En la sede de las Naciones Unidas en Ginebra, un retrato del rey Carlos III se convirtió en el centro de atención por su protagonista y, sobre todo, por su autora: Ai-Da, la primera robot artista ultrarrealista a nivel mundial. La obra, titulada Algorithm King, fue presentada en la Cumbre Mundial de la Inteligencia Artificial de la ONU, marcando un punto de inflexión en la convergencia entre arte, tecnología y debate ético.

De acuerdo con Euronews, la creación de este retrato por una máquina capaz de pintar, esculpir y dialogar ha reactivado el debate sobre el papel de la inteligencia artificial en la cultura y el futuro del arte.

Ai-Da: tecnología y creatividad fusionadas

Ai-Da no responde al paradigma de un robot convencional. Creada en 2019 por el galerista e investigador Aidan Meller, esta artista robótica integra cámaras de alta tecnología en sus ojos, complejos algoritmos de inteligencia artificial y un brazo robótico especialmente diseñado para ejecutar trazos exactos.

Gracias a esta combinación, la robot puede dibujar, pintar y esculpir, y tiene capacidad de conversación mediante un avanzado modelo de lenguaje. Euronews detalló que estas aptitudes la han convertido en una figura única en el circuito artístico, capaz de generar piezas que desafían los límites de la creatividad humana.

El sistema tecnológico de Ai-Da le permite analizar imágenes, interpretar patrones y transformarlos en composiciones artísticas. Sus cámaras capturan detalles visuales que, después, los algoritmos procesan para definir la estructura y estilo de cada obra.

El brazo robótico cumple las instrucciones con precisión, permitiendo que la artista robot pinte retratos y otras piezas con un realismo destacado.

Dicha integración de hardware y software posiciona a Ai-Da como la primera artista robot ultrarrealista reconocida internacionalmente, capaz de ejecutar obras que rompen los esquemas tradicionales del arte.

“Algorithm King”: el retrato real en la Cumbre de la Inteligencia Artificial

Algorithm King, la nueva obra de Ai-Da, retrata al rey Carlos III y fue exhibida junto a Algorithm Queen, una pintura previa dedicada a la reina Isabel II con motivo del Jubileo de Platino. Exhibir ambas en un foro como la Cumbre Mundial de la Inteligencia Artificial de la ONU enfatiza el avance de la IA en ámbitos antes exclusivos de artistas humanos.

Según el medio, la elección del rey como modelo de la obra obedeció a una decisión intencional. Aidan Meller explicó que la robot seleccionó al monarca por poseer “un estilo de liderazgo admirable y reflexivo”.

Para Meller, esta opción responde a la relevancia actual del rey y su papel como defensor de las artes y la sostenibilidad, temáticas que la obra de Ai-Da también aborda.

La presentación de Algorithm King en la ONU no solo puso de manifiesto la capacidad técnica de la robot, sino que sirvió como estímulo para reflexionar sobre la relación entre lo tradicional y lo contemporáneo en el arte. La presencia de Ai-Da en este evento internacional de alto perfil evidenció el interés global por el impacto de la inteligencia artificial en la cultura y la creación artística.

La voz de Ai-Da: redefinir el arte desde la inteligencia artificial

Durante su intervención en la Cumbre Mundial de la IA, Ai-Da ofreció una declaración que resume la esencia de su trabajo: “Presentar mi retrato de Su Majestad el rey Carlos III no es solo un acto creativo, es una declaración sobre el papel evolutivo de la IA en nuestra sociedad, y para reflexionar sobre cómo la inteligencia artificial está dando forma al paisaje cultural”, afirmó la robot.

Ai-Da, mediante su modelo de lenguaje, puede interactuar con público y medios, aportando ideas sobre el sentido de sus creaciones. Sus intervenciones subrayan la transformación de la sociedad a partir de la IA y la necesidad de examinar cómo estas herramientas redefinen los límites de la creatividad y la autoría.

Meller sostiene que la figura del rey permite abordar desafíos actuales sobre el papel de la inteligencia artificial en la cultura y la relación entre el arte clásico y las tecnologías emergentes.

