Este miércoles 1 de abril, PANINI lanzó la preventa del álbum oficial del Mundial 2026 en todas sus ediciones: sobres, estampas y la codiciada versión en pasta dura, la cual se agotó en cuestión de horas ante la gran cantidad de personas que se metieron a la plataforma

Con la ampliación de selecciones a 48, esta colección será la más grande en la historia de las Copas del Mundo y los aficionados alrededor del mundo ya pueden apartar su ejemplar y sumarse a la fiebre mundialista.

Precios preventa Mundial 2026

Después de confirmarse los últimos países que participarán en el Mundial 2026, PANINI lanzó su nuevo álbum, el cual contará con 112 páginas, donde estarán representadas las 48 selecciones clasificadas, con un total de 18 jugadores por equipo.

Como en cada edición de las colecciones mundialistas, el álbum llegará en dos versiones: pasta dura (con diseño ultra-resistente, acabado de lujo y detalles exclusivos) y la pasta blanda, el cual es mucho más económico.

De acuerdo con la información de la editorial italiana, la versión en pasta dura se agotó por completo a las pocas horas de salir en preventa, al igual que el paquete especial del álbum + caja de 100 sobres.

A continuación, te presentamos cuáles son los precios para comprar la colección del mundial 2026:

• Álbum pasta blanda: 99 pesos
• Álbum pasta dura: 349 pesos
• Álbum pasta blanda + caja con 100 sobres: 2,599 pesos
• Álbum pasta dura + caja con 100 sobres: 2,849 pesos
• Sobre con 7 estampas: 25 pesos
• Caja con 10 sobres: 250 pesos
• Caja con 100 sobres: 2,500 pesos

Además, hay dos ediciones especiales disponibles:

• Estuche coleccionable (incluye álbum pasta dura + 50 sobres): 1,400 pesos

Para quienes compren en línea, deben considerar que el envío tiene un costo adicional de 90 pesos.

Los coleccionistas deberán estar al pendiente si la editorial italiana habilitará nuevos álbumes en versión dura o solamente se podrá adquirir el blando.

Cuándo sale a la venta general en México

La editorial italiana Panini, responsable de las icónicas colecciones mundialistas, reveló los detalles logísticos para la distribución del álbum oficial del Mundial 2026.

Para quienes ya aseguraron su copia en la preventa en línea, los envíos comenzarán en la segunda quincena de mayo, misma fecha en que la colección saldrá a la venta en tiendas físicas de la República Mexicana como Sanborns o puestos de periódicos.

(Critic's Notebook)

Seguir la carrera en solitario de Harry Styles es un poco como tomar un curso intensivo sobre los arquetipos masculinos de las décadas de 2010 y 2020.

En su debut homónimo de 2017, "Harry Styles", lanzado un año después de que su exitosa banda de chicos One Direction hiciera una pausa indefinida, el cantante era una estrella juguetona con trajes elegantes que escribía rock sobre corazones rotos y aventuras de una noche. En "Fine Line", de 2019, adoptó una androginia ligera, apareció en la portada de Vogue con un vestido y se ponía atuendos brillantes mientras cambiaba la seriedad por la efervescencia psicodélica. El Styles de "Harry's House" de 2022 era el tipo que conoces al que le gustan los muebles de mediados de siglo y el tipo de pantalones grandes y caros que se venden por más de cuatro cifras en Ven. Space de Brooklyn. El álbum, en consecuencia, se basaba en arreglos de sintetizadores ligeros inspirados, según él, en el pop urbano japonés.

Al experimentar con tantas estéticas distintas en tan poco tiempo, Styles estaba, en cierto sentido, haciendo el trabajo pesado en nombre del resto de sus colegas varones. Durante las décadas de 2000 y 2010, las estrellas masculinas blancas tendían a encajar en distintos arquetipos: elegantes y bien arreglados ("metrosexuales") como Justin Timberlake; eternos adolescentes como Justin Bieber; perpetuamente normales como Ed Sheeran. No había mucha capacidad de cambio en estos modos. Cuando Timberlake se rebautizó como el hombre del bosque con su álbum "Man of the Woods" en 2018, fue recibido con burlas generalizadas, a diferencia de estrellas de décadas pasadas como David Bowie y George Michael, cuyos modos cambiaban con cada ciclo de álbumes sucesivos o, a veces, de un video a otro.

Para su cuarto álbum en solitario, lanzado este viernes, "Kiss All the Time. Disco, Occasionally", Styles ha revelado otra nueva modalidad: en la portada del álbum, aparece con pantalones de mezclilla, grandes gafas de sol y una playera corta y ajustada. Styles ha dicho que descubrió a LCD Soundsystem y la cultura de club berlinesa entre disco y disco, y que, en consecuencia, ha adoptado un uniforme informal de asiduo (heterosexual) a las discotecas, una impresión que quedó más clara en su reciente actuación en los Brit Awards, durante la cual estuvo rodeado por un enjambre de bailarines que llevaban puesto lo mismo. Styles llevaba camisa y corbata fajadas dentro de unos pantalones de raya diplomática mientras bailaba por el escenario: como un hombre trabajador que por fin se suelta.

"Kiss All the Time. Disco, Occasionally" es el primer álbum de Styles en cuatro años. Podría decirse que su éxito con "Harry's House" y sus posteriores espectáculos de la gira "Love on Tour" reabrieron las compuertas para las estrellas masculinas del pop, que han ido abriéndose paso de nuevo hasta la lista del Hot 100 de Billboard.

Benson Boone, antiguo aspirante a "American Idol", ha convertido la popularidad de TikTok --y su propensión a dar marometas vestido con licra al estilo de Styles-- en una serie de éxitos en las listas, mientras que "Ordinary", el sencillo de 2025 del exbromista de YouTube Alex Warren, fue uno de los mayores éxitos del año pasado, pues se mantuvo en el puesto número 1 durante 10 semanas. Bieber, ahora padre, salió de su prisión adolescente con "Swag", un álbum de R&B minimalista e inspirado en la influencia de las estrellas indie Dijon y Mk.gee.

Y, por supuesto, está Shane Boose, el neoyorquino de 20 años más conocido como Sombr.

Sombr irrumpió en 2025 con una serie de sencillos que se filtraron rápidamente desde TikTok hasta la lista Hot 100 de Billboard, incluida su exitosa canción, densa y angustiosa, "Back to Friends". Su sonido es distinto del de Styles --se basa en un pastiche de grupos independientes de la década de 2010 con matices de música disco, producido y mezclado con la chispa y la intensidad de la música pop--, pero es innegable que hay algo de Styles en su personaje, que es a la vez tierno y sexual, sin arriesgarse demasiado, y atrae a un público femenino joven.

Con 1,90 de estatura, Sombr también parece ser lo que pasaría si se tomara a Styles y lo estiraran. Su uniforme sobre el escenario consiste en gran parte en trajes de piernas anchas al estilo de la década de 1970, a veces adornados con bordados o algo más glamurosos con lentejuelas, joyas y camisas extremadamente escotadas (o con el torso descubierto).

Aunque no se inspire directamente en Styles, Sombr es el tipo de estrella que solo podría haber llegado al gran público en un mundo posterior a Styles: alguien que juega con códigos ostensiblemente "vintage", como guitarras y trajes, cuya música es declaradamente masculina (y heterosexual), pero que juega con la expresión de género de formas que parecen a la vez modernas y de la vieja escuela. Difícilmente es un competidor directo de Styles; aunque actúa en espectáculos del tamaño de un estadio y ahora parece omnipresente en las listas de éxitos, Sombr está lejos de ser un nombre conocido, y sus actuaciones en directo sugieren poco de la pulcritud inherente al personaje de Styles.

Sin embargo, su éxito insinúa que el futuro del estrellato pop masculino puede basarse en el estilo de Styles, si se ofrece al público un poco de lo nuevo y mucho de lo clásico al mismo tiempo.

Harry Styles en el escenario durante la primera noche de una residencia de 15 conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, 20 de agosto de 2022. (The New York Times)

La cantante andaluza se prepara para presentarse en el Movistar Arena de Madrid en febrero de 2026, mientras difunde su nuevo EP, Verano Saudade, y profundiza en la búsqueda de nuevos lenguajes sonoros.

En diálogo con Rolling Stone, la artista comparte cómo vive este periodo, definido tanto por el crecimiento artístico como por las preguntas sobre el significado de la juventud.

Bodhiria y el salto internacional

El lanzamiento de Bodhiria en 2024 significó un giro decisivo en la carrera de Judeline. Este trabajo, de perfil experimental, le permitió obtener tres nominaciones a los Premios Grammy Latinos, incluida la categoría de Mejor Álbum de Música Alternativa, además de consolidar una base de seguidores en países como México, Argentina, Estados Unidos y España.

“Estoy viviendo cosas que nunca había experimentado, así que este periodo ha significado mucha reflexión sobre lo que significa ser joven”, afirmó la artista en diálogo con Rolling Stone.

La repercusión de Bodhiria, tanto en la crítica como en el público, generó nuevas oportunidades y una mayor exposición internacional.

En paralelo, la cantante andaluza presentó su EP Verano Saudade, editado en diciembre. Este material representa un giro creativo respecto a su álbum debut, apostando por un proceso más intuitivo. “Con este EP fuimos rápidos y directos y, si algo nos gustaba, lo hacíamos”, explicó Judeline en la entrevista.

Las cinco canciones del EP exploran la percepción de la juventud y el presente, temas recurrentes en su obra, que la artista identifica como esenciales tras recibir consejos sobre cómo transitar esta etapa vital.

El enfoque espontáneo de Verano Saudade permitió a Judeline experimentar con sonidos y estructuras alejadas de lo convencional, lo que refuerza su identidad como compositora inquieta y en permanente búsqueda.

Una colaboración inesperada con Nine Inch Nails

Uno de los hitos recientes en la carrera de Judeline fue su colaboración con Nine Inch Nails para la banda sonora de Tron: Ares. Este proyecto, de gran repercusión internacional, la llevó a interpretar el tema “Who Wants to Live Forever?”.

Si bien reconoce que no seguía de cerca a la banda, era consciente de su peso en el cine y la música electrónica y rock: “Conocía el respeto que el nombre de Nine Inch Nails genera, pero nunca había escuchado su trabajo en profundidad”, relató a Rolling Stone.

La experiencia le permitió trabajar junto a músicos de renombre: “Cuando escuchas la canción, es evidente el nivel de profesionalismo, y suena realmente hermoso”.

Además de su participación en este proyecto, Judeline mantiene una agenda repleta de presentaciones en escenarios de gran envergadura. La artista encara estos desafíos con entusiasmo y una actitud abierta a nuevos aprendizajes, demostrando su versatilidad y capacidad de adaptación.

Juventud, raíces y nuevos horizontes creativos

Más allá de los éxitos recientes, Judeline dedica tiempo a reflexionar sobre la juventud y los aprendizajes que surgen en el camino. “Me gusta la sensación de estar en casa en mi cama, eso no lo cambio”, confesó con sinceridad.

Frente a la presión social por exprimir cada instante, asegura sentirse satisfecha con su recorrido y los logros alcanzados.

Esta visión le permite abordar su carrera con equilibrio, lejos de la urgencia y el vértigo que suelen caracterizar los inicios en la industria musical.

El interés por las músicas del mundo es otro de los motores creativos de Judeline. “Estoy experimentando con melodías y sonidos de diferentes culturas, con mucho respeto y admiración”, compartió en Rolling Stone. Su objetivo es estudiar tradiciones globales que amplíen su horizonte artístico y doten de mayor profundidad a su propuesta.

Así, la artista andaluza transita un momento de plenitud, recorriendo escenarios, compartiendo vivencias con personas que la inspiran y depositando su energía en proyectos que desafían los límites de su propio arte.

Con una voz fresca y una actitud inquieta, Judeline se consolida como una de las figuras más prometedoras de la música actual, capaz de fusionar tradición y vanguardia, mientras redefine lo que significa ser joven en el panorama cultural contemporáneo.

En una entrevista con The Telegraph, el guitarrista y vocalista reconstruyó cuatro décadas atravesadas por la ambición, el resentimiento y la reinvención constante.

Un comienzo más rápido y contundente que Metallica

“Entiendo lo que pasó y por qué, pero en ese momento, lo único que sabía era que estaba enojado y quería ser más pesado y rápido que ellos. Y eso fue lo que me propuse hacer“, reconoció Mustaine al recordar su expulsión de Metallica en 1983.

Ese impulso de superación definió el sonido característico de Megadeth, con una identidad marcada por la velocidad y los riffs agresivos.

Un tema recurrente en el nuevo álbum, explicó el músico, es la influencia directa de aquellas primeras emociones. El guitarrista estadounidense comentó que I Don’t Care aborda la obsesión hacia una persona concreta, reflejando el peso de las viejas rivalidades en su obra.

Megadeth: cuatro décadas de reinvención

Desde la fundación de Megadeth tras su salida de Metallica, Mustaine lideró 17 álbumes acompañado por una gran variedad de músicos. “Esta formación se siente como si fuera el principio”, afirmó sobre el grupo actual, integrado por James LoMenzo, Dirk Verbeuren y Teemu Mäntysaari.

Según The Telegraph, la banda acumula más de 50 millones de discos vendidos a nivel mundial y ha atravesado múltiples etapas sin perder la impronta de su líder.

En cuanto al desarrollo temático, el guitarrista reconoció que Megadeth evolucionó de las fantasías habituales del heavy metal hacia cuestiones políticas y personales.

“Nunca pensé que alguien que escribiera canciones sobre dragones y magia sería tomado en serio”, sostuvo. Además comentó en un tono irónico que “supongo que cualquiera podría conseguir trabajo en la política”.

El fin de una era: el último álbum

El nuevo álbum homónimo, lanzado el 23 de enero, marca la despedida de Megadeth de los estudios de grabación. El artista de 64 años explicó los motivos de la decisión: “Me sentía un poco agotado, y estaba empezando a ser demasiado. Finalmente le dije a mi manager: ‘No sé cuánto tiempo más podré aguantar esto’, y ahí empezó la conversación”.

El disco, que demandó más de un año de trabajo, contiene letras con fuerte carga social y política. Las canciones abordan la rutina laboral (“Puppet Parade”, “Another Bad Day”), la brutalidad de la guerra (“Made to Kill”, “I Am War”), la manipulación política (“Obey the Call”, “Tipping Point”) y la inminente jubilación (“The Last Note”).

Sobre el proceso creativo, destacó: “Cuidé la voz y me detenía cuando me cansaba para recuperarme. Antes podría haber seguido, pero ahora prefiero imponerme límites y hacer las cosas bien”.

Luchas personales, fe y redención

El recorrido de Mustaine, tanto artístico como vital, está atravesado por desafíos extremos. El músico admitió que atravesó períodos de indigencia, completamente destruido y adicto.

Detalló que sus problemas con el alcohol, crack y la heroína lo llevaron a pasar por 17 programas de rehabilitación. “Antes era alguien completamente perdido, un drogadicto sin rumbo. Ahora soy abuelo y ya no tengo que mendigar comida", expresó.

Tras superar esa etapa, suma más de 20 años sobrio y se define como cristiano renacido. Explicó que su relación con Dios y Cristo le dio la disciplina que hoy aprecia. “La fe es como lo que se ve en un piloto. Mi creencia es algo diferente”, señala, aunque prefiere no profundizar en su espiritualidad.

Dificultades de la vida en el metal y el paso del tiempo

A los 64 años, Mustaine reconoció el desgaste físico y emocional del género. Afirmó que es un reto cantar con la misma calidad y convicción que en su juventud.

En cuanto a la guitarra, advirtió sobre el dolor que puede provocar si no se practica correctamente. Muchos guitarristas, según él, se deforman los dedos por la manera en que sostienen la púa y la fuerza que aplican.

Además, rememoró que su vida nómada, marcada por mudanzas constantes junto a su madre, forjó su autosuficiencia. Y describió cómo hacían las maletas de noche y se mudaban, llegando a asistir a tantas escuelas que sería difícil contarlas.

Esa experiencia, sumada a la ausencia paterna y los sacrificios familiares de las giras, acentúa el contraste con el presente: “Ahora soy abuelo y priorizo mi bienestar y el tiempo con los míos”.

El legado y el futuro: giras y testimonios

Aunque cierra la etapa de grabaciones, Mustaine reiteró que Megadeth continuará activo en los escenarios. “La banda seguirá de gira hasta que sienta que me he despedido de todos los fans en el mundo”, aseguró. Asimismo, reivindicó el papel del grupo: “No sé si cambiamos el mundo, pero cambiamos el mundo de la guitarra”.

Con cada riff reconocible y cada presentación internacional, el legado de Megadeth se proyecta hacia nuevas generaciones y refuerza su lugar en la historia del heavy metal, permaneciendo Dave Mustaine atraviesa el cierre de una etapa decisiva en la historia de Megadeth. A pocos días de la publicación del que será el último álbum de estudio de la banda, el músico repasó su trayectoria, volvió sobre la ruptura fundacional con Metallica y reflexionó sobre el paso del tiempo, las heridas del pasado y la transformación personal que marcó su vida dentro y fuera del escenario.

En una entrevista con The Telegraph, el guitarrista y vocalista reconstruyó cuatro décadas atravesadas por la ambición, el resentimiento y la reinvención constante.

Un comienzo más rápido y contundente que Metallica

“Entiendo lo que pasó y por qué, pero en ese momento, lo único que sabía era que estaba enojado y quería ser más pesado y rápido que ellos. Y eso fue lo que me propuse hacer“, reconoció Mustaine al recordar su expulsión de Metallica en 1983.

Ese impulso de superación definió el sonido característico de Megadeth, con una identidad marcada por la velocidad y los riffs agresivos.

Un tema recurrente en el nuevo álbum, explicó el músico, es la influencia directa de aquellas primeras emociones. El guitarrista estadounidense comentó que “I Don’t Care” aborda la obsesión hacia una persona concreta, reflejando el peso de las viejas rivalidades en su obra.

Megadeth: cuatro décadas de reinvención

Desde la fundación de Megadeth tras su salida de Metallica, Mustaine lideró 17 álbumes acompañado por una gran variedad de músicos. “Esta formación se siente como si fuera el principio”, afirmó sobre el grupo actual, integrado por James LoMenzo, Dirk Verbeuren y Teemu Mäntysaari.

Según The Telegraph, la banda acumula más de 50 millones de discos vendidos a nivel mundial y ha atravesado múltiples etapas sin perder la impronta de su líder.

En cuanto al desarrollo temático, el guitarrista reconoció que Megadeth evolucionó de las fantasías habituales del heavy metal hacia cuestiones políticas y personales.

“Nunca pensé que alguien que escribiera canciones sobre dragones y magia sería tomado en serio”, sostuvo. Además comentó en un tono irónico que “supongo que cualquiera podría conseguir trabajo en la política”.

El fin de una era: el último álbum

El nuevo álbum homónimo, lanzado el 23 de enero, marca la despedida de Megadeth de los estudios de grabación. El artista de 64 años explicó los motivos de la decisión: “Me sentía un poco agotado, y estaba empezando a ser demasiado. Finalmente le dije a mi manager: ‘No sé cuánto tiempo más podré aguantar esto’, y ahí empezó la conversación”.

El disco, que demandó más de un año de trabajo, contiene letras con fuerte carga social y política. Las canciones abordan la rutina laboral (“Puppet Parade”, “Another Bad Day”), la brutalidad de la guerra (“Made to Kill”, “I Am War”), la manipulación política (“Obey the Call”, “Tipping Point”) y la inminente jubilación (“The Last Note”).

Sobre el proceso creativo, destacó: “Cuidé la voz y me detenía cuando me cansaba para recuperarme. Antes podría haber seguido, pero ahora prefiero imponerme límites y hacer las cosas bien”.

Luchas personales, fe y redención

El recorrido de Mustaine, tanto artístico como vital, está atravesado por desafíos extremos. El músico admitió que atravesó períodos de indigencia, completamente destruido y adicto.

Detalló que sus problemas con el alcohol, crack y la heroína lo llevaron a pasar por 17 programas de rehabilitación. “Antes era alguien completamente perdido, un drogadicto sin rumbo. Ahora soy abuelo y ya no tengo que mendigar comida", expresó.

Tras superar esa etapa, suma más de 20 años sobrio y se define como cristiano renacido. Explicó que su relación con Dios y Cristo le dio la disciplina que hoy aprecia. “La fe es como lo que se ve en un piloto. Mi creencia es algo diferente”, señala, aunque prefiere no profundizar en su espiritualidad.

Dificultades de la vida en el metal y el paso del tiempo

A los 64 años, Mustaine reconoció el desgaste físico y emocional del género. Afirmó que es un reto cantar con la misma calidad y convicción que en su juventud. En cuanto a la guitarra, advirtió sobre el dolor que puede provocar si no se practica correctamente. Muchos guitarristas, según él, se deforman los dedos por la manera en que sostienen la púa y la fuerza que aplican.

Rememoró que su vida nómada, marcada por mudanzas constantes junto a su madre, forjó su autosuficiencia. Describió cómo hacían las maletas de noche y se mudaban, llegando a asistir a tantas escuelas que sería difícil contarlas.

Esa experiencia, sumada a la ausencia paterna y los sacrificios familiares de las giras, acentúa el contraste con el presente: “Ahora soy abuelo y priorizo mi bienestar y el tiempo con los míos”.

El legado y el futuro: giras y testimonios

Aunque cierra la etapa de grabaciones, Mustaine reiteró que Megadeth continuará activo en los escenarios. “La banda seguirá de gira hasta que sienta que me he despedido de todos los fans en el mundo”, aseguró. El propio Mustaine reivindicó el papel del grupo: “No sé si cambiamos el mundo, pero cambiamos el mundo de la guitarra”.

Con cada riff reconocible y cada presentación internacional, el legado de Megadeth se proyecta hacia nuevas generaciones y refuerza su lugar en la historia del heavy metal, permaneciendo sin radares, ni comunicación por radio, siempre fiel a su esencia. siempre fiel a su esencia.

Sofía Pachano y Santiago Ramundo vivieron una de las emociones más grandes de sus vidas con el nacimiento de su primer hijo, Vito. La pareja, que había compartido con sus seguidores la ansiedad y la felicidad de la espera, celebró la llegada del pequeño con un sentido posteo en redes sociales, donde no faltaron las palabras de amor, los agradecimientos y un tierno álbum de fotos familiar.

“19-01-26 Vito Ramundo Pachano, bienvenido…”, escribió Sofía al comienzo del posteo. Y continuó con la pregunta que resume el sentimiento de todo padre primerizo: “¿Cómo te puedo amar así si recién te conozco?”. Las imágenes que acompañaron la publicación transmitieron la calidez y la intimidad de esos primeros momentos en familia. En una de las postales, Sofía, con remera blanca y el cabello recogido, sostenía a Vito en brazos, envuelto en una manta blanca, mientras Santiago los rodeaba con el brazo y toma la selfie frente al espejo, los tres en un ambiente hogareño y lleno de luz.

En otra de las postales, la pareja enfocó un primer plano de las diminutas piernas y pies de Vito, recostado sobre una manta decorada con dibujos de animales y hojas en tonos claros. El body blanco lleva bordado su nombre, detalle que el pequeño vistió especialmente para su primer día en casa. Más adelante, se ve a Vito dormido, cubierto con una manta estampada y un gorro tejido color crudo; una pulsera identificatoria en la muñeca izquierda y su cabello oscuro asomando bajo el gorro completan la postal. Por otro lado, el álbum incluyó una foto de Santiago en una silla de hospital, vestido con uniforme médico verde claro y una gran sonrisa, teléfono en mano, en una habitación de paredes blancas y mobiliario clínico.

En el texto, Sofía continuó con un agradecimiento sentido: “Es un posteo de agradecimientos porque Vito llegó con el mejor equipo de profesionales y a la mejor familia. Gracias mamá y papá, miren la cara de esos abuelos, LOS AMO. Gracias familia y amigos, qué bendecido es Vito de todos los brazos que lo rodean”. La bailarina y actriz dedicó además unas palabras especiales al equipo médico que los acompañó desde el primer momento de la gestación hasta el parto, reconociendo el profesionalismo y el cariño con que los guiaron en esta nueva etapa.

Pero el mensaje más emotivo fue para Santiago, su pareja y padre del bebé. “La importancia de tener un compañero como Santi en este momento. Te amo, no puedo escribir sin llorar, es una locura este bebé que hicimos”, expresó, dejando ver la felicidad y la complicidad del momento.

La secuencia de fotos familiares se completó con una serie de postales que reflejaron el reencuentro generacional: Vito en brazos de sus abuelos, Aníbal Pachano y Ana Sans, sentados y sonriendo mientras sostienen al pequeño. La emoción y el orgullo de los abuelos se percibe en cada gesto, y la imagen se suma a la historia de una familia que celebra la llegada de un nuevo integrante.

El cierre del álbum fue una imagen grupal, tomada en una habitación luminosa de la clínica, donde se ve al flamante padre en primer plano, rodeado de familiares y amigos, todos sonriendo a la cámara y acompañando a Sofía, que sostiene a Vito en brazos. El ambiente, amplio y cálido, con detalles de madera y cuadros en las paredes, transmitió la alegría y la contención que rodean a la pareja en este momento único.

Así, entre abrazos, primeras miradas, y la emoción de los primeros días, Sofía y Santiago dieron la bienvenida a Vito en un entorno de alegría y esperanza, celebrando el milagro de la vida y el comienzo de una aventura inolvidable.

“Me propuse crear el álbum que quería escribir y lanzar después de dejar Take That en 1995. Fue el apogeo del 'britpop' y una época dorada para la música (de Reino Unido)”, había relatado Robbie Williams meses antes del estreno de su nuevo disco, una colección de once canciones que rinde homenaje al sonido británico que marcó aquella década. Con este proyecto, Williams cumple su promesa a quienes esperaban un trabajo inspirado en el legado musical de esa generación, según informó el medio que dio cuenta de la publicación del álbum este viernes.

El lanzamiento de este decimotercer disco de estudio, titulado 'Britpop', se realizó después de varios meses de incertidumbre acerca de la fecha definitiva de salida. De acuerdo con lo publicado, el artista británico había anunciado inicialmente en sus redes sociales oficiales, en mayo de 2025, que el disco estaría disponible en octubre de ese mismo año. Sin embargo, la publicación se retrasó sin que Williams diera explicaciones públicas, hasta el comunicado difundido posteriormente a través de su cuenta de Instagram, donde confirmó que la obra ya podía escucharse en las principales plataformas.

El medio consignó que ‘Britpop’ contempla once temas y rescata el espíritu musical que se consolidó en el Reino Unido en los años noventa, una etapa que el propio Williams ha definido como dorada para el género. En palabras del músico, el contenido del disco busca conectar con esa esencia y representa un anhelo personal que se remonta a su etapa inicial como solista tras dejar la banda Take That, momento en el que el fenómeno britpop estaba en pleno auge.

El trabajo se suma a la discografía de Williams, que ya contaba con doce álbumes de estudio previos. Según detalló el medio, este nuevo material se caracteriza por su función de tributo y su intención de capturar las influencias que han marcado tanto la carrera del intérprete como la identidad sonora de su país de origen.

La revelación de la fecha definitiva de lanzamiento fue realizada a través de Instagram, red social utilizada de forma recurrente por el cantante para comunicarse con sus seguidores y ofrecer detalles sobre sus proyectos. En su publicación, Williams no solo confirmó la disponibilidad del disco, sino que acompañó el mensaje con reflexiones sobre el proceso creativo vinculado al legado británico.

El medio reportó que la expectativa por el álbum venía creciendo desde el anuncio inicial de mayo del año pasado, cuando Williams aseguró públicamente que el trabajo vería la luz en octubre. La ausencia de explicaciones acerca del retraso generó comentarios entre los aficionados, que siguieron atentos las actualizaciones hasta la confirmación oficial esta semana.

En cuanto al repertorio, ‘Britpop’ integra composiciones que exploran temáticas y sonidos propios del género, buscando recrear el ambiente musical que prevaleció en el Reino Unido durante la década de los noventa y que influyó en la escena internacional. Con este lanzamiento, Williams no solo responde a una demanda sostenida por parte de su público, sino que también aporta un nuevo capítulo a su trayectoria y a la memoria colectiva del pop británico.

Tal como precisó el medio que difundió el estreno, la publicación de 'Britpop' refuerza la vigencia artística de Robbie Williams y su voluntad de mantener un lazo constante con la historia musical que constituye parte central de su identidad como creador. El álbum ya se encuentra disponible en formato digital y promete convertirse en una pieza referencial tanto para los seguidores del britpop como para quienes buscan revisitar los sonidos característicos de aquella época.

El regreso de Harry Styles a la música en 2026 ya causa sensación entre sus seguidores mexicanos, quienes buscan conocer cuánto costará su nuevo disco Kiss All The Time. Disco, Occasionally y qué artículos oficiales pueden conseguir desde México.

La tienda oficial de Harry Styles habilitó la preventa internacional de varios productos exclusivos.

Los precios aparecen en dólares canadienses (CAD), y a continuación se muestra el equivalente estimado en pesos mexicanos.

¿Cuánto cuesta el disco y la merch oficial de Harry Styles en México?

Estos son los productos principales ofrecidos en la tienda oficial y sus precios:

• Limited Edition Smoke Machine Vinyl: $50 CAD (aprox. $650 MXN)
• Limited Edition Casebook CD: $41 CAD (aprox. $533 MXN)
• Photo Tee + CD Box Set: $57 CAD (aprox. $741 MXN)
• Limited Edition Silver Glitter Cassette: $29 CAD (aprox. $377 MXN)
• Black Vinyl: $48 CAD (aprox. $624 MXN)
• CD estándar: $22 CAD (aprox. $286 MXN)
• Limited Edition Kiss Vinyl: $50 CAD (aprox. $650 MXN)
• Limited Edition Camera + CD Box Set: $127 CAD (aprox. $1,651 MXN) Este kit se encuentra agotado hasta el cierre de la nota.

Los precios en pesos mexicanos son aproximados y pueden variar según el tipo de cambio y los cargos de importación o envío.

¿Qué merch oficial está disponible del nuevo disco de Harry Styles?

La tienda oficial de Harry Styles ofrece estos artículos de colección:

• Vinilos de edición limitada con arte exclusivo.
• Casetes en edición especial con acabado glitter.
• Box set con camiseta y CD.
• Ediciones especiales de CD con presentación tipo casebook.
• Playeras con fotografías oficiales del álbum.
• El kit especial de cámara y CD, actualmente agotado por alta demanda.

La tienda permite hacer preventas y recibir notificaciones sobre futuras reposiciones para los productos agotados.

¿Cómo comprar el disco y la merch en México?

Las compras de preventa pueden realizarse directamente desde la web oficial del cantante.

El sitio acepta tarjetas bancarias y métodos de pago digitales, y realiza envíos internacionales, incluidos a México. El costo final dependerá del peso del paquete y los aranceles de importación aplicables.

La expectativa ha crecido entre los seguidores de Harry Styles en México tras días de misterios y mensajes enigmáticos.

Pero este 15 de enero, el cantante británico sorprendió a su audiencia internacionalcon una publicación clave en Instagram, donde escribió: “Kiss All The Time. Disco, Occasionally”.

Este anuncio confirmó el lanzamiento de un nuevo disco y encendió alertas sobre la posibilidad de una posible gira que incluya México

Las pistas que habían encendido las teorías en México

Desde hace unos días, la Ciudad de México se convirtió en el foco de atención para los fans de Harry Styles. Pues apareció un gran cartel cerca del Ángel de la Independencia con la frase “We Belong Together” y el mensaje “Nos vemos pronto”.

El diseño minimalista y la elección del lugar, considerado emblemático, alentaron a la comunidad directioner a especular sobre un posible regreso del artista.

La aparición del mensaje en la capital mexicana no fue un hecho aislado. Formó parte de una campaña internacional que incluyó carteles y frases similares en ciudades como Londres, Roma y São Paulo.

La estrategia, caracterizada por el misterio, se complementó con la publicación del video Forever Forever en el canal de YouTube oficial de Styles.

Durante casi tres años, Harry Styles mantuvo silencio tras el cierre de su gira Love On Tour, última vez que visitó el país con dos presentaciones en el entonces Foro Sol en noviembre de 2022. Desde ese momento, el público nacional ha esperado noticias sobre su reencuentro con el exintegrante de One Direction.

El anuncio de Harry Styles y la fecha clave

Los rumores se confirmaron cuando Harry Styles compartió en su cuenta oficial de Instagram el mensaje: “Kiss All The Time. Disco, Occasionally. March 6th.”.

La frase fue interpretada como el anuncio del estreno de su nuevo disco, programado para el 6 de marzo.

Fans reaccionan en redes

Tras el anuncio oficial, usuarios en redes no tardaron en reaccionar al respecto. Estos son algunos de los comentarios que aparecieron en Instagram:

• “Gracias, te amo por siempre”
• “Ahora sí a empezar bien el año”
• “Todo el amor”
• “Finalmente está pasando”

¿Cuántas canciones tendrá?

De acuerdo con el sitio oficial de Harry Styles, el álbum que llevará por nombre Kiss All The Time. Disco, Occasionally tendrá 12 canciones.

Christian Nodal sorprendió a sus seguidores al compartir este 15 de enero, desde su canal de Instagram, un adelanto exclusivo de las canciones que compondrán su esperado álbum de 2026.

Entre los títulos revelados, uno llamó especialmente la atención: ‘Amor’, lo que ha desatado especulaciones sobre si el tema está dedicado a su esposa, Ángela Aguilar, o si es una referencia al controversial meme.

El anuncio de Nodal en redes sociales

Durante la mañana, Nodal publicó un video en su cuenta de Instagram donde aparece revisando la lista de tracks de su próximo material discográfico.

El cantante, fiel a su estilo cercano y espontáneo con sus fans, mostró por primera vez los nombres de las nuevas canciones, generando gran expectativa en la industria musical y entre sus seguidores.

“¿Querían música? Fierrofly", colocó.

El adelanto, que se viralizó en cuestión de minutos, fue interpretado por muchos como una muestra de la confianza que Nodal tiene en su nuevo proyecto.

Sin embargo, fue el nombre de una de las canciones, ‘Amor’, el que encendió las redes sociales, alimentando rumores sobre si se trata de una dedicatoria especial a Ángela Aguilar, con quien mantiene una de las relaciones más mediáticas del espectáculo.

La lista completa de canciones del nuevo disco de Nodal

La lista de canciones que Nodal compartió para su álbum previsto para 2026 incluye los siguientes títulos:

• Fin de mes
• Un vals
• Si yo tuviera
• Se cancela
• Ojos llorosos
• Modo frágil
• Miel con licor
• Lo de andar dolido
• Buena suerte
• Amor
• Bandera blanca
• Para qué
• Aquí donde te extraño
• Intacto

Asimismo, el intérprete de Ya no somos ni seremos detalló que también habrán duetos.

La variedad en los nombres sugiere que el próximo álbum explorará diferentes etapas emocionales y estilos dentro del repertorio de Nodal, quien ha sabido conquistar al público tanto con baladas como con temas de desamor.

¿Cuándo lanzará el álbum?

En su canal de Instagram, el yerno de Pepe Aguilar lanzó una encuesta para que sus fans decidieran cuándo debería salr el disco, sin embargo, detalló que era ‘el primero del año’, por lo que fans se cuestionaron en redes si el famoso estrenará otro después.

Las fechas que puso a votación fueron:

• Febrero
• Marzo
• Mayo
• Abril

Hasta el término de esta nota, la votación se inclina hacia febrero.

Tras superar años marcados por dudas y desafíos personales, se prepara para el lanzamiento de su tercer álbum como solista y una gira mundial que incluye escenarios emblemáticos como el Madison Square Garden, según explicó en una entrevista con Billboard.

“La historia indica que solo uno o dos miembros de una banda prosperan fuera de ella, rara vez más de dos”, afirmó Tomlinson a Billboard. Reconoció que siempre confió en el éxito de Harry Styles y la simpatía de Niall Horan, pero agregó: “Nunca pensé que yo estaría entre quienes lograrían destacar por su cuenta”.

Tomlinson repasó los momentos luminosos y dolorosos de su carrera como solista. “El nacimiento de mi hijo fue un buen momento, pero la pérdida de mi madre y mi hermana retrasaron el verdadero inicio de mi carrera”, expresó. “Fue aterrador pensar que podría ser una figura del pasado con solo 24 años”.

Un nuevo sonido y confianza renovada

A pesar de los obstáculos, el británico encontró en el escenario una fuente de confianza. “La seguridad que he adquirido con las dos últimas giras ha sido vital para mí. Estar noche tras noche en esos espacios no deja lugar a la duda”, señaló a Billboard. “Llego a este disco con una confianza revitalizada. Es una muy buena sensación”.

Con su segundo álbum, Faith in the Future, logró ingresar por primera vez al Top 5 de la lista Billboard 200. Su reciente gira movilizó a 314.000 personas y generó ingresos por USD 20,3 millones en 38 conciertos entre 2023 y 2024, cifras que reflejan su alcance internacional y madurez como artista.

El proceso de su próximo álbum, How Did I Get Here?, fue más íntimo y experimental. “Con este disco he decidido tomar más riesgos y confiar en mi instinto”, explicó Tomlinson. “Decidí grabar gran parte en Costa Rica, rodeado del entorno que buscaba para el álbum. Antes no creía que el lugar influyera en la música, pero claro que influye”.

El productor Nico Rebscher, quien trabajó con él tanto en Reino Unido como en Costa Rica, comentó a Billboard que buscaron un sonido más orientado a la radio, pero respetando la identidad del artista.

Para Tomlinson, esta evolución supuso repensar su identidad musical. “Con Faith in the Future sentí que me había acercado a esa idea, pero noté que me estaba limitando. Mi voz suena bien en canciones pop. Durante mucho tiempo evité ese camino pensando que era lo más valiente, pero enfrentarme a ello y crear algo que me entusiasma ha sido la mejor decisión”, reflexionó.

Familia, legado y nuevos retos

La selección del repertorio de One Direction para sus conciertos como solista significó un ejercicio de equilibrio.

“Me hace ilusión tocar las canciones de One Direction que tienen sentido para mí a esta edad”, afirmó. Adaptar algunos temas representó un desafío. Sobre “No Control”, señaló: “Siempre la solicitaban y nunca la incluía, pero durante mi festival Away From Home accedí y lo disfruté realmente”.

Ahora, Tomlinson aprecia con mayor claridad el impacto de One Direction en la música pop. “Estoy más que feliz de hablar de lo importantes que fuimos”, destacó. “En los primeros años todo era vertiginoso; solo intentábamos adaptarnos y aprender”.

Su vida personal transformó su motivación. Sobre su hijo Freddie y el equilibrio entre la fama y la paternidad, comentó: “Quiero ser grande para mi hijo. Cuando estoy con él, si pudiera ocultar que soy cantante, lo haría. Valoro ese tiempo profundamente”.

Le emociona compartir su música con Freddie y sueña con que su hijo se sienta orgulloso al verlo sobre el escenario: “Algunos de mis conciertos más tensos han sido cuando él está presente, pero ese orgullo es lo más importante para mí”.

De cara al futuro, Tomlinson asume nuevos desafíos. En 2026, además del lanzamiento del nuevo álbum, protagonizará una serie documental junto a Zayn Malik. “Fue idea suya, hay que reconocerle ese acierto”, comentó a Billboard.

