La importancia de las películas podría medirse de muchas formas. La calidad es, sin duda, una de ellas, pero también lo es el impacto que provoca su estreno, así como el valor que le dan los espectadores con el paso de los años. En este sentido, hay pocas películas de finales de los 90 que tengan la importancia de American History X, una producción tan controvertida como aplaudida que abordó el odio racial y los movimientos violentos en Estados Unidos, y que vive hoy en el catálogo de Netflix sus últimos días.

La película, dirigida por Tony Kaye y protagonizada por Edward Norton, no solo narró la espiral de violencia de un joven neonazi californiano, sino que exploró con crudeza las consecuencias de ese odio en el ámbito familiar. Se trata de una obra que nunca ofrece respuestas fáciles: pone el foco en la manipulación ideológica, la violencia estructural y el vacío que sostiene los extremismos, y en cómo estos elementos perviven en las sociedades occidentales y son un foco de la radicalización de sus jóvenes.

American History X se estrenó en 1998 en medio de un torbellino de elogios y polémicas. “Es el primer estreno de un gran estudio en mucho tiempo que te absorbe de principio a fin”, celebraban en una reseña del medio norteamericano USA Today. Pese a ello, y aunque Edward Norton recibió su seguda nominación al Oscar por su interpretación, el proceso de producción y posproducción estuvo plagado de disputas. El actor llegó a liderar un nuevo montaje que contravenía las decisiones del director original, extendiendo junto al editor Jerry Greenberg la duración de la cinta a 119 minutos y cambiando el final de la misma para ahondar en la transformación moral de su personaje.

Edward Norton contra “Humpty Dumpty”

Lo cierto es que el conflicto por el control creativo de la película entre Tony Kaye, el estudio New Line Cinema y el propio Edward Norton se volvió tan célebre como la trama misma. Kaye entregó un primer corte de 95 minutos que describió como “una joya en bruto”. El estudio, sin embargo, exigió una versión más extensa y accesible, abriendo un enfrentamiento que marcó la carrera de todos los implicados.

Mientras el director defendía la crudeza y el pesimismo de su obra original, el corte final enfatizaba la redención y la esperanza. Por eso, la intervención directa de Norton en el proceso de edición fue vista por Kaye como una traición. “Yo había hecho una película intensa y rápida de 95 minutos, un diamante en bruto. Y la versión que hicieron ellos estaba plagada de escenas en las que todos lloraban en los brazos de otros. Y, por supuesto, Edward Norton se había dado generosamente más tiempo en pantalla a sí mismo”, protestó en entrevistas posteriores

La batalla se trasladó a los tribunales y a la prensa. Kaye gastó más de 100.000 dólares del presupuesto de promoción de la película en anuncios a página completa en medios especializados, denunciando a Norton, al productor y al propio sistema de Hollywood, con citas que iban desde John Lennon hasta Abraham Lincoln. Incluso solicitó que su nombre fuera retirado de los créditos y reemplazado por “Humpty Dumpty”, una petición rechazada por el Sindicato de Directores.

Los esfuerzos de Kaye por volver a lo más alto

El resultado de esta lucha interna fue devastador para la carrera de Tony Kaye. Aunque American History X consolidó su estatus de culto y Norton obtuvo el reconocimiento de la Academia, la reputación del director como alguien incontrolable le cerró las puertas de los grandes estudios durante años. “Hay que decirlo, fui un espectacular grano en el culo”, reconocería él mismo más adelante.

El desenlace de la disputa incluyó una demanda de 200 millones de dólares contra New Line Cinema y el Sindicato de Directores, acusándolos de dañar su reputación y vulnerar su control creativo. La demanda fue desestimada, pero el episodio consolidó a American History X como un clásico moderno a costa del futuro profesional de su director.

En años recientes, Tony Kaye ha intentado reconstruir su trayectoria. Su documental Lago de fuego fue bien recibido, y a lo largo de estas décadas ha contado con otros títulos como El profesor o The Trainer, que no le han permitido alcanzar la fama que en su momento tuvo. Entre sus futuros proyectos ha sonado una posible African History Y, con Djimon Hounsou como protagonista, que supondrá un nuevo intento de reconciliar talento y oportunidad tras el impacto irrepetible de su ópera prima.

Simone de Beauvoir fue una de las figuras intelectuales más brillantes de la Francia del siglo XX. Su obra, integrada dentro de la filosofía existencialista, se centró en la libertad individual y la responsabilidad de construir el propio destino en un mundo carente de un sentido intrínseco. Al igual que su marido, el también filósofo Jean-Paul Sartre, Beauvoir exploró cómo la conciencia humana se enfrenta a la ambigüedad y al peso de la elección constante en la vida.

Al margen de lo puramente filosófico, el legado de Beauvoir también es fundamental para el feminismo moderno, especialmente gracias a su obra cumbre publicada en 1949: El segundo sexo. En este extenso tratado, la filósofa desmenuzó con precisión quirúrgica las estructuras biológicas, históricas y sociales que han relegado a la mujer a una posición de inferioridad a lo largo de la historia. Este libro marcó un antes y un después, sentando las bases teóricas para comprender la opresión de género como un fenómeno cultural y no natural.

En las páginas de este ensayo aparece su sentencia más icónica: “No se nace mujer, se llega a serlo”. Esta frase se ha transformado en el lema definitivo del feminismo porque sintetiza una ruptura radical con el determinismo biológico. Para Beauvoir, ser “mujer” no era ni es un destino biológico inevitable, sino una construcción social impuesta. Lo que hoy consideramos femenino es, en realidad, un conjunto de normas y comportamientos que la sociedad moldea desde la infancia.

El significado de las palabras de Simone de Beauvoir

Beauvoir explicaba que “ningún destino biológico, psíquico o económico define la figura que reviste en el seno de la sociedad la hembra humana”. Esto implica que las características atribuidas a las mujeres son aprendidas y heredadas, a través de estructuras que podemos ver incluso a día de hoy, cuando asumimos como algo lógico que una mujer se maquille mientras que un hombre no, o cuando entendemos que las mujeres cuidan mejor que los varones. Todos estos son roles que se internalizan hasta parecer instintivos, aunque sean meras construcciones culturales.

La filósofa profundizaba al señalar que “la humanidad es algo que se nos impone, pero que también debemos conquistar”. Con esto sugería que la feminidad es una etiqueta que limita la trascendencia del individuo, y que impedía a las mujeres realizarse como sujetos. La libertad de Beauvoir radica en despojarse de esas etiquetas para existir de forma auténtica y plena.

Para la filósofa francesa, la opresión reside en convertir a la mujer en lo Otro, el objeto frente al sujeto masculino. Afirmaba que “el hombre se piensa sin la mujer, ella no se piensa sin el hombre”, y como prueba, basta señalar cómo incluso más de 70 años después la representación de la mujer muchas veces viene mediada por la mirada masculina, mientras que el hombre se presenta como algo universal. Con su frase, Simone de Beauvoir quiso recordar que, a pesar de todo, la identidad es proceso dinámico y que nadie debería estar atado a una esencia inmutable.

Diálogos filosóficos sobre la identidad

Otros pensadores han caminado por senderos similares, como Judith Butler, quien décadas después radicalizó la idea de Beauvoir a través de la performatividad del género. Mientras Beauvoir separaba el sexo biológico de la construcción social, Butler sugiere que “el sexo siempre fue género”, ya que los conceptos de “hombre” y “mujer” se construyen “a través de diversos registros científicos al servicio de otros intereses políticos y sociales”. De este modo, ambas coinciden en que la identidad se realiza a través de nuestros actos.

Por otro lado, filósofos como Michel Foucault analizaron cómo el poder moldea los cuerpos y los sujetos. Foucault estudió las instituciones que disciplinan la conducta humana, algo que Beauvoir ya intuía al observar cómo la educación y la familia fabrican a la mujer. Estas perspectivas complementan el existencialismo de Beauvoir, mostrando que el individuo está siempre en tensión con un sistema que busca definirlo antes de que él mismo pueda empezar a elegir.

En definitiva, la invitación de Simone de Beauvoir sigue vigente como un llamado a la emancipación personal. Su análisis nos recuerda que somos seres libres con la capacidad de cuestionar las normas que nos han sido impuestas desde el nacimiento. Al comprender que la identidad es un proyecto en constante construcción, se abre la puerta a un mundo donde cada ser humano pueda definirse a sí mismo más allá de los prejuicios históricos.

El próximo 29 de mayo, el Parque del Retiro dará el pistoletazo de salida a la 85.ª edición de la Feria del Libro de Madrid, la fiesta literaria que se celebra anualmente en la capital y punto de encuentro entre autores, lectores y libreros. Será la reina Letizia la que un año más inaugure la jornada que durará hasta el próximo 14 de junio.

Después de que la edición pasada tuviera como protagonista a Nueva York, en esta ocasión el eje temático será el humor y la sátira como herramientas literarias, políticas y culturales, bajo el lema Leer y reír: dos formas de resistir. Durante dos semanas, el recinto reunirá 366 casetas, más de 400 actividades y algunos de los nombres más destacados de la literatura, la ilustración y la comedia contemporánea.

Fechas y horarios de la Feria del Libro de Madrid 2026

La feria abrirá del 29 de mayo al 14 de junio en el Paseo de Coches de El Retiro. El horario será:

• De lunes a viernes: de 10:30 a 14:00 y de 17:00 a 21:00.
• Sábados y domingos: de 10:30 a 15:00 y de 17:00 a 21:00.

La inauguración oficial tendrá lugar el 29 de mayo y volverá a contar con la presencia de la reina Letizia.

Las firmas y actividades destacadas

Como no puede ser de otra manera, no hay Feria del Libro sin firmas. Más de 230 autores pasarán cada día por las diferentes casetas del Retiro para encontrarse con lectores y aficionados. Entre ellos figuran nombres tan destacados como David Uclés, Lucía Solla Sobral, autora del fenómeno Comerás flores; Javier Cercas, Beatriz Serrano, Marcos Giralt Torrente, Inma Rubiales, Manel Loureiro, Leila Guerriero, Eider Rodríguez o Bárbara Arenas. Puedes consultar todas las firmas en la web: https://ferialibromadrid.com/firmas/

La programación de este año reunirá a autores, humoristas, ilustradores y creadores vinculados a distintas formas de comicidad contemporánea. Entre los invitados principales figuran Jonathan Coe, David Safier y Maitena, además de nombres como Ignatius Farray, Pantomima Full, Joaquín Reyes, Eva Hache, Camila Sosa Villada, Ariana Harwicz, Rodrigo Cortés, Nina Lykke, Liniers o Kevin Johansen.

Uno de los encuentros más esperados será el reencuentro sobre el escenario de Kevin Johansen y Liniers, que volverán a mezclar música, ilustración y humor en directo. También destacan conversaciones como Un humor muy británico, con Jonathan Coe; Esto lo diría alguien como tú, con Pantomima Full y Joaquín Reyes; o ¿De qué nos reímos?, con Eva Hache, Bernat Castany y Julián Génisson. La feria rendirá además homenaje a figuras fundamentales del humor y la sátira como Les Luthiers, Kurt Vonnegut, Jorge Ibargüengoitia, Nicanor Parra o el guionista Rafael Azcona, en colaboración con el Festival de Málaga.

Pódcast en directo y nuevos formatos

Los pódcast volverán a tener un papel protagonista dentro de la programación cultural. Según ha explicado la organización, este formato “se consolida año tras año” en la feria.

Entre los programas que se grabarán en directo en El Retiro estarán Ni tan bien, que conduce Carolina Iglesias en colaboración con Cadena SER; Pena y Pánico, con Raquel Hervás y La Prados; Ni tan bien; ¿Te quedas a leer?; Las Fabuladoras; La trastienda de Pérgamo o el programa de Ortega en Radio Marca. A ellos se sumarán también humoristas, divulgadores e ilustradores como Eva Soriano, Ignatius Farray, Edu Galán o Flavita Banana. La programación también incluirá clubes de lectura, talleres, encuentros escénicos y actividades infantiles repartidas entre distintos espacios culturales de Madrid.

Cómo llegar a la Feria del Libro de Madrid

La organización recomienda utilizar transporte público para acudir al Retiro, especialmente durante el segundo fin de semana de feria.

Las estaciones de metro más cercanas son:

• Ibiza (Línea 9)
• Retiro (Línea 2)
• Estación del Arte (Línea 1)
• Príncipe de Vergara (Líneas 2 y 9)

También se puede llegar en Cercanías desde las estaciones de Recoletos y Atocha.

El Papa, Bad Bunny y los problemas de movilidad

La edición de este año estará marcada además por dos grandes acontecimientos que coincidirán con la feria: la visita del papa León XIV a Madrid y los conciertos de Bad Bunny.

“Esta próxima edición va a ser difícil, va a ser exigente”, ha reconocido esta mañana Eva Orúe durante la rueda de prensa de presentación de la feria. “Coincidimos con un evento que va a poner patas arriba esta ciudad y que va a condicionar, seguro, la Feria del Libro”. Después de que alguien gritara “Bad Bunny” desde el público, la directora añadió entre risas: “Sabemos ya lo del Papa. O de los dos, porque en realidad la visita de los dos condiciona lo que ocurre en esta ciudad”.

Pese a ello, la organización mantendrá tanto la programación como los horarios previstos. “Os va a costar un poquito más llegar, pero tenéis que llegar”, pidió Orúe a lectores, autores y expositores.

Qué pasará si llueve o se activa una alerta meteorológica

Las alertas meteorológicas volverán a ser uno de los grandes desafíos de la feria tras los cierres parciales de los últimos años en El Retiro. La organización ha asegurado que seguirá estrictamente los protocolos del parque e intentará trasladar algunas actividades a otros espacios si fuera necesario. Casa Árabe, Casa Cantabria o CaixaForum servirán como sedes alternativas en caso de incidencias meteorológicas.

No hay duda de que el Festival de Cannes adora a Pedro Almodóvar. El director manchego, convertido en uno de los grandes referentes del cine español a nivel internacional, ha competido hasta en siete ocasiones por la Palma de Oro. Este galardón se le ha resistido siempre, aunque no siempre se haya ido con las manos vacías: un premio al Mejor Director, y otro al Mejor Guion (además de otro a la Mejor Interpretación Femenina en Volver) han ido a parar a las vitrinas del cineasta, que en 2026 podrían deparar algún que otro galardón más tras la presentación en la ciudad francesa de Amarga Navidad, su nueva película.

Estrenada en España el pasado mes de marzo, Amarga Navidad es una de las cintas donde Pedro Almodóvar más se sumerge, al menos de forma explícita, en el terreno de la autoficción. No en vano, su película aborda la historia de un autor en plena crisis creativa que escribe un guion sobre una cineasta de culto. El dilema del autor no es otro que el de, ante la carencia de ideas, comenzar a inspirar su nueva historia en las personas de su alrededor. Una situación que desembocará en una historia en la que Almodóvar parece apuntar contra sí mismo, planteándose hasta dónde puede llegar un autor con tal de que su película sea buena.

Sobre este tema se ha pronunciado el propio Almodóvar, en una entrevista concedida a la revista estadounidense Deadline. El mismo día en el que Amarga Navidad es presentada oficialmente en el Festival de Cannes, el citado medio le ha preguntado al cineasta si él se plantea a sí mismo este tipo de dilemas. Su respuesta ha sido afirmativa: "Siempre estoy muy atento y receloso de no caer en la complacencia, y en particular no quería caer en la complacencia con respecto a la figura del director, que es un reflejo de mí mismo en la película. Y así como Mónica lo desafía, sí, me desafía a mí como director".

Una película crítica con él mismo

Almodóvar ha confesado que mostrar esto en Amarga Navidad ha sido para él algo tan liberador como divertido, “porque se convirtió en un proceso de autocrítica”. “A veces, un escritor no piensa en la forma precisa en que va a herir a quienes lo rodean, porque al final, no piensa en el daño, piensa en la idea, y eso se vuelve peligroso. Así que, en cierto modo, mi guionista también es, en cierto modo, el villano de la película”. Por otra parte, este conflicto le permitió también abordar la relación entre la realidad y la ficción, algo que a él le resulta “fascinante”. “Para mí, es un misterio de dónde proviene la creatividad. Y ese se convierte, en definitiva, en el tema principal de esta película”, afirma.

Por último, en Deadline también han querido saber si alguna vez alguien le había echado en cara que utilizara en sus historias algo que les hubiera pasado a una persona de su entorno. “Afortunadamente no”, ha respondido. “El escritor puede ser peligroso para los seres queridos, ya que siempre te inspiras, en mayor o menor medida, en alguien cercano. Yo escribo con absoluta libertad. Cuando escribo, no pienso en los demás, solo pienso en la historia y hago exactamente lo que me exige”.

A pesar de esto, el cineasta ha subrayado que existe una “cuestión ética” que le lleva a no querer herir a nadie que aparezca en sus películas. “De hecho, si alguna vez me conmoviera la historia de alguien que me pidiera que no se incluyera su imagen en la película, probablemente no la haría”.

“Falta todavía camino por recorrer para darle el valor que tiene”, reconocían ambos actores en su entrevista con Infobae hablando sobre esta figura que se incorporó a partir de los años 80 en los centros pero que no todos tienen por qué contar con ella. La propia Macarena confesaba haber querido ser psicóloga antes de convertirse en actriz. “Me hubiera gustado especializarme en infancia, es un tema que me interesa mucho”, al tiempo que reconocía que la película había contado con ayuda profesional externa. “Para preparar el personaje trabajé con dos orientadoras, una me llevó al colegio y me enseñó la sala, me explicó las dinámicas. El guion estaba muy bien escrito, consulté escenas con ellas y me decían que era muy realista”.

En Un hijo se cuenta la historia de estos tres personajes: Manuel (Hugo Silva), Guille (Ian Cortegoso) y María (Macarena García). El primero apenas se habla con el segundo, mientras que este segundo comenzará a encontrar en la tercera un refugio sobre el que ayudarse. A pesar de las reticencias de su padre, Guille comienza a acudir a sesiones con la recién llegada psicóloga, quien poco a poco comienza a entender qué puede ocurrirle a Guille, pero especialmente a su padre. Los dibujos, como se ve en el clip en exclusiva, son una pieza fundamental de las sesiones de orientación de María con el niño, quien se abre con la profesional como no puede hacerlo en casa desde hace tiempo.

Un acercamiento mutuo

La película aborda otros temas, como la estigmatización de ciertos gustos a edades tempranas -personificado en la obsesión de Guille por Mary Poppins-, la gestión de conflictos en las escuelas o la incomunicación padre-hijo. A ello contribuye sin duda la interpretación del joven Ian Cortegoso, al que próximamente veremos también en la comedia Tres de más junto a Salva Reina y Kira Miró. “Fue muy fácil. Ian tiene mucho instinto y es un chico encantador, muy curioso. Los niños entran muy fácil en el juego de actuar. Mi personaje me lo ponía fácil porque podía mezclar mi relación de actriz y personaje”, reconocía la propia Macarena García.

Sea como fuere, con Un hijo parece que por fin comienza a ponerse en valor la figura del orientador escolar, prácticamente inédita en la ficción o al menos en el cine español y que ahora tiene su propia voz en alguien inmejorable como Macarena García. No todos los días se ve películas que retraten de forma tan cercana y justa el entorno escolar, por lo que es de celebrar que se estrenen películas así.

Al parecer, el público recibió la película entre la euforia y la controversia, siguiendo una tendencia habitual en la trayectoria del director en Cannes donde presentó Drive (y ganó el premio al Mejor Director), Solo Dios perdona y The Neon Demon.

Se trataba de su regreso a la gran pantalla después de una década centrado en la televisión (recordemos su serie Demasiado viejo para morir joven), un retorno caracterizado por su propuesta visual abrumadora y la colaboración musical de Pino Donaggio, que según Deadline se erige como el elemento que proporciona cohesión y emoción a la experiencia sensorial del largometraje.

Una película de terror que homenajea al cine

A lo largo de 107 minutos, el filme presenta a Elle, personaje interpretado por Sophie Thatcher, una estrella de cine atormentada por traumas familiares que debe afrontar una situación límite al descubrir que su mejor amiga, Hunter, contrae matrimonio con su propio padre. Paralelamente, un inquietante personaje apodado The Leather Man inicia una serie de asesinatos brutales en los cuales las víctimas exclaman “¡Papá!” antes de morir.

La trama conjuga elementos surrealistas y homenajes al cine clásico y experimental. Situada en una ciudad japonesa distópica, la historia conecta referencias a la mitología de Orfeo con guiños al universo de Persona, de Ingmar Bergman. Y, por supuesto, también está ahí el cine de terror italiano de los años setenta y ochenta.

El mito de Leather Man, adquirirá una importancia fundamental, un demonio atormentado que busca busca reemplazar a su hija perdida en el ‘inframundo’, entrelazándose con momentos como el rodaje de una película de ciencia ficción protagonizada por Elle. Pura locura made in Winding Refn.

Que el gran compositor italiano Pino Donaggio, con 84 años, haya regresado a la música es uno de los grandes acontecimientos que ofrece la película. Recordemos que fue el responsable de bandas sonoras como la de Carrie, Vestida para matar (bueno, en realidad, casi todo Brian de Palma) y un sinfín de ‘giallos’, un género del que también bebe la película.

La partitura, según Deadline, en este caso, guía la narrativa y aporta cohesión al despliegue estilístico de Refn, evocando épocas del cine mudo y de creadores como Powell & Pressburger o Kenneth Anger. El largometraje apuesta por la ambigüedad psicológica, priorizando las sensaciones y asociaciones sobre una narración lineal convencional.

El reparto incluye, además de Sophie Thatcher y Charles Melton, quien interpreta a un soldado estadounidense en busca de venganza tras la desaparición de su hija, a Havana Rose Liu, Kristine Froseth, Dougray Scott, Diego Calva, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada y Hidetoshi Nishijima. El personaje de Melton, Private K, actúa como justiciero al margen de la trama principal, y su conexión con Elle se plantea como una posible proyección de las carencias paternales de la protagonista.

Durante la ovación en Cannes, Refn reivindicó el poder del cine como espacio de encuentro social y resistencia cultural frente a la polarización y el desencanto político contemporáneos. El realizador declaró: “Cuando todos los políticos han destrozado el mundo y robado nuestro dinero, sólo nos queda el arte. Lo único que nos une es sentarnos juntos a ver una película”. Aunque reconoció el auge del consumo fílmico en dispositivos móviles, defendió la experiencia colectiva de la sala como la esencia del séptimo arte.

También relató ante la audiencia su experiencia personal al haber sufrido una parada cardiorrespiratoria que lo mantuvo 25 minutos clínicamente muerto antes de ser reanimado, y afirmó: “Eso te cambia. Me trajeron de vuelta con electricidad. Ahora sólo tengo 25 años más que vivir, pero voy a aprovecharlos al máximo”.

La película cuenta con el respaldo de la distribuidora independiente estadounidense Neon, ganadora consecutiva de la Palma de Oro desde 2019, aunque su inclusión fuera de competición la excluyó de la lista de premios oficiales. La película se estrenará en Estados Unidos el próximo 24 de julio.

A la Feria del Libro de Madrid 2026 no le falta gracia, literalmente. Una nueva edición de la fiesta literaria llega al tradicional Parque del Retiro este 29 de mayo, donde durante 15 días las casetas levantarán sus persianas, los autores sus bolígrafos y los libros desfilarán por las estanterías hasta el 14 de junio. Tras una jornada dedicada a Nueva York, La 85.ª edición llega cargada de humor y buen rollo: la sátira y el humor serán el eje central de una edición que tiene como título Leer y reír: dos formas de resistir y acogerá más de doscientas firmas y 366 casetas, tal y como se ha confirmado hoy en la rueda de prensa que ha tenido lugar en el Ayuntamiento de la capital.

“La Feria del Libro es uno de los pocos espacios de disenso que existen en el mundo actual”, ha defendido Eva Orúe, directora de la feria, durante la presentación. “Es un lugar donde te sientas a leer el libro de alguien que no piensa como tú, donde compras un libro o te tomas una cerveza con alguien que no cree lo mismo”, ha añadido sobre el origen de este. Precisamente por eso “hace falta buen humor”, cuya temática responde a la necesidad de “potenciar el buen ambiente” y reivindicar una tradición literaria que no siempre ha sido reconocida. “Estamos en un país cuyo ‘hit’ de todos los tiempos es un libro de humor: El Quijote”, ha asegurado sobre la novela de Miguel de Cervantes. “Con palabras buenas y con buen humor no solo se puede hacer gran literatura, sino desmontar prejuicios y afrontar situaciones que de otra manera somos incapaces de afrontar”.

Durante la rueda de prensa, en la que también han intervenido Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid; Bartolomé González, director general de Patrimonio Cultural y Oficina del Español de la Comunidad de Madrid, se han conocido nuevos datos sobre la programación, que este año reunirá a algunas de las voces más destacadas de la literatura, el humor gráfico y la comedia. Entre los nombres más esperados figuran el británico Jonathan Coe, el alemán David Safier y la historietista argentina Maitena, además de autores y humoristas como Ignatius Farray, Pantomima Full, Joaquín Reyes, Eva Hache, Rodrigo Cortés, Camila Sosa Villada, Ariana Harwicz o Kevin Johansen y Liniers, que volverán a compartir escenario en Madrid.

Sin embargo, esta edición será especialmente complicada en términos logísticos. La coincidencia de la nueva edición con la visita del papa León XIV y con los diez conciertos de Bad Bunny en Madrid marcará el segundo fin de semana del evento. “La visita de los dos condiciona lo que ocurre en esta ciudad”, ha añadido, haciendo una primera referencia a la visita del pontífice a nuestro país, del 6 al 12 de junio.. Aun así, ha recamado en que la programación y los horarios se mantienen intactos, puesto que todavía no tienen “una comunicación oficial de lo que va a ocurrir”, y ha hecho un llamiento al “entusiamo y fidelidad de los lectores y los visitantes”. “Aunque sea más dificil, no dejéis de venir”.

Las posibles adversidades: la visita del Papa León XIV, los 10 conciertos de Bad Bunny y el clima

Las condiciones meteorológicas volverán a ser uno de los grandes retos de la feria tras los cierres del año pasado por alertas en El Retiro. Orúe ha asegurado que la organización seguirá estrictamente los protocolos del parque, aunque ha confirmado que el consistorio esta estudiando “rebajarlos”, y ha defendido que la prioridad es mantener la feria en ese espacio “para lo bueno y para lo malo”.

“Nuestro compromiso primero es garantizar que nuestra presencia en el Retiro es respetuosa con el parque y con las normas por las que se rige”. Sin embargo, ha reconocido que, en caso de cierre por alertas meteorológicas, no podrán trasladarse todas las actividades fuera del recinto, aunque sí intentarán “salvar alguna actividad” gracias a espacios colaboradores como Casa Árabe o Casa Cantabria. “Queremos seguir ahí”.

La feria contará con más de 400 actividades repartidas entre los pabellones del Retiro y otros espacios culturales de Madrid como la Biblioteca Eugenio Trías o el Teatro Casa de Vacas, con un peso creciente de los pódcasts y los nuevos formatos sonoros. “Es una de las tendencias que se consolidan año tras año”, ha destacado Orúe.

Entre las actividades destacadas estarán los pódcast Ni tan bien, que conduce Carolina Iglesias en colaboración con Cadena SER; ¿Te quedas a leer?, presentado por Bárbara Goenaga y Esti Gabilondo o El programa de Ortega, edición especial del espacio dirigido por Vicente Ortega en Radio MARCA. Además, tampoco faltarán las charlas como Un humor muy británico, con Jonathan Coe; Esto lo diría alguien como tú, con Pantomima Full y Joaquín Reyes; o ¿De qué nos reímos?, con Eva Hache y Julián Génisson.

La organización rendirá homenaje a figuras como Les Luthiers, Kurt Vonnegut, Jorge Ibargüengoitia, Nicanor Parra o Rafael Azcona, en una edición que volverá a reforzar su dimensión iberoamericana a través del Pabellón Iberoamericano y distintas colaboraciones internacionales.

La Feria del Libro de Madrid contará este año con 366 casetas distribuidas a lo largo del Paseo de Coches de El Retiro, una más que en la pasada edición. Participarán librerías, editoriales, distribuidoras y organismos oficiales, además de espacios dedicados a editoriales independientes, universidades y proyectos especializados.

La primera opción para interpretar a Hopper fue Billy Crudup, quien en aquel momento no tenía una presencia constante en proyectos televisivos, tal y como señalaron los Duffer, sino que estaba más centrado en su carrera en el cine.

Esta información se conoció después de que Harbour, en una entrevista para el pódcast Happy Sad Confused, se refiriera al proceso de casting: “Estoy bastante seguro de que fui la segunda opción, y no sé a quién sustituí. ¿Quizá la tercera opción? ¿Cómo acabé siendo elegido como jefe Hopper y quién tuvo que rechazar el papel para que yo pudiera interpretarlo?”.

Las consecuencias del rechazo para ambos actores

Actualmente, Billy Crudup se encuentra vinculado de manera estable a la plataforma de streaming Apple TV a través de la serie The Morning Show, en la que ha conseguido dos premios Emmy, máximos galardones de la televisión estadounidense, y también participó en Gypsy en Netflix un año después del estreno de Stranger Things.

El salto a Harbour ocurrió tras la intervención de un director de casting, que sugirió su nombre para el papel. El actor realizó una sola audición, sin la presencia de los creadores durante la grabación. Una vez visualizaron la cinta, la decisión fue automática: “Vino, leyó e hizo una sola toma. Ni siquiera estuvimos presentes, solo vimos la grabación y fue tan evidente, al instante: Este es Hopper”. Lo eligieron de inmediato, según la reconstrucción de Ross Duffer.

Un éxito que dinamitó cualquier expectativa

El éxito de Stranger Things fue inmediato tras su debut en Netflix en 2016. Hasta la fecha, la serie acumula doce premios Emmy y volverá a competir en la edición de este año. Entre sus derivados, destaca la producción animada Stranger Things: Relatos del ‘85, renovada ya por una segunda temporada, así como una ‘precuela’ para Broadway con una versión grabada prevista para su adaptación a largometraje.

Los propios hermanos Duffer han insistido en que la elección de Harbour se produjo tras la negativa de Crudup. Matt Duffer subrayó: “Todo ocurre por un motivo”. Este viraje en el reparto resultó decisivo para la trayectoria de la serie, cuyo universo narrativo ha seguido ampliándose en distintas plataformas y formatos.

La carrera de Harbour vivió una transformación a partir de su incorporación como Hopper, mientras Crudup ya tenía una trayectoria de lo más consolidada después de haber trabajado con directores como Barry Levinson, Woody Allen, Stephen Frears, Cameron Crowe, Tim Burton, J.J. Abrams, Zack Snyder, Michael Mann o Ridley Scott.

La miniserie se inserta dentro de las ‘relecturas’ contemporáneas de los grandes clásicos pero, en este caso, está hecha con tal respeto que merece la pena adentrarse en el universo que propone, obra del creador de Adolescencia, Jack Thorne para la BBC, demostrando que, los conflictos de la juventud y su lado más oscuro, le interesan especialmente.

La novela de Golding se publicó en 1954 y generó una fuerte controversia, aunque pronto fue considerada un clásico de culto instantáneo del que han partido multitud de ficciones contemporáneas.

La novela de William Golding y la película de Peter Brook

Un grupo de muchachos sufren un accidente aéreo en el que perecen todos los adultos y despiertan en una isla paradisíaca que poco a poco se irá convirtiendo en un infierno. Entre ellos se perfilarán unos personajes que corresponden a un tipo concreto de personalidad. Ralph se convertirá en el líder y se caracterizará por la razón dentro del desconcierto. Jack será el tirano con ansias de poder, ególatra y violento. Piggy, el más débil y objeto de burlas será el más sensato y el que aporte las decisiones prácticas y Simon, representará la bondad.

Desde el principio El señor de las moscas se perfiló como una fábula política y social en la que cabían muchas teorías, entre ellas la del origen del nazismo, el choque entre la democracia y las ideas autoritarias y la deshumanización de la especie en condiciones salvajes.

En 1963, el dramaturgo Peter Brook filmó una poderosa primera versión cinematográfica inundada de un brutal realismo en blanco y negro con una técnica muy cercana al ‘cinema verité’. Sus imágenes han quedado incrustadas en la memoria cinéfila por su crudeza descarnada, que entroncaba a la perfección con el espíritu de la novela y con el cine experimental que se estaba haciendo en esos momentos.

Qué aporta la nueva adaptación de Jack Thorne

Más tarde, en los años noventa, se haría una adaptación mucho más descafeinada que obtuvo críticas nefastas. Y, ahora, aparece por primera vez la historia contada en formato miniserie desde una perspectiva de lo más interesante: cada uno de los capítulos está contado desde el punto de vista de uno de los personajes principales al mismo tiempo que va transcurriendo la acción tal y como la conocemos.

Esta singularidad narrativa le otorga una profundidad psicológica a los protagonistas, cuyas entidades estaban esbozadas en la película original, de forma que aquí se intenta ahondar en el por qué de sus acciones (ojo, esto puede gustar más o menos).

En cualquier caso, es algo que nos permite introducirnos en el interior de Ralph, Jack, Piggy y Simon, prodigiosamente interpretados respectivamente por Winston Sawyers, Lox Pratt (atención a esta estrella en ciernes que encarnará a Draco Malfoy en la nueva Harry Potter), David McKenna e Ike Talbout. Y es que sin unos grandes intérpretes juveniles, esta nueva versión (al igual que ocurrió con el talento de Owen Cooper en Adolescencia), no hubiera sido lo mismo.

Si hablamos de puesta en escena y dirección, El señor de las moscas resulta una auténtica viguería. Está repleta de planos subjetivos, contrapicados, cenitales, frontales, generales, dependiendo de las circunstancias para generar un estímulo diferente. Cada escena, en ese sentido, está pensada al milímetro para generar inquietud, miedo, violencia, también compañerismo, empatía, conmiseración, rabia y brutalidad.

Todo un cóctel de sensaciones que se mezcla con el espíritu atávico, con la exuberante naturaleza repleta de matices y de colores (en ocasiones el verde de las hojas se convierte en rojo de manera simbólica) para representar la eterna lucha entre la civilización y la barbarie en la piel de unos niños que definitivamente perderán la inocencia dentro de ese espacio sin reglas, en el que prima la supervivencia y la ley del más fuerte.

Probablemente a la serie de Thorne le falte el terror absoluto que latía en el original, y también en la película primigenia. Es demasiado plástica y utiliza la música como elemento demasiado dependiente a la hora de crear atmósferas. En ocasiones puede ser efectista, pero es efectiva y ambiciosa a la hora de adaptar un clásico como El señor de las moscas a los nuevos tiempos, más acomodaticios, pero no por ello menos exigentes.

El técnico español Pep Guardiola vive sus últimos días como entrenador del Manchester City. Tal y como afirman varios medios ingleses, y han podido confirmar en el resto de nuestro país, el entrenador se despedirá del club a final de temporada, con el final de la Premier League. Guardiola deja tras de sí un gran legado, pero también una anécdota para el recuerdo: el día que se llevó a toda la plantilla al cine para celebrar su cumpleaños. Y no fue viendo una película cualquiera.

Sucedió en la temporada 2016-2017, la primera del de Sampedor al frente del conjunto sky blue. El City atravesaba una mala racha y se mantenía muy alejado del líder, por aquel entonces el Chelsea de José Mourinho, el mismo que ahora mismo está a punto de fichar por el Real Madrid. Guardiola y su equipo habían sufrido una dura derrota ante el Everton y necesitaban de levantar los ánimos, por ello el entrenador tuvo la idea perfecta: llevarse a todos al cine. Así lo hizo a principios de 2017, con motivo de su cumpleaños. Jugadores, cuerpo técnico y parte del staff del equipo se desplazó hasta el Odeon de Manchester, el cual había reservado una sala entera para la proyección del gran éxito de ese momento: La ciudad de las estrellas (La La Land).

Así es, Guardiola y su equipo ahogaron sus penas (y celebraron su 47 cumpleaños) por todo lo alto con el musical protagonizado por Ryan Gosling y Emma Stone, que como todos saben luego terminaría protagonizando una de las historias más rocambolescas en los Oscar al perder el premio frente a Moonlight. En cualquier caso, el precioso musical dirigido por Damien Chazelle debió de surtir efecto sobre la plantilla, que terminó dando la cara y, aunque no ganó ningún título esa temporada, se terminaría convirtiendo en un equipo de leyenda, con hasta seis títulos de Premier League y una Champions League bajo la dirección de Pep Guardiola, reconocido cinéfilo por otra famosa anécdota que protagonizó tras conseguir la ansiada Champions en 2023.

Su anécdota con Julia Roberts

En marzo de 2023, cuando Guardiola y su City venían de arrasar durante varios años en Inglaterra y tener más cerca que nunca la primera Champions, el técnico reveló en rueda de prensa cual era su mayor fracaso. “Tengo tres ídolos en mi vida: Michael Jordan, Tiger Woods y Julia Roberts. Julia Roberts vino a Mánchester hace años (en 2017), no en los 90 cuando Sir Alex Ferguson estaba ganando títulos y títulos y títulos. Ella vino en el período en que éramos mejores que el United, en estos cuatro o cinco años, ¿no? Y fue a visitar al Manchester United. Ella no vino a vernos. Por eso, incluso si gano la Champions League, no se comparará con el hecho de que Julia Roberts vino a Mánchester y no vino a vernos”, confesaba un entristecido Guardiola.

Pero el fútbol a veces, como en las películas de Hollywood, tiene un final feliz. Guardiola terminó alzándose con la Champions esa misma temporada, y lo que es más importante, recibiendo la felciitación de su actriz favorita. “Felicidades a Pep Guardiola por llevar a tu equipo a ser campeón de la Champions League”, le escribió la intérprete en redes sociales, cerrando así esta bonita y cinéfila historia que, con la más que probable despedida de Guardiola.

Léa Seydoux, la última actriz en encarnar a una “chica Bond”, ha expresado sentimientos encontrados respecto al futuro de la saga tras la reciente venta de los derechos cinematográficos. “Me entristeció un poco enterarme de que se había vendido… pero ahora que es Denis, pensé: ‘Bueno, al menos es él, así que será cine’”, afirmó Seydoux en una conversación reciente, aludiendo a la llegada del director Denis Villeneuve al frente de la franquicia.

El traspaso de la saga James Bond a Amazon MGM motivó una reacción de incertidumbre y nostalgia en la actriz. Seydoux, quien se consolidó como uno de los rostros más emblemáticos de la etapa más reciente de la serie, explicó que su vínculo con el personaje de Madeleine Swann representó un capítulo significativo en su carrera. En las últimas producciones, especialmente en No Time to Die, la actriz interpretó a la única compañera sentimental capaz de marcar un final emocional para el James Bond de Daniel Craig.

La noticia de la adquisición de la franquicia generó inquietud en la actriz, quien reconoció sentir una mezcla de tristeza y alivio tras conocer la designación de Villeneuve como nuevo responsable creativo. “Ahora que es Denis, sentí que el proyecto vuelve a tener una dimensión cinematográfica genuina”, expresó Seydoux. Para la intérprete, el director canadiense representa una garantía de calidad y respeto por la esencia de la saga, gracias a su trayectoria en películas de alto calibre como Dune y Blade Runner 2049.

La actriz subrayó la importancia de que la franquicia permanezca en manos de cineastas con visión autoral. Según Seydoux, el cine de acción y espionaje que caracteriza a James Bond requiere una mirada creativa que combine espectacularidad con profundidad narrativa. En su opinión, el nombramiento de Villeneuve ofrece una oportunidad para renovar la saga sin perder su identidad cinematográfica. “Al menos será cine”, insistió la actriz, aludiendo a su expectativa de que el legado de Bond no se vea diluido en productos serializados o fórmulas industriales.

La llegada de Villeneuve coincide con un momento de transformación en la saga, tras la salida de Daniel Craig y el cierre de un ciclo marcado por la introspección y el desarrollo emocional del protagonista. Para Seydoux, el desafío será mantener el equilibrio entre la innovación y el respeto a las tradiciones que han convertido a James Bond en un ícono global. La actriz, que ha colaborado con directores reconocidos por su estilo personal como Yorgos Lanthimos, Wes Anderson y David Cronenberg, destacó la relevancia de contar con un cineasta capaz de aportar una mirada propia. “He visto cómo la visión de un director puede transformar por completo una franquicia o un personaje”, explicó Seydoux. La intérprete considera que el futuro de Bond podría estar definido por la audacia de sus realizadores.

El personaje de Madeleine Swann permitió a Seydoux explorar nuevos matices en la saga, alejándose de los estereotipos convencionales de la “chica Bond”. En Spectre y No Time to Die, su interpretación aportó una dimensión emocional inédita a la relación con Bond, marcando la despedida de Craig en el papel. Para la actriz, este arco narrativo no solo consolidó su posición en la industria, sino que también redefinió las expectativas de los personajes femeninos en el universo Bond. La recepción positiva de sus actuaciones confirmó la validez de apuestas más complejas y dramáticas dentro de la saga. Seydoux considera que el futuro dependerá de la capacidad de continuar evolucionando sin perder la esencia que caracteriza a James Bond: la mezcla de acción, sofisticación y profundidad emocional.

La designación de Denis Villeneuve como director ha renovado el interés de seguidores y profesionales del cine. Según Seydoux, la combinación entre el estilo visual del director y la narrativa clásica de Bond puede abrir una etapa de grandes logros artísticos. La actriz manifestó confianza en que la saga mantendrá su atractivo internacional y seguirá siendo un referente del cine de acción. Para Seydoux, el desafío es claro: “El verdadero reto será sorprender a las nuevas generaciones sin traicionar a los seguidores históricos de la franquicia”. Su expectativa es que la etapa que inicia bajo la tutela de Villeneuve combine innovación, respeto a la tradición y una apuesta decidida por el lenguaje cinematográfico, consolidando así la vigencia de James Bond en la cultura contemporánea.

Hace unos días, el escritor británico Irvine Welsh, autor de la saga Trainspotting -película que en 1996 Danny Boyle llevó a la gran pantalla-, aseguró que los jóvenes de hoy en día “han perdido la empatía”. ¿El motivo? Que no leen. “Los hombres jóvenes han perdido la empatía porque ya no leen novelas; las únicas que leen ficción son mujeres. ¿Cómo puede ser que no lean novelas si es la mejor forma de ponerse en la piel del otro?“, apuntó en una entrevista concedida a El País.

Más de dos siglos antes, una de las escritoras más influyentes de la literatura inglesa ya había defendido algo parecido. Jane Austen, considerada una de las grandes renovadoras de la novela moderna y autora de clásicos como Orgullo y prejuicio, Emma o Sentido y sensibilidad, convirtió las relaciones humanas, el romance y la sátira social en el centro de sus historias. Su obra, publicada a comienzos del siglo XIX, continúa siendo leída, adaptada y estudiada más de 200 años después.

Pero además de retratar con precisión las dinámicas sociales de la Inglaterra de su época, Austen también dejó varias reflexiones sobre la propia literatura y sobre el placer de leer. Una de las más célebres aparece en La abadía de Northanger, su novela debut publicada en 1818: “Quien no disfruta de una buena novela, sea hombre o mujer, debe ser terriblemente estúpido”.

¿Qué significa la cita?

La novela sigue a Catherine Morland, una joven de 17 años cuya vida discurre entre su afición por leer novelas góticas. Trasladada a Bath para introducirla en sociedad, a la casa de los Allen, unos amigos de su familia, la adolescente comenzará a acudir a fiestas y a conocer a gente nueva. A través de esa historia, la autora parodia los tópicos de la novela gótica y reflexiona sobre la imaginación, la lectura y las diferencias entre ficción y realidad.

Esta cita aparece en el capítulo 14 de la novela, donde la protagonista pasea junto a Henry Tilney y su hermana por Beechen Cliff, una colina cercana a Bath. Durante la conversación, Catherine comenta que el paisaje le recuerda al sur de Francia descrito en Los misterios de Udolpho, una de las novelas góticas más populares del siglo XVIII.

La joven admite entonces que nunca ha viajado al extranjero y que conoce esos lugares únicamente por lo que ha leído. Después, casi disculpándose, supone que Henry Tilney probablemente no lee novelas porque “no son lo suficientemente inteligentes para ti; los caballeros leen mejores libros”. Es entonces cuando este replica: “Quien no disfruta de una buena novela, sea hombre o mujer, debe ser terriblemente estúpido. He leído todas las obras de la Sra. Radcliffe, y la mayoría con gran placer. Una vez que empecé a leer Los misterios de Udolpho, no pude parar; recuerdo haberlo terminado en dos días, con los pelos de punta todo el tiempo”, afirmó.

