El Festival de Cine de Cannes 2026 ha anunciado una nueva ola de incorporaciones a su selección oficial, entre las que destacan Paper Tiger, dirigida por James Gray y protagonizada por Adam Driver y Scarlett Johansson, y Victorian Psycho, adaptación de la novela homónima de la autora española Virginia Feito, quien además firma el guion. La programación refuerza la apuesta del certamen por la diversidad de voces creativas y la adaptación literaria. Paper Tiger forma parte de la competencia oficial por la Palma de Oro. El filme, dirigido por James Gray, reúne en su elenco principal a Scarlett Johansson, Adam Driver y Miles Teller. La historia sigue a dos hermanos que, en busca del sueño americano, se ven atrapados en una operación criminal que los enfrenta a la “Mafiya” rusa, según la sinopsis oficial. El conflicto pone a prueba los lazos familiares y plantea la traición como un desenlace posible.

La inclusión de Paper Tiger representa el regreso de Gray a la primera línea del cine internacional. Neon adquirió los derechos para América del Norte, lo que anticipa una fuerte presencia en la temporada de premios y una alta expectativa entre la crítica y el público del festival. El filme aparece como uno de los títulos más esperados en la Croisette para esta edición. Entre las novedades, destaca la adaptación de Victorian Psycho, novela de la autora española Virginia Feito. La propia Feito se encarga del guion de la película dirigida por Zachary Wigon, que será presentada en Cannes. El filme narra la llegada de Winifred Notty, una institutriz excéntrica, a la mansión gótica conocida como Ensor House. A medida que se integra en la vida del lugar, comienzan a desaparecer miembros del personal, generando sospechas sobre su presencia.

La actriz Maika Monroe lidera el reparto como Winifred Notty, acompañada por Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Amy De Bruhn y Jacobi Jupe. La producción corre a cargo de Dan Kagan y Sebastien Raybaud, con la participación de compañías internacionales. La selección de Victorian Psycho en Un Certain Regard subraya la atención creciente hacia la literatura española contemporánea adaptada al cine global. Para responder a la pregunta sobre el papel de la literatura española y su impacto en Cannes 2026, Victorian Psycho representa la consolidación internacional de Virginia Feito como guionista y novelista, al tiempo que la película se posiciona entre las propuestas más intrigantes del festival por su fusión de terror gótico y psicología.

Diego Luna vuelve a la dirección

El anuncio de Cannes abarca también la llegada de Ashes, dirigida por Diego Luna y basada en la novela Eating Ashes de la autora mexicana Brenda Navarro. El drama, rodado en español, cuenta con la participación de Anna Díaz, Adriana Paz, Laura Gómez y Charlie Rowe, y será exhibido en la sección Special Screenings. En Un Certain Regard, se suma A Girl’s Story, ópera prima de Judith Godrèche basada en la novela autobiográfica de Annie Ernaux, que explora la juventud, el descubrimiento sexual y las relaciones de poder en la Francia de 1958. La programación también incluye Titanic Ocean, dirigida por Konstantina Kotzamani, una historia sobre adolescentes que entrenan para ser sirenas en Japón.

La oferta de animación se amplía con Tangles, de Leah Nelson, en la sección de Special Screenings, y Lucy Lost, de Olivier Clert, destinada al público familiar en Family Screening. Estas adiciones refuerzan la variedad de géneros y estilos presentes en la edición. El Festival de Cannes celebrará su 79ª edición entre el 12 y el 23 de mayo de 2026. El certamen reafirma su relevancia con una programación que combina nombres consagrados como James Gray y figuras emergentes como Virginia Feito. La presencia de adaptaciones literarias y propuestas internacionales consolida a Cannes como un escaparate clave para las tendencias del cine mundial.

Christian Bale ha confirmado de manera directa su participación en la secuela de la emblemática película de acción dirigida por Michael Mann, Heat 2. La noticia trascendió tras una entrevista concedida en Chicago, donde el actor galés reveló que actualmente se encuentra filmando escenas para el esperado proyecto. La conversación se produjo durante una cobertura de Fox 32 News, en la que el periodista Jake Hamilton compartió en redes sociales que Bale reconoció su presencia en el set de la secuela, coincidiendo con la promoción de su próximo estreno, La novia, junto a Jessie Buckley.

La confirmación de Bale marca el primer anuncio oficial sobre el elenco principal de Heat 2, poniendo fin a semanas de especulación en torno a su implicación en el filme. La producción, que ha generado grandes expectativas entre los seguidores del género, se desarrolla en varias localizaciones de Chicago, ciudad que cobra un papel fundamental en la nueva narrativa. La noticia surgió en un contexto mediático en el que no solo se promocionaba La novia, cuyo estreno está previsto para el seis de marzo, sino que también se alimentaban rumores sobre el futuro de la saga Heat. La declaración de Bale, en un entorno ajeno al habitual circuito de anuncios de Hollywood, aporta un matiz de autenticidad y cercanía a los aficionados.

La confirmación de Christian Bale ha reavivado el interés sobre la composición del reparto en Heat 2. Entre los nombres que han sonado con fuerza destacan Leonardo DiCaprio y Adam Driver, quienes han sido vinculados al proyecto en diversas ocasiones. Aunque hasta el momento ninguno de los dos ha sido anunciado oficialmente por la producción, la expectativa en torno a su posible incorporación sigue creciendo. En el caso de DiCaprio, su agenda actual está marcada por el rodaje de What Happens At Night, dirigida por Martin Scorsese y coprotagonizada por Jennifer Lawrence y Mads Mikkelsen. Esta circunstancia ha impedido que se confirme su presencia definitiva en Heat 2, aunque su perfil encajaría con la ambición internacional del proyecto. Por su parte, Adam Driver, quien ya colaboró con Mann en la cinta biográfica Ferrari, figura entre los favoritos para asumir uno de los papeles principales, aunque su fichaje tampoco ha sido formalizado.

Otros actores que han aparecido en las quinielas son Austin Butler y Stephen Graham. El medio especializado Nexus Point News informó en diciembre sobre las negociaciones en curso para incorporar a Graham, reciente ganador de un premio Emmy por su participación en Adolescencia. Graham, recordado por su colaboración con Mann en Enemigos públicos y por interpretar a Al Capone en Boardwalk Empire, aportaría experiencia en roles criminales dentro del universo de Heat.

Así será el regreso a la acción

A diferencia de una secuela convencional, Heat 2 propone una estructura narrativa compleja basada en la novela homónima, coescrita por Michael Mann y Meg Gardiner. El guion se desarrolla en dos líneas temporales: una situada en la década de los 80 y otra en los primeros años del 2000. Esta dualidad permitirá explorar el pasado y el futuro de los personajes icónicos, abriendo nuevas posibilidades dramáticas y ampliando el universo original.

El cambio de escenario también resulta significativo. Mientras la primera entrega se ambientó en Los Ángeles, la secuela traslada parte de la acción a Chicago, ciudad que, según la trama, fue el territorio original de Vincent Hanna, el detective interpretado por Al Pacino en la película de 1995. Este ajuste responde a las exigencias de la novela y a la intención de Mann de ofrecer una visión más panorámica de la criminalidad urbana en Estados Unidos. La colaboración entre Christian Bale y Michael Mann no es nueva. Ambos trabajaron juntos en Enemigos públicos, una cinta que exploró los orígenes del FBI y la figura de los gánsteres en la era de la Gran Depresión. La química creativa y la experiencia previa en relatos criminales refuerzan las expectativas en torno a Heat 2.

El regreso de Mann a uno de sus títulos más influyentes, sumado al prestigio actoral de Bale y la posibilidad de sumar a figuras como DiCaprio y Driver, sitúa a Heat 2 como una de las producciones más esperadas del cine contemporáneo. El legado de la primera entrega, considerada por muchos como un referente del género, añade una presión adicional sobre el equipo creativo. A medida que avancen las semanas, se espera que la productora confirme el resto del reparto y ofrezca detalles adicionales sobre el desarrollo del rodaje y el calendario de estreno. Por ahora, la presencia de Christian Bale y la ambición del proyecto mantienen la atención de la industria y del público internacional.

Steven Soderbergh, director ganador del Oscar, expresó su frustración ante la cancelación de The Hunt for Ben Solo, una secuela de Star Wars que iba a estar protagonizada por Adam Driver.

El proyecto estuvo en desarrollo de forma no remunerada durante aproximadamente dos años y medio, hasta que fue descartado por Disney y Lucasfilm. La razón oficial comunicada fue que “no creen que Ben Solo pueda estar vivo” tras los acontecimientos de El ascenso de Skywalker, según informó Entertainment Weekly.

La revelación de la cancelación

Soderbergh, conocido por películas como Traffic y Erin Brockovich, relató a Entertainment Weekly que tanto él como Adam Driver y la guionista Rebecca Blunt quedaron desilusionados por el desenlace. El director mencionó que advirtió a Driver que evitara especular públicamente sobre los motivos de la decisión, limitándose a compartir solo los hechos: “Dije: ‘No hagas suposiciones ni teorizaciones. Cuenta únicamente lo poco que se nos informó, porque eso es todo lo que sabemos’”.

La única explicación oficial recibida, según Entertainment Weekly, fue: “No creemos que Ben Solo pueda estar vivo”. Este argumento cerró cualquier otra posibilidad de debate y puso un punto final abrupto a la iniciativa.

Soderbergh manifestó sorpresa porque nunca se plantearon cuestiones prácticas como el presupuesto. “Pensé que sería solo un asunto práctico, de analizar el coste. Tenía una buena respuesta para eso, pero nunca se llegó a discutir”, explicó.

En una conversación posterior con la entonces presidenta Kathleen Kennedy, el director señaló que era la primera vez que Disney rechazaba un guion finalizado presentado por Lucasfilm para obtener luz verde.

El enfoque creativo y el guion inédito

La propuesta de The Hunt for Ben Solo pretendía retomar al personaje principal inmediatamente después de los eventos de El ascenso de Skywalker. El nuevo guion, escrito por Scott Z. Burns, buscaba volver a un tono más “artesanal” y centrado en los personajes, inspirado en el estilo de El Imperio Contraataca.

Adam Driver afirmó, según declaraciones recogidas por Entertainment Weekly, que cuando el guion se presentó a Lucasfilm, la respuesta interna fue muy positiva. “Les encantó la idea. Comprendieron nuestro enfoque y las razones para hacerla”, expresó el actor. No obstante, al escalar la propuesta a los ejecutivos de Disney, entre ellos Bob Iger y Alan Bergman, la última palabra fue negativa.

En declaraciones a Deadline, Kathleen Kennedy, presidenta saliente de Lucasfilm tras 14 años al frente, describió el guion como “simplemente excelente”.

Al tiempo que añadió que, en la industria del cine, todo es posible si alguien asume el riesgo. También confirmó que, durante su gestión, jamás un guion finalizado de Lucasfilm había sido rechazado por Disney antes de este caso, lo que marca un precedente singular.

Reacciones del público y consecuencias en la industria

La revelación del proyecto cancelado generó una rápida respuesta entre los aficionados a Star Wars, quienes impulsaron la campaña #SaveTheHuntforBenSolo en redes sociales, mostrando apoyo y decepción por la decisión.

El personaje de Ben Solo/Kylo Ren, interpretado por Adam Driver, posee una sólida base de seguidores, lo que intensificó el debate sobre la dirección y los criterios creativos de la franquicia.

Según Entertainment Weekly, la propia Kathleen Kennedy expresó frustración por el desenlace. Soderbergh recurrió a la red social Bluesky para manifestar su malestar, tras años de mantener en secreto la existencia del proyecto. También destacó lo inusual que resultó para Lucasfilm enfrentar el rechazo a un guion terminado.

La salida de Kennedy de la presidencia de Lucasfilm coincide con una etapa de transición en la compañía. Esta situación ha reactivado discusiones sobre los factores que determinan la aprobación o el veto de las nuevas producciones y sobre la influencia decisiva de los ejecutivos de Disney en la saga galáctica, que ha vivido cancelaciones y replanteamientos de proyectos en los últimos años.

El caso ilustra la compleja relación entre la creatividad artística, la expectativa de los seguidores y las decisiones comerciales de los grandes estudios. La negativa a continuar la historia de uno de los personajes más emblemáticos de la nueva trilogía deja abiertas preguntas sobre el futuro creativo de Star Wars y el espacio real de maniobra para equipos como el de Soderbergh.

Como compartió el director, el trabajo invertido y la implicación creativa han dejado una huella significativa, aunque la película nunca alcanzó a plasmarse en la pantalla. Partes de The Hunt for Ben Solo seguirán existiendo en la memoria de sus creadores, aun si el público jamás podrá conocerlas.

Pese a no convencer a buena parte de los fans, la tercera trilogía de la saga de ciencia ficción Star Wars sigue dando mucho de que hablar. Al fin y al cabo, la recuperación, a partir de ese proyecto, del universo ideado originalmente por George Lucas, ha dado paso también a una larga lista de películas y series para deleite de los fans, como Rogue One, Andor o The Mandalorian.

Sin embargo, en esta Star Wars explotation faltaba, sin saberlo, una película que hasta ahora se había mantenido en secreto por parte de Disney y Lucasfilm, pero que tras las recientes revelaciones de Adam Driver ha salido a la luz. Se trataría de una película sobre Ben Solo, el personaje también conocido como Kylo Ren, interpretado por el propio Driver, que habría contado con un título propio centrado en su figura tras los hechos relatados en la película de Star Wars: el ascenso de Skywalker.

“Fue uno de los guiones más increíbles en los que he estado involucrado”, aseguraba el actor dos veces nominado a los premios Oscar. Según sus declaraciones, Lucasfilm vio con buenos ojos el proyecto, pero los altos mandos de Disney no se dejaron convencer, ya que veían muy difícil de resucitar al personaje y que resultara creíble.

La confesión del director

El director de esa película cancelada por Disney iba a ser Steven Soderbergh, quien ha echado más leña al fuego contando su versión de los acontecimientos. “Que conste que no disfruté mentir sobre la existencia de La caza de Ben Solo (así se iba a titular la película), pero realmente debía permanecer en secreto… ¡hasta ahora!”.

Además, el cineasta responsable de títulos como la saga de películas de Ocean’s Eleven aseguró que, tras el “caso” del guion cancelado, preguntó a la presidenta de Lucasfilm si alguna vez había ocurrido que Disney cancelara un proyecto ya entregado y aprobado por la productora original de Star Wars. “Me dijo que no, que era la primera vez”.

Una avioneta protesta sobre las oficinas de Disney

La noticia no ha pasado desapercibida para los fans de la guerra de las galaxias. Este viernes, un grupo de aficionados al universo de George Lucas alquiló una avioneta para colgar de ella una enorme pancarta que ponía: “Salven La caza de Ben Solo”. Durante varios minutos, se pudo ver al vehículo sobrevolar los estudios de Walt Disney en el estado de California.

“Disfruté mucho haciendo la película en mi cabeza. Lamento que los fans no puedan verla”, ha insistido el propio Soderbergh. Sin embargo, y a pesar de la cancelación de la película con Adam Driver, lo cierto es que Disney ya cuenta con varios planes para Star Wars. En 2026 se estrenará la película de The Mandalorian and Grogu, adaptación a la gran pantalla de la que fue la primera gran serie de la saga intergaláctica. Además, para 2027 y 2028 se esperan como mínimo otros tres títulos, incluyendo Star Wars: Starfighter, una película que contará con Ryan Gosling como protagonista.

Adam Driver, el actor que encarnó a Kylo Ren en la más reciente trilogía de Star Wars, reveló que había desarrollado junto al director Steven Soderbergh una ambiciosa película centrada en su personaje.

El proyecto, titulado The Hunt for Ben Solo, habría explorado el camino de redención del hijo de Han Solo y Leia Organa tras los eventos de The Rise of Skywalker (2019). Sin embargo, pese al entusiasmo inicial de Lucasfilm, Disney decidió rechazarlo.

En una extensa entrevista con Associated Press publicada el 20 de octubre de 2025, Driver explicó que llevaba años deseando volver a la franquicia.

“Siempre estuve interesado en hacer otra Star Wars”, dijo el actor. “Había estado hablando de hacer otra desde 2021. Kathleen [Kennedy] se había puesto en contacto. Siempre dije: con un gran director y una gran historia, estaría ahí en un segundo. Amaba a ese personaje y amaba interpretarlo”, afirmó.

De esa idea nació The Hunt for Ben Solo, un proyecto que imaginaba qué habría sucedido si Kylo Ren —ya redimido como Ben Solo— hubiera sobrevivido.

“Tomé el concepto y se lo llevé a Soderbergh para una película que tendría lugar después de The Rise of Skywalker”, explicó Driver a AP. “Sentía que había asuntos pendientes con Kylo Ren, o Ben Solo, como se le conocía antes de caer al Lado Oscuro”.

Según detalló el actor, el guion fue desarrollado a lo largo de dos años por Soderbergh junto a la guionista Rebecca Blunt, con la colaboración posterior de Scott Z. Burns (Contagion). Driver describió el resultado como “uno de los guiones más geniales en los que he estado involucrado”.

El equipo presentó el proyecto a Kathleen Kennedy, presidenta de Lucasfilm, además de Dave Filoni y Cary Beck, ejecutivos de la compañía.

“Presentamos el guion a Lucasfilm. Les encantó la idea. Entendieron totalmente nuestro enfoque y por qué lo hacíamos”, recordó Driver en declaraciones recogidas por la agencia.

Sin embargo, el entusiasmo no fue compartido por los altos mandos de Disney. “Lo llevamos a Bob Iger y Alan Bergman, y dijeron que no. No veían cómo Ben Solo podía estar vivo. Y eso fue todo”, relató. La empresa no quiso hacer comentarios a la prensa sobre la decisión.

Soderbergh, por su parte, compartió su resignación. “Disfruté mucho hacer la película en mi cabeza. Solo lamento que los fans no puedan verla”, declaró el director a AP.

Driver destacó que la propuesta de The Hunt for Ben Solo buscaba recuperar el espíritu más artesanal y centrado en los personajes de la saga original.

“Queríamos ser prudentes con el dinero, hacerlo por menos que la mayoría, pero con el mismo espíritu de esas películas, que son hechas a mano y con foco en los personajes. Para mí, El Imperio Contraataca sigue siendo el estándar de lo que una película de Star Wars debería ser”, dijo.

Kylo Ren, cuyo nombre real es Ben Solo, fue presentado en Star Wars: el despertar de la fuerza (2015) como el principal antagonista de la nueva trilogía. Hijo de Han Solo y Leia Organa, y nieto de Darth Vader, fue entrenado como Jedi por su tío Luke Skywalker antes de sucumbir al influjo del Líder Supremo Snoke. En su camino, mató a su propio padre y tomó el liderazgo de la Primera Orden.

A lo largo de la trilogía, el personaje mostró un conflicto interno entre el bien y el mal, lo que lo convirtió en uno de los villanos más complejos del universo Star Wars. En The Rise of Skywalker, él renuncia finalmente al Lado Oscuro y ayuda a Rey a derrotar al Emperador Palpatine, sacrificando su vida en el proceso.

La interpretación de Driver impactó positivamente en la crítica. The Guardian lo describió como “tremendamente cruel, rencoroso y caprichoso”, mientras que IGN destacó que su actuación “sumó gran profundidad a un personaje que podría haber parecido unidimensional”.

