Llega el verano y, con él, el momento de relajarse para leer si se está de vacaciones. La oferta literaria es inabarcable, por eso hemos escogido algunas novelas que por diversas razones son ideales para recuperar durante estas semanas de calor.

Hay obras que se han convertido en virales desde su publicación, otras que se ambientan en esta estación y que son ideales para esta época, thrillers adictivos, nuevas voces que entroncan con las nuevas generaciones y libros que han alimentado las redes sociales en los últimos meses.

En cualquier caso, es el momento ideal para rescatar todos aquellos libros que no hemos podido leer a lo largo del año y que han ido amontonando las mesas de novedades, o apostar por clásicos de toda la vida que ahora tienen una segunda vida, como puede ser el caso de La Odisea, de moda de nuevo por su adaptación cinematográfica a cargo de Christopher Nolan.

‘El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes’

Desde que se publicó hace ya seis años, no ha parado el boca a boca hasta que se ha convertido en uno de esos libros de culto recomendados desde TikTok hasta la saciedad, encontrando una nueva vida gracias a las plataformas digitales.

En ella se cuenta la historia de Aleksy, un joven con problemas psiquiátricos que pasa el último verano con su madre enferma en un pueblo de Francia, donde ambos avanzan hacia el perdón y la reconciliación tras años de una relación quebrada desde la infancia, marcada por la muerte de su hermana menor. A partir de esa tragedia, la madre cayó en depresión y el padre abandonó a la familia, un quiebre que alimentó el resentimiento con el que Aleksy llega al reencuentro.

Aislados en un entorno rural, la convivencia forzada y el avance de la enfermedad terminal cambian el vínculo: el rencor inicial se transforma en comprensión. El título alude al cambio de color e intensidad en los ojos de la madre, presentado como símbolo de una belleza interior que el hijo había ignorado y de un amor que ambos terminan por expresar. Una intensa historia de amor materno-filial y de perdón que se ha convertido en uno de los grandes descubrimientos de la literatura europea actual.

‘Yo que nunca supe de los hombres’

Publicada originalmente en 1995 y reeditada por Alianza Voces en septiembre de 2025, esta novela ha experimentado una fuerte circulación en redes sociales, especialmente en TikTok, debido a su trama ‘distópica’. El libro relata la historia de 40 mujeres que permanecen detenidas durante años en un sótano, bajo vigilancia de hombres uniformados que no interactúan con ellas, salvo para impedir suicidios. La protagonista, la más joven y la única que desconoce el mundo previo al encierro, lidera la huida cuando los guardianes desaparecen tras sonar una alarma; sin embargo, en el exterior hallan un entorno hostil y desolado donde la supervivencia se vuelve el eje central.

The New York Times la ha calificado como “un pequeño milagro”, mientras que Dua Lipa la mencionó como “evocadora y apasionante”. Una obra arrolladora e imaginativa a medio camino entre Margaret Atwood, Agustina Bazterrica y Kafka, repleta de opresión y de magnetismo.

‘Animal Print’

Uno de los grandes hits españoles del año es esta colección de relatos de la responsable de Un momento de ternura y de piedad, que explora temas como el deseo, la identidad, la maternidad y la violencia, utilizando metáforas animales para abordar la complejidad de lo humano. Los protagonistas de estas historias experimentan transformaciones y cambios de roles, con víctimas y victimarios que intercambian sus posiciones, y la violencia y la ternura emergen en contextos inesperados. La obra traslada la idea de jungla al mundo cotidiano, bajo la apariencia, el maquillaje y el lenguaje.

La escritura de Cuevas combina lirismo y crudeza, presentando cada relato como una confrontación con lo instintivo y lo salvaje, y está repleta de historias memorables, como la de una mujer que interna a su madre en una clínica psiquiátrica y, para costear el tratamiento, acepta asesinar a ancianas por encargo.

‘Yesteryear’

Atención a una de las novelas que más atención mediática ha generado en los últimos tiempos y que se ha encargado de reactivar el debate en torno al fenómeno de las ‘tradwives’ a través de una trama distópica.

La trama sigue a Natalie, una influencer que promueve un modelo de feminidad tradicional en redes sociales y que, tras un salto temporal, termina en 1855, donde debe vivir realmente con aquello que defendía virtualmente. Pronto se dará cuenta de que la imagen impoluta que transmitía en redes se encontraba muy alejada de las palizas que le dará su marido y del duro trabajo que tendrá que realizar. La novela ha sido comparada con obras como Black Mirror y El cuento de la criada y ya se está preparando su adaptación cinematográfica con Anne Hathaway como protagonista.

‘El amo’

Tras Jotadé, Santiago Díaz publicó El amo, una novela negra que sigue la investigación policial del agente Iván Moreno junto a su compañero Jotadé Cortés tras el hallazgo del cuerpo de una adolescente en una parada de autobús en el extrarradio de Madrid. La víctima es una joven que había desaparecido años atrás y el caso se conecta con un patrón de secuestros y asesinatos de mujeres que acaban de dar a luz.

La trama expone una lista de víctimas con rasgos similares y suma la desaparición de otra joven, lo que obliga a Cortés a mirar dentro de su entorno más cercano. Un thriller realmente absorbente, que nos conecta con la mejor tradición del género, pero desde una mirada autóctona absolutamente original. Sin duda, uno de los mejores thrillers españoles publicados este año.

‘Mis amigos’

Esta obra del autor sueco ‘superventas’, que ha superado los 25 millones de lectores, fue la ganadora del Goodreads Choice Awards 2025 y estuvo semanas en la lista de los más vendidos de The New York Times.

La historia alterna entre dos líneas temporales. En el presente, sigue a Louisa, una chica solitaria de 17 años que decide dejar el sistema de hogares de acogida tras la muerte de su mejor amiga. La trama se complica cuando Louisa conoce a Ted, un hombre mayor, y juntos emprenden un viaje motivado por una pintura misteriosa que ella ha heredado, que los vincula tanto en lo físico como en lo emocional.

La segunda línea temporal retrocede 25 años y narra la vida de cuatro adolescentes amigos, afectados por la pobreza, la adicción y la violencia doméstica, que encuentran refugio en su grupo. Los saltos temporales permiten al autor explorar cómo las heridas de la adolescencia afectan la vida adulta y abordan temas como el trauma ‘intergeneracional’ y el papel del arte como refugio y exposición de la vulnerabilidad.

‘La bola’

Una de las novelas que han generado más conversaciones en redes sociales y que examina el caso de Mar de Marchis, una figura que logró insertarse en el periodismo español en 2011 fundando una revista y relacionándose con figuras públicas poderosas, a pesar de mantener un perfil de lo más enigmático. El libro utiliza este caso para analizar cómo la identidad y la impostura se consolidaron en el ámbito digital, en un contexto de crisis económica y transformación mediática.

La obra desarrolla dos líneas de investigación: reconstruir la verdadera identidad de Mar de Marchis, definida por su habilidad para seducir y manipular desde el anonimato, y explorar las motivaciones de quienes la rodearon y creyeron en su relato. Un libro adictivo que combina ficción y novela, en el que se abordan toda una época y un cambio generacional, así como la ambigüedad entre la verdad y la ficción a través de un personaje real que parece sacado de las páginas de Patricia Highsmith.

‘Madonna no nació en Wisconsin’

Nata Moreno, reconocida hasta el momento por su labor como actriz, guionista y directora, debutó como escritora con esta novela estructurada en dos planos temporales: en el presente, la protagonista adulta enfrenta una ruptura y la reconstrucción de su vida junto a su hijo, mientras que el pasado irrumpe con recuerdos de la infancia que resurgen en un momento de crisis. Uno de esos recuerdos es un verano en la casa de su abuela, marcado por una situación familiar difícil que define el origen emocional del personaje.

El relato explora la identidad y la resistencia femenina, vinculando la experiencia adulta con la niña que toda mujer lleva dentro. La infancia de la protagonista transcurre en un pueblo, en un entorno familiar marcado por figuras femeninas fuertes y un ambiente de descubrimientos y primeras experiencias.

La novela entrelaza cultura popular de los años 90, referencias musicales y televisivas y elementos del paisaje rural y familiar. Una deliciosa historia atravesada por la memoria que dialoga con distintas generaciones a través de un lenguaje directo y contemporáneo.

‘La noche devastada’

Hablemos de una de las mejores novelas de terror del año. Ambientada en los años 90, en una zona periférica de Toulouse, un grupo de adolescentes se verá atraído por una casa abandonada, sin saber que si atraviesan la puerta, su vida se convertirá en una pesadilla.

Un libro que explora los tropos de la casa encantada para darles la vuelta y generar un espacio de lo más auténtico y original, aunque en él latan ecos de Stephen King o Lovecraft, incluso de David Cronenberg, mezclándolos con referencias pop de los noventa, como la música grunge o la reflexión social en torno a las desigualdades. Un perturbador relato en el que encontramos dosis de suspense, horror, atmósferas oníricas y fantasía.

‘La constelación del perro’

Tras una casi total extinción de los humanos, Big Hig sobrevive sin estar infectado en un hangar junto a su perro, mientras intenta seguir con vida con un avión Cessna, algo de petróleo y las latas de Coca-Cola que logra conseguir.

En ese escenario, su esposa ya murió y la soledad lo empuja a inventar una constelación para ella. También cuenta con la ayuda de Bangley, un vecino violento que se mantiene cerca como aliado inestable.

Cuando parece que ya no queda nada, Hig decide que sobrevivir no le alcanza y aparece una oportunidad que puede cambiarlo todo: salir a la búsqueda de lo desconocido para encontrar algo que no habría imaginado. A finales de agosto se estrena una adaptación por parte de Ridley Scott con Jacob Elordi como protagonista.

La escritora y editora Aitana Alberti ha muerto en La Habana a los 84 años, cerrando así una trayectoria volcada en la poesía y en la preservación del legado de su padre, Rafael Alberti y su madre, María Teresa León desde Cuba, país en el que residía desde 1984 y donde concentró la mayor parte de su actividad cultural.

Nacida en 1941 en Argentina, adonde sus padres se habían exiliado tras la Guerra Civil española, desarrolló en Cuba una labor sostenida en torno a las artes, la Generación del 27 y la difusión de la obra de sus progenitores.

La intelectual presidió la Cátedra Rafael Alberti de la Universidad de La Habana y trabajó durante más de 15 años en el centro cultural Dulce María Loynaz. Allí dirigió el espacio Fe de vida: Imagen y palabra, dedicado a divulgar la obra de los poetas del 27.

También formó parte del Movimiento de Poetas del Mundo y presidió en Cuba el Proyecto Cultural Sur, que agrupa 30 ciudades de Europa y América, además del Festival Internacional de Poesía de La Habana.

Un mujer intelectual dedicada a las letras

Alberti, fallecida el pasado martes, deja un vacío inmenso en la cultura cubana y será recordada como “una incansable defensora de la poesía, la memoria, la paz y el diálogo entre pueblos”.

Su obra poética incluye Poemas de Aitana Alberti, publicado en 1955, Pupila al viento de 1998, Y de nuevo nacer de 1999 y Amazona en la centella de 2016. A esa producción se suman los libros narrativos Inquilinos de la soledad de 2006 y Cuentos persas de 2018.

El primero fue presentado como un homenaje a los exiliados de la Guerra Civil española. El segundo, fue traducido al alemán, polaco, ruso, rumano e italiano.

Relación con Aitana Sánchez-Gijón

Además, Alberti fue la madrina de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. El nombre de la intérprete procede de esa relación de amistad entre las dos familias durante los años de exilio en Roma.

Rafael Alberti y María Teresa León entablaron allí amistad con el catedrático e historiador Ángel Sánchez-Gijón y la profesora italiana Fiorella de Angelis. Cuando nació la actriz en 1968, Aitana Alberti se convirtió en su madrina y le dio su nombre.

La propia Sánchez-Gijón ha explicado ese vínculo en el pódcast Por el principio: “A raíz de esta amistad con Rafael y sobre todo con su hija, con Aitana Alberti, de ahí sale mi nombre. Ella es mi madrina”.

El origen de su nombre es la sierra de Aitana, en Alicante. Sus padres la habrían elegido después de divisar ese paraje como una de las últimas imágenes de España cuando abandonaron el país rumbo al exilio tras la Guerra Civil.

La biografía de Alberti quedó así ligada desde el principio al destierro republicano. Nació dos años después de la salida de sus padres y vivió una historia familiar atravesada por décadas de exilio antes del regreso a España tras la muerte de Franco.

Su legado

Fue editora y escritora, formada en Antropología y especialmente vinculada a La Habana, “su lugar en el mundo”. Trabajó en la televisión cubana y su dedicación a las letras y a las artes fue total como eje de su trayectoria pública.

Su legado alcanzó además al cine a través de su hija, Marina Alberti, que le dedicó Aitana, su primer cortometraje como directora. La obra se estrenó en la Mostra de Venecia, fue nominada en la 38.ª edición de los Premios Goya y obtuvo la Espiga de Plata en la Seminci.

El proyecto nació de una preocupación previa por la pérdida de memoria, presente ya en la historia familiar. De esa inquietud surgió una narración en la que reaparecen, durante la noche, los fantasmas del pasado familiar entrelazados con la memoria de un país y de todo un siglo.

Arturo Pérez-Reverte ha sorprendido a sus seguidores al recomendar una serie policial distinta a los grandes clásicos del género. A través de su cuenta en X, el novelista cartagenero ha expresado su entusiasmo por Southland, una ficción que, según sus propias palabras, “vale la pena” y que destaca por su enfoque realista y contemporáneo. El autor, conocido tanto por sus elogios como por sus críticas directas, ha convertido sus opiniones sobre series en una referencia habitual para miles de lectores y espectadores.

Lejos del consenso general que suele rodear a producciones como The Wire o Canción triste de Hill Street, Pérez-Reverte ha querido poner el foco en Southland. “Southland: una ‘Canción triste de Hill Street’, pero de ahora. Voy por la mitad de la quinta temporada y me sigue gustando mucho”, afirmó el escritor en una de sus publicaciones recientes. Su comentario no solo establece una comparación directa con uno de los referentes históricos del género, sino que también subraya la vigencia de la serie en el panorama actual.

El escritor ha insistido en que, aunque Southland no goza del mismo reconocimiento mediático que otras series policiales, su calidad merece ser descubierta por nuevos públicos. A lo largo de varias interacciones con usuarios en la red social, Pérez-Reverte ha matizado su valoración inicial, destacando tanto los aciertos de la serie como sus puntos débiles. Tras avanzar en el visionado, señaló que “el final de la quinta y última temporada no es bueno. Irritante, incluso. Pero la serie en general vale la pena”, reafirmando así su recomendación pese a las reservas sobre el desenlace.

Un clásico a descubrir

Las publicaciones de Pérez-Reverte han generado debate entre sus seguidores, muchos de los cuales aprovecharon para preguntarle por otras grandes producciones del género policial. En particular, la conversación derivó hacia The Wire, considerada por críticos y espectadores como una de las mejores series de la historia. Pérez-Reverte no dudó en rendirse ante la ficción creada por David Simon, a la que calificó como “obra maestra” y “un clásico de la gran época con Los Soprano, Mad Men y Hermanos de sangre”.

Sin embargo, el autor dejó claro que su recomendación de Southland no pretende competir con estos títulos, sino ofrecer una alternativa actual y menos conocida. Destacó que su entusiasmo por la serie se basa en su retrato crudo y realista del día a día de los agentes del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD), así como en la forma en que explora los conflictos morales y personales de sus protagonistas. Esta perspectiva, más cercana al documental que al drama espectacular, diferencia a Southland de muchas otras producciones del género.

Estrenada en 2009, Southland consta de 43 episodios distribuidos en cinco temporadas. La serie se centra en la rutina de varios agentes del LAPD y se aleja de los tópicos del género para ofrecer una visión más áspera y auténtica del trabajo policial. El guion y la dirección apuestan por mostrar tanto la violencia cotidiana de las calles de Los Ángeles como las dudas, frustraciones y dilemas éticos de quienes patrullan la ciudad. Esta aproximación ha sido elogiada por quienes buscan en la ficción televisiva una representación menos idealizada y más cercana a la realidad. Aunque Southland fue durante años una serie relativamente oculta para el gran público, su llegada a Netflix ha facilitado que nuevos espectadores puedan acceder a sus episodios completos. Este redescubrimiento ha permitido que la serie gane visibilidad y reciba el reconocimiento de quienes valoran las ficciones policiales que apuestan por el realismo y la complejidad moral. Para quienes buscan una alternativa a los grandes clásicos, Pérez-Reverte propone una opción que él mismo considera digna de una maratón: “Vale la pena”.

Fue una de las mejores películas de su año, la última de su director -al menos hasta la fecha- y la que consagró a Brad Pitt como el gran actor que es gracias a recibir el Oscar a Mejor actor de reparto. Todo ello en una historia que es un sentido homenaje a la historia del cine aunque, paradójicamente, reescribiendo en gran medida la historia de este. Una película que ahora vuelve a plataformas y que es quizá una opción inmejorable para ver estos días de verano, pues no en vano transcurre en las calurosas calles de Los Angeles, California. Donde nacen (y mueren) las estrellas.

Hablamos de Érase una vez en Hollywood, película protagonizada por Leonardo DiCaprio y Brad Pitt y dirigida por el propio Tarantino, la última película que ha hecho por el momento el autor de Pulp Fiction o Kill Bill, quien sigue reticente a hacer la que considera su décima y última película. No obstante, con este último filme realizó uno de sus trabajos más maduros y sobresalientes, hasta el punto de que su historia fue ampliada en forma de novela, y tendrá su propia continuación en la gran pantalla, aunque sin Tarantino al frente: Las aventuras de Cliff Booth, que llegará a Netflix de la mano de David Fincher el próximo 23 de diciembre, aunque se espera que tenga un estreno adelantado en cines.

Érase una vez en Hollywood cuenta la historia de Rick Dalton, una vieja gloria de Hollywood que ha entrado en una etapa de decadencia, y su fiel amigo y compañero Cliff Booth, doble de riesgo en las escenas de acción de Dalton y toda una leyenda dentro del noble oficio del cine. La película arranca con la llegada de un tercer personaje, la histórica actriz Sharon Tate (Margot Robbie), quien se muda al barrio de Dalton junto a su marido el director Roman Polanski, y quien busca hacerse su propio hueco en Hollywood mientras Dalton intenta estirar el éxito de su última producción televisiva, un western que le traerá mejores resultados en Italia que en Estados Unidos.

La película favorita del propio Tarantino

No es de extrañar que la película esté considerada como una de las mejores hasta por su propio autor, de la cual ha hablado como su mejor y favorita en varias ocasiones; tiene lo mejor de su cine. Grandes actores como Margot Robbie, Leonardo DiCaprio y Brad Pitt -y secundarios memorables como Al Pacino o Mikey Madison, que se dio en gran medida a conocer aquí antes de ganar el Oscar con Anora-, violencia y sangre en su justa medida, y sobre todo unos diálogos que son una profunda carta de amor por parte de Tarantino no ya al séptimo arte, sino al propio oficio que hay entre bambalinas.

Por todo ello, merece la pena rescatar una película así ahora que llega a plataformas, ya que Amazon Prime Video la ha recuperado como parte de sus lanzamientos del mes de julio. Una película que, como ya sucediera en otras del director como Malditos bastardos, juega a ficcionar parte de la realidad e incluso alterar algunos eventos de esta, pero siempre desde el humor y con gran elegancia. Si por lo que fuera al final no realizase esa esperada décima película, Érase una vez en Hollywood sería un cierre más que digno y a la altura de una carrera única.

El Mundial está dejando momentos y vídeos para el recuerdo, pero quizá pocos momentos tan graciosos y cinéfilos a la vez como este. A las puertas del que promete ser uno de los grandes partidos de octavos de final, Noruega - Brasil, sus dos mayores estrellas han compartido un vídeo de lo más particular. Un curioso montaje en el que ambos participan dando vida a dos de los personajes de una de las comedias de culto de los años 2000, Dos rubias de pelo en pecho. Un escenario en el que quizá jamás se hubieran imaginado estar, pero que se ha convertido en la antesala perfecta para el encuentro que ambos disputarán este domingo.

El vídeo salió a la luz en redes a través de varias cuentas del mundo del fútbol, y en este se podía ver como con inteligencia artificial se habían sustituido los rostros de Terry Crews y Marlon Wayans por los de Vinicius Jr. y Erling Haaland. Es una de las escenas más míticas de la película, en la cual Crews improvisó la canción A Thousand Miles de Vanessa Carlton al volante, dejando uno de los momentos para el recuerdo de esta divertida comedia. “Hahahahaha, @vinijr tenemos que recrear esto”, le ponía el futbolista noruego al brasileño dentro del vídeo, con la respuesta del carioca incluida, una risa que venía a secundar la propuesta del jugador del Manchester City.

Dos rubias de pelo en pecho fue una de las grandes comedias de los años 2000. Protagonizada por los hermanos Damon y Marlon Wayans, los mismos que ahora han traído de vuelta Scary Movie a los cines, cuenta la historia de dos agentes encubiertos que se tienen que hacer pasar por dos jóvenes ricas...y blancas. Con una personalidad y apariencia radicalmente diferentes, estos dos compañeros se infiltran en un resort de lujo y comienzan a hacerse pasar por las dos hermanas ricas, cruzándose en el camino el Latrell Spencer (Crews), un millonario afroamericano obsesionado con las mujeres blancas que invita a salir a una de ellas, derivando en la mencionada escena.

El duelo de estrellas que nadie se quiere perder

Ni Terry Crews ni los Wayans se han pronunciado aun en torno al vídeo y la broma de los dos futbolistas, pero sí incluyeron un divertido homenaje a Dos rubias de pelo en pecho en la última de Scary Movie, en un momento que parodiaba a su vez la película de La sustancia. Mientras esperan a ver si puede llevar a cabo la esperada secuela, sin duda este momento ha demostrado que el fanatismo y la nostalgia por Dos rubias de pelo en pecho sigue muy presente.

Por su parte, Vinicius Jr. y Haaland podrán verse al fin las caras este mismo domingo, con el partido que enfrenta a Brasil y Noruega de octavos de final y que se presenta como uno de los grandes duelos de esta fase. Ambas estrellas ya se han enfrentado en varias ocasiones con sus clubes con resultados mayoritariamente favorables a Vinicius Jr., que ha eliminado con el Real Madrid al noruego del Manchester City en más de una ocasión. Pero en las selecciones todo cambia y aunque Brasil es favorita, quizá Haaland tenga un as escondido bajo la manga, como en el caso de la película.

Antes de su estreno, la nueva tanda ha debutado con un 100% de valoración en Rotten Tomatoes, la nota más alta de la serie hasta ahora, convirtiéndola en una de las serie de ciencia ficción mejor valoradas tanto por la crítica como por los espectadores.

La ficción, creada por Graham Yost a partir de la trilogía de Hugh Howey, se sitúa en un futuro tóxico e inhabitable en el que 10.000 personas viven encerradas en un silo subterráneo de 144 plantas. La protagonista es Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera de los niveles bajos que empezó a desentrañar las mentiras sobre las que se sostenía el orden social del complejo.

Apple confirmó en diciembre de 2024 la renovación simultánea de una tercera y una cuarta temporada, esa última concebida desde el inicio como cierre definitivo de la historia, de modo que el estreno de ahora marca el ecuador del recorrido televisivo de la saga.

Una nueva temporada que cambia de estilo

La nueva temporada arranca tras la rebelión en Silo 18 y tras la caída de Bernard Holland (Tim Robbins). Juliette ha pasado a ser alcaldesa, pero lo hace con lagunas de memoria sobre lo que vivió en el exterior, mientras la comunidad intenta recomponerse y aparece una nueva amenaza.

Ese borrado parcial de memoria no es un detalle accesorio, ya que a Juliette se le oculta información de su paso por el exterior y de la muerte de Bernard, ya que fue sometida a un borrado químico de memoria, un elemento que reorganiza la intriga en el presente.

La gran novedad está fuera de ese presente. La temporada incorpora una segunda línea temporal centrada en el congresista Daniel Keene (Ashley Zuckerman) y la periodista Helen Drew (Jessica Henwick), dos personajes que empiezan a seguir la pista de una conspiración que acabará desembocando en la construcción de los silos.

Esta mitad de la historia adapta en buena medida Shift, el segundo libro de la trilogía, editado en español por Minotauro. Esa incorporación rompe con la estructura de las dos primeras temporadas, mucho más concentradas en el tiempo de Juliette, y es el punto que más elogios había recibido en las críticas previas.

Dos tiempos que amplían una mitología

La temporada alterna las dos cronologías sin perder la sensación de claustrofobia en Silo 18 y llega a culminar en el que considera el mejor episodio de toda la serie. La amnesia de Juliette, un recurso muy usado en televisión, aquí funciona como vínculo real entre ambas líneas argumentales.

Además, la tercera temporada tiene que conectar dos periodos distintos y lo hace de forma imprevisible. El centro de la trama será el pasado a Daniel y Helen, ya insinuados al final de la segunda entrega, en un contexto marcado por una amenaza letal y por la investigación del origen de los silos. En ese bloque del pasado aparecen además nuevos personajes interpretados por Laura Innes, Matt Craven y Colin Hanks, entre otros.

Además de la nueva estructura, siempre sorprende la ambición de producción, la solidez del reparto y la capacidad de la serie para ampliar su mitología sin perder tensión, lo que le confiere una capacidad adictiva.

La tercera entrega, en todo caso, no cierra todavía la historia. Su función dentro del plan de adaptación es resolver incógnitas sobre el apocalipsis, explicar mejor el origen de los refugios y dejar preparadas las líneas argumentales que convergerán en la cuarta y última temporada. Por el momento, nos quedamos con esta temporada que marca un hito en el género y que desafía otras producciones como

Barker relató que la presión por modificar la historia era considerable. Para las productoras, un protagonista que actuara correctamente y cumpliera con los códigos habituales del género podía resultar más vendible para el público masivo. Sin embargo, el director rechazó la oferta, argumentando que el conflicto y la humanidad del personaje eran más importantes que cualquier incentivo económico. “No voy a reescribir el guion para convertir a Bear en un tipo que hace todo bien. Es mucho más interesante que no haga lo correcto y que, en cambio, intente que la relación funcione mientras toma malas decisiones una tras otra”, afirmó Barker.

La negativa de Barker a transformar a Bear en un héroe obedeció a una búsqueda de honestidad narrativa. El director sostuvo que, de haber aceptado la propuesta, la película habría perdido su esencia. “Obsession habría sido tan aburrida si Bear simplemente hubiera seguido el camino del héroe”, concluyó el cineasta. La decisión de priorizar la complejidad moral del personaje principal marcó la identidad de la obra y, según el propio Barker, fue clave para su recepción positiva.

La oferta de $2 millones para modificar el guion de Obsession representó una de las presiones más fuertes que enfrentó Barker como realizador novel. Los estudios buscaban que el personaje de Bear, un empleado de una tienda de música que recurre a un objeto sobrenatural para manipular la voluntad de su amiga Nikki, terminara siendo percibido como un modelo de conducta. Para Barker, esa transformación no solo desvirtuaba la premisa original, sino que también restaba fuerza al debate sobre el consentimiento y la moralidad que atraviesa la narrativa del filme. Barker defendió su postura en términos narrativos y éticos. Según su visión, lo que vuelve inquietante y atractiva a Obsession es precisamente la sucesión de decisiones equivocadas de Bear. El personaje no encarna la redención ni el aprendizaje tradicional del héroe, sino que se mueve en zonas grises, lo cual desafía las expectativas del espectador y genera debate. Para el director, aceptar la oferta habría significado renunciar al riesgo creativo en favor de una fórmula comercial ya transitada.

Un éxito a pesar de todo

El enfoque de Barker sobre la construcción del personaje principal responde a una convicción sobre el valor de los protagonistas imperfectos dentro del género de terror. Obsession explora el deseo, la manipulación y las consecuencias de actuar sin consideración por los demás. El director subrayó que Bear no debía ser presentado como ejemplo positivo, sino como alguien con fallas reales. Esa elección, además de dotar a la película de un tono más oscuro, permitió abordar el tema del consentimiento desde una óptica menos complaciente y más incómoda para el espectador. El proceso de escritura y dirección se centró en mantener esa tensión moral. Barker relató que, a pesar de las presiones, nunca consideró seriamente reescribir el guion para suavizar o justificar las acciones del protagonista. La película, en su opinión, gana profundidad al evitar el camino fácil del héroe tradicional y apostar por un relato donde las malas decisiones tienen consecuencias irreversibles.

El resultado de esta apuesta creativa fue inmediato: Obsession se transformó en un fenómeno global, recaudando $287,2 millones en taquilla internacional. El filme narra la historia de Bear, quien compra un juguete sobrenatural con la intención de manipular los sentimientos de Nikki. Las consecuencias de ese acto impulsan la trama hacia el desastre, apartándose de la estructura clásica de redención o triunfo moral. El enfoque realista y oscuro de la película fue uno de los elementos que más llamaron la atención de la crítica y el público. Obsession se instaló rápidamente como una referencia dentro del género de terror, en parte gracias a la negativa de su director a sacrificar la complejidad del relato en función de mayores ingresos.

A pesar del éxito de Obsession, Barker manifestó que no tiene planes inmediatos para convertir la historia en una franquicia. El director reconoció que existen ideas para una posible secuela, pero prefiere no precipitar el desarrollo de una continuación. “No quiero ir directamente a Obsession 2. Tengo una idea genial, pero creo que la gente estaría igual de entusiasmada si llega dentro de un tiempo”, expresó Barker. Por ahora, el realizador se concentra en procesar el impacto del filme y reafirmó que su prioridad es mantener la integridad de sus proyectos por encima de las oportunidades comerciales que surjan tras el éxito de Obsession.

Edith Wharton publicó La edad de la inocencia en 1920 y la novela acabó convertida en una de las disecciones más precisas de la alta sociedad neoyorquina de la década de 1870: un mundo regido por códigos tácitos, matrimonios pautados y una desigualdad estricta entre hombres y mujeres.

Ahora, la editorial Tusquets recuperar esta obra que apareció primero como folletín en Pictorial Review entre julio y octubre de 1920 y después como libro en Nueva York y Londres de la mano de D. Appleton and Company. En 1921 recibió el Premio Pulitzer, y su primer año se cerró con 115.000 copias vendidas en Estados Unidos, Canadá y Gran Bretaña.

La trama se concentra en un círculo aristocrático que presume de linajes anteriores a los primeros pobladores de la ciudad y que tienen el control de la vida social. En ese entorno, las jóvenes son presentadas en sociedad desde muy pronto, se comprometen y se casan según la costumbre, mientras la respetabilidad matrimonial impone a las mujeres un margen de maniobra mucho más estrecho que a los hombres.

Wharton escribía desde dentro de ese universo. Procedía de una familia de esa aristocracia, pasó parte de su vida entre Estados Unidos y Europa y rechazó desde temprano las limitaciones impuestas a las mujeres, tanto en su papel social como en su trabajo literario.

De qué trata ‘La edad de la inocencia’

La novela se divide en dos libros. El primero sigue el compromiso de Newland Archer con May Welland y la irrupción de la prima de ella, la condesa Ellen Olenska, separada de un aristócrata polaco y recién vuelta a Nueva York.

La historia arranca en la ópera, donde Archer vuelve a ver a Ellen, y avanza entre bailes, visitas familiares, cenas y maniobras de la élite para decidir si la condesa merece o no ser readmitida en su mundo. Cuando Ellen plantea divorciarse, la familia encarga a Archer que la disuada, y esa mediación activa el conflicto central: el protagonista se enamora de ella mientras intenta sostener su promesa de matrimonio con May.

En el segundo libro, la boda ya se ha celebrado y el matrimonio se revela como una vida escindida. Archer viaja con May a Europa en una luna de miel de tres meses que decepciona a ambos, vuelve a ver a Ellen año y medio después, trata de huir con ella y termina frenado por la decisión de la condesa de marcharse a Europa y por el embarazo de May.

El desenlace da un salto de 30 años. Viudo y ya mayor, Archer viaja a París con su hijo Dallas, pero cuando llega el momento de reencontrarse con Ellen decide quedarse esperando fuera de su apartamento.

La novela articula ese itinerario sentimental sobre una oposición nítida entre sus dos figuras femeninas principales. May encarna el ideal de esposa educada para obedecer el código social, mientras Ellen representa una libertad moral y emocional que descoloca a Nueva York y obliga a Archer a revisar su propia visión del mundo.

Una gran intensidad erótica velada

Según The Guardian, una de las claves de la novela está en la forma en que Wharton convierte gestos mínimos en episodios de gran intensidad erótica y emocional. El diario británico subraya que un toque con un abanico o una mirada al otro lado de una sala bastan para cargar de sentido escenas enteras porque esa sociedad vive, en palabras de la propia novela, en una atmósfera de “leves insinuaciones y pálidas delicadezas”.

La tensión sexual tarda mucho en formularse de manera explícita, aunque está presente desde la primera aparición de Ellen en la ópera. Su vestido, la incomodidad de Archer, los rumores, los encuentros a media voz y hasta desacuerdos nimios, como dejar una ventana abierta o cerrada, funcionan como señales de un conflicto afectivo que la novela nunca reduce a una simple aventura.

La otra cara de esa sutileza es la dureza del grupo social. Cuando Ellen pregunta a Archer: “¿Es que aquí nadie quiere saber la verdad, señor Archer? La verdadera soledad es vivir entre toda esta gente amable que solo le pide a una que finja”, la novela fija uno de sus argumentos centrales: la alta sociedad finge delicadeza, pero actúa con brutalidad cuando alguien se sale del guion.

Wharton refuerza esa crítica con una galería de personajes construidos a partir de modelos próximos. Rasgos de su madre, Lucretia Wharton, reaparecen en figuras como Louisa van der Luyden, la señora Welland, la señora Archer y la propia May, mientras el banquero Julius Beaufort toma elementos del financiero August Belmont y la señora Mingott remite con claridad a su tía bisabuela Mary Mason Jones.

La acogida fue inmediata, erigiéndose como la novela más solicitada en bibliotecas públicas, un ‘superventas’ en librerías y definida como una obra lúcida y refinada. Wharton la escribió en siete meses, desde finales del verano de 1919 hasta finales de marzo de 1920, pese a sus dudas sobre el interés que pudiera despertar un mundo ya desaparecido. Su amigo Walter Berry llegó a decirle con cinismo que solo ellos dos la leerían.

‘Reinterpretaciones’ y adaptaciones

La recepción crítica posterior ha desplazado el foco hacia Ellen y May. La interpretación de May ha pasado de verla como la esposa que salva su matrimonio a considerarla con más frecuencia una figura manipuladora, mientras Ellen ha dejado de leerse como una seductora egocéntrica para convertirse en una mujer independiente adelantada a su tiempo.

La obra tuvo una primera adaptación cinematográfica muda en 1924, dirigida por Wesley Ruggles para Warner Brothers. En 1928 llegó a Broadway en versión teatral de Margaret Ayer Barnes, y esa adaptación sirvió después de base para la película de la RKO de 1934 con Irene Dunne y John Boles.

La versión más conocida llegó en 1993 con la película dirigida por Martin Scorsese, protagonizada por Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis y Winona Ryder. Ryder ganó el Globo de Oro por su papel de May Welland Archer y la película obtuvo un Óscar por su vestuario. Sigue siendo una de las películas más delicadas del director estadounidense y la banda sonora de Elmer Bernstein una auténtica obra de arte.

En una casa situada junto a la plaza de la Ciudad Vieja de Praga nacía un día como hoy hace 143 años el escritor que acabaría dando nombre al adjetivo que definiría a aquellas situaciones absurdas y fantásticas: kafkiano. Franz Kafka (Praga, 1883 - Austria, 1924) no solo fue el autor de La metamorfosis, sino el representante más famoso y reconocido de la literatura alemana de Praga y uno de los prosistas más importantes de la literatura universal del siglo XX.

Kafka fue tan extremadamente crítico con su obra que publicó solo una pequeña parte de todo lo que escribió. Además de su obra más famosa, en vida aparecieron relatos como La condena, En la colonia penitenciaria o Un artista del hambre. El resto de su producción llegó al público después de su muerte gracias a su amigo Max Brod, que desobedeció la orden del escritor de destruir sus manuscritos.

Entre esos textos se encuentran sus aforismos, escritos entre 1917 y 1918 durante su estancia en Zürau —hoy Siřem, en la República Checa—, adonde se retiró tras ser diagnosticado de tuberculosis. En ese contexto dejó una de sus reflexiones más famosas: “A partir de cierto punto no hay retorno. Ese es el punto que hay que alcanzar”.

El origen de la cita

La cita pertenece a los Aforismos de Zürau, una colección de 109 pensamientos breves. Aislado de la vida de Praga y consciente de que la enfermedad marcaría un antes y un después en su existencia, el escritor volcó en aquellos apuntes sus reflexiones sobre la culpa, la libertad, la fe, el tiempo y la condición humana.

Nacido el 3 de julio de 1883 en el seno de una familia judía germanoparlante de Praga, entonces integrada en el Imperio austrohúngaro, Kafka estudió Derecho en la Universidad Karl-Ferdinand de Alemania y trabajó en el Instituto de Seguros de Accidentes Laborales para el Reino de Bohemia. Pese a que consideraba la escritura su verdadera vocación y le fue difícil de compaginar con el trabajo de oficina, lo desempeñó con diligencia.

Solía escribir de noche, después de sus jornada laboral, y rara vez quedaba satisfecho con el resultado. Esa autoexigencia explica que dejara inacabadas novelas fundamentales como El proceso, El castillo o América, publicadas póstumamente gracias a su Brod, a quien le conoció en 1902 en la universidad.

En 1912 empezó a escribir su primera novela, El hombre que desapareció, y otros relatos cortos, como El juicio, El alboroto o La metamorfosis. No sería hasta tres años más tarde, en 1915, cuando esta obra fue publicada por primera vez por la editorial de Kurt Wolff en Leipzig.

Paralelamente, mantuvo una intensa correspondencia con Felice Bauer, con quien llegó a comprometerse en dos ocasiones, y más tarde con la periodista y traductora Milena Jesenská, responsable de traducir por primera vez parte de su obra al checo.

En 1922 su delicado estado de salud le obligó a jubilarse anticipadamente del Instituto de Seguros de Accidentes Laborales. Un año después se instaló en Berlín junto a Dora Diamant, con la intención de independizarse definitivamente de su familia y dedicarse por completo a la escritura. Durante esos meses retomó el estudio del hebreo e incluso llegó a plantearse emigrar a Palestina, un proyecto que la enfermedad terminó frustrando. La enfermedad acabó con su vida el 3 de junio de 1924 en el sanatorio de Kierling, cerca de Viena, cuando tenía 40 años

El reparto de la película es espectacular y está encabezado por Matt Damon junto a Anne Hathaway, Tom Holland, Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron y un gran puñado de estrellas de Hollywood más.

Sin embargo, hay una presencia que, al parecer, será de lo más representativa, aunque tenga una mínima participación. Se trata de Samantha Morton, que encarnará a la hechicera Circe.

Un aplauso histórico

La productora Emma Thomas, ha asegurado que la reacción del equipo cuando la actriz terminó de rodar sus escenas, recordó mucho a las que provocó Heath Ledger en El caballero oscuro, poniendo a todo el equipo en pie.

Estas declaraciones las ha recogido Empire Magazine, que se ha encargado de ofrecer las mejores exclusivas alrededor de la película. Así, la productora ha recordado que, al terminar una escena, Morton recibió un aplauso del reparto y del equipo técnico: “Eso es algo que no habíamos visto desde Heath Ledger en El caballero oscuro”.

Circe ocupa en el poema atribuido a Homero uno de los episodios más recordados del viaje de Odiseo. Es la hechicera que gobierna la isla de Eea y transforma en cerdos a los compañeros del héroe antes de convertirse, finalmente, en una aliada parcial de su regreso.

Ese peso simbólico contrasta con la dimensión del papel, ya que podría ser una aparición breve, lo que deja en el aire todavía más expectación, ya que, no sería la primera vez en la historia del cine que una presencia de unos minutos, deja una huella imborrable en una película.

Más peso de los personajes femeninos

La revista Time ya había destacado que iba a tratarse de una “actualización humanizadora” del personaje. La publicación subrayó que sería una interpretación “inquietante pero también compasiva”, alejada de una lectura plana de la bruja mitológica reducida a seducción, castigo o amenaza.

Ese enfoque encaja con otra pista sobre la adaptación de Nolan, que ampliaría el espacio de personajes femeninos como Penélope y Helena de Troya, a través de unas palabras de Anne Hathaway a Empire en las que define a Penélope como “una compañera increíble, activa y leal hasta el final”.

La mención a Heath Ledger no es menor. Cuando Nolan anunció su fichaje como Joker para El caballero oscuro, la decisión provocó rechazo inicial, pero el actor acabó firmando una de las interpretaciones más celebradas del cine reciente y recibió un Oscar póstumo al mejor actor de reparto.

Una ovación interna no garantiza por sí sola el mismo reconocimiento crítico cuando la película llegue a los cines, pero la comparación ha bastado para convertir a la Circe de Morton en uno de los grandes puntos de interés de la campaña.

La carrera de Samantha Morton

La actriz ya había construido una trayectoria de prestigio mucho antes de este proyecto. Fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por Acordes y desacuerdos, de Woody Allen, donde interpretó a Hattie, una trabajadora de lavandería muda, y volvió a ser candidata, esta vez como mejor actriz, por En America.

Su carrera incluye además títulos como Minority Report, Morvern Callar y She Said. En televisión, destacan sus trabajos en La reina Serpiente y su papel de Alpha en The Walking Dead.

Nolan ha explicado en Empire Magazine que llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con ella. “Samantha Morton es alguien con quien había querido trabajar desde hace muchísimo tiempo. Y fue absolutamente la persona en la que pensé en cuanto terminé el guion de Circe y en la forma en que estábamos abordando a ese personaje. Me encantó que dijera que sí”.

La película ha sido escrita y dirigida por Christopher Nolan, con Emma Thomas en la producción a través de Syncopy. La fotografía corre a cargo de Hoyte van Hoytema, el montaje es de Jennifer Lame y la música de Ludwig Göransson. Universal la presenta como una experiencia rodada íntegramente con cámaras IMAX.

La actriz y directora Jodie Foster ha situado a F1: La pelicula en el centro del debate sobre el futuro de Hollywood al afirmar en el Aspen Ideas Festival que la película protagonizada por Brad Pitt “parecía hecha por inteligencia artificial”, una observación con la que cuestiona hasta qué punto la tecnología está moldeando ya la creatividad y el empleo en la industria.

La actriz ha puesto un ejemplo concreto para sostener esa idea: describió la estructura de F1: La película como “exactamente” la que se aprende en la escuela y que los intérpretes “dicen las frases exactamente” como las escribiría un ordenador, pese a que la cinta ha recaudado 634 millones de dólares en todo el mundo.

Foster ha hecho esos comentarios durante una conversación titulada Who Owns the Future of Hollywood junto al ex consejero delegado de Sony Pictures Michael Lynton, en Colorado. Allí ha abordado cómo la inteligencia artificial se suma a otros cambios previos en el negocio del cine, como los efectos generados por ordenador y la tecnología digital.

Hecha con una lógica maquinal

“No lo digo de forma despectiva, ¿cómo podría?”, ha dicho la intérprete, antes de recordar que la película “ha ganado millones de dólares”. Su formulación completa ha ido más lejos: “Miro una película como F1 y pienso: F1 fue hecha por IA’. ¿No?”.

Foster no ha sostenido que la película se crease realmente con inteligencia artificial, sino que la ha usado como ejemplo de un tipo de cine cuya construcción le parece próxima a una lógica maquinal. En esa misma intervención ha señalado que el resultado era “grande y bello” y que, potencialmente, “mucha de la información viene de otros lugares”.

La película a la que se refería, dirigida por Joseph Kosinski y escrita junto a Ehren Kruger, fue nominada a cuatro Oscar, incluido el de mejor película, y ganó la estatuilla al mejor sonido. Entre sus productores figuraban Jerry Bruckheimer, Kosinski, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, el piloto Lewis Hamilton y Chad Oman.

Los peligros de la IA

La conversación no se ha limitado a una valoración estética. Lynton le ha preguntado directamente si la IA va a sustituir a actores y guionistas, y Foster ha respondido que eso ya está ocurriendo al menos en parte. “Ya lo estamos haciendo”, ha dicho sobre los actores, antes de aludir al intercambio de rostros y otras herramientas capaces de replicar intérpretes con más sofisticación que las disponibles en un iPhone.

En esa línea, ha explicado que los estudios ahorran dinero en escenas de multitudes replicando a los actores de fondo. Su planteamiento sobre el empleo pasa por una intervención sindical: ha expresado su esperanza de que organizaciones de ese tipo puedan imponer una regla básica, que si un estudio usa a un actor 20 veces, le pague 20 veces.

Foster ha defendido un uso limitado y funcional de estas herramientas cuando sirven para tareas “pequeñas y útiles”, como la previsualización de escenas antes del rodaje. También ha puesto como ejemplo una secuencia onírica de su película más reciente, Vida privada, apoyada en IA y que, a su juicio, funcionó aunque las imágenes “no tenían ningún sentido”.

Su argumento central no es la eliminación de la tecnología, sino quién manda sobre ella. “Lo que a todos nos encantaría es que los cineastas pudieran dominar la IA y no perder nunca eso de vista”, ha afirmado, antes de añadir que, si se logra ese control de forma sostenida en el tiempo, será posible hacer obras que reflejen a las personas y mejorarlas.

Ese matiz convive con su incertidumbre sobre la duración de ese control. Ante la pregunta de si la industria será capaz de dominar esa tecnología durante más de un par de años, Foster ha admitido que no lo sabe.

En paralelo, The Hollywood Reporter recuerda que el equipo de F1: La película defendió durante la producción un enfoque basado “todo lo posible” en efectos prácticos, aunque combinado con recursos digitales en secuencias concretas. La supervisora de efectos visuales Ryan Tudhope explicó que tenían dos o tres coches de APXGP en pista y que, en posproducción, los sustituían y añadían otros al fondo para que pareciera que estaban dentro de la carrera.

Tudhope también detalló que en otras ocasiones reemplazaban coches en la pista para evitar accidentes de mayor gravedad. Cuando ciertos daños resultaban demasiado arriesgados, usaban un vehículo más pequeño, un F3, con un especialista al volante, y después lo sustituían por el coche de APXGP en los efectos visuales.

El mes de julio comienza por todo lo alto en los cines. Después del estreno de grandes títulos en las últimas semanas como Toy Story 5, Supergirl u Obsession, la película de terror de la que habla todo el mundo. Uno podría pensar que no hay hueco ya en cartelera para nuevos títulos, pero lo cierto es que esta semana cogen fuerza títulos nacionales y alguna que otra estrella internacional, en carne y hueso o incluso animada.

Hablamos de nombres como Hugh Jackman, Carmen Machi o los mismísimos Minions. Sí, las criaturitas amarillas y con peto vaquero que ayudan al protagonista de Gru mi villano favorito también aterrizan esta semana en los cines, y lo hacen con una nueva aventura particular. Las mismas que viven otros tantos personajes en títulos como Hermanos o Lady Nazca.

La muerte de Robin Hood

Todo el mundo conoce la leyenda, pero pocos conocen la cruda historia real. Hugh Jackman encarna al hombre detrás del mito, un Robin ya de edad avanzada y que reniega de un pasado embellecido que en realidad se ha teñido de rojo con la sangre de casi cualquiera que se ha cruzado en su camino. Después de reunirse su viejo amigo Little John (Bill SKarsgaard) y salir malherido de una gran batalla, Robin es trasladado a un convento alejado de todo para sanar sus heridas físicas, pero también las mentales. Sin embargo, allí se vuelve a encontrar de nuevo con ese pasado que tanto desea evitar.

Hermanos

La directora de Chavalas, Carol Rodríguez Colás, regresa junto a la guionista Marina Rodríguez Colás en una nueva historia sobre amistad en el barrio. Ayman, un adolescente de origen marroquí, es invitado por Sara, de origen catalán, a su fiesta de 16 cumpleaños en la misma casa donde la madre de Ayman trabaja como empleada doméstica. Acompañado de Eric y Rober, sus amigos de toda la vida, iniciarán un viaje lleno de confrontaciones y decepciones tanto con la sociedad como con ellos mismos, poniendo a prueba su amistad.

Lady Nazca

Mientras el fascismo se extendía por Europa en la década de 1930, Maria Reiche, originaria de Dresde, trabajaba como profesora de matemáticas en la capitalperuana, Lima, donde convive con Amy, su amante inglesa. El arqueólogo francés Paul D’Harcourt le pide que traduzca algunos documentos de Max Uhle. Sospechaba que contenían pistas sobre un sistema de canales de riego en el desierto cerca de la localidad de Nazca. Sin embargo, en su lugar se topan congeoglifos, líneas y figuras grabadas en la arena. Reiche está dispuesta a dejar atrás su vida anterior para explorar laslíneas de Nazca.

Minions & Monsters

Pocos personajes pueden decir que hayan conquistado tanto a la gente hasta el punto de tener sus propias aventuras en solitario, y casi más que su protagonista original. Los Minions aparecieron como los tiernos y nada malvados secuaces del supervillano de Gru mi villano favorito. No obstante, en las películas de este carismático antihéroe se ganaron un hueco distinguido en el corazón de todos bien, por su torpeza, por su ininteligible lenguaje o por su forma de hacer gracioso todo lo que tocan. Con los años han ido teniendo su propia serie de películas, y en esa línea llega ahora Minions & Monsters. Las criaturitas amantes de las bananas viajan a Hollywood para contar los orígenes de la meca del cine mientras ponen patas arriba todo, lo que mejor se les da básicamente.

Día de caza

Secuela espiritual de la mítica La caza de Carlos Saura, Día de caza se ambienta más de sesenta años después, en el verano 2024. En la misma finca en la que ocurrió todo están ahora Blanca, Rosa y Carmen, tres amigas de mediana edad que tras mucho tiempo sin coincidir todas juntas, quedan junto con Alicia, la joven y taciturna sobrina de Rosa, para ir a cazar conejos a un coto de caza que Blanca heredó de su tío José. Entre risas comparten los complicados momentos por los que están pasando en sus vidas. La relación con los hijos, separaciones, infidelidades, la menopausia, problemas con el alcohol, importantes proyectos profesionales… El calor, insoportable, asfixiante, y las conversaciones sobre temas del pasado van subiendo de tono hasta acabar enfrentando a las mujeres.

En Día de caza, tres amigas de clase alta y la sobrina de una de ellas se reúnen en el mismo coto de caza que, seis décadas antes, había sido escenario de la película de Saura. Por eso, más que un remake, Pedro Aguilera la define como una “secuela”, en la que los rifles y la búsqueda de conejos son la tramoya simbólica que da pie a diferentes imágenes y temas a los de la cinta original. “Al transcribir la historia y cambiar de hombres a mujeres, me pareció que había algo muy interesante”, explica el director. “Podía ser que una mujer dijera e hiciera esas cosas 60 años después, como si algo en el aire hubiera cambiado, pero no hubiera cambiado nuestra forma de ser”.