La realidad es que 250 años después de su nacimiento, el legado de la autora sigue siendo de interés. Prueba de ello es la adaptación constante de sus novelas al cine y la televisión, con ejemplos tan conocidos como Orgullo y prejuicio, protagonizada por Keira Knightley, o la versión cinematográfica de Emma estrenada en 2020 con Anya Taylor-Joy.

Cuando Gonzalo Alhambra se encontraba estudiando Derecho, su novia le regaló una guitarra. Tenía, pues, veinte años cuando decidió hacer un grupo con sus amigos y empezó a tocar un instrumento con el que muchos de los espectadores de La Voz le verían en 2020. Años después, ya no sigue con esa novia, ni ha terminado Derecho, pero la música ha pasado de ser un hobby a ser una profesión. “Vivo de esto actualmente, gracias a Dios, pero mi mayor sueño es poder dedicarme a esto para siempre”, dice en su entrevista con Infobae.

Y es que, a pesar del “punto de inflexión” que supuso la voz; a pesar de haber pasado de tocar en los bares de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) a llenar salas donde suenan canciones como Lo demás me sobra, Desde que tú no estás o Me voy pa’ Andalucía, Gonzalo Alhambra siente que su carrera ha sido hasta hoy “muy de ir escalando, de ir poco a poco”. Un ensayo y error constante en el que, de momento, la última lección ha sido: “Al final, lo que más le gusta a la gente es lo que a mí también me gusta”.

Esta es la premisa que ha reinado en Origen, su nuevo disco, donde el cantante ha decidido alejarse de los diferentes registros comerciales que manejó en Uno, su álbum debut, para volver al flamenco pop que le llevó hasta la voz. “Hubo un montón de gente que me dijo: ‘Ten cuidado, porque el flamenco tiene un techo muy bajito y a lo mejor solo llegas a lo local o lo regional’. Se equivocaban: en toda España, e incluso fuera del país, el flamenco tiene un montón de espectadores y de fans. A la gente le gustan las raíces”.

La lección de ‘Me voy pa’ Andalucía’

Las etapas en esa vuelta al Origen de Gonzalo Alhambra no han sido sencillas. Tras concluir en La Voz como finalista, el músico y su equipo decidieron esperar un tiempo para preparar bien el siguiente paso. “En Uno nos dejamos la piel. Queríamos que sonara a pop moderno y estuvimos durante dos meses en un estudio increíble en Morón de la Frontera, encerrados con los mejores músicos de España, pero no funcionó. Fue muy difícil asimilar eso”.

Paradójicamente, tras el poco impacto del disco, el equipo de fútbol de Sanlúcar de Barrameda le pidió a Gonzalo Alhambra hacer una canción para el Día de Andalucía (28 de febrero). “Me voy pa’ Andalucía se grabó en dos días prácticamente, se hizo con una guitarra de un amigo que vino aquí y otro grabó el bajo; tocábamos el bajo, el cajón y unas palmas porque nos salía de más adentro”. La canción fue un éxito absoluto. “Fue la primera vez que volví a mi origen, y le gustó muchísimo a la gente. Nos dimos cuenta de que teníamos que volver atrás, ofrecer lo que a mí en realidad me gustaba”.

Habían encontrado una nueva dirección, y ahora solo faltaba apostar por ella. Las primeras canciones de Origen confirmaron la buena recepción, hasta el punto de que Gonzalo Alhambra se ha convertido en uno de los nuevos referentes del flamenco pop. Todo gracias a esa vuelta al inicio, con apuestas como quitar los instrumentos de percusión y sustituirlos por sonidos más cotidianos y caseros. “En Lo demás me sobra el ritmo; lo hacemos golpeando una mesa, porque queríamos que el sonido fuera lo más parecido a una fiesta con amigos donde tú estás en la calle tomándote una cervecita. Con el resto de temas hicimos algo parecido”.

Flamenco en Andalucía, en España y en el mundo

Si alguien ha acompañado a Gonzalo Alhambra en todo este viaje es Manuel Casado, productor de todos los discos del cantante hasta la fecha y responsable directo del sonido de Origen. Suya fue, por ejemplo, la idea de hacer una nueva versión de Me voy pa’ Andalucía que reuniera a otros grandes nombres del flamenco andaluz, entre ellos Marta Santos, Juanlu Montoya, El Duende Callejero, Raule, Salistre, Ginés González y Rocío Soto. “Eran tantos que no sabíamos cómo colocarlos a cada uno”, recuerda el cantante, “pero eso le dio un punto muy alegre. Además, le metimos sonidos más modernos y más brillo para que rompa al final”.

Pero no todas las canciones de Origen son para los andaluces. “La verdad es que nos hemos dado cuenta de que lo que yo hago, que es un flamenco pop que tiene ese toque actual, llega a toda España e incluso fuera de ella”. Gonzalo Alhambra recuerda cómo, no hace mucho, un grupo de fans lo llamó mientras estaba tomando un café en el pueblo de Vejer de la Frontera. “Me pararon unas personas que eran de Cuba y que vivían en Miami para decirme que les encantaba mi música. Me pareció increíble. Solo que ya haya gente de fuera de mi casa, incluso, a la que le gusten mis canciones”, ríe.

Gonzalo Alhambra reconoce que los artistas andaluces son muy valorados dentro y fuera de la comunidad autónoma, aunque opina que “quizá se le podría dar todavía más valor”. Preguntado por qué debería hacer el próximo gobierno de Andalucía en el ámbito de la música y el flamenco, el cantante señala que este género podría tener mucha más visibilidad. “En las televisiones, por ejemplo, podrían hacer que no solo haya música urbana actual, sino que se le diera valor a la música nacional, porque no es solo andaluza, es de toda España. Al igual que en los eventos que haga la Junta de Andalucía: que apuesten por los músicos y artistas de la tierra, que hay muchos increíbles”.

De cara al futuro, Gonzalo Alhambra prepara una gira en verano que le llevará por festivales como el Summer Fest de Málaga o el Concert Music de Chiclana de la Frontera, así como por salas de Chipiona (1 de agosto), Madrid (10 de octubre), Barcelona (16 de octubre), Sevilla (23 de octubre) y de nuevo Málaga (6 de diciembre), entre otras paradas.

Clint Eastwood, que dio vida al Hombre Sin Nombre en la Trilogía del Dólar, disparó un cañón real español en pleno Burgos en 1966 para el fin de la saga que lanzó su carrera a nivel global, en El bueno, el feo y el malo. La pieza, seleccionada por el equipo de Sergio Leone en el Museo del Ejército de Madrid, ha reaparecido ahora seis décadas después en Cartagena.

Así lo ha anunciado la Asociación Cultural Sad Hill, colectivo que reivindica el valor turístico y cultural de los parajes burgaleses utilizados por Leone en el rodaje de la cinta. Ha sido Diego Montero, miembro de la asociación, quien ha encontrado este hallazgo en el Museo Militar de Cartagena.

Esta investigación ha permitido reconstruir el viaje de una de las piezas de artillería utilizadas durante el rodaje de este mítico western, después de que Montero leyera minuciosamente Detrás de las escenas de El bueno, el feo y el malo de Peter J. Hanley.

De Madrid a Toledo y Cartagena

El cañón, un modelo Whitworth fabricado en Manchester en 1873, fue escogido por Giancarlo Santi, ayudante de dirección de Leone, después de revisar distintas piezas conservadas en el Museo del Ejército de Madrid. El equipo buscaba reproducir con precisión el armamento utilizado durante la Guerra de Secesión estadounidense y se apoyó en fotografías reales de la época para seleccionar el material militar que aparecería en pantalla.

Según ha explicado la asociación, la pieza ya había sido documentada en 2002, cuando permanecía expuesta en el exterior del Museo del Ejército de Madrid. Allí todavía podía leerse una inscripción clave para seguirle el rastro: “Nº 572 WHITWORTH TRADE MARK MANCHESTER 1873”. Ese mismo detalle ha permitido confirmar que se trata del mismo cañón empleado durante el rodaje.

Una vez finalizada la grabación, se estimaba que las piezas habían sido trasladadas al Museo del Ejército de Toledo. Sin embargo, cuando Montero visitó el centro para localizar los morteros y cañones utilizados en la cinta, descubrió que el Whitworth 572 ya no se encontraba allí, sino en Cartagena. Consultando documentación del Museo Militar de la región, encontró una publicación sobre la restauración de la pieza realizada por militares jubilados. En una de las fotografías aparecía incluso el capitán de Marina Mercante José Ignacio Bailly-Baillière y de Tró, responsable de aquellos trabajos de recuperación. La asociación asegura que trató de localizarlo sin éxito para conocer más detalles de la historia del cañón.

La confirmación final llegó hace unos días, cuando el director del Museo Militar de Cartagena facilitó a la Asociación Cultural Sad Hill una fotografía detallada de la pieza. La inscripción coincidía plenamente con la documentada años atrás en Madrid. “Esta era la prueba definitiva y el hecho que nos animó a anunciar que, 60 años después, el cañón había aparecido”, celebraron redes sociales.

La misma pieza también habría participado en la secuencia de la batalla del puente de Langstone, una de las escenas más ambiciosas rodadas por Leone en España. Para recrear aquel enfrentamiento bélico, la producción italiana contó con el apoyo del Ejército español, que cedió soldados, material y apoyo logístico en Burgos durante el verano de 1966.

En total, más de 250 soldados participaron en la construcción del cementerio de Sad Hill, donde se desarrolla el duelo final entre Eastwood, Wallach y Lee Van Cleef. Según recuerda el documental Sad Hill Unearthed, los militares levantaron en apenas dos días las más de 5.000 tumbas que componían el decorado, y donde el actor dispara el cañón que ha sido reencontrado 60 años después de rodarse.

A la ovación de más de siete minutos que recibió El ser querido, la nueva película del cineasta Rodrigo Sorogoyen presentada en el Festival de Cannes, habrá que sumarle los aplausos recibidos por el actor Javier Bardem, protagonista de la cinta junto a Victoria Luengo, tras la rueda de prensa ofrecida tras la proyección.

Preguntado por los medios, el ganador de un Oscar al Mejor actor de reparto por No es país para viejos y de un premio al Mejor actor en Cannes por Biutiful, habló sobre la masculinidad tóxica. “No podemos normalizarlo, decir ‘sí, es horrible’ ¿estamos jodidamente locos? ¿Estamos matando mujeres porque hay hombres que creen que son de su propiedad, que las poseen?”.

“Vengo de un país muy machista”, continuaba el intérprete. “En España hay muchas mujeres que son asesinadas por sus novios o maridos”. El intérprete conectó los comportamientos machistas con actitudes de poder a nivel mundial, señalando a algunos de los líderes nacionales e internacionales más belicistas: “Esos tipos con las pelotas grandes que dicen ‘mi polla es más grande que la tuya y te voy a bombardear’. Es un comportamiento masculino tóxico que está causando miles de muertos”.

La preocupación de Javier Bardem “como padre”

En su comparecencia ante los medios, el actor insistió en que la educación recibida durante generaciones contribuye a perpetuar estos patrones. “Hay que hablar de este problema, algo que se está haciendo porque somos más conscientes de ello, afortunadamente”, valoró. En el filme, su personaje enfrenta el rechazo de tres mujeres, una situación que, para Bardem, refleja los cambios sociales en debate.

El actor expresó su inquietud por el futuro de la juventud frente a la manipulación mediática y la falta de pensamiento crítico. “Como padre estoy preocupado, la gente joven, a consecuencia de todo esto, cada vez se interesa menos por entender, por comparar, por ir más allá, por contrastar... y eso es peligroso y puede producir un pensamiento muy radicalizado”, advirtió. Añadió que este fenómeno afecta tanto a España como al resto de Europa y Estados Unidos.

La situación del Sáhara tampoco quedó fuera de su crítica. Bardem, que figura como productor del documental Hijos de las nubes, la calificó de “horrible” y lamentó el silencio mediático. Se mostró igualmente preocupado por la concentración de poder en medios de comunicación tras la fusión de Paramount y Warner: “¿Quién va a manejar todo eso, lo que escuchamos y vemos?”, se preguntó, aludiendo al riesgo de monopolio informativo.

“Estoy recibiendo multitud de ofertas”

Con estas palabras, el actor español ha demostrado una vez más por qué se le considera una de las figuras más comprometidas a nivel político de Hollywood. Sus declaraciones sobre conflictos como el del Sáhara Occidental o Palestina han tenido una importante incidencia en su carrera. Sin embargo, frente a los rumores de que el intérprete había sido incluido en una “lista negra” de la industria estadounidense, el actor ha declarado en este Festival de Cannes que, lejos de verse perjudicado, está recibiendo más ofertas que nunca.

“Estoy recibiendo multitud de ofertas en Estados Unidos, en Europa, en Sudamérica, en España… Lo cual me hace pensar que la narrativa está cambiando”, señalaba ante los medios. “Creo que aquellos que van haciendo esas supuestas listas negras son los que van a ser expuestos y los que van a sufrir las consecuencias, creo, a nivel de audiencia, de público y social”.

“Hola amigos. Me resulta desolador tener que dar de nuevo explicaciones que he repetido, una y otra vez, sobre mis objetivos en mis proyectos teatrales”. Con estas palabras inicia el comunicado que el actor y productor teatral malagueño, Antonio Banderas, ha publicado en redes sociales para responder a determinadas informaciones que habrían destapado los números rojos del Teatro del Soho Caixabank, regentado por él mismo.

“La ruina de la que se me hace víctima en determinados medios no existe. Lo siento por aquellos que pudiesen encontrar un cierto placer en que esto fuese así”, ha sentenciado. “El proyecto del Teatro del Soho CaixaBank es un proyecto donde solo me planteo un objetivo: hacer las cosas como creo que se deben hacer y tratar de buscar la excelencia en nuestras producciones, más allá del déficit económico que estos acarreen, y que, gracias a Dios, puedo asumir sin ningún problema. Ese es el pacto con mi pasión por el teatro, por mi ciudad, y conmigo mismo”.

Por todo ello, el actor ha reivindicado que “si hubiese querido ganar dinero habría sido muy fácil”. “Pero he preferido hacer producciones grandes, donde he dado trabajo a cientos de personas, y he disfrutado como no lo había hecho en toda mi carrera”, continúa. “La noticia es que voy a seguir haciéndolo. Lo he dicho en ruedas de prensa y en diferentes entrevistas en incontables ocasiones”.

La felicidad de Antonio Banderas

El actor ha querido recordar el carácter altruista de la empresa del Teatro del Soho Caixabank, subrayando que “no recibe subvenciones de dinero público y no lo hará mientras yo esté vivo”. " Me hago cargo de los gastos derivados de acometer proyectos carísimos que difícilmente veréis en empresas que han de presentar una cuenta de resultados", ha defendido. “Y aquí me gustaría agradecer la destacada participación de los magníficos patrocinadores que me acompañan en esta aventura”.

Finalmente, Antonio Banderas ha señalado que el año pasado el Teatro Soho logró reunir a casi 200.000 espectadores, contando con la producción presentada en Madrid. “Hemos logrado romper moldes en estos años y lo vamos a seguir haciendo. No, amigos míos, no estoy arruinado, ¡estoy a tope! ¡Y soy amenazantemente feliz! Hasta la vista babies”.

Un sueño personal

En noviembre de 2019, el actor inauguró oficialmente el nuevo proyecto que iba a iniciar en el antiguo Teatro Alameda, espacio emblemático de la ciudad andaluza, que el actor había adquirido para transformarlo completamente. Partiendo de un sueño personal, Banderas decidió reinvertir su propio capital en su ciudad natal. No lo planteó como un negocio puramente comercial, sino como un “centro de creación artística” sin ánimo de lucro personal, donde los beneficios se reinvierten en el propio proyecto.

A los pocos meses de abrir, la pandemia de COVID-19 obligó al cierre temporal. Sin embargo, Banderas aprovechó ese tiempo para crear Teatro del Soho Televisión, produciendo programas culturales y llegando a organizar y presentar la Gala de los Premios Goya 2021 desde el propio escenario del Soho. Desde entonces, el espacio ha servido para el estreno de musicales como Godspell o Gypsy, presentado también en el Teatro Apolo de Madrid. Además de las grandes producciones de Banderas, el teatro se ha convertido en un espacio multidisciplinar, donde se celebran desde ciclos de flamenco a diferentes formaciones de música y artes escénicas.

Hemos atravesado la mitad de mayo y se acerca la Feria del Libro de Madrid, una de las citas destacadas de la industria editorial de nuestro país, donde se concentrarán buena parte de los autores destacados nacionales e internacionales para las tradicionales firmas.

A lo largo de este mes se han publicado libros importantes, de Valeria Luiselli, de Kae Tempest, un inédito de Virginia Woolf, lo nuevo de Irvine Welsh, del Premio Nobel de Literatura Patrick Modiano y del gran Thomas Pynchon.

Además, esta semana se publica No me encontraron. La fosa de Lorca: crónica de un olvido (Aguilar), de Ian Gibson, coincidiendo con el noventa aniversario de la muerte del poeta, una crónica minuciosa en la que el experto hispanista relata su personal visión sobre las causas que han llevado al desinterés a que no se haya encontrado dónde está enterrado Federico Garcia Lorca.

‘La víspera’, de Manuel Jabois

Tras Mirafiori, el escritor y periodista Manuel Jabois aborda la historia de Amalia Constenla, una madre próxima a cumplir sesenta y cinco años, que queda aislada en su casa durante un día marcado por un acontecimiento que detiene la vida cotidiana del país. La acción transcurre en las horas previas a una reunión familiar, mientras agentes policiales y medios de comunicación se congregan en su localidad debido al suceso que concentra el interés nacional.

El relato examina la relación madre-hijo, y a través de la experiencia de Amalia, expone dilemas sobre la moralidad, la culpa y el sacrificio dentro de la familia. Jabois profundiza en la familia como “la institución más compleja de todas”, e invita a reconsiderar el origen y el destino de los lazos familiares más cercanos.

‘La edad dorada’, de Jane Smiley

El cierre de La Trilogía de los cien años, de Jane Smiley (Heredarás la tierra), después de Un poco de suerte y Una advertencia, sitúa a la familia Langdon en el centro de los cambios sociales, económicos y políticos recientes, abarcando el periodo desde 1987 hasta la actualidad. La novela arranca en la última etapa de la Guerra Fría y atraviesa transformaciones globales como las reformas económicas, la apertura de sociedades y la llegada de nuevas tecnologías en Estados Unidos. En este contexto, la generación más joven de los Langdon enfrenta desafíos que afectan tanto la estabilidad familiar como el legado recibido.

La autora cruza historias privadas con el contexto sociohistórico de finales del siglo XX y principios del XXI, mostrando cómo los acontecimientos públicos inciden en la vida cotidiana de los Langdon. La obra muestra una panorámica de la historia reciente, donde las aspiraciones individuales y los dilemas familiares se entrelazan con las crisis y transformaciones políticas y económicas.

Smiley vuelve a demostrar su habilidad para recrear el paso del tiempo y el peso de la memoria generacional a través de los detalles de la vida cotidiana. La novela culmina la trilogía retratando a los Langdon en un momento decisivo, donde la historia y las decisiones personales definirán su futuro.

‘Pan’, de Michael Clune

El escritor estadounidense Michael Clune, en su primera novela, aborda la ansiedad adolescente a través de la historia de Nicholas, un joven que experimenta crisis de pánico mientras vive con su padre en los suburbios de Chicago. La obra utiliza el mito del dios Pan (el dios de la naturaleza salvaje) como símbolo central, ya que Nicholas sospecha que esa fuerza podría residir en él.

El relato muestra cómo Nicholas, guiado por una joven, se unirá a un grupo de que se aísla en un granero y realiza rituales con drogas, sexo y símbolos paganos. Dentro del grupo, lo consideran distinto y atribuyen a la escritura un papel relevante como alternativa de salvación ante la inestabilidad mental. La novela integra referencias literarias de Wilde, Baudelaire y Camus, así como la música de Bach, que funciona como refugio para Nicholas.

La obra examina el miedo y la búsqueda de sentido en la juventud, vinculando estos temas con el mito, el delirio y la reconstrucción personal a través de una prosa de lo más poderosa y enigmática.

‘En palabras sencillas’, de Richard Ford

El gran novelista Richard Ford lanza este ensayo conciso que conecta a la perfección con su ideario creativo: que lo artístico, lo ético, lo público y lo privado no son esferas separadas, sino facetas de una misma experiencia; que, en literatura, lo político se inscribe en lo íntimo, en el lenguaje y en la mirada atenta sobre lo cotidiano.

En su análisis, Ford recorre experiencias personales y literarias, como su infancia en Misisipi y una etapa en México, para ilustrar cómo la literatura refleja y aborda tanto la violencia social como los dilemas morales. El autor se pregunta sobre la posibilidad de vivir con integridad en un entorno político marcado por la deshonestidad, y argumenta que la novela debe mantener su papel como espacio de verdad y compromiso, donde lo personal y lo colectivo se funden. La obra es presentada como una reflexión sobre el sentido y el alcance de la literatura en la sociedad actual.

‘Cassada’, de James Salter

Se publica una novela inédita en español (que originalmente salió en 1961) del gran escritor estadounidense autor de obras como Todo lo que hay. Cassada relata la trayectoria de Robert Cassada, un teniente puertorriqueño asignado a una base aérea de Estados Unidos en la Europa de posguerra. La historia se centra en los primeros desafíos que enfrenta como piloto, en un contexto donde la competencia por el reconocimiento es fuerte y la integración al grupo resulta difícil.

La obra, revisada y condensada por el propio autor casi veinte años después de su publicación original, se desarrolla en una época marcada por la persistencia de la amenaza militar tras la guerra. Salter, con experiencia como piloto, expone la intensidad de las misiones aéreas y el aislamiento emocional del protagonista, quien debe superar el temor al fracaso y la exclusión dentro del cuerpo de aviadores.

‘Un halcón bajo mi ventana’, de Lydia Cacho

La última novela de Lydia Cacho, reconocida periodista mexicana y reciente ganadora del Premio Internacional Humanismo Solidario Erasmo de Rotterdam 2026, se centra en el valor de la amistad y la ternura en un contexto de cambios sociales y políticos. La historia sigue a Julieta, una adolescente que crece en el México de los años sesenta, en un entorno familiar marcado por el choque entre el compromiso social de su madre, Clara, psicóloga e hija de exiliados españoles, y la tradición conservadora de su padre, Fernando, descendiente de militares.

La trama recorre acontecimientos históricos como las marchas estudiantiles del 2 de octubre de 1968 y el Halconazo de 1971, mostrando la participación de Julieta y su madre en estos hechos y su integración a redes clandestinas de mujeres latinoamericanas. La novela pone el foco en la doble lucha de las mujeres: contra el autoritarismo estatal y contra las estructuras patriarcales dentro de los propios movimientos sociales. El relato acompaña el proceso de autodescubrimiento de Julieta, abordando temas como la sexualidad, el amor, la identidad, la muerte y el papel político de la rebeldía solidaria.

Cacho destaca la relevancia de la amistad y la “ternura revolucionaria” para el cambio social, mientras la autora y figuras como Gioconda Belli consideran la obra un homenaje a las mujeres que contribuyeron a una sociedad más justa, resaltando tanto las dificultades de crecer bajo represión como la potencia de los lazos afectivos y la organización colectiva.

‘A la sombra de un árbol muerto’, de Mónica Rojas

La novela A la sombra de un árbol muerto narra la vida de Santander, Magdalena y Juan, quienes en 1873, tras un aborto y la imposibilidad de tener descendencia, deciden dejar su hogar y migrar a los Altos de Jalisco en México, impulsados por la esperanza de encontrar mejores condiciones. La trama explora cómo la migración y el conflicto social configuran una resistencia que trasciende a los personajes principales, extendiéndose como una marca dolorosa en las generaciones posteriores.

El relato integra cantos, plegarias y conjuros de tradición indígena con recursos del realismo mágico para mostrar cómo los protagonistas afrontan situaciones que los condicionan desde mucho antes de su nacimiento, revelando una herencia de sufrimiento y lucha. Una novela para descubrir y dejarse sorprender.

‘Aire de familia’, de Alessandro Piperno

He aquí la nueva novela de Alessandro Piperno, Premio Strega 2012. El protagonista, Alessandro Sacerdoti, es un académico y escritor de 50 años que atraviesa una crisis personal y laboral tras ser apartado de su puesto en la Universidad de Roma, debido a comentarios sobre citas misóginas de Flaubert. Paralelamente, debe hacerse cargo de Noah, un niño huérfano y pariente lejano, con quien no comparte afinidades ni costumbres.

La convivencia entre ambos pone de manifiesto las contradicciones y limitaciones de Sacerdoti, pero también abre el camino a una transformación personal. Piperno desarrolla la historia alternando escenas de humor e ironía con otras de fuerte carga emocional, y utiliza la relación entre los personajes para explorar los desafíos de la madurez. La novela consolida al autor como una figura destacada en la narrativa italiana contemporánea.

‘La sombra de los perros románticos’, de Serralvo

La biografía La sombra de los perros románticos, de Jose Serralvo, se centra en la vida de Roberto Bolaño, quien provenía de una familia chilena humilde y vivió marcado por el exilio y los cambios sociales. El libro utiliza tanto información pública como materiales inéditos para reconstruir el recorrido personal y literario de Bolaño.

Según el periodista Juan Bonilla, la obra organiza la vida del escritor para quienes ya conocen su trabajo, y funciona como introducción para quienes se acercan por primera vez a su figura. El relato abarca la infancia de Bolaño en Chile, su papel en la creación del infrarrealismo en México durante los años setenta, su paso por cárceles bajo la dictadura de Pinochet, y su vida en Cataluña.

Serralvo describe cómo Bolaño llegó a convertirse en figura central de la literatura contemporánea, mostrando la influencia de las utopías y derrotas de su generación, así como el modo en que su vida sirvió de materia para su narrativa.

‘El movimiento del caballo’, de Andrea Camilleri

Se recupera uno de los libros del gran escritor de novela negra italiano, publicada originalmente en 1999. Transcurre en la Sicilia del siglo XIX, en una comunidad rural marcada por la corrupción y la resistencia al cambio. La historia gira en torno a Giovanni Bovara, un inspector de Hacienda nacido en Génova pero con raíces sicilianas, que llega a Vigàta para implementar un impuesto rechazado por los terratenientes. Bovara, riguroso y obstinado, rápidamente identifica una red de engaños y privilegios que protege intereses locales y perjudica al Estado. Su intento de cumplir con la ley lo aísla socialmente y, tras presenciar el asesinato de un sacerdote, termina siendo arrestado y sin medios para defenderse.

Ante esta situación, Bovara recurre a sus conocimientos del dialecto siciliano y a la lógica propia del lugar, utilizando estrategias comparables a una jugada inesperada de ajedrez, lo que le permite adaptarse y buscar una salida en un contexto hostil. La novela utiliza la ironía y la atención al detalle para describir una sociedad dividida y plagada de silencios cómplices.

Según el Corriere della Sera, Camilleri combina en esta obra el género policial con la exploración de la memoria histórica. El entorno de Vigàta sirve como escenario donde convergen la investigación criminal y el análisis social, permitiendo mostrar el conflicto entre la legalidad y los intereses privados. El personaje de Bovara, ajeno pero vinculado a Sicilia, encarna la tensión entre la adaptación y el enfrentamiento a las reglas no escritas del lugar.

La novela se presenta así como una síntesis de las preocupaciones recurrentes de Camilleri: el peso de la corrupción, la resistencia a lo foráneo y la complejidad de la sociedad siciliana.

La cinta, con una duración de 160 minutos ha contado con el mayor presupuesto hasta la fecha en la industria surcoreana y en el reparto se alternan estrellas autóctonas con internacionales: Hwang Jung-min (El extraño), Jo In-sung (La gran batalla), Jung Ho-yeon (El juego del calamar), la pareja formada por Alicia Vikander, Michael Fassbender, Taylor Russell y Cameron Britton.

La trama sitúa a los personajes ante una amenaza desconocida que asola la ciudad fronteriza próxima a la zona desmilitarizada entre las dos Coreas. El argumento se inicia cuando el jefe de policía local, Bum-seok, recibe la noticia de la aparición de un tigre y, al investigar, descubre una realidad que desafía cualquier explicación razonable. El guion explora tanto la reacción de los habitantes, entre los que abundan familiares y conocidos, como su capacidad para enfrentarse al fenómeno.

Una película de ciencia ficción coreana singular

El recibimiento de Hope en Cannes ha estado marcado tanto por los aplausos como por la singularidad de algunas de sus escenas. Según la revista especializada Variety, una de las secuencias que más llamó la atención entre el público es el relato de un anciano a un agente sobre su encuentro con los alienígenas mientras realizaba sus necesidades en el bosque, utilizando un lenguaje escatológico que generó risas en la sala.

Las primeras críticas han señalado el carácter desenfadado del filme y su ritmo vertiginoso. Variety indica que, pese a la simpleza argumental y a los efectos digitales modestos en el diseño de las criaturas, la película es una de las más entretenidas y cómicas en el ámbito de la acción de los últimos años. Y es que en eso, los coreanos son expertos, en hibridar géneros y combinar escenas de acción trepidantes y humor, algo que se puede rastrear en la filmografía de Bong Joon-ho.

Distribuida por la todopoderosa Neon

La expectación generada por la cinta antes de su estreno se reflejó en el rápido movimiento de las distribuidoras: el la todopoderosa distribuidora Neon adquirió los derechos para Norteamérica, Reino Unido y Australia, mientras que Mubi distribuirá la película en Latinoamérica, Italia, España, Alemania, Austria, Suiza y Turquía. El estreno en salas está previsto para el otoño de 2026.

La trayectoria de Na Hong-jin en Cannes ya cuenta con antecedentes: el cineasta surcoreano ha presentado previamente tres títulos en el festival, incluyendo la increíble película de terror sobrenatural El extraño (fuera de competición en 2016), El ‘noir’ The Yellow Sea (Un Certain Regard en 2011) y el thriller de asesinos en serie The Chaser (fuera de competición en 2008).

Odenkirk ha explicado que el episodio cardíaco se produjo en pleno plató de grabación, en un contexto afectado por las restricciones de la pandemia. Detectó enseguida el colapso: “Caí al suelo y mis compañeros Rhea Seehorn y Patrick Fabian me sujetaron y gritaban, pero el resto del equipo que lo vio pensó que se estaban riendo. Por eso tardaron en reaccionar, porque todos estábamos muy alejados unos de otros”.

Como elemento distintivo de la vivencia, tras perder la consciencia, no recuerda ninguno de los clichés asociados a experiencias cercanas a la muerte, ni “esa maravillosa película de tu vida”, ni la aparición de ninguna figura que ofreciera volver. Según indicó, “la primera memoria que tengo es marcharme del hospital una semana después de ingresar”.

Cómo fue el infarto sufrido en el rodaje

En julio de 2021, el portal especializado Deadline ya había avanzado que Odenkirk se había desplomado en el plató de grabación de Better Call Saul (’precuela’ de la mítica Breaking Bad) en Nuevo México y que fue hospitalizado de inmediato. El equipo de representantes del intérprete confirmó al día siguiente que se encontraba “estable” tras un “incidente cardíaco”, que después se identificó como un infarto causado por un atasco arterial corregido sin intervención quirúrgica. El actor retomó el rodaje poco más de un mes después, en septiembre de ese año.

La secuencia crítica, según los testimonios recogidos por el periódico británico The Times U.K., estuvo marcada por la reacción de los compañeros más próximos y por la acción del sanitario presente en el plató de grabación, quien, según describe Odenkirk, “no sabía qué hacer”, ya que nunca antes había realizado una reanimación cardiopulmonar. El intérprete fue informado de lo sucedido cuando ya había pasado una semana, pues permaneció inconsciente durante ese periodo. También remarcó que solo regresó al plató de grabación después de superar el procedimiento médico y recibir el alta.

Odenkirk ya había hablado con anterioridad sobre el incidente. En 2022, explicó a The New York Times Magazine que, tras ser informado en 2018 de la existencia de placas en su corazón, optó por una actitud de observación prudente siguiendo el consejo de un médico. Detalló entonces que la situación se mantuvo bajo control hasta que “uno de esos trozos de placa se rompió”, lo que desembocó en el infarto. A la mañana siguiente fue sometido a la implantación de un stent y posteriormente ha modificado su dieta y recibe tratamiento farmacológico.

Su recuperación tras el episodio cardíaco

El intérprete de Saturday Night Live ha destacado en el periódico británico The Times U.K. la emoción y agradecimiento que le produjo haber superado el episodio: “Aquello fue un regalo, experimentar unas semanas en las que sentía eso respecto a mi presencia en el mundo”, ha afirmado. “Sentí una alegría y una implicación enormes”. De acuerdo con lo narrado en la entrevista, Odenkirk ha experimentado un periodo posterior de mayor compromiso vital tras una recuperación que comenzó con su salida del hospital una semana después del incidente.

El actor ha protagonizado recientemente Nadie 2 y el 12 de junio se estrenará en nuestro país Normal, la nueva película de Ben Wheatley, director de culto de cintas como Turistas o High-Rise y de la que Bob Odenkirk ejerce también como guionista. En el reparto encontramos a Lena Headey (Juego de Tronos), Henry Winkler (Scream) o Jessica McLeod (Death Note).

Cuando Sara Rubayo se quedó embarazada, comenzó a sufrir insomnio y a pasar las noches mirando vídeos en YouTube. Era 2014, una época en la que los primeros youtubers en España ya habían demostrado cómo su trabajo en redes sociales les había permitido ganarse la vida. “Fue así hasta que un día me dije: ‘Bueno, sé que mi nicho no interesa a tanta gente, pero a mí me parece muy interesante y a alguien le podría gustar”, recuerda esta historiadora del arte. “Algún friki habrá al que le interese Velázquez”.

Con esta idea, en el verano de 2015 nació el canal de La Gata Verde, uno de los primeros espacios digitales de divulgación artística en España y que hoy acumula, sin contar el resto de redes sociales, más de 110.000 seguidores. “Aún así, yo no trabajo solo de redes sociales ni vivo de ellas. Las redes son un medio, y yo soy historiadora del arte e investigadora. Lo que YouTube, Instagram y el resto de espacios me permiten es dar a conocer lo que a mí me apasiona”. Tras Rubayo, llegarían muchos más divulgadores culturales, hasta encontrar la red de expertos en todo tipo de disciplinas (historia, arte, literatura, ciencia, videojuegos) que todos conocemos.

Por ella, las redes sociales ejercen hoy el papel que antes estaba reservado a las pocas eminencias que aparecían en los medios de comunicación tradicionales. Además, todo el conocimiento se transmite de formas nunca antes vistas: desde cirujanos transmitiendo operaciones en directo a cuentas y perfiles anónimos de poetas del siglo XVI que, cada día, comparten algunos de sus versos. “Casi nunca eres consciente de que al otro lado hay alguien que en el fondo te va a escuchar, pero luego llega un like, o una persona se toma el tiempo de escribirte y, joder, si eso no te llena la patata, estás muerto por dentro”, destaca Rubayo.

Los primeros en hacer divulgación

“La divulgación ha existido desde que existen los medios para hacerla”, razona Miguel Ángel Cajigal, también historiador del arte y divulgador conocido como El Barroquista. “Pensemos en presentadores de programas como Jacques Cousteau (submarinista que presentaba en los años 60 un programa sobre el mundo acuático en Estados Unidos) en Mary Beard (famosa historiadora de la BBC), o por poner ejemplos españoles, Nieves Concostrina (divulgadora conocida por sus programas en Cadena SER) o Juan Eslava Galán (autor de ensayos divulgativos). El perfil existía, pero era muy restringido, y las plataformas digitales han permitido un mayor volumen de profesionales que podemos contar directamente lo que hacemos”.

Sobre el origen de este cambio de paradigma, Violeta Izquierdo Expósito, catedrática de Periodismo y Comunicación Global de la Universidad Complutense, señala como punto de inflexión la segunda mitad de la década de los 2000, cuando las redes dejan de ser “meros espacios de socialización personal” para convertirse en algo más. “Los primeros fueron periodistas culturales, artistas, gestores culturales, historiadores del arte jóvenes o incluso usuarios autodidactas con gran capital cultural”, explica. Todos ellos querían compartir sus conocimientos con un público más amplio a través de nuevos formatos. Eso sí, tardaron todavía un tiempo en darse cuenta de que aquello a lo que dedicaban tantas horas podía ser, también, una profesión.

La descripción de la académica se ajusta exactamente al caso de Néstor F. Marqués, otro de los pioneros de la divulgación en redes en España con su canal de Antigua Roma al Día. Él, Rubayo y Cajigal se conocieron en persona (o se “desvirtualizaron”, como se suele decir en redes sociales) hace tiempo, e incluso participaron juntos en el programa de divulgación en televisión El condensador de Fluzo, claro ejemplo de cómo los medios tradicionales ya han entendido la relevancia de este tipo de figuras. Para entonces, el historiador ya llevada un largo camino recorrido en la divulgación, que comenzó cuando todavía no había terminado la carrera de Historia, hace casi 15 años. “No hay día en que no recuerde el momento en el que cambió mi vida por abrirme una cuenta de Twitter”, confiesa. “Ese chaval que empezó no sabía nada, pero tenía mucha pasión y muchas ganas de seguir aprendiendo”.

Hoy, Marqués acumula más de medio millón de seguidores entre todas sus redes sociales, una influencia que ha impulsado además su divulgación más allá del mundo digital, con ocho libros publicados sobre la antigua Roma, recreaciones en 3D de esa misma época, conferencias, producciones audiovisuales y hasta una agencia de viajes, Vía Épica, donde organiza viajes históricos con los que sumergirse en primera persona en diferentes épocas. Ahora bien, él mismo advierte que “quien piense que el número de seguidores determina la calidad de un contenido no entiende cómo son las redes sociales” y que, más allá de los logros conseguidos, la labor de los divulgadores nunca termina.

Rapidez, algoritmos y bulos

Con la aparición de estos y otros divulgadores, se produce un cambio decisivo en la cultura: por un lado, se creó un nuevo acceso al conocimiento más allá del status quo tradicional de editoriales, medios de comunicación o universidades. Por otro, entre todos crearon un lenguaje completamente nuevo, adaptado a las lógicas digitales de la brevedad, lo visual o el funcionamiento de los algoritmos. “El divulgador deja de ser solo un experto que explica para convertirse en un mediador cultural híbrido, que combina conocimiento, relato personal y habilidades comunicativas en un entorno de atención inestable”, analiza Violeta Izquierdo.

Tanto para Néstor F. Marqués como para Sara Rubayo, las redes sociales incluyen otro reto fundamental en su labor como divulgadores: la desinformación. “Llevo muchos años combatiendo bulos”, dice el primero. “Por ejemplo, hay uno que se dice mucho que es el de que los romanos solo bebían agua de acueductos, cuando durante siglos ni siquiera la ciudad de Roma tenía un solo acueducto. Para mí, lo más importante de la divulgación es la investigación que hay detrás, todo ese trabajo que no se ve pero que está ahí para que el contenido sea lo más fiel posible a la verdad”.

Por su parte, Rubayo advierte que la desinformación no es solo una cuestión de datos, y que muchas veces “se confunde el criterio personal con lo que es una fuente fehaciente”. “Eso se mezcla con que la gente a veces tiene una opinión un tanto extrema o poco fundada, lo que hace que algunos perfiles enganchen mucho precisamente por decir sandeces que la gente se traga dobladas”.

El problema, muchas veces, es que el algoritmo potencia especialmente esas “sandeces”. “A día de hoy, después de diez años trabajando en redes sociales, sé perfectamente qué se va a viralizar y qué no”, afirma la divulgadora. “Si quieres que algo llegue muy lejos, solo tienes que mear fuera del tiesto y hacer una afirmación tremendamente polémica, como que Picasso no sabía pintar o que la Gioconda es un cuadro de mierda. Habrá gente que, aunque solo sea por el clickbait o por la curiosidad, por opinar igual o justo lo contrario, entrará al trapo”.

Comenzar a divulgar

“Yo no me considero influencer. Solo soy una tía maja que hace vídeos”, dice Carmen Burné. El caso de esta joven de 23 años es opuesto al de todos los nombres que hemos mencionado hasta ahora: hace solo medio año que comenzó a subir vídeos sobre libros, cine y videojuegos. Sin embargo, en ese tiempo, el cómputo de sus seguidores ya supera los 50.000 entre todas sus redes sociales. “No creo que esté teniendo el suficiente impacto como para considerarme nada”, reconoce, “pero sí que tengo una comunidad en la que hay gente que se compra lo que yo recomiendo, o que por mis vídeos se va interesando por temas en los que no habían pensado antes”.

A punto de graduarse en Periodismo y Comunicación Audiovisual, Burné decidió comenzar a crear contenido cuando se dio cuenta de las puertas profesionales que podía abrirle esta faceta. No se trata de un perfil especializado por la vía académica, sino que parte de sus propios gustos y de las investigaciones que realiza aprovechando su formación periodística. Además, para ella es muy importante la edición de todos vídeos y posts que comparte. “Empecé haciendo los vídeos tal y como yo los consumiría, y poco a poco he ido encontrando mi estilo, aunque todo esté en una constante transformación”.

De este modo, si tanto Sara Rubayo como Néstor F. Marqués tuvieron que descubrir las posibilidades que las redes sociales ofrecían, en el caso de Carmen, se trata de algo adquirido de manera orgánica. Su generación ya ha crecido ya rodeada de muchos de los espacios digitales con los que ahora trabaja. Sobre este salto generacional, Violeta Izquierdo lleva años trabajando la divulgación cultural con sus alumnos en Artenea, un proyecto de innovación docente que fundó para crear una intersección entre el arte, el periodismo y el aprendizaje. “El alumnado maneja con gran soltura los lenguajes audiovisuales y digitales”, admite la profesora, “pero tienden inicialmente a reproducir fórmulas estéticas propias de las redes sin cuestionarlas”.

Sobre la posible falta de rigor o el intrusismo que puede haber en redes, Carmen es consciente de que, actualmente, “hay muchísimos divulgadores que no tienen ni idea de lo que están hablando”. Sin embargo, para ella “eso es más responsabilidad del público que de ellos”. “Las redes sociales son un terreno libre en el que puedes hablar de lo que quieras, siempre y cuando respetes equis normas”, defiende. “Con que un divulgador hable bien, compruebe bien sus fuentes y haga bien lo que está haciendo, no se tiene por qué hablar de intrusismo. Al fin y al cabo, las redes no son como ir a un programa de televisión o cualquier otro medio, donde sí te pagan por lo que dices y sí tienes una responsabilidad”.

La precariedad escondida detrás de los ‘likes’

Según un estudio de la plataforma especializada Influencer Marketing Hub, el dinero que puede ganar alguien en redes sociales con una sola publicación publicitaria puede ir desde los diez dólares hasta alcanzar las cuatro cifras, según la red social y el número de seguidores. “Cristiano Ronaldo puede ganar más de 1,6 millones de dólares por una sola publicación en Instagram”, añaden en otro de sus artículos. Sin embargo, la realidad de los divulgadores culturales es otra. Violeta Izquierdo destaca la “precarización” del trabajo cultural digital. “Muchos divulgadores trabajan en un entorno inestable, sin reconocimiento institucional claro y expuestos a dinámicas de sobreexposición y desgaste emocional”.

Esta fue una de las principales causas por las que Sara Rubayo decidió abandonar su canal de YouTube, desde donde había hecho la mayor parte de su labor divulgativa en redes. “Siempre he dicho que estuve cinco años de becaria de mí misma, echándole horas y horas como una tonta a la manivela”. Cada uno de sus vídeos de 20 minutos implicaba “unas cuarenta horas no remuneradas”, cantidad muchas veces inasumible si a ello se le añade el trabajo por el que sí le pagaban y su vida personal y familiar. “La investigación, el guion, grabar, las luces… Eres todo el equipo de producción, así que lo hacía todo sola, y creo que el pago máximo que he tenido de Youtube en un mes han sido 180 euros”.

En su caso, además, la publicidad tampoco era una fuente de ingresos a tener en cuenta. “Se puede vivir de la publicidad, pero yo he hecho muy pocas campañas porque tienen que ir acordes a mis valores y a los temas que trato”. Así, la promoción de productos que no tengan que ver con su contenido habitual puede ser incluso “contraproducente”, y hacer que muchos seguidores la dejen de seguir. Lo mismo le ocurre a Néstor F. Marqués, que asegura ganar “un total de 0 euros” con su trabajo en redes, salvo con YouTube, donde recibe lo justo para pagar a un editor. “No estamos en el mundo del lifestyle (sector donde sí se publicitan muchos productos, sobre todo de moda y cosméticos) o de esos influencers que pueden hablar de ellos mismos”.