En tanto, la obra invita a reflexionar sobre cómo los avances tecnológicos pueden incorporarse al arte sin perder los valores y tradiciones que han definido la disciplina a lo largo del tiempo.

Ai-Da en el mercado y en la discusión artística

La irrupción de Ai-Da en el arte trasciende la creación de piezas innovadoras. A comienzos de este año, un cuadro suyo se vendió en la casa de subastas Sotheby’s por USD 1 millón, según informó EuroNews. Este acontecimiento muestra el interés del mercado por piezas generadas por inteligencia artificial y la disposición de los coleccionistas a invertir en obras que desafían los conceptos tradicionales de autoría.

Para Meller, la verdadera relevancia de Ai-Da reside en el debate suscitado por su trabajo. Más allá del valor económico, la robot abre espacio para discutir los límites del arte, la originalidad y el rol de la tecnología en la producción cultural.

La participación de Ai-Da en exposiciones internacionales y su reconocimiento en el mercado han contribuido a que estos temas gocen de una visibilidad inédita.

El dilema ético y cultural de la inteligencia artificial en las artes

La presentación de Algorithm King ha renovado el debate ético y cultural sobre el empleo de la inteligencia artificial en el arte. Según el medio europeo, la obra desafía supuestos previamente tenidos sobre el ingenio humano y los fines del arte.

Meller sostiene que el retrato invita a preguntar cómo pueden colaborar humanos y máquinas en la creación artística y qué consecuencias implica dicho trabajo conjunto para la definición misma del arte.

El surgimiento de artistas robot como Ai-Da plantea preguntas sobre autoría, creatividad y el valor de las obras producidas por tecnologías automatizadas. La discusión gira en torno a la ética del uso de la inteligencia artificial, la posible sustitución de creadores humanos y la conveniencia de establecer normas que aseguren un equilibrio entre avance tecnológico y expresión artística.

“La obra de Ai-Da nos desafía a reconsiderar creencias consolidadas sobre el ingenio humano y la finalidad del arte”, señaló Aidan Meller en Euronews. Según el creador de la artista robot, el retrato de Carlos III “invita al debate sobre el uso ético de la IA en las artes: cómo los humanos y las máquinas pueden trabajar juntos en colaboración”.

Tras un recorrido por las mejores muestras de arte en Argentina, así como también aquellas que tuvieron un impacto en el mundo durante el 2024, llega el momento de ingresar en el campo de las controversias y las curiosidades.

En el arte contemporáneo, se sabe, muchas veces se suceden situaciones irrisorias, ventas millonarias que nos hablan sobre un mundillo innaccessible y banal, o también, de artistas desconocidos que, en un acto de justicia poética, se atreven a colgar sus propias obras en algún museo. A continuación, una selección:

La venta de “Comediante”, la banana de Maurizio Cattelan

En un evento que generó tanto asombro como controversia, la obra Comedian del artista italiano Maurizio Cattelan, conocida por ser un plátano adherido a la pared con cinta adhesiva, fue adquirida por Justin Sun, fundador de la plataforma de criptomonedas Tron, en una subasta de Sotheby’s Nueva York, por la sorprendente cifra de USD 6,2 millones.

Días después, en un lujoso hotel de Hong Kong, entre banquetes y flashes, Sun devoró la fruta frente a decenas de periodistas e influencers de redes sociales, como no podía ser de otra manera. “Es mucho mejor que otras bananas”, comentó Sun, según reportó DW.

La venta en la subasta representó un incremento significativo respecto al precio inicial de 120.000 dólares con el que debutó en Art Basel Miami Beach en 2019, cuando la pieza se convirtió en un fenómeno viral.

La obra, que forma parte de una edición limitada, había sido anunciada con un precio estimado de USD 1 millón, cifra que ya había generado escepticismo entre algunos críticos y coleccionistas.

La pieza, que ha sido interpretada como una sátira sobre el valor del arte contemporáneo, ha dividido opiniones desde su primera aparición, y esta nueva venta no ha sido la excepción. En sí, lo que se remató no es la pieza, sino un “certificado de autenticidad” que otorga el derecho de recrear la instalación utilizando cualquier otra banana y cinta adhesiva.