Abuso de poder, corrupción, desigualdad; la película de Pedro Aguilera demuestra que todos los temas abordados por Saura siguen siendo vigentes en el siglo XXI. El ejemplo lo pone Zoe Arnao, que recuerda una frase de la serie Industry: “En el feminismo también hay mujeres que son hijas de puta”. Blanca Portillo se muestra de acuerdo, y aunque en el momento en que Saura hizo La caza no hubiera sido posible que la protagonizaran mujeres, ahora el mundo ha cambiado y la mujer tiene más parcelas de poder a las que no ha accedido sin pagar un precio. “Hemos heredado la idea de que, para detentar el poder, hay que ser muy masculino: las mujeres tienen que ser igual que los hombres, en el peor sentido”.

Un ejercicio de “canibalismo cinematográfico”

Día de caza es una rara avis en el cine español, donde no suelen hacerse este tipo de revisiones de los grandes clásicos, salvo en casos aislados, como en Atraco a las 3... y media (actualización de Atraco a las tres, de 1962) o El crack cero, donde José Luis Garci quiso regresar a uno de sus personajes más icónicos más de treinta años después. “Eso me pareció más interesante aún”, reconoce Pedro Aguilera. “O somos muy envidiosos y la maestría ajena nos duele o no valoramos tanto a nuestros maestros”. El director va, de hecho, más allá, y afirma que no cree que nadie se hubiera atrevido a hacer esta película. “Salvo yo”.

Para las actrices, esto se convirtió en una cierta presión inicial e incluso en una desconfianza. “Cuando te lo dicen por primera vez, dices: ‘¿Por qué? Si ya está perfecta allí’“, reconoce Blanca Portillo. ”Luego vas hablando con Pedro y te das cuenta de que está haciendo otra cosa. Nuestra obligación es olvidarnos de que, si tú no has visto La caza, Día de caza sea una peli en sí misma, tan válida y tan perfecta como cualquier otra". Por eso, la ganadora de un Goya por Maixabel defiende que, en vez de comparar las películas, debería propiciarse que estas dialogaran entre sí.

Así pues, ¿cuánto hay de Carlos Saura en la película de Pedro Aguilera? “Esa es la gran pregunta”, admite este último. “Todo y nada. Lo que he hecho se llama canibalismo cinematográfico. Me he comido a Saura y me he convertido en él, como una especie de vampiro, aunque sea imposible ser él”. Visualmente, esto se traduce con planos y secuencias que son exactamente iguales, aunque cambien los presentes delante y detrás de las cámaras. “Lo interesante del lenguaje es que siempre es ambiguo y las mismas palabras dichas por otra persona en otro lugar tienen otro significado”.

El talento de Zoe Arnao, según Blanca Portillo

Junto a Carmen Machi, Rossy de Palma y Blanca Portillo, destaca una jovencísima Zoe Arnao (a quien ya habíamos visto en títulos como Las niñas), que sirve no solo como contrapunto generacional a las protagonistas, sino también como contrapunto ideológico. “Tiene otras ideas políticas, pero viene del mismo sustrato social”, explica Aguilera, que quería plantear un dilema sobre el legado que dejará la historia de Día de caza. “¿Qué pasará con esta chica que viene de este estatus social pero piensa cosas opuestas? ¿Quién es ella? No sabemos quién es porque es muy joven". Ese tipo de cuestiones no se resuelven en la película, que “plantea preguntas pero no da respuestas”, salvo que, quizá, dentro de 60 años alguien haga una tercera película.

En cualquier caso, para Arnao la posibilidad de trabajar en esta película ha sido “un antes y un después”. “Cada una con sus cosas diferentes”, añade. Por ejemplo, de Blanca Portillo se ha quedado con el “compromiso” que tiene con sus personajes. “Me enseñó mucho cómo creas el personaje, lo fiel que eres y cómo dices las cosas con el texto”, halaga a su compañera durante la entrevista. Esta también reconoce haber aprendido mucho de la más joven. “Para mí, hay un elemento clave para ser buen actor, buen intérprete o buena actriz, que es la inteligencia. Inteligencia significa criterio, capacidad de elección, punto de vista, control sobre lo que haces y dices. Ella lo tiene, aunque no sé si es consciente de ello”.

Juntas, y con el resto de compañeras, realizan este retrato que, a medio camino entre el horror de la violencia y la comicidad, acaba por abordar una actitud universal. “La actitud del abuso de poder, de legitimar la violencia como forma de entender el mundo y de someter a los demás”, concluye Aguilera. Esto es lo que, entre La caza y Día de caza, se ha seguido repitiendo y se repetirá en un futuro. “Todo cambia para que todo siga igual. Es algo cíclico y más actual que nunca”.

Hay veces en las que la mejor manera de avanzar es parar. Esto es algo que Antonio Orozco ha decidido poner en práctica al anunciar la fecha de un prolongado parón en su carrera musical: tras culminar La gira de tu vida en Barcelona, su ciudad natal, iniciará un retiro temporal que podría extenderse hasta 2029. Una decisión que obedece a la necesidad de recargar energías y buscar nuevas vivencias lejos del foco público.

Durante una entrevista en el programa Cara al Show con Marc Giró, Orozco ha detallado que este parón no significa un adiós definitivo a la música. “Vamos a estar como mínimo, en España, creo que por dos años y medio no vamos a volver”, compartía con el presentador, subrayando que, pese a no tratarse de una retirada total, sí que buscaba “quitarnos del medio bastante tiempo”, pues considera que “para poder escribir hay que vivir o al menos intentarlo”.

El artista precisó que la vuelta podría producirse en unos tres años, siempre y cuando las circunstancias acompañen. “Si la salud lo permite y todo está bien, volveremos”, anticipó Orozco, dejando claro que la pausa responde tanto a una necesidad vital como a un deseo de reencontrarse con el público renovado.

La difícil gestión de la soledad después de los conciertos

La pausa en la carrera de Antonio Orozco llegará después de una intensa agenda de conciertos que se prolongará hasta diciembre, cerrando en el Palau Sant Jordi de Barcelona. En la actualidad, el cantante recorre distintas ciudades de España con su tour, que lo llevará este verano a Sevilla, Olot, Almería, Jaén, Badajoz, Huelva, Alicante, Menorca, Fuengirola, El Puerto de Santa María, Ciudad Real, Cuenca, Córdoba y Madrid. La gira continuará en otoño con paradas en Granada, La Coruña, Mallorca, Valencia, Murcia, Tarragona, Vitoria y Salamanca.

La actual gira de Antonio Orozco marca un cambio respecto a sus anteriores propuestas. El propio cantante explicó que este tour “es de la vida de la gente. No es tanto una gira de mi vida, sino de la vida de la gente”. Para ello, impulsó la iniciativa La Champions Orozco, en la que fueron los propios seguidores quienes eligieron las canciones que no podían faltar en los conciertos.

Muchos directos, muchos desplazamientos y muchas noches lejos de los suyos... Durante su entrevista con Giró, Orozco ha abordado precisamente este tema para compartir la soledad que puede llegar a sentir tras los conciertos y el “odio” que siente por los hoteles. “Cuando te bajas del escenario, vienes de un lugar donde alguien te hace sentir importante y, cuando vuelves al hotel, te la resta. Es un momento de soledad que trato de obviar”.

Aunque el cantante no ha detallado qué hará durante su alejamiento de los escenarios, sí ha adelantado que lleva tres años trabajando en un musical inspirado en la obra Bodas de sangre de Federico García Lorca. Orozco ha compuesto todo el repertorio del espectáculo, que espera ver estrenado entre 2027 y 2028. Además, ya se ha anunciado que continuará en el programa de La Voz Kids como uno de los coaches de su próxima edición, en la que estará acompañado de Ana Mena, Edurne y Manuel Turizo.

El 22 de septiembre de 1994 se estrenaba en la cadena NBC Friends. No tuvo que pasar mucho tiempo para que la serie fuera un éxito: solo su primer episodio atrajo a más de 21 millones de espectadores. La vida de aquellos seis amigos que compartían vida -y piso- en el barrio de Manhattan de Nueva York dejó de ser una cosa exclusivamente estadounidense para convertirse en algo global.

La ficción protagonizada por Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, David Schwimmer y el fallecido Matthew Perry llegó a España tres años después, en noviembre de 1997 y gracias a la ya extinta Canal+, cuando la sitcom era todo un fenómeno. “Llega a España el mundo de ‘Friends’”, tituló en una crónica el diario El País. “Su estreno en España, se produce al inicio de su cuarta temporada en Estados Unidos, con su popularidad intacta y la totalidad de sus protagonistas lanzados al estrellato”, escribió el periódico.

Con la llegada del streaming, eso dejó de ser un problema. Hoy, el mundo entero puede acceder a los últimos estrenos de manera simultánea. Sin embargo, la nueva era también ha traído una trágica consecuencia: las series ya no permanecen para siempre en una misma plataforma. Ni siquiera un fenómeno como Friends.

El 31 de diciembre de 2020, la sitcom abandonó el catálogo de Netflix en España y Latinoamérica después de que Warner Bros. Discovery obtuviera sus derechos en exclusiva, motivo por el que permanece desde entonces en HBO Max. Cinco años después, y tras convertirse en una de las series más reclamadas por los suscriptores, la plataforma ha recuperado la serie al completo. Porque como se cantaba en la intro de la serie: I’ll be there for you.

Las 10 temporadas, ya disponibles

Desde este jueves 2 de julio, las diez temporadas que relatas las aventuras de Rachel, Ross, Phoebe, Chandler, Mónica y Joey Desde vuelven a estar disponibles. En total, son 236 episodios repartidos a lo largo de una década de emisión, desde 1994 hasta 2004, que consolidaron a Friends como una de las comedias más influyentes de la historia de la televisión. Además de Netflix, la serie también continúa formando parte del catálogo de HBO Max, por lo que deja de ser un contenido exclusivo de la plataforma de Warner Bros. Discovery.

El regreso, eso sí, no incluye todo el universo de Friends. La plataforma ha recuperado los 236 capítulos de la serie original, pero no los tres especiales emitidos durante su recta final: Friends: The Stuff You’ve Never Seen, centrado en tomas falsas y material inédito, y The One with All the Other Ones y The One Before the Last One, dos programas recopilatorios que sirvieron de antesala al episodio final. Tampoco está disponible Friends: The Reunion, el reencuentro protagonizado por los seis actores principales en 2021, que sigue siendo exclusivo de HBO Max.

Para quienes nunca la hayan visto, completar la serie supone invertir más de 86 horas. Algo que en verano es más que viable. Y recomendado, también.

Madonna la tachó de “visionaria”. Harry Styles lo definió como “genial y muy brillante”. Incluso El Vaticano elogió sus 18 canciones. Nadie se resiste a Lux, de Rosalía. El cuarto álbum de la catalana publicado el pasado mes de noviembre sigue causando furor ocho meses después de su lanzamiento. Ahora ha sido el turno de Mick Jacker.

El líder y cofundador de The Rolling Stones, una de las bandas de rock más influyentes de la historia, ha elogiado públicamente el trabajo de la artista española durante una entrevista concedida a la edición británica de GQ, en medio de la promoción del trigésimo tercer álbum de los Rolling Stones, Foreign Tongues.

El mítico artista respondió tras la reflexión del periodista “sobre el regreso del rock al mainstream“, citando a la banda de rock estaounidense Geese, que debutó hace una década y que el medio citado definió como ”la emocionante banda de rock que pronto verás por todas partes”. “Todo el mundo está hablando de Geese. Geese es una banda muy experimental, sobre todo para tratarse de un grupo de rock. Me gustan mucho. Había oído hablar de ellos y, cuando salió Getting Killed esperaba algo más cercano al indie. No imaginaba que fuera tan transgresor, pero precisamente por eso lo admiro", dijo sobre ellos.

Rosalía, una de las cantante que últimamente “han hecho cosas estupendas”

Tras esto, Jagger aprovechó para hablar de “muchas cantantes que últimamente han hecho cosas estupendas”. Una de ellas es, precisamente, Rosalía. “Mira el álbum de Rosalía, Lux. Era algo realmente conceptual, muy interesante. Y lo ha llevado a cabo de forma brillante y la admiro muchísimo por ello", afirmó.

Sin embargo, pese a que reconoció que no intenta estar al tanto de todas las tendencias musicales porque “es muchísimo trabajo” y “hay mucha basura”, aseguró que no da la espalda a la música actual. “No ignoro lo que está pasando, pero tampoco soy esclavo de ello”, resumió. Entre los nombres que mencionó figuran el cantante y productor nigeriano Burna Boy, con quien ha colaborado recientemente, o Bruno Mars, que participa como percusionista en el nuevo trabajo de los Stones.

El reconocimiento del británico se suma a una larga lista de personalidades que han alabado el cuarto trabajo de estudio de Rosalía desde su publicación el pasado 7 de noviembre. De Madonna a Mick Jagger, también hay que sumarle la cantidad de artistas nacionales e internacionales que no se han querido perder los conciertos de su gira, el Lux Tour, que arrancó a mediados de año en Francia y actualmente continúa en Estados Unidos.

Entre el público se ha podido ver a Demi Lovato, Billie Eilish, Lorde, Tyler, the Creator, Troye Sivan, Karol G o Dua Lipa, además de actores como Pedro Pascal. Una muestra más del fenómeno en el que se ha convertido un álbum que, ocho meses después de su lanzamiento, sigue despertando la admiración tanto del público como de algunas de las figuras más influyentes de la industria musical.

El equipo Garras, formado por arqueólogos e investigadores, junto a expertos de las universidades de La Rioja, País Vasco y A Coruña y que trabaja en el yacimiento de Las Cerradas, en Igea, vuelve a acaparar la atención científica al intentar recuperar más restos de un dinosaurio ornitópodo de enormes dimensiones. Los fósiles, con una antigüedad de 120 millones de años, podrían revelar pistas esenciales sobre una de las criaturas más grandes que habitaron la región durante el Cretácico.

Los trabajos, previstos entre el 4 y el 12 de julio, buscan ampliar el hallazgo del año pasado, cuando se identificaron huesos de lo que podría ser un animal de cerca de diez metros de longitud y más de tres de altura. Además, la estimación inicial sugiere que este ejemplar alcanzó unas diez toneladas, según ha adelantado el equipo investigador a la Agencia EFE.

Durante la campaña anterior, los especialistas ya recuperaron los primeros restos de un ornitópodo estiracosterno, pariente probable del conocido Iguanodon, y subrayaron su relevancia. El objetivo de la nueva intervención es ampliar la superficie excavada para recuperar más partes del esqueleto y así precisar la identidad y las características anatómicas del animal.

Un paraíso para la paleontología

Durante el Cretácico Inferior, la actual La Rioja era una vasta llanura con lagunas y zonas pantanosas, un entorno ideal para preservar huellas y huesos de dinosaurios. De hecho, la región destaca por la extraordinaria cantidad y variedad de huellas fósiles, con más de 11.000 catalogadas en unos 170 yacimientos, especialmente en las Tierras Altas. Allí se han descubierto especies nuevas para la ciencia gracias al estudio de huesos e icnitas, como el Riojavenatrix y el Iguanodon galvensis, lo que mantiene a la comunidad autónoma como un referente internacional en investigación paleontológica.

Ahora bien, encontrar huesos de gran tamaño añade una dimensión diferente a la paleontología de la zona. El hallazgo de estos restos permite a los científicos no solo reconstruir cómo era el animal, sino también investigar nuevos aspectos de la diversidad de especies que poblaron la cuenca de Cameros durante el Cretácico. El yacimiento de Las Cerradas, en particular, ha permitido a los paleontólogos localizar huellas y restos óseos excepcionalmente bien conservados.

Durante los días 7, 8 y 9 de julio, el Centro Paleontológico de Igea ofrecerá, además, visitas guiadas al yacimiento para que pueda verse a los científicos desarrollar sus trabajos. Se podrá reservar en el propio centro, desde donde se organizarán diferentes grupos para ver de cerca las labores. Asimismo, el 10 de julio a las 17 horas se celebrará Paseando entre dinosaurios, otra actividad guiada que llevará a los interesados al laboratorio, al centro y al yacimiento con la compañía de los paleontólogos.

Encontrar nuevos restos para identificar el espécimen y averiguar su conducta

En este contexto, el equipo Garras y el resto de investigadores mantienen su intención de encontrar elementos que permitan reconstruir la morfología completa del ejemplar. Los fósiles recuperados hasta ahora incluyen huesos de los miembros anteriores, cintura pélvica, varias vértebras y costillas, si bien la aparición de más piezas será clave para determinar con exactitud su clasificación. Los expertos han destacado cómo el entorno ha favorecido la preservación “excepcional” de estos vestigios, lo que ofrece una ventana única para estudiar cómo vivían y se movían los dinosaurios en aquel ecosistema.

La campaña de excavación que inicia este julio podría aportar datos inéditos sobre uno de los mayores ornitópodos hallados en Europa, ampliando el conocimiento sobre la fauna prehistórica que habitó la península Ibérica hace millones de años. Los arqueólogos e investigadores confían en que la recuperación de nuevos fósiles permitirá reconstruir el esqueleto y precisar el tamaño de este gigante, lo que a su vez ayudará a responder preguntas sobre su dieta, comportamiento y el entorno en el que vivió.

Lo ha vuelto a hacer. Rosalía presentó ante el público del Kia Forum de Los Ángeles una grabación inédita, con tintes de electrónica bailable, que podría ser la de su próxima canción tras el éxito de Lux. El sencillo sonó sin previo aviso ni interpretación en vivo, solo unos altavoces sonando durante el interludio, pero todos los fans de la cantante ya han especulado que podría tratarse de un caso similar al de Despechá.

Durante el verano de 2022, este single comenzó a sonar en los espectáculos del tour de su tercer disco, Motomami, aunque en realidad la artista la había compuesto varios meses antes. Hacia la mitad del concierto, sin previo aviso, sonaban unos acordes tropicales y Rosalía empezaba a cantar: “Baby, no me llames...”. Nadie conocía la canción, pero el ritmo era tan contagioso que la gente empezó a grabarla en video de inmediato. En cuestión de días, el audio de baja calidad extraído de los directos ya era sumamente viral. Habría que esperar a finales de julio para escuchar la versión oficial.

De este modo, no sería descabellado apuntar a que la cantante catalana está probando de nuevo esta estrategia. Y, como siempre, la ha llevado más lejos, ya que el fragmento incorpora una voz masculina sobre la que ya ha habido muchas especulaciones. Al principio muchos han pensado en la famosa banda mexicana de Latin Mafia, o en el español Guitarricadelafuente. Sin embargo, muchos han señalado que el acento del cantante es puertorriqueño, razón por la que han surgido otros nombres como los de Myke Towers o Jhay Cortez.

Así es la probable nueva canción de Rosalía

El adelanto se distingue de las canciones de Lux, su álbum más reciente, por un ritmo que comienza lento y se acelera en segundos. La letra, proyectada en inglés en las pantallas del estadio, dejó oír versos en castellano: “Y yo no sé, cuándo te vuelva a ver. No lo sabré, solo quédate conmigo a ver el atardecer, el atardecer”. Ahora bien, la cantante no confirmó si la canción formará parte de la actual era o si será un lanzamiento independiente, pensado para el verano. A pesar de eso, muchos ya han señalado que el tema podría titularse El atardecer.

Durante el espectáculo, Rosalía habló de su vínculo especial con Los Ángeles. Recordó que allí grabó su primer videoclip profesional, De Plata, y que su primer álbum también lleva el nombre de la ciudad. “Siempre me he sentido muy apoyada aquí. Gracias por respaldarme en cada proyecto. Gracias, gracias por tanto amor”, expresó la cantante durante la velada. Quizá por ese mismo motivo, decidió que este era el lugar perfecto para compartir el nuevo adelanto.

Por otro lado, en esta segunda noche de conciertos en Los Ángeles, la actriz estadounidense Odessa A’zion participó en el “confesionario” de Rosalía, una sección donde los invitados relatan anécdotas personales. A’zion, quien admitió estar muy nerviosa, optó por contar una historia de una amiga: “Mi amiga salía con un hombre que le dijo que tenía que viajar por Europa para encontrarse a sí mismo. Mientras estaba de viaje, él le enviaba mensajes diciendo que la extrañaba, pero al final ella descubrió que le era infiel porque otra mujer le escribió para contarle que estaban viajando juntos”, relató la actriz ante el público.

Warner Bros. Pictures ha adquirido los derechos para producir una película de horror basada en el fenómeno viral ‘Siren Head’, tras una intensa puja entre los principales estudios de Hollywood. La decisión llega después del éxito en taquilla y redes sociales de Backrooms y Obsession, dos títulos que han demostrado el potencial de los mitos digitales convertidos en películas.

La película Siren Head contará con la colaboración del cineasta Zach Cregger y el guionista y director Brian Duffield, quienes desarrollarán el guion y la dirección, respectivamente. Duffield ya genera expectativas con su próximo filme de supervivencia Whalefall. Ambos estarán acompañados en la producción por Roy Lee y Andrew Childs de Vertigo Entertainment, además de Scott Glassgold de 12:01 Films y la propia productora de Duffield, Jurassic Party Productions. El proyecto de Siren Head surge en un momento en que Hollywood busca captar a la audiencia Gen Z tras el éxito de Backrooms y Obsession. Ambas películas, basadas en cortos de terror nacidos en YouTube, lograron viralizarse y atraer nuevos públicos a las salas de cine. El caso de Backrooms fue especialmente significativo, con una apertura de USD 81,4 millones el 29 de mayo, lo que desencadenó el interés de los estudios por nuevos relatos surgidos en internet.

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El atractivo de Siren Head reside en su origen digital. El personaje fue creado en 2018 por el artista canadiense Trevor Henderson como un dibujo de un ser esquelético y alto, con dos sirenas en lugar de cabeza. La imagen pronto desató una ola de contenido generado por usuarios, que incluyó animaciones, videojuegos, teorías de fans y millones de visualizaciones en plataformas como TikTok y YouTube. Solo en TikTok, el fenómeno ha acumulado alrededor de 3.000 millones de visualizaciones, mientras en YouTube suma cerca de 1.000 millones.

Una puja que enfrentó estudios

La venta de derechos de Siren Head provocó una competencia entre cinco grandes estudios: Sony, Universal, Paramount y 20th Century Studios de Disney participaron en la puja, que finalmente ganó Warner Bros. Pictures con una oferta de varios millones de dólares. El acuerdo incluye la distribución exclusiva en cines, excluyendo a las plataformas de streaming y reafirmando el interés en llevar a la audiencia joven de internet a las salas tradicionales. La idea de convertir memes y fenómenos de internet en películas responde al desafío de atraer nuevos públicos. En los últimos años, el segmento Gen Z ha mostrado una preferencia clara por contenidos nacidos en la red, dejando atrás modas como las sagas de superhéroes o la ficción distópica juvenil que atrajeron a los millennials.

El productor Scott Glassgold y el creador Trevor Henderson ya habían colaborado en Tarot, una película de Sony estrenada en 2024 donde Henderson diseñó criaturas para el filme. La agencia Verve Talent Agency, que representa a Henderson, supervisó la subasta de derechos de Siren Head. Esta es la segunda gran propiedad intelectual de horror que Verve negocia este año, tras una puja similar por la franquicia Texas Chainsaw Massacre, adquirida finalmente por A24. Las expectativas de Warner Bros. y los creadores apuntan a que Siren Head se convierta en el próximo gran fenómeno de terror viral, consolidando la tendencia de Hollywood de adaptar relatos y criaturas nacidas en el imaginario digital.

El público podrá acceder a un adelanto exclusivo de la esperada secuela de La pasión de Cristo en su regreso a los cines, según anunciaron Lionsgate y Fathom Entertainment. La nueva entrega, titulada La resurrección de Cristo, se proyectará parcialmente durante la reposición de la película original, que ha sido remasterizada en 4K y contará con sonido Dolby Atmos. Esta experiencia estará disponible del 10 al 17 de septiembre, como parte de la preparación para el estreno de la secuela en 2027.

La estrategia de reestreno va más allá de un simple homenaje. Quienes adquieran sus entradas tendrán acceso a material inédito de La resurrección de Cristo, el proyecto que Mel Gibson y su equipo describen como el más ambicioso de su carrera. Según el comunicado oficial, la secuela busca narrar “la victoria de Cristo sobre la muerte tras su mayor sacrificio”, abordando uno de los episodios más centrales de la tradición cristiana.

La resurrección de Cristo se dividirá en dos partes. La primera se estrenará el 6 de mayo de 2027 y la segunda el 25 de mayo de 2028, ambas fechas coincidiendo con el Ascension Day, festividad cristiana que conmemora la ascensión de Jesús. Esta decisión refuerza el enfoque religioso de la saga y su intención de conectar con audiencias de fe en momentos simbólicos del calendario cristiano. El argumento de la secuela se sitúa inmediatamente después de lo narrado en La pasión de Cristo, que seguía los últimos doce horas de la vida de Jesús. Ahora, el eje central será la resurrección y los eventos posteriores, considerado por los productores como “uno de los relatos más trascendentes y perdurables de la historia”.

Un éxito en taquilla que aun perdura

La secuela introduce nuevos protagonistas en los papeles principales: Jaakko Ohtonen será Jesús de Nazaret y Mariela Garriga interpretará a María Magdalena. El reparto lo completan Pier Luigi Pasino, Kasia Smutniak, Riccardo Scamarcio y Rupert Everett. Entre los responsables de la producción ejecutiva se encuentran las compañías Cedar Hill y Mike Ilitch Jr. Productions, que aportan inversión y respaldo al proyecto. El regreso de Gibson a la dirección de grandes producciones ocurre tras años de distancia de Hollywood, marcados por controversias personales y profesionales. Su más reciente trabajo, Flight Risk, estrenado en 2025, marcó su retorno al cine de estudio aunque con resultados modestos en taquilla. Anteriormente, Gibson dirigió títulos como Hacksaw Ridge, Braveheart y Apocalypto.

Desde su estreno, La pasión de Cristo ha mantenido un lugar singular en la historia del cine. En su momento, la película fue el mayor éxito de taquilla para una producción clasificada para adultos en Estados Unidos, recaudando $370 millones en ese país y $610 millones a nivel global, frente a un presupuesto de $30 millones. Este récord fue superado en 2024 por Deadpool & Wolverine, con $636 millones en recaudación doméstica, pero el filme de Gibson sigue figurando como una de las producciones independientes más exitosas de todos los tiempos. El peso de La pasión de Cristo no solo se mide en cifras. Ray Nutt, director ejecutivo de Fathom Entertainment, subrayó que “pocas películas modernas han tenido tanto impacto en el panorama cultural”. Destacó que la cinta original fue abrazada tanto por audiencias religiosas como seculares, lo que abrió oportunidades para nuevos proyectos con temáticas religiosas dentro de la industria.

Con la remasterización en 4K y el sonido Dolby Atmos, Lionsgate busca que quienes ya vieron la película puedan redescubrirla en condiciones técnicas mejoradas, mientras que una nueva generación tendrá la posibilidad de experimentarla en cines por primera vez. Para Kevin Grayson, presidente de distribución mundial de Lionsgate Motion Picture Group, el reestreno representa una oportunidad para conectar a públicos diversos a través de una experiencia compartida de fe y cine. La reposición de La pasión de Cristo y el adelanto de su secuela marcan un nuevo capítulo en una saga que ha trascendido fronteras y debates, consolidando a Mel Gibson como referente en la creación de películas de temática religiosa de gran escala.

En el universo de la música, los rankings suelen alimentar debates apasionados. Las listas de las mejores canciones de todos los tiempos son objeto de escrutinio y discusión, especialmente cuando provienen de medios de referencia como Rolling Stone. En su reciente actualización de las 500 canciones más grandes, la revista ha colocado en lo más alto de los años setenta a un tema que desafía las apuestas más previsibles.

Contra todo pronóstico, el primer puesto entre las canciones de los setenta no corresponde a clásicos de Led Zeppelin ni de Pink Floyd. La canción mejor posicionada de la década es What’s Going On de Marvin Gaye, ubicada en el sexto lugar general de la lista. Por encima de himnos como Stairway to Heaven o Comfortably Numb, Rolling Stone destaca una obra que fusiona mensaje social y sensibilidad artística. La selección se enmarca en una lista que abarca todas las décadas, construida a partir de los votos de críticos, músicos y expertos del sector. Mientras otras publicaciones, como NME y Pitchfork, han elegido a God Save the Queen de los Sex Pistols y a Life on Mars de David Bowie como los temas más representativos de los setenta, Rolling Stone opta por una interpretación del soul cargada de contexto político y social.

La decisión de Rolling Stone sorprende a quienes consideraban que el legado de Led Zeppelin o Pink Floyd monopolizaba la excelencia musical de la década. Sin embargo, la revista ubica a What’s Going On como la mejor pieza de los setenta, dejando fuera del primer puesto a gigantes del rock progresivo y psicodélico. La lista, reconocida por su amplitud y diversidad, sitúa a esta canción por encima de otros himnos populares y técnicamente elaborados. La clasificación general está encabezada por Respect de Aretha Franklin, perteneciente a los años sesenta. Para encontrar la primera canción de los setenta hay que avanzar hasta el sexto puesto, donde What’s Going On se convierte en la referencia de ese período.

La historia detrás de la canción

What’s Going On fue publicada en 1971, en un momento de crisis personal para Marvin Gaye. El tema nació del trabajo conjunto entre Renaldo Benson de los Four Tops y Al Cleveland, quienes iniciaron el proyecto antes de que Gaye lo transformara completamente, añadiendo arreglos originales y referencias explícitas a la guerra de Vietnam y la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos. El contexto social y político marcó la creación de la canción. Marvin Gaye canalizó su dolor y sus inquietudes personales en una obra que interroga a la sociedad y pide empatía. Rolling Stone remarca que, en su origen, la canción fue rechazada por considerarse poco comercial. Sin embargo, el tiempo la consagró como un “don de sanación sin tiempo”, gracias a su mensaje de paz y crítica social.

La interpretación de Gaye, llena de matices emocionales y profundidad, consolidó a What’s Going On como un emblema del soul y un referente permanente en la música popular. La canción se distingue no solo por su calidad instrumental, sino por su capacidad para dialogar con los problemas de su tiempo y seguir vigente décadas después. La valoración de Rolling Stone subraya que la excelencia musical de los años setenta no se limita a la complejidad técnica ni a la fuerza de los géneros dominantes. What’s Going On demuestra que la música puede ser, al mismo tiempo, arte, testimonio y llamado a la reflexión colectiva. Sin necesidad de la grandilocuencia del rock, la canción de Marvin Gaye se mantiene como la voz más alta de una década marcada por el cambio y la búsqueda de respuestas.

La de anoche pasará a la historia como una de las grandes remontadas del Mundial 2026. Bélgica iba perdiendo por 2 a 0 a falta de poco más de diez minutos frente a Senegal, vigente campeona de la Copa África -sobre el campo, porque fuera de este la federación africana le concedió el título a Marruecos tras la polémica retirada- cuando surgió la magia. Romelu Lukaku entró en el terreno de juego y acortó distancias con un remate al primer palo, para unos minutos después ser Tielemans a centro de Trossard -con el que se había peleado un rato antes- quien pusiese el empate cerca del final del encuentro.

En el último minuto de la prórroga se consumaría la épica remontada del combinado belga tras un penalti señalado sobre Tielemans, que él mismo convertiría en el 3-2 definitivo. Los sueños de Los Leones de la Teranga nuevamente echados por tierra en un partido que tuvo de todo, incluso arte. Porque lo que muchos no saben es que la equipación que portaba Bélgica mientras hacía historia estaba inspirada en un cuadro de uno de los más grandes artistas de su país: René Magritte.

Siguiendo su tradición de reverenciar a figuras ilustre de su historia, como hicieron en la Eurocopa con una equipación inspirada en Tintín de Hergé, en esta ocasión los Diablos Rojos han escogido inspirarse en el icónico pintor surrealista, que nació en Lessines a en 1898 y se convirtió en uno de los artistas más destacados de toda Bélgica durante el sligo XX gracias a su particular sentido de percepción y las evocadoras imágenes que era capaz de ilustrar. Su legado ha llegado hasta Seattle, donde el combinado de Rudi García sigue haciendo historia, pero el cuadro que ha inspirado la equipación tiene también relación directa con España.

De Seattle al Reina Sofía

La equipación toma referencia del surrealismo y los colores propios de Magritte, pero su inspiración directa es un cuadro que se encuentra desde hace años en el Museo Reina Sofía de Madrid, Grelots roses, ciels en lambeaux (Cascabeles rosas, cielos en jirones). Expuesto en la sala 205.13, se trata de un óleo sobre lienzo pintado alrededor de 1930, cuando Magritte realizó otras obras notables como La condición humana, La invención colectiva o La llave de los campos, este último disponible también en el madrileño Thyssen-Bornemisza.

El cuadro consta de dos escenas, unas nubes sobre cielo a la izquierda, y unos cascabeles rosas en la segunda, ambos fusionados en la equipación de fútbol. “Como en otras de sus pinturas en las que aparecen también estas «campanas mudas», los cascabeles flotan materialmente en el aire ocupando la mitad del cuadro, desprovistos de su peso, función y escala habituales, lo que les proporciona una apariencia irreal, en la que radica su potencia onírica. A ello contribuye también la técnica utilizada, de precisión casi fotográfica, que parece congelar la imagen en el tiempo y el espacio", explica el Reina Sofía, el cual también cuenta con otro cuadro de Magritte como es El secreto del cortejo.

“La diferencia cromática –azul encendido para el fondo nuboso y salmón eléctrico para el espacio en que se recortan los cascabeles– contribuye a la sensación general de desconcierto e inquietud que emana del cuadro, como corresponde a las más logradas visiones surrealistas", detallan sobre el lienzo, que ha inspirado la que ya es una de las camisetas más especiales de este Mundial 2026, y que de momento seguiremos viendo con el encuentro que ahora Bélgica tiene que disputar frente a la coanfitriona Estados Unidos, que llega como una de las selecciones más en forma de todo el campeonato. Mientras tanto, todo el que pase por Madrid podrá encontrar en el Reina Sofía la influyente pieza del hombre detrás de Esto no es una pipa.

Se trata de la ópera prima del cineasta y también se rodó con un escaso presupuesto y en tan solo 30 días. Sin embargo, tras su paso por el Festival de Sundance, fue adquirida por Neon por una cifra alrededor de los siete dígitos y se ha estrenado en más de 1.000 cines en territorio norteamericano.

Se trata de historia sobre dos adolescentes perseguidos por una presencia sobrenatural que adopta la forma de la persona que más desean, con la terapia de conversión religiosa como motor del horror y el romance ‘queer’ en el centro del relato, de forma que algunos medios la han definido como un cruce entre It Follows y Heated Rivalry.

De qué va ‘Leviticus’

La trama arranca con una agresión invisible en una piscina pública y se desplaza después hacia Naim, un adolescente australiano recién llegado a un nuevo barrio, y Ryan, un compañero de clase con el que inicia una relación marcada por el deseo y la violencia contenida. Ambos viven en una comunidad cristiana especialmente represiva, donde la homosexualidad se considera un pecado y donde los dos jóvenes hablan de sus encuentros en clave, preguntándose si alguna vez han “ido al molino”.

El punto de inflexión llegará cuando Naim descubra a Ryan con el hijo del pastor y lo delate de forma impulsiva. A partir de ahí, el pastor recurre a un sanador de “liberación” para expulsar los demonios de los chicos en una ceremonia pública ante toda la parroquia.

Esa supuesta liberación funcionará como una forma de exorcismo y dejará a sus víctimas perseguidas por una amenaza cambiante que solo ellas pueden ver. La diferencia con otros relatos del mismo subgénero está en que aquí la figura persecutoria aparece siempre con el rostro del ser amado, una materialización directa de la homofobia interiorizada.

Basada en las propias experiencias del director

Chiarella ha explicado a IndieWire que el proyecto nace de experiencias personales y comunitarias. Aunque sus padres no eran religiosos, estudió en una escuela religiosa y escuchó citas del Levítico dirigidas contra él, además de sufrir homofobia tanto entre alumnos como en versiones institucionales ejercidas por profesores y responsables del centro.

El director ha contado al medio que también oyó historias de personas sometidas no solo a terapias de conversión, sino a otras formas de coerción por parte de docentes. “La película está inspirada no solo en mis propias experiencias, sino también en mi comunidad”, ha afirmado.

El cineasta salió del armario siendo adolescente en Australia y se casó con su marido después de que el matrimonio igualitario se legalizara allí en 2017. En la entrevista reconoce que el estreno de una película así le produce inquietud por la regresión que percibe en los derechos LGBTQ en la última década, pero también lo considera una razón para hacer más necesarias estas historias.

Chiarella ha defendido que el público joven reaccione con atención al tráiler proyectado antes de Backrooms. “Fueron muy, muy silenciosos con la película, lo cual fue agradable”, dijo, después de admitir que temía una reacción homófoba en la sala.

El realizador también ha subrayado que Leviticus no pretende reproducir el tono de Heated Rivalry, pese a que la comparación se haya instalado alrededor del filme. Su intención con las escenas íntimas fue buscar la torpeza real de los primeros descubrimientos corporales compartidos, no una versión estilizada del deseo.

En su análisis, Variety sostiene que uno de los hallazgos del largometraje está en el contraste entre la brutalidad del dispositivo sobrenatural y la suavidad con la que trata a sus personajes. La película, según esa lectura, no presenta a Naim y Ryan como incapaces de encontrar amor, sino como dos adolescentes obligados a sostenerlo frente a una vergüenza aprendida que acaba tomando forma sanguinaria.

La publicación también destaca un interludio en la parte final: un trayecto en autobús casi vacío en el que ambos consiguen por fin un instante de intimidad real. Después de enfrentarse tanto a la violencia social como a la amenaza metafísica, ese momento introduce la idea de que su supervivencia pasa también por distinguir al otro real de su doble asesino.

La madre de Naim, interpretada por Mia Wasikowska, ocupa en esa lectura un lugar decisivo. No aparece como un monstruo plano, sino como alguien que quiere lo que cree mejor para su hijo y que, aun así, toma decisiones monstruosas, entre ellas forzar una terapia cuyos riesgos mortales conoce.

La producción ha contado con el respaldo de Causeway Films, la compañía detrás de Háblame y The Babadook, y demuestra que el cine australiano de terror es uno de los más versátiles y ricos en la actualidad. La película se estrenará en España el 30 de octubre.

A pesar de que hoy en día todo el mundo recuerda a Cristóbal Colón principalmente por su llegada a América en 1492, lo cierto este hito suele pasar por alto toda una larga trayectoria llena de méritos viajando por el mar. El almirante era, ante todo, un navegante extraordinario, y su asombrosa capacidad para leer el mar y entender los vientos superaba con creces a la de la mayoría de sus contemporáneos.

Tras el éxito y las inmensas complicaciones de su primer contacto con el Nuevo Mundo, Colón no se detuvo y capitaneó un segundo y un tercer viaje transatlánticos. Estas expediciones sirvieron para consolidar las rutas y cartografiar territorios desconocidos de lo que él todavía no sabía que era otro continente. Sin embargo, las tensiones políticas en la corte española y las rebeliones en las colonias mermaron rápidamente su prestigio, dejándolo en una posición sumamente vulnerable ante la Corona.

Fue precisamente durante su cuarto y último viaje, iniciado en 1502, cuando ocurrió un episodio legendario que reflejó a la perfección su inigualable experiencia marinera. Al aproximarse a la isla de La Española, el veterano almirante miró al cielo, analizó el entorno y detectó en el clima las señales inequívocas de una catástrofe inminente. Prácticamente nadie más fue capaz de ver que un monstruoso huracán se les echaba encima.

Las señales del monstruo caribeño

Colón notó alteraciones sutiles en la atmósfera que habrían pasado desapercibidas para cualquier ojo inexperto de la época. Observó una densa calima en el horizonte, un cambio extraño en la dirección de las corrientes marinas y un oleaje anómalo que no coincidía con el viento reinante. Además, la presencia de nubes inusualmente oscuras y el comportamiento errático de la fauna marina terminaron por confirmar sus peores temores meteorológicos: un gran ciclón tropical (la palabra “huracán” es un americanismo que los cronistas acabarían adoptando con el tiempo) se aproximaba.

Ante el peligro real, el almirante envió un emisario urgente al gobernador de Nueva Isabela, actual Santo Domingo (República Dominicana), Nicolás de Ovando, para advertirle del desastre y pedirle refugio en el puerto. Sin embargo, las autoridades locales no solo ignoraron sus advertencias, sino que se burlaron abiertamente de él y lo tacharon de “loco”, de “adivino” y alarmista. Para colmo, una gran flota cargada de riquezas se preparaba para zarpar hacia España.

Viendo que sus súplicas eran completamente inútiles y que el puerto le estaba vedado, Colón tuvo que confiar en su instinto para salvar la vida. Decidió resguardar sus cuatro modestas naves en la desembocadura del río Jaina, un refugio natural que esperaba que lo protegiera de los embates del viento. Allí, la tripulación se preparó para resistir la brutal tormenta que la ignorancia ajena se negaba a admitir.

Furia, muerte y toneladas de oro hundidas

Poco después, el gigantesco huracán golpeó con una furia devastadora e inimaginable. Las fuerzas de la naturaleza arrasaron por completo la recién fundada ciudad de Santo Domingo, destruyendo la gran mayoría de sus edificaciones de madera y paja. En el mar, el desastre fue mayúsculo: la soberbia flota del gobernador se hundió casi por completo, arrastrando al fondo del océano, se estima, más de 1.500 kilos de oro.

Mientras la tragedia consumaba la destrucción de sus enemigos directos, Colón y sus hombres lograron salvarse milagrosamente en el refugio que él había seleccionado con astucia. Sus barcos sufrieron daños de diversa consideración, pero la pericia del almirante al predecir el fenómeno evitó una muerte segura para toda su tripulación.

Hoy, a 524 años de aquel suceso, el episodio se recuerda como una de sus mayores lecciones de la navegación. Aquella tormenta supuso una de las mayores pérdidas económicas de la España colonial, pero también sirvió para demostrar la agudeza de un Colón que había perdido el favor de los Reyes Católicos. En el año 1500, de hecho, había sido arrestado por denunciar la tiranía del gobierno e incitar a los colonos a rebelarse. Por otro lado, en 1504, una tormenta lo dejaría varado en Jamaica durante un año y, a su regreso a España, se encontró arruinado y sin títulos. Moriría en 1506, enfermo de gota y prácticamente en la indigencia.

Hablar de ciencia ficción en el siglo XX es hablar de Arthur C. Clarke. El escritor británico fue mucho más que el autor de El centinela, el cuento que, publicado en 1951 inspiraría a Stanley Kubrick a crear la película de culto 2001: Una odisea del espacio, en 1968. Ese mismo año el autor publicó una novela más extensa del mismo nombre que la película.

El autor fue uno de los grandes visionarios de su tiempo por ser capaz de imaginar avances tecnológicos décadas antes de que se hicieran realidad. Ingeniero, divulgador científico y novelista, convirtió la exploración del universo y el futuro de la humanidad en el eje de todas sus obras, en cuya bibliografía acumuló más de 80 libros y centenares de relatos.

Una de las reflexiones más populares que se encuentran en sus obra es: “La única manera de descubrir los límites de lo posible es yendo un poco más allá de ellos, hacia lo imposible”.

La cita forma parte de la conocida como segunda ley de Clarke, una de las tres máximas formuladas por el escritor sobre el progreso científico y tecnológico. Su origen se encuentra en Profiles of the Future: An Inquiry into the Limits of the Possible, un ensayo publicado en 1962 en el que Clarke analizaba cómo la imaginación condiciona la capacidad de anticipar el futuro. La ley fue incorporada posteriormente a la edición revisada de la obra, publicada en 1973, y desde entonces se ha convertido en una de las frases más citadas del autor.

El origen de la cita

Nacido en el seno de una familia de agricultores el 16 de diciembre de 1917 en Minehead, en el condado inglés de Somerset, Clarke mostró desde muy joven un enorme interés por la astronomía. Tras mudarse a Londres en 1936, Clarke pudo profundizar en su interés al unirse a la Sociedad Interplanetaria Británica (BIS). Trabajó con material astronáutico en la Sociedad, colaboró ​​con el Boletín de la BIS y comenzó a escribir ciencia ficción.

Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en la Real Fuerza Aérea británica, donde trabajó en sistemas de radar, una experiencia que reforzó su fascinación por la tecnología. Tras el conflicto estudió Física y Matemáticas en el King’s College de Londres y comenzó a desarrollar una carrera literaria paralela a su labor como divulgador.

Su prestigio no solo se cimentó en sus novelas. En 1945 publicó un artículo en el que proponía el uso de satélites geoestacionarios para las telecomunicaciones, una idea que décadas después se convertiría en una pieza esencial de las comunicaciones modernas. Aunque nunca patentó el concepto, la órbita geoestacionaria utilizada por estos dispositivos recibe hoy el nombre de órbita de Clarke en reconocimiento a su aportación.

Su obra alcanzó una dimensión global gracias a 2001: Una odisea del espacio. La novela fue desarrollada de forma paralela a la película dirigida por Stanley Kubrick, estrenada en 1968, considerada una de las obras maestras de la historia del cine. A ella se suman títulos como El fin de la infancia, Cita con Rama o Las fuentes del paraíso, que consolidaron a Clarke como una de las voces imprescindibles de la ciencia ficción junto a Isaac Asimov y Robert A. Heinlein. Instalado durante gran parte de su vida en Sri Lanka, donde cultivó otra de sus pasiones, el submarinismo, Clarke continuó escribiendo y reflexionando sobre el futuro hasta su muerte, el 19 de marzo de 2008, a los 90 años.

Según la revista Empire, Brolin llegó a llamar a su agente para abandonar el proyecto tras una primera jornada de ensayo y rodaje en Italia. El actor, que venía de encadenar títulos como Weapons, Puñales por la espalda: De entre los muertos y The Running Man, dijo que el proceso le descolocó hasta el punto de pedir salir de la película.

El intérprete, nominado al Óscar por Mi nombre es Harvey Milk, explicó al medio que Ridley Scott “contaba muchas historias y no ensayaba realmente”, algo que le “inquietó” y le hizo sentirse “muy asustado”. En ese momento, recordó, regresó y telefoneó a su agente para decirle: “Quiero irme. Algo va muy mal y tengo que salir de aquí de una puta vez”.

Su agente, al que definió como un amigo cercano, le pidió que descansara un día. Brolin respondió que no se trataba de una impresión pasajera y sostuvo que tenía claro lo que estaba ocurriendo en el set.

Un sistema de trabajo acelerado

El origen del choque estuvo en la forma de trabajar de Ridley Scott, con quien Brolin ya había coincidido en American Gangster en 2007. El actor no estaba habituado al estilo más reciente del director, basado en pocos ensayos, una energía inmediata en escena y configuraciones de varias cámaras para acelerar la producción.

La publicación recoge que Scott le llevó a su caravana y le enseñó la escena que acababan de rodar. Brolin recordó así ese momento: “Era una escena muy buena, muy dinámica, entre Jacob y yo, y él dijo: ‘¿Vale?’. Yo dije: ‘Vale’, y entonces empecé a alimentarme de eso”.

Ese visionado de los ‘dailies’ le permitió entender la lógica del rodaje. A partir de ahí, el actor empezó a asumir un método que primero le había provocado rechazo.

Más adelante, Brolin explicó que necesitó “un día o dos” para aceptar del todo el proceso. Después, aseguró, se implicó “muchísimo” porque le parecía “estratosféricamente creativo” y también “estratosféricamente peligroso”.

De qué va ‘La constelación del perro’

En La constelación del perro, Jacob Elordi encabeza el reparto como un piloto marcado por el duelo que recorre una naturaleza estadounidense devastada tras una pandemia, acompañado por su perro. La historia se articula en torno a la supervivencia y a la posibilidad de que no estén solos, después de una misteriosa transmisión por radio.

La película adapta la novela de Peter Heller y está escrita por Mark L. Smith, guionista de El renacido. Junto a Elordi y Brolin, el reparto incluye a Margaret Qualley, Guy Pearce y Benedict Wong.

Brolin interpreta a un ‘exmarine’, descrito como el vecino armado Bruce Bangley. Scott produce la cinta junto al presidente de Scott Free Michael Pruss, además de Smith y Cliff Roberts.

El actor terminó valorando el proyecto en términos opuestos a los de aquella primera reacción. En sus palabras, acabó convirtiéndose en “uno de los proyectos más creativos y satisfactorios” en los que ha participado. El actor también estará presente en Dune: Parte Tres que se estrenará el 18 de diciembre.

Madrid despliega este julio una cartografía artística diversa que transforma museos y salas en escenarios de diálogo entre tradición y experimentación. Las exposiciones más destacadas invitan a recorrer universos que van desde la introspección poética de Carmen Laffón en el Museo Thyssen-Bornemisza, hasta la revisión vibrante de la mitología y la cultura visual de los años ochenta en la muestra dedicada a Ouka Leele y su entorno en la Sala Alcalá 31.

La programación de la ciudad no solo revisita grandes nombres de la creación española, sino que también propone instalaciones contemporáneas donde lo doméstico, lo institucional y lo performativo se entrecruzan. Proyectos como los de Tanit Plana en el Museo Cerralbo y Gema Polanco en el Museo Nacional de Artes Decorativas, junto a la mirada internacional de Bego Antón en PHotoEspaña, configuran un mapa expositivo en el que la memoria, el cuerpo y la imagen dialogan desde perspectivas renovadas.

Camen Laffón

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica, del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026, una amplia exposición a la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021). Segunda mujer en ingresar como académica de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la artista es homenajeada con una muestra que recorre más de seis décadas de producción.

La exposición agrupa 77 obras —óleos, carboncillos y esculturas— organizadas en nueve secciones temáticas que exploran los motivos recurrentes en la trayectoria de Laffón: desde la muñeca Marcelina y la cuna, hasta elementos como cestos, armarios, el Coto de Doñana, viñas, cal y salinas. Estos temas aparecen tanto en las piezas tempranas como en las más recientes, generando un diálogo que evidencia la evolución de su lenguaje artístico. El recorrido permite observar cómo Laffón parte de la representación realista de objetos y paisajes, para ir profundizando en una investigación formal donde la pintura, el uso de veladuras y manchas difuminadas, se impone sobre la mera representación, rozando en ocasiones la abstracción. Esta transición aporta un carácter poético y emocional a su obra, que sigue resultando difícil de clasificar.

La muestra, primera retrospectiva de gran envergadura tras su fallecimiento en 2021, pone el foco en los géneros de la naturaleza muerta y el paisaje. Los interiores reúnen objetos cotidianos —cestos, máquinas de coser, armarios—, mientras los exteriores reflejan tanto su vida en Sevilla como en Sanlúcar de Barrameda, con paisajes urbanos y naturales. A lo largo de su carrera, Laffón ensaya variaciones sobre estos motivos mediante diferentes técnicas y, a partir de mediados de la década de 1990, suma la escultura en grandes formatos a su producción, incorporando temas como el Coto, la viña, la cal y las salinas, que enriquecen su universo visual y amplían los límites de su obra.