A pesar de todo, este creador de contenido sí que ha recibido, “indirectamente”, beneficios económicos por su divulgación. “No son las redes sociales las que traen el sueldo, sino que son las que me han permitido llegar a un punto en el que puedo ganarme la vida con lo que hago”. Así, sus cuentas le han permitido, de algún modo, publicitarse a sí mismo, hasta el punto de servir de altavoz para todas aquellas actividades y proyectos (libros, cursos, viajes y otros tantos formatos) que sí le han reportado ingresos. Solo unos pocos divulgadores, con muchos más seguidores que los cientos de miles que él mismo tiene, pueden vivir realmente de las redes.

Los números… ¿importan?

“El número de seguidores sí que importa”, afirma convencida Carmen Burné. “Hablo de preparar tu contenido y de la visibilidad que puede tener. Eres mucho más libre cuantos más seguidores tienes, porque es muy difícil que se te viralice un vídeo curioso o muy de nicho si no tienes seguidores. A la mínima que empieza a seguirte gente, ya puedes hablar de eso”. Para ella, esta es una de las claves por las que muchas personas acaban por dejarlo: hay que “alimentar al algoritmo” para compatibilizar crecimiento y libertad creativa, algo que requiere constancia y, también, tiempo del que no siempre disponemos.

Néstor F. Marqués, en cambio, lo ve de una forma completamente opuesta: “Siempre he tenido la sensación de que el número no lo es todo. Haría el mismo contenido tanto si me leyeran diez personas como si me leyeran cien mil”. De hecho, su sensación es que las redes sociales han ido cambiando su forma de funcionar y hoy ya no premian el hecho de contar con cientos de miles de seguidores. “X, por ejemplo, tiene ahora unos algoritmos que están rotos o se rompen a propósito: la capacidad de llegar a la gente es mucho más limitada que hace unos años. Son cosas que hacen reflexionar sobre el papel de cada red social y sobre cómo utilizarlas”.

Para Sara Rubayo, las redes sociales también han cambiado mucho… y a peor. “Tenemos un serio problema como humanidad con este tema, porque todo ha ido en detrimento de la atención. Te tiras tres horas haciendo scroll y no te acuerdas de absolutamente nada de lo que has visto. Yo no quiero contribuir a eso”. Por eso, la divulgación implica establecer una relación ética entre el contenido y el formato, puesto que, como advierte Violeta Izquierdo, “la autoridad ya no se construye desde el saber”, sino de “quien lo pone en escena”.

Los divulgadores son hoy una realidad que ha transformado para siempre las redes sociales, razón por la que esta académica señala la importancia de “reflexionar sobre su responsabilidad cultural y pedagógica”. “El problema es que, al otro lado de la pantalla, no siempre hay gente con criterio”, ríe Rubayo. “Por eso, seas experto o no, tienes que tener un mínimo de decencia con el contenido que creas. Tiene que haber alguien al mando en esta relación, y en nuestro caso, es siempre la persona que emite el mensaje”.

Con apenas 15 años, se convirtió en una estrella de la balada pop. Con la coraza que tuvo que ponerse hace 28 años se reconcilia ahora en Quince, su nuevo álbum de estudio, que vio la luz el pasado viernes 15 de mayo. “La seguridad que yo proyectaba no era para nada real. Yo nunca he sido una persona segura, sino insegura, tímida, vulnerable. Malú mostraba todo lo contrario. Hice muy bien el personaje. Era muy creíble”, afirma ahora durante su entrevista con Infobae.

Mientras habla, sentada ante una cámara en las oficinas de Sony Music España, se ve de fondo la portada de su nuevo disco, un primer plano de la cantante con una máscara de yeso recubriéndole la mitad del rostro. La imagen resume bastante bien el relato que atraviesa todo el LP, donde se reconcilia con la niña que era cuando empezó su carrera.

El disco es un mapa de su adolescencia a la actualidad. “Si me hice más fuerte es por saber quererme incluso estando rota”, canta en la pista número seis, Rota, mientras que unas canciones más tarde reconoce sentirse permanentemente observada: “Todos me miran, pero nadie me ve, mil máscaras llevo sin saber por qué”, entona en Quiero volver. Pero el tema que mejor define el LP es Primer amor, donde directamente conversa con la niña que dejó atrás cuando empezó su carrera: “Jugando a hacerme grande dejé de saltar, se pasaron los años, no te vi pasar”. “A mi primer amor, que siempre he sido yo”, finaliza en el corte. También hay canciones de ruptura, desgaste, refugio o culpa, pero todas terminan desembocando en el mismo sitio: ella misma. “No me he priorizado nunca, nunca me había parado a escucharme y a mirarme a mí, a lo que yo necesitaba”, reconoce ahora.

Para entender el porqué de este álbum, hay que remontarse a 2021 y al lanzamiento de Mil batallas. La cantante se deshizo en honestidad al reconocer que convivía con dos Malús: una más vergonzosa y vulnerable, y la que hacía frente a la profesión, mucho más dura. Ese proceso comenzó dos años antes, cuando en 2019 se vio obligada a parar por primera vez desde 1998 tras romperse los ligamentos del tobillo derecho mientras ensayaba para la gira de Óxigeno, que tenía casi todo vendido.

“Quince al final es como la despedida de ese personaje. Es quitarse la última capa. Es mirarte de cara a ella con sus cicatrices, con su dolor, pero ya inerte. Ya no está“, afirma ahora. “Hay un momento en el que te pesa mucho ese personaje. Ya no puedes seguir alimentándolo”, afirma. Desprenderse de él es quitarse un “peso gigante de encima”. “Es como pasarte toda tu vida tirando de algo y, cuando sueltas, es cuando más feliz y más libre eres”.

En mitad de aquella pausa también se hizo pública su relación con Albert Rivera, entonces líder de Ciudadanos, padre de su hija, y con quien rompió en 2023. La cantante relató hace cinco años que toda la primera fase de su noviazgo de cara al público fue “muy machista”. “Ya no lo vivo, realmente”, ríe. “Al final, hay que saber relativizar, hay que saber dónde estás. Creo que a lo largo de mi carrera he vivido cosas muy duras y feas, y también como mujer he escuchado cosas muy feas y muy duras. Pero a día de hoy me siento en paz, ya me afectan pocas cosas a nivel emocional”. Ahora está centrada en su hija Lucía, que en junio cumplirá seis años. “Hay una prioridad en la vida que no eres solamente tú”, explica sobre su maternidad.

Hija del compositor y productor Pepe de Lucía, y sobrina de Paco de Lucía, genio de la guitarra flamenca, la cantante publicó su primer disco después de que el productor Jesús Yanes le presentara la joven a la discográfica Pep’s Récords. A las semanas, Alejandro Sanz estaba escribiendo para ella el título que dio nombre a su álbum debut, Aprendiz. En un mes pasó de ser disco de oro a triple platino para acabar superando las 400.000 copias vendidas. Había nacido una estrella. “Se esperaba mucho de mí, por eso la necesidad de crear ese personaje, de disociar para protegerme. Creo que incluso ellos mismos no se dieron cuenta de que era una niña. Ha sido cuando tenían a sus hijos que decían: ‘Coño, no me imagino a mi hijo con 15 años haciendo lo que tú hacías’”, apunta.

Lo que menos le preocupaba era que la vieran como un producto. “Cuando pasa todo aquello, de repente cambian muchas cosas: se vende un millón de copias nada más salir el disco y todo deja de ser un juego. Ya no es: ‘Vamos a probar suerte’, sino algo serio, formal, donde no se te permite ni un resbalón. A mí no se me ha permitido ni un resbalón en la vida“, apunta.

Ser mujer en una industria masculina

¿Si hubiera sido un hombre, le hubiesen tratado de otra forma? “Entiendo que hubieran pasado cosas completamente diferentes, claro que sí. Pero bueno, creo que lo que más me enorgullece de esto es estar aquí siendo mujer, y haber conseguido y hecho las cosas maravillosas que hemos hecho. Creo que me hace sentir muy bien”, se sincera. Las cosas han cambiado mucho en casi 30 años: “Veo a un montón de compañeras liderando listas de música, cosa que antes era impensable. Todavía creo que nos queda mucho por hacer y no solamente en la música, sino en todas partes, pero bueno, algo va pasando”.

Si algo le han criticado a Malú es la intensidad de sus letras, una sensibilidad que históricamente también se ha cuestionado en las mujeres. “Quizá lo podemos expresar mejor por aquello que nos enseñaron en otros siglos, donde la mujer era más débil y podía mostrar su vulnerabilidad y el hombre ya podría estar resquebrajado por dentro, que no iba a mostrar jamás su dolor o su vulnerabilidad”, asevera. “Somos mucho más complejas. Nuestro funcionamiento es diferente, tenemos emociones y sentimientos que nos los han dado a nosotras. Y creo que debemos disfrutar de ellos.

Para componer el disco, formado por 11 canciones, la cantante ha querido rodearse de artistas y compositores que, más que escribir para ella, han traducido emocionalmente lo que estaba viviendo. Pablo Alborán firma El intento, una canción sobre relaciones incapaces de sostenerse; Vanesa Martín está detrás de Donde te viví, probablemente una de las letras más nostálgicas del disco, mientras que Beret compone Rota, el tema más explícitamente centrado en la reconstrucción personal. “Han sabido plasmar mis historias, mi dolor, mi alegría”, dice del LP, que también firman Luis Fonsi, Yoly Saa o Barei. Ella misma reconoce que ha sido un disco “liberador”. “Hay un complejo ahora con que todo tiene que sonar moderno, actual, entrar en listas. No pienso en cómo suena, pienso en lo que me ha apetecido hacer y en cómo he querido hacerlo”. “He conseguido tenerme a mí misma, saber quién soy, quererme, respetarme, y es lo que quería reflejar en este trabajo”.

Ahora, después de casi tres décadas de carrera, Malú asegura encontrarse en “la etapa más consciente y bonita” de su vida. “Estoy en una etapa de paz, de sosiego, de disfrutar de cada cosa que hago”. Por primera vez desde que aquella adolescente de 15 años se convirtió en estrella, parece que María Lucía y Malú por fin han dejado de pelearse.

Las recomendaciones de Quentin Tarantino en materia de cine siempre van a llamar la atención. Al fin y al cabo, y pese a que lleva varios años sin dirigir ninguna película, se trata de uno de los cineastas más aplaudidos de nuestra época, con clásicos como Pulp Fiction, Malditos bastardos o Érase una vez... en Hollywood, donde ha demostrado que, además de ser un gran director, es también un gran cinéfilo.

Esto mismo también quedó demostrado no hace mucho, cuando Tarantino compartió su selección de las mejores películas del siglo XXI para el podcast The Bret Easton Ellis. En ese listado, Tarantino no solo destacó títulos de acción como Black Hawk Derribado o clásicos de animación como Toy Story 3, sino que sorprendió con otros títulos menos conocidos como la japonesa Battle Royale o la israelí Big Bad Wolves.

Curiosamente, uno de los títulos que más sorprende en el top es una película de Steven Spielberg que resultó ser un fracaso en taquilla, pero que Tarantino ha incluido en la lista de mejores títulos del siglo. Se trata de West Side Story (2021), el ambicioso remake de todo un clásico de la historia del cine, del que Tarantino pone como ejemplo que “Steven sigue teniendo lo que se necesita”. “No creo que Scorsese haya hecho una película tan emocionante (en este siglo). Revitalizó a Spielberg. No podía creer que me gustara el protagonista (Ansel Elgort), porque no me había convencido en ningún otro papel”, compartía el director.

El desafío de Spielberg con West Side Story

Lo cierto es que la nueva versión de West Side Story sorprendió a todos menos al propio Steven Spielberg, que tenía el proyecto en su mente desde hacía años por una promesa personal largamente postergada. “Tenía 10 años cuando escuché por primera vez el álbum de West Side Story, y nunca se ha ido. He logrado cumplir ese sueño y mantener la promesa que me hice: ‘Tienes que hacer West Side Story’”, reconocía el realizador en entrevistas posteriores.

El director asumió el reto con un presupuesto de 100 millones de dólares (la original costó 6), convirtiendo el proyecto en uno de los musicales más costosos de Hollywood. Pese a la arriesgada inversión, el filme no logró colmar las expectativas de taquilla en 2021, un año particularmente difícil para el género musical. Con todo, parte de la crítica y de los espectadores coincidieron en que la película que Spielberg les había entregado era una versión que, además de mantener viva la esencia del clásico, rozaba también la excelencia en todo lo demás.

Spielberg dotó a la película de una energía renovada y una modernidad palpable, sin renunciar al respeto por el material original. Desde el primer plano, el estilo de dirección imprime dinamismo y frescura a las escenas musicales, logrando que la adaptación se sienta tan actual como fiel a sus raíces. El guion de Tony Kushner, por otro lado, introdujo pequeños cambios que fortalecen la voz de los personajes femeninos y refuerzan la autenticidad étnica del reparto, acercando la historia a nuevas generaciones.

Un homenaje y una actualización social

El propio Spielberg ha explicado las razones emocionales y sociológicas detrás de este proyecto. “He querido rendir homenaje a la obra original y a mi infancia, pero también ofrecer una mirada al conflicto social de hoy”, señalaba el cineasta al presentar la producción. El guion y la puesta en escena reflejan una sociedad más fragmentada y consciente de sus tensiones raciales, con una atención especial a la gentrificación del barrio neoyorquino donde transcurre la acción.

La dimensión política y sociológica de la película se actualiza con otros detalles como el mural gigante de la bandera de Puerto Rico y el uso del español en los diálogos, que Spielberg decidió no subtitular como reconocimiento a la comunidad latina. “Por una cuestión de respeto y por reconocer un contexto en el que se hablan los dos idiomas”, justificaba el director, deseando que “durante la proyección se escuche la risa de grupos que entienden ciertas cosas en español”.

Detalles distintivos y legado del reparto

Otro de los aspectos más valorados de la adaptación es la autenticidad del reparto. El elenco incluye actores latinos que interpretan sus diálogos en su lengua materna, lo que aporta realismo y profundidad a los personajes. La interpretación de Rachel Zegler como María ha sido especialmente aplaudida e impulsó la carrera de una actriz que hace poco vimos en Blancanieves.

Sin embargo, no todo son rostros nuevos en la película. El remake de Spielberg incorpora a Rita Moreno, icono de la versión original al dar vida a Anita (mejor amiga de la protagonista), en el papel de la vieja Valentina, un nexo generacional que simboliza el mestizaje y la fortaleza femenina. Moreno, que en el estreno de la nueva West Side Story contaba con 90 años, se convertía en este caso aquí en confidente de Tony (el protagonista masculino) y una de las piezas clave en el mensaje de la historia: un llamado urgente a la tolerancia, la empatía y el amor en un mundo en el que muchas veces se empuja al odio ciego, el cual acaba por destruir muchas vidas inocentes.

A pesar de que el remake de Steven Spielberg no consiguió atraer al público necesario para conseguir compensar la inversión que habían hecho en su película, la película obtuvo siete nominaciones a los premios Oscar, de las que solo obtuvo finalmente un premio, el de Mejor actriz de reparto para Ariana DeBose. Además, este título se ha convertido en una opción habitual para los suscriptores de Disney Plus, plataforma en la que se encuentra disponible. Por su parte, la original se puede ver tanto en Filmin como en MGM+.

Si hablamos de Michael Keaton, lo hacemos de una de las grandes estrellas de Hollywood entre finales de los 80 y principios de los 90 gracias a éxitos como Beetlejuice y, sobre todo, Batman y Batman Returns. Su interpretación del famoso hombre murciélago ayudó a redefinir el cine de superhéroes y lo convirtió en un actor enormemente popular y reconocible en todo el mundo.

Sin embargo, después de abandonar la saga de Batman, su presencia en grandes producciones fue disminuyendo. Aunque siguió trabajando de forma constante, durante muchos años dejó de ocupar el centro de Hollywood y pasó a participar en películas con menos impacto comercial o mediático. Para buena parte del público joven, Keaton dejó de ser una figura protagonista y quedó asociado sobre todo a sus éxitos del pasado.

Puede que, por todo eso, muchos consideren que el papel de este actor en Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) sea uno de los trabajos de su vida. En la película interpreta a un actor venido a menos que intenta recuperar prestigio después de haber sido famoso por interpretar a un superhéroe icónico, un paralelismo clarísimo con su propia vida. Más allá de eso, es indiscutible que la interpretación de Keaton en la película del mexicano Alejandro González Iñárritu es, como poco, memorable, y que fue uno de los pilares que llevó a que muchos la consideren una de las mejores películas del siglo XXI.

El renacer ‘superheroico’ de Keaton

El elemento más característico de Birdman es que está rodada como si todo fuera una única toma continua. Un plano secuencia en la que seguimos de cerca a ese Keaton en la piel de otro Keaton mientras nos acompaña una banda sonora de jazz acorde al caos mental que vive el personaje. “Es una proeza cinematográfica magistral”. Aplaudían desde la revista Empire, donde la incluyeron en la lista de los 100 mejores títulos de este siglo. “Abarca ensoñaciones vertiginosas, momentos de pánico que dan vueltas mientras Riggan lucha por dominar su nuevo papel”.

La revista estadounidense destaca por encima de todo “la interpretación desbordante de Keaton, que complementa a la perfección las imágenes desenfrenadas”. No hay duda de que la carrera del actor se vio impulsada gracias a la película de Iñárritu, ya que pasaría de tener solo papeles secundarios o aparecer en producciones más pequeñas a contar con papeles en proyectos mucho más ambiciosos, como Spotlight (2015), El fundador (2016), Spider-Man: Homecoming (2017), donde volvería a introducirse en el mundo de los superhéroes, Dumbo (2019), Dopesick: Historia de una adicción (2021), Flash (2023) o Bitelchús Bitelchús (2024).

Paradójicamente, Keaton no se llevaría el Oscar por su papel en Birdman (disponible en el catálogo de Netflix hasta el próximo 28 de mayo). Ese año, la estatuilla sería para Eddie Redmayne y su interpretación de Stephen Hawking en La teoría del todo. Sin embargo, la película de Iñárritu no se iría con las manos vacías. Al contrario, se llevaría cuatro premios Oscar: Mejor película, Mejor director, Mejor guion original y Mejor fotografía. Eso sí, el director mexicano volvería a triunfar al año siguiente con El renacido, película que, además de llevarse otros dos Oscar para la dirección y la fotografía, supondría el primer reconocimiento de la Academia a Leonardo DiCaprio como Mejor actor principal.

Si a Epicuro se le conoce como “el filósofo de la felicidad” es porque dedicó su vida a entender cómo alcanzar la plenitud. A diferencia de otros pensadores que buscaban verdades abstractas, él se centró en la ética práctica y el bienestar del alma. Así, para este filósofo griego, la felicidad no era un lujo, sino un estado de calma llamado ataraxia, que se logra eliminando miedos innecesarios y moderando los deseos que nos atormentan constantemente.

Nacido en la isla de Samos en el 341 a. C., Epicuro fundó su propia escuela de filosofía en Atenas, conocida popularmente como El Jardín. Este espacio era revolucionario para su época, pues permitía la entrada a mujeres y esclavos, fomentando la amistad como el mayor de los bienes. A pesar de las críticas que lo acusaban de promover una búsqueda desenfrenada del placer, él llevaba una vida austera, alimentándose de pan y agua, demostrando que la verdadera riqueza reside en la sencillez.

Este modo de vida queda reflejado en una de sus sentencias más recordadas: “No eches a perder lo que tienes deseando lo que no tienes; recuerda que lo que ahora tienes alguna vez fue algo que solo anhelabas”. Con estas palabras, el filósofo nos hablaba de la gratitud consciente y advertía: la ambición desmedida nos impide disfrutar del presente, convierte nuestras conquistas actuales en sombras invisibles y nos ahoga con nuevas y agotadoras pretensiones.

El mensaje de Epicuro sobre nuestros deseos

El pensamiento epicúreo clasifica los deseos para ayudarnos a encontrar la paz mental. Según el autor, debemos distinguir entre los deseos naturales y necesarios, como el alimento, y aquellos que son vanos. Al respecto, afirmaba: “Nada es suficiente para quien lo suficiente es poco”. Esta idea coincide con su idea de la importancia de sentirnos agradecidos, ya que la insatisfacción crónica no nace de la falta de bienes, sino de una disposición interna que nunca se siente completa ni satisfecha.

La ansiedad por el futuro es, para Epicuro, el mayor enemigo del bienestar. Si siempre estamos mirando hacia el siguiente objetivo, invalidamos el esfuerzo que hicimos para conseguir lo que ya poseemos. Él sostenía que “el sabio, aunque no tenga nada, posee todo lo necesario”, pues la verdadera autonomía, o autarquía, consiste en no depender de lo externo. La clave está en revalorizar nuestra realidad actual para no caer en el vacío del consumo emocional.

A día de hoy, las ideas de Epicuro siguen especialmente vigentes. Acumulamos deseos que olvidamos rápidamente en cuanto surgen otros nuevos, ya que, aunque consigamos lo que siempre habíamos querido, enseguida estamos sufriendo por lo que no tenemos. Epicuro nos recordaría que “el placer más grande es la ausencia de dolor” y que la paz llega al romper ese ciclo de consumo. Valorar lo que ya está en nuestras manos detiene la angustia de la comparación constante y nuestra sed de novedades.

Una filosofía de la satisfacción

Siglos después de que Epicuro falleciera, el filósofo estoico Séneca recuperó sus ideas sobre la importancia de valorar lo presente frente a la ambición. En sus Epístolas morales a Lucilio, el cordobés escribió: “Pobre no es el que tiene poco, sino el que desea más”. Al igual que su predecesor, Séneca argumentaba que la riqueza es una cuestión de perspectiva mental. Ambos filósofos, aunque de escuelas distintas, entendieron que la carrera por el “más” es un camino directo hacia la infelicidad crónica.

La filosofía moderna también indagaría sobre la satisfacción, entendiéndola como una parte clave de los deseos humanos. En este sentido, el filósofo alemán Arthur Schopenhauer subrayaría que “rara vez pensamos en lo que tenemos, pero siempre en lo que nos falta”. La filosofía nos recuerda, desde Grecia hasta el siglo XIX, que el deseo es un pozo sin fondo.

Precisamente por eso la máxima de Epicuro sigue siendo un bálsamo necesario para nuestra sociedad moderna, tan enfocada en la novedad constante. Aprender a mirar lo que poseemos con los mismos ojos de ilusión con los que un día lo imaginamos es el secreto de la serenidad, y la felicidad no consiste en alcanzar metas infinitas. Al contrario, el filósofo nos recomienda habitar con gratitud el espacio que hemos construido con nuestro propio esfuerzo a lo largo del tiempo.

Berlín y la dama del armiño es la continuación directa de la primera temporada de Berlín, que llegó a Netflix dispuesta a recoger el éxito sembrado por La casa de papel y se encontró con un público de lo más entregado. Pero con la renovación por una segunda temporada cabía preguntarse si realmente Berlín y su banda podrían emprender su propio camino lejos del recuerdo de El Profesor, Tokio, Rio y compañía. Y bien, la respuesta que sí, aunque no del todo. Hasta Sevilla está dividida en dos por el fútbol, así que una serie no iba a ser menos.

Berlín y la dama del armiño arranca con Berlín (Pedro Alonso) y Damián (Trstán Ulloa) aun disfrutando del éxito de su anterior golpe, pero con la sensación de que un nuevo gran robo espera a la vuelta de la esquina. Este se presenta en forma de cuadro: La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, que está a punto de ser llevado a Sevilla para una gran exposición y se convierte en el objeto de deseo de Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez), un importante empresario y filántropo local que le encarga a Berlín el robo para incorporar la pintura renacentista a su exclusiva colección. Una colección que despierta el interés de nuestro querido ladrón, lo cual lo lleva a inventar un plan maestro: el robo del robo. Mientras preparan el robo del cuadro, también urden un complot para hacerse con la colección al completo de su propio benefactor. Pero nada será tan sencillo como parece, especialmente por las fricciones que surgen dentro de la banda.

El amor nos separará como banda

Porque como los fans ya se podrán imaginar, la gran dificultad para Berlín no está en preparar el robo, ni mucho menos. La verdadera dificultad está en hacerlo con una banda fragmentada poco a poco. Todos vuelven, sí, pero no de la misma manera, ya que la felicidad de los recién casados Keila (Michelle Jenner) y Bruce (Joel Sánchez) comienza a disiparse con la primera amenaza de infidelidad, mientras que la pareja formada por Cameron (Begoña Vargas) y Roi (Julio Peña) está directamente rota. La serie se aprovecha de los primeros para sacar el tema de las relaciones abiertas, mientras que desaprovecha el talento de la otra y tira, literalmente por la borda, la química que habían fabricado en la primera temporada.

Del otro lado, Berlín y la dama del armiño compensa esto con un reparto invitado cargado de grandes estrellas, desde el propio José Luis García-Pérez al más puro estilo villano de James Bond a una ambigua Marta Nieto cual femme fatale o Luis Callejo como temible secuaz de estos. No obstante, la que brilla con luz propia es Inma Cuesta en el papel de Candela, interés amoroso de Berlín en esta temporada y la única capaz de sostenerle la mirada y el pulso a un Pedro Alonso que siempre que está inunda la pantalla con su presencia y sus quizá algo recargados soliloquios. La presencia de la valenciana de nacimiento y andaluza de formación ayuda a traer un poco a la tierra ese aire grandilocuente que siempre rodea al personaje y hacerlo algo más humano en esta aventura, si es que eso es posible.

Berlín: ¿un adiós o solo un hasta pronto?

Con tanto lío amoroso es normal que la serie pierda algo de fuelle en sus episodios centrales, después de un interesante inicio -la parte más thriller con esa infiltración en el cortijo del malo- y antes de un final al puro estilo Ocean’s, pero no merece la pena seguir insistiendo en algo que ya sucedía en La casa de papel como es el culebrón de personajes. El juego de flashbacks ayuda a ir encajando piezas aunque lastre el ritmo de una serie que tampoco parece tener demasiada prisa en contarlo todo, quizá por esa parsimonia tan característica de la ciudad que retrata con tanto mimo.

Es una carta de amor a Sevilla pero también al propio Berlín, en el que bien podría ser su broche final después de un largo camino que arrancó sin muchas esperanzas en La casa de papel y que lo ha terminado convirtiendo en uno de los símbolos de Netflix España y casi de toda la marca en el mundo. Sea este o no su final, tal y como todo apunta, el camino del personaje ha dejado más de un robo para el recuerdo, y sin duda una hilera de corazones rotos.

Traducida a más de 20 idiomas, la novela narra el encuentro de dos internos que comparten celda en una penitenciaría de Buenos Aires durante la dictadura argentina de los años 70.

En un mismo movimiento, el texto articula un registro innovador con una exploración relevante de las normas sociales y políticas. El relato presenta la convivencia de Luis Alberto Molina, un homosexual de 36 años condenado por corrupción de menores, y Valentín Arregui, preso político de 26 años perteneciente a un grupo marxista.

Durante 22 días, ambos comparten no solo el aislamiento físico, sino una búsqueda de libertad interior y afectiva a través de la narración diaria de películas por parte de Molina, en una dinámica que deviene en un espacio de resistencia simbólica donde florece la intimidad y se desdibujan las jerarquías sociales impuestas.

La formación de los protagonistas está marcada por sus historias personales y por el contraste de sus valores: Valentín Arregui, comprometido con la causa revolucionaria y la lucha colectiva, y Luis Alberto Molina, para quien los afectos y la identidad de género propia prevalecen sobre cualquier lealtad social o política.

La novela se apoya casi exclusivamente en diálogos directos, una técnica inusual que refuerza el pulso dramático y permite la incorporación de narrativas cinematográficas al relato central. Cada noche, a las ocho, Molina revive historias de películas a su compañero y, a través de esas narraciones, surgen temas centrales como la represión política, la sexualidad, la desigualdad de género y la naturaleza de la libertad.

Impacto de ‘El beso de la mujer araña’ en 1976

La publicación de la obra fue especialmente polémica en su contexto inicial en Argentina, donde la censura era constante. Situar como protagonista a un personaje homosexual que asume abiertamente su sensibilidad y su identidad femenina, junto a un revolucionario marxista, hizo de la novela un objetivo de las autoridades de la época.

El manuscrito, publicado por la editorial Seix Barral en Barcelona tras ser rechazado por Gallimard, editorial francesa de referencia literaria, incluyó nueve notas a pie de página que reelaboraban discursos reales de la psicología sobre el origen de la homosexualidad, con la intención de confrontar prejuicios y educar al lector general. Manuel Puig explicó en diversas entrevistas: “Ese material científico pensaba filtrarlo en el texto de ficción, pero vi que era imposible. Así que introduje todo ese material tal como nos había sido escamoteado”.

La estructura dialogada de la novela favorece la exposición de las personalidades contrapuestas y diluye la frontera entre realidad y ficción a través del recurso a películas narradas. Este mecanismo actúa como catalizador del desarrollo emocional: Molina se centra en historias de emociones o amores imposibles, mientras Valentín busca el trasfondo político en cada relato. Con el paso de los días, las posiciones se solapan: Valentín se ve interpelado por el recuerdo de un antiguo amor y Molina, que comenzó narrando historias para granjearse afecto, termina implicado emocionalmente en la causa de Valentín.

El desenlace trágico subraya la simbiosis de los protagonistas: Molina muere durante un encargo para la organización de Valentín y este fallece víctima de la represión, pero transformado por el lazo afectivo construido con su compañero de celda.

El cine, la identidad y la resistencia

El cine, en la novela, funciona tanto como vía de escapismo como escenario de construcción de identidad. En el encierro de la penitenciaría, las películas relatadas por Molina ofrecen a los protagonistas un espacio seguro para exponer deseos, discutir creencias e invertir los roles tradicionales de víctima y opresor.

Molina se identifica con la figura de la heroína, mientras Valentín, firme en su ideología en un comienzo, se transforma a partir del trato cotidiano: “Sí, fuera de la celda están nuestros opresores, pero adentro no. Aquí nadie oprime a nadie”, expresa Valentín.

La fusión afectiva y material (acentuada en el episodio del contacto sexual y el beso final) es abordada directamente: Valentín supera los complejos heredados de la sociedad heterosexual y Molina se acerca a las convicciones de Valentín desde el plano emocional. Puig introduce un elemento experimental mediante la ausencia de un narrador definido, lo que genera confusión deliberada e imprime al texto un carácter de dualidad y cruce de subjetividades.

En el plano formal, la novela está diseñada para ser leída tanto por su cuestionamiento de las normas dominantes como por el modo en que interpela al lector.

Cada película narrada (seis en total, desde La mujer pantera hasta Yo anduve con un zombi) abre una ventana a los deseos y frustraciones de los protagonistas, permitiendo al autor explorar temas como el deseo, la marginalidad y el derecho a la diferencia.

En 1985, el director brasileño Héctor Babenco realizaría una adaptación de la novela de Puig que se ha convertido en un clásico, protagonizada por William Hurt (que se llevó el premio de interpretación en Cannes y el Oscar), Raúl Juliá y Sonia Braga, que supuso su gran lanzamiento internacional.

Ahora, Bill Condon se encarga de ‘revisitar’ este clásico a través de la obra musical escrita por Terrence McNally, con Jennifer López, Diego Luna (que acaba de presentar en Cannes su adaptación de la novela de Brenda Navarro, Ceniza en la boca), Tonatiuh Elizarraraz y Bruno Bichir.

Eurovisión vive este fin de semana una de sus citas más esperadas en Viena, la ciudad que acoge la edición de 2026 del certamen, con la gran final prevista para el 16 de mayo en el Wiener Stadthalle. La capital austríaca recibe así el festival por tercera vez en su historia, después de haber sido sede en 1967 y 2015, en una edición marcada además por la ausencia de España, que ha decidido no participar este año.

En ese contexto, vuelve a ganar sentido la recomendación de Eurovisión: La historia de Fire Saga, la comedia musical de Netflix protagonizada por Will Ferrell y Rachel McAdams, quien este mismo año ha estrenado Enviad ayuda (Send Help). La cinta se ha convertido en una especie de película de culto para los seguidores del festival por su tono autoparódico, sus guiños al concurso y, sobre todo, por la presencia de figuras reales del certamen en cameos muy celebrados.

Entre esos nombres destacan dos ganadoras tan reconocibles como Loreen y Conchita Wurst, cuya aparición refuerza el atractivo del filme para el público eurofán. También pasan por la película otros artistas ligados a la historia del festival, como Alexander Rybak, Jamala o Netta, en una especie de desfile de iconos de distintas épocas de Eurovisión.

Para compensar la ausencia de España

Eurovisión no solo es una final televisiva: es una cita cultural que moviliza audiencias, debates y una enorme comunidad de seguidores. La edición de 2026 se celebra en Viena tras la victoria del austriaco JJ con Wasted Love, lo que devolvió el certamen a Austria un año después del triunfo de 2025. La final de este sábado se disputará tras dos semifinales celebradas los días 12 y 14 de mayo. La elección de Viena no es casual: además de su peso simbólico en la historia musical europea, la ciudad ya está asociada a grandes eventos internacionales. En esta ocasión, el festival llega en un momento de máxima expectación, con el debate sobre el certamen más vivo que nunca.

La gran novedad de esta edición es que España no participa. RTVE decidió retirarse del concurso después de que la Unión Europea de Radiodifusión mantuviera la presencia de Israel en Eurovisión 2026, una decisión que desencadenó también la salida de otros países como Países Bajos, Irlanda, Islandia y Eslovenia. Se trata de una ausencia histórica: es la primera vez que España no concurre al festival desde su debut en 1961. La decisión ha tenido consecuencias más allá de lo simbólico, ya que RTVE tampoco emitirá la final ni las semifinales de esta edición.

Con Viena como escenario, España fuera del cartel y la final a punto de celebrarse, la película de Netflix vuelve a parecer una elección perfecta para entrar en ambiente eurovisivo. Su mezcla de sátira, nostalgia y apariciones reales la ha convertido en una propuesta ideal para quienes buscan algo ligero, reconocible y muy pegado al espíritu del concurso. En una semana dominada por la música, el espectáculo y la polémica, Eurovisión: La historia de Fire Saga funciona casi como una antesala informal del gran show europeo.

El título en cuestión es Rooster, una serie que, según cifras proporcionadas por Warner Bros. Discovery, ya ha dejado atrás a grandes nombres del catálogo de HBO como Enlightened, Girls, Veep, Silicon Valley e Insecure en términos de audiencia promedio durante los primeros noventa días. Solo Hung y Sexo en Nueva York habían logrado números superiores en la historia reciente del canal, lo que resalta el alcance de este nuevo estreno. Cabe destacar que Rooster se estrenó el 8 de marzo y finalizó su primera temporada el 10 de mayo, por lo que aún dispone de dos semanas adicionales para incrementar su promedio de espectadores en la ventana de medición oficial.

La cifra de 6,5 millones de espectadores en promedio posiciona a Rooster en un selecto grupo de comedias que han logrado captar la atención masiva del público en HBO. Hasta la fecha, solo dos títulos —Hung (2009) y Sexo en Nueva York (1998)— han registrado promedios de audiencia superiores en sus primeras temporadas. Ninguna de las comedias estrenadas en los últimos quince años había conseguido superar esta marca, lo que convierte a la serie en un hito para la plataforma. Este logro adquiere mayor relevancia si se considera el contexto actual de la industria televisiva, donde la competencia entre plataformas es intensa y los hábitos de consumo han cambiado notablemente. El hecho de que una comedia consiga cifras tan elevadas en su debut evidencia el interés renovado del público por las historias originales y el sello distintivo de HBO en la producción de contenido de calidad.

Sinopsis y protagonistas

Rooster se desarrolla en el entorno de un campus universitario y tiene como protagonista a Steve Carell, quien interpreta a un autor con una relación compleja con su hija, encarnada por Charly Clive. La trama explora los vínculos familiares y las tensiones generacionales a través de situaciones cargadas de humor y matices emocionales, elementos que han sido clave para conectar con una audiencia amplia y diversa. El reparto se completa con figuras reconocidas y nuevos talentos, aportando dinamismo y frescura al relato. La interpretación de Carell ha sido especialmente valorada por la crítica, tanto por su versatilidad cómica como por su capacidad para abordar registros más dramáticos cuando la historia lo requiere.

La serie cuenta con la producción ejecutiva de Bill Lawrence y Matt Tarses, quienes también se desempeñan como showrunners. El equipo de producción incluye a Jeff Ingold y Liza Katzer por parte de Doozer, junto a Tarses, Jonathan Krisel, Barbie Adler, Annie Mebane, David Stassen, Anthony King y el propio Carell. Warner Bros. Television es el estudio responsable, respaldando el proyecto a través de acuerdos globales con Doozer y Tarses. La combinación de un elenco sólido, una trama atractiva y la experiencia del equipo creativo ha sido determinante para el éxito de Rooster. La serie ha sabido capitalizar el prestigio de la marca HBO y responder a las expectativas de un público que busca propuestas frescas, inteligentes y con potencial de continuidad.

El desempeño de Rooster en términos de audiencia ha superado las previsiones iniciales y ha generado expectativas sobre su futuro en pantalla. Con dos semanas restantes para cerrar el ciclo de medición de su temporada debut, la serie podría incrementar aún más su récord y consolidarse como un referente de la comedia contemporánea en televisión. La recepción positiva por parte del público y la crítica anticipa posibles renovaciones y un lugar destacado dentro del catálogo de HBO, reafirmando la capacidad de la cadena para producir series que marcan tendencia y capturan la atención de millones.

“Fue la película más difícil que he hecho de lejos. Ni siquiera se le acerca otra”, reiteró el actor. El rodaje implicó largas jornadas en condiciones físicas adversas, especialmente durante las secuencias acuáticas y de acción, que requirieron un esfuerzo sostenido y un alto grado de compromiso por parte del elenco. El actor no ocultó la admiración que siente por el enfoque de Nolan, aunque reconoció que el nivel de exigencia fue superior al de cualquier otro proyecto en el que haya participado. Las escenas en alta mar y el uso de tecnología IMAX incrementaron la complejidad de la filmación, obligando a Damon a adaptarse continuamente a nuevos desafíos físicos y técnicos durante toda la producción.

Christopher Nolan, conocido por su rigor técnico y su apuesta por innovaciones visuales, explicó que el objetivo de La Odisea era crear una experiencia cinematográfica de gran escala. “Al abordar La Odisea, todo se convierte en una cuestión de escala. Necesitábamos que fuera la película más grande que habíamos hecho. Tenía que ser un desafío para todos nosotros, porque esa es la naturaleza de la historia”, afirmó Nolan durante la entrevista. El director insistió en que el tamaño y la complejidad del proyecto estaban alineados con la esencia del relato original. Para Nolan, el mito de Odiseo exigía una puesta en escena monumental, y por eso se optó por rodar íntegramente en formato Imax, una decisión que implicó retos logísticos y creativos tanto para el equipo técnico como para los actores.

El océano es oscuro y alberga horrores

Las secuencias marítimas representaron uno de los principales obstáculos para Damon y el resto del elenco. Las escenas de tormenta, en particular, requirieron que los actores permanecieran durante horas en condiciones de frío y humedad, sometidos a movimientos violentos y coordinados para simular el caos de una travesía peligrosa. Según se mostró en el avance, Damon tuvo que liderar a su tripulación en medio de un mar agitado, poniendo a prueba tanto su resistencia física como su capacidad interpretativa.

El propio Nolan reconoció que someter a los actores a estas dificultades era parte esencial del proceso creativo. El objetivo era transmitir al público la sensación de peligro y aventura que define la epopeya original. Damon, por su parte, valoró la experiencia como una prueba de superación profesional y personal. El rodaje de La Odisea se llevó a cabo utilizando solo cámaras Imax, convirtiéndose en el primer largometraje de la historia filmado íntegramente con esta tecnología. Nolan demostró ante las cámaras de 60 Minutes cómo el proceso implicaba cortar y ensamblar manualmente los fotogramas en el último laboratorio de cine de su tipo en el mundo.

El director justificó la decisión de mantener técnicas tradicionales pese a la popularidad del cine digital, señalando que el formato de 70 mm ofrece una calidad de imagen hasta tres veces superior a la digital. Este compromiso con la excelencia visual supuso mayores costos y una logística más compleja, factores que, sumados al enfoque artesanal, influyeron directamente en la experiencia del elenco y el equipo. La entrevista completa con Christopher Nolan y Matt Damon será emitida el domingo a las 19:00 horas por CBS y estará disponible en la plataforma Paramount+. El anticipo de las declaraciones de Damon generó un notable interés en la industria, posicionando a La Odisea como uno de los estrenos cinematográficos más esperados de la temporada.

El director italiano Paolo Sorrentino prepara un documental que explorará la vida y carrera de Carlo Ancelotti, una de las figuras más influyentes del fútbol internacional. El proyecto, aún sin título, abordará cinco décadas de trayectoria del técnico, desde sus inicios como jugador hasta su rol actual como seleccionador de Brasil para el Mundial de 2026.La noticia fue confirmada tras semanas de especulaciones en medios deportivos italianos. Según se informó, la película ofrecerá una mirada íntima a la evolución profesional y personal de Ancelotti, combinando material de archivo y nuevas grabaciones en diversos países.

El documental se centra en Carlo Ancelotti, quien se prepara para dirigir a la selección de Brasil en la próxima Copa Mundial. El film recorrerá episodios clave de su carrera, mostrando tanto sus éxitos como los desafíos afrontados dentro y fuera del campo de juego. Durante las últimas semanas, diversos blogs y portales de deportes en Italia difundieron rumores sobre el proyecto. Finalmente, las productoras involucradas y el propio Ancelotti confirmaron la realización del documental, que promete un enfoque cercano y humano a la figura del entrenador. La obra incluirá imágenes históricas de los primeros años de Ancelotti y material rodado recientemente en Italia, España, Brasil y en Estados Unidos durante el Mundial. El recorrido culminará con su experiencia al frente del combinado brasileño, un hecho considerado por muchos como uno de los desafíos más relevantes de su carrera.

Carlo Ancelotti nació en una familia agrícola en la región de Reggio Emilia. Su trayectoria profesional comenzó como mediocampista en el club Parma. Posteriormente, jugó para Roma y AC Milan, donde consolidó su fama como jugador. En la década de 1990, Ancelotti inició su carrera como entrenador. Desde entonces, ha dirigido once clubes de primer nivel, entre ellos Chelsea, Paris Saint-Germain, Bayern Múnich y Real Madrid. A lo largo de su carrera ha sumado 26 trofeos y cinco Ligas de Campeones de la UEFA, cifras que lo ubican entre los técnicos más laureados de la historia del fútbol.

De futbolista a leyenda en los banquillos

El documental mostrará cómo Ancelotti ha sabido adaptarse a distintas culturas futbolísticas y liderar equipos en contextos muy diversos, manteniendo siempre un perfil discreto y profesional. Durante la última final de la Champions League 2023/24, Ancelotti celebró una nueva victoria con Real Madrid tras derrotar a Borussia Dortmund en Londres. Este triunfo refuerza su imagen como estratega de élite y será uno de los puntos destacados del film.

La dirección estará a cargo de Paolo Sorrentino, ganador del Óscar por La gran belleza. Este será el primer documental en la carrera de Sorrentino, quien se ha destacado por películas como La mano de Dios —nominada al Óscar y de corte semiautobiográfico— donde ya abordó el impacto social y emocional del fútbol en su propia vida. Sorrentino cuenta con una filmografía centrada en personajes complejos y escenarios de gran carga simbólica. Entre sus trabajos recientes figuran la serie The Young Pope y La grazia, estrenada en el Festival de Venecia. El proyecto con Ancelotti representa una oportunidad para el cineasta de unir dos pasiones: el cine y el fútbol. El documental buscará captar la esencia humana del entrenador, mostrando tanto su faceta pública como momentos poco conocidos de su vida.

La producción está a cargo de Francesco Melzi d’Eril, responsable de filmes como Suspiria y Call Me by Your Name para MDE Films. También participan Tart Productions, MeMo Films y Fremantle, junto a The Apartment. La venta internacional está en manos de FilmNation. En palabras de Ancelotti: “Es un honor contar mi historia junto a Paolo Sorrentino. Siempre he admirado sus obras y su dedicación al arte de narrar”. El entrenador expresó su expectativa ante la oportunidad de mostrar aspectos desconocidos de su carrera y su visión del fútbol. Se espera que el documental tenga una amplia cobertura internacional y acompañe el trayecto de Ancelotti con Brasil en el Mundial de 2026. La fecha de estreno y los detalles de distribución global serán anunciados próximamente.

