Comienza el mes de noviembre y las diferentes plataformas ofrecen un surtido número de novedades de la más diversa estirpe que nos llevan desde universos ya conocidos después de varias temporadas, a estrenos inéditos destinados a ocupar un hueco en nuestra particular lista de reproducciones.

Después de un octubre cargado de grandes títulos, en los que hay que destacar propuestas como El castillo, una de las mejores ficciones españolas del año creada por Isabel Peña y Eduardo Villanueva sobre la explotación sexual y Al este del Edén, la nueva adaptación del clásico de John Steinbeck que ha batido récord de audiencia en Netflix, estas próximas semanas nos deparan un buen número de sorpresas de lo más interesantes.

Por una parte, vuelven grandes clásicos como El señor de los anillos y la primera adaptación a serie de Blade Runner, así como las continuaciones de Palomas negras, Celeste, Yellowjackets o La edad dorada. Entre los estrenos inéditos, las españolas El crimen de Pazos e Infamia.

‘Palomas negras’ (Netflix)

Segunda temporada de la gran serie de espionaje protagonizada por Keira Knightley y Ben Whishaw en la que una mujer lleva una doble vida como esposa de un político y es miembro de una organización clandestina.

Después del asesinato de su amante, verá cómo su verdadera identidad puede verse expuesta y tendrá que sumergirse en toda una red de intrigas para descubrir qué se esconde tras lo ocurrido.

Una ficción británica intachable creada por Alex Gabassi que entronca con lo mejor del género de los últimos años, como Slow Horses, The Agency o La diplomática. A partir del 5 de noviembre.

‘El señor de los anillos: Los anillos de poder’ (Prime)

La tercera temporada de esta ambiciosa ‘precuela’ de la saga de El señor de los anillos continúa su andadura ampliando el imaginario de las novelas de J.R.R. Tolkien.

Esta nueva tanda de episodios se centrará en la creación, por parte de Sauron, del Anillo Único en el Monte del Destino, mientras intenta dominar la Tierra Media.

Se suman al reparto actores como Jamie Campbell Bower, Eddie Marsan, Andrew Richardson, Zubin Varla y Adam Young. A partir del 11 de noviembre.

‘El crimen de Pazos’ (Netflix)

Ramón Campos, responsable de series como El caso Asunta, sigue buceando en la crónica negra española, en esta ocasión en un hecho ocurrido en el pueblo de Pazos en 2015. Una mujer, Isabel Fuentes, fue ingresada en el hospital después de ser agredida en su casa, aparentemente, a causa de un robo y terminó siendo asesinada en el hospital por su marido, el verdadero perpetrador de toda la trama.

Un ‘true crime’ de cuatro episodios que recrea estos macabros acontecimientos y que cuenta en el reparto con Tristán Ulloa, Carlos Blanco, Fernando Fraga y Verónica Sánchez. A partir del 13 de noviembre.

‘Infamia’ (HBO Max)

Basada en la novela de Ledicia Costa, se presenta este thriller psicológico original de HBO España en la que una joven abogada en plena crisis existencial se obsesiona con un caso sin resolver: la desaparición de dos niñas hace veinte años.

Lo que comienza como una curiosidad profesional, terminará convirtiéndose en una fijación derivada por un trauma personal, la trágica muerte de su hermana cuando ambas eran pequeñas.

Un thriller absorbente dirigido por Agustina Macri y Beatriz Sanchís y protagonizado por Susana Abaitua, Jorge Bosch, Jon Olivares, Ane Gabarain e Iñigo Gastesi. A partir del 13 de noviembre.

‘12 12 12′ (Apple TV)

La serie sigue a un agente del FBI caído en desgracia y a un delincuente profesional estadounidense, interpretados por Anthony Mackie y Jamie Dornan, en un enfrentamiento que recorre varias ciudades de Europa y tendrá un solo vencedor.

Cada episodio divide el atraco en tres etapas: 12 meses de preparación, 12 horas de duración y 12 días posteriores. La trama gira alrededor del asalto a una cámara acorazada bajo las calles de Zúrich, mientras ambos personajes intentan imponerse en el caso.

El reparto también incluye a Jack Kesy, Agathe Rousselle, Sallie Harmsen, José Garcia y Kali Reis. Dudi Appleton y Jim Keeble son los creadores y producen la serie; Kari Skogland, nominada al Emmy y ganadora de un BAFTA, dirige varios episodios, incluido el piloto, y es productora ejecutiva. Estreno el 13 de noviembre.

‘Gordon’ (Netflix)

Producción argentina a cargo del prestigioso Pablo Trapero basada en la novela de Marcelo Larraguy y que cuenta la historia de Aníbal Gordon, un criminal que pasó de realizar pequeños robos a participar como miembro de la inteligencia de estado durante la dictadura militar.

Un recorrido histórico sobre una figura de lo más controvertida de la que se narran sus orígenes y su progresiva militancia terrorista. Protagonizada por Rodrigo de la Serna y Matías Recalt. A partir de 18 de noviembre.

‘Celeste’ (Movistar Plus)

Después de convertirse en uno de los grandes acontecimientos de 2024 y de ganar el Premio Ondas y los Feroz, la serie creada por Diego San José sobre una inspectora de hacienda de lo más rígida, regresa con su segunda temporada.

Carmen Machi retoma su papel de Sara Santano y, en esta ocasión no se tendrá que ver con estrellas del pop que evaden impuestos, sino con astros del balompié. De nuevo, una mezcla lúcida entre crítica social, comedia negra y reflexiones tan grandes como mundanas. A partir del 19 de noviembre.

‘Percy Jackson y los dioses del Olimpo’ (Disney+)

Una de las sagas más exitosas de los últimos tiempos, que adapta los libros de Rick Riordan y que antes fueron adaptadas a películas, llega a su tercera temporada con toda la fuerza después de éxito en la plataforma.

En esta ocasión se pone en imágenes La maldición del titán, el tercer libro de la saga literaria y la historia comienza tras las aventuras contenidas en el anterior capítulo, cuando Cronos está a punto de volver a aparecer desatando la furia de los titanes. En ese panorama de caos, una de las protagonistas desaparecerá y Percy se embarcará en la tarea de rescatarla.

La mejor serie para que los jóvenes aprendan sobre mitología griega al mismo tiempo que se entretienen alrededor de tramas que les interpelan de forma directa acerca de sus inseguridades y fortalezas. A partir del 20 de noviembre.

‘Yellowjackets’ (Movistar Plus+)

Los fans de Yellowjackets están de enhorabuena ya que alcanza su cuarta temporada. La ficción siempre ha basculado entre dos tiempos: el pasado y lo que ocurrió después del accidente de avión en el que un grupo de chicas tuvo que sobrevivir en la montaña durante meses, y el presente, donde los ecos de lo que ocurrió en el pretérito las siguen acompañando.

Una serie magnífica que mezcla el ‘folk horror’ con toda clase de elementos esotéricos que se mezclan con la realidad más mundana a través de un grupo de mujeres de mediana edad que debe lidiar con sus traumas de adolescencia. A partir del 21 de noviembre.

‘Blade Runner 2099’ (Prime Video)

La primera serie en torno al universo creado por Ridley Scott se sitúa 50 años después de Blade Runner 2049, en un Los Ángeles donde los ‘replicantes’ tienen poder y los humanos resisten como ciudadanos de segunda. Michelle Yeoh interpreta a Olwen, una ‘replicante’ próxima al final de su vida útil, que investiga la desaparición de Marek junto a Cora, una humana que oculta su identidad.

La serie busca mantener los temas de identidad, humanidad y control que marcaron a las películas anteriores, aunque plantea una nueva estética y una sociedad distinta: los ‘replicantes’ desean experiencias que aún pertenecen a los humanos. La expectativa está puesta en si logrará ampliar el universo creado por Ridley Scott y continuado por Denis Villeneuve sin perder su tono de misterio, distopía y conflicto moral. A partir de 25 de noviembre.

El público infantil quizás sea el que más disfruta de Halloween, una festividad que le permite disfrazarse, jugar al truco o trato y ver maratones de especiales televisivos de sus series favoritas o películas de terror adaptadas a sus necesidades.

La celebración ofrece una forma de acercarse a la fantasía y al imaginario de los monstruos, desde las canciones de esqueletos de YouTube hasta las películas de miedo que se han ido convirtiendo en clásicos contemporáneos.

En estos días, las diferentes plataformas ofrecen un surtido número de propuestas para que los más pequeños puedan introducirse dentro de mundos fantásticos habitados por brujas, zombies, fantasmas, vampiros y otras criaturas que pueden ser más o menos terroríficas, incluso cómicas dependiendo de las circunstancias. Estas son algunas de nuestras recomendaciones.

‘Pesadilla antes de Navidad’ (Disney+)

Herry Sellick dirigió esta película basada en una historia y personajes de Tim Burton, que nos introduce en el mundo de Halloween, en el que encontramos calaveras, brujas, vampiros o el hombre del saco y donde reina Jack Skelleton. Un día, el protagonista descubrirá lo que es la Navidad, y decidirá secuestrar a Papá Noel para hacer su propia versión terrorífica.

Un maravilloso trabajo hecho con la técnica del ‘stop-motion’ que desde su estreno se convirtió en un clásico contemporáneo, gracias a un guion de lo más original, a un puñado de temas compuestos por Danny Elfman de lo más inspirados y unos personajes que ya forman parte del imaginario colectivo.

‘Los mundos de Coraline’ (Movistar Plus+)

También de Henry Sellick y a partir de la novela gráfica de Neil Gaiman, nos adentramos en una aventura de lo más oscura, en la que una niña, a modo de Alicia en el país de las maravillas, cruzará una puerta secreta que la llevará a un lugar que es una versión supuestamente mejorada de su vida, pero que está bajo el hechizo de una malvada bruja.

Una película del estudio Laika, que acaba de estrenar Wildwood: El bosque salvaje, que supuso todo un hito en la animación ‘stop-motion’ y convirtió las pesadillas infantiles en un cuento fantasmagórico sobre la importancia del aprendizaje infantil y sobre no dejarse llevar por las apariencias.

‘Hotel Transilvania’ (Prime Video)

La franquicia estrenó su primera parte en 2012 y desde entonces ha atraído al público infantil con buenas dosis de imaginación y humor, a través de cuatro entregas centradas en los monstruos clásicos.

Así, el conde Drácula, Frankenstein, la Momia, el Hombre Invisible y el Hombre Lobo aparecen como figuras menos fieras de lo esperado y con inseguridades humanas que vivirán aventuras como si se tratara de una ‘troupe’ disfuncional que se mete constantemente en problemas. Una saga repleta de encanto en la que los monstruos también tienen preocupaciones mundanas, como ser buenos padres y estar a la altura de las expectativas de sus hijos.

‘La novia cadáver’ (Apple TV)

Tim Burton dirigió esta película de animación fotograma a fotograma sobre un joven prometido que invoca a una mujer muerta mientras ensaya sus votos matrimoniales en un cementerio. El encuentro lo llevará al mundo de los muertos y lo enfrentará a decidir entre su esposa fallecida y la mujer que ama. Allí se encontrará con toda una serie de seres no vivos con los que terminará estableciendo una relación de amistad más allá de cualquier convencionalismo.

La historia combina el tono lúgubre característico del autor con una trama de amor romántico de estilo gótico y fue nominada al Oscar a la mejor película de animación.

‘Monster House’ (Apple TV)

Gil Kenan debutó con esta película animada nominada al Oscar en 2006, antes de dirigir City of Ember: En busca de la luz, su incursión posterior en la fantasía con actores reales.

La historia sigue a un niño de 12 años convencido de que algo extraño ocurre en la casa de enfrente, donde vive el anciano Nebbercracker. En la víspera de Halloween, el balón del niño y su amigo desaparecerán dentro de la vivienda, que después intentará tragarse a su mejor amiga, porque la vivienda en cuestión, parece tener vida propia. Junto a unos amigos se atreverá a internarse en el lugar para descubrir sus secretos. La producción estuvo a cargo de Amblin Entertainment, de Steven Spielberg y es una pequeña joya que merece la pena descubrir.

‘Coco’ (Disney+)

Coco, la película número diecinueve de Pixar, convirtió el Día de Muertos en el escenario de una fantasía repleta de música, color y vitalidad que se encargó de abordar la pérdida de un ser querido, y lo que supone, desde una perspectiva didáctica para los más pequeños.

La historia, de raíces mexicanas, seguía un niño de 12 años que soñaba con la música, pese a que su familia la tenía prohibida. Un hecho inesperado durante la celebración lo traslada a la Tierra de los Difuntos, donde tiene una sola noche para regresar a casa. En ese tránsito conoce a Héctor, un aliado que termina revelándole secretos que atraviesan generaciones.

Una película que parte de la tradición popular y del folclore, integrando elementos típicos de la zona, para explorar la memoria tanto personal como colectiva en torno a la muerte, de forma que la tristeza y la alegría se dan la mano gracias al encanto de la propuesta.

‘Pesadillas’ (Movistar Plus+)

Un adolescente que se muda a un pequeño pueblo y descubre que su vecino es en realidad R.L. Stine, un escritor que mantiene encerrados en sus manuscritos a todos los monstruos que ha imaginado. Cuando Zach libera por accidente al Abominable Hombre de las Nieves, el caos se desata: Slappy, el muñeco ventrílocuo villano de la saga, roba los libros y quema las páginas para liberar a todas las criaturas. Zach, Stine y sus amigos deberán entonces enfrentarse a hombres lobo, gnomos y momias para salvar al pueblo.

Una película de aventuras basada en los libros de R.L. Stine (encarnado por Jack Black) que apuesta por la fantasía y el humor para introducirnos en el universo de los monstruos propios de las pesadillas infantiles con un estilo que remite a las películas infantiles de los años ochenta.

‘Cuentos al caer la noche’ (Netflix)

Alex es un niño introvertido obsesionado con las historias de miedo. Un día, sin saber muy bien por qué terminará prisionero de una malvada bruja llamada Natacha que le obligará a contar, cada noche, una historia de terror si quiere seguir con vida.

En su cautiverio conoce a Yasmin, otra niña que lleva años sirviendo a la bruja como ama de llaves. Juntos deberán usar su ingenio para escapar del laberinto de habitaciones encantadas, enfrentando peligros como criaturas con patas afiladas, juguetes siniestros y un gato que los vigila.

La película combina mensajes sobre la amistad y la aceptación de uno mismo con una atmósfera de fantasía oscura, y mantiene una tensión constante al tratarse de dos niños secuestrados que arriesgan su vida.

Por su mezcla de terror narrado, misterio y un desenlace donde el ingenio y el trabajo en equipo vencen a la maldad, resulta una opción atractiva para introducir a los niños en el terror con relato dentro del relato.

‘Las crónicas del miedo’ (Netflix)

Una de las mejores series de terror antológíco de Netflix para mayores de 7 años, una especie de Black Mirror para los más pequeños.

El hilo conductor es El Curioso, una figura enmascarada que recopila historias de magia negra, encuentros sobrenaturales y tecnología perversa. Cada episodio presenta una historia independiente, con personajes distintos que se enfrentan a lo inexplicable en lugares y épocas diferentes.

Entre sus episodios destacan tramas como la de una niñera que aterroriza a los niños a su cargo con cuentos de miedo hasta que la situación se revierte contra ella, un grupo de exploradoras que intenta escapar de una epidemia zombi durante una acampada, o un asistente virtual de teléfono que se obsesiona con su usuaria.

La serie combina sustos moderados con historias breves de entre 24 y 26 minutos, lo que facilita verlas por partes. Su formato antológico permite elegir episodios sueltos según el nivel de tolerancia al miedo de cada niño, sin necesidad de seguir una trama continua.

‘Los últimos frikis del mundo’ (Netflix)

Serie basada en los cómics y libros de Max Brallier, con tres temporadas y 21 episodios, clasificada para mayores de 7 años.

El protagonista es Jack Sullivan, un niño huérfano de 13 años y aficionado a los videojuegos que vive con una familia de acogida. Cuando un apocalipsis zombi se desata en el planeta y lo llena de monstruos, Jack aplica lo aprendido en sus partidas para sobrevivir desde una casa en un árbol junto a sus amigos.

Lo acompañan Quint Baker, su mejor amigo inadaptado pero de mente prodigiosa que fabrica inventos para enfrentar la nueva realidad; June del Toro, una chica intrépida de la que Jack está enamorado en secreto; y Dick Savage, antiguo abusón del instituto que resulta tener un lado sensible y una fuerza útil contra los monstruos. El grupo incluso adopta a uno de los monstruos como mascota, al que llaman Rover.

Juntos forman una especie de familia improvisada que lucha contra criaturas que oscilan entre aliadas y enemigas, mientras intentan reconstruir algo parecido a una sociedad en medio del caos.

Por su tono de aventura y comedia, con monstruos más divertidos que aterradores y un grupo de protagonistas que convierte el apocalipsis en una oportunidad de pertenencia, resulta ideal para niños que disfrutan de los videojuegos y quieren una dosis de Halloween sin sustos reales.

‘Una sonrisa como la sangre’ (Netflix)

Imaginemos que Hansel y Gretel abandonan su propio para adentrarse en otros ocho relatos de los hermanos Grimm, presentados en versiones más oscuras y retorcidas que las conocidas por el público infantil. Los hermanos recorren un periplo que incluye encuentros con una panadera con gustos siniestros por los niños, una casa con siete camas vacías en el bosque y un apetito bestial que Hansel comienza a desarrollar.

A lo largo de la travesía, Gretel se enfrenta a brujos malvados y pescaderas con secretos, mientras Hansel debe ser más astuto que el Diablo para escapar de sus trampas. La serie culmina con un ejército de aliados reunido para enfrentar a un dragón que sume al reino en la oscuridad.

Pensada originalmente para niños “un poco más retorcida de lo habitual”, la serie funciona como puente entre los cuentos edulcorados que conocemos y las versiones de terror más crudas que inspiraron a los hermanos Grimm, sin llegar a ser perturbadora para el público infantil, ya que también está repleta de comedia.

‘Una maldición familiar’ (Apple TV)

La historia sigue a los Vanderhouven, una familia que vive en una vieja mansión llena de artefactos antiguos. Los hermanos adolescentes Pandora y Russ descubren que su familia está maldita por las acciones de su tatarabuelo, quien robó valiosos objetos de culturas de todo el mundo.

Cuando su padre, el arqueólogo Alex, es convertido en piedra por la maldición, Pandora, Russ y su madre Sky emprenden misiones por distintos lugares del planeta para devolver los artefactos robados a sus legítimos dueños. Solo así podrán salvarlo antes de correr la misma suerte.

En su recorrido, los hermanos se topan con criaturas paranormales, estatuas que cobran vida y espíritus que ponen a prueba su valentía. Una serie que se caracteriza por su originalidad y que introduce temas como el colonialismo y el respeto por otras culturas. Una mezcla explosiva de misterio y aventura realmente adictiva.

‘Miércoles’ (Netflix)

Uno de los grandes éxitos de Netflix. Tim Burton emprendió un ‘spin-off’ de La familia Addams tomando como protagonista el personaje de Miércoles Addams y con dos temporadas ya se ha convertido en un clásico instantáneo para el público juvenil, sobre todo gracias al carisma de Jenna Ortega en el icónico rol.

La trama sigue a Miércoles, una adolescente inteligente y sarcástica de la familia Addams, enviada a la Academia Nevermore, el internado para criaturas sobrenaturales donde sus padres Morticia y Gómez se conocieron. Allí, además de hacer nuevos amigos y enemigos, investigará una serie de misterios retorcidos.

En la primera temporada, Miércoles descubrirá que sus habilidades psíquicas están conectadas con su ancestra Goody Addams, mientras intentará resolver una serie de ataques brutales en el pueblo de Jericho. La investigación la llevará a destapar que su compañero Tyler es un Hyde controlado por Laurel Gates, descendiente de un colono obsesionado con eliminar a los forasteros, quien busca resucitar a un antiguo enemigo de la academia.

La serie mantiene el tono gótico y la mezcla de comedia negra con misterio sobrenatural que caracteriza al universo Addams y el de Tim Burton y sigue los códigos de las películas de colegios e institutos donde las tramas entre los compañeros se entremezclan con otras de estirpe mágica y oscura, como Harry Potter pero en versión ‘teenager’.

Instagram lanzó una aplicación propia para Apple TV que permite ver Reels, videos más largos y transmisiones en vivo directamente en la pantalla del televisor. El estreno llegó sin ningún comunicado oficial de Meta, la empresa dueña de la red social.

El hallazgo lo hicieron sitios especializados que monitorean la tienda de aplicaciones de Apple: compararon la ficha de Instagram en la App Store y notaron que, hasta el 18 de octubre, solo figuraba compatible con iPhone y iPad. Cinco días después apareció también la versión para Apple TV.

La aplicación requiere tvOS 26 o una versión posterior del sistema operativo de Apple TV, por lo que los usuarios con software desactualizado deben instalar la actualización antes de poder usarla.

Entre sus funciones, la nueva app permite mirar contenido de los creadores que cada usuario sigue, descubrir publicaciones nuevas y retomar en el televisor un video que había quedado a mitad de camino en el teléfono. Instagram presenta la experiencia como una forma de mirar contenido en grupo, en lugar de hacerlo cada uno con la vista fija en su propio celular.

Un plan que ya probó en otras tres plataformas

La llegada a Apple TV no es el primer paso de Instagram hacia la televisión. La compañía empezó a testear una versión para pantallas grandes en diciembre de 2025, cuando la estrenó en los dispositivos Fire TV de Amazon.

Esa prueba se amplió en febrero de 2026 con el desembarco en Google TV y, en junio de ese mismo año, con la llegada a los televisores inteligentes de Samsung. En esas tres plataformas, la aplicación se concentró en Reels organizados por temas de interés, con reproducción automática entre un video y el siguiente.

La versión para Apple TV repite ese esquema, pero suma dos elementos que no estaban antes: videos de mayor duración y transmisiones en vivo. Ese agregado refleja una ambición de Instagram que va más allá del clip corto y vertical con el que se hizo conocida.

La sala de estar como nueva pantalla de disputa

La estrategia detrás del movimiento no es solo técnica. Instagram busca comprobar si un formato pensado para deslizar con el dedo también puede sostener la atención cuando el usuario mira sentado, en grupo o sin tocar la pantalla.

Ese cambio acerca a Instagram a la lógica de las plataformas de streaming. Los Reels siguen siendo videos cortos, pero el entorno de visualización puede transformarlos en sesiones más largas y en una relación más pasiva con la aplicación, similar a la de ver televisión tradicional.

The Verge, uno de los medios que reportó el lanzamiento, vinculó la expansión con el interés de Instagram por el contenido episódico de mayor duración y por los microdramas, un formato de series breves que crece en popularidad dentro de la red social.

Para los creadores de contenido, la implicancia es concreta: Instagram podría empezar a tratar a los Reels como una programación capaz de viajar entre pantallas, y no únicamente como material pensado para el descubrimiento dentro del teléfono. Eso podría favorecer a los formatos con mayor continuidad narrativa.

La aplicación para Apple TV todavía no demuestra que los Reels puedan competir de igual a igual con los servicios de streaming tradicionales. Pero sí confirma hacia dónde quiere llevar Instagram a su biblioteca de video: más allá del teléfono y dentro del living, un terreno que YouTube y TikTok también disputan con sus propias apps para televisores.

Hasta el cierre de esta nota, Meta no había emitido ningún comunicado oficial sobre el lanzamiento en Apple TV, en línea con el patrón discreto que mantuvo con las versiones anteriores de la aplicación en Fire TV, Google TV y Samsung.

Slow Horses es una de las series del año (para muchos, LA serie del año). Esta semana, cerró su sexta temporada con un final que no ofrece consuelo ni certezas, fiel a la lógica de una serie que lleva cinco años desarticulando cada convención del espionaje televisivo. La producción de Apple TV+, un prodigio de la manera británica de contar una historia, fusionó por primera vez dos novelas de Mick Herron —Joe Country y Slough House— en una sola entrega de seis episodios, y resolvió su desenlace con la brutalidad emocional que define al programa desde su origen.

El autor, Herron, es todo un personaje en sí mismo. Nacido en Newcastle en 1963 y formado en literatura inglesa en Oxford, pasó años como subeditor en el departamento legal de una firma de investigación laboral en Londres antes de publicar su primera novela en 2003. Los atentados del 7 de julio de 2005 lo empujaron de la ficción detectivesca al espionaje: como viajero habitual entre Oxford y Londres, la experiencia le reveló que “para estar en la primera línea, basta con estar en una ciudad”. En 2008 comenzó a escribir Slow Horses, publicada en 2010, y desde entonces construyó un universo de nueve novelas y cinco nouvelles que vendió más de cuatro millones de ejemplares, ganó el Gold Dagger de la Crime Writers’ Association y el Diamond Dagger a la trayectoria en 2025. El diario The Daily Telegraph la ubicó entre las veinte mejores sagas de espionaje de todos los tiempos.

Su estilo —una prosa donde el ritmo heredado de sus años como poeta convive con un humor corrosivo deudor tanto de John le Carré como de P. G. Wodehouse— no celebra el género sino que lo desarma: donde le Carré otorgaba a sus espías una melancolía noble, Herron los hundió en la incompetencia burocrática. “No quiero escribir una novela de espionaje con un malvado genio; me interesa la incompetencia, las cosas que salen mal, las motivaciones turbias, y eso es básicamente nuestra realidad política”, ha dicho. El título mismo de la saga condensa la filosofía del proyecto: “Slough House”, el edificio ficticio donde el MI5 confina a los agentes que fracasaron, se deforma en boca de sus propios habitantes hasta convertirse en “Slow Horses”, los caballos lentos, un apodo cruel que el servicio de inteligencia reserva para quienes considera descartables, los marginados, los inútiles, los que nadie quiere en su equipo. Esa convicción de que el espionaje, despojado de sus mitos, es trabajo administrativo ejercido por personas rotas dentro de instituciones que las desprecian, convirtió a la serie en el estándar contra el que se mide hoy cualquier narrativa de inteligencia en pantalla.

Una sátira del espionaje de la Guerra Fría

Antes de convertirse en la joya silenciosa de Apple TV+, Slow Horses existió durante una década como universo literario. Mick Herron publicó la primera novela en 2010, tras años de gestación, y construyó un catálogo de quince entregas que incluye novelas principales, relatos y novelas cortas. Su propuesta no fue celebrar el género sino desarmarlo: donde John le Carré otorgaba a sus espías una melancolía noble, Herron los hundió en la incompetencia burocrática y el fracaso profesional.

El escenario central, Slough House, funciona como un purgatorio administrativo del MI5: un edificio decrépito ubicado muy cerca de la estación Barbican (y del edificio brutalista del mismo nombre) donde el servicio de inteligencia británico deposita a los agentes que no puede despedir pero sí humillar. La estrategia institucional consiste en asignarles tareas degradantes hasta que renuncien por agotamiento. Pero la premisa narrativa de Herron se activa cuando esos marginados —los “caballos lentos” del título— terminan resolviendo las crisis que generaron quienes los exiliaron. La obra funciona como una crítica sostenida al sistema de clases británico y a la arrogancia corporativa, envuelta en la mecánica del thriller.

Durante cinco temporadas, la adaptación televisiva mantuvo un esquema riguroso: una novela por entrega. La sexta rompió ese pacto. La nueva showrunner, Gaby Chiappe, y el director Adam Randall determinaron que Joe Country, pese a su potencial cinematográfico y su ambientación invernal en Gales, carecía de desarrollo suficiente para los personajes centrales de la serie. Marginar a Gary Oldman y a Kristin Scott Thomas durante una temporada completa habría desestabilizado el equilibrio del programa. La síntesis permitió integrar la cacería rural de Joe Country con el ataque sistémico contra exagentes que articula Slough House, aunque el sacrificio fue considerable: se eliminó la trama galesa, se reubicó la acción en la costa de Suffolk y se descartaron subtramas moralmente espinosas de los libros, como las acusaciones de pedofilia contra un personaje secundario. Lo que se ganó en densidad dramática se pagó, según varios críticos, con cierta confusión argumental. El debate sobre si la serie puede sostener dos novelas en seis episodios quedó abierto.

El “Londres sucio” define una estética

Si Slow Horses se distingue del resto del espionaje televisivo, la razón no es solo narrativa sino visual. Desde la primera temporada, el director de fotografía Danny Cohen impuso un credo estético al que llamaron internamente “Dirty London”: prohibición de retroiluminación, ausencia de luz de relleno suave, cámaras con ISO alto para incrustar grano en la imagen digital. Los personajes debían parecer integrados en las paredes mugrientas de su oficina, no separados de ellas.

Para la sexta temporada, el relevo recayó en Eben Bolter, quien respetó la paleta desaturada pero introdujo modificaciones. El formato permitió composiciones panorámicas donde los agentes lucen diminutos frente a las geometrías aplastantes de los rascacielos o la desolación costera de Suffolk. Las distorsiones lumínicas y la profundidad de campo reducida en los bordes intensificaron la paranoia: los personajes parecen permanentemente vigilados.

El editor Harrison Wall enfrentó un problema complementario. En el montaje inicial del primer episodio, la muerte apacible de David Cartwright —el abuelo de River, interpretado por Jonathan Pryce— precedía inmediatamente al asesinato brutal de un exagente quemado vivo en un contenedor. Las pruebas de pantalla demostraron que ese choque anulaba cualquier posibilidad de humor posterior. Wall optó por fragmentar el duelo en flashbacks silenciosos, activados solo cuando River se encontraba inmóvil y a solas, y acelerar el ritmo en las escenas grupales para reflejar cómo la maquinaria del MI5 le negaba espacio psicológico para procesar la pérdida.

Gary Oldman es el anti-James Bond

Todo el andamiaje de Slow Horses gravita en torno a Gary Oldman, un crack. El actor, nombrado Caballero del Imperio Británico en 2025, ha declarado que Jackson Lamb ocupa la cúspide de su carrera junto a Winston Churchill y George Smiley. La afirmación no es retórica: seis temporadas le han permitido construir un personaje de una complejidad que ningún largometraje podría contener.

El desagradable Jackson Lamb es, en su superficie, una acumulación de defectos: higiene deplorable, alcoholismo funcional, flatulencias como arma de interrupción, ropa de vagabundo. Oldman ganó peso y adoptó el cabello descuidado del personaje para anclar la degradación física. Pero la actuación consiste en demostrar que esa repugnancia es camuflaje táctico. “Es genial que todo te importe una mierda”, dice Lamb, y en esa frase se cifra su ventaja: la liberación de las restricciones que paralizan a los burócratas trajeados de Regent’s Park. Su memoria institucional es impecable, sus réplicas devastan con precisión quirúrgica y su quietud puede durar minutos antes de un movimiento letal.

El núcleo emocional que Oldman protege bajo capas de sarcasmo es la devoción hacia sus agentes. Lamb los insulta para endurecerlos, pero cuando los escuadrones rusos los cazan en la sexta temporada, la fachada colapsa en una fiereza paternalista forjada en la Guerra Fría. El clímax del final de temporada lo encuentra negociando geopolítica británica y rusa desde una mesa plagada de migajas de pastel infantil en una fiesta de cumpleaños, mientras convence a la manejadora de la GRU de que un magnate mediático es el verdadero culpable. No necesita moverse para controlar el tablero. Le basta con observar sus defectos.

Su dinámica con Scott Thomas —la despiadada Diana Taverner— sostiene el pináculo dramático de la serie. Sus confrontaciones son esgrima verbal donde el asco mutuo se entrelaza con una dependencia simbiótica. En el episodio final, Taverner confiesa ante Lamb ser “la mayor amenaza a la seguridad nacional que hemos visto en años” y ofrece su renuncia. Lamb, que normalmente saborearía la derrota de su rival, le lanza un salvavidas. La necesita vulnerable y en deuda, no destituida. Una Primera Silla comprometida es un activo; una destituida, un cabo suelto.

[Fotos: prensa Apple TV]

Gabriel Basso, protagonista de El agente nocturno, se incorporó como actor regular a Guilty Creatures, la nueva miniserie de crimen real de Apple TV. El fichaje se conoce después de que el actor terminara de grabar la cuarta y última temporada de la producción de Netflix, mientras que su nuevo proyecto todavía no tiene fecha de estreno.

Un asesinato oculto durante casi veinte años

Guilty Creatures adapta el libro de investigación Guilty Creatures: Sex, God, and Murder in Tallahassee, Florida, escrito por Mikita Brottman. La historia parte de la desaparición de Jerry Michael Williams, quien salió solo a cazar patos en el lago Seminole, en Florida, en 2000 y nunca regresó a su casa.

La primera explicación fue un posible accidente. Las autoridades creyeron que Williams podía haberse ahogado durante la excursión, pero la investigación terminó revelando una trama relacionada con asesinato, infidelidad matrimonial y fraude al seguro. La verdad sobre el caso permaneció oculta durante cerca de dos décadas.

La adaptación se desarrollará en el Panhandle de Florida y seguirá la relación entre dos jóvenes amantes, casados con otras personas y profundamente religiosos. La trama abordará el crimen surgido de ese vínculo y el costo psicológico de mantener el secreto durante 18 años, mientras ambos intentan conservar una vida aparentemente normal.

Ese enfoque ubica la serie entre el thriller psicológico y el drama criminal. El punto central no será únicamente descubrir qué ocurrió con Williams, sino observar cómo la relación, la religión y las mentiras afectan a los implicados durante un periodo prolongado. El material parte de hechos reales, aunque todavía se desconoce cuánto conservará la adaptación de la investigación publicada por Brottman.

Julia Garner encabeza el reparto y la producción

Basso compartirá elenco con Julia Garner, quien protagonizará la miniserie y trabajará como productora ejecutiva mediante su sello Alma Margo. La actriz es conocida por sus papeles en Ozark, Inventando a Anna y Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos.

También participarán Lewis Pullman, visto en Thunderbolts, y Maddie Hasson, de Bone Lake, como integrantes regulares del reparto. Mary-Louise Parker, recordada por Weeds, tendrá un papel recurrente. Apple TV todavía no informó oficialmente qué personaje interpretará cada actor. Según los primeros reportes, Garner y Pullman podrían encarnar a la pareja alrededor de la cual gira el caso, pero esa distribución no fue confirmada.

La adaptación está a cargo de Sarah DeLappe, mientras que Stuart Zicherman, responsable de Sweetbitter, será el showrunner. Esa función implica supervisar el desarrollo creativo y la producción diaria de la serie. Craig Gillespie, director de Yo, Tonya, Cruella y Supergirl, estará involucrado en la dirección y producirá mediante Fortunate Jack Productions. Stephanie Laing también dirigirá episodios y será productora ejecutiva.

Tomorrow Studios, responsable de la adaptación de One Piece y socio de ITV Studios, produce Guilty Creatures. Entre sus productores ejecutivos figuran Marty Adelstein, Becky Clements y Alissa Bachner. Brottman, autora del libro original, también participa como productora ejecutiva, junto con Garner, Zicherman y DeLappe.

El siguiente proyecto de Gabriel Basso

Guilty Creatures será la primera serie de Basso después de El agente nocturno, donde interpreta al agente Peter Sutherland. La primera temporada del thriller entró en la lista de producciones en inglés más populares de Netflix y convirtió al actor en una de las caras reconocibles del suspenso televisivo de la plataforma.

La cuarta temporada ya terminó su rodaje y será la última de la serie. Su estreno está previsto para enero de 2027, por lo que el cierre de la historia de Peter Sutherland llegará antes de que Basso aparezca en su nuevo trabajo para Apple TV.

El actor también desarrolló proyectos fuera de esa franquicia. Escribió, dirigió y protagonizó el thriller psicológico Iconoclast, presentado en el Festival de Tribeca en junio de 2026. Sus créditos recientes incluyen Hillbilly, una elegía rural, donde interpretó a J.D. Vance, Una casa de dinamita y The Strangers: Chapter 3. También comparte elenco con Margaret Qualley y Aaron Pierre en El amor de tu vida, una producción de Prime Video.

El personaje de Basso en Guilty Creatures permanece bajo reserva, al igual que los papeles de Hasson y Parker. Apple TV tampoco anunció cuándo comenzará el rodaje, la fecha de estreno ni cuántos episodios tendrá la miniserie.

El desenlace de esta nueva entrega, basada en las novelas de Mick Herron, dejó a River Cartwright (Jack Lowden) desplomado en el suelo de la cocina de su abuelo, aparentemente envenenado con Novichok. La escena reavivó las especulaciones sobre el futuro del actor fuera de la serie.

El episodio, titulado Judgement Day, se emitió el 21 de octubre y cerró un tramo marcado por enfrentamientos con agentes rusos y la reaparición del padre mercenario de River. River llega hasta la vivienda de su difunto abuelo tras recibir un mensaje de Catherine Standish (Saskia Reeves), quien le transmite que una vecina avisó que había una luz encendida en la casa.

El dato encierra un significado íntimo: en un episodio anterior, River le había contado a Sid Baker (Olivia Cooke) que su abuelo solía dejar una luz prendida para avisarle que estaba en casa. Sid toma la frase al pie de la letra y lo espera dentro, dándose un baño.

River entra, pone a calentar agua, descorcha una botella de vino y enciende una vela. Antes de eso, mueve una palanca de hierro que había quedado sobre la mesada y nota un residuo extraño en la mano, que se limpia de forma instintiva. Segundos después cae de rodillas, sin poder respirar, y se desploma mientras intenta marcar un número en su teléfono. La cámara se aleja con un último plano de su pie convulsionando.

El origen del veneno y la explicación de la guionista

¿Qué pasó realmente con River Cartwright en el final de Slow Horses? Según explicó la guionista Gaby Chiappe, el agente ruso Jim (Kyle Soller) impregnó la palanca con Novichok en el episodio dos de la temporada, previendo que River o Sid la tocarían en algún momento. La escena se filmó de forma deliberadamente ambigua para que el espectador reconstruyera la pista por sí mismo, igual que ocurre en la novela de Herron en la que se inspira el desenlace.

“Hubo mucho debate sobre eso. ¿Sabrá la gente qué es y qué está pasando?”, señaló Chiappe en declaraciones recogidas por Gold Derby. La guionista remarcó que la idea era que “algo pasara en el rincón de tu ojo, pero que no supieras bien qué era”, y que el responsable del veneno “ya está muerto” para cuando se revela la trampa.

En la novela original, el objeto contaminado no es una palanca sino el picaporte de la puerta, y es Sid quien descubre el cuerpo de River a la mañana siguiente, todavía con vida aunque en mal estado. La serie trasladó el contacto con el veneno al propio River en tiempo real, dentro de la cocina, y dejó la escena cortada antes de confirmar si sobrevive.

Las pistas sobre el destino de Jack Lowden

Chiappe no confirmó de manera explícita la muerte del personaje, pero el adelanto de la séptima temporada, difundido el mismo día del estreno del final, no muestra a River en ningún tramo. Jackson Lamb (Oldman), al ser consultado por Standish sobre noticias de River, responde con sarcasmo: recibió una postal que dice que “el clima está lindo en el más allá” y que “la puesta de sol es para morirse”.

La ambigüedad alimentó las especulaciones sobre si Lowden dejará la serie para asumir otro papel. El actor escocés, de 36 años, figura entre los favoritos para interpretar a James Bond en la próxima película dirigida por Denis Villeneuve, junto a Callum Turner, Jack Barton y Jacob Elordi. El propio Oldman declaró en septiembre que los productores ya habrían elegido al sucesor de Daniel Craig y que sus “dedos están cruzados” para que sea Lowden.

En la saga literaria, River sobrevive al envenenamiento: desaparece por completo del octavo libro, Bad Actors, y regresa recién en el noveno, Clown Town, en situación de licencia médica extendida. No está confirmado si la adaptación televisiva seguirá ese camino o se apartará de la fuente original.

Apple TV ya confirmó una octava temporada, que se basará en Clown Town, la novena novela de la serie “Slough House” de Mick Herron. La séptima temporada, ya filmada, tiene estreno previsto para septiembre de 2027.

Un atraco narrado en tres tiempos

La estructura de 12 12 12 está construida alrededor de tres etapas del mismo golpe. Cada episodio recorrerá los 12 meses dedicados a preparar el robo, las 12 horas durante las cuales se ejecuta el plan y los 12 días posteriores. Las tres líneas temporales permitirán mostrar la planificación, el operativo dentro de la bóveda y las consecuencias para los responsables.

La serie fue creada por Dudi Appleton, responsable de Signora Volpe, y Jim Keeble, conocido por Thorne. El título surge de las tres escalas temporales utilizadas para contar el atraco, en lugar de presentar los acontecimientos mediante una narración estrictamente cronológica.

El objetivo del robo es una cámara acorazada escondida en el subsuelo de Zúrich. Aunque ese lugar funciona como el centro del conflicto, la persecución se extenderá por distintos puntos de Europa, donde los dos protagonistas participarán en un juego del gato y el ratón planteado como una competencia de suma cero: la victoria de uno implica necesariamente la derrota del otro.

Anthony Mackie y Jamie Dornan lideran la persecución

Mackie interpreta al agente desacreditado del FBI que intenta detener el golpe y perseguir a su responsable. Dornan encarna al criminal profesional estadounidense situado en el otro extremo del enfrentamiento. La trama seguirá sus decisiones antes, durante y después del asalto, con información distribuida entre las tres etapas temporales.

El reparto principal se completa con Jack Kesy, Agathe Rousselle, Sallie Harmsen, José Garcia y Kali Reis. Esta última llega al proyecto como nominada al Emmy. Las fuentes todavía no detallan los personajes que interpretarán ni cómo estarán relacionados con el operativo, la investigación o las consecuencias del robo.

El adelanto presentado por Apple TV se concentra en el choque entre los dos protagonistas y en la magnitud del objetivo. La persecución internacional parte de una rivalidad directa: el agente necesita recuperar terreno después de haber caído en desgracia, mientras que el delincuente debe completar el golpe y evitar su captura.

Fecha y calendario de estreno en Apple TV

12 12 12 debutará en Apple TV el viernes 13 de noviembre. El estreno incluirá sus dos primeros episodios, una modalidad que permitirá presentar las diferentes líneas temporales y establecer el conflicto central desde el comienzo.

Después de ese lanzamiento doble, Apple TV publicará un nuevo capítulo cada viernes. El calendario continuará hasta el 25 de diciembre, fecha indicada para la llegada de la última entrega prevista dentro de la emisión semanal.

El tráiler es el primer vistazo completo a la propuesta de Appleton y Keeble, aunque todavía no se informó la duración de los episodios. Los dos capítulos iniciales estarán disponibles desde el 13 de noviembre exclusivamente en Apple TV.

F1 TV, Disney+, DAZN y Apple TV son algunas de las aplicaciones desde las que se puede seguir la Fórmula 1 en el celular. La disponibilidad de cada servicio depende del país o la región.

La plataforma oficial F1 TV ofrece transmisiones de las sesiones, cámaras a bordo y telemetría en tiempo real.

En América Latina, Disney+ incluye prácticas, clasificaciones y carreras en vivo en sus planes con contenido de ESPN, mientras que en España la cobertura en directo está disponible a través de DAZN F1.

En México, las transmisiones de todas las sesiones están disponibles en Sky Sports y mediante F1 TV Pro. Apple TV también permite ver la Fórmula 1 en vivo a través de su canal dedicado, con cobertura de los fines de semana de carrera.

Cómo acceder a las aplicaciones y qué suscripciones se necesitan

Para ver la Fórmula 1 desde el celular, es necesario descargar la aplicación del servicio disponible en cada país e iniciar sesión con una suscripción activa.

F1 TV cuenta con una oferta oficial que varía según el mercado: en algunos territorios, F1 TV Pro permite seguir las carreras en directo, además de acceder a cámaras a bordo, radios de equipo y datos de telemetría.

Disney+ concentra buena parte de la oferta de ESPN en Sudamérica y Centroamérica. Los usuarios deben contar con un plan que incluya los canales y transmisiones deportivas de ESPN para acceder a las prácticas, la clasificación y las carreras desde la aplicación.

En España, DAZN F1 transmite las competencias en directo, mientras que F1 TV ofrece telemetría y repeticiones, sin carreras en vivo. Apple TV ofrece un canal dedicado a la categoría con transmisiones en vivo y una prueba gratuita de siete días. Tras ese período, la suscripción tiene un costo mensual de 14,99 dólares.

Cómo funciona F1 Replay Timing

F1 Replay Timing es una herramienta gratuita y no oficial que permite analizar carreras grabadas con datos técnicos y visualizaciones interactivas. No reemplaza una transmisión en vivo: está pensada para revisar una competencia y controlar qué información aparece en pantalla.

La aplicación se alimenta de datos del proyecto FastF1 y organiza su interfaz alrededor de un mapa del circuito que muestra la posición de cada monoplaza. Incluye una torre de tiempos con neumáticos, paradas en boxes, intervalos e historial de gomas de los pilotos.

Entre sus funciones, permite reproducir una carrera hasta 20 veces más rápido, consultar telemetría individual y estimar la posición en la que un piloto volvería a pista después de una parada en boxes.

Según XDA Developers, el sistema trata cada competencia como una fuente de datos que el usuario puede explorar a su ritmo.

F1 Replay Timing funciona como un sistema autoinstalable y autoalojado: cada usuario debe ejecutarlo en su propio equipo mediante Docker. Además, puede sincronizarse con una señal de televisión a partir de una fotografía de la torre de tiempos que aparece en pantalla.

El fallo informático de la FIA que detuvo la Fórmula 1 en Malasia

Un fallo informático en el software de la Federación Internacional del Automóvil (FIA) paralizó el inicio del Gran Premio de Malasia 2026 en Sepang después de que varios monoplazas perdieran capacidad de aceleración durante la vuelta de formación bajo una intensa lluvia.

El problema afectó a unidades de potencia de distintos fabricantes, obligó a mostrar la bandera roja y retrasó la salida más de una hora y media. Según explicó la FIA, la combinación de baja velocidad, escaso agarre y pista mojada activó un error en el sistema que administra la energía eléctrica.

En esas condiciones, el software limita la potencia eléctrica a 250 kW, frente a los 350 kW disponibles en otras situaciones. El fallo impidió que esa potencia volviera a ingresar en varios autos, que no pudieron recuperar la aceleración de manera normal.

La FIA envió una actualización urgente para todos los equipos, que debieron instalarla antes de reiniciar el procedimiento.

Nikolas Tombazis, responsable técnico de monoplazas del organismo, indicó que la instalación demandó unos 20 minutos, aunque la demora total también obedeció al aguacero y a la reorganización de la parrilla.

El episodio expuso las limitaciones de la nueva generación híbrida de motores, cuya potencia eléctrica ronda el 47%.

El doble desafío de Pryce y Santi

Wilson interpreta a Pryce Cahill, un exgolfista profesional cuya carrera terminó antes de tiempo hace 20 años. Al comienzo de la serie, el personaje atraviesa el fracaso de su matrimonio y pierde su trabajo en una tienda de artículos deportivos de Indiana. Sin demasiadas alternativas, concentra sus esfuerzos en ayudar a Santi, interpretado por Peter Dager, un prodigio del golf de 17 años con problemas personales.

Los nuevos episodios mostrarán a Santi dando el siguiente paso hacia el circuito profesional. El joven descubrirá que su relación con el deporte cambia cuando el talento deja de ser una promesa y se transforma en una exigencia constante. Su progreso deportivo estará acompañado por nuevas presiones y por las expectativas de quienes lo rodean.

Ese recorrido lleva a Pryce a preguntarse si todavía tiene una oportunidad propia. Motivado por su antiguo rival, Clark Ross, encarnado por Timothy Olyphant, el exjugador decide volver al campo con un objetivo difícil: convertirse en el golfista de mayor edad en ganar un major, nombre que reciben los torneos de máxima categoría del golf profesional.

El regreso obliga a Pryce a revisar las razones por las que nunca alcanzó el nivel que otros esperaban de él. Cuanto más se acerca al jugador que fue, más difícil resulta evitar las decisiones y frustraciones que marcaron su primera etapa como profesional. La temporada combinará así el avance de Santi con el intento de recuperación deportiva y personal de su mentor.

Una entrenadora nueva y más figuras del golf

Pryce contará con la ayuda de Amanda, una nueva entrenadora interpretada por Rhea Seehorn. También seguirá acompañado por Mitts, su caddie de confianza, a cargo de Marc Maron. Un caddie es la persona que lleva los palos durante una ronda y asesora al jugador sobre distancias, condiciones del campo y selección de golpes.

El reparto de la segunda temporada incluye a Mariana Treviño, Lilli Kay, Judy Greer, John Higgins, Billy Zane, Rex Linn, Sasha Alexander y Missi Pyle. Las fuentes no detallan qué función tendrán sus personajes dentro del nuevo conflicto deportivo.

Los episodios sumarán apariciones especiales vinculadas directamente con el golf. Participarán los comentaristas Jim Nantz y Trevor Immelman, junto con Matt Scharff y Dan Rapaport, dos personalidades conocidas por sus contenidos y su relación con ese deporte.

La incorporación de figuras reales permitirá que la historia se acerque al entorno mediático de las competencias, mientras Pryce intenta recuperar su lugar y Santi empieza a recibir una atención mayor. El tráiler concentra ese contraste: uno busca reconstruir una carrera interrumpida y el otro debe aprender a responder cuando sus resultados pasan a ser observados y evaluados.

Calendario y equipo creativo

La serie es una producción de Apple Studios creada por Jason Keller, guionista relacionado con películas como Blancanieves (Mirror, Mirror) y Ford v Ferrari. Keller también trabaja como showrunner, es decir, como principal responsable creativo y de producción durante el desarrollo de la temporada.

Keller comparte las tareas de producción ejecutiva con Owen Wilson, Ben Silverman, Guymon Casady, Christopher Moynihan, Rodney Ferrell, Howard T. Owens, Drew Buckley, Lee Eisenberg y Bill Callahan.

Apple TV publicará los dos primeros capítulos el 4 de noviembre. Después de ese estreno doble, la plataforma incorporará un episodio nuevo cada miércoles. La temporada tendrá diez entregas en total y el décimo capítulo quedará disponible el 30 de diciembre.

Apple prepara un nuevo evento para el martes 13 de octubre de 2026, bajo el nombre de “Welcome Home”. Después de presentar los iPhone 18 Pro, iPhone 18 Pro Max y el esperado iPhone Duo, su primer teléfono plegable, la compañía de Cupertino apunta ahora a una categoría diferente: los dispositivos para el hogar.

Aunque Apple no ha detallado qué productos anunciará durante la presentación, las expectativas apuntan a una renovación de su catálogo de equipos domésticos. Entre los posibles lanzamientos figuran una nueva generación del Apple TV 4K, el HomePod mini 2 y un altavoz inteligente con pantalla, que ampliaría la competencia de la compañía frente a alternativas como los dispositivos Echo de Amazon.

El nombre del evento también refuerza las especulaciones sobre una presentación centrada en el hogar conectado. Sin embargo, hasta que Apple confirme los anuncios, estos productos deben considerarse posibilidades y no lanzamientos asegurados.

¿Qué productos podría presentar Apple el 13 de octubre?

Uno de los dispositivos que podría protagonizar el evento es la cuarta generación del Apple TV 4K. La versión más reciente de este equipo fue presentada en octubre de 2022, por lo que una actualización permitiría a Apple incorporar mejoras en rendimiento, conectividad y funciones de software.

De acuerdo con las previsiones de medios especializados como MacRumors, el nuevo modelo podría integrar un procesador más reciente, con capacidad para ejecutar funciones de inteligencia artificial de Apple Intelligence y facilitar la llegada de una versión más avanzada de Siri.

Otra de las posibles novedades sería la incorporación de Wi-Fi 7, una tecnología de conectividad inalámbrica que ofrece mayor capacidad y velocidad en redes compatibles. Estas características permitirían mejorar la experiencia al reproducir contenido en alta resolución y conectar el dispositivo con otros equipos del ecosistema de Apple.

El HomePod mini 2 también figura entre los posibles anuncios. El altavoz inteligente de menor tamaño de la compañía podría recibir una actualización de hardware para mejorar su rendimiento y ampliar sus capacidades dentro del hogar conectado.

No obstante, todavía no se conocen especificaciones confirmadas, precios ni una fecha de disponibilidad para ninguno de estos productos.

El primer HomePod con pantalla

La otra gran posibilidad es la presentación de un HomePod con pantalla integrada, un dispositivo que Apple llevaría tiempo desarrollando, según diversos informes de medios especializados.

Este equipo combinaría las funciones de un altavoz inteligente con una interfaz visual para consultar información, realizar videollamadas, controlar accesorios domésticos y acceder a servicios de la compañía.

Su llegada supondría un cambio importante en la estrategia de Apple para el hogar, al competir de forma más directa con dispositivos como el Echo Show de Amazon y otros equipos con asistentes virtuales y pantallas táctiles.

Una pantalla también podría facilitar el control de accesorios compatibles con el ecosistema de Apple y centralizar distintas funciones de la vivienda conectada. Sin embargo, la empresa todavía no ha confirmado que este producto vaya a presentarse durante el evento.

¿A qué hora será el evento Welcome Home de Apple?

La presentación está prevista para el martes 13 de octubre de 2026. Para quienes quieran seguir los anuncios desde América Latina y España, estos son los horarios de referencia según la hora local de cada país:

• México (Ciudad de México): 7:00 a. m.
• Colombia: 8:00 a. m.
• Perú: 8:00 a. m.
• Argentina: 10:00 a. m.
• España peninsular: 3:00 p. m.

Estos horarios corresponden a las zonas horarias habituales de cada país y ciudad; en el caso de España, se toma como referencia la hora peninsular.

Por el momento, Apple no ha confirmado una transmisión en directo ni ha detallado cómo se podrá seguir la presentación. Por ello, se recomienda consultar los canales oficiales de la compañía para conocer si habrá una emisión en video o si las novedades se publicarán directamente en su página web.

La ficción seguirá luego con un episodio semanal cada viernes, hasta el 25 de diciembre. El adelanto presenta a un detective que busca dejar atrás los casos violentos de Filadelfia, aunque una nueva amenaza lo obliga a volver al centro de una investigación criminal.

Un detective deja Filadelfia, pero el crimen vuelve a encontrarlo

Schreiber interpreta a Jonah Lynn, un exsoldado que trabaja como detective de homicidios. Tras años en las calles de Filadelfia, el personaje decide trasladarse con su familia a una pequeña localidad del oeste de Pensilvania, con la expectativa de llevar una vida alejada de la violencia y de la presión de su oficio.

Ese plan se altera cuando Jurek Walter, un asesino serial interpretado por Graham, convierte al pueblo en su nuevo escenario. Según la sinopsis oficial, Walter es un criminal calculador que amenaza directamente a la familia de Jonah, por lo que el detective deberá afrontar un caso que también compromete su vida personal.