Por otro lado, a sus 41 años, Adam Driver continúa apostando por proyectos de autor. Esta temporada protagoniza Father Mother Sister Brother, su tercera colaboración con Jim Jarmusch, y se prepara para filmar Alone at Dawn con Ron Howard.

Para muchos, el rostro de Adam Driver quedó grabado por primera vez en nuestra memoria cuando, en el regreso de la saga de Star Wars con su séptimo episodio, Kylo Ren se quitó la máscara. El actor, que entonces ya había participado en varias películas de Noah Baumbach (aunque ninguna tan conocida como Historia de un matrimonio, que saldría unos años después), pero fue entonces cuando se convirtió en una verdadera estrella internacional, apareciendo en la nueva trilogía de la famosa Guerra de las Galaxias.

Tras el estreno de esas películas, muchos fans han soñado con el regreso del actor a la saga, algo que, por lo que el propio Driver ha revelado recientemente, estuvo muy cerca de suceder. Y es que el responsable de dar vida a Kylo Ren (más tarde conocido como Ben Solo) ha compartido en una entrevista que trató de impulsar, junto al conocido director Steven Soderbergh (Ocean’s Eleven, Traffic), una secuela directa de El ascenso de Skywalker (Episodio IX).

El entusiasmo del actor por la idea

El proyecto, que llegó a tener un título provisional y el guion escrito, fue presentado a Lucasfilm, la compañía de George Lucas (creador de la saga) que actualmente preside Katleen Kennedy. "Amaba a ese personaje y me encantaba interpretarlo", ha asegurado el actor en una entrevista con Associated Press. “Con un gran director y una gran historia, estaría allí en un segundo.”

La propuesta que Driver y Soderbergh desarrollaron se titulaba tentativamente The Hunt for Ben Solo. “Fue uno de los guiones más increíbles en los que he estado involucrado”, asegura el intérprete. Driver detalló que tanto él como el cineasta presentaron la historia a Lucasfilm y la recepción fue notablemente positiva.“Les encantó la idea. Comprendieron completamente nuestro enfoque y el motivo detrás de la propuesta”.

La razón por la que en Disney descartaron el proyecto

A pesar del visto bueno inicial, el proyecto no prosperó cuando se presentó ante los altos directivos de Disney. Según el testimonio del actor, Bob Iger (director ejecutivo de Disney) y Alan Bergman (copresidente) rechazaron la idea por dificultades para justificar cómo Ben Solo podría regresar tras los eventos finales de El ascenso de Skywalker. “No vieron la forma en que Ben Solo podría estar vivo. Y ahí terminó todo”, ha relatado el propio Driver. Por su parte, Soderbergh ha expresado su decepción con un tono un tanto irónico: “Disfruté mucho haciendo la película en mi cabeza. Lamento que los fans no la vean”.

Con todo, no parece que lo que ocurra con Star Wars próximamente sea que falten películas. El próximo estreno confirmado es The Mandalorian and Grogu, una producción derivada de la exitosa serie de Disney+ y protagonizada por Pedro Pascal, cuyo lanzamiento está previsto para el 22 de mayo de 2026 bajo la dirección de Jon Favreau. Además, otro largometraje en desarrollo es Star Wars: Starfighter, que contará con Ryan Gosling y tiene su estreno programado para el 28 de mayo de 2027.

Por su parte, Adam Driver ha seguido su camino trabajando para algunos de los mejores directores de la actualidad. Este mismo año, podremos verle protagonizando, junto a Tom Waits, Charlotte Rampling y Cate Blanchett, la película ganadora del León de Oro de Venecia: Father Mother Sister Brother, dirigida por Jim Jarmusch.

A estas alturas de su carrera, el cine de Ridley Scott puede ser algo difícil de definir. El director de origen británico nos ha regalado clásicos de ciencia ficción como Blade Runner y Alien, el octavo pasajero, así como películas de suspense de alto voltaje como Red de mentiras, Hannibal o American Gangster, e incluso dramas históricos tan aplaudidos como Los duelistas, uno de sus primeros (y mejores) trabajos como director, o Robin Hood.

De este modo, la carrera del cineasta nominado hasta en tres ocasiones a los premios Oscar a Mejor director ha sido realmente variada, aunque sí que podemos afirmar que en todas ellas cuestiones como la ambientación, el vestuario y el trabajo artístico estaban cuidadas hasta el más mínimo detalle en cada escena. Por ello, el director nos ha dado algunos de sus mejores trabajos viajando a épocas pasadas como la Edad Antigua o la Edad Media, donde se ambientan películas de la talla de Gladiator o El reino de los cielos.

Ambos títulos integran una combinación perfecta entre drama y acción que, al combinarse con la espectacular puesta en escena de lugares y tiempos que ya no existen, generan imágenes imborrables para el espectador. Y es que nadie mejor que Ridley Scott para crear este tipo de películas históricas, algo que volvió a quedar demostrado con uno de sus estrenos recientes, reconocido también como su último gran largometraje: El último duelo.

Un éxito para la crítica que fracasó en taquilla

Inspirada en una historia real, El último duelo cuenta el enfrentamiento entre el caballero Jean De Carrouges y el escudero Jacques LeGris, al acusar el primero al segundo de abusar de su esposa, Marguerite de Carrouges. Un conflicto que, por mediación del rey Carlos VI, acabaría por resolverse en un duelo a muerte que, en caso de saldarse con la victoria del escudero, conllevaría también que la esposa del caballero fuera quemada como castigo por haber hecho una acusación falsa.

Protagonizada por Matt Damon (quien hace una década obtenía un Oscar como Mejor actor protagonista gracias a otra película de Ridley Scott, Marte), Adam Driver y Jodie Corner, El último duelo convenció a la crítica nacional e internacional gracias a sus impresionantes paisajes y sus espectaculares secuencias de lucha. “Se revela como algo que escasea actualmente en Hollywood”, celebraban tras su estreno en IndieWire, una de las revistas de referencia del séptimo arte en Estados Unidos, “una película de gran presupuesto inteligente y genuinamente atrevida que es, por encima de todo, producto de una colaboración artística reconocible”.

A pesar de su buena recepción crítica, El último duelo no logró un buen rendimiento y solo logró recaudar 30,5 millones de dólares a nivel mundial: una cantidad demasiado baja si se tiene en cuenta de que se trataba de una de las grandes producciones del año en Hollywood con un presupuesto de unos 100 millones de dólares. A pesar de eso, la película de Ridley Scott ha tenido una segunda vida en las plataformas de streaming, donde sí se ha convertido en una opción recurrente para muchos suscriptores. Hasta ahora, El último duelo había sido una de las películas más destacadas del catálogo de Prime Video, algo que, sin embargo, está a punto de cambiar: a finales de esta semana la película dejará de estar disponible, si bien todavía se podrá ver en Disney Plus.

En 2019, la película Historia de un matrimonio emocionó a millones de espectadores profundizando física y emocionalmente en las heridas que puede provocar un divorcio. Con una Scarlett Johansson en estado de gracia (ese mismo año destacaría también con su papel secundario en Jojo Rabbit) y un descomunal Adam Driver, las discusiones de la pareja, genialmente puestas en escena por Noah Baumbach, pusieron la piel de gallina a más de uno frente a la gran pantalla.

Sin embargo, lo que nadie esperaba entonces era que las trifulcas de este matrimonio mal avenido iba a servir más allá del cine, y mucho menos para lo que el Departamento de Agricultura de Estados Unidos (USDA) ha decidido emplear algunas de sus escenas: asustar a los lobos que amenazan a los ganados de diferentes granjas del país.

Tres décadas con problemas con los lobos

Estados Unidos vive, desde hace años, una seria crisis respecto a las manadas cada vez más numerosas de lobos grises al oeste del país. De este modo, tal y como ha informado recientemente The Wall Street Journal, la última técnica para tratar de ahuyentar a estos cazadores con diferentes sonidos. En un reportaje publicado por el citado medio, se relata cómo los drones que utilizan los vaqueros que protegen a los animales llevan “cámaras térmicas que pueden revelar cualquier lobo que aceche en la oscuridad y lo iluminan con un foco. Un altavoz emite sonidos alarmantes como fuegos artificiales, disparos y gente discutiendo”. Más en concreto, la discusión no es otra que la pelea más tensa entre Scarlett Johansson y Adam Driver.

El objetivo de utilizar esta técnica es la de confundir y asustar a los lobos, asociando la presencia humana con el peligro, mientras los drones sobrevuelan y vigilan los pastizales durante la noche. Se trata, en cualquier caso, de una medida extraordinaria que pretende responder a una situación crítica. Al fin y al cabo, desde hace 30 años (cuando se reintrodujo la especie en el Parque Nacional Yellowstone) los granjeros han perdido decenas de animales a causa de los lobos, sin que los métodos tradicionales hayan servido de mucho... por no hablar de la prohibición de dañar a los lobos por su condición de especie protegida.

Los números no mienten

“Necesito que los lobos respondan y sepan que, bueno, los humanos son malos”, dice Paul Wolf, supervisor de distrito del USDA en Oregón, en el reportaje del Wall Street Journal. Así, con las discusiones esperan lograr que los lobos asocien a los humanos con experiencias desagradables y eviten el ganado. La estrategia parece funcionar: si antes de los drones habían muerto 11 vacas en 20 días en la zona de la cuenca de Klamath, al sur del estado, “durante los 85 días siguientes, cuando los drones patrullaban, solo dos fueron asesinadas”.

Además de escenas de discusiones cinematográficas, los operadores también utilizan música a gran volumen, por ejemplo Thunderstruck de AC/DC y Blue on Black de Five Finger Death Punch. En una de las operaciones relatadas por el diario, un biólogo logró empujar a dos lobos hacia el bosque reproduciendo esta última canción desde su dron. Habrá que ver si esta técnica sigue siendo útil en un tiempo, ya que los ganaderos estadounidenses han advertido cuán rápido se adapta el lobo a las diferentes estrategias planteadas contra él.

Aun así, la cooperación entre técnicos federales y ganaderos ha permitido reducir la incidencia de ataques, al menos temporalmente, y les brinda alivio. “Me permite dormir por la noche porque mi esposo y yo somos quienes principalmente cuidamos del ganado”, comenta una de las propietarias afectadas.

Michael Mann, el cineasta estadounidense de 82 años, ha trabajado en una gran variedad de producciones a lo largo de su carrera. Entre los títulos, podemos mencionar La carrera final (The Jericho Mile - 1979), El sabueso (Manhunter - 1986), El último de los mohicanos (The Last of the Mohicans - 1992) y Enemigos públicos (Public Enemies - 2009), entre otros. Sin embargo, la obra que ha dejado una huella imborrable es Fuego contra fuego (Heat - 1995). Tras tantos años desde su estreno, la secuela finalmente comienza a tomar forma y recientemente se ha dado a conocer una actualización emocionante sobre su desarrollo.

Fuego contra fuego nos presentaba la historia de un ladrón profesional y un implacable detective, cuyas vidas se mezclan en un conflicto marcado por la astucia y la determinación. La trama se desarrollaba en un entorno urbano que se transformaba en un escenario de constantes tensiones, donde cada acción desencadenaba consecuencias inesperadas. La película, que contaba con las actuaciones de Al Pacino (El padrino), Robert De Niro (Taxi Driver) y Val Kilmer (El Santo), exploraba con profundidad los dilemas morales y la delgada línea que separa el orden del caos, mostrando cómo en ocasiones los personajes principales se ven obligados a enfrentarse no solo al enemigo exterior, sino también a sus propios demonios internos.

En enero de 2024, Michael Mann confirmó que estaba trabajando en el guion de la esperada secuela, un audiovisual que ha estado en desarrollo durante años. Ahora, más de un año después, el director ha revelado en una reciente entrevista que finalmente terminó el libreto y ya lo entregó a Warner Bros. Sin embargo, el estudio aún no ha dado luz verde oficialmente a la producción. Sobre el estado del proyecto, Mann expresó: “Acabo de terminar el guion y entregar el primer borrador. No puedo hablar de más. Pero es un proyecto emocionante”.

Aunque aún no se han revelado detalles sobre la trama de la segunda entrega, tiempo atrás, Mann había mencionado que el largometraje funcionaría como secuela y precuela a la vez, además de que se utilizaría una combinación de efectos visuales y maquillaje. En una entrevista brindada en marzo de 2024, el realizador expresó: “Va a ser una combinación [de efectos visuales y maquillaje]. Por lo tanto, no serán [Robert De Niro] y Al [Pacino] los que interpreten a McCauley y Hanna. Y en realidad comenzará ocho años antes que la película. Comienza en 1988 y luego saltará al 2000″. Además, aunque nada ha sido confirmado oficialmente, se ha rumoreado que Adam Driver (Ferrari) y Austin Butler (Elvis) son los principales candidatos para liderar el reparto.

Estaremos atentos para ver si Fuego contra Fuego 2 finalmente recibe luz verde y puede comenzar su producción.

• Mi primer beso
• Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
• Vidas pasadas
• Historia de un matrimonio

El amor en el cine suele presentarse como algo idealizado, con finales felices y romances que superan todas las adversidades. Pero hay películas que eligen un camino diferente y muestran el amor desde una perspectiva más realista, a veces dolorosa, pero honesta. Si en este Día de los enamorados preferís una historia que se aleje de la comedia y los clichés románticos, te proponemos cuatro títulos disponibles en Netflix que nos muestran que el amor no siempre es perfecto ni eterno.

Mi primer beso (My Girl, 1991)

Aunque Mi primer beso suele ser catalogada como una película juvenil, es también una de las historias más tristes sobre el amor y la pérdida. Protagonizada por Anna Chlumsky y Macaulay Culkin, la película sigue a Vada, una niña de 11 años que experimenta su primer amor con su mejor amigo, Thomas. Sin embargo, su inocente relación toma un giro trágico que la marcará para siempre.

Esta historia de madurez presenta un enfoque conmovedor sobre el crecimiento y el duelo. Ampliamente recordada por la frase: “¿Y dónde están sus anteojos? ¡No puede ver sin sus anteojos!”, Mi primer beso demuestra que algunas historias de amor están destinadas a convertirse en recuerdos dolorosos, pero inolvidables.

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004)

Dirigida por Michel Gondry y escrita por Charlie Kaufman, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos nos sumerge en la compleja relación de Joel (Jim Carrey) y Clementine (Kate Winslet). Tras una ruptura dolorosa, ambos deciden someterse a un procedimiento experimental para borrar sus recuerdos el uno del otro. Sin embargo, a medida que las memorias de su amor comienzan a desaparecer, Joel se da cuenta de que no quiere olvidar lo vivido.

Aclamada por la crítica y considerada una de las mejores películas sobre el amor y el desamor, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos es un viaje emocional que desafía la idea de que olvidar es la mejor forma de superar a alguien. Su guion innovador, actuaciones emotivas y dirección única la convierten en un clásico moderno dentro de su género.

Historia de un matrimonio (Marriage Story, 2019)

Dirigida por Noah Baumbach y protagonizada por Scarlett Johansson y Adam Driver, Historia de un matrimonio es un retrato íntimo y devastador de un divorcio. Charlie y Nicole, una pareja de artistas, intentan separarse de manera amistosa, pero pronto se ven atrapados en una batalla legal que pone a prueba su amor y respeto mutuo.

Con interpretaciones magistrales y un guion que captura la complejidad de las relaciones de pareja, esta película nos recuerda que el amor, por más fuerte que sea, no siempre es suficiente para mantener a dos personas juntas. Es una de las representaciones más crudas y conmovedoras del fin de una relación.

Vidas pasadas (Past Lives, 2023)

Este drama romántico dirigido por Celine Song explora el peso de los amores inconclusos y las vidas que podríamos haber tenido. La historia sigue a Nora (Greta Lee) y Hae Sung (Teo Yoo), dos amigos de la infancia que se separan cuando ella emigra a Estados Unidos. Años después, se reencuentran y se enfrentan a los sentimientos no resueltos que aún los unen.

Con una mirada sutil y melancólica, Vidas pasadas habla sobre el destino, la nostalgia y las decisiones que moldean nuestras relaciones. Es una historia de amor, sí, pero también un retrato de la madurez emocional y la aceptación de que no todos los amores están destinados a durar.

• Las tres hijas
• Historia de un matrimonio
• La ballena
• Roma

El drama es un género cinematográfico que ha dado vida a algunas de las historias más emotivas y profundas del cine. En el catálogo de Netflix, hay varias producciones que exploran las relaciones familiares, el amor, la pérdida y la redención, ofreciendo relatos tan conmovedores como impactantes. Entre ellas, destacan Las tres hijas, Historia de un matrimonio, La ballena y Roma, cada una con su propio estilo, pero todas capaces de dejar una huella en el espectador.

Las tres hijas - His Three Daughters

En el recorrido por dramas imperdibles en Netflix, Las tres hijas (His Three Daughters) se presenta como una de las sorpresas de 2024. Este largometraje narra la historia de tres hermanas muy diferentes entre sí, que deben unirse debido al rápido deterioro de la salud de su padre. A medida que la situación se agrava, las diferencias entre ellas se vuelven más evidentes, pero también lo hace la necesidad de superar estas barreras para enfrentar la difícil etapa de la vida que se les presenta. La película ofrece un relato sombrío, en ocasiones crudo, sobre los desafíos que enfrentan los hijos cuando sus padres envejecen y deben lidiar con las enfermedades y el inevitable paso del tiempo.

Dirigida por Azazel Jacobs (Sorry for Your Loss), uno de los aspectos más destacados de este proyecto es su talentoso elenco. Las tres hermanas son interpretadas por Elizabeth Olsen (WandaVision, Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, Amor y Muerte), Natasha Lyonne (Orange Is the New Black, Poker Face, Pitufos) y Carrie Coon (Perdida, Ghostbusters: El Legado, The Post: Los Oscuros Secretos del Pentágono).

Historia de un matrimonio - Marriage Story

Seguimos con Historia de un matrimonio (Marriage Story), un emotivo largometraje que narra la lucha de un director de teatro y una actriz para superar las dificultades de su divorcio. A través de sus personajes, la película profundiza en las complejidades de una relación que, a pesar del amor que alguna vez existió, se ve afectada por las tensiones personales y profesionales que surgen durante el proceso de separación. La película destaca la forma en que cada uno de ellos enfrenta el dolor y la pérdida, mientras intentan seguir adelante con sus vidas por separado.

El audiovisual contó con el guion y la dirección de Noah Baumbach, un cineasta reconocido por su habilidad para retratar las dinámicas familiares y las tensiones emocionales, como en Historias de familia (The Squid and the Whale - 2005), Frances Ha (2012), Los Meyerowitz: La familia no se elige (2017) y Ruido de fondo (White Noise - 2022). En cuanto al elenco, Historia de un matrimonio se distingue por sus poderosas interpretaciones. Scarlett Johansson (Jurassic World: El Renacer), quien interpreta a Nicole, y Adam Driver (Star Wars: El despertar de la fuerza), quien da vida a Charlie, son los encargados de llevar a la pantalla la complejidad de una relación rota, transmitiendo las emociones y conflictos de manera magistral.

La ballena - The Whale

En tercer lugar, nos encontramos con La ballena (The Whale), un título que nos presenta la historia de un solitario profesor de inglés que intenta reconectar con su hija adolescente. A lo largo del relato, vemos cómo el protagonista no solo enfrenta la distancia emocional con su hija, sino que también lidia con serios problemas de salud derivados de su obesidad. La película aborda temas como la soledad, el arrepentimiento y el deseo de redención, ofreciendo un retrato íntimo y conmovedor de su protagonista.

