El evento Párense de Manos del sábado pasado reunió a fanáticos de las peleas en un ambiente marcado por la competencia y la energía intensa. Entre los duelos que captaron la atención, la entrada del periodista Manu Jove se convirtió en uno de los momentos más comentado de la jornada.

Alejado de los ritmos habituales que predominan en el ring, como el rock o el heavy metal, este participante eligió sorprender al público con la melodía “Chiquitita”, de ABBA. Este ritmo suave y dulce marcó un contraste fuerte con el entorno, donde predominan la fuerza y la rudeza.

“Quise entrar con ese tema porque todos tenemos un lado sensible. Y yo la protejo con el nuevo Dove Men All Body Deo: un desodorante para todo el cuerpo que no irrita. Si, incluso para la zona íntima”, dijo Jove tras la pelea, sobre la motivación detrás de esta decisión.

También roció todo su cuerpo con un desodorante, gesto no solo capturó la atención de los asistentes, sino que incentivó la conversación en redes sociales y medios sobre la diversidad de masculinidades posibles.

Sensibilidad en escenarios de fuerza

La puesta en escena de este periodista propuso otra mirada sobre la masculinidad. La canción elegida, frecuentemente asociada a la nostalgia y la ternura, abrió la oportunidad de debatir sobre una cualidad menos visibilizada en el mundo del deporte: la sensibilidad. En contextos donde la fortaleza física se valoriza, su propuesta remarcó la importancia de aceptar y resguardar todos los aspectos de la identidad masculina.

En este marco, Dove Men+Care aprovechó para reforzar su mensaje y misión: derribar estereotipos y acompañar a los hombres en el cuidado personal desde una perspectiva amplia. De hecho, la marca promueve la idea de que la sensibilidad puede formar parte de una identidad sólida, sin perder autenticidad ni fortaleza.

Innovación en desodorantes masculinos

La presentación en el evento sirvió como escenario para introducir el nuevo Dove Men+Care All Body Deo. Se trata de un desodorante formulado para ofrecer protección en todas las zonas del cuerpo, no solo en las axilas, como es habitual dentro del segmento masculino.

La innovación radica en una fórmula específica que puede aplicarse en el pecho, pies, espalda y en la zona íntima masculina, proporcionando control del olor sin generar irritación. Muchos hombres reconocen que tienen piel sensible, lo que inspiró a Dove Men+Care a desarrollar productos para diferentes tipos de piel y zonas del cuerpo, incluidas las más delicadas.

Entre los beneficios destacados del producto, figuran su compatibilidad con zonas sensibles, la ausencia total de alcohol y aluminio, y la inclusión de Vitamina E para proteger la piel. Asimismo, fue testeado dermatológicamente y brinda una sensación de frescura a lo largo del día.

De acuerdo con la campaña, el propósito es ofrecer una solución integral para el cuidado masculino que priorice tanto la eficacia como la salud cutánea.

Una campaña que busca cambio cultural

La activación formó parte de una campaña más amplia de Dove bajo el lema “Todos tenemos una parte sensible”. Incluye piezas audiovisuales que muestran diferentes situaciones cotidianas, donde la aparente dureza de los protagonistas se contrapone con gestos de sensibilidad inesperados.

El mensaje central de la campaña —“Protegela con el nuevo Dove Men+Care All Body Deo, control del olor en todo el cuerpo sin irritación”— busca, por un lado, resonar con hombres que desean cuidar de sí mismos sin caer en hechos rutinarios o limitaciones culturales.

Por otra parte, apuesta por la funcionalidad de un producto que es idóneo para proteger las partes sensibles del cuerpo. Con esto, la marca apunta a desarmar prejuicios y posicionar el autocuidado como signo de confianza y salud personal.

El lanzamiento de Dove Men+Care All Body Deo propone una nueva etapa en la categoría de desodorantes para hombres. Hasta el momento, la mayoría de las alternativas se limitaban a las axilas y no contemplaban otras áreas que también requieren protección y cuidado.

La marca identificó esa falta y desarrolló un producto apto para su uso en todo el cuerpo, incluso en las regiones más sensibles. Así, la innovación se centra en dar respuesta a una necesidad concreta, alejándose de fórmulas tradicionales y adaptándose a los hábitos y demandas del hombre actual.

Para más información, se puede ingresar aquí.

La experiencia comenzó de manera distendida en el lobby del hotel, con un video en el que Ángel, entre risas, pregunta a su compañera: “¿Vos sos Lucía Galán?”. Lucía, siguiendo el tono de broma, responde primero con un “Perdón” y luego agrega, en falso inglés: “No hablo español”. Ante la consulta de Ángel sobre su profesión, la cantante afirma: “Sí, soy cantante”. La charla avanza entre guiños y humor cuando él quiere saber el destino del paseo: “¿A dónde vamos?”, a lo que Lucía anticipa: “Voy a ver ABBA” y tararea una melodía del grupo. Ángel, divertido, comenta: “Está adentro y te la sabés”, y Lucía, con picardía, remata: “Uh, me las sé todas”.

Luego de ese intercambio espontáneo, ambos se dedicaron a recorrer la ciudad y a compartir con sus seguidores imágenes en puntos icónicos como Covent Garden. Las fotos reflejan su buena sintonía, posando relajados entre la arquitectura clásica y los coloridos arreglos florales que caracterizan al tradicional barrio londinense. El paseo por la ciudad sirvió como antesala para el gran momento del viaje: la función de “ABBA Voyage”.

La llegada al teatro se vivió con la expectativa y la energía de los grandes conciertos. De Brito y Galán documentaron el instante con fotos del distintivo bus del espectáculo y capturas de la atmósfera cargada de fanáticos listos para homenajear al legendario cuarteto sueco. La noche de música selló un capítulo especial de complicidad y alegría para ambos, mezclando turismo, cultura pop y pasión por el espectáculo en un encuentro que quedará grabado entre sus mejores recuerdos fuera de la agenda laboral.

Desde que comenzó sus vacaciones, las redes sociales del conductor se convirtieron en una exclusiva galería visual de su periplo por distintas ciudades, con especial foco en la capital británica.

En su habitual tono descontracturado, el periodista permitió a sus seguidores acompañarlo a través de fotos y postales urbanas que retratan la vida cotidiana y los paisajes emblemáticos de su recorrido. Según mostró, el viaje incluyó referencias culturales, paradas gastronómicas y momentos de ocio en espacios reconocidos de Reino Unido.“Ahora, Londres”, escribió en su perfil.

El itinerario europeo de Ángel quedó reflejado en una secuencia de imágenes que comenzó en los pasillos de un aeropuerto extranjero. La primera de las postales muestra el fuselaje naranja y blanco de un avión de easyJet, símbolo de las aerolíneas que conectan las principales ciudades del Viejo Continente.

Uno de los puntos destacados fue la visita al musical Hamilton, instalado desde hace varias temporadas en el West End londinense. El afiche luminoso de la producción se volvió un testimonio del recorrido artístico de De Brito, que se sumó así a las miles de personas que cada año acuden a los grandes espectáculos teatrales del país.

Durante el paseo, también se acercó a la zona del Palacio de Buckingham, residencia oficial de la monarquía británica y sitio emblemático para el turismo internacional. Las publicaciones incluyeron varias selfies en distintos puntos de la ciudad, como, por ejemplo, en una avenida comercial londinense, con tiendas y banderas nacionales al fondo. El periodista también capturó panorámicas del área identificada digitalmente como London Bridge, donde se distingue la arquitectura característica del barrio y las obras en construcción.

La lista está encabezada por ‘All Apologies’ de Nirvana. El tema está incluido en el álbum In Utero de 1993. Cobain escribió esta canción dirigiéndose tanto a Courtney Love como a su hija, Frances Bean. Para muchos, este track logra transmitir con especial nitidez el malestar interno y la rabia del músico, a la vez que se entrelaza con una profunda declaración de amor hacia su familia.

Según The Independent, el mensaje contenido en esta canción supera la tragedia personal de Cobain y subraya la permanencia del afecto más allá de la ausencia física. Apenas seis meses después del lanzamiento, el artista se quitó la vida y dejó atrás de sí un tema que muchos consideran imprescindible para comprender el significado de su legado artístico.

El listado continúa con Nine Inch Nails, ‘Hurt’. El tema, escrito e interpretado por Trent Reznor, hace un retrato directo de la autodestrucción y el sufrimiento, elementos presentes desde la primera grabación. Si bien Reznor nunca precisó si el trasfondo hace referencia al consumo de heroína, el texto y la atmósfera de la canción transmiten una carga emotiva que oscila entre el dolor y una poesía sombría.

Joy Division con su hit ‘Love Will Tear Us Apart’ da continuidad al ranking. “¿Por qué el dormitorio está tan frío volteado de tu lado?, ¿Mi sincronización es tan imperfecta, nuestro respeto se ha agotado?“, cita la letra. El sencillo, escrito por Ian Curtis, refleja matices de su propia experiencia personal, marcada por la crisis matrimonial y una inminente tragedia.

La canción sobresale por una combinación de melodía vibrante y una lírica de gran vulnerabilidad. La composición no transmite un mensaje sombrío en sí mismo, sino que transforma su tristeza en una pieza conmovedora, donde la humanidad del autor adquiere toda su dimensión.

Arcade Fire, ‘Sprawl II Mountains Beyond Mountains’ continúa la lista. Junto a la voz de Régine Chassagne, la canción aporta una atmósfera única. La melodía logra materializar emociones latentes y anhelos de escapar de la uniformidad.

El ranking, presentado por The Independent, sigue con Beyoncé, ‘Formation’; Laura Marling, ‘Ghosts’; LCD Soundsystem, ‘Losing My Edge’; Leonard Cohen, ‘So Long, Marianne’; The Libertines, ‘Can’t Stand Me Now’; Kate Bush, ‘Cloudbusting’; Nick Cave, ‘Into My Arms’; The Sisters of Mercy, ‘This Corrosion’ y Sultans of Ping FC con ‘Where’s Me Jumper?’

Seguidamente, el medio español posicionó entre los mejores temas a ‘There Is a Light That Never Goes Out’, de The Smiths; ‘I’m On Fire’ de Bruce Springsteen; ‘Father Lucifer’ de Tori Amos; ‘Black Steel in the Hour of Chaos’ de Public Enemy y ‘Pools (Drank)’ de Kendrick Lamar.

Mientras la comunidad afroamericana afrontaba las consecuencias de políticas conservadoras, Prince decidió abordar en su tema principal cuestiones como la violencia asociada a las pandillas, la pandemia del sida, tensiones políticas y catástrofes naturales. Con este enfoque, el cantante dejó atrás su aislamiento creativo y presentó ‘Sign O ‘The Times’, una canción donde la reflexión social y el comentario sobre realidades urgentes pasaron a primer plano.

En el listado no podían faltar los Rolling Stones. Si bien tienen grandes letras, en 'Gimme Shelter’ recrean la atmósfera de inestabilidad y amenaza constante de la época. La composición captura el miedo y la incertidumbre de una sociedad al borde de la ruptura. Asimismo consolida el legado de Mick Jagger, Keith Richards y sus compañeros como cronistas musicales de un periodo turbulento.

Si de turbulencias se trata, David Bowie es uno de los artistas que, durante su vida, atravesó momentos turbulentos. Estos periodos fueron de gran inspiración para el músico a la hora de componer. ‘Station to Station’ es una de las canciones grabadas en los días más oscuros de Bowie. El músico lidiaba con su adicción a las drogas en Los Ángeles mientras buscaba refugio en las letras.

El ranking continúa con ‘Supersonic’, de Oasis; ‘Born Slippy’ de Underworld; ‘Landslide’ de Fleetwood Mac; ‘Graceland’ de Paul Simon; ‘Take a Walk on the Wild Side’ de Lou Reed; ‘Every Time the Sun Comes Up’, de Sharon Van Etten; ‘Gloria’ de Patti Smith; y ‘Hotel California’ de Eagles.

