.

‘La bestia en mí’ (Netflix)

Otro ilustre creador de series míticas, en este caso Howard Gordon, responsable de Homeland, regresa de nuevo con Claire Danes, protagonista de aquél impecable thriller de espías político.

En esta ocasión se centra en la intriga psicológica a través de una historia entre el horror y la fascinación que se establecerá entre una escritora marcada por la pérdida de su hijo y su nuevo vecino, un misterioso magnate sospechoso de haber hecho desaparecer a su mujer. Entre ellos se establecerá una relación tan tóxica como peligrosa marcada por la sombra de la obsesión y el trauma.

Junto a Claire Danes, encontramos a Matthew Rhys y en el reparto destaca además Britanny Snow y Natalie Morales. A partir del 13 de noviembre.

‘El cuco de cristal’ (Netflix)

Una de las producciones más esperadas para los fans del autor de ‘bestsellers’ Javier Castillo. Después de La chica de nieve, se presenta esta propuesta basada en otra de sus obras más conocidas, El cuco de cristal.

En ella, una joven que sufre un infarto y se somete a un trasplante de corazón, se verá envuelta en una opresiva trama de secretos y misterios cuando reciba la invitación de una mujer de pasar unos días en la casa del chico que le donó el órgano. Todo se complicará (todavía más) con la misteriosa desaparición de un bebé.

Al frente del reparto, Catalina Sopelana, Álex García, Itziar Ituño e Iván Massagué. A partir del 14 de noviembre en Netflix.

‘Anatomía de un instante’ (Movistar Plus+)

Basándose en la célebre novela de Javier Cercas del mismo título, Alberto Rodriguez (que tiene pendiente de estreno Los Tigres), junto a su colaborador habitual Rafael Cobos y Fran Araújo, nos trasladan a ese momento del 23 de febrero de 1981 en el que la vida en España se paró con el golpe de Estado del teniente coronel de la Guardia Civil, Antonio Tejero.

Cuatro episodios que siguen a los tres protagonistas de esta historia hasta desembocar en ese ‘instante’: Adolfo Suárez (Álvaro Morte), Santiago Carrillo (Eduard Fernández) y Gutiérrez Mellado (Manolo Solo). Un thriller político poliédrico y repleto de sorpresas en el que cada capítulo se encuentra inscrito en un género determinado. A partir del jueves día 20 de noviembre.

‘Stranger Things 5′ (Netflix)

La última temporada de este fenómeno mundial tendrá dos partes. La primera se presentará el 27 de noviembre y a la segunda el 26 de diciembre.

Los hermanos Duffer vuelven a reunir a parte del elenco original: Milie Bobby Brown, Finn Wolfhard, David Harbour, Winona Ryder, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp o Charlie Heaton.

En esta ocasión nos situaremos en 1987, con el pueblo de Hawkins marcado por la apertura de las Grietas. Los protagonistas estarán unidos para encontrar y acabar de una vez con Vecna (Jamie Campbell Bower), pero la misión se complicará porque el gobierno ha instaurado una cuarentena militar.

Junto a Ruth Wilson, la actriz protagoniza una trama centrada en la desaparición de una niña y el hallazgo de secretos oscuros. En una entrevista para Radio Times, Emma explicó que la propuesta ofrece tensión, humor negro y personajes femeninos complejos.

La creación de Zoë Boehm marca un punto de inflexión en la carrera de Thompson. La actriz recuerda que, en su juventud, los thrillers que leía mostraban a mujeres condenadas a enamorarse y morir, o a ser víctimas de la violencia.

“Por las leyes de la probabilidad, debería seguir buscando papeles en los que seduzco y me matan, me enamoro y me matan, o administro un portacigarrillos sin quemarme”, reflexionó Thompson.

Su interpretación de Boehm le permite romper estos estereotipos: da vida a una mujer brillante, cínica, marcada por su pasado y decidida a no ser “una buena chica”.

Boehm opta por el ingenio como herramienta de supervivencia y se muestra directa, poco interesada en la vida privada de los demás y resistente al afecto. Thompson subraya que su personaje es “altamente moral aunque aparente lo contrario, y fascinantemente resistente al afecto”.

La serie se distingue por su enfoque en personajes femeninos capaces de superar el test de Bechdel, algo poco habitual en el thriller clásico. Herron, autor de la novela, es conocido por retratar mujeres alejadas de los roles convencionales del género.

Thompson celebra que, en Down Cemetery Road: el misterio de Oxford, las mujeres “hacen cosas y dicen cosas”, con espacio para interactuar entre sí más allá de los hombres. Esta perspectiva se refleja en una narrativa que desafía la idiotez patriarcal y la autocomplacencia, aportando humor ácido y realismo al argumento.

Creación del personaje y rodaje exigente

El proceso de creación de Zoë Boehm resultó una experiencia enriquecedora para Thompson gracias al trabajo con el equipo de vestuario y maquillaje. Annie Symons, diseñadora de vestuario, aportó una chaqueta de cuero negra hallada en una venta de segunda mano en Camden Town, que se integró como prenda clave del personaje.

“Me di cuenta de que Zoë podría haber ido a la escuela en esa parte de Londres, llena de adictos y vagabundos”, recordó la actriz. El atuendo se completó con botas Doc Martens y un maquillaje sencillo, ideado por Naomi Donne, quien optó por un corte de cabello que transmite la indiferencia de Boehm hacia su imagen.

Donne explicó: “No es lo que llamarías un corte de pelo, pero dice algo”. Así surge una protagonista que transmite autenticidad y desdén por las convenciones, lejos de preocuparse por el cuidado de la piel.

La preparación física supuso un reto adicional para Thompson. A sus 66 años, afrontó escenas de acción exigentes, entrenó más de lo habitual, levantó pesas y usó un reloj para medir su ritmo cardíaco, aunque este “siempre se mostraba decepcionado”.

Las jornadas incluyeron ser arrastrada por túneles infestados de ratas, correr bajo explosiones simuladas y pasar horas en barcos de pesca en mares agitados.

Pese a la intensidad, Thompson destaca la influencia positiva de Zoë, quien le enseñó a no esperar demasiado de los demás y a disfrutar de placeres sencillos.

Dinámica entre el elenco y adaptación literaria

La relación profesional y personal entre Emma Thompson y Ruth Wilson fue fundamental en el proyecto. Ambas compartieron jornadas intensas y arriesgadas, encontrando apoyo mutuo en los momentos de mayor agotamiento.

Thompson describe a Wilson como “una mujer de gran fortaleza que acepta cualquier desafío sin quejarse”. Al término de cada jornada, las actrices compartían impresiones y, a veces, un trago, preguntándose cómo lograron superar el día.

El elenco incluyó a Steven Cree como Bob Poland y Fehinti Balogun en el rol de antagonista. Thompson recuerda con humor las escenas junto a Cree y la camaradería forjada fuera de cámara, donde Balogun preparaba comidas caribeñas tras largas jornadas. Estas dinámicas contribuyeron a un ambiente laboral colaborativo y animado.

La adaptación televisiva corrió a cargo de Morwenna Banks, guionista y amiga de Thompson desde sus comienzos en la comedia de sketches. La versión escrita por Banks aportó más acción de la esperada y supuso un desafío durante los ocho meses de rodaje.

La obra original de Herron, reconocida por su humor negro y su visión crítica de las instituciones, sirvió de base para una serie que combina tensión, ironía y una perspectiva poco convencional del género.

Localizaciones y balance final

El rodaje tuvo lugar en distintas localizaciones del Reino Unido, con Polperro, en Cornualles, y la estación de King’s Cross en Londres como escenarios destacados.

Thompson menciona que Polperro se transformó en su lugar predilecto, en parte por el ambiente acogedor del pub The Blue Peter, donde disfrutó de la gastronomía local entre tomas. La variedad de escenarios aportó riqueza visual y autenticidad a la serie.

Tras ocho meses de trabajo, la filmación concluyó el 3 de febrero de 2025. Emma Thompson expresó sentimientos de alivio y nostalgia al cierre del rodaje.

Down Cemetery Road: el misterio de Oxford se perfila como una serie que desafía las convenciones del thriller británico, apostando por mujeres fuertes, drama emocional y una puesta en escena realista y mordaz.

Se titula Mr. Scorsese, lo ha dirigido Rebecca Miller y, a lo largo de 5 capítulos nos adentramos en los dilemas morales, las adicciones y las contradicciones que han marcado al director de títulos como Taxi Driver o Toro Salvaje.

Una infancia marcada por el asma

La infancia de Scorsese estuvo marcada por el asma, una condición que lo obligó a pasar largas horas en cines con aire acondicionado, el único refugio donde podía respirar con normalidad. Este hábito, lejos de ser solo una medida terapéutica, se convirtió en el germen de su vocación. Era como si su vida, dependiera, casi literalmente, de esas sesiones de cine.

La serie recorre desde los años formativos del director hasta el proceso de creación de Los asesinos de la luna (2023), su más reciente largometraje.

A lo largo de este viaje, Miller (hija del dramaturgo Arthur Miller y esposa de Daniel Day-Lewis) teje un retrato coral en el que intervienen figuras como Robert De Niro, Leonardo DiCaprio, Steven Spielberg, Jodie Foster, Thelma Schoonmaker y Robbie Robertson, además de familiares y amigos de la infancia.

Entre la fe, la violencia y las adicciones

Uno de los ejes centrales del documental es la tensión entre la espiritualidad católica de Scorsese y su fascinación por la violencia. El propio Scorsese se interroga en la serie: “¿Somos intrínsecamente buenos o malos?... Ésta es la lucha. Y yo lucho con ella todo el tiempo”.

La relación de Scorsese con el cine ha sido, en muchos momentos, una tabla de salvación frente a sus demonios personales. Tras el fracaso comercial de New York, New York (1977), el director cayó en una espiral de adicción a la cocaína que lo llevó al borde de la muerte. “La mayor parte de mí quería morir. Porque en ese momento no podía hacer más mi trabajo. Me sentía incapaz de crear”, confiesa Scorsese a Rebecca Miller ante las cámaras.

El episodio culminó con una hospitalización por una sobredosis casi mortal en 1978. Fue entonces cuando Robert De Niro lo visitó y lo convenció de embarcarse en Toro salvaje, un proyecto que marcaría su resurgimiento. “No podía entender la obsesión de Bob (De Niro) con ese proyecto, hasta que, finalmente, pasé por ese duro periodo yo también”, recordó Scorsese. “Salí del otro lado y me desperté un día vivo... aún respiraba”, añade.

La dinámica de caída y resurgimiento se repitió a lo largo de la carrera de Scorsese. Los fracasos de taquilla, como el de El rey de la comedia (1982), lo alejaron temporalmente de Hollywood, mientras que éxitos posteriores, como Uno de los nuestros (1990), le devolvieron el reconocimiento. “La cantidad de veces que Marty fracasó es sorprendente. Incluso después de haber hecho varias obras maestras, hubo momentos en los que prácticamente lo dieron por acabado. A lo largo de su carrera, ha tenido que reinventarse mil veces”, ha contado Miller.

La serie también aborda los episodios de ira y los conflictos personales del director. Isabella Rossellini, tercera esposa de Scorsese, relató: “Podía demoler una habitación entera y luego no recordarlo. Al menos a mí nunca me pegó”, cuenta en el documental.

Durante el rodaje de Gangs of New York (2002), un enfrentamiento con el productor Harvey Weinstein terminó con un escritorio volando por la ventana. El propio Scorsese reconoce que la psicoterapia fue fundamental para superar estos impulsos: “Si no fuera por mi doctor (cinco días a la semana, llamadas telefónicas los fines de semana, un trabajo fuerte y constante para enderezar mi cabeza) estaría muerto”, declara en la serie.

Una vida familiar caótica

La vida familiar de Scorsese también aparece bajo una luz compleja. Sus tres hijas (Cathy, Domenica y Francesca) relatan la distancia emocional que marcó su infancia debido a la dedicación absoluta de su padre al cine.

Domenica Cameron-Scorsese describió la experiencia de trabajar con él en La edad de la inocencia (1993) como un momento de conexión: “Si está trabajando en la película, está ahí, está en la película. Y si no estás en la esfera de esa luz... puedes sentir su ausencia”. En la actualidad, la relación con su hija menor, Francesca, ha contribuido a mostrar una faceta más relajada y cercana del director, quien se ha convertido en una figura popular en redes sociales.

El documental no elude las controversias que han acompañado la obra de Scorsese. Taxi Driver (1976) y El rey de la comedia (1982) generaron debates por la representación de la violencia y la marginalidad, llegando incluso a influir en hechos reales, como el intento de asesinato del presidente estadounidense Ronald Reagan en 1981, motivado por la obsesión de John Hinckley Jr. con Jodie Foster y el personaje de Travis Bickle.

Scorsese llegó a asistir a los Oscar con chaleco antibalas tras el atentado, según relató Rossellini en la serie. “¿Me gustó lo que pasó? No. ¿Sentimos que hicimos bien en hacer esa película? Sí”, afirmó el director a The Guardian.

La dimensión religiosa de su cine, especialmente en títulos como La última tentación de Cristo (1988) y Silencio (2016), ha suscitado tanto admiración como rechazo. La primera fue objeto de protestas y prohibiciones en varios países antes incluso de su estreno. Para Scorsese, la representación de la violencia en pantalla solo tiene sentido si refleja la realidad humana: “Mostrar actos violentos en pantalla es valioso si es violencia de verdad, porque todos los seres humanos son capaces de tales acciones si se les empuja”, sostiene en la ‘docuserie’.

En el tramo final de la serie, se muestra a Scorsese junto a su esposa Helen Schermerhorn Morris, enferma de párkinson, y a su hija Francesca, quien ha contribuido a su reinvención pública. A los 82 años, el director se define como un hombre de familia más sereno, aunque reconoce que la soledad y la introspección siguen presentes en su vida. “Hay mucho invertido en mi vida personal en casa... Así que donde solíamos celebrar cenas y cosas así, todo eso se está reduciendo mucho, mucho. Así que estoy bastante solo. E invariablemente, si me reúno con gente, es por negocios”, confesó Scorsese a GQ.

La serie Mr. Scorsese se erige así como un testimonio esencial para comprender la compleja relación entre arte, fe, violencia y redención en la obra de uno de los cineastas más influyentes de Estados Unidos, cuya vida y carrera han estado marcadas por una constante lucha entre la autodestrucción y la búsqueda de sentido.

Durante la pandemia y ante la inminente venta del apartamento familiar en Nueva York, el actor y director decidió grabar en video los recuerdos de toda una vida y explorar, por primera vez, a sus padres como individuos, más allá de su rol parental.

Así nació el documental de Apple TV que, explicó Stiller en una conversación con YouTube (CBS Sunday Morning), le permitió descubrir aspectos desconocidos tanto de Jerry Stiller como de Anne Meara, mientras se reconciliaba con su propio pasado.

El apartamento como refugio y catalizador

El proyecto surgió en un contexto de duelo y transición. Tras el deceso de su padre y la imposibilidad de realizar un homenaje tradicional por las restricciones sanitarias, Ben Stiller quiso preservar el apartamento donde su familia vivió durante 55 años.

“Quería capturar el apartamento en video antes de que lo vaciáramos o vendiéramos, porque era extraño pensar que nunca más podría volver”, afirmó el cineasta en la entrevista con YouTube (CBS Sunday Morning).

La filmación coincidió con la venta del inmueble y, rápidamente, el proyecto adquirió una dimensión mucho más profunda. “Al principio, solo pensaba en hacer algo sobre la vida y la carrera de mis padres, pero a medida que avanzaba me di cuenta de que lo personal era lo que la película necesitaba ser”, confesó.

De la resistencia a la apertura

La producción de Stiller y Meara: nada se ha perdido evolucionó desde el homenaje hacia la exploración íntima. Al principio, Stiller dudaba en incluir su propia historia, por temor a que el filme resultara autorreferencial. Sin embargo, comentarios de amigos y colegas le hicieron ver que su punto de vista era fundamental para dotar de autenticidad al relato.

“Un amigo director me dijo: ‘Me gusta la película, pero veo mucho la parte de atrás de tu cabeza. Quiero saber cómo te afectaron ellos’. Eso me impulsó a incluir mis propios sentimientos”, relató Stiller a YouTube (CBS Sunday Morning). El reto fue decidir cuánto compartir y hasta dónde mostrar emociones raramente expresadas en público.

Archivos, hallazgos y comprensión

La revisión de archivos familiares —cintas, grabaciones y objetos acumulados durante décadas— le deparó hallazgos inesperados. Muchas de las grabaciones, hechas en secreto por Jerry Stiller, permitieron a Ben revivir su infancia y comprender mejor la dinámica entre sus padres.

“Escuchar esas discusiones y conversaciones fue asombroso. Me transportó a la sala de estar de nuestra casa, a la cadencia de cómo interactuaban”. El apartamento, más que un escenario, se convertía en el eje emocional del relato y su desmantelamiento acompañó el proceso de duelo y reconciliación familiar.

Padres, retos y redescubrimientos

A lo largo del documental, Stiller abordó su propio vínculo con sus padres y el impacto de ambos en su vida y carrera. “Quería entender cómo mis padres navegaron la vida porque yo mismo estaba atravesando desafíos similares”, admitió.

Durante años, observó a su padre desde la mirada de un hijo que buscaba ser tratado como igual, aunque con el tiempo aprendió a valorar su generosidad y apoyo constante.

“Era el mayor animador del mundo, siempre tenía razón en sus consejos, aunque eso me volvía loco”. En cuanto a Anne Meara, la redescubrió como una mujer auténtica y compleja, marcada por la pérdida de su madre y por una fortaleza que operaba como escudo.

“Mi madre era genuina hasta la médula. Si no le gustabas, te lo decía”, afirmó Stiller, quien reconoció que solo con los años comprendió el alcance de sus luchas internas y su búsqueda constante de autenticidad.

Una pareja ante el arte y la vida

La relación entre Jerry Stiller y Anne Meara, en escena y en la vida privada, constituye otro pilar del documental. Trabajaban juntos todo el tiempo, y cuando la demanda por el acto disminuyó, ambos tuvieron que reinventarse.

