Sony Pictures confirmó el desarrollo de 24 Jump Street, la tercera película de la saga de comedia policial Comando Especial, y fijó su estreno internacional en cines para el 10 de diciembre de 2027. Rodney Rothman estará a cargo de la dirección, mientras Channing Tatum, Jonah Hill e Ice Cube mantienen negociaciones para volver a interpretar a los personajes de las entregas anteriores.

Una secuela que se salta el número 23

La nueva película llegará más de una década después de 22 Jump Street, conocida en español como Comando Especial 2. Aquella entrega terminó con un montaje de secuelas ficticias que llevaba la premisa de los agentes encubiertos a escenarios cada vez más absurdos, desde nuevas instituciones educativas hasta misiones cada vez menos creíbles.

El título elegido recupera directamente ese chiste: la tercera película se llamará 24 Jump Street y omitirá el número 23. Sony no explicó si la ausencia formará parte de la trama, será otro gag o tendrá alguna relación con los acontecimientos narrados durante el tiempo transcurrido entre las entregas.

Durante esos años circularon distintas versiones sobre el regreso de la franquicia. Una de las propuestas más comentadas era un cruce con Men in Black, mientras otra posibilidad apuntaba a una continuación convencional titulada 23 Jump Street. Ninguna llegó a concretarse y, por ahora, tampoco existen detalles oficiales sobre la historia de la nueva producción.

La película anterior presentó a los protagonistas, ya en sus treinta, infiltrados como estudiantes universitarios. La próxima misión y el lugar donde deberán adoptar identidades falsas permanecen bajo reserva, dos elementos centrales para una saga construida alrededor de policías adultos enviados a entornos juveniles.

Rodney Rothman toma la dirección

Rothman reemplazará en la dirección a Phil Lord y Christopher Miller, responsables de las primeras dos películas. El cineasta fue codirector y guionista de Spider-Man: Un nuevo universo, la producción animada centrada en Miles Morales.

El nuevo director también participa en el guion junto con Jonah Hill y Meghan Malloy. Los tres debutarán como guionistas dentro de Jump Street, aunque Hill conoce la saga desde su papel protagónico y también intervino creativamente en sus películas anteriores.

Lord y Miller no regresarán como directores, pero la información difundida sobre el proyecto señala que seguirán vinculados como productores. Su participación permitirá mantener una conexión con el equipo creativo que definió el tono de las dos primeras entregas, basado en la parodia de las películas policiales, la comedia física y las diferencias entre sus protagonistas.

El regreso del reparto todavía no está cerrado. Tatum, Hill e Ice Cube se encuentran en negociaciones avanzadas para retomar sus personajes, pero Sony no comunicó contratos definitivos ni incorporaciones nuevas. Tampoco reveló si otros integrantes de las películas anteriores volverán para esta secuela.

El calendario de estrenos de Sony

Sony presentó la fecha de 24 Jump Street como parte de una actualización más amplia de su calendario cinematográfico. Entre los proyectos anunciados aparece una nueva versión de La isla del tesoro, dirigida por Ridley Scott y escrita por Jack Thorne, con estreno señalado para el 11 de noviembre.

La lista también incluye The Surgeon, protagonizada por Michelle Yeoh, para el 2 de abril, y Narcs, programada para el 20 de agosto. Entre las producciones con año confirmado se encuentra la adaptación cinematográfica del videojuego Helldivers, prevista para el 9 de junio de 2028.

Otro estreno fechado para 2028 es Grandgear, la próxima película del director de Godzilla Minus One, que llegará el 14 de enero de ese año. Sony todavía no informó cuándo comenzará la preventa de entradas ni presentó imágenes, avances o una sinopsis de 24 Jump Street. Según la planificación conocida, su rodaje comenzará a inicios de 2027.

La programación reúne producciones coreanas y coproducciones internacionales en formatos diversos. Mientras las dos primeras propuestas de octubre se apoyan en historias románticas contemporáneas, la serie de noviembre trasladará al público a un imperio de ficción atravesado por disputas afectivas y políticas. El documental sobre KATSEYE, en tanto, se aparta de la ficción para seguir la nueva etapa del grupo y su vínculo con sus seguidores.

Entre pasos: en busca de un sueño abrirá el calendario el 5 de octubre

La primera novedad será Entre pasos: en busca de un sueño, que llegará a Disney+ el 5 de octubre con dos capítulos nuevos por semana. La trama se centra en Minjae, un exnadador de talento que perdió una pierna a causa de una enfermedad durante la secundaria. Ya como estudiante de un doctorado en robótica, sostiene una actitud despreocupada, aunque mantiene el deseo de encontrar una relación amorosa.

Su camino se cruza con el de Yujin, quien dejó sus estudios de moda y empieza a proyectar otro futuro a partir del encuentro con él. La serie plantea cómo esa afinidad inicial deriva en un romance marcado por los cambios personales de ambos protagonistas.

Ji Changwook y Mio Imada protagonizan una comedia romántica en Japón

El 7 de octubre será el turno de Temporada de amor, una comedia romántica intercultural ambientada en una isla japonesa. La producción tendrá un episodio semanal y seguirá a Karin Shirahama, una agricultora que concentra sus esfuerzos en obtener las mejores fresas de su cultivo.

La rutina de Karin cambia con la llegada de Lee Yubin, un joven de ciudad que atraviesa una racha adversa. Un primer encuentro incómodo y un malentendido posterior los obligan a compartir más tiempo del previsto. Ji Changwook interpreta a Yubin, un diseñador de espacios, mientras que la actriz japonesa Mio Imada encarna a Karin.

La dirección está a cargo de Kim Soojung, conocida por Semantic Error, y Roh Youngsub, responsable de My Lovely Liar. Lee Jaeyoon escribió la serie, desarrollada y producida por CJ ENM, Disney y Nippon TV. La compañía coreana estuvo detrás de títulos como Aterrizaje de emergencia en tu corazón y La reina de las lágrimas.

KATSEYE mostrará imágenes inéditas y el vínculo con sus EYEKONS

El 16 de octubre se estrenará KATSEYE: WILD HEARTS, una película documental centrada en la nueva etapa del grupo. El material reunirá imágenes inéditas, videos enviados por sus seguidores —identificados como EYEKONS— y entrevistas con las integrantes.

La propuesta buscará reconstruir la relación entre KATSEYE y su comunidad internacional de fanáticos. A diferencia de las otras novedades anunciadas para el mes, no se trata de una ficción coreana, sino de un retrato musical sobre un grupo de proyección global y la participación de su público en ese recorrido.

La emperatriz divorciada llegará en noviembre con una historia de poder y revancha

El siguiente estreno de la lista será La emperatriz divorciada, previsto para el 4 de noviembre en Latinoamérica. La adaptación del webtoon de NAVER, que acumula casi 3.000 millones de visualizaciones, debutará con cuatro episodios; luego, Disney+ incorporará dos capítulos por semana hasta completar una temporada de 10.

La historia presenta a Navier, emperatriz del Reino del Este, y a su esposo Sovieshu. El vínculo se deteriora cuando el emperador se enamora de Rashta, una esclava fugitiva. Ante la situación, Navier acepta sus exigencias con una condición: poder casarse con Heinrey, príncipe heredero del Reino del Oeste y rival de Sovieshu. El conflicto afectivo queda así ligado a la disputa por el destino del reino.

Shin Mina asumirá el papel de Navier; Ju Jihoon, el de Sovieshu; Lee Jongsuk, el de Heinrey; y Lee Seyoung, el de Rashta. Cho Suwon dirigió la producción, que fue filmada en paisajes y palacios europeos. Con estos lanzamientos, Disney+ ampliará un catálogo que ya incluye producciones coreanas como Moving, Made In Korea y Polaris: la conspiración.

Warner Bros. confirmó que Game of Thrones: Aegon’s Conquest se estrenará en los cines el 1 de junio de 2029. El primer largometraje cinematográfico de la franquicia creada por George R.R. Martin estará centrado en Aegon I Targaryen, fundador de la dinastía que gobernó Poniente y responsable de la conquista que cambió su estructura política.

La primera película de Game of Thrones

Warner Bros. ya había presentado el título durante CinemaCon, donde anunció que la producción narraría la campaña militar de Aegon. La fecha de estreno era uno de los principales datos pendientes y ahora quedó fijada para mediados de 2029, aunque el estudio todavía no comunicó cuándo comenzará el rodaje.

La dirección estará en manos de Owen Harris, realizador de Kill Your Friends. El guion será escrito por Beau Willimon, conocido por su trabajo en House of Cards. El reparto continúa sin anunciarse, por lo que todavía se desconoce quién interpretará al primer Aegon I Targaryen de acción real.

La película será una precuela, es decir, una historia ambientada antes de los acontecimientos de la serie original. También marcará el primer estreno desarrollado para salas dentro de la franquicia, después de ocho temporadas y 73 episodios de Game of Thrones, además de sus posteriores producciones televisivas.

Warner Bros. mantiene bajo reserva buena parte del argumento. La premisa confirmada indica que el relato seguirá la invasión encabezada por Aegon y mostrará directamente a un personaje cuyo legado había sido contado hasta ahora mediante referencias históricas, objetos y las consecuencias políticas de sus decisiones.

La conquista que cambió Poniente

Aegon I Targaryen, conocido como Aegon el Conquistador, fue el fundador de la dinastía Targaryen y el primer Señor de los Siete Reinos. Su campaña sometió gran parte de Poniente y estableció las bases del territorio que generaciones más tarde se disputarían las principales casas de Game of Thrones.

La película también abordará la fundación de Desembarco del Rey, ciudad que terminaría convertida en la capital. Otro elemento central será la creación del Trono de Hierro, forjado con las espadas de los enemigos derrotados y el fuego de dragón. El objeto se convirtió en el símbolo del poder real y en el centro de la disputa política narrada en la serie original.

La historia incorporará las visiones premonitorias de Aegon sobre una amenaza procedente del Norte. Según la mitología desarrollada por Martin, el conquistador tuvo un sueño relacionado con la llegada de los Caminantes Blancos, peligro que siglos después definiría buena parte del conflicto de Game of Thrones.

Esa profecía está vinculada con la Canción de Hielo y Fuego y permite conectar una campaña política y militar con el riesgo que enfrentaría Poniente mucho tiempo después. La producción podrá mostrar qué sabía Aegon, cómo interpretó esas imágenes y de qué manera influyeron en su decisión de reunir los reinos bajo una misma corona.

Un personaje nunca mostrado en pantalla

Pese a su importancia dentro de la historia, Aegon I Targaryen todavía no había aparecido físicamente en las adaptaciones. Su presencia se conocía a través de los relatos sobre la familia Targaryen, el origen del Trono de Hierro y las referencias a la conquista ocurrida siglos antes de las luchas de Daenerys, Jon Snow y Robert Baratheon.

Game of Thrones: Aegon’s Conquest será la primera producción que lo coloque como protagonista y muestre en pantalla el proceso mediante el cual sometió gran parte del continente. La elección permite explorar el comienzo del orden político que heredaron las casas enfrentadas en la serie, en lugar de continuar los acontecimientos posteriores a sus ocho temporadas.

La historia dispone así de varios puntos ya confirmados: la invasión de Poniente, la creación de Desembarco del Rey, la forja del Trono de Hierro y las visiones sobre la amenaza del Norte. Los detalles específicos de cada episodio de la campaña permanecen en secreto.

El próximo anuncio clave será el reparto, especialmente el actor elegido para encarnar a Aegon el Conquistador. Warner Bros. todavía no informó cuándo revelará al protagonista ni al resto del elenco antes del estreno del 1 de junio de 2029.

Prime Video está cerca de aprobar una nueva serie de Spider-Man basada en la Saga del clon, según informó Deadline. El proyecto, preparado dentro del acuerdo entre Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television, seguiría a Ben Reilly y Kaine Parker, dos copias de Peter Parker con historias y poderes diferentes. La noticia llegó semanas después de la cancelación de Spider-Noir, que terminó tras una temporada.

Un proyecto escrito por Kelvin Yu

Kelvin Yu, creador de Chino americano, será el encargado de escribir la serie. Amy Pascal, Phil Lord y Christopher Miller participarían como productores ejecutivos, el mismo puesto que ocuparon en Spider-Noir. Hasta ahora no se anunciaron director, reparto, cantidad de episodios ni fecha para el inicio del rodaje.

Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television declinaron hacer comentarios sobre la información. El programa todavía no recibió una orden oficial de producción: estaría a punto de obtener luz verde, término utilizado para describir la autorización formal que permite avanzar con una serie. Esto significa que sus detalles creativos y su calendario todavía podrían cambiar.

El lanzamiento está previsto tanto en MGM+ como en Prime Video, aunque no existe una fecha de estreno. La producción forma parte del acuerdo entre Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television para desarrollar programas basados en personajes relacionados con Spider-Man.

Las fuentes consultadas coinciden en que la Saga del clon será el punto de partida, pero ofrecen versiones diferentes sobre la trama. Una señala que los protagonistas descubrirán que son clones y deberán lidiar con esa revelación mientras enfrentan a otras copias convertidas en amenazas. Otra sostiene que la adaptación podría modificar sus orígenes e incluso darles identidades diferentes.

Ben Reilly y Kaine Parker frente a sus copias

La historia se concentraría en Ben Reilly y Kaine Parker, dos personajes nacidos a partir del material genético de Peter Parker. En los cómics, Ben consiguió construir una vida lejos de Peter y adoptó el nombre de Araña Escarlata. Kaine, en cambio, fue presentado como un clon defectuoso, con problemas físicos y diferencias marcadas frente al Spider-Man original.

Una de las versiones sobre la serie indica que ambos unirán fuerzas contra varias amenazas. Entre ellas habría otros clones de Spider-Man que terminaron convertidos en villanos, como Spidercide. El conflicto permitiría abordar las diferencias entre Ben, Kaine y Peter sin trasladar de manera literal todos los acontecimientos publicados en las viñetas.

La Saga del clon es uno de los arcos más conocidos y discutidos de Marvel Comics. Durante su publicación, Marvel llegó a plantear que Ben Reilly era el verdadero Peter Parker y que el héroe seguido durante años por los lectores era en realidad una copia. La reacción negativa de parte de los seguidores llevó a revertir esa decisión.

La posible serie tomaría como referencia el segundo gran arco de esa historia, aunque las fuentes anticipan cambios significativos. Esa libertad creativa deja abierta una cuestión central: Ben y Kaine podrían conservar sus antecedentes como clones o recibir nuevos orígenes diseñados para la televisión. Tampoco está confirmado si Peter Parker aparecerá en pantalla o si la narración se limitará a sus duplicados.

El reemplazo de Spider-Noir

La noticia surgió menos de un mes después de que Prime Video cancelara Spider-Noir. La serie protagonizada por Nicolas Cage había estrenado todos sus episodios en mayo de 2026 y presentaba una versión del héroe inspirada en los clásicos del cine negro. Su cancelación fue informada a comienzos de septiembre, pocos días antes de que obtuviera cinco premios Emmy.

Pese a ese reconocimiento y a la recepción favorable mencionada por las fuentes, Spider-Noir terminó después de una única temporada. Amazon y Sony indicaron entonces que el acuerdo para producir más series relacionadas con Spider-Man continuaba vigente, y el proyecto sobre la Saga del clon sería el siguiente resultado de esa alianza.

El nuevo programa mantendría a Pascal, Lord y Miller en tareas de producción, pero cambiaría tanto a su protagonista como el tipo de historia. En lugar del detective interpretado por Cage, el foco pasaría a personajes definidos por sus dudas de identidad y por su relación con Peter Parker.

La serie de la Saga del clon todavía espera su aprobación definitiva. Hasta ahora, Amazon MGM Studios y Sony Pictures Television no informaron una fecha de producción ni un plazo de estreno para MGM+ y Prime Video.

Jennifer Lawrence protagonizará The Flood, el thriller de ciencia ficción que Zach Cregger escribirá, dirigirá y producirá para New Line y Warner Bros.. La película se rodará en Europa durante los primeros meses de 2027 y llegará a los cines el 11 de agosto de 2028, después de que el proyecto cambiara de estudio durante su etapa de desarrollo.

Una señal, un artefacto y un papel sin confirmar

La historia seguirá a una capitana del espacio profundo y su tripulación durante la investigación de una señal críptica procedente de un planeta lejano. Allí descubrirán un artefacto alienígena capaz de alterar el tiempo, la realidad y la cordura, mientras intentan comprender una amenaza que desafía sus conocimientos.

Aunque Lawrence ya está confirmada como protagonista, el nombre de su personaje todavía no fue anunciado oficialmente. Los primeros reportes indican que podría interpretar a Elena Voss, la capitana situada en el centro del misterio, pero New Line mantiene bajo reserva ese dato y la identidad del resto del reparto.

La premisa permitirá a Cregger trasladar al terreno de la ciencia ficción los cambios de perspectiva y revelaciones que marcaron sus anteriores películas de terror. El director parte de una idea original y también estará involucrado en la producción, por lo que mantendrá el control creativo desde el guion hasta el rodaje.

The Flood representará el regreso de Lawrence a la ciencia ficción espacial doce años después de Passengers, película que coprotagonizó con Chris Pratt. A diferencia de aquel drama sobre dos pasajeros que despiertan antes de tiempo durante un viaje interestelar, el nuevo proyecto estará centrado en una expedición, una señal desconocida y los efectos psicológicos de un hallazgo alienígena.

Del desarrollo en Netflix al regreso con Warner Bros.

The Flood estuvo inicialmente en desarrollo dentro de Netflix, pero quedó fuera de los planes de la plataforma. New Line adquirió entonces el proyecto y lo incorporó a su calendario cinematográfico, con distribución de Warner Bros. y una fecha de estreno fijada con más de un año de anticipación respecto del inicio previsto del rodaje.

Amblin Entertainment participará en la producción junto con Roy Lee y Miri Yoon, de Vertigo Entertainment. Lee y Yoon ya colaboraron con Cregger, mientras que la incorporación de Amblin suma a la película un estudio con experiencia en relatos de ciencia ficción, criaturas y aventuras de gran escala.

El largometraje será el siguiente trabajo de Cregger después de Resident Evil, su adaptación de la saga de videojuegos de Capcom, que superó los 200 millones de dólares en la taquilla mundial según la información disponible. También prolongará su relación con Warner Bros. después de Weapons, estrenada en 2025.

Weapons recaudó 270 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto inferior a 40 millones. La película obtuvo además el Óscar a mejor actriz de reparto para Amy Madigan, quien interpretó a la tía Gladys, responsable dentro de la historia de la desaparición nocturna de una clase entera de niños. Cregger había iniciado su trayectoria como director de terror con Barbarian en 2022.

En declaraciones recientes, el cineasta celebró el reencuentro con el equipo del estudio y destacó la incorporación de su protagonista. “Jennifer es única y estoy enormemente ilusionado por verla en este papel”, afirmó. Los responsables de Warner Bros., Mike De Luca y Pam Abdy, también señalaron que la película fue concebida para colocar a Lawrence en el centro de la historia.

El calendario de Jennifer Lawrence antes de 2028

Lawrence ganó el Óscar por El lado bueno de las cosas y alcanzó una audiencia global como Katniss Everdeen en Los juegos del hambre. También interpretó a Mystique en varias entregas cinematográficas de X-Men, una franquicia que la mantuvo vinculada durante años a producciones de fantasía y ciencia ficción.

Entre sus trabajos recientes figura Die My Love, drama sobre el posparto que coprotagonizó con Robert Pattinson y por el que recibió una nominación al Globo de Oro. Su filmografía más cercana incluye además la comedia romántica Hazme el favor, dirigida por Gene Stupnitsky, y Causeway, drama distribuido por A24.

Antes del estreno de The Flood, Lawrence compartirá pantalla con Leonardo DiCaprio en What Happens at Night, drama de terror dirigido por Martin Scorsese. También formará parte de Amanecer en la cosecha, la próxima precuela cinematográfica de Los juegos del hambre, donde se espera que reaparezca como Katniss Everdeen.

Una amistad quebrada por un hecho desconocido

La pieza, titulada Ken vs. Ryu, funciona como un featurette: un video breve que mezcla imágenes de la producción, fragmentos de la película y declaraciones de sus responsables. El material comienza con una referencia a las raíces de los personajes en los videojuegos antes de pasar a nuevas escenas de entrenamiento y enfrentamientos.

Koji, encargado de interpretar a Ryu, y Centineo, quien encarna a Ken, describen a los peleadores como dos personas que crecieron prácticamente como hermanos. Esa relación cercana terminó después de un acontecimiento que todavía no fue explicado y que los llevó a seguir caminos separados.

Sakurai presenta ese vínculo pendiente como una de las preguntas dramáticas centrales de la película. El conflicto no se limitará a determinar cuál de los dos es mejor luchador: el guion también deberá explicar qué ocurrió entre ellos, por qué se distanciaron y qué los obliga a encontrarse otra vez.

Las imágenes muestran a Ryu y Ken practicando juntos y enfrentándose en combate. El contraste entre ambos también aparece en una fotografía de su juventud: Ryu mantiene una actitud disciplinada, mientras Ken exhibe el comportamiento festivo asociado con el personaje. Gouken posa junto a los dos y lleva un gi negro, nombre que recibe el uniforme utilizado en distintas artes marciales.

El adelanto se suma a avances anteriores que ya habían mostrado movimientos especiales, vestuarios reconocibles y una estructura basada en un torneo. El nuevo material reduce el foco sobre esos elementos para explicar cuál será el conflicto personal que sostendrá la historia.

Gouken conecta el pasado de Ryu con Akuma

La presencia de Gouken es breve y, por ahora, queda vinculada a una imagen del pasado. El personaje es el maestro tradicional de Ryu y Ken dentro de la historia de los juegos de Capcom, por lo que su inclusión ayuda a explicar el entrenamiento compartido y la relación casi fraternal entre los protagonistas.

Su aparición también puede estar relacionada con otro elemento mostrado en avances previos: Ryu pierde el control y permite que el Satsui no Hado domine su conciencia. Dentro de la mitología de Street Fighter, esa fuerza oscura está asociada con el impulso de pelear y matar sin restricciones, así como con el camino seguido por Akuma.

Akuma será interpretado por Roman Reigns y ya apareció en materiales promocionales con un rosario alrededor del cuello. Ese objeto resulta relevante porque, según la historia presentada en los videojuegos, Akuma se queda con él después de matar a Gouken.

El avance no confirma si Gouken estará presente únicamente mediante recuerdos, si aparecerá en más escenas o cuál será su situación durante la historia principal. Los juegos ofrecen un antecedente para modificar su destino: Street Fighter 4 recuperó al personaje mediante el Poder de la Nada, una técnica que le permitió sobrevivir a su enfrentamiento con Akuma.

La fotografía, el descontrol de Ryu y el rosario de Akuma forman una conexión posible, pero Paramount Pictures todavía no explicó cuánto de esa parte de la historia será adaptado. Tampoco se informó quién interpreta a Gouken en la película.

El respaldo de Capcom y la fecha de estreno

Sakurai, director japonés a cargo de la adaptación, recibió comentarios favorables del elenco y de Capcom por su conocimiento del material original. Takayuki Nakayama, director de Street Fighter 6, también expresó confianza en el trabajo realizado por la producción.

Ese respaldo resulta relevante después de las anteriores adaptaciones cinematográficas de la saga, aunque el nuevo video evita comparaciones y se concentra en los dos personajes principales. El material tampoco revela el hecho que provocó su separación, uno de los datos que la campaña promocional mantiene en reserva.

Street Fighter llegará a los cines estadounidenses el 16 de octubre. Hasta ahora, Paramount Pictures no detalló en estos adelantos las fechas de estreno para otros territorios.

La película, titulada originalmente Fall 2, presenta a un grupo de personajes que emprende una caminata en altura como parte de un homenaje a un ser querido. El recorrido se interrumpe cuando un desprendimiento de rocas los deja atrapados sobre una construcción precaria, sin una salida inmediata y con el vacío como amenaza constante.

Harriet Slater, conocida por Outlander: Blood of My Blood; Arsema Thomas, integrante de Queen Charlotte; y Tom Brittney, quien participó en Greyhound, encabezan el reparto. La historia parte de un vínculo marcado por el duelo y enfrenta a los protagonistas a una situación en la que deberán cooperar, pese a sus diferencias, para intentar abandonar la estructura.

La altura vuelve a marcar el conflicto de la secuela

La primera entrega instaló el temor a las alturas como el motor de una historia de supervivencia. En esta continuación, los directores trasladaron la premisa a un escenario inspirado en una caminata sobre tablas del monte Huashan, en China, una atracción conocida por su recorrido junto a un precipicio.

“Éramos grandes admiradores de la primera película, así que nos entusiasmaba mucho la posibilidad de participar en este nuevo capítulo”, señalaron los Spierig en declaraciones difundidas por BF Paris. Los cineastas explicaron que evaluaron distintas alternativas antes de optar por recrear una caminata sobre una viga suspendida.

Según los directores, la referencia del monte Huashan ofrecía una base para construir el nuevo relato. “Está considerada una de las caminatas más peligrosas del mundo, y cuando la vimos supimos que teníamos la base para una historia intensa y cinematográfica”, afirmaron.

La acción se sitúa en Tailandia, donde el paisaje y la lejanía del entorno acentúan el aislamiento de los personajes. El derrumbe que interrumpe el recorrido reduce sus opciones y convierte cada decisión en un factor de riesgo. La película sostiene su tensión a partir de la altura, la fragilidad de la estructura y la necesidad de desplazarse sin margen para errores.

Los directores priorizaron efectos prácticos durante el rodaje

Los hermanos Spierig buscaron que las condiciones del rodaje transmitieran parte del peligro que atraviesan los personajes. Por eso, según explicaron, redujeron al mínimo el uso de pantallas azules y trabajaron con elementos físicos para las secuencias desarrolladas sobre la caminata.

“Filmamos prácticamente sin pantalla azul, algo que era muy importante para nosotros”, indicaron. La intención fue que el elenco quedara expuesto al sol, al calor y a las condiciones del ambiente. Para los realizadores, esa decisión permitió incorporar una reacción física de los intérpretes a las escenas de riesgo.

Los protagonistas permanecieron sujetos con arneses y elevados a unos 12 metros sobre el suelo durante extensos períodos de filmación. Esa dinámica complicó la comunicación en algunos momentos y exigió una preparación específica para que el equipo pudiera registrar las escenas en altura.

Los directores también destacaron la participación del elenco en las secuencias de acción. “Cada vez que hacían sus propias escenas de riesgo, aportaban mucho a las secuencias y nos daban una gran cantidad de material para trabajar en la sala de edición”, señalaron.

La apuesta por recursos prácticos se vincula con la intención de sostener una experiencia física en pantalla. La película no plantea la altura únicamente como un fondo visual, sino como una condición que afecta los movimientos, las conversaciones y las decisiones de quienes quedan atrapados.

Una historia de duelo y supervivencia para la pantalla grande

Además del conflicto generado por el derrumbe, Vértigo 2 incorpora una dimensión emocional relacionada con la pérdida. El grupo inicia el trayecto para recordar a una persona cercana, pero la situación cambia cuando el recorrido deriva en una emergencia. A partir de ese momento, la trama concentra su desarrollo en la posibilidad de salir de la estructura.

La película tiene una duración aproximada de 100 minutos y pertenece al género de thriller de supervivencia. Su distribución en el país estará a cargo de BF Paris, que programó el estreno para el 1 de octubre.

Los Spierig señalaron que el proyecto fue concebido para una exhibición en salas. “Queremos que el público sienta el mismo vértigo y miedo que experimentó con la primera película”, expresaron. La secuela llegará a 82 cines con una nueva historia, un elenco distinto y un recorrido suspendido que concentra el peligro de principio a fin.

El anime Sekiro: No Defeat, basado en el videojuego de FromSoftware, llegará al catálogo internacional de Crunchyroll en enero de 2027. La producción, estrenada primero como película en los cines de Japón, será presentada fuera de ese país como una serie de ocho episodios, aunque todavía no tiene un día de lanzamiento confirmado.

De película japonesa a serie internacional

La adaptación tuvo un recorrido diferente en su mercado original. El proyecto fue presentado en los cines japoneses como un largometraje y después quedó previsto para su transmisión televisiva. Para la distribución internacional, el metraje será separado y extendido hasta formar una temporada de ocho capítulos.

Este cambio implica algo más que dividir la película en fragmentos. La versión serializada permitirá desarrollar la historia completa del Lobo, el guerrero encargado de proteger a Kuro, conocido como el Descendiente Celestial. Las fuentes no detallan qué escenas serán ampliadas ni cuánto material nuevo incluirán los episodios respecto del montaje cinematográfico.

Crunchyroll ubicó el estreno dentro de la temporada de anime de invierno de 2027, que comienza en enero. La plataforma todavía debe comunicar si publicará un capítulo por semana o si habilitará los ocho episodios al mismo tiempo. Tampoco informó la fecha exacta ni precisó qué idiomas tendrán doblaje desde el lanzamiento.

La llegada en 2027 representa una demora para el público internacional frente al estreno japonés. El anime había sido señalado como una de las producciones más esperadas de 2026, pero quienes quieran verlo legalmente fuera de Japón tendrán que esperar hasta el año siguiente.

Una producción dibujada a mano

El estudio qzil.la está detrás de la adaptación. Los primeros reportes sobre su recepción en Japón destacan el acabado visual y el tratamiento cinematográfico de la historia, aunque las fuentes disponibles no incluyen cifras de taquilla, audiencia o calificaciones que permitan medir ese desempeño.

La producción también estuvo rodeada por acusaciones sobre un posible uso de inteligencia artificial. Sus responsables rechazaron esas versiones y afirmaron que el anime fue dibujado completamente a mano. Según el equipo, una de las referencias visuales para el proyecto fueron las películas de Studio Ghibli.

El director Kenichi Kutsuna pidió además que el público evite consumir demasiados avances antes del estreno. Su preocupación es que los materiales promocionales revelen más elementos de la historia de los necesarios y reduzcan el impacto de ciertas sorpresas. La recomendación resulta particular para una adaptación de un videojuego publicado previamente, pero apunta al modo en que la trama y sus escenas fueron trasladadas a la animación.

La serie mantendrá el núcleo narrativo del juego: el vínculo entre el Lobo y Kuro, y la misión del guerrero de defender al joven incluso a costa de su vida. Por ahora no se especificó si los ocho episodios cubrirán todo el argumento del título original o si modificarán partes de su recorrido.

Más adaptaciones de FromSoftware en camino

Sekiro: No Defeat no será la única propiedad de FromSoftware que pasará a otro medio durante los próximos años. También está en desarrollo una película de Elden Ring, otro de los videojuegos más reconocidos del estudio japonés.

Ese largometraje estará dirigido por Alex Garland y contará con la participación de A24. A diferencia del anime de Sekiro, que ya fue exhibido en Japón, la producción cinematográfica todavía tiene un largo calendario por delante.

La película de Elden Ring tiene previsto llegar a los cines de todo el mundo el 3 de marzo de 2028.

Una infiltración junto a un asesino

La historia sigue a Jonah Lynn, un exsoldado que trabaja como detective de homicidios en Filadelfia. Cansado de la violencia y de las exigencias del puesto, decide mudarse a una pequeña localidad del oeste de Pensilvania para buscar una vida más tranquila. Ese retiro dura poco: el pueblo y su familia quedan en la mira de Jurek Walter, un asesino en serie encarcelado e interpretado por Graham.

El caso obliga a Jonah a recuperar la experiencia que quería dejar atrás. La prioridad es encontrar a la víctima más reciente de Jurek, pero el criminal parece anticiparse a quienes intentan interrogarlo. La investigación se transforma así en una amenaza directa para el detective, su comunidad y las personas que intenta proteger.

La operación más peligrosa queda en manos de Saga Bauer, agente del FBI e hija adoptiva de Jonah, interpretada por Beetz. Para obtener información sobre el paradero de la víctima, Saga se hace pasar por reclusa y ocupa una celda situada junto a la de Jurek. El plan requiere convivir con un homicida calculador sin revelar su verdadera identidad, mientras intenta conseguir datos antes de que se agote el tiempo.

El tráiler plantea el enfrentamiento psicológico entre ambos personajes como uno de los ejes de la serie. Jonah debe decidir hasta dónde está dispuesto a llegar para recuperar a la persona desaparecida y mantener con vida a Saga. Jurek, mientras tanto, conserva el control de la información incluso desde prisión.

Del libro a la pantalla

Nocturno está basada en The Sandman, novela policial publicada bajo el seudónimo Lars Kepler. Ese nombre corresponde al matrimonio de escritores suecos formado por Alexandra Coelho Ahndoril y Alexander Ahndoril, responsables de una serie de libros protagonizada por el investigador Joona Linna.

Las diez novelas policiales escritas por la dupla acumulan cerca de 20 millones de ejemplares vendidos. También fueron traducidas a 40 idiomas y distribuidas en más de 170 territorios, cifras que convirtieron a la saga literaria en la base de esta adaptación para televisión.

El desarrollo está encabezado por Rowan Joffe, quien trabaja como creador, guionista, productor ejecutivo y co-showrunner. Un showrunner es el responsable creativo y operativo que supervisa el rumbo de una serie durante su producción. Joffe comparte esa función con John Hlavin, encargado de desarrollar la adaptación televisiva y con créditos previos en Hijack, War y Lupin.

Los primeros dos episodios fueron dirigidos por Tim Van Patten, realizador reconocido con premios Emmy, Peabody y DGA. Van Patten, que también trabajó en Los amos del aire, participa como productor ejecutivo y establece en ese estreno doble la presentación de los personajes, el conflicto familiar y la persecución de Jurek.

El reparto y el calendario de estreno

Schreiber encabeza el reparto después de protagonizar Ray Donovan y también participa como productor ejecutivo. Beetz, conocida por Joker, cumple la misma función mediante su productora Sleepy Poppy. Graham llega al proyecto tras integrar el elenco de Adolescencia y asume aquí el papel del criminal que impulsa la investigación.

El reparto secundario incluye a Bill Camp, Rory Culkin, Chrissy Metz, Poorna Jagannathan y Gary Carr. La producción corre a cargo de A+E Studios en asociación con Range Studios, mientras que Lars Kepler figura entre los productores ejecutivos.

Apple TV también difundió un póster oficial centrado en los tres protagonistas. La campaña presenta la serie como una combinación de investigación policial, suspenso psicológico y drama familiar, con el vínculo entre Jonah y Saga en el centro de las decisiones más arriesgadas.

Nocturno debutará el viernes 30 de octubre de 2026 con sus dos primeros episodios. Los ocho capítulos restantes se publicarán uno por semana, siempre los viernes, y el décimo y último quedará disponible el 25 de diciembre de 2026.

Prime Video renovó Reacher para una sexta temporada antes del estreno de la quinta, que sigue en producción con Alan Ritchson como Jack Reacher. La plataforma todavía no informó qué novela de Lee Child será adaptada ni cuándo llegarán los nuevos episodios, pero garantizó la continuidad de una de sus series de acción con mejores cifras globales.

Una renovación respaldada por las cifras

La decisión fue comunicada después del cierre de la cuarta temporada, estrenada el 12 de agosto. Sus ocho episodios terminaron de publicarse el 16 de septiembre y alcanzaron 66 millones de espectadores en todo el mundo durante sus primeros 28 días, según datos difundidos por Amazon.

Ese resultado ubicó a la entrega entre las cinco temporadas más vistas de cualquier producción original de Prime Video. La franquicia completa, que incluye las cuatro temporadas principales estrenadas y su primera serie derivada, acumula 200 millones de espectadores globales hasta la fecha.

La cuarta temporada adaptó Gone Tomorrow, una novela en la que Reacher queda involucrado en un caso peligroso después de encontrarse con una mujer angustiada en el metro. Su elenco incluyó a Chris Marquette, Sydelle Noel, Agnez Mo, Anggun, Kevin Weisman, Marc Blucas, Kevin Corrigan y Kathleen Robertson.

Peter Friedlander, jefe global de televisión de Amazon MGM Studios, agradeció el trabajo realizado por Child, el creador y showrunner Nick Santora, Ritchson y los distintos equipos creativos. También señaló la colaboración con Paramount Television Studios, productora que participa en la serie junto con Amazon MGM Studios.

Qué se sabe de la temporada 5

La quinta temporada se encuentra actualmente en rodaje en Toronto. Los episodios adaptarán Make Me, publicada en 2015 y conocida en español como Oblígame. Se trata del vigésimo libro publicado de la saga literaria, aunque ocupa otra posición dentro de la cronología de las historias.

La serie no adapta las novelas en el orden en que fueron editadas. Cada temporada toma un caso distinto del personaje, una estructura que permite cambiar de escenario y de reparto secundario sin perder a Reacher como eje. Esa libertad también impide anticipar cuál será el material elegido para la sexta entrega.

Prime Video todavía no anunció la fecha de estreno de la quinta temporada. La renovación anticipada permite mantener activo el proceso de producción y reducir los intervalos entre entregas: hasta ahora, la serie ha sostenido un ritmo aproximado de poco más de un año entre temporadas, lejos de las pausas más extensas de otras producciones de streaming.

Santora escribe la adaptación y trabaja como showrunner, la persona responsable de coordinar las decisiones creativas y la producción cotidiana de una serie. Child y Ritchson también participan como productores ejecutivos junto con Don Granger, Scott Sullivan, Mick Betancourt, Lisa Kussner, Sam Hill, Amy Pocha y Seth Cohen.

Carolyn Harris y Kenny Madrid supervisan el proyecto desde Paramount Television Studios. La continuidad de ese equipo permitirá avanzar con la sexta temporada mientras se completa la quinta, aunque Prime Video no detalló cuándo comenzará su filmación.

La franquicia continúa con Neagley

La expansión televisiva ya incluye Neagley, la primera serie derivada de Reacher. El término spin-off se utiliza para una producción centrada en un personaje secundario de otra historia. En este caso, la protagonista es Maria Sten, quien retoma el papel de Frances Neagley, una antigua compañera militar de Reacher.

Ritchson también aparece en Neagley, aunque con una participación secundaria. El estreno de la producción coincidió con el final de la cuarta temporada de la serie principal, lo que permitió a Prime Video mantener historias de la franquicia disponibles después del cierre de los ocho episodios.

La agenda del actor incluye además otros proyectos cinematográficos. Entre ellos se encuentran Máquina de guerra, Motor City, Entrega al límite y The Man with the Bag, una comedia navideña coprotagonizada por Arnold Schwarzenegger.

Pese a ese calendario, Ritchson continuará al frente de Reacher durante al menos dos temporadas más. La sexta ya está confirmada, pero Prime Video todavía debe revelar la novela elegida, el reparto adicional, el inicio del rodaje y las fechas de estreno tanto de la quinta como de la sexta entrega.

La tercera temporada de The Last of Us incorporará a Laura Bailey, Ian Alexander y John Goodman con personajes nuevos. Bailey interpretará a Elizabeth, una líder de los Serafitas; Alexander será Paco, integrante de los Héroes de la autopista; y Goodman encarnará a Joey, su compañero. Los episodios serán emitidos por HBO Max en 2027, aunque todavía no tienen una fecha exacta.

Dos intérpretes de los videojuegos regresan con otros papeles

Bailey e Alexander ya tienen una relación directa con la saga. Ambos participaron en The Last of Us Part II, donde interpretaron a Abby y Lev, respectivamente. En la adaptación televisiva, sin embargo, esos personajes quedaron en manos de otros actores: Kaitlyn Dever asumió el papel de Abby desde la segunda temporada y Kyriana Kratter fue elegida como Lev para la próxima entrega.

El regreso de Bailey incluye otro antecedente dentro de la serie. La actriz apareció brevemente en la primera temporada como una de las enfermeras presentes en el quirófano donde Joel, interpretado por Pedro Pascal, mata al cirujano que se preparaba para operar a Ellie, el personaje de Bella Ramsey. Bailey también había participado como una de las enfermeras en el videojuego original de 2013.

Su presencia en aquella escena era difícil de reconocer porque llevaba una máscara. En 2023, el showrunner Craig Mazin ya había dejado abierta la posibilidad de convocarla nuevamente. “Quiero decir, tiene una máscara puesta, así que podemos convertirla en lo que queramos en la próxima temporada”, explicó entonces a Entertainment Weekly.

Bailey también respaldó públicamente el trabajo de Dever como la versión televisiva de Abby. “Ella es simplemente fenomenal, cada momento que vi en el que estaba presente me encantó todo lo que aportó al personaje y cómo lo hizo suyo”, declaró a la misma publicación.

Alexander había manifestado su interés en regresar como Lev, pero HBO eligió a Kratter para adaptar al joven serafita. Michelle Mao interpretará a Yara, su hermana mayor. Alexander tendrá en cambio un personaje que no aparece en los videojuegos: Paco, uno de los dos sobrevivientes que se presentan como los Héroes de la autopista.

Los nuevos personajes y la historia de Abby

Goodman compartirá escenas con Alexander como Joey, el segundo miembro de los Héroes de la autopista. Los dos personajes parecen haber sido creados para la serie, ya que no formaban parte de los videojuegos. Goodman es conocido por producciones como El gran Lebowski, Roseanne y Los Picapiedra.

Elizabeth, el personaje de Bailey, sí tiene una conexión con el material original. Su nombre aparecía en The Last of Us Part II, pero nunca había sido mostrada. La serie la presentará como una de las líderes de los Serafitas, el grupo religioso que mantiene un conflicto armado con la organización militar W.L.F. en Seattle.

La tercera temporada retomará la estructura narrativa del segundo videojuego. Después de los acontecimientos mostrados en la entrega anterior, la historia retrocederá en el tiempo para recorrer el mismo periodo desde la perspectiva de Abby. Esa decisión permitirá mostrar su relación con los Serafitas y su recorrido durante la búsqueda emprendida por Ellie y Dina, interpretada por Isabela Merced.

El reparto también sumará a Patrick Wilson como Jerry Anderson, padre de Abby y cirujano asesinado por Joel al final de la primera temporada. Jason Ritter interpretará a Hanley, un soldado de la W.L.F., mientras que Jorge Lendeborg Jr. reemplazará a Danny Ramirez en el papel de Manny. Entre las incorporaciones anunciadas también aparecen Li Jun Li, Peter Sarsgaard y Clea DuVall, aunque las fuentes no detallaron sus personajes.

Un cambio creativo y la posible temporada final

La producción avanzará sin Neil Druckmann en su equipo creativo principal. El cocreador de los videojuegos y uno de los responsables de la adaptación dejó sus funciones en la serie para concentrarse en su trabajo dentro de Naughty Dog, el estudio desarrollador de la franquicia. Su salida fue revelada semanas atrás durante una entrevista.

Mazin quedó como único showrunner para la tercera temporada. El cambio ocurre justo cuando la adaptación debe abordar la otra mitad de la estructura de The Last of Us Part II, centrada en Abby y en los acontecimientos que la conectan con Ellie, Lev, Yara y las facciones enfrentadas en Seattle.

La nueva entrega podría marcar el cierre de la serie. Casey Bloys, jefe de HBO, señaló que cree que Mazin “la ha planeado como la temporada final”, pero la señal todavía no confirmó que la producción terminará con estos episodios. Por ahora, HBO Max mantiene el estreno previsto para 2027 sin anunciar el día ni el mes de lanzamiento.

Wanda Nara tendrá su debut cinematográfico en la adaptación argentina de ¿Querés ser mi hijo?, una comedia romántica dirigida por Hernán Guerschuny que retoma la trama de la producción mexicana ¿Quieres ser mi hijo?, estrenada en 2023 en la plataforma ViX.

La película reúne a Nara con Agustín Bernasconi, Jean Pierre Noher y Charo López. La historia pone el foco en Lucía, una mujer de 42 años que descubre la infidelidad de su pareja luego de 15 años de relación y debe reordenar su vida personal y laboral.

El proyecto está producido por Amazon MGM Studios, IP4 Media, Zeppelin Studio, Cimarrón Cine, FilmSuez y Telefe Studios. Según la información difundida por la producción, tendrá una duración de 95 minutos y fue realizada en formato DCP 4K.

La versión argentina conserva el punto de partida mexicano

La trama argentina parte de una situación similar a la del largometraje mexicano dirigido por Ihtzi Hurtado. Tras separarse, Lucía vuelve a su antiguo departamento de soltera, donde se cruza con Javier, un vecino de 22 años que organiza fiestas de manera frecuente.

En paralelo, ella busca el empleo que considera decisivo para su futuro. Durante una entrevista, Lucía asegura que es madre y que tiene un hijo de la misma edad que Javier. La mentira se complica cuando la empresa organiza un encuentro con los directivos y sus familias, y ella necesita sostener su relato.

Entonces le propone un acuerdo al joven: Javier deberá hacerse pasar por su hijo y, a cambio, podrá usar el departamento para sus reuniones. El vínculo ficticio que ambos arman para el family day se transforma en el eje de la historia y abre paso a un romance que enfrenta la diferencia de edad y las expectativas de quienes los rodean.

Ludwika Paleta y Juanpa Zurita encabezaron la película original

La película que inspira la adaptación local fue protagonizada por Ludwika Paleta y Juanpa Zurita. En aquella versión, Paleta interpretó a Lu, una mujer de 40 años que atraviesa una ruptura después de descubrir que su novio le fue infiel. Zurita encarnó a Javier, el vecino joven que acepta representar el papel de su hijo.

La diferencia de edad entre los personajes fue uno de los elementos centrales de la campaña de la producción mexicana. En la ficción, los separan cerca de 20 años; fuera de la pantalla, Paleta y Zurita tienen una diferencia de aproximadamente 17 años.

¿Quieres ser mi hijo? fue una producción de Elefantec Global y Fox Entertainment para ViX. La película se presentó como una comedia romántica centrada en las segundas oportunidades, la reconstrucción personal después de una separación y una relación que no responde a los modelos convencionales.

Wanda Nara asumirá el papel de Lucía

En la versión argentina, Wanda Nara interpretará a Lucía, el personaje que atraviesa el quiebre de una relación extensa y que, sin empleo, intenta recuperar una vida que había postergado. El papel marca su llegada al cine como protagonista.

Bernasconi será Javier, el joven que inicialmente acepta participar de la mentira a cambio de obtener mayor libertad para organizar sus fiestas. La dinámica entre ambos personajes se modifica a medida que el acuerdo deja de ser solo una estrategia para superar una jornada laboral.

La adaptación del guion estuvo a cargo de Sofía Szelske y Hernán Guerschuny, quien también dirige la película. La ficha técnica acredita la idea original a Ihtzi Hurtado, responsable del guion y la dirección de la producción mexicana.

Una comedia romántica sobre prejuicios y diferencias de edad

La nueva versión traslada a la Argentina una premisa que ya tuvo recorrido en México: una mujer adulta que inicia un vínculo afectivo con un hombre menor, después de que ambos se conocen bajo una identidad falsa. La diferencia de 20 años entre Lucía y Javier constituye el conflicto principal de la película.