Thin Lizzy sigue el listado con ‘The Boys are Back in Town’. Le sigue Nina Simone con ‘Four Women’; St. Vincent ‘Digital Witnesses’; Frank Ocean con ‘Pink + White’. El ranking continúa con ‘Dinner at Eight’ de Rufus Wainwright; ‘It’s Alright Ma’’ de Bob Dylan; ‘The Winner Takes it All’ de Abba y ‘I Wanna Be Adored’ de The Stone Roses.

En los tres últimos puestos se encuentran ‘The World is Yours’ de Nas; ‘When I’m Sixty Four’ de The Beatles y Beck con ‘Loser’. Este último es uno de los éxitos más recordados de Beck. Surgió a partir de una autocrítica espontánea después de escuchar una versión preliminar del tema. El propio músico reconoció sentirse "el peor rapero del mundo" y se definió como “un perdedor”.

Esta percepción no solo alimentó el concepto de la canción, sino que inspiró el famoso estribillo que acabó identificando al tema. A pesar de la aparente falta de coherencia en la letra, la composición logra crear una atmósfera singular gracias a su escritura en flujo de conciencia, un recurso que genera magnetismo incluso en lo absurdo.

El impacto de Dancing Queen trasciende generaciones y fronteras. Desde su publicación en YouTube el 8 de octubre de 2009, el video ha acumulado reproducciones de usuarios en todo el mundo, con Brasil, Estados Unidos, México, Reino Unido, Francia, Japón, Italia, Filipinas, Polonia y Argentina como los países que más han contribuido a su popularidad. Este fenómeno global se refleja en los dos mil millones de espectadores registrados en YouTube que ven un video musical cada mes, según datos de la propia plataforma.

La noticia del récord ha generado reacciones emotivas entre los miembros de ABBA.

Anni-Frid Lyngstad, conocida como Frida, expresó su gratitud y sorpresa ante la magnitud del logro. En palabras de la artista, “¡mil millones de veces! ¡Mil millones de visualizaciones en YouTube! Nos emociona que tanta gente quiera ver y escuchar Dancing Queen, ¡y además es una de las casi 300 canciones que han alcanzado esa cifra!”.

Frida también compartió un recuerdo personal sobre la creación de la canción: “mi recuerdo más preciado de Dancing Queen es cuando Benny, tarde en la noche, regresó a casa después de un duro día de trabajo en el Estudio Polar, después de grabar la pista de acompañamiento de lo que sería la base en la cuál más tarde Agnetha y yo pondríamos en nuestras voces, lloré escuchándola, ¡ya entonces me pareció simplemente perfecta! Y supimos que sería un éxito, porque nos encantó cada parte y aún nos encanta. Así que gracias de corazón por compartir nuestro amor por esta canción tan especial y ¡sigan disfrutándola para siempre!”.

Qué dice YouTube sobre el éxito mundial de Abba en 2025

El director de YouTube Music para África, Medio Oriente y Europa, Dan Chalmers, destacó la relevancia de este acontecimiento para la industria musical y la memoria colectiva.

Según Chalmers, “Dancing Queen sigue siendo un referente cultural que evoca alegría instantánea. El hecho de que este hito se produzca casi 50 años después del lanzamiento original de la canción demuestra el papel crucial de YouTube al dejar a leyendas musicales como ABBA un legado que trasciende el tiempo. Dancing Queen tiene una audiencia verdaderamente multigeneracional, lo que consolida su estatus como una canción legendaria que ha sido adorada constantemente por los dos mil millones de espectadores registrados en YouTube que ven un video musical en YouTube cada mes”.

La historia de Dancing Queen se remonta a los Estudios Glenn en Estocolmo, Suecia, donde fue grabada por Benny Andersson, Björn Ulvaeus y Stig Anderson. Andersson y Ulvaeus también asumieron la producción del tema, que se lanzó como el primer sencillo del álbum Arrival. Desde entonces, la canción ha mantenido una presencia constante en la cultura popular, siendo versionada, utilizada en películas y celebrada en eventos de todo tipo.

El canal oficial de ABBA en YouTube, que cuenta con 5,63 millones de suscriptores, ha sido el punto de encuentro para nuevas y viejas generaciones de fanáticos. El catálogo musical de YouTube, que alberga 100 millones de canciones, incluye este tema como uno de sus mayores éxitos históricos.

ABBA: origen, éxitos y su impacto en la música pop

El grupo ABBA nació en Estocolmo en 1972, cuando sus integrantes Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstad comenzaron a colaborar musicalmente. El nombre del cuarteto surge de las iniciales de sus nombres.

El éxito internacional llegó en 1974, cuando ganaron el Festival de Eurovisión con la canción Waterloo, que marcó el inicio de su carrera global.

Además de Dancing Queen, otras canciones famosas de ABBA incluyen Mamma Mia, Take a Chance on Me, Fernando, The Winner Takes It All y Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight). Estos temas han sido parte del repertorio esencial del pop desde los años setenta y han sido versionados por numerosos artistas.

El legado de ABBA sigue vigente gracias a musicales como Mamma Mia! y el resurgimiento de su popularidad en plataformas digitales. En 2021, el grupo lanzó Voyage, su primer álbum en 40 años, acompañado de un espectáculo virtual en Londres.

La historia de Anni-Frid Synni Lyngstad, conocida mundialmente como Frida, una de las voces emblemáticas de ABBA, ha estado marcada por una sombra que contrasta con el brillo de los escenarios y la perfección de las armonías suecas.

“Éramos dos personas solitarias juntas”, confesó Frida a St Martin’s Press en una de las entrevistas recogidas en el libro The Story of ABBA: Melancholy Undercover.

Esta frase, cargada de melancolía, resume la infancia de la artista, quien creció en Suecia junto a su abuela, lejos de su madre y marcada por el estigma de ser hija de un soldado nazi en la posguerra europea.

El relato de Frida, detallado en la investigación de más de una década realizada por el periodista musical Jan Gradvall, revela una vida personal atravesada por el dolor y la resiliencia, en contraste con la imagen luminosa que proyectaba el grupo en los años 70.

La historia de Frida comienza en Ballangen, Noruega, el 15 de noviembre de 1945, cuando el país aún se encontraba bajo la ocupación alemana. Su madre, Synni Lyngstad, tenía 19 años y se había enamorado de Alfred Haase, un sargento alemán siete años mayor, que formaba parte del ejército nazi.

La relación entre Synni y Alfred no solo fue un romance en tiempos de guerra, sino que también estuvo marcada por el contexto político de la época.

El régimen nazi, bajo la dirección de Heinrich Himmler, había implementado en 1935 el programa Lebensborn, cuyo objetivo era fomentar la procreación entre soldados alemanes y mujeres de los países nórdicos ocupados, considerados ideales para la “raza aria”.

De acuerdo con la publicación, “durante la guerra, los soldados alemanes eran alentados a tener hijos con mujeres noruegas”, lo que situó a Frida en el centro de una política de ingeniería social que buscaba la dominación alemana.

La historia personal de Synni se complicó aún más cuando, en 1944, Alfred fue evacuado de Noruega y reveló a Synni que tenía esposa e hija en Alemania. Para entonces, ella ya estaba embarazada y, al no poder ocultar su estado, se convirtió en blanco de la hostilidad de su comunidad.

Las mujeres que mantenían relaciones con soldados alemanes eran conocidas como “colaboradoras horizontales” y sufrían humillaciones públicas: “A muchas les rapaban el cabello en público y les pintaban esvásticas en la cara”, relató Gradvall en su libro.

Synni y su madre, Anni, fueron obligadas a limpiar los edificios donde habían vivido los alemanes, mientras soportaban insultos y escupitajos en las calles. Tras el nacimiento de Frida, la situación se volvió insostenible.

La abuela Anni decidió emigrar con la niña a Suecia, mientras Synni buscaba trabajo en el sur de Noruega, con la esperanza de reunir a la familia en el futuro. Sin embargo, ese reencuentro nunca llegó.

El 28 de septiembre de 1947, Synni falleció a causa de una insuficiencia renal, cuando Frida aún no había cumplido dos años. La pequeña quedó al cuidado exclusivo de su abuela, quien, según el testimonio de Frida, no era dada a las muestras de afecto.

“No había abrazos ni besos”, recordó la cantante, quien sentía la diferencia al ver a sus compañeros de escuela recogidos por sus padres.

Durante su infancia, Frida creció creyendo que su padre había muerto en la guerra. “Cuando preguntaba por mi padre, me decían que probablemente estaba muerto”, relató Frida a St Martin’s Press.

Esta ausencia marcó su desarrollo emocional y su percepción de sí misma, especialmente al cargar con el estigma de ser llamada “hija de nazi” por parte de la sociedad sueca, que tampoco era ajena a los prejuicios de la posguerra.El destino, sin embargo, tenía preparado un giro inesperado.

En 1977, cuando Frida ya superaba los 30 años y ABBA se encontraba en la cima de la fama internacional tras su triunfo en el Eurovision Song Contest y éxitos como “Dancing Queen”, una joven alemana, hija del medio hermano de Frida, leyó una entrevista en la que la cantante mencionaba a su padre desconocido.

Sospechando que podría tratarse de su propio abuelo, la joven contactó a la familia y, tras confirmar la relación, se organizó un encuentro en la entonces Alemania Occidental. El reencuentro con Alfred Haase fue un momento de emociones encontradas para Frida.

“Pensé que era un hombre agradable, pero en realidad me resultaba extraño. Tenía 32 años, una familia y mis propios hijos”, explicó la artista.

La barrera del idioma también dificultó la conexión: “Además, yo no hablaba alemán en ese momento, aunque recibí ayuda de mi tía, que había conocido a Alfred durante la ocupación”, añadió Frida en su testimonio. La relación entre padre e hija nunca llegó a ser cercana.

“Obviamente, no desarrollamos el tipo de vínculo que podríamos haber tenido si nos hubiéramos conocido toda la vida”, reconoció la cantante.

Las tragedias en la familia de Frida

La vida de Frida no estuvo exenta de más tragedias. En 1998, su hija Ann Lise-Lotte perdió la vida en un accidente automovilístico en Estados Unidos, poco antes de cumplir 31 años.

Al año siguiente, su tercer esposo, el príncipe Heinrich Ruzzo Reuss von Plauen, con quien se había casado en 1992, murió repentinamente de cáncer a los 49 años.

La cadena de pérdidas se prolongó hasta el otoño de 2023, cuando su nieto Jonathan también falleció a causa de la misma enfermedad.

Frida ha reconocido que el dolor la acompañó durante años y que el proceso de recuperación fue largo y complejo.

“Me costó mucho tiempo volver a encontrar la alegría. Fueron muchos años de un dolor incomprensible”, confesó la cantante a St Martin’s Press, en una de las citas más conmovedoras recogidas por Gradvall.

El regreso de Mamma Mia! generó expectativas tanto entre los fanáticos como en la industria cinematográfica. En un escenario marcado por una proliferación de secuelas y reinicios, la confirmación del desarrollo de Mamma Mia! 3 destaca por la conexión emocional que la saga estableció con el público. Vanity Fair informó que la productora Judy Craymer confirmó que la tercera entrega está en marcha, con un guion ya escrito y el respaldo de figuras claves del elenco original, como Amanda Seyfried, quien manifestó su interés en volver a la ficticia isla de Kalokairi.

Amanda Seyfried: entre el cansancio por las secuelas y el cariño por la saga

La actriz, nominada al Óscar y protagonista de las dos primeras películas, expresó su escepticismo ante la tendencia de Hollywood de recurrir a secuelas y remakes. Según declaraciones recogidas por la revista, la actriz afirmó: “No es aterrador ni muy valiente hacer secuelas. Es solo por dinero y resulta frustrante”. No obstante, señaló que haría Mamma Mia! 3 “sin pensarlo dos veces”, destacando el vínculo especial que mantiene con la franquicia.