El largometraje recae en la actuación de Brendan Fraser (La momia, George de la jungla, Viaje al centro de la Tierra), quien recibió el premio Oscar a Mejor Actor por su interpretación. Junto a él, Sadie Sink (Stranger Things) da vida a su distante hija, aportando una dinámica clave en la trama. La dirección estuvo a cargo de Darren Aronofsky, cineasta reconocido por obras como Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream - 2000) y El cisne negro (Black Swan - 2010), quien vuelve a ofrecer una historia intensa y profundamente humana.

Roma

En último lugar, nos encontramos con Roma (2018), un largometraje que nos sumerge en la vida de Cleo, una trabajadora que cuida a los hijos de una familia de clase media en la Ciudad de México durante la década de 1970. A medida que la historia avanza, el film explora no solo la dinámica de esta familia, sino también las tensiones sociales y políticas de la época, mostrando cómo los eventos históricos impactan la vida cotidiana de sus personajes. Con un tono introspectivo y una narrativa profundamente humana, la película se convierte en un retrato conmovedor de la memoria y la identidad.

El proyecto fue escrito y dirigido por Alfonso Cuarón, el cineasta detrás de Niños del hombre (Children of Men - 2006), Gravedad (Gravity - 2013) y Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban - 2004). La actuación de Yalitza Aparicio (Presencias), en su debut cinematográfico, fue ampliamente aclamada, al igual que la interpretación de Marina de Tavira (El aroma del pasto recién cortado). Con su impecable fotografía en blanco y negro y su estilo narrativo íntimo, Roma se consolidó como una de las películas más destacadas del cine contemporáneo, ganando tres premios Oscar, incluido el de Mejor Director.

La trama de Megalópolis se centra en el conflicto político y filosófico que sacude a la ciudad ficticia de Nueva Roma, donde dos figuras antagónicas luchan por definir el futuro de la humanidad. Adam Driver, en el papel de César Catilina, interpreta a un visionario que busca construir un futuro utópico, mientras que Giancarlo Esposito, como el alcalde Franklyn Cicero, defiende un modelo basado en la codicia y los intereses partidistas. Entre ambos se encuentra Julia Cicero, interpretada por Nathalie Emmanuel, quien se debate entre su amor por César y su lealtad familiar, lo que la obliga a cuestionar sus propias creencias sobre lo que la humanidad merece.

Un elenco estelar y un diseño visual único

El film cuenta con un elenco de renombre que incluye a Laurence Fishburne, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Dustin Hoffman, Jason Schwartzman, entre otros. La película promete una experiencia visual deslumbrante, con un diseño que mezcla referencias a la arquitectura y el arte de la antigua Roma con elementos distópicos y futuristas. El tráiler, presentado en Cannes, plantea preguntas profundas sobre el declive de los imperios y la capacidad de las sociedades para reinventarse, con imágenes que evocan tanto la grandeza como la decadencia de civilizaciones pasadas.

La dirección de fotografía está a cargo de Mihai Malaimare Jr., mientras que la banda sonora combina el talento de Osvaldo Golijov y Grace VanderWaal, quienes aportan una dimensión emocional a la narrativa. Con una duración de 138 minutos, Megalópolis se clasifica como una película de ciencia ficción y ha recibido una calificación SAM 13.

La crítica aplaude la visión de Coppola

The Hollywood Reporter calificó la película como “divertida, juguetona, visualmente deslumbrante e iluminada por una conmovedora esperanza en la humanidad”. Por su parte, Rolling Stone destacó que “la espera valió la pena”, subrayando la capacidad de Coppola para llenar tanto la pantalla como la narrativa de emoción. IndieWire describió el filme como “un manifiesto desgarrado, brillante y trascendentalmente sincero sobre el papel de un artista al final de un imperio”, mientras que La Vanguardia afirmó que “Coppola se despide a lo grande, no cabe duda”.

Un proyecto de cuatro décadas

El desarrollo de Megalópolis comenzó en 1983, pero enfrentó numerosos obstáculos a lo largo de los años, desde problemas de financiación hasta dudas sobre su viabilidad comercial. Coppola llegó a vender una parte significativa de su imperio vinícola para financiar el proyecto, demostrando su compromiso inquebrantable con su visión artística. A pesar de las dificultades, el director logró completar la película y ahora busca acuerdos de distribución en Estados Unidos, con la intención de vender los derechos de televisión y streaming por separado.

“Mi objetivo siempre ha sido hacer una película con todo mi corazón, centrada en el amor y la lealtad en todos los aspectos de la vida humana”, declaró el director en una entrevista previa al estreno en Cannes. “Es una película oscura, pero también muy optimista porque tiene fe en el ser humano y en que tenemos el genio para sanar cualquier problema que se nos presente”.

El legado de un maestro del cine

Francis Ford Coppola, nacido el 7 de abril de 1939 en Detroit, Míchigan, es una de las figuras más destacadas del Nuevo Hollywood y ha sido reconocido como uno de los mejores directores de todos los tiempos. Su filmografía incluye clásicos como El Padrino (1972), El Padrino II (1974) y Apocalypse Now (1979), que le valieron múltiples premios Óscar y consolidaron su lugar en la historia del cine. Con Megalópolis, Coppola busca cerrar su carrera con una obra que encapsule su filosofía y su pasión por el séptimo arte.

El estreno de esta película marca un hito no solo en la carrera de Coppola, sino también en la historia del cine contemporáneo. Con su enfoque audaz y su compromiso con la innovación, el film promete ser un testamento a la capacidad del arte para explorar las complejidades de la condición humana y los desafíos de las sociedades modernas.

• Sonic 3
• Babygirl: Deseo prohibido
• Megalópolis
• Nosferatu

Cada vez falta menos para el comienzo de 2025, y con él llega una nueva ola de estrenos cinematográficos que marcarán el inicio del año con fuerza. Esta semana, las carteleras se llenan de títulos como Sonic 3, la nueva versión de Nosferatu, y otros estrenos como Babygirl: Deseo prohibido y Megalópolis. A continuación, repasamos lo más destacado que llegará a la gran pantalla a partir del 2 de enero.

Sonic 3 - Sonic The Hedgehog 3

Comenzamos este recorrido con Sonic 3: La película (Sonic The Hedgehog 3), la esperada secuela de Paramount que nos trae de vuelta las emocionantes aventuras del icónico erizo azul de la franquicia de SEGA. En esta entrega, Sonic y Tails se unen a Knuckles para enfrentarse a un nuevo y formidable enemigo: Shadow, un clon experimental creado por el malvado profesor Gerald Robotnik. Este nuevo villano, casi invencible, pondrá a nuestros héroes ante un desafío impresionante.

La dirección, al igual que en las entregas anteriores, está a cargo de Jeff Fowler (El topo hambriento). En cuanto al reparto, la tercera película contará con las actuaciones de Jim Carrey (El Grinch, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos), Ben Schwartz (Parks and Recreation), Colleen O’Shaughnessey (Digimon: La película), Idris Elba (Secuestro en el aire) y Keanu Reeves (The Matrix, John Wick).

Babygirl: Deseo prohibido

Continuamos con Babygirl: Deseo prohibido, un thriller erótico en el que seguimos a Romy, una exitosa ejecutiva que inicia un romance clandestino con su joven pasante, mientras mantiene su matrimonio intacto. A medida que avanza la historia, Romy deberá enfrentarse a los prejuicios sociales y los riesgos personales, incluyendo la posibilidad de perder su puesto por este arriesgado vínculo.

Dirigida por Halina Reijn (Bodies Bodies Bodies), el largometraje cuenta con un elenco encabezado por Nicole Kidman, conocida por su participación en títulos icónicos como Big Little Lies, Los otros (The Others - 2001) y Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut - 1999). Junto a ella, destacan las actuaciones de Harris Dickinson (El triángulo de la tristeza, Garra de hierro), Antonio Banderas (La máscara del Zorro), Sophie Wilde (Háblame) y Esther McGregor (Obi-Wan Kenobi).

Megalópolis

Esta semana también llega Megalópolis, el más reciente trabajo del legendario cineasta Francis Ford Coppola, conocido por dirigir películas emblemáticas como El Padrino (The Godfather - 1972), Apocalypse Now (1979) y La conversación (The Conversation - 1974). Debido a que las grandes productoras decidieron no acompañar el proyecto, Coppola optó por autofinanciarse utilizando la fortuna generada por su viñedo, lo que permitió un presupuesto de 120 millones de dólares para este ambicioso largometraje.

Megalópolis se presenta como una épica aventura que sigue la vida de un misterioso arquitecto que lucha por reconstruir Nueva York tras una devastadora catástrofe. Esta gran producción promete explorar las complejidades del proceso creativo y los desafíos personales que enfrenta el protagonista en un mundo marcado por la destrucción. El elenco de la película está compuesto por Adam Driver (Star Wars), Aubrey Plaza (Agatha en todas partes), Nathalie Emmanuel (Juego de Tronos), Forest Whitaker (La habitación del pánico), Laurence Fishburne (Matrix), Shia LaBeouf (Transformers) y Talia Shire (Rocky).

Nosferatu

En último lugar, llega a los cines una de las películas más esperadas del último tiempo: Nosferatu. Esta nueva versión del clásico de terror estrenado en 1922 promete renovar el legado de la emblemática película dirigida por F.W. Murnau. La historia se desarrolla en la Alemania del siglo XIX, donde una joven se ve atrapada en una peligrosa obsesión con un antiguo vampiro de Transilvania, desatando un horror inexplicable.

La nueva entrega revive la figura del siniestro Conde Orlok, ahora interpretado por Bill Skarsgård, conocido por su papel en It, El cuervo (The Crow) y Contra todos (Boy Kills World). Dirigida por Robert Eggers, responsable de La bruja (The Witch - 2015), El faro (The Lighthouse - 2019) y El hombre del norte (The Northman - 2022), esta reinterpretación profundiza en la obsesión y el terror psicológico. Skarsgård encabeza un elenco destacado que incluye a Lily-Rose Depp (The Idol, El rey), Willem Dafoe (Pobres criaturas), Emma Corrin (Deadpool & Wolverine), Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass, Kraven the Hunter), Simon McBurney (El conjuro 2) y Ralph Ineson (Misántropo, La primera profecía).

• Madame Web
• Guasón 2: Folie à Deux
• Borderlands
• El cuervo
• El misterio de Salem’s Lot
• Rebel Moon: Parte II
• Ghostbusters: Apocalipsis fantasma
• Megalópolis
• Emilia Pérez
• Kraven el cazador

Cada año, el cine nos sorprende con grandes éxitos y propuestas emocionantes que marcan tendencia, pero también nos deja con títulos que no logran alcanzar el nivel de expectativa generada. Ya sea por problemas en su producción, fallos narrativos o estrategias de marketing mal calculadas, algunas películas muy esperadas terminan dividiendo opiniones o enfrentándose un desempeño pobre en su paso por las salas. En 2024, un año repleto de apuestas ambiciosas, varios títulos que partían como favoritos se encontraron con la dura realidad del mercado, la crítica y las opiniones divididas del público.

Desde problemas con guiones poco trabajados o apuestas demasiado ambiciosas, hasta secuelas y adaptaciones que no pudieron justificar su existencia, en esta lista repasamos algunas de las grandes decepciones del año en materia cinematográfica.

Madame Web – Dir. S.J. Clarkson

Con un elenco encabezado por Dakota Johnson, Madame Web prometía ampliar el universo cinematográfico de Spider-Man, presentando una nueva camada de heroínas interpretadas por algunas de las actrices más populares de la actualidad.

Dirigida por S.J. Clarkson, la película se centró en Cassandra Webb una paramédica que descubre tener habilidades clarividentes. A medida que explora sus poderes, se ve envuelta en una trama que la conecta con jóvenes que están destinadas a convertirse en futuras Spider-Women. Además de Dakota Johnson en el papel principal, el elenco también incluyó a Sydney Sweeney, Isabela Merced y Celeste O’Connor.

Madame Web fue ampliamente criticada por su guion confuso y un desarrollo de personajes pobre, con diálogos imposibles. Esto dio como resultado una narrativa incoherente, que desembocó en un final ridículo que proponía una conexión atada con alambres con el Spider-Verso. A pesar de las expectativas, la taquilla apenas logró recuperar el presupuesto de producción, dejando dudas sobre el futuro de la franquicia en manos de Sony.

Guasón 2: Folie à Deux – Dir. Todd Phillips

En 2019, el director Todd Phillips nos sorprendió con Guasón (Joker), una de las películas más taquilleras de ese año, y una de las más exitosas basadas en un personaje de DC Comics. Protagonizada por Joaquin Phoenix, esta presentó el ascenso de un antihéroe mundano con un pasado difícil que se plantaba violentamente contra el statu quo.

El largometraje, oscuro y terrenal, aportaba una nueva mirada sobre un villano icónico y logró cautivar tanto al público como a la crítica. No solo se llevó el León de Oro en su paso por el Festival de Venecia, sino también le consiguió a Phoenix el primer Oscar de su carrera. Dado el enorme éxito de la primera película, una secuela se puso en marcha con mayores valores de producción: no solo sería un musical, sino también contaría con Lady Gaga, una de las estrellas pop del momento como coprotagonista. Pero cuando Guasón 2: Folie à Deux (Joker: Folie à Deux), llegó a los cines en 2024, estuvo muy lejos de ser la obra aclamada que todo el mundo esperaba.

Con una recaudación de sólo 58 millones de dólares en Estados Unidos y un presupuesto casi cuatro veces superior, la película resultó ser una catástrofe inesperada para Warner Bros. El trabajo de Phillips fue objeto de escrutinio y demostró ser un gran paso en falso para todos los implicados. Aunque en su momento pareció una decisión audaz hacer una secuela drásticamente diferente, Guasón 2: Folie à Deux no solo dio vuelta por completo a la fórmula que hizo que la primera película funcionara, sino que repudió el mensaje de su predecesora, algo que para algunos espectadores resultó ser demasiado rupturista.

Borderlands – Dir. Eli Roth y Tim Miller

Luego de una larga espera (que también estuvo acompañada de cambios de guionistas y directores), la película de Borderlands llegó a los cines en agosto de este año con la promesa de ser una montaña rusa de acción y humor similar a Guardianes de la galaxia. Lamentablemente, el resultado final fue una aventura sin gracia, con ausencia de química entre sus involucrados y difícil de ver que no se parecía en nada al material de origen.

El proyecto que adaptaba al popular videojuego contó con un reparto estelar que incluyó a Kevin Hart, Jamie Lee Curtis, Jack Black y a la ganadora del Oscar Cate Blanchett como protagonista. Sin embargo, la película no solo falló en representar la esencia del título de Gearbox , sino que también fue duramente criticada por desaprovechar a su elenco repleto de estrellas. Además, su pobre desempeño en la taquilla, la ubicó entre los mayores desaciertos de económicos de este año, lo que llevó a su director, Eli Roth, a admitir que podría escribir un libro completo sobre lo difícil que fue el rodaje.

El cuervo – Dir. Rupert Sanders

Aunque en esta época no es para nada extraño que se dé luz verde a remakes, reboots y secuelas, poner en marcha una nueva versión El cuervo (The Crow) era un plan arriesgado y controvertido desde un primer momento. La cinta de 1994 no solo se trató del último trabajo en el cine de Brandon Lee, su protagonista, sino que este falleció durante su rodaje en un trágico accidente en el set. Por tal razón, muchos se mostraron reacios ante esta decisión. A pesar de ello, la producción siguió adelante con Bill Skarsgård en el papel de Eric Draven y Rupert Sanders en la dirección.

Finalmente, la película llegó a los cines a mediados de año y resultó ser una oportunidad desperdiciada de adaptar la novela gráfica de James O’Barr para las nuevas generaciones. No solo no logró capturar la esencia oscura y poética de la obra original ni de su adaptación cinematográfica, sino que el filme parecía más una fórmula comercial que una reinvención con alma propia. Si nos concentramos en los números tampoco anduvo nada bien. Con un presupuesto inicial de 50 millones de dólares, la película solo consiguió recaudar 4.6 millones de dólares en Norteamérica y cerró con poco más de 23 millones de dólares en la taquilla global.

El misterio de Salem’s Lot – Dir. Gary Dauberman

Luego de un proceso de producción con varios obstáculos y de múltiples retrasos en su estreno, la nueva adaptación de El misterio de Salem’s Lot (Salem´s Lot) de Stephen King finalmente vio la luz con un lanzamiento exclusivo por la pantalla de Max en octubre de este año.

Este tercer intento por llevar al clásico de vampiros a las pantallas fue dirigido por Gary Dauberman de La Monja y contó con un mayor presupuesto que las versiones televisivas. La película siguió a Ben Mears, interpretado por Lewis Pullman, un escritor que regresa a su ciudad natal, Jerusalem’s Lot, en busca de inspiración, solo para descubrir que el pueblo está siendo acechado por una presencia vampírica.

A pesar de las expectativas generadas, El misterio de Salem’s Lot fue otra decepción para los fanáticos de la obra de King. Aunque la película obtuvo mayores recursos que sus predecesoras, el guion de la adaptación fue criticado por su falta de originalidad y por eliminar elementos que le daban al libro profundidad. A su vez, la película presentó una narrativa acelerada que dejó en evidencia que se enfrentó a múltiples recortes para llegar a tener menos de dos horas de duración.

Rebel Moon Parte 2: La guerrera que deja marcas - Dir. Zack Snyder

Rebel Moon Parte 2, la continuación de la ambiciosa saga de Zack Snyder para Netflix prometía expandir su universo épico, pero partía desde un lugar difícil: tenía el desafío de superar las críticas mixtas de la primera entrega. La historia siguió a Kora, interpretada por Sofia Boutella, liderando la resistencia contra las fuerzas opresoras del Imperio en un intento por liberar su hogar.

Aunque la película ofreció impresionantes efectos visuales y una escala notable, los problemas de ritmo y un guion predecible limitaron su impacto. Muchos espectadores expresaron su frustración con un final que parecía más una preparación para otra secuela que una conclusión satisfactoria.

Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma - Dir. Gil Kenan

Como ya ocurrió con varias propiedades que tuvieron su pico de popularidad en la década de los ochenta y noventa, la franquicia de Los cazafantasmas experimentó un resurgir en los últimos años, impulsada por Jason Reitman (hijo del director original Ivan Reitman) quien recuperó la saga con una mirada puesta en un nuevo público, pero honrando sus orígenes. Con Ghostbusters: El legado (Ghostbusters: Afterlife) el cineasta retomó el mando donde su padre lo dejó, añadiendo nuevos personajes y rostros del momento como Paul Rudd, Finn Wolfhard y Mckenna Grace.

El éxito de esta película avivó la idea de la expansión de la franquicia y dos años más tarde nos llegó una continuación dirigida por Gil Kenan. Lamentablemente, Ghostbusters: Apocalipsis Fantasma (Ghostbusters: Frozen Empire) no logró replicar la chispa nostálgica de su predecesora. Aunque contó con un gran elenco y momentos entretenidos, la trama era genérica y carecía de la química que hizo icónica a la saga original. La taquilla tampoco respondió como se esperaba, lo que puso en duda el futuro de la franquicia.

