La adaptación cinematográfica de Elden Ring, el aclamado videojuego de FromSoftware, se perfila como el proyecto más ambicioso de la productora A24. Bajo la dirección de Alex Garland y con un elenco destacado, la película tiene previsto su estreno mundial en cines e IMAX el 3 de marzo de 2028. A pesar del hermetismo que rodea su desarrollo, las primeras imágenes del rodaje han suscitado todo tipo de especulaciones entre los fanáticos, revelando la presencia de personajes reconocidos y sugiriendo que el filme apostará por el tono oscuro y profundo característico de la obra original.

Imágenes filtradas y primeras impresiones del rodaje

Desde que UnBoxPHD, conocido por captar momentos de rodaje en grandes producciones, compartió las primeras imágenes del set, la expectación no ha parado de aumentar entre la comunidad. Las fotografías muestran a una mujer vestida con símbolos que remiten a Márika la Eterna, figura fundamental del juego, lo que ha generado debate sobre si se trata de la actriz Emma Laird. También se observa una escena donde el inquietante Zampaheces aparece encadenado mientras desfilan figurantes, en clara referencia a la crudeza y el imaginario visual de las Tierras Intermedias. Aunque el reparto oficial incluye nombres como Kit Connor, Cailee Spaeny, Jonathan Pryce y Ben Whishaw, la productora A24 aún no ha confirmado la asignación de cada personaje, lo que incrementa el misterio en torno al argumento preciso.

Junto a estos personajes emblemáticos, Kit Connor fue visto con vestimenta medieval bajo un abrigo, aunque todavía se desconoce a quién interpretará en pantalla. El secretismo es tal que ni siquiera los propios actores han realizado declaraciones sobre sus papeles. Sin embargo, estos detalles permiten prever que la atmósfera será fiel a la oscuridad y al simbolismo propios de la franquicia creada por Hidetaka Miyazaki y George R. R. Martin.

Dimensión de la producción para un universo singular

En un cambio inesperado para A24, hasta ahora asociada a proyectos de autor y presupuestos limitados, la adaptación de Elden Ring representa una de las producciones más grandes y costosas en la historia del estudio. De acuerdo con reportes de The Hollywood Reporter y Deadline, el presupuesto supera los cien millones de dólares y el rodaje principal se prolongará durante cien días, una cifra poco común para los estándares habituales del estudio. La magnitud de la inversión y el alcance de la filmación reflejan tanto la confianza depositada en este universo como el creciente interés que generan las adaptaciones de videojuegos tras el éxito de otras franquicias.

La experiencia previa de Alex Garland, responsable de películas como Civil War, parece haber sido determinante para obtener la aprobación del estudio y consolidar una preferencia por un tono adulto, más cercano a la decadencia y al trasfondo mitológico, en vez de una aventura heroica tradicional. El enfoque en personajes complejos y simbólicos desde las primeras fases del rodaje sugiere que la película no busca diluir la esencia del juego, sino más bien ampliar su costado oscuro y su riqueza visual.

Relevancia cultural y expectativas entre los seguidores

El interés en Elden Ring no se limita al estudio o al ámbito cinematográfico. Para miles de jugadores y aficionados a la saga Souls, la adaptación genera interrogantes sobre el grado de fidelidad que la película tendrá respecto al misterio y la densidad narrativa del juego original. Videojuegos como Elden Ring han sido reconocidos por su habilidad para crear mundos detallados en los que atmósfera, religiosidad y fatalismo son tan relevantes como la acción.

Las primeras imágenes han dado pie a diversas teorías, principalmente por la importancia de la simbología religiosa y la decadencia visual constatadas en el material filtrado. A diferencia de adaptaciones previas, en este caso se aprecia una voluntad de profundizar en los aspectos más complejos y perturbadores del universo de FromSoftware, lo que podría marcar una diferencia significativa en un contexto donde las adaptaciones de videojuegos para el cine atraviesan una etapa de bonanza y legitimación.

En términos concretos, la ambición del reparto y el presupuesto elevado anticipan una experiencia distinta para los espectadores, quienes podrán disfrutar la película tanto en salas convencionales como en formato IMAX. Además, se espera que la combinación de actores emergentes y figuras con trayectoria aporte matices interpretativos, haciendo justicia a la compleja variedad de personajes surgidos del trabajo conjunto de Miyazaki Hidetaka y George R. R. Martin.

El joven cineasta Curry Barker, conocido por su trabajo recientemente aclamado en Obsession, ha sido seleccionado por A24 para dirigir una nueva versión de la clásica película de terror La masacre de Texas. Este proyecto representa un avance significativo tanto en la carrera de Barker como en la industria del cine de horror en Hollywood, ya que se trata de una actualización de una de las franquicias más influyentes del género. La noticia, confirmada en exclusiva por Variety, coincide con el creciente interés en expandir la saga, que también contempla una serie de televisión en desarrollo, aunque contará con un equipo distinto al de la película.

Desarrollo profesional de Curry Barker

Curry Barker ha pasado en muy poco tiempo de realizar películas independientes y videos para YouTube a convertirse en uno de los nombres más prometedores dentro del cine de género. Su obra más reciente, Obsession, fue reconocida en festivales internacionales y adquirida por Focus Features tras una intensa competencia en el Festival de Toronto, alcanzando una suma de 14 millones de dólares. En Obsession, Barker explora los límites del deseo humano y las consecuencias trágicas de la obsesión amorosa, atrayendo así la atención de los grandes estudios. Su habilidad para combinar la tensión narrativa con la profundidad psicológica ha sido determinante en su rápido crecimiento profesional. Actualmente, se encuentra trabajando en Anything But Ghosts para Blumhouse, donde participa como director, coguionista y actor, demostrando una notable versatilidad.

El nuevo proyecto en A24 lleva a Barker desde sus humildes comienzos, marcado por un debut de apenas 800 dólares con Milk & Serial, hasta ubicarlo como el responsable de reinventar una franquicia icónica. Su colaboración con A24, que obtuvo los derechos de la saga en una disputada subasta, implica un enfoque creativo diferente para la propiedad intelectual, con la intención de atraer tanto a aficionados veteranos como a nuevas audiencias.

Evolución de la franquicia La masacre de Texas

La saga La masacre de Texas fue inaugurada en 1974 con la película homónima dirigida por Tobe Hooper y escrita junto a Kim Henkel. Esta producción se convirtió en un clásico inmediato del cine de terror estadounidense y generó un extenso legado que incluye nueve largometrajes oficiales, novelas, cómics y tres videojuegos. A lo largo de los años, el personaje de Leatherface, interpretado por Gunnar Hansen en la versión original, se ha consolidado como uno de los grandes íconos de la cultura popular y del cine de horror.

En la secuela de 1986, La masacre de Texas 2, Hooper regresó a la dirección, intensificando la naturaleza perturbadora y satírica de la franquicia. El canon se expandió con títulos como Masacre de Texas: La nueva generación, que en 1995 contó con las actuaciones de Renée Zellweger y Matthew McConaughey, quienes más tarde serían reconocidos en Hollywood.

El interés por renovar la franquicia resurgió en 2023 cuando A24 anunció la adquisición de los derechos, tras competir con estudios como Blumhouse. El objetivo principal es preservar la esencia del material original y, al mismo tiempo, actualizarlo para adecuarse a las sensibilidades actuales, tanto en estilo como en contenido.

Reacciones al nuevo proyecto y detalles iniciales

El anuncio de que Curry Barker dirigirá la nueva versión de La Masacre de Texas ha generado expectativas entre los seguidores del terror clásico y quienes observan la evolución del género hacia propuestas más sofisticadas y personales. Aunque los detalles sobre la visión de Barker para la cinta no se han hecho públicos, fuentes cercanas al proyecto afirman que se tratará de una reimaginación, es decir, irá más allá de un simple remake o secuela. Esto sugiere la posibilidad de explorar nuevas dimensiones psicológicas, enfocar más el trasfondo de los personajes y generar atmósferas inquietantes, algo característico de los trabajos previos de Barker.

La producción ejecutiva contará con destacadas figuras del cine de terror como Roy Lee y Steven Schneider de Spooky Pictures, junto a Stuart Manashil, Pat Cassidy, Ian Henkel y Kim Henkel, cocreador del filme original. Ben Ross de Image Nation también participará como productor ejecutivo. La combinación de expertos veteranos y nuevas voces busca garantizar un equilibrio entre la tradición y la innovación.

Simultáneamente, A24 está desarrollando una serie de televisión basada en la misma franquicia, dirigida por JT Mollner y producida por Glen Powell y Dan Cohen para Barnstorm. Aunque las versiones de cine y televisión avanzan por caminos creativos independientes, este desarrollo paralelo refleja el interés de la industria por revitalizar una propiedad que mantiene su relevancia cultural.

Significado cultural y expectativas ante el regreso de la franquicia

La Masacre de Texas ha dejado una huella en varias generaciones, abordando temas como el miedo, el aislamiento y la violencia irracional, impactando especialmente a espectadores jóvenes y a los aficionados del terror. Las adaptaciones a otros medios, como cómics y videojuegos, han ampliado la interacción del público con la franquicia. El regreso de Leatherface, bajo la dirección de un renovador del género como Barker, plantea interrogantes sobre el tratamiento de problemáticas actuales, tales como la ansiedad social y los límites entre víctima y victimario en contextos marcados por la incertidumbre.

La apuesta de A24 por propuestas innovadoras sugiere que el reinicio de La Masacre de Texas pretende ir más allá del impacto superficial, proponiendo un terror de autor que dialogue con preocupaciones contemporáneas. Para el público, esta estrategia abre la oportunidad de encontrar nuevas interpretaciones en un clásico, mientras los creadores asumen el reto de no distanciar a quienes consideran la película original como una obra intocable. Las expectativas, sobre todo entre aquellos que crecieron temiendo a Leatherface, son elevadas.

El proyecto aún se encuentra en etapas tempranas y no se han dado a conocer detalles sobre el elenco ni la fecha de estreno. Sin embargo, la apuesta de A24 y la incorporación de Curry Barker garantizan que la franquicia sigue activa y en constante evolución, preparada para sorprender a las nuevas generaciones.

El acuerdo con Prime Video se produce en un contexto donde los contenidos deportivos en clave ficcional vuelven a ganar peso entre las majors y las plataformas. La narrativa de Marty Supreme combina drama, comedia y el retrato de una subcultura urbana, articulando su atractivo tanto para audiencias especializadas como para el público generalista que responde bien a los biopics deportivos de nicho.

Marty Supreme, la película protagonizada por Timothée Chalamet, estableció un nuevo récord en la industria al convertirse en el mayor éxito de taquilla doméstica en la historia de A24, superando los USD 80 millones recaudados en Estados Unido. El film dirigido por Josh Safdie encabezó la temporada de premios con una amplia campaña, pero se retiró de la 98° edición de los Premios Oscar sin obtener ninguna estatuilla, pese a sus nueve nominaciones, incluida mejor película.

El fenómeno de Marty Supreme no se limitó a la performance comercial o a la expectativa crítica generada durante su promoción. El proyecto, que recreó el mundo del ping-pong profesional y las apuestas clandestinas en la Nueva York de mediados del siglo XX, impulsó a Chalamet a lograr su tercera candidatura al Oscar como actor principal. De este modo, el título superó la marca precedentemente ostentada por Everything Everywhere All at Once y profundizó la estrategia de A24 de expandir su catálogo en géneros híbridos de comedia dramática y biopics deportivos.

La cinta, inspirada de forma libre en la vida de Marty Reisman, sumó en el elenco principal a Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Kevin O’Leary, Tyler Okonma, Abel Ferrara y Fran Drescher. La producción se distinguió por un estilo visual elaborado y por la construcción de época, elementos que le aportaron reconocimiento crítico y una presencia continua en círculos especializados durante la temporada de premios. La performance de Chalamet como Marty Mauser fue calificada por numerosos analistas como una de las más precisas de su trayectoria.

Un caso singular en la temporada de premios y el posicionamiento de Chalamet

El paso de Marty Supreme por la 98° edición de los Premios Oscar evidenció la volatilidad de las campañas de premiación. Pese a acumular nueve nominaciones, incluyendo mejor director para Safdie y mejor actor para Chalamet, la producción no logró premios y se consolidó como uno de los grandes derrotados de la ceremonia. De acuerdo con la cobertura, su derrota resultó llamativa por el volumen de expectativas y el presupuesto invertido en promoción y lobby a lo largo de la temporada.

La nominación de Chalamet, sin embargo, fortaleció su posicionamiento industrial como actor principal recurrente en proyectos de alto riesgo y visibilidad internacional. La cinta confirmó su estatus como figura central de una generación de intérpretes asociados tanto al circuito independiente como al mainstream, y la decisión de Prime Video de incorporar el título refuerza la sinergia entre plataformas y estudios boutique en la gestión del afterlife digital de títulos con recorrido festivalero y comercial.

El Drama no es una comedia romántica. O al menos no una clásica como sugiere su póster promocional. Lo que vamos a ver tiene el sello del estudio que nos trajo Lady Bird, Hereditary, Minary o Vidas Pasadas. Es una película difícil de encasillar en un género y asegura debates durante la sobremesa. ¿Quién tiene razón? ¿Qué harías en su lugar?

La historia puede ser muy fácil de spoilear así que solo vamos a decir que Charlie y Emma se aman y están por casarse. Mientras cenan con dos amigos en uno de los últimos lugares para probar el catering surge una pregunta casi al pasar: ¿qué fue lo peor que hiciste en tu vida? Y esa noche cambiará todo.

La película está atravesada por la incomodidad en los diálogos y acciones de sus protagonistas a partir de ese giro narrativo. La relación que parecía casi perfecta durante las primeras escenas se convierte en otra cosa y entre sus aspectos más interesantes está lo impredecible desde el momento de la revelación, porque esto depende únicamente de las reacciones que van a tener los personajes involucrados.

Esta fue una de las primeras veces en mucho tiempo en donde la sala se sintió como una película evento de Marvel sin serlo. Estamos hablando de un film original y bastante indie (porque no deja de tener a dos estrellas como sus protagonistas) que logró generar una sensación bastante única en la sala. Los espectadores se unieron en risas incómodas y expresiones de asombro y hasta en miradas cómplices para compartir con el de al lado.

El cineasta noruego Kristoffer Borgli se caracteriza por combinar la sátira social y lo absurdo y ya lo había hecho en las recientes El Hombre de Los Sueños (Dream Scenario, 2023), y Enferma de mí (Sick of Myself, 2022). A su vez nos recuerda a temáticas que giran en torno a la incomodidad como disparador, como es el caso de Fuerza Mayor o Perfectos desconocidos.

Al igual que ocurrió con la segunda obra de Maggie Gyllenhaal, ¡La Novia!, este film también está teniendo críticas divisivas y abriendo un debate que comenzó con una fabulosa campaña de marketing. De una forma u otra, cualquier película que genere discusión tiene que ser celebrada y más si se trata de una idea novedosa y no de otro reboot o precuela.

El Drama tiene un guión sólido que se apoya en las interpretaciones de Robert Pattinson, Zendaya, Mamoudou Athie y Alana Haim para contarnos una historia que podría formar parte de los cortos de Relatos Salvajes.

Borgli, quien ha consolidado su perfil autoral con narrativas de humor oscuro y elementos de terror, aborda aquí un relato donde la vida de una pareja en la víspera de su boda se ve alterada por la irrupción de un secreto no resuelto. El guion propone un cruce entre elementos cotidianos y quiebres emocionales agudos, lo que distingue a la película de otros dramas románticos convencionales.

La narrativa despliega su acción en Baton Rouge, estableciendo un clima de inestabilidad donde el entorno y la situación laboral de los personajes principales contribuyen a la escalada de tensiones. Pattinson interpreta a Charlie Thompson, un británico recién instalado que trabaja en un museo local, mientras Zendaya da vida a Emma Harwood, ambos enfrentando la fragilidad de su relación cuando afloran sospechas y verdades ocultas en los días previos a su enlace.

A nivel de elenco, el proyecto suma créditos notables con la incorporación de Alana Haim, Mamoudou Athie, Michael Abbott Jr, Sydney Lemon y Hailey Gates, reforzando la estrategia de A24 de asociar nombres de distintas trayectorias al riesgo creativo de Borgli. El dato de que Ari Aster se ocupa de la producción agrega otra capa de interés industrial, considerando su experiencia previa en títulos de alto perfil para la compañía.

El riesgo narrativo y la estrategia de A24

La película aborda el quiebre de las idealizaciones románticas, siguiendo la tendencia reciente de A24 de invertir en historias donde los protagonistas atraviesan crisis existenciales antes que resoluciones convencionales. En este contexto, la vida doméstica y la presión social se entrelazan con elementos psicológicos, generando una estructura narrativa que prioriza las revelaciones internas y el choque entre expectativa y realidad.

La dinámica de Baton Rouge, ciudad estadounidense elegida como escenario, introduce aspectos culturales y logísticos en la trama. La decisión de situar a Charlie, migrado desde el Reino Unido y adaptándose a una vivienda aún sin descombrar, actúa como metáfora visual del proceso de descomposición emocional descrito en la película. Este detalle potencia la propuesta del director, quien ha señalado previamente que el escenario y la situación de los personajes cumplen funciones simbólicas dentro de su cine.

El equipo técnico y artístico responde a la lógica de experimentación de Borgli. La combinación de actores con experiencia en registros dramáticos y la elección de una duración ajustada —1h 46min— refuerzan el objetivo de un drama de tensión contenida y exploración psicológica. El título internacional confirmado es The Drama.

Esta película representa un caso de estrategia donde el contenido autoral se enlaza con el atractivo comercial de figuras como Zendaya y Robert Pattinson. El filme, con una duración de 1h 46min, fue concebido y desarrollado como un análisis de la intimidad y sus fracturas en el contexto previo a una boda. Se podrá ver en los cines de Argentina a partir del 9 de abril, el día de su estreno.

Ha sido todo un submundo digital en los últimos años, aunque tal vez el culto a los llamados espacios liminales no le diga nada al lector. “Lo liminal o liminar (del latín limināris) hace referencia a una zona de pasaje, a una puerta de entrada, al origen de una zona de ambigüedad en la que algo deja de ser lo que era para potencialmente poder transformarse en otra cosa. Convoca lo lindante, lo fronterizo, lo que pareciera continuo, pero que no lo es”, define el Instituto de Artes del Espectáculo de la Universidad de Buenos Aires.

En realidad, esta definición sacada de internet pertenece a un fenómeno que se ha desarrollado en foros y posts online: un laberinto interminable capaz de transmitir un malestar casi físico y que, como bien sugiere la propia definición, está formado por espacios en los que no se debe permanecer, sino atravesar. ¿Una especie de realidad alternativa?

Este concepto fue creado en mayo de 2019 en un tablón paranormal del sitio web 4chan, donde un usuario solicitó imágenes que le parecieran “extrañas o inquietantes”. Ahí, otro usuario envió una foto de una habitación inusualmente grande y diáfana con papel tapiz amarillo y luces fluorescentes y una maqueta del mismo tono, acompañándola de un breve texto que advertía de la existencia de un lugar al que se podía acceder “salíendose” de la realidad. A ese espacio se le dio un nombre: The Backrooms. A raíz de esto, internet se llenó de historias de terror relacionadas con ello, que un poco más tarde darían el salto a los videojuegos, a YouTube y ahora, al cine.

Ese salto lo firma ahora la productora y distribuidora A24, que ha convertido esta creepypasta en su nueva apuesta cinematográfica. Backrooms, protagonizada por Chiwetel Ejiofor, nominado al Oscar por 12 de años de esclavitud, y la también recién nominada Renate Reinsve por Valor sentimental, supone la llegada definitiva de este imaginario digital al cine de estudio. En España, este trepidante thriller de terror psicológico llegará a cines el 5 de junio.

Un niño prodigio

De las cosas más llamativas de la cinta no es el tema, es su director. Kane Parsons con apenas 20 años, se ha convertido en el director más joven en la historia del estudio. Su nombre, sin embargo, no surge de ninguna escuela de cine ni del circuito de festivales, sino de un lugar mucho más acorde con la naturaleza del propio fenómeno: YouTube.

Nacido en 2005, antes de aprender a montar en bicicleta, Parsons ya jugaba a videojuegos. En concreto, a Portal 2: con apenas seis años ya se pasaba horas recorriendo los interminables pasillos de la nada que ofrecía el juego. “Me hizo pensar en las sensaciones que los espacios pueden evocar en una persona”, dijo el joven cineasta para Dazed en 2024.

En 2015 abrió su canal de YouTube, Kane Pixels, donde empezó publicando vídeos de Minecraft y contenido más ligero, mientras en paralelo intentaba desarrollar sus propios cortometrajes. Esto le llegó a tener interés por los efectos visuales, primero con videojuegos como LittleBigPlanet y más tarde con programas como After Effects, que empezó a utilizar en 2017.

En 2022, con su pasión por los videojuegos y este fenómeno de por medio, publicó en YouTube un cortometraje de apenas nueve minutos titulado The Backrooms (Found Footage). Realizado íntegramente con el software Blender desde su casa, el vídeo proponía un recorrido en primera persona por un laberinto de habitaciones amarillas, estructuras imposibles y pasillos interminables. En tan solo 38 horas pasó de un millón a siete millones de reproducciones. Ahora el corto tiene más de 73,5 millones de reproducciones. Parsons no solo había traducido una estética, sino que había construido un lenguaje.

El interés de la industria no tardó en llegar. Fue entonces cuando A24, la compañía detrás de Marty Supreme, Sorry, Baby, Si pudiera te daría una patada o Pillion, entró en escena y un año más tarde, en febrero de 2023, apostaron por llevar esta historia al cine. Eso sí, la productora tenía que esperar a sus vacaciones de verano para comenzar el rodaje. Para entonces Parsons tenía 17 años y seguía en el instituto. Finalmente, el rodaje empezó cuando tenía 19 y culminó cuando tenía 20 hace unos meses.

“Me impresionó muchísimo. Cumplió 20 años durante el rodaje… Me encantó que no hubiera visto muchas películas; sus referencias son totalmente diferentes", dijo Reinsve para IndieWire hace unos meses. “Siempre intentaba preguntar cómo podía dar mejores indicaciones era tan humilde. Es una gran persona y un gran director, y tengo muchas ganas de ver la película”, añadió la actriz.

Ahora, por fin se ha estrenado el tráiler, con un guion que corre a cargo de Roberto Patino y Will Soodik. La cinta sigue a Clark (Ejiofor), investigando el descubrimiento de un portal dimensional situado en la trastienda de una tienda de muebles. Junto al personaje de Reinsve, que interpreta a su terapeuta, el reparto lo completan Mark Duplass, Finn Bennett y Lukita Maxwell.

De la viralidad en internet al cine

La historia de Backrooms tiene un origen poco convencional: surge de una creepypasta, un relato de terror creado por usuarios en foros como 4chan. Publicada por primera vez en 2019, la leyenda describe un universo alternativo hecho de oficinas desiertas, iluminadas por tubos fluorescentes y cubiertas por alfombras desgastadas, donde quienes atraviesan accidentalmente la “realidad” pueden quedar atrapados para siempre. El formato de video “found footage” (material encontrado) ayudó a popularizar la historia gracias a las producciones del joven cineasta Kane Parsons, quien dirigió la adaptación para el cine a pedido de A24.

La transición de la narrativa viral a la pantalla implica trasladar ese miedo difuso de internet a un relato audiovisual sólido, protagonizado por Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, y también Mark Duplass, Finn Bennett y Lukita Maxwell. Los protagonistas interpretan a personajes que descubren un espacio interminable y amenazante oculto tras una pared común de una tienda.

Estilo visual y trama perturbadora

La ambientación de Backrooms mezcla la nostalgia de los años noventa con la arquitectura repetitiva y monótona de oficinas suburbanas típicas de ese periodo. Los pasillos amarillos, con alfombras envejecidas y luces parpadeantes, evocan tanto la desorientación de los sueños como la ansiedad del encierro. En el tráiler, el miedo a perderse indefinidamente en el laberinto es central: una voz expresa, “a veces tengo miedo de no encontrar la salida”.

El guion, escrito por Will Soodik, toma elementos del material original y los amplía: mientras que en la versión inicial el protagonista era un joven cineasta, la película amplía el universo para ofrecer contexto a los exploradores que accidentalmente ingresan a este lugar imposible. Los personajes deben enfrentarse no solo a los desafíos espaciales, sino también a la posibilidad de que existen entidades no humanas al acecho en la oscuridad.

Equipo de producción de Backrooms

La película es fruto de la colaboración entre reconocidos estudios y productores. Entre los responsables se encuentran James Wan, conocido por la franquicia El Conjuro, Shawn Levy de Stranger Things, así como Dan Cohen, Dan Levine y Roberto Patino. El equipo de producción aporta experiencia en el cine de terror y ciencia ficción, y suma la creatividad visual de A24, un estudio reconocido por su enfoque innovador.

La cinta utiliza el lema “Everything Must Go” (todo debe irse), una frase con doble significado relacionada tanto con las liquidaciones comerciales como con el inevitable paso del tiempo y de las personas por sitios olvidados. En el contexto del tráiler, la expresión adquiere un tono siniestro al sugerir que no solo los objetos deben salir, sino también quienes quedan atrapados entre las paredes.

Repercusión cultural y expectativas del público

El fenómeno Backrooms ha tenido una gran resonancia entre adolescentes y jóvenes adultos, quienes ven en el concepto una metáfora del aislamiento y la desconexión propios de la vida moderna. La historia se viralizó inicialmente como un video de ocho minutos en YouTube, dando lugar a una multitud de imitaciones, memes y relatos alternativos en foros como Reddit y TikTok, lo que destaca el potencial de la película para atraer a una base de seguidores ya establecida.

La decisión de A24 de adaptar esta leyenda de internet con actores reconocidos consolida la influencia de relatos generados de manera colaborativa en la red en los medios tradicionales. Para el público general, Backrooms puede funcionar tanto como una mirada nostálgica a los años noventa como un reflejo de miedos contemporáneos: perderse, quedar olvidado o encontrarse con lo inexplicable en la rutina diaria.

Desde el punto de vista audiovisual, el avance de la película muestra una fotografía fría y una atmósfera opresiva, diferente a los efectos especiales de gran escala que caracterizan a otras producciones de terror, apostando en su lugar por el suspenso psicológico y la sugestión. Las primeras reacciones al tráiler han señalado el potencial de la película para ofrecer una experiencia intensa y desconcertante.

El regreso de El gran dragón blanco, conocida internacionalmente como Bloodsport, ha sido anunciado oficialmente. Michaela Coel, reconocida por la serie I May Destroy You, dirigirá, escribirá y protagonizará una reinterpretación del clásico que en 1988 convirtió a Jean-Claude Van Damme en una leyenda del cine de acción. En colaboración con la productora A24, el proyecto busca rendir homenaje y revitalizar una de las películas más influyentes en la historia del cine de artes marciales, generando una notable expectación incluso antes de conocerse detalles sobre el guion, el elenco o la fecha de estreno.

Expectativas ante el regreso de un clásico de las artes marciales

La noticia del regreso de El gran dragón blanco bajo la visión de Michaela Coel sorprendió tanto a los aficionados del cine de acción como al público general. La película original, dirigida por Newt Arnold, se estrenó en 1988 y elevó a Van Damme al estrellato gracias a su interpretación de Frank Dux, un luchador que participa en el Kumite, un torneo clandestino en Hong Kong sin restricciones de ningún tipo. La cinta es recordada por su atmósfera intensa, sus arriesgadas coreografías y la famosa patada voladora de Van Damme, que quedó como un ícono en la cultura popular.

La selección de Coel como directora, guionista y actriz responde a su trayectoria de innovación y sensibilidad narrativa, reconocida con tres premios BAFTA. Su interés declarado por el mundo de la lucha y la intensidad del deporte anticipa un enfoque renovado que podría atraer tanto a los seguidores de la versión original como a nuevas generaciones. El respaldo de A24, conocida por su apuesta en propuestas creativas y poco convencionales dentro del cine contemporáneo, refuerza la confianza en un proyecto ambicioso dentro de un género que ha experimentado diversas reinvenciones en los últimos años.

Actualmente, no se han presentado avances sobre el enfoque ni el elenco, por lo que la mayor incógnita es si la nueva El gran dragón blanco mantendrá la violencia y crudeza del torneo clandestino original o si actualizará su mensaje para adaptarse a los tiempos actuales, con perspectivas diferentes sobre la violencia y la representación. Lo cierto es que el anuncio ya ha generado debate sobre el rol de las nuevas versiones en el cine de acción y hasta dónde puede reinventarse una historia sin perder aquello que convirtió a la original en un fenómeno.

El impacto de Contacto Sangriento en el cine de acción y en el público

Desde su estreno, El gran dragón blanco se consolidó como un referente dentro del cine de artes marciales y acción, tanto por su argumento como por la influencia que ejerció en generaciones posteriores de películas del género. La historia de Frank Dux, supuestamente inspirada en hechos reales, cautivó a la audiencia con la idea del autodidacta perseverante que triunfa contra todo pronóstico en una competencia brutal y secreta.