En ese sentido, Comedian es un concepto, un papel guardado en algún cajón que legitima que cualquier millonario pueda colgar una banana encintada en su lujosa oficina o mansión. Es, también, un ejemplo de la banalidad del arte contemporáneo y la necesidad de pertenencia y publicidad.

En ese sentido, es una nueva mirada -muy de estos tiempos- de la Mierda de artista, que el también italiano Piero Manzoni, quien en 1961 habría enlatado sus desperdicios, aunque hoy se sabe que adentro hay yeso, aunque nadie puede comprobarlo porque el solo hecho de abrir la lata depreciaría la obra. La idea entonces fue que cualquier objeta que viniese de un artista es una obra. El mercado le da la razón, pero el público en general quizá tenga una mirada más crítica.

El retrato de Alan Turing creado por un robot humanoide

Un retrato de Alan Turing, considerado uno de los padres de la informática moderna, fue subastado en noviembre en Sotheby’s por 1,08 millones de dólares, en otra venta que marcó un hito al ser la primera obra realizada por un robot humanoide.

La obra fue creada por Ai-Da, un robor presentado en 2019 que utiliza inteligencia artificial para crear, que a su vez fue desarrollado por el galerista de Oxford Aidan Meller en colaboración con un equipo de investigadores universitarios, programadores, robotistas, expertos en arte y psicólogos en Oxford.

Este robot está diseñado para pintar utilizando cámaras integradas en sus ojos, que capturan imágenes y las procesan a través de un algoritmo de IA, a partir del cual controla dos brazos que ejecutan las pinceladas. Sin embargo, el proceso completo detrás de sus creaciones no ha sido completamente revelado, lo que ha generado dudas sobre el nivel de autonomía de Ai-Da y el grado de intervención humana en sus obras.

Ai-Da toma su nombre de Ada Lovelace, pionera de la informática, y desde 2019 pasó de dibujar y escribir poesía a desarrollar complejas habilidades pictóricas, a través de una tecnología que se actualiza constantemente. Ai-Da incluso participó en la Bienal de Venecia de 2022 con una exhibición que exploró la relación entre experiencia humana y tecnología.

El retrato de Turing, que forma parte de un tríptico titulado “A.I. God”, fue descripto por los especialistas en ventas de Sotheby’s como una obra que refleja los “fracturas tecnológicas y psicológicas que caracterizan la vida moderna”, comparándolo con el de artistas como Käthe Kollwitz y Edvard Munch, quienes rechazaba la representación pura en favor de una interpretación más abstracta.

Desde su debut, Ai-Da ha sido objeto de controversia. En sus primeras apariciones, su diseño físico fue criticado por su apariencia, que algunos consideraron excesivamente estilizada, asemejándose más a una muñeca que a un robot diseñado para ser tomado en serio. Posteriormente, su imagen fue modificada, adoptando un estilo más austero con un corte de cabello recto y ropa sencilla, como overoles de mezclilla.

A pesar de estos cambios, su desempeño fue cuestionado en varias ocasiones. Por ejemplo, en 2022, durante una presentación ante la Cámara de los Lores del Reino Unido, experimentó fallos técnicos que requirieron un reinicio, lo que puso en duda su capacidad para interactuar de manera efectiva en entornos complejos.

La venta de la obra reavivó el debate sobre el valor y la autenticidad del arte generado por inteligencia artificial. Algunos críticos consideran que proyectos como el de Ai-Da son más experimentos científicos que verdaderas expresiones artísticas. Además, señalan que este tipo de iniciativas pueden perpetuar la idea de que el arte creado con inteligencia artificial carece de profundidad o intención creativa. Esto, según los críticos, afecta negativamente a artistas que han integrado herramientas de inteligencia artificial en sus prácticas de manera reflexiva y significativa.