Durante una conversación con la actriz Rachel Brosnahan, protagonista de la nueva película de Superman, Seyfried ironizó sobre la cantidad de secuelas programadas para el verano de 2025, mencionando títulos como Jurassic World Rebirth, Superman y Los 4 Fantásticos: primeros pasos. A pesar de esa crítica, reafirmó su entusiasmo por una nueva entrega del musical basado en canciones de ABBA.

Judy Craymer confirma el proyecto y detalla su visión creativa

La productora Judy Craymer, figura clave en el éxito de la franquicia, confirmó a Deadline en mayo de 2025 que Mamma Mia! 3 está oficialmente en desarrollo. “Sabemos lo que queremos hacer, y sucederá”, aseguró Craymer. Aunque el rodaje aún no comenzó, el hecho de que el guion esté finalizado representa un avance importante para la producción.

Craymer sostuvo que el proyecto no responde simplemente a la lógica comercial de continuar una historia exitosa. “No se trata de secuelas o de rehacer cosas. Se trata de que la gente se involucre con los personajes... la película es importante para mí creativamente más que nada”, declaró. También destacó la necesidad de ofrecer al público una experiencia alegre, en contraste con la seriedad de muchas producciones actuales.

Elenco original y posibles regresos a Kalokairi

La noticia del desarrollo de Mamma Mia! 3 fue bien recibida por los miembros del elenco original. Christine Baranski, quien interpreta a Tanya, relató que conoció detalles sobre la posible trama durante una cena con Craymer en Londres. Asimismo, Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård mostraron disposición para retomar sus papeles, lo que aumentaría las posibilidades de reunir al elenco principal.

Uno de los aspectos que más expectativa generó es la posible participación de Meryl Streep. Su personaje, Donna, falleció entre la primera y la segunda entrega.

Rumores sobre nuevos fichajes y desarrollo de la trama

Junto al regreso del elenco original, se difundieron rumores sobre nuevas incorporaciones. Judy Craymer mencionó que la actriz y cantante Sabrina Carpenter podría sumarse al reparto. “Sería una diosa o algún pariente que se parecería mucho a Streep”, comentó la productora. Por su parte, Amanda Seyfried sugirió que Carpenter podría interpretar a su hija en la ficción.

Respecto al argumento, las especulaciones apuntan a diversas líneas posibles. Entre ellas, la infancia de Donny, el hijo de Sophie (personaje de Seyfried); el pasado de Ruby (interpretada por Cher); o incluso una nueva expansión del árbol genealógico de los personajes. Craymer, por el momento, optó por no revelar detalles concretos.

De musical a fenómeno cultural: el legado de “Mamma Mia!”

Desde su estreno en 2008, Mamma Mia! superó las expectativas iniciales y se consolidó como un fenómeno cultural. La primera película, ambientada en la isla ficticia de Kalokairi, combinó romance, comedia y música con notable éxito. Una década más tarde, Mamma Mia! Here We Go Again” amplió la historia alternando entre el pasado de Donna (interpretada por Meryl Streep y Lily James) y el presente de su hija Sophie, incluyendo a Cher en un papel relevante.

El atractivo de la saga se sostuvo por la conexión emocional con el público, la energía de los números musicales y la química del elenco.

Una apuesta por la alegría: el enfoque de Judy Craymer

En un momento en que la industria atraviesa dificultades y las secuelas generan debate, Judy Craymer defiende el valor creativo de la franquicia. “El cine está pasando por un momento difícil. No sería una gran y costosa película de Marvel, pero la gente iría”, afirmó la productora.

Craymer subraya que el objetivo de Mamma Mia! 3 es brindar una experiencia divertida y reconfortante. “La propiedad intelectual continúa... pero también porque creo que el mundo necesita otra experiencia divertida”, concluyó.

La tercera entrega de Mamma Mia! avanza con determinación, impulsada por el entusiasmo de su equipo y el deseo de ofrecer una nueva dosis de música y alegría a sus seguidores.

Décadas después de su apogeo, ABBA no solo conserva su vigencia, sino que amplía su influencia, como lo demuestra la publicación reciente de la biografía The Story of ABBA: Melancholy Undercover, escrita por Jan Gradvall. Según The New Yorker, la historia del grupo trasciende lo musical y se convierte en un fenómeno cultural que desafía el tiempo y las fronteras.

La vigencia global de ABBA: un fenómeno sin fronteras

La universalidad de ABBA se refleja en la diversidad de contextos donde su música sigue presente. The New Yorker describe cómo un remix de Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) suena en pistas de baile mediterráneas, mientras Happy New Year acompaña las compras en supermercados de Vietnam y Knowing Me, Knowing You es emitida en español por radios mexicanas.

Las presentaciones en vivo tampoco han desaparecido: desde homenajes en plazas públicas de Japón hasta teatros colmados en Johannesburgo, Sudáfrica, la música del grupo sigue convocando audiencias. La banda tributo Björn Again, una de las más reconocidas, asegura que fue invitada a actuar para Vladimir Putin, aunque el Kremlin lo desmiente.

En Londres, la experiencia se ha transformado con ABBA Voyage, un espectáculo en el que hologramas de tamaño real —los llamados ABBAtars— interpretan los clásicos del grupo junto a una banda en vivo, en un recinto construido especialmente para este propósito. Esta propuesta tecnológica refleja cómo ABBA ha sabido adaptarse sin perder su identidad.

De la formación al estrellato: la historia de ABBA

ABBA, conformado por los compositores y productores Björn Ulvaeus y Benny Andersson, junto con las vocalistas Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad, desarrolló su actividad principal entre 1972 y 1982. El grupo alcanzó la fama internacional tras ganar el Festival de Eurovisión en 1974 con Waterloo, inicio de una sucesión de álbumes que lideraron listas de éxitos globales.

El documental ABBA: The Movie, centrado en la gira australiana de 1977, ilustra la intensidad de la “ABBAmana”, con multitudes de seguidores y cobertura mediática constante.

Durante esa década, los dos matrimonios que formaban el grupo se disolvieron, aunque los integrantes mantuvieron una relación profesional, sin exponer detalles personales. Esta combinación de éxito, reserva y profesionalismo consolidó el mito del grupo, alejado de los escándalos que suelen acompañar a otras figuras del pop.

De la crítica a la reivindicación: la evolución de la imagen de ABBA

Pese a su popularidad, ABBA enfrentó escepticismo por parte de la crítica musical, especialmente en sus primeros años. The New Yorker señala que, mientras los Beatles lograron superar la percepción de superficialidad, ABBA fue considerado un producto comercial, sin autenticidad artística. En Suecia, algunos los calificaban como “tan muertos como una lata de arenque en escabeche”, en alusión a una canción satírica sobre una marca de conservas con su mismo nombre.

Los años ochenta resultaron complejos para los exintegrantes, cuyas iniciativas solistas y musicales no alcanzaron el éxito anterior. En 1989, siete años después de la disolución, el catálogo de ABBA fue vendido a PolyGram, con previsiones de ventas moderadas.

El resurgimiento en los años noventa y la consolidación como ícono pop

La situación cambió en los años noventa con el lanzamiento del recopilatorio ABBA Gold en 1992, que revitalizó el interés comercial y cultural por el grupo. Ese mismo año, U2 invitó a Ulvaeus y Andersson a interpretar Dancing Queen en un concierto, mientras el dúo británico Erasure publicó un EP con versiones del grupo. Incluso Kurt Cobain seleccionó a Björn Again como banda de apertura para Nirvana en el festival de Reading.

La producción literaria en torno a ABBA también creció, con biografías, memorias y estudios académicos, entre ellos Bright Lights, Dark Shadows: The Real Story of ABBA, de Carl Magnus Palm. Este renovado interés consolidó al cuarteto como un símbolo pop capaz de trascender modas y generaciones.

“The Story of ABBA: Melancholy Undercover”: una biografía diferente

En este contexto, Jan Gradvall publica The Story of ABBA: Melancholy Undercover, una obra que, de acuerdo con The New Yorker, se aleja del formato convencional para ofrecer un estudio amplio sobre los orígenes y el legado del grupo. Gradvall, quien ha entrevistado a los miembros durante más de diez años, adopta un enfoque digresivo y episódico, combinando relatos sobre canciones como Mamma Mia! con perfiles individuales: Andersson, como generador de melodías; Ulvaeus, introspectivo; Fältskog, como estrella reservada; y Lyngstad, como voz poderosa marcada por vivencias trágicas.

Traducido por Sarah Clyne Sundberg, el libro explora también el entorno cultural sueco que influyó en el grupo, desde los “raggare” —rockeros locales— hasta las “dansbands”, conjuntos que tocaban diversos géneros en bailes populares. Fältskog y Lyngstad comenzaron sus carreras en estas formaciones, cuyos elementos influyeron ocasionalmente en la música del grupo, como en I Do, I Do, I Do, I Do, I Do.

Universalidad y adaptabilidad: las claves del éxito de ABBA

La música de ABBA, hoy considerada universal y atemporal, emergió de un contexto local. En la Suecia de los años setenta, el país no era un referente musical internacional, dominado por el folk y las baladas alemanas. Antes de formar el grupo, Andersson integraba los Hep Stars, una banda de garage rock que versionaba éxitos internacionales para el público local.

La habilidad de ABBA para transformar influencias externas en un sonido propio fue clave. Waterloo, por ejemplo, nació del deseo de crear una canción con un título comprensible para el público internacional de Eurovisión, según explicó el mánager Stig Anderson.

El grupo eligió el inglés como idioma principal, priorizando su alcance global. Gradvall analiza este fenómeno y sostiene que el “inglés turístico”, una versión simplificada del idioma, se convirtió en la lengua común del pop, lo que permitió que canciones como Money, Money, Money o Dancing Queen fueran ampliamente entendidas.

La versatilidad de ABBA queda reflejada en su discografía, que abarca desde la chanson francesa de “Ring Ring” hasta incursiones en el glam, el prog-rock, la música disco y los ritmos tropicales. Antes de establecerse como grupo, sus miembros realizaron giras en formato cabaret, lo que impregnó su música de teatralidad y eclecticismo.

ABBA en el mundo: del comunismo a la cultura queer

El impacto de ABBA no se restringió a los países occidentales. The New Yorker destaca su sorprendente popularidad en el bloque comunista, impulsada por la presencia de cooperantes suecos en Vietnam tras la guerra, lo que convirtió a Happy New Year en un himno del festival Tết. En Polonia, una visita promocional motivó al gobierno a destinar todo el presupuesto de 1976 para música occidental a la edición de 800.000 copias del álbum Arrival.

En Australia, el décimo aniversario de la “ABBAmana” de 1977 originó noches temáticas en bares gay, mientras en Nueva York, DJs remixaban temas como Lay All Your Love on Me. Gradvall identifica en la cultura queer un motor clave del resurgimiento del grupo en los noventa. Así, ABBA logró insertarse tanto en espacios marginales como en la cultura popular dominante, al este y oeste del Telón de Acero.

Innovación y futuro: el espectáculo “ABBA Voyage” y la tecnología de hologramas

La capacidad de ABBA para reinventarse se evidencia en su apuesta tecnológica con ABBA Voyage, en cartel desde 2022 en Londres. El espectáculo utiliza avatares digitales de los miembros originales, quienes, ya septuagenarios y octogenarios, colaboraron activamente en el diseño de los movimientos de sus réplicas. Según contaron a Jan Gradvall, usaron trajes especiales y cascos de captura de movimiento para recrear las coreografías de los años setenta.

The New Yorker califica este espectáculo como una muestra de que ABBA ha creado una maquinaria de movimiento perpetuo en el pop, capaz de adaptarse y persistir mientras existan oyentes.

El legado inagotable de ABBA

La historia de ABBA, narrada por Jan Gradvall en The Story of ABBA: Melancholy Undercover y analizada por The New Yorker, revela a un grupo que ha superado su época y origen geográfico para consolidarse como fenómeno global.