“Creo que todo estaba interconectado para ellos. Trabajaban juntos todo el tiempo, y cuando la demanda por el acto disminuyó, tuvieron que encontrar su propio camino”, señaló Stiller en la charla con YouTube (CBS Sunday Morning).

El filme alterna momentos felices y dificultades, en un equilibrio genuino que refleja los altos y bajos de una pareja unida durante 62 años. “Al final del día, se amaban. Mi madre era el ancla del acto, aunque no era su verdadera felicidad, y mi padre la adoraba”.

Un mensaje universal desde lo íntimo

Más allá de la historia personal, Stiller insiste en que el documental transmite un mensaje universal. Al compartir su experiencia, espera que otros puedan verse reflejados y cuestionar sus propias relaciones familiares, fuera de los limitantes de la fama o el arte.

“Cuando empecé a mostrar la película a amigos y conocidos, muchos me decían que les hacía pensar en sus propias familias. Eso fue lo que me convenció de que valía la pena hacerla”, señaló. La exposición pública de emociones resultó difícil, aunque siempre contó con el respaldo de su familia, que comprendió su propósito honesto y humano al narrar la historia.

Herencia, agradecimiento y memoria

El legado de Jerry Stiller y Anne Meara, pioneros de la comedia estadounidense, trasciende lo artístico. Para Ben Stiller, crear Stiller y Meara: nada se ha perdido significó honrar a sus padres y lograr una reconciliación con su pasado.

“Estoy agradecido de que, al final de sus vidas, tuviéramos una buena relación”, expresó en la entrevista con YouTube (CBS Sunday Morning). El documental es más que un retrato biográfico: es un testimonio de cómo el arte puede convertirse en herramienta para comprenderse y sanar.

Hoy, Ben Stiller reconoce que el proceso de la película le permitió acercarse a sus padres de un modo inédito. Aunque la ausencia persiste, el director encuentra consuelo al poder apreciar, con el tiempo, lo mejor de lo vivido, mientras el resto se desvanece en la memoria.

Jennifer Aniston encontró puntos en común con Jennette McCurdy al prepararse para interpretar a la madre en la serie inspirada en el exitoso libro Me alegro de que mi madre haya muerto.

La actriz y productora ejecutiva explicó que tuvo una conexión inmediata con el relato, ya que su propia experiencia familiar compartía similitudes con la de la autora.

En declaraciones a People, Aniston aseguró: “Teníamos madres muy similares”. La confesión surge en el contexto de la adaptación del libro que McCurdy publicó en 2022, donde narra su carrera como estrella infantil y su relación conflictiva con su madre, quien murió en 2013.

El libro, que fue un éxito en ventas según The New York Times, se basa en el unipersonal homónimo que la propia autora estrenó tiempo atrás.

Además de reconocerse en la experiencia de McCurdy, Aniston destacó la calidad narrativa y el impacto del testimonio. “Está tan bellamente escrito”, sostuvo la actriz sobre el libro.

Respecto a la autora, afirmó: “Ella es tan especial. El hecho de que sea la mujer joven que es hoy después de haber vivido esa vida es realmente notable”.

El papel de la madre de la protagonista no fue una elección casual para Jennifer Aniston, quien reconoció que el proyecto levantó su interés desde el primer momento.

“Cuando cayó sobre mi escritorio como una opción, una propuesta para interpretar a este personaje y trabajar con Jennette, Sharon Horgan y LuckyChap, me resultó intrigante y un honor. Estoy entusiasmada por empezar a rodar”, expresó.

La identificación entre ambas actrices no solo quedó en el plano profesional. La protagonista de The Morning Show ya había hablado en público sobre las dificultades que tuvo con su madre, Nancy Dow.

“Ella venía de ese mundo de ‘Cariño, cuídate más’ o ‘Ponte la cara’, todas esas frases raras que recuerdo de mi infancia. No era su intención ser cruel ni sabía que dejaría heridas profundas, que luego costarían mucho reparar”, relató para la revista Elle.

La serie, que consta de diez episodios, fue anunciada por Apple TV+ y adaptará Me alegro de que mi madre haya muerto en formato de tragicomedia.

El argumento pondrá el foco en la relación codependiente entre una joven actriz de una serie infantil de éxito y su madre, narcisista y controladora, que disfruta de su rol de “madre de una estrella”.

Todo sobre la serie basada en la vida de Jennette McCurdy

En julio de este año, Apple TV+ confirmó que la nueva producción contará con Jennifer Aniston en el papel principal y como productora ejecutiva.

La serie está escrita y supervisada por Jennette McCurdy y Ari Katcher, quienes también tienen a su cargo la producción ejecutiva, junto a Sharon Horgan, Stacy Greenberg para Merman, Dani Gorin, Tom Ackerley y Josey McNamara para LuckyChap, Jerrod Carmichael y Erica Kay.

Apple Studios produce este proyecto, en el que McCurdy ejercerá un rol doble como autora y supervisora, aportando una perspectiva directa desde sus vivencias.

La adaptación de Me alegro de que mi madre haya muerto narrará la dinámica entre la joven actriz y su madre, abordando temas de abuso, manipulación y aspiraciones truncas en el marco de la industria del entretenimiento para niños.

La realización de la serie enfrentó desafíos durante la preproducción. Según informes recogidos por el portal Puck, el director Jason Reitman abandonó el proyecto debido a diferencias creativas con McCurdy.

Los desacuerdos giraron en torno al tono de la adaptación, ya que Reitman propuso una visión más cómica, mientras que McCurdy priorizó un enfoque fiel a los temas serios de su libro.

Dicha situación generó la búsqueda urgente de un nuevo director, ante el riesgo de que Apple TV+ cancelara la producción.

El libro Me alegro de que mi madre haya muerto, editado por Simon & Schuster en agosto de 2022, se mantuvo en la lista de bestsellers del New York Times durante más de 80 semanas.

La obra relata episodios de abuso familiar y presiones en la industria televisiva, incluidas las denuncias de Jennette McCurdy sobre prácticas abusivas por parte de productores de Nickelodeon.

Apple y la Fórmula 1 firmaron una alianza de cinco años que convertirá a Apple TV en la plataforma exclusiva para la transmisión de todas las carreras de F1 en Estados Unidos a partir del próximo año.

El servicio ofrecerá cobertura completa, incluyendo entrenamientos, clasificación, sesiones sprint y Grandes Premios, disponibles para los suscriptores. Además, algunas carreras y todas las sesiones de entrenamiento podrán verse gratuitamente en la app de Apple TV durante toda la temporada.

La compañía indicó que, junto a la transmisión en Apple TV, ampliará la experiencia con contenido relacionado en Apple News, Apple Maps, Apple Music y Apple Fitness+.

La aplicación gratuita Apple Sports para iPhone brindará actualizaciones en vivo de cada clasificación, sprint y carrera.

Los usuarios accederán a clasificaciones en tiempo real, la tabla de pilotos y constructores de la temporada, notificaciones en la pantalla de bloqueo y un widget especial para la pantalla de inicio del iPhone.

La opción F1 TV Premium, el servicio premier de la Fórmula 1, seguirá disponible en Estados Unidos únicamente mediante suscripción a Apple TV, siendo gratuita para nuevos suscriptores.

Según Eddy Cue, vicepresidente sénior de Servicios de Apple: “Estamos encantados de ampliar nuestra relación con la Fórmula 1 y ofrecer a los suscriptores de Apple TV en Estados Unidos acceso privilegiado a uno de los deportes de mayor crecimiento”.

Próximamente, se comunicarán detalles adicionales sobre la producción, mejoras del producto y nuevas formas en que los fanáticos podrán disfrutar el contenido de la Fórmula 1 en el ecosistema de Apple.

La nueva alianza refuerza la relación entre ambas entidades, consolidada tras el éxito global de F1 The Movie, una producción de Apple Original Films que se convirtió en la película deportiva más taquillera.

Apple TV+ desaparece: ahora se llamará Apple TV

Apple anunció que ha simplificado el nombre de su servicio de streaming, pasando de Apple TV+ a Apple TV, una actualización que ya se refleja en el logotipo de la app móvil.

La empresa señaló que este ajuste responde a la adopción de una nueva identidad para la plataforma.

Al mismo tiempo, se anunció que la película ‘F1: La película’, protagonizada por Brad Pitt, estará disponible en la plataforma a partir del 12 de diciembre.

Tras su estreno en cines el 27 de junio de 2025, la cinta consiguió un desempeño sobresaliente: encabezó la cartelera y alcanzó una recaudación de USD 629 millones a nivel mundial.

La cinta no solo logró transformarse en la película deportiva con mayor recaudación, también se posicionó como el largometraje original más exitoso del año y el lanzamiento más importante para una producción original de acción real en Estados Unidos durante los últimos cinco años. Asimismo, marcó el mayor éxito en la trayectoria profesional de Brad Pitt.

‘F1: La película’ recibió una calificación A en CinemaScore y alcanzó un 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, siendo valorada como la representación más auténtica de las carreras automovilísticas hasta el momento.

En el plano musical, el film impulsó un fenómeno global con el álbum F1 The Album, una banda sonora conformada por artistas reconocidos, que superó las 650.000 unidades vendidas y sobrepasó los mil millones de reproducciones a nivel internacional.

Actualmente, el álbum lidera la lista Top Movie Songs de Billboard, con siete de las diez canciones principales. El tema central, ‘Just Keep Watching‘ de Tate McRae, nominada en dos ocasiones a los VMA, fue determinante en este éxito.

Con más de cuatro mil millones de visualizaciones en plataformas de videos cortos, F1 The Album se estableció como uno de los grandes fenómenos musicales de 2025 y se volvió un elemento esencial en el impacto cultural generado por la película.

¿Qué provocó que Martin Scorsese reprodujera la violencia, la fe y más cuestiones sociales de una forma tan excepcional en el cine? Las respuestas son múltiples, pero el documental Mr. Scorsese elige llevarnos al principio de todo, el punto de partida de su vocación como cineasta: su peligroso barrio natal, Little Italy.

En el documental original de Apple TV, estrenado el 17 de octubre a nivel global, la directora y guionista Rebecca Miller asumió la difícil tarea de contar la historia del cineasta vivo más importante a la fecha. Compartió entrevistas con él, su familia, sus amigos de toda la vida, asiduos colaboradores como el actor Robert De Niro y más figuras de la industria cinematográfica.

Miller dialogó con medios de comunicación mediante una rueda de prensa, donde estuvo presente Infobae, y profundizó en las decisiones creativas detrás de la docuserie de cinco episodios. En primer lugar, ¿estaba Scorsese de acuerdo con que alguien más tomara la dirección de su biografía audiovisual?

“No diría que hubo resistencia, porque no estaba tratando de manipular nada. Realmente estaba siguiendo el proceso. Y a menudo, me sorprendía mucho lo que escuchaba”, aclaró la realizadora. “Se trataba de intentar conseguir la imagen perfecta, la imagen más inusual, una imagen que nadie hubiera visto antes”.

La violencia en el cine de Scorsese

Mr. Scorsese utiliza gran material de archivo, entre películas caseras del director y los largometrajes que hizo en Hollywood, para trazar un lienzo que conecta sus experiencias de vida con sus historias y personajes en la ficción.

Tal como se evidencia en numerosos films, la ciudad de Nueva York tiene una presencia crucial como escenario e incluso como un personaje más. Marty —como lo llaman cariñosamente sus allegados— nació en el barrio de Little Italy, Queens, en el seno de un hogar de ascendencia italiana. Poco después, su familia se mudó brevemente a la comunidad de Corona en búsqueda de prosperidad y tranquilidad.

Sin embargo, sufrieron exclusión por parte de otros vecinos y pronto regresarían a Little Italy, donde Scorsese pasaría años de su infancia expuesto a altas tasas de violencia y observando las dinámicas sociales de las calles desde su ventana, pues el asma lo confinó a vivir en su habitación cuando era pequeño. Allí comenzó a crear sus primeros storyboards.

“Se volvió muy importante para mí que la infancia y la juventud temprana se abordaran y tomaran su tiempo”, afirmó Miller. “Porque siento que todas las terminaciones nerviosas de su obra terminan en ese vecindario, en esa familia”.

Durante el proceso de entrevistas, Rebecca Miller llegó a conocer a las personas que rodearon y moldearon su visión como narrador, además de inspirar algunos de sus personajes como el caso de Johnny Boy, protagonista de Calles peligrosas (1973), película que a su vez es la primera colaboración de Scorsese y De Niro.

“Al comenzar no sabía si nos permitirían conocer a estas personas o incluso si estaban vivas. Así que fue extraordinario conocer a algunas de las personas con las que creció en el vecindario, y realmente escuchar las voces. Cuando escuchas las voces, escuchas también las voces de sus personajes”, respondió a Infobae durante la conferencia.

En el caso del hombre detrás de Johnny Boy, admitió que “fue una sorpresa porque no pensábamos que llegaríamos a conocerlo y resultó que su hermano simplemente lo llamó y apareció. Así que fue una experiencia realmente extraordinaria”.

Para Miller, además de ser un retrato de Little Italy, la filmografía de Martin Scorsese refleja la sociedad de Estados Unidos: “Sus películas tratan sobre Estados Unidos, nuestra historia. Gran parte de nuestra historia está contenida, lo bueno y lo malo”.

Scorsese y su relación con la fe

Otro de los abordajes claves de Miller en Mr. Scorsese tiene que ver con el fuerte vínculo entre el cineasta y la religión católica. “Me interesaba mucho la dicotomía de un hombre de fe fascinado por la violencia”, argumentó entre sus motivaciones para trabajar en este proyecto durante cinco años.

Además de su fascinación con el pecador, Marty se planteaba a sí mismo preguntas como “¿Somos buenos? ¿Somos malos? ¿Cuál es el equilibrio? ¿De qué somos capaces?“, según reveló la directora del documental.

“Para mí lo convirtió en un proyecto muy grande, y mucho más que solo un proyecto sobre los logros de un hombre, sino sobre quiénes somos como seres humanos y cómo un artista realmente puede abordar eso de manera profunda”, añadió.

El propósito de revisitar su biografía era también desmitificar a una leyenda del cine, a quien actualmente vemos como un “hombre mayor afable, casi como un tío”. Sin embargo, en los inicios de su carrera, transmitía todo lo contrario: “Una faceta más peligrosa y oscura”.

Rebecca Miller narra y describe esas diferentes etapas de Scorsese, aunque sin dejar de afirmar que esta sigue siendo la misma persona. Los procesos de transformación tuvieron que ver con cada experiencia, entre fracasos y éxitos, que atravesó tanto su carrera como vida personal.

“Observas cómo una persona sigue siendo la misma y cómo cambia”, sostuvo. “Observar de qué manera sigue siendo ese niño que recibe su primera comunión con el gran lazo rosa que ves en la foto, y en qué manera es una persona diferente a esa figura algo oscura que aparece en ciertas entrevistas de la década de 1970″.

La masculinidad de su obra y un gran director de mujeres

En Mr. Scorsese, el mismo cineasta reconoce que inicialmente le costó conectar con actrices y personajes femeninos, debido a que sus historias eran predominantemente masculinas al ser un reflejo de lo vivido durante su juventud.

Ese componente de dominación masculina tiene presencia latente en sus películas, sin embargo, eso no detuvo que las mujeres también se apropiaran de estos espacios mediante elecciones creativas que destaca Miller.

“Es un director maravilloso de mujeres, y le interesa su complejidad y los detalles de su comportamiento“, aseguró, recordando que “trata a las mujeres igual que a los hombres. Simplemente le interesan los personajes”.

Los escenarios que son de su interés son dominados por hombres y, según Miller, “para contar la verdad sobre esos mundos, permites que esa dominación sea clara”.

Pero, en esos relatos, también existen mujeres con puntos de vista propios como el de Lorraine Bracco en Goodfellas (1990), la protagonista de Alicia ya no vive aquí (1974) y más recientemente el de Mollie en Los asesinos de la luna de las flores (2023): “Es como si el punto de vista femenino fuera tan importante como el masculino”.

El legado de Martin Scorsese

La directora de Mr. Scorsese considera que nadie podrá repetir lo que hizo Martin Scorsese ni tener una carrera como esa, “ese hombre en particular no puede volver”. Hay muchos elementos que lo convierten en un cineasta único en su tipo, desde la forma en cómo inventó un estilo hasta su facilidad para moverse entre géneros cinematográficos.

“Ha infectado nuestra cultura hasta tal punto que casi es difícil recordar que en realidad esta forma de ver el cine, de mover la cámara, está enraizada en Scorsese”, recalcó al discutir su influencia en el séptimo arte.

En esa misma línea, Rebecca Miller puntualizó que “no es un artista cinematográfico que esté realmente enganchado solo a un género”, porque ha explorado el terror, el suspenso, el drama y la comedia, reinventando incluso las películas de gánsteres.

Propone como ejemplos a Travis Bickle en Taxi Driver (1976) y al Sr. Pupkin en El rey de la comedia (1982), en el sentido de cómo un personaje es visto mediante el lente cómico y otro con una perspectiva más trágica.

“Esa es parte de su grandeza como cineasta, que es capaz de manipular el tono y una especie de gestalt, para que funcione dependiendo de cuál sea su decisión, qué tipo de género está haciendo. Conoce el género, y luego va hacia él”, explicó. “Pero puedes mirar el mismo tema a través de lentes totalmente diferentes”.

En cuanto a su propio aprendizaje, Miller asegura que Scorsese fue un maestro en términos de enfoque: “La sustancia, la filosofía de una toma. La idea de que nada debe filmarse sin una razón, sin entender cuál es el significado de la toma.”.

Infobae consultó a la directora si estaría de acuerdo en proyectar Mr. Scorsese en escuelas de cine y su postura fue totalmente abierta a que el documental pueda ser utilizado y presentado a estudiantes.

“Podría ser una visión interesante. También es muy inspirador. Tanto en términos de su propio trabajo, de sus influencias, pero también en términos de cuántas veces tuvo que fracasar y levantarse, sacudirse el polvo y empezar de nuevo”, aseguró.

Para Miller, ser una persona —y aun más un artista cinematográfico— “es una carrera de larga distancia y un proceso continuo de convertirse”.