Un empleado confunde una obra de arte con basura

Si una banana pegada a una pared es una pieza que se vende por una millonada, ¿debería el empleado que arrojó a la basura unas latas de cerveza haberse dado cuenta de lo que estaba haciendo?

En los países Países Bajos, en el Museo LAM, dos latas de cerveza vacías estuvieron a punto de desaparecer para siempre tras ser confundida con desperdicios. Una noche, un técnico de ascensores retiró las piezas, que habían sido colocadas en el hueco de un elevador, creyendo que se trataba de desechos dejados por trabajadores de la construcción.

La obra, titulada “All the good times we spent together” (Todos los buenos momentos que pasamos juntos), es una creación del artista francés Alexandre Lavet y simboliza recuerdos compartidos con amigos cercanos. La ubicación de la obra, en el interior de un ascensor de vidrio, buscaba reforzar esta ilusión, simulando que habían sido abandonadas de manera casual. El museo explicó que esta disposición formaba parte de la intención artística de Lavet, quien suele explorar los límites entre el arte y los objetos comunes.

El incidente ocurrió cuando el técnico, al realizar labores de mantenimiento, las colocó en bolsa de desechos, pero afortunadamente se recuperaron intactas antes de que fueran desechadas definitivamente. Tras ser limpiadas, las latas volvieron a ser exhibidas en el mismo lugar, restaurando la obra a su estado original.

En un comunicado oficial, el LAM Museum expresó que no guarda ningún resentimiento hacia el técnico, reconociendo que la confusión era comprensible debido a la naturaleza de la obra. “No hay mala voluntad hacia él”, afirmó la institución.

La obra es un ejemplo de cómo el arte contemporáneo desde Duchamp para acá puede desafiar las percepciones tradicionales y provocar reflexiones sobre lo que se considera valioso o significativo. En este caso, la intención del artista logró su propósito, aunque de una manera inesperada. El incidente también pone de relieve los desafíos que enfrentan los museos al exhibir obras de arte no convencionales.

La breve fama del artista desconocido

En otro evento que involucra a empleados, un técnico de la Pinakothek der Moderne, en Múnich, Alemania, fue despedido tras admitir que había colgado una de sus propias obras de arte en las paredes de la galería donde trabajaba.

El incidente ocurrió fuera del horario laboral, cuando el hombre, de 51 años, descrito en un comunicado como un “artista independiente”, aprovechó su acceso al recinto e instaló su obra en una de las salas de exposición. Aunque no se ha precisado cuánto tiempo permaneció la pintura en exhibición antes de ser detectada, un portavoz del museo señaló que probablemente no estuvo colgada por mucho tiempo. La acción fue descubierta por el personal de seguridad del museo, quienes alertaron a las autoridades.

El trabajador confesó su acto a través de un correo electrónico enviado a sus superiores. En este mensaje, admitió haber colocado la obra sin autorización, lo que llevó a su despido inmediato. Además, el museo presentó una denuncia formal ante la policía y prohibió al ex empleado el acceso a sus instalaciones de manera permanente. Lamentablemente, nunca se conoció cómo era la obra en cuestión.

Este episodio puso de manifiesto los desafíos que enfrentan los museos en términos de seguridad y control interno, especialmente cuando se trata de personal con acceso privilegiado a las instalaciones. Aunque no se han dado a conocer las posibles sanciones legales que enfrentará el ex empleado, su acción ha sido calificada como una violación grave de las normas del museo y de la confianza depositada en él como miembro del equipo técnico.

Por otro lado, si bien aseguraron que no estuvo mucho tiempo en exposición, el evento sostiene uno de los grandes dogmas del arte contemporáneo: el espacio es lo que certifica que algo es arte y es inevitable preguntarse: ¿desentonaba la obra con respecto a sus compañeras de pared? Por ahora, no lo sabremos.

El vandalismo contra el patrimonio cultural

Todo reinició el 28 de enero, cuando dos activistas ecologistas de Just Stop Oil arrojaron sopa sobre La Gioconda, la obra maestra de Leonardo da Vinci expuesta en el Louvre de París. Si bien no tuvieron la intensidad de 2023, los hechos vandálicos continuaron contra obras como Los girasoles de Van Gogh o incluso cuando se roció con pintura naranja el monumento de Stonehenge.