La película original ofreció un espectáculo físico poco frecuente en aquel entonces, catapultando a Van Damme como un ícono. Su habilidad acrobática y destreza en artes marciales abrieron el camino para que otros actores similares encontraran un lugar en Hollywood. El Kumite, con su diversidad de luchadores y la ausencia de normas, reflejaba una fascinación por el combate y el honor, temas que posteriormente se repitieron en otras producciones.

Para el público en general, El gran dragón blanco marcó una época en la que las películas de artes marciales eran habituales en la televisión abierta y los videoclubes, influyendo en el imaginario colectivo sobre disciplina, fuerza y la idea de que una persona puede superar sus propios límites. Muchos recuerdan la película por sus memorables escenas de combate y por la autenticidad que transmitía Van Damme en pantalla, en contraste con los efectos especiales tan comunes en la actualidad. El carácter clandestino del torneo representaba también una especie de rebeldía y búsqueda de justicia fuera de los marcos convencionales.

Una propuesta que busca renovar el género de acción en la actualidad

El panorama actual del cine de acción y artes marciales ha evolucionado hacia producciones más tecnológicas, con efectos digitales y coreografías espectaculares, aunque a veces alejadas de la fisicalidad característica de las décadas de 1980 y 1990. La incorporación de Michaela Coel y A24 al proyecto sugiere un intento por recuperar la esencia del combate real y la tensión narrativa original, adaptándolas ahora a un público global y diverso.

Las reacciones en redes sociales y foros especializados muestran que la noticia despierta no solo nostalgia, sino también inquietudes sobre cómo se abordarán temas actuales como la representación de género, la inclusión y el tratamiento de la violencia. La participación de Coel, reconocida por su perspectiva innovadora y crítica de las narrativas tradicionales en televisión, añade un matiz contemporáneo a este remake.

Aunque aún no se conoce información sobre el reparto o el argumento, este relanzamiento pone de manifiesto una tendencia en la industria cinematográfica hacia revisitar clásicos bajo enfoques más diversos detrás de las cámaras. Para los espectadores, significa una oportunidad de reencontrarse con una película que marcó su juventud, o de descubrirla desde una mirada fresca. Mientras tanto, la versión original de El gran dragón blanco continúa disponible en plataformas como Movistar Plus+ y MGM+, lo que permite a las nuevas generaciones conocer el punto de partida de una de las historias más emblemáticas del cine de acción.

La trama se centra en una presentadora de pódcast escéptica que investiga sucesos paranormales tras recibir unas grabaciones inquietantes. Undertone se presenta como un ejercicio minimalista donde el miedo se construye sin recurrir a las fórmulas tradicionales del género.

Innovaciones en el diseño sonoro y creación de una atmósfera opresiva

Desde su primer tráiler, Undertone mostraba la intención de alejarse de los sobresaltos sencillos para adentrarse en una exploración sensorial del terror. La historia transcurre casi totalmente en un único espacio, reforzando la sensación de claustrofobia. Esta elección narrativa se sustenta en un diseño sonoro meticuloso: ruidos ambientales, murmullos distorsionados y voces siniestras conforman una capa auditiva que logra sumergir al espectador en una intensidad llena de adrenalina.

El director utiliza de manera estratégica el espacio negativo y un punto de vista restringido, inclinando cámaras y jugando con silencios, lo cual genera una ansiedad casi tangible. La propuesta de Ian Tuason busca que el público experimente, y no solo observe, el acoso psicológico que padece la protagonista. Tuason incrementa gradualmente la tensión, construyendo escenas pensadas para provocar ataques de pánico o una incomodidad persistente.

Minimalismo en la narrativa y su impacto en la audiencia

La historia se desarrolla a partir de la cotidianidad de Evy, quien comienza a notar que lo que escucha en las grabaciones que le entrega una pareja influye en su propia vida. Undertone administra el misterio de forma lenta pero constante. Así lo señalan algunos medios, quien compara el desarrollo de la trama con una vela que se consume durante la noche, lo que permite que la incomodidad crezca progresivamente hasta volverse difícil de soportar.

No sorprende que muchos espectadores y críticos hayan señalado que la película les causó un impacto físico. El conocido crítico Perri Nemiroff afirma que, en lo personal, “es la primera película en mucho tiempo que me ha quitado el sueño”, y que la última vez que experimentó algo similar fue con Actividad Paranormal, franquicia para la que Tuason dirigirá próximamente la octava entrega.

El estreno de Undertone, además, se realiza fuera de la temporada tradicional de estrenos de terror. A pesar de esto, obtuvo un 77% de aprobación en Rotten Tomatoes a partir de 87 reseñas, lo que confirma que su enfoque sensorial y psicológico ha resonado en una parte significativa de la crítica especializada. Por su parte, el público se enfrenta a escenas meticulosamente diseñadas para generar inquietud, lejos de los sobresaltos habituales del cine comercial de terror.

Respuestas diversas y debate crítico

El consenso entre los críticos no es unánime. Aunque la película ha recibido elogios por su capacidad de crear atmósferas densas e innovadoras, algunos consideran que el guion recurre a fórmulas ya conocidas.

El caso de Undertone demuestra cómo un enfoque minimalista, tanto en la narración como en el uso del sonido, puede dividir opiniones y abrir un nuevo debate en torno a las formas de provocar terror en el siglo XXI. Más allá de preferencias personales, los datos recopilados por portales especializados muestran que la película inaugura una tendencia centrada más en la estimulación sensorial que en lo visual, dejando al público y a la crítica con percepciones mixtas que oscilan entre el impacto físico y el emocional.

Como se aprecia en el adelanto, esta versión está muy lejos del forajido que “robaba a los ricos para dar a los pobres” y apuesta, en cambio, por una mirada brutal, violenta e introspectiva.

Según la sinopsis oficial citada por Variety, la película presenta a un Robin Hood que “lucha con su pasado después de una vida de crimen y asesinato”.

Este hombre no aparece en escena como un héroe popular, ni como un símbolo de justicia social; sino como “un solitario curtido por la batalla” que aparece “gravemente herido y en manos de una mujer misteriosa que le ofrece una oportunidad de salvación”.

“La gente habla de Robin Hood, cuenta sus historias. Todas son mentiras”, se escucha decir a una voz en off. Luego, otro personaje sentencia: “Él no era un héroe. Era un bandido asesino”.

La descripción monstruosa del propio Hood se retrata con uan sucesión de escenas dominadas por la brutalidad: ataques con flechas, golpes e incluso empalamientos. “He matado a tantos que no podría darte una cifra. Es una maldición”, menciona resignado.

El director Michael Sarnoski explicó que su enfoque busca confrontar la distancia entre la leyenda y la realidad.

Según declaró a Entertainment Weekly, este Robin Hood “fue un forajido asesino que hizo muchas cosas terribles y era bastante monstruoso. Pero ha vivido lo suficiente como para ver cómo se crea este folclore sobre él. Está tratando de entender cómo se siente al ser retratado como un héroe cuando sabe lo que realmente fue”.

Uno de los aspectos más comentados del tráiler es la transformación física de Hugh Jackman. El actor de 57 años porta una “enorme barba gris y largos mechones plateados” que ocultan gran parte de su rostro.

El actor de Wolverine explicó que el peso humano del personaje fue una variable importante para aceptar este rol. “Examina cómo el poder puede usarse para el bien o para el mal”, contó a Entertainment Weekly. “Robin Hood es un hombre real en nuestra historia. Con todas las cicatrices, el dolor, el arrepentimiento y, sí, el amor”.

Además de Jackman, The Death of Robin Hood tiene a Jodie Comer (Killing Eve, 28 Years Later) en su reparto como la misteriosa mujer que promete ayudar “a todos los que llegan a esta isla”. El director adelantó que ella introduce a Robin “a otro lado de la vida” y que “la danza entre esos dos aporta la sensibilidad a esta película”.

Bill Skarsgård (Nosferatu, It) encarna “una versión del pequeño Juan” (mejor amigo de Robin Hood), según detalla People, mientras que el elenco se completa con Noah Jupe (A Quiet Place, Honey Boy) y Murray Bartlett (The White Lotus, Welcome to Chippendales).

El tráiler también sugiere la presencia de una niña vinculada al personaje de Comer, cuyo pasado es igualmente oscuro.

The Death of Robin Hood fue rodada en Irlanda del Norte y cuenta con la producción de Aaron Ryder y Andrew Swett bajo el sello Ryder Picture Company, junto a Alexander Black para Lyrical Media.

A24 adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos tras su paso por Cannes en 2024 y se encargará del estreno doméstico, mientras que True Brit Entertainment la lanzará en el Reino Unido e Irlanda.

El estreno en cines está previsto para 2026.

Entre partidas por dinero en los parques de Nueva York, hazañas improbables y amistades con celebridades, Reisman transformó un pasatiempo de barrio en un fenómeno de culto. Su nombre, envuelto en anécdotas que combinan la picardía, el talento y la provocación, respira una segunda vida en la cultura popular gracias a una película que busca recuperar su leyenda, según The Sun.

Ahora, la vida de Marty Reisman será llevada a la pantalla con el estreno de “Marty Supreme”, la esperada película de A24 dirigida por Josh Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet. La cinta promete rescatar la leyenda del carismático jugador y acercar su historia única a nuevas generaciones.

Infancia, adversidad y el origen del mito

Nacido durante la Gran Depresión en un rincón humilde del Lower East Side de Manhattan, Reisman creció atravesando privaciones y desafíos. Su familia, de origen ruso, sufrió la ruina después de que su padre, Morris, perdiera una flota de taxis en partidas de cartas.

A los diez años, una crisis nerviosa lo llevó a pasar un mes en un hospital psiquiátrico, pero lejos de apagar su espíritu, aquel traspié fue el germen de su legado: en el ping pong encontró refugio, ambición y la puerta de entrada a un universo donde la astucia valía tanto como el talento.

El ascenso, la estafa y el escándalo

La habilidad de Marty para la competencia, y para el engaño, floreció desde su adolescencia. En los parques de Nueva York desafió a adultos con apuestas cada vez más altas, perfeccionando lo que él mismo definió como una “técnica de estafador”: convencer al rival de que era él quien tenía todo bajo control, solo para perder dinero ante el engaño involuntario de un joven prodigio. Pronto esa aura lo acompañaría tanto en la victoria como en la controversia.

Su consagración llegó temprano. En 1949, con apenas 19 años, Reisman derrotó al húngaro Viktor Barna —cinco veces campeón mundial— en el Abierto Británico ante 10.000 espectadores en Wembley Arena, según Sky News.

Sin embargo, sus triunfos no se limitaban a lo deportivo: su presencia era magnética y extravagante. Llevaba gafas oscuras en interiores, estilizados sombreros Panamá y se lucía con proezas como partir un cigarrillo con la raqueta a 185 km/h.

Su vida privada exhibía tintes de leyenda urbana. Se escapó desnudo tras ser descubierto con una amante por el esposo armado, y llegó a ejercer de contrabandista en Hong Kong, ganando 700 libras esterlinas por viaje con lingotes de oro atados al cuerpo, relata The Sun.

El mundo de las apuestas y los desafíos extremos jamás lo abandonó. A los quince años, apostó USD 500 a su propia victoria en un torneo nacional, ignorando que el presidente de la federación estadounidense sería su rival, lo que terminó con su expulsión escoltada por la policía, recuerda Sky News.

Su tendencia a desafiar los límites tuvo consecuencias, como la suspensión tras cargar gastos indebidos a los organizadores del Abierto Británico. “No era ningún santo, ni le interesaba serlo”, reconocía en sus memorias, según NBC.

Logros, espectáculo y herencia duradera

Más allá del estigma de hustler, Reisman se consolidó como un deportista excepcional. Ganó 22 títulos importantes entre 1946 y 2002, incluidas cinco medallas mundiales, y fue dos veces campeón nacional de Estados Unidos, en 1958 y 1960, de acuerdo a The Sun.

Lo notable fue su vigencia: en 1997, con 67 años, ganó el campeonato nacional en la modalidad hardbat, reafirmando su influencia y su defensa de la tradición frente a las nuevas tecnologías en el tenis de mesa.

La faceta de showman fue inseparable de la competitiva. Junto a Douglas Cartland, recorrió Estados Unidos en giras con los Harlem Globetrotters, presentando rutinas que mezclaban acrobacias, trucos con raquetas y humor, narra NBC. Sus ideas y su carisma influyeron en una generación entera y contribuyeron al resurgimiento de la modalidad clásica del deporte. “Fue el primer verdadero rockstar del juego”, resumió Paul Stimpson, de Table Tennis England, a Sky News.

Carisma, amistades y la “mafia del ping pong”

El magnetismo de Marty Reisman trascendió los márgenes del deporte. Dotado de una inteligencia rápida, un humor filoso y una personalidad envolvente, atrajo tanto a jugadores de barrio como a reconocidos actores y pensadores. Forjó lazos y amistades con figuras como Susan Sarandon, Dustin Hoffman y el ajedrecista Bobby Fischer, publicó The Sun.

Como anfitrión de un mítico club de tenis de mesa en Manhattan, fue el eje de una red informal apodada la “mafia del ping pong”: un círculo donde convivían el juego, la extravagancia y la fascinación por lo marginal y lo genial.

En esas mesas neoyorquinas, los límites entre deporte, espectáculo, apuesta y mito se volvieron borrosos. Reisman, siempre fiel a su irreverencia, llevó el ping pong al centro de una escena cultural que encontraba en los márgenes su verdadero atractivo.

De la leyenda al cine

Décadas después, la historia de Marty Reisman —cargada de duelos, maniobras insólitas y genialidad— volverá a la luz con el estreno de Marty Supreme, la película de la productora A24 dirigida por Josh Safdie y protagonizada por Timothée Chalamet. La cinta, que llegará a los cines el 25 de diciembre, propone reconstruir el mito de quien hizo del tenis de mesa un escenario para la estafa, el espectáculo y la leyenda.

La capital mexicana se ha llenado de expectación y flashes esta semana, no sólo por la llegada de Dua Lipa y sus tres conciertos sold out en el Estadio GNP Seguros, sino porque entre los asistentes y paseantes ha estado una figura que podría cambiar radicalmente el rumbo de una de las sagas más emblemáticas del cine: Callum Turner, pareja de la estrella británica, es el nombre que suena más fuerte para tomar el papel de James Bond en la nueva etapa que prepara Amazon MGM Studios.

¿Quién es Callum Turner?

Callum Turner es un rostro cada vez más familiar en la escena cinematográfica internacional. Originario de Londres y nacido en 1990, el actor actualmente tiene 35 años y ha forjado su carrera con base en esfuerzo, humildad y una versatilidad notable. Criado por su madre en un complejo de viviendas sociales en Chelsea, Turner siempre mantuvo los valores de trabajo duro y confianza en sí mismo, lo que lo llevó a desempeñar hasta tres empleos distintos mientras exploraba su vocación artística: desde modelar hasta tomar cualquier curso de actuación, ver películas incansablemente y estudiar los métodos de sus actores favoritos.

El fútbol fue la primera pasión que cultivó con disciplina, llegando a jugar de manera semiprofesional, una etapa que, según él, moldeó su ética de trabajo para la vida y el cine. Esta trayectoria deportiva sirvió como base para su posterior carrera en las artes.

Turner debutó en la actuación tras incursionar en el modelaje y rápidamente se posicionó en la industria con papeles en televisión y cine. Sus créditos incluyen destacadas participaciones en Animales fantásticos (donde interpreta a Theseus Scamander), Emma (adaptación de la novela de Jane Austen), la exitosa miniserie Los amos del aire —producida por Steven Spielberg y Tom Hanks— y la cinta Remando como un solo hombre de George Clooney.

Recientemente, Turner recibió la aclamación de la crítica por su papel en Rose of Nevada, presentada en el Festival de Venecia 2024. El actor también protagoniza Eternity de A24 junto a Elizabeth Olsen y Miles Teller, —la cual llega a los cines mexicanos esta semana—, donde el debate sobre el amor eterno y el crecimiento personal refuerzan su perfil como actor camaleónico y sensible.

James Bond: ¿el gran salto de Callum Turner?

El nombre de Turner ha ganado notoriedad mundial estos días por una razón distinta a sus visitas al cine. Las casas de apuestas internacionales han colocado al británico como el máximo favorito para heredar el papel de James Bond en la próxima etapa de la franquicia de 007, que será producida por Amazon MGM Studios.

Este rumor ha cobrado fuerza particularmente porque no proviene de filtraciones, sino de mercados como Coral y otros, donde Turner ya supera en momios a candidatos anteriores como Aaron Taylor-Johnson y Henry Cavill. Medios como The Hollywood Reporter o British GQ, ya han hecho eco de esta información.

Las razones detrás de esta tendencia son varias: su edad, la frescura de su perfil —ideal para revivir la saga por una década o más—, su falta de encasillamiento en grandes franquicias y, algunos opinan, el plus mediático que le da su relación con Dua Lipa, quien a su vez tiene vasta presencia en la industria pop y del entretenimiento.

La nueva etapa de James Bond correrá a cargo del director Denis Villeneuve, quien actualmente filma la tercera entrega de Dune. Se prevé que la búsqueda definitiva del actor protagónico empiece tras concluir ese proyecto (a finales de 2026), con Steven Knight encargado del guión. Todo apunta a que la producción arranque, como muy pronto, en 2027, y que el estreno se ubique en el horizonte de 2028.

Callum Turner y Dua Lipa, una pareja en el centro de los reflectores mexicanos

Si bien la atención mediática está puesta en el posible 007 de la próxima década, esta semana el actor acaparó otro tipo de portadas: su estadía en la Ciudad de México al lado de Dua Lipa, quien prepara los que serán unos de los conciertos más concurridos del año en la capital.

Turner ha sido visto en varias actividades junto a la cantante británica. Desde el sábado previo al primer show de Dua Lipa en el GNP Seguros (1 de diciembre), la pareja fue captada en establecimientos de la Colonia Roma bailando salsa, paseando por parques y disfrutando de la ciudad como dos turistas más. Algunos fans incluso lograron tomarse fotos con ambos, sorprendidos por la sencillez y discreción de la pareja, lejos del glamour y la actitud reservada habitual de Hollywood y el pop británico.

El actor aprovecha cada visita para recargar energías en compañía de su pareja y, según cercanos, siempre valora más la vida tranquila y en contacto con amigos, familia y su perro Golo en Londres. Esta conexión entre lo cotidiano, lo familiar y lo aspiracional ha nutrido su carrera y fortalece ahora su imagen pública.

Mientras Londres, Hollywood y la Ciudad de México giran alrededor de Turner y Dua Lipa, la posibilidad de que uno de los británicos más aterrizados y menos mediáticos sea el próximo 007 parece tan probable como emocionante.

En lo que llega la confirmación oficial, miles de fans mexicanos tendrán su propia historia para contar: el día que el posible nuevo James Bond bailó salsa en la colonia Roma y saludó con naturalidad a quienes se le acercaron.

Netflix y A24 han anunciado el desarrollo de una serie de competencia basada en el popular videojuego Overcooked. Inspirada en la dinámica caótica de los chefs virtuales, esta adaptación televisiva buscará trasladar la intensidad y el trabajo en equipo del juego al formato de reality show. Aunque todavía no se ha confirmado la fecha de estreno, se sabe que Gemma Langford, Oli De-Vine y Phil Duncan, creadores del videojuego en Ghost Town Games, serán productores ejecutivos junto a A24.

Será la primera vez que el prestigioso estudio A24 participe en un reality show, en alianza con la plataforma de streaming Netflix. El programa incluirá desafíos culinarios de alto nivel, similares a los vistos en otras producciones de Netflix como Nailed It! y Floor Is Lava.

Creación y éxito de Overcooked

Overcooked fue desarrollado por la empresa británica Ghost Town Games y lanzado en 2016 para varias plataformas, entre ellas PlayStation 4, PC y Xbox One, sumándose una versión para Nintendo Switch en 2017. El juego, que rápidamente se volvió muy popular, reta a los jugadores a cocinar y servir comidas contra reloj en cocinas llenas de obstáculos.

Estas dificultades, junto con su enfoque en la cooperación familiar, le valieron dos premios BAFTA en 2017: mejor juego británico y mejor juego familiar. En 2018 se lanzó Overcooked 2, seguido unos años después por Overcooked: All You Can Eat, ampliando el universo del juego y sus mecánicas.

El enfoque de Netflix y A24 en la competencia culinaria desbordante

La adaptación televisiva busca conservar el tono caótico del videojuego mediante desafíos culinarios inspirados en situaciones reales. Los participantes trabajarán en equipos y enfrentarán distintos tipos de cocinas temáticas, como restaurantes tradicionales, cocinas en globos aerostáticos o plataformas móviles, y deberán completar pedidos dentro de un tiempo límite bajo la amenaza de la eliminación.

El programa aspira a ser apto para todos los públicos, siguiendo el modelo de realities de Netflix enfocados en la diversión y la improvisación. El hecho de que A24, conocido principalmente por sus películas y series de ficción independiente, incursione en este género resalta lo innovador de la propuesta.

Expectativas en la audiencia y retos para los participantes

La serie tiene como objetivo llevar a la vida real una experiencia que millones de jugadores asocian con su dificultad y humor caótico. En el videojuego, los desafíos se basan en la necesidad de comunicarse, coordinarse y adaptarse rápidamente ante obstáculos como suelos que se mueven, ingredientes que desaparecen o incendios inesperados. Estos elementos serán emulados en el reality show a través de pruebas físicas y dinámicas imprevistas para los concursantes.

El formato puede atraer tanto a familias como a seguidores del mundo gamer interesados en propuestas originales. La dinámica acelerada de Overcooked resaltará los patrones de cooperación bajo presión y el impacto del estrés en un entorno lúdico, convirtiéndose así en un experimento social con potencial para conectar con públicos de todas las edades. El proyecto aún se encuentra en fases iniciales de desarrollo y no tiene una fecha de estreno definida.

La revolucionaria tecnología XR transforma cada episodio en una experiencia única. Así es como Talk to Me, la película que ganó la admiración de los aficionados al horror en 2022, está lista para traspasar los límites del cine y adentrarse en el mundo de la realidad extendida (XR).

Gracias a una asociación con Meta y XRTV, esta nueva serie derivada de la obra de Danny Philippou y Michael Philippou, promete ofrecer una experiencia de horror sin precedentes. Mediante una tecnología innovadora de realidad mixta, la serie mapeara el entorno físico del usuario, transportándolo al universo tenebroso concebido por los hermanos australianos.

Las mentes creativas detrás de la película original se han unido a esta nueva aventura junto con XRTV, una iniciativa de narración inmersiva fundada por los creadores de Crypt TV. El proyecto cuenta con la dirección de Craig William Macneill y guion de Trent Atherton, ambos reconocidos en el género del terror.

Lo que distingue a esta serie es el uso integral de elementos en 3D, un aspecto novedoso en el ámbito de las series inmersivas, que busca transformar nuestras salas de estar en un escenario interactivo donde lo sobrenatural cobra vida.

La serie, que fue creada como una versión de Euphoria con posesiones demoníacas, sigue a un grupo de jóvenes turistas que buscan experiencias extremas en una isla europea. Pronto descubren “la Mano”, una entidad sobrenatural que ofrece una sensación más letal que cualquier droga. Esto promete una narrativa similar a la de la película original, donde la obsesión con el más allá desencadena consecuencias terroríficas.

Este enfoque creativo será el corazón de una serie que, con la tecnología de Meta, genera una autentica sensación de presencia en cada episodio. El espectador no solo observa el horror, sino que lo vive o, más exactamente, es poseído por él.

Talk to Me, estrenada con grandes expectativas en el festival de Sundance, demostró ser un éxito rotundo de taquilla y crítica, llegando a ser la película de terror más taquillera de A24 con ingresos superiores a los 90 millones de dólares. Ahora, su expansión al formato inmersivo no sólo revitaliza la narrativa original, sino que promete ampliar su impacto cultural y comercial.

Con un equipo ejecutivo que comparte la misma visión creativa, todos los involucrados en esta serie garantizan la continuidad de la esencia de Talk to Me, llevándola hacia nuevos horizontes en el mundo del entretenimiento y buscando llegar a nuevas audiencias.

El prestigioso Oso de Plata obtenido en el Festival Internacional de Cine de Berlín ha situado a Rose Byrne en el centro de la conversación cinematográfica mundial.

La actriz australiana deslumbra con una interpretación en If I Had Legs I’d Kick You, película dirigida por Mary Bronstein, que entrelaza drama, humor y elementos de terror. Tras el estreno de la producción de A24 el 10 de octubre, la crítica especializada destaca su trabajo y ya circulan rumores sobre una posible primera nominación al Oscar para Byrne.

El papel que puede cambiar su carrera

Byrne, de 46 años, ha manifestado su emoción ante el reconocimiento recibido por su trabajo en esta nueva etapa profesional. En palabras recogidas por PEOPLE, se declaró “muy emocionada” y agradecida por encarnar a un personaje que le permitió explorar nuevos matices.

“He estado mucho tiempo en esto, así que me siento agradecida de haber tenido una oportunidad tan increíble con este personaje”, afirmó Byrne.

La posibilidad de una nominación representa un punto de inflexión en una trayectoria caracterizada por la constancia y la búsqueda de desafíos interpretativos.

Una historia profunda que desafía géneros

If I Had Legs I’d Kick You fue presentada en el Festival de Sundance antes de su paso por Berlín, donde Byrne recibió el máximo galardón interpretativo. La película cuenta con un elenco destacado formado por Conan O’Brien, Danielle Macdonald y A$AP Rocky.

Su trama sigue a Linda, terapeuta, esposa y madre que enfrenta la enfermedad de su hija. El personaje encarnado por Byrne experimenta un cúmulo de dificultades, marcadas por la ausencia del esposo, la desaparición de una persona cercana y una relación cada vez más compleja con su propia terapeuta.

La sinopsis oficial subraya la batalla de Linda por mantener el equilibrio ante las crecientes exigencias de su vida.

El guion de Bronstein propone una experiencia fílmica inusual, al combinar lo dramático con un humor ácido y recursos del terror. Según la propia Byrne, la directora llevó el humor hasta límites inéditos para la actriz, fusionándolo con situaciones cargadas de tensión y referencias al estilo de David Lynch.

“La película es oscura, dramática y desafiante, tanto en lo emocional como en lo formal. Se cruza con varios géneros y es, sin duda, un ejercicio delicado de equilibrio”, explicó Byrne. Entre los elementos de mayor impacto figura su versatilidad para oscilar entre la ansiedad, la ironía y el desconcierto en pantalla.

Un historial de éxitos sin nominación al Oscar

Aunque nunca haya sido nominada a la Academia, Byrne acumula una amplia colección de reconocimientos. Destacan dos nominaciones a los Premios Emmy por su papel en el drama legal Damages, una nominación a los Critics Choice Awards por su participación en Neighbors en 2014, y el galardón de la Academia Australiana de Cine y Televisión por The Turning en 2013.

También, en el año 2000, obtuvo la prestigiosa Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia gracias a su primer papel protagónico en The Goddess of 1967.

El reciente éxito en Berlín con If I Had Legs I’d Kick You refuerza su lugar como una de las intérpretes más versátiles de la actualidad.

Proyectos recientes y la impronta australiana

El momento de Byrne coincide con una agenda profesional cargada. Además del éxito en cine, protagoniza la segunda temporada de la serie Platonic junto a Seth Rogen y aguarda el estreno de la serie dramática The Good Daughter. Estas producciones dan cuenta de una carrera en expansión, marcada por la diversidad de géneros y formatos.

Byrne atribuye parte de su temple a sus orígenes australianos. Según relató, en Australia prevalece una actitud de humildad ante el éxito y una ética de trabajo rigurosa. “La tendencia es no tomarse a uno mismo demasiado en serio, pero trabajar con seriedad”, comentó la actriz, quien ve reflejada esta filosofía en el modo en que enfrenta cada nuevo desafío profesional.

Elogio a sus referentes y su búsqueda de originalidad

En diálogo con PEOPLE, Byrne reconoció que la originalidad de su papel en If I Had Legs I’d Kick You fue un motor fundamental. También, destacó a Robert De Niro como su comediante favorito por su inesperada intensidad en roles cómicos.

La combinación de premios internacionales, un papel complejo y una carrera ascendente posiciona a Byrne como una firme candidata al Oscar, un reconocimiento que celebraría décadas de trabajo y dedicación constantes en la industria cinematográfica mundial.

“Estuve unos días afuera del programa, estuve el viernes, lunes y martes. Le renuevo el agradecimiento al grande Eduardo Battaglia ”, comenzó diciendo el periodista en su ciclo de la primera mañana del canal de noticias. “El viernes yo me interné en el Sanatorio Las Lomas. Me tuvieron que hacer una ablación cardíaca por una arritmia, una fibrilación auricular que me apareció”, afirmó acerca del procedimiento que tuvo que realizarse.

Luego, habló de cómo advirtió el problema de salud. “Cuando fui a renovar el certificado médico aeronáutico me apareció. Obviamente me tuve que hacer todos los estudios, y terminé el viernes en el Sanatorio Las Lomas”, expresó el periodista, que además trabaja como piloto comercial para una empresa de vuelos privados.