Su próxima gira mundial tendrá una atmósfera más colorida y celebratoria, dejando atrás la estética sobria de presentaciones anteriores. “Esta vez quiero ver cómo combinamos la nueva energía con el espectáculo en vivo”.

Convertido en una de las figuras más sólidas del pop internacional, Tomlinson sigue redefiniéndose sobre escenarios que años atrás consideraba inalcanzables, como su regreso al icónico recinto neoyorquino.

Su trayectoria como solista se consolida, no por expectativas ajenas, sino por el camino que construyó por sí mismo.

Según relató en la entrevista, la polémica y la controversia pública funcionan como combustible para su creatividad y, en parte, motivaron la producción de su disco Idols, concebido como homenaje a esos íconos.

La relación con Osbourne resultó clave en el desarrollo reciente de su carrera. Yungblud recordó la presión que sintió durante su actuación en el último concierto del legendario músico, cuando se enfrentó a un público de 25.000 personas, de las cuales la mayoría no lo conocía y una parte importante lo rechazaba abiertamente. “Sabía lo que estaba en juego en mi actuación de ‘Changes’ en el concierto final de Ozzy. Era mi propio momento David contra Goliat”, afirmó.

El artista aseguró que estaba preparado porque había trabajado sus inseguridades en su propio álbum y, al subir al escenario, aprendió a dejar de lado el ego y las dudas para rendir homenaje a su héroe.

El final de la vida de Osbourne coincidió con una etapa especialmente intensa para Yungblud, marcada por un contacto frecuente entre ambos. “Fue la mayor ola emocional que he tenido que afrontar”, explicó sobre esas semanas.

Yungblud sostuvo que prácticamente le dedicó un álbum a Osbourne y a otros referentes, y reconoció el impacto de la pérdida en su proceso creativo: “Sentí que todo esto se había cruzado en mi proceso creativo. Es una locura”.

Aerosmith y el salto hacia una nueva etapa creativa

Tal y como aseguró en Rolling Stone, la influencia de Aerosmith fue igual de determinante en esta fase. Tras el lanzamiento de “Hello Heaven”, Yungblud recibió mensajes de figuras como Brian May y Joe Perry.

El guitarrista de Aerosmith lo invitó a Florida para conversar sobre una posible colaboración, especialmente tras la lesión vocal de Steven Tyler. “Les dije: ‘Déjenme participar como compositor, productor, lo que sea’. Entonces respondieron: ‘Nos gusta cómo este álbum respeta el pasado y a la vez suena nuevo. ¿Podrías ayudarnos a lograr parte de eso?’”, relató.

La colaboración avanzó de forma espontánea y veloz. “Es como una primera cita: o hay química inmediata o todo sale mal. En menos de dos horas salió ‘My Only Angel’”, recordó Yungblud sobre la dinámica creativa que dio inicio a un EP conjunto. Considera que el verdadero desafío reside en encontrar un equilibrio entre respeto y un sonido fresco.

Búsqueda de autenticidad y conexiones en el presente

La admiración por figuras como Bowie sigue siendo el motor de la autenticidad en la obra de Yungblud. “Lo que más aprecio de lo que decía Bowie es que miraba su último álbum y hacía exactamente lo contrario. Si tienes tres minutos, cinco acordes y la pura verdad, ¿qué vas a hacer?”, planteó.

Adelantó que su próximo trabajo junto al productor Andrew Watt buscará una estética más minimalista y cruda, distinta al maximalismo de “Idols”: “Quiero que suene como si tocáramos en vivo, con esa atmósfera de los MTV Unplugged de los 90. He estado escuchando mucho a Jeff Buckley, Chris Cornell y Scott Weiland para absorber ese espíritu”.

En la actualidad, Rolling Stone destaca que Yungblud también suma colaboraciones con leyendas como Eddie Vedder y presta atención a bandas emergentes. “Eddie es una inspiración, sobre todo por su voz. Creo que podríamos escribir juntos en el futuro”, sostuvo.

Destacó además su interés por grupos como Geese y reivindicó que el espíritu del rock atraviesa propuestas tan diversas como las de Elton John, Michael Hutchence o INXS: “Algunos dicen que suenan como los primeros Strokes, Nick Cave o Tom Waits, pero para mí eso es rock. Elton John era rock, Michael Hutchence era rock, INXS era rock”.

A lo largo del diálogo, el músico remarcó su preferencia por la independencia creativa, evitando formar parte de una banda para mantener el control absoluto sobre su obra.

“Nunca quise estar en una banda. Así puedo decidir, y creo que el arte no debe ceder. Cuando he escuchado demasiadas opiniones, mi música se ha resentido. Por eso muchos grupos terminan con grandes disputas: esa parte donde das tu alma termina eliminada por otro”.

El vínculo con Osbourne y la despedida de uno de sus mayores referentes representan un punto de inflexión para Yungblud, quien encara una nueva etapa creativa marcada por la experiencia, el homenaje y la renovación constante.

La aparición del artista, sumada a la producción del próximo álbum en Los Ángeles, generó expectación entre millones de seguidores en todo el mundo, informó Rolling Stone UK. La atención internacional se dirige nuevamente al fenómeno BTS y a la evolución artística y personal de Jungkook.

El regreso resulta significativo tanto para la banda como para su comunidad de seguidores, el fandom ARMY. Tras 18 meses de pausa, Jungkook se integra al proceso creativo colectivo en la fase inicial del nuevo disco, lo que anticipa un relanzamiento luego de la inactividad exigida por la normativa militar surcoreana.

“Estoy muy ilusionado por el próximo álbum de BTS, por las promociones que haré con los miembros y por volver a encontrarme con ARMY”, expresó Jungkook en su entrevista con Rolling Stone UK.

Trayectoria, logros y transformación personal

Desde su debut a los 15 años, Jungkook fue reconocido como el “maknae de oro”, término que designa al miembro más joven capaz de destacar en canto, baile, rap y creatividad visual.

Frente a una audiencia global, su desarrollo profesional implicó una adaptación constante tanto en lo artístico como en lo personal. A lo largo de los años, consolidó una imagen que equilibra disciplina y versatilidad, respaldada por una confianza creciente tanto en el escenario como fuera de él.

BTS alcanzó logros históricos en la industria musical. Fue el primer grupo coreano en liderar la lista Billboard 200 y repitió esta hazaña en cinco ocasiones. En 2020, el álbum MAP OF THE SOUL: 7 vendió 4,1 millones de copias en nueve días en Corea del Sur. Seis de sus sencillos ocuparon el primer puesto en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos.

Además, el conjunto encabezó durante dos años consecutivos el ranking global de la IFPI de artistas más destacados. Estos resultados consolidaron al grupo y a Jungkook como referentes del pop internacional, describió Rolling Stone UK.

La experiencia militar supuso un punto de inflexión para el intérprete. Acostumbrado a la dinámica de giras y grabaciones, la rutina castrense le permitió “cambiar la profundidad de mis pensamientos” y buscar un sentido renovado a su tiempo.

Durante su formación, Jungkook adoptó una disciplina estricta enfocada en la salud y el autocuidado. “Trato de evitar cosas que dañen mi cuerpo. Solía beber, pero ahora intento abstenerme. Quiero aprovechar mi tiempo de forma más significativa y valorarlo”, relató en la entrevista.

Antes de la pausa, Jungkook había avanzado en su carrera en solitario, especialmente con el sencillo Seven (con Latto), que lideró las listas globales y le otorgó mayor seguridad como intérprete. El éxito de este tema impulsó el álbum GOLDEN, publicado en 2023, que superó las 6 mil millones de reproducciones en Spotify.

Este trabajo, con colaboraciones internacionales y géneros diversos, consolidó su identidad como solista. “Tras lanzar GOLDEN, hubo cosas que desee haber hecho mejor, tanto en las canciones como en las actuaciones. Pero esos arrepentimientos me motivan a seguir esforzándome y mejorando”, reconoció Jungkook, según Rolling Stone UK.

Privacidad, interacción y el futuro de BTS

La relación de Jungkook con la fama se refleja en su gestión de la privacidad y el vínculo con sus seguidores. En 2023 desactivó su cuenta personal de Instagram, eliminando decenas de millones de seguidores.

Aunque regresó a la plataforma en 2025, su perfil permanece vacío, con más de 14 millones esperando novedades. Prefiere compartir aspectos personales a través de la cuenta de su perro Bam, acercándose al público desde lo cotidiano.

Los espacios de interacción directa, como la red Weverse, se reservan para momentos puntuales, donde transmisiones en vivo pueden atraer a millones incluso cuando descansa o permanece en silencio ante la pantalla.

El reencuentro de Jungkook con las actividades grupales coincide con la creación del nuevo álbum de BTS. El grupo se reunió en Los Ángeles para trabajar en su próximo proyecto, lo que implica el reinicio de sus actividades conjuntas tras la pausa militar.

“Siempre he buscado el cambio. En vez de repetir las mismas actuaciones o canciones similares, intento cosas nuevas y evoluciono para mostrar distintas facetas”, afirmó el vocalista.

Al cierre de la entrevista con Rolling Stone UK, Jungkook destacó su objetivo de no dejarse definir por tendencias externas. Busca anticipar los cambios y trazar su propio camino como artista, sin límites impuestos.

La plataforma oficial de los World Entertainment Awards anunció que la próxima edición del certamen, a celebrarse el 31 de enero de 2026 en Los Ángeles, contará con la participación de más de 40 países y situará la música instrumental en el foco internacional en la antesala de los premios Grammy. Uno de los protagonistas españoles será el compositor y productor Jesús Valenzuela, conocido como Tsode, quien ha recibido una nominación en la categoría de 'Mejor Álbum Instrumental' por su obra 'Totum', de acuerdo con lo informado por Europa Press.

Esta nominación coloca a 'Totum' entre las producciones musicales destacadas del año a nivel internacional, según publicó Europa Press. Tsode, originario de Córdoba y especializado en música instrumental, electrónica clásica y rock progresivo, expresó a Europa Press que este reconocimiento representa un impulso considerable para su propuesta musical: "Esta nominación supone un impulso enorme para una obra que he creado desde la convicción de que la música instrumental sigue teniendo mucho que decir. 'Totum' nació para unir todos los géneros que han marcado mi vida, y verlo ahora reconocido a nivel internacional es algo que me emociona profundamente", manifestó el compositor.

De acuerdo con la información facilitada por Tsode y recogida por Europa Press, la gala se celebrará en el Whisky A Go Go de Los Ángeles, un recinto emblemático en la historia del rock. Este evento posiciona a Tsode y su ciudad natal, Córdoba, en la escena internacional de la música instrumental contemporánea, sumando así su proyecto entre los que tendrán mayor visibilidad durante 2026 en certámenes mundiales.

'Totum' se presenta como una obra de una sola pieza con una duración total de 65 minutos, publicada el 31 de octubre del año anterior. La propuesta fusiona diversas corrientes musicales: rock progresivo, ambient, electrónica clásica, new age, neoclásico, música orquestal y cinematográfica, según detalló Europa Press. El álbum desafía la tendencia actual de lanzar canciones independientes para plataformas de streaming y defiende el formato álbum como experiencia completa y unitaria.

La estructura de 'Totum' funciona como un recorrido musical ininterrumpido, con una evolución emocional que va desde pasajes introspectivos a momentos calificados de épicos por su autor. El disco inicia con la narración de Claudio Serrano, conocido por poner voz a personajes como Ben Affleck o Batman, aportando así elementos propios del cine al concepto musical de Tsode.

Europa Press destacó la colaboración de músicos de renombre en el proyecto, como Rubén Álvarez —guitarrista vinculado al 50º aniversario de 'Tubular Bells'—, el ganador de un Grammy Latino Daniel Minimalia, Pepe Benlloch, pionero del new age en España, y otros nombres reconocidos dentro del ambiente instrumental español, como Jaime Helios, Manu Herrera, Curro Martín, JM Mantecón, José Luis Serrano Esteban y Pablo Seque.

La carrera de Jesús Valenzuela, bajo el seudónimo de Tsode, se ha desarrollado dentro de la música instrumental contemporánea, fusionando sonidos electrónicos, ambientes cinematográficos y melodías influidas por figuras internacionales como Vangelis, Mike Oldfield, Jean-Michel Jarre y Enigma. Tal como consignó Europa Press, a lo largo de su trayectoria ha lanzado nueve discos y su obra ha recibido reconocimientos en los Global Music Awards, One World Music Radio del Reino Unido, Hollywood Music in Media Awards y Clouzine Music Awards, todos ellos en Estados Unidos.

Su comunidad internacional de seguidores ha crecido paralelamente a la proyección global de sus creaciones, destacándose como un referente en la música instrumental española actual. Con 'Totum', Tsode refuerza su perfil como artista que apuesta por la elaboración de obras conceptuales de gran extensión y diversidad estilística, integrando elementos narrativos y colaboraciones de alto nivel en el marco de producciones independientes.

El medio Europa Press subrayó la relevancia que adquiere esta nominación no sólo para la trayectoria individual de Tsode, sino también para la presencia de proyectos musicales españoles en competiciones artísticas de carácter internacional, enmarcando a 'Totum' dentro del panorama global de la música instrumental y situando a Córdoba en el recorrido internacional del género.

El nuevo álbum de esta estrella del pop español se anuncia como sinfónico y operístico. Su música toma prestado de ambas, sin comprometerse con ninguna.

A veces la vida se siente como la ópera. Experimentas la pasión como si la hubieras inventado tú y la pérdida como si no pudieras sobrevivir a ella. Es emocionante ser el personaje principal, un papel que la estrella del pop español Rosalía asume con un compromiso maximalista en su nuevo álbum, Lux .

El primer sencillo, "Berghain", es una declaración de gran escala, con una orquesta completa, coros y voces de coloratura. Para añadir autenticidad al espectáculo, toma prestado libremente de la música clásica y la ópera.

Rosalía no cita directamente, pero evoca mucho en los primeros 30 segundos e imprime a los sonidos del pasado un ritmo moderno y musculoso, como la música fusión de Karl Jenkins. Un solo virtuoso de violín podría salir directamente de Las cuatro estaciones de Vivaldi. Y el estribillo suena como una versión acelerada de Carmina Burana de Carl Orff.

Este enfoque global y exhaustivo de la música clásica es representativo del álbum en su conjunto: 18 pistas (en la versión física) que se expanden y adoptan un género tras otro, a menudo dentro de la misma canción, y golpean y se acumulan como una avalancha de sonido y sensación.

De ambición extravagante, Lux se grabó con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Daníel Bjarnason y con arreglos de la compositora Caroline Shaw, ganadora del Premio Pulitzer.

Pero, ¿qué parte del álbum es realmente música clásica?

Eso no es fácil de responder, aunque Lux se anuncia como sinfónico y operístico. Puede ser. Estas formas de arte son tan abiertas que es casi una pérdida de tiempo intentar decir lo que son y lo que no son. En el nivel más básico, son medios de expresión, mediante instrumentos o la voz, que trascienden el lenguaje.

Sin embargo, no sería preciso decir que Rosalía ha escrito una sinfonía moderna, como sugieren los "cuatro movimientos" de la lista de canciones. Tampoco ha escrito una ópera, que es intrínsecamente teatral. Utiliza ambas formas para transmitir una dimensión y un sentimiento extremos, sin comprometerse con ninguna de ellas. Al fin y al cabo, ha hecho un álbum pop con un gran presupuesto.

Curiosamente, Rosalía no ha mencionado la forma a la que Lux se parece más: las lieder, o canciones artísticas, que pueden contener elementos de música sinfónica y ópera, y a menudo tienen la duración de una canción pop. Cuando se encadenan temática o narrativamente, se convierten en ciclos de canciones como Die Schöne Müllerin y Winterreise de Schubert, obras que hoy podrían pasar por álbumes conceptuales.

Rosalía tiene una formación musical seria. En el álbum de 2018 El mal querer se puede escuchar su dominio del sonido flamenco, su voz soprano cambiante, brillante y limpia en su registro superior y oscura en el inferior. Podría haberse dedicado a ser una artista clásica y escribir un ciclo de canciones sobre hagiografía y misticismo, las ideas que guían Lux.

Quizá eso habría sido demasiado restrictivo, aunque Lux podría beneficiarse de algunos límites. Sea como sea, la resbaladiza manera en la que el álbum se acerca a la música clásica es más un gesto que un esfuerzo genuino, y más evasivo que elusivo, ya que se resiste a la categorización.

Desde la primera pista, "Sexo, Violencia y Llantas", la Sinfónica de Londres se despliega sobre todo para dar textura y color. Los músicos adquieren más protagonismo en "Reliquia", cuyos arreglos proceden en gran medida del mundo sonoro de Shaw, con un lenguaje armónico conmovedor y agradable.

Los aficionados a la música clásica pueden animarse en otros momentos del álbum, como la apertura de "Porcelana", cuyo estado de ánimo y escritura fluyen con naturalidad de los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven.

Más adelante en la misma canción, unos acordes pesados en clave menor suenan como si hubieran sido injertados de uno de los conciertos para piano de Mozart.

Es más difícil canalizar la ópera. A lo largo de su historia, esta forma de arte se ha expresado tanto con melodías fluidas como con discursos musicalizados, pero en el pastiche y la cultura pop suele representarse con una pasión exagerada e italianizante.

En su forma abreviada, la ópera puede transmitir una sensación de sentimiento exacerbado, que encaja con la visión maximalista de Rosalía para Lux. Pero corre el riesgo de ser kitsch, incluso con su potencia y belleza vocales, que en "Memória" se parecen más a Celine Dion que a Donizetti.

Rosalía está en su momento más operístico en "Mio Cristo Piange Diamanti", una especie de aria que, como las primeras óperas, se canta en italiano. En su clímax, la canción suena como si hubiera sido escrita para Andrea Bocelli.

No se puede ser más kitsch. Pero quizá Rosalía se reiría con nosotros sobre ese argumento. Rompe continuamente la cuarta pared en el estudio de grabación, y en esta canción dice después del clímax vocal "That's going to be the energy", antes de dar paso a un gran final orquestal.

Se está divirtiendo. Está claro que la música clásica y la ópera no son su hogar. Pero en Lux son su patio de recreo.

Créditos de audio: Réquiem de Karl Jenkins, Orquesta Filarmónica de Kazajstán Occidental (Decca); Las cuatro estaciones de Vivaldi, Janine Jansen (Decca); Carmina Burana de Carl Orff, Robert Shaw y la Orquesta Sinfónica y Coro de Atlanta (Telarc); Die Schöne Müllerin de Schubert, Dietrich Fischer-Dieskau y Gerald Moore (Deutsche Grammophon); Primer ensayo: Nimrod, Cuarteto de cuerda Calidore (Signum); Cuarteto de cuerda n.º 16 de Beethoven, Cuarteto de cuerda danés (ECM New Series); Concierto para piano n.º 20 de Mozart, Mitsuko Uchida y la Orquesta de Cleveland (Decca); "Mio Cristo Piange Diamanti" de Rosalía (Columbia).

Joshua Barone es editor adjunto de música clásica y danza en la sección de Cultura y crítico de música clásica.

No hay cambio de dirección demasiado brusco para Rosalía, la estrella pionera del pop español. Surgió hace una década como una disruptiva estudiante estrella de flamenco, y desde entonces se ha convertido en la principal vanguardista del pop y en una de sus omnívoros más convincentes.

La semana que viene publicará Lux, su cuarto álbum de larga duración. Del mismo modo que su irrupción en el pop radical, El mal querer, fue una réplica implícita de la lucha formal de su álbum debut, Los ángeles, y el remolino de sensualidad industrial de su tercer álbum, Motomami, fue una reproducción de El mal querer, Lux --un álbum impactante por su audacia formal y su carácter lúdico-- responde a todas esas cosas. O quizás, se eleva por encima de ellas.

Lux es un álbum sobre lo divino femenino, la fe y las brutalidades del amor, y contiene letras en 13 idiomas: el español materno de Rosalía, y también catalán, inglés, latín, siciliano, ucraniano, árabe, alemán y otros. Pasó más de dos años trabajando en la música, y gran parte de ese tiempo lo dedicó a aprender a escribir y cantar de forma convincente en otras lenguas.

"Intentar comprender cómo funcionan otros idiomas es mucho", dijo Rosalía, de 33 años, en una entrevista, realizada en inglés con una pizca de espanglish, en Popcast, el programa musical de The New York Times. "Es mucha intuición y tratar de decir algo como, voy a escribir sin más y vamos a ver cómo suenan en otro idioma". Pasó mucho tiempo en Google Translate, y luego habló con traductores profesionales --"Si rimo esto con esto, ¿tiene sentido?"-- y con profesores que la instruyeron en las sutilezas de la fonética.

Al final, fue capaz de interpretar sus canciones con una maestría que proviene de la práctica, sin ningún truco de inteligencia artificial: "Todo es humano, bastante humano", dijo.

El álbum resultante es "como un rompecabezas, como un laberinto", basado tanto en las tradiciones operísticas y clásicas como en el pop. La Orquesta Sinfónica de Londres aparece a lo largo del disco, en arreglos de Caroline Shaw, ganadora del premio Pulitzer y antigua colaboradora de Kanye West, y otros. El sonido --producido por Rosalía, junto con Noah Goldstein (Yeezus) y Dylan Wiggins (SZA, Justin Bieber)-- es rugido y aspereza, y en algunos momentos etéreo, como si pisoteara la historia, a sus enemigos y, a su vez, a la figura pública que era antes.

Del mismo modo que Rosalía estudió flamenco en la universidad para dominarlo y luego transformarlo a su voluntad, emprendió esta investigación como un acto de fidelidad intercultural, pero también como una declaración de autoridad y apetito artísticos llena de confianza.

"Es por amor y curiosidad, por querer comprender mejor al otro", dijo. "Sabes, Simone Weil dice que amar es amar la distancia entre nosotros y el objeto amado. Y creo que es verdad: al comprender al otro, quizá puedas comprenderte mejor a ti mismo, y puedas aprender a amar mejor".

La entrevista de Rosalía en Popcast puedeverse completa aquí o escucharse en el enlace más adelante. Estos son extractos editados de la conversación.

[Video: Watch on YouTube.]

JON CARAMANICA Cada uno de tus proyectos se siente como una limpieza total del paladar con respecto al anterior. ¿Existe algún temor asociado al lienzo en blanco?

ROSALÍA Un lienzo en blanco es como asomarse a un abismo. Empiezo a sudar, a sudar frío, delante de eso. Pero, al mismo tiempo, hay algo que me hace sentir incluso más incómoda: quedarme quieta.

CARAMANICA ¿Algo de eso viene de rechazar lo que había antes?

ROSALÍA Eso es, cien por cien. Todo está en constante movimiento, ¿no? Yo siempre estoy en cambio constante. Entonces, ¿por qué no habría de cambiar mi sonido conmigo?

JOE COSCARELLI Y no es solo un rechazo de tu propio trabajo anterior, sino que parece que miras el panorama del pop y dices, implícita o explícitamente, no estamos haciendo lo suficiente.

ROSALÍA No miro tanto al exterior, sino más bien, ¿qué no estoy haciendo yo? ¿Qué no he hecho todavía? ¿Qué necesito hacer? Y creo que mis artistas favoritos, tal vez, son los que no te dan lo que quieres, sino lo que necesitas.

Al fin y al cabo, hacer discos para mí es como excusa para hacer lo que realmente quiero hacer. En este caso, solo quería leer más.

COSCARELLI ¿Qué estabas leyendo?

ROSALÍA Hagiografías, muchísimas hagiografías. Simone Weil, Chris Kraus. Estas monjas eran poetas increíbles, grandes artistas; Hildegarda de Bingen era como una polímata, ¿no? Era capaz de crear de muchas maneras. Hay tantas mujeres increíbles en la historia a las que no escuchamos lo suficiente, de las que no hablamos lo suficiente.

Yo solo intento ser la mejor música que puedo ser y meterme en la experimentación. Si eso significa quedarme literalmente en casa, solamente escribiendo letras durante un año --o despertarme temprano, sin haber dormido casi nada para ir al estudio y pasar 14 horas trabajando en mezclas y que nunca sean lo suficientemente perfectas--, eso es lo que es para mí. Creo que al fin y al cabo es un trabajo.

CARAMANICA Tus dos discos anteriores han tratado de conciliar el hecho de proceder de una sólida tradición cultural pero con el deseo de romper esas reglas, luego obtener una gran aclamación y decir: "¿Qué hago con esta atención, responsabilidad y éxito añadidos?". Esos álbumes parecían ir hacia el exterior, pero este parece diferente, más interior.

ROSALÍA El otro día estaba pensando que había hecho un disco desde un lugar muy distinto de lo que lo había hecho antes.

Estaba escuchando a este hombre, que decía que hay dos tipos diferentes de confianza, la que se basa en la creencia de que vas a tener éxito, como por mis cojones, solemos decir, ¿no? Así que estás como esforzándote por lo que tienes que hacer.

Hay otra confianza, que quizá sea la falta de miedo al fracaso. Creo que en este enfoque hay renuncia e incondicionalidad. Creo que es la primera vez que me permito hacer un disco desde este lugar. Renuncia total: esto es lo que realmente necesitaba decir, cantar y hacer.

COSCARELLI Björk aparece como vocalista en Lux. ¿Cómo se desarrolló tu relación con ella?

ROSALÍA Es mi mujer y artista favorita. Creo que nos conocimos a través de Pablo, El Guincho [antiguo compañero de producción de Rosalía]. Fuimos a por unas tapas en Barcelona. Y pensé que era la persona más fascinante que había conocido jamás, porque su forma de pensar era tan diferente de lo que había visto antes. Fue un flechazo instantáneo de admiración.

Seguimos en contacto y sentí que con este disco, si era un ejercicio musical tan fuerte y demandante, si lo estaba haciendo lo suficientemente bien, tal vez, se lo enviaría, y si estaba en el nivel adecuado, tal vez entonces ella no podría decir que no.

COSCARELLI Había cierta energía masculina en Motomami , que se enfocaba en música más caribeña, como el reguetón. ¿Piensas que Lux es un proyecto claramente femenino?

ROSALÍA La inspiración principal es la mística femenina, así que seguro que hay más energía femenina. Y también la idea de ser un receptáculo. Estaba leyendo el otro día, esta mujer, Ursula [K. Le Guin] dice que quizás el primer artefacto cultural de la historia no fue un arma, no fue algo afilado para matar algo. ¿Quizás fue un recipiente, algo donde contener cosas? Y entonces decía que hay una diferencia entre la escritura masculina y la femenina: la escritura masculina trata del héroe, de los triunfos de este héroe. Y si el héroe no está en la historia, entonces no es una buena historia. Todo gira en torno al conflicto en la narración.

La escritura femenina es más un proceso continuo. No se trata del clímax y luego la resolución. Se trata quizá de una persona con delirios y transformaciones y de todas las cosas que esta persona tiene que perder. No se trata de yo, yo, yo, yo.

COSCARELLI Este álbum es grandioso, hay cuerdas por todas partes, con muchos arreglos. Es operístico.

CARAMANICA Atronador.

ROSALÍA Tiene esa intención de verticalidad. Algunos de nuestros proyectos parecían un poco más horizontales. Un tipo de energía más mundana.

CARAMANICA Cuando dices verticalidad, ¿quieres decir entre el reino material y algo más astral y espiritual?

ROSALÍA Sí. Creo que siempre he tenido el deseo de, ¿cómo puedo acercarme a Dios? ¿Cómo puedo estar más cerca de Dios? Ese sentimiento espiritual siempre ha estado ahí, solo que no lo he racionalizado ni intelectualizado.

COSCARELLI ¿Hay algo casi travieso en la forma en que abordas el lenguaje en este álbum? La gente ha esperado durante mucho tiempo que hagas el salto y cantes en inglés. Al mismo tiempo, te han acusado de apropiación cultural por tomar elementos de culturas que no son la tuya y sacar provecho económico de ello. ¿Es esta una respuesta rebelde a esas críticas?

ROSALÍA Soy rebelde en general, ¿vale? Digamos que, sin duda, soy rebelde. Pero creo que se trata más bien de que pertenezco al mundo. Así es como me siento: yo no soy tan mía como del mundo.

Me encanta viajar, me encanta aprender de otros seres humanos. ¿Por qué no iba a intentar aprender otro idioma e intentar cantar en otro idioma y ampliar la forma en la que puedo ser cantante o música o artista? El mundo está tan conectado.

CARAMANICA Imagino que con el tiempo eso resultó bastante caro. ¿Por cuánto te pasaste del presupuesto?

ROSALÍA Chicos, solo voy a decir que nos salimos mucho del presupuesto. Eso es todo lo que voy a decir. Estoy tranquila porque la visión está ahí. Pero puede que mi equipo no esté tan tranquilo.

COSCARELLI ¿Cómo te sales con la tuya?

ROSALÍA Solo quiero hacer lo que me apetezca en todo momento. Todas las personas que me conocen lo saben. Es lo único que me importa: ¡Solo la libertad!

COSCARELLI Tengo la teoría de que, como eres una estrella del pop en público y cuando te presentas, se te permite aún más libertad en tu música. Se te da bien jugar al juego de las celebridades: apareces en un anuncio de Calvin Klein, en el video de "WAP", pasas tiempo con las Kardashians.

¿Juegas conscientemente al juego en ámbitos extramusicales para acumular caché en el estudio?

ROSALÍA Para mí, todo es cuestión de diversión. ¿Se me presenta la posibilidad de salir en el video de "WAP"? ¡Vamos! Mi hermana dice --y no sé si estoy de acuerdo-- que mi música no es pop. Pero que yo sí.

No estoy de acuerdo. Porque quiero pensar que mi música es pop. Es solo otra forma de hacer pop. ¡Tiene que existir otra forma de hacer que sea pop! Björk lo demostró. Kate Bush lo demostró. Y necesito pensar que lo que hago es pop, porque entonces de lo contrario no creo que esté teniendo éxito. Lo que quiero es hacer música que ojalá pueda disfrutar mucha gente. Ese es mi plan.

CARAMANICA Lux es para ti tan pop como Motomami.

ROSALÍA cien por cien. Solo son códigos diferentes.

COSCARELLI Tu oyente promedio, aunque sea hispanohablante, no entenderá todas las palabras. ¿Le estás pidiendo mucho a tu público para absorber una obra como esta?

ROSALÍA Desde luego que sí. Cuanto más estamos en la era de la dopamina, más deseo lo contrario. Eso es lo que anhelo. A veces soy capaz de hacer el ejercicio de simplemente apagarlo todo y ver una película en un espacio oscuro de mi habitación.

COSCARELLI Incluso eso puede ser difícil sin mirar el teléfono.

ROSALÍA Es muy difícil. Pero por eso digo que tiene que haber algo que nos lleve allí. No sé si esto va a ser eso, pero al menos existe el deseo de que haya algo que te empuje a estar concentrado durante, con suerte, una hora en la que simplemente estés ahí. Simplemente estás ahí. Sé que es mucho pedir, pero eso es lo que quiero.

Joe Coscarelli es un periodista cultural del Times que se enfoca en la música popular y es copresentador del pódcast del Times Popcast (Deluxe) .

Jon Caramanica es un crítico de música pop que presenta Popcast , el pódcast de música del Times.

El nuevo álbum de la cantante y compositora británica, 'West End Girl', es una autobiografía salaz. Para los fans del pop hambrientos de detalles de la vida real, está resultando irresistible.

Desde que saltó a la fama en 2006 con su primer sencillo, "Smile", la cantante británica Lily Allen se ha convertido en una figura recurrente de los tabloides británicos y en un foco de controversia en las redes sociales. La prensa inglesa lleva mucho tiempo enfocada en la vida de las mujeres jóvenes, pero Allen resultó ser un blanco especialmente fácil: al principio de su carrera era conocida como una chica fiestera y malhablada que había detallado su vida en Myspace durante mucho tiempo y que no estaba dispuesta a suavizar su imagen ante las críticas.

En su álbum de 2009, It's Not Me, It's You , se burló de esta relación tóxica: "I'll look in The Sun and I'll look in The Mirror (Miraré en The Sun y miraré en The Mirror, un juego de palabras con el nombre de dos tabloides británicos, "el sol" y "el espejo" respectivamente)", decía con ironía en "The Fear", en referencia a los periódicos. En su cuarto álbum, No Shame , nueve años después, la jocosidad se había desvanecido: "If you go on record saying that you know me / Then why am I so lonely? 'Cause nobody [improperio] phones me (Si dices que me conoces, / ¿por qué me siento tan sola? Porque nadie [improperio] me llama por teléfono)", cantaba.

En su nuevo álbum, West End Girl , lanzado el viernes con solo una semana de anticipación, Allen adopta un enfoque diferente. Se trata de un relato sensacionalista, lineal y repleto de detalles sobre la disolución de un matrimonio; muchos creen que es una confesión sobre el fracaso de su relación con el actor de Stranger Things David Harbour, una suposición que Allen ha alentado en entrevistas (con la advertencia, según declaró al Times de Londres, de que "no creo que pueda decir que todo sea cierto"). En West End Girl, Allen escribe con franqueza sobre el descubrimiento de la infidelidad de su pareja, su deseo de refugiarse en el alcohol y los medicamentos recetados, y sus dificultades para iniciar una relación abierta. En esencia, Allen se ha convertido en la prensa sensacionalista, aireando los últimos trapos sucios de su vida antes de que nadie más pueda hacerlo.

West End Girl marca el final de algunos años alejados de la música para Allen. Se casó con Harbour en 2020; debutó en el West End de Londres en 2021, en 2:22 A Ghost Story, por la que fue nominada a un premio Olivier; y lanzó un pódcast, Miss Me?, para la BBC con su amiga Miquita Oliver, además de una cuenta de OnlyFans, ya cerrada, en la que compartía fotos de sus pies. Allen ha dicho que West End Girl, grabado en 16 días en diciembre de 2024, aborda los cuatro años anteriores de su vida; es una crónica salaz de un matrimonio en el que el marido engaña sistemáticamente a su esposa y la manipula psicológicamente.

West End Girl ha cosechado bastantes rumores y, en el esquema de la carrera de Allen, elogios singulares en el Reino Unido. Musicalmente, es uno de sus discos más interesantes --el productor de house Leon Vynehall colaboró en un puñado de temas, al igual que el productor australiano Kito--, pero no es en absoluto un cambio radical. Al igual que No Shame, trata de las secuelas de un divorcio complicado; presenta en gran medida una visión atenuada de los géneros centrados en Londres que siempre han sido la base del sonido de Allen, como el garaje, el soul y el dancehall del Reino Unido. Y al igual que "URL Badman", de su LP de 2014, Sheezus, hace un uso indebido de la terminología de internet, en la canción "4chan Stan".

La diferencia, sin embargo, es que West End Girl aprovecha la sed de historia personal de la música pop contemporánea: los detalles de la vida real que hay detrás de la música. En los últimos años, los artistas han enseñado a su público a escudriñar las canciones en busca de detalles sobre sus vidas personales: el "Drivers License" de Olivia Rodrigo invitaba a los oyentes a especular sobre quién podría ser "that blonde girl (esa chica rubia)", mientras que "Go-Go Juice", del reciente álbum de Sabrina Carpenter Man's Best Friend, hace una referencia oblicua a tres de sus exnovios en el estribillo. Taylor Swift, por supuesto, ha sido una precursora y virtuosa de la forma desde al menos "Dear John" en 2010. Las letras de su álbum más reciente, The Life of a Showgirl , han provocado interminables debates sobre sus fuentes, algunas más oblicuas (Charli XCX, su antiguo jefe de discográfica Scott Borchetta) y otras más explícitas (la virilidad de su prometido).

West End Girl abarca un terreno muy similar al de No Shame, pero lleva la marca de una artista que, tras casi 20 años de carrera, sabe cómo manipular las narrativas de los medios de comunicación. Allen no oculta ninguna de las revelaciones de su álbum bajo la poética o los juegos de palabras. Mientras los fans de Swift juegan a ser detectives y descifrar mensajes ocultos en las ilustraciones y las letras, el álbum de Allen, con sus escabrosos detalles sobre juguetes sexuales ocultos y mensajes de texto ilícitos, anima a sus oyentes a consumir West End Girl como si se tratara de un pódcast sobre crímenes de la vida real o una revelación en una revista de chismes.

En el álbum, Allen sugiere que escribir explícitamente sobre su propia vida es una forma de reclamar su poder en su relación rota: "I can walk out with my dignity if I lay my truth on the table (Puedo salir con dignidad si pongo mi verdad sobre la mesa)", canta en "Let You W/In". Ese motivo oculta preocupaciones menos altruistas: West End Girl ha devuelto a la conversación a Allen, quien ha discutido regularmente lo difícil que es para las estrellas femeninas del pop mantener su popularidad, tras el fracaso comercial de No Shame. Aunque sus cifras de ventas en la semana de su debut aún están por llegar, es un éxito en términos de economía de la atención, que da a Allen el impulso que buscaba desde hace años, aunque no sin pagar un precio.

Rosalía confirmó oficialmente el lanzamiento de su nuevo álbum, Lux, que verá la luz el próximo 7 de noviembre bajo el sello Columbia Records.

La cantante, compositora y productora español presentó la noticia este lunes en el corazón de Madrid, transformando la Gran Vía en el epicentro de su regreso musical.

El anuncio llegó acompañado de una imagen tan simbólica como provocadora: la portada oficial del disco, una fotografía de Rosalía vestida con hábito de monja sobre un fondo celeste, fue revelada ante una multitud de fanáticos y curiosos que se congregaron en la emblemática avenida madrileña.

El evento fue transmitido en vivo a través de TikTok e Instagram, aunque la transmisión en la primera plataforma se interrumpió inesperadamente después de que la artista fuera vista manejando y fumando un cigarrillo, una acción que viola las políticas de contenido de TikTok.

“He estado esperando tanto este día, este momento, y finalmente ha llegado”, dijo la famosa durante la transmisión, visiblemente emocionada.

En su sitio web oficial ya están disponibles las ediciones en vinilo y CD del álbum, incluyendo una versión especial con postales autografiadas por la artista, con un costo de 34.99 dólares.

Una campaña llena de misterio y simbolismo

El lanzamiento de Lux llega después de semanas de pistas y mensajes enigmáticos en redes sociales.

En septiembre, la cantante había publicado en X (antes Twitter) la frase “LUX = LOVE”, generando una ola de teorías entre sus seguidores. Días antes del anuncio, un enorme cartel en Times Square ya adelantaba el mes de lanzamiento del disco.

La artista también compartió un breve clip en el que se la veía escuchando una orquesta sinfónica mientras sostenía un rosario entre los dientes, una imagen que muchos interpretaron como un guiño al concepto visual del nuevo álbum, que parece explorar la relación entre la espiritualidad, el arte y la devoción.

En una reciente conversación con Highsnobiety, Rosalía habló sobre su evolución personal durante el proceso creativo del disco.

“He cambiado mucho, pero al mismo tiempo sigo dándole vueltas a las mismas cosas. Todavía tengo las mismas preguntas y el mismo deseo de responderlas. Sigo amando el pasado y siento la misma curiosidad por el futuro”, confesó.

Cabe destacar que Lux será el sucesor de Motomami (2022), el aclamado álbum que redefinió los límites del pop y consolidó a Rosalía como una de las figuras más innovadoras de la música global.