Toda mi casa es un altar

La artista Gema Polanco presenta en el Museo Nacional de Artes Decorativas, del 13 de junio al 25 de octubre de 2026, la instalación Toda mi casa es un altar, enmarcada dentro del festival PHotoESPAÑA 2026. La propuesta transforma la segunda planta del museo en un entorno íntimo donde lo doméstico y lo sagrado convergen gracias a una intervención textil que desborda el medio fotográfico tradicional.

El recorrido comienza con un tapiz suspendido en la escalera, que funciona como portal hacia el universo personal de la autora. A partir de ahí, banderas, collages, trajes y amuletos construyen un paisaje simbólico en el que los objetos cotidianos adoptan nuevas significaciones y posibilidades, invitando al espectador a habitar ese umbral entre lo visible y lo invisible. La práctica de Polanco se basa en procesos artesanales y un enfoque autodidacta e intuitivo, donde la experimentación con los textiles y los oficios manuales es central. La convivencia entre las piezas de la artista y el patrimonio del museo genera una transformación recíproca: la autora se integra en el espacio y lo estable adquiere una dimensión mutable, donde la casa se convierte en refugio, promesa y rito.

Disfuncionarias

La exposición Disfuncionarias, de Tanit Plana, se presenta en el Museo Cerralbo como parte de PHotoESPAÑA 2026, proponiendo una reflexión crítica sobre el cuerpo funcionarial y las lógicas administrativas del archivo. La artista, nacida en Barcelona en 1975, es reconocida por renovar la fotografía contemporánea en España, llevando la imagen hacia el terreno instalativo y cuestionando los sistemas de representación tradicionales mediante la conexión entre imagen, política y cuerpo. En Disfuncionarias, Plana transforma el espacio del museo con telas de gran formato que atraviesan la sala, explorando la tensión constante entre las reglas institucionales y la vitalidad de las colecciones. La instalación convierte imágenes, objetos y documentos en elementos flexibles y ondulantes, que se desbordan del marco rígido habitual y evocan una materialidad casi orgánica, en la que las formas dejan de ser estables y adquieren un carácter ambiguo.

El proyecto también incorpora una reflexión sobre la inteligencia artificial, que funciona como continuación contemporánea del archivo: no solo amplía lo que puede ser visto y registrado, sino que impone una organización basada en datos y patrones, haciendo el mundo más legible y calculable. Sin embargo, la obra de Plana subraya cómo la materia y el cuidado desafían continuamente ese orden, mostrando presencias cubiertas y volúmenes envueltos que aluden a aquello que permanece latente y nunca se integra del todo en el sistema simbólico. Abierta del 12 de junio al 25 de octubre de 2026, la muestra sitúa al visitante en el umbral entre el archivo y el misterio, cuestionando el equilibrio entre la racionalidad organizativa y la materia viva que sostiene la existencia del museo.

Everybody Loves to Cha Cha Cha

La exposición Everybody Loves to Cha Cha Cha de la fotógrafa Bego Antón se integra en PHotoEspaña 2026 y celebra el vínculo entre mujeres y perros a través del Musical Canine Freestyle. Esta disciplina coreografiada pone en escena a duplas humanas y caninas que bailan juntas al ritmo de la música, luciendo trajes a juego y realizando movimientos coordinados, como saltos y giros, hasta alcanzar lo que sus protagonistas denominan “the pink bubble”, una experiencia donde la conexión es tan intensa que parecen fusionarse en un solo ser.

Antón, originaria de Bilbao, retrató a varias de estas mujeres en diferentes estados de Estados Unidos, desde Nueva York hasta Arizona, recogiendo sus historias personales y la relación única que establecen con sus perros a través del baile. La muestra es parte de las actividades organizadas por Casa de América con motivo del 250 aniversario de la fundación de Estados Unidos, efeméride que invita a reflexionar sobre la evolución histórica y cultural del país y su influencia en América. Abierta del 10 de junio al 30 de septiembre de 2026, la exposición se convierte en un espacio de encuentro y diálogo artístico, subrayando la diversidad de realidades que conforman el continente americano.

Ouka Leele

La exposición “Mitologías modernas: Ouka Leele & Co”, en la Sala Alcalá 31, revisa el papel de la mitología en el arte madrileño de los años ochenta tomando como eje la obra de Ouka Leele y la intervención “Rapelle toi, Bárbara!” realizada en la fuente de Cibeles en 1987. Esta acción, que teatralizó el mito de Hipómenes y Atalanta, marcó un hito visual y conceptual para la ciudad, sirviendo de punto de partida para analizar cómo la mitología clásica fue reapropiada por los artistas de la Movida y la Nueva Figuración para imaginar nuevas realidades durante la Transición.

La muestra reúne más de cien piezas de creadores como El Hortelano, Ceesepe, Carlos Franco y Sigfrido Martín Begué, junto a otros nombres destacados. Sus obras exploran desde la cultura “underground” del cómic y el fanzine hasta visiones románticas y reflexiones sobre la tradición pictórica, siempre recuperando la mitología como repertorio simbólico. El recorrido enfatiza el diálogo entre fotografía, pintura y lenguajes contemporáneos, mostrando cómo la mitología sirvió para interpretar el presente y proyectar el futuro, articulando así una nueva identidad artística y visual para Madrid.

La ficción llegó a la plataforma en abril y cada episodio suele girar en torno a los 40 minutos, un formato que la hace especialmente accesible en un momento en que otras series estiran sus finales hasta la extenuación.

La serie ha ido creciendo por el boca a boca, convirtiéndose en el mayor éxito reciente impulsado por la recomendación entre espectadores y alcanzando el estado de culto casi inmediato. De hecho, ya se ha confirmado que habrá una segunda temporada.

Una isla que alberga una maldición

Ambientada en una isla ficticia de Nueva Inglaterra, la serie sitúa la acción en un pequeño municipio marcado por una maldición sobrenatural de siglos. Hay niebla letal, una posada encantada, rituales extraños, cadáveres reanimados, asesinos enmascarados y criaturas marinas, todo ello dentro de un entorno costero aparentemente apacible.

Una de sus grandes virtudes es el dominio de una mezcla que no siempre suele funcionar: sustos que no se convierten en parodia y bromas que no actúan solo como alivio de tensión, consiguiendo un equilibrio perfecto entre horror, inquietud y atmósfera asfixiante con muchas dosis de humor negro y espíritu juguetón.

La serie, creada por Katie Dippold, guionista de Parks and Recreation, incorpora esta estructura desde su arranque. El alcalde Tom Loftis, interpretado por Matthew Rhys, necesita atraer visitantes y aspira a convertir la isla en un enclave turístico, aunque parte de los vecinos prefieren advertir a cualquiera que llegue sobre los sucesos sobrenaturales que allí tienen lugar y a los que ellos ya se han acostumbrado.

Ese conflicto entre promoción turística y amenaza real es uno de los puntos de arranque de la serie. Así, el detonante narrativo será que el alcalde convence a un reportero de The New York Times para visitar la isla, lo que termina en un artículo elogioso y en una avalancha de turistas. Sin embargo, esa llegada coincidirá con una cadena de apariciones y ataques vinculados a una entidad demoníaca que domina la isla.

Entre los personajes figuran Wyck, encarnado por Stephen Root; la sheriff Bechir, a cargo de Kevin Carroll; el hijo adolescente del alcalde, Evan, interpretado por Kingston Rumi Southwick; una secretaria anciana a la que da vida K. Callan y Richard Warren, el misterioso fundador al que da vida Hamish Linklater. También hay un chamán interpretado por Chris Fleming.

Sin embargo, una de las revelaciones de la serie corresponde a Kate O’Flynn, la asistente del alcalde y una de las presencias más excéntricas que ayudan a definir el tono local, convirtiéndose en el centro de uno de los episodios más celebrados, en el que su personaje organiza una fiesta para los habitantes de la isla mientras arrastra problemas de autoestima.

Entre Stephen King, David Lynch y mucho más

El tono al que nos referíamos es difícil de describir, porque hay cosas que remiten a Stephen King, otras a las atmósferas enrarecidas y los personajes estrambóticos de David Lynch, pero lo cierto es que la serie termina por tener una identidad propia que la aleja de cualquier clase de referente, convirtiéndola en algo único.

Así, partiendo de materiales conocidos, los responsables que se encargan de reformularlos y dotarlos de un nuevo sentido dentro de su propio universo. Por eso, se utilizan los miedos atávicos de toda la vida o la mitología de las casas encantadas, la chica de la curva, el hombre del saco u otras muchas leyendas más, porque dentro de la serie adquieren un sentido independiente.

Y es que se crea además toda una cosmogonía alrededor de la isla, cuyos habitantes autóctonos no pueden abandonar, retrotrayéndonos al pasado para contar los orígenes de esas teorías folk vinculadas a un pacto demoniaco.

Dippold mantiene un argumento horizontal, la maldición que pesa sobre la isla, sin renunciar a tramas episódicas con autonomía propia. Esa combinación permite que casi cada capítulo funcione como un pequeño cuento de terror, aunque todos queden integrados en la historia principal mediante transiciones, semillas narrativas y cambios de punto de vista.

El director Hiro Murai, conocido por su trabajo en Atlanta y Barry se encarga de buena parte de los capítulos de la serie, de forma que su sensibilidad visual ayuda a que los capítulos se mantengan en una zona de ambigüedad muy atractiva y absorbente, aunque también dirige uno de los episodios, el correspondiente a los orígenes de la isla, Ti West.

La maldición de Widow’s Bay es una de esas series que se reinventan a sí mismas en cada episodio ofreciendo sorpresa tras sorpresa consiguiendo que el misterio central vaya adquiriendo cada vez una mayor importancia hasta alcanzar un magnífico clímax final.

El fallecimiento de Manuel Arjona ha sorprendido y entristecido a partes iguales a los fans de Locomía. El grupo español de pop y electrodance se convirtió en un auténtico fenómeno sociológico y cultural de finales de los 80, convirtiéndose en una de las bandas de referencia tanto en España como en Latinoamérica. Sin embargo, su abrupto final en 1992 llevó a que las vidas de sus miembros acabaran siendo muy distintas de lo que imaginaban, algo que todos ellos comentan en una miniserie documental que triunfó en Movistar Plus en 2022.

La miniserie Locomía expone cómo un grupo de amigos, que desafió las normas en la España de 1990, terminó viendo su sueño desmoronarse. Para ello, reúne los testimonios de los protagonistas que vivieron el auge, la caída y las consecuencias de un fenómeno musical que marcó época con sus abanicos y hombreras, repasando el camino que llevó a Locomía desde la Ibiza underground de 1984, cuando Xavier Font, Luis Font y Manuel Arjona (los miembros originales) abandonaron Barcelona, hasta el estrellato latinoamericano y su posterior declive.

“Se nos fue de las manos la decisión que tomamos”, reconoce en esta producción el propio Manuel Arjona, en uno de los momentos clave de la serie. La frase resume el sentimiento de quienes, tras alcanzar el éxito internacional, vieron cómo la convivencia y el egoísmo acabaron por desintegrar la banda. Eso sí, mientras duró, la experiencia fue inolvidable: “Era como si me hubiera metido en un sueño, y estuviera viviendo un mundo de fantasía”. En apenas una década, vendieron 2,5 millones de discos en todo el mundo.

Un éxito inmenso

La serie revela que, más allá de la apariencia festiva, el éxito de Locomía estuvo marcado por sacrificios personales y secretos impuestos por la industria musical. Uno de los puntos más tensos del relato aparece cuando José Luis Gil, productor y representante, impuso a los integrantes la prohibición contractual de revelar su orientación sexual. “No quería hacer un grupo gay. Si hubiera querido hacer un grupo gay… es que no me lo habría planteado, es que no es comercial. ¿Por qué me tengo que conformar con el 15% del mercado, cuando tengo enfrente el 100% del mercado?”, justifica este en otro momento de la serie.

A pesar de que el éxito fue fulgurante, no fue nada fácil para los integrantes del grupo. Preguntado en una entrevista con Infobae que tuvo que sacrificar por ser miembro de Locomía, Arjona afirmaba: “Mi vida privada. Mi vida personal. Cuando te digo eso me refiero a mi familia, a mis amigos de toda la vida. A mi casa. A mi entorno familiar sobre todo. Es lo que durante los años que estuve trabajando con el grupo por todo el extranjero, tanto Latinoamérica, Estados Unidos, Brasil, Japón, que fueron tres o cuatro años de no parar”.

El principio del fin de la banda

Durante los años de gloria, Locomía no solo conquistó escenarios, sino que también despertó recelos y envidias. El éxito internacional llevó a la banda a América y a giras donde apenas podían salir del hotel. Sin embargo, las luchas de poder entre Font y Gil, sumadas a los celos por las relaciones personales, precipitaron el final del grupo cuando estaban a punto de entrar al mercado estadounidense. En cierto momento, el agente le ofreció al líder del grupo seguir sin subirse al escenario, ya que su perfil musical y comercial no encajaba con el resto de compañeros.

Por ello, le ofreció encargarse de las tiendas oficiales de merchandising y la línea de ropa, manteniendo un porcentaje de las ganancias del grupo. La decisión de Font de aceptar la oferta de Gil fue, reconoce, un error irreversible: “Yo no tenía que haber dejado el grupo, porque ese fue el fin de Locomía”. Al ver desde fuera cómo “sus chicos” (a los que consideraba de su propiedad) se convertían en estrellas mundiales bajo las órdenes de Gil, Font empezó a acumular un profundo resentimiento.

Dirigida por Jorge Laplace, la miniserie Locomía también explora qué significaba ser moderno por aquel entonces. Cada capítulo ofrece su particular mirada una época de libertad y contradicciones, donde grupos como este marcaron la cultura popular y enfrentaron los límites impuestos por la sociedad y la industria. Así, a serie no solo reconstruye la historia de un fenómeno pop, sino que ofrece una reflexión sobre el precio de la autenticidad y la libertad en un país que aspiraba a la modernidad, pero que, como dice Laplace, “acabó cambiándonos a todos”.

Llega el verano y, con el calor y (con suerte) las vacaciones, también el tiempo de retomar el hábito de la lectura, con todas esas novelas y ensayos pendientes que habíamos dejado, precisamente, para estas fechas. Conscientes de ello, las editoriales lanzan algunas de sus propuestas más interesantes en estas fechas, como Libros del Asteroide, que ya en primavera llevó a las librerías un best seller internacional que, pese a su inusual temática y a su breve extensión de apenas 250 páginas, se ha convertido en uno de los libros del año, con más de 250.000 ejemplares.

Estamos hablando de La liebre y yo, una historia escrita por Chloe Dalton, una mujer que durante muchos años trabajó como asesora política, pero cuya vida cambió por completo en 2021, cuando pasó el confinamiento en la campiña inglesa y se encontró con una liebre recién nacida en mitad de un camino. Temiendo por el destino de este animal, decidió recogerlo y tenerlo junto a ella hasta que creciera. No imaginaba, por aquel entonces, el viaje vital que acababa de iniciar y del que deja constancia en esta emocionante historia.

“Era excesivo. Era ridículo. Era hermoso”. Con estas palabras describe la autora el proceso de cuidar a otro ser vivo que enfrentó en el mismo momento en el que recogió a la liebre. El mero hecho de atender a la liebre la transforma completamente: la hace consciente de sí misma y de la naturaleza, y de que las vivencias más intensas y reveladoras pueden aparecer en los actos más pequeños e inesperados.

“Es una lectura verdaderamente conmovedora y maravillosa”

La editorial Libros del Asteroide advierte que este éxito de ventas internacional “ofrece una delicada lección de vida”. La liebre y yo invita a tomarnos la vida con calma, a encontrar la belleza en lo inesperado y en lo bondadoso, y a recuperar el mundo de la sensibilidad que, en mitad del frenesí del día a día, hemos acabado perdiendo.

Eso sí, además, del éxito de ventas, el libro también goza de una inmensa mayoría de críticas y reseñas positivas tanto en España como fuera del país. En la plataforma de lectores Goodreads, por ejemplo, goza de una puntuación de casi 4,3 estrellas sobre un total de 5, una cantidad poco habitual en los libros que acumulan miles de reseñas y opiniones. Así, en una de las reseñas más aplaudidas, se hace hincapié en que se trata de una crónica “atractiva y hermosa” que celebra la conexión huana con el mundo natural. “Es una lectura verdaderamente conmovedora y maravillosa”.

La novela de Chloe Dalton ganó el premio Wainwright de literatura de naturaleza, uno de los más relevantes galardones británicos dentro del ámbito conservacionista y también quedó finalista del Women’s Prize, uno de los más importantes del mundo, en la categoría de no ficción. El jurado de esta última distinción destacó que las memorias de Dalton son “un intento sostenido y paciente de cruzar el abismo de la especie y ver el mundo a través de los ojos de la liebre”. En otras palabras, una invitación a una empatía que nos conecte no solo con otras personas, sino con la vida en sí misma, y que nos haga más conscientes del mundo en el que vivimos.

Con más de seis décadas de carrera, dos premios Óscar y algunos de los personajes más icónicos de la historia del cine, Robert De Niro (Nueva York, 1943) ha participado en títulos tan relevantes como Taxi Driver (1976), El padrino: Parte II (1977), Toro salvaje (1980) o Goodfellas (1990).

Sin embargo, entre su filmografía, que rebosa el centenar, hay algunas no tan conocidas también valen mucho la pena. Desde Muerte de un jugador (1973) a La vida de Flynn (2012), el actor de 82 años también tiene su favorita, y esa es Todos están bien (Everybody’s Fine, en inglés, 2009).

Durante una entrevista con el medio City AM celebrada el pasado noviembre, el periodista Jon Robinson le preguntó al intérprete por aquella obra que definía como una “joya escondida”. “Una de las que disfruté haciendo fue con un director británico llamado Kirk Jones, Everybody’s Fine”, explicó el intérprete. “No sé quién vio la película, pero yo me lo pasé muy bien con Kirk haciéndola. Más que pasarlo bien, fue una película especial para mí”, confesó.

Un remake italiano de corte navideño

Estrenada en 2009, Todos están bien es un remake de Stanno tutti bene —título que De Niro recordó como Tutto stato bene durante la entrevista—, la película dirigida por Giuseppe Tornatore. En esta nueva versión, el actor interpreta a Frank Goode, un viudo recién jubilado que, tras comprobar que ninguno de sus cuatro hijos puede visitarle, decide emprender un viaje por Estados Unidos para reencontrarse con cada uno de ellos. Junto a De Niro, el reparto reúne a nombres tan reconocidos como Drew Barrymore, Kate Beckinsale, Sam Rockwell y Melissa Leo.

La realidad es que la crítica destrozó la película. En Rotten Tomatoes, la cinta tiene apenas un 47% de aprobación por parte de 141 profesionales. El consenso de la plataforma tacha el largometraje de “una tragicomedia navideña estereotípica” si bien “la interpretación serena y carismática de Robert De Niro casi salva la película”. De la misma manera, el público tiene una opinión muy similar. Con un 53% de votos a favor, la puntuación dista mucho de la media que obtienen las películas de De Niro: “Un bodrio incómodo y estrepitoso. Si te gustan las películas deprimentes, esta debería estar en tu lista. Lo único bueno fue que el nieto estuvo genial”, dijo el usuario @Bluehill.

Ese escaso entusiasmo también se reflejó en la taquilla. La película recaudó alrededor de 16 millones de dólares en Estados Unidos y algo más de 36 millones en todo el mundo, una cifra discreta para una producción con un presupuesto estimado de 21 millones. Lejos de convertirse en uno de los éxitos de la temporada navideña de 2009, el filme pasó prácticamente de puntillas por los cines y acabó eclipsado por otros títulos de la época.

A sus 82 años, De Niro continúa muy lejos de pensar en retirarse. Este 2026 estrenará el thriller psicológico Susurran tu nombre, adaptación de la novela de Alex North para Netflix, en la que interpreta a un detective retirado que vuelve a investigar la desaparición de un niño. Además, volverá a meterse en la piel del gruñón Jack Byrnes en Ahora los suegros son ellos, la cuarta entrega de la popular saga de los Focker, cuyo estreno está previsto para finales de año.

En 1997, el imponente despliegue de Titanic no solo reventó las taquillas de todo el mundo, sino que también conquistó a la Academia de Hollywood, logrando una cifra histórica de 14 nominaciones a los Oscar. Durante décadas, romper semejante marca parecía una misión idílica e inalcanzable para cualquier cineasta. Sin embargo, el destino cinematográfico guardaba una sorpresa, primero con La La Land, musical que en 2016 logró igualar la cifra, y más recientemente con otra producción que ha pulverizado este récord absoluto.

Hablamos de Los pecadores, la última obra del aclamado director Ryan Coogler, que antes ya había triunfado con Creed y Black Panther. Esta producción cuenta con el protagonismo absoluto de Michael B. Jordan, quien asume el complejo reto de interpretar a los hermanos gemelos Smoke y Stack, quienes, en el Misisipi de 1930, regresan a su hogar tras su paso por la mafia para montar un negocio que, sin embargo, deberá enfrentar un temible mal ancestral.

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Aunque la película partía como la gran favorita gracias a sus históricas 16 nominaciones, finalmente logró alzarse solo con cuatro estatuillas doradas, incluyendo una para su intérprete principal y otra para el guion del propio Coogler. A pesar de cosechar menos premios de los previstos por los analistas, su arrollador éxito comercial es incontestable, acumulando la impactante cifra de 369 millones de dólares en todo el mundo, a la que habría que sumar su más que positivo paso por HBO Max, plataforma que la cinta abandonará definitivamente el próximo 3 de julio.

Las claves de un fenómeno cinematográfico sin precedentes

El principal pilar del arrollador éxito de Los pecadores radica en su magnética e imprevisible atmósfera visual. La propuesta de Coogler huye con destreza de los convencionalismos de los dramas históricos tradicionales al fusionar con maestría el terror sobrenatural y la música folclórica (otro de los Oscar fue para la banda sonora de Ludwig Göransson). Esta original combinación engancha al espectador de principio a fin, manteniendo una tensión narrativa constante y sumergiéndolo en un viaje asfixiante hacia el rincón más oscuro y monstruoso de la noche en la que sucede buena parte de la película.

Otro factor fundamental que ha cautivado al público y a la crítica son los actores secundarios, con participaciones tan destacadas como la de Hailee Steinfeld (Valor de ley), el debutante Miles Caton o Wunmi Mosaku (The End of th F***ing World). A esto se suma la impecable dirección de fotografía a cargo de Autumn Durald Arkapaw, cuyo excelso trabajo visual dota al film de una estética tan lúgubre como envolvente. Con estos elementos, el corazón de la historia también late con fuerza gracias al profundo trasfondo social y cultural en el que se nos sitúa. Y es que Los pecadores utiliza de manera muy inteligente el género fantástico y el terror para abordar temas como el racismo, la marginación o la apropiación cultural.

Con todos estos elementos, no es de extrañar que la película de Coogler haya sido una de las más vistas del último año en HBO Max. Ante la inminente salida de su catálogo, quedan ahora unos últimos días para poder volver a disfrutarla o, para quienes todavía no la hayan visto, descubrir con sus propios ojos uno de los títulos más destacados de 2025 que ya forma parte de la historia dorada de Hollywood.

El Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) ha destapado un cataclismo historiográfico en la arqueología española. Un nuevo estudio concluye que el célebre tesoro visigodo de Recópolis es falso y fue enterrado deliberadamente en 1945 por el arqueólogo Juan Cabré para validar la identificación del yacimiento como la capital palatina fundada por el rey Leovigildo. El hallazgo, que durante más de ochenta años se consideró la prueba principal para acreditar la existencia de Recópolis, consistía en noventa monedas de oro supuestamente acuñadas durante el reinado de Leovigildo. Según el análisis del arqueólogo e historiador Fernando Arce Sainz, adscrito al CSIC y a la Biblioteca Tomás Navarro Tomás, Cabré colocó las monedas dentro de la iglesia medieval del cerro de la Oliva —en Zorita de los Canes, Guadalajara— para reforzar la hipótesis de que allí se encontraba la ciudad visigoda.

La investigación, publicada en el Boletín de Arqueología Medieval, parte de una revisión detallada de los diarios de excavación, correspondencia y evidencias materiales. Arce sostiene que el lugar exacto donde Cabré aseguró haber hallado el tesoro corresponde, en realidad, a un templo del siglo XII, no del VI, como debía ser si el relato original fuera cierto. Esta discordancia cronológica es la base para plantear la falsedad de todo el hallazgo.

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En 1944, el cronista oficial de Guadalajara Francisco Layna Serrano contrató a Cabré para excavar el cerro de la Oliva, con el objetivo de demostrar que bajo la ermita de Nuestra Señora de la Oliva se encontraba la iglesia arriana vinculada a Recópolis. En ese contexto, Layna comunicó a Julio Martínez Santaolalla —máxima autoridad en excavaciones estatales y simpatizante de la visión filonazi sobre el origen germánico de España— los avances de la campaña, resaltando que los resultados confirmaban su tesis. El estudio documenta cómo Cabré solicitó la declaración urgente del lugar como Monumento Histórico Artístico, petición que fue concedida con una rapidez inusual para la época. La prisa en la tramitación y la presión política contribuyeron a que la autenticidad del hallazgo no fuera cuestionada en su momento.

El “descubrimiento” de las monedas y la construcción del fraude

La segunda campaña arqueológica se inició en septiembre de 1945. Según el relato de Cabré, el segundo día de excavaciones apareció “de forma providencial” un tesoro de noventa monedas de oro en el baptisterio de la supuesta iglesia visigoda. Cabré detalló que se encontraba solo en el momento del hallazgo. Basándose en las monedas más modernas, fechadas en la época de Leovigildo, concluyó que la ocultación del tesoro había ocurrido durante su reinado. Sin embargo, la investigación de Arce revela que el baptisterio donde se hallaron las monedas es en realidad una estructura medieval, edificada sobre un espacio de origen visigodo. La presencia de las monedas en esa ubicación resulta inverosímil, pues sería imposible que un conjunto de monedas visigodas acabara oculto en un baptisterio construido seis siglos después.

El análisis numismático del tesoro añade más dudas a la versión oficial. Según Arce, el lote hallado por Cabré es “extraño” por la coexistencia de monedas bizantinas, merovingias, suevas y visigodas. Resulta especialmente llamativa la aparición de una moneda sueva en el centro peninsular, cuando la circulación de este numerario era muy limitada y restringida al oeste de la península ibérica. Además, el tesoro no incluye ninguna moneda con la característica cruz sobre gradas (CSG), un elemento presente en todas las acuñaciones hispánicas posteriores a Leovigildo. Cabré, que no era especialista en numismática, creyó erróneamente que estas monedas se emitieron después de la destrucción de Recópolis, omitiendo su presencia en el lote. Nuevos hallazgos numismáticos demuestran que sí existen monedas de la ceca de Recópolis acuñadas por reyes posteriores a Leovigildo y Recaredo, lo que invalida el argumento de que la ciudad desapareció tras el reinado de estos monarcas.

La investigación plantea preguntas sobre el origen de las monedas y los medios utilizados para reunir un conjunto tan numeroso en tan poco tiempo. Arce sugiere que Cabré recurrió al mercado de antigüedades para adquirir las piezas y fabricar el hallazgo. Según el estudio, la contundencia de la prueba es tal que puede afirmarse “con mucha seguridad” que se ha cometido un fraude. La repercusión de este descubrimiento es considerable. El tesoro de Recópolis ha ocupado un lugar central en la investigación histórica, arqueológica, artística y numismática de la España visigoda. Si se confirma que el conjunto fue fabricado en el siglo XX, muchas de las conclusiones obtenidas a partir de su estudio quedarían en suspenso. El tesoro, que se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional (MAN), deja de ser una fuente válida para interpretar la historia de Recópolis. El estudio del CSIC obliga a revisar no solo la cronología del yacimiento, sino también los fundamentos de la arqueología española de posguerra.

El director Curry Barker reveló que el final original de su película de terror Obsession era considerablemente más oscuro y trágico que el que finalmente llegó a los cines. La decisión de modificarlo, según contó el propio realizador de 26 años en diálogo con Entertainment Weekly, fue impulsada por el consejo directo de su padre y de otras personas cercanas a la producción. Barker, quien se encuentra en la etapa inicial de su carrera, explicó que su intención inicial era cerrar la historia con un desenlace inspirado en la tragedia de Romeo y Julieta”. Para ello, filmó dos versiones diferentes de la secuencia final. “Estaba realmente obsesionado con un final al estilo Romeo y Julieta”, relató el cineasta. Sin embargo, tras compartir ambas opciones con su círculo íntimo, recibió una recomendación contundente: “Creo que es mucho más perturbador si ella sobrevive”. Esta opinión, en especial la de su padre, lo llevó a replantear el cierre de la obra.

En la versión que finalmente se estrenó, el personaje principal, Bear (interpretado por Michael Johnston), muere por suicidio. Este acto rompe el hechizo mágico que lo unía a su enamorada Nikki (Inde Navarrette), quien había permanecido bajo el control de una fuerza oscura e irresistible. La película muestra cómo Nikki, al recuperar la consciencia, se encuentra ensangrentada y rodeada por las consecuencias de todo lo que ocurrió durante su estado de posesión.

La historia de Obsession parte de un deseo aparentemente inocente: Bear, un joven socialmente torpe, compra una vara llamada “One Wish Willow” (Deseo del sauce) en una tienda de bromas y pide que Nikki lo ame “más que a nadie en el mundo”. El objeto resulta poseer un auténtico poder mágico, transformando el deseo en una pesadilla. Bajo el hechizo, Nikki pierde toda autonomía, convirtiéndose en una versión desesperada y violenta de sí misma. El guion muestra cómo, en ese estado, es capaz de autolesionarse y hasta de matar, como ocurre con Ian (Cooper Tomlinson), a quien dispara en la cabeza mientras sigue bajo la influencia del deseo de Bear.

La inspiración en ‘Los Simpson’

El final alternativo, nunca mostrado al público, era todavía más crudo: Nikki también terminaba con su vida, en una clara referencia a la conclusión de “Romeo y Julieta”. Barker contó que filmaron ambas versiones, pero sólo permitieron una toma para la secuencia en que Nikki sobrevive. La decisión respondió tanto a la dificultad técnica del plano —grabado sin cortes y con movimientos de cámara complejos— como a la convicción de que el peso emocional recaería en la actuación de Navarrette. “Su interpretación fue tan potente que tuve que repensar todo el final”, reconoció el director.

Cuando Nikki despierta del hechizo, se enfrenta a la realidad: Bear está muerto en sus brazos y otro amigo cercano también ha fallecido. Además, la protagonista conserva todos los recuerdos de lo que vivió mientras estaba bajo el dominio de la “One Wish Willow”. Según Barker, ese elemento transforma el desenlace en algo profundamente perturbador: “Creo que ella quedó traumatizada por lo que vio y por no haber tenido control sobre su cuerpo”. El director destacó que, aunque la premisa de Obsession remite a relatos clásicos sobre deseos peligrosos —como La pata de mono de W. W. Jacobs y el segmento de La casa del árbol del terror 2 de Los Simpson—, su aproximación pone el foco en el consentimiento y en la imposibilidad de forzar los sentimientos de otra persona. “Me interesa explorar qué significa realmente desear que alguien te ame sin su consentimiento y las consecuencias de ese acto”, señaló Barker.

A pesar de que el final original no fue incluido en la versión estrenada, Barker no descarta compartirlo en el futuro. “Sería interesante hacer un director’s cut donde mostremos el desenlace alternativo”, afirmó el cineasta, quien incluso sugirió que podría extender la duración de la película en unos 20 minutos para incluir escenas inéditas. La revelación sobre el cambio de final en Obsession abre la puerta a una discusión sobre el impacto de las decisiones creativas y la influencia del entorno familiar en el proceso de realización cinematográfica. Por ahora, la versión estrenada deja a los espectadores con el retrato de una superviviente marcada por el trauma y el peso de lo irreparable.

Se aproxima un mes de lo más removido y efervescente en cuanto a grandes eventos cinematográficos, en especial en lo que se refiere al estreno de La Odisea, de Christopher Nolan y de Spider-Man: Brand New Day, la última entrega de la franquicia protagonizada por Tom Holland y Zendaya.

Sin embargo, el recién inaugurado verano todavía espera mucho de algunas de las películas estrenadas en junio y que seguirán alcanzando una máxima rentabilidad en taquilla, como Toy Story 5, que sigue entre las más vistas por el público.

Además de las diez películas que recomendamos durante este mes, también se estrenan un puñado de títulos interesantes, como Normal, del siempre iconoclasta Ben Wheatley, con Bob Odenkirk como guionista y protagonista, La muerte de Robin Hood, una vuelta de tuerca al mito con Hugh Jackman o una auténtica delicatessen de autor como es Las corrientes, de la argentina Milagros Mumenthaler.

‘Minions & Monsters’

La tercera aventura en solitario de las pequeñas criatura amarillas es una auténtica delicia destinada a convertirse en un clásico inmediato más allá de sus predecesoras.

Los Mininos llegarán al Hollywood de los años veinte y se convertirán en estrellas del cine mudo, lo que resulta de lo más coherente si tenemos en cuenta de que los pequeños siempre han tenido una expresividad propia de los grandes iconos del ‘slapstick’. Una película para grandes y pequeños en la que hay aventuras, risas y muchas dosis de ingenio. Se estrena en salas el 1 de julio.

‘9 lunas’

La directora Patricia Ortega aborda un tema inédito hasta el momento en nuestro cine, el de un hombre trans que se queda embarazado. Se llama Ángel y solo le faltaba un último paso para completar su transición, pero ahora tendrá que hacer frente a la forma que entiende su masculinidad y, sobre todo, a la mirada de los otros.

Una película que trata un tema complicado desde la máxima delicadeza y a modo de comedia ‘feel good’ gracias a un guion que explora a la perfección todos los sentimientos del protagonista, interpretado por Zack Gómez-Rolls y el de su familia, conformada por unos espléndidos Jorge Sanz, Kity Mánver y María León. Estreno el 1 de julio.

‘Magallanes’

El director filipino Lav Diaz, con Albert Serra como uno de los productores y Gael García Bernal a la cabeza del reparto, se embarcan en la titánica tarea de contar la historia del explorador Fernando de Magallanes, que inició una expedición para encontrar las Indias Orientales a través del Pacífico.

Una producción histórica sobre el mito del navegante y su travesía a medio camino entre la epopeya física y la espiritual. Llega a los cines el 3 de julio.

‘Vaiana’

Después de convertirse en una de las películas de Disney más queridas de los últimos tiempos, llega este ‘remake’ en imagen real de las aventuras marítimas de una de la que sin duda es la princesa más audaz de todo el universo de la factoría.

Una película que a pesar de ser un clon de la original, mantiene el encanto del universo creado alrededor de la joven navegante y el semidiós Magui, al que daba voz Dwayne Johnson y ahora también, cuerpo. Estreno el 8 de julio.

‘La Odisea’

La gran película del año llega por fin a la cartelera desplegando toda su grandiosidad. Christopher Nolan adapta el poema homérico para componer la que promete ser la película épica definitiva de nuestro tiempo, con un reparto espectacular encabezado por Matt Damon junto a Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya, Robert Pattinson o Charlize Theron. En cines a partir del 17 de julio.

‘Posesión infernal: En llamas’

Dentro de lo que se ha convertido ya en una franquicia a partir de la mítica película de Sam Raimi de 1981, encontramos este ‘spin-off’ que pretende revitalizar la saga a través de un nuevo reparto y un nuevo enfoque por parte de su director, Sébastien Vanicek, responsable de títulos como Vermin: La plaga.

En esta ocasión, una mujer buscará consuelo junto a sus suegros en una apartada casa familiar después de haber perdido a su marido. Pero poco a poco, cada uno de los miembros se irán convirtiendo en espíritus demoníacos y ella descubrirá que forma parte de una maldición sobrenatural. Estreno el 17 de julio.

‘Spider-Man: Brand New Day’

Tom Holland vuelve a ponerse el traje de superhéroe en esta nueva entrega en la que nos encontramos con un Peter Parker adulto y olvidado por todos. Él seguirá combatiendo el crimen en las calles de Nueva York, pero ya nadie se acuerda de él.

Además, tendrá que enfrentarse a una nueva amenaza y a la propia evolución física de su cuerpo. Otro de los ‘blockbusters’ más esperados del año que llega el 29 de julio.

‘Mother Mary’

El director de películas de culto como A Ghost Story, regresa con esta obra inundada de espíritu pop protagonizada por Anne Hathaway y en la que también encontramos a Michaela Cole, Hunter Schafer, FKA Twigs o Kaia Gerber.

En ella se aborda la relación entre una cantante, Mary u una antigua amiga suya, diseñadora de moda, que se volverán a reunir para hacer el vestuario para la próxima gira. Un thriller psicológico con canciones de Charlie XCX. En salas el 31 de julio.

‘Mala bestia’

Tras su paso por el Festival de Málaga, se estrena esta pequeña rareza que supone la ópera prima de Bárbara Farré, que había hecho videoclips para artistas como Bad Gyal, Amaia Romero o Rosalía.

Una película en forma de cuento inquietante alrededor de una adolescente que ha crecido en un orfanato y que es adoptada por una familia, despertando en ella impulsos de pertenencia salvajes. Una película con una atmósfera enrarecida única y malsana entre Lucille Hadzihalilovic y Agustí Villaronga. Estreno el 31 de julio.

‘Reflection in a Dead Diamond’

Los directores de películas como Amer o El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo, vuelven a sacudir con su estilo retro y experimental con esta película repleta de referencias cinéfilas en la que se mezcla el ‘giallo’, el surrealismo y el thriller psicológico a través de imágenes realmente increíbles. Se estrena en exclusiva en Movistar Plus+ el 15 de julio.

Timothée Chalamet y Selena Gomez se reencuentran en Not Alone, la nueva producción animada de Illumination, el estudio responsable de sagas como Minions y Canta. Tras compartir pantalla en Día de lluvia en Nueva York de Woody Allen, ambos actores dan voz a los protagonistas de este proyecto, marcando su primera colaboración en el cine animado, ya que ambos habían doblado voces en proyectos independientes (Entergalactic en el caso de Chalamet, la saga Hotel Transylvania en el de Gomez).

Chalamet interpreta a Joe, un mecánico de cohetes introvertido, mientras que Gomez encarna a Fran, una astro-botánica dedicada al desarrollo del primer cohete del mundo propulsado por plantas. Los personajes se ven forzados a trabajar juntos en la preparación del lanzamiento inaugural de este vehículo espacial, un desafío que los une en circunstancias poco convencionales. El reencuentro de Chalamet y Gomez, tras su experiencia en Día de lluvia en Nueva York, otorga un nuevo matiz a la dinámica entre Joe y Fran. Ambos personajes carecen de soltura en el terreno sentimental, lo que añade tensión y humor al relato, según la sinopsis oficial.

La aparición de tres alienígenas —Dunk, Welly y Shirm— transforma la cotidianidad de Joe. Los visitantes, fugitivos y de pequeño tamaño, buscan refugio en su casa mientras escapan de un oficial de la ley llamado Zandro. La interacción con los alienígenas introduce situaciones impredecibles y fortalece la colaboración entre los protagonistas. La urgencia de los extraterrestres -tan de moda otra vez gracias a Spielberg- por regresar a su planeta los lleva a interesarse por el cohete impulsado por plantas, lo que obliga a Joe y Fran a tomar decisiones cruciales y a poner a prueba su ingenio.

De los creadores de ‘Gru, mi villano favorito’

El elenco de Not Alone reúne a figuras destacadas del cine y la televisión. Rob Brydon (Barbie, The Trip) da voz a Dunk, Diane Morgan (Cunk On, Mandy) interpreta a Welly y Jamie Demetriou (Cruella, Jay Kelly) asume el papel de Shirm. El oficial Zandro está a cargo de Brett Goldstein, conocido por Ted Lasso. El reparto incluye también a Allison Janney (Minions & Monsters, The Diplomat) y Lamorne Morris (Fargo, Spider-Noir), quienes aportan a la variedad de registros dentro de la historia. La selección de voces refuerza el tono cómico y familiar de la película, en sintonía con la identidad de Illumination.

Not Alone cuenta con la codirección de Eric Guillon, responsable del diseño de Mi villano favorito y Minions, junto a Claire Dodgson (The Lorax, Minions) y Jonathan Del Val (Minions: The Rise of Gru, La vida secreta de tus mascotas 2). La producción está liderada por Chris Meledandri, fundador y director ejecutivo de Illumination, acompañado por Joy Poirel, Richard Curtis y David Distenfeld como productores ejecutivos. El equipo creativo mantiene el vínculo con el universo visual y humorístico característico del estudio, aunque esta vez se centra en una narrativa de ciencia ficción. Si bien los Minions no participan en esta historia, la estética, la dirección de arte y los recursos cómicos preservan la continuidad con las obras anteriores del estudio.

La trama de Not Alone aborda la colaboración, la empatía y la adaptación frente a lo desconocido, uniendo humor y aventura en una propuesta para todos los públicos. El regreso de Chalamet y Gomez como dupla protagonista impulsa la expectativa en torno a este nuevo estreno animado. El lanzamiento del tráiler confirma la apuesta de Illumination por expandir su universo con historias originales y la incorporación de talentos reconocidos en el género. El filme consolida la tendencia del estudio de reunir grandes nombres y renovar el panorama de la animación comercial.

La película, estrenada hace tan solo unos meses en cines, tuvo tanto éxito que su propia productora tuvo que retrasar su llegada a streaming, para estirar todo lo posible su paso por cines y que la gente pudiese disfrutar de esta nueva ópera espacial en pantalla grande. Pero ese largo tiempo de espera ha llegado a su final, porque los espectadores podrán disfrutar de la película desde la comodidad de sus casas en este recién inaugurado mes de julio. Pero, para quién no haya podido ver aun el filme en cines, ¿De qué va Proyecto Salvación?

Pues bien, la película narra la historia de Ryland Grace (Ryan Gosling), un profesor de ciencias que es designado para una peligrosa misión, la de descubrir el misterio detrás de una sustancia que amenaza con extinguir el sol y, por ende, la vida en la Tierra. Después de una dura preparación, Grace despierta en el espacio exterior completamente solo e incapaz de hacer frente a sus miedos. No obstante, encontrará un inesperado aliado en Rocky, un ser del espacio con un problema común y con el que entablará una gran amistad mientras ambos buscan resolver el enigma que está llevando a sus respectivos planetas a su destrucción.

Dónde verla

Ryan Gosling, que no es la primera vez que va al espacio -ya dio vida al astronauta Neil Armstrong en la película First Man de Damien Chazelle (La La Land: La ciudad de las estrellas), realiza aquí una de sus mejores actuaciones, pero no es lo único a destacar del filme. Los efectos visuales del espacio o la capacidad para ir narrando una historia tan compleja a través de flashbacks y saltos en el tiempo, así como su forma de explicar conceptos tan complejos de la ciencia a un público general, como ya hicieran películas como Interstellar, The Martian o Arrival (La llegada).

En definitiva, Proyecto Salvación es una de esas películas que deja huella pero que también entretiene y emociona en sus más de dos horas y media de duración, Los espectadores podrán disfrutar de ella en streaming a partir de este viernes 3 de julio, fecha en la cual será estrenada en la plataforma Amazon Prime Video. La misma en la que ahora mismo se encuentran otros grandes títulos de los últimos meses como Marty Supreme, Las ovejas detectives o La asistenta, el thriller protagonizado por Amanda Seyfried y Sydney Sweeney que precisamente ha sido la gran rival en taquilla con Proyecto Salvación en lo que va de año. Ahora pasan de rivales a amigas en la pequeña pantalla, aunque sin llegar a la amistad que muchos encontrarán entre Ryland Grace y el pequeño Rocky.

El cuadro de Sorolla que una familia dio por desaparecido en Sevilla tras dejarlo apoyado en una acera mientras cargaba el coche ha aparecido en Murcia, después de que un hombre que lo recogió de la calle haya avisado a la Policía Nacional al descubrir con ayuda de inteligencia artificial que la obra tenía valor.

Andrés, un vecino de Murcia que pasó el fin de semana en Sevilla con su familia, ha contado a Radio Sevilla que encontró la pintura en la calle Canalejas, la subió a su habitación de hotel y se la llevó a casa porque le gustó el marco. Después, ya en Murcia, investigó la pieza con inteligencia artificial y concluyó que era una obra de Joaquín Sorolla.

La localización del cuadro llega mientras la Policía Nacional mantenía abierta una investigación desde el sábado por la desaparición de la pintura en el centro de Sevilla. La denuncia la presentó la familia propietaria en la comisaría del distrito Centro, en la Alameda de Hércules.

Identificó su valía gracias a la IA

Andrés ha explicado que, cuando vio el cuadro, pensó que alguien lo había abandonado. Después, al identificar la autoría, reaccionó con otra frase que resume el hallazgo: “¡Pero si este cuadro es bueno!”.

La obra estaba en la casa de Andrés en Murcia cuando decidió ponerse en contacto con la policía. “Todavía lo tengo conmigo”, ha asegurado a la emisora, después de comunicar a los agentes que el cuadro que buscaban está en su poder.

Cómo fueron los hechos

La reconstrucción de los hechos sitúa la pérdida en la calle Rafael González Abreu, en el entorno del centro sevillano. La familia olvidó la pintura en el suelo mientras cargaba otras pertenencias en el automóvil, y desde ese momento las pesquisas no habían permitido localizarla.

El diario también detalló que el caso ganó visibilidad en redes sociales cuando una persona de la familia colocó anuncios en inglés y en español para tratar de recuperar la pieza. En esos carteles se definía la obra como un cuadro de “gran valor sentimental” y se ofrecía una recompensa a cambio de información sobre su paradero o de la devolución de la pintura.

Cuatro días después de la pérdida, trascendió la autoría del lienzo. Fuentes policiales confirmaron a Europa Press que se trataba de una obra de Joaquín Sorolla, descrita como una pintura de pequeñas dimensiones en la que aparecen dos barcos en una playa.

Entre las primeras hipótesis de la familia figuró la posibilidad de que algún turista se hubiera llevado el cuadro, una opción que no había sido confirmada oficialmente. La existencia de anuncios en lengua inglesa respondía precisamente a esa posibilidad, dada la ubicación del extravío en una zona céntrica de la ciudad.

La clave que ha desbloqueado el caso ha llegado desde Murcia. Andrés no supo en un primer momento qué había recogido de la calle y solo después de analizar la pintura con inteligencia artificial descubrió que podía estar ante una obra del pintor valenciano.

Ese cruce entre una pérdida fortuita en Sevilla, la difusión pública de la búsqueda y la identificación posterior de la pieza ha permitido ubicar el cuadro desaparecido. El último paso ya se ha producido: Andrés ha comunicado a la policía que conserva en su casa la obra que la familia buscaba desde el sábado.

La controversia se originó después de que Hardy concluyera su trabajo en la segunda temporada y mantuviera desacuerdos con Butterworth y el equipo de producción. Según fuentes consultadas por Variety, la tensión puso en duda la continuidad del actor en el proyecto. La producción de la temporada finalizó en marzo, y durante ese periodo, la relación entre Hardy y los responsables del programa se deterioró, llevando a especulaciones sobre su salida definitiva de la serie. La situación dio un giro tras una reunión celebrada en Londres entre Hardy y los productores. En ese encuentro, ambas partes lograron resolver sus diferencias y acordaron la reincorporación del actor para una eventual nueva temporada de MobLand. Aunque Paramount+ y 101 Studios no han emitido declaraciones oficiales, fuentes cercanas al proyecto afirmaron a Variety que la presencia de Hardy está asegurada para una posible tercera entrega.

El regreso de Hardy responde a la popularidad de la serie en la plataforma de streaming. MobLand se consolidó rápidamente como la segunda producción más vista de Paramount+ desde su lanzamiento el año pasado, lo que incrementó la presión para retener a su protagonista principal y mantener la continuidad narrativa del programa. Actualmente, la tercera temporada aún no ha sido anunciada de forma oficial. Sin embargo, fuentes vinculadas a la serie consideran que, dada la resolución del conflicto y el éxito de audiencia, la renovación es prácticamente inminente. La disputa entre Hardy y los productores había generado inquietud entre los seguidores de la serie, así como incertidumbre en el equipo creativo. Durante las negociaciones, se especuló sobre posibles reemplazos o cambios en la estructura de la historia, pero finalmente se optó por asegurar el retorno del actor británico. Esta decisión se percibe como fundamental para preservar la identidad de la serie y su atractivo para el público.

Un acuerdo beneficioso para todas partes

Para quienes se preguntan por qué Tom Hardy se reincorpora a MobLand, la respuesta radica en un acuerdo alcanzado tras intensas negociaciones con los productores, motivado tanto por la importancia de su personaje para la trama como por la repercusión que la serie ha alcanzado en Paramount+. La reunión en Londres permitió restablecer la relación entre ambas partes y garantizar la continuidad del proyecto, lo que despeja las dudas sobre el futuro inmediato del programa. La expectativa en torno a la tercera temporada es alta, ya que la resolución de este conflicto permitirá al equipo creativo retomar el desarrollo de la historia con su elenco original. Si bien no hay fecha confirmada para el inicio de la producción, la reincorporación de Hardy es vista como un paso clave para la viabilidad y el éxito de futuras entregas.

El regreso de Hardy a MobLand contó con el respaldo explícito de miembros destacados del elenco. Helen Mirren, quien interpreta a Maeve Harrigan en la serie, expresó públicamente su apoyo al actor tanto en redes sociales como en una entrevista durante el Festival de Cine de Taormina. Mirren declaró que estaría dispuesta a trabajar con Hardy “en un abrir y cerrar de ojos”, calificando al intérprete como “una persona muy especial” y subrayando su admiración profesional y personal. Estas muestras de apoyo han contribuido a reforzar la cohesión interna del elenco y a disipar rumores sobre divisiones o tensiones dentro del equipo. El respaldo de Mirren, junto con la resolución del conflicto, refuerza la imagen de unidad en torno al proyecto.

MobLand es una serie creada por Ronan Bennett que narra la vida de la familia criminal Harrigan, encabezada por Conrad (interpretado por Pierce Brosnan) y su esposa Maeve (Helen Mirren). Paddy Considine da vida al hijo del matrimonio, Kevin, mientras que Hardy encarna a Harry Da Souza, un personaje clave en las operaciones de la familia. La serie cuenta con guiones escritos por Butterworth y Bennett, y desde su estreno se ha destacado por su éxito de audiencia en Paramount+. El futuro de MobLand se perfila como uno de los proyectos emblemáticos de la plataforma, con la reincorporación de Hardy como elemento central para su continuidad y éxito en las próximas temporadas.

Nacido en la próspera Córdoba de la Hispania romana alrededor del año 4 a.C., Lucio Anneo Séneca fue una de las mentes más brillantes de su tiempo. Aunque su salud fue siempre frágil, su intelecto lo llevó hasta Roma, donde brilló como brillante orador, trágico y astuto político, llegando a ser el tutor y consejero del polémico y sanguinario emperador Nerón.