“Un agradecimiento enorme a todo el personal, fueron impecables, y al doctor Raúl Pérez Echepare, que es cardiólogo y quien me hizo la ablación”, destacó. “Yo siempre marco mucho la empatía y el afecto con que te tratan. Para mí es central”, enfatizó Laje.

“Por eso siempre recuerdo alguna frase que me dijo por allí el doctor Moina cuando tuvieron que atender a mi hijo: ‘Los médicos una vez por año deberían internarse como pacientes para saber lo que se siente’, me dijo. Entonces, cuando te encontrás con médicos que saben lo que se siente, te sentís sumamente contenido. Así que un agradecimiento enorme. También al anestesiólogo Martín Roth”, resaltó. “Les quería contar por qué yo no estuve. Ahora estoy en recuperación y esperando que todo salga bien”, finalizó el periodista.

Qué es una ablación cardíaca, la intervención que tuvo Antonio Laje

La ablación cardíaca es un procedimiento diseñado para tratar arritmias, que representan alteraciones en el ritmo normal del corazón, de acuerdo a Mayo Clinic. Consiste en colocar catéteres a través de los vasos sanguíneos hasta el corazón y, mediante la aplicación de energía de calor o frío, se generan pequeñas cicatrices en el tejido cardíaco. Estas cicatrices impiden que las señales eléctricas incorrectas provoquen latidos anómalos, permitiendo que el corazón recupere un ritmo regular. En determinadas situaciones, este método se puede integrar dentro de una cirugía cardiovascular.

Entre las variantes de ablación se incluyen el aislamiento de venas pulmonares, así como el abordaje específico de la fibrilación auricular, la taquicardia supraventricular, el aleteo auricular, afecciones del nódulo auriculoventricular y la taquicardia ventricular.

El principal motivo para indicar una ablación es la incapacidad de los medicamentos para controlar la arritmia, efectos secundarios serios de los fármacos o la respuesta favorable de ciertas arritmias al procedimiento, como sucede en el síndrome de Wolff-Parkinson-White. Se recurre a esta intervención también si hay riesgo aumentado de complicaciones graves, como paro cardíaco.

Los riesgos incluyen hemorragias, infecciones en la zona de punción, daño en vasos o válvulas, aparición de nuevas alteraciones del ritmo, necesidad de marcapasos, formación de coágulos, accidente cerebrovascular, infarto, estenosis en las venas pulmonares y daño renal por contraste. Es importante que el paciente considere los posibles beneficios y complicaciones con su equipo de salud antes de iniciar el procedimiento.

La preparación requiere distintos estudios previos, ayuno la noche anterior y ajuste en la medicación indicada por el especialista. Se realiza bajo sedación o anestesia, con acceso por vasos de la ingle, cuello u hombro. Los catéteres permiten a los médicos mapear la actividad eléctrica mediante contraste y rayos X. El suministro de calor o frío bloquea los circuitos eléctricos anómalos identificados.

El procedimiento suele durar entre 3 y 6 horas. Posteriormente, el paciente queda en observación y, según su evolución, puede irse a su casa ese día o pasar la noche en el hospital. Se pueden presentar molestias leves la primera semana y el regreso a las tareas habituales se produce luego de unos días, debiendo evitar esfuerzos intensos.

El resultado suele ser la reducción de síntomas y una mejoría en la vida diaria. En ciertos casos, la arritmia puede volver, lo que lleva a considerar repetir la ablación o emplear otras terapias. Algunas personas requieren continuar con medicación después del procedimiento.

En una entrevista en el canal A24, conducida por el periodista Luis Novaresio, la reconocida profesional de la televisión relató por primera vez cómo vivió en silencio ese episodio traumático, y cómo la escritura se transformó en su vía de expresión y sanación. “Yo fui abusada, nunca lo pude contar hasta ahora”, dijo ella, quien eligió dar a conocer su experiencia para dar voz a quienes no pueden hacerlo.

“Conté que sufrí un abuso porque surgió de la escritura. Yo no hablé nunca con nadie de esta experiencia cuando era niña, tan pequeña. Simplemente fluyó y sentí que tenía hoy que dar testimonio en nombre de todos los niños que sufren abuso y que no lo pueden decir”, expresó con dolor durante la conversación televisiva nocturna.

La autora describió el contexto en el que ocurrió el hecho, aludiendo a los “ámbitos de abandono que los chicos padecen en esos límites que plantea el hambre, la guerra, el miedo, lo que fuese, cualquiera de las cosas que hacen que una madre deje a su hijo en un lugar poco conocido. Y bueno, allí fui abusada y la manera en que lo cuento tiene que ver con la niña que nunca abrió los ojos“, recordó con estremecimiento.

Y evocó con detalle las sensaciones de horror que la marcaron de pequeña: “Nunca sentí necesidad de contarlo, era una manera de preservarme, ¿qué hubiera pasado si lo hubiera podido contar? Tenía tanto terror y me sentía tan invadida por algo monstruoso que ni siquiera pensé que era una persona”.

Y dio detalles puntuales en donde sucedió aquel revulsivo episodio: “Tengo muy presente lo siniestro de ese lugar: las gallinas, un gallo que las perseguía, el olor a cebolla. Todo lo tengo grabado”, relató a A24.

La escritora también confesó que nunca abordó este tema en terapia, reconociendo que “era algo muy metido dentro de mí. Nunca sabré qué me deja esta experiencia”.

Consultada por Novaresio sobre qué le diría hoy al hombre que la abusó, ella respondió: “Le pediría que se arrodillase y me pidiera perdón. ¿Lo perdonaría? No lo sé”, se sinceró.

De la Italia de posguerra al éxito en TV en Argentina

La vida de Gigliola Zecchin estuvo marcada desde sus primeros años por la precariedad y el miedo, circunstancias que se remontan a su nacimiento en Vicenza, Italia, en 1942, plena Segunda Guerra Mundial.

Tras la muerte de su padre, su madre decidió emigrar a la Argentina en 1951 junto a sus hijos, instalándose inicialmente en Córdoba. “Cuando llegamos, para nosotros esto era América. No sabíamos que era la Argentina”, evocó Zecchin.

El reconocimiento a una trayectoria multifacética y sostenida en el tiempo fue una constante en la vida de quien dejó una huella indeleble en el periodismo cultural, la literatura infantil y juvenil, y la producción audiovisual.

La labor de Canela en los medios de comunicación comenzó en 1962, cuando inició su actividad como locutora nacional, periodista, conductora, guionista y creadora de contenidos tanto en radio como en televisión.

Su versatilidad se reflejó en la conducción y producción de ciclos radiales como La veleta de los cuentos y Cuentos a los cuatro vientos en Radio Municipal, así como La luna de Canela en Radio Nacional.

Entre 1991 y diciembre de 2000, lideró el programa Generaciones en Radio Nacional, una propuesta de periodismo cultural producida junto a su hija Aldana Duhalde.

En televisión, Canela condujo ciclos emblemáticos como Buenas tardes, mucho gusto, En casa de Canela, La luna de Canela, Para crecer, Café con Canela (junto a María Rosa Grandinetti y Clara Zappettini), De igual a igual y La otra Tierra. Desde 1996, se mantuvo al frente de El periodismo que viene en Canal 13-TN, un espacio dedicado a estudiantes avanzados de Comunicación Social.

A partir de 2001, asumió la conducción de Colectivo Imaginario en TN y, entre enero y marzo de 2004, produjo y emitió la serie documental Retratos Argentinos, centrada en personalidades de la cultura nacional, ciclo que se repitió en el verano de 2005.

La gestión y producción de contenidos también la llevó a fundar en 1999 Canela Producciones, Mediomundo TV, con sede en Buenos Aires. Ese mismo año, organizó para la Secretaría de Cultura de la Nación un concurso de guiones para video sobre la vida y obra de Jorge Luis Borges, cuyos materiales se distribuyeron en escuelas de todo el país.

En el ámbito editorial, Canela fue directora del Departamento de Literatura para Niños y Jóvenes en Editorial Sudamericana entre 1987 y 2002. Durante ese período, concibió doce colecciones y editó más de 250 títulos, impulsando la literatura infantil y juvenil en Argentina.

Su labor autoral es igualmente prolífica: ha publicado unos 30 libros para niños y 5 para adultos. Entre sus obras infantiles destacan Marisa que borra (incluido en el catálogo White Ravens de Alemania en 1990), Para cuando llueve, Boca de sapo, Barco pirata, la serie LOLA y la colección Mona Lisa. Para adultos, sobresale el poemario Paese, publicado en 2001 y traducido al italiano por la Universidad de Siena en 2007.

La participación de Canela en congresos nacionales e internacionales ha sido constante, con intervenciones en eventos como el Congreso del IBBY Internacional en Sevilla (1994), la Feria Internacional del Libro Infantil en Bolonia (1995 y 1997), y jornadas y congresos en Argentina, Costa Rica, Italia y España, donde se desempeñó como expositora y representante de la Secretaría de Cultura de la Nación.

Su compromiso con la promoción de la lectura y la literatura se extendió a la realización de documentales, como Flores 200 años, emitido por Canal A en 2006, y a la organización de concursos y jurados en certámenes de cuento, periodismo cultural y literatura infantil, tanto a nivel nacional como en instituciones como la Fundación Octubre y la Fundación Bunge & Born.

El reconocimiento a su trayectoria se refleja en una extensa lista de premios y distinciones. Canela ha recibido la Orden de Caballero del Gobierno Italiano, la Medalla de Oro de la Ciudad de Vicenza, la Cruz de Plata Esquiú por su programa La luna de Canela, y el Premio Santa Clara de Asís en 1997.

Además, fue galardonada en varias ocasiones con el Martín Fierro: en 1997 por El periodismo que viene (mejor conducción femenina en televisión por cable), en 1998 (mejor programa periodístico de televisión por cable) y en 1999 (mejor programa juvenil). Obtuvo el Premio Fund TV 2000 a la creatividad y al mejor programa educativo por El periodismo que viene, el Premio Manuel Belgrano 1999 a la ética y consagración al periodismo, y el Premio Broadcasting 2002 por Colectivo Imaginario.

Entre los galardones internacionales, destaca la inclusión de su libro Marisa que borra en el catálogo White Ravens International, y la distinción como Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires en 2007. Y en 2010, recibió la Medalla del Bicentenario por su amplia trayectoria.

La formación académica de Canela incluye estudios de Castellano en la Escuela Superior de Lenguas de Córdoba, Letras Modernas en la Universidad Nacional de Córdoba y la obtención del título de Locutora Nacional por el ISER.

Su actividad institucional la llevó a presidir el congreso de Previsión Social de Argentores entre 1998 y 2001, integrar su comisión directiva de 2001 a 2005 y ejercer la vicepresidencia de 2006 a 2007.

Desde 2019, se ha alejado de la televisión para dedicarse a la poesía. Su próximo libro llevará por título Caja Dolora, sobre el cual explicó a A24: “Le quise poner el femenino al dolor, porque somos nosotras las que parimos con dolor”.

Fue hace justo un año, en torno a finales de agosto de 2024, cuando se conoció que Joaquin Phoenix abandonaba el nuevo proyecto cinematográfico de Todd Haynes, un romance gay ambientado en los años 30 con escenas explícitas de sexo. Quedaban apenas días para comenzar el rodaje y los sets ya estaban construidos. La cinta había sido propuesta del propio actor que también da vida al Joker y en ella habría invertido una considerable cantidad de tiempo y esfuerzo. Pero decidió no seguir. Según apuntaron varias fuentes, el motivo fue un ataque de lo conocido como cold feet, repentina inseguridad.

Cuando fue consultado en la edición pasada del Festival de Venecia por un periodista de The New York Times, Phoenix se limitó a responder con cautela: “Sería solo compartir mi opinión y los otros creativos no están aquí para compartir la suya. No me parece correcto. No creo que sea útil, así que no creo que lo haga. Gracias”.

Ahora, un año después, la película vuelve a tomar impulso. Pedro Pascal heredará el papel que dejó Phoenix, como ha publicado en exclusiva Deadline este miércoles. El actor de The Last Of Us ya estuvo en conversaciones para asumir el papel antes de que el intérprete del Joker aceptara, pero tuvo que rechazarlo por otros compromisos profesionales.

Pascal, a dúo con el actor Danny Ramírez

Pascal se sumará a Danny Ramírez, estrella de Top Gun: Maverick y de Capitán América: Brave New World, quien ya estaba vinculado al proyecto, interpretando a dos hombres enamorados que abandonan Los Ángeles para mudarse a México en los años 30. La producción planea iniciar el rodaje en Guadalajara, México, a comienzos del próximo año, aunque deberá coordinarse con la apretada agenda de Pascal hasta 2026. El chileno de 50 años, que recientemente se ha estrenado en el mundo de Marvel con Los cuatro fantásticos: Primeros pasos, en el papel de Reed Richards, además de protagonizar Materialistas hace apenas unas semanas. También tiene pendiente el estreno de Eddington, la comedia negra de Ari Aster que curiosamente protagoniza con Phoenix. Por si fuera poco, Pascal se prepara para retomar a Richards en la siguiente entrega de Marvel Studios (Vengadores: Doomsday) y a repetir como Mando en The Mandalorian & Grogu, que dirige Jon Favreau.

Como recoge Deadline, la productora Christine Vachon ha explicado que fue el propio Joaquin Phoenix quien llevó el proyecto a Killer Films, la productora que dirige junto a Pamela Koffler y que cuenta con una extensa trayectoria en la realización de cine LGBTQ. En el Festival de Cine de San Sebastián del año pasado, Vachon desestimó los rumores sobre la abrupta salida del actor y calificó como una “tragedia” el hecho de que la película de Haynes se desmoronara en el último momento.

Este regreso supone un giro inesperado para una producción que muchos daban por muerta tras la salida abrupta de Phoenix. Con Pedro Pascal, uno de los actores más solicitados de Hollywood en los últimos años, el filme recupera impulso y se prepara para iniciar un rodaje que parecía condenado a no suceder. Además, la elección de Pascal coincide con un momento clave en su carrera: acaba de recibir su segunda nominación al Emmy por su trabajo en la temporada 2 de The Last of Us de HBO.

Dwayne Johnson dijo que todos los días se veía desaparecer frente al espejo luego de tres a cuatro horas de una caracterización “impactante”.

El actor y ex luchador de WWE que se ganó el corazón de miles bajo el pseudónimo de “La Roca” dijo en una entrevista para Vanity Fair que “estaba realmente asustado” mientras se preguntaba si tenía la capacidad para interpretar al campeón de MMA, Mark Kerr en el drama deportivo The Smashing Machine.

Además dijo que durante el rodaje volvió a sentir nervios, algo que desde hace mucho no experimentaba.

“Fue algo muy real hacía muchísimo tiempo que no experimentaba eso de estar realmente asustado”, dijo Dwayne. Quien agregó que se dio cuenta que quizá no se le daba la oportunidad de hacer papeles de esa talla por el miedo de explorar personajes más complejos.

Ahora que llegó la oportunidad para el ícono de la cultura popular, el reto es mantener un papel lejos de su zona de confort. Dijo que el personaje es un trabajo que lo mantiene vulnerable porque emerge de las profundidades más íntimas y a veces más oscuras del actor.

Su coestrella Emily Blunt dijo que “Dwayne Johnson ha quedado encasillado en la imagen del gran héroe que tiene todas las respuestas, que es todo invencible”.

Blunt también comentó sobre Johnson que probablemente el actor llegó a pensar que esa era la única forma en la que el público quería verlo.

Ante esto, Dwayne respondió que desde hace mucho tiempo deseaba una oportunidad para hacer algo “crudo y realista, de desgarrarme a mí mismo” y así, cuando menos lo esperaba llegó Smashing Machine.

Cabe recordar que Blunt y Johnson actuaron juntos en Jungle Cruise del 2021, lo cual logra aportar una química especial a este nuevo proyecto.

El reto de Dwayne

“Pasaba de tres a cuatro horas viendo como todo cambiaba. Me colocaban entre 13 y 14 prótesis distintas. Cambios sutiles, pero muy impactantes”. dijo Johnson sobre su transformación.

Cuando Dwayne llegaba al set de grabación estaba totalmente caracterizado como Mark Kerr “lo sentía en cómo caminaba, cómo hablaba y cómo veía la vida”, señaló que luego de la transformación física llegaba la emocional.

El actor dijo que gracias a la química forjada anteriormente con Emily Blunt es que logró alcanzar profundidad histriónica. Agradeció la confianza con su coestrella que le permitió llegar a niveles de vulnerabilidad que los dejó explorar un amplio espectro de emociones.

“Parecía una inmersión sin esfuerzo, una desaparición total, espeluznante. desde el primer día, él estaba en otro lugar” agregó Blunt.

Por su parte Johnson dijo que conectó con todas sus experiencias vitales, lo cual nunca había hecho frente a la cámara ni en su vida personal. Reconoció que no suele ir mucho a terapias, aunque apoya a la gente que lo hace.

“Encontré todo esto aterrador, pero también nutritivo y liberador. Me abrí en canal”, Finalizó el actor.

¿De qué trata ‘The Smashing Machine’?

The Smashing Machine es un drama deportivo que aborda la historia de Mark Kerr, un famoso luchador de artes marciales mixtas y campeón de UFC y de sus peleas personales, como su batalla contra la adicción a los analgésicos mientras intenta mantener su carrera.

El filme es protagonizado por Dwayne Johnson y Emily Blunt. Bajo la dirección de Benny Safdie.

Se estrenará mundialmente en el Festival de Cine de Venecia el 1 de septiembre para llegar a las salas de cine el 3 de octubre.

La nueva serie Crystal Lake es la precuela de Viernes 13, una de las películas que consolidaron el subgénero de horror slasher. En esta parte de la saga podremos ver como protagonista a Pamela Voorhees, quien es una madre que sufre las dificultad de educar a su hijo discapacitado, Jason.

Después de una larga espera, la productora A24 informó que el pequeño Jason, será interpretado por Callum Vinson, quien a pesar de su corta edad (11 años) ya participó en producciones como la mini serie de HBO El largo río de las almas de 2025.

Además Vinson ha participado como Henry Collins en la serie Chucky.

Durante el desarrollo de su personaje, el actor infantil explorará el suceso traumático que lo convertiría en el asesino con la máscara de hockey.

A24 presenta a la estrella Linda Cardellini en el papel de Pamela Voorhees, la madre de Jason quien a sus 45 años descubre sus tendencias oscuras y emprende una serie de actos violentos, los cuales marcarán el destino de su pequeño hijo Jason, quien se convierte en un monstruo inmortal.

Cardellini es recordada por su papel como esposa de Clint Barton, Laura, en Avengers: Endgame y en Hawkeye.

Anteriormente se unieron al reparto William Catlett, Devin Kessler, Cameron Scoggins y Gwendolyn Sundstrom, quienes serán personajes recurrentes dentro de la serie quienes interpretarán a Levon Brooks, Briana Brooks, a Dorf y a Grace.

La precuela Crystal Lake está reuniendo a un gran elenco entre los que figuran actores quienes interpretarán a personajes clásicos, como Nick Cordileone como “El Loco” Ralph, Joy Suprano será Rita, Danielle kotch es Claudette, Phoenix Parnevik encarnará a Barry. Estos personajes ya son conocidos entre los fans de la aclamada saga de terror.

En agosto de 2024, Brad Caleb Kane, ascendió como director y escritor de la serie, tomando el mando creativo tras la salida de Bryan Fuller, por un cúmulo de diferencias en la visión del proyecto.

Kane contó que la primera vez que vio Viernes 13, sintió que su destino era formar parte de la historia algún día.

“Desde el momento en que vi a Jason sacarle los ojos a un tipo, a la tierna edad de 8 años, supe que mi camino creativo estaba destinado a converger con ‘El Hombre Detrás de la Mascara’”, dijo Kane en una entrevista para Times.

“Nada define más mi infancia que haber crecido en la época de oro del género slasher, y nada definió más el género que ‘Viernes 13′“, finalizó el director.

Además, Kane es productor ejecutivo acompañado de Marc Toberoff, Victor Miller, guionista de la película original, Robert M. Barsamian, Robert P. Barsamian, Stuart Manashil y Tyson Binder.

Los tres primeros episodios de Crystal Lake fueron dirigidos por Michael Lennox, los siguientes estuvieron a cargo de Celine Held, Logan George y Quyen Tran, quien cerró la temporada.

La serie producida por A24, estará disponible en la plataforma de streaming Peacock. Hasta el momento, no hay una fecha de estreno confirmada, pero considerando el proceso en que se encuentra la serie, es posible que vea la luz en 2026.

El aclamado videojuego Death Stranding ha revolucionado la forma de contar historias en el mundo digital desde su lanzamiento. Ahora, su universo expandirá sus fronteras narrativas con una nueva película animada. Kojima Productions anunció la producción en colaboración con el estudio de animación Mileage. Aaron Guzikowski, conocido por su trabajo en la serie Raised by Wolves y la película Prisoners de Denis Villeneuve, escribirá el guion.

Primeras conversaciones

Desde que se dio a conocer la noticia, los fanáticos del juego y de Hideo Kojima han esperado detalles con gran expectación. Este proyecto no es el primer intento de llevar el oscuro y fascinante mundo de Death Stranding a la pantalla grande. Previamente, Kojima Productions y A24 anunciaron una adaptación de acción real. Sin embargo, este nuevo esfuerzo busca una perspectiva diferente con Guzikowski, un narrador reconocido por su habilidad para construir tramas emocionalmente complejas.

Las partes involucradas proponen que el universo de Death Stranding ofrece una oportunidad única para explorar nuevas historias sin los límites de un guion preestablecido. Guzikowski ha expresado su satisfacción por tener libertad creativa total para construir nuevas narrativas en un espacio que describe como “fértil y desafiante”.

Mileage: garantía de calidad

Mileage tiene experiencia en adaptar videojuegos al cine. Daniel Dominguez, Director Creativo del estudio, resaltó la naturaleza cinematográfica intrínseca de Death Stranding, lo que según él “hace que adaptar el juego al cine sea una extensión natural de sus elementos visuales y conceptuales originales”. La productora, destacada por su trabajo en adaptaciones de franquicias de alto perfil como Tomb Raider y Castlevania, aporta su amplia experiencia en animación para adultos.

El equipo de Mileage, bajo la supervisión de Jacob Robinson, Daniel Dominguez y Brad Graeber, se muestra optimista sobre la colaboración, destacando su compromiso de mantener la esencia del juego mientras expanden su narrativa de manera orgánica.

Un futuro prometedor

Aún no se ha anunciado una fecha de lanzamiento para la película animada de Death Stranding, pero la expectativa crece. Este proyecto llega cuando la anticipación por la próxima entrega del juego, Death Stranding 2: On the Beach, alcanza su punto máximo, con su lanzamiento programado para el 26 de junio. La llegada de este juego, que incluirá a la actriz Elle Fanning, servirá como puente para más historias en el universo de Death Stranding.

Al igual que el juego original, esta nueva adaptación promete desafiar las nociones sobre lo que puede ser una película animada, explorando temas como el aislamiento, la conexión y las fronteras entre la vida y la muerte. La habilidad de Guzikowski para desarrollar escenarios intrigantes se perfila como un elemento clave para trasladar esta experiencia inmersiva al cine.

Guzikowski ha dejado clara su admiración por el trabajo de Kojima, describiendo su entrada al universo de Death Stranding como un sueño hecho realidad. “El poder creativo y la profundidad emocional de este mundo son inspiraciones sin fin para mí”, afirmó el guionista, quien ya prepara su enfoque para capturar la esencia del juego en su guion animado.

Con los talentos combinados de Kojima y Guzikowski, aliados con la experiencia en animación de Mileage, el potencial de este proyecto para expandir las posibilidades narrativas de Death Stranding es tan vasto como el universo que explora. Los seguidores del videojuego y del cine pueden esperar una reinterpretación animada tan significativa y estimulante como su fuente de inspiración.

El constante interés por adaptar videojuegos exitosos al cine sigue avanzando significativamente. En esta ocasión, Elden Ring, el popular RPG desarrollado por FromSoftware, está en el punto de mira, con Alex Garland dispuesto a llevar su complejo universo a una película de acción real.

El reconocido director y guionista, conocido por su trabajo en Ex Machina y Annihilation, ha fijado su atención nuevamente en Kit Connor, el joven talento británico, para protagonizar esta aventura cinematográfica que probablemente atraerá la atención tanto de los fanáticos como de los cinéfilos.

Garland, en colaboración con A24 y Bandai Namco, será el responsable de trasladar a la pantalla el ambiente épico de Elden Ring, basado en una historia de George R. R. Martin. Aunque las conversaciones con Connor aún no se han traducido en una oferta formal, la posibilidad ha generado expectación tanto dentro de la industria como entre los seguidores del videojuego.

Esta colaboración se percibe como una extensión natural de la relación profesional entre Garland y Connor, quienes trabajaron juntos en Warfare, un drama bélico que no solo tuvo éxito en taquilla, sino que consolidó la versatilidad del joven actor.

El auge de las adaptaciones de videojuegos al cine

En los últimos años, la industria cinematográfica ha mostrado un creciente interés por convertir videojuegos populares en películas. Adaptaciones como Pokémon Detective Pikachu y Sonic the Hedgehog han demostrado el potencial comercial y creativo que existe en estas transformaciones de medio a medio. Por lo tanto, el anuncio de una película basada en Elden Ring, con una figura galardonada como Alex Garland al frente, ha generado expectativas desde el principio.

El gran éxito de Elden Ring en el ámbito de los videojuegos, con más de 30 millones de unidades vendidas desde su lanzamiento en 2022, confirma su amplia base de seguidores y el potencial para una película dedicada al universo de las Tierras Intermedias. Este título exitoso, premiado como Juego del Año en The Game Awards de 2022, aumenta las expectativas para su adaptación cinematográfica.

La evolución profesional de Kit Connor

Desde su debut profesional a la temprana edad de 8 años, Kit Connor ha experimentado una carrera en constante ascenso. Su papel como el joven Nick Nelson en la serie Heartstopper, lo elevó al estatus de una de las grandes promesas del cine británico. Sus participaciones en proyectos como Warfare demuestran la versatilidad del actor.

Su posible participación en Elden Ring no solo podría significar un gran éxito en su carrera, sino que también ampliaría su rango de habilidades al enfrentarse al reto de liderar una producción de gran escala. Por ahora, los seguidores del joven actor y del universo de Elden Ring esperan con interés la confirmación oficial de su participación.

Desafíos y expectativas del proyecto

Llevar a cabo un proyecto de esta magnitud, basado en un mundo tan rico y complejo como el de Elden Ring, presenta desafíos significativos. La ambiciosa propuesta de Garland de capturar la esencia del juego en la gran pantalla requerirá una atención meticulosa al detalle y una recreación fiel de los intrincados escenarios y personajes que han cautivado al público.

Además, con la producción programada para comenzar en 2026, queda un largo camino por recorrer antes de que el producto final llegue a las pantallas. Tanto el director como el reparto y el equipo de producción están bajo el escrutinio de críticos y audiencia, que seguirán de cerca cada avance del proyecto.

Así, mientras el cine sigue explorando las posibilidades que ofrecen los videojuegos, Elden Ring representa un nuevo horizonte en esta tendencia. A la espera de confirmaciones oficiales, la comunidad de fanáticos mantiene viva su expectativa por lo que se anticipa como una significativa unión entre el séptimo arte y el mundo inmersivo de los videojuegos.

El célebre desarrollador Hideo Kojima ha confirmado oficialmente la producción de un anime basado en su aclamado videojuego Death Stranding. Esta audaz iniciativa marca un nuevo capítulo en la expansión del universo multimedia de Kojima, quien ya trabaja en una adaptación cinematográfica con A24.

En una reciente entrevista, el creador compartió su deseo de transformar su propiedad intelectual en un fenómeno cultural capaz de cruzar fronteras artísticas y ser reconocido en prestigiosos festivales internacionales de cine, como Cannes o Venecia.

La ambiciosa visión de expansión multimedia de Kojima

El renombrado productor y director Hideo Kojima lleva años desdibujando las fronteras entre el cine y los videojuegos. Con Death Stranding, su obra más reciente, Kojima se embarca en un proyecto ambicioso que abarca múltiples plataformas de entretenimiento. Durante una entrevista con un medio japonés, Kojima habló sobre su objetivo de crear un universo narrativo que trascienda el formato de videojuego. “No se trata solo de continuar la historia que comenzamos”, enfatizó Kojima, “sino de reimaginarla en distintos lenguajes”.

Kojima ya contaba con una adaptación cinematográfica en desarrollo con A24, conocida por producciones únicas. Su incursión en el mundo del cine busca llevar su narrativa visual a festivales importantes. Sin embargo, al confirmar un anime, ha generado expectativas en sus seguidores sobre el papel que este nuevo formato desempeñará en la expansión del universo de Death Stranding.

Detalles desconocidos sobre el proyecto de anime

Aunque el anuncio del anime ha suscitado gran interés entre los seguidores, los detalles sobre el proyecto siguen siendo escasos. Kojima no ha especificado si el anime tomará la forma de una serie o una película, ni qué equipo creativo estará a cargo de su producción. Lo único confirmado hasta el momento es que este será un paso clave en la “fase dos” de la expansión mediática del universo de Death Stranding.