“A veces miras a alguien como Marty y parece que Martin Scorsese siempre ha sido así. Y realmente no es el caso. No era una inevitabilidad. Se convirtió en sí mismo, y luego hubo personas que encontró, colaboradores, personas que pudieron ayudarlo con las finanzas, todas estas personas estuvieron involucradas en la creación del hombre que ahora pensamos como Martin Scorsese”, concluyó.

Apple y Warner Bros. anunciaron oficialmente que F1, la película estará disponible en Apple TV (antes Apple TV+) a partir del viernes 12 de diciembre de 2025, permitiendo que los suscriptores vean el filme desde casa.

Este anuncio marca el cierre de la ventana digital para el exitoso largometraje protagonizado por Brad Pitt y reafirma el compromiso de Apple por unir sus divisiones de streaming y distribución bajo una sola marca.

De los cines a la pantalla del hogar: cronología del estreno

Estreno teatral y recorrido inicial

F1, la película se estrenó en salas a nivel internacional el 27 de junio de 2025, bajo la distribución de Warner Bros. Pictures en colaboración con Apple Original Films. El estreno mundial se celebró el 16 de junio en el Radio City Music Hall de Nueva York, con presencia de miembros del reparto, ejecutivos del estudio y pilotos de la Fórmula 1.

A causa de su gran demanda, la película fue reestrenada en formato IMAX el 8 de agosto de 2025 para aprovechar su valor cinematográfico visual.

Disponibilidad digital temprana

Antes de su llegada al servicio de streaming, la cinta estuvo disponible para compra o alquiler digital desde el 22 de agosto de 2025 a través de plataformas compatibles. En esta fase digital, los usuarios podían adquirirla o rentarla mediante la sección “Store” de la aplicación de Apple TV en iPhone, iPad y Mac.

De la ventana PVOD al streaming

Según estimaciones basadas en patrones anteriores de películas de Apple, se anticipaba que F1 llegaría a streaming entre octubre y noviembre de 2025. Con el anuncio oficial, se confirma que la fecha prevista será el 12 de diciembre de 2025.

Este lanzamiento digital coincide con el cambio de marca de Apple: la plataforma dejará de llamarse Apple TV+ para convertirse simplemente en Apple TV, como parte de una estrategia de unificación de marca.

Producción, éxito en taquilla y reconocimiento

Datos técnicos y reparto

La película está dirigida por Joseph Kosinski, con guion de Ehren Krüger, y cuenta con un reparto estelar encabezado por Brad Pitt, acompañado por Damson Idris, Javier Bardem y otros.

En el equipo de producción figuran Jerry Bruckheimer, Lewis Hamilton (como productor) y Apple Studios entre otros colaboradores.

El presupuesto de la película osciló entre US$ 200 y 300 millones.

La duración del filme es de 155 minutos.

Desempeño comercial y récords

En taquilla global, F1, la película recaudó aproximadamente US$ 629 millones, lo que la posiciona como la séptima película más taquillera de 2025 hasta la fecha, así como la producción más lucrativa en la historia de Apple Studios y el filme de automovilismo más exitoso jamás realizado.

Su notable desempeño le otorga protagonismo dentro del catálogo de cine original de Apple.

El éxito de F1 también representa un punto de inflexión para Apple, pues este largometraje adquirido y producido por la empresa ha sido considerado su primer gran triunfo comercial cinematográfico.

Críticas y recepción

Opiniones favorables

La mayoría de las críticas coinciden en que F1, la película destaca por su espectacularidad, adrenalina, efectos visuales impactantes y su capacidad para hacer que el automovilismo resulte atractivo incluso para quienes no siguen la Fórmula 1.

Se ha valorado positivamente la dirección de Kosinski y la presencia de Brad Pitt como elemento central del relato.

Las secuencias de carrera, capturadas en circuitos reales como los que utilizan escuderías como Ferrari, Mercedes y McLaren, le brindan una dosis de autenticidad visual altamente valorada.

Críticas y puntos débiles

Sin embargo, algunas valoraciones objetan que la trama es poco original, con clichés narrativos y momentos ficcionales que no respetan del todo la lógica del deporte real.

Se observa también una carencia de profundidad en los personajes, un mensaje predecible y un uso excesivo de product placement que puede distraer al espectador.

Aun con esas críticas, el balance general es que la cinta funciona como un entretenido espectáculo visual con alto poder de consumo masivo.

Marketing, innovación e implicaciones para Apple

Estrategias promocionales

Como parte de la estrategia promocional, Apple desarrolló una experiencia inmersiva llamada “F1: The Movie Hot Lap” para su dispositivo Vision Pro, sumergiendo al espectador en una simulación de circuito a alta velocidad.

Además, se lanzó un tráiler háptico: al reproducirse en la app de Apple TV en iPhones compatibles, el dispositivo vibraba sincronizado con la acción en pantalla.

También se llevaron a cabo eventos promocionales llamativos, como apariciones sorpresa de Brad Pitt y el CEO Tim Cook en tiendas Apple, e intervenciones con temáticas automovilísticas durante conferencias de Apple.

Rebranding de Apple TV

Coincidiendo con la confirmación del estreno en streaming de F1, Apple anunció que su servicio Apple TV+ dejará de tener el “+”, pasando a llamarse simplemente Apple TV. Este cambio busca unificar la identidad de marca entre su plataforma, aplicación y hardware.

Aunque algunas críticas destacan que el nuevo nombre ya se comparte con el dispositivo Apple TV y la app homónima, lo que podría generar confusión.

En esta nueva entrega, la trama profundizará en la transformación de Molly Wells, una multimillonaria que, tras un divorcio mediático, se reinventará como filántropa y líder de la Fundación Wells, rodeada de un equipo tan leal como excéntrico.

La premisa de Loot se sostiene sobre la paradoja de la riqueza y la búsqueda de sentido personal. Molly Wells, interpretada por Maya Rudolph, descubre la infidelidad de su esposo, el magnate tecnológico John Novak (papel de Adam Scott), tras veinte años de matrimonio.

El divorcio la deja con una fortuna de 87.000 millones de dólares y el control de una fundación benéfica que desconocía. Este punto de partida, que recuerda a la historia real de MacKenzie Scott tras su separación de Jeff Bezos, sirve de base para explorar con humor los dilemas de la filantropía, la amistad y la reinvención personal.

La tercera temporada mantiene el tono satírico y desenfadado que caracteriza a la serie, con nuevas situaciones absurdas y relaciones humanas en el centro de la narrativa.

El equipo de la Fundación Wells, formado por Nicholas (Joel Kim Booster), Sofía Salinas (Michaela Jaé Rodríguez), Howard (Ron Funches), Arthur (Nat Faxon), Rhonda (Meagen Fay) y Ainsley (Stephanie Styles), acompañará a Molly en su intento de cumplir la promesa pública de donar toda su fortuna.

La dinámica entre estos personajes, todos con dificultades en sus relaciones personales, se convierte en el motor de la comedia, mientras la diversidad racial y de género del elenco aporta una dimensión adicional a la sátira social de la serie.

Un giro inesperado en el inicio de la tercera temporada

El inicio de la nueva temporada introduce un giro inesperado: el primer episodio, titulado “Bye-bye Mode”, arranca con Molly y su asistente Nicholas aparentemente varados en una isla tras un accidente de avión. Sin embargo, pronto se revela que en realidad se encuentran en una de las propiedades de la protagonista, una mansión en una isla ‘semiprivada’ del océano Índico.

Maya Rudolph, quien ‘coescribió’ el episodio junto a Emily Spivey, explicó que “me encanta la apertura dramática, varados en una isla desierta. Pero pensé que sería divertido si Nicholas estuviera detrás de todo, y finalmente todo el equipo de la Fundación Wells termina allí”. Esta secuencia, que combina el humor con la extravagancia de los ‘ultrarricos’, incluye la aparición de un excéntrico millonario nudista interpretado por Henry Winkler.

El episodio también explora la evolución de la relación entre Molly y Arthur. Tras la confesión de amor de Molly al final de la temporada anterior, Arthur aparece en la isla tras buscarla por todo el mundo, decidido a declararle sus sentimientos.

Maya Rudolph señaló al medio TheWrap que el desenlace de este episodio “es como el final de Grease”, con el equipo celebrando la nueva pareja. No obstante, la actriz advierte que la temporada pondrá a prueba la relación: “Lo que sigue es la realidad de una relación real. Es divertido soñar y fantasear con cómo sería, pero ahora realmente lo están viviendo y poniendo a prueba sus diferencias. Enfrentan muchos desafíos”.

La serie, creada por Alan Yang y Matt Hubbard, quienes ya habían colaborado en Parks and Recreation, ha ido ganando una base de seguidores fieles pese a no ser la producción más popular de Apple TV+. El cierre de la segunda temporada, que dejó a los espectadores con un ‘cliffhanger’, fue recibido con entusiasmo por quienes valoran el equilibrio entre sátira y calidez emocional que ofrece Loot.

El carisma de Maya Rudolph

El éxito de la serie se apoya en gran medida en el carisma y la versatilidad de Maya Rudolph. En abril de 2024, la actriz fue incluida en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo de la revista Time. Su colega y amiga Amy Poehler destacó en la publicación: “Para ser una genio de la comedia, es una gran fanática de ella. Es generosa con su risa. Le encanta formar parte de un equipo, pero puede encestar la canasta ganadora si le pasas la pelota”. Ambas compartieron escenario en el legendario Saturday Night Live, donde Rudolph formó parte del elenco fijo entre 2000 y 2007, especializándose en imitaciones memorables de figuras como Donatella Versace y Beyoncé.

La trayectoria de Maya Rudolph abarca también la música y el cine. Hija del compositor Richard Rudolph y la cantante de soul Minnie Riperton, la actriz creció en Los Ángeles y estudió fotografía antes de iniciar su carrera artística. Participó en bandas como That Dog y The Rentals, y tras su paso por Saturday Night Live, consolidó su presencia en el cine y la animación. En 2024, obtuvo su sexto premio Emmy por su trabajo en la serie animada Big Mouth de Netflix. Además, sigue actuando junto a Gretchen Lieberum en la banda de versiones de Prince llamada Princess.

La tercera temporada de Loot refuerza su apuesta por la sátira social y la exploración de los excesos de la riqueza, mientras mantiene el foco en la evolución personal de Molly Wells y su entorno.

Los nuevos episodios están disponibles en exclusiva en Apple TV+ desde el 15 de octubre de 2025, con la promesa de mantener el humor, los giros inesperados y la crítica a los ‘megamillonarios’ que buscan moldear el mundo a su antojo.

Apple ha dado un paso en la redefinición de su servicio de streaming. La compañía ha decidido abandonar la nomenclatura “Apple TV+” para adoptar el nombre Apple TV, una modificación que unifica la denominación de su producto de streaming con la del dispositivo y la aplicación para contenidos audiovisuales.

Este cambio se presenta en medio de uno de sus anuncios más importantes del año: el estreno global en streaming de ‘F1: La película’, la producción deportiva más exitosa en taquilla a nivel mundial.

Apple TV: nueva identidad para el servicio de streaming

La compañía ha anunciado que el servicio, que hasta ahora se conocía como Apple TV+, modificará su nombre a Apple TV. De esta manera, la plataforma de streaming adopta una denominación alineada con los demás dispositivos y la aplicación homónima, simplificando así las marcas de la empresa para los consumidores.

Según ha explicado Apple, este ajuste responde a “una nueva y vibrante identidad”, que busca fortalecer su presencia en el espacio del contenido audiovisual y ofrecer una experiencia más integrada.

La implementación del cambio de nombre coincide con el anuncio del lanzamiento en streaming de ‘F1: La película’. Con el estreno programado para el 12 de diciembre de 2025, la cinta protagonizada por Brad Pitt y dirigida por Joseph Kosinski llegará a millones de suscriptores bajo la marca renovada.

Antes de su debut en Apple TV, la película se encuentra disponible para la compra en plataformas digitales participantes, entre las que destacan la aplicación de Apple TV y Amazon Prime Video.

Uno de los motivos que subyacen al cambio de nomenclatura podría anticipar transformaciones de mayor calado en la plataforma, como la posible llegada de un nuevo dispositivo o la adquisición de los derechos de transmisión de la Fórmula 1 en Estados Unidos.

El impacto de ‘F1: La película’ en la estrategia de Apple TV

El estreno de ‘F1: La película’ se ha convertido en un evento de relevancia para Apple, ya que la cinta ha alcanzado cifras de asistencia y recaudación sin precedentes en el cine deportivo. Desde su lanzamiento en salas el 27 de junio de 2025, el largometraje debutó en lo más alto de la taquilla mundial y superó los 629 millones de dólares de recaudación. Estos números han convertido a la producción protagonizada por Brad Pitt en el filme deportivo más taquillero de todos los tiempos.

Además de este logro, la cinta ha sido reconocida como el largometraje original más taquillero del año. También ha celebrado el mayor estreno para una película original de acción real en Estados Unidos en los últimos cinco años.

La relevancia de la película se extiende al propio Brad Pitt, quien ha encontrado en este proyecto el mayor éxito comercial de su carrera. El estilo característico del actor, así como algunos elementos icónicos del filme, generaron tendencias más allá del cine. Entre los casos notorios, se popularizó el uso de pegatinas en los AirPods Max, producto visible en varias escenas de la producción.

Innovación tecnológica en la producción audiovisual de Apple

Apple ha apostado en este proyecto por la integración de tecnología avanzada aplicada al cine de carreras. Una de las innovaciones más celebradas consiste en la utilización de una cámara especialmente diseñada para incorporarse en el chasis de los vehículos de Fórmula 1. Esta cámara, desarrollada por la compañía, permitió a los realizadores capturar ángulos inéditos y sumergir al espectador en la intensidad de la competición automovilística.

El dominio tecnológico que Apple ha consolidado en sus productos estrella, como el iPhone, se ha trasladado al entorno cinematográfico. Los avances tecnológicos de la empresa han posibilitado la ejecución de tomas previamente inalcanzables y han marcado tendencia en la manera en que se realizan rodajes, donde los dispositivos móviles de la marca adquieren un papel cada vez más protagónico.

El productor Jerry Bruckheimer resumió la recepción de la película con las palabras: “Ha sido emocionante ver al público de todo el mundo disfrutar de ‘F1: La película’ en los cines”.

Reconocimiento recibido por el filme ‘F1: La película’

El éxito comercial se acompaña del reconocimiento por parte de la crítica y el público. ‘F1: La película’ ha recibido una valoración A del público a través de CinemaScore, al tiempo que ostenta una puntuación del 97% en Rotten Tomatoes. Estos indicadores confirman el impacto del largometraje entre los espectadores y califican la producción como una de las más auténticas en el género de carreras.

La filmación innovó al recrear con fidelidad el mundo de la Fórmula 1, un aspecto relevante para los seguidores de la categoría y para la comunidad internacional del cine deportivo.

Apple anunció que su plataforma de streaming, Apple TV+, redujo su nombre a Apple TV, un cambio que ya aparece en el logotipo de la aplicación móvil. La compañía tecnológica explicó que esta modificación responde a una “nueva identidad”.

Al mismo tiempo, se confirmó que ‘F1: La película’, protagonizada por Brad Pitt, se estrenará en la plataforma el 12 de diciembre. Desde su lanzamiento en cines el 27 de junio de 2025, el film ha logrado un desempeño excepcional: debutó en el primer puesto y acumuló USD 629 millones en la taquilla mundial.

Además de convertirse en la película deportiva más exitosa en recaudación, es el largometraje original más taquillero del año y el estreno más grande para una película original de acción real en Estados Unidos en los últimos cinco años. También se posicionó como el mayor éxito en la carrera de Brad Pitt.

La cinta obtuvo calificación A en CinemaScore y una puntuación del 97% en Rotten Tomatoes, y se destaca como la película de carreras más auténtica registrada hasta ahora.

Además de su éxito en taquilla, ‘F1: La película’ ha generado un impacto musical internacional gracias a F1 The Album, una banda sonora llena de reconocidos artistas que superó las 650.000 copias vendidas y alcanzó más de mil millones de reproducciones en todo el mundo.

En la actualidad, el álbum lidera la lista Top Movie Songs de Billboard, con siete de las diez canciones más destacadas.

El tema principal, ‘Just Keep Watching‘ de Tate McRae, dos veces nominado a los VMA, ha sido fundamental en este logro.

Con más de cuatro mil millones de visualizaciones en plataformas de videos cortos, F1 The Album se ha consolidado como uno de los hitos musicales de 2025 y se ha convertido en un elemento clave del impacto cultural de la película.

De qué trata ‘F1: La película’

La película ‘F1: La película’ narra la historia de Sonny Hayes (Brad Pitt), un expiloto apodado “el más grande que nunca fue”. Hayes fue una joven promesa de la Fórmula 1 en los años 90, hasta que un accidente casi termina con su carrera.

Tres décadas después, vive de correr para distintas escuderías cuando su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes (Javier Bardem), ahora dueño de una escudería en crisis, le propone regresar a la Fórmula 1 para intentar salvar al equipo y alcanzar la cima mundial.

En su regreso, Sonny compartirá pista con Joshua Pearce (Damson Idris), el talentoso novato del equipo. Sin embargo, pronto descubre que, en este deporte, el mayor rival siempre puede ser el propio compañero de equipo y que el camino a la redención es un reto que no puede afrontar solo.

El elenco también incluye a Kerry Condon, Tobias Menzies, Kim Bodnia y Javier Bardem. La producción se filmó durante fines de semana reales de Grandes Premios, mientras el equipo competía contra los principales protagonistas de la Fórmula 1.

La película cuenta con la producción de Jerry Bruckheimer, Joseph Kosinski, el siete veces campeón mundial de Fórmula 1 Lewis Hamilton, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner y Chad Oman.

Cuánto cuesta la suscripción de Apple TV

La suscripción a Apple TV tiene un valor de USD 12,99 al mes e incluye una prueba gratuita de siete días para quienes se registran por primera vez. De manera promocional, quienes compren y activen un nuevo iPhone, iPad, Apple TV o Mac recibirán tres meses de acceso gratuito a la plataforma.