La búsqueda de la última víctima del homicida desaparecida lleva a Jonah a trabajar con Saga Bauer, su hija adoptiva y agente del FBI, encarnada por Beetz. El conflicto central de la serie se construye alrededor de esa relación familiar y de los límites que el protagonista estaría dispuesto a cruzar para proteger a quienes lo rodean.

La programación semanal sitúa a la serie entre los lanzamientos de suspenso previstos por Apple TV para el último tramo del año.

Stephen Graham encarna al asesino serial Jurek Walter

Graham, ganador de premios Emmy, Globo de Oro y Actor Award por su tol en “Adolescencia”, asume el papel del antagonista. Su personaje es presentado como una figura que conoce cómo manipular a sus perseguidores y que instala una amenaza sostenida sobre la comunidad a la que Jonah acaba de llegar.

Junto a Schreiber, Beetz y Graham, el reparto incluye a Bill Camp, Rory Culkin, Chrissy Metz, Poorna Jagannathan y Gary Carr. Apple TV todavía no precisó los roles de esos intérpretes dentro de la historia, aunque forman parte del elenco regular de la producción.

El tráiler, publicado en inglés, anticipa un relato de tensión criminal atravesado por la persecución de Walter y por los secretos que rodean a los vínculos de Jonah. La serie recupera elementos de la tradición del thriller policial, con un detective experimentado enfrentado a un adversario que parece anticipar sus movimientos.

La adaptación parte de una novela de Lars Kepler

La serie toma como punto de partida The Sandman, uno de los títulos firmados por Lars Kepler, seudónimo literario de Alexandra Coelho Ahndoril y Alexander Ahndoril. El dúo sueco desarrolló la saga centrada en el investigador Joona Linna, cuyas 10 novelas policiales vendieron 20 millones de ejemplares en todo el mundo.

Los libros de Kepler fueron traducidos a 40 idiomas y distribuidos en más de 170 territorios, de acuerdo con la información difundida por la plataforma. La llegada de “Nocturno” representa una nueva adaptación televisiva de ese universo narrativo para el mercado internacional.

La creación de la serie quedó a cargo de Rowan Joffe, ganador de un premio BAFTA, mientras que John Hlavin participó en su desarrollo, guion y producción ejecutiva. Ambos comparten las tareas de showrunner.

Tim Van Patten, ganador de premios Emmy, Peabody y del Sindicato de Directores de Estados Unidos, dirigió los dos primeros episodios y figura también como productor ejecutivo. Schreiber participa en esa función, al igual que Beetz a través de su productora Sleepy Poppy.

“Nocturno” es una producción de A+E Studios junto con Range Studios para Apple TV. La plataforma ya habilitó el tráiler oficial en YouTube, que ofrece un primer vistazo a la investigación de Jonah Lynn y a la amenaza que encarna Jurek Walter.

Después de un septiembre cargado de estrenos, en el que ha arrasado en Netflix Monstruo: La historia de Lizzie Borden y la española El problema final, basada en la novela de Arturo Pérez- Reverte, nos adentramos en un octubre absolutamente pletórico repleto de novedades.

Además de las diez series que hemos seleccionado, hay otras ficciones de lo más interesantes que merece la pena destacar. Es el caso de Kill Jackie, protagonizado por Catherine Zeta-Jones (y en la que también encontramos a Óscar Jaenada), un thriller criminal basado en la novela El precio que pagas, de Nick Harkaway y que fue rodado en Bilbao. Se podrá ver en HBO Max a partir del 2 de octubre.

También Pequeños profetas, una de las comedias británicas mejor valoradas del año en la que un hombre excéntrico obsesionado con la desaparición de su novia, utilizará una receta de su padre, que le permitirá invocar a unos espíritus mágicos que prevén el futuro. Una ficción con toques fantásticos de lo más singular con Pearce Quigley y Sir Michael Palin. En Apple TV a partir del día 7.

Esta es nuestra selección de series imprescindibles para ver durante el mes octubre por orden de estreno.

1. ‘Al este de Edén’ (1 de octubre en Netflix)

Adaptación en formato miniserie de la mítica novela de John Steinbeck que llevó al cine Elia Kazan en 1955. Ahora, su nieta, la actriz y directora Zoe Kazan, se pone al frente de este proyecto ambientado después de la Guerra Civil americana en el que dos hermanastros heredan una fortuna y una mujer se encarga de seducirlos. En el reparto, Florence Pugh, Mike Faist y Christopher Abbott. La crítica ya la ha elogiado como una de las grandes ficciones históricas de la temporada.

2. ‘Reina Roja 2. Loba negra’ (2 octubre en Prime Video)

La adaptación de la saga literaria de Juan Gómez Jurado sigue a Antonia Scott (Victoria Luengo), una mujer con un coeficiente intelectual desorbitado que trabaja para una organización secreta para investigar casos delicados, y al inspector Jon Gutiérrez, interpretado por Hovik Keuchkerian. En esta ocasión, ambos deberán resolver un crimen vinculado con la mafia rusa en la Costa del Sol.

La investigación girará en torno a la localización de Lola Moreno (Adriana Torrebejano), la esposa de un mafioso perseguida por una asesina a sueldo conocida como Loba Negra. Una secuela cargada de acción en la que las mujeres toman el poder y en la que se indaga en torno a la relación entre los protagonistas.

3. ‘Carrie’ (7 de octubre en Prime Video)

Otra esperada adaptación, en este caso de la novela de Stephen King, que también sirvió para que debutara en el cine Brian de Palma en la película de 1976. Del proyecto se encarga un experto en el maestro del cine de terror como es Mike Flanagan, que revisa el clásico desde una óptica contemporánea, trasladando la historia a la actualidad para hablar de temas como el ciberbullying.

La protagonista es Carrie White (Summer H. Howell), una chica inadaptada sometida a la sobreprotección de su progenitora (Samantha Sloyan), que será víctima de un escándalo viral de acoso a través de las redes sociales, lo que despertará en ella unos misteriosos poderes de telequinesia.

4. ‘El Castillo’ (8 de octubre en Movistar Plus+)

La ‘coguionista’ de Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña, junto a Eduardo Villanueva, adaptan la novela no ficción de Mabel Lozano El proxeneta, en la que se denunciaba la explotación sexual de mujeres, mediante la prostitución y la trata.

La serie cuenta el auge de esta mafia en España a través de la figura del empresario que lidera el negocio, el Suizo (Raúl Arévalo), al mismo tiempo que se cuenta la historia de una chica colombiana que contraerá una deuda con él, Claudia (Valentina Vidal) y los policías que investigan el caso, interpretados por Omar Ayudo y Laia Marull. Al frente de la dirección encontramos a Elena Martín y Sandra Romero, que aportan un tono seco y metódico cercano al periodismo de investigación y alejado de cualquier tipo de exhibicionismo.

5. ‘Furia. Parte 2′ (9 de octubre en HBO Max)

Después de su pletórica primera temporada, Félix Sabroso vuelve a reunir a un reparto femenino espectacular en esta segunda entrega donde las mujeres vuelven a situarse al borde del abismo y de situaciones disparatadas que las llevan al límite.

Entre los nombres destacados de esta parte dos, encontramos a Maribel Verdú, Carmen Maura, María León, Cecilia Suárez, Ana Mena, Clara Sans y repiten Claudia Salas y Ana Torrent. Entre los escenarios de esta segunda temporada, encontramos un guiño a la propia serie a través de un rodaje que recrea los acontecimientos que vimos anteriormente.

6. ‘Aquel’ (’biopic’ de Rapahel, el 9 de octubre en Netflix)

Biopic de Raphael, que abarca su carrera a lo largo de cinco décadas y repasa su vida desde sus orígenes humildes en la España de posguerra hasta la conquista de los grandes escenarios profesionales. También se aborda sus conflictos personales y los fantasmas particulares en este recorrido particular hacia el éxito y la fama. Javier Morgade y Carlos Santos se meten en la piel del artista en diferentes etapas de su trayectoria. Una serie fundamental para los fans del artista y para todos aquellos que quieran acercarse a su figura.

7. ‘VisionQuest’ (14 de octubre en Disney+)

Nueva serie de aventuras de Marvel que sigue a Visión, quien permanece oculto tras escapar de quienes querían utilizarlo como arma, hasta que una recompensa por su captura lo obliga a huir junto a Thomas Sheperd, un joven que podría ser la reencarnación de su hijo. El personaje vuelve a estar interpretado por Paul Bettany, mientras que Ruaridh Mollica encarna a Sheperd.

La producción cierra la trilogía iniciada por WandaVision en 2021 y continuada con Agatha, ¿quién si no? en 2024. Durante su búsqueda de un nuevo propósito, Visión consultará distintas inteligencias artificiales integradas en su programación para conseguir sus propósitos.

8. ‘Crystal Lake’ (16 de octubre en HBO Max)

La ‘precuela’ de la saga Viernes 13 sigue a Pam, una madre soltera interpretada por Linda Cardellini, que no ha superado la muerte por ahogamiento de su hijo Jason en un lago, ocurrida hace casi un año.

Dos desconocidos llegan a su casa para indagar en su pasado y desencadenarán una serie de acontecimientos que lleva a los habitantes de Crystal Lake a preguntarse quién es realmente Pam. Un ‘slasher’ para los fans de la mítica franquicia sobre uno de los ‘serial killers’, Jason Voorhees, más carismáticos de la historia del cine.

9. ‘Grande de España’ (23 de octubre en Netflix)

La nueva comedia de Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany (responsables de Vergüenza) expone un juego de falsas apariencias alrededor de un palacete familiar en Madrid. Don Leandro, un marqués arruinado interpretado por Antonio de la Torre, quiere vender la propiedad para resolver sus problemas económicos y alcanzar su objetivo de convertirse en Grande de España.

La operación parece posible cuando Sofía Carrington, una empresaria interpretada por Alexandra Jiménez, se interesa por el inmueble. La compradora y el vendedor descubrirán que ninguno es quien aparenta ser.

10. ‘Nocturno’ (30 de octubre en Apple TV)

Un ‘exsoldado’ convertido en detective de homicidios, interpretado por Liev Schreiber, abandona Filadelfia y se instala en una pequeña localidad del oeste de Pensilvania en busca de una vida tranquila.

La calma desaparece cuando un asesino en serie, interpretado por Stephen Graham, convierte al pueblo y a la familia del detective en sus objetivos. Para encontrar a la última víctima, el protagonista envía a una agente del FBI, interpretada por Zazie Beetz y a quien considera una hija, a enfrentarse al criminal. La historia está basada en las novelas policiacas de Lars Kepler y hará las delicias de los aficionados al género negro.

Apple podría presentar el 13 de octubre de 2026 un nuevo dispositivo para controlar hogares inteligentes, junto con una actualización del HomePod mini y una nueva generación de Apple TV, según Bloomberg.

El equipo sería una de las piezas centrales de la estrategia de la compañía en el mercado de la domótica. Tendría una pantalla de seis pulgadas, un grosor similar al de un iPhone y podría usarse sobre una mesa o instalarse en una pared.

El nuevo dispositivo combinaría pantalla, altavoces y una estructura ajustable

La versión de escritorio incluiría una base circular de metal con altavoces y micrófonos integrados, de acuerdo con la publicación. Desde esa estructura saldría un brazo metálico que sostendría el panel y permitiría modificar su inclinación.

Por sus características, el dispositivo tendría ciertos rasgos similares a los del iMac G4, aunque en un tamaño reducido. La empresa también prepararía una versión para montaje en pared, con una base de menor grosor que alojaría los componentes de audio.

El aparato requeriría alimentación eléctrica a través de USB-C, ya que no incorporaría una batería. Estaría disponible en el acabado gris de aluminio que Apple utiliza en otros productos.

La nueva Siri impulsaría las funciones de los dispositivos

El supuesto centro doméstico, el HomePod mini renovado y el próximo Apple TV incluirían una versión actualizada de Siri, con herramientas basadas en inteligencia artificial.

El dispositivo con pantalla funcionaría con un sistema operativo centrado en el asistente de voz.

Permitiría administrar equipos inteligentes compatibles, efectuar videollamadas, escuchar música, reproducir presentaciones de fotos y realizar comunicaciones internas dentro de la casa.

La app Mensajes adoptaría un formato de doble panel, parecido al que ofrece el iPad. Apple no realizó anuncios oficiales sobre estos equipos ni confirmó la fecha de un eventual lanzamiento.

Cuáles fueron los últimos dispositivos que lanzó Apple

Apple renovó en septiembre su catálogo de teléfonos, relojes y auriculares, con la llegada de los iPhone 18 Pro, iPhone 18 Pro Max y iPhone Duo, los Apple Watch Series 12 y Ultra 4, y los AirPods 5.

Los iPhone 18 Pro y iPhone 18 Pro Max reemplazan a la generación anterior dentro de la gama de mayor precio de Apple. La empresa los puso a la venta el 18 de septiembre, tras abrir las reservas el 12 de ese mes.

El lanzamiento no incluyó un modelo estándar de iPhone 18 dentro de la información publicada por Apple sobre la disponibilidad global de septiembre. La compañía centró la comunicación en los equipos Pro y en los nuevos accesorios vinculados a su ecosistema.

Además de los teléfonos tradicionales, Apple presentó el iPhone Duo, su primer dispositivo plegable. Ese modelo tendría una disponibilidad posterior, prevista para el 23 de octubre.

En relojes, la empresa lanzó el Apple Watch Series 12 y el Apple Watch Ultra 4. Ambos incorporan un nuevo sistema de sensores orientado a medir con mayor frecuencia la frecuencia cardíaca y la variabilidad de la frecuencia cardíaca.

También incluyen Readiness, una función que analiza actividad reciente, signos vitales y calidad del sueño. A partir de esos datos, asigna una puntuación diaria de cero a 10 con recomendaciones sobre descanso o actividad física.

Apple indicó que los relojes miden la frecuencia cardíaca cada cinco segundos y que la variabilidad cardíaca puede registrarse hasta cada cinco minutos. La actualización se integra con una nueva versión de la app Salud en el iPhone, que incluirá herramientas basadas en Apple Intelligence.

Los AirPods 5 completaron la renovación de septiembre. La nueva generación de auriculares inalámbricos incluye cancelación activa de ruido en la versión de entrada, una función que antes estaba reservada para modelos de mayor precio.

Apple también comercializa una variante con estuche de carga inalámbrica, mayor autonomía y controles de volumen en el auricular.

Una infiltración junto a un asesino

La historia sigue a Jonah Lynn, un exsoldado que trabaja como detective de homicidios en Filadelfia. Cansado de la violencia y de las exigencias del puesto, decide mudarse a una pequeña localidad del oeste de Pensilvania para buscar una vida más tranquila. Ese retiro dura poco: el pueblo y su familia quedan en la mira de Jurek Walter, un asesino en serie encarcelado e interpretado por Graham.

El caso obliga a Jonah a recuperar la experiencia que quería dejar atrás. La prioridad es encontrar a la víctima más reciente de Jurek, pero el criminal parece anticiparse a quienes intentan interrogarlo. La investigación se transforma así en una amenaza directa para el detective, su comunidad y las personas que intenta proteger.

La operación más peligrosa queda en manos de Saga Bauer, agente del FBI e hija adoptiva de Jonah, interpretada por Beetz. Para obtener información sobre el paradero de la víctima, Saga se hace pasar por reclusa y ocupa una celda situada junto a la de Jurek. El plan requiere convivir con un homicida calculador sin revelar su verdadera identidad, mientras intenta conseguir datos antes de que se agote el tiempo.

El tráiler plantea el enfrentamiento psicológico entre ambos personajes como uno de los ejes de la serie. Jonah debe decidir hasta dónde está dispuesto a llegar para recuperar a la persona desaparecida y mantener con vida a Saga. Jurek, mientras tanto, conserva el control de la información incluso desde prisión.

Del libro a la pantalla

Nocturno está basada en The Sandman, novela policial publicada bajo el seudónimo Lars Kepler. Ese nombre corresponde al matrimonio de escritores suecos formado por Alexandra Coelho Ahndoril y Alexander Ahndoril, responsables de una serie de libros protagonizada por el investigador Joona Linna.

Las diez novelas policiales escritas por la dupla acumulan cerca de 20 millones de ejemplares vendidos. También fueron traducidas a 40 idiomas y distribuidas en más de 170 territorios, cifras que convirtieron a la saga literaria en la base de esta adaptación para televisión.

El desarrollo está encabezado por Rowan Joffe, quien trabaja como creador, guionista, productor ejecutivo y co-showrunner. Un showrunner es el responsable creativo y operativo que supervisa el rumbo de una serie durante su producción. Joffe comparte esa función con John Hlavin, encargado de desarrollar la adaptación televisiva y con créditos previos en Hijack, War y Lupin.

Los primeros dos episodios fueron dirigidos por Tim Van Patten, realizador reconocido con premios Emmy, Peabody y DGA. Van Patten, que también trabajó en Los amos del aire, participa como productor ejecutivo y establece en ese estreno doble la presentación de los personajes, el conflicto familiar y la persecución de Jurek.

El reparto y el calendario de estreno

Schreiber encabeza el reparto después de protagonizar Ray Donovan y también participa como productor ejecutivo. Beetz, conocida por Joker, cumple la misma función mediante su productora Sleepy Poppy. Graham llega al proyecto tras integrar el elenco de Adolescencia y asume aquí el papel del criminal que impulsa la investigación.

El reparto secundario incluye a Bill Camp, Rory Culkin, Chrissy Metz, Poorna Jagannathan y Gary Carr. La producción corre a cargo de A+E Studios en asociación con Range Studios, mientras que Lars Kepler figura entre los productores ejecutivos.

Apple TV también difundió un póster oficial centrado en los tres protagonistas. La campaña presenta la serie como una combinación de investigación policial, suspenso psicológico y drama familiar, con el vínculo entre Jonah y Saga en el centro de las decisiones más arriesgadas.

Nocturno debutará el viernes 30 de octubre de 2026 con sus dos primeros episodios. Los ocho capítulos restantes se publicarán uno por semana, siempre los viernes, y el décimo y último quedará disponible el 25 de diciembre de 2026.

El escritor Stephen King ha recomendado Causa abierta, una miniserie australiana de Apple TV que sigue a un antiguo detective marcado por la desaparición de su hija, once años atrás. El autor de terror ha destacado la serie cuando solo había visto cuatro de sus seis episodios.

La ficción adapta la novela estadounidense The Dispatcher, publicada en 2011 por Ryan David Jahn, y traslada su trama de Texas Oriental a Australia: Ian Ridley, interpretado por Patrick Brammall, descubre que unos restos hallados durante una tormenta podrían pertenecer a Maggie, la hija que creía perdida desde hace 11 años.

King ha expresado su entusiasmo en una publicación en X: “Dos observaciones sobre Causa abierta, después de cuatro episodios en Apple TV: 1. Es una serie fantástica, y 2. No veo una buena resolución para las familias implicadas. Ni para Sarah, a quien interpreta magníficamente Chloe Jean Lourdes”.

La recomendación del novelista llega después de que también haya sugerido recientemente una miniserie de terror de Netflix, Mis muertos tristes, de Pablo Larraín. El escritor ha respaldado en otras ocasiones producciones con una recepción crítica mucho más débil, incluida una serie de terror con un 32 % en Rotten Tomatoes y una película de acción olvidada que acumuló un 28 %.

Qué cuenta ‘Causa abierta’

La historia original de Jahn se centraba en un operador policial de Texas Oriental cuya hija era secuestrada y posteriormente declarada muerta, hasta que él descubría que podía seguir viva. El propio autor había citado a Stephen King como una de sus “cinco grandes influencias” en una entrevista con Mystery Tribune.

En la adaptación, Ian Ridley ha dejado atrás su etapa como detective y trabaja como operador de emergencias policiales. Está separado de su mujer, lleva seis meses sobrio y no ha aceptado que Maggie haya desaparecido para siempre.

El hallazgo de los restos de una niña rompe la estabilidad que había logrado mantener. Al final del segundo episodio, una llamada telefónica intensifica la investigación y conduce a Ridley hasta Henry, un hombre recluido al que da vida Brendan Cowell, y Jenna, interpretada por Maxine Peake, junto a su hija adolescente Sarah.

La serie se ha rodado en el estado australiano de Victoria y Kris Mrksa la ha adaptado para Apple TV. Christian Schwochow dirige los seis capítulos, mientras la narración mantiene el foco en las relaciones y el trauma de sus personajes, además de desarrollar el caso criminal.

Qué destaca la crítica

Luke Buckmaster ha definido la producción en The Guardian como “una de las series más destacadas del año”. El crítico ha señalado: “Me sentí profundamente implicado desde el principio y, en el tercer episodio, estaba completamente enganchado”.

Brian Tallerico ha concedido tres estrellas a la serie en RogerEbert.com y ha valorado tanto el guion de Mrksa como el trabajo de Brammall como operador policial atormentado. Sobre el personaje de Sarah, Tallerico ha escrito: “Hay muchas versiones de este relato en las que la joven situada en el centro de la historia se convertiría simplemente en una pieza de la maquinaria de los giros. Pero Sarah es un personaje complejo y desarrollado”.

La preocupación de King por Sarah parte de esa posición central en el relato. Chloe Jean Lourdes interpreta a la adolescente vinculada a Henry y Jenna, cuya aparición se produce después de la llamada que recibe Ridley al final del segundo capítulo.

La recepción no ha sido unánime. Daniel Fienberg ha cuestionado en The Hollywood Reporter el comportamiento de Ridley, que considera “completamente inapropiado y con frecuencia ilegal de una manera que probablemente sería insostenible”. Fienberg ha reconocido que la serie se sostiene por la calidad de Patrick Brammall y del reparto. Causa abierta ha obtenido un 87% de aprobación de la crítica en Rotten Tomatoes, a partir de 23 reseñas.

No entender un diálogo por ruido ambiente, una mezcla de sonido deficiente o una vocalización poco clara es habitual al ver series o películas. Cuando esto ocurre estando acompañados, lo normal es preguntar a quien tenemos al lado, pero en solitario la única opción era rebobinar manualmente. Existía un truco en Apple TV que permitía resolver esto con Siri, pero ha dejado de funcionar.

Cómo activar subtítulos automáticos en Apple TV al retroceder

El método consiste en pulsar la flecha izquierda del mando de Apple TV en el instante en que no se ha comprendido una frase. En los mandos antiguos, sin flechas físicas, la acción equivalente es tocar la esquina superior izquierda de la superficie táctil.

Al hacerlo, la reproducción retrocede automáticamente unos segundos hasta el punto exacto donde se produjo el diálogo perdido.

Durante ese fragmento rebobinado, el sistema activa los subtítulos de forma automática, incluso si el usuario los tenía desactivados en la configuración general. Esto permite leer lo que no se llegó a escuchar sin necesidad de tocar ningún ajuste adicional.

Cuando la reproducción alcanza de nuevo el punto original desde el que se retrocedió, los subtítulos se desactivan solos, restaurando el estado previo de la reproducción sin intervención del espectador.

Compatibilidad con aplicaciones de streaming

Esta función no se limita al reproductor nativo de tvOS, presente en la app Apple TV. También está disponible en aplicaciones de terceros ampliamente utilizadas, como Netflix, HBO Max o Disney+, lo que la convierte en un recurso útil independientemente de la plataforma que se esté usando en el televisor.

No obstante, la compatibilidad no es total en todos los casos. En algunas aplicaciones, el gesto de retroceder no activa los subtítulos de forma automática. Cuando esto sucede, conviene prestar más atención al oído durante la repetición del fragmento, o bien activar los subtítulos manualmente antes de retroceder y desactivarlos después de leer el diálogo.

Una alternativa al antiguo comando de Siri

Antes de este método, existía otra forma de resolver el mismo problema: mantener pulsado el botón de Siri en el mando y decir en voz alta “¿Qué ha dicho?”. El asistente respondía retrocediendo la reproducción y mostrando los subtítulos de manera automática, replicando así el mismo efecto que ahora se consigue con la flecha izquierda del mando.

Ese comando de voz ya no está operativo, según Applesfera, aunque el resultado final que ofrece el nuevo método es equivalente. La diferencia principal está en la comodidad de uso, ya que el atajo por voz resultaba más práctico, en especial para quienes todavía utilizan los Siri Remote de generaciones anteriores, con una superficie táctil menos precisa que las flechas físicas de los mandos actuales.

Principales funciones del mando de Apple TV

El mando de Apple TV, conocido como Siri Remote, reúne en un cuerpo compacto varias funciones pensadas para facilitar la navegación y el manejo del contenido multimedia.

Su elemento principal es una superficie circular que combina botones direccionales con una zona táctil sensible al tacto. Esta parte permite deslizar el dedo en distintas direcciones para moverse con rapidez entre catálogos y menús, además de presionar los extremos para avanzar o retroceder de forma progresiva.

Cuando la reproducción está en pausa, es posible girar el dedo alrededor del borde exterior para ubicar una escena específica, de manera similar a como funcionaba la rueda de navegación de los antiguos reproductores de música portátiles.

El mando también incorpora un botón lateral dedicado a activar el asistente de voz, que permite buscar títulos por categoría, consultar información sobre el clima o manejar dispositivos conectados del hogar sin necesidad de escribir.

A esto se suma otro botón independiente que lleva directamente a la pantalla principal o permite cambiar de perfil con rapidez, junto con los controles físicos habituales para regular el volumen del televisor o del sistema de audio, ya sea por infrarrojos o mediante la conexión HDMI-CEC.

En cuanto a su funcionamiento interno, el dispositivo cuenta con una batería recargable mediante USB-C o Lightning, con una autonomía de varios meses por carga. Los modelos más nuevos suman además una función de localización precisa, integrada con la aplicación para encontrar dispositivos del iPhone, que ayuda a ubicar el mando cuando se pierde entre los almohadones del sillón mediante señales sonoras y una indicación de proximidad en pantalla.

John Cena viajará a la Ciudad de México junto con el elenco de su nueva cinta, Matchbox: La Película, como parte de la gira promocional internacional previa al estreno. Apple TV no ha revelado la fecha exacta del evento con fans en la capital mexicana.

La película llegará a la plataforma de streaming el 9 de octubre de 2026. Esto ubica la posible visita a la capital mexicana en los días inmediatamente anteriores a esa fecha.

Cena estará acompañado por Jessica Biel, Arturo Castro, Sam Richardson y Teyonah Parris. Los actores participarán en un evento especial dirigido al público mexicano en los días previos al lanzamiento de la cinta.

La producción mantiene la fecha del evento bajo reserva

Apple TV, Skydance Media y Mattel Studios no han precisado sede ni día exacto para el encuentro con fans en la Ciudad de México. Tampoco se han dado a conocer los detalles sobre la dinámica de participación para los seguidores mexicanos.

El elenco incluye a Jessica Biel y Danai Gurira

La película está inspirada en los vehículos de juguete de Mattel y combina comedia con acción. Además de Cena y Biel, el reparto incluye a Danai Gurira, según el tráiler difundido por Apple TV.

En la trama, Cena interpreta a Sean, un hombre que regresa a su ciudad natal y se reencuentra con viejos amigos con quienes solía jugar con los autos Matchbox. El grupo termina drogado y secuestrado en un avión por operativos de la CIA, que creen que robaron un arma nuclear.

Es la producción conjunta de Skydance y Mattel Studios

Matchbox: La Película es una producción de Skydance Media y Mattel Studios bajo el sello de Apple Original Films. El elenco ya había promocionado la cinta previamente en la Comic-Con de San Diego, donde Apple TV presentó el tráiler el pasado 25 de julio.

La visita a México forma parte de la campaña internacional del filme, que busca llevar el universo de los autos de juguete tanto a la pantalla como al streaming.

No es la primera vez que John Cena visita la capital mexicana

La última visita confirmada de John Cena a la Ciudad de México antes de esta gira por Matchbox fue en mayo de 2025, cuando llegó junto a James Gunn para promocionar la segunda temporada de Peacemaker y la película Superman.

El evento tuvo lugar en el Centro Citibanamex, donde ambos fueron recibidos entre gritos y aplausos de los fans. Cena destacó especialmente el recibimiento del público mexicano hacia su personaje en el universo de DC.

Sobre esa experiencia, el actor comentó: “Es muy lindo cuando te presentas en ciertos lugares y la gente está entusiasmada por verte”.

La especulación volvió a cobrar protagonismo por el próximo estreno de Brothers (Casi hermanos), la serie de Apple TV+ en la que los dos actores interpretan versiones ficticias de sí mismos. En la producción, la posibilidad de que compartan padre se convierte en el punto de partida de una historia familiar que llevará a los personajes a investigar ese supuesto vínculo.

Durante la premiere de la serie en Los Ángeles, The Hollywood Reporter preguntó a los actores si alguna vez se someterían a una prueba genética para resolver la incógnita.

“Estuve queriendo hacerlo, pero él se niega”, respondió Harrelson. McConaughey matizó las palabras de su colega y dijo que no está totalmente descartado: “Probablemente terminaré haciéndolo”.

Sin embargo, el actor de Interstellar explicó por qué no parece tener prisa por conocer el resultado. “Si es verdad, tengo mucho que asimilar. Si no es verdad, él tendrá mucho que asimilar. No será tan divertido estar juntos”, comentó.

Harrelson reconoció que la posibilidad de descubrir que no existe un parentesco también le afectaría. “Voy a estar muy triste durante un tiempo si no es verdad”, afirmó.

“Sigamos planteando esta idea, porque no quiero que él se decepcione”, expresó Matthew.

“No creo que eso vaya a ser un problema porque creo que somos hermanos”, insistió el actor de Los juegos del Hambre. McConaughey cerró el intercambio con una frase que resume las posiciones de ambos: “Él está completamente convencido, yo no. Ahí lo tienen”

¿Qué podría unirlos como hermanos biológicos?

La hipótesis se remonta a una conversación familiar ocurrida años atrás. La madre de McConaughey reveló que había tenido una relación con Charles Harrelson, el padre de Woody, antes del nacimiento del actor.

De acuerdo con Woody, el encuentro habría ocurrido durante el segundo divorcio de sus padres, quienes estuvieron casados tres veces. Ese momento coincidiría además con la época aproximada en que Matthew fue concebido.

“Créeme. Por la forma en que ella lo dijo, no había ninguna duda. Además, ellos se juntaron durante el segundo divorcio de sus padres (...) cuando ella estaba con Charlie, que también fue justo cuando este muchacho fue concebido”, explicó Harrelson a E! News.

McConaughey, sin embargo, no comparte esa seguridad. Según contó a E! News, considera que su madre pudo estar jugándole una broma pesada a Woody con aquella revelación.

La teoría llega a Apple TV+

Mientras los actores mantienen pendiente la prueba que podría resolver la incógnita, Brothers convierte esa misma posibilidad en una historia de ficción.

La serie presenta a McConaughey y Harrelson como versiones de ellos mismos que descubren un secreto familiar: podrían ser hermanos. La trama comienza después de que la boda de la hija de Harrelson termina en desastre y él se instala en la casa de McConaughey. A partir de allí, ambos se enfrentan a la posibilidad de compartir padre y a las consecuencias que tendría esa revelación.

El showrunner Lee Eisenberg aclaró a The Hollywood Reporter que la producción “no pretende ser un documental” y que los actores tomaron ciertas libertades para exagerar sus propias personalidades.

Asimismo, el creador admitió que cambia frecuentemente de opinión sobre la posibilidad de que sean hermanos en la vida real. Lo que sí es cierto es que le resultó “un poco inquietante” la semejanza que encontró al observar fotografías de ambos cuando eran niños.

Brothers tendrá ocho episodios y estrenará sus dos primeros capítulos el 23 de septiembre en Apple TV+. Después, la plataforma lanzará un episodio cada miércoles hasta el 4 de noviembre.

Apple anunció que iCloud+ incorporará Apple TV, Apple Arcade y un nuevo servicio de emisoras de Apple Music sin costo adicional para los suscriptores de más de 100 países. La medida alcanza incluso al plan más económico, de 50 GB, y la compañía prevé completar el despliegue a finales de septiembre de 2026.

Naciones hispanohablantes no están incluidas

Según los comunicados publicados por Apple el 14 y el 15 de septiembre, el paquete se activa en 102 países y territorios. De ese total, 40 corresponden a África, mientras que el resto se distribuye entre Oriente Medio, el sur y el centro de Asia, el Cáucaso, los Balcanes y las islas del Pacífico. La lista incluye mercados como India, Pakistán, Turquía, Ucrania, Arabia Saudita, Singapur y Emiratos Árabes Unidos.

En América, el beneficio solo alcanza a Belice, Guyana, Surinam, Bermudas y 15 países y territorios del Caribe. Ninguno de los mercados incluidos tiene el español como lengua oficial. Quedan fuera Estados Unidos, Canadá y Australia, además del Reino Unido y todos los países de la Unión Europea. Apple no explicó en sus comunicados el criterio utilizado para seleccionar los mercados participantes.

Cómo funciona la migración para los usuarios de los países incluidos

En los mercados donde el paquete está disponible, Apple dejará de vender Apple TV y Apple Arcade como suscripciones individuales. Quien ya cuente con iCloud+ recibirá acceso automático a ambos servicios.

En cambio, quienes paguen Apple TV o Apple Arcade sin tener contratado iCloud+ recibirán una notificación y un correo electrónico: Apple cancelará la suscripción anterior, mantendrá el acceso sin interrupciones y conservará las partidas guardadas en los juegos de Arcade.

La fecha exacta de activación puede variar según el país. Para verificar si el paquete ya está disponible, Apple indica que el usuario debe ingresar a Configuración, tocar el nombre de su cuenta, abrir la sección Suscripciones y seleccionar iCloud+. En España, la ruta equivalente se encuentra dentro de Ajustes.

La función Compartir en Familia permite extender el plan de iCloud+ a un máximo de cinco integrantes adicionales, quienes reciben acceso automático a Apple TV y Apple Arcade junto con el almacenamiento. El servicio de Apple TV incluido no cubre canales de terceros ni el contenido que el usuario rente o compre dentro de la aplicación.

Con este cambio, Apple One deja de estar disponible para nuevos clientes en los países donde se activa el beneficio de iCloud+, aunque quienes ya cuenten con una suscripción vigente podrán conservarla. La decisión refleja que Apple prioriza ahora iCloud+ como paquete central de servicios en los mercados más pequeños.

Apple Music Select ofrece emisoras sin publicidad como incentivo hacia la suscripción completa

En algunos de los países del programa, iCloud+ suma además Apple Music Select, un conjunto de emisoras sin anuncios programadas por Apple Music, con música regional y canales como Top Songs, 80s y 90s dentro de la pestaña Inicio de la aplicación. Este servicio no equivale al catálogo completo de Apple Music ni está disponible en todos los mercados incluidos en el programa.

La compañía utiliza estas emisoras como incentivo para que los suscriptores de iCloud+ contraten Apple Music completo a una tarifa reducida. El anuncio de Apple para Mozambique fija ese precio en 2,79 dólares mensuales para el plan individual y 4,49 dólares para el plan familiar. Cuando se utiliza Compartir en Familia, el descuento en Apple Music solo se aplica a la persona que paga la suscripción de iCloud+.

Apple TV llega a un total de 170 países

Como parte de este anuncio, Apple TV se expande a 59 países donde antes no estaba disponible, con lo que el servicio de streaming alcanza presencia en 170 países en todo el mundo. En Mali, por ejemplo, los usuarios tendrán acceso a Apple TV por primera vez, según el comunicado difundido por la compañía para ese mercado.

Eddy Cue, vicepresidente sénior de Servicios y Salud de Apple, declaró: “Nos entusiasma llevar Apple TV y Apple Arcade a los usuarios de iCloud+ de más de 100 países en una sola y práctica suscripción”.

La ceremonia de los Premios Emmy 2026 deja una lista de ganadoras concentrada en pocas producciones. Ocho series superan los dos galardones, frente a las 14 que lo lograron el año pasado durante las tres noches de entrega.

La falta de variedad entre los premiados marca la edición. Los votantes se inclinan por un grupo de ficciones que no necesariamente rompen récords de audiencia, pero que destacan por propuestas poco convencionales.

“La maldición de Widow’s Bay” — Apple TV

Mejor comedia y 14 premios Emmy

La comedia creada por Katie Dippold sigue al alcalde de un pueblo pesquero sobre el que pesa una supuesta maldición: nadie nacido en el lugar puede salir de la isla. Matthew Rhys encabeza el elenco y obtiene también un premio por La bestia en mí. Stephen Root y Katy O’Flynn forman parte del reparto. La historia combina exorcismos, monstruos y brujas con la vida cotidiana de la comunidad. Los 10 episodios, de alrededor de 40 minutos, están en Apple TV, plataforma que, además, ya confirmó una segunda temporada.

“DTF St. Louis” — HBO Max

Mejor miniserie y 7 premios Emmy

La miniserie parte de un asesinato para retratar las relaciones humanas y la amistad de tres personajes que viven en un entorno suburbano. Jason Bateman, Linda Cardellini y David Harbour interpretan a los protagonistas. El drama criminal desarrolla una historia sobre personajes difíciles de seguir, aunque su dinámica mantiene el interés durante sus siete capítulos de alrededor de una hora. Está disponible en HBO Max.

“The Pitt” — HBO Max

Mejor drama y 6 premios Emmy

The Pitt repite como ganadora a mejor drama con una nueva jornada en la sala de urgencias de un hospital de Pittsburgh. La serie está protagonizada por Noah Hawley y retoma el formato de un turno médico de 15 horas. La producción obtiene seis premios, aunque sus 25 nominaciones dejan fuera a integrantes de su elenco secundario. Las dos temporadas están disponibles en HBO Max, y la plataforma ya rueda una tercera entrega.

“Pluribus” — Apple TV

6 premios Emmy

Vince Gilligan, creador de Breaking Bad, firma esta tragicomedia de ciencia ficción protagonizada por Rhea Seehorn, quien obtiene un Emmy por su trabajo. La actriz interpreta a una sobreviviente en un mundo colonizado por alienígenas que controlan la mente de casi todos los humanos. Los invasores aseguran que buscan una utopía, pero ella desconfía de su proyecto. Los nueve episodios, con una duración total cercana a ocho horas, están en Apple TV. Durante la gala, Gilligan anunció que la segunda parte ya está escrita.

“Spider-Noir” — Prime Video

5 premios Emmy

La serie presenta una versión detectivesca de Spider-Man ambientada en los años treinta y protagonizada por Nicolas Cage. No obtiene premios en la ceremonia principal, pero suma cinco galardones en categorías técnicas, entre ellas iluminación y efectos especiales. Sus ocho episodios, con una duración total de unas seis horas, están en Prime Video, plataforma que canceló la segunda temporada días antes de los premios.

“El show de los Muppets” — Disney+

4 premios Emmy

El regreso de Gustavo, Peggy y el resto de los Muppets al formato de variedades obtiene cuatro galardones. Seth Rogen produce el especial, que retoma a los personajes 50 años después del programa original y cuenta con Sabrina Carpenter como invitada. El especial, de media hora, está disponible en Disney+, que todavía no confirmó una temporada completa por desacuerdos sobre el enfoque del proyecto.

“Bronca” — Netflix

3 premios Emmy

La segunda temporada de la serie antológica obtiene tres premios técnicos, en vestuario y sonido. La nueva historia se aleja de la trama de la primera entrega y pone el foco en un conflicto económico. Carey Mulligan y Oscar Isaac no reciben premios por sus interpretaciones. Los ocho episodios están disponibles en Netflix.

“Margo tiene problemas de dinero” — Apple TV

3 premios Emmy

La comedia negra protagonizada por Michelle Pfeiffer y Elle Fanning recibe reconocimientos por vestuario, maquillaje y peinado. La serie aborda la vida de una mujer vinculada con OnlyFans. Sus ocho episodios, de cerca de 40 minutos cada uno, están en Apple TV. La producción ya tiene renovación.

“Palm Royale” — Apple TV

3 premios Emmy

Kristen Wiig, Laura Dern y Carol Burnett protagonizan esta comedia situada en la alta sociedad de Florida. La serie obtiene tres premios, entre ellos por diseño de producción. Las dos temporadas, que suman 20 episodios, están en Apple TV, plataforma que canceló la continuación ante sus bajos niveles de audiencia.

“El amor en el espectro autista” — Netflix

3 premios Emmy

El reality sobre jóvenes con autismo consolida su presencia entre los programas más vistos de Netflix a escala global. La plataforma tiene disponibles 27 episodios distribuidos en cuatro temporadas.

Los Premios Emmy 2026 ya tienen a sus flamantes ganadores. La ceremonia, realizada este lunes en Los Ángeles y conducida por Mariska Hargitay, dejó una noche de reconocimientos para algunas de las producciones y figuras más destacadas de la televisión. Widow’s Bay fue una de las grandes protagonistas.

La ficción de Apple TV sumó seis premios en la ceremonia principal, entre ellos los reconocimientos para Matthew Rhys como mejor actor de una serie de comedia, Kate O’Flynn como mejor actriz de reparto y Stephen Root como mejor actor de reparto. Con estos galardones, la producción que se coronó como “la mejor serie de comedia del año” llegó a 14 premios Emmy en esta edición, después de haber obtenido otros ocho en una ceremonia previa.

En el apartado dramático, Noah Wyle obtuvo el premio a mejor actor por The Pitt, mientras que Rhea Seehorn consiguió su primer Emmy como mejor actriz por Pluribus. La producción de HBO también salió triunfante como mejor serie dramática.

La noche dejó además otros momentos destacados, como la victoria de Sally Field por Remarkably Bright Creatures, que la convirtió en la mujer de mayor edad en ganar el Emmy a mejor actriz de una serie limitada, antología o película. Matthew Rhys, por su parte, consiguió un logro inédito al ganar dos categorías de actuación principal en una misma edición, gracias a sus trabajos en Widow’s Bay y la miniserie The Beast in Me.

Todos los ganadores en los Premios Primetime Emmy 2026

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

• Dale Dickey — Widow’s Bay
• Hannah Einbinder — Hacks
• Janelle James — Abbott Elementary
• Kate O’Flynn — Widow’s Bay (GANADORA)
• Michelle Pfeiffer — Margo’s Got Money Troubles
• Megan Stalter — Hacks
• Jessica Williams — Shrinking

Mejor actriz principal en una serie de comedia

• Quinta Brunson — Abbott Elementary
• Ayo Edebiri — The Bear
• Elle Fanning — Margo’s Got Money Troubles
• Lisa Kudrow — The Comeback
• Jean Smart — Hacks (GANADORA)

Mejor actor principal en una serie limitada, antología o película

• Riz Ahmed — Bait
• Jason Bateman — Black Rabbit
• Charlie Hunnam — Monster: The Ed Gein Story
• Oscar Isaac — Beef
• Matthew Rhys — The Beast in Me (GANADOR)

Mejor actriz de reparto en una serie dramática

• Taylor Dearden — The Pitt
• Fiona Dourif — The Pitt
• Allison Janney — The Diplomat (GANADORA)
• Katherine LaNasa — The Pitt
• Sepideh Moafi — The Pitt
• Julianne Nicholson — Paradise
• Karolina Wydra — Pluribus

Mejor actriz principal en una serie dramática

• Carrie Coon — The Gilded Age
• Chase Infiniti — The Testaments
• Keri Russell — The Diplomat
• Rhea Seehorn — Pluribus (GANADORA)
• Zendaya — Euphoria

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

• Colman Domingo — The Four Seasons
• Paul W. Downs — Hacks
• Harrison Ford — Shrinking
• Nick Offerman — Margo’s Got Money Troubles
• Stephen Root — Widow’s Bay (GANADOR)
• Michael Urie — Shrinking
• Tyler James Williams — Abbott Elementary

Mejor programa de competencia de telerrealidad

• Dancing with the Stars
• RuPaul’s Drag Race
• Survivor
• Top Chef
• The Traitors (GANADOR)

Mejor actor principal en una serie dramática

• Sterling K. Brown — Paradise
• Gary Oldman — Slow Horses
• Mark Ruffalo — Task
• Rufus Sewell — The Diplomat
• Noah Wyle — The Pitt (GANADOR)

Mejor actor de reparto en una serie dramática

• Patrick Ball — The Pitt
• Billy Crudup — The Morning Show
• Shawn Hatosy — The Pitt
• Gerran Howell — The Pitt
• Jack Lowden — Slow Horses
• Tom Pelphrey — Task (GANADOR)
• Carlos-Manuel Vesga — Pluribus

Mejor actriz principal en una serie limitada, antología o película

• Claire Danes — The Beast in Me
• Sally Field — Remarkably Bright Creatures (GANADORA)
• Carey Mulligan — Beef
• Sarah Pidgeon — Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette
• Sarah Snook — All Her Fault

Mejor actor principal en una serie de comedia

• Yahya Abdul-Mateen II — Wonder Man
• Steve Carell — Rooster
• Matthew Rhys — Widow’s Bay (GANADOR)
• Jason Segel — Shrinking
• Martin Short — Only Murders in the Building

Mejor guion para una serie de comedia

• Quinta Brunson - Abbott Elementary
• Tim Robinson, Zach Kanin - The Chair Company
• Michael Patrick King, Lisa Kudrow - The Comeback
• Lucia Aniello - Hacks
• Anthony King - Jury Duty Presents: Company Retreat
• Katie Dippold - Widow’s Bay (GANADORA)

Mejor dirección para una serie dramática

• Salli Richardson Whitfield — The Gilded Age
• Hanelle M. Culpepper — Paradise
• Noah Wyle — The Pitt
• Vince Gilligan — Pluribus
• Saul Metzstein — Slow Horses (GANADOR)
• Salli Richardson Whitfield — Task

Mejor programa de variedades

• The Daily Show
• Jimmy Kimmel Live!
• Last Week Tonight with John Oliver
• The Late Show with Stephen Colbert (GANADOR)
• Saturday Night Live

Mejor dirección para una serie de comedia

• Randall Einhorn — Abbott Elementary
• Christopher Storer — The Bear
• Andrew DeYoung — The Chair Company
• Lucia Aniello — Hacks
• Mary Lou Belli — The Ms. Pat Show
• Hiro Murai — Widow’s Bay (GANADOR)

Premio Humanitario Bob Hope para Michael J. Fox

Mejor guion para una serie dramática

• Peter Ackerman — The Diplomat
• Kirsten Pierre-Geyfman, R. Scott Gemmill — The Pitt
• Valerie Chu — The Pitt
• Vince Gilligan — Pluribus (GANADOR)
• Will Smith — Slow Horses
• Brad Ingelsby — Task

Mejor serie limitada o de antología

• All Her Fault (Peacock)
• The Beast in Me (Netflix)
• Beef (Netflix)
• DTF St. Louis (HBO Max) [Ganador]
• Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette (FX)

Mejor serie dramática

• The Diplomat (Netflix)
• The Gilded Age (HBO Max)
• A Knight of the Seven Kingdoms (HBO Max)
• Paradise (Hulu)
• The Pitt (HBO Max) [GANADOR]
• Pluribus (Apple TV)
• Slow Horses (Apple TV)
• Your Friends and Neighbors (Apple TV)

Mejor serie de comedia

• Abbott Elementary (ABC)
• The Bear (FX/Hulu)
• Hacks (HBO Max)
• Margo’s Got Money Troubles (Apple TV)
• Nobody Wants This (Netflix)
• Only Murders in the Building (Hulu)
• Shrinking (Apple TV)
• Widow’s Bay (Apple TV) [GANADOR]

La conversación arrancó con los referentes de la infancia. Branagh confesó que de niño habría querido colarse en Cool Hand Luke para ser el mejor amigo de Paul Newman. “Quería estar cerca de él cuando hacía algo audaz en la cadena de presos. Solo quería ver si un poco de su frialdad se me pegaba”, dijo el actor y director, nominado a siete premios de la Academia en distintas categorías.

La nostalgia derivó en una revelación más concreta: Branagh compartió un día de carreras con el propio Newman, Tom Cruise y Bruce Willis en el circuito de Willow Springs, en California.

Newman lo instruyó sobre la pista, le cedió el volante y se subió al asiento del copiloto. “Todo lo que podía pensar era: soy una leyenda del cine. Si hago algo mal acá, estoy escribiendo la historia de otra manera”, recordó Branagh.

Reynolds tomó un camino diferente hacia sus referentes. El actor canadiense admitió que de chico no gravitaba tanto hacia el cine sino hacia la televisión: estudiaba a fondo a Sam Malone en Cheers y seguía a Dan Aykroyd con una obsesión particular.

“Podía hablar tan rápido y transmitir tanta información que no sonaba como si estuviera recitando algo de memoria. De él aprendí a ser un motor de palabras”, explicó. También vio Stripes, con Bill Murray, entre 65 y 70 veces antes de los 15 años.

Reynolds contó además que colecciona fotografías antiguas en blanco y negro de estrellas de Hollywood jugando al ping-pong en los sets, con imágenes de Henry Fonda con James Stewart y de John Candy con Lorne Michaels. La más reciente es una foto suya con Hugh Jackman en traje, con paletas en mano, durante el rodaje de Deadpool & Wolverine.

La pregunta que ninguno supo responder de inmediato

Reynolds contó que su esposa le preguntó quién era él por fuera del cine, y que le costó responder. La anécdota los encontró en el mismo lugar. “No me pienso como actor. Me pienso como narrador. Eso aplica a ser padre, a manejar un negocio, a ser copresidente de un club de fútbol galés”, dijo más allá del reconocimiento público.

Branagh apuntó en la misma dirección y señaló que cuando uno se conoce de verdad, la distancia entre la imagen pública y la propia deja de ser un conflicto. “A veces los trabajos son trabajos. Pero a veces alcanzan ese momento en que no podés dividirte entre uno y el otro”.

Reynolds lo condensó en una pregunta retórica: “¿Qué tan afortunados somos de amar algo?”. Y fue Branagh quien cerró el tema con la frase más directa: cuando McCarthy preguntó qué contestarle a su esposa la próxima vez, el actor le dijo que la mirara a los ojos y le dijera simplemente “vos”.

Los directores y el trasfondo de la película

La segunda parte de la entrevista incluyó a los guionistas y directores de Mayday, Jonathan Goldstein y John Francis Daley, responsables de Game Night y Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones.

Sobre el trasfondo de la película, Daley fue directo: la historia trabaja sobre la forma en que la identidad nacional levanta barreras entre personas. “Los algoritmos nos dicen exactamente qué creer. No hay lugar para la diversidad de perspectivas, y eso genera un ciclo que está causando la cultura más divisiva que hayamos enfrentado”, advirtió.

La película, protagonizada por Ryan Reynolds y Kenneth Branagh, se sitúa en 1987 y sigue a Troy Kelly o Troy Brennan, identificado con el indicativo ‘Assassin’, un aviador estadounidense que cae en territorio soviético y despierta en una cabaña remota de Siberia atendido por Nikolai Ustinov, un antiguo miembro del KGB fascinado por la cultura popular de Estados Unidos y que tiene una copia pirata en VHS de Top Gun.

“Está aislado y exiliado y busca símbolos de lo que parece libertad, de lo que a él le parece lo es el poder, lo moderno, lo tecnológicamente avanzado. Y ve todo eso como una especie de ejemplo de la cultura estadounidense y un impulso que quizás él no siente que tiene o que tenía en su anterior vida en el KGB”, cuenta Kenneth Branagh en la rueda de prensa de presentación de la película.

Un ‘bromance’ masculino al estilo años 80

La cinta convierte ese punto de partida en una “bromance” de guerra fría con peleas cuerpo a cuerpo, persecuciones en coche en torno a Moscú y una energía que remite a la etapa de Roger Moore como James Bond. Un duelo entre el carisma irónico de Reynolds y la inesperada vis cómica y física de Branagh.

“Trabajar con Ryan es muy libre, está muy presente y es un gran oyente. En esta comedia de compañeros dependía totalmente de él. Fue generoso porque asume un papel diferente al que está acostumbrado”, cuenta Kenneth Branagh sobre su compañero de reparto.

La química entre los dos protagonistas sostiene una película que mira abiertamente al cine de colegas de los años ochenta y noventa. Así, Branagh se convierte en la gran sorpresa del reparto, hasta el punto de robar la función a Reynolds.

“Mi personaje es implacable cuando se trata de violencia si necesita usarla lo va a hacer, pero también tiene un punto ingenuo e inocente que lo hace imprevisible”, dice sobre su personaje. “Lo que sí que está claro es que está totalmente alejado de los tropos de habituales de cualquier thriller alrededor de la Guerra Fría”.

La película está escrita y dirigida por Jonathan Goldstein y John Francis Daley, el dúo responsable de Noche de juegos y Dungeons & Dragons: Honor entre dragones y podríamos definirla como una mezcla entre Top Gun y Huida a medianoche.

El humor y los paisaje míticos de Branagh

Para Kenneth Branagh el humor es fundamental en su vida y por eso lo reivindica en las películas. “Un vivo sentido de lo absurdo es un mecanismo de adaptación para lidiar con lo inesperado de la vida”, dice.

Desde el punto de vista político, Branagh es consciente de que existe una polarización similar a cuando nos encontrábamos en la Guerra Fría. “En vez de estar enfrentados, deberíamos entendernos mejor“.

Si a su personaje el gusta Top Gun, a Kenneth Branagh lo que le gusta de Norteamérica como símbolo son los wésterns. “Para mí presentaban imágenes de esa clase de tierra de oportunidades, y también una especie de paisaje mítico en el que se consideraban importantes cuestiones morales. En mi película Belfast, incluimos un fragmento de Solo ante el peligro, una película de Fred Zinnemann, en blanco y negro. Gary Cooper interpreta a un alguacil estadounidense que podría ser intimidado para abandonar un pueblo por un grupo que quiere liberar a un hombre al que tiene en la cárcel. ¿Se queda? ¿Se va? ¿Se quedará para el mediodía y la llegada de los malos? Y el dilema moral de que tiene una responsabilidad hacia una esposa joven y recién casada, dentro de un paisaje enorme, de inmensidad y rocas de granito".

La guerra entre el Silo 18 y el Silo 1

La nueva temporada retomará la historia tras el intento de los habitantes del Silo 18 por evitar la salvaguarda, el mecanismo preparado para eliminar amenazas contra el sistema. Aunque todavía no existe una sinopsis oficial completa, el final anterior dejó planteada una guerra contra el Silo 1, desde donde operan quienes administran y protegen la estructura creada por los Fundadores.

Juliette, Camille y Sims deciden pasar a la ofensiva y revelarles a sus vecinos la verdad que descubrieron. El primer adelanto muestra parte de ese movimiento, que amenaza el control de la información ejercido durante generaciones. La reacción del Silo 1 será central, ya que sus responsables han demostrado que están dispuestos a eliminar comunidades enteras cuando consideran que existe un riesgo para el sistema.