Megalópolis - Dir. Francis Ford Coppola

Quizá una de las mayores decepciones del año haya salido de la mente de uno de los cineastas más celebrados de la industria. Megalópolis, la primera película en más de una década de Francis Ford Coppola, el legendario director de El Padrino (The Godfather) pretendía ser una de sus películas más ambiciosas hasta la fecha. Su historia, ambientada en un extraño Estados Unidos alternativo, llevaba más de 40 años en preparación y tenía previsto alcanzar una escala épica con un reparto repleto de estrellas de la talla de Adam Driver, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza y Giancarlo Esposito, por nombrar sólo a algunos. Sin embargo, a pesar de todo lo que tenía a su favor, Megalópolis acabó por debajo de sus expectativas en casi todos los aspectos.

La cinta fue un proyecto repleto de desafíos desde su concepción hasta su llegada a los cines. Coppola enfrentó serios problemas financieros cuando los grandes estudios se negaron a respaldarlo. Para llevarlo a cabo, decidió autofinanciarse utilizando las ganancias de su viñedo, reuniendo un presupuesto de 120 millones de dólares.

A pesar de la reputación del director y el talento del elenco, cuando Megalópolis llegó a las salas dividió a la crítica. Si bien muchos elogiaron la visión y la escala del proyecto, se señaló que la narrativa era densa y, en ocasiones, incoherente. La complejidad de los temas tratados, junto con una duración extensa, dio como resultado una experiencia que muchos espectadores encontraron bastante difícil de seguir. La crítica por su parte destacó que, aunque la película tiene momentos de brillantez, en conjunto no logra alcanzar el impacto esperado y pone en un lugar bastante difícil a los futuros proyectos del realizador.

Emilia Pérez - Dir. Jacques Audiard

Emilia Pérez fue otra de las películas que dividió al público y a la industria durante este 2024. Aunque el drama musical queer dirigido por Jacques Audiard fue elogiado en ciertos círculos por su originalidad y ambición, también se ha enfrentado críticas significativas relacionadas con la autenticidad cultural, el tratamiento de temas sensibles y su estructura narrativa.

La película contó la historia de un poderoso capo del narcotráfico mexicano que, en un giro inesperado, decide huir de su pasado criminal y someterse a una cirugía de afirmación de género. Convertido en Emilia, el protagonista busca una vida nueva y anónima mientras lidia con los fantasmas de su pasado y el riesgo de ser descubierto. La trama combina elementos de thriller, drama y comedia, mientras Emilia navega por los desafíos de su transformación personal y el mundo peligroso que dejó atrás.

Si bien la película aborda temas relevantes y actuales, eso no fue suficiente para un sector del público que criticó su tratamiento superficial, su falta de profundidad en el desarrollo de los personajes y la representación caricaturesca de la cultura mexicana.

Kraven el cazador – Dir. J. C. Chandor

Si abrimos esta lista con Madame Web, es bastante lógico cerrarla con Kraven el cazador (Kraven the Hunter), la película ambientada en el Spider-Verso de Sony que llegó para poner el clavo final en el ataúd de la franquicia. Dirigida por J. C. Chandor y protagonizada por Aaron Taylor-Johnson, esta siguió los pasos de un hombre cuya complicada relación con su despiadado padre lo lleva a iniciar un camino de venganza con brutales consecuencias que desafían los límites de su humanidad.

El largometraje inspirado en el mítico villano de los cómics no solo obtuvo puntuaciones pobres, sino que apenas recaudó 26 millones de dólares a nivel mundial durante su primer fin de semana, una cifra muy baja para una producción con un presupuesto que ascendió a 110 millones debido a las huelgas en Hollywood. Con solo 11 millones generados en Estados Unidos, la película quedó incluso por debajo de estrenos previos como Madame Web, lo que puso a Sony en situación de replantearse por completo sus ideas a futuro dentro del Spider-Verso.

• Ferrari
• King Richard
• Desafiantes

El cine siempre ha sido un espejo de las historias más inspiradoras y desafiantes que nos ofrece el deporte, con títulos icónicos como Rocky, Toro Salvaje (Raging Bull - 1980) o Contra lo imposible (Ford v Ferrari - 2019), que nos muestran desde la superación personal hasta la competitividad más extrema. En esta ocasión, nos adentramos en Prime Video, una de las plataformas líderes en streaming, para explorar algunos de los largometrajes más destacados que tienen al deporte como protagonista.

Ferrari

Ferrari es una película biográfica y dramática deportiva lanzada en 2023 que narra los difíciles momentos que enfrentó Enzo Ferrari en el verano de 1957. En ese período, el renombrado empresario italiano lucha con la bancarrota de su empresa, Ferrari, la cual había construido junto a su esposa, Laura, diez años antes. Además, su vida personal atraviesa una profunda crisis, marcada por un matrimonio tormentoso, mientras él lidia con las presiones de mantener su legado y salvar su empresa. La película captura su compleja relación con la familia y su pasión por las carreras, en un contexto lleno de incertidumbre.

La dirección estuvo a cargo de Michael Mann, un cineasta de renombre conocido por su vasta trayectoria en el cine de suspenso y drama. Entre sus obras más destacadas se encuentran Fuego contra fuego (Heat - 1995), Enemigos públicos (Public Enemies - 2009), El informante (The Insider - 1999) y Colateral (Collateral - 2004). Mann aporta su estilo único para retratar la tensión interna y externa que enfrentó Ferrari, sumergiendo al espectador en la crisis que definió un período crucial en su vida y en la historia de la marca.

En cuanto al elenco, contó con la participación de Adam Driver (Megalópolis, Star Wars: El despertar de la fuerza), quien interpreta a Enzo Ferrari. Junto a él, Penélope Cruz (Madres paralelas) asume el papel de Laura Ferrari, su esposa, mientras que Shailene Woodley (Divergente) y Gabriel Leone (Verdades Secretas) completan el reparto principal.

Rey Richard: Una familia ganadora - King Richard

En segundo lugar, encontramos Rey Richard: Una familia ganadora (King Richard), que sigue la vida de Richard Williams, el padre y entrenador de las célebres tenistas Venus y Serena Williams. La película narra cómo Williams, a través de su visión y determinación, guió a sus hijas hasta convertirse en figuras de élite en el tenis mundial. A lo largo del audiovisual, lanzado en 2021, se destacan los desafíos que enfrentó, su enfoque polémico y la forma en que rompió barreras para hacer realidad el potencial de sus hijas.

La dirección estuvo a cargo de Reinaldo Marcus Green, un realizador conocido por trabajos en Bob Marley: La Leyenda (Bob Marley: One Love - 2024), La ciudad es nuestra (We Own This City - 2022), Top Boy y Enmienda: La lucha por la libertad en EE. UU. (Amend: The Fight for America - 2021). Green logra capturar la esencia del esfuerzo, mientras se adentra en temas como el sacrificio personal y la importancia de la familia.

El elenco estuvo encabezado por Will Smith (Soy leyenda, En busca de la felicidad, Dos policías rebeldes), quien ganó su primer Oscar al recibir el premio al Mejor Actor por su interpretación de Richard Williams. Junto a él, el reparto incluyó a Aunjanue Ellis (Hombres de honor), Saniyya Sidney (The First Lady), Tony Goldwyn (Ghost: la sombra del amor) y Jon Bernthal (The Walking Dead, The Punisher).

Desafiantes - Challengers

En último lugar, dentro de este repaso de películas deportivas en Prime Video, encontramos Desafiantes (Challengers), un largometraje que explora el mundo del tenis. Estrenada en abril de 2024, la película sigue a Tashi Duncan, interpretada por Zendaya, conocida por sus papeles en Euphoria y Duna (Dune). Tashi, una ex tenista que ahora trabaja como entrenadora, se encuentra en un momento clave de su vida: su esposo, un campeón en declive, se prepara para enfrentarse en un partido crucial contra su ex mejor amigo y antiguo amor, lo que desatará tensiones tanto en el ámbito personal como deportivo.

Junto a Zendaya, el elenco incluye a Mike Faist (Amor sin barreras, El club de los vándalos) y Josh O’Connor (The Crown, La quimera). La dirección estuvo a cargo de Luca Guadagnino, quien trabajó anteriormente en Llámame por tu nombre (Call Me by Your Name - 2017) y Hasta los huesos (Bones and All - 2022). El realizador aporta su estilo único a esta narrativa cargada de tensiones y emociones, explorando temas de amor, rivalidad y redención en el ámbito deportivo.

Morelia (México), 22 oct (EFE).- El director estadounidense de cine Francis Ford Coppola, reconocido creador de grandes obras como ‘El Padrino’ (1972), estrena a los 85 años su película ‘Megalópolis’, con la que se ha jugado gran parte de su patrimonio económico con el deseo de dejar un manifiesto para la posteridad, y de la que ha dicho a EFE que es una manera de expresar su “indignación” ante “los estúpidos demagogos” que gobiernan el mundo.

Coppola, quien ha narrado en su carrera cinematográfica la historia de la la mafia italiana en Nueva York o la guerra de Vietnam, cuenta en su nueva epopeya romana ambientada en Estados Unidos, la disputa por transformar la ciudad en una utopía idealista o una urbe en la que primen los intereses particulares, entre el alcalde Cicero, protagonizado por Giancarlo Esposito, y el arquitecto Cesar Catilina, interpretado por Adam Driver.

Ante la esperanza de una utopía contemporánea, el cinco veces ganador del Óscar se presenta en la edición 22 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el más importante de México, y confiesa su deseo de que “todos vivamos en un mundo hermoso”, una aspiración que cree “es posible” porque “los humanos somos capaces de resolver cualquier problema”.

Coppola afirma que hizo esta película “como una forma de indignación sobre lo estúpidos que son esos demagogos que nos dicen: ‘nosotros somos buenos, pero ellos (los otros) son terribles y ni siquiera son seres humanos, son bestias, pero ningún ser humano es una bestia. Todos los seres humanos somos primos, somos una gran familia”.

El director estadounidense es un apasionado de la historia de la humanidad y sobre el contexto actual muestra una profunda preocupación: “¿Qué es lo que pasa con el mundo de hoy en día? ¿Lo pueden creer?”

“Todos los días matan a muchísimos niños y dicen que es un accidente, pero no es un accidente, matan a sus vecinos para causarles un dolor tan grande que los haga renunciar, pero al final tú nunca olvidas a quien mata a tus hijos, entonces la situación se ha degenerado por completo”, refiriéndose a los recientes conflictos armados y violentos.

El realizador de ‘Apocalypse Now’ (1979) manifestó que esta situación le atraviesa personalmente: "Esto ha llegado a tal punto que me preocupan mis hijos e hija, mis nietos, no me importa lo que pase conmigo, yo prácticamente ya no estoy aquí, y no solamente mis hijos, sus hijos, los de cualquiera”.

Coppola dijo haber investigado en el acervo de la vida humana ese periodo en el que “las cosas fueron mejor”, y destaca el momento en el cual descubrió que el mundo no siempre fue dominado por el hombre, una etapa previa a lo que llamamos “patriarcado”.

“Al estudiar me he dado cuenta de que los hombres no siempre dominaron el mundo, hay teorías de que antes había matriarcados, y no eran una cuestión de dar órdenes, sino más colaborativa, una vida más igualitaria de ayudarse mutuamente hasta que los hombres tomaron el poder (...) y vino la esclavitud, la guerra y este espíritu de la civilización moderna”, sostuvo.

Tras 13 años de no haber estrenado un largometraje y de haberse dedicado la mitad de su vida a sacar adelante ‘Megalópolis’, que autofinanció con 120 millones de dólares, el cineasta reveló que todavía quiere hacer dos cintas más.

“Quiero hacer una película que me divierta haciéndola, con mucha música, con bailes, basada en una novela que me encanta de una mujer”, comentó sobre su siguiente cinta, una adaptación libre de ‘Los reflejos de la luna’ (1922) de Edith Wharton, y para la que desveló haber obtenido también inspiración de la poetisa Sor Juana Inés de la Cruz, como de “tantas mujeres maravillosas en la historia”.

Respecto a la que sí será su última película admitió que “no sabe cómo va a conseguir el dinero para hacerla”, aunque adelantó que es “un proyecto muy ambicioso”, ya que será un espectáculo de proyecciones en el que se realizará un montaje de material cinematográfico en directo, inspirado “un poco” en el libro de Thomas Mann, ‘Los Buddenbrook’ (1901). EFE

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El universo de Star Wars continúa con su expansión en múltiples direcciones. En el corto plazo presenciaremos el lanzamiento de Skeleton Crew, una nueva serie para Disney+ desarrollada por Jon Watts (Spider-Man: de regreso a casa), como también nuevas películas, videojuegos e incluso una nueva colaboración con Marvel Comics que revelará una faceta desconocida de Kylo Ren, uno de los personajes centrales de la última trilogía.

Anunciada como Star Wars: Legacy of Vader, esta narrará el viaje del Sith interpretado en la gran pantalla por Adam Driver hasta convertirse en el Líder Supremo de la Primera Orden, mientras intenta reconectar con el fantasma de su abuelo, Darth Vader. La historia presentada en una serie de comics estará ambientada entre Star Wars: Episodio VIII - El Último Jedi y Star Wars: Episodio IX - El Ascenso de Skywalker.

“Kylo está realmente perdido en este momento en particular. En un periodo corto de tiempo, se ha enfrentado a dos de sus mentores más significativos en combate, mató a su propio padre, casi mata a su madre, robó un ejército a nivel galáctico del que no tiene ni idea de cómo usarlo y, por supuesto, encontró una conexión profunda con otro usuario de la Fuerza llamada Rey”, comentó el escritor del cómic, Charles Soule.

“Todo eso se arremolina en su matriz emocional, volviéndolo profundamente inestable, enojado, frustrado... peligroso. Está buscando cualquier tipo de guía que pueda obtener, incluso si no lo admite, y por eso recurre a lo único que le queda, el legado de su abuelo, el Lord Sith Darth Vader”, añade Soule refiriéndose a esta instancia de odio y frustración del personaje.

Previamente, Adam Driver descartó la posibilidad de volver a interpretar al icónico personaje en una conversación con el podcast Smartless. “Están haciendo cosas, pero no conmigo. No haré más”, reconoció. Ante la pregunta sobre si su decisión se debía al final de su personaje, respondió ‘Sí’, eliminando cualquier expectativa de regreso.

Todavía no se ha confirmado el número de entregas que tendrá Star Wars: Legacy of Vader. No obstante, el primer tomo de la serie saldrá a la venta el 5 de febrero del año próximo.

Si hablamos de leyendas en la actuación, probablemente uno de los primeros nombres que se nos viene a la cabeza es el de Al Pacino. Su carrera, ha estado marcada por actuaciones memorables que han dejado una huella en la historia del cine. Pacino ha trabajado en innumerables proyectos y géneros, destacándose en dramas intensos, thrillers y comedias. Uno de sus filmes más emblemáticos, Fuego contra fuego (Heat - 1995), es un claro ejemplo de su habilidad para interpretar personajes complejos y en conflicto. Otras cintas notables como Perfume de mujer (Scent of a Woman - 1992) y Carlito’s Way (1993) también ilustran su capacidad para sumergirse en los matices de cada rol, consolidándose como uno de los actores más influyentes de su generación y convirtiendo cada interpretación en una experiencia única y cautivadora.

En esta ocasión, nos enfocaremos en las colaboraciones más importantes de Al Pacino con directores destacados a lo largo de su carrera. Si bien sería imposible abarcar todas sus cintas y asociaciones, resulta fascinante observar cómo su versatilidad le ha permitido adaptarse a diferentes estilos y visiones creativas.

Scarface

En primer lugar, tenemos a Al Pacino en uno de sus papeles más recordados como lo es Scarface, lanzada en 1983. Esta película narra la historia de Tony Montana, un inmigrante cubano que busca abrirse camino en el mundo del crimen en Miami. A medida que avanza la trama, el personaje de Pacino se transforma de un ambicioso delincuente a un poderoso narcotraficante, lo que pone de relieve su capacidad para interpretar personajes complejos y multifacéticos.

Junto al actor, el elenco cuenta con actuaciones memorables de Steven Bauer (Ray Donovan, Ladrón de pasiones), quien encarna a su amigo y socio, y Michelle Pfeiffer (Los fabulosos hermanos Baker, Un día muy especial), que da vida a Elvira Hancock, el interés amoroso de Tony. La química entre los actores aporta una dimensión adicional a la narrativa, haciendo que cada escena sea cautivadora.

Scarface fue dirigida por Brian De Palma, un cineasta conocido por su enfoque audaz y estilizado en la narración visual. Antes de esta colaboración con Al Pacino, De Palma había logrado reconocimiento con películas como Carrie (1976), un thriller de terror que explora la vida de una adolescente con poderes telequinéticos, y Los intocables (The Untouchables, 1987), donde se narra la historia de la lucha contra el crimen organizado en Chicago. Después de Scarface, continuó dirigiendo obras notables como Ojos de serpiente (Snake Eyes - 1998) y Mission: Impossible (1996), consolidando su reputación como uno de los grandes directores del cine estadounidense.

Tarde de perros - Dog Day Afternoon

Seguimos con Tarde de perros, una película de drama criminal biográfica estadounidense de 1975 que sigue la historia de un intento de robo a un banco que se convierte en un evento mediático. Dirigida por Sidney Lumet, la película se basa en un hecho real ocurrido en 1972, donde dos hombres intentan robar un banco para ayudar a uno de ellos en una situación personal difícil. La narrativa no sólo explora el crimen en sí, sino también las motivaciones y luchas personales de los protagonistas, lo que agrega una dimensión emocional a la trama.

En esta ocasión, Al Pacino protagoniza junto a John Cazale (El francotirador), Charles Durning (El final de la cuenta atrás), Penelope Allen (La delgada línea roja) y Sully Boyar (In the Soup). Además, colaboró con el cineasta Lumet, a quien vimos en títulos como 12 hombres en pugna (12 Angry Men - 1957) y Serpico (1974). La actuación de Pacino, llena de matices y emociones, captura la desesperación y el caos de la situación, lo que le valió elogios de la crítica y múltiples nominaciones a premios.

El irlandés - The Irishman

En tercer lugar, encontramos El irlandés, estrenada en 2019 como una producción original de Netflix que sigue la historia de Frank Sheeran, un exmilitar que se convierte en un asesino a sueldo involucrado en la mafia. A medida que avanza la narrativa, la película explora la vida de Sheeran y su relación con figuras clave del crimen organizado, así como su conexión con el líder sindical Jimmy Hoffa. La trama se desarrolla a través de múltiples décadas, ofreciendo un vistazo profundo a la historia del crimen en Estados Unidos.

El elenco no solo está liderado por Al Pacino, quien interpreta a Jimmy Hoffa, sino que también cuenta con otros actores fundamentales en la industria como Robert De Niro, que da vida a Frank Sheeran, y Joe Pesci, quien interpreta a Russell Bufalino. Este título ha recibido 10 nominaciones al Oscar, entre ellas Mejor película y Mejor actor de reparto para Pesci y Pacino, lo que destaca el reconocimiento de la Academia a la calidad de las interpretaciones y la producción en su conjunto.