Sin embargo, a Séneca se le considera sobre todo uno de los pilares del pensamiento estoico por saber adaptar la rigurosa filosofía griega a la vida práctica romana. A través de sus cartas y tratados, este pensador enseñó que la verdadera sabiduría radica en el control de las pasiones, la autarquía y la fortaleza mental ante las inevitables adversidades del destino.

En su célebre tratado De la tranquilidad del ánimo, el pensador cordobés dejó una profunda reflexión sobre la riqueza: “El mejor límite para el dinero es el que no permite caer en la pobreza ni alejarse mucho de ella”. Esta afirmación resume su visión estoica, donde los bienes materiales no deben poseernos, sino ser simples herramientas bajo nuestro control.

El significado de la frase de Séneca

Con su premisa, el filósofo nos advierte sobre los peligros duales de la carencia extrema y de la ambición desmedida. Para el estoicismo, la verdadera riqueza no consiste en multiplicar los bienes, sino en reducir nuestras ambiciones más superficiales. En sus famosas Epístolas morales a Lucilio, Séneca refuerza esta idea de forma tajante al afirmar que, para ser rico, no hay que aumentar las riquezas, sino todo lo contrario: “Disminuir los deseos”.

Eso sí, lo que muchos olvidan es que Séneca fue uno de los hombres más ricos de Roma. Esto le valió duras críticas por su supuesta hipocresía. Sin embargo, él defendía que el sabio puede tener riquezas, siempre que no se encadene a ellas moralmente. Como dejó escrito en su obra De la vida feliz: “El sabio no ama las riquezas, pero prefiere tenerlas; no las recibe en su corazón, sino en su casa”.

En todas estas consideraciones, sorprende hasta qué punto el pensamiento de Séneca puede leerse de múltiples formas en una sociedad como la actual. A día de hoy, el consumismo es uno de los principales vicios de una sociedad marcada tanto por el estrés financiero que presiona a los individuos para que gasten continuamente su dinero, provocando una sed materialista que nunca acaba de saciarse. Así, la propuesta de Séneca podría resonar con fuerza en movimientos modernos como el minimalismo, recordándonos que acumular capital sin un propósito claro solo genera ansiedad.

El límite de la riqueza

Siglos más tarde, el filósofo británico David Hume, uno de los grandes pensadores de la Ilustración, abordó la relación entre los bienes materiales y la felicidad humana con un pragmatismo similar. En sus Ensayos morales, políticos y literarios, Hume argumentó que “el dinero no es propiamente hablando uno de los súbditos del comercio, sino solo el instrumento que los hombres han acordado para facilitar el intercambio”. Dicho de otro modo, el dinero no es algo que consiga satisfacer nuestras necesidades ni hacernos felices, sino tan solo un “lubricante” que agiliza el comercio.

Por su parte, el pensador alemán Arthur Schopenhauer analizó con crudeza la insatisfacción que produce la búsqueda obsesiva de bienes. En su obra fundamental Parerga y paralipómena, el filósofo realizó una de las metáforas más recordadas (y ciertas) de la ambición económica: “El dinero es como el agua de mar: cuanta más se bebe, más sediento se vuelve uno”. Para él, al igual que para Séneca, el equilibrio era el mejor escenario posible.

En conclusión, tanto el pensamiento clásico como la filosofía moderna nos han advertido a través de varios de sus grandes nombres que la riqueza material es un territorio peligroso si carece de fronteras éticas. Establecer un límite saludable para el dinero no implica renunciar al bienestar, sino proteger nuestra libertad interior. Al final, el mayor tesoro que podemos poseer sigue siendo, tal como sugirió Séneca, ser dueños absolutos de nuestra propia vida.

Hoy la literatura erótica anda por doquier en cualquier librería y en muchas casas. Pero la pionera fue ella, Anaïs Nin (Neuilly-sur-Seine, Francia, 1903 - Los Ángeles, Estados Unidos, 1977), una autora adelantada a su tiempo. Pese a ser novelista y ensayista, fue a través de sus diarios donde convirtió la escritura en una forma de entender el deseo y su propia identidad. No es casualidad que una de sus reflexiones más citadas esté dedicada precisamente al acto de escribir: “Escribimos para saborear la vida dos veces: en el momento y al recordarla”.

La frase procede de The Diary of Anaïs Nin, Volume Five: 1947–1955, el quinto volumen de sus diarios, publicado en 1974, aunque la anotación fue escrita veinte años antes, en 1954. La cita completa amplía esa idea: “Escribimos para elevar nuestra conciencia de la vida. Escribimos para seducir, encantar y consolar a otros. Escribimos para cortejar a nuestros amantes. Escribimos para saborear la vida dos veces: en el momento y al recordarla”.

El origen de la cita

La infancia de la escritora estuvo marcada por el abandono de su padre cuando tenía 11 años. A raíz de aquella experiencia, comenzó a escribir un diario que inicialmente concebía como una forma de comunicación con él. Aquellos cuadernos acabarían convirtiéndose en el proyecto literario más importante de su vida. Y también de los más famosos: alcanzó el reconocimiento mundial en 1966, tras la publicación de sus diarios compuestos por más de 35.000 páginas manuscritas y siete volúmenes.

Anaïs Nin nació en 1903 en Francia, hija del pianista y compositor cubano Joaquín Nin y de la cantante franco-danesa Rosa Culmell. A los diez años, su familia, junto a sus dos hermanos, se mudó a Barcelona. Al poco tiempo su padre los abandonó.

Tras abandonar los estudios a los 16 años y trabajar durante un tiempo como bailaora de flamenco, conoció en La Habana al banquero Hugh Guiler, con quien contrajo matrimonio y se instaló en París, cuya estabilidad económica le permitió dedicarse plenamente a la escritura.

Tras vivir en Europa, se instaló primero en Nueva York y posteriormente en París, donde entró en contacto con algunas de las figuras más relevantes de la vanguardia artística e intelectual. Allí conoció al escritor Henry Miller y a su mujer June, con quien mantuvo una intensa relación personal y literaria que influiría profundamente en la obra de ambos. También fue una de las primeras autoras en incorporar las teorías del psicoanalista Otto Rank a su proceso creativo, interesándose por la exploración del inconsciente y la psicología.

Además de sus célebres diarios, publicó novelas como La casa del incesto, Ciudades del interior o Seducción del Minotauro, así como colecciones de relatos eróticos como Delta de Venus y Pajaritos, escritas originalmente por encargo y publicadas de forma póstuma. Con una literatura profundamente introspectiva y alejada de los convencionalismos de su tiempo, Anaïs Nin defendió siempre que escribir era mucho más que narrar una historia. Era una forma de volver a vivirla.

Arranca el mes de julio y con él un gran verano por delante, tan previsiblemente caluroso como también lleno de grandes historias. Madrid no sería lo mismo sin sus cines de verano y, durante las próximas semanas, aparecerán por distintos rincones nuevas salas a pleno aire, enclaves ideales para disfrutar de una buena película al fresco. Tanto estrenos recién salidos de cartelera como clásicos indiscutibles pasarán por las pantallas de lugares ya icónicos como Cibeles, el Cine Doré de Filmoteca o la plaza de Matadero, que un año más vuelve a ser escenario de proyecciones y conciertos.

Cibeles de cine

Todo un clásico del verano en Madrid, Cibeles de Cine es desde hace años una cita ineludible para ponerse al día con los estrenos del año, pero también para rescatar algunos clásicos del cine que siempre apetecen ver por estas fechas. Situado en la Galería de Cristal de CentroCentro, este improvisado cine tiene una de las programaciones más variadas un año más, y cada día proyecta por un precio de 8 euros títulos que van desde El diablo viste de Prada 2 o Marty Supreme a La escopeta nacional, Moulin Rouge o Dentro del laberinto, celebrando los aniversarios de todas ellas con sesiones especiales que además se pueden acompañar de comida y bebida.

Filmoteca Española

Desde su renovación hace un par de años, la terraza del Cine Doré se ha convertido en un remanso de paz y en un paraíso cinéfilo en pleno centro de Madrid. Fiel a su programación habitual, llena de clásicos de nuestro cine y de joyas ocultas, arranca con El ángel exterminador de Luis Buñuel, y contará con otros títulos como El viento que agita la cebada de Ken Loach, La route de Salina o una serie de películas británicas de la posguerra como parte de un ciclo de cine restaurado en colaboración con el Festival de Locarno. El mes de julio lo cerrará precisamente con Las últimas vacaciones del gran Alec Guinness, antes de anunciar otra tanda de proyecciones para el mes de agosto, en los que el Doré se volverá a erigir como un lugar de confianza para el cinéfilo que tenga que pasar el verano en Madrid.

Parque Calero de Ciudad Lineal

Uno de los pocos cines de barrio de toda la vida, el Parque Calero, nutre de vida al distrito de Ciudad Lineal, pero desde hace años también ameniza las noches de verano con su fantástico cine al aire libre. Por su pantalla desfilarán durante estos meses títulos tan variopintos como Queer, Valor sentimental, Sirat, Romería o Rondallas, entre muchas otras, siendo un año más el espacio ideal para cerrar las calurosas noches del barrio.

Parque de la Bombilla

Otro de los grandes clásicos desde hace años, como es el Parque de la Bombilla de Madrid, que desde hace años acoge este llamado Fescinal y que alberga principalmente grandes películas estrenadas durante el año. Desde el pasado 26 de junio hasta el próximo 6 de septiembre, los espectadores podrán ver títulos como Proyecto Salvación, Backrooms o El día de la revelación, la nueva película de Steven Spielberg.

Cineplaza de verano

Por último, un año más, Cineteca de Matadero aúna música y cine con su particular propuesta: Superestrellas. Este año la programación transcurrirá entre el 2 y el 26 de julio, y consistirá en una serie de proyecciones de lo más especiales, muchas de ellas introducidas por grandes personalidades del cine y la música como Nacho Vigalondo o Christina Rosenvinge. Tanto esta última como el dúo Hidrogenesse se encargarán de amenizar la noche con sus cineconciertos, pero la cosa no queda ahí, ya que por este Cineplaza pasarán también el cine de queer o la blaxploitation con títulos míticos como Coffy de Pam Grier, una de las predilectas de Quentin Tarantino.

Comienza la temporada de verano por todo lo alto en las diferentes plataformas con un buen puñado de series de todo tipo para disfrutar, ya se esté o no de vacaciones. Hay ‘remakes’ de grandes clásicos, novedades españolas, thrillers inéditos y ficciones de prestigio. Un ‘totum revolutum’ de lo más refrescante y diverso.

Sin embargo, también continúan los episodios de grandes producciones que se estrenaron el pasado mes, como es el caso de La casa del dragón, o la magnífica Sugar, con Colin Farrell, que irán completando sus respectivas temporadas a lo largo de las próximas semanas.

Además, es un buen momento para rescatar algunas joyas que pueden haber pasado desapercibidas, como La maldición de Widow’s Bay, Se tiene que morir mucha gente, Margo tiene problemas de dinero o DTF St. Louis.

‘Elle’

Se estrena en Prime Video una ‘precuela’ de la mítica película Una rubia muy legal, que protagonizó en su momento Reese Witherspoon, y que se centrará en la etapa de instituto del personaje, esta vez interpretado por Lexi Minetree.

La trama seguirá a la joven en medio de amistades complicadas, romances prohibidos y decisiones de moda cuestionables. Su familia tendrá un rol central, con su madre como principal apoyo. Y veremos los inicios de este personaje icónico dentro de la cultura pop.

El proyecto también incluirá uno de los últimos trabajos del actor James Van der Beek, fallecido, conocido por ser el protagonista de Dawson crece. A partir del 1 de julio en Prime Video.

‘La casa de la pradera’

Una nueva versión de La casa de la pradera llega a Netflix con un tono más crudo que la serie de los años 70 y principios de los 80 protagonizada por Michael Landon, aunque conservando el espíritu familiar que caracterizó el original. La ficción se basa en los libros autobiográficos de Laura Ingalls, ambientados en el siglo XIX.

La historia retomará la mirada sobre las dificultades y los logros de quienes impulsaron los orígenes del Oeste de Estados Unidos, según se planteaba en esos textos. En el elenco, encontramos a Alice Halsey, que interpretará a Laura Ingalls, un rol que en la adaptación anterior estuvo a cargo de Melissa Gilbert.

El reparto lo completan Luke Bracey como el patriarca Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como la matriarca, Skywalker Hughes como Mary (la hermana mayor), Warren Christie como John Edwards y Jocko Sims como el Dr. George Tann. Una propuesta nostálgica destinada tanto a aquellos que vivieron aquel fenómeno televisivo como para las nuevas generaciones. A partir del 9 de julio en Netflix.

‘Ágata y Lola’

La inspectora Lola Castro descubrirá que Ágata es una agente clave para resolver casos en la comisaría de Vigo. La jefa del Grupo de Homicidios de la Policía Judicial insistirá en sumarla a su equipo tras detectar su talento en el archivo.

La joven, que trabaja entre expedientes y documentación, oculta que está en el espectro autista. Aun así, ambas terminan configurando una dupla efectiva en las investigaciones. Protagonizada por Eva Martín y Mireia Oriol y una de las apuestas de AtresPlayer para el verano, que se estrena el 12 de julio.

‘Lucky’

Anya Taylor-Joy interpreta a Lucky en una historia sobre una joven que dejará atrás la vida criminal en la que creció, pero que deberá recurrir una última vez a “su lado más oscuro” en un intento desesperado por escapar de su pasado.

Una miniserie de 7 episodios basada en la novela homónima ‘superventa’ de Marissa Stapley que incluye en el reparto a Annette Bening, Timothy Olyphant, Aunjanue Ellis Taylor o Drew Starkey. Se estrena en Apple TV el 15 de julio.

‘El Halcón’

Los fans de Will Ferrell están de enhorabuena, ya que el intérprete y creador regresa con esta serie original en la que de nuevo encarnará un personaje de lo más paródico.

Él será Lonnie Hawkins, que fue un gran golfista y que ahora, en el tramo final de su carrera, intentará recuperar el nivel que lo consagró con el objetivo de ganar el único gran torneo que le falta para completar el Grand Slam.

Aunque su cuerpo ya no responde, el personaje insistirá en seguir compitiendo pese a que su exmujer y su hijo Lance, señalado como nueva promesa del golf, dan por terminada su etapa en el circuito.

El plan de Hawkins apunta a un regreso con una meta concreta: conquistar ese gran título pendiente y cerrar su carrera con una reaparición en un gran torneo. Risas y cachondeo asegurado en esta serie en la que también encontramos a Molly Shannon o Luke Wilson. A partir del 16 de julio en Netflix.

‘La vida en la sombra’

Con el sello de calidad de la BBC se presenta este drama creado por Dennis Kelly e inspirado en las memorias de Andy West, que se dedicó a dar clases de filosofía en una prisión para ayudar a aquellos que se encontraban entre rejas.

La historia plantea el contraste con su entorno familiar: su padre, su tío y su hermano, que sí pasaron por la cárcel, mientras que él eligió la docencia y dedicarse a ayudar a aquellos a los que estaban privados de libertad. Lo que comienza como un experimento intelectual dentro de la prisión derivará en un proceso de un enorme calado personal. En Movistar Plus+ a partir del 16 de julio.

‘Tip Toe’

El guionista Russell T. Davies es el creador de este thriller suburbano con Alan Cumming y David Morrissey como protagonistas, centrado en dos vecinos de Manchester cuya convivencia se rompe a medida que avanzan hacia posiciones cada vez más extremas alrededor de la homofobia.

Cumming y Morrissey interpretan a dos hombres que han vivido puerta con puerta durante 15 años, pero que terminan convertidos en enemigos declarados por un proceso de radicalización gradual.

Davies, ganador de varios premios BAFTA, es el creador de títulos como Doctor Who, Queer As Folk e It’s A Sin.

‘Los creyentes’

Una joven vuelve a casa tras la muerte de su madre en circunstancias extrañas y sospechará que su padre podría estar involucrado. Ante su regreso, este se muestra gruñón y agresivo, y está absorbido por una teoría de la conspiración que lo obsesiona. La tensión entre ambos crecerá por el comportamiento errático de él, hasta llevar a la protagonista a preguntarse si está compartiendo techo con un asesino. Un thriller psicológico creado por los responsables de Élite y protagonizado por Jose Coronado y Stéphanie Magnin. Estreno en Netflix el día 24 de julio.

‘Stuart no consigue salvar el universo’

Tras El joven Sheldon, llega un nuevo ‘spin-off’ de The Big Bang Theory, esta vez centrado en Stuart, el dueño de la tienda de cómics interpretado por Kevin Sussman, que, en esta ocasión, deberá restaurar la realidad tras romper un dispositivo construido por Sheldon y Leonard, un accidente que desatará un “Armagedón multiversal”.

En la historia, Stuart recibirá ayuda de su novia Denise (Lauren Lapkus), su amigo geólogo Bert (Brian Posehn) y el físico cuántico Barry Kripke (John Ross Bowie). Durante el recorrido, el grupo se cruzará con versiones alternativas, de otros universos y de personajes de The Big Bang Theory.

‘Furious’

Thriller creado por Elizabeth Meriwether que sigue a una agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, que persigue a una asesina en serie metódica encarnada por Lola Petticrew. La historia plantea un recorrido hacia la justicia en la que, a medida que sus vidas se cruzan, se difumina la frontera entre el bien y el mal.

En la trama, ambas avanzan por caminos propios mientras la investigación estrecha el vínculo entre perseguidora y perseguida. Una nueva ficción de la creadora de New Girl, The Dropout y Dying for Sex. Se estrena el 27 de julio en Disney+.

Una familia sevillana busca desde el pasado fin de semana un cuadro del pintor valenciano Joaquín Sorolla que desapareció tras ser olvidado durante unos minutos en una acera del centro de Sevilla mientras cargaban el coche para iniciar sus vacaciones. La Policía Nacional investiga ya los hechos, que ocurrieron alrededor de las 17.00 horas del sábado en la calle Rafael González Abreu, en pleno casco histórico de la capital andaluza. Según adelantó Diario de Sevilla y han confirmado fuentes policiales a EFE, la familia había sacado varias pertenencias para introducirlas en el vehículo, entre ellas la pintura, que quedó apoyada junto a la puerta de un garaje.

Cuando regresaron a recogerlo, la obra ya había desaparecido. La denuncia fue presentada poco después en la comisaría del distrito Centro, situada en la Alameda de Hércules, y desde entonces los agentes tratan de reconstruir qué ocurrió durante esos escasos minutos.

La investigación se centra ahora en las imágenes captadas por las cámaras de videovigilancia de la zona. Según publica Diario de Sevilla, en ellas aparecen varias personas recogiendo el cuadro de la acera. La principal hipótesis es que se trate de una familia de turistas que pasó por el lugar, vio la pintura abandonada y decidió llevársela sin ser consciente de que pertenecía a alguien ni de su auténtico valor.

Una obra con “gran valor sentimental”

Con ese objetivo, la Policía está realizando gestiones con hoteles y apartamentos turísticos del entorno para intentar identificar a esas personas. Sin embargo, por el momento las pesquisas no han dado resultado y no se descarta que ya hayan abandonado la ciudad.

La obra sustraída es un cuadro de pequeño formato que representa dos embarcaciones en una playa. Está enmarcado en madera barnizada y cuenta con un paspartú blanco. Más allá de su apariencia, su principal singularidad es que está dedicado por el propio Joaquín Sorolla a la familia propietaria y conserva la firma original del artista. Por este motivo, aseguran, es un cuadro con “gran valor sentimental”.

Precisamente ese carácter personal convierte la pérdida en algo especialmente doloroso para sus dueños. El cuadro llevaba décadas en la familia y, según explica el citado medio local, el propietario tenía la costumbre de llevárselo consigo incluso durante las vacaciones, motivo por el que había sido sacado del domicilio antes de emprender el viaje.

Aunque todavía no existe una tasación oficial, fuentes artísticas consultadas por EFE consideran que la pintura podría formar parte de las denominadas “notas de color”, pequeñas obras que Sorolla realizaba como estudios rápidos de luz y paisaje. De confirmarse esa atribución, su valor en una subasta podría situarse entre los 30.000 y los 60.000 euros.

Mientras continúa la investigación, los propietarios han difundido carteles por distintas calles del centro de Sevilla para intentar localizar la obra. Como ha recogido ABC, uno de los anuncios colocados por la familia, reza: “Cuadro olvidado en esta zona de alto valor sentimental. Si tiene información, por favor, llaméme”. También en inglés, en caso de que hayan sido turistas: “A painting of great sentimental value went missing yesterday afternoon on Rafael González Abreu Street. If anyone has information, please call. A reward is offered”.

Desde su estreno el pasado mes de marzo, Torrente presidente ha puesto patas arriba a la sociedad española. También la taquilla. Tachada de "provocadora e irreverente“, la sexta entrega de la saga creada por Santiago Segura, ha recaudado, según datos del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), más de 27 millones de euros, lo que la convierte en la cuarta película más taquillera de la historia de nuestro país, por debajo de Ocho apellidos vascos, Lo imposible y Ocho apellidos catalanes, respectivamente.

Tras estar más de tres meses arrasando en los cines, la cinta por fin llegó a Netflix el pasado 26 de junio. En esta nueva entrega, el expolicía más corrupto vuelve, esta vez, para meterse en política y fundar un nuevo partido político, NOX. “Como persona miserable, cínica, mentirosa y ruin, Torrente piensa que la política puede ser una buena oportunidad para medrar; curiosamente no está muy desencaminado y comienza a hacer realidad sus delirios de grandeza”, añade la sinopsis.

Sin embargo, varios espectadores que ya habían visto la película en los cines han señalado en redes sociales que una de sus escenas ha cambiado en la versión disponible en la plataforma. En concreto, se trata de la secuencia que aparece en torno al minuto 42.

La supuesta censura de Netflix

En ella, Carmena (interpretada por Susi Caramelo), una de las asesoras de comunicación de NOX advierten a Torrente de que la oposición ha difundido un supuesto deepfake en el que aparece rodeado de “un travesti y dos prostitutas” mostrando sus partes íntimas. Pero el protagonista aclara que el vídeo no ha sido generado con IA sino que corresponde a la noche anterior. El supuesto montaje no llega a verse hasta la escena siguiente, cuando se lo enseñan a Jacobo Carrascal (Ramón Langa), líder de NOX. Mientras que en los cines podía verse fugazmente el miembro viril del personaje, en la versión de Netflix esa imagen ha sido sustituida por varios emojis de animales.

La modificación ha llevado a dar por hecho que Netflix ha censurado dicha secuencia. Ha sido el propio Santiago Segura quien se ha encargado de desmentirlo.

“Netflix ha censurado algunas partes de ciertas escenas de Torrente Presidente. Santiago Segura no tiene la culpa. Si quieres que distribuyan la peli en esas plataformas, debes pasar por el aro. Sólo los que fuimos al cine, sabemos a qué partes nos referimos”, escribió el usuario @Diegotanaka1551 en X.

El sábado, un día después de su estreno en streaming, Segura quiso aclarar que no había sido una decisión de la plataforma. “Diego no ha sido Netflix, he sido yo, me parecían graciosos los emoticonos en las “partes” que dices“, escribió el cineasta, acompañado precisamente de los mismos emojis que aparecen sobreimpresionados en la película.

La llegada de Torrente presidente a Netflix supone un nuevo impulso para una película que sigue haciendo historia en la taquilla española. Con más de 27 millones de euros recaudados y cerca de cuatro millones de espectadores, la sexta entrega mantiene vivo el fenómeno creado por Santiago Segura hace ya casi tres décadas.

En 1869 nació en Porbandar, una ciudad costera de la India, un niño llamado Gandhi. Antes de ser Mahatma —“gran alma”—, era simplemente Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948). Décadas después pasaría a la historia tras liderar la independencia de la India mediante la resistencia pacífica y convertirse en una de las figuras más influyentes del siglo XX. Su pensamiento inspiró a líderes como Martin Luther King Jr. y Nelson Mandela, además de dejar algunas de las reflexiones más citadas de la historia... aunque no siempre de forma fiel.

Si alguna vez has visto reproducida sin parar la cita “Sé el cambio que quieres ver en el mundo” de la mano de Gandhi... malas noticias. Aunque el mensaje sí se inspira en su pensamiento, no existe ninguna evidencia documental de que esa cita saliera de él. Con el paso de los años, una paráfrasis mucho más breve y fácil de recordar terminó sustituyendo a la reflexión original.

En 2011, The New York Times publicó un análisis en el que concluía que no existían pruebas de que Gandhi hubiera pronunciado aquella célebre frase. De hecho, el periódico la definía como una reformulación “lo suficientemente corta como para caber en una pegatina”, pero que únicamente condensaba una idea que sí había expresado de otra manera.

El origen de la cita

La reflexión de Ghandi era mucho más extensa: “Si pudiéramos cambiarnos a nosotros mismos, las tendencias en el mundo también podrían cambiar. Tal y como un hombre es capaz de transformar su propia naturaleza, también cambia la actitud del mundo hacia él. No necesitamos esperar a ver lo que hacen los demás”.

La confusión nace de una simplificación de una reflexión mucho más extensa. La cita original, según recogió The New York Times dice: “Si pudiéramos cambiarnos a nosotros mismos, las tendencias en el mundo también podrían cambiar. Tal y como un hombre es capaz de transformar su propia naturaleza, también cambia la actitud del mundo hacia él. No necesitamos esperar a ver lo que hacen los demás”.

La verdadera cita aparece en un artículo que Gandhi publicó el 9 de agosto de 1913 en el semanario Indian Opinion, dentro de una serie de escritos titulada General Knowledge About Health. En concreto, el pasaje forma parte del capítulo “Accidents: Snake-Bite” (“Accidentes: Mordedura de serpiente”).

Tras sufrir en primera persona la discriminación racial durante su estancia en Sudáfrica, en 1983, donde fue expulsado de un vagón de primera clase por el color de su piel, Gandhi convirtió la no violencia en el eje de su acción política. Allí fundó el fundó el Partido Indio del Congreso de Natal en 1894, organizó a la comunidad india frente a las leyes discriminatorias y desarrolló el concepto de Satyagraha o “fuerza de la verdad”, una forma de resistencia civil basada en la desobediencia pacífica que acabaría definiendo toda su trayectoria.

De regreso a la India, lideró campañas como el movimiento de no cooperación o la histórica Marcha de la Sal de 1930, una protesta contra el monopolio británico sobre este producto que movilizó a miles de personas y aceleró el camino hacia la independencia, alcanzada finalmente en 1947. Gandhi, nombrado Mahatma —“gran alma”— por el escritor Rabindranath Tagore, fue asesinado el 30 de enero de 1948 por un extremista hindú contrario a su defensa de la convivencia entre religiones. Su legado, sin embargo, sobrevivió a su muerte y continúa siendo uno de los mayores símbolos mundiales de la resistencia pacífica y la lucha por los derechos civiles.

Puede afirmarse con bastante rotundidad que los primeros años del siglo XXI fueron la época dorada del crimen en televisión. De Bones a Castle, pasando por CSI, NAVY: Investigación criminal o El Mentalista, había una serie para cada tipo de espectador, aunque la premisa fuera siempre era la misma: un asesinato. Lo que las distinguía era la herramienta con la que sus protagonistas llegaban hasta el culpable: la ciencia forense, la deducción, la observación... o, en el caso de Miénteme, la capacidad de detectar una mentira a través de las microexpresiones faciales.

Estrenada en 2009, la ficción convirtió esta habilidad en el eje de todas sus investigaciones. Protagonizada por Tim Roth (Reservoir Dogs, Funny Games o El increíble Hulk), el actor da vida al doctor Cal Lightman, un psicólogo experto en mentiras que lidera The Lightman Group, una firma independiente que presta asistencia a otros cuerpos policiales con casos más complicados. Su trabajo consiste en detectar cuándo una persona miente analizando pequeños gestos involuntarios de la cara, el tono de la voz o el lenguaje corporal.

Junto a él, Kelli Williams interpreta a la doctora Gillian Foster, psicóloga clínica y socia de Lightman; Brendan Hines al investigador Eli Loker, conocido por su radical compromiso con decir siempre la verdad, y Monica Raymund como Ria Torres, una joven con un talento innato para interpretar el comportamiento humano.

La serie estaba inspirada en las investigaciones del psicólogo estadounidense Paul Ekman, considerado uno de los mayores expertos del mundo en el estudio de la comunicación no vernal. De hecho, sus trabajos sobre las microexpresiones sirvieron como base para construir tanto el personaje de Lightman como muchos de los casos que aparecían en pantalla. Ekman, que participó como asesor científico de la producción, explicó a 20 minutos que cada capítulo buscaba “exponer los conflictos psicológicos y éticos implicados en la detección de las mentiras”.

Disponible en Disney Plus

“En la serie, el ‘Equipo Lightman’ detecta las mentiras basándose principalmente en los descubrimientos de mis investigaciones, pero al ser un drama y no un documental, el Dr. Lightman no es tan cauteloso al interpretar el comportamiento como yo. Las mentiras son descubiertas mucho más rápido y con mayor certeza de lo que lo hacemos en la vida real, aunque cada técnica utilizada está basada en evidencias científicas. Por otra parte, cada episodio busca exponer los conflictos psicológicos y éticos implicados en la detección de las mentiras”, dijo al citado medio.

Ese planteamiento también convenció a la crítica. La periodista Angie Errigo, de la revista Empire, la calificó con cuatro estrellas sobre cinco y la definió como “un drama procedimental bien producido que aborda algunos temas controvertidos”. Además, destacó que, al estar inspirada en el trabajo real de Paul Ekman, la serie conseguía ser “educativa de una manera divertida”, un rasgo poco habitual dentro de un género dominado por las persecuciones, los interrogatorios y las pruebas forenses.

Sin embargo, el reconocimiento no se tradujo en una larga trayectoria en televisión. Emitida entre 2009 y 2011 por Fox, Miénteme fue cancelada tras tres temporadas y un total de 48 episodios, una cifra modesta si se compara con las más de 20 temporadas de CSI o las 15 de Mentes criminales y Bones. Aun así, la ficción hoy en día sigue disponible en Disney+.

Javier Bardem, ganador del Oscar y figura reconocida del cine internacional, dará este año un paso inédito en su carrera: su debut en el teatro. El intérprete, que hasta ahora no había pisado las tablas, se presentará en Madrid bajo la dirección de su maestro y amigo Juan Carlos Corazza. Lo hará con ¡Chéjov, Chéjov!, un montaje basado en textos breves y cuentos del dramaturgo ruso Antón Chéjov, que reunirá en escena a un grupo de actores vinculados desde hace años a la enseñanza de Corazza.

La obra se representará en el Espacio Zafra Teatro de Madrid, del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, con funciones de jueves a domingo. Se trata de una propuesta que, según la nota de prensa difundida por la compañía, busca acercar al público la mirada de Chéjov sobre la condición humana, combinando sencillez, humor y profundidad. La noticia supone un giro significativo en la trayectoria de Bardem, quien a sus 57 años y en un momento profesional destacado —con el estreno cinematográfico de ‘El ser querido’ previsto para finales de agosto— decide abordar por primera vez el escenario teatral.

Hasta la fecha, Javier Bardem se había mantenido alejado de los escenarios, concentrando su actividad en el cine, donde ha construido una carrera de alcance internacional. El estreno de ¡Chéjov, Chéjov! marcará su primera aparición en una obra teatral. La elección de Madrid para este debut responde tanto a su vínculo personal con la ciudad como a la oportunidad de trabajar junto a Corazza, referente en la formación actoral en España. Bardem compartirá escenario con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco, todos ellos exalumnos de Corazza. El reparto subraya la continuidad entre la labor pedagógica del director y la creación artística, consolidando la presencia de su escuela en el panorama teatral. Según el comunicado, la coincidencia de estos intérpretes en el montaje responde al deseo de “reunirse, soñar y comprendernos” a través del teatro.

Corazza, amigo y mentor

La dirección y adaptación del espectáculo recaen en Juan Carlos Corazza, figura central en la formación de actores en España. Corazza firma la selección de textos de Chéjov y la propuesta escénica, en la que colabora con un equipo artístico especializado. El diseño del espacio escénico ha sido desarrollado junto a Javier Ruiz de Alegría, responsable también de la iluminación. El vestuario y el atrezzo están a cargo de Pier Paolo Álvaro y Roger Portal (AAPEE). El equipo se completa con Betina Waissman en la preparación corporal, Leticia Santa Fe en la preparación vocal, Anastasia Kostyuchek como asesora de ruso (Instituto Ruso Pushkin de Madrid), Vadim Yukhnevich en la dirección musical y acordeón, y Andrea Szamek al violín. El comunicado destaca la intención de que el teatro funcione como un espacio de encuentro y reflexión, guiados por la sensibilidad de Chéjov.

El espectáculo se construye a partir de una selección de obras breves, cuentos y escritos de Antón Chéjov, buscando trasladar a escena el humor, la ternura y la ausencia de juicios del autor ruso. “Con sencillez, humor y brevedad, Chéjov mira lo humano sin juicios, con ternura, profundidad y compasión”, señala Corazza en una nota de prensa. La puesta en escena pretende recuperar el teatro como lugar de reunión y empatía. Las funciones de ¡Chéjov, Chéjov! tendrán lugar en el Espacio Zafra Teatro de Madrid, del 5 de noviembre de 2026 al 31 de enero de 2027, de jueves a domingo. La compañía invita al público a sumarse a esta experiencia colectiva en torno a la obra de Chéjov y la reunión de un reparto formado por intérpretes estrechamente vinculados a Corazza.

En el marco del anuncio, Javier Bardem ha subrayado el compromiso que implica el teatro y su papel ante el contexto social actual. En sus palabras: “La neutralidad no es una opción ante las atrocidades que estamos viviendo”. Esta declaración resalta la dimensión ética del proyecto y la intención de que el arte funcione como herramienta de conciencia y diálogo. Por su parte, Juan Carlos Corazza destaca el valor de Chéjov y del teatro como espacios de comprensión mutua. “Gracias a Chéjov, al público y a esta compañía, el teatro vuelve a ser un espacio para reunirnos, soñar y comprendernos”, afirma el director, señalando la vigencia de estos textos en el presente. El debut teatral de Javier Bardem en Madrid, bajo la dirección de Corazza y junto a un elenco de antiguos alumnos, configura uno de los acontecimientos culturales destacados del año.

El director Carl Rinsch ha sido condenado a 30 meses de prisión por defraudar a Netflix con cerca de 11 millones de dólares durante la producción de la serie de ciencia ficción nunca terminada, White Horse, también conocida como Conquest, en una sentencia en la que el juez ha tenido en cuenta pruebas sobre sus problemas de salud mental.

La pena dictada el lunes por el juez federal Jed Rakoff en Manhattan se ha situado muy por debajo del marco orientativo de entre nueve y 11 años citado por la acusación y también por debajo de los 60 meses de cárcel que reclamaban los fiscales, aunque el director se enfrentaba a un máximo de 90 años.

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Según Variety, un jurado declaró culpable a Rinsch en diciembre de fraude electrónico y blanqueo de capitales después de que la fiscalía probara que desvió fondos destinados a la serie hacia inversiones de alto riesgo, en especial en el mercado de las criptomonedas, y después a compras de lujo. En el proceso también se acreditó que el cineasta no terminó el proyecto para el que había recibido el dinero.

Un comportamiento que no era normal

Antes de que se impusiera la condena, Rinsch se ha dirigido al tribunal y ha admitido el error. “Cometí un error”, ha dicho en la sala, antes de añadir que el proceso le ha obligado a enfrentarse a aspectos de sí mismo que antes no había comprendido del todo.

La defensa ha centrado una parte de su estrategia en el estado mental del director, una cuestión que se mantuvo deliberadamente fuera del juicio y se ocultó en los documentos que vio el jurado. Su abogado, Daniel McGuinness, ha asegurado que Rinsch “afronta ahora sus problemas de salud mental” después de haber rechazado antes hacerlo y ha explicado que durante la producción estaba “bajo el cuidado de un médico” que “no estaba haciendo lo que debía hacer”.

En los últimos meses, según el letrado, el director ha completado un tratamiento y dice encontrarse mejor y ver las cosas con más claridad. Rakoff ha señalado que durante el juicio no vio signos de psicosis u otra enfermedad mental, pero sí ha interpretado algunas de sus decisiones como muestra de “alguien con un estado mental maníaco más allá de la simple codicia”.

Entre esos comportamientos, el juez ha citado la compra de cinco Rolls-Royce que ni siquiera estaban a nombre del propio Rinsch. También ha considerado varias cartas de apoyo en las que se le describía como un modelo positivo.

Una de esas cartas la ha firmado Keanu Reeves, que trabó amistad con el director tras protagonizar 47 Ronin. El actor ha recordado que en 2019 participó “en un intento de conseguir apoyo para Carl mediante una intervención y atención profesional de salud mental, que Carl rechazó”.

Reeves ha añadido que cree que hubo circunstancias en las que la salud mental del director se vio comprometida por un uso indebido de medicación y quizá por otros factores, lo que amplificó sus actos de ‘autosabotaje’ y grandiosidad y afectó a sus relaciones, a su trabajo y a su capacidad para completar Conquest.

Cartas de apoyo de amigos y familiares

The Hollywood Reporter recoge además otras cartas remitidas al tribunal por familiares, amigos y antiguos colaboradores que describen cambios graves en su pensamiento, su comunicación y su conducta desde 2019.

El hermano del director, Daniel Rinsch, escribió que a finales de ese año el deterioro psicológico era evidente y que sus correos electrónicos se habían vuelto extraños e inquietantes. El guionista Mike Seid, que le conoce desde niño, afirmó que en 2020 el director sostenía en redes sociales que había resuelto aspectos de la pandemia y que decía poder comunicarse con “fuerzas divinas”, mientras que su antiguo asistente Jesse Warfield aseguró que lo que estaba viendo no era excentricidad ni estrés, sino una ruptura con la realidad.

La fiscalía sostuvo que tuvo en cuenta esas cartas al pedir una pena de cinco años y advirtió de que su solicitud habría sido “mucho más alta” de no ser por esas referencias personales favorables y por la ausencia de antecedentes penales. También argumentó que Rinsch mostró “una y otra vez” un “desprecio por la ley” al seguir pidiendo más financiación a Netflix pese a disponer, según los fiscales, de un fondo fiduciario cuantioso y de amistades adineradas en Hollywood que podrían haber respaldado su proyecto.

Los fiscales añadieron que su disposición a condenar la producción de White Horse perjudicó la carrera de actores y miembros del equipo que confiaban en que la serie saliera adelante. Según The Hollywood Reporter, además de gastar el dinero asignado a la serie en operaciones financieras arriesgadas, Rinsch utilizó los beneficios de esas inversiones para demandar a Netflix y reclamar más de 14 millones de dólares adicionales con los que, decía, debía terminar la serie.

Rakoff ha defendido antes de fijar la pena que en los delitos de cuello blanco la cárcel puede tener un efecto positivo, pero ha puesto en duda que una condena superior a cinco años logre mucho más que una de dos o tres. “La condena debe ser suficiente, pero no más de lo necesario”, ha afirmado el juez.

Junto a la pena de prisión, el tribunal ha impuesto a Rinsch el pago de unos 11 millones de dólares en restitución, tres años de libertad vigilada, la obligación de participar en un programa ambulatorio de salud mental y la prohibición de consumir “narcóticos y otras drogas de ese tipo”. El juez también ha fijado el 1 de septiembre como fecha de ingreso en prisión y le ha concedido 60 días antes de presentarse.

En nombre de Netflix, Michael Schafler ha calificado el caso de inusual y ha dejado en manos del tribunal el calendario de devolución del dinero. Rakoff ha reconocido que es improbable que la plataforma recupere la totalidad de la cantidad, porque Rinsch probablemente nunca tendrá medios para devolver lo que debe, mientras la compañía reclama además más de 4,4 millones de dólares en gastos legales derivados del litigio.

Las primeras imágenes de la nueva adaptación cinematográfica de Resident Evil ya generan expectativa en el mundo del cine y los videojuegos. Zach Cregger, reconocido por dirigir Weapons y Barbarian, asume la dirección de este proyecto tras una iniciativa personal que sorprendió incluso a los propios propietarios de los derechos de la franquicia. Según relató el propio Cregger, fue él quien se acercó a los responsables de Resident Evil para presentar su propuesta y dar vida a una historia completamente original dentro del universo creado por Capcom.

El realizador enfatizó que la película será “muy suya”, aunque envuelta en una propiedad intelectual tan reconocida como Resident Evil. “Es realmente una película de Zach Cregger que simplemente ocurre en el mundo de Resident Evil”, declaró el cineasta, reafirmando que su vínculo con la saga de videojuegos es el principal motor del proyecto. A diferencia de adaptaciones anteriores, Cregger se propuso trasladar a la pantalla grande la sensación de jugar a los títulos de la franquicia, apostando por una aproximación diferente en ritmo, tono y protagonistas.

La elección de Zach Cregger como director no respondió a una convocatoria de estudios tras el éxito de Weapons, sino a su propio entusiasmo por el universo de Resident Evil. El director explicó que, tras el reconocimiento por sus anteriores trabajos en el género de terror, decidió tomar la iniciativa y buscar personalmente a los dueños de los derechos de la saga. “Fueron lo suficientemente amables como para escucharme y dejarme avanzar”, aseguró Cregger. Esta decisión marca una diferencia clara respecto a otras producciones, donde los estudios suelen buscar realizadores exitosos para liderar franquicias ya consolidadas. En este caso, la motivación principal fue el deseo de Cregger de aportar su visión y pasión por la serie de videojuegos, lo que le permitió diseñar una propuesta original y no dependiente de los icónicos personajes de entregas previas.

Una historia original y nuevos protagonistas

La nueva película no seguirá los acontecimientos ni a los héroes clásicos de la saga. En cambio, Cregger introduce una narrativa inédita, centrada en un personaje completamente nuevo: Bryan, un repartidor médico interpretado por Austin Abrams. El director definió a Bryan como “un idiota”, aunque aclaró que se trata de un personaje común, sin habilidades de combate ni experiencia en situaciones extremas. La elección de este perfil responde al deseo de que el público pueda sentirse identificado con el protagonista, quien actúa como un “espectador dentro del filme”. Bryan se ve envuelto en una misión inesperada que lo lleva al centro del caos, en una dinámica que Cregger comparó con la travesía de Frodo en El Señor de los Anillos. Esta perspectiva promete renovar la forma en que la saga se ha presentado en el cine, apostando por una mirada más cotidiana y menos heroica.

Uno de los objetivos de Zach Cregger es trasladar la estructura y el ritmo de los videojuegos de Resident Evil a la narrativa cinematográfica. El director destacó que el filme será “una secuencia gigantesca”, sin giros narrativos complejos ni cambios de perspectiva como en sus obras anteriores. “Las cosas comienzan a desatarse a los cinco minutos y se mantienen así hasta el final”, adelantó. Esta aproximación busca replicar la sensación de avanzar de un escenario desafiante a otro, característica fundamental de la saga. Cada localización planteará un reto único, siguiendo el patrón de los videojuegos en los que el jugador debe superar obstáculos y peligros en distintos ambientes. De este modo, la adaptación busca ofrecer una experiencia intensa, continua y fiel al espíritu del material original, aunque con una trama inédita y personajes nuevos.

La diferencia más notoria respecto a Barbarian y Weapons es la linealidad y el ritmo implacable de la nueva película. Cregger aclaró que la producción apuesta por una experiencia de terror sin pausas, orientada a mantener la tensión desde el inicio hasta el desenlace. La narrativa abandona los saltos temporales y las perspectivas fragmentadas, enfocándose en una progresión continua que emula el recorrido de los videojuegos. Con este primer vistazo, la nueva adaptación de Resident Evil promete una propuesta distinta tanto para los fanáticos de la saga como para los seguidores del cine de terror. La combinación del sello personal de Zach Cregger, una historia original y la fidelidad a la estructura de los juegos anticipa una entrega que buscará distinguirse dentro del universo cinematográfico de la franquicia.

La exdirectora de casting Debbie McWilliams, responsable de seleccionar a figuras como Pierce Brosnan y Daniel Craig para el legendario papel de James Bond, ha expresado su rechazo ante la posibilidad de que actores conocidos como Jacob Elordi, Callum Turner o Harris Dickinson sean elegidos como el próximo 007. McWilliams, quien trabajó durante cuarenta años en la saga, sostiene que el misterio y la discreción sobre la vida del intérprete son elementos cruciales para mantener la esencia del personaje creado por Ian Fleming.

A lo largo de su carrera, McWilliams participó en la elección de protagonistas para entregas tan emblemáticas como Sólo para tus ojos, GoldenEye y Sin tiempo para morir. Su experiencia le otorga una visión privilegiada sobre las cualidades necesarias para encarnar al agente secreto más famoso del cine. Según declaró a The Independent, la exposición mediática y el conocimiento público de la vida de los actores que actualmente suenan como candidatos atentan contra el enigma imprescindible del personaje.

“Es absolutamente esencial que [Bond] conserve un carácter totalmente enigmático”, afirmó McWilliams al ser consultada sobre los nombres que circulan como posibles sucesores de Daniel Craig. “No quiero ver a ninguno de ellos como Bond porque ahora sabemos demasiado sobre ellos. Queremos saber lo menos posible sobre su vida personal, porque eso es lo que son los espías. No necesitamos saber dónde hace sus compras, quiénes son sus padres ni dónde vive. Nunca queremos verlo en casa. Y un elemento vital de todo esto es su descripción laboral. Tiene licencia para matar, y debemos creer que puede hacerlo. Si no lo crees, has perdido al público”. Estas declaraciones ponen en duda el rumbo que podría tomar la franquicia bajo la gestión de Amazon, que en mayo confirmó oficialmente el inicio de la búsqueda del nuevo Bond. Aunque los rumores sobre Elordi, Turner o Dickinson generan expectativas entre los seguidores, la postura de McWilliams resalta la importancia de mantener el misterio alrededor del personaje.

Defensa de la fidelidad al personaje original

Durante su etapa al frente del casting, McWilliams optó por actores cuya vida privada y carrera no estaban expuestas a un escrutinio público intenso. “Timothy [Dalton] y Pierce [Brosnan] no eran particularmente conocidos. Daniel [Craig] tenía una carrera en películas independientes y una vida amorosa algo llamativa, pero no era una figura popular en todos los hogares, y eso ayuda enormemente. Quiero ver a alguien completamente inesperado”, explicó McWilliams. Para la exdirectora de casting, elegir un rostro poco conocido favorece la credibilidad del personaje y permite que el público acepte la transformación en cada nueva etapa de la saga. El anonimato y el factor sorpresa resultan tan determinantes como el talento o la apariencia física del actor.

Otro aspecto que McWilliams considera fundamental es el respeto por la identidad de James Bond según la obra de Fleming. “Bond también debe seguir siendo un hombre porque así lo escribió Ian Fleming. ¿Por qué querrías cambiar eso? No han convertido a Harry Potter en Alice Potter o en una etnia diferente. Así fue escrito y así debería seguir siendo, creo yo”, manifestó. Sus comentarios revelan una postura firme sobre la continuidad del personaje en cuanto a género y origen, alineada con el canon literario de la saga. Para McWilliams, modificar esos aspectos supondría traicionar la esencia que hizo de Bond una figura reconocible en la cultura popular.

Actualmente, la búsqueda del nuevo 007 está en manos de Nina Gold, reconocida por su trabajo en franquicias como Juego de tronos y Star Wars. Gold fue la responsable de descubrir a Daisy Ridley para El despertar de la Fuerza. El próximo filme, el vigésimo sexto de la saga, será dirigido por Denis Villeneuve. La producción corre a cargo de Amy Pascal (Spider-Man) y David Heyman (Harry Potter), mientras que el guion está siendo escrito por Steven Knight, creador de Peaky Blinders. Amazon ha informado que no revelará detalles específicos durante el proceso de casting, aunque prometió compartir novedades con los seguidores de 007 cuando llegue el momento oportuno. El debate sobre el perfil ideal del próximo James Bond sigue abierto, con la opinión de McWilliams como referencia para quienes consideran que el agente secreto debe seguir siendo, ante todo, un enigma.

El personaje de Estela apareció en la última temporada de la serie, cuando la historia ya era seguida por una amplia base de fanáticos y sumaba debates por su tratamiento de temas sensibles. Estela es presentada como la hermana de Monty, el temido acosador escolar cuya vida estuvo marcada por la violencia familiar y el conflicto interno. Tras el encarcelamiento de Monty, Estela desarrolla una relación cercana con Tyler, uno de los estudiantes más afectados por los hechos en la escuela, y juntos asisten al baile de graduación.

La presencia de Navarrette en la serie no pasó desapercibida, aunque algunos seguidores discutieron la decisión de introducir un nuevo personaje vinculado a Monty en la última temporada. En foros como Reddit, se cuestionó si la llegada de Estela respondía a necesidades argumentales o si simplemente buscaba ampliar el espectro de sospechosos en torno a los misterios de la trama. Pese a estas discusiones, la participación de la actriz brindó un matiz diferente a la dinámica escolar, mostrando una perspectiva más vulnerable y menos confrontativa que la de su hermano. El debate sobre el aporte de Estela al desarrollo de Por trece razones reflejó la intensidad con la que los espectadores seguían el destino de los personajes y las consecuencias de sus acciones.

Desde su estreno en 2017, Por trece razones generó controversia por abordar sin rodeos problemáticas como el suicidio adolescente, la depresión, el acoso escolar y la agresión sexual. Basada en la novela de Jay Asher, la serie relataba la historia de Hannah Baker, quien antes de quitarse la vida grabó una serie de cintas para explicar sus motivos y señalar a quienes influyeron en su decisión. La crudeza de las escenas y el tratamiento de estos temas llevó a que la serie fuera cuestionada por organizaciones y medios, como The New York Times, que alertaron sobre el posible impacto en el público adolescente. Netflix decidió posteriormente editar la escena de suicidio de Hannah, en respuesta a las preocupaciones sobre su efecto en los espectadores. A pesar de las críticas, la serie mantuvo un alto nivel de popularidad y sirvió como plataforma para el lanzamiento de varios actores jóvenes, entre ellos Inde Navarrette.

El fenómeno ‘Obsession’

El reconocimiento internacional para Navarrette llegó con el estreno de Obsession, una película de bajo presupuesto que recaudó más de $339 millones a partir de una inversión de $750.000. En este thriller, la actriz interpretó a Nikki, un papel que la consolidó como una de las revelaciones del año y disparó su demanda en el mercado cinematográfico. El éxito de Obsession no solo posicionó a Navarrette como una figura central en la industria, sino que también llevó a la revisión de su trayectoria previa. Muchos espectadores redescubrieron su paso por Por trece razones al identificarla en entrevistas y materiales promocionales recientes.