Esto deja una gran incógnita en torno a cómo se abordará el vasto y a menudo críptico mundo del juego en el formato animado. ¿Será una adaptación fiel al juego, una historia paralela centrada en personajes secundarios, o tal vez algo completamente nuevo? Esta falta de información alimenta la especulación entre los fanáticos.

El impacto en la industria del entretenimiento

La noticia de la adaptación anime ha generado un amplio debate en la industria del entretenimiento. Kojima ha sido elogiado por su enfoque innovador para explorar medios tradicionales y su capacidad para mantener el interés del público. La llegada de Death Stranding al anime se suma a una tendencia creciente de adaptar videojuegos a otros formatos, como hemos visto con series recientes que tratan de mantenerse fieles al material original, pero también experimentan con nuevas interpretaciones creativas.

A medida que avanza el proyecto, queda claro que Kojima no solo busca crear contenido, sino que intenta desafiar las convenciones sobre cómo se pueden contar las historias. Esta visión audaz coloca a Death Stranding en un camino de reinvención artística que seguramente mantendrá el interés tanto de críticos como de fanáticos, mientras se espera que se revele la narrativa única de esta nueva propuesta visual.

El mundo de los videojuegos avanza hacia la cinematografía con el anuncio de una película basada en el popular videojuego Elden Ring. Bandai Namco Entertainment y la productora A24 confirmaron que Alex Garland dirigirá esta adaptación tan esperada, consolidando el creciente interés de Hollywood por trasladar universos interactivos a la pantalla grande. Se prevé que el rodaje inicie en 2026, ofreciendo a los fanáticos una experiencia que trasciende los límites digitales para llegar al cine de acción real.

Detalles clave sobre la adaptación

Tras meses de rumores, se confirmó que Garland, reconocido por dirigir filmes como Ex Machina y Annihilation, liderará este proyecto ambicioso. Su trayectoria en narrativas complejas y efectos visuales envolventes lo posiciona como la elección ideal para trasladar la trama intrincada y la estética sombría del universo de Elden Ring. Respaldado por el reconocimiento de la industria y una base de seguidores expectante, la adaptación busca capturar la esencia del juego, invitando tanto a fans como a nuevos espectadores a explorar los peligros y enigmas de las Tierras Intermedias.

El impacto cultural de Elden Ring

Desde su estreno en 2022, Elden Ring ha destacado por su jugabilidad desafiante y su mundo de fantasía, creado por Hidetaka Miyazaki y George R.R. Martin. El juego ha superado las 30 millones de copias vendidas a nivel global, estableciendo un nuevo referente en los juegos de rol de acción. El anuncio de su adaptación cinematográfica coincide con un auge en películas basadas en videojuegos, siguiendo la tendencia de Hollywood de aprovechar este nicho tras éxitos previos de otras franquicias.

La apuesta estratégica de A24 y Bandai Namco

La colaboración entre A24 y Bandai Namco no solo refleja el interés por adaptar videojuegos al cine, sino también un compromiso con producciones de alta calidad. A24, reconocida por su enfoque innovador y vanguardista, aporta su estilo artístico único, mientras que Bandai Namco contribuye con su conocimiento profundo del material original. Con productores como George R.R. Martin y Vince Gerardis, quienes participaron en la creación del juego, se garantiza que la esencia de Elden Ring se mantenga mientras se adapta para el público cinematográfico.

Hollywood y los videojuegos: una relación en expansión

La exploración de Hollywood en el mundo de los videojuegos no es una tendencia pasajera. Con proyectos como nuevas entregas de Mortal Kombat y Resident Evil, el interés por adaptaciones cinematográficas de juegos ha llegado a su máximo histórico. Elden Ring se suma a una lista de franquicias que buscan trasladar la magia de sus mundos virtuales al cine, fusionando dos expresiones artísticas que tradicionalmente han coexistido de forma paralela. El éxito de estas adaptaciones podría consolidar una tendencia que redefine cómo el público experimenta las narrativas digitales.

El camino de Johnson hacia este cambio no fue casual. Tras la recepción moderada de su anterior proyecto Black Adam, el actor, famoso por sus roles en películas de acción, optó por reorientar su carrera hacia proyectos con mayor peso emocional y narrativo. Este biopic producido por A24, descrito por algunos críticos como un esfuerzo audaz por reinventar la trayectoria actoral de Johnson, se perfila como un puente hacia oportunidades en el ámbito del drama serio.

El ser humano detrás del campeón

Mark Kerr fue una figura prominente en las artes marciales mixtas durante los años 90 y principios de los 2000. Apodado “The Smashing Machine”, sus combates en la UFC le granjearon un estatus legendario. Sin embargo, su vida estuvo marcada por claroscuros. La película de Safdie aborda sin reservas sus problemas de adicción y las relaciones personales complejas que Kerr enfrentó durante su auge deportivo.

Aunque en el octágono era un competidor excepcional, su vida privada estuvo plagada de obstáculos. La lucha por controlar su dependencia a las sustancias y la presión pública pusieron en riesgo su estabilidad. Este retrato crudo, respaldado por un guion sincero y actuaciones intensas, busca revelar las batallas internas de un hombre que aparentaba tenerlo todo bajo control.

El desafío actoral de interpretar una vida real

Para Dwayne Johnson, encarnar a un personaje tan multifacético como Kerr exigió una inmersión profunda en su biografía. En entrevistas, el actor ha explicado cómo este rol lo llevó a reflexionar sobre sus propias vivencias, facilitando una conexión con aspectos humanos que rara vez había abordado en pantalla. “Quiero hacer películas que trasciendan el entretenimiento, que reflejen el dolor y los conflictos de personas reales”, declaró Johnson.

Pese a las críticas previas sobre su limitado rango actoral, The Smashing Machine marca un antes y después. Su colaboración con Benny Safdie, apoyada por un equipo de producción vanguardista, resulta en una interpretación que contradice las expectativas generadas por su filmografía anterior.

Emily Blunt, por otro lado, aporta una capa adicional al filme. Al interpretar a la pareja de Kerr, su personaje transita entre el amor, la codependencia y las aspiraciones individuales, enriqueciendo la trama con una actuación matizada y creíble.

Una apuesta por la reinvención en Hollywood

El éxito de The Smashing Machine podría redefinir la carrera de Dwayne Johnson, quien busca consolidarse en un género alejado de sus roles habituales. Al asociarse con A24, estudio reconocido por respaldar narrativas arriesgadas y conmovedoras, Johnson no solo persigue el reconocimiento de la crítica, sino también una evolución artística.

Desde el punto de vista industrial, este giro es relevante no solo para Johnson, sino también para una audiencia acostumbrada a verlo como héroe de acción. La película simboliza un momento en que las estrellas buscan redefinir su legado, priorizando personajes que enfatizan la vulnerabilidad y la autenticidad sobre los arquetipos comerciales.

El proyecto ya genera expectativas sobre su posible impacto en la temporada de premios, con rumores de nominaciones para sus protagonistas. Aunque queda por ver cómo la recibirá el público general, lo cierto es que esta cinta desafía los convencionalismos del biopic tradicional, combinando enfoques narrativos innovadores con interpretaciones memorables.

Los Ángeles (EE.UU.), 23 ene (EFE).- La cantante Charli XCX, en asociación con la productora A24, llevará a la gran pantalla 'The Moment', una película basada en la vida de la compositora británica, informó este jueves Variety.

La estrella del álbum de pop 'Brat' producirá el proyecto bajo su nueva compañía de producción, Studio365, y estudia la posibilidad de que ella misma protagonice la cinta, aseguró la revista especializada.

Por el momento se desconocen los detalles acerca de la trama, la fecha de estreno o los actores que formarán parte de este proyecto, que podría marcar el debut como actriz de Charli XCX.

Según Variety, 'The Moment' supondría también el primer largometraje que asume el fotógrafo y cineasta escocés Aidan Zamiri, quien escribió el guión junto a Bertie Brandes.

El anuncio se produce tras conocerse que Charli XCX, de 32 años, lidera las nominaciones de los premios de la Industria Fonográfica Británica (Brit), con cinco menciones por 'Brat', su sexto álbum de estudio.

Los Ángeles (EE.UU.), 23 ene (EFE).- La cantante y compositora británica Charli XCX, en asociación con la productora A24, llevará a la gran pantalla 'The Moment', una película basada en ella, informó este jueves Variety.

La estrella del álbum de pop 'Brat' producirá el proyecto bajo su nueva compañía de producción, Studio365, y estudia la posibilidad de que ella misma protagonice la cinta, aseguró la revista especializada.

Por el momento se desconocen los detalles acerca de la trama, la fecha de estreno o los actores que formarán parte de este proyecto, que podría marcar el debut como actriz de Charli XCX

Según Variety, 'The Moment' supondría también el primer largometraje que asume el fotógrafo y cineasta escocés Aidan Zamiri, quien escribió el guión junto a Bertie Brandes.

El anuncio se produce tras conocerse que Charli XCX, de 32 años, lidera las nominaciones de los premios de la Industria Fonográfica Británica (Brit), con 5 menciones por 'Brat', su sexto álbum de estudio. EFE

Con una mano embalsamada, una vela encendida y apenas 90 segundos para volver, Háblame (Talk to Me, 2023) se convirtió en una de las sorpresas más impactantes del cine de terror reciente. La ópera prima de los hermanos Danny y Michael Philippou (nacidos del universo YouTube) no solo revitalizó el subgénero de posesiones con una propuesta cruda y emocional, sino que también conquistó tanto al público joven como a la crítica especializada.

Gracias a su combinación de horror físico, atmósfera inquietante y una fuerte carga simbólica vinculada al dolor y la adicción, la película recaudó más de 90 millones de dólares a partir de un presupuesto mínimo, demostrando que el miedo sigue siendo un gran negocio cuando se lo trata con inteligencia. Como resultado de ese éxito, la productora y distribuidora A24 no tardó en confirmar el desarrollo de una secuela. Y ahora, tras varios meses de silencio, finalmente hay novedades.

En el marco de la promoción de su próxima película, Haz que regrese (Bring Her Back), los hermanos Philippou revelaron que aún tienen compromisos por delante antes de enfocarse de lleno en la continuación, y que todavía están afinando decisiones creativas. Según Danny Philippou, actualmente existen dos guiones distintos para la secuela y aún no se han decidido por uno. “En parte, no puedo determinar cuál es el mejor camino a seguir”, comentó, confirmando que junto al coguionista Bill Hinzman desarrollaron dos líneas argumentales diferentes.

La decisión tampoco parece inminente, ya que los cineastas están haciendo malabares con varios proyectos en paralelo. Michael está trabajando en un documental, mientras que Danny se encuentra abocado a una nueva película de terror con Hinzman, de la cual aún no se conocen detalles. Solo una vez finalizado ese proyecto secreto, retomarán el desarrollo de Háblame 2.

“Yo diría que en 2025 tendremos Haz que regrese, en 2026 el documental, 2027 el nuevo proyecto de terror, y luego Háblame 2″, señaló Michael, trazando un posible calendario de sus próximos trabajos. Aun así, es probable que A24 no quiera esperar demasiado. La primera película, que costó apenas 4,5 millones de dólares, recuperó su inversión en el primer día de estreno. Al final de su recorrido en cines superó los 92 millones y obtuvo una recepción crítica muy favorable, con un 95% de aprobación en Rotten Tomatoes y elogios por su frescura dentro del género.

Aunque habrá que esperar un poco más de lo deseado, la secuela de Háblame ya está en el radar. Y si el fenómeno se repite, esa mano embalsamada va a tener una segunda oportunidad para sacudir al cine de terror.

El universo de Death Stranding está cada vez más cerca de dar el salto al cine. A finales de 2023 se anunció que Kojima Productions se había asociado con A24 y Hammerstone Studios para desarrollar una adaptación cinematográfica de uno de los títulos más influyentes y comentados del mundo del gaming. Ahora, más de un año después, el proyecto encontró a su director en Michael Sarnoski.

Sarnoski debutó con Pig (2021), una película intimista y melancólica protagonizada por Nicolas Cage, donde demostró una sensibilidad poco común y una notable contención narrativa. En 2024 dio un giro hacia el terror posapocalíptico con Un lugar en silencio: Día Uno, manteniendo su enfoque humanista dentro de una franquicia más comercial y consolidando su versatilidad sin renunciar a su estilo autoral. Entre sus próximos trabajos también figura La muerte de Robin Hood, una reinterpretación oscura del mítico forajido con Hugh Jackman y Jodie Comer, actualmente en posproducción.

El anuncio llega poco después de una importante presentación de Kojima Productions en el SXSW, donde el estudio reveló nuevos detalles sobre Death Stranding 2: On the Beach, incluida una fecha de lanzamiento para el 26 de junio de 2025, un nuevo tráiler y una gira mundial de conciertos vinculada al universo del juego. La secuela contará con el regreso de gran parte del elenco original —incluidos Norman Reedus y Léa Seydoux— y la incorporación de nombres como Luca Marinelli, George Miller y Elle Fanning.

Lanzado en 2019 para PlayStation 4, Death Stranding capturó la atención de millones de jugadores por su propuesta narrativa única. El juego sigue a Sam Porter Bridges (Reedus), un mensajero encargado de reconectar a una sociedad postapocalíptica en los Estados Unidos tras un evento cataclísmico. A lo largo del camino, Sam debe enfrentarse a criaturas sobrenaturales y superar obstáculos físicos, mientras establece conexiones humanas que podrían determinar el destino de la humanidad. Además de Reedus, el elenco del juego incluyó figuras destacadas como Mads Mikkelsen, Troy Baker, Léa Seydoux, Margaret Qualley, Guillermo del Toro y Nicolas Winding Refn.

Hideo Kojima ya había adelantado que estaría profundamente involucrado en la producción de la película, supervisando la historia, el diseño, el aspecto visual y el contenido. Sin embargo, desde un primer momento aclaró que no dirigiría el film y que en su lugar buscaría un nuevo talento para liderar el proyecto. También anticipó que la película no será una adaptación literal del videojuego, sino una historia original ambientada dentro del universo de Death Stranding.

Por el momento, no hay actores o actrices confirmados y la película aún no tiene fecha de estreno.

La nueva película de los hermanos Philippou seguirá los pasos de dos hermanos que descubren un ritual aterrador en la casa aislada de su nueva madre adoptiva. Aunque los detalles específicos de la historia se mantienen en secreto, se sabe que este proyecto explorará temas como el duelo y la resurrección, influenciados por experiencias personales de los directores, como la pérdida de un familiar cercano durante la escritura del guion.

El film estará protagonizado por la dos veces nominada al Oscar, Sally Hawkins, reconocida por sus papeles en Paddington (2014), Godzilla (2014) y La forma del agua (2017). El reparto también incluye a Billy Barratt, Sora Wong y Jonah Wren Phillips. Samantha Jennings y Kristina Ceyton de Causeway Films, quienes ya trabajaron con los Philippou en su ópera prima, repiten su rol como productoras.

Los hermanos Philippou iniciaron su carrera en el mundo del entretenimiento con su canal de YouTube, RackaRacka. Sin embargo, su popularidad cobró un nuevo nivel hace poco más de dos años con el estreno de Háblame. Esta película independiente no solo recibió elogios de la crítica, sino que también se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de A24, multiplicando por diez su presupuesto en la taquilla. Ahora, el estudio apuesta nuevamente por su talento con una propuesta de género que promete conservar el estilo inquietante de los directores.

Bring Her Back llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 30 de mayo.

Magdalena Tsanis

Madrid, 8 ene (EFE).- Un cruce entre 'American Psycho' y 'Fleabag' pero en época victoriana y con una institutriz psicópata como protagonista, la nueva novela de Virginia Feito es un festín de humor y perversión con la que la autora madrileña lleva al extremo la reivindicación del lado oscuro en los personajes femeninos.

"El mal es empoderador, las mujeres no tenemos que caer bien todo el rato", ha dicho en una entrevista con EFE.

'Victorian Psycho' se publica este 9 de enero en español, en febrero llegará a Estados Unidos y Reino Unido y en marzo está previsto que arranque el rodaje de la película, que protagonizará Margaret Qualley, actriz en auge tras el éxito de la también por momentos gore 'La sustancia'.

El de Feito es un caso de éxito singular. De educación cosmopolita -ha vivido y estudiado en París, Londres y Nueva York-, escribe sus novelas en inglés. Dejó la publicidad hace unos años para debutar, en 2022, con 'La señora March', que fascinó a crítica y lectores, y entre ellos a la actriz y productora Elizabeth Moss, que adquirió los derechos cinematográficos.

"Se me acumulan los proyectos", señala Feito, que explica que el desarrollo de ésta última es más lento al haber un gran estudio detrás, pero sigue adelante con el desarrollo de guion.

En cuanto a 'Victorian Psycho' la dirigirá Zachary Wigon y producirá A24, sello convertido en sinónimo de originalidad y éxito tras las oscarizadas 'Todo a la vez en todas partes' y 'Moonlight'.

Contar con Margaret Qualley es para Feito un sueño. "Me parece espectacular, es una actriz increíble", afirma. "De hecho, ella hizo un anuncio de Spike Jones para Kenzo, una coreografía, que inspiró la última parte del libro, cuando digamos que la protagonista se vuelve un poco loca".

La elección de la época victoriana le parecía interesante por las paradojas que le permitía explorar, una época "muy oscura y a la vez muy romántica, acogedora y terrorífica (...), con chimeneas y páramos pero también niños trabajando en las minas y un machismo ridículo".

Admite que esa dualidad puede tener algún eco en la época actual. "Quiero creer que hemos mejorado un poco, ya no tiramos orina en cubos por las ventanas y eso es de agradecer", bromea, "pero siempre hay algo de hipocresía y contradicciones en las sociedades".

Escrita en su versión inicial durante la pandemia, Feito asegura que hay algo de ese momento de soledad y de claustrofobia, de estado febril colectivo, que ha impregnado la novela, que ha evolucionado mucho desde entonces.

"Tuve un proceso de edición muy duro", confiesa la escritora que dice haber sentido mucha presión tras el éxito de su debut, que le valió en el mercado anglosajón comparaciones con Patricia Highsmith. "Era como tener un hijo perfecto, era Mozart, sabes que lo ha hecho todo genial y no te ha dado un disgusto en su vida, pero esta fue más complicada".

A Feito siempre le ha interesado comprender el mal y su origen y desde pequeña le atraían libros con un toque de terror o gótico, como 'El jardín secreto' o los de Roald Dahl.

Para 'Victorian Pyscho' se ha documentado mucho sobre psicópatas y en su Winifred Notty se pueden encontrar paralelismos con el lado encantador de Ted Bundy o la inteligencia del Patrick Bateman de 'American Psycho'.

Con la novela de Bret Easton Ellis comparte además la inspiración del título y el estar escrita en primera persona.

"Winifred es narcisista, cruel y manipuladora pero se lo está pasando genial y yo eso lo envidio", asegura la escritora, que también se ha inspirado en el humor negro y a veces absurdo de la serie 'Fleabag'. "Estamos un poco cansadas de ser tan apacibles y me alegro de que estén empezando a salir más personajes femeninos con oscuridad". EFE

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Crystal Lake, la serie precuela de Viernes 13 (Friday the 13th) ha encontrado a una de sus protagonistas. Tras meses de rumores y especulaciones, se confirmó que Linda Cardellini ha cerrado su acuerdo para interpretar a Pamela Voorhees, la vengativa madre de Jason y asesina de la primera entrega cinematográfica.

Cardellini tiene una extensa carrera en televisión y cine. Saltó a la fama a finales de los noventa con Freaks & Geeks, la serie juvenil de culto creada por Paul Feig y Judd Apatow. Posteriormente, participó en Mad Men y Dead to Me, así como en películas como Avengers: Endgame y La maldición de la Llorona, ambas de 2019.

Si bien todavía se desconocen los detalles específicos de la trama de Crystal Lake, se ha adelantado que la Pamela Voorhees de Linda Cardellini será una madre que renuncia a su carrera como cantante para criar a un niño con necesidades especiales. Sin embargo, sus planes toman un giro trágico cuando pierde a su hijo en circunstancias devastadoras. En la película original, el papel fue interpretado por la fallecida Betsy Palmer.

Anunciada en 2022 por A24 y Peacock, Crystal Lake promete expandir el universo de la icónica saga slasher con una mirada renovada. La serie funcionará como antesala de la primera película de Viernes 13 y cuenta con Brad Caleb Kane como showrunner. Kane, quien reemplazó a Bryan Fuller a mediados del año pasado tras un reinicio creativo, también estuvo al frente de Welcome to Derry, la precuela de It que se estrenará próximamente en HBO y Max.

Por ahora, Crystal Lake no tiene una fecha de estreno confirmada, pero con la llegada de Cardellini, todo indica que el proyecto avanza hacia su siguiente etapa de producción.

Madrid, 31 dic (EFE).- La cartelera española comenzará 2025 con dos actores famosos en el mundo entero metidos en papeles muy alejados de los que les han dado la fama. Hugh Grant protagoniza 'Heretic', una película de terror y claustrofobia, y Daniel Craig, una historia de amor intenso en 'Queer'.

A Grant se le conoce por haber hecho reír y llorar en comedias románticas como 'Cuatro bodas y un funeral' o 'Notting Hill', y a Craig por su James Bond atormentado y rudo. A partir de este miércoles, el primero dará un repertorio de miedo y angustia y el segundo se sumergirá de lleno en un relato sobre el querer, el amor y el sexo.

La constelación de estrellas que cruzará la cartelera a partir del miércoles no termina con Grant y Craig. Están también la mega estrella británica del pop Robbie Williams, el veterano Liam Neeson y una de las nuevas y fulgurantes promesas de Hollywood, Andrew Garfield.

A continuación, los estrenos en los cines de esta semana, adelantados al 1 de enero:

Dos jóvenes misioneras llaman a la puerta de una solitaria casa de campo. Les recibe el señor Reed (Grant), antiguo profesor universitario interesado en ingresar en una orden religiosa. Lo que empieza como una historia de suspense con pinceladas políticas terminará como una espantosa trampa.

Las actrices Sophie Thatcher y Chlore East acompañan a Grant en esta nueva película de la productora A24, artífice de una revisión del cine de terror que está yendo muy bien en las taquillas de medio mundo. Dirigen Scott Beck y Bryan Woods.

Tras revitalizar a James Bond con un trabajo que se adentraba en las emociones de un espía tan osado como desabrido, Daniel Craig se desmarca ahora con un personaje homosexual ávido de amor, sexo, alcohol y drogas en Ciudad de México. Su nombre, William Lee, alter ego del escritor William Burroughs.

El cineasta Luca Guadagnino firma esta película con ecos de aquella que le catapultó al reconocimiento internacional, 'Call me by your name'.

Un largometraje sobre la vida del cantante Robbie Williams sin que se le vea la cara a Robbie Williams. Es el 'leitmotiv' de esta historia real sobre el estrellato y el declive, el resurgimiento y las dudas de un cantante idolatrado, primero como integrante de la banda Take That y luego como artista en solitario.

Conduce el proyecto un cineasta que ya dio muestras de saber hacer en películas musicales. Michael Gracey dirigió 'El gran showman', uno de los éxitos de los últimos años.

Liam Neeson parece que se ha especializado en el thriller de acción sin descanso y de tramas con giros constantes. En 'Absolución' es un gangster despiadado que empieza a tener fallos de memoria y que, arrepentido, intenta arreglar su pasado. No le resultará nada fácil.

Acompañan a Neeson los actores y actrices Ron Perlman, Frankie Shaw y Yolonda Ross.

La voz independiente de la cartelera de esta semana es la de la cineasta india Payal Kapadia, quien firma esta película sobre dos mujeres de Mumbai en busca de libertad para expresar sus emociones y deseos. Es una producción de Francia, India, Países Bajos y Luxemburgo.

Uno de los actores de moda en Hollywood, Andrew Garfield, protagoniza junto a Florence Pugh este drama romántico de John Crowley que clausuró el último Festival de San Sebastián.

Distintos pasajes de las vidas de Almut (Pugh) y Tobias (Garfield), una pareja que se conoció a raíz de un accidente, componen una historia sobre la importancia de disfrutar el instante. Sobre la importancia del amor. EFE

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El primer adelanto nos traslada a Nueva York y presenta a Dakota Johnson en el papel de Lucy, una casamentera profesional cuya vida personal y laboral se ven amenazadas cuando queda atrapada en un inesperado triángulo amoroso. Según lo que deja entrever el tráiler, Pedro Pascal interpretará a un cliente adinerado, mientras que Chris Evans encarnará a un viejo amor del pasado de la protagonista.

La historia explorará el amor, la ambición y el impacto de nuestras decisiones en un mundo moderno donde lo material juega un papel clave. Si bien el tono parece menos dramático que Vidas pasadas, todo indica que Celine Song seguirá apostando por relatos con sensibilidad y profundidad. Por otra parte, hay mucha curiosidad por ver cómo la realizadora aborda una comedia romántica ya que con su primer largometraje consiguió dos nominaciones al Oscar, en las categorías Mejor Película y Mejor Guion Original.

Materialists se estrenará en cines en Estados Unidos el 13 de junio de 2025 bajo el sello de A24, mientras que Sony Pictures se encargará de su distribución en algunos mercados internacionales. Todavía no se ha anunciado una fecha oficial para países de Latinoamérica.

Robert Pattinson y Zendaya, dos de los actores más populares de la actualidad, compartirán pantalla en The Drama, una película producida por el prestigioso estudio A24 y dirigida por Kristoffer Borgli. Sin embargo, el rodaje no estuvo exento de dificultades para el actor británico, quien confesó haberse obsesionado con una escena hasta el punto de volverse “loco” durante días.

Según contó Pattinson en una entrevista con la revista francesa Premiere, su tendencia a analizar minuciosamente cada línea del guion lo llevó a buscar significados ocultos donde no los había. Fue Zendaya quien, con una mirada más pragmática, lo ayudó a superar este bloqueo creativo.

Anunciada en agosto del año pasado, The Drama es una de las películas más esperadas de 2025. El filme sigue la historia de una pareja cuya relación se tambalea por una revelación inesperada antes de su boda. Si bien aún no se han revelado más detalles ni se ha publicado un tráiler oficial, la película genera expectativas por el equipo creativo que la respalda.

El director noruego Kristoffer Borgli, conocido por Dream Scenario (2023), se especializa en narrativas complejas y enrevesadas. Además, la producción cuenta con el respaldo de Ari Aster, el aclamado cineasta detrás de Hereditary y Midsommar.

Pattinson, que ha trabajado en proyectos independientes como El faro, y Zendaya, quien ha destacado en Euphoria y Dune, son dos actores que han demostrado una gran versatilidad en sus carreras. Sin embargo, el método de trabajo de Pattinson lo llevó a un punto de obsesión durante el rodaje.

La escena que llevó a Pattinson al límite

En su conversación con Premiere, Pattinson reveló que una escena en particular le generó una profunda frustración. “Teníamos una escena juntos que me estaba volviendo loco”, explicó el actor. “Buscaba desesperadamente su significado, escribiendo páginas y páginas de análisis textual”.

Convencido de que había algo más detrás del diálogo, Pattinson pasó días intentando descifrar lo que, para él, era un mensaje encriptado en el guion. Finalmente, la noche antes de filmar, decidió llamar a Zendaya.

“Compartí mis dudas con ella, hablé durante dos horas, y al cabo de un rato, con mucha calma, me hizo entender que la línea decía simplemente lo que estaba a simple vista, que no había ningún significado oculto”.

A pesar de la claridad de la explicación de su compañera, Pattinson no pudo evitar sentirse afectado. “Luego de eso, estuve volviéndome loco durante tres días”, confesó el actor con humor.

Esta tendencia a analizar en exceso no es nueva en su carrera. En la misma entrevista, Pattinson reconoció que tiene la costumbre de obsesionarse con partes de los guiones y buscar significados ocultos en cada detalle.

La falta de avances promocionales ha generado aún más curiosidad sobre el filme. La única información concreta disponible proviene de las declaraciones de los actores y del equipo de producción.

Un patrón en la carrera de Pattinson: la obsesión en el set

No es la primera vez que Robert Pattinson atraviesa dificultades durante un rodaje. En otra parte de la entrevista con Premiere, el actor mencionó que casi tuvo un “colapso mental” mientras filmaba Die, My Love, el próximo drama dirigido por Lynne Ramsay y coprotagonizado por Jennifer Lawrence.

En esa ocasión, la causa de su angustia fue una escena de baile. “Hice esta película con Lynne Ramsay, quien es muy buena bailarina. Jennifer Lawrence también lo es. Les resulta muy fácil”. Pero cuando llegó su turno, la situación se volvió insostenible para él.

“Me decían: ‘Baila, solo es música, baila’. Yo dije que iba a tener un colapso mental si tenía que hacer eso. Que teníamos que coreografiar la escena o cortarla. Y ellos: ‘No, solo baila, deja de ser tan raro’”.

La ansiedad de Pattinson era tan intensa que terminó afectando su estado físico. “Estaba sudando tanto que el interior de mis pantalones estaba mojado”, relató.