La dirección de El irlandés estuvo a cargo de Martin Scorsese, conocido por su extensa filmografía en el género de crimen y drama. Scorsese, director de películas icónicas cómo Taxi Driver, Buenos muchachos (Goodfellas - 1990) y El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street - 2013), emplea su experiencia para explorar temas como la lealtad, la traición y el paso del tiempo. En esta película, utiliza técnicas de envejecimiento digital para mostrar la evolución de los personajes a lo largo de varias décadas, lo que ha sido objeto de análisis y discusión.

La casa Gucci - House of Gucci

En uno de sus proyectos más recientes, tenemos La casa Gucci, estrenada en los cines del mundo en noviembre de 2021. La trama se centra en la historia de la familia Gucci, explorando el ascenso y la caída de la famosa casa de moda italiana a través de las complejas dinámicas familiares y las luchas por el poder. La película se basa en hechos reales, destacando la traición y el conflicto que rodearon a la familia, especialmente en el contexto del asesinato de Maurizio Gucci, un evento que marcó un hito en la historia de la moda.

Este largometraje fue realizado por Ridley Scott, un cineasta versátil que ha estado detrás de clásicos como Alien: el octavo pasajero, Blade Runner, Napoleón y, más recientemente, se encuentra trabajando en una secuela de Gladiador. En cuanto al elenco que acompaña a Al Pacino, la película cuenta con actuaciones de Lady Gaga (Guasón 2: Folie À Deux, Nace una estrella), Adam Driver (El último duelo, Ferrari, Megalópolis), Jeremy Irons (Watchmen) y Jared Leto (Morbius, Escuadrón Suicida).

El padrino - The Godfather

Para finalizar este recorrido, no podemos dejar de hablar sobre una de las trilogías más importantes de la historia del cine con El Padrino (The Godfather), liderada por Al Pacino, que sigue la historia de la familia Corleone y su lucha por mantener el control del imperio del crimen organizado en Estados Unidos. La narrativa abarca el viaje de Michael Corleone desde un joven distante de las actividades familiares hasta convertirse en el temido y respetado jefe de la familia.

El elenco de El Padrino incluye a figuras icónicas como Marlon Brando (Último tango en París) en el papel de Vito Corleone y James Caan (Misery) como Sonny Corleone, quienes, junto a Al Pacino, crean una dinámica poderosa que ha resonado en el público durante décadas. Este clásico fue dirigido por Francis Ford Coppola, cineasta que también nos ha dado otros títulos como Apocalypse Now y La conversación (The Conversation - 1974). Sin embargo, actualmente, Coppola enfrenta desafíos con su último largometraje Megalópolis, que ha sido objeto de controversia y ha tenido un rendimiento decepcionante en taquilla, a pesar de contar con un enorme presupuesto de 120 millones de dólares autofinanciados con su propia fortuna.

• The White Lotus
• Girls
• Hacks

Dentro de Max, una de las plataformas más importantes del panorama actual, se destaca su extenso catálogo que abarca desde grandes clásicos hasta producciones más recientes. Para los amantes de las series icónicas, títulos como Los Soprano, Friends, The Big Bang Theory y Sex and the City siguen siendo imprescindibles, mientras que propuestas como El pingüino (The Penguin), La casa del dragón (House of the Dragon), Máxima y Uzumaki mantienen a la audiencia cautivada con historias nuevas y emocionantes.

En esta ocasión, te recomendamos tres series perfectas para maratonear en Max. La primera es una serie antológica que te sorprenderá con su formato único, seguida de una comedia dramática que se adentra en el mundo del stand-up, abordando las dificultades y desafíos de este estilo de vida. Finalmente, no puede faltar una serie que explora la vida de mujeres en sus 20 años, ideal para quienes buscan conectarse con historias personales y cercanas.

The White Lotus

En primer lugar, comenzamos esta selección con The White Lotus, una de las series originales de Max más queridas y aclamadas en los últimos años. Este proyecto es una serie antológica que actualmente cuenta con dos temporadas completas, y cada una aborda diferentes temáticas en sus entregas. Creada y escrita por Mike White (Los pasos de papá, Escuela de rock), explora la vida de huéspedes en los lujosos resorts de la cadena ficticia White Lotus, donde el drama y los conflictos emergen de manera inevitable.

La primera temporada, lanzada en 2021, se enfoca en temas como el poder del dinero, la ambición y las tensiones sociales en la vida cotidiana. Ambientada en Hawái, sigue a un grupo de huéspedes que, pese a disfrutar de un entorno paradisíaco, revelan sus complejas y a veces tóxicas relaciones, creando una atmósfera tensa y fascinante. La segunda entrega nos traslada a Italia, donde el lujo se convierte en un pretexto para explorar la sexualidad y el deseo a través de las interacciones de un nuevo grupo de personajes, destacando los matices de poder en las relaciones románticas y personales.

Con una tercera temporada actualmente en rodaje, The White Lotus ha contado con un elenco excepcional a lo largo de sus episodios. Actores como Murray Bartlett (Looking), Jennifer Coolidge (American Pie), Natasha Rothwell (Insecure), Sydney Sweeney (Euphoria), Alexandra Daddario (True Detective), Jake Lacy (Un revés inesperado), F. Murray Abraham (Amadeus), Meghann Fahy (The Bold Type), Aubrey Plaza (Megalópolis), Theo James (Los caballeros) y Michael Imperioli (Los Soprano) han dejado huella en esta fascinante serie, interpretando personajes únicos que mantienen al público intrigado en cada capítulo.

Girls

En segundo lugar, tenemos Girls, escrita y protagonizada por Lena Dunham (Los pequeños muebles), que se estrenó en 2012 y rápidamente se convirtió en una de las series más comentadas de su tiempo. Esta producción de HBO se centra en un grupo de amigas que intentan encontrar su lugar en el mundo mientras navegan por las complejidades de la vida adulta en Nueva York. A través de un enfoque honesto y sin filtro, Girls aborda temas como la amistad, el trabajo, el sexo, las relaciones amorosas y las dificultades de su generación.

A lo largo de sus seis temporadas, la serie nos presenta la evolución de sus protagonistas, con la vida de Hannah (interpretada por Dunham) como eje principal. A medida que lucha por alcanzar sus sueños de ser escritora, la historia también explora las vivencias de sus amigas Marnie, Jessa y Shoshanna. Cada una de ellas enfrenta sus propios desafíos, desde inseguridades personales hasta la presión social por cumplir con las expectativas profesionales y personales, lo que convierte a este proyecto en un retrato de la juventud.

En cuanto al elenco que acompaña a Dunham, cuenta con destacadas interpretaciones de Allison Williams (M3GAN, ¡Huye!), Jemima Kirke (Sex Education) y Zosia Mamet (The Flight Attendant). Además, la serie incluye a Adam Driver (Megalópolis, Historia de un matrimonio) en uno de sus primeros papeles importantes como Adam, el impredecible interés amoroso de Hannah. Con su mezcla de humor, drama y momentos incómodamente reales, Girls se destacó por ofrecer una perspectiva fresca y cruda de la experiencia de un grupo de mujeres en la gran ciudad.

Hacks

En último lugar, si buscas una serie para maratonear en Max, Hacks es una opción que no puede faltar en tu lista. Esta comedia, lanzada en 2021, ya cuenta con tres exitosas temporadas y una cuarta en pleno desarrollo. La trama gira en torno a la relación entre Deborah Vance, una veterana comediante de Las Vegas interpretada por Jean Smart (Designing Women, Mare of Easttown), y Ava, una joven escritora de comedia en decadencia, interpretada por Hannah Einbinder (How to Be Broke). Ambas protagonistas, a pesar de sus diferencias generacionales y estilos de vida, se ven obligadas a trabajar juntas para revitalizar las carreras de cada una, lo que da lugar a momentos de profunda reflexión sobre el mundo del entretenimiento y la cultura de la cancelación.

Creada por Lucia Aniello (Hasta que el cuerpo aguante), Paul W. Downs (Time Traveling Bong, Broad City) y Jen Statsky (The Good Place, Parks and Recreation), Hacks ha sido elogiada por su guion afilado y sus complejos personajes. Además de las actuaciones sobresalientes de Smart y Einbinder, el elenco incluye a Carl Clemons-Hopkins (Chicago P.D., Candyman), Mark Indelicato (Dead of Summer), Kaitlin Olson (Buscando a Dory) y Christopher McDonald (Happy Gilmore), quienes aportan humor y dinamismo a la serie. Hacks ha ganado múltiples premios, incluidos varios Emmy, y se destaca por su habilidad para abordar temas como la lucha por mantenerse relevante en la industria del entretenimiento y la reinvención personal, todo ello con un equilibrio perfecto entre comedia y drama.

Roma, 14 oct (EFE).- El célebre director de cine estadounidense Francis Ford Coppola, autor de obras maestras como "El Padrino" y "Apocalypse Now", inauguró este lunes una calle con su nombre en los míticos estudios cinematográficos de Cinecittà, en vísperas de la Fiesta del Cine de Roma.

"De niño soñaba con estudiar en el Centro Experimental" de Cinecitta, pues "entonces Hollywood era Roma", pero no pude hacerlo porque era pobre: "Ahora mi sueño se ha hecho realidad", comentó el cineasta estadounidense con orígenes italianos en el acto, en el que también se le entregaron las llaves honorarias de los estudios.

En la preapertura de la Fiesta del Cine en Cinecittà esta tarde, Coppola, que cuenta con seis óscares de Hollywood, ofrecerá un discurso antes del estreno italiano el próximo jueves de 'Megalópolis', su última y ambiciosa producción protagonizada por Adam Driver y Giancarlo .

Además, Coppola se reunirá este martes con los estudiantes de las escuelas de cine de Roma, los jurados de 'Alice', el certamen paralelo al festival dedicado a las nuevas generaciones, y con el público para recorrer los más de sesenta años de carrera que lo han convertido en uno de los maestros más importantes y célebres del Séptimo Arte.

El mismo día, el alcalde de Roma, Roberto Gualtieri, recibirá al cineasta para dedicarle un especial tributo de la ciudad.

Además de Coppola también estarán en la capital los actores Johnny Depp y Viggo Mortensen, que serán premiados por sus carreras en la 19ª edición certamen cinematigráfico romano, que comenzará este miércoles y durará hasta el 27 de octubre. EFE

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• Amor de vinilo
• Hasta que la muerte los juntó
• El club de las madres rebeldes

A lo largo de la historia del cine, hemos visto una gran variedad de géneros audiovisuales, como el drama, la ciencia ficción y el terror. Sin embargo, uno de los géneros más queridos y explorados es la comedia. Este género nos presenta situaciones divertidas que no solo nos hacen reír, sino que también nos invitan a reflexionar sobre la vida y las relaciones humanas de una manera más ligera. La comedia ha sabido conectar con audiencias de todas las edades, convirtiéndose en un elemento esencial del entretenimiento cinematográfico.

En esta ocasión, nos enfocaremos en tres largometrajes cómicos disponibles en Max, la plataforma que también alberga éxitos como La casa del dragón (House of the Dragon), Harry Potter, El señor de los anillos (The Lord of the Rings), El pingüino (The Penguin), Juego de tronos (Game of Thrones) y Los Soprano, entre otros. Estos films no solo prometen risas, sino que también ofrecen un vistazo a la diversidad de enfoques que la comedia puede tener, abarcando desde la sátira hasta el humor físico, asegurando que haya algo para todos los gustos.

Amor de vinilo - Juliet, Naked

Empezamos con Amor de vinilo (Juliet, Naked), una comedia romántica lanzada en 2018 que narra la historia de Annie, una mujer atrapada en una relación estancada con Duncan, un obsesivo fanático de un músico desaparecido llamado Tucker Crowe. La vida de Annie da un giro inesperado cuando establece una relación por correo electrónico con el propio Tucker, lo que la lleva a cuestionar todo a su alrededor y a descubrir nuevas posibilidades en su vida.

Dirigida por Jesse Peretz, conocido por su trabajo en series como GLOW, Girls y El verano en que me enamoré (The Summer I Turned Pretty), la película cuenta con la producción de Judd Apatow, uno de los nombres más importantes de la comedia contemporánea. Apatow ha sido responsable de grandes éxitos como Ligeramente embarazada (Knocked Up), The King of Staten Island y Virgen a los 40 (The 40-Year-Old Virgin), lo que garantiza un enfoque fresco y divertido en este largometraje.

El elenco está liderado por Rose Byrne (Familia al instante), Ethan Hawke (El teléfono negro) y Chris O’Dowd (Moone Boy), quienes aportan un encanto único a sus personajes. Byrne interpreta a Annie, mientras que Hawke da vida al misterioso músico Tucker Crowe, y O’Dowd encarna a Duncan, el fanático obsesionado. La película también cuenta con actuaciones de Jimmy O. Yang (El Rey Mono) y Megan Dodds (El testamento), quienes completan el reparto en esta encantadora y reflexiva historia sobre el amor, las segundas oportunidades y la pasión por la música.

Hasta que la muerte los juntó - This Is Where I Leave You

Seguimos con Hasta que la muerte los juntó (This Is Where I Leave You), estrenada en 2014 bajo la dirección de Shawn Levy, uno de los cineastas más destacados de la actualidad. Con una trayectoria que incluye éxitos como Stranger Things, Deadpool & Wolverine, Una noche en el museo (Night at the Museum) y Free Guy: tomando el control (Free Guy - 2021), Levy lleva a la pantalla esta tragicomedia basada en el guión de Jonathan Tropper, autor de la novela homónima y conocido por su trabajo en la serie Banshee.

La trama nos presenta el caótico reencuentro de una familia disfuncional que, tras la muerte del patriarca, se ve obligada a pasar una semana juntos cumpliendo el último deseo del difunto: permanecer bajo el mismo techo. A lo largo de esos días, viejas tensiones, secretos familiares y conflictos no resueltos salen a la luz, generando tanto momentos de gran comedia como instantes conmovedores que exploran la complejidad de las relaciones familiares.

Uno de los puntos fuertes de Hasta que la muerte los juntó es su elenco estelar, que incluye a Jason Bateman (Arrested Development, Ozark), Tina Fey (Chicas Pesadas), Adam Driver (Megalópolis, Ferrari), Rose Byrne (La noche del demonio), Corey Stoll (House of Cards), Jane Fonda (Grace and Frankie), Kathryn Hahn (Agatha en todas partes), Connie Britton (American Horror Story) y Timothy Olyphant (Santa Clarita Diet), entre otros. Las actuaciones de este reparto de lujo aportan una gran química y profundidad emocional a los personajes, logrando equilibrar a la perfección el tono cómico y dramático de la película.

El club de las madres rebeldes - Bad Moms

En último lugar, en este breve repaso por las comedias disponibles en Max, tenemos El club de las madres rebeldes (Bad Moms), que sigue la historia de un grupo de madres que, abrumadas por las expectativas y responsabilidades de la crianza, deciden liberarse de las presiones sociales y disfrutar de la vida. Esta película ofrece una mirada humorística y realista a los desafíos que enfrentan las madres modernas, destacando la importancia de la autenticidad y el apoyo entre amigas.

Bajo la dirección de Jon Lucas (¿Qué pasó ayer?, Una noche loca) y Scott Moore (Si fueras yo), esta comedia absurda presenta un elenco estelar liderado por Mila Kunis (Amigos con beneficios, El show de los 70), Kristen Bell (Frozen, Nadie quiere esto) y Kathryn Hahn (Cómo perder a un hombre en 10 días). Completan el reparto Jay Hernandez (Escuadrón Suicida), Annie Mumolo (Damas en guerra), Jada Pinkett Smith (Set It Off) y Christina Applegate (Muertos para mí), quienes aportan su talento cómico y carisma a esta historia sobre la amistad y la rebeldía.

Gracias a su éxito en taquilla, donde recaudó más de 183 millones de dólares a nivel mundial, se dio luz verde a una secuela titulada La navidad de las madres rebeldes (A Bad Moms Christmas), estrenada en 2017. Esta continuación explora los desafíos de las madres en la temporada navideña, mientras mantienen el humor y la camaradería que caracterizan la primera entrega, permitiendo a las protagonistas enfrentar nuevas y divertidas situaciones con sus propias madres.

Francis Ford Coppola es, sin duda, un ícono del cine, reconocido por su contribución a obras maestras que han marcado la historia del séptimo arte. A lo largo de su carrera, ha presentado títulos inolvidables como El Padrino (The Godfather) y Apocalypse Now, así como la menos conocida Golpe al corazón (One from the Heart, 1981). Tras enfrentar numerosos desafíos y controversias, su más reciente proyecto, Megalópolis, finalmente llegó a los cines de Estados Unidos. Sin embargo, los informes iniciales indican que la película no ha cumplido con las expectativas económicas esperadas, lo que plantea interrogantes sobre su recepción en un mercado cinematográfico cada vez más competitivo.

Megalópolis no fue una película fácil de filmar, y mucho menos de estrenar en la gran pantalla. El proyecto enfrentó serios obstáculos financieros, ya que grandes productoras se negaron a financiarlo. Ante esta situación, el director optó por autofinanciarse utilizando la fortuna generada por su viñedo, lo que resultó en un presupuesto de 120 millones de dólares. Además, tuvo que atravesar un arduo camino para conseguir distribución en Estados Unidos y se enfrentó a críticas negativas por parte de los primeros espectadores. A pesar de los numerosos obstáculos, se ha reportado que la película ha recaudado apenas 4 millones de dólares en 1,854 salas de cine en Norteamérica. Aunque aún le quedan varias semanas en cartelera, parece poco probable que su recaudación total alcance las cifras esperadas, con proyecciones que sugieren decenas de millones menos de lo anticipado.

Varios informes sugieren que el audiovisual se posiciona como uno de los fracasos más importantes del año. En comparación con otras películas que también tuvieron un desempeño débil entre el público, Megalópolis ha quedado atrás en recaudación. Por ejemplo, la reciente versión de El Cuervo (The Crow), protagonizada por Bill Skarsgård (It), logró recaudar 4,6 millones de dólares, mientras que la adaptación de Borderlands, con Cate Blanchett (Blue Jasmine, Tár), alcanzó 8,8 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, cifras que superan a las obtenidas por esta nueva producción.

La historia de Megalópolis se presentó como una gran épica que narra la vida y obra de un arquitecto que lucha por reconstruir Nueva York tras una devastadora catástrofe. Este ambicioso largometraje promete explorar las complejidades del proceso creativo y los desafíos personales que enfrenta su protagonista en un mundo marcado por la destrucción.

El elenco es otro de sus puntos fuertes, contando con un grupo de renombrados actores que incluyen a Adam Driver (Star Wars: El Despertar de la Fuerza), Aubrey Plaza (Parks and Recreation, The White Lotus), Nathalie Emmanuel (Juego de Tronos), Forest Whitaker (La habitación del pánico), Laurence Fishburne (Matrix), Jon Voight (Vaquero de Medianoche), Talia Shire (Rocky) y Shia LaBeouf (Transformers). Aunque aún no está claro si esta ambiciosa producción llegará a los cines de Latinoamérica, estaremos atentos a futuras actualizaciones sobre esta polémica cinta.

El director de la saga de El Padrino recibe a David Fear, periodista de Rolling Stone, en su Niebaum Coppola Estate Winery, en el valle de Napa, California. En una sala repleta de los estantes de libros encuadernados en cuero, con un piano de cola y muebles de refinado gusto, Coppola se muestra a los 85 años tan enérgico y visionario como siempre, a pesar de la reciente pérdida de su esposa Eleanor, con quien compartió seis décadas de vida.