Antes de su consagración en el cine, Navarrette había iniciado su carrera en 2018, participando en la comedia de Snapchat Denton’s Death Date y, posteriormente, en Por trece razones. Su proyección aumentó al incorporarse al elenco de la serie Superman & Lois en 2021, donde interpretó a Sarah Cortez, la hija del jefe de bomberos, en 47 de 53 episodios. Este recorrido, sumado al fenómeno de Obsession, la coloca hoy en la mira de productores y directores. A los 21 años, Navarrette representa el perfil de actriz joven con experiencia en temáticas complejas y capacidad para asumir roles de alto impacto comercial. La notoriedad alcanzada por Inde Navarrette en 2026 ha abierto nuevas oportunidades en su carrera. Su paso por Por trece razones es ahora recordado como un preludio, casi inadvertido, de una proyección que nadie anticipó entonces.

White, quien ha interpretado a Carmen “Carmy” Berzatto durante cinco temporadas, explicó que la producción le comunicó con antelación el destino de la historia. “Sabía desde hace dos años cuándo y cómo iba a terminar”, afirmó el actor. Según White, este tiempo le permitió prepararse emocionalmente para el cierre tanto de su personaje como del ciclo profesional que representó The Bear. “Fue difícil decir adiós, pero tuvimos una construcción gradual. Yo ya sabía el final, así que pude asimilarlo poco a poco”, señaló. Para White, el set donde se grabó la serie también ocupó un lugar especial. “Voy a extrañar a estas personas y el ambiente. El set de The Bear era muy particular: detallista, exigente y al mismo tiempo flexible”, agregó. El actor remarcó que la oportunidad de anticipar el final ayudó a enfrentar la despedida con mayor serenidad, aunque reconoció que el apego al equipo y al entorno fue profundo.

La noticia del final no solo impactó a White, sino a todo el elenco de The Bear. Ayo Edebiri y Ebon Moss-Bachrach, quienes interpretaron a Sydney y Richie respectivamente, también compartieron sus sensaciones tras el cierre. Edebiri recordó que la renovación para la segunda temporada fue un momento revelador: “Sentimos que algo grande estaba ocurriendo. Estábamos en Nueva York haciendo una sesión de fotos y percibíamos que la serie empezaba a resonar más allá de lo que imaginábamos”.

Experiencia emocional y despedida del reparto

En relación al desenlace, Edebiri expresó que, aunque la despedida resultó “difícil en algunos aspectos”, se siente “satisfecha” con la conclusión del arco de su personaje. “No vi los episodios finales, pero estoy feliz con cómo terminó todo para Sydney”, confesó. Moss-Bachrach, por su parte, consideró que era el momento adecuado para cerrar la historia: “Esta familia permanece, pero creo que era tiempo de terminar la serie. Me gustó mucho cómo concluyó todo y me siento bien”. La preparación emocional y el compañerismo en el set fueron elementos clave durante la última etapa de grabación. White describió la filmación de la primera temporada como una experiencia única, libre de expectativas externas, lo que otorgó a los actores una sensación de intimidad y libertad creativa. “Sabíamos que estábamos creando algo especial, pero no imaginábamos el alcance que tendría”, recordó el actor.

Desde su estreno en 2022, The Bear se consolidó como un fenómeno cultural. La serie, creada por Christopher Storer, narra la historia de Carmy, un chef galardonado que regresa a Chicago para transformar el negocio familiar tras la muerte de su hermano. A lo largo de cinco temporadas, la producción integró frases y dinámicas propias de la cocina profesional en el lenguaje cotidiano, destacando la expresión “Yes, Chef”, que trascendió la pantalla. El éxito de la serie se reflejó en la obtención de múltiples premios. White fue galardonado con dos premios Emmy y tres Globos de Oro por su interpretación de Carmy. El reconocimiento alcanzado por The Bear también impulsó la carrera de sus protagonistas, quienes destacaron la transformación que supuso el proyecto en sus trayectorias personales y profesionales.

El episodio final de The Bear ofreció un cierre a los principales personajes. Sydney, interpretada por Edebiri, asume el rol de chef principal y obtiene dos estrellas Michelin, consolidando su carrera en la alta gastronomía. Carmy, por su parte, decide dejar la industria restaurantera y busca nuevos horizontes profesionales, postulándose para una pasantía en un estudio de arquitectura. Richie, encarnado por Moss-Bachrach, acepta una invitación para asistir a un seminario internacional en Japón, superando su temor a volar. El reparto coincidió en que el desenlace fue satisfactorio y aportó una sensación de cierre auténtico. “La gente nunca queda totalmente conforme con los finales, pero yo estoy satisfecho”, concluyó Moss-Bachrach sobre el adiós a The Bear.

Hace sesenta años, Clint Eastwood rodó en España una de las películas que definiría no solo su carrera, sino toda una época del cine. El bueno, el feo y el malo se convirtió en un emblema del western europeo y en una referencia ineludible para generaciones de cinéfilos, aunque detrás de sus imágenes, como en todas las grandes películas que marcan la historia del séptimo arte, hubiera otra gran historia cuyo comienzo se da en el cementerio de Sad Hill en el que tiene lugar el famoso duelo final.

Bajo las notas de la música de Ennio Morricone y el tono épico de la dirección de Sergio Leone, la trama está a punto de resolverse en un enclave icónico que, sin embargo, había sido construido días antes en un pueblo cerca de Burgos por el ejército de España. “Pero se lo construyeron de verdad, con empedrado de verdad y con tumbas”, recuerda Luisa Cowell en el documental sobre el rodaje de la cinta, Desterrando Sad Hill, del que es coproductora.

Hubo más situaciones parecidas. Lo cierto es que, en 1966, los paisajes de Santo Domingo de Silos y otros puntos de la región sirvieron de escenario para las secuencias más recordadas del largometraje. A los pies de la peña del Carazo, por ejemplo, el equipo instaló 5.000 tumbas, mientras cientos de conscriptos de la mili se convertían, casi sin aviso, en extras y obreros: cada mañana, un sargento les ordenaba vestirse de unionistas y confederados y acudir al rodaje.

Un borracho en el set y un poncho “asqueroso”

La ayuda del Ejército español resultó crucial para Leone. Los soldados actuaron en pantalla y, además, realizaron otras labores claves como la reconstrucción del famoso puente, que se produjo tras detonaciones fallidas que obligaron a repetir la escena. La colaboración fue tal que, medio siglo después, la Asociación Cultural Sad Hill impulsó la restauración del cementerio, apoyada por un crowdfunding internacional y el entusiasmo de cinéfilos de todo el mundo.

La convivencia entre el equipo y los lugareños también dejó huella en la memoria. Lee Van Cleef, quien interpretó al “Malo”, fue recordado por su trato afable y, también, por sus malas costumbres. Tal y como contaba uno de los ayudantes de dirección, Fabio Fava, en una entrevista con El Español, este llegó a rodar alguna escena en estado etílico: “El propio director estaba tan preocupado por el alcoholismo de Van Cleef que nos dijo que lo único que se le ocurría para parar aquello era invitar a su esposa al rodaje. Aquello fue mano de santo”.

Clint Eastwood, por su parte, no ocultó nunca sus reservas sobre la evolución de la llamada Trilogía del dólar, de la que El bueno, el feo y el malo iba a ser su última parte y que antes ya había contado con los títulos Por un puñado de dólares y La muerte tenía un precio. “En la primera película fui el único protagonista. En la segunda lo compartí con otro actor. En esta tercera ya somos tres. ¿Qué haré en la próxima? ¿De séptimo de caballería?”, le decía a Leone. Por si fuera poco, también confesó años después que el poncho que usó durante el rodaje “estaba realmente asqueroso”.

De la pantalla al mito

La historia de El bueno, el feo y el malo gira en torno a tres pistoleros en busca de un tesoro enterrado en tiempos de la Guerra de Secesión. El personaje de Eastwood, conocido como el “Hombre sin nombre”, nunca recibe un nombre propio en pantalla, aunque sí apodos como “Rubio” o “Manco”. Sea como sea, no necesita un nombre para soltar algunas de las frases más icónicas de la historia del cine: “Verás, en este mundo hay dos tipos de personas, amigo mío: los que tienen armas cargadas y los que cavan. Usted cava”.

La película sería todo un éxito y pasaría a convertirse en un título de culto del spaghetti western. Quentin Tarantino, sin ir más lejos, ha llegado a declarar que El bueno, el feo y el malo es “la película mejor dirigida de todos los tiempos”, mientras que Martin Scorsese la define como “una obra maestra”. Sin embargo, Eastwood acabaría realmente harto de trabajar con Leone, a quien le acusaba de ser demasiado perfeccionista e incluso obsesivo, razón por la que tras el rodaje decidiría rechazar el papel de Armónica en Hasta que llegó su hora. Leone eligió entonces a Charles Bronson, quien aceptó de inmediato y terminó protagonizando la que sería una de las películas más celebradas del director italiano.

Por su parte, la banda sonora de Morricone en El bueno, el feo y el malo marcó un antes y un después en las películas del Oeste: el tema principal, que evoca el aullido de un coyote, asigna un instrumento a cada personaje. El álbum de la banda sonora permanecería en listas de éxitos durante más de un año, y canciones como El éxtasis del oro incluso llegarían a ser reinterpretadas por grupos como Metallica.

El 60 aniversario: homenaje y celebración en Burgos

Como El bueno, el feo y el malo cumple ahora 60 años, a lo largo de varios pueblos de Burgos la Asociación Cultural Sad Hill ha preparado un calendario especial para conmemorar esas seis décadas de su estreno. Entre el 23 y el 26 de julio, habrá diferentes exposiciones, proyecciones accesibles, visitas teatralizadas, conferencias y la presentación de un libro dedicado al filme.

La celebración incluirá una recreación del mítico duelo en el cementerio de Sad Hill, con la música interpretada en vivo por la banda Alfoz de Lara. También habrá una proyección al aire libre de El bueno, el feo y el malo en el campo de fútbol de Contreras, abierta a todos los públicos. La iniciativa busca rendir tributo no solo a la película, sino a todos los que participaron en su creación y a los lugares de España que se convirtieron, por unas semanas, en el corazón del western mundial.

Sin embargo, desde 2024, se ha convertido en una presencia habitual gracias al ‘spin-off’ El Pingüino, sobre el personaje que aparecía en The Batman, y Sugar, de la que además ejerce como productor ejecutivo.

Acaba de aterrizar en Apple TV la segunda temporada de esta última, en la que el intérprete encarna a John Sugar, un investigador privado poseedor de un rígido código moral que guardaba un secreto inaudito que se desvelaba en la primera temporada, en uno de los giros argumentales más aplaudidos por los seguidores.

“Una de las mejores cosas de interpretar este personaje ha sido lo decente que es. Resulta inspirador en el mundo en el que vivimos, que todavía mantenga la esperanza en el ser humano, lo cual creo que es muy difícil para la mayoría de nosotros cuando vemos lo que sucede en el mundo”, dice Colin Farrell desde una rueda de prensa en Los Ángeles.

El giro de guion que lo cambió todo

El giro al que nos referíamos es la procedencia alienígena del protagonista, que, junto a un grupo de compañeros, se dedicaba a observar nuestro planeta. El problema era que cuanto más tiempo pasaban aquí, más humanos se volvían y su mente se distorsionaba en torno a su identidad.

Además, el protagonista siempre ha tenido una debilidad, el cine clásico, razón por la que durante toda la serie aparecerán fragmentos de películas con las que se establecerá una relación con lo que está pasando en la ficción, que no deja de ser un homenaje al cine negro de la época dorada de Hollywood.

“Amo las películas antiguas, también las nuevas. Pero cuando llegan las Navidades, siempre vemos ¡Qué bello es vivir!, también El tesoro de Sierra Madre. No me adentro tanto como John Sugar en ellas, porque él usa el cine casi como referencia ‘comportamental’ y sociológica de cómo debería ser. Pero, definitivamente, me gustan. Y, ya sabes, la primera temporada de Sugar la usé como una oportunidad para empaparme de cine negro".

Una segunda temporada fiel a su espíritu

En esta segunda temporada, John Sugar estará solo, ha decidido quedarse en la Tierra y ya no tiene contacto con nadie, pero necesita seguir ayudando a la gente. Por eso, aceptará un nuevo caso, encontrar al hermano de un boxeador que andaba metido en líos y que ha desaparecido.

“Queríamos honrar el tono de la serie que se estableció en la primera temporada, pero también permitir un cambio de situación en cuanto al personaje. Lo principal, por supuesto, es que él ahora, por primera vez, es un hombre realmente solo, un expatriado, un inmigrante. Todos los demás, todos sus amigos, todos sus compañeros han vuelto a su planeta de origen. Así que ahora le toca luchar mucho con esa sensación de aislamiento, y cómo eso influirá en su manera de ser”.

Cuenta el actor que la primera temporada se desarrollaba en zonas más acomodadas, como Bel Air, Palisades, los estudios de cine y toda esa gente poderosa de Hollywood. Y que esta tiene lugar en K-Town, en los bajos fondos, lo que muestra una parte diferente de Los Ángeles. Además, así se pone de manifiesto el desarraigo del protagonista junto con otros individuos que se encuentran también fuera del sistema.

Dice que cuando llegó a Los Ángeles con 22 años, se sintió bastante solo. Le parecía una ciudad poco amable y en la que era difícil establecer lazos. “Después ibas a fiestas en mansiones en las que había tanto dinero, tantos famosos, y eso también le deja a uno perplejo con esa edad. Pero la parte empresarial de Hollywood me incomodaba un poco”, cuenta.

También se confiesa sobre su adicción al alcohol en ese tiempo. “En esa época bebía, y prefería los bares de mala muerte, en Los Ángeles también los hay, bares que eran una cochambre y en los que me sentía más a gusto”.

Cree que Sugar es, al fin y al cabo, una serie que también refleja lo mejor y lo peor del ser humano, cómo la codicia genera violencia.

“Es duro ser humano y puede ser horrible, deprimentemente y generador de ansiedad. Y si no nos apoyamos unos a otros, entonces estamos en problemas. A veces tengo que recordarme a mí mismo, cuando veo las noticias y el mundo a nuestro alrededor, cuánta gente increíble hay también haciendo cosas asombrosas, porque la violencia se convierte en protagonista y es más visible”.

La actriz ha relatado en el pódcast Armchair Expert, que el accidente se produjo mientras rodaba una escena junto a Daniel Craig y Harrison Ford, con 40 caballos detrás atravesando el desierto a toda velocidad para una secuencia de combate contra alienígenas.

Wilde ha explicado que su caballo saltó una zanja grande durante la toma y la expulsó “de la forma más loca”. La intérprete ha dicho que se golpeó en la cabeza y en la espalda y quedó en el suelo al otro lado de un desnivel de tierra, oculto para los caballos que venían detrás, en medio de una nube de polvo.

Cómo Walton Goggins le salvó la vida

La actriz ha descrito aquel instante como una situación límite. Con la oreja pegada al suelo, ha recordado, podía oír la llegada de los animales “como un trueno” y pensó que todo acabaría rápido.

Según ha narrado al pódcast, Goggins la vio caer y reaccionó en una fracción de segundo: cruzó su caballo justo delante de ella para que el impacto del resto de la estampida recayera sobre él y no sobre el cuerpo de la actriz. Wilde ha subrayado que el actor es un gran jinete y que por eso pudo controlar la maniobra.

“Walt Goggins había visto que yo estaba delante de él y, en una fracción de segundo, pensó en girar su caballo de lado justo delante de mí y dejar que todos chocaran más o menos contra él”, ha dicho. “La gente se abrió a ambos lados pensando que se había vuelto loco, pero estaba protegiendo mi cuerpo en el suelo.”

La actriz ha resumido la escena con una frase rotunda: “Le debo la vida. Es una locura. Es un héroe en la vida real”, ha dicho refiriéndose al rodaje del wéstern de ciencia ficción dirigido por Jon Favreau.

Una película que fue una decepción comercial

Cowboys & Aliens se estrenó en julio de 2011. La película, basada en la novela gráfica del mismo nombre, estuvo encabezada por Daniel Craig y Harrison Ford, con Wilde, Goggins, Sam Rockwell y Paul Dano en papeles de reparto.

La cinta recaudó 175 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de producción situado en el entorno de 160 millones de dólares, lo que la convirtió en una decepción comercial.

El relato de Wilde no añade más detalles médicos sobre las consecuencias del golpe en la cabeza y la espalda. Sí fija con precisión el momento en el que, tumbada tras la caída y sin visibilidad para los caballos que llegaban, la intervención de Goggins, conocido por su papel en The White Lotus, evitó que la pisotearan.

La creadora se encuentra inmersa en la promoción de La invitación, de la que es directora e intérprete junto a Penélope Cruz, Edward Norton y Seth Rogen y se trata de un ‘remake’ de la película Sentimental, del español Cesc Gay.

La mítica marca de bicicletas y motocicletas, recordada por fabricar la famosa Torrot Cross MX que pedaleaban los protagonistas de la serie ‘Verano Azul’, está a punto de desaparecer del mercado definitivamente. Y es que, tras no poder superar su última crisis financiera, Torrot ha entrado en concurso voluntario de acreedores tras declararse insolvente, como ha podido saber La Vanguardia. La noticia se ha recibido con gran tristeza, al haber acompañado a varias generaciones desde mediados del siglo XX.

La empresa, que actualmente tiene su sede operativa en la localidad de Salt (Girona), ha solicitado de forma directa al juzgado mercantil la apertura de la fase de liquidación de sus activos, un movimiento legal que marca el inicio del cierre tras años intentando mantener a flote su ambicioso proyecto de movilidad eléctrica. Al parecer, en 2024, la compañía ya había intentado ganar algo de tiempo mediante un acuerdo de refinanciación para reestructurar un abultado pasivo cercano a los 15,9 millones de euros.

Entre sus principales acreedores se encontraban entidades de gran peso como BBVA, Telefónica, Avalis y el CDTI, con quienes se había establecido un exigente calendario de pagos que debía extenderse hasta el año 2028. Sin embargo, la empresa ha sido incapaz de cumplir con este plan de viabilidad. El acuerdo llegó después de un desplome severo, pasando de los 4,5 millones de euros facturados en 2023 a tan solo unos 1,7 millones en el ejercicio de 2024 -coincidiendo con su reemisión en La 2-.

Debido a ello, la compañía trató de apaciguar el declive financiero hasta quedarse con apenas 13 trabajadores. No obstante, dos años después, Torrot no ha tenido más remedio que iniciar la fase de liquidación, con la que se buscará la venta de los activos restantes para intentar satisfacer parte de la deuda contraída con los acreedores.

El ingenioso revés que le dio el nombre

Con este frío desenlace empresarial se apaga el legado de una firma que nació en 1948 en Vitoria gracias a la tenacidad de su fundador, don Luis Iriondo. En sus orígenes, la empresa comenzó fabricando robustas bicicletas de paseo y carretera, coincidiendo en el tiempo con el florecimiento de otras marcas históricas del ciclismo nacional como Orbea o BH, como describen en su web.

Curiosamente, el nombre de Torrot nació de un revés empresarial: en la década de los cincuenta, Iriondo había logrado un acuerdo para fabricar bajo licencia los vehículos de la famosa marca francesa de Dijon, Terrot (creando la sociedad Terrot S.A.E.). Cuando Peugeot absorbió a la empresa francesa en 1958 y cerró sus puertas en 1960, dejando a Iriondo sin licencia, el visionario empresario vasco decidió cambiar simplemente la “E” por una “O”. Así se dio origen a la marca Torrot, lo que le permitió dar continuidad a la fabricación de su propia familia de ciclomotores y motocicletas ligeras con identidad propia.

Durante las décadas de los sesenta y setenta, bajo las marcas Torrot y CIL, la empresa se consolidó como una de las más innovadoras de España. De hecho, sus vehículos llegaron a ser comparados con el “Tucker” de los ciclomotores por ser casi indestructibles e introducir novedades que luego se popularizarían, como el caballete lateral retráctil o el tubo de escape tipo bufanda elevado.

La serie que impulsó a la cumbre a la marca española

Pero, sin lugar a dudas, el mayor éxito y alcance cultural de la marca llegaría a principios de los años ochenta gracias a la televisión pública. Uno de sus modelos más recordados, la icónica bicicleta infantil Torrot Cross MX, equipada con una llamativa suspensión delantera, se convirtió en el auténtico objeto de deseo de toda una generación de niños españoles.

La culpa de este fenómeno la tuvo su aparición constante en la legendaria serie de Televisión Española, ‘Verano Azul’, estrenada en 1981. El impacto de esta producción fue tan inmenso que, según los datos de RTVE, para el año 1995 más del 91% de los españoles había visto al menos uno de sus capítulos.

En aquella época en la que las bicis representaban la máxima expresión de libertad para los jóvenes, ver a personajes tan queridos como Javi, Bea, Tito, Quique, Pancho, Piraña y Desi recorriendo las calles de Nerja a lomos de estas monturas las convirtió en un símbolo de la cultura popular. Esta bicicleta infantil, además, fue la precursora que sentó las bases para el éxito que poco después vivirían en el país las bicicletas BMX, las míticas California y la llegada de las primeras Mountain Bike.

Un éxito en montaña rusa

Como tantas otras enseñas históricas de la industria nacional, Torrot no logró sobrevivir a la dura crisis industrial de los años noventa y terminó cesando su actividad. Sin embargo, la compañía experimentó un sorprendente renacimiento en el año 2011, esta vez apostando decididamente por la movilidad eléctrica y sostenible. La marca intentó aprovechar el prestigio de su herencia histórica para adentrarse en un mercado de futuro, desarrollando funcionales scooters urbanos eléctricos (como la gama Muvi), motos infantiles enfocadas al off-road (modelos como la MX1 y MX2) y bicicletas eléctricas.

Durante esta última década de operaciones, Torrot llegó a tener un papel muy relevante en el tejido industrial español; incluso impulsó temporalmente la recuperación y viabilidad de otra marca mítica, GasGas, antes de que esta acabara siendo integrada en el organigrama del gigante KTM, y logró un importante reconocimiento a nivel internacional en el especializado segmento de las motocicletas eléctricas infantiles.

La apuesta teórica por la electrificación parecía tener todo el sentido en un mundo que clama por vehículos más ecológicos. No obstante, el mercado no siempre recompensa a los proyectos que quizá llegan demasiado pronto, o que carecen del músculo estructural y financiero necesario para competir a largo plazo frente a gigantes del sector. Finalmente, la falta de ingresos terminó por asfixiar a una marca que intentó reinventarse sin éxito, dejándola atrapada en el lenguaje de la insolvencia y la liquidación.

A principios de los años 2000, el cine estadounidense experimentó una auténtica revolución en cuando a comedia se refiere. Las comedias del nuevo siglo llegaron cargadas de humor vulgar, chistes políticamente incorrectos y personajes sorprendentemente tiernos, encarnados por una serie de rostros nuevos hoy icónicos: Steve Carrell, Seth Rogen, Ben Stiller, Vince Vaughn, Owen Wilson... Y Jack Black.

El actor de 56 años se descubrió internacionalmente como una estrella del nuevo Hollywood cómico con Alta fidelidad (2000), película a la que seguiría el gran éxito de Amor ciego (2001) y, muy probablemente, la que es su película más recordada: Escuela de rock (2003). Esta última es una de las comedias favoritas del público de los 2000: una cinta hilarante donde el actor interpreta a un guitarrista con delirios de grandeza y al que acaban de expulsar de su banda, cuyos problemas económicos lo lleva a ejercer como docente sustituto en una escuela donde pretenderá enseñar “rock & roll de alto voltaje”.

La cinta dirigida por Richard Linklater logró instalarse en la memoria colectiva no solo por su humor, sino también por la manera en que abordó temas como la creatividad y la búsqueda de pasión en la vida cotidiana. Además, la química entre el intérprete principal y el elenco infantil dio algunas escenas realmente divertidas, lo que, sumado a la presencia constante de la música, provocó que la película tuviera un éxito inmediato. “Una delicia uy divertida para chavales de todas las edades que debería catapultar a Black a lo más alto de la lista de cómicos de Hollywood”, celebraban en The New York Times.

El creador de ‘The White Lotus’ fue clave en la película

Escuela de rock es uno de los títulos más emblemáticos de la carrera de Richard Linklater, pero, al mismo tiempo, una rara avis en la filmografía del reconocido director. Estamos hablando del cineasta responsable de dramas como Boyhood (Momentos de una vida) (2014) o de romances, la trilogía iniciada con Antes del amanecer (1995). Y eso, por no hablar de toda la carrera en el circuito de cine independiente en la que había despuntado en los 90 con joyas como Movida del 76 (1993) .

Así pues, ¿cómo acabó Linklater en una comedia junto a Jack Black? La respuesta tiene mucho que ver con otro nombre clave en la película: el del guionista de la película, Mike White, a quien ahora conocemos por su aclamada serie The White Lotus (2021), quien conocía de buena mano al actor por ser su vecino. De hecho, pensó directamente en él cuando escribió el proyecto, y cuando el texto pasó a Paramount, igualmente pensó inmediatamente en Linklater al considerar que la película necesitaría a alguien que, además de la comedia, fuera sensible a la juventud de la época. Y quién mejor que el joven director indie que conquistaba por su fresca mirada de los Estados Unidos del nuevo siglo.

Así pues, Linklater vio en el guion una oportunidad dorada para hacer una carta de amor al rock (todos los niños tocan los instrumentos de verdad, ya que por encima de todo quería autenticidad) y transmitir ese conocimiento a una nueva generación. El resultado ya es historia de la comedia estadounidense. El éxito comercial masivo de Escuela de rock (recaudó más de 130 millones de dólares a nivel mundial) le dio a Linklater el empujón definitivo tanto a nivel financiero como de respeto, mientras que Jack Black se consagró como una nueva estrella de cine. La película, por cierto, se encuentra actualmente en el catálogo de Netflix, donde estará disponible hasta el 1 de julio.

Este 2026 está siendo un gran año para el cine de terror, y más si tenemos en cuenta que el pasado ya nos proporcionó algunos grandes títulos como Los pecadores, Weapons, Devuélvemela o 28 años después.

Sin embargo, dos cineastas jóvenes que han sido capaces de revolucionar la taquilla estadounidense con propuestas de bajo presupuesto, se han convertido en los auténticos protagonistas de esta temporada.

Se trata de Backrooms, de Kane Parsons y de Obsession, de Curry Barker, que acaba de aterrizar en la cartelera española. Una película que reactualiza los códigos del terror clásico adaptándolo a las nuevas generaciones a través de una historia sobrenatural sobre cómo pedir un deseo, se puede convertir en una auténtica pesadilla.

Repasamos cinco películas imprescindibles que siguen la senda de Obsession ya sea por su frescura, por abordar el tema de las relaciones tóxicas desde un punto de vista diferente o por convertirse en reflexiones en torno a los miedos contemporáneos.

‘Háblame’

También surgidos del ámbito de Internet, los hermanos australianos Danny y Michael Philippou, se convirtieron en una sensación gracias a su ópera prima, que exploraba el duelo adolescente a través de una narrativa de terror vinculada a la posesión, la tecnología móvil y las redes sociales.

Un grupo de jóvenes encuentra una mano embalsamada que permite conectar con espíritus, y convierte las sesiones de posesión en una experiencia grabada y difundida digitalmente. La trama fusiona el espiritismo tradicional con la exposición en internet, planteando una versión moderna de la ouija, donde la adicción y el peligro se potencian por la ‘viralización’ en redes.

Los Philippou aportan un estilo que combina recursos audiovisuales digitales y técnicas de puesta en escena precisas, logrando un cruce maestro entre horror y lenguaje adolescente. Se puede ver en Prime Video.

‘El brillo de la televisión’

Otra pequeña joya es este film dirigido por Jane Schoenbrun, que este año ha presentado en Cannes su esperada Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma.

En esta ocasión, utilizaba una serie televisiva ficticia de los años 80 y 90 como punto de partida para seguir a un adolescente que, guiado por una chica más mayor, solitaria como él, se introducirán dentro de ficción, que se convertirá para ellos en un universo de escape de la realidad.

Una película repleta de imaginación visual sobre el sentimiento de aislamiento de los jóvenes repleto de nostalgia noventera y que aborda con creatividad esos espacios liminales entre la cotidianeidad y la virtualidad, así como de qué manera conforman la identidad. En alquiler en Apple TV.

‘Todos morimos en la oscuridad’

Dirigida por Robbie Banfitch, la película comienza con un grupo de amigos que realiza una acampada en el desierto de Mojave, donde planean grabar un videoclip. El registro de su viaje queda plasmado en tres tarjetas de memoria halladas posteriormente, presentando así la historia bajo el formato de metraje encontrado. Todo irá bien hasta que se topen con un fenómeno imposible de definir y el horror se apoderará de ellos.

En lugar de limitarse a imitar a El proyecto de la bruja de Blair, la película desarrolla su propio sello al combinar elementos clásicos del subgénero con un enfoque en el horror cósmico, caracterizado por su ambigüedad y la sensación de que los personajes son insignificantes ante una fuerza incomprensible.

El film alterna momentos de violencia gráfica con una puesta en escena basada en recursos técnicos acordes al perfil de los protagonistas, así como el uso de una cámara DSLR de gama media y efectos especiales que, pese al bajo presupuesto, logran una apariencia convincente, incluyendo criaturas y prótesis elaboradas.

El montaje, el sonido penetrante y las imágenes enigmáticas completan una experiencia sensorial absolutamente memorable y brutal que rompe con todas las convenciones del subgénero. Disponible en Prime Video.

‘Together’

Michael Shanks compone una película de horror corporal protagonizada por la pareja en la vida real formada por Alison Brie y Dave Franco.

Ambos están atravesando un bache en su vida sentimental, pero apuestan por trasladarse a una zona rural para intentar rehacer sus vidas. En una espada por el bosque, quedan atrapados en una gruta y, a partir de ese momento, comenzarán a sentir extraños síntomas, sobre todo él: no puede separarse de su novia sin tener graves síntomas físicos.

Together es al mismo tiempo una película en torno a la disección de las relaciones de pareja como una brillante muestra de terror extremo en el que los protagonistas comenzarán a fusionarse entre sí, primero a través de pequeños solapes hasta convertirse en un único ser. También disponible en Prime Video.

‘Keeper’

Osgood Perkins tras su aclamada Longlegs y la adaptación de The Monkey, de Stephen King nos situaba en una cabaña aislada del bosque donde Liz y Malcolm pasan un fin de semana pese a que ella arrastra dudas sobre una relación de apenas un año y sospecha que esa aparente armonía oculta algo más.

El punto de partida parece clásico, pero la película rehúye una lectura cerrada desde el principio. Así, no sabremos si estamos ante una historia de fantasmas, un slasher o una mezcla de ambos, pero está claro que el ambiente estará dominado por la extrañeza desde el principio que nos remite a un mal arcaico.

La película se distancia del terror prefabricado y de la estética impostada que dominan parte de las tendencias actuales del género, para apostar por J-horror y el folk horror, dos tradiciones que sirven para llevar la historia hacia zonas más turbias y menos previsibles. Una magnífica película que aborda el machismo, la violencia contra las mujeres y la figura del hombre que se considera superior dentro de un espacio de pesadilla. Disponible en Movistar Plus+.

Marcel Proust (París, 1871-1922) es en palabras de su biógrafo, Jean-Yves Tadié, una leyenda. A menudo comparado con el éxito alcanzado por el propio Miguel de Cervantes o William Shakespeare, su contenido es universal. “Los chinos o los japoneses lo aprecian tanto como los americanos o los españoles. Ya ni siquiera es un escritor francés”, dijo a El País en 2021, con motivo de la conmemoración de los 150 años del nacimiento del escritor.

Esa dimensión universal explica que, más de un siglo después, no solo sus obras sigan siendo consideradas una de las cimas artísticas del siglo XX, sino que también lo hagan algunas de las reflexiones que dejó en su obra. “El verdadero viaje de descubrimiento no es buscar nuevos paisajes, sino mirar con nuevos ojos”, es una de ellas.

Esta cita forma parte de La prisionera, el quinto volumen de la obra cumbre del autor, En busca del tiempo perdido. Divida en siete partes y escritas entre 1908 y 1922 y publicadas entre 1913 y 1927, hacen de ella una de las obras más extensas del mundo. De hecho, sus 9.609.000 caracteres incluidos en sus 3.031 páginas hacen que ostente el título del libro más largo del mundo, según el Guinness World Records. Desde 1912 nadie le ha superado.

La obra pretende reproducir los recuerdos de un joven escritor francés de comienzos del siglo XX, retratando la vida de la clase alta parisina mientras desarrollaba temas como el paso del tiempo y sus efectos, las diferencias entre clases sociales o la homosexualidad. Precisamente, en este volumen, el narrador convive con Albertine Simonet, una joven de la que está profundamente enamorado, pero cuya presencia se convierte también en el origen de unos celos obsesivos y de un constante deseo de control. La relación entre ambos sirve a Proust para explorar las contradicciones del amor, la posesión, la libertad y la dificultad de conocer realmente a otra persona.

Vida y obra de Proust

Nacido en el seno de una familia acomodada, Marcel Proust fue hijo del prestigioso médico Adrien Proust y desde niño fue hipersensible, padeciendo asma crónica. Aunque frecuentó los salones de la alta sociedad parisina, pasó los últimos años prácticamente recluido en su habitación, dedicada casi por completo a la escritura de la obra que acabaría inmortalizándolo.

Antes de publicar En busca del tiempo perdido, Proust había escrito Los placeres y los días (1896) y realizó una influyente traducción y estudio de las obras del crítico de arte inglés John Ruskin, una experiencia que reforzó su concepción del arte como una herramienta para comprender la realidad.

El primer volumen de su gran novela, Por el camino de Swann, fue rechazado por varias editoriales, por lo que el propio autor costeó su publicación en 1913. Con el paso de los años, la obra fue ganando reconocimiento hasta convertirse en uno de los grandes hitos de la literatura universal. Proust murió en París el 18 de noviembre de 1922, a los 51 años, víctima de una bronquitis agravada por su delicado estado de salud. No llegó a ver terminada la publicación de su novela, ya que los tres últimos volúmenes aparecieron de forma póstuma.

W. W. Jacobs publicó 1902 La pata de mono, un relato breve de terror en el que un talismán concede tres deseos a su dueño y los cumple de la forma más destructiva posible. La historia convirtió una premisa sobrenatural en una demostración narrativa sobre el destino y el precio de intentar torcerlo.

El mecanismo del cuento es preciso: la pata hechizada otorga tres deseos a tres personas distintas, y el anterior propietario del objeto pidió como tercer deseo la muerte. Ese detalle explica cómo llegó después a manos del sargento mayor Morris, que se presenta como segundo poseedor y asegura haber agotado ya sus propias peticiones.

Qué cuenta ‘La pata de mono’

La acción arranca en Laburnum Village, donde la familia White vive con comodidad: el padre, la madre y su hijo adulto Herbert. Una noche reciben la visita de Morris, amigo de juventud del señor White y militar que ha recorrido el mundo tras alistarse en el ejército.

Durante la velada, el invitado recuerda su paso por la India y enseña la pata de mono disecada. Explica que un faquir la hechizó para probar que los seres humanos están sometidos al destino y que nadie puede imponerse a sus designios.

Morris no presenta el objeto como una curiosidad exótica, sino como una amenaza. Reconoce que no ha conseguido venderlo y que teme lo que pueda ocurrirle a su próximo dueño; por eso intenta arrojarlo al fuego, aunque el señor White se lo impide y decide quedárselo.

La advertencia es inequívoca: si va a usarlo, debe pedir cosas razonables, porque cada deseo lleva asociada una consecuencia nefasta. El visitante incluso se marcha insistiendo en que lo tire o no lo utilice nunca.

Ya sin él, los White convierten la superstición en entretenimiento doméstico. Como el padre considera que no necesita nada, la familia decide pedir 200 libras para cancelar la hipoteca de la casa.

El deseo no trae una aparición inmediata del dinero, pero sí una señal física que altera al señor White: asegura haber visto y sentido moverse la pata en su mano. Su mujer y Herbert lo atribuyen a la imaginación y la escena queda suspendida hasta la mañana siguiente.

Herbert sale a trabajar y, más tarde, un hombre se presenta en la casa con la noticia que da sentido trágico al primer deseo. El joven ha muerto atrapado por la maquinaria de la empresa, que además ofrece a los padres una indemnización de 200 libras.

La equivalencia entre la suma pedida y la compensación recibida transforma el deseo en castigo. El cuento no necesita explicar más: el dinero llega, pero lo hace como precio de la muerte del hijo.

Una semana después del entierro, el relato desplaza el miedo desde la pérdida hasta la posibilidad de revertirla. La señora White, quebrada por la muerte de Herbert, despierta de madrugada a su marido y le exige que use el segundo deseo para devolverlo a la vida.

El señor White se resiste con un argumento material, no abstracto: han pasado diez días desde el fallecimiento y las máquinas dejaron el cuerpo irreconocible. Aun así, termina formulando la petición de resurrección y, al no percibir ningún efecto inmediato, cree durante unas horas que el talismán ha fallado.

Después llegan unos golpes en la puerta. La madre corre a abrir convencida de que Herbert ha tardado porque el cementerio está a dos millas de la casa, mientras el padre, aterrado ante la idea de encontrar reanimados los restos de su hijo, busca la pata antes de que ella descorra el cerrojo.

El tercer deseo se formula en silencio. Cuando el señor White alcanza la entrada, encuentra a su esposa llorando porque no hay nadie ni en la puerta ni en el camino.

Influencias en la cultura popular

La influencia del cuento se ha extendido durante más de un siglo y ha saltado de la literatura al teatro, la televisión, el cómic, el cine y la animación. Una obra en un acto de Louis N. Parker se estrenó en 1907, y el relato también fue incluido por Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo en la Antología de la literatura fantástica.

Entre sus derivaciones figura Wish You Were Here, publicada en noviembre de 1953 en el número 22 de Haunt of Fear, donde una pareja encuentra una estatuilla que concede tres deseos contraproducentes. Esa misma historia fue adaptada después en la película británica Tales from the Crypt, estrenada en 1972.

La televisión también ha reutilizado el motivo de forma directa o deformada. The Monkey’s Paw – A Retelling se emitió el 19 de abril de 1965 en la décima temporada de The Alfred Hitchcock Hour, y el esquema del objeto que cumple deseos con consecuencias funestas reaparece en Historias para no dormir, ¿Le temes a la oscuridad?, Tales from the Cryptkeeper, Los Simpson, Rick y Morty y la serie ecuatoriana Zona Obskura.

El tema inspiró además Cementerio de animales de Stephen King, y ahora, Curry Barker ha utilizado esta mitología para modernizarla en Obsession.

La película arranca con Joe y Angela, un matrimonio de San Francisco interpretado por Seth Rogen y la propia Olivia Wilde, que invita a cenar a sus vecinos Hawk y Pina, encarnados por Edward Norton y Penélope Cruz. La velada deriva hacia una confesión sexual: la pareja de arriba revela que practica sexo en grupo y propone a sus anfitriones sumarse a un encuentro a cuatro.

El filme tuvo su première el 25 de enero de 2026 en el Festival de Sundance provocó una ovación en pie y abrió una puja de varios días que ganó A24 por 12 millones de dólares. Esa compra situó la cinta no solo como uno de los títulos más comentados del certamen, sino también como una posible aspirante en la carrera de premios.

El trabajo más sólido de Olivia Wilde

Y es que, según lo que dicen los medios estadounidenses, Wilde ha encontrado aquí su trabajo más sólido como directora y uno de los más afinados como actriz. El guion, firmado por Rashida Jones y Will McCormack, organiza la historia como una comedia de modales que va derivando en una comedia de errores, con diálogos superpuestos, reproches domésticos y una progresiva exposición de las grietas de cada pareja.

Según IndieWire, la película se abre con un epígrafe de Oscar Wilde: “Uno debería estar siempre enamorado. Esa es la razón por la que nunca debería casarse”. A partir de ahí presenta a Joe como un profesor de música hundido en una rutina amarga, incapaz incluso de plegar correctamente su bicicleta al entrar en clase, y a Angela como una mujer ansiosa que vuelca toda su energía en preparar una cena excepcional en el piso que comparten.

La publicación describe ese apartamento como un escenario decisivo: amplio, ligeramente descompensado en su distribución y preparado por Angela con un cuidado casi obsesivo. Para la cena ha comprado una alfombra nueva, al menos seis tipos de queso y se ha puesto a hacer un suflé, mientras Joe ni siquiera ha llevado vino de camino a casa.

En Variety, Owen Gleiberman sitúa el corazón de la historia en la dinámica de ese matrimonio, que discute por cualquier detalle: un pepinillo cogido del aperitivo, la alfombra recién comprada, la bicicleta plegable, la botella de vino ausente o si ella le había avisado antes de la visita. Joe fue músico de indie rock y ahora es profesor asociado en un conservatorio cerca de Berkeley; Angela estudió arte, pero no continuó esa vocación, salvo en la manera en que ha amueblado y renovado la vivienda.

El mismo medio añade un dato de contexto familiar: ambos tienen una hija de 12 años, ausente esa noche porque está en una fiesta de pijamas. Joe, además, vive en un piso heredado de sus padres, una circunstancia que alimenta su sensación de fracaso, igual que su carrera musical truncada tras un único disco con un pequeño éxito.

Una comedia sobre parejas cruzadas

La comparación más repetida por la crítica ha sido con ¿Quién teme a Virginia Woolf?. Variety la formula como una mezcla de ese clásico con el Woody Allen de Maridos y mujeres, mientras The Guardian habla de una noche que Edward Albee aprobaría. La referencia no se limita al choque verbal entre dos parejas: también apunta a una estructura en la que la cortesía inicial se deshace y deja paso a la humillación, la atracción cruzada y una partida de la verdad cada vez menos controlable.

Cuando llegan Hawk y Pina, el equilibrio cambia. Él es un bombero retirado; ella, una psicoterapeuta y sexóloga nacida en España. Joe y Angela ya los conocen de oídas, o más bien de techo: el sexo ruidoso de sus vecinos ha sido motivo de conflicto entre ambos, porque él quiere quejarse y ella teme plantearlo.

La revelación de esa vida sexual no se presenta como un simple gag. Variety destaca que Pina y Hawk explican por iniciativa propia por qué hacen tanto ruido y acaban verbalizando la invitación central de la película: si Joe y Angela querrían participar en un encuentro sexual con ellos. Para ese crítico, la película convierte esa propuesta en una exploración de deseo, soledad, posibilidad y desgaste, sin reducirla a una broma ni resolverla de manera fácil.

IndieWire subraya cómo Wilde divide después a las dos parejas y vuelve a reagruparlas para mostrar facetas distintas de cada personaje. Angela encuentra con Hawk una química inesperada a partir de un interés compartido por las alfombras, convertido en chiste recurrente, mientras la ira desconcertada de Joe se suaviza con la presencia de Pina, con la que incluso comparte un porro en un momento de la noche.

Rodada en 35 mm en una casa

En ese juego de oposiciones también pesa el trabajo técnico. The Guardian resalta que Wilde ha rodado en 35 mm y ha reunido a colaboradores como Dev Hynes en la música, Arianne Phillips en vestuario, Yorgos Mavropsaridis en montaje y Adam Newport-Berra en fotografía. IndieWire añade que el vestuario enfrenta visualmente a las dos parejas y que la cámara compone encuadres que extraen nuevas tensiones de un único espacio.

Ese espacio es crucial hasta el punto de que Variety lo considera un quinto personaje. El mismo medio, en su análisis sobre la temporada de premios, señala que la diseñadora de producción Jade Healy construyó un apartamento de San Francisco pensado para funcionar dramáticamente dentro del conjunto. El artículo apunta además que Mavropsaridis y Anthony Boys imprimen a la película su ritmo cómico y su brusca oscilación emocional.

La valoración crítica no es unánime en todos los matices. IndieWire cree que el tercer acto pierde algo de pulso al cambiar parte del humor por emociones más oscuras y un pequeño giro de misterio en torno a Hawk y Pina. The Guardian, en cambio, sostiene que Wilde resuelve bien ese descenso tonal y remata con una escena final “delicadamente triste” que puso en pie al público de Sundance.

En conjunto, las reseñas convergen en una misma idea: La invitación funciona como una comedia para adultos poco habitual en el cine estadounidense reciente, apoyada en un reparto de cuatro intérpretes sin puntos débiles. Para Variety, esa combinación de control formal, escritura afilada y recepción en Sundance justifica que A24 la trate como una candidata seria de cara a los Oscar.

Su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade, pero todos sus discos los firma como Carminho. Se la conoce sobre todo por ser una de las principales referencias del fado portugués, un género tradicional en el que un solista, tradicionalmente acompañado de guitarras, canta desde la nostalgia o la llamada saudade. Sin embargo, su fama en España llegaría en 2011 por un género completamente distinto, el de la balada pop, tras su colaboración con Pablo Alborán en Perdóname, que la convirtió en la primera artista lusa en alcanzar el número 1 de lo más escuchado en nuestro país.

En 2025, el nombre de la fadista más famosa volvería a ser tendencia en España, aunque en esta ocasión sería por su colaboración con Rosalía en Memória, una de las últimas y más aplaudidas canciones de su álbum Lux. “Es una letra que yo escribí para un fado que tiene 50 años”, nos cuenta en su entrevista con Infobae, donde nos describe además cómo fue el proceso desde que ella misma decidió cambiarle la letra a ese viejo fado hasta que su socia musical le pidió incluirlo en su próximo disco.

Ahora, con más de un millón de oyentes en plataformas como Spotify y un nuevo LP, Eu Vou Morrer de Amor ou Resistir, lanzado en 2025, Carminho llega a España con una gira que la llevará por Badajoz (4 de julio), Valencia (11 de julio), Cartagena (21 de julio), Madrid (25 de julio), Bilbao (26 de septiembre), Barcelona (9 de noviembre) y Sevilla (20 de diciembre). “El público español me quiere y me trata muy bien”, afirma alguien cuya intención es expandir la magia del fado por todo el mundo, esa “alquimia” que, nos advierte, “es capaz de hacer que la gente se encuentre a sí misma, de llegarnos al corazón a través de la historia personal de cada uno”.

Una lengua universal, familiar y presente

Para Carminho, la relación entre la música portuguesa y española es única. “Es una relación que me encanta”, precisa, “porque de alguna manera estamos muy cerca, aunque no tan cerca como para ser conocedores de la música y de la cultura del otro”. De este modo, nada la alegra más que “acortar esa distancia”, y eso pasa también por abrirse a las diferencias que existen en el interior del país. “Disfruto mucho de cantar en castellano, también canto en catalán, en vasco. Es importante conocer estos rincones, porque es un país muy plural”.

En todos esos contextos, el fado no pierde nunca su capacidad para convertirse en una música que, más que escucharse, se vive como un proceso íntimo. “Si te emocionas en un concierto mío, no fui yo quien te emocionó, sino que tú te emocionaste con tu vida y con tu historia. No sé por qué estás pasando ni por qué te emocionas, pero el fado tiene la capacidad de llegar a esos lugares y abrir las puertas de la emoción, la nostalgia y el pensamiento”.

Ella vive por y para el fado. “Para mí es como un instrumento abierto y vivo”, lo describe. Porque el fado, para ella, no es solo un género del siglo XIX, sino una herramienta universal en la que, al igual que cada oyente encuentra su propia historia, el músico puede también imprimir su propio discurso y sus vivencias y compartirlos con otros artistas que hablen ese mismo idioma. En su caso, ese “instrumento” es inseparable de su familia, pues su propia madre también era fadista, lo que la convierte en una de sus mayores influencias. A partir de ahí, considera que su labor también ha sido vehicular esa música con la que nació como un “idioma contemporáneo y vivo” que hable de nuestro presente.

Su colaboración con Rosalía

Para Memória, Carminho cogió un fado clásico de Armando Machado con versos del poeta luso Mário Raínho y escribió una letra nueva para grabarla en su próximo disco. Al hacerlo, pensó que sería ideal contar con la voz de Rosalía para la grabación. “Lo que más me sorprendió cuando la conocí fue saber que, al principio, cuando no tenía la carrera que tenía, cantaba fados míos en los bares de Barcelona. Eso me encantó”, reconoce. Por eso, para ella algo que define a la artista catalana es que trata siempre de “hacer, sentir y expresar las cosas de maneras distintas”.

Sin embargo, la colaboración tomó un rumbo inesperado cuando Rosalía le pidió incluir Memória no en el disco de Carminho, sino en el suyo propio, Lux. Una petición a la que la cantante lusa accedió. “Es más fácil hacer canciones que hacer conexiones”, razona ahora. “Parte de la música es compartir, y aunque esa canción iba a ser el tema más importante de mi álbum, para ella cantarlo en el suyo iba a ser más importante”. Además, entendió que la oportunidad de que una artista tan global cantara un fado tradicional podía convertirse en un evento “gigante” para la cultura portuguesa.

“Hay personas que se quedarán solamente con la canción y no profundizarán, pero otras sí descubrirán de dónde viene esta canción y lo que significa. No sé si una persona tan global había cantado un fado antes”, celebra. Por si fuera poco, Rosalía la invitó a subirse al escenario del Lux Tour a principios de abril, cuando precisamente actuó en Lisboa. “Fue muy generoso”, agradece, “porque, de alguna manera, me devolvió la canción”. A veces, Carminho también canta Memória en sus propios escenarios, pero lo hace de una forma mucho más tradicional para que los oyentes aprecien el contraste y entiendan de dónde viene: cuál es la esencia y el lugar de nacimiento de esa canción que ahora todos cantan.

La respuesta era clara: las nuevas generaciones están cansadas de ver siempre repetidas las mismas fórmulas, de sentirse estafadas con las ficciones y quieren algo nuevo y fresco con lo que sentirse identificadas.

Por esa razón, esa vía de mezclar productos que han sido rentables y lo suficientemente explotados para hacer copias miméticas casi generadas por IA y en las que no hay una pizca de riesgo ni de personalidad debería de terminarse definitivamente ya.

Ya no sirven los malos cócteles

Y es que ya no sirve combinar en una coctelera Élite y The White Lotus (y a ver qué sale), porque se ven tan a la legua las intenciones que no va a funcionar confeccionar una producción tramposa prefabricada, sin alma, sin entidad, sin ganas, hecha con retazos de saldos de un bazar en decadencia.

Así es Oasis, la nueva apuesta de Netflix para el ‘veranito’ ambientada en un resort de lujo en el que un grupo de adolescentes se enfrentará a la desaparición de una compañera en circunstancias misteriosas que ellos, por sus propios medios, y dada la incompetencia de los adultos, intentarán resolver. Un whodunit teen absolutamente inenarrable pero, eso sí, con muchas dosis de ‘postureo’.

La ficción consta de ocho episodios y sitúa el centro del relato en Celia (Victoria Kantch), trabajadora del complejo e hija de su director (Unax Ugalde), cuya desaparición activa el cierre policial del establecimiento. A partir de ahí, la búsqueda recaerá sobre Helena (Ana Garcés), su mejor amiga, y Dani (Tomy Aguilera), un huésped que había iniciado un vínculo sentimental con ella menos de 48 horas antes. Todo muy rápido y muy intenso.