Apple TV puede verse a través de la app Apple TV en más de 100 países y regiones, disponible en más de mil millones de dispositivos: iPhone, iPad, Apple TV 4K, Apple Vision Pro, Mac, televisores inteligentes de marcas como Samsung, LG, Sony, VIZIO y TCL, así como en dispositivos Roku, Amazon Fire TV, Chromecast con Google TV, consolas PlayStation y Xbox, y la web en tv.apple.com.

Inspirada en los hechos ocurridos en 2018, la película revive el horror de ese desastre natural y resalta el coraje de personas comunes ante la adversidad, según relató McConaughey en una entrevista con Grazia (Italy).

Un papel marcado por el coraje y la humildad

Bajo la dirección de Paul Greengrass y con la participación de America Ferrera, el largometraje se ambienta en los incendios que afectaron California a inicios de 2025 y reaviva el recuerdo del Camp Fire, que destruyó comunidades enteras y dejó una profunda huella en el estado.

La trama se enfoca en Kevin McKay, el conductor real, y Mary Ludwig, la maestra que lo acompañó en la misión de rescate. McConaughey, tras varios años alejado de papeles protagónicos, explicó a Grazia (Italia) que la potencia de la historia y la oportunidad de trabajar con Greengrass lo impulsaron a aceptar el reto.

“El filme muestra de manera cruda el dolor y la pérdida, pero también la decisión de dos personas que eligen salvar a 22 niños. Me atraen las historias de personas humildes que, sin buscarlo, terminan tomando la decisión correcta y ayudando a otros”, compartió.

El actor también subrayó que la película retrata la magnitud de los desastres naturales, invitando a reflexionar sobre la relación humana con el entorno. “Con la naturaleza enfurecida, no importa cuántos protocolos implementemos, nunca será una lucha equilibrada. Aun así, podemos tomar decisiones responsables para lograr un vínculo más armonioso con ella”, afirmó McConaughey.

Tres generaciones reunidas en el set

Más allá del guion, el rodaje tuvo un valor especial para el actor, al compartir escena con su hijo Levi, de diecisiete años, y con su madre Mary Kathleen, de 92. Al enterarse de que el personaje tenía un hijo adolescente, Levi le planteó la idea de audicionar para el papel. Tras una semana de insistencia, McConaughey accedió, pero le dejó claro que actuar implica “emular la humanidad y acercarse con el alma”.

El joven realizó una prueba auténtica ante la cámara, cuyo video fue enviado al director de casting sin revelar el apellido. Greengrass seleccionó a Levi sin saber que era su hijo. Posteriormente, el director propuso que Mary Kathleen se sumara al elenco y, pese a utilizar silla de ruedas tras una caída, demostró gran capacidad en el set.

Reflexiones sobre la paternidad y la protección familiar

La participación de su familia llevó a McConaughey a reflexionar sobre la paternidad y el apoyo intergeneracional. Casado con la modelo Camila Alves y padre de tres hijos, compartió con Grazia su visión sobre el rol parental

“Existen dos etapas como padres: primero eres padre, luego, con suerte, te conviertes en amigo. Pero hay un puente entre ambas, donde a veces eres como un hermano mayor para tus hijos”, explicó.

El actor destacó la importancia de escuchar a los hijos adolescentes, acompañarlos en sus preocupaciones y compartir experiencias propias para que no se sientan solos, especialmente en una época marcada por la presión de las redes sociales.

En la esfera personal, McConaughey evocó una anécdota de su adolescencia relacionada con el autobús escolar, eje central de la película.

Recordó cómo, en su primer año de secundaria, fue víctima de acoso por parte de estudiantes mayores durante el trayecto a casa.

Un día, regresó con un ojo morado; al día siguiente, su hermano mayor subió al autobús, enfrentó a los agresores y el acoso terminó. Ese episodio consolidó en McConaughey el valor de la protección familiar y le permitió resaltar la necesidad de tender puentes entre generaciones.

Al finalizar el rodaje, McConaughey agradeció la oportunidad de compartir la experiencia con su madre y su hijo, subrayando el privilegio de unir a tres generaciones en un mismo proyecto cinematográfico, una vivencia que refuerza el mensaje de unión familiar y legado en The Lost Bus.

En 2021 se estrenó en Netflix la película Bajo cero, de Lluis Quílez en la que, en una fría noche cerrada de pleno invierno, una furgoneta policial era asaltada durante un traslado de presos y, algunos, quedarán en libertad. Protagonizada por Javier Gutiérrez y Karra Elejalde, se convirtió en una de las ficciones más vistas en ‘streaming’ en su momento.

No es que sea una premisa demasiado original, pero lo cierto es que varias características de ese thriller español se repiten en la nueva apuesta de la plataforma Apple TV+ titulada The Last Frontier: Conspiración en Alaska. Por una parte, el paisaje invernal (en este caso ártico) y por otra, las referencias al género del wéstern.

El responsable de este título es Jon Bokenkamp (conocido por su trabajo en The Blacklist) junto a Richard D’Ovidio. En él la acción se despliega tras el accidente de un avión que transportaba a prisioneros federales. De los dieciocho supervivientes, destaca uno de inmediato: Havlock, interpretado por Dominic Cooper, un ‘ex-agente’ de operaciones encubiertas que, tras traicionar a su organización, se convierte en el objetivo de una cacería implacable.

Una investigación policial bajo la nieve

El protagonista, Frank Remnick (Jason Clarke), es un ‘marshal’ estadounidense cuya jurisdicción abarca las regiones más remotas y hostiles de Alaska.

La persecución se complicará con la llegada de Sidney Scofield (Haley Bennett), una agente de inteligencia con un pasado ambiguo y una relación directa con el fugitivo, ya que fue responsable de su entrenamiento. La colaboración entre Remnick y Sidney se verá marcada por la desconfianza y los secretos, mientras ambos intentan capturar a Havlock antes de que ejecute un plan que amenaza la seguridad nacional.

La serie se caracteriza por introducir constantes giros y revelaciones, manteniendo la tensión y evitando los caminos previsibles del género. Uno de los aciertos de The Last Frontier reside en su habilidad para “encontrar formas interesantes de aumentar la tensión y mantenerse por delante de la audiencia”.

El guion evita explotar en exceso situaciones como el secuestro de Sarah (Simone Kessell), la esposa de Remnick, optando por alternativas que enriquecen la trama y profundizan en la psicología de los personajes.

El entorno ártico no solo sirve de telón de fondo, sino que se convierte en un protagonista más. La presencia constante de la nieve y el clima extremo influye tanto en la estética como en el desarrollo de la acción (algo que también ocurría en otra serie reciente True Detective: Noche Polar).

Acción y tensión en Alaska

Las escenas de acción, como el accidente aéreo, el enfrentamiento en una presa o la lucha sobre un tren, se ven potenciadas por este escenario inhóspito, que exige a los personajes adaptarse física y emocionalmente.

El reparto contribuye de manera decisiva al atractivo de la serie. Jason Clarke ofrece una interpretación sólida y matizada de Remnick, un hombre obsesivo que lucha por equilibrar su vida familiar con las exigencias de su cargo. Dominic Cooper encarna a un antagonista complejo, cuya mayor fortaleza radica en su capacidad para manipular y anticipar los movimientos de sus perseguidores. Por su parte, Haley Bennett dota a Sidney de una ambigüedad que la convierte en una figura intrigante, capaz de sorprender tanto a aliados como a enemigos.

La violencia inherente a la premisa (dieciocho criminales peligrosos sueltos en la naturaleza) se refleja en escenas intensas y en la constante amenaza que pesa sobre los protagonistas. La complejidad de la trama, con múltiples recovecos y personajes que no siempre son lo que parecen, añade un nivel de dificultad que incluso los propios personajes reconocen en pantalla.

La ambientación en Alaska, aunque filmada en Quebec y Alberta, aporta una atmósfera única que remite a clásicos del género ártico y a otras producciones ambientadas en el norte, como Doctor en Alaska o Asesinato en el fin del mundo, por poner solo unos ejemplos.

The Last Frontier: Conspiración en Alaska se presenta como un thriller sólido y bien ejecutado, donde cada elemento contribuye a mantener el interés y la sorpresa.

La reciente aparición televisiva del príncipe Guillermo en el programa The Reluctant Traveler de Apple TV+ ofreció una perspectiva poco habitual sobre la relación distante que mantiene con su hermano, el príncipe Harry, así como sobre su visión del futuro de la monarquía británica.

Durante la entrevista grabada en Windsor y emitida el pasado 3 de octubre, Guillermo hizo una única referencia a Harry, un gesto que, según analizan expertos en la revista británica People, refleja tanto la persistencia de la distancia entre ambos como la preocupación del príncipe de Gales por el pasado y el futuro de la casa real británica.

En su conversación con el presentador Eugene Levy, Guillermo evocó la presión mediática que marcó su infancia junto a Harry. “Espero que no volvamos a algunas de las prácticas del pasado con las que Harry y yo tuvimos que crecer. Y haré todo lo posible para que no retrocedamos en esa situación”, afirmó el príncipe. Esta declaración fue la única mención directa a su hermano durante toda la entrevista, lo que, para los observadores, resulta tan elocuente como cualquier explicación detallada.

El historiador Robert Lacey, autor de Battle of Brothers, interpreta para People que Guillermo “habló de su hermano en pasado, como parte de su vida, no en el futuro”. Esta elección de palabras refuerza la percepción de que la fractura familiar, expuesta tras la salida de Harry y Meghan de la familia real en 2020, sigue sin resolverse. Aunque Harry ha manifestado públicamente su deseo de reconciliación, la entrevista de Guillermo sugiere que la distancia entre ambos persiste.

Levy, conductor del programa, relató a la prensa que no recibió restricciones sobre los temas a tratar, aunque optó por no abordar directamente la situación de Harry y Meghan, calificándola de “muy delicada”. Por su parte, el biógrafo real Andrew Morton, autor de Winston and the Windsors, explica al citado medio que “si quieres que el príncipe hable abiertamente, evitas preguntarle por su hermano”. Morton añade que la monarquía se basa en la continuidad, y que fundamentar el futuro en el cambio constituye “un mecanismo delicado”.

“No le temo al cambio”

La disposición de Guillermo a reflexionar sobre su historia personal y el peso del pasado marca una ruptura con la tradicional reticencia de la familia real a tratar asuntos emocionales. La biógrafa Sally Bedell Smith describe este antiguo enfoque como “ostriching” [juego de palabras que podría traducirse como ‘hacer el avestruz’], una tendencia a evitar discusiones sobre problemas emocionales con la esperanza de que desaparezcan. Frente a ello, Guillermo expresó su deseo de cuestionar las prácticas heredadas y de evitar que la historia se convierta en un lastre: “Disfruto el cambio; no le temo. Eso es lo que me entusiasma: la idea de poder aportar algún cambio… Quiero cuestionar más las cosas. ¿Seguimos haciendo y teniendo el mayor impacto posible? Si no tienes cuidado, la historia puede ser un verdadero peso y un ancla, y puedes sentirte asfixiado por ella. Creo que es importante vivir el presente”, declaró el príncipe.

Esta visión de futuro no implica, para Guillermo, una ruptura abrupta, sino una modernización de la monarquía, orientada a una mayor cercanía y sensibilidad emocional. Una fuente cercana al palacio, citada por People, señala que el príncipe “ha sido bastante claro sobre lo que quiere hacer cuando llegue el momento: ser más accesible, más cercano”.

En la atmósfera distendida de un pub en Windsor, Guillermo resumió ante Levy su compromiso con la transformación, dejando claro que el cambio ocupa un lugar central en su agenda y que su propósito es que ese cambio sea positivo.

En el nuevo documental Mr. Scorsese, dirigido por Rebecca Miller y estrenado el 4 de octubre en el Festival de Cine de Nueva York, las hijas de Martin Scorsese ofrecen un testimonio directo sobre su infancia junto al reconocido cineasta.

La serie, producida por Apple TV+, aborda de manera frontal la repercusión que tuvo la carrera del director en su vida familiar durante la década de 1970, cuando firmó algunas de sus obras más influyentes como Mean Streets y Taxi Driver.

En el segundo episodio de la serie, Cathy y Domenica Scorsese detallan los efectos de la agenda profesional de su padre en la dinámica del hogar.

Cathy Scorsese, primera hija de Martin con su esposa Laraine Marie Brennan, resume la distancia paternal de aquellos años: “Veía a mi papá una o dos veces al año”.

La declaración encuadra el escenario doméstico mientras Martin Scorsese atravesaba una de las fases más productivas de su trayectoria.

Domenica Scorsese, hija del director y de su segunda esposa, Julia Cameron, nacida en 1976, también aborda la relación con su padre en aquellos años marcados por el éxito y la presión.

“No lo veía tanto durante ese tiempo”, afirma en el documental. El nacimiento de Domenica coincide con el rodaje de New York, New York, protagonizada por Robert De Niro y Liza Minelli.

De hecho, su madre la llevó desde el hospital directamente al set el día en que nació. Al referirse al contexto de aquel filme y su repercusión en el matrimonio de sus padres, la hija más joven sostiene:

“La película claramente establecía paralelismos entre el arte que imita la vida y la vida que imita al arte, y la confusión que surge cuando un matrimonio se desmorona en medio del éxito”.

La segunda hija de Martin Scorsese relaciona además la ruptura de sus padres con el impacto que tuvo el fracaso crítico de New York, New York en la estabilidad del director.

El cineasta lo expresa en el documental: tras la recepción negativa del filme, se preguntó “¿a dónde demonios iba a ir?”, y admite haber “perdido la musa”, en referencia clara a su separación de Cameron, ocurrida al poco tiempo del estreno.

Durante aquella época, según sus hijas, el trabajo absorbente y el éxito internacional fueron de la mano con períodos de “conducta autodestructiva”, como lo define el propio Scorsese en el segundo capítulo de la serie.

El propio director revela que asume esa etapa como una de las más complejas de su historia personal y profesional.

La perspectiva familiar se amplía al presente con la presencia de Francesca Scorsese, hija nacida del matrimonio entre Martin Scorsese y Helen Morris en 1999.

El realizador ha comparado su experiencia como padre en distintas etapas de la vida durante una entrevista recogida por Parade.

“Ser padre a una edad avanzada es diferente de cuando tuve a mis otras dos hijas en mis 20 y 30 años”, afirma.

El ganador del Oscar explica que la crianza diaria en la sexta década de su vida le abrió una conexión lúdica con su hija menor. “Empiezas a inventar historias más locas y de repente estamos haciendo una película. Ella es una salvavidas”.

Todo sobre el documental de Martin Scorsese en Apple TV+

Mr. Scorsese es una serie documental de cinco episodios dirigida por Rebecca Miller que analiza la figura del cineasta desde su niñez en el Lower East Side de Nueva York hasta la actualidad.

El proyecto se apoya en material de archivo inédito y entrevistas a figuras clave del entorno profesional y personal del director, como Robert De Niro, Daniel Day-Lewis, Leonardo DiCaprio, Mick Jagger, Robbie Robertson, Thelma Schoonmaker, Steven Spielberg, Sharon Stone, Jodie Foster, Paul Schrader, Margot Robbie, Cate Blanchett, Jay Cocks y Rodrigo Prieto, además de sus familiares y amigos de infancia.

La producción propone un repaso temático y cronológico por la obra del director, abordando desde sus primeras piezas como estudiante en la Universidad de Nueva York hasta sus filmes más recientes.

Entre los temas centrales están la obsesión de Scorsese por la condición humana y la dualidad entre el bien y el mal, útil para entender las claves recurrentes en su trabajo.

Mr. Scorsese es una colaboración entre Expanded Media, Round Films y LBI Entertainment, con un equipo de producción liderado por Rebecca Miller, Damon Cardasis, Cindy Tolan y otros referentes del sector.

El estreno mundial está programado para el viernes 17 de octubre de 2025 en Apple TV+.

La fisura que permanece en el Palacio de Buckingham con el príncipe Harry es uno de los grandes problemas de la realeza británica. Durante años, el príncipe Guillermo ha evitado mencionar públicamente a su hermano menor, con quien mantiene una relación marcada por la distancia y el desencuentro. Sin embargo, en un gesto inesperado, el heredero al trono británico ha hecho referencia a él en una de sus apariciones más sinceras hasta la fecha.

El príncipe de Gales fue invitado a participar en un episodio especial del programa de Apple TV+, The Reluctant Traveler, conducido por el actor y comediante canadiense Eugene Levy. En esta conversación, Guillermo habló abiertamente sobre su vida familiar, sus responsabilidades como futuro monarca y la educación de sus tres hijos, dejando entrever su deseo de modernizar la institución que algún día liderará.

Durante el diálogo, Levy le preguntó cómo se sentía ante la idea de que su hijo mayor, el príncipe George, algún día se convierta en rey. El hijo de Lady Di, visiblemente reflexivo, respondió: “Es una gran pregunta, porque hay mucho que considerar. Quiero construir un mundo en el que mi hijo se sienta orgulloso de lo que hacemos, un trabajo que realmente transforme la vida de las personas para mejor”.

No obstante, en su respuesta sorprendió a todos al nombrar a su hermano: “Espero que no volvamos a algunas de las prácticas del pasado, aquellas con las que Harry y yo tuvimos que crecer. Haré todo lo posible para asegurarme de que no retrocedamos en esa situación”. Aunque la mención fue breve, ha sido suficiente para captar la atención del público y de los medios británicos. Se trata de una de las pocas veces que el príncipe ha nombrado a Harry desde que él y Meghan Markle renunciaron a sus funciones oficiales y se trasladaron a California en 2020.

La ex corresponsal de la BBC especializada en temas de la realeza, Jennie Bond, ha analizado la intervención para el diario The Mirror. Según ha explicado, “la alusión a Harry es mínima, y no debería interpretarse como una señal de reconciliación, pero sí demuestra que Guillermo no ha borrado a su hermano de su memoria”.

Bond ha recordado también que los dos príncipes “comparten una infancia marcada por el trauma y la pérdida”, en alusión a la muerte de su madre, la princesa Diana. “Era natural que al hablar de su niñez lo incluyera, aunque no creo que debamos darle más relevancia”, ha añadido.