Desde este refugio en sus viñedos, donde ha creado una empresa que produce vinos valorados en todos los Estados Unidos, Coppola revela los detalles de Megalópolis. Su primera película en 13 años, y una de las más ambiciosas de su carrera, es nada menos que “una épica del Imperio Romano ambientada en los Estados Unidos modernos”, comenta.

“Es una historia sobre un arquitecto-futurista que intenta construir una utopía en el corazón de Nueva Roma. Esta película significa todo para mí ahora”, detalla el cineasta, con la misma pasión que lo llevó a financiar la película con su propia fortuna: hipotecó su compañía de Napa. “Todo está en constante cambio, pero es en ese cambio donde encuentro la energía para seguir creando, argumenta”.

El proyecto que ha estado gestando durante 40 años cobró vida con Adam Driver en el papel de Cesar Catilina, un arquitecto-futurista que sueña con transformar Nueva Roma en una utopía resplandeciente, utilizando un nuevo material de su creación, llamado megalon. Además, como comenta Coppola, la película “es una historia sobre una república en decadencia”, donde se entrelazan la corrupción, el hedonismo y la ambición desmedida. La inclusión de una figura similar a Calígula, interpretada por Jon Voight, añade una capa adicional de crítica social que no pasa desapercibida: “Es un reflejo de ciertos líderes actuales”, menciona Coppola, sin esconder las referencias.

La audacia de Coppola se extiende más allá del cine. Durante la entrevista con Fear para Rolling Stone, bajo la luz suave que atraviesa las ventanas, revela su última innovación en el mundo del vino. Ha adquirido 120 tanques nuevos de fermentación, cuyo destino pende del estreno de Megalópolis. “Quiero revolucionar cómo se produce el vino”, declara, mientras sus manos. Para él, cada tanque representa un avance tecnológico y una nueva oportunidad de crear algo único, que perdure.

El desarrollo de Megalópolis ha sido, al igual que la vida misma de Coppola, una travesía repleta de desafíos, transformaciones y momentos decisivos. Comenzó a explorar las primeras versiones del guion, aunque la idea era anterior, en 2001, cuando Robert De Niro, Leonardo DiCaprio, Eddie Falco, Uma Thurman y James Gandolfini participaron en lecturas tempranas. “Fue como una versión embrionaria, explica el cineasta en su conversación con Fear.

Sin embargo, el curso de la historia cambió abruptamente con los atentados del 11 de septiembre. El impacto de este trágico evento fue tan profundo que Coppola sintió que no podía seguir adelante con un proyecto que exploraba la idea de una utopía justo en un momento en que la realidad mundial se sumía en el caos y la incertidumbre. “Aquí estaba yo, haciendo una película sobre la utopía y el mundo en el que logramos este gran avance en el que tengo tantas esperanzas, y entonces se produce un enorme atentado terrorista. No podía encontrar la manera de escribirlo. Así que abandoné el proyecto”, recuerda.

A pesar de este revés, la idea de Megalópolis nunca desapareció completamente de la mente de Coppola. Pasaron los años, y en 2017, tras una profunda reflexión personal y una transformación física significativa que lo llevó a perder más de 20 kilos (casi 50 libras), decidió que era el momento adecuado para retomar la película. De repente, la historia le pareció “más relevante que nunca”, dice a Rolling Stone. Fue una especie de epifanía.

El renacimiento de Megalópolis marcó un nuevo capítulo en la vida de Coppola, y con su perseverancia habitual, comenzó a ajustar y reescribir el guion. “No tengo eso que tienen algunos cineastas, que es ver toda una película en tu cabeza y ser capaz de escribirla sin más. Creo que Steven [Spielberg] tiene ese don. Yo no. Sólo puedo escribir un guión como si fuera a reescribirlo 100 veces”, dice en la entrevista. Tiene, en cambio, otros tres dones, reconoce: “Una buena imaginación, una memoria fantástica y la capacidad de Casandra para ver el futuro”.

Durante su conversación con Fear, Coppola reflexiona sobre el legado de sus obras más icónicas, comenzando por El padrino, una película que le abrió las puertas del mundo. “No solo cambió mi carrera, cambió mi vida”, asegura. Antes de su éxito, el joven director vivía siempre al borde de la ruina. “Nunca lo vi como un peso. Al contrario, El padrino me permitió hablar con prácticamente cualquiera”, recuerda con una mezcla de humildad y gratitud.

Pero el impacto de El padrino tuvo un lado negativo en su vida familiar, en su relación con su hermano mayor, August Floyd Coppola, el padre del actor Nicolas Cage. “Él fue quien me llevó a ver todas esas películas que moldearon mi visión del cine”, explica Coppola. Sin embargo, después del éxito de El padrino, August sintió que su identidad, construida con esfuerzo bajo su propio nombre, se había visto eclipsada por la fama de su hermano menor. Esta tensión en su relación fue algo que Coppola describe como “desgarrador”, una herida que, lamentablemente, nunca se cerró del todo, ya que su hermano falleció sin hablarle.

Apocalipsis Now, otra obra maestra del cine, fue un desafío de una naturaleza completamente diferente. Descrito por el propio Coppola como “la película que casi me destruye”, el rodaje en las selvas filipinas fue una odisea marcada por dificultades extremas, incluyendo tormentas, enfermedades y un elenco que a veces parecía tan volátil como el entorno. “Fue una experiencia límite. No solo estaba luchando por hacer una película, estaba luchando por sobrevivir a ella”, confiesa. A pesar de las adversidades, o quizás debido a ellas, Apocalipsis Now se convirtió en una de las obras más aclamadas y debatidas de la historia del cine, un retrato descarnado de la locura de la guerra y del alma humana.

Coppola analiza cómo su filmografía es a la vez una crónica de su vida, cada proyecto una ventana a su mundo interior. Tras completar The Rainmaker en 1997, tomó una decisión radical: “Dejé de ser un director profesional para convertirme en un estudiante”, revela a Rolling Stone. Durante catorce años se alejó de las grandes producciones para enfocarse en proyectos pequeños y autofinanciados, como Youth Without Youth (2007) y Tetro (2009). “Aprendí mucho durante ese tiempo, especialmente sobre la dirección de actores y la verdadera naturaleza del arte cinematográfico”, comenta.

En la producción de Megalópolis, Coppola aplicó muchas de las lecciones incorporadas durante ese período de introspección. Su enfoque en los ensayos fue especialmente innovador. Debido a la disponibilidad limitada del elenco, decidió trabajar con suplentes para algunos actores principales, como Driver, y empleó estos ensayos como un laboratorio creativo para explorar los personajes. Shia LaBeouf se destacó por su intensidad; tanto que le recordó su dinámica con Dennis Hopper en el set de Apocalipsis Now. “Había una tensión deliberada que generaba algo brillante”, reflexiona el director.

Y como en Apocalipsis Now, el rodaje de Megalópolis no estuvo exento de problemas. Los desacuerdos en el set, especialmente con el equipo de arte, fueron una prueba más de la determinación de Coppola por mantener el control creativo total. “Siempre he tenido que luchar por lo que creo, y esta vez no fue diferente”, dice a Fear. Sin embargo, Coppola desmiente los rumores sobre comportamientos inapropiados en el set: “Están intentando desacreditar el trabajo antes de que siquiera llegue a las salas”, lamenta.

A pesar de estos obstáculos, Coppola mira hacia adelante con nuevos proyectos en mente, entre ellos Distant Vision, una historia sobre tres generaciones de una familia ítaloamericana, que explorará el nacimiento de la televisión. “No estoy listo para detenerme”, afirma.

Francis Ford Coppola, una figura legendaria en la industria del cine conocida por clásicos como El Padrino y Golpe al corazón (One from the Heart - 1981), está enfrentando problemas con su última obra, Megalópolis. A pesar de su estatus en el cine, el director se ha visto obligado a retirar el tráiler de su nueva película de internet debido a controversias y problemas asociados con falsas críticas.

Megalópolis se enfrentó a una serie de desafíos desde sus inicios, incluyendo la falta de financiamiento por parte de grandes productoras, lo que llevó al director a autofinanciar el proyecto con la fortuna obtenida de su viñedo. Además, tuvo que recorrer un arduo camino para encontrar distribución en Estados Unidos y recibió críticas negativas de los primeros espectadores que vieron la película. En respuesta, lanzaron una polémica campaña de marketing que comenzó con un tráiler narrado por una voz en off que decía: “Siempre hay un cineasta que se ha adelantado a su tiempo”. Este nuevo avance estaba acompañado de placas que mostraban las malas reseñas que en su momento recibieron títulos que hoy son considerados clásicos, como Apocalypse Now (1979), Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker’s Dracula, 1992) y El Padrino (The Godfather, 1972).

Sin embargo, lo que parecía ser una campaña audaz resultó ser un fiasco cuando, a las pocas horas, se confirmó que las malas opiniones, atribuidas a críticos conocidos dentro de la industria, eran falsas. En consecuencia, la distribuidora Lionsgate tuvo que eliminar el video de internet y emitir una disculpa a través de un comunicado. En sus palabras: “Ofrecemos nuestras más sinceras disculpas a los críticos involucrados, a Francis Ford Coppola y American Zoetrope [la productora] por este error imperdonable en nuestro proceso de investigación. Nos equivocamos. Lo sentimos”.

Owen Gleiberman, uno de los pocos críticos mencionados que sigue con vida, habló al respecto y expresó lo siguiente: “Aunque seas una de esas personas a las que no les gustan los críticos, no merecemos que nos pongan palabras en la boca. Por otra parte, el verdadero escándalo de todo esto es que el tráiler de Megalópolis está construido sobre una narrativa falsa. A los críticos les encantó El Padrino. Y aunque Apocalypse Now fue divisiva, recibió un apoyo crítico significativo”.

La película, que contará la historia de un arquitecto en su intento por reconstruir Nueva York tras una gran catástrofe, cuenta con las actuaciones de Adam Driver (Star Wars: el despertar de la fuerza), Aubrey Plaza (Parks and Recreation, The White Lotus), Nathalie Emmanuel (Juego de tronos), Forest Whitaker (La habitación del pánico), Laurence Fishburne (Matrix), Jon Voight (Vaquero de medianoche), Talia Shire (Rocky) y Shia LaBeouf (Transformers).

Megalópolis llegará a los cines de Estados Unidos el 27 de septiembre.

La Sección Perlak, en la que se congregan algunas de las mejores películas que han pasado previamente por otros festivales, es una de las más queridas por el público del certamen, que precisamente se encarga de elegir a la cinta ganadora a través de sus votos.

El año pasado, la indiscutible triunfadora de esta categoría popular fue La sociedad de la nieve, de J.A. Bayona, que se estrenó en nuestro país en el marco de San Sebastián y sin duda sirvió para medir la temperatura de los espectadores antes de su debut en las salas.

Grandes títulos procedentes de Cannes

Ahora se acaban de anunciar algunas de las obras que se podrán ver en esta 72 edición del Zinemaldia, y entre ellas encontramos buena parte de los títulos más esperados de la temporada. Por ejemplo, se podrá ver última Palma de Oro de Cannes, que ganó Anora, de Sean Baker (que ya presentó en Donostia Red Rocket), así como otra de las películas más laureadas de la pasada edición, Emilia Pérez, de Jacques Audiard, que consiguió el Premio del Jurado (por la historia de un narco mexicano que decide cambiar de sexo en clave musical) y el ex aequo a su elenco femenino, que incluía a la española Karla Sofia Gaston, a la portorriqueña Zoe Saldaña y a la estrella pop Selena Gómez.

También estará presente la esperada nueva obra de Francis Ford Coppola que tantas controversias ha suscitado, titulada Megalópolis y que se estrenará poco después, el 27 de septiembre en nuestro país. Se trata de una fabula romana de esencia épica protagonizada por Adam Driver, Aubrey Olaza, Nathalie Emmanuel y Giancarlo Esposito. El director, precisamente comenzó su carrera en el marco de este certamen cuando presentó su película Llueve sobre mi corazón y logró la Concha de Oro.

También procedente de Cannes podremos ver otra de las películas más polémicas por su tratamiento del terror y el ‘body horror’. Se trata de The Substance, dirigida por Coralie Fargeat y protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid que gira en torno a una sustancia revolucionaria capaz de crear un ‘alter ego más joven’ y bello.

De la India llega Lo que imaginamos como luz, de la directora Payal Kapadia, ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes y de Irán, The Seed of the Sacred Fig, de Mohammad Rasoulof, que ha sido perseguido por el régimen de su país por hacer esta película que se ambienta en los disturbios políticos en Teherán.

Nombres consagrados y habituales de Donostia

La gran directora británica Andrea Arnold (Red Road, Fish Tank y American Honey) presentará Bird, la historia de un adolescente de 12 años que vive con su padre y su hermano en una casa ocupada y que está protagonizada por la estrella de Saltburn Barry Keoghan. Más mujeres, en este caso, Emmanuel Courcol pondrá el toque de comedia con Por todo lo alto en la que un famoso director de orquesta descubrirá que tiene un hermano que también ama la música.

También estarán presentes Walter Salles con I’m Still Here, procedente del Festival de Venecia, que sigue la lucha de la mujer de un político laborista que desaparece durante la dictadura brasileña. Hong Sang-soo, regresa, como todos los años, para el estreno español de Necesidades de una viajera, que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín y que está protagonizada por Isabelle Huppert.

Más nombres propios de prestigio: Paul Schrader con Oh Canada, protagonizada por Richard Gere, Uma Thurman y Jacob Elordi y Paolo Sorrentino con Parthenope, su particular epopeya femenina.

Además, fuera de concurso se proyectarán tres trabajos: Marco, la nueva película de Jon Garaño y Aitor Arregi, que se encargará de clausurar la sección en el Velódromo, la aventura animada de DreamWorks The Wild Robot y la no ficción Maria Callas: Letters and Memories, en la que Monica Bellucci se pondrá en la piel de la mítica soprano.

• Alien: El octavo pasajero
• El último duelo
• Misión rescate

Ridley Scott es uno de los grandes pilares cuando se habla de los directores más influyentes de la industria cinematográfica, y su carrera es testimonio de ello. A lo largo de su trayectoria, el cineasta ha dejado un legado de clásicos que han definido géneros y marcado generaciones. Su habilidad para contar historias a través de una dirección visualmente impactante y narrativamente poderosa lo ha consolidado como un maestro en su oficio, con una versatilidad que abarca desde el drama hasta la ciencia ficción y el cine histórico, como lo demuestran películas icónicas como Blade Runner y Gladiador.

En esta ocasión, nos enfocaremos en el catálogo de Disney+, que ofrece una gran variedad de proyectos dirigidos por Scott. En particular, profundizaremos en tres de sus producciones más destacadas. Desde un clásico de la ciencia ficción que se ha convertido en una de las películas más influyentes del cine, hasta una emocionante película histórica que narra la historia de Marguerite de Carrouges, Scott demuestra su capacidad para abordar diferentes géneros con igual maestría.

Alien: El octavo pasajero - Alien

Alien: El octavo pasajero (Alien), dirigida por Ridley Scott, es una de las películas más emblemáticas tanto de su carrera como de la historia del cine en general. Estrenada en 1979, esta obra maestra del terror y la ciencia ficción revolucionó ambos géneros con su atmósfera claustrofóbica, diseño de criaturas inquietantes y una narrativa que mantiene al espectador al borde de su asiento. La película se convirtió en un referente, influenciando a generaciones de cineastas y dejando una huella imborrable en la cultura popular.

El guión, escrito por Dan O’Bannon, quien también es conocido por su trabajo en El Trueno Azul y El regreso de los muertos vivos, ofrece una historia cargada de tensión y suspenso. O’Bannon logró combinar el miedo primitivo a lo desconocido con la ciencia ficción, creando un relato en el que la tripulación de la nave espacial se enfrenta a un horror indescriptible. La narrativa no sólo explora el terror externo, representado por la criatura alienígena, sino también los miedos internos y las dinámicas de poder que surgen en situaciones extremas.

En cuanto al elenco, Alien cuenta con interpretaciones memorables que contribuyen a la inmersión en la pesadilla espacial. Sigourney Weaver (Avatar, Los cazafantasmas) se destaca en su papel como Ellen Ripley, una heroína que desafía los estereotipos de la época, demostrando fuerza y resiliencia frente al peligro. El reparto incluye a actores como Tom Skerritt (Top Gun: pasión y gloria), Veronica Cartwright (Los pájaros), Harry Dean Stanton (Paris, Texas), John Hurt (Hellboy, El hombre elefante), Ian Holm (El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo) y Yaphet Kotto (Fuga a la medianoche), quienes crean una dinámica de grupo que refleja la vulnerabilidad humana en un entorno hostil. La combinación de un guión sólido, una dirección magistral y un elenco excepcional hace que Alien: El octavo pasajero siga siendo una obra maestra insuperable en su género.

El último duelo - The Last Duel

En segundo lugar, tenemos El último duelo (The Last Duel), una película dirigida por Ridley Scott y lanzada en el año 2021. El guión, escrito por Ben Affleck (En busca del destino), Matt Damon (El talentoso Sr. Ripley) y Nicole Holofcener (Una segunda oportunidad), narra un evento histórico significativo: el último duelo judicial conocido en Francia. La historia sigue a dos caballeros que se enfrentan en un combate a muerte para resolver un juicio que amenaza con alterar sus vidas y el orden social de la época. La película presenta una estructura narrativa que explora el evento desde múltiples perspectivas.

El elenco de El último duelo está encabezado por Matt Damon, Adam Driver (Historia de un matrimonio, Star Wars: el despertar de la fuerza), Ben Affleck y Jodie Comer (Killing Eve, El club de los vándalos), quienes ofrecen actuaciones memorables. Damon interpreta a Jean de Carrouges, un caballero que busca justicia, mientras que Driver encarna a Jacques Le Gris, el acusado. Comer, por su parte, se destaca en el papel de Marguerite de Carrouges, cuya denuncia desencadena el duelo central de la trama. Junto a ellos, el reparto incluye a Alex Lawther (The End of the F***ing World), Nathaniel Parker (La mansión embrujada), Sam Hazeldine (No lo dejes entrar) y Michael McElhatton (Game of Thrones), todos aportando profundidad a una historia que examina el poder, la lealtad y la verdad en un contexto histórico dramático.

Misión rescate - The Martian

En último lugar, tenemos otra destacada película del cineasta, Misión rescate (The Martian), lanzada en 2015. Esta película, basada en la novela de Andy Weir, sigue la historia de un astronauta, Mark Watney, quien queda varado en Marte tras un accidente durante una misión. La trama se centra en los esfuerzos desesperados de Watney para sobrevivir en un entorno hostil y la misión de la NASA para traerlo de vuelta a casa. Con una mezcla de ciencia precisa y humor inteligente, Misión rescate ofrece un relato sobre la resistencia y el ingenio humano en circunstancias extremas.

El elenco de Misión rescate está liderado por Matt Damon, quien ofrece una actuación central como el ingenioso y determinado Mark Watney. Junto a él, el reparto incluye a Jessica Chastain (Apuesta maestra, It: capítulo dos) como la comandante Melissa Lewis, Michael Peña (A millones de kilómetros) como el astronauta Rick Martinez, y Kate Mara (House of Cards, Los 4 fantásticos) como la ingeniera de vuelo Beth Johanssen. También destacan Aksel Hennie (Hércules), Sebastian Stan (Capitán América y el soldado del invierno), Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud) y Jeff Daniels (Tonto y Retonto), quienes enriquecen la narrativa con sus roles tanto en el espacio como en la Tierra, contribuyendo a una historia llena de tensión y esperanza.