Desde sus comienzos en la Suecia de los setenta hasta las actuales producciones con hologramas, la banda ha demostrado una capacidad singular para renovarse, manteniéndose vigente en la cultura popular. Como concluye Gradvall, la música de ABBA seguirá sonando mientras haya quienes deseen escucharla.

El anuncio, realizado durante el panel The Future of Entertainment en SXSW London, marca un nuevo capítulo en la relación entre la tecnología y la creación artística, según informó Rolling Stone.

Ulvaeus describió la IA como una herramienta poderosa que le permite explorar ideas y direcciones inéditas en la composición, aunque subrayó que la tecnología actúa como un colaborador más, no como el autor principal de la obra.

Un musical en construcción: la IA como aliada creativa

El proyecto de Björn Ulvaeus se encuentra avanzado, con aproximadamente tres cuartas partes ya completadas. Durante su intervención en SXSW London, el músico explicó que la inteligencia artificial fue integrada en su proceso creativo como si se tratara de “otro compositor en la sala”.

De acuerdo con Rolling Stone, Ulvaeus enfatizó que la IA no sustituye la labor humana, sino que funciona como un recurso para estimular la creatividad y superar bloqueos en la escritura.

“Es una herramienta fantástica”, afirmó Ulvaeus. “Es inimaginable poder intercambiar ideas con una máquina o un software que puede sugerirte diferentes caminos a seguir”. El artista detalló que, aunque evitó ofrecer detalles argumentales del musical, la colaboración con la IA le permitió experimentar con nuevas formas de inspiración y desarrollo de ideas musicales.

Ulvaeus aclaró que su enfoque no consiste en delegar la composición completa a la inteligencia artificial. “Existe la idea errónea de que la IA puede escribir una canción entera. Es pésima en eso, muy mala. Y gracias a Dios. También es muy mala con las letras. Pero puede darte ideas”, declaró el músico en The Hollywood Reporter.

Esta perspectiva sitúa a la IA como un complemento, capaz de aportar sugerencias que el compositor puede adaptar o descartar según su criterio artístico.

Limitaciones y potencial de la IA en la composición musical

El uso de la inteligencia artificial en la música generó tanto entusiasmo como escepticismo. Ulvaeus compartió su experiencia personal sobre las limitaciones de la tecnología, señalando que, si bien la IA puede ofrecer alternativas cuando un compositor se encuentra atascado, sus propuestas suelen carecer de profundidad o coherencia.

“Has escrito una letra sobre algo y te quedas bloqueado, y quieres que la canción tenga un estilo determinado. Entonces puedes pedirle a la IA que sugiera una continuación. Normalmente, lo que produce es basura, pero a veces hay algo que te da una nueva idea. Así es como funciona”, explicó Ulvaeus, según Rolling Stone.

El músico insistió en que la inteligencia artificial no reemplaza la creatividad humana, especialmente en la escritura de letras y melodías complejas. Su experiencia demuestra que la tecnología no es útil para generar obras completas de calidad comparable a las creadas por compositores experimentados. Esta visión matizada contrasta con la percepción de que la IA podría desplazar a los creadores humanos en la industria musical.

Un debate creciente: derechos de autor y la irrupción de la IA en la música

El anuncio de Ulvaeus se produce en un contexto de creciente preocupación entre los artistas sobre el impacto de la inteligencia artificial en la música y los derechos de autor. Rolling Stone afirmó que en mayo más de 400 músicos, entre ellos Elton John, Dua Lipa, Kate Bush y Paul McCartney, firmaron una carta dirigida al primer ministro británico Keir Starmer.

En la misma, los artistas solicitaron una actualización de las leyes de derechos de autor del Reino Unido para responder a los desafíos que plantea la IA.

La inquietud no se limita a los intérpretes. En diciembre pasado, una amplia coalición de artistas, editoriales y empresas de medios formó la Creative Rights in AI Coalition. Esta organización busca preservar las protecciones actuales de los derechos de autor, en un momento en que el gobierno británico explora nuevas oportunidades para la inteligencia artificial en el sector creativo.

Rolling Stone detalló que la coalición representa una respuesta coordinada de la industria ante la posibilidad de que la IA altere el equilibrio entre innovación tecnológica y protección de la propiedad intelectual.

El debate sobre la IA en la música se intensificó a medida que la tecnología avanza y se integra en procesos creativos de alto perfil, como el de Ulvaeus. Mientras algunos artistas ven en la IA una amenaza a su autoría y sustento, otros, como el miembro de ABBA, la consideran una herramienta complementaria que puede enriquecer la creación sin sustituir el talento humano.

Reflexiones de Ulvaeus: la IA frente al legado de ABBA

A pesar de su apertura a la tecnología, Björn Ulvaeus mantiene una visión crítica sobre las capacidades de la inteligencia artificial para replicar la esencia de ABBA. Incluso, el músico bromeó sobre la imposibilidad de que la IA componga una canción del legendario grupo sueco.

Ulvaeus también comparó, en tono humorístico, la eficiencia de la inteligencia artificial con la de su histórico compañero de composición, Benny Andersson. “La IA es más rápida y hace exactamente lo que le pides”, comentó el músico, según recogió Rolling Stone. Esta observación, cargada de ironía, ilustra tanto las ventajas como las limitaciones de la tecnología: la IA puede ejecutar instrucciones con precisión, pero carece de la intuición y el genio creativo que definieron la música de ABBA.

El uso de la inteligencia artificial por parte de Ulvaeus se inscribe en una trayectoria de innovación tecnológica del grupo sueco, que ya había experimentado con hologramas en presentaciones recientes. Ahora, la integración de la IA en la composición musical abre nuevas posibilidades y desafíos para la industria, en un momento en que la relación entre creatividad, tecnología y derechos de autor se encuentra en el centro del debate global.

Hassabis fue el ponente estrella de la primera jornada del festival de tecnología, cultura y creatividad SXSW London, que se celebra en Londres hasta el 7 de junio, en su primera edición europea tras su fundación en Estados Unidos en 1987.

Google DeepMind trabaja en esa AGI, con la meta de poder usarla "para resolver los problemas fundamentales de la ciencia, ya que, si se desbloquean, se abrirían nuevas ramas de descubrimiento o aplicaciones que antes no existían", afirmó.

Esta inteligencia artificial general, que sobrepasaría la actual inteligencia artificial limitada (ANI, en inglés), iría en la línea de AlphaFold, el modelo creado por él capaz de predecir la estructura de las proteínas, por el que consiguió con John M. Jumper el Nobel de Química en 2024.

"Creo que se necesita más de esto, por ejemplo en campos como la energía, en la ciencia de los materiales... Ello permitiría grandes avances en muchas otras áreas", declaró.

Preguntado sobre cuál sería su utopía en cuanto a los efectos de esta tecnología, respondió: "Creo que, si todo sale bien, llegaremos a una especie de abundancia radical".

"Si resolvemos problemas como la energía —puede ser de muchas maneras, baterías óptimas, mejores materiales solares, superconductores a temperatura ambiente...—, entonces tendremos un mundo donde quizás podamos curar muchas enfermedades, incluso todas, y dispongamos de energía limpia ilimitada", manifestó.

"Con suerte, se producirá una especie de máximo florecimiento de la humanidad", apostilló.

Hassabis señaló que, aunque nadie sabe con certeza cómo serán los próximos diez años, "lo único seguro es que habrá mucho cambio".

"Lo hemos visto varias veces en la historia, la Revolución Industrial, internet... Creo que esto será más grande, quizás como la electricidad, porque será capaz de transformarlo todo", afirmó.

El científico se mostró optimista de que los seres humanos avanzarán con los cambios, ya que "somos infinitamente adaptables", y recordó que los niños de ahora será "nativos de la IA como antes lo fuimos del internet o la imprenta".

Advirtió de que es importante que haya cooperación internacional para asegurar que la AGI se desarrolla basándose en valores éticos y que beneficia a todo el mundo.

Tras un exitoso debut, el SXSW London, que atrae a miles de personas de casi 50 países, continuará en los próximos días con charlas de personalidades como el exfutbolista español Cesc Fàbregas, actual entrenador del Como FC de Italia; el actor Idris Elba, que hablará sobre la creatividad como capital para el cambio; y Björn Ulvaeus, de ABBA, que reflexionará sobre 'El futuro del entretenimiento'.

El festival, cuya entrada cuesta entre 780 y 1.560 libras (925 a 1.850 euros), ofrece además proyecciones cinematográficas y actuaciones musicales en varios puntos del distrito Shoreditch, el barrio de moda en el este londinense. EFE

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Madrid, 27 may (EFE).- Con una primera parte muy melancólica, en una etapa marcada por la depresión y la ruptura, Aitana abre este viernes su 'Cuarto azul', un disco de búsqueda en lo musical y personal en el que la catalana se expone como nunca, como una continuación de su controvertido documental 'Metamorfosis'.

"De todo lo que se dijo (tras el documental), a mí lo que más me dolió fue lo de mi padre", se sincera en una entrevista con EFE, ante quienes criticaron cómo se desarrollaba su carrera y en concreto la preparación de este álbum, sobre todo cuando su propio padre le comentaba que no veía ningún éxito.

En ese sentido, ella lo tiene claro: "Es que yo quiero que mi padre me diga que no escucha una canción buena (si no la hay), porque es el tipo de comunicación muy real que tenemos".

Fue a él al que llamó cuando en noviembre se dio cuenta de que le pasaba algo. "Le llamé y le dije que quería ir al psiquiatra, que no me podía levantar de la cama. Vino corriendo y avisó a todo el equipo que daban igual los contratos: 'Mi hija no va a hacer nada en este mes para curarse y, si no se cura en un mes, los 234 que hagan falta'", rememora.

Será el público el que determine si convierte en "hits" los 19 cortes que amueblan este cuarto álbum de estudio de entre las 70 maquetas que acumuló, con colaboraciones de Myke Towers, Jay Wheeler, Danny Ocean o Ela Taubert, entre otros.

"Para mí es el más importante, porque es la primera vez que salgo de mi zona de confort; me he exprimido al cien por cien y no sé qué más hacer", señala tras haber colaborado con muchos más productores que solo Andrés Torres y Mauricio Rengifo, como en los exitosos '11 razones' (2020) y 'Alpha' (2023), entre ellos, Davide Rossi, colaborador habitual de Colplay.

Por su extensión y organización, 'Cuarto Azul' (Universal) son en realidad dos discos. "La primera parte es la más melancólica, de tristeza, de ansiedad, de angustia, también hablo de la muerte a través de la figura de mi abuelo al que nunca llegué a conocer", explica sobre un álbum con muchas baladas en parte por la depresión, como las atípicas 'Música en el cielo' o 'Cuarto azul'.

Niega asimismo que haya sentido pudor al desnudarse en cortes como 'Segundo intento' sobre su frustrado reencuentro con su expareja Sebastián Yatra. "Es que incluso cuando no he expuesto mi vida en mis letras, siempre se han inventado algo. Así que si se van a contar historias, mejor las cuento yo", repone.

Frente a quienes no entienden la gestión de su vida privada, defiende: "Yo no he dicho que no quiera contar mi vida. Lo que digo es que me da mucho pudor que me paren por la calle a preguntarme. Intento ser siempre la más educada, pero me da vergüenza real y mi trabajo no es dar declaraciones de con quién estoy. Si alguna vez lo hago, será a mi manera, en mis redes, en mi documental o donde quiera, pero en la calle es raro para mí".

La segunda parte del disco es, por oposición, la de "la diversión, la luz y un poco también la nostalgia", con temas más habituales para el público de Aitana como 'Conexión psíquica', piezas como 'Superestrella' en la que probó a vestirse un poco de ABBA o el final con 'La chica perfecta' junto a Alaska.

"Si no era con ella, no la sacaba", dice sobre un corte reivindicativo. "(Lo de encajar en el molde de la chica perfecta) es un poco culpa mía, porque yo misma he querido serlo", reconoce tras darse cuenta que, cuando empezó a escribir por ejemplo sobre sexo, veía resistencias. "Para mí es una forma de romper con eso, porque no quiero ser la chica perfecta", afirma.