El relato aborda, además, el momento en que Lucía debe decidir si continúa con la vida que llevaba o si modifica sus prioridades tras la separación. Para Javier, el encuentro implica la posibilidad de revisar su forma de relacionarse y de asumir sentimientos que hasta entonces evita reconocer.

Con calificación apta para todo público, ¿Querés ser mi hijo? se presenta como una comedia romántica argentina basada en un título mexicano que ya había instalado la discusión sobre las relaciones intergeneracionales. La producción todavía no informó la fecha de estreno ni la plataforma o las salas en las que estará disponible.

Avengers: Endgame Encore, el reestreno ampliado de la película de Marvel Studios de 2019, recaudó al menos 86 millones de dólares en todo el mundo durante su primer fin de semana, según los datos difundidos el 28 de septiembre. El resultado llevó el acumulado de Avengers: Endgame hasta los 2.885,4 millones y redujo su distancia frente a Avatar, que conserva el récord histórico con 2.923,7 millones.

La distancia con Avatar

El relanzamiento encabezó la taquilla mundial del fin de semana. De los 86 millones obtenidos, 26 millones procedieron de Estados Unidos y Canadá, mientras que los 60 millones restantes llegaron de otros mercados. La recaudación seguirá creciendo porque la película continúa proyectándose en salas.

La diferencia entre ambas producciones es ahora de 38,3 millones de dólares. Alcanzar a Avatar todavía exige una permanencia fuerte en cartelera, pero el primer fin de semana dejó a la película de los hermanos Russo nuevamente cerca del primer lugar.

La competencia tiene una particularidad: los reestrenos forman parte del total acumulado de cada película. En sus exhibiciones originales, Avengers: Endgame había superado a Avatar, pero la producción dirigida por James Cameron recuperó el liderazgo después de regresar varias veces a los cines.

Endgame se mantiene así en el segundo puesto del listado histórico. Según los datos de las fuentes, detrás aparece Spider-Man: Un nuevo día, con una recaudación cercana a los 2.500 millones de dólares.

Cuatro escenas conectadas con Vengadores: Doomsday

El relanzamiento incorpora cuatro escenas nuevas vinculadas con Avengers: Doomsday, cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre. Esos fragmentos funcionan como material adicional y preparan elementos de la próxima película de Marvel Studios.

La inclusión de contenido inédito fue uno de los principales argumentos para volver a convocar a los espectadores, pese a que Avengers: Endgame lleva años disponible en streaming. La estrategia combina el regreso de una de las películas más taquilleras de la historia con la promoción del próximo estreno del estudio.

David A. Gross, analista, explicó que los relanzamientos suelen obtener cifras mucho menores. “Los reestrenos rara vez recaudan más de 10 millones de dólares”, señaló. Frente a ese promedio, los 86 millones globales de Endgame Encore representan una diferencia considerable.

Gross también indicó que este tipo de lanzamiento puede generar conversación anticipada alrededor de una película posterior. En este caso, Marvel Studios utiliza las escenas añadidas para conectar Endgame con Doomsday y acompañar la preventa de entradas para el estreno de diciembre.

Un reestreno entre los mayores de Norteamérica

Los 26 millones recaudados en Estados Unidos y Canadá ubicaron a Endgame Encore como el tercer mejor reestreno de la historia en ese mercado. Quedó detrás de El rey león, que consiguió 30,1 millones en 2011, y de la primera Star Wars, que alcanzó 35,9 millones durante su regreso a los cines en 1997.

Con 2.885,4 millones de dólares recaudados, Endgame Encore necesita otros 38,3 millones para igualar los 2.923,7 millones de Avatar.

Una nueva adaptación de Mary Poppins está en desarrollo para televisión, 62 años después del estreno del clásico cinematográfico. El proyecto tomará como base las ocho novelas de P. L. Travers, con Tom Winchester como productor y desarrollador para Pure Fiction Television, según informó Deadline. La serie se encuentra en una etapa temprana y todavía no tiene plataforma, reparto, fecha de estreno ni cantidad de episodios confirmados.

Una Mary Poppins más cercana a los libros

La nueva producción será independiente de las dos películas de Disney y buscará recuperar elementos de la obra literaria que quedaron fuera de esas adaptaciones. Los libros presentan a una Mary Poppins más misteriosa, imprevisible y, en ciertos pasajes, inquietante. Ese tono permitiría alejar al personaje de la imagen cálida y musical que quedó instalada a partir de la película de 1964.

Las novelas también llevan las aventuras más allá de la casa de la familia Banks. Entre sus situaciones aparecen viajes instantáneos alrededor del mundo, encuentros con escenarios propios de los cuentos de hadas y fiestas de té celebradas en un techo. El formato televisivo daría más espacio para trasladar esas historias, en lugar de concentrarlas en la duración de un largometraje.

Todavía debe definirse si la adaptación será una serie limitada, con una historia cerrada y un número establecido de episodios, o una producción pensada para extenderse durante varias temporadas. Tampoco se informó si cada libro corresponderá a una temporada o si sus relatos serán combinados dentro de una estructura diferente.

El equipo detrás del proyecto y las conversaciones con Disney

Winchester llega al proyecto después de trabajar como productor en Shogun. En el desarrollo también participan See-Saw Films, productora vinculada con Heartstopper, y la agencia británica Hamilton Hodell. Ninguna de las empresas anunció quién escribirá los guiones ni quién asumirá la dirección.

Disney no está involucrada actualmente en la serie. Sin embargo, existen conversaciones preliminares para estudiar una posible participación, que podría incluir los derechos de distribución o emisión. El diálogo no implica que exista un acuerdo y, por ahora, el proyecto continúa bajo el desarrollo de Pure Fiction Television y sus socios.

Los derechos literarios siguen ligados a los herederos de Travers. Esa situación tendrá un cambio parcial en 2030, cuando el personaje y el primer libro asociado entren en dominio público. Este término indica que una obra puede utilizarse sin pedir autorización a sus antiguos titulares, aunque las novelas posteriores y los elementos creados específicamente para las películas pueden continuar protegidos.

La cercanía de esa fecha agrega un factor relevante para la producción, pero la serie anunciada pretende trabajar con el conjunto de ocho libros. Por ese motivo, la participación de los herederos y los acuerdos sobre los textos posteriores todavía resultan centrales para llevar adelante la adaptación completa.

La difícil relación de P. L. Travers con las películas

La versión más conocida del personaje llegó a los cines en 1964, protagonizada por Julie Andrews y Dick Van Dyke para Walt Disney Productions. La película se convirtió en uno de los títulos más recordados del estudio, pero Travers quedó disconforme con el resultado. La autora consideraba que varios cambios se alejaban del tono y de la personalidad que había construido en sus novelas.

Tras aquella experiencia, Travers mantuvo un control estricto sobre los derechos y rechazó durante años la posibilidad de realizar una continuación. Disney terminó estrenando El regreso de Mary Poppins en 2018, mucho después de la muerte de la escritora, con Emily Blunt y Lin-Manuel Miranda como protagonistas.

El conflicto entre Travers y Disney también fue dramatizado en la película de 2013 Al encuentro de Mr. Banks, encabezada por Emma Thompson y Tom Hanks. Esa producción recreó las negociaciones para adaptar el libro original, aunque introdujo numerosas libertades respecto de los acontecimientos reales.

La nueva serie intentará recorrer el camino contrario al de las películas: partir directamente de los ocho textos de Travers y recuperar sus componentes más extraños y oscuros. Por ahora, no tiene fecha de estreno, plataforma, reparto ni número de episodios confirmados.

Qué muestra el nuevo teaser

La principal novedad del video es la aparición de Jocasta, un personaje ligado directamente a Ultrón desde su origen en los cómics. La imagen difundida permite distinguir sus rasgos robóticos y una intensa iluminación roja en los ojos, pero Marvel mantiene en secreto sus objetivos y su relación concreta con los protagonistas.

El adelanto también recupera a Visión Blanco, la versión reconstruida del personaje que desapareció después de su encuentro con la Visión creada dentro de Westview en WandaVision. La nueva serie seguirá su intento por recuperar una identidad propia, mientras se mantiene alejado de las personas que buscaron convertirlo en un arma.

El material incluye además una apariencia humana vinculada con Ultrón. Su regreso tendrá peso en una historia centrada en identidades artificiales, recuerdos implantados y programas capaces de desarrollar una conciencia independiente.

Miller describió su papel como “impresionante” durante una reciente entrevista. El creador de la serie, Terry Matalas, también adelantó que Jocasta tendrá una presencia importante, aunque evitó precisar si funcionará como enemiga, aliada o una figura que cambiará de bando durante los ocho episodios.

El origen de Jocasta y su conexión con Ultrón

En los cómics de Marvel, Jocasta fue creada por Ultrón para convertirse en su compañera. El villano utilizó los patrones cerebrales de Janet van Dyne, conocida como la Avispa, como base para construir su personalidad. Esa conexión le dio al androide características humanas y terminó provocando un resultado contrario al esperado por su creador.

Jocasta acabó rebelándose contra Ultrón y colaboró con héroes como los Avengers. Ese recorrido deja abierta una tensión para VisionQuest: su vínculo original la acerca al antagonista, pero su historia impresa demuestra que no está obligada a obedecerlo. El teaser, con sus ojos rojos y su presentación amenazante, todavía no permite determinar qué parte de esa trayectoria adaptará la serie.

El regreso de Ultrón estará acompañado por James Spader, quien volverá a interpretar al personaje después de haberle dado voz en Avengers: Age of Ultron. Paul Bettany retomará el papel de Visión, ahora bajo la identidad blanca presentada en WandaVision.

La búsqueda de Visión Blanco estará conectada con otras inteligencias artificiales integradas en su código. Entre ellas aparecen F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H. y Jarvis, además del propio Ultrón. En términos simples, estos sistemas funcionan como programas con voces, recuerdos y funciones diferentes que podrían ayudar al protagonista a reconstruir quién era o disputar el control de su identidad.

Estreno, episodios y reparto de VisionQuest

VisionQuest será la tercera y última parte de la trilogía televisiva iniciada con WandaVision y continuada por Agatha All Along. La historia retomará de forma directa el destino de Visión Blanco, uno de los cabos abiertos que dejó la primera serie después de su encuentro con la versión del personaje creada por Wanda Maximoff.

El reparto también incluye a Ruairi O’Connor, Todd Stashwick, Orla Brady, Emily Hampshire y James D’Arcy. Las fuentes disponibles todavía no detallan todos sus personajes ni cómo se relacionarán con Jocasta, Ultrón y las demás inteligencias artificiales presentes en la trama.

La temporada contará con ocho episodios. Disney+ estrenará VisionQuest el 14 de octubre de 2026 y publicará sus dos primeros capítulos durante esa misma jornada.

La historia sigue a Ema, una médica recién jubilada con la capacidad de ver a los muertos. Mientras intenta atravesar el duelo por su madre y revisar asuntos de su propia vida, recibe a su sobrina Julie. Al mismo tiempo, el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena altera el frágil límite entre los vivos y quienes ya no están.

El rodaje generó unas 570 horas de material audiovisual, según los datos de producción. Frente y detrás de cámara trabajaron 176 personas, durante casi dos meses de filmación.

Piedrabuena fue el escenario para cruzar lo real con lo onírico

Para conservar el clima de los relatos de Enriquez, el equipo buscó un entorno donde convivieran lo cotidiano, la desigualdad y una dimensión inquietante. La elección fue el barrio Piedrabuena, en la Ciudad de Buenos Aires, un conjunto habitacional construido entre 1957 y 1980.

El diseñador de producción Rodrigo Bazaes definió al lugar como “el escenario perfecto para este choque entre dos barrios, entre dos clases distintas y en una Argentina que ha ido mutando justamente en ese vínculo entre clases”.

La serie marca, además, el reencuentro de Mercedes Morán con Larraín. La actriz, que interpreta a Ema, había trabajado antes con el realizador chileno en Neruda (2016), donde encarnó a Delia del Carril. “Desde ese entonces estábamos los dos esperando poder repetir”, señaló Morán sobre la nueva colaboración.

Por su parte, Dolores Fonzi, quien interpreta a Carolina, es lectora de Mariana Enriquez y tiene entre sus libros favoritos Nuestra parte de noche.

Susana y Julie requirieron hasta seis horas diarias de maquillaje

La construcción física de los personajes fue uno de los desafíos técnicos de la producción. Luz Jiménez, encargada del papel de Susana, pasó hasta cuatro horas en maquillaje antes de algunas escenas.

El proceso fue aún más extenso para Carolina Alvarez, intérprete de Julie. Las jornadas de caracterización oscilaron entre cuatro y seis horas, de acuerdo con el grado de descomposición que exigía cada secuencia. El equipo debía sostener la continuidad visual del personaje durante las distintas etapas del rodaje.

El tanque submarino se construyó entre Buenos Aires y Santiago de Chile

Las escenas bajo el agua requirieron una estructura realizada en tres etapas y dos países. La base de la torre, diseñada por Bazaes, se construyó en Piedrabuena. Luego, el tanque se levantó en una explanada industrial de Colina, en Santiago de Chile.

La fase final consistió en desarrollar el interior en Estudios del Río, también en Santiago. Allí se creó el que la producción identifica como el tanque de grabaciones submarinas más grande de Sudamérica, con 8 metros de diámetro y 4,5 metros de profundidad.

Para llenarlo se necesitaron más de 14 camiones cisterna y un sistema de calefacción que permitiera trabajar con seguridad. Las tomas contaron con buzos especializados en apnea, capaces de permanecer bajo el agua a más de 3 metros de profundidad durante períodos prolongados.

Alvarez siguió un entrenamiento específico para realizar secuencias sumergida y sostener la respiración bajo una exigencia física sostenida. Para las escenas de Julie se registraron, además, tres dummies hiperrealistas y a la actriz; los materiales se integraron luego durante la posproducción.

Los modelos implicaron una operación entre tres países: el cuerpo de Alvarez se escaneó en Argentina, las piezas se fabricaron en España por el equipo de Tristán Versluis y el ensamblaje se completó en Chile, con permisos aduaneros especiales.

Larraín dirigió esas secuencias en tiempo real mediante un sistema de comunicación diseñado para operar bajo el agua. La música reunió a John Warhurst, Miguel Hormazábal y Filmo Estudios, los hermanos Mauricio y Francisco Durán, de Los Bunkers, y Juan Pablo Abalo, entre otros colaboradores.

Una médica jubilada que convive con los muertos, tres adolescentes asesinados en un barrio del conurbano y una presencia que comienza a extenderse entre los vecinos. Netflix estrenará el 24 de septiembre la miniserie Mis muertos tristes, basada en relatos de Mariana Enriquez y dirigida por el cineasta chileno Pablo Larraín.

La ficción tendrá cuatro episodios y llegará a la plataforma después de su estreno mundial en la competencia de la Sección Oficial de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El proyecto reúne a Larraín con la escritora argentina para trasladar a la pantalla una parte de su universo de terror, atravesado por la memoria, la violencia y los vínculos familiares.

Mercedes Morán encabeza el elenco como Ema, una médica recién jubilada que posee una capacidad que condicionó su vida: puede ver a los muertos. Ese don, que durante años trató de mantener bajo control, adquiere otra dimensión cuando debe enfrentar la muerte de su madre y asuntos pendientes de su propia historia.

Ema y Julie quedan en el centro de un fenómeno que altera a Piedrabuena

La llegada de Julie, sobrina de Ema, modifica ese frágil orden. La joven también tiene una conexión con los muertos, aunque su experiencia resulta más intensa e inestable. El vínculo entre ambas se convierte en uno de los ejes de la historia.

Al mismo tiempo, el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena, un barrio atravesado por la violencia, rompe la frontera entre el mundo de los vivos y el de quienes murieron. Lo que para Ema había sido una carga íntima empieza a expandirse por el vecindario.

Los muertos se hacen presentes y obligan a los habitantes del barrio a enfrentarse con sus propias pérdidas, silencios y deudas. La serie sitúa el terror en una trama donde las presencias sobrenaturales se vinculan con conflictos sociales y familiares.

El elenco principal se completa con Dolores Fonzi, Alejandra Flechner y Carolina Álvarez. También participan Carlos Portaluppi, Germán de Silva y la actriz chilena Luz Jiménez.

La adaptación reúne personajes y pasajes de distintos cuentos

Aunque toma su nombre del relato “Mis muertos tristes”, la miniserie no adapta de manera lineal un único texto. La historia incorpora elementos de otros cuentos de Enriquez, entre ellos “Julie” y “Un lugar soleado para gente sombría”.

La autora participó del trabajo de adaptación junto con Guillermo Calderón, Anastasia Ayazi y Larraín. El objetivo fue construir una narración nueva que reuniera personajes, situaciones y climas de distintos relatos, sin desprenderlos del contexto que caracteriza a la obra de la escritora.

Enriquez explicó que sus fantasmas no funcionan solo como figuras del miedo. “Los relatos de Mis muertos tristes plantean a los fantasmas como la memoria, aquello que vuelve todo el tiempo y que en muchos casos no se puede calmar porque tienen que ver con la injusticia”, señaló sobre el sentido de estas presencias.

Para la escritora, la pregunta que sostiene a la historia no tiene una resolución única: qué hacer con esos fantasmas que regresan. La serie retoma esa inquietud desde el drama de Ema, Julie y los habitantes de Piedrabuena.

Pablo Larraín buscó preservar el universo literario de Mariana Enriquez

Larraín destacó la participación de Enriquez como un elemento central durante el proceso. El director sostuvo que adaptar una obra con un mundo tan definido implica respetar sus reglas y traducir al lenguaje audiovisual aspectos que en la literatura aparecen como impresiones, emociones y elementos abstractos.

“Hay ciertas cosas que ella explica o narra con literatura, que son cosas más abstractas, sensaciones y emociones que hay que llevarlas a otro lenguaje”, afirmó el realizador chileno.

La producción está a cargo de Fábula, compañía fundada por Pablo y Juan de Dios Larraín. Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín y Ángela Poblete figuran como productores, mientras que Álvaro Cabello y Cristián Donoso se desempeñan como productores ejecutivos.

La dirección de fotografía estuvo a cargo de Sergio Armstrong y el diseño de producción, de Rodrigo Bazaes. Antes de su llegada a Netflix, la serie será exhibida en San Sebastián en formato de largometraje, con una duración aproximada de tres horas.

Lionsgate puso en marcha una nueva película de Saw con Mike P. Nelson como director y el regreso de James Wan al trabajo creativo de la franquicia. El proyecto, producido junto con Atomic Monster y Blumhouse, todavía no tiene fecha de estreno en cines, argumento anunciado ni reparto confirmado.

El nuevo equipo creativo

Nelson trabajará a partir de un guion escrito por Gregory Weidman y Geoffrey Tock. Ambos guionistas también participan en la segunda temporada de Dune: La profecía y cuentan con créditos previos en producciones como El lado siniestro de la luna y Sin límites.

El director ya tiene experiencia dentro del terror. Entre sus trabajos se encuentran Wrong Turn: Sendero al infierno y Noche de paz, noche de horror, dos películas vinculadas con franquicias previas del género. Ahora quedará a cargo de trasladar a la pantalla las nuevas trampas y dilemas asociados con la saga creada en 2004.

Wan regresará como productor y tendrá una participación creativa mayor que en las entregas recientes. El cineasta explicó que la primera Saw marcó su carrera y que la elección del director requería a alguien capaz de respetar el origen de la serie. Según Wan, Nelson tiene una voz cinematográfica distintiva y un enfoque propio para el terror.

El equipo de producción incluye a Jason Blum, responsable de Blumhouse, y a Leigh Whannell, cocreador de Saw. Whannell escribió el guion de la película original y también formó parte de su elenco junto con Cary Elwes. La reunión vuelve a conectar la nueva producción con las personas que iniciaron la franquicia hace más de dos décadas.

Una entrega con identidad todavía incierta

Los reportes disponibles coinciden en el director, los guionistas y el regreso de Wan, pero presentan una diferencia importante sobre la identidad formal del proyecto. Una versión lo identifica como Saw 11 y sostiene que continuará la historia principal, sin recurrir a un reinicio. Otra señala que Lionsgate desarrolla una película nueva sin título numérico oficial después de cancelar el proyecto anterior de Saw XI.

Esa distinción importa porque Saw XI ya había atravesado problemas de producción. La secuela estaba planteada como continuación de Saw X, pero Lionsgate terminó descartándola pese a que sus responsables afirmaban tener una historia preparada. El anuncio de Nelson confirma que la franquicia seguirá activa, aunque todavía no permite saber si el estudio recuperó aquella secuela, reemplazó su guion o inició una película diferente.

Tampoco se informó en qué momento de la cronología estará ambientada. Saw X funcionó como una historia intermedia dentro de la serie y recuperó a John Kramer, interpretado por Tobin Bell, como figura central. El regreso de Bell no fue confirmado para la próxima producción, al igual que cualquier otro integrante del reparto.

La intención de continuar la línea original, mencionada en uno de los reportes, alejaría al proyecto de otro reboot. Ese término describe un reinicio que descarta o reorganiza la continuidad previa para comenzar una historia desde otro punto. Spiral: Saw intentó abrir una rama distinta con personajes nuevos, pero la siguiente película volvió a concentrarse en Kramer.

Del éxito de 2004 al regreso de James Wan

La primera Saw surgió como una producción de bajo presupuesto dirigida por Wan. Costó alrededor de 1,2 millones de dólares, se presentó en el Festival de Cine de Sundance de 2004 y terminó recaudando 103 millones de dólares. Ese rendimiento permitió que Lionsgate estrenara nuevas entregas cada año hasta Saw VII 3D, lanzada en 2010.

La serie permaneció siete años sin películas antes de regresar con Saw VIII. Más tarde llegó Spiral: Saw, planteada como una nueva entrada al concepto, y en 2023 se estrenó Saw X. Esta última retomó una etapa anterior de la historia de Kramer y abrió el camino para una continuación que finalmente quedó atrapada en cambios internos.

La participación activa de Wan es uno de los principales cambios respecto de las películas recientes. El cineasta también creó las franquicias Insidious y El conjuro, mientras Atomic Monster pasó a trabajar junto con Blumhouse tras la unión de ambas productoras. Para la próxima Saw, Wan compartirá tareas de producción con Blum y Whannell.

Lionsgate mantiene bajo reserva el argumento, la lista de actores y la ubicación cronológica de la película. Tampoco comunicó cuándo comenzará el rodaje ni fijó una fecha oficial para su estreno en cines.

Una camarera atrapada en una trama criminal

La historia sigue a una camarera que trabaja en un yate privado y acaba de perder al amor de su vida. Su situación cambia cuando conoce a un enigmático forastero, interpretado por Depp, con quien establece un vínculo inesperado. El encuentro termina involucrándola en una trama criminal que incluye elementos sobrenaturales.

El personaje de Depp es descrito como un bebedor diurno, origen del título en inglés. El avance lo muestra dentro de una propuesta centrada en enfrentamientos físicos, amenazas criminales y criaturas sobrenaturales, una combinación que acerca la película al tipo de acción directa popularizada por John Wick.

Cline interpreta a la camarera que queda en el centro del conflicto. La información difundida también menciona a una mujer con una posición relevante dentro del ambiente criminal, aunque las fuentes disponibles no detallan el personaje ni explican cómo se relaciona con el protagonista.

Marc Webb dirige el proyecto a partir de un guion de Zach Dean, responsable de La guerra del mañana y El abismo secreto. Webb es conocido por películas como The Amazing Spider-Man, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, 500 días juntos y Un don excepcional.

Johnny Depp y Penélope Cruz trabajan juntos por cuarta vez

Sed de sangre representa la cuarta colaboración cinematográfica entre Depp y Penélope Cruz. Los dos actores compartieron elenco anteriormente en Blow, Piratas del Caribe: En mareas misteriosas y Asesinato en el Orient Express.

El reparto principal incorpora una presencia española amplia. Junto con Cruz aparecen Manu Ríos, Arón Piper, Juan Diego Botto y Javier Botet. La participación de estos intérpretes está vinculada con el carácter de coproducción entre Estados Unidos y España que tiene el proyecto.

La película será uno de los trabajos de mayor exposición comercial de Depp desde el juicio con su exesposa, Amber Heard, un proceso que tuvo un fuerte impacto público sobre su carrera. Desde entonces, su actividad cinematográfica como protagonista se redujo, por lo que el estreno tendrá una atención particular sobre su retorno a una producción de acción distribuida por un estudio importante.

En paralelo, surgieron reportes sobre un posible acercamiento entre el actor y Disney para que vuelva a interpretar a Jack Sparrow en una futura entrega de Piratas del Caribe. Ese regreso no fue confirmado oficialmente y permanece separado de Sed de sangre, cuyo lanzamiento ya forma parte del calendario de Lionsgate.

Producción y fechas de estreno

Sed de sangre reúne a varias productoras: 30West, Lionsgate, Lit Entertainment Group, Thunder Road Pictures, Nostromo Pictures, Skydance Productions e IN.2 Film. La participación de Nostromo Pictures se integra en la estructura de coproducción entre Estados Unidos y España.

Las fuentes disponibles presentan una diferencia sobre el día exacto del lanzamiento. Una sitúa el estreno el 26 de marzo de 2027, mientras que la información asociada a Diamond Films lo fecha para el 28 de marzo en los cines estadounidenses. En ambos casos, la ventana prevista es el último fin de semana de ese mes.

La distribución internacional todavía no está completamente detallada. Diamond Films presentó el avance y confirmó el título Sed de sangre para el mercado hispanohablante.

Disney+ volvió a aumentar el precio de sus suscripciones en Estados Unidos. La nueva actualización eleva principalmente el costo de los planes sin publicidad y modifica el valor de algunas opciones combinadas con Hulu, en una estrategia con la que Disney busca impulsar los paquetes y aumentar los ingresos por usuario.

El plan premium de Disney+, que permite acceder al catálogo sin anuncios, pasa a costar 21,49 dólares por mes, después de un incremento de 2,50 dólares. La suba representa aproximadamente un 13% respecto de la tarifa anterior, según informó Bloomberg.

La nueva estructura también afecta a Hulu, el servicio de streaming que forma parte del negocio de entretenimiento de Disney en Estados Unidos. Mientras los planes individuales registran aumentos, las opciones combinadas mantienen precios relativamente cercanos a las alternativas individuales, una diferencia que puede incentivar a los usuarios a contratar más de un servicio.

Con esta actualización, queda cada vez más lejos el precio de lanzamiento de Disney+ en Estados Unidos. Cuando la plataforma debutó en 2019, la suscripción costaba 6,99 dólares mensuales.

Cuánto cuestan los planes de Disney+ en Estados Unidos

Los nuevos precios establecen una diferencia clara entre las opciones individuales y los paquetes que combinan Disney+ con Hulu.

El plan premium de Disney+, sin publicidad, queda en 21,49 dólares mensuales. Por su parte, la versión individual con anuncios aumenta a 12,49 dólares por mes.

En el caso de los paquetes, el combo premium de Disney+ y Hulu tendrá un precio de 21,99 dólares mensuales. Es decir, cuesta apenas 50 centavos más que el plan premium individual de Disney+.

El paquete de Disney+ y Hulu con publicidad queda en 12,99 dólares mensuales. La diferencia con la suscripción individual con anuncios de Disney+ es de apenas 50 centavos.

Nuevos precios en Estados Unidos

- Disney+ con anuncios 12,49 dólares

- Disney+ Premium sin anuncios 21,49 dólares

- Disney+ y Hulu con anuncios 12,99 dólares

- Disney+ y Hulu Premium 21,99 dólares

Los precios corresponden a las nuevas tarifas anunciadas para el mercado estadounidense.

Disney busca que los usuarios contraten paquetes

La estructura de precios muestra una estrategia que va más allá de aumentar las tarifas. Disney también busca que sus clientes opten por paquetes que combinan sus servicios.

La diferencia de apenas 50 centavos entre Disney+ con anuncios y el paquete de Disney+ y Hulu con anuncios puede funcionar como un incentivo para sumar Hulu a la suscripción. Lo mismo ocurre con las opciones premium, donde el paquete cuesta 21,99 dólares frente a los 21,49 dólares del plan individual de Disney+.

Este modelo permite a Disney ampliar la cantidad de servicios contratados por cada usuario y, al mismo tiempo, mantener dentro de su ecosistema a quienes podrían considerar cancelar una de sus suscripciones.

La estrategia es especialmente relevante en un mercado de streaming en el que los consumidores acumulan varias plataformas y deben decidir cuáles mantener cada mes.

Disney+ se aleja de su precio de lanzamiento

El nuevo aumento también refleja cuánto cambió el precio de Disney+ desde su lanzamiento en Estados Unidos.

En noviembre de 2019, cuando comenzó a funcionar el servicio, la suscripción tenía un precio de 6,99 mensuales dólares. Desde entonces, Disney fue modificando sus tarifas a medida que amplió el catálogo, incorporó publicidad y desarrolló nuevas modalidades de suscripción.

El plan premium actual cuesta ahora más de tres veces aquella tarifa inicial.

El aumento llega además en un momento en el que Disney busca mejorar la rentabilidad de su negocio de entretenimiento. Durante el último trimestre, los ingresos operativos de esta división crecieron un 64%, según los resultados financieros citados en el reporte.

El streaming busca nuevas formas de generar ingresos

Disney no se limita a subir el precio de sus suscripciones. La compañía también trabaja en ampliar el ecosistema alrededor de Disney+, con planes que incluyen videojuegos y experiencias interactivas.

El objetivo es que la plataforma tenga más funciones y formas de consumo, además del acceso tradicional a películas y series.

Mientras tanto, el aumento de las tarifas representa una nueva etapa para Disney+ en Estados Unidos. Los usuarios que quieran mantener el acceso sin publicidad deberán pagar 21,49 dólares al mes, mientras que quienes busquen combinar Disney+ y Hulu podrán hacerlo por 21,99 dólares en el plan premium.

La transformación de Nicolas Cage

El primer adelanto muestra a Cage con una transformación física marcada para interpretar al robusto entrenador durante sus años al frente de los Oakland Raiders. La historia se concentra en la sociedad deportiva y personal de Madden con Al Davis, encarnado por Christian Bale, y en el camino que llevó al equipo a ganar el Super Bowl.

La película también abordará el final de la carrera de Madden como entrenador, ocurrido a finales de la década de 1970. Según la información difundida sobre el argumento, sus últimas temporadas quedaron atravesadas por una úlcera sangrante y por las consecuencias de no atender el diagnóstico con suficiente seriedad. El problema de salud terminó empujándolo a tomar la decisión de abandonar profesionalmente el trabajo que había definido esa etapa de su vida.

El retiro de los bancos no significó una separación prolongada del fútbol americano. Madden encontró otra forma de mantenerse vinculado al deporte al convertirse en comentarista. Su estilo frente al micrófono lo llevó a ser una de las voces más reconocibles de la NFL, una faceta que la película presentará como el puente entre su carrera como entrenador y su posterior llegada a los videojuegos.

El avance destaca el trabajo gestual y vocal de Cage, además del maquillaje utilizado para cubrir diferentes períodos de la vida del protagonista. La intención es mostrar tanto al entrenador en plena actividad como al hombre obligado a reconstruir su carrera después de dejar los Raiders.

Del campo de juego a EA Sports

Uno de los ejes principales de Madden será el encuentro del exentrenador con Trip Hawkins, fundador de Electronic Arts e interpretado por John Mulaney. Hawkins convenció a Madden de prestar su nombre y sus conocimientos para desarrollar una simulación de fútbol americano que buscaba representar el deporte con mayor fidelidad.

La participación de Madden fue más allá de una licencia comercial. Sus conocimientos tácticos ayudaron a definir una serie que terminaría convertida en uno de los lanzamientos deportivos recurrentes de EA Sports. La franquicia Madden NFL comenzó en 1988 y recibió entregas anuales desde entonces, con la excepción de 1989, según la cronología citada por la producción.

Ese tramo conecta la película con una audiencia que conoce el apellido Madden principalmente por los videojuegos. El relato explicará cómo una figura surgida de los Raiders pasó de dirigir partidos y comentarlos en televisión a colaborar con una marca distribuida internacionalmente. También permitirá ver los primeros pasos de una relación entre el deporte profesional, las licencias oficiales y las simulaciones anuales.

El recorrido planteado abarca así tres ocupaciones distintas: entrenador, comentarista y asesor de videojuegos. Todas estuvieron ligadas al fútbol americano, incluso después de que su estado de salud le impidiera continuar trabajando al costado del campo.

El reparto y el equipo creativo de Madden

Russell escribió el guion junto con Cambron Clark. El director, nominado al Premio de la Academia y responsable de películas como El lado bueno de las cosas y La gran estafa americana, vuelve a trabajar con un elenco encabezado por dos actores ganadores del Oscar.

Junto a Cage, Bale y Mulaney aparecen Kathryn Hahn, Sienna Miller, Shane Gillis y Dan Matteucci. La información publicada hasta ahora no detalla los personajes de todos ellos, aunque el argumento ubica la relación entre Madden y Davis como el centro personal del relato.

La producción representa otro trabajo de Cage para Amazon después de Spider-Noir, serie que no continuará con nuevas temporadas. En esta ocasión, su interpretación cubre varias etapas de una figura conocida dentro del deporte estadounidense, la televisión y los videojuegos.

Madden estará disponible exclusivamente en Prime Video desde el 18 de noviembre de 2026.

La producción tendrá un recorrido de estreno distinto según el mercado. La fecha comunicada para Argentina es el 12 de noviembre, mientras que Searchlight fijó su llegada a las salas de Estados Unidos para el 6 de noviembre. El lanzamiento se ubicará en plena temporada de premios, después de su paso por los festivales de Venecia, Telluride y Toronto.

El nuevo avance muestra a Chris, el personaje de Malkovich, y Lee, interpretado por Rockwell, durante una misión que parte desde Santiago hacia la isla. Ambos responden a las órdenes de MJ, su superior dentro de la CIA, encarnado por Steve Buscemi. La trama incorpora tensiones entre los dos agentes, referencias al contexto político chileno y el vínculo que Chris entabla con dos estudiantes rebeldes.

John Malkovich recibió la Copa Volpi en el Festival de Venecia

El estreno mundial de Caballo salvaje nueve tuvo lugar en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde la película recibió una ovación de pie de 14 minutos, según los materiales difundidos por el estudio. Malkovich obtuvo allí la Copa Volpi al Mejor Actor por su papel como Chris.

Ese reconocimiento colocó al intérprete entre los primeros nombres asociados a la conversación de la temporada de premios. La película todavía no forma parte de las nominaciones al Oscar, que se conocerán más adelante, pero el premio en Venecia, la respuesta inicial del circuito de festivales y la fecha de estreno en noviembre la sitúan como una producción a seguir en la carrera.

McDonagh vuelve al cine con un proyecto que mezcla espionaje, humor negro y un trasfondo político. El director irlandés, ganador del Premio de la Academia por el cortometraje Six Shooter, ya había trabajado con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4 en Tres anuncios por un crimen y Los espíritus de la isla.

La última de esas producciones acumuló nueve nominaciones a los Premios de la Academia, entre ellas mejor película, dirección y guion original. Con ese antecedente, la reunión de McDonagh con las mismas compañías refuerza la atención sobre su nuevo largometraje.

Una misión de la CIA antes del golpe de Estado en Chile

La historia se sitúa en los días previos al 11 de septiembre de 1973. Chris y Lee dejan Santiago para trasladarse a la entonces denominada Isla de Pascua, hoy también identificada como Rapa Nui, por orden de su jefe. La misión queda atravesada por conspiraciones, secretos del pasado y el acercamiento de Chris a dos jóvenes interpretadas por Mariana di Girolamo y Ailín Salas.

El elenco incluye además a Tom Waits y Parker Posey. Di Girolamo, actriz chilena, participó en Ema y El jockey, mientras que Salas formó parte de producciones argentinas como El secreto y Monzón.

El tráiler utiliza los moáis y el paisaje de Rapa Nui como parte central de la puesta en escena. También anticipa imágenes de Santiago y un conflicto que combina el trabajo clandestino de los agentes con sus dilemas personales. Rockwell y Malkovich encabezan una historia que, por su período histórico, remite a la intervención estadounidense en América Latina, aunque el avance reserva detalles sobre el objetivo concreto de la misión.

La película abrirá el Festival de Mar del Plata

Después de Venecia, la película pasó por Telluride, el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), San Sebastián, Zúrich y el BFI London Film Festival. En Zúrich, McDonagh recibió un Premio Tributo por su trayectoria como director. Malkovich, a su vez, fue distinguido con el Silver Medallion de Telluride.

El calendario también contempla una función de apertura en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Esa escala dará a la película una primera exhibición destacada en Argentina antes de su estreno comercial del 12 de noviembre.

El nuevo material promocional de Searchlight llega después de las primeras proyecciones y condensa la apuesta de McDonagh por un relato de espionaje con elementos de comedia dramática. A pocas semanas de su llegada a las salas, Caballo salvaje nueve suma expectativa por la recepción de Malkovich y por el antecedente de su director en el circuito de premios.

John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein confirmaron en una entrevista reciente con Empire que ya escribieron el guion para continuar Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones. Los directores quieren regresar y Hasbro, propietaria de la franquicia, respalda el proyecto, pero la película todavía necesita un socio que aporte la financiación. El principal obstáculo son los resultados comerciales de la entrega estrenada en 2023: recaudó US$205,4 millones frente a un presupuesto de US$150 millones.

Un guion terminado y ganas de regresar

La posible secuela está más avanzada en el terreno creativo de lo que se conocía. Daley y Goldstein no hablaron de una idea preliminar ni de conversaciones informales: ambos aseguran que el libreto ya existe y que están conformes con el trabajo realizado.

“Siempre hay esperanza. Escribimos un guion que podría convertirse en película y Hasbro está muy a favor de realizarla. Creo que necesitan un socio para llevarla a cabo”, explicaron los cineastas. Goldstein resumió la dificultad con una broma: “Así que, si tenéis amigos multimillonarios y frikis, enviádnoslos”.

Los directores también señalaron que disfrutaron volver a trabajar con los protagonistas y con la dinámica grupal presentada en la primera entrega. Al tratarse de una continuación, el nuevo relato podría avanzar sin dedicar su primer acto a explicar quiénes son los personajes, cómo se conocieron o cuáles son las reglas básicas de ese mundo fantástico.

Daley y Goldstein dirigieron la película de 2023 y participaron en su guion junto con Chris McKay y Michael Gilio. El resultado combinó comedia, aventura y elementos reconocibles del juego de rol, como dragones, magos, bárbaros y criaturas específicas de sus campañas. Los cineastas regresaron recientemente con Mayday, estrenada en Apple TV.

Por ahora no se revelaron detalles de la historia escrita para la continuación. Tampoco está confirmado qué integrantes del reparto volverían, si el proyecto consigue financiación. La primera película estuvo encabezada por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Hugh Grant y Sophia Lillis, entre otros intérpretes.

La taquilla que complica el regreso

Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones tuvo una recepción muy favorable. Tanto la crítica como el público le otorgaron índices de aprobación superiores al 90% en Rotten Tomatoes, pero ese respaldo no se tradujo en suficientes entradas vendidas durante su paso por los cines.

La producción costó alrededor de US$150 millones y terminó su recorrido comercial con US$205,4 millones recaudados en todo el mundo. Según las cifras citadas, habría necesitado acercarse a US$425 millones para alcanzar la rentabilidad. Esa diferencia explica por qué una secuela no recibió luz verde inmediata, pese a las críticas positivas y al interés de sus responsables.

El costo también limita las alternativas. Una película de estas características requiere escenarios extensos, criaturas fantásticas, efectos visuales y un elenco numeroso. Reducir de forma drástica el presupuesto podría obligar a modificar la escala del guion o la propuesta visual que distinguió a la primera entrega.

La situación deja una tensión clara: la historia tiene continuación escrita y Hasbro quiere realizarla, pero el antecedente comercial convierte una inversión similar en un riesgo. Las buenas valoraciones tampoco generaron el efecto de recomendación necesario para compensar el estreno inicial en salas.

El socio que falta y otras rutas

Hasbro necesita encontrar un socio financiero dispuesto a compartir el costo y el riesgo de la producción. Uno de los reportes plantea que Paramount, distribuidora de la primera película, ya no estaría interesada en ocupar ese lugar, aunque no existe una confirmación directa del estudio ni de los directores.

Tampoco hay un acuerdo anunciado con otra productora o plataforma. Nombres como Amazon y Prime Video fueron mencionados como posibilidades teóricas por sus antecedentes con grandes producciones de fantasía, pero ninguna de las partes comunicó negociaciones para rescatar la secuela. Una adaptación del guion al cómic también fue planteada como una salida más económica, sin anuncios oficiales que indiquen que esa opción esté en marcha.

La franquicia sí mantiene proyectos audiovisuales separados de Honor entre ladrones. Las fuentes coinciden en que Netflix trabaja con una serie vinculada a Dungeons & Dragons, aunque difieren sobre su identidad: un reporte menciona Ravenloft y otro la presenta como The Forgotten Realms. Este último nombre remite al escenario de campaña utilizado por la película, pero no se espera que la producción continúe las aventuras del mismo grupo de protagonistas.

La serie de Netflix no resuelve el futuro de la secuela cinematográfica, que permanece como un proyecto independiente. Hasta ahora, Hasbro no anunció un socio financiero, una fecha de rodaje, el regreso del elenco ni una ventana de estreno.

La transformación de Matt Hagen

La película cuenta el origen de Matt Hagen antes de convertirse en uno de los enemigos de Batman. La historia lo presenta como un joven de las calles de Gotham que consigue ascender rápidamente en Hollywood y comienza a construir una carrera como actor.

Ese recorrido queda interrumpido cuando un jefe criminal local ordena un ataque que desfigura su rostro. Hagen pierde su lugar en la industria y es abandonado por las personas que trabajaban con él. Sin alternativas, recurre a un procedimiento experimental para recuperar su apariencia.

El tratamiento funciona al principio, pero desencadena una transformación física y mental. Los materiales difundidos describen que Hagen adquiere un cuerpo cambiante compuesto por arcilla y comienza a perder la estabilidad mientras persigue una venganza contra quienes destruyeron su carrera.

La película se acerca así al horror corporal, una vertiente del género centrada en la alteración, deterioro o pérdida de control del propio cuerpo. El conflicto no parte de una misión heroica, sino del trauma de un actor cuya identidad dependía de su rostro y que termina convertido en una criatura capaz de modificar su forma.

Hay una diferencia entre las descripciones disponibles. Una presenta el origen de sus poderes como el resultado de arcilla mágica, mientras la otra se refiere a un tratamiento científico de vanguardia que altera su percepción de la realidad. El adelanto final busca conectar ambos elementos alrededor del deterioro de Hagen y su espiral de violencia.

El equipo detrás de Clayface

James Watkins dirige la película a partir de un guion firmado por Mike Flanagan y Hossein Amini. Watkins queda a cargo del enfoque de thriller y terror, mientras que Flanagan cuenta con una trayectoria ligada al género. Las fuentes no detallan cuánto material de cada guionista permanece en la versión filmada.

Naomi Ackie interpreta a la científica a la que Hagen recurre después del ataque. Su personaje ocupa un lugar central en el procedimiento que le devuelve temporalmente el rostro y provoca las consecuencias que terminan transformándolo.

El reparto incluye además a David Dencik, Max Minghella, Eddie Marsan, Nancy Carroll, Joshua James, Tanya Moodie y Sonita Henry. Los materiales disponibles todavía no identifican los papeles de estos intérpretes ni revelan cuál de ellos encarna al jefe criminal responsable de la desfiguración.

Tom Rhys Harries carga con el papel principal y con las distintas etapas del personaje: el joven sin recursos, la estrella en ascenso, el actor desfigurado y la criatura cambiante. El nuevo tráiler concentra su presentación en ese proceso y en el deseo de venganza que aparece después del tratamiento.

Fecha de estreno y lugar dentro de DC Studios

Clayface será uno de los próximos estrenos cinematográficos de DC Studios y seguirá a Supergirl en el calendario. Frente a otras producciones asociadas con personajes heroicos, esta película está presentada de manera directa como un thriller de terror sobre uno de los antagonistas de Batman.

La elección permite narrar la historia desde el punto de vista de Hagen, antes de sus enfrentamientos con el vigilante de Gotham. Las fuentes no confirman la aparición de Batman ni detallan conexiones con otras películas, por lo que la promoción está centrada en Cara de Barro, su origen y las consecuencias del procedimiento.

Clayface llegará a los cines el próximo 22 de octubre.

Warner Bros. Pictures presentó el primer teaser de Gremlins 3, con Gizmo asomándose desde una mochila, y anunció que la película llegará a los cines el 6 de octubre de 2028. La secuela estaba prevista originalmente para el 19 de noviembre de 2027, por lo que su estreno fue postergado casi once meses.

El regreso de Gizmo

El adelanto dura apenas unos segundos y comienza con una mochila situada en un ambiente oscuro, rodeado de niebla. Mientras la cámara se acerca, desde el interior se escuchan los sonidos característicos de un Mogwai. La abertura cede poco a poco hasta que Gizmo consigue sacar la cabeza.

El personaje mantiene sus rasgos más reconocibles: grandes ojos, orejas prominentes y la expresión amable que contrastaba con el caos provocado por los Gremlins en las películas anteriores. El plano también recupera una imagen habitual de la saga, que solía presentar a sus criaturas escondidas dentro de objetos o forcejeando para salir.

Warner Bros. Pictures no reveló escenas de la historia ni mostró a otros personajes. El teaser funciona como una confirmación visual del regreso de Gizmo y termina con la nueva fecha de lanzamiento. Tampoco se informó el motivo oficial del retraso, de modo que cualquier posible relación con el calendario del estudio o con los tiempos de producción sigue sin estar confirmada.

La elección del 6 de octubre ubica la película en plena temporada previa a Halloween, una ventana compatible con su combinación de comedia y terror. Aun así, el cambio prolonga una espera que ya supera las tres décadas: cuando la tercera entrega llegue a las salas, habrán pasado 38 años desde la película anterior.

Una saga ausente del cine desde 1990

La primera Gremlins, dirigida por Joe Dante, se estrenó en 1984. La película combinó humor negro, elementos navideños, violencia y criaturas diseñadas mediante efectos prácticos. También contó con la participación de Amblin Entertainment, la productora vinculada a Steven Spielberg.

Dante volvió seis años después para dirigir Gremlins 2: la nueva generación, estrenada en 1990. La secuela no repitió el rendimiento de la película original, pero las dos producciones mantuvieron seguidores durante las décadas posteriores. Desde entonces, Gizmo y los Gremlins no protagonizaron otra cinta para salas comerciales.

Warner llevaba al menos desde 2013 explorando la posibilidad de realizar una nueva entrega. Durante ese período, el principal lanzamiento de la propiedad fue Gremlins: los secretos de los Mogwai, una serie animada de dos temporadas distribuida por HBO Max. La producción amplió la historia de las criaturas, aunque no reemplazó el esperado retorno cinematográfico en acción real.