El heredero que quiere un cambio

Más allá de la referencia familiar, la entrevista permitió conocer una faceta más cercana del príncipe de Gales. Filmado en los alrededores del castillo de Windsor, el hijo de Carlos III habló sobre su visión de futuro para la monarquía británica. “El cambio está en mi agenda”, aseguró, subrayando que su objetivo es modernizar la institución sin perder su esencia.

“Quiero cuestionar más las cosas”, confesó, en una clara señal de que planea introducir un enfoque más crítico y participativo. Aun así, insistió en que “la familia está en el centro de todo” y que su esposa, Kate Middleton, y sus hijos: George, Charlotte y Louis, son su prioridad absoluta.

Jennie Bond ha valorado positivamente la actitud del príncipe: “Este programa nos ha ofrecido una mirada inusual a quién es realmente Guillermo. Lo hemos visto sin el filtro del protocolo, más humano y dispuesto a mostrar vulnerabilidad. Fue un vistazo a la persona que hay detrás del futuro rey”.

Uno de los momentos más comentados del episodio fue su llegada al castillo en patinete eléctrico, vestido de forma informal y sonriente, dispuesto a conversar con Levy con total naturalidad. Una escena que, según Bond, “dice mucho sobre quién es Guillermo y sobre el tipo de monarca que podría llegar a ser: uno que respeta la tradición, pero no se deja encadenar por ella”.

El tono del programa osciló entre la reflexión y la ligereza. Hubo instantes distendidos, como la aparición de Orla, la perra de la familia de Gales, o las bromas de Levy sobre la vida en palacio. Sin embargo, el fondo de la conversación fue profundo: el heredero habló del peso del deber y de cómo ha aprendido a sobrellevarlo con serenidad.

Bond ha recordado que la princesa Diana le confesó en su día que su hijo mayor sentía la responsabilidad del trono como una carga demasiado temprana. Hoy, más de tres décadas después, el príncipe parece haber hecho las paces con su destino. “Se nota que ha encontrado un equilibrio. Acepta su papel y quiere usar su posición para mejorar la vida de los demás”, ha apuntado la experta a The Mirror.

Este viernes 26 de septiembre, Apple TV+ iba a incluir en su catálogo The Savant, una serie sobre una investigación acerca de los grupos de odio y los movimientos extremistas de internet en Estados Unidos. Sin embargo, esta semana la plataforma ha anunciado la cancelación del estreno y una suspensión indefinida de la serie. No han dado explicaciones al respecto tras esta decisión, aunque en Estados Unidos la prensa ha señalado directamente al que podría haber sido el factor determinante: el asesinato de Charlie Kirk.

La serie, creada por Melissa James Gibson (Anatomía de un escándalo) y basada en un célebre artículo de Cosmopolitan escrito por la periodista Andrea Stanley en 2019, sigue los pasos de una investigadora (Jessica Chastain, que hace también de productora de la serie) encubierta que se infiltra en foros y páginas web de grupos de odio para intentar detener ataques extremistas antes de que sucedan. Así, la ficción plantea, desde su primer episodio, escenarios en los que se representa violencia explícita, incluidos un tiroteo masivo y la planificación de atentados, elementos que, según medios como Deadline, también han contribuido a que desde las oficinas de Apple TV+ hayan considerado inoportuna su emisión apenas unos días después del asesinato de Charlie Kirk.

La protagonista es una exmilitar que trabaja para la Anti-Hate Alliance que, navegando desde la clandestinidad en foros similares a los de 4Chan, busca amenazas reales para neutralizarlas antes de que se materialicen. “The Savant trata sobre los héroes que trabajan cada día para detener la violencia antes de que ocurra, y honrar su valentía parece más urgente que nunca”, describía la propia Jessica Chastain en un mensaje a través de sus redes sociales, poco después de que se hiciera pública la cancelación del estreno.

La reacción de Jessica Chastain ante la suspensión indefinida de ‘The Savant’

La actriz no se ha mostrado conforme con la decisión de Apple TV+. En ese mismo texto difundido desde su perfil, ha expresado su máximo respeto y agradecimiento a la plataforma (“han sido unos colaboradores increíbles”, llega a decir), pero no ha dudado en mostrarse en contra de la medida. “No estamos de acuerdo con la decisión de suspender el estreno de The Savant”, sentencia la actriz.

Chastain tampoco ha desaprovechado la oportunidad para enumerar una larga serie de incidentes violentos recientes en Estados Unidos, incluidos intentos de secuestro, ataques al Capitolio y asesinatos políticos, subrayando que estos eventos “ilustran una mentalidad más amplia que trasciende el espectro político y a la que hay que hacer frente”.

“Nunca he rehuido los temas difíciles”, continúa. “Y aunque desearía que esta serie no fuera tan importante, desafortunadamente lo es”. Por ello, la ganadora de un Oscar a la Mejor actriz principal por Los ojos de Tammy Faye termina diciendo: “Si bien respeto la decisión de Apple de pausar el estreno por ahora, mantengo la esperanza de que la serie llegue pronto al público. Hasta entonces, os deseo seguridad y fuerza a todos, y os avisaré cuando se estrene The Savant”.

La llegada de la cuarta temporada de The Morning Show a Apple TV+ marca un nuevo capítulo en la exploración de los desafíos contemporáneos del periodismo, donde la irrupción de la inteligencia artificial, la manipulación digital y la lucha por el poder redefinen el entorno mediático.

En esta entrega, la serie sitúa a sus protagonistas en un escenario transformado: la tradicional cadena UBA ha desaparecido tras fusionarse con NBN, dando lugar a UBN, una empresa que apuesta su futuro a la reconversión digital y la cobertura de eventos globales como los Juegos Olímpicos de París.

Qué temas abordará esta 4ª temporada

La trama se adentra en un contexto donde los periodistas enfrentan amenazas inéditas, como los deepfakes, las teorías conspirativas y el avance de la IA.

Para Jennifer Aniston, ‘coprotagonista’ de la serie junto a Reese Whiterspoon, estas cuestiones reflejan los dilemas actuales de la industria informativa.

En este nuevo ciclo, Alex Levy (Aniston) asumirá un rol ejecutivo y de producción, lo que la obliga a defender su credibilidad tras ser víctima de un video manipulado digitalmente.

Mientras tanto, Stella Bak (Greta Lee), ahora CEO de UBN, se enfrenta a la presión de liderar la transición al streaming y de rendir cuentas a figuras de poder, especialmente en el contexto de la retransmisión de los Juegos Olímpicos. La apuesta de Stella por la inteligencia artificial representa una jugada arriesgada, pero también una oportunidad para redefinir el futuro de la cadena.

El reparto se enriquece con la incorporación de la ‘oscarizada’ actriz francesa Marion Cotillard como Celine Dumont, presidenta de la junta directiva de UBN, quien, según ha explicado ella misma “será alguien que lucha por ocultar sus sentimientos y que, de alguna manera, usará sus emociones para manipular a otros”. Junto a ella, Jeremy Irons interpreta al padre de Alex, un experto en Derecho, ampliando la dimensión internacional y generacional de la serie.

La dinámica de poder y las relaciones personales siguen siendo ejes centrales. Bradley Jackson (Reese Witherspoon), tras verse implicada en el escándalo de haber ayudado a su hermano relacionado con el asalto al Capitolio, se mantendrá alejada de los focos, aunque su regreso a Nueva York es inminente. La relación entre Alex y Bradley, marcada por la tensión y la lealtad ha sido descrita por los responsables de la serie como “casi una historia de amor entre amigas”.

Liderazgo femenino en la era del Me Too

La serie, producida por Aniston y Witherspoon, ha optado por un modelo de producción bienal, lo que permite a las protagonistas compaginar otros proyectos y a la directora Mimi Leder disponer de un presupuesto amplio para planificar escenas que transmiten lujo y sofisticación, un sello distintivo de la producción.

Charlotte Stoudt, actual showrunner, mantiene el relato en constante movimiento, abordando temas como la ambición, la ética profesional y las imprevisibles consecuencias de las dinámicas de poder en el periodismo.

A lo largo de sus temporadas, The Morning Show ha abordado cuestiones que han marcado la última década, como el movimiento Me Too, la lucha contra el acoso sexual en las redacciones, el impacto de la pandemia de covid-19, la caída de audiencias y la discriminación por edad.

La serie también ha destacado por situar a las mujeres en el centro de la acción y el poder, mostrando diferentes formas de liderazgo femenino frente a la presión de mantener la integridad periodística.

El elenco se completa con el regreso de Karen Pittman como Mia Jordan, la productora ejecutiva que navega entre la ética y la ambición personal.

La serie ha sido reconocida, por el momento, con 27 nominaciones al Emmy y cuatro victorias, además de ser seleccionada por el American Film Institute como uno de los 10 mejores programas de televisión de 2023.

Harrison Ford, a los 83 años, mantiene un ritmo inusual para una figura de su trayectoria. El legendario actor, célebre por personajes como Han Solo e Indiana Jones, compartió detalles íntimos y reflexiones en el pódcast Wild Card de NPR Podcasts.

Allí conversó sobre la longevidad de su carrera, su primera nominación al Emmy por la serie Terapia sin filtro, su visión del trabajo y la fama, y abrió la puerta a aspectos poco conocidos de su vida, guiado por la autenticidad y el humor.

Una nominación y el valor del equipo

Sobre su nominación al Emmy por Terapia sin filtro —donde interpreta al doctor Paul Rhodes— Ford resaltó el valor del talento colectivo. Reconoció ante NPR Podcasts que el éxito del programa radica en un equipo de escritores y actores de calidad. “Es divertido y significativo. Hay muchas personas muy talentosas que se esfuerzan para ofrecer algo entretenido y con sentido”, afirmó Ford.

El actor analizó su método actoral y la búsqueda de autenticidad. Explicó que, cuanto más se acerca un papel a su propia personalidad, más natural resulta el trabajo para todos.

“Cuando me pongo una máscara y me distancio de lo esperado, la reacción del público suele ser de extrañeza”, señaló Ford. Considera esencial evitar barreras entre actor y espectador en proyectos como Terapia sin filtro, donde la conexión emocional es clave.

Fama, trabajo y elección de papeles

Profundizó en su relación con el trabajo y la fama. Ford insistió en que nunca persiguió el reconocimiento público, sino la oportunidad de ejercer su profesión y conectar con el público a través de historias.

“No busqué la fama, busqué el trabajo”, declaró. Equiparó su aspiración con la de cualquier persona que procura ganarse la vida y manifestó que su mayor satisfacción proviene de trabajar en equipo para crear historias. “Es una libertad increíble pasar la vida haciendo lo que hago”, expresó.

Respecto a la elección de papeles, Ford se guía más por la intuición que por una estrategia de desafíos creativos. Relató que aceptó el papel en Terapia sin filtro tras leer el guion una sola vez, en pleno rodaje de una película de Indiana Jones.

“Leí el piloto y pensé: ‘Vamos a trabajar’”, contó. La invitación llegó de Brett Goldstein, uno de los creadores de la serie. Todo ocurrió con rapidez: “Ni siquiera tomamos un café, pero unos whiskies sí”, bromeó.

El humor cotidiano y el inodoro impreso en 3D

El humor y las anécdotas personales no faltaron. Ford narró su peculiar pedido a Jay Leno: tras años de buscar sin éxito un asiento de inodoro específico para su casa en Wyoming, acudió a Leno para que le fabricara uno con impresora 3D.

“Es difícil hacer esa llamada: ‘Hola, Jay Leno, soy Harrison Ford, ¿puedes imprimir un asiento de inodoro para mí?’”, relató entre risas. Leno, entusiasta, reunió a varios expertos para afrontar el reto.

Ford evocó recuerdos de su infancia en Chicago, de sus visitas al museo y de su asistencia a clases de arte, que influyeron en su aprecio por el orden y la estética. Subrayó la importancia de la vida familiar y doméstica.

“Lo que realmente amo es trabajar donde vivo, sin alejarme de mi familia y amigos”, confesó. Aunque durante años viajó por el mundo para grandes producciones, ahora valora la posibilidad de permanecer en casa y disfrutar de su entorno.

Vejez, amor y relaciones

Cuando abordó temas íntimos, Ford habló sobre la vejez, el amor y las relaciones de pareja. Cuestionó la idea de que el amor sea exclusivo de la juventud, y subrayó la importancia de mantener y cuidar los vínculos con el tiempo.

“Las personas mayores también pueden amar. Lo difícil es seguir enamorado, cuidar y no equivocarse”, reflexionó. Sobre su matrimonio con Calista Flockhart, con quien lleva más de 20 años, Ford se mostró agradecido por la estabilidad lograda.

Parkinson, filosofía y memoria

La enfermedad de Parkinson, tema central en Terapia sin filtro, también estuvo presente en la charla. Ford explicó que abordó el personaje con el compromiso de no simplificar la enfermedad ni dejarse superar por ella.

Mencionó a Michael J. Fox como ejemplo de vida plena pese al Parkinson y señaló que personas cercanas conviven con la enfermedad. “La vida sigue, aunque esté condicionada por la enfermedad”, afirmó.

En cuanto a sus convicciones personales, Ford aclaró que su sistema de valores se fundamenta en la naturaleza. “La naturaleza es mi Dios”, sostuvo, recordando que así lo manifestó ante la junta de reclutamiento durante la guerra de Vietnam.

Para él, la naturaleza contiene cualidades que otros atribuyen a una deidad, y aceptar el ciclo natural de la vida y la muerte define su perspectiva existencial.

Ese momento, simple y al inicio de su vida, resume la mirada nostálgica y honesta con la que contempla su trayectoria: trabajo, fortuna y autenticidad nunca faltaron.

El giro hacia producciones que desafían al espectador y la consolidación de modelos televisivos opuestos a los planteamientos generalistas han marcado la 77ª edición de los premios Emmy, donde la Academia de la Televisión Estadounidense distribuyó sus galardones entre propuestas que han apostado tanto por la incomodidad narrativa como por el regreso a fórmulas clásicas ‘reinventadas’ para los nuevos tiempos.

En una gala que evidenció la pugna entre el ‘streaming’ y la televisión tradicional, Apple TV+ y HBO Max empataron en número de estatuillas, mientras que títulos como Adolescencia y The Pitt fueron otros de los grandes protagonistas de la noche.

Noche de premios para Apple TV+

El reconocimiento a Apple TV+ resultó especialmente llamativo, ya que la plataforma acumuló siete premios durante la ceremonia, cuatro de ellos para The Studio, que además sumó un total de 13 galardones contando los entregados previamente.

Separación obtuvo dos premios interpretativos, alcanzando ocho en total, y Slow Horses fue distinguida por su dirección.

HBO Max también sumó siete estatuillas en la gala. No obstante, el éxito en los Emmy contrasta con los resultados comerciales de Apple TV+: según datos recogido por un artículo de Bloomberg, la plataforma genera menos visionados mensuales que Netflix en un solo día, pese a invertir 4.500 millones de dólares anuales en contenido original, lo que le supone pérdidas superiores a 1.000 millones de dólares cada año.

La incógnita sobre si el prestigio obtenido se traducirá en rentabilidad permanece abierta.

‘Adolescencia’: la otra gran protagonista

La tendencia hacia ficciones que exploran la incomodidad y la tensión se consolidó en esta edición. Adolescencia (Netflix) se erigió como el ejemplo más destacado de este tipo de narrativa, siguiendo la estela de títulos como Mi reno de peluche en años anteriores.

La serie, que se convirtió en la segunda más vista de habla inglesa en la historia de Netflix, fue reconocida como mejor miniserie o serie de antología.

Por su parte, The Pitt (HBO Max) mantuvo una media de 10 millones de espectadores por episodio, demostrando que la apuesta por el drama médico tradicional sigue vigente.

La dirección televisiva también vivió momentos destacados gracias al uso del plano secuencia. Philip Barantini fue premiado por su trabajo en Adolescencia, cuyos cuatro episodios de una hora se grabaron en una sola toma.

Barantini, único hombre nominado en una categoría dominada por mujeres, logró una victoria indiscutible. Asimismo, Seth Rogen y Evan Goldberg recibieron el galardón por la dirección de The Studio, que en su segundo episodio, elogiado por la crítica, recurrió a esta técnica mientras reflexionaba sobre ella.

Dispersión de premios

La dispersión de los premios fue otra de las características de la gala. Frente a la concentración de galardones en pocas series que predominó en ediciones recientes, este año títulos como Andor (Disney+), Slow Horses y El Pingüino (HBO Max) también obtuvieron reconocimiento, en ocasiones en categorías inesperadas.

El caso de Somebody Somewhere (HBO Max) ilustra el papel de los Emmy como escaparate: el premio recibido por Jeff Hiller seguramente permitirá que la serie alcance una mayor visibilidad de lo que había tenido.

En cuanto a Separación, la serie no se fue de vacío, ya que Tramell Tillman y Britt Lower obtuvieron premios interpretativos, y el fin de semana anterior sumó otros seis galardones técnicos. Sin embargo, las expectativas eran mayores, especialmente en las categorías de mejor drama, dirección y guion, lo que dejó un sabor agridulce tras una temporada que la había situado entre los títulos más destacados del año.

La ausencia de premios para la televisión en abierto fue notoria. Ninguna serie de un canal tradicional logró estatuillas, ni siquiera Kathy Bates por Matlock (Movistar Plus+), que partía como favorita.

El caso de The Bear y The White Lotus ejemplifica la volatilidad de los galardones. Aunque ambas series acumulaban 21 y 15 premios respectivamente por temporadas anteriores, en esta edición The Bear no obtuvo ningún reconocimiento y The White Lotus solo fue premiada por su banda sonora. Este resultado plantea dudas sobre la continuidad de su éxito en futuras ediciones.

Estrenada esta semana en Apple TV y Movistar+, Highest 2 Lowest se basa libremente en la película de Akira Kurosawa, High and Low. Todo comienza cuando David King (Denzel Washington), un productor musical que otrora fuera el chico de oro de la industria pero que ahora se encuentra en medio de un gran trato empresarial que podría destruir o relanzar su carrera. Todo ello se ve interrumpido cuando su hijo y el de su chófer y mejor amigo Paul (Jeffrey Wright). King recupera a su hijo, pero el de su mejor amigo sigue desaparecido, y el secuestrador demanda una suma de dinero que echaría por tierra los planes de futuro del productor musical y su familia.