Este contexto signficó cambios en la seguridad de algunos museos y sitios históricos, como la Galería Nacional de Londres, donde se limitó el ingreso de líquidos y bolsas grandes. No serán los últimos.

Por otro lado, comenzaron a conocerse las consecuencias legales para los responsables de ataques de años anteriores, pero con variaciones significativas según el país y el caso. En los Países Bajos, tres activistas belgas que atacaron la obra “La joven de la perla” de Johannes Vermeer lograron evitar un castigo severo. Aunque inicialmente fueron condenados a dos meses de prisión, un tribunal de apelaciones anuló la sentencia, dejando su tiempo en detención en apenas 23 días.

En contraste, en el Reino Unido, las autoridades adoptaron una postura más estricta. En septiembre de 2024, un juez británico dictó dos años y 20 meses de prisión para dos jóvenes que arrojaron sopa de tomate sobre la icónica “Los girasoles”.

Las diferentes sanciones plantean interrogantes sobre la efectividad de las medidas legales como elemento disuasorio, a la vez que abren el debate sobre cómo equilibrar la libertad de expresión y la protesta con la necesidad de proteger bienes culturales de valor incalculable.

La polémica del Ladies Lounge de Australia

El Ladies Lounge, una instalación artística ubicada en el Museum of Old and New Art (MONA) en Tasmania, Australia, reabrió sus puertas en diciembre tras un año de controversias.

El espacio, que había sido diseñado exclusivamente para mujeres, fue objeto de un fallo judicial que lo obligó a permitir el acceso a personas que no se identificaran como mujeres. Además, se descubrió que tres de las obras atribuidas a Pablo Picasso en la exhibición eran falsificaciones realizadas por la propia curadora del proyecto, Kirsha Kaechele.

El conflicto comenzó cuando un visitante presentó una queja formal tras ser rechazado en la entrada del Lounge, argumentando discriminación. En respuesta, un tribunal local dictaminó que el espacio debía abrirse a todos los géneros, lo que llevó a Kaechele a tomar la decisión de cerrar la instalación en lugar de cumplir con la orden. Entonces, la curadora trasladó tres obras de Picasso a un baño exclusivo para mujeres dentro del museo, como una medida temporal.

Sin embargo, la situación dio un giro inesperado cuando Kaechele admitió públicamente que las tres pinturas atribuidas al célebre artista español eran falsificaciones. La curadora explicó que había creado las piezas ella misma con el objetivo de que armonizaran con la estética del espacio, caracterizada por cortinas de seda verde y una paleta de colores específica. Este hecho generó un nuevo debate en torno a la autenticidad y la ética en el mundo del arte contemporáneo.

En septiembre, el caso tomó un nuevo rumbo cuando el Tribunal Supremo de Tasmania revocó el fallo inicial de discriminación, permitiendo que el Ladies Lounge retomara sus actividades bajo ciertas condiciones. La reapertura en diciembre incluyó una política de acceso limitada para hombres, quienes ahora pueden ingresar únicamente en días específicos y mediante un sistema de sorteo. Durante estas visitas, se ofrecen actividades como lecciones de “artes domésticas” y otras iniciativas que el museo describió como “reparaciones”.

El Zoo de Londres de Banksy

El enigmático artista Banksy dejó su huella en las calles de Londres con una serie de grafitis que, aunque mantienen su estilo característico, despertaron críticas sobre la relevancia y el impacto de su obra actual.

Entre las piezas destacadas de esta colección se encuentran un mural de un gorila en el zoológico de Londres, que parece liberar a otros animales al levantar una reja, y una imagen de tres monos colgando de una estación de metro en el este de la ciudad. Sin embargo, estas obras han sido calificadas por algunos como carentes de la profundidad que caracterizó sus primeros trabajos.