Parte del interés por la tercera película está ligado al posible uso de criaturas animatrónicas, es decir, muñecos físicos con mecanismos internos que permiten mover el rostro y otras partes del cuerpo. Ese recurso fue decisivo para la apariencia de Gizmo y los Gremlins en las entregas originales. El breve teaser permite ver nuevamente al personaje, pero todavía no ofrece detalles técnicos sobre cómo fue realizado ni sobre la combinación de efectos que empleará la película completa.

Chris Columbus toma el control de la secuela

Chris Columbus, guionista vinculado a las dos películas anteriores, dirigirá y producirá Gremlins 3. También trabajó en un borrador del guion junto con Zach Lipovsky y Adam B. Stein, mientras que Hannah Marks quedó a cargo de preparar la versión final.

Columbus llevaba años manifestando su interés en recuperar la saga. Warner Bros. Pictures terminó por poner en marcha el proyecto y anunció inicialmente su estreno para noviembre de 2027. El nuevo calendario extiende el proceso hasta octubre de 2028, aunque el estudio todavía no comunicó cuándo comenzará el rodaje, qué actores integrarán el reparto o cuál será el conflicto central.

El teaser tampoco aclara si regresarán personajes humanos de las películas anteriores. Por ahora, Gizmo es el único personaje confirmado mediante imágenes y el principal vínculo visible con las producciones estrenadas en 1984 y 1990.

La nueva fecha deja a Gremlins 3 programada para el 6 de octubre de 2028, casi once meses después del lanzamiento anunciado originalmente y 38 años después de Gremlins 2: la nueva generación.

Los primeros años de internet fueron una etapa de experimentación y autonomía que hoy en día parece imposible de imaginar. Los primeros años de YouTube, Myspace y otros sitios supieron ser el refugio de miles de personas para encontrar a otras con sus mismos intereses. En esa época, los celulares no existían y por ende, la idea de llevar la red a todas partes era impensada, por lo que si uno quería pasar tiempo en Internet implicaba quedarse varias horas en casa usando la computadora.

Teniendo esto en cuenta, no sorprende que los primeros proyectos provenientes de Internet en hacerse populares fueran en su mayoría de humor abstracto y en varios aspectos “nerds”. Angry Videogame Nerd, los primeros años de Newgrounds y, un ejemplo nacional,

Alejo y Valentina, tuvieron su propio encanto por el humor más bizarro y las herramientas con las que estaban hechas, brindando una sensación de cercanía con el autor y haciéndonos pensar “yo también puedo hacer eso”.

Sin embargo, esto no surgió de la nada, y hubo un fenómeno en la década anterior que plantó las bases de lo que iban a ser los primeros años del arte en Internet, si tuviéramos que ponernos a analizar dónde se encuentran las primeras raíces de este humor y estilo tan bizarro y casero, sería seguramente en el boom de la animación para adultos de los 90s y primeros años de los 2000.

Podríamos decir con certeza que los años 90 fueron la década donde el fenómeno de series animadas dirigidas a un público mayor tendría finalmente su momento de brillar. Duckman, Family Guy, y el ejemplo más claro fue The Simpsons, que si bien no tenía un rango de edad tan marcado, el humor y referencia social de sus primeras temporadas hacían que la serie entretenga más a los adultos que a los jóvenes.

Sin embargo, hubo otra corriente de animación, la cual consistía de programas de menos presupuesto con un humor quizás más bizarro que los anteriormente mencionados, con programas como El Fantasma del Espacio de Costa a Costa (o el resto de series que emitió Cartoon Network durante los primeros años de Adult Swim) y quizás el más conocido, Beavis y Butthead, las mascotas de MTV que realizaban estupideces a lo largo del barrio donde vivían a la vez que comentaban videos musicales de la época, aspecto que surgió para ahorrar tiempo de producción pero que se terminó volviendo en el elemento definitivo del programa.

Lo que terminó de definir a esta corriente de la animación para adultos fue su crudeza con respecto a lo que se emitía en los canales más convencionales. Por ejemplo: las entrevistas del Fantasma del Espacio pocas veces tenían que ver con el trabajo del invitado, incluso podríamos decir que con el avance de las temporadas fueron cada vez menos los capítulos que tenían una trama “típica”, sino que se fueron convirtiendo en el hecho de ver a los personajes insultándose por once minutos mientras ignoraban al invitado, a favor de perseguir a una hormiga. Para rematar, los episodios estaban hechos con animaciones ya existentes del Fantasma del Espacio, con poco contenido original hecho para algún episodio en específico.

El presupuesto era poco y casi inexistente, así como también lo fueron las reglas: si no hay riesgo de perder dinero, los límites no existen. Descrito por el mismo Mike Lazzo, creador de la serie: “Michael cortaba el show en un closet afuera de las oficinas, nos peleábamos constantemente con el equipo de Cartoon Network Latinoamerica porque su copiadora estaba al lado de donde editaba. Eran peleas casi constantemente, y en la noche, cuando todos se iban, ahí tomamos las salas de conferencia vacías para escribir guiones”. También ayudaba que el programa se transmitiera a las 23 horas, un horario poco convencional para los espectadores, lo que reducía el público a un selecto grupo de personas.

Esto no evitó que el programa lentamente se volviera un fenómeno que cautivó a cierto grupo que querían una animación más adulta, directa y bizarra.

Con este análisis, uno puede entender cómo esto se vincula a Internet. Los futuros artistas se vieron marcados por este tipo de programas y esta filosofía de “bajo presupuesto” que las rodeaba, por lo que comenzaron a experimentar con su propio estilo y humor en un mundo que tenía casi las mismas reglas que la televisión de medianoche: Internet.

En estos años, la web no tenía un público masivo y mucho menos grandes sponsors que podían tirar abajo sus patrocinios si el contenido no les gustaba, por lo que los límites eran pocos y las chances de perder algo, también.

James Rolfe, el creador del ya mencionado Angry Videogame Nerd y una de las primeras celebridades de Internet, ha hablado de forma directa sobre cómo la animación de esta era lo influenció de forma directa para su programa y al Internet en general según él, sobre todo Aqua Teen Hunger Force, una serie animada de Adult Swim la cual se creó con las mismas reglas de bajo presupuesto que el Fantasma del Espacio.

En su review del programa, James habló específicamente de la vez que conoció a los creadores en Filadelfia, donde tuvieron la oportunidad de conocer a Dave Willis, actor de Meatwad (Carl Brutananadilewski) y co-creador de la serie. Rolfe cuenta específicamente que cuando le preguntaron qué es lo que usaban para hacer la serie, Willis solamente contestó “Photoshop y Final Cut”. Ante la revelación de lo simple que era la producción del programa, James recuerda haberle preguntado si era verdad lo que estaba diciendo, a lo que Dave respondió “solo usen Photoshop y listo”.

Esta respuesta tendría, en sus propias palabras, un impacto muy fuerte en él y lo incentivaría a trabajar con lo que tenía entre mano y nada más.

Y se podría decir que eso fue lo que terminó de definir a la primera ola de artistas en Internet, una ideología basada en el “hazlo tú mismo” llevada al extremo, sin preocupación por presupuesto, aprobación de una productora o pendiente de favorecer a un algoritmo con publicaciones semanales. Solo una idea que comenzó con animadores creando series para los bloques de medianoche de MTV o Cartoon Network.

Con el paso del tiempo, esta corriente terminaría dando toda la vuelta y volviendo a impactar en la televisión, con los mismos artistas que dieron sus primeros pasos en Internet haciendo contenido para las grandes cadenas, como Alejo y Valentina en MTV y Michael Cusack y Zach Hadel creando Smiling Friends.

Me parece importante recordar estos primeros años de la animación en Internet y, sobre todo, de donde proviene, más en esta nueva ola de nostalgia hacia las mismas, ya que sirven para reflexionar sobre cómo, pese a que el boom de las redes sociales y algoritmos muestre lo contrario, el contenido hecho por artistas de Internet sigue vigente y llegando a niveles que antes parecían inalcanzables, como el cine y la televisión, y que ese nivel de creatividad es aún más grande que nunca gracias a los artistas que siguen surgiendo e incentivándolo.

Disney+ aprobó una nueva serie animada de Darkwing Duck, anunciada el 22 de septiembre de 2026 y ambientada 35 años después de la producción original. Mark Hamill interpretará a Drake Mallard, mientras que Seth Rogen prestará su voz a Launchpad McQuack y participará como productor ejecutivo. El proyecto todavía no tiene una fecha de estreno confirmada.

Una pesadilla hecha a medida de Drake Mallard

La historia comenzará con Darkwing atrapado en un mundo alternativo donde nadie recuerda sus antiguas hazañas como superhéroe. La situación afecta especialmente a Drake Mallard, un personaje acostumbrado a buscar reconocimiento mientras combate el crimen bajo su identidad enmascarada.

Su vida cambiará cuando conozca a Duckie, una adolescente rebelde que sí sabe quién fue Darkwing. Ella intentará convencerlo de volver a la acción y lo acompañará en una nueva aventura que combinará personajes conocidos con incorporaciones creadas para esta serie.

Entre las amenazas confirmadas aparecen Negaduck y Megavolt, dos de los enemigos recurrentes más reconocibles de la producción de los años noventa. Darkwing también volverá a encontrarse con Gosalyn Mallard y Morgana, además de reunirse con Launchpad.

La premisa utiliza el paso de tres décadas como parte central del conflicto. En lugar de retomar las aventuras inmediatamente después del programa clásico, el protagonista deberá recuperar su lugar en un escenario que ha olvidado su trayectoria. Duckie funcionará como el vínculo entre ese pasado y la nueva etapa.

Mark Hamill toma el lugar de Jim Cummings

El cambio principal estará en la voz del protagonista. Jim Cummings interpretó a Darkwing en la serie original, que alcanzó 91 episodios, pero no regresará para esta producción. Hamill asumirá los papeles de Drake Mallard y su identidad heroica.

Rogen interpretará a Launchpad, el piloto y compañero habitual de Darkwing. Su participación también se extenderá a la producción ejecutiva mediante Point Grey Pictures, el estudio que comparte con otros productores del proyecto.

El reparto incluye a Lizzy Caplan como Gosalyn Mallard y a Lilimar como Duckie. Dan Stevens será Glade McTowers, Tiffany Shepis interpretará a Rosa y Kathryn Newton dará voz a Firecracker.

También participarán Teo Briones como Timb, Tyler Dean Flores como Pondsy, Katie Rich como Officer Shanks y Nat Faxon como Officer Webb. La información disponible todavía no detalla cómo se relacionarán estos nuevos personajes con el protagonista ni qué papel tendrán dentro del conflicto principal.

La sustitución de Cummings marca una diferencia directa frente a la serie de 1991. La presencia de Hamill y Rogen plantea nuevas interpretaciones para dos figuras muy asociadas con sus voces originales, mientras el argumento conserva nombres centrales de la etapa clásica.

Tad Stones acompaña al nuevo equipo creativo

Tad Stones, creador de la serie original, trabajó como consultor creativo durante el desarrollo. Stones indicó que el nuevo equipo incrementó la acción y la comedia sin abandonar el componente emocional de la producción de Disney. También comparó la reinterpretación del personaje con figuras como Robin Hood, Zorro y Sherlock Holmes, cuyas historias han sido adaptadas a distintas épocas y formatos.

Sean Tretta, vinculado con Star Trek: Picard, y Borja Peña Gorostegui, de Lost & Crowned, ejercerán como productores ejecutivos. Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Alex McAtee y Gabby Grantham producirán la serie para Point Grey Pictures.

La versión original de Darkwing Duck comenzó a emitirse en 1991. Su recorrido en ABC terminó en 1993, mientras que la distribución sindicada continuó hasta 1995 y tuvo un breve regreso entre 1996 y 1997. En total, la serie llegó a 91 episodios.

El personaje también protagonizó videojuegos para Nintendo Entertainment System en 1992 y Game Boy en 1993. En noviembre de 1994 apareció en el cómic Disney Afternoon Fun-Filled 1st Issue!, y años después regresó a la televisión como parte de la versión más reciente de DuckTales.

La serie original puede verse actualmente en Disney+. La nueva producción aún no cuenta con fecha ni ventana de estreno anunciada.

La presentación formó parte de la 74ª edición del certamen español y reunió a Darín, protagonista y productor de la película; Goldfrid; el guionista Emanuel Diez; y el productor Federico Posternak. La función ubicó a la producción de Kenya Films en uno de los festivales de mayor circulación para el cine iberoamericano, a pocas semanas de su lanzamiento global en la plataforma.

“Es un honor estar en este festival tan querido por todos nosotros. Es un festival que ha abrazado, querido, apoyado al cine latinoamericano y argentino. Por eso, estar acá y poder presentar nuestra película es, ante todo, un enorme orgullo”, afirmó Darín durante la presentación.

El estreno tiene además un significado particular para el actor, cuya figura integra la imagen oficial de esta edición del Festival de San Sebastián. El certamen ya le había entregado el Premio Donostia en 2017, su principal reconocimiento honorífico.

Un terapeuta y un escritor, en el centro de la trama

En Lo dejamos acá, Ricardo Darín interpreta a un psicoanalista pragmático que pierde confianza en los procedimientos tradicionales de la psicología. A partir de entonces, comienza a alterar las reglas que rigen el vínculo con sus pacientes, con resultados que parecen favorables en un primer momento.

La situación cambia con la llegada de un escritor que no logra avanzar con su trabajo. El personaje, interpretado por Diego Peretti, introduce una tensión que modifica el funcionamiento de la consulta y obliga al terapeuta a confrontar las consecuencias de sus decisiones profesionales.

La película reúne otra vez a Darín y Peretti, dos actores con recorridos consolidados en el cine y la televisión argentinos. El relato se apoya en los diálogos entre ambos personajes y en la progresiva transformación de una relación que, en principio, responde a un encuadre clínico.

La sinopsis plantea un cruce entre el drama psicológico y la observación de los vínculos personales. El conflicto se organiza alrededor de los límites éticos de la terapia, la frustración creativa y la influencia que un paciente puede ejercer sobre quien lo escucha.

Hernán Goldfrid vuelve a trabajar con Darín y Peretti

Para Goldfrid, el estreno marca una nueva colaboración con los dos protagonistas. El director había trabajado con Peretti en su debut cinematográfico, Música en espera, y con Darín en Tesis sobre un homicidio. También dirigió las tres temporadas de El jardín de bronce y participó en episodios de Atrapados.

“Estamos muy emocionados. Para nosotros este es un momento único: estar acá, en San Sebastián, y poder compartir esta película. Fue un placer sumergirnos en este universo y ahora solo queda disfrutarla”, sostuvo Goldfrid.

El guion fue escrito por Emanuel Diez y la producción estuvo a cargo de Kenya Films. Junto con Posternak y Darín, también figura como productor Chino Darín.

El elenco se completa con Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. La fotografía corresponde a Rodrigo Pulpeiro; la música, a Roque Baños; y el montaje, a Andrés Quaranta. Jam Monti estuvo a cargo del vestuario, Martín Porta del sonido y Daniel Gimelberg del diseño de producción.

La película llegará a Netflix el 16 de octubre

Con una duración de una hora y 37 minutos, Lo dejamos acá forma parte de la producción argentina de Netflix para 2026. Su paso por San Sebastián funciona como antesala del estreno internacional previsto para el 16 de octubre.

La llegada del film a la plataforma sumará una nueva producción argentina con proyección global y pondrá nuevamente en pantalla a Darín y Peretti, esta vez bajo la dirección de Goldfrid y en una trama construida alrededor de una consulta que deja de responder a sus reglas iniciales.

La producción fue creada por Tim Federle, responsable de High School Musical: El Musical: La Serie, y propone episodios breves, según informó la plataforma. El formato busca concentrar el desarrollo de la trama en capítulos de ritmo rápido, con un relato que combina misterio, conflictos afectivos y rivalidades dentro de un aquelarre en formación.

La protagonista es Briar, interpretada por Malina Pauli Weissman, una joven neoyorquina que descubre que pertenece al mundo de la magia. Su llegada al colegio cambia su relación con quienes ya conocen las reglas de ese universo, donde las habilidades personales determinan jerarquías y los vínculos pueden convertirse en un riesgo.

Un internado donde el poder define las relaciones

La historia transcurre en el entorno sobrenatural de Nueva Orleans, ciudad que funciona como escenario de una tensión que excede a los estudiantes. Briar, sus compañeras y otros jóvenes con capacidades especiales deberán resolver qué lugar ocupan en un conflicto que se remonta a enfrentamientos anteriores entre fuerzas sobrenaturales.

El centro de la trama es un aquelarre compuesto por tres brujas adolescentes, que se ve obligado a tomar decisiones para proteger a la ciudad y preservar su propia seguridad. En ese contexto, la serie presenta al poder como un elemento de disputa y a los secretos como una amenaza que puede modificar las lealtades dentro de la academia.

La temporada estará disponible completa desde el día de su lanzamiento, el viernes 2 de octubre, en Disney+. La plataforma difundió además el adelanto oficial, que anticipa tensiones vinculadas al pasado de Briar y a los intereses de Jake, uno de los alumnos del colegio.

El avance está musicalizado con “Brutal”, de Olivia Rodrigo, y muestra una atmósfera marcada por rituales, símbolos de brujería, disputas entre estudiantes y escenas de romance. La canción acompaña la presentación de personajes que deberán definir sus alianzas mientras enfrentan amenazas que superan la vida cotidiana del internado.

El elenco reúne figuras jóvenes y actores del género fantástico

Además de Weissman, el elenco incluye a Malachi Barton como Jake, un brujo cuya presencia despierta sospechas dentro del grupo. Jordan Leftwich interpreta a Sasha, un estudiante con la capacidad de leer mentes, mientras que Ora Duplass encarna a Tegan, una bruja que puede alterar el tiempo.

El grupo principal se completa con Louis Thresher en el papel de Ollie, un vampiro que acaba de atravesar su transformación. La convivencia entre brujos, brujas y vampiros amplía el universo fantástico de la serie y suma nuevas tensiones al conflicto central.

Entre los personajes adultos aparece Tiffani Thiessen como la señorita Graves, directora de la academia. El personaje dirige el colegio y tendrá un papel relevante en la organización de ese espacio, donde las reglas no siempre ofrecen protección a los alumnos.

Devon Sawa participará como invitado especial en el rol del señor Cole, un profesor brujo descrito como brillante y carismático. También integran el reparto recurrente Swayam Bhatia, Brendon Tremblay, Keegan Connor Tracy, BJ Harrison y Nathaniel Logan McIntyre.

Federle comparte la producción ejecutiva con Darren Swimmer, Todd Slavkin, Amanda Row y Bronwyn North-Reist. La serie fue producida por Chorus Boy Productions, la compañía de Federle, junto a Disney Kids & Family. A pocas semanas de su llegada al catálogo, el adelanto plantea que el pasado de Briar y las ambiciones de Jake serán dos de las claves del primer ciclo.

Marvel Studios terminará Daredevil: Born Again con su tercera temporada en Disney+, según información publicada por The Hollywood Reporter. La decisión se tomó dos meses después de finalizar el rodaje de los nuevos episodios y coincide con la salida de Dario Scardapane, responsable creativo de la serie desde su reformulación. La plataforma todavía no comunicó una fecha exacta para el estreno del cierre.

El cierre y la salida creativa

La tercera temporada marcará la conclusión formal de la serie protagonizada por Charlie Cox como Matt Murdock, el abogado de Hell’s Kitchen que combate el crimen bajo la identidad de Daredevil. Esto termina el recorrido específico de Born Again, aunque no implica que el personaje vaya a desaparecer de las futuras producciones de Marvel.

El cierre llega acompañado por un cambio importante detrás de cámaras. El contrato de Scardapane expiró y Marvel Studios decidió no renovarlo. Su salida se produjo sin un anuncio público previo, y el reporte no identifica a la persona que asumirá sus tareas durante la etapa restante del proyecto.

El showrunner es el principal responsable creativo y operativo de una serie: supervisa los guiones, coordina al equipo de producción y mantiene una dirección narrativa común. La ausencia de Scardapane resulta relevante porque fue convocado para reorganizar Born Again después de que Marvel descartara buena parte de su planteamiento inicial.

El rodaje de los nuevos episodios ya había terminado dos meses antes de conocerse la decisión. Las fuentes no precisan qué trabajos de posproducción siguen pendientes ni cuánto participó Scardapane en esa fase. Tampoco se informó si la tercera temporada fue escrita desde el comienzo como un final definitivo o si los planes se ajustaron después.

Un proyecto reformulado tras las huelgas

Born Again atravesó varios cambios desde que Disney+ recuperó la versión de Daredevil presentada previamente en Netflix. El proyecto original contemplaba una temporada de 18 episodios desarrollada por Matt Corman y Chris Ord, con un tono más ligero que el de la serie anterior.

Las huelgas de guionistas y actores de 2023 interrumpieron la producción y le dieron a Marvel la oportunidad de revisar el material grabado. El estudio modificó entonces la dirección creativa, incorporó a Scardapane y sumó a los directores Justin Benson y Aaron Moorhead.

Después de esa reestructuración, el encargo quedó dividido en dos tandas que sumaban 17 capítulos entre la primera y la segunda temporada. La tercera recibió luz verde tras la recepción favorable de la primera entrega, aunque las fuentes consultadas no incluyen cifras de audiencia ni detalles sobre la cantidad de episodios del tramo final.

Ese recorrido explica la tensión alrededor del anuncio. Born Again había conseguido una temporada adicional después de comenzar como un proyecto pensado para dos entregas, pero ahora deberá completar la historia sin el showrunner que encabezó su reformulación. Marvel Studios tampoco detalló si habrá otro cambio de tono o una nueva reorganización del equipo creativo.

El futuro de Daredevil después de la serie

El final de Born Again afecta a la serie de Disney+, pero no determina el destino de Daredevil dentro del UCM, la continuidad compartida de películas y producciones televisivas de Marvel. Charlie Cox ya regresó al papel después de la cancelación de la etapa de Netflix, por lo que el personaje podría aparecer en otros proyectos sin necesidad de encabezar inmediatamente otra temporada.

Una de las posibilidades mencionadas es que Marvel evalúe una nueva serie después de Secret Wars, aunque esa opción no fue confirmada por el estudio. Por ahora, tampoco hay anuncios sobre una continuación con otro título, una película individual o una participación concreta de Matt Murdock en producciones posteriores.

La prioridad será completar la tercera temporada y cerrar la historia iniciada en Born Again. Marvel Studios aún no informó la cantidad de capítulos, el reemplazo de Scardapane ni la fecha exacta de estreno en Disney+.

Paramount reactivó el desarrollo de Guerra mundial Z 2 trece años después del estreno de la primera película, con Brad Pitt nuevamente en el papel de Gerry Lane y Edward Berger como director. Los acuerdos fueron reportados por The Hollywood Reporter y Deadline, aunque el estudio todavía no comunicó una fecha de inicio de producción o estreno.

Una secuela detenida durante años

La primera Guerra mundial Z llegó a los cines como una adaptación libre de la novela original y terminó convertida en la película de zombis más taquillera de la historia. Su combinación de thriller postapocalíptico, acción a gran escala y criaturas especialmente agresivas dejó abierta la posibilidad de continuar la historia, pero el proyecto atravesó más de una década de anuncios, rumores y cambios creativos.

El primer nombre vinculado con la dirección de la secuela fue el cineasta español Juan Antonio Bayona, a quien se asignó el proyecto en 2014. Esa versión no avanzó y, tiempo después, David Fincher comenzó a trabajar activamente en una nueva propuesta impulsada junto con Pitt. La participación del director generó expectativas por su historial de colaboraciones con el actor, pero ese intento tampoco llegó al rodaje.

El recorrido resulta especialmente irregular porque Paramount mantuvo la secuela entre sus prioridades durante años sin fijar un calendario concreto. Cinco meses antes de las nuevas confirmaciones, ya se había informado que el proyecto volvía a ocupar un lugar relevante en los planes del estudio. El acuerdo con Pitt y la contratación de Berger son los pasos más específicos conocidos hasta ahora, aunque todavía falta que Paramount detalle el resto del equipo y el plan de filmación.

Edward Berger toma la dirección

Berger reemplazará a Marc Forster, responsable de la película original, y será el tercer director asociado públicamente con la continuación después de Bayona y Fincher. El cineasta alemán llega al proyecto tras dirigir Cónclave y Sin novedad en el frente, película que ganó el Óscar a mejor largometraje internacional en 2023.

La elección también está conectada con Brad Pitt. Berger acaba de finalizar el rodaje de The Riders, su trabajo más reciente, encabezado por el actor. Esa colaboración previa permite que ambos pasen a Guerra mundial Z 2 después de haber compartido un proyecto, aunque Paramount no informó si otros integrantes de ese equipo participarán en la secuela.

El cambio de director indica que la versión desarrollada por Fincher quedó atrás. Las fuentes tampoco detallan si el guion escrito durante las etapas anteriores será utilizado, modificado o reemplazado. Esto deja pendiente una cuestión importante: cuánto del trabajo realizado durante la última década sobrevivirá en la película que dirigirá Berger.

Qué se sabe del regreso de Gerry Lane

La información disponible señala que la historia continuará siguiendo a Gerry Lane y abordará las consecuencias de lo ocurrido varios años después del final de la primera entrega. Pitt volverá así al personaje que encabezó la película original, un antiguo investigador enviado a buscar respuestas mientras una infección zombi se extendía por distintos países.

Todavía no se anunció qué miembros del reparto regresarán junto con Pitt ni quiénes serán las nuevas incorporaciones. Tampoco hay detalles sobre las locaciones, el presupuesto o el momento en que transcurrirá la trama. La distancia temporal mencionada permitiría justificar los trece años transcurridos entre ambas producciones, pero Paramount no presentó una sinopsis oficial.

El largo historial de versiones fallidas obliga a separar los acuerdos confirmados de las estimaciones. Algunas proyecciones sitúan un posible estreno en 2029 o 2030 debido a que el proyecto acaba de reorganizarse, pero esos años no fueron anunciados por el estudio. Por ahora, Guerra mundial Z 2 cuenta con Brad Pitt como protagonista y Edward Berger como director, sin fecha oficial de rodaje ni de llegada a los cines.

La nueva película de Resident Evil, dirigida por Zach Cregger, recaudó 108,3 millones de dólares en todo el mundo durante su primer fin de semana y consiguió la mayor apertura en los 24 años de historia cinematográfica de la franquicia. Según los datos publicados por Box Office Mojo, 60 millones llegaron desde Estados Unidos y más de 48 millones correspondieron a los mercados internacionales.

Un estreno por encima de las previsiones

El resultado superó las expectativas que Sony había fijado para el lanzamiento. Resident Evil fue el único gran estreno de la semana y ocupó el primer puesto de la taquilla, con una ventaja amplia sobre las demás películas en cartelera.

La mejor marca anterior de la saga pertenecía a Resident Evil: Afterlife, estrenada en 2010 y protagonizada por Milla Jovovich, con una apertura informada de 26 millones de dólares. La comparación publicada presenta cifras de distinto alcance: los 108,3 millones de la nueva entrega corresponden a todo el mundo, mientras que el dato de Afterlife aparece sin una división territorial. De cualquier manera, los 60 millones obtenidos ahora únicamente en Estados Unidos también superan aquella cifra.

El presupuesto informado para la película fue de 75 millones de dólares. La recaudación inicial quedó 33,3 millones por encima de ese costo de producción, aunque eso no implica que la película ya haya generado ganancias por esa cantidad. Las fuentes no detallan los gastos de promoción, distribución ni el porcentaje de la venta de entradas que reciben los cines.

El debut representa también la mayor apertura comercial en la carrera de Cregger. El director llegó al proyecto después de trabajar en títulos de terror como Barbarian y Weapons, y volvió a colaborar con uno de los actores de esta última película para encabezar la adaptación.

Austin Abrams frente al brote de Raccoon City

Austin Abrams interpreta al protagonista, descrito como un mensajero médico y transportista de órganos que queda atrapado durante el comienzo de un brote viral. La infección transforma a la población de Raccoon City en criaturas hostiles y obliga al personaje a buscar una forma de sobrevivir mientras la ciudad queda fuera de control.

La película cuenta una historia nueva y prescinde de los personajes centrales de los videojuegos de Capcom, según la información difundida sobre su argumento. En lugar de trasladar directamente una de las tramas conocidas por los jugadores, sigue a un civil durante la expansión inicial del desastre.

La propuesta mezcla terror, comedia y slapstick, un tipo de humor físico basado en golpes, caídas y movimientos exagerados. Abrams carga con esa combinación mientras su personaje atraviesa situaciones violentas y encuentros con infectados. Cregger ya había dirigido al actor en Weapons antes de elegirlo como figura principal de Resident Evil.

Este enfoque marca otra variación dentro de una saga que ha pasado por varias adaptaciones cinematográficas desde comienzos de la década de 2000. La nueva entrega mantiene elementos reconocibles, como Raccoon City, el brote viral y las criaturas infectadas, pero los presenta desde la experiencia de un protagonista creado para la película.

Así quedó el resto de la taquilla

Hechizo de amor: La magia continúa cayó al segundo lugar con 12 millones de dólares obtenidos en 4.163 salas. La cifra representa un descenso del 60% frente a su estreno de 30 millones. La secuela protagonizada por Nicole Kidman y Sandra Bullock acumula 50 millones en Estados Unidos y algo más de 26 millones en otros mercados, para un total mundial de 76,8 millones.

En el tercer puesto quedó Spider-Man: Un Nuevo Día, que añadió 6,5 millones durante su octavo fin de semana. La película encabezada por Tom Holland y Zendaya alcanzó una recaudación global de 2.478 millones de dólares. De esa cantidad, 944 millones proceden del mercado que reúne a Estados Unidos y Canadá.

La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, ocupó el cuarto lugar con 4,9 millones en su décimo fin de semana en salas. La producción suma 609 millones en Norteamérica y 1.720 millones en todo el mundo. Su reparto incluye a Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o y Charlize Theron, además de Holland y Zendaya.

El quinto puesto fue para Coyote vs. Acme, con 4,3 millones durante su cuarta semana. La película animada de Looney Tunes lleva recaudados 54,6 millones de dólares en Estados Unidos y otros 25 millones en los mercados internacionales.

El encuentro reunió a Maribel Verdú, Carmen Maura, María León, Cecilia Suárez, Ana Mena, Clara Sans, Claudia Salas y Ana Torrent, quienes integran el grupo de protagonistas de la nueva entrega. También asistieron Félix Sabroso y Jau Fornés, codirectores de la serie.

La segunda temporada tendrá ocho capítulos de 30 minutos y presentará nuevas historias atravesadas por un mismo punto de partida: mujeres que quedan atrapadas en un sistema donde casi cualquier situación puede transformarse en un espectáculo rentable. Frente a escenarios límite, las protagonistas recurrirán a la furia como respuesta y herramienta de supervivencia.

Un elenco renovado para nuevas historias

La llegada de Verdú, Maura, León, Suárez, Mena y Sans marca una renovación en el reparto principal, mientras que Claudia Salas y Ana Torrent retoman los personajes que interpretaron en la primera temporada. La producción también contará con Alberto San Juan, Asier Etxeandia, Jaime Zatarain, Mariona Terés, Pepa Charro, Jorge Clemente, Alexandre Ars, Miguel Iriarte, Miguel Barraga, María Moreno, Anais Domenech, Alejandro Mesa y Esther Rivas, entre otros.

Sabroso vuelve a estar al frente de la creación y dirección de la ficción. Además, firma los guiones junto a Juan Flahn y comparte la dirección con Fornés.

Por parte de HBO Max, los productores ejecutivos son José María Caro, Antonio Trashorras y David Ocaña. Santi Botello y Félix Sabroso ocupan ese rol en representación de Producciones Mandarina.

La presentación en San Sebastián antecede al estreno de una temporada que buscará ampliar el universo narrativo de la serie a partir de personajes y conflictos distintos. El eje se mantiene en torno a la tensión entre la exposición pública, los intereses económicos y las decisiones personales de mujeres situadas ante circunstancias extremas.

El antecedente de la primera temporada

La primera temporada de Estado de Furia se estrenó en julio de 2025. Según la información difundida por la producción, se convirtió en la serie más vista de la plataforma en España desde 2021, solo por detrás de La Casa del Dragón y The Last of Us.

La entrega inicial reunió por primera vez en pantalla a Carmen Machi, Candela Peña, Cecilia Roth, Nathalie Poza y Pilar Castro. El trabajo conjunto del elenco recibió el Premio Especial del Jurado en los Rose d’Or europeos, galardones otorgados por la Unión Europea de Radiodifusión (UER).

Las cinco protagonistas de aquella temporada, junto con Claudia Salas y Ana Torrent, también recibieron el Premio Ondas a Mejor Interpretación Femenina. La serie sumó, además, nominaciones en los Premios Feroz, los Premios Forqué y los Premios Iris.

Entre esas candidaturas figuraron Mejor Serie de Comedia, Mejor Guion de Serie y Mejor Actriz para Candela Peña en los Feroz; Mejor Interpretación Femenina para la actriz en los Forqué; y Mejor Actriz y Mejor Dirección de Ficción para Peña y Félix Sabroso, respectivamente, en los Iris.

La nueva etapa llegará a HBO Max el 9 de octubre. Con ocho episodios, un elenco ampliado y relatos independientes unidos por la idea de la furia, la producción volverá a poner en primer plano conflictos personales atravesados por la presión del mercado y la mirada pública.

Disney+ ha actualizado sus condiciones de servicio para especificar que todos sus planes de pago, sin excepción, podrán mostrar publicidad en forma de contenido promocional, patrocinios y anuncios antes o después de la reproducción.

La plataforma mantiene la posibilidad de pagar para evitar los cortes publicitarios dentro de las películas y series con sus planes Estándar y Premium, aunque la novedad radica en que ninguna suscripción queda completamente libre de publicidad.

La medida no implica que todos los usuarios verán el mismo tipo de anuncios. La diferencia sigue estando en el formato y el momento en que aparece esa publicidad, según el plan contratado.

Qué cambia en las condiciones de Disney+ sobre publicidad

Según explica la compañía en su página oficial, independientemente de la suscripción elegida, todos los planes mostrarán algún tipo de publicidad. Lo que varía es la modalidad en la que se presenta.

El comunicado de Disney+ señala textualmente: “Disney+ también ofrece planes para ver películas y series sin interrupciones publicitarias: Disney+ Estándar y Disney+ Prémium. No obstante, pueden incluir contenido promocional limitado, anuncios o promociones antes o después de la reproducción de contenidos, clips y tráileres de contenidos, productos y servicios de Disney, además de contenido patrocinado o de otras marcas”.

La misma nota añade que los eventos en directo o especiales, incluidas las reposiciones, pueden incorporar pausas publicitarias o mensajes comerciales, más allá del plan que tenga contratado el usuario.

Diferencias entre plan Estándar con anuncios y planes sin interrupciones

En el plan Estándar con anuncios, la publicidad se integra directamente dentro de la reproducción de películas y series, con cortes durante el propio contenido.

En cambio, los planes Estándar y Premium sin anuncios contemplan publicidad antes o después del contenido, junto con tráilers, clips, patrocinios y mensajes de marcas. También pueden incluir publicidad en canales, contenidos en directo o en diferido y eventos especiales.

Esto significa que pagar la suscripción más cara no garantiza una experiencia completamente libre de publicidad, aunque sí mantiene la promesa de que las películas y series no tendrán cortes publicitarios dentro de su reproducción. La página de Disney+ conserva esa indicación para ambos planes premium.

Planes infantiles y restricciones sobre el bloqueo de anuncios

Los planes infantiles o Júnior son la excepción dentro de este nuevo esquema: no incluyen publicidad de ningún tipo, según las condiciones actualizadas de la plataforma.

Por otro lado, Disney+ ha incorporado una restricción adicional en sus términos de servicio: queda prohibido bloquear o eliminar la publicidad del servicio mediante cualquier herramienta o método externo.

La compañía se reserva además la posibilidad de restringir o suspender el acceso a la cuenta de aquellos usuarios que incumplan estas condiciones, lo que convierte el uso de bloqueadores de anuncios en un motivo válido de sanción dentro de la plataforma.

Disney+ introduce una herramienta para que elijas qué ver sin perder tiempo

Disney+ ha lanzado globalmente Playlists, una funcionalidad diseñada para ofrecer una experiencia de reproducción continua mediante la agrupación de películas y episodios bajo temáticas específicas. La herramienta ya se encuentra habilitada para todos los suscriptores y se puede acceder a ella tanto desde la pantalla principal como desde diversas secciones de la interfaz.

El propósito principal de esta función es erradicar la sobrecarga de elección, permitiendo a los usuarios reducir el tiempo de búsqueda y agilizar la selección de contenidos. En lugar de elegir títulos de forma individual, la plataforma ofrece listas organizadas por género, franquicia, personaje o estado de ánimo.

Una vez finalizada una pieza audiovisual, el sistema reproduce automáticamente la siguiente; incluso, algunas listas incorporan una opción de reproducción aleatoria que varía la dinámica habitual de consumo.

El catálogo de recopilaciones abarca una oferta diversa. Incluye selecciones por géneros —como acción, aventura o comedias románticas— y por estudios o productoras, entre los que destacan Pixar y Dreamworks. Asimismo, se integran listas dedicadas a personajes y franquicias populares como Mickey y sus amigos, Bluey, Modern Family, Family Guy, además de categorías de terror y comedia en vivo.

A pesar de añadir este flujo continuo de contenido, la actualización no restringe el control del usuario sobre la plataforma. Las funciones tradicionales de navegación se mantienen intactas, por lo que es posible pausar, retroceder, avanzar o saltar títulos en cualquier momento.

Cliff Booth cambia las acrobacias por los problemas de Hollywood

La historia ocurre ocho años después de los acontecimientos de 1969 y del enfrentamiento de Cliff con la familia Manson. El personaje ya no trabaja como doble de acción de Rick Dalton y se gana la vida mediante distintas ocupaciones. El adelanto lo muestra como cantinero y la sinopsis agrega que también trabaja como proyeccionista.

Su tarea principal, sin embargo, es la de fixer o solucionador: una persona contratada para ocuparse de problemas delicados antes de que se vuelvan públicos. Cliff utiliza sus contactos, su experiencia y métodos que pueden quedar fuera de la ley para resolver conflictos vinculados con figuras importantes de Hollywood y con personas menos conocidas del ambiente cinematográfico.

“Asesinato, chantaje, robo, extorsión… Otro verano más en Hollywood. Es 1977, ocho años después de que Cliff Booth (Brad Pitt) se cruzara con la familia Manson en el Hollywood de 1969”, plantea la sinopsis oficial. El relato deja atrás la actividad cotidiana de un doble de riesgo y coloca al protagonista frente a secretos, delitos y encargos relacionados con los estudios.

El tráiler también introduce a un actor que busca a Cliff porque conoce su relación directa con la muerte. Ese encuentro funciona como una amenaza para el protagonista y conecta sus nuevas actividades con un pasado que nunca quedó completamente cerrado. Las imágenes anticipan violencia, humor negro, robos, chantajes y personajes involucrados en negocios criminales.

Quentin Tarantino escribe y David Fincher toma la dirección

La principal diferencia creativa con la película anterior está detrás de cámara. Tarantino escribió el nuevo largometraje, mientras que Fincher asumió la dirección. El proyecto reúne así al guionista y creador de Cliff Booth con el cineasta que ya trabajó con Pitt en películas como parte de su extensa colaboración profesional, aunque las fuentes no detallan qué tratamiento visual tendrá esta historia.

Pitt obtuvo un premio Oscar por su interpretación de Cliff en Érase una vez en Hollywood. En aquella película, el personaje acompañaba a Rick Dalton durante el declive de su carrera como actor y se movía por una versión alternativa de Los Ángeles en 1969. La continuación salta hasta finales de los años setenta, con un Cliff que sigue ligado a la industria, pero desde sus zonas más conflictivas.

Timothy Olyphant regresará como James Stacy. El reparto incorpora a Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II y Peter Weller, cuyos personajes todavía no fueron detallados en las fuentes. Leonardo DiCaprio, protagonista de la película original como Rick Dalton, no participará del proyecto, aunque manifestó su respaldo a la producción.

La ausencia de DiCaprio separa esta continuación de la relación laboral y personal que impulsaba buena parte de Érase una vez en Hollywood. El nuevo relato queda concentrado en Cliff y en su transformación de doble de acción a intermediario capaz de ocuparse de asesinatos, extorsiones y otros problemas que sus clientes quieren mantener fuera de la mirada pública.

El estreno tendrá una ventana exclusiva en IMAX

El título internacional presentado es The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, traducido como Las nuevas desventuras de Cliff Booth. El nuevo adelanto confirma ese nombre para la película y mantiene a Cliff como figura central, sin la presencia de Rick Dalton en pantalla.

Las fuentes coinciden en que habrá una exhibición exclusiva de dos semanas en IMAX, pero difieren sobre el día exacto de inicio. Una señala el 25 de noviembre de 2026 y otra ubica el estreno el 27 de noviembre. Ambas fechas sitúan el lanzamiento cinematográfico durante la última semana de ese mes.

La ventana en salas permitirá ver la película antes de su distribución por streaming. Después de esas dos semanas de exclusividad en IMAX, Las nuevas desventuras de Cliff Booth llegará globalmente a Netflix el 23 de diciembre de 2026.

Jacob Tremblay interpreta a Kaczynski desde su ingreso a la universidad, con apenas 16 años. El relato sigue al joven que sobresalía por su capacidad para las matemáticas, pero que también enfrentaba problemas de adaptación social en un entorno académico de alta exigencia.

La ficción alterna esa etapa con la cacería del FBI desarrollada décadas después. En esa segunda línea temporal aparece Shailene Woodley como Joanne Miller, una agente creada para la película que encabeza la pesquisa contra el hombre detrás de los paquetes bomba. El personaje permite ordenar un caso que se extendió durante casi dos décadas y mantuvo en alerta a universidades, aerolíneas y científicos.

La película sitúa los experimentos de Harvard en el centro del relato

Uno de los ejes de Unabomber es la participación de Kaczynski en investigaciones psicológicas de Harvard durante la década de 1950. Russell Crowe interpreta a Henry Murray, psicólogo y académico que dirigió estudios sobre personalidad, estrés y reacciones bajo presión.

La producción presenta esos experimentos como un episodio relevante en la trayectoria del protagonista, aunque no propone una explicación única para sus futuros delitos. El guion, firmado por Sam Chalsen y Nelson Greaves, aborda además el aislamiento, la frustración y la radicalización ideológica de Kaczynski antes de que se convirtiera en uno de los terroristas domésticos más buscados de Estados Unidos.

Según la sinopsis oficial de la plataforma, la historia reconstruye el pasaje de un “prodigio de Harvard” a Unabomber, mientras la investigación federal vuelve sobre las huellas de su pasado. Netflix clasifica la película como un drama inspirado en hechos reales y confirma una duración de 1 hora y 38 minutos.

El caso real dejó tres muertos y 23 heridos en Estados Unidos

Kaczynski llevó adelante una serie de atentados con artefactos explosivos entre 1978 y 1995. Sus objetivos incluyeron universidades, aerolíneas, investigadores y ejecutivos vinculados a la tecnología. El apodo Unabomber surgió de la denominación que utilizó el FBI para su expediente: “University and Airline Bomber”.

Los ataques causaron tres muertes y dejaron 23 personas heridas. Durante años, las autoridades siguieron rastros fragmentarios y analizaron el manifiesto del atacante, un extenso texto contra la sociedad industrial y el desarrollo tecnológico que fue publicado en 1995 por diarios estadounidenses.

La investigación tomó un rumbo decisivo cuando David Kaczynski, hermano de Ted, reconoció rasgos de su escritura y dio aviso a las autoridades. El FBI lo detuvo en abril de 1996 en una cabaña aislada cerca de Lincoln, Montana, donde vivía sin agua corriente ni electricidad. Dos años después, Kaczynski aceptó declararse culpable y recibió una condena de cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional.

Un elenco que combina el drama biográfico con la investigación policial

Además de Tremblay, Crowe y Woodley, el reparto incluye a Annabelle Wallis como Christiana Morgan, colaboradora de Murray y codirectora de la Clínica Psicológica de Harvard. También participan Alexander Ludwig, Steven Ogg y Marc Menchaca.

Metz, conocido por Borg vs. McEnroe y All the Old Knives, construye la narración entre el período universitario de Kaczynski y la investigación posterior. La propuesta se diferencia de otros títulos sobre el caso al reservar espacio para los años previos a los atentados, sin desplazar las consecuencias de los crímenes.

Kaczynski murió en prisión en 2023, a los 81 años. Su figura ya fue abordada en documentales, libros y series, pero la nueva producción de Netflix busca revisar el origen de su aislamiento desde una perspectiva dramática. Unabomber estará disponible globalmente desde el viernes 25 de septiembre.

Una sucesión marcada por la codicia

La trama sigue a los Fairbank, una familia perteneciente a la aristocracia británica cuyas relaciones internas quedan atravesadas por una batalla por la sucesión. Sus integrantes y asociados recurren a la traición, la violencia y el asesinato mientras intentan quedarse con el poder.

La sinopsis difundida para la película identifica la codicia como el motor central del conflicto. Detrás de la imagen pública de los Fairbank existe un grupo dispuesto a llegar a extremos sádicos para imponerse sobre sus rivales, incluso cuando estos forman parte de su propio círculo familiar.

El primer avance muestra personajes peligrosos, enfrentamientos físicos, armas y conversaciones tensas. Cumberbatch ocupa el centro de esas imágenes y aparece involucrado de manera directa en la violencia, lejos de funcionar como un simple observador de la disputa.

Las descripciones disponibles ubican a Wife and Dog entre dos géneros cercanos. La película ha sido presentada como una comedia negra ambientada en la aristocracia y como un thriller criminal centrado en una lucha por el poder. Esa combinación permite a Ritchie trabajar con asesinatos y traiciones sin abandonar los diálogos rápidos y el humor oscuro asociados con parte de su filmografía.

Un reparto alrededor de los Fairbank

Cumberbatch encabeza el elenco junto con Pike y Hopkins. El tráiler todavía no detalla la posición exacta de cada personaje dentro de la familia ni revela quién pretende controlar la sucesión, pero los tres actores quedan vinculados con el conflicto que amenaza a los Fairbank.

El reparto también incluye a James Norton, Cosmo Jarvis, Paddy Considine y Pip Torrens. La presencia de varios personajes alrededor de la familia amplía el número de posibles aliados y adversarios en una historia cuya sinopsis menciona de manera expresa a los asociados de los Fairbank.

Ritchie vuelve así a una estructura narrativa basada en grupos enfrentados, intereses cruzados y cambios de lealtad. El material promocional adelanta acción y giros de guion, aunque evita explicar quién inicia la disputa o qué integrante tiene el mejor derecho sobre la herencia.