Un gran riesgo, dentro y fuera de la pantalla

Irónicamente, el personaje de Denzel Washington no es el único que tiene que arriesgarlo todo por una jugada que puede salir muy mal. El propio caso de la película es el de uno de esos proyectos que llevan tanto tiempo en el cajón de Hollywood que hasta ahora nadie se había atrevido a darle forma. En 1990 se había empezado a cincelar de la mano del guionista y director David Mamet, quien no había conseguido llevar a buen puerto esta readaptación de la novela King’s Ransom en la que se había basado Kurosawa años atrás. Grandes cineastas como Mike Nichols, Walter Salles o el mismísimo Martin Scorsese también intentaron meter mano sin éxito, mientras Disney —a través de los estudios de Touchstone y Miramax— había invertido casi 10 millones en un desarrollo que nunca llegaba a buen puerto.

Todo ello provocó que nadie quisiese acercarse al proyecto, que parecía abocado a ser irrealizable, hasta que aparecieron el productor Jason Michael Berman y el guionista Alan Fox, quienes eran apenas unos críos cuando Mamet había empezado a esbozar el proyecto primigenio. “Me dijeron: ‘Esto es como un billete de lotería. O tiras 150 000 dólares por los derechos a la basura, o encuentras a un gran guionista, consigues los derechos y lo llevas a cabo’”, confesaba a The Hollywood Reporter el productor, autor también de la Air de Ben Affleck y quien, como el protagonista de la película, asumió el riesgo depositando toda su confianza en un novato y en que Washington aceptase el proyecto. Pero entre medias estaba el productor Todd Black, encargado de las películas de The Equalizer y quien unió a los novatos con la pareja de amigos que pondría en práctica todo, Denzel Washington y Spike Lee.

Viéndole las orejas al Lobo de Nueva York

La mezcla de ingenuidad y audacia del guion de Fox con la veteranía y templanza de la pareja detrás de Malcolm X o Una mala jugada ha resultado en la mejor película de Lee en años, recordando a sus mejores momentos de los 90, y con permiso de la celebrada Infiltrado en el KKKlan, que estaba precisamente protagonizada por el hijo de Denzel. Se dice que Fox preparó desarrolló el guion fijándose en las películas de Washington casi tanto como en la película de Kurosawa, y eso explicaría que parezca que nació para interpretar ese papel.

Highest 2 Lowest está por completo al servicio del ganador del Oscar, quien fluye por ella casi como las canciones que aderezan cada escena, desde el soul a la salsa de Eddie Palmieri pasando por supuesto por el rap, gran protagonista de la película junto a Washington y encarnado en la figura del músico real ASAP Rocky, quien había realizado cameos en películas como Popstar o Zoolander 2, pero al que aquí Spike Lee logra sacar partido como un digno contendiente de Washington. La música es a la vez la cara y la cruz de la película, pues no encuentra el tono adecuado en sus composiciones para las secuencias que acompaña, con unas melodías de jazz que pueden contrariar debido a la tensión intrínseca de lo que se narra.

A pesar de ello, Highest 2 Lowest consigue ser una versión diferente y fresca de la original de Kurosawa, y sobre todo una triunfal vuelta tanto de Spike Lee y Denzel Washington, como del thriller neoyorkino que tanto brilló en los 70. Como los mejores temas de rap, el filme está dotado de una gran energía y ritmo, de improvisación y espontaneidad, y de fuerza en sus secuencias más tensas, como la del intercambio en el tren o el viaje nocturno de Denzel Washington y Jeffrey Wright al grito de “This is mayhem”. Este es el caos de dos viejos amigos, y es grandioso tenerlos de vuelta una vez más.

El reencuentro entre Spike Lee y Denzel Washington en la pantalla ha dado lugar a una de las colaboraciones más longevas y productivas del cine estadounidense, y su más reciente proyecto, Del cielo al infierno, profundiza en los dilemas morales y sociales que han marcado la trayectoria de ambos.

Esta nueva producción, disponible en AppleTV+, representa la quinta ocasión en que director y actor unen fuerzas, consolidando una relación creativa que se extiende por más de treinta años y que ha explorado aspectos fundamentales de la experiencia afroamericana.

Una versión hip hop de ‘El infierno del odio’

La película, que reinterpreta el clásico japonés El infierno del odio (1963) de Akira Kurosawa, traslada la acción a una Nueva York contemporánea, marcada por profundas divisiones de clase y raza.

En esta versión, el protagonista, interpretado por Denzel Washington, es un productor musical que se enfrenta a un dilema ético cuando, en vísperas de cerrar un acuerdo financiero crucial, un secuestrador que pretendía raptar a su hijo termina llevándose por error al hijo de su chófer.

Spike Lee ha explicado que, aunque ha respetado el espíritu de la obra original, ha optado por darle un giro personal: “He respetado el espíritu de la película original y le he dado una vuelta. En ese sentido, podría decirse que he hecho lo que los músicos de jazz llevan haciendo toda la vida: tomas una pieza clásica y la aderezas echándole tu propia salsa; eso mismo son la versión que John Coltrane creó de ‘My Favorite Things’ y la de ‘My Funny Valentine’ que se inventó Miles Davis”.

El director neoyorquino reconoce la influencia de Kurosawa en su carrera, recordando que para rodar Nola Darling (1986) se inspiró en la mítica Rashomon (1950).

Sin embargo, Del cielo al infierno se distancia del homenaje para convertirse en una síntesis de los temas recurrentes en la filmografía de Lee: la vida en la Gran Manzana, la cultura hip hop, el arte afroamericano y el conflicto entre la integridad creativa y las exigencias del mercado.

El dilema central de la película, según el propio director, busca interpelar al espectador: “El objetivo es que los espectadores acaben de ver la película y se pregunten: ‘¿Qué haría yo en esa misma situación?’”.

Denzel Washington y Spike Lee: una relación duradera

La complicidad entre Lee y Washington se mantiene intacta tras casi dos décadas desde su anterior colaboración en Plan oculto (2006).

El director no duda en calificar a Washington como “el mejor actor vivo del mundo”, mientras que el actor, con humor, reconoce la inspiración que le provoca su compañero: “Me inspira este anciano que tengo al lado, sigue comportándose como lo haría un niño en una tienda de golosinas, y el entusiasmo infantil que siente por su trabajo me inspira y me contagia”.

Su filmografía conjunta incluye también Cuanto más, mejor (1990), Malcolm X (1992) y Una mala jugada (1998).

Uno de los momentos más destacados de Del cielo al infierno es una escena en la que Washington protagoniza una improvisada batalla de rap junto a A$AP Rocky, un episodio que, según la crítica, quedará como uno de los hitos interpretativos del actor y que ejemplifica el choque generacional que atraviesa la película.

Lee lo resume así: “También es una historia sobre la desconexión que las viejas generaciones sentimos respecto al mundo moderno. A un lado sitúa al viejo pistolero y, al otro, al novato que intenta destronar al rey. Es puro Shakespeare”.

La reflexión sobre el impacto de la tecnología en la sociedad contemporánea también ocupa un lugar relevante en la visión de Lee.

El cineasta expresa su preocupación por el efecto de las nuevas herramientas digitales en la creatividad y la educación: “No quiero sonar como un abuelo, pero corremos el riesgo de ser idiotizados por ellas. ¿Y qué hay de la educación que imponen en nuestros hijos? Hoy en día los estudiantes se sirven de la inteligencia artificial para hacer sus trabajos académicos; la creatividad y el arte, y hasta el alma humana, corren el riesgo de ser reemplazados por máquinas. Tal vez haga otra película sobre ello”.

Del cielo al infierno se presenta así como una obra que, más allá de su condición de adaptación, condensa las inquietudes y el estilo de Spike Lee, al tiempo que reafirma la vigencia de su colaboración con Denzel Washington, que parece sentirse más cómodo con el director que con ningún otro.

Apple TV+ continúa reforzando su catálogo de producciones originales con un ambicioso proyecto que promete generar conversación tanto entre los amantes de la literatura como del cine y la televisión.

Se trata de Cabo de miedo, la nueva serie dramática basada en la novela The Executioners, escrita en 1957 por John D. MacDonald, y que ya fue adaptada en dos ocasiones a la gran pantalla.

De acuerdo con lo que informó la revista Variety, los actores Ron Perlman, y Margarita Levieva se integran al elenco en papeles recurrentes. Asimismo, Ted Levine tendrá un papel en la trama.

Aunque todavía no se han revelado detalles específicos sobre los personajes que interpretarán, su presencia eleva aún más las expectativas en torno a la serie.

El reparto lo completan nombres de peso como CCH Pounder, Anna Baryshnikov, Jamie Hector, Lily Collias, Joe Anders y Malia Pyles, en una combinación de figuras consolidadas y talentos emergentes que promete enriquecer la narrativa coral de la producción.

Una historia con legado cinematográfico

El universo de Cabo de miedo no es desconocido para el público. La historia de MacDonald fue llevada al cine por primera vez en 1962 bajo la dirección de J. Lee Thompson, en un thriller protagonizado por Gregory Peck y Robert Mitchum que se convirtió en un clásico del género.

Tres décadas más tarde, en 1991, Martin Scorsese realizó su propia versión, esta vez con Robert De Niro y Nick Nolte en los roles principales, ofreciendo un retrato más intenso y violento que obtuvo críticas elogiosas y dejó escenas imborrables en la memoria colectiva.

La apuesta de Apple TV+ busca darle un giro contemporáneo a este relato, presentando lo que la plataforma describe como “un examen de la obsesión de Estados Unidos con el true crime en el siglo XXI”.

Con ello, la producción no solo rescatará los elementos de suspenso de la novela original, sino que también reflexionará sobre el consumo masivo de historias criminales en la era digital.

Hasta el momento, lo único que se sabe es que la trama de la serie seguirá la vida de Anna y Tom Bowden, un matrimonio de abogados interpretados por Amy Adams y Patrick Wilson.

Su aparente estabilidad se verá sacudida cuando Max Cady, un asesino interpretado por Javier Bardem, salga de prisión y vuelva a cruzarse en su camino.

Más allá del enfrentamiento central entre los Bowden y Cady, Cape Fear buscará explorar un fenómeno cultural que trasciende la ficción: la fascinación contemporánea por el crimen real.

En la última década, el auge de pódcast, documentales y dramatizaciones sobre casos policiales ha evidenciado la demanda del público por este tipo de contenidos, algo que Apple TV+ parece dispuesto a explorar con una mirada crítica.

El guion se perfila así como una reinterpretación que no solo actualizará la historia, sino que también la situará en un contexto donde la violencia, la justicia y la manera en que se consume la información se entrelazan en un ciclo de atracción y repulsión.

Aunque aún no se ha anunciado fecha de estreno, Cabo de miedo ya figura entre las producciones más esperadas de la plataforma.

Esta semana aterriza un nuevo estreno de Denzel Washington, ademas, junto a uno de los directores con el que más ha trabajado a lo largo de su carrera, Spike Lee.

Se trata de Del cielo al infierno (Highest 2 Lowest) y se podrá ver en la plataforma de ‘streaming’ Apple TV+ el próximo 5 de septiembre.

Sin embargo, el intérprete parece estar de vuelta de todo y han sorprendido sus últimas declaraciones: ya no siente interés por el cine, ni como espectador ni como asistente a salas.

Nueva película con Spike Lee

Durante la promoción de este nuevo proyecto, que es un remake del clásico de Akira Kurosawa, El infierno del odio, Washington confesó en una entrevista para la revista GQ que ha perdido el hábito de ver películas, una declaración que rápidamente se viralizó y generó debate en la industria.

A sus 70 años, Denzel Washington acumula una trayectoria de más de 40 títulos en cine desde su debut con Morgan Freeman en Coriolanus (1979) y ha sido nominado al Oscar en diez ocasiones, obteniendo la estatuilla por dos interpretaciones, por Tiempos de gloria en 1990 y por Training Day (Día de Entrenamiento) en 2002.

Sin embargo, el propio actor admitió que la abundancia de proyectos en los que ha participado ha terminado por saturarlo. “No veo películas, tío. De verdad que no”, afirmó durante la entrevista. “¡Solo soy sincero! ¡No veo películas! No voy al cine. No veo películas… Estoy harto de las películas”, insistió, y al ser interrogado sobre el motivo, respondió con contundencia: “Es que he salido en demasiadas. ¡Creo que en 50!”.

Denzel Washington y el valor de los premios

La postura de Washington respecto al reconocimiento en la industria también ha sido objeto de atención. Poco antes de estas declaraciones, el actor había manifestado su escepticismo sobre el valor de los premios, en particular los Oscar: “Cuando muera, no me van a servir de nada”, sentenció, en una frase que también circuló ampliamente en medios y redes sociales.

A pesar de su distanciamiento del consumo cinematográfico, la figura de Denzel Washington sigue siendo central en Hollywood, donde ha logrado mantenerse al margen de la exposición mediática sin perder el respeto de la industria.

Su carisma y capacidad para liderar historias han sido constantes a lo largo de las décadas, y su colaboración con Spike Lee ha dejado huella en títulos como la aclamada Malcolm X, centrada en el líder del movimiento de liberación de la comunidad negra en Estados Unidos, y en la única incursión del actor en el género de ‘heist movie’, Plan oculto, que continúa siendo una de las favoritas del público.

El reencuentro entre Washington y Lee en Del cielo al infierno ha sido definida como una buena adaptación de la obra de Kurosawa que el director afroamericano se lleva a su terreno. El actor, encarnaría el personaje que interpretó el célebre Toshirô Mifune.

El resultado es un thriller psicológico y policíaco a la altura de las circunstancias que vuelve a reunir a este tándem creativo fundamental en la historia del cine.

A pesar de sus declaraciones, Denzel Washington continua haciendo películas. El año pasado fue nominado a los Globos de Oro a la mejor interpretación de reparto por su papel en Gladiator II, de Ridley Scott y estará presente en lo próximo de Fernando Meirelles junto a Robert Pattinson.

A lo largo de las próximas semanas se estrenarán las continuaciones de algunas de las series que más éxito han cosechado en los últimos tiempos, como el final de Miércoles o de Solo asesinatos en el edificio.

También continuarán las aventuras de Morning Show y Slow Horses y novedades inéditas como lo nuevo del creador de la prestigiosa Mare of Easttown o una miniserie con Jude Law.

Desde España, se incorpora al catálogo de Movistar Plus+ La caza. Irati y a Netflix llegará la nueva propuesta de los creadores de La casa de papel.

Desgranamos cada una de las series que serán protagonistas en septiembre, dónde verlas y cuando se estrenan.

‘Miércoles’ (Netflix)

Culmina la segunda tanda de episodios de esta segunda temporada que comenzó a emitirse el pasado 6 de agosto.

La serie capitaneada por Jenna Ortega tendrá que ir cerrando las diferentes tramas que ha ido abriendo durante los cuatro primeros capítulos.

En ellos vimos a Miércoles con una actitud inusualmente positiva, como si hubiera encontrado en la academia Nevermore un sitio donde sus rarezas son por fin aceptadas. Pero su llegada coincidirá con una serie de asesinatos en las inmediaciones de la academia y la aparición de un acosador, lo que reactivará el eje de suspense que caracterizaba a la serie.

El principal enigma de esta temporada se vincula a un centro psiquiátrico para personas con poderes sobrenaturales, dirigido por Thandiwe Newton en el papel de jefa médica.

Paralelamente, la preocupación de Morticia por los límites a los que su hija lleva sus habilidades la lleva a aceptar la organización de eventos en Nevermore, a petición del nuevo director, interpretado por Steve Buscemi. Este escenario dará pie al conflicto central: la tensión entre madre e hija, un recurso clásico en el género adolescente.

A partir del 3 de septiembre en Netflix.

‘La caza. Irati’ (Movistar Plus+)

El próximo 4 de septiembre de 2025, Movistar Plus+ estrenará en exclusiva la cuarta temporada de La caza. Irati, una serie que traslada la acción a la vasta selva de Irati, en Navarra, uno de los mayores bosques de Europa con más de 20.000 hectáreas.

En esta nueva entrega, los protagonistas Megan Montaner y Félix Gómez retoman sus papeles en una investigación criminal que suma a su elenco a Silvia Alonso, Roger Casamajor y Eloy Azorín.

La trama se inicia cuando los habitantes de una pequeña aldea descubren el cuerpo sin vida de una mujer, lo que motiva el desplazamiento de un equipo de la UCO hasta la región. El teniente Ernesto Selva, interpretado por Félix Gómez, se encuentra bajo las órdenes de Gloria Mencía, una inspectora joven que ha logrado la confianza del coronel Figueroa.

La llegada de Sara Campos, encarnada por Megan Montaner, introduce un nuevo enfoque en el equipo. Tras la pérdida de su ex pareja Víctor (Alain Hernández) y la finalización de su formación académica, Sara se ha incorporado como psicóloga en la Sección de Análisis del Comportamiento Delictivo de la Guardia Civil.

Su intervención resultará determinante, ya que los crímenes y desapariciones continúan en la zona, llevando a los investigadores a considerar por primera vez la existencia de un posible asesino en serie oculto en el corazón del bosque, un entorno envuelto en antiguas leyendas y misterios.

La serie, creada por Agustín Martínez y producida por José Manuel Lorenzo, mantiene la esencia de las temporadas anteriores, que ya están disponibles en la plataforma: La caza. Monteperdido, La caza. Tramuntana y La caza. Guadiana.

‘Task’ (HBO Max)

El responsable de Mare of Easttown, Brad Ingelsby, regresa con una nueva miniserie ambientada, de nuevo, en los suburbios de Filadelfia.

La trama se centra en un agente del FBI, interpretado por Mark Ruffalo, quien asume la dirección de un equipo de especialistas con la misión de desmantelar una serie de robos que desconciertan a las autoridades.

La investigación conducirá al grupo hasta un padre de familia aparentemente inofensivo, encarnado por Tom Pelphrey, cuya doble vida se revelará progresivamente a medida que avanza el caso.