Dueña de sus decisiones, niega a quienes repiten que es una muñeca en manos de la gran industria o incluso de su padre: "Él ha crecido en el campo, empezó a trabajar a los 12 años y le daba dinero a su familia porque su padre murió joven. Sabe lo que es trabajar y no llegar a fin de mes porque les ha pasado y quieren que sea consciente de la importancia del dinero".

Aitana tiene varios compromisos en vivo pendientes para concluir su fase de 'Metamorfosis', empezando por el concierto el 19 de julio en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona y los del 30 y 31 de julio en el estadio Metropolitano de Madrid, tras la odisea para reubicar sus citas originales en el estadio Santiago Bernabéu. EFE

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"Que haya transparencia sobre cómo se utilizan los sistemas de inteligencia artificial generativa y que haya remuneración es fundamental", señaló Badenes, en declaraciones a EFE.

El consejero delegado de Planeta acudió a un acto en la Eurocámara que organizaron las asociaciones de creadores europeos para hablar sobre el código de conducta que está preparando la Comisión Europea para los modelos de inteligencia artificial generativa.

El documento, de carácter voluntario, fijará las directrices que deberán seguir los desarrolladores de estos modelos para cumplir con la ley de inteligencia artificial de la UE, pero su tercer borrador ha recibido grandes críticas, tanto de los creadores, como de los eurodiputados que redactaron la norma, así como el ministro de Cultura de España, Ernest Urtasun y el secretario de Estado de Portugal.

Todos ellos creen que esa versión del código de conducta -que Bruselas ha retirado ya- no garantizaba que las grandes plataformas respetasen los derechos de autor a la hora de entrenar sus modelos de inteligencia artificial y avisaron, además, de que ponía en riesgo la protección de los derechos fundamentales.

Badenes subrayó que en Europa se publican 800.000 libros al año, frente a los 300.000 en Estados Unidos y los 200.000 en China y aseguró que "el hecho de no remunerar adecuadamente los contenidos" haría que la cifra en el continente europeo fuera "mucho menor".

No obstante, dijo que tienen "muchas esperanzas" de que la versión definitiva del documente proteja la propiedad intelectual, después de los temores que ha expresado el sector.

En este sentido, apuntó que de la misma manera que las editoriales han negociado y llegado a acuerdos con las plataformas electrónicas para vender libros a través de internet "esa experiencia (...) debería servir también para este caso".

"Somos optimistas, porque pensamos que en el pasado ya tenemos el germen de lo que podría ocurrir", subrayó.

Por contra, Björn Ulvaeus, cofundador del grupo ABBA, aseguró, en declaraciones a la prensa que la forma en que la Unión Europea está regulando la inteligencia artificial "es inaceptable".

Ulveaus dijo que la inteligencia artificial "es una herramienta fantástica" y que si "hubiese existido", la habría utilizado para componer 'Waterloo', la canción con la que ganó el festival de Eurovisión en 1974.

"Los creadores no tienen miedo de la inteligencia artificial, pero tienen miedo de perder su modo de vida" señaló el cantante y compositor de ABBA, quien manifestó que "la era de la IA ni tiene, ni debe construirse a base de trabajos que ya tienen unos derechos de autor".

Ulveaus se reunió hoy con la presidenta del Parlamento Europeo, Roberta Metsola, para expresarle su visión sobre el código de conducta y mañana lo hará con el comisario europeo de Cultura, Glenn Micallef. Unos encuentros a los que también acudió la cantante española Alice Wonder, en representación de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).

"Lo importante es que quede claro todo el patrimonio que realmente se puede perder y diluir y el dinero que se puede perder a la larga", si no se protegen los derechos de autor ante la IA, dijo Wonder, en declaraciones a EFE.

El eurodiputado socialdemócrata Brando Benifei, uno de los ponentes de la ley de inteligencia artificial que ha aprobado la UE, afirmó que se está "en un momento muy delicado", sobre la aplicación de la normativa, y reclamó "una remuneración justa" a los autores.

La Comisión incumplió el plazo del 2 de mayo que estableció la ley de inteligencia artificial para aprobar el código de conducta y a día de hoy solo se compromete a adoptarlo antes del 2 de agosto, cuando deben entrar en vigor las normas que regulan los modelos de IA generativa. EFE

Madrid, 24 ene (EFE).- La demanda de destinos turísticos 'pet-friendly', adaptadas para la participación de mascotas, es una tendencia que crece pero "no ha terminado de calar" en el mercado, al menos en el representado en la 45 edición de la Feria Internacional de Turismo (Fitur) que se celebra estos días en Madrid.

Así lo han explicado a EFE los portavoces de distintos pabellones presentes en IFEMA, como los de la empresa hotelera ABBA, para los cuales el alojamiento con mascotas "aún se está empezando a desplegar, pero está más presente en áreas rurales y de montaña que en las zonas urbanas".

Muchas agencias de viaje sí cuentan con opciones de filtrado de alojamientos o actividades concretas entre las que se incluye la admisión de mascotas e incluso orientadas a su participación, pero a pesar de esta adaptación para disponer de una oferta inclusiva, no son muchas las ofertas específicas que planteen la idea de viajar con un animal de compañía como centro de la experiencia turística.

Una de las empresas que aspira a ocupar este nicho de mercado es DogInquieta, incluida en Fitur dentro de la exposición de Extremadura Turismo, que ofrece viajes adaptados para mascotas por Extremadura, Portugal, Huesca, Asturias y Castilla y León.

Otro ejemplo es el de Jerez de los Caballeros (Badajoz), cuyo alcalde, Raúl Gordillo, ha presentado en la feria una iniciativa específica para presentar la localidad como "amiga de las mascotas" a la hora de conocer y disfrutar su patrimonio, entorno natural y gastronomía.

Entre las acciones impulsadas por el municipio pacense en este sentido figura una señalización específica en edificios públicos, establecimientos y monumentos o la creación de un refugio de animales.

A la contra, diversos atractivos turísticos como el Camino de Santiago, aunque se desarrollen al aire libre, tienen algunas restricciones a la hora de permitir la compañía de animales dado que, salvo en tramos concretos, los albergues no suelen permitir el acceso a mascotas. EFE

Paulina Rubio se posicionó entre las principales tendencias de redes sociales, pero no polémicas sobre su vida personal, sino por la nueva canción de Miley Cyrus: End of the World.

Y es que varios fanáticos mexicanos de la estrella estadounidense detectaron supuestas similitudes entre la canción End of the World y un icónico tema que la exintegrante de Timbiriche lanzó 1992: Mío.

• “Ya acepten que si se parece a la de Pau."
• "Si no tienes oído musical, no vas a ver el parecido."
• “De lejos se escucha que es parecida a la de Paulina Rubio."
• "Mío y End Of The World si suenan similares."
• “También se la dedicó a Erik Rubín.”

Según los internautas, ambas canciones comienzan con el mismo ritmo, pero son diferentes en el resto.

Existe la posibilidad de que las artistas usaran un sample similar, ya que es una práctica común en la industria musical a nivel mundial; sin embargo, hasta el momento ninguna de las dos se ha pronunciado al respecto.

¿Miley Cyrus y Paulina Rubio le copiaron a Abba?

La canción de La Chica Dorada no fue la única que fue comparada con el nuevo tema de Miley Cyrus, pues lo mismo paso con Mamma Mía de Abba, aunque en menor cantidad.

• "Amo a Paulina, pero si van a hablar, el verdadero sample es de ABBA: Mamma Mia."
• “Me encanta que Miley y Paulina usen el sample de ABBA , la verdad las tres son una joya.”
• "Miley se inspiró en Abba ni al caso Paulina Rubio."
• “¿Qué fue primero, la canción de ABBA o la de Paulina? se acabó la discusión."

¿Cuándo se estrena Something Beautiful, el nuevo álbum de Miley Cyrus?

La exestrella Disney lanzó End of the World como un adelanto de su nuevo álbum Something Beautiful, el cual se estrenará el próximo 30 de mayo.

"Es más experimental que todo lo que hice antes, pero de una manera pop que amo”, aseguró en entrevista para Harper’s Bazaar.

Luego de un año de haberse alejado del personaje que marcó una etapa fundamental en su carrera, Marisol Otero regresa con la energía renovada y la convicción intacta. “Cuando Ricky me lo propuso, no dudé. Pensé: ‘sí, sí, sí’. Es así”, cuenta sobre la invitación que recibió de Ricky Pashkus, director de la puesta actual, para sumarse nuevamente al elenco.

El desafío de volver a ser Donna

Volver a interpretar a Donna Sheridan en Mamma Mia! no fue una decisión que Marisol Otero tomara a la ligera.

El personaje de Donna marcó un antes y un después en su carrera y en su vida personal. “Ya sé que nunca me despegué tanto del personaje”, admite entre risas, recordando cómo el rol se convirtió en algo más que un trabajo.

Para Marisol Otero, volver a subirse al escenario y cantar los clásicos del grupo musical sueco es reencontrarse con una parte fundamental de sí misma.

Sin embargo, volver a la obra tras el paso de Florencia Peña por el protagónico implicó una responsabilidad adicional. Marisol lo enfrentó con respeto y entusiasmo. La experiencia y el recorrido de los últimos años la posicionan ahora con una mirada renovada: “Es de a poquito”, comenta, aludiendo al proceso de reencuentro con el personaje y con el público.

En esta nueva etapa, Otero valora especialmente la oportunidad de reencontrarse con compañeros de elenco y con un equipo que considera como una familia artística. “Gente tan linda, tan hermosa. La verdad, estoy súper contenta”, repite con una sonrisa que se percibe en su rostro y tono de voz.

“La música de ABBA es algo que te genera una alegría y una emoción que no pasa de moda”, destaca, convencida de que es precisamente esa energía la que mantiene viva la conexión con el público. Para ella, tanto la película como la obra teatral tienen un efecto que trasciende generaciones. “La historia es muy buena”, dice. “El escenario de la película es un paisaje maravilloso, las canciones, la historia, todo”, agrega mientras enumera los aspectos que siguen emocionando tanto a los artistas como a los espectadores.

En cada función, Marisol Otero busca transmitir esa conexión personal y cultural al público. “Me encanta. No me lo voy a perder”, asegura sobre la nueva temporada que está por comenzar. Su objetivo es que cada espectador viva la experiencia como ella la siente: intensa, cercana y profundamente alegre.

Esta temporada, la obra se presentará en un teatro, el Auditorio de Belgrano, que Marisol describe con entusiasmo: “Es hermoso. Ese lugar donde está ubicado es precioso”, le cuenta a Teleshow, ilusionada con volver a conectar con el público desde un espacio que invita a quedarse y disfrutar. La expectativa es alta, tanto para el elenco como para quienes los acompañan en cada función. “La idea es quedarse hasta cuando sea”, afirma sobre el compromiso con el proyecto, sugiriendo que esta etapa podría extenderse si el público responde como esperan.

El regreso también implica un desafío logístico: ensayos, preparaciones técnicas y la organización de todo el equipo. Pero Marisol parece disfrutar cada parte del proceso. Para ella, esta vuelta a los escenarios es un esfuerzo conjunto donde cada detalle suma: “Justamente adelantaron todo lo que necesitaban tenerlos”, explica sobre el cronograma acelerado que manejan para llegar a tiempo con todo.

Y aunque el vértigo es parte del trabajo, la actriz se muestra tranquila y entusiasmada. “Me encanta”, repite varias veces a lo largo de la conversación. La pasión y la dedicación de Marisol Otero parecen inagotables, y eso se refleja en la energía renovada que siente el elenco en cada ensayo.