Mientras Pattinson sigue acumulando proyectos exigentes, su interpretación en The Drama junto a Zendaya es una de las más esperadas del año. La combinación de un elenco de primer nivel, una historia intrigante y la participación de A24 ha generado gran expectación en la industria.

Sin embargo, hasta que se revelen más detalles o un tráiler oficial, el público solo puede especular sobre cómo se verá en pantalla la escena que llevó al actor británico a la desesperación y que, gracias a Zendaya, finalmente pudo resolver.

El teaser, de apenas un minuto, no revela demasiados detalles sobre la trama, pero sumerge al espectador en un ambiente inquietante cargado de tensión. Entre sus imágenes se pueden ver lo que parece ser un ritual oculto, grabaciones caseras y a una mujer con la mano ensangrentada sobre un cristal. Según lo revelado previamente, Bring Her Back seguirá la historia de dos hermanos que descubren un secreto aterrador en la casa de su madre adoptiva, lo que los arrastrará a un mundo de horrores desconocidos.

La película estará protagonizada por Sally Hawkins, dos veces nominada al Oscar, reconocida por sus papeles en Paddington (2014), Godzilla (2014) y La forma del agua (2017). Junto a ella, el reparto incluye a Billy Barratt, Sora Wong y Jonah Wren Phillips. En la producción se encuentran Samantha Jennings y Kristina Ceyton de Causeway Films, quienes ya trabajaron con los Philippou en Háblame y fueron responsables de The Babadook (2014), otro referente del cine de terror.

La dupla de directores australianos inició su carrera en el mundo del entretenimiento con su canal de YouTube, RackaRacka. En 2023, saltaron a la fama con Háblame, una película independiente que recibió elogios de la crítica y se convirtió en una de las más rentables de A24, logrando recaudar más de diez veces su presupuesto de producción.

Ahora, la productora busca repetir ese éxito con Bring Her Back, un proyecto que promete mantener el estilo perturbador de los Philippou y que llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 30 de mayo.

“Tengo tres regalos para Marina Calabró. Es un montón. Son regalos de distintas economías”, comenzó diciendo. “El primero es estar. Yo sé que no son tus favoritas...”, comenzó, mientras le entregaba un ramo de flores a la periodista. “Si me las regalás vos, me encantan las flores”, le agradeció ella. Como el ramo venía con una tarjeta, le pidió a él que la leyera porque no tenía los lentes a su alcance.

“Eres el sol de mis días, la felicidad de mis noches. Quisiera regalarte la luna para hacerte ver las estrellas. Te amo siempre”, le dedicó Barbano, mientras la hermana de Iliana Calabró se lo tomó con humor. “Me quedé pensando. ‘Para hacerte ver las estrellas’, ¿usted se refiere a una noche en el campo?“, comentó, con picardía. “O en el Planetario. El campo ya implicaría yuyo. Yo estoy hablando de mirar el cielo y ver las estrellas”, dijo él, mientras Marina le devolvía un “me encanta, mi amor” y se besaban.

Fue en ese momento en el que la pareja aprovechó a lanzarle un dardo a los críticos de su relación. “No nos besemos mucho porque los estreñidos se espantan”, arrojó la periodista, mientras él repetía sus palabras.

En el segundo regalo Barbano desembolsó un poco más de dinero. “¡Es una ‘pulseraza’!“, reaccionó al ver un estuche. ”¡Es hermosa! Pero parece que te ayudaron", agregó, mientras se ponía el regalo. “Pero el gesto es mío. Qué está pasando acá”, se defendió el periodista de policiales.

Para el final, le entregó el chocolate favorito de la animadora. “El tercer regalo para mí es el más importante. Es tu bombón favorito”, comentó. “¡Ay, sí!“, reaccionó, sonriente ella al entregarle una conocida golosina, momento en el que Rolando aclaraba que no era ”un chivo”. “Esto lo compré, eh. 1800 pesitos”, cerró. Marina, por su parte, solo contó que su regalo se lo daría en su casa.

En la noche, la pareja disfrutó de un Día de San Valentín. “Mi amor, hermosa y fogosa”, escribió Barbano junto a fotos de su salida. Allí aparecen juntos, muy mimosos dándose besos y abrazados, mientras aparecen rodeados de arreglos de flores y globos con forma de corazón.

El lunes pasado A24 presentó su nueva grilla de programación para 2025, con la incorporación de figuras reconocidas. Al mediodía, Marina Calabró y Facundo Pastor debutaron con Arranca la tarde, un noticiero que inicia a las 13 horas. Sobre el cierre del programa, a las 14:30, se dio un momento inesperado en el pase con Código de noticias, el ciclo conducido por Soledad Larghi y Rolando Barbano. En medio del intercambio en vivo, sorprendieron al público con un beso apasionado en pleno estudio.

La escena comenzó cuando Marina expresó su incomodidad por la distancia física que los separaba en el set. “Es muy raro estar a distancia”, comentó. Ante la actitud seria de Rolando Barbano, ella se acercó rápidamente y ambos se besaron frente a las cámaras.

Tras el beso, el periodista respondió con un “Te amo”, lo que generó la reacción inmediata de sus compañeros. Soledad Larghi exclamó: “¡Qué lindo que es el amor!”, mientras que Facundo Pastor, sorprendido, se despidió con humor: “Nos vemos, chau, hasta luego”.

Calabró invitó a sus compañeros con una sonrisa a quedarse en el estudio diciendo: “¡Quédense! ¡Quédense!”. Por su parte, Barbano comentó que el domingo por la noche no habían dormido juntos ya que habían estado “concentrando” para el debut de sus programas.

Jason Voorhees lleva más de una década sumergido en el fondo del lago, no por una maldición, sino por disputas legales sobre los derechos de la franquicia. Sin embargo, en 2022 surgieron señales de cambio cuando A24 y Peacock anunciaron Crystal Lake, una serie precuela que buscaría expandir el universo de Viernes 13 (Friday the 13th). El proyecto, que inicialmente contaba con Bryan Fuller (Hannibal) como showrunner, prometía una mirada renovada al icónico slasher.

Lamentablemente, el año pasado, problemas internos, desacuerdos creativos y dificultades presupuestarias provocaron la salida de Fuller y un reinicio total de la producción. Ahora, la serie parece volver a tomar forma con un nuevo creativo y, potencialmente, su primera gran incorporación al elenco.

Según un reciente informe del periodista Jeff Sneider, Linda Cardellini se encontraría en negociaciones para interpretar a Pamela Voorhees, la madre de Jason. Cardellini es reconocida por su trabajo en series como Freaks & Geeks, Mad Men y Dead to Me, así como en películas como Avengers: Endgame y La maldición de la llorona, ambas de 2019. Cabe recordar que en la saga cinematográfica de Viernes 13, el papel de Pamela Voorhees fue interpretado por la fallecida Betsy Palmer.

Por el momento, los detalles de la trama de Crystal Lake permanecen en secreto. No obstante, antes del reinicio creativo, se había filtrado que la primera temporada se ambientaría tras la muerte de Jason y que futuras entregas incorporarían elementos de varias secuelas de la saga.

El nuevo showrunner del proyecto es Brad Caleb Kane, quien también estuvo al frente de Welcome to Derry, la precuela de It que llegará este año a HBO y Max. Kane, conocido por su trabajo en Warrior y Tokyo Vice, expresó su entusiasmo por la franquicia.

“Desde el momento en que vi a Jason Voorhees arrancar el globo ocular de un hombre (¡en glorioso 3D!) a la tierna edad de 8 años, supe que mi camino creativo estaba destinado a converger algún día con El hombre detrás de la máscara. Nada definió más mi infancia que crecer en la época dorada de las películas de terror, y nada ha definido más el género que Viernes 13″, dijo el cineasta en una declaración reciente.

Por ahora, Crystal Lake no tiene una fecha de estreno confirmada, pero con la posible llegada de Cardellini, el proyecto parece avanzar en la dirección correcta.

El avance nos presenta a Robinson en el papel de Craig Waterman, un hombre reservado, establecido en los suburbios junto a su familia. Craig compra toda su ropa en las mismas tiendas, trabaja para una empresa que ayuda a hacer las marcas más adictivas y disfruta de las películas de Marvel.

Su solitaria vida cambia cuando entabla una inesperada amistad con Brian, su nuevo vecino. Interpretado por Paul Rudd, Brian es su completo opuesto: un meteorólogo local que toca en una banda punk y explora las alcantarillas de la ciudad por diversión. Craig queda fascinado por su estilo de vida y rápidamente lo idealiza como el compañero más genial que podría tener. Sin embargo, lo que empieza como un inocente vínculo masculino pronto se convierte en un verdadero caos.

Friendship explorará las complejidades de las relaciones entre hombres de mediana edad a través de situaciones divertidas y otras un tanto incómodas. Además de Rudd y Robinson, la ópera prima de Andrew DeYoung, quien también estuvo al frente del guion, cuenta con las actuaciones de Kate Mara (Cuatro Fantásticos) y Jack Dylan Grazer (¡Shazam!).

La película, que se convirtió en una de las mayores sorpresas del pasado Festival de Toronto, tiene previsto su estreno en cines de Estados Unidos en mayo próximo. Antes de eso, podremos ver a Paul Rudd y Jenna Ortega en Death of a Unicorn, otra peculiar propuesta de A24 que llegará a los cines el 28 de marzo.

Desde su estreno en 2019, Euphoria se ha consolidado como uno de los grandes éxitos de HBO y Max. La serie creada por Sam Levinson no solo ha cosechado numerosos premios, sino que también ha servido como plataforma para el ascenso de talentos como Zendaya, Jacob Elordi, Hunter Schafer y Sydney Sweeney.

Tras el final de su segunda temporada, los fanáticos han esperado noticias sobre la continuación de la historia. Ahora, finalmente, podemos asegurar que hay progresos en la producción. A24 y HBO compartieron una primera imagen desde el set, anunciando el inicio del rodaje de la nueva tanda de episodios.

Aunque los detalles de la trama se mantienen en secreto, el equipo creativo ha adelantado que esta nueva entrega adoptará un tono más oscuro y maduro, alejando a los personajes del entorno escolar. Se ha mencionado incluso la posibilidad de un salto temporal en la narrativa, lo que marcaría un giro importante en la historia.

Además de Zendaya, se espera el regreso de Hunter Schafer, Sydney Sweeney y Jacob Elordi en sus respectivos roles. Sin embargo, algunos miembros del elenco, como Storm Reid y Barbie Ferreira, no volverán a la serie. También será la primera temporada sin Angus Cloud, quien falleció en 2023.

Si bien Euphoria ya está en marcha, aún queda un largo camino hasta su estreno. JB Perrette, jefe de transmisión global de Warner Bros. Discovery, confirmó que la tercera temporada llegará en algún momento de 2026, aunque aún no hay una fecha exacta.

Sobre el cierre del programa, a las 14:30, se dio un momento inesperado en el pase con Código de noticias, el ciclo conducido por Soledad Larghi y Rolando Barbano. En medio del intercambio en vivo, sorprendieron al público con un beso apasionado en pleno estudio.

La escena comenzó cuando Marina Calabró expresó su incomodidad por la distancia física que los separaba en el set. “Es muy raro estar a distancia”, comentó. Ante la actitud seria de Rolando Barbano, ella se acercó rápidamente y ambos se besaron frente a las cámaras.

Tras el beso, el periodista respondió con un “Te amo”, lo que generó la reacción inmediata de sus compañeros. Soledad Larghi exclamó: “¡Qué lindo que es el amor!”, mientras que Facundo Pastor, sorprendido, se despidió con humor: “Nos vemos, chau, hasta luego”.

Calabró invitó a sus compañeros con una sonrisa a quedarse en el estudio diciendo: “¡Quédense! ¡Quédense!”. Por su parte, Barbano comentó que el domingo por la noche no habían dormido juntos ya que habían estado “concentrando” para el debut de sus programas.

La escapada romántica de Marina Calabró y Rolando Barbano

Antes del debut la pareja había organizaron su agenda laboral para disfrutar de una breve pero significativa escapada romántica a Mar del Plata. La ciudad, uno de los destinos turísticos más concurridos del verano, fue el escenario elegido por la pareja para compartir unos días de descanso y amor.

Aunque su estadía fue corta, aprovecharon la oportunidad para realizar diversas actividades juntos. Desde cenas en restaurantes hasta paseos por la playa, cada momento compartido quedó reflejado en sus redes sociales.

Durante su estadí, Marina Calabró y Rolando Barbano aprovecharon para disfrutar de distintas actividades juntos. Una de las primeras salidas fue una cena romántica en un restaurante de la ciudad, donde fueron fotografiados con sonrisas y miradas cómplices. En una de las imágenes, la periodista le dio un beso en la mejilla a Barbano, gesto que capturó la atención de sus seguidores en redes sociales.

Para la ocasión, Calabró optó por un look sofisticado compuesto por un short de cuero negro y una musculosa verde con detalles de encaje y brillo.

Barbano, en cambio, vistió una remera blanca de una marca italiana y un jean sencillo. En su cuenta de redes sociales, el periodista compartió una imagen de la velada con la frase: “Mollejas y vos”, a lo que Marina respondió con un romántico mensaje: “¿Qué es la felicidad? La noche de anoche en Mardel”.

Al día siguiente, la pareja disfrutó de un paseo por Playa Grande. En una selfie tomada con el mar de fondo, ambos posaron sonrientes y relajados. Barbano acompañó la imagen con la frase: “¿Qué más?”, a lo que Marina contestó: “Nada. Tenemos todo”.

La relación entre Marina Calabró y Rolando Barbano no solo se afianza en la vida cotidiana, sino que también se refleja en las redes sociales, donde intercambian mensajes cargados de romanticismo. En cada publicación de la periodista, se destacan los comentarios de Barbano, que van desde emojis hasta declaraciones más expresivas.

Uno de los posteos más comentados fue el de la cena en la ciudad balnearia, donde Barbano escribió “Mollejas y vos”, resaltando el disfrute del momento junto a su pareja. La respuesta de Marina no tardó en llegar con un mensaje aún más contundente: “¿Qué es la felicidad? La noche de anoche en Mardel”.

Otro gesto que llamó la atención fue la selfie en Playa Grande, en la que el periodista resumió su estado emocional con un simple “¿Qué más?”, a lo que Marina replicó: “Nada. Tenemos todo”. Estas interacciones, caracterizadas por su tono afectuoso y espontáneo, generaron numerosos comentarios y reacciones por parte de sus seguidores.

Luego de muchos meses de espera, finalmente El Brutalista llegó a las salas de cine en México y lo hace en medio de un aura que muy pocas cintas despiertan en el público. La curiosidad que se esconde detrás de los calificativos que la han nombrado como “obra maestra” y una inusual práctica que dejó de llevarse a cabo en los cines hace varias décadas.

Con una duración imponente de 3 horas y 35 minutos, El Brutalista, dirigida por Brady Corbet, se posiciona como uno de los estrenos más extendidos de esta temporada. La película, que llegó a las salas de cine en México el pasado jueves 6 de febrero, destaca no solo por su narración, actuaciones y fotografía, sino también por un detalle inusual en el cine moderno: la incorporación de un intermedio de 15 minutos.

¿De qué se trata ‘El Brutalista’?

El filme, protagonizado por Adrien Brody en el papel de Laszlo Toth, relata la historia de un arquitecto húngaro y su esposa, quienes en 1947 huyen de la Europa de posguerra para empezar una nueva vida en Estados Unidos.

A lo largo de su trama, la película explora las complejidades de la experiencia migrante, la reconstrucción personal y los desafíos de enfrentarse a un extraño y misterioso cliente que transforma el rumbo de sus vidas.

Este relato no solo captura momentos personales, sino que también refleja el nacimiento de un Estados Unidos moderno. La cinta equilibra el drama biográfico con tintes históricos, ofreciendo un profundo análisis del impacto sociocultural de la época.

¿Por qué tiene un intermedio?

Una de las decisiones más destacadas de la producción es la inclusión de un intermedio, una práctica que era común en el cine del siglo pasado pero que ha caído en desuso con los años. Corbet, quien coescribió el guion junto a Mona Fastvold, declaró en una entrevista con IndieWire que este intermedio no fue impuesto por factores externos, sino que fue un elemento concebido desde las primeras etapas del proyecto.

Durante el intermedio, que está marcado en pantalla con una cuenta regresiva para orientar al público, los cinéfilos tienen la opción de abandonar la sala momentáneamente o quedarse en sus asientos para reflexionar sobre lo visto.

Esta pausa recuerda al espectador la atmósfera del teatro y de los primeros años del cine, donde estas interrupciones eran parte integral de la experiencia.

Cinépolis anuncia promoción de intermedio

Además de revivir esta tradición, El Brutalista promete consentir a su audiencia en Cinépolis con una promoción exclusiva.

Los espectadores podrán rellenar sus recipientes jumbo de palomitas y refresco por solo 25 pesos mexicanos durante el intermedio, lo que no solo refuerza el carácter único del estreno, sino que también hace más placentera la experiencia en la sala.

El cine informó que será necesario presentar el boleto de entrada a la película para poder hacer válida la promoción y sólo es válido en salas VIP.

Con todo esto, El Brutalista no solo compite por el Oscar a Mejor Película, sino que también se atreve a desafiar las normas del entretenimiento actual, buscando redefinir una tradición cinematográfica a través de un relato que captura la esencia de los cambios sociales e individuales de su tiempo.

Keanu Reeves ha construido una carrera sólida y aclamada por su versatilidad, convirtiéndose en una de las figuras más queridas de Hollywood. A lo largo de los años, ha dejado una huella profunda en el cine con papeles que van desde el revolucionario The Matrix hasta la exitosa saga John Wick. Más allá de la acción, Reeves ha demostrado su talento en diversos géneros, con interpretaciones en películas como Idaho: el camino de mis sueños (My Own Private Idaho - 1991) y La casa del lago (The Lake House - 2006). Su presencia en pantalla, junto con su personalidad reservada fuera de ella, le han permitido ganar el respeto tanto de críticos como de espectadores. Ahora, el actor canadiense se prepara para su próximo proyecto, The Entertainment System is Down, cuyo rodaje acaba de comenzar.

The Entertainment System is Down (El sistema de entretenimiento está caído sería su traducción), cuyo rodaje comenzó recientemente en Budapest, se presenta como una sátira oscura. La trama se desarrolla durante un vuelo y gira en torno a un incidente inesperado. Según su presentación oficial: “El proyecto se desarrolla en un vuelo entre Inglaterra y Australia. Cuando el sistema de entretenimiento del avión se estropea, los pasajeros se ven obligados a luchar contra el aburrimiento. La película utilizará un Boeing 747 real en el set”.

El audiovisual, además de Reeves, cuenta con un elenco de renombre que incluye a Kirsten Dunst (Melancolía, Guerra Civil), Daniel Brühl (Bastardos sin gloria, Rush: Pasión y gloria), Nicholas Braun (Succession), Samantha Morton (Minority Report: Sentencia previa) y Tobias Menzies (The Crown). Cada uno de estos actores aporta una vasta experiencia en diversos géneros, lo que promete enriquecer la dinámica de la película y aumentar la expectativa sobre cómo se desarrollarán sus personajes dentro de esta sátira.

Junto con el anuncio de que la producción de The Entertainment System is Down ha comenzado, se dio a conocer la incorporación de un nuevo grupo de actores al proyecto. Entre ellos se encuentran Connor Swindells (Sex Education, Barbie), Daniel Webber (Billy the Kid), Wayne Blair (Mystery Road), Dan Wyllie (The Great), Lindsay Duncan (Birdman), Allan Corduner (Las vidas posibles de Mr. Nobody), Sofia Tjelta Sydness (Ida toma el mando), Erin Ainsworth (Napoleón), Myles Kamwendo (Boarders), Sanna Sundqvist (Sthlm Rekviem), Elle Piper (I Hate Suzie) y Tea Stjärne (Barracuda Queens).

A24, la reconocida distribuidora detrás de Todo en todas partes al mismo tiempo, adquirió por adelantado los derechos de distribución en Estados Unidos de The Entertainment System is Down durante el Festival de Cannes de 2024. El largometraje no solo cuenta con grandes nombres en el reparto, sino que también tiene al galardonado director Ruben Östlund (The Square, El triángulo de la tristeza) al mando del proyecto. Su enfoque único y su habilidad para capturar la complejidad de la sociedad a través de un humor ácido y crítico prometen darle un tono singular a esta producción.

El incidente se desató pasadas las 21 horas, sobre el cruce entre la Avenida Crovara y Montes de Oca, cuando el grupo de agresores increpó a los cronistas y cámaras presentes en la zona, para evitar que registraran el cuerpo de uno de los delincuentes continuaba tirado en el asfalto.

La agresión tuvo como víctimas a los periodistas y camarógrafos de TN y A24, quienes lograron captar la secuencia de los golpes que sufrieron en los instantes previos a que pudieran retirarse y ponerse al resguardo de los atacantes. Asimismo, aseguraron que varios vecinos también fueron atacados, por haber intentado defenderlos de los agresores.

Mientras los sucesos eran transmitidos en vivo y en directo, se registró que los vecinos de la zona colaboraron con el equipo de A24, debido a que una familia les permitió ingresar a su domicilio para evitar que continúen siendo agredidos. Incluso, unos agentes de la Policía Bonaerense se acercaron hasta la vivienda, aunque no se emitió el sonido de la conversación que mantuvieron.

Minutos más tarde de que el móvil de TN abandonara el lugar de los hechos, la periodista Ana Ortiz informó que se habían dirigido hacia la comisaría para poder asentar la denuncia en contra de los atacantes. Asimismo, uno de sus compañeros aguardaba la llegada de los servicios de emergencia para ser atendido producto de las lesiones que habría sufrido.

“No sé cómo hacen los vecinos para vivir esta situación. No te protege nadie”, denunció la cronista al remarcar que no era la primera vez que se enfrentaban a episodios de tal inmensa violencia, ya que se habría transformado en moneda corriente de cada cobertura que han realizado en el último tiempo.

En línea con la denuncia, Ortiz aseguró que “los que nos golpearon a nosotros y los que golpearon a los vecinos lo hicieron porque podían hacerlo”, para luego criticar que “evidentemente, nadie dice no a esa situación”. Además, descartó que los agresores hubieran intentado dialogar para que se fueran, sino que procedieron a agredirlos directamente. “Fueron directo a golpearnos y lo hicieron porque pudieron”, remarcó.

“¿Por qué pudieron habiendo policías? No sé. Esa es la pregunta que dejo acá en el aire", apuntó la periodista. Asimismo, destacó: “No vi que tuvieran miedo de que estaba la Policía, no vi que tuvieran miedo en ningún momento”, por lo que ratificó que iban a presentar una denuncia en contra de los atacantes.

Por último, Ortiz resaltó: “Nosotros no vamos a dejar de trabajar, será con otras medidas, de otra manera, pero no vamos a dejar de mostrar lo que pasa”. Incluso, planteó la posibilidad de que la situación hubiera sido peor de lo que fue y señaló la importancia de poder denunciar lo ocurrido porque “sino la realidad no va a cambiar nunca”.

Al mismo tiempo, el violento episodio fue repudiado en las redes sociales por varios políticos oficialistas. En el caso del vocero presidencial, Manuel Adorni, compartió un fragmento del momento de la agresión y manifestó: “Mi total solidaridad con los equipos de trabajo que estaba haciendo su cobertura periodística en La Matanza y fue agredido”.

De la misma manera, el legislador Ramiro Marra se sumó a la oleada de críticas al plantear que a través de los videos registrados “se puede identificar claramente la cara de los atacantes”. Y sentenció: “Espero que la policía de PBA actúe de inmediato y meta presos a estos violentos. No se puede ser tibio con los delincuentes”.

Por su parte, el presidente Javier Milei -al momento de la publicación de esta nota- no emitió una opinión al respecto, aunque confirmó que estaba enterado de lo sucedido, ya que había compartido la publicación en repudio realizada por el portavoz oficial en su perfil personal de la red social X.

ADEPA y FOPEA repudiaron la agresión a los periodistas

En medio de la conmoción que generó el ataque en contra de los equipos periodísticos, la Asociación de Entidades Periodísticas Argentinas (ADEPA) emitió un comunicado en repudio de los incidentes ocurridos en La Matanza. “Repudiamos la grave agresión a los integrantes de un equipo de @todonoticias mientras cubrían un reclamo de vecinos por la inseguridad en La Matanza”, manifestaron.

De la misma forma, informaron que “la periodista Ana Ortiz y el camarógrafo Gabriel Sapori fueron salvajemente atacados por un grupo de personas en las inmediaciones de Crovara y Roque Sáenz Peña”, por lo que tuvieron que recibir asistencia médica. Incluso, señalaron que Sapori “terminó con un ojo hinchado y sangre en su rostro”. Finalmente, las autoridades de ADEPA exigieron que “las autoridades investiguen el hecho y sancionen a los responsables de la agresión”.

En simultáneo, el Foro de Periodismo Argentino (FOPEA) también se pronunció en contra de los ataques sufridos por los movileros. Asimismo, apuntaron que la intención de los manifestantes habría sido “impedir que se reproduzcan las imágenes”, por lo que optaron por echarlos a los “empujones y golpes”.

“FOPEA se solidariza con los periodistas agredidos y reclama a dirigentes y manifestantes respeto por los trabajadores de prensa”, reclamaron, para luego exigir a las autoridades bonaerenses que garanticen el resguardo de los periodistas durante las coberturas de prensa.

Andrew Garfield no encaja en el molde típico de las estrellas de Hollywood. Este actor, aclamado tanto por sus interpretaciones como por su autenticidad, se convirtió en un referente de cómo mantener la integridad personal y profesional en una industria conocida por sus exigencias y convencionalismos. Con su regreso al cine tras tres años de pausa autoimpuesta, demuestra que priorizar la introspección no está reñido con el éxito.

Una carrera que desafía expectativas

Andrew Garfield, nacido en Los Ángeles en 1983 y criado en el Reino Unido, dio sus primeros pasos como actor en teatro y televisión británica. Su aparición en la icónica serie Doctor Who fue un preludio a su ascenso en el cine. Su debut en Hollywood llegó con Leones por corderos (2007), compartiendo pantalla con Tom Cruise y Meryl Streep. Desde entonces, optó por proyectos que desafían las narrativas convencionales, trabajando con directores como David Fincher en La red social (2010), donde interpretó al cofundador de Facebook, Eduardo Saverin, un papel que consolidó su estatus como estrella.

En 2012, asumió el manto de Spider-Man en The Amazing Spider-Man, ofreciendo una versión más introspectiva del icónico superhéroe. Aunque la secuela no alcanzó las expectativas de taquilla, su interpretación fue ampliamente elogiada y fue reivindicada con el tiempo. Este papel marcó un punto de inflexión en su carrera, llevándolo a explorar producciones más arriesgadas como Hasta el último hombre (2016) de Mel Gibson y Silencio (2016) de Martin Scorsese.

El arte de la pausa en la cima del éxito

A pesar de un 2021 deslumbrante con títulos como Tick, Tick… Boom!, por el que recibió una nominación al Oscar, y Spider-Man: No Way Home, Garfield decidió dar un paso atrás. Según Vanity Fair, este parón, que él describió como una reorganización necesaria, le permitió reflexionar sobre su trayectoria y adaptarse a los cambios que acompañan a la mediana edad. “Fue como llenar las arcas de la experiencia”, confesó el actor.

Durante este tiempo, Garfield no abandonó del todo el mundo artístico. Participó en la miniserie Por mandato del cielo y en el podcast 1984, basado en la obra de George Orwell. Sin embargo, evitó las grandes producciones cinematográficas, optando por un enfoque más introspectivo.

Una conexión profunda con el teatro y su vulnerabilidad

Aunque alcanzó fama mundial en el cine, Garfield nunca perdió su conexión con el teatro. En 2017, protagonizó Angels in America en el National Theatre de Londres, una obra que posteriormente llevó a Broadway y le valió un premio Tony. Esta experiencia reflejó su compromiso con proyectos que exploran temas complejos y profundamente humanos, reafirmando su capacidad para equilibrar el arte y la industria.

La pérdida de su madre, Lynn Garfield, en 2021, marcó profundamente al actor. Este evento lo llevó a romper su regla de no hablar públicamente sobre su vida personal. En entrevistas y programas de televisión, Garfield compartió sus reflexiones sobre el duelo, buscando desestigmatizar la vulnerabilidad masculina y fomentar conversaciones más abiertas sobre el dolor. “La tristeza es un regalo”, afirmó en una de sus intervenciones, mostrando una sensibilidad que resonó con el público.

El regreso con propósito

Garfield está de vuelta con Vivir el momento, un drama romántico impulsado por la prestigiosa productora A24, en el que comparte pantalla con Florence Pugh. Este proyecto, que se estrena en España el 3 de enero, marca un nuevo capítulo en su carrera. Sin embargo, lo que distingue al actor no es solo su talento, sino su capacidad para desafiar las normas de Hollywood, priorizar su bienestar y mantenerse fiel a sus valores.

En un mundo donde las estrellas a menudo se ven obligadas a adaptarse a las demandas del mercado, Andrew Garfield sigue siendo una anomalía refrescante, recordando que el éxito no tiene por qué sacrificar la autenticidad.