La información revelada tampoco establece todavía si el relato tendrá un protagonista claramente heroico. El foco está colocado en la ambición colectiva y en los métodos que cada participante acepta utilizar para obtener la victoria. Para el público, esa reserva mantiene ocultas las alianzas y las traiciones que organizarán la película.

La intensa agenda de Guy Ritchie

Wife and Dog forma parte de un periodo de actividad constante para Ritchie. Desde 2021 dirigió seis películas, entre ellas En la zona gris, un thriller con Henry Cavill que llegó a los cines españoles en 2026.

Su trabajo reciente también incluye proyectos televisivos. Ritchie está detrás de Tierra de mafiosos y El joven Sherlock, además de The Gentlemen, la serie basada en su película de 2019. Para septiembre de 2026, esta última acababa de estrenar su segunda temporada en Netflix.

El director mantiene otra producción cinematográfica en posproducción: Viva La Madness, que vuelve a reunirlo con Jason Statham. La película continuará la historia de Crimen organizado y contará con Vinnie Jones, Jason Isaacs, Ben Foster, Camila Mendes, Jonny Lee Miller y Rauw Alejandro en su reparto.

Antes de ese proyecto, Wife and Dog llevará a Ritchie nuevamente a una trama de criminales, jerarquías y lealtades frágiles, esta vez dentro de una familia de la alta sociedad británica. La película se estrenará en los cines el 19 de febrero de 2027.

Atracos pensados para las redes sociales

La historia gira alrededor de un grupo de ladrones que domina las herramientas de internet y convierte cada golpe en una transmisión en vivo. Sus integrantes utilizan las redes para mostrar los robos, ampliar su audiencia y presentar sus objetivos como una respuesta contra bancos que cobran tasas abusivas a sus clientes.

El nuevo avance adopta el formato de los tutoriales en línea para explicar cómo preparar un asalto. La idea remite a las misiones de videojuegos como GTA y Payday, donde los jugadores deben estudiar un lugar, coordinar tareas y ejecutar un plan antes de que llegue la policía. En la película, esa lógica se cruza con la cultura de los creadores de contenido: la banda busca dinero, pero también depende de las reproducciones y la aprobación de sus seguidores.

La popularidad convierte a los ladrones en figuras admiradas por parte del público. Cada transmisión aumenta su fama y consigue que algunas personas los ayuden cuando las autoridades comienzan a cerrarles el paso. Esa exposición tiene un costo inmediato: las mismas publicaciones que alimentan su imagen también producen pistas sobre sus movimientos.

El FBI sigue el rastro del grupo

La creciente presencia digital de la banda atrae la atención de un veterano agente del FBI y una ingeniera de software. El dúo combina experiencia policial y conocimientos tecnológicos para seguir los datos que dejan los criminales, mientras estos preparan el golpe más ambicioso de su carrera.

La persecución plantea el conflicto central de Cómo robar un banco. Los protagonistas necesitan mantener las transmisiones para conservar el respaldo popular, aunque cada video permite que sus perseguidores se acerquen. El tráiler muestra operativos, huidas y enfrentamientos construidos alrededor de esa contradicción entre la fama y la necesidad de pasar inadvertidos.

Los ladrones también defienden ideales vinculados con el rechazo a la codicia bancaria. El apoyo que reciben complica la tarea de las autoridades, ya que el grupo puede encontrar aliados entre ciudadanos que los consideran héroes populares. A medida que el cerco se estrecha, la organización arriesga sus recursos y su libertad en una última operación.

El reparto y la fecha de estreno

Hoult encabeza un elenco que incluye a Zoë Kravitz, Anna Sawai, Rhenzy Feliz, Christian Slater, Pete Davidson y John C. Reilly. También participan Phil Nardozzi, Nicholas Verdi, Matthew Perl y Davis Aguila.

Leitch llega al proyecto después de dirigir películas como Bullet Train, El especialista y Deadpool 2. Antes de convertirse en director, trabajó como doble y coordinador de acción, y estuvo vinculado con John Wick, una franquicia reconocida por sus peleas coreografiadas y persecuciones físicas.

En Cómo robar un banco, el realizador combina esas secuencias con una comedia centrada en tutoriales, transmisiones y fama viral. El nuevo tráiler fue lanzado cuando faltan unos meses para su distribución en salas: la película se estrenará en los cines 13 de noviembre.

La versión de Lilith

La historia parte de una pregunta concreta: qué sucedería si el relato conocido sobre las hermanastras estuviera incompleto. Lilith toma el control de la narración para contar la que considera la verdadera versión de los hechos, marcada por un accidente mágico que altera el Baile Real y amenaza al reino.

Lilith es acusada de sabotear la celebración con una varita robada. Durante el incidente convierte accidentalmente a su hermana Margot en una rana y deja el reino bajo el control de una joven presumida, obsesionada con los príncipes. Para reparar el daño tendrá que colaborar con Cenicienta, pese a la relación conflictiva que el cuento clásico atribuye a estos personajes.

El grupo también incluye a un trol descrito como inesperadamente apuesto. Los tres deberán salvar el reino, devolverle a Margot su forma humana y reparar una historia de hadas que quedó fracturada por el uso de la varita. El objetivo personal de Lilith será limpiar su nombre y probar que quienes son considerados villanos también pueden recibir una oportunidad para alcanzar un final feliz.

La película cambia así el centro del relato. Cenicienta sigue presente y participa de la misión, pero el conflicto se construye alrededor de Lilith, sus errores y las consecuencias del hechizo. El tráiler adelanta una aventura fantástica con elementos de comedia, transformaciones mágicas y una alianza forzada entre personajes que deberían ocupar lados opuestos de la historia.

Las voces detrás de Hermanastras

El reparto original está encabezado por Ali Wong, quien interpreta a Lilith. Amanda Seyfried, nominada al Óscar, presta su voz a Cenicienta, mientras que Stephanie Hsu, conocida por Todo a la vez en todas partes, interpreta a Margot, la hermanastra transformada en rana durante el desastre del Baile Real.

La selección de voces incluye a Bette Midler, Nikki Glaser, Peter Dinklage, Young Mazino y Daniel Radcliffe. También participa Emma Jagger, quien realiza su debut en esta producción. Las fuentes difundidas hasta ahora no detallan qué personajes interpretarán estos últimos integrantes del elenco.

Seyfried aparece en las primeras imágenes oficiales como la nueva versión animada de Cenicienta. Wong también fue presentada visualmente como Lilith, obligada a encontrar una forma de revertir el hechizo que afectó a su hermana. Margot, interpretada por Hsu, funciona como una consecuencia visible del conflicto: permanece convertida en rana mientras el grupo busca reparar el daño.

La elección de Ali Wong para el personaje central acompaña el giro narrativo de la película. Lilith deja de ser una figura secundaria definida únicamente por su relación con Cenicienta y pasa a conducir la misión. La historia mantiene la etiqueta de “hermanastra malvada” como punto de partida, aunque la trama busca discutir quién decidió esa descripción y qué ocurrió antes del final conocido.

Dirección, guion y fecha de estreno

Alyce Tzue codirige la película después de haber ganado un Óscar estudiantil por el cortometraje Soar. John Ripa llega al proyecto tras trabajar en Raya y el último dragón. El guion fue escrito por el dúo cómico formado por Riki Lindhome y Kate Micucci.

La producción corre a cargo de Amy Poehler y Kim Lessing para Paper Kite Productions. El título original del proyecto es Steps, mientras que su lanzamiento en español fue anunciado como Hermanastras. Netflix lo presenta como una fantasía animada que toma personajes reconocibles para contar los hechos desde el lugar de quienes quedaron identificadas como antagonistas.

El avance sucede a la publicación de las primeras imágenes, que permitieron conocer los diseños de Cenicienta, Lilith y Margot. El material nuevo suma el origen del accidente, la dinámica entre las protagonistas y la misión para impedir que el reino permanezca en manos de la nueva adversaria.

Hermanastras estará disponible exclusivamente en Netflix a partir del 20 de noviembre de 2026.

Nota anterior:

- Retrocultura Activa | Those Who Hunt Elves: un portal absurdo directo a los noventa

Butacas eléctricas y esqueletos voladores: el marketing macabro de William Castle

Hubo un tiempo en que ir al cine era más que ver una película. Era un evento. Una experiencia sensorial completa, donde la pantalla era solo una parte del espectáculo. Y no hablamos de efectos digitales ni butacas que se mueven con sensores, sino de algo mucho más artesanal, más teatral y más cercano a la infancia del terror cinematográfico. En esta nueva entrega de Retrocultura Activa, la columna de Malditos Nerds dedicada a excavar los cimientos del entretenimiento popular, recuperamos la figura de uno de los grandes pioneros del cine espectáculo, un hombre que no dirigía películas, sino rituales de miedo. Hoy hablamos del rey del susto con truco: William Castle.

El vendedor de terrores

William Castle no era un genio del guion ni un director virtuoso. Era, sobre todo, un showman. Su talento más brillante no se veía en pantalla, sino en la sala, antes y durante la proyección. Era un director, sí, pero también un productor, actor ocasional, maestro del marketing y, sobre todo, un narrador oral que entendía como pocos la relación emocional del público con el miedo.

A Castle no le interesaba que sus películas fueran obras maestras del terror. Le interesaba que la gente gritara, se riera, se levantara del asiento, hablara de la experiencia al salir. El cine era para él una feria, y él era el maestro de ceremonias.

Durante la década del cincuenta y principios de los sesenta, desarrolló un estilo propio de terror teatral, con películas que venían con accesorios, trucos ópticos, butacas vibradoras, esqueletos que volaban sobre el público, votos interactivos y campañas publicitarias que eran tan entretenidas como los propios films. Castle entendía que el cine era una promesa, y cumplía con creces.

House on Haunted Hill y el nacimiento del Emergo

Una de las primeras y más memorables jugadas de Castle fue en House on Haunted Hill (1959). La película, protagonizada por el gran Vincent Price, cuenta la historia de una casa embrujada y una herencia condicionada al paso de una noche en su interior. Pero lo memorable no estaba solo en la trama.

Durante las funciones, justo en una escena con un esqueleto, Castle activaba un mecanismo escondido en el techo del cine y un esqueleto de plástico con ojos luminosos salía volando sobre la audiencia, colgado de cables. El truco, bautizado como Emergo, no engañaba a nadie, pero cumplía con su objetivo: provocar una mezcla de susto, asombro y carcajada que quedaba grabada en la memoria del espectador.

Lo divertido es que el público, lejos de asustarse de verdad, muchas veces respondía como si estuviera en un carnaval, tirando pochoclos, botellas vacías, envoltorios, e incluso alguna que otra fruta podrida al pobre Emergo, que cruzaba el aire mientras recibía la lluvia de proyectiles. Castle, lejos de enojarse, disfrutaba el caos. Entendía que esa era la verdadera magia del cine de terror interactivo: un show compartido, entre risa y sobresalto, donde asustarse era también jugar.

Es evidente que lo que Castle visionaba -y que Hollywood olvidaría por décadas- es que el terror puede ser lúdico. Que el miedo, en manos hábiles, no solo puede ser una emoción oscura, sino también un juego liberador.

The Tingler y la butaca electrificada

En The Tingler (1959), otra vez con Vincent Price, William Castle inventó Percepto, un sistema en el que algunas butacas del cine vibraban en el momento exacto en que el monstruo, una criatura que se alimenta del miedo, escapaba en la sala.

Para lograrlo, Castle modificó butacas con motores de avión en desuso. Cuando Price le hablaba directamente al espectador en una escena clave, diciendo que “el Tingler estaba en la sala”, las butacas comenzaban a vibrar, provocando gritos y un desorden delicioso. Algunos cines incluso contrataron actores para fingir desmayos entre el público.

La película, en sí misma, no era revolucionaria. Pero la experiencia de verla sí lo era. Era un protocine interactivo, mucho antes de que la tecnología digital hiciera posible algo similar. Castle lo logró con cables, parlantes y mucha picardía.

Homicidal y la esquina de los cobardes

En Homicidal (1961), Castle se volvió todavía más audaz. Cerca del clímax de la película, un reloj gigante aparecía en pantalla, con una cuenta regresiva de 45 segundos en la que los espectadores más temerosos podían abandonar la sala... con condiciones.

Aquellos que decidieran irse, debían pasar por la Coward’s Corner (La esquina de los cobardes, en nuestro idioma), una especie de cabina de cristal ubicada en el hall del cine, donde eran ridiculizados públicamente por haberse asustado. Castle incluso contrataba extras para señalar y reírse de los cobardes.

Lo genial de esta estrategia era que pocos querían soportar la vergüenza. La mayoría decidía quedarse, aumentando la tensión del momento final. Otra vez, Castle usaba el entorno de la sala como parte del espectáculo.

13 Ghosts y el cine en dos dimensiones

Con 13 Ghosts (1960), William Castle probó otro invento: las Illusion-O Glasses. Unas gafas con lentes rojos y azules que permitían al espectador “ver o no ver” a los fantasmas en pantalla. Si querías verlos, mirabas por el lente rojo; si querías evitarlos, por el azul.

Este truco, rudimentario pero efectivo, daba una sensación de control al espectador, anticipando la ilusión de interactividad. Y una vez más, el miedo no venía tanto por lo que se veía, sino por la decisión de verlo. Una jugada más de Castle para involucrar al público emocionalmente.

Mr. Sardonicus y el poder de la decisión

Castle fue más lejos aún en Mr. Sardonicus (1961). Antes del final, se proyectaba un “voto de castigo”, donde el público levantaba tarjetas para decidir si el villano merecía ser castigado o perdonado.

Castle aseguraba tener dos finales preparados, aunque en realidad solo filmó uno. Pero la ilusión de tener poder sobre el relato era suficiente. El público salía comentando su participación como si realmente hubiera alterado el curso del film.

El Alfred Hitchcock del pueblo

William Castle siempre fue comparado -a veces injustamente- con Alfred Hitchcock. Ambos usaban su propia imagen como marca. Ambos aparecían en trailers y afiches. Pero mientras Hitchcock apelaba al suspenso refinado, Castle se tiraba de cabeza al sensacionalismo. Y lo hacía con una sonrisa.

Sus campañas de marketing eran legendarias. Ofrecía seguros de vida para quien muriera del susto, instalaba ambulancias falsas en la puerta del cine, colgaba ataúdes en el hall de entrada. Todo era una gran broma macabra, una performance continua. Y el público lo amaba.

William Castle no reinventó el terror, pero sí reinventó su forma de ser consumido. Entendió que el miedo es una experiencia social, una catarsis colectiva. Que ir al cine era un ritual, una comunión. Y por eso, cada uno de sus trucos (por más ingenuos que parezcan hoy) están cargados de amor por el espectáculo.

Su influencia es clara en películas como Matinee (1993), de Joe Dante, donde John Goodman interpreta a un personaje inspirado en él. También en directores como Sam Raimi o Robert Rodríguez, que entienden que el terror puede ser divertido, y que lo grotesco tiene su lugar en la estética pop.

En tiempos donde todo el cine parecía volverse más serio, más realista, más controlado por los estudios, Castle proponía caos, improvisación, cercanía. Su cine no era digno de premios, no era lo que buscaba, sino que él apuntaba a regalar experiencias inolvidables. Buen punto para partir, teniendo en cuenta que hoy que los cines pelean por sobrevivir frente al streaming, y que las experiencias multisensoriales se pagan como lujo VIP, es más vigente que nunca recordar a William Castle, porque su cine no dependía del presupuesto, sino del ingenio. No necesitaba CGI (porque tampoco existía), y se arreglaba con una polea y una buena idea bien explotada.

Mirándolo desde el presente, Castle enseñó que el miedo puede ser comunitario. Que no hace falta ser Kubrick para dejar una marca en el público. Que un esqueleto de plástico puede ser más memorable que mil explosiones digitales. Así que la próxima vez que sientas que el cine de terror se volvió demasiado serio, buscá una película de William Castle, ponete cómodo y preparate para reírte entre sustos. Si bien no vas a poder revivir aquellos años, sus películas te permiten que vueles con tu imaginación. Nos vemos muy pronto en la próxima edición de Retrocultura Activa y si todo se oscurece de golpe… no corras. Capaz es parte del show.

El fenómeno televisivo detrás de Primetime

La historia transcurre en 2006 y sigue a Hansen durante el período en que alcanzó una gran popularidad gracias a To Catch a Predator. La serie de telerrealidad formaba parte del programa informativo Dateline NBC y mostraba operaciones encubiertas organizadas para exponer a adultos que buscaban encuentros sexuales con menores a través de internet.

Primetime reconstruye la preparación de esas operaciones, el trabajo del equipo televisivo y la presión que rodeaba cada transmisión. El enfoque también alcanza la vida personal del periodista y los dilemas éticos surgidos cuando una investigación periodística se convierte en contenido pensado para una audiencia masiva.

El tráiler presenta a Pattinson como un conductor consciente del poder que obtuvo frente a las cámaras, pero sometido a exigencias profesionales cada vez mayores. La película centra su conflicto en la tensión entre el interés público de las investigaciones, la exposición televisiva de los acusados y el éxito de audiencia alcanzado por el formato.

El título remite al horario de mayor audiencia de la televisión estadounidense, una franja clave para la circulación de To Catch a Predator. El programa hizo de Hansen una figura reconocida a comienzos de este siglo y convirtió sus confrontaciones frente a cámara en el elemento central de cada emisión.

El debut de Lance Oppenheim y el reparto

Primetime marca el debut de Oppenheim en la dirección de una película de ficción. El realizador proviene del documental, un antecedente ligado al enfoque de esta historia: personajes reales, exposición mediática y situaciones donde la cámara puede alterar aquello que registra.

El reparto incluye a Merritt Wever, Skyler Gisondo, Matthew Maher, Phoebe Bridgers, Bokeem Woodbine y Sean Bridgers. Las fuentes disponibles no especifican qué personajes interpreta cada uno, mientras el material promocional mantiene a Hansen como centro del relato.

La película tuvo su presentación en el Festival Internacional de Cine de Venecia a comienzos de septiembre. Tras ese estreno, registraba un 94% de aprobación de la crítica especializada en Rotten Tomatoes, según la información difundida junto con el avance final.

Pattinson ya trabajó con A24 en Good Time, El faro y El drama. Primetime continúa esa relación con un papel basado en una figura pública contemporánea, alejado de los personajes ficticios que encabezó en aquellas producciones.

Oppenheim también prepara para A24 el documental You Can See Everything, realizado con Nathan Fielder delante y detrás de cámara. El proyecto comenzó cuando Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos, invitó a ambos cineastas a registrar sus movimientos 34 días antes de ingresar en prisión. Según su sinopsis, el proceso terminó extendiéndose durante tres años. El documental pasó recientemente por el Festival de Telluride.

Fecha de estreno y distribución pendiente

A24 acompañó el tráiler definitivo con un primer fragmento de Primetime. Ambos adelantos refuerzan el tono de thriller psicológico y anticipan que la película prestará tanta atención a las operaciones televisivas como a las consecuencias personales y profesionales para Hansen.

El estreno comercial está programado para el 25 de septiembre en las salas de Estados Unidos, diez días después de la publicación del avance final citada por las fuentes.

El filme, cuyo título original es The Get Out, sigue a Manco Kapak, dueño de un club nocturno que busca dejar atrás los excesos y los negocios peligrosos. Después de años dentro de un circuito criminal, su plan parece concreto: vender el local, irse a Tailandia y comenzar una vida junto a Sunny, su novia.

Pero un infarto obliga a Manco a revisar sus prioridades antes de que pueda concretar esa salida. El problema se vuelve mayor cuando un grupo armado asalta su negocio y se lleva una suma importante de dinero. A partir de ese episodio, el personaje de Crowe queda expuesto ante cárteles que reclaman respuestas y ante socios cuya fidelidad deja de estar garantizada.

Un asalto deja a Manco Kapak rodeado de enemigos

La búsqueda de una vida más tranquila se convierte, entonces, en una carrera por sobrevivir. Manco deberá moverse entre amenazas, acuerdos precarios y secretos que pueden cambiar el destino de todos los involucrados.

En ese escenario aparece Joe Carver, interpretado por Luke Evans. El recién llegado manifiesta interés en comprar el club, aunque su presencia agrega una capa de incertidumbre a una situación ya marcada por la violencia. La negociación por el negocio se cruza con las presiones de los grupos criminales y deja a Manco sin demasiadas alternativas.

La película está basada en la novela Strip, del escritor estadounidense Thomas Perry. El relato toma como punto de partida a un hombre que pretende retirarse de una actividad que conoce demasiado bien, pero descubre que abandonar el juego puede resultar más riesgoso que permanecer en él.

Derrick Borte se reencuentra con Russell Crowe

Derrick Borte, director de Fuera de control, vuelve a trabajar con Crowe tras aquella producción. El actor había encabezado ese largometraje de 2020, centrado en un conductor que persigue a una mujer luego de una discusión de tránsito.

Sobre ese nuevo encuentro, Crowe señaló que su experiencia anterior con Borte fue decisiva para aceptar el proyecto. “Tuve una experiencia tan buena en ‘Fuera de control’ que supe que quería trabajar con Derrick de nuevo”, afirmó.

El intérprete también participó en la elección de uno de los nombres iniciales de la película. Según explicó, propuso Bear Country por una historia sobre un oso conocido en el zoológico del condado de Los Ángeles, por el vínculo del animal con el símbolo de California y por la personalidad física que imaginaba para su personaje. Más tarde, el proyecto adoptó el título The Get Out.

Crowe describió la película como una propuesta con humor, tensión y situaciones imprevisibles. “Es hilarante. Es muy divertido y cuenta con grandes actuaciones. Es una trama inesperada; no puedes prever exactamente qué podría suceder”, sostuvo el protagonista.

Aaron Paul, Nina Dobrev y Teresa Palmer completan el reparto

El elenco reúne a figuras de cine y televisión con trayectorias en producciones de gran alcance. Aaron Paul, identificado por su trabajo como Jesse Pinkman en Breaking Bad y Better Call Saul, integra una trama atravesada por conflictos internos y disputas de poder.

Nina Dobrev, reconocida por la serie The Vampire Diaries y la película Las ventajas de ser invisible, también forma parte de la historia. Teresa Palmer, quien trabajó en Lights Out, Warm Bodies, Hasta el último hombre y A Discovery of Witches, interpreta a Sunny, la pareja de Manco y una pieza central de su deseo de escapar.

Luke Evans, por su parte, suma a Joe Carver después de participar en producciones como Rápidos y furiosos 6, Drácula: La historia jamás contada, La Bella y la Bestia y la trilogía de El Hobbit.

La producción trasladó el rodaje a la Costa Dorada de Australia, que fue utilizada para recrear paisajes urbanos de Los Ángeles. Con una duración de 96 minutos, la película apuesta por los códigos del thriller criminal: ambición, traición, violencia y la dificultad de salir de una red de intereses cuando las deudas empiezan a acumularse.

Distribuida por BF Paris, “El último gran golpe” se estrenará en salas el 24 de septiembre de 2026.

Una amenaza con rostro familiar

La historia sigue a Bela, una niña de ocho años interpretada por Arabella Olivia Clark. Su vida transcurre dentro de una familia marcada por el matrimonio problemático de sus padres. Para ella, ese núcleo formado por sus progenitores y su abuela Ruth representa todo su mundo, pero la tensión doméstica pronto queda desplazada por una presencia mucho más peligrosa.

La niña descubre en su habitación a la Otra Mamá, una entidad con un parecido exacto a su madre. Al principio, el ser permanece dentro del armario y se limita a observarla. Cada día le hace la misma pregunta: “¿puedo entrar en tu corazón?”. Bela se niega a responder, una resistencia que provoca un cambio en el comportamiento de la aparición.

La entidad comienza a abandonar el armario y a seguir a Bela por distintos espacios de la casa. Después también aparece en la calle, lo que elimina cualquier posibilidad de que el peligro esté limitado a la habitación de la niña. El avance de la amenaza queda acompañado por otro dato: alguien más finalmente logra verla.

A medida que la Otra Mamá se vuelve más agresiva, el riesgo se extiende a toda la familia. La película combina así el conflicto entre los padres de Bela con una persecución sobrenatural en la que el monstruo utiliza una figura familiar para acercarse a su víctima. Su objetivo sigue dependiendo de la respuesta que espera obtener de la niña.

El doble papel de Jessica Chastain

Chastain interpreta a la madre de Bela y a la criatura que adopta su apariencia. Ese doble papel coloca a la actriz en los dos extremos del conflicto: es una de las figuras centrales de la familia y, al mismo tiempo, el rostro elegido por la entidad para acosar a la protagonista.

El reparto incluye a Jay Duplass, Dichen Lachman, Arian Moayed, Karen Allen y Sean Kaufman. Clark ocupa el centro de la historia como Bela, ya que la narración depende de lo que la niña ve y de la relación que desarrolla con la presencia instalada en su casa.

El nuevo avance se concentra en el aumento progresivo del peligro. La Otra Mamá pasa de observar desde un lugar cerrado a moverse libremente detrás de Bela, mientras su parecido con la verdadera madre dificulta separar la protección familiar de la amenaza. Los dos carteles difundidos junto con el tráiler también utilizan esa identidad duplicada como eje de la campaña.

Del libro a la pantalla

La película adapta Hay algo malo en casa, el libro de Josh Malerman presentado como un superventas de The New York Times. El guion fue escrito por Nathan Elston, quien trabajó en Succession, mientras que Savage también participa como productor ejecutivo.

El director ya cuenta con experiencia reciente dentro del terror. Entre sus trabajos se encuentran Host y The Boogeyman, esta última basada en un relato de Stephen King. En La otra madre vuelve a trabajar con una amenaza vinculada a los temores infantiles, aunque aquí el peligro toma la apariencia de una persona cercana a la protagonista.

La producción reúne a Atomic Monster, Blumhouse Productions, Spin a Black Yarn, Universal Pictures y Wild Atlantic Pictures. James Wan participa como productor, mientras que Michael Clear, Judson Scott, Josh Malerman, Ryan Lewis y el propio Savage figuran como productores ejecutivos.

La otra madre tendrá estreno cinematográfico el 9 de octubre, tres semanas antes de Halloween.

El Segundo Vasallaje de los 25

La historia retrocede 24 años respecto de los acontecimientos protagonizados por Katniss Everdeen y Peeta Mellark. En esta etapa, Haymitch todavía es un adolescente del Distrito 12 obligado a participar en los juegos organizados por el Capitolio bajo el gobierno del presidente Coriolanus Snow.

La competencia corresponde al Segundo Vasallaje de los 25, nombre que recibe la edición número 50 de los Juegos del Hambre. Cada Vasallaje introduce una modificación especial en las reglas y, en esta ocasión, el Capitolio exige el doble de participantes. En lugar de los 24 tributos habituales, 48 jóvenes son enviados a la arena.

Haymitch forma parte del grupo seleccionado por el Distrito 12 y busca sobrevivir para regresar junto a su madre y su hermano. El nuevo adelanto presenta las pruebas que deberá enfrentar, la violencia organizada como espectáculo y el control político ejercido desde el Capitolio. También anticipa las primeras acciones de resistencia que, muchos años después, tendrán consecuencias para Katniss y los demás distritos de Panem.

El protagonista ya había contado fragmentos de su experiencia en las películas anteriores, pero esta precuela desarrolla el episodio completo. La película toma como base la novela homónima de Suzanne Collins, que volvió al pasado de la saga para narrar el origen del trauma de Haymitch y explicar su relación con los juegos.

Joseph Zada y los tributos del Distrito 12

Joseph Zada encabeza el reparto como Haymitch. El cambio de actor responde al salto temporal: la historia transcurre décadas antes de que el personaje se convierta en mentor de Katniss y Peeta. Harrelson interpretó la versión adulta desde la primera adaptación cinematográfica, estrenada en 2012.

Los otros tres tributos principales del Distrito 12 son Mckenna Grace como Maysilee Donner, Molly McCann como Louella McCoy y Ben Wang como Wyatt Callow. Iona Bell interpreta a Lou Lou, otro personaje vinculado con Louella dentro del relato.

El elenco incluye a Whitney Peak como Lenore Dove Baird, una figura central en la vida personal de Haymitch. También participan Kelvin Harrison Jr. como Beetee, Maya Hawke como Wiress y Lili Taylor como Mags, personajes conocidos por los seguidores de las películas originales, aunque aquí aparecen en etapas anteriores de sus vidas.

La edición especial estará acompañada por nuevas versiones de varias figuras del Capitolio. Elle Fanning interpreta a Effie Trinket y Kieran Culkin asume el papel del presentador Caesar Flickerman. Jesse Plemons encarna a Plutarch Heavensbee, mientras que Ralph Fiennes toma el lugar de Snow, personaje interpretado anteriormente por Donald Sutherland.

El reparto se completa con Glenn Close como Drusilla Sickle y Billy Porter como Magno Stift. La combinación de personajes nuevos y rostros ya conocidos permite que la película conecte la competencia de Haymitch con la estructura política y televisiva mostrada en las entregas previas.

El regreso de Katniss y la fecha de estreno

También se informó el regreso de Jennifer Lawrence y Josh Hutcherson como Katniss y Peeta. Debido al momento en el que transcurre la trama, sus apariciones no formarían parte de la historia principal. La posibilidad señalada es una intervención breve mediante un salto al futuro, aunque el adelanto difundido no detalla cómo serán incorporados.

La inclusión de ambos actores conectaría directamente la precuela con la saga original. Haymitch terminó convertido en mentor de los dos jóvenes durante la edición número 74 de los juegos y luego fue una pieza importante de la rebelión contra Snow. Amanecer en la Cosecha mostrará los acontecimientos que marcaron su relación con el Capitolio mucho antes de conocerlos.

Las fuentes difundieron una diferencia de un día para su lanzamiento: una ubica el estreno el 19 de noviembre de 2026 y otra lo fija para el 20 de noviembre. La variación puede corresponder a calendarios regionales, pero ambas coinciden en que la película llegará exclusivamente a los cines durante esa semana.

Un rescate dentro de un bosque peligroso

La historia comienza cuando una bandada de cuervos rapta al hermano menor de Prue McKeel. La adolescente se ve obligada a emprender una misión de rescate y termina internándose en un territorio desconocido, acompañada por su compañero de clase Curtis Mehlberg, descrito como torpe pero leal.

El recorrido lleva a ambos hasta un bosque habitado por animales parlantes, bandidos y figuras poderosas impulsadas por el dolor y la ambición. El conflicto supera pronto la búsqueda inicial: Prue y Curtis quedan involucrados en una lucha que amenaza el equilibrio del lugar y el futuro de sus habitantes.

El avance final concentra esas dos escalas de la trama. Por un lado, mantiene el objetivo personal de Prue, que necesita encontrar a su hermano. Por otro, muestra una disputa mayor en la que la protagonista tendrá que descubrir una fortaleza que desconocía y arriesgarlo todo para proteger Wildwood.

La película utiliza animación stop motion, una técnica basada en fotografiar figuras físicas cuadro por cuadro y moverlas ligeramente entre cada toma para crear la ilusión de movimiento. Es el método asociado a buena parte del catálogo de Laika y a producciones anteriores como Los mundos de Coraline y Kubo y las dos cuerdas mágicas.

De los libros a la sexta película de Laika

El guion fue escrito por Chris Butler, responsable de trabajos como El alucinante mundo de Norman y Mr. Link. El origen perdido. Butler llevó al cine el primer volumen de Las crónicas de Wildwood, una serie literaria que mezcla fantasía y realidad alrededor de un bosque oculto y sus distintas facciones.

La novela original es la primera entrega de una trilogía. La historia continuó en Under Wildwood, publicada en 2012, y concluyó con Wildwood Imperium, editada en 2014. Las fuentes disponibles no indican que Laika haya confirmado adaptaciones cinematográficas de esos dos libros, por lo que la película está presentada hasta ahora como una adaptación de la obra inicial.

Knight regresa a la animación de Laika después de dirigir Kubo y las dos cuerdas mágicas. Su filmografía también incluye Bumblebee y una nueva versión cinematográfica de He-Man y los Masters del Universo. En Wildwood trabaja con Butler y con el director de fotografía Caleb Deschanel, cuyos créditos incluyen La pasión de Cristo y El rey león.

Laika presenta Wildwood como su producción más ambiciosa hasta la fecha. Será su sexta película y mantendrá el trabajo artesanal del estudio, aunque Laika ya prepara proyectos de acción real y dejó de dedicarse de manera exclusiva a la animación stop motion.

Un reparto amplio y estreno en octubre

El elenco de voces reúne a Carey Mulligan, Mahershala Ali, Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Angela Bassett, Awkwafina, Jake Johnson y Charlie Day. También participan Amandla Stenberg, Jemaine Clement, Maya Erskine, Tantoo Cardinal, Tom Waits y Richard E. Grant.

La cantidad de intérpretes coincide con una historia poblada por protagonistas humanos, animales parlantes, bandidos y distintas figuras ligadas al conflicto del bosque. El tráiler final funciona como el último adelanto extenso antes del lanzamiento y centra sus imágenes en el secuestro, el viaje de Prue y Curtis y las amenazas que encuentran durante la búsqueda.

Wildwood tiene programado su estreno para el 23 de octubre.

Un secuestro en plena campaña política

Affleck interpreta a Mark Kimball, un político que intenta llegar a la alcaldía de Los Ángeles. Su vida pública y familiar se derrumba cuando secuestran a su hijo y los responsables exigen un rescate. Abigail, su esposa y personaje de Washington, se involucra en la búsqueda del dinero mientras el matrimonio comienza a desconfiar de quienes lo rodean.

El adelanto combina la carrera para recuperar al joven con las tensiones de una campaña electoral. Los Kimball deben reunir el pago dentro del plazo impuesto por los secuestradores, pero cada decisión amenaza con exponer secretos personales y destruir la imagen que Mark construyó como candidato. Netflix presenta el conflicto alrededor de los enemigos políticos y privados de la familia, además de las mentiras que existen dentro del propio matrimonio.

Gillian Anderson interpreta a una fixer, una especialista contratada para resolver crisis y operar como intermediaria en situaciones delicadas. Steven Yeun encarna al jefe de campaña de Mark. La presencia de ambos personajes abre dos frentes para el protagonista: la negociación destinada a recuperar a su hijo y el control de las consecuencias políticas del caso.

La historia también gira alrededor de la distancia entre la identidad pública de una persona y su comportamiento privado. Affleck explicó que le interesaba examinar las vidas de fachada que se presentan ante los demás. El secuestro funciona como detonante para quitar esas capas y revelar la dinámica hostil entre Mark y Abigail.

Una producción cancelada y recuperada

El proyecto fue anunciado en 2024 con Matt Damon como protagonista y Jennifer Garner en el papel de su esposa. Esa versión estuvo a punto de comenzar su rodaje, pero Affleck decidió detenerla apenas dos semanas antes de filmar tras conocer otra película construida alrededor de un secuestro.

Se trataba de Del cielo al infierno, dirigida por Spike Lee y protagonizada por Denzel Washington. Cuando Affleck descubrió que las dos producciones compartían un punto de partida similar, primero consideró retrasar Animales y después optó por cancelarla. Según contó a Entertainment Weekly, su reacción fue directa: “Estábamos a dos semanas de rodar y dije: ‘No estamos haciendo esto’”.

Affleck argumentó que realizar una buena película ya era suficientemente difícil sin sumar la comparación inmediata con otro proyecto. Sin embargo, la idea siguió interesándole por su ambientación en Los Ángeles y por la posibilidad de explorar el contraste entre las apariencias y la vida privada. Meses después decidió reactivar el desarrollo.

Para entonces, Damon ya no estaba disponible. Affleck asumió el papel de Mark y volvió a colocarse delante y detrás de cámara, algo que ya había hecho en Air, estrenada en 2023. El director bromeó con que su amigo había preferido encabezar La Odisea, aunque el cambio terminó modificando más piezas del reparto.

El nuevo matrimonio protagonista

La entrada de Affleck generó la salida de Garner. Ambos consideraron que interpretar juntos a una pareja atrapada en un matrimonio en crisis añadiría una carga personal innecesaria a la producción. Washington fue elegida entonces para encarnar a Abigail y formar la nueva pareja central.

Washington explicó que el guion mezclaba el thriller con ideas más profundas sobre la relación. Su lectura inicial cambió al descubrir que Mark y Abigail no formaban un matrimonio feliz, sino que mantenían una dinámica mucho más oscura. Esa tensión ocupa un lugar central mientras los dos intentan colaborar para salvar a su hijo.

El reparto se completa con Luis Gerardo Méndez, Adriana Paz, Ray Fisher, Christopher Woodley, Matt Gerald y Jacob Estrada. Animales será el regreso de Affleck a la dirección de largometrajes después de Air y estará disponible en Netflix desde el 9 de octubre.

Netflix estrenará en 2027 la miniserie El mundo según Jonás, una producción de ciencia ficción ambientada en una América Latina de 2047, donde una voz capaz de anticipar el futuro altera el equilibrio político de la región. La ficción, que anteriormente fue presentada como El futuro es nuestro, adapta la novela The World Jones Made, publicada por Philip K. Dick en 1956.

La historia transcurre en un escenario marcado por el deterioro ambiental, la violencia y el surgimiento de nuevas estructuras de poder. En ese contexto funciona FedSur, una coalición creada para contener las consecuencias de la crisis ecológica y preservar la estabilidad en el continente. Sin embargo, el orden que busca imponer queda amenazado por una figura que gana influencia a través de internet.

Jonás Flores es un joven predicador cuya voz se vuelve masiva al anunciar hechos que todavía no ocurrieron. Sus pronósticos incluyen la caída de FedSur y una posible victoria frente al colapso ambiental. La capacidad de Jonás para predecir el futuro moviliza a sectores de la población latinoamericana, que comienzan a ver en él una alternativa frente al sistema vigente.

La detención de Jonás convierte al predicador en un referente continental

El policía Hugo Crussí descubre quién está detrás de esa voz y localiza a Jonás. Su decisión de detenerlo, lejos de desactivar su influencia, desencadena el proceso contrario: el joven pasa a ser identificado como un líder de la resistencia y multiplica su alcance político y social.

A partir de ese hecho, Crussí queda perseguido como integrante de un movimiento opositor. La trama lo sitúa frente a una misión extrema: deberá intentar acabar con Jonás, quien ya ha anticipado el magnicidio y espera la llegada de quien pretende asesinarlo. El enfrentamiento entre ambos concentra el conflicto de la serie y pone en discusión el vínculo entre las creencias colectivas, el poder y el control institucional.

La adaptación traslada al ámbito latinoamericano preguntas presentes en la obra de Dick: qué ocurre cuando una figura pública parece conocer el porvenir, cómo se transforma una sociedad en crisis ante la promesa de una salida y cuáles son los límites de la autoridad cuando la población deja de confiar en sus estructuras políticas.

Mateo Gil encabeza una adaptación con equipos de varios países

Mateo Gil será el showrunner de la serie y forma parte del equipo de guion junto con Laura Santullo, Camila Brugés Gómez y Kyzza Terrazas. El proyecto reúne a directores de distintos recorridos dentro del cine y la televisión regional: Vicente Amorim, Daniel Rezende, Jesús Braceras y el propio Gil.

La producción estará a cargo de K&S Films y Electric Shepherd Productions. Esta última compañía tiene un vínculo directo con el universo de Philip K. Dick: entre sus trabajos se encuentra El hombre en el castillo, otra adaptación audiovisual de la obra del escritor estadounidense. Además, Isa Dick Hackett, hija del autor, integra el grupo de productores ejecutivos.

Completan esa área Sarah Scougal, Matías Mosteirín, Diego Copello, Emiliano Torres, Micky Buye y Mariana Secco. La presencia de productores de América Latina y Estados Unidos responde a una coproducción que sitúa una historia de alcance continental en idioma español.

Enzo Vogrincic y Emiliano Zurita lideran un elenco regional

El reparto de El mundo según Jonás estará encabezado por Enzo Vogrincic, Emiliano Zurita, Delfina Chaves, Marleyda Soto, Fernán Mirás, Alfredo Castro, Antonia Zegers, Angela Rodríguez y Marco Antonio Caponi. También participan María Gracia Omegna, Rallen Montenegro, Juan Palomino, Ilay Perales y Paloma Contreras.

La serie se incorpora a la programación de Netflix con un relato que combina distopía, tensión política y crisis climática desde una perspectiva regional. La elección de un elenco procedente de distintos países acompaña el alcance de la historia, centrada en una América Latina que atraviesa un conflicto común.

Con estreno previsto para 2027, la miniserie plantea un futuro cercano en el que internet funciona como herramienta de movilización, la emergencia ambiental redefine las instituciones y una profecía puede convertirse en el motor de una revolución.

El verano que cambió a Pam Voorhees

Crystal Lake comienza con Pam como una madre soltera que sigue afectada por la aparente muerte de su hijo, Jason Voorhees. El niño, descrito como alguien que padecía una extraña enfermedad, se ahogó en el lago que da nombre al campamento. Su cuerpo nunca fue encontrado y el caso quedó rápidamente atrás para casi todos los habitantes de la zona.

Pam, en cambio, no consiguió superar la pérdida. La historia seguirá su dolor y la espiral que terminará transformándola en una asesina, mientras la comunidad comienza a experimentar sucesos inexplicables y muertes brutales alrededor del campamento.

El conflicto se activa cuando dos desconocidos llegan a la puerta de Pam para investigar aspectos de su pasado. Esa visita provoca una cadena de acontecimientos que lleva a los habitantes del pueblo a cuestionar quién es realmente la madre y qué ocurrió con Jason. La serie plantea así dos interrogantes centrales: cómo nació la figura criminal de Pam y qué sucedió con el niño al que todos consideran muerto.

El tráiler contrasta el ambiente veraniego de 1971, con baños en el lago y actividades al aire libre, con la angustia posterior a la desaparición. Cuando empiezan los asesinatos, las sospechas se dirigen hacia Pam. Esa progresión permite que la precuela siga la formación de los dos nombres centrales de la franquicia, aunque en momentos muy distintos de sus historias.

La conexión con la película original

Viernes 13 comenzó en 1980 con la película dirigida por Sean S. Cunningham. Aquella producción ayudó a establecer varias características del slasher, subgénero de terror centrado en un asesino que persigue y mata a un grupo de personajes, con frecuencia en espacios aislados.

Crystal Lake retrocede nueve años respecto del estreno del largometraje para desarrollar hechos que antes funcionaban como parte del pasado de los Voorhees. En lugar de comenzar con Jason como la amenaza reconocible de las posteriores entregas, la serie coloca a Pam en el centro y muestra el proceso que la conduce desde el duelo hasta la violencia.

Uno de los planos del avance presenta a Cardellini con un peinado y un semblante cercanos a los de Betsy Palmer, quien interpretó a Pam en la película de 1980. La referencia conecta visualmente a ambas versiones del personaje sin abandonar la etapa anterior que narrará la producción.

Este enfoque también permite ampliar un momento clave de la historia: el supuesto ahogamiento de Jason. La ausencia de un cuerpo, el cierre apresurado del caso y la llegada de personas interesadas en el pasado de Pam aportan nuevos elementos al relato conocido. La serie deberá explicar cómo se relacionan esas pistas con los crímenes que comienzan a ocurrir en los alrededores del campamento.

Reparto, episodios y plataformas

Además de Cardellini, el elenco incluye a Callum Vinson, William Catlett, Devin Kessler, Cameron Scoggins, Phoenix Parnevik, Gwendolyn Sundstrom, Adrienne King, Danielle Kotch, Daniel Stewart Sherman, Bernadette Quigley, Joy Suprano, Brian J. Carter, Nancy Nagrant, Christopher Denham, Drew Scheid y Manon Gage.

La primera temporada estará formada por ocho capítulos de una hora, una duración que dará espacio para seguir la investigación sobre Pam, la reacción del pueblo y los asesinatos posteriores a la tragedia. El formato se aleja de la narración concentrada de las películas para reconstruir durante varias horas el origen del conflicto.

Universal+ anticipó el estreno de la serie, aunque el material disponible no especifica una fecha para su catálogo. En Estados Unidos, Peacock sí fijó el lanzamiento para el 15 de octubre, cerca de la temporada de Halloween.

La producción fue presentada durante Prime Video Presents Latin America y está dirigida por Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín. El relato se mueve entre 1986 y 2018, a partir de la muerte de Ana, la hija menor de una familia católica conservadora, cuyo cuerpo aparece desmembrado y quemado en un terreno baldío.

El caso se cierra sin culpables, pero la ausencia se instala como una marca persistente entre sus padres y hermanas. Treinta años después, Lía vuelve a Santiago de Chile para acompañar a su padre durante sus últimos días. El pedido del hombre reactiva una pregunta que permanecía clausurada: qué ocurrió realmente con Ana.

Un policial familiar atravesado por la memoria

La investigación funciona como motor de la trama, aunque la serie desplaza el foco hacia los efectos íntimos del crimen. Cada integrante de la familia procesó la pérdida desde un lugar distinto y, con el paso de los años, esas diferencias se transformaron en distancias, reproches y secretos.

En una entrevista con los actores de la ficción, Paula Luchsinger, quien interpreta a Carmen en su juventud, definió a la ficción como “un policial” con suspenso, pero señaló que reúne otros asuntos centrales. “Tiene que ver con la memoria, con la autonomía femenina. Creo que también es una serie súper política”, sostuvo.

La actriz consideró que la historia permite mirar las estructuras que organizan la vida de los personajes y condicionan sus decisiones. En ese sentido, el peso de la religión aparece ligado a la necesidad de pertenencia, a la culpa y a una idea rígida sobre el deber de cada integrante de la familia.

El fanatismo, según planteó Luchsinger, instala una forma de dividir el mundo. “Las personas fanáticas tienen esto en el centro de su vida y eso estructura todo lo demás. Quieren dividir el mundo entre nosotros y ellos. Eso es muy peligroso también”, afirmó.

Mateo busca romper con la herencia familiar

Clemente Rodríguez encarna a Mateo, un joven que carga con las consecuencias de una educación religiosa estricta pese a no haber vivido el asesinato de Ana. Para el actor, su personaje opera como una bisagra frente a las reglas que dominaron a las generaciones anteriores.

“Está inmerso en una educación muy estricta y finalmente muy opresora para él”, explicó Rodríguez. “Lo que intenta hacer constantemente es liberarse de esas cadenas”. Sin embargo, la historia de una tía a la que nunca conoció también lo formó: escuchó hablar de ese crimen toda su vida y busca construir una identidad por fuera de ese legado.

La serie plantea así una tensión entre la herencia y la posibilidad de elegir. Mateo cuestiona que se lo juzgue por el comportamiento de sus padres y representa a una generación que intenta reconocer el daño de los mandatos sin quedar definida por ellos.

Carmen y el costo de cuidar a todos

Amparo Noguera interpreta a Carmen en la etapa adulta, mientras Luchsinger encarna la versión joven del mismo personaje. Carmen se queda cerca de sus padres, cuida a la familia y asume responsabilidades que los demás parecen haber dejado atrás.