Hay muchos protagonistas, un reparto muy coral, una mezcla entre novatos y veteranos (con Mercedes Sampietro, Paco Tous o Alicia Borrachero), pero todos están descritos a través de pinceladas tan breves como ‘reduccionistas’, de modo que cada una de las presencias no para de dar vueltas sobre sí misma a lo largo de toda la serie, aunque siempre el guion se reserve un ‘girito’ final para expiar sus supuestos pecados a base de ‘moralina’.

Un batiburrillo indigesto y ‘viejuno’

El vacío que contiene Oasis es cósmico y sideral: las tramas son una absoluta tontería, incapaces de sostener una trama mínimamente coherente, los registros están forzados hasta parecer una comedia burda, las voces en off de cada uno de los capítulos parecen sacadas de un libro de autoyuda desfasado y solo queda en el aire un puñado de ‘niñatos’ ricos y tontos viviendo experiencias ridículas imposibles de defender.

Hay tríos amorosos de ‘chichinabo’, profesores de golf cazafortunas, romances ‘intergeneracionales’, trapicheos con drogas, todo dándole una importancia que en realidad no tiene. Y, sobre todo, atención a esos dos jóvenes que nunca sabremos por qué están dispuestos a sacrificar su vida por una empresa (buscar a la chica desaparecida) que no les corresponde.

En realidad, da un poco igual de lo que vaya Oasis, es todo tan superfluo que no merece la pena escarbar más en la miseria de la propia serie, porque ni siquiera tiene la capacidad de ser un poco ‘autoconsciente’ y apostar por lo directamente ‘camp’, por el cachondeo banal y punto, porque todas las tramas, por muy cazurras que sean, bien que se lo toman en serio.

Quedan, eso sí, los cuerpos perfectos de todos los muchachos, las marcas de ropa de lujo, las sonrisas delineadas, las copas margaritas a todas horas y un estilo de vida de lo más nocivo sacado de las influencer de Instagram, porque la crítica social que propone entre ricos y trabajadores es una cuestión a olvidar, porque no existe.

En definitiva, otra serie hecha para ocupar un espacio en la ‘cartelera’ de Netflix veraniega, hecha por gente mayor para los jóvenes, personas que utilizan algoritmos para empaquetar un producto y que sin duda no tienen ni idea ya de cuáles son los gustos o preferencias de las personas a las que se dirigen, demostrando que se encuentran en una fase que roza lo carcamal.

En lengua finesa, la palabra sisu se emplea para hacer mención a la capacidad de una persona de no rendirse nunca, incluso ante la adversidad extrema. Tal es la palabra que podría definir a muchos de los grandes héroes del cine de acción, como Rambo o, actualmente, John Wick. A estos y otros protagonistas de películas donde las peleas sangrientas están a la orden del día los hemos visto perseguir a sus enemigos con una fuerza de voluntad indómita. Esa misma fuerza es la que encontramos, precisamente, en uno de los mejores largometrajes de este tipo que se ha estrenado en los últimos años.

Para quienes no conozcan Sisu, película que en 2023 arrasó en el Festival de Sitges y que ha triunfado en todas las plataformas por las que ha pasado, tienen que saber que esta película se centra en un solitario buscador de oro de Finlandia que, en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, se encuentra con un comando nazi en retirada que intenta arrebatarle su tesoro: una pequeña pepita de oro. El resultado de este conflicto es una masacre que, en palabras de la crítica en su momento, “es casi imposible no adorar”.

Y es que, con una narrativa cruda y directa, Sisu se convierte enseguida en lo que promete ser: una película de acción sangrienta en mitad del paisaje helado lapón, llena de trabajadísimas coreografías capaces de llenar de adrenalina al espectador más calmado. Por si fuera poco, la figura del protagonista no es aleatoria, sino que está directamente inspirada en Simo Häyhä, un francotirador que en la Guerra de Invierno (la invasión de la Unión Soviética a Finlandia en 1939) mató a más de 500 soldados enemigos en apenas tres meses.

Estas son las plataformas donde ver ‘Sisu’ y su secuela

A pesar de remitirnos a los clásicos, la película de Jalmari Helander, director de Sisu, se aleja de los clichés tradicionales de las películas de acción bélica habituales. La cinta muestra enseguida una estética que podría recordar a la de los spaghetti westerns y no se ahorra ni una pizca de humor negro. Además, el entorno supone un factor diferencial, ya que se trata de un escenario inhóspito que desnuda las escenas de acción frenética para convertirlas en una metáfora de la resistencia contra el invasor como una forma de identidad nacional.

En su paso por los cines, Sisu no pudo aprovechar las grandes críticas de la prensa y apenas llenó las salas en las que se proyectó. Sin embargo, ahora sobrevive en plataformas como Prime Video o Movistar Plus, espacios donde se ha convertido en una joya oculta para los amantes del género. Además, en 2025 se estrenó Sisu: Camino a la venganza, una segunda parte que dobla la apuesta y ofrece una secuela a la altura que cuenta, además, con estrellas como Richard Brake (Juego de Tronos) o Stephen Lang (Avatar) en su reparto.

Esta continuación demuestra hasta qué punto Sisu ha resultado ser un éxito. La primera parte tuvo un presupuesto de unos seis millones de euros, mientras que la segunda dobló esa cantidad con otra cinta que, a día de hoy, compite en el mundo del streaming directamente en visualizaciones con los grandes blockbusters de Hollywood. En un mercado saturado de franquicias predecibles, la consolidación de esta saga nórdica demuestra que el público global sigue demandando historias crudas, compactas y con una identidad visual propia.

Si hablamos de Albert Camus, es imprescindible hablar de su idea del “absurdo”: esa grieta inevitable que encontramos en nuestra propia existencia llena de preguntas: ¿por qué vivimos? ¿para qué? ¿cuál es el sentido? El filósofo y escritor francés consideraba que estas eran cuestiones para las que no había respuesta. Sin embargo, lejos de volverse pesimista o nihilista, Camus invitaba a la rebelión contra ese vacío existencial.

Por eso, más allá del absurdo, el pensador nacido en Argelia reflexionaba con pasión sobre otros temas: la justicia social, la libertad individual, los peligros del dogmatismo en la política. Hasta filosofó sobre el fútbol, deporte por el que se mostraba agradecido por haberle enseñado “que la pelota nunca viene hacia uno por donde uno espera que se venga”.

Con esa misma vitalidad rebelde frente al absurdo, Camus nos dejó una de sus reflexiones más famosas: “Nunca serás feliz si sigues buscando en qué consiste la felicidad; nunca vivirás si buscas el sentido de la vida”. Con estas palabras, Camus nos conecta directamente con su pensamiento: si nos obsesionamos por teorizar la existencia nos desconecta de la experiencia real de estar vivos en el presente.

El significado de la frase de Albert Camus

Para Camus, racionalizar la felicidad es destruirla en el acto. En su ensayo El mito de Sísifo, el autor ya advertía sobre los peligros de aplazar el presente persiguiendo quimeras futuras. Hay que aceptar la vida tal y como es, nos decía, abrazar el momento actual sin condiciones ni mapas conceptuales porque, si la vida tuviera que tener una justificación previa, estaríamos perdidos. Seguir vivos, por el contrario, es ir en busca de dicha justificación. Por eso este ensayo comienza con la idea de que “el acto más importante que realizamos cada día es tomar la decisión de no suicidarnos”.

En el siglo XXI, a pesar de todo, hacemos caso omiso de esas reflexiones. No solo tratamos de definir la felicidad, sino que también la hemos encerrado en objetos y objetivos que provocan que nos olvidemos de estar vivos. Frente a los manuales de autoayuda o los discursos sobre el éxito, Camus nos diría que la verdadera felicidad no es un algoritmo que resolver, sino una consecuencia directa de vivir con intensidad, asumiendo nuestras propias ideas y sus contradicciones.

“Se habla de la felicidad. Pero no es la felicidad lo que me importa, es la verdad”, apuntaba en sus famosos Cuadernos (o Carnets). Su pensamiento, muchas décadas después, sigue invitándonos a una libertad absoluta y lúcida, sin un guion previo pero también sin resignación: el sentido de nuestra vida lo creamos nosotros activamente. Es nuestro privilegio y nuestra responsabilidad.

¿Qué define a las personas?

Este tipo de posicionamientos son los que hacen que muchos ubiquen a Camus dentro del existencialismo, aunque él mismo tuviera sus reservas con este punto. De hecho, el filósofo francés se consideraba rival ideológico de Jean-Paul Sartre, a pesar de que este pensador también defendía que la existencia precede a la esencia, es decir, que “el hombre no es otra cosa que lo que él hace de sí mismo”.

A pesar de ser una corriente filosófica muy asociada al siglo XX, lo cierto es que el existencialismo bebía de pensadores muy anntiguos. Por ejemplo, nos lleva a las ideas del famoso monje budista Linji Yixuan, quien solía recordar a sus discípulos la pureza del instante, alejada de metas espirituales complejas, mediante su conocida máxima: “Si buscas la verdad, no la encontrarás; la verdad es lo que eres en este momento”.

En conclusión, el mensaje que nos hereda Albert Camus es un bálsamo de realismo para una época acelerada y ansiosa. La felicidad y el sentido no son metas abstractas que aguardan al final de un largo laberinto intelectual. Al final del día, vivir plenamente consiste en aceptar el misterio del mundo, soltar las preguntas obsesivas y atreverse, simplemente, a experimentar el presente con los ojos bien abiertos y ganas de firmar nuestro propio destino.

La historia del cine suele escribirse con nombres franceses o estadounidenses, pero en los cimientos de este revolucionario hito tecnológico descansa la figura de un modesto religioso español: Mariano Díez Tobar. El sacerdote burgués ya había desarrollado la técnica de la imagen en movimiento en el año 1892, adelantándose así a la célebre patente de los hermanos Lumière (1895), tal y como recoge el Ayuntamiento de Tardajos en su web sobre el vecino que ha tenido una mayor relevancia internacional.

Hoy, su recuerdo es bastante vago entre la cultura española y mundial. Pero algunos divulgadores e instituciones reconocen su trabajo. Este es el caso de Pablo Zarco, creador de contenido de curiosidades históricas y de ciencia (@undatopati) con más de 100.000 seguidores en Instagram. “El cine es un invento español. Ni hermanos Lumière, ni hermanas Lumière. El cinematógrafo de los Lumière lo inventó un cura de Burgos”, expone Zarco en una de sus publicaciones.

Ante el infrarreconocimiento de su figura, Pablo es contundente: “Ya es hora de que la historia haga justicia con el olvidado padre Mariano Díez. Y atentos, porque este hombre era poco menos que un genio”, asegura. Además de haber sido el precursor de la ciencia que se esconde tras las primeras imágenes de los hermanos Lumière, Mariano inventó: “Un aparato que convertía la voz humana en texto escrito, una máquina para transmitir imágenes a distancia, es decir, un precursor de la televisión, un aparato para conservar vino, un reloj que se daba cuerda con la voz y que funcionó durante diez años en un colegio solo con la energía de la voz del profesor dando clase y, por supuesto, el cinematógrafo”, enumera Zarco.

¿Quién era realmente Mariano Díez Tobar?

Mariano Díez Tobar nació en el seno de una sencilla familia de labradores el 21 de mayo de 1868 en Tardajos (Burgos). Según detalla Historia Hispánica de la Real Academia de la Historia, este religioso de la orden de los Padres Paúles mostró desde su juventud un destacado interés por la investigación científica. Así, como explica Fco. Javier Zubiaur Carreño en su web, aunque carecía de formación específica en ingeniería u óptica, su insaciable curiosidad le llevó a estudiar ciencias físicas y matemáticas de forma totalmente autodidacta. Fue en 1892, siendo profesor en el colegio de Murguía (Álava), cuando sorprendió a todos en una velada literario-científica.

Sobre aquel hito clave, Pablo Zarco responde a la pregunta de: “¿Pero cómo acabó su invento en manos de los Lumière?“. Al parecer, la conferencia, que dio el cura, marcaría un antes y un después en la historia, titulada ‘El cinematógrafo, descripción del aparato por el que las imágenes de las personas, lo mismo que las demás cosas, sea que en el acto existan, sea que ya no existan, aparecen al vivo y como si fueran la realidad con sus colores, movimientos, etcétera, ante nuestra vista’.

Como se puede ver, “lo suyo eran los inventos, no los títulos”, remarca Zarco. Pero con esta charla “dio permiso a quien quisiera para fabricarlo”. Y es que, con la pretensión, Díez Tobar no tenía intención de patentar su idea, sino que era una mera exposición puramente didáctica. El destino del cine se selló poco después, cuando el padre Mariano se encontró en Bilbao con el ingeniero francés A. Flamereau, representante de los hermanos Lumière.

“Creía en la educación universal gratuita y en el acceso libre al conocimiento”

“Después de la charla, se reunió con Mariano para preguntarle por algunas cuestiones técnicas de su diseño. Y Mariano, que creía en la educación universal gratuita y en el acceso libre al conocimiento, le resolvió sus dudas con mucho gusto. Sí que era un crack”, relata el creador de contenido. De esta forma, el cura entregó a Flamereau sus esquemas sobre cómo producir la ilusión de movimiento mediante la sucesión intermitente de fotografías, aprovechando la inercia de la retina. Los Lumière mandaron fabricar el aparato a París y lo presentaron con gran éxito a finales de 1895.

Para cuando los hermanos Lumière presentaron su invento en la capital española, sucedió algo que en ese momento muchos asistentes no sabían: “Oh, sorpresa, que en la primera proyección oficial en España en 1896 está invitado a Madrid un cura burgalés que nadie conocía de nada”, describe Zarco. Algunos se preguntaban ‘¿quién era?’, y Mariano había sido nada más y nada menos que “el padre del séptimo arte”, sin ser consciente de ello.

“Un hombre ninguneado por su tiempo y olvidado por la historia hasta hoy”, expone Pablo. Y es que el padre Díez falleció en Madrid en 1926 sumido en el olvido, y sus valiosos documentos fueron quemados por la envidia de algunos contemporáneos. Afortunadamente, como atestigua la web de Tardajos, su pueblo ha erigido un monolito con su imagen en su honor, buscando que la memoria del verdadero pionero que regaló el cine al mundo no vuelva a apagarse jamás.

La década de los 80 está llena de melodías pop y rock que seguimos recordando. La industria musical vivió una etapa en la que bandas de todo el mundo incorporaron los nuevos sonidos que permitía la tecnología a un género musical que ya había alzado el vuelo en los 70, lo que dio lugar a grandes himnos que han ido trascendiendo, desde entonces, varias generaciones.

En este contexto, existe una canción sueca que irrumpió en las listas de éxito de todo el mundo, conquistando emisoras, discotecas y estadios en más de veinticinco países al mismo tiempo, lo que supuso un hito para la época. El tema, cuyo nombre es The Final Countdown, se convirtió en un fenómeno, vendió cientos de miles de copias y su pegadizo estribillo resonó incluso en los rincones más insospechados y sigue siendo realmente fácil de identificar a día de hoy.

The Final Countdown fue mucho más que una canción de éxito: logró el primer puesto en las listas de Suecia y Finlandia, y poco después encabezó los rankings en Alemania, Bélgica, Suiza, Irlanda, Inglaterra, Francia e Italia. Su expansión internacional fue tan contundente que, entre septiembre y noviembre de 1986, alcanzó el número uno en un país tras otro, consolidándose como uno de los temas más reconocidos del siglo XX y en el himno de referencia de todos los fans de la banda sueca Europe.

Era una idea, pero no iba a ser una canción

El origen del éxito se remonta a varios años antes, cuando Joey Tempest (vocalista y líder del grupo) grabó una maqueta sencilla con la idea de usarla para abrir los conciertos. “El arreglo de teclado más famoso de la historia apareció en mi cabeza unos seis años antes”, reconocería posteriormennte el cantante en varias entrevistas, aunque no fue hasta que el bajista John Leven lo animó, que decidió convertir la idea en una canción completa.

La grabación de The Final Countdown se realizó en los estudios Powerplay de Suiza, donde la banda, junto al productor estadounidense Kevin Elson (conocido por su trabajo con la banda Journey), buscó un sonido grandilocuente y accesible. “Habíamos estado escuchando mucho a Journey y queríamos ese tipo de sonido”, recordaba John Norum, guitarrista de la banda. “Por eso contactamos a Kevin Elson, pensamos que sería perfecto para nosotros”.

Durante cinco semanas, Europe se aisló en Suiza para trabajar en el álbum. “Estábamos allí todo el tiempo, sin distracciones, solo enfocados en la música”, relató Norum sobre el proceso. El guitarrista usó una Fender Stratocaster de 1965 y un amplificador Marshall JCM800 de 100 vatios, combinando pedales de distorsión para lograr el tono característico del solo de guitarra, grabado en apenas quince minutos.

Tras finalizar la grabación, el grupo viajó a San Francisco para mezclar el disco en los estudios Fantasy, el mismo lugar donde Journey había trabajado años antes. A partir de ahí, el ascenso fue imparable: “Después de que el álbum saliera, todo explotó. Llegamos al número uno en 25 países y comenzamos a girar rápidamente”, relataba el guitarrista.

El precio del triunfo y el adiós de John Norum

El éxito internacional no tardó en traer consecuencias inesperadas para la banda. Norum confesaría que, a pesar del reconocimiento mundial, el grupo pasó de ser una banda inicialmente concebida para tocar hard rock a convertirse en “más como una banda de pop”. “Odiaba toda esa imagen de chicle con el pelo largo y los pantalones de licra”, admitía.

La presión mediática y la transformación del sonido alejaron a Norum del proyecto. “Cuando tienes éxito tan rápido, todo va muy deprisa y no sabes muy bien cómo funciona el negocio”, explicó. “De repente tienes que hacer entrevistas de la mañana a la noche, programas de televisión y tomar vuelos muy temprano. Los teclados empezaron a dominar y ya no era lo que yo quería”. El ambiente dentro del grupo, pues, se volvió insostenible. “No quería saber nada de eso. No era lo que quería hacer y no era yo. Así que me fui”.

Europe tras el éxito y la vida después de ‘The Final Countdown’

La salida de su guitarrista estrella marcó un antes y un después en la historia de Europe. El grupo continuó su carrera hasta 1992 y, tras una década de separación, se reunió en 2003, ya con Norum de vuelta y una actitud alejada de los excesos de los años 80. Actualmente, Europe sigue en activo y lanzó su último álbum a finales de 2025, con la intención declarada de regresar a su sonido clásico.

En síntesis, The Final Countdown no solo dejó una huella imborrable en la cultura popular, sino que también marcó el final de una etapa para la banda que la creó. La canción que conquistó el mundo en 1986 fue, paradójicamente, el detonante de la mayor crisis interna de Europe, en un claro ejemplo de cómo en la música muchas veces triunfar tiene un precio que no todos están dispuestos a pagar.

La serie, desarrollada por Ryan Condal a partir del libro de George R.R. Martin de 2018 titulado Fuego y sangre, se remonta a unos 200 años del surgimiento de Daenerys Targaryen como ‘la reina de dragones’ y se centra en contar la historia de sus antepasados.

La primera temporada nos introdujo en este nuevo universo a partir de las figuras de Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy) y Alicent Hightower (Olivia Cooke) y la guerra que las enfrenta para conseguir la legitimidad del trono de hierro.

Lord Corlys y Rhaena Targaryen

Dentro de la compleja genealogía de la saga, nos encontramos con un reparto coral de lo más amplio que representa cada uno de los miembros que se relacionan con cada una de las casas enfrentadas. Entre ellos, se encuentra el personaje de Lord Corlys Velaryon, apodado la Serpiente Marina por el barco de guerra constituido a modo de estandarte, y uno de los grandes apoyos de Rhaenyra.

A Lord Corlys lo interpreta Steve Touissant, que estuvo de visita en Madrid para hablar del comienzo de esta esperada temporada. Junto a él la acompañaba Lady Rhaena Targaryen, jinete de la dragona Alba e interpretada por Phoebe Campbell.

“Yo creo que los fans esperaban que comenzara la acción en serio en esta temporada y nosotros también”, cuenta la actriz a Infobae. “Pero primero había que situar bien a los personajes”.

Touissant piensa que toda serie es una cuestión de conjunto y que primero hay que sembrar las semillas para que todo tenga sentido. “Y sí, ahora es el momento de la guerra. Había escuchado críticas con respecto a la segunda temporada, que era más lenta, pero estaban ocurriendo muchas cosas a nivel interpersonal y emocional. Los espectadores pueden ser impacientes, y a veces yo creo que es bueno posponer cierta satisfacción para alcanzarla después en toda su totalidad”, dice el actor.

Mujeres fuertes al poder

Si algo ha caracterizado a Juego de tronos primero, y a La casa del dragón después, ha sido el protagonismo de los personajes femeninos, fuertes, líderes, capaces de desafiar a los hombres. Phoebe Campbell tiene una opinión sobre eso: “Sí, tenemos a mujeres muy fuertes en la serie, pero no creo que la puedan ejercer tanto como la gente pueda percibir, porque muchas se encuentran silenciadas por los hombres y se las intenta mantener alejadas de las cosas”, dice. “Pero sí, es increíble verlas desafiarlo todo y hasta dónde pueden llegar”.

Steve Touissant piensa que fue un gran acierto centrar la trama en las relaciones femeninas. “Estos lazos que la sociedad impone tienen que dilapidarse. Ya seas mujer, LGBTQ o negro, tienes que empujar esos límites para que hoy sea mucho mejor que ayer”, dice. “Ahora estamos en un momento de retroceso y es importante recordarlo, que esta historia está a favor de quienes queremos un mundo igualitario, liberal y democratizado. Estamos avanzando en esos derechos, pero hay muchos escollos en el camino”.

Los dos protagonistas coinciden en un aspecto: esta tercera temporada es la mezcla perfecta entre intrigas, conspiraciones, batallas y, lo más importante, emoción.

“Conocí a la productora de la película justo cuando en mi familia un joven había caído gravemente enfermo. Cuando ella me propuso hacer mi primer largometraje, sentí que solo podría escribir sobre ese drama que acababa de suceder”, reconoce Loquès en su entrevista con Infobae, aunque aclara que no se trata de una historia real como tal. “Él murió dos años después y enseguida comprendí que no iba a contar su historia, la de un joven truncado por la enfermedad, porque era demasiado triste, demasiado doloroso para mí. Es personal, pero no es exactamente la historia que viví. Es como si me hubiese inventado un amigo imaginario al que le ocurriera esto y pudiera salvarlo”. Por ello la directora recurrió a la ficción para, a través de la escritura y las imágenes, dar otro camino a esa historia. “Me sumergí en la ficción, preguntándome si podía reinventar la historia. ¿Se puede partir de la misma situación, una enfermedad que afecta a un joven, y llevar ese punto de partida hacia la luz?”

La respuesta esta en una película oscura en cuanto que transcurre durante la noche parisina, aquella que Nino (Théodore Pellerin), su joven protagonista, comienza a atravesar en busca de algo de luz que le devuelva la esperanza en la vida. “Al principio fue casi una terapia: escribir para ver si, en otras vidas o realidades, la enfermedad podía convertirse para un joven en la oportunidad de revivir o de vivir de forma más intensa, de aportar un valor más precioso a la vida”, explica Loquès, quien unió fuerzas con la guionista Maude Ameline, colaboradora habitual en las películas de otro director de mirada alegre y humanista a pesar de la enfermedad o la tragedia como Mikhaël Hers (Mi vida con Amanda, Los pasajeros de la noche). “Maud llegó al final para intentar crear rupturas de ritmo en la película. Ya estaban los días, el desarrollo, pero intentó que la película no fuera solo una sucesión de escenas. Trabajó para que el relato avanzara de manera interior y psicológica, aunque no fuera evidente. Me gusta su trabajo en las películas de Hers, me interesa mucho esa cronicidad en el cine, aunque es muy difícil de lograr”.

De Claude Sautet a Fontaines D.C.

Con esa cronicidad, Loquès logra articular los tres días antes de Nino, este joven que tiene que reorganizar toda su vida y tomar una serie de decisiones que marcaran por completo esta, no solo el tratamiento del cáncer sino también si quiere congelar su esperma para poder tener hijos el día de mañana. “La idea era que cada escena supusiera un pequeño paso interior más en la psicología de Nino, como en Cleo de 5 a 7, donde el personaje cambia en hora y media. Aquí queríamos que el personaje cambiara un poco en tres o cuatro días", desarrolla la directora, haciendo alusión a una referencia directa de la película de Agnès Varda, pero no la única.

Porque Nino también debe mucho de su estructura y espíritu a Las cosas de la vida, una de las grandes películas del francés Claude Sautet, otra película sobre un hombre repasando su vida y su relación con el amor de su vida, una Romy Schneider que también “revive” en Nino a través de la cita de Loquès. “Es una película que me gusta mucho, me hubiera gustado hasta que Nino se titulase así. Es un momento de la película en el que quería que alguien le dijera: ‘Si quieres inventar tu vida, invéntala’. Romy Schneider encarna esa capacidad de insuflar ficción, belleza, gracia y poesía en la vida”, argumenta la directora, que guarda otra referencia distante en el tiempo pero con un espíritu igual de jovial y optimista, la banda irlandesa Fontaines D.C.

“Me interesaba que el film terminase con una conexión contemporánea. Es un grupo de rock irlandés muy conocido ahora y cuyo álbum salió mientras montábamos la película”, revela la directora, quien pretendía con el tema In the Modern World (Romance, 2024) tender ese puente entre clasicismo y modernidad, pero también ser un documento histórico de su propia época. “Me parecía bien que, dentro de unos años, se pudiera identificar en la película cuáles eran las canciones y películas que acompañaban a la juventud de 2025-2026. Veo muchas similitudes entre la letra de la canción y el estado de ánimo del grupo: buscar amistad y esperanza en medio del desánimo generacional. Me gusta crear puentes entre universos y creadores, y por eso era importante que la película terminase con esa canción”.

Viaje al país de los blancos es la película que cuenta la historia de Ousman Umar: desde sus recuerdos en aquel pueblo ghanés que lo vio nacer un martes a su llegada a Barcelona, donde solo su propia fortaleza y la empatía y el cariño de otras personas permitieron que pudiera estudiar, fundar una ONG y dar un sonado discurso ante las Naciones Unidas. “Recuerdo perfectamente la primera noche que pasé en una casa y en una cama”, cuenta en su entrevista con Infobae. “Me pasé toda esa noche llorando, preguntándome por qué había sufrido tanto; hasta que entendí que no había logrado llegar vivo por ser más fuerte. Había llegado para cumplir un propósito de vida: ser la voz de los que no llegaron y de los que se siguen muriendo”.

Esa voz llegaría, primero, en forma de un libro homónimo, aunque antes de este ya había hablado con Dani Sancho, un director de cine al que un amigo le había contado su historia, y que no dudó en ponerse en contacto con él para planear la producción que se estrena ahora en cines. “Toda la historia que él contaba, el viaje y lo que le sucedía después en Barcelona, me llegó mucho porque era muy genuino. Él quería conocer mundo, saciar su afán de entender las cosas. Me parecía una premisa muy buena porque era algo universal”.

Hay personas que son “una página en blanco”

En un primer momento, Viaje al país de los blancos podría recordar a otras películas que fijan su mirada en las travesías de las personas migrantes que cruzan el mar de un continente a otro, como Yo Capitán (2023) o Mediterránea (2015). “Queríamos desmarcarnos de ellas e intentar hacer una peli que llegara a todos los públicos”, afirma Dani Sancho. “Si nos centrábamos solo en el viaje, teníamos la sensación de que nos dejábamos una parte muy importante que es cómo llega él aquí, los sueños que no se cumplen y el trato de la sociedad”.

A raíz de esto, la película cuenta con un guion que solo tras mostrarte todos estos elementos te golpea emocionalmente con un final en el que se revelan algunas de las partes más duras del viaje. “Cuando los ciudadanos occidentales andamos por la calle y vemos gente que duerme en la calle o gente que está vendiendo en el top manta, seguramente no estamos pensando en todo por lo que han pasado: son una página en blanco para nosotros”.

Del mismo modo, Umar confiesa en la película que, si él hubiera sabido lo lejos que estaba Europa (su viaje fue de más de 21.300 kilómetros, una distancia mayor de la que hay entre España y Nueva Zelanda), no habría iniciado ese viaje, aunque eso no le quitara todo el derecho del mundo a hacerlo. “Todos tenemos derecho a viajar. Migrar es un derecho”, reivindica. “Seguramente, tú has viajado a muchos sitios fuera de España sin darle explicación a nadie, ¿por qué otros no pueden hacerlo? Si la gente tuviera oportunidades, formación, información adecuada y prosperidad, te aseguro yo que nadie se marcha de la manera en la que nosotros lo hicimos".

Lo difícil que puede llegar a ser contar tu historia

La película cuenta con varias interpretaciones destacables, sobre todo la de Emma Vilasarau (Casa en flames, Los sin nombre), como una mujer que conoce al joven cuando todavía está en la calle y que decide ayudarlo, y la de Benjamin Kakraba, que interpreta al protagonista tanto de niño como de adolescente. “Teníamos clarísimo que lo tenía que hacer él. Es un descubrimiento y tiene un talento increíble”, celebra Dani Sancho. Por otro lado, el director destaca también la valentía de Umar por atreverse a interpretarse a sí mismo, algo que no es muy común pero que sabían que “podía funcionar”.

Es el propio Umar, pues, el que acaba por contarnos su historia sin ahorrarnos las partes de las que, durante mucho tiempo, más se culpó. Por eso, tanto en la ficción como en la realidad, fue tan duro abrirse de ese modo. “No fue nada fácil. Cuando tú eres consciente del esfuerzo que hay que hacer pero de que hay un bien mayor detrás, decides hacer el sacrificio. Pero el golpe emocional me trastocó: nadie es consciente de lo que es y está allí, pero lo hice más allá de mis propios intereses”, asegura.

Tanto para Umar como para Sancho, estas historias son necesarias y faltan todavía muchas por contar. “No podemos castigarnos por no ser capaces de contarlo todo, pero sí creo que se debería girar un poquito la mirada hacia esas realidades, porque no solamente son historias de inmigración, es la historia de nuestra existencia y de la humanidad al completo”, opina el primero. “Hay grandes viajes que están sucediendo constantemente en el planeta”, nos recuerda, por su parte, el segundo. “Grandes viajes, grandes barbaridades e historias que no nos podemos llegar a imaginar”.

Si Bad Bunny hubiera nacido en el año 65 antes de Cristo es bastante poco probable que hubiera escrito "Vamos a perrear, la vida es corta", verso que recoge Yo perreo sola, canción con la que en 2020, todavía en plena ola feminista, desafió los estereotipos machistas y la heteronormatividad dentro de un género urbano. En su lugar, el poeta latino Horacio, escribió aquello de “Carpe diem, quam minimum credula postero”. Aprovecha el día, confía lo menos posible en el mañana. Entre Horacio y Bad Bunny median veintiún siglos y una lengua distinta. Pero la filosofía viene a ser la misma.

La comparación no es un mero capricho. Es el punto de partida de Bad Bunny ganó a las máquinas (Debate), el nuevo ensayo de la periodista y escritora Marta Fernández (Madrid, 1973), que llegó a librerías el pasado 4 de junio, entre una de las diez noches que el puertorriqueño actuó en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid. Un breve ensayo donde retrata la heroicidad del artista cuyo superpoder son las canciones. El villano no es otro que los algoritmos y la inteligencia artificial que poco a poco se come toda creación artística.

Así es como Fernández utiliza la figura de Benito Antonio Martínez Ocasio (Bayamón, 1994) para reflexionar sobre la figura que ha hecho temblar el planeta Tierra con su perreo. Frente a una inteligencia artificial que “coge muchas voces y las reduce a la media”, el puertorriqueño representa justo lo contrario: “Él utiliza su voz, que es poderosa, para dársela a sus compatriotas, para otros representantes del género, para explicar cosas que a él le importan, para asombrarnos, para llamar nuestra atención”.

Bad Bunny, la respuesta a la inteligencia artificial

Fernández, con sus 53 años, dista de ser el perfil habitual de seguidora de Bad Bunny, pero reconoce que “durante mucho tiempo me ha interesado mucho lo que provoca en mí y lo que provoca en el público”. En una de las 150 páginas del ensayo, escribe: “Para vencer a las máquinas cada uno tiene que elegir aquello que ama y que le emociona y defenderlo hasta el final con pasión desbordada”. Para ella, esa pasión fue Benito. “Yo elegí este algo, Bad Bunny. Él es muy interesante, muy sincero, muy honesto”, afirma.

Para muestra, un botón. El 5 de enero de 2025 publicó DeBÍ TiRAR MáS FOToS, su sexto álbum de estudio y una oda a su Puerto Rico natal. El título, una reivindicación de su infancia en la isla. La portada, un homenaje visual a la cultura, la identidad y la nostalgia caribeña. Los temas del álbum, además de ser una celebración del carpe diem, también son un alegato educativo y político contra la gentrificación. Para Fernández, esa reivindicación de las raíces va mucho más allá de su isla natal. También es una reivindicación del tiempo. “Bad Bunny es también una buena metáfora de cómo contraponer el sentido de las cosas al de la inteligencia artificial. Los algoritmos y la IA insisten en que todo es contenido y que todo tenemos que consumirlo. Nosotros no somos consumidores. Hemos venido también a pararnos y a disfrutar”, cuenta sobre el mensaje presente en el álbum.

El tema central del LP gira entorno a la esencia latina y a la defensa del español ante el mundo entero —y especialmente Estados Unidos—. “Me enorgullece mucho llegar al nivel en el que estamos hablando en español, y no solo en español, sino en el español que hablamos en Puerto Rico. Sin cambiar el acento”, dijo en una entrevista a El País en 2020. “En el caso de lo que ha hecho Bad Bunny con la música de Puerto Rico, hay algo de justicia histórica”, reflexiona Fernández. “Y es muy bonito como hace eso un artista, porque si tú pones todas esas músicas en uno de esos algoritmos que componen canciones, nunca van a conseguir algo tan sentido y tan emocionante como lo que consigue él en este disco o como lo que ha conseguido en otros”.

Pero el puertorriqueño no solo habla de su archipiélago o del reggaetón: también da voz a una generación que a menudo se ha tachado de desinteresada o apática. “Hemos estado diciéndoles a los jóvenes que son pasivos, que no les importa nada, que viven pegados a las pantallas. Quizá nos estamos equivocando. Cuando ves a los jóvenes en un concierto de Bad Bunny te das cuenta de que hay una voz que les hace vibrar de una manera especial. No es que no alcen la voz; es que quizá no les estamos escuchando”.

Para Fernández, una de las claves del éxito del artista es su capacidad de sorprender. Porque si un cantante no sorprende, no consigue auparse como un genio. Recientemente el público ha reaccionado así ante Lux, de Rosalía, o You seem pretty sad for a girl so in love, de Olivia Rodrigo. “La genialidad en la creatividad tiene que ver con la sorpresa que provoca en el receptor de tu obra”, asegura. “Stanley Kubrick nunca hace una película igual a la anterior porque quiere sorprender a la audiencia, pero sobre todo porque quiere sorprenderse a sí mismo. Y eso es algo que está en toda la discografía de Bad Bunny”, apunta sobre sus seis álbumes de estudio, cuyo debut llegó con el trap oscuro de X 100pre en 2018, evolucionó con YHLQMDLG, El último tour del mundo —el primer disco íntegramente en español en alcanzar el número uno de Billboard 200—, su hiperconocido Un verano sin ti, Nadie sabe lo que va a pasar mañana y DTMF. “La inteligencia artificial no busca el asombro, ni busca lo nuevo, ni busca el reto. Busca contentar a todo el mundo. Y los artistas son precisamente lo contrario”.

Pero si Bad Bunny representa todo eso, ¿por qué sigue despertando tanto rechazo? Benito ha recibido criticas por su dicción, por su acento o porque no se le entiende. Algunos han afirmando que ni siquiera canta tan bien. “Es puro clasismo y racismo”, reconoce la autora. “Hay determinadas músicas que son músicas populares, normalmente hechas además por personas que no son blancas, que provocan susceptibilidades en la gente. Basta con prestar un poco de atención a lo que dice. Hay algo tan castellanocentrista de pensar que quien no habla como nosotros es que está hablando mal”. En el libro lo escribe así: “Precisamente por eso es nuestra única esperanza. Porque Benito es la prueba hecha carne de lo lejos que estamos del silicio y del algoritmo”.

La pregunta no es si una inteligencia artificial será capaz de escribir una canción como las de Bad Bunny, es si llegará a emocionar igual. “Todo el mundo tiene un amigo que ha jugado a hacer una canción con IA. La escuchas y piensas: ‘Qué gracioso’. Pero cuando llegan las doce de la noche y te metes en la cama ya no te acuerdas de ella. Ponte Tití me preguntó a las seis de la tarde y cuando te acuestes seguirá resonándote. Tiene algo que te interpela“, finaliza.

Se acaba el mes de junio, en el que se han estrenado un buen número de películas que han animado la taquilla y la conversación cinematográfica, que nos llevan desde las grandes superproducciones a las películas independientes de referencia.

Así, frente al fenómeno de Backrooms, de Kane Parsons, hemos podido ver El día de la revelación, de Steven Spielberg, y Toy Story 5, tres de las películas más esperadas del año.

Por eso, no deja de resultar significativo que la última semana del mes se cierre de nuevo con otra pugna entre un blockbuster de superhéroes y la que se ha convertido en la película de culto inmediata de la temporada, Obsession, de Curry Barker.

‘Supergirl’: la esperanza femenina de DC

Supergirl llega a la cartelera con la expectativa de igualar los números de la que fue la película inaugural del nuevo universo DC instaurado por James Gunn, es decir, Superman.

La película convierte a Kara Zor‑El en protagonista de una historia autónoma: unirá fuerzas con la adolescente alienígena Ruthye (Eve Ridley) para perseguir al villano Krem (Matthias Schoenaerts), un traficante intergaláctico de mujeres que también ha secuestrado a Krypto, el perro de la heroína.

Una película dirigida por Craig Gillespie (Yo, Tonya) y protagonizada por Milly Alcock y Jason Momoa como Lobo, un cazarrecompensas de físico imponente.

‘Obsession’: la película de terror del año

Por otro lado, se estrena Obsession, que junto a Backrooms han redefinido el cine de terror del año gracias a sus propuestas repletas de originalidad, en las que crean mitologías propias y que, además, han resultado de lo más rentables, ya que el coste de su producción, en especial el de la película de Curry Barker, ha sido ínfimo.

En ella se ‘reformula’ el clásico relato de La pata de mono, un talismán a través del que se podían pedir deseos, para hablar de las relaciones tóxicas en la actualidad.

El protagonista de la película, pedirá que su amiga Nikki lo quiera por encima de todas las cosas y, lo que en principio debería haberse convertido en una fantasía masculina ‘incel’, se trasformará en pesadilla.

Una película que utiliza los moldes de la comedia romántica para pasarla por los filtros del terror, que rezuma inteligencia a la hora de abordar el amor a través de la manipulación contando con buenas dosis de humor y muy mala leche.

Otros estrenos de todos los géneros

También se estrenan varias películas españolas, entre ellas, Viaje al país de los blancos, basada en la historia real de Ousman Umar, un joven procedente de Ghana que abandona su país para llegar a Barcelona y descubrir que la vida en ‘el país de los blancos’ no era como imaginaba.

Además, Morir no siempre sale bien, una comedia negra dirigida por Claudia Pinto (Las corrientes), en la que, tras un despido improcedente, una familia decide secuestrar el cadáver de su antiguo jefe y pedir un rescate. Protagonizada por Tamara Casellas, Ana Wagener, Juan Carlos Vellido y Paula Muñoz.

Para los amantes del ‘gamberrismo’, nada mejor que Jackass: Lo mejor para el final, quinta entrega de la saga capitaneada por Johnny Knoxville junto a sus secuaces dispuestos a hacer las mayores locuras y salvajadas que uno pueda imaginar.

Dentro del ámbito del cine de autor, tenemos Nino, de Pauline Loquès, cuyo protagonista, Théodor Pellerin ganó el Cesar al mejor actor revelación y su directora el premio a la mejor ópera prima. Una de las películas francesas del año que gira en torno a un joven al que le diagnostican un cáncer avanzado.

Por último, para los amantes de las adaptaciones cinematográficas de lujo, Pálida luz en las colinas, basada en un libro del Premio Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro y para los fans de las películas de época, Los últimos días de María Antonieta, con Guillaume Canet y Mélanie Laurent.

¿Son tan buenos BTS? Esa es la pregunta que sobrevuela a la formación surcoreana, que este viernes —y de nuevo mañana sábado— ha aterrizado en el Riyadh Air Metropolitano para reunir a más de 120.000 personas. Ha sido a las 20.20 cuando el misterio ha comenzado a desvelarse. Los protagonistas son un septeto convertido en la boy band más exitosa del mundo, siete artistas perfectamente entrenados para ser cantantes, raperos, bailarines y modelos. La ambición del espectáculo es más que evidente y lo que se espera de unos jóvenes que han sido entrenados para ello.

El septeto coreano formado por RM, Suga, Jimin, J-Hope, V, Jin y Jungkook, no solo ha pisado España por primera vez desde que debutaron en 2013, sino que han dejado inaugurada la etapa europea del Arirang World Tour, con motivo de la publicación el pasado marzo de su quinto álbum de estudio. El disco toma su nombre de la canción tradicional más conocida de Corea del Sur y reivindica sus raíces tras cuatro años de parón por el servicio militar. Pero que nadie espere un ejercicio de folclorismo, mucho menos después de que el Metropolitano acogiera durante diez noches el espíritu boricua de Bad Bunny.

La noche fue especial de por sí, pero mucho más si se tiene en cuenta que esta gira supone su comeback, su vuelta, cuatro años después de su pausa para ir a la ‘mili’ —una obligación legal para todos los hombres del país menores de 35 años—. “¡Vamos a volvernos locos!”, gritó en un intento de castellano J-Hope a poco de comenzar el show. Y vaya si fue así.

Sus fans, las ARMY, acrónimo de Adorable Representative MC for Youth (adorables representantes de MC [maestro del rap] para la juventud), rompieron cualquier audímetro. Un escrito del Defensor del Pueblo remitido a la Asociación Vecinal Las Musas‑Las Rosas conocido hace apenas dos semanas notificó que dos conciertos celebrados el año pasado en el mismo recinto, el de AC/DC e Imagine Dragons, fueron sancionados por ruido. Si el de anoche superó aquellos registros todavía está por ver, pero pocas veces se ha alcanzado ese nivel de aturdimiento causado por la euforia. No hace falta ni irse a Los Beatles. No tienen nada que envidiar ni a las seguidoras de One Direction ni a las de Justin Bieber. Seguro que hasta Ruido Bernabéu, la cuenta de X que recopilaba las quejas vecinales durante los conciertos efectuados en el estadio madridista en 2024, habrá escuchado los ecos del Metropolitano.

Un recinto 360 grados con luces y alguna sombra

Lejos quedan ya las pulseras con luces parpadeantes de Taylor Swift o Coldplay o las cámaras con luz que repartió el puertorriqueño hace cuestión de dos semanas. En Corea se llevan los lightsticks. Así, a las 20.19 horas, con casi 20 minutos de retraso, una marabunta de army bombs —un bastón-bombilla de mano, cuyo precio oficial alcanza los 70 euros— estaba alzada al cielo acompañados por un sinfin de chillidos y un recinto de 360 grados que se preparaba para recibir a los siete artistas. Medio centenar de bailarines irrumpió desde las esquinas entre bengalas de humo rojo, inaugurando un espectáculo concebido para ofrecer una visión privilegiada desde cualquier punto del estadio. Y para ello, unas gigantescas pantallas con las que no perderse nada de su idol favorito. Eso sí, lejos de convertir las tablas en un parque de atracciones temático, solo en el centro se colocó una pequeña plataforma negra, que subía y bajaba a petición de la puesta en escena. Los bailarines, los protagonistas y el despliegue técnico, cuando se requería, hacían el resto.

Por esto mismo, durante determinados puntos del concierto se sintió levemente irregular. Dividido en tres actos y acompañado por un griterío constante que no abandonó el estadio ni un solo minuto del espectáculo, el concierto alcanzó su punto álgido en el segundo tramo. Fire, Body to Body o, sobre todo, Idol, convirtieron el escenario en una exhibición de músculo escénico. Alrededor de medio centenar de bailarines irrumpieron sobre las tablas —en algunos números caracterizados como guerreros con largas espadas luminosas un poco al estilo Star Wars— hasta que, en el clímax de Idol, recorrieron su perímetro entre banderas con el logo de BTS. Es entonces cuando la producción deja de impresionar para convertirse en un espectáculo descomunal.

Lo negativo de alcanzar un punto tan álgido es que el resto del concierto corre el riesgo de parecer menos espectacular. Más aún cuando la selección de 23 canciones que, según la playlist oficial de Spotify, apenas supera la hora y cinco minutos, acaba convertida en un espectáculo de dos horas y media. El relleno son dos parones de 15 minutos y hasta seis intervenciones para dirigirse al público. En esos pequeños ratitos aprovecharon para poner en práctica su español: “Uno de mis deseos era venir a Madrid y lo logré. Muchas gracias por venir”, se sinceró V minutos antes de cerrar el concierto.

Aun así, el fenómeno resiste el escrutinio. BTS ofrece un espectáculo que, aunque a ratos desigual, se ve impulsado por una legión de seguidores que convierte cada canción en un acontecimiento. BTS no es que sea un grupo a prueba de balas, es que tiene un ejército entero.

Es 2026 y Arabia Saudí sigue rompiendo barreras. Haifaa al-Mansour (Al Zulfi, Riad, 1974) lo hizo en 2012 y lo ha vuelto a hacer ahora. Hace catorce años, la primera mujer directora del país rodó su primera película, La bicicleta verde, aún cuando no existían las salas de cine —prohibidas desde los años 80 bajo la presión de los islamistas radicales, el veto se levantó en 2018—. Para rodarla, tuvo que esconderse en una furgoneta y comunicarse con sus actores a través de walkie talkies.

Si la protagonista, Wadjda, solo quería hacer algo tan prohibido como montar en bici, Haifaa solo quería rodar. El debut de Al-Mansour fue revolucionario porque no solo dirigía una mujer, sino que por primera vez, se concedía una licencia para filmar íntegramente en el país. Además, la película llegó en medio de la ola de protestas de la llamada Primavera Árabe. Tras su debut en el Festival de Venecia, la película hizo historia con una decena de premios. La cineasta estrena su quinta película, que cierra la trilogía de mujeres iniciada con La bicicleta verde (2012) y continuada con La candidata perfecta (2019). “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, asegura a Infobae. El tríptico se cierra con La mujer sin nombre, en cines desde este viernes 26 de junio.

En su nueva producción, que de nuevo ha contado con financiación del Gobierno y repite su filmación en el país, sigue las pesquisas de Nawal (Mila Al Zahrani), una mujer divorciada y amante de los true crime —que sigue a través de una cuenta de TikTok— que trabaja como secretaria en una comisaria. Cuando aparece el cadáver de una joven al que nadie reclama, Nawal se obsesiona con descubrir la verdad.

Al-Mansour se vale del thriller para retratar las contradicciones de la sociedad saudí, aún con un final que deja la boca abierta a muchos y con un mal regusto a otros. Un deselace que reconoce, sabe que no todo el mundo ha entendido. “Hay mucha gente que no quiere ver a mujeres así. Les resultan amenazantes y no saben qué hacer con ellas”, apunta.

“Al intentar hacer una película como esta, simplemente intento ser fiel a mí misma y decir cosas que realmente significan mucho para mí”, apunta. “Soy una persona muy progresista en Arabia Saudí y siempre haré comentarios sobre la tradición y sobre la forma en que llevamos nuestras vidas. Pero no busco el conflicto. No estoy ahí para enfrentarme a nadie, sino para hacerme un hueco y contar mi historia”. Así es como, asegura, se le ha permitido seguir rodando en su país y recibir financiación para películas que aspiran a “abrir la mente e inspirar a la gente”.

Entre ellas, critica a las limitaciones de las mujeres en una sociedad extremadamente patriarcal en la que se antepone ser madre y esposa ante cualquier cosa. “Nawal es una mujer moderna en una sociedad que le ha quitado todo”, cuenta sobre la protagonista, que además de estar separada de su marido también ha perdido un bebé. “La sociedad lo basa todo en ser esposa, hija y madre, y ella no tiene nada de eso. No es nadie. La gente quiere que desaparezca, pero ella se niega. Y por eso en cierto modo, la encuentro inspiradora”.

En una sociedad marcada por el control y el peso de la vergüenza -el asesinato de la joven queda enmarcado como un crimen de honor, justificado bajo la creencia de que la víctima ha manchado o deshonrado el honor y la reputación de su familia-. “La vergüenza es un arma en Oriente Medio”, sostiene. “Lo triste es que las propias mujeres también acaban adoptando esa mentalidad”. De ahí que, explica, en la ficción nadie parezca interesado en reclamar el cuerpo de la víctima. “Es más fácil asesinar a una mujer porque nadie quiere un escándalo. Si matan a un hombre, todo el mundo se pregunta qué ha pasado”. La también guionista encuentra un hueco para criticar la presión que opaca las vidas de estas mujeres. “Si una persona supera los 25 o 30 años y no se ha casado, es como si fuera el fin del mundo”, afirma, cuando se le pregunta cuán de importante sigue siendo esta tradición en Arabia Saudí.

“La vergüenza es un arma en Oriente Medio”

Hija de un Abdul Rahman Mansour, poeta, y Bahia Hamad Al-Swayegh, trabajadora social, la vida de Al-Mansour no fue como la de las demás mujeres. Creció como la octava de doce hermanos (todos de los mismos padres) y con un padre que le cautivó el amor por el cine gracias a las cintas VHS que veían en casa. Al contrario que la sociedad saudí, a ella nunca le exigieron llevar velo. Con el apoyo de su familia estudió literatura comparada en la Universidad Americana de El Cairo y más tarde completó un máster en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Sídney, en Australia. En mayo de 2007 se casó con el diplomático estadounidense Bradley Niemann, mientras él trabajaba en Arabia Saudí.

Entre 2012 y 2026 las cosas han cambiado. El país por un lado, y su carrera por otro. “Tengo que decir que Arabia Saudí ya no es tan tradicional como solía ser. La gente está viendo que hay una apertura, que se puede ver cine, escuchar música y leer literatura, y estar en contacto con el mundo gracias a Internet”. Entre otras cosas, el velo es opcional, las mujeres pueden conducir —Nawal lo hace en la película— y pueden viajar sin que sea necesario una autorización.

Ella, por otro lado, desde su debut en la década pasada, ha sido directora de la seried Tales of The Walking Dead —vive primordialmente en Los Ángeles—, The Society (Netflix ) y The Wilds (Prime Video) y ha hecho una adaptación de Mary Shelley con Elle Fanning como protagonista. Su futuro, por ahora, sigue pasando por las mujeres del país que la vio nacer. “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, insiste. Sin embargo, admite que siente que ha llegado el momento de abrir otra etapa. “Quiero avanzar hacia una dirección diferente. Hay muchas historias complejas que están surgiendo en Arabia Saudí. Las tradiciones están cambiando y necesito tomarle el pulso a todo eso. Sin duda, estoy empezando un nuevo capítulo”.