Aquel proyecto, coproducido junto a Noah Goldstein, Michael Uzowuru, Dylan Wiggins y Pharrell Williams, le valió a la artista el Latin Grammy al Álbum del Año, convirtiéndola en la primera mujer en la historia en ganar ese galardón dos veces, tras su victoria previa con El Mal Querer (2019).

El impacto de Motomami trascendió fronteras, ya que combinó flamenco, reguetón, electrónica y experimentación vocal en un manifiesto de libertad artística.

Desde entonces, la estrella ha mantenido una presencia constante en la escena internacional, colaborando con figuras como Björk, Lisa de Blackpink y Ralphie Choo.

En 2023, lanzó junto a Rauw Alejandro el EP RR, que incluía los temas “Beso”, “Vampiros” y “Promesa”. La química musical y personal entre ambos marcó una de las etapas más comentadas de su carrera.

A pocas semanas del lanzamiento de Lux, todo apunta a que Rosalía prepara una obra introspectiva, más espiritual y quizás más vulnerable.

En sus primeros días de lanzamiento, el nuevo álbum de Swift ha batido el récord establecido hace una década por "25" de Adele.

Cuando 25, el álbum de Adele, salió a la venta hace 10 años --con el éxito "Hello"--, vendió casi 3,5 millones de copias desde el principio, con lo cual rompió las cifras de ventas para una primera semana. Una industria musical atónita dio por sentado que, en la nueva era de la transmisión digital en directo, ningún álbum podría superarlo.

Pero entonces llegó Taylor Swift.

The Life of a Showgirl, que salió el viernes, ha superado el récord impuesto por Adele hace una década. Según los primeros informes de ventas recogidos por la empresa de seguimiento Luminate, y comunicados a Billboard, Showgirl ha registrado el equivalente de al menos 3,5 millones de ventas en Estados Unidos en sus primeros cinco días a la venta, cuando aún le quedaban dos días antes de que el jueves finalice el periodo de ventas de la primera semana.

El éxito se produce incluso mientras Swift navega por una reacción ambivalente a Showgirl. Para una artista acostumbrada a recibir grandes dosis de elogios de la crítica y los fans, las respuestas han sido muy dispares, incluidas algunas críticas notablemente duras --Pitchfork le dio 5,9 sobre 10, The Guardian dos estrellas sobre cinco-- y muchas reacciones decepcionantes en las redes sociales entre las alabanzas habituales.

"Acojo con satisfacción el caos", dijo Swift sobre las reacciones en una entrevista en video con Zane Lowe de Apple Music. "No soy la policía del arte", añadió.

El despliegue de Showgirl incluyó una "fiesta de lanzamiento" de 89 minutos en los cines durante el fin de semana, que incluyó el estreno de un video musical y segmentos entre bastidores que algunos críticos compararon con los materiales adicionales de un DVD. Obtuvo 33 millones de dólares en las taquillas de Estados Unidos y Canadá, con lo que superó el total de The Smashing Machine, la película más reciente de la estrella de acción The Rock.

Las matemáticas que hay detrás de la victoria de Swift demuestran que los formatos físicos, como los CD y los LP de vinilo, siguen siendo fundamentales para el éxito de los álbumes más vendidos, incluso ahora, cuando la transmisión en directo representa alrededor del 82 por ciento de los ingresos por ventas de música grabada en Estados Unidos, y servicios como Spotify y Apple Music se han convertido en las plataformas de escucha por defecto para la mayoría de los aficionados.

El recuento de 3,5 millones de ventas es un "equivalente", o número compuesto, utilizado por Luminate y Billboard para conciliar la popularidad de la transmisión en directo con las compras de pistas individuales y del álbum como paquete completo. De esos 3,5 millones de ventas equivalentes, unos 3,2 millones fueron "ventas tradicionales", o compras del álbum completo, con 2,7 millones registradas el primer día de lanzamiento. Eso significa que muchas de esas compras --quizá la mayoría-- se hicieron por anticipado. Swift no publicó ningún sencillo de Showgirl antes de su lanzamiento completo.

Las 300.000 ventas equivalentes restantes del nuevo álbum de Swift en su semana inaugural se atribuyen a la actividad de la transmisión en directo, según Luminate y Billboard.

El recuento hasta ahora incluye 1,2 millones de copias vendidas en vinilo, con lo que se supera el récord anterior de la propia Swift de 859.000 el año pasado por The Tortured Poets Department. Las cifras de Swift en vinilo se han disparado espectacularmente en los últimos años. Cuando lanzó Midnights en 2022, se estrenó con 575.000 copias en ese formato; 1989 (Taylor's Version), al año siguiente, hizo 693.000.

En 2006, cuando Swift comenzó su carrera discográfica, la industria musical estadounidense solo registró unas 900.000 ventas de LP de vinilo en todo el año, según datos de la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos.

Al igual que con otros lanzamientos recientes de Swift, las ventas del álbum Showgirl se vieron favorecidas por su disponibilidad en una gama de "variantes" y ediciones especiales, que incluían carátulas especiales, varios colores de vinilo y paquetes lanzados a través del sitio web de Swift por tiempo limitado.

Según Billboard, Showgirl salió a la venta en al menos 27 configuraciones distintas en formatos físicos --vinilo, CD e incluso casete--, incluidas cuatro que salieron en los últimos días. Durante un tiempo limitado, Swift vendió un paquete de 70 dólares que incluía un cárdigan con la marca "TS", de color naranja brillante al estilo de Showgirl, junto con un CD en una caja.

Se espera que las cifras definitivas de ventas de la primera semana de Showgirl se anuncien a principios de la semana que viene.

Ben Sisario , periodista especializado en música y la industria musical, lleva más de 20 años escribiendo para el Times.

Las copas mundiales de fútbol tiene aspectos que las hacen especiales para los fanáticos del deporte más popular del mundo, siendo que se realice cada cuatro años uno de los más destacados.

La espera para que se juegue la cita orbital hace que se generen costumbres ligadas al torneo de naciones, una de ellas es completar el álbum de la empresa Panini, que se estrenó en 1970, cuando el mundial se jugó en México.

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En Colombia esto no es una excepción; además, la ausencia de la Tricolor en varios mundiales ha hecho que en las ocasiones que Colombia jugó la copa, se genere más expectativa por el coleccionable, como se registrará en 2026.

Se tiene previsto que la próxima entrega del álbum sea lanzada al mercado entre abril y marzo de 2026, cuando falten dos meses para que se juegue el torneo de naciones.

Debido a la importancia que le dan los coleccionistas a este tipo de elementos, el medio especializado Valora Analitik realizó un informe en el que destacó el valor económico de un álbum que haya sido completado.

En primera instancia, indicaron que en el país suele tener más valor un coleccionable del año en el que Colombia haya jugado el mundial, es decir: 1990, 1994, 1998, 2014 y 2018.

El de menor valor de los mundiales del siglo XX sería el de Francia 1998, puesto que Colombia fue eliminada en primera ronda y los hinchas no tenían la misma expectativa por los resultados de la Tricolor en esa ocasión, un coleccionable de ese año podría ser valorado entre 500.000 y 670.000 pesos.

“Los álbumes de los Mundiales de Italia 1990 y EE. UU. 1994 son considerados la base del coleccionismo de la Selección Colombia debido a que marcan las primeras participaciones después de 28 años (Chile 1962)”.

En ese sentido, el segundo con más valor es el de Estados Unidos 1994, que es valorado por un precio similar al de Francia, puesto que en el país no se tienen recuerdos positivos de esa edición, aunque la presencia de figuras como Faustino Asprilla y Andrés Escobar hace que sea valorado de una mejor forma para algunos expertos.

En ese sentido, el más valioso es el de la copa del mundo de 1990, que se disputó en Italia y marcó el regresó de la Tricolor a la cita orbital tras haber participado de la copa de Chile en 1962.

Aspectos como el gol de Freddy Rincón a Alemania y el paso a octavos de final de la selección hacen que sea mejor valorado; de acuerdo con el medio citado, si una persona cuenta con un álbum de esa edición, que esté firmado por alguno de los jugadores de Colombia de esa época, puede venderlo en el mercado por más de cinco millones de pesos.

Sobre las últimas dos ediciones que disputó Colombia, indican que el valor oscila entre los 200.000 pesos en el caso del álbum de Brasil 2014; sin embargo, resaltan que al ser el regreso de la Tricolor a esta competición tras 16 años, podría aumentar su precio con el paso de los años, en un aspecto similar a lo que se registra con el de la copa de 1990.

En el caso de Rusia, un álbum completo puede ser vendido por más de 250.000 pesos, en todos los casos, tener la firma de algún deportista que esté en el coleccionable hace que su valor aumente considerablemente.

Cabe recordar que en 2022 Panini lanzó dos ediciones del álbum, en hoja convencional y una de pasta dura, el precio de cada sobre era de 3.500 pesos.

En su duodécimo álbum original, la superestrella del pop parece hambrienta de abrazar su futuro, pero primero se ocupa de algunos asuntos pendientes.

Para hacerte una idea de lo que ha estado animando a Taylor Swift últimamente, avanza rápido hasta un par de canciones ágiles, coquetas y propicias para la transpiración de la segunda mitad de su nuevo álbum, The Life of a Showgirl.

Primero está "Actually Romantic", una lasciva oda a un enemigo cuya atención es tan absoluta, tan concentrada, que no puede evitar sentirse como una forma de lujuria. "Sonaba desagradable, pero parece como si estuvieras coqueteando conmigo", canta Swift sobre una estridente línea de guitarra, antes de concluir con un jadeo: "Como que me excita".

Un par de canciones más tarde llega "Wood", una oda casi bobalicona a un… amante de confianza. Tras una extasiada introducción de guitarra inspirada en gran medida en "I Want You Back" de los Jackson 5, Swift recorre una decena de sonrojantes metáforas antes de cantar con dulzura: "No es difícil de ver / su amor fue la llave / que abrió mis muslos".

Es decir, Swift está hambrienta, hambrienta de dejar atrás las batallas de su pasado y abrazar su futuro.

Este sentimiento está presente en su duodécimo álbum original, un conjunto de canciones aparentemente modestas sobre la fachada de la fama y lo que se necesita para rasparla y superarla. Swift ha sido la figura alfa del pop durante más de una década, un lugar al que se ha aferrado sin piedad. Showgirl no es precisamente un adiós a todo eso, pero lanza una mirada cautelosa a su pasado mientras saluda a su futuro con un regocijo que roza lo desenfrenado.

También sirve como colofón implícito a la carrera de Swift hasta la fecha. En los 18 meses transcurridos desde el lanzamiento de su último álbum, The Tortured Poets Department, Swift ha puesto fin a su gira Eras Tour después de 149 conciertos en cinco continentes, lo que la convierte en la gira de mayor éxito económico de la historia; ha recuperado el control de todas sus grabaciones maestras en un acuerdo por valor de 360 millones de dólares y, posteriormente, ha puesto fin al proyecto de regrabar sus primeros álbumes; y ha anunciado su compromiso con la estrella del fútbol americano Travis Kelce.

Cada uno de estos acontecimientos marca la conclusión de una importante narración de Swift: The Life of a Showgirl sugiere cómo podría estar avanzando, cuando no entierra con firmeza huesos viejos. Es un álbum pegadizo y sustancioso, pero sin estridencias, que toma la intimidad compositiva de su época de Folclor / Evermore y la interpreta con más claridad y fuerza. Está hecho íntegramente con Max Martin y Shellback, los magos suecos del pop a los que ya había recurrido anteriormente para éxitos que restablecieron su carrera, como "We Are Never Ever Getting Back Together" y "I Knew You Were Trouble" de Red, y gran parte de su gran triunfo pop 1989, como "Shake It Off" y "Bad Blood". Pero aquí, no se trata tanto de crear un mundo como de señalar puntos, subrayando sin esfuerzo la juguetona y tensa forma de componer de Swift, que se mantiene en buena forma.

Showgirl se presenta como la banda sonora de la felicidad romántica emergente de Swift, y las tres primeras canciones se centran intensamente en ese sentimiento. La tranquilamente extática "The Fate of Ofelia" promete devoción eterna a quien "me sacó de la tumba y / salvó mi corazón del destino de Ofelia". (El debate de Swift sobre Hamlet en el pódcast New Heights de Kelce en agosto fue, por supuesto, una pista).

Le sigue la melodramática "Elizabeth Taylor", en la que vincula su historia romántica a una figura de Hollywood que fue amada de manera legendaria, dejada de amar y amada de nuevo. Después viene la implacablemente brillante "Opalite", una de las canciones más clásicas de Swift-Martin, con destellos de Fleetwood Mac y armonía de grupo de chicas, y Swift mirándose cruelmente en su espejo --"Tenía la mala costumbre de echar de menos a los amantes del pasado / mi hermano solía llamarlo 'comer de la basura'"-- antes de regocijarse en un amor que la rescató de "bailar entre los rayos".

Una vez expuesto su punto de vista sobre el futuro de Swift, Showgirl vuelve la vista atrás para ajustar cuentas, cosechar recuerdos resbaladizos y poner los ojos en blanco ante el tipo de vida glamorosa que se espera que las estrellas persigan y encarnen. Si el principio del álbum es un envoltorio, el resto es un desprendimiento.

La eliminación de enemigos comienza con "Father Figure", un desmantelamiento sorprendentemente alegre pero decidido de alguien --quizás Scott Borchetta, el antiguo jefe de la discográfica de Swift, quien vendió las grabaciones maestras de Swift en primer lugar-- que intentó apalancarse en su poder y experiencia, solo para que se invirtieran los papeles. Swift la canta con descaro, como una asesina que alcanza su objetivo y se jacta: "Resulta que la tengo más grande". (El guiño de la canción a George Michael, acreditado como escritor, es rítmicamente sutil, no literal).

"Actually Romantic" quizá sea una réplica al supuesto ataque de Charli XCX a Swift en "Sympathy Is a Knife" (o, si el tono saturado de la guitarra lo delata, quizá a la caprichosa hija de Swift, Olivia Rodrigo). Incluso "Honey", la canción más acaramelada del álbum --un guiño a una de sus canciones de amor que más quitan el aliento, "New Year's Day"--, se centra más en la gente cruel que esgrimía apodos como armas mucho antes de que alguien en quien Swift confiaba los utilizara como un abrazo.

En la medida en que Swift se preocupa por la herencia musical, da a conocer su lealtad con la única invitada del álbum, Sabrina Carpenter, que ofrece una simpatía de tipo country en la canción que da título al álbum, deleitándose y lamentándose alternativamente de cómo la fama exige versiones endurecidas de uno mismo. Dado que es la imagen motriz del ciclo del álbum, parece una idea de última hora añadida como canción final.

No obstante, es coherente con gran parte del resto de Showgirl, en el que el enemigo es la propia celebridad: la meditativa "Eldest Daughter" es una balada irónica sobre lo que es cool en línea. "No soy una mala tipa", canta Swift en el estribillo, una de sus voces más convincentes del álbum. Esa libertad para ser básica también da color a "Wish List", la canción más pop del álbum, arrullada sobre un lecho de sintetizadores chispeantes.

La única nota falsa es "Cancelled!", que es un zapateado malhumorado en el que Swift se alinea con los villanos de la vida pública: "Al menos sabes exactamente quiénes son tus amigos / Son los que tienen cicatrices iguales". Es una llamada a una versión de Swift más centrada en las víctimas de la década de 2010, cuando hizo de la tensión entre la realidad de la fama y su imagen el centro de su trabajo. En este contexto, sin embargo, suena casi cómicamente teatral, una protesta exagerada de antaño.

Showgirl no es un giro brusco como Red o Reputation , álbumes arriesgados en su momento que ampliaron la paleta musical de Swift. Desde el punto de los temas, es más parecido a Reputation, pero sus colaboradores no la cubren de brillo ni de skronk, sino que dejan respirar a sus composiciones. También es algo así como un Eras Tour en miniatura: "Cancelled!" suena como un fragmento de Reputation; "Ruin the Friendship", sobre una conexión adolescente perdida, recuerda al aturdido "Fearless". En ese sentido, Showgirl es una forma de caos más convincente que los dos álbumes anteriores de Swift, Midnights y The Tortured Poets Department , que eran complicados y sin centro.

La felicidad conyugal y la resolución de todos los asuntos pendientes de Swift pueden ofrecer la oportunidad de un álbum más centrado en el futuro. Swift parece anhelarlo en "Wish List": "Le decimos al mundo que nos deje en paz [improperio], y lo hacen". Showgirl deja entrever cómo podría sonar un álbum de Swift sobre el amor correspondido, pero por ahora no ha superado el sabor de la sangre.

Taylor Swift The Life of a Showgirl (Republic)

El productor Andrew Watt ha confirmado que volvió a colaborar con The Rolling Stones en el nuevo álbum en el que la legendaria banda británica está trabajando. Watt estuvo detrás de la producción de ‘Hackney Diamonds’, el vigésimo cuarto disco de estudio del grupo, lanzado en 2023, que les valió un premio Grammy.

En declaraciones para Rolling Stone, el productor calificó la experiencia de trabajar con los Stones como “trabajar para Batman”. Sin embargo, evitó entrar en mayores detalles sobre el proyecto: “Cuando la lengua [el icónico logo de la banda] está en el aire, simplemente vas con eso… Puedo decir que grabamos juntos, pero eso es todo lo que puedo decir”, señaló.

Watt ya había explicado a Rolling Stone en febrero que quedaron numerosas canciones descartadas de las sesiones de ‘Hackney Diamonds’ y que sería positivo si pudieran ver la luz: “Fue un momento muy prolífico para la banda. Habían acumulado como 18 años de material. Había muchísimo por revisar y seleccionar, y después surgieron nuevas canciones simplemente porque todos estaban en una buena racha”, relató.

Por su parte, Marlon Richards, hijo del guitarrista Keith Richards, corroboró que el grupo ha avanzado significativamente en el próximo álbum, al que calificó de “casi terminado”. Durante una entrevista para el especial de Record Collector dedicado a los Rolling Stones realizada en mayo, Marlon indicó: “Están en la ciudad ahora mismo, grabando. Están en Chiswick [en el oeste de Londres] o en algún lugar así; creo que ya casi terminan. Mantienen esos horarios ridículos: después del almuerzo hasta las dos de la mañana. ¡Yo preferiría estar en otro lugar a esas horas! Si no eres parte del proceso, la verdad es que es bastante aburrido”.

Al ser consultado sobre el proyecto, Richards hijo aclaró: “Supongo que es un álbum — tienen suficiente material del anterior”. Añadió que los miembros de la banda se mostraban motivados tras el reciente reconocimiento: “Les dieron un Grammy, así que ahora están muy entusiasmados con eso: ‘¡Oh, sí, podemos hacer otro igual! Tenemos más como esos, si los quieren…’. Creo que están preparando el sucesor”.

También mencionó que su padre y el grupo planean una gira por Europa. Mientras que el año pasado recorrieron estadios en Estados Unidos, informes recientes indican que el grupo habría suspendido por problemas de agenda una posible gira en el Reino Unido y el continente europeo. La última vez que tocaron en el Reino Unido fue en 2022, con dos conciertos multitudinarios en BST Hyde Park tras presentarse en el estadio Anfield de Liverpool.

En cuanto al nuevo material, el guitarrista Ronnie Wood declaró a NME en 2023 que debieron descartar “alrededor de 23 canciones” y opinó que no pasarían otros 18 años hasta un siguiente lanzamiento. Sobre los descartes, Wood puntualizó: “Las canciones de los Stones evolucionan, pero ya tienen la esencia cuando las tocamos por primera vez, o no la tienen. Algunas estaban algo vacilantes. Tenemos que revisarlas de nuevo. Así es como se hace buena música: dándole forma como a un modelo de arcilla”.

Zak Starkey, ex baterista de The Who, hizo un llamado a través de su cuenta de Instagram a Axl Rose para que devuelva una grabación original que, según Starkey, podría recaudar hasta 2 millones de dólares en beneficio de la fundación Teenage Cancer Trust, que lucha contra el cáncer infantil.

El tema es una versión especial del clásico de T-Rex, “Children of the Revolution”, en la que Rose canta junto a Elton John y Ringo Starr.

La canción que fue grabada en 2017, fue interprentada en vivo por Guns N’ Roses y The Who en el festival Rock In Rio de ese mismo año y estaba destinada a formar parte de un álbum que intentaba recaudar dinero para una causa benéfica.

Starkey, también reconocido por ser hijo de Ringo Starr, invitó a Axl Rose a que deje de posponer el lanzamiento del disco, y que permita que la canción se comparta y comience a recaudar el dinero que se donará.

“Querido Axl Rose, por favor devuélveme el máster de la canción. Mi esposa Sshh Ligus y yo pasamos 3 años haciendo este tributo a Bolan para el cáncer juvenil”, dijo.

En el mensaje, el músico mencionó que su esposa y su padre Ringo Starr, “editaron la canción para incluir los solos de Slash, Duff, y Elton”. Además, indicó que ese trabajo se hizo antes de que Axl le pidiera a Sshh una oportunidad para cantar en el proyecto.

Zak Starkey lamentó que el máster estuviera guardado, pues aseguró la casa de subastas Christie’s estimó que los coleccionistas podrían pagar hasta 2 millones de dólares por la grabación original, lo cual sería donado a la fundación Teenage Cancer Trust, “¡Vamos hermano, no seas así!“, suplicó Starkey.

Por si fuera poco, el artista colocó parte de la canción en su post de Instagram como un adelanto de lo que los fans pueden esperar.

“Esta es la primera mitad, ¡y luego se pone salvaje! Todo lo generado por este disco… se destina al cáncer adolescente; si se publica, lo cual depende totalmente de que los increíbles participantes nos den luz verde””, expresó.

Y añadió: “Ringo/Elton/Duff/Slash. ¡Vamos, gente increíble! Saquemos este disco y ayudemos a estos adolescentes de los que, como músicos, pendemos tanto".

Por si fuera poco, Starkey apeló a la urgencia que tienen los jóvenes que sufren esta enfermedad para recibir un tratamiento. “Si esperamos mucho más, puede que algunos de estos valientes jóvenes no tengan tiempo de escucharlo”, expresó.

Cabe destacar que la asociación que ayuda a jóvenes con cáncer recibe apoyo de artistas quienes organizan conciertos y participan en campañas publicitarias para recaudar fondos.

Roger Daltrey vocalista de The Who se desempeña como embajador honorario de la organización. El cantante lanzó una serie de conciertos en favor de la fundación en el 2000, recaudando más de 40 millones de dólares.

El año pasado Daltrey anunció que dejaría de ser curador de los ventos, aunque seguirá siendo embajador honorario de la fundación. En su lugar queda Robert Smith, vocalista de The Cure, quien estará encargado de organizar la próxima ronda de conciertos.

Seúl, 18 ago (EFE).- La banda de K-Pop femenino Blackpink lanzará su nuevo álbum de estudio en noviembre, según dijo este lunes un responsable de su agencia de representación, en el que supone su primer disco en tres años.

Yang Hyun-suk, fundador y productor ejecutivo de YG Entertainment, señaló que la banda se encuentra trabajando en un nuevo disco y que harán todo lo posible para lanzarlo en noviembre, según explicó en un video publicado en el blog de la compañía.

Este supone el primer álbum de la banda en tres años y dos meses, desde que lanzaran su segundo álbum de larga duración, 'Born Pink', en septiembre de 2022.

La banda, formada por Jisoo, Lisa, Rosé y Jennie, se encuentra también en una gira mundial llamada 'Deadline' (fecha límite), que comenzó en Seúl y ha pasado ya por Barcelona, Londres y otras ciudades.

Todas las integrantes del cuarteto han debutado en solitario tras lanzar dos álbumes juntas: 'The Album' (2020) y 'Born Pink' (2022), y participar en tres giras mundiales.

Blackpink es el grupo musical internacional más seguido en YouTube, con casi 100 millones de suscriptores.

La cantautora reveló el nombre de su duodécimo álbum de estudio original en un anuncio sorpresa, pero no dio más detalles.

A Taylor Swift le gusta anunciar sus álbumes de forma espectacular. El martes volvió a hacerlo, pues reveló el nombre de su duodécimo álbum de estudio original, The Life of a Showgirl, cuando una cuenta regresiva en su sitio web marcaba las 12:12 a. m., hora del este.

No reveló la fecha de lanzamiento del álbum ni ninguna otra información sobre sus canciones.

Conocido por introducir guiños de manera meticulosa antes de los anuncios, el equipo de Swift desató las especulaciones de sus hiperatentos seguidores al publicar en Instagram el lunes un carrusel de fotos. ¿Podrían corresponder las 12 fotos, tomadas en paradas de la gira Eras Tour, con el duodécimo álbum de estudio de la cantautora? ¿El patrón de atuendos naranjas coincide con la práctica de Swift de codificar su catálogo por colores?

"Pensando en cuando ella dijo; 'Nos vemos en la próxima era…'", se lee en el pie de foto de la publicación.

El anuncio coincidió con la noticia de que Swift haría una inusual aparición en los medios en el pódcast New Heights, presentado por su novio, Travis Kelce, y el hermano de este, Jason Kelce. Está previsto que el episodio aparezca el miércoles.

Las teorías de los fans empezaron a crecer el lunes, cuando el pódcast publicó en las redes sociales un adelanto que anunciaba a una invitada misteriosa "MUY especial" con una silueta. Su aparición se confirmó el lunes por la noche, cuando las redes sociales del pódcast publicaron un breve fragmento en el que aparecía Swift sentada junto a Travis Kelce.

La decisión de aparecer en New Heights puede ser algo más que favoritismo. El programa de los hermanos Kelce tiene una enorme comunidad de seguidores. Este mes, ocupó el puesto número 10 en audiencia en Estados Unidos.

Travis Kelce, el ala cerrada estrella de los Kansas City Chiefs, ha mencionado a Swift en contadas ocasiones en el pódcast, en el que se tratan temas deportivos y de cultura pop. Pero cada aparición pública de la pareja ha sido analizada con lupa desde que su relación se hizo pública en 2023.

Swift ha estado muy callada desde que terminó su gigantesca gira mundial en diciembre, tras recorrer cinco continentes en casi 150 conciertos.

Pero la cantautora anunció a finales de mayo que había adquirido las grabaciones maestras de sus seis primeros álbumes a la empresa de inversiones Shamrock Capital, lo que le otorgaba la propiedad de todos sus videos musicales, películas de conciertos, arte y fotografía de álbumes y canciones inéditas. Fue un acuerdo trascendental --con un valor de 360 millones de dólares, según Billboard-- que puso fin a una odisea sobre las grabaciones que había comenzado en 2019, cuando el mánager musical Scooter Braun adquirió el catálogo. Braun lo vendió a Shamrock al año siguiente, lo que llevó a Swift a iniciar el proceso de regrabar esas obras y publicarlas como Taylor's Version.

"Todo lo que siempre he querido era tener la oportunidad de trabajar lo suficiente para poder comprar algún día mi música sin condiciones, sin asociación, con plena autonomía", escribió Swift en una carta en la que anunciaba su compra.

Su álbum de estudio original más reciente, The Tortured Poets Department, salió en abril de 2024, después de que ella lo anunciara mientras aceptaba un Grammy.

Aunque Swift ha mantenido un perfil bajo, ha sido un blanco frecuente del presidente Donald Trump. Swift apoyó a Kamala Harris en las elecciones de 2024 (a pesar de que Trump publicó imágenes generadas por IA que sugerían falsamente que la cantante le daba su apoyo). Más tarde, Trump dijo que prefería a la esposa de uno de los compañeros de equipo de Kelce, a quien, al parecer, le gustó una publicación en las redes sociales en la que se apoyaba a Trump. La semana pasada, volvió a apuntar a Swift en una publicación de Truth Social en la que afirmaba que su popularidad había disminuido desde que él renegó de ella.

Julia Jacobs es una reportera de arte y cultura que a menudo cubre temas legales para el Times.

Es por ello que ha sido sorpresiva su participación en el pódcast Los hombres sí lloran, presentado por el actor Juan Pablo Raba.

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Durante la entrevista, Cepeda habló del miedo que tenía su mamá, Myriam Cediel, antes de morir, principalmente, por el futuro de Andrés, que era el hijo menor del matrimonio que sostuvo con Humberto Cepeda.

Sin saberlo, la perdida de su madre, cuando tenía 20 años, provocó que consolidara un vínculo más cercano con su padre, con el que compartía su amor por la música.

“Ese día llegamos, abrimos la puerta y empezó otra vida. Sin decirnos mucho, porque yo era el menor, los otros (sus hermanos) estaban casados y con hijos ya, ahí empezó una de las etapas más bonitas de la vida para mí”, indicó el bogotano.

Cepeda describió la cercanía que forjó con su padre como un reino en el que ellos mandaban y se acompañaban en medio del duelo.

“No acercamos una barbaridad, nos estábamos acompañando, teníamos en común la música y vivíamos solos en la casa en donde ahora reinábamos nosotros… Nos volvimos amigos y cómplices”.

De la misma forma, indicó que sintió que el temor de su madre ya no estaba porque desde el más allá pudo observar que él y su padre estarían para apoyarse mutuamente.

“Fue una época muy linda que vivimos hasta que él empezó a enfermarse. Esa preocupación de mi mamá se evaporó esa misma noche, nos dimos cuenta de que estábamos los dos, que debíamos funcionar los dos y que por una razón que no entendíamos, parecía que íbamos a funcionar muy bien los dos”.

Sin embargo, años más tarde, su padre fue diagnosticado con alzhéimer, haciendo que la música se convirtiera en el lugar en el que podía reencontrarse de vez en cuando con su progenitor.

“Esta persona va perdiendo capacidades, se va disminuyendo, se va achicando, se va encogiendo, pero resulta que cuando venía ese tema de la música pasaba algo muy mágico, cuando mi papá se sentaba a escuchar música se iluminaba y tenía unos momentos de lucidez muy cortitos”.

Para Andrés Cepeda, la forma con la que su padre tenía lucidez con algunas canciones solo podía ser asociado con algo fantástico.

“Empezamos a procurar hacer eso más a menudo para tener un poco más de él. Era mágico ver como él regresaba a su ser por medio de la música”.

Al contextualizar a Juan Pablo Raba sobre esa situación, recordó que tras la muerte de su padre, una emisora le pidió una canción para recordarlo, haciendo que junto a sus hermanos hicieran una lista de los sencillos favoritos de Humberto Cepeda.

“Llamé a mis hermanos y les conté, ellos me respondieron y me mandaron varias… pero una de esas, la que más lo acompañó a él al final, es un tango que se llama Por una cabeza… fui rápido al estudio y le dije al tipo «Esta es la canción, pero esa es mi versión»“.

Sin saberlo, esa situación lo hizo recordar de nuevo la conexión que tenía con su padre por la música, lo que provocó que grabara las canciones favoritas de su papá en un sencillo que nombró Me estás haciendo falta.

“Yo quedé feliz, pero quedé revisando las anotaciones y había otras diez, estábamos en pandemia y no tenía nada que hacer. Me fui para la finca con el estudio portátil y grave las 11 canciones favoritas de mi papá, ese es uno de los álbumes que más amo en la vida”.

Ciudad de México, 31 jul (EFE).- “A mí me gusta más la palabra reencontrarme que reinventarme”, comenta a EFE la cantante colombiana Fanny Lu durante su visita a México para presentar su último álbum ‘Una vida bien vivida’, en el que hace un repaso a lo mejor de su carrera y colabora con grandes amigas suyas como la mexicana Yuri, con la que presenta el tema ‘Otra Partida’.

“Siento que en la autenticidad de tu estilo, tu ser, tus mensajes y forma de hablar, la forma que tienes de cantar y tus gustos musicales es en definitiva tu esencia, la magia que te conecta con el público y contigo misma. Y la música tiene que ser esa expresión de ti”, relata.

Con este nuevo disco internacional, en el que participan estrellas y colegas de Fanny Lu de todos los países, como los hermanos Baute representando a Venezuela o Ana del Castillo de Colombia, se siente no solo el cariño hacia su música, sino a todos los artistas que la han acompañado en sus 20 años de trayectoria musical.

“Yo quiero que no haya fronteras en la música y en la vida(...) Que todos podamos agarrar el teléfono y decir: 'Te admiro y quiero hacer una canción contigo', que no haya limitación”, desarrolla.

Esa predisposición de trabajar con sus “amigos musicales” la llevó a colaborar por primera vez con Yuri, una cantante a la que admira desde que era niña, pues es una referente tanto por su larga presencia en la industria musical, de más de 40 años, como por su carácter feminista.

“A Yuri le digo: 'No sabes güera (rubia) lo que tú me has enseñado, no solo ahora, sino desde chiquita. Mi niña interior está tan feliz de hacer esta colaboración, porque no voy a olvidar jamás'”, confiesa.

Referentes feministas

Ahora que Fanny Lu ya es adulta, se siente unida a Yuri en “la necesidad” de que la mujer tenga “empatía y complicidad” con otras; una apuesta que para la colombiana siempre ha sido “una constante en su música”.

“Siempre hablamos las dos de la resiliencia, del empoderamiento. Eso ha sido parte de nuestro lenguaje con nuestros fans, y por eso nos unimos en esta canción que invita a siempre arriesgarte, a jugar otro partido por la vida, a creer y apostar por ti sin importar que te equivoques”, agrega.

A pesar de haber tenido una carrera prolífica, a sus 52 años, Fanny Lu afirma que en la vida y en el trabajo “siempre hay altos y bajos que desaniman” pero todo puede “enriquecerse personalmente”.

“Me he dado espacios, porque es evidente que la industria ha cambiado y eso tampoco está en manos de uno. Nos hemos ido acoplando, pero insistiendo en este sonido que amamos y conservando el camino que hemos hecho”, confirma.

La colombiana todavía siente añoranza de cuando la música era física y se compraban discos, aunque admite que las redes sociales son la manera de llegar a la audiencia más joven.

“(Las redes sociales) son hoy en día como era escuchar la radio, es decir, son la manera de llegar a tu público de manera instantánea. Es una retroalimentación más automática y la magia de ahora es eso también”, concluye.

Miami (EE.UU.), 31 jul (EFE).- El cantautor colombiano Andrés Cepeda dijo en entrevista con EFE que su nuevo disco 'Bogotá Deluxe', que estrenó este jueves, rinde homenaje a la ciudad que lo vio nacer y crecer y que mientras él ha envejecido, "Bogotá cada vez está más joven, más diversa y más grande".

Esta nueva edición especial de su álbum más reciente 'Bogotá', lanzado el pasado abril, incluye tres canciones inéditas: 'Bien', junto a la banda colombiana Morat; 'Próxima estación', de la mano del dúo mexicoestadounidense Ha*Ash, e 'Imagina', con el cantante puertorriqueño Luis Fonsi, con quien graba por primera vez tras años de amistad.

Este proyecto empezó cuando Cepeda regresó a la casa donde nació y creció, en Bogotá, la cual compró para vivir allí de nuevo: "Había ausencias, el tiempo había pasado, los niños no estaban, los viejos no estaban, muchas cosas habían cambiado", relató.

Una sensación de nostalgia y de paso del tiempo que le llevó a empezar este homenaje a su ciudad: "Estuve varias semanas andando por Bogotá, tomando nota, recordando personajes y lugares que han sido importantes para mí".

Para el artista, "cantándole y creando vínculos emocionales con ella, y no solamente habitándola", es "una manera de hacer que una ciudad sea mejor y más amable".

Y en un disco que le canta a la ciudad al pie de los cerros, no podía faltar el grupo Morat que, como Cepeda, se originó en esta misma urbe, y con el que comparte los temas 'Déjame ir' (2020) y 'Mi pesadilla' (2021).

"Me encanta colaborar con ellos porque siento que estoy regresando a esos orígenes", subrayó Cepeda sobre el grupo, que le recuerda a cuando se adentró en el mundo de la música en la década de los 90 con la banda de pop-rock bogotana Poligamia, conocida por temas como 'Desvanecer' y 'Mi generación'.

Aunque es un disco profundamente personal y local, "a cualquier persona que oiga 'Bogotá Deluxe' le puede pasar lo que me pasó a mí cuando escuchaba cantar a Charly García sobre Buenos Aires, a Joaquín Sabina sobre Madrid o a Billy Joel sobre Nueva York", declaró Cepeda, quien pretende que "una persona que no conozca mi ciudad, pueda entender a qué sabe y a qué suena Bogotá".

"Dentro de lo más local y de lo más inmediato están las historias más universales", aseguró, destacando que así logra conectar con personas de diferentes culturas.

"Un buen ejemplo de un colombiano que hizo eso con gran éxito es (el Nobel de Literatura Gabriel) García Márquez, quien compartiendo desde lo más local y provincial, logró llegar a la mente, a las emociones y al interés de lectores en todos los idiomas y en todo el planeta", añadió.

El 6 de agosto, día en que se celebra el aniversario de la capital colombiana, Cepeda presentará el nuevo álbum en el emblemático Teatro Colón de su ciudad, un lugar "muy significativo" para el cantautor, quien recordó que su madre, que falleció cuando él tenía 20 años tras enfrentar un cáncer de páncreas y a quien dedicó el tema 'Bogotá', soñaba con verlo cantar en ese escenario.

El artista bogotano regresó de una gira por Suramérica, Canadá y España, y ahora se prepara para conciertos en Colombia, República Dominicana y Estados Unidos, entre ellos su debut el 2 de noviembre en el James L. Knight Center de Miami, un emblemático escenario de la música latina al que llega con "mucha ilusión".

El próximo año regresará a Europa para continuar su gira, y reveló que acaba de grabar en vivo un disco en formato 'big band' que recorre la historia del jazz, desde Nueva York y Chicago, pasando por Cuba, Puerto Rico y México hasta "vestirse de porro y de cumbia" en Colombia, y que planea presentar entre finales de 2025 y comienzos de 2026.

Tras más de 30 años en la música, que para él ha sido "un viaje muy interesante" por géneros que van desde el rock y los boleros hasta la música caribeña y las baladas románticas, Cepeda se mantiene motivado por un oficio que le encanta, y reconoció que aprende mucho de la interacción con músicos más jóvenes, quienes le transmiten su "ímpetu e ideas diferentes y nuevas".

Blanca Escriche

Después de 50 años de espera y tras una serie de especulaciones y mensajes crípticos, el mítico álbum Buckingham Nicks, que definió el debut de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks antes de unirse a la legendaria banda Fleetwood Mac, será reeditado oficialmente el próximo 19 de septiembre.

La reedición tendrá un numero limitado de copias y será cuidadosamente remasterizada con material adicional.

Rhino High Fidelity reestrenará el álbum en una edición especial, limitada a 5 mil copias con 2 mil discos replicas de dos sencillos en vinil de 7 pulgadas “Cryng in the Night”/“Stephanie” junto a “Don’t Let Me Down Again”/ “Races Are Run”.

Esta reedición tan esperada estará disponible en formatos CD, digital y vinil los cuales también tendrás ediciones de colores únicamente en tiendas seleccionadas.

¿Qué hay detrás de la reedición?

El trabajo proviene del descubrimiento de las cintas análogas originales del estudio, garantía de una experiencia sonora fiel.

En los textos incluidos en la reedición, Stevie Nicks recuerda la etapa cuando emprendió su carrera musical con Buckingham.