Los episodios también continuarán explorando el pasado y las circunstancias que llevaron al fin del mundo. Entre las preguntas pendientes aparecen el destino de Helen, la transformación de Daniel en Troy y el funcionamiento cotidiano del Silo 1.

Troy tendrá que reconstruir su identidad y averiguar quién fue Helen. La pista surgió cuando Victor le transmitió esa información antes de suicidarse. Esta línea temporal permitirá conectar las decisiones tomadas durante la creación de los refugios con la rebelión encabezada por Juliette en el presente.

El reparto y un rodaje completado

Rebecca Ferguson seguirá al frente del elenco. Junto a ella regresarán Common, Harriet Walker, Avi Nash, Rick Gomez, Chinaza Uche, Shane McRae, Alexandria Riley, Ashley Zukerman, Jessica Henwick, Reed Birney, Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie y Colin Hanks, entre otros integrantes de las temporadas anteriores.

La participación de Tim Robbins no está prevista después de los acontecimientos recientes, aunque la estructura narrativa todavía permitiría una aparición mediante escenas del pasado. El regreso de Matt Craven como Victor resulta más probable porque la cuarta temporada seguirá investigando el origen de los silos y las primeras decisiones de sus responsables.

El rodaje ya terminó. Apple Studios filmó las temporadas tercera y cuarta de manera consecutiva, una decisión que redujo la espera entre ambas entregas y permitió completar la fotografía principal antes del estreno del tramo anterior. La producción de los capítulos finales se extendió desde agosto de 2025 hasta marzo de 2026. El trabajo restante corresponde a la edición y los efectos visuales.

Graham Yost, creador y guionista de la serie, continúa al frente del proyecto. El equipo de productores incluye a Michael Dinner, Nina Jack, Joanna Thapa, Rebecca Ferguson, Morten Tyldum, Hugh Howey, Amber Templemore, Fred Golan y Rémi Aubuchon.

Qué está en juego en la temporada final

Silo transcurre en un futuro aparentemente postapocalíptico. Cerca de 10.000 personas viven dentro de una estructura subterránea de 144 niveles porque el exterior es presentado como un territorio tóxico e inhabitable. Sus habitantes siguen reglas estrictas que, según las autoridades, existen para asegurar la supervivencia de la comunidad.

La sociedad del refugio está dividida entre departamentos técnicos, cuerpos de seguridad y autoridades políticas. La distribución vertical también crea diferencias económicas y culturales entre los niveles. Juliette comienza la historia como una ingeniera encargada de los generadores ubicados en las zonas inferiores, pero varias muertes sospechosas la llevan a cuestionar la versión oficial sobre el exterior y el origen de la estructura.

Las investigaciones de Juliette revelan que parte de la historia fue ocultada durante décadas y que cualquier desafío al sistema recibe una respuesta severa. La temporada final deberá conectar esas revelaciones con la creación de los refugios, la identidad de Troy y la ofensiva del Silo 18.

Apple TV programó el primero de los diez episodios finales para el 9 de julio de 2027.

Robbins, ganador del Oscar a mejor actor de reparto en 2004 por Río Místico, vinculó experiencias de distintas etapas de su trayectoria con una idea común: la preparación, la escucha y el respeto por los equipos técnicos pueden definir tanto una película como las condiciones en las que se realiza.

La conversación recorrió sus primeros trabajos en los años 80, su vínculo con The Actors’ Gang, la compañía teatral que fundó en Los Ángeles, y producciones como Top Gun, Sueño de fuga, El ejecutivo y Río Místico. Sin embargo, los recuerdos sobre Altman y Eastwood ofrecieron una mirada sobre dos formas de dirigir que, para Robbins, contrastan con prácticas hoy extendidas en parte de Hollywood.

El actor también habló de su presente en Apple TV+, donde interpreta a Bernard Holland en Silo. La tercera temporada de la serie ya está disponible, mientras que la plataforma anunció el estreno de la cuarta para el 9 de julio de 2027.

Robert Altman le enseñó a escuchar antes de imponer una decisión

Robbins trabajó con Robert Altman en El ejecutivo, la película de 1992 que también reunió a Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh, Greta Scacchi y Whoopi Goldberg. El actor contó que renunció a otro proyecto mejor pago para esperar que se confirmara el financiamiento de la producción, una decisión que tomó por el interés de trabajar con el director.

La experiencia, según explicó, influyó después en su propio recorrido como realizador. Ese mismo año dirigió y protagonizó Bob Roberts, una sátira política sobre un cantante de música folk que construye una candidatura conservadora en Estados Unidos.

Robbins recordó una dinámica habitual en los rodajes de Altman. Cuando un responsable de área le presentaba una propuesta, el director solía preguntar primero qué opinaba otra persona del equipo. El cineasta no respondía de inmediato ni se ubicaba como única autoridad creativa de la escena.

La lógica de esa conducta, relató Robbins, partía de una premisa sencilla: escuchar una opinión ajena podía mejorar la primera idea. Para el actor, ese modo de conducir un rodaje reflejaba la seguridad de un director que no necesitaba imponer respuestas automáticas para sostener su lugar frente al equipo.

Altman convirtió la escucha en una herramienta de dirección y no en un gesto protocolar. Robbins asoció esa actitud con la posibilidad de que actores, técnicos y jefes de departamento aporten soluciones que una sola persona quizá no habría considerado.

La referencia también ordenó su evaluación sobre el presente de la industria. El actor sugirió que la concentración empresarial y la presión por cumplir con cronogramas cada vez más exigentes redujeron márgenes para ese intercambio creativo.

Clint Eastwood exigía preparación y filmaba con pocas tomas

Robbins evocó una enseñanza distinta al hablar de Clint Eastwood, quien lo dirigió en Río Místico, estrenada en 2003. La película, basada en la novela de Dennis Lehane, contó también con las actuaciones de Sean Penn, Kevin Bacon, Laura Linney y Marcia Gay Harden.

Eastwood trabajaba con un ritmo que obligaba al elenco a llegar preparado. Robbins contó que el director solía limitar el número de tomas y que esa regla definía el comportamiento de los actores desde la noche anterior: cada intérprete debía conocer con precisión el texto, la escena y los movimientos previstos.

“Sabíamos que Clint solo nos daba una toma. Así que llegábamos listos”, resumió Robbins. El sistema reducía el tiempo de filmación, aunque exigía concentración y dominio del material antes de que comenzara la jornada.

El método de Eastwood priorizaba la preparación previa y evitaba extender los rodajes de manera innecesaria. Robbins destacó que las jornadas podían concluir antes de las 14:00, una diferencia marcada frente a los horarios de 14 o 16 horas que, según cuestionó, se naturalizaron en numerosas producciones.

La observación no implicó presentar a Eastwood y Altman como directores de procedimientos idénticos. Altman privilegiaba la circulación de ideas dentro del equipo, mientras que Eastwood concentraba el trabajo en una planificación precisa y en un número reducido de tomas. Para Robbins, ambos modelos compartían un punto: el cuidado del tiempo de quienes trabajan en el set.

La crítica a los rodajes extensos y al impacto de las fusiones corporativas

El actor vinculó la expansión de las jornadas prolongadas con cambios en el funcionamiento de Hollywood. Robbins sostuvo que las fusiones corporativas y la mayor presión financiera alteraron la relación entre los estudios y los equipos técnicos.

Según planteó, el problema no se limita al cansancio físico. Los rodajes que se extienden durante muchas horas afectan la concentración, la seguridad y la vida cotidiana de camarógrafos, asistentes, personal de vestuario, maquillaje, sonido y transporte, entre otras áreas.

Robbins cuestionó que los horarios de 14 y 16 horas hayan pasado a considerarse normales en algunos rodajes. La crítica recupera un debate que atraviesa a sindicatos y trabajadores del sector, especialmente después de los conflictos laborales que paralizaron parte de la industria estadounidense en 2023.

La frase surgió durante una escena con Kenneth Branagh

Reynolds recordó la secuencia en la que intervino con una línea fuera del libreto durante el estreno de la película en Nueva York. En ella, el personaje interpretado por Kenneth Branagh destruye el piso del departamento de su hija. Mientras el hombre abre un agujero en la vivienda, el personaje de Reynolds dirige una pregunta a la joven: “¿Es propietaria o alquila?”.

El actor explicó que esa intervención no formaba parte de la versión original del diálogo. “Fue el chiste más tonto, pero me encanta”, afirmó Reynolds en declaraciones a People.

Para él, la frase tenía un tono cotidiano que contrastaba con la situación de la escena y por eso podía funcionar. “Por alguna razón, funciona en ese momento. Es una de esas cosas pedantes y molestas de las que uno se enamora”, agregó.

El guion de “Mayday” dejó poco espacio para correcciones

La historia de Mayday se desarrolla en 1987, cuando un aviador estadounidense cae detrás de las líneas enemigas en territorio soviético. Tras el derribo, el protagonista debe formar una alianza con un exagente de la KGB, encarnado por Branagh. La película plantea la relación entre ambos personajes en un escenario marcado por la tensión entre Estados Unidos y la Unión Soviética.

Reynolds sostuvo que el libreto escrito por Goldstein y Daley evitó que el elenco tuviera que intervenir de forma constante sobre los remates o los diálogos. “Había un guion increíble, así que no hubo mucho de ‘¿cómo arreglo ese chiste malo o esa…?’”, señaló.

El actor dejó inconclusa la frase, pero remarcó que el texto ya tenía resueltos esos aspectos. “Todo estaba muy bien. Pero me gusta probar distintas cosas”, añadió.

Reynolds prepara opciones, pero decide frente a la cámara

El protagonista de Deadpool indicó que su relación con la improvisación cambia según cada proyecto. Cuando tiene participación en el proceso de escritura, llega al set con múltiples alternativas para una misma situación. Esas opciones pueden ser líneas para su personaje, respuestas para sus compañeros de reparto o variaciones de una broma que todavía no tiene una forma definitiva.

“En algunas películas escribo de verdad, así que estás reescribiendo. Llenaría mi teléfono con alternativas, como 100 alternativas, no solo para mí, sino para mis compañeros de reparto y todo eso”, explicó.

Reynolds precisó que esas posibilidades no siempre pasan a la filmación. Su utilidad depende de la escena, del intercambio entre los actores y de la manera en que se organiza el rodaje.

Para el intérprete, una idea puede parecer eficaz antes de llegar al estudio, pero perder fuerza cuando se prueba en el contexto concreto de la secuencia. “Tienes que llegar, ver el espacio”, afirmó.

También advirtió que una broma pensada con anticipación puede no encajar con el ritmo de la actuación. “Si intentas hacer algo que pensaste de antemano la noche anterior, es probable que no funcione”, concluyó.

Lindsay Clancy vuelve a ocupar la atención pública en Estados Unidos después de que el juicio por la muerte de sus tres hijos termina sin veredicto. Mientras la fiscalía de Massachusetts define si impulsa un nuevo proceso, el caso revive el debate sobre la psicosis posparto y lleva a buscar el documental que reconstruye los hechos.

La acusada enfrenta tres cargos de asesinato en primer grado por las muertes de Cora, de 5 años; Dawson, de 3; y Callan, de 8 meses, ocurridas en enero de 2023 en su casa de Duxbury, Massachusetts. El primer juicio incluyó más de 80 testigos y más de 300 pruebas.

“La culpa es de los malditos medicamentos y de la pésima atención médica que recibió”, sostiene Kevin Reddington, abogado de Lindsay Clancy, durante sus alegatos finales.

El documental A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case aborda las circunstancias del expediente, el estado mental de la exenfermera y el proceso judicial que divide a la fiscalía y a la defensa. La producción vuelve a ser buscada desde México tras la nulidad del juicio.

¿Qué pasó con el juicio de Lindsay Clancy?

El juez William Sullivan declara la nulidad después de siete días de deliberaciones. El jurado no logra un acuerdo unánime sobre la responsabilidad penal de Clancy, quien se declara no culpable de los cargos presentados por la fiscalía del condado de Plymouth.

“Me reuniré con nuestro equipo y abordaremos este caso con mayor detalle en el momento oportuno, en el marco de un procedimiento judicial oficial”, dijo Timothy Cruz, fiscal del condado de Plymouth, tras la decisión.

La defensa no cuestiona que Clancy haya cometido los actos que derivaron en la muerte de sus hijos. Su postura sostiene que la mujer atravesaba un episodio de psicosis posparto y que no podía comprender el alcance de sus decisiones ni distinguir entre el bien y el mal.

La fiscalía mantiene una versión distinta. Reconoce que Clancy padecía depresión y agotamiento, aunque argumenta que sus acciones fueron deliberadas. Durante el juicio, los fiscales señalaron que habría enviado a su esposo, Patrick Clancy, a comprar comida y pasar por una farmacia para quedarse sola en casa.

“Creo que es totalmente posible que avancen con un nuevo juicio por un par de razones”, dijo Jessica Levinson, profesora de la Facultad de Derecho de Loyola y analista legal de CBS News. “A veces se observa una gran variación entre los jurados de un juicio y otro”.

La anulación no equivale a una absolución. El expediente regresa a la fase previa al juicio oral y la fiscalía puede solicitar una nueva fecha, negociar un acuerdo con la defensa, reducir los cargos o retirar la acusación. Por ahora, Clancy permanece detenida sin derecho a fianza en el Hospital Estatal de Tewksbury.

El juez Sullivan contempla que un eventual segundo juicio se realice más adelante durante el otoño. También convoca a una audiencia de seguimiento para este 29 de septiembre, fecha en la que las partes podrían conocer los siguientes pasos del Ministerio Público.

El documental de Lindsay Clancy revisa el debate sobre la psicosis posparto

A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case, estrenada este 2026 y producida por Fox Nation pone el foco en los antecedentes médicos de Lindsay Clancy, las versiones que se enfrentan en el tribunal y el debate sobre la salud mental después del parto.

¿Se puede ver desde México?

El documental A Mother’s Mental State: Inside the Clancy Case está disponible en Prime Video dentro de su catálogo de producciones de crimen real, no obstante, sólo puede reproducirse actualmente desde EEUU. Se desconoce si posteriormente la plataforma liberará el contenido para este país.

Apple TV también ofrece episodios y contenidos vinculados con la cobertura del juicio de Lindsay Clancy, pero tampoco se encuentran disponibles para México.

Para quienes buscan contenido en español, ViX cuenta con Lindsay Clancy: ¿Psicosis o crimen?, una breve producción que revisa el juicio y las preguntas surgidas alrededor de la psicosis posparto. El caso seguirá abierto mientras la fiscalía de Massachusetts decide si lleva a Clancy ante un nuevo jurado.

Comienza el tumultuoso mes de septiembre, reservado tradicionalmente para que las diversas plataformas saquen músculo con algunos de sus proyectos más esperados, que nos llevan por todos los géneros, desde la acción al terror pasando por los proyectos ‘autorales’.

Ha sido un verano repleto de grandes títulos. En Netflix se ha estrenado la temporada final de Cien años de soledad, demostrando que con talento e inteligencia se podía adaptar la gran obra de Gabriel García Márquez; en Disney+ ha destacado el magnífico thriller Furious, creado por Elizabeth Merithewer, la particular caza de una agente del FBI de una asesina en serie que busca venganza hacia los hombres que la explotaron sexualmente cuando era menor; HBO Max ha emitido la miniserie De puntillas, una excepcional comedia negra que reflexiona sobre el choque ideológico que caracteriza nuestro presente.

En septiembre llega también la segunda temporada de Chad Powers (Disney+), la comedia ambientada en el fútbol americano protagonizada por Glen Powell, la sexta de la ‘multipremiada’ Slow Horses (Apple TV), con Gary Oldman y Jack Lowden o la ‘precuela’ de Outlander, titulada Outlander: Sangre de mi sangre (Movistar Plus+) y, por último, en SkyShowtime, Tierra de mafiosos (MobLand), con Tom Hardy y sus constantes polémicas dentro de esta ficción en torno a los bajos fondos y el crimen organizado en Inglaterra.

He aquí 10 de las series que destacamos, por diferentes particularidades, dentro de la amplia oferta que nos ofrecen las plataformas de ‘streaming’ para las próximas semanas de septiembre.

‘The Gentlemen: La serie’ (Netflix)

En 2019, Guy Ritchie dirigió The Gentlemen: Los señores de la mafia, una comedia criminal con un reparto de lujo encabezado por Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant y Colin Farrell.

Más tarde se embarcó como creador en este ‘spin-off’ en formato serie de ocho episodios en la que sacó a relucir toda la parafernalia que ha caracterizado su estilo desde Snatch. Cerdos y diamantes.

Ahora se estrena la segunda temporada de este thriller de mafiosos con ritmo trepidante protagonizado por Theo James, Kaya Scodelario, Giancarlo Esposito y Joely Richardson.

En Netflix a partir del 3 de septiembre.

‘Monstruo: La historia de Lizzie Borden’ (Netflix)

Ryan Murphy continúa con su particular racha imparable de estrenos. Después de la adaptación de The Shards, la novela de Bret Easton Ellis, continúa con su antología Monstruos, que repasa algunos de los asesinos en serie más célebres de la historia.

En este caso le toca el turno a Lizzie Borden, que ha pasado a formar parte de la cultura popular como la asesina de hacha y, para ello, se retrotrae al s. XIX, para contar la historia de una joven que supuestamente mató a su padre y su nueva esposa y cuya actitud dentro de la comunidad era irreprochable por ser una devota protestante.

Al frente del reparto, la joven Ella Beatty (hija de Warren Beatty y Annette Bening), Vicky Krieps, Charlie Hunnan y Rebecca Hall, con la aparición especial de Sarah Paulson.

En Netflix a partir del 17 de septiembre.

‘American Horror Story 13′ (Disney+)

En efecto, de nuevo Ryan Murphy, esta vez con otra de sus antologías más longevas, American Horror Story, que comenzó su andadura allá por 2011 con La casa del crimen.

Por el momento poco se sabe de esta decimotercera entrega, solo que el elenco es de auténtico lujo: Jessica Lange, Sarah Paulson, Kathy Bates, Angela Bassett, Emma Roberts y Evan Peters, que repetirán sus roles en anteriores entregas. Una forma de rendirles homenaje dentro del universo creado por el ‘showrunner’ a modo de ‘crossover’.

La temporada consta de 13 episodios y se cerrará el 30 de octubre, antes de Halloween.

En Disney+ a partir del 25 de septiembre con capítulos semanales.

‘El problema final’ (Netflix)

Una de las apuestas españolas de la ‘rentrée’ es la adaptación de la novela de Arturo Pérez-Reverte del mismo título, que constituye un homenaje al género de detectives creado por Arthur Conan Doyle en torno a la figura de Sherlock Holmes.

La miniserie, muy en la línea del ‘whodunit’, se centra en 13 personas que quedan aisladas en un islote cercano a Mallorca durante la primavera de 1959 cuando aparezca muerta una turista. Un actor que en su día encarnó a Sherlock Holmes, se convertirá en el investigador involuntario del caso.

En el reparto, José Coronado, Maribel Verdú, María Valverde, Martiño Rivas, Pepón Nieto o Gonzalo De Castro.

Se estrena en Netflix el 25 de septiembre.

‘Mis muertos tristes’ (Netflix)

Desde Netflix Latinoamérica nos llega esta producción de lujo dirigida por el prestigioso Pablo Larraín que adapta varios relatos de Mariana Enríquez que se encuentran en su libro Un lugar para gente sombría en el que lo cotidiano se da la mano con lo sobrenatural.

La propuesta se podrá ver dentro de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en formato película, con los cuatro episodios seguidos, configurando una sola unidad, y optará a la Concha de Oro. Encabeza el reparto dos nombres de altura como Dolores Fonzi y Mercedes Morán, que interpreta a una médica que puede escuchar (y ver) a las personas que han fallecido.

En Netflix a partir del 24 de septiembre.

‘City of Blood’ (Disney+)

Desde Alemania nos llega la adaptación de la novela gráfica Berlinoir, un thriller de terror que presenta la capital alemana como una ciudad-estado al límite, con una sociedad partida entre una minoría que vive bajo una cúpula climatizada y el resto que intenta sobrevivir en un entorno marcado por calor, corrupción y delincuencia.

En ese escenario, las hermanas Bea y Phoebe se reencuentran tras años separadas y descubren un secreto: los vampiros buscan hacerse con el poder político y la sangre opera como nueva moneda en la ciudad.

La historia sitúa el choque entre ambas la víspera de unas elecciones decisivas, cuando sale a la luz que los vampiros controlan el crimen organizado y pretenden dominar las instituciones. La trama plantea una disputa de fuerzas rivales en un mundo destrozado por el cambio climático, con la violencia como parte de la vida cotidiana.

Bea, enferma crónica, creció protegida junto a su madre adoptiva, mientras Phoebe luchó por sobrevivir en las calles berlinesas. El reencuentro las empuja a enfrentar una pregunta central: quién representa una amenaza mayor, los humanos o los vampiros.

‘Pequeños profetas’ (Apple TV)

Apple TV incorporar a su catálogo esta serie británica cuya primera temporada, compuesta por seis episodios. La ficción ha sido creada, escrita y dirigida por Mackenzie Crook, quien también forma parte del elenco junto a Pearce Quigley, Lauren Patel, Sir Michael Palin, Sophie Willan, Jon Pointing y Paul Kaye.

La trama sigue a Michael Sleep (Pearce Quigley), un hombre excéntrico que, tras la desaparición su querida compañera Clea, sufre una rutina marcada por su empleo en una tienda de bricolaje y las visitas a su padre. La historia toma un giro cuando Michael, intentando responder si volverá a encontrarse con Clea, comienza a experimentar con una receta mágica en busca de crear homúnculos, acompañado por su compañera de trabajo, Kacey.

El relato se desarrolla en un barrio donde lo cotidiano y lo mágico se cruzan, con personajes secundarios que se involucran en los misterios del protagonista. Una ‘sitcom’ que ha sido calificada como “una maravilla”.

‘Brothers’ (Apple TV)

Desde hace años, se rumorea que podría haber un posible parentesco entre Woody Harrelson y Matthew McConaughey. Pues bien, ahora los dos intérpretes aprovechan esta mitología urbana en esta serie en la que se reencuentran después de True Detective.

La trama presenta a Harrelson instalándose en la casa de McConaughey tras un incidente en la boda de su hija. Desde esa convivencia, ambos empiezan a cuestionar si comparten más que su amistad, impulsados por coincidencias familiares.

La ficción alterna ese eje con una subtrama en la que McConaughey evalúa la posibilidad de postularse como gobernador de Texas, reflejando rumores reales sobre su vida. El enfoque de la serie combina comedia y cuestiones de identidad, aprovechando la química entre ambos actores, pero trasladada a un tono humorístico y autorreferencial.

Brothers explora la frontera entre la realidad y la ficción, planteando hasta qué punto los mitos de Hollywood pueden integrarse a una narración que se nutre de anécdotas reales y especulaciones mediáticas.

Disponible en Apple TV a partir del 23 de septiembre.

‘Gone’ (Filmin)

George Kay, responsable de series como Hijack o Lupin regresa con esta serie de intriga protagonizada por David Morrissey y Eve Myles. La ficción arranca con la desaparición de Sarah, esposa de Michael Polly, director de un colegio privado, un caso que desencadena una investigación marcada por el aparente estoicismo del protagonista.

El director de escuela Michael Polly vuelve a su casa una tarde y descubre que su esposa ha desaparecido. Tras denunciar el hecho, el caso queda en manos de la inspectora Annie Cassidy, una detective pragmática e inflexible a la que desconcierta desde el inicio la calma del director.

A medida que aparecen pruebas desconcertantes, Annie asume el rol de enlace con la familia y la noticia se difunde pese a los esfuerzos de Michael por contenerla, mientras él mantiene sus obligaciones profesionales. La serie está inspirada libremente en el libro To Hunt a Killer, de Julie Mackay y Robert Murphy, quienes asesoraron el desarrollo de la producción. En Filmin a partir del 1 de septiembre.

‘La mujer miniatura’ (Movistar Plus+)

Hemos visto muchas adaptaciones de El hombre menguante, pero ahora le toca el turno a un enfoque diferente, ya que está basada en el relato de Manuel Gonzales del mismo nombre.

La serie, de diez episodios, plantea el quiebre de una pareja cuando una escritora ganadora del Pulitzer, queda reducida a unos centímetros tras un accidente tecnológico.

El argumento sigue a Lindy y Les Littlejohn, un científico convencido de que logrará un hallazgo capaz de “cambiar el mundo”, después de que los años conviertan su admiración mutua en una guerra silenciosa de reproches y frustraciones. La miniaturización vuelve literal la crisis del matrimonio y los obliga a enfrentar desigualdad de poder, heridas acumuladas y la búsqueda de identidad.

En el reparto, Elizabeth Banks interpreta a Lindy, mientras Matthew Macfadyen, ganador del Emmy por Succession, encarna a Les, cuya obsesión por el éxito profesional desencadena el conflicto central. A partir del 9 de septiembre en Movistar Plus+

Además, la película se sitúa en plena Guerra Fría, lo que refuerza el ambiente ochentero que busca captar la atención del público actual.

Tecnología de los años 80: disquetes, Macintosh y el desafío del almacenamiento

En la década de 1980, la informática personal estaba marcada por el uso de disquetes, dispositivos de almacenamiento que hoy parecen prehistóricos pero que en aquel entonces resultaban imprescindibles. El tráiler de ‘Mayday’ evoca esa época al mostrar a Reynolds y Branagh intentando reproducir la película en un Macintosh original.

La escena, que incluye frases como “vamos a reproducirla en una Mac auténtica de los 80” y “dice ‘insertar nuevo disco’”, ilustra con humor los inconvenientes que enfrentaban los usuarios.

El uso del clip como herramienta para expulsar manualmente los disquetes era una práctica común. En el video, Branagh afirma: “Así que compré un clip auténtico de los 80. Démosle una oportunidad”, antes de intentar liberar el disco.

Este guiño a la cultura tecnológica de la época es un recordatorio de cómo las soluciones improvisadas formaban parte del día a día para quienes utilizaban computadoras personales.

La dinámica presentada en el tráiler resalta el principal problema de los disquetes: la limitación de capacidad y la logística engorrosa. Cuando la pantalla del Macintosh solicita “INSERT DISC 2”, Reynolds reacciona con un resignado “Oh, no me jo***”, reflejando la frustración que sentían los usuarios ante la necesidad de cambiar repetidamente de disco para ejecutar programas o ver contenido.

Nostalgia ochentera y el humor en la promoción de Mayday

El video promocional de Apple TV+ no solo apela a los recuerdos de quienes vivieron esa época, sino que utiliza el humor para conectar con las generaciones actuales. Las bromas entre Reynolds y Branagh, como la confusión sobre el uso del clip y la mención de que “solo faltan 49 más” disquetes, caricaturizan las dificultades tecnológicas que hoy resultan casi inimaginables.

El tráiler también destaca la herramienta indispensable de los técnicos de Apple en los 80: un simple clip. Inserto en el pequeño orificio junto a la unidad de disquete, servía para liberar manualmente los discos atascados.

Esta anécdota concreta refuerza la autenticidad del homenaje a la informática vintage y evidencia cómo los detalles técnicos pueden convertirse en elementos narrativos efectivos en una campaña publicitaria.

Trama de Mayday y ambientación en la Guerra Fría

La película ‘Mayday’ se sitúa en el contexto de la Guerra Fría, un periodo que define el tono y la atmósfera del film. Ryan Reynolds interpreta a un piloto de la Armada estadounidense que, tras un aterrizaje forzoso en la Unión Soviética, se encuentra con un exagente de la KGB, encarnado por Kenneth Branagh.

A partir de ese encuentro, la historia se desarrolla en una serie de aventuras que prometen tanto acción como momentos de humor.

Aunque en el tráiler no se revela si el Macintosh tendrá un papel relevante en la trama, la elección de este elemento como recurso promocional refuerza la ambientación temporal. El estreno está previsto para el viernes 4 de septiembre de 2026 en Apple TV+, por lo que la expectativa sobre el papel de la tecnología ochentera en la narrativa se mantiene abierta hasta el lanzamiento oficial.

El legado de los disquetes

El recuerdo de los disquetes y las Macintosh originales no solo genera nostalgia, sino que también evidencia el contraste con la evolución tecnológica actual. La escena en la que los protagonistas deben lidiar con múltiples discos para ver una sola película resulta un recordatorio directo de las limitaciones de aquellos sistemas.

Para muchos usuarios de Mac en los 80, la reacción de Reynolds en el video resume la experiencia colectiva de una generación: la convivencia con el desorden de disquetes y la paciencia necesaria para operar con ellos.

La promoción de ‘Mayday’ utiliza este aspecto para conectar emocionalmente con el público, renovando el interés por los desafíos del pasado y mostrando cómo la tecnología ha transformado la forma de crear y consumir contenido audiovisual. Con este guiño al pasado, Apple TV+ busca atraer tanto a quienes vivieron esa época como a quienes solo la conocen por referencias y relatos.

Apple TV vuelve a encarecer su suscripción. La plataforma de video de Apple elevó su tarifa mensual a 14,99 dólares, dos dólares más que el precio anterior, mientras que el plan anual pasó de 99 a 119 dólares.

El aumento afecta tanto a los nuevos usuarios como a quienes ya tienen una suscripción activa y llega en un contexto en el que las principales plataformas de streaming continúan revisando sus precios.

Para quienes pagan mes a mes, el cambio significa que mantener la suscripción durante un año completo costará alrededor de 179,88 dólares. La alternativa anual, por 119 dólares, seguirá siendo la opción más económica para quienes planean utilizar el servicio durante los doce meses, aunque requiere realizar un pago único más elevado.

Apple no ha explicado públicamente las razones específicas detrás de este nuevo ajuste. Sin embargo, el aumento se produce en un mercado cada vez más competitivo y costoso, donde las compañías destinan grandes inversiones a la producción de películas, series y otros contenidos originales para atraer y mantener suscriptores.

Cuánto costará ahora Apple TV

Con la nueva tarifa, los usuarios tendrán dos principales opciones de pago. La suscripción mensual será de 14,99 dólares, mientras que el plan anual tendrá un costo de 119 dólares.

La diferencia entre ambas modalidades resulta considerable. Pagar la cuota mensual durante doce meses supone un gasto de 179,88 dólares, es decir, unos 60 dólares más que contratar directamente el servicio durante un año. Por este motivo, la modalidad anual puede ser una alternativa para quienes utilizan Apple TV de forma permanente y no tienen previsto cancelar la suscripción en los próximos meses.

No obstante, el pago mensual continúa ofreciendo una mayor flexibilidad. Los usuarios pueden cancelar el servicio cuando lo deseen, algo que puede resultar útil para quienes solo quieren ver determinadas series o películas durante un periodo concreto.

El aumento, en cualquier caso, se aplicará de forma generalizada. Da igual si una persona acaba de contratar el servicio o lleva años suscrita: todos terminarán pagando la nueva tarifa cuando corresponda la renovación de su plan.

Apple One Individual también sube de precio

La subida de Apple TV también tendrá consecuencias para algunos de los paquetes de servicios de la compañía. El plan Apple One Individual aumentará en Estados Unidos de 19,95 a 21,95 dólares al mes, una subida de dos dólares.

Este paquete reúne varios servicios bajo una misma cuota, entre ellos Apple Music, Apple Arcade, iCloud+ y Apple TV. Por tanto, el incremento del precio del servicio de video termina repercutiendo también en el costo total del paquete.

Los planes Apple One Family y Apple One Premier, por su parte, mantendrán sus precios actuales en Estados Unidos. Esto significa que, al menos por ahora, el aumento se concentra en el plan individual, pensado para usuarios que no necesitan compartir sus servicios con otras personas.

Para algunos consumidores, esto puede abrir la puerta a revisar cuál es la suscripción más conveniente. Quienes utilizan varios servicios de Apple podrían comprobar si un paquete conjunto ofrece una mejor relación entre precio y prestaciones que contratar cada plataforma por separado.

Cuándo comenzarán a pagar más los actuales suscriptores

Los usuarios que ya tienen una suscripción activa no verán necesariamente el cambio reflejado de inmediato en su siguiente cobro. Apple comunicará el aumento a los clientes actuales aproximadamente un mes antes de que se aplique la nueva tarifa.

Este periodo de aviso permitirá a cada suscriptor decidir qué hacer antes de recibir el primer cobro con el precio actualizado. Las opciones incluyen mantener la suscripción mensual, cambiar al plan anual o evaluar alguno de los paquetes Apple One disponibles.

La subida vuelve a poner sobre la mesa el creciente costo de mantener varias plataformas de streaming al mismo tiempo. Con cada servicio apostando por contenidos exclusivos y producciones propias, los usuarios se enfrentan a una oferta cada vez más amplia, pero también a facturas mensuales más elevadas.

Estrategia de continuidad: una apuesta de Slow Horses

Oldman explicó que el equipo de Slow Horses busca mantener un ritmo constante en la producción y el estreno de nuevas temporadas. “Si desapareces por dos años y medio la gente olvida a los personajes”, afirmó el actor, quien considera fundamental que la serie permanezca presente año a año. Deadline informó que, con el estreno previsto para septiembre, Apple TV habrá lanzado seis temporadas en cuatro años, un ritmo poco frecuente en la industria.

El artista señaló que esa regularidad es una de las claves del éxito de la adaptación de la obra de Mick Herron. “Trabajamos para mantener el impulso de la serie”, destacó. Para Oldman, la continuidad permite a la audiencia regresar y seguir involucrada con la trama y los personajes.

Comparaciones en la industria y el desafío de la calidad

La frecuencia de estrenos de Slow Horses contrasta con la de otras series de la misma plataforma. Deadline citó el caso de Severance, que dejó pasar tres años entre la primera y la segunda temporada. Según Oldman, ese tipo de intervalo puede afectar la relación del público con la historia.

El actor británico describió la necesidad de estrenar regularmente como “una lucha”. “Es una lucha conseguir que la gente vuelva cada año y, al mismo tiempo, mantener la calidad”, expresó. Añadió que el equipo no solo apuesta por la rapidez, sino que busca no sacrificar el nivel artístico de la serie. Este equilibrio, según sus palabras, es central para no defraudar a la audiencia.

Confianza en el proyecto y dinámica de trabajo

A pesar de la presión por sostener esa exigencia, Oldman manifestó una confianza inusual en el proyecto. Declaró que desde hace seis años percibe una “alquimia” especial en el equipo y el reparto de Slow Horses. El actor compartió que, normalmente, inicia cada nuevo trabajo con una “baja frecuencia de ansiedad”, pero que en esta serie, la experiencia colectiva ha permitido encauzar mejor los desafíos.

Durante el evento, Oldman recibió el Global Icon Award. El actor expresó que el galardón le resultó “halagador y francamente alarmante”, según relató a Deadline tras la notificación de Fatima Salaria, presidenta del festival. Este reconocimiento coincidió con el momento en que la serie consolida su posición como una de las apuestas fuertes de Apple TV.

Jackson Lamb: un personaje clave en la carrera de Oldman

En conversación con la presentadora Edith Bowman, Oldman describió a Jackson Lamb como “un papel que cayó del cielo” en el instante oportuno de su vida. Sobre su personaje, añadió: “No tiene filtro, es directo, no le importan las normas sociales. Esa es la diversión de interpretarlo”.

Al repasar su trayectoria, próxima a cumplir 50 años, Oldman declaró ante ejecutivos de televisión: “Siempre espero que mi mejor trabajo llegue al año siguiente”. Se definió como “profundamente autocrítico”, a pesar de su Óscar por Darkest Hour. El actor también mencionó que los mensajes de felicitación en video de figuras del Manchester United, como Alex Ferguson, le alegraron el año, según Deadline.

El valor de la continuidad para la audiencia

La inquietud de Oldman gira en torno a una idea central: si una historia se interrumpe durante mucho tiempo, la relación del público con sus personajes se enfría. Por eso, la continuidad anual de Slow Horses aparece como una ventaja para mantener el interés y la fidelidad de los espectadores, consolidando el vínculo entre la producción y su audiencia.

Woody Harrelson y Matthew McConaughey se reencuentran en la pantalla con la llegada de Brothers, la nueva serie de Apple TV que explora una premisa tan inusual como irresistible: ¿y si los célebres protagonistas de True Detective fueran, en realidad, hermanos? La comedia, producida por Paramount Television Studios, parte de una base de rumores y coincidencias reales que han acompañado a ambos actores durante años, y los convierte en el centro de una ficción que mezcla realidad y fantasía.

La trama de Brothers presenta a Harrelson y McConaughey interpretando versiones ficticias de sí mismos que, tras un inesperado giro en la vida familiar, comienzan a sospechar que podrían compartir algo más que una amistad de décadas. Todo se desencadena cuando el personaje de Harrelson, tras el bochornoso desenlace de la boda de su hija, se instala en casa de McConaughey. Allí, una serie de revelaciones lleva a ambos a enfrentarse a la posibilidad de tener el mismo padre, detonando situaciones cómicas y un nuevo tipo de vínculo entre los protagonistas.

El argumento no es casualidad. Desde hace tiempo circulan rumores sobre la posibilidad de que los actores estén relacionados fuera de la ficción. Woody Harrelson lo reconoció abiertamente en declaraciones a Esquire, donde explicó: “No lo sé porque no hemos hecho la prueba, pero puedo decir que hay coincidencias casi insólitas. La madre de Matthew tuvo una relación con mi padre justo en la época en que él fue concebido. Eso parece una gran coincidencia”. Esta anécdota, que ha alimentado especulaciones entre los seguidores de ambos intérpretes, sirve de combustible para una comedia que juega con los límites de la verdad y el mito hollywoodense.

Así será ‘Brothers’

A través de ocho episodios, Brothers alterna el humor absurdo con el retrato de una amistad real, mientras sus protagonistas afrontan los dilemas de la familia y la identidad. En paralelo a la investigación sobre su posible parentesco, la serie incorpora un segundo conflicto: McConaughey se enfrenta al vértigo de una potencial campaña para gobernador de Texas, un guiño a los rumores que han rodeado al actor en la prensa estadounidense. Así, la ficción no solo explora la dinámica entre ambos, sino que también parodia los desafíos públicos y privados de las celebridades.

El elenco de Brothers incluye a Natalie Martinez, Brittany Ishibashi, Nolan Almeida, Ella Grace Helton, Noah Carganilla, Highdee Kuan, Oona Yaffe y Holland Taylor, quienes aportan variedad y matices a la narrativa. La producción ejecutiva recae en Lee Eisenberg, también showrunner, junto a McConaughey, Harrelson, Natalie Sandy, David West Read, Trish Hofmann, Bill Bost, Jason Winer, David Finkel, Brett Baer y Jeremy Plager. La dirección de varios episodios, incluido el piloto, está a cargo de Trent O’Donnell. La estrategia de lanzamiento de Brothers contempla el estreno de dos episodios iniciales el 23 de septiembre, seguido de un episodio nuevo cada miércoles hasta el 4 de noviembre. Este formato busca mantener la expectación y estimular la conversación semanal entre los seguidores, en línea con otras producciones originales de Apple TV.

La serie se apoya en el carisma y la química probada de Harrelson y McConaughey, quienes ya cautivaron al público con su trabajo conjunto en True Detective. Ahora, bajo el registro de la comedia, exploran nuevas facetas de su relación en pantalla, jugando con su propia imagen pública y con los rumores que los rodean desde hace años. El resultado es una ficción autorreferencial que invita al espectador a preguntarse cuánto hay de verdad detrás del mito. Mientras la industria observa el regreso de los actores a un proyecto común, Brothers se consolida como uno de los estrenos más esperados de la temporada. La promesa de ver a Harrelson y McConaughey reencontrándose en un contexto completamente diferente al drama policial, y la posibilidad de que la realidad supere a la ficción, convierten a la serie en una propuesta singular dentro del catálogo de Apple

Apple TV estrenará la segunda temporada de Sticks el miércoles 4 de noviembre, con Owen Wilson nuevamente como protagonista y productor. La plataforma abrirá la entrega con dos episodios y publicará los restantes cada semana hasta el 30 de diciembre. Rhea Seehorn se incorporará al reparto como una entrenadora que acompañará el intento de regreso de Pryce Cahill.

Un estreno después del verano deportivo

Apple TV presentó el primer adelanto y difundió imágenes de los nuevos episodios, en las que aparecen varios integrantes del reparto principal. La fecha elegida deja a la serie fuera de la programación de verano, un periodo en el que la plataforma tenía previstos varios proyectos vinculados con el deporte.

Producciones como The Dink y Ted Lasso ocuparon buena parte de ese calendario. Sticks quedó reservada para noviembre, con una emisión que se extenderá durante casi dos meses. El modelo semanal permitirá que la temporada permanezca activa hasta los últimos días del año, en lugar de publicar todos sus capítulos al mismo tiempo.

La serie regresará con dos episodios durante su jornada de estreno. A partir de entonces, Apple TV lanzará una entrega cada miércoles hasta completar el calendario el 30 de diciembre. La plataforma todavía no comunicó cuántos capítulos tendrá esta segunda temporada ni reveló la duración de cada uno.

Pryce y Santi entran al circuito profesional

Wilson volverá a interpretar a Pryce Cahill, un ex golfista profesional cuya carrera terminó de forma prematura hace 20 años. Después de perder su matrimonio y su empleo en una tienda de artículos deportivos, el personaje encontró una nueva oportunidad al entrenar a Santi, un prodigio del golf de 17 años.

La segunda temporada llevará a Santi al circuito profesional. El joven deberá transformar su talento en resultados mientras enfrenta un nivel mayor de presión y exposición. Ese salto cambiará su relación con Pryce, quien hasta ahora había concentrado sus esfuerzos en guiar la carrera del adolescente.

Pryce también tendrá su propio desafío. Motivado por su antiguo rival Clark Ross, interpretado por Timothy Olyphant, intentará volver a competir y convertirse en el jugador de mayor edad en ganar un major. En golf, un major es uno de los torneos más prestigiosos del calendario profesional y reúne a los principales jugadores del circuito.

El regreso obligará a Pryce a enfrentarse con las razones que interrumpieron su carrera y con las expectativas que arrastra desde entonces. Durante ese recorrido estará acompañado por Amanda, la nueva entrenadora interpretada por Seehorn, y por Mitts, su caddie, encarnado por Marc Maron. El caddie es el asistente que transporta los palos y asesora al jugador sobre distancias, estrategia y elección de golpes durante una ronda.

La trama mantendrá el foco en las segundas oportunidades y en la familia elegida, pero trasladará a sus protagonistas hacia una competencia más exigente. Mientras Santi comenzará su trayectoria profesional, Pryce tratará de recuperar una carrera que parecía terminada desde hacía dos décadas.

Rhea Seehorn y las nuevas incorporaciones

Seehorn, nominada al Emmy y ganadora del Globo de Oro por su trabajo en Pluribus, será la incorporación central de esta temporada. El elenco principal también contará con Peter Dager, Mariana Treviño, Lilli Kay y Judy Greer, además de los regresos de Maron y Olyphant.

Los nuevos episodios sumarán a John Higgins, Billy Zane, Rex Linn, Sasha Alexander y Missi Pyle. La serie incluirá apariciones especiales de figuras relacionadas con el golf, entre ellas Jim Nantz, Trevor Immelman, Matt Scharff, integrante de Good Good, y Dan Rapaport.

La producción está a cargo de Apple Studios. El creador Jason Keller continuará como showrunner, el responsable de coordinar la dirección creativa y el trabajo diario de una serie, además de desempeñarse como productor ejecutivo.

Wilson también participa en la producción ejecutiva junto con Ben Silverman, de Propagate Content; Guymon Casady, de Entertainment 360; Christopher Moynihan, Rodney Ferrell, Howard T. Owens, Drew Buckley, Lee Eisenberg y Bill Callahan. Los dos primeros episodios estarán disponibles el 4 de noviembre y el calendario semanal concluirá el 30 de diciembre.

El servicio streaming Apple TV confirmó el lanzamiento de la segunda temporada de Materia oscura para el viernes 28 de agosto. La serie, reconocida por su aporte al género de la ciencia ficción y creada por el novelista Blake Crouch, regresa con nuevas historias que exploran los límites de la realidad y la identidad.

El estreno de la nueva temporada de Materia oscura se realizará con la publicación del primer episodio, y los siguientes capítulos estarán disponibles cada semana hasta el 30 de octubre.

La adaptación televisiva de la novela de Blake Crouch logró una recepción positiva, con una puntuación promedio del 80% en Rotten Tomatoes y nominaciones a los Saturn Awards en la categoría de Mejor serie de ciencia ficción, así como para Jennifer Connelly como Mejor actriz de reparto por su papel como Daniela Dessen.

De qué trata la serie Apple TV, Materia oscura

La serie relata la historia de Jason Dessen, un físico y padre de familia que desarrolla una máquina capaz de trasladarlo a realidades alternativas. En la primera temporada, el regreso a su mundo original se convierte en una travesía llena de obstáculos e incertidumbre.

La nueva temporada retoma la vida de la familia Dessen cuando la aparente tranquilidad se ve amenazada por nuevas consecuencias derivadas de los experimentos científicos de Jason.

La segunda temporada constará de diez episodios de cerca de 50 minutos cada uno, en los que la narrativa se adentra en las repercusiones éticas y personales del viaje entre universos paralelos.

Cómo ver la segunda temporada de Materia oscura de forma segura en Apple TV

Para acceder a Materia oscura de manera segura, se debe utilizar únicamente la plataforma oficial Apple TV. Es necesario contar con una suscripción activa, la cual puede gestionarse desde el sitio oficial o mediante la aplicación disponible para celulares, Smart TV y navegadores web.

El uso de Apple TV asegura la protección de los datos personales y la calidad de la transmisión, sin interrupciones ni riesgos asociados a sitios de dudosa procedencia.

El Instituto Nacional de Ciberseguridad de España (INCIBE) aconseja evitar páginas no oficiales o aplicaciones gratuitas que prometen acceso a contenidos recientes, porque estas opciones implican amenazas para la seguridad digital.

Qué riesgos existen al recurrir a aplicaciones o sitios no oficiales o piratas

Instalar aplicaciones no verificadas o ingresar a sitios web no autorizados para ver Materia oscura puede exponer los dispositivos a diferentes amenazas, como malware, ransomware y robo de datos personales.

Según el INCIBE, las aplicaciones maliciosas pueden cifrar archivos y exigir un pago para recuperarlos, robar información bancaria o registrar contraseñas mediante técnicas como keyloggers.

Entre los riesgos detectados, se encuentra la posibilidad de que una app acceda sin permiso a los mensajes SMS, obteniendo códigos de seguridad y datos confidenciales.

En algunos casos, los dispositivos infectados pueden ser utilizados para realizar actividades fraudulentas sin el conocimiento del usuario. El INCIBE resalta la importancia de instalar únicamente aplicaciones oficiales desde tiendas reconocidas y mantener actualizados los sistemas de seguridad.

Por qué Materia oscura destaca entre las series de ciencia ficción actuales

Desde su estreno, Materia oscura se ha distinguido por abordar dilemas científicos y humanos a través de una narrativa cuidada y personajes complejos. La serie ha recibido elogios tanto por la adaptación de la novela de Blake Crouch como por la actuación de Jennifer Connelly, que ha sido reconocida en diversas nominaciones.

Asimismo, la combinación de ciencia ficción, drama familiar y dilemas éticos ha permitido que la producción conecte con el público, consolidando su posición entre las principales series del género en la actualidad.

El respaldo de la audiencia y la crítica motivó la pronta renovación de la serie para una segunda temporada, que promete expandir los conceptos explorados en la primera entrega.

La película “Cuenta conmigo”, dirigida por Rob Reiner y estrenada en 1986, marcó a generaciones como uno de los grandes relatos sobre la amistad y el paso a la madurez. A cuatro décadas de su debut, el filme —basado en la novela corta El cuerpo de Stephen King— continúa vigente tanto en la memoria colectiva como en las plataformas digitales.

Por lo que en medio de su aniversario número 40, la mejor forma de revivirla es a través de las aplicaciones de streaming, ya sea alquilando o porque en el país hace parte del catálogo de alguna de esas apps.

Dónde ver “Cuenta conmigo” en streaming y alquiler digital

La disponibilidad de “Cuenta conmigo” varía según el país y la plataforma, sobre todo por la rotación constante de licencias en streaming. En España, la película se encuentra incluida en los catálogos de Filmin y Movistar Plus+, lo que permite verla sin coste adicional para suscriptores. Además, existe la opción de alquiler en Rakuten TV.

En Latinoamérica, el panorama es más fragmentado. En Argentina, todavía permanece en el catálogo de Netflix. Sin embargo, para el resto de la región —incluidos México, Colombia, Chile, Perú y Centroamérica— la situación es diferente.

Aquí, el acceso con suscripción depende de canales adicionales dentro de Prime Video (por ejemplo, Sony One o Howdy), ya que no está en el catálogo base de la plataforma. En estos países, Netflix tampoco la ofrece dentro de su selección regular.

Para quienes buscan evitar suscripciones adicionales, el alquiler o compra digital es la alternativa más directa. Apple TV, Prime Video y Claro Video garantizan la posibilidad de pagar solo por ver la película, sin necesidad de comprometerse con canales extra o catálogos variables.

Esta opción está disponible en México, Colombia, Chile, Perú y otros países de la región. En Estados Unidos, “Cuenta conmigo” puede verse en Hulu y Max, y también está disponible para alquiler en Prime Video y Apple TV.

Cuál es la historia y el legado de la película Cuenta conmigo

“Cuenta conmigo” se estrenó el 22 de agosto de 1986 y conmemora este año su cuarenta aniversario. El filme se inscribe en el subgénero conocido como coming-of-age o relato de paso a la madurez, explorando los vínculos de amistad y las primeras experiencias que marcan el tránsito de la niñez a la adolescencia.

La trama está ambientada en el verano de 1959 y sigue a cuatro amigos de doce años —Wil Wheaton (Gordie), River Phoenix (Chris), Corey Feldman (Teddy) y Jerry O’Connell (Vern)—, quienes recorren las vías del tren en busca del cadáver de un muchacho desaparecido. Aunque la excusa narrativa es la pesquisa del cuerpo, la verdadera historia se centra en la pérdida de la inocencia, los traumas familiares y el temor al futuro.

El filme es recordado también por la autenticidad de la dinámica entre los jóvenes actores. Reiner, convencido de que la credibilidad era clave, hizo que los cuatro pasaran dos semanas juntos antes de iniciar el rodaje, tiempo que aprovecharon para crear la confianza y el vínculo que traspasarían la pantalla. En ese periodo —lejos de ensayos formales—, compartieron partidas de cartas y videojuegos en el hotel, reforzando su amistad.

Secretos de rodaje y la reacción de Stephen King

Uno de los momentos más recordados de la filmación es la escena del puente ferroviario. Reiner, insatisfecho con la energía de los actores al huir del tren, utilizó un megáfono para gritarles y amenazó con sanciones si el tren los alcanzaba. El pánico que muestran en pantalla no fue actuación, sino una reacción auténtica a la presión del director.

La respuesta de Stephen King al visionar la película fue contundente. Tras una proyección privada previa al estreno, King salió de la sala visiblemente afectado y necesitó quince minutos para recomponerse.

Luego confesó a Reiner que, aunque apreciaba la versión de “El resplandor” dirigida por Kubrick, “Cuenta conmigo” era la primera adaptación que capturaba con precisión la esencia emocional y el corazón de su obra literaria. El propio King ha afirmado que es la mejor adaptación de una obra suya, y la única historia abiertamente autobiográfica que ha escrito.

Otro momento clave detrás de cámaras se vivió durante la emotiva escena en la que Chris, el personaje de River Phoenix, rompe en llanto. Phoenix se mostraba bloqueado, por lo que Reiner le pidió que recordara una decepción real con un adulto. El resultado fue tan intenso que, al gritar “corte”, el director debió consolarlo con un abrazo.

Stephen Root repasó su trayectoria en una entrevista en el pódcast Happy Sad Confused, conducido por Josh Horowitz, donde habló de su nominación al Emmy por La maldición de Widow’s Bay, de sus recuerdos de NewsRadio junto a Phil Hartman y del origen de Milton en Enredos de Oficina.

Root, uno de los actores de carácter más reconocidos de Hollywood, acudió al programa con motivo de su segunda nominación al Premio Emmy de la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión (ATAS), esta vez por su papel de Wick en La maldición de Widow’s Bay, la serie de Apple TV+ protagonizada por Matthew Rhys. La primera nominación llegó años atrás gracias a su trabajo en Barry, la comedia negra de HBO creada por Bill Hader.

“Eso significa que tus compañeros valoran tu trabajo”, dijo Root al programa al ser consultado sobre el peso de las nominaciones, “y eso es todo”. El actor subrayó que, en el caso de Barry, la candidatura representó un triunfo colectivo para todo el elenco y el equipo de producción.

Durante la conversación con Happy Sad Confused, Root describió el proceso de creación del tono de La maldición de Widow’s Bay como algo que surgió de forma orgánica desde el primer día de ensayos. “Todo depende del tono y hablamos mucho de eso”, señaló.

Según el actor, el reparto perfecto de la directora de casting Allison Jones fue determinante: “En esa primera lectura de mesa, el tono de la serie quedó establecido de inmediato”.

Root explicó que cuando se incorporó al proyecto, lo hizo sin conocer el desenlace de la temporada, y que prefirió que así fuera. “No quiero saber el final cuando estoy actuando”, sostuvo, “hay que recorrer el camino paso a paso”. La guionista y creadora Katie Riphle le reveló en la Comic-Con que el personaje de Wick ni siquiera existía en el primer borrador del guión.

Cómo nació Milton en Enredos de Oficina

Sobre el origen de Milton, el empleado de oficina de Enredos de Oficina —cuya grapadora roja se convirtió en uno de los objetos del cine independiente de los años 90— Root reveló que el papel no estaba destinado a él en un principio.

Fue el director Mike Judge quien, durante una lectura de mesa para Fox, lo invitó a probarlo sobre la marcha. “¿Puedo hablar un poco enredado?”, le preguntó Root a Judge, y ahí nació el hablar característico del personaje. Root conserva una de las grapadoras originales del rodaje y bromea con que es su “fondo de pensiones”.

Otros papeles clave de su carrera

El actor también recordó su trabajo junto a los hermanos Joel y Ethan Coen, con quienes colaboró en varias ocasiones, y destacó la libertad creativa que le dieron en La balada de Buster Scruggs. “Fue la única vez que me pidieron que exagerara”, contó, “y Ethan me dijo directamente: ‘Más grande’. Así que fui al límite”. En ¿Dónde estás, hermano?, describió el casting como un proceso de selección: “Fue un casting normal, sin favoritismos”.