Entre la música y los nuevos proyectos

Aunque el regreso a Mamma Mia! marca un hito en su carrera teatral, Marisol Otero también está inmersa en nuevos proyectos musicales. En paralelo a la obra, prepara el lanzamiento de un nuevo disco que, según cuenta, tiene un estilo diferente a lo que ha mostrado hasta ahora. “Es un estilo de música que tiene que ver más, por ahí, con algo nacional. Algo más electrónico”, explica, mostrando su entusiasmo por explorar otros géneros sin dejar de lado sus raíces.

El exitoso musical “Mamma Mia!” regresa a Buenos Aires a partir del 16 de abril, donde se presentará en el Auditorio Belgrano, uno de los teatros más innovadores del circuito artístico de la ciudad. Este retorno forma parte de una serie de éxitos que el musical ha cosechado a nivel nacional e internacional. Después de tres exitosas temporadas en Carlos Paz, Buenos Aires y Mar del Plata, junto a una gira por el país, “Mamma Mia!” vuelve a la capital argentina con un elenco de lujo.

Esta nueva temporada está marcada por un importante cambio en el rol protagónico. Marisol Otero, quien ya ha sido parte de la producción hace una década, tomará el lugar de Florencia Peña, quien lideró la función durante los últimos dos años. Otero es una de las artistas más destacadas del género musical en Argentina, lo que promete una interpretación de alto nivel, acompañada de otros artistas como Alejandro Paker y Carna Crivelli, quienes completan el elenco de esta nueva edición.

Elenco y producción

En esta nueva temporada de “Mamma Mia!” en Buenos Aires, uno de los aspectos más destacados es el cambio en el elenco principal. Luego de dos años de liderazgo por parte de Florencia Peña, quien encabezó la producción en el rol protagónico, el musical da paso a Marisol Otero, quien interpretó a la protagonista hace una década. Otero es ampliamente reconocida por su talento en el género musical, lo que genera grandes expectativas sobre su actuación.

Por otra parte, Ricky Pashkus, uno de los más importantes directores y coreógrafos del país, se encarga de la dirección general, mientras que la dirección artística estará a cargo de Pashkus junto con Florencia Peña y Rocío Pardo. La producción integral será realizada por Miguel Pardo a través de “Pardo Producciones”, asegurando un nivel de excelencia en todos los aspectos del espectáculo. Además, la coreografía estará bajo la supervisión de Vero Pecollo, y la dirección vocal será responsabilidad de Matías Ibarra.

“Mamma Mia!” es un musical que se ha destacado no solo por su historia encantadora, sino también por las canciones que lo componen, todas ellas pertenecientes al icónico grupo sueco ABBA. Las canciones clásicas de ABBA, como “Dancing Queen”, “Take a Chance on Me” y “Mamma Mia”, son la columna vertebral de la narrativa, y están diseñadas para hacer cantar y bailar al público mientras disfrutan de una historia llena de emoción, humor y una atmósfera mediterránea única.

La trama de la historia tiene lugar en una isla griega, donde una joven llamada Sophie está a punto de casarse y sueña con tener a su padre presente en el día de su boda. Sin embargo, hay un detalle: no sabe quién es su padre, ya que su madre, Donna, tuvo relaciones con tres hombres diferentes durante un corto período de tiempo. La búsqueda de Sophie por descubrir la identidad de su padre y la reacción de Donna ante la posible revelación son los motores de una historia cargada de risas, drama y momentos inolvidables.

Impacto mundial de “Mamma Mia!”

Desde su debut en Londres en 1999, el musical se ha convertido en uno de los más exitosos y aclamados del mundo, alcanzando un fenómeno global con más de 75 millones de espectadores en todo el planeta. Esta producción no solo ha conquistado los escenarios de teatro, sino que también ha trascendido con sus adaptaciones cinematográficas, llevando la historia y la música de ABBA a audiencias aún más amplias.

El musical ha sido una referencia de éxito tanto en el ámbito teatral como en el de la música, y su influencia ha alcanzado países de todos los continentes, convirtiéndolo en un verdadero ícono del teatro musical. Además de las representaciones en ciudades clave como Londres, Nueva York y Sydney, “Mamma Mia!” ha realizado giras internacionales que han recorrido diversos países, haciendo que su magia llegue a un público diverso y entusiasta.

La capacidad de “Mamma Mia!” para mantenerse relevante y continuar cautivando al público durante más de dos décadas se debe a varios factores: la atemporalidad de las canciones de ABBA, la universalidad de la historia, y la calidad de su producción. El musical logra conectar con espectadores de todas las edades, generando tanto emoción como diversión.

La Cineteca Nacional de la Ciudad de México se convertirá en una pista de baile retro. Fanáticos de ABBA tendrán la oportunidad de cantar a todo pulmón Mamma Mia, Dancing Queen y otros clásicos del cuarteto sueco durante la proyección de ABBA - The Movie.

La película, dirigida por Lasse Hallström, es una joya del cine musical que captura la fiebre desatada por el grupo durante su gira por Australia en 1977.

Más allá de los espectaculares momentos sobre el escenario, la cinta también sigue la historia de un disc jockey de radio que atraviesa 10 ciudades en un intento desesperado por conseguir una entrevista con los múbiles artistas.

¿Cuándo y a qué hora será la función de ABBA en la Cineteca?

La cita es el viernes 14 de marzo a las 19:30 horas en la Cineteca Nacional. La proyección será en el Foro al Aire libre, por lo que será gratuita y promete reunir a seguidores de todas las edades, desde quienes vivieron el auge de la banda hasta nuevas generaciones que han descubierto su música a través de musicales y plataformas digitales.

Dada la popularidad del evento, es recomendable llegar con anticipación para asegurar un buen lugar, especialmente si la proyección se realiza en un espacio abierto.

Un antecedente: la función de Juan Gabriel que desbordó la Cineteca

No es la primera vez que la Cineteca Nacional se convierte en un punto de encuentro para los amantes de la música. En septiembre de 2024, la proyección de un concierto de Juan Gabriel en Bellas Artes atrajo a cientos de personas, superando por mucho el aforo del espacio asignado.

Fanáticos de todas las edades abarrotaron las áreas verdes y hasta la calle aledaña con tal de revivir el legado del Divo de Juárez.

La experiencia demostró que el público mexicano sigue disfrutando de estos eventos colectivos, donde la música se convierte en un lazo generacional y cultural. Ahora, con ABBA como protagonista, la historia podría repetirse. ¿Estás listo para ser parte de este nuevo fenómeno?

La película Mamma Mia!, estrenada en 2008, fue un éxito rotundo en taquilla, alcanzando una recaudación de 600 millones de dólares a nivel mundial. Protagonizada por Meryl Streep, el personaje de Donna conquistó a los fanáticos, quienes esperaban ver a la actriz de regreso en la secuela de 2018, Mamma Mia! Here We Go Again. Sin embargo, esto no ocurrió, ya que la producción fue una precuela y, además, se sabe que la icónica actriz, ahora de 75 años, evita repetir sus papeles.

A pesar de ello, Cher, quien interpretó a Ruby Sheridan, la madre de Donna, en la secuela, está convencida de que todavía hay espacio para el regreso de Streep en la franquicia. En una entrevista con Entertainment Weekly, la legendaria cantante expresó su entusiasmo por la posibilidad de una tercera entrega y confesó que le ha “suplicado” a Meryl que vuelva a interpretar su icónico papel.

La amistad entre ambas artistas se remonta a 1983, cuando trabajaron juntas en el filme Silkwood. Su estrecha relación ha llevado a Cher a pedirle, cariñosamente, a “Mary Louise” —el apodo con el que llama a Streep— que se unan en una futura entrega de Mamma Mia! para deleitar nuevamente al público.

“Sigo diciéndome: ‘Meryl, tienes que volver. Será divertido. Te lo pasarás bien. Podrás cantar’”, comentó Cher al hablar de su deseo de que Meryl Streep regrese a la franquicia de Mamma Mia!.

Además, la cantante destacó que participar en este proyecto fue una experiencia inolvidable para ella: “Fue increíblemente divertido y lo tomé como una broma, porque Mary Louise estaba allí y la amo. La idea de que yo fuera su madre era divertidísima”, señaló.

En cuanto a la posibilidad de que Mamma Mia! 3 llegue algún día a los cines, Cher reveló que hay conversaciones en curso: “Yo y los que están en el poder estamos hablando de ello. No sé cuándo lo harán, pero sé que están discutiéndolo”, comentó, manteniendo viva la esperanza de un nuevo capítulo en la historia.

Por su parte, Christine Baranski, quien interpreta a Tanya, compartió en una entrevista con The Hollywood Reporter en agosto que recientemente tuvo una cena con Judy Craymer, la creadora de la franquicia.

Baranski reveló que ya hay ideas en marcha, incluso una propuesta de historia: “Todos estaremos en alguna fabulosa isla griega o croata pasándola genial”, adelantó, dejando entrever que el espíritu festivo de la saga podría regresar pronto.

En mayo, Meryl Streep le contó a Deadline que una reunión sobre el regreso de su personaje para una posible tercera parte de Mamma Mia! era “inminente”: “No sé cómo lo van a hacer. Tienen una idea. Aún no la he oído, pero está en mi agenda y me enteraré muy pronto. Por supuesto que quiero hacerlo. Creo que a la gente le encanta”, expresó la actriz.

Por su parte, Judy Craymer, la creadora de la franquicia, confirmó a Deadline que una tercera película musical ya se encuentra en “etapas iniciales”, y por supuesto, desean que Streep regrese en su rol de Donna: “No quiero exagerar, pero sé que hay una trilogía allí. Hay una historia, y creo que Meryl debería regresar. Si el guion es el adecuado, lo haría, porque realmente le encantó interpretar a Donna”, señaló Craymer.

Sin embargo, no todos comparten la misma certeza sobre el futuro musical de la franquicia. Amanda Seyfried, quien interpreta a Sophie, expresó en una entrevista con Collider que uno de los desafíos podría ser la falta de suficientes canciones de ABBA para construir una nueva película: “No hay tantas canciones de ABBA como para crear una nueva película”, indicó.

“Me gustaría que hubiera una Mamma Mia 3 , pero te diré algo, lo he dicho antes y lo diré de nuevo y espero volver a equivocarme. No creo que haya suficientes canciones de ABBA para hacer una tercera película. Porque tendríamos que volver a utilizar ‘Super Trooper’ y tendríamos que volver a utilizar ‘Mamma Mia’ y tendríamos que utilizarlas de una forma diferente”, comentó.

Frida nació unos cinco meses después del final de la guerra, después de la desbandada nazi. Synni, su madre, tenía 19 años y había quedado embarazada de un soldado alemán, antes de que este fuera enviado de regreso a Alemania para intentar una última defensa ante el avance irremediable aliado. Una vez que se comprobó que los Aliados no entrarían a Europa por el norte, muchas de sus tropas fueron llevadas desde los países escandinavos a Alemania para reforzar sus maltrechos batallones.

El fin de la guerra trajo el oprobio para aquellas mujeres que se habían puesto de novias o que habían mantenido relaciones con los hombres de los invasores. Y primero la panza y luego esa bebé frágil y morocha eran la prueba evidente de la traición de Synni. Muchas mujeres fueron perseguidas, golpeadas, insultadas y hasta linchadas. Synni y su madre, la abuela de Frida, no fueron la excepción. Eran consideradas traidoras. No conseguían trabajo, no recibían ayuda alguna y hasta en muchos negocios se negaban a venderles alimentos. Las escupían e insultaban por la calle. A los dos años las mujeres decidieron emigrar, intentar empezar de cero en otro país. Viajaron a Suecia. Querían que la pequeña Frida creciera en otro ambiente.

Pero Synni enfermó y murió al poco tiempo. Muchos creen que la tristeza colaboró. La abuela y la pequeña Frida quedaron solas. “Estábamos muy solas. Yo estaba convencida de que había algo malo en mí. No tenía amigas, nadie me quería. Tal vez no merecía ser amada”, dijo Frida mucho tiempo después. Cuando la niña fue más grande mostró dos obsesiones. Por un lado, quería saber qué había sido de sus padres, por qué sus compañeros tenían y ella no. Por el otro lado, la música. Todo en su vida era cantar. Desde muy temprano mostró un talento natural en su voz. En el escenario se transformaba en otra persona.