En Un hijo, película dirigida por Nacho La Casa (Sevillanas de Brooklyn) y basada en la novela de Alejandro Palomas, una psicóloga ejerce de detonante en la vida de un padre y un hijo, quienes también son nuevos en la escuela y están pasando por un episodio de lo más difícil ante la ausencia de una madre. Macarena García da vida a esa psicóloga, María, que tal y como asegura bien podría haber sido su vida de haber seguido otro de sus intereses más allá de la interpretación. “Yo estudié psicología -solo primero- y me hubiera gustado especializarme en infancia, es un tema que me interesa mucho”, reconoce la actriz a Infobae, quien para prepararse el personaje estuvo en contacto con varios profesionales. “Trabajé con dos orientadoras, una me llevó al colegio y me enseñó la sala, me explicó las dinámicas... Me dijeron que el guion estaba muy bien escrito, porque consulté escenas con ellas y me decían que era muy realista”, asegura la actriz.

Del otro lado está Hugo Silva, encargado de dar vida a un padre apático y un tanto arisco que parece incapaz de comunicarse con su hijo. Silva, que sí es padre en la vida real, ya tenía experiencia previa en ese mundo: “He tenido bastante contacto, aunque mis hijos ya son grandes. Ha sido básico, una ayuda muy importante. Creo que invertir en recursos en esas figuras es sembrar algo muy bueno para el futuro”, explica el actor, quien reivindica la figura del orientador en los centros. “Falta todavía camino por recorrer para darle el valor que tiene”, secunda Macarena.

Todos tenemos nuestra Mary Poppins

Aunque Macarena y Hugo se conocen de sobra, pues ambos coincidieron en El ministerio del tiempo, en esta película la clave no está en la química, sino en la ausencia de ella, para hacer verosímil la fricción entre un padre reticente a recibir ayuda y una psicóloga desesperada por ayudar. “El hecho de conocernos de antes ayuda. Entramos en personaje, levantamos una secuencia que está escrita y trabajada. Luego, cuando acaba, nos reímos y hacemos vida normal. Aunque una escena sea fría, hay que poder trabajar juntos, escucharnos y pasar por las cosas”, comentan ambos, así como mencionan la indispensable intervención del pequeño protagonista, Guille, interpretado por Ian Cortegoso : “Fue muy fácil. Ian tiene mucho instinto y es un chico encantador, muy curioso. Los niños entran muy fácil en el juego de actuar, y mi personaje me lo ponía fácil porque podía mezclar mi relación de actriz y personaje”, revelaba con una gran sonrisa Macarena García.

En Un hijo, lo único que tiene ese niño es a Mary Poppins, una figura tan cargada de ilusión como presuntamente mal vista como referencia para un varón que tendría que idolatrar a futbolistas. Preguntados por su Mary Poppins particular durante su infancia, ambos lo tienen claro: ”Mi Mary Poppins fue mi abuela, se inventaba historias para nosotros y nos las contaba muy en serio. Tenía mucho morro, pero seguramente soy actor por ella“, confiesa Hugo Silva entre risas. “Mi madre fue un poco Mary Poppins y también la hermana de mi madre y mis primas. Eran un lugar de alegría, magia y seguridad”, añade Macarena.

Por último, ambos discuten si son conscientes de la responsabilidad social detrás de estas películas. “Me alegra cuando una película apela a la conciencia, pero no siempre tiene que ser así. Me gusta cuando resuena con mis valores”, admite Macarena, mientras que Hugo Silva no lo tiene tan claro. “Nunca pienso en eso. Es bonito cuando la gente cuenta que una serie o película le ayudó, pero no hago las cosas pensando en despertar conciencia. Lo hago porque me emociona el guion”. A pesar de ello, ambos reconocen el papel que muchas veces pueden jugar sin imaginárselo en las vidas de los demás. “A mí me pasa mucho con Los hombres de Paco, que todavía hay gente que me dice: ‘Tuve un mal momento en mi vida y, de repente, os veía y me partía de risa’ o ‘Perdí a un familiar y me ayudasteis mogollón’. Y al final era una serie de comedia. Tampoco era una serie que quisiera despertar ninguna conciencia ni nada. Y fíjate. Ayudaba a la gente. Es muy bonito y reconfortante cuando después pasa eso y la gente te lo dice”.

El impacto de William Gibson en la historia reciente de la ciencia ficción quedó consolidado cuando, en 1984, publicó El Neuromante y situó el concepto de “ciberespacio“ en el centro del imaginario colectivo, conectando literatura y surgimiento de la revolución digital.

Su novela, Agency, que ahora edita Minotauro, representa una pieza central dentro de la serie conocida como Trilogía del Jackpot. Publicada originalmente en 2020, Agency es la segunda entrega tras The Peripheral; faltaría una tercera parte para completar la trilogía.

El libro sitúa su trama en una línea temporal alternativa donde Hillary Clinton ganó las elecciones en Estados Unidos y el Reino Unido permaneció en la Unión Europea, saltando entre un presente de 2017, dominado por la inteligencia artificial y grandes corporaciones tecnológicas, y un futuro apocalíptico situado en el siglo XXII.

En Agency, la protagonista Verity Jane, especialista en tecnología en San Francisco, es seleccionada para probar un asistente digital llamado Eunice, una inteligencia artificial avanzada desarrollada por una ‘start up’. Verity descubre pronto que Eunice posee capacidades inesperadas y, mientras ambas evolucionan, son observadas desde el Londres del siglo XXII por Wilf Netherton y su jefa Ainsley Lowbeer, personajes ya introducidos en The Peripheral. Ese futuro, marcado por el cataclismo denominado “el Jackpot”, muestra a los protagonistas intentando comprender el papel que Verity y Eunice podrían desempeñar para evitar el colapso global.

La influencia de Gibson se compara con la de George Orwell y su novela 1984, publicada en 1948, orientando el desarrollo de la corriente ‘distópica’ y el nacimiento del ciberpunk. El propio Gibson nació en 1948, un nexo temporal que relaciona ambas trayectorias literarias de forma simbólica.

Cuando William Gibson acuñó el término “ciberespacio” en El Neuromante hace 40 años, instauró un concepto que transformaría la ficción en predicción social: un universo donde los hackers accedían a redes informáticas por conexión directa al cerebro, las corporaciones tecnológicas superaban a los estados en el ejercicio del poder y las inteligencias artificiales empezaban a frustrar a la misma sociedad humana.

Un autor revolucionario para la ciencia ficción

El término ha pasado a ser utilizado como sinónimo de Internet en el discurso cotidiano. Además, El Neuromante dio inicio a la denominada Trilogía del Sprawl, consolidando el subgénero ciberpunk. En cuanto a su relevancia, El Neuromante fue la primera novela en ganar simultáneamente los tres grandes galardones de la ciencia ficción: el Premio Hugo, el Premio Nebula y el Premio Philip K. Dick.

El éxito de El Neuromante no surgió de un conocimiento profético sobre el futuro tecnológico, sino de la atención de Gibson hacia las señales de su propio presente. En distintas ocasiones, Gibson ha explicado que el germen de sus ideas se encontraba en una observación aparentemente banal: la concentración de un niño jugando a un videojuego arcade.

Este episodio, recogido por Francesco Guglieri en el epílogo de la antología Ciberpunk, ilustraba la fusión del individuo con la máquina, desconectándose del entorno inmediato mientras las imágenes y sonidos lo sumergían en un ámbito alternativo.

El ciberpunk ha experimentado un renacimiento en la última década a través de expresiones culturales como las series Black Mirror y Westworld, películas como Blade Runner 2049 y obras literarias como las de Neal Stephenson, creador del término “metaverso” en Snow Crash.

El recorrido vital de William Gibson hasta consolidarse como novelista fue particular. Nació en Carolina del Sur y, tras la muerte de su padre a los seis años, Gibson migró con su madre a Virginia. La sensación de exilio repentino marcó su aproximación a la ciencia ficción. También perdió a su madre durante la adolescencia y dejó la escuela, migrando a Canadá para evitar el reclutamiento militar en la guerra de Vietnam.

Su vida se relacionó entonces con intereses artísticos, como la pintura y el cine, y círculos ligados a la cultura hippie en Toronto. El nacimiento de su hijo y la tarea cotidiana de cuidarle lo llevaron a escribir relatos de ciencia ficción durante los ratos en que el bebé dormía, según relató el propio Gibson al diario británico The Guardian.

Sus primeros relatos fueron adquiridos por editoriales y, en 1982, publicó la primera antología de cuentos ciberpunk bajo el título The Night We Burned Chrome, donde apareció por primera vez el término “ciberespacio”. Poco después, consolidó el género con la mencionada Trilogía del Sprawl. El estilo literario de Gibson, inspirado en el noir estadounidense de autores como Raymond Chandler, sumaba la presencia de alta tecnología, drogas psicodélicas y escenarios urbanos degradados.

La última etapa de la producción de William Gibson ha estado marcada por la exploración de escenarios contemporáneos y por un análisis sobre la inteligencia artificial y la manipulación geopolítica.

Crítica de la novela ‘Agency’

La crítica del diario británico The Guardian destaca que Gibson no pretende predecir el futuro, sino analizar el presente. En el universo de Agency, la manipulación de la política y la economía se realiza a distancia y de manera opaca, a través de una élite llamada “the klept”: una oligarquía que, gracias al control cuántico y la acumulación de riqueza, interviene en realidades alternativas como si fueran juegos virtuales. El desarrollo narrativo conserva la densidad de detalles sensoriales, marcas comerciales y paisajes urbanos.

En Agency, la capacidad de tomar decisiones (la “agencia” que da título a la novela) constituye el eje temático. Los personajes como Verity Jane o Wilf Netherton se encuentran atrapados en redes de intereses personales, algoritmos y operadores ocultos, hasta el punto de no distinguir quién dirige los acontecimientos.

El libro mantiene los elementos característicos del ciberpunk y los traslada a una sociedad donde los datos, el poder de los monopolios tecnológicos y la precariedad del trabajo digital plantean dudas sobre la verdadera autonomía individual.

Con esta novela se reafirma la vigencia del cyberpunk como lente para examinar las relaciones entre poder, tecnología y destino humano. De su trabajo se ha adaptado al cine Johnny Mnemonic (1995), protagonizad por Keanu Reeves, New Rose Hotel (1998), por parte de Abel Ferrara y la serie de Prime Video, Peripheal. En la actualidad, se está desarrollando su obra magna, Neuromancer, que contaría con Callum Turner como protagonista y sería una serie para Apple TV.

No siempre ha sido fácil hablar del Opus Dei, advierte Marina Pereda. Esta joven, nacida en 1989 en Miranda de Ebro (Burgos), creció en el seno de una familia metida en esta organización de la que ella misma pasaría a formar parte. Saldría de allí al cumplir 25 años, escarmentada de lo que entendió como una serie de estrategias de manipulación psicológica y abuso emocional que, según ella, empleaba este grupo con todos sus miembros... y en especial con las mujeres.

De esas experiencias nacería El minuto heroico, una serie documental donde varias exmiembras del Opus Dei cuentan lo que vivieron. “A raíz de eso se logró una mayor empatía y una visibilidad que, hasta ahora, muchos exintegrantes no tenían”, explica Pereda, que ahora ha decidido ir un paso más allá con La Obra (Aguilar), un libro en el que narra sus propias vivencias dentro de una organización que cuenta con varias decenas de miles de miembros en España y que gestiona cientos de millones de euros cada año solo con sus instituciones educativas, entre ellas varias universidades.

“Al día siguiente de una entrevista en televisión, me mandaron un correo desde la oficina de escucha (encargada de atender, escuchar y reparar a personas que se han alejado de la prelatura o que han tenido experiencias negativas) del Opus Dei”, cuenta la autora. “Me decían que se notaba que tenía muchas heridas dentro y que airearlas en el espacio público no iba a calmarlas”. Sin embargo, pese a su espíritu crítico, La Obra no es una historia que transmita dolor. Al contrario, se trata de una historia llena de humor, de momentos más luminosos por parte de alguien que ha decidido abordar su pasado. “Les dije que, si eran una oficina de escucha, que se leyeran el libro antes de juzgar”.

Algunas de las prácticas que vivió

La Obra es el primer libro escrito por un miembro de segunda generación del Opus Dei. Esta organización llegó a España en 1928, y desde entonces muchas han sido las familias con uno o varios miembros que han pasado a estar relacionadas con esta organización que, pese a ser casi centenaria, sigue siendo un gran misterio para muchas personas ajenas a ella. Se conoce su estructura de numerarios, agregados y supernumerarios, el alto compromiso personal y espiritual que espera de sus miembros, o algunas de sus prácticas, como la oración diaria, la confesión regular o la dirección espiritual personal.

“Después del documental, sentía que había una parte más emocional y más intangible a la que no puede llegar un periodista, pero que sí era posible en la literatura”, explica Pereda. “Así que quise construir una historia que tiene mucho de autobiográfico, pero en la que acabo construyendo también un personaje de una niña que es un alter ego: una joven a la que le gusta el teatro y alrededor de la cual se van construyendo esas ideas de santidad, vocación y celibato. Quería hablar de todas esas etiquetas que te van imponiendo y del proceso de ir liberándote de ellas, para que alguien que no conociera nada del Opus Dei pudiera sentirse identificado”.

La descripción de la comunidad de la que se rodeó desde pequeña muestra, así, la anatomía de una organización que funciona como un círculo cerrado: un ecosistema en el que la vida personal, escolar y profesional se cruzan constantemente bajo la vigilancia de la organización. El grado de control es tal que va desde la regulación del comportamiento o el control de la sexualidad hasta prácticas tan ‘nimias’ como tener prohibido tumbarse en el sofá o cumplir con ese “minuto heroico”: la obligación de levantarse inmediatamente cuando suena el despertador sin “negociar” con la pereza. En todos estos casos, La Obra refleja un dominio máximo del Opus Dei sobre sus individuos.

El riesgo de llamar “secta” al Opus Dei

Al hablar de todos estos elementos, le preguntamos a Marina Pereda si el Opus Dei es una secta. “Yo no empezaría con esa palabra”, responde. “La palabra secta está muy estigmatizada, hay mucho desconocimiento de la sociedad sobre lo que es una secta y a veces utilizar este término puede ser contraproducente, porque no genera empatía, sino cierta superioridad de quienes la usan”. Aun así, la autora, que también trabaja como voluntaria en la asociación AFISE (Asociación de Apoyo a Afectados e Información sobre Sectas), no niega que la organización tiene “prácticas que pueden ser denunciables como sectarias”, y que requieren de una respuesta por parte de la Iglesia.

“Al ser una organización que pertenece a la Iglesia católica, el Vaticano debe responder sobre lo que sucede en esta institución”, sentencia Pereda. “Vivimos en un país donde existe un derecho canónico y la Iglesia tiene sus propios códigos legales y sus propios tribunales. Tenemos que ver cómo funciona todo eso, y por eso tampoco deberíamos utilizar la palabra secta: porque eso nos hace pensar que el Opus Dei es algo como los testigos de Jehová. En cierta manera, sus prácticas pueden serlo, pero a nivel social e institucional es algo mucho más complejo, con muchos miembros, con colegios en España, con universidades de prestigio. Llamarlo secta no muestra esa complejidad”.

Entre esos elementos que sí podrían encajar en esa categoría, también se incluye el modo de entrar y salir de la organización. En La Obra se describe cómo funciona, por ejemplo, la llamada Lista de San José, donde se anotan nombres de potenciales futuros miembros para intentar captarlos a través de la amistad y la “buena imagen”. “Recuerdo las consignas que tantas veces escuché en la organización”, puede leerse en el libro. “’Hacer apostolado’, ‘hacer del limón, limonada’, ‘ahogar el mal en abundancia de bien’”. Más allá de lo espiritual, todas estas máximas también tenían un claro fin promocional.

El cariño, parte de la manipulación

La manipulación no siempre llegaba desde la prohibición, la presión o el control estricto, tal y como narra en su libro Marina Pereda. “El cariño es una de las maneras más complejas de manipulación. Se genera una tela de araña extraña a la que es difícil ponerle nombre, y en la que cuesta diferenciar el cariño del abuso”. Para la autora, es importante señalar que, sea o no real ese vínculo, siempre hay una asimetría de información y de poder. “Los padres tendrían que tomar conciencia de que si llevan a sus hijos a un centro educativo del Opus Dei están exponiéndoles a una situación de riesgo”.

“Cuando yo era una niña, las supernumerarias eran las que me decían que yo tenía vocación, que siguiera adelante”, continúa. “Puede haber una relación donde un adulto le tiene cariño a un niño y crea que tiene que meter a ese niño en la institución. Pero la realidad es que un adulto no es amigo del niño, es responsable de él. Respecto al proceso de salida, ocurre lo mismo: si tú no estás dejando que alguien tenga recursos como un psicólogo o un médico independiente, o ni siquiera a la información sobre cuándo y cómo salir de la institución, hay un desequilibrio, aunque hablemos de cariño”.

En ese desequilibrio está el abuso, y también el origen de que muchos exmiembros, como cuenta Pereda, sigan sufriendo durante años porque aquellos a los que decidió dejar, en realidad, les “querían mucho”. “Y puede que sí”, añade la autora. “Pero puede que luego esas relaciones se puedan reconstruir si la otra persona también sale de la organización y quiere estar en contacto. Puede que haya un vínculo real”.

Diferencias de clase en la organización

En su acercamiento al Opus Dei, La Obra también desmonta algunos de los prejuicios más extendidos sobre esta organización. Uno de ellos es que en esta solo participa gente a la que no le falta dinero, algo buscado por la propia organización que tiene como objetivo “evangelizar al mundo empezando por las élites”. “Lo que pasa es que, al final, necesitas recursos de todo tipo”, argumenta Marina Pereda. “Al Opus, reclutar a gente de clase baja le da recursos humanos. A día de hoy no se hace de manera tan evidente, pero antes se iba a los pueblos a buscar chicas que sirvieran como numerarias auxiliares para limpiar centros de la organización”.

Visibilizando esas realidades, la autora busca desmontar todos los mitos que puedan impedir la empatía de quienes ven desde fuera el funcionamiento de esta institución. “Hay familias que vienen de clase obrera y lo que buscan es dar un futuro mejor a sus hijos. Yo misma, si no hubiera tenido acceso al Opus Dei, nunca hubiera estudiado en la Universidad de Navarra. Te da acceso a un mundo que no estaría a tu alcance por tu clase social. Ahora, otro tema es el precio que tuve que pagar por ello...”.

Mientras cursaba sus estudios, Pereda recuerda cómo tuvo que tener varios trabajos domésticos sin remunerar, y que cuando por fin obtuvo un sueldo, estuvo obligada a entregarlo por completo a la estructura. Además, en esa misma etapa, también firmó su testamento, dejando todos sus bienes a miembros del Opus Dei. Vivía bajo un control estricto donde sus directoras espirituales podían ser simultáneamente sus profesoras y debía evitar las “amistades particulares”, es decir, evitar vínculos de amistad estrecha con sus compañeros y compañeras para asegurar su entrega total a la organización.

“Al final, he abandonado la práctica religiosa”

Al final de la entrevista, le preguntamos a Marina Pereda por su relación con la fe y la religión. “Cuando salí del Opus Dei, lo hice desde un lugar absolutamente católico. No renegué de la fe, ni mucho menos, y de hecho salí de allí porque lo que estaba viviendo no era católico. Yo creía en un Dios que era amor y misericordia y lo que estaba viviendo no era eso”. Su conflicto fue, pues, con su vocación, con descubrir que no tenía por qué seguir ahí. “Me dije: ‘Si lo que estoy viviendo no me va a hacer feliz y se supone que me va a hacer llegar al cielo, necesito salir de aquí y encontrar cuál es la verdad de mi vida”.

Más adelante, vería cómo muchos sacerdotes no contemplaban la experiencia de alguien que hubiera pasado por una experiencia como la suya. “Al final, he abandonado la práctica religiosa. Para mí es muy difícil entrar en una iglesia y hacer prácticas religiosas porque es algo que se me ha impuesto desde que tenía catorce años. Era lo más sano para mí, psicológicamente hablando. Pero eso no significa que tenga menos fe, ni que el Dios de la organización sea más verdadero. En redes sociales he visto reacciones al libro y al documental donde se ve a gente que habla en nombre de Dios para imponer su verdad a los demás. Para mí eso es algo totalmente alejado de la fe”.

“Tiene que haber una concienciación por parte de la sociedad de hasta qué punto podemos permitir que esta institución, con denuncias y varias controversias en cuanto a sus prácticas, debería tener colegios. ¿Hasta qué punto colegios privados y sobre todo colegios concertados se pueden dejar en manos de una organización así? Ya sea a través de la literatura, del cine, de las asociaciones, del periodismo, tomemos conciencia de lo que implica entrar y salir de ahí“, explica Pereda.

Pocas personas en el mundo son más influyentes en el derecho internacional contemporáneo que Philippe Sands. El abogado y profesor de la University College London lleva décadas como uno de los grandes exponentes en este ámbito gracias a libros como Calle Este-Oeste, Ruta de escape o La última colonia, donde ha abordado temas que van desde el origen y la evolución de las regulaciones intercontinentales hasta el desarrollo de conceptos como los crímenes de guerra, el terrorismo de Estado o la memoria histórica.

Esta, claro, es solo una de sus facetas. Como él mismo dice, gran parte de su tiempo lo pasa en las salas de los juzgados, participando en juicios internacionales como el que él mismo relata en su último libro, Calle Londres 38 (Anagrama). En aquella ocasión, quien se sentó en el banquillo de los tribunales no fue otro que el dictador chileno Augusto Pinochet, retenido en Reino Unido en 1998 tras una orden de arresto internacional emitida por el juez español Baltasar Garzón, para decidir si se le sometía a un proceso de extradición.

Entre esos dos mundos, el literario y el jurídico, Sands ha acabado creando uno propio que combina ambas facetas. Tal y como él mismo afirma en la presentación de Calle Londres 38 en La Casa Encendida de Madrid, ser escritor le ha transformado como jurista, y viceversa. Y cuando le preguntan si considera más importante una o la otra, advierte que ambas son “expresiones que se complementan y apuntan en la misma dirección”. Eso sí, él mismo advierte que, si queremos entender lo que ocurrió “realmente” en un genocidio como el de Ruanda, “puedes leer una o varias de las sentencias del Tribunal Internacional, o puedes leer una sola novela de Gaël Faye, y obtendrás una comprensión que ninguna sentencia puede comunicar”.

Un juicio que casi acaba en divorcio

La sentencia del caso de Pinochet por parte de la Cámara de los Lores se considera una de las más importantes del derecho internacional del último medio siglo, ya que se dictaminó que un exjefe de Estado no tiene inmunidad frente a delitos internacionales como la tortura. Sands formó parte de la acusación, pero lo que no recoge la sentencia (y sí su literatura) es que a punto estuvo de estar al otro lado: “Los abogados ingleses tienen una regla conocida como el principio del taxista, que básicamente significa que cuando alguien te pide para un caso tienes que aceptarlo. Por eso, cuando me pidieron defender a Augusto Pinochet en 1998 ese principio entraba en juego y yo tendría que haberlo hecho".

Sin embargo, se produjo una excepción curiosa cuando llegó a su casa y se lo contó a su esposa. Sands está casado con una mujer que, además de contar con “principios muy firmes”, resulta ser hija de un refugiado de España. “Cuando le dije que pensaba aceptar el caso de Pinochet, me preguntó: ‘¿De qué lado vas a estar?’, y yo le dije que no era lo ideal pero que del de Pinochet por el principio del taxista. Entonces ella dijo: ‘Vale, hazlo si quieres, pero si lo haces, mañana me divorcio de ti’“. Afortunadamente, finalmente pudo eximirse de esa responsabilidad y sigue, ha subrayado, felizmente casado.

Por otro lado, la extradición de Pinochet a España no llegó a materializarse porque el proceso quedó bloqueado por decisiones políticas y diplomáticas entre el Reino Unido y Chile, que finalmente permitieron su retorno a Santiago en lugar de su traslado a Madrid. “¿Hubo un acuerdo entre Chile y el Reino Unido para permitir que Pinochet regresara a Santiago en lugar de venir aquí a Madrid a enfrentarse a la justicia?”, se pregunta Sands. “Esta es otra de las cuestiones que trato de responder en mi libro”. Su objetivo no era “ajustar cuentas”, sino utilizar “el poder de la narración para explicar por qué la rendición de cuentas y la justicia son importantes”.

La paradoja del papel de España en el arresto de Pinochet

Durante su conversación con el periodista Manuel Levín sobre la relación entre la literatura y el derecho, Sands ha reivindicado en varias ocasiones cómo los libros muchas veces han servido para que se conocieran hechos que los gobiernos trataban de enterrar. Señala, por ejemplo, la novela de Roberto Bolaño Nocturno de Chile, que, pese a presentarse como una novela, “resulta que está basada en muchas historias verdaderas”. “Los gobiernos pueden controlar presupuestos, instituciones y publicaciones, pero no pueden controlar lo que ocurre en la mente de las personas ni en la pluma de un escritor”.

El escritor y experto en derecho internacional ha señalado que “los países funcionan igual que las familias: hay secretos, silencios y presiones para no hablar”. “En el caso de España, muchos de vosotros recordaréis que, cuando ibais a la escuela, se os ofrecía una versión muy concreta de lo que ocurrió en la historia reciente”, le ha dicho a todos los presentes. Para él, España es un país que no ha afrontado su propio pasado y admitido todos los hechos: “Hace poco celebrasteis 50 años de libertad, pero ¿ha habido siquiera un solo caso contra alguien que cruzara la línea hacia la criminalidad en relación con el período anterior? No conozco lo suficiente la historia española, pero sospecho que probablemente no”.

En este sentido, para él que fuera un juez español el que emitiera la orden contra Pinochet representa “una de las grandes ironías del caso”. “¿Cuál es la autoridad moral de un país para juzgar los crímenes de otros cuando nunca ha juzgado sus propios crímenes? Este es un tema importante que hay que poner sobre la mesa“. Trató de hacerlo en Calle Londres 38, mostrando cómo, en todo caso, la Justicia nunca es solo el resultado de un juicio, “sino también una construcción narrativa en disputa permanente”, donde las sentencias no son el punto y final: las novelas, el cine, la música y la cultura en general “siembran semillas” sobre la responsabilidad y la memoria, influyendo en cómo una sociedad interpreta su pasado.

“No me gusta la idea de que un Estado controle lo que ocurrió en el pasado”

La cultura también sirve para contar los crímenes de todos aquellos que quedan fuera del alcance del derecho. Sands habla de todas aquellas empresas que, en diferentes regímenes que cometieron crímenes contra la humanidad, colaboraron de manera consciente en ese sistema. “El sector privado ha quedado completamente al margen en relación con los crímenes que los militares perpetraron en este periodo”. Como ejemplo, señala que de los 25 encausados en los juicios de Núremberg, solo 3 eran empresarios, y que todos ellos se libraron de una condena. “Eso influyó mucho en los juicios posteriores”.

Esta es una razón por la que, por más que pasen los años, hay algunas tensiones en la memoria histórica de un país que quedan sin resolver. Otra sería la confluencia de otros políticos que llegan a los gobiernos con ideologías revisionistas, como José Antonio Kast, actual presidente de Chile e hijo de un del partido nazi alemán emigrado, al que ha escuchado hablar de “perdonar” a colaboradores de Pinochet en las torturas y las desapariciones de miles de chilenos, actualmente encarcelados con condenas superiores incluso a los 1.000 años. “No creo que esto prevalezca a largo plazo”, ha afirmado. “Ahora están causando mucho revuelo, pero al final la verdad volverá y saldrá a la luz”.

Puede que, en parte por ello, Sands se haya mostrado escéptico respecto a cualquier intento de los gobiernos por encargarse de la memoria de un país. “No me gusta la idea de que un Estado controle qué ocurrió en el pasado”, ha señalado. Frente a ello, defiende que el recuerdo colectivo se construye de forma plural, conflictiva y continua, a través de tribunales, libros, testimonios y formas culturales diversas. La historia nunca queda definitivamente cerrada: es un espacio de disputa permanente donde distintas voces compiten por dar sentido a lo ocurrido, y donde la literatura y el derecho actúan, no como mecanismos de cierre, sino como instrumentos que mantienen viva esa conversación sobre la verdad, la responsabilidad y la justicia.

Cada vez es más extraño encontrar películas que duren mucho tiempo entre su estreno en cines y su llegada a plataformas, pero la que llega este fin de semana a Netflix es un caso extraño. Han pasado meses de su estreno en salas, y aunque no sabía en qué servicio de streaming podría aparecer, finalmente ha sido Netflix la que se ha hecho con ella para incorporarla a su catálogo desde este mismo 16 de mayo. Hablamos, nada menos, de la secuela de una de las películas de terror más importantes de la última década.

Hablamos de Black Phone 2, continuación directa de uno de los grandes fenómenos del género de los últimos años. Lejos de ser una simple película de relleno lanzada a rebufo del éxito de la primera, esta secuela vuelve a estar escrita y dirigida por Scott Derrickson, autor de otros títulos como Doctor Strange y de la saga Sinister. También repetían en esta segunda entrega sus dos grandes protagonistas, el joven Mason Thames como Finn y el aterrador Ethan Hawke en la piel del asesino enmascarado conocido como El Raptor, pues se dedicaba a secuestrar a los niños del barrio de Denver, Colorado. Hay un tercer personaje que también repite en esta película, y que se convierte en el eje central de este nuevo capítulo: Gwen, la hermana de Finn.

En la película, Gwen y Finn viajan a un campamento para ser monitores y sacar un dinero extra para la familia, después de haber conseguido superar el trauma de los eventos sucedidos en la primera película. Ahora Finn se ha convertido en un joven respetado en el instituto, pero su agresividad se ha incrementado y ha perdido por completo la inocencia que le caracterizaba. Receloso de su espacio y especialmente protector con su hermana, Finn descubrirá que el Raptor puede seguir atormentándole a él y a su familia. Incluso desde el otro lado.

Pesadilla en Alpine Lake

Cuando los hermanos llegan al campamento descubren que este se ha suspendido por condiciones climáticas adversas, pero tampoco tienen forma de volver a casa. Les toca pasar allí los próximos días, sin saber que una gran maldición se cierne sobre el campamento, y que la historia de su familia está trágicamente unida a él. Nada parece ocurrir hasta que cae la noche, cuando todos duermen y regresa la figura de El Captor, esta vez desde las pesadillas de Gwen, el único sitio en el que la joven está indefensa. Al más puro estilo de Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street, Finn tendrá que encontrar la manera de rescatar a su hermana y liberarse de una vez por todas de la amenaza de El Captor, quien ahora busca venganza desde ultratumba.

Con unos grandes efectos especiales y look visual que transita entre el analógico de los setenta y el digital, Black Phone 2 es una digna secuela de la película original, que en su día supuso un gran revuelo en el género y que se ha convertido en uno de los títulos imprescindibles del género. Con su llegada a Netflix, esta secuela tendrá una segunda oportunidad de ser valorada como merece tras un discreto paso por cines y la gran incógnita de si habrá una tercera entrega. Aunque eso sería hacer un gran spoiler de qué sucede con Finn y El Captor.

La retratada suele identificarse como Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza, duque de Milán y mecenas de Leonardo. Ese vínculo explica tanto el refinamiento del retrato como su carga simbólica. No se trata solo de inmortalizar un rostro, sino de construir una imagen de estatus, inteligencia y presencia. Leonardo abandona la frontalidad rígida de muchos retratos de su época y opta por una figura en tres cuartos que parece girar hacia alguien fuera del cuadro. El gesto da vida a la escena y convierte al retrato en una especie de instante suspendido.

Uno de los elementos más llamativos de la obra es, por supuesto, el armiño. Su presencia ha sido interpretada de varias maneras: como símbolo de pureza, como alusión a la nobleza o como guiño al propio Ludovico Sforza, asociado con ese animal por emblemas y juegos heráldicos. El resultado es una imagen que funciona en varios niveles a la vez: como retrato íntimo, como representación cortesana y como mensaje político. Leonardo convierte así un detalle aparentemente decorativo en una clave de lectura del conjunto. La fuerza del cuadro también está en su ejecución técnica. Realizado al óleo sobre tabla de nogal, permite a Leonardo desplegar su maestría en los matices de la luz, en la suavidad del modelado y en la delicadeza de las transiciones entre piel, tela y pelaje. El rostro de Cecilia, la torsión del cuerpo y la atención al movimiento hacen que la pintura no se perciba como una pose inmóvil, sino como una figura viva. Ese dinamismo es una de las razones por las que la obra sigue pareciendo tan moderna.

En la vida real ya pasó por España

La historia material del cuadro también contribuye a su aura legendaria. Tras siglos de vicisitudes, acabó formando parte de las colecciones de la familia Czartoryski y hoy se conserva en el Museo Czartoryski de Cracovia. Pero antes de eso tuvo incluso una aparición excepcional en España: en 2011 fue expuesto en el Palacio Real de Madrid con motivo de la muestra Polonia. Tesoros y colecciones artísticas. Aquel préstamo fue un acontecimiento cultural notable, porque permitió al público español contemplar de cerca una de las piezas más valiosas y frágiles de Leonardo, normalmente inaccesible fuera de su sede habitual. Ese episodio confirma hasta qué punto la obra tiene una condición casi mítica: no solo es famosa, también es extraordinariamente rara de ver en vivo.

La relevancia actual de La dama del armiño no se explica solo por su calidad artística, sino por su capacidad de seguir generando relatos. La serie de Netflix la utiliza como motor narrativo porque encaja a la perfección con una historia de atracos: es una obra universalmente reconocible, de altísimo valor simbólico y material, y con una biografía histórica lo bastante rica como para alimentar la ficción. En ese sentido, la pintura demuestra que los grandes iconos del arte no dejan de producir nuevos significados cuando cambian el contexto y el público. Además, su comparación con otros retratos de Leonardo es inevitable. Como ocurre con la Mona Lisa, aquí también aparece esa mezcla de serenidad y misterio que tanto ha fascinado a generaciones enteras. Pero La dama del armiño tiene algo propio: una energía contenida, una dirección de la mirada y del cuerpo que sugieren que la escena continúa fuera del marco. Esa sensación de vida interrumpida es una de las grandes aportaciones de Leonardo al retrato occidental.

Cinco siglos después de su creación, el cuadro sigue siendo una obra maestra no solo por lo que muestra, sino por todo lo que ha llegado a significar. Es un retrato, un símbolo cortesano, una pieza de museo, un icono mediático y ahora también un elemento de ficción contemporánea. Que haya estado expuesto en Madrid en 2011 y que hoy reaparezca en una serie de Netflix demuestra su vigencia extraordinaria: pocas obras del arte europeo pueden presumir de unir con tanta naturalidad el Renacimiento, la historia cultural y el imaginario popular actual. Es de sobra entendible que Berlín y su banda se quieran hacer con él.

The Batman: Parte II completa su reparto con la confirmación oficial de los actores que participarán en la esperada secuela. El anuncio, realizado por el director y guionista Matt Reeves a través de sus redes sociales, detalla los nombres de quienes darán vida a los principales personajes de Gotham en una nueva entrega que ya inició su rodaje. En la lista de actores que regresan destacan Robert Pattinson, quien volverá a interpretar a Bruce Wayne/Batman, consolidando su papel protagónico tras el éxito de The Batman. Junto a él, Andy Serkis retoma el rol de Alfred Pennyworth, el leal mayordomo y confidente de Wayne. Jeffrey Wright regresa como James Gordon, el comisionado de policía de Gotham, mientras que Colin Farrell vuelve a encarnar a Oswald Cobblepot, conocido como El Pingüino.

Entre las incorporaciones más relevantes, Reeves confirmó la presencia de Sebastian Stan en el papel de Harvey Dent, también conocido como Two-Face. La selección de Stan para este icónico antagonista se hizo pública en redes sociales mediante un GIF y el mensaje del director: “In a Gotham state of mind… Welcome”. Este anuncio disipó las especulaciones previas en torno al actor y su posible vinculación con la saga, estableciéndolo como uno de los ejes centrales del nuevo reparto. Otra de las incorporaciones destacadas es la de Scarlett Johansson, cuya presencia en The Batman: Parte II había sido objeto de rumores en las semanas previas al anuncio. Reeves utilizó un GIF de la actriz mirando por un retrovisor y la frase “Next exit, Gotham… Welcome (Próxima parada, Gotham...Bienvenida)” para hacer oficial su llegada a la producción. Aunque su personaje aún no ha sido detallado públicamente, su confirmación añade un atractivo adicional al elenco.

El reparto se completa con Brian Tyree Henry, Sebastian Koch y Charles Dance, quienes también fueron anunciados mediante GIFs en el perfil del director. Si bien los roles específicos de Henry, Koch y Dance no se han hecho públicos hasta el momento, la participación de estos actores ha generado gran expectativa entre los seguidores de la franquicia, que esperan ver cómo se integran a la narrativa de Gotham en esta nueva entrega. Así, junto a los nombres ya mencionados, conforman el elenco principal de The Batman: Parte II: Robert Pattinson como Bruce Wayne/Batman, Andy Serkis en el papel de Alfred Pennyworth, Jeffrey Wright como James Gordon, Colin Farrell encarnando a Oswald Cobblepot/El Pingüino, Sebastian Stan como Harvey Dent/Dos caras, Scarlett Johansson como Gilda Dent, Brian Tyree Henry, Sebastian Koch y Charles Dance, quien presumiblemente dará vida al padre de Harvey Dent.

Un rodaje que ya está en marcha

El método de comunicación elegido por Reeves para presentar a los nuevos miembros del elenco ha sido notoriamente visual y directo, recurriendo a imágenes animadas y frases breves para conectar con el público de una forma contemporánea. La estrategia, centrada en redes sociales, ha permitido mantener el interés de los fanáticos y generar conversación en torno a cada uno de los anuncios.

La producción de The Batman: Parte II inició recientemente, tal como lo evidencian las imágenes filtradas del Batmóvil atravesando escenarios nevados. Reeves compartió varias de estas instantáneas en sus cuentas oficiales, alimentando la expectativa sobre el tono y la ambientación de la secuela. Según lo indicado el pasado agosto en una carta dirigida a los accionistas de Warner Bros. Discovery, el inicio del rodaje estaba previsto para la primavera, luego de superar varios retrasos en la entrega del guion.

La fecha de estreno de la película se ha fijado para el 1 de octubre de 2027, tras una confirmación oficial de la finalización del libreto por parte de James Gunn en julio del año pasado. Este calendario marca una espera considerable para los seguidores de la saga, que permanecen atentos a cada novedad sobre la evolución del proyecto. La confirmación del reparto, junto a los primeros roles oficiales, define la base sobre la que The Batman: Parte II construirá su historia, abriendo la puerta a nuevas tramas y personajes en la reinterpretación contemporánea del universo de Gotham.

Pradera de San Isidro, Madrid. Podría ser un martes cualquiera en el icónico enclave de Carabanchel, pero el que otrora fuera símbolo del Madird más castizo es ahora escenario de una gran reivindicación. En medio del concierto de VVV Trippin’you, banda madrileña -de Móstoles, para más señas- de post-punk electrónico cercano al bakalao, la música se interrumpe para dejar paso a la doble intervención del Sindicato de Vivienda de Carabanchel, de forma virtual a través de un vídeo en el que se denuncia la situación en el barrio con el inminente desahucio de una vecina y su hijo y de forma física con un gran cartel que es sostenido entre los asistentes con un mensaje claro: "Llenan la Pradera, desahucian Madrid“.

A cientos de kilómetros, en los vastos prados a las afueras de A Coruña, la banda Triángulo de Amor Bizarro ultima sus ensayos para aterrizar precisamente en Madrid, donde actúa en las Vistillas este sábado como parte del programa musical de las Fiestas de San Isidro. En medio de este clima de reivindicaciones e incluso de ataques directos al gobierno de José Luis Martínez -Almeida e Isabel Díaz Ayuso, el grupo formado por Rodrigo Caamaño Caamaño (voces, guitarras), Isa Cea (voces, bajo) y Rafael Mallo (batería) presenta su nuevo disco, Mi Catedral (Sonido Muchacho, 2026), pero no por ello va a perder el ánimo político y reivindicativo que los lleva caracterizando durante más de veinte años, en los que se ha convertido en una formación referente para la nueva generación encabezada por Carolina Durante, Depresión Sonora y compañía.

“No nos escondemos y todo el mundo sabe exactamente lo que somos por lo que decimos en las canciones. Si la idea es blanquear algo, nosotros no vamos a blanquear nada”, cuenta contundente Mallo a Infobae de forma telemática, lo cual no deja de tener su ironía tras hacer un disco que habla precisamente sobre lo digital frente a lo analógico, pero en el que también se menciona a Palestina o incluso al mismísimo Luigi Mangione. “Nuestro discurso está claro en las letras. Este disco tiene mucho compromiso con todo lo que está pasando. El amor y la política son dos cosas iguales y ahí está todo. En este disco intentamos dar esos mensajes, pero integrarlos en un discurso calculado, estructurado y con las ideas claras, con un componente artístico”, responden contundentes.

Un nuevo capítulo tras la reorganización de la banda

A pesar de vivir a kilómetros de distancia, Triángulo de Amor Bizarro no es ajeno a la situación de la vivienda en Madrid. “Nosotros hemos tenido que buscar el sitio donde mejor nos sentíamos, que es Galicia. España tiene una tendencia al centralismo, y eso hace que la gente más joven tienda a estar en esas ciudades, pero siempre encontramos un público muy entregado en los conciertos de Madrid. Sabemos cuál es la problemática actual, sobre todo la vivienda, porque parece que el turismo lo salva todo y al final es lo que está dificultando que la gente pueda alquilar de forma justa”, recalcan, y saben de lo que hablan porque puede ser de los sitios que más hayan visitado desde que empezasen a tocar. “Es un modelo que en algún momento alguien promovió y la gente está siguiendo, pero no es un modelo para quienes viven allí. La vida de barrio se resiente porque lo que te permite vivir bien en un barrio desaparece y se convierte en algo para los que no viven allí. Sobre todo afecta la vivienda. Eso está pasando en todas las ciudades”, señala el batería, hablando de su propia A Coruña.

El concierto en el Jardín de las Vistillas será mucho más especial para Triángulo de Amor Bizarro de lo que parece, pues se trata de su puesta de largo del disco tras un adelanto en la también madrileña Sesión Vermú, y ya como un trío literal tras la salida del grupo del teclista y guitarrista Zippo. “Nos ayudó mucho a adaptarnos a las circunstancias. El aniversario, en el que tuvimos que replantear todos los discos tocando solo tres, fue un avance muy grande. Descubrimos nuevas formas de conectar las canciones y eso nos ayudó mucho para el siguiente disco. Convertimos algo que podía ser un bajón en algo muy bueno para los tres”, explica Isa, aludiendo a la gira que realizaron en 2024 por el 20º aniversario de la banda en la cual elegían la setlist en torno a un divertido juego de cartas del tarot. “Más que fácil, fue natural. Estas canciones tienen muchas cuestiones difíciles de ejecución, pero el hecho de ser tres, de cubrir más con menos elementos, nos llevó a preocuparnos mucho más en las tomas y a evitar el procesado digital. Queríamos llevarlo al lado del directo y eso refrescó mucho el sonido. Evolucionaron las canciones de otra forma y nos encontramos con algo nuevo, llegamos a sitios a los que no habíamos llegado antes”, puntualiza Mallo.

Mi Catedral es también el primer trabajo de la formación gallega tras dejar el sello Mushroom Pillow, con el que llevaban toda su carrera, para ser acogida por Sonido Muchacho, hogar precisamente de las bandas a las que tanto ha inspirado Triángulo de Amor Bizarro, aunque ellos prefieran no verse como ejemplos de nada. “Aspiro a que nadie me tome de referencia para nada”, ironiza Isa. “La forma más rápida de coartar tu libertad es tener que dar ejemplo. Si le gusta a la gente, guay, y si no, pues nada. En nuestros conciertos siempre hubo mucha gente que después formó grupos. Mola que sepan que cada grupo puede hacer las cosas a su manera, sin ser siempre igual. Más que decir cómo se tiene que hacer, es mostrar que hay muchas formas de hacerlo”, razona la artista, mientras que Mallo añade que es un viaje que ellos también hacen a la inversa: “Nosotros nos interesamos también por lo que se hace ahora y no nos quedamos solo con los grupos de hace veinte años”.