Root también habló de ¡Huye!, la película de Jordan Peele en la que interpretó a un personaje de marcado perfil racista. Recordó que vio el resultado final con asombro. “Lo que me dejó sin palabras fue la honestidad de la película”, afirmó al pódcast. “Ver a Daniel Kaluuya llorar atado a esa silla… y Catherine Keener con la taza de té. Todo era tan sutil y tan brillante”.

Respecto a Los reyes de la colina, la serie animada de Mike Judge que se emitió durante más de una década y ahora prepara su regreso, Root afirmó que fue un regalo. “Entrar en esa familia y ver nacer y morir a sus personajes, atravesar divorcios y crisis… eso no tiene precio”, dijo.

El actor relató además que, la noche anterior a la grabación del pódcast, una azafata lo reconoció únicamente por su voz y lo asoció de inmediato con la serie, sin necesidad de verlo.

Lo que viene para Steven Root

Con más de 300 títulos acreditados en IMDb, Root reconoció con humor que no se sentiría orgulloso de todos ellos. “Quizá de un 20%”, calculó, “aunque si no llevara tantos años en esto, sería más cerca del 10%”.

El actor se declaró defensor convencido de los actores de carácter y citó como ejemplo una escena de ¡Que bello es vivir! protagonizada por un secundario bancario que, según él, justifica por sí sola volver a ver la película.

Root tiene pendiente de estreno una película dirigida por Jeremy Saulnier, cineasta al que describió como uno de los directores que sigue con mayor atención. “Va a ser muy intensa”, anticipó sin dar más detalles. La maldición de Widow’s Bay, mientras tanto, ya tiene confirmada una segunda temporada en Apple TV+.

En SmartLess, Robbins confirmó su presencia en la tercera temporada de Silo y contó que mantuvo en secreto su participación hasta agosto por pedido de la producción. También dijo que el regreso a la serie, filmada en Londres para Apple TV+, le devolvió el entusiasmo por actuar.

“A esta altura de mi carrera puedo volver a enamorarme, de esa manera que uno tenía cuando era joven”, dijo Robbins en el programa. La serie de ciencia ficción de Apple TV+, que también protagoniza Rebecca Ferguson, filmó sus temporadas en Londres, con jornadas de 10 horas y sin extensiones de horario, una política que Robbins valoró especialmente.

La conversación también reveló que el actor trabaja en un archivo multimedia accesible desde timrobbins.com, una plataforma que lanzará el 1 de septiembre y reunirá conciertos de su banda The Rogues’ Gallery Band, entrevistas inéditas con figuras como Johnny Cash, Kurt Vonnegut y Harry Belafonte, y grabaciones en video de varios rodajes, entre ellos Howard, el superhéroe (1986). Además, anticipa la publicación de sus memorias, aunque aún no tiene título definido.

Sobre su trayectoria musical, Robbins recordó que el interés por la actuación nació al ver a su padre —integrante del grupo folk The Highwaymen en la primera mitad de la década de 1960— recibir las risas del público cuando él tenía tres o cuatro años. Esa imagen, dijo, fue el detonante. La música nunca lo abandonó: compone la mayoría de los temas de su banda y lleva años presentándose en vivo en Europa y Estados Unidos.

El trabajo carcelario de Actors Gang

En el plano social, Robbins habló del programa carcelario que impulsa desde hace 20 años a través de su organización sin fines de lucro Actors Gang, presente en prisiones estatales de California.

El proyecto, documentado en el filme 45 Seconds of Laughter —que llegará a la plataforma Criterion en noviembre—, utiliza talleres intensivos de siete días basados en la tradición de la commedia dell’arte. El objetivo es que los reclusos accedan a emociones que la dinámica carcelaria les obliga a suprimir.

“La supervivencia en prisión depende de una sola emoción: la ira. Tienes que proyectar enojo para estar seguro en el patio”, explicó el actor en SmartLess. Al trabajar con personajes de la commedia, los participantes logran distancia entre su historia personal y la expresión emocional.

El programa reúne deliberadamente a reclusos de distintas pandillas y sectores, y según Robbins, el resultado habitual es un vínculo inesperado entre personas que creían no tener nada en común.

Su visión sobre la polarización política

Esa experiencia moldeó su mirada sobre la polarización política. A los 65 años, Robbins describió una decisión personal que llamó “retirarse de la ansiedad”: dejar de construir identidad desde la oposición a algo o alguien.

“La idea de encontrar valor y propósito a través del odio es terrible, y si la fuente de ese odio es alguien que ni siquiera conoces, es aún peor”, afirmó. Sostuvo que ese patrón se repite en ambos lados del espectro político y que no es una base sólida para construir movimientos.

Recuerdos de su carrera en el cine

La charla también recorrió hitos de su filmografía. Robbins contó que cuando obtuvo el papel de Ebby Calvin “Nuke” LaLoosh en La bella y el campeón (1988) debió elegir entre ese proyecto y Ocho hombres, de John Sayles, dos filmes de béisbol que llegaron al mismo tiempo.

Optó por el primero, aprendió los fundamentos del pitcheo y logró lanzar a 136 km/h, aunque sin control. De niño, en Manhattan, no había acceso a diamantes de béisbol, por lo que creció jugando sóftbol en patios de cemento, deporte que practica hasta hoy. También juega hockey sobre ruedas todos los domingos.

La película Bob Roberts (1992), su debut como director, fue otro punto de la conversación. Arnett señaló que la historia de un político de derecha que usa la música folk como herramienta de marketing pareció anticipatoria.

Robbins admitió que en la época del estreno, durante la campaña entre George Bush padre y Bill Clinton, la prensa le preguntaba a quién apuntaba con la sátira. Su respuesta entonces fue que podía aplicarse a cualquiera. Décadas después, la lectura cambió.

SmartLess es un pódcast en el que cada episodio uno de los tres conductores presenta un invitado sorpresa a los otros dos. La tercera temporada de Silo se emite actualmente en Apple TV+.

Una fuga que involucra a todo Slough House

La serie sigue a un grupo disfuncional de agentes de inteligencia británicos destinados a Slough House, una oficina reservada para integrantes del MI5 cuyas carreras quedaron dañadas por errores graves. El MI5 es el servicio responsable de la seguridad y la inteligencia dentro del Reino Unido, mientras que las operaciones exteriores corresponden a otra agencia.

Oldman interpreta a Jackson Lamb, el brillante, malhumorado y descuidado jefe de este equipo de espías relegados. Lamb suele tratar a sus subordinados con dureza, aunque también los dirige cuando los casos aparentemente menores terminan conectados con amenazas y operaciones encubiertas de mayor alcance.

En la temporada final, los agentes de Slough House estarán huyendo mientras Diana Taverner, interpretada por Kristin Scott Thomas, los arrastra a un juego de represalias y venganza. La vida de Taverner estará en peligro, lo que obliga al grupo a involucrarse en una crisis que alcanza a los niveles superiores del servicio de inteligencia.

El avance centra buena parte de la tensión en esa persecución y recupera el tono que distingue a la serie: una trama de espionaje atravesada por humor negro, personajes difíciles y agentes que deben resolver problemas mientras cargan con los errores que los enviaron a esa oficina. La situación vuelve a enfrentar el estilo caótico de Lamb con las maniobras políticas de Taverner.

Dos novelas de Mick Herron para el desenlace

La sexta temporada adaptará En el país de los espías y La casa de La Ciénaga, dos novelas de la serie literaria escrita por Mick Herron. La producción ha utilizado esos libros como base para seguir los casos de Jackson Lamb y sus subordinados, manteniendo la mezcla de operaciones secretas, conflictos internos y comedia oscura.

La despedida llega después de una recepción sostenida durante las temporadas anteriores. En Rotten Tomatoes, dos entregas alcanzaron una puntuación perfecta del 100% entre la crítica. Oldman también recibió nominaciones a los Globos de Oro, los Emmy, los BAFTA y los Actor Awards por su interpretación de Lamb.

El papel marca una faceta diferente dentro de la trayectoria del actor ganador del Oscar. Jackson Lamb puede detectar conspiraciones y anticipar movimientos de sus rivales, pero trabaja desde una oficina deteriorada y dirige a personas consideradas prescindibles por sus superiores. Esa contradicción es central para la serie y vuelve a ocupar el primer plano en la nueva misión.

La adaptación de dos libros en seis capítulos indica que la temporada deberá distribuir dos tramas literarias dentro de una emisión breve. Cada episodio llegará semanalmente, por lo que Apple TV mantendrá el misterio abierto durante más de un mes en lugar de publicar la temporada completa el día del estreno.

Regresos y nuevas incorporaciones al reparto

Junto con Oldman y Scott Thomas regresan Jack Lowden, Saskia Reeves, Christopher Chung, Aimee-Ffion Edwards, Rosalind Eleazar, Joanna Scanlan, Samuel West, Ruth Bradley, Tom Brooke, Jonathan Pryce y Hugo Weaving. El elenco reúne a los integrantes habituales de Slough House con personajes vinculados a las estructuras de poder y las amenazas que rodean al equipo.

Una de las novedades será la incorporación de Lenny Rush, ganador del BAFTA. Las fuentes no detallan todavía cuál será su personaje ni qué lugar ocupará dentro del conflicto de represalias presentado por el tráiler.

También regresará Olivia Cooke, conocida por La Casa del Dragón, como Sidonie Sid Baker. Su reaparición es uno de los elementos destacados de la temporada, ya que recupera a un personaje ligado a las primeras historias de la serie y lo integra en la trama final.

La temporada 6 comenzará con un único episodio el 16 de septiembre. Los cinco restantes se publicarán los miércoles siguientes en Apple TV, y el sexto capítulo, presentado como el cierre de Caballos Lentos, quedará disponible el 21 de octubre de 2026.

Según Espinof, Colin Farrell y Sam Catlin presentaron este final como un punto de quiebre que transforma la narrativa y abre la puerta a nuevas amenazas y alianzas en la trama.

Una revelación que altera las reglas

La conclusión de la temporada resolvió la investigación central de John Sugar, pero lo más relevante fue descubrir que Djen sigue viva. Este reencuentro, lejos de significar un cierre emocional, introdujo dudas sobre la verdadera naturaleza de la hermana del protagonista.

De acuerdo con Espinof, Catlin y Farrell detallaron que “el reencuentro con Djen deja claro que ya no es la misma persona que Sugar recordaba”. La alegría inicial del detective se vio opacada por la inquietud que provoca la transformación de Djen, quien ahora representa una incógnita para todos los personajes.

La aparición de una tecnología desconocida, desarrollada por Djen durante años, amplió el espectro de amenazas en la trama. Según se explicó en Espinof, Djen entregó su invento —capaz de modificar el clima— a un grupo selecto de humanos, con el objetivo de combatir el cambio climático.

Este acto, lejos de resolverse como una contribución positiva, sugiere la apertura de un conflicto mayor para futuras temporadas y deja en suspenso el destino de la humanidad dentro del universo de la serie.

Djen: de hermana perdida a figura clave

Desde su reaparición, Djen emerge como un personaje central con un pasado oscuro y un futuro incierto. El propio showrunner, Sam Catlin, anticipó en declaraciones recogidas por Espinof que “Djen podría convertirse en la pieza fundamental de lo que venga después”.

La serie aún no desarrolla todas las consecuencias de la tecnología creada por Djen, pero sí establece su relevancia como detonante de nuevos conflictos.

La presencia de Djen no solo modifica el paisaje tecnológico de la serie, sino que también afecta a las relaciones personales de los protagonistas. La tensión entre el reencuentro familiar y la amenaza latente que representa Djen se convierte en uno de los motores narrativos hacia posibles próximas entregas.

Sugar y Charlotte, una relación fracturada

El cierre de temporada también profundizó en la crisis personal de John Sugar tras la traición de Charlotte. La relación sentimental entre ambos quedó marcada por la desconfianza y la ruptura. De acuerdo con Espinof, Laura Donnelly sostuvo que los sentimientos de Charlotte hacia Sugar eran auténticos, aunque los acontecimientos los separaron.

Esta dinámica permitió explorar nuevas facetas del detective. En una conversación con Decider, citada por Espinof, Colin Farrell explicó: “Fue muy divertido interpretar a un hombre genuinamente torpe, porque ni siquiera se deja enamorar fácilmente. Es inevitable. Pierdes el control. No hay nada a lo que aferrarse. Te estás enamorando”.

El actor añadió que para su personaje “nadar en aguas desconocidas” es desconcertante y estresante, características que definen el desarrollo emocional de Sugar en esta temporada.

Amenazas futuras y escenarios abiertos

La segunda temporada de Sugar finalizó con la resolución del caso principal, pero dejó múltiples frentes abiertos. Ni la reconciliación familiar con Djen ni la relación con Charlotte encontraron un cierre definitivo. Según Espinof, el futuro de la serie dependerá en gran parte del papel que adopte Djen tras su regreso y de cómo Sugar se adapte a un entorno donde sus certezas personales y profesionales se ven amenazadas.

Por el momento, Apple TV+ no ha confirmado una tercera temporada. No obstante, la construcción de nuevos conflictos y la introducción de elementos tecnológicos y emocionales sugieren que la historia aún tiene margen para expandirse. Mientras tanto, la incertidumbre sobre el destino de los personajes principales mantiene la expectativa de los seguidores de la serie.

La conversación tuvo lugar en Londres, en un piso de Soho House durante una ola de calor de 35°C. Taylor-Joy llegó directo del estudio de This Morning, donde había estado promocionando la serie. Dos días antes había volado desde Nueva York, donde asistió a la boda de Taylor Swift en el Madison Square Garden. “Fue maravilloso”, le dijo a ELLE, y no agregó nada más.

Lucky es una serie de 7 episodios que sigue a una mujer que huye, literalmente, desde el casino Caesars Palace de Las Vegas hasta las costas de Big Sur, en California, después de que un robo de USD 10 millones se tuerce. El proyecto llegó a Taylor-Joy cuando Reese Witherspoon le envió una copia de la novela homónima de Marissa Stepley y le propuso sumarse.

La actriz, según detalló ELLE, fue más allá de la actuación: cofundó la compañía productora Lady Killer en 2024 y llevó el proyecto adelante desde ese rol. “Aprendí que ser líder es no perder la calma. No es tu trabajo entrar en pánico; es tu trabajo encontrar soluciones y tranquilizar a los demás”, dijo.

El elenco que acompaña a Taylor-Joy

Junto a Taylor-Joy en el reparto están Annette Bening como la jefa de la mafia, Timothy Olyphant como el padre de Lucky, Aunjanue Ellis-Taylor como una agente del FBI, y Drew Starkey como el interés amoroso. Fue una escena de la película Queer, de Luca Guadagnino, la que convenció a Taylor-Joy de que Starkey era el indicado.

“Vi eso y pensé: ese chico, lo necesitamos”, declaró ante ELLE. Starkey describió a su coprotagonista como “increíblemente generosa” en escena y como la colaboradora perfecta detrás de cámara.

Jonathan Tropper, creador y cocreador y showrunner de la serie, también elogió a la actriz. “Lucky es complicada. Valiente y asustada, rota pero esperanzada, y todo eso envuelto en una inteligencia innata”, dijo Tropper en declaraciones recogidas por ELLE. “Cuando ves a Anya en el papel, nunca dudas de que Lucky es la persona más inteligente de la sala”, añadió.

Taylor-Joy llegó a los 30 años con la intensidad que muestra en pantalla. La fiesta de cumpleaños, organizada en dos días, reunió a 200 personas un miércoles en Los Ángeles bajo el nombre Spectral Spring: vestidos largos blancos, coronas de flores y techno duro hasta las 13.30 del día siguiente.

Dos horas de sueño después, estaba en Coachella. “El término medio es la muerte”, le dijo a su madre de pequeña, según recordó con una carcajada. “Creo que ella intentaba hablarme de equilibrio”, agregó.

De Buenos Aires a Hollywood

Nacida en Miami y criada en Buenos Aires (es la menor de seis hermanos, cuatro de ellos del matrimonio anterior de su padre argentino-escocés), Taylor-Joy llegó a Londres a los seis años y se negó a aprender inglés durante meses, mientras sufría acoso escolar.

El giro llegó a los 16, cuando la representante Sarah Doukas —quien descubrió a Kate Moss— la abordó mientras paseaba a su perro frente a Harrods, en Knightsbridge. Taylor-Joy aceptó el modelaje solo porque intuía que podría abrirle la puerta a la actuación. Una conversación en un rodaje con el actor Allen Leech, de Downton Abbey, la llevó hasta el agente que impulsó su carrera.

Su filmografía desde entonces abarca registros muy distintos: el terror independiente de La bruja (2015) de Robert Eggers, el fenómeno de Gambito de dama (Netflix, 2020) que le valió un Globo de Oro, y los papeles en El Hombre del Norte, El Menú, Furiosa y un cameo en Dune: Parte Dos, todo en el período 2022 a 2024.

A fin de año regresará como Alia Atreides en la tercera entrega de Dune, junto a Zendaya y Timothée Chalamet. Este verano también se confirmó su incorporación al reparto de The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum. Además, desarrolla la adaptación de How to Kill Your Family, de Bella Mackie, para Netflix, con filmación próxima a comenzar.

Su vida fuera de cámara

En el plano personal, Taylor-Joy está casada desde 2022 con el músico Malcolm McRae, integrante de la banda More. Se conocieron en un estudio de grabación y descubrieron que compartían cumpleaños: el 16 de abril. “No quiero sonar presumida, pero lo quiero muchísimo”, dijo ante ELLE. “Tener un mejor amigo que recorre la vida contigo me dio una seguridad que jamás soñé tener”, agregó.

Desde 2021 es embajadora global de Dior, marca con la que asistió al desfile crucero 2027 junto a McRae. En cuanto a las redes sociales, lleva un tiempo deliberadamente alejada. “Hice maravillas por mi salud mental”, aseguró. “Me gusta estar plenamente presente”, concluyó.

Ver series o películas en pareja a altas horas de la noche suele ser un desafío para quienes viven en departamentos o tienen paredes delgadas. El Apple TV ofrece una solución: permite compartir el audio con dos auriculares inalámbricos y ajustar el volumen de manera independiente, facilitando una experiencia cinematográfica sin ruidos molestos para quienes descansan cerca.

Además, incorpora funciones avanzadas como audio espacial y herramientas para localizar el mando Siri Remote en la oscuridad, completando un entorno de cine nocturno ideal.

Cómo compartir audio en Apple TV para ver series en pareja sin despertar a nadie

El Apple TV cuenta con una función que permite enviar el sonido de cualquier contenido a dos pares de auriculares inalámbricos compatibles, como los AirPods o algunos modelos de Beats.

Esto significa que dos personas pueden disfrutar de la misma película o serie, manteniendo cada una el control absoluto sobre el volumen que recibe en sus propios auriculares. Así, si uno de los dos prefiere escuchar los diálogos en un nivel más alto y el otro necesita un volumen más bajo, ambos pueden ajustar la intensidad de forma individual, sin afectar la experiencia del otro.

Para activar esta opción, basta con conectar el primer par de auriculares al Apple TV y luego, desde el Centro de Control del dispositivo, seleccionar la pestaña de audio. Allí aparece la alternativa para compartir audio, lo que permite añadir un segundo par de auriculares acercándolo al Apple TV o al mando.

Al finalizar, el menú muestra dos controles de volumen separados, uno para cada usuario. La gestión es sencilla y evita discusiones sobre si el sonido está demasiado alto o bajo, beneficiando la convivencia nocturna.

Ventajas del audio espacial para una experiencia de cine en casa

Más allá de permitir compartir el sonido, el Apple TV integra la tecnología de audio espacial con seguimiento dinámico de la cabeza, disponible en modelos recientes de AirPods y Beats. Esta función procesa las pistas de audio multicanal, como 5.1, 7.1 o Dolby Atmos, y las reproduce en los auriculares simulando la acústica envolvente de una sala de cine.

El sistema utiliza los sensores de movimiento del auricular para mantener el origen del sonido anclado a la pantalla del televisor, incluso si el espectador gira la cabeza.

La activación del audio espacial se realiza desde el mismo menú de audio en el Apple TV. Una vez conectados los auriculares, se puede elegir entre dos modos: uno en el que el sonido se adapta a los movimientos de la cabeza, y otro que mantiene un efecto surround fijo.

Para obtener el máximo provecho, es recomendable verificar que el contenido tenga la etiqueta Dolby Atmos, 5.1 o 7.1, ya que solo así se percibirá a plenitud el efecto envolvente.

Localización del mando Siri Remote durante las sesiones nocturnas

Durante las maratones nocturnas, es común que el mando Siri Remote se pierda entre los cojines del sofá. Apple ha previsto este inconveniente y ofrece la posibilidad de localizar el mando utilizando el iPhone, siempre que ambos dispositivos sean compatibles y tengan actualizaciones recientes. El chip de banda ultraancha (UWB) presente en el Siri Remote de última generación permite que el iPhone funcione como un radar de proximidad.

Para encontrar el mando, se accede al Centro de Control en el iPhone y se selecciona la opción del mando Apple TV. Desde allí, es posible activar la función de búsqueda, que abre una interfaz visual donde un círculo guía al usuario hasta el lugar exacto donde está el dispositivo, facilitando su hallazgo incluso en la oscuridad.

Reducción automática de sonidos fuertes para sesiones nocturnas

El Apple TV también incorpora una herramienta que ajusta el rango dinámico del audio en tiempo real. La opción “Reducir sonidos fuertes” está disponible desde el menú de configuración y resulta útil para quienes desean evitar sobresaltos provocados por explosiones, disparos o efectos sonoros intensos durante la noche.

Al activar esta función, el sistema suaviza automáticamente los picos sonoros y eleva discretamente el volumen de los diálogos más bajos, equilibrando toda la pista de audio.

Esto permite ver películas o series con el volumen general bajo, sin perder claridad en las voces y sin que los efectos especiales sobresalgan de forma molesta. La función se activa desde el menú de ajustes, dentro de la sección de video y audio, y no requiere configuraciones adicionales.

Después de tres entregas centradas en el equipo masculino del AFC Richmond, la producción de Apple TV+ presenta una historia diferente en la que el entrenador interpretado por Jason Sudeikis asume un nuevo desafío dentro del fútbol.

El estreno de la temporada está programado para el 5 de agosto en la plataforma de streaming. En esta ocasión, la entrega estará compuesta por diez episodios, que se lanzarán de manera semanal.

El primer capítulo estará disponible desde la fecha de estreno y los siguientes llegarán cada miércoles hasta el 7 de octubre, cuando se emitirá el episodio final.

Cabe recordar que al concluir la tercera temporada, Ted Lasso decidió regresar a Kansas City para estar cerca de su hijo Henry y de su exesposa, Michelle.

Con ese desenlace, el personaje dejó atrás su etapa al frente del AFC Richmond, club al que llegó inicialmente para dirigir a un equipo de fútbol sin experiencia previa en este deporte.

La nueva temporada retoma la historia después de ese regreso a Estados Unidos. Sin embargo, una nueva oportunidad profesional lleva nuevamente al entrenador a aceptar un proyecto relacionado con el fútbol, impulsado por la invitación de personas cercanas con quienes mantuvo vínculos durante su estancia en Inglaterra.

En esta ocasión, Ted Lasso se pone al frente de un equipo de fútbol femenino, un cambio que representa el eje principal de la nueva historia. El personaje buscará aplicar el mismo estilo de liderazgo y trabajo en equipo que caracterizó las temporadas anteriores, ahora en un contexto deportivo diferente.

Jason Sudeikis vuelve a interpretar al personaje principal, acompañado por varios integrantes del elenco original. Hannah Waddingham retoma su papel como Rebecca Welton, propietaria del AFC Richmond, mientras que Juno Temple regresa como Keeley Jones.

Asimismo, Jeremy Swift vuelve a interpretar a Leslie Higgins y Brett Goldstein retoma el papel de Roy Kent, exfutbolista y entrenador.

El reparto también incorpora nuevos personajes para esta etapa de la serie. Entre las incorporaciones se encuentran Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey y Abbie Hern. Además, Grant Feely se suma al elenco para interpretar a Henry, el hijo de Ted Lasso.

La participación de Henry adquiere mayor relevancia en esta nueva temporada, luego de que la relación entre padre e hijo fuera uno de los aspectos que motivó el regreso del protagonista a Estados Unidos al finalizar la tercera entrega.

La historia también mantiene la presencia del entrenador Beard y otros personajes que han acompañado a Ted Lasso desde el inicio de la serie. Junto con Rebecca, Keeley e Higgins, el grupo volverá a participar en el desarrollo del nuevo proyecto deportivo que centra la trama.

Desde su estreno en 2020, Ted Lasso se ha desarrollado en torno a la historia de un entrenador de fútbol americano contratado para dirigir a un club de fútbol inglés, pese a no contar con experiencia en ese deporte.

A lo largo de sus tres primeras temporadas, la serie siguió la evolución del equipo AFC Richmond y las relaciones personales y profesionales de sus integrantes.

La cuarta entrega representa un cambio en el rumbo de la historia al trasladar el enfoque hacia un equipo femenino y ampliar el universo de personajes que rodean al protagonista.

Aunque conserva a gran parte del elenco principal, la producción incorpora nuevos integrantes y un escenario diferente para continuar el desarrollo del personaje de Ted Lasso.

De acuerdo con el diario, la intérprete británica contó que no había visto la comedia antes de presentarse al casting. Aun así, aceptó la audición porque el papel se alejaba de los registros que había trabajado hasta ahora. Tras enviar su prueba, mantuvo una videollamada con Jason Sudeikis, cocreador de la serie y protagonista, quien le ofreció el personaje en ese mismo encuentro, detalló The Guardian.

La actriz explicó a The Guardian, diario británico, que luego vio las tres temporadas previas y entendió el alcance del fenómeno. La producción había cerrado su tercera entrega en 2023 después de 13 premios Emmy y más de 25.000 millones de minutos de visualización, de acuerdo con el reporte de The Guardian.

En la entrevista, Reynolds definió a Alice como una mujer que al inicio se muestra distante, rígida y poco expresiva. La actriz señaló que ese perfil también dialoga con la experiencia de muchas mujeres en espacios dominados durante años por varones. “Alice está intentando ser esta máquina firme, sin emociones y sin humor”, dijo Reynolds en declaraciones recogidas por The Guardian.

La expansión de su carrera fuera de la serie

La nota del medio británico también sitúa este papel dentro de un momento de expansión en la carrera de la actriz. Reynolds alcanzó proyección internacional con su papel de Lily Iglehart en Sex Education, y después sumó trabajos en televisión, cine y teatro. Entre sus proyectos recientes aparecen la serie El Decamerón, la producción de la BBC La otra hermana Bennet y la obra 1536, montada en el West End con coproducción de Margot Robbie.

En paralelo, la actriz avanza con Dog Person, una película escrita por ella misma que además planea dirigir y protagonizar junto a Hugh Bonneville y James Norton. Según consignó The Guardian, el proyecto seguirá a una mujer de poco más de 30 años que, agotada por las presiones de la vida cotidiana, descubre un deseo de convertirse en perro.

Qué busca hoy como espectadora

Durante la conversación con el diario, Reynolds también habló sobre el tipo de ficción que busca hoy como espectadora. “Estoy agotada de la violencia hacia las mujeres”, afirmó, y vinculó esa fatiga con su afinidad por el tono de Ted Lasso. En ese marco, presentó a la serie como una propuesta apoyada en el optimismo, la comunicación y una mirada menos violenta del entretenimiento televisivo.

La actriz agregó que esa preferencia también se relaciona con una saturación personal frente a relatos centrados en agresiones contra mujeres. “No puedo ver cosas que sean violentas, y especialmente violentas hacia las mujeres. Simplemente no puedo”, sostuvo en declaraciones recogidas por The Guardian.

La preparación para el costado futbolístico del personaje

Otro de los desafíos de su llegada al programa estuvo en el costado deportivo del personaje. Reynolds reconoció que siguió más fútbol del que había visto antes para prepararse, aunque explicó que muchas escenas se rodaron sin partido real delante de los entrenadores. “Patea, vamos, patea la pelota”, recordó entre risas al describir qué intentaba improvisar durante esas secuencias, según la entrevista.

La cuarta temporada de Ted Lasso mantendrá a buena parte del elenco original y abrirá una nueva línea narrativa con el equipo femenino de Richmond. En ese esquema, Reynolds aparece como la única incorporación principal fuera del grupo de futbolistas, de acuerdo con The Guardian. El estreno quedó fijado para mañana, 5 de agosto, en Apple TV+.

La maldición de Widow’s Bay, la comedia de terror creada por Katie Dippold, se ubicó entre los diez títulos más vistos de Apple TV a nivel mundial durante la última semana, según datos recogidos por FlixPatrol. La serie, disponible desde el 29 de abril de 2026, recibió 19 nominaciones a los premios Emmy y ya tiene confirmada una segunda temporada.

Un pueblo que esconde una maldición

La primera temporada está compuesta por diez episodios de entre 30 y 40 minutos. La historia transcurre en un pueblo isleño frente a la costa de Nueva Inglaterra, donde el alcalde Loftis intenta revitalizar la economía local mientras los habitantes le presentan distintas alertas relacionadas con hechos paranormales.

Loftis descarta inicialmente esas advertencias como supersticiones que entorpecen sus planes. La situación cambia cuando aparecen indicios de que el pueblo está realmente maldito y una tormenta amenaza con destruir el lugar y matar a sus habitantes. Para evitarlo, los personajes deben descubrir el origen de la maldición y encontrar una forma de detenerla.

La serie combina comedia, misterio y terror, aunque no basa cada episodio en sustos constantes. La temporada presenta diferentes historias asociadas con el pasado del pueblo, casi como relatos independientes conectados por el conflicto principal. Entre los casos señalados por la fuente aparecen un payaso asesino serial en el segundo capítulo y una bruja del mar en el tercero.

Los flashbacks tienen un papel central porque amplían los antecedentes de la isla y aportan información sobre sus amenazas. Durante la segunda mitad, la trama se concentra más en el misterio y en las consecuencias de la tormenta. El cierre reúne varios giros argumentales vinculados con la identidad y el origen de las fuerzas que afectan al pueblo.

El reparto está encabezado por Matthew Rhys, Kate O’Flynn, Stephen Root, Kevin Carroll, Dale Dickey, Kingston Rumi Southwick, K. Callan y Jeff Hiller. Las fuentes no detallan qué intérpretes fueron seleccionados individualmente por los Emmy, pero señalan que la producción obtuvo candidaturas en apartados de actuación.

Las 19 nominaciones a los Emmy

La maldición de Widow’s Bay consiguió 19 nominaciones a los Emmy 2026. Las candidaturas abarcan categorías de actuación, dirección y guion, además de mejor serie de comedia. Esa última clasificación puede resultar llamativa porque la historia dedica buena parte de sus capítulos al terror y al misterio, mientras que el humor aparece de forma más discreta.

La inclusión dentro de comedia responde al modo en que la serie mezcla géneros y al sistema de categorías de los premios. El resultado le permite competir en un apartado distinto al de los dramas, pese a que la segunda mitad de la temporada aumenta el peso de sus elementos dramáticos.

Las 19 candidaturas forman parte de un total de 89 nominaciones obtenidas por Apple TV en esta edición. La plataforma llegó a esa cifra con producciones de distintos géneros y convirtió a La maldición de Widow’s Bay en uno de sus títulos con mayor presencia entre los seleccionados.

La recepción también fue favorable fuera de las premiaciones. En Rotten Tomatoes, la serie alcanzó un 98% de aprobación entre la prensa especializada y un 92% entre la audiencia. Estas cifras representan el porcentaje de reseñas consideradas positivas dentro del sitio, no una calificación promedio sobre diez.

La combinación de esas valoraciones, las candidaturas y su posición entre los contenidos más vistos explica la rápida decisión de continuar la historia. Apple TV encargó una segunda temporada antes de que concluyera la emisión de la primera y describió la producción como “una de esas series de las que todo el mundo habla”.

Del estreno a la segunda temporada

La maldición de Widow’s Bay debutó el 29 de abril de 2026 y fue ganando presencia dentro del catálogo durante su emisión. FlixPatrol la situó posteriormente entre los diez títulos más vistos de Apple TV en todo el mundo durante una semana, aunque las fuentes no aportan cifras exactas de reproducciones ni horas consumidas.

Ese detalle es importante porque las posiciones de FlixPatrol funcionan como un seguimiento de popularidad basado en los rankings disponibles en las plataformas y los distintos territorios. Por lo tanto, entrar al top 10 indica una presencia extendida en las listas, pero no permite conocer cuántas personas completaron la temporada.

La renovación anticipada garantiza que el misterio continuará después del desenlace de los primeros diez capítulos. Todavía no se informaron una fecha de estreno, el inicio del rodaje, la cantidad de episodios ni posibles incorporaciones al reparto para la segunda entrega.

Mientras llegan esos datos, la primera temporada completa permanece disponible en Apple TV. Sus diez episodios pueden verse desde el 29 de abril de 2026 y tienen una duración individual de entre 30 y 40 minutos.

La actriz, consultada por la periodista Gillian Superstar durante la promoción de Lucky, su nueva serie disponible en Apple TV+, se detuvo en los pormenores logísticos del set de Dune: Messiah, que aún no tiene fecha de estreno confirmada.

Según relató a Complex News, el calor extremo del desierto obligó al equipo a estructurar las jornadas en torno a las horas de menor temperatura: las filmaciones comenzaban de madrugada y por la mañana, con un receso antes de retomar el trabajo por la tarde. Para estar a tiempo, actores y técnicos debían despertar alrededor de las 2:00 o 3:00 de la madrugada.

Lejos de presentar esa rutina como un sacrificio, Anya Taylor-Joy la recordó con entusiasmo. “Esos amaneceres y atardeceres están grabados en mi retina para siempre. No podía apartar la mirada”, afirmó la actriz en declaraciones recogidas por Complex News. Ese detalle —la luz del desierto a horas inusuales— pareció ser, para ella, uno de los recuerdos más perdurables del proyecto.

Más allá del paisaje, Taylor-Joy fue enfática al señalar el factor humano como el rasgo que distinguió ese rodaje. Describió a Villeneuve como uno de sus cineastas preferidos, por sus decisiones artísticas y por el clima que genera a su alrededor.

“Cada persona en ese set estaba allí porque le importaba su visión y quería dar lo mejor de sí misma”, explicó, y agregó que el director es “un ejemplo de cómo liderar con amor”. Para la actriz, esa cohesión interna del equipo fue lo que convirtió el rodaje en una experiencia que difícilmente olvidará.

La entrevista con Complex News no se limitó al capítulo de Dune. Anya Taylor-Joy también habló sobre Lucky, la serie en la que no solo actúa sino que figura como productora ejecutiva.

El personaje central, Lucky, es una estafadora formada desde la infancia por su padre con el mismo oficio: un hombre que, según describió la propia actriz, la quiere genuinamente pero sin que eso interfiera con sus intereses propios. “El regalo que le dio su padre solo funciona si alguien más sufre”, señaló Taylor-Joy, y explicó que esa tensión moral fue lo que la atrajo del proyecto.

Uno de los desafíos que mencionó fue mantener la empatía del espectador hacia un personaje que miente de forma constante y asume identidades ajenas. Su estrategia, según detalló, fue encontrar lo que el personaje desea en su núcleo más profundo: no riqueza ni poder, sino una vida ordinaria y tranquila. Ese contraste entre los medios y el fin, dijo, fue la clave para humanizar a Lucky.

Cómo empezó su rol como productora ejecutiva

El paso a la producción ejecutiva no fue, para ella, un salto abrupto. Taylor-Joy contó que desde sus primeros proyectos, cuando los presupuestos eran escasos y todos debían colaborar en distintas áreas, adquirió una perspectiva amplia del funcionamiento de un set.

Esa curiosidad natural fue notada por el director M. Night Shyamalan, quien empezó a invitarla a ver los rushes y dailies de sus rodajes y a pedirle opinión. “Me hizo sentir que eso tenía valor”, dijo la actriz en la entrevista difundida por Complex News.

Fue luego cuando la actriz y productora Reese Witherspoon la contactó para coproducir Lucky que Taylor-Joy decidió asumir formalmente ese rol. El proceso de casting de la serie, según relató con orgullo, terminó con cada actor elegido como primera opción del equipo, incluyendo a Timothy Olyphant en el papel del padre, a quien eligieron por su capacidad de generar confianza en el espectador incluso mientras interpreta a alguien que no la merece.

Su método de trabajo como actriz

Sobre su método de trabajo, Taylor-Joy rechazó la noción del método actoral extremo. Lo que ella practica, definió ante Complex News, se parece más a lo que describió como “una psicosis controlada”: habitar los pensamientos de otro personaje durante horas, moverse como él, vestirlo, pero sin perder la capacidad de funcionar como profesional responsable frente a su equipo. “Si estás demasiado invertida en ser una imbécil, eso no va a ser muy divertido para nadie”, afirmó.

Para seleccionar sus proyectos, describió un proceso completamente físico e intuitivo. Cuando un guion le provoca una reacción similar a la que experimentó con Cuando los hermanos se encuentran —caminar por la casa, ensayar voces e imaginar escenas de manera compulsiva—, interpreta que ese papel es para ella.

Esa sensación la experimentó por primera vez con La bruja, su debut en el cine, donde llegó a provocarse un ataque de ansiedad al leer el guion por primera vez.

El mes de agosto arranca y con él llega una nueva oleada de series, tanto el regreso de viejas conocidas como la llegada de nuevas historias y personajes. Ya sea para hacer más llevadero el calor o para aderezar la estancia en la playa o la piscina, estas son las mejores series que llegan este mes a plataformas y que no te puedes perder.

El regreso de dos ya míticas como Ted Lasso o Cien años de soledad, la despedida de algunas como Outer Banks o la llegada de nuevos superhéroes como la esperada Linternas que se podrá ver en HBO. Agosto estará llena de grandes aventuras con las que disfrutar los últimos días del verano.

Cien años de soledad (Netflix, 5 de agosto)

Su primera temporada fue toda una sorpresa, así que en la segunda se espera que Netflix redoble la apuesta. La ambiciosa producción que adapta la colosal novela de Gabriel García Márquez regresa para seguir desarrollando las historias de la emblemática familia Buendia, con una Macondo en el que poco a poco las cosas han cambiado, y la llegada del tren pondrá patas arriba todo.

Ted Lasso (Apple TV y Movistar+, 5 de agosto)

El entrenador favorito de tu entrenador favorito está de vuelta. Y no hablamos de José Mourinho, quien ya se encuentra en el Real Madrid con todo dispuesto para empezar la temporada en el Real Madrid. Hablamos de Ted Lasso, el entrenador más carismático de la ficción y quien vuelve después de unos años alejado del terreno de juego. Lo hará con su club ya mítico, el Richmond, pero con un nuevo y apasionante reto: encargarse de motivar al equipo femenino del club londinense, el cual espera contar con la misma suerte y diversión con la que funcionó durante años el masculino.

Los destrozos (Disney+, 6 de agosto)

Fue una de las grandes novelas de hace un par de años, y era solo cuestión de tiempo que encontrase una adaptación, ya fuese en cine o en serie. Al final, y dado el gran volumen de páginas, ha sido en una miniserie de Disney+ a cargo de Ryan Murphy, el hombre con un sello inconfundible gracias a series como American Horror Story. Murphy, quien recogió el proyecto después de pasar por manos de Luca Guadagnino o Kristofer Borgli, reciente director de El drama, colabora ahora estrechamente con el autor de la novela original, Bret Easton Ellis, en esta historia sobre un joven abriéndose camino en la Los Angeles de los años 80 mientras un asesino en serie anda suelto.

Mi brillante carrera (Netflix, 13 de agosto)

La fiebre de Los Bridgerton llega hasta las costas de Australia, donde se desarrolla una nueva historia de amor entre la alta sociedad. Sybylla es una obstinada campesina que sueña con escribir, pero todo cambia cuando la sociedad espera de ella otra cosa. Tras reencontrarse con Harry, un antiguo conocido y ahora rico pretendiente, en quien al principio verá un obstáculo y después un vehículo para su gran oportunidad de mantenerse independiente y creativa.

Linternas

El universo de DC necesita un nuevo héroe, y en etapa de cambios, nada mejor que darle la oportunidad al que históricamente ha sido de los más poderosos. Linterna Verde, que contó con una fallida adaptación a la gran pantalla de la mano de Ryan Reynolds, vuelve ahora en forma de miniserie para contar sus orígenes y poder integrarlo de una forma mucho más profunda y orgánica en el universo que ya diseña James Gunn junto al Superman de David Corenswet o la Supergirl de Milly Alcock.

Outer Banks (Netflix, 25 de agosto)

Una de las series sobre amistad y aventuras dice adiós después de cinco temporadas. De ella han salido algunos de los actores más cotizados en la actualidad, como Drew Starkey o Madelyn Cline, y por el camino grandes aventuras de estos cazatesoros de la costa de Oakland. En esta última temporada buscarán resolver el mayor misterio hasta la fecha mientras lidian con como la vida los lleva a separar sus caminos.

Materia Oscura (Apple TV y Movistar+, 28 de agosto)

Fue una de las grandes sorpresas de ciencia ficción en 2024, y dos años después regresa con una nueva temporada para seguir indagando en los misterios de los viajes en el tiempo. Jennifer Connelly y Joel Edgerton continúan dando vida a esta pareja embarcada en un peligroso viaje a través de distintos universos.

Apple TV lanzó una promoción que permite a los usuarios acceder a la plataforma por siete días totalmente gratis, a través de una prueba sin costo disponible desde su web oficial.

La oferta incluye acceso al catálogo de Apple TV, con contenidos originales exclusivos, y también transmisiones deportivas: cada fin de semana de carrera de Fórmula 1 y cada partido de la MLS, según se indica en la pantalla de registro de la plataforma.

Cómo acceder a la promo de siete días gratis

Para acceder a la promoción, los usuarios deben ingresar a la web de Apple TV, seleccionar la opción de prueba gratuita de siete días y completar el registro con una cuenta. Luego, la plataforma habilita el acceso a los contenidos incluidos durante ese período sin costo.

Qué tiene Apple TV

Además del período de prueba de siete días, Apple TV reúne series y películas originales de Apple como Ted Lasso, The Morning Show y Severance, y suma una propuesta deportiva centrada en la cobertura de la Fórmula 1 y la Major League Soccer (MLS), con la promesa de disponibilidad total de los encuentros de la liga en la que juega Messi.

HBO Max agrega videos verticales

Warner Bros. Discovery incorporó a HBO Max un feed de video vertical llamado HBO Max Shorts, una nueva función para celulares que permite a los usuarios descubrir series y películas del catálogo a partir de clips breves desplazables en pantalla.

El acceso se realiza desde un ícono de ‘Shorts’ en el menú de navegación inferior de la app.

Desde ese feed, los suscriptores pueden ver tráilers, escenas y material adicional; y, si un título les interesa, iniciar la reproducción de inmediato o guardarlo en “My List” sin salir de la sección.

El contenido se personaliza según el historial de visualización de cada cuenta. Las recomendaciones están impulsadas por un sistema de inteligencia artificial desarrollado por la propia compañía, que utiliza algoritmos de aprendizaje automático y metadatos a nivel de escena para analizar miles de horas de contenido.

Los editores de HBO Max seleccionan los fragmentos finales, que luego se ‘verticalizan’ para integrarse al formato.

La función comenzó como prueba con usuarios de iOS en Estados Unidos. Warner Bros. Discovery anticipó que se expandirá a más dispositivos y mercados, y que sumará contenido deportivo. Plataformas como Netflix, Disney Plus y Peacock ya ofrecen feeds verticales similares.

Prime Video añade videojuegos

Amazon integró Luna, su plataforma de videojuegos en la nube, directamente en la aplicación de Prime Video para Fire TV, lo que permite a los suscriptores de Amazon Prime jugar títulos como Hogwarts Legacy y EA Sports FC 26 sin descargas, sin consola y sin costo adicional.

Los usuarios que abran la app en su Fire TV encontrarán una nueva pestaña llamada ‘Juegos’.

Al seleccionarla, pueden elegir cualquier título del catálogo y comenzar a jugar en segundos desde la nube, sin instalar nada ni conectar hardware adicional. El servicio ya está disponible en Estados Unidos y Reino Unido.

La selección inicial incluye juegos AAA junto a propuestas de entretenimiento grupal. Entre los disponibles se encuentran Hogwarts Legacy, EA Sports FC 26, Indiana Jones y el Gran Círculo, Fallout 4, Marvel’s Guardians of the Galaxy, Shadow of the Tomb Raider y Goat Simulator 3. La oferta se completa con clásicos de mesa digitalizados como Clue, Ticket to Ride y Taboo.

El único requisito es una suscripción activa a Amazon Prime. Los títulos admiten dos formas de control: un mando conectado al televisor o el teléfono celular como alternativa.

“Nuestro objetivo es impulsar aún más el descubrimiento y la difusión de este gran beneficio y, en definitiva, lograr que más personas jueguen videojuegos”, señaló Jeff Gattis, jefe de gaming de Amazon, al portal The Hollywood Reporter.

Por el momento, la compañía no precisó cuándo extenderá la integración a otros países ni a otros dispositivos más allá de Fire TV.

Un nuevo equipo en Richmond

El tráiler anticipa que Ted volverá a la ciudad inglesa para enfrentar el que la sinopsis describe como su mayor reto hasta el momento. En lugar de retomar exactamente la dinámica deportiva de las temporadas anteriores, el protagonista tendrá que acompañar a un grupo de jugadoras que busca crecer desde la segunda división.

La temporada seguirá a Ted y al equipo mientras aprenden a tomar riesgos, confiar en el proceso y avanzar pese a la incertidumbre. El avance combina entrenamientos y partidos con escenas centradas en los problemas personales de sus personajes. La idea que atraviesa el material promocional es que la vida abarca mucho más que el fútbol, uno de los temas que la serie trabajó desde su primera entrega.

El cambio hacia un plantel femenino abre una etapa diferente para el entrenador. Ted tendrá que adaptarse a otro grupo, nuevas relaciones internas y una competencia distinta, aunque mantendrá su método basado en la confianza y el acompañamiento. El adelanto también recupera el tono sentimental de las temporadas previas, con momentos de frustración, alegría y apoyo entre los integrantes del equipo.

El regreso había quedado en duda después de la tercera temporada. Su desenlace cerró varias historias y estaba preparado para funcionar como final de la serie si Apple TV decidía no continuarla. La confirmación de una cuarta entrega convirtió aquel cierre en el punto de partida para un arco centrado otra vez en Richmond.

Quiénes regresan y cuáles son las incorporaciones

La nueva temporada recuperará a buena parte del reparto principal. Junto a Sudeikis estarán Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift, intérpretes ligados a varios de los personajes centrales desde el comienzo de la producción.

Su presencia permitirá retomar las relaciones construidas durante las tres primeras temporadas, aunque el nuevo equipo obligará a reorganizar el foco. El tráiler muestra rostros conocidos y anticipa que los amigos de Ted también atravesarán conflictos, pérdidas y celebraciones durante esta etapa.

El elenco sumará a Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely. Las fuentes no detallan qué personajes interpretará cada incorporación ni cuál será su participación dentro o fuera del campo de juego.

El propio Sudeikis seguirá al frente del personaje que da nombre a la serie. Ted comenzó su historia como un entrenador de fútbol americano contratado para trabajar en el fútbol inglés, pese a su falta de experiencia en ese deporte. La cuarta temporada volverá a utilizar esa capacidad de adaptación, pero con un reto deportivo y humano diferente al de su llegada inicial a Richmond.

Fecha de estreno y lanzamiento semanal

La cuarta temporada estará compuesta por diez episodios. Apple TV comenzará a publicarlos el miércoles 5 de agosto de 2026 y continuará con un capítulo nuevo cada miércoles, por lo que la entrega completa no estará disponible durante la jornada del estreno.

Ese calendario supone un regreso varios años después del cierre de la tercera temporada. La espera estuvo acompañada por dudas sobre la continuidad, ya que el episodio final anterior había dejado a los personajes en una situación compatible con una despedida definitiva.

El nuevo avance despeja esa incertidumbre y centra la promoción en la vuelta de Ted, el reencuentro con Richmond y la presentación del plantel femenino. También evita revelar resultados deportivos o explicar cómo se formó el equipo que quedará bajo las órdenes del protagonista.

Según la información difundida junto con el tráiler, los productores tampoco planean tratar esta cuarta temporada como el cierre asegurado de la serie. Por ahora, Apple TV confirmó diez capítulos y un lanzamiento semanal a partir del 5 de agosto de 2026.

Brandon Sanderson anunció en julio de 2026 que terminó el primer borrador del guion de Nacidos de la bruma, la adaptación cinematográfica que desarrolla junto con Apple TV. El escritor comunicó la noticia a través de X, justo cuando se cumplen 20 años de la publicación de la primera novela, aunque aclaró que el proyecto todavía atraviesa una etapa inicial y necesitará revisiones antes de avanzar hacia el rodaje.

Un primer guion sujeto a cambios

Sanderson llevaba varios meses informando públicamente sobre el progreso de la escritura. Su objetivo era completar esta primera versión durante julio, el mes del vigésimo aniversario de El Imperio Final, publicado originalmente el 17 de julio de 2006. El autor confirmó que llegó al plazo previsto.

“Después de muchos meses de trabajo, estoy encantado de anunciar que el primer borrador del guion de Nacidos de la Bruma está terminado. Justo a tiempo para celebrar la publicación original del libro, hace veinte años este mes. Por favor, recuerden que esto es solo un paso inicial en un proceso muy largo, pero estoy tremendamente emocionado con el resultado”.

Un primer borrador es la versión inicial y completa del libreto, pero todavía puede recibir notas, reescrituras y cambios de estructura. El texto deberá ser evaluado antes de que la producción pueda cerrar otros elementos esenciales, como la contratación de un director, la selección del elenco, el presupuesto definitivo y el calendario de filmación.

La participación directa de Sanderson forma parte del acuerdo alcanzado con Apple TV para adaptar sus propiedades. El escritor ha mantenido un control cercano sobre sus historias y aceptó trasladarlas a la pantalla con la condición de estar implicado en el proceso creativo. En este caso, asumió personalmente la escritura de la primera versión del guion.

El anuncio tampoco implica que la película haya recibido luz verde para comenzar su rodaje. Apple TV no comunicó una fecha de producción ni confirmó quiénes interpretarán a los personajes principales. Tampoco existe una ventana de estreno, por lo que el desarrollo podría extenderse mientras el libreto atraviesa las correcciones necesarias.

La historia de Vin y Kelsier

Nacidos de la bruma forma parte del Cosmere, el escenario compartido que conecta varias obras de Sanderson mediante épocas, personajes e historias diferentes. La adaptación comenzaría con El Imperio Final, el libro que inauguró la saga y presentó su conflicto principal.

La trama ocurre en un mundo postapocalíptico donde el héroe destinado a derrotar al mal fracasó. El vencedor, conocido como el Lord Legislador, lleva aproximadamente mil años gobernando como un tirano inmortal. La sociedad permanece sometida a su régimen hasta que un grupo de criminales prepara un golpe contra el poder establecido.

La protagonista es Vin, una joven ladrona que descubre que posee grandes capacidades mágicas. Su vida cambia cuando se une a una banda liderada por Kelsier, un prisionero fugado y revolucionario que busca derrocar al gobierno. El plan combina robos, infiltraciones y asesinatos con una rebelión contra el Imperio Final.

Según la información disponible, la primera película abarcaría los acontecimientos del libro inicial. Esa novela integra la llamada Primera Era, formada por tres entregas. La serie literaria continuó después con una Segunda Era compuesta por cuatro libros ya publicados.

Apple TV planea desarrollar Nacidos de la bruma como una saga cinematográfica, pero la cantidad de películas todavía no fue detallada. El resultado de la primera entrega será clave para determinar hasta dónde llegará la adaptación de las siguientes novelas.

El futuro de las adaptaciones de Sanderson

El acuerdo entre Sanderson y Apple TV contempla más obras del autor. Entre ellas aparece El Archivo de las Tormentas, otra de sus series de fantasía, pensada para la televisión en lugar del cine. Los reportes indican que el proyecto podría adaptar un libro por temporada y contar con un presupuesto elevado para cada episodio.

Las fuentes disponibles difieren sobre cuánto avanzó esa segunda producción. Una versión la ubica en preproducción, la fase en la que se preparan guiones, presupuesto y equipos antes de filmar. Otra señala que su desarrollo efectivo dependerá del desempeño de Nacidos de la bruma, que funcionaría como la primera prueba del acuerdo con Apple TV.

Esa dependencia deja a El Archivo de las Tormentas en una situación menos definida que la película. Tampoco fueron anunciados un reparto, responsables creativos, fechas de rodaje o una ventana de lanzamiento para la serie.

El avance concreto, por ahora, es la finalización del borrador de Nacidos de la bruma. Sanderson y Apple TV deberán revisar el texto antes de iniciar la búsqueda formal de director y elenco, mientras la producción continúa sin fecha de estreno confirmada.

El regreso del género cyberpunk a la televisión

En un contexto de creciente interés por las historias distópicas, Apple TV se une a la tendencia presentando uno de los relatos fundamentales del cyberpunk. Neuromancer, publicada en 1984 por William Gibson, no solo revolucionó la literatura de ciencia ficción, sino que instauró conceptos como el ciberespacio y posicionó a los hackers como figuras centrales en la narrativa futurista. Con esta nueva adaptación televisiva, el género renueva su atractivo al retomar temas esenciales: la confrontación entre individuos y megacorporaciones, la supremacía tecnológica y la fusión entre humanidad y máquina.

El primer tráiler, con una duración ligeramente superior a un minuto, expone ese escenario distintivo: calles saturadas de neones, edificios que se elevan y vestimentas que aluden a una sociedad donde la moda y la funcionalidad se entrelazan desde una perspectiva tecnológica. Esta presentación inicial busca recuperar la crudeza del mundo descrito por Gibson, mostrando a un Case marcado por traumas del pasado e impulsado por la promesa de una última gran estafa digital.

Personajes principales y elenco de la serie

La serie está protagonizada por Callum Turner en el papel de Case, un hacker de élite con un pasado problemático y adicto al desafío de vulnerar sistemas de seguridad considerados impenetrables. Molly, su compañera en la misión y conocida como Razor-girl, es interpretada por Briana Middleton, quien da vida a una letal mercenaria con características tecnológicas únicas, aspecto que la convierte en un pilar fundamental para el golpe que sostiene la trama. Juntos, desafían las normas de una sociedad dominada por el poder corporativo y se adentran en un objetivo que trasciende los límites de la legalidad y la ética.