• Asesino Serial - Dir. JT Mollner
• La sustancia - Dir. Coralie Fargeat
• Amor, mentiras y sangre - Dir. Rose Glass
• Robot salvaje - Dir. Chris Sanders
• Longlegs: coleccionista de almas - Dir. Oz Perkins
• El asesino del juego de citas - Dir. Anna Kendrick
• A Different Man – Dir. Aaron Schimberg
• Didi – Dir. Sean Wang
• La Roy, Texas – Dir. Shane Atkinson
• Anora – Dir. Sean Baker

A lo largo de este 2024 el cine demostró una vez más su capacidad para capturar la atención del público y la crítica con propuestas innovadoras. Durante los últimos meses, varias películas de bajo presupuesto o con modesta promoción consiguieron hacerles frente a varios tanques cinematográficos, destacándose por ofrecer historias originales, actuaciones memorables y perspectivas únicas que resonaron profundamente entre los espectadores. Ya sean thrillers psicológicos, películas de terror o dramas intimistas, estas cintas pusieron en el centro de atención a cineastas que desafiaron las convenciones y arriesgaron con narrativas fuera de lo común.

Desde la emotiva película animada Robot salvaje hasta La sustancia, la película con Demi Moore que volvió a poner al terror corporal en el centro de la conversación, hoy en Malditos Nerds hacemos un repaso de diez títulos que resultaron ser verdaderas sorpresas cinematográficas en este 2024.

Asesino serial (Strange Darling) – Dir. JT Mollner

Asesino serial (más conocida como Strange Darling) se ganó su lugar entre las películas revelaciones de este año a fuerza de una propuesta interesante contada en formato de rompecabezas no lineal (con fuertes influencias del cine de Quentin Tarantino), giros inesperados y una fotografía sublime a cargo del actor Giovanni Ribisi, quien hace su debut en esta área.

Este thriller psicológico filmado en 35 mm puso a prueba los límites de la moralidad a partir de la historia de un juego del gato y el ratón entre un hombre (Kyle Gallner) y una mujer (Willa Fitzgerald), que deriva en una sangrienta persecución. A pesar de contar con un presupuesto relativamente bajo, la película que representa el segundo largometraje del director de Outlaws and Angels (2016), JT Mollner, logró destacarse en su paso por festivales llevándose reconocimientos tanto en Sitges como en Bucheon gracias a interpretaciones maravillosas de la dupla protagonista y una narrativa tan violenta como audaz.

La sustancia (The Substance) – Dir. Coralie Fargeat

Luego de su aclamado debut con Revenge, la directora francesa Coralie Fargeat regresó con fuerza al cine con La sustancia. Esta segunda película, que le valió el premio al mejor guion en el último Festival de Cannes, fue una apuesta bastante arriesgada para una cineasta en ascenso debido a su combinación de body horror, ciencia ficción y sátira social.

Protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, la historia siguió a Elisabeth Sparkle, una estrella de televisión cuya carrera está en picada. En un intento desesperado por recuperar su lugar, prueba un misterioso producto que le permite crear un alter ego joven y perfecto llamado Sue. Sin embargo, este procedimiento desata una lucha interna y externa que aborda el culto a la belleza y las presiones sociales relacionadas con la juventud y la apariencia física.

La película resultó ser un éxito crítico y comercial. No solo fue destacada por su audaz exploración del terror corporal, sino también por su incisivo comentario social. Moore probablemente nos entrega una de las mejores actuaciones de su carrera, exponiendo con intensidad la fragilidad y furia de su personaje. En un año repleto de secuelas, precuelas y expansiones de universos, La sustancia pudo cautivar al público con una propuesta fresca que vino acompañada por valentía visual y narrativa, abordando temas como el edadismo, la dismorfia corporal y las exigencias culturales hacia las mujeres en el mundo del espectáculo.

Amor, mentiras y sangre (Love Lies Bleeding) – Dir. Rose Glass

Otra de las películas singulares que nos presentó este 2024 es Amor, mentiras y sangre. Este segundo largometraje de la directora de Saint Maude, Rose Glass, podría describirse como un thriller romántico ambientado a finales de los ochenta que narró la intensa relación entre Lou (Kristen Stewart), la gerente de un gimnasio y Jackie (Katy O’Brian), una fisicoculturista con metas ambiciosas. Mientras esta inesperada relación se profundiza, ambas jóvenes se ven envueltas en una red de violencia y crimen, especialmente cuando el pasado oscuro de Lou, vinculado a su padre mafioso (Ed Harris), sale a la superficie.

La cinta que contó con el sello de la productora A24, fue aclamada por su atmósfera tensa, un estilo visual sucio y distintivo, como también por las actuaciones destacadas de Stewart y O’Brian, quienes muestran una química palpable en pantalla. La crítica también resaltó la capacidad de su directora para fusionar elementos de thriller y del cine de explotación, creando una narrativa que explora de manera intrigante y original, la obsesión, el deseo y los límites de la ambición.

Robot salvaje (Wild Robot) – Dir. Chris Sanders

En el plano animado hubo muchas propuestas que alcanzaron el éxito comercial de la mano de grandes estudios. Sin embargo, Robot salvaje se destacó del montón al presentarnos una historia o sumamente profunda y emotiva que caló hondo también en el público adulto. Basada en la exitosa novela de Peter Brown y producida por DreamWorks Animation, el estudio detrás de Shrek y Kung Fu Panda, esta película nos presentó a Roz, un robot que termina varado en una isla llena de animales. Sin humanos que le indiquen qué hacer, Roz decide reprogramarse para sobrevivir en este entorno desconocido, formando vínculos únicos con sus nuevos vecinos. Su relación con Brightbill, un pequeño ganso huérfano al que adopta como hijo, es el corazón de esta tierna historia.

Dirigida y escrita por Chris Sanders (Cómo entrenar a tu dragón), Robot Salvaje no sólo sorprendió por su impresionante animación, sino también con su mensaje profundo sobre la maternidad, la resiliencia y el aprendizaje en la adversidad. Además, esta contó con un elenco de voces de lujo: Lupita Nyong’o como Roz, Pedro Pascal como el astuto Fink, Kit Connor como Brightbill, y el legendario Mark Hamill como Thorn. La combinación perfecta de corazón y espectáculo visual posicionó a Robot salvaje entre las películas animadas más aclamadas del año.

Longlegs: coleccionista de almas (Longlegs) – Dir. Oz Perkins

Otra de las grandes sorpresas de este 2024 viene de un talento emergente dentro del cine de género que se consolida en la industria con su cuarta película. En Longlegs: coleccionista de almas, Oz Perkins nos introduce a un mundo de terror psicológico donde una agente novata del FBI se encuentra inmersa en una investigación sobre una serie de crímenes rituales. Estos parecen estar conectados con un siniestro asesino conocido como Longlegs, interpretado con inquietante maestría por Nicolas Cage. Conforme avanza la trama, ella descubre que su relación con el caso es más personal y aterradora de lo que imaginaba.

Protagonizada por Maika Monroe, esta película se destacó su atmósfera opresiva y su impecable construcción visual. Cage entregó una interpretación perturbadora que eleva a su personaje a un nivel casi mítico. Con escenas tan crudas como épicas, Longlegs dejó una marca indeleble en el cine de terror consolidándose como una experiencia inolvidable.

El asesino del juego de citas (Women of the Hour) – Dir. Anna Kendrick

El asesino del juego de citas marca el debut como directora de la actriz y cantante, Anna Kendrick, quien también protagoniza la película junto a Daniel Zovatto. Inspirada en hechos reales esta cinta ambienta su historia en Los Ángeles a finales de los setenta y sigue a Sheryl (Kendrick), una aspirante a actriz que, por recomendación de su representante, participa en el programa de televisión The Dating Game. Allí conoce a Rodney Alcala (Zovatto), uno de los concursantes que termina siendo un peligroso asesino en serie.

La ópera prima de Kendrick se destacó por abordar un caso famoso desde una óptica interesante, explorando la vulnerabilidad de las mujeres, la misoginia de la época y el desbalance de poder que le permitió a hombres como Alcala salirse con la suya por tantos años. La intérprete y cineasta logró transmitir la incomodidad y el peligro por el que pasaron sus víctimas con un gran grado de sensibilidad, evitando caer en la violencia gratuita. El asesino del juego de citas no solo es una buena película que logró conquistar a la crítica y al público, sino también una muestra del potencial de su directora.

A Different Man – Dir. Aaron Schimberg

Este año el realizador Aaron Schimberg nos presentó una historia única que explora la identidad y la aceptación. A Different Man nos presentó a Edward, un hombre cuya condición médica provoca tumores benignos que deforman su apariencia, afectando profundamente su personalidad y actitud frente a la vida. Todo parece cambiar cuando se somete a un procedimiento médico revolucionario que le otorga el rostro privilegiado de Sebastian Stan. Sin embargo, lejos de encontrar la felicidad, Edward descubre que sus problemas persisten y comienza a sentir celos de Oswald, un hombre que conserva la misma condición que él tenía antes de su transformación y demuestra ser todo lo opuesto.

Con A Different Man, Schimberg reflexiona sobre la inseguridad, el autodesprecio y cómo nuestra percepción personal influye en nuestra identidad. Gracias a un reparto lleno de talento y un tono que mezcla de manera brillante la comedia negra con el drama, la película evita caer en sentimentalismos y nos entrega una propuesta original, atrevida y profundamente humana.

Didi – Dir. Sean Wang

Dirigida por Sean Wang, Didi nos presenta la historia de Chris, un adolescente taiwanés-estadounidense de 13 años que, durante el verano de 2008, navega por los desafíos de la adolescencia en California. A través de su lente, la cinta explora temas como la identidad cultural, las dinámicas familiares y la influencia cada vez más creciente de las redes sociales en la juventud. La interpretación de Izaac Wang en el papel principal fue ampliamente elogiada, al igual que la actuación de Joan Chen como su madre, aportando autenticidad a la narrativa.

La película debutó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2024, donde recibió el Premio del Público y el Premio Especial del Jurado por Mejor Elenco. Posteriormente, su estreno en cines en julio consolidó su éxito, con la crítica destacado la capacidad de Wang para capturar la esencia de la adolescencia y la experiencia de los inmigrantes de manera auténtica. Además, la Didi fue reconocida por el National Board of Review como una de las 10 mejores películas independientes del año, subrayando su impacto en el panorama contemporáneo.

La Roy, Texas – Dir. Shane Atkinson

La Roy, Texas es una de las últimas películas en lograr hacerse un lugar entre las revelaciones de este año. Esta comedia negra que marca el debut como director de largometrajes de Shane Atkinson, nos presentó una historia criminal de enredos ambientada en un pequeño pueblo plagado de justicieros, reinas de la belleza y asesinatos.

Con un enfoque fresco y una ejecución impecable para un thriller independiente de bajo presupuesto, la película sigue a Ray, un hombre cuya vida da un giro inesperado tras descubrir que su esposa le es infiel y planear su propio suicidio. Sin embargo, todo cambia cuando un desconocido lo confunde con un asesino a sueldo de bajo costo, desencadenando una serie de eventos tan absurdos como tensos.

Protagonizada por un talentoso elenco que incluye a John Magaro, Steve Zahn, Megan Stevenson, Matthew Del Negro y Dylan Baker, la película ofrece actuaciones que combinan humor y un toque inquietante. Con un estilo que recuerda al clásico tono de Fargo de los hermanos Coen, La Roy, Texas se posiciona como una joya del cine independiente, que nos devuelve una recompensa emocional tan valiosa como el botín en disputa que mueve a sus personajes.

Anora – Dir. Sean Baker

El director Sean Baker es reconocido por su estilo único, que combina realismo social con narrativas íntimas y profundamente humanas. Sus películas suelen centrarse en personajes marginados o en situaciones difíciles, explorando aspectos de la vida que raramente se ven en el cine comercial. Con obras como Tangerine (2015) y The Florida Project (2017) nos transportó a mundos aparentemente pequeños, pero llenos de emociones universales, logrando que empaticemos con sus protagonistas sin recurrir al sentimentalismo fácil.

Todos estos ingredientes nuevamente se han visto reflejados en Anora, su más reciente película que fue galardonada con la Palma de Oro en el último Festival de Cine de Cannes. En esta cinta que reinventa el relato de Mujer bonita a través de una mirada actual y mucho más real, nos presenta la historia de una joven trabajadora sexual cuya vida toma un giro sustancial cuando conoce al hijo de un millonario y se casan impulsivamente. Sin embargo, cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas comienza a verse amenazado.

Anora es una de las propuestas más sólidas de Baker hasta el momento, capaz de hacernos transitar por una variedad de emociones que van desde la risa hasta la desesperación, e incluso, la angustia. A su vez, en su primer gran rol como protagonista, la actriz Mickey Madison demuestra que es uno de los grandes talentos de su generación, entregando una interpretación repleta de matices que la convierten en una de las favoritas para la próxima temporada de premios.

El primer tráiler presentado por el estudio nos presenta a Rudd y Ortega interpretando a un padre y a su hija adolescente durante un viaje por la carretera. La situación aparentemente mundana toma un giro oscuro cuando accidentalmente atropellan a una criatura parecida a un unicornio. Luego de este evento, una familia adinerada se apodera lo que queda de la criatura y descubren que su carne, su sangre y, sobre todo, su cuerno están dotados de propiedades curativas sobrenaturales. Sin embargo, a medida que la investigación avanza, las consecuencias mortales de sus acciones se hacen presente.

Death of a Unicorn cuenta con un talentoso equipo tanto delante como detrás de cámaras. Además de Rudd y Ortega, el reparto se completa con Téa Leoni (Jurassic Park III), Will Poulter (Guardianes de la Galaxia Vol. 3), Anthony Carrigan (Barry), Sunita Mani (Glow) y Jessica Hynes (Muertos de risa).

La película también supone el debut como director del guionista Alex Scharfman (Resurrection) y cuenta con Ari Aster de Midsommar como uno de sus productores. Su banda sonora estuvo a cargo del legendario John Carpenter, director y compositor del clásico de terror Halloween (1978), quien desarrolló la música del filme junto a su hijo Cody Carpenter y Daniel Davies.

Death of a Unicorn se estrenará en los cines de Estados Unidos durante el primer semestre de 2025 de la mano de A24. Todavía desconocemos cuál será su distribución en países de Latinoamérica y España.

Luego de su colaboración en dos entregas de Los cazafantasmas y más recientemente en la película de Saturday Night Live, Finn Wolfhard y el cineasta Jason Reitman unirán fuerzas una vez más. ¿El proyecto en cuestión? una nueva versión de la comedia de terror adolescente El diablo metió la mano (Idle Hands, 1999), producida por Sony Pictures.

La película original dirigida por Rodman Flender giraba en torno a Anton Tobias (interpretado por Devon Sawa), un adolescente perezoso y despreocupado que descubre que su mano derecha fue poseída por una fuerza demoníaca. Sin poder controlarla, Anton se ve envuelto en una serie de asesinatos y situaciones ridículas mientras trata de lidiar con esta posesión, que parece tener vida propia.

Aunque ahora se la considera un “clásico de culto” gracias a su tono camp, humor gráfico y gore, El diablo metió la mano recibió una respuesta inicial mediocre por parte de la crítica y tampoco tuvo éxito en taquilla. En su semana de estreno, la película apenas recaudó 1,8 millones de dólares, y en total logró superar los 4 millones de dólares, lejos de su presupuesto estimado de 25 millones.

Se espera que Jason Reitman, conocido también por sus trabajos en Juno (2007) y Amor sin escalas (2009), produzca el remake. Finn Wolfhard y su compañero Billy Bryk escribirán la nueva historia y están siendo considerados para dirigir y protagonizar el proyecto. La dupla ya debutó como directores con la comedia de terror Hell of a Summer, que fue bien recibida en el Festival de Toronto y se estrenará bajo el sello Neon el próximo año.

Además de su regreso como Mike Wheeler en la última temporada de Stranger Things, que llegará el próximo año, Wolfhard tiene varios proyectos en agenda entre los que también se incluye la película fantástica de A24, The Legend of Ochi.

Valladolid, 26 oct (EFE).- La película 'Sing Sing' cierra esta 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) con una historia de redención y humanidad a través del teatro, que reflexiona sobre el sistema penitenciario estadounidense y que se proyectará al público tras la ceremonia de clausura, prevista para la tarde de este sábado.

Una cinta que firma el estadounidense Greg Kwedar, que pone el broche al certamen vallisoletano junto con 'The Most Precious of Cargoes', el debut en la animación del cineasta francés Michel Hanavizius, que ganó el premio Oscar a mejor película por 'The Artist' en el año 2012, y que ha presentado este sábado en una rueda de prensa en el Teatro Calderón.

'Sing Sing', fuera de concurso, se basa en la experiencias de los presos que pasaron por el Programa de Rehabilitación a través de las artes de la cárcel de máxima seguridad Sing Sing, en Nueva York.

Kwedar se ha rodeado de un elenco de actores experimentados como Colman Domingo o Paul Raci, pero también de expresidiarios que se acogieron a ese programa como Clarence Maclin o Jon Adrian Velazquez.

El peso dramático de la cinta recae en Colman Domingo, que interpreta a Divine G (alias de John Witfield), un actor con tres décadas de actuación a sus espaldas con un sólido bagaje en el mundo del teatro y que aprovecha en esta cinta para, entre otras cosas, recitar 'Sueño de una noche de verano' de William Shakespeare y por el que recibió el premio Tribute Performer en el Festival de Toronto (TIFF).

Un proyecto de 105 minutos de duración en el que Kwedar, director estadounidense que cuenta con otro largometraje – 'Transpecos' (2016)- y productor y coguionista de 'Jockey (2021), ha invertido 8 años de vida; y que ha adquirido la distribuidora A24, casa cinematográfica de películas como 'The Witch' (2016) o 'Moonlight' (2016), ganadora del Oscar a mejor película en 2017.

El director de cine Michel Hanavizius, que ganó el premio Oscar a mejor película por 'The Artist' en 2011, apuesta por una película de animación que narra la historia de una niña judía durante la Segunda Guerra Mundial, cuyo padre la lanza de un tren en marcha para evitar que llegue al campo de concentración de Auschwitz y que es encontrada por un leñador y su esposa, lo que cambiará sus vidas.

Esta producción franco-belga, de 81 minutos y que se estrenó este año en el festival de cine de Cannes, adapta la novela 'La mercancía más preciosa. Un cuento', del también francés Jean-Claude Grumberg, un trabajo que Hanavizius empezó a poner en marcha y que se ha visto, por primera vez en España, en el festival vallisoletano.

A preguntas de los periodistas, el cineasta ha reconocido que el espíritu del largometraje tiene paralelismos con la época actual, "sin ser una interpelación directa a Europa", ya que su idea era mostrar que el ser humano puede ser "lo mejor y lo peor".

"En cada uno de nosotros hay un potencial genocida y una víctima, y en nuestro interior tenemos a alguien que toma las decisiones correctas y que puede elegir la humildad", ha incidido, antes de apuntar que hay una cierta interpelación y una muestra de respeto "a las personas que tienden la mano a los demás".

En su debut en la animación, Hanavizius se ha apoyado en el "genio" de Alexandre Desplat con una banda sonora claramente diferenciada entre música sinfónica y del este de Europa, y en la que apostó por una animación 2D por su cercanía al cuento y con el que ha intentado recrear "ese ambiente clásico".

"Quería que fuera una especie de recuerdo que venía desde el subconsciente, que traíamos del pasado al presente y por eso queríamos una animación más clásica, que no fuera completamente moderna", ha explicado. EFE.

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Para Grant, quien durante décadas fue la imagen del héroe romántico británico en comedias como Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill, Heretic representa un giro total hacia personajes oscuros y retorcidos. “Fue un desafío”, confesó en entrevista con Associated Press, agregando que su deseo de explorar papeles más complejos surge de una necesidad personal de “retarse” y probar los límites de su carrera.

La cinta, dirigida por Scott Beck y Bryan Woods—los mismos detrás de A Quiet Place—, es su incursión más radical en el terror, un género que el propio Grant admite no ser capaz de ver fácilmente. “Vi El exorcista cuando era demasiado joven y he estado en terapia desde entonces”, afirmó.

De ícono romántico a villano carismático

La carrera de Hugh Grant ha evolucionado de manera significativa, pasando de ser el ícono tímido y encantador de la comedia romántica británica a convertirse en un intérprete de personajes oscuros, complicados y a menudo retorcidos. La transición fue marcada por su actuación en películas como The Undoing, Los caballeros y Calabozos y dragones: honor entre ladrones, donde interpretó a embaucadores y bribones.

En palabras del propio Grant a El País, el éxito de Cuatro bodas y un funeral lo llevó a crear un personaje que en realidad nunca lo representó. “Mi error fue que, de repente, tuve un éxito masivo con Cuatro bodas y un funeral y pensé: ‘Ah, bueno, si eso es lo que a la gente le gusta tanto, también seré esa persona en la vida real’”. Esto lo llevó, según relata, a adoptar la faceta del “señor ‘Tartamudo Guiñador’”, lo que, admite, “es culpa mía que luego me metieran en una caja marcada como ‘Tartamudo Guiñador’”.

Tras varios éxitos con esta fórmula, Grant sentía que era tiempo de reinventarse. Tal como explicó, comenzó a buscar personajes que, por su complejidad, pudieran ser “retadores” y le brindaran la oportunidad de “reinventarse en cada escena”. Esta evolución en su enfoque actoral lo ha llevado a disfrutar de una “era de los espectáculos de fenómenos” en su carrera, como la define él mismo, explorando papeles que van desde el sarcasmo y la ironía hasta la verdadera oscuridad humana.

A lo largo de su carrera, Grant ha sido conocido por su habilidad para improvisar y añadir espontaneidad a sus personajes, una característica que ha enriquecido sus interpretaciones y le ha permitido aportar su toque personal a cada rol. En la película El diario de Bridget Jones, por ejemplo, improvisó la famosa respuesta de su personaje cuando ve los calzoncillos de Bridget.

Según explicó Grant, el personaje de Heretic no fue la excepción, y de hecho, comentó que su particular imitación de Jar Jar Binks en la película fue una idea suya, pensando que “sería divertido si el personaje hiciera eso porque sería muy extraño”. Esta capacidad de explorar personajes desde ángulos impredecibles lo ha ayudado a evolucionar como actor, especialmente cuando se trata de personajes complejos y oscuros.

Además, Grant detalló que su proceso de preparación va más allá de aprender los diálogos. En cambio, se enfoca en “una especie de adobo absurdamente prolongado y profundo”, en el que estudia meticulosamente el trasfondo de sus personajes, imaginando detalles como “¿Qué pasó en la infancia para que esta persona se comportara así? ¿Cómo era su madre? ¿Cómo era su padre?”. Para el Sr. Reed, el villano de Heretic, Grant investigó a asesinos en serie y líderes de sectas, logrando así una caracterización que proyecta los matices oscuros de su personaje en la pantalla.

La noticia aumentó la intensidad del festejo, y el ambiente de la transmisión se volvió aún más cálido. Facundo no perdió la oportunidad de bromear y, en tono de complicidad, le preguntó a Cata si tenía algún antojo especial, añadiendo más humor al ya divertido intercambio. “Bueno, nos tenés que decir bien con qué te mimamos. Tenés algún antojo”, comentó Facundo, generando risas. Aprovechando el momento, Cata respondió en tono pícaro y cómico, haciendo referencia a los cambios en su apetito y dejando entrever algunos detalles de su vida cotidiana. “Tengo empanadas para.... ¿Vieron que comían empanadas? ¿Empanadas y no se dan cuenta?”, explicó, recordando cómo había aumentado su consumo de comida sin que nadie pareciera notarlo.

La broma fue aún más lejos cuando agregó: “¿Tenés el tacho de helado ahí abajo todavía? “Hace tres meses que no paro de comer porque son dos”, confesó Cata, desatando una ola de aplausos y risas de todos en el set. La revelación se convirtió en un momento inolvidable y reflejó la cercanía de ambos periodistas, quienes mantuvieron el tono distendido.

Cata explicó a Teleshow que su embarazo es de riesgo debido a que las gemelas comparten la misma placenta, y por eso que requiere controles médicos frecuentes. “No doy más de felicidad...se van a llamar Margarita y Matilde. Es un embarazo de riesgo porque es gemelar y comparten placenta, por eso me tengo que hacer estudios en forma permanente. Este embarazo llegó en un momento inesperado, después de años de intentos en el pasado, y obviamente no dieron resultado. Busqué años con otra pareja con tratamientos, y acá se dio de forma sorpresiva a un mes de conocer a Nico, mi novio que es de mi misma edad, tenemos 40 años y estoy embarazada de tres meses.” destacó la periodista.

La historia de amor y la llegada de gemelas

Cata de Elía se explayó aún más en sus redes sociales, en un posteo donde escribió: Lo que ven de mí en las redes, la radio o la tele no cuenta toda la historia. Mis últimos cuatro años han sido muy duros. Algunas cosas se hicieron públicas, como la muerte de mi amigo, otras prefiero guardarlas en mi intimidad, y les agradezco el respeto por eso. Llegué a un punto en el que me daba igual si despertaba viva. Seguí con mis actividades pero estaba toda celeste, invadida por tristeza, como en “Intensamente”. Luché en silencio, con la ayuda de terapeutas, amigas del alma, y maquillaje. Pero, un día, empecé a sanar traumas y a tener ganas de vivir la vida. Me liberé de muchas ideas sobre el matrimonio y la maternidad. Y como llevaba tiempo sola, acepté una oferta de una app de citas que me daba un mes gratis. Buscaba extranjeros para practicar inglés y no engancharme. Pero mi primera y única cita fue con @nicolasbeis ❤️. Hicimos match, salimos, nos enamoramos y…un mes después de conocernos, me enteré de que estaba embarazada. ¡De gemelas! No les puedo explicar lo que esto significa para mí. Soñé con ser mamá por años. Hice tratamientos, pasé por pinchazos, lágrimas, y cuando ya había dejado de buscarlo, cuando ya pensaba que no iba a pasar… pasó. Estar embarazada de estos dos milagros es lo más fuerte y lindo que me ha pasado, y le agradezco al universo cada día por esta oportunidad. A mis compañeros de trabajo y oyentes de @metro951: ahora ya saben por qué tantas mudanzas y “faltazos” por esas náuseas y vómitos que no me daban tregua. Estas dos bebitas ya se están haciendo notar, y solo pido que sigan creciendo y que nazcan sanas porque las deseo con todo mi corazón❤️concluyó el mensaje que dejó en su cuenta de Instagram.

Robert Pattinson se está embarcando en un nuevo proyecto cinematográfico a la par de la secuela de The Batman y otro puñado de títulos. Primetime será el primer largometraje de ficción dirigido por el reconocido documentalista Lance Oppenheim financiado y distribuido por A24, con Pattinson como uno de sus principales productores. Según un reciente informe, se espera que el actor también protagonice el proyecto aunque todavía no hay ningún acuerdo firme al respecto.

Aunque no se conocen demasiados detalles sobre la trama de la película, se dice que esta seguirá a un periodista que se enfrenta a un submundo del crimen y cambia la televisión para siempre. Algunas fuentes informaron que el proyecto se inspira en el microprograma de la NBC, To Catch a Predator, así como en su presentador Chris Hansen, aunque el estudio no confirmó el trascendido.

La serie de crímenes reales estrenada en 2004 formaba parte del programa de noticias Dateline y seguía a Hansen mientras atrapaba a pedófilos. El presentador buscaba formas de atraer y exponer a depredadores adultos, captando su comportamiento ante las cámaras, algo que normalmente acababa en una detención.

Oppenheim es conocido por sus películas Some Kind of Heaven (2020) y Spermworld (2024), así como por la reciente serie documental Ren Faire de HBO. En cuanto a la carrera de Pattinson, además de participar en franquicias exitosas como es el caso de Crepúsculo y Harry Potter, en los últimos años ha protagonizado varias obras aclamadas por la crítica de la mano de cineastas como Matt Reeves, Christopher Nolan y Robert Eggers.

Próximamente, Pattinson estrenará la esperada película de ciencia ficción Mickey 17, escrita y dirigida por Bong Joon-ho de Parasite (2019). En el horizonte también tiene una cita en el set de la secuela de The Batman y también tiene previsto producir un remake de Posesión (1980) junto al director Parker Finn de Sonríe (2022).

The Brutalist será una épica histórica que nos presenta la vida de un arquitecto visionario. Este filme tuvo su primer paso por el 81º Festival de Cine de Venecia, donde ganó el premio del festival por su dirección. Con respecto a la sinopsis oficial: “El proyecto se centra en László Tóth, un arquitecto judío que emigra a los Estados Unidos con su esposa Erzsébet después de la Segunda Guerra Mundial. Tras su llegada, Tóth consigue un misterioso y rico cliente, que desempeña un papel clave en la trayectoria del arquitecto”.