‘Odiando’ a toda una generación

Se reconozcan o no como referentes, con este disco la banda también ha apostado por varios proyectos en directa comunicación con sus fans y con los aficionados a la música en general, como ha sido abrir un espacio en Substack en el que “destripan” sus canciones e incluso muestran en vídeo como reproducir sus nuevos temas. Una forma de expresarse muy genZ para un grupo que pertenece a una generación anterior, a la que dedican una de sus canciones (Odio a mi generación) de forma socarrona. “De mi generación lo que más odio es el machismo interiorizado, pero cuando digo Odio a mi generación es un sentimiento de ir contra lo que existe, sea la generación que sea. Es muy importante tener criterio propio y sentido común, para no acabar mal de la cabeza", matiza Isa Cea. Ahora se habla mucho de diversidad, pero también hay un gusto por lo normativo, por no salirse ni un poco de donde está todo el mundo. La diferencia es un buen sitio para mirarse a uno mismo y sentirse bien aunque seas diferente. Eso es lo que significa para mí esa frase", secunda Mallo.

Este sábado en las Vistillas tendrán la oportunidad de seguir demostrando por qué es una de las bandas con un sonido único en todo el indie rock español, de poner en escena Mi Catedral y lo que es más importante, de reunirse tanto con ese público que los lleva siguiendo desde hace años como con el nuevo que los ha ido descubriendo a través de su extendida influencia: “Lo que más me gusta de esta generación es que no tienen miedo a ser vulnerables. Antes eso estaba prohibido y creó mucha gente desgraciada por no saber expresarse. Ojalá eso sirva para mejorar cosas en la sociedad”, desea Isa al despedirse antes de ese concierto que, con reivindicaciones como las de VVV Trippin’ You o sin ellas, esperan con ansias. “Tocar en estas fiestas tiene algo especial, porque nuestros amigos nos contactan y parece una fiesta más de arraigo popular y de la gente tirándose a la calle, que es algo que en Madrid se ha ido perdiendo”.

Hablar de John Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980) es hablar de una de las figuras más influyentes de la música y la cultura popular del siglo XX. Compositor, cantante, músico, activista y símbolo del Reino Unido, el legado del artista británico continúa en el imaginario popular de la población mundial.

De letras a citas que la prolífica estrella pronunció en varios discursos, tanto a través de su paso con Los Beatles como a raíz de su disolución en 1970, hay una que se ha repetido hasta la saciedad, y que ha acabado protagonizando tazas y memes: “La vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes”.

El músico la pronunció en una de sus canciones más personales y emotivas, Beautiful Boy (Darling Boy), publicada en 1980 y dedicada a su hijo Sean, fruto de su relación con Yoko Ono.

En ese tema, Lennon canta reconfortando a su hijo tras sufrir una pesadilla, y para describir el amor que siente y la alegría que le dio su nacimiento, el 9 de octubre de 1975: “Life is what happens to you while you’re busy making other plans”.

Un origen con muchas aristas

Sin embargo, aunque el cantante popularizó la frase en todo el mundo, distintas investigaciones sostienen que él no fue quien la creó originalmente, sino que se remonta a más de dos décadas antes de la publicación del tema, incluido en Double Fantasy, séptimo y último álbum del músico con su esposa. Fue estrenado dos semanas antes del día de su asesinato.

Según el portal especializado Quote Investigator y varias recopilaciones académicas sobre citas históricas, la primera aparición conocida de la expresión fue en enero de 1957 en la revista Reader’s Digest. Allí se atribuía la reflexión al periodista y dibujante estadounidense Allen Saunders, conocido por trabajar en tiras cómicas como Mary Worth y Steve Roper. La versión publicada entonces decía: “Life is what happens to us while we are making other plans”.

La atribución a Saunders también fue respaldada años después por The Yale Book of Quotations obra editada por Fred Shapiro y considerada una referencia internacional en el estudio de frases célebres. El libro destaca que el uso de Saunders precede “considerablemente” a la versión popularizada después por Lennon.

Por si fuera poco, algunos periódicos estadounidenses de finales de los años cincuenta reprodujeron la frase sin mencionar autor alguno, mientras otros la adjudicaron a diferentes figuras públicas. Incluso existen registros previos a 1957 que contienen formulaciones similares, lo que hace pensar que Saunders pudo haber retomado una idea que ya circulaba en determinados ambientes periodísticos. La vigencia de la frase quizá se explique porque resume una sensación profundamente humana y actual, algo que el artista también supo acoplar en el momento de la creación de la canción.

Nacido en Liverpool en 1940, John Lennon alcanzó la fama mundial como fundador de Los Beatles, grupo que revolucionó la música popular durante los años sesenta. Tras la separación de la banda, desarrolló una exitosa carrera en solitario y se convirtió también en un referente del pacifismo y el activismo político.

La cantante colombiana Shakira ha sumado otro hito a su carrera con el anuncio de que será ella la responsable de cantar el nuevo tema oficial del Mundial de la FIFA de este verano. Dai Dai es el nombre del tema que sonará en los estadios de Estados Unidos, México y Canadá, con la voz de una artista que ya conoce bien este torneo, al ser la única de origen latino en toda la historia que ha participado en cuatro canciones oficiales vinculadas a la Copa del Mundo.

Sin embargo, de todos estos hits con toque futbolero, el que sin duda marcó un antes y un después fue Waka Waka (Esto es África), una canción que, en el Mundial de Sudáfrica de 2010, acompañaría a España a levantar por primera vez en su historia este torneo. Con miles de millones de reproducciones en todas las plataformas, esta canción se convirtió rápidamente en un himno internacional, lo que hace todavía más sorprendente que muchas de las personas que la escuchan y la bailan desconozcan el singular origen del tema.

Y es que, aunque a día de hoy asociemos el waka waka con la música colombiana, lo cierto es que una parte del ritmo, la letra y la melodía pertenecen a otro país, Camerún, y a un histórico grupo llamado Zangalewa. En él estaba Jean-Paul Zé Bella, un icono nacional famoso en su país por las sátiras que hacía en sus canciones del ejército de su país y sus prácticas autoritarias. Él mismo era soldado, y vivió en primera persona un golpe de Estado, ejecuciones masivas y todo tipo de corruptelas que agravarían la relación entre los militares y la población civil y, a la postre, convertirían a la banda y a sus miembros en un fenómeno de la cultura popular.

El contexto político que originó el ‘waka waka’

La transición política iniciada en Camerún en 1982, tras la renuncia del presidente Ahmadou Ahidjo, líder de este territorio tras la independencia de la parte francesa del país, desembocó en una profunda crisis. El poder pasó a Paul Biya, su primer ministro, quien contra todo pronóstico consolidó mucho más control sobre su figura y desplazó a los allegados de su antecesor. En abril de 1984, un intento de golpe de Estado, atribuido a la Guardia Republicana leal a Ahidjo, desencadenó una represión sangrienta: hubo combates, arrestos masivos y ejecuciones.

El golpe fallido marcó el inicio de una serie de purgas y represalias dentro del ejército y la administración. Paul Biya utilizó el episodio para afianzar su poder, y desde entonces (lleva más de 40 años en el cargo) su gobierno ha sido señalado por abusos y violaciones de derechos humanos, según organizaciones como Amnistía Internacional. La represión afectó especialmente a los sectores vinculados al norte musulmán, lo que incrementó tensiones étnicas y consolidó una estructura política autoritaria.

Pero ¿qué pinta Zé Bella en todo esto? Este artista desarrolló su carrera dentro de los cuerpos musicales militares y, de hecho, estuvo en la Guardia Republicana, guardia de élite de Ahmadou Ahidjo, responsable de dar el golpe de Estado. Sin embargo, como él no estuvo involucrado en esta estrategia, tampoco fue ejecutado ni condenado a prisión, como sí ocurrió con varios de sus compañeros. En vez de eso, pasaría a formar parte de la Guardia Presidencial de Camerún, nuevo cuerpo en el que daría origen al grupo The Golden Sounds, con el que ofrecería canciones satíricas sobre el ejército.

Cómo llegó la canción de Camerún a Shakira

Cabría preguntarse por qué el gobierno de Paul Biya, caracterizado por su control estricto contra cualquier tipo de crítica u oposición, permitió que The Golden Sounds, formado por miembros de su propio ejército, lanzara canciones ridiculizando la institución. La razón es porque pensaron que un grupo así, en realidad, lo que haría sería mejorar la imagen pública del ejército, ya de por sí muy en entredicho. Lo cierto es que ocurrió todo lo contrario: The Golden Sounds se convertiría en un símbolo de la resistencia cultural frente a este nuevo gobierno autoritario.

Es así como llegamos a Zangalewa, su canción más conocida, que provocó, incluso, que el grupo se cambiara el nombre y pasara a tener el de este tema. El éxito sería tal que, de hecho, traspasaría las fronteras de Camerún, primero a través de la distribución en África por televisión y, luego, mediante DJ africanos que la llevaron a diferentes países y continentes, entre ellos Colombia, donde se popularizó en clubes y fiestas.

Así es como el tema Zangalewa, con su estribillo pegadizo y ritmo de makossa (género musical y de baile originario de Camerún), acabaría convirtiéndose en el eje a partir del que Shakira crearía su famoso Waka waka, término que ya aparece en la canción original y que significa “camina” o “viaja” en pidgin camerunés, la lengua franca que se utilizaba y se utiliza aún hoy en el país, mezclando palabras del inglés, el francés, el portugués y lenguas locales africanas.

La paradoja entre la memoria histórica y el consumo

La historia de Jean Paul Zé Bella (fallecido en 2023 y convertido en leyenda nacional) y su grupo revela cómo la música pudo servir como una herramienta de crítica y supervivencia bajo un régimen autoritario. A pesar de que muchos desconocen esta historia sobre el Waka Waka, la canción de Zangalewa y la de Shakira ilustran cómo una creación nacida en el contexto de represión política y sátira social puede transformarse en un emblema global mucho más desenfadado y comercial.

Sea una u otra versión, la música demostró una vez más su capacidad para cruzar fronteras; puede sobrevivir a sus propios contextos, desbordarlos y resignificarse por completo. Entre la memoria histórica y el consumo masivo, Zangalewa y su derivado en Waka Waka dejan una paradoja clara: las canciones pueden perder su origen en la superficie, pero siguen cargando, aunque sea de forma invisible, las huellas del mundo que las vio nacer.

Está a punto de publicar su decimoquinto álbum de estudio y, con lo que eso implica, a estas alturas pocas cosas parecen casuales. Malú (Madrid, 1982) lanza este 15 de mayo Quince, un nuevo trabajo con el que se reconcilia consigo misma tras casi treinta años de carrera. Especialmente, con la niña que fue y la mujer en la que se ha convertido. Está viviendo, según adelanta la propia artista, “uno de los momentos más profundos, libres y conscientes” de toda su trayectoria.

Malú impone. La cantante atiende a Infobae en una ajetreada mañana de promoción en las oficinas de Sony, en pleno centro de Madrid. Su maquilladora le retoca el pelo y los labios después de que esta de un par de caladas de su vaper. Huele a melón. Cuando habla, lo hace con fuerza. Tiene mirada de leona. Nada que ver cuando habla: es serenidad pura. Conseguirlo le ha tomado años. Precisamente eso es lo que plasma en su nuevo LP, formado por 11 canciones.

“Con Quince es como quitarse la última capa”, cuenta la cantante a este medio en una entrevista que se publicará íntegramente en unos días, un álbum que define como “despedirse del personaje”. “Ya es mirarte de cara a cara, con sus cicatrices, con su dolor”.

El éxito fulgurante que vivió desde que era prácticamente una niña le obligó a crecer demasiado rápido. Malú comenzó su carrera en 1998 con el respaldo de Alejandro Sanz, que le escribió su primer éxito, Aprendiz. "Cuando pasa todo aquello, de repente cambian muchas cosas: se vende un millón de copias nada más salir el disco y todo deja de ser un juego. Ya no es ‘vamos a probar suerte’, sino algo serio, formal, donde no se te permite ni un resbalón. A mí no se me ha permitido ni un resbalón en la vida“, apunta.

Por eso mismo la artista necesitaba hacer este disco. Con ayuda de amigos y colaboradores habituales como Pablo Alborán, Vanessa Martín, Luis Fonsi o Marta Soto, Malú entona más de una decena de canciones en las que echa la vista atrás a la joven que dijo sí a firmar su primer contrato discográfico. “A mi primer amor, que sigo siendo yo”, canta la artista en uno de los versos que vertebran el proyecto.

La cantante afronta así uno de los trabajos más íntimos de toda su carrera, convertido casi en un manifiesto sobre el amor propio y la aceptación. El álbum, explica el texto promocional, invita a “no renegar del pasado, sino agradecerlo” y a “curar las cicatrices con valentía”.

Todo ello desde una imagen mucho más natural y despojada de artificios. “Ahora sí. Ahora soy yo la que quiere estar aquí. Ahora soy fuerte de verdad. Sin miedos. Sin vergüenza. Sin complejos”, afirma la artista en la carta de presentación del proyecto.

Tracklist de ‘Quince’

1. Todo sabe a ti
2. Por si alguna vez
3. El intento
4. Aquí
5. Donde te viví
6. Rota
7. Salvar al rey
8. La maleta
9. Quiero volver
10. Ahora no
11. Primer amo

La entrevista con Infobae estará disponible próximamente.

Friedrich Nietzsche percibía el amor romántico no como un refugio de paz, sino como una pasión impetuosa y, a menudo, devoradora. Para el filósofo alemán, lo que solemos llamar amor es frecuentemente una forma de posesión o un deseo de dominio disfrazado de entrega, de modo que ese ‘ardor’ acaba por ser inestable, una llama que nos consume pero que carece de la estructura necesaria para sostener una convivencia con otro ser a largo plazo.

Por eso mismo, Nietzsche consideraba que el matrimonio exigía mucho más que una simple atracción biológica o emocional. Lo definía como la voluntad de dos personas de crear algo que sea superior a quienes lo crearon, un ejercicio de superación personal compartida. Sin embargo, advertía que la mayoría de las uniones fracasaban porque los individuos buscaban en la pareja una cura para su propia soledad, en lugar de un compañero de viaje hacia la excelencia.

Es en este contexto de exigencia mutua donde Nietzsche lanza su célebre diagnóstico: “No es la falta de amor, sino la falta de amistad lo que hace infelices a los matrimonios”. Esta afirmación aparece en su obra Más allá del bien y del mal (1886). Con ella, el filósofo quería subrayar que, mientras el amor es un impulso ciego y transitorio, la amistad es un compromiso lúcido que permite a la pareja navegar las crisis cotidianas con respeto y admiración intelectual.

El significado de la frase de Nietzsche

La esencia de esta idea radica en la estabilidad que aporta el vínculo amistoso frente a la volatilidad del sentimiento romántico. Nietzsche argumentaba que la amistad implica una igualdad de espíritus y una comunicación honesta que el romance suele nublar con idealizaciones. En Humano, demasiado humano, el autor refuerza esta tesis con una recomendación práctica: “Al entrar en un matrimonio, uno debería hacerse la pregunta: ‘¿Crees que podrías conversar bien con esta mujer hasta tu vejez?'”.

Para el filósofo, la amistad es la forma más alta de amor porque no busca absorber al otro, sino potenciarlo. Como escribió en Así habló Zaratustra: “Tu amigo debe ser para ti el mejor enemigo. Debes estar lo más cerca de su corazón cuando le opones resistencia”. Bajo este prisma, el matrimonio exitoso no es aquel donde no existen conflictos, sino aquel donde la base de camaradería permite que las diferencias se conviertan en un motor de crecimiento y madurez.

Finalmente, Nietzsche sugiere que la infelicidad conyugal surge cuando la pasión se agota y los cónyuges descubren que no tienen nada de qué hablar. La amistad es el “puente” que sobrevive cuando la marea del deseo baja. Como bien señaló en sus aforismos, un buen matrimonio se basa en el “talento para la amistad”, una virtud que requiere paciencia, humor y, sobre todo, la capacidad de ver al otro como un individuo independiente y no como una propiedad.

Otros pensadores sobre el vínculo nupcial

Otros filósofos han ofrecido perspectivas diversas sobre esta unión. Arthur Schopenhauer, maestro temprano de Nietzsche, mantenía una visión mucho más pesimista y pragmática del asunto. En su ensayo Parerga y paralipómena, afirmaba con dureza que “casarse significa hacer todo lo posible para convertirse en un objeto de asco el uno para el otro”. Para él, el matrimonio era un engaño del instinto de la especie para asegurar la reproducción, sacrificando siempre la felicidad individual del hombre.

Por el contrario, el existencialista Søren Kierkegaard veía en el matrimonio una etapa ética fundamental de la existencia humana. En su obra O lo uno o lo otro, el pensador danés sostenía que “la verdadera belleza del matrimonio reside en la victoria sobre el tiempo”. A diferencia de la visión cínica, Kierkegaard creía que el compromiso matrimonial transformaba el amor estético y efímero en un deber sagrado que dotaba de sentido y continuidad a la vida de los individuos.

En definitiva, la reflexión de Nietzsche nos invita a repensar nuestras relaciones a priori más duraderas desde una base más sólida y racional. Al desplazar el foco desde la pasión desbordante hacia la complicidad de la amistad, el filósofo nos regala una herramienta valiosa para la estabilidad emocional. Al final, parece que el secreto de un matrimonio longevo no reside en mirar fijamente al otro con deseo, sino en ser capaces de caminar juntos como mejores amigos hacia un horizonte común.

“Esta librería sobrevivió a una guerra civil, a una posguerra, a crisis que parecían insalvables, a una pandemia. Lo que os pido hoy no es que nos salvéis vosotros solos, es que nos ayudéis a cruzar este último tramo”. Con estas palabras hablaba Lucía, representante de la sexta generación de libreros de la librería más antigua de España: Hijos de Santiago Rodríguez, un negocio familiar en Burgos de 176 años, a punto de echar el cierre por culpa de las deudas acumuladas.

La noticia corrió como la pólvora, gracias a la difusión que experimentaron sus palabras tanto en redes sociales como en medios de comunicación. Algunos escritores, como Juan Gómez-Jurado, Máximo Huerta o César Pérez Gellida, también se sumaban a ese crowdfunding abierto, hasta el punto de que en tan solo 13 días, la respuesta ha sido abrumadora: Hijos de Santiago Rodríguez ha conseguido los 60.000 euros que necesitaba para pagar parte de lo debido, proteger a los empleados de la librería y “mantener las puertas abiertas para los lectores que llevan años viniendo aquí”.

Así, tal y como ha informado la Agencia EFE, la campaña ha logrado alcanzar la cifra requerida para seguir abierta, tras unos meses “horrorosos, con mucho miedo”, tal y como explicaba al citado medio. “Sabemos que aún queda camino por recorrer, pero gracias a todos vosotros sentimos que no estamos solos”, han publicado en redes en un post reciente, tras un resultado que permitirá detener la colecta antes de los 40 días previstos inicialmente.

Ganar tiempo para seguir con las puertas abiertas

“Una cifra concreta para una necesidad concreta: ganar tiempo”, ha continuado explicando Lucía en un nuevo vídeo de agradecimiento. “Vosotros respondisteis. No con indiferencia, no con el gesto distraído de quien pasa por delante de una librería sin entrar. Respondisteis con generosidad, con mensajes que me han hecho llorar a solas entre estanterías, con la convicción de que algunos lugares merecen seguir existiendo”. La librería ya ha cerrado las donaciones, pero todos son conscientes de que “el camino no ha terminado” y que quedan muchos retos por afrontar.

El repunte en las ventas ha permitido a la librería afrontar el alquiler y las nóminas, así como reducir parte de la deuda acumulada. Aunque la continuidad de la tienda está asegurada en el corto plazo, Lucía Alonso reconoce que se plantea la posibilidad de traspasar el negocio. No obstante, subraya que la esencia de Hijos de Santiago Rodríguez y el emblemático medallón Minerva seguirán presentes, aunque la gestión pase a otras manos. “Gracias por leer, por compartir, por donar y por creer”, se ha despedido Lucía en el vídeo.

La propietaria insiste en que ser librera es una vocación “muy bonita”, pero difícil como negocio. Una opinión que corrobora el dato revelado por el último Congreso de Librerías, que detalló que casi el 50% de los títulos disponibles en estos negocios vende cero ejemplares a lo largo de un año. Lo que más valora de esta experiencia es el respaldo recibido de la comunidad, que ha demostrado el arraigo de la librería en la historia de Burgos y el cariño hacia un comercio considerado parte del patrimonio cultural español.

La final del Mundial de 2026 marcará un hito en la historia del fútbol y el entretenimiento global. Por primera vez, el partido más visto del planeta contará con un espectáculo musical durante el descanso, al estilo Super Bowl. FIFA ha confirmado que Shakira, Madonna y BTS serán las figuras centrales de este show, que se celebrará el 19 de julio en el New York New Jersey Stadium.

La noticia fue anunciada a través de un vídeo difundido en redes sociales. En el clip, Chris Martin, líder de Coldplay y designado curador artístico del espectáculo, aparece junto a personajes de los Muppets, como Elmo, quienes sugieren a los artistas invitados. En una videollamada incluida en el vídeo, los miembros de BTS responden a Martin con un “We’ll be there, Chris”, confirmando su participación. De esta manera, la FIFA reúne en un mismo escenario a tres referentes de la música pop internacional. Por primera vez en la historia, la final de la Copa del Mundo incluirá un “halftime show” con un despliegue escénico inspirado en la Super Bowl estadounidense. El espectáculo tendrá una duración aproximada de quince minutos y estará pensado tanto para la audiencia presente como para la televisión global y las redes sociales.

La FIFA ya experimentó con este formato en la pasada edición del Mundial de Clubes, donde Doja Cat, Tems y J Balvin actuaron durante el descanso del partido decisivo. En aquella ocasión, Chris Martin también fue responsable de la selección artística. El organismo presidido por Gianni Infantino busca así transformar la final en un evento que trascienda lo deportivo, integrando la música y el espectáculo en vivo como parte central de la experiencia. El objetivo es convertir el encuentro en un fenómeno cultural de alcance global, sumando a la tradicional expectación futbolística una propuesta de entretenimiento que reúna a artistas de diferentes generaciones y estilos.

Un formato inédito para la final del Mundial

El anuncio de los artistas fue cuidadosamente orquestado por la FIFA. Chris Martin, como curador del show, utilizó la colaboración con los Muppets para dar un tono lúdico y familiar al lanzamiento. En el vídeo difundido, los personajes sugieren los nombres de Madonna, Shakira y BTS, y la confirmación llega directamente de los miembros del grupo surcoreano en una videollamada. La elección de los artistas responde al deseo de ofrecer un espectáculo inclusivo y representativo de la diversidad musical global. Madonna es reconocida como una de las grandes figuras del pop internacional, mientras que Shakira ha estado históricamente vinculada a los mundiales de fútbol gracias a canciones como “Waka Waka”. BTS, por su parte, representa el auge del K-pop y el fenómeno musical juvenil de la última década.

La presencia de Shakira en la final de 2026 supone su regreso al escenario mundialista tras el éxito de “Waka Waka” en Sudáfrica. En esta ocasión, la cantante colombiana presentará “Dai Dai”, el tema oficial de la edición. Madonna, con décadas de trayectoria y numerosos hits, aportará su sello personal a la cita. BTS, símbolo del K-pop y fenómeno global, completa el trío de estrellas internacionales. La combinación de estas figuras responde al propósito de la FIFA de crear un momento único y memorable para millones de espectadores en todo el mundo. La participación de artistas de distintos continentes y estilos pretende reforzar el carácter inclusivo y universal del evento.

Además de su dimensión musical, el show del descanso tendrá un fin benéfico. Según informó la FIFA, la recaudación generada por el espectáculo se destinará al FIFA Global Citizen Education Fund o a otro fondo educativo ligado al organismo. El objetivo es alcanzar 100 millones de dólares para financiar proyectos educativos y de fútbol base infantil a escala internacional. De esta forma, la final del Mundial se convierte no solo en una cita deportiva y musical, sino también en una plataforma de impacto social. El despliegue escénico y la repercusión global del evento buscan movilizar recursos y atención hacia la educación y el desarrollo de la infancia a través del deporte.

La apuesta por el entretenimiento no se limitará al partido final. La FIFA ha preparado una extensa agenda de espectáculos para el inicio del torneo en los países anfitriones. La ceremonia de apertura, prevista para el 12 de junio en Los Ángeles, contará con artistas como Katy Perry, Future, Anitta, LISA, Rema y Tyla. Con esta estrategia, la FIFA aspira a consolidar el Mundial de 2026 como el mayor evento de fútbol y entretenimiento a nivel global, integrando deporte, música y acción social bajo un mismo escenario y ampliando el alcance del torneo a nuevas audiencias.

El actor Sebastian Stan, conocido mundialmente por su interpretación de Bucky Barnes en el Universo Cinematográfico de Marvel, ha realizado sus primeras declaraciones públicas sobre su incorporación al universo DC en The Batman: Parte II. El anuncio, que ha generado expectativas entre seguidores del cómic y el cine, coincide con la presentación de Stan en el Festival de Cannes, donde compite con la película Fjord de Cristian Mungiu, coprotagonizada por Renate Reinsve.

Stan, quien dará vida a Harvey Dent, alias Dos Caras, habló con el medio Deadline antes de iniciar el rodaje de la esperada secuela dirigida por Matt Reeves. En sus palabras, subrayó el reto que implica asumir un personaje icónico y cómo la visión del director será clave para renovar la figura del villano en la pantalla grande. Al ser consultado sobre su nueva etapa en DC, Stan declaró: “Va a ser un desafío, como todo lo demás. Siento que es una película realmente ambiciosa y creo que si todo sale bien —y obviamente estoy muy emocionado por Matt Reeves, porque ha sido uno de mis favoritos durante mucho, mucho tiempo—, de verdad que creo que va a dejar a la gente boquiabierta. Creo que va a sorprender a mucha gente también”.

El actor destacó la complejidad de encarnar a Dos Caras, un villano cuya última aparición cinematográfica relevante fue en El caballero oscuro (2008). Stan señaló que el personaje sigue siendo uno de los antagonistas más reconocibles del universo de Batman y que la oportunidad de abordarlo desde una nueva perspectiva representa un reto profesional significativo. “Obviamente hay una razón por la que Batman ha sido recurrente durante tantos años, y por la que tantos niños adoran a Spider-Man”, afirmó Stan, reflexionando sobre la influencia de los superhéroes en la cultura popular y el atractivo que ejercen en las nuevas generaciones. Para el actor, la historia de un joven “raro que encuentra su camino” conecta con el público de manera sutil y duradera.

El rodaje de ‘The Batman: Parte II’ y el enfoque en la familia Dent

El rodaje de The Batman: Parte II está programado para comenzar en Londres en las próximas semanas. Los detalles argumentales permanecen bajo estricta reserva, aunque el director Matt Reeves confirmó que la historia transcurrirá en invierno, lo que ha dado pie a especulaciones sobre la posible aparición de villanos como Mr. Freeze.

Según información de Deadline, la trama pondría el foco en la familia Dent: Harvey, su esposa Gilda y el padre del fiscal de distrito, Christopher. Además de Dos Caras, se barajan nombres como Hush, el Halloween Killer y Phantasm entre los antagonistas que podrían figurar en la secuela. Para Stan, la posibilidad de trabajar en un proyecto de este calibre bajo la dirección de Reeves representa una oportunidad de contribuir a una franquicia con gran legado. “Cuando piensas en algo positivo para los jóvenes, sobre todo para los adolescentes que ven estas películas, ves que se trata de personajes que exploran sus rarezas y encuentran su lugar en el mundo”, explicó el actor.

The Batman: Parte II está dirigida por Matt Reeves, quien también firma el guion junto a Mattson Tomlin. El elenco principal reúne a figuras como Robert Pattinson en el papel de Bruce Wayne/Batman, Scarlett Johansson, Colin Farrell, Andy Serkis, Jeffrey Wright y Charles Dance. La expectación por la llegada de Stan al universo DC se ha visto reforzada por su reciente transformación física, documentada durante su preparación para el papel. Medios especializados han destacado el entrenamiento intensivo del actor y su disposición a asumir un rol de alto impacto dramático. “Si el personaje se aborda de la manera correcta, Dos Caras puede ofrecerme un papel realmente sustancial”, afirmó Stan.

Mientras se prepara para sumarse al rodaje de The Batman: Parte II, Stan se encuentra actualmente en Cannes presentando Fjord, la nueva película de Cristian Mungiu, donde comparte cartel con Renate Reinsve. El filme, que compite en la selección oficial, ha sido recibido con atención tanto por la prensa internacional como por la crítica presente en el festival. La agenda de Stan para los próximos meses estará marcada por la promoción de Fjord y el inicio de su trabajo en el universo DC, dos proyectos que consolidan su posición en la industria cinematográfica internacional. The Batman: Parte II tiene previsto su estreno en cines el 1 de octubre de 2027.

El 3 y 4 de octubre de 2026, Elijah Wood y Sean Astin, conocidos mundialmente por encarnar a Frodo Bolsón y Sam Gamyi en El señor de los anillos, se reunirán en la San Diego Comic-Con Málaga. Esta será la primera visita conjunta de ambos actores a España, un evento que ha despertado gran expectación entre los seguidores de la saga y de la cultura pop. La cita, que tendrá lugar en el FYCMA (Palacio de Ferias y Congresos de Málaga), coincide con el 25º aniversario del estreno de la trilogía dirigida por Peter Jackson.

El anuncio de la presencia de Wood y Astin marca un hito para el público español. Nunca antes los dos protagonistas principales de El señor de los anillos habían compartido escenario en una convención nacional. Para los fans, la oportunidad de acercarse a los actores responsables de dar vida a Frodo y Sam representa un momento único, cargado de nostalgia y reconocimiento por el legado cinematográfico de la saga. Durante su participación, ambos ofrecerán paneles interactivos, sesiones de firmas y encuentros fotográficos con los asistentes.

La participación de Elijah Wood y Sean Astin en San Diego Comic-Con Málaga se produce en un contexto especial: el cuarto de siglo desde el estreno de La comunidad del anillo. La trilogía, basada en la obra de J.R.R. Tolkien, no solo redefinió el género de fantasía en el cine, sino que también consolidó a Wood y Astin como referentes internacionales. La reunión en Málaga es vista como un homenaje a la amistad de sus personajes, que cruzaron la Tierra Media desde la Comarca hasta el Monte del Destino, y ahora se reencuentran en territorio español.

Durante el evento, Wood y Astin participarán en paneles oficiales, donde compartirán anécdotas sobre el rodaje de El señor de los anillos, responderán preguntas del público y reflexionarán sobre el impacto de la saga tras 25 años. Además, los asistentes podrán obtener autógrafos y tomarse fotografías con los actores, actividades que suelen agotar entradas en minutos en convenciones internacionales.

Dos grandes compañeros de viaje, reunidos

La carrera de Elijah Wood se extiende por más de tres décadas. Aunque su papel como Frodo sigue siendo el más recordado, Wood ha cultivado una filmografía diversa. Destaca su actuación en Ya no me siento a gusto en este mundo, película independiente ganadora del Gran Premio del Jurado en Sundance, y su reciente trabajo en la serie Yellowjackets. Además, ha explorado el género del thriller en Maniac y la comedia negra en Wilfred, demostrando una versatilidad que lo mantiene vigente en la industria audiovisual. Por su parte, Sean Astin ha construido una trayectoria multifacética como actor, director y productor. Antes de encarnar a Sam, Astin ganó notoriedad con Los Goonies, un clásico del cine juvenil de los años 80. Posteriormente, fue nominado al Oscar por su cortometraje Kangaroo Court y participó en películas como Rudy, donde interpretó a un perseverante jugador de fútbol americano. En televisión, ha intervenido en series como 24 y Stranger Things, consolidando su presencia en formatos diversos y alcanzando nuevas generaciones de espectadores.

La San Diego Comic-Con Málaga 2026 se presenta como un punto de encuentro europeo de referencia para aficionados y profesionales de la cultura pop. Además de la dupla de El señor de los anillos, el evento contará con la presencia de figuras como Richard Dean Anderson (Macgyver), Kristian Nairn (Juego de tronos), Iñaki Godoy (ONE PIECE), Michael Rooker (Guardianes de la Galaxia, The Walking Dead), John Romita Jr. (Spider-Man, Kick-Ass) y Kevin Smith (Clerks, View Askewniverse). La programación incluye paneles, charlas, exposiciones y actividades orientadas tanto a la industria como al público general.

Las entradas para la convención ya están disponibles a través de Ticketmaster. El evento se desarrollará entre el 1 y el 4 de octubre, con el fin de semana reservado para la presencia de Wood y Astin. Se espera una alta afluencia de público, motivada por la oportunidad de celebrar el aniversario de El señor de los anillos junto a los actores que dieron vida a una de las amistades más recordadas del cine.

Ahora, Top Gun regresa a los cines cuatro décadas después de su lanzamiento original, coincidiendo con su cuadragésimo aniversario. Paramount Pictures ha organizado la reposición del film, que se proyecta nuevamente junto a su secuela, Top Gun: Maverick, durante una semana, del 13 al 20 de mayo.

La reedición limitada de Top Gun en salas españolas e internacionales sirve para celebrar los 40 años de la película que consolidó a Tom Cruise como la última gran estrella de Hollywood, algo que el actor aprovecharía para convertirse en un gran ídolo del cine de acción, con sagas como la de Misión Imposible.

Qué supuso el estreno de ‘Top Gun’

El lanzamiento en 1986 de Top Gun, protagonizada por Tom Cruise como el carismático piloto Pete ‘Maverick’ Mitchell, transformó el género de acción, redefinió la estética audiovisual del cine comercial moderno y marcó a toda una generación.

El reparto original incluyó a Kelly McGillis, Val Kilmer, Anthony Edwards y Tom Skerritt, con participaciones secundarias de Tim Robbins y Meg Ryan. El desarrollo de la trama giraba en torno a la competición entre pilotos de élite en la Marina estadounidense, y situaba a Maverick en una pugna constante con su compañero Tom “Iceman” Kazansky, bajo la tutela del comandante Viper y con la instructora civil Charlotte “Charlie” Blackwood desempeñando un papel fundamental tanto en el aprendizaje técnico como emocional del protagonista.

El rodaje estuvo plagado de anécdotas. Uno de los episodios más recordados tuvo lugar durante un vuelo de prueba con los Blue Angels, escuadrón de demostración de la Armada estadounidense: el piloto realizó maniobras de tal intensidad que Tom Cruise terminó vomitando en una bolsa y, tras el aterrizaje, aún sin recuperarse, el avión realizó una maniobra invertida que provocó que el propio Cruise se empapara con su vómito. Irónicamente, este incidente fue determinante en su decisión de aceptar el papel, pues inmediatamente realizó una llamada desde una cabina para confirmar su participación.

La reposición de Top Gun en cines, parece responder a una acción promocional que precedería al desarrollo de una tercera entrega de la franquicia, actualmente en preparación y cuyo guion ha sido encargado a Ehren Kruger, autor del texto de la segunda parte.

Una continuación marcada por el éxito

Top Gun: Maverick, dirigida por Joseph Kosinski y estrenada en 2022, situaba de nuevo a Pete “Maverick” Mitchell en la academia de vuelo donde, ya en el papel de instructor, donde se encargaba de enseñar a una nueva generación de pilotos en la ejecución de una misión compleja. Entre los personajes destacados se encontraba Bradley “Rooster” Bradshaw, interpretado por Miles Teller y presentado como el hijo de “Goose”, el copiloto del filme original. Esta secuela fue nominada a seis premios Oscar, obteniendo la estatuilla por Mejor Sonido.

La elección de Top Gun para figurar en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos se fundamentó en tres criterios: su valor como testimonio cultural de la sociedad estadounidense de los años ochenta, su aportación visual y su repercusión social tras el estreno.

En el caso de la influencia en la realidad, destaca el dato de que, tras la aparición del largometraje, las solicitudes de ingreso en las escuelas de aviación naval experimentaron un incremento sustancial. Esta tendencia fue impulsada por la estrategia de marketing desplegada por la Marina, que instaló puestos de captación en las inmediaciones de los principales cines para aprovechar el éxito de la película y atraer candidatos “cargados de adrenalina”. El efecto fue inmediato y las tasas de aspirantes alcanzaron picos inéditos en años.

La banda sonora acompañó el fenómeno mediático. El tema Take my breath away, compuesto por Giorgio Moroder y Tom Whitlock y grabado por el grupo estadounidense Berlín, fue premiado tanto con el Oscar como con el Globo de Oro en 1987. La canción se integró en la cultura popular y en campañas publicitarias, como el uso en España en un conocido producto de perfumería, consolidando a Berlín como un caso paradigmático de “one hit wonder”.

La película Top Gun y sus secuelas se configuran así como un emblema pop, cuya impronta ha perdurado durante cuatro décadas y que han servido de inspiración a un buen puñado de cintas en torno a la aviación.

Creada por Neil Forsyth (responsable de The Gold) y basada en hechos reales, la serie sigue a un grupo de agentes de aduanas sin experiencia previa y sin recursos suficientes que, presionados políticamente, se infiltran en redes de tráfico de heroína en Londres y Liverpool, enfrentándose al riesgo de perder sus identidades, o incluso la vida.

La ficción adapta la historia recogida en el libro de no ficción The Betrayer: How An Undercover Unit Infiltrated The Global Drug Trade, de Guy Stanton y Peter Walsh. La acción se sitúa en el contexto de la crisis económica bajo el gobierno de Margaret Thatcher, cuando la falta de recursos impedía la implantación de una guerra contra las drogas al estilo de Estados Unidos y empujaba a buscar soluciones alternativas y de bajo presupuesto.

Basada en la lucha contra la droga en los años 80

A finales de la década de 1980, con el incremento del tráfico de heroína, las autoridades británicas decidieron intervenir. Neil Forsyth, junto a los directores Brady Hood y Julian Holmes, arma una narrativa basada en los operativos reales de la época, en la que la ausencia tanto de experiencia como de recursos adecuados en los agentes fue suplida con ingenio y riesgo personal.

La serie se inicia con dos muertes por sobredosis en extremos opuestos del espectro social británico, motivo que justifica la intervención política urgente. El proceso de selección del equipo infiltrado se resume en apenas quince minutos de metraje, reflejando el enfoque pragmático. Don Clark (Steve Coogan) asume el reclutamiento de cuatro agentes: Guy (Tom Burke), Kate (Hayley Squires), Bailey (Aml Ameen) y Erin (Jasmine Blackborow), cada uno caracterizado por su insatisfacción personal y la búsqueda de una vida más emocionante o significativa.

La misión plantea dos frentes principales: Guy se infiltra en el barrio turco de Londres con el objetivo de rastrear la ruta de la heroína desde Pakistán, mientras Kate y Bailey operan en Liverpool, exponiendo el colapso de la industria portuaria y el consecuente aumento del narcotráfico.

Desde el primer capítulo, la alternancia entre el humor y la tensión articula una serie donde los miembros del equipo, completamente ajenos a las prácticas policiales convencionales, improvisan identidades y emplean sus habilidades administrativas o sociales para sobrevivir y avanzar.

Seis capítulos que combinan humor y thriller

Al estructurarse en seis capítulos, Forsyth retrata el impacto de la infiltración en las vidas privadas de los agentes. Las escenas de reclutamiento y entrenamiento se abordan con un tono de comicidad que, gradualmente, da paso a episodios de thriller clásico, especialmente tras los sucesos violentos que endurecen la trama. El propio Clark emerge como un personaje marcado por el desgaste psicológico inherente al trabajo clandestino.

El concepto de “leyenda”, entendido como la identidad falsa de un agente encubierto, constituye el núcleo temático de la serie. Clark instruye a su grupo: “Tu leyenda debe nacer de ti mismo, o no funcionará. Y cuando las leyendas no funcionan, la gente muere”. Estas palabras resumen el conflicto de fondo que atraviesan los personajes, especialmente Guy, cuya inmersión en el universo del narcotráfico turco lo lleva a una pérdida deliberada de referentes personales y familiares. Su camino en la red narco narra, capítulo a capítulo, hasta qué punto el riesgo extremo y la necesidad de asumir múltiples identidades diluyen la frontera entre la realidad y la ficción vital.

Los seis episodios de Leyendas, cuya duración oscila entre 48 y 74 minutos, destacan por el ritmo ágil y el uso de referencias musicales y estéticas de la Gran Bretaña de la década de 1980, recreando ambientes, vestuarios y acentos que refuerzan el realismo de la producción.

La serie no se basa únicamente en giros argumentales: otorga espacio a las motivaciones y contradicciones tanto de agentes como de traficantes, mostrando de forma cruda el deterioro social asociado al tráfico y consumo de heroína, en especial en Liverpool.

La alternancia entre situaciones de peligro mortal (varios episodios plantean la posibilidad de que alguno de los protagonistas no sobreviva al operativo) y escenas de camaradería enfatiza la fragilidad mental y social de quienes se prestaron voluntarios, motivados más por el vértigo del cambio que por un compromiso policial genuino.

El realismo de Leyendas emerge en la exposición de los métodos rudimentarios con los que operaba el sistema aduanero británico, muy distantes de la tecnología policial actual.

La recepción crítica ha destacado la capacidad de Neil Forsyth para equilibrar tensión y humor, y se ha definido como una de las producciones policíacas recientes más notables de Netflix, gracias a su concisión estructural y la fidelidad histórica lograda en la reconstrucción del periodo.

La maratón comenzará el sábado 16 de mayo desde las 15:50 horas, con una doble sesión que enfrentará a los espectadores a las primeras entregas de la saga. El domingo 17 de mayo, a la misma hora, se completará el ciclo en La 1 y de forma simultánea en RTVE Play. El evento televisivo responde al estreno próximo en salas de ‘The Mandalorian & Grogu’, el nuevo capítulo cinematográfico del universo Star Wars. RTVE ha organizado esta emisión como una cita destacada para los aficionados, resaltando la vigencia de la saga y su capacidad para atraer a públicos diversos. La trilogía original, compuesta por Episodio IV: Una nueva esperanza, Episodio V: El Imperio contraataca y Episodio VI: El retorno del Jedi, ha marcado a distintas generaciones desde su lanzamiento hace más de cuatro décadas.

La programación da inicio con Episodio IV: Una nueva esperanza, el filme que abrió el universo galáctico en 1977 bajo la dirección de George Lucas. En la historia, Mark Hamill interpreta a Luke Skywalker, un joven que, tras descubrir un mensaje de socorro de la Princesa Leia, se une a una misión para enfrentar al Imperio Galáctico. Acompañan a Skywalker personajes que forman parte del imaginario colectivo: el contrabandista Han Solo (Harrison Ford), el maestro Obi-Wan Kenobi (Alec Guinness), los androides C-3PO y R2-D2, y el antagonista Darth Vader. La película fue galardonada con seis premios Óscar y obtuvo diez nominaciones, entre ellas la de Mejor película. Su estreno redefinió el género de la ciencia ficción y consolidó a Star Wars como fenómeno global.

Clásicos de la ciencia ficción que cambiaron para siempre el cine

La secuela, Episodio V: El Imperio contraataca, dirigida por Irvin Kershner en 1980, es considerada por muchos seguidores y críticos como la obra más lograda de la franquicia. El argumento muestra al Imperio lanzando un ataque devastador sobre la base rebelde en el planeta Hoth, lo que obliga a los protagonistas a tomar caminos separados. Durante el filme, Luke Skywalker viaja a Dagobah para entrenar con el maestro Yoda, mientras Han Solo y la Princesa Leia buscan refugio en las nubes de Bespin. La cinta es célebre por incluir una de las revelaciones más inesperadas del cine, elemento que incrementó su impacto cultural. El Imperio contraataca consolidó la saga como referente no solo de entretenimiento, sino también de narrativa e innovación técnica.

La conclusión de la trilogía llega con Episodio VI: El retorno del Jedi, estrenada en 1983 bajo la dirección de Richard Marquand. El episodio finaliza la lucha entre la Alianza Rebelde y el Imperio Galáctico, presentando el rescate de Han Solo de manos de Jabba el Hutt y el enfrentamiento definitivo entre Luke Skywalker y Darth Vader, supervisados por el Emperador Palpatine. El filme incluye la primera aparición de los Ewoks, personajes que se convirtieron en símbolo del cierre de la trilogía. El retorno del Jedi supuso el broche de oro a una historia que, décadas después, continúa vigente y es revisitada con entusiasmo por nuevas generaciones. La emisión en abierto y en streaming de la trilogía original este fin de semana refuerza el vínculo entre Star Wars y el público, en vísperas de un nuevo estreno que expande el legado de la saga.