“Sabíamos lo que teníamos como dúo, dos compositores que cantaban bien juntos. Fue algo muy natural desde el principio”. Por su parte Buckingham afirmó que recuerda haber sido muy joven y sentir que estaba intentando algo muy complejo.

“Como se esperaba, era un álbum hecho por dos chiquillos demasiado inexpertos como para estar haciendo ese tipo de trabajo”. Finalizó.

La reedición de Buckingham Nicks incluye algunos temas como “Crystal” y “Frozen Love” los que serían retomados en Fleetwood Mac, siendo estas baladas las que Mick Fleetwood escucho cuando decidió reclutar al dueto.

Las diez canciones del álbum son:

Lado A

1. Crying in the Night
2. Stephanie
3. Without a Leg to Stand On
4. Crystal
5. Long Distance Winner

Lado B

1. Don´t Let Me Down Again
2. Django
3. Races Are Run
4. Lola (My Love)
5. Frozen Love

El día que Stevie Nicks y Lindsey Buckingham se volvieron miembros de Fleetwood Mac

El relanzamiento de Buckingham Niks representa un acontecimiento clave para los seguidores de la banda, melómanos y profesionales de la industria musical.

Originalmente el álbum fue producido por Keith Olsen y grabado en los épicos estudios Sound City de Los Angeles donde han pasado U2, Johnny Cash y Bob Dylan, sólo por mencionar unos cuantos. Finalmente Buckingham Nicks se lanzó el 5 de septiembre de 1973, pese al talento y gran química de los interpretes el álbum fue un fracaso comercial, lo que resultó en la finalización del contrato con Polydor.

En ese entonces Nicks tenía 25 años y tuvo que trabajar como mesera en un restaurante de Beverly Hills mientras que la pareja buscaba nuevas oportunidades.

Fue hasta que el destino los cruzó con Mick Fleetwood, quién escuchó el álbum en casa de Olsen y quedó impresionado con el sonido, en consecuencia invitó a Buckingham a unirse a la legendaria banda Fleetwood Mac, Lindsey aceptó con la condición de que Nicks también lo hiciera.

Al interior de Fleetwood Mac se convirtieron en el motor creativo de la banda, acumulando grandes éxitos eternos, como “Dreams”, “Go Your Own Way”, “Gypsy” y varios más que revolucionarían la historia del rock con una influencia que abarca hasta nuestros tiempos.

"Poder presentar este disco nos llena de orgullo, ya que Jesús M. Cepeda, percusionista veterano del género, fue quien tomó la iniciativa de grabarnos y producir el disco con su propio dinero", afirmó a EFE el fundador de Son del Batey y profesor de música y baile, Omar 'Pipo' Sánchez.

Son del Batey, compuesto por el vocalista George Rosario y los percusionistas Mario Pereira, Juan Anthony Crespo y "Pipo" además de ser el primer grupo en exponer el género al público en sus inicios en Mayagüez, en el oeste de la isla caribeña, es pionero en colaborar con artistas en sus presentaciones de 'Pintando piquetes".

Sánchez confiesa que de las diez canciones del disco, para él son muy especiales 'Mis barriles' y 'Moi, j'ai pas pied'.

El género puertorriqueño de la bomba nació entre los esclavos y surgió del sincretismo de la cultura taína, africana y española con más de 21 ritmos de diferentes regiones de Puerto Rico, entre ellos los más conocidos son sicá, seis corrido, holandé, cuembé y yubá.

La bomba estuvo prohibida en espacios públicos durante mucho tiempo y la tradición se conservó en reuniones privadas de familias como los Cepeda y los Ayala que la mantuvieron viva a lo largo de las generaciones.

Este género musical tiene un futuro más que prometedor ya que actualmente hay de media más de doce eventos semanales en la isla de este tipo de música, que cada vez tiene más adeptos.

Está compuesta por los ritmos básicos que toca el barril buleador o seguidor, junto con el sonido del instrumento cuá (golpeo de la madera del tambor con palos) y la maraca, y la improvisación del barril primo que emite los sonidos que le marca el bailador con sus movimientos conocidos como piquetes. EFE

Streisand, a sus 83 años, ha convertido el dueto en una de sus señas de identidad artística, abordándolo como un proceso dramático y actoral. “Soy actriz antes que nada. Me gusta el drama”, afirmó la intérprete desde su casa en Malibú al diario The New York Times. Esta perspectiva ha marcado su trayectoria, desde su aparición junto a Judy Garland en 1963, que la posicionó como heredera vocal, hasta sus colaboraciones más recientes con músicos contemporáneos como Hozier y Sam Smith.

La pasión de Streisand por los duetos se remonta a su adolescencia, cuando quedó cautivada por la película Ellos y ellas (1955) y soñó con interpretar esos papeles románticos. Esta inclinación se reflejó en su carrera, donde muchos de sus mayores éxitos han sido colaboraciones, como “You Don’t Bring Me Flowers” con Neil Diamond en 1978 y “No More Tears (Enough Is Enough)” junto a Donna Summer en 1979, ambos singles que alcanzaron el primer puesto en las listas Billboard.

En 2014, Streisand publicó el álbum Partners”, en el que reunió a artistas vivos y fallecidos, como John Mayer y Elvis Presley (a través de una grabación de 1956). Tanto ese disco como su sucesor, Encore: Movie Partners Sing Broadway, tuvieron éxito. Ahora, con The Secret of Life: Partners, Volume Two, la cantante amplía su repertorio de duetos, sumando voces como la de Paul McCartney y Bob Dylan. Nada menos.

Pareciera que la relación de Streisand con los duetos ha estado marcada por la búsqueda de una narrativa y una conexión emocional. Ella lo ratifica. Al recordar su interpretación con Neil Diamond en los Grammy de 1980, relató cómo rechazó la propuesta de los productores de permanecer sentados y optó por una puesta en escena inspirada en la película Breve encuentro (1945), donde ambos artistas se acercaban desde extremos opuestos del escenario. “Era como dirigir actores”, explicó.

La colaboración con Judy Garland en su programa de televisión fue otro momento clave. Ambas fusionaron “Get Happy” y “Happy Days Are Here Again”, logrando un intercambio vocal cargado de dramatismo. “Judy estaba llena de emoción, incluso más que yo”, recordó Streisand. “Era tan frágil. Pensaba: ‘¿Por qué será? Es tan famosa y querida’. Ahora entiendo por lo que pasaba”.

Una historia de duetos inolvidables

La rica historia de Barbra Streisand se remonta a más de medio siglo atrás. En 1966, ya había acumulado siete álbumes en el Top 10, incluido el exitoso People. Tres años antes, había participado en un álbum con Harold Arlen, el autor de la famosa canción “Over the Rainbow” de El mago de Oz, donde interpretaron juntos una versión lúdica de “Ding Dong! The Witch Is Dead”.

Otros antecedentes. Durante la grabación de su especial televisivo Barbra Streisand … and Other Musical Instruments en 1973, realizó un dueto destacado con Ray Charles para la canción “Crying Time”. “Se podía sentir todo sobre Ray en su voz: su capacidad de amar, su ira, su calidez. Era su alma inmortalizada”, contó.

La colaboración con Donna Summer representó un desafío estilístico para Streisand, quien se alejó de su habitual repertorio de baladas para incursionar en el disco. “Me gustan los retos, y mi hijo era un gran fan de Donna Summer. Por mi hijo, haría cualquier cosa”, confesó.

La química con Barry Gibb de los Bee Gees resultó especialmente fluida durante la grabación del álbum Guilty. El músico australiano se encargó de toda la producción, permitiendo que Streisand se concentrara únicamente en la interpretación. “Solo tenía que cantar cada canción diez veces”, relató. Su principal aporte fue sugerir la inclusión de un tema más “movido”, que terminó siendo “Guilty”, una canción que cumplió exactamente con sus expectativas.

Historias de duetos famosos

Pero no todas las colaboraciones han dejado a Barbra Streisand satisfecha. En 1984, grabó “Make No Mistake, He’s Mine” con Kim Carnes, una canción sobre dos mujeres que compiten por el amor de un hombre. “Me gustaba su voz ronca como contraste con la mía, pero nunca me identifiqué con la letra. La idea de dos mujeres celosas peleando por un hombre no me resultaba cómoda”, escribió Streisand en un correo posterior a la entrevista con The New York Times.

En contraste, el dueto póstumo con Anthony Newley -el músico inglés con quien tuvo un breve romance a principios de los años 70- en “Who Can I Turn To?” le permitió reconciliarse con un pasado doloroso. Tras la fallida relación, ella ignoró una canción que él le había escrito. Quince años después de la muerte de Newley, aceptó grabar junto a una cinta original del cantante. “Siempre me encantó cómo cantaba”, admitió.

La colaboración con Bob Dylan en el nuevo álbum surgió tras descubrir que él había compuesto “Lay Lady Lay” para ella. Aunque en 1970 Dylan le envió flores y una nota pidiéndole cantar juntos, Streisand no respondió. Décadas después, al saber el origen de la canción, accedió a grabar “The Very Thought of You” con él. “Él lo hizo una y otra vez. Fue increíblemente receptivo y presente conmigo”, relató.

Entre las nuevas grabaciones, destaca el dueto con Hozier en “The First Time Ever I Saw Your Face”, una canción que rara vez se interpreta a dúo. Al respecto, explicó que solo aceptó grabarla en ese formato, ya que la versión original de Roberta Flack era demasiado icónica. Otro tema especial es “Letter to My 13 Year Old Self”, junto a Laufey, una joven música islandesa de 26 años. La letra permite a ambas artistas reflexionar sobre su adolescencia. Por eso Streisand recordó que a los 13 años escribió su autobiografía escolar, un manuscrito que planea donar a la Biblioteca del Congreso. “¡Fue mi primera improvisación!”, exclamó sobre su primer disco amateur grabado a esa edad.

Al repasar sus duetos favoritos, Streisand mencionó “I Have a Love” y “One Hand, One Heart” de “West Side Story”, interpretados con Johnny Mathis. “Recuerdo la primera vez que lo vi en televisión de niña. Esos ojos, esa voz. ¡Dios mío, me enamoré de él!”, confesó. También destacó su colaboración con John Mayer en “Come Rain or Come Shine”, elogiando su destreza como guitarrista y cantante.

Aunque los recuerdos de sus duetos le resultan entrañables, Streisand subrayó que no suele analizar su trabajo pasado. “Eso fue entonces. Ahora es ahora”, concluyó.

Según The New Yorker, Rae transformó su imagen de celebridad digital en una propuesta artística que va más allá de lo viral, marcando un hito en la relación entre cultura digital y música popular.

De TikTok a la música: la evolución de Addison Rae

Addison Rae comenzó en TikTok en 2019, mientras vivía en Baton Rouge y estudiaba periodismo en la Universidad Estatal de Luisiana. Su presencia en la plataforma destacó por una energía contagiosa y una naturalidad que atrajeron rápidamente a millones.

Competía en danza desde la adolescencia y, en poco tiempo, su carisma frente a cámara —ya fuera imitando escenas de películas o bailando junto a artistas como Jason Derulo— le permitió construir una audiencia masiva. Actualmente, es la quinta persona más seguida en TikTok a nivel mundial, de acuerdo con The New Yorker.

La popularidad de Rae se sustentó en una imagen de cercanía y normalidad, atributos especialmente valorados por el público joven. Su atractivo, según The New Yorker, reside en transmitir tranquilidad y optimismo, incluso en situaciones triviales, como probar un brillo labial o grabar un baile con su madre. En la cultura de 2025, el medio destaca que ese bienestar efímero se convirtió en una moneda poderosa.

Primeros pasos musicales y el desafío del debut

En 2021, Addison Rae lanzó su sencillo debut, Obsessed, una pieza de electro-pop producida por Benny Blanco. La canción explora la autoconfianza y el narcisismo con tono lúdico, pero no tuvo el impacto esperado pese a su masiva base de seguidores.

“La gente no estaba preparada para recibir eso, ni a mí como artista, lo cual es completamente comprensible”, declaró Rae en una entrevista citada por The New Yorker.

La idea de que una figura de TikTok pudiera triunfar en las listas musicales parecía lejana. El medio detalla que la recepción fría de la canción reflejó el escepticismo hacia los talentos surgidos de plataformas digitales. El exceso de procesamiento vocal acentuó una percepción de falta de autenticidad. No obstante, la experiencia marcó un punto de inflexión: Rae repensó su enfoque y buscó nuevas alianzas creativas para ganar credibilidad.

Colaboraciones clave: el impulso de Charli XCX

El cambio más relevante en su carrera musical llegó con la colaboración con Charli XCX, una de las figuras centrales del hyperpop. En 2023, Charli participó en 2 die 4, tema del EP AR de Rae. Con solo dos minutos de duración, la canción aborda el deseo y la inmediatez con un estilo desenfadado.

Esta colaboración no solo aportó sofisticación, sino que también acercó a Rae a un público más exigente y a una estética asociada con lo “cool”, usualmente distante de las estrellas de TikTok. En 2024, ambas artistas volvieron a coincidir en el remix de Von Dutch, producido por A. G. Cook. La nueva versión, más etérea, permitió a Rae explorar registros vocales inusuales, como un agudo sostenido que, según The New Yorker, podría confundirse con un sintetizador.

La dupla Rae-Charli generó una tensión escénica potente: la imagen de “chica buena” de Rae contrasta con la actitud desafiante de Charli, captando el interés de la crítica y el público. Estas colaboraciones resultaron clave para que Rae empezara a ser percibida como una artista genuina dentro del pop contemporáneo.

Addison: referencias, estilo y producción

Según The New Yorker, el álbum Addison es una colección de temas dance-pop con tintes sensuales y producción sofisticada. Aunque la voz de Rae sigue procesada, el disco destaca por equilibrar lo lúdico con lo introspectivo. La tensión gira en torno a los deseos de Rae y cómo intenta satisfacerlos, una constante en la tradición pop.

Uno de los temas más comentados es Diet Pepsi, coescrito con Luka Kloser y Elvira Anderfjärd, que remite tanto al sonido de Teenage Dream de Katy Perry como a la melancolía de Born to Die de Lana Del Rey.

En Money Is Everything, Rae alude explícitamente a figuras icónicas: “Por favor, d.j., pon a Madonna / Quiero liar uno con Lana / Colocarme con Gaga”. The New Yorker afirma que, estas menciones no solo rinden homenaje, posicionan a Rae en la genealogía de las divas del pop.

Controversias y desafíos de imagen

Pese a su imagen accesible, Addison Rae protagonizó momentos polémicos. Uno de los más notorios fue la publicación de una foto con un bikini blanco con las palabras “PADRE”, “HIJO” y “ESPÍRITU SANTO”, lo que generó críticas y acusaciones de blasfemia. El traje, diseñado por Praying, fue eliminado de sus redes.

De acuerdo con The New Yorker, Rae optó por borrar la imagen al no poder integrar ese tipo de ironía en su marca personal, definida por la sinceridad.

Este episodio refleja las tensiones que enfrentan las celebridades digitales al equilibrar autenticidad y expectativas públicas, especialmente con audiencias globales y diversas.

Recepción: del público a las figuras del pop

El lanzamiento de Addison generó reacciones diversas entre seguidores y crítica especializada. La mención de Lana Del Rey, quien compartió un video escuchando Diet Pepsi, fue vista como un gesto de aprobación, aunque The New Yorker aclara que la línea entre homenaje y parodia sigue siendo difusa.

Aun así, Rae fue reconocida por aportar una perspectiva personal y energía renovada a un género que muchas veces recurre a fórmulas ya probadas.

Perspectiva artística: la filosofía de Addison Rae

El discurso artístico de Rae se articula en torno a la fama como arte. En High Fashion, canta: “¿Alguna vez soñaste con ser vista? / No por alguien, más bien en una revista”, una diferencia que, según The New Yorker, resulta clave para entender su propuesta. Rae no busca comprensión individual, sino validación colectiva, una aspiración común entre figuras del pop contemporáneo.

El álbum también toca aspectos íntimos. En Headphones On, menciona el divorcio de sus padres: “Ojalá mi mamá y mi papá hubieran estado enamorados”, para luego aceptar el dolor: “Supongo que tengo que aceptar el dolor”. Esta alternancia entre lo superficial y lo profundo otorga al disco una dimensión emocional que rompe con la frivolidad asociada a las estrellas de TikTok.

The New Yorker concluye que Addison representa tanto una afirmación identitaria como una invitación a seguir la evolución musical de Rae, cuya mezcla de temas ligeros y personales promete mantener la atención del público internacional.

Pop and Rock Music Advertising and Marketing Swift, Taylor Reputation (Album)

Después de recomprar sus grabaciones maestras, la superestrella dice que no tiene planes de terminar de rehacer su sexto álbum, el más ingenioso, impactante y arriesgado hasta la fecha.

Reputation, la alborotada y astuta obra de 2017 de Taylor Swift sobre la exasperación y la recriminación seguidas del florecimiento del amor, es, dentro de un abundante catálogo de álbumes muy buenos, el mejor. Es profunda y confusamente eficaz --siniestro e hilarante y casi alegre en su crueldad-- y también un lanzamiento experimental de una superestrella que hasta entonces había evitado en gran medida el riesgo formal.

Reputation rompió todas las fórmulas de Swift, transformándola de prodigio subestimado que tomaba cada victoria como una sorpresa inesperada a estrella del pop dispuesta a jugar en el barro (y a arrojarlo contra sus enemigos). Puede que no sea su trabajo más representativo, pero demuestra su versatilidad y su capacidad para comprometerse con el sonido predominante del momento, y revela un rugido que antes había pasado desapercibido.

El viernes pasado, Swift anunció que no haría una nueva grabación de Reputation para unirse a sus Taylor's Version de Fearless, Speak Now, Red y 1989. Estos lanzamientos son el resultado de una larga batalla sobre la propiedad de las grabaciones maestras de sus seis primeros álbumes. Ahora Swift ha adquirido esos activos --en un acuerdo por valor de unos 360 millones de dólares, según Billboard--, por lo que ya no necesita producir una versión alternativa para desviar el interés de los fans de los originales.

Lo que significa que ya no necesita manipular la memoria. Los proyectos Taylor's Version fueron curiosidades a gran escala, ahistóricas, que enturbiaban el lugar que los originales de Swift ocupaban en la conciencia pública. También implicaban, a la fuerza, que el arte original de Swift era de algún modo insuficiente. Y relegaron las grabaciones antiguas a la categoría de reliquias, en gran medida por motivos comerciales.

Sin embargo, lo que sí lograron fue evidenciar que para una artista con varias generaciones de fans, a cierto material antiguo le vendría bien una actualización y una reintroducción. El éxito comercial y el éxito en los ránkings de estos álbumes --su remake de 1989 tuvo una semana de estreno mayor que el original, el equivalente a 1.653.000 ventas en Estados Unidos-- parecía indicar que el trabajo antiguo, replanteado y reempaquetado, podía ser tan lucrativo como las canciones nuevas.

Pero no el ácido Reputation, que solo podía haber llegado en la intersección del agravio personal y el desdén público que Swift experimentó a mediados de la década de 2010, cuando su dominio estaba siendo atacado desde todos los flancos. Ella era excelente pero también poco confiable, tremendamente popular y, sin embargo, de alguna manera la pintaban como una intrusa. Y estaban las tensiones con Kanye West (ahora Ye) y Kim Kardashian, entonces su esposa, tras un desacuerdo sobre cómo se refería a Swift en su canción "Famous". El proyecto de Swift, que había brillado de forma relativamente pacífica durante varios años, se vio atacado.

Así que ella se defendió. Mientras sus álbumes anteriores ponían las historias privadas en una clave legible solo para los entendidos, Reputation es una explosión de animadversión y combatividad que presupone que los oyentes estarán tan familiarizados con los dramas de la vida real de Swift como con su música, si no más. La tensión está en las letras y en la actitud (sobre todo en las canciones de Max Martin y Shellback). Fue el primer álbum de Swift que no se inclinaba hacia lo gentil. Antes, cuando se mostraba mordaz, transformaba su rabia en algo tranquilizador y reservado. Pero en Reputation, prácticamente puedes oír la espuma que sale de sus labios.

Swift incluso mató descaradamente a su antiguo yo: "Lo siento, la antigua Taylor no puede ponerse al teléfono ahora mismo. ¿Por qué? ¡Porque está muerta!", sigue siendo uno de sus momentos más divertidos.

Ese nivel de especificidad emocional hizo de Reputation un éxito audaz; rehacerlo no haría más que empeorarlo. Swift lo reconoció en la carta que publicó anunciando la adquisición de sus derechos.

"Transparencia total: ni siquiera he vuelto a grabar un 25 por ciento", escribió. "El álbum Reputation fue muy específico de esa época de mi vida, y cuando intentaba rehacerlo me topaba con un bloqueo. Todo ese desafío, ese anhelo de ser comprendida mientras me siento intencionadamente incomprendida, esa esperanza desesperada, ese gruñido y diablura nacidos de la vergüenza. Para ser sincera, es el único álbum de los 6 primeros que pensé que no podría mejorarse rehaciéndolo".

Negarse a revisitar Reputation subraya tanto las limitaciones de la tecnología para recrear una obra de arte tangible como el respeto hacia su crudeza, que en su momento resultó divisiva. Reputation era un argumento de que los artistas debían tomarse los ataques como algo personal, y utilizarlos como combustible. Casi suena como el producto de un desafío: tomar a Swift, una de las compositoras más cuidadosas de su época, y exponerla a una de las producciones más escabrosas del pop, tan desafiante que la obliga a ajustar su enfoque vocal y su tono.

Sacó de ella cosas maravillosas: el canto más rítmicamente sensible de su carrera en "Delicate" y "Dress"; quejas atractivamente airadas como "Look What You Made Me Do" y "This Is Why We Can't Have Nice Things"; una celebración de quitarse el maquillaje del buen comportamiento y dejar las manchas a la vista de todos en "I Did Something Bad". La arrogante sensualidad de "Don't Blame Me", que no encaja del todo con el tono delicado de Swift, se convierte en una poderosa herramienta al final de la canción.

Incluso reclutó a Future para rapear en este álbum (junto a Ed Sheeran, pero aun así).

Cabe decir que Reputation no es un álbum puramente corrosivo, sobre todo en la segunda mitad. Está el coqueteo apasionado de "Gorgeous", la clásica narrativa de Swift en "Getaway Car" y el cierre del álbum, "New Year's Day", una de las canciones más crudas de la carrera de Swift y un recordatorio de que bajo la agitación seguía existiendo la purista.

Los Taylor's Version han tenido mucho más éxito como proyecto de mercadotecnia que como esfuerzo creativo (aparte de la publicación de las canciones de la bóveda, que son las canciones inéditas de cada periodo). Al principio, fue un ejercicio intrigante analizar de forma forense las nuevas versiones en busca de diferencias con las originales, algunas nítidas y deliberadas, otras el resultado inevitable de fotocopias imprecisas. Pero el don de Swift consiste en captar el ahora sin adornos; crear réplicas se ha sentido como una broma cruel y un insulto a los originales. Los álbumes anteriores tampoco podían mejorarse, no porque sean perfectos, sino porque son el arte fiel al momento en que se publicaron.

Por eso el anuncio de Swift de que no llevará a cabo --al menos por ahora-- la regrabación de Reputation es un alivio. Lo que animaba aquel álbum era algo a lo que nunca antes había tenido acceso, y a lo que no necesita regresar.

En los últimos años se ha exagerado enormemente la noción de las épocas de las estrellas del pop; los cambios graduales se tratan al por mayor como renovaciones, en gran medida en nombre de la mercadotecnia estratégica. En una época de incesantes flujos de información, se supone que los oyentes quieren cambios; eso es lo que se les ofrece, independientemente de si es sincero o no.

Pero una era debería ser algo fundamentalmente irrecuperable. Algo que no podrías revivir aunque quisieras. Algo que no podrías recuperar aunque lo intentaras. Mejor no intentarlo.

Jon Caramanica es crítico de música pop para el Times y presentador del pódcast Popcast.

El disco está compuesto por siete temas que integran elementos de salsa, bolero, jazz latino y música sinfónica, con arreglos pensados como parte de una narrativa integral.

'Sueño alcanzado' es, según Dudamel, "la suma de todo lo que he vivido y amado en la música" y propone una exploración sonora construida desde la memoria y la experiencia, evitando homenajes al pasado o ejercicios de virtuosismo.

"Es, para mí, una manera de decir que nunca es tarde para empezar a contar tu historia con verdad", agrega en un comunicado.

Los temas son 'La rumba me llama', 'Tú me vas a matar', 'Bonita', 'Estando junto a ti', 'El beso', 'El fuego de tu amor' y el tema que da nombre al disco, 'Sueño alcanzado'.

La pieza principal fue compuesta junto a Alberto Crespo, Eliel Rivero y Solange Ramírez, madre del director de orquesta Gustavo Dudamel, quien interpreta el violín en la grabación. Esta colaboración representa un vínculo entre el entorno clásico y el tropical, desde una perspectiva familiar y artística, detalla la el comunicado.

La producción incluye una orquesta que actúa como extensión de su visión musical. Cada instrumento, arreglo y pausa está integrado con un propósito narrativo, abordando el género salsero desde un enfoque personal y actual.EFE

La compañía Sony Music lanzó un nuevo álbum en homenaje al natalicio del reconocido cantante vallenato, Diomedes Díaz, presentando una selección de sus temas más emblemáticos en un nuevo formato de audio. El lanzamiento coincide con la fecha en la que el artista habría cumplido 68 años, el 26 de mayo, y busca mantener vigente el legado musical de quien es considerado una leyenda del género vallenato en Colombia.

El álbum lleva por título Diomedes Díaz Grandes Éxitos Remasterizados y está disponible en las plataformas digitales Apple Music, Amazon Music y Tidal. La producción no incluye canciones inéditas, lo que generó cierta desilusión entre algunos seguidores que esperaban material nuevo para conmemorar el aniversario del nacimiento del artista. Sin embargo, la remasterización y la adaptación al formato Dolby Atmos ofrecen una nueva manera de disfrutar los clásicos de Diomedes Díaz, permitiendo que los oyentes experimenten los sonidos en un espacio de 360°.

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“En el marco de la conmemoración del que sería su cumpleaños número 68, Diomedes Díaz vuelve a emocionar a su fanaticada con un lanzamiento sin precedentes: ‘Diomedes Díaz Grandes Éxitos Remasterizados’. El primer álbum del artista disponible en formato de audio espacial con Dolby Atmos, ya se encuentra para escucha en Apple Music, Amazon Music y Tidal. Dolby Atmos es una evolución del sonido envolvente que permite una mayor precisión espacial, haciendo que el audio rodee de manera realista, como si se estuviera dentro de la acción.”, expresaron en Sony Music sobre este estreno.

Según el sello discográfico, el material cuenta con la tecnología Dolby Atmos que diferencia esta producción de otras recopilaciones previas, ya que sitúa los sonidos no solo a la izquierda y derecha, también arriba y abajo del oyente, generando una sensación de inmersión total. Esta innovación busca acercar aún más la música de Diomedes Díaz a las nuevas generaciones y a los que desean revivir sus éxitos con un sonido más moderno.

Estas son las canciones del nuevo álbum del ‘Cacique’

• Amarte Más No Pude
• A Un Cariño Del Alma
• El Cóndor Herido
• Mi Muchacho
• Sin Medir Distancias
• Bonita
• Ilusiones
• Tú Eres La Reina
• Mi Primera Cana
• Orgullosa
• Caracoles De Colores
• Listo Pa’ la Foto
• Brindo Con El Alma
• Sueños Y Vivencias
• Tu Cumpleaños
• Sin Saber Qué Me Espera
• Tira La Primera Piedra
• Te Necesito
• Gaviota Herida
• Doblaron Las Campanas
• Ron Pa’ Todo El Mundo
• La Suerte Está Echada
• Qué Hubo Linda
• La Plata
• Tu Serenata
• Ven Conmigo
• Así Me Hizo Dios
• Los Recuerdos De Ella
• Título De Amor
• La Falla Fue Tuya

Esto es lo que factura Diomedes Díaz después de su fallecimiento

Rafael Santos, uno de los hijos mayores de Diomedes Díaz, reveló recientemente que el legado del icónico cantante vallenato sigue generando ingresos incluso después de su fallecimiento.

El artista explicó que cada uno de los hijos reconocidos del artista recibe trimestralmente entre $20 y $30 millones. “Mi papá está generando mucho dinero. A nosotros, a cada hijo, trimestralmente nos están llegando 20 o 30 millones de pesos. A cada hijo somos una pila”, reveló en una entrevista con el actor Aco Pérez en el pódcast El Mundo de Aco.

Santos sostuvo que esos ingresos son producto de las regalías de las canciones de su padre, que falleció el 22 de diciembre de 2013, cuando tenía 56 años, a causa de un paro cardiorrespiratorio. Así mismo, aseguró que Diomedes siempre le decía: “Yo, después de muerto, voy a dar más plata que ahora que estoy vivo. Así que ahorren”.

El primogénito de Diomedes Díaz también habló sobre los proyectos musicales de sus demás hermanos. “Mis hermanos están construyendo su carrera, están construyendo su nombre (...) Ellos me ven a mí como un papá. Y solamente cuando estamos en mi presencia, todos estamos unidos (...) Somos una familia unida, pero dispersa al trabajar (...) Lo que siempre me dijo mi papá fue que respondiera por mi familia, por mis hermanos, que los cuidara y que les diera buen ejemplo”, relató en el pódcast.

Madrid, 29 may (EFE).- Murió a la sombra de su madre, Lola Flores, solo unos días después de su muerte, y precisamente la constante presencia de 'La Faraona' aún hoy en muchos espacios no hace sino subrayar que, en los 30 años transcurridos, quizás no se ha hecho tanta justicia a Antonio Flores y su genio creador propio.

Para empezar, 28 años fueron necesarios para celebrarlo en directo después de su fallecimiento, que tuvo lugar un 30 de mayo de 1995, cuando su cadáver fue encontrado víctima de una sobredosis de barbitúricos y alcohol, pero sobre todo de la pena por la muerte de su progenitora a causa de un cáncer dos semanas antes.

El "rebelde" que no se consideraba tal ("No creo en vivir lo que no siento", reponía) dejó un importante legado de películas como actor, entre ellas 'Colegas' (1982) de Eloy de la Iglesia, pero especialmente como músico, ya fuese como compositor o intérprete.

Hizo buena la mezcla que le corría por el cuerpo, "sangre gitana, corazón de rockero y alma de blues" según decía su hermana Lolita, para desmarcarse con discos como su debut, 'Antonio' (1980), que ya recogía un himno antiviolencia como 'No dudaría' que daba buena cuenta de su forma de estar en el mundo.

De no ser por sus adicciones, que lo mantuvieron inactivo musicalmente durante seis años, probablemente su producción sería aún mayor, pero aún así o precisamente por ello resulta más destacable que reuniera tantas piezas míticas en un puñado de discos.

En 'Al caer el sol' (1981) supo poner su acento y vibración rock al 'Pongamos que hablo de Madrid' de Joaquín Sabina y en 'Gran Vía' (1988) volvió a validarse como un ecologista que sabía trazar en canciones la fauna urbana de su Madrid, con un tema homónimo ensalzado por figuras como Miguel Ríos.

Como miembro de Cucharada, el grupo efímero que montó con Manolo Tena, también alumbró algún "hit" como 'Lejos de aquí', pero sería especialmente en los 90 cuando despuntaría, ya recuperado de sus adicciones por amor a sus seres queridos, sobre todo su madre y su hija, la hoy actriz Alba Flores.

Primero fue con 'De ley' (1992), el debut de su hermana Rosario, que llevaba su firma en buena medida. "Fue el disco que realmente me salvó la vida", declaró a EFE la intérprete de 'Mi gato', necesitada también de encontrar un valor diferencial en un clan tan lleno de genio.

Animado por este éxito publicó el álbum propio que permanece como su obra maestra, 'Cosas mías' (1994), un testimonio autobiográfico armado entre su influjo flamenco y su gusto por el rock y la bohemia, con numerosos temas que aún hoy perviven como 'Isla de Palma', 'Cuerpo de mujer', 'Arriba los corazones', 'Siete vidas' y 'Alba', la que dedicó a su heredera.

Precisamente con motivo del 20 aniversario del álbum, en 2015 se realizó una reedición con los temas originales, más las tomas grabadas en directo por el propio artista y, sobre todo, las reintepretaciones en el estudio que llevaron a cabo compañeros y amigos como Ana Belén y Víctor Manuel, Joan Manuel Serrat, Ariel Rot, Ketama, Antonio Orozco o su hermana Lolita.

Poco más desde entonces. El homenaje en vivo que tanto se le debía no llegó hasta el 24 de noviembre de 2023, más de 28 años después de su muerte, que tuvo lugar en el Palacio Vistalegre de Madrid auspiciado por su familia y con las 8.000 entradas del aforo vendidas.

Allí Víctor Manuel cantó otra vez 'Isla de Palma', Rozalén se encargó de 'No puedo enamorarme', Vanesa Martín de 'Siete vidas' y Sole Giménez de 'Sabor, sabor', en un "show" que también contó, entre otros, con David Summers ('Cuerpo de mujer') o Melendi ('Pongamos que hablo de Madrid').

"Fue muy difícil perderle tan pronto, no solo para mí, pero eso me ha enseñado que el amor y el significado de una vida no se puede medir en tiempo. La luz de mi padre no dejará de lucir en nuestros corazones", exclamó su hija Alba Flores, anfitriona del evento, emocionada al ver que su padre seguía siendo "tan querido y estando presente para tantas personas".

¿Por qué entonces no hay más referencias, alusiones u homenajes a aquel verso libre que fue el único hijo de Lola Flores y Antonio González "El Pescaílla"? Mientras se resuelve la cuestión, queden las palabras que proclamó su hermana Rosario en aquel concierto, que "la música, los magos y los poetas como Antonio Flores, vivirán para siempre". EFE

Madrid, 28 may (EFE).- El festival Tomavistas de Madrid celebra desde este jueves una edición con figuras como Amaia o La Mala Rodríguez y valores en alza como Carlos Ares, nombre ubicuo en toda gala de premios que se precie, después de unos inicios frustrantes hasta que probó a buscar sin miedo "el límite entre la originalidad y el rídiculo".

"A mí me gusta tomarme la música como una oportunidad para sorprenderme a mí mismo y al resto. Por eso me da mucha rabia cuando dicen que todo está inventado, porque considero que no, que se pueden hacer muchas cosas y fusiones que no se han hecho nunca", señala el artista gallego en una entrevista con EFE a raíz del lanzamiento de 'La boca del lobo', su nuevo álbum.

Solo hace unos días los Premios de la Música Independiente (MIN) distinguían su disco previo, 'Peregrino' (2024), como el mejor trabajo pop del año pasado, un bagaje que podría ampliar la próxima semana en los Premios de la Academia de la Música de España con sus tres nominaciones, entre ellas la de mejor álbum de cantautor.

El panorama era muy diferente cuando en 2017 y con un tupé perfectamente moldeado lanzaba temas como 'Tiemblo'.

"Era parte de un popurrí poco honesto. Lo único que quería era agradar a ciertas personas que me asesoraban en la composición, con mucho desamor. Fue todo un proceso superfrío artísticamente hablando y no me hizo feliz; al contrario, me frustró mucho", reconoce.

Fue el motivo por el que, para no desligarse de la creación musical, decidió componer y producir con bastante más éxito para artistas como Marc Seguí, Paula Cendejas o Luna Ki, mientras se tomaba tiempo "para aclarar las ideas y adoptar una dirección convincente y coherente".

"Y ya ves tú la cantidad de años que he tardado", apostilla.

En torno a 2020 o 2021 "se quitó el miedo a probar" con sencillos "muy variopintos", "buscando dónde estaba el límite en el que algo empezaba a ser ridículo y dónde estaba lo original", cuenta de un proceso del que salió su canción 'Odisea'.

Frente a sus intentos previos de cantar de manera sofisticada, allí interpretaba "asalvajado" en una composición que "aunaba la vanguardia en la manera de desarrollar las melodías, las cuales permitían meter mucha letra, con estribillos muy sencillos e interactivos".

Encontró "una veta" que decidió explotar con 'Peregrino' y más recientemente con 'La boca del lobo' como una continuación de ese concepto artístico, en producciones audaces en las que su Galicia natal aparece a menudo como un paisaje de fondo místico y como referente orgulloso en sus letras.

"Nunca pretendí que hubiera folk. Fue algo muy intuitivo y más tarde me di cuenta de que lo había, aunque creo también que le llaman folk a simplemente meter un violín o fusionarlo con rock alternativo, que creo que es lo que hago yo", comenta humilde.

Más clara tiene la influencia del rap, especialmente cuando entona sus versos en la forma del "spoken word". "Yo he envidiado siempre mucho a los raperos. A la hora de escribir pocos géneros hay que te permita escribir tanta poesía como el rap", dice.

Pese a sus múltiples nominaciones, él mismo se devuelve a tierra en canciones recientes como 'Importante'. "Soy consciente de la grandísima suerte de que la gente ahora mismo me está prestando atención, por eso me pareció un momento óptimo para seguir publicando, más teniendo por delante una gira bastante extensa", comenta.

Este viernes será uno de los protagonistas de la segunda jornada de Tomavistas, arropado por una banda muy armada que le permite reproducir con mimo todo lo grabado, aunque las cuentas así no salgan. "Esto es un capricho que quiero disfrutar, una apuesta personal para aprovechar este momento con estas canciones y que el público les preste atención", argumenta. EFE

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"La gira es una celebración de lo que soy hoy como artista: más libre, más completo y más personal", dijo Mora en un comunicado de prensa.

La presentación en la capital colombiana forma parte de una gira que también lo llevará a escenarios de América Latina, Europa y Estados Unidos, consolidando su posición como uno de los artistas más influyentes del panorama urbano actual.

Este regreso llega tras el lanzamiento sorpresa de su más reciente álbum, 'Lo mismo de siempre', que ya superó las 21 millones de reproducciones en Spotify.

El disco incluye 17 canciones inéditas en las que Mora fusiona reguetón, trap, bachata y pop experimental, y cuenta con colaboraciones con artistas como C. Tangana, Young Miko, Dei V, Omar Courtz y De La Rose.

La cita en Bogotá promete una experiencia audiovisual inmersiva, con un recorrido por todas las etapas de su carrera. El repertorio incluirá desde clásicos como 'Volando', 'APA' y 'Memorias', hasta sus recientes éxitos como 'Droga', tema que marca el regreso a la música de C. Tangana, quien en 2023 había anunciado su retiro temporal. EFE

Madrid, 23 may (EFE).- Con un innegable sabor a "las grandes bandas de los años 80 y 90", entre ellas referentes como Bon Jovi, Morat presenta este viernes en medio de una enorme expectación 'Ya es mañana', su quinto álbum, que en los días previos ha llegado a estar entre los 10 álbumes más preguardados en Spotify en el mundo.

El cuarteto colombiano, integrado por Juan Pablo Isaza, Juan Pablo Villamil y los hermanos Simón y Martín Vargas, celebran en una entrevista con EFE ese gran momento de forma, del que ya dieron muestras cuando el pasado verano arrasaron con sus primeros conciertos por estadios, 24 en 14 países, incluido uno en el Metropolitano de Madrid.