A sus 81 años, Martin Scorsese sigue demostrando una energía y una pasión por el cine que lo mantienen a la vanguardia de la industria. Su impresionante carrera, marcada por clásicos como Taxi Driver, El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street - 2013), Buenos muchachos (Goodfellas - 1990) y Casino, lo ha consolidado como uno de los directores más importantes de la historia del cine. La profundidad y complejidad de sus historias han establecido a Scorsese como una figura fundamental en el séptimo arte, influyendo en generaciones de cineastas y espectadores por igual.

En los últimos años, Scorsese ha expandido su alcance, explorando tanto proyectos comerciales como cortometrajes. Su regreso con El irlandés (The Irishman - 2019) y la aclamada Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon), producida en colaboración con Apple, ha reafirmado su maestría narrativa. Su último proyecto narra la trágica historia de Ernest y Mollie Burkhart en el pueblo de Osage, que se volvió próspero tras el descubrimiento de petróleo, y revela los asesinatos y la explotación perpetrados por aquellos que deseaban apoderarse de esas riquezas.

A pesar de su vasta trayectoria, el realizador no muestra signos de desaceleración. Con varios proyectos en desarrollo, ya sea como director o productor, continúa demostrando su compromiso con el cine. En esta ocasión, exploraremos tres títulos en los que Scorsese está involucrado, ofreciendo una mirada a sus futuros trabajos.

Martin Scorsese como director en el proyecto que retratará la vida de Jesús

En primer lugar, Martin Scorsese está trabajando en un nuevo proyecto cinematográfico basado en el libro A Life of Jesus de Shūsaku Endō. Endō, conocido por su obra Silencio (Silence), la cual Scorsese adaptó en 2016 con Andrew Garfield (El sorprendente Hombre Araña), Adam Driver (Historia de un matrimonio) y Liam Neeson (Búsqueda implacable), ha sido una fuente de inspiración constante para el director. La adaptación de A Life of Jesus promete explorar nuevas perspectivas sobre la figura de Jesús, con el realizador buscando una narrativa innovadora que ofrezca una visión fresca y contemporánea del cristianismo.

Aunque el proyecto aún está en sus etapas iniciales, Scorsese ha revelado su intención de hacer la película más accesible al público y reducir las connotaciones negativas que a menudo se asocian con la religión. Este enfoque refleja un deseo de ofrecer una interpretación que resuene con audiencias modernas, al mismo tiempo que respeta la esencia del mensaje cristiano.

El director ha compartido previamente su objetivo para el filme: “No estoy muy seguro de qué tipo de película será, pero quiero hacer algo único y diferente que pueda invitar a la reflexión y espero que también entretenga”.

Martin Scorsese como productor de ‘El aroma del pasto recién cortado’

En segundo lugar, Scorsese se involucra como productor en el largometraje El aroma del pasto recién cortado (conocido de manera internacional como The Freshly Cut Grass), una ambiciosa coproducción internacional que une talentos de Argentina, Estados Unidos, México, Uruguay y Alemania. La película hizo su debut en el Festival de Tribeca en junio de 2024, en Nueva York, destacándose por su enfoque audaz y su narrativa provocativa.

Dirigida por la cineasta argentina Celina Murga (Una semana solos, La tercera orilla), El aroma del pasto recién cortado explora las complejas dinámicas de las relaciones extramatrimoniales y la disparidad de trato entre hombres y mujeres en el ámbito laboral. La trama se centra en dos parejas que, a pesar de tener posiciones profesionales similares, enfrentan un trato desigual debido a su género. Esta película examina la misoginia y destaca las tensiones presentes en la vida cotidiana y laboral.

El estreno de El aroma del pasto recién cortado está previsto para finales de 2024. El elenco incluye a Joaquín Furriel (El jardín de bronce, El hijo), Marina de Tavira (Roma), Alfonso Tort (Un pájaro azul), Emanuel Parga (La sociedad de la nieve) y Verónica Gerez (Cómo funcionan casi todas las cosas).

Martin Scorsese como productor de ‘Matate, amor’

En último lugar, otro emocionante proyecto en el que participa como productor es Matate, amor (Die, My Love), una adaptación de la novela homónima de la escritora argentina Ariana Harwicz. Esta película promete ofrecer una visión cruda y perturbadora de la vida en una remota y olvidada zona rural de Francia. La trama se centra en una mujer que lucha por mantener la cordura causada por el matrimonio y la maternidad, explorando profundamente los desafíos emocionales y psicológicos que enfrenta.

El rodaje de Matate, amor ha comenzado bajo la dirección de Lynne Ramsay, conocida por su trabajo en Tenemos que hablar de Kevin (We Need To Talk About Kevin - 2011) y Nunca estarás a salvo (You Were Never Really Here - 2017). El elenco cuenta con Jennifer Lawrence (Los juegos del hambre, Hazme el favor, Pasajeros), quien traerá a la vida el papel principal, mientras que Robert Pattinson (The Batman, El faro, Recuérdame) está previsto para un rol fundamental. Con un equipo creativo talentoso y una narrativa intensa, el proyecto se perfila como una obra cinematográfica que no solo destacará por su contenido, sino también por su capacidad para explorar temas profundos y universales.

Numerosas estrellas de Hollywood han tenido un pasado en las fuerzas armadas, donde sirvieron a su país antes de alcanzar la fama o durante ella. Estas experiencias militares, a menudo desconocidas para el público, reflejan una parte menos glamurosa de sus vidas, marcada por la disciplina y los desafíos del servicio. Estos antecedentes revelan que tras el brillo del estrellato, hay historias de sacrificio y compromiso que han moldeado a estas figuras del entretenimiento.

Elvis Presley

Elvis Presley fue reclutado en el ejército de Estados Unidos en marzo de 1958, cuando ya contaba con una considerable fama en el mundo de la música. Durante su servicio militar, fue asignado como Especialista en Inteligencia de Blindados en Alemania, bajo la clasificación militar MOS 133.60.

Una de las inquietudes más relevantes para Presley al ingresar en el ejército era la posibilidad de que su estatus de celebridad pudiera disminuir. En una declaración emitida durante su tiempo en Alemania, expresó su incertidumbre acerca de si su popularidad estaba decayendo. “No tengo forma de saber si mi fama se está desvaneciendo”, mencionó el músico. “Espero que la gente de mi país no se haya olvidado de mí”.

Adicionalmente, durante su estancia en el ejército, Presley se enfrentó a los desafíos de adaptarse a un entorno completamente diferente al de los escenarios y los estudios de grabación. Sin embargo, consiguió mantenerse en contacto con sus seguidores a través de los medios de comunicación, asegurando que su imagen pública no se desvaneciera totalmente.

A pesar de sus temores iniciales, Elvis Presley regresó a los Estados Unidos en 1960 y reanudó exitosamente su carrera musical, demostrando que su paso por el ejército no había mermado su talento ni la devoción de su público.

Clint Eastwood

Clint Eastwood se unió al ejército en 1951, donde desempeñó la función de instructor de natación en Fort Ord, California. Durante su tiempo en el servicio militar, Eastwood aprovechó para trabajar en horarios menos tradicionales, lo que, según declaró en una entrevista con el Monterey Harold en febrero de 2022, resultó en una experiencia cómoda para él.

Eastwood mencionó que mientras sus compañeros madrugaban para empezar sus actividades, él tenía más flexibilidad en sus horarios. “No tenía clases hasta las 10 u 11 de la noche o lo que fuera ese día. Era una buena vida para mí”, explicó el actor y director.

Después de prestar servicio por dos años, Clint Eastwood recibió una baja honorable en 1953, coincidiendo con el final de la Guerra de Corea. Este período en el ejército antecedió su carrera en el cine, donde más tarde se establecería como una figura prominente en Hollywood.

Adam Driver

El actor Adam Driver se alistó en la Infantería de Marina de los EE. UU. en 2002 tras los ataques del 11 de septiembre de 2001. Después de pasar dos meses en el campo de entrenamiento de San Diego, Driver se entrenó como mortero en Camp Pendleton.

Driver, quien abandonó la Marina en 2004 debido a una lesión en el esternón a causa de un accidente de bicicleta, expresó en su charla TED de 2015 que alistarse fue una decisión de la que está “muy orgulloso”. Su baja fue honorable, y durante esos dos años descubrió un aprecio inesperado por sus compañeros de servicio.

En dicha charla, Driver destacó que lo que más valoraba del Cuerpo de Marines era la diversidad de personas con quienes compartía, a pesar de no tener nada en común con ellos inicialmente. Este aspecto social fue una revelación importante en su vida.

Morgan Freeman

Morgan Freeman se unió a la Fuerza Aérea de Estados Unidos a los 18 años tras finalizar la escuela secundaria en 1955. Durante su tiempo en el servicio militar, pasó cuatro años y alcanzó el rango de aviador de primera clase, saliendo del ejército en 1959.

En una entrevista con la revista AARP, Freeman relató una experiencia que tuvo durante su servicio. Al estar a punto de ser aceptado para el entrenamiento de piloto, le permitieron subirse a un avión a reacción. Al respecto, afirmó: “Me quedé allí sentado, mirando todos esos interruptores y diales, y tuve la clara sensación de estar sentado en la nariz de una bomba. No estás enamorado de esto: estás enamorado de la idea de esto”.

Pat Sajak

Pat Sajak, el reconocido presentador estadounidense, sirvió en el ejército como disc jockey durante la Guerra de Vietnam. Inicialmente, había sido destinado al extranjero como empleado de finanzas, pero más tarde encontró su rol en el entretenimiento de las tropas.

Sajak compartió su experiencia en un ensayo para el sitio web de USO en junio de 2014. Según relató, se sentía culpable por tener un deber relativamente suave en comparación con otros soldados, pero su perspectiva cambió al ver cómo su trabajo aportaba a la moral de las tropas. “Me sentía un poco mejor cuando conocía a muchachos que venían a la ciudad desde el campo y nos agradecían por traerles un poco de su hogar. Siempre pensé que era extraño que me agradecieran, dado lo que muchos de ellos estaban viviendo a diario”, escribió Sajak.

Jimi Hendrix

Jimi Hendrix, aclamado guitarrista, se enfrentó a un proceso judicial en Nueva York en el año 1961. Acusado de viajar en un coche robado, Hendrix se enfrentaba a una condena de hasta diez años de cárcel. Sin embargo, llegó a un acuerdo con el fiscal de distrito para recibir una pena de prisión suspendida de dos años, condicionada a que se alistase en el ejército.

Poco después, Hendrix se enlistó por tres años como empleado de suministros y fue enviado a Fort Ord en California para recibir entrenamiento básico. No obstante, a pesar de haber asumido un compromiso de tres años, Hendrix solo sirvió 13 meses en el ejército.

El servicio militar de Hendrix con la 101 División Aerotransportada terminó de forma anticipada debido a una lesión en el tobillo que sufrió durante su entrenamiento como paracaidista. En su salto número 26, sufrió la herida que eventualmente llevó a su baja honorable.

Bea Arthur

Bea Arthur, actriz conocida por su papel en la serie “The Golden Girls”, ocultó durante mucho tiempo su participación en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Según registros históricos, Arthur se alistó el 18 de febrero de 1943, apenas cinco días después de leer un anuncio motivacional dirigido a mujeres.

Arthur, cuyo nombre de nacimiento era Bernice Frankel, decidió alistarse tras ver un cartel que promocionaba la nueva División de Mujeres Reservistas del Cuerpo de Marines. En su documentación de alistamiento, la actriz expresó que había pospuesto un empleo previsto para sumarse a la fuerza militar, una decisión que tomó inmediatamente después de conocer esta oportunidad.

A pesar de su destacada carrera como actriz, Arthur mantuvo en secreto su historial como veterana. Inclusive, en una entrevista, negó haber servido en las fuerzas armadas. Su servicio militar se descubrió años después mediante documentos oficiales, revelando una faceta poco conocida de su vida.

Sidney Poitier

Sidney Poitier compartió detalles de su tiempo en el ejército en sus memorias de 1980, “This Life”. El icónico actor describió su salida de las Bahamas a los 15 años para mudarse a Miami y, posteriormente, a la ciudad de Nueva York.

Según informó el Washington Post, Poitier narró en sus memorias que a los 16 años tuvo problemas con la ley y, para evitar consecuencias, le dijo a un policía que planeaba alistarse en el ejército. A pesar de que inicialmente fue una mentira, Poitier eventualmente se convenció de la idea y se enlistó falsificando su edad y pasando un examen físico.

Una vez en el ejército, fue destinado a un hospital en Nueva York para colaborar con el personal médico. Sin embargo, Poitier pronto se sintió abrumado por las duras escenas que presenciaba y decidió fingir locura para salir de esa situación. Como resultado, fue enviado a un pabellón psiquiátrico.

El Washington Post también informó que Poitier confesó su actuación ante un psiquiatra, y después de cinco semanas de consultas diarias, fue dado de baja del ejército a los 17 años.

Tony Bennett

Tony Bennett fue enviado al frente de combate en la Segunda Guerra Mundial a los 18 años, tras ser reclutado por el ejército en 1944. Posteriormente, narró sus experiencias en el conflicto en sus memorias de 1998, “The Good Life”.

En una de sus misiones más importantes, Bennett participó en la liberación del campo de concentración de Dachau en Alemania. Sobre este acontecimiento, escribió en su autobiografía que nunca olvidaría “los rostros desesperados y las miradas vacías de los prisioneros”. Este suceso dejó una profunda huella en el cantante.

Aunque la guerra en Europa concluyó en mayo de 1945, Bennett permaneció en el ejército debido a que aún no había cumplido con su tiempo obligatorio de servicio. Fue entonces cuando lo asignaron a una unidad de Servicios Especiales, creada para entretener a las tropas aliadas restantes. En esta etapa, comenzó a cantar con la 314.ª Banda de Servicios Especiales del Ejército bajo el nombre artístico de Joe Bari.

Al finalizar la guerra, Bennett continuó su carrera artística bajo ese mismo nombre hasta que conoció al famoso comediante Bob Hope, quien le sugirió adoptar el nombre de Tony Bennett, bajo el que se convertiría en una leyenda de la música.

Johnny Cash

A los 18 años, Johnny Cash se alistó en la Fuerza Aérea de Estados Unidos en 1950. Durante los cuatro años que estuvo asignado en Alemania, Cash aprovechó su tiempo libre para dedicarse a lo que sería una parte importante de su futuro: escribir música. De esta etapa nacieron varias de sus canciones más emblemáticas, como “Folsom Prison Blues” y “Hey Porter”.

Además de su faceta musical, Cash desempeñó un papel significativo en el ejército como operador de interceptación de código Morse. Este trabajo consistía en interceptar y descifrar las comunicaciones militares soviéticas durante la Guerra Fría.

Su tiempo en Alemania no solo fue crucial para su formación como músico, sino que también le proporcionó una serie de experiencias que influirían en su estilo y en las temáticas de sus composiciones futuras. La soledad y el ambiente militar contribuyeron a la profundidad de sus letras y al sentimiento de autenticidad que caracteriza su música.

En la trama, Enzo Ferrari (interpretado por Adam Driver), enfrenta la pérdida repentina de su hijo Dino y lleva una vida paralela a espaldas de su esposa Laura (interpretada por Penélope Cruz). Además de los conflictos domésticos, la compañía Ferrari atraviesa momentos complicados debido a los frecuentes accidentes que resultan en la pérdida de la vida de los pilotos y la baja performance en las carreras.

Para enfrentar la situación, Ferrari toma decisiones arriesgadas, incluyendo la participación en la crucial carrera Mille Miglia. Para ello, designa pilotos como Peter Collins, Olivier Gendebien, Alfonso de Portago y Piero Taruffi (interpretado por Patrick Dempsey). La película no solo recrea el espíritu competitivo de la escudería italiana, sino que también reconstruye vehículos de época con precisión.

En una entrevista con El Hormiguero, Penélope Cruz explicó el desafío de interpretar a Laura Ferrari, un personaje complejo y controvertido. Cruz comentó: “Como había muy poca documentación sobre ella, llegué un mes antes del rodaje para conocer a gente que la conocía bien”. La actriz reveló haber recibido reacciones negativas al preguntar por Laura Ferrari: “Paraba a extraños por la calle, les preguntaba por ella y no me gustaba lo que recibía porque me llegaba una falta de compasión y de empatía muy grande hacia ella”.

Los autos, la pasión de Ferrari

La reconstrucción de los autos fue un proceso significativo para la película. Nueve vehículos fueron fabricados en 22 semanas por un equipo de 12 personas. Las réplicas, totalmente funcionales y con 280 caballos de potencia, podían ser conducidas a velocidades superiores a los 160 km/h. Neil Layton y su empresa Auto Action Development, responsables de construir el Batmóvil de las películas de Batman y algunos automóviles de James Bond, se encargaron de las réplicas de Ferrari. Layton destacó: “Trabajar con Michael Mann es el sueño de cualquier chico de la industria cinematográfica”.

El proceso de obtener los datos necesarios para las réplicas no fue sencillo. Layton se las arregló para escanear piezas de colecciones privadas y, en el caso del Ferrari 801 monoplaza, incluso utilizó un modelo de juguete comprado en una subasta para crear una réplica precisa. Sin colaboración directa de Ferrari, Layton tuvo que ser ingenioso para reconstruir estos históricos vehículos.

Adam Driver, conocido por su participación en la saga Star Wars y en películas como Historia de un matrimonio, da vida a Enzo Ferrari, el ingeniero y piloto que fundó la icónica compañía automovilística. Penélope Cruz, por su parte, interpreta a Laura Ferrari, quien fue pieza clave en los inicios de la empresa, especialmente durante su traslado de Módena a Maranello para evitar los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.

La película ha sido esperada con gran anticipación y ahora puede ser disfrutada por los usuarios de Prime Video.

El renombrado director Francis Ford Coppola estrenó su largamente anticipada película Megalópolis en el Festival de Cine de Cannes, generando una mezcla de fascinación y desconcierto entre la audiencia. Esto último, no solo ha sido solo por su trama, sino porque en medio de la película, un hombre se paró frente a la pantalla para hacer una inesperada actuación frente a todos en la sala.

La película, protagonizada por Adam Driver, Nathalie Emmanuel, y Giancarlo Esposito, se centra en la historia de Cesar Catilina (Driver), un ambicioso planificador urbano en una futurista Nueva York, ahora conocida como Nueva Roma, que se enamora de la hija (Emmanuel) de su opositor ideológico (Esposito).

Como han detallado algunos de los asistentes que estuvieron presentes en el estreno mundial, hubo un punto del film en el que la narrativa rompió la cuarta pared. Un colaborador que estaba en la sala, subió al escenario y, hablando con la pantalla, realizó una entrevista al personaje de Driver.

La periodista Radhika Seth, de Vogue, narró lo sucedido así: “En algún momento de la película, cuando el [personaje] César de Adam Driver habla a cámara, la pantalla se queda en blanco. Hubo un confuso aplauso de los que pensaban que todo había terminado”.