Ángeles sin alas, arañas sin patas, escritores sin historias o herederos sin dinero. Así de paradójica se presenta esta semana de estrenos en cartelera. Después de un finde protagonizado por la española Yo no moriré de amor, los Hombres G u ovejas detectives, en este llega un nuevo reparto de lo más rocambolesco pero encabezado por Keanu Reeves y Jennifer Lopez.

Relatos fantásticos con moraleja como Movida celestial, musicales como El beso de la mujer araña y dramas con acento español son algunas de las propuestas de esta semana. Mientras la mirada comienza a estar puesta en el Festival de Cannes, donde competirán hasta tres películas españolas dentro de la Sección Oficial, los cines se llenan de nuevas y apasionantes historias con las que vivir este fin de semana.

Movida celestial

Un ángel sin alas y un millonario sin dinero. Movida celestial es una película que en España bien podría recordar a Ángeles S.A. de María Isabel, aunque dudamos que Aziz Ansari haya podido ver una película de María Isabel. Debut en la dirección del cómico y protagonista de la serie de Netflix Master of None, Movida celestial cuenta la historia de un ángel interpretado por Keanu Reeves que decinde intervenir en la triste vida de Arj, un hombre que llega con lo justo a fin de mes. Todo se complica cuando le da la oportunidad de vivir la vida Jeff (Seth Rogen), un millonario despreocupado que verá como le arrebatan mágicamente todo de la noche a la mañana. Pero en esta historia, como en la vida real, nada es tan simple.

Hokum

El irlandés Damian McCarthy se ha hecho un pequeño gran nombre en el cine de terror, especialmente tras sus dos anteriores películas, Caveat y Oddity. En Hokum vuelve a presentar un universo de lo más particular y sórdido, esta vez encarnado en un escritor en plena depresión que se ve inmerso en una horrible conspiración en un pequeño hotel rural de Irlanda. Brujas y otras maldiciones del folclore gaélico se verán entremezcladas con el drama personal de este novelista de éxito que no está allí por casualidad, pues sus padres pasaron la luna de miel en ese aparentemente acogedor hotel.

Un hijo

Para dramas, el que se vive en un pequeño colegio con la entrada de María (Macarena García), una psicóloga sin apenas experiencia y que se da de bruces con un caso de lo más complejo, el del pequeño Guille. Nadie sabe muy bien qué le ocurre a él o a su distante padre Manuel (Hugo Silva), pero el niño también acaba de llegar al colegio y tiene dificultades para comunicarse y hacer amigos. La intervención de la psicóloga será fundamental para destapar el grave problema que vive en realidad la familia y que impide a hijo y a padre salir adelante.

Jugada maestra

Puede que muchos no hayan visto Ocho sentencias de muerte, pero esta película vendría a ser una revisión de aquella comedia de la británica Ealing Studios. En Jugada maestra, Becket (Glen Powell) es un joven humilde que se ha criado alejado de su familia, una de las más nobles y ricas de todo el mundo. Una repentina muerte de uno de sus miembros coloca a Becket en la línea de sucesión, y desde ese momento hará todo lo posible por ir escalando puestos. Lo que significa, sí, efectivamente, ir liquidando a miembros de su propia familia. Al fin y al cabo, nunca le prestaron mucha atención.

El beso de la mujer araña

Otro remake cierra las novedades en cartelera como es este peculiar musical basado en la obra del argentino Manuel Puig y que ahora dirige Bill Condon (Chicago). Con Jennifer Lopez y Diego Luna a la cabeza, la película cuenta la historia de un preso político en la cárcel mezclada con el relato de otro preso, quien le deleitará con las historias de una diva de Hollywood, Ingrid Luna, y su peculiar historia.

Hablar de Tiburón es hacerlo de una de las películas más influyentes de la historia del cine. El clásico dirigido por Steven Spielberg redefinió el suspense moderno y convirtió el miedo a lo desconocido en un fenómeno global gracias a una puesta en escena impecable y a la inolvidable música de John Williams. Sin embargo, el cineasta Quentin Tarantino cree que existe una producción de serie B capaz de capturar la esencia de la misma.

Se trata de Piraña, la cinta de terror estrenada en 1978 dirigida por Joe Dante que sigue a dos jóvenes que, durante un baño nocturno en el lago Lost River, son atacados por unas pirañas modificadas genéticamente. Sus muertes destapan la existencia de un experimento secreto del gobierno conocido como Operación Razorteeth, responsable de haber creado estas criaturas.

Sin embargo, la situación empeora cuando el ejército de peces comienza a desplazarse en dirección a un complejo vacacional repleto de turistas y niños. Allí, un ecologista interpretado por Bradford Dillman y una investigadora encarnada por Heather Menzies intentarán detener la amenaza antes de que las pirañas alcancen aguas abiertas y el desastre se vuelva imposible de controlar.

“Ingenio y crudeza desmesuradas”

El director de Pulp Fiction y Kill Bill elogió abiertamente esta ficción en una extensa crítica publicada en la web del New Beverly Cinema, el histórico cine de Los Ángeles que el cineasta compró en 2007, para salvarlo de la remodelacón. Tarantino definió la película de Dante como “una emocionante y sangrienta imitación de Tiburón por derecho propio”, tal y como escribió el 16 de febrero de 2020.

La cinta, escrita por John Sayles, surgió en plena oleada de imitaciones del éxito de Spielberg. Pero, para Tarantino, logró ser algo más. “Piraña destaca por su ingenio y la crudeza desmesurada de su sangriento clímax en un campamento de verano para niños pequeños”, escribió el director.

El cineasta añadió además que la película “parece deleitarse con la idea de poner a niños regordetes y armados en el camino de feroces peces con dientes afilados como navajas”. Para Tarantino, precisamente ese tono excesivo y provocador forma parte del encanto de la producción de Joe Dante.

En su crítica, también destacó una de las secuencias finales de la película, protagonizada por Bradford Dillman. “En el clímax, tiene un momento de suspenso digno de la original de Spielberg”, aseguró. Tarantino se refería a la escena en la que el protagonista debe sumergirse bajo el agua para cerrar una válvula mientras las criaturas atacan violentamente su cuerpo.

Con el paso de los años, Piraña se ha convertido en una obra de culto para los aficionados al terror y al cine de serie B. Y las palabras de Tarantino han contribuido a reforzar el prestigio de una película que, pese a haber nacido a la sombra del clásico de Spielberg, todavía sigue siendo reivindicada por su violencia, su humor negro y su capacidad para generar suspense.

El reconocimiento de Steven Spielberg como uno de los grandes arquitectos de la ciencia ficción se basa en éxitos como Jurassic Park, E.T. el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase o A. I. Inteligencia artificial, a la espera también de su próximo estreno, El día de la revelación, que llegará a los cines este verano. Sin embargo, en el panorama de las series, el famoso director también ha explorado mucho este terreno, aunque haya sido desde el rol de productor.

Es en esta faceta donde encontramos al cineasta detrás de Falling Skies, uno de sus proyectos más ambiciosos en este género que se estrenó originalmente en 2011, pero que quince años después sigue ganando nuevos adeptos en Netflix, plataforma en la que está actualmente disponible.

A través de esta producción de cinco temporadas, Spielberg consolidó su influencia en el género al crear junto a Robert Rodat una historia en la que la humanidad ya ha perdido la batalla inicial contra una especie extraterrestre que ya ha conquistado buena parte del mundo. En este sentido, la serie podría recordarnos a La guerra de los mundos, la película del director que realizó junto a Tom Cruise unos años antes.

Los ‘héroes anónimos’ de Steven Spielberg

El personaje central de Falling Skies es Tom Mason (interpretado por Noah Wyle, al que hemos visto triunfar estos años con The Pitt), un profesor de historia convertido en líder de la resistencia. La premisa sedujo a Spielberg desde el inicio, fascinado por ideas como la posible supervivencia de los humanos en este tipo de supuestos. Para él, el hecho de que un académico asuma el liderazgo de los supervivientes “sería una forma muy convincente para que el público se viera reflejado en la situación”.

Así, a diferencia de otros relatos de invasión, Falling Skies evita el espectáculo puro y se centra en el drama humano. Spielberg explicó en varias entrevistas que lo que realmente le interesaba no era solo la invasión alienígena, sino “cómo los supervivientes se organizan para proteger a sus familias y recuperar lo perdido”. Ese énfasis en la protección familiar y la resiliencia colectiva es, en palabras del cineasta, el verdadero motor de la serie.

Esta estrategia narrativa, en la que un individuo normal que, a pesar de todos sus defectos o sus temores, acaba convirtiéndose en un héroe de acción, es otra de las grandes marcas del cine de Steven Spielberg. El cineasta nos ha mostrado a este tipo de personajes en muchos de sus grandes clásicos, como el jefe Brody en Tiburón, James Donovan en El puente de los espías o el profesor con vocación de explorador de Indiana Jones.

El regreso de una serie infravalorada

El aterrizaje de Falling Skies en Netflix ha propiciado que una nueva generación descubra una de las series de ciencia ficción más adictivas de la década pasada. El formato, con cinco temporadas de diez episodios y capítulos de unos 40 minutos, favorece las maratones y engancha por la constante evolución de la trama y la dinámica de los personajes.

A pesar de que en su estreno tuvo éxito, Falling Skies no fue especialmente reconocida, aunque sí que hubo algunos medios que supieron adivinar el tirón que tendría en un futuro. Por ejemplo, en la revista Slant, donde literalmente dijeron que era probable que la historia no estuviera “preparada para ser apreciada como arte”, pero que igualmente era “imposible no amarla como entretenimiento”.

Por su parte, desde The Hollywood Reporter irían mucho más allá y, contradiciendo a todos los que se habían centrado en las imperfecciones de la serie, señalarían: “Soberbia y entretenida serie de ciencia ficción de Steven Spielberg que puede acabar siendo más potente de lo que se esperaba”. Desde este medio destacó el carácter adictivo de la producción frente a todos sus enigmas. “Da la sensación de que eventualmente obtendremos esas respuestas. Y, sin embargo, quieres devorar el siguiente episodio inmediatamente”.

Mayo está siendo un buen mes para Netflix. La grande del streaming ha estrenado en las últimas semanas Ápex, un nuevo thriller de supervivencia protagonizado por Charlize Theron, o el remake de Mi querida señorita, la cinta de 1972 protagonizada por José Luis López Vázquez que en esta ocasión lidera la desconocida Elizabeth Martínez y que dirige Fernando González Molina.

Por si fuera poco, a esta dupla tan diversa hay que añadirle una cinta de animación que llegó a la plataforma el pasado 1 de mayo y actualmente es la película número uno en 77 países. Solo durante la semana pasada acumuló cerca de 40 millones de reproducciones.

La ficción no es otra que Intercambiados (Swapped). Dirigida por Nathan Greno, director de una de las cintas más míticas de Walt Disney, Enredados (2010), y escrita por John Whittington, conocido por ser el guionista de Batman: La LEGO película (2017), la historia sigue a Ollie, una pequeña criatura del bosque parecida a una zarigüeya o nutria que, tras un extraño accidente, intercambia su cuerpo con Ivy, un majestuoso pájaro. Obligados a convivir y colaborar, ambos deberán descubrir el origen del conflicto que lleva décadas enfrentando a sus especies.

Un éxito con sabor español

El ganador del Oscar Michael B. Jordan y la actriz británica Juno Temple ponen voz en versión original a los protagonistas de esta aventura fantástica que apuesta por la comedia, la fantasía y un mensaje sobre la empatía, la convivencia y con un fuerte mensaje medioambiental.

La cinta ha firmado además el mejor estreno para una película de animación de Netflix desde Leo (2023), acumulando 15,5 millones de visualizaciones en apenas tres días. Sin embargo, el auténtico récord llegó después. Según datos publicados por Tudum, el portal oficial de Netflix, la producción alcanzó 38,7 millones de reproducciones durante su primera semana completa y se convirtió en la película animada con mayor audiencia semanal de la historia de la plataforma. La última vez que una película de animación iba tan bien en la plataforma fue el verano pasado con Las guerras K-pop, aunque esta tardó un pelín más en despegar.

Por si fuera poco, la película cuenta con equipo español. Producida por Skydance Animation, la cinta ha tenido parte de su desarrollo en Madrid, puesto que ha contado con la división de la empresa en la capital para desarrollar aspectos técnicos como la iluminación. “Se ha hecho eterna la espera y pensaba que nunca llegaría este momento, pero al final ha merecido la pena. No sé cómo expresar todo lo que siento”, ha expresado el iluminador y artista 3D, Adolfo Rico en su Instagram, donde ha compartido una imagen con todo el personal que ha participado en ella.

Por el momento, la crítica se ha mostrado favorable. En Rotten Tomatoes mantiene un 67% de valoraciones positivas por parte de la prensa, como la periodista Rosie Fletcher, quien definió la película como una “diversión veraniega dulce y tierna” y destacó tanto la química entre Michael B. Jordan y Juno Temple como su mensaje medioambiental dirigido al público infantil. Más favorable aún se muestra el público, con una valoración positiva aún mayor: un 87%.

Dicen que “quien no oye consejo, no llega a viejo”, pero puestos a dejarnos aconsejar, mucho mejor si lo hace alguien que ha dado vida a personajes tan memorables como Indiana Jones, Han Solo y Rick Deckard. A través de ellos, probablemente Harrison Ford haya vivido en la memoria de varias generaciones, si bien el pasado martes, el actor de 83 años logró también inspirar a miles de estudiantes lejos de la gran pantalla, con un discurso en su ceremonia de graduación que no ha tardado en volverse viral.

El intérprete estadounidense se dirigió a la promoción más numerosa en la historia de la Universidad Estatal de Arizona (ASU), compuesta por 14.000 estudiantes de pregrado que recibieron más de 15.000 títulos. La ceremonia principal se celebró en el Mountain America Stadium, donde muchos de estos jóvenes escucharon a Harrison Ford, nombrado Doctor Honoris Causa de la institución, en una intervención que buscó recordarles que su generación tiene “mucho más poder” del que imaginan, y que solo deben encontrar “sus causas y su voz” para que el mundo “no pueda ignorarlos”.

Ford compartió con los egresados una experiencia de su juventud universitaria. Explicó que, al notar que sus calificaciones descendían durante el tercer año, decidió inscribirse en un curso de teatro buscando una mejor nota. “Mis compañeros de clase eran personas a las que antes había descartado como nerds y marginados. Pero pronto me di cuenta de que yo también era un nerd y un marginado”, relató. “Había encontrado mi lugar. Esta era mi gente”.

“Pasión y propósito no son lo mismo”

El actor recordó que, tras mudarse a California, la actuación no bastaba para sostener a su familia, por lo que alternó su carrera artística con el trabajo de carpintero. “Esto duró unos 15 años, durante los cuales trabajé mucho como carpintero y solo hice cuatro o cinco trabajos como actor, pero eran proyectos más ambiciosos y de buena calidad. Y luego todo encajó y conseguí el papel en Star Wars”, contaba Ford, recibiendo ovaciones del público.

Al reflexionar sobre su trayectoria, Ford distinguió entre pasión y propósito: “Tener pasión no es lo mismo que tener propósitos. La pasión te da alegría. Los propósitos te dan sentido”. Y añadió: “La pasión te levanta de la cama por la mañana, pero los propósitos te permiten dormir por la noche. Y yo aún no había encontrado un propósito superior a mi trabajo”.

“Construid algo que no existía ayer”

La intervención de Ford fue, además, un llamado a la conciencia ambiental. “La naturaleza no necesita a las personas. Las personas necesitan a la naturaleza para sobrevivir”, advirtió, agregando: “Un mundo natural y sano proporciona a la humanidad servicios gratuitos que nosotros no podemos proporcionarnos a nosotros mismos”. A pesar de los avances científicos y las nuevas políticas, Ford advirtió que la naturaleza continúa desapareciendo. “Necesitamos un cambio cultural. Necesitamos extender la justicia social”, subrayaba.

“Construid algo que no existía ayer. Defended a quienes no pueden defenderse a sí mismos. Reunid a personas que antes no se comunicaban”, instaba a los jóvenes reunidos en el estadio. Y concluía: “Eso es liderazgo. Eso es lo que marca la diferencia. ... Este es vuestro momento. ¡Aprovechadlo! Disfrutad cada segundo. ¿Qué podría ser peor que llegar al final de vuestra vida y daros cuenta de que no la habéis vivido plenamente?”.

La cuenta regresiva ya comenzó: en solo tres días, El gran showman dejará el catálogo de Netflix, despidiéndose de miles de espectadores que la han colocado entre las películas más vistas de la plataforma. La cinta, protagonizada por Hugh Jackman, no solo supuso uno de los mayores éxitos de la carrera del actor, sino que además le sirvió como demostración de que estaba más que preparado para pasar página con Lobezno, el personaje de X-Men al que había ligado buena parte de su carrera.

El gran showman coincidió con el estreno de Logan, película con la que el actor australiano se despedía de la famosa saga de superhéroes. Intercambiando la acción por los musicales, Hugh Jackman tenía frente a sí el reto de protagonizar la nueva película de Michael Gracey que pretendía contar la historia de P. T. Barnum, un visionario del siglo XIX que se propuso transformar el aburrido entorno de su época en un espacio donde la imaginación y la felicidad fueran accesibles para todos.

El proyecto personal del actor

En realidad, Jackman llevaba soñando con este proyecto desde 2009, pero a los estudios les costaba confiar en la idea: los musicales no suelen tener un gran éxito en cines y la película apuntaba a necesitar un presupuesto bastante alto (finalmente, sería de 84 millones de dólares). Casi una década después, logró convencerles, aunque las primeras críticas casi arruinan el estreno: El gran showman tuvo un recibimiento frío por parte de la prensa especializada, y en taquilla tuvo un arranque discreto. “Con un estreno tan desastroso solo podía contener mi aliento”, confesó Gracey, quien durante el primer fin de semana recibió decenas de llamadas de “voces aterrorizadas”.

Sin embargo, tras una mala primera semana, el boca a boca transformó la suerte de la película: su recaudación subió más de un 75% y mantuvo a El gran showman durante semanas en la gran pantalla, logrando superar los 350 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Más allá de eso, la banda sonora, con Hugh Jackman demostrando por qué antes de triunfar como actor tuvo una brillante carrera en el teatro musical, fue el disco más vendido a escala mundial en 2018 y batió récords en Reino Unido y Estados Unidos.

Para potenciar el lado musical de este biopic, Gracey trabajó con Benj Pasek y Justin Paul, quienes ya habían ganado el Oscar por la canción City of Stars, de La La Land. Eso sí, las canciones no fueron lo único que convenció de la película. Otro de sus atractivos era un reparto donde Jackman destacaba por encima del resto, pero que también contaba con estrellas como Zendaya (que hizo de acróbata sin usar un doble de acción), Zac Efron, Michelle Williams, Rebecca Ferguson o Yahya Abdul-Mateen II.

El cambio que supuso para Hugh Jackman hacer ‘El gran showman’

Hugh Jackman, al que ahora podemos ver en cines protagonizando Las ovejas detectives, ha admitido en más de una entrevista que el éxito de El gran showman cambió su carrera y su vida. “Me paran por la calle más que por ninguna otra cosa por El gran Showman. Recibo vídeos todos los días”, contaba en una entrevista con la revista Billboard, donde reconoció que esta película le había abierto las puertas “de una forma que nunca creí posible, sobre todo a un público joven”.

La huella de El gran showman se extendería más allá de la pantalla. La producción inspiró una gira internacional de conciertos de Jackman y una adaptación a Broadway, además de una secuela que podríamos ver próximamente. Mientras tanto, tenemos la oportunidad de descubrir o volver a ver la película original en Netflix, hasta que el próximo 15 de mayo desaparezca del catálogo de la plataforma.

Fermín Cabanillas (EFE)

José Domínguez ‘El Cabrero’, el cantaor flamenco fallecido a sus 81 años, fue, como decía Sabina en Besos en la frente, un sabio que no cambió París por su aldea, que vivía feliz en su campo de Aznalcóllar, en la sierra sevillana, y que llegó a pisar la cárcel por un “mecagoendios” que soltó en un concierto ante miles de personas.

Era un personaje carismático como pocos en su estilo, un hombre que no llevaba el apelativo de cabrero por casualidad, sino porque fue siempre su profesión, y que en los últimos años de su vida intentó adaptarse a los nuevos tiempos, sacándose perfiles en redes sociales, aunque describiéndose así: “Lo que escribo aquí lo dicto porque no sé ni encender un ordenador”.

Durante su carrera lo consiguió todo, desde que en 1975 grabó su primer disco y hasta que en mayo de 2019 sufrió un ictus que, poco a poco, le fue retirando de los escenarios. El 21 de febrero de 2020 hizo su último recital, en el Festival Flamenco de Jerez de la Frontera. La pandemia hizo el resto para que no volviese a cantar en público.

Desde entonces, su mujer, Elena Bermúdez, ha sido la que ha mantenido el contacto con sus seguidores en sus redes sociales, con un último mensaje publicado el pasado 8 de mayo, en el que recordaba que hacía seis años desde el accidente de salud que le condicionó su vida, y respondía a los cientos de mensajes que le iban llegando.

Por mucho que fuese reclamado en festivales y recitales de cualquier pueblo o ciudad, El Cabrero siempre volvía a su tierra. Vivió nueve años en la localidad sevillana de Dos Hermanas, pero echaba tanto de menos la sierra norte de Sevilla que decidió regresar a sus campos.

Su vida está llena de anécdotas, aunque una de las que más llama la atención hay que buscarla en 1982, cuando fue denunciado por decir “mecagoendios” en un concierto, y antes del juicio, del que salió absuelto, le contrataron en el mismo lugar, y el público rompió en aplausos cuando se intentó disculpar.

Y es que mucha gente que siempre lo ha seguido conoció la época de Se prohíbe el cante, el cartel en las tabernas y ventas durante el régimen franquista, y lo entendían, más que como cantaor, como un símbolo cultural de la transición. Por eso llenaba peñas flamencas, teatros o hasta plazas de toros con un guitarrista al lado, siempre cantando de memoria todas sus letras.

Sus referentes

Tío Borrico, Terremoto, el Sernita, el Sordera, Romerito o el Mono fueron algunos de sus referentes, y hace 51 años decidió meterse por primera vez en un estudio de grabación. Pero antes de eso, en 1972 había iniciado una gira con la compañía La Cuadra de Sevilla, y al año siguiente debutó en solitario en el Théâtre de l’Atelier de Ginebra.

Ese viaje a Suiza le cambió la vida, porque fue donde conoció a Elena Bermúdez, que no solo fue su compañera de vida, sino productora, representante y hasta coautora de algunos de sus temas.

El Cabrero no sabía distinguir entre Twitter y Facebook, su felicidad estaba en el campo, y allí escribió, parafraseando de nuevo a Sabina, su canción más hermosa del mundo, y tenía, como expresó el de Úbeda en su letra, su escondite, su clave de sol, su reloj de pulsera y una lámpara de Alí Babá dentro de una chistera.

Y como lo tenía todo en sus calles y campos, sus vecinos le despiden hoy como el artista que era, en una despedida sin prensa, con la sencillez de un hombre ídolo de masas solo con su voz y una guitarra, y que, precisamente a las puertas de unas elecciones, es recordado por cantar, por ejemplo: “Muchos prometen la luna, hasta llegar al poder, y cuando arriba se ven, no escuchan quejas ningunas y te tratan con el pie”.

Amaia Montero ha roto su silencio tras el inicio de la gira con La Oreja de Van Gogh y ha salido al paso de los rumores de que las críticas que había recibido la habían dejado “devastada”. La cantante, que regresó casi veinte años después a la banda con la que se convirtió en una estrella internacional, ha compartido un mensaje a través de sus redes sociales que, en pocas horas, ha acumulado decenas de miles de reacciones.

“Hace tres semanas ya planeé cómo iban a ser los días después de los conciertos en Bilbao. Y así lo he hecho y cumplido, por eso os escribo hoy”, ha empezado diciendo. La cantante ha compartido cómo fue la “desconexión” de los dos conciertos que dio en la capital vasca. “Llegué de Bilbao, me di una ducha, me recogí el pelo, me puse el pijama y ahí empezó todo: descansé como una niña después de su mejor cumpleaños y al despertar estaba muy feliz. Salí al jardín a respirar. Comí y volví a la cama”.

La cantante sigue relatando su descanso, rodeada de “mensajes de cariño, amor y enhorabuenas” que le hicieron ilusión, pero no le impidieron seguir con el plan: “Descansar, descansar y descansar”. “Hacia las 7 de la tarde llegó una llamada de un íntimo amigo mío que me preguntó muy preocupado a ver si iba a dejar la gira. Le respondí muy sorprendida: ‘¿Cómo?’ Él volvió a hacer la pregunta y entonces salió de mí una carcajada de esas que te dejan sin respiración, de esas que quieres contestar, pero no puedes porque sigues riéndote. Y ya cuando pude retomar la conversación le respondí con un rotundo NO“.

“Bajar al infierno te hace prácticamente indestructible”

Con estas palabras, Amaia Montero ha negado cualquier posibilidad de abandonar su gira de regreso con La Oreja de Van Gogh. La cantante también ha querido compartir una reflexión a raíz de estos rumores: “Vivir salvaguardando tu propio bienestar lejos de ser ingenuo es lo más sano e inteligente que uno puede hacer pero el ruido y las mentiras de la gente que no lo hace sigue estando pero sigue siendo solo ruido”. “Lamentablemente, no me sorprende”, añade la vocalista en su mensaje, que ha querido reivindicar lo orgullosa que se sintió por volver con el grupo y actuar en Bilbao frente a 30.000 personas.

“Lo dije en el escenario: hemos vuelto, hemos vuelto de verdad”, continúa, para hacer referencia a continuación a los problemas de salud mental que tuvo que tratar en un pasado, y de los que afirma haber vuelto más fuerte que nunca. “Si algo puedo sacar en positivo de bajar al infierno es que te hace prácticamente indestructible. Hoy sigo mi plan y me voy unos días a uno de mis lugares favoritos del mundo a seguir desconectando”.

La próxima vez que Amaia Montero cantará con La Oreja de Van Gogh será el 28 de mayo en Madrid en el Movistar Arena, recinto que acogerá a la banda también el 29 y el 31. Después, el grupo seguirá con su gira de este año con actuaciones durante todo el verano y el otoño, hasta un concierto de despedida, de nuevo en la capital, programado para el 30 de diciembre.

Desde que el filósofo Byung-Chul Han fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades, su nombre en España se ha hecho mucho más conocido. Sin embargo, este pensador surcoreano afincado en Alemania ya era un fenómeno de ventas gracias a ensayos como La agonía del Eros o La sociedad de la transparencia. Su capacidad para diseccionar las patologías de la modernidad lo ha convertido en un referente imprescindible para entender nuestro presente.

Las aportaciones de Han, a quien se le ha reconocido su capacidad para analizar las “grandes patologías” del mundo contemporáneo, se centran en la transición de una sociedad disciplinaria obsesionada con el rendimiento y marcada por el exceso de positividad en busca del éxito constante. Esta dinámica genera una presión constante por producir y destacar, lo que desemboca inevitablemente en una crisis de salud mental marcada por el desánimo y el agotamiento que nos afecta a todos.

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Esto queda reflejado en una de las frases más emblemáticas que hemos querido rescatar de La sociedad del cansancio, la obra que lo dio a conocer internacionalmente: “La queja de un individuo depresivo, ‘nada es posible’, solo puede ocurrir en una sociedad que piensa que ‘nada es imposible’”. En este ensayo, el filósofo analiza cómo el imperativo del “tú puedes” se transforma en una forma destructiva de autoexigencia. Eliminando los límites de lo posible, el sistema convierte cualquier fracaso personal en una responsabilidad individual, generando sentimientos de culpa, ansiedad y depresión.

El significado de la frase de Byung-Chul Han

Para profundizar en esta idea, debemos entender que Han define al sujeto moderno como un “proyecto” que se cree libre, pero que en realidad es un esclavo de sí mismo. Al respecto, el autor señala textualmente: “El exceso de trabajo y rendimiento se agudiza y se convierte en autoexplotación”. En este contexto, la creencia de que “nada es imposible” hace que, cuando el individuo choca con los límites que todos tenemos, experimente una fractura psíquica devastadora.

Esta paradoja de la libertad es el eje de su crítica al sistema capitalista actual. Para Byung-Chul Han, la violencia que se ejerce contra las personas ya no viene de fuera, sino que es inmanente al sistema de rendimiento. “La violencia no priva, satura; no excluye, agota”. Así, el agotamiento no es un cansancio reparador, sino una fatiga que aísla y separa a las personas de su propia humanidad.

Con sus palabras, el filósofo que la omnipotencia que se nos promete es, en realidad, una trampa de control social. Cuando la sociedad impone la idea de que todo es alcanzable mediante el esfuerzo, el cansancio se vuelve crónico, no hay fuerzas para intentar cambiar las cosas y la queja por la impotencia se vuelve el único grito de resistencia posible.

El poder en la “modernidad líquida”

Byung-Chul Han no ha sido el único filósofo en señalar esta deriva de la sociedad. Otros intelectuales han explorado durante las últimas décadas líneas de pensamiento similares. Entre ellos, podríamos destacar al reconocido Zygmunt Bauman, que nos legó el término de “modernidad” líquida para hablar de un mundo marcado por la precariedad de lo que nos une a los demás y la presión por “gastarlo todo”. “En una vida de consumo, no hay nada que deba ser retenido para siempre”, observaba este pensador.

En la misma línea, la filosofía de Byung-Chul Han actúa como un espejo incómodo que refleja el agotamiento de una civilización obsesionada con el “poder hacer”. Su análisis reivindica la importancia de la contemplación frente al ruido de la productividad. Solo reconociendo nuestros límites y aceptando la negatividad de lo imposible podremos empezar a construir una sociedad más humana, menos acelerada y, sobre todo, mucho más sana.

El caso de Stranger Things se presenta como ejemplo del impacto directo que una producción audiovisual puede ejercer sobre industrias locales y nacionales. Los empleos generados abarcan desde actores y técnicos hasta personal de apoyo y servicios auxiliares, lo que, según Netflix, revierte en una cadena de beneficios para comunidades y sectores vinculados a la producción. Stranger Things se ha consolidado como un fenómeno no solo cultural, sino también económico, por el volumen de recursos movilizados en cada temporada y la cantidad de profesionales involucrados.

La compañía expone que, a lo largo de sus cinco temporadas, Stranger Things ha dado trabajo a miles de personas, incluyendo más de 8.000 empleos directos. Además, la última entrega requirió más de 200 especialistas en escenas de acción, lo que refleja la magnitud de la producción y la diversidad de perfiles contratados. Netflix indica que la serie colaboró con 3.800 empresas proveedoras en áreas como vestuario, catering, transporte y servicios técnicos, generando un efecto multiplicador en la economía estadounidense.

El informe de la plataforma sostiene que los efectos de una serie de este calibre van más allá del entretenimiento, al impulsar sectores enteros relacionados con la producción audiovisual. El gasto asociado a rodajes, logística y postproducción contribuye a la creación de empleos tanto temporales como estables, y fortalece la red de industrias auxiliares en distintas regiones de Estados Unidos. La cifra de 1.400 millones de dólares atribuida a la serie incluye salarios, pagos a proveedores y la contratación de servicios locales, según la información divulgada por Netflix. Estos datos forman parte de la campaña para visibilizar el aporte de la plataforma al desarrollo económico y social a través del audiovisual.

Además de Stranger Things, Netflix ha destacado el efecto de otras producciones en diferentes regiones. La serie The Lincoln Lawyer aportó 425 millones de dólares a la economía californiana y empleó a más de 4.300 personas, con rodaje en más de 50 localizaciones de Los Ángeles. El largometraje Beverly Hills Cop: Axel F, estrenado en 2024, generó 140 millones de dólares en California y dio trabajo a más de 2.000 miembros del elenco y equipo técnico, además de contratar a más de 900 proveedores. Por su parte, la serie Ransom Canyon en Nuevo México facilitó la creación de más de 700 puestos de trabajo locales.

A nivel global, Netflix asegura que en los últimos diez años ha invertido 135 mil millones de dólares en películas y series, lo que, según la compañía, se tradujo en un aporte de 325 mil millones de dólares a la economía mundial. En ese periodo, las producciones de la plataforma han generado 425.000 empleos directos y más de 700.000 adicionales en roles temporales o de apoyo. El catálogo incluye títulos producidos en más de 4.500 ciudades y pueblos de 50 países, y la empresa ha colaborado con más de 2.000 productoras y licenciado contenidos de 3.000 compañías, incluidas emisoras públicas.

El efecto Netflix

Netflix destaca que ha organizado más de 1.000 programas y eventos de formación en los últimos cinco años, llegando a 90.000 personas en más de 75 países. Este esfuerzo busca fortalecer el sector audiovisual y fomentar el desarrollo de talento local en diversas regiones. La plataforma subraya también el aumento del consumo de contenidos en idiomas distintos al inglés: actualmente, más de un tercio del visionado en Netflix corresponde a títulos en otros idiomas, frente a menos del 10% hace una década. Las producciones originales y licenciadas se distribuyen con doblaje en 36 idiomas y subtítulos en 33.

Algunos ejemplos de impacto cultural incluyen el caso de KPop Demon Hunters, que impulsó el estudio del idioma coreano y el turismo a Corea del Sur, así como la serie Emily in Paris, mencionada por el 38% de turistas como motivación para visitar la capital francesa tras ver la producción en la plataforma. Toda esta información se publica en un nuevo sitio interactivo, thenetflixeffect.com, donde la empresa busca mostrar el alcance económico, social y cultural de sus producciones. El co-CEO, Ted Sarandos, afirma que el objetivo es documentar cómo los contenidos de Netflix generan efectos en industrias, comunidades y la vida cotidiana a escala internacional.

Según el directivo, la compañía continuará invirtiendo en contenidos y en infraestructuras de producción en distintos países, además de impulsar programas de formación para profesionales del sector. Netflix prevé que en 2026 el gasto en contenido alcance los 20.000 millones de dólares, lo que representa un crecimiento del 10% interanual. La empresa sostiene que, mientras otras firmas del sector ajustan sus inversiones, su estrategia es reforzar la apuesta por el audiovisual global, con el fin de ampliar el impacto económico, profesional y cultural que atribuye a sus operaciones en todo el mundo.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha confirmado que Conan O’Brien volverá a ser el anfitrión de los Premios Oscar en su edición de 2027. El anuncio se realizó durante la presentación de novedades de Disney, donde se informó que O’Brien conducirá la ceremonia por cuarto año consecutivo, consolidando así su rol como figura central de la gala más importante del cine. La próxima entrega de los Oscar se celebrará el 14 de marzo de 2027, con transmisión en directo por ABC y Hulu a partir de las 19:00 (hora del este de Estados Unidos). Además, la organización ratificó la continuidad de los productores Raj Kapoor y Katy Mullan, quienes estarán al frente por cuarta vez, junto a Jeff Ross y Mike Sweeney, responsables del evento por cuarto año. Sweeney también desempeñará funciones como guionista de la gala.

La elección de O’Brien se produce en un contexto donde la Academia busca mantener un tono de cercanía y dinamismo en la ceremonia. Craig Erwich, presidente de Disney Television Group, subrayó la contribución del comediante: “Conan ha creado una energía notable en los Oscar. Su voz cómica convierte la noche más grande de Hollywood en una de las celebraciones más entretenidas del año”. Desde la producción, Kapoor y Mullan destacaron la importancia de la colaboración con el presentador: “O’Brien aporta ese humor característico que todos aprecian, junto con una calidez y generosidad que atraviesa todo el espectáculo. Es un socio creativo en quien confiamos plenamente y hace que todo el proceso sea realmente divertido, tanto detrás de escena como en el escenario”.

Por su parte, Bill Kramer y Lynette Howell Taylor, CEO y presidenta de la Academia, respectivamente, valoraron el aporte del equipo: “Han producido espectáculos cautivadores, entretenidos y emotivos en los últimos dos años. Agradecemos su compromiso mientras honramos a la comunidad cinematográfica global, y esperamos que Conan lidere la celebración con su ingenio y humor”. La designación de O’Brien como anfitrión anticipa una continuidad en el estilo de la gala, caracterizado por la combinación de comedia, espontaneidad y referencias a la industria del cine, que han marcado sus intervenciones en ediciones anteriores.

Buscando la estabilidad en los premios

La presencia de O’Brien por cuarto año seguido coincide con una tendencia similar en otros galardones. Los Globos de Oro también repetirán presentadora, ya que Nikki Glaser fue confirmada para su cuarta edición consecutiva al frente de la ceremonia. Esta práctica busca aprovechar la familiaridad y el carisma de conductores que ya han conectado con la audiencia y la industria.

Críticos especializados, como Dan Fienberg de The Hollywood Reporter, han valorado positivamente el desempeño de O’Brien en las últimas ediciones. En su reseña sobre la gala de 2026, lo calificó como “muy bueno” y pronosticó que la Academia lo invitaría nuevamente. La decisión de renovar su contrato varios meses antes del evento confirma esta expectativa. En materia de audiencias, los Oscar han experimentado fluctuaciones recientes. La edición de 2025 registró un repunte con 19,69 millones de espectadores, la cifra más alta desde la pandemia. Sin embargo, en 2026 la audiencia descendió a 17,86 millones, una baja cercana al 9% respecto al año anterior.

La edición de 2027 será la penúltima que se transmita por ABC y Hulu, ya que a partir de 2029 la ceremonia pasará a emitirse por YouTube. Además, será la anteúltima ocasión en que los Oscar tengan lugar en el Dolby Theatre de Hollywood; desde 2029, la sede cambiará al Peacock Theater. Con la confirmación de Conan O’Brien como presentador, la Academia apuesta por la continuidad y el humor en una gala que buscará renovar su atractivo ante los desafíos de la industria y los cambios en los hábitos de consumo televisivo.

La nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, aún no se ha estrenado y ya genera debate en redes sociales y foros especializados. El director británico salió al cruce de las críticas que cuestionan la fidelidad histórica del vestuario y la elección de actores, defendiendo el rigor de su propuesta y trazando un paralelismo con las objeciones que recibió tras el estreno de Interstellar. Con un presupuesto de 250 millones de dólares y rodada íntegramente en cámaras Imax de 70 mm, La Odisea representa el proyecto más ambicioso de Nolan hasta la fecha. La película, que llegará a los cines el 17 de julio, traslada a la pantalla la epopeya de Homero con un elenco encabezado por Matt Damon en el papel de Odiseo, Anne Hathaway como Penélope y otras figuras como Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal y Benny Safdie.

La historia sigue el regreso de Odiseo, rey griego, tras la guerra de Troya y su enfrentamiento con obstáculos sobrenaturales y humanos en el camino de vuelta a su hogar. La escala de la producción, el diseño de sets y la utilización de efectos prácticos se combinaron para recrear la atmósfera de la Grecia antigua, según explicó el propio Nolan en una serie de entrevistas con Time. Uno de los puntos que más polémica generó fue el aspecto de las armaduras que lucen los guerreros en La Odisea. En las redes sociales, muchos usuarios compararon el atuendo de los personajes con el Batsuit, el traje de Batman, por su apariencia moderna y oscura. Ante estas observaciones, Nolan defendió el trabajo de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick y argumentó que la inspiración provino de hallazgos arqueológicos.

“Existen dagas micénicas de bronce ennegrecido”, explicó Nolan en Time. “La teoría es que probablemente pudieron ennegrecer el bronce en aquella época. Si se añade más oro y plata, y luego se utiliza azufre, el material toma ese color”. El director añadió que para el personaje de Agamenón, la vestimenta debía transmitir su posición elevada respecto al resto: “Se logra mediante materiales que serían muy costosos”. Esta explicación busca responder a quienes afirman que la película sacrifica autenticidad histórica por un diseño visual atractivo. Nolan subrayó que las decisiones estéticas están fundamentadas en investigaciones sobre la cultura micénica, intentando equilibrar rigor y narrativa visual.

Un rapero en la corte de Odiseo

Otra controversia giró en torno a la elección de Travis Scott como bardo, una figura central en la transmisión oral de las historias en la antigua Grecia. El anuncio del rapero estadounidense en el reparto sorprendió a muchos espectadores que no asociaban su perfil con el contexto del filme. Nolan justificó la decisión vinculando la tradición oral de la poesía épica con el rap contemporáneo. “Lo elegí porque quería hacer un guiño a la idea de que esta historia se ha transmitido como poesía oral, algo análogo al rap”, explicó el director. La presencia de Scott busca reforzar el puente entre la antigüedad y la actualidad, mostrando cómo las formas de narración evolucionan pero mantienen raíces comunes.

Nolan es conocido por su meticulosidad y su búsqueda de precisión en cada proyecto. En Interstellar, contrató un equipo de científicos para asegurar la fidelidad de las leyes físicas representadas. Al hablar sobre La Odisea, el director trazó un paralelismo entre ambas producciones: “Para Interstellar te preguntas cuál es la mejor especulación sobre el futuro. Cuando miras al pasado antiguo, es lo mismo. ¿Cuál es la mejor especulación y cómo puedo usarla para crear un mundo?”

El cineasta reconoció que ninguna recreación histórica puede ser perfecta, pero defendió el método de trabajo basado en la investigación y la consulta con expertos. “Espero que disfruten la película, aunque no estén de acuerdo con todo. Muchos científicos se quejaron de Interstellar. Lo importante es que no piensen que lo tomamos a la ligera”, afirmó Nolan. La polémica alrededor de La Odisea refleja el interés y la expectativa que rodean al proyecto. El propio director, lejos de esquivar el debate, invitó al público a valorar el esfuerzo detrás de cada elección artística y a comprender que la reconstrucción del pasado implica necesariamente un ejercicio de interpretación y especulación informada.

“Recordemos este fin de semana cuando se nos llene a todos la boca de hablar de salud mental”. Con estas palabras, los miembros de Veintiuno, el grupo de indie rock que ha acompañado a La Oreja de Van Gogh en los primeros conciertos de su gira con Amaia Montero, han querido condenar las críticas a la cantante por su desempeño en los primeros conciertos de la gira.

El regreso de la vocalista a una banda de la que se marchara hace casi 20 años apuntaba a ser una de las grandes noticias del año en el panorama musical de España. Sin embargo, pese a que el retorno ha cumplido el sueño de muchos de sus fans, también se ha visto empañado por los múltiples comentarios negativos en redes sociales y medios de comunicación a raíz de una serie de vídeos de los conciertos de Bilbao, donde se la ha acusado de desafinar y no estar a la altura.

“Amaia ha currado muchísimo, no ha parado de trabajar”, la defendía este lunes su compañero de grupo, Xabi San Martín, en una entrevista publicada en El Correo. A pesar de ese apoyo interno, este martes saltaban las alarmas con una información del periodista Álex Álvarez en el programa de El tiempo justo en la que se hablaba de un “bajón monumental” del estado anímico de la vocalista, que podría incluso suponer la interrupción de la gira de La Oreja de Van Gogh y, yendo más allá, causar graves daños en la salud mental de la cantante.

El mayor riesgo de depresión de los músicos

“Hablamos de una persona que ya ha tenido problemas de salud mental en otros momentos. No sé a qué nivel su salud mental estaba bien a la hora de iniciar la gira, pero creo que desde el principio ha tenido mucha presión, las expectativas del público eran muy altas y no sé hasta qué punto todo eso ha ido haciendo mella en su preparación”, dice Laura Martínez, psicóloga especializada en el trabajo con artistas musicales.

La propia Amaia Montero confesaba en su primer concierto en el regreso de La Oreja de Van Gogh las dificultades que ha tenido que superar para poder volver a la música. “Pensé que nunca volvería a pisar un escenario. Bajé al mismísimo infierno, pero con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy”, confesaba. En 2022, había tenido que retirarse temporalmente de la industria, llegando a internarse en un centro psiquiátrico durante un mes y medio para poder recuperarse.

Martínez señala también que los músicos son, junto con el resto de artistas, “un colectivo vulnerable”. “Estamos hablando de personas que necesitan sus emociones para desarrollar una profesión artística y que por eso sienten de forma más intensa. Si además unimos que, sobre todo desde las redes sociales, están hiperexpuestos, hay un caldo de cultivo importante para que surjan problemas”. Así lo confirmaba también el neuropsiquiatra Juan Manuel Orjuela: “Los músicos tienen tres veces mayor riesgo de sufrir depresión”.