La abuela, sin darle demasiados detalles de por qué vivían en Suecia, le explicó sobre la enfermedad de la madre y le dijo que su padre había muerto en el hundimiento de su barco por parte de un submarino al final de la guerra. Lo pintó como una especie de héroe de guerra, sin dar demasiadas precisiones.

Frida empezó a cantar profesionalmente a los 13 años. Al principio su repertorio estaba compuesto de standards de jazz en inglés. Después abordó múltiples géneros. Pronto llegó a la televisión sueca y a realizar habituales presentaciones en vivo. Ganó cuanto concurso existía en Suecia. Pronto llegó a la televisión sueca. Y obtuvo su primer contrato discográfico. Se casó joven y tuvo dos hijos pero el matrimonio duró muy poco. En una de sus presentaciones conoció a Benny Andersson, un joven músico y productor. Se enamoraron. Él sería una de las B de ABBA y su futuro marido.

Los dos conocieron a otra pareja de novios con disposición musical y con la combinación AB en sus nombres, Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog. Los cuatro conformaron ABBA, aunque en los primeros tiempos, Frida iba y venía del grupo; no estaba permanentemente con ellos. Ya tenía una sólida carrera solista y no se animaba a dejarlo de lado por el albur de triunfar con la nueva banda. En el momento en que ABBA ingresaba al estudio a grabar sus primeras canciones, Frida ya tenía editados un par de discos solistas (repletos de covers en sueco de éxitos del pop anglosajón) y había conseguido que dos de sus temas llegaran a la cima de los charts suecos.

Después vino lo que todo el mundo conoce. La conquista de Suecia, luego de Europa y por fin del mundo. Mamma Mía, Chiquitita, The Winner Takes It All, Waterllo, Fernando (la versión sueca fue primero un hit de la Frida solista), Dancing Queen y muchos más.

Discos de oro, de platino, tapas de revistas, tours globales, millones y también la exposición pública.

En 1977, una fan alemana luego de leer la historia de orfandad de Frida, descubrió que su tío Alfred Haase era el padre de Frida. Todos los datos cerraban. Se llamaba igual y Alfred había estado destinado en Noruega hasta inicios de 1945. Al principio Frida no creía que el dato fuera cierto. Estaba convencida de que su padre había muerto en medio del océano helado. Su marido Benny Anderson fue el que organizó el encuentro.

Alfred Haase estaba casado y tenía dos hijos. Se conocieron con Frida y se vieron unas pocas veces. Pero la relación no prosperó. Muchos años después, ya con ABBA separado, le preguntaron a Frida sobre su padre y dijo que pese a la separación y la distancia, si lo hubiese conocido en su infancia o adolescencia, la situación y el vínculo podrían haber sido diferentes. Pero que ella sentía que ya era muy tarde para conocerlo, que ya no lo necesitaba, que ese señor alemán era un completo desconocido para ella.

Después fue el tiempo de conectar datos y de la confesión de su abuela y de algunos familiares. Frida, siendo una estrella mundial, miembro del grupo más vendedor del momento, descubrió que había sido parte de un perverso programa nazi de eugenesia, el Lebensborn.

El programa pretendía expandir la raza aria por toda Europa. Se puso en marcha en los territorios ocupados por los nazis y era controlado por oficiales de las SS. Instaba a que los soldados alemanes y miembros de las SS tuvieron hijas con mujeres jóvenes de otras tierras. La única condición era que las mujeres fueran de raza pura, arias o nórdicas. El programa ofrecía desde asistencia económica, programas de adopción y creación de orfanatos para que los niños vivieran. Las madres recibían una especie de subsidio, ayuda económica para alimentos y pañales, o la seguridad de que sus hijos serían criados en un instituto del estado y dados en adopción. Las jóvenes que participaron en el programa muchas veces lo hicieron empujadas por la necesidad u obligadas por los oficiales alemanes que camuflaban violaciones y abusos dentro de la bolsa enorme e imprecisa del Lebensborn.

Poco importó. Al finalizar la guerra las mujeres que habían tenido o habían quedado embarazadas de soldados de las fuerzas nazis fueron denostadas por la población de sus países. Eso ocurrió con la madre de Frida, que ni siquiera pudo aprovechar los programas de asistencia porque su hija nació cinco meses después de la rendición alemana. Se calcula que en Noruega fueron alrededor de 8.000 los niños Lebensborn.

El programa también sirvió para justificar secuestros masivos de niños y deportaciones de miles de chicos polacos, entre otros.

Frida descubrió su origen siendo una estrella mundial. Siguió adelante y pocas veces quiso volver a hablar del tema. No ayudó que en el momento del primer contacto con el padre, cuando Benny Andersson, logró hacer viajar a Alfred Haas a Suecia, algunas revistas sensacionalistas alemanas consiguieron fotos del encuentro e información de esas reuniones iniciales. Ella siempre siguió utilizando el apellido de su madre.

El éxito produjo dentro de ABBA una implosión. Sin llegar a los extremos de escándalo de Fleetwood Mac, las dos parejas dentro de la banda se terminaron separando. Demasiada presión, demasiado tiempo juntos, demasiadas tentaciones y desgaste. Agnetha tuvo algunos ataques de pánico y severos problemas con el alcohol que logró superar varios años después. También Benny se convirtió en alcohólico. El grupo terminó separándose a fines de 1982 cuando ya la química parecía haberse extinguido y cuando las ventas de las nuevas grabaciones no eran tan buenas como antes, estaban lejos de monopolizar los rankings como un lustro atrás.

Frida eligió el perfil bajo durante mucho tiempo, se escondió de los flashes. Cuando a principios de este siglo varios ex niños Lebensborn noruegos iniciaron una acción colectiva contra el gobierno de su país, compulsivamente la pusieron a ella al frente de la campaña, como cara de la misma. Frida no había dado su consentimiento y pidió que sacaran su imagen, decidió no acompañar la petición que luego fue rechazada por los tribunales noruegas (aunque el gobierno le dio a cada uno de los actores una indemnización posterior equivalente a los 10.000 dólares).

Frida se convirtió en un miembro de la nobleza. Se enamoró y se casó con Henri Ruzo Reus von Plauen, un príncipe sueco. Fueron años de mucho amor hasta que la tragedia irrumpió en la vida de Frida. Su hija Anne Lise, del primer matrimonio de Frida, murió en un accidente de tránsito en Nueva York. Pero eso no fue todo. Un año después, el príncipe Reus murió de un cáncer linfático. Estaba por cumplir 50 años.

Frida acaba de cumplir 79 años. Vive en Suiza. En los últimos años hizo unas pocas apariciones benéficas y en alguna gala homenaje a ABBA. Prefiere pasar desapercibida y dejar atrás el pasado tumultuoso y trágico.

Estrenada en 2008, Mamma Mia! se convirtió rápidamente en uno de los musicales más icónicos del cine. Basada en las canciones de ABBA, la película, protagonizada por Meryl Streep, Pierce Brosnan y Amanda Seyfried, relata la historia de una joven que, a punto de casarse, invita a tres hombres que podrían ser su padre a una mágica isla griega. La combinación de la música del famoso grupo sueco, un reparto estelar y el impresionante escenario natural convirtieron al filme en un fenómeno de taquilla que sigue cautivando al público.

Pero además de las canciones pegajosas y la trama entrañable, la película destacó por su increíble escenario: una isla griega que parecía sacada de un cuento de hadas, con playas de aguas cristalinas, colinas cubiertas de vegetación y casitas blancas que relucen bajo el sol mediterráneo. A lo largo del film, este lugar se convierte en un personaje más, aportando su belleza natural y una atmósfera de ensueño que complementa perfectamente la alegre historia.

La verdadera isla detrás de Mamma Mia!

Entre las más de 6.000 islas que forman el archipiélago griego, Skopelos fue el idílico escenario griego que aparece en la película. Hasta antes de la llegada del equipo de producción de Mamma Mia!, era uno de los secretos mejor guardados del mar Egeo. Esta isla de las Espóradas, con su inconfundible combinación de verdes y azules, es un ejemplo de cómo la naturaleza y la arquitectura tradicional pueden coexistir en perfecta armonía.

Los frondosos bosques de pinos, olivos y viñedos se extienden hasta las playas de arena dorada, creando un paisaje de contrastes que parece diseñado para el cine. Estos elementos naturales, que se aprecian en numerosas escenas de Mamma Mia!, no solo aportan al esplendor visual de la isla, sino que también refuerzan su carácter único y sereno. Sin embargo, no son solo sus paisajes los que hacen de Skopelos un destino especial; su arquitectura también juega un papel fundamental.

Las casas blancas de una o dos plantas, con techos de tejas rojas o grises y ventanas de madera colorida, trepan por la ladera de la colina que domina la bahía. Este conjunto arquitectónico se ha mantenido fiel a sus raíces a lo largo del tiempo, en parte gracias a la falta de aeropuerto en la isla, lo que ha evitado que Skopelos se convierta en un destino turístico masificado. Así, los aproximadamente 6.000 habitantes que residen en la isla han logrado preservar la autenticidad de su hogar, permitiendo a los visitantes experimentar la verdadera esencia griega.

Además de su paisaje y arquitectura, Skopelos alberga un impresionante patrimonio religioso con más de 300 iglesias y ermitas. Estos templos están diseminados por toda la isla y muchos de ellos son verdaderas joyas arquitectónicas e históricas. Entre los más destacados se encuentra la antigua basílica de Agios Athanasios, que se erige sobre lo que una vez fue un templo dedicado a la diosa Atenea, lo que evidencia las profundas raíces mitológicas y religiosas de la isla. Otro lugar icónico es la iglesia de la Santísima Virgen, situada sobre una gran roca isleña cerca del puerto, evocando la icónica boda que se celebra en Mamma Mia!.

Curiosidades sobre Mamma Mia!: El musical que encantó al mundo

El éxito de Mamma Mia! no solo radica en su encantadora historia, un escenario inolvidable y la icónica discográfica de ABBA, sino que además en algunos detalles curiosos que rodearon la producción y que pocos conocen:

• Cameos de ABBA: los miembros de la banda sueca no podían faltar en una película basada en su música. Benny Andersson aparece tocando el piano durante la canción “Dancing Queen”, mientras que Björn Ulvaeus hace una breve aparición en la escena final, vestido como un dios griego.
• Colin Firth y James Bond: durante la película, el personaje de Colin Firth, Harry Bright, se presenta diciendo: “Soy Bright, Harry Bright”. Esta es una referencia al famoso “Soy Bond, James Bond”, lo que resulta curioso considerando que Pierce Brosnan, uno de los protagonistas, interpretó al agente 007 en varias películas de la franquicia.

• Una elección de reparto casi diferente: aunque es difícil imaginar a otra actriz en el papel de Donna, interpretado por Meryl Streep, otros nombres como Olivia Newton-John y Michelle Pfeiffer fueron considerados para el papel. Igualmente, para el personaje de Sophie, se pensó en Mandy Moore y Rachel McAdams antes de que Amanda Seyfried obtuviera el rol.
• Éxito taquillero sin precedentes: Mamma Mia! se convirtió en el musical de acción real más exitoso de la historia hasta que fue superado por “La Bella y la Bestia” en 2017. Recaudó más de 600 millones de dólares en todo el mundo, consolidando su estatus como una de las películas más queridas del género.
• El reto de Meryl Streep: a pesar de tener más de 60 películas en su haber, Meryl Streep confesó que protagonizar una comedia musical fue un gran desafío para ella. Se preparaba para algunos de sus números musicales cantando en su armario, preocupada de no estar a la altura. Como siempre, demostró que no hay papel que no pueda dominar.