"No hubo bajón después de esa gira, solo motivación para pensar en qué otras maneras tenemos de seguir proponiendo cosas", señala el grupo, que confirma que utilizó los entretiempos de esas citas multitudinarias con el público para avanzar en este enérgico álbum, que toma el relevo al EP 'Antes de que amanezca' (2023) y a su último LP, 'Si ayer fuera hoy' (2022).

Pocas bandas se cuelan hoy por hoy en un panorama musical mundial plagado de solistas, más económicos para las discográficas y promotoras y, en teoría, libres de las tensiones internas. ¿Cuál es entonces el secreto del éxito de Morat?

"Lo primero que ha hecho que tener una banda sea funcional es el hecho de que nos conozcamos desde tan pequeños, desde los 5 años, y que además Martín y yo somos hermanos. Eso ha permitido que la forma en la que trabajamos no se vea viciada por muchas de las cosas que tiene trabajar en equipo", puntualiza Simón Vargas.

Apuntan que el directo es precisamente otra de las cosas que les hace crecerse como banda y constatar la importancia de su unión: "Creemos que el en vivo de las bandas es más poderoso, no solamente el sacar canciones y trabajarlas para que suenen mucho en radio y en streaming, sino también ir a tocar y dar vueltas y vueltas".

"El hecho de tener una banda también impacta mucho en este tipo de cosas (como una gira de estadios), al compartir la experiencia y poder detectar muy fácilmente algo que pudiera hacer que alguno cambiara su personalidad", señalan sobre las ventajas al procesar acontecimientos importantes frente a un proyecto en solitario.

En 'Ya es mañana' (o 'YEM', como aparece abreviado entre sus seguidores), Morat ha querido rendir homenaje a un tiempo en el que las grandes estrellas eran bandas como U2 o Bon Jovi, cuya impronta se ve muy reflejada en cortes como 'La policía'.

"Lo que nos llevó a querer tener una banda en primer lugar fue la música de los 80 y de los 90, por eso hicimos con este disco nuestra versión de cómo nos imaginamos esa música en el 2025", cuentan.

El sonido al pop añejo pero actualizado se percibe también muy claramente en 'Me toca a mí', el tema que por fin los ha reunido con su compatriota Camilo, después de años de contacto. "Ya había habido intentos y una relación que se había estado cultivando, pero estábamos esperando la canción perfecta", justifican.

Como es evidente en el título tanto de este como de sus anteriores lanzamientos, siguen jugando con la noción del paso del tiempo, algo que inconscientemente puede tener que ver con sus forzosas y reiteradas ausencias de sus hogares.

"Tiene también mucho recorrido con el momento vital en que estamos", reconoce el cuarteto, que escribió un tema titulado 'Antes de los 30' y que, al afrontar esa treintena, afirman que entre sus objetivos está formar sus respectivas familias y, "más a largo plazo, el permanecer".

Parece un objetivo cumplido en 2025, año en el que el grupo volverá salir de gira con 'Asuntos pendientes' por grandes escenarios que no visitaron en su anterior gira en México, Panamá, Colombia, Argentina, Bolivia y Uruguay. EFE

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Según Rolling Stone, la artista utilizó la ciudad como un lugar para redefinirse, descubriendo que su creatividad y audacia florecen en este vibrante entorno urbano. En sus palabras, “Estoy en mi mejor momento cuando la ciudad me empuja a ser más valiente”.

Este entorno también fue testigo del desarrollo del proyecto “Virgin”, con fecha de lanzamiento el 27 de junio. Este álbum simboliza un significativo capítulo en su carrera y es el fruto de un intenso proceso personal y artístico, ya que después de 4 años vuelve a sacar una producción de esta índole.

Lorde también comparte momentos significativos con su hermana menor, Indy Yelich, quien la arrastra a yoga, bares y eventos deportivos, recordándole la importancia de disfrutar la juventud.

El legado duradero de Lorde

Desde su meteórico ascenso con “Royals”, Lorde dejó una huella en el mundo musical. Tal y como destaca Rolling Stone, la influencia de su estilo minimalista e introspectivo redefinió el pop moderno. “Veo cómo el paisaje del pop se ha transformado desde su llegada", comenta su amigo y colaborador Dev Hynes, ilustrando el impacto sólido de Lorde.

Olivia Rodrigo considera que “la voz de Lorde es verdaderamente representativa de una generación”, reconociendo el papel fundamental de Lorde para los jóvenes cantautores.

Afrontando desafíos personales y artísticos

El viaje que la llevó del lanzamiento de “Solar Power” a “Virgin” está lleno de retos personales significativos. La revista Rolling Stone detalla cómo Lorde lidió con problemas de desórdenes alimenticios.

Durante la gira de “Solar Power”, enfrentó su miedo escénico con ayuda de terapias innovadoras con MDMA y psilocibina, logrando superar estos desafíos y encontrar un nuevo sentido de libertad en el escenario. “Estaba actuando sin miedo por primera vez”, recuerda Lorde.

Descubriendo nuevas fronteras de identidad

La exploración personal no se limita a su música. Lorde dedicó tiempo a comprender y expandir su identidad de género, una transición palpable tanto en su vestuario como en su música. “Mi género se expandió cuando di a mi cuerpo más espacio”, relata.

Esta búsqueda de identidad también fue alimentada durante un período de soledad deliberada en Londres, donde aprendió a valorarse sin la constante necesidad de validación externa.

Un punto de inflexión más reciente fue al dejar los anticonceptivos, lo que según Lorde fue como “despegar un velo” de su percepción. Esta decisión le permitió reconectar con su cuerpo de manera más auténtica, descubriendo facetas de su identidad previamente inexploradas.

Colaboraciones que traspasan límites

Para dar vida a “Virgin”, Lorde colaboró con Jim-E Stack, conocido por su trabajo con artistas de renombre. Según Rolling Stone, esta asociación fue fundamental para que Lorde se replanteara su proceso creativo, permitiéndole innovar y experimentar con sonidos más físicos y rítmicos que buscan conectar directamente con el cuerpo antes que con la mente.

Un rodaje caótico y revelador

En abril, Lorde filmó el video para “What Was That” en Washington Square Park, enfrentando imprevistos cuando la multitud resultó ser demasiado grande, atrayendo la atención de la policía.

En medio del caos, Lorde mantuvo la calma y aprovechó la crisis como una oportunidad de conexión genuina con sus fanáticos, demostrando su adaptabilidad y compromiso con su nueva era musical.

Una nueva etapa personal y artística

Rolling Stone destaca que Lorde aprendió a valorar las complejidades de su cuerpo y su vida. Inspirada por lecturas intensas y artistas visuales, la música de “Virgin” está impregnada de una presencia física intensa y honestidad, ofreciendo una visión bruta y visceral de su mundo interior.

Esta etapa de autodescubrimiento desafía normas establecidas y transforma su arte en un proceso de liberación personal que augura el inicio de un nuevo capítulo en su carrera. Como ella misma menciona, “He conectado con la misión de hacer solo lo que yo puedo hacer”.

El medio concluye afirmando que este redescubrimiento constante de sí misma, define la persistente relevancia de Lorde en la música pop contemporánea, consolidando su posición como un ícono que desafía normas y celebra su autenticidad más profunda.

"Este tema nació desde el corazón, pensando en todas esas personas que, aunque estén lejos de su tierra, nunca se han ido realmente. Tener a Rubén Blades en esta canción es cumplir un sueño personal", expresó el colombiano en un comunicado.

El artista suramericano elogió al panameño: "Su voz, su historia y su compromiso con los temas sociales hacen que esta colaboración tenga un significado aún más profundo".

Esta canción es el segundo adelanto del próximo álbum de Fonseca tras la publicación de 'Venga lo que venga', con la agrupación venezolana Rawayana.

El colombiano ha ganado nueve premios Grammy Latino y es conocido por canciones como 'Te mando flores', 'Estar lejos' (con Willie Colón) o 'Arroyito', entre otras. EFE

Bogotá, 14 may (EFE).- El "quinto hijo" de la banda colombiana Morat es un disco "completamente diferente" a sus álbumes anteriores, según explicaron los cuatro miembros de la banda colombiana de pop latino, durante un concierto sorpresa para presentar 'Ya es mañana', su nuevo proyecto que verá la luz en plataformas digitales el próximo 23 de mayo.

"El hoy dura tan poco que cuando te das cuenta, ya es mañana", fue la definición que dio Juan Pablo Isaza, vocalista de Morat, al referirse al significado del espíritu del nuevo álbum, ante miles de fanáticos en el Movistar Arena de Bogotá.

Horas antes de la presentación, el grupo ofreció una rueda de prensa en la que compartió detalles del proceso creativo y de la etapa vital en la que se encuentra Morat.

"Sentimos que llegó el momento de ser la banda que siempre quisimos ser. Cada segundo que pase sin que lo seamos es un segundo perdido", añadió Isaza.

El nuevo trabajo musical, que se lanza oficialmente el 23 de mayo, reúne catorce canciones atravesadas por la nostalgia, el desamor, el paso del tiempo y la búsqueda de propósito.

Cinco de las canciones ya se conocen: 'Por si no te vuelvo a ver', 'Cuarto de hotel', 'Me toca a mí' (junto a Camilo), 'La policía' y 'Faltas tú'.

Las otras nueve, reveladas durante el evento, son: 'Ya es mañana', 'Domingo de bajón', 'Eclipse solar', 'Sin ti' (en colaboración con el artista urbano Jay Wheeler), 'Dos mil algo', 'Desastre natural', 'Antes de los 30', 'MTV' y 'Rey'.

La estética del concierto acompañó el espíritu del álbum: el escenario recreaba un clásico restaurante estadounidense de los años noventa, con sillas rojas y blancas de charol, una barra con butacas redondas, lámparas de lava, juegos de mesa, un teléfono de línea y un televisor de caja antigua.

"La música de los 80 y 90 nos marcó, y quisimos rescatar ese sonido y esa imagen con la que crecimos", explicaron lo integrantes de la banda.

El lanzamiento coincide con la gira 'Asuntos pendientes 2025', una promesa cumplida por Morat de llevar su música a las ciudades colombianas que no formaron parte de su anterior tour internacional, 'Morat: Los estadios. Antes de que amanezca', que reunió a más de un millón de personas en 24 escenarios de 14 países.

Esta nueva gira incluye fechas en Barranquilla, Manizales, Cali y Bucaramanga, y se extenderá a países como México, Panamá, Argentina, Bolivia y Uruguay.

El tour comenzará el 18 de mayo en Torreón (México) y finalizará el 4 de octubre en Montevideo (Uruguay).

Con 'Ya es mañana', Morat lanza un mensaje de urgencia emocional y vital: "Queremos inspirar a la gente a que haga con nosotros, a que tome acción por su vida y se convierta en su mejor versión".

Aitana ha anunciado su nuevo disco, titulado 'Cuarto azul', que saldrá a la luz el próximo 30 de mayo, según ha informado su discográfica 'Universal Music Spain' en un comunicado.

Se trata del cuarto disco de la artista, definido como "su trabajo más internacional y, a la vez, personal hasta la fecha". En este sentido, representa una "ventana" a "la intimidad" de Aitana "donde la oscuridad y la luminosidad juegan a entrelazarse", creando así "diferentes Aitanas que forjan su identidad como artista y mujer".

Tal y como ha detallado su discográfica, 'Cuarto azul' es el proyecto "más completo" de Aitana, conformado por un total de 19 tracks, donde se incluyen sus ya conocidas canciones '6 de febrero', 'Segundo intento' o 'Sentimiento natural' junto al cantante puertorriqueño Myke Towers.

A nivel sonoro, Aitana "ha buscado fusionar los sonidos de las últimas décadas que le han inspirado en el proceso" pero "siempre dentro de un común denominador: el pop".

La cantante catalana, que ha publicado por sorpresa un vídeo en sus redes sociales para desvelar la noticia, ofrecerá su próximo proyecto en formato físico y digital. El preorder físico comenzará este viernes a las 19.00 horas de manera privada para los fans.

"Polfín", celebró el cantante en una publicación en su cuenta de Instagram junto a un vídeo promocionando el tour que realizará a nivel mundial.

A sus 31 años, Benito Antonio Martínez Ocasio, nombre de pila del cantante, anunció en un comunicado que iniciará la gira el 21 de noviembre de 2025 en Santo Domingo, en República Dominicana.

Después se presentará en Costa Rica, México, Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Australia, Japón, España, Portugal, Alemania, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Suecia, Polonia e Italia, antes de concluir en Bélgica el 22 de julio de 2026.

Las entradas para los conciertos, promovidos por Live Nation y Rimas Nation, estarán a la venta a partir del viernes, 9 de mayo en depuertoricopalmundo.com.

'Debí tirar más fotos world tour' dará vida a su último álbum, sumergiendo por completo al público en la esencia y cultura de las raíces puertorriqueñas de Bad Bunny, según el artista.

Esta gira marca el regreso de Bad Bunny a Europa por primera vez desde 2019, a Latinoamérica por primera vez desde que se convirtió en el artista de gira más destacado en 2022 con su 'World’s Hottest Tour' y asistirá por primera vez a países como Australia, Brasil y Japón.

Asimismo, la gira ofrecerá varios paquetes VIP y experiencias especiales para los fanáticos que deseen una experiencia más completa.

Bad Bunny estrenó el 5 de enero su sexto disco de estudio ‘Debí tirar más fotos’, compuesto por 17 canciones, en el que incluye homenajes a su Puerto Rico natal y críticas a los problemas que enfrenta la isla.

Además, en enero el artista hizo historia al vender todas las entradas en tiempo récord de la serie de 30 conciertos bajo el título ‘No me quiero ir de aquí’, que ofrecerá en el Coliseo de Puerto Rico este verano.

Bad Bunny, ganador de varios premios Grammy y Grammy Latinos, fue en 2024 el artista latino más escuchado del mundo en Spotify. Sus últimos álbumes, ‘Un Verano Sin Ti’ y ‘Nadie Sabe Lo Que Va a Pasar Mañana’, batieron récords de reproducciones. EFE

Este cambio no solo es visible en su estética, sino también en la naturaleza de su música. En su último trabajo No vayas a atender cuando el demonio llama, la artista muestra una faceta más rockera, algo inesperado para quienes la conocieron en su etapa inicial, dominada por el pop juvenil.

Este álbum representa un giro significativo en su carrera, en el que decidió liberarse de las restricciones de las expectativas ajenas.

“Nunca fui lo que querían de mí y no me importa”, comentó en la entrevista para Rolling Stone, reflejando su postura ante las críticas y su firme decisión de seguir su propio camino, sin ceder a las demandas del mundo del espectáculo.

Inspiración en lo cotidiano: “Lokura” y la memoria barrial

El álbum No vayas a atender cuando el demonio llama abre con el tema “Lokura”, una canción inspirada en la figura de Pablo Villanueva, conocido como “Locura”, quien fue una celebridad del barrio de Parque Patricios, el mismo lugar donde Lali creció.

Según lo relatado en la entrevista, Villanueva era un hombre con una vida marcada por una experiencia difícil, pero que su imagen de “chico malo” cautivaba a los habitantes del barrio. La cantante lo recuerda como un símbolo de su juventud, una figura casi mítica que marcó una época en la memoria del lugar.

Este homenaje a un personaje del barrio, además de representar una forma de recordar el pasado, es un tributo a las raíces de Lali. La canción describe a “Locura” como un hombre admirado y temido por todos, un contraste que se entrelaza con la figura de la propia cantante, que, al igual que su inspiración, supo conquistar la admiración y la controversia en su carrera.

El rock como vehículo de expresión personal

En el desarrollo de su proyecto, Lali explica que necesitaba un sonido más agresivo, sin limitarse al pop comercial, para incorporar elementos del rock. Esta decisión surge de una reflexión personal y artística sobre la necesidad de ser más auténtica.

A través de este género, busca plasmar su propia rebeldía, algo que la música pop tradicionalmente no le permitía hacer de forma tan directa. “Para hacer algo más rebelde, acudís al rock. Yo necesitaba una base más violenta para contar o decir algunas cosas”, detalló.

Según Rolling Stone, en canciones como “Fanático”, el contraste entre la melodía pop y los elementos agresivos en la instrumentación deja en claro el propósito de la artista de subvertir las normas del pop latino y acercarse a un sonido más visceral.

Además, Lali recuerda su infancia en Parque Patricios, donde el rock formaba parte de su vida cotidiana. Su primer recuerdo musical es de un concierto de La Renga en el estadio de Huracán, evento que marcó su relación con el género desde muy pequeña.

“La Renga en Huracán [1999] fue uno de esos momentos que marcaron mi relación con el rock”, manifestó.

Una estética que desafía las convenciones

El trabajo visual del álbum también juega un papel importante en la propuesta de la cantante. La estética de este trabajo se aleja de los estereotipos asociados con el pop, y en su lugar, se presenta una imagen más cruda y contestataria.

Según Pablo Cerezo, director creativo de la campaña, la idea detrás de la portada y el arte visual es transmitir una sensación de resistencia, reflejada en el contraste entre la decadencia de la escena y la fuerza de la música de Lali. “Se terminó la fiesta y empezó la resistencia”, afirmó Cerezo.

Este cambio en la imagen es un mensaje claro sobre la identidad de la artista. En la portada, se encuentra un logo que reinterpretaba el Sigilo de Baphomet, una referencia que, lejos de ser satánica, se usa para ilustrar la deconstrucción y transformación de Lali como artista.

La figura de la estrella, que recuerda a la portada de Like a Prayer de Madonna, muestra cómo la cantante se apropia de elementos de la cultura pop para redefinirlos y adaptarlos a su visión personal.

Lali como referente de resistencia y autenticidad

Lali Espósito, con su evolución artística y su postura frente a las críticas, se convirtió en un referente de resistencia en la industria del entretenimiento.

A través de su música, su imagen y sus palabras, la cantante se enfrenta a las expectativas externas y sigue mostrando su verdadera personalidad, sin importar las presiones. En No vayas a atender cuando el demonio llama, la artista demuestra que la autenticidad es su mayor fuerza, y que la música, como forma de arte, debe ser un reflejo genuino de quien la crea.

Tal y como lo expresó en la entrevista para Rolling Stone, su mayor desafío fue y será siempre ser fiel a sí misma.

El dúo Amaral ha lanzado este lunes el adelanto de 'Dolce Vita', la canción que da título a su esperado álbum que se estrenará este viernes, 7 de febrero. Se trata del noveno trabajo de estudio de Eva Amaral y Juan Aguirre, tras cuatro años desde su anterior publicación.

La nueva canción llega tras presentar 'Rompehielos' (junio), 'Ahí estás' (agosto), 'Libre' (septiembre), 'No lo entiendo' (octubre). El grupo anunció en redes sociales el pasado mes de octubre el lanzamiento de este disco afirmando que 'Dolce Vita' es "un paraíso donde ser libres y donde empezar de cero". El álbum estará compuesto por quince canciones donde el grupo se "desnuda".

"Es nuestro jardín del Edén. Es el río eterno al que nos lanzamos sin pensar. Es la flor que nace partiendo en dos el asfalto, el corazón caliente en noches heladas. Es querer sin pedir nada a cambio. Es el tesoro que nos salvará y que nadie nos puede arrebatar", explicaba el dúo.

Con este disco, Amaral realizará una gira que comenzará el próximo 10 de mayo en Bilbao y que les llevará hasta el mes de septiembre a Zaragoza, Pamplona, Valencia, Alicante, Barcelona, Santiago, Murcia, Córdoba, Granada, Badajoz, Madrid, Santander, Chiclana (Cádiz), Marbella, Sevilla, Albacete y Tarragona. El dúo prevé lanzar nuevas fechas "próximamente".

Miami, 24 ene (EFE).- La cantante española Aitana lanzó este viernes su nuevo sencillo, 'Segundo intento', el primer adelanto de su próximo álbum.

Producido por Nico Cotton, el tema marca el inicio de una nueva etapa para Aitana que invita a reflexionar sobre las segundas oportunidades, los nuevos comienzos y la importancia de seguir adelante, incluso cuando las cosas no salen como esperábamos, señala un comunicado de la artista.

La cantante ha sido nominada con su tema '4TO 23' en la categoría de Mejor Eurosong Pop-Urbano de la edición 37 de Premio Lo Nuestro que se celebrará el jueves 20 de febrero en el Kaseya Center de Miami (EE.UU.).

Igualmente, el 28 de febrero estrenará en Netflix 'Aitana: Metamorfosis', una docuserie dirigida por Chloe Wallace que ofrecerá una mirada íntima al crecimiento personal y profesional de la artista.

Los días 27 y 28 de junio Aitana además actuará en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid. EFE

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Este giro musical fue posible gracias a la colaboración con Romeo Santos, conocido como el Rey de Bachata, que escribió y produjo el álbum por completo, tal y como detalla Billboard.

Colaboración soñada con el Rey de Bachata

La asociación con Romeo Santos fue más que un simple encuentro profesional; se convirtió en un proyecto personal que unió a dos de las figuras más representativas de la música dominicana moderna, tal y como detalla Billboard.

“En Amargue” debutó en el número 6 de la lista Top Tropical Albums de Billboard, mientras que el sencillo “Desde Hoy” escaló hasta el primer puesto de la Tropical Airplay chart, marcando un logro significativo en la carrera de la cantante.

La trayectoria de una pionera

Natalia Alexandra Gutiérrez Batista, más conocida como Natti Natasha, labró una carrera exitosa en el ámbito de la música tropical y urbana. Billboard destaca su entrada al panorama musical en 2012 junto a Don Omar con el tema “Dutty Love”, que alcanzó la cima de la lista Hot Latin Songs.

Con 34 entradas en la lista Latin Airplay y 10 éxitos número uno, su álbum debut “Iluminatti” también dejó su huella en el Top Latin Albums en 2019.

A lo largo de su carrera, experimentó con varios géneros, incluyendo pop y dance, pero su fama se debe principalmente a su fusión urbana melódica con letras audaces. Según Billboard, su fortaleza radica en su capacidad de mantenerse firme en un mundo musical dominado por hombres, desafiando estereotipos y mostrando su versatilidad como artista.

Superando adversidades personales

No obstante, el camino hacia el éxito no estuvo exento de obstáculos. Hace dos años, Natti enfrentó una dura prueba personal cuando su esposo y manager, Raphy Pina, fue condenado a prisión.

En el auge de su carrera y con una hija pequeña, tuvo que adaptarse a estas nuevas circunstancias sin dejar de lado su compromiso con la música, destaca el medio.

Ahora, de vuelta en las listas de éxitos, Natti Natasha cuenta con el apoyo emocional de Pina, que regresó a su hogar, y el amor incondicional de su hija Vida Isabelle. Este apoyo y la colaboración artística con Santos la impulsaron en esta nueva etapa de su carrera, según detalla Billboard.

Reconocimientos y reflexiones

Este año, Natti Natasha será honrada con el Unstoppable Award en el evento Latin Women in Music 2025 de Billboard. El reconocimiento no solo celebra su carrera musical, sino también su resiliencia ante la adversidad.

Según Billboard, para Natti, ser “imparable” significa superar cada obstáculo, cada lágrima y cada sacrificio, manteniéndose fuerte incluso en momentos de desmoronamiento interno.

La química familiar como fuerza motriz

En una conversación reveladora, Natti compartió que la espera del lanzamiento de “En Amargue” se debió a su deseo de tener a su familia unida. Como detalló, su hogar y su química familiar eran esenciales para este proyecto tan personal.

Aunque muchas personas creen que trabajar en pareja puede ser complicado, para ella fue la fórmula perfecta.

Mientras reflexiona sobre su trayectoria, Natti agradece a la versión de sí misma que inició este viaje con temores pero con grandes sueños. Afirmándose como una mujer, madre y latina orgullosa, sigue adelante sin arrepentimientos por las decisiones musicales tomadas.

Según Billboard, Natti Natasha continúa evolucionando con su música, compartiendo su crecimiento personal y profesional con sus seguidores leales.

Un futuro prometedor

Después de haber trabajado arduamente en todas las áreas de su vida, ahora se encuentra en una etapa en la que aprecia y disfruta de su música sin el estrés que solía acompañar sus logros.

Según Billboard, Natti Natasha siente que está subiendo nuevos peldaños en su carrera, llevándola a un lugar completamente nuevo donde su arte empieza a ser más reconocido y valorado.

Su habilidad para superar retos personales y profesionales la equipó no solo para conquistar las listas musicales, sino también para inspirar a otros a seguir luchando por sus sueños. Su historia, tal y como destaca Billboard, es un ejemplo de cómo, a pesar de las adversidades, con pasión y perseverancia uno puede alcanzar alturas insospechadas.

Ángela Aguilar, reconocida por su trayectoria en la música regional mexicana y sus muchas polémicas personales, ha anunciado una apuesta novedosa y ambiciosa: su próximo álbum Nadie Se Va Como Llego, con nuevos ritmos y géneros.

Este nuevo material discográfico promete romper con las expectativas al incorporar influencias de géneros como el tumbado, la cumbia y el pop, sin dejar de lado la fuerte presencia del mariachi que ha definido su carrera. La cantante busca dar un paso firme hacia una evolución artística personal y profesional.

“Mis raíces son profundas, y siempre serán el alma de mi sonido. Pero crecer también significa dejar que la tradición baile con la evolución”, explicó.

En ese sentido, su intención es mantenerse fiel a la música tradicional mexicana al tiempo que se adentra en nuevos estilos que resuenan con audiencias más amplias y modernas.

El sencillo principal, también titulado “Nadie Se Va Como Llegó”, es la carta de presentación para esta nueva etapa. La canción, que aborda temas de transformación personal y emocional, está acompañada de un videoclip dirigido por Manuel Gayosso.

“No podría haber elegido una mejor canción para abrir este capítulo de mi vida”, explica Aguilar.

Un proyecto con fuerza femenina

Un elemento único de este álbum es el fuerte componente femenino detrás de su creación. Ángela asumió el rol de productora ejecutiva por primera vez y trabajó de cerca con un equipo de compositoras y creativas mexicanas.

Su enfoque destaca el compromiso de Aguilar no solo con su desarrollo musical, sino también con el empoderamiento de la nueva generación de mujeres en la industria.

“Esta nueva música no es un mensaje para nadie. No es una reacción. No es un titular. Es un reflejo de quién soy. Es para mí. Y para cada persona que alguna vez ha sentido algo real a través de una canción”, dijo Ángela.

Además de experimentar con géneros poco comunes en su repertorio, Ángela Aguilar continúa utilizando su plataforma para destacar temas sociales importantes. Durante el evento Billboard’s Women in Music, la cantante ofreció un discurso en apoyo a los inmigrantes en Estados Unidos, señalando la necesidad de dar voz a comunidades marginadas. Este activismo se suma a esta propuesta artística.

A sus 21 años, Ángela ha acumulado más de tres mil millones de reproducciones globales y mantiene su posición como una de las artistas femeninas más relevantes de la música latina. La próxima etapa de su carrera será marcada también por su participación en una presentación especial en el Hollywood Bowl los días 15 y 16 de agosto, junto al reconocido director de orquesta Gustavo Dudamel y su familia, Pepe y Leonardo Aguilar.

Nadie Se Va Como Llegó estará disponible el próximo 22 de mayo en todas las plataformas de música streaming. Este álbum no solo representa un momento significativo en la carrera de Ángela Aguilar, sino que también abre la puerta a nuevas interpretaciones de la música regional mexicana.

Javier Herrero.

Madrid, 16 ene (EFE).- Abrazar el miedo, aceptarse uno mismo y el momento, permitirte ser vulnerable y equivocarte y soltar las riendas obsesivas de la vida, "porque así es difícil dar nada genuino al mundo", es lo que recomienda el dúo Delaporte en su nuevo disco desde su propio título, 'Dejarte caer', ya en el mercado.

Llega solo un año después de 'Aquí y ahora' (2024) y ha sido, en palabras a EFE de una de sus autoras, Sandra Delaporte, "un álbum sencillo, que surgió sin presión", cuando ni siquiera intentaban alumbrar un LP, pero después de un profundo ejercicio previo de conocimiento personal y tras haber tocado fondo mentalmente.

"Todo este año pasado fue un viaje de autoconsciencia. En 2023 estaba brutal con la vida, pero en 2024 me di de cara con mis miedos, con mucha lucha por ser tan perfeccionista y tan autoexigente", se sincera la intérprete, compositora y productora, que conforma el cincuenta por ciento de Delaporte junto a Sergio Salvi.

Revela que esos miedos se extendían a aspectos tan personales como "a tener pareja por la dependencia emocional" que pudiera generar, lo que la llevaba "a expulsar a todo el mundo de su vida", así como a su carrera musical, como cuando inició su proyecto musical en solitario de música techno, Alexxandra.

"Tenía mucho miedo a pinchar, así que igual en cuatro días no comía, sufría diarreas y otros síntomas físicos heavies, hasta que acepté el miedo", comenta.

Desde el primer corte del álbum, de nombre 'Cagarla', este disco va de eso: "Dejarte ser lo que eres, porque a veces no nos permitimos ser el humano que somos, de mucha aceptación de tu vulnerabilidad y de que la vas a cagar, pero que eso permite tener éxitos después".

"Es fácil decirlo, pero mostrarse vulnerable y equivocarte, más en esta sociedad, cuesta mucho y requiere mirarse muy adentro", reconoce Delaporte ante un entorno que siempre nos hostiga y "que te pide conseguir cosas para ser algo, toda la vida en esa lucha".

En 'La ternura es simple', el último de sus nueve cortes, el álbum plantea el amor como remedio para sostenerse en la caída. "El mayor de nuestros miedos es cómo nos tratamos a nosotros mismos cuando pasa algo que no nos gusta. Deberíamos tratanos con más autocompasión, pero nos han enseñado más a hacerlo en un modo de supervivencia", lamenta la artista.

Precisamente por ello entre el primer y el último tema, en 'Déjate caer' (Mad Moon Music) "hay mucho juego", con ritmos y estilos más intensos y otros más pausados, "porque tampoco las personas somos cien por cien coherentes", con guiños al hyperpop en cortes como 'Japi Mil' o incluso en 'Techno rico', en el que habla a sus 160 bpms de cómo la electrónica es para el dúo "un lugar donde poder ser y curarse".

"Para mí el baile es expresión y la expresión es lo opuesto a la depresión. Siempre he tenido problemas para sacar la ira, pero cuando bailo cosas violentas como el 'hardcore' lo saco todo como una borrica, por eso en mis conciertos necesito no ser diferente al público que está abajo soltándose también, liberando mucha mala leche que todos reprimimos", explica.

Para presentarlo, Delaporte seguirá con sus conciertos programados a partir del próximo 25 de enero, día de su cita en La Riviera de Madrid como parte de Inverfest con todo el aforo ya agotado, a donde volverán el 8 de febrero, así como en otros puntos como Bilbao (sala Santana 27, 31 de enero), Granada (sala Aliatar, 21 de febrero) o Almería (sala Berlín Club Social, 22 de febrero). EFE

Este cambio de posiciones no solo resalta la creciente popularidad de la canción, sino que también pone de manifiesto la rivalidad continua entre ambos artistas. La competencia, según Forbes, fue una constante en el panorama del hip-hop moderno, con seguidores de ambos lados analizándola apasionadamente .

Conflicto entre Drake y Kendrick Lamar

La disputa entre Drake y Kendrick Lamar evolucionó desde sus inicios marcados por intercambios verbales y críticas mutuas en canciones, hacia una competencia más implícita pero no menos intensa, que se desarrolla en las listas de éxitos.

Lo que alguna vez comenzó como un choque directo de estilos y declaraciones, dio paso a una batalla frenética por obtener y mantener el dominio en las clasificaciones musicales de todo el mundo. Esta pugna caracterizó las carreras de ambos, manteniéndolos en el foco de la atención pública y crítica.

Ascenso de “Nokia” y su influencia en el Reino Unido

El lanzamiento de “Nokia” demostró ser otro acierto para Drake, quien logró capturar una vasta audiencia en el Reino Unido. El sencillo ascendió rápidamente en las listas del país, arrebatando a “Not Like Us”, de Kendrick su sitio como número uno.

El ascenso de “Nokia” a la cima de la lista oficial de sencillos de hip-hop y R&B no solo refuerza el impacto inmediato de la canción, sino que también subraya la destreza de Drake para lanzar éxitos que resuenan en un mercado exigente y cambiante .

El éxito de Drake en las listas

El éxito de “Nokia” añade otro logro a la notable trayectoria de Drake, quien fue una figura predominante en las listas de éxitos desde su debut. Con este nuevo sencillo, Drake sumó su decimosexto número 1 en la lista oficial de hip-hop y R&B del Reino Unido, consolidando su estatus como uno de los artistas más consistentes y exitosos en la historia del género.

Este éxito sostenido no solo se debe a su habilidad para crear música pegajosa y popular, sino también a su capacidad de adaptación a las tendencias del mercado musical.

Drake se encuentra, además, al borde de un hito excepcional, que es alcanzar los 100 sencillos en el top 10 del mismo género, un testamento de su inigualable capacidad para mantener su relevancia a lo largo del tiempo.

Trayectoria de Kendrick Lamar en las listas

Por su parte, Kendrick Lamar disfrutó de un considerable éxito crítico y cultural, aunque su camino en las listas británicas ha presentado desafíos. A pesar de su aclamación y de recibir premios como el Pulitzer, Lamar no dominó las listas del Reino Unido con la misma facilidad que Drake.

Su más reciente álbum, “GNX”, trajo consigo éxitos importantes como “Luther” con SZA, que alcanzó el número uno. Sin embargo, a pesar de estas victorias, muchas de sus canciones más icónicas no lograron el codiciado primer puesto en las listas británicas, reflejando quizás una diferencia en el alcance comercial entre él y Drake.

Lamar sigue siendo una fuerza poderosa en la industria, pese a las dificultades para traducir su influencia crítica en dominio absoluto de las listas .

Impacto de “Nokia” en diversas listas

Más allá del dominio en el escenario del hip-hop y R&B, “Nokia” tuvo un impacto notable en otras listas del Reino Unido.

La canción subió de manera importante en la lista oficial de sencillos generales, moviéndose del puesto 12 al 10, lo que refuerza la capacidad de Drake para atraer a una amplia audiencia al enfrentar un mercado altamente competitivo.

La escena musical ucraniana: resurgir y resistencia

Desde antes de la invasión rusa en 2022, Ucrania ya había comenzado a establecer su identidad en el panorama musical con diversificaciones en el punk, el indie-rock, el hip-hop y el EDM.

El país también fue la cuna para un próspero movimiento de música experimental alimentado por Fusion Jams, un colectivo que organizó sesiones underground en bares y estudios de Kyiv desde 2019, destacó la publicación.

Tal y como explicó Marc Wilkins, director de un documental sobre la música ucraniana, el jazz fue visto como decadente en la era soviética.

Sin embargo, su resurgir en manos de jóvenes ucranianos representa más que un simple género musical, es un acto de revitalización cultural. “Para Misha y sus amigos, fue un gran desafío reintroducir el jazz y la improvisación instrumental a una audiencia más joven”, afirmó el director.

Myshko Birchenko: multifacético y comprometido

Myshko Birchenko, baterista y uno de los fundadores de Hyphen Dash, no solo maneja los ritmos de la banda sino que también mantiene un papel activo en la revitalización cultural en Ucrania.

Además de tocar en la banda, estudia administración gubernamental y co-dirige el sello discográfico indie No Time for Swing. Desde sus inicios tocando covers de Green Day hasta su introducción a la música improvisada gracias a músicos reconocidos como Mark Guiliana, su trayectoria demuestra su versatilidad artística, según detalló Rolling Stone.

Birchenko, en compañía de sus colegas músicos, decidió llevar su amor por la música más allá de las limitaciones convencionales. “Nuestro objetivo es explorar, libre de los límites impuestos por los estándares pop”, explicó el músico ucraniano, en una declaración retomada por Rolling Stone.

La grabación en Kramatorsk: un acto de valentía

En noviembre pasado, los miembros de Hyphen Dash visitaron a soldados ucranianos en Kramatorsk, una ciudad que sufrió intensamente los ataques de las fuerzas rusas. Durante un recorrido por una casa local, Birchenko descubrió un sótano con acústica excepcional, un espacio previsto originalmente como teatro familiar, tal y como le explicó un militar.

Este descubrimiento encendió la idea de grabar un álbum en esa locación, al abrigo del conflicto, dentro de un ambiente rodeado de soldados y constante peligro, relató Rolling Stone.

Para llevar a cabo esta ambiciosa grabación, Hyphen Dash recaudó fondos con la colaboración de Music Saves Ukraine, una iniciativa que inmediatamente apoyó el proyecto debido a su simbolismo y relevancia en tiempos de aflicción, según sostuvo Mariana Mokrynska, representante de la organización.

Creación e interacción en el frente

La logística detrás de la grabación implicó desplazarse desde Kyiv hasta Kramatorsk, una travesía de seis horas, donde los músicos vivieron y trabajaron en una casa compartida con soldados activos. Allí, crearon música improvisada durante aproximadamente una semana.

Esta experiencia no solo fue un ejercicio artístico, sino también un acto de integración con la comunidad y los militares presentes, según explicó la publicación.

Uno de los temas del álbum, “Moto”, resalta por su intensidad, evocando el sonido de la banda King Crimson en su época más rockera. Birchenko confiesa que la energía de los soldados sirvió de inspiración accidental, transformando el ambiente en un catalizador creativo, tal y como informó el medio.

Un mensaje de esperanza y resistencia

Las ventas del álbum Basement 626 están destinadas a financiar centros de rehabilitación para militares y civiles en Ucrania. Este esfuerzo no solo refleja el compromiso de Hyphen Dash con su país, también recalca la urgencia de Birchenko por actuar en el presente, consciente de su limitada exoneración del servicio militar gracias a sus estudios universitarios.

Al enfrentar el devastador impacto de la guerra, estos músicos tomaron una postura activa para preservar y promover la cultura ucraniana a través del arte.

Rolling Stone concluye afirmando que continúan recaudando fondos y demostrando que, incluso en los momentos de mayor oscuridad, la música puede servir como un faro de esperanza y conexión comunitaria.

Desde sus inicios como estrella infantil bajo el alero de Disney, hasta su transformación en una artista pop prolífica, Cyrus demostró un talento innato para sobrepasar límites y sorprender a sus seguidores. Con Something Beautiful, no solo busca añadir otro capítulo a su variada discografía, sino también crear una experiencia sensorial única a través de un álbum visual que combina la música con impresionantes imágenes.

Lanzamiento y concepto del álbum

El 30 de mayo de 2025 marca una fecha esperada por muchos fanáticos, ya que Something Beautiful verá la luz, acompañado de un filme visual que se presentará en junio. Este proyecto es descrito por la cantante como un intento por “medicar una cultura enferma a través de la música”. La artista se dedicó a diseñar un viaje auditivo y visual que promete capturar la atención de su audiencia, generando a su vez reflexión y emoción con cada tema.

Something Beautiful se enmarca como un álbum visual donde la imagen ejerce un papel fundamental en el desarrollo del sonido. Este enfoque no es accidental; Cyrus incorporó intencionalmente propiedades curativas en cada pista.

Las letras abarcan temas intrínsecamente humanos como la destrucción, el desamor y la muerte, presentados con una sensibilidad distintiva que busca encontrar y celebrar la belleza en los momentos más oscuros de la vida. “Son la sombra, el carbón y el sombreado”, expresó Cyrus, enfatizando que el contraste es esencial para crear profundidad y significado.