Con respecto a la dirección, estuvo a cargo de Brady Corbet, quien coescribió el guión junto a Mona Fastvold (The World to Come). A lo largo de su trayectoria, Corbet ha trabajado en la miniserie The Crowded Room y en el largometraje Vox Lux: el precio de la fama (Vox Lux - 2018), protagonizado por Natalie Portman (Secretos de un escándalo, El cisne negro, El perfecto asesino) y Jude Law (El descanso, El talentoso Sr. Ripley). En esta ocasión, The Brutalist contó con la producción de A24, la empresa detrás de Hereje (Heretic) y Todo en todas partes al mismo tiempo (Everything Everywhere All at Once - 2022).

Con respecto al elenco, está protagonizado por Adrien Brody (King Kong, El pianista), Felicity Jones (Rogue One, La teoría del todo), Guy Pearce (Memento), Joe Alwyn (Tipos de gentileza), Raffey Cassidy (Tomorrowland), Stacy Martin (Seducción por el juego), Isaach De Bankolé (Los límites del control), Alessandro Nivola (Kraven the Hunter), Ariane Labed (Langosta), Michael Epp (Jack Ryan) y Jonathan Hyde (Titanic), entre otros.

The Brutalist llegará a cines selectos de Estados Unidos a partir del 20 de diciembre de 2024.

Stephen King es uno de los novelistas más influyentes de la literatura moderna. Durante su medio siglo de carrera no solo ha publicado más de sesenta novelas y una decena de colecciones de relatos cortos, sino que la mayoría de ellos han sido adaptado al cine y la televisión. Esto no parece desacelerarse ya que todavía hay una cantidad de proyectos en camino inspirados en su obra y ahora uno más acaba de resucitar: Cuento de hadas (Fairy Tales).

Un reciente informe compartido por un reconocido medio internacional indica que la adaptación ha vuelto a ponerse en marcha de la mano de A24. Sin embargo, ya no se tratará de una película, como se había indicado anteriormente, sino que será una serie de televisión de diez episodios. Inicialmente, Cuento de hadas iba a tener una versión cinematográfica distribuida por Universal Pictures, pero cuando el estudio se dio cuenta de que la historia era demasiado extensa, se abandonó.

Cuento de hadas, que representa el primer intento de Stephen King en meterse de lleno con el género fantástico, sigue la historia de Charlie Reade, un adolescente que hereda las llaves de un portal que puede llevarlo a un mundo mágico donde el bien y el mal están en una constante lucha de poder. Como si ello fuera poco, Charlie sólo tendrá una oportunidad para salvar este nuevo mundo de su completa destrucción.

Paul Greengrass está trabajando en la adaptación del relato de fantasía oscura. Se suponía que el cineasta iba a dirigir la historia, cuando se la anunció como una película. Antes de meterse de lleno en el viaje de Charlie Reade y el mundo que debe salvar, Greengrass estuvo al frente de la saga de Jason Bourne y también dirigió la película protagonizada por Tom Hanks, Capitán Phillips (2013).

Se espera que además de la escritura del proyecto, Greengrass dirija algunos episodios de la serie. El equipo de productores se completa con Peter Rice, Stephen King y J.H. Wyman quien también firmó por el rol de showrunner de la serie.

Por el momento, no tenemos una fecha tentativa de lanzamiento para Cuento de hadas ni novedades relacionadas con su reparto.

En junio pasado la nueva película de Street Fighter impulsada por Sony Pictures, Legendary y Capcom sufrió una gran pérdida con la salida de los directores Danny y Michael Philippou. Según se comunicó en ese entonces, los cineastas australianos que marcaron su debut en la pantalla con el hit de terror Háblame (Talk To Me, 2023), habían dado un paso al costado del proyecto debido a conflictos de agenda.

Los informes indicaban que las compañías esperaban iniciar los rodajes del nuevo live action cuanto antes, mientras que los Phillippou ya tenían pactado el inicio de rodaje de Bring Her Back, una nueva cinta de género para A24. Como consecuencia de la partida de la dupla, el proyecto que buscaba adaptar el popular videojuego de peleas se pausó, mientras los estudios se ponían en la búsqueda de un director capaz de llevarlo a buen puerto. Ahora, un nuevo reporte nos brinda el nombre de quien sería el elegido.

De acuerdo con el insider de la industria, Daniel Richtman, Kitao Sakurai acaba de firmar para dirigir la nueva entrada cinematográfica al universo de Street Fighter. Sakurai es un actor, guionista, productor y director de cine japonés-estadounidense. Principalmente, es conocido por dirigir Un viaje pesado (Bad Trip, 2021) el proyecto de Netflix que funcionaba como una comedia de bromas con cámaras ocultas. Aunque es poco probable que esta película le haya conseguido su ticket para lo nuevo de Street Fighter, cabe mencionar que el profesional también dirigió cuatro episodios de la serie de Twisted Metal.

Cabe recordar que el videojuego con casi cuatro décadas de trayectoria fue adaptado a la pantalla en varias ocasiones (incluyendo una bochornosa versión con Jean-Claude Van Damme y Kylie Minogue). No obstante, hasta la fecha ninguna de ellas consiguió la suficiente repercusión como para hacerle justicia al clásico de peleas.

La visión de los hermanos Phillippou era, por lo menos, interesante. Incluso antes del estreno de Háblame, su ópera prima, con su cortometraje Real Life Street Fighter estrenado a través de YouTube, la dupla fue capaz de llevar a cabo acrobacias elaboradas y grandes escenas de lucha, muchas de las cuales contaron con efectos especiales y visuales sólidos.

“Nos encanta tener la oportunidad de hacer una película de acción. Nos encantaría tener la oportunidad de hacer grandes escenas con un gran presupuesto, porque incluso con nuestro material de YouTube, estamos diseñando acrobacias que nunca se han hecho antes. Queremos hacer eso a gran escala, siento que podríamos crear algo que nadie haya visto antes”, declaró Danny Philippou tiempo antes de abandonar el proyecto.

Si los planes de los estudios se mantienen, se espera que la nueva película de Street Fighter llegue a las salas de cine el 20 de marzo de 2026.

Tras varios años de idas y vueltas, el universo de Viernes 13 (Friday The 13th) tenía previsto regresar a las pantallas de la mano de una nueva serie. Anunciada bajo el título Crystal Lake, esta se trataría de una producción de A24 que haría su debut a través de Peacock, la plataforma de Universal en algún momento de este año. Lamentablemente, como consecuencia de problemas internos, presupuestarios y desacuerdos sobre el control creativo, el proyecto perdió a Bryan Fuller (Hannibal), su showrunner, y debió posponer su rodaje hasta la llegada de un nuevo creativo.

Aunque por unos meses no hubo demasiadas novedades sobre la nueva dirección de Crystal Lake, ahora Sean S. Cunningham, director de la película original Viernes 13, compartió algunos detalles sobre el estado de la serie. En el marco de una reciente entrevista, Cunningham reveló que el rodaje podría comenzar a finales de este año. De esta manera, en el mejor de los casos, lo nuevo de Jason Vorhees llegaría a ver la luz en 2025.

“Lo último que he oído es que hablan de rodarla en Australia a finales de este año y estrenarla en Halloween de 2025″, reconoció Cunningham. No obstante, el director reconoció que los planes se han visto afectados en varias ocasiones, lo que significa que todavía no deberíamos considerar este trascendido como algo oficial.

Cunningham también habló sobre algunos de los motivos que llevaron a la salida de Fuller a mediados de este año. “A24 decidió que se unirían a Peacock y harían una serie de televisión de Viernes 13. Iban a contratar a Bryan Fuller, un guionista muy bueno. En el mundo de la televisión, el showrunner, el guionista principal, es la estrella. Es la persona en la que tienes que confiar plenamente, porque no se trata de la capacidad de escribir una historia. Se trata de la capacidad de contar una historia nueva cada semana. Eso es muy, muy difícil, y muy poca gente puede hacerlo”, expresó el cineasta.

“Bryan consiguió el trabajo, y le dieron luz verde. Estaba avanzando, empezaron a montar la sala de guionistas, y no les gustó el camino que estaba tomando. Sentían que iba a ser demasiado oscuro. Así que lo abandonaron y contrataron a otro guionista”, agregó sobre el tema.

Cabe mencionar que, luego de varios rumores sobre la presunta cancelación de la serie, en agosto pasado se reveló que Brad Caleb Kane había sido contratado para sustituir a Fuller. Kane ya trabajó como co-showrunner en Welcome to Derry, otra precuela televisiva centrada en el universo de It que verá la luz el año próximo a través de la pantalla de HBO y Max. Entre sus créditos anteriores también figuran Warrior y Tokyo Vice.

Para finalizar, Cunningham habló sobre la posibilidad de desarrollar más proyectos alrededor de Viernes 13 y reconoció que los videojuegos son un terreno muy fértil. “Siempre parece haber un deseo de tener otra película de Viernes 13, que tendría una vida distinta de la serie de televisión. Seguro que Jason aparecerá en más videojuegos. Tuvimos una muy buena racha con el primer videojuego”, declaró refiriéndose a Friday the 13th: The Game, de 2017.

Todo comenzó en el noticiero de A24 (América), cuando el periodista Alejandro Pueblas realizó comentarios despectivos sobre el cuerpo de Tini, mientras se transmitía la noticia sobre su exitosa presentación junto a Coldplay en Dublín, tras el lanzamiento de su tema We Pray. En ese momento, Pueblas aseguró que la artista “debería comer un poco más” y sugirió que su delgadez era motivo de preocupación.

“Está flaquita igual, eh… un poquito más de… yo le daría un poco más de comida”, aseguró el periodista, al tiempo que se proyectaban imágenes de la intérprete en las que se veían su abdomen y pecho. Acto seguido, una compañera intentó explicarle que ese tipo de comentarios son los que llevaron a Tini a atravesar una fuerte depresión. Pero Pueblas la ignoró y fue por más: “Podría comer un poquito más. No es crítica, es preocupación porque uno la ve muy delgada. Yo le puedo pasar lo que quiera…”.

“¿Pero ella tiene un problema con la delgadez? Entonces está bien que uno diga… pero no tanto. Pensé que estaba con una depresión y por eso comía poco. Es así ella, no es que tiene un problema… está bárbaro, entonces”, siguió diciendo.

Ante estas declaraciones, y tras una ola de defensa de parte de sus fans, Tini utilizó su cuenta en X (ex Twitter) para expresar su descontento. “Después de bastante tiempo, salir al escenario en short, quizás pueda parecer una tontería; pero para mí, significó mucho después de creerme toda la mierda que dijeron y siguen diciendo. Lamentablemente, seguimos viendo cómo opinan tan libremente sobre cuerpos ajenos, lo cual me parece sumamente grave. Aparte teniendo un micrófono en la mano y siendo comunicador”, arrancó la joven.

Más adelante, reflexionó acerca del proceso que la llevó a estar mejor mentalmente y a aceptarse cómo es. “Hoy le agradezco mucho a mi cuerpo. Le dije cosas muy feas durante mucho tiempo. Ya no más. Me costó, y es algo de todos los días. Pero al menos hoy decido por mí, y no por los demás, ni por hacer sentir cómodos a personas como vos Alejandro Pueblas”, cerró contundente.

Poco después, Pueblas salió a disculparse y dejó en claro que desconocía que sus comentarios, que según él buscaron ser en tono humorístico, podrían afectar tanto a la intérprete. “Si de algo sirve te pido disculpas, Tini Stoessel”, arrancó el periodista. Y sumó: “Sinceramente, no sabía lo que te había pasado y, en ese momento, al aire dije eso. Así como todo el mundo me dice que adelgace. Tal vez yo no lo tomo a mal y de verdad repito, no sabía lo que estabas atravesando. Pedir disculpas”.

Pueblas, que también compartió uno de los tantos mensajes hirientes que recibió de parte de los seguidores de Tini, reiteró: “Solo por acá voy a decir que no sigo a Tini y de verdad no sabía lo que estaba atravesando, si sirve de algo te pido perdón y también lo haré públicamente”.

El tema de las críticas hacia la apariencia física de figuras públicas no es nuevo. La revelación de Tini en su reciente álbum “Un mechón de pelo” incluye sus experiencias con la ansiedad y los ataques de pánico a raíz de las críticas que recibe de manera constante.

En aquella entrevista con Rolón, lo graficó de la siguiente manera: “Con la crudeza y la maldad con la que se habla del cuerpo, de la cara, de la voz ajena, cuando se tendría que abordar el tema desde otro lugar. Sentía que taparme era la solución, me empecé a vestir grande, ponerme guantes, engordarme en las fotos. Yo ya lo había normalizado. Y después me di cuenta de todo lo que me afectó. ¿Voy a estar toda la vida esperando la aceptación de todo el mundo? Voy a terminar infeliz toda la vida. En ese proceso dije: ‘Ya no me alcanza estar hablándolo con mis amigas y mi familia, con mi psicólogo y mi psiquiatra, necesito sacarlo para afuera’”.

Gwyneth Paltrow está lista para regresar al cine después de una pausa desde su papel como Pepper Potts en Avengers: Endgame en 2019. La actriz ganadora del Premio Oscar por su actuación en Shakespeare in Love compartirá pantalla con Timothée Chalamet en la nueva película Marty Supreme, dirigida por Josh Safdie y producida por A24.

Aunque se mantienen los detalles de la trama en secreto, se informó que la película se inspira libremente en la vida del jugador profesional de ping pong Marty Reisman; no obstante, fuentes cercanas a la producción recalcan que no se trata de un biopic sino de una historia ficcionalizada. El rol de Paltrow aún no se ha revelado.

El guion de Marty Supreme ha sido escrito por Safdie junto a Ronald Bronstein. La producción estará a cargo de Eli Bush, Anthony Katagas, Chalamet y A24. Este proyecto marcará el regreso en solitario de Safdie a la dirección desde The Pleasure of Being Robbed en 2008. Safdie, conocido por los éxitos de crítica Uncut Gems y Good Time, ha decidido colaborar solo en dirección tras revelar que él y su hermano Benny Safdie seguirán produciendo juntos a través de Elara Pictures.

Gwyneth ya había mostrado algunos indicios de querer regresar a la gran pantalla. En 2023, celebró un encuentro con los medios en el Festival de Cine del Mar Rojo en Arabia Saudita. Por supuesto, la periodista Jomana Alrashid no tardó en cuestionarle sobre sus deseos de volver a la actuación, a lo que la ganadora del Oscar respondió lo siguiente:

“Nunca digo nunca. Estoy muy contenta y ocupada haciendo lo que hago. Pero si uno de mis mejores amigos me dijera: ‘por favor, ven y haz esto’, quizá lo consideraría”.

En los últimos años, Paltrow se dedicó a dirigir Goop, una empresa de artículos enfocados en “bienestar y estilo de vida”. Si bien, el negocio ha sido muy redituable, también ha sido sumamente controversial debido a productos tan descabellados como enemas de café, huevos vaginales y repelentes psíquicos de vampiros.

Sin embargo, esta no fue la razón por la que Gwyneth decidió abandonar Hollywood. Fue su deseo de cuidar a su hija recién nacida, Apple, lo que la hizo reconsiderar el dejar atrás sus años lejos de casa y encerrada en los sets de grabación.

“Es bastante irónico porque realmente dejé la actuación cuando nació Apple. La última vez que aparecí en todas las escenas de una película fue cuando estaba embarazada de ella. Cuando di a luz, fue como si sintiera que todo se redefinió para mí. Y pensé: ‘No sé si quiero seguir con esto como carrera. Desde luego, no quiero... No voy a estar fuera de casa durante meses’”, aseguró Paltrow en una entrevista para People.

Apple, fruto del matrimonio de Gwyneth con Chris Martin (que acabó en 2016), ya tiene 20 años, por lo que, al parecer, su madre ha considerado que puede dejarla por su cuenta y regresar a sus proyectos en el cine.

Paltrow, reconocida también con una nominación al Globo de Oro por su actuación en Proof, ha tenido una carrera prolífica en cine y televisión. En el ámbito cinematográfico, es conocida por su participación en películas como Iron Man, The Royal Tenenbaums, The Talented Mr. Ripley, Se7en, Shallow Hal, Great Expectations, Emma, Sliding Doors y Contagion. En televisión, su último papel importante fue en The Politician de Netflix en 2019, creada por Ryan Murphy, Brad Falchuk e Ian Brennan, y ganó un Emmy en 2011 por su actuación en Glee de Fox.

El pasado mes de febrero, el cineasta Kristoffer Borgli (Enferma de mí, Eer) estrenó El hombre de los sueños (Dream Scenario), un thriller protagonizado por Nicolas Cage (Longlegs, La leyenda del tesoro perdido). En esta película, Cage interpreta a un padre de familia cuya vida da un giro inesperado al convertirse en el objeto de las visiones nocturnas de millones de extraños. Ahora, Borgli está preparando otro proyecto titulado The Drama y parece estar intentando cerrar a sus protagonistas.

Según recientes informes, Zendaya y Robert Pattinson estarían en conversaciones iniciales para protagonizar un nuevo largometraje del que aún no se conocen muchos detalles. Sin embargo, se ha revelado que podría ser un drama romántico que toma un giro inesperado antes del gran día de una pareja. La trama exploraría las complejidades de las relaciones y los desafíos imprevistos que pueden surgir en los momentos más cruciales.

Tanto Zendaya como Pattinson están en un gran momento de su carrera. La actriz, que lideró la exitosa serie Euphoria para HBO, compartió pantalla con Sydney Sweeney (Madame Web, Con todos menos contigo), Jacob Elordi (Priscilla, Saltburn) y Hunter Schafer (Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes, Cuckoo). Además, este año estrenó la exitosa Duna: Parte Dos (Dune: Part Two) junto a Timothée Chalamet (Llámame por tu nombre) y fue protagonista de Desafiantes (Challengers), una película que profundiza en el mundo del tenis.

Por su parte, Pattinson estrenó en 2022 The Batman, la película del icónico personaje de DC dirigida por Matt Reeves (Cloverfield, El planeta de los simios: la guerra). Además, se espera su participación en Mickey 17, el nuevo largometraje de Bong Joon-Ho (Parasite, Memorias de un asesino). Esta película de ciencia ficción sigue a un robot enviado a otro planeta con el objetivo de explorarlo y, en el mejor de los casos, colonizarlo.

Aunque aún debemos esperar las confirmaciones oficiales y más detalles sobre la historia, sabemos que The Drama contará con la producción de A24 (Todo en todas partes al mismo tiempo), así como de Ari Aster (Midsommar, El legado del diablo). Lars Knudsen (Beau tiene miedo) y Tyler Campellone (Sasquatch Sunset) también estarán involucrados en la producción bajo su sello Square Peg.

Las primeras críticas como la que realizó The Hollywood Reporter son casi perfectas: “Louis-Dreyfus se adentra en una esfera de emociones que nunca antes había explorado en pantalla. No sólo nos transmite la psicología, sino también los sentimientos de miedo, pérdida y resistencia que impregnan ‘Tuesday’”. Esta conmovedora historia narra la lucha de una madre, Zora, interpretada por Louis-Dreyfus, contra la adversidad cuando la Muerte, representada por un guacamayo parlante de nombre Arinzé Kene, amenaza con llevarse a su hija adolescente, Tuesday, encarnada por Petticrew.

La premisa de Tuesday ha cosechado elogios en varios festivales de cine como Telluride, Londres y Miami, donde su proyección sorprendió gratamente a la crítica especializada. En Screendaily resaltaron el rol de la directora: “Pusić lo ha dado todo en su debut, y los observadores tomarán nota”. Este comentario resalta la habilidad de Oniunas-Pusic para fusionar lo fantástico con lo trágico en una narrativa firmemente anclada en la realidad emocional de sus personajes.

En la publicación Deadline también expresaron que “Pusic muestra un dominio seguro de su historia, incluyendo el equilibrio del tono de un cuento único sobre un tema familiar y universal que al final nos golpea justo en el corazón y el alma”. Esta habilidad para equilibrar elementos narrativos distingue a la directora debutante cuya obra se promete como un récord en el mundo de la cinematografía.

El film también destaca por su impactante mezcla de realismo mágico y drama madre-hija, lo cual se evidencia en la interacción con el guacamayo, una criatura visualmente fascinante que representa a la Muerte.

Tuesday se proyectará en varios festivales antes de su estreno oficial en cines en 2024. La banda sonora está a cargo de la compositora Anna Meredith y la producción cuenta con el respaldo de Ivana MacKinnon y Oliver Roskill.

La actuación de Julia Louis-Dreyfus en Tuesday representa una notable desviación de sus roles previos en series cómicas. Más recientemente, sus actuaciones en películas como Me heriste y Ustedes han demostrado su versatilidad como actriz. Louis-Dreyfus volverá a la pantalla grande en Thunderbolts, una producción que forma parte del universo Marvel Studios, proyectada para lanzarse en 2025.

En esta ocasión, su interpretación de una madre que enfrenta la pérdida de su hija toca una fibra muy sensible. “Una madre, encarnada por Julia Louis-Dreyfus, y su hija deben enfrentarse a la Muerte cuando esta llega en forma de un asombroso pájaro que habla”, detallan los responsables del film en su sinopsis oficial.

Las expectativas para Tuesday son altas, y no es difícil entender por qué. Con una historia única que mezcla drama y realismo mágico, actuaciones conmovedoras y un equipo de producción robusto, la obra promete resonar profundamente tanto entre los críticos como en el público en general.

A24 continúa demostrando que su enfoque distintivo y arriesgado para la producción cinematográfica da frutos, brindando historias emocionales y visualmente impactantes.

Llamado “deforme”, “monstruo”, “mutante”, Adam Pearson se describe mejor como un sobreviviente del odio público que de su enfermedad, la neurofibromatosis. La rara condición genética provoca el crecimiento de gruesos tumores en todo su rostro, una afección similar a la vista en la película El hombre elefante. Sabe que si hubiese nacido en el siglo pasado, probablemente se hubiese enlistado en circos o freak shows, en cambio, Hollywood lo reclamó, y hasta el momento ha protagonizado desde una escena de desnudo con Scarlett Johansson, hasta formar parte de la nueva gran apuesta de A24, A Different Man.

Tras 39 años de vida, Pearson está acostumbrado a convivir con la neurofibromatosis, aunque en las calles aún lo diseccionan con la mirada, sienten curiosidad, lástima o burla. Pero es una situación más tolerable a que la experimentó en la escuela secundaria, donde los “delitos de odio por discapacidad”, tal como lo define, era un miedo que lo perseguía cada día.

En una ocasión, un alumno lo convenció de que un profesor lo esperaba en otra aula. Al llegar fue atacado en grupo por sus propios compañeros: “Me fui a casa con saliva por toda la chaqueta. Fue horrible”, recordó en una entrevista con The Mirror Online. El único consuelo era contar las semanas restantes hasta las siguientes vacaciones. “‘Solo faltan siete días’, decía [mi madre], y yo me despertaba todas las mañanas temiendo las horas que me esperaban”.

A pesar de todo, logró graduarse y estudió administración de empresas en la Universidad de Brighton, Inglaterra. Pero su camino se desvió a la pantalla chica cuando la BBC y Channel 4 lo contrataron como asistente de casting, primero para el reality de parejas discapacitadas, The Undateables, y luego para La bella y la bestia.

Su primer gran papel en el cine

Su trabajo en producción televisiva lo puso en la mira de Jonathan Glazer, quien le brindaría la oportunidad de su vida con Bajo la piel (Under the Skin). El filme de ciencia ficción fue considerado por varios críticos y medios como la mejor película de 2013, su año de estreno.

En la historia, un extraterrestre con apariencia de mujer seductora (Johansson) deambula por las calles de Glasgow para capturar y asesinar a hombres desprevenidos. Pero en una escena particularmente memorable, el alienígena traslada a un hombre encapuchado (Pearson) a su guarida, y al descubrirlo examina su rostro desfigurado, y su cuerpo deformado con una mezcla de curiosidad y repulsión.

El sujeto, inicialmente asustado, se siente vulnerable y expuesto ante la criatura. Y pese a su figura amorfa, el extraterrestre muestra cierta empatía ante el miedo y aislamiento de su víctima, entonces ambos se enfrascan en una breve conversación en relación a la ignorancia y la identidad. Finalmente, el captor no comenta sobre la apariencia del hombre, y en su lugar atina por elogiar por sus “hermosas” manos.

Buena parte del diálogo no siguió un guion estricto. Pearson y Johansson habían discutido previamente sobre el contenido; de hecho, la frase sobre las manos fue idea de él. “A mi madre le gustan mis manos”, comentó a The Guardian. Fue en esa misma escena en la que también tuvo una escena de desnudo con Scarlett Johansson, algo que le aportó vulnerabilidad a su interpretación, pero que desestabilizaría incluso al actor más veterano.

“Una de las principales razones por las que acepté el papel fue porque era muy conmovedor y honesto. Para mí, la película trata sobre cómo se ve el mundo sin conocimiento y sin prejuicios. Se trata de ver el mundo a través de ojos alienígenas”, explicó.

Pero lo más relevante para Pearson fue que le permitió desafiar el estigma que rodea a las representaciones de la desfiguración en el cine. “Existe mucho temor a lo desconocido. Si puedo mostrarme lo más normal posible y demostrar que no hay nada que temer, ya sea en la película o en la vida cotidiana, como al ir a la tienda a comprar leche, la sociedad podrá ver esto y así disminuirá el estigma. Si me quedo en casa deprimido, abrazando al perro y llorando, nada va a cambiar”.

La búsqueda por cambiar el cine

Su activismo responde a su larga lucha por concientizar sobre la importancia de la representación auténtica de las personas con discapacidad en televisión y cine. Este trabajo involucraría todas las etapas de la producción, iniciando por el casting: “No quiero ir demasiado lejos y decir: ‘Sólo los discapacitados pueden interpretar a personajes discapacitados’, porque eso es igual de intolerante. Pero ni a mí ni a otros actores discapacitados se nos da la oportunidad de contar nuestras propias historias”.

Cuestionó que los “roles interesantes” estén reservados para las estrellas de Hollywood, quienes se “disfrazan” de discapacitados y reciben elogios de la crítica y el público. “El hombre elefante, en concreto, es la historia de Joseph Merrick, que tenía una enfermedad parecida a la mía y no conseguí una audición [para su remake]. No recibí ni una llamada”.

“Estos actores ganan Oscars, pero también quitan trabajo a los actores discapacitados. Si hubieran cogido a Adam Sandler y lo hubieran pintado de negro para interpretar a Nelson Mandela, habría un alboroto, pero con las cicatrices y esas cosas, parece que a la gente le parece bien”, reflexionó.

Lo que sí recibe a menudo, y por montones, son guiones cargados de estereotipos, historias inauténticas e inexactas que normalmente se dividen en tres tipos: “Está el villano, que como tiene una deformidad quiere matar a Batman o a James Bond. Está la víctima, el pobrecito. Y luego está el héroe, que como tiene una desfiguración, lo que sea que haga, así sea cosas normales, de alguna manera lo vuelve más valiente que el hombre promedio”.

Luego de su aparición en Bajo la piel, Pearson se volvió un presentador recurrente para el canal BBC Three, y en línea con su activismo, ha formado parte de los documentales The Ugly Face of Disability Hate Crime y Adam Pearson: Freak Show.

La película de A24

Su siguiente protagónico fue Chained for Life, un ingenioso filme de Aaron Schimberg que explora los límites de la belleza y el arte a través de la historia de una actriz (Jess Weixler) y un actor con neurofibromatosis que trabajan juntos en una película de terror. El título logró un 100% de reseñas positivas por parte de la crítica en Rotten Tomatoes, y además estableció la relación entre el director y Pearson, quienes vuelven a colaborar en la próxima película de A24, A Different Man.

El thriller psicológico se centra en Edward (Sebastian Stan), un hombre que se somete a una cirugía de reconstrucción facial y posteriormente se obsesiona con un actor (Pearson) que participa en una obra teatral basada en su vida pasada, y logra el éxito que él no puede conseguir incluso con un nuevo y apuesto rostro.

La propuesta de Schimberg con esta película es mostrar el lado carismático y sociable de Pearson, a diferencia del tímido personaje al que dio vida en Chained for Life. El largometraje ya se estrenó en Festival de Sundance en enero, y se espera su próxima llegada a los cines internacionales.

A diferencia de los sucesos en A Different Man, los dolorosos tumores de Pearson, aunque benignos, no tienen una cura. Hasta el momento, reveló haberse sometido a más de 30 procedimientos médicos, por lo que cada vez que aparece un nuevo tratamiento milagroso se muestra escéptico, en especial si se trata de mera estética. “No soy partidario de que la cirugía beneficie en algo a las inseguridades que siente la gente”, aclaró.

El actor desea continuar construyendo una carrera en el séptimo arte, pero afirmó que su objetivo “nunca se centró en alcanzar la fama o de salir en televisión”, en su lugar, quiere compartirle una sola lección a la audiencia: “Está bien no estar bien”.

La historia sigue un aspirante a actor con neurofibromatosis, una enfermedad genética que provoca el crecimiento de tumores en la piel y los huesos. Desesperado por cambiar su apariencia, Edward se somete a una cirugía reconstructiva facial que cambia drásticamente su vida.

La película también cuenta con Adam Pearson, un intérprete que en la vida real sufre de neurofibromatosis y ha trabajado en filmes como Bajo la piel y Chained for Life. Pearson da vida a Oswald, un actor que asume el rol de Edward en una obra de teatro basada en su vida.