Para Noguera, esa conducta tiene relación con los modelos impuestos por la sociedad, las ideologías o ciertas religiones. “Uno tiene que acomodarse a un molde que no eligió”, señaló. Carmen quiere profundamente a los suyos, pero no encuentra una salida porque entiende que su deber es hacerse cargo de su padre, sus hermanas, su hijo y de quienes considera perdidos.

La actriz advirtió que esas renuncias tienen consecuencias. “Cuando se hace por un deber, al final hay una factura que uno pide, porque hay una infelicidad”, dijo. Su personaje, rígido y severo en varias escenas, también expresa el sufrimiento de alguien que postergó sus propios deseos.

La adaptación reúne además a Alfredo Castro, Paulina García, Octavia Bernasconi, Ignacia Baeza, Vivianne Dietz, Marcelo Alonso y Muriel Santa Ana, entre otros. Piñeiro visitó el rodaje y pudo observar cómo los intérpretes transformaban en personajes el universo que había imaginado en su novela.

Filmada en Uruguay y realizada por un equipo con participación chilena, argentina y uruguaya, la serie apuesta por conflictos reconocibles más allá de su contexto. La búsqueda de justicia, los vínculos familiares y las creencias llevadas al extremo articulan una historia que se estrenará en más de 240 países y territorios.

Un crimen entre dos épocas

La historia está construida sobre dos líneas temporales. En 1986, Ana, la hija menor de la familia Sardá, es encontrada asesinada, desmembrada y quemada en un terreno baldío. La investigación termina sin sospechosos ni responsables, mientras sus familiares procesan la pérdida desde el silencio y la culpa.

Lía es la única que decide alejarse de ese entorno. Treinta años después, en 2018, regresa a Santiago de Chile para acompañar a su padre durante sus últimos días. El hombre le transmite un deseo pendiente: saber qué ocurrió realmente con Ana. Ese pedido obliga a la familia a revisar una versión del pasado que había aceptado durante décadas.

La estructura alternada permite reconstruir los hechos de 1986 y mostrar sus consecuencias en el presente. El asesinato funciona como motor de la investigación, pero el relato también sigue el deterioro de los vínculos entre padres, hijas y hermanos. Cada regreso al pasado aporta información sobre los silencios, las omisiones y las decisiones que rodearon el caso.

La serie adopta la forma de un thriller dramático, es decir, un relato impulsado por el misterio y la tensión, pero centrado en el impacto emocional del crimen. El extremismo religioso, un amor prohibido y las mentiras dentro de la familia Sardá son los principales ejes del conflicto. La tensión surge de una contradicción concreta: el caso fue cerrado por las autoridades, aunque las preguntas centrales nunca recibieron respuesta.

El reparto de Catedrales

Alfredo Castro interpreta a Adolfo y Paulina García encarna a Dolores. Octavia Bernasconi asume el papel de Ana, la joven cuyo asesinato desencadena la historia, mientras Ignacia Baeza y Vivianne Dietz interpretan a Lía en distintas etapas de su vida.

El reparto también incluye a Amparo Noguera y Paula Luschinger como Carmen; Clemente Rodríguez como Mateo; y Marcelo Alonso y Giordano Rossi como Julián. El uso de diferentes intérpretes para algunos personajes responde al salto de tres décadas entre las dos líneas temporales.

Pablo Cerda y Camilo Rojas encarnan a Elmer, mientras Muriel Santa Ana y Carolina Koppellioff interpretan a Marcela. Rodrigo Walker y Paulo Brunetti aparecen como Andrés. El elenco se completa con Eduardo Miglionico en el papel del Padre Manuel y Geraldine Neary como Ángela.

La cantidad de personajes y sus versiones en distintas edades acompañan el foco coral de la adaptación. Aunque Lía impulsa la búsqueda desde 2018, el misterio compromete a todo el entorno de Ana y obliga a revisar cómo actuó cada integrante de la familia antes y después de su muerte.

La adaptación de Claudia Piñeiro

La dirección está a cargo de Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín. El guion adaptado fue escrito por Silvina Frejdkes y Alejandro Quesada, quienes reorganizaron la novela de Piñeiro como una serie de seis capítulos. La producción corresponde a Underground, división de Telemundo Studios.

Tiscornia también trabaja como productora ejecutiva junto con Pablo Cullel, Sebastián Ortega y Santiago López. El proyecto fue presentado durante Prime Video Presents Latin America, evento en el que la plataforma mostró sus primeras imágenes y confirmó la fecha de lanzamiento.

La adaptación mantiene el núcleo planteado por Piñeiro: una muerte violenta sin culpables identificados, una familia atravesada por la religión y una mujer que vuelve al lugar del que decidió escapar. La investigación sobre Ana conecta esos elementos y expone la distancia entre la verdad judicial, que dejó el expediente sin responsables, y la verdad familiar, escondida detrás de años de silencio.

Catedrales se incorporará a la línea de producciones latinoamericanas de Prime Video basadas en obras literarias de la región. Sus seis episodios estarán disponibles juntos el 16 de septiembre, por lo que la historia completa podrá verse desde el día del estreno.

Qué muestra el nuevo avance

El material difundido por Netflix todavía no funciona como un tráiler completo ni revela los conflictos específicos de los próximos capítulos. Su principal novedad es el regreso de Abaddon, quien ocupa el centro de la escena y se burla del propio catálogo del servicio de streaming.

El chiste mantiene la combinación de terror y comedia que sostiene la serie. Aunque el hotel está habitado por fantasmas, monstruos y otras criaturas sobrenaturales, los episodios también se apoyan en el caos cotidiano de la familia responsable de administrar el lugar.

Abaddon tendrá una presencia importante en esta segunda temporada. El demonio se encuentra atrapado en el cuerpo de un niño pequeño y ahora colaborará con Katherine y sus familiares para enfrentar los incidentes que siguen apareciendo dentro de la propiedad.

Netflix aún no publicó un tráiler extenso que permita conocer el argumento de cada episodio. El avance confirma al personaje como una de las figuras principales de la nueva tanda, pero mantiene bajo reserva qué amenazas llegarán al hotel y cuál será el problema central de la temporada.

Una familia al frente del hotel más embrujado

Haunted Hotel sigue a Katherine, una madre soltera que intenta mantener a flote el hotel más embrujado del mundo. La tarea se complica porque la mansión está ocupada por una cantidad creciente de espíritus, monstruos y fenómenos difíciles de controlar.

Katherine administra el establecimiento junto con su hermano fantasma y sus dos hijos, Ben y Esther. Abaddon completa el grupo principal: pese a su naturaleza demoníaca y a estar encerrado en un cuerpo infantil, participa en los intentos de la familia por contener los problemas sobrenaturales del edificio.

La segunda temporada retomará ese conflicto práctico y familiar. Los protagonistas deben mantener operativo el hotel mientras enfrentan sucesos paranormales dentro de una propiedad que llegó a sus manos como herencia. El avance no detalla si aparecerán nuevos huéspedes humanos o criaturas, pero confirma que los incidentes continuarán aumentando.

Reparto de voces y fecha de estreno

El reparto de voces está encabezado por Will Forte como Nathan y Eliza Coupe como Katherine. Skyler Gisondo interpreta a Ben, mientras que Natalie Palamides presta su voz a Esther.

Jimmi Simpson volverá como Abaddon, el personaje elegido por Netflix para encabezar este primer adelanto. Su regreso conecta la nueva historia con la particular dinámica del grupo: una madre, dos niños, un hermano fantasma y un demonio obligado a convivir bajo el mismo techo.

La temporada estará formada por ocho capítulos con una duración aproximada de media hora cada uno. Los nuevos episodios de Haunted Hotel estarán disponibles en Netflix a partir del 9 de octubre.

Del último puesto al plantel

El draft es el proceso anual mediante el cual los equipos de la NFL seleccionan jugadores procedentes del fútbol universitario. El último elegido recibe tradicionalmente el apodo irónico de Mr. Irrelevant, una etiqueta que anticipa pocas posibilidades de desarrollar una carrera profesional.

Tuggle ocupó ese lugar en 1983. Los Giants lo escogieron con el turno 335, el último de la ronda 12. Ser seleccionado no garantizaba su permanencia: todavía debía superar el campamento de entrenamiento y convencer a Bill Parcells, quien atravesaba su primer año como entrenador principal del equipo.

El corredor consiguió entrar al plantel, disputó los 16 partidos de su temporada como novato y fue elegido Jugador del Año de equipos especiales de los Giants. Esa unidad se encarga de jugadas específicas como patadas, despejes y devoluciones, fuera de las formaciones habituales de ataque y defensa.

Michael Shannon interpreta a Parcells, presentado en el avance como una figura exigente frente a la confianza persistente del protagonista. Isabel May encarna a Katie, un interés romántico ficticio creado para la película, mientras que David Krumholtz aparece como Julius Whitey Horai.

La historia después de la temporada

La historia real de Tuggle incluye un giro trágico que la película incorporará después de su ascenso deportivo. Quienes prefieran llegar al estreno sin conocer ese tramo deben considerar lo siguiente como una advertencia de spoilers.

En 1984, un año después de su llegada a la NFL, Tuggle fue diagnosticado con cáncer. El jugador recibió tratamiento y se mantuvo vinculado a los Giants mientras conservaba la esperanza de regresar al campo, pero nunca volvió a disputar un partido profesional. Murió en agosto de 1986, a los 25 años.

El equipo mantuvo presente su memoria durante la temporada de 1986. Los jugadores llevaron el número 38 de Tuggle en sus cascos y terminaron la campaña con una victoria frente a los Denver Broncos en el Super Bowl XXI, el primer campeonato de Super Bowl en la historia de la franquicia.

Corenswet explicó que encontró en la vida del jugador una pregunta que excede el resultado deportivo: qué ocurre cuando una persona definida por su optimismo y resistencia debe afrontar una lucha que la determinación no puede resolver. El tráiler adelanta ese contraste entre el humor del novato, sus relaciones personales, la competencia por integrar el equipo y la enfermedad.

El director Jonathan Levine buscó combinar comedia, romance y tragedia siguiendo el tono de los dramas populares de la década de 1980. Su experiencia incluye The Wackness, Warm Bodies, The Night Before y Long Shot. Uno de sus antecedentes más cercanos al material es 50/50, comedia dramática de 2011 sobre un joven de 27 años diagnosticado con cáncer, inspirada en la experiencia de su guionista, Will Reiser.

El equipo detrás de la película

Levine dirige Corazón Gigante a partir de un guion de Nick Santora, escritor y showrunner de Reacher, la serie de Prime Video. El reparto se completa con Tuwaine Barrett, Thaddeus LaGrone, Alexander England, Spencer House y Tandi Wright.

La música está a cargo de Kris Bowers, compositor de The Wild Robot y Green Book. La dirección de fotografía corresponde a Frank Lamm, quien trabajó en producciones como Andor y The Crown.

El estreno estadounidense de Mr. Irrelevant: The John Tuggle Story está programado para el 25 de diciembre de 2026. Paramount Pictures Australia fijó su llegada a los cines australianos para el 11 de febrero de 2027.

Blizzard Entertainment confirmó que desarrolla una serie animada de Diablo junto con Netflix. El anuncio fue realizado por la presidenta del estudio, Johanna Faries, durante la ceremonia inaugural de la BlizzCon 2026, celebrada en Anaheim, aunque todavía no se informó una fecha de estreno.

Qué se sabe de la serie de Diablo

La adaptación llevará el RPG de acción de Blizzard al formato televisivo mediante animación. Un RPG de acción combina el desarrollo de personajes y equipo con combates en tiempo real, dos elementos centrales de los videojuegos de Diablo.

El proyecto llevaba tiempo circulando como rumor, pero su presentación en la BlizzCon fue la primera confirmación oficial. Netflix y Blizzard todavía no revelaron la trama, la cantidad de episodios, el estudio de animación, el reparto de voces ni los responsables creativos.

Tampoco se indicó si la producción adaptará acontecimientos conocidos de los juegos o narrará una historia nueva dentro de su escenario de fantasía oscura. La condición de serie animada es, por ahora, el único detalle concreto sobre su formato.

Blizzard explicó que busca contar más historias fuera de los videojuegos mediante asociaciones con equipos creativos y nuevas pantallas. Faries adelantó que habrá información cuando el desarrollo avance: “Diablo, se lo prometo, es solo el comienzo. Les prometo que tan pronto como podamos compartiremos más detalles con ustedes”.

Para Netflix, Diablo se suma a Dungeons & Dragons: Ravenloft, otra producción vinculada con la fantasía que se encuentra en marcha. La plataforma no comunicó cómo se distribuirán ambos proyectos dentro de su calendario de estrenos.

Overwatch y Warcraft están en negociación

El anuncio de Diablo fue acompañado por una actualización sobre otras franquicias de Blizzard. Según Faries, existen negociaciones para desarrollar proyectos relacionados con Overwatch, Warcraft y “otras propiedades intelectuales” del estudio.

Estas conversaciones apuntan a producciones transmedia, término utilizado para describir historias desarrolladas a través de distintos formatos, como videojuegos, televisión o cine. Ese planteamiento permite trabajar con personajes y escenarios conocidos fuera del medio en el que fueron creados.

La situación de Overwatch y Warcraft, sin embargo, es distinta a la de Diablo. Blizzard no confirmó que sus series hayan recibido luz verde ni anunció estudios, plataformas, formatos o fechas. Tampoco precisó si Netflix participa en todas las conversaciones. Por el momento, se trata de negociaciones y no de producciones oficialmente iniciadas.

La diferencia es importante para los seguidores de ambas franquicias: Diablo ya cuenta con una adaptación animada en desarrollo, mientras que los demás proyectos pueden cambiar o no concretarse durante las conversaciones. Blizzard prometió divulgar nuevos detalles cuando estén disponibles.

El anuncio coincide con Diablo V

La presentación de la serie llegó durante la misma BlizzCon en la que Blizzard confirmó Diablo V, la quinta entrega principal de la saga. El videojuego tiene previsto su lanzamiento para la primavera de 2029, aunque todavía no se informaron plataformas ni un día específico.

Blizzard no vinculó los argumentos de la serie y Diablo V, ni indicó que sus respectivos estrenos vayan a coordinarse. La producción de Netflix carece de calendario público, por lo que no puede asumirse que llegará antes o junto con el nuevo juego.

La fecha de primavera de 2029 para Diablo V es, hasta ahora, el único lanzamiento concreto asociado con los anuncios recientes de la franquicia.

El club gastronómico encabeza el Top 10 de series de Netflix en Argentina pocos días después de su estreno y se afirma como una de las novedades de septiembre en la plataforma. La miniserie neerlandesa, compuesta por siete episodios, coloca a Karen frente a un grupo de amigos adinerados cuya vida de cenas privadas, villas y privilegios queda alterada por un incendio fatal.

La producción llegó a Netflix el jueves 10 de septiembre y ganó lugar entre las preferencias locales con una combinación de drama, misterio y suspenso psicológico. El ranking de la plataforma se actualiza con frecuencia, pero la ficción logró ubicarse en la cima de las series más reproducidas en el país, según registros difundidos durante el fin de semana.

Karen llega a Bergen y entra en un grupo marcado por el lujo

La historia comienza cuando Karen se muda con su familia a Bergen, una localidad de los Países Bajos, con la expectativa de empezar una etapa distinta. Allí conoce a un selecto grupo de parejas que la incorpora rápidamente a sus encuentros gastronómicos y a un estilo de vida signado por propiedades exclusivas, comidas extensas y vínculos estrechos.

Desde afuera, los integrantes del llamado club gastronómico parecen sostener una amistad sólida. Comparten espacios privados y una rutina sin sobresaltos, aunque Karen percibe tensiones que no terminan de explicarse. Su condición de recién llegada le permite observar un mundo que parece cerrado para el resto de los habitantes de la ciudad.

La tranquilidad se rompe cuando una de las villas del grupo se incendia. En el hecho muere Evert, uno de los amigos, mientras que su esposa y sus hijos logran escapar. La muerte de Evert abre una cadena de sospechas sobre los secretos que sostiene cada pareja y obliga a Karen a revisar todo lo que creía saber sobre sus nuevos vínculos.

El incendio convierte a los amigos en posibles sospechosos

La investigación alrededor del siniestro atraviesa el relato y modifica la relación entre los personajes. Karen empieza a advertir contradicciones, silencios y versiones que no coinciden. La cercanía que el grupo había exhibido en las cenas comienza a desarmarse a medida que surgen interrogantes sobre aquella noche.

Netflix presenta la serie como la historia de cuatro parejas aparentemente perfectas que deben cuestionar lo que saben unas de otras tras la muerte de uno de sus miembros. La plataforma confirma que la temporada tiene siete episodios, un formato que permite seguir la trama completa en poco tiempo.

La protagonista decide investigar por cuenta propia, aun cuando esa búsqueda puede afectar a su familia y exponerla frente a personas con recursos e influencia. El conflicto no se limita a conocer el origen del incendio: también pone en discusión las lealtades, los intereses y las apariencias dentro del círculo social.

La miniserie adapta una novela de Saskia Noort

El club gastronómico está basada en la novela homónima de la escritora neerlandesa Saskia Noort. La adaptación fue creada por Dorien Goertzen y cuenta con la dirección de Dana Nechushtan y Margien Rogaar. El elenco incluye a Loes Haverkort, Teun Luijkx, Rifka Lodeizen, Remko Vrijdag, Charlie Chan Dagelet, Matthijs van de Sande Bakhuyzen, Noortje Herlaar, Edwin Jonker, Anneke Blok y Jurriaan Bruinier.

La elección de Bergen como escenario refuerza el contraste central de la ficción. Las casas amplias y los encuentros exclusivos conviven con una trama que avanza entre desconfianzas y revelaciones. Cada capítulo suma elementos sobre las relaciones de los personajes y sobre el lugar que Karen ocupa dentro de esa comunidad. El éxito inicial en Argentina coloca a la serie entre las propuestas europeas que encuentran público fuera de sus países de origen.

La plataforma difundió el tráiler y el póster oficial de la nueva entrega, creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk. El material anticipa el regreso de figuras y personajes asociados a distintas etapas de la franquicia, una decisión que conecta la nueva historia con el recorrido de la serie desde su debut en 2011.

Tras el lanzamiento inicial, Disney+ incorporará un episodio cada viernes. El calendario llevará el desenlace hasta la víspera de Halloween, una fecha alineada con el género que convirtió a la producción en una de las marcas centrales de FX.

La temporada reunirá a intérpretes de distintas etapas de la antología

El reparto anunciado está encabezado por Sarah Paulson, Evan Peters, Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman, Joey Pollari y Jessica Lange. La presencia de Lange, una de las intérpretes más identificadas con los primeros años de la serie, figura entre los principales regresos de esta temporada.

También participan Avantika, Jamie Brewer, Elle Chapman, Berto Colon, Alex Consani, Frances Conroy, Mat Fraser, Seth Gabel, Orlando Jones, Paul Anthony Kelly, John Carroll Lynch, Tig Notaro, Madelaine Petsch, Fedor Steer, Mena Suvari, Zach Villa y John Waters, entre otros.

La información difundida sobre la producción señala además el retorno de personajes conocidos por el público, entre ellos Constance Langdon, Cordelia Goode, Madison Montgomery, Marie Laveau, Rubber Man, Twisty the Clown y Kai Anderson. Esa combinación sugiere una trama con vínculos entre temporadas previas, aunque el avance no revela todavía el argumento central ni el modo en que confluirán esas historias.

El número 13 ordena el calendario y el imaginario de la nueva historia

La elección de American Horror Story: 13 como título remite a uno de los números más asociados a las supersticiones y al cine de terror. El adelanto utiliza referencias visuales de la franquicia y recupera elementos de algunos de sus universos más reconocibles.

A lo largo de sus doce entregas anteriores, la serie situó sus relatos en una casa embrujada, un asilo, un aquelarre, un circo de fenómenos, un hotel, una colonia perdida y escenarios marcados por el apocalipsis. Cada temporada presentó una historia propia, aunque varias construyeron conexiones y compartieron personajes.

Según los datos divulgados por la compañía, la franquicia suma más de 100 nominaciones a los premios Emmy y superó 700 millones de horas de reproducción en el mundo. La serie fue pionera en el formato de antología televisiva contemporánea: mantiene un elenco recurrente, pero modifica los conflictos, las épocas y los escenarios en cada ciclo.

Murphy y Falchuk mantienen la conducción creativa de la producción

Murphy y Falchuk vuelven como creadores y productores ejecutivos de la temporada. Ned Martel y Charlie Carver integran también el equipo de producción ejecutiva, junto con Eric Kovtun, Nissa Diederich, Scott Robertson, Tanase Popa, Crystle Roberson Dorsey, Jennifer Salt y Tim Minear.

La producción corresponde a 20th Television. En la previa del estreno, las doce temporadas ya emitidas de American Horror Story permanecen disponibles en Disney+ para el público latinoamericano.

Con el calendario ya confirmado, la temporada comenzará el 24 de septiembre y cerrará con su episodio número 13 el 30 de octubre. El tráiler deja abierta la pregunta sobre qué personajes volverán a ocupar el centro de la historia y cuáles serán los nuevos conflictos de la antología.

Un romance alterado por un giro inesperado

La historia sigue a Maya, una mujer cuyo encuentro fortuito con Charlie da inicio a una relación apasionada. El vínculo abre ante ella la posibilidad de un futuro que nunca había imaginado, pero sus planes cambian de manera abrupta y la empujan hacia una vida distinta.

El adelanto plantea ese quiebre como el punto central del relato. A partir de allí, Maya tendrá que enfrentarse a preguntas sobre su identidad, sus deseos y la posibilidad de volver a amar. La sinopsis no revela cuál es el acontecimiento que transforma su futuro, por lo que el tráiler mantiene en reserva el conflicto específico que desencadena la nueva etapa.

La película llegará mediante un estreno directo en streaming. Esto significa que estará disponible para los suscriptores de Prime Video desde su lanzamiento, sin una exhibición comercial previa en salas anunciada en los materiales difundidos.

Margaret Qualley encabeza un reparto amplio

Qualley interpreta a Maya después de un período con varios estrenos. Entre sus trabajos recientes se encuentran Blue Moon, Jugada maestra y La constelación del perro. En esta ocasión ocupa el centro de una historia construida alrededor del duelo, el cambio personal y una nueva oportunidad sentimental.

Aaron Pierre integra el reparto principal junto con Patrick Schwarzenegger, Gabriel Basso y Catherine Keener. El elenco se completa con Tamara Lawrance y Corey Johnson, aunque las sinopsis difundidas todavía no detallan qué personajes interpretan ni cuál es su relación con Maya y Charlie.

El material promocional tampoco aclara quién encarna a Charlie. Esa información, al igual que la naturaleza exacta del giro que altera el futuro de Maya, permanece fuera de la descripción oficial compartida hasta ahora.

Rachel Morrison dirige una producción de Ryan Gosling

El amor de tu vida es el segundo largometraje dirigido por Morrison, responsable de El fuego de dentro. La cineasta también trabajó en televisión, donde dirigió episodios de American Crime, The Morning Show y Hightown.

El guion fue escrito por Julia Cox. La producción está a cargo de Ryan Gosling y Jessie Henderson mediante General Admission, productora de reciente creación que mantiene un acuerdo de colaboración con Amazon MGM Studios.

Ese vínculo entre General Admission y Amazon MGM Studios también incluyó Proyecto Salvación, otra producción vinculada con Gosling. El nuevo drama romántico será el próximo lanzamiento mencionado dentro de esa colaboración y quedará disponible en Prime Video el 14 de octubre.

La ficción recorre el trayecto de Miguel Rafael Martos Sánchez desde una infancia marcada por la España de posguerra hasta su consolidación como figura internacional de la canción. El relato se detiene en los triunfos profesionales, pero también incorpora el entorno íntimo del artista, sus conflictos personales y los episodios que acompañaron su exposición pública.

Javier Morgade interpreta a Raphael en su juventud, mientras que Carlos Santos encarna al cantante durante su madurez. La división del personaje entre ambos actores permite cubrir distintas etapas de una vida que incluye el inicio artístico en Madrid, la repercusión de sus primeras canciones y la expansión de su popularidad fuera de España.

El reparto también reúne a Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y Manolo Caro. La serie fue producida por DLO Producciones, en asociación con Caracol Televisión, y cuenta con dirección de Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís. Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó firman los guiones.

De Madrid a Las Vegas, Moscú, París y Acapulco

La trama transcurre a lo largo de cinco décadas y sitúa a Raphael en ciudades que resultaron centrales para su proyección. Madrid, Las Vegas, Moscú, París y Acapulco forman parte de los escenarios elegidos para mostrar una trayectoria que convirtió sus actuaciones en una referencia dentro de la música en español.

El avance de Netflix plantea que la narración no se limitará a reconstruir una lista de canciones o conciertos. Aquel se propone mostrar la distancia entre el intérprete de grandes auditorios y el hombre que sostuvo una carrera condicionada por la fama desde muy joven.

El título de la serie remite de forma directa a “Yo soy aquel”, una de las composiciones más asociadas con Raphael. La canción fue la elegida para representar a España en el Festival de Eurovisión de 1966, celebrado en Luxemburgo. Un año después regresó al certamen con “Hablemos del amor”, en Viena.

Quién es Raphael y cómo construyó su carrera

Raphael, nacido en Linares, Jaén, el 5 de mayo de 1943, es el nombre artístico de Miguel Rafael Martos Sánchez. Se trasladó a Madrid durante su infancia y comenzó a cantar desde pequeño. A los 16 años inició su camino profesional y adoptó la grafía con “ph” que terminaría por definir su identidad artística.

Su despegue llegó en la década de 1960. En 1962 obtuvo tres premios en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm y, pocos años después, la participación en Eurovisión amplió su reconocimiento. Su estilo interpretativo, su repertorio y una puesta en escena muy personal lo llevaron a desarrollar una presencia sostenida en la radio, la televisión, el cine y los teatros.

A lo largo de su carrera actuó en recintos como el Madison Square Garden de Nueva York, el Olympia de París y el Teatro Real de Madrid. También protagonizó películas y programas televisivos, además de publicar discos en español y en otros idiomas.

La trayectoria del artista incluye canciones como “Mi gran noche”, “Como yo te amo”, “Qué sabe nadie”, “En carne viva” y “Estar enamorado”. Su sitio oficial señala que recibió un disco de uranio por superar los 50 millones de copias vendidas y que acumuló 326 discos de oro y 49 de platino.

Con ocho capítulos, Aquel buscará ordenar ese recorrido desde los primeros años de Raphael hasta su madurez artística. El estreno del 9 de octubre en Netflix permitirá conocer el enfoque con que la ficción aborda los momentos privados de una figura cuya voz y repertorio mantienen presencia en varias generaciones.

Una Carrie marcada por el aislamiento y las redes

Esta versión presenta a Carrie como una adolescente que pasó gran parte de su vida aislada en casa junto a su madre, Margaret White, interpretada por Samantha Sloyan. Después de la muerte repentina de su padre, la joven debe ingresar a una escuela pública y relacionarse con otros estudiantes por primera vez.

El cambio de entorno coincide con un escándalo de acoso escolar que se vuelve viral y afecta a toda la comunidad de Chamberlain, el pueblo ficticio donde transcurre la historia. La presión constante de las redes y las agresiones cotidianas acompañan el surgimiento de las habilidades telequinéticas de Carrie, es decir, su capacidad para mover objetos mediante la mente.

El adelanto muestra la relación entre Carrie y Margaret, además de algunos de los momentos más reconocibles del libro. Entre ellos aparecen la coronación de la protagonista durante el baile de graduación, su grito dentro del gimnasio y un incendio posterior. Un avance anterior, presentado en julio durante la Comic-Con de San Diego, ya había anticipado parte de esa secuencia.

Howell consiguió el papel después de un proceso de audiciones en el que participaron más de mil aspirantes. La actriz explicó que su personaje llega a la escuela con deseos de conocer personas y hacer amigos, porque hasta ese momento su contacto con el exterior había estado limitado a sus padres. Su experiencia previa en el terror incluye participaciones en Curse of Chucky, Cult of Chucky y Channel Zero.

Mike Flanagan toma distancia de Brian De Palma

Flanagan explicó que su intención no fue repetir la película de Brian De Palma, estrenada en 1976 y protagonizada por Sissy Spacek y Piper Laurie. Ambas actrices recibieron nominaciones al Oscar por sus interpretaciones. Para el realizador, aquella adaptación es “intocable” y tratar de seguir sus pasos no tenía sentido.

“Carrie fue escrita hace medio siglo. Carrie fue adaptada de manera espectacular por Brian De Palma. Es intocable. No hay razón alguna para intentar seguir esos pasos. El mundo, sin embargo, ha cambiado bastante”, señaló Flanagan durante el panel de la Comic-Con.

La novela original fue publicada en 1974, permaneció 14 semanas en la lista de libros más vendidos de The New York Times y fue traducida a más de 35 idiomas. La historia tuvo otras versiones después de la película de De Palma: Carrie 2: La ira en 1999, una producción televisiva en 2002 y el remake cinematográfico de 2013 dirigido por Kimberly Peirce, con Chloë Grace Moretz y Julianne Moore.

La nueva producción es la primera adaptación concebida como una serie de varios episodios. Para trasladar el conflicto a la actualidad, Flanagan invitó a estudiantes de preparatoria a participar en la sala de guionistas. Los jóvenes describieron situaciones de hostigamiento y microagresiones que pueden sostenerse en el tiempo sin presentarse como ataques directos. Esos testimonios ayudaron a construir el componente escolar y digital de la trama.

El director también definió la escena del baile como “la escena más compleja” que filmó hasta ahora. Aunque el tráiler recupera imágenes conocidas por quienes leyeron el libro o vieron adaptaciones anteriores, Flanagan adelantó que la serie buscará sorprender con su interpretación de Carrie y con una exploración más extensa de lo ocurrido en Chamberlain.

El reparto y los responsables de los episodios

El elenco principal incluye a Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen y Joel Oulette como Tommy Ross. También participan Josie Totah como Tina, Arthur Conti como Billy, Thalia Dudek como Emaline, Amber Midthunder como la señorita Desjardin y Matthew Lillard como el director Grayle.

Thornton explicó que el tono oscuro del programa obligó al reparto a construir una relación de confianza desde el comienzo del rodaje. Según la actriz, era necesario que el set funcionara como un espacio seguro para poder trabajar con el material más sensible de la historia.

El reparto suma a varios colaboradores habituales de Flanagan y otras incorporaciones: Michael Trucco, Crystal Balint, Kate Siegel, Rahul Kohli, Tim Bagley, Heather Graham, Katee Sackhoff y Danielle Klaudt. King participa como productor ejecutivo junto con Flanagan y Trevor Macy, mientras que Amazon MGM Studios está a cargo de la producción.

Flanagan, responsable de Misa de medianoche y La maldición de Hill House, dirigió los episodios 1, 2, 7 y 8. Siegel estuvo detrás del tercero, Axelle Carolyn dirigió el cuarto, Kyra Sedgwick el quinto y Hiromi Kamata el sexto.

El proyecto fue anunciado en octubre de 2024, recibió luz verde de Amazon en abril de 2025 y terminó su producción en octubre de ese mismo año. Prime Video estrenará la temporada completa el 7 de octubre de 2026.

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Those Who Hunt Elves: un portal absurdo directo a los noventa

En la vasta galaxia del anime noventero, lleno de historias épicas, dramas intensos y mundos fantásticos, hubo un lugar especial para la comedia más irreverente y absurda. Those Who Hunt Elves se presentó como una bocanada de aire fresco para quienes necesitaban reírse a carcajadas mientras exploraban universos de magia, tecnología y, por supuesto, el siempre polémico tema de arrancar tatuajes con... cuchillos. Esta serie no solo parodiaba los clichés del anime fantástico, sino que lo hacía con una mezcla de locura y descaro que hoy se mantiene como un verdadero portal hacia la cultura pop de los noventa.

Bienvenidos una vez más a Retrocultura Activa, el lugar donde lo clásico nunca pasa de moda y lo absurdo se convierte en leyenda. Prepárense para viajar en el tiempo y sumergirse en una aventura que solo podía salir de la mente descontrolada de los noventa.

De qué va la locura

Cuando uno piensa en anime de los noventa, la mente suele irse a héroes atormentados, robots gigantes y cyberpunk oscuro. Pero Those Who Hunt Elves llega para recordarnos que esa década también fue un caldo de cultivo para la estupidez más deliciosa y descarada. Estrenada entre 1996 y 1997, esta comedia isekai -aunque mejor decir “portal loco”- dirigida por Kazuyoshi Katayama (Appleseed, The Big O) muestra que los mismos nombres que nos dieron épicas serias sabían cuándo bajarse del pedestal y meterse de lleno en el delirio.

La premisa parece salida de una noche de sake y fideos instantáneos. Tres humanos -una actriz de acción (Junpei Ryuzouji), un fanático de los tanques (Ritsuko Inoue) y una colegiala con alma de karateka (Airi Komiyama)- son transportados accidentalmente a un mundo de fantasía lleno de elfos, magia y monstruos. El problema es que, para volver a Japón, necesitan reunir los fragmentos de un hechizo de retorno... que, por un capricho del guion, se imprimieron en forma de tatuajes invisibles sobre la piel de varias elfas repartidas por todo el reino.

¿Solución? Desvestir a toda elfa que se cruce en el camino, escanearla minuciosamente y seguir la cacería. Así de simple, así de ridículo. Those Who Hunt Elves no intenta disfrazar nada: combina fanservice descarado con comedia y chistes absurdos que rompen la cuarta pared. Es imposible tomarlo en serio, y ahí justamente está la gracia.

Un director fuera de su molde

Kazuyoshi Katayama, que venía de coordinar la seriedad sci-fi de Appleseed, se despacha acá con una burla total a cualquier solemnidad. Años después volvería a su estilo más serio con el noir mecha de The Big O, pero en Those Who Hunt Elves decidió darle rienda suelta a su lado más absurdo. Es como ver a un director de thrillers meterse en una fiesta de carnaval sin disfraz. La animación corre a cargo de Group TAC, un estudio recordado por trabajos tan dispares como Night on the Galactic Railroad y Mister Ajikko. En el guion figura Sho Aikawa, un tipo que un año después ayudaría a dar forma a Fullmetal Alchemist, demostrando que la locura y el genio muchas veces viajan juntos.

La serie no es para todos los públicos de hoy. Hay que aceptarlo: Those Who Hunt Elves funciona dentro del humor de su época, donde el fanservice descarado era moneda corriente y el concepto de “corrección política” brillaba por su ausencia. Pero dentro de ese marco, es notable la creatividad de sus situaciones, con tanques que disparan proyectiles monstruosos, dragones que hacen cameos, aldeanos que se convierten en ejércitos improvisados y, por supuesto, el pobre mundo de los elfos que mira horrorizado cómo esta catarata de absurdos irrumpe porque sí en sus praderas pacíficas.

Uno de los ganchos más memorables es justamente el tanque de Ritsuko. Ella lo trata como un cachorro mimado, lo repara y lo modifica. Cada vez que aparece, destruye media aldea y genera secuencias de acción que parodian películas de guerra y aventuras.

Episodios y momentos imposibles de olvidar

Aunque Those Who Hunt Elves funciona como un gran sketch continuo, lleno de humor absurdo y autorreferencial, hay momentos que quedaron grabados en la memoria de sus seguidores. Por ejemplo, uno de los más celebrados es el episodio donde un dragón milenario, que debería ser una amenaza apocalíptica, termina completamente borracho de sake mientras la banda de humanos improvisa karaokes y banquetes para convencerlo de entregar un fragmento del hechizo. En lugar de una batalla épica, lo que se desata es una resaca monumental para la pobre bestia, demostrando el tono burlón con el que la serie dinamita cada cliché del género.

Otra parada obligatoria es el inolvidable torneo de artes marciales, un guiño descarado a Dragon Ball y todos los animes de peleas shōnen de los ochenta y noventa. Aquí, Airi, la actriz de películas de acción reconvertida en colegiala karateka, demuestra que puede derribar monstruos y golems a puro golpe limpio. Mientras tanto, Junpei, el matón de corazón simple, se mete en problemas cada vez que su obsesión por las mujeres (y su total falta de filtro) lo hace acosar a la pobre presentadora del evento. El resultado es caos, peleas ridículas y una burla descarada a los torneos interminables que dominaban la TV de la época.

La serie también se luce con episodios como el de la rebelión de las elfas. Cansadas de ver a sus tierras invadidas por un tanque, se organizan en una suerte de ejército improvisado. Forman barricadas, entrenan estrategias de guerrilla y juran proteger sus cuerpos -literalmente-, ya que cada fragmento del hechizo está tatuado en la piel de alguna desprevenida elfa. Pero la rebelión no dura demasiado, ya que entre la torpeza general, las discusiones internas y la potencia del tanque, la “gran defensa” se derrumba con más gags que gloria.

Y por supuesto está Celcia, la bruja elfa que desata todo el caos al invocar por error a los tres humanos desde Japón. Celcia se convierte en la desgraciada favorita del show: una hechicera poderosa en teoría, pero que pasa más tiempo desnuda o transformada en gato, perro o pez que practicando magia seria. Sus intentos de detener a los protagonistas suelen terminar en su propia humillación, alimentando uno de los chistes recurrentes más memorables de la serie.

Cada uno de estos episodios y situaciones se encadena con un ritmo vertiginoso, entre cameos de monstruos sacados de manual, referencias a otros animes de fantasía y gags visuales que no tienen miedo de caer en lo absurdo. Es, en el fondo, una carta de amor retorcida y pícara a todos los tropos del género, con el solo objetivo de recordar que la fantasía, a veces, se disfruta más cuando se ríe de sí misma.

Segunda temporada y más allá

El éxito relativo de la primera temporada llevó a una segunda, Those Who Hunt Elves II (1997). Misma fórmula, nuevos países que conquistar y más elfas que desnudar. Sin reinvenciones, el guion redobla la apuesta con enemigos más ridículos y villanos caricaturescos. La animación mejora apenas, pero mantiene el estilo grotesco, con colores chillones y expresiones exageradas que recuerdan a Slayers o Excel Saga.

El manga original de Yu Yagami extendió la historia con más situaciones absurdas, personajes secundarios delirantes y chistes meta que burlaban las limitaciones de la animación. Para los coleccionistas, todavía vale la pena cazar tomos en tiendas de segunda mano o leer scans rescatados por fans.

Doblaje, fansubs y la cultura VHS

En Latinoamérica, Those Who Hunt Elves fue doblado oficialmente al español latino bajo el título Los Cazadores de Duendes, y se emitió principalmente en canales de cable especializados como Locomotion. Aunque no tuvo una difusión masiva en televisión abierta, su doblaje profesional permitió que muchos fans lo descubrieran en esa época.

A la vez, la serie circuló mucho en convenciones de anime, ferias de fanzines y también en versiones subtituladas, grabadas de copias de LaserDisc o VCD japoneses. La combinación de doblaje oficial y fansubs hizo que la serie se mantuviera vigente, pasando de generación en generación.

En la era digital, Los Cazadores de Duendes se puede encontrar completa en plataformas oficiales de streaming y en sitios de fans, además de videos en YouTube, donde conserva su estatus de joyita nostálgica para los amantes del anime de los noventa.

La serie en sí misma sigue siendo valiosa porque es un testimonio de una época donde el anime no necesitaba justificarse ante nadie. No había obsesión por adaptar todo a estándares globales ni filtros para suavizar la locura. Those Who Hunt Elves es una cápsula de libertad creativa, una idea estúpida, estirada sin pudor y ejecutada con un entusiasmo contagioso.

También es un recordatorio de que el isekai -ese género hoy tan saturado- alguna vez pudo ser fresco, descarado y autorreferencial, antes de volverse fórmula repetida. Y, sobre todo, es un festival de comedia física y absurda que se disfruta mejor con amigos o en una maratón nostálgica.

Legado improbable

No vas a encontrar Those Who Hunt Elves en tops de “mejores animes de todos los tiempos”, pero sigue apareciendo en listas de “animes que tenés que ver para entender los noventa”. Su influencia es indirecta: autores de series cómicas actuales citan este tipo de humor como inspiración para burlarse del fanservice o reinventar la fórmula isekai. Si alguna vez te reíste con Konosuba, Excel Saga o Gintama, algo de este ADN descarriado pasó por ahí.

Those Who Hunt Elves no intenta justificarse ni disfrazar su locura. Es grosero, absurdo y, de algún modo, entrañable. En una era donde todo se revisa con lupa, este anime funciona como recordatorio de que a veces es sano reírse de lo que no tiene sentido.

Así que si alguna vez querés revivir la magia caótica de los noventa, buscá un par de episodios, preparate para ver tanques que aplastan castillos de cartón, elfas que corren aterrorizadas y un trío de héroes que jamás pidió ser ejemplo de nada.

Y hasta aquí llegamos, esto fue Retrocultura Activa, donde cada recuerdo raro es un tesoro, y cada tesoro una excusa para seguir rebuscando en la videoteca infinita de la memoria. Nos vemos en la siguiente entrega con un vasito de sake bien servido.

Un cierre más tarde de lo esperado

La decisión descarta un estreno durante la primavera de 2026, la ventana que muchos seguidores daban por segura. Las tres primeras temporadas de la serie derivada se lanzaron con frecuencia anual y durante esa estación, por lo que se esperaba que la cuarta entrega mantuviera el mismo calendario.

La demora deja un período más largo entre el cierre de la tercera temporada y el regreso de Daryl Dixon y Carol Peletier. Los protagonistas continúan atrapados en Europa, donde intentan encontrar una ruta que les permita volver a Estados Unidos y reunirse con sus antiguos compañeros.

El calendario de 2027 resuelve, a la vez, una preocupación dentro del público de la franquicia creada por Robert Kirkman. Ese año podía convertirse en el primero desde el estreno de The Walking Dead, en 2010, sin una nueva temporada de alguna producción televisiva de la saga.

Incluso 2020, cuando la serie principal no presentó una temporada completa, contó con episodios de Fear the Walking Dead. La temporada final de The Walking Dead: Daryl Dixon mantendrá esa continuidad después del cierre de la tercera entrega de The Walking Dead: Dead City.

Qué muestra el primer avance

La historia retomará los acontecimientos posteriores a la tercera temporada. El intento de Daryl y Carol de abandonar Europa en barco terminó cuando Fede, interpretado por Óscar Jaenada, alcanzó la embarcación. La intervención dejó a ambos personajes varados otra vez en el continente y sin una vía clara para regresar a casa.

El teaser indica que el trayecto será todavía más peligroso por el regreso de infectados con capacidades superiores a las de los caminantes convencionales. Estas variantes son presentadas como criaturas más rápidas, fuertes e inteligentes, una combinación que reduce las opciones de escape y obliga a los personajes a cambiar sus estrategias habituales.

Otra novedad es la incorporación de Jimmy Smits como Alejandro Perkins, un oficial de la Marina de Estados Unidos. El personaje aparece saludando a Daryl cuando este despierta visiblemente deteriorado, aunque el avance no explica dónde se encuentran, cómo llegó Perkins hasta allí ni cuál será su papel durante la despedida.

El material promocional tampoco aclara cuántos episodios tendrá la temporada ni qué personajes acompañarán a Daryl y Carol hasta el final. La confirmación principal es que los dos protagonistas seguirán juntos en Europa al comienzo de esta última etapa.

Qué puede pasar después

El final de la serie derivada no garantiza que Daryl desaparezca definitivamente de la franquicia. Reedus lleva más de una década interpretando al experto en ballestas y ha hablado sobre la dificultad emocional de despedirse de su producción, pero los reportes disponibles dejan abierta la posibilidad de que vuelva en otra historia.

Scott M. Gimple, responsable de varias producciones televisivas de la saga, ya trabaja en los próximos proyectos relacionados con The Walking Dead. AMC también ha manifestado su intención de desarrollar nuevas series, mientras circula la posibilidad de una producción conjunta que reúna a personajes procedentes de distintas historias. Ese eventual crossover todavía no cuenta con un anuncio formal, reparto o calendario.

La supervivencia de Daryl y Carol será clave para cualquier regreso posterior. La franquicia suele reservar muertes importantes para sus cierres de temporada, y el avance insiste en que los caminantes modificados serán una amenaza central durante la despedida.

Por ahora, el único dato confirmado para la cuarta y última temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon es su estreno en 2027; AMC+ todavía no informó el día ni el mes.

Un Sam Altman con tono de película de terror

El avance comienza con Altman bajando de un vehículo de lujo y entrando en un espacio que podría ser un templo o un spa exclusivo. El personaje atraviesa el lugar hasta llegar a una sala secreta ubicada debajo del edificio, una presentación que evita el tono habitual de las historias sobre empresarios tecnológicos.

El montaje utiliza recursos cercanos al cine de terror para acompañar el discurso del protagonista. Garfield habla sobre abrir la caja de Pandora, describe el futuro como algo inevitable y sostiene que la inteligencia artificial resolverá los problemas del mundo. La IA es una tecnología capaz de procesar grandes cantidades de información y aprender patrones para generar respuestas, textos, imágenes u otros resultados.

Las frases imitan el lenguaje de las conferencias tecnológicas, pero aparecen rodeadas de imágenes y sonidos amenazantes. El tráiler usa ese contraste para introducir el conflicto alrededor de Altman y la tecnología que ayudó a popularizar mediante ChatGPT, el producto más reconocido de OpenAI.

El reparto incluye a Cooper Hoffman y Monica Barbaro, aunque el adelanto y la información disponible todavía no detallan qué personajes interpretan. Ambos aparecen dentro de una historia centrada en las disputas de poder y las consecuencias personales de la crisis de liderazgo en OpenAI.

El despido y regreso del director de OpenAI

Artificial se enfocará en los días en que Altman fue apartado de su cargo como director ejecutivo y luego recontratado. Ese episodio funciona como núcleo dramático de la película, que abordará la tensión dentro de la organización responsable de ChatGPT en medio del crecimiento comercial de la inteligencia artificial.

La información difundida no presenta al largometraje como una biografía completa. El relato toma un periodo concreto de la trayectoria de Altman: una disputa interna que puso en duda su continuidad al frente de OpenAI y terminó con su regreso al mismo puesto. La película puede concentrar así el conflicto en las decisiones, negociaciones y relaciones que rodearon ese cambio de mando.

El guion fue escrito por Simon Rich, conocido por su trabajo en Saturday Night Live y Pixar. Artificial representa su primera incursión en el drama, tras una carrera vinculada principalmente con la comedia. Guadagnino dirige el proyecto y construye una puesta en escena que, al menos en el tráiler, se aleja de una recreación corporativa convencional.

La película también llega en un momento de fuertes inversiones en inteligencia artificial. Empresas tecnológicas, gobiernos y otros actores destinan grandes sumas al desarrollo de modelos capaces de automatizar tareas, producir contenido y asistir en distintos oficios. Artificial coloca el foco en una de las figuras más visibles de ese proceso y en la inestabilidad que atravesó su propia organización.