Inspiración visual y moda

El álbum no solo retoma influencias sonoras sino que también se nutre de una rica paleta visual inspirada en la alta moda y el cine icónico. La portada del álbum y el tráiler presentan a Cyrus en un deslumbrante estilo Mugler, incluyendo piezas de la icónica colección de alta costura de 1997. Referencias a desfiles pasados como el de Thierry Mugler en 1995, conocido por el famoso traje de robot, alimentan la estética vibrante y futurista de este proyecto.

Cyrus no ocultó su inclinación por la moda como parte integral de su expresión artística. La colaboración con diseñadores como Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen y Alaïa subraya su interés en establecer un diálogo entre la moda y la música, creando un espectáculo visual que coincida con la narrativa sonora del álbum.

Colaboraciones y producción

El proceso creativo de Something Beautiful fue un esfuerzo conjunto entre Cyrus y figuras claves de su entorno. Shawn Everett, productor musical conocido por trabajar con Kacey Musgraves, colaboró estrechamente en darle una textura experimental al proyecto, aunque manteniendo un fuerte núcleo pop.

Maxx Morando, novio de Cyrus y baterista de la banda de rock Liily, jugó un papel significativo en la producción de varias pistas y en la creación del tema que da nombre al álbum. Cyrus manifestó que trabajar con seres queridos fue una constante en su carrera. experimen, compartió en su entrevista.

Enfoque experimental del proyecto

Con Something Beautiful, Cyrus se embarca en un territorio sonoro poco explorado en sus proyectos anteriores. Más allá de ser una colección de canciones, el álbum representa un viaje visual y auditivo que desafía las convenciones del pop. El álbum es descrito como “hipnotizante y glamuroso”, diseñado para sumergir a los oyentes en una experiencia psicodélica que va más allá de la música tradicional.

En última instancia, Something Beautiful simboliza el comprometido deseo de Miley Cyrus de aventurarse más allá de sus límites artísticos, combinando música, moda y cine en una expresión unificada que busca resonar profundamente con sus seguidores. “Es más experimental que todo lo que hice antes, pero de una manera pop que amo”, sentenció con una afirmación que adelanta una obra de arte multifacética.

De acuerdo con Billboard, esta producción provocó un gran entusiasmo entre sus fanáticos, quienes esperaron pacientemente por una nueva obra de la artista. Este trabajo promete revitalizar la escena musical con el toque único que caracteriza a Badu.

La influencia transformadora de Badu

Desde sus comienzos en Dallas, se distinguió por su capacidad para fusionar sonidos clásicos con innovaciones modernas, un talento que quedó demostrado con su álbum debut Baduizm.

El medio destaca que, este disco no solo debutó en el número 2 del Billboard 200, sino que además definió el género conocido como neo-soul. La canción “On & On” es un claro ejemplo de esta cualidad innovadora, al presentar un sonido original en un contexto familiar para el público.

El impacto de Baduizm en la música fue significativo, y, como relatan figuras como Questlove en conversaciones retomadas por Billboard, Badu siempre fue reconocida por su habilidad para generar ideas frescas y coros pegadizos. Esta innovación se refleja no solo en su música, también lo hace en su enfoque hacia la producción y la actuación.

La evolución de una artista completa

A lo largo de su carrera, mantuvo un enfoque distinto hacia la música y la vida escénica. Según describe en la entrevista, su pasión se centra en el acto de presentarse en vivo, una experiencia que considera un intercambio transformador con su audiencia.

Durante los últimos 25 años, dedicó la mayor parte de su tiempo a recorrer el mundo como artista de performance, un aspecto que ella misma define como una terapia tanto para ella como para sus seguidores.

Sin embargo, su enfoque no solo se limita a la música. En 2005, Badu estableció su sello discográfico, Control Freq, con la intención de ofrecer contratos justos que devolvieran a los artistas la propiedad de su trabajo tras un determinado tiempo. Este proyecto, como explica la cantante, fue una expresión de su deseo de apoyar a otros músicos en sus propios términos.

Vida personal y legado

Badu mantiene un vínculo estrecho con Dallas, su ciudad natal, donde reside actualmente. Esta conexión, describe Billboard, se debe a sus raíces familiares y a su deseo de construir un legado en su hogar.

Al haberse criado en un entorno lleno de música, donde cada miembro de su familia tenía su propio espacio para explorar sus gustos musicales, desarrolló un espectro amplio de influencias que moldearon su estilo artístico.

Su vida personal está igualmente inmersa en otras pasiones, como la colección de autos clásicos, una afición que comparte desde joven y que aseguró, le brinda una satisfacción única. Además, continúa explorando diversas actividades fuera de la música, como su colaboración con la marca Cookies en una línea de cannabis.

Perspectivas Futuras

La anticipación en torno al nuevo álbum de Badu, asegura Billboard, es un reflejo de la promesa de un regreso triunfal que podría redefinir aspectos del R&B contemporáneo. La producción de The Alchemist, un reconocido productor en el ámbito del hip-hop, añade una dimensión adicional de interés a este proyecto.

El medio destaca que, con cada proyecto nuevo, reafirma su lugar en el corazón de muchos, demostrando que la espera de sus fanáticos está justificada y que el retorno a la escena musical es solo el comienzo de una nueva etapa emocionante en su carrera.

Según Billboard, este lanzamiento es un hito que celebra tanto su legado como su enfoque visionario del arte musical.

La cantante se sincera en una entrevista con The New Yorker sobre el desafío de compartir su música más personal y cómo este proceso creativo la llevó a confrontar sus emociones más profundas. A lo largo de la conversación, Dacus revela cómo el hecho de exponer sus vivencias a través de la música se convierte en un acto de liberación y reflexión​.

El proceso de creación de Forever Is a Feeling

En la entrevista con The New Yorker, Dacus explica que Forever Is a Feeling es un álbum profundamente personal, donde aborda las complejidades del amor, tanto en su lado doloroso como en el más dulce.

Según detalla, el álbum trata en parte sobre reconocer que “las cosas no son para siempre” y que, a pesar de los altibajos emocionales, la libertad puede encontrarse en la aceptación de la transformación constante de las vidas. Dacus describe el proceso creativo como algo abrumador, pero también profundamente gratificante.

“Cada día, simplemente me siento como, ‘No puedo creer que este sea el trabajo. Solo abrirme y regalarlo’”, afirma Dacus, haciendo énfasis en la tensión que siente entre su deseo de ser auténtica y la incomodidad de abrir su vida a los demás​.

Vulnerabilidad y exposición en la música

A lo largo de la conversación, Dacus también comparte su sensación de vulnerabilidad al poner su música a disposición del público.

Según cuenta en The New Yorker, aunque escribir sobre temas tan personales le resulta doloroso, también le ofrece una oportunidad para explorar y comprender mejor su propia experiencia. “Hace que mi estómago me duela. Fue increíble escribirlo. Pero ahora, a punto de compartirlo, podría vomitar”, afirma Dacus​.

La relación con la privacidad y los seguidores

En relación con su vida personal, Dacus menciona cómo la creciente atención de los seguidores, especialmente sobre su relación con la también cantante y ex compañera de banda Julien Baker, intensificó la presión sobre ella. Según explicó en The New Yorker, tuvo que lidiar con una “narrativa” construida por su audiencia que a veces se siente “fácilmente amenazada”.

Sin embargo, aclaró que estuvo trabajando para no reforzar esa narrativa, lo que según el medio refleja su esfuerzo por mantener la privacidad de aspectos importantes de su vida personal, aunque también los comparte a través de sus canciones​.

La evolución de la fe y la identidad

La religión fue otro tema crucial en la vida de Dacus, y se refleja en sus letras. Criada en una familia cristiana conservadora, la cantante revela cómo su relación con Dios cambió con el tiempo. Dacus explicó que su visión de Dios creció a medida que se liberaba de los límites establecidos en su infancia, lo que le permitió comprender mejor su identidad sexual.

“De niña, sentía que desear cosas estaba mal. Era algo del cuerpo, de la carne. Pero aprender a estar bien con desear cosas es grande. Eso no está mal, eso es la vida”, asegura Dacus, detallando cómo su relación con la fe influyó en su desarrollo personal​.

El éxito con Boygenius y su impacto

Aunque Boygenius, el supergrupo formado junto a Phoebe Bridgers y Julien Baker, alcanzó una popularidad sin precedentes con su álbum The Record (2023), Dacus subraya que su carrera en solitario sigue siendo una parte fundamental de su identidad artística.

Según detalló en The New Yorker, el grupo logró un éxito “sísmico”, con varias nominaciones y premios Grammy, pero ella mantiene un enfoque equilibrado en su carrera individual, sin dejar que el éxito de Boygenius eclipse su propio proceso creativo. “Me siento desconectada. También siento que esto podría irse en un segundo. Porque, si puede aparecer en un segundo, puede irse en un segundo”, afirmó Dacus​.

El amor como tema central de su música

El amor, en sus diversas formas, fue una constante en la música de Dacus. En Forever Is a Feeling, la cantante explora tanto la dulzura como la dolorosa incertidumbre de las relaciones románticas. Una de las canciones más emotivas del nuevo álbum, “For Keeps”, aborda la dificultad de amar a alguien que no está disponible para uno.

Según Dacus, esta canción captura algo sobre la fragilidad del amor: “Pero aún te extraño cuando estoy contigo / Porque sé que no estamos jugando por siempre,” canta en una de las líneas más devastadoras de la canción tal y como detalló The New Yorker​.

A lo largo del álbum, la cantante reflexiona sobre las complejidades del amor, la ausencia y la permanencia, destacando cómo estos sentimientos pueden ser tan únicos como universales al mismo tiempo.

La decisión de tomar un descanso con Boygenius

Finalmente, Dacus reflexiona sobre la decisión de Boygenius de tomarse un descanso tras su primer tour mundial, a pesar del éxito masivo de la banda. En la entrevista, explica cómo, aunque fue difícil decir no a más dinero y más atención, la decisión fue tomada pensando en la preservación de la amistad y la energía del grupo.

“Decidimos tomar un año de descanso, no porque no amemos lo que hacemos, sino porque sabíamos que era lo mejor para todos,” explicó Dacus, resaltando la importancia de proteger su relación con Baker y Bridgers, tanto en lo personal como en lo profesional​.

El arte como proceso de autodescubrimiento y liberación

A través de sus experiencias personales y su música, The New Yorker concluye afirmando que Lucy Dacus sigue demostrando que la vulnerabilidad no solo es un acto de valentía, sino también una forma poderosa de conectar con su audiencia. En Forever Is a Feeling, Dacus ofrece un testimonio de sus vivencias más profundas, mostrando que el arte, aunque doloroso y desafiante, puede ser una herramienta de liberación personal y colectiva​.

San Juan, 26 dic (EFE).- El artista puertorriqueño Bad Bunny anunció este jueves el lanzamiento de su octavo álbum, 'DeBÍ TiRAR MáS FOToS', compuesto de 17 temas, el próximo 5 de enero, como regalo de Reyes Magos para sus fanáticos.

"Que muchas cosas he vivido, conocí a mucha gente, gente buena, fui a muchos países, pero ninguno como Puerto Rico, quisiera haber tirado más fotos para enseñarte, las fotos son momentos vividos, recuerdos de cosas que pasaron", relató el director y actor puertorriqueño Jacobo Morales, en el video publicado por el llamado 'Conejo Malo' en su cuenta de Instagram.

"Yo no era de estar tirando fotos por ahí ni estar subiendo historias ni nada de eso, yo decía que era mejor vivir el momento, pero cuando llegas a esta edad recordar no es tan fácil, debí tirar más fotos, haber vivido más, haber amado más cuando pude, mientras uno está vivo, uno debe amar lo más que pueda", añadió Morales, único director de Puerto Rico nominado a un Óscar por la comedia 'Lo que le pasó a Santiago'.

Bad Bunny, ganador de tres Grammy anglosajones y nueve Latin Grammys, publicó en sus redes sociales la palabra "bomba" 17 veces para anunciar este lanzamiento, haciendo referencia al número de canciones que forman parte del disco.

Sus últimos sencillos, 'EL ClúB' y 'PiToRRO DE COCO' forman parte de este último álbum.

Asimismo, el artista de 30 años divulgó un enlace en su historia de Instagram que lleva a una cuenta atrás de 10 días para la publicación de este nuevo disco que será el 5 de enero, coincidiendo con la celebración de los Reyes Magos.

El 13 de octubre de 2023 el artista presentó su séptimo álbum 'Nadie sabe lo que va a pasar mañana', con 22 canciones, con colaboraciones con Arcángel, Bryant Myers, De La Ghetto, Eladio Carrión, Feid, Luar La L, Mora, Ñengo Flow, Young Miko y Youngchimi y que se convirtió en el disco más reproducido en un solo día en 2023.

San Juan, 26 dic (EFE).- El artista puertorriqueño Bad Bunny anunció este jueves el lanzamiento de su octavo álbum 'DeBÍ TiRAR MáS FOToS', compuesto de 17 temas, el próximo 5 de enero, como regalo de Reyes Magos para sus fanáticos.

"Que muchas cosas he vivido, conocí a mucha gente, gente buena, fui a muchos países, pero ninguno como Puerto Rico, quisiera haber tirado más fotos para enseñarte, las fotos son momentos vividos, recuerdos de cosas que pasaron", relató el director y actor puertorriqueño Jacobo Morales, en el vídeo publicado por el llamado "Conejo Malo" en su cuenta de Instagram.

"Yo no era de estar tirando fotos por ahí ni estar subiendo historias ni nada de eso, yo decía que era mejor vivir el momento, pero cuando llegas a esta edad recordar no es tan fácil, debí tirar más fotos, haber vivido más, haber amado más cuando pude, mientras uno está vivo, uno debe amar lo más que pueda", añadió Morales, único director de Puerto Rico nominado a un Óscar por la comedia 'Lo que le pasó a Santiago'.

Bad Bunny, ganador de tres Grammy anglosajones y nueve Latin Grammys, publicó en sus redes sociales la palabra "bomba" 17 veces para anunciar este lanzamiento, haciendo referencia al número de canciones que forman parte del disco.

Sus últimos sencillos, 'EL ClúB' y 'PiToRRO DE COCO' forman parte de este último álbum.

Asimismo, el artista de 30 años, divulgó un enlace en su historia de Instagram que lleva a una cuenta atrás de 10 días para la publicación de este nuevo disco que será el 5 de enero, coincidiendo con la celebración de los Reyes Magos.

El 13 de octubre de 2023 el artista presentó su séptimo álbum 'Nadie sabe lo que va a pasar mañana' con 22 canciones, con colaboraciones con Arcángel, Bryant Myers, De La Ghetto, Eladio Carrión, Feid, Luar La L, Mora, Ñengo Flow, Young Miko y Youngchimi y que se convirtió en el disco más reproducido en un solo día en 2023. EFE

Antonio Orozco regresa a los escenarios para celebrar los 25 años de su carrera con 'La gira de mi vida', con la que recorrerá 25 ciudades en 2025.

Las entradas para los conciertos ya están disponibles en las páginas webs oficiales de Antonio Orozco y el Grupo Clipper's. La gira arrancará el próximo 6 de junio en Mérida y pasará por Málaga (7 de junio) y Logroño (14 de junio), para continuar en el mes de julio en Valencia (5), Úbeda (6), Elche (18), Almería (19) y Alcúdia (25).

Ya en el mes de agosto, Orozco solo actuará en Chiclana de la Frontera (9) y en septiembre en Valdepeñas (6), Sevilla (7), Las Palmas de Gran Canaria (13), Granada (20) y Murcia (27). Para el mes de octubre, el cantante mostrará su show a los espectadores de Córdoba (4), Santander (11), A Coruña (18) y Onda (Castellón - 24).

Durante el mes de noviembre girará por Zaragoza (14), Bilbao (15), Pamplona (21), Valladolid (22) y Barcelona (29). Los últimos dos conciertos serán en Huelva (6 de diciembre) y el 10 de diciembre en el WiZink Center de Madrid.

En el tour, el cantante combinará sus grandes éxitos con las canciones de su próximo álbum, cuyo lanzamiento está previsto para 2025. El primer adelanto de este disco es el sencillo 'Te juro que no hay un segundo que no piense en ti'.

El dúo conformado por Eva Amaral y Juan Aguirre, Amaral, ha anunciado que recorrerá 16 ciudades españolas con su gira 'DOLCE VITA', para la que las entradas ya están a la venta en su página web. Así, presentará su nuevo disco, con el mismo nombre, que verá la luz el próximo 7 de enero.

Concretamente, 'DOLCE VITA' arrancará en Bilbao el 10 de mayo y recalará después en Zaragoza, Pamplona, Valencia, Alicante, Barcelona, Murcia, Córdoba, Granada, Badajoz, Madrid, Santander, Chiclana, Marbella, Sevilla y Albacete.

Aunque el nuevo álbum estaba pensado para salir antes de que acabase 2024, Amaral se ha visto obligada a posponer su salida por razones personales, aunque ya ha ido publicando algunos adelantos como 'Rompehielos', 'No lo entiendo', 'Ahí estás', 'Libre' o 'Los demonios del fuego'.

El bolero, ese género que evoca nostalgia y pasión en cada acorde, ha sabido adaptarse a las nuevas generaciones sin perder su esencia. Carlos Cuevas, una de las máximas figuras del género en México, lo confirma.

A lo largo de cada concierto, jóvenes que inicialmente sólo acompañaban a sus abuelos o padres terminan envueltos en la magia de sus letras y melodías.

En entrevista con INFOBAE MÉXICO expresó que el bolero persiste gracias a la transmisión intergeneracional, donde los jóvenes, aunque inicialmente no sean los más interesados, terminan conectando con el género a través de la influencia familiar y la exposición en diversos entornos.

¿Por qué el bolero nunca morirá?

“He tenido la oportunidad de estar viajando por toda la República Mexicana durante mucho tiempo y cada vez hay más jóvenes. Y fíjate que a lo mejor ellos no quieren ir al concierto, pero como llevan a su a su familia, su mamá, su abuelita, la tía, ellos le manejan, pues se quedan a ver el concierto”.

Expresó que la sorpresa le ha llegado cuando en oportunidades jóvenes se le han acercado después de sus shows y le han confesado que se saben las canciones.

“Dicen, ‘Bueno, es cada canción que canto me la sé, maestro, porque yo lo escuchaba en el carro, en la sala de la casa, en la recámara, en la radio, con con mi abuela, con mi mamá’.

“Y entonces, pues ahí está. El bolero, está vigente, gracias a Dios, gracias a los papás y a los abuelitos que que lo vivieron y que lo pusieron en su radio y el tocadiscos”.

Cuando el amor duele, el bolero se vuelve un refugio inevitable, de acuerdo con Cuevas, quien expresó que mientras exista alguien que ame y alguien que sufra por amor, el bolero nunca morirá.

¿Cómo se mantiene viva la esencia del bolero en la era digital?

Carlos Cuevas, quien promociona su material discográfico “Romance en Piano Vol II”, comparte varias estrategias y observaciones sobre cómo se mantiene viva la esencia del bolero en la era digital. Algunas ideas claves sobre esto son las siguientes:

• Transmisión intergeneracional: El bolero se mantiene vigente gracias a que padres y abuelos lo transmiten a las nuevas generaciones, quienes lo escuchan en diversos contextos familiares.
• Autenticidad y verdad en la interpretación: Cuevas enfatiza la importancia de ser auténtico y decir la verdad al interpretar boleros, evitando ser un artista elaborado.
• • “Decimos la verdad, somos verdaderos, somos auténticos, somos artistas que no somos fabricados”, expresó.
• Experiencia y dedicación: Con más de 40 años cantando boleros, Cuevas destaca la importancia de la experiencia y el arduo trabajo, incluyendo la educación continua de la voz a través de clases de canto y el cuidado personal.
• • “Hemos recorrido la lengua en todos sentidos, hemos pasado por las buenas, por las no tan buenas, pero siempre trabajando, siempre trabajando y educándonos la voz. Por ejemplo, en mi caso, yo cada semana tomo clase de canto, hago ejercicio, trato de no mandarme (excederme) en otras cosas, ni en comida, ni en bebida, no fumo. Cuando tienes la disciplina te tiene que ir bien”.

• Conexión emocional: El bolero sigue siendo relevante porque es un ritmo y una letra que facilitan el enamoramiento. Cuevas señala que cuando uno se enamora o se desenamora, recurre al bolero.
• • “El bolero sigue ahí porque si tú te metes en cualquier cantina, en cualquier restaurante, en la misma fonda, en la calle, hay un trovador cantando boleros con su guitarra, con su piano, con acordeón, la marimba. Entonces, hasta las mismas agrupaciones regionales tocan y cantan bolero”.
  • “Cuando te enamoras, caes en el bolero sin lugar a dudas, con cualquier canción. Ya la oigas con Luis Miguel, con Alejandro Fernández, con Pepe Aguilar, con Carlos Cuevas, pero cuando te desenamoras caes más. Entonces ahí estoy esperando esas chavas que que le rompan el corazón para que vengan a escuchar la música”.
  • “El bolero está vigente. ¿Por qué? Porque yo creo que es el ritmo y la letra más cadenciosa para poder enamorar a tu pareja”.
• Adaptación a nuevos formatos y plataformas: Cuevas utiliza plataformas digitales como YouTube para su programa “A Ritmo de Bohemia”, mostrando que el género se adapta a los nuevos medios. También invita a escuchar y descargar su disco “Romance en Piano Vol II”.
• Colaboración y reinvención: Cuevas participa en giras con otros artistas y celebra que jóvenes intérpretes sigan apostando por el bolero. Menciona a artistas como Ángel Aguilar y Carlos Macías como ejemplos de esta nueva generación.

El impacto de Luis Miguel en el bolero

Cuevas reconoce que Luis Miguel acercó el bolero a una generación más joven que ahora constituye su público.

“Hace 20 años tuvimos la suerte de que Luis Miguel acercara el bolero a esa juventud que ahora es mi público”.

Desde un estudio de grabación en tierras estadounidenses, Tini Stoessel emocionó a sus seguidores con un anuncio que confirma lo que muchos esperaban: su nuevo álbum está en la recta final. La cantante argentina, que en abril del año pasado sorprendió con Un mechón de pelo, ya está lista para una nueva etapa musical y compartió detalles del proceso creativo en sus redes sociales.

“Ay, Dios mío, este álbum ya casi está terminado. Y nos divertimos mucho en Los Ángeles”, escribió la artista en Instagram, junto a una serie de imágenes en las que se la ve en plena grabación. Aunque aún no reveló la fecha exacta de lanzamiento ni otros detalles del disco, sus fanáticos ya comenzaron a especular sobre el sonido y el concepto que marcarán este trabajo.

Tras varios meses alejada de los escenarios, la artista decidió enfocarse en nuevos proyectos. Su último álbum, Un mechón de pelo, representó un giro en su carrera al explorar una faceta más personal y alejada de los hits bailables que la llevaron a la cima. Con letras introspectivas y una producción más íntima, el disco permitió ver una versión distinta de la artista, que ahora prepara el siguiente paso.

El primer adelanto de esta nueva etapa llegó con “El cielo”, un sencillo que estrenó a finales del 2024 y que marcó una evolución en su sonido. La canción, que habla sobre el final de una historia de amor, llamó la atención de su público por su estilo renovado y su mensaje lleno de emoción. Ahora, con el anuncio de un nuevo disco, todo indica que Tini seguirá explorando esta dirección musical.

Además del proceso de grabación en Estados Unidos, la artista generó expectativa con enigmáticos mensajes en su canal de WhatsApp. “No me avisaste cuánto me iba a doler” y “No verte otra vez” fueron algunas de las frases que compartió con sus seguidores, dejando abierta la posibilidad de que sean títulos de sus próximas canciones.

De todas formas, desde abril del 2024, Tini Stoessel se alejó de los escenarios para tomarse un descanso y enfocarse en otras áreas de su carrera. Durante este tiempo, retomó su faceta actoral, un terreno que no exploraba desde sus días en Violetta, aunque todavía no se conocen muchos detalles sobre los proyectos en los que está involucrada.

Tini Stoessel brilló en la exclusiva fiesta de Paris Hilton

El pasado fin de semana, Tini fue una de las grandes sorpresas en la fastuosa fiesta de cumpleaños de la famosa empresaria Paris Hilton en Beverly Hills. La cantante compartió la velada con figuras internacionales del espectáculo, la moda y la música, disfrutando de una noche de lujo y diversión.

Desde su llegada, deslumbró con un elegante look en tonos oscuros, posando junto a su íntima amiga Sofía Fernández en la entrada del evento. En el interior, se la vio bailando con Lele Pons y participando de momentos de complicidad con la anfitriona. La foto junto a Hilton, que rápidamente se viralizó, dejó en evidencia la buena relación entre ambas.

La celebración estuvo marcada por una ambientación llena de glamour, con luces doradas, arreglos florales y una pista de baile con DJ en vivo. Además, la empresaria lució un minivestido rosa con detalles brillantes, fiel a su estilo extravagante.

Otras estrellas de talla internacional que se hicieron presentes en el cumpleaños de la empresaria fueron Sofía Vergara, Sydney Sweeney y Cara Delevingne. Aunque llamó la atención y causó sorpresa entre los fanáticos, es importante recalcar que este no es el primer acercamiento de Paris Hilton al mundo del espectáculo argentino, ya que meses atrás colaboró con María Becerra en su álbum Infinite Icon.

La espera ha sido larga, pero Rihanna asegura que valdrá la pena. En una entrevista reciente con Harper’s Bazaar, la cantante y empresaria reveló detalles sobre su próximo álbum, el primero desde el lanzamiento de Anti en 2016. Según explicó, este nuevo trabajo no será lo que sus seguidores esperan, ya que ha decidido alejarse de las fórmulas comerciales y explorar un enfoque más artístico y personal. “Sé que no será nada de lo que se espera. No va a ser comercial. Estará donde mi arte merece estar ahora mismo. ¡Siento que finalmente lo he logrado!”, afirmó la artista.

De acuerdo con lo publicado por Harper’s Bazaar, Rihanna ha dedicado los últimos ocho años a trabajar en este proyecto, aunque el proceso no ha sido lineal. La cantante confesó que pasó por diferentes etapas creativas, explorando estilos y géneros, pero que ninguno parecía encajar con su evolución personal y artística. “Estuve en el estudio todos estos ocho años. Pero no me golpeó. Lo estaba buscando. Pasé por fases de lo que quería hacer. ‘Este tipo de álbum, no aquel álbum’”, explicó. Finalmente, decidió que su música debía reflejar su crecimiento y no limitarse a las expectativas externas.

Un álbum sin género definido y lejos del reggae

En 2018, surgieron rumores de que el nuevo disco de Rihanna estaría fuertemente influenciado por el reggae, un género que ha sido parte de su identidad musical en el pasado. Sin embargo, la cantante desmintió esta información en la entrevista con Harper’s Bazaar, asegurando que su próximo trabajo no se encasillará en ningún género específico. “¡Muy lejos! Ya no hay género. Por eso esperé”, declaró. Rihanna explicó que durante el proceso creativo se enfrentó a momentos en los que sentía que las canciones no representaban su evolución personal. “Cada vez pensaba: ‘No, no soy yo’. No está bien. No coincide con mi crecimiento. No coincide con mi evolución. No puedo hacer esto. No puedo soportar esto. No puedo interpretar esto durante un año de gira’”, añadió.

La artista también reflexionó sobre el tiempo que ha pasado desde su último lanzamiento y la presión que esto genera. Según consignó Harper’s Bazaar, Rihanna siente que este largo período de espera debe reflejarse en la calidad y el impacto de su nuevo álbum. “Después de un tiempo, lo miré y pensé: tanto tiempo alejado de la música debe contar para lo siguiente que todos escuchen. Tiene que contar. Tiene que importar. Tengo que mostrarles el valor de la espera. No puedo poner nada mediocre. Después de esperar ocho años, es mejor esperar un poco más”, afirmó en la entrevista.

Un regreso marcado por grandes eventos y nuevos proyectos

Aunque su próximo álbum aún no tiene fecha de lanzamiento, Rihanna ha mantenido su presencia en la industria musical y en el entretenimiento. En 2022, lanzó “Lift Me Up”, el tema principal de la banda sonora de Black Panther: Wakanda Forever, que fue su primera canción en seis años. La balada también tuvo una destacada interpretación en los premios Oscar de 2023. Además, la cantante protagonizó el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 2023, marcando su regreso a los escenarios tras siete años de ausencia.

En junio de 2022, durante un evento de su marca Fenty Hair, Rihanna mencionó que estaba “comenzando de nuevo” con una “nueva perspectiva” y sugirió que “Dios tenía otros planes para mí”. Recientemente, surgieron rumores sobre una posible serie de conciertos en el Estadio de Londres en julio, lo que ha llevado a especulaciones sobre una posible participación en el festival de Glastonbury en 2025. Sin embargo, hasta el momento, no se ha confirmado ninguna de estas informaciones.

Rihanna sigue marcando tendencia en la moda y la belleza

Mientras los fanáticos esperan su nuevo álbum, Rihanna continúa expandiendo su imperio en el mundo de la moda y la belleza. Según informó Harper’s Bazaar, la cantante presentó recientemente el Gloss Bomb Shimmer Stix, un innovador producto de su marca Fenty Beauty. Este lápiz labial combina el brillo característico de la marca con una fórmula nutritiva que promete realzar los labios con un acabado deslumbrante. En las imágenes promocionales, Rihanna lució un impactante look que incluyó un tapado de piel sin nada debajo, acompañado de joyas de strass en el cuello y los dedos, reafirmando su estatus como ícono de estilo.

Desde el lanzamiento de Fenty Beauty, Rihanna ha revolucionado la industria del maquillaje con productos inclusivos y de alta calidad. Su enfoque innovador y su capacidad para marcar tendencias han consolidado su posición como una de las figuras más influyentes en el mundo de la moda y la belleza.

Ocho años de espera y altas expectativas

El próximo álbum de Rihanna no solo representa su regreso a la música, sino también una declaración de su evolución como artista. Según detalló Harper’s Bazaar, la cantante ha dedicado este tiempo a perfeccionar su visión y a asegurarse de que su nuevo trabajo esté a la altura de las expectativas. Aunque los detalles sobre el lanzamiento siguen siendo escasos, Rihanna ha dejado claro que su prioridad es ofrecer un proyecto auténtico y significativo. Para sus seguidores, la espera continúa, pero la promesa de un álbum único y sorprendente mantiene viva la anticipación.

Según Rolling Stone, a pesar de las dificultades externas, el álbum muestra señales de que el canadiense aún conserva su capacidad para generar música cautivadora, aunque se percibe una falta de riesgo en comparación con sus trabajos previos.

Una propuesta familiar pero bien ejecutada

La revista asegura que, el álbum mantiene la esencia de lo que los seguidores de Drake esperan: letras melancólicas sobre relaciones fallidas y una producción cuidadosamente pulida. Desde la canción de apertura, “CN Tower”, Drake reflexiona sobre los altibajos emocionales, utilizando la famosa torre de Toronto como un símbolo de sus propios estados de ánimo.

Según Rolling Stone, si bien este enfoque puede parecer predecible, la ejecución sigue siendo sólida, permitiendo a los oyentes sumergirse en la atmósfera que el artista crea con facilidad.

Además, el medio sostiene que, si bien la participación de PartyNextDoor fue limitada, aporta una capa adicional de dinamismo vocal que enriquece el álbum, particularmente hacia el final de varias piezas.

La sombra de la polémica

El regreso de Drake también se da en un contexto donde su imagen pública fue puesta a prueba por conflictos, especialmente con otros artistas. Según Rolling Stone, $ome $exy $ongs 4 U incluye algunas menciones a estas tensiones, como en el tema “Gimme a Hug”, donde el canadiense dice un comentario irónico sobre las figuras del hip-hop que desearían su caída.

Sin embargo, el medio detalla que, a pesar de estos toques de crítica, el trabajo no profundiza de manera significativa en estos aspectos, como si el artista se sintiera cauteloso de exponer más detalles sobre su situación.

Aunque no se evita completamente el tema del beef en la industria, la sensación general es que Drake prefiere centrarse en una narrativa más introspectiva y personal.

Innovación en pequeños detalles

Aunque $ome $exy $ongs 4 U no es una reinvención total de su sonido, Rolling Stone asegura que incluye experimentos que revelan un intento de Drake por ampliar sus horizontes.

Según el medio, la inclusión de “Meet Your Padre” con el artista mexicano Chino Pacas, marca un paso hacia la integración de sonidos latinos en su obra.

El medio destaca que este tema no solo resalta por su fusión cultural, sino también por la capacidad de PartyNextDoor para complementar la atmósfera, sumergiendo al oyente en una experiencia sonora más rica y variada.

El momento más genuino de Drake

La revista destaca que uno de los momentos más destacados del álbum se encuentra en “Die Trying”. En esta canción, la vulnerabilidad de Drake se mezcla con una producción más ligera, basada en guitarra acústica, lo que le da un aire renovado.

Según Rolling Stone, en la letra de “Die Trying” se refleja una necesidad de conexión más allá de los mensajes de texto, lo cual muestra una faceta más humana y menos autopromocional del artista.

Este tema, según el medio, podría convertirse en un éxito inesperado, ya que rompe con el tono habitual de las producciones más pesadas de Drake.

Un regreso que invita a la reflexión

En conjunto, $ome $exy $ongs 4 U ofrece una propuesta sólida y emocionalmente sincera, aunque sin arriesgar demasiado en lo musical. Según Rolling Stone, aunque el álbum no logra captar la misma magnitud de impacto que sus trabajos más innovadores, se mantiene como una muestra de que Drake no está cerca de desaparecer.

El medio asegura que el canadiense sigue siendo una figura central en el panorama musical, con la capacidad de redirigir su enfoque hacia nuevas direcciones. Sin embargo, será necesario un poco más de tiempo para ver si este regreso logra conectar profundamente con una audiencia global.

Guillermo Cabellos

Barcelona, 15 nov (EFE).- Sopa de Cabra, uno de los grupos referentes del rock catalán desde mediados de los 80, publica este viernes 'Ànima', un disco en el que cada una de sus ocho canciones cuenta con la colaboración de un artista y con el que han tratado de "romper etiquetas y fronteras", ha explicado la banda en una entrevista con EFE.

Este trabajo llega tras casi cinco años de silencio discográfico, tiempo del que Gerard Quintana, cantante del grupo, no era consciente, ya que por inercia pensaba en 'Cercles', de 2015, como su último trabajo.

"'La Gran Onada' salió quince días antes de que nos encerraran por la pandemia y de algún modo mi cabeza lo había olvidado", comenta Quintana entre risas, antes de añadir que "es natural que se vayan ralentizando los procesos creativos", no tanto por "una cuestión de autoexigencia", sino quizás "por la velocidad de la vida, que es diferente cerca de la sesentena que cuando tienes veintipocos".

Además, entre estos dos álbumes, la banda de Girona sacó 'Ben Endins 30 anys', un disco de celebración con el que han estado dos años de gira en la que también han colaborado con distintos artistas.

Para Quintana son estas alianzas las que plantan el germen de 'Ànima' y sus ocho colaboraciones, entre las que destacan las de Santi Balmes, Sidonie, Triquell, Beth o Clara Peya, escogidas "sin un criterio generacional".

"Son artistas que admiramos o que pueden llevar las canciones más allá de lo que podamos llevarlas nosotros solos", recalca el cantante sobre la elección, aunque cree que lo que más ha pesado es que son músicos "con alma, con los que hay alguna afinidad, una parte personal o humana más allá de la música, que te plantea un reto y te atrae".

Sobre el título del álbum, Josep Thió, guitarrista de la banda, asegura a EFE que es algo que escogen siempre al final, "después de ver el resultado final, aquello que puede definir el trabajo".

"Sin embargo, en este caso 'Ànima' era una premisa, porque el alma es aquello que queda cuando quitas todo lo demás. Es ir desnudando las ideas y ver que queda eso, que no sabemos si es un invento nuestro para confiar en la vida eterna, ni si es algo que tiene consciencia", remata Quintana.

Para redondear esta idea, Sopa de Cabra ha elaborado las letras alrededor de dos ideas principales, el tiempo y las relaciones humanas: el primero porque es "un valor, un bien escaso" y el segundo al ser "la respuesta que hemos encontrado los humanos a la soledad".

Así, canciones como 'Ànima Animal' con Pol Batlle, 'Data Límit' junto a Santi Balmes, 'En Un Segon', en colaboración con Xarim Aresté, 'Temps de Sega' con Beth o 'Un Altre Temps' interpretada con Yolanda Sey, refuerzan constantemente esta premisa temática.

En lo que a la música se refiere, Thió afirma que "cada vez nos apetece más romper etiquetas y fronteras", por lo que han tratado de encontrar sonidos nuevos en Sopa de Cabra.

"A veces piensas que estás haciendo un gran paso, porque has hecho una cosa que tú no sabes hacer, pero después te das cuenta de que ya existía, que ya lo ha hecho otra gente, y que para ti es una novedad, pero el oyente lo siente normal", cuenta el guitarrista, quien también entiende que la música del grupo sigue siendo reconocible en este último trabajo.

El grupo presentará 'Ànima' el próximo 19 de noviembre en el Palau de la Música de Barcelona, en un concierto en el que participarán varios de los colaboradores del disco, aunque la banda aún no desvela quiénes serán, mientras que seguirán con su gira por Girona en el marco del Temporada Alta, Lleida, Reus o Mallorca, entre otras ciudades. EFE

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Madrid, 14 (EFE).- Dani Martín publicará finalmente el próximo día 29 su quinto disco de estudio, 'El último día de nuestras vidas', según ha anunciado el propio artista en redes sociales este jueves.

El álbum debería haber sido lanzado el pasado 8 de noviembre, pero el compositor, actor y cantante madrileño decidió posponerlo en señal de respeto a las víctimas de la dana que el pasado 29 de octubre afectó gravemente al este y sur del país.

'El último día de nuestras vidas', del que de momento solo se conoce el sencillo que le da nombre, es un trabajo especialmente esperado porque constituye el retorno oficial de Dani Martín a la música tras dos años de retiro total de la actividad.

Junto con el álbum, el primero con material original desde 2020, a finales del próximo año Martín ofrecerá diez conciertos en el Wizink Center de Madrid con todo el aforo agotado, un registro que ningún artista había conseguido hasta ahora y que da prueba de la expectación que rodea su retorno.

También se ha informado de que el artista recuperará su idea de escuchar de forma privada las nuevas canciones junto a algunos de sus seguidores. El formato, al no haber conseguido hueco en el Wizink Center como estaba previsto inicialmente, ha cambiado a "varios pases" entre los días 25 y 26 de noviembre.

Será en La Sala del Wizink y, de acuerdo con su mensaje, quienes tuviesen entrada recibirán por correo nuevos códigos para elegir a qué pase quieren asistir. EFE

Lamar, KendrickRap and Hip-HopGNX (Album)Drake (Rapper)Content Type: Personal Profile

El sexto álbum de estudio del rapero llega tras el éxito de un par de temas lanzados este año e impulsados por una rivalidad con Drake.

Kendrick Lamar, el galardonado rapero y una de las estrellas menos predecibles del mundo de la música, lanzó el viernes por sorpresa un nuevo álbum, titulado GNX.