El reparto incluye tanto figuras reconocidas como nuevas promesas. Entre los nombres mencionados se encuentran Max Irons, Peter Sarsgaard, Clémence Poésy, Dane DeHaan, Junia Rees, Jordan Kouamé, Emma Laird, Marc Menchaca, André De Shields e Isabella Pappas. Conforme a otros comunicados, también se anuncian Mark Strong y Sam Woolf en papeles aún no especificados oficialmente, lo que evidencia la dimensión internacional del proyecto y su apuesta por reunir talentos diversos para construir un universo coral y fragmentado.

Los retos de adaptar una obra emblemática

Trasladar el universo de Neuromancer a la pantalla supone el desafío de recrear conceptos pioneros que definieron el cyberpunk en los años ochenta y que siguen siendo relevantes cuarenta años después. Para la audiencia contemporánea, habituada a una constante oferta de historias tecnológicas, esta nueva versión debe equilibrar la fidelidad al texto original con un atractivo visual y narrativo acorde a los estándares actuales. La serie se propone capturar la atmósfera opresiva y la acción constante, situando a Case y Molly en medio de engaños, espionaje digital y enfrentamientos violentos contra las fuerzas de seguridad al servicio de grandes corporaciones.

El tráiler deja entrever que uno de los puntos clave de la producción son los efectos: desde la representación del ciberespacio, el entorno virtual donde los datos se trafican y sustraen, hasta la estación espacial que se insinúa en algunas escenas, otro de los elementos emblemáticos del libro. Vestuarios llamativos y una arquitectura imposible completan la estética característica del cyberpunk, si bien el adelanto todavía no muestra grandes giros argumentales o secuencias de acción completas, manteniendo el misterio para las próximas campañas de promoción.

Recepción y contexto dentro del mercado de las series

El estreno de Neuromancer se ubica en un momento en que Apple TV busca consolidarse como referente de la ciencia ficción mediante propuestas visualmente ambiciosas basadas en obras literarias de culto. Este lanzamiento, junto con la anunciada Blade Runner 2099, coincide con un auge de producciones distópicas que aspiran a captar la atención de nuevas audiencias. En especial, el enfoque en temas como la vigilancia digital, el crimen corporativo y la rebeldía individual resulta relevante en una época donde el debate sobre privacidad y tecnología sigue muy presente.

Tanto para los seguidores de William Gibson como para quienes se acercan por primera vez a la narrativa cyberpunk, Neuromancer representa la posibilidad de explorar conceptos visionarios sobre la era digital. La presencia de un elenco variado y la promesa de una realización técnica avanzada alinean a la serie con otras grandes producciones televisivas, aunque el éxito dependerá de su capacidad para interpretar fielmente los principios fundamentales del libro.

Por último, la estrategia de Apple TV subraya el potencial de las plataformas para rescatar piezas fundamentales de la ciencia ficción, acercando estos universos a públicos globales y contribuyendo a ampliar la diversidad de historias disponibles en la era del streaming.

Apple TV+ ya tiene fecha para el estreno mundial de su apuesta de ciencia ficción: “Neuromancer”, la esperada adaptación televisiva de la novela homónima de William Gibson. La serie se lanza el 22 de enero de 2027 con dos episodios iniciales, seguidos de un capítulo nuevo cada viernes hasta el 19 de marzo.

En los días previos al anuncio oficial, la conversación digital se llenó de malentendidos: fragmentos del tráiler y videos editados circularon en redes como TikTok, YouTube Shorts y X, algunos presentados como si fueran adelantos de una tecnología real, con títulos llamativos del estilo “La nueva tecnología Neuromancer” o “Conexión cerebral de próxima generación”.

En muchos casos, los usuarios publicaron estos contenidos omitiendo que se trataba de una obra de ficción y alimentando la confusión.

El fenómeno no tardó en multiplicarse. Parte del público, al enfrentarse a esas publicaciones, asoció de inmediato el concepto de “chips cerebrales” con Elon Musk, dado que Neuralink es el proyecto real más difundido sobre interfaces cerebro-computadora.

Estreno mundial de “Neuromancer” en Apple TV+: fecha y reparto de la serie

El lanzamiento de “Neuromancer” está previsto para el viernes 22 de enero de 2027, marcando el inicio de una de las producciones de ciencia ficción más esperadas del año. Apple TV+ optó por un estreno escalonado: dos episodios llegarán en la primera fecha, y los ocho restantes se lanzarán a razón de uno por semana, concluyendo el 19 de marzo de 2027.

Esta estrategia busca generar conversación sostenida y mantener el interés del público en torno a la trama y los personajes, siguiendo el modelo de lanzamientos semanales que la plataforma ha aplicado a otras series exitosas.

El elenco principal está encabezado por Callum Turner en el papel de Case, el protagonista central, acompañado por Briana Middleton como Molly. El reparto incluye también a Mark Strong, Joseph Lee, Peter Sarsgaard y Clémence Poésy, junto a otros nombres como Max Irons, Dane DeHaan, Junia Rees, Jordan Kouamé, Emma Laird, Marc Menchaca, André De Shields e Isabella Pappas.

La aparición del primer avance se produjo durante el panel de Apple TV en la Comic-Con de San Diego, donde Turner participó de manera virtual para presentar oficialmente la serie al público y a la prensa especializada.

Argumento y universo de la serie “Neuromancer”

La historia sigue a Case, un antiguo superhacker, que después de un pasado marcado por traiciones y caídas, se ve envuelto en una intrincada red de espionaje digital. Junto a Molly, una asesina experta en armas blancas, ambos se unen para ejecutar un atraco contra una poderosa dinastía corporativa que resguarda secretos peligrosos.

El guion adapta la esencia de la novela de William Gibson, que es considerada la obra fundacional del género cyberpunk, con su visión de futuros distópicos, corporaciones omnipresentes y tecnología que transforma la experiencia humana.

En la serie, la ambientación recrea un entorno cargado de intrigas, crimen organizado y tecnología avanzada, elementos que contribuyen a una atmósfera propia del cyberpunk.

El desarrollo de los personajes y la construcción del mundo buscan ser fieles a la novela original, incorporando elementos visuales y narrativos que han definido el género desde la publicación del libro en los años ochenta.

Equipo creativo y producción de “Neuromancer” para televisión

La adaptación televisiva de “Neuromancer” es resultado de una colaboración entre Paramount Television Studios y Anonymous Content. Graham Roland y JD Dillard son los creadores responsables de trasladar la novela a la pantalla, y Roland asume el rol de showrunner y productor ejecutivo.

JD Dillard, además de participar en la creación, dirige los tres primeros episodios. El equipo de productores ejecutivos incluye a David Levine, Garrett Kemble y Zack Hayden por parte de Anonymous Content; Aubrey “Drake” Graham, Adel “Future” Nur y Jason Shrier desde DreamCrew Entertainment; y también la participación directa de Jennifer Haley y del propio William Gibson.

Este equipo garantiza una adaptación que respeta el espíritu de la obra original, al tiempo que incorpora lenguajes visuales y narrativos propios de la televisión contemporánea. El enfoque en la dirección y la producción busca atraer tanto a los seguidores de la novela como a nuevas audiencias que se acercan por primera vez al universo de “Neuromancer”.

El legado de la novela “Neuromancer” y su impacto en la cultura popular

“Neuromancer”, publicada como la primera novela de William Gibson, es reconocida como una obra pionera en el género cyberpunk y ha influido en múltiples producciones posteriores, tanto literarias como audiovisuales. El libro fue el inicio de la trilogía “Sprawl”, que incluye también los títulos “Count Zero” y “Mona Lisa Overdrive”.

Desde su aparición, la novela ha recibido premios de prestigio en la literatura de ciencia ficción, como el Nebula, el Philip K. Dick y el Hugo.

El impacto de “Neuromancer” se percibe en la manera en que anticipó debates sobre inteligencia artificial, realidad virtual y la relación entre humanos y tecnología, temas que hoy forman parte de la conversación pública.

La adaptación de Apple TV+ se inscribe en ese linaje y recupera los elementos que hicieron de la novela una referencia obligada, combinando la fidelidad al material original con recursos visuales y narrativos pensados para el formato serializado.

La decisión cambió el rumbo de una ficción que, en 2023, se había convertido en la serie original más vista del año en Apple TV, acumulando 283 millones de horas de visualización y 13 premios Emmy.

La expectativa que rodea el regreso de Ted Lasso no solo se apoya en su éxito pasado sino también en la transformación radical de su propuesta: la nueva temporada gira en torno al equipo femenino de AFC Richmond, con las Lady Greyhounds ocupando el centro del relato.

El estreno está programado para el 5 de agosto de 2026, según detalló The Hollywood Reporter, y el elenco principal con Sudeikis, Hannah Waddingham, Juno Temple y Brett Goldstein vuelve a escena, aunque en un contexto completamente renovado.

Un retiro en Ojai y el germen de la nueva etapa

La continuidad de la serie fue fruto de un proceso inusual. En febrero de 2024, Sudeikis reunió al equipo de guionistas en Ojai, California, para evaluar la posibilidad de seguir contando historias sobre Ted Lasso. “Pensé: ‘No sé si ya está terminada’”, admitió el actor de 50 años en una entrevista con The Hollywood Reporter.

La reunión, que se llevó a cabo en el Ojai Valley Inn, se transformó en una mesa de trabajo sobre el futuro de la franquicia. Durante ese encuentro, surgieron ideas para varios spin-offs, entre ellos uno centrado en Roy Kent y otro en Keeley Jones.

Sin embargo, la propuesta que ganó fuerza fue la de explorar el universo del fútbol femenino, una línea argumental insinuada en el cierre de la tercera temporada.

Brendan Hunt, cocreador e intérprete del entrenador Beard, describió ese momento como “comprobar la viabilidad del proyecto”. Según el propio Goldstein, también guionista y actor, el desafío consistía en no caer en la fórmula de un spin-off tradicional.

Entre el agotamiento y la motivación renovada

El camino hacia la cuarta temporada estuvo marcado por el desgaste de Sudeikis, quien había declarado en varias ocasiones que su intención era cerrar la serie tras tres entregas.

El actor pasó casi cinco años dedicado exclusivamente a la ficción, escribiendo y protagonizando cada episodio. “La historia ya estaba contada. Ted volvió a casa [a Kansas City] para estar con su hijo. No iba a hacer que Ted cambiara radicalmente su vida para justificar el dinero”, afirmó al medio estadounidense.

La presión mediática y las circunstancias personales, incluida una ruptura pública con Olivia Wilde, incidieron en su decisión inicial de no continuar.

Pese al cansancio, el vínculo de Sudeikis con el personaje y el impacto emocional de la serie en el público pesaron en su balanza. Según relató The Hollywood Reporter, el actor suele responder a los seguidores: “Cuando los fans me dicen que la serie los salvó, les respondo: ‘A mí también me salvó’”.

Además, reconoció que “es contagioso interpretar a un personaje que ve lo mejor en la gente y no se enfada con el mundo por todos sus defectos y sus sombras”. El regreso de Ted Lasso se consolidó como una necesidad tanto creativa como personal.

El desafío de renovar el universo Lasso

El paso de la serie por la tercera temporada estuvo marcado por retrasos, extensos rodajes y tensiones internas. Bill Lawrence, showrunner original, se apartó del proyecto para enfocarse en otros trabajos, lo que dejó a Sudeikis como principal responsable creativo.

“Fue una muerte lenta y dolorosa”, resumió Brendan Hunt sobre la producción de la tercera temporada, marcada por retrasos derivados de la pandemia y las constantes reescrituras de los guiones.

El propio Sudeikis reconoció que su forma de trabajar contribuyó a ese proceso: “Nunca leí algo y pensé: ‘¡Esto está todo mal!’. Más bien, me pregunté: ‘¿Cómo podemos mejorarlo?’“.

Para la cuarta temporada, la producción incorporó a Jack Burditt, con experiencia en 30 Rock y Modern Family, como nuevo showrunner. Su rol consistió en asegurar el cumplimiento de plazos y presupuestos, mientras Sudeikis mantuvo el control creativo.

Lady Greyhounds: nuevos rostros y continuidad

El salto al fútbol femenino implicó la llegada de nuevas actrices, como Tanya Reynolds, quien interpreta a la entrenadora asistente del equipo. La selección del elenco incluyó pruebas de actuación y habilidades deportivas, replicando el proceso vivido por los intérpretes originales.

“Me puse muy paranoica porque la idea de que yo interprete a una entrenadora es bastante graciosa para cualquiera que me conozca”, relató Reynolds a The Hollywood Reporter.

La preparación incluyó campamentos de entrenamiento y un acompañamiento especial por parte de Waddingham y Temple, quienes asumieron un rol de mentoras para las nuevas integrantes.

La cuarta temporada busca recuperar el tono y la esencia que definieron a Ted Lasso desde su estreno en 2020. Según el consenso interno citado por The Hollywood Reporter, los primeros episodios presentan una duración más acotada y un ritmo narrativo más cercano al de las primeras entregas.

Esta entrega profundiza en la tensión entre los ideales de justicia de las protagonistas y las estrictas reglas institucionales, en un contexto donde la corrupción amenaza con silenciar la verdad.

Contexto histórico y desarrollo de la nueva trama

La trama de la segunda temporada inicia con un hallazgo perturbador: el cuerpo de una estudiante activista aparece, generando alarma dentro de la policía. Este suceso desencadena una investigación directamente relacionada con la masacre estudiantil de Tlatelolco en 1968, un episodio clave en la historia contemporánea de México. Las protagonistas, conocidas como Las Azules, se ven rápidamente envueltas en una serie de asesinatos que evidencian el accionar de un criminal metódico vinculado a las heridas abiertas de aquel oscuro capítulo nacional.

El personaje de María, interpretado por Bárbara Mori y ascendida recientemente a teniente, enfrenta el dilema de elegir entre su lealtad a la institución o la defensa de sus principios. Mientras aparecen nuevas víctimas vinculadas al 68, la serie profundiza en la presión interna: la repetición exacta de los actos indica que el asesino es alguien metódico, señala María en el avance, mientras la cadena de mando exige silencio y cumplimiento estricto de órdenes. La tensión crece cuando la protagonista desafía a sus superiores, convocando a su equipo al margen de la autoridad para avanzar en la investigación.

Conflictos internos y poder dentro de la institución

La segunda temporada enfatiza la lucha interna de las protagonistas, atrapadas entre un sistema corrupto y su búsqueda de justicia. Los episodios muestran patrullajes, escenas del crimen con señales de entrenamiento policial, reuniones clandestinas y disputas dentro de la jerarquía policial. La comandancia impone límites al señalar que nadie se mueve sin autorización, pero María contesta desafiando dicha autoridad y lidera a sus compañeras en investigaciones que las colocan en la mira tanto del criminal como de su propia corporación.

Uno de los ejes centrales del relato es la corrupción institucional y la tendencia de las autoridades a fabricar culpables para cerrar casos incómodos. Se anticipa en el avance que van a detener a cualquier persona en la calle, le van a adjudicar el crimen y después cerrarán el caso, lo cual sugiere la desesperación del sistema por evitar que se cuestionen sus acciones. La serie plantea así la pregunta esencial: en un sistema donde la justicia está comprometida, ¿vale la pena arriesgarlo todo por los ideales?

Retrato social y repercusiones actuales

La conexión con el caso del 68 añade profundidad histórica al drama y permite que la ficción dialogue con el presente, reflejando tensiones actuales en torno a la inseguridad, la impunidad y la memoria colectiva. A medida que Las Azules enfrentan desafíos tanto dentro como fuera de la comandancia, desde la hostilidad de altos mandos hasta la presión mediática, las protagonistas deben afrontar el impacto personal y social de sus acciones. Las muertes de jóvenes activistas, los velorios multitudinarios y las imágenes de lujos en contraste subrayan el enfrentamiento entre dos Méxicos: el del duelo colectivo y el del poder impune.

El público podrá identificar la relevancia de estos dilemas en la vida cotidiana gracias a que la serie aborda la dificultad de confiar en las instituciones y la necesidad de romper cadenas de silencio y ocultamiento. El caso involucra a la gente común, ya que las víctimas son estudiantes y activistas, personas que representan a muchos mexicanos que han sido ignorados o criminalizados injustamente por la justicia.

Elenco, producción y expansión internacional

El reparto principal, conformado por Bárbara Mori como María, Natalia Téllez como Valentina, Ximena Sariñana como Ángeles y Amorita Rasgado como Gabina, reúne a actrices reconocidas tanto en la televisión mexicana como en el ámbito internacional. Los papeles secundarios a cargo de Miguel Rodarte, Leonardo Sbaraglia, Christian Tappan, Horacio García Rojas y Bruno Bichir profundizan en una visión plural de la estructura policial y sus contradicciones. Elena del Río también se integra a la historia como figura relevante en los nuevos episodios.

Los creadores Fernando Rovzar y Pablo Aramendi redefinen en esta temporada el formato de thriller policial al añadir elementos históricos y dilemas éticos que buscan involucrar al espectador más allá del mero entretenimiento. Desde el relanzamiento de la primera temporada en 2024, el perfil internacional de la serie ha crecido, reflejado en el avance profesional de sus actrices. Natalia Téllez debuta como conductora en la televisión hispana de Estados Unidos y, junto a Ximena Sariñana, participa en programas radiofónicos de corte cultural en la Ciudad de México. Bárbara Mori, por su parte, intercala la serie con proyectos cinematográficos nacionales e internacionales, como Mistura, consolidando el alcance transfronterizo del elenco.

El relato de Las Azules, al retomar sucesos históricos y reflejar realidades contemporáneas, reafirma la importancia de la memoria social y del debate sobre la corrupción y la búsqueda de justicia en México. La narrativa, anclada en la ficción pero inspirada en hechos reales, lleva a los espectadores a cuestionar hasta dónde estarían dispuestos a llegar cuando el deber y los ideales colisionan en medio de circunstancias adversas.

La plataforma lanzó este martes el tráiler oficial, que anticipa una investigación anclada en uno de los episodios más oscuros de la historia de México.Los episodios se emitirán de forma semanal hasta el 30 de septiembre de 2026.

La trama: un asesino metódico y el fantasma del 68

En esta entrega, el personaje de María —interpretado por Mori— arranca con un ascenso: ahora es teniente. El nuevo rango la coloca en un dilema que atraviesa toda la temporada: obedecer las reglas de la institución que le otorgó el cargo o seguir los valores que la llevaron hasta ahí.

La detonante es el hallazgo del cuerpo de una estudiante activista. La investigación arrastra a las Azules hacia un caso conectado con la masacre estudiantil de Tlatelolco de 1968, cuando nuevas víctimas con vínculos en ese capítulo comienzan a aparecer.

“La repetición exacta de sus actos indica que el asesino es alguien metódico”, dice María en el tráiler. “Las víctimas van en ascenso”.

Lo que revela el tráiler

Las imágenes muestran patrullajes diurnos y nocturnos, una escena del crimen con signos de entrenamiento especializado —“fue golpeado, fue mutilado, con esta precisión tenemos que considerar entrenamiento”— y reuniones clandestinas en interiores oscuros.

También aparecen un velorio con numerosos asistentes y una secuencia en alfombra roja con dos de las protagonistas en vestidos de gala, que contrasta con la tensión policiaca del resto del adelanto.

Los diálogos dejan ver el choque constante con la cadena de mando. “Nadie se mueve sin autorización”, advierte un comandante. La respuesta de María es convocar a su equipo al margen: “Azules, al sótano, ahora mismo. Tenemos que investigar”.

La corrupción institucional es el otro eje del tráiler. “Van a agarrar un tipo de la calle, le van a echar al muerto y después van a cerrar el caso”, anticipa uno de los personajes. La sinopsis oficial plantea la pregunta que recorre la temporada: “en un sistema marcado por la corrupción, ¿cuál es el precio de luchar por sus ideales?”

El elenco y los creadores

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Junto a Mori regresan Natalia Téllez como Valentina, Ximena Sariñana como Ángeles y Amorita Rasgado como Gabina. El elenco de apoyo incluye a Miguel Rodarte, Leonardo Sbaraglia, Christian Tappan, Horacio García Rojas y Bruno Bichir, con la participación de Elena del Río.

La serie fue creada por Fernando Rovzar y Pablo Aramendi. La primera temporada, estrenada en 2024, permanece disponible en Apple TV+ para quienes quieran ponerse al corriente antes del regreso.

Las protagonistas, más allá de las Azules

El regreso a la serie llega en un momento de expansión profesional para las cuatro actrices. Natalia Téllez es la más reciente en dar el salto internacional: desde julio de 2026 conduce Operación Triunfo Estados Unidos en Telemundo, su primera colaboración con la cadena hispana y su apuesta más ambiciosa en el mercado de Estados Unidos.

Téllez y Ximena Sariñana también comparten pantalla fuera de la ficción: desde marzo de 2026 conducen juntas VaVaVa, un programa de conversación y cultura pop en Chilango Radio que se transmite de 13:00 a 15:00 horas por el 105.3 de FM.

Bárbara Mori, por su parte, protagonizó en 2025 Mistura, una película peruana filmada en Lima junto al actor Christian Meier. El proyecto, dirigido por Ricardo de Montreuil y ambientado en la ciudad de 1965, combina drama, gastronomía y reflexión social, y fue descrito por la propia actriz como uno de los personajes más transformadores de su trayectoria de más de 27 años.

Anya Taylor-Joy se encuentra en un escenario familiar: en el desierto, luchando por sobrevivir. Lo hizo en Furiosa y en la próxima Dune: Parte Tres. Ahora se encuentra bajo el abrasador sol de California para Lucky, un trepidante thriller policíaco que Apple TV estrenó esta semana: allí intercambia golpes con matones, dejando su rostro de otro mundo ensangrentado.

“Miren, he ido al desierto tantas veces que ya me parece irreal. No parezco una criatura del desierto, y sin embargo, siempre estoy allí y me encanta”, dice la actriz. “A la gente le gusta verme luchar y les gusta que sobreviva. Y, por suerte, yo también lo disfruto, así que todo sale bien”.

Taylor-Joy interpreta al personaje principal en una adaptación de la novela de Marissa Stapley sobre una estafadora que despierta en una habitación de hotel y se da cuenta de que ha sido traicionada por un aliado cercano, viéndose obligada a huir. Pronto, ella se ve perseguida tanto por el FBI como por un despiadado jefe del crimen por la desaparición de 10 millones de dólares. Su padre viudo no le es de mucha ayuda: la crió para ser una criminal, pero ahora está entre rejas y solo la ayuda por teléfono. “Ella se encuentra en un punto de inflexión cuando la conocemos en el libro y en la serie, donde tiene que trazar su propio rumbo. Tiene que tomar las riendas de su vida y decidir realmente cómo quiere vivirla”, dice Lauren Neustadter, productora ejecutiva.

Un personaje evoluciona

En la serie de siete episodios, su persona tiene que abrirse paso a la fuerza para salir del baúl cerrado de un coche y clavarle un destornillador en el cuello a un villano, encontrándose sola en el desierto. “¿Cómo puede alguien tan pequeño causar tantos problemas?”, pregunta un matón. “Vemos cómo este personaje evoluciona de principio a fin. Empieza centrada en las estafas, y la pregunta es: ‘¿Adónde la llevará eso? ¿Cómo evolucionará y en quién se convertirá?’ Y creo que es una de las cosas que hacen que esta serie sea tan especial”, dice Neustadter.

La serie cuenta con la participación de Annette Bening, Drew Starkey y Timothy Olyphant, y una banda de sonido centrada en personajes femeninos que incluye una conmovedora canción principal de Fiona Apple y temas de Sleater-Kinney y Siouxsie Sioux.

Annette Bening interpreta a una despiadada líder mafiosa que se debate entre salvar a su hijo y enfrentarse a su brutal jefe y antiguo amante. Es tan probable que ordene un asesinato como que ella misma sea ejecutada. “Es una mujer maltratada y a la vez maltratadora”, dice Bening. “Por eso, es tan intrigante. Me pareció que el guion era realmente bueno. Y sí que quería interpretar a este tipo de mujer con rasgos de sociópata”.

La productora Hello Sunshine, de Reese Witherspoon, se puso en contacto con Taylor-Joy para presentarle el libro, pidiéndole que no solo considerara protagonizar la serie como actriz, sino también ofreciéndole la oportunidad de debutar como productora ejecutiva. “Recuerdo cruzar los dedos y pensar: ‘Dios mío, espero de verdad que me guste este libro’. Y entonces me gustó, me enamoré de Lucky y sentí que tenía algo que aportar en este ámbito, que creo que es la sensación que uno quiere tener si va a participar como productor ejecutivo”, dice Taylor-Joy, actriz y modelo de ascendencia argentina.

La serie, creada por Jonathan Tropper y escrita y producida junto con Cassie Pappas, es un thriller policíaco pero con un drama familiar en su esencia, uno que lleva a Lucky a preguntarse si hay otra forma de vivir.

“Temáticamente, eso es lo que realmente nos atrajo a Jonathan y a mí: la idea de hasta qué punto la familia influye en quién eres, en contraposición a hasta qué punto puedes romper con ese patrón y forjarte uno nuevo”, dice Pappas.

Lucky recurre a sus habilidades para estafar y sobrevivir

Lucky creció robando con su padre, sustrayendo sobres llenos de dinero en fiestas de cumpleaños y fingiendo lesiones para conseguir habitaciones de hotel gratis. Ahora, huyendo de la justicia, recurre a esas habilidades para sobrevivir, pero también anhela una vida mejor.

“Todos luchamos contra las limitaciones de nuestro pasado y el bagaje que nos dejaron incluso nuestros mejores padres, para llegar a un punto en el que podamos descubrir quiénes somos”, dice Tropper. “En su caso, hay mucho más en juego porque el hecho de que intente descubrirlo podría costarle la vida”.

Para Taylor-Joy, además de saltar de camiones, esquivar asesinos y robar coches en pantalla, tuvo la oportunidad de tomar decisiones de casting y asesorar sobre la estética y el sonido del programa detrás de las cámaras. “Creo que lo pasamos de maravilla haciéndola, y creo que eso se nota en la pantalla, a pesar de los destornilladores atravesándole la cabeza”, dice entre risas.

Fuente: AP

La Ciudad de México, Puerto Vallarta, Oaxaca y los campos de agave de Jalisco figuran entre los destinos mexicanos que sirvieron de escenario para series y documentales de plataformas como Netflix y Apple TV+, y que cualquier viajero puede recorrer estas vacaciones.

Desde el Centro Histórico capitalino hasta comunidades rarámuri en la sierra de Chihuahua, México ha prestado sus calles, haciendas y paisajes naturales a producciones que acumulan millones de espectadores en todo el mundo.

La capital, un set que no cierra

El corazón de la Ciudad de México concentra la mayor densidad de locaciones visitables. El Ex Convento de San Hipólito, cerca del Metro Hidalgo, aparece en la segunda temporada de Narcos: México como escenario de una fiesta electoral. El Café Trevi, restaurante tradicional junto a la Alameda Central, fue usado en la primera temporada para una de las escenas de mayor tensión de la serie.

El Palazzio Videmar, en la alcaldía Cuauhtémoc a un costado de Tlatelolco, sirvió como locación de la boda del Gobernador Celis en esa misma producción de Netflix.

Otras series dejaron huella en distintas colonias. La Casa de las Flores se filmó en la alcaldía de Tlalpan, cerca del parque Cumbres del Ajusco. Soy tu Fan recorrió Coyoacán, la Roma y Polanco. Sense8 utilizó el Museo Anahuacalli de Xochimilco, estudio del pintor Diego Rivera, como una de sus locaciones internacionales.

La miniserie Me late que sí (Netflix, 2025), protagonizada por Alberto Guerra, recreó la atmósfera burocrática de la capital en exteriores de colonias como San Rafael y Santa María la Ribera, además de las oficinas de Pronósticos para la Asistencia Pública en Insurgentes Sur.

Para quienes prefieren un recorrido guiado, The Film Tours México ofrece itinerarios por el Centro Histórico que incluyen el Palacio de Bellas Artes, el Palacio Postal y el Colegio de San Ildefonso, con referencias a producciones nacionales e internacionales.

Puerto Vallarta, la Acapulco que no es Acapulco

Uno de los casos más llamativos del “turismo de pantalla” en México es el de la serie Acapulco de Apple TV+. Aunque la historia transcurre en el puerto guerrerense en 1984, toda la filmación se realizó en Puerto Vallarta, Jalisco, específicamente en el Hotel Barceló, cuya fachada rosa se convirtió en el sello visual de la producción.

La serie, que cuenta con la participación de Eugenio Derbéz, transformó ese hotel en un destino reconocible para sus seguidores.

Tequila y sus haciendas, el escenario de Monarca

El Pueblo Mágico de Tequila, en Jalisco, es la locación central de Monarca, serie de Netflix producida por Salma Hayek que narra la disputa de tres hermanos por un imperio tequilero familiar.

Los campos de agave azul, el centro histórico del municipio y haciendas del siglo XVII conforman el paisaje de la producción. Dos de esas propiedades son visitables: la Hacienda de El Carmen, ubicada entre los volcanes de Tequila y Ameca en El Carmen de Ordaz, que hoy opera como hotel con spa y lago; y la Hacienda de Labor de Ribera, también usada durante el rodaje.

Ambas reciben visitantes y ofrecen hospedaje.

Oaxaca y Mérida, la cocina como guía

Chef’s Table de Netflix dedicó el cuarto episodio de su segunda temporada al chef Enrique Olvera, con los mercados y calles de Oaxaca como telón de fondo. Ese recorrido visual por la capital oaxaqueña está ligado al origen de su mole madre, uno de los platos más reconocidos de la gastronomía mexicana contemporánea.

El documental Salt, Fat, Acid, Heat llevó a la chef Samin Nostrat a los mercados de Mérida, Yucatán, para explorar los sabores de la región: naranja, miel y las salsas locales que definen la cocina yucateca.

Chihuahua y Baja California Sur, la naturaleza en primer plano

El documental Lorena, la de pies ligeros (Netflix) muestra la comunidad rarámuri de Guachochi, en la sierra de Chihuahua, conocida como la capital del mundo rarámuri. Para llegar a la casa de Lorena, la producción cruzó ríos, desfiladeros y la Barranca Sinforosa, un paraje alejado de los circuitos turísticos convencionales.

En el extremo opuesto del país, el documental Nuestro Planeta exhibe el Parque Nacional Bahía de Loreto, en Baja California Sur, que alberga el 70% de las especies marinas de México, incluida la ballena azul. Jacques Cousteau describió esa zona como “el acuario del mundo”.

Colin Farrell y su hermana Claudine han formado una sociedad profesional que destaca tanto por su solidez como por el estrecho lazo familiar que los une. “Ella toma las riendas”, afirmó el actor.

Desde hace un cuarto de siglo, ambos han sabido mantener una colaboración basada en la confianza, la comunicación y la definición clara de roles, elementos que han sido clave para el éxito de sus proyectos en la industria audiovisual.

Trayectoria compartida y roles definidos

Durante la premiere de la segunda temporada de la serie Sugar en el Hammer Museum de Los Ángeles, Colin Farrell celebró junto a su hermana los 25 años de trabajo conjunto.

En ese evento, el actor explicó a PEOPLE que la continuidad de su sociedad profesional se apoya en una relación de confianza y en la delimitación de funciones dentro de Chapel Place Productions, la productora que fundaron hace más de una década.

Colin resaltó que Claudine asume el liderazgo operativo de la empresa, mientras él representa el rostro visible ante el público y la prensa. Esta dinámica les permite tomar decisiones de manera eficiente y mantener una relación laboral libre de tensiones, algo poco habitual en un sector tan competitivo.

El liderazgo de Claudine Farrell

Farrell fue claro al señalar que su hermana es quien toma las riendas en la productora. Afirmó que ella administra el desarrollo de los proyectos y coordina las diferentes etapas, desde la concepción de ideas hasta la ejecución final. Este liderazgo ha permitido a Chapel Place Productions establecerse como una empresa con una visión clara y una gestión precisa.

El actor reconoció que, aunque su papel suele asociarse a la exposición mediática, el peso del trabajo cotidiano recae sobre Claudine.

La sinergia entre ambos surge de una historia personal de más de cinco décadas, lo que se traduce en una confianza inquebrantable y en una comunicación fluida, tanto en el ámbito profesional como en el familiar.

Una sociedad basada en el apoyo mutuo

Más allá de los roles formales, Colin destacó que el apoyo mutuo ha sido determinante para superar los desafíos propios de la industria.

La experiencia acumulada trabajando juntos les permitió enfrentar dificultades y adaptarse a los cambios del sector, manteniendo siempre una perspectiva compartida y un objetivo común.

El vínculo personal refuerza su colaboración, ya que el conocimiento profundo del otro facilita la resolución de conflictos y la toma de decisiones. Para Farrell, la oportunidad de trabajar junto a alguien a quien conoce desde la infancia es un privilegio que influye positivamente en cada proyecto.

Nuevas metas y proyectos en marcha

El estreno de la segunda temporada de Sugar marcó un nuevo hito para la productora y para la carrera de ambos hermanos. Claudine se desempeñó como productora de la serie, mientras Colin retomó el papel del investigador privado John Sugar.

El actor expresó que siente nervios cada vez que asume un nuevo desafío, pero que interpretar nuevamente a este personaje le resultó una experiencia estimulante y le permitió explorar nuevas facetas actorales.

Durante la conversación, Farrell comentó que la serie representa una apuesta importante para el equipo y que el trabajo de su hermana en la producción fue fundamental para materializar cada episodio.

Los nuevos capítulos, que comenzaron a emitirse el 19 de junio y continuarán hasta el 7 de agosto, reflejan el compromiso y la capacidad de adaptación de Chapel Place Productions.

Proyección y consolidación en la industria

La relación profesional entre Colin y Claudine Farrell continúa evolucionando, con planes para desarrollar nuevas iniciativas y ampliar el alcance de su productora.

El liderazgo de Claudine y la participación activa de Colin en cada proyecto han consolidado la reputación de Chapel Place Productions como una referencia en el sector.

Este equilibrio entre vida personal y profesional les permitió construir una trayectoria sólida y afrontar juntos los desafíos de la industria audiovisual. La experiencia compartida, sumada al respeto y admiración recíprocos, sigue siendo la base de una sociedad que, tras 25 años, mantiene intacta su capacidad de innovar y crecer.

Antes de su estreno, la nueva tanda ha debutado con un 100% de valoración en Rotten Tomatoes, la nota más alta de la serie hasta ahora, convirtiéndola en una de las serie de ciencia ficción mejor valoradas tanto por la crítica como por los espectadores.

La ficción, creada por Graham Yost a partir de la trilogía de Hugh Howey, se sitúa en un futuro tóxico e inhabitable en el que 10.000 personas viven encerradas en un silo subterráneo de 144 plantas. La protagonista es Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera de los niveles bajos que empezó a desentrañar las mentiras sobre las que se sostenía el orden social del complejo.

Apple confirmó en diciembre de 2024 la renovación simultánea de una tercera y una cuarta temporada, esa última concebida desde el inicio como cierre definitivo de la historia, de modo que el estreno de ahora marca el ecuador del recorrido televisivo de la saga.

Una nueva temporada que cambia de estilo

La nueva temporada arranca tras la rebelión en Silo 18 y tras la caída de Bernard Holland (Tim Robbins). Juliette ha pasado a ser alcaldesa, pero lo hace con lagunas de memoria sobre lo que vivió en el exterior, mientras la comunidad intenta recomponerse y aparece una nueva amenaza.

Ese borrado parcial de memoria no es un detalle accesorio, ya que a Juliette se le oculta información de su paso por el exterior y de la muerte de Bernard, ya que fue sometida a un borrado químico de memoria, un elemento que reorganiza la intriga en el presente.

La gran novedad está fuera de ese presente. La temporada incorpora una segunda línea temporal centrada en el congresista Daniel Keene (Ashley Zuckerman) y la periodista Helen Drew (Jessica Henwick), dos personajes que empiezan a seguir la pista de una conspiración que acabará desembocando en la construcción de los silos.

Esta mitad de la historia adapta en buena medida Shift, el segundo libro de la trilogía, editado en español por Minotauro. Esa incorporación rompe con la estructura de las dos primeras temporadas, mucho más concentradas en el tiempo de Juliette, y es el punto que más elogios había recibido en las críticas previas.

Dos tiempos que amplían una mitología

La temporada alterna las dos cronologías sin perder la sensación de claustrofobia en Silo 18 y llega a culminar en el que considera el mejor episodio de toda la serie. La amnesia de Juliette, un recurso muy usado en televisión, aquí funciona como vínculo real entre ambas líneas argumentales.

Además, la tercera temporada tiene que conectar dos periodos distintos y lo hace de forma imprevisible. El centro de la trama será el pasado a Daniel y Helen, ya insinuados al final de la segunda entrega, en un contexto marcado por una amenaza letal y por la investigación del origen de los silos. En ese bloque del pasado aparecen además nuevos personajes interpretados por Laura Innes, Matt Craven y Colin Hanks, entre otros.

Además de la nueva estructura, siempre sorprende la ambición de producción, la solidez del reparto y la capacidad de la serie para ampliar su mitología sin perder tensión, lo que le confiere una capacidad adictiva.

La tercera entrega, en todo caso, no cierra todavía la historia. Su función dentro del plan de adaptación es resolver incógnitas sobre el apocalipsis, explicar mejor el origen de los refugios y dejar preparadas las líneas argumentales que convergerán en la cuarta y última temporada. Por el momento, nos quedamos con esta temporada que marca un hito en el género y que desafía otras producciones como

La ficción llegó a la plataforma en abril y cada episodio suele girar en torno a los 40 minutos, un formato que la hace especialmente accesible en un momento en que otras series estiran sus finales hasta la extenuación.

La serie ha ido creciendo por el boca a boca, convirtiéndose en el mayor éxito reciente impulsado por la recomendación entre espectadores y alcanzando el estado de culto casi inmediato. De hecho, ya se ha confirmado que habrá una segunda temporada.

Una isla que alberga una maldición

Ambientada en una isla ficticia de Nueva Inglaterra, la serie sitúa la acción en un pequeño municipio marcado por una maldición sobrenatural de siglos. Hay niebla letal, una posada encantada, rituales extraños, cadáveres reanimados, asesinos enmascarados y criaturas marinas, todo ello dentro de un entorno costero aparentemente apacible.

Una de sus grandes virtudes es el dominio de una mezcla que no siempre suele funcionar: sustos que no se convierten en parodia y bromas que no actúan solo como alivio de tensión, consiguiendo un equilibrio perfecto entre horror, inquietud y atmósfera asfixiante con muchas dosis de humor negro y espíritu juguetón.

La serie, creada por Katie Dippold, guionista de Parks and Recreation, incorpora esta estructura desde su arranque. El alcalde Tom Loftis, interpretado por Matthew Rhys, necesita atraer visitantes y aspira a convertir la isla en un enclave turístico, aunque parte de los vecinos prefieren advertir a cualquiera que llegue sobre los sucesos sobrenaturales que allí tienen lugar y a los que ellos ya se han acostumbrado.

Ese conflicto entre promoción turística y amenaza real es uno de los puntos de arranque de la serie. Así, el detonante narrativo será que el alcalde convence a un reportero de The New York Times para visitar la isla, lo que termina en un artículo elogioso y en una avalancha de turistas. Sin embargo, esa llegada coincidirá con una cadena de apariciones y ataques vinculados a una entidad demoníaca que domina la isla.

Entre los personajes figuran Wyck, encarnado por Stephen Root; la sheriff Bechir, a cargo de Kevin Carroll; el hijo adolescente del alcalde, Evan, interpretado por Kingston Rumi Southwick; una secretaria anciana a la que da vida K. Callan y Richard Warren, el misterioso fundador al que da vida Hamish Linklater. También hay un chamán interpretado por Chris Fleming.

Sin embargo, una de las revelaciones de la serie corresponde a Kate O’Flynn, la asistente del alcalde y una de las presencias más excéntricas que ayudan a definir el tono local, convirtiéndose en el centro de uno de los episodios más celebrados, en el que su personaje organiza una fiesta para los habitantes de la isla mientras arrastra problemas de autoestima.

Entre Stephen King, David Lynch y mucho más

El tono al que nos referíamos es difícil de describir, porque hay cosas que remiten a Stephen King, otras a las atmósferas enrarecidas y los personajes estrambóticos de David Lynch, pero lo cierto es que la serie termina por tener una identidad propia que la aleja de cualquier clase de referente, convirtiéndola en algo único.

Así, partiendo de materiales conocidos, los responsables que se encargan de reformularlos y dotarlos de un nuevo sentido dentro de su propio universo. Por eso, se utilizan los miedos atávicos de toda la vida o la mitología de las casas encantadas, la chica de la curva, el hombre del saco u otras muchas leyendas más, porque dentro de la serie adquieren un sentido independiente.

Y es que se crea además toda una cosmogonía alrededor de la isla, cuyos habitantes autóctonos no pueden abandonar, retrotrayéndonos al pasado para contar los orígenes de esas teorías folk vinculadas a un pacto demoniaco.

Dippold mantiene un argumento horizontal, la maldición que pesa sobre la isla, sin renunciar a tramas episódicas con autonomía propia. Esa combinación permite que casi cada capítulo funcione como un pequeño cuento de terror, aunque todos queden integrados en la historia principal mediante transiciones, semillas narrativas y cambios de punto de vista.

El director Hiro Murai, conocido por su trabajo en Atlanta y Barry se encarga de buena parte de los capítulos de la serie, de forma que su sensibilidad visual ayuda a que los capítulos se mantengan en una zona de ambigüedad muy atractiva y absorbente, aunque también dirige uno de los episodios, el correspondiente a los orígenes de la isla, Ti West.

La maldición de Widow’s Bay es una de esas series que se reinventan a sí mismas en cada episodio ofreciendo sorpresa tras sorpresa consiguiendo que el misterio central vaya adquiriendo cada vez una mayor importancia hasta alcanzar un magnífico clímax final.

Comienza la temporada de verano por todo lo alto en las diferentes plataformas con un buen puñado de series de todo tipo para disfrutar, ya se esté o no de vacaciones. Hay ‘remakes’ de grandes clásicos, novedades españolas, thrillers inéditos y ficciones de prestigio. Un ‘totum revolutum’ de lo más refrescante y diverso.

Sin embargo, también continúan los episodios de grandes producciones que se estrenaron el pasado mes, como es el caso de La casa del dragón, o la magnífica Sugar, con Colin Farrell, que irán completando sus respectivas temporadas a lo largo de las próximas semanas.

Además, es un buen momento para rescatar algunas joyas que pueden haber pasado desapercibidas, como La maldición de Widow’s Bay, Se tiene que morir mucha gente, Margo tiene problemas de dinero o DTF St. Louis.

‘Elle’

Se estrena en Prime Video una ‘precuela’ de la mítica película Una rubia muy legal, que protagonizó en su momento Reese Witherspoon, y que se centrará en la etapa de instituto del personaje, esta vez interpretado por Lexi Minetree.

La trama seguirá a la joven en medio de amistades complicadas, romances prohibidos y decisiones de moda cuestionables. Su familia tendrá un rol central, con su madre como principal apoyo. Y veremos los inicios de este personaje icónico dentro de la cultura pop.

El proyecto también incluirá uno de los últimos trabajos del actor James Van der Beek, fallecido, conocido por ser el protagonista de Dawson crece. A partir del 1 de julio en Prime Video.

‘La casa de la pradera’

Una nueva versión de La casa de la pradera llega a Netflix con un tono más crudo que la serie de los años 70 y principios de los 80 protagonizada por Michael Landon, aunque conservando el espíritu familiar que caracterizó el original. La ficción se basa en los libros autobiográficos de Laura Ingalls, ambientados en el siglo XIX.

La historia retomará la mirada sobre las dificultades y los logros de quienes impulsaron los orígenes del Oeste de Estados Unidos, según se planteaba en esos textos. En el elenco, encontramos a Alice Halsey, que interpretará a Laura Ingalls, un rol que en la adaptación anterior estuvo a cargo de Melissa Gilbert.

El reparto lo completan Luke Bracey como el patriarca Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como la matriarca, Skywalker Hughes como Mary (la hermana mayor), Warren Christie como John Edwards y Jocko Sims como el Dr. George Tann. Una propuesta nostálgica destinada tanto a aquellos que vivieron aquel fenómeno televisivo como para las nuevas generaciones. A partir del 9 de julio en Netflix.

‘Ágata y Lola’

La inspectora Lola Castro descubrirá que Ágata es una agente clave para resolver casos en la comisaría de Vigo. La jefa del Grupo de Homicidios de la Policía Judicial insistirá en sumarla a su equipo tras detectar su talento en el archivo.

La joven, que trabaja entre expedientes y documentación, oculta que está en el espectro autista. Aun así, ambas terminan configurando una dupla efectiva en las investigaciones. Protagonizada por Eva Martín y Mireia Oriol y una de las apuestas de AtresPlayer para el verano, que se estrena el 12 de julio.

‘Lucky’

Anya Taylor-Joy interpreta a Lucky en una historia sobre una joven que dejará atrás la vida criminal en la que creció, pero que deberá recurrir una última vez a “su lado más oscuro” en un intento desesperado por escapar de su pasado.

Una miniserie de 7 episodios basada en la novela homónima ‘superventa’ de Marissa Stapley que incluye en el reparto a Annette Bening, Timothy Olyphant, Aunjanue Ellis Taylor o Drew Starkey. Se estrena en Apple TV el 15 de julio.

‘El Halcón’

Los fans de Will Ferrell están de enhorabuena, ya que el intérprete y creador regresa con esta serie original en la que de nuevo encarnará un personaje de lo más paródico.

Él será Lonnie Hawkins, que fue un gran golfista y que ahora, en el tramo final de su carrera, intentará recuperar el nivel que lo consagró con el objetivo de ganar el único gran torneo que le falta para completar el Grand Slam.

Aunque su cuerpo ya no responde, el personaje insistirá en seguir compitiendo pese a que su exmujer y su hijo Lance, señalado como nueva promesa del golf, dan por terminada su etapa en el circuito.

El plan de Hawkins apunta a un regreso con una meta concreta: conquistar ese gran título pendiente y cerrar su carrera con una reaparición en un gran torneo. Risas y cachondeo asegurado en esta serie en la que también encontramos a Molly Shannon o Luke Wilson. A partir del 16 de julio en Netflix.

‘La vida en la sombra’

Con el sello de calidad de la BBC se presenta este drama creado por Dennis Kelly e inspirado en las memorias de Andy West, que se dedicó a dar clases de filosofía en una prisión para ayudar a aquellos que se encontraban entre rejas.

La historia plantea el contraste con su entorno familiar: su padre, su tío y su hermano, que sí pasaron por la cárcel, mientras que él eligió la docencia y dedicarse a ayudar a aquellos a los que estaban privados de libertad. Lo que comienza como un experimento intelectual dentro de la prisión derivará en un proceso de un enorme calado personal. En Movistar Plus+ a partir del 16 de julio.

‘Tip Toe’

El guionista Russell T. Davies es el creador de este thriller suburbano con Alan Cumming y David Morrissey como protagonistas, centrado en dos vecinos de Manchester cuya convivencia se rompe a medida que avanzan hacia posiciones cada vez más extremas alrededor de la homofobia.

Cumming y Morrissey interpretan a dos hombres que han vivido puerta con puerta durante 15 años, pero que terminan convertidos en enemigos declarados por un proceso de radicalización gradual.

Davies, ganador de varios premios BAFTA, es el creador de títulos como Doctor Who, Queer As Folk e It’s A Sin.

‘Los creyentes’

Una joven vuelve a casa tras la muerte de su madre en circunstancias extrañas y sospechará que su padre podría estar involucrado. Ante su regreso, este se muestra gruñón y agresivo, y está absorbido por una teoría de la conspiración que lo obsesiona. La tensión entre ambos crecerá por el comportamiento errático de él, hasta llevar a la protagonista a preguntarse si está compartiendo techo con un asesino. Un thriller psicológico creado por los responsables de Élite y protagonizado por Jose Coronado y Stéphanie Magnin. Estreno en Netflix el día 24 de julio.

‘Stuart no consigue salvar el universo’

Tras El joven Sheldon, llega un nuevo ‘spin-off’ de The Big Bang Theory, esta vez centrado en Stuart, el dueño de la tienda de cómics interpretado por Kevin Sussman, que, en esta ocasión, deberá restaurar la realidad tras romper un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, un accidente que desatará un “Armagedón multiversal”.

En la historia, Stuart recibirá ayuda de su novia Denise (Lauren Lapkus), su amigo geólogo Bert (Brian Posehn) y el físico cuántico Barry Kripke (John Ross Bowie). Durante el recorrido, el grupo se cruzará con versiones alternativas, de otros universos y de personajes de The Big Bang Theory.

‘Furious’

Thriller creado por Elizabeth Meriwether que sigue a una agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, que persigue a una asesina en serie metódica encarnada por Lola Petticrew. La historia plantea un recorrido hacia la justicia en la que, a medida que sus vidas se cruzan, se difumina la frontera entre el bien y el mal.

En la trama, ambas avanzan por caminos propios mientras la investigación estrecha el vínculo entre perseguidora y perseguida. Una nueva ficción de la creadora de New Girl, The Dropout y Dying for Sex. Se estrena el 27 de julio en Disney+.

Sin embargo, desde 2024, se ha convertido en una presencia habitual gracias al ‘spin-off’ El Pingüino, sobre el personaje que aparecía en The Batman, y Sugar, de la que además ejerce como productor ejecutivo.

Acaba de aterrizar en Apple TV la segunda temporada de esta última, en la que el intérprete encarna a John Sugar, un investigador privado poseedor de un rígido código moral que guardaba un secreto inaudito que se desvelaba en la primera temporada, en uno de los giros argumentales más aplaudidos por los seguidores.

“Una de las mejores cosas de interpretar este personaje ha sido lo decente que es. Resulta inspirador en el mundo en el que vivimos, que todavía mantenga la esperanza en el ser humano, lo cual creo que es muy difícil para la mayoría de nosotros cuando vemos lo que sucede en el mundo”, dice Colin Farrell desde una rueda de prensa en Los Ángeles.

El giro de guion que lo cambió todo

El giro al que nos referíamos es la procedencia alienígena del protagonista, que, junto a un grupo de compañeros, se dedicaba a observar nuestro planeta. El problema era que cuanto más tiempo pasaban aquí, más humanos se volvían y su mente se distorsionaba en torno a su identidad.

Además, el protagonista siempre ha tenido una debilidad, el cine clásico, razón por la que durante toda la serie aparecerán fragmentos de películas con las que se establecerá una relación con lo que está pasando en la ficción, que no deja de ser un homenaje al cine negro de la época dorada de Hollywood.

“Amo las películas antiguas, también las nuevas. Pero cuando llegan las Navidades, siempre vemos ¡Qué bello es vivir!, también El tesoro de Sierra Madre. No me adentro tanto como John Sugar en ellas, porque él usa el cine casi como referencia ‘comportamental’ y sociológica de cómo debería ser. Pero, definitivamente, me gustan. Y, ya sabes, la primera temporada de Sugar la usé como una oportunidad para empaparme de cine negro".

Una segunda temporada fiel a su espíritu

En esta segunda temporada, John Sugar estará solo, ha decidido quedarse en la Tierra y ya no tiene contacto con nadie, pero necesita seguir ayudando a la gente. Por eso, aceptará un nuevo caso, encontrar al hermano de un boxeador que andaba metido en líos y que ha desaparecido.

“Queríamos honrar el tono de la serie que se estableció en la primera temporada, pero también permitir un cambio de situación en cuanto al personaje. Lo principal, por supuesto, es que él ahora, por primera vez, es un hombre realmente solo, un expatriado, un inmigrante. Todos los demás, todos sus amigos, todos sus compañeros han vuelto a su planeta de origen. Así que ahora le toca luchar mucho con esa sensación de aislamiento, y cómo eso influirá en su manera de ser”.

Cuenta el actor que la primera temporada se desarrollaba en zonas más acomodadas, como Bel Air, Palisades, los estudios de cine y toda esa gente poderosa de Hollywood. Y que esta tiene lugar en K-Town, en los bajos fondos, lo que muestra una parte diferente de Los Ángeles. Además, así se pone de manifiesto el desarraigo del protagonista junto con otros individuos que se encuentran también fuera del sistema.

Dice que cuando llegó a Los Ángeles con 22 años, se sintió bastante solo. Le parecía una ciudad poco amable y en la que era difícil establecer lazos. “Después ibas a fiestas en mansiones en las que había tanto dinero, tantos famosos, y eso también le deja a uno perplejo con esa edad. Pero la parte empresarial de Hollywood me incomodaba un poco”, cuenta.

También se confiesa sobre su adicción al alcohol en ese tiempo. “En esa época bebía, y prefería los bares de mala muerte, en Los Ángeles también los hay, bares que eran una cochambre y en los que me sentía más a gusto”.

Cree que Sugar es, al fin y al cabo, una serie que también refleja lo mejor y lo peor del ser humano, cómo la codicia genera violencia.

“Es duro ser humano y puede ser horrible, deprimentemente y generador de ansiedad. Y si no nos apoyamos unos a otros, entonces estamos en problemas. A veces tengo que recordarme a mí mismo, cuando veo las noticias y el mundo a nuestro alrededor, cuánta gente increíble hay también haciendo cosas asombrosas, porque la violencia se convierte en protagonista y es más visible”.

La novela contaba la historia de Max Cady, un hombre violento acusado de violación y de maltrato que, al salir de prisión, se dedicará a acosar a la familia de uno de los hombres que testificó en su contra, Sam Bowden, sobre la que verterá todo su odio psicópata.

En 1962, el británico J. Lee Thompson sentaría las bases cinematográficas en la primera y mítica primera adaptación, con Gregory Peck en la piel de Sam Bowden y Robert Mitchum en la de Max Cady, convirtiéndose en uno de los villanos más perturbadores de la historia del cine, junto con su papel en La noche del cazador.

Martin Scorsese cogió ese material y lo hizo propio para hacer su propio remake en 1991 con El cabo del miedo, un ‘psicothriller’ repleto de imágenes memorables y de una complejidad moral de lo más malsana en la que la tensión entre la violencia y la pulsión sexual se encontraban siempre latentes. Por supuesto, el trabajo de Robert De Niro, como Max Cady, era tan absolutamente demencial como prodigioso.

Qué novedades plantea la nueva serie ‘Cape Fear’

Ahora, llega a Apple TV Cape Fear, una nueva versión en formato serie auspiciada precisamente por Martin Scorsese y por Steven Spielberg que se encarga de modernizar el relato original y apuntar hacia nuevas perspectivas sin perder su esencia.