Junto a Ruffalo y Pelphrey encontramos en el reparto a Emilia Jones, Jamie McShane, Thuso Mbedu, Fabien Frankel y Martha Plimpton.

La emisión comenzará el 8 de septiembre de 2025, con un episodio nuevo cada semana.

‘Solo asesinatos en el edificio’ (Disney+)

El próximo 9 de septiembre, los seguidores de la exitosa comedia Solo asesinatos en el edificio podrán disfrutar en Disney+ del estreno de su quinta temporada, que llegará con tres episodios iniciales y continuará con un nuevo capítulo cada semana.

Esta nueva entrega, según ha anunciado Disney+, retoma la historia tras la muerte en circunstancias sospechosas de Lester (Teddy Colucca), el portero del edificio, un hecho que impulsa a los protagonistas a adentrarse en una investigación que los enfrenta a los rincones más oscuros de Nueva York.

En esta temporada, Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) y Mabel (Selena Gomez) rechazarán la versión oficial de accidente y se embarcarán en una búsqueda de la verdad que los llevará a descubrir una compleja red de secretos.

Durante su pesquisa, el trío se encuentrará con conexiones que involucran a multimillonarios influyentes, mafiosos de la vieja escuela y residentes enigmáticos del Arconia, el emblemático edificio donde transcurre la serie.

‘Las muertas’ (Netflix)

Una de las grandes apuestas latinoamericanas de la plataforma, la adaptación de la novela homónima de Jorge Ibargüengoitia publicada en 1977 y que supone el debut del gran cineasta mexicano Luis Estrada en formato serie.

La obra original de Ibargüengoitia se distingue por su tono satírico, incómodo y provocador, que le permitió consolidarse como un referente de la literatura en español al retratar la realidad mexicana con un matiz cínico.

El proceso de adaptación de Las muertas tiene raíces que se remontan a la década de 1970, cuando José Estrada, padre de Luis Estrada y también cineasta, llevó al cine otra obra de Ibargüengoitia, Maten al León.

La serie constará de seis episodios y adaptará la trama central de la novela, que sigue a dos hermanas durante finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Estas mujeres, amparadas por su posición social y la impunidad, dirigen una red de prostitución forzada compuesta por jóvenes esclavizadas.

El hallazgo de varios cuerpos desencadenará una investigación sustentada en testimonios y declaraciones de los habitantes de la región, lo que permitirá desvelar los secretos más profundos de las protagonistas y el imperio clandestino que han construido.

Aunque los personajes son ficticios, la historia se inspira en el caso real de Las Poquianchis, un grupo de mujeres que, entre los años cuarenta y sesenta, dirigieron burdeles, secuestraron y asesinaron a numerosas personas.

‘Dexter: Resurección’ (SkyShowtime)

Continuación de Dexter: The Blood, en la que se ampliaba el universo de la serie. Este retorno, que daría continuidad al desenlace de New Blood, situando a Dexter Morgan (Michael C. Hall) en las calles de Nueva York, tras haber sobrevivido a una situación límite que parecía definitiva.

Los primeros episodios muestran cómo el protagonista, lejos de sucumbir, enfrenta nuevos dilemas morales y se cruza con asesinos en serie y detectives, todo bajo el sello de suspense, crimen y humor negro que caracteriza a la saga.

‘The Morning Show’ y ‘Slow Horses’ (Apple TV+)

Dos de las franquicias más rentables de la plataforma y también más longevas. La cuarta temporada de The Morning Show llegará el 17 de septiembre después de acumular un buen número de candidaturas en los Globos de Oro y los Premios Emmy.

La serie, encabezada por Jennifer Aniston y Reese Whitherspoon, regresa con un elenco reforzado y una trama que profundiza en la tensión política, la manipulación mediática y la lucha por la verdad en un contexto social cada vez más polarizado.

La temporada incorpora además a los oscarizados Marion Cotillard y Jeremy Irons, junto a Boyd Holbrook y William Jackson Harper, ampliando un reparto que ya era considerado uno de los más sólidos de la televisión contemporánea.

La trama se sitúa en la primavera de 2024, casi dos años después de los acontecimientos previos, con la fusión entre UBAy NBN ya consumada. El equipo editorial se enfrenta a un panorama transformado, donde las responsabilidades se multiplican y las agendas ocultas emergen en un entorno marcado por la desconfianza. La serie abordaría los deepfakes, las teorías de la conspiración y los encubrimientos corporativos.

En cuanto a Slow Horses, se estrena su quinta temporada el 24 de septiembre y ya ha sido renovada para dos temporadas más. Basada en el libro Mick Herron, nos adentraremos de nuevO en el universo de los agentes marginados del MI5, liderados por el carismático y complejo Jackson Lamb, interpretado por Gary Oldman.

El equipo, formado por espías británicos relegados a un departamento de segunda categoría tras cometer errores en el pasado, se enfrenta a desafíos que van más allá de la mera burocracia: la simulación, las luchas de poder y los dilemas morales se convierten en amenazas tan graves como los propios enemigos del Reino Unido.

‘Black Rabbit’ (Netflix)

El regreso inesperado de un hermano con un pasado turbulento desencadenará una serie de eventos que amenazan con desmoronar el imperio que ambos construyeron en el corazón de Nueva York.

Black Rabbit, protagonizada por Jude Law y Jason Bateman, explora la compleja dinámica entre dos hermanos que, pese a compartir la propiedad de un exclusivo restaurante y lounge en Manhattan, se ven arrastrados a una espiral de conflictos personales y peligros externos.

En el centro de la trama se encuentra Jake Friedkin (interpretado por Jude Law), un carismático empresario que ha convertido a Black Rabbit en el lugar más codiciado de la ciudad.

La estabilidad de su negocio y su vida personal se ve amenazada cuando su hermano Vince (a cargo de Jason Bateman) regresa inesperadamente, perseguido por prestamistas y viejos problemas. Esta vuelta no solo reaviva traumas del pasado, sino que introduce nuevos riesgos que ponen en jaque todo lo que han logrado.

‘El refugio atómico’ (Netflix)

El tándem formado por Álex Pina y Esther Martínez Lobato, responsables de La casa de papel, regresan a Netflix el 19 de septiembre con una superproducción que se inserta dentro de un mundo apocalíptico, situando a un grupo de multimillonarios en un búnker de lujo tras una

El reparto de la serie está encabezado por los jóvenes Alicia Falcó y Pau Simón. Junto a ellos, Miren Ibarguren, Joaquín Furriel, Natalia Verbeke, Montse Guallar, Carlos Santos, Agustina Bisio y Álex Villazán.

‘The Savant’ (Apple TV+)

El próximo 26 de septiembre, Apple TV+ lanzará una de sus apuestas más ambiciosas en el género del thriller: The Savant, una mini-serie de ocho episodios que pone en el centro a Jessica Chastain como una investigadora encubierta que se infiltra en comunidades extremistas en internet para anticipar y frenar posibles atentados.

La trama de The Savant se construye a partir de la historia de una mujer identificada como “K”, una exagente de policía y exmarine que colabora con el FBI rastreando a hombres potencialmente peligrosos en la red, considerados amenazas para la seguridad nacional.

La serie, protagonizada por Chastain en el papel de The Savant, explora el trabajo de infiltración en foros y grupos de odio en línea, donde la protagonista busca identificar y detener a extremistas antes de que lleven a cabo sus planes.

Apple TV+ anunció un incremento en el precio de su suscripción mensual, que sube de 9,99 dólares a 12,99 dólares en Estados Unidos. Esta actualización significa un aumento que, por ahora, no afecta a los usuarios en España ni en otros países de Europa, y mantiene sin variaciones tanto el coste del plan anual como el de los paquetes Apple One.

Subida de precio en Apple TV+: impacto y detalles clave

El aumento del precio de Apple TV+ constituye uno de los movimientos más destacados en el sector del streaming durante este año. La nueva tarifa mensual, que asciende a 12,99 dólares, ya se encuentra vigente en Estados Unidos.

Según la declaración realizada por Tom Neumayr, portavoz de la empresa, a The Verge, este ajuste entra en vigor de inmediato para los nuevos suscriptores, mientras que quienes ya poseían una suscripción verán reflejada la nueva cuantía 30 días tras la finalización de su ciclo de pago actual.

Este cambio solo resulta aplicable a ciertos territorios. Aunque Apple confirmó que la medida afecta a Estados Unidos, no especificó en qué países adicionales se implementará la modificación. Por ahora, no se reportan cambios de precios para otros países, lo que sugiere que la subida no tiene alcance global al menos en esta etapa.

Resulta relevante señalar que, pese al ajuste mensual, el precio de la suscripción anual a Apple TV+ se mantiene sin cambios, en 99 dólares al año, y tampoco se alteran los planes de paquetes integrados como Apple One. Este último servicio, que agrupa distintas plataformas de la compañía, sigue ofreciendo una tarifa base de 19,95 dólares mensuales, lo que conserva su atractivo para quienes utilizan varios productos de la marca.

Es preciso recalcar que aquellas personas que se suscriban desde mediados de agosto de 2025 ya abonan el nuevo coste mensual. La empresa de Tim Cook comunicó esta política para asegurar una transición gradual y transparente para sus usuarios.

Al abordar su estrategia de precios, Apple parece optar por una revisión segmentada en vez de un aumento simultáneo a nivel global, poniendo la atención principalmente en mercados donde la competencia del streaming y la demanda de contenido justifican la actualización de la tarifa.

La decisión refuerza la tendencia, observada en distintas plataformas de contenido audiovisual bajo demanda, de reajustar los precios para adaptarse a las nuevas condiciones del mercado y a las crecientes inversiones en producción original.

El escenario presenta a Apple TV+ como una opción que, pese a elevar el coste mensual para determinados usuarios, continúa apostando por la fidelización de largo plazo con su esquema anual sin cambios y por la integración de servicios a través de Apple One.

Qué servicios exclusivos ofrece Apple TV+ para sus suscriptores

Apple TV+ se posiciona como una plataforma de streaming que ofrece una amplia variedad de contenidos originales de alta calidad. Entre sus servicios destacan la producción y transmisión de series exclusivas, películas, documentales y programas para toda la familia.

La plataforma pone a disposición de sus suscriptores una selección de títulos con reconocidos actores, directores galardonados y temáticas diversas que cubren géneros como drama, comedia, ciencia ficción y suspenso.

Además, Apple TV+ permite acceder a sus contenidos desde múltiples dispositivos, incluyendo iPhone, iPad, Mac y Apple TV, con posibilidad de descarga para visualización sin conexión. Sus producciones han recibido premios internacionales, lo que respalda el compromiso con el entretenimiento de excelencia.

El servicio facilita la experiencia de usuario mediante una interfaz intuitiva y la opción de compartir la suscripción con miembros de la familia a través del sistema Family Sharing. De esta manera, Apple TV+ se consolida como una alternativa atractiva para quienes buscan entretenimiento innovador y exclusivo en formato digital.

La presencia cotidiana de tecnología en el entorno doméstico ya no se limita a dispositivos tradicionalmente etiquetados como “inteligentes”. En la actualidad, cualquier aparato conectado a Internet –desde termostatos hasta electrodomésticos– puede funcionar como una fuente de recolección masiva de datos personales, muchas veces fuera del conocimiento explícito de los usuarios.

Un análisis de The New York Times Wirecutter, encabezado por Jon Chase, revela los mecanismos, actores y consecuencias detrás de esta compleja red de vigilancia y monetización de la información personal.

Se considera dispositivo conectado cualquier aparato que disponga de conexión a internet, pueda manejarse a través de una app o integrarse con plataformas como Google Home, Alexa o Apple Home

Cualquier aparato que disponga de conexión a internet, pueda ser manipulado mediante una app, o permita integrarse en plataformas de terceros como Google Home, Alexa o Apple Home, entra en la categoría de “dispositivo conectado”.

“Hay dispositivos en nuestros hogares que no consideramos inteligentes y que, sin embargo, recopilan una cantidad considerable de datos”, dice Jon Chase en su explicación. La vida privada hoy está expuesta a objetos tan diversos como bombillas, termostatos, relojes, microondas, cámaras, televisores y otros electrodomésticos aparentemente simples

La integración de estos sistemas permite que múltiples dispositivos crucen información del hogar, incrementando el detalle de los perfiles digitales individuales o familiares. El criterio de “inteligencia” ha pasado a basarse menos en el gadget en sí y más en su capacidad de interacción y transmisión de datos.

Qué datos recopilan y cómo

La información recolectada oscila entre lo funcional y lo personal. Por ejemplo, termostato inteligente representa un paradigma: monitoriza temperatura, detecta presencia, aprende rutinas para ajustar el consumo energético y puede cruzar estos datos con aplicaciones de clima o sensores remotos. Al configurarlos, solicitan ubicación domiciliaria, correos electrónicos, números telefónicos y en casos específicos, incluso información sensible como datos de salud.

Un dispositivo que se conecta, por ejemplo, a Amazon, accede de forma potencial a todo el ecosistema vinculado y su información. Lo mismo ocurre con Google Home o Apple Home. La consecuencia: la creación de perfiles de usuarios extremadamente detallados que pueden superar la mera funcionalidad para operar en modos predictivos o de manipulación algorítmica.

Esta realidad traspasa la barrera individual. La proximidad entre personas o el uso simultáneo de dispositivos asociados, permite deducir afinidades, patrones familiares y preferencias de grupos mediante la inteligencia artificial. El rastreo se activa mediante la dirección IP, la geolocalización, la asociación con otros IDs de dispositivos, y los datos son continuamente almacenados en la nube.

Algunos dispositivos resaltan por su capacidad y variedad de extracción de datos. Tres protagonistas surgen del análisis de Wirecutter: los televisores inteligentes, los altavoces/smart speakers, y las cámaras de vigilancia o videoporteros.

Prácticamente todos los televisores inteligentes modernos incluyen tecnología de reconocimiento automático de contenido (ACR), que monitorea todo lo que aparece en pantalla, sin distinguir si proviene de servicios de streaming, dispositivos externos o incluso álbumes familiares.

Según Jon Chase, “cada pocos segundos, el televisor toma lo que equivale a una captura de pantalla y la envía a internet, donde se analiza y se añade a un perfil de datos”. Estos datos se comparten posteriormente con terceros para refinar marketing y publicidades personalizadas.

Wirecutter destaca como excepción el Apple TV, el único dispositivo probado sin ACR integrado. Sin embargo, si se conecta a una pantalla con ACR activo, igual es posible que la TV siga recolectando datos de lo que se visualiza.

En el caso de los altavoces inteligentes y asistentes virtuales, la percepción de escucha permanente se matiza: estos aparatos procesan sonidos constantes para identificar una “palabra de activación”. Tras detectarla, inician la grabación y transmisión a la nube. “Estos dispositivos dependen por completo de la creación, recopilación y envío de datos a la nube”, recalca Chase. Las políticas de privacidad y el almacenamiento de grabaciones varían: los dispositivos Google, por ejemplo, no guardan audios por defecto, pero en otros casos el usuario debe intervenir manualmente para limitar el almacenamiento y acceso a datos personales.

Con la llegada de modelos avanzados de inteligencia artificial, se prevé que la capacidad de aprendizaje y personalización de estos gadgets multiplique el volumen y la sensibilidad de la información recolectada.

Las cámaras de seguridad domésticas, incluyendo videoporteros y sistemas integrados, encabezan la lista por la cantidad de tipos de datos que pueden registrar. Capturan imágenes, sonido ambiental, condiciones de temperatura y, en los modelos avanzados, practican reconocimiento facial. Tal como subraya Wirecutter, “las cámaras de seguridad recopilan la mayor cantidad de tipos de datos entre los dispositivos domésticos inteligentes”, lo que amplía la problemática a la privacidad de terceros y a la posible exposición involuntaria de personas ajenas al entorno doméstico.

Los riesgos legales y éticos se multiplican ante la ausencia de regulaciones uniformes y frente a la diversidad de políticas internas de cada fabricante.

¿A dónde va toda la información?

El viaje de los datos no termina en la mejora del servicio. Las grandes corporaciones tecnológicas los emplean para optimizar el producto, segmentar anuncios y personalizar experiencias. Si bien compañías como Amazon y Google sostienen no comercializar directamente los datos de sus clientes, es habitual la existencia de acuerdos, integraciones y colaboraciones con aplicaciones de terceros y tecnologías analíticas.

El rol de los data brokers aparece aquí como un protagonista opaco pero fundamental. “Los data brokers se especializan en desenterrar información, venderla al mejor postor y utilizarla para fines diversos, desde la publicidad hasta la vigilancia”. Estos intermediarios agregan y cruzan datos obtenidos de numerosas fuentes —no solo dispositivos domésticos, sino también tarjetas de crédito, aplicaciones y registros públicos— para luego comercializarlos en mercados secundarios, muchas veces bajo el pretexto de que son anónimos.

El usuario pierde así visibilidad y control sobre su perfil digital, sin acceso real ni posibilidad de rectificación o eliminación de datos sensibles.

El avance tecnológico ha superado a la velocidad regulatoria. La proliferación de prácticas de recolección y comercialización de datos se da bajo marcos legales aún fragmentados. En Estados Unidos, solo algunos estados han impulsado estas iniciativas: California obliga a los data brokers a registrarse y favorece ciertas obligaciones de transparencia. A nivel federal, el vacío normativo persiste.

Europa destaca con el Reglamento General de Protección de Datos (GDPR), imponiendo obligaciones de transparencia, consentimiento expreso, y derecho a objeción, lo que llevó a la proliferación de advertencias y requerimientos de cookies en casi toda web global. Fuera del continente, la fragmentación persiste y la protección efectiva es limitada.

Cómo proteger la privacidad

Frente a este panorama, la prudencia y la selección informada de dispositivos resultan fundamentales. Wirecutter sugiere medidas diferenciadas según el aparato:

• En altavoces inteligentes, desactivar la grabación de voz y borrar historiales desde la app de control, además de limitar la entrega de datos de ubicación y usar correos alternativos.
• Para televisores inteligentes, buscar y inhabilitar la función ACR en la configuración, pese a que suele figurar bajo distintos nombres y estar oculta en los menús.
• En cámaras, seleccionar modelos con configuraciones avanzadas de privacidad, evitar instalar en espacios privados y apostar por marcas con políticas de protección reconocidas.