Es el sexto álbum de estudio de Lamar, de 37 años, quien ganó el Premio Pulitzer de la Música en 2018 y que, incluso antes de publicar el disco, ha tenido un año redondo. En primavera, dos canciones que surgieron de una intensa y breve guerra de diss-track (término en inglés para las canciones cuyo objetivo principal es atacar a otro artista) con Drake, "Like That" y "Not Like Us", se convirtieron en unos de sus mayores éxitos en años. "Not Like Us" alcanzó el número 1 de la lista Hot 100 de Billboard y fue nominada a disco y canción del año en los Grammy.

En febrero, Lamar encabezará el espectáculo del medio tiempo del Super Bowl.

GNX, con 12 canciones, apareció en los servicios de emisión en continuo la mediodía del viernes, con poca información adicional. La portada del álbum y un video de un minuto que se publicó al mismo tiempo giran en torno a la imagen de un muscle car negro de época. En la portada, Lamar se inclina sobre la parte trasera del vehículo, y el video --con prominentes cuerdas y la voz de Lamar con su veloz entrega-- muestra al artista con el coche en un espacio vacío y monumental.

Entre los temas hay una canción titulada "Heart Pt. 6", la más reciente de una serie con títulos similares, que se ha convertido en sello distintivo de Lamar. También es una réplica implícita a Drake, quien había lanzado una canción disidente en mayo llamada "The Heart Part 6".

GNX es el primer álbum de Lamar tras abandonar Top Dawg Entertainment (TDE), la discográfica de Los Ángeles que lo descubrió hace más de una década. El aviso de copyright de GNX en los servicios de emisión en continuo, o streaming, atribuye el lanzamiento a pgLang, la agencia creativa que Lamar fundó con su viejo colaborador Dave Free. (El álbum se publicó "bajo licencia exclusiva" de Interscope Records, un importante sello del gigante Universal Music Group).

El último álbum de Lamar, Morale & the Big Steppers, se publicó en 2022 tras cinco años de espera.

Madrid, 31 oct (EFE).- Concierto en Madrid por San Valentín, nuevo álbum y un importante giro estilístico se avecinan en el 2025 para el rapero argentino Tiago PZK, que presenta canción con el español Rels B, titulada 'Mi cuarto', una nueva colaboración en su ilustre lista.

Las colaboraciones son una constante entre las publicaciones de Tiago PZK, seudónimo de Tiago Uriel: "Me quedo con la satisfacción de poder hacer música con gente más grande que yo", explicó el rapero en una entrevista con EFE. En su lista aparecen músicos de la talla de los también argentinos Nicki Nicole y Duki o el colombiano Manuel Turizo.

"Me gusta conectar más allá de la música, aprendo mucho de las experiencias de los demás. Y además me llevo buenas canciones y buenos consejos para mi vida y mi carrera", agregó.

La influencia entre España y Argentina va más allá de esta colaboración con Rels B. Para el compositor argentino, "España es el país más humano de Europa, no hay tanta frialdad como en países como Suecia o Alemania, siento que hay una conexión cultural, una cercanía especial con España".

Antes de final de año, Uriel presentará varios adelantos de su próximo álbum, del que no ha trascendido el título pero se publicará a principios de 2025, y que contará con una colaboración con la banda argentina Miranda!, lo que da paso a un "nuevo desafío" en su carrera.

"Siento que la próxima parte de mi carrera viene con ese desafío de romper los estigmas de ser pop o no. La gente sabe de donde vengo, tengo una historia detrás y tengo toda mi realidad, pero también quiero mostrar ese lado popstar", explicó.

El nuevo álbum será el tercero de una carrera más fundamentada en singles que en trabajos largos: "Las canciones que mejor han funcionado siempre han sido sencillos, pero simplemente por la forma de consumir música hoy día".

Uriel atribuye el fenómeno de la ola de música urbana argentina a un componente social en su país: "Es la esencia de los artistas argentinos. Tienen un trasfondo detrás, una historia que contar. En Argentina siempre ha sido así, Luis Alberto Spinetta, Charly García... siempre ha habido grandes compositores que tenían mucho que decir".

Esta herencia cultural hace que, según Uriel, en su país sea necesario "hacer por lo menos una letra que te cuente algo", incluso en géneros más comerciales. "Hay un lado sensible incluso en la banalidad que hay en el género urbano. Siento que Argentina tiene un lado muy autobiográfico que cuenta mucho la realidad de sus barrios".

La dimensión reivindicativa de la música es algo necesario para el rapero, que también concibe su trabajo como un medio de evadirse. "Nosotros aportamos a la sociedad sacar de los problemas a la gente, pero también hay que hablar de las realidades, por eso hay tanta diversidad de estilos. En Argentina hay muchos artistas políticos, y me parece increíble que sea así, si no sería como vivir en una nebulosa".

La realidad social de su país no es ajena a Uriel, algo que tiene presente en su trabajo: "Argentina es un país con un 70 % de la población en estado de pobreza, y debemos hablar de esas cosas, sin embargo también pienso que nuestra función es aportarle felicidad a la gente", concluyó el cantante.

Madrid, 31 oct (EFE).- Dieciséis años ha hecho esperar The Cure a sus seguidores para entregarles un nuevo álbum, una reflexión sobre la muerte que llegará este viernes, probablemente en el día más idóneo para ello, víspera del Día de Difuntos, mientras que Niña Pastori ha decidido adelantar sin prolegómenos la fiesta de la Navidad.

El decimocuarto álbum de estudio de Robert Smith y compañía ofrecerá todo lo que se ha esperado de ellos en ocho canciones lejos de la amabilidad, tanto por duración (algunas por encima de los 10 minutos) como por su tono existencialista que enfrenta el miedo a la muerte.

"Para mí la Navidad encierra muchas cosas hermosas: la familia, los amigos, mis hijas... Y poder cantar canciones que he escuchado toda la vida y darles una vuelta para que brillen de una forma diferente ha sido maravilloso", ha dicho la gaditana de este trabajo, con ocho clásicos reinterpretados y dos temas inéditos que trasladan a las próximas fiestas su toque flamenco.

Se publica la versión más desnuda e íntima del último trabajo de la cordobesa, que se llevó el Premio de la Academia de la Música al mejor álbum folclórico así como el Premio Ruido que concede la prensa musical al mejor disco español de 2023.

La quinta entrega en solitario de la líder de Amparanoia sirve algunas de sus canciones ya clásicas pero en su vertiente más íntima y espiritual, acompañada por el artista argentino de folklore Raly Barrionuevo y del instrumentista y cantante catalán Willy Fuego.

Álbum de debut de este artista que cita a Locomía, Chambao, The Clash y la ruta del bakalao como sus referentes y en el que, sobre una base de pop electrónico, "se expande con la misma soltura hacia terrenos del disco-house, del dance-pop, del pop urbano e incluso del flamenco chill". 

La artista estadounidense radicada actualmente en Nashville mantiene el tono confesional en este tercer trabajo, en el que abunda como tema en la incertidumbre de crecer a través de un sonido de pop alternativo muy depurado.

Segundo disco para este proyecto que mantiene su tino con las composiciones eufóricas y que ofrecen ángulos inesperados y nuevas facetas a cada minuto, entre el glam rock sucio y el punk pop sofisticado.

El icono del country ofrece a sus 91 años su álbum número 76, una ecléctica colección de canciones de nombres como Tom Waits, Nina Simone, The Flaming Lips o Neil Young, entre otros, "todos leyendas del rock, cantautores idiosincrásicos, héroes de lrock alternativo y artistas folk independientes", destaca su discográfica.

EFE

jhv/fp

Nueva York, 30 oct (EFE).- Apenas unos días de la publicación de su nuevo tema "Disease" ('Enfermedad)', Lady Gaga ha compartido con sus seguidores en las redes el video musical oficial de esta canción con sonidos electrónicos e imágenes perturbadoras.

El video lanzado el martes por la noche pone imágenes a este nuevo sencillo, anticipo de lo que será su próximo álbum, el séptimo de estudio de la diva del pop.

"Pienso mucho en la relación que tengo con mis propios demonios internos. Nunca me ha resultado fácil afrontar cómo me seduce el caos y la agitación. Me hace sentir claustrofóbica", asegura la intérprete de "Poker Face" en su perfil de Instagram sobre el tema.

"La enfermedad tiene que ver con enfrentar ese miedo, enfrentarme a mí misma y a mi oscuridad interior, y darme cuenta de que a veces no puedo vencer ni escapar de las partes de mí que me asustan", subraya la cantante y actriz estadounidense.

"Bailar, transformarme, correr, purgarme. Una y otra vez, volver a estar conmigo misma. Esta integración es, en última instancia, hermosa para mí porque es mía y he aprendido a manejarla", agrega.

Y precisa que es "la directora" de su propia "sinfonía".

"Soy cada actor de las obras que son mi arte y mi vida. No importa lo aterradora que sea la pregunta, las respuestas están dentro de mí. Son partes esenciales e inextricables de lo que me hace ser yo. Me salvo a mí misma si sigo adelante. Soy todo lo que soy, soy fuerte y estoy a la altura del desafío", asegura.

La cantante completa el mensaje que acompaña a su video con un !Feliz Halloween!.

“Disease” se estrenó el viernes pasado y formará parte de un nuevo álbum de Gaga que saldrá al mercado en el segundo trimestre de 2025. EFE

Miami, 28 oct (EFE).- El cantautor Ricardo Arjona anunció el lanzamiento para el próximo 22 de noviembre de los tres primeros adelantos de su próximo disco de estudio, 'Seco', que se espera vea la luz el próximo año.

A través de sus redes sociales, el guatemalteco dio a conocer la publicación en simultáneo de los sencillos 'Despacio que hay prisa', 'Nirvana' y 'Todo termina', que "ofrecen un adelanto del tono general del álbum, que promete una narrativa musical centrada en temas de vulnerabilidad y reflexión", según un comunicado de su oficina de representación en EE.UU..

El intérprete, quien en 2023 cerró una larga gira internacional y tras la cual dio a conocer que haría una pausa, desveló además la lista de los doce temas que contendrá el álbum, cuyo listado comienza con una canción titulada 'Barcelona'.

El afamado artista ha descrito su próximo proyecto discográfico como "una propuesta introspectiva y personal", lo que se refleja en la imagen de portada del álbum que el cantante compartió con sus seguidores hace unos días.

La fotografía, que muestra a un Arjona niño junto a un arroyo, simboliza de algún modo "su regreso a las raíces", y para ello se apoya además en el apodo de infancia del intérprete, 'Seco', dice la nota.

"Para los que me conocen, siempre fui Ricardo, fui Arjona o Ricardo Arjona. Para los que me quieren, siempre fui el SECO", señala el cantante, en el comunicado. EFE

A más de una década de su separación, el grupo británico Oasis sorprendió al mundo con el anuncio de su tan esperado reencuentro. Formada en 1991, la banda liderada por Liam y Noel Gallagher fue pionera del movimiento Britpop, y sus éxitos como “Wonderwall” y “Don’t Look Back in Anger”, todavía resuenan en todo el mundo. Los hermanos Gallagher, conocidos tanto por su talento como por sus disputas públicas, ahora se preparan para volver a los escenarios en una gira mundial programada para 2025, despertando gran interés en sus seguidores, especialmente ante la posibilidad de que presenten nuevo material discográfico.

El regreso de Oasis fue anunciado en agosto de este año, generando una reacción masiva entre sus fans. La gira llamada Live ‘25 incluirá presentaciones en el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, México, Sudamérica y Australia. Las fechas programadas cubren más de cinco meses, comenzando en julio de 2025 en Cardiff y extendiéndose hasta noviembre en Sudamérica, donde cerrarán con presentaciones en Argentina, Chile y Brasil. Las entradas se agotaron rápidamente en la mayoría de las fechas, lo que refleja la magnitud de la expectativa generada por este reencuentro. La última vez que Oasis estuvo en un escenario fue en 2009, cuando anunciaron su separación.

Rumores sobre un nuevo álbum de Oasis

Desde el anuncio de la gira, los rumores sobre un posible nuevo álbum de Oasis no pararon de circular, en parte alimentados por los comentarios de Liam Gallagher en redes sociales. En abril, un fan preguntó a Liam cuándo comenzarían las grabaciones, y él respondió “noviembre”, lo que muchos tomaron como una simple broma. Sin embargo, recientemente, Liam declaró en la plataforma X (anteriormente Twitter) que el nuevo álbum ya está “en la bolsa”, sugiriendo que el trabajo está completado. Incluso describió el nuevo disco como “espiritual”, sin dar más detalles. Según el sitio Has It Leaked, un nuevo álbum de Oasis incluiría seis canciones ya grabadas antes del anuncio de la gira. Aunque estos rumores aún no tienen confirmación oficial, Has It Leaked fue confiable en otras ocasiones al anticipar lanzamientos de artistas.

Además, en entrevistas recientes, Noel Gallagher dio a conocer que acumuló una gran cantidad de canciones durante el confinamiento, lo que podría alimentar aún más la especulación sobre el nuevo material. Según Noel, tiene suficientes temas escritos para al menos dos álbumes, y aunque no mencionó explícitamente que fueran para Oasis, fue visto ingresando a un estudio de grabación con su equipo, lo que dio lugar a especulaciones de que podrían ser para la banda y no para su proyecto solista, High Flying Birds.

Respuesta del público y entradas agotadas

La respuesta de los seguidores de Oasis fue contundente: las entradas de la gira Live ‘25 se vendieron en su totalidad en varias fechas, como los conciertos en Heaton Park de Mánchester y el Wembley Stadium de Londres, que se agotaron en cuestión de horas. Esta demanda demostró que el legado de Oasis sigue intacto, a pesar de los años de inactividad y de las tensiones públicas entre los hermanos Gallagher.

El regreso de Oasis también representa una tregua en la relación históricamente conflictiva entre los hermanos Liam y Noel Gallagher. Durante años, su relación estuvo marcada por peleas y declaraciones públicas que parecían hacer imposible cualquier reencuentro. Sin embargo, Liam expresó su disposición para dejar de lado las diferencias. En redes sociales, aseguró que planea comportarse “de la mejor manera” en la gira para motivar a Noel a continuar en la banda.

Detalles de los conciertos en Sudamérica y venta de entradas

El regreso de Oasis a Sudamérica generó un entusiasmo especial. Los conciertos están programados para noviembre de 2025, incluyendo dos presentaciones en el Estadio River Plate en Buenos Aires, Estadio Nacional en Santiago de Chile y dos shows en el Estadio MorumBIS de São Paulo. Las entradas para estos conciertos estarán a la venta a partir del 13 de noviembre, y se anticipa una respuesta masiva de sus seguidores en la región, donde la banda tiene una gran base de admiradores.

Todas las fechas que anunció Oasis para 2025

Julio de 2025

• 4 de julio - Cardiff, Principality Stadium (Entradas agotadas)
• 5 de julio - Cardiff, Principality Stadium (Entradas agotadas)
• 11 de julio - Manchester, Heaton Park (Entradas agotadas)
• 12 de julio - Manchester, Heaton Park (Entradas agotadas)
• 16 de julio - Manchester, Heaton Park - (Entradas agotadas)
• 19 de julio - Manchester, Heaton Park (Entradas agotadas)
• 20 de julio - Manchester, Heaton Park (Entradas agotadas)
• 25 de julio - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)
• 26 de julio - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)
• 30 de julio - Londres, Estadio Wembley - (Entradas agotadas)

Agosto de 2025

• 2 de agosto - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)
• 3 de agosto - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)
• 8 de agosto - Edimburgo, Scottish Gas Murrayfield Stadium (Entradas agotadas)
• 9 de agosto - Edimburgo, Scottish Gas Murrayfield Stadium (Entradas agotadas)
• 12 de agosto - Edimburgo, Scottish Gas Murrayfield Stadium (Entradas agotadas)
• 16 de agosto - Dublín, Croke Park (Entradas agotadas)
• 17 de agosto - Dublín, Croke Park (Entradas agotadas)
• 24 de agosto - Toronto, Ontario - Rogers Stadium (Entradas agotadas)
• 25 de agosto - Toronto, Ontario - Rogers Stadium (Entradas agotadas)
• 28 de agosto – Chicago, IL – Soldier Field (Entradas agotadas)
• 31 de agosto – East Rutherford, NJ – Estadio MetLife (Entradas agotadas)

Septiembre de 2025

• 1 de septiembre - East Rutherford, NJ - Estadio MetLife (Entradas agotadas)
• 6 de septiembre – Los Ángeles, CA – Estadio Rose Bowl (Entradas agotadas)
• 7 de septiembre – Los Ángeles, CA – Estadio Rose Bowl (Entradas agotadas)
• 12 de septiembre – Ciudad de México, MX – Estadio GNP Seguros (Entradas agotadas)
• 13 de septiembre - Ciudad de México, MX – Estadio GNP Seguros (Entradas agotadas)
• 27 de septiembre - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)
• 28 de septiembre - Londres, Estadio Wembley (Entradas agotadas)

Octubre de 2025

• 31 de octubre – Marvel Stadium, Melbourne

Noviembre de 2025

• 1 de noviembre - Marvel Stadium, Melbourne
• 4 de noviembre - Marvel Stadium, Melbourne - (Recién agregado)
• 7 de noviembre - Estadio Accor, Sídney
• 8 de noviembre - Estadio Accor, Sídney
• 15 de noviembre - Estadio Monumental, Buenos Aires, Argentina
• 16 de noviembre - Estadio Monumental, Buenos Aires, Argentina
• 19 de noviembre - Estadio Nacional, Santiago, Chile
• 22 de noviembre - Estadio MorumBIS, São Paulo, Brasil
• 23 de noviembre - Estadio MorumBIS, São Paulo, Brasil

Raúl Bobé

Londres, 26 oct (EFE).- La banda británica de rock The Cure despierta de un extenso letargo de 16 años con su nuevo decimocuarto álbum de estudio, 'Songs of A Lost World' (Canciones de un mundo perdido), un trabajo muy personal y desgarrador que saldrá a la venta el próximo 1 de noviembre.

Los de Crowley regresan a la primera línea de la música dando un puñetazo en la mesa y presentan un álbum fiel a su esencia, con ocho canciones en las que su vocalista, Robert Smith, se abre en canal y reflexiona sobre el paso de la vida, enfrenta su miedo a la muerte y rompe con las reglas del mercado musical actual.

"Tenemos que hacer un disco más. Tiene que ser el más intenso, triste, dramático y emocional de los que hemos hecho y después simplemente irnos", dijo el teclista de la banda, Roger O´Donell, en una entrevista con la revista 'Classic Pop' en 2020, donde afirmó que "todo el mundo estará feliz" con este álbum.

Cuatro años más tarde, el resultado es 'Songs of A Lost World'. Y no es un disco apto para todos los públicos, no intenta sumarse a ninguna moda ni 'trend' de TikTok, pero sin duda no decepcionará a los seguidores más acérrimos de la banda británica, sobre todo a aquellos que crecieron escuchando su música.

En pocas palabras, este álbum es "café para cafeteros": tiene un color muy oscuro, un sabor intenso y amargo y necesita de tiempo para saborearse correctamente, teniendo en cuenta que algunas canciones superan los 10 minutos de duración.

"Este es el final de cada canción que cantamos. El fuego se redujo a cenizas y las estrellas se apagaron con lágrimas", dicen los de Crowley en 'Alone' (Solo), el tema que inicia el disco y el elegido por Robert Smith, Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O´Donnell y Reeves Gabrels como su primer sencillo en 16 años, que salió a la luz el pasado mes de septiembre.

 'Songs of A Lost World' también destaca por su calidad instrumental, con una atmósfera a base de pianos, guitarras, violines y sintetizadores que envuelve y mantiene en vilo hasta el momento (a veces muy tardío) en el que la voz de Smith hace su aparición en cada uno de los ocho temas.

"Prométeme que estarás conmigo en el final, di que estaremos juntos y sin remordimientos", canta en 'And Nothing Is Forever', mientras que en 'A Fragile Thing' asegura que "no hay nada que puedas hacer para cambiar el final" mientras pone banda sonora a la fragilidad del amor.

Este álbum suena a despedida y podría (o no) ser también el último de la carrera profesional de The Cure, como pronosticaba O´Donnell, pero sin duda es una retrospectiva vital, porque Smith mira atrás en 'All I Ever Am' y confiesa que ha "perdido" toda su vida reflexionando sobre el tiempo y los recuerdos.

Como no podía ser de otra forma, 'End Song' (Canción final) pone el colofón al disco con unas estrofas que son a la vez viscerales y nostálgicas, donde Smith, a sus 65 años, se pregunta en qué momento ese niño con ganas de comerse el mundo ha envejecido tanto y qué le deparará la última etapa de su vida.

"Con el tiempo me perderé a mi mismo. No tardará. Todo se ha ido. Me quedo solo, sin nada, al final de cada canción", concluye. EFE

Madrid, 17 oct (EFE).- 'Motomami+', la edición 'deluxe' del éxito de la cantante catalana, contará con una edición física en formato doble vinilo transparente que saldrá a la venta mañana, y que vendrá acompañada de un libreto con las letras y un póster.

Esta edición se publicó originalmente en plataformas de reproducción en septiembre de 2022 con ocho temas extra, entre ellos una remezcla de 'Candy' y una versión en directo de 'La Fama' en el Palau Sant Jordi. Dos años después de su publicación, los seguidores de la artista de Sant Cugat del Vallés podrán hacerse con su edición física.

El álbum supuso un éxito de crítica y público en 2022, y logró cosechar dos Grammy, entre ellos el Mejor álbum latino de rock o alternativo, y doce Grammy Latinos, además de convertirse en el primer álbum de un artista español en debutar en el número uno de la lista global de álbumes de la plataforma Spotify.

'Motomami' sucedió a 'El mal querer' (2018), que supuso el salto a la fama mundial de la artista, y a su álbum debut, 'Los Ángeles', con el que se dio a conocer en 2017. EFE

Diego Sáez Papachristou

Atenas, 13 oct (EFE).- La cantautora griega Nana Mouskouri, una auténtica leyenda de la música y una 'camaleón' del canto, celebra este domingo sus 90 años de edad con la promesa de un nuevo y último álbum y el inminente fin de su larga y exitosa carrera.

"Mouskouri ha sido como un camaleón que ha podido adaptarse a cualquier género musical, su voz ha podido hacer cualquier cosa", dice a EFE Stamatía Gerothanasi, profesora de Musicología en la Universidad de Salónica (Grecia).

"Ha podido cantar desde música clásica hasta música popular o folclórica y además ha sido una excelente cantante de jazz", señala la experta y destaca su "impecable técnica", con la que logra saltar de un género musical a otro con la misma excelente calidad.

Su nuevo álbum, anunciado la semana pasada en una entrevista con el semanario alemán 'Der Spiegel', ha despertado una gran expectativa en su tierra natal, y en todo el mundo.

"Mouskouri es una leyenda viva", destaca el diario heleno Kathimerini al anunciar para el día de su cumpleaños un "homenaje" titulado 'Nana Mouskouri: La vuelta al mundo en 90 años'.

"Nana lo interpretó todo, porque es un espíritu libre: nadie la doma, ni siquiera el tiempo. Todos la abrazaron y quisieron, desde Alain Delon hasta Julio Iglesias, desde Bob Dylan hasta el ex presidente francés Jacques Chirac", recuerda.

En 70 años de carrera, Mouskouri "publicó más de 200 álbumes personales y vendió casi 350 millones (...) , se convirtió en la cantante griega más famosa del mundo después de Maria Callas", añade.

Nacida en 1934 en la ciudad de La Canea, en la isla de Creta, Mouskouri comenzó su carrera en la década de 1950.

Aunque desde siempre sintió una especial atracción por el 'bel canto', fue en la música popular donde alcanzó el mayor éxito cantando en al menos trece idiomas, entre ellos, el español, inglés, portugués, galés, italiano, japonés, chino y corso.

Barcelona fue el lugar de su primer triunfo internacional, en 1960, cuando con el tema "Xipna, agapi mou" conquistó al público del Festival del Mediterráneo.

"Nadie apostaba por una chica tan tímida y encima con gafas", recordaba Mouskouri en una entrevista con EFE en 2002, en la que aseguró que siempre ha sabido muy bien lo que quería hacer.

"Si no, no hubiera sido posible salir con mi pelo lacio y mis gafas negras a un escenario. Tuve que pelearme mucho para hacerlo, pero yo quería ser honesta conmigo misma y mostrarme tal y como soy. Es algo que aconsejo a todos los jóvenes que empiezan", dijo entonces.

Al año siguiente (1961) obtuvo el Oso de Oro de Berlín por la música del documental 'Grecia, tierra de sueños' y su primer disco de oro por la canción en alemán 'Weisse Rosen aus Athen', galardones a los que siguieron muchos más.

En Estados Unidos grabó un álbum de jazz con Quincy Jones y actuó en televisión junto a Harry Belafonte.

Aunque en su amplísimo repertorio figuran grandes éxitos como 'Los paraguas de Cherburgo' (1965) o 'La dicha del amor' (1985), quizás su mayor éxito es el tema "Libertad" ("Je chante avec toi Liberté") que grabó en 1981 en cinco idiomas.

En 1996 publicó el álbum 'Nana latina', que incluye 'Sé que volverás', tema que canta con Julio Iglesias.

Convertida ya en una celebridad, Mouskouri, que había reprobado la dictadura militar en Grecia, fue nombrada en 1993 embajadora de UNICEF, y en 1994 fue elegida diputada en el Parlamento Europeo por el partido conservador Nueva Democracia.

'Happy Birthday, Nana' es el título del nuevo álbum que publicará como despedida y agradecimiento a sus seguidores. Contendrá una selección de sus grandes éxitos, según reveló la cantante a 'Der Spiegel'.

Aseguró que prevé concluir definitivamente su carrera en lo que queda de 2024, cuando aún actuará en algunos conciertos más.

"No tengo el derecho de subirme al escenario y no cantar bien, incluso si el público me aplaude por ello (...) No puedo fingir que soy joven y no quiero hacer sufrir a la gente", explicó.

El año pasado la emisora pública griega ERT publicó el álbum 'Nana Mouskouri Radio Days', con 24 canciones que grabó la cantautora a principios de la década de 1960 en el entonces Instituto Nacional de Radiofonía, interpretaciones que nunca antes habían sido publicadas. EFE

Miami, 11 oct (EFE).- El productor y artista cubano-estadounidense Gonzy, pionero de la nueva ola de música urbana latina, lanzó este jueves su álbum 'The World Is Yours' ('El mundo es tuyo'), una colección de 18 canciones que explora temas de identidad, resiliencia y crecimiento personal.

El álbum incluye éxitos nuevos y anteriores, además de la contundente colaboración con el padrino del trap Arcángel y Saiko en 'X'Clusivo (Remix)', que se lanzó en febrero pasado y se ubicó en el Top 50 de Spotify en España, asegurando más de 105 millones de reproducciones en la plataforma.

Igualmente incluye la canción de rap moderno 'Friki', que alcanzó el top 10 en el Top 50 de Spotify en España.

El álbum comienza con la canción 'González', una exploración de la identidad y la ambición que reflexiona sobre los orígenes humildes del artista, su trayectoria y su éxito actual.

Con sinceridad y "una combinación convincente de vulnerabilidad y valentía", 'González' marca el tono de un álbum que "celebra la resiliencia y el viaje hacia la autorrealización invitando a los oyentes a abrazar sus propias narrativas en un mundo que es verdaderamente suyo", indica un comunicado de su agencia.

La canción principal, 'Instinto animal', habla de la atracción y la química entre dos personas, fusiona elementos de trap, reguetón y funk latino; mientras que 'El mundo es tuyo' mezcla rap urbano con cuerdas clásicas melódicas que recuerdan al ambiente de la icónica película 'Scarface'.

Otros temas destacados incluyen la canción bilingüe con Saiko 'Eroticaaaaaaa', así como 'Musa eterna', 'No lo digas', 'Ready pa' foto' y 'Yo ft yo', entre otras.

Esta "fusión única no solo refleja el arte versátil de Gonzy, sino que también encapsula el tema central del álbum que es el empoderamiento y la confianza en uno mismo", indica la nota de prensa.

En el video musical de 'El mundo es tuyo', Gonzy, rodeado de reporteros y un mar infinito de trofeos, encarna una serie de personajes poderosos, que van desde un boxeador feroz hasta un golfista, para culminar su actuación frente a una multitud.

La cinta al final toma un giro cinematográfico cuando Gonzy, con un traje que recuerda a 'Scarface', se sienta en una oficina, fumando un cigarro, en alusión a que "los sueños que alimentamos pueden convertirse en realidad".

Gonzy, quien irrumpió en la escena de la música latina en 2021, ha consolidado su posición con casi 4 millones de oyentes mensuales en Spotify, unos 378 mil suscriptores en YouTube y más de 445 mil seguidores en Tiktok y otros 241 mil seguidores en Instagram.

El enfoque bilingüe y la mezcla de géneros en 'The World Is Yours' prometen una experiencia auditiva que, según la productora, "desafía los límites musicales tradicionales".

'The World Is Yours' ya está disponible en plataformas de streaming junto con el video musical de la canción principal, 'El mundo es tuyo'. EFE

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Madrid, 8 oct (EFE).- La estrella argentina María Becerra ofrecerá un único concierto en España el próximo 4 de enero, en el Wizink Center de Madrid, en el que será su debut en este espacio de la capital española con su propio espectáculo.

Según informó este martes el portal Live Nation, las entradas se pondrán a la venta este próximo viernes, a través de la web de la promotora y de sus distribuidores oficiales.

Habrá asimismo dos preventas: una a partir del miércoles en la plataforma de Santander SMusic y otra 24 horas después para los registrados en Live Nation.

Becerra (Formada, 2000) llegará a Madrid como parte de su gira mundial y tras haberse convertido en la primera artista femenina en llenar dos veces el Estadio River Plate de Buenos Aires ante unas 130.000 personas.

La artista, que ya trajo su "show" en 2022 a Madrid con un concierto en el Palacio Vistalegre, tiene pendiente estrenar un próximo álbum, del que ya ha anticipado el sencillo 'Imán' y que será el tercero de su carrera tras 'Animal' (2021) y 'La nena de Argentina' (2022). EFE

Madrid, 8 oct (EFE).- La estrella argentina María Becerra ofrecerá un único concierto en España el próximo 4 de enero, concretamente en el Wizink Center de Madrid, en el que será su debut en este espacio emblemático de la capital española con su propio espectáculo.

Según ha informado Live Nation, las entradas se pondrán a la venta este próximo viernes, 11 de octubre, a las 12 horas a través de la web de la promotora y de sus distribuidores oficiales.

Habrá asimismo dos preventas: una a partir de las 12h del miércoles, 9 de octubre, en la plataforma de Santander SMusic ( https://www.santandersmusic.com/) y otra que se abrirá justo 24 horas después para los registrados en Live Nation.

Becerra (Formada, 2000) llegará a Madrid como parte de su actual gira mundial y tras haberse convertido en la primera artista femenina en llenar dos veces el Estadio River Plate de Buenos Aires ante 130.000 personas.

La artista, que ya trajo su "show" en 2022 a Madrid con un concierto en el Palacio Vistalegre, tiene pendiente estrenar un próximo álbum, del que ya ha anticipado el sencillo 'Imán' y que será el tercero de su carrera tras 'Animal' (2021) y 'La nena de Argentina' (2022). EFE

Seúl, 2 oct (EFE).- Rosé, una de las cuatro integrantes de la banda surcoreana de k-pop Blackpink, lanzará su primer álbum de estudio en solitario en diciembre, según anunció su agencia este miércoles.

El disco, que se llamará 'rosie', saldrá a la venta el 6 de diciembre, con un total de 12 pistas, todas ellas compuestas por la artista, anunció hoy The Black Label en su perfil de la red social X.

Rosé debutó como vocalista principal de Blackpink en 2016 e inició su carrera en solitario en 2021 con el sencillo 'R', tras lo cual no había vuelto a publicar ningún otro sencillo o álbum en solitario.

Todas las integrantes del cuarteto de Blackpink, Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa, ya han debutado como solistas, después de lanzar como conjunto dos álbumes: 'The Album' (2020) y 'Born Pink' (2022), y participar en tres giras mundiales.

Blackpink es la banda musical del mundo con más seguidores en la plataforma de vídeos YouTube, con cerca de 95 millones de suscriptores. EFE

Nueva York, 30 sep (EFE).- El rapero Ye, nombre artístico de Kanye West, anunció este lunes un nuevo disco llamado 'Bully', que aún no tiene fecha de lanzamiento y del que ofreció un primer adelanto este fin de semana durante un concierto en China.

El polémico artista estadounidense publicó hoy en su cuenta de Instagram una misteriosa imagen con lo que parece una nave espacial en tonos oscuros, y la acompañó de una palabra: 'BULLY' (matón, en inglés), el título de su nuevo proyecto.

"Voy a sacar un nuevo álbum. El álbum se llama 'Bully' y esta canción se llama 'Beauty and the beast", dijo Ye el pasado sábado en un concierto en Haikou (China), según mostraron sus fans en videos en las redes sociales y recoge la revista Variety.

La canción, según un vídeo publicado por el usuario de X @TheWPBandit, parece una balada en la que Ye no rapea, sino que canta, y se oye también una voz femenina e infantil como coro.

Además, el medio especializado Billboard indica que el pasado 15 de septiembre, en medio de su gira por China, Ye estrenó otro tema, llamado 'Preacher man', y ya comentó que preparaba un nuevo trabajo.

El artista, cuyo comportamiento errático no es ningún secreto, ha empezado proyectos en el pasado que finalmente no lanzó, y sus álbumes colaborativos 'Vultures', con el rapero Ty Dolla $ign estuvieron marcados por los retrasos. EFE

Javier Herrero

Madrid, 27 sep (EFE).- Aunque viva ajena a las expectativas, de Ángeles Toledano se dice que es otra gran promesa del flamenco. Este viernes publica su primer disco, 'Sangre sucia', en el que aúna su pasión por las bases del flamenco de La Niña de los Peines con las atmósferas de Pink Floyd o la mitología de Harry Potter.

"(El personaje de) Hermione fue la primera bruja que conocí y a través de ella llegué a ese mundo", comenta esta cantaora jienense en una entrevista con EFE ante un álbum que califica precisamente "como un hechizo o como un trance", el mismo que parece poseerla en la portada.

Se presenta como el trabajo de una autora integral de su tiempo, con sus letras y su voz en el siglo XXI, y por ello en él se entremezclan todas las cosas que la apasionan, desde el flamenco que comenzó a aprender a los 7 años primero con su abuelo, después en peñas flamencas, o el universo creado por J. K. Rowling.

De allí toma prestado el título del disco, que es lo que le espetan a Hermione en un momento dado por no ser descendiente de magos. "La sangre que a todas nos corre ya nace sucia por la historia que nos ha construido", opina la artista al señalar el cante como una historia de mestizaje.

Toledano (Villanueva de la Reina, 1995) parece empeñada en proseguir esa línea al contar en un álbum que mira a La Niña de los Peines, a Federico García Lorca, a la Paquera de Jerez o a Manolo Caracol con un productor atípico en este mundo como Javier "Harto" Rodríguez, colaborador de artistas de la música pop alternativa como C. Tangana, Rels B o Cariño.

"Escuché un disco suyo con un ambiente sonoro impresionante, muy cinematográfico y con un cuidado impecable. Trabajar con él me permitía hacer muchos hallazgos. Empezamos con un pacto: en cuatro temas llevaba yo más la batuta y en cuatro él, pero al final acabamos retroalimentándonos y las líneas rojas se difuminaron", comenta.

Entre las referencias que compartieron, sorprende por ejemplo escucharle citar como una de las más destacadas a Pink Floyd. "El 'Dark Side Of The Moon' yo me lo ponía en mi casa por la noche y me cagaba de miedo. Quería trasladar esas atmósferas, como cuando oyes a alguien correr", explica con gran entusiasmo.

Como el "hechizo" que mencionaba, el resultado es un viaje desde las raíces con el "mantra" inicial de 'Araora', un cante de arar la tierra a partir de una toná campesina al estilo de su pueblo, hacia un final con producciones más osadas como 'Seguiriya', en la que el cante se atiene a sus formas clásicas sobre un paisaje sonoro muy contemporáneo.

"El flamenco tiene unas bases que hay que conocer para poder jugar, pero hay una parte muy importante de espíritu. Pienso que las bases también están en tus valores y en manifestarlo, porque así igual tratas la seguiriya con una amabilidad que es tan propia y tan bonita que no se puede comparar", defiende.

En el recorrido de este 'Sangre sucia', suenan en las bulerías 'Nada ha pasado, pero todo ha sucedido' las guitarras de otros dos jóvenes valores del nuevo flamenco, las de Yeray Cortés y Benito Bernal, mientras que en las alegrías 'X las niñas' reúne a sus amigas de las peñas flamencas en un disco que está concebido como un ejercicio de afirmación femenina.

"Antes no me paraba a pensar en lo que decían algunas letras populares hasta que mis amigas me llamaron la atención sobre lo que cantaba. 'No estamos en esa onda', me dijeron. Me parecía fundamental llevar el cante a otro lado", comenta ante un disco mágico que culmine con 'Outro aquelarre' y un coro de mujeres que arropa sus palabras, entre ellas, la imagen de un puñal como herramienta de emancipación y una oda a la menstruación.

Después de trabajar al lado de figuras como Arcángel o Remedios Amaya y ser galardonada con el primer premio joven en el Concurso Nacional de Cante Flamenco Antonio Mairena de Sevilla, de ella se habla ya como una de las nuevas voces que revolucionarán el flamenco, como en su día se dijo de Israel Fernández.

Como en el caso del cantaor toledano, parece que la suya será una voz que atraerá a nuevos públicos a este mundo, de ahí su apuesta por presentar 'Sangre sucia' con el mismo formato tanto en el circuito tradicional como en otros espacios como el ciclo Inverfest 2025 de Madrid.

"No me detengo a pensar ni en las expectativas, ni en lo que digan, porque llegará un momento que eso ya pase y yo seguiré trabajando mañana cuando me levante para seguir formándome y dando lo mejor de mí, porque la responsabilidad no solo la siento con el público, sino con el equipo que hay detrás", asegura la artista. EFE

Capital Xtra destacó que, pese a ser una de sus canciones más exitosas, Eminem decidió no tocarla nunca más en sus conciertos debido a su contenido altamente personal y conflictivo. Sobre esta canción, Eminem dijo en 2014 en su tema ‘Headlights’: “No odio a mi madre. Ella es hermosa para mí porque es mi madre. Pero lamento lo que dije en ‘Cleanin Out My Closet’.” Además, confesó que “cada vez que la escucha en la radio, se estremece”.

La canción se enfoca principalmente en la difícil relación entre Eminem y su madre Debbie Nelson. El tema incluye declaraciones como “mi vida entera me hicieron creer que estaba enfermo cuando no lo estaba” y “Hailie está creciendo tanto, deberías verla, es hermosa. Pero nunca la verás, ni siquiera estará en tu funeral”.

Las disculpas de Eminem

La repercusión de esta canción fue tan intensa que, 12 años después de su lanzamiento, Eminem sintió la necesidad de disculparse públicamente mediante su canción ‘Headlights’, lo que refleja una maduración y una reevaluación de sus sentimientos hacia su madre.