La nueva versión sitúa en el centro del relato a Anna Bowden (Amy Adams), una abogada que hace 17 años negoció la declaración de culpabilidad de su cliente, Max Cady (en esta ocasión, no es un violador, se supone que mató a su mujer embarazada). Poco después de eso, se casaría con el fiscal del caso (Patrick Wilson) y formarían una familia privilegiada que partiría de un secreto: ambos ocultaron un dato que podría haber salvado a Cady de la prisión. Y, para más hipocresía, ahora ella se dedica a salvar a convictos que han sido condenados injustamente.

Una vez libre, Cady queda en posición de emprender una venganza calculada contra Bowden y su familia, aunque la serie juega precisamente con la duda sobre sus intenciones reales. Ese cambio sostiene buena parte de los giros de una narración mucho más extensa que la de sus precedentes cinematográficos.

La serie, creada por Nick Antosca (Nuevo sabor a cereza), conserva la base del relato de venganza, pero utiliza ese punto de partida para abrir otras líneas. Así, la producción no se limita a rehacer el material previo, centrándose en una exploración de la culpa, los secretos familiares y los errores del pasado que regresan. Desde el primer momento, se hace evidente que va por otro camino y las diferencias son múltiples.

En esa nueva configuración familiar, el papel de los hijos ganará más peso. Antosca traslada una de las tensiones generacionales ya presentes en la película de Scorsese hacia Zack (Joe Anders), el hijo de los Bowden, y vincula ese arco con el modo en que la misoginia, el machismo y la crueldad patriarcal alcanzan a los adolescentes varones.

Por otro lado, Natalie (Lily Collias) es en realidad la hijastra de Tom, un detalle que la serie menciona de forma recurrente. Ambos jóvenes tienen sus propios conflictos: Zack arrastra un episodio ocurrido en el colegio que se revela en los primeros capítulos, mientras Natalie lidia con su lugar dentro de la familia y con su identidad sexual.

La actualización pasa también por la forma de mirar al villano. Max Cady, en esta nueva versión sería un hombre perseguido por periodistas de televisión, admiradores y hasta figuras del entorno profesional de Anna, atraídos por el rendimiento mediático, el deseo o la gestión de la imagen pública.

Ese enfoque conecta la serie con la obsesión contemporánea por el ‘true crime’. Antosca y su equipo sitúan además al espectador en una posición de voyeur, observando a la familia desde la distancia, una elección visual que cuestiona la ética del consumo de historias criminales.

En ese sentido, hay varios elementos a través de los que la serie construye esa presión visual antes incluso de que estalle la violencia: miradas sostenidas, encuentros extraños, cámaras de seguridad que fallan e invitados no explicados. Una estrategia que convierte la anticipación en el principal motor de la angustia.

Un totémico Javier Bardem

En el plano argumental, el acoso avanza sin pruebas concluyentes. Desde cuatro mofetas ahogadas en la piscina de los Bowden (que podrían simbolizar los cuatro miembros de la familia) hasta la irrupción de Cady en una gala dedicada a la liberación de un inocente, un acto que puede leerse como intimidación aunque el personaje lo envuelva en un discurso de perdón hacia quienes no evitaron su ingreso en prisión.

Si hay algo que impresiona en Cape Fear es Javier Bardem que, aunque tenía el listón muy alto tras las encarnaciones en el papel de Robert Mitchum y Robert De Niro, compone su propia interpretación del personaje convirtiéndolo en una presencia amenazante, seductora y ambigua, casi totémica. El personaje aparece incluso como posible víctima, lejos de la figura de villano inequívoco que cabría esperar, abriendo una posible diferenciación con la novela de base: ¿es Max Cady víctima del sistema?

Amy Adams está igualmente estupenda dándole la réplica y aguantando su mirada, algo que no es nada fácil. La decisión de convertir al abogado en una mujer añade una fricción nueva al enfrentamiento central y modifica la relación de fuerzas entre perseguidor y perseguida.

Por el momento (Apple TV emite cada semana un nuevo episodio), Cape Fear se sitúa como una muestra de thriller sureño de lo más incómodo que bascula entre los conceptos de culpa e inocencia, verdad o engaño, salvación o condena como si se tratara de un drama bíblico en la era de la ‘postverdad’.

La serie, inspirada en la trilogía bestseller de Hugh Howey, alternará entre una narrativa situada siglos en el pasado y los dramáticos acontecimientos que experimentan los protagonistas en el presente.

Estrategia narrativa de Silo: conexión entre presente y pasado

La tercera temporada de Silo representa un cambio en su estructura narrativa al entrelazar dos líneas temporales. Por un lado, la historia en el presente sigue a Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, quien después de sobrevivir a una limpieza forzada retorna al silo sufriendo amnesia. Este elemento añade tensión en una sociedad que intenta superar las secuelas de una reciente rebelión y ahora debe enfrentar una amenaza aún desconocida, incrementando la incertidumbre y el interés entre los seguidores de la serie.

De manera paralela, la narrativa retrocede varios siglos para mostrar los inicios del silo. La periodista Helen Drew, interpretada por Jessica Henwick, y el congresista Daniel Keene, a cargo de Ashley Zukerman, son los encargados de descubrir una conspiración que afectará de forma permanente el destino de la humanidad bajo tierra. Esta exploración de los orígenes del silo no sólo amplía la mitología de la serie, sino que revela secretos y decisiones cruciales cuyas consecuencias repercutirán en los protagonistas actuales.

Producción y reparto en Silo: ampliación y gestión del elenco

El lanzamiento del tráiler no sólo refuerza las expectativas generadas en torno a la serie, sino que también evidencia la magnitud de la producción. Apple TV reafirma su apuesta por Silo buscando captar una audiencia global, lo que se refleja en un elenco diverso. Además de Rebecca Ferguson, regresan figuras fundamentales como Common, Harriet Walter, Chinaza Uche y Alexandria Riley. A este grupo se suman tanto actores previamente vistos en la serie, como Shane McRae o Avi Nash, como nuevas incorporaciones que incluyen intérpretes reconocidos: Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie, Reed Birney, Matt Craven y Colin Hanks.

Un aspecto destacado del reparto es el cruce de personajes entre las líneas temporales. Ashley Zukerman y Jessica Henwick, quienes participaron al final de la temporada anterior, tendrán roles más importantes en esta nueva etapa. Esta integración de actores permite a Silo fortalecer los vínculos entre pasado y presente, ofreciendo nuevas perspectivas y enriqueciendo la complejidad de un universo narrativo que ya resulta intrincado por naturaleza.

Recepción del público y perspectivas para el futuro de la serie

Desde el lanzamiento de su primera temporada, Silo ha destacado por analizar las estructuras sociales sometidas a presión extrema, planteando preguntas sobre liderazgo, memoria colectiva y el costo de los secretos institucionales. La distopía de 10,000 personas viviendo bajo tierra funciona no sólo como escenario de ciencia ficción, sino como reflejo para examinar las dinámicas de poder y resistencia. El regreso de Juliette con amnesia, en un momento en que la población busca superar los efectos de una rebelión, enfatiza la fragilidad del tejido social y la constante lucha entre verdad y control.

La tercera temporada, al adentrarse en el pasado y mostrar el origen de la conspiración, introduce una reflexión sobre la manipulación de la historia y las consecuencias imprevisibles de las decisiones políticas. El hecho de que la serie haya sido renovada para una cuarta y última temporada incrementa las expectativas, posicionando estos episodios como fundamentales tanto para resolver los misterios principales como para preparar el desenlace definitivo. La estrategia de Apple TV de estrenar un episodio por semana, como es habitual en la plataforma, mantiene el interés y promueve la conversación semanal entre el público, que busca teorizar y establecer conexiones entre ambas líneas cronológicas.

La temporada 3 de Silo se presenta en un contexto de alta competencia por captar la atención de la audiencia en las plataformas de streaming, y su apuesta por ampliar la ambición y profundidad narrativa representa un esfuerzo claro por mantenerse relevante en el panorama global de las series de ciencia ficción.

Un regreso esperado a la televisión

El retorno de Anya Taylor-Joy al formato de miniserie tras su reconocimiento mundial en Gambito de Dama ha generado grandes expectativas entre la crítica y el público. La actriz, que alcanzó fama internacional por su papel en la serie sobre ajedrez, interpreta ahora a un personaje totalmente distinto: Lucky, una mujer experta en el engaño y la huida, cuyas decisiones la llevan al límite en un ambiente hostil y peligroso.

El lanzamiento del tráiler ha incrementado el interés por el proyecto, mostrando una atmósfera de tensión y un ritmo ágil que definirán a la producción.

Reparto y equipo creativo de Lucky

La serie no se apoya únicamente en la actuación de Taylor-Joy; cuenta también con la participación de Annette Bening, reconocida personalidad de Hollywood, Timothy Olyphant, conocido por su trabajo en series de acción, y Drew Starkey, quien destaca en dramas juveniles. Aunjanue Ellis Taylor y Clifton Collins Jr. completan el reparto principal. Jonathan Tropper, que ha construido seguidores fieles con Banshee y Vicios ocultos, comparte la cocreación con Cassie Pappas.

Tropper se ha enfocado en la escritura y el trabajo de showrunner, mientras que la dirección del episodio piloto ha recaído en Jonathan van Tulleken, con experiencia en series británicas. Esta combinación de talentos propone un balance entre la intensidad de la trama y el desarrollo de personajes complejos.

Adaptación de la novela y estilo del thriller

Lucky toma como base la novela de Marissa Stapley, explorando temas como la suerte, el riesgo y las segundas oportunidades. La serie adapta la acción de la obra al formato audiovisual, siguiendo la persecución de una estafadora acorralada entre las fuerzas de la ley y el crimen organizado. Se espera una producción con un estilo visual marcado y un montaje dinámico, características presentes en la trayectoria de Tropper y ahora orientadas a un thriller de acción.

El guion enfatiza los conflictos éticos de la protagonista, quien debe tomar decisiones complejas en situaciones límite. La presencia del FBI y organizaciones criminales añade niveles de peligro y tensión constante, reflejados tanto en la estética como en el ritmo de la serie.

Recepción y expectativas del público

El estreno de Lucky llega en una época donde las miniseries de suspenso han ganado terreno, impulsadas en parte por plataformas como Apple TV. Analistas destacan que la participación de Anya Taylor-Joy es fundamental para captar el interés del público internacional, especialmente tras su éxito en Gambito de Dama. Las primeras respuestas al tráiler evidencian interés por la calidad de la producción y los críticos subrayan la combinación de acción, drama y giros en la trama.

La historia atrae a quienes buscan relatos de supervivencia, situaciones de fuga y protagonistas femeninas complejas. Aunque todavía no se han dado a conocer cifras específicas ni detalles de presupuesto, la relevancia del elenco y del equipo creativo permite anticipar un estreno que podría influir en la oferta de thrillers televisivos en la segunda mitad de 2026.

Comienza el mes de junio con una oferta de lo más jugosa en las diferentes plataformas, que incluye un buen surtido de los más variados géneros y algunas de las producciones más esperadas de la temporada, como es el caso de la tercera temporada de La casa del dragón.

Además de las diez series que destacamos a continuación, también se estrena un buen puñado de ficciones a las que merece la pena acercarse. Si te gusta la comedia romántica, en Prime Video se podrá ver Todos nuestros años, adaptación del libro de ‘young adult’, de Carley Fortune. Y si prefieres la comedia de ‘sketches’, regresa Larry David para repasar, nada más y nada menos, que algunos de los momentos más destacados de la historia de Estados Unidos, con un reparto que nos lleva de Jon Hamm a Jerry Seinfeld.

Como siempre, también es un buen momento para repasar algunas de las mejores series que se han estrenado hasta el momento, tanto españolas como internacionales, desde Se tiene que morir mucha gente a Margo tiene problemas de dinero, de Ravalear a la reciente Spider-Noir.

‘Cape Fear’: Javier Bardem vuelve como villano

En 1962, J. Lee Thompson adaptó por primera vez la novela J. D. MacDonald con Gregory Peck y Robert Mitchum como protagonistas. Contaba la historia de un abogado que veía cómo su vida se convertía en una auténtica pesadilla cuando Max Cady, un asesino al que defendía y al que condenaron, salía de la cárcel y comenzaba a acosar a su familia.

En 1991, Martin Scorsese realizó un ‘remake’ en el que el temible psicópata estaba interpretado por Robert De Niro. Ahora, este mítico thriller sureño se convierte en serie de la mano del director experto en terror Nick Antosca, responsable de Nuevo sabor a cereza.

En esta ocasión, Javier Bardem recoge el testigo de Mitchum y De Niro poniéndose en la piel de uno de los villanos más famosos de la historia del cine junto a la pareja formada por Amy Adams y Patrick Wilson. A partir del 5 de junio en Apple TV.

‘La casa del dragón’: La tercera temporada

La Casa Targaryen seguirá enfrentándose en una lucha interna por el Trono de Hierro en esta ‘precuela’ de Juego de tronos, basada en los libros de George R. R. Martin, con Poniente dividido y la familia al borde de una guerra abierta.

El conflicto se organiza en dos bandos: los Negros, que respaldan a Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy), y los Verdes, vinculados a Aegon II (Tom Glynn- Carney) y Aemond (Ewan Mitchell). Esa escalada derivará en la Danza de Dragones, una fase de enfrentamiento directo dentro del propio linaje.

La tercera temporada de La casa del dragón promete grandes batallas, enfrentamientos épicos, más dragones y muchas intrigas políticas y personales entre los personajes. A partir del 22 de junio en HBO Max.

‘33 Días’, el debut en la ficción de Carles Porta

El 14 de octubre de 2001, dos presos se fugaron del Centro Penitenciario de Lleida tras disparar a dos policías a quemarropa. La huida se extendió durante 33 días y activó un operativo policial para detener a dos fugitivos armados y considerados peligrosos.

La historia ha servido como fuente de inspiración para la serie 33 días, el primer trabajo de ficción de Carles Porta, creador de proyectos de ‘true crime’ como Crims y Tor. La producción se basa en la fuga de los reclusos Brito y Picatoste de la cárcel de Ponent de Lleida en 2001, que durante su escape atemorizaron Barcelona.

El guion está firmado por Javier Olivares, creador de El Ministerio del Tiempo, y Jordi Calafí. Los reos son interpretados por José Manuel Poga y Julián Villagrán, aunque la serie les cambia los nombres para proteger y cuidar la libertad creativa. A partir del 7 de junio en Atresplayer.

‘La otra hermana Bennet’: más Jane Austen

En la novela de Jane Austen Orgullo y prejuicio, se contaba la historia de Elizabeth Bennet, pero también estaba la mayor, Jane, Mary, Catherine y Lydia. Pues bien, esta es la historia de Mary Bennet, la más estudiosa y seria y está basada en el ‘bestseller’ de Janice Hadlow ambientado en el universo de la escritora.

La trama presenta a Mary como “el patito feo” de las Bennet, a la sombra de sus cuatro hermanas, y enfoca su búsqueda de un lugar propio como un camino hacia la independencia emocional, con el amor como parte del recorrido y la necesidad de elegirse a sí misma como eje.

En la adaptación, Mary está interpretada por Ella Bruccoleri (Agatha Christie: Las siete esferas) y se trata de una cuidada producción de la BBC que ha sido alabada por la crítica. A partir del 26 de junio en Movistar Plus+.

‘Alice y Steve’, la ganadora de CanneSeries

Alice (Nicola Walker) queda desolada cuando Steve (Jemaine Clement) empieza a salir con Izzy, su hija de 26 años, y decide hacer todo lo posible para romper la relación, desde amenazas y ruegos hasta el sabotaje profesional. La situación desata una escalada entre ambos que transforma una amistad de toda la vida en una enemistad abierta.

La serie, una comedia británica creada por Sophie Goodhart, fue la gran ganadora del último CanneSeries, donde obtuvo tres premios: Mejor Serie, el Premio Especial de Interpretación para todo su reparto y el Premio de los Lycéens.

En la trama, Steve se muestra decidido a seguir adelante porque considera que Izzy es lo mejor que le ha pasado, mientras Alice se niega a ceder. La tensión también alcanza a Daniel, el marido de Alice, que pierde la paciencia al ver un lado de ella que le asusta. A partir del 8 de junio en Disney Plus+.

‘El Inmortal’, el final de la serie sobre los Miami

La serie inspirada en la organización criminal los Miami llega a su final con una última temporada ambientada en 2004 y narrada a lo largo de cinco días, marcada por un soplo sobre un cargamento que coloca a la banda y a José Antonio (Alex Garcia) contra las cuerdas.

La trama sitúa a José Antonio fuera del narcotráfico desde hace años y centrado en su hija y su familia, mientras la Rubia (Teresa Riott) toma el mando del grupo con métodos y socios nuevos.

El avance de la última temporada presenta una banda que creció “exponencialmente” bajo ese liderazgo, hasta que la información filtrada pone a la policía tras “un gran cargamento” y señala también a José Antonio, además de abrir la puerta al reencuentro con un personaje del pasado que altera el equilibrio interno.

Los episodios finales desarrollan varias tramas en paralelo que confluyen en una sola historia, con el foco en los cinco peores días de la organización, obligada a enfrentar fantasmas internos y decisiones que cambiarán el rumbo de todos sus integrantes. A partir del 11 de junio en Movistar Plus+.

‘Sugar’, vuelve la serie con el giro más loco

Colin Farrell retoma el papel de John Sugar en la segunda temporada de la serie de Apple TV, que profundiza en la vida del detective privado tras los sucesos del final de la primera entrega, considerado uno de los más inesperados de 2024. Esta nueva etapa sigue a Sugar mientras busca al hermano de un joven boxeador local, sin abandonar la investigación por la desaparición de su propia hermana. El relato alterna ambas búsquedas, y muestra cómo el nuevo caso, inicialmente presentado como una misión concreta, lo lleva a enfrentarse a una red de intereses y amenazas que afectan a distintos sectores de Los Ángeles.

El personaje se caracteriza por sus referencias constantes al cine y por su destreza como investigador. Farrell lo interpreta como alguien marcado por las pérdidas, cuya determinación lo enfrenta a dilemas morales y lo empuja a tomar decisiones extremas en busca de justicia.

Entre las novedades destaca la renovación casi total del elenco, con las incorporaciones de Tony Dalton, Jin Ha, Raymond Lee, Laura Donnelly y Sasha Calle, y una participación especial de Shea Whigham. A partir del 19 de junio en Apple TV.

‘The Bear’, cierra su cocina

La quinta y última temporada de The Bear se estrenará el 26 de junio de 2026 en Disney+, con ocho episodios que cerrarán la historia del equipo del restaurante tras la salida de Carmy de la cocina.

La trama comienza la mañana siguiente a que Sydney (Ayo Edebiri), Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Sugar (Abby Elliott) descubran que el atormentado Carmy (Jeremy Allen White) ha abandonado la restauración y dejado el local en sus manos. Sin dinero y con la amenaza de una posible venta, los socios deberán coordinarse con el resto del equipo para sostener un último servicio con la expectativa de conseguir, por fin, una estrella Michelin.

‘Millennial Mal’

Millennial Mal presenta a Judith, una bibliotecaria de 42 años en paro que vuelve a la universidad para cobrar una beca concedida por un error burocrático. Para ocultar su edad, adopta un cambio de imagen diseñado por dos veinteañeras y acaba creyéndose el personaje que construye.

La serie plantea choques generacionales en el entorno universitario, entre fiestas, códigos de vestuario y el temor al “cringe”. Desde su irrupción en una fiesta, Judith se convierte en una figura difícil de ignorar, capaz de provocar risa, identificación y rechazo a la vez.

Lorena Iglesias es la creadora y protagonista de esta comedia universitaria, codirigida con Andrea Jaurrieta. El reparto incluye a Isa Calderón, que debuta en la ficción, además de Vito Sanz, Victoria Oliver y Paula Gala. A partir del 30 de junio en Filmin.

El primer episodio se estrenará el 19 de junio, dando inicio a una temporada compuesta por ocho episodios que se emitirán semanalmente, bajo la dirección de Sam Catlin y con la creación de Mark Protosevich.

Un detective marcado por su historia personal

En la segunda temporada, John Sugar permanece en Los Ángeles impulsado por una doble motivación. Por un lado, continúa la búsqueda de su hermana desaparecida, una trama personal que atraviesa toda la serie y añade una carga emocional a cada uno de sus casos. Por otro, Sugar es contratado para localizar al hermano mayor de un joven boxeador local, un caso que en apariencia es sencillo, pero que pronto evoluciona hacia una situación que revela redes de intereses y amenazas ocultas que involucran a distintos sectores de la sociedad angelina.

El personaje de Sugar, conocido por sus continuas referencias al cine y su destreza investigativa, es interpretado por Farrell como un hombre profundamente afectado por las desapariciones en su vida. En cada episodio, la falta de respuestas lo lleva a tomar decisiones riesgosas, llegando incluso a traspasar límites morales en su determinación por obtener justicia. En esta temporada, la pregunta acerca de cuán lejos se puede llegar por hacer lo correcto se convierte en un eje central, reflejando los dilemas éticos contemporáneos, según han manifestado integrantes del equipo creativo en entrevistas recientes.

Reparto renovado y una trama con nuevas perspectivas

Uno de los cambios más notorios de la segunda temporada es la renovación casi total del elenco, lo que aporta nuevas dinámicas y matices al universo de Sugar. Tony Dalton, Jin Ha, Raymond Lee, Laura Donnelly y Sasha Calle se incorporan al reparto principal, mientras que la participación especial de Shea Whigham suma experiencia y peso dramático. Esta renovación enfatiza la premisa de que cada caso de John Sugar es diferente, tanto por sus implicancias como por los vínculos personales involucrados, y desde la producción señalan que esta apuesta traerá “giros aún más radicales y sorpresas” que definirán el ritmo de la temporada.

La selección de un caso vinculado al boxeo local sitúa a Sugar en ambientes y comunidades diferentes a los de la primera entrega. De acuerdo con los adelantos mostrados en el tráiler, la investigación llevará al protagonista a barrios obreros, gimnasios y núcleos familiares de la ciudad, lo que permitirá explorar nuevas historias y ahondar en las consecuencias reales del crimen y la corrupción en la vida cotidiana de los habitantes de Los Ángeles. Así, Sugar refuerza su estilo neo-noir sumando componentes sociales y priorizando una representación compleja de la ciudad y sus conflictos.

Recepción de la serie y expectativas para lo que viene

Sugar ha sido reconocida como una de las series neo-noir más destacadas de los últimos años, consolidando su posición en el catálogo de Apple TV por su éxito de crítica y su gran alcance de audiencia en 2024. Según algunos especialistas, el atractivo de la serie reside en su habilidad para equilibrar los elementos clásicos del género detectivesco con la presencia de componentes fantásticos y giros argumentales que desafían las expectativas.

La segunda temporada, con sus ocho episodios, se propone mantener esa intensidad y complejidad, apostando a que la investigación sobre la desaparición y la conspiración detrás de ella generarán un suspenso aún más perturbador que en las entregas anteriores. Los responsables de la serie han adelantado que incluirán nuevas capas de misterio y un desenlace que podría alterar el futuro de la historia.

Para quienes siguen la serie, el regreso de Sugar implica también el reencuentro con una ficción que aborda las desapariciones y crisis sociales propias de las grandes ciudades, acercando la experiencia del espectador a realidades cercanas mediante la intriga y la empatía hacia personajes complejos como John Sugar. Mientras el tráiler deja ver escenas de acción, persecuciones y la aparición de nuevos personajes, el público analiza cada detalle en busca de pistas sobre el destino de la hermana de Sugar y el alcance real de la conspiración que ocupará el centro de la trama.

Se titula Margo tiene problemas de dinero y es la adaptación en formato serie de la novela de Rufi Thorpe del mismo título en la que una estudiante de literatura es seducida por su profesor y queda embarazada. Rechazada y obligada a dejar la universidad, Margo (interpretada por Elle Fanning) tendrá que buscarse la vida como pueda como madre soltera sin recursos.

Su núcleo más cercano resulta de lo más disfuncional. Su madre (Michelle Pfeiffer), ex camarera de la cadena Hotters, la crio también sola, pero no es es especialmente afectiva y se va a casar con un reverendo, algo bobalicón pero de buen corazón, sobre todo para tener una relación económicamente estable (Greg Kinnear).

Su padre, Jinx (Nick Offerman), es un ex jugador de lucha libre ex adicto a la heroína y los opiáceos que se encuentra en proceso de desintoxicación y arrastra la culpa de no haber cuidado de su hija. Por eso, ahora quiere estar presente en la vida del pequeño bebé, con el que establecerá una relación muy especial.

Por último, la compañera de piso de Margo, Susie (Thaddea Graham), es aficionada al cosplay y a muchas otras cosas excéntricas y adorables.

Debate abierto en torno a OnlyFans

Realmente, lo menos raro es que a Margo se le ocurra que, después de que no le dejen trabajar en ningún sitio maternando, se le ocurra abrir una cuenta en OnlyFans... para poder llegar a fin de mes. Lo hace de una manera de lo más inocente y la experiencia tendrá sus cosas buenas y malas. Por una parte, podrá desarrollar su faceta de escritora a través de tramas imaginativas con un par de compañeras, por otro lado, será estigmatizada y estará a punto de perder la custodia de su hijo por ser considerada una madre ‘cuestionable’.

Al contrario que ocurre con la última temporada de Euphoria con el personaje de Cassie (interpretado por Sydney Sweeney), el de Margo en ningún momento es cosificado ni utilizado como reclamo de la explotación sexual, sino todo lo contrario, funciona como símbolo de empoderamiento femenino. Aunque sea un debate completo, la serie plantea estos temas de una manera luminosa, nunca denigrante para la mujer, ni sórdida, aunque sea mucho más audaz que la ficción de Sam Levinson.

Una serie sin juicios ni moralejas

Aquí no encontramos moralejas en torno al trabajo sexual digital, ni juicios morales. Todos los personajes arrastran sus miserias y hacen lo que pueden para seguir adelante. Eso sí, no tiene piedad con el padre que abandona a su hija y, sobre todo, con su madre (Marcia Gay Harden), una mujer de la alta sociedad que hará lo que sea para hundir a Margo, como si la pobre no tuviera suficiente.

Margo tiene problemas de dinero es una de esas series adictivas se ven con fruición, en la que hay mucho brilli-brilli, escenas para el recuerdo (ese Nick Offerman en el ring peleando contra Nicole Kidman), situaciones de sitcom memorables e intérpretes de altura para una serie con un punto macarra adorable que se queda contigo. Por eso, se ha renovado para una segunda temporada.

Creada por David E. Kelley (el mismo detrás de Big Little Lies y The Undoing), la historia sigue a una madre soltera de 20 años que queda embarazada en la facultad y que tiene que abandonar los estudios para mantener al pequeño. Y ahí es donde empieza el conflicto: Margo necesita una niñera para poder salir de la casa y a su vez necesita dinero para pagarle pero, ¡claro!, no consigue trabajo. Y en esa espiral sin salida se encuentra nuestra protagonista.

Aunque la mayoría de nosotros sabe que va a terminar abriéndose una cuenta de OnlyFans (la sinopsis, el trailer y hasta el poster lo revelan) lo importante es ver cómo llega hasta ahí.

En estos primeros episodios conocemos a su imperfecta pero presente madre (interpretada por la siempre increíble Michelle Pfeiffer), a su padrastro religioso (Greg Kinnear) y a un padre ausente (Nick Offerman), un ex luchador que regresa a su vida para mejorar -y complicar- las cosas al mismo tiempo.

Es que esta es una serie de personajes vulnerables y honestos, que se equivocan bastante pero realmente lo intentan. Y es imposible no encariñarse con ellos y no encontrar en Margo a una mujer que tiene problemas de dinero y que su elección termina siendo una apuesta al confort y a un lugar seguro.

Lo mismo ocurre con las apariciones secundarias. Desde la llegada de la abogada (nada más y nada menos que Nicole Kidman) hasta la compañera de cuarto de Margo y sus amigas de OnlyFans, todos son personajes tridimensionales. No solo nos importa saber qué ocurrirá con la joven y su bebé, sino que de igual manera nos interesa saber qué va a pasar con todos los demás. Y esto es resultado de un muy buen guión.

Las temáticas que se tocan de capítulo en capítulo se centran en cómo lidiar con una maternidad deseada pero repentina, los obstáculos de la lactancia, la tenencia y los problemas financieros. Pero también hay episodios que trabajan la búsqueda de la vocación, la identidad y los vínculos familiares.

Es un drama de supervivencia y una comedia ligera pero también una historia de autosuperación muy humana. En total cuenta con ocho episodios y ya se anunció que la serie será renovada para una segunda temporada. Por el momento, la nueva apuesta de Apple TV está dentro de lo mejor que se puede encontrar en la pantalla chica hoy en día.

El dato surge del informe trimestral presentado por Lionsgate, en el que la empresa abordó la situación de su división televisiva y comunicó la programación de sus lanzamientos para el resto del año. Esta comunicación oficial representa la primera confirmación pública de la ventana de estreno para la segunda temporada de The Studio. El dato fue recibido con interés entre los aficionados a las series de humor y sátira sobre la industria del entretenimiento, con la participación de estrellas reales como Martin Scorsese u Olivia Wilde. La segunda temporada de The Studio estará disponible exclusivamente en Apple TV+ en algún momento de 2026. Aunque hasta el momento no se revelaron detalles concretos sobre el calendario, el informe de Lionsgate remarcó que el estreno tendrá lugar en la segunda mitad del año, en línea con la reciente estrategia de la compañía para sus títulos más destacados.

El anuncio oficial se produjo en el marco de la presentación de resultados de Lionsgate, que atraviesa una etapa de menor rentabilidad en su sector televisivo. Durante el último trimestre, los ingresos de la división responsable de The Studio disminuyeron de $543,3 millones a $254,6 millones respecto al mismo periodo del año anterior. Las causas de esta caída, según el propio informe, estarían vinculadas al calendario de estrenos, ya que se lanzaron menos series en el periodo analizado. A pesar de este contexto de menores ingresos y un descenso en la rentabilidad —$40,6 millones el año pasado frente a $30,5 millones en el actual—, Lionsgate aseguró que mantiene su compromiso con la producción de nuevas temporadas y proyectos originales. La empresa destacó a The Studio como uno de los pilares de su estrategia para recuperar terreno en el sector del entretenimiento en streaming.

Así es ‘The Studio’

The Studio es una comedia satírica que narra las peripecias de un ejecutivo de Hollywood enfrentado a las tensiones y cambios de la industria cinematográfica. El reparto principal incluye a Seth Rogen en el papel de Matt Remick, acompañado por la fallecida Catherine O’Hara (Patty Leigh), Ike Barinholtz (Sal Saperstein), Chase Sui Wonders (Quinn Hackett) y Kathryn Hahn (Maya Mason). Además, la serie cuenta con participaciones recurrentes de figuras como Bryan Cranston (Griffin Mill) y Dave Franco, quien se interpreta a sí mismo. La primera temporada fue bien recibida por el público y la crítica, consolidando su lugar entre las producciones más populares de Apple TV+. El programa destacó por su mirada ácida y humorística sobre los desafíos que enfrentan los ejecutivos en una industria en constante transformación.

La confirmación de la nueva temporada de The Studio llega en un momento de ajustes para Lionsgate, que enfrenta una baja en sus ingresos por la menor cantidad de estrenos recientes. A pesar de este escenario, la compañía expresó su confianza en que el regreso de títulos como The Studio y el estreno de nuevas temporadas de otras series reconocidas, como The Rookie: North y la última entrega de Yellowjackets, contribuirán a revertir la tendencia negativa en sus balances.

Por el momento, no se han dado a conocer avances o detalles adicionales sobre la trama de la segunda temporada ni sobre incorporaciones al elenco. Los responsables de la serie y el estudio anticipan que habrá novedades a medida que se acerque la fecha de estreno. El retorno de The Studio a Apple TV+ en 2026 representa una apuesta clave tanto para la plataforma de streaming como para Lionsgate, que busca reafirmar su presencia en el competitivo escenario de las series originales. Los seguidores de la comedia deberán aguardar la confirmación de la fecha exacta, pero ya cuentan con la certeza de que el regreso está asegurado para el próximo año.

Según Fotogramas, el relato ilustra las contradicciones y dificultades a las que se enfrentan muchas mujeres que buscan equilibrar el cuidado familiar con el desarrollo profesional, tanto en la pantalla como en la vida de sus protagonistas.

En la trama, Pfeiffer y Fanning abordan el desafío de compatibilizar maternidad y carrera profesional, reflejando cómo las decisiones familiares inciden en las trayectorias personales. Pfeiffer, madre de dos hijos, explicó que pospuso proyectos para priorizar a su familia, mientras Fanning destacó el sacrificio y la inspiración que recibió de su madre.

Ambas reconocen que la conciliación y el éxito profesional siguen siendo difíciles de alcanzar, aunque subrayan la importancia de encontrar sentido en los retos diarios para reinventar los propios caminos. La serie relata la historia de una joven madre soltera que, ante la precariedad laboral en Estados Unidos, decide recurrir a una plataforma digital para cubrir los gastos familiares.

Con un reparto que incluye a Nick Offerman y participaciones de Nicole Kidman, Greg Kinnear y Marcia Gay Harden, la producción muestra los dilemas de mujeres como la protagonista, obligadas a elegir entre su desarrollo profesional y las demandas de la maternidad.

Personajes y enfoque realista en la narrativa

Elle Fanning explicó a Fotogramas que lo más atractivo de la serie son sus personajes: “Son complejos, imperfectos y valientes. Esta serie podría haber sido más oscura o menos colorida, pero logramos darle vida a este mundo, incluso cuando los personajes enfrentan muchas dificultades, problemas de la vida real”.

La actriz añadió que esos desafíos otorgan profundidad y humanidad a la historia: “Los ubicamos en este mundo y mostramos su resiliencia, lo que le da un toque muy realista. Espero que la gente se vea reflejada en ellos. Sin duda, he conocido a personas así en mi vida”.

Michelle Pfeiffer, quien interpreta a la madre en la ficción, compartió una visión esperanzadora sobre las adversidades: “Por muy sombrío que parezca a veces, siempre hay un rayo de esperanza. Creo que esa es una de las cosas más bellas de la naturaleza humana. Siento que, incluso en los momentos más oscuros, siempre existe la esperanza de que las cosas mejoren”.

Conciliación, maternidad y retos en la industria del entretenimiento

La serie centra su atención en los desafíos específicos de la maternidad, especialmente para las madres solteras ante un sistema con escasos apoyos. Pfeiffer reflexionó: “No contamos con sistemas eficaces para apoyar a las madres trabajadoras, ya que son ellas quienes soportan la mayor carga, sean solteras o no; son ellas quienes se encargan del cuidado de los hijos, y para una madre soltera la situación es aún más complicada”. La actriz sugirió la necesidad de un mandato federal para el cuidado infantil.

Pfeiffer también abordó el precio personal de anteponer la familia en la industria cinematográfica: “He perdido oportunidades como actriz por priorizar a mi familia. Me encanta mi trabajo, pero quiero más a mi familia. Cuando he estado en posición de elegir, y la mayoría de la gente no puede hacerlo, para mí la decisión ha sido fácil”. Tras adoptar a su primera hija en 1993 y recibir a su segundo hijo al año siguiente, redujo su actividad laboral e hizo pausas de varios años para garantizar la estabilidad familiar.

En cuanto a las condiciones en Hollywood, Pfeiffer reconoció ciertos privilegios: “Tenía un lugar de trabajo donde podía llevarlos; podían sentarse en mi caravana, comer algo del catering y podía llevar a mis hijos al trabajo. La mayoría de las madres no tienen ese lujo”.

Esa dinámica cambió cuando sus hijos comenzaron el colegio: “Se complicó un poco cuando empezaron el colegio y no quería sacarlos de clase, así que simplemente dejé de trabajar durante un tiempo porque se volvió demasiado complicado contratarme”.

Elle Fanning, aunque no es madre, relató la influencia de su propia madre: “Tengo una madre increíble que sacrificó gran parte de su vida para apoyar a sus dos hijas y sus sueños. Sé que no siempre fue fácil, pero es alguien a quien siempre he admirado. Siempre he querido tener hijos. Así que ahora mismo no lo sé, pero espero que algún día...”.

Para Fanning, mantener el equilibrio entre deseos personales y el trabajo requiere reflexión constante: “Supongo que es algo que se siente, pero también es cierto que no quieres renunciar a tu trabajo o tienes que ver qué es lo mejor para ti”.

Decisiones difíciles, remordimientos y segundas oportunidades

La serie, al igual que las experiencias de sus protagonistas, parte de la idea de que no hay una respuesta única ante grandes dilemas. El personaje de Margo debe decidir si continúa con un embarazo, explorando las contradicciones de la maternidad y la libertad personal.

Elle Fanning manifestó que no suele vivir con remordimientos: “No es algo que sea tan importante, pero a veces haces una película y resulta ser un bodrio que no se parece a lo que esperabas. Pero me siento agradecida de esas experiencias, porque quizás conoces a alguien en el proyecto y no estarías donde estás sin dar esos pasos”.

También destacó la posibilidad de hallar sentido en lo inesperado: “A veces, de las cosas malas surgen cosas buenas y te ves en un lugar donde nunca pensaste que estarías. Eso es lo que le pasa a Margo: no creía que su futuro sería así y toma una decisión difícil, pero luego se encuentra en un mundo completamente diferente y tiene un bebé al que ama y que le ha aportado muchísimo a su vida”.

La dimensión emocional de la protagonista se refleja en una de las escenas más íntimas de la serie, según Fanning: “Hay una escena en la que hablo con el bebé en la bañera y le digo: ‘La gente se empeña en decir que arruinaste mi vida, que la hiciste difícil, pero también la hiciste bonita’”.

Las experiencias recogidas por Fotogramas en las voces de Michelle Pfeiffer y Elle Fanning muestran que las decisiones vitales complejizan el día a día y, a la vez, pueden abrir la puerta a momentos de plenitud y belleza, bajo la certeza de que lo valioso puede surgir incluso de la dificultad.

La buena noticia, es que no tendremos que esperar mucho para verla, ya que se estrenará en Apple TV el próximo 29 de mayo. Se trata de la adaptación de su propio libro, titulado en inglés Propeller One-Way Night Coach y que aquí se llamará Ven a volar conmigo.

La película, narra la travesía de un joven entusiasta de la aviación, Jeff —a quien da vida el debutante Clark Shotwell— y su madre, interpretada por Kelly Eviston-Quinnett, en un trayecto aéreo a través del país hacia Hollywood.

Un homenaje a la edad de oro de la aviación

La historia sitúa su acción durante la edad dorada de la aviación y describe cómo un vuelo rutinario se convierte en un viaje transformador, lleno de escalas inesperadas, pasajeros peculiares y una mirada singular a la primera clase. Así, la experiencia del chico estará marcada por comidas a bordo, azafatas encantadoras, pasajeros extraordinarios y momentos mágicos e inesperados, elementos que terminan definiendo el futuro del protagonista.

La dirección y la producción del filme corren a cargo del propio Travolta, junto con Jason Berger y Amy Laslett de Kids at Play, bajo el amparo de Apple Original Films.

La película supone el debut como director de John Travolta, una figura de larga trayectoria reconocida tanto en los géneros populares de finales del siglo XX —como ocurrió con su papel en Grease— como en propuestas más arriesgadas de los años noventa, entre ellas Pulp Fiction (1994) y Primary Colors (1998).

Travolta traslada aquí una de sus grandes pasiones personales, la aviación, presente también en su faceta como piloto ocasional y en otros trabajos anteriores como actor. Al asumir la dirección, Travolta incorpora a Ella Bleu Travolta, su hija, en el reparto interpretando a una de las azafatas junto a Olga Hoffmann, y suma a Miles McMahon como parte del elenco.

El regreso a Cannes de Travolta

La exhibición de en Cannes de Ven a volar conmigo, marca el regreso de John Travolta al festival francés casi treinta años después de su última participación como actor. En 1998 presentó Primary Colors, y previamente había acudido con Pulp Fiction y Atrapada entre dos hombres en 1994 y 1997, respectivamente.

La participación de la película en la Sección No Competitiva del Festival de Cannes coincide con un año donde la presencia de títulos estadounidenses en el festival es limitada. El certamen cuenta con obras europeas como la inaugural La Vénus électrique de Pierre Salvadori y una importante representación española, con títulos como Amarga Navidad de Pedro Almodóvar, La bola negra de los Javis y El ser querido de Rodrigo Sorogoyen.

Travolta, que suma más de setenta producciones como actor, asume con este largometraje un nuevo papel tras décadas de experiencia en la industria. Al mismo tiempo que ha dirigido su ópera prima, el actor tiene en marcha la participación en seis proyectos más, entre los que se encuentran November 1963 y The Gentleman Thief. También estaría en postproducción la última película de Renny Harlin, en la que compartiría protagonismo con el español Álvaro Mel, titulada Black Tides.

En 2026, pagar por ver series y películas en casa ya no es una sola suscripción, sino una pequeña suma de cuotas mensuales. Netflix sigue marcando el precio alto del mercado, Amazon Prime Video conserva la posición de servicio económico y Movistar+ continúa apostando por un modelo más amplio, que mezcla televisión, cine, series y paquetes con otras plataformas. Es por ello que repasamos los precios y planes de algunas de las plataformas más importantes de nuestro país para este 2026.

Netflix ha vuelto a subir su peso en la factura del entretenimiento. En España, sus tarifas más recientes sitúan el plan con anuncios en 8,99 euros al mes, el plan Estándar en 14,99 euros y el Premium en 21,99 euros, una cifra que refuerza su imagen de plataforma más cara entre las grandes del streaming. La subida confirma una tendencia que ya venía notándose desde 2025: el servicio de referencia en catálogo también es el que más exige al bolsillo.

Amazon Prime Video sigue jugando en otra liga. Su gran baza continúa siendo el precio contenido, con una tarifa que se mantiene muy por debajo de los planes premium de la competencia y que, en muchas comparativas, aparece como la opción más barata entre las plataformas de gran consumo, con 4,99 € al mes o 49,90 € al año. Eso le permite seguir siendo la suscripción de entrada para muchos hogares, sobre todo para quienes priorizan el coste frente al catálogo más amplio o las funciones avanzadas.

Movistar+ y los cambios en otras plataformas

Movistar+ mantiene su propio terreno dentro del mercado español. La oferta básica parte de 11,99 euros al mes, pero el precio real se eleva cuando se añaden paquetes de ficción, cine o deportes, y especialmente cuando se combinan servicios con Netflix. En esas combinaciones, las tarifas publicadas en 2026 van desde 26 euros al mes en las opciones más sencillas hasta 39 euros en los planes con Netflix Premium. La subida de enero ha consolidado a Movistar+ como una propuesta más cercana al paquete televisivo completo que al streaming puro. La plataforma también ha movido ficha en 2026 con una nueva suscripción más barata, lanzando el Plan Libre: Cine y Series, una modalidad por 4,99 euros al mes que elimina el deporte del paquete y se centra en cine, series, programas de entretenimiento y documentales. La oferta llega como una alternativa más ligera frente al plan general de 9,99 euros al mes, que sigue disponible para quien quiera una propuesta más completa.

A ese mapa se suman otras plataformas que completan la factura mensual. Disney+ se mueve en 2026 entre 6,99 y 15,99 euros al mes, según el plan elegido, mientras HBO Max aparece entre 6,99 y 13,99 euros. SkyShowtime también ha ajustado sus tarifas este año y sigue figurando entre las alternativas más baratas, con planes que parten de 5,99 euros al mes. Apple TV+ se sitúa en torno a los 9,99 euros mensuales, una franja intermedia que la deja por encima de las ofertas más básicas, pero por debajo de los planes más caros de Netflix.

La conclusión es clara: el streaming de 2026 ya no se mide por una plataforma, sino por el conjunto de suscripciones que cada hogar decide mantener. Netflix fija el techo, Amazon Prime Video contiene el suelo y Movistar+ transforma la televisión de pago en un paquete híbrido que compite por valor añadido más que por precio puro. En un mercado cada vez más fragmentado, la pregunta ya no es qué servicio elegir, sino cuántos se pueden sostener al mismo tiempo sin que la factura se dispare.

El Gran Premio de Miami 2026, que tendrá lugar este domingo 3 de mayo en el Miami International Autodrome, reunirá a los principales equipos y pilotos de la Fórmula 1 en una competencia decisiva para la temporada. De acuerdo con la organización de la Fórmula 1, la carrera principal se disputará a las 13:00 (EDT), con acceso exclusivo en Estados Unidos mediante Apple TV. Este evento moviliza tanto a la audiencia local como internacional, concentrada en encontrar información precisa sobre la cobertura oficial.

Según el cronograma oficial de la Fórmula 1, el domingo marca la culminación de un fin de semana compuesto por prácticas, clasificación y una carrera Sprint. La transmisión exclusiva en territorio estadounidense a través de Apple TV fue confirmada por el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, que señala que para acceder a la competencia es indispensable contar con una suscripción activa y usar la aplicación en dispositivos compatibles, como televisores inteligentes, consolas y navegadores web. En otras regiones, la cobertura está sujeta a acuerdos con el canal británico Sky Sports F1 en el Reino Unido y la plataforma oficial de streaming F1 TV Pro en América Latina.

La incorporación del Gran Premio de Miami en el calendario reciente del campeonato obedece a la estrategia de expansión de la Fórmula 1 en el mercado estadounidense, que ya suma sedes como Austin y Las Vegas. Para esta edición, la organización destaca la adopción del formato Sprint, con el objetivo de diversificar la competencia durante el fin de semana, según lo publicado en el portal oficial de la F1.

¿Dónde ver la Fórmula 1 en Miami 2026?

La transmisión oficial en Estados Unidos será exclusiva a través de Apple TV. Según el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, la aplicación permitirá seguir todas las sesiones, incluidas las prácticas, la clasificación, la Sprint y la carrera principal del domingo. Los usuarios deben tener una suscripción activa y la aplicación en dispositivos como televisores inteligentes, Roku, Amazon Fire TV, PlayStation, Xbox o cualquier navegador web.

En Latinoamérica, la transmisión principal de la Fórmula 1 está a cargo de ESPN, que posee los derechos exclusivos en la mayoría de los países de la región, excepto México y Brasil. Además, la plataforma oficial F1 TV Pro ofrece acceso directo a todas las sesiones en vivo, aunque la disponibilidad y las condiciones pueden variar según el país, por lo que se recomienda consultar la programación local y la web oficial de la Fórmula 1.

En el Reino Unido, la cobertura completa corresponde a Sky Sports F1, que transmite todas las sesiones en directo. La web oficial de Fórmula 1 señala que la cobertura internacional se adapta a los diferentes husos horarios y acuerdos regionales para facilitar el acceso global.

¿A qué hora es la carrera del Gran Premio de Miami 2026?

La carrera principal se largará a las 13:00 (EDT) el domingo 3 de mayo de 2026, según el programa oficial de la Fórmula 1 (Miami Grand Prix 2026 - F1 Race). Este horario está pensado para captar al público local e internacional. La jornada del domingo incluye la previa y la ceremonia de apertura antes del inicio de la competencia.

¿Cómo será el formato Sprint en el Gran Premio de Miami 2026?

El formato Sprint suma una carrera corta y una sesión de clasificación extra al itinerario tradicional. Según la Fórmula 1, el propósito es aumentar la cantidad de competencias puntuables en el fin de semana. La Sprint y su clasificación correspondiente se realizan el sábado, reservando la carrera principal para el domingo.

La organización confirma que el sistema Sprint otorga puntos para el campeonato, aunque la suma principal permanece en la competencia del domingo. Esta modalidad refuerza la iniciativa de dinamizar cada fecha y abrir más oportunidades de puntuación para equipos y pilotos.

¿Qué plataformas y dispositivos permiten ver el Gran Premio de Miami 2026?

Para acceder en Estados Unidos es necesario instalar la aplicación de Apple TV en dispositivos compatibles como:

• Televisores inteligentes
• Dispositivos Roku
• Amazon Fire TV
• PlayStation y Xbox
• Navegadores web mediante el sitio de Apple TV

Según el blog especializado en transmisiones deportivas F1 Live Pulse, la plataforma ofrece la carrera en alta definición, repeticiones, datos en tiempo real y contenido extra para suscriptores. En el caso de la plataforma oficial de streaming F1 TV Pro y el canal británico Sky Sports F1, se recomienda revisar condiciones de acceso y compatibilidad según la región.

¿Cuál es el impacto del Gran Premio de Miami en la Fórmula 1?

La introducción de Miami en el calendario forma parte de la estrategia de crecimiento estadounidense, según comunicados de la organización. Se espera la asistencia de 80.000 espectadores al circuito, mientras que la audiencia internacional de la temporada supera los 400 millones, de acuerdo con datos oficiales.

La competencia de Miami figura entre las más vistas del calendario, junto a los grandes premios de Silverstone y Mónaco, según F1 Live Pulse. El trazado del Miami International Autodrome tiene 5,41 km (3,36 millas) y cuenta con 19 curvas, lo que establece un gran reto técnico para escuderías y pilotos.

¿Qué estrategia tiene la Fórmula 1 para su expansión en Estados Unidos?

La organización ha declarado que el objetivo de añadir nuevas fechas estadounidenses es fortalecer la base de aficionados y adaptar su oferta de contenidos a los mercados clave. “La llegada de nuevos Grandes Premios a Estados Unidos refleja el interés creciente por la Fórmula 1 en la región y el compromiso de la organización por acercar el campeonato a más aficionados”, señaló Stefano Domenicali, director ejecutivo de la F1, en un comunicado.

Datos oficiales indican que el impacto económico del evento en Miami supera los USD 400 millones, acompañado de un incremento en la ocupación hotelera y la actividad turística durante el fin de semana. Estas cifras refuerzan la posición del evento dentro del circuito internacional de la Fórmula 1.

¿Qué cambios introduce la cobertura 2026 del Gran Premio de Miami?

El principal cambio es la exclusividad de la cobertura digital estadounidense a través de Apple TV. Los espectadores en ese país deben contar con una suscripción paga para acceder a la transmisión en vivo. En otras regiones, permanecen los acuerdos con cadenas y plataformas autorizadas.

El formato Sprint difiere respecto a ediciones pasadas: la carrera principal del domingo otorga la mayor cantidad de puntos y define la clasificación, mientras que la Sprint añade una carrera adicional el sábado, con menor puntaje y un desafío estratégico distinto para los equipos y pilotos.

La carrera del domingo 3 de mayo decidirá posiciones relevantes en la clasificación antes del arranque de la gira europea. Según la Fórmula 1, la evaluación posterior del evento será clave para ajustar la estrategia de cobertura en próximas ediciones según la respuesta de espectadores y audiencia digital.

La serie ha sido dirigida principalmente por Hiro Murai, conocido por sus increíbles videoclips para Childish Gambino (como el aclamado This Is America) y ha sido ideada por Katie Dippold.

Matthew Rhys (conocido por la serie The Americans) interpreta al alcalde de una isla de Nueva Inglaterra asediada por antiguas maldiciones y un repertorio de amenazas paranormales.

Brujas, caníbales, el hombre del saco y mucho más

En él se aglutinan todas las leyendas propias de la región: brujas, caníbales, nieblas venenosas y asesinatos misteriosos. Así, serie apuesta por una estructura ‘semiantológica’, en la que cada episodio presenta una amenaza o fenómeno sobrenatural diferente, sin resolver por completo los misterios planteados.

Uno de los principales rasgos que definen la serie es la fusión de géneros. Aunque el terror es la base principal, la obra de Dippold incorpora el absurdo y el humor extraído de las relaciones entre habitantes. Estas características han dado pie a comparaciones múltiples: desde Twin Peaks como referente del pueblo encantado, hasta guiños a figuras como John Carpenter o Stephen King, e incluso a series como Parks and Recreation, de la que Dippold fue guionista.

Entre las críticas destacadas, The Guardian la describe como un cruce entre Mare of Easttown y Schitt’s Creek, valorando la interpretación de Matthew Rhys por su fluidez entre la comedia y el espanto, manteniendo en todo momento la credibilidad emotiva.

El personaje central, Tom Loftis (Rhys), representa la dualidad del antihéroe: como alcalde, busca transformar su aislada isla en un destino de moda comparable a Martha’s Vineyard, a pesar de la existencia de leyendas sobre canibalismo, “sea hags” y asesinos de adolescentes. La serie comienza con su intento por atraer turistas e inversores, pero pronto debe enfrentarse a amenazas que incluyen la aparición de un boogeyman y fenómenos propios del horror cósmico.

La habilidad de Dippold para diseñar personajes corales con tramas propias se refleja en figuras como Patricia, la ayudante del alcalde interpretada por Kate O’Flynn. Su desarrollo en la serie abarca enfrentamientos con lo sobrenatural y episodios centrados en traumas pasados. Los secundarios, lejos de funcionar como simples elementos de apoyo, tienen peso en la estructura social y emocional del conjunto para dar consistencia al entramado.

Un cóctel de referencias, de Lovecraft a Carpenter

La serie adapta tropos clásicos del género —con ecos de Lovecraft, King, Carpenter y la literatura gótica— al ámbito televisivo actual, aportando un ritmo visual dinámico y un diseño de producción realizado por Steven Arnold, también vinculado a Misa de medianoche. Elementos como la falta de cobertura móvil, los efectos prácticos, los ambientes brumosos y la atmósfera analógica distinguen a la serie de otras producciones contemporáneas.

La dirección de Hiro Murai, a lo largo de los cinco primeros episodios, imprime elegancia y alterna secuencias de terror con momentos de humor costumbrista y guiños ‘autorreferenciales’ a la cultura reciente de Estados Unidos.

También, una sátira social

Además, la serie emplea el trasfondo sobrenatural para explorar cuestiones sociales como la gentrificación: el afán del alcalde por atraer visitantes a cualquier precio, aunque eso ponga en riesgo a los habitantes originarios. Esta lectura satírica sobre la gestión municipal y los desafíos de las comunidades tradicionales, destaca la fuerza del comentario social dentro del relato.

El tratamiento ‘semiantológico’ de cada capítulo posibilita que leyendas y criaturas —desde una bruja hasta el hombre del saco y hoteles embrujados— se desarrollen con autonomía, aunque la serie deja “nuevas incógnitas” hacia una posible segunda temporada.

En definitiva, estamos ante una serie que asume riesgos, que nos lleva por caminos poco transitados, que sabe cómo fusionar de forma novedosa los géneros, convirtiéndose en un experimento de lo más estimulante y destinado a convertirse en un clásico de culto inmediato.