De Amazon a un estreno bajo el sello de Neon

El proyecto estaba pensado inicialmente para estrenarse mediante Amazon, pero el estudio lo descartó de forma repentina. Otros grandes estudios también rechazaron distribuirlo antes de que Neon adquiriera la película y lanzara su primera campaña pública.

El cambio de distribuidora quedó rodeado por una coincidencia relevante: en junio, Amazon anunció una inversión de 50.000 millones de dólares en OpenAI, según la información citada por las fuentes. La cifra era mil veces superior al presupuesto atribuido a Artificial. Sin embargo, no se comunicó oficialmente que esa relación comercial fuera la causa de la salida de la película, por lo que cualquier vínculo directo entre ambos hechos sigue sin confirmación.

Neon quedó a cargo de la distribución mundial, aunque la disponibilidad concreta todavía varía según el territorio. En Estados Unidos tendrá una exhibición limitada en salas durante Navidad.

Artificial se estrenará en una selección de cines estadounidenses el 25 de diciembre; por ahora, Neon no informó cuándo ampliará su lanzamiento a más países.

Una catástrofe causada por su supuesto salvador

La historia tiene como protagonista a Digger Rockwell, uno de los magnates más poderosos del mundo. El personaje ignora una advertencia crítica relacionada con uno de sus oleoductos y termina provocando una crisis ecológica de alcance global.

En lugar de asumir un lugar secundario durante la emergencia, Rockwell inicia una misión internacional para convencer a la opinión pública de que puede salvar a la humanidad. La contradicción sostiene la premisa de la película: el hombre que busca presentarse como la solución es el responsable directo del desastre.

La sinopsis describe ese recorrido como frenético y caótico, dentro de un relato planteado como comedia oscura. Este género utiliza situaciones graves o incómodas con una mirada satírica, en este caso aplicada al poder económico, la imagen pública y la necesidad del protagonista de controlar cómo es percibido durante una crisis.

El tráiler final también permite ver la transformación de Cruise para interpretar al magnate. Warner Bros. ha colocado ese cambio de registro en el centro de la promoción, después de una etapa dominada por producciones de acción como Misión Imposible: Sentencia final y Top Gun: Maverick. Su filmografía reciente también incluye Barry Seal: El traficante, estrenada antes de ese prolongado período enfocado en grandes películas de acción.

El equipo creativo y el reparto de Digger

Iñárritu coescribió el guion junto con Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman. Dinelaris aparece acreditado en Carmen, Giacobone en Fiesta en la madriguera y Berman en Gloria.

Digger es el nuevo largometraje del director de Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia), El renacido y Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades. Birdman obtuvo el Óscar a mejor película correspondiente a 2014, mientras que El renacido recibió premios de la Academia por dirección, actor principal y fotografía.

Cruise encabeza un reparto amplio. La película también cuenta con Sandra Hüller, John Goodman, Riz Ahmed, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons, Sophie Wilde y Robert John Burke, entre otros intérpretes.

La combinación reúne actores procedentes de dramas, thrillers, comedias y producciones de televisión. Hüller llega después de participar en Proyecto Salvación; Ahmed formó parte de La trama fenicia; Plemons apareció en Civil War; Wilde integró el elenco de Babygirl; y Burke tuvo presencia en The Last of Us.

El cambio de registro de Tom Cruise

Digger encuentra a Cruise en un terreno diferente al de sus trabajos más recientes. Durante los últimos años, el actor estuvo asociado principalmente con Ethan Hunt y con producciones construidas alrededor de persecuciones, vuelos y escenas de riesgo realizadas frente a cámara. Aquí interpreta a un empresario responsable de una emergencia ambiental, dentro de una sátira centrada en su intento de fabricar una imagen heroica.

El tráiler final funciona como la presentación más completa de esa premisa antes del lanzamiento. El adelanto concentra la promoción en el comportamiento de Rockwell, su recorrido internacional y el contraste entre la gravedad de la crisis y su convencimiento de ser el único capaz de resolverla.

Un romance dentro de un misterio mortal

La historia sigue a Tate Gordon, un arquitecto solitario que se muda a un pequeño pueblo costero para terminar su último proyecto. Su rutina cambia cuando conoce a una joven que consigue sacarlo de su aislamiento, aunque esa relación termina arrastrándolo hacia un misterio mortal que amenaza a la comunidad.

Phoebe Dynevor interpreta a la coprotagonista vinculada con ese enigma. La información difundida hasta el momento evita precisar quién es realmente su personaje y qué peligro rodea al pueblo. El teaser mantiene esa incertidumbre y deja abierta la posibilidad de que la relación entre ambos personajes oculte un componente sobrenatural.

Esa falta de respuestas forma parte central de la presentación. La sinopsis establece el vínculo romántico, el traslado de Tate y la amenaza, pero reserva la naturaleza del conflicto. Tampoco explica qué sucede con el proyecto arquitectónico que lleva al protagonista hasta el lugar ni por qué el misterio parece concentrarse alrededor de la joven.

La colaboración entre Shyamalan y Sparks

La película reúne a dos autores asociados con géneros diferentes. Shyamalan es conocido por relatos de suspenso construidos alrededor de secretos y revelaciones, entre ellos Sexto sentido. Sparks escribió historias románticas como Diario de una pasión, centradas en relaciones marcadas por conflictos emocionales y circunstancias adversas.

Nunca olvides que te quiero cruza esas trayectorias en una misma premisa: un romance que comienza como la oportunidad de abandonar la soledad y deriva en una amenaza. La colaboración explica que el primer avance presente la relación como motor de la historia, pero oculte la información necesaria para determinar qué es real y qué papel cumple el componente sobrenatural.

El proyecto llega después de otros estrenos recientes que combinaron romance, terror y suspenso, como Heart Eyes y Companion. En este caso, la película utiliza la cercanía con San Valentín como parte de su lanzamiento, aunque el relato se aleja de la estructura de un romance convencional mediante el misterio que rodea a sus protagonistas.

Reparto y estreno confirmado

Junto con Gyllenhaal y Dynevor, el elenco incluye a Ashley Walters, Julie Hagerty y Jay O. Sanders. Warner Bros. Pictures todavía no detalló los personajes que interpretarán ni la relación que tendrán con Tate, la joven o los habitantes del pueblo costero.

Gyllenhaal ocupa el centro de la historia como un hombre aislado que llega a una comunidad desconocida por razones laborales. Dynevor encarna a la figura que modifica su vida y lo acerca al peligro, aunque el material promocional evita confirmar si ella es una víctima, una amenaza o una pieza intermedia del misterio.

La fecha anunciada es el 14 de febrero de 2027. Hasta ahora no se comunicaron diferencias de calendario entre territorios ni una plataforma para su lanzamiento posterior.

Una nueva catástrofe para la familia Shikishima

La secuela continuará el relato de Koichi y Noriko Shikishima después de los acontecimientos de la película estrenada en 2023. El avance conserva un estilo visual cercano al de la entrega anterior y vuelve a situar el conflicto dentro de un Japón que todavía atraviesa las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial.

Kamiki regresa como Koichi Shikishima, el hombre que consiguió enfrentarse al terror de Godzilla durante el primer ataque. Hamabe interpreta otra vez a Noriko Shikishima, quien sobrevivió de manera milagrosa a la destrucción de Tokio. Ahora, la familia deberá responder a una nueva catástrofe cuya escala y origen todavía no fueron explicados.

El salto temporal hasta 1949 permite mostrar qué ocurrió con los sobrevivientes durante los dos años posteriores. La primera película utilizó la devastación de la posguerra como parte central de su historia: Japón ya se encontraba destruido antes de la llegada del monstruo, por lo que su ataque llevaba al país a un punto todavía más bajo. El título Minus Zero continúa esa idea de descenso, aunque el tráiler evita revelar cuál será la nueva amenaza.

La información difundida hasta ahora tampoco aclara cómo regresará Godzilla después del enfrentamiento anterior. El avance prioriza las imágenes de desastre, las reacciones de los personajes y un cierre diseñado para abrir interrogantes sobre otra criatura.

El reparto original vuelve para la secuela

Hidetaka Yoshioka retoma el papel de Kenji Noda, quien ahora trabaja como director de la Oficina de Respuesta a Desastres. Su nuevo cargo indica que la amenaza será abordada mediante una estructura oficial, a diferencia de la respuesta improvisada que reunió a civiles y ex integrantes de las fuerzas armadas en la película anterior.

Yuki Yamada vuelve como Shiro Mizushima, mientras que Kuranosuke Sasaki interpreta nuevamente a Seiji Akitsu, capitán del Shinseimaru. Ambos formaron parte del grupo que enfrentó a Godzilla y regresan para lidiar con las consecuencias del ataque.

El elenco incluye otra vez a Sakura Ando como Sumiko Ota, vecina de los Shikishima y actual responsable de un orfanato. Miou Tanaka reaparece como Tatsuo Hotta, antiguo capitán del destructor Yukikaze. La presencia del mismo grupo confirma que la película seguirá directamente sus historias, en lugar de trasladar la acción a una época distinta con protagonistas nuevos.

El tráiler, sin embargo, reserva la mayor parte de los detalles narrativos. No explica qué cambió en la vida cotidiana de Koichi y Noriko, cuál será la función de la Oficina de Respuesta a Desastres ni qué obliga a reunir nuevamente a los sobrevivientes del primer ataque.

IMAX y las pistas sobre otra criatura

Godzilla Minus Zero fue filmada con cámaras IMAX, una novedad dentro de las películas protagonizadas por Godzilla. IMAX es un formato de filmación y exhibición pensado para ofrecer imágenes de mayor escala en salas equipadas con pantallas y sistemas de proyección específicos. En este caso, las cámaras formaron parte del rodaje y no únicamente de la preparación de una versión para esas salas.

La decisión llega después del fuerte desempeño comercial y el reconocimiento obtenido por Godzilla Minus One. La entrega de 2023 recibió premios y amplió su alcance internacional, pero las fuentes no incluyen cifras de presupuesto, recaudación ni detalles sobre la cantidad de salas previstas para la continuación.

La incógnita principal del avance aparece en sus segundos finales. Un chillido diferente y una serie de relámpagos sugieren que otra criatura podría enfrentarse a Gojira, aunque Toho todavía no confirmó la identidad de un segundo monstruo ni reveló imágenes claras de ese posible rival.

Esa pista mantiene abierto el conflicto central: Godzilla podría regresar como la amenaza principal o quedar involucrado en un choque con otra criatura. La respuesta llegará primero a los cines japoneses el 3 de noviembre y tres días después al mercado internacional.

La producción llegará primero a TNT con un episodio por semana y, desde el 19 de septiembre, podrá verse completa en Flow. Dirigida por Paula Hernández y Jazmín Stuart, la serie se apoya en un thriller psicológico para abordar un tema sensible: la vulneración de derechos humanos en ámbitos de fe y aislamiento.

La historia parte de una joven que entra a un convento y queda sometida durante 15 años

La trama se centra en Clara, interpretada por Carolina Kopelioff, una joven de 18 años que abraza la vocación religiosa y decide ingresar a un convento de clausura. Lo que aparece como una salida espiritual y personal frente a un contexto familiar conflictivo se transforma en una experiencia extrema. Dentro de ese mundo cerrado, la madre superiora Cecilia, a cargo de Lorena Vega, impone un régimen de castigos, maltratos y control.

La serie reconstruye el derrotero de Clara a lo largo de tres líneas temporales: su ingreso al convento, los años de abuso padecidos dentro de la institución y el proceso posterior a la fuga. Ese esquema narrativo permite seguir tanto el deterioro físico y psicológico de la protagonista como el inicio de una recuperación atravesada por su entorno familiar y por la necesidad de denunciar.

El convento aparece como un espacio de encierro en pleno siglo XXI

Uno de los ejes centrales de Cautiva es el contraste entre la vida contemporánea y la persistencia de prácticas que remiten a otro tiempo. La serie sitúa esa tensión en un convento de clausura presentado como un universo hermético, con reglas propias y una lógica de obediencia extrema.

Según adelantó el equipo artístico, la intención fue construir ese mundo con sobriedad y sin caer en una representación exagerada. La historia busca explorar la intimidad de una institución poco visible para el público, a partir de una ficción inspirada en hechos reales pero desarrollada desde una mirada dramática y narrativa.

Un elenco amplio acompaña a Kopelioff y Vega

Además de sus dos protagonistas, el elenco reúne a Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Valeria Lois, Tomás Wicz, Rochi Hernández, Lautaro Bettoni y Evitta Luna. También participan de manera especial Justina Bustos y Luis Ziembrowski.

Zylberberg interpreta a una periodista que recibe una denuncia anónima sobre lo que ocurre dentro del convento y decide investigar. Ese personaje funciona como uno de los nexos entre el encierro de Clara y el mundo exterior, al tiempo que empuja la dimensión judicial y pública del caso.

Los guiones fueron escritos por Paula Hernández, Leonel D’Agostino y Pablo Lago, con producción ejecutiva de Victoria Aizenstat y Mauro Guevara, y producción general de Aleph Cine.

La serie retoma un caso real que conmocionó al país

El punto de partida de Cautiva remite a una denuncia conocida en la Argentina en 2016, cuando salió a la luz el caso de una religiosa que acusó a las autoridades de un convento de Nogoyá, en Entre Ríos, por encierros, humillaciones y distintos castigos físicos y psicológicos.

Con ese antecedente, la ficción se propone trabajar sobre la opresión religiosa, los mecanismos de sometimiento y las dificultades para romper el silencio en estructuras cerradas. El equipo aclaró que no se trata de una reconstrucción literal, sino de una obra de ficción inspirada en ese universo y elaborada a partir de personajes y situaciones dramáticas propias.

TNT y Flow refuerzan su apuesta por la ficción local

Con este estreno, TNT y Flow suman un nuevo título a su estrategia de producción argentina original. Cautiva se incorpora a una oferta que en los últimos años incluyó otras ficciones locales y busca ampliar el alcance de historias con identidad propia, sostenidas por elencos reconocidos y realizadores del medio local.

El estreno será el 18 de septiembre en TNT y la temporada completa quedará disponible desde el 19 de septiembre en Flow. A lo largo de seis episodios, la serie seguirá el camino de una mujer que intenta reconstruirse después del encierro y llevar su historia a la Justicia.

Con fecha de lanzamiento global confirmada para el 18 de diciembre de 2026, la producción llegará a la plataforma tras su premiere mundial en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde tendrá su primera exhibición pública antes del debut en streaming.

Ambientada en el después de la tragedia, Más allá de la sociedad retoma el relato allí donde concluyó La sociedad de la nieve y propone una reconstrucción de los años posteriores al accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, ocurrido el 13 de octubre de 1972 en la cordillera de los Andes.

La serie se concentra en el regreso a casa y en las secuelas de la tragedia

La nueva serie documental, de tres episodios, se centra en lo que ocurrió cuando los sobrevivientes volvieron a sus hogares y debieron reencontrarse con las familias de quienes murieron en el accidente. El eje está puesto en la pregunta sobre cómo se reconstruye una vida después de una experiencia de esa magnitud.

Según la información difundida sobre el proyecto, el documental reúne por primera vez los testimonios de los sobrevivientes, de los familiares de las víctimas, y también de figuras que participaron en la construcción pública de esta historia a través de libros y películas.

J.A. Bayona vuelve al universo del vuelo 571 junto a Carlos Torres

La serie fue creada por J.A. Bayona y Carlos Torres, con dirección de Torres y producción de Bayona, Sandra Hermida y Belén Atienza. El proyecto surge después del recorrido internacional de La sociedad de la nieve, la película que se estrenó en el Festival de Venecia, obtuvo 12 premios Goya y recibió dos nominaciones al Oscar, incluida la de mejor película internacional.

En esta oportunidad, la propuesta se desplaza del hecho ya narrado en la ficción hacia sus consecuencias humanas, familiares y sociales. El documental se presenta así como una ampliación del universo de aquella película, pero con una mirada puesta en las décadas posteriores al rescate.

Los testimonios incluyen a sobrevivientes, familiares, escritores y cineastas

Entre las voces que participan en la serie aparecen los sobrevivientes del accidente, los familiares de quienes no volvieron, y los escritores Piers Paul Read, autor de Viven, y Pablo Vierci, autor de La sociedad de la nieve. También intervienen cineastas que llevaron esta historia a la pantalla, entre ellos Frank Marshall, director de Viven, y el propio Bayona.

Uno de los elementos centrales del proyecto es el cruce entre experiencia real y representación audiovisual. Gran parte del elenco de La sociedad de la nieve viaja al lugar del accidente, en el llamado Valle de las Lágrimas, para participar de un encuentro planteado por la producción como un puente entre los protagonistas de la tragedia y quienes los interpretaron en la ficción.

El relato recorre cinco décadas marcadas por el impacto mundial del caso

A partir de ese regreso al escenario del accidente, la serie recorre más de 50 años atravesados por el peso de lo ocurrido. La producción revisa cómo aquel episodio se convirtió en un fenómeno de alcance internacional que dio origen a libros, películas y documentales, y cómo esa exposición pública convivió con el silencio de muchos de sus protagonistas.

El accidente del vuelo 571 dejó 16 sobrevivientes entre los 40 pasajeros que viajaban a bordo. Todos ellos pasaron 72 días en la nieve antes de ser rescatados, en uno de los episodios más conocidos de la historia contemporánea de la región.

La premiere en San Sebastián precederá al estreno global en la plataforma

Antes de su llegada al catálogo de Netflix, Más allá de la sociedad tendrá su premiere global en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, un paso que vuelve a vincular este universo narrativo con el circuito de festivales en el que ya había tenido presencia La sociedad de la nieve.

El estreno mundial de la serie está previsto para el 18 de diciembre, fecha con la que la plataforma volverá a poner en primer plano una historia que, más de medio siglo después de la tragedia de los Andes, sigue abriendo nuevas preguntas sobre la memoria, el duelo y la reconstrucción personal.

Una misión convertida en supervivencia

La historia comienza durante la contraofensiva alemana en las Ardenas, la última gran operación ofensiva de Alemania en el frente occidental. Castle lidera un pelotón enviado para frenar el avance enemigo, pero el plan termina en una emboscada. Las fuerzas alemanas eliminan al resto de sus hombres y lo dejan aislado en territorio hostil.

Sin apoyo directo y perseguido por soldados alemanes y fuerzas de las SS, el capitán debe moverse entre bosques nevados mientras busca una ruta de regreso. El conflicto queda concentrado en un único combatiente, lejos de las grandes formaciones militares que suelen ocupar el centro de las producciones sobre la II Guerra Mundial.

Su herramienta principal es una radio Motorola SCR-300, un equipo portátil de comunicación militar que le permite mantener contacto con el cuartel general. El dispositivo, presentado como una tecnología experimental para la época, representa su único vínculo con las fuerzas aliadas mientras intenta eludir patrullas y detener el avance de tanques Panzer.

El tráiler muestra disparos, explosiones y persecuciones, pero dedica buena parte de sus imágenes al aislamiento de Castle. La nieve, el barro, el humo y el silencio acompañan sus movimientos por el bosque. La amenaza no surge únicamente del combate: el frío, el agotamiento físico y la posibilidad de ser localizado cada vez que usa la radio también condicionan sus decisiones.

Según la información difundida sobre la película, el relato está inspirado en hechos reales. Su punto de partida utiliza el contexto de la batalla de las Ardenas para construir una historia contenida, centrada en la resistencia de un soldado y en los recursos limitados que tiene para completar su misión.

Rod Lurie retoma el cine militar

Rod Lurie dirige la película y firma el guion junto con Marc Frydman, quien también participa como productor. Ambos habían trabajado en The Outpost, otra producción militar protagonizada por Eastwood y centrada en soldados atrapados ante una fuerza superior.

El nuevo proyecto vuelve a reunir a parte de aquel equipo creativo, aunque traslada la acción desde un conflicto contemporáneo hasta Europa durante la II Guerra Mundial. Las primeras imágenes mantienen el interés de Lurie por el combate físico y los personajes sometidos a situaciones de aislamiento extremo.

El director resumió el eje del relato con una pregunta: “No cómo sobrevivimos, sino por qué sobrevivimos”. Esa idea desplaza parte del peso narrativo desde la misión militar hacia el desgaste psicológico de Castle, quien necesita improvisar mientras decide cuánto riesgo asumir para comunicarse con sus superiores y continuar avanzando.

La fotografía fría y los escenarios cubiertos de nieve ayudan a delimitar el espacio en el que transcurre la persecución. El avance evita presentar a Castle como un combatiente invulnerable: aparece herido, exhausto y obligado a esconderse mientras las patrullas enemigas estrechan la búsqueda.

La escala reducida también separa a Lucky Strike de las películas bélicas construidas alrededor de varias unidades, frentes simultáneos y extensas secuencias de batalla. Aquí, la información que llega por radio y lo que Castle puede observar desde su posición determinan cuánto conoce el espectador sobre el avance alemán.

Colin Hanks acompaña a Scott Eastwood

Colin Hanks y Aunjanue Ellis-Taylor acompañan a Eastwood en el reparto, que también incluye a Taylor John Smith, Lorne MacFadyen, Patrick Millin, Daniel Ray Rodriguez, Atanas Srebrev, Jonathan Yunger, Reomy D Mpeho, Alfie Stewart y Caroline Piette. Aunque el primer tráiler concentra la atención en Castle, estos personajes forman parte del entorno militar que rodea su misión.

La participación de Eastwood y Hanks añade una conexión familiar con producciones anteriores sobre el mismo conflicto. Scott Eastwood trabajó bajo la dirección de su padre, Clint Eastwood, en Banderas de nuestros padres, película dedicada a la batalla de Iwo Jima. Colin Hanks apareció en Hermanos de sangre, la miniserie producida por su padre, Tom Hanks, junto con Steven Spielberg.

Lucky Strike convierte así a los hijos de dos figuras ligadas al cine bélico en protagonistas de otra historia sobre la II Guerra Mundial. En este caso, el foco está puesto en la batalla de las Ardenas y en un capitán que depende de una radio, su capacidad para ocultarse y las instrucciones recibidas a distancia.

La guerra entre el Silo 18 y el Silo 1

La nueva temporada retomará la historia tras el intento de los habitantes del Silo 18 por evitar la salvaguarda, el mecanismo preparado para eliminar amenazas contra el sistema. Aunque todavía no existe una sinopsis oficial completa, el final anterior dejó planteada una guerra contra el Silo 1, desde donde operan quienes administran y protegen la estructura creada por los Fundadores.

Juliette, Camille y Sims deciden pasar a la ofensiva y revelarles a sus vecinos la verdad que descubrieron. El primer adelanto muestra parte de ese movimiento, que amenaza el control de la información ejercido durante generaciones. La reacción del Silo 1 será central, ya que sus responsables han demostrado que están dispuestos a eliminar comunidades enteras cuando consideran que existe un riesgo para el sistema.

Los episodios también continuarán explorando el pasado y las circunstancias que llevaron al fin del mundo. Entre las preguntas pendientes aparecen el destino de Helen, la transformación de Daniel en Troy y el funcionamiento cotidiano del Silo 1.

Troy tendrá que reconstruir su identidad y averiguar quién fue Helen. La pista surgió cuando Victor le transmitió esa información antes de suicidarse. Esta línea temporal permitirá conectar las decisiones tomadas durante la creación de los refugios con la rebelión encabezada por Juliette en el presente.

El reparto y un rodaje completado

Rebecca Ferguson seguirá al frente del elenco. Junto a ella regresarán Common, Harriet Walker, Avi Nash, Rick Gomez, Chinaza Uche, Shane McRae, Alexandria Riley, Ashley Zukerman, Jessica Henwick, Reed Birney, Laura Innes, Jessica Brown Findlay, Morven Christie y Colin Hanks, entre otros integrantes de las temporadas anteriores.

La participación de Tim Robbins no está prevista después de los acontecimientos recientes, aunque la estructura narrativa todavía permitiría una aparición mediante escenas del pasado. El regreso de Matt Craven como Victor resulta más probable porque la cuarta temporada seguirá investigando el origen de los silos y las primeras decisiones de sus responsables.

El rodaje ya terminó. Apple Studios filmó las temporadas tercera y cuarta de manera consecutiva, una decisión que redujo la espera entre ambas entregas y permitió completar la fotografía principal antes del estreno del tramo anterior. La producción de los capítulos finales se extendió desde agosto de 2025 hasta marzo de 2026. El trabajo restante corresponde a la edición y los efectos visuales.

Graham Yost, creador y guionista de la serie, continúa al frente del proyecto. El equipo de productores incluye a Michael Dinner, Nina Jack, Joanna Thapa, Rebecca Ferguson, Morten Tyldum, Hugh Howey, Amber Templemore, Fred Golan y Rémi Aubuchon.

Qué está en juego en la temporada final

Silo transcurre en un futuro aparentemente postapocalíptico. Cerca de 10.000 personas viven dentro de una estructura subterránea de 144 niveles porque el exterior es presentado como un territorio tóxico e inhabitable. Sus habitantes siguen reglas estrictas que, según las autoridades, existen para asegurar la supervivencia de la comunidad.

La sociedad del refugio está dividida entre departamentos técnicos, cuerpos de seguridad y autoridades políticas. La distribución vertical también crea diferencias económicas y culturales entre los niveles. Juliette comienza la historia como una ingeniera encargada de los generadores ubicados en las zonas inferiores, pero varias muertes sospechosas la llevan a cuestionar la versión oficial sobre el exterior y el origen de la estructura.

Las investigaciones de Juliette revelan que parte de la historia fue ocultada durante décadas y que cualquier desafío al sistema recibe una respuesta severa. La temporada final deberá conectar esas revelaciones con la creación de los refugios, la identidad de Troy y la ofensiva del Silo 18.

Apple TV programó el primero de los diez episodios finales para el 9 de julio de 2027.

Netflix inició en Praga el rodaje de su serie basada en The Secret of Secrets, la novela de Dan Brown, y publicó la primera imagen de Morgan Spector como Robert Langdon. La fotografía también presenta a Rebecca Hall en el papel de Katherine Solomon, personaje central del nuevo misterio. La producción todavía no tiene fecha de estreno ni título definitivo confirmado.

Un nuevo rostro para Robert Langdon

Spector toma un personaje asociado durante dos décadas con Tom Hanks, quien interpretó al profesor de simbología de Harvard en las películas El código Da Vinci, Ángeles y demonios e Inferno. Las tres fueron dirigidas por Ron Howard, aunque llegaron al cine en un orden diferente al de la publicación de las novelas: El código Da Vinci se estrenó en 2006 antes que Ángeles y demonios, pese a que ese libro había aparecido primero.

La próxima adaptación trasladará los acertijos y conspiraciones de Langdon al formato de serie. Esa estructura ofrece más tiempo para desarrollar las investigaciones, las conexiones históricas y las pistas que suelen organizar las historias de Brown, en lugar de concentrarlas dentro de la duración de una película.

Este tampoco será el primer cambio de actor del personaje. Ashley Zukerman interpretó una versión más joven del profesor en The Lost Symbol, producción de Peacock basada en la novela conocida en español como El símbolo perdido. La serie quedó inconclusa después de una temporada.

Netflix vuelve a comenzar con otra etapa de la vida del protagonista y sin adaptar nuevamente El código Da Vinci como presentación. Spector deberá encarnar a una versión reconocible de Langdon sin reproducir la interpretación de Hanks, mientras la plataforma intenta separar su serie de las películas previas.

Un misterio sobre la conciencia humana

La historia llevará a Langdon a la República Checa, donde deberá rescatar a una científica desaparecida y recuperar un manuscrito con descubrimientos capaces de alterar la comprensión de la mente humana. La investigación también lo enfrentará con un grupo dispuesto a impedir que esos hallazgos sean publicados y con fuerzas antiguas vinculadas al secreto.

Katherine Solomon, interpretada por Hall, es la científica que ocupa el centro de la trama y la pareja de Langdon. Su aparición junto al protagonista en la primera fotografía señala la relación sobre la que avanzará buena parte de la adaptación.

La descripción difundida por Netflix combina ciencia futurista, tradición mística, suspenso e intriga internacional. El componente científico cambia el eje habitual de las aventuras del personaje, frecuentemente construidas alrededor de secretos religiosos, sociedades ocultas, obras de arte y episodios históricos. Esta vez, el conflicto examinará el punto de encuentro entre las explicaciones espirituales y una investigación sobre la conciencia.

The Secret of Secrets es la novela más reciente protagonizada por Langdon. Tras esta adaptación, Origen quedaría como el único libro principal del personaje sin una versión audiovisual. Esa historia comienza en el Museo Guggenheim de Bilbao, pero Netflix no anunció planes para producirla ni confirmó posibles continuaciones.

El reparto y los responsables de la serie

Spector y Hall encabezarán un reparto regular que incluye a Cherry Jones como Heide Nagel, Corey Stoll como Everett Finch, Rob Delaney como Jonas Faukman y Abbey Lee como Sasha Vesna. La producción confirmó más incorporaciones coincidiendo con el comienzo de la filmación.

Mamadou Athie tendrá una participación recurrente como Michael Harris y Ben Levi Ross interpretará a Alex Conan. También se sumaron Anamaria Marinca como la doctora Gessner, Richard Sammel como Karl Muller y Elena Saurel como Susan Housemore. Sammel llega al proyecto después de participar en Andor.

Brown y Carlton Cuse son cocreadores y productores ejecutivos de la adaptación. Cuse también trabajará como guionista y showrunner, el responsable creativo que coordina el desarrollo general de una serie. Su trayectoria televisiva incluye Lost, Bates Motel y Jack Ryan, tres producciones con elementos de misterio, suspenso y narraciones continuadas entre episodios.

Emma Forman, Zoe Robyn y Genre Arts completan el equipo de producción anunciado. La participación directa de Brown diferencia esta versión de las anteriores y lo coloca dentro del grupo que decidirá cómo trasladar la novela a la pantalla.

Netflix encargó la serie directamente en mayo de 2025, sin pasar por la producción previa de un episodio piloto. Con las cámaras ya activas en Praga, el proyecto deberá completar el rodaje y su posterior etapa de posproducción antes de llegar al catálogo. La plataforma todavía no comunicó cuántos episodios tendrá ni cuándo se estrenará.

Prime Video canceló Spider-Noir, la serie de acción real protagonizada por Nicolas Cage, después de una única temporada de ocho episodios. La decisión fue reportada en septiembre de 2026 por Deadline y Variety, aunque el servicio todavía no comunicó públicamente los motivos ni difundió cifras de audiencia que permitan medir el rendimiento del programa.

Una cancelación después de 11 nominaciones

La decisión llega en un momento particular para Spider-Noir. La serie obtuvo 11 nominaciones a los Premios Emmy, todas dentro de categorías técnicas, y fue la producción de Prime Video con más candidaturas en esa edición. También quedó como la séptima serie más nominada de toda la ceremonia.

Entre los apartados reconocidos aparecen diseño de producción, edición y mezcla de sonido, efectos visuales y dirección de fotografía. Las nominaciones resaltan varios de los elementos que definieron la presentación de la serie, basada en una estética noir y una puesta en escena inspirada en el cómic y el arte pop.

La recepción registrada por Rotten Tomatoes también fue favorable: el 92 % de las reseñas de la crítica profesional resultaron positivas, mientras que la aprobación del público llegó al 90 %. Esos porcentajes miden valoraciones, no cantidad de espectadores, por lo que no permiten determinar cuántas personas completaron los episodios o si la audiencia alcanzó los objetivos internos de Prime Video.

La plataforma no informó el presupuesto de la producción, sus cifras de reproducción ni el nivel de permanencia de los suscriptores que la vieron. La falta de esos datos deja abierta la principal pregunta detrás de la cancelación: cómo una serie con buena recepción y numerosas nominaciones terminó sin una segunda temporada.

Nicolas Cage considera suficiente una temporada

Cage respondió brevemente a la noticia y presentó la primera temporada como una historia completa para su versión del personaje. “Para mí, una temporada es perfecta, ya que he dicho lo que quería decir con este Spider-Man peligroso, innovador y de estilo pop art. Hacia adelante, hacia arriba, hacia dentro”, declaró el actor.

Su comentario descarta, al menos desde su perspectiva, que la cancelación haya dejado pendiente lo que buscaba expresar con el protagonista. El actor interpretó una versión noir del héroe, con un tono detectivesco y una ambientación que se aleja de las adaptaciones contemporáneas más conocidas del personaje.

La serie fue una producción de Oren Uziel y Steve Lightfoot. Su primera y ahora única temporada quedó compuesta por ocho capítulos. Al momento de anunciarse la cancelación, todavía faltaba conocer si alguna de sus 11 candidaturas se convertiría en premio durante la ceremonia de los Emmy de ese fin de semana.

El caso genera una diferencia clara entre reconocimiento y continuidad. Las buenas reseñas y las nominaciones técnicas favorecieron su presencia en la temporada de premios, pero esos resultados no garantizaron la renovación. Prime Video tampoco indicó si evaluó reducir costos, modificar el formato o continuar la historia mediante otro proyecto.

Prime Video seguirá utilizando personajes de Marvel

El final de Spider-Noir no implica que Prime Video abandone los personajes de Marvel licenciados por Sony. El servicio tiene varios proyectos en desarrollo basados en otras figuras de ese catálogo.

El reporte no identifica a los personajes elegidos ni detalla equipos creativos, repartos o posibles fechas de estreno. Sí señala que uno de esos proyectos está cerca de recibir un encargo formal de serie, es decir, la aprobación necesaria para pasar del desarrollo a la producción de una temporada.

Por ahora, Prime Video no confirmó cuál será ese próximo título ni aclaró si tendrá conexiones narrativas con Spider-Noir. La única información concreta es que la serie de Cage terminará con sus ocho episodios y que otro proyecto basado en personajes de Marvel licenciados por Sony se encuentra próximo a obtener luz verde.

El anuncio se realizó durante el evento Prime Video Presents Latin America, donde la plataforma mostró las primeras imágenes de su nueva serie Original chilena. La ficción adapta uno de los títulos más conocidos de Piñeiro y se inscribe en la estrategia de Prime Video de llevar a la pantalla obras de la literatura latinoamericana.

La historia vuelve sobre un crimen ocurrido en 1986

La trama de Catedrales se mueve entre dos tiempos. En 1986, Ana, la hija menor de la familia Sardá, aparece asesinada, desmembrada y quemada en un terreno baldío. El caso queda cerrado sin responsables y la familia sigue adelante marcada por una ausencia que nadie logra procesar de la misma manera.

Treinta años después, en 2018, Lía regresa a Santiago de Chile para acompañar a su padre en sus últimos días. El pedido del hombre reabre una herida que nunca terminó de cerrar: saber qué ocurrió realmente con Ana. Desde ese punto, la serie reconstruye una red de silencios, culpas y omisiones que compromete a todo el entorno familiar.

El relato pone en primer plano la fe, el encierro y los vínculos rotos

La adaptación retoma el núcleo de la novela de Claudia Piñeiro y lo organiza como un thriller dramático atravesado por el extremismo religioso, un amor prohibido y una trama de mentiras. La investigación sobre el asesinato funciona como motor narrativo, pero el conflicto central se apoya en la descomposición interna de una familia que eligió callar.

Ese cruce entre crimen, religión y memoria personal aparece como uno de los ejes de la serie. La historia no solo sigue la búsqueda de una verdad judicial que nunca apareció, sino también el impacto que ese vacío dejó en los vínculos entre padres, hijas y hermanos.

Alfredo Castro, Paulina García e Ignacia Baeza encabezan el elenco

El reparto está liderado por Alfredo Castro, que interpreta a Adolfo, y Paulina García, en el papel de Dolores. También participan Octavia Bernasconi como Ana, Ignacia Baeza y Vivianne Dietz como Lía en distintas etapas de su vida, además de Amparo Noguera y Paula Luschinger como Carmen.

El elenco se completa con Clemente Rodríguez como Mateo, Marcelo Alonso y Giordano Rossi como Julián, Pablo Cerda y Camilo Rojas como Elmer, Muriel Santa Ana y Carolina Koppellioff como Marcela, Rodrigo Walker y Paulo Brunetti como Andrés, Eduardo Miglionico como el Padre Manuel y Geraldine Neary como Ángela.

La dirección reúne a Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín

La serie fue dirigida por Fabiana Tiscornia y Pepa San Martín, mientras que la adaptación estuvo a cargo de Silvina Frejdkes y Alejandro Quesada. La producción corresponde a Underground, división de Telemundo Studios.

Además de dirigir, Tiscornia se desempeña como productora ejecutiva junto a Pablo Cullel, Sebastián Ortega y Santiago López. Con esa estructura, la serie busca combinar el pulso del thriller con una dimensión íntima centrada en el derrumbe de la familia Sardá.

Prime Video refuerza su apuesta por adaptar literatura latinoamericana

El lanzamiento de Catedrales se suma a una línea de trabajo que la plataforma ya venía desarrollando con otros proyectos basados en obras de la región. En este caso, la elección de la novela de Piñeiro vuelve a poner en circulación una autora de fuerte presencia en el mercado editorial iberoamericano.

La serie estrenará el 16 de septiembre con sus seis episodios disponibles y quedará accesible para la audiencia global de la plataforma. Con ese lanzamiento, Prime Video amplía su catálogo de producciones latinoamericanas y suma una historia construida sobre un asesinato que atravesó tres décadas de silencio.

Un melodrama de época con Florence Pugh

El avance introduce una historia marcada por el poder, los conflictos familiares, la inmigración y las decisiones morales. Netflix traslada estos elementos a una producción de época que abarca varias décadas de la historia estadounidense y sigue las consecuencias de los vínculos entre dos familias.

Pugh ocupa el papel central sin Kazan delante de cámara. El reparto incluye a Christopher Abbott, Mike Faist, Hoon Lee, Joseph Zada, Joe Anders, Tracy Letts, Ciarán Hinds y Martha Plimpton. El tráiler presenta escenarios, vestuario y recreaciones históricas destinados a sostener la escala del relato.

Stuart, cocreador de la miniserie, trabajó anteriormente en Vikingos: Valhalla. Kazan, mientras tanto, escribió todos los episodios. Esa participación le permite desarrollar una versión más extensa que la película clásica vinculada con su propia familia.

El formato de miniserie resulta clave para esta adaptación. A diferencia de una serie pensada para continuar durante varias temporadas, una miniserie cuenta una historia cerrada en un número limitado de capítulos. Netflix todavía no detalló cuántos episodios tendrá esta producción, pero confirmó que estarán disponibles desde el mismo día.

La historia de los Trask y los Hamilton

Al este del Edén adapta la novela homónima publicada en 1952 por John Steinbeck, ganador del Premio Nobel de Literatura. El libro es una de sus obras más reconocidas junto con La perla y Las uvas de la ira.

La trama transcurre en el Valle de Salinas, en California, durante un periodo que va desde la Guerra de Secesión hasta la Primera Guerra Mundial. En ese marco, las vidas de las familias Trask y Hamilton quedan entrelazadas por relaciones atravesadas por la culpa, el rechazo, la búsqueda de afecto y las disputas de poder.

Steinbeck construyó la novela como una reinterpretación del mito bíblico de Caín y Abel. La rivalidad entre hermanos y la tensión entre el bien y el mal ocupan un lugar central, pero el relato se extiende a varias generaciones y examina cómo las decisiones de padres e hijos afectan a quienes los rodean.

La nueva versión busca trasladar la novela completa. Esa decisión amplía el margen para representar los distintos periodos históricos, los cambios dentro de las familias y los personajes que quedaron fuera o tuvieron una presencia limitada en adaptaciones anteriores.

Zoe Kazan retoma la obra que filmó su abuelo

La miniserie tiene una conexión familiar directa con una de las versiones más conocidas del libro. Zoe Kazan es nieta del director Elia Kazan, responsable de la adaptación cinematográfica estrenada en 1955 y protagonizada por James Dean.

La película de Elia Kazan se concentró en el último cuarto de la novela, por lo que dejó fuera buena parte de la historia generacional escrita por Steinbeck. La versión de Netflix tendrá una extensión mayor y podrá abordar acontecimientos previos a la parte del libro llevada al cine.

No será el primer intento televisivo de adaptar el relato completo. En 1981 se estrenó una miniserie de tres episodios que siguió una estructura más cercana a la totalidad de la novela. La producción de Zoe Kazan vuelve a trabajar con ese objetivo, ahora con Pugh como figura principal y una distribución global mediante streaming.

La relación entre ambas adaptaciones hará inevitables las comparaciones, aunque las diferencias de formato son claras: la película de 1955 seleccionó el tramo final del libro, mientras que la miniserie dispone de varios episodios para recorrer la historia de los Trask y los Hamilton. Netflix lanzará la temporada completa el 1 de octubre de 2026.

Prime Video Japan anunció que The Apothecary Diaries, también conocida como Kusuriya no Hitorigoto, tendrá una serie live-action, es decir, una adaptación realizada con actores y escenarios reales. La producción de Toho y Amazon MGM Studios se estrenará mundialmente en 2028 y tendrá a Mana Ashida en el papel de Maomao.

Mana Ashida y el equipo creativo

Ashida es conocida fuera de Japón por haber interpretado a la versión joven de Mako Mori en Pacific Rim. Su carrera también incluye trabajos en cine, televisión y doblaje, una experiencia que ahora llevará al papel central de la adaptación.

Maomao es una joven con amplios conocimientos sobre medicina y venenos. Aunque intenta mantenerse lejos de los conflictos de la corte imperial, su capacidad para identificar enfermedades y sustancias peligrosas termina colocándola en el centro de varios casos.

La dirección estará en manos de Yuki Saito, mientras que Erika Yoshida se encargará de los guiones. Yoshida trabajó previamente como guionista del anime BOCCHI THE ROCK!, una de las referencias incluidas por Prime Video Japan al presentar al equipo creativo.

El anuncio todavía no revela al resto del reparto. Tampoco informa cuándo comenzará el rodaje, cuántos episodios tendrá la serie o en qué locaciones se recreará el palacio imperial.

Los misterios del palacio imperial

La historia comienza después de que Maomao, criada por un farmacéutico, es vendida como sirvienta y llevada al palacio imperial. Su intención inicial es cumplir con sus tareas sin llamar la atención, pero esa estrategia cambia cuando varios herederos de la familia gobernante enferman bajo circunstancias desconocidas.

Maomao decide investigar por cuenta propia. Sus conocimientos sobre medicamentos, síntomas y venenos le permiten buscar la causa del problema y una posible solución, aunque intervenir también implica revelar habilidades que quería mantener ocultas.

La investigación llama la atención de Jinshi, un funcionario del palacio que reconoce las capacidades de Maomao y comienza a encargarle nuevos casos. Esa relación sostiene buena parte de la historia: cada misterio expone las tensiones internas de la corte, mientras la protagonista utiliza métodos vinculados con la farmacología y la observación.

El paso a la acción real deberá trasladar espacios centrales del relato, como las residencias del palacio, las zonas de servicio y los ambientes donde Maomao prepara o analiza sustancias. Toho y Amazon MGM Studios todavía no presentaron imágenes de producción ni detalles sobre el diseño visual.

De las novelas ligeras al live-action

La nueva serie estará basada en las novelas ligeras originales de Natsu Hyuuga, ilustradas por Touko Shino. Las novelas ligeras son publicaciones japonesas narrativas que suelen combinar texto con ilustraciones y se editan en varios volúmenes.

La obra es publicada en Japón por Shufunotomo bajo el sello Hero Bunko. Esa versión literaria servirá como base para los guiones de Yoshida, aunque el anuncio no especifica qué volúmenes o arcos narrativos serán adaptados durante la primera entrega.

Prime Video Japan confirmó una ventana mundial de estreno para 2028, pero todavía no comunicó el día exacto de lanzamiento ni el calendario de distribución de los episodios.

Netflix prepara Dungeons & Dragons: Ravenloft, una serie de fantasía y terror en acción real basada en el conocido escenario del juego de rol, con Alfonso Cuarón y John August entre sus productores. August también será guionista del proyecto, que llevará a la pantalla la historia del vampiro Strahd von Zarovich. La plataforma todavía no informó quién integrará el reparto, cuándo comenzará el rodaje ni cuál será su fecha de estreno.

El origen gótico de Ravenloft

Ravenloft apareció por primera vez en 1983 como un módulo creado por Tracy Hickman y Laura Hickman. En los juegos de rol, un módulo es una aventura publicada con escenarios, personajes, enemigos y pautas para que un director de juego pueda conducir la partida. Su propuesta se apartaba de las expediciones medievales más habituales de Dungeons & Dragons para entrar en el terreno del terror gótico.

La aventura presentaba a Strahd von Zarovich, un vampiro que gobierna el territorio de Barovia desde el castillo Ravenloft. El personaje pasó de antihéroe trágico a principal amenaza de la historia y terminó convertido en uno de los antagonistas más reconocibles de la franquicia.

El escenario fue ampliado durante las décadas siguientes mediante nuevas publicaciones. Una de las más conocidas es La maldición de Strahd, campaña editada para la quinta edición de Dungeons & Dragons que recuperó al vampiro y su dominio para una nueva generación de jugadores. Ese material ofrece a Netflix una base narrativa centrada en un villano concreto, una localización cerrada y una combinación de fantasía, horror y drama.

El enfoque distingue al proyecto de otras adaptaciones del juego, generalmente vinculadas con grupos de aventureros, viajes por distintos reinos y amenazas de escala creciente. Ravenloft puede trabajar con una atmósfera más opresiva y con el enfrentamiento entre los visitantes de Barovia y el gobernante que controla el territorio.

Alfonso Cuarón y John August al frente

Además de Cuarón y August, la producción contará con Hasbro, Gabriel Marano, Richard Schwartz y Gaby Rodriguez, según la información publicada sobre el proyecto. Cuarón llega con experiencia directa en la fantasía: dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban, una de las películas de la saga cinematográfica basada en los libros de J. K. Rowling.

El cineasta mexicano ganó cuatro premios Oscar, dos por Gravity y dos por Roma. Su participación en Ravenloft está confirmada como productor, aunque por ahora no se anunció si dirigirá algún episodio.

August será productor y guionista. Entre sus créditos figuran Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish, las dos películas de Los ángeles de Charlie estrenadas durante la década de 2000 y la adaptación en acción real de Aladdin dirigida por Guy Ritchie.

La serie representa un nuevo intento de Netflix por encontrar una producción de fantasía de largo recorrido. La plataforma ya adaptó The Witcher, basada en la obra de Andrzej Sapkowski, y utiliza referencias directas a Dungeons & Dragons dentro de Stranger Things, aunque esta última no es una adaptación oficial del juego.

La elección de Ravenloft también permite trabajar con un tono diferente al de Juego de tronos y otras grandes producciones televisivas del género. En lugar de comenzar con conflictos políticos distribuidos entre numerosos territorios, el material original concentra la acción alrededor de Barovia, el castillo y la influencia de Strahd.

Un reemplazo para The Forgotten Realms

Netflix ya había comenzado a desarrollar otra serie de Dungeons & Dragons titulada The Forgotten Realms, con Drew Crevello y Shawn Levy vinculados al proyecto. Esa producción fue archivada y la plataforma concentrará sus esfuerzos en Ravenloft. El cambio deja al vampiro Strahd como el nuevo eje televisivo de la franquicia dentro del servicio.