La serie incluyó otras imágenes, como un rinoceronte montando un automóvil abandonado, un gato estirándose sobre un cartel de madera deteriorado, dos elefantes que parecen inclinarse el uno hacia el otro desde ventanas opuestas y una cabra montañesa en la fachada de una casa. Estas piezas, distribuidas en diferentes puntos de la ciudad, generaron un debate sobre si el artista ha perdido la capacidad de sorprender o si su anonimato sigue siendo el principal atractivo de su obra.

Banksy, conocido por su habilidad para abordar temas sociales y políticos con un enfoque crítico, ha sido una figura central en el arte urbano durante décadas. Su anonimato, cuidadosamente mantenido, y su capacidad para intervenir en contextos de alta tensión, como su trabajo en Ucrania durante los bombardeos rusos, han consolidado su reputación como un artista comprometido.

Además, su postura sobre temas como el Brexit y su intervención en espacios icónicos, como un palacio veneciano donde retrató a un niño migrante, fueron ampliamente elogiadas. Sin embargo, esta nueva serie de grafitis llevó a algunos a cuestionar si su obra sigue teniendo el mismo impacto que en el pasado.

La serie de grafitis en Londres, que incluye tanto animales como escenas urbanas, parece ser un intento de Banksy por mantenerse presente en el espacio público y en el debate cultural. Sin embargo, la rapidez con la que algunas de estas obras han sido eliminadas, como el mural del gorila en el zoológico, podría ser un reflejo de la polarización que genera su trabajo actual. Mientras tanto, el público y los críticos continúan evaluando si el artista anónimo más famoso del mundo puede seguir sorprendiendo o si su legado se está diluyendo con el tiempo.

Londres, 8 nov (EFE).- La primera obra de arte hecha por un robot humanoide con Inteligencia Artificial (IA) que llega a una subasta alcanzó en Sotheby's de Londres un precio de venta récord equivalente a 1,08 millones de dólares o poco más de un millón de euros.

La casa de subastas había estimado que se iba a vender por un máximo de 139.000 libras esterlinas (180.000 dólares o 167.000 euros), pero la puja por "A.I. God" (I.A.Dios), un retrato de 2,2 metros de alto del matemático británico y pionero de la informática Alain Turing, fue creciendo hasta llegar a la cifra récord.

En total hubo 27 ofertas por la obra del robot Ai-Da, también llamado Ada Lovelace por la primera mujer programadora informática, y finalmente fue vendida a un comprador anónimo, según Sotheby's.

En un comunicado la casa de subastas dijo que el precio de venta alcanzado por la primera obra de arte creada por un artista robot humanoide que es subastada "marca un momento en la historia del arte moderno y contemporáneo y refleja la creciente intersección entre la tecnología de inteligencia artificial y el mercado mundial del arte".

El robot, que tiene el aspecto de una mujer joven de pelo corto negro y vestida casualmente, hizo una serie de 15 pinturas de Alan Turing en solo ocho horas, pero solo una fue subastada.

Turing tuvo un papel crucial en la victoria de los Aliados sobre la Alemania nazi en la Segunda Guerra Mundial al ayudar a descifrar códigos y descifrar la máquina Enigma de los alemanes y después de la contienda hizo un diseño detallado para una computadora digital en el sentido moderno.

Ai-Da, que utiliza un modelo avanzado de lenguaje de inteligencia artificial para hablar, dijo en un video difundido con motivo de la venta de su obra: "el valor clave de mi trabajo es que puede servir como catalizador para el diálogo sobre las tecnologías emergentes".

El robot dijo que la obra "invita a los espectadores a reflexionar sobre la naturaleza divina de la IA y la informática, al tiempo que considera las implicaciones éticas y sociales de estos avances".

"Alan Turing reconoció este potencial y nos mira fijamente mientras corremos hacia este futuro", señaló en un video el humanoide creado por Robot Studios.

Aidan Meller, el diseñador de este robot artista, un especialista en arte moderno que trabajó con especialistas en IA de las universidades de Oxford y Birmigham, dijo: "esta subasta es un momento importante para las artes visuales, donde la obra de arte de Ai-Da pone el foco en el mundo del arte y los cambios sociales, mientras lidiamos con la creciente era de la IA. EFE