El elenco se completa con C. Mason Wells, Owen Kline y Renate Reinsve. Esta última actriz y Pearson formaron una dupla para coescribier el guion, que promete ser una reflexión profunda sobre la identidad y la percepción.

Durante el estreno del largometraje en el Festival de Cine de Sundance en enero, Stan compartió sus experiencias únicas al prepararse para este desafiante papel. “Interactué con la gente y fue realmente interesante”, dijo Stan, refiriéndose a sus caminatas por Nueva York con el maquillaje protésico.

Y agregó: “Fue un poco aterrador ver cuán limitada es la interacción entre dos extremos: no abordar el problema o compensarlo en exceso. Las únicas personas que fueron más honestas fueron los niños. Tuve esta interacción con una niña pequeña, y su madre estaba tratando de hacer lo correcto, pero al hacer lo correcto en realidad estaba impidiendo que la niña simplemente tuviera una experiencia. Ella era valiente y audaz, y así son los niños, ¿no? Solo quieren saber, no juzgan. Fue una lección de aprendizaje para mí”.

El cineasta Aaron Schimberg estuvo a cargo de la dirección del filme, siendo el tercer proyecto de su trayectoria. Su trabajo anterior fue Chained for Life de 2018, donde también actuó Adam Pearson en el papel de un actor con desfiguraciones que intenta vincularse con su coprotagonista, interpretada por Jess Weixler.

Por su lado, Sebastian Stan también tuvo el rol principal en The Apprentice, una película biográfica sobre Donald Trump que generó polémica tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes a principios de este año y que aún espera encontrar un distribuidor. El controvertido proyecto cuenta con las actuaciones de Jeremy Strong y Maria Bakalova.

Además, Stan retomará su famoso papel de Bucky Barnes, conocido como el Soldado del Invierno, en la próxima entrega de Marvel sobre el equipo de villanos, Thunderbolts, que se estrenará a inicios de 2025.

Lo nuevo de A24

Actualmente, en cartelera, se encuentran MaXXXine, la tercera película de terror de Ti West tras X y Pearl; además del aclamado drama carcelario Sing Sing, con Colman Domingo.

La programación de A24 para lo que resta del año incluye varias películas destacadas como el documental psíquico Look into My Eyes y el drama romántico We Live in Time, dirigido por John Crowley y protagonizado por Andrew Garfield y Florence Pugh.

Posteriormente llegará el thriller Heretic, protagonizado por Hugh Grant y dirigido por Scott Beck y Bryan Woods, conocidos por Un lugar en silencio. Por último, a finales de año se estrenará la comedia de desastres de Kyle Mooney, el thriller erótico Babygirl, así como el filme de terror de The Eggers Brothers, The Front Room.

A Different Man está programada para llegar a los cines de Estados Unidos el 20 de septiembre de 2024.

Además, su apuesta por la ciencia ficción es sin duda una de las más potentes dentro del panorama actual. Este año se ha estrenado Monarch: El legado de los monstruos (la serie sobre el Monsterverse); la aventura espacial Constelación, con Noomi Rapace; o el thriller sobre realidades alternativas titulado Materia oscura, con Joel Egerton y Jennifer Connelly. Y, por supuesto, ahí está el caso de la refinada sátira social Separación (Severance), que ya ha anunciado la fecha de su esperada segunda temporada.

De qué trata ‘Sunny’: la chica y la robot detectives

Ahora aparece Sunny, totalmente diferente a cualquier cosa que pudiéramos esperar o, lo que es lo mismo, una deliciosa ‘rara avis’, ya que se trata de una serie que combina el humor muy negro con un futuro distópico en el que los robots domésticos se han convertido en una parte fundamental de la sociedad, casi como si se tratara de animales de compañía. Pero son otras las características que la identifican y la convierten en algo especial.

Por ejemplo, la manera en la que se aborda la tragedia con la que comienza la trama. Suzy (Rashida Jones), de origen estadounidense y que se instaló en Japón (más concretamente en Kioto) para emprender una nueva vida, se entera de la muerte de su esposo Masa (Hidetoshi Nishijima, el protagonista de Drive my Car) y de su hijo Zen en un accidente aéreo.

Suzy caerá en una depresión por la pérdida, pero a su alrededor comenzarán a ocurrir cosas inquietantes. En primer lugar, recibirá un regalo, una robot llamada Sunny específicamente diseñada para cubrir todas sus necesidades y que fue creada por su marido, que al parece no se dedicaba a fabricar frigoríficos (como ella pensaba) sino que era un jefe ingeniero de robótica avanzada. Con ella, con Sunny, establecerá una relación de lo más particular, dadas las características entusiastas de la máquina (de lo más humanas) y el cinismo que desprende Suzy, convirtiéndose en una pareja tan atípica como encantadora.

Mafiosos de la ‘yazuka’, ‘hackers’ y un Japón tecnológico

A partir de ese momento, la ‘viuda’ comenzará una investigación personal para saber en realidad quién era su marido, qué papel tenía en la empresa tecnológica donde trabajaba y por qué su teléfono móvil sigue dando señal después del siniestro y su cuerpo sigue sin encontrarse.

La serie ha sido creada por Katie Robbins (guionista de The Affair), producida por A24 y está basada en un libro de Colin O’Sullivan titulado The Dark Manual, nombre que tiene que ver con un supuesto documento gracias al que se pueden hackear a los robots para que puedan hacer cosas que no están dentro de sus sistema y que no están permitidas como, por ejemplo, tener sexo con los humanos o matar.

Así, Suzy se introducirá en una intriga detectivesca dentro de un universo hostil y tecnológico de grandes corporaciones, espías y secretos. Y todo ello lo hará acompañada de Sunny, a la que primero rechazará y después se convertirá en la única criatura en la que confiar dentro de ese panorama extraño e inquietante.

Por el camino conocerá a Mixxy (Annie Clumsy), que la introducirá en un submundo prohibido al margen de las convenciones sociales en el que se ocultan los secretos y misterios que Suzy se encuentra buscando, en el que también hay lugar para la yakuza, la mafia japonesa.

Sunny es sin duda una serie diferente, intrigante y exótica, que marca la diferencia ya desde sus títulos de crédito, en homenaje a las canciones pop japonesas de los años sesenta, otorgándole un aire retro delicioso.

En 2022, una nueva franquicia de terror hizo su debut. El reconocido director Ti West colaboró con A24 para presentar “X”, una película que combina elementos de terror, suspenso, misterio y gore. La cinta recibió elogios tanto del público como de la crítica, iniciando lo que sería una refrescante trilogía.

Meses después se lanzó “Pearl”, una precuela que narra el origen de la villana de la primera entrega. Esta película representó otra innovadora interpretación para el género consolidando aún más la franquicia creada por West. Ahora, el director y la actriz Mia Goth se reúnen nuevamente para el prometedor e impactante cierre de la trilogía con MaXXXine.

Recapitulando la saga de West

En “X”, estrenada en 2022, un grupo de cineastas amateur viaja a una granja rural en Texas en 1979 para rodar una película para adultos. Lo que empieza como un proyecto apasionado pronto se convierte en una pesadilla cuando una asesina comienza a acechar y eliminar a los miembros del grupo uno a uno.

La segunda entrega, “Pearl”, es una precuela ambientada en 1918 y profundiza en los orígenes del personaje homónimo. Esta película, protagonizada nuevamente por Mia Goth, narra la historia de una joven que sueña con alcanzar la fama y la fortuna. Sueños que se transforman en obsesión y la llevan a convertirse en una asesina violenta y despiadada.

El cierre de la trilogía llegará con “MaXXXine”, en la cual Goth retoma su papel para protagonizar un nuevo capítulo lleno de violencia, sangre y muerte. Esta última entrega promete seguir explorando los oscuros deseos y los peligros inherentes a la búsqueda insaciable de la fama.

¿De qué trata MaXXXine?

Como lo sugiere el título, la historia se situará en el mundo clandestino del cine para adultos. Decidida a no conformarse con menos de lo que cree merecer, veremos a una protagonista que enfrentará nuevas amenazas mientras lucha por alcanzar su sueño. La sinopsis oficial indica:

“En el Hollywood de los años 80, la estrella de cine para adultos y aspirante a actriz Maxine Minx finalmente consigue su gran oportunidad. Pero cuando un misterioso asesino acecha a las estrellas de Hollywood, un rastro de sangre amenaza con revelar su siniestro pasado”.

La cinta servirá como secuela directa de la primera entrega, situando la acción seis años después de los eventos traumáticos en la granja, representados con un exceso de sangre y luz neón.

El reparto está conformado por Giancarlo Esposito, conocido por su participación en “Breaking Bad”; Michelle Monaghan, actriz de la serie “Echoes”; la cantante Halsey, quien se suma al elenco en un rol significativo; Elizabeth Debicki, famosa por sus apariciones en “Tenet” y “The Crown”; y Kevin Bacon. Además, la producción cuenta con la participación de Lily Collins y Bobby Cannavale.

¿Dónde se puede ver la trilogía?

Se puede disfrutar de las producciones de A24 empezando con “Pearl” a través de tu suscripción a Max. Por su parte “X” está disponible para rentar en Amazon Prime Video y la reciente “MaXXXine” ya se encuentra en salas de cine de todo México.

Que Xbox decida, de una manera moralmente cuestionable, dar de baja al estudio desarrollador de Hi-Fi Rush pero avisar que va a darle un envión a las franquicias icónicas de Bethesda es un indicio. Que Nintendo tenga la consola (y los juegos) más exitosos de la última década e invierta en Hollywood y parques de diversiones es otro. PlayStation creando un estudio de películas y series; es uno más. ¿Cuál es el común denominador de todos estos elementos? La transmedialidad.

El contenido transmedia tiene que ver con la posibilidad de ofrecer una misma franquicia a través de diferentes formatos: que una película se convierta en videojuego, que un videojuego pase a tener sus propios cómics, que una serie animada termine siendo una experiencia en realidad virtual. Hasta no hace mucho, el elemento transmedia representaba un recurso dentro del infinito abanico de posibilidades que podía utilizarse cuando se hablaba de franquicias, pero hoy parece ser la estrategia principal de los estudios propietarios. ¿Por qué?

La globalización y la digitalización de los contenidos llegó a tal punto en la década pasada que hoy es muy común tener acceso a una franquicia. Quizás no tengas el poder adquisitivo o el dinero para comprar productos principales (llamese así a cualquier videojuego a $70 dólares, por ejemplo) pero sí tienes la posibilidad de hacerte fanático de una idea que te resulte interesante.

Es en ese contexto que el público mutó y las empresas que gestionan nuestras franquicias famosas se dieron cuenta de algo crucial: ya no necesitan tener objetivos tan marcados. Vamos a ponernos específicos. Hace 30 años quizás no era sencillo hacer un evento para fanáticos del cine de terror porque necesitabas que hubiera un lugar donde cierta cantidad de gente con los mismos gustos se agrupe. Hoy armar una cuenta en una red social te permite llegar a cientos de miles de personas que les guste el cine de terror. Es más, ni siquiera tienes que hacerlo: hay otra gente que lo hace por placer y como licenciatario de una propiedad solo tienes que pagar la publicidad ahí.

Todo está extremadamente segmentado, convirtiendo a cada audiencia en un nicho cada vez más específico y haciendo más fácil, por supuesto, venderle cosas. Si tú no sabes que Suicide Squad va a vender, no haces la película. Pero si sabes que hay millones de fanáticos de Harley Quinn que van a comprar la entrada solo por su presencia, le das luz verde a cuantos proyectos hagan falta. Ojo con esto: de ninguna manera estoy juzgando al fanático, en este punto estoy hablando netamente de cómo las empresas dueñas de las propiedades intelectuales deciden apostar hoy por hoy.

A este escenario le podemos sumar la vieja y confiable jugadora MVP respecto a las franquicias exitosas: la nostalgia. Todos queremos volver al lugar que nos hizo felices y los momentos donde no nos preocupaba más que mirar una serie o una película. Las franquicias son muy conscientes de eso, y lo aprovechan constantemente.

Cuando nos preguntamos: “¿por qué hay tantos remakes en videojuegos?” o “¿qué pasa con las películas que son todas secuelas y precuelas?” tiene que ver con esto. A Hollywood hace años le faltan agallas. Es un conglomerado de empresas multimillonarias que no solo quieren ganar dinero sino que no quieren arriesgarse a perderlo. Y en pos de no tener riesgos, siempre es más seguro apelar a una franquicia ya asentada, con un público que quiere más, que una historia completamente nueva que puede funcionar o no.

Volviendo a donde empezó esta nota, donde la digitalización y la globalización es moneda corriente para el usuario, hay un tercer factor a tener en cuenta que empieza a modificar la balanza cuando una empresa decide cuáles serán sus próximos proyectos: el tiempo del consumidor.

Antes los límites estaban mucho más definidos, una proyección especulativa podría ser que una persona con un poder adquisitivo medio podía ir al cine una cierta cantidad de veces, comprar una cierta cantidad de videojuegos, leer ciertas cosas, etc. Hoy el tiempo del consumidor es uno solo y los lanzamientos no compiten solo contra su rubro. Sacar un videojuego al mismo tiempo que la serie del momento puede desencadenar en un fracaso. El tiempo del consumidor hoy es solo uno y la torta se la reparten entre todos. Entonces, ¿qué pasa con esto?

El problema de que el tiempo del consumidor sea uno y que de las empresas cada vez quieran arriesgar más hacia franquicias más asentadas (sea por nostalgia o porque, como dijimos antes, los “nichos” venden) es que se prioriza la transmedialidad antes que la diversificación de proyectos.

Xbox no quiere dejar de invertir en sus IPs, pero prefiere tener tres temporadas de la serie de Fallout, dos videojuegos, comics, y muchas cosas más en 10 años que hacer solo videojuegos de varias franquicias en ese mismo lapso de tiempo. Nintendo ni hablar, lo viene haciendo hace décadas, pero hoy más que nunca invierte fuera de videojuegos porque lo que quiere no es tener más inversión para hacer más Zelda o Mario, quiere tener más inversión para explotarlos fuera del gaming y así crecer las audiencias de esas franquicias.

Lo mismo pasa con el cine. Para Disney, por ejemplo, tiene mucho más sentido invertir en Epic Games para que sus personajes de Marvel aparezcan en Fortnite o Fall Guys y que después la gente que los conoce por ese medio vayan a ver las películas. Es cierto que aún hay productoras como A24 que no se guían por esto, pero las grandes franquicias cada vez abarcan una porción más grande del mercado, sea la industria que sea.

El panorama no es muy optimista, sobre todo porque esta visión de transmedialidad le hace un gran favor a los fanáticos de cada franquicia pero va bajando las expectativas y las posibilidades de ver ideas originales y apuestas arriesgadas en la industria del entretenimiento.

No obstante, este análisis no es más que una opinión en base a los proyectos que se realizaron y se realizarán en este próximo tiempo. Si algo ha demostrado el entretenimiento es que fluctúa mucho y la palabra final siempre la tiene el consumidor. Así que solo queda esperar y ver cuál será el futuro y si realmente las franquicias pasarán a ser, casi en su totalidad, transmedias.

El debut de Blade dentro del Universo Cinematográfico de Marvel Studios (UCM) está experimentando más inconvenientes de lo esperado. En los últimos cinco años, la película que tiene a Mahershala Ali como protagonista, ha atravesado un desarrollo turbulento como consecuencia de diferencias creativas, una pandemia, la doble huelga de Hollywood así como la pérdida de múltiples cineastas y guionistas.

Según los informes más recientes, Eric Pearson, el veterano de Marvel Studios que trabajó en Thor: Ragnarok está reescribiendo la historia con intenciones de encarrilar la producción tras la salida de su último director. Esto significa que la película se enfrenta a un nuevo retraso. Sin embargo, la actriz Mia Goth que tenía un rol central en el largometraje se sigue mostrando esperanzada con el proyecto.

En el marco de la promoción de MaXXXine, la intérprete que iba a dar vida a la villana Lilith brindó su voto de confianza y aseguró que Blade se encuentra en buenas manos. Al referirse sobre las personas detrás de cámaras, Goth afirmó: “Se preocupan de verdad. Quieren hacer una gran película. Esa es la sensación que me transmiten, y me siento bien”.

Previamente, una fuente en conocimiento de la producción insinuó que Marvel Studios está priorizado que el reinicio de Blade esté a la altura de las circunstancias, antes que precipitar su estreno. Esta decisión que se encuentra en consonancia con la nueva estrategia del estudio de producir menos películas al año, dando preponderancia a la calidad por sobre la cantidad. Por otra parte, las palabras de Goth demuestran que, a pesar de los movimientos, todavía continúa comprometida con el proyecto junto a Ali.

Blade tenía previsto su estreno para noviembre de 2025, pero aún no se sabe si esta fecha se mantendrá. Por el momento, los fans de Goth podrán disfrutar de su interpretación en MaXXXine, la última entrega de la trilogía de Ti West para A24 que llegará a los cines de Estados Unidos el 5 de julio.

Este primer tráiler nos presenta a dos jóvenes, interpretadas por Chloe East (The Fabelmans) y Sophie Thatcher (Yellowjackets), que se ven atascadas en una trampa mortal al querer evangelizar a un hombre que resulta ser más peligroso de lo que parece. Hugh Grant, conocido por Notting Hill y El diario de Bridget Jones, se aleja de las comedias románticas para ponerse en la piel del retorcido villano en cuestión.

Las imágenes muestran al personaje de Grant frente a un laberinto tallado que no dista demasiado del que se encuentran sus prisioneras, ya que esta casa tampoco es del todo normal. “No las retendré si quieren marcharse, pero deben elegir qué puerta atravesar en función de su fe”, dice el villano en el clip revelado por A24.

Heretic nace de las mentes de Scott Beck y Bryan Woods, quienes trabajaron como guionistas junto a John Krasinski en Un lugar en silencio (2018). Posteriormente, la dupla dio su salto a la dirección con películas como Haunt (2019) y 65 (2023) con Adam Driver.

Heretic tiene previsto estrenarse en los cines de Estados Unidos el 15 de noviembre de 2024. Por el momento, se desconoce cómo será su distribución en países de Latinoamérica y España.

Jennifer Lawrence es una parte importante de la industria del entretenimiento actual, gracias a su participación en una gran variedad de proyectos cinematográficos. Es conocida por su icónica interpretación de Katniss Everdeen en la exitosa franquicia de películas Los juegos del hambre (The Hunger Games), que la catapultó a la fama internacional. Además, ha brillado en películas como Pasajeros (Passengers - 2016), donde compartió pantalla con Chris Pratt, y El lado luminoso de la vida (Silver Linings Playbook - 2012), por la cual ganó el premio Oscar a la Mejor Actriz. Su incursión en el universo de los superhéroes también ha sido notable, con su papel como Mystique en X-Men: primera generación (X-Men: First Class - 2011). A pesar de su éxito, hubo un momento en el que Lawrence decidió tomar un descanso temporal de la actuación, antes de volver con fuerza a la pantalla grande.

Después de su reciente regreso al cine con la comedia dramática Hazme el favor (No Hard Feelings - 2023), en la cual comparte el protagonismo con Andrew Barth Feldman (Ruido de fondo), Jennifer Lawrence se encuentra en la etapa de preparación para su próximo papel protagónico en un thriller de misterio titulado The Wives. Este nuevo proyecto promete llevarla nuevamente al centro de atención cinematográfica con un intrigante guión que explora los secretos y las complejidades de un grupo de personas de clase alta detrás de un misterioso asesinato.

Según lo expresado, aún no se ha liberado una trama oficial. Sin embargo, varios informes sugieren el posible enfoque de la trama: “The Wives se describe como una inspiración de la franquicia ‘Real Housewives’, centrada en la dramática vida de mujeres acomodadas desde el condado de Orange hasta Miami y Atlanta”.

La película está en sus primeras etapas de producción, por lo que aún no hay un director o directora definida para este proyecto. Sin embargo, se ha revelado que Michael Breslin (Ratatouille: The TikTok Musical) y Patrick Foley (Beach Week) serán los encargados de escribir el guión. Además, se ha confirmado que The Wives será una coproducción entre A24 (Todo en todas partes al mismo tiempo, Midsommar) y Apple Original Film (responsable de proyectos como Napoleón y Los asesinos de la luna).

Estaremos atentos a las futuras actualizaciones de The Wives. Además, Jennifer Lawrence tiene otro emocionante proyecto en el horizonte, en el cual interpretará a Ava Gardner, la esposa de Frank Sinatra, en la biopic del legendario artista. Esta película estará dirigida por Martin Scorsese y contará con la actuación estelar de Leonardo DiCaprio junto a Lawrence.

A lo largo de varias décadas vimos a Jason Vorhees morir y revivir de las formas más estrambóticas, emergiendo desde el mismísimo infierno y viajando hasta el espacio. Sin embargo, una conocida batalla legal por sus derechos ha truncado su regreso por un buen tiempo. Todo indicaba que finalmente esto llegaría a su fin con el lanzamiento de la serie precuela anunciada bajo el nombre Crystal Lake, una producción de A24 que nos sumergiría nuevamente en el universo de Viernes 13 (Friday The 13th).

Esta contaba con un presupuesto de 85 millones de dólares, una cifra enorme para una serie y la idea era estrenarla directamente por Peacock, la plataforma de Universal. Tras dos años desde su anuncio, estaba previsto que las cámaras comenzaran a rodar en tres meses. Sin embargo, problemas internos, presupuestarios y desacuerdos sobre el control creativo, comenzaron a hacerse presente dando como resultado la salida de su showrunner, Bryan Fuller (Hannibal).

Ahora con el proyecto en pausa, comienzan a conocerse nuevos detalles sobre estas internas, e incluso, se ha dado a conocer que una oscarizada actriz pudo haberse hecho de un rol central. Un nuevo informe, detalla que Charlize Theron (Mad Max: Furia en la carretera) estaba siendo considerada por A24 para interpretar a Pamela Voorhees, madre de Jason, y la verdadera protagonista de la primera entrega de Viernes 13.

El artículo también detalla que la primera temporada de la serie habría abordado una línea temporal posterior al ahogamiento de Jason Voorhees y las entregas siguientes incorporarían el lore de varias secuelas de la saga. La incorporación de una figura como Charlize Theron, sin lugar a dudas, habría elevado el status de la serie. La multifacética actriz no solo alzó la estatuilla dorada por Monster (2003), película en la que interpretó a una famosa asesina serial, sino que ha participado en decenas de producciones que abarcan desde tanques cinematográficos hasta proyectos independientes.

A pesar de la salida de su showrunner, también se informa que A24 no ha renunciado a la idea de llevar a cabo Crystal Lake. Tanto la compañía productora como Peacock estarían buscando un nuevo talento capaz de llevar a buen puerto a la serie. No obstante, no está claro si se utilizarán los guiones y esquemas originales de Fuller o se empezará desde cero con un nuevo liderazgo creativo.

Tras el suceso resultó ser su ópera prima Háblame (Talk To Me), la película de terror que causó sensación en el Festival de Sundance 2023 y siguió posicionándose como una revelación del género en su paso por los cines, el año pasado se anunció que los hermanos Danny Philippou y Michael Philippou habían conseguido su primer trabajo de estudio: la próxima adaptación de acción real de Street Fighter.

Con la experiencia del divertido canal de YouTube RackaRacka a cuestas, Capcom y Legendary Entertainment reconocieron el potencial de los cineastas emergentes y los convocaron para que se hicieran cargo de la película. Pero aunque los directores se mostraban muy emocionados con el proyecto y se hablaba de grandes ideas, lamentablemente, la dupla ya no seguiría a bordo.

De acuerdo a un reciente informe, los directores australianos han dado un paso al costado del proyecto debido a conflictos de agenda. Al parecer las compañías detrás de la película de Street Fighter esperaban iniciar los rodajes cuanto antes, mientras que los Phillippou ya tenían pactado el inicio de rodaje de Bring Her Back, una nueva película de género para A24 protagonizada Sally Hawkins que comenzará a rodarse en las próximas semanas.

Aunque los detalles sobre el argumento y la dirección de esta nueva adaptación permanecen en secreto, el reporte adelanta que el estudio iniciará la búsqueda de un nuevo director para que se haga cargo del proyecto en el corto plazo. A su vez, como parte de un acuerdo, Capcom participará en todas las futuras adaptaciones de Street Fighter.

Cabe recordar que el videojuego -que existe desde hace casi cuatro décadas- fue adaptado a la pantalla en varias ocasiones (incluyendo una bochornosa versión con Jean-Claude Van Damme y Kylie Minogue). Sin embargo, ninguna de ellas ha conseguido la suficiente repercusión como para hacerle justicia al clásico de peleas.

La visión de los hermanos Phillippou para Street Fighter

Aunque inicialmente muchos aficionados se mostraron sorprendidos con la elección de los recién llegados a Hollywood, Danny Philippou y Michael Philippou, hay que reconocer que la dupla no solo presentó un concepto de terror fresco y un gran trabajo de cámara con su primera película, sino que los vídeos de su canal también revelan grandes habilidades como directores de acción. Incluso sin contar con presupuestos de estudio significativos, con su cortometraje Real Life Street Fighter, la dupla fue capaz de llevar a cabo acrobacias elaboradas y grandes escenas de lucha, muchas de las cuales cuentan con sólidos efectos especiales y visuales.

“Creo que es increíble que tengamos tanta conexión con el juego y con los personajes y que no haya una gran franquicia cinematográfica preestablecida en la que tengamos que ajustarnos. Nos encanta tener la oportunidad de hacer una película de acción. Nos encantaría tener la oportunidad de hacer grandes escenas con un gran presupuesto, porque incluso con nuestro material de YouTube, estamos diseñando acrobacias que nunca se han hecho antes. Queremos hacer eso a gran escala, siento que podríamos crear algo que nadie haya visto antes”, declaró previamente Danny Philippou en una pasada rueda de prensa.

Una de las películas de terror más extremas y divisivas de la década de 1980 tendrá una nueva versión de la mano de dos grandes figuras. Según un reciente informe, el actor Robert Pattinson (The Batman) y el director Parker Finn (Sonríe) trabajarán juntos en el remake de Posesión (Possession), un clásico de terror psicológico estrenado en el Festival de Cannes de 1981. Pattinson tiene previsto producir la película, aunque no se descarta que también la protagonice.

Este proyecto todavía está en sus primeras fases de desarrollo y, por el momento, el libreto continúa escribiéndose. No obstante, ya se habla de una puja entre varios estudios para hacerse de la película, entre los que se destacan la aclamada A24, Netflix, Paramount, Sony Pictures y Warner Bros.

Posesión fue escrita y dirigida por el cineasta polaco Andrzej Zulawski que, a modo de terapia, fue concebida como una obra que reflejara su propio y doloroso divorcio. La película se centraba en el deterioro del matrimonio entre el espía internacional Mark (Sam Neill) y su esposa, Anna (Isabelle Adjani). Esta abordaba temas como la infidelidad, el asesinato, los malos tratos, e incluso, incluía a una extraña criatura lovecraftiana con tentáculos. Por todos estos elementos, Posesión no fue del agrado de todos cuando fue lanzada, pero a lo largo de las últimas décadas fue revalorizada por la crítica y se considera una obra maestra del terror psicológico, a la altura de Repulsión, de Roman Polanski.

Además de participar en franquicias exitosas como es el caso de Crepúsculo y Harry Potter, en los últimos años Pattinson ha protagonizado varias obras aclamadas por la crítica de la mano de cineastas como Matt Reeves, Christopher Nolan y Robert Eggers. Parker Finn cuenta con un currículum más modesto, pero ha logrado posicionarse como una gran promesa dentro del género terror. En 2022 debutó como director de un largometraje en 2022 con Sonríe, una película que recibió grandes elogios y no solo se aseguró una continuación, sino que le consiguió a Finn un contrato para futuras producciones con Paramount.

El nuevo adelanto arranca con un falso tráiler de una película de explotación con monjas llamada The Puritan II, para luego presentarnos a Maxine Minx observando el detrás de escena en el set mientras busca abrirse paso en Hollywood. A continuación se comienzan a revelar nuevos detalles de la trama demostrando que la carrera al estrellato de Minx va a estar llena de obstáculos, no solo porque tendrá encima a un investigador privado y a la polícia, sino también a un asesino serial.

Con reminiscencias al giallo, al slasher y guiños directos al cine de género, MaXXXine promete ser un verdadero baño de sangre y un desfile de talentos. Goth, estará acompañada por un montón de actores y actrices reconocidos, como Bobby Cannavale (Blonde), Kevin Bacon (Footloose), Michelle Monaghan (True Detective), Lily Collins (Emily in Paris), Elizabeth Debicki (Tenet), Moses Sumney (The Idol) y Giancarlo Esposito (Breaking Bad).

Sobre esta nueva película, Goth había adelantado: “Es el mejor guion de las tres por lejos. Es la historia más grande de la trilogía, con más en juego y Maxine ha pasado por mucho. Así que cuando la vemos en este nuevo mundo, es más fuerte y vivirá algunas aventuras bastante salvajes”.

MaXXXine tiene previsto llegar a las salas de cine de Estados Unidos el próximo 5 de julio.