Dungeons & Dragons mantiene otros proyectos audiovisuales en distintas etapas. HBO Max trabaja en una adaptación de Baldur’s Gate, videojuego basado en las reglas y escenarios del juego de rol, con Craig Mazin relacionado con su desarrollo. Todavía se conocen pocos detalles de esa serie.

El futuro cinematográfico es menos claro. Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones se estrenó en 2023 y recibió una buena respuesta crítica y del público, pero su rendimiento comercial no permitió poner rápidamente en marcha una continuación. Sus directores, John Francis Daley y Jonathan Goldstein, escribieron un guion para una segunda película, aunque el proyecto continúa buscando una productora.

Daley explicó que el equipo quiere regresar a los personajes y que una secuela podría entrar directamente en una nueva historia, sin repetir la presentación del grupo. También reconoció que existen obstáculos financieros y que no hay garantías de que la película llegue a realizarse. Mientras esa continuación permanece sin estudio ni fecha, Netflix avanzará con Ravenloft como su nueva adaptación en acción real de Dungeons & Dragons.

Darío Barassi cambió su imagen para construir a Gutiérrez

Uno de los datos más comentados del rodaje fue la transformación física de Barassi para interpretar al subcomisario Roberto Gutiérrez. Según contó Braceras, el actor decidió raparse para parecer calvo y se involucró de manera directa en la construcción del personaje. El director sostuvo que se trató de una búsqueda personal orientada a alejarse de registros anteriores y a probar una composición distinta dentro de su carrera.

El resultado es un policía informal, poco metódico y con una relación muy particular con su territorio. El conocimiento del conurbano bonaerense aparece como la principal herramienta de Gutiérrez frente a un caso que lo excede por escala, repercusión y complejidad.

La serie mezcla policial clásico, parodia y códigos del western

Braceras explicó que la ficción dialoga con títulos policiales y de acción de las décadas de 1980 y 1990. Entre las referencias mencionó Arma mortal, La pistola desnuda y Martillo Hammer, además de algunos homenajes puntuales a El último boy scout. Esa base se cruza con una lectura local del género y con una puesta que incorpora elementos del western. . “Creamos un Western ‘conurbanizado’ en el que los elementos propios de la música del género se mezclan con sonidos típicos del conurbano, como el afilador o el megáfono”, explica Braceras.

La banda sonora combina climas del cine del Oeste con sonidos reconocibles del conurbano, como el afilador o el megáfono. El compositor Sergei Grosny trabajó sobre esa mezcla para reforzar una identidad visual y sonora que, según el director, busca acercarse al lenguaje del cine de acción estadounidense sin perder marcas argentinas.

El elenco se entrenó con armas y consultó a especialistas

Para las escenas de acción, parte del elenco realizó un entrenamiento específico en manipulación de armas de fuego. Barassi, Yayo, Juli Savioli y otros actores practicaron antes del rodaje con un coach, con el objetivo de incorporar gestos y movimientos vinculados al trabajo policial.

A ese trabajo se sumó el acompañamiento de asesores conocedores del ámbito de las fuerzas de seguridad. La intención de la producción fue dotar de cierta verosimilitud a procedimientos, modos de hablar y dinámicas internas, aun dentro de una historia atravesada por el disparate y la exageración.

El conurbano fue tratado como un protagonista de la historia

La serie fue filmada en espacios de Ciudad Evita, el barrio Carlos Gardel, la Facultad de Agronomía de la Universidad de La Plata, una fábrica de pintura abandonada y una ex fábrica de helados en Barracas. El objetivo fue construir un mapa reconocible para una trama que se mueve entre desarmaderos, bingos, cabarets, cortes de ruta, geriátricos y tomas de rehenes.

Braceras señaló además que el calor fue un recurso visual central. Los personajes aparecen transpirados, bronceados y rodeados de ventiladores lentos, en una decisión que empuja una estética cargada y densa, alineada con el tono de la historia.

Ventura, Yoli y la dupla central quedaron entre los favoritos del director

Entre los aspectos que más destacó del resultado final, el director mencionó las escenas entre Gutiérrez y Torcoletti, la dupla central de la ficción. También subrayó el trabajo de Juli Zavioli como la sargento Ventura, a quien definió como un personaje alejado de su perfil en redes sociales.

La relación entre Gutiérrez y Yoli funciona además como uno de los motores emocionales de la serie, interpretada por Olivia Torrez. En ese equilibrio entre investigación criminal, sátira y vínculos personales, la producción encuentra una de sus claves. Realizada por Pampa Films, Gutiérrez is mai neim ya tiene disponibles todos sus episodios en Hulu en Disney+.

Una nueva versión de Dragon Ball Super

Dragon Ball Super: Beerus volverá al inicio de la historia protagonizada por Goku tras los acontecimientos de Dragon Ball Z. En lugar de continuar la trama donde terminó la serie anterior, la producción recuperará material que ya fue adaptado hace aproximadamente una década, comenzando con la llegada de Beerus, el Dios de la Destrucción.

La serie original recibió críticas por la calidad irregular de su animación, especialmente durante sus primeros episodios. Algunos planos mostraban personajes con proporciones inconsistentes, escaso detalle y movimientos limitados. El ritmo narrativo también fue cuestionado debido a la extensión de acontecimientos que ya habían aparecido en películas.

El nuevo tráiler presenta escenas rehechas con líneas más definidas, mayor detalle en los personajes y secuencias de combate renovadas. Esta versión mantendrá los principales acontecimientos conocidos, pero empleará una producción visual distinta. El término remake, en este caso, se refiere a una nueva adaptación de una historia ya emitida y no a una continuación con episodios posteriores al final de 2018.

El proyecto comenzará con la llegada de Beerus y su búsqueda del Super Saiyan God. Ese conflicto fue presentado primero en la película Dragon Ball Z: Battle of Gods y luego adaptado como el arco inicial de Dragon Ball Super. La nueva serie volverá a narrar ese encuentro y sus consecuencias para Goku, Vegeta y el resto de los personajes.

Las sagas incluidas y una diferencia entre los reportes

La información difundida junto con el avance coincide en que Dragon Ball Super: Beerus incluirá los acontecimientos de Battle of Gods y Fukkatsu no F, conocida en otros mercados como La resurrección de Freezer. El segundo arco recupera el regreso del antiguo enemigo de Goku y su transformación dorada.

Las fuentes difieren sobre el tercer arco incluido. Uno de los reportes señala que la serie llegará hasta la saga de Champa, centrada en el torneo organizado por los dioses de la destrucción Beerus y Champa. Otro menciona el Torneo del Poder, una historia mucho más avanzada dentro del anime original. La diferencia es relevante porque entre ambos acontecimientos existen varios arcos y decenas de episodios.

El material promocional deberá aclarar el alcance definitivo de esta primera etapa. La presencia de Champa había sido anticipada previamente a partir de una figura relacionada con la producción, mientras que el otro reporte atribuye al tráiler la inclusión del Torneo del Poder. Hasta que Toei Animation publique una lista de episodios o una descripción completa, no está confirmado cuál será el punto final de la temporada.

El avance también permitió conocer las canciones principales. Megatera Zero-san interpretará Onogami, el tema de apertura, mientras que VK Blanka estará a cargo de Kan Peki No Peki, la canción de cierre. Ambos temas acompañarán la emisión japonesa desde octubre.

Emisión semanal y lanzamiento internacional

Dragon Ball Super: Beerus ocupará un espacio de la programación de Fuji TV tras la finalización de la temporada anual de One Piece, que regresaría con nuevos episodios en 2027. Según la información publicada, a esa etapa del anime de los Sombrero de Paja le quedan cinco capítulos antes de su pausa.

Los antecedentes de Dragon Ball DAIMA permiten considerar servicios como Crunchyroll y AnimeBox entre los posibles destinos para su emision global, con una incorporación posterior a Netflix, pero ninguna de esas plataformas fue anunciada oficialmente para Dragon Ball Super: Beerus. Tampoco hay fechas confirmadas para versiones dobladas o subtituladas fuera de Japón.

Por ahora, el calendario oficial contempla el estreno japonés el domingo 11 de octubre y la emisión de nuevos capítulos cada domingo en Fuji TV y streaming.

El regreso a Hogwarts

El avance comienza con la llegada de los estudiantes a la escuela de magia y el proceso de selección que lleva al trío protagonista a la casa Gryffindor. Dominic McLaughlin interpreta a Harry Potter, Alastair Stout ocupa el papel de Ron Weasley y Arabella Stanton encarna a Hermione Granger.

Las imágenes permiten ver espacios centrales de la primera novela. Entre ellos aparecen el Gran Comedor, los terrenos de Hogwarts y el aula de Herbología, donde los alumnos aprenden a extraer mandrágoras. Estas plantas mágicas emiten un grito peligroso cuando son retiradas de la tierra, por lo que la clase utiliza protección auditiva.

El teaser también incluye una lección de Pociones y una breve aparición de Severus Snape, interpretado por Paapa Essiedu. El actor sucede a Alan Rickman, responsable del personaje en las ocho películas estrenadas entre 2001 y 2011. El material promocional se concentra en su aspecto severo y en su presencia frente a los estudiantes, sin revelar cuánto abarcará su participación durante los primeros episodios.

Otro fragmento presenta un partido de Quidditch, el deporte aéreo practicado con escobas, pelotas y aros elevados. También aparece la capa de invisibilidad y se hace una referencia directa a la Piedra Filosofal, el objeto alrededor del cual gira el conflicto principal de la primera entrega.

El nuevo reparto y el equipo creativo

La serie fue creada por Francesca Gardiner, guionista con créditos en Succession y El hombre en el castillo. La producción vuelve a contar la historia desde el inicio con un elenco diferente al de las películas y con más tiempo para trasladar personajes, escenas y tramas de los libros.

Además del trío juvenil y de Essiedu, el reparto incluye a John Lithgow, Nick Frost, Janet McTeer y Luke Thallon. El teaser ofrece vistazos de personajes como Albus Dumbledore, Rubeus Hagrid y Minerva McGonagall, aunque el foco permanece en la llegada de Harry a la escuela y en sus primeras experiencias junto con Ron y Hermione.

El proyecto tiene el desafío de volver sobre una historia que ya recibió una adaptación cinematográfica completa y cuyos intérpretes quedaron estrechamente asociados con sus personajes. La diferencia principal estará en la duración. Los ocho capítulos de la temporada ofrecerán más espacio que una película para incorporar situaciones del libro que quedaron reducidas o fuera de la versión estrenada en cines.

El nuevo teaser es más extenso que los materiales promocionales difundidos anteriormente. En pocos minutos reúne la selección de las casas, las primeras clases, varios profesores y elementos reconocibles de la aventura inicial. HBO Max todavía no detalló la duración de cada episodio ni publicó un calendario semanal de lanzamiento.

Siete libros y un plan de siete temporadas

El plan comunicado para la adaptación contempla una temporada dedicada a cada uno de los siete libros de Rowling. La primera cubrirá los acontecimientos de Harry Potter y la piedra filosofal, mientras que la siguiente avanzará con Harry Potter y la cámara secreta.

El reparto de la segunda temporada ya habría comenzado a tomar forma. Kit Harington, conocido por su trabajo en Game of Thrones, fue vinculado con el papel de Gilderoy Lockhart, el profesor de Defensa contra las Artes Oscuras que aparece en el segundo libro. Esa incorporación anticipa el trabajo necesario para sostener una producción diseñada para extenderse durante varios años, aunque HBO Max todavía deberá completar el lanzamiento de la entrega inicial.

El modelo de una temporada por novela permitirá que cada curso escolar tenga su propio bloque de episodios. También obliga a mantener un calendario prolongado con protagonistas infantiles, cuyos personajes avanzan un año académico en cada libro. La primera prueba será la adaptación de ocho capítulos que presentará la escuela, sus reglas y el misterio de la Piedra Filosofal.

El estreno quedó programado para el 25 de diciembre de 2026 en HBO Max. Antes de esa fecha, la primera película de Harry Potter regresará a los cines por su 25 aniversario, ofreciendo otra versión de la llegada del joven mago a Hogwarts.

El nuevo adelanto vuelve sobre el comienzo de la historia de Harry, un chico criado lejos del mundo mágico que descubre, al cumplir 11 años, que fue aceptado en la Escuela Hogwarts de Magia y Hechicería. Desde ese punto, la serie reconstruye su ingreso a un escenario desconocido, atravesado por amistades, aprendizajes y una amenaza que remite a su pasado.

La serie llegará a HBO Max el 25 de diciembre con una primera temporada de ocho episodios

La producción fue presentada como una nueva versión de Harry Potter y la piedra filosofal, con la intención de desarrollar en profundidad el material original. El plan de HBO contempla una temporada por cada libro, por lo que esta primera entrega funcionará como punto de partida de un proyecto más amplio sobre la saga completa.

En ese marco, el segundo teaser muestra varios de los momentos más reconocibles del inicio de la historia. Entre ellos aparecen la llegada de los alumnos a Hogwarts, la ceremonia de selección y escenas del Gran Comedor. También se incluyen vistazos de las clases, los primeros vínculos entre los estudiantes y el clima que rodea la adaptación del primer año escolar del protagonista.

El nuevo avance muestra la ceremonia de selección y los primeros pasos de Harry en Hogwarts

Uno de los ejes del material difundido pasa por la presentación del trío central. Dominic McLaughlin encarna a Harry Potter, Arabella Stanton interpreta a Hermione Granger y Alastair Stout asume el papel de Ron Weasley. Las imágenes y el teaser los muestran en los primeros tramos de una relación que será decisiva en la historia.

El avance también ofrece una mirada inicial a varios adultos clave dentro de Hogwarts. John Lithgow aparece como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid. La selección de escenas apunta a instalar el tono de la serie y a presentar el entorno institucional y emocional en el que se moverá Harry.

Dominic McLaughlin, Arabella Stanton y Alastair Stout encabezan el nuevo elenco

La serie tiene guion y producción ejecutiva de Francesca Gardiner, mientras que Mark Mylod dirige varios episodios y también participa como productor ejecutivo. El proyecto se desarrolla para HBO en asociación con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television.

La producción ejecutiva también incluye a J.K. Rowling, Neil Blair, Ruth Kenley-Letts y David Heyman, una figura vinculada desde hace años al universo audiovisual de Harry Potter. Ese equipo acompaña una apuesta que busca trasladar a televisión el recorrido completo de los siete libros publicados entre 1997 y 2007.

HBO planea adaptar los siete libros con una temporada dedicada a cada entrega

La primera temporada parte de la premisa más conocida de la saga: Harry crece en un entorno hostil, ajeno a su origen, hasta que una carta cambia el rumbo de su vida. A partir de ese ingreso al mundo mágico, la historia se expande hacia la amistad, la rivalidad entre alumnos y la aparición de un conflicto mayor asociado con una figura oscura de su pasado.

Ese enfoque ya había empezado a verse en el primer teaser difundido meses atrás, que recuperaba escenas en Privet Drive y los indicios iniciales de Hogwarts. El nuevo material suma imágenes inéditas y profundiza la dimensión escolar y narrativa de la adaptación.

El rodaje comenzó en el Reino Unido y la segunda temporada ya está en preparación

El rodaje de la serie comenzó el 14 de julio del año pasado en los estudios Leavesden, en el Reino Unido. Según la información difundida junto con este lanzamiento, la segunda temporada, basada en Harry Potter y la cámara secreta, empezará a filmarse durante la primavera, mientras la primera se prepara para su estreno de fin de año en HBO Max.

Una guerra por el control de Tulsa

La cuarta temporada encontrará a Dwight tratando de legitimar el imperio que construyó después de llegar a Tulsa. Al mismo tiempo, tendrá que proteger a su equipo de políticos corruptos y nuevos enemigos dispuestos a quitarle el territorio por la fuerza. El adelanto, de alrededor de un minuto, anticipa que la acción tendrá un lugar central en el próximo conflicto.

La presión llegará acompañada por una pérdida personal que la sinopsis oficial define como devastadora. La identidad de la persona afectada no fue revelada, pero el golpe obligará al protagonista a revisar sus decisiones y las relaciones de lealtad que sostienen su organización.

Cada victoria tendrá un costo mayor. El personaje deberá afrontar preguntas sobre el liderazgo, la ambición y la confianza dentro de su grupo, mientras sus movimientos convierten la ciudad en un campo de batalla. Frente a esas amenazas, Dwight recurrirá otra vez a los instintos callejeros que intentó dejar atrás en Nueva York.

Ese regreso a sus viejos métodos conecta con el origen de la serie. El mafioso pasó 25 años en prisión para proteger al patriarca de su familia criminal, pero al recuperar la libertad fue enviado lejos de Nueva York. El supuesto castigo terminó dándole una oportunidad para levantar sus propios negocios en Tulsa y reunir una banda bajo su mando.

Aunque varias de sus actividades intentan operar dentro de la legalidad, el crecimiento de su estructura despertó el interés de rivales que buscan controlarla. La respuesta violenta de Dwight frente a esas amenazas seguirá alimentando la tensión entre su deseo de legitimidad y las herramientas criminales con las que defiende lo que construyó.

El reparto de la cuarta temporada

Junto con Stallone regresan Martin Starr, Jay Will, Vincent Piazza, Annabella Sciorra, Chris Caldovino, McKenna Quigley Harrington, Frank Grillo, Mike “Cash Flo” Walden, James Russo, Kevin Pollak, Neal McDonough, Garrett Hedlund y Dana Delany.

La principal incorporación anunciada es Gretchen Mol, quien tendrá un papel regular durante la cuarta entrega. Los detalles sobre su personaje y su relación con Dwight permanecen bajo reserva. El teaser tampoco aclara si estará vinculada con los políticos corruptos, los nuevos adversarios o el círculo cercano del protagonista.

Tulsa King fue creada por Taylor Sheridan, responsable de Yellowstone y Lioness. La serie utiliza la llegada de un veterano de la mafia a Oklahoma como punto de partida para enfrentar las reglas tradicionales del crimen organizado con un territorio donde Dwight carecía inicialmente de contactos y recursos.

La cuarta temporada ya tiene fecha, pero Paramount+ todavía no comunicó una renovación que asegure la continuidad de la historia más allá de estos episodios. La situación deja abierta la duración del recorrido de Stallone como Dwight, aunque la franquicia ya prepara otra producción centrada en un personaje diferente.

El futuro con Frisco King

Mientras Tulsa King se acerca a su regreso, Frisco King, el spin-off encabezado por Samuel L. Jackson, completó su rodaje semanas atrás. La información disponible indica que podría estrenarse después del final de la cuarta temporada, aunque Paramount+ todavía no anunció una fecha.

Este proyecto permitirá continuar las historias criminales asociadas con la serie aunque el futuro de Dwight después de la nueva entrega siga sin confirmación oficial. Por ahora, el foco estará en su intento de conservar el control de Tulsa frente a rivales más peligrosos y una crisis interna marcada por la pérdida personal adelantada en la sinopsis.

La cuarta temporada de Tulsa King llegará a Paramount+ el 16 de octubre de 2026.

Ryu y Ken vuelven a enfrentarse

El tráiler comienza con un combate entre Ryu y Ken, dos guerreros que llegaron a considerarse hermanos antes de que un episodio todavía desconocido los separara. Esa ruptura dejó resentimiento entre ambos y será uno de los ejes dramáticos de la película dirigida por Kitao Sakurai.

La misión de Chun-Li obliga a los antiguos amigos a reencontrarse. La luchadora necesita que ambos participen en World Warrior, un campeonato que esconde una operación más peligrosa de lo que aparenta. Detrás del torneo se encuentra M. Bison, interpretado por David Dastmalchian, cuyo plan convierte la competencia en una amenaza que los protagonistas deberán detener.

El avance alterna ese conflicto personal con humor y secuencias de acción. La historia exigirá que Ryu y Ken superen sus diferencias mientras avanzan en una competencia diseñada para reunir a varios de los peleadores más reconocibles de la franquicia.

Esta será la tercera gran adaptación cinematográfica con actores reales de la saga después de Street Fighter: La última batalla y Street Fighter: La leyenda. Las dos producciones anteriores quedaron como antecedentes problemáticos para una serie que ahora intenta trasladar con mayor precisión sus personajes, movimientos y estética a la pantalla.

Los movimientos de Capcom llegan al cine

Uno de los puntos centrales del nuevo material es la fidelidad visual a los videojuegos. Los luchadores ejecutan combos, es decir, secuencias de golpes encadenados que impiden reaccionar al rival, y técnicas especiales reconocibles para quienes jugaron las distintas entregas de Capcom. El vestuario también reproduce los diseños asociados con cada personaje.

El tráiler permite ver en acción a Blanka, interpretado por Jason Momoa; Cammy, encarnada por Mel Jarnson; Dhalsim, a cargo de Vidyut Jammwal; Vega, interpretado por Orville Peck; y E. Honda, representado por Hirooki Goto. M. Bison aparece como la figura detrás del conflicto principal y enfrenta directamente a varios integrantes del grupo.

El reparto incluye además a Joe “Roman Reigns” Anoa’i, Cody Rhodes, Eric André, Curtis “50 Cent” Jackson y Andrew Schulz. La combinación incorpora actores, músicos y figuras de la lucha libre profesional, aunque Paramount todavía no detalló en este avance todos los papeles que tendrán dentro de la historia.

Capcom acompañó el desarrollo de la adaptación y representantes vinculados con los juegos visitaron el rodaje para supervisar su relación con el material original. Esa participación se percibe especialmente en los ataques, las poses y las vestimentas mostradas en pantalla, elementos que el tráiler presenta como réplicas de las versiones jugables.

Una producción reescrita y una gira mundial

Kitao Sakurai también coescribió el guion junto con T. J. Fixman. Ambos tomaron el proyecto después de la salida de Danny Philippou y Michael Philippou, quienes habían estado vinculados previamente con la dirección. La producción atravesó cambios y reescrituras antes de comenzar el rodaje.

La campaña promocional empezó su nueva etapa con el World Warrior Tour, una gira mundial que comenzó en Tokio y llevará a integrantes del elenco por distintas ciudades. El tráiler fue la presentación principal del inicio de ese recorrido, que toma su nombre del torneo alrededor del cual gira la trama.

Paramount también publicó un tráiler jugable llamado Street Fighter Combo Challenge. La experiencia permite avanzar por el video mediante golpes, patadas y combinaciones ejecutadas en pantalla, en lugar de limitarse a reproducir el avance tradicional. Se encuentra disponible mediante YouTube Playables, el formato de experiencias interactivas accesibles desde la plataforma de video.

La promoción reúne así fragmentos narrativos, demostraciones de los movimientos y una pieza interactiva inspirada en el funcionamiento de los juegos. El resultado final llegará a los cines de todo el mundo el 16 de octubre.

La renovación fue comunicada por la compañía, mientras la primera temporada continúa disponible con sus ocho episodios. El dato refuerza el lugar que la producción ganó dentro del catálogo reciente del servicio, en un momento en el que el thriller logró ampliar su alcance semana tras semana.

Disney+ renovó la serie antes del final de la primera temporada

La confirmación de una nueva tanda de episodios se apoyó también en el comportamiento de visualización. Según la información difundida por la empresa, las visualizaciones del episodio 7 crecieron un 40% respecto del estreno, si se toma como referencia el rendimiento del primer día. Ese avance acompañó una trayectoria sostenida desde el lanzamiento.

En paralelo, Furia recibió la certificación “Certified Fresh” de Rotten Tomatoes con 100% de aprobación en su debut, una marca que luego se acomodó, aunque continuó en un nivel alto, con 98%. Ese respaldo crítico se sumó al crecimiento de público en una etapa decisiva para la serie.

El enfrentamiento entre Alice Black y Catherine ordena el conflicto central

La historia sigue a Alice Black, agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, durante la investigación de una asesina serial metódica y difícil de rastrear. Del otro lado aparece Catherine, personaje a cargo de Lola Petticrew, cuya lógica de justicia modifica el eje del relato y desplaza la intriga policial hacia un terreno más moral.

A medida que ambas trayectorias se cruzan, la serie plantea una tensión que excede la persecución clásica entre investigadora y sospechosa. La frontera entre ley, venganza y reparación personal se vuelve cada vez menos nítida, y ese desdibujamiento sostiene buena parte del conflicto dramático a lo largo de los episodios.

La serie se aparta de la fórmula policial clásica y pone el foco en los dilemas éticos

Aunque parte de una cacería criminal, el desarrollo no se limita a la búsqueda de pistas ni a la identificación de una culpable. El recorrido incorpora el peso de las experiencias previas de las protagonistas, atravesadas por la violencia, el abuso de poder y la necesidad de obtener respuestas frente a daños que no encontraron una reparación institucional suficiente.

En ese marco, Furia organiza su propuesta alrededor de preguntas sobre los límites del sistema judicial y sobre las formas en que las víctimas procesan el trauma. La investigación deja de ser lineal y se abre a intereses ocultos, tensiones internas y decisiones que afectan tanto a quienes persiguen como a quienes escapan.

Elizabeth Meriwether y Emmy Rossum concentran dos roles clave en la producción

La serie fue creada, escrita y producida ejecutivamente por Elizabeth Meriwether, mientras que Emmy Rossum también asumió funciones como productora ejecutiva a través de Composition 8. El equipo se completa con Ronald Bass, Matt Olmstead y Sam Hoffman en la producción ejecutiva.

Además, Brian Kirk participó como productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. La ficción es una producción de 20th Television y Searchlight Television, dos sellos que respaldan el proyecto en su desarrollo industrial y creativo.

El elenco amplía una trama que suma violencia institucional y zonas grises

Junto con Rossum y Petticrew, la primera temporada está integrada por Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy. Entre esos personajes aparece Nora, supervisora de la unidad de delitos sexuales, que introduce una mirada ligada a la impunidad, la revictimización y las fallas del sistema.

Ese entramado lleva a la serie a un registro donde el caso criminal funciona como punto de partida de un conflicto más amplio. Disney+ apostó así por una producción que combina investigación, tensión psicológica y conflicto personal, con una segunda temporada ya confirmada incluso antes de la emisión del último episodio de la primera el pasado 31 de agosto.

Tom Cruise y Anne Hathaway anunciaron en redes sociales la puesta en marcha de Días de Trueno 2, continuación directa de la película de automovilismo estrenada en 1990. Cruise volverá a interpretar al piloto de NASCAR Cole Trickle y Hathaway se sumará como una ingeniera y dueña de equipo, con un estreno en cines previsto para el verano estadounidense de 2028.

El regreso de Cole Trickle

El anuncio fue difundido mediante una publicación en Instagram protagonizada por los dos actores. El mensaje confirmó la incorporación de Hathaway y adelantó la ventana de lanzamiento, aunque evitó ofrecer detalles sobre el argumento o el punto de partida de la historia.

La película original seguía a Cole Trickle, un joven piloto que intentaba abrirse camino en la categoría NASCAR. NASCAR es la principal organización estadounidense dedicada a competencias de automóviles de serie, con carreras disputadas principalmente en circuitos ovalados. La producción de 1990 reunió a Cruise con el productor Jerry Bruckheimer, una colaboración que décadas más tarde continuó con Top Gun: Maverick.

La nueva entrega llegará casi cuarenta años después de la primera. Cruise, que también participa como productor, recurrirá así a otro personaje de la etapa inicial de su carrera tras el regreso de Pete Mitchell en Top Gun: Maverick y los preparativos informados para una tercera película de esa franquicia.

El papel de Anne Hathaway

Según la información disponible, Hathaway interpretará a una ingeniera vinculada al automovilismo y propietaria de un equipo de carreras. Ese dato la ubica en una función central dentro de la competencia, aunque todavía no se conoce cuál será su relación con Cole Trickle ni si llegará a conducir uno de los vehículos.

La publicación compartida por Cruise tampoco adelantó elementos de la trama. Algunas versiones plantearon la posibilidad de que el personaje de Hathaway sea una aprendiz o sucesora de Trickle, pero esa idea no fue confirmada y permanece como una especulación.

Su incorporación cambia la dinámica respecto de la película original, donde Nicole Kidman interpretó a la doctora Claire Lewicki, responsable de atender a Trickle después de un accidente y posterior interés romántico del piloto. Cruise manifestó interés en recuperar a Kidman para la secuela, pero su participación continúa sin confirmarse.

Hathaway suma este proyecto a una agenda que incluye títulos como La Odisea, El diablo viste a la moda 2 y la tercera entrega de El diario de la princesa. Por ahora, no se anunciaron otros integrantes del reparto de Días de Trueno 2.

Producción, dirección y fecha de estreno

Paramount Pictures está detrás de la secuela, cuya producción estaría encabezada por Cruise, Jerry Bruckheimer y Tom Harper. El rodaje está previsto para 2027, un calendario que permitiría completar la filmación y la posproducción antes del lanzamiento anunciado para el año siguiente.

Los reportes disponibles difieren sobre el estado de la dirección. Una versión señala que Jonathan Levine, responsable de Long Shot, ya quedó a cargo de la película; otra indica que el realizador estuvo en conversaciones con Paramount y que su contratación todavía no fue comunicada oficialmente. Ni Cruise ni Hathaway aclararon ese punto en su anuncio.

También resta conocer el título definitivo para el mercado internacional, el resto del elenco y la historia que explicará el regreso de Trickle a las pistas. Hasta el momento, la información concreta se limita al retorno de Cruise, la llegada de Hathaway, la participación de Paramount y la ventana de estreno.

Si el cronograma se mantiene, Días de Trueno 2 comenzará a filmarse durante 2027 y llegará a los cines en el verano estadounidense de 2028.

Disney+ archivó el desarrollo de la serie live-action de Gargoyles, el clásico animado emitido originalmente entre 1994 y 1997. Greg Weisman, guionista, productor ejecutivo y figura ligada durante décadas a la franquicia, confirmó que Atomic Monster tenía la licencia para preparar el proyecto, pero que esa versión está muerta y ya no existen planes activos para llevarla a la plataforma.

Un proyecto que nunca llegó a despegar

La adaptación había sido planteada como una serie de acción real destinada a Disney+, con Atomic Monster a cargo de su desarrollo. Sin embargo, el proyecto no avanzó hasta una fase que permitiera convertirlo en una producción concreta, según explicó Weisman durante una entrevista.

“Bueno, sé que en cuanto a la versión de acción real, Atomic Monster tenía la licencia para desarrollar una serie de acción real de Gargoyles para Disney+, y eso está muerto”, señaló el productor. También aclaró que no conoce el estado de posibles iniciativas animadas y remarcó que actualmente no hay planes para otra adaptación con actores.

La declaración cierra, al menos bajo estas condiciones, uno de los intentos más recientes por recuperar para televisión la historia de las criaturas de piedra que protegen Nueva York durante la noche. Las fuentes no detallan hasta qué instancia llegó el trabajo de Atomic Monster ni informan sobre elenco, directores, guionistas adicionales o una posible fecha de rodaje.

Tampoco se comunicó si el proyecto podría trasladarse a otro estudio o servicio. La información disponible indica que el acuerdo de desarrollo quedó sin efecto y que Disney+ ya no mantiene activa esta versión.

Otra producción descartada por Disney+

La baja del live-action ocurre después de otros cambios dentro de la programación en desarrollo de Disney+. Entre los proyectos mencionados recientemente aparece el reinicio de Power Rangers, que estaba vinculado con los responsables de Percy Jackson and the Olympians. También fue descartada una segunda temporada de Wonder Man, producción de Marvel Studios.

En el caso de Gargoyles, la diferencia es que la serie no había presentado reparto, imágenes promocionales ni una ventana de estreno. Su cancelación afecta a una adaptación todavía en desarrollo, antes de que pudiera entrar formalmente en producción o recibir una presentación pública completa.

El dato resulta importante para quienes esperaban un regreso televisivo de la propiedad: la confirmación no describe una pausa temporal ni una demora por calendario. Weisman usó directamente la palabra “muerto” para definir el estado del proyecto de Atomic Monster y descartó que exista actualmente otra versión live-action en marcha.

El futuro de Gargoyles queda en los cómics

La serie animada original presentó a un grupo de gárgolas que despierta en la Nueva York contemporánea después de permanecer petrificado durante siglos. Su emisión se extendió entre 1994 y 1997, y con el tiempo mantuvo una audiencia de culto que impulsó distintos intentos de regreso.

El cierre de la adaptación con actores no implica que la franquicia quede completamente detenida. Weisman continuará trabajando con los personajes en formato de cómic y aseguró que no tiene dificultades para encontrar nuevas ideas para sus historias.

La situación de una eventual producción animada es menos clara. Weisman dijo que desconoce qué ocurre en ese frente, mientras que las fuentes señalan que esa posibilidad no fue descartada formalmente. Aun así, no existe un anuncio, equipo creativo, plataforma de lanzamiento ni calendario asociado con un regreso animado.

Por el momento, los cómics serán el único formato confirmado con nuevas historias de Gargoyles, mientras la adaptación live-action de Atomic Monster para Disney+ queda definitivamente fuera de desarrollo.

Netflix activó la cuenta regresiva para el regreso de Los caballeros, la serie de Guy Ritchie, con el lanzamiento del tráiler y la confirmación de que la temporada 2 se estrenará completa el 3 de septiembre de 2026 y tendrá una tercera entrega. La nueva tanda retoma la historia de Eddie y Susie en un punto distinto al del inicio: ya no administran un negocio heredado por necesidad, sino que buscan ampliar una estructura criminal que ahora define sus decisiones.

Según el material difundido por Netflix, la segunda temporada mostrará a Eddie decidido a expandir su imperio “con o sin la bendición de Bobby”, mientras Susie detecta una oportunidad para diversificar la operación. Ese planteo instala el conflicto central de los nuevos episodios: el crecimiento del negocio exige alianzas más riesgosas y empuja a los protagonistas a romper acuerdos que hasta ahora sostenían cierta estabilidad.

De acuerdo con la información promocional y con los reportes publicados tras la salida del avance, la ficción volverá a centrarse en Theo James como Eddie y Kaya Scodelario como Susie. El tráiler adelanta un escenario de negociaciones tensas, disputas internas y episodios de violencia que acompañan la expansión del entramado ilegal. Todos los capítulos llegarán el mismo día, el 3 de septiembre de 2026, aunque la plataforma todavía no informó la cantidad exacta de episodios.

La base dramática de esta entrega pasa por la transformación de Eddie. En la primera temporada, el personaje ingresó al circuito delictivo a partir de una obligación ligada a las propiedades familiares. En la nueva etapa, ese vínculo deja de ser una carga circunstancial y pasa a convertirse en una ambición propia. Ese cambio altera el equilibrio de poder dentro de la organización y redefine su relación con el resto de los socios.

El adelanto muestra a Eddie completamente integrado a las operaciones ilegales que descubrió al comienzo de la serie. La expansión del negocio abre la puerta a pactos con figuras nuevas, descritas como peligrosas e impredecibles. Esa necesidad de sumar aliados, lejos de ofrecer una garantía, introduce un foco de tensión dentro de una estructura que ya operaba bajo presión.

El vínculo con Bobby Glass aparece como uno de los ejes principales de la temporada. Bobby se mantiene en la cima de la organización, pero el crecimiento de Eddie pone a prueba los límites de esa alianza. La disputa ya no pasa solo por la conveniencia del negocio, sino por el reparto del poder dentro del grupo. La consigna del avance, “con o sin la bendición de Bobby”, resume ese choque interno y deja planteada una puja que puede repercutir en toda la red criminal.

Ese conflicto también impacta sobre Susie, socia central en el plan de expansión. La segunda temporada la ubica en una posición activa dentro de la estrategia para diversificar la operación, aunque cada paso hacia adelante aumenta el riesgo de traiciones y fracturas internas. El nuevo esquema obliga a dejar atrás vínculos consolidados para abrir espacio a socios sin garantías, una decisión que puede debilitar la organización en vez de fortalecerla.

En esa línea, el tráiler conserva varios de los elementos asociados al estilo de Ritchie: crimen, relaciones familiares tensas y humor negro. A la vez, el material promocional pone más peso en las consecuencias de escalar dentro del negocio. El avance anticipa asesinatos, sangre y una escalada de violencia que acompaña el intento de Eddie y Susie por convertir una operación estable en una maquinaria de mayor alcance.

La confirmación de una tercera temporada llegó junto con la presentación del tráiler. Netflix no comunicó todavía fecha de rodaje, ventana de estreno ni detalles de la historia para esa futura entrega. Tampoco precisó qué integrantes del elenco volverán para continuar la trama. La renovación, de todos modos, garantiza que los episodios de septiembre no marcarán el final de la serie.

El desarrollo de esa tercera parte dependerá de cómo concluya la disputa entre Eddie y Bobby Glass y de las consecuencias que dejen las nuevas alianzas. La plataforma ya aseguró la continuidad de la producción, pero mantuvo en reserva la dirección que tomará la historia una vez resuelto el conflicto principal de la segunda temporada.

El regreso de Los caballeros quedará ubicado al comienzo de un mes con fuerte presencia de proyectos criminales vinculados a Guy Ritchie.

Pimpinela tendrá su propia película y el proyecto ya ingresó en etapa de desarrollo. La biopic, titulada Pimpinela, el origen de la leyenda, relatará la historia de Lucía Galán y Joaquín Galán, el dúo que convirtió sus experiencias personales en canciones que atravesaron generaciones en América Latina y España. El rodaje está previsto para 2027 y el estreno en salas también apunta a fines de ese año.

La producción estará dirigida por Lorena Muñoz, cineasta con antecedentes en películas biográficas musicales como Gilda y El Potro, y el guion llevará la firma de Mario Segade junto con la propia directora. La confirmación del proyecto instala en la agenda audiovisual una nueva apuesta por llevar al cine la vida de figuras centrales de la música popular en español.

Según se informó, el desarrollo de la película surge de un acuerdo entre Fam Contenidos, responsable de títulos como El Potro y Pipa, y Sipur Studios, productor de Bad Boy, en coproducción con Costes Studio y Loishka. La alianza reúne compañías con experiencia en cine, contenidos audiovisuales y producción musical.

La película pondrá el foco en la historia familiar de Lucía y Joaquín

Lejos de centrarse sólo en los éxitos del repertorio, la película buscará reconstruir el origen personal y artístico de los hermanos Galán. El eje estará puesto en su condición de hijos de inmigrantes y en el modo en que esa historia familiar atravesó su formación, su sensibilidad y su manera de narrar los vínculos desde la música.

La trama presentará a Pimpinela como un fenómeno construido a partir del esfuerzo, la convivencia con la frustración, la constancia y la transformación de vivencias íntimas en un lenguaje popular. En esa clave, la biopic se propone mostrar cómo el dúo moldeó una identidad propia dentro de la escena musical hispana.

Un estilo propio que convirtió discusiones de pareja en himnos populares

Desde sus comienzos, Pimpinela encontró una marca singular: canciones dialogadas, dramatizadas y atravesadas por conflictos afectivos reconocibles para públicos masivos. Esa fórmula, que unió balada, teatralidad y relato, terminó por convertir varios temas en piezas de fuerte identificación popular.

Entre esas canciones sobresale “Olvídame y pega la vuelta”, una de las obras más difundidas del dúo y una referencia ineludible al hablar de su impacto cultural. La película buscará mostrar de qué manera ese estilo tomó elementos de la historia personal de Lucía y Joaquín para proyectarse sobre millones de oyentes.

La biopic repasará más de cuatro décadas de trayectoria artística

Con una carrera de más de 40 años, el dúo construyó un recorrido de escala internacional. A lo largo de su historia editó 24 discos, obtuvo 100 reconocimientos entre oro, platino y diamante y alcanzó una cifra estimada de 40 millones de álbumes vendidos.

El alcance de su obra excedió el mercado argentino. Pimpinela llevó sus canciones a escenarios internacionales, entre ellos el Madison Square Garden, y logró que parte de su repertorio tuviera versiones en inglés, italiano y portugués. Esa expansión consolidó a Lucía y Joaquín como uno de los dúos más reconocidos de la música en español.

Lorena Muñoz vuelve al terreno de las biografías musicales

La elección de Lorena Muñoz refuerza el perfil del proyecto. Su filmografía reciente quedó asociada a relatos biográficos de artistas populares, un antecedente que ahora se traslada a una historia con fuerte componente musical, familiar y dramático.

Junto con Mario Segade, la directora tendrá la tarea de traducir a lenguaje cinematográfico una trayectoria extensa, con momentos de consagración, tensiones internas, disciplina de trabajo y una narrativa pública que siempre combinó vida privada con escena artística.

El estreno en cines está previsto para fines de 2027

Aunque el proyecto todavía se encuentra en desarrollo, la hoja de ruta ya marca un calendario tentativo: filmación durante 2027 y llegada a las salas hacia el cierre de ese mismo año. El anuncio confirma que la historia de los hermanos Galán se sumará a la serie de biopics dedicadas a figuras de la música popular argentina.

Con ese horizonte, Pimpinela, el origen de la leyenda buscará reconstruir el camino que llevó a Lucía Galán y Joaquín Galán desde una historia familiar atravesada por el esfuerzo hasta la consolidación de un fenómeno artístico de proyección internacional.

Además, la película se sitúa en plena Guerra Fría, lo que refuerza el ambiente ochentero que busca captar la atención del público actual.

Tecnología de los años 80: disquetes, Macintosh y el desafío del almacenamiento

En la década de 1980, la informática personal estaba marcada por el uso de disquetes, dispositivos de almacenamiento que hoy parecen prehistóricos pero que en aquel entonces resultaban imprescindibles. El tráiler de ‘Mayday’ evoca esa época al mostrar a Reynolds y Branagh intentando reproducir la película en un Macintosh original.

La escena, que incluye frases como “vamos a reproducirla en una Mac auténtica de los 80” y “dice ‘insertar nuevo disco’”, ilustra con humor los inconvenientes que enfrentaban los usuarios.

El uso del clip como herramienta para expulsar manualmente los disquetes era una práctica común. En el video, Branagh afirma: “Así que compré un clip auténtico de los 80. Démosle una oportunidad”, antes de intentar liberar el disco.

Este guiño a la cultura tecnológica de la época es un recordatorio de cómo las soluciones improvisadas formaban parte del día a día para quienes utilizaban computadoras personales.

La dinámica presentada en el tráiler resalta el principal problema de los disquetes: la limitación de capacidad y la logística engorrosa. Cuando la pantalla del Macintosh solicita “INSERT DISC 2”, Reynolds reacciona con un resignado “Oh, no me jo***”, reflejando la frustración que sentían los usuarios ante la necesidad de cambiar repetidamente de disco para ejecutar programas o ver contenido.

Nostalgia ochentera y el humor en la promoción de Mayday

El video promocional de Apple TV+ no solo apela a los recuerdos de quienes vivieron esa época, sino que utiliza el humor para conectar con las generaciones actuales. Las bromas entre Reynolds y Branagh, como la confusión sobre el uso del clip y la mención de que “solo faltan 49 más” disquetes, caricaturizan las dificultades tecnológicas que hoy resultan casi inimaginables.

El tráiler también destaca la herramienta indispensable de los técnicos de Apple en los 80: un simple clip. Inserto en el pequeño orificio junto a la unidad de disquete, servía para liberar manualmente los discos atascados.

Esta anécdota concreta refuerza la autenticidad del homenaje a la informática vintage y evidencia cómo los detalles técnicos pueden convertirse en elementos narrativos efectivos en una campaña publicitaria.

Trama de Mayday y ambientación en la Guerra Fría

La película ‘Mayday’ se sitúa en el contexto de la Guerra Fría, un periodo que define el tono y la atmósfera del film. Ryan Reynolds interpreta a un piloto de la Armada estadounidense que, tras un aterrizaje forzoso en la Unión Soviética, se encuentra con un exagente de la KGB, encarnado por Kenneth Branagh.

A partir de ese encuentro, la historia se desarrolla en una serie de aventuras que prometen tanto acción como momentos de humor.

Aunque en el tráiler no se revela si el Macintosh tendrá un papel relevante en la trama, la elección de este elemento como recurso promocional refuerza la ambientación temporal. El estreno está previsto para el viernes 4 de septiembre de 2026 en Apple TV+, por lo que la expectativa sobre el papel de la tecnología ochentera en la narrativa se mantiene abierta hasta el lanzamiento oficial.

El legado de los disquetes

El recuerdo de los disquetes y las Macintosh originales no solo genera nostalgia, sino que también evidencia el contraste con la evolución tecnológica actual. La escena en la que los protagonistas deben lidiar con múltiples discos para ver una sola película resulta un recordatorio directo de las limitaciones de aquellos sistemas.

Para muchos usuarios de Mac en los 80, la reacción de Reynolds en el video resume la experiencia colectiva de una generación: la convivencia con el desorden de disquetes y la paciencia necesaria para operar con ellos.

La promoción de ‘Mayday’ utiliza este aspecto para conectar emocionalmente con el público, renovando el interés por los desafíos del pasado y mostrando cómo la tecnología ha transformado la forma de crear y consumir contenido audiovisual. Con este guiño al pasado, Apple TV+ busca atraer tanto a quienes vivieron esa época como a quienes solo la conocen por referencias y relatos.

Dos épocas para contar la transformación de Kaczynski

La película comienza a fines de la década de 1950, cuando Kaczynski ingresa a Harvard con apenas 16 años. Aunque es presentado como un joven prodigio, tiene dificultades para adaptarse al entorno académico y queda bajo la influencia del profesor y psicólogo Henry Murray, interpretado por Russell Crowe.

Según la sinopsis, Murray somete al estudiante a una serie de controvertidos experimentos psicológicos. La narración utilizará esas sesiones y el aislamiento del protagonista para explorar su quiebre mental, sus ideas y el proceso que décadas después lo convertiría en el atacante conocido como Unabomber.

La segunda línea temporal se desarrolla en los años 90, durante la etapa final de la extensa investigación para identificarlo y detenerlo. Shailene Woodley interpreta a Joanne Miller, una agente del FBI que encabeza la búsqueda y trata de anticiparse al próximo ataque.

El montaje alternará la experiencia universitaria del joven Kaczynski con la persecución policial. Esta estructura permitirá mostrar información sobre su pasado mientras la investigación expone las consecuencias de sus decisiones. La película presenta los experimentos, la ambición académica y el aislamiento como elementos centrales de su dramatización, sin que las fuentes disponibles detallen cuánto separará los hechos documentados de los recursos propios de la ficción.

El reparto y el equipo detrás de Unabomber

Metz dirige la película a partir de un guion escrito por Sam Chalsen y Nelson Greaves. Además de Tremblay, Crowe y Woodley, el elenco incluye a Annabelle Wallis, Alexander Ludwig, Steven Ogg y Marc Menchaca, aunque todavía no se informaron los personajes que interpretarán.

Tremblay asume el papel correspondiente a la etapa juvenil de Kaczynski. Crowe encarna a Murray, figura clave dentro del relato sobre sus años en Harvard, mientras que Woodley ocupa el centro de la línea policial ambientada varias décadas después.