“Los músicos tienen muy diluida la línea que separa lo profesional de lo personal”

Infobae también ha consultado con Guillermo Dalia y Nerea Palomares, otros dos psicólogos musicales, sobre cómo y por qué han afectado las críticas a la cantante. “A mí ese estado de ánimo me parece normal, vista la situación”, opina la primera. “Nos pensamos que la gente que se dedica a esto no ve las redes sociales, que pasa de las opiniones de los demás, y la realidad es que no: les afecta igual que a todos nosotros”. Además, señala que el señalamiento a Amaia Montero no es algo nuevo: “Se ha permitido demasiado que se hable de ella, y me pregunto si, en el caso de haber sido un hombre, se habría hablado de esa forma de él”.

Por su parte, Dalia subraya que, para ello, es importante que los músicos cuenten con un equipo y con herramientas que ayuden a reducir al mínimo el efecto de las críticas. “Igual que un deportista cuida su parte física y mental, un músico, esté bien o no, debería hacer lo mismo”. Este psicólogo señala como otros factores de riesgo el hecho de que la sensación de soledad en los músicos puede ser muy grande y que, por otro lado, “estos suelen tener muy diluida la línea que separa la parte personal de la musical, y eso no es bueno”.

“¿Cómo controlamos a los medios y al público?“, pregunta. ”Es que ni siquiera existe el público como tal: el público es un montón de individualidades y cada uno tiene su derecho a decir tonterías Hay gente sensible, gente insensible y hasta gente que igual disfruta haciendo daño a la gente". Luchar contra eso, para él, de poco sirve, y lo único que pueden hacer ella y su entorno es prepararse, encontrar estrategias y protegerse. “A veces, la gente de alrededor cree que lo que hace es aliviar y, sin querer, lo está alimentando todavía más. Por eso es importante que tenga especialistas que la ayuden a salir adelante”.

Cuando los nervios te juegan una mala pasada

Varios de los especialistas consultados están de acuerdo en señalar que, este “bajón” que habría afectado ahora a Amaia, en realidad, formaba parte de unos nervios y una ansiedad que pudo manifestarse incluso antes de las críticas, afectando a su voz durante los conciertos. “Era su primer concierto después de un montón de años, y entiendo que los nervios pudieran jugar una mala pasada. Al final, la voz es un instrumento y refleja muchísimo el estado mental”, razona Nerea Palomares. “No es lo mismo subirte a escenarios cada quince días que hacerlo por primera vez en varios años en un lugar tan grande”.

Para su regreso con La Oreja de Van Gogh, Amaia llevaba muchos meses preparándose de cara a ofrecer el mejor desempeño posible frente a sus fans, en una actitud que Xabi San Martín describía en la citada entrevista como “obsesivamente perfeccionista”, algo que pudo verse sobre el escenario también, cuando ella misma reconoció haber cometido errores durante el concierto y se disculpó con el público. “Es un perfil muy frecuente en los músicos”, coincide Palomares. “Según tu experiencia, sabes qué errores cometes y eres más crítico contigo mismo. Esa exigencia hace que te pongas más nervioso si las cosas no salen bien”.

Surge entonces la duda de si, en realidad, Amaia Montero estaba preparada, mental y físicamente, para afrontar la gira. “La pregunta, más que si ella estaba preparada, es si su entorno personal y profesional estaba preparado para esta situación y para darse cuenta de si ella tenía realmente esta capacidad”, argumenta Laura Martínez. “¿Quién cuida la salud del artista? ¿Tiene que ser algo individual o el artista debe tener una red de apoyo? La industria está muy preparada para organizar giras y demás, pero quizá no está preparada para cuidar al artista, para poner límites y no sobreexponerlo".

¿Debería cancelar la gira Amaia Montero?

Ante esta situación, y también frente a los rumores de que la cantante podría estar planteándose cancelar la gira, cabe preguntarse si esta decisión sería viable y positiva para su salud mental. “Depende mucho”, considera Guillermo Dalia. “Habría que hacer una evaluación y ver si hay una causa física o solo es algo psicológico. Si es esto último, habría que ver los pros y los contras de seguir y de dejarlo, porque todo tiene pros y contras. En cualquier caso, se le deberían dar estrategias para poder hacerle frente a lo que está viviendo”.

“Ella tendría que ver realmente cómo está ahora mismo a nivel de salud y cuidarse”, opina Laura Martínez. “No sé si eso supone dejar la gira o no, pero en esta vida lo que no tiene recambio es la salud y por eso tenemos que cuidarla. Los trabajos son importantes, pero siempre se pueden hacer otras cosas y tenemos que mirar primero por nosotros. Y luego, si podemos hacer eso que queremos, pues maravilloso”.

Por su parte, Nerea Palomares insiste en que, al margen de lo que ocurra, quienes asisten y comentan los conciertos no pueden obviar la “responsabilidad social” que existe con las redes sociales. “La gente dice auténticas barbaridades y no puede decir cosas sobre una persona, por mucho que sea un personaje público. Sobre todo cosas que nunca le dirías a esa misma persona a la cara”. Para ella, Amaia Montero ha acabado convirtiéndose en “carne de cañón” de la que parece que todos pueden opinar. “Y creo que ahí se nos ha olvidado un poco que hay una persona real detrás de todo esto”.

Dice J Balvin, famoso cantante de reguetón, que el público no es tonto, y que siempre sabe qué artistas son auténticos y cuáles no. Hans Laguna no lo tiene tan claro. Al inicio de la entrevista, le preguntamos a este músico y sociólogo cuántas veces ha leído o escuchado que el nuevo disco de un artista pop es “su trabajo más personal”. “Pues muchas veces”, responde. “Pero lo que de verdad intento analizar es que eso cada vez sucede más, sobre todo con las estrellas de pop”.

Él mismo fue testigo de ello cuando quedó impresionado con el videoclip de Acróstico, una canción donde Shakira aparece con sus hijos pequeños tocando el piano, junto a cajas de mudanza en su casa de verdad. “Me pareció una teatralización obscena de autenticidad: ella hablando del amor a sus hijos con todo el contexto que sabíamos de su separación con Piqué después de que este le fuera infiel”. Ese morbo, claro, aumentaría el número de reproducciones.

Esta elaborada performance, donde todo parecía prometer que lo que se ve es real, fue lo que llevó al autor a explorar cómo los artistas demuestran lo auténticos que son como parte de su estrategia musical. El resultado de esa investigación es Yo siendo yo. El teatro de la autenticidad en las estrellas del pop (Anagrama). En este ensayo, Laguna aborda cómo, en efecto, la biografía y la personalidad de los artistas han pasado a ser una parte muy importante de su capital. Hasta el punto de que, para lograr y mantener el éxito, su imagen acaba valiendo tanto o más que sus canciones.

El “salseo” de Rosalía

Plagado de ejemplos con artistas que todos conocemos, Yo siendo yo explora cómo la vida privada de los artistas se convierte en material artístico y promocional para los cantantes. No aparece en el libro, pero durante la entrevista Laguna menciona el famoso confesionario de Rosalía durante sus conciertos, donde otras estrellas, desde Aitana a Guitarricadelafuente, pasando por Bad Gyal, han hecho menciones a algunos momentos vitales que los fans, pese a que no se dan nombres, pueden reconocer.

“Todo ese salseo está incorporado en su material musical”, afirma el sociólogo. “Es como un juego de información pública sobre la vida privada, que se reviste de ese carácter autobiográfico y autoral”. Un juego en el que el tablero, apunta, son las redes sociales, ese lugar donde se premia la “espontaneidad” de las celebrities musicales, pero que al mismo tiempo se convierte en un escaparate en el que la vida íntima luego se rentabiliza pasando a los discos y las campañas.

La consecuencia, para Laguna, es que la frontera entre la realidad y la ficción se vuelve cada vez más borrosa, mientras la autenticidad se convierte en una teatralización con la que están de acuerdo tanto los artistas como su público. ¿Es marketing o realidad lo que nos enseñan? “Es una línea borrosa entre la ficción y la realidad”, explica el autor de Yo siendo yo. Lo importante, para que todo funcione, es que el público siempre prefiera creer que es lo segundo".

Las mujeres, más presionadas para parecer auténticas

En el gran teatro de la autenticidad participa todo el mundo, pero la obligación de participar parece recaer especialmente sobre las mujeres en la industria del pop. Laguna señala cómo esto es una excepción histórica, ya que desde el siglo XIX, la figura del artista (masculino) auténtico dejó fuera a las mujeres, que quedaban relegadas a espacios de artificialidad y superficialidad. De hecho, es por eso que el pop acabó siendo un espacio con más artistas femeninas, mientras que el rock o el folk, donde sí se consideraba un valor ser auténtico, se llenó de iconos masculinos que explotaron comercialmente esa misma imagen.

Ahora que en el pop también se requiere ser uno mismo, las mujeres enfrentan una doble exigencia: por un lado, “tienen que performar con mayor intensidad que componen sus canciones, que las letras hablan de su vida y que son ellas las que se expresan como artistas”, y por otro, superar ese prejuicio que las excluyó en un principio. Además, pese a tratarse de demandas del mercado, que necesita cosas diferentes para seguir vendiendo, cada reinvención musical debe defenderse como nacida de las inquietudes propias de los artistas. “Rosalía es una artista tan pura que necesita reinventarse, y en cada disco tiene que dar un giro porque su inquietud así se lo dicta”, ejemplifica.

Del éxito de esta operación no solo depende el éxito de sus canciones. Si es su imagen la que está en juego, también afectará a sus ingresos por publicidad y a otras oportunidades profesionales. “Mirando cifras de ingreso, ser estrella del pop tiene más de empresario que de músico”. En la industria actual, los grandes iconos musicales son anuncios constantes, algo que contrasta con la industria del siglo pasado, donde “venderse” parecía prohibido. “Hoy es al revés: los fans se alegran de ver que Rosalía es la jefa y protagoniza la campaña de una marca. Para la generación Z, certifica su triunfo social”.

Un “espejo amplificado” de toda la sociedad

En el análisis de la autenticidad en el mundo del pop tampoco podía faltar Taylor Swift, una cantante que, además de ser la artista más escuchada del mundo varios años, también se caracteriza por haber escrito un álbum inspirándose en cada una de sus rupturas amorosas. “Es muy astuta”, reconoce Laguna. “Ha sabido crear una relación muy intensa con su base de fans y ha jugado cartas muy bien entre realidad y ficción, introduciendo su vida privada de una forma más o menos velada en todas sus canciones”.

El fenómeno de los mensajes ocultos, videoclips dirigidos por ella misma y la estrategia de lanzar novedades en cada concierto son ejemplos del modelo de negocio contemporáneo en el pop. “Si vas a intentar sacarme una crítica negativa de Taylor Swift, no lo vas a conseguir”, ríe Laguna, que defiende no haber juzgado a nadie con su ensayo, sino simplemente analizado a las estrellas pop como “generadoras de discursos”. “Taylor Swift es una máquina de hacer dinero a lo bestia, y si rascas un poco ves que es un negocio que está muy bien pensado y engrasado”.

En la misma línea, dice el sociólogo que el teatro de la autenticidad no se limita al mundo de la música. “Las grandes figuras de la música son puntas de lanza, una especie de espejo amplificado de conceptos, valores e ideales que nos atraviesan a todos nosotros como individuos y como sociedad”. Por eso, Yo siendo yo es un libro que busca dejar al lector lleno de preguntas; de dudas que demuestren hasta qué punto es necesario reflexionar cómo lo auténtico puede ser, en realidad, otra ideología más capaz de convertirse en un negocio.

La publicación de la novela más reciente de Thomas Pynchon, titulada A oscuras en su edición española y Shadow Ticket en el mundo anglosajón, ha supuesto el regreso del autor a la escena literaria tras doce años de silencio tras el que fue su último título, Al límite (2013).

En esta obra, Pynchon sitúa la acción en la Gran Depresión (1931-1933), un periodo marcado por conspiraciones y amenazas, para radiografiar el auge de los regímenes autoritarios tanto en Europa como en Estados Unidos.

El protagonista es Hicks McTaggart, un detective privado y antiguo rompehuelgas de Milwaukee, contratado para localizar a una heredera desaparecida de Wisconsin. Lo que comienza como un caso sencillo deriva en una trama internacional que lleva a McTaggart primero a bordo de un transatlántico rumbo a Europa y después a Hungría. Durante su viaje, el detective se enfrenta a una galería de personajes que incluye nazis, agentes soviéticos, ‘contraespías’ británicos, músicos de swing y médiums, así como a situaciones disparatadas, como la aparición de gólems checos y un complejo fraude ligado al queso, incluso habrá un “Al Capone del Queso”.

Dimensión política que conecta con la actualidad

El mosaico narrativo que propone Pynchon destaca por su tono irónico, sentido del humor ácido y una sucesión de referencias culturales de la época. En la novela, como suele ser habitual en el autor, todo estará conectado, un leitmotiv que atravesará tanto la estructura argumental, donde los hilos de la historia se entrecruzan de forma imprevisible, como su dimensión política: el auge del fascismo funciona como eje que vincula la Europa de entreguerras, una América dominada por el crimen organizado y una actualidad llena de tensiones y paralelismos inquietantes.

Una de las características más notorias de A oscuras es la relación entre acontecimientos históricos y el presente. Así, la novela formula una advertencia implícita sobre la vigencia de la infiltración del poder en la vida cotidiana. Se incluyen fragmentos que aluden a líderes contemporáneos y describen el ascenso de figuras capaces de ejercer el poder desde la terquedad y la riqueza no merecida.

La trama ‘conspirativa’ se extiende durante toda la novela. Ni personajes ni organizaciones son lo que aparentan. Hicks se verá involucrado en una espiral que lo lleva de la rutina urbana a un escenario internacional lleno de referencias al cine, la música de las ‘big bands’ y hechos históricos como el estreno de la película Drácula protagonizada por Béla Lugosi. Uno de los episodios citados por el diario británico The Guardian incluye a dos personajes que acuden a ver una comedia gastronómica ficticia, Bigger Than Yer Stummick, protagonizada por Squeezita Thickly y Wallace Beery, lo que subraya el carácter lúdico y paródico de la obra.

En cuanto a la estructura, la novela se asemeja más a una ‘whodunnit’ dinámica que a las densas tramas circulares de títulos previos de Pynchon como El arcoíris de la gravedad. A oscuras se convierte en un recorrido por espacios clásicos del autor donde lo esencial es la proliferación de incógnitas, ironías y referencias culturales más que la resolución del misterio.

Calificada de “obra maestra”

La prensa internacional recibió A oscuras con elogios. El diario británico The Telegraph calificó la novela como “una obra maestra” y el diario estadounidense Los Angeles Times como “oscura, ágil, traviesa, con una despreocupada seguridad, trepidante. Y, cuando se detiene, te parte el corazón”. Asimismo, The Washington Post la consideró “una locura divertidísima y brillante”. Esta valoración se complementa con la perspectiva de la revista cultural Vulture, que enfatiza el carácter “urgente” de la obra, mientras que la revista GQ y el periódico The Wall Street Journal resaltan los paralelismos entre el contexto de los años treinta y la realidad política contemporánea.

En el plano biográfico, el escritor Thomas Pynchon, nacido en Nueva York en 1937, es uno de los últimos exponentes de la 'posmodernidad’ estadounidense, con una vida pública hermética que ha reforzado su condición de figura misteriosa en la literatura contemporánea. Apenas existen media docena de fotografías suyas y su aversión a la exposición mediática forma parte de su mito. Toda su obra de ficción, incluidas las novelas La subasta del Lote 49, V., El arcoíris de gravedad o Vineland, ha sido publicada en España por la editorial Tusquets. Vineland fue adaptada el pasado año al cine por Paul Thomas Anderson con el título Una batalla tras otra, película que obtuvo seis premios Oscar en 2026.

La obra de Pynchon se caracteriza por el humor mordaz, la ironía y un universo literario donde la conspiración y el caos resultan motivos recurrentes. A oscuras es la novena novela de Pynchon y la primera tras doce años de ausencia, retomando los temas de la paranoia, la cultura popular estadounidense y el desorden político en un formato de pastiche policial. Según Harold Bloom, Pynchon ocupa un lugar destacado junto a figuras como Philip Roth o Cormac McCarthy. Había ganas de una nueva obra de Thomas Pynchon que, con 89 años, afortunadamente, demuestra seguir en activo. Quizás sería un buen momento para otorgarle el Premio Nobel de Literatura que sin duda merece.

Esta semana no es una semana cualquiera. Aterriza en Netflix Berlín y la dama del armiño, segunda temporada del celebrado spin-off de La casa de papel, ambientada antes de los eventos de esta y centrada en el ya icónico personaje de Berlín, al que diera vida Pedro Alonso. El propio Alonso vuelve en esta continuación así como el resto del equipo, desde Tristán Ulloa a Begoña Vargas o Michelle Jenner.

En esta ocasión, la serie se centra en el gran robo del cuadro La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, el cual está a punto de ser trasladado a Sevilla para una exposición. Hasta allí se desplaza Berlín y su equipo, que buscará no solo robar la pintura, sino también al propio empresario que financia el robo. Por el camino se cruzará con una mujer apasionante como Candela (Inma Cuesta), quien hará que cambie por completo su visión de las cosas.

Berlín - Pedro Alonso

El carismático Berlín vuelve a las andadas, y por ende Pedro Alonso encarnando a uno de los personajes más ilustres de Netflix en los últimos años. En esta ocasión, Berlín se encuentra ante uno de sus robos más complejos, pues idea en secreto un robo a su propio benefactor. Sin embargo, todo cambia cuando se cruza con una mujer sevillana, Candela, que hará que se empiece a replantear la vida desde un ángulo que jamás hubiera imaginado.

Damián - Tristán Ulloa

Berlín es la cabeza visible, pero en muchas ocasiones la verdadera mente maestra es la de Damián. Mano derecha del ladrón de guante blanco, Tristán también se ve sorprendido por el amor en esta temporada, cuando se cruza en su camino la apasionada Genoveva, esposa del hombre que les financia el robo y con la que Tristán empieza a vivir un affaire de lo más extraño.

Keila - Michelle Jenner

El cerebro detrás de cada plan, Keila vive una gran crisis interna que el resto del grupo desconoce. Se acaba de casar con el amor de su vida, Bruce, pero a la vez empieza a darse cuenta de la vida a la que ha renunciado por esa unión. Alguien más ha aparecido en su vida que le hace cuestionarse todo, y a pesar de tener que ponerse con el robo, tendrá que abrirle su corazón a Bruce, y a ella misma para poder resolver la encrucijada en la que se encuentra.

Cameron - Begoña Vargas

De la misma manera que Keila, Cameron viene de una frustrada relación con Roi, quien fuera su compañero más fiel en la anterior temporada y de la que ahora se ha distanciado sobremanera. Con todo ello en mente, Berlín le asignará una tarea secreta y de lo más compleja pero que será imprescindible para llevar el robo a buen puerto.

Roi - Julio Peña

El joven Julio Peña, que diera vida al ilustre Miguel de Cervantes en El cautivo, regresa como Roi, el miembro más racional y frío de toda la banda, aunque por primera vez sus sentimientos están interfiriendo en su trabajo. Su fricción con Camero le lleva a comportarse de forma arisca y de hecho cuestionar la relación entre Bruce y Keila, mientras que Berlín le demanda que se centre en el robo que tienen entre manos y para el cual tendrá un papel indispensable.

Bruce - Joel Sánchez

Bruce vive sus días más felices. Acaba de casarse con el amor de su vida y dejado atrás sus días de borrachera y desenfreno. Su único compromiso es ahrora con Keila y con la banda de Berlín, y Sevilla se antoja una luna de miel de ensueño para ambas cosas. No obstante, pronto descubrirá que nada en la vida es fácil, y menos en los matrimonios recién desposados.

Álvaro Hermoso de Medina - José Luis García-Pérez

Gran villano de esta nueva función, Álvaro es uno de los grandes empresarios y filántropos en toda Sevilla, pero esconde un gran secreto: una colección de tesoros. El último que quiere añadir es La dama de armiño, el cuadro de Leonardo Da Vinci que está a punto de llegar a la capital andaluza. Es por ello que requerirá de los servicios de Berlín y su banda para perpetrar el robo de su vida, sin sospechar que Berlín trama algo mucho más grande que el cuadro.

Genoveva - Marta Nieto

Esposa de Álvaro, Genoveva es una mujer ambigua, toda una femme fatale de libro. Al principio parece flirtear con Berlín, luego se muestra fiel a su marido y en última instancia coqueteará de manera sorprendente con Tristán, quien tampoco sabe si lo que sucede es del todo real. Le da vida la actriz Marta Nieto, protagonista de Madre de Rodrigo Sorogoyen y una de las grandes intérpretes del cine español actual.

Candela - Inma Cuesta

Además de Nieto, la otra gran incorporación de esta temporada es la de Inma Cuesta, quien da vida a Candela, la mujer que revoluciona por completo la vida de Berlín. Sevillana de raza y sin pelos en la lengua, Candela se cruzará de manera accidenta en el camino del ladrón y se terminará convirtiendo en un pilar y en una distracción a partes iguales.

La relación entre España y Latinoamérica, concretamente México, no atraviesa su mejor momento. La visita de la presidenta madrileña, Isabel Díaz Ayuso, al país la semana pasada volvió a avivar la polémica después de que hace unos meses se refiriera a México como un “narcoestado” y se desmarcara de las disculpas impulsadas por el rey Felipe VI sobre la colonización española. En esta ocasión, Ayuso defendió el legado de Hernán Cortés, calificó a la presidenta mexicana, Claudia Sheinbaum, de “dictadora de ultraizquierda” y terminó con la entrada negada a los Premios Platino para evitar que el acto se utilizara como plataforma política.

Unos días después, el cantante estadounidense Austin Agustín Santos, conocido artísticamente como Arcángel, ha vuelto a alimentar este debate. Él lo ha hecho desde el escenario del Movistar Arena de Madrid. Durante su concierto de La 8va Maravilla World Tour 20 Aniversario este lunes, el artista defendió a España frente a las críticas por la conquista de América y rechazó que nuestro país tenga que pedir disculpas por su pasado colonial.

“Yo sé que ustedes dicen latinos, pero para mí nosotros no somos latinos, nosotros somos hispanoamericanos. Los verdaderos latinos son los españoles, los franceses y los portugueses”, afirmó ante el público, tal y como ha compartido el usuario @deejaythiagooo en TikTok.

“Orgulloso de todas mis creencias, orgulloso del idioma que cargo, orgulloso de la madre patria que fue y nos dio luz. Porque nosotros éramos indios. Llegaron esta gente y nos pusieron a hablar y nos pusieron a creer y nos pusieron a valer”, aseguró antes de añadir: “Los cabrones que se pasan diciendo por ahí que España le debe una disculpa a América. Cabrón, ¿y esa estupidez, cabrón? ¿En qué mundo tú vives, hijo de puta?”.

“Ah, que se robaron el oro, que esto. Cabrón, ¿y las calles, y las escuelas, y las iglesias que construyeron pa’ que tú fueras educado hoy en día? ¿De dónde salió, hijo de puta?”, continuó mientras se escuchaban los vítores del público.

“No hay que pedirle disculpas a nadie”

El cantante, criado en el barrio Villa Palmeras de Santurce, en Puerto Rico, insistió además en que “no hay que pedirle disculpas a nadie” y reivindicó el vínculo histórico y cultural entre ambos lados del Atlántico. “Estoy orgulloso, adoro mi madre patria, España. Dame una bulla, por favor”, afirmó durante el concierto.

El artista también aprovechó el momento para reivindicar el idioma español y mostrar el orgullo que siente por compartir una misma lengua con millones de personas. “Me encanta mi idioma. No me imagino hablando italiano, francés ni chino. Todo eso suena feo. Me gusta lo que hablo yo, cabrón”, dijo antes de recibir una nueva ovación.

No es la primera vez que el artista se mete en polémicas. En 2019 fue arrestado en Las Vegas acusado de agredir a su supuesta pareja a las puertas de un local mientras se dirigía a los premios Latin Billboard, pese a que no estaba invitado, según apuntaron Los Angeles Times y TMZ. En 2021, fue altamente criticado después de compartir un mensaje misógino y machista en su cuenta de Instagram. “Quieres que te respeten como mujer, pero te pasas enseñando el culo en redes sociales por likes. Las mujeres que se comportan se distinguen y se catalogan como damas”, escribió el reguetonero.

Si la tarde de este martes has intentado escuchar Spotify y no has podido, no eres el único. La plataforma de streaming musical por excelencia ha experimentado una caída generalizada que afecta a millones de usuarios en España y otros países, en una interrupción que se ha producido tanto en la aplicación móvil como en la versión web.

El fallo, que comenzó a registrarse poco antes de las 18:00, se ha manifestado de diferentes maneras: desde dificultades para iniciar sesión a la imposibilidad de cargar canciones, pasando por errores de reproducción que han afectado tanto a los usuarios con el plan gratuito como a aquellos que pagan algún tipo de tarifa.

Qué se sabe sobre la caída de Spotify

En este momento, muchos intentos de acceder a Spotify (ya sea desde smartphones, ordenadores, televisores u otros dispositivos) terminan con mensajes de error o con la aplicación bloqueada en la pantalla de inicio. El fallo no ha afectado a todos los dispositivos por igual, lo que, junto al hecho de que la web oficial tampoco funciona con normalidad, apunta a una incidencia en los servidores globales del servicio.

La compañía nórdica ha reconocido el problema a través de sus canales oficiales y redes sociales. Desde la cuenta Spotify Status en X, han informado: “Estamos al tanto de algunos problemas actuales con la aplicación y los estamos revisando”. Sin embargo, hasta el momento no han ofrecido detalles sobre el origen del fallo ni un plazo estimado para la recuperación total del servicio.

La caída afecta a quienes utilizan Spotify en cualquiera de sus modalidades. La única excepción son quienes cuentan con listas de reproducción o canciones previamente descargadas en la aplicación mediante una suscripción prémium. Estos usuarios pueden seguir escuchando su música sin conexión, ya que esta función no depende de los servidores en línea.

Posibles causas y próximos pasos

Aunque no existe una explicación oficial sobre el origen de la caída, los síntomas apuntan a un posible fallo en los servidores de Spotify. El mensaje de error Error 503 first byte timeout, que le ha aparecido a muchos al intentar acceder vía navegador, suele estar asociado a saturaciones temporales, mantenimientos o incidencias internas.

No se descarta ninguna hipótesis técnica, desde problemas durante tareas de mantenimiento hasta un posible ataque de denegación de servicio. Lo cierto es que la plataforma no ha precisado si la interrupción tiene alcance global o está limitada a ciertas regiones.

Qué hacer mientras Spotify no funciona

En estas situaciones, la recomendación es esperar a que el servicio se restablezca por completo. Habitualmente, este tipo de incidencias se resuelven en cuestión de horas, aunque la duración final dependerá de la magnitud del problema técnico.

Mientras tanto, quienes no dispongan de música descargada pueden recurrir a otras alternativas como YouTube Music o Apple Music para continuar escuchando sus canciones favoritas hasta que Spotify recupere la normalidad. El desarrollo de la incidencia sigue bajo investigación, y la compañía actualizará información en sus canales oficiales en cuanto disponga de nuevos datos sobre la recuperación del servicio.

Los fans de Westworld están de enhorabuena. Warner Bros. prepara una nueva película basada en el clásico de Michael Crichton, cinta estrenada en 1973 y que seguía a un grupo de visitantes atrapados en un gigantesco parque temático habitado por robots. Lo que comenzaba como unas vacaciones futuristas terminaba convirtiéndose en una pesadilla cuando estos robots empezaban a fallar y se convertían en una amenaza.

Detrás del proyecto estará David Koepp, uno de los guionistas más importantes del cine comercial de las últimas décadas y responsable de títulos como Jurassic Park, Spider-Man (2002) o Misión: Imposible. Según ha adelantado Deadline, el escritor regresará directamente al material original de Crichton para esta nueva adaptación, dejando a un lado la serie de cuatro temporadas creada por Lisa Joy y Jonathan Nolan para HBO. Estrenada en 2016 y finalizada en 2022, la ficción que protagonizaron Evan Rachel Wood, Ed Harris y Jeffrey Wright, planteaba temas como inteligencia artificial avanzada, la conciencia sobre IA, el libre albedrío y los límites entre humanos y máquinas.

Precisamente por eso hay una serie imprescindible para cualquiera que disfrutara con sus misterios: Fringe (Al límite en España), disponible en Prime Video, HBO Max y Movistar Plus+.

Estrenada en 2008 y creada por J.J. Abrams, quien fue uno de los productores ejecutivos de la serie de 2016 —y uno de los responsables de Perdidos— junto a Alex Kurtzman y Roberto Orci, la ficción se ha convertido en una de las obras de culto más importantes de la ciencia ficción televisiva reciente.

Disponible en Prime Video, HBO Max y Movistar Plus+

La serie sigue a Olivia Dunham, una agente de la División Fringe del FBI especializada en casos inexplicables, a menudo relacionados con un universo paralelo. Para resolverlos cuenta con la ayuda del brillante y excéntrico Walter Bishop y de su hijo Peter.

A lo largo de sus cinco temporadas y 100 episodios —emitidis entre 2008 y 2013—, Fringe fue ampliando poco a poco su universo y pasando de clásicos casos autoconclusivos a una trama mucho más ambiciosa sobre dimensiones alternativas. Anna Torv lideró el reparto como Olivia Dunham, mientras que John Noble dio vida a Walter Bishop. A su lado estaba Joshua Jackson como Peter Bishop, el escéptico hijo del científico.

Las valoraciones actuales reflejan el prestigio que la serie ha ganado con el tiempo. En Rotten Tomatoes, el cómputo general de la serie mantiene un 91% de aprobación por parte de la crítica y un 85% de valoración de la audiencia.

De hecho, The New York Times llegó a definirla como “la mejor serie de su género desde Expediente X”, serie de ficción estrenada en 1993 que seguía los casos inusuales que investigan dos agentes del FBI, clasificados como “expedientes X”. La serie tuvo 11 temporadas y lanzó a la fama a sus protagonistas, David Duchovny y Gillian Anderson.

En su crítica sobre la última temporada, el periódico destacó precisamente cómo Fringe había conseguido mantener una narrativa compleja —con universos paralelos, cambios de líneas temporales y viajeros del tiempo— sin perder nunca el foco en sus personajes principales. El texto también elogiaba la capacidad de la serie para combinar “una narración ambiciosa con energía pulp de serial de sábado por la tarde”, algo que, según el diario, ni Perdidos ni Expediente X habían logrado mantener en sus etapas finales.

A lo largo de su recorrido, Fringe también recibió numerosos reconocimientos, especialmente por las interpretaciones de su reparto. John Noble ganó el Critics’ Choice Television Award a mejor actor secundario por su aclamado papel como Walter Bishop, mientras que la serie fue nominada a varios premios Saturn Awards —especializados en ciencia ficción, fantasía y terror—, donde consiguió varios galardones, incluido el de mejor serie de televisión de difusión nacional.

El ascenso de Leyendas en el catálogo de Netflix ha sorprendido tanto por la rapidez con la que se posicionó entre las favoritas como por la fuerza de su historia. La miniserie británica, inspirada en hechos reales, retrata el operativo secreto de un grupo de funcionarios de aduanas que, en los años 90, adoptaron identidades falsas para infiltrarse en las bandas de narcotráfico más peligrosas de Gran Bretaña.

El argumento central se apoya en las memorias de Guy Stanton, el seudónimo de uno de los agentes reales, cuya experiencia fue llevada a la pantalla por el actor Tom Burke (al que ya habíamos visto en Furiosa: De la saga Mad Max). Stanton relató que “excepto su esposa, que también trabajaba en aduanas, nadie en su familia supo lo que hizo durante nada menos que 10 años”. A lo largo de ese tiempo, él y sus compañeros crearon vidas completamente nuevas: “No solo tuvieron nombres nuevos, también les dieron diferentes coches, apartamentos y crearon sus personajes desde cero”. Sus hábitos y conductas cambiaron, impregnados por la necesidad constante de protegerse.

La serie toma como punto de partida la crisis de heroína que azotó al Reino Unido en esa década, contexto marcado por la muerte de Olivia Channon, hija del ministro Paul Channon, tras una sobredosis en una fiesta universitaria de Oxford. Aunque la serie recrea este hecho con una víctima ficticia, la operación secreta que narra es consecuencia directa de esa tragedia: la sociedad británica tomó conciencia de la profundidad del problema y las autoridades decidieron actuar de forma inédita.

Un thriller que mezcla acción y hechos reales

Muchos de los detalles que se ven en pantalla, desde las semanas de instrucción exprés hasta los personajes secundarios, se inspiran en entrevistas reales realizadas por Forsyth. El operativo del que parte la trama fue tan confidencial que “durante décadas esta operación se mantuvo completamente en secreto”. Nunca se sabrá con exactitud el resultado de aquellas operaciones ni su impacto en la lucha contra el narcotráfico, pero la serie enfatiza que incluso llegaron a tener contacto directo con un miembro de la familia de Pablo Escobar.

La producción, creada por Neil Forsyth y protagonizada por Steve Coogan, Tom Burke y Charlotte Richie, destaca por su ambientación en la Inglaterra de los años 90 y por el ritmo de thriller policiaco. Según señala Collider, la serie ha sido definida como “la serie policíaca más entretenida que Netflix estrene este año”, en una de tantas reseñas que se han mostrado satisfechas con la producción.

Todo esto ha impulsado que la serie, estrenada el pasado 7 de mayo, ya sea una de las más vistas en todo el mundo y la número uno en casi una decena de países. Con solo seis episodios, es perfecta para un maratón también gracias a la construcción de su historia, hecha para ser lo más adictiva posible y, al mismo tiempo, reflejar tanto el dramatismo de la crisis de heroína que vivió Reino Unido como la osadía de un grupo de funcionarios que, sin experiencia previa en infiltración, aceptaron el reto de combatir desde dentro a los grandes cárteles.

La ciudad de Madrid sigue preparándose para acoger al papa León XIV, que visitará España por primera vez con un viaje de una semana que lo llevará también por Barcelona y las islas Canarias. Entre las múltiples actividades que tendrán lugar durante esos días en la capital, estará también un concierto con artistas como David Bustamante, Daniel Diges o Diana Navarro, que tendrá lugar durante el gran encuentro de la Iglesia de Madrid con el Santo Padre en el estadio Santiago Bernabéu.

La Archidiócesis de Madrid ha confirmado la magnitud de esta convocatoria en un evento que pretende contar con un coro formado por mil voces, entre ellas trescientos niños, para el que ya ha abierto una convocatoria para todos aquellos que quieran inscribirse. Según el comunicado de la organización, “se interpretará un repertorio pensado para acompañar la oración y la celebración de toda la diócesis”, en una actuación que juntará a grandes estrellas con especialistas en el repertorio religioso.

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Así, junto a Bustamante y el resto de artistas también figurará la Orquesta Sinfónica Cruz Diez, la Banda Pop Salesianos y el coreógrafo Ismael Olivas junto a su grupo de bailarines, además de otros referentes como Luis Alfredo, Chito Morales y Maite López. El encuentro comenzará dos horas antes de la llegada del Papa al estadio, y contará también con música variada, desde Beethoven a Hakuna, que hará que volverá a llenar al estadio Santiago Bernabéu por primera vez desde septiembre de 2024. El recinto, que en un principio había pensado como la nueva meca musical de los grandes artistas, tuvo que cancelar toda su agenda tras la denuncia de los vecinos por un exceso de ruido.

Otras iniciativas preparadas en Madrid ante la llegada del sumo pontífice

Tal y como ha informado la Archidiócesis, este no será el único evento musical que se celebre con la llegada del Santo Padre. El 6 de junio, coincidiendo con la llegada de León XIV a Madrid, la cantante Niña Pastori ofrecerá una actuación especial en el Barrio de Lucero tras la visita del pontífice al centro Cedía 24 Horas de Cáritas. La agenda incluye también un evento en la Plaza de Lima, definido por la organización como un “festival de la fe”, donde actuarán grupos como Hakuna y Siloé. La cita combinará música, testimonios y momentos de oración, preparando así a los asistentes para la intervención del papa.

Los museos de Madrid también se han sumado a las iniciativas, con el anuncio de la celebración de la Noche en Blanco (y Amarillo), un evento donde quince de las instituciones artísticas y culturales más importantes de la ciudad, incluyendo el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía, abrirán sus puertas durante la noche para que puedan visitarse sus instalaciones durante horas de forma totalmente gratuita.

“La Noche en Blanco (y Amarillo) es una de las muchas muestras de la cooperación de la Iglesia con la sociedad civil y con las instituciones culturales, y una prueba de la enorme ilusión que el Viaje ha despertado en toda la sociedad”, declaraba tras el anuncio el coordinador nacional del viaje del papa, Yago de la Cierva, subrayando la importancia del evento. Además, varias parroquias antiguas de la capital también abrirán sus puertas para que visitantes y peregrinos puedan ver su interior durante la madrugada.

El actor Jack Taylor, conocido por su extensa carrera en el cine de terror y su presencia en la escena cinematográfica española desde los años 60, ha fallecido a los 99 años. La noticia fue confirmada por la Academia de Cine, que destacó el legado de este intérprete nacido como George Brown Randall en Oregón, Estados Unidos, en 1926. Taylor, que residía en el barrio madrileño de Chamberí desde hace décadas, se convirtió en una figura habitual del género de terror y de la serie B en España.

Su llegada a España marcó un punto de inflexión en su trayectoria profesional. Tras una etapa inicial en Hollywood, donde no encontró su sitio, Taylor viajó a México, donde se sumergió en el cine local, trabajó en teatro y aprendió español. Finalmente, en los años 60, se instaló en la capital española. Allí, aunque tampoco encajó del todo en el cine español tradicional de la época, halló su nicho en las películas de terror. Su aspecto y su acento le abrieron las puertas a papeles de villano, muchas veces en filmes que, en su momento, no lograron la proyección deseada en España por cuestiones de censura, pero que hoy cuentan con una legión de seguidores.

A pesar de su especialización en el cine de género, Jack Taylor también formó parte de proyectos de gran alcance internacional. Trabajó con directores como Roman Polanski en La novena puerta (1999), donde compartió pantalla con Johnny Depp, y con Milos Forman en Los fantasmas de Goya (2006). Además, dejó su huella en superproducciones como Cleopatra (1963), junto a Elizabeth Taylor, y en la emblemática Conan el Bárbaro, donde interpretó a un sacerdote enfrentado a Arnold Schwarzenegger. Su versatilidad le permitió aparecer tanto en grandes producciones como en títulos de culto dentro del género.

Jack Taylor y su papel en el cine de terror español

En España, el nombre de Jack Taylor está estrechamente ligado a la filmografía de Jesús Franco, cineasta con quien colaboró en numerosas ocasiones. Juntos rodaron películas de vampiros y otros subgéneros del terror y exploitation, consolidando a Taylor como uno de los rostros más reconocibles de este tipo de cine. Uno de sus papeles más recordados fue el del profesor Arthur Brown en Mil gritos tiene la noche, una película que se ha convertido en referencia obligada para los aficionados al terror.

El recorrido de Taylor por el cine de terror español abarca también títulos como Necronomicón y apariciones en proyectos televisivos, como la serie Curro Jiménez, dirigida por Pilar Miró. Su físico y estilo lo convirtieron en el antagonista ideal, un rol que él mismo valoraba positivamente. En entrevistas, llegó a afirmar que prefería encarnar al malo porque “la gente solo se acuerda del malo”, y recordaba que las películas rodadas fuera de España no estaban sometidas a la censura local, lo que le permitía trabajar con mayor libertad creativa.

Trayectoria internacional y anécdotas de un actor versátil

La carrera de Jack Taylor no se limitó a los estudios españoles. Tras abandonar Hollywood por la falta de papeles que se ajustaran a su perfil, el actor se trasladó a México, donde no solo amplió su experiencia profesional, sino que también aprendió el idioma que utilizaría el resto de su vida en Madrid. En Europa, Taylor encontró la oportunidad de participar en películas que más tarde alcanzarían estatus de culto, y de trabajar en un entorno menos restrictivo que el de la industria estadounidense de la época.

Taylor compartió escenas con figuras como Manolo Escobar y Rocío Jurado en Los guerrilleros (1963), y tuvo pequeños papeles en grandes producciones, demostrando una capacidad de adaptación que le permitió mantenerse activo hasta una edad avanzada. Su experiencia con la censura franquista y su visión sobre la evolución de los contenidos audiovisuales en España reflejan el recorrido de un actor que supo reinventarse sin perder su identidad. La muerte de Jack Taylor cierra una etapa del cine español marcada por la presencia de actores extranjeros que, como él, supieron encontrar su sitio en Madrid y dejar una impronta imborrable en el género del terror y la serie B.

El reciente regreso de Amaia Montero a los escenarios ha generado una respuesta de gran magnitud entre seguidores y críticos del panorama musical español. La artista reapareció en el Bilbao Exhibition Centre el pasado sábado junto a La Oreja de Van Gogh.

Según varios medios de comunicación, Montero ha experimentado un profundo descenso anímico tras una avalancha de reacciones, tanto de apoyo como de crítica, llegando incluso a plantearse la cancelación de la gira de la conocida banda en caso de que prosigan los comentarios negativos.

El periodista Álex Álvarez, en el programa de actualidad El tiempo justo, de Joaquín Prat, ha precisado que el entorno de la cantante habla de un “bajón monumental” motivado por la dureza de los mensajes en redes sociales. Un dato relevante es que Amaia Montero lee personalmente todos los comentarios, lo que estaría intensificando su malestar y la lleva a cuestionar su capacidad para mantener una agenda completa de conciertos.

El origen de la polémica

La interpretación de Montero en la canción Todos estamos bailando la misma canción marcó un momento destacado de la fatídica velada. Tras su actuación, pidió públicamente disculpas al público con las palabras: “Me subo y lo hago fatal, soy consciente. Pero sólo se vive una vez y lo voy a vivir con vosotros”. En ese contexto, la cantante justificó la dificultad de volver a enfrentarse a un gran público tras un largo periodo alejada de los escenarios. El evento ha cobrado especial relevancia porque la propia Montero había confesado haber “bajado al mismísimo infierno” en los meses previos a su vuelta musical, según recogió el citado medio.

Durante el directo, su compañero de banda Xabi San Martín le transmitió palabras de apoyo afirmando que estuvo “muy bien, increíble”. Montero se mantuvo en su autocrítica y contestó: “Yo sé que no”. Explicó ante el público que la diferencia entre la actuación en directo y los ensayos previos fue considerable, lo que pone de manifiesto la presión a la que se enfrenta tanto por las expectativas ajenas como por las propias.

Álex Álvarez, colaborador de la cadena televisiva española Telecinco, remarcó en el programa de actualidad El tiempo justo, que Amaia Montero estaría “absolutamente devastada”, y que ha experimentado “una transformación radical en su ánimo” desde la ilusión inicial hasta la duda sobre su continuidad en la gira. Álvarez precisó también que la presión mediática y la exposición a través de redes sociales han reactivado heridas previas, y que Montero habría declarado respecto a las críticas: “Estáis siendo tan duros, crueles y destructivos, como lo fuisteis hace un tiempo, cuando lo pasé tan mal”.

Un regreso poco lucido

El análisis sobre el regreso de Montero no se ha limitado a su entorno más cercano. Alejandro Abad, músico y productor, valoró en el magacín de entretenimiento Y ahora Sonsoles, presentado por Sonsoles Ónega en la cadena televisiva Antena 3, que “hay artistas que vuelven poco a poco, casi probándose de nuevo ante el público, y Amaia ha regresado directamente al centro del foco mediático”.

Abad indicó que, mientras algunos percibieron “autenticidad y emoción real” en la actuación, otros esperaban “una vuelta más sólida, desde el punto de vista vocal”. El productor añadió que existe una “sensación brutal por demostrar que sigue siendo la Amaia que mucha gente idealizó hace veinte años”, lo cual supone una carga para la cantante más allá del ámbito musical. Además, consideró que la decisión de la banda de reincorporar a Montero podría haber subestimado el vínculo emocional que parte del público mantenía con la anterior vocalista, Leire, y la percepción de que dicha etapa merecía “un cierre más cuidado”.

La exposición mediática del regreso de Montero y la notable atención en redes sociales han generado un estado de duda sobre la continuidad de la cantante en la gira de La Oreja de Van Gogh. El entorno de la cantante y distintos profesionales del sector musical han coincidido al señalar el impacto psicológico que ha supuesto el recibimiento variado de su regreso a los escenarios.

La permanencia de Amaia Montero en la agenda de conciertos o una eventual decisión de cancelar su participación está supeditada a la evolución de su estado anímico y a la reacción del público durante las próximas presentaciones.