Y es que las nuevas generaciones están hartas de productos prefabricados, de la enésima nueva parte de una franquicia infinita cuyas fórmulas están agotadas, y buscan algo diferente que conecte con sus necesidades audiovisuales y, por qué no, con sus ansiedades cotidianas.

En ese sentido, Kane Parsons con Backrooms y Curry Barker con Obession han venido a abrir una nueva vía que ya estaba presente en directores como Jordan Peele o los hermanos Philippou. Adiós al terror elevado, hola a los miedos que surgen de nuestra propia sociedad y que reflexionan sobre nuestro tiempo a golpe de ironía y muchas dosis de mala leche.

Obsession se erige como la joya de la corona del año: una película que parte de esquemas clásicos para modernizarlos y darles la vuelta desde una perspectiva absolutamente actual e iconoclasta.

Una trama repleta de capas

La trama sigue a Bear (Michael Johnston), un empleado de una tienda de música obsesionado con su compañera Nikki (Inde Navarrette). Su frustración es tan grande que toda su vida gira en torno a la imposibilidad de conquistar a la joven. Y aquí entrará el elemento sobrenatural que la entronca con la tradición del género: el talismán al que pedir deseos que puede convertirlos en una realidad que se transforma en pesadilla, castigo y condena.

Y es que, a partir del momento en el que se active el hechizo, Nikki, efectivamente, solo tendrá una prioridad en su vida: Bear. Pero no se trata de la verdadera Nikki, sino de una versión sometida y violentada.

Así, el deseo amoroso insatisfecho, que casa a la perfección con las doctrinas ‘incel’, se convertirá en una espiral de opresión a través de un conjuro que tiene que ver con las fantasías masculinas más perversas. O, lo que es lo mismo, tener a una mujer esclavizada a su entera voluntad, manejada como un títere que responde a un control insano.

A través de ese planteamiento, Curry Barker compone una intriga absorbente y tan juguetona como escalofriante alrededor de las relaciones tóxicas, la violencia sexual, la pérdida de identidad a través del engaño y el amor invasivo que generará un apego asfixiante y turbador a modo de maldición demoníaca.

Mínimos recursos para sacar el máximo partido

Que la película haya costado tan solo 750.000 dólares no es un hecho baladí. Barker sabe exprimir los mínimos recursos con los que dispone a través de soluciones visuales básicas pero eficaces, como ocultar a la protagonista en la oscuridad del encuadre, trabajar con el brillo de los ojos, alterar elementos del decorado para intensificar la inquietud o el uso de plano cerrado o la evolución del vestuario y la voz de la protagonista, que va en paralelo con el progresivo deterioro de su salud mental.

La cuestión es que, a lo largo de su metraje, la película no da tregua a la hora de seguir aportando capas que van redefiniéndola de manera constante: de la comedia romántica ‘creepy’ al terror insano, pasando por el humor más negro y la incomodidad constante que culmina con un último acto en el que aflora el gore y la asfixia tanto atmosférica como moral.

Obsession tiene todos los elementos para convertirse en una película de culto inmediata, no solo por el consenso y la conversación que ha generado entre el público, sino porque es al mismo tiempo inteligente y gamberra, contiene muchas dosis de atrevimiento y también mucha pasión por el género. Pero, sobre todo, porque no se limita a copiar, sino que apuesta por hacer algo diferente y desquiciado dentro de un universo audiovisual predecible y en estado comatoso.

El Congreso acaba de aprobar penalizar con hasta dos años de cárcel las llamadas terapias de conversión dirigidas contra personas LGTBIQ+, una reforma del Código Penal que convierte en delito unas prácticas que hasta ahora solo se castigaban por vía administrativa y que seguirá su tramitación en el Senado.

El cine ha abordado esta cuestión desde diferentes perspectivas que sirven para plasmar el daño y la violencia a la que están sometidas las personas que son obligadas a por motivos religiosos o sociales a intentar cambiar su orientación sexual o de género a través de los llamados Ecosig, y cuyos métodos que han llegado a ser definidos como tortura por la ONU.

El tema ha sido representado desde las perspectivas más diferentes. Por ejemplo, estaba presente en Memorias de un caracol, la película de animación en stop motion nominada a los premios Oscar. También era el centro de la película de terror They/Them, cuya trama se centraba en varios jóvenes trasladados a un campamento donde se practicaban estas terapias y en el que los adolescentes empezaban a desaparecer uno a uno.

También el director de Guatemala Jayro Bustamante abordó el tema en Temblores, la historia de un padre de familia evangélico que se enamorará de un hombre al que sus allegados presionarán para que sea heterosexual.

Sin embargo, hay dos películas que han explicado a la perfección las consecuencias de estas prácticas asociadas a sectores de una intolerancia extrema con la identidad sexual.

‘Identidad borrada’

La adaptación a la pantalla de las memorias de Garrard Conley que, cuando era joven, fue enviado por su familia fundamentalista (su padre era predicador baptista) a un programa de conversión para modificar su orientación, donde fue sometido a prácticas de intervención psicológica e, incluso espiritual para que dejara de ser homosexual.

La película fue el segundo largometraje que, hasta el momento, ha dirigido el también actor Joel Egerton, y estaba protagonizada por Lucas Hedges, Nicole Kidman y Russell Crowe. Además, en ella aparecían figuras reconocidas dentro del ámbito LGTBI, como el director Xavier Dolan o el músico Troye Sivan.

En ella se reflejaba las formas más brutales de intolerancia escudándose en la protección, el amor y los valores ultraconservadores.

‘La (des) educación de Cameron Post’

Dirigida por Desiree Akhavan y basada en el libro de Emily M. Danforth, la película se centra en el caso de una joven forzada por su familia a ingresar en un centro religioso que promete “curarla”. La trama se desarrolla en un internado donde autoridades adultas y religiosas intentan modificar la orientación sexual de los jóvenes, utilizando el lenguaje y la disciplina como herramientas de control.

El film se centra en las dinámicas grupales y la presión psicológica, mostrando a los adolescentes enfrentados a la humillación y la ‘autoaversión’ que afectará a sus identidades en la etapa de mayor vulnerabilidad.

La película se presenta como una denuncia de la imposición de la norma heterosexual y del control ejercido por adultos sobre la sexualidad adolescente. Su protagonista fue Chloë Grace Moretz, y ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance.

El avance sitúa a Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood en una historia que arranca tras la muerte de su padre, Henry Dashwood, cuando su viuda y sus hijas quedan con una renta de 500 libras al año y pierden el control de la finca familiar.

La nueva versión gira en torno a las hermanas Dashwood, obligadas a abandonar la propiedad familiar junto a su madre viuda para instalarse en una casa modesta. Allí afrontan por primera vez el amor, el desengaño y la fragilidad económica en un entorno marcado por las normas sociales de la Inglaterra del siglo XVIII.

Un drama romántico que no pasa de moda

La trama añadirá un dato material decisivo para entender el conflicto: gran parte de la herencia de Henry Dashwood pasa a un hijo de su primer matrimonio, John, interpretado por Tom Brooke, y su esposa Fanny, encarnada por Stacy Martin, que se instalará de inmediato en la gran casa familiar. Esa pérdida precipitará la caída social de las Dashwood.

El avance también perfila el eje romántico de la historia. Elinor despierta el interés de Edward Ferrars, mientras Marianne oscila entre el impulsivo Willoughby y el más contenido coronel Brandon.

Junto a Edgar-Jones, el reparto reúne a Esmé Creed-Miles como Marianne Dashwood, Caitríona Balfe como la señora Dashwood, Bodhi Rae Breathnach como Margaret, George MacKay como Edward Ferrars, Frank Dillane como John Willoughby, Herbert Nordrum como el coronel Brandon y Fiona Shaw como la señora Jennings.

El tráiler dibuja una adaptación de corte clásico, con grandes paisajes, bailes de época, trayectos en carruaje y el tono sentimental asociado a la novela. La directora parece haber optado por una lectura fiel al debut literario de Austen.

La película adapta un guion de Diana Reid, autora ‘superventas’ y cuenta con producción de Tim Bevan y Eric Fellner para Working Title Films, junto a India Flint de November Pictures y Jo Wallett. Oakley firmó y dirigió Blue Jean, su debut en el largometraje, una obra que le valió una nominación al BAFTA a mejor debut.

Entre las líneas de diálogo que ya ha mostrado el tráiler figura la defensa del sentimiento sin reservas que hace Marianne. “Un hombre que me ame debe arder con ello, con todas sus pasiones, sin la menor contención ni vacilación”, dice el personaje.

Elinor, en cambio, encarna una mirada más contenida sobre la dependencia afectiva. “Es fascinante la idea de que la felicidad de una dependa por completo de otra persona. No siempre es posible”, afirma el personaje de Edgar-Jones en otro momento del avance.

Jane Austen, siempre

La nueva adaptación llega después de una versión especialmente recordada: la dirigida por Ang Lee en 1995, con Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman. Aquella película se llevó el Óscar al mejor guion adaptado para Thompson, que además protagonizó el filme, y sigue siendo la referencia más conocida de la novela en la gran pantalla.

La producción se suma a una nueva oleada audiovisual en torno a Austen, ya que también se espera otra nueva adaptación para Netflix de Orgullo y prejuicio, con Emma Corrin, Jack Lowden, Olivia Colman y Rufus Sewell.

Según Empire, la escena se rodó el pasado julio en el bosque de Culbin, en Escocia, con siete cámaras IMAX, ilusiones de perspectiva forzada y trabajo con cables para lanzar a especialistas por el aire durante el asalto de esos gigantes saqueadores, uno de los desafíos más duros del viaje del protagonista.

La publicación visitó ese rodaje y sitúa a los lestrigones como una de las pruebas centrales del periplo de Odiseo, interpretado por Matt Damon, en una historia en la que el héroe se enfrenta a monstruos, a sus propios demonios y a los planes de pretendientes hostiles mientras intenta regresar junto a su familia en Ítaca. Nolan ha explicado al medio que el objetivo de esa secuencia era transmitir desorientación y peligro para el protagonista.

Una batalla marcada por la violencia

“Fue una secuencia divertida de rodar y es brutal”, ha dicho el director a Empire. “Se trata realmente de intentar transmitir la brutalidad. Son guerreros, y sus armas y armaduras tienen un nivel de sofisticación que Odiseo nunca ha visto”.

Ese planteamiento conecta la acción con el conflicto dramático del personaje. El director sostiene que esos encuentros fantásticos no funcionan solo como espectáculo, sino también como pruebas que ponen en cuestión al héroe en el plano personal.

En ese sentido, Christopher Nolan ha subrayado que el episodio de los lestrigones conserva la función que ya tenía en el poema original: erosionar la autoridad de Odiseo ante sus propios hombres.

“El propósito de los lestrigones en la historia, igual que en el poema original, es mostrar en cierto modo la naturaleza cuestionable del liderazgo de Odiseo. Dar a sus hombres razones para dudar de él”, ha afirmado. “Y por eso aquello a lo que se enfrentan los deja a todos conmocionados”.

Una escena rodada a lo grande

La información publicada por Empire detalla que Nolan ha recurrido a técnicas prácticas para filmar el asalto, aunque muchas de ellas siguen sin desvelarse. Entre las que sí han trascendido figuran la perspectiva forzada y el uso de cables para proyectar a los especialistas durante la acción.

El episodio de los lestrigones pertenece al Canto X, titulado como Lo relativo a Eolo, a los lestrigones y a Circe (que estará interpretada por Samantha Morton). Durante su travesía, los tripulantes, abrirán un odre regalado por Eolo, señor de los vientos y eso enfurecerá a la deidad mandándoles una tormenta. Llegarán a la tierra de los lestrigones, un pueblo de gigantes antropófagos, y tendrán que luchar contra ellos.

La película incluirá otras batallas, como la de la guerra de Troya, aunque no se han desvelado detalles al respecto. Lo que sí que se sabe es que su clasificación será para mayores de 16 años acompañados, dado el nivel de violencia explícita que tendrá.

La actriz Ann Blyth ha muerto a los 98 años, dos meses antes de cumplir 99, tras una carrera marcada por su nominación al Oscar por Mildred Pierce y por una retirada temprana del cine que reorientó su vida hacia la familia, el teatro musical y la televisión.

La intérprete ha fallecido por causas naturales, según ha informado KABC a través del periodista George Pennacchio. Deja cinco hijos, 10 nietos y cinco bisnietos, y estuvo casada con el médico James McNulty desde 1953 hasta la muerte de él en 2007.

Su papel decisivo tuvo lugar en 1945, cuando encarnó a Veda Pierce, la hija calculadora y desagradecida del personaje de Joan Crawford en Mildred Pierce. Aquel trabajo le valió una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto cuando tenía 16 años.

Elegida por la propia Joan Crawford

Crawford ganó la estatuilla a la mejor actriz por esa película, que también fue candidata a mejor película. La cinta, basada en la novela de James M. Cain, volvió a adaptarse en 2011 como miniserie de HBO bajo la dirección de Todd Haynes, con Kate Winslet como protagonista y Evan Rachel Wood en el papel de Veda.

Centenares de adolescentes hicieron la prueba para el personaje, pero Crawford vio algo en Blyth y llegó a participar con ella en la prueba de pantalla. La actriz recordó años después que esa ayuda resultó decisiva: “Sabía que otras personas también querían el papel, pero yo fui la afortunada porque Joan Crawford hizo la prueba conmigo, y eso cambió todo. La gente no hacía eso, no la gente de su categoría”.

Décadas después, en una pieza grabada para Turner Classic Movies, Blyth explicó que, pese a la relación tormentosa entre madre e hija en la pantalla, ella y Crawford se llevaban muy bien fuera del rodaje. Hasta aseguró que le resultó difícil abofetearla en una de las escenas decisivas del filme.

Cinco días después de terminar Mildred Pierce, la actriz sufrió un grave accidente de trineo durante unas vacaciones cerca de Lake Arrowhead, en California. Se fracturó la espalda y pasó siete meses con un yeso corporal, además de varios más en silla de ruedas.

Aun así, llegó a asistir a la ceremonia de los Oscar de 1946 con un vestido diseñado por el estudio para encajar sobre el corsé ortopédico. La convalecencia se prolongó durante un año y medio y Universal la incorporó a Fuerza bruta, con Burt Lancaster, mientras seguía confinada en una silla de ruedas.

De la ópera a la actuación

Nacida como Ann Marie Blyth el 16 de agosto de 1927 en Mount Kisco, Nueva York, creció después en Nueva York tras la separación de sus padres. Empezó a actuar en programas radiofónicos infantiles a los seis años, además cantaba, recitaba poesía y actuaba con la San Carlo Opera Company mientras aspiraba a una carrera operística.

Su única aparición en Broadway llegó con la producción original de Watch on the Rhine, el drama bélico de Lillian Hellman, entre 1941 y 1942. Durante la gira de la obra en Los Ángeles llamó la atención de Universal, que le ofreció una prueba de pantalla y después un contrato.

Debutó en el cine en 1944 con el musical juvenil De tal palo, tal astilla y encadenó ese mismo año títulos como Noche triunfal y Babes on Swing Street. No fue hasta Mildred Pierce cuando su nombre empezó a destacar con claridad.

Tras recuperarse del accidente, su filmografía se amplió con Swell Guy, Killer McCoy, La otra cara del bosque, Vida de mi vida, Tempestad en la cumbre y El mundo en sus manos. También intervino en Mr. Peabody and the Mermaid y en The Great Caruso, donde interpretó a la esposa de Enrico Caruso, encarnado por Mario Lanza, e introdujo la canción The Loveliest Night of the Year.

En MGM participó en varias operetas, entre ellas Rose Marie, The Student Prince y Kismet. El declive de los grandes musicales de estudio afectó a su trayectoria, como ocurrió con otros nombres de aquella etapa.

Su última película fue Para ella un solo hombre en 1957, donde dio vida a una cantante alcohólica de los años 30 junto a Paul Newman. El mismo año también apareció en The Buster Keaton Story y fue considerada para el papel principal de Las tres caras de Eva, que acabaría dando a Joanne Woodward el Oscar a la mejor actriz. Tras el final práctico de su carrera cinematográfica en 1957, Blyth se volcó en la familia y en el teatro musical.

Su presencia en televisión fue esporádica pero prolongada: apareció en Lux Video Theatre, The DuPont Show With June Allyson, The Dick Powell Theatre, varias entregas de Wagon Train, el episodio Queen of the Nile de La dimensión desconocida, dos apariciones en Quincy, M.E. y una última participación en Se ha escrito un crimen en 1985.

Corría el año 2012 cuando el mundo empezó a escuchar k-pop, aunque Occidente todavía no lo supiera. Aquel verano, un señor surcoreano de baja estatura, vestido con esmoquin y gafas de sol, se coló en nuestras vidas para repetir hasta el hartazgo una pegadiza —y difícilmente pronunciable— canción acompañada de un característico baile. De ella solo podíamos decir su título y su autor: Gangnam Style, de PSY. Catorce años después, la música fabricada en Corea del Sur no necesita presentación. Blackpink, Twice, Exo, Stray Kids o Seventeen, el k-pop ya es histórico. El debate por la corona, al igual que en el pop global está a caballo entre Bad Bunny y Taylor Swift, no admite discusión: es de BTS.

La boyband formada por RM (31), Jin (33), Suga (32), J-Hope (32), Jimin (30), V (30) y Jungkook (28) inaugura este viernes en Madrid —y también el sábado— la etapa europea del Arirang Tour. Los siete miembros no solo pisan España por primera vez desde su debut en 2013, sino que lo hacen con el disco y gira que les vuelve a poner en el mapa seis años después de su pausa para ir a la mili —una obligación legal para todos los hombres del país menores de 35 años—. El Riyadh Air Metropolitano acogerá en total a cerca de 120.000 personas que vendrán de todas partes de España.

“Continuar ignorando el fenómeno de BTS es arriesgarse a perderse algo más grande que la Beatlemanía”, escribió The New Yorker en 2022. Las cifras y los récords hablan solos. Por mencionar solo algunos, Dynamite se convirtió en 2020 en la primera canción de un artista surcoreano en alcanzar el número 1 del Billboard Hot 100, superando incluso el techo que había marcado el tema de PSY, y su videoclip batió el récord de YouTube con 101,1 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas. Solo hace unos meses, con su último álbum, debutaron en el número 1 del Billboard 200 con 532.000 copias vendidas en una sola semana, la mejor cifra para un grupo en más de una década.

A ello se suman decenas de récords Guinness, entre ellos, el de grupo más escuchado de la historia en Spotify y el del concierto de pago por streaming con mayor asistencia, con 756.000 espectadores. Y como todo lo que llega a Estados Unidos se convierte en global, han conocido al ya expresidente Joe Biden, han colaborado con Charlie XCX, Zara Larsson o Coldplay, y han optado cinco veces a un Grammy, siendo los primeros coreanos en conseguirlo.

Las claves del éxito de la mayor boy band del mundo

“Sería difícil atribuir el éxito de BTS a un único factor. Se trata, más bien, de una combinación de elementos que se alinearon con un efecto tremendo, incluido el momento oportuno”, apunta a Infobae Hae Joo Kim, profesora asociada al departamento de Liberal Arts and Sciences del Berklee College of Music de Boston. “Casi como un eslogan, la narrativa en torno a BTS ha sido durante mucho tiempo ‘Ven por la música, quédate por el mensaje’, lo que apunta no solo a la calidad de la música y a sus actuaciones de alto nivel, sino también a las canciones del grupo, con letras cargadas de mensaje y escritas con la mirada puesta en la conciencia social y generacional”, añade. Lo mismo asegura Alicia Navarro Hernández, estudiante de doctorado en comunicación en la Vrije Universiteit Brussel: “Las letras honestas que hablaban sin tapujos de tabúes en la sociedad coreana estaban presentes desde el principio. El grupo consiguió revertir el poco exitoso debut a base de centrarse en esa autenticidad”.

Entre los seis expertos consultados, todos ellos, en inglés o en español, coinciden en que una de las claves de este fenómeno reside en la palabra: autenticidad. Para Claire Marie Lim, también profesora asociada de Berklee, una de las claves fue que el grupo irrumpió en un momento en el que “los jóvenes de todo el mundo ansiaban franqueza y honestidad en la música popular”. Sus canciones abordaban “la presión social, la salud mental, la identidad, la autoestima y otros muchos temas”, mientras que, desde el punto de vista musical, “la composición y la producción resultaban atractivas para los fans internacionales”.

Sin embargo, esa autenticidad no surgió por casualidad. También fue una apuesta empresarial. BTS nació en 2013 como resultado de un entrenamiento surgido de una mezcla entre Operación Triunfo y El juego del calamar. Porque la industria musical coreana se mueve como si fuera un entrenamiento militar.

Un informe interno de SM Entertainment -una de las empresas de entretenimiento y agencias de talentos más grandes e influyentes de Corea del Sur- señaló que reciben alrededor de 300.000 solicitudes anuales de candidatos provenientes de nueve países. La competencia es tan feroz que, a nivel general, solo el 1% de quienes lo intentan logra convertirse en aspirante oficial de una gran agencia, y apenas el 0,1% de todos los aspirantes consigue debutar en un grupo. Cuando entran, se enfrentan a un estricto periodo de preparación, cuyo periodo puede durar desde unos meses hasta un total de 15 años. Y no hablemos de las jornadas: se exigen hasta 10 y 12 horas de práctica. Tampoco vale con saber solo cantar, también hay que bailar o dar clases de idiomas para asegurar el éxito del grupo en mercados globales como EEUU o Japón.

BTS es, en buena medida, la creación del productor Bang Si-hyuk y de la discográfica Big Hit Entertainment, hoy llamada HYBE. En torno a comienzos de la década de 2010, la empresa estaba rozando la quiebra y no tenía nada que hacer respecto a las tres grandes empresas del gremio, la mencionada SM y YG y JYP.

Sin embargo, tras descubrir al rapero Kim Namjoon en agosto de 2010, conocido como RM, todo empezó a ir sobre ruedas. Así, poco a poco se fueron incorporando Min Yoongi (Suga), Jung Hoseok (J-Hope), Kim Seokjin (Jin), Park Jimin, Kim Taehyung (V) y Jeon Jungkook. Como explica la investigadora mexicana Andrea Echevarría, autora del artículo El fandom de BTS y su apropiación de la significación; un estudio de los roles simbólicos y la reinterpretación en el Bangtan Universe, la idea inicial era formar un grupo de hip-hop, aunque con la llegada de los vocalistas el proyecto evolucionó hasta convertirse en BTS, siglas de Bangtan Sonyeondan (Chicos a prueba de balas). Años más tarde, el grupo adoptaría también el significado internacional de Beyond the Scene (Más allá de la escena).

La tecla fue saber venderse. Ante las limitaciones de la empresa y su dificultad para darles a conocer en los canales de noticias y programas de televisión coreanos, Big Hit apostó por mostrar una actitud sincera, humilde y cercana a través de las redes sociales. “La decisión de HYBE de cambiar radicalmente el marketing del grupo para vender una imagen de autenticidad como algo diferente en una industria manufacturada funcionó muy bien, acelerando la conversión de BTS en un fenómeno de masas y convirtiendo a HYBE en una compañía muy rica y potente en la industria”, apunta Navarro. Con esto coincide la ya mencionada Marie Lim: “Compartían activamente videoblogs, vídeos de ensayos y otros contenidos que creaban una intimidad genuina con los fans”. A diferencia de otros grupos, BTS empezó a construir una relación directa con su público mucho antes de conquistar el mercado internacional.

Y funcionó. Por eso BTS tampoco se entiende sin las ARMY, siglas de Adorable Representative MC for Youth (adorables representantes de MC [maestro del rap] para la juventud). “ARMY no es simplemente una base de fans. Son participantes activos que lograron cosas que ni siquiera la agencia podía hacer sola”, explica el cineasta, periodista y productor de televisión coreano Hark Joon Lee, coautor de K-Pop Idols: Cómo se fabrica un género global en la industria musical coreana (Editorial Malpaso). “Tradujeron letras y contenidos, contactaron con emisoras de radio, organizaron campañas de compra y reproducciones e introdujeron al grupo entre nuevos públicos. En muchos sentidos, fue ARMY quien hizo posible la entrada de BTS en Estados Unidos”, añade.

El impacto de BTS va mucho más allá de la música. A nivel económico, y según datos de 2021, BTS genera anualmente 5.000 millones de dólares para la economía surcoreana, lo que representa aproximadamente entre el 0,3% y el 0,5% del PIB total del país. También han roto las barreras del idioma. “BTS procedía de un contexto cultural coreano muy local, pero quería comunicarse con gente más allá de Corea. Para gran parte del público internacional, las barreras lingüísticas no supusieron un obstáculo importante”, añade el profesor de Berklee Ray Seol.

Queda por ver cuánto durará el reinado de BTS. Por ahora, los reyes indiscutibles son ellos: “Están ayudando a cambiar el rostro de la música pop”, resume Hae Joo Kim. “No son el artista asiático más popular del mundo; son uno de los artistas más populares del mundo que, además, son asiáticos”. La investigadora Andrea Echevarría va más allá: “Pocas veces se tiene la oportunidad de presenciar un fenómeno como este”. La Beatlemanía ya queda lejos.

Y es que la acción se concentrará en un solo día, devolviendo la serie a la cocina como centro dramático, tras dos entregas marcadas por una cierta dispersión narrativa. El nuevo cierre sitúa al restaurante al borde del colapso económico y convierte la última cena en una prueba para medir si la ficción de Christopher Storer puede cerrar con más pulso del que mostró en su tramo más irregular.

La temporada arranca la mañana después de que Carmy Berzatto (Jeremy Allen White) haya comunicado que deja el negocio y cede el restaurante a una sociedad formada por Natalie (Abby Elliott), Sydney (Ayo Edebiri) y Richie (Ebon Moss-Bachrach).

Una temporada concentrada en un solo día

Esa jornada única transcurrirá durante una tormenta torrencial sobre Chicago, sin dinero, con la amenaza de venta del local y con la expectativa de una última cena que podría acabar en estrella Michelin.

Ese formato de un día corrige parte de los desajustes de las dos temporadas anteriores, cuando la serie se concentró en el sufrimiento de Carmy y relegó a buena parte del reparto secundario. El reconocimiento que Donna Berzatto (Jamie Lee Curtis) dirige a Natalie al decirle que el restaurante existe gracias a ella, y la réplica de su hija al subrayar que “lo hicimos todos”, resume el reajuste de foco de esta despedida.

El restaurante afronta su primera noche de servicio desde que expiró el plazo fijado por el principal inversor, el tío Jimmy (Oliver Platt), para que el negocio empezara a sostenerse por sí solo. El local sigue lejos de obtener beneficios, mientras la lluvia pone en riesgo reservas y entregas, la fontanería falla y el sistema de reservas deja de funcionar.

El cambio más visible está en el papel de Sydney. La cocinera, ahora nueva jefa de cocina, carga con un secreto que no conoce todo el equipo: la salida inminente de Carmy. Eso la obliga a liderar en el peor momento, mientras él pasa a ser casi una presencia fantasma en su propia cocina.

Un regreso a los inicios

La quinta temporada casi elimina los ‘cameos’ llamativos, prescinde de grandes desvíos narrativos como los de la entrega anterior y deja fuera a Claire, la ‘expareja’ de Carmy interpretada por Molly Gordon.

Ese regreso al interior del restaurante permite que estilo y contenido vuelvan a acompasarse. Así, la temporada recupera la tensión que convirtió a la serie en un fenómeno, hasta el punto de que el sexto y el séptimo episodios se parecen “a un ataque de pánico”, y además lo hace con una puesta en escena más precisa y menos mareante que la de las dos últimas entregas.

La banda sonora también cambia. La música electrónica de la temporada corresponde a Christian Lundberg, integrante del colectivo Bleeding Fingers de Hans Zimmer, imprimiendo una urgencia constante.

Jeremy Allen White, Ayo Edebiri y Ebon Moss-Bachrach han confirmado que la quinta es realmente la última temporada, aunque White ha matizado esa certeza con un “eso creo”. Moss-Bachrach la define como “un final elegante y apropiado” que da sensación de obra completa.

Pocas escritoras hay en España actualmente como Rosa Montero (Madrid, 1951). Traducida a una treintena de idiomas y distinguida con galardones como el Premio Nacional de las Letras Españolas, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes o el Premio Liber 2025, la autora se ha consolidado como una de las grandes voces de la literatura y el periodismo en español.

A lo largo de más de cinco décadas ha compaginado la escritura de novelas -este 2025 cruzó la veintena, con Animales difíciles- con una intensa carrera periodística. Desde 1977 forma parte de la redacción de El País, donde también fue redactora jefa del suplemento dominical y donde ha firmado algunas de las columnas más leídas de la prensa nacional. Precisamente fue en una de ellas, titulada El deseo de ser otro y publicada en octubre de 2017, donde dejó una de sus citas más repetidas: “El tiempo es un jardinero loco que se encarga de ir podando los brotes tiernos de nuestras otras vidas”.

En ese texto, la escritora utilizó las cifras de cuanta gente desaparecían al día en España: para entonces, la cifra giraba alrededor de 38, lo que supone un total de 14.000 al año. La autora utiliza esto como pretexto para reflexionar sobre el deseo de escapar de sus propias vidas. “¿Quién no ha sentido alguna vez el deseo poderoso de ser otro, de huir de uno mismo y empezar de cero?”, se pregunta. “Venimos al mundo pletóricos de posibilidades, con un sinfín de caminos abiertos a nuestro alrededor; y luego el tiempo, jardinero loco, se encarga de ir podando los brotes tiernos de nuestras otras vidas potenciales, hasta dejarnos encerrados en la rama pelada de lo que somos”.

El origen de la cita

La autora completa la columna recurriendo a Wakefield, el célebre relato de Nathaniel Hawthorne sobre un hombre que abandona su hogar durante años para contemplar desde la distancia cómo continúa la vida de su familia. En esa historia encuentra una metáfora del deseo de romper con la propia identidad y empezar de cero, un impulso que reconoce haber sentido en numerosas ocasiones y que, asegura, está en el origen de muchas de sus novelas.

Buena parte de la obra de Rosa Montero gira en torno a cuestiones como la identidad, la memoria, la muerte o la fragilidad de la condición humana. Títulos como La hija del caníbal, La loca de la casa, La ridícula idea de no volver a verte, La buena suerte, El peligro de estar cuerda o la reciente Animales difíciles reflejan ese interés por explorar los miedos, las contradicciones y los anhelos que acompañan a las personas a lo largo de su vida.

Con más de tres décadas en el mundo del cine profesional a las espaldas, Álex de la Iglesia puede presumir de ser uno de los directores españoles más reconocidos a nivel internacional. Al fin y al cabo, se trata del responsable de títulos como El día de la bestia, La comunidad o la serie 30 monedas, que ahora sumará un nuevo logro en su carrera al realizar la primera película de animación 3D para adultos sobre el universo literario de H. P. Lovecraft, uno de los escritores de terror y fantasía más importantes de la historia.

La noticia indica, pues, un importante giro en la carrera del cineasta español, quien pese a demostrar siempre un gran interés por los mismos géneros que el escritor al que adaptará nunca se había aproximado a su universo ni tampoco había dirigido ninguna película de animación. El argumento gira en torno al Necronomicón, el legendario libro prohibido ideado por Lovecraft, cuya lectura conduce a la locura o a una muerte espantosa. En palabras de la productora, la película “explora la fragilidad de la cordura humana ante lo desconocido”, y sitúa al libro viajando a través de cuatro escenarios históricos y geográficos, todos tan distantes como sombríos.

La producción arrancará a finales de 2026. El largometraje entrelazará varias historias, descritas como “trágicamente entrelazadas”, con el Necronomicón“alimentándose de la sed de conocimiento prohibido de la humanidad” y desatando “la escalofriante certeza de que no somos más que polvo de los Antiguos”, tal y como han informado desde Variety. Además, la trama se apoya en uno de los elementos más inquietantes del propio Lovecraft: aunque menciona el libro en numerosos relatos, nunca revela su contenido, lo que acrecienta aún más el misterio y el temor en torno a él.

“Este proyecto situará a la industria española en el mapa mundial”

La revista estadounidense ha preguntado al director por qué ha tardado tanto en abordar el cine de animación. “Empecé creando cómics, y la animación siempre ha estado presente”, relata De la Iglesia. “Ages of Madness me da la oportunidad de reconectar con mis raíces junto a un equipo increíblemente talentoso. Estoy emocionado porque, incluso después de tantos años en el cine, todavía puedo afrontar algo nuevo con la ilusión del primer día”.

Por su parte, para Darío Sánchez, CEO de 3Doubles, la adaptación de Lovecraft representa algo más que un proyecto personal. Así lo ha subrayado para el citado medio: “Siempre me ha fascinado el universo lovecraftiano, y poder llevar ese horror cósmico a la pantalla junto a Álex de la Iglesia es un sueño hecho realidad”. Sánchez considera que “este es un punto de inflexión para nuestro sector: la animación para adultos está en pleno auge, y este proyecto situará a la industria española en el mapa mundial”.

El largometraje contará con el respaldo de dos productoras especializadas. 3Doubles tiene experiencia en títulos como SuperKlaus y Norbert, ambos nominados al Goya. Por su parte, Sumendi Uhartea suma créditos recientes en series y películas como Heidi, Katamotzaren erreskatea, Lasai, Zeus! y KooKoo Corral, seleccionada para el Cartoon Forum 2025. “El Necronomicón se ha agitado. Álex de la Iglesia se sumerge por primera vez en la animación con Ages of Madness: The Howling of the Jinn. Cuatro eras, un libro prohibido y un caos ancestral a punto de desatarse”, celebran todos los implicados en el comunicado en redes sociales que ha terminado de hacer oficial este nuevo trabajo.

En un mundo como el actual, donde cada mes se estrenan decenas de películas en cines y las plataformas renuevan continuamente sus catálogos, cuesta pensar que algunas películas consigan atraer a la gente a las salas de cine para lograr recaudar cientos o incluso miles de millones de dólares. Sin embargo, ese reto parece pan comido (o lo que sea que coman los na’vi) para James Cameron y su megasaga de películas de Avatar.

El cineasta estadounidense se proclamó como uno de los cineastas más exitosos de todos los tiempos al repetir, con este clásico de la ciencia ficción cuya primera parte se estrenó en 2009, emular su gesta con Titanic y situarlo como la película más taquillera de la historia. De hecho, Avatar sigue siendo el título que más ha recaudado a nivel mundial en toda la historia del cine, y ni siquiera su secuela, Avatar: El sentido del agua, o la tercera entrega, Avatar: Fuego y ceniza, han logrado éxitos semejantes.

Precisamente esta última acaba de desembarcar en Disney Plus para que, por primera vez, pueda verse en streaming y los espectadores de España y el resto del mundo que la vieron en pantalla grande puedan volver a disfrutarla en sus casas. Sumando en taquilla 1.490 millones de dólares en todo el mundo (lo que la sitúa en la decimosexta posición de títulos con mayor recaudación de todos los tiempos), la película de James Cameron fue la tercera película más exitosa de 2025 (Ne Zha 2 y Zootrópolis 2, dos largometrajes de animación, la superaron). Ahora bien, ni siquiera eso fue suficiente para despejar las dudas de una saga que, en un principio, aspiraba a contar una gran historia dividida en cinco partes.

Por qué no sabemos si habrá una película más de ‘Avatar’

A día de hoy, la producción de Avatar 4 no se da nada por hecho en las oficinas de Disney. A pesar de la buena recaudación, la compañía acusó las malas críticas de la tercera entrega de la saga (a pesar de que en la revista estadounidense Empire la celebraron como “cine verdaderamente épico”) y la considerable caída de espectadores de una franquicia cuya primera película roza los 3.000 millones de dólares en taquilla, y cuya segunda película superó con creces los 2.300 millones. Quedarse lejos de esas cifras no ayudó a James Cameron, que ha visto como el estudio le ha exigido dos condiciones para una nueva película: menos presupuesto y menos duración.

Por el contrario, el cineasta ha subrayado la necesidad de “un fuerte compromiso” por parte de Disney para seguir adelante con el proyecto. Una postura que hace difícil que se pongan de acuerdo. Sin embargo, también hay brotes verdes en este escenario lleno de incógnitas. En abril, el productor Rae Sanchini intentó transmitir optimismo al asegurar: “Ahora mismo estamos definiendo el cronograma. Estamos trabajando intensamente en ello: presupuestando, programando, planificando y desarrollando nuestra nueva red de proveedores. Por nuestra parte, vamos a toda máquina”.

Con todo, no ha habido confirmación de que la franquicia vaya a continuar. La posibilidad de que Avatar 4 vea la luz depende de que el equipo logre convencer a Disney de que la saga puede seguir siendo rentable bajo las nuevas condiciones y la última palabra, al menos por ahora, sigue en manos de los ejecutivos del estudio. Por el momento, deberemos contentarnos con poder ver al fin Avatar: Fuego y ceniza en nuestras casas, una opción más que atractiva para los fans de la ciencia ficción que no llegaron a ver esta película, que cuenta con incorporaciones tan destacadas como la de Oona Chaplin, y que ofrece una espectacular puesta en escena digital repleta de vibrantes escenas de acción.

La búsqueda de la felicidad ha obsesionado a la humanidad desde sus orígenes más remotos. En la antigua Atenas, las plazas públicas no solo albergaban mercados, sino también debates profundos sobre qué significa realmente llevar una buena vida. Puede que hoy muchos encuentren la respuesta en un consumismo desenfrenado, pero las reflexiones de los pensadores clásicos, y muy en especial de los pensadores griegos, pueden ofrecer una respuesta alternativa.

Gran parte de estas ideas nos llegaron a través de La República, la célebre obra del filósofo Platón donde se discute la justicia y el diseño de un Estado ideal. En estos diálogos, su maestro Sócrates expone una constante preocupación por la ética, el cuidado del alma y el autoconocimiento, vinculando la auténtica virtud con un desapego total de los bienes materiales superfluos.

De este modo, no es de extrañar que una de las frases más atribuidas a Sócrates en esta obra sea la siguiente: “La mayor riqueza es aprender a vivir contento con poco”. Una afirmación que resulta fundamental entonces y ahora al subvertir por completo la noción tradicional que tenemos del éxito. El filósofo, con unas pocas palabras, nos recordó que la libertad espiritual y la paz mental residen en el control de nuestros deseos cotidianos más mundanos.

El significado de la frase de Sócrates

El gran filósofo de la Antigua Grecia argumentaba que la verdadera riqueza no se mide por la cantidad de posesiones acumuladas, sino por la escasez de necesidades. Su visión bien podría encajar en nuestra sociedad actual. En esta, dominada por la publicidad y el consumo rápido, solemos buscar la felicidad en las novedades del mercado, cuando no en las últimas rebajas. Sócrates desafía directamente esta mentalidad consumista al recordarnos que la satisfacción duradera nace del interior.

Para profundizar en esta idea, resulta ilustrativa otra de sus sentencias más reconocidas: “El que no está contento con lo que tiene, no estaría contento con lo que le gustaría tener”. Esta lectura psicológica del consumista evidencia que la codicia puede convertirse en un auténtico barril sin fondo. Quien vincula su bienestar a lo externo jamás hallará paz, pues sus deseos la capacidad de los deseos para expandirse resulta infinita.

Resulta irónico pensar que, hace unos 2.500 años, Sócrates salía al mercado de Atenas para exclamar: “¡Cuántas cosas hay que no necesito!“. Seguramente, gritar en el ágora era lo más parecido a subir una historia de Instagram que hubiera entonces, aunque habría que ver si, también entonces, las comparaciones con los demás eran constantes. Las comparaciones de hoy son puramente materiales nacidas de una dependencia por las cosas que no parece encontrar fin. Frente a esto, la doctrina socrática propone una maravillosa receta (también) de salud mental.

El eco de la moderación en otros pensadores

Siglos más tarde, Epicuro de Samos continuó explorando esta línea de pensamiento sobre hasta qué punto necesitamos el dinero y las riquezas. El filósofo del placer inteligente defendía que la tranquilidad del alma se alcanza distinguiendo los deseos naturales de las ambiciones artificiales. Su célebre sentencia, puede que la más sabia de las tautologías, sintetiza a la perfección esta idea: “Nada es suficiente para quien lo suficiente es poco”.

Asimismo, el estoicismo romano abrazó con fervor esta doctrina como pilar para alcanzar la ataraxia. El célebre filósofo cordobés Séneca plasmó esta profunda convicción en sus famosas epístolas al escribir: “No es pobre el que tiene poco, sino el que desea más”. Con ello, sentenció que el bienestar definitivo no proviene de acumular fortunas, sino de domar la codicia.

En definitiva, parece que la filosofía clásica sigue resonando en nosotros miles de años después para recordarnos que, incluso en un mundo hiperconectado y tan consumista como el nuestro, aprender a apreciar los pequeños detalles cotidianos es valioso. Solo así podemos acercanos al verdadero sentimiento de abundancia, una riqueza que, más allá de los bolsillos, las carteras y las cuentas corrientes, nos hace sentir que no necesitamos nada más.

El barrio de Santa Rosalía en Palermo, Sicilia, exhibe desde hace semanas un mural monumental en el que la cantante española Rosalía aparece convertida en una figura sacra, fundiéndose visualmente con la imagen de la patrona local que da nombre a la zona. La intervención, titulada Estasi (Éxtasis), es obra del artista callejero Igor Scalisi Palminteri, quien ha buscado transformar la fachada en un símbolo contemporáneo protegido y con un significado artístico y cultural más allá de las fronteras naturales (el mar) y políticas que separan las culturas siciliana y española.

La obra despliega a la cantante catalana sobre un fondo dorado, con un halo y el cabello decolorado que simula una corona. Esta estética, según el muralista, toma referencia directa de la promoción de Lux, el último disco de Rosalía, ya que la representa en actitud de oración, con las manos juntas, al igual que en la carátura del disco.

Sin embargo, el mural, según su autor, es mucho más que un retrato: “En su trayectoria artística, reconozco una forma de sincretismo que también encuentro en la historia de Palermo: una fusión continua de diferentes lenguas, culturas e identidades”, ha explicado en un comunicado.

La canción de ‘Lux’ que ha inspirado el cartel

En la pieza, los patrones geométricos tienen un papel muy importante, pues recrean las luminarie, esas iluminaciones hechas de luces que decoran Palermo durante el célebre Festino del 14 de julio, fecha en la que la ciudad honra a la santa con una celebración multitudinaria. El mural se ha instalado precisamente en vísperas de la festividad, multiplicando su impacto simbólico entre los vecinos.

La decisión de unir la imagen de la artista con la de la santa tiene un detonante musical: el propio disco de Rosalía incluye una canción titulada Focu ‘Ranni, donde la intérprete canta en dialecto siciliano como tributo a la cultura local y a la patrona de Palermo, conocida por los habitantes como la Santuzza.

El propio Scalisi subraya la fuerza de la letra: “Mi jittaiu nta lu nenti pi nun pèrdiri a libbirta” (“Me lancé al vacío para no perder mi libertad”), describió el pintor, convencido de que ese verso encarna “una tensión que pertenece tanto a la investigación artística de Rosalía como a la figura de santa Rosalía: la idea de un cruce, de una transformación necesaria para seguir cultivando la propia libertad”.

La historia de santa Rosalía

El mural, que ya se ha convertido en punto de referencia para locales y visitantes, fusiona los lenguajes visuales del arte urbano con la iconografía religiosa y la cultura pop que encarna nuevamente el sincretismo que el propio barrio vive desde hace siglos, entrecruzando tradiciones y tendencias globales.

La historia de santa Rosalía está marcada por el relato de un milagro: según la tradición católica, la patrona salvó a Palermo durante la peste de 1624, cuando sus restos fueron paseados por las calles. Ese hecho cimentó una devoción popular que se mantiene viva cuatro siglos después y que ahora encuentra una expresión renovada en el arte contemporáneo.

Ahora, Movistar Plus+ estrena La más grande, una ‘docuserie’ de cuatro capítulos a modo de biografía que se encarga de honrar a la artista desde todas sus facetas, tanto la artística y pública como la íntima y privada. Lo que viene siendo la dicotomía entre el icono y la mujer, entre Rocío Jurado y Rocío Mohedano.

La serie ha sido dirigida por Alexis Morante, que ya había trabajado el biopic documental para figuras como Enrique Bunbury, Camarón de la Isla, Alejandro Sanz o David Bisbal. Ademas, cuenta con Rocío Carrasco como productora ejecutiva y se apoya en un manuscrito escrito por la propia artista que recorre su vida desde el nacimiento hasta la separación de Pedro Carrasco.

“El proyecto ha tardado todo el tiempo que yo he tardado en encontrar a la gente adecuada para que lo hiciera, porque era muy personal”, cuenta Rocío Carrasco a Infobae.

Una mujer que rompió todos los moldes

El primer episodio se estrena el jueves 25 de junio y los cuatro capítulos llegarán con cadencia semanal. La plataforma presenta el proyecto como la serie documental definitiva sobre una figura que rompió los estereotipos de la folclórica clásica para convertirse en una mujer moderna, libre y reivindicativa.

La producción, además, incorpora fotos, vídeos y grabaciones inéditas aportadas por su hija. Ese material personal incluye también el texto que sirve de hilo conductor al relato y que, según Rocío Carrasco, no es un diario ni unas memorias al uso, sino una biografía escrita por la cantante.

Carrasco ha relatado que el origen de ese manuscrito se remonta a 2001, cuando murió su padre. Entonces, su madre le entregó un sobre con fotos y un texto “para que cuando te apetezca, lo leas y sepas quién es tu padre y tu madre”.

La productora ejecutiva guardó aquel material sin revisarlo a fondo y volvió a encontrarlo años después, cuando buscaba imágenes para el documental. Fue en ese momento cuando identificó su alcance: una narración en primera persona que cubría desde el nacimiento de Rocío Jurado hasta su ruptura con el boxeador onubense.

Ese hallazgo resolvió una de las decisiones centrales del proyecto: cómo contar la vida de la artista. El equipo barajó varias opciones y terminó optando por que fuese ella misma, a través de ese texto, quien guiara la historia.

La narración corre a cargo de Daniela Vega, actriz y cantante chilena (protagonista de la película Una mujer fantástica), cuya presencia no responde a un simple papel de locutora. La elección tiene una historia personal vinculada a Jurado que se revela al final del cuarto capítulo.

Así, Vega lee y atraviesa la historia “como si fuera una fábula”, ya que el director ha insistido en que buscaba una voz cinematográfica y en que su intención era huir del formato de “bustos parlantes”, aunque sí haya entrevistas que aporten cercanía y veracidad.

Referente del feminismo y la comunidad LGTBI

El eje de la serie no es solo la carrera musical de la cantante de Chipiona, nacida en 1943 y fallecida en 2006. El documental la presenta también como un símbolo de cambio en un país marcado por la dictadura, la represión y el machismo estructural.

Esa mirada subraya cómo la artista se declaraba feminista en televisión y descolocaba a presentadores como Jesús Hermida, José María Íñigo, Lauren Postigo o La Trinca. La serie rescata esas intervenciones como prueba de una posición pública poco habitual en su tiempo.

“Hay una cosa que siempre me impresionó, que fue el funeral de Rocío Jurado en Chipiona, con todo el país conmocionado. Para mí fue una especie de punto de partida: ¿qué hizo esa mujer para que se la quisiera tanto? ¿Qué había detrás del mito?“, cuenta Alexis Morante. ”Así que la propuesta era contar su historia de una forma muy emocional desde esa dicotomía entre la, la Rocío persona y la Rocío profesional, intentando investigar esas dos formas de entender el mundo que tenía ella misma, con sus contradicciones. Y también, a través de ella, cómo evolucionó nuestro país en materia de derechos sociales, en especial para las mujeres, de las que ella se erige como representante de esa revolución".

En ese sentido, también se revisan episodios como el del vestido semitransparente que lució en una gala de TVE en 1974, una polémica que llegó a provocar la dimisión del ministro de Información y Turismo Pío Cabanillas.

“Era su forma de pensar, lo tenía claro desde la cuna, desde que nació. Siempre lo he dicho, que es alguien que lo traía intrínseco, era una verdad profunda que ella tenía. Tenía sus pensamientos, sus valores y lo plasmó lo cantó, lo dijo, lo demostró. Y al final yo lo único que puedo sentir es, es un orgullo muy grande”, continúa Rocío Carrasco.

El documental incide además en la relación de la cantante con el colectivo LGTBIQ+, situándola como una aliada histórica admirada por personas gais, lesbianas y trans, además de una de las artistas más imitadas en el arte drag.

Rocío Carrasco sostiene que su madre llevaba esa forma de pensar “en el ADN” y que en su casa no existía otra posibilidad moral. La igualdad entre hombres y mujeres, la independencia económica, laboral y emocional y el respeto a otros colectivos formaban parte de la educación que, según su hija, impartía en el ámbito familiar.

La dimensión artística también ocupa un lugar central. Rocío Jurado vendió 20 millones de discos y obtuvo 150 discos de oro y 60 de platino, una trayectoria que la llevó a transitar por flamenco, copla, canción española, lírica, jazz y góspel.

Entre las figuras que articulan ese recorrido aparecen Manuel Alejandro y Juan Pardo, definidos como sus “dos escuderos”. El primero impulsó composiciones como Amores a solas o Lo siento mi amor; el segundo acompañó un momento posterior de reinvención con el álbum Punto de partida, publicado en 1989.

La serie repasa además sus comienzos: la muerte temprana de su padre, los concursos radiofónicos en Andalucía, la llegada a Madrid, su paso por el coro flamenco del tablao El Duende y después por el tablao de Manolo Caracol en la calle Barbieri, antes de las primeras grabaciones, el cine y las actuaciones televisivas que dispararon su popularidad.

No participan en el documental familiares como José Ortega Cano, Amador Mohedano o Gloria Mohedano porque rechazaron la invitación. El proyecto llega cuando se cumplen 20 años de la muerte de la cantante y coincide con otros movimientos de relectura de su legado, como un libro colectivo publicado por Dos Bigotes y el rodaje en Chipiona de una serie de ficción de TVE y Boomerang TV sobre su vida.

El documental definitivo de ‘la más grande’

¿Cómo le ha afectado a Rocío Carrasco hacer este documental sobre su madre?

“Al final te remueve, pero me ha ayudado como terapia de choque, también a colocar ciertas cosas, o a intentar convivir con ellas. Ya había empezado ese proceso hacía tiempo, cuando preparamos el musical, porque tuve que hacer un esfuerzo en el sentido de escuchar, ver, poner. Pero este trabajo ha sido más profundo, y me ha apoyado a convivir con un duelo que no se va, que nunca se va a mitigar, porque siempre va contigo”.