Greaves, Donald J. Lee y Chalsen son los productores ejecutivos del proyecto, realizado en asociación con MRC. Sophie Cassidy produce la película para 2.0 Entertainment.

El primer adelanto establece el contraste entre las dos épocas y presenta el conflicto desde ambas perspectivas: la formación de Kaczynski dentro de una institución académica prestigiosa y el operativo para capturarlo antes de que ejecute otro atentado. Netflix todavía no informó la duración de la película.

La campaña de ataques y una búsqueda de 17 años

Theodore Ted Kaczynski nació en 1942 y murió en 2023. Fue matemático, filósofo y terrorista doméstico estadounidense. Durante casi dos décadas envió cartas bomba como parte de una campaña que dejó tres personas muertas y otras 23 heridas.

El primer atentado atribuido a Kaczynski ocurrió en 1978. Desde entonces, las autoridades desarrollaron una búsqueda que se extendió durante 17 años y fue la más larga de la historia de Estados Unidos, según la información difundida junto con la película.

Kaczynski fue localizado finalmente en 1996, cuando vivía aislado en una cabaña en el bosque. Ese período será el punto de llegada de la línea temporal protagonizada por Woodley, mientras las escenas con Tremblay reconstruirán los episodios juveniles elegidos por el guion para explicar al personaje.

Unabomber estará disponible mundialmente en Netflix desde el 25 de septiembre de 2026.

Bass Reeves ante una frontera mecánica

La historia transcurre en una versión sin ley del Salvaje Oeste, atravesada por tecnología mecánica y elementos de ciencia ficción. El steampunk es una corriente estética que imagina máquinas avanzadas construidas con engranajes, metal y sistemas inspirados en la tecnología industrial del siglo XIX.

En ese escenario, Bass Reeves debe enfrentarse a forajidos violentos, monstruos mecánicos y amenazas sobrenaturales. La sinopsis difundida por Netflix también presenta al protagonista como un padre obligado a asumir los papeles de juez, jurado y verdugo para proteger a su familia.

Cada decisión tiene un costo concreto. Los actos de justicia con los que Reeves intenta mantener a salvo a sus seres queridos podrían terminar alejándolo de ellos o causarles daño. Esa tensión familiar acompaña las escenas de persecución, combate y violencia mostradas en el material promocional.

El tráiler mencionado en una de las fuentes permite ver parte de ese territorio hostil y varias secuencias de acción. La animación combina enfrentamientos cuerpo a cuerpo, armas y grandes construcciones mecánicas, elementos con los que Studio Mir desarrolla el cruce entre western, fantasía y ciencia ficción.

Brian Tyree Henry encabeza el reparto

Brian Tyree Henry presta su voz a Bass Reeves y participa como productor ejecutivo. El actor es conocido dentro de la animación por interpretar a Jefferson Davis en las películas de Spider-Man protagonizadas por Miles Morales.

El reparto incluye a Janelle Monáe como Glory, Tati Gabrielle como Dana y Cree Summer como Ahni. También participan Chaske Spencer en el papel de Lighthorse, Currie Graham como Rivenbark y Starletta DuPois como Etta.

El equipo de producción ejecutiva se completa con LeSean Thomas, Jennifer Wiley-Moxley y Chad Handley. La música quedará en manos de Roman GianArthur y Nate Wonder, integrantes de Wondaland. Netflix todavía no informó cuántos episodios tendrá la primera tanda ni cuál será su duración.

Bass X Machina está orientada a una audiencia adulta. La violencia de la frontera, el peligro que rodea a la familia del protagonista y la descripción de Reeves como una figura dispuesta a ejecutar sus propias sentencias marcan el tono de la propuesta.

Studio Mir y las dos fechas de estreno

Studio Mir, estudio de animación radicado en Corea del Sur, está detrás de la producción visual. Entre sus trabajos recientes aparecen la adaptación animada de Devil May Cry para Netflix, Mis aventuras con Superman y X-Men ’97.

La serie forma parte del catálogo de anime que Netflix prepara para lo que queda de 2026. Esa programación también contempla el regreso de Cyberpunk: Edgerunners durante octubre, según la información incluida en las fuentes.

El calendario de Bass X Machina, sin embargo, presenta una contradicción. Uno de los reportes señala que los episodios se estrenarán el 6 de octubre de 2026. Otra fuente, publicada junto con la noticia del tráiler, ubica el lanzamiento para el 3 de noviembre en Netflix.

Esa diferencia puede responder a un cambio de programación posterior al anuncio inicial, pero las fuentes suministradas no incluyen una explicación oficial que permita confirmarlo. Tampoco se detalló si el estreno será simultáneo en todas las regiones. Por ahora, Netflix mantiene a Bass X Machina dentro de su oferta de 2026, con el 6 de octubre y el 3 de noviembre como las dos fechas informadas.

HBO Max confirmó el inicio del rodaje de la serie mexicana original de HBO Mataviejitas, una ficción inspirada en uno de los casos criminales que más impacto tuvo en la memoria pública de México. La producción, a cargo de EXILE Content, estará encabezada por Mayra Hermosillo y Mónica Jiménez, con dirección de Humberto Hinojosa y codirección de J.M. Cravioto.

El proyecto se presenta como un thriller psicológico y policial ambientado en la Ciudad de México de los años 2000, con una trama que toma como punto de partida el caso de Juana Barraza, cuyo nombre quedó asociado a una serie de crímenes contra mujeres mayores. La serie buscará reconstruir ese universo urbano desde una perspectiva de ficción, con foco en la tensión narrativa, el clima de peligro y el recorrido emocional de sus personajes.

Según informó HBO Max la serie propone una mirada cinematográfica sobre una historia que forma parte de la memoria colectiva mexicana. La plataforma indicó que el relato pondrá en escena una ciudad atravesada por el miedo, las contradicciones sociales y las fallas de un contexto urbano marcado por la violencia y la desconfianza.

En el centro del elenco estarán Mayra Hermosillo, en el papel de Verónica Guillén, y Mónica Jiménez, quien interpretará a Juana. A ellas se suman Osvaldo Sánchez como Ignacio Estrada, Natalia Solián como Inés Garay, Pablo Cruz Guerrero como Rodrigo, Carmen Beato como Olivia, Raffaella Méndez como Sabina y Gerardo Trejoluna como Fernando Camacho. El reparto incluye además a Antonio de la Vega, Dolores Heredia, Mauricio Isaac, Francisco Rubio y Sergio Bonilla, junto con un elenco extendido de figuras del cine y la televisión mexicana.

La dirección y la propuesta creativa estarán a cargo de Humberto Hinojosa, realizador conocido por títulos como Luis Miguel: La Serie, Las viudas de los jueves y La cabeza de Joaquín Murrieta. La codirección recaerá en José Manuel Cravioto, acreditado como J.M. Cravioto, con trabajos previos en Mexican Gangster, Diablero y El Chapo. En el equipo técnico también figuran Ximena Amann en dirección de fotografía, Sergio Barrejón en guion, María Paz González en diseño de producción, Lupita Peckinpah en vestuario, Adam Zoller Duplan en maquillaje, Mercedes Gironella en casting y Sam Baixauli en edición.

Hinojosa sostuvo que el caso de Juana Barraza se convirtió con el tiempo en parte de la memoria de un país y recordó que le tocó vivir aquella cobertura en una etapa particular de su vida. El director señaló que llevar ese material a una serie de ficción, junto al productor Arturo Sampson y en alianza con HBO, representó una oportunidad difícil de dejar pasar.

Desde la producción ejecutiva, Sampson destacó el trabajo del elenco y del equipo creativo. El productor afirmó que la serie reúne a intérpretes y técnicos de primer nivel y señaló que la combinación entre dirección, fotografía, escritura y diseño apunta a construir una propuesta con una identidad estética definida. “Estamos convencidos de que esta producción, por su enorme calidad creativa, estética y técnica, sorprenderá a la audiencia y conectará especialmente con quienes aman el thriller, el policiaco y el true crime”, expresó.

La apuesta forma parte de la estrategia de HBO Max para reforzar su catálogo de producciones originales hechas en Latinoamérica. La compañía remarcó que busca impulsar historias locales con proyección internacional, desarrolladas con equipos de la región y con temáticas ligadas a contextos culturales reconocibles para sus audiencias.

El caso que inspira la serie ya tuvo otras aproximaciones documentales y periodísticas en los últimos años, aunque esta nueva producción buscará un tratamiento de ficción en seis episodios, con énfasis en el suspenso y en la construcción de personajes. En ese marco, Mataviejitas se suma a la tendencia de las plataformas por revisar episodios criminales de alto impacto social a través del lenguaje del drama televisivo.

Por el momento, HBO Max no informó una fecha de estreno. La serie se encuentra en plena etapa de filmación y forma parte del nuevo paquete de contenidos originales con identidad local que la plataforma prevé lanzar para audiencias de la región y del mercado internacional.

Un regreso impulsado por la paternidad

La historia comienza cuando Ali G descubre que su novia, Julie, está embarazada de ocho meses. Ante la inminente llegada del bebé y la necesidad de mantener a una familia más grande, el personaje decide viajar a Estados Unidos para intentar relanzar la carrera que tuvo años atrás.

El plan no avanza sin obstáculos. Según la sinopsis difundida, Ali G encontrará adversarios que amenazarán tanto su existencia como la de su futuro hijo. El avance combina esa premisa con encuentros incómodos, provocaciones y situaciones construidas alrededor de las reacciones de personas reales.

La paternidad funciona así como el punto de partida para devolver al personaje a la actividad. Cohen ya había recurrido a una idea relacionada con las responsabilidades familiares cuando retomó a Borat, aunque la nueva película traslada ese conflicto a la personalidad, las ambiciones y el lenguaje de Ali G.

El regreso ocurre 24 años después de Ali G Indahouse, la comedia que llevó al personaje al cine. Ali G había nacido antes como una figura televisiva interpretada por Cohen, con una actitud deliberadamente ignorante y entrevistas basadas en la incomodidad de sus interlocutores.

El formato que conecta a Ali G con Borat y Brüno

Ali G: Who Iz I? utilizará un formato de falso documental o mockumentary, una ficción presentada con recursos visuales y narrativos propios de un documental. La película colocará al protagonista ficticio frente a personas reales que, en muchos casos, desconocen la naturaleza cómica del encuentro.

Ese método fue central en Borat y Brüno, otros dos personajes de Cohen. Las escenas dependen de la improvisación, la provocación y las respuestas espontáneas de quienes interactúan con el actor. El primer tráiler indica que la nueva producción mantendrá esa estructura en lugar de limitarse a una comedia completamente guionizada con un reparto tradicional.

La elección también diferencia este regreso de Ali G Indahouse, que seguía una narración cinematográfica convencional. La nueva entrega parece más cercana a las producciones posteriores de Cohen, donde la frontera entre actuación y realidad forma parte del chiste y puede generar situaciones deliberadamente tensas.

Cohen ya había recuperado a uno de sus personajes más conocidos en Borat 2, secuela que trasladó al reportero ficticio a un contexto contemporáneo. Ahora aplicará una ruta parecida a Ali G, aunque con la búsqueda de trabajo y el embarazo de Julie como motores de la trama.

Sacha Baron Cohen asume el control creativo

Además de volver a interpretar al protagonista, Sacha Baron Cohen escribió el guion, dirige la película y participa en la producción. Será la primera vez que figure como director de un largometraje, después de una carrera en la que tuvo un papel creativo central en varias comedias encabezadas por sus propios personajes.

La producción corre a cargo de Four by Two Films Banner, el sello de Cohen. Petr Jákl y Emily Kob aparecen acreditados como productores ejecutivos. Esta concentración de tareas deja el proyecto bajo el control directo del actor, desde la historia hasta la filmación de los encuentros con personas reales.

El tráiler adelanta humor provocador y conversaciones incómodas, dos rasgos asociados con Ali G desde sus primeras apariciones. También muestra que el personaje conserva su forma de hablar, su vestuario y su conducta, pese al tiempo transcurrido desde su última película.

Por ahora, la fecha confirmada corresponde al estreno en los cines suecos el 23 de octubre. Las fuentes no detallan fechas para otros territorios ni anuncian una plataforma de streaming, por lo que la distribución internacional de Ali G: Who Iz I? permanece pendiente de confirmación.

La señal Europa Europa suma a su pantalla una nueva lectura sobre uno de los personajes más observados de la historia monárquica con el estreno de “Sisi”, una serie de seis episodios que revisita la vida de Isabel de Baviera y la ubica en el centro de una trama atravesada por el amor, la presión familiar y las disputas por el poder. La emisión será todos los martes a las 22.00 en Argentina y a las 19.00 en México.

El ciclo pone el foco en la transformación de Isabel de Baviera, conocida como Sisi, desde su juventud rebelde hasta su conversión en una figura sometida a la vigilancia de la corte y a las exigencias del imperio. La historia se sitúa en el siglo XIX y sigue su llegada a la casa de los Habsburgo, donde el vínculo con el emperador Francisco José queda atravesado por las reglas del protocolo, la exposición pública y los intereses políticos de la familia imperial.

La propuesta se distancia de las versiones más idealizadas del personaje y avanza sobre los conflictos que acompañaron su vida dentro del palacio. El matrimonio, la disputa entre deseo personal y deber institucional, las pérdidas íntimas y la necesidad de adaptarse a una maquinaria de poder forman parte del recorrido dramático de la serie.

Dirigida por Andreas Gutzeit, creador y realizador de “Mozart Mozart”, la producción busca acercar la figura de Sisi a nuevas audiencias sin desprenderla de su contexto histórico. La serie presenta a la emperatriz como una mujer bajo presión constante, obligada a negociar con las expectativas de la corte y con una imagen pública que excede su vida privada.

Ese enfoque encuentra puntos de contacto con análisis históricos recientes sobre Isabel de Baviera. Sissi volvió a crecer a partir de nuevas ficciones audiovisuales y remarcó que, detrás de la imagen glamorosa instalada por el cine, existieron tensiones familiares, disciplina cortesana y disputas políticas que marcaron su trayectoria.

Una de las relaciones centrales para comprender la vida de la emperatriz fue la que mantuvo con la archiduquesa Sofía de Baviera, madre de Francisco José. En varias recreaciones de ficción aparece como una figura rígida y controladora. Aunque existieron desacuerdos notorios por el protocolo, la crianza de los hijos y la vida matrimonial, la archiduquesa no dejó constancia de una opinión enteramente hostil sobre su nuera en sus diarios y correspondencia.

La reconstrucción histórica también pone bajo revisión algunos elementos melodramáticos que suelen aparecer en pantalla. Entre ellos figura la hipótesis de romances atribuidos a Sofía antes de la consolidación del poder de su hijo y las supuestas conspiraciones internas en la familia.

Ese vínculo entre los hermanos estuvo marcado por comparaciones desde la juventud, diferencias de temperamento y desacuerdos políticos. Maximiliano era visto como un aristócrata talentoso, de inclinación liberal y gusto por los proyectos propios, rasgos que alimentaron choques con el emperador.

En ese cruce entre el dato histórico y la libertad narrativa se apoya “Sisi”, que retoma un personaje muy conocido por la cultura popular europea para presentarlo desde un ángulo menos ornamental. La serie propone una mirada sobre la vida de la emperatriz como campo de disputa entre afecto, mandato y representación pública, con una puesta centrada tanto en la intimidad como en las consecuencias políticas de cada decisión.

Con este estreno, Europa Europa incorpora a su programación una producción alemana que vuelve sobre una figura convertida en mito y la acerca a una audiencia contemporánea a partir de una pregunta vigente: qué margen de libertad puede conservar una mujer cuando su vida privada queda absorbida por las obligaciones del poder.

La nueva temporada de The Pitt volverá a centrarse en el funcionamiento de un hospital moderno de Estados Unidos, con foco en los desafíos que atraviesan médicos, enfermeros y personal de guardia. Según la sinopsis oficial difundida por HBO Max, la serie propone una mirada realista sobre el trabajo de los profesionales de la salud a través de los casos que llegan a una sala de emergencias en Pittsburgh.

El primer teaser muestra el regreso de Noah Wyle al frente del servicio tras una pausa de tres meses en la historia. El avance incluye escenas de alta tensión dentro del Centro Médico de Traumatismo de Pittsburgh, con múltiples pacientes heridos y nuevos episodios de caos hospitalario. En una de las frases del adelanto, el personaje afirma: “Es hora de volver”.

De acuerdo con el material promocional, los nuevos episodios transcurrirán durante los primeros días de noviembre. Wyle, quien también integra el equipo de producción, señaló en declaraciones difundidas por medios especializados que el clima de Pensilvania tendrá peso en la trama. “Todo tipo de casos entran por las puertas”, explicó el actor al referirse a incendios domésticos, calles congeladas y emergencias vinculadas al frío.

El elenco confirmado para la temporada 3 incluye a Patrick Ball, Katherine LaNasa, Fiona Dourif, Taylor Dearden, Isa Briones, Gerran Howell, Shabana Azeez, Ayesha Harris, Sepideh Moafi y Shawn Hatosy, además del regreso de Wyle. También trascendió la incorporación de nuevos actores al reparto, entre ellos Stephen Chang, Barry Clifton, Lawrence Kao, Brent Sexto, Hannah Ware, Chris Diamantopoulos y JB Tadena.

La producción corre por cuenta de John Wells Productions en asociación con Warner Bros. Television. Gemmill figura como creador y productor ejecutivo junto con John Wells, Noah Wyle, Michael Hissrich, Erin Jontow, Joe Sachs, Simran Baidwan y Eli Attie.

La serie llega a esta nueva etapa tras un fuerte reconocimiento en la temporada anterior. El material difundido sobre el lanzamiento de la tercera entrega indica que The Pitt obtuvo 26 nominaciones al Emmy por su segunda temporada, un dato que consolidó su presencia entre las ficciones médicas más visibles del catálogo de HBO Max.

En ese contexto, Shawn Hatosy, quien interpreta al Dr. Abbot, anticipó en entrevistas recientes que la tercera temporada tendrá 15 episodios y abrirá con un desarrollo distinto al de las entregas previas. El actor también volverá a dirigir un episodio de la serie, esta vez sin aparecer delante de cámara.

Con el teaser ya disponible y las primeras imágenes en circulación, HBO Max fijó el regreso de The Pitt para enero de 2027, cuando la serie retomará la historia del equipo médico de Pittsburgh con nuevos casos y una temporada situada en pleno clima invernal.

Luis Machín interpreta al odontólogo y asesino, mientras que Carla Peterson se pone en la piel de Gladys, Mercedes Morán interpreta a Elena y Maite Lanata y Margarita Páez encarnan a Cecilia y Adriana. El elenco se completa con Marcelo Subiotto, Paola Barrientos y Alberto Ajaka. La película es una coproducción de About Entertainment, Infinity Hill y Amazon MGM Studios.

El cambio de perspectiva es, justamente, uno de los grandes desafíos de la película. Durante años, Barreda se transformó en un personaje de la cultura popular. Su imagen llegó a ser acompañada por chistes, merchandising y una narrativa que lo presentaba como un hombre sometido a supuestas humillaciones familiares. Incluso una frase pronunciada por su abogado quedó instalada en el imaginario: “Barreda hizo todo lo que un argentino sueña”.

Para Luis Machín, esa construcción todavía tiene consecuencias. “Somos absolutamente conscientes de que todavía eso sigue repercutiendo”, señaló el actor, quien cuestionó la cultura del “chiste chabacano, burdo y simplón” que puede terminar generando adhesiones. En su opinión, los medios de comunicación de 1992 contribuyeron a convertir al femicida en una suerte de héroe popular y a reivindicar una determinada imagen del “macho argentino”. La película intenta correrse de ese lugar. “Siempre hemos escuchado la voz del monstruo”, explicó Machín, al destacar que Barreda propone una lectura que hasta ahora no había ocupado el centro del relato.

Carla Peterson también pone el acento en una violencia que no necesariamente se expresa a través de golpes. Para la actriz, Gladys percibía el peligro y le tenía miedo a su marido, pero estaba atrapada en una relación atravesada por la violencia psicológica y económica. “No necesitás que te peguen una piña para decir: ‘Che, es una persona violenta’”, sostuvo.Mercedes Morán, por su parte, destaca una de las escenas centrales de la historia: aquella en la que Elena intenta convencer a su hija de que se separe. “Estás esperando que él cambie y no va a cambiar”, dice su personaje. Para Morán, allí aparece el retrato de una generación para la que separarse no era una decisión sencilla y que muchas veces postergaba esa posibilidad hasta que los hijos fueran grandes.

La actriz también señala que las mujeres fueron desplazadas del lugar de víctimas por una sociedad que buscaba explicaciones para justificar al victimario. La película intenta revisar precisamente esa mirada y devolverles identidad a las cuatro mujeres.

Uno de los momentos más difíciles del rodaje fue la reconstrucción de los asesinatos. Los actores explicaron que fueron escenas muy técnicas, ensayadas cuidadosamente, pero también profundamente movilizantes. Para Morán, incluso las escenas cotidianas junto a Machín podían resultar más tensas que aquellas en las que se mostraba la muerte, porque el comportamiento del personaje construía una violencia permanente.

El 15 de noviembre de 1992, Barreda asesinó con una escopeta a su esposa, su suegra y sus dos hijas. En 1995 fue condenado a prisión perpetua. Murió en 2020, a los 84 años.

Ahora, más de tres décadas después, Barreda vuelve sobre aquella historia para cambiar la pregunta. Ya no se trata solamente de quién fue el asesino, sino de quiénes fueron las mujeres cuyas vidas quedaron durante años opacadas por su nombre.

El actor británico Tim Curry falleció este miércoles 26 de agosto en Los Ángeles, California, a los 80 años. Su legado abarca cinco décadas de carrera con una filmografía que atravesó generaciones, géneros y culturas.

Debutó en el cine con un papel que lo convertiría en leyenda y, desde entonces, no dejó de sorprender con la diversidad de sus personajes: desde el villano shakesperiano al mayordomo cómico, pasando por piratas con acento irlandés y payasos que generaron pesadillas a varias generaciones.

En su autobiografía Vagabond, publicada en 2025, el actor escribió: “Aprendí a no limitarme, artística, profesional, sexual o mentalmente”, una frase que resume con precisión la amplitud de su carrera.

Para quienes quieran disfrutar su trabajo, varias de sus películas más recordadas están disponibles en plataformas de streaming.

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Fue el papel que lo lanzó al estrellato y que, medio siglo después, sigue siendo el más asociado a su nombre. Curry interpretó al Dr. Frank-N-Furter, un excéntrico científico proveniente del planeta Transexual que recibe en su mansión a una pareja cuya noche toma un rumbo completamente inesperado.

La película musical se convirtió en un clásico de culto y en uno de los títulos con mayor permanencia en salas de cine alrededor del mundo. Está disponible en DGO para usuarios con acceso a Disney+.

Clue - El juego de la sospecha (1985)

Seis desconocidos atrapados en una mansión, un muerto y ningún culpable a la vista. En esta comedia de misterio basada en el famoso juego de mesa Clue, Curry dio vida a Wadsworth, el mayordomo al servicio del misterioso Sr. Boddy.

Rolling Stone describió su actuación como “una genialidad”, con un trabajo de caracterización exterior tan elaborado —ojos en blanco, expresiones atónitas, consonantes marcadas— que podría sostenerse como una película aparte. Disponible gratis en Mercado Play.

Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York (1992)

Con esta entrega de la franquicia familiar, Curry se ganó un lugar en la memoria de varias generaciones de espectadores. Él interpreta al conserje del Hotel Plaza, un empleado suspicaz que no termina de creer que el pequeño Kevin McCallister esté solo en el lujoso establecimiento. Disponible en DGO con acceso a Disney+.

Los tres mosqueteros (1993)

Curry también se puso en la piel de uno de los grandes antagonistas de la literatura universal. En esta adaptación cinematográfica de la novela de Alejandro Dumas, el actor interpretó al cardenal Richelieu, el hombre más poderoso de Francia en su intento de doblegar a los mosqueteros y controlar el reino.

El papel le permitió explorar el registro del villano político con una solemnidad que contrastaba con sus trabajos más extravagantes, y quedó como uno de sus personajes más sólidos del cine de aventuras. Disponible en DGO con acceso a Disney+

La isla del tesoro de los Muppets (1996)

Según declaró el propio Curry al The New York Times en febrero de este año, esta fue “su película favorita”: “La amé al hacerla y espero que se proyecte para siempre”.

En esta versión de la novela de Robert Louis Stevenson, el actor interpretó a Long John Silver, el cocinero devenido pirata que se enfrenta al joven Jim Hawkins y a una tripulación que incluye a Kermit, Miss Piggy y Fozzie Bear. Está disponible en DGO con acceso a Disney+.

Scary Movie 2 (2001)

La versatilidad de Curry en la comedia absurda quedó plasmada en esta segunda entrega de la saga de parodias de terror. El actor interpretó al profesor Oldman, un investigador excéntrico que reúne a un grupo de estudiantes en una mansión embrujada para estudiar fenómenos paranormales. El papel le permitió transitar con comodidad el registro del humor disparatado, un territorio en el que demostró el mismo dominio que en el drama o el terror.

Disponible en DGO con acceso a Paramount+.

Warner Bros. desarrolla una nueva película de acción real basada en Los Picapiedra, con Ryan Gosling involucrado detrás de cámaras como productor. El proyecto cambiará el foco de la franquicia: en lugar de seguir a Pedro Picapiedra, tendrá como protagonista a una versión adulta de Bamm-Bamm Rubble, conocido como Bam-Bam Mármol en distintas versiones en español. Todavía no se anunciaron el reparto, el director ni la fecha de estreno.

Bamm-Bamm toma el lugar de Pedro

El cambio de protagonista separará a esta película de las dos adaptaciones cinematográficas anteriores. Pedro Picapiedra, personaje central de la serie animada, dejará el primer plano para cederlo al hijo adoptivo de Barney Rubble y Betty Rubble, llamados Pablo y Betty Mármol en buena parte de Hispanoamérica.

Bamm-Bamm apareció originalmente como un niño pequeño con fuerza sobrehumana. El personaje solía llevar un garrote y provocaba destrozos al emplear su poder sin medir las consecuencias. También mantenía una relación cercana con Pebbles Picapiedra, hija de Pedro y Vilma, con quien terminaría casándose en la continuidad de la serie.

La nueva historia presentará a Bamm-Bamm durante su vida adulta, aunque todavía no se conocen detalles sobre el conflicto, el resto de los personajes o la ambientación. Los primeros reportes anticipan que el humor tendrá un papel importante y señalan posibles similitudes de tono con Barbie, la película de Warner Bros. en la que Gosling interpretó a Ken.

También circuló la posibilidad de que Gosling encarne al protagonista, pero su participación frente a cámara no está confirmada. Hasta ahora, el dato concreto es su trabajo como productor junto a Jessie Henderson, su socia en Open Invite. La falta de un elenco anunciado deja abierta la posibilidad de que otro actor interprete a Bamm-Bamm.

Dos antecedentes en acción real

Esta será la tercera gran película con actores basada en la creación de Hanna-Barbera. El formato de acción real traslada a intérpretes humanos los personajes y escenarios que nacieron en la animación, aunque puede combinar decorados físicos con efectos digitales.

La primera adaptación llegó en 1994 y estuvo encabezada por John Goodman como Pedro y Rick Moranis como Pablo. El reparto incluyó a Halle Berry, Kyle MacLachlan y Elizabeth Taylor. La producción llevó Piedradura al cine mediante escenarios construidos para recrear las casas, vehículos y objetos prehistóricos de la serie.

En 2000 se estrenó Los Picapiedra: Viva Rock Vegas, una precuela centrada en la juventud de los personajes. Mark Addy interpretó a Pedro y Stephen Baldwin asumió el papel de Pablo. La película recibió críticas negativas y no generó una continuación.

La nueva versión se diferenciará de ambos antecedentes al desplazar a Pedro como figura principal. En vez de volver a contar cómo se conocieron las dos parejas originales o reproducir su vida cotidiana, el proyecto avanzará hacia una generación posterior de Piedradura. Aún no se informó si Pedro, Vilma, Pablo, Betty o Pebbles aparecerán como personajes secundarios.

El proyecto y la agenda de Ryan Gosling

La producción se suma a una agenda cargada para Gosling. El actor tiene previsto protagonizar Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy y programada para mayo de 2027. Allí interpretará a Kade Auberon en una historia independiente situada después de los acontecimientos de Star Wars: El ascenso de Skywalker.

Las fuentes también ubican al actor al frente de una nueva película de Ghost Rider vinculada al Universo Cinematográfico de Marvel, con estreno señalado para julio de 2028. El personaje específico que interpretará no fue identificado oficialmente, aunque los reportes apuntan a Danny Ketch, uno de los portadores del Espíritu de Venganza en los cómics.

Gosling trabaja, además, en una continuación de El agente invisible, película estrenada por Netflix en 2022, y en la comedia de acción Tough Guys junto a Will Ferrell. Ambos proyectos se encuentran en fases tempranas, según la información disponible.

La película de Los Picapiedra tampoco cuenta todavía con un calendario público de producción. Warner Bros. no comunicó cuándo comenzará el rodaje ni confirmó si Ryan Gosling aparecerá en pantalla, por lo que su participación asegurada se limita por ahora al desarrollo del proyecto mediante Open Invite.

La historia parte de la desaparición de Jake, un niño de ocho años. Su padre, Tom, un escritor viudo de novelas policiales, queda ante una situación límite y busca ayuda en la única persona que conoce a fondo un antecedente inquietante: Pete, su padre, antiguo inspector de policía retirado. Ese reencuentro abre el conflicto central del film. No se trata solo de encontrar al niño, sino de regresar a una investigación que dejó marcas duraderas dentro y fuera de la comisaría.

Robert De Niro interpreta a Pete, un hombre atravesado por el desgaste profesional y por una relación rota con su hijo. Años antes, él había participado en la captura de Frank Carter, el criminal señalado como “El Hombre de los Susurros”, autor de secuestros y asesinatos de menores. El problema que instala la película resulta inmediato: el asesino condenado sigue en prisión, pero el nuevo caso repite elementos del método que convirtió aquel expediente en una referencia del terror criminal.

Ese punto de partida sostiene un relato que combina pesquisa policial, drama íntimo y amenaza persistente. El suspenso no se apoya solo en la búsqueda del responsable, sino también en la idea de una violencia que circula entre generaciones. El vínculo entre padres e hijos funciona como motor emocional de una historia donde cada avance sobre la desaparición de Jake expone errores viejos, silencios familiares y zonas oscuras que nunca terminaron de cerrarse.

Junto a De Niro, Adam Scott asume el rol de Tom y aporta el perfil de un padre quebrado por la pérdida y por el peso de una historia familiar inconclusa. Michelle Monaghan completa el núcleo principal como la detective Amanda Beck, figura activa en la investigación. El elenco suma además a Hamish Linklater, Owen Teague, Acston Luca Porto y Will Brill, en una combinación de intérpretes con experiencia en drama, thriller y televisión.

La dirección quedó en manos del neozelandés James Ashcroft, cineasta que ya había despertado atención con Coming Home in the Dark. En esta adaptación, el realizador se inclina por una puesta más contenida que la del thriller clásico de sobresaltos. El terror aparece asociado al silencio, la sugestión y la fragilidad de los vínculos, antes que al impacto visual inmediato. Esa decisión acompaña el espíritu del material literario y refuerza la dimensión psicológica del relato.

La novela de Alex North tuvo una amplia circulación internacional y alcanzó notoriedad entre los lectores de suspenso por su cruce entre crimen, duelo y miedo infantil. El autor explicó en distintas entrevistas que la historia nació de una inquietud personal ligada a la paternidad y a aquello que los adultos transmiten a sus hijos, incluso cuando intentan evitarlo. La película recoge ese núcleo y lo traslada a una estructura más orientada a la investigación y al choque entre pasado y presente.

Otro de los nombres fuertes detrás del proyecto aparece en la producción. Anthony Russo y Joe Russo, responsables de títulos de gran escala en Hollywood, respaldan una propuesta más cerrada en tono y más enfocada en la atmósfera que en el espectáculo. Esa combinación entre un best seller reconocido, un reparto encabezado por De Niro y un conflicto de alto voltaje emocional ubica a “Susurran tu nombre” entre los lanzamientos destacados de la plataforma para el cierre de agosto.

Con estreno previsto para este viernes, la película buscará instalarse entre los thrillers de conversación inmediata en streaming. Netflix apuesta así por una historia donde el crimen no llega solo desde afuera: también nace de los lazos rotos, de las culpas viejas y de una pregunta que atraviesa toda la trama, quién paga realmente por los errores del pasado.

Warner Bros. y HBO Max confirmaron que DC Studios prepara The People vs. Gorilla Grodd, una comedia criminal de ocho episodios protagonizada por Skyler Gisondo como Jimmy Olsen. La serie, todavía sin fecha de producción o estreno, recuperará al personaje presentado en Superman y mostrará su investigación sobre la posible condena injusta de Gorilla Grodd.

Un crimen en Ciudad Gorila

La historia partirá del asesinato del rey de Ciudad Gorila, padre de Grodd. El simio superinteligente es declarado culpable, pero Olsen decide reabrir el expediente y examinar si uno de los juicios por homicidio más conocidos de Metrópolis terminó con una sentencia equivocada.

La investigación será presentada como una docuserie sobre un caso criminal real. Este formato imita las producciones de true crime, documentales que reconstruyen delitos mediante testimonios, archivos, entrevistas y nuevas pesquisas. La diferencia es que aquí el acusado es uno de los villanos clásicos de Flash y el periodista pertenece al mundo de Superman.

El caso permitirá que Jimmy analice el sistema de justicia penal de Metrópolis mientras busca pruebas sobre la muerte del rey. La premisa mezcla procedimientos judiciales, periodismo y comedia con elementos propios de DC, pero utiliza la estructura reconocible de los documentales criminales televisivos.

James Gunn, codirector de DC Studios, definió el proyecto como “nuestra primera incursión en el género de los true crimes”. El anuncio confirma los informes previos que señalaban que Jimmy Olsen tendría una producción propia después de su aparición cinematográfica.

El equipo de American Vandal vuelve al falso documental

La serie fue creada por Dan Perrault y Tony Yacenda, responsables de American Vandal. Aquella producción también empleaba recursos de los documentales criminales para construir una comedia alrededor de investigaciones ficticias, una experiencia directamente relacionada con el formato elegido para The People vs. Gorilla Grodd.

Gisondo estará acompañado por varios integrantes de la redacción del Daily Planet vistos en Superman. Mikaela Hoover regresará como Cat Grant, mientras que Wendell Pierce volverá a interpretar al editor Perry White. Beck Bennett retomará el papel del periodista Steve Lombard.

El reparto suma a Jimmy Tatro como Gorilla Grodd. El actor quedará en el centro del caso judicial y trabajará nuevamente con Perrault y Yacenda, con quienes ya colaboró en American Vandal.

Gunn y Peter Safran, los responsables de DC Studios, explicaron que la actuación de Gisondo y la química entre los integrantes del Daily Planet impulsaron el desarrollo. “Supimos tras ver Superman que este sería un mundo divertido de explorar”, indicaron. Según ambos productores, la intención es recorrer los sectores más oscuros y cómicos del DCU mientras Jimmy examina el funcionamiento de la justicia local para su documental.

El regreso de otros personajes de la película no fue confirmado. Rachel Brosnahan, quien interpreta a Lois Lane, y David Corenswet, el actor detrás de Clark Kent, forman parte del mismo equipo periodístico dentro de la historia, pero Warner Bros. no anunció su participación ni una aparición de Superman.

Un proyecto anterior a la conducción de DC Studios

Gunn reveló que él y Safran intentaban impulsar la serie desde antes de asumir el control creativo de DC Studios. Según el director, fue una de las ideas que presentaron a Warner Bros. Discovery antes de incorporarse formalmente, junto con Lanterns.

Ese origen sitúa al proyecto entre los primeros conceptos televisivos defendidos por ambos ejecutivos. Su aprobación llegó después del estreno de Superman y del recibimiento del elenco del Daily Planet, aunque todavía no se informó cuándo comenzará el rodaje.

The People vs. Gorilla Grodd se incorporará a una programación del DCU que incluye Lanterns y la película Clayface, prevista para el 22 de octubre de 2026. Las fuentes también mencionan una posible segunda temporada de Creature Commandos para finales de ese año, pero ese lanzamiento continúa sin confirmación definitiva.

El siguiente estreno cinematográfico indicado en el calendario es Superman: Man of Tomorrow, programado para el 9 de julio de 2027. HBO Max todavía no comunicó en qué momento ubicará los ocho episodios de The People vs. Gorilla Grodd.

Una conferencia convertida en zona de contagio

La historia comienza durante una conferencia de biotecnología que parece desarrollarse con normalidad. La situación cambia cuando un virus de mutación rápida queda liberado dentro del recinto y las autoridades sellan el lugar para impedir que el brote alcance el exterior.

La profesora Se-jeong queda atrapada junto con un grupo de sobrevivientes. Salir del edificio exige atravesar espacios ocupados por infectados cuyo comportamiento cambia a medida que avanza el contagio. Estas criaturas atacan a las personas y evolucionan de maneras impredecibles, por lo que las reglas de supervivencia pueden modificarse en cuestión de minutos.

Un nuevo clip promocional añade otra condición a la amenaza: el olor humano atrae a los zombis. El dato obliga a los personajes a controlar sus movimientos y su cercanía con los infectados dentro de un entorno cerrado, donde cualquier error puede revelar la ubicación del grupo.

La premisa combina el encierro con una infección cambiante. En lugar de presentar una amenaza estable, la película utiliza las mutaciones para alterar las capacidades de los infectados y aumentar la incertidumbre entre los sobrevivientes.

Jun Ji-hyun encabeza el reparto

Jun Ji-hyun, conocida por la serie My Love from the Star, lidera el elenco. La actriz comparte pantalla con Ji Chang-wook, cuyo trabajo televisivo incluye Healer, The K2 y The Worst of Evil.

El reparto suma a Koo Kyo-hwan, actor que ya participó en Península y en la serie D.P.. También aparecen Shin Hyun-been, recordada por Hospital Playlist, y Kim Shin-rok, integrante del elenco de Hellbound.

La selección reúne a intérpretes asociados con producciones coreanas de acción, drama y terror. Koo Kyo-hwan, en particular, ya tiene experiencia dentro del género zombi por su participación en Península, película vinculada con la historia iniciada por Train to Busan.

Para Yeon Sang-ho, Zona Cero representa un regreso directo al tipo de terror que impulsó su reconocimiento internacional con Train to Busan. Aquella película seguía a pasajeros atrapados en un tren durante un brote, mientras que el nuevo trabajo desplaza el encierro a una instalación bloqueada después de un accidente biotecnológico.

Fechas distintas según el mercado

La información disponible marca un calendario diferente según el territorio. Colony tiene previsto su estreno en los cines estadounidenses el 28 de agosto de 2026. Otra distribución anuncia la llegada de Zona Cero a salas para el 3 de septiembre, aunque las fuentes no precisan todos los países incluidos en ese lanzamiento.

Un reporte especializado contempla que la película podría formar parte del Festival de Sitges en octubre, pero esa posible exhibición no fue confirmada como estreno comercial.

La película llega a su recorrido internacional después de obtener una respuesta fuerte en Corea del Sur. Desde su lanzamiento en ese país, la recaudación informada supera los 43 millones de dólares. El próximo paso confirmado será su estreno estadounidense del 28 de agosto, seguido por la fecha anunciada del 3 de septiembre.

Kit Harington interpretará a Gilderoy Lockhart en la segunda temporada de la serie de Harry Potter producida por HBO. El actor de Game of Thrones reemplazará a Nicholas Hoult, quien dejó el proyecto por conflictos de agenda, y aparecerá en la entrega basada en el segundo libro de la saga.

Un reemplazo con experiencia previa

El cambio se conoció menos de dos semanas después de que trascendiera la elección de Hoult para el papel. Su salida no responde a una diferencia creativa informada, sino a problemas para compatibilizar las fechas de producción con sus otros compromisos profesionales.

Harington llega con una experiencia directa en el personaje. A finales de 2025 prestó su voz a Lockhart en los audiolibros de Harry Potter producidos por Audible, por lo que la serie será su segunda interpretación del mago y la primera frente a las cámaras.

El actor se describió como un gran fan de la saga y señaló que Lockhart está entre sus personajes favoritos. Durante una entrevista concedida a Variety en diciembre, habló sobre su participación en los audiolibros y explicó por qué aceptó aquel trabajo.

“Fue un sí rotundo, porque me encanta el personaje. En cuanto a cameos en una serie, no hay muchos personajes más entretenidos y divertidos de interpretar que Gilderoy Lockhart. Fue una decisión obvia”, dijo Harington.

Sus declaraciones fueron realizadas antes de conocerse el reemplazo en la producción de HBO. La experiencia sonora, sin embargo, le permitió trabajar previamente la personalidad y la voz de un personaje marcado por su fama, su seguridad pública y la distancia entre las aventuras que relata y sus capacidades reales.

El papel de Lockhart en la segunda temporada

Gilderoy Lockhart aparece por primera vez en Harry Potter y la cámara de los secretos, el segundo libro de J.K. Rowling y el texto que servirá como base para la próxima temporada. Dentro de la historia, llega a Hogwarts para ocupar el puesto de profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras.

El mago se presenta como una celebridad que ha publicado relatos sobre numerosas hazañas y enfrentamientos con criaturas peligrosas. También disfruta del reconocimiento público y utiliza su imagen como parte central de su carrera. El desarrollo de la trama revela que carece de las habilidades necesarias para ejercer el cargo y que su reputación tiene un origen distinto del que anuncia en sus libros.

En la adaptación cinematográfica de 2002, Lockhart fue interpretado por Kenneth Branagh. Harington será el nuevo rostro del personaje en una versión televisiva que planea desarrollar cada libro durante varias temporadas, con más tiempo disponible para trasladar acontecimientos y personajes secundarios del material original.

El paso de Harington desde los audiolibros hacia la pantalla también diferencia este reemplazo de una elección completamente nueva. El actor ya conoce el tono cómico y presumido de Lockhart, aunque la producción televisiva requerirá una interpretación física y visual que no formaba parte del trabajo realizado para Audible.

Fechas, reparto y responsables de la serie

La producción de la segunda temporada comenzará en primavera, según la información difundida sobre el proyecto. HBO ya tiene guiones en desarrollo y busca evitar una espera demasiado extensa entre entregas debido al crecimiento de los actores infantiles, aunque el calendario no será anual.

“Nuestro objetivo es no tener un gran intervalo, especialmente porque los niños están creciendo. No será anual; el programa es demasiado grande y demasiado masivo. Pero… ya están escribiendo la segunda temporada”, explicó Casey Bloys, CEO de HBO, en una entrevista reciente.

La primera temporada tiene su estreno fijado para el 25 de diciembre de 2025 en HBO y HBO Max. Esa entrega adaptará Harry Potter y la piedra filosofal y presentará al nuevo trío protagonista: Dominic McLaughlin será Harry Potter, Arabella Stanton interpretará a Hermione Granger y Alastair Stout encarnará a Ron Weasley.

El reparto adulto incluye a John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid. La elección de Harington amplía esa lista para una segunda temporada que todavía debe completar otros personajes vinculados con la Cámara de los Secretos.

HBO también presentó el primer tráiler oficial de la serie un miércoles 25 de marzo, un día después de publicar una imagen de McLaughlin con la túnica de Quidditch de Gryffindor. El avance muestra momentos del primer libro, entre ellos la llegada de la carta de Hogwarts y el encuentro de Harry con Ron en el Expreso de Hogwarts, junto con apariciones de Dumbledore, Snape, Draco Malfoy, Ollivander y el Sombrero Seleccionador.

Francesca Gardiner trabaja como showrunner y desarrolladora; el término identifica a la principal responsable creativa y ejecutiva de una serie. En la segunda temporada compartirá esa función con Jon Brown, guionista de la primera entrega que asumirá el puesto de co-showrunner.

La película está dirigida por Hernán Goldfrid y producida por Kenya Films, con Ricardo Darín, Chino Darín y Federico Posternak al frente de la producción. El proyecto suma una nueva asociación entre la productora y la plataforma, en un contexto de expansión de los contenidos argentinos dentro del circuito internacional del streaming.

La participación de Lo dejamos acá en San Sebastián se dará dentro del programa Otras Actividades, en una edición que además tendrá a Ricardo Darín como protagonista de la imagen oficial del festival. La presencia del actor en el evento suma un dato simbólico para el certamen, que ya le había otorgado el Premio Donostia en 2017, su máxima distinción honorífica.

La trama se apoya en el vínculo entre un terapeuta y uno de sus pacientes. Según la sinopsis difundida por Netflix, un psicoanalista pragmático pierde la fe en los métodos habituales de la psicología y empieza a correr los límites en la relación con quienes atiende. Ese esquema altera su rutina profesional hasta la llegada de un escritor con bloqueo creativo, personaje que encarna Diego Peretti.

Ese punto de partida reúne a dos figuras centrales del cine argentino reciente en una historia de tono psicológico. Darín interpreta al analista, mientras que Peretti asume el papel del escritor que irrumpe en la consulta y modifica el equilibrio del relato. La película propone así un cruce entre drama, tensión y observación de los vínculos personales.

El largometraje también marca el regreso de Ricardo Darín a la pantalla grande tras Argentina, 1985, luego de su paso por la serie El Eternauta, uno de los títulos argentinos de mayor circulación internacional en los últimos tiempos. En el elenco también participan Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico.

Para Hernán Goldfrid, el estreno suma una nueva colaboración con dos actores con los que ya trabajó en distintos momentos de su carrera. El director debutó en cine con Música en espera, protagonizada por Diego Peretti y Natalia Oreiro, y más tarde dirigió Tesis sobre un homicidio, con Ricardo Darín al frente. También estuvo a cargo de las tres temporadas de El jardín de bronce y de episodios de Atrapados.

El guion lleva la firma de Emanuel Diez, mientras que la ficha técnica se completa con Rodrigo Pulpeiro en fotografía, Roque Baños en música, Andrés Quaranta en edición, Jam Monti en vestuario, Martín Porta en sonido y Daniel Gimelberg en diseño de producción. La película tiene una duración de 1 hora y 37 minutos y forma parte de la producción argentina de 2026 de la plataforma.

El estreno mundial en San Sebastián funcionará como antesala de su lanzamiento para audiencias de distintos mercados. Para Netflix, la película refuerza su estrategia de producción local con proyección global; para el cine argentino, representa una nueva vidriera internacional con nombres de alta circulación y un director ya asociado al thriller y al drama de estudio de personajes.

Con ese recorrido, Lo dejamos acá llegará a Netflix el 16 de octubre, después de su paso por el festival español, donde Darín tendrá una doble centralidad: como rostro de la edición y como una de las figuras de esta producción argentina que buscará instalarse en la conversación audiovisual del último tramo del año.