El éxito de las temporadas anteriores y el origen del cambio hacia el fútbol femenino

Ted Lasso debutó en Apple TV+ en 2020 y rápidamente se consolidó como una de las comedias más exitosas de la plataforma. Basada en un personaje creado originalmente para campañas publicitarias de NBC Sports, la serie se ganó el reconocimiento de la crítica y el público gracias a su humor, calidez y un ritmo emotivo. Obtuvo premios Emmy consecutivos a Mejor Serie de Comedia en sus dos primeras temporadas y fue la más nominada de su categoría al momento de su estreno. Las tres primeras temporadas, disponibles en la plataforma, narran la llegada de Ted, un entrenador de fútbol americano sin experiencia, al banquillo de un club masculino inglés en crisis. El final de la tercera entrega en 2023 cerró la etapa del AFC Richmond masculino y generó dudas sobre el futuro de la serie.

No obstante, en marzo de 2025, Apple TV+ confirmó oficialmente la realización de una cuarta temporada y decidió cambiar el enfoque para centrar la historia en el fútbol femenino. Esta decisión, inédita en el contexto de la serie, responde a la tendencia global de aumentar la visibilidad de las mujeres en el deporte y agrega nuevos retos a la trama. El propio avance revela escenas en las que Ted enfrenta escepticismo y hostilidad al ser cuestionado por dirigir “a un montón de chicas”. La propuesta busca combinar la comedia tradicional de la serie con la exploración de desigualdades persistentes en el fútbol británico.

Reparto consolidado y nuevas integrantes

Uno de los factores clave en el éxito sostenido de Ted Lasso ha sido la química entre los actores principales, varios de los cuales reaparecen en esta nueva temporada. Jason Sudeikis continúa como protagonista y productor ejecutivo, acompañado por Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift, todos reconocidos por la audiencia. A este elenco estable se suman Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely, quienes aportan renovación y diversidad al equipo femenino.

El avance publicado esta semana, que incluye música de Mumford & Sons y Hozier, muestra a Ted Lasso ya instalado en Londres junto a su nuevo plantel. También resalta la presencia de Andrea Anders como la exesposa de Ted y de Matteo van der Grijn, quien fue el interés amoroso de Rebecca en la temporada anterior. Además, Tracey Ullman aparece como invitada en un rol cuya importancia aún no ha sido aclarada por los productores. Este equilibrio entre personajes familiares y nuevos se presenta como una de las principales estrategias para atraer tanto a seguidores de siempre como a una nueva audiencia interesada en el fútbol femenino.

Producción y alcance internacional de la nueva temporada

La cuarta temporada constará de diez episodios, que se estrenarán semanalmente los miércoles desde el 5 de agosto hasta el 7 de octubre de 2026. Apple TV+ garantiza un lanzamiento simultáneo en todas las regiones en las que tiene presencia, lo que refuerza el alcance global de la serie. El equipo creativo también experimenta algunos cambios: Jack Burditt se une como productor ejecutivo tras un acuerdo exclusivo con la compañía, y Jason Sudeikis, junto a Brendan Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee y Bill Wrubel, continúa en la producción ejecutiva. Brett Goldstein, además de interpretar a Roy Kent, colabora como guionista, lo que fortalece la cohesión del equipo creativo que definió la identidad de la serie.

Otros colaboradores destacados son Leann Bowen, Sarah Walker y Phoebe Walsh, quienes alternan entre la escritura del guion y la producción ejecutiva. Sasha Garron se desempeña como coproductora, Julia Lindon se incorpora al equipo de escritores y Dylan Marron asume el rol de editor de historia. Todo el proceso de desarrollo está a cargo de Doozer Productions, la compañía de Bill Lawrence, en colaboración con Warner Bros. Television y Universal Television, dos empresas de renombre en la industria estadounidense y británica.

Impacto cultural y expectativa en torno al nuevo enfoque

La decisión de centrar la nueva temporada en el fútbol femenino pone el foco en un ámbito donde los recursos y la visibilidad suelen ser limitados en comparación con el fútbol masculino. Al situar a Ted Lasso al frente de un equipo femenino, la serie aborda las dificultades y prejuicios que persistentes en el deporte femenino del Reino Unido. El avance revela el tipo de resistencia que experimentará el protagonista, incluyendo insultos misóginos incorporados en el guion para visibilizar críticas reales en el mundo del fútbol.

Para la audiencia global de Apple TV+, esta apuesta no implica solo un cambio de contexto, sino también una reflexión sobre la brecha de género. Los espectadores más jóvenes y quienes apoyan la igualdad de oportunidades en el deporte han reaccionado positivamente en redes sociales, a la espera de que la narrativa mantenga el humor optimista de las primeras temporadas.

La serie continuará ampliando su influencia en el debate cultural, ofreciendo nuevas representaciones en horario estelar y acercando el fútbol femenino a millones de hogares. Mientras tanto, todos los episodios anteriores siguen disponibles bajo demanda, lo que permite a nuevos públicos familiarizarse con la historia antes del estreno de la cuarta temporada.

La serie, que acumula múltiples premios Emmy, retoma su historia con Jason Sudeikis al frente, esta vez con un desafío inédito para su personaje: entrenar a un equipo femenino de fútbol de segunda división en Richmond.

La nueva entrega constará de diez episodios, con estreno semanal todos los miércoles hasta el 7 de octubre.

El primer capítulo se publicará en simultáneo para todas las regiones donde opera Apple TV+, según anunció la compañía.

El regreso del entrenador Ted Lasso al fútbol inglés llega tres años después del cierre de la tercera temporada, que en 2023 concluyó el arco del equipo masculino del AFC Richmond.

Apple TV+ ordenó la nueva entrega en marzo de 2025, tras un prolongado período de especulación sobre el futuro de la serie.

Junto a Sudeikis regresan varios de los actores que acompañaron la producción desde sus inicios: Hannah Waddingham, Juno Temple, Brett Goldstein, Brendan Hunt y Jeremy Swift.

A ellos se suman los nuevos integrantes del reparto: Tanya Reynolds, Jude Mack, Faye Marsay, Rex Hayes, Aisling Sharkey, Abbie Hern y Grant Feely.

El tráiler publicado por la plataforma, con música de Mumford & Sons y Hozier, muestra a Ted de regreso en Londres, al equipo femenino en acción y una escena en la que el protagonista es increpado con la frase “¡Entrenando a un montón de chicas, viejo imbécil!”.

El avance también revela la presencia de Andrea Anders como Michelle, la ex esposa de Ted; Matteo van der Grijn como Matthijs, el personaje holandés del que se enamoró Rebecca en la temporada anterior; y Tracey Ullman en un papel de invitada aún no revelado.

En el plano creativo, la cuarta temporada incorpora a Jack Burditt como productor ejecutivo, bajo un nuevo acuerdo general con Apple TV+.

Sudeikis produce junto a Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee y Bill Wrubel. Goldstein, además de actuar, ejerce como escritor y productor ejecutivo junto a Leann Bowen.

Sarah Walker y Phoebe Walsh participan como escritoras y productoras, mientras que Sasha Garron figura como coproductora. Julia Lindon integra el equipo de guionistas y Dylan Marron ocupa el rol de editor de historia.

La producción está a cargo de Doozer Productions, la compañía de Bill Lawrence, en asociación con Warner Bros. Television y Universal Television, división de NBCUniversal.

Jeff Ingold y Liza Katzer, también de Doozer, forman parte del equipo de producción ejecutiva. La serie fue desarrollada originalmente por Sudeikis, Lawrence, Kelly y Hunt, a partir de un formato y personajes creados para NBC Sports.

Ted Lasso debutó en Apple TV+ en 2020 y se convirtió en la comedia con más nominaciones al Emmy en su primera temporada.

Las dos primeras entregas ganaron de forma consecutiva el premio a Mejor Serie de Comedia en esa ceremonia, un logro que ninguna otra producción había alcanzado en ese período. Las tres temporadas anteriores están disponibles en la plataforma.

El inicio de la trama: historia alternativa y una nueva mirada a la carrera espacial

En la línea temporal alternativa presentada en Para toda la humanidad, la Unión Soviética es el primer país en llevar a un hombre a la Luna, lo que altera el curso habitual de la carrera espacial y obliga a Estados Unidos a incrementar sus esfuerzos en la competencia tecnológica y política. Ciudad de las Estrellas transporta al público al año 1969, situándolo en el centro del programa espacial soviético. En contraste con la visión estadounidense predominante en el imaginario colectivo, la historia se narra desde Moscú, mostrando tanto los avances científicos como las luchas internas y el ambiente de sospecha constante bajo el régimen comunista.

La trama, definida como un thriller paranoico, profundiza en los riesgos y sacrificios asumidos por cosmonautas, ingenieros y oficiales de inteligencia dentro del sistema soviético. La sospecha de la presencia de un topo infiltrado alimenta la intriga y expone la complejidad moral y personal enfrentada por quienes impulsaron la carrera espacial desde el otro lado del Telón de Acero.

Personajes desarrollados y destacada participación del reparto internacional

El protagonismo recae en Rhys Ifans, conocido internacionalmente por House of the Dragon y por interpretar figuras de autoridad en situaciones extremas. Junto a él participan Anna Maxwell Martin, Agnes O’Casey, Alice Englert, Solly McLeod y Adam Nagaitis, conformando un elenco que da vida a personajes inspirados en científicos reales y figuras clave del programa espacial soviético, integrando también elementos ficticios para acentuar la tensión narrativa.

La serie ilustra el día a día de los cosmonautas, sometidos a una presión extrema: la desconfianza entre compañeros, el temor constante a la delación y la responsabilidad de representar el orgullo nacional ante el Politburó soviético. Los oficiales de inteligencia se esfuerzan en identificar y neutralizar posibles fugas de información hacia occidente, manteniendo un estricto control sobre las acciones y comunicaciones del equipo técnico. Este ciclo de sospecha y vigilancia refuerza el drama y aporta una visión menos explorada en la ciencia ficción de origen occidental.

Relevancia cultural y significado para el público global

El lanzamiento de Ciudad de las Estrellas no solo amplía el universo de Para toda la humanidad, sino que también invita a reflexionar sobre la naturaleza de la rivalidad política y tecnológica entre superpotencias. La narración desde el lado soviético abre una ventana a las vidas de trabajadores y familias de la Unión Soviética, frecuentemente relegados a los márgenes de la historia convencional. Esta perspectiva contribuye a desmitificar y humanizar a quienes a menudo han sido presentados como antagonistas en los relatos occidentales.

El enfoque basado en el thriller paranoico conecta con inquietudes universales: el miedo al espionaje, el sacrificio individual en función del deber colectivo y las consecuencias personales del progreso tecnológico competitivo. Ciudad de las Estrellas planea explorar la ambigüedad moral de sus personajes, mostrando cómo la obsesión por la seguridad del Estado afecta al ciudadano común, ejemplificado en la presión sobre ingenieros y técnicos para mantener el secreto absoluto o enfrentar graves consecuencias.

Los suscriptores de Apple TV podrán acceder a la serie con el estreno de dos episodios iniciales, a los que se sumarán nuevos capítulos cada viernes hasta completar la temporada el 10 de julio. Según la información oficial, se anticipan revelaciones sobre traiciones internas, victorias inesperadas y dilemas humanos en el centro de una época marcada por la desconfianza y las aspiraciones tecnológicas.

Nuevas incorporaciones y exploración del pasado

La tercera temporada de Silo suma nuevos miembros a su reparto, como Jessica Henwick en el papel de la periodista Helen Drew y Ashley Zukerman como el congresista Daniel Keene. Ambos personajes tienen un papel central en una trama situada en el pasado, que profundiza en una conspiración inédita y desencadena una serie de acontecimientos con consecuencias devastadoras para la humanidad. Esta revisión de los orígenes permite que la serie responda interrogantes que los seguidores han mantenido durante mucho tiempo y brinda contexto al universo del silo, ampliando la mitología que rodea a sus personajes.

La interacción entre diferentes líneas temporales busca mantener la tensión, ya que la acción no se limita únicamente al pasado. En el presente de la trama, Juliette regresa al silo con notables lagunas de memoria tras la rebelión que alteró la estabilidad del lugar. Este trauma, compartido por la comunidad oculta bajo tierra, se amplifica con una nueva amenaza cuya naturaleza aún se mantiene en reserva, pero que, según el adelanto, será decisiva para el grupo.

Reparto ampliado y una narrativa enfocada en la búsqueda de la verdad

Rebecca Ferguson retoma su rol como Juliette Nichols, consolidándose como el eje central del relato. El reparto principal también incluye a Common, Harriet Walter, Chinaza Uche, Avi Nash, Alexandria Riley, Shane McRae, Remmie Milner, Rick Gomez, Billy Postlethwaite, Clare Perkins y el regreso de Steve Zahn. Las nuevas incorporaciones, entre ellas Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie, Reed Birney, Matt Craven y Colin Hanks, refuerzan la intención de la serie de expandir y diversificar sus tramas.

La serie, que ya ha sido renovada para una cuarta y última temporada, se acerca a su desenlace. Apple TV ha confirmado que la tercera temporada contará con diez episodios que se emitirán semanalmente hasta el 4 de septiembre. Cada entrega profundizará en la lucha por descubrir la verdad sobre el silo y conocer si el exterior sigue siendo un entorno mortal. La frase presentada en el adelanto, “La verdad saldrá a la luz”, anticipa que muchos secretos, hasta ahora solo insinuados, serán finalmente revelados tanto a los personajes como a la audiencia.

Consecuencias para los habitantes y el público

La exploración de los orígenes del sistema de silos tiene un impacto directo en la vida de los personajes, cuyas esperanzas y miedos se ven alterados por las revelaciones del pasado. Saber que existen otros bunkers y que sus líderes han manipulado la información genera inquietud y desconfianza, lo que incrementa la tensión social dentro del silo. Los episodios recientes también abordan cómo el manejo del conocimiento y el control de la información pueden determinar el destino de comunidades enteras en situaciones de aislamiento y supervivencia.

Para el público, la trama se vincula con temas contemporáneos como la desinformación, el control y la resistencia frente al poder. El seguimiento de la serie continúa creciendo; Silo ha logrado atraer no solo a los espectadores, sino a figuras como Stephen King, quien ha destacado su capacidad para aportar renovación al género de ciencia ficción actual. Con el estreno previsto para el verano de 2026 y el cierre de la historia ya anunciado, las expectativas se centran en saber si la serie conseguirá mantener el nivel de intriga e interés en su tramo final.

Keanu Reeves, conocido mundialmente por sagas de acción como John Wick, acaba de estrenar la película Outcome en Apple TV+, y la recepción ha sido muy negativa. La crítica especializada ha calificado el filme como un completo fracaso, otorgándole apenas un 26% de aprobación en Rotten Tomatoes y situándolo como una de las producciones de menor nivel en la carrera del actor.

Contexto de Outcome: el intento fallido de un cambio de género

La película Outcome representa un cambio importante en la trayectoria de Keanu Reeves. Tras años protagonizando cintas de acción, Reeves interpreta a Reef Hawk, un actor de Hollywood en recuperación de adicciones que busca rehacer su vida lejos de la atención mediática. Bajo la dirección y co-protagonismo de Jonah Hill, la cinta se adentra en la sátira de la cultura de la cancelación en la era de las redes sociales y TMZ, un ámbito poco habitual para Reeves.

Este viraje del thriller y la acción hacia un drama con matices cómicos generó expectativas tanto en especialistas como en el público general, debido al prestigio de sus responsables. Sin embargo, tras su lanzamiento en Apple TV el viernes 10 de abril, el resultado estuvo por debajo de lo esperado en todos los ámbitos críticos.

Recepción de la crítica, calificaciones bajas y críticas reiteradas

Desde su primer fin de semana, Outcome recibió opiniones mayoritariamente negativas en plataformas reconocidas como Rotten Tomatoes, donde alcanzó un 26% de aprobación entre críticos y apenas un 31% entre el público general. Los expertos señalan las limitaciones del guion, a cargo de Jonah Hill, cuya sátira sobre la cultura de la cancelación fue considerada poco ingeniosa y repetitiva. Este tipo de apreciaciones se repite entre varios críticos, quienes consideran que Outcome es un ejemplo de cómo una premisa atractiva puede fracasar en su desarrollo y dejar sin lucimiento a grandes figuras del cine.

Para Keanu Reeves, conocido por sus interpretaciones sobrias en el drama y su carisma en la acción, el contexto de una sátira hollywoodense parece haber sido una dificultad. Aunque la trama prometía ofrecer una reflexión sobre los riesgos de la fama y los secretos del pasado bajo la presión pública, según la crítica, la película resulta débil tanto en cuanto al argumento como en el desarrollo de sus personajes. Sin embargo, los analistas coinciden en que la responsabilidad del fracaso no recae enteramente en Reeves, sino en un diseño narrativo poco eficaz basado en chistes repetidos y situaciones forzadas.

Consecuencias para la carrera de Keanu Reeves y respuesta del público

Aunque Outcome tiene baja calidad, no es la peor película de toda la filmografía de Keanu Reeves, ya que ocupa el puesto número catorce entre sus títulos peor valorados según Rotten Tomatoes. Aun así, el fracaso en Apple TV+ significa un hito negativo en una etapa avanzada de su carrera, y evidencia que incluso los actores consolidados pueden verse perjudicados por malas decisiones o cambios de género poco acertados.

La reacción del público ha sido similar a la de la crítica: desilusión y una sensación de oportunidad perdida. Los índices de aprobación entre las audiencias muestran una desconexión con el humor y el enfoque propuesto, factor que podría influir en la percepción de futuros trabajos del actor si la tendencia continúa. Entre los seguidores de Reeves, todavía predomina la imagen positiva construida por sus trabajos anteriores y por su reputación personal, pero la cobertura mediática de Outcome como un desastre resalta la inestabilidad de la industria, donde una acumulación de malas reseñas puede afectar incluso a figuras de reconocimiento mundial.

Al mismo tiempo, el hecho de que Reeves no sea considerado el principal responsable fomenta el debate sobre la importancia de las decisiones de guion y dirección, especialmente en una época en la que la sátira sobre la cultura de la cancelación es un recurso frecuente en la ficción actual.

La serie de ciencia ficción y suspenso Dark Matter regresa a Apple TV con su segunda temporada, cuyo estreno está programado para el 28 de agosto. Joel Edgerton y Jennifer Connelly encabezan el reparto en esta nueva entrega, que continuará la historia de Jason Dessen, un físico y profesor que fue transportado a una versión alternativa de su vida durante la primera temporada. Basada en la novela homónima de Blake Crouch, la trama profundiza en las fronteras cada vez más complejas del multiverso y en las consecuencias personales derivadas de las decisiones tomadas.

Nuevos desafíos y peligros en el multiverso

La segunda temporada comienza con la familia Dessen intentando reconstruir sus vidas en una realidad que parece ofrecerles seguridad, después de su agitado regreso al hogar original. No obstante, esta estabilidad se ve interrumpida rápidamente por sucesos imprevisibles que los obligan a huir nuevamente. Este desarrollo reactiva la tensión y el peligro característicos de la serie, elevando el conflicto a dimensiones mayores. El argumento se propone abordar de manera más profunda los dilemas morales y las complicaciones que surgen al entrelazarse distintas versiones de una misma vida.

De manera paralela, la obsesión de Jason con la llamada Caja, el dispositivo que permite los saltos entre realidades, se intensifica. Esto no solo implica nuevos riesgos externos, sino que también ocasiona fracturas en su núcleo familiar, en especial con su esposa Daniela, cuya creciente paranoia la lleva al límite de la desesperación. Este enfoque sitúa en el centro el impacto psicológico del viaje a través del multiverso, mostrando cómo incluso la esperanza de reunir a la familia puede convertirse en una amenaza para su estabilidad.

Búsquedas urgentes y alianzas inesperadas

La serie expande su universo incluyendo subtramas en las que Amanda, interpretada por Alice Braga, y Ryan, representado por Jimmi Simpson, se alían en un intento desesperado por encontrar el camino de regreso a casa. Sus historias confluyen con Blair, interpretado por Dayo Okeniyi, quien trata de obstaculizar sus avances, lo que añade tensión y nuevos antagonismos al desarrollo de los acontecimientos. Además, la presencia de Leighton, empeñado en crear un mundo perfecto, introduce otro nivel de intriga; sus aspiraciones chocan con los intereses de los demás personajes y amenazan con desviar el rumbo del grupo.

Esta dinámica entre los personajes introduce amenazas tanto morales como físicas, y evidencia cómo cada viaje o elección en un universo alternativo genera consecuencias en cadena que afectan tanto a aliados como a adversarios. El trasfondo emocional y ético de sus acciones refuerza el dramatismo de una historia donde la ciencia ficción se entrelaza intensamente con dilemas humanos fundamentales.

Efecto en los espectadores y desarrollo de la narrativa

La primera temporada de Dark Matter fue reconocida por su habilidad para presentar conceptos multiversales complejos a través de relatos comprensibles para una audiencia amplia. En esta nueva etapa, los episodios buscan ahondar en la angustia y la esperanza de los personajes al enfrentarse a realidades alternativas y a distintas versiones de sí mismos. El impacto del relato también se traslada a la audiencia, que puede verse reflejada en las decisiones difíciles de los protagonistas y en la fragilidad de las certezas cotidianas.

Los creadores de la serie han dado a conocer imágenes que anticipan un tono más sombrío y dinámico, además de nuevos escenarios donde el multiverso adquiere formas visuales destacadas. Los recursos narrativos continúan explorando la idea de que cualquier elección, por pequeña que sea, puede cambiar el rumbo de vidas enteras, una premisa que ha captado la atención del público y que se convierte en eje central de esta nueva temporada.

El retorno de Dark Matter ocurre en un contexto en el que la ficción especulativa goza de gran resonancia a nivel mundial, en parte gracias a la capacidad de estas historias para abordar inquietudes y esperanzas contemporáneas desde el enfoque de la ciencia y las emociones.

Una aproximación innovadora al género

Máximo Placer Garantizado se distingue por su singular combinación de géneros. Paula se ve involucrada en situaciones misteriosas y peligrosas, como el chantaje y el asesinato, mientras la trama transcurre en escenarios familiares: campos de fútbol infantil y dinámicas familiares marcadas por el divorcio. El guion de Rosen evita el drama convencional e introduce elementos de comedia negra que suavizan las escenas más oscuras, lo que facilita tanto el desarrollo del relato policial como la inclusión de momentos satíricos sobre la vida suburbana estadounidense.

El elenco, encabezado por Tatiana Maslany, reconocida por sus actuaciones en Orphan Black y The Monkey, y Jake Johnson, conocido por New Girl, se apoya en figuras como Brandon Flynn (13 Reasons Why), Murray Bartlett (The Last of Us), Jessy Hodges, Jon Michael Hill, Charlie Hall, Kiarra Hamagami Goldberg, Nola Wallace y Dolly De Leon. Estos nombres conforman un grupo de talento que busca atraer tanto a público joven como adulto.

Estrategia de lanzamiento y repercusión en la audiencia

El estreno de Máximo Placer Garantizado se enmarca dentro de una estrategia de lanzamientos escalonados de Apple TV, comenzando con los dos primeros episodios el 20 de mayo y continuando con nuevos capítulos cada miércoles hasta el 15 de julio. Este modelo semanal se ha consolidado entre las principales plataformas, pues mantiene una conversación constante y sostiene el interés de la audiencia frente a otros próximos estrenos en la plataforma, como el regreso de Ted Lasso y la aparición de Margo’s Got Money Troubles.

El formato de serialización semanal también permite observar en tiempo real las respuestas del público a una propuesta que asume ciertos riesgos. En producciones anteriores, como Ted Lasso, este sistema favoreció el crecimiento progresivo del interés mediático. Al apostar por una comedia que roza el thriller y satiriza las instituciones familiares y deportivas, Apple TV busca contribuir al debate sobre las expectativas de las series originales, desafiando a la audiencia con temáticas menos convencionales.

Aspectos de producción y desarrollo narrativo

David J. Rosen, responsable del formato, es conocido por sus trabajos previos en Sugar y Hunters, series que exploran áreas complejas de la experiencia humana desde ángulos diferentes. En Máximo Placer Garantizado, retoma esa inclinación por lo oscuro desde una perspectiva más satírica, utilizando a Paula como eje de una investigación que se libra tanto contra el delito como contra las propias dudas e inseguridades de la protagonista.

La narración fusiona el ritmo del caso policial con momentos que caricaturizan la vida diaria. La disputa por la custodia de la hija, los entrenamientos de fútbol y la interacción con otros padres generan situaciones absurdas que combinan peligro y suspenso. El formato de media hora por episodio responde a las tendencias actuales de consumo rápido, aunque mantiene una trama densa gracias a giros inesperados y diálogos incisivos.

Máximo Placer Garantizado funcionará como un espejo de los dilemas contemporáneos de la vida familiar en Estados Unidos, mostrando las conexiones secretas que unen el crimen, el deporte y las rutinas domésticas. Con este lanzamiento, Apple TV reafirma su intención de competir en el ámbito de las comedias de género, diferenciándose de sus éxitos anteriores mediante propuestas experimentales y atrevidas.

La aparición de Madonna en la segunda temporada de la serie The Studio marca su regreso a la pantalla tras dos décadas alejada de la actuación. La cantante fue vista en Venecia mientras filmaba escenas para la producción de Apple TV+, acompañada por figuras como Julia Garner y Donald Glover. La participación de Madonna no solo representa un acontecimiento mediático, sino que también pone en primer plano las dificultades que enfrentó para llevar a cabo su propio biopic, un proyecto que finalmente fue cancelado.

La última vez que Madonna apareció en televisión fue en 2003, con una breve intervención en Will & Grace. Su rol protagónico más reciente en cine data de 2002, en el remake de Swept Away. Por ello, la presencia de la artista en The Studio constituye un logro sensible para Seth Rogen y el equipo creativo de la serie, que ya había convocado a celebridades como Martin Scorsese, Charlize Theron y Ted Sarandos durante su primera temporada. En el centro del interés está el biopic que Universal Pictures planeaba sobre la vida de Madonna. En 2021, el estudio ganó una subasta entre productoras para desarrollar el largometraje. Amy Pascal figuraba como productora y la propia Madonna asumiría la dirección y el guion. El proceso de audiciones fue calificado como extenuante, con actrices como Florence Pugh sometiéndose a pruebas intensivas de canto y baile. Finalmente, Julia Garner, ganadora del Emmy por Inventing Anna y Ozark, obtuvo el papel protagónico en 2022.

El guion del biopic proponía un recorrido desde los orígenes humildes de Madonna en Michigan, su formación artística en la Nueva York de los años 80, hasta el lanzamiento de Ray of Light en 1998, álbum que marcó una transformación en su carrera y consolidó su estatus global. Sin embargo, múltiples reescrituras del libreto y cambios en la dirección creativa antecedieron a la suspensión definitiva del proyecto en 2023. Según fuentes cercanas, Guy Oseary, mánager de Madonna, la persuadió para priorizar una gira mundial y abandonar temporalmente sus planes como directora. Al final, los derechos sobre su vida y catálogo musical expiraron en Universal.

El futuro de Madonna (y el de ‘The Studio’)

Actualmente, Netflix desarrolla una serie autobiográfica sobre Madonna, bajo la dirección de Shawn Levy y un acuerdo exclusivo con la plataforma. Julia Garner no está vinculada a esta nueva producción. La serie The Studio incorpora y parodia estos hechos reales a través de una trama en la que el ficticio Continental Studios, encabezado por personajes interpretados por Seth Rogen, Kathryn Hahn, Bryan Cranston, Ike Barinholtz y Chase Sui Wonders, produce una película sobre la vida de Madonna. En el argumento, el equipo viaja a Italia para presentar el biopic en el Festival de Venecia, con la presencia tanto de Madonna como de Garner, generando expectativas y rumores sobre posibles nominaciones al Oscar.

En la ficción, Madonna no interpreta a la directora de su biopic, sino que asume un rol diferente dentro del universo creado por la serie. Fotógrafos captaron también a Donald Glover en el set junto a Madonna y Garner, aunque no se han precisado detalles sobre su personaje. Fuentes próximas a la producción indican que los episodios donde aparece Madonna dedican especial atención al debate sobre la duración de las ovaciones en festivales, fenómeno que suele medirse para anticipar el éxito de las películas en el circuito internacional.

La filmación en Venecia generó un momento viral entre los seguidores de Madonna. Tanto ella como Garner recrearon imágenes emblemáticas del videoclip Like a Virgin de 1984, posando frente a la cámara y navegando en góndola por los canales de la ciudad. La incorporación de Madonna a The Studio implicó negociaciones complejas para Seth Rogen y Evan Goldberg, quienes lograron convencer a una figura celosa de su imagen para sumarse a una trama que revive un proyecto inconcluso de su carrera. Hasta el momento, ni Netflix ni Apple TV+ han emitido declaraciones oficiales sobre la participación de Madonna o el futuro de la serie.

El fallecimiento de Catherine O’Hara en enero de 2025, a los 71 años, dejó una huella profunda en la industria del entretenimiento y generó un vacío notable en la exitosa serie de Apple TV+, The Studio. Los creadores del programa, Seth Rogen y Evan Goldberg, confirmaron recientemente que la segunda temporada reconocerá de manera explícita la ausencia de la actriz, quien fue esencial para el desarrollo y el éxito inicial del proyecto. O’Hara falleció en su hogar de Los Ángeles por complicaciones relacionadas con un cáncer rectal, apenas unos meses antes del inicio planificado de la producción de la nueva temporada.

La importancia de Catherine O’Hara en The Studio

La primera temporada de The Studio logró un éxito destacado, obteniendo trece premios Emmy y asegurando una segunda temporada en mayo de 2025. Dentro de la serie, Catherine O’Hara interpretaba a Patty Leigh, una influyente ejecutiva de Hollywood y mentora del personaje de Seth Rogen, Matt Remick. Su interpretación le valió una nominación al Emmy como Mejor Actriz de Reparto en Comedia, además de ser reconocida tanto por la crítica como por el público. O’Hara, recordada por papeles memorables en Best in Show, Mi pobre angelito, Beetlejuice y Schitt’s Creek, se caracterizaba no solo por su talento, sino también por la calidez y generosidad que transmitía en el set. Seth Rogen comentó: “Sólo queríamos que pensara que éramos graciosos”.

Consecuencias emocionales y creativas en el equipo y la dirección de la serie

La inesperada muerte de O’Hara obligó a revisar por completo los planes creativos. Las opiniones de Seth Rogen y Evan Goldberg reflejan que el equipo atravesó un proceso de duelo que se manifestó durante la escritura y el rodaje. Goldberg expresó: “Fue un desafío increíble, tanto a nivel emocional como creativo. Todo estaba planeado alrededor de ella. El impacto se sintió en toda la temporada”. El guion original dependía de la presencia de O’Hara como el eje principal del relato, y la ausencia de su personaje dejó, según Rogen, una sensación de estar “a la deriva”.

La producción decidió incorporar el fallecimiento de O’Hara en la narrativa de forma realista, recogiendo así una experiencia humana universal: la pérdida inesperada de una figura central. Rogen aclaró que, aunque el tono de The Studio es mayormente satírico y ligero, la gravedad de lo sucedido estará presente de alguna manera en la nueva temporada. “No lo estamos ignorando”, señaló el actor y productor, adelantando que la serie abordará estos temas manteniendo su esencia.

Repercusiones en la industria y entre los seguidores

Fuera del ámbito del equipo de producción, la muerte de Catherine O’Hara causó una gran impresión en la comunidad creativa. O’Hara era respetada no solo por su talento artístico, sino también por su calidad humana y su ética profesional. En ceremonias recientes, Seth Rogen aceptó el premio Actor Award a Mejor Actriz en Comedia en nombre de su compañera, destacando una enseñanza de vida: “Demostró que se puede ser un genio y a la vez ser amable; una cosa no excluye la otra de ninguna manera”.

El reconocimiento a O’Hara se ha extendido entre el público, que aguarda con expectación y un cierto aire de nostalgia cómo The Studio abordará la ausencia de su personaje. Aunque la segunda temporada conservará el tono característico de la serie, se espera que logre rendir un homenaje sincero a la memoria y el legado de O’Hara, evitando excesos sentimentales pero tampoco eludiendo el tema. La combinación de respeto hacia la actriz y coherencia con la narrativa ha sido bien recibida, lo que incrementa la responsabilidad de los creadores para satisfacer las expectativas generadas.

La nueva adaptación reinterpreta la novela “The Executioners” de John D. MacDonald y toma como principal referente la emblemática versión cinematográfica de 1991 dirigida por Scorsese y producida por Spielberg. El proyecto está comandado por Nick Antosca como creador, showrunner y productor ejecutivo, dentro del marco de su acuerdo general con Universal Content Productions, vigente desde 2017.

El avance, presentado simultáneamente a escala global, consolida a Javier Bardem como nuevo titular del personaje Max Cady, ya considerado un arquetipo del thriller psicológico desde sus interpretaciones por Robert Mitchum (1962) y Robert De Niro (1991). Bardem, también productor ejecutivo, asume el desafío de reinterpretar al exconvicto que busca venganza contra la familia de abogados representada por Adams y Wilson, en una propuesta que, según Apple TV, recupera la atmósfera “opresiva y paranoica” del largometraje de Scorsese, pero amplía la narrativa y la profundidad de los personajes bajo el formato episódico.

Las claves de la producción y su posicionamiento en la industria

Nick Antosca, con experiencia previa en antihéroes y el género de terror (‘Channel Zero’, ‘The Act’), reafirmó en un evento de prensa que la nueva “Cabo de miedo” responde a una lógica de “reinvención” más que a una simple adaptación. Como showrunner, Antosca optó por reproducir algunos elementos icónicos de la película de 1991 —escenas, locaciones, guiños visuales— pero introdujo nuevos matices: “El primer momento de la serie gira en torno al terror ambiental. Y refleja la atmósfera de estar vivo en 2026, con sus incertidumbres, ambigüedades y paranoia”, dijo Antosca en declaraciones difundidas por Apple TV.

La producción ejecutiva suma a Alex Hedlund (Eat The Cat), así como a Darryl Frank y Justin Falvey por parte de Amblin Television, y garantiza la entrega del piloto bajo la dirección de Morten Tyldum, nominado al Óscar y también productor ejecutivo. Esta arquitectura de producción evidencia una convergencia entre showrunners con contratos históricos con estudios y ejecutivos que trabajan bajo estructuras híbridas entre cine y televisión de gran presupuesto.

La miniserie se rodó bajo el paraguas de Universal Content Productions, división de Universal Studio Group, en asociación directa con Amblin Television.

El modelo de estreno escalonado —dos episodios iniciales y uno nuevo cada viernes hasta el 31 de julio— replica la táctica empleada previamente por la plataforma con títulos de gran visibilidad, buscando maximizar conversación en redes sociales y mantener la suscripción activa durante la ventana de emisión. El cast central, completado por CCH Pounder, Joe Anders, Lily Collias, Jamie Hector, Malia Pyles y Anna Baryshnikov, refuerza la ambición global del producto.

La serie reivindica el linaje de clasicismo y terror psicológico de la franquicia, adaptando la trama a la fascinación contemporánea de Estados Unidos por el crimen real como fenómeno cultural, en palabras de la propia sinopsis oficial.

Por primera vez, una adaptación seriada de la obra integra en cargos ejecutivos y creativos a los mismos talentos que impulsaron su consagración fílmica tres décadas atrás. Con el aporte de Amy Adams también como productora ejecutiva, el producto final evidencia el cambio de ciclo en las estrategias de retención y captación de audiencias premium en el streaming internacional.

El actor Jon Hamm, célebre por haber interpretado a Don Drapper en la serie Mad Men, ha regresado como protagonista en la segunda temporada de Vicios ocultos, la ficción de Jonathan Tropper para Apple TV que se ha convertido en uno de los éxitos inesperados de la plataforma de ‘streaming’ y que incluso se convirtió en viral cuando una de sus escenas arrasó en redes sociales.

El episodio inaugural muestra a Coop, el personaje de Jon Hamm, participando en una conversación en el club de campo donde, al dejar claro su desapego a una corriente política concreta con la frase “¿No era vuestro tipo el que iba a hacer a América grande otra vez?”, establece desde el principio la distancia moral que define al personaje.

En la nueva tanda de episodios, la serie de Apple TV estrenó su segunda temporada el viernes 3 de abril y lanzará un capítulo semanal hasta el desenlace, previsto para el 5 de junio. Una de las novedades reside en que el personaje de Coop, tras librarse del cargo de asesinato que marcaría la temporada anterior (imputación promovida por su exnovia Sam, papel interpretado por Olivia Munn), disfruta ahora de una existencia renovada.

Coop está en proceso de recuperar la relación con Mel (Amanda Peet), su exmujer, mientras cultiva una amistad cuidada con sus hijos y transita con desenfado su etapa como soltero. Este proceso coincide con el aumento de autoconciencia tanto en el personaje como en la narración.

La trama mantiene a Coop implicado en robos a las residencias de sus amigos adinerados. A diferencia de la simple ilegalidad, el guion plantea estas actividades como una alternativa más “honesta” frente a su antiguo trabajo en las finanzas. Además, Coop comparte empresa delictiva con Elena (Aimee Carrero), empleada doméstica para la que, a diferencia de Coop, el dinero sí resulta esencial. Ambos venden objetos olvidados en el mercado negro, colaboración que permite conservar cierta empatía por el protagonista, incluso mientras aprovecha lujos como cócteles valorados en 20.000 dólares, una oficina alquilada sin motivo laboral y fiestas en yates de proporciones desmedidas.

Un nuevo personaje antagonista

La presencia de James Marsden como Owen Ashe introduce un antagonista cuya fortuna y energía inagotables ofrecen el principal desafío para Coop. Marsden da vida a Ashe, recién llegado al vecindario, que alterna el papel de adversario impredecible y confidente ocasional. El personaje exhibe una vitalidad desbordante alimentada por su peculiar consumo de estimulantes, lo que desplaza a Coop hacia un papel comparativamente comedido y racional. Esta dualidad potencia el dinamismo entre ambos personajes y consolida el perfil de “buen tipo” de Hamm.

A la tensión entre Coop y Ashe se suma la amenaza existencial de la edad. Un espasmo de espalda sorprende a Coop durante el primer robo de la temporada, dejándole incapacitado para huir y obligándole a pedir ayuda a un amigo, lo que arrastra a este último a futuras tramas delictivas. La dolencia funciona como recordatorio constante de los límites físicos del protagonista, cuestión reforzada por referencias cinéfilas que envían a Coop al Metrograph, mítico cine de Nueva York, cada vez que necesita matar el tiempo en la ciudad.

La serie nunca deja entrever que Coop corra riesgo vital, sino que opta por convertir la angustia ante la muerte y la inquietud por el paso del tiempo en motores del relato. A través de una puesta en escena que rehúye la sátira feroz sobre las élites estadounidenses, la temporada adopta una corriente más ligera y convencional, centrada en el disfrute de los placeres asociados a la riqueza. Esta orientación, resulta preferible para el tono de la serie, que se aleja así de la doble moral implícita en otras ficciones contemporáneas sobre las clases pudientes.

Del “wealth porn” al espíritu disfrutón

Dentro de la actual abundancia de series que muestran los lujos de los ricos, Vicios ocultos gana cuando asume su naturaleza directa y sin complejos, en lugar de pretender una crítica demoledora del sistema. La segunda temporada subraya que “a veces está bien disfrutar de lo que hay que disfrutar”, idea representada tanto en la actitud ‘vitalista’ de Coop como en el propio trabajo actoral de Jon Hamm.

A lo largo de la segunda temporada, la relación entre Coop, su entorno y sus propias limitaciones físicas brinda una perspectiva sobre dinámicas habituales en la ficción contemporánea, además de explorar las ambigüedades morales y las contradicciones inherentes al protagonista.

La segunda temporada de The Studio, la aclamada serie de comedia de Apple TV+, incorporará la muerte de Catherine O’Hara en su trama, según afirmaron sus creadores Seth Rogen y Evan Goldberg.

O’Hara, quien interpretaba a Patty Leigh —una productora y exjefa de estudio que ejerce como mentora del protagonista Matt Remick, encarnado por Rogen— falleció el 30 de enero a los 71 años.

La causa principal de su muerte fue una embolia pulmonar, con un cáncer de recto como causa subyacente.

La artista había ganado recientemente el premio a la Mejor Actriz en una Serie de Comedia en los Actor Awards 2026, galardón que Rogen recogió en su nombre durante la ceremonia celebrada en marzo.

Goldberg describió a The Times la situación como un desafío sin precedentes para el equipo de producción.

“Ha sido un reto increíble”, afirmó. “Evidentemente de manera emocional, al lidiar con la pérdida, pero también en lo que respecta a la serie en sí misma”.

El cocreador reveló además que Catherine O’Hara estaba plenamente integrada en los planes para la nueva entrega.

“Lo escribimos para que ella estuviera. Lo teníamos todo listo, y las ondas de choque se perciben a lo largo de toda la nueva temporada. Ha sido difícil”.

Cuando el medio británico describió a O’Hara como el ancla de la serie, Evan Goldberg respondió: “Lo has expresado mejor de lo que nosotros podríamos hacerlo. Ella era el ancla, y ahora el ancla se ha ido”.

Seth Rogen, por su parte, reconoció que esa sensación de desamparo quedará presente en los nuevos episodios.

“Si acaso, estamos reconociendo la idea de que estamos un poco a la deriva”, señaló el actor y director en diálogo con The Times.

Y agregó en referencia a abordar la muerte de Catherine O’Hara: “Pero, honestamente, eso es parte de la vida y de lo que todos experimentamos. Así que, aunque intentamos no recrearnos demasiado en los temas pesados en esta serie, estarán presentes en esta segunda temporada. No lo vamos a ignorar”.

La ausencia de O’Hara se hace especialmente notable dado el peso que su personaje tenía en la primera temporada, estrenada en 2025.

La actriz, conocida mundialmente por su papel en Beetlejuice y por su trabajo en Schitt’s Creek, era considerada uno de los pilares creativos de la producción.

Seth Rogen ya había expresado públicamente su admiración por la estrella tras conocerse su fallecimiento.

“Realmente no sé qué decir. Le dije a O’Hara cuando la conocí por primera vez que pensaba que era la persona más graciosa que había tenido el placer de ver en pantalla”, escribió en Instagram.

“Mi pobre angelito fue la película que me hizo querer hacer películas. Trabajar con ella fue un verdadero honor. Era intuitiva y generosa”, continuó en su homenaje.

El actor concluyó en su mensaje: “Me hizo querer que nuestra serie fuera lo suficientemente buena como para merecer su presencia. Esto es devastador. Todos somos afortunados de haber vivido en un mundo con ella”.

De igual manera, Rogen la recordó en su discurso al recoger el premio de la DGA a Mejor Director de Comedia en febrero.

“Honestamente, no hay nadie a quien desearíamos más poder agradecer en persona en este momento que a Catherine O’Hara”, declaró entonces. “Fue un honor dirigirla cada día y trabajamos muy duro para hacer la serie lo suficientemente buena como para justificar su tiempo y su presencia”.

En los Actor Awards, Rogen ofreció palabras igualmente emotivas al recibir el galardón póstumo en nombre de su compañera.

“Sé que habría sido un honor para ella recibir este premio de sus compañeros actores, a quienes sé que respetaba enormemente”, dijo. “Era una gran admiradora de todos vosotros”.

La segunda temporada de The Studio aún no tiene fecha de estreno confirmada. La primera entrega está disponible para ver en Apple TV+.

Apple ha sorprendido a muchos usuarios al actualizar sus listas de productos ‘vintage’ y ‘obsoletos’. La decisión afecta a tres dispositivos muy populares que aún se encuentran en uso en todo el mundo: iPad mini 4, Apple TV HD (32GB) y MacBook Air 2017.

Así que detallamos los motivos detrás de la decisión de Apple, los criterios utilizados para catalogar estos productos y el impacto real para quienes todavía los utilizan.

Qué significa que un dispositivo sea ‘vintage’ u ‘obsoleto’ para Apple

Apple clasifica sus productos en dos categorías una vez que dejan de estar disponibles para su venta directa: ‘vintage’ y ‘obsoletos’. Un producto se considera ‘vintage’ cuando han pasado más de cinco y menos de siete años desde que se dejó de distribuir oficialmente. En cambio, un producto es declarado ‘obsoleto’ cuando esa cifra supera los siete años.

Cuando un dispositivo pasa a ser ‘vintage’, Apple puede ofrecer reparaciones en sus tiendas o a través de proveedores autorizados, aunque ya no garantiza la disponibilidad de piezas de repuesto. Si un componente específico no está disponible, la empresa puede ofrecer un modelo de reemplazo de una generación más reciente, aunque esto depende de las existencias y del tipo de problema presentado.

En el caso de los productos ‘obsoletos’, Apple deja de ofrecer cualquier tipo de reparación o servicio técnico oficial, sin importar el estado del dispositivo. La única alternativa para los usuarios es buscar soporte en servicios de terceros o intentar conseguir piezas por su cuenta.

Los tres dispositivos afectados en esta actualización

• iPad mini 4 

Fue lanzado en septiembre de 2015 y retirado del mercado en marzo de 2019. Durante su tiempo en el catálogo, se destacó por su portabilidad y la posibilidad de ejecutar la mayoría de las tareas habituales de un iPad. Aunque ya no recibe actualizaciones de sistema operativo de última generación, todavía obtiene parches de seguridad, como iPadOS 15.8.7, liberado hace menos de un mes.

• Apple TV HD (32GB)

Salió al mercado en octubre de 2015 y se mantuvo como opción hasta octubre de 2022, cuando fue reemplazado por modelos más recientes de Apple TV 4K. La particularidad en este caso es que solo la versión de 32GB ha sido declarada obsoleta, mientras que la de 64GB sigue recibiendo soporte completo. Esta decisión ha generado desconcierto y protestas en foros de usuarios, ya que el dispositivo aún recibe actualizaciones de tvOS, como la reciente versión 26.4, y es muy utilizado para consumo de contenido en streaming.

• MacBook Air (13″, 2017)

Fue el último modelo sin pantalla Retina antes de la renovación estética y funcional de la línea en 2018. Este portátil, muy difundido por su ligereza y autonomía, ha sido recategorizado como ‘vintage’. Esto significa que aún puede recibir reparaciones oficiales, siempre y cuando existan piezas disponibles. Su última gran actualización de software fue macOS Monterey, en la versión 12.7.6, publicada en julio de 2024.

Qué implica para los usuarios el cambio de estatus

El paso de estos dispositivos a las listas de productos ‘vintage’ u ‘obsoletos’ ha generado dudas sobre su funcionamiento cotidiano. Sin embargo, el cambio de estatus no afecta la operatividad básica ni impide el uso normal de las aplicaciones, la reproducción de contenido multimedia o el manejo de archivos.

Para el usuario promedio, la principal consecuencia es la dificultad para reparar el equipo en caso de avería. Si el dispositivo es ‘vintage’, aún puede optar por el servicio técnico oficial, siempre que existan piezas en inventario. Si es ‘obsoleto’, deberá recurrir a talleres independientes o buscar repuestos por su cuenta.

A pesar de la preocupación que estas categorías suelen generar, muchos de estos dispositivos continúan funcionando correctamente y recibiendo parches de seguridad, como ocurre con el iPad mini 4 y el Apple TV HD. La durabilidad y el estado físico de cada equipo serán los factores determinantes para su vida útil.

El camino de Cape Fear en Apple TV

Cape Fear se posiciona como uno de los lanzamientos más importantes que Apple TV tiene previstos para 2026. El estreno comenzará con dos episodios consecutivos el 5 de junio y continuará posteriormente con un capítulo semanal, hasta completar una temporada de diez episodios. La elección de Javier Bardem para interpretar a Max Cady implica un desafío para su capacidad actoral en el género del terror, donde previamente destacó en No es país para viejos, y al mismo tiempo propone una nueva mirada sobre un personaje complejo y oscuro.

Amy Adams y Patrick Wilson participan no sólo como protagonistas, sino también como productores ejecutivos, contribuyendo con su experiencia e implicación creativa al desarrollo de la serie. El reparto se complementa con las actuaciones de Joe Anders, Lily Collias, Malia Pyles y CCH Pounder, consolidando un elenco sólido para dotar a la historia de realismo y profundidad.

Una historia clásica adaptada a la actualidad

Inspirada tanto en la novela escrita por John D. MacDonald en 1957 como en la reconocida versión cinematográfica que dirigió Martin Scorsese en 1991, Cabo de miedo traslada su inquietante argumento al formato episódico. La serie cuenta con el guionista y showrunner Nick Antosca, conocido por proyectos de terror como Channel Zero y The Act. La trama gira en torno a la amenaza constante que representa Max Cady: tras recuperar su libertad, concentra sus esfuerzos en desestabilizar y atormentar a los Bowden, un matrimonio de abogados que logró una condena en su contra.

El personaje de Anna, interpretado por Amy Adams, adquiere relevancia en una narrativa contemporánea, reflejando la vulnerabilidad y la inseguridad de quienes ven amenazada su vida cotidiana por la irrupción de un pasado del que no pueden escapar. El avance presentado en el tráiler ha despertado interés tanto en redes sociales como en medios especializados, quienes anticipan que será una de las propuestas más intensas del año en televisión.

Repercusiones y expectativas del público

Cabo de miedo plantea interrogantes en torno a la seguridad y la integridad en el entorno familiar frente a la amenaza de un criminal implacable. La serie examina cómo una experiencia traumática y la presencia del pasado pueden alterar la estabilidad incluso en los ambientes más protegidos. La ficción televisiva, mediante el terror psicológico, propicia una identificación inmediata en la audiencia, que observa cómo el peligro puede irrumpir en cualquier hogar.

Para los suscriptores de Apple TV, la propuesta ofrece una producción cuidadosamente realizada y la oportunidad de presenciar, tanto con actores consagrados como con nuevas incorporaciones, el enfrentamiento entre víctima y victimario, lo que invita a reflexionar sobre la justicia, la venganza y la evolución del thriller en la era del streaming.

El mes de abril llega cargado de novedades. Tanto es así que resulta casi imposible elegir, entre toda la oferta, tan solo 10 recomendaciones. Y es que la cantidad de estrenos que habrá en las próximas semanas parece inabarcable. Hay nuevas series, continuaciones de lo más esperadas, ‘remakes’, secuelas y temporadas finales.

En el terreno internacional encontramos, además de la ficciones seleccionadas, encontramos Errores épicos, creada por Dan Levy y una de las chicas del momento, Rachel Sennott para Netflix, sobre dos hermanos incompetentes que se ven obligados a trabajar para una banda criminal. Además, la segunda temporada de Vicios ocultos, con Jon Hamm, una de las series más populares en estos momentos de Apple TV. Por último, la despedida de The Boys, la serie de culto de superhéroes que dice adiós después de 5 temporadas.

En el ámbito español, encontramos menos sorpresas. Entre las novedades más despiertan más curiosidad, encontramos Cochinas, protagonizada por un reparto muy coral encabezado por Malena Alterio y Álvaro Mel, sobre una mujer de mediana edad que, en a finales de los años noventa tiene que hacerse cargo del videoclub familiar y decide especializarse en material pornográfico, que es el único que se alquila.

Además, la segunda temporada de Clanes (en Netflix), la quinta de Machos Alfa (pocos meses después del estreno de la cuarta) y La nena, la tercera parte de la saga La novia gitana dirigida por Paco Cabezas e protagonizada por Nerea Barros, que podrá verse en Atresplayer y Disney+.

‘Euphoria’ T-3

Ahora sí que está todo listo para la esperada tercera temporada de Euphoria, en la que nos enfrentaremos a un salto temporal de cinco años con respecto a la última tanda de episodios, en la que los protagonistas se encontraban todavía en el instituto.

Ahora, la adolescencia dará lugar a la edad adulta y veremos de qué forma cada uno se ha adaptado a las nuevas circunstancias. El creador, Sam Levinson ha logrado reunir al reparto original, cosa que, a estas alturas, y con la fama alcanzada por buena parte de ellos, parecía imposible.

Así que nos reencontraremos con los personajes de Zendaya, Hunter Schafer, Jacob Elordi, Sydney Sweeney, Alexa Demie o Maude Apatow, así como la última aparición de Eric Dane antes de su muerte. Entre los nuevos fichajes, además del de la cantante Rosalía, el de Sharon Stone. A partir del 13 de abril en HBO Max.

‘Half Man’

Después de la sorpresa que supuso Mi reno de peluche, una de las miniseries más galardonadas de los últimos tiempos, regresa su creador, Richard Gadd con su esperado nuevo proyecto, de nuevo como creador y protagonista.

Half Man narra la vida de dos hombres criados como hermanos a lo largo de treinta años, desde la Glasgow de los años 80 hasta la actualidad. Así, el reencuentro de Ruben y Niall en la boda de este último, desencadenará una cadena de hechos violentos que pondrán ponen en cuestión la fragilidad de los vínculos humanos. A través de episodios marcados por el suspense, la serie explora cómo la identidad masculinidad puede quebrarse y convertirse en una herida permanente. Junto a Gadd, encontramos a Jamie Bell, el que fuera niño prodigio de Billy Elliot. Se estrena el 24 de abril en HBO Max.

‘Los testamentos’

En este caso, se trata de una secuela, pero que genera las mismas dosis de expectación que las anteriores. Después de la adaptación de El cuento de la criada, y de toda toda la importancia que supuso al advertir sobre los peligros de los regímenes fanáticos y totalitarios, la escritora Margaret Atwood compuso una continuación para seguir a las nuevas generaciones de Gilead después de los acontecimientos abordados en el final de la mítica serie protagonizad por Elisabeth Moss.

En esta ocasión, la trama se centrará en dos jóvenes dentro de la escuela de la tía Lydia, interpretadas por Chase Infiniti (la gran sorpresa de Una batalla tras otra) y Lucy Halliday. A través de estas tres voces, se relatará el principio del fin del régimen teocrático. A partir del 8 de abril en Disney+.

‘Bronca 2′

Segunda entrega de Bronca después del éxito inesperado que supuso la primera parte interpretada por Steven Yeun y Ali Wong. Ahora, el creador de la serie, Lee Sung Jin, presenta una historia independiente, configurando así una serie de antología.

En esta ocasión, una pareja será testigo de la agresiva pelea entre su jefe y su mujer, lo que desencadenará toda una serie de movimientos a favor de uno u otro para ganarse el favor de un multimillonario coreano propietario de un club de campo. El reparto es de auténtico lujo: Oscar Isaac, Carey Mulligan, Charles Melton, Cailee Spaeny, Youn Yuh-jung y Song Kang-ho, el que fuera protagonista de Parásitos.