La clave está en no incorporar dispositivos “al azar”, sino analizar reputación, trayectoria y políticas de protección de datos de cada fabricante antes de tomar una decisión.

La omnipresencia de la vigilancia digital doméstica plantea dilemas no solo sobre privacidad, sino también sobre autonomía. Como concluye Jon Chase, la comodidad y funcionalidad de la tecnología conectada implican un precio en términos de exposición y pérdida de control sobre la información personal. La evolución hacia hogares más inteligentes deberá ir acompañada de un usuario más crítico, informado y proactivo, dispuesto a ejercer su derecho al control y la protección de sus propios datos.

La decisión de cómo y con qué profundidad participar en esta red invisible de vigilancia será parte del desafío cotidiano de vivir en la era de la hiperconectividad.

Uno de los principales temas abordados en la charla fue la experiencia del actor estadounidense en Severance, la serie de suspenso y ciencia ficción que lo confirmó como referente en la televisión contemporánea.

El intérprete calificó el rodaje como un desafío intenso: la segunda temporada demandó cerca de 186 días de trabajo y los episodios podían extenderse hasta seis semanas de filmación. Con respecto a esto, explicó: “Grabamos varias escenas de diferentes episodios al mismo tiempo, lo cual obliga a mantener un control muy preciso sobre el desarrollo de los personajes”.

Además, Scott relató el reto de interpretar versiones distintas de un mismo personaje, alternando entre las identidades de “Inie” y “Outie”. En ocasiones, debía modificar por completo su registro actoral en pocas horas, lo que requería una concentración absoluta y una comprensión profunda de cada motivación.

La presentadora del podcast y también actriz, Amy Poehler, no ocultó su admiración por la intensidad emocional de la exitosa serie de Apple TV y la capacidad de su colega para sostener el peso dramático de la historia.

Recuerdos de “Parks and Recreation” y legado emocional

A medida que la conversación retrocedía hacia los años de Parks and Recreation, Scott compartió cómo fue integrarse al elenco; lo vivió como subirse a un tren en marcha, pero destacó la hospitalidad del equipo y el elenco como elementos clave en su adaptación.

Tanto él como Poehler coincidieron en que la química entre los actores y la libertad para improvisar resultaron fundamentales para el éxito de la serie. Rememoraron escenas emblemáticas —como la del “Smallest Park”— y expresaron su orgullo por la evolución de la relación entre Ben y Leslie, personajes que “se apoyaban y respetaban mutuamente, priorizando siempre las necesidades del otro”.

El impacto de la serie en la audiencia fue otro foco central. Ante esto, el artista mencionó que recibe mensajes diarios de personas que encontraron consuelo en Parks and Recreation en tiempos difíciles. Mientras que Poehler opinó que la serie se convirtió en una especie de medicina emocional para muchos, uno de los mayores logros de su trabajo conjunto.

Trayectoria, aprendizajes y proyectos actuales

En una faceta más íntima, el actor recordó sus inicios en la actuación, las dificultades en las audiciones y papeles que no obtuvo, como el de Michael C. Hall en Six Feet Under. “Fue un golpe duro, llegué a pensar en abandonar la actuación”, reconoció.

Sin embargo, valoró esas frustraciones como esenciales en su desarrollo profesional. En sus recuerdos también figuran los primeros contactos con figuras como Paul Rudd y Jon Hamm, con quienes compartió audiciones y papeles menores antes de obtener reconocimiento masivo.

También reflexionó sobre la importancia de la preparación y la apertura al juego en el trabajo actoral, una lección nutrida del clima colaborativo de Parks and Recreation. Ambos protagonistas coincidieron en que la combinación de rigor y espontaneidad resulta imprescindible para crear personajes auténticos y memorables.

Sobre sus proyectos actuales, Scott habló del podcast que dirige, dedicado a analizar episodios de Severance y dialogar con miembros del equipo. La iniciativa, ideada por su esposa Naomi, busca mantener el vínculo con la audiencia durante las pausas entre temporadas y brindar una mirada interna a la producción.

Poehler recordó además el podcast anterior de Scott sobre la banda U2, subrayando su afinidad por los formatos conversacionales y su sentido del humor autocrítico.

Una huella permanente en la televisión

Entre anécdotas personales —su infancia en Santa Cruz, la afición por los cómics alternativos, su breve paso por series como Law & Order—, el intérprete reveló que aún siente cierta nostalgia al ver antiguos episodios de Parks and Recreation, una etapa especialmente feliz y formativa en su vida.

En el tramo final de la entrevista, Amy Poehler y Adam Scott reflexionaron sobre el legado de Parks and Recreation y la dificultad de cerrar una serie cómica mostrando el futuro de todos los personajes.

Inspirados por el desenlace de Six Feet Under, los creadores de la serie decidieron dar a la audiencia una visión completa del destino de cada protagonista, una elección que, según Poehler, marcó la diferencia y dejó una huella perdurable en la televisión. Fue así que conversación en Good Hang celebró los hitos de una carrera multifacética y el valor de la colaboración en el mundo del entretenimiento.

Después de completarse las tres fechas correspondientes a la fase regular, la Leagues Cup 2025 ya tiene conformados sus cruces para los Cuartos de Final, donde cuatro clubes mexicanos disputarán la gloria ante cuatro equipos de la MLS.

La definición de estos emparejamientos representa una nueva edición del duelo futbolístico entre México y Estados Unidos, bajo un formato que renovó la competencia y aumentó la expectativa de aficionados en ambos países.

En esta próxima etapa,Tigres, Pachuca, Puebla y Toluca serán los representantes de la Liga MX, mientras que Orlando City, Inter de Miami, Seattle Sounders y LA Galaxy avanzaron como los mejores clasificados de la liga estadounidense.

Cuándo y cómo se jugarán los cuartos de final de la Leagues Cup

La expectativa crece entre los clubes que continúan en la competencia, ya que solo cuatro equipos mantendrán vivas sus aspiraciones de llegar a la fase de Semifinales, acercándose un paso más al objetivo máximo del torneo.

Inter de Miami vs Tigres

• Día: miércoles 20 de agosto
• Hora: 18:00 horas (tiempo del centro de México)
• Sede: Chase Stadium en Florida

Toluca vs Orlando City

• Día: miércoles 20 de agosto
• Hora: 19:00 horas (tiempo del centro de México)
• Sede: Dignity Health Sports Park en California

Seattle Sounders vs Puebla

• Día: miércoles 20 de agosto
• Hora: 21:00 horas (tiempo del centro de México)
• Sede: Lumen Field de Seattle

LA Galaxy vs Pachuca

• Día: miércoles 20 de agosto
• Hora: 21:45 horas (tiempo del centro de México)
• Sede: Dignity Health Sports Park en California

Cuál es la única forma de ver a los equipos mexicanos en la Leagues Cup

La exclusividad de la transmisión de la Leagues Cup por el servicio MLS Season Pass en Apple TV ha marcado una diferencia significativa frente a otros torneos internacionales de fútbol, ya que todos los partidos se han ofrecido únicamente a través de esta plataforma. Por esta razón, la expectativa para los Cuartos de Final se mantiene en la misma línea, con la previsión de que los encuentros continúen transmitiéndose solo mediante el servicio mencionado.

Este nuevo formato responde al acuerdo de derechos firmado entre la MLS y la empresa tecnológica, que centraliza el acceso a los partidos internacionales del certamen. La medida, aunque supone un cambio frente a las prácticas habituales en la difusión de eventos deportivos, también refleja una tendencia creciente en la industria, donde las plataformas de streaming ganan terreno frente a los modelos de transmisión convencionales.

Dicen que lo bueno se hace esperar, y por eso los fans de Tim Burton, Jenna Ortega y la familia Adams han capeado como han podido estos tres años desde que la primera temporada de Miércoles se convirtió en un fenómeno global y uno de los mayores éxitos de Netflix. Nada más y nada menos que 250 millones de visualizaciones en todo el mundo: la historia de la hija de la familia más terrorífica de todas triunfaba con esta lúgubre comedia.

Sin embargo, habrían de pasar más de 1000 días para poder continuar siguiendo a este personaje renovado por los showrunners Aldred Gough y Miles Millar (a quienes ya conocíamos por haber creado Smallville). Eso sí, pese a que los fans de Miércoles podrán ver los nuevos capítulos a partir del 6 de agosto, tendrán que esperar de nuevo, ya que la nueva temporada se ha partido en dos partes y se ha reservado la postrera para que salga el 3 septiembre. Tocará tener paciencia, y para ayudar a acelerar este paréntesis, qué mejor que disfrutar de otras tantas producciones que llegan este mes de agosto cargadas de entretenimiento asegurado. Para ello, desde Infobae España hemos hecho una selección con algunas de las novedades más interesantes del mes. Aquí van nuestras recomendaciones.

El pacificador

Tres años nos ha hecho esperar El Pacificador, la serie que seguía los pasos de uno de los integrantes de El escuadrón suicida de la mano de James Gunn y su película. Haciendo honor a su nombre, el Pacificador es un hombre que solo cree en una cosa: la paz. Parece, de hecho, que está dispuesto a cualquier cosa para mantenerla, incluso si par ello tiene que acabar con la vida de unas cuantas personas. Acción y comedia garantizadas para la segunda parte de una serie que ya triunfó con la primera temporada, cuyos nuevos episodios llegaran a HBO Max el próximo 22 de agosto.

El gran guerrero

Ver a Jason Momoa nunca es una mala opción, pero si además le sumas una historia ambientada en el Hawaii del siglo XXVIII y una guerra de las islas contra la colonización occidental, la propuesta va ganando atractivo. Momoa, nacido en la ciudad de Honolulu, ha puesto toda la carne en el asador para sacar esta serie adelante. Él mismo produce, escribe y dirige esta serie de nueve episodios disponibles desde ya mismo en Apple TV+ que destaca por su ambientación y su trama comparada con la de series como Shogun o Vikingos.

Alien: Planeta Tierra

En el espacio, nadie puede oír tus gritos. Con esta frase advertían a los espectadores de finales de los 70 que, si entraban a ver Alien, el octavo pasajero, iban a pasar un mal (y buenísimo) rato entre atrapacaras y otros extraterrestres asesinos. La película, dirigida por Ridley Scott, se convirtió en un clásico inmediato de la ciencia ficción, y abrió las puertas para toda una serie de secuelas y precuelas en múltiples formatos que, casi 50 años, nos conducen hasta Alien: Planeta Tierra, la nueva serie de terror de Hulu y Disney+ (disponible desde el próximo 13 de agosto) en el que se cuenta la historia de un equipo de rescate que busca supervivientes en una nave estrellada contra nuestro planeta. No obstante, en la nave acaban encontrando una forma de vida no humana que demuestra ser una amenaza más que suficiente como para cambiar el curso de la historia.

Outlander: Sangre de mi sangre

Y de una precuela sobre el espacio vamos... a otra precuela sobre el tiempo. El próximo 9 de agosto, ya se podrán ver en Movistar Plus+ los nuevos capítulos de Outlander: Sangre de mi sangre. Esta nueva serie contará la historia de los padres de los protagonistas de la serie original, Outlander, que tanto nos ha emocionado durante los últimos ocho años contándonos una historia de amor llena de saltos en el tiempo y viajes por el mundo en pleno siglo XVIII. De nuevo, la acción se centrará en las Tierras Altas de Escocia e Inglaterra, procurando nuevos romances y aventuras para los amantes de los dramas históricos.

Memento Mori

Para los fans de las historias de asesinatos, Prime Video cuenta desde hace años con una de las mejores y más exitosas series españolas de género policíaco. Se trata de Memento Mori, cuyos últimos cuatro episodios ya se encuentran disponibles en la plataforma. Yon González, Francisco Ortiz y Olivia Baglivi, entre otros, protagonizan la historia de un asesino y un investigador sumergidos en un duelo a vida o muerte. La última parte de esta famosa adaptación de la trilogía Versos, canciones y trocitos de carne, de César Pérez Gellida, ya se ha colado en el top de lo más visto esta semana.

La lista final: Lobo Negro

También a Prime Video llegará, a finales de mes, una precuela de la serie de acción La lista final, que nos mostró a un Chris Pratt desatado en forma de coronel en busca de quienes estuvieron detrás de la muerte de su pelotón en el Ejército. En La lista final: Lobo Negro, se cuenta la historia de uno de los personajes de la primera serie, Ben Edwards, y su trayectoria de agente de los Navy SEAL a miembro de la CIA.

Desde el regreso de Miércoles, la aclamada serie de Netflix dirigida por Tim Burton y protagonizada por Jenna Ortega, a la segunda temporada de otro personaje ya icónico como el Pacificador de John Cena, recuperamos algunas de las grandes novedades en plataformas para este largo mes de agosto. Al fin y al cabo, el verano siempre es mucho más entretenido de una buena serie.

Miércoles - Netflix

La primera gran serie destacada no podía ser otra que Miércoles, una de las series más importantes de Netflix con permiso de otras como Stranger Things. Casi tanto que esta última ha tardado en llegar esta segunda temporada, casi tres años después del estreno de su primera entrega, que nos presentó a una nueva versión del clásico personaje de La familia Addams, esta vez encarnado por la joven Jenna Ortega. Toca por fin volver a la Academia Nevermore para reencontrarse con ella y con Enid, así como con nuevos y terroríficos personajes que se incorporan en esta producción disponible desde el próximo 6 de agosto.

Platónico - Apple TV

Mientras la comedia romántica se va regenerando poco a poco en la gran pantalla con títulos como Materialistas, la pequeña encuentra una de sus mejores apuestas en Platónico, que estrenó hace un par de años su primera temporada y sorprendió a todos. Aunque parecía que la historia de amistad entre Sylvia (Rose Byrne) y Will (Seth Rogen) parecía acabada, finalmente Apple TV renovó la serie por una segunda temporada en la que veremos el reencuentro de estos dos viejos amigos y cómo han afrontado la vida adulta respectivamente.

Alien: Planeta Tierra - Disney+

Situada cronológicamente dos años antes de los eventos de la primera película de 1979, la acción de Alien: Planeta Tierra arranca cuando una nave espacial se estrella en el planeta. El accidente deja al descubierto un secreto oculto y peligrosa, obligando a una joven y a un grupo de soldados a enfrentarse a la que se presenta como la mayor amenaza de la galaxia. El primer avance de la serie ya mostró imágenes de un abrazacaras en plena búsqueda de huésped, y un planeta Tierra convertido en escenario de una batalla sin precedentes. Se podrá ver en Disney+ a partir del día 13.

El Pacificador - HBO Max

Ni su inesperado cameo en la nueva película de Superman ni la ronda de promoción de John Cena ha sido suficiente. La gente demanda más de El Pacificador y este está cerca de acudir a esa llamada con la segunda temporada de la serie que arrancó en 2022 tras el éxito del personaje aparecido en El escuadrón suicida y con James Gunn a los mandos. Gunn y Cena vuelven en esta nueva temporada en la que El Pacificador comienza a ser perseguido por Rick Flag (Frank Grillo) mientras intenta estrechar lazos con su banda y su inseparable águila Eagly, que surcará la pantalla una vez más a partir del 22 de agosto.

Upload - Amazon Prime

La última temporada de Upload, que se estrena el 25 de agosto de 2025 en Amazon Prime Video, sigue profundizando en la relación entre Nathan y Nora. Ambos protagonistas enfrentan nuevos retos vinculados tanto a la vida virtual como al mundo real, tras los acontecimientos de las temporadas previas. La trama abordará las implicaciones éticas y sociales de la tecnología que permite “subir” conciencias, examinando temas como la identidad, la mortalidad y el papel de las corporaciones en la vida digital después de la muerte. La serie mantiene su enfoque de comedia y sátira social, mostrando con humor las posibles consecuencias del avance tecnológico en la existencia humana para un final a la altura.

La plataforma que tendrá toda la competencia completamente en vivo es Apple TV, es una aplicación de streaming que además de contar con los partidos de la MLS, tendrá la Leagues Cup en todas sus fases, tanto de grupos como eliminación directa.

El atractivo de la Leagues Cup no solo reside en el enfrentamiento entre los clubes más destacados de la Liga MX y la MLS, sino también en la magnitud de su calendario: 62 partidos se disputarán en Estados Unidos a lo largo de poco más de un mes, según la información difundida por Apple TV.

Esta cifra, que supera la de muchas competiciones internacionales, subraya la ambición de un torneo que busca consolidarse como el principal escaparate futbolístico de la región.

La edición de este año de la Leagues Cup arranca el 29 de julio con dos duelos inaugurales: Toluca frente a Columbus Crew y Montreal contra León, ambos programados para las 17:00 horas.

El torneo reúne a 36 clubes: 18 representantes de la Liga MX y 18 de la MLS, seleccionados en función de su desempeño en los playoffs de la temporada anterior.

Esta paridad en la representación responde a un criterio de competitividad y equidad, que busca garantizar el máximo nivel deportivo desde la fase de grupos hasta la final.

El formato de la competición establece una primera ronda que se extiende del 29 de julio al 7 de agosto. Posteriormente, los cuartos de final se celebrarán los días 19 y 20 de agosto, seguidos por las semifinales el 26 y 27 de agosto.

Tanto el partido por el tercer lugar como la final tendrán lugar el 31 de agosto, lo que concentra la resolución del torneo en una sola jornada, intensificando la expectativa y la atención mediática.

En el ámbito de la transmisión, la cobertura televisiva presenta limitaciones para el público mexicano. Solo algunos encuentros estarán disponibles a través de Televisa y TV Azteca, lo que restringe el acceso a la mayoría de los partidos por la vía tradicional.

La única plataforma que garantiza la emisión íntegra de la competencia es Apple TV, mediante su servicio MLS Season Pass.

Esta suscripción permite seguir todos los partidos en directo, tanto en la fase de grupos como en las eliminatorias, y está disponible para descarga en dispositivos móviles y televisores inteligentes.

El acceso, no obstante, requiere el pago de una cuota mensual, lo que introduce una barrera económica para parte de la audiencia.