El grupo estaba trabajando en lo que sería su cuarto álbum de estudio, Arrival, el cual Gradvall describe como ‘su primera verdadera obra maestra. ABBA enfrentaba presión después de un período de poca actividad tras su triunfo en Eurovisión 1974 con “Waterloo”, lo que significaba que sus sesiones de grabación se interrumpían constantemente por la necesidad de realizar giras promocionales.

Cómo fue la composición de “Dancing Queen”

Sobre la creación de “Dancing Queen”, Gradvall detalla que la canción fue grabada en agosto de 1975 y marcó el primer intento del grupo en el género disco. “La inspiración para el famoso ritmo vino de dos fuentes: una fue ‘Rock Your Baby’ de George McCrae, una de las primeras grabaciones de disco que había salido el año anterior; la otra fue el ritmo de New Orleans del álbum de 1972 ‘Dr John’s Gumbo’, que Roger Palm había estado escuchando”.

Gradvall dijo: “Estas dos plantillas eran americanas, pero cuando ABBA toca disco hay un sonido inconfundiblemente europeo. La canción abre con Benny pasando sus dedos por las teclas del piano Bolin, luego la canción comienza — y es siempre más lenta de lo que uno recuerda”. Este ritmo único se convirtió en parte integral del atractivo global de la canción y permitió que “Dancing Queen” subiera al número uno en las listas de éxitos en países como Estados Unidos, Reino Unido, Australia, Canadá, Irlanda, España, Portugal y Noruega.

Además, el libro revela que el título provisional de la canción era “Boogaloo”. Cuando se terminó la grabación, Björn y Benny se dieron cuenta de que habían creado algo especial. Lyngstad dijo: “Lloré cuando la escuché. Pensé que era increíblemente hermosa”. Por otro lado, Ulvaeus recuerda que cuando llegó a casa con la grabación, Fältskog estaba dormida, así que, en su lugar, fue a la casa de su hermana para reproducirla: “Se la toqué una y otra vez”, rememoró.

El impacto de “Dancing Queen” se extendió más allá de las listas de éxitos. Elvis Costello dijo que tomó prestado el estilo de piano de Andersson de “Dancing Queen” para su canción “Oliver’s Army”.

La canción fue incluida en el Grammy Hall of Fame en 2015 y es constantemente considerada una de las mejores canciones pop de todos los tiempos. Gradvall, conocido como uno de los periodistas musicales más respetados de Suecia, estableció una relación única con ABBA y apareció en dos documentales de la BBC sobre el grupo. Esta conexión cercana le permitió crear un relato detallado y profundo sobre la banda y su obra.

Cómo fue el paso de ABBA por Eurovision

ABBA, el famoso grupo sueco, ganó el Festival de la Canción de Eurovisión en 1974 con la canción “Waterloo”. Esta victoria se llevó a cabo en Brighton, Reino Unido, y marcó el comienzo de su éxito internacional. La canción se distinguió por su estilo pop pegadizo y su presentación visual colorida y enérgica, lo que les permitió destacarse y obtener una puntuación significativa que les aseguró el primer lugar.

La participación de ABBA en Eurovisión se considera uno de los momentos más icónicos en la historia del festival. La victoria no solo catapultó al grupo a la fama mundial, sino que también les abrió las puertas a una exitosa carrera musical que perdura hasta hoy. “Waterloo” se convirtió en un éxito de ventas en varios países y es reconocida como una de las mejores canciones de la historia del festival.

El grupo sueco ABBA solicitó al candidato presidencial republicano Donald Trump que cese el uso de su música y videos en sus mítines de campaña.

Éxitos de la banda como “The Winner Takes It All”, “Money, Money, Money” y “Dancing Queen” fueron reproducidos en un mitin celebrado por Trump y su compañero de fórmula JD Vance el 27 de julio en Minnesota, acompañados de videos, según informó el diario sueco Svenska Dagbladet, que tenía un reportero en el evento.

“Junto con los miembros de ABBA, hemos descubierto que se han publicado videos donde se utiliza la música de ABBA en eventos de Trump, y por lo tanto hemos solicitado que dicho uso sea inmediatamente retirado y eliminado”, declaró Universal Music, el sello discográfico de la banda, en un comunicado.

La discográfica añadió que no se había recibido ninguna solicitud de la campaña de Donald Trump, por lo que no se había concedido ningún permiso o licencia. Los integrantes de la agrupación se negaron a hacer comentarios, de acuerdo a lo que informó un representante a la agencia Reuters, añadiendo que apoyaban plenamente la declaración de Universal.

El uso de música en los mítines de Trump

Esta no es la primera vez que artistas se oponen al uso de su música en eventos del político repúblicano. Varios músicos o sus representantes han objetado que su música se reproduzca en actos de Trump a lo largo de los años, incluyendo al fallecido cantante y guitarrista estadounidense Tom Petty, la cantautora británica Adele, la banda de rock R.E.M, Rihanna, The Rolling Stones, The Village People, John Fogerty, Aerosmith, Linkin Park y Journey.

Recientemente, la artista canadiense Celine Dion y su sello discográfico presentaron una queja similar, calificando el uso de su actuación como “no autorizado”. El sello de la fallecida cantante y activista irlandesa Sinéad O’Connor también exigió en abril que la campaña de Trump dejara de utilizar su música.

Además, los herederos de Isaac Hayes están exigiendo 3 millones de dólares por el uso continuado de “Hold On, I’m Coming” en los mítines. Foo Fighters y Beyoncé también se han sumado recientemente a la lista de artistas que se oponen al uso de su música por parte del expresidente Donald Trump.

La controversia por imágenes IA de Taylor Swift

En otro frente de polémica, Trump compartió imágenes aparentemente generadas por inteligencia artificial (IA) de la cantante Taylor Swift en su red social Truth Social, sugiriendo falsamente que cuenta con el apoyo de la artista.

Una de las imágenes manipuladas por IA muestra a Swift como el Tío Sam con el texto “Taylor quiere que votes por Donald Trump”. Otras fotos muestran a supuestos fans de Swift con camisetas de “Swifties for Trump”.

Un portavoz de la campaña, Steven Cheung, declaró a CNN: “¡Swifties for Trump es un movimiento masivo que crece cada día más!”. Sin embargo, no existe actualmente un grupo oficial “Swifties for Trump”, aunque Taylor sí tiene fans conservadores y pro-Trump que han expresado su apoyo al ex presidente en sus cuentas individuales de redes sociales.

Es importante señalar que Taylor Swift respaldó a Joe Biden y Kamala Harris en su candidatura a la Casa Blanca en 2020. La cantante ha sido abiertamente partidaria de los candidatos y políticas demócratas en los últimos años, abogando por la comunidad LGBTQ y hablando frecuentemente sobre los derechos de las mujeres y la salud reproductiva.

En su documental de 2020, Miss Americana, la multipremiada estrella expresó su arrepentimiento por no haberse pronunciado antes sobre causas políticas. “Necesito estar en el lado correcto de la historia”, dijo en una escena emocional con su padre. En otra escena, Swift le dijo a su publicista que no le importa si se enfrenta a críticas por pronunciarse en contra de Trump.

Taylor Swift expresó en X (anteriormente Twitter) su desdén por Donald Trump en 2020. “Después de avivar los fuegos de la supremacía blanca y el racismo durante toda tu presidencia, ¿tienes el descaro de fingir superioridad moral antes de amenazar con violencia? ‘¿Cuando empieza el saqueo, empieza el tiroteo’??? Votaremos para sacarte en noviembre”, escribió.

A pesar de su publicación reciente con imágenes de IA, Trump parece reconocer que Swift no lo respalda realmente. En el nuevo libro Apprentice in Wonderland, le dijo al autor Ramin Setoodeh: “Creo que es hermosa, ¡muy hermosa! La encuentro muy hermosa. Creo que es liberal. Probablemente no le gusta Trump”.

En el marco de la celebración del segundo aniversario de ABBA Voyage, el espectáculo inmersivo con avatares digitales de la legendaria banda sueca ABBA, Björn Ulvaeus y Benny Andersson ofrecieron un evento especial con preguntas y respuestas ante miles de fanáticos en el recinto ABBA Arena de Londres.

Cuando el escritor Peter Paphides compartió una anécdota de Emily Eavis, organizadora del Festival de Glastonbury, acerca de cómo la canción “I Still Have Faith In You” la reconfortaba durante los preparativos del evento en 2021, Ulvaeus y Andersson se mostraron abiertos a la posibilidad de que la banda en vivo de ABBA Voyage se presente en Worthy Farm.

“Es una brillante idea. Son una gran banda, ¿por qué no deberían tocar?”, expresó. Mientras que Andersson bromeó: “Definitivamente. Tal vez si tocan en Glastonbury y necesitan un pianista adicional...”.

No obstante, Ulvaeus descartó llevar la experiencia completa de ABBA Voyage al festival, afirmando que es “demasiado complicada” debido a la integración de iluminación, sonido y efectos visuales.

Durante el evento, los integrantes de ABBA también comentaron sobre las bandas a las que les hubiese gustado pertenecer, con Björn Ulvaeus mencionando en broma a The Village People y Benny Andersson eligiendo a The Beatles. Asimismo, compartieron algunos de los momentos más destacados de su carrera.

Andersson resaltó ser incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y “esos pocos momentos en los que sabes que has escrito una buena melodía, lo cual no ocurre con frecuencia, tal vez unas 10 veces”.

¿Qué significó ganar Eurovision para ABBA?

Por su parte, Ulvaeus señaló: “Un gran momento fue ganar Eurovision. Hay que decirlo. La sensación después de darse cuenta de que ahora el mundo entero nos conocía y las posibilidades, el potencial. Fue absolutamente fantástico”.

Tras ganar Eurovisión en 1974 con “Waterloo”, ABBA se convirtió en uno de los grupos más populares de la década de 1970. Con éxitos como “Mamma Mia” o “Dancing Queen”, vendieron más de 400 millones de discos, posicionándose como uno de los más vendidos de la historia. El cuarteto sueco estaba, además, integrado por Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad.

Al ser consultados sobre si habían conocido a sus héroes compositores, Andersson relató un encuentro con Paul McCartney en el aeropuerto de Heathrow, cuando ambos se dirigían a Barbados. “Dijeron que estaban alquilando una casa”, recordó. “Nosotros nos hospedábamos en el hotel Sandy Lane. Dijo: ‘Vengan a almorzar’. Lo hicimos y pasamos un día maravilloso con Paul, Linda y los niños”.

Mientras que Björn, voz y guitarra de ABBA, habló sobre conocer a Pete Townshend de The Who: “Lo conocí en un bar. Dijo: ‘Creo que ‘SOS’ es la mejor canción pop jamás escrita’. Está interesado en la música folk, como yo. Hemos estado en comunicación”.

Cuando la icónica actriz Joanna Lumley les preguntó qué canción desearían haber escrito, Benny (voz, piano, acordeón y guitarra de la banda) mencionó el clásico villancico “Silent Night”.

Por su parte, Björn Ulvaeus brindó una respuesta más extensa. “Hay cientos de grandes canciones ahí fuera y sería maravilloso si fuéramos los autores de esas. Hay una canción maravillosa llamada ‘Smoke Gets In Your Eyes’ - probablemente no la has escuchado. O tal vez ‘Eine kleine Nachtmusik’”. Finalmente, Andersson bromeó diciendo: “O ‘Chirpy Chirpy Cheep Cheep’”.

En cuanto a ambiciones no alcanzadas, Ulvaeus mencionó “escalar el Monte Everest o algo así”, aunque aseguró que nunca tuvo una lista de deseos más allá de estar presente para sus amigos, familia y nueve nietos.

Benny Andersson, por su parte, afirmó: “Intento componer música todos los días. Lo he estado haciendo durante 60 años. Seguiré haciéndolo. Si surge algo, tal vez se lo envíe a Björn para que escriba algunas letras”.

El espectáculo homenaje ABBA Voyage continuará ofreciéndose hasta el 2026, con entradas disponibles en su sitio web oficial.