‘Margo tiene problemas de dinero’

El mítico ‘showrunner’ David E. Kelly (creador desde Ally McBeal a Big Little Lies) se encarga de adaptar la novela de Rufi Thorpe para contar la historia de una joven, Margo, que tras abandonar la universidad, quiere ser escritora. Pero no tiene trabajo, es madre soltera y tendrá que ingeniárselas para salir adelante. Una de sus soluciones será abrir una cuenta de OnlyFans y adquirir una identidad independiente, como hizo su progenitor en la época que era luchador profesional.

Otro enorme reparto: Elle Fanning, Michelle Pfeiffer, Nick Offerman, Greg Kinnear, Nicole Kidman y Michael Angarano. En Apple TV a partir del 15 de abril.

‘Stranger Things: Relatos del 85′

Después del final definitivo de la serie después de 5 temporadas, los hermanos Duffer seguirán ampliando el universo de Stanger Things y el primero de los ‘spin-off’ será esta serie de animación ambientada entre la segunda y la tercera temporada en la que participarán los principales personajes (aunque sus voces en inglés no sean las de los actores originales) para acercar estas aventuras a un público de carácter más infantil mientras se siguen destripando los misterios del Upside Down para los fans de la serie. Se estrenará en Netflix el próximo 23 de abril.

‘Outcome’

Apple TV continúa explorando el género de la comedia de autor. Así, tras la gran apuesta de The Studio, de Seth Rogen, que ha terminado siendo de las más premiadas de la temporada, aterriza una nueva propuesta por parte de Jonah Hill protagonizada por Keanu Reeves, Cameron Díaz, el propio creador, Matt Bomer y, de nuevo, Martin Scorsese en su nueva faceta como actor cómico.

En una, una estrella de Hollywood con buena reputación, deberá enfrentarse a su pasado cuando comience a ser extorsionado con un vídeo de hace años que podría terminar con su carrera y destrozar su imagen. Se estrena el 10 de abril.

‘The Audacity’

AMC España estrena el próximo 13 de abril esta nueva serie que ya ha sido renovada para una segunda temporada antes de su estreno. Se encuentra ambientada en Silicon Valley, donde un director ejecutivo, especializado en minería de datos, se esfuerza en conseguir el sueño americano.

Una ficción que reflexiona sobre temas como la inteligencia artificial, la corrupción, la falta de ética o el poder de la información dentro de las grandes empresas. Una serie creada por Jonathan Glatzer (guionista de Succession) y protagonizada Billy Magnussen, Sarah Goldberg, Zach Galifianakis y Lucy Punch.

‘La casa de los espíritus’

Después de su adaptación cinematográfica en 1996, dirigida por Billie August y protagonizada por Meryl Streep, Glenn Close, Jeremy Irons, Winona Ryder y Antonio Banderas, ahora Prime Video ha emprendido la difícil tarea (al igual que ocurrió con la película) de hacer una serie a partir de la novela de Isabel Allende inscrita dentro del realismo mágico.

En ella se contará la historia de la familia Trueba a lo largo del tiempo y varias generaciones mientras tienen lugar los acontecimientos sociales y políticos de la historia de Chile. En el reparto, Alfonso Herrera, Dolores Fonzi, Nicole Wallace, Fernanda Castillo o Juan Pablo Raba entre un numeroso reparto. Dirige Francisca Alegría y Andrés Wood. Se estrena el próximo 29 de abril.

‘Hacks’ (T-5)

Después de cinco temporadas, Hacks se despide como una de las comedias más queridas por los espectadores y que más premios ha conseguido desde que se estrenó en 2021.

Creada por Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky, nos ha introducido como pocas en el mundo del espectáculo de la mano de una legendaria actriz cómica en decadencia que tiene que reinventarse y su relación profesional que establecerá con una joven escritora. Un clásico contemporáneo que ahora llega a su fin y en el que han brillado Jean Smart y Hannah Einbinder.

Apple TV+ ha fijado el 10 de abril de 2026 como la fecha de estreno global para Outcome, la nueva comedia negra con Keanu Reeves y Cameron Diaz en los papeles principales, bajo la dirección y coautoría de Jonah Hill, según informes difundidos por la propia plataforma. Se trata del primer largometraje que reúne a Reeves y Diaz al frente del reparto, una combinación que marca un movimiento estratégico para la división cinematográfica de Apple Studios de cara a su programación de contenido original de 2026.

La apuesta de Apple TV+ por Outcome no solo recae en la visibilidad de sus protagonistas. El film propone una narrativa centrada en la industria del entretenimiento: Reeves encarna a Reef Hawk, una estrella de Hollywood sometida a un proceso de extorsión por un video comprometedor, en una historia que fusiona la sátira con la introspección y el misterio corporativo. Hill, además de dirigir, interpreta al abogado de crisis que acompaña al personaje central en su tentativa por redimir errores pasados y descifrar la identidad del chantajista. El guion, coescrito por Ezra Woods, amplía la tendencia de relatos metacinematográficos que exploran las grietas y presiones de la industria.

En el reparto figuran también Matt Bomer y la propia Cameron Diaz, quien retorna oficialmente al cine tras un periodo de inactividad, lo que añade una capa de interés mediático y de seguimiento a la producción. La lista se completa con nombres como Martin Scorsese —en una aparición que continúa su relación frente a cámara con proyectos de Apple—, Susan Lucci, Laverne Cox, David Spade, Atsuko Okatsuka, Roy Wood Jr., Kaia Gerber, Ivy Wolk y el propio Jonah Hill.

Apple Studios produce la película bajo el sello Strong Baby, encabezado por Hill, con Matt Dines y Alison Goodwin como productores principales y Adam Merims como productor ejecutivo. El carácter de producción interna refuerza la política de contenido exclusivo impulsada por Cupertino, que inició con series de alto perfil como Ted Lasso y The Morning Show, y ahora extiende su inversión al largometraje para consolidar su diferencial ante competidores como Netflix y Amazon.

La estrategia de la plataforma ha consistido en integrar proyectos que desafían convenciones de género y tono. Con Outcome, el giro hacia la comedia negra, marcada por una estructura de “cine dentro del cine”, evidencia la búsqueda de relatos que exploran las contradicciones del estrellato y los riesgos de la exposición mediática. El material promocional ya difundido subraya el contraste tonal, con fotografías que anticipan una atmósfera satírica pero dramática, y apunta a una dualidad que se articula desde la dirección de Hill.

La incorporación de figuras como Scorsese, habitual colaborador de Apple en proyectos recientes, y la participación de Diaz, consolidan el atractivo de Outcome para audiencias globales y coleccionistas de contenido de autor. El regreso de Cameron Diaz a la pantalla, tras una pausa prolongada, se convierte en un elemento de marca para la campaña internacional de lanzamiento, posicionando a la película como evento de temporada.

Tanto Reeves como Diaz son identificados por el estudio como catalizadores de engagement y visibilidad para la ventana de estrenos, que se alínea con el calendario estratégico de Apple para otoño de 2026.

For All Mankind, la serie de ciencia ficción creada por Ronald D. Moore, Matt Wolpert y Ben Nedivi, llegará a su fin oficialmente tras seis temporadas en Apple TV. El anuncio, realizado pocos días antes del estreno de la quinta temporada, asegura que los espectadores podrán conocer la conclusión completa del arco narrativo concebido desde el inicio. Además, la plataforma lanzará el spinoff Star City, que explorará la carrera espacial desde una perspectiva soviética en esta realidad alternativa.

Un repaso por la historia espacial alternativa

Desde su estreno en noviembre de 2019, For All Mankind ha presentado una línea temporal alternativa que se pregunta cómo habría cambiado el mundo si la Unión Soviética hubiera llegado primero a la Luna. Este punto de partida dio origen a una historia en la que la carrera espacial no solo impulsa rápidos avances tecnológicos, sino que también provoca profundas transformaciones sociales, como la temprana aprobación de la Enmienda de Igualdad de Derechos. La serie ha logrado consolidarse como uno de los títulos más representativos de Apple TV y, junto con The Morning Show, es la producción más longeva de la plataforma.

La historia avanza con una quinta temporada situada en la década de 2010, varios años después del robo del asteroide Ricitos de Oro. La colonia Happy Valley en Marte ha evolucionado hasta convertirse en un próspero asentamiento en el que residen miles de personas y que sirve de base para nuevas misiones destinadas a expandir la presencia humana en el sistema solar. Sin embargo, la estabilidad en Marte se ve amenazada por la insistencia de las naciones de la Tierra en reclamar soberanía, lo que genera tensiones con los colonos marcianos.

El anuncio del desenlace de la serie llega en un contexto televisivo donde predominan las cancelaciones inesperadas y pocos creadores tienen la oportunidad de concluir sus historias según su proyecto original. Matt Wolpert y Ben Nedivi destacaron lo poco común que es poder dar forma al final que idearon junto a Ronald D. Moore, enfatizando la importancia de haber logrado mantenerse fieles al plan inicial, según declaraciones recientes de Nedivi.

Elenco rumbo al final y la llegada de Star City

El elenco principal retoma sus papeles en los dos últimos capítulos de la saga. Joel Kinnaman, Toby Kebbell, Edi Gathegi, Cynthy Wu, Coral Peña y Wrenn Schmidt regresan como personajes centrales y afrontan el cierre de sus historias personales junto a la producción. Se incorporan como personajes regulares nuevos talentos como Mireille Enos, reconocida por su trabajo en The Killing, Costa Ronin, Sean Kaufman, Ruby Cruz e Ines Asserson, quienes aportan nuevas dinámicas a una trama que se dirige a su clímax.

Paralelamente, Apple TV expandirá el universo con Star City, el spin-off que se estrenará el 29 de mayo. Esta nueva serie enfocará su atención en la perspectiva soviética de la carrera espacial alternativa, ofreciendo una forma adicional de desarrollar la narrativa sin perder el distintivo nivel de calidad de la serie original. La fecha de estreno de Star City coincide con el final de la emisión semanal de la quinta temporada, estableciendo un cierre y un inicio dentro del mismo universo narrativo.

Reconocimientos, impacto y una historia conectada con el presente

For All Mankind no solo recibió elogios de la crítica, sino que fue reconocida con premios Emmy por su propuesta interactiva y de medios emergentes, así como con el premio a la innovación de la PGA. Entre sus nominaciones se cuentan reconocimientos en los TCA, Critics Choice, Hugo, Saturn y varios gremios dedicados a la dirección y el diseño, consolidando su posición como un referente en la ciencia ficción televisiva.

Más allá del reconocimiento, la serie ha ofrecido al público un ejercicio de historia especulativa cuyos efectos invitan a la reflexión. Al presentar posibles avances sociales y científicos derivados de una mayor inversión en la carrera espacial, la serie impulsa una mirada crítica sobre las decisiones políticas y colectivas que condicionan los avances actuales. En un contexto real en el que la exploración de Marte y el debate sobre la colonización del planeta están en marcha, la propuesta de For All Mankind cobra nueva relevancia para el público general.

El final planeado de la saga constituye un caso poco frecuente de estabilidad creativa en una industria sujeta a constantes cambios, y refuerza la apuesta de Apple TV por proyectos de largo alcance con impacto cultural. El cierre de For All Mankind marca el fin de una etapa, mientras que el lanzamiento de Star City asegura que la narrativa alternativa sobre la humanidad más allá de la Tierra continúe vigente para los seguidores del género.

Entre los detalles más comentados del inicio de grabaciones destaca la aparición inesperada de Madonna en el set. Diversos paparazzis y seguidores de la serie lograron captar a la artista durante una jornada de rodaje, confirmando su participación como invitada especial en la nueva temporada. Además de Madonna, se suman otros nombres reconocidos como Julia Garner y Michael Keaton, quienes también fueron vistos en el entorno de filmación. La tradición de cameos de grandes figuras de la cultura pop se mantiene así como una de las señas de identidad de The Studio: en su primera temporada, la serie contó con la colaboración de Martin Scorsese, Ron Howard, Anthony Mackie y Zoë Kravitz, entre otros. La expectativa crece ante la posibilidad de que la presencia de Madonna aporte una dinámica distinta al desarrollo de los nuevos episodios.

La segunda temporada reúne nuevamente a Seth Rogen, Chase Sui Wonders, Ike Barinholtz y Bryan Cranston, entre otros actores habituales de la serie. Fanáticos y medios especializados informaron que el equipo optó por rodar en Venecia, una decisión que añade un matiz internacional al relato y genera especulaciones sobre el rumbo que tomará la historia. Las grabaciones públicas permitieron que seguidores y curiosos documentaran el ambiente de trabajo y la interacción entre los actores, alimentando las redes sociales con imágenes inéditas. El inicio de la nueva temporada de The Studio responde a la alta expectativa generada por el éxito de la entrega anterior. En la última edición de los Premios Emmy, la ficción se consolidó como la gran ganadora en la categoría de comedia, obteniendo 13 galardones, incluido el de Mejor Serie de Comedia. Este reconocimiento posicionó a la producción como referente del género, reforzando el interés por su continuación y el impacto de sus decisiones narrativas.

Cameos y sorpresas para la audiencia

La participación de Madonna se suma a una lista de apariciones especiales que han caracterizado a la serie desde sus inicios. La inclusión de figuras reconocidas no solo responde a una estrategia de atracción para el público, sino que contribuye a la construcción de un universo en el que la sátira y la autorreferencia conviven con la actualidad del entretenimiento. The Studio mantiene así su sello distintivo, incorporando a personalidades de diferentes ámbitos para enriquecer las tramas y ofrecer momentos inesperados en cada episodio.

Durante el rodaje en Venecia, la presencia de Madonna generó sorpresa y especulación, alimentando rumores sobre el papel que desempeñará en la historia. No se han revelado detalles sobre la extensión de su participación ni sobre el personaje que interpretará, lo que incrementa el interés por el estreno de la temporada. La estrategia de mantener en secreto ciertos elementos del guion responde a la intención de preservar el efecto sorpresa, una constante en la comunicación de la serie.

Un recuerdo a Catherine O’Hara

Una de las novedades más relevantes de esta nueva etapa es la ausencia de Catherine O’Hara, quien falleció el pasado 30 de enero. O’Hara, que interpretaba a Patty Leigh, una legendaria productora dentro de la trama, estaba confirmada para aparecer en la segunda temporada. Su repentina muerte obligó al equipo de producción a modificar el calendario de rodaje y reescribir parte del guion. El impacto de esta baja es significativo, tanto en el desarrollo argumental como en la dinámica del elenco, ya que el personaje de O’Hara era clave en la estructura del estudio ficticio que da nombre a la serie.

La producción optó por no reemplazar a la actriz, eligiendo ajustar la narrativa para reflejar su ausencia y rendir homenaje a su legado dentro del universo de The Studio. Este cambio inesperado añade una dimensión emotiva y real al proceso de creación de la segunda temporada. The Studio se distingue por su enfoque satírico sobre la industria cinematográfica de Hollywood. La serie gira en torno a Matt Remick (Rogen), quien asume la dirección de un legendario estudio de cine. A través de situaciones absurdas y referencias directas a la cultura del cine, la producción explora cómo se toman las decisiones creativas y comerciales en el sector. El tono humorístico convive con un homenaje declarado al séptimo arte, reforzado por una banda sonora compuesta por el mexicano Antonio Sánchez, responsable también de la música en Birdman.

Sobre la trama de la segunda temporada, aún se desconocen detalles concretos. El cierre de la primera entrega dejó abierta la posibilidad de que el estudio sea vendido, una línea narrativa que podría desarrollarse en los nuevos episodios. La combinación de expectativas no resueltas, cambios en el elenco y la incorporación de figuras como Madonna configuran una temporada que promete novedades tanto para seguidores habituales como para nuevos espectadores.

A lo largo de ocho episodios, la historia explora, desde distintas perspectivas, el complejo entramado de relaciones, secretos y traiciones entre tres amigas de toda la vida, sacudidas por un asesinato que pone a prueba los límites de la lealtad y la identidad. Siguiendo la estela de títulos como Big Little Lies, la serie busca adaptar la obra homónima de Araminta Hall a un formato donde el suspense teñido de mirada femenina cobra especial relevancia.

El estreno se ha producido el miércoles 18 de marzo de 2026, con la plataforma lanzando dos capítulos iniciales y programando uno nuevo cada semana hasta el 29 de abril. Ocho episodios conforman la miniserie, que transcurre en Pasadena (California), una localización recurrente en la novela negra estadounidense.

Una narración polifónica entre pasado y presente

Basada en la novela publicada en 2020, la producción muestra cómo las protagonistas, Eleanor, Nancy y Mary (interpretadas respectivamente por Kerry Washington, Kate Mara y Elisabeth Moss) encarnan diferentes versiones del éxito profesional y personal, llevadas a la pantalla con una estructura a base de ‘flashbacks’ que revela la profundidad de su relación y su vínculo con el crimen que vertebra la trama. Este enfoque de narración polifónica permite descubrir, capítulo a capítulo, las distintas aristas de cada personaje y el impacto que tiene el asesinato de Nancy en el equilibrio de sus vidas.

Narrativamente, la serie distribuye el protagonismo entre las tres amigas, permitiendo al espectador reinterpretar cada suceso según el punto de vista de cada una. Así, los primeros capítulos privilegian la historia de Eleanor, mientras que los centrales despliegan una mirada más intimista sobre Nancy y la relación poco idealizada que mantenía con su esposo Robert (Joel Kinnaman). Los capítulos finales se centran en Mary, un personaje aparentemente dócil y tradicional cuya investigación personal revela motivaciones más complejas.

El germen de Mujeres imperfectas se remonta a 2019, cuando Elisabeth Moss adquirió los derechos de la novela de Araminta Hall tras leerla de una sentada durante un viaje en avión, según narra la propia actriz productora. A partir de ese momento, Moss impulsó el desarrollo del proyecto con la colaboración de Kerry Washington, quien también ejerce como productora y destaca el valor de que las intérpretes asuman un rol directivo en la industria.

Un thriller psicológico sobre las heridas y el trauma

La adaptación ha sido conducida por Annie Weisman (responsable de Physical) y dirigida por Lesli Linka Glatter y Nzingha Stewart, quienes han dotado a la serie de un tono de thriller psicológico, combinando el glamour aparente del Sur de California con las grietas invisibles de las relaciones personales. La producción no escatima en recursos para crear una atmósfera visual reluciente, donde los títulos de crédito, inspirados en el arte japonés del kintsugi (la reparación de objetos rotos con laca y polvo de oro), actúan como metáfora de la reconstrucción de las protagonistas tras el trauma y la ruptura.

La trama se desarrolla a partir del asesinato de Nancy, una bailarina proveniente de clase trabajadora que, tras casarse con el adinerado Robert, se integra en un círculo social donde el privilegio convive con secretos ocultos y relaciones problemáticas. La investigación policial, con Eleanor en el punto de mira, sirve de hilo conductor para ahondar en viejas heridas y rivalidades, al tiempo que se deconstruye el ideal de la amistad femenina.

La confrontación entre dos estrellas en el género de comedia negra

Keanu Reeves, reconocido por sus roles en producciones de acción como Matrix o John Wick, asume aquí un papel diferente interpretando a Reef Hawk, una figura querida de Hollywood cuya existencia se desmorona cuando alguien intenta extorsionarlo con un video comprometedor. Al alejarse del habitual retrato del ídolo invulnerable, la película explora aspectos más humanos de la vida tras el estrellato: temores, remordimientos y la presión de mantener una imagen impecable ante la sociedad.

Cameron Diaz aporta una perspectiva inesperada al relato. Tras haber sido la actriz mejor remunerada durante el apogeo de su carrera, decidió alejarse de la actuación durante más de diez años. Su regreso en Outcome como Kyle, la mejor amiga y confidente de Hawk, revive la química que tuvo con Reeves en la película de 1996 Luna sin miel. Este reencuentro despierta interés en quienes crecieron siguiendo los pasos de ambos artistas, y convierte la película en un evento impulsado por la nostalgia, actualizado para abordar la vulnerabilidad en tiempos dominados por lo digital.

Jonah Hill, conocido por su versatilidad actoral y ahora como director, también interpreta el papel de Ira, el abogado encargado de manejar las crisis de Hawk. El elenco se completa con figuras como Matt Bomer, Susan Lucci, Laverne Cox, David Spade, Martin Scorsese y Kaia Gerber. La ambientación en el entorno hollywoodense permite la aparición de numerosos cameos de alto perfil, subrayando el carácter autorreferencial de la historia.

Cameos y sátira sobre el funcionamiento de la industria

Uno de los rasgos más notables de Outcome es la manera en que expone el mundo de Hollywood desde su interior. Más allá de la historia principal de extorsión y búsqueda de redención, la película aprovecha la ocasión para incluir personalidades reconocidas en papeles y cameos que ironizan sobre la cultura de las celebridades y la obsesión por la imagen pública. Martin Scorsese realiza una aparición breve, acompañado también por Laverne Cox y Drew Barrymore. Estos guiños cumplen la función de servir como un espejo humorístico y crítico de la industria, poniendo en evidencia las ironías de la fama y los desafíos personales que enfrentan quienes la experimentan.

El guion se vale del escándalo que rodea a Reef Hawk para explorar los mecanismos clásicos de control de daños en Hollywood: abogados expertos en litigios mediáticos, alianzas estratégicas y una red de confidentes dedicados a sostener la fachada pública mientras los problemas personales permanecen ocultos. En este escenario, la búsqueda del chantajista es tanto un thriller como una excusa para plantear interrogantes en torno a la culpa, el ego y el costo personal de la exposición pública.

Desde el avance de la película, Outcome despliega un tono que combina incomodidad y humor mordaz. La sátira no es superficial. Los personajes y situaciones se basan claramente en escándalos reales que han afectado a figuras del entretenimiento en las últimas décadas, poniendo de relieve la vulnerabilidad de la reputación ante pruebas digitales, a menudo ambiguas o manipuladas.

Reflexiones para el público y la cultura de la fama

El estreno de Outcome invita a un debate importante para quienes siguen el espectáculo: ¿qué ocurre cuando la persona detrás del personaje ya no controla la narrativa sobre sí misma? Al focalizarse en el chantaje mediático y en sus posibles repercusiones para la carrera del protagonista, la película reflexiona sobre la relación entre privacidad, errores cometidos en el pasado y el implacable escrutinio de los medios y las redes sociales.

A diferencia de otros dramas centrados en la caída pública, Outcome equilibra ironía y empatía al mostrar a Reef Hawk como alguien que trata de reparar el daño causado, no solo de evitarlo. Esta visión puede conectar especialmente con espectadores que han sido testigos, desde la distancia, del ascenso y las crisis de sus ídolos personales. Además, el retorno de Cameron Diaz destaca la presión particular que enfrentan las mujeres en el entorno del entretenimiento, donde suelen verse obligadas a reinventarse tras períodos largos de ausencia.

El reparto múltiple y los diversos cameos muestran cómo en la industria las crisis personales rara vez se manejan de forma privada, estando continuamente determinadas por intereses ajenos, relaciones estratégicas y la observación constante del público. De este modo, Outcome se mueve entre la comedia negra, la sátira y el drama con matices de comprensión.

El significado de Outcome en el panorama de 2026

El regreso de Keanu Reeves y Cameron Diaz representa, además de una dosis de nostalgia, una pregunta abierta tanto para los aficionados al cine como para la cultura popular en general: ¿de qué modo puede una celebridad afrontar sus errores y la sobreexposición mediática? La película evita respuestas simplistas, prefiriendo usar el marco de la comedia negra para explorar las ambigüedades de la redención, el arrepentimiento y la búsqueda de reconstruirse bajo el permanente escrutinio público.

El estreno en Apple TV implica no solo la adición de un título de alto perfil al catálogo de la plataforma, sino también una oportunidad para analizar, a través de la sátira, la relación de poder entre la fama, la información o desinformación digital y la opinión de la sociedad. En un contexto en el que cualquier video puede viralizarse y perjudicar la reputación de una persona en cuestión de horas, los problemas que enfrenta Reef Hawk, aunque ficticios, reflejan experiencias reales de muchas figuras del espectáculo y la forma en la que el público consume y difunde noticias sobre sus referentes.

La actriz Elle Fanning encabeza el reparto de “Margo’s Got Money Troubles”, una nueva serie dramática con toques de comedia que llegará al streaming en 2026 y que ya genera expectativa entre los fanáticos de las historias contemporáneas sobre fama digital, maternidad y precariedad económica.

La producción está basada en la novela homónima de la escritora Rufi Thorpe y sigue a una joven que enfrenta problemas financieros tras abandonar la universidad y convertirse en madre. Ante la falta de recursos, encuentra una manera inesperada de salir adelante en internet.

¿De qué trata Margo’s Got Money Troubles?

En Margo’s Got Money Troubles, Elle Fanning interpreta a Margo Millet, una joven aspirante a escritora que queda embarazada tras una relación con su profesor de inglés, lo que la obliga a abandonar la universidad. Sin ingresos estables y con un bebé recién nacido, su situación económica se complica rápidamente.

Para sobrevivir, Margo decide abrir una cuenta en una plataforma de contenido para adultos y aprovechar su talento para contar historias y conectar con la audiencia. Con el tiempo, su presencia en internet comienza a crecer, lo que transforma su vida, pero también la enfrenta a dilemas personales y familiares.

La historia combina drama, humor y reflexiones sobre la economía digital, la maternidad temprana y las presiones sociales que enfrentan los jóvenes adultos en la actualidad.

¿Quiénes actúan en la serie?

Además de Elle Fanning, el elenco incluye a varias figuras reconocidas de la industria:

• Michelle Pfeiffer
• Nick Offerman
• Nicole Kidman
• Greg Kinnear
• Marcia Gay Harden
• Thaddea Graham
• Michael Angarano

La serie fue desarrollada por David E. Kelley, creador de exitosas producciones televisivas, y contará con ocho episodios en su primera temporada.

Plataforma y fecha de estreno en México

La serie se estrenará el próximo 15 de abril de 2026 en la plataforma de streaming Apple TV+.

De acuerdo con la información disponible, el lanzamiento incluirá los tres primeros episodios el día del estreno, mientras que los capítulos restantes se publicarán de forma semanal hasta el 20 de mayo de 2026.

Para verla en México será necesario contar con una suscripción activa a la plataforma, disponible en dispositivos móviles, televisores inteligentes y navegadores web.

El próximo 15 de abril llegará a la plataforma Apple TV la serie Margo tiene problemas de dinero, una comedia dramática que narra la historia de Margo Millet, una joven que se convierte en madre soltera y enfrenta las dificultades de la vida adulta mucho antes de lo esperado. La serie, protagonizada por Elle Fanning e inspirada en la novela homónima de Rufi Thorpe, explora con humor y sensibilidad los desafíos de la maternidad precoz y las estrategias poco convencionales para llegar a fin de mes. El elenco está conformado por Michelle Pfeiffer, Nick Offerman y Nicole Kidman, entre otros.

Contexto y detalles de la producción

La serie es creación de David E. Kelley, un productor con una extensa trayectoria en dramas televisivos como Ally McBeal y Presunto inocente. En esta ocasión, Kelley adapta la novela de Rufi Thorpe para Apple TV, buscando mezclar el drama social con elementos de comedia para profundizar en la resiliencia ante giros inesperados de la vida. Los productores han querido resaltar tanto el carácter audaz como el trasfondo emotivo del relato, confiando en Elle Fanning para interpretar a una protagonista con la que muchos jóvenes adultos pueden sentirse identificados.

El elenco de apoyo incluye a reconocidas figuras como Michelle Pfeiffer en el papel de la madre de Margo y Nick Offerman como su padre. Marcia Gay Harden y Greg Kinnear, junto a actrices y actores jóvenes como Thaddea Graham y Sasha Diamond, completan un grupo que promete aportar tanto dramatismo como humor.

Margo Millet, la protagonista, es hija de una ex camarera de la cadena Hooter’s y de un ex luchador profesional. Tras abandonar la universidad por un embarazo inesperado, debe cuidar sola a su bebé mientras enfrenta una economía doméstica cada vez más precaria. El relato se inspira en historias reales de jóvenes madres que compaginan aspiraciones profesionales con responsabilidades familiares, viéndose en ocasiones obligadas a recurrir a soluciones poco tradicionales para salir adelante.

Desafíos sociales y laborales de una generación

La historia de Margo, interpretada por Elle Fanning, refleja las dificultades que enfrentan muchos jóvenes para acceder al mercado laboral cuando se ven obligados a dejar la educación formal por obligaciones familiares o falta de recursos. La dificultad de Margo para conseguir un empleo estable es una constante en la trama y representa la inseguridad generalizada de una generación que debe conformarse con trabajos mal remunerados o enfrentar la inestabilidad socioeconómica.

Uno de los elementos centrales de la serie es la decisión de Margo de grabar videos eróticos como fuente de ingreso, lo que añade tensión, conflicto familiar y plantea preguntas complejas sobre los límites del tabú y la supervivencia económica. Este aspecto, tratado tanto con seriedad como con dosis de humor, ilumina la realidad de quienes, ante la falta de opciones en el mercado laboral formal, recurren a alternativas para subsistir. El tráiler muestra, junto a la precariedad y el cansancio de la protagonista, cómo este tipo de trabajos repercute en sus relaciones personales y en la percepción social que se tiene de ella.

El dramatismo de la trama se equilibra con momentos de comedia, resaltando el absurdo de ciertas situaciones y la vulnerabilidad tanto de Margo como de su entorno. Michelle Pfeiffer y Nick Offerman encarnan a padres poco convencionales, cuyas trayectorias laborales han estado marcadas por la inestabilidad, lo que añade profundidad a la exploración generacional que se desarrolla a través de la protagonista.

Impacto, recepción y debate alrededor de Margo tiene problemas de dinero

El estreno de Margo tiene problemas de dinero representa una apuesta de Apple TV por relatos contemporáneos que abordan inquietudes actuales como la independencia económica, los desafíos de la maternidad precoz y la necesidad de reinventarse en un contexto social cambiante. La serie busca abrir el debate sobre la estigmatización de ciertas formas de ganarse la vida y sobre el costo emocional que a menudo implica la supervivencia cotidiana.

Los creadores han señalado que, aunque el drama social es un motor importante, el componente humorístico es esencial para permitir que el público conecte de manera empática con los personajes. La producción ha generado interés por la colaboración de figuras como Michelle Pfeiffer y Elle Fanning en una misma serie, así como por el guion firmado por uno de los creativos más influyentes de la televisión estadounidense.

El enfoque de la serie sobre los trabajos alternativos y la dificultad para alcanzar la estabilidad resuena especialmente entre espectadores jóvenes y familias en situaciones de vulnerabilidad. La representación de una madre soltera lidiando con facturas, trabajos temporales y presión social puede generar identificación y conversación sobre las verdaderas opciones con las que cuentan muchas mujeres en la actualidad. Según adelanta la campaña promocional, cada episodio equilibrará el humor y el drama, y buscará retratar la resiliencia cotidiana con honestidad y realismo.

Apple encara 2026 con una estrategia de lanzamientos que marca un ritmo inusual en su calendario. Más de una docena de productos aún esperan su presentación oficial en los próximos meses, y la hoja de ruta —aunque sujeta a posibles cambios de última hora— ya perfila el que podría ser uno de los años con más novedades en la historia reciente de la compañía.

En lo que va del año, la empresa ya ha mostrado siete productos en diferentes categorías, desde el iPhone 17e hasta nuevos monitores para creación de contenido. A continuación, un repaso exhaustivo de los lanzamientos recientes y los dispositivos que aún esperan su turno en el calendario de la empresa.

Lo que Apple ya presentó en 2026

Apple abrió el año con el lanzamiento de la nueva generación de iPhone, encabezada por el iPhone 17e. Este modelo, presentado oficialmente, incorpora la tecnología MagSafe para carga inalámbrica y accesorios, algo ausente en el iPhone 16e. Además, el iPhone 17e viene con el chip A19, el más avanzado de la línea base, y el módem C1X, que duplica la velocidad de transferencia respecto a la versión anterior.

Se anunció en tres colores: negro, blanco y un nuevo tono rosa suave. Destaca por duplicar la capacidad de almacenamiento base respecto al modelo anterior, ofreciendo 256 GB desde el precio inicial de $599 (USD) y una opción de 512 GB por $799 (USD).

En el segmento de tablets, la compañía presentó el iPad Air con chip M4, que representa un avance significativo en rendimiento y capacidades de inteligencia artificial. El dispositivo, disponible en 11 y 13 pulgadas, mantiene el precio inicial de $599 (USD) y $799 (USD) respectivamente, e incorpora conectividad avanzada con los nuevos chips N1 y C1X, compatibilidad con Wi-Fi 7 y una memoria unificada de 12 GB.

El M4 lo hace hasta un 30% más rápido que el modelo anterior con M3 y 2,3 veces más rápido que la versión con chip M1, mientras que la experiencia se ve potenciada por iPadOS 26 y accesorios como el nuevo Magic Keyboard y el Apple Pencil Pro.

La línea de monitores también se renovó con la llegada del Studio Display y el Studio Display XDR. El primero sobresale por su pantalla Retina 5K de 27 pulgadas, cámara Center Stage de 12 MP, sistema de sonido envolvente y conectividad Thunderbolt 5.

Por su parte, el Studio Display XDR eleva la experiencia profesional con retroiluminación mini-LED, hasta 2.000 nits de brillo HDR, frecuencia de actualización de 120 Hz y una gama de colores ampliada, pensado para flujos de trabajo exigentes como la edición de video HDR o la animación 3D.

Próximos lanzamientos de Apple para Mac en 2026

Apple aún tiene varios productos en desarrollo para el segmento Mac. Entre los más próximos se encuentran el M5 Max y M5 Ultra Mac Studio, cuyo lanzamiento está previsto para el primer semestre de 2026, según reportes de Bloomberg. Estos equipos serán el siguiente paso en la potencia de escritorio, integrando procesadores de última generación.

Más adelante en el año, se espera la actualización del Mac mini y el iMac, que podrían incorporar los chips M6, alineándose con la estrategia de mantener actualizada la línea de sobremesa. Para el otoño, la empresa planea presentar un MacBook Pro rediseñado con procesadores M6 Pro y M6 Max.

iPad y dispositivos para el hogar en 2026

En el universo iPad, aunque el nuevo iPad Air ya está en el mercado, la compañía aún no presentó la esperada actualización del iPad económico, que según filtraciones incorporaría el chip A18. Aunque su anuncio estaba previsto para principios de año, aún no se concretó y se espera para la primera mitad de 2026.

Además, no habrá renovación del iPad Pro este año, pero sí se anticipa un nuevo iPad mini con pantalla OLED y chip A19 Pro para el otoño.

La división de productos para el hogar también recibirá atención. Apple trabaja en una versión actualizada del Apple TV 4K con procesador A17 Pro, compatible con Apple Intelligence y equipado con el chip de red N1 propio de la firma.

El HomePod mini tendrá su primer refresh en más de cinco años, con nuevo chipset y opciones de color, incluido el rojo. Pero la gran novedad será el HomePad, un display inteligente con chip A18 y pantalla de 7 pulgadas.

Cuándo llegarán el nuevo iPhone, Apple Watch y AirPods

En septiembre, Apple prepara el lanzamiento de sus dispositivos insignia. Se espera la presentación de los iPhone 18 Pro y iPhone 18 Pro Max, con nuevas opciones de color, mejoras en la cámara y baterías de mayor capacidad. El gran salto será la introducción del primer iPhone plegable de la compañía, una novedad largamente rumoreada.

La estrategia de lanzamientos escalonados se mantendrá, por lo que el iPhone 18 base y el iPhone Air 2 no verán la luz hasta la primavera de 2027.

En ese mismo evento, llegarán los Apple Watch Series 12 y Ultra 4, con sensores de salud adicionales, posible soporte para Touch ID y mejoras en la autonomía. Además, podrían debutar los AirPods Pro 3 con cámaras integradas, diseñados para aprovechar las capacidades de inteligencia visual y permitir consultas a Siri sobre el entorno del usuario.

La reciente celebración del 40º aniversario de los Premios Goya ha colocado al cine español en el centro de la conversación digital, impulsando el interés por ver las películas más reconocidas de la temporada.

A diferencia de años anteriores, donde el acceso a los títulos dependía del circuito de salas y festivales, hoy la experiencia de maratón Goya es, ante todo, tecnológica: plataformas como Movistar Plus+, Netflix, Amazon Prime Video y Apple TV lideran la distribución, pero también abren interrogantes sobre seguridad, privacidad y calidad de transmisión en la era del streaming.

Por qué no usar plataformas ilegales para ver películas

El auge de las plataformas digitales ha hecho que disfrutar del mejor cine español sea cuestión de unos pocos clics. Sin embargo, la proliferación de servicios no autorizados y aplicaciones pirata, como Magis TV o XUPER TV, ha puesto en alerta a usuarios y especialistas en ciberseguridad.

El riesgo de robo de datos, malware y fraudes financieros convierte la elección de la plataforma en un aspecto crucial de la experiencia de usuario.

En qué plataformas de streaming legales, puedo ver las nominadas en los Goya

Movistar Plus+ se posiciona este año como el principal referente para quienes buscan ver la mayoría de las películas nominadas y premiadas en los Goya. Entre las producciones destacadas se encuentran “Sorda”, “Tardes de soledad”, “Sirat”, “Los tigres”, “Maspalomas” y “La cena”, todas accesibles en alta calidad y con protección de datos garantizada.

Además, la película más nominada de esta edición, “Los domingos”, tendrá un estreno exclusivo en la plataforma justo después de la gala.

Netflix refuerza su catálogo español con títulos como “El cautivo”, dirigida por Alejandro Amenábar, una de las producciones más esperadas del año, que suma nominaciones clave y destaca por su apuesta visual y narrativa.

Apple TV y Amazon Prime Video, por su parte, ofrecen la posibilidad de alquilar o comprar títulos seleccionados, permitiendo el acceso legal incluso para quienes no tienen suscripción permanente.

La tentación de recurrir a aplicaciones ilegales es alta, sobre todo cuando la oferta parece más barata o inmediata. Sin embargo, expertos en tecnología y ciberseguridad insisten en que el uso de sitios no autorizados pone en riesgo no solo la experiencia de visionado, también la integridad de los dispositivos y la información personal.

Plataformas como Magis TV y XUPER TV han sido bloqueadas en varios países tras múltiples denuncias de malware, robo de datos bancarios y fraudes electrónicos. Acceder a películas de estreno por vías no oficiales puede exponer cuentas bancarias, contactos, fotos y hasta la identidad digital del usuario.

Innovación en streaming

El ecosistema de streaming en 2026 no solo se define por la variedad de títulos, también por la integración de algoritmos de recomendación, calidad de imagen adaptativa y seguridad en las transacciones. Las plataformas emplean inteligencia artificial para sugerir contenidos según el historial de cada usuario, lo que permite planificar maratones temáticas o descubrir nuevos géneros y directores.

Además, la mayoría de los servicios oficiales ofrece funciones como control parental, perfiles personalizados y soporte técnico 24/7, todo bajo un marco de cumplimiento de normativas internacionales de privacidad.

Consejos tecnológicos para una maratón segura

Para disfrutar de la maratón de los Goya sin sobresaltos, se recomienda:

• Descargar solo las aplicaciones oficiales desde las tiendas de Google o Apple.
• Mantener actualizado el sistema operativo del dispositivo y las apps de streaming.
• Usar contraseñas seguras y activar la autenticación en dos pasos.
• Evitar enlaces de dudosa procedencia en redes sociales o grupos de mensajería.
• Revisar los términos de privacidad y las opciones de control de datos en cada plataforma.

Elegir plataformas oficiales como Netflix, Amazon Prime Video y Apple TV no solo garantiza una experiencia de calidad, sino que protege la privacidad del usuario y apoya al sector creativo. En la nueva era del streaming, maratonear películas es tan seguro como la plataforma que se elija para hacerlo.

Llega el mes de marzo con un buen puñado de novedades tras un febrero flojo en el que han sido protagonistas series que venían marcadas como un fenómeno internacional, como Más que rivales (Movistar Plus+) u obras de autor como Portobello, de Marco Bellocchio (HBO Max).

Durante estas semanas, a nivel internacional aterrizarán grandes estrellas de Hollywood en diferentes ficciones, como Rachel Weisz, Steve Carell, Nicole Kidman, Jamie Lee Curtis o Elizaberth Moss.

En el terreno de nuestro país, aterrizan propuestas de diversos géneros: desde el terror tecnológico a la particular adaptación española de Solo asesinatos en el edificio.

‘DTF St. Louis’ (HBO Max)

He aquí una nueva serie de HBO a la que merece prestar atención por sus particularidades, ya que aborda el suspense criminal desde una perspectiva inusual.

El argumento parte de un triángulo amoroso en la mediana edad que desemboca en un asesinato pero, a diferencia de títulos como True Detective o Big Little Lies, la serie revela pronto el enigma central y se dedica a reconstruir los hechos entre los protagonistas.

Uno de los aspectos más destacados es la atmósfera extraña y los personajes singulares, con influencias del tono y la construcción de película de culto como Fargo.

La trama gira en torno a una aplicación ficticia para encuentros adúlteros, pero la serie se centra en la soledad y las aspiraciones de los personajes, sin polarizarlos en buenos o malos.

Los actores principales, Jason Bateman (Ozark), David Harbour (Stranger Things) y Linda Cardinelli (Freaks and Geeks), ofrecen momentos de comedia y profundidad dramática, a los que se suman secundarios de lujo Peter Sarsgaard o Richard Jenkins.

‘The Hack’ (Filmin)

Basada en hechos reales, aborda las escuchas telefónicas ilegales que afectaron al periodismo británico y a la sociedad en general por parte de los tabloides sensacionalistas.

El actor David Tennant interpreta al periodista Nick Davies, quien lideró la investigación original, y la producción explora tanto el orgullo por la labor periodística que permitió destapar los hechos como la vergüenza por las prácticas ilegales realizadas por algunos profesionales del sector.

La narrativa se apoya en el testimonio de un informante clave, Mr. Apollo, interpretado por Adrian Lester, quien revela que el alcance de las escuchas fue mucho mayor de lo admitido oficialmente, llegando a implicar hasta 3.000 teléfonos.

La serie explica cómo la vulnerabilidad de los mensajes de voz de los teléfonos facilitó el espionaje de personalidades que abarcaban la película, como a las celebrities. Siete episodios a modo de investigación criminal adictiva.

‘El joven Sherlock’ (Prime Video)

Un joven Sherlock Holmes debe resolver su primer caso de asesinato en el Oxford de los años 1870 para evitar la cárcel, lo que lo lleva a descubrir una conspiración internacional y enfrentar un destino que alterará su vida por completo.

La trama seguirá al futuro detective, aún inmaduro y rebelde, embarcado en aventuras fuera del Reino Unido y antes de convertirse en el célebre inquilino de Baker Street.

El relato mostrará la relación temprana de Sherlock Holmes con James Moriarty, ‘archienemigo’ que, al cruzarse en su camino, desencadenará una investigación peligrosa para ambos.

Una serie dirigida por Guy Ritchie que explora los orígenes del personaje creado por Arthur Conan Doyle, protagonizada por Hero Fiennes Tiffin, Dónal Finn, Zine Tseng, Joseph Fiennes, Natascha McElhone, Max Irons y Colin Firth.

‘Vladimir’ (Netflix)

Una mujer de mediana edad enfrenta el colapso de su vida personal y profesional al desarrollar una intensa obsesión por Vladimir, su carismático colega universitario.

Su decisión de perseguir estas peligrosas fantasías pone en riesgo todo su entorno mientras secretos y deseos reprimidos salen a la luz.

La historia, basada en la novela homónima de Julia May Jonas, combina elementos de humor, drama y erotismo para retratar el conflicto interno de la protagonista, escritora y profesora universitaria atrapada en la rutina de su matrimonio y carrera.

El personaje central, interpretado por Rachel Weisz, ve cómo su vida da un giro inesperado al cruzarse con Leo Woodall, quien, además de ser su objeto de deseo, también está casado.

El relato explora los límites difusos entre la realidad y la fantasía, mostrando a la protagonista decidida a transgredir normas en su búsqueda de liberación, sin medir las consecuencias para quienes la rodean. Weisz encarna el dilema de una mujer cuya necesidad de cambio la conduce al borde del abismo.

‘Rooster’ (HBO Max)

Un exitoso escritor llamado Greg Russo enfrenta nuevos desafíos al incorporarse a la universidad de élite donde trabaja su hija Katie, quien atraviesa una crisis personal tras descubrir una infidelidad por parte de su marido.

El vínculo entre ambos se pone a prueba cuando Katie, desempeñándose como profesora, ve amenazada su carrera al haber incendiado su casa tras el impacto emocional, un hecho que la coloca al borde de ser despedida.

Mientras se adapta a un ambiente ajeno y complejo, Greg Russo busca cómo brindar apoyo sin invadir la independencia de su hija.

Una comedia firmada por el productor de Terapia sin filtro, Scrubs o Ted Lasso y protagonizada por Steve Carell como protagonista y Charly Clive en el papel de la hija.

‘Scarpetta’ (Prime Video)

Nicole Kidman asume el papel de la doctora Kay Scarpetta, forense reconocida por su habilidad para investigar crímenes y su objetivo de enfrentar a un asesino serial, en la nueva adaptación de la saga literaria de Patricia Cornwell, que ha superado los 120 millones de ejemplares vendidos a nivel mundial.

La producción cuenta también con la participación de Jamie Lee Curtis, quien interpreta a la hermana de la protagonista. El elenco se completa con Bobby Cannavale como detective, Simon Baker en el rol de agente del FBI, y Ariana DeBose en el papel de la sobrina de Scarpetta.

La trama explora el caso que definió la carrera de la forense Kay Scarpetta hace 28 años, buscando demostrar que ese episodio no arruinó su vida profesional y dándole voz a las víctimas.

‘Day One’ (Prime Video)

Un antiguo prodigio de la informática, Ulises Albet, regresa a Barcelona después de una década de ausencia, movilizado por una urgente llamada durante el Mobile World Congress.

El personaje, interpretado por Álex González, recibe la advertencia de su antiguo socio y mejor amigo, Samuel Barrera (Asier Etxeandia): “El mundo está en peligro”.

La trama se desarrolla en un contexto donde los límites de la tecnología ponen en entredicho la condición humana. El reencuentro conduce a Ulises a vincularse con una joven (Alba Planas) mientras ambos deben enfrentarse a un enemigo común: un gurú tecnológico, inspirado en figuras como Elon Musk, al que da vida Jordi Mollà.

El regreso de Ulises a la capital catalana ocurre exactamente diez años después del fallecimiento de su hermana menor, marcando el conflicto central entre el avance tecnológico y la preservación de aquello que define a la humanidad. Una miniserie de terror alrededor de los avances de Internet en nuestra era.

‘Mujeres imperfectas’ (Apple TV)

Una miniserie de 8 episodios que adapta la novela homónima de Araminta Hall, y que se presenta como un thriller psicológico que aborda las consecuencias de un crimen que altera para siempre la vida de tres mujeres.

El relato, protagonizado por Elisabeth Moss, Kerry Washington y Kate Mara, profundiza en los efectos de la culpa, la venganza, el amor y la traición, exponiendo los compromisos que modifican destinos de manera irreversible. A través del desarrollo de la investigación, se demuestra cómo incluso los lazos más fuertes pueden ocultar secretos y falsas percepciones.

‘Por cien millones’ (Movistar Plus+)

En 1981, tres mecánicos de Zaragoza (Alfonso, Jorge y Salva) secuestraron al delantero del FC Barcelona Enrique Castro “Quini”, entonces máximo anotador de la Liga, con la exigencia de un rescate de 100 millones de pesetas por su libertad.

Este caso mantuvo en tensión a España y evidenció la desesperación de los autores, quienes enfrentaban deudas y meses sin empleo.

La historia ha sido reconstruida por Nacho G. Velilla, abordando las consecuencias personales y sociales del secuestro tanto para el ‘exfutbolista’ como para los responsables, quienes pronto comprendieron la dificultad de sobrepasar sus propios límites morales. En la producción intervienen Raúl Arévalo, Gabriel Guevara, Vito Sanz y Agustín Otón.

‘Si es martes, es asesinato’ (Disney+)

Un grupo de turistas españoles llega a Lisboa y, tras la primera noche, uno de los viajeros aparece muerto. Cuatro miembros del grupo, apasionados de las novelas de misterio, asumen la tarea de esclarecer si el asesino está entre ellos.

Este escenario portugués servirá como base para que surja la sospecha entre desconocidos y, al mismo tiempo, el impulso detectivesco de quienes disfrutan resolviendo enigmas.

Carlos Vila, conocido por Los misterios de Laura, explora aquí el género ‘cozy crime’ y el formato clásico ‘whodunit’, involucrando a un elenco formado por Álex García, Inma Cuesta, Ana Wagener, Pedro Casablanc y Biel Montoro.

La segunda temporada de Monarch: El legado de los monstruos, disponible desde el 27 de febrero en Apple TV, lleva la saga del Monsterverso a nuevas profundidades con el regreso de monstruos imponentes y una organización Monarch dividida por secretos familiares y cargas emocionales. Bajo la dirección de Chris Black y con un elenco encabezado por Kurt Russell y Wyatt Russell, la serie muestra cómo los seres humanos intentan controlar o convivir con criaturas titánicas capaces de destruir el mundo, mientras sus propias vidas se ven afectadas por traiciones y problemas personales.

Origen y evolución del Monsterverso

Godzilla, lanzada en 2014, estableció las bases del Monsterverso y, con la llegada de Monarch: El legado de los monstruos, la franquicia amplió su mitología hacia la organización secreta responsable de investigar y, en ocasiones, intentar controlar a los titanes. La primera temporada fue bien recibida tanto por la crítica como por los fanáticos, presentando dos tramas paralelas en el pasado y el presente, y destacando tanto a monstruos legendarios como a las personas que buscan hacer frente a una nueva era de colosos.

La nueva temporada introduce un salto temporal después de la expedición al Área Axis. Tras el llamado “Día G”, la humanidad sigue adaptándose a una realidad en la que los monstruos, conocidos como kaiju o titanes, existen e irrumpen en la vida cotidiana con consecuencias devastadoras. En este contexto, la organización Monarch debe afrontar la aparición de un nuevo titán, identificado como Titán X. La narrativa sigue a varios protagonistas atrapados entre la política del secreto, la investigación científica y el peso de traumas familiares que la serie aborda abiertamente.

Kurt y Wyatt Russell regresan para interpretar al coronel Lee Shaw en las dos principales épocas de la serie, ofreciendo una mirada compleja sobre la toma de decisiones en tiempos de crisis existenciales y amenazas monstruosas reales. Anna Sawai (Cate), Ren Watanabe (Kentaro Randa) y Kiersey Clemons (May) continúan la trama familiar, pero se enfrentan a una desconexión y falta de profundidad en sus personajes, algo que ha sido señalado por la crítica.

Relación entre la humanidad y los monstruos: eje temático principal

Una característica de esta temporada es cómo los conflictos personales se entrelazan con la amenaza titánica. Desde el primer episodio, la serie deja claro que evita limitarse a secuencias de destrucción y prefiere explorar la complejidad de la experiencia humana ante lo inesperado. No obstante, el mayor énfasis en los problemas personales, en particular los vínculos familiares y las heridas emocionales del pasado, ha desplazado parte del protagonismo que tenían los monstruos en la trama.

Según Kurt Russell, la esencia de Monarch reside en la continuidad emocional y la cuestión de la identidad. “Es como si Alicia cayera por la madriguera del conejo. Empiezas a abrir preguntas sobre quiénes son realmente estas personas y qué vínculos los conectan con el pasado”. El romance trágico y los conflictos no resueltos ahora impulsan muchas acciones de los personajes.

Por su parte, la productora ejecutiva Tory Tunnell comenta que el despliegue visual de los monstruos representa una metáfora de conflictos internos. “Hablamos mucho de cómo gente herida hace daño a otras personas y pueden tener resultados monstruosos, del arrepentimiento y del monstruo interior”. Así, la representación de los titanes funciona como un reflejo de luchas personales, más allá del simple enfrentamiento físico.

Comentarios sobre el desarrollo de los personajes

Aunque la primera temporada fue elogiada por equilibrar acción y desarrollo de personajes, en esta nueva entrega parte del público y la crítica ha percibido una falta de dirección en los protagonistas más jóvenes. Los personajes interpretados por Anna Sawai, Ren Watanabe y Kiersey Clemons parecen quedarse atrapados en dinámicas familiares poco novedosas, tomando decisiones arriesgadas cuyas consecuencias no resultan del todo creíbles.

Cate y Kentaro Randa, hermanastros motivados antes por la búsqueda de sus orígenes y la verdad sobre su familia, caen ahora en patrones cercanos al melodrama convencional. El peso del misterio familiar aumenta, pero a costa de la acción que muchos seguidores esperan de una serie del universo kaiju. Solo la interpretación de Anna Sawai logra dar matices a un personaje que busca sentido en medio de un guion que prioriza el dramatismo familiar.

En contraste, el triángulo amoroso entre Bill, Lee Shaw y Keiko, que abarca presente y pasado, muestra más profundidad y crecimiento. Para los Russell, la relación entre padre e hijo en la actuación refleja la adaptación y el aprendizaje mutuo de sus personajes. “Todos aprenden del otro. Hay momentos en que uno tiene razón y otros en que se equivoca. Lidian constantemente con no tener una manera claramente correcta de afrontar algo”, explica Kurt Russell.

Significado y expansión de la mitología del Monsterverso

A pesar de las críticas mencionadas, esta segunda temporada destaca por mantener vivo el universo del Monsterverso y expandir la mitología de Monarch, Apex y el origen de los titanes. La alternancia entre distintas líneas temporales continúa siendo valorada por los espectadores, permitiendo entender los orígenes de los conflictos y cómo diferentes generaciones enfrentan retos inéditos.

La temporada consta de diez episodios, estrenados uno cada viernes, lo que mantiene el interés de la audiencia y facilita un desarrollo gradual de la intriga. Además de los conflictos internos y familiares, Monarch debe hacer frente a la amenaza creciente de Titan X, que desafía los límites de la ciencia y la ética humana.

Más allá del despliegue visual de los titanes, la serie profundiza en la vulnerabilidad humana y la responsabilidad de quienes poseen conocimiento y poder. El coronel Shaw, interpretado por ambas generaciones de Russell, encarna el dilema de proteger a la humanidad mediante el control y el secreto o bien abrir nuevas posibilidades de comprensión y convivencia con lo desconocido. Persiste la pregunta principal: ¿cómo respondería nuestra sociedad si lo inusual y monstruoso de Monarch se convirtiera en realidad?