En el documental, hay muchas grabaciones inéditas, pero las más interesantes son las que se refieren a la vida privada y cotidiana de la artista. “Queríamos que fuera el documental definitivo de Rocío Jurado”, cuenta Alexis Morante. “Así que hemos buscado debajo de las piedras para encontrar todo el material posible para contar esta historia. Queríamos que todo eso nos sirviera para conocer a la verdadera Rocío, con y sin la máscara”.

Todos conocemos cómo termina el trayecto. El final de la historia es ese momento climático del funeral. Pero, para entender la magnitud, había que contar la génesis del mito, de esa mujer que empezó desde abajo en una España compleja y terminó rompiendo estereotipos. Y se convirtió en ‘la más grande’ y en la banda sonora de nuestras vidas.

La actriz Amy Adams ha contado que salvó a un hombre apuñalado en Santa Mónica al aplicar consejos que había aprendido durante su paso por la serie médica de CBS Dr. Vegas, una ficción cancelada tras cinco episodios en 2004 y en la que interpretaba a una enfermera titulada.

La actriz ha relatado en el ‘pódcast’ SmartLess que el hombre había sido “apuñalado en el cuello” y que ella consiguió contener la hemorragia con toallas de playa mientras le pedía que dejara de moverse, una intervención que, según explicó, se produjo cuando salió de su restaurante favorito con su familia.

Adams ha dicho que ella y los suyos fueron “las primeras personas en llegar” al lugar del apuñalamiento. La intérprete iba acompañada por su padre Richard Adams, su marido Darren Le Gallo y su hija, cuando se encontraron con la escena al salir del local.

Cómo se desarrollaron los acontecimientos

La actriz recordó que oyó gritos y vio a un hombre caminando mientras quienes estaban con él alertaban de que se estaba muriendo. Su marido identificó de inmediato que había sangre, y al comprobar que la herida estaba en el cuello, Le Gallo se quedó con su hija mientras Adams y su padre acudían a asistirle.

Adams se encontró a un hombre que sangraba mientras sus amigos estaban “presos del pánico”. En ese momento, dijo haberse sentido muy centrada y utilizó las toallas que llevaban consigo para hacer presión sobre la herida y frenar la pérdida de sangre.

La actriz le dio una instrucción concreta a la víctima: “Cuanto más te esfuerces, más rápido vas a desangrarte. Túmbate”. Ese consejo, según explicó al medio, procedía de lo que había aprendido interpretando a Alice Doherty, una enfermera en Dr. Vegas.

Una maniobra aprendida en una serie

La serie se emitió en 2004 en CBS y solo duró cinco episodios. Estaba protagonizada por Rob Lowe, que daba vida al doctor Billy Grant, un médico joven que vivía y trabajaba en un complejo turístico y casino de la vieja escuela en Las Vegas.

En el reparto también figuraban Sarah Lancaster, Lisa Gabriel, Joe Pantoliano, Tom Sizemore y Adam Clark. La experiencia en aquella producción, pese a su breve recorrido, fue la referencia que Adams citó para explicar por qué supo cómo reaccionar en una emergencia de ese tipo.

Adams volvió a ver a la víctima un año después del apuñalamiento. Ocurrió en un restaurante, cuando un hombre se le acercó para preguntarle si era cierto que ella y su padre habían estado presentes cuando apuñalaron a alguien.

La actriz contó que entonces le reconoció de inmediato y comprendió que estaba hablando con la misma persona a la que había ayudado aquella noche. “Dios mío, eres tú”, recordó haber pensado al identificar al hombre con el que se reencontró tiempo después.

La película está protagonizada por Moore como Mona Friedman, una mujer nerviosa y reservada que consigue un papel en una producción local y acaba enfrentada al director Jerry, interpretado por Paul Giamatti, presentado como “el nombre más importante del teatro comunitario de Nueva Jersey”, mientras el adelanto la muestra sometida a un proceso de exigencia extrema.

Se trata del siguiente largometraje como director de Eisenberg después de la ‘oscarizada’ A Real Pain. The Debut tendrá calificación R en Estados Unidos y gira en torno a la transformación de Mona, que pasa de ser una ama de casa discreta a una actriz de método dispuesta a todo para defender la integridad artística de un papel mínimo.

Una comedia entre bambalinas

El tráiler arranca con una confesión de la protagonista: “No he cantado delante de nadie desde el coro de la iglesia”. Aun así, termina obteniendo un papel protagonista en una producción dirigida por Jerry, cuya reputación dentro de ese circuito teatral local marca el tono del conflicto.

La película ha sido descrita como una comedia entre bambalinas en la que Mona cae bajo la influencia de un director temperamental y enigmático. La relación entre ambos derivará en un pulso artístico mientras la vida de la protagonista empieza a descontrolarse.

Una de las advertencias del avance llega a través del personaje de Halle Bailey: “Jerry va a ponerte a prueba, va a empujarte y va a arrastrarte por el barro”. La frase encuentra su réplica en otra intervención del propio director, cuando le espeta a Mona: “Todas y cada una de las cosas que estás haciendo no funcionan”.

Eisenberg aparece también en pantalla como otro actor de la troupe de teatro comunitario. Completan el reparto Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov y Bernadette Peters, en una cinta especialmente vinculada al mundo escénico.

La producción reúne de nuevo a Eisenberg con Topic Studios y Fruit Tree, socios con los que ya trabajó en A Real Pain. Entre los productores figuran Emma Stone, Dave McCary, Ali Herting y el propio cineasta.

Tercera película como director de Eisenberg

La nueva película será la tercera incursión de Eisenberg en la dirección tras Cuando termines de salvar el mundo y A Real Pain. “Escribo todo tipo de cosas. La mayoría no se publican ni se producen, como le pasa a la mayoría de la gente, supongo”, dijo Eisenberg en su momento.

Añadía que había escrito un musical hace 15 años y que parte de ese material ha acabado reciclado en esta nueva historia ambientada en el teatro comunitario. También vinculaba el proyecto con su obra Happy Talk, protagonizada por Susan Sarandon.

El anterior largometraje de Eisenberg, A Real Pain, seguía a dos primos, David y Benji, en un viaje por Polonia para rendir homenaje a su abuela. La película obtuvo nominaciones al Óscar a mejor actor de reparto y mejor guion original, y Kieran Culkin ganó la estatuilla al mejor actor de reparto en 2025.

La película consolidó el perfil de Eisenberg como director después de una carrera como actor que ya había incluido una nominación al Óscar por interpretar a Mark Zuckerberg en La red social, de David Fincher.

The Debut supondrá además la segunda colaboración de Eisenberg con A24 después de Cuando termines de salvar el mundo, que también contó con Julianne Moore. Por ahora, la distribuidora no ha fijado una fecha concreta de estreno, aunque se supone que estará ligada a la temporada de festivales y, cómo no, también a los premios

La conversación cinematográfica en estos últimos meses ha tenido varios protagonistas: por una parte Steven Spielberg con su nueva gran superproducción, El día de la revelación y, por otra, los jóvenes cineastas surgidos de YouTube que se han hecho un hueco en el panorama cinematográfico en tiempo récord.

El día de la revelación llegaba a las salas más de 50 años después de que Tiburón redefiniera el gran espectáculo veraniego, que es precisamente lo que están haciendo ahora directores como Kane Parsons o Curry Barker con el cine de terror. En ese sentido, ¿quién ve ahora las películas de Steven Spielberg y quién las de los jóvenes nuevos talentos?

En términos de taquilla, Backrooms debutó con 81,4 millones y se convirtió en el mejor estreno de la historia de A24, mientras El día de la revelación atrajo a un público de mayor edad, con un 59% de asistentes por encima de los 35 años en su primer fin de semana.

Cuáles son las preferencias de la Gen Z

Por eso, The Hollywood Reporter ha publicado un estupendo reportaje en el que preguntan a jóvenes de la generación Z tanto por Steven Spielberg y el valor que siguen teniendo sus películas como por sus nuevos directores favoritos. ¿Qué prefieren?

La reacción inicial de varios entrevistados fue de vacilación ante el nombre del director, hasta que el medio enumeró títulos como Tiburón, E.T., el extraterrestre, la saga Indiana Jones, La lista de Schindler o Salvar al soldado Ryan. Ahí cambió el reconocimiento: las películas estaban presentes, aunque no siempre asociadas de forma inmediata a su autor.

Algunas de las conclusiones de esta encuesta a pie de calle es que las nuevas generaciones se sienten atraídas por propuestas de base más artesanal, ya vengan de directores surgidos en YouTube o de películas de bajo presupuesto, frente a grandes autores y franquicias que perciben como demasiado orientados a un público masivo.

También que muchos espectadores jóvenes están saturados de cine dominado por imágenes generadas por ordenador, por películas clones como las que pertenecen a Marvel y que eso les ha alejado de las superproducciones.

Ahora lo que se busca es originalidad, rodajes con soluciones prácticas y nuevas voces, por encima de franquicias y grandes espectáculos visuales. Esa preferencia ayuda a entender el rendimiento de los dos títulos que han alterado el mapa del verano.

Entre ellos encontramos Obsession, una película original de terror sobre un joven llamado Bear, interpretado por Michael Johnston, que utiliza un objeto maldito llamado One Wish Willow para lograr que Nikki, a quien da vida Inde Navarrette, le quiera más que a nadie en el mundo. El deseo se cumple, pero trae consecuencias peligrosas.

Tras su sexto fin de semana en cartel, Obsession supera los 334 millones de recaudación mundial con un presupuesto de 750.000 dólares. La película se ha convertido así en la más taquillera de la historia de Focus Features.

Dos semanas después llegó Backrooms, adaptación de la serie de cortos virales de Parsons en YouTube. La película sigue a Clark, un arquitecto fracasado interpretado por Chiwetel Ejiofor, que descubre una sucesión interminable de habitaciones en la tienda de muebles que dirige. Su recaudación mundial asciende a 276,9 millones con un presupuesto de 10 millones, y ya es el mayor éxito histórico de A24.

El propio Spielberg elogió a los dos jóvenes cineastas pocas semanas después del estreno de sus películas. Dijo haber “adorado” Obsession, aunque aún no había visto Backrooms.

Cada generación, ¿tiene sus mitos?

La comparación generacional incluye otro paralelo: Spielberg también tenía poco más de 20 años cuando dirigió Tiburón en 1975. Aquella película ganó tres Oscar y se convirtió en el primer gran taquillazo del verano. Obsession, además, ha sido la primera cinta desde E.T., el extraterrestre en 1982 que ha aumentado su recaudación en el segundo y el tercer fin de semana en lugar de caer.

Los datos demográficos refuerzan esa brecha. En el primer fin de semana de Backrooms, el 86% del público tenía menos de 35 años y más de la mitad no llegaba a los 25.

En ese sentido, no se sabe cómo responderán los jóvenes norteamericanos frente a un título como La Odisea, de Christopher Nolan, que también tiene un carácter épico y un reparto lleno de estrellas, cuando ahora, lo que se lleva, es que sean rostros desconocidos. Para los jóvenes, ver película en la que no se reconoce a nadie resulta hoy más estimulante, porque los personajes parecen personas corrientes.

Además, ahora existe un ecosistema digital que no estaba presente cuando Spielberg empezó su carrera. Antes se estrenaba una película, uno iba a verla y quizá leía una crítica en el periódico o hablaba con amigos; ahora hay un flujo constante de publicaciones en Facebook, Instagram y anuncios que empujan al público a formarse una opinión sobre todo lo que rodea a la obra antes incluso de verla.

Pese a esa inclinación hacia youtubers, cine independiente y directores emergentes aparece un acuerdo de fondo: nadie ha igualado todavía la mezcla de longevidad, influencia y éxito comercial de Spielberg. Uno de los entrevistados lo resumió con un criterio exigente para cualquiera que aspire a ser “el próximo Spielberg”: tendría que rodar tantas películas como él y convertirlas todas en éxitos.

El estrés de la era digital popularizó una palabra, FOMO (Fear of Missing Out o “temor a perderse algo”). Había que estar en todos sitios, opinar de todo, dejarse ver tanto en la vida virtual como en la social, y dejar constancia en las redes sociales.

Una anomalía que terminaría determinándose como un síndrome relacionado con la salud psicológica que determinaba definitivamente que la sociedad en general no iba por buen camino, algo que no ha cambiado sustancialmente en la actualidad.

Quizás, por esa razón, a lo largo de estos últimos años, han surgido voces disidentes que se han encargado de cuestionar estos posicionamientos vitales que no dejan de ser parte de un entramado capitalista que nos atrapa y oprime.

La reivindicación de decir que ‘no’

De ahí surge JOMO. El gusto de perder (Anagrama), un ensayo del filósofo Juan Evaristo Vall Boix que pone de manifiesto estas contradicciones dentro de nuestra vida moderna para reivindicar y defender la necesidad de parar, de perder, de descansar como respuesta a una forma de vida marcada por la conexión constante, el trabajo como mandato afectivo y la imposibilidad material de reposar.

El filósofo valenciano sostiene que ese giro no es una moda aislada, sino el síntoma de un cambio de deseo que atraviesa a una generación cansada de la promesa neoliberal de éxito, flexibilidad y disponibilidad permanente.

Doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y autor de Metafísica de la pereza y El derecho a las cosas bellas, Valls Boix sitúa el núcleo de su nuevo ensayo en una idea concreta: parar solo puede dejar de ser un privilegio si existen condiciones materiales como vivienda pública, reducción de jornada, renta básica, salarios más equitativos y contención del turismo.

Su tesis es que el capitalismo de plataformas no solo ha colonizado el trabajo, sino también el ocio, la atención, el deseo y la forma misma de relacionarse con los demás.

“De algunas forma este trabajo forma parte de las mismas preocupaciones que estaban presentes en Metafísica de la pereza, en ese cambio de sensibilidad que está teniendo lugar en la sociedad actual y que se expresa de algunas maneras, entre ellas, la cultura ‘memética’, de las camas, del descanso, de la necesidad de parar“, cuenta Juan Evaristo Valls Boix a Infobae.

“Pero también se expresa en la cultura del trabajo, en lo que podríamos llamar, una desafección por el trabajo, lo cual es importante porque, hace unos diez años, dentro del imaginario neoliberal, todos estábamos enfocados en torno a la pasión por el trabajo. Era una especie de realización personal, de deseo de crecimiento”, continúa. “Sin embargo, las estadísticas señalan que los niveles de estrés y de ansiedad están disparados actualmente, así que existe un rechazo ante ese sistema”. Por último, el filósofo añade un último factor, los activismos contemporáneos, que considera de renuncia, que muestran un descrédito por las promesas de vida buena vinculadas al neoliberalismo. Es decir, que no hemos conseguido nada, ni hemos sido más felices ni más solidarios. Un fracaso.

Frente al FOMO, el JOMO, la satisfacción por perderse cosas. Pero, entonces, ¿qué hacemos, nos quedamos en la cama? “Se trata de politizar el malestar, de pensar el descanso no como algo privado, sino como la expresión por antonomasia de justicia social”.

Un movimiento más allá de la reflexión filosófica

El pensador cita a Roger Bernat a Sergi Casero a Joan Glasner, a performances de sacar literalmente las camas a la calle que tienen que ver con el derecho a la vivienda. “Johanna Hedva lo explica muy bien. Muchas personas no pueden hacer esto porque tienen que estar tumbadas, porque están enfermas, porque tienen demasiados trabajos o porque se exponen a un riesgo que no pueden sostener si se manifiestan y salen a la calle. Y creo que eso nos ha de llevar a repensar la política, no desde la acción o desde el sujeto vertical, sino desde la vulnerabilidad y la interdependencia”, dice Valls Boix.

Cuando le preguntamos si, a veces, el activismo, constituye una forma de privilegio, contesta: “Es muy difícil ser activista porque no tenemos tiempo libre ni para descansar, y todo debido a las lógicas capitalistas de competitividad, de notoriedad. No quiero criticar a los activismos que son ‘valiosísimos’ sino a las condiciones que los imposibilitan, porque hay un malestar, estamos enfermas y hay una depresión que no es una cuestión de pastillas”.

El autor alude a la imposibilidad de pagar el alquiler, a la ansiedad generalizada, al empleo precario, a la anestesia que nos rodea dentro de un malestar psicosocial desde una perspectiva colectiva y política.

Evaristo sufrió de FOMO y, por eso, puede hablar bien de él. “Lo sigo teniendo. Yo creo que es trabajar en el siglo XXI es sinónimo de tener FOMO y estrés”, cuenta. “Por eso, tiene sentido que escribir un libro sobre lo contrario, que también es algo que empieza a estar inherente, porque estamos todas muy ansiosas, al borde de la depresión, del agotamiento, y es una condición a la vez singular y plural del malestar político y social”.

Para el escritor, la pandemia marcó un antes y un después, ya que terminó de romper las promesas de felicidad ya que se suponía que si trabajábamos de lo que nos gustaba y trabajábamos mucho, íbamos a ser felices y nuestra vida tendría sentido.

“Entonces solo nos quedamos con lo que antes era el centro de gravedad de nuestra vida y nos dimos cuenta de que era una mierda. El confinamiento hizo evidente que una vida organizada en torno al trabajo no vale la pena, no tiene ningún sentido y, sobre todo, es una máquina de insatisfacción, de soledad no deseada, de aislamiento”.

El autor mezcla pensamiento erudito y cultura popular en sus ensayos, dotándolos de una enorme personalidad. “La filosofía, desde muy antiguo, y aunque a veces no lo parezca, ha tenido una vocación petarda”, cuenta. Para ello, nos da varios ejemplos, como las reflexiones de Adorno sobre Mickey Mouse, las de Kierkegaard en torno a los periódicos y las caricaturas y las de Platón sobre sus vecinos. “A mí me interesa inscribirme en una forma de trabajar que no distingue entre la alta y la baja cultura, porque se entiende antes, dice más de nosotros, de nuestras miserias”.

Por eso, en su libro hay referencias a Britney Spears o Sabrina Carpenter y está lleno de memes sacados de Internet, como el que dice: “Las noticias son ciertas, ya no quiero trabajar”. “Es la capacidad que tienen los memes, de concentrar en una sola imagen un fogonazo, captar lo más íntimo de una reflexión profunda, o incluso contener una dimensión filosófica”.

La película transcurre en un Japón de futuro próximo en el que una empresa de robótica crea réplicas humanoides de personas fallecidas a partir de fotos, vídeos y otros rastros digitales. En ese marco, un matrimonio recibe en una caja una recreación androide de su hijo muerto.

El largometraje se estrenó en competición en el Festival de Cannes y es la 17ª película de Koreeda. El director japonés, ganador de la Palma de Oro por Un asunto de familia en 2018, firma aquí el guion, la dirección y el montaje.

Qué cuenta ‘Sheep in the Box’

La historia sigue a Otone, una arquitecta interpretada por Haruka Ayase, y a su marido Kensuke, un carpintero al que da vida Daigo. Ambos atraviesan el duelo por la muerte de su hijo pequeño cuando encuentran una empresa especializada en ofrecer a familias en esa situación una continuidad artificial del ser querido perdido.

El tráiler arranca con escenas domésticas de apariencia cotidiana: un niño juega con sus padres en un parque, planta un árbol en el jardín y lee El principito en la cama. La quiebra de esa normalidad llega al final del día, cuando el niño no se mete bajo las sábanas, sino que se sienta en su estación de carga y se apaga con un resplandor azul en la nuca.

Ese punto de partida podía haber conducido a un relato de terror tecnológico, pero Koreeda ha optado por otro camino. El director ha explicado que muchas personas esperaban “algún tipo de historia ‘distópica’ sobre IA, controlada por robots”, y que les sorprende que no termine así, “para bien o para mal”.

Un drama sobre el duelo y la IA

La película funciona más como un drama de duelo con elementos de ciencia ficción que como una ‘distopía’ tradicional. El medio vincula además su actualidad con el debate sobre la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento, un asunto que marcará la próxima temporada de premios.

Koreeda ha ido más allá en su explicación del sentido de la película. En declaraciones a The Hollywood Reporter, ha afirmado: “Creo que, a medida que la IA y los androides evolucionen, van a trascender a la humanidad. Querrán conectar con algo más grande”.

El título de la película remite a El principito, de Antoine de Saint-Exupéry. Kore-eda se inspiró para escribir y dirigir la obra después de leer un artículo sobre una empresa china que intentaba utilizar inteligencia artificial generativa para devolver a los muertos.

La mirada del cineasta también se traslada a la puesta en escena de los personajes. Aunque sus películas suelen desarrollarse con frecuencia desde la perspectiva de los niños, en esta ocasión muestra la incomodidad de algunos adultos ante el niño humanoide, cuya propia perspectiva solo empieza a emerger hacia el final del filme.

Sobre el trabajo con el actor infantil Rimu Kuwaki, Koreeda ha precisado que no le pidió que actuara como un robot. “No le dije que actuara como un robot, pero dirigí a los adultos de manera que encontraran eso incómodo”, ha dicho al medio.

El reparto incluye a Daigo, Kuwaki y Ayase. Detrás de la cámara, Kore-eda vuelve a colaborar con el director de fotografía Ryuto Kondo, responsable también de la imagen de Un asunto de familia y de Monster, la película de 2023 del realizador japonés.

La producción corre a cargo de Fuji Television, Gaga, Toho y AOI Pro. En Estados Unidos, la distribución está en manos de Neon, mientras que las ventas internacionales las gestionan Gaga y Goodfellas. La película se estrenará en Nueva York y Los Ángeles el 24 de julio y después ampliará su lanzamiento al resto del país en las semanas siguientes. En nuestro país, todavía no tiene fecha de estreno, pero se distribuirá a través de Vertigo Films, como todas las anteriores películas del director.

La cancelación del concierto de Isabel Pantoja en el Icónica Santalucía Sevilla Fest ha generado una fuerte controversia en Sevilla. El espectáculo, que debía celebrarse el sábado 27 de junio en la Plaza de España, fue suspendido tras un comunicado emitido por la oficina de prensa de la cantante. La noticia sorprendió tanto al público como a la organización del festival, que rápidamente anunció que tomará medidas legales si la suspensión se mantiene.

En el comunicado oficial, el equipo de Pantoja explicó que la cancelación se debe a “diferentes discrepancias en relación con la ejecución de puntos del acuerdo” surgidas entre empresas ajenas a la artista. Según la nota, tanto Isabel Pantoja como su equipo son “total y absolutamente ajenos a estas circunstancias” y lamentan profundamente que una situación fuera de su deseo haya obligado a tomar esta decisión. Además, la artista advirtió, a través de sus representantes legales, que cualquier intento de asociar su voluntad a la resolución empresarial será considerado falso y examinado jurídicamente.

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La reacción del festival Icónica no se hizo esperar. En su propio comunicado, la organización manifestó su sorpresa por recibir la noticia a través de los medios, recordando que la cancelación de Pantoja se suma a la reciente suspensión de Il Divo, prevista para el mismo día. Icónica advirtió que, si la artista no revierte la cancelación, interpondrán una denuncia por presunta estafa y tomarán todas las acciones legales posibles. Además, el festival aseguró que ha cumplido con todos los compromisos contractuales y asumió el coste de la devolución de entradas tras la baja de Il Divo.

Motivos económicos y otras cancelaciones de Isabel Pantoja

El concierto de Isabel Pantoja en Sevilla venía precedido de diversas complicaciones. Inicialmente, la actuación estaba proyectada como parte de su gira 50 aniversario y debía contar con la participación de Il Divo. El grupo internacional se retiró en mayo, alegando “circunstancias imprevistas ajenas a su voluntad”, lo que dejó a la tonadillera como única artista principal, acompañada por la Orquesta de Málaga. La venta de entradas reflejaba aún la presencia conjunta de ambos artistas incluso después de la baja de Il Divo, lo que generó confusión entre el público y tensiones con los promotores.

Versiones cercanas a la organización señalan que los motivos de la cancelación son esencialmente económicos. La negociación contractual se vio alterada tras la salida de Il Divo, pues la presencia del grupo era clave para el cartel y los ingresos previstos. Además, la artista tenía previsto actuar en solitario durante una hora y veinte minutos, previéndose incluso la participación de Kiko Rivera como DJ al cierre de la velada. Esta situación de incertidumbre influyó en la relación entre la oficina de Pantoja y los responsables del festival, que aseguran haber cumplido con todos los requisitos y preparativos para el evento, incluidos los pagos y la logística.

No es la primera vez que Isabel Pantoja enfrenta cancelaciones o posposiciones en su calendario. Durante los últimos años, la cantante ha tenido que suspender conciertos por motivos de salud y desacuerdos con la organización en distintas ciudades, como Valladolid, Nerja, Córdoba y Sotogrande. En este caso, la falta de comunicación directa con la organización hasta último momento complicó aún más el desenlace.

Acciones legales y repercusiones

La dirección de Icónica Santalucía Sevilla Fest ha insistido en que la suspensión fue anunciada de forma unilateral por la artista, sin que el festival recibiera comunicación oficial antes de la difusión pública en medios y redes sociales. El escenario, según la organización, replica lo ocurrido con Il Divo, ya que en ambos casos la notificación se produjo solo a través de declaraciones y sin aviso previo a los promotores. Esta falta de interlocución directa ha motivado la decisión de explorar acciones legales, incluida la denuncia por un presunto delito de estafa, dado que la empresa intermediaria aseguró siempre tener la representación legítima de la cantante.

El festival subraya su cumplimiento de todas las obligaciones contractuales y recuerda que asumió íntegramente el coste de la devolución de las entradas tras la baja de Il Divo. En paralelo, y pese a la cancelación, se mantiene a la venta el grueso de las localidades en la web oficial, con elevados niveles de ocupación en zonas VIP y gradas, y precios que alcanzan los 200 euros para los asientos principales. La organización manifiesta que su prioridad es el público, ya que, de no celebrarse el concierto, también se verán afectados otros artistas como Kiko Rivera, programado para una sesión de DJ posterior al espectáculo de Pantoja.

El festival ha intentado contactar personalmente a Isabel Pantoja para ratificar su disposición a actuar, recordando que todos los preparativos están finalizados y las condiciones contractuales atendidas. La situación deja en el aire la celebración, con la incertidumbre trasladada tanto a los asistentes como a los artistas vinculados a la jornada. Mientras tanto, la artista continúa con su gira latinoamericana, tras su reciente paso por Lima y Puerto Rico, en un contexto profesional marcado por éxitos de taquilla y, al mismo tiempo, por las dificultades a la hora de mantener sus compromisos en España.

Una niña pelirroja con dos trenzas imposibles, un vestido hecho de trapos y unas medias de colores entra como un torbellino en una casa de un pequeño pueblo sueco. No tiene padres, vive sola. Bajo su tutela, sí están, sin embargo, un pequeño mono anclado siempre a su hombro y un caballo con un aspecto similar al de un dálmata. Sus pertenencias consisten en un cofre lleno de monedas de oro, su nivel de cocina, en hacer crepes en el suelo, y su particular personalidad llega hasta la hora de dormir: duerme con los pies en la almohada.

Ella no es otra que Pippi Calzaslargas (Pippi Langstrumpf, en sueco), el personaje al que dio vida la actriz Inger Nilsson en la serie germano-sueca del mismo nombre estrenada en 1969 y basada en las novelas de Astrid Lindgren, que comenzaron a editarse en 1945.

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En España, la serie se emitió por primera vez en 1974 gracias a RTVE. Desde entonces, la ficción se ha quedado anclada de generación en generación para boombers, millenials y buena parte de la generación Z. En televisión o a través de VHS, para entonces niños, crecieron viendo las aventuras de Pippi y sus vecinos, los hermanos Tommy y Annika, maravillados por el espíritu libre de su particular vecina.

Ahora, 80 años después de la publicación de la primera aventura literaria de Pippi, el personaje se prepara para regresar a la pequeña pantalla. La productora StudioCanal ha unido fuerzas con Heyday Films —responsable de la saga cinematográfica de Harry Potter y de las películas de Paddington—, la compañía neerlandesa Submarine y The Astrid Lindgren Company -empresa que maneja todo los derechos de las obras de la autora- para desarrollar una nueva serie de animación basada en la popular heroína infantil.

Una nueva serie con 52 episodios de 11 minutos

Según adelantó la revista especializada Variety, el proyecto constará de 52 episodios de 11 minutos realizados mediante animación 3D CGI y se plantea “como una nueva versión moderna” del personaje de Lindgren. La producción arrancará en octubre y contará con guiones de la escritora británica Sara Daddy, conocida por trabajos como The Night Before Christmas in Wonderland, Olga Da Polga y Tulipop Tales.

La historia volverá a situar a Pippi en el centro de la acción. Con sus medias desparejadas, el pelo color zanahoria, las pecas, un mono sobre el hombro, una maleta repleta de monedas de oro y un caballo que puede cargar ella sola, la niña alterará para siempre la vida de Tommy, Annika y el resto de habitantes del pequeño pueblo al que llega.

El proyecto supone un nuevo capítulo para una franquicia que ha demostrado una extraordinaria capacidad para resistir el paso del tiempo. Los libros de Astrid Lindgren han vendido más de 90 millones de ejemplares en todo el mundo, han sido traducidos a 80 idiomas y continúan comercializando alrededor de 1,5 millones de copias cada año.

Los productores David Heyman, Rosie Alison y Rob Silva han destacado que el espíritu del personaje seguirá intacto. En un comunicado, han definido a Pippi como una figura “alegre, libre, juguetona, rebelde, amable y extraordinariamente resistente” cuya originalidad “sigue siendo tan fresca como siempre”. Por su parte, Sara Daddy ha asegurado que trabajar con el personaje es “un proyecto soñado” y ha subrayado su intención de preservar la independencia, la imaginación y la fuerza que han convertido a Pippi en un icono para varias generaciones de lectores. Además de la serie, las compañías implicadas trabajan también en una película basada en la historia clásica de Pippi Calzaslargas.

La película Artificial de Luca Guadagnino busca nuevo distribuidor después de que Amazon MGM se retirara del proyecto, una decisión que llega tras la inversión de 50.000 millones de dólares de la compañía en OpenAI y que ha reabierto en Hollywood el debate sobre hasta qué punto la tecnología, la política y el negocio condicionan qué historias llegan a estrenarse.

El filme, protagonizado por Andrew Garfield como Sam Altman y con un presupuesto de 40 millones de dólares, estaba casi terminado y ya había sido descartado por Focus Features, Warner Bros.’ Clockwork, A24 y Netflix, según Variety. Mubi negocia ahora su posible adquisición y Neon también figura entre los interesados.

La salida de Amazon MGM no ha dejado a la producción sin mercado, pero sí la ha convertido en un activo incómodo. CAA Media Finance, que representa a Guadagnino, ha organizado pases en los últimos días para encontrarle nueva casa a una película que el estudio había previsto estrenar a comienzos de 2027.

Por qué Amazon ha rechazado ‘Artificial’

Según Variety, Amazon ha sostenido que el largometraje estaría “mejor atendido” en otro estudio y que trabaja con los cineastas para cerrar ese relevo. La compañía ha negado que la materia del filme haya motivado su marcha.

La coincidencia temporal ha alimentado las dudas dentro de la industria. Amazon anunció hace unos meses una inversión de 50.000 millones de dólares en OpenAI dentro de una alianza plurianual de infraestructura en la nube, y la película ofrece un retrato muy poco amable de Sam Altman, el director ejecutivo de la empresa.

The Hollywood Reporter precisa que una versión del guion presenta al consejero delegado de OpenAI de forma “menos que halagadora” y llega a describirlo como sociópata. Variety añade que circula el rumor de que la película lo retrata como un mentiroso patológico y muestra a Elon Musk, interpretado por Ike Barinholtz, como una figura marcadamente antipática.

Ese contenido explica parte de la cautela, pero no toda. Este caso se sitúa dentro de un contexto más amplio: el del Hollywood actual, donde las grandes tecnológicas pesan cada vez más en la financiación, la distribución y las alianzas corporativas, al tiempo que los estudios se muestran menos dispuestos a sostener dramas adultos de presupuesto medio con recorrido comercial incierto.

En ese cálculo también entran los vínculos accionariales. A24, uno de los compradores que se ha retirado, cuenta entre sus respaldos con Thrive Capital, la firma de Josh Kushner, que tiene un asiento en el consejo y figura entre los apoyos más visibles de OpenAI.

De qué habla la película de Guadagnino sobre OpenIA

El guion, firmado por el excolaborador de Saturday Night Live Simon Rich, ha sido descrito como una versión de La red social para la era de la inteligencia artificial. La historia reconstruye el turbulento fin de semana de 2023 en el que Altman fue destituido y readmitido por el consejo de OpenAI en cuestión de días.

La primera parte del relato se centra en el cofundador Ilya Sutskever, interpretado por Yura Borisov, presentado como la mente científica idealista de la empresa. Después, el foco se desplaza a la lucha de poder en la cúpula de la compañía. El reparto incluye además a Monica Barbaro como la exdirectora tecnológica Mira Murati, junto a Cooper Hoffman, Jason Schwartzman, Cooper Koch, Billie Lourd, Zosia Mamet, Chris O’Dowd y Mark Rylance.

La duda de los estudios no se limita al componente político. The Hollywood Reporter subraya que películas como esta, dramas adultos de presupuesto medio, encajan mal en la economía actual de Hollywood. En ese análisis también pesa la incógnita sobre el interés del público por una historia centrada en el funcionamiento interno de OpenAI, pese a la comparación frecuente con el filme sobre Facebook dirigido por David Fincher.

El mismo medio recuerda además el último recorrido comercial de Guadagnino con Amazon. Rivales, con Zendaya, recaudó 96 millones de dólares en todo el mundo, mientras que Caza de brujas, protagonizada por Julia Roberts, se quedó en 9 millones de dólares globales con un presupuesto superior a 70 millones.

En ese escenario, Mubi se perfila como el encaje más natural. La distribuidora ya ha trabajado con Guadagnino en varios frentes: lanzó Queer en distintos territorios internacionales, llevó a los cines británicos Suspiria y adquirió los derechos mundiales del cortometraje The Staggering Girl.

La relación previa no es el único argumento. La compañía ya rescató La sustancia de Coralie Fargeat cuando Universal la abandonó antes del Festival de Cannes. Aquella apuesta terminó con un premio en Cannes y cinco nominaciones a los Oscar, aunque ese caso entrañaba menos riesgo porque costó menos de la mitad y no retrataba a personas reales con poder actual.

Mubi necesita una victoria después del decepcionante recorrido en salas de Die, My Love. También apunta que salvar una película apartada en plena colisión entre estudios y gigantes tecnológicos le daría una inyección de imagen pública. Neon sigue en la órbita del proyecto, aunque sin un movimiento confirmado.

La película se encuentra en la fase final de posproducción. Antes de la salida de Amazon aspiraba a estrenarse en SXSW, pero ahora podría acabar en el Festival de Venecia; si Mubi cierra la compra, la opción del Lido gana fuerza porque Guadagnino ha presentado allí buena parte de su filmografía, incluida su última película, Caza de brujas o Hasta los huesos: Bones and All, por la que ganó el premio al mejor director.

Por el momento, Toy Story 5 encabeza la taquilla con el mejor estreno del año y la canción de Swift lidera la Billboard Hot 100. Ese doble dominio sitúa el tema en cabeza de la carrera de premios, aunque su uso en la película se limita a los títulos de crédito finales y no acompaña ninguna escena central.

El medio sostiene que ese detalle puede pesar más de lo que parece en una categoría donde los votantes suelen premiar canciones incrustadas en la narración. La elegibilidad del tema no preocupa, según personas implicadas en la campaña de premios de la película con las que ha hablado la publicación, pero la discusión no está ahí.

La canción no está ligada a un momento emocional

La clave está en cómo la saga ha utilizado antes la música para fijar momentos emocionales. El artículo recuerda que, aunque You’ve Got a Friend in Me, de Randy Newman, ha sido la base musical de la franquicia, la unión más recordada entre imagen y canción en Toy Story sigue siendo el montaje de Jessie en Toy Story 2 con When She Loved Me, escrita también por Newman e interpretada por Sarah McLachlan.

En Toy Story 5, la expectativa de un eco de aquella secuencia era alta porque la historia vuelve a situar a Jessie en el centro de la trama. La vaquera, con la voz de Joan Cusack, regresa a la casa de su dueña original, de quien creía haber sido abandonada, y descubre que esa dueña llamó Jessie a su hija.

Para IndieWire, esa escena ofrecía el lugar natural para que I Knew It, I Knew You quedara ligada al corazón dramático de la película. La canción, sin embargo, no suena ahí ni en ningún otro momento de la acción: aparece únicamente sobre los créditos finales.

Ese uso la deja en una zona delicada ante una rama de la Academia que, según el medio, premia con frecuencia temas que no solo acompañan una película, sino que ayudan a contarla. La publicación cita tres ejemplos recientes de ese patrón: Golden, en Las guerreras K-pop, sella finalmente el Honmoon; la primera actuación en directo de Shallow define el nacimiento de Ha nacido una estrella; y What Was I Made For? formula la pregunta que Barbie resuelve en su clímax emocional.

El artículo subraya que Swift sí ha demostrado antes que sabe escribir canciones con una función narrativa más explícita en cine. Menciona You’ll Always Find Your Way Back Home, el tema final de Hannah Montana: La película, interpretado en concierto por Miley Cyrus como el personaje ficticio, como un cierre que remata lo que el espectador acaba de ver.

La autora estadounidense también cuenta con experiencia previa en la categoría. Como intérprete, su primera incursión en música para cine fue Safe and Sound, junto a The Civil Wars, para Los juegos del hambre, y en 2022 entró en la ‘short list’ del Oscar con Carolina, escrita para La chica salvaje.

Aquella candidatura frustrada tuvo una consecuencia institucional: al año siguiente recibió la invitación para entrar en la rama musical de la Academia. Aun así, la publicación advierte de que el peso estelar de Swift no basta por sí solo para doblegar las inercias internas de ese grupo de votación.

Otras posibles candidatas

La comparación con otros nombres conocidos refuerza ese argumento. Según el medio, ni las dos canciones integradas en la trama de El diablo viste de Prada 2 por Lady Gaga han entrado siquiera en el Top 40, mientras la banda sonora de Cumbres borrascosas de Charli XCX se está diluyendo ante la llegada de su próximo.

El panorama de lo que queda de año tampoco ofrece, por ahora, muchos musicales originales de gran escala que alteren la competición. La publicación sí apunta a Jesse Eisenberg, impulsado por su película ganadora del Oscar A Real Pain, como alguien con opciones de colocar una canción de su nuevo proyecto, The Debut, en la conversación.

Con seis meses todavía por delante en 2026, el análisis concluye que aún hay margen para que aparezca otra colaboración entre artista y director con una inserción más orgánica en una película. La posición de Swift como favorita se apoya hoy en que no ha surgido otra canción original para cine con un impacto comparable, pero esa ventaja sigue sin convertir la carrera en un trámite.

El estreno de Toy Story en 1995, hace justo 31 años -y con el recién estreno de su quinta entrega-, marcó un antes y un después en el cine. Fue la primera película película animada completamente con efectos digitales de la historia. Y es que el fundador de Apple, Steve Jobs (San Francisco, 1955-Palo Alto, 2011), tuvo mucho que ver. Tras abandonar Apple en los años ochenta, el empresario compró en 1986 la división de gráficos por ordenador de Lucasfilm, que acabaría convirtiéndose en Pixar. Durante una década financió la compañía y respaldó el sueño de sus fundadores, Ed Catmull y John Lasseter, de crear la primera película animada gracias a los ordenadores.

Sin embargo, pese a estar detrás de una de las mayores revoluciones tecnológicas de Hollywood, Jobs tenía claro que el éxito de Toy Story no dependía de la potencia de los ordenadores ni de los avances gráficos. “Ninguna tecnología puede convertir una mala historia en una buena”, dijo en una entrevista concedida en 1996, apenas un año después del estreno de la película.

Tal y como explicó Jobs en la citada entrevista -que fue compartida el año pasado por Steve Jobs Archive-, la frase la había aprendido de John Lasseter, director de Toy Story y uno de los fundadores creativos de Pixar. Mientras la compañía multiplicaba la potencia de cálculo de sus ordenadores y desarrollaba herramientas cada vez más sofisticadas, Lasseter aseguraba que la tecnología nunca podía sustituir a una buena narración. “John me enseñó eso. Es nuestro mantra en Pixar”, aseguró Jobs. “Creo que la gente seguirá viendo Toy Story dentro de 60 años, no por los gráficos por ordenador, sino por la historia sobre la amistad".

El origen de la cita

El creador insistió en que precisamente las máquinas y los ordenadores no iban a poder con todo. “Creo que el arte de contar historias es muy antiguo. Ninguna tecnología puede convertir una mala historia en una buena”, afirmó. “Es algo en lo que siempre vamos a trabajar muy duro. No creo que haya cambiado mucho en mucho tiempo y no estoy seguro de que vaya a cambiar. Y no creo que sea algo que tenga que ver con la tecnología”.

Considerado uno de los empresarios más influyentes del siglo XX y comienzos del XXI, dedicó buena parte de su vida a impulsar algunas de las mayores revoluciones tecnológicas de la era digital. Nacido en San Francisco en 1955 y criado en California por una familia adoptiva, fundó Apple en 1976 junto a Steve Wozniak. Tras el éxito del Apple II y del Macintosh, fue expulsado de la compañía en 1985, un episodio que él mismo describió años después como uno de los momentos más dolorosos de su carrera.

Lejos de retirarse, aprovechó aquella etapa para fundar NeXT, una empresa especializada en ordenadores para educación y empresas, y adquirió la división de gráficos por ordenador de Lucasfilm, origen de Pixar. Mientras NeXT acabaría convirtiéndose en la base tecnológica sobre la que Apple construiría posteriormente macOS, Pixar transformó para siempre la industria de la animación.

En 1997 regresó a Apple, que atravesaba una profunda crisis financiera, lanzando posteriormente el iMac, el iPod, el iPhone o el iPad, y convirtió a la compañía en una de las empresas más valiosas del mundo. En 2004 fue diagnosticado de un cáncer neuroendocrino de páncreas. Aunque continuó al frente de Apple durante varios años, su estado de salud fue deteriorándose progresivamente. Renunció al cargo de consejero delegado en agosto de 2011 y falleció el 5 de octubre de ese mismo año en su casa de Palo Alto, California, a los 56 años.

Según el medio IndieWire, esa versión dura dos horas y 45 minutos, se proyectó el 30 de abril en la sala de Verve de Hollywood y fue la primera exhibición pública en más de cuatro décadas del primer montaje de la película. A la sesión asistió también el director Joe Dante, que presentó en persona el pase.

La copia mostraba versiones extendidas de escenas que sí llegaron al montaje final, junto a material completamente descartado. El resultado ofrecía una imagen precisa de cómo evolucionó la película desde su ensamblaje inicial hasta la edición afinada que acabó convertida en un gran éxito comercial.

Grant dirige desde hace años el Gremlins Museum, un archivo independiente centrado en preservar la historia de Gremlins y Gremlins 2: La nueva generación. El proyecto se articula en torno a la mayor colección conocida de marionetas, atrezo, materiales de producción y objetos del rodaje vinculados a ambas películas.

El proceso de recuperación del material

El origen de esa labor, ha contado Grant al medio, fue un objetivo personal muy concreto: conseguir una marioneta original de un gremlin. Recordó que de niño se preguntaba cómo alguien podía comprar una de esas criaturas de cine y que esa fascinación nunca desapareció; hacia 2020, una de las marionetas más raras de la primera película llegó a sus manos y empujó el proyecto con fuerza.

La reconstrucción del montaje comenzó en febrero de 2026, cuando Grant habló con Chris Walas, creador de las criaturas de Gremlins. Walas recordaba que la secuencia original de Dorry’s Tavern contenía mucho más metraje que el incluido en la película terminada, quizá hasta 20 minutos adicionales dentro del primer ensamblaje.

Con ese dato, Grant consultó a Dante para saber si ese material había existido y, sobre todo, si aún quedaba alguna cinta. El director respondió que lo revisaría y pocos días después localizó en su archivo personal una cinta VHS etiquetada “11/23/83 – Gremlins 1st Assembly”.

La publicación explica que Dante ni siquiera tenía claro qué contenía exactamente aquella cinta y tampoco disponía de un reproductor VHS para comprobarlo, de modo que decidió enviársela a Grant. Cuando el paquete llegó, no incluía una sola cinta, sino dos: la copia de montaje y una segunda casete etiquetada “Gremlins Outtakes”.

Grant llevó ambas a una empresa profesional de preservación de soportes en Seattle para supervisar su digitalización. Las cintas tenían más de 40 años y no había garantía de que conservaran material utilizable, pero el proceso acabó revelando una gran cantidad de imágenes perdidas de la película.

El material, tal como apareció, no estaba listo para una proyección abierta. Eran casi tres horas con diálogos de producción en bruto, sin música y con sonidos de criaturas todavía sin terminar, un formato que podía resultar valioso para especialistas y aficionados muy entregados, pero difícil de sostener ante una sala generalista.

Qué se espera de esta nueva copia

Ahí empezó la llamada “Screening Cut”, una nueva edición pensada para respetar el contenido original y hacer posible su visionado en público. Grant limpió vídeo y audio, elevó la imagen al menos a 2K, aisló los sonidos definitivos de las criaturas y la banda sonora de la versión estrenada en cines, y reeditó toda la película.

El primer gran obstáculo fue un zumbido constante en el audio VHS de las dos cintas, que complicaba la limpieza de los diálogos desde el principio. Después llegó la sustitución de los sonidos provisionales de Gizmo y de los gremlins, para los que recurrió a herramientas modernas de audio capaces de extraer e integrar las interpretaciones sonoras definitivas del montaje comercial.

La música de Jerry Goldsmith planteó otro problema de fondo. Su partitura estaba sincronizada con mucha precisión para la versión estrenada, pero numerosas escenas del montaje recuperado duran varios minutos más, así que Grant tuvo que alargar y reestructurar fragmentos para ocultar los puntos de edición; al final, trabajó con cuatro o cinco versiones distintas de la película cargadas al mismo tiempo dentro del proyecto.

Mientras avanzaba en esa reconstrucción, recibió un mensaje por Instagram de Scott Glassgold, de 12:01 Films, que aceleró los plazos. Glassgold quería organizar una proyección pequeña y exclusiva para personas vinculadas a su empresa, entre ellas los guionistas de Gremlins 3 Zach Lipovsky y Adam B. Stein, y esa cita dio a Grant una fecha límite que no esperaba.

Aquella sesión reunió también a varios cineastas de terror contemporáneo, entre ellos Drew Hancock, Dan Berk, Robert Olsen, Brian Duffield y Akela Cooper. Grant relató que buena parte de los invitados acudió sin saber qué iba a ver, porque la convocatoria se presentó como el pase secreto de una película “que nadie había visto antes”.

Grant quiere ahora que más seguidores de la saga puedan ver esa copia de montaje y, según IndieWire, ya está hablando con Warner Bros. para estudiar cómo hacerlo posible. Su intención, dijo, es estar presente cuando el público la vea por primera vez y comprobar la reacción de una sala llena de aficionados cuando la película tome caminos que no esperan.

El Gremlins Museum, que empezó como una colección personal, ha crecido además mediante colaboraciones con creadores originales de la saga para conservar su trabajo. Grant citó como ejemplo el escaneado de los Polaroid originales de Walas, las mismas fotos que enviaba a Dante desde el rodaje para documentar la construcción de las criaturas, así como diapositivas promocionales de Gremlins obtenidas de la colección personal del director.

Su objetivo es ampliar esa labor con otros responsables de Gremlins y Gremlins 2. Entre ellos mencionó al diseñador de criaturas Rick Baker, de quien destacó una colección de negativos del rodaje de la segunda película que le gustaría ayudar a escanear y preservar para contar con más detalle cómo se hicieron ambas producciones y conservar el legado de sus artistas para futuras generaciones.

En la actualidad, se está preparando la que sería una secuela de Gremlins, Gremlins 3, dirigida por Chris Columbus, creador del guion de la original y que cuenta con películas de entretenimiento a sus espaldas tan famosas como Harry Potter y la piedra filosofal o Solo en casa. La película ya ha fijado su fecha de estreno en noviembre de 2027.

Ahora que películas como Backrooms u Obsession han revitalizado el cine de terror y que, de alguna manera beben de aquella película fundacional, no es de extrañar que se haga una nueva versión y que incluso se haya fijado ya una fecha de estreno para ir generando expectación.

Así, Lionsgate ha comunicado que la nueva película de El proyecto de la bruja de Blair aterrizará en las carteleras el 24 de septiembre de 2027. Un movimiento con el que el estudio busca ‘reintroducir’ uno de los títulos más rentables del cine independiente de terror a una nueva generación y ampliar de nuevo el universo de la franquicia en salas.

Un director surgido de YouTube, en la línea actual

El elegido para dirigirla será Dylan Clark, joven cineasta, al igual de Curry Barker o Kane Parsons, curtido en el ámbito del cortometraje y en YouTube, que debutará con este ‘reboot’ que ha sido definido como como una “nueva visión” destinada a recuperar este clásico del terror para nuevos espectadores.

La trama sigue sin desvelarse, pero el estudio ha situado el proyecto dentro de una ‘reinterpretación’ del universo de la saga. Su objetivo es actualizar su mitología y trasladarla a una narrativa pensada para audiencias contemporáneas.

La película original, estrenada en 1999, se convirtió en un caso singular de rentabilidad: recaudó cerca de 250 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto mínimo. Su propuesta formal, basada en el ‘found footage’, seguía la supuesta historia real de tres estudiantes de cine que desaparecen mientras ruedan un documental sobre la leyenda de la Bruja de Blair.

Entre los productores figuran Jason Blum y James Wan, fundadores de Blumhouse y Atomic Monster, junto a Roy Lee, Adam Hendricks y Greg Gilreath.

Fricciones en la reactivación del proyecto

El nuevo proyecto recupera además a parte del núcleo creativo y artístico de la cinta de 1999. Eduardo Sánchez, Daniel Myrick y Gregg Hale, vinculados a la creación de la película original, ejercerán como productores ejecutivos, igual que los actores Joshua Leonard y Michael C. Williams.

Ese regreso llega después de una relación distante con las nuevas producciones de la saga. Tras el anuncio inicial del reinicio en 2024 durante la CinemaCon, Leonard y Williams aseguraron en declaraciones citadas por Variety que no habían sido informados previamente sobre la reactivación del proyecto ni sobre el uso de sus nombres e imágenes en su promoción.

Heather Donahue resumió aquel malestar en una declaración recogida entonces por el medio especializado: “Habíamos reservado algunas convenciones. Era agradable escuchar cosas positivas de los fans y ver a la gente. Se sentía algo bueno por primera vez en toda la historia de esto. Y entonces —boom— llega este anuncio, y es como, ‘malditos sean’”.

El proyecto de la bruja de Blair dio pie en 2000 a El libro de las sombras: Blair Witch 2, una secuela que no alcanzó el mismo resultado que la primera película. En 2016 llegó además otra ‘revisitación’, Blair Witch, dirigida por Adam Wingard (responsable de Tú eres el siguiente o Godzilla vs. Kong) aunque, en esta ocasión, parece que las expectativas con este nuevo proyecto ya están muy altas.