Seth, que claramente también vivió un breve episodio de confusión, contó que el público se sorprendió cuando alguien saltó de las butacas. “Pero entonces, con las luces aún apagadas, un hombre corrió hacia el escenario frente a la pantalla de cine desde las alas, sosteniendo un largo micrófono”, continuó.

“¿Subiría Francis Ford Coppola al escenario para una improvisada sesión de preguntas y respuestas? ¿Se trataba de un invasor del escenario que se había cansado de los incesantes eslóganes de la película y estaba organizando una protesta? ¿Había un anuncio urgente que nos obligaba a abandonar la proyección inmediatamente? No, formaba parte de la película”, rememoró Seth.

De acuerdo con Radhika, el hombre, que estuvo “iluminado por un foco”, empezó a dialogar con Driver mirando hacia la pantalla, “como si participara en una extraña rueda de prensa de Zoom en la época de la pandemia”. Tras las respuestas de Drive a sus preguntas, el sujeto volvió a salir corriendo.

“Fue tan extraño y me pareció tan inútil que no supe qué responder. Sólo espero que cuando esta película llegue a los cines del Reino Unido (el estreno aún no cuenta con un acuerdo de distribución en Norteamérica), este disparatado componente se repita en todo el país”, dijo Seth.

Jean Labadie, de la distribuidora francesa Le Pacte, confirmó a Deadline que esta “performance” se replicará en tierras francesas. “Con cuatro funciones al día en muchos teatros, no será fácil hacerlo en cada función. Se organizará, pero no podemos predecir cuántas veces podremos hacerlo”, manifestó.

“Trabajaremos con cada exhibidor en Francia para intentar hacerlo tantas veces como sea posible”. La adaptación de este elemento en otros países sigue siendo incierta, pues “un distribuidor estadounidense aún no ha sido asegurado”.

La más debatible de Coppola

La recepción de Megalópolis ha sido polarizante. Algunos críticos la adoran, otros la detestan, y algunos la encuentran aburrida. La película, que dura 2 horas y 20 minutos, incluye escenas impactantes como una cinta sexual de Driver, Shia LaBeouf en drag y Aubrey Plaza como una dominatriz.

A pesar de las controversias, una parte significativa de la audiencia mostró respeto hacia Coppola, quien recibió una ovación de pie de siete minutos cuando la función de estreno llegó a su fin. Francis se emocionó y dedicó la película a la esperanza y la familia.

“Gracias a todos. Es imposible encontrar palabras para expresar lo que siento. Pero ellos no fueron la única familia porque todos estos maravillosos actores y gente fueron mi familia”, manifestó el reconocido cineasta detrás de grandes largometrajes de culto como El padrino y Apocalipsis ahora.

Megalópolis marca el primer filme de Coppola en más de una década, desde Twixt en 2011. Coppola ha estado intentando realizarla durante décadas, llegando a utilizar 120 millones de dólares de su propio dinero para producirla.

La controversia ha rodeado al largometraje debido a sus altos costos y las respuestas mixtas en los primeros visionados. Sin embargo, Le Pacte adquirió los derechos de distribución en Francia y Goodfellas manejará las ventas internacionales. La película compite por la Palma de Oro.

Asimismo, Coppola ha decidido retener los derechos de televisión y VOD de los distribuidores europeos, lo que plantea la pregunta de si consideraría un acuerdo de streaming. Según mencionó a Deadline: “Desde que asumí el riesgo, quiero poseerlo, lo cual hago, así que no estoy interesado en vendérselo a otra persona. Quiero poder controlarlo”.

Es tarea de los artistas “iluminar el mundo”, declaró este viernes el director de cine estadounidense Francis Ford Coppola en Cannes, donde la víspera presentó Megalópolis, una película que concursa por la Palma de Oro y que dividió a la crítica.

La película narra la historia de un arquitecto ambicioso y visionario, obsesionado con reconstruir un Nueva York de aires imperiales, ante la oposición del alcalde, en un contexto de decadencia política y moral en Estados Unidos.

Preguntado en rueda de prensa por la situación política actual en su país, Coppola aseguró que “hay un riesgo de perder la República”, como sucedió en la Roma clásica.

“Hay una tendencia en el mundo, como si fuéramos hacia una nueva derecha, incluso fascismo”, advirtió el director de 85 años.

“[Pero] mi impresión es que los políticos no son tan relevantes” como se cree, aseguró el autor de El padrino.

“Creo que corresponde a los artistas iluminar el mundo”, añadió el veterano cineasta.

El director estaba acompañado por buena parte de los actores de la película, como Adam Driver, que encarna al arquitecto, y que, reveló Coppola, le ayudó a editar la película.

Megalópolis es una película de más de dos horas de duración, que necesitó décadas para salir adelante, y un presupuesto de unos 120 millones de dólares.

Mientras que algunos medios estadounidenses elogiaron la película, que mezcla política, filosofía, ciencia ficción o números musicales, la reacción de la crítica en Europa fue mayoritariamente hostil.

“Fue como (hacer) teatro experimental, y eso lo convirtió en algo rebelde y excitante”, aseguró Adam Driver.

El diario de izquierdas The Guardian calificó la película de “megaaburrida”, mientras que el diario liberal español El Mundo tituló: “Coppola se estrella contra el cielo”.

El director de Apocalypse Now, con dos Palmas de Oro en su haber, reveló sin embargo que ya está trabajando en un nuevo proyecto.

Coppola invirtió buena parte de su fortuna en sacar adelante Megalópolis, que cuenta con estrellas como Jon Voigt, Aubrey Plaza o Nathaniel Emmanuel.

“El dinero no importa, lo que importa son los amigos”, expresó.

Sus hijos Roman, presente en la rueda de prensa, y Sofia Coppola, directora de prestigio, “ya tienen magníficas carreras, sin necesidad de una fortuna”, aseguró.

Fuente: AFP.

Fotos: REUTERS (Stephane Mahe), American Zoetrope/ Megalopolis y EFE/EPA (Guillaume Horcajuelo).

Francis Ford Coppola, el afamado director y ganador de cinco premios Oscar, presentó su último trabajo, Megalópolis, en el Festival de Cannes el pasado jueves 16 de mayo. Sin duda, fue una de las proyecciones más esperadas del evento; pero tras su visionado, el distópico drama recibió reacciones mixtas de su público. Según menciones de periodistas especializados, se oyeron sonidos de desaprobación iniciales que luego fueron apagados por una ovación de pie que duró siete minutos.

El audaz largometraje es fruto de varias décadas de desarrollo por parte de Coppola, quien autofinanció el proyecto de USD 120 millones de dólares. Tras ser estrenada en la sala principal del Grand Theatre Lumiere, Megalópolis fue recibida con abucheos de algunos espectadores al finalizar su proyección. The Independent reporta que la reacción adversa cambió rápidamente por aplausos cuando se proyectó un segmento In Memoriam en honor a Eleanor Coppola, la difunta esposa del cineasta.

Durante la ovación, Coppola, de 85 años, expresó su gratitud a los presentes con visibles signos de emoción. “Gracias a todos, es imposible encontrar palabras para describir cómo me siento”, dijo el director, quien estuvo acompañado por su familia, incluidos su hijo Roman Coppola y su hermana Talia Shire. Subrayó el mensaje final de la película al afirmar que “debemos prometer lealtad a nuestras familias... que los niños hereden un mundo hermoso de nosotros”.

¿De qué trata “Megalópolis”?

Megalópolis es la primera obra de Coppola para la gran pantalla en trece años, tras Twixt en 2011. La película —que el director financió de su propio bolsillo por lo imposible que le fue encontrar apoyo de otros grandes estudios— se centra en Cesar Catilina (Adam Driver), un arquitecto visionario que busca transformar una versión ficticia de Nueva York llamada New Rome en una utopía idealista. Esta ambición lo enfrenta al alcalde Franklyn Cicero (Giancarlo Esposito), quien defiende intereses regresivos y partidistas.

La socialité Julia Cicero (Nathalie Emmanuel), hija del alcalde y amante de Cesar, se encuentra atrapada entre ambos mundos, y tendrá que decidir qué es lo mejor para la humanidad.

El reparto de Megalópolis cuenta con talentos como Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Laurence Fishburne, Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe Fineman, D.B. Sweeney y Dustin Hoffman. Entre los presentes en la proyección estuvieron Richard Gere, quien felicitó a Coppola, y Thierry Fremaux, director del festival, quien lo abrazó durante la ovación.

La crítica especializada se ha dividido inevitablemente. ¿Confusa o visionaria? ¿Arriesgada o sobrevalorada? Rotten Tomatoes resumió el debate con una calificación de 50% de un total de 24 reseñas en esta primera proyección.

Geoffrey Macnab de The Independent destacó el compromiso personal de Coppola como una figura independiente en una industria que a menudo rechaza las visiones no convencionales y teme asumir riesgos. Su reseña menciona casos curiosos, como cuando el personaje de Adam Driver recita un soliloquio de Hamlet, o cuando otro personaje dispara a un rival en el glúteo con una flecha dorada.

Por otro lado, Bilge Ebiri, de New York Magazine, señaló que Megalópolis “a veces se siente como los pensamientos febriles de un niño precoz, impulsado y deslumbrado, y tal vez un poco perdido en todas las posibilidades del mundo antes de él”.

The Guardian fue especialmente crítico con el filme y lo describió como “un proyecto sin pasión: una película inflada, aburrida y desconcertantemente superficial”, además de “hiperactiva y densa, cargada con algunas actuaciones terribles y efectos visuales poco interesantes y de aspecto barato”.

En contraste, Rolling Stone apuntó que “valió la pena la espera” por una declaración esperanzadora, “intransigente, singularmente intelectual, descaradamente romántica, ampliamente satírica pero notablemente sincera en cuanto a querer no sólo mundos nuevos y valientes, sino también mejores”.

Cabe mencionar que el estreno también incluyó una sorpresa interactiva durante la proyección. Justo después de que un satélite ruso aterriza en New Rome, la pantalla se oscureció y un actor emergió del público para hacerle una pregunta al personaje de Adam Driver, quien respondió desde “la película”. La propuesta podría repetirse en proyecciones futuras en formato IMAX.

A pesar de la recepción mixta en Cannes, Megalópolis ha asegurado acuerdos de distribución en territorios internacionales y se encuentra en negociaciones para su distribución en América del Norte. El largometraje aún no tiene fecha de estreno al público general.

La alfombra roja de Cannes vibró este jueves con el regreso más anticipado de esta 77 edición, el de Francis Ford Coppola, que apareció con un bastón y un sombrero panamá para subir los escalones del Palacio de Festivales del brazo de Adam Driver, el protagonista de su Megalópolis.

A Coppola también le acompañó hasta Cannes su nieta Romy Mars, hija de la también realizadora Sofia Coppola, y su hermana Talia Shire, que interpreta a uno de los personajes de esta película que competirá por la Palma de Oro.

Adam Driver, vestido con un esmoquin de chaqueta blanca, fue también recibido con vítores por parte de la multitud de espectadores y curiosos que se acercaron a la Croisette, con los que se tomó fotos y firmó autógrafos.

Fue él quien, tras el posado para las cámaras con el resto del equipo en la alfombra roja, tendió el brazo para ayudar a Coppola, de 85 años, a subir los famosos 24 escalones del Festival de Cannes.

El resto del reparto también acudió puntual al gran estreno de gala, empezando por Aubrey Plaza, que desfiló con un vestido blanco satinado de inspiración clásica que dejaba la espalda al aire, y por Giancarlo Esposito, quien en el filme interpreta al alcalde de la arrasada megalópolis que el arquitecto idealista al que interpreta Driver quiere reconstruir.

También viajaron a Cannes otros de los principales actores del filme, como Shia LaBeouf, con barba y el pelo teñido de rubio, Laurence Fishburne o Chloe Fineman.

Antes que ellos también habían pasado por la alfombra roja otras figuras, como el compositor Hans Zimmer o la cantante francesa Zaho de Sagazan.

Y aunque los miembros del jurado de la Palma de Oro no suelen ver las películas en las sesiones oficiales, por Coppola hicieron una excepción la cineasta y actriz Greta Gerwig, que es la presidenta del comité de valoración de esta 77 edición, el director español Juan Antonio Bayona y el actor galo Omar Sy.

No en vano Megalópolis, con una premisa futurista que a la vez hace referencia al imperio romano, es una de las películas más esperadas de este Festival de Cannes ya que el propio Coppola tenía en cartera el proyecto desde hacía cuarenta años y, para rodarlo, puso más de cien millones de dólares de su propio bolsillo.

Antes de Megalópolis, este jueves también había hecho su pase de gala en Cannes el equipo de Bird, la película aspirante a la Palma de Oro de la directora británica Andrea Arnold.

El protagonista de ese filme, Barry Keoghan, desfiló por la alfombra roja con un esmoquin de chaqueta gris de Burberry y su compañero de reparto Franz Rogowski lo hizo de riguroso negro y con gafas de sol.

Fuente: EFE

¿De qué se trata el film?

Megalópolis narra una fábula épica en una América contemporánea imaginada, donde la urbe de Nueva Roma se ve en la encrucijada de evolucionar. El conflicto central se desata entre César Catilina, interpretado por Adam Driver (Ferrari, Historia de un matrimonio), un visionario empeñado en propulsar hacia un futuro utópico, y el alcalde Franklyn Cicero, a cargo de Giancarlo Esposito (Breaking Bad), quien defiende un porvenir regresivo basado en la codicia y los conflictos partidistas. Nathalie Emmanuel (Game of thrones, Rápido y furioso), en el papel de Julia Cicero, se encuentra entre ambos, dividida por su amor hacia César y sus lealtades familiares y políticas.

El elenco de Megalópolis incluye a Laurence Fishburne (John Wick 4), Aubrey Plaza (The White Lotus), Shia LaBeouf (Transfomers), Jon Voight (Ray Donovan), Jason Schwartzman (Asteroid City), entre otros, prometiendo una amalgama de talento frente a la cámara. El filme se distancia de lo convencional, tal y como lo refleja el teaser tráiler, que dibuja un escenario donde el declive de los imperios se entremezcla con imágenes que evocan tanto a la antigua Roma como a una realidad distópica, “¿Cuándo muere un imperio? ¿Se derrumba en un momento terrible? No. Pero llega un momento en que la gente ya no cree en ello”.

Un proyecto que nació hace 40 años

Megalópolis, según informó Coppola, comenzó a gestarse en 1983 y su financiación ha incluido la venta de una parte significativa del imperio vinícola del director. A más de un mes luego de su búsqueda por distribución, el filme aún no ha encontrado quien lo lleve a las pantallas en EEUU, con opiniones divididas sobre su potencial comercial. Según apunta el sitio Deadline, el director tiene la intención de vender los derechos de televisión y streaming por separado con un acuerdo de distribución de funciones en Estados Unidos que llegaría en estos días.

La perseverancia y dedicación de Coppola a este proyecto reflejan su pasión inquebrantable por el cine, invirtiendo años de trabajo y una considerable suma económica. “No hay manera de vender comercialmente esta película”, manifestaron algunos tras las primeras proyecciones, subrayando el desafío que enfrentó el director por realizar una obra tan ambiciosa. A pesar de los obstáculos, Megalopolis se perfila como un testamento a la visión artística y la innovación en el séptimo arte.

“Mi objetivo siempre ha sido hacer una película con todo mi corazón, así que está a centrada en el amor y la lealtad en todos los aspectos de la vida humana. ‘Megalópolis’ se hará eco de esos sentimientos, expresando el amor en toda su complejidad, los peligros que amenazan nuestro planeta y la historia de una familia en pleno acto de suicidio. Es una película oscura, pero también muy optimista porque tiene fe en el ser humano y en que tenemos el genio para sanar cualquier problema que se nos presente”, declaró Coppola en una entrevista antes de la presentación del film en el Festival de Cannes.

Completan el elenco Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe Fineman, James Remar, DB Sweeney y Dustin Hoffman. Los productores son Fred Roos, Barry Hirsch y Michael Bederman mientras que los productores ejecutivos son Anahid Nazarian, Barrie Osborne y Darren Demetre.

Este épico film, que se inspira en Lo que vendrá de H.G. Wells, está previsto para estrenarse mundialmente en el Festival de Cannes en mayo de 2024. En un vistazo revelado este sábado, se reveló una primera escena de la película protagonizada por Adam Driver y Nathalie Emmanuel.

Coppola invirtió un largo tiempo en el desarrollo de Megalópolis, un relato que se desarrolla en una metrópoli semejante a Nueva York después de una catástrofe. Este proyecto no solo representa un empeño personal del director sino que también busca desafiar las convenciones del cine contemporáneo con una narrativa singular y un reparto estelar que incluye a Giancarlo Esposito, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Dustin Hoffman, Jon Voight, Laurence Fishburne, Talia Shire y Jason Schwartzman.

Una epopeya romana en Estados Unidos

Driver interpreta a un arquitecto idealista con el sueño de reconstruir la ciudad, enfrentándose al alcalde corrupto, caracterizado por Esposito, y que encuentra un inesperado romance con la hija socialista del alcalde, interpretada por Emmanuel.

“No estuve trabajando en este guion durante 40 años... sino recopilando notas para un futuro guion”, explicó a Vanity Fair. “Al final, después de mucho tiempo, me decidí por la idea de una epopeya romana. Y más tarde, una epopeya romana ambientada en un Estados Unidos moderno, por lo que no empecé a escribir este guion hasta hace unos 12 años. Además, como he hecho muchas películas de temas y estilos muy diferentes, esperaba un proyecto más adelante, cuando pudiera entender mejor cuál era mi estilo personal”.

A pesar de los retos en la distribución y la demanda por parte de el cineasta y su equipo de recibir la mitad de los ingresos del film, Megalópolis generó un interés considerable en el circuito de festivales, y estuvo en negociaciones con el distribuidor francés Le Pacte hacia su lanzamiento sin comprometer su estreno en cines en Francia, una exigencia del Festival de Cannes. Finalmente, el acuerdo se cerró y, a través de sus redes sociales, Le Pacte compartió el teaser oficial.

“Megalópolis” es un desafío para el cine actual

La película, que finalizó su producción el año pasado, ya se presentó ante un selecto grupo de jefes de estudio, distribuidores y compradores, generando una mixtura de opiniones. Mientras algunos lo tildan de extravagante e ingobernable, otros ven en él un desafío noble al panorama cinematográfico actual. “Hay una nobleza en lo desafiante que es Megalópolis”, comentó un alto ejecutivo, resaltando la visión única de Francis Ford Coppola.

Con secuencias que bordean lo absurdo y una exploración profunda de temas como el sexo, las drogas, la violencia y el futuro incierto de América, la historia parece desafiar las expectativas y convenciones narrativas. Una escena en particular, que incluye a Aubrey Plaza y Shia LaBeouf, ha sido motivo de conversación por su atrevida representación de la búsqueda del placer femenino, dentro de un contexto más amplio que critica la decadencia americana.

La pregunta sobre el destino de Megalópolis y cómo responderá Hollywood ante ella permanece. En cuanto a lo que se sabe, enfrenta desafíos en su búsqueda de un acuerdo de distribución que satisfaga las expectativas de Coppola, pero con ofertas para presentarse en todos los festivales de cine importantes. Hay una clara expectativa de que, además de su proyección en Cannes, tenga la oportunidad de ser el gran estreno del año.

Por ahora, no tiene una fecha de estreno confirmada, aunque su premiere será en el Festival de Cannes 2024, que iniciará el próximo 14 de mayo.