Al abordar temas familiares en sus letras, Eminem generó tanto admiración como controversia. En ‘Cleanin Out My Closet’, el rapero profundiza en los desafíos que enfrentó durante su niñez, incluidas acusaciones de abuso verbal y negligencia por parte de su madre. Para comprender el impacto de esa canción, es crucial considerar que durante mucho tiempo, el artista responsabilizó a su madre por gran parte de las dificultades que experimentó. Sin embargo, en ‘Headlights’ muestra un intento de reconciliación al afirmar: “Pero mamá, te perdono, y también Nathan. Todo lo que hiciste, dijiste, fue tu mejor esfuerzo para criarnos”.

En esta misma línea, Eminem lamenta las palabras que eligió en el pasado: “en su momento estaba enojado. Ahora sé que no fue tu culpa y no estoy haciendo bromas”. Esto marca una evolución significativa del artista, mostrando una posición más comprensiva.

Finalmente, el nuevo álbum de Eminem, The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), está recibiendo atención tanto por sus nuevas canciones como por su contenido lírico. Billboard elogió uno de sus temas colaborativos con Dr. Dre, señalando que “no es el original, pero es una digna segunda parte”. A pesar de esto, algunos fanáticos criticaron ciertas referencias en sus letras.

El tracklist de The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), el nuevo álbum de Eminem

The Death of Slim Shady fue descrito como una introspección profunda, un alejamiento de las provocaciones y controversias que frecuentemente rodearon su carrera, para dar paso a un enfoque más maduro y reflexivo.

Por otro lado, se cree que en la producción del álbum Eminem colaboró con una diversa gama de productores y artistas, buscando explorar nuevos sonidos y expandir sus horizontes musicales.

1. Habits by Eminem & White Gold
2. Trouble
3. Brand New Dance
4. Evil
5. All You Got (skit)
6. Lucifer by Eminem & Sly Pyper
7. Antichrist
8. Fuel by Eminem & JID
9. Road Rage by Eminem, Dem Jointz & Sly Pyper
10. Houdini
11. Breaking News (skit)
12. Guilty Conscience 2
13. Head Honcho by Eminem & Ez Mil
14. Temporary by Eminem & Skylar Grey
15. Bad One by Eminem & White Gold
16. Tobey by Eminem, Big Sean & BabyTron
17. Guess Who’s Back (skit)
18. Somebody Save Me by Eminem & Jelly Roll

Short n Sweet (Album)Pop and Rock MusicCarpenter, Sabrina (1999- )

"Short n' Sweet", el nuevo álbum de la cantautora pop, fusiona sonidos variados mientras aborda relaciones complicadas con ironía, destacando temas como "Espresso" y "Please Please Please".

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En las canciones de Sabrina Carpenter, el romance juvenil es puro jugueteo sensual… hasta que deja de serlo. Short n' Sweet, su sexto álbum, ofrece un catálogo inteligente, divertido y alegremente despiadado de novios que se portan mal y de los engaños y racionalizaciones que se los permiten. Carpenter mayormente sonríe y guiña el ojo mientras interpreta canciones que reconocen el irracional poder de la lujuria, pero también le asesta un golpe certero a los infieles y a los hipócritas. Como advierte en "Good Graces", "Nadie es mejor convirtiendo el amor en odio".

Carpenter, de 25 años, ha triunfado en una elección profesional que no siempre funciona: pasar la adolescencia en el mundo del espectáculo. Su participación en el concurso The Next Miley Cyrus Project, en 2011, la convirtió en parte del imperio del entretenimiento de Disney: firmó con el sello Hollywood Records de esta compañía, y ganó reconocimiento actuando en la serie de Disney Channel Girl Meets World y en películas. Con sus álbumes de Hollywood Records fue probando diferentes estilos de pop adolescente con resultados poco sobresalientes, poco a poco decantándose por un material más adulto.

Pero Island, su nueva discográfica, le dio el control artístico total, y con su álbum de 2022, Emails I Can't Send, dio el salto a una personalidad adulta a partes iguales juguetona, vulnerable, amorosa y calculadora. El disco mezcló los lamentos postruptura con coqueteos como el éxito "Nonsense", una canción sobre la atracción desmedida que también trata sobre componer canciones: "Me levanté esta mañana y se me ocurrió escribir un éxito pop", entona.

También incluyó "Because I Liked a Boy", una balada que aparentemente abordaba un enredo romántico entre famosos, al tiempo que promocionaba a todos los implicados. ¿Acaso era Carpenter la "chica rubia" que capturó al exnovio sobre el que Olivia Rodrigo cantaba en "Drivers License"? El internet pensó que sí. "Ahora soy una rompehogares, una mujerzuela/ Tengo tantas amenazas de muerte que podría llenar un camión", cantaba Carpenter, añadiendo: "Cuando todo pasó ya habíamos terminado".

Short n' Sweet llega impulsado por dos omnipresentes éxitos veraniegos. Uno es "Espresso", una melodía disco-pop retro entonada por una chica que es atractiva y lo sabe: "Él se ve tan bien en la palma de mi mano", canturrea. En la otra, "Please Please Please", le suplica a un novio inestable que no la avergüence en público. "Sea cual sea el demonio que llevas dentro, no lo dejes salir esta noche", le amonesta, y luego canta "Por favor, por favor, no demuestres que tengo razón", en la más dulce de las armonías.

Al igual que Rodrigo --otra artista salida de Disney-- Carpenter sabe encontrar el lado cómico de un romance que sale mal. Su voz es a menudo burlonamente sarcástica, reconociendo sus propios errores con una sonrisita desenvuelta mientras se burla de los infractores. En "Dumb & Poetic" destroza a un tipo que finge ser sensible, dándole una "estrella de oro por su sofisticada manipulación"; está ambientada con el tipo de vals de guitarra acústica que a los tipos sensibles podría gustarles. Sin embargo, también reconoce su propia susceptibilidad. En "Lie to Girls", le explica a una pareja que constantemente le queda mal que ni siquiera tiene que poner excusas: "Si les gustas, se mentirán a sí mismas".

En "Sharpest Tool", Carpenter enfrenta a alguien que la atrajo a la intimidad; "encontraste a Dios en casa de tu ex", le dice, y "te desconectaste, dejándome estupefacta". Producida, interpretada y escrita por Jack Antonoff (junto con Carpenter y Amy Allen, una de las más prolíficas colaboradoras del pop), es una matriz minimalista de punteos de guitarra, electrónica y voces, llena de tensión y síncopa.

Como otros profesionales del pop del siglo XXI, Carpenter no está atada a ninguna época ni enfoque. Short n' Sweet toma de la música disco, de Janet Jackson, del R&B tranquilo, del folk-pop de Laurel Canyon, del grunge de la década de 1990 y del indie-rock, mezclando sus referencias con la tecnología de estudio del siglo XXI. "Coincidence" se centra en alguien cuya expareja ha vuelto a su vida con un vigoroso rasgueo de guitarra, armonías de "na na na na" y melodías saltarinas que traen a la mente a Joni Mitchell y Crosby, Stills and Nash. "Slim Pickins" recurre a un estilo de cuerdas propio del country para quejarse de que tiene que conformarse con hombres de segunda porque "los buenos están muertos o ya tienen pareja".

"Taste", la atrevida canción que abre el álbum, es otro ataque a quien ha vuelto con su ex. Es una canción indie-rock con acordes de guitarra eléctrica que, en lugar de atacar al tipo, se burla de su rival: "No te quedará más remedio que saborearme cuando él te bese". El tono de Carpenter es alegre y petulante, como si ya lo hubiera superado y solo quisiera decir lo que tiene que decir. Ella se burla, no sufre.

Pero como actriz y celebridad multimedia, Carpenter utiliza el video para hacer algo diferente. El video de "Taste" es un baño de sangre; se recomienda discreción al espectador. Y deja claro que, por muy despreocupada que suene Carpenter, tras la apariencia pop hay furia real.

Sabrina Carpenter

Short n' Sweet

(Island)

Jon Pareles ha sido el crítico principal de música pop del Times desde 1988. Ha estudiado música, ha tocado en bandas de rock, grupos de jazz y conjuntos clásicos y fue DJ de una emisora de radio universitaria. Anteriormente fue editor en Rolling Stone y Village Voice. Más de Jon Pareles

RÍO DE JANEIRO -- En 1955, Milton Nascimento tenía 13 años y aprendía a cantar, pero también, para su desgracia, llegaba a la pubertad.

‌"Cuando empecé a escuchar que mi voz se hacía más grave, dije: 'Ya no quiero cantar'", recordó en una entrevista la semana pasada Nascimento, una de las figuras musicales más importantes de Brasil. "Porque los hombres no tienen corazón".

‌Relató que estaba llorando cuando un canturrear suave y conmovedor se escuchó en la radio. Era Ray Charles cantando "Stella by Starlight". "Después de que escuché eso, pensé: 'Ahora sí puedo cantar'".‌En el transcurso de las siguientes seis décadas, floreció una de las voces más destacadas de la música, una fuerza etérea que abarcaba varias octavas con emoción y brío, pasando sin esfuerzo de un barítono aterciopelado a un falsete celestial.‌El sonido singular de Nascimento, así como su ascenso a las notas más altas, ayudó a influir en una generación de artistas. En una entrevista, Paul Simon se refirió a su voz como "magia de seda". Philip Bailey, cantante de Earth, Wind & Fire, la comparó con "una hermosa playa brasileña". Sting la describió como "la verdad en la belleza".‌En Brasil, donde la voz de Nascimento guiaba himnos y baladas emotivas que todos cantaban a coro, la nación decidió bautizarla con una metáfora aún más imponente: "La voz de Dios".‌Ahora, esa voz ha cambiado una vez más. La próxima semana, Nascimento lanzará el que, según dice, podría ser su último álbum, "Milton + Esperanza", una colaboración cálida, casi de ensueño, con la música de jazz estadounidense Esperanza Spalding tras 15 años de amistad entre ambos. Spalding se encargó de los arreglos musicales y la producción del álbum, además de tocar el bajo en todas las pistas, y ambos cantan juntos en casi todas las canciones. Esto incluye un dueto nostálgico en portugués entre Nascimento y Simon, la primera canción que Nascimento ha compuesto y lanzado en años.‌No es una gran sorpresa que, a sus 81 años, la voz de Nascimento no sea la misma. Ahora es más callada, menos estable y, a veces, le cuesta alcanzar ciertas notas a las que antes llegaba con suma facilidad. Pero aún tiene una calidez innegable. Está curtida, gastada, y brinda una presencia reconfortante a todo el álbum, como la mano de un abuelo que sostiene la tuya.‌"Tiene una esencia especial y se transmite en la música", describió Spalding, de 39 años, envuelta en un chal mientras charlábamos en una panadería en un ventoso día de invierno en Brasil. "Pero eso es lo que irradia todo el tiempo. Cuando ve telenovelas, yo pienso: 'Ah sí, tú escribiste esa canción'".‌"Es un misterio y es hermoso", agregó.‌Spalding tenía razón. Unos días después, sentado en su sillón frente al televisor en el que ve horas y horas de telenovelas brasileñas todos los días, vestido con un conjunto deportivo y Crocs, Nascimento emitía un aura gentil e inconfundible. Esbozó una ligera sonrisa, elogió a todas las personas que mencionó y, a lo largo de dos horas, divagó de una historia a otra, con pocas conexiones lógicas.

‌Recordó colaboraciones con los grandes del jazz Wayne Shorter, Herbie Hancock y Pat Metheny; contó cuando conoció a Paul McCartney el año pasado (había una foto enmarcada de ambos colgada a su lado); puso una canción que escribió sobre su madre ("ella me enseñó lo que es amar"); y describió varios posibles encuentros con extraterrestres (en uno de ellos, vio lo que cree que fue un ovni entrando a un túnel en Río).‌La conversación siguió el flujo de conciencia de Nascimento. Su voz era suave, sus respuestas breves, la memoria a menudo le fallaba. Frente a él había un organizador de pastillas; detrás de él, cinco Grammys. En el exterior, trabajadores construían un nuevo patio. Acababa de mudarse ahí con su hijo. Nascimento ya no camina bien y su domicilio anterior tenía cinco tramos de escaleras.‌"Veo imágenes de antes de la pandemia y parece que pasaron veinte años", comentó el hijo adoptivo de Nascimento, Augusto, de 31 años, que gestiona los asuntos de su padre. "Mi agonía no es ver esto como su último trabajo, mi agonía es que no sé cuántos años me quedan con él".

'Una gran síntesis' ‌Nacido en Río de Janeiro en 1942, Nascimento quedó huérfano a los 2 años cuando su madre, que era empleada doméstica, murió de tuberculosis. La hija de la empleadora de su madre lo adoptó y juntos se mudaron al estado brasileño de Minas Gerais, conocido por su queso y su gente bondadosa.‌Nascimento --quien se hace llamar "Bituca", un apodo de la infancia que se debe a su expresión de puchero-- creció en una casa llena de música. Su madre estudió música y su padre trabajaba en una estación de radio. Pronto aprendió a tocar la armónica, el acordeón y la guitarra.‌Para cuando era veinteañero, ya se había ganado una reputación en los círculos de músicos, y cuando tocó tres canciones originales en una competencia musical televisada en 1967, el público --y sus contrincantes-- se quedaron pasmados.‌"Fue algo espiritual", narró el guitarrista brasileño Guinga, quien también se presentó en el evento. "Hoy en día, siento lo mismo, 57 años después. Se volvió famoso de la noche a la mañana".‌En poco tiempo, Nascimento se convirtió en uno de los artistas más importantes e influyentes de Brasil. Era prolífico: lanzó más de 50 álbumes, entre ellos "Clube da Esquina" (El club de la esquina), un disco emotivo de 1972 que grabó con un grupo de amigos músicos y que muchos críticos consideran una obra maestra.‌Su sonido era único, pues mezclaba varios géneros brasileños con el jazz, la música clásica, el rock y el folk, lo cual dio como resultado melodías que algunas veces suenan placenteras y otras hechizantes. "Es una gran síntesis de lo mejor de la música brasileña", afirmó Nelson Motta, productor musical y autor brasileño. "Es un ídolo para los músicos más sofisticados y ambiciosos".‌Nascimento colaboró con Elis Regina, Antônio Carlos Jobim y Chico Buarque en Brasil y con James Taylor, Cat Stevens y Duran Duran en el extranjero, entre muchos otros. Bailey mencionó en una entrevista que él y Maurice White --el otro vocalista de Earth, Wind & Fire-- viajaron a Brasil en la década de 1970 para estudiar la música de Nascimento. White se reunió con el gigante brasileño y "regresó embelesado por la experiencia", relató Bailey. "El siguiente álbum que hicimos fue todo inspirado en la experiencia de Milton Nascimento".‌Spalding escuchó la música de Nascimento por primera vez cuando estudiaba en el Berklee College of Music y un amigo puso el álbum "Native Dancer" (1974) de Wayne Shorter, que inicia con el falsete de Nascimento. "¿Cómo es que este hombre camina en la Tierra y yo no lo sabía?", recuerda haber pensado. Ahora, Spalding admite que no puede creer que otras personas no hayan escuchado hablar de él. "Es como si dijeran que no conocen a Bach", señaló.‌Spalding, ganadora de cinco Grammys, se refirió a Nascimento como uno de sus mayores referentes. "Incluso con los arcos hermosos y las melodías inesperadas que se escuchan en la samba y en mucha de la música brasileña, los suyos son distintos, y los brasileños lo llevan en la médula, y estoy segura de que afectó su consciencia como sociedad", sostuvo. "Además, él está por allá, ya sabes, en su casa, relajado, viendo telenovelas. Tiene un gran impacto, pero no intenta tenerlo".

‌ 'Igual que un maestro pintor' ‌En 2022, Nascimento emprendió una gira de despedida por Estados Unidos, Europa y Brasil, en la que cantó sentado, con un abrigo multicolor, mientras la banda tocaba a su alrededor. Spalding lo acompañó en el escenario en Nueva York y Boston.‌Una noche mientras cenaban, el hijo de Nascimento hizo una sugerencia espontánea: Spalding y Nascimento deberían grabar un álbum juntos. Pero tendrían que hacerlo pronto, ya que la voz de Nascimento estaba en su mejor momento por la gira.‌Aunque estaba saturada de compromisos previos, Spalding dijo que sí de inmediato. "Para eso existe la opción de cancelar", comentó. (Acababa de colaborar en un proyecto de otro de sus héroes: la ópera "Iphigenia" de Shorter).‌El año pasado, luego de prepararse en su casa de Portland, Oregón, y en la gira, Spalding viajó a Río de Janeiro seis veces para grabar. Pronto se dio cuenta de que no iba a ser un álbum "de estudio". Nascimento se sentía más cómodo en su casa, en particular en su habitación con su televisor, así que grabaron entre transmisiones de telenovelas. Pusieron colchones contra las paredes para mejorar el sonido.

Spalding dijo que, aunque la edad de Nascimento restringe su rango vocal, también le ha añadido un toque especial.

‌"A nivel físico, el cuerpo de las personas mayores no puede hacer lo mismo que hace 30 o 40 años. Pero la musicalidad y el conocimiento de composición, estructura, sonido y timbre se sienten aún más sofisticados y refinados", aseguró, "aunque no hablen o gesticulen tan rápido como uno espera".‌"Eso también me motivó mucho. Pensé: 'Vaya, ¿podemos seguir haciendo esto hasta nuestros ochenta y tantos años? ¿Seguir destilando y precisando lo que conocemos, lo que escuchamos?'".

El mes pasado, Spalding regresó a la casa de Nascimento en Río de Janeiro para tocar algunas canciones del álbum que aparecerán en una próxima edición de la serie de conciertos Tiny Desk de NPR. Convirtieron su sala de estar en un escenario, con flores, alfombras a rayas y varios discos de oro y platino en los muros. Spalding se situó por encima del resto de los músicos con su bajo vertical y con Nascimento frente a ella, ataviado con una gorra estilo kangol y lentes de sol.‌En la primera canción, "Outubro", el verso se intensifica en un crescendo mientras la dupla canta en armonía, ascendiendo poco a poco a notas más altas. En la primera toma, cuando Spalding empezó a escalar por las notas, agitó su mano hacia Nascimento para pedirle que la acompañara, pero él no pudo y alzó su mano en señal de rendición.‌Spalding le sonrió afectuosamente y asintió con la cabeza para demostrar su comprensión. La banda empezó a tocar la canción de nuevo.‌Unos minutos después, cuando llegó el crescendo otra vez, sus voces subieron al unísono y sostuvieron la nota. Cuando terminó la estrofa y los relevaron los instrumentos, Spalding miró a Nascimento a los ojos y le sonrió con orgullo, como diciéndole: sabía que podías hacerlo.

Esperanza Spalding en Río de Janeiro, el 17 de julio de 2024. (Larissa Zaidan/The New York Times).

Milton Nascimento, a la izquierda, y Esperanza Spalding en Río de Janeiro, el 17 de julio de 2024. (Larissa Zaidan/The New York Times).

Uno de los primeros CD conocidos de Taylor Swift se vendió recientemente en una subasta por una sorprendente cifra de 12.505 dólares. Según Goldin Auctions, el CD presenta una imagen de una joven Swift, además de un número de teléfono, una dirección de correo electrónico y un sitio web para ejecutivos musicales interesados. Este CD fue quemado personalmente por Taylor cuando apenas era una estudiante de sexto grado, mucho antes de convertirse en la estrella que es actualmente.

“A la edad de 11 años, Swift viajó a Nashville con su madre para comprar su demo, y el demo contenía versiones de canciones de Dolly Parton y Dixie Chicks”, señala la descripción del contenido en el sitio web de Goldin.

El último trío country ahora es conocido simplemente como The Chicks. “Todo lo cual nos lleva a esta joya escondida en nuestra subasta: uno de los primeros CD de producción propia firmado por la propia Swift con un marcador negro”, amplía el sitio.

Las canciones del CD

Entre las canciones del CD se incluye “Am I Ready For Love”, una composición escrita por Celina Berman-Gray que nunca se publicó oficialmente, así como “Can I Go With You”, una de las primeras canciones originales escritas por Swift en colaboración con Greg McElrath.

Además, el CD incluye interpretaciones de “Hopelessly Devoted to You” de Olivia Newton-John, “There’s Your Trouble” de The Chicks y “Here You Come Again” de Dolly Parton. Además del track llamado “One Way Ticket”.

El significado de esta subasta cobra aún más relevancia por el contexto histórico y personal de Swift. En aquel entonces, la artista distribuía estos CD de demostración durante sus primeras incursiones en la escena musical de Nashville. Era una niña con grandes sueños, con la intención de captar la atención de los principales sellos discográficos.

El postor ganador también obtuvo una fotografía de la cantante y una nota con su información de contacto. Estos elementos adicionales solo aumentan el valor histórico y sentimental del CD.

El pasado musical de Taylor Swift no es un secreto. Swift comenzó su carrera musical con ese viaje a Nashville cuando apenas tenía 11 años, tras haberse criado en los alrededores de Reading, Pensilvania. Aquel viaje, que realizó acompañada de su madre, fue fundamental para despertar el interés de los principales sellos discográficos.

El mismo sitio resalta la importancia del viaje y la influencia en este CD. Pero también agrega algunos detalles más de aquella infanta Taylor: “Viajaba regularmente a la ciudad de Nueva York para recibir lecciones de canto, aprendió a tocar la guitarra a la edad de 12 años con un reparador de computadoras y profesor de guitarra local y actuó en cafeterías en el elegante Stone Harbor, Nueva Jersey, pueblo costero”.

Del origen, a la actualidad

Ahora, Taylor es una artista internacionalmente aclamada que continúa su récord “Eras Tour” con próximas paradas en Europa. El 18 de junio tuvo una buena performance con un espectáculo en el Principality Stadium de Cardiff, Gales. A ese show le siguieron tres conciertos en el estadio de Wembley en Londres.

Según The Mirror, la misma artista, durante un show en Liverpool, describió el Eras Tour: “Esto definitivamente ha sido lo más agotador, abarcador, pero más alegre, más gratificante y más maravilloso que jamás me he preguntado en mi vida: esta gira”.

Taylor agregó: “Esta es la primera vez que reconozco y admito que esta gira terminará en diciembre. Se siente muy lejos ahora, pero, de nuevo, se siente como si acabáramos de tocar en nuestro primer show en esta gira”.

Con esta gira, ha demostrado por qué es una de las artistas más importantes del momento. Para los fanáticos y coleccionistas, el CD subastado es una pieza inestimable de la historia de la música y una conexión directa con los primeros pasos de Swift en la industria.

Pop and Rock MusicEilish, BillieHit Me Hard and Soft (Album)O'Connell, Finneas

"Hit Me Hard and Soft", su tercer álbum, es a la vez conciso y de gran alcance.

"Los 21 tardaron toda una vida", canta Billie Eilish, de 22 años, en "Skinny", la canción que abre su tercer álbum, Hit Me Hard and Soft.

Cualquier mujer de su edad podría decir eso; son matemáticas. Pero incluso antes de tener edad para votar, Eilish había acumulado toda una vida de logros en una carrera que comenzó en 2015 siendo una adolescente que subía canciones a SoundCloud. Desde entonces, Eilish ha acumulado miles de millones de reproducciones en las plataformas de emisión en continuo, un montón de premios Grammy, dos Oscar y un documental. En Hit Me Hard and Soft, suaviza deliberadamente algunas expectativas pop mientras abraza otras con cautela.

Eilish tiene tanto la musicalidad consagrada que las galas de premios admiran, como la habilidad metanarrativa de su generación digital. Innumerables imitadores han aprendido --y se han envalentonado-- de su mezcla de crudas revelaciones, elegantes melodías y astutas producciones, con la ayuda de su hermano y socio compositor, Finneas.

Su pop históricamente estable recombina el teatro musical, canciones de salón, punk, folk, electrónica, bandas sonoras, bossa nova, rock industrial y mucho más. Eilish aporta a todas ellas el aplomo de una baladista de época: la capacidad de flotar por encima de ritmos y sacudidas, de tratar al micrófono como a un confidente. Su voz puede ser jadeante e íntima o cínica y sardónica; en momentos muy estratégicos, revela su capacidad para cantar con gran potencia.

El álbum debut de Eilish en 2019, When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, trazaba pesadillas góticas, obsesiones adolescentes y traumas persistentes junto con alguna risita ocasional. El segundo, Happier Than Ever, de 2021, reaccionaba directamente a la atención, la conmoción, la explotación, el acoso, el agotamiento y el nuevo poder que le proporcionaba el éxito.

"Skinny" es una actualización en voz baja del superestrellato de Eilish. "¿Ya estoy actuando de acuerdo a mi edad?/ ¿Ya voy de salida?", canta, junto con reflexiones sobre la forma de su cuerpo, la búsqueda de un amor no tóxico, su sensación de aislamiento y una reacción resignada a las redes sociales: "Internet está hambriento del tipo más malvado de diversión / y alguien tiene que alimentarlo".

Sin embargo, aunque "Skinny" conecta con Happier Than Ever, es una transición, una mirada de despedida cuando Eilish pasa de su situación individual a su versión de composición de canción pop más general.

Para una creadora de éxitos artísticamente consciente de sí misma como Eilish, el supuestamente "difícil" tercer álbum exige una redefinición de sí misma, repensar el pasado y desafiar a los fans de siempre. En Hit Me Hard and Soft, Eilish y Finneas amplían aún más su territorio sonoro, deleitándose con la electrónica y las sutilezas afelpadas, mientras se alternan honrando y deformando las estructuras pop. Al mismo tiempo, Eilish asume una tarea más convencional: escribir canciones, sobre todo de amor, que no tengan que girar en torno a ella.

El álbum es un conjunto conciso de 10 canciones, un contraste deliberado con los prolijos álbumes de la era de la emisión en continuo como los publicados últimamente por Taylor Swift y Beyoncé. Eilish optó por no lanzar sencillos de adelanto, y ha instado a sus fans a escuchar el álbum en su conjunto, como un LP de la era analógica, en lugar de una lista de canciones para elegir. En caso de que 10 canciones parezcan poco generosas en lugar de disciplinadas, Eilish hace un chiste preventivo; al final de la última canción, "Blue", una Eilish aparentemente despreocupada pregunta: "Entonces… ¿cuándo podré escuchar el siguiente disco?".

El álbum pega más suave que fuerte. Durante gran parte del mismo, Eilish sigue con sus susurrantes baladas ganadoras de Oscar, "No Time to Die" y "What Was I Made For?". También retoma el arte de la canción de amor, aunque mantiene sus propios giros peculiares.

"Birds of a Feather", una declaración de amor para toda la vida, podría ser casi una canción de boda. "No creo que pudiera amarte más", canta Eilish entre hinchados acordes mayores, un tintineante gancho de teclado y un ritmo constante pero discreto, acompañado de radiantes armonías de grupo de chicas. Pero una lectura más atenta revela la persistente vena morbosa de Eilish: "Quiero que te quedes hasta que esté en la tumba / Hasta que me pudra, muerta y sepultada".

Eilish es aún más pop y optimista en "Lunch", la cual tiene palmas y un ritmo pulsante mientras canta sobre estar encaprichada con una chica --"Ella es los faros, yo soy el ciervo"-- y declara: "Ella baila en mi lengua / Sabe a que podría ser la elegida".

Por supuesto, Eilish dedica el mismo tiempo a los aspectos negativos del amor. En "The Greatest", la cantante intenta ocultar su dolor mientras es ignorada y rechazada por el objeto de su afecto. Canta con tranquila paciencia sobre un arreglo de cuarteto de cuerdas en pizzicato, solo para explotar hacia el final. "Todas las veces esperé a que me quisieras desnuda", canta en un crescendo estremecedor. "Hice que todo pareciera indoloro, es que soy la mejor. ¡La mejor!".

En la irónica "L'Amour de Ma Vie", Eilish admite tardíamente que su ex no era el amor de su vida. "Te conté una mentira", canta con un deje impenitente; aun así, parece un poco enfadada porque "seguiste adelante inmediatamente". La canción empieza esquelética y tórrida, se convierte en un discreto pavoneo y luego muta por completo: primero con efectos electrónicos ahogados y luego, de la nada, con un pulsante ritmo EDM y voces con autotune, mientras Eilish se burla: "Fuiste tan mediocre y nos alegramos de que se haya acabado".

Este es el giro hacia el tramo final del álbum, más experimental. En la multiparte "Bittersuite", la cantante se encuentra en una aventura furtiva --"No puedo enamorarme de ti / Por mucho que lo desee"-- mientras su voz es rodeada y finalmente engullida por elementos electrónicos inquietantes y espeluznantes.

"Blue" reúne las líneas maestras del álbum, recogiendo letras de otras canciones. Comienza como una melodía pop pegajosa sobre el amor perdido: "Me gustaría decirlo en serio cuando digo que te he superado / Pero todavía no es verdad", canta Eilish sobre los coros de apoyo. Pero a medio camino, la canción se disuelve en una balada inquietante y glacial sobre alguien marcado por una infancia dañada: "No te culpo / Pero no puedo cambiarte", canta Eilish, mientras una sirena gime desde lo más profundo de la mezcla; al final, un cuarteto de cuerdas toma el relevo para una elegía sin palabras.

En esa canción, y durante buena parte del álbum, Eilish dirige su mirada hacia personajes ajenos a ella y deja de lado las fáciles satisfacciones pop. Se ha ganado las prerrogativas de una superestrella, y en Hit Me Hard and Soft, las utiliza.

Billie Eilish

Hit Me Hard and Soft

(Darkroom/Interscope)

Jon Pareles ha sido el crítico principal de música pop del Times desde 1988. Ha estudiado música, ha tocado en bandas de rock, grupos de jazz y conjuntos clásicos y fue DJ de una emisora de radio universitaria. Anteriormente fue editor en Rolling Stone y Village Voice. Más de Jon Pareles

Madrid, 18 may (EFE).- La casa real española distribuyó este sábado once fotografías de los reyes Felipe y Letizia con sus hijas tomadas en los jardines del Moro del Palacio Real de Madrid con motivo del veinte aniversario de la boda de los monarcas, que se conmemora el próximo miércoles.

En las imágenes, captadas hace unas semanas por los fotógrafos oficiales del Palacio de la Zarzuela, residencia de los reyes, los cuatro posan de manera relajada y vestidos de manera informal en varios lugares de los jardines, algunos con la fachada del palacio de fondo.

Felipe VI, proclamado rey de España el 19 de junio de 2014, y la reina Letizia han querido compartir el protagonismo de estos dos decenios de matrimonio con sus hijas: Leonor, la heredera del trono, y la infanta Sofía, que aparecen en casi todas las fotos, y en dos de ellas sin sus padres.

Solo en una fotografía se ve a la pareja sola, con el rey rodeando con el brazo a su esposa en una muestra de cariño.

Ante una fecha simbólica como los veinte años de casados, el álbum fotográfico busca transmitir la unión y la complicidad que hay entre los cuatro, puesto que el denominador común es que se les ve sonrientes, abrazados o cogidos de la mano.

La reina Letizia viste zapatillas deportivas y una indumentaria similar a la que lució en un acto en el Teatro Real de Madrid el pasado día 6, cuando se informó de que había sufrido la rotura de la falange de un dedo del pie derecho, lo que le iba a obligar a llevar calzado plano y cómodo durante un mes y medio.

No obstante, la casa real no ha concretado la fecha exacta en la que se llevó a cabo la sesión fotográfica.

Para el álbum, se aprovechó la presencia en Madrid de Leonor, princesa de Asturias, quien está en la última etapa de su primer año de formación castrense, en la Academia General Militar de Zaragoza, y de su hermana, también en sus últimas semanas de primer curso de bachillerato en un internado de Gales (Reino Unido).

Es la primera ocasión en la que los reyes de España y sus hijas protagonizan un posado en los históricos jardines del Moro, situados en el recinto del Palacio Real, en pleno centro histórico de Madrid.

Slash, el histórico guitarrista de Guns N’ Roses, lanzó su nuevo álbum en solitario “Orgy of the Damned” este viernes 17 de mayo a través de Gibson Records. El disco, compuesto mayormente de versiones de blues, incluye la colaboración de artistas de renombre como Steven Tyler de Aerosmith, Billy Gibbons de ZZ Top, Demi Lovato, Chris Stapleton, Gary Clark, Jr., Iggy Pop, Chris Robinson de Black Crowes y Brian Johnson de AC/DC, entre otros.

El músico, quien se define como “un tipo del blues” desde que comenzó a tocar guitarra, ha querido llevar su carrera a sus raíces musicales. A pesar de ser conocido principalmente por su trabajo en el hard rock con Guns N’ Roses, Velvet Revolver y otras bandas, este proyecto surge como un sueño de “diversión” que siempre quiso realizar. “Nunca tuve tiempo para algo así”, comentó el guitarrista a Billboard.

El álbum se sumerge en los clásicos del blues de artistas como Robert Johnson, Willie Dixon, Lightnin’ Hopkins y Howlin’ Wolf, pero también se aventura en el blues psicodélico con “The Pusher” de Steppenwolf y en éxitos de Motown como “Papa Was a Rolling Stone” de los Temptations y “Living For the City” de Stevie Wonder.

El mánager de Slash, Jeff Varner, mencionó que el momento fue propicio tanto para el álbum como para la gira del Festival de Blues S.E.R.P.E.N.T., que comenzará el 5 de julio en Bonner, Montana. “Antes del año pasado, estábamos planificando los siguientes 24 meses y surgió esta idea”, explica Varner. “Slash propuso hacer un disco de blues y yo pensé que era una gran oportunidad”.

Así fue la grabación del nuevo álbum de Slash, “Orgy of the Damned”

Para la grabación, Slash reclutó a Teddy Andreadis, tecladista en giras de Guns N’ Roses, y al bajista Johnny Griparic, con quienes formó una banda ad hoc llamada Slash’s Blues Ball en los años 90. Michael Jerome se unió en la batería y comenzaron a trabajar bajo la premisa de divertirse. “No quería que se tomara demasiado en serio”, afirma Slash, cuya única composición original en el álbum es el instrumental de cierre “Metal Chestnut”.

Una pieza destacada del disco es la interpretación acústica de “Awful Dream” de Hopkins junto a Iggy Pop. “Leí que Iggy siempre había querido hacer un disco de blues”, recordó Slash. “Nos sentamos en un par de taburetes, uno frente al otro, y lo tocamos varias veces. Dije: ‘Es suficiente’”, añadió el guitarrista.

Gary Clark, Jr. acompañó al guitarrista en una versión de “Crossroads” de Robert Johnson, mientras que Billy Gibbons se unió en “Hoochie Coochie Man” de Willie Dixon. Brian Johnson de AC/DC fue la elección inicial de Slash para cantar “Killing Floor” de Howlin’ Wolf, con Tyler en la armónica como invitado. “Me dijo que quería tocar la armónica en ella y vino ese mismo día”, relató Slash.

La participación de Demi Lovato en “Papa Was a Rolling Stone” podría sorprender a algunos, pero no a quienes siguieron la reciente evolución musical de la cantante hacia el rock. “La gente no la asociaría con esa capacidad, pero es absolutamente increíble en esa canción”, destaca Varner.

El festival S.E.R.P.E.N.T., con su nombre que representa Solidaridad, Compromiso, Restaurar, Paz, Igualdad y Tolerancia, contará con un elenco rotativo de invitados, incluyendo la Warren Haynes Band, Samantha Fish, Eric Gales, Keb’ Mo’, Robert Randolph, ZZ Ward, Christone “Kingfish” Ingram, Larkin Poe y Jackie Venson. “Habrá una serie de diferentes jams durante las fechas”, anticipa Slash.

Slash no descarta continuar con proyectos similares en el futuro. “Estoy abierto a hacer más discos de blues de la misma manera”, dijo, mientras que Varner sugirió que el festival S.E.R.P.E.N.T. podría convertirse en un evento recurrente tanto en Norteamérica como en Europa. “Es un proyecto divertido y flexible”, aseguró. “Nuestro objetivo es crear algo que pueda perdurar”.

El mismo Slash concluyó destacando el valor personal y profesional de esta diversidad en su carrera. “Para mí, es simplemente divertido. Tener esta variedad de oportunidades de tocar, grabar y salir de gira es muy motivador e inspirador”. Con este nuevo proyecto, Slash no solo reafirmó su amor por el blues, sino que también mostró otra faceta de su versatilidad como músico.

Kenia Os es una cantante mexicana que se encuentra en un momento decisivo en su carrera dentro del mundo de la música pues comienza a ascender y ahora que lo que busca es posicionarse como una de las artistas más importantes, no sólo de nuestro país, sino de todo México y ha demostrado que esa es su intención con sus últimos lanzamientos que muchos aseguran son producto de una madurez artística.

Lo que para muchos de sus fans quedó más que claro cuando finalmente se cumplió la fecha del lanzamiento de su último álbum de estudio llamado “Pink Aura”, el cuál era uno de los más esperadas de todos los más recientes materiales discográficos que se anunciaron con fechas de estreno muy cercanas al de la cantante e intérprete de “Malas Decisiones”.

Sin embargo, además de los elogios, halagos y aplausos sobre el nuevo disco de Kenia Os, también surgieron, ya como una práctica común entre los mexicanas cada que algo que consideran importante ocurre en nuestro país, algunos memes que externaron los sentimientos y la emoción de todos los llamados “Keninis”.

Lo que siempre buscan los fans de cualquier artista al momento de escuchar un nuevo disco buscan cuál será su canción favorita, sea por letra, por ritmo o por el mensaje que da, sobre todo relacionado con este último es el meme que busca ilustrar a todos los fans buscando cuál será el tema con el que tendrán una mayor identificación.

Relacionado con el título “Pink Aura” surgió este meme donde pareciera que todo el aire de la Ciudad de México, principalmente, está lleno de pequeñas partículas de un material del que se desconoce de que se trata, pero es rosa, lo que emocionó a sus fans pues consideran que es un color que relacionan con la cantante.

Para algunos, Ghetto Kids es uno de los grupos del género urbano que hacen que se acuerden de los inicios de cada uno de sus fans consideran que con ellos fue su primera incursión en el gusto por el reggaetón y ahora, gracias a la colaboración con Kenia Os pudieron revivirlo.

Uno de los temas que ya había dado de qué hablar, incluido en el disco “Pink Aura” de Kenia Os, era su colaboración con Yeri Mua para la canción llamada “Mamita Rica”, que consideraban que sería todo un “hit”. Ahora, ya que pudieron escucharla, diferentes fans consideran que no decepcionó “ni por un segundo”.

Las “keninis”, nombre que se le da a las fans de la cantante, aseguraron que se merecía completamente la máxima calificación pues era una “obra de arte”.

Uno de los aspectos que más resaltaron las y los seguidores de Kenia Os fue que con el paso del tiempo, de los estrenos y presentaciones de la joven cantante, cada vez más se nota una madurez artística que va cobrando forma y una mayor identidad como cantante, algo que les conmueve, especialmente a aquellos que estuvieron “desde el inicio”.

Fans de Kenia Os consideran “robo” el que la cantante no haya ganado el Latin Grammy

Kenia Os estuvo nominada al Latin Grammy en la categoría Mejor Video Musical Versión Larga por su trabajo en K23, un material audiovisual animado que cautivó a fans y no tan fans de la cantante mexicana; sin embargo, ella perdió ante el cantautor colombiano Camilo y los fans atacaron al famoso, además de catalogar el suceso como un “robo”.