Fox ha presentado el primer vistazo al esperado regreso de Los vigilantes de la playa (Baywatch), la icónica serie que marcó una era en la televisión mundial. El canal confirmó que la nueva versión llegará en la “segunda mitad de enero de 2027”, descartando un estreno en otoño y apostando por una estrategia de lanzamiento en midseason. El reboot se convierte en una de las grandes prioridades para la cadena, que busca capitalizar la nostalgia y el atractivo de la franquicia, ahora bajo una visión renovada y un reparto que combina actores de renombre con influyentes figuras de las redes sociales.

La historia de Los vigilantes de la playa en esta nueva etapa se centra en Hobie Buchannon, interpretado por Stephen Amell, reconocido por su papel en Arrow. Hobie, ahora capitán de los salvavidas, sigue el legado de su padre, Mitch, mítico personaje del original. La trama da un giro cuando su hija, Charlie Vale (Jessica Belkin), aparece inesperadamente, obligando a Buchannon a enfrentar retos personales y familiares, mientras lidera a un equipo de jóvenes rescatistas en las playas de California. El enfoque generacional y la dinámica padre-hija buscan conectar tanto con nuevas audiencias como con los seguidores históricos de la serie.

El primer avance difundido por la cadena pone el foco en los nuevos integrantes del elenco, todos listos para la acción en sus tradicionales trajes de baño rojos. Aunque Amell no aparece en estas imágenes iniciales, la elección de un actor con experiencia en series de acción refleja la intención de Fox de dotar al reboot de una fuerte presencia dramática y física, elementos que fueron clave en el éxito original de la franquicia. El reparto suma nombres como Noah Beck, Shay Mitchell, Thaddeus LaGrone, Livvy Dunne, Hassie Harrison y Brooks Nader, quienes aportan frescura y visibilidad en redes. Destaca además el regreso de dos figuras del elenco original: Erika Eleniak y David Chokachi. Su participación añade un puente nostálgico entre la serie de los años noventa y la nueva etapa, generando expectativa entre los fanáticos de larga data. La integración de celebridades digitales y actores emergentes responde a la estrategia de Fox de atraer tanto a un público joven como a quienes crecieron siguiendo las aventuras de los salvavidas.

Una saga a rescatar

La franquicia Baywatch fue un fenómeno global entre 1991 y 2001, alcanzando 11 temporadas, transmitiéndose en más de 200 países y llegando a superar los mil millones de espectadores semanales. Pese a un intento fallido de revivir la marca en cine con la película de 2017 protagonizada por Dwayne Johnson y Zac Efron, la serie original sigue siendo referente de la cultura pop televisiva, gracias a su mezcla de acción, drama y paisajes costeros.

La producción ejecutiva del nuevo Baywatch está a cargo de Matt Nix (conocido por Burn Notice), junto a McG, Michael Berk, Greg Bonann, Doug Schwartz, Dante Di Loreto y Mike Horowitz. La alianza entre Fox Entertainment y Fremantle refuerza la ambición del proyecto, que se posiciona como una de las apuestas más fuertes de la cadena para la próxima temporada. Michael Thorn, presidente de Fox, declaró que es “un honor traer de vuelta una de las franquicias más populares de la televisión” y reconoció la presión que implica estar a la altura de su legado.

La decisión de estrenar la serie en enero responde a una tradición de Fox de lanzar producciones relevantes en midseason, aprovechando el impulso de títulos anteriores como 24, Empire y 9-1-1. El objetivo es asegurar un espacio protagónico para Los vigilantes de la playa y evitar la congestión de estrenos que suele darse en otoño. Los responsables del canal confían en que la combinación de nostalgia, acción y presencia de influencers y actores reconocidos garantice una recepción favorable y un impacto mediático considerable. A medida que se acerca la fecha de estreno, la expectativa crece en torno a cómo esta nueva versión de la icónica serie de Pamela Anderson reinterpretará los elementos clásicos de la serie, adaptándolos a las tendencias y audiencias actuales sin perder la esencia que la convirtió en un fenómeno mundial.

La actriz Juliette Binoche ha explicado en una reciente entrevista con el diario británico The Guardian, tras el estreno de su documental In-I In Motion, que considera que tener un coordinador de intimidad en un rodaje no es suficiente para lograr interpretaciones auténticas en las escenas físicas o románticas. Según Binoche, los actores deben superar sus propios límites para alcanzar una verdad emocional en pantalla.

El documental In-I In Motion, en el que Binoche debuta como directora y que se presentó en el pasado Festival de San Sebastián, muestra el proceso de seis meses de ensayos de danza contemporánea junto al bailarín británico Akram Khan.

El diario británico The Guardian recoge declaraciones donde Binoche señala que “el cuerpo se convierte en un puzle” cuando se establecen normas formales de consentimiento para cada movimiento, mostrándose más partidaria de un enfoque intuitivo para las escenas íntimas. Sobre el trasfondo del proyecto, la actriz puntualiza: “Nuestra película va contra lo que se dice hoy en día, y eso me gusta”.

Las medidas de protección Vs. la espontaneidad

Durante la conversación, Juliette Binoche detalló que valora las medidas de protección para actrices con menos experiencia, pero sostiene que la conexión entre intérpretes debe surgir de una necesidad interna, lejos de apoyarse únicamente en protocolos.

La intérprete y directora afirma: “No es tan simple como tener a un coordinador de intimidad en el plató. Cuando actúas una escena amorosa, tiene que venir del corazón, del instinto, de la necesidad. Si en vez de sentir lo que sucede, piensas solo en los movimientos que vas a hacer, entonces estás en una mala situación”.

Además de esta perspectiva, Binoche argumenta la importancia de vencer la timidez y abordar sin reservas la exposición corporal y emocional, aunque implique atravesar ciertas barreras personales. “De verdad tienes que ir más allá de tu zona de confort porque de lo contrario te vuelves una mojigata y no eres veraz con lo que está pasando en la vida”. Estas afirmaciones destacan el posicionamiento singular de la actriz frente a debates recientes sobre la seguridad y autonomía en los rodajes.

La postura de Binoche contrasta con las opiniones de otras figuras del cine, como Kate Winslet o Jennifer Lawrence, quienes han destacado la utilidad de los coordinadores de intimidad tras el auge del movimiento #MeToo. Binoche reconoce la utilidad de estos profesionales, aunque reivindica que la autenticidad de ciertas escenas solo puede alcanzarse aceptando cierto riesgo y espontaneidad.

En la misma entrevista con el diario The Guardian, Binoche detalla el origen autobiográfico de algunas escenas del documental, en particular una secuencia inspirada por un asalto que sufrió en su adolescencia. Relata que, en ese episodio, cuando su agresor intentó estrangularla, ella le desafió diciéndole: “Adelante, hazlo”. El atacante desistió, algo que Binoche identifica como gesto de autodeterminación y comprensión del dolor propio. “Mucha gente pasa por eso. En Francia el porcentaje de mujeres que sufren violencia así es enorme”, afirma la intérprete, remarcando la dimensión colectiva de estas experiencias.

Una nueva experiencia como directora

La actriz, que cuenta con más de setenta largometrajes y un Oscar, asume que el proceso creativo implica exponerse, trabajar sobre lo desconocido y asumir la vulnerabilidad como motor artístico. “Ser principiante significa no saber. Se trata de orientarse hacia una verdad interior. No es cuestión de confianza, sino de permitirse no ser nada”, argumenta Binoche en The Guardian. En la pieza también aparece su visión sobre la dirección cinematográfica: tras décadas de colaboración con grandes realizadores, afirma haber recogido la intuición de la mayoría de directores para seguir la necesidad interior como punto de partida en el arte.

El documental incluye material filmado por su hermana, la realizadora Marion Stalens, quien grabó cerca de 200 horas de ensayos que Binoche redujo personalmente a las dos horas finales de metraje. La película, compuesta por fragmentos de las conversaciones con Akram Khan y escenas de improvisación, culmina con la grabación íntegra de la pieza de danza. El diario británico The Guardian subraya que este resultado es una obra aún más descarnada y experimental que los papeles más icónicos de la actriz en filmes como Tres colores: Azul o El paciente inglés.

Binoche reside actualmente en París, disfruta de trabajos que la mantienen conectada con su realidad y acaba de finalizar el rodaje de North Loire, dirigida por Antoine Chevrollier, mientras sostiene distintas colaboraciones internacionales. También protagonizará la próxima película dirigida por Ethan Hawke, que tendrá por título Camino real.

Ya dio vida a todo un personaje icónico en una película navideña como fue el de Padre en apuros, pero ahora Arnold Schwarzenegger vuelve a sorprender con un giro inédito en su carrera al encarnar a Santa Claus en The Man with the Bag, la próxima apuesta navideña de Prime Video. El servicio de streaming ha publicado las primeras imágenes oficiales en las que se ve al actor caracterizado como el icónico personaje, generando expectativas entre los fanáticos del cine de acción y la comedia. El filme se presenta como una de las grandes novedades de la temporada festiva de 2026 y busca posicionarse como la favorita de los hogares para estas fiestas.

La caracterización de Schwarzenegger como Santa Claus marca una nueva etapa para el actor, quien a sus 78 años sigue liderando producciones de alto perfil. En la imagen difundida por Prime Video, se observa a Schwarzenegger vestido con el clásico atuendo rojo y blanco, portando la tradicional barba y un gorro navideño. La transformación no solo resulta llamativa por el contraste con los papeles de acción que definen su carrera, sino también por el tono humorístico que promete la película. Junto a él, aparece Alan Ritchson, quien interpreta a Vance, un exladrón reclutado por Santa para una misión inusual.

La trama de The Man with the Bag se centra en un dilema propio de una comedia navideña con tintes de acción: la bolsa mágica de Santa ha sido robada y, para recuperarla, el protagonista decide buscar ayuda en la “lista de los traviesos”. Vance, interpretado por Ritchson, es el elegido para esta tarea, en una dinámica que combina el humor de los filmes navideños con la adrenalina de los títulos de acción. El argumento explora la posibilidad de redención para un personaje que representa el lado opuesto de la tradicional lista de buenos y malos, mientras se enfrenta a situaciones inesperadas al lado de Santa. El elenco de The Man with the Bag se completa con figuras reconocidas del cine y la televisión. Entre los nombres destacados se encuentran Ken Jeong, Awkwafina, Kyle Mooney, Jane Krakowski, Murray Hill y Liza Koshy. La participación de estos actores, conocidos por sus dotes cómicas y su presencia en producciones de éxito, refuerza el tono festivo y familiar de la película. Mooney, antiguo integrante de Saturday Night Live, junto a Jeong y Awkwafina, aportan una variedad de estilos humorísticos que prometen escenas memorables.

Así será ‘The Man with the bag’

Dirigida por Adam Shankman y escrita por Allan Rice, The Man with the Bag combina la experiencia de un realizador experto en musicales y comedias con la frescura de un guion pensado para todos los públicos. La película fue anunciada como una de las grandes producciones para la temporada navideña, con una apuesta clara por el entretenimiento familiar y un enfoque visual atractivo. Prime Video ha confirmado que el estreno mundial será el 2 de diciembre, ubicando el lanzamiento en el inicio de la temporada festiva, un momento estratégico para captar la atención de quienes buscan nuevas propuestas para ver en casa.

La elección de Schwarzenegger como Santa Claus no es casual. Su trayectoria, marcada por éxitos como Terminator y Los mercenarios, lo ha consolidado como un referente del cine de acción, pero también como una figura capaz de reinventarse. La imagen del actor austríaco en el papel de Santa combina fuerza física, carisma y una veta cómica que se anticipa como el principal atractivo del filme. Ritchson, por su parte, suma credenciales como protagonista de la serie Reacher, consolidándose como un rostro popular en el streaming.

El anuncio y las imágenes de The Man with the Bag han generado gran expectación. En la fotografía promocional, Schwarzenegger sonríe junto a Ritchson, mostrando la química entre ambos protagonistas y anticipando el tono desenfadado que tendrá la historia. La película busca sumarse a la lista de clásicos navideños que renuevan el género, apostando por una combinación de acción, humor y espíritu festivo. Con una fecha de estreno que evita la saturación de títulos cercanos a Navidad, Prime Video apuesta a que el público encuentre en esta propuesta una nueva favorita para celebrar en familia.

Warner Bros. ha iniciado el desarrollo de un reboot cinematográfico de Westworld, con el reconocido guionista David Koepp a cargo del libreto. Koepp es conocido principalmente por adaptar la novela Jurassic Park para la pantalla grande, lo cual lo posiciona como una figura relevante en historias donde la tecnología y la ciencia salen de control. La compañía aún no ha confirmado quién dirigirá la nueva versión, y el proyecto se encuentra en una etapa inicial. El futuro de este desarrollo podría verse afectado, ya que Warner Bros. está en proceso de ser adquirida por Paramount Skydance, situación que podría modificar la agenda de estrenos y proyectos del estudio.

La película original Westworld, escrita y dirigida por Michael Crichton en 1973, ofrecía una visión de un parque de diversiones temático en el que los visitantes interactuaban con androides que, de forma inesperada, comenzaban a fallar y representar una amenaza. Esta trama, centrada en la imprevisibilidad de sistemas complejos y la fragilidad de las barreras entre lo humano y lo artificial, anticipó conceptos narrativos que Crichton retomaría en Jurassic Park. El filme fue protagonizado por Yul Brynner, Richard Benjamin y James Brolin, logrando una recaudación de 10 millones de dólares frente a un presupuesto de 1,2 millones.

El universo de Westworld se ha expandido más allá del cine. Entre 2016 y 2022, la historia fue adaptada a la televisión mediante una serie distópica emitida por HBO. Este proyecto, creado por Jonathan Nolan -hermano del famoso director Christopher Nolan- y Lisa Joy, contó con actuaciones de Evan Rachel Wood, Thandiwe Newton y Jeffrey Wright. La serie modernizó el enfoque del relato, explorando temas de conciencia artificial, poder y libre albedrío, y consolidó a Westworld como una franquicia de referencia en la ciencia ficción contemporánea.

En busca de director

El nuevo reboot de Westworld busca capitalizar el interés renovado en relatos de inteligencia artificial y entretenimiento inmersivo. El fichaje de Koepp como guionista sugiere una intención de retomar el tono y la tensión que hicieron de Jurassic Park un éxito global. Entre los trabajos más reconocidos de Koepp figuran sus colaboraciones en franquicias como Mission: Impossible, Indiana Jones y Spider-Man, así como películas originales como Death Becomes Her (1992), Panic Room (2002) y War of the Worlds (2005). Más recientemente, Koepp ha trabajado en Indiana Jones and the Dial of Destiny (2023), dos filmes con Steven Soderbergh, la historia sobrenatural Presence (2024), el thriller de espionaje Black Bag (2025) y Jurassic World Rebirth. Actualmente, Koepp prepara un nuevo proyecto junto a Steven Spielberg: la película Disclosure Day, que contará con las actuaciones de Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson y Colman Domingo. Esta colaboración refuerza el perfil de Koepp como uno de los guionistas más solicitados para grandes producciones de Hollywood.

La evolución de Westworld desde su concepción en 1973 hasta el presente refleja el interés persistente por las historias que exploran los límites entre la humanidad y la tecnología. La nueva versión en desarrollo representa una apuesta de Warner Bros. por revitalizar un concepto clásico, en un contexto donde la relación entre humanos y máquinas vuelve a ocupar un lugar central en el debate cultural y cinematográfico. Todavía no se han anunciado fechas de inicio de rodaje ni detalles sobre el reparto, por lo que la atención permanece sobre cómo la posible fusión empresarial podría influir en el destino de este ambicioso reboot.

La adaptación televisiva de la saga literaria Fourth Wing, conocida como Empíreo, ha recibido luz verde definitiva por parte de Amazon Prime Video. Basada en los ‘bestsellers’ de Rebecca Yarros, la producción arrancará oficialmente de la mano de Amazon MGM Studios y la productora Outlier Society de Michael B. Jordan.

El encargo de la serie se sitúa en el contexto de la consolidación internacional que ha experimentado la saga de fantasía en todo el mundo, cuyo primer volumen, Alas de sangre, se publicó en mayo de 2023 en Estados Unidos, seguido por Alas de hierro, en noviembre del mismo año. El tercer libro, Alas de Ónyx, se convirtió de nuevo en un auténtico acontecimiento.

La rápida popularización de los libros, impulsada por una base de seguidores entusiasta y su difusión en la comunidad de lectores en TikTok conocida como BookTok, ha influido en el paso de la historia a la televisión.

Un fenómeno más allá del ‘roman-fantasy’

La trama transporta al lector, y ahora también al espectador, al universo de la Basgiath War College, un centro militar donde la premisa es clara: “graduarse o morir”. La protagonista, Violet Sorrengail, ve trastocados sus planes de una vida tranquila cuando su madre, general del ejército, la obliga a unirse a cientos de aspirantes que sueñan con convertirse en jinetes de dragones, la élite de Navarre.

El anuncio de la adaptación ha corrido a cargo de Michael B. Jordan, productor ejecutivo, durante la presentación de Amazon a anunciantes en el Beacon Theatre de Nueva York. Jordan ha explicado que tras adquirir los derechos y comenzar el desarrollo del proyecto, era fundamental elegir un equipo capaz de trasladar a la pantalla la esencia de la obra de Yarros.

El equipo creativo contará con la propia Rebecca Yarros, quien ejercerá también funciones de productora ejecutiva. Se suma Lisa Joy, ‘cocreadora’ de Westworld para HBO, que dirigirá el primer episodio y compartirá la producción ejecutiva. Meredith Averill, cocreadora de Locke & Key para Netflix, ha asumido el rol de ‘showrunner’ desde septiembre de 2025, tras la salida de Moira Walley-Beckett, conocida por su trabajo en Anne With an E y Breaking Bad, quien abandonó el proyecto durante el verano de 2024.

El equipo se completa con Elizabeth Raposo (Outlier Society), Jonathan Nolan y Athena Wickham (Kilter Films), Liz Pelletier y Sherryl Clark (Premeditated Productions, empresa hermana de la editorial Entangled Publishing), y Stefano Agosto, vicepresidente ejecutivo de televisión de Outlier Society, como coproductor ejecutivo.

Una de las adaptaciones más esperadas

El fenómeno en torno a la obra de Yarros se ha intensificado en los últimos dos años, un hecho que Peter Friedlander, responsable global de televisión de Amazon MGM Studios, ha valorado en estas declaraciones: “La travesía de Violet en Fourth Wing ha generado una auténtica oleada mundial, conquistando a millones de lectores y creando una comunidad de fans extraordinariamente devota en torno a su universo, sus personajes y su carga emocional». Friedlander ha destacado que la serie constituye una de las adaptaciones más esperadas internacionalmente, y que tanto la autora como los equipos creativos de Kilter, Outlier y Premeditated desempeñarán un papel decisivo en su producción.

Por su parte, Rebecca Yarros ha expresado su entusiasmo por colaborar con el conjunto de profesionales reunido para la serie: “Estoy encantada de trabajar con este equipo tan dedicado y experimentado, y muy agradecida por su entusiasmo por los libros y por el público lector que los respalda”.

La producción televisiva, impulsada tras más de dos años y medio de desarrollo desde la adquisición de derechos en 2023 por parte de Amazon MGM Studios y Outlier Society, busca fortalecer la presencia de Prime Video en el género de la fantasía y responder a la elevada demanda de los seguidores de Yarros.

El 6 de abril de 1943 apareció en Estados Unidos la primera edición de Le Petit Prince, el relato con el que Antoine de Saint-Exupéry (Lyon, 1900 - 1944) transformó para siempre la literatura contemporánea. El autor, exiliado entonces en Nueva York tras la ocupación nazi de Francia, escribió la historia de un aviador perdido en el desierto y de un niño llegado de otro planeta lejos de su país natal, motivo por el que el libro no pudo publicarse en Francia hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Más de ocho décadas después, El Principito continúa siendo uno de los fenómenos editoriales más extraordinarios del mundo. Traducido a centenares de idiomas y convertido en lectura intergeneracional, el libro vende todavía cerca de cinco millones de ejemplares al año, según la Fundación Antoine de Saint-Exupéry por la Juventud. Su vigencia no solo se explica por un relato que sirve de crítica al mundo adulto, sino también por las reflexiones filosóficas que atraviesan sus páginas y que han terminado formando parte de la cultura popular.

Entre todas ellas, ninguna ha alcanzado tanta repercusión como la frase “Lo esencial es invisible a los ojos”, que se encuentra en esta fábula filosófica sobre un piloto perdido en el desierto del Sahara que conoce a un pequeño príncipe de otro planeta.

Lo que hay detrás de la cita

Así, por su travesía explorando la Tierra, el protagonista conoce a un zorro bajo el pretexto de buscar amigos, como este mismo relata en el capítulo 21. Por este motivo, el animal le pide ser domesticado y le explica que esto significa “crear vínculos”.

El zorro le enseña que, al establecer estos lazos, los seres se vuelven únicos en el mundo el uno para el otro y pasan a necesitarse mutuamente. “Si tú me domesticas, entonces tendremos necesidad el uno del otro. Tú serás para mí único en el mundo, yo seré para ti único en el mundo”, apunta el animal.

Tras comprender esto, y justo en el momento de la despedida entre ambos, el zorro le regala como “secreto” esta gran enseñanza: “Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos”, afirma este, consagrando la que es una de las reflexiones más citadas de este autor.

De hecho, desde el pasado 1 de enero de 2025 El principito vuela más alto que nunca. A partir de ese día, en España la obra e ilustraciones de Saint-Exupéry no tienen derechos de autor, motivo por el que desde entonces han salido al mercado nuevas versiones del famoso personaje, como El nuevo viaje de El Principito, una secuela del autor superventas Eloy Moreno.

La vigencia del libro también está estrechamente ligada a la propia figura de su autor. Saint-Exupéry no solo fue novelista, sino también periodista y piloto de aviación, una experiencia que impregnó toda su obra literaria. Nacido en Lyon en 1900, trabajó durante años como aviador de correo en rutas entre Europa, África y Sudamérica, viajes que inspiraron títulos como Correo del Sur, Vuelo nocturno o Tierra de hombres. Durante la Segunda Guerra Mundial se exilió en Estados Unidos tras la ocupación nazi de Francia, donde escribió El Principito, aunque continuó colaborando con las fuerzas aliadas como piloto de reconocimiento. En 1944 desapareció durante una misión aérea sobre el Mediterráneo, un final rodeado de misterio que terminó alimentando la leyenda de uno de los escritores franceses más universales del siglo XX.

El desamor es universal, pero a diferencia del amor, no queremos vivirlo. Contarlo depende de quién. En 2024, la filósofa francesa Fabienne Brugère publicó Desamar. Manual de un retorno a la vida (Flammarion), después de sufrir una ruptura tan devastadora que escribir un ensayo fue su forma de catarsis. Un año después de su publicación, la cantante Chiara Oliver (Ciutadella de Menorca, 2004) sufrió “su evento canónico”: como Brugére, rompió con su pareja. La relación, de cerca de un año de duración, la dejó “aislada” del mundo, mientras su novia, apunta, ocultaba su relación de cara al público. Su duelo antes y después de la ruptura ha acabado convirtiéndose en no fue real (Universal, 2026), su nuevo álbum de estudio publicado este pasado viernes 8 de mayo.

Después de salir de Operación Triunfo 2023 y publicar dos EP reunidos posteriormente en La libreta rosa, la artista hispano-británica empezó a escribir este nuevo disco incluso antes de abandonar la relación. “Me merecía mejor final / Que verte mirarme ahogándome en un charco / Mientras te alejas más de lo que nunca fue real”, canta en el tema que da título al LP, una frase que utiliza como “una etiqueta para quitarle peso” a aquello que vivieron. “La escribí sin haber pasado por la ruptura aún, pero ya sabía el sentimiento que iba a tener”, sostiene.

“Me ha gustado mucho ese título: retorno a la vida. Para mí fue exactamente eso”, asegura Oliver a Infobae sobre el ensayo de Brugère, al comparar su relación con lo que estaba viviendo la autora francesa. “Cuando estás en una relación así, te aíslas del mundo. Solo existe la necesidad de que funcione”, afirma, una vez que reconoció que estaba envuelta en una relación tóxica. “Dejas atrás a tu familia, a tus amigos, a tus pasiones. Me pasó cuando estaba en el momento más álgido del drama, que no podía salir”, añade. “Para mí fue salir de ahí y ¡pam! Y volver a la vida, ¿sabes? Mi familia y mis amigas estaban ahí esperándome, porque ya estaban en plan: ‘Bueno, que se dé cuenta sola’. Y cuando salí fue como: ‘Bienvenida al mundo otra vez’”.

Crónica de una ruptura anunciada

Tras dejarlo a mediados del año pasado, asegura que pasó el “mejor verano” de su vida”: “Volví a ser yo. Volví a ser la Chiara de 19 años, pero con todo lo que había aprendido”. Sin embargo, no cree que una parte de sí misma se perdiera en la relación. “La versión de mí que se creó en esa situación era una que no me gustaba. Era la versión desesperada, loca, paranoica, estresada, ansiosa, que llora todos los días. Y esa no soy yo. Yo soy la persona de la que te enamoraste, que se fue desgastando. Es muy guay cuando vuelves a ser ella. Sentí que me comía el mundo”.

Las 13 canciones del disco recorren las fases del fin de su relación. En palabras de su autora, formadas por la desesperación, la tristeza, la rabia y la gratitud de dejar ir un noviazgo marcado por ser llevado en secreto de cara al público. Sin embargo, ha aprendido la lección. “La mayor red flag que he vivido en una relación es que te oculten. Eso es lo peor. No dejéis que os oculten tanto tiempo”, asevera ahora con perspectiva.

La desesperación aparece en canciones como puzzle: “Si para ti esto es querer / No quiero que me quieras / Que alguien venga a por mí / Mejor que esto, cualquiera”; la tristeza está presente en temas como el que da título al álbum: “Me dejas ardiendo aquí / No volverás a por mí / Me quedé atrás”. Después llega la rabia: “No dices mi nombre al viento / No vaya a ser que alguien te escuche / Yo sí quiero que nos juzguen”, canta en es mejor así. Y, finalmente, la aceptación: “Si te tuviera aquí / Te daría los perdones que he guardado / Nunca quise hacerte daño”, escribe en si te tuviera aquí.

“Mantenía la compostura ante la gente, pero yo estaba fatal. Al final, el miedo es cuando vives una ruptura y luego lo escribes porque es tu única manera de sanar”

Chiara Oliver

La única canción del disco que no es sobre desamor es para sus amigas: me & my girls. “Lo significan todo para mí. Me cuidan mucho y me cuidaron muchísimo. Me esperaron al otro lado y estaban ahí cuando yo las necesité”. Su hermana Jasmine —ella es la mediana de tres, Chiara la mayor— también estuvo ahí. “Fue clave meter a mi hermana en la canción porque es muy importante para mí. La quiero muchísimo”, apunta sobre el puente de la canción, en el que menciona el nombre de sus mejores amigas.

En otros temas como lo siento x ser yo o calle luna, Oliver reflexiona sobre cómo una relación puede terminar alejándote de ti misma. “Recuerdo una vez que dije: ‘Wow. Realmente no me acepta por quien soy. ¿Qué shift [cambio, en inglés] ha habido? Sigo intentando encajar en el molde que esta persona tiene y quiere de mí’. Es una sensación horrible”. Aun así, evita reducir la ruptura a una historia con una villana. “Puede ser verdad que alguien te haya hecho mucho daño y que también te haya querido bien. No todo es blanco o negro”, declara. “A pesar de que evidentemente hay cosas que te dan rabia, siempre va a ser una parte de ti muy importante. Te lo vas a llevar contigo para siempre y vas a estar agradecida a pesar de todo”.

El factor ‘reality’: una de cal, otra de arena

Esa exposición adquiere otra dimensión cuando quien escribe las canciones es una figura salida de Operación Triunfo. Chiara pertenece a la hornada de triunfitos que salió de la penúltima edición del programa, la de 2023. Sus seguidores se movilizaron tanto para salvarla de la expulsión frente a Lucas Curotto que llegaron a proyectar su imagen en el Times Square de Nueva York pidiendo su voto, aunque finalmente fue la novena expulsada.

¿Nota qué ha salido de un reality? ¿Que interesa más su vida que la de otros compañeros de profesión? “Creo que no se me vio en la cara que estaba pasando por un momento horrible”, afirma ahora sobre la ruptura, que tuvo lugar mientras estaba de gira entre septiembre de 2024 y octubre de 2025, para promocionar la fusión de sus dos EPs en La libreta rosa Tour. “Mantenía la compostura ante la gente, pero yo estaba fatal. Al final, el miedo es cuando vives una ruptura y luego lo escribes porque es tu única manera de sanar. Nadie supo en ese momento que yo estaba pasando por esto, pero ahora lo voy a contar, ¿no? Ese es el miedo, yo creo". Por esto, y porque sabe lo que conlleva la presión mediática, pide escuchar el álbum con la vista puesta en “procesar una ruptura o un drama y no tanto porque quieren buscar pistas de mi vida. Porque eso no es la intención con la que yo suelo escribir”.

Precisamente en el programa que la vio nacer es donde habló sin tapujos de su orientación sexual: Chiara es lesbiana y, sin quererlo, al igual que sus compañeros Juanjo y Martin —que continúan siendo pareja dos años después de finalizar el programa—, se han convertido en referentes para la comunidad LBGTQ+, aunque sea sin quererlo. La cantante también sufre de TDAH, algo que tampoco ha ocultado nunca. “Me hace mucha ilusión porque yo también quería esa imagen cuando era pequeña. Son cosas que hago sin quererlo, porque simplemente es mi normalidad, es mi vida y no voy a esconder algo que es parte de mí”, apunta. “En realidad, me emociono muchísimo porque digo: ‘Wow, realmente tengo una responsabilidad muy grande encima de mis espaldas y ni me doy cuenta’”.

En diciembre de 2024, el periódico New York Times escribió que había sido el año de las estrellas sáficas, con artistas como Chappell Roan (Misuri, Estados Unidos, 1998) y Reneé Rapp (Carolina del Norte, Estados Unidos, 2000) al frente del pop mundial. “2025 fue el año de las rupturas sáficas”, bromea Oliver honesta. ¿Siente que su generación ya no necesita esconderse ni neutralizar las letras? Músicos del colectivo, como Pablo Alborán, han escrito en femenino muchas de sus canciones, aunque en su caso haya proclamado que sus “canciones no tienen género”. El artista compartió públicamente que era homosexual en 2020, tras llevar una década siendo uno de los cantantes más reconocidos de nuestro país.

“Me hace feliz haberme criado y estar haciendo música en la generación en la que lo estoy haciendo, porque significa que puedo ser yo abiertamente, que no tengo que esconderme, que es algo que no me gusta. Lo he dicho mucho en el disco, no me gusta esconderme. Estoy feliz de poder formar parte de esta ola de personas queer que no se esconden y que hablan en femenino”, reconoce.

Esa nueva etapa también se está trasladando al directo. Después de actuar este año en ciudades como Dublín, Londres o París dentro de su primera gira europea, Oliver prepara ahora el salto a grandes recintos con el no fue real tour, que arrancará en España los próximos 27 y 28 de noviembre en el Palacio Vistalegre de Madrid y el Sant Jordi Club de Barcelona, respectivamente. “En Londres estaba muy nerviosa porque vino mi familia y además estrenaba una canción inédita”, recuerda sobre un minuto +, undécimo tema del disco que retrata el momento de la despedida tras dejarlo con su expareja.

Ahora, un año post-ruptura, Oliver se prepara para cantar esas mismas heridas delante de miles de personas. Con la diferencia de que ha dejado de ser un secreto y ahora sí, ha sanado.

El estreno de la tercera temporada de El señor de los anillos: Los anillos de poder ya tiene fecha confirmada: Amazon Prime Video ha anunciado que la nueva entrega de la serie estará disponible a partir del 11 de noviembre de 2026, con lo que se descartan las especulaciones sobre un posible lanzamiento en 2027.

Este anuncio fue realizado durante la presentación de Amazon a los anunciantes en Nueva York. La serie, que se estrenó en 2022, es una ‘precuela’ ambientada miles de años antes de los libros y películas originales, y ha superado los 185 millones de visionados a nivel global, manteniéndose como uno de los mayores éxitos de la plataforma en la captación de suscriptores.

La primera temporada (cuyos primeros episodios estuvieron firmados por J.A. Bayona) consiguió el mayor estreno de una serie original de la plataforma en los primeros 91 días y, aunque la segunda no igualó esas cifras, encabezó la lista Streaming Top 10 de Nielsen y se encuentra entre las cinco series de retorno más vistas.

Qué contará la tercera temporada

El anuncio de la nueva temporada ha ido acompañado de la publicación de una imagen inédita de Sauron, interpretado por Charlie Vickers, luciendo una corona durante el evento Upfronts en Nueva York.

La acción de la tercera temporada avanzará “varios años” respecto a los eventos previos. De acuerdo con la sinopsis oficial difundida por Amazon, la trama se desarrolla en el apogeo de la Guerra de los Elfos y Sauron, un momento en el que el Señor Oscuro buscará forjar el Anillo Único para ganar ventaja en el conflicto, someter a todos los pueblos de la Tierra Media y proclamarse único soberano.

El universo de la serie tiene lugar miles de años antes de los hechos narrados en las obras de J.R.R. Tolkien, en un periodo descrito como una época en la que “se forjaron grandes poderes, los reinos alcanzaron su esplendor y también cayeron en la ruina, héroes improbables se vieron puestos a prueba, la esperanza pendía de un hilo y el mayor villano nacido de la pluma de Tolkien amenazaba con sumir el mundo en la oscuridad”.

La serie acompaña a sus protagonistas frente al resurgimiento del mal y aborda escenarios que abarcan desde las profundidades de las Montañas Nubladas, los bosques de la capital élfica Lindon, el reino insular de Númenor y otros lugares diseñados para dejar huella.

Una producción muy cinematográfica

La producción de la tercera temporada está a cargo de J.D. Payne y Patrick McKay como ‘showrunners’ y productores ejecutivos, junto a Lindsey Weber, Justin Doble, Kate Hazell y la directora Charlotte Brändström, con Matthew Penry-Davey en la producción y Ally O’Leary, Tim Keene y Andrew Lee como coproductores. La serie es una producción de Amazon MGM Studios.

El director global de televisión de Amazon MGM Studios, Peter Friedlander, destacó el carácter “ambicioso y cinematográfico” de la serie. Friedlander señaló: “La extraordinaria respuesta de millones de seguidores por todo el mundo ha dejado claro que esta travesía por la Tierra Media sigue resonando y que ese impulso no ha hecho más que crecer de cara a la tercera temporada”.

Friedlander, también afirmó que “desde el primer momento, la serie ha encarnado la escala, la ambición y la narrativa cinematográfica que definen las grandes apuestas internacionales de Prime Video”.

El comunicado de la fecha y la sinopsis oficial refuerzan el posicionamiento de El Señor de los Anillos como un pilar estratégico dentro de la programación de Prime Video, por su capacidad para atraer audiencias masivas.

Ahora todas esas vivencias las ha volcado en su ópera prima como directora, Yo no moriré de amor, película que ganó la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga, el premio a la mejor actriz (la debutante Júlia Mascort) y el de mejor actor de reparto (Tomás del Estal).

En ella, los introduciremos en el espacio familiar a través de la mirada de la joven Claudia (Mascort) y de las dinámicas que se establecen a partir del paulatino empeoramiento de su madre a lo largo de los años. Así, iremos pasando de la negación a la necesidad de escapar, de la reivindicación de libertad a la empatía y el entendimiento.

Basada en la propia experiencia de la directora

“La película está basada en mi historia, en efecto, porque cuando tenía 18 años, a mi madre le diagnosticaron una demencia frontotemporal y estuvo nueve años enferma. Y todos esos años nos tuvimos que encargar de los cuidados mis hermanas, mi padre y yo. Así que todo este proceso ha sido lo que me ha conformado como persona adulta”, cuenta Marta Matute a Infobae.

El ‘alter-ego’ de Marta en la pantalla, lo encarna una sorprendente Júlia Mascort, que consigue llevar el peso de toda la película, a pesar de su juventud, y de enfrentarse a una interpretación llena de matices que nos lleva de la rabia al dolor, de la culpa a la rebeldía de una manera prodigiosa y con una madurez que pocas veces hemos visto en una debutante.

“Cuando me llegó la prueba sabía que se trataba de un tema delicado, pero tras leer el guion me pareció increíble la manera en la que se abordaba, porque tampoco creo que haya tantas historias que hablen de la figura del cuidador o cuidadores, de cómo una familia se organiza para poder dedicarse a la persona enferma. Así que me parece una increíble noticia que exista esta película”, cuenta Máscort.

Su personaje no deja de ser el de una chica adolescente que tiene que echarse encima una serie de cargas que la oprimen por completo, en un momento además, en el que se encuentra conformando su personalidad. “Creo que es el gran dilema de mi personaje, que tiene que vivir todo eso, tomar decisiones y priorizar entre su juventud, las cosas que le gustan, sus amigos, la fiesta, o condenarse a vivir en casa para cuidar de su madre. Ella lo ve como algo ‘súperinjusto’ y a veces se comporta un poco egoísta. Pero yo también tenía que empatizar con eso, con la humanidad del personaje y de cómo ella viaja a lo largo de los años con esta irresponsabilidad”.

Junto al personaje de Claudia, encontramos al de su hermana mayor, a la que encarna Laura Weissmahr (que ganó el Goya a la mejor actriz revelación por Salve María), más responsable, pero que vive en otra ciudad y no puede hacerse cargo como le gustaría. “Creo que, de alguna manera, todos estábamos ahí para honrar a su familia, a su historia, a través de lo personal para hacerlo más universal a través de lo que significan los cuidados, que a cada uno nos va a tocar de una forma u otra“, cuenta Laura Weissmahr.

Una propuesta pulcra y respetuosa

Yo no moriré de amor está contada de una manera de lo más pulcra y respetuosa, desde el corazón, sin parafernalias emocionales o lacrimógenas a pesar de tratar una tema tan duro. “Yo tenía el tono muy claro en la cabeza. Mi línea roja era no caer en el melodrama, eso nunca podía pasar, antes prefería no hacer la película. Pero porque no es real. Cuando estás durante años cuidando a alguien, terminas disociándote completamente, así que normalizas la situación, normalizas algo que no es normal”.

La directora cuenta que estamos atravesados por el deber de cuidar a quien nos ha cuidado. “Yo quería retratar a una familia poco comunicativa, poco afectuosa, que no fuera de grandes abrazos ni de grandes demostraciones de cariño. Son los pequeños gestos los que importan, los que hacen que empatices con ellos. Pero, en general, es una película muy contenida”.

En segundo plano, pero no menos importante, asistiremos al avance de la enfermedad de la progenitora, de cómo los pequeños olvidos y ausencias se van convirtiendo en episodios en los que ella ya no es consciente de su cuerpo ni de su mente. El trabajo, en este sentido, de Sonia Almarcha, resulta absolutamente desgarrador.

“No rodábamos de forma cronológica y, en el caso de Júlia, a lo mejor por la mañana estaba en un estado de la enfermedad del año uno, y por la tarde en el año siete. Entonces, ella tenía un mapa hecho de cada momento para ubicarse. Yo, que tenía menos días de rodaje, cuando llegaba decía: ¿qué vamos a hacer hoy? Y solo tenía que girarme y ver el estado de Sonia para saberlo. Ella nos ayudaba a colocarnos mucho en el papel, porque lo tenía interiorizadísimo“, cuenta Laura Weissmahr. ”A nosotras nos vino muy bien todo el trabajo previo que hicimos, como ir a visitar centros de día y pasar tiempo con personas que estaban en esas condiciones, respirar un poco ese ambiente para no asustarnos, para que no nos pillara por sorpresa, porque si tú lo vives todos los días, es lo más normal del mundo".

En la película, el deterioro de la madre tiene lugar a lo largo de seis años. En el caso de Marta, fueron nueve, pero conoce a personas que en dos años, han desaparecido totalmente. “No se sabe por qué ocurre, solo que en las personas más jóvenes, todo avanza más rápido. Hay tantos tipos de demencias como las personas que las padecen. Yo he intentado plasmar la que vivió mi madre, así que ha sido muy impresionante ver lo que hacía Sonia Almarcha en la película, porque había momentos que me retrotraían directamente al pasado”, cuenta Matute.

Yo no moriré de amor se postula así como una de las óperas primas destacadas para la próxima edición de los Premios Goya. Una película pequeña en comparación con los trabajos de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen o Los Javis que seguramente acaparen las nominaciones, pero que contiene una verdad y emoción contenida que desarma al hablar de un tema tan sensible de una forma personal y delicada.

El inicio de la gira Tantas cosas que contar Tour 2026, en el regreso de Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh, ha estado cargado de emociones. A las palabras de la vocalista en el primer concierto de la banda en Bilbao se han unido las críticas por su desempeño, así como las de quienes siguen considerando que la vuelta de la cantante supuso una injusticia para Leire Martínez, quien durante diecisiete años había formado parte del grupo.

La cantante de Rentería se encontraba en Córdoba (Argentina) en plena promoción de Historias de aquella niña, su primer álbum en solitario con el que pretende pasar página respecto a su trayectoria anterior. Fue durante este show donde pudo verse a la cantante romper a llorar mientras recordaba su pasado. “Hoy arrancaba la gira de La Oreja de Van Gogh en España y, uf, no pensaba que me iba a afectar, pero sí, afecta”, confesaba, siendo recibida por una gran ovación del público.

“Es verdad que hoy hay canciones que se me van a trabar más de lo normal. ¿Pero sabéis qué? Que trabajé mucho en aquel proyecto. Han sido diecisiete años increíbles en ese proyecto y le voy a rendir homenaje con este medley de canciones de La Oreja". De este modo, la artista compartió con su público una versión de Jueves, una de las canciones más recordadas de su etapa en la banda, hasta que en cierto momento tuvo que detenerse porque no podía evitar las lágrimas.

El agradecimiento a todos aquellos que no la hicieron sentir “la sustituta de nadie”

“¿Sabéis qué pasa? Que no me gusta llevar el discurso a las comparaciones", continuaba. “Esto no va de quién lo hace mejor o quién lo hace peor. Esto va de que han sido diecisiete años de relación y, uf, y es duro decir adiós. Haber cerrado el ciclo de una manera distinta”. De este modo, la cantante explicó que su disco era una versión de lo que podría haber sido. “Quise agradecer no solo a la gente que se ha mantenido y ha seguido estando durante este año y medio, sino a toda esa gente que sostuvisteis a La Oreja hace dieciocho años. Todos me habéis hecho sentir, insisto, muy respetada, muy querida y jamás la sustituta de nadie”.

Leire Martínez tendrá ahora una gira que la llevará por Perú, Colombia y Guatemala antes de saltar, a finales de mayo, a Estados Unidos para ofrecer conciertos en Nueva York, Miami, Houston y Los Ángeles. Después de tres noches en México, Leire volverá a España con conciertos que darán inicio el 5 de junio en Valencia hasta mediados de septiembre, donde en Madrid y Lugo dará los últimos conciertos de esta nueva etapa.

Por su parte, Amaia Montero y La Oreja de Van Gogh actuarán en la capital del 28 al 31 de mayo en tres conciertos a los que seguirá una gira por el país que culminará el 30 de diciembre con un regreso al Movistar Arena de Madrid. Tras sus primeros conciertos, la banda ha decidido reducir las canciones de la etapa de Leire Martínez en el grupo, suprimiendo temas como Adiós, La niña que llora en tus fiestas y Todos estamos bailando la misma canción.

Si alguien todavía duda de que el regreso de Amaia Montero con La Oreja de Van Gogh es un regalo para los millones de fans de la banda, es que todavía no ha visto las imágenes del inicio de su gira en el Bizkaia Arena de Bilbao de este fin de semana. 18.000 personas celebraron junto a la cantante y el resto del grupo el fin de una separación que dolía desde hace quince años, pero que terminó el 15 de octubre de 2025, cuando se hizo oficial la vuelta de la vocalista y una serie de conciertos con Tantas cosas que contar.

Y entre esas cosas, la confesión de Amaia Montero durante el show: “Han pasado muchas vidas dentro de estos años y estar aquí con vosotros es mucho más que un concierto”. La cantante confesó haberse perdido en algún momento, e incluso llegar a pensar que nunca volvería a subirse a un escenario. “Hubo muchísimos días de oscuridad en los que pensé que todo había terminado para mí, que la vida y la música se habían apagado sin mí, para siempre”. Su actuación en Bilbao fue, en este sentido, también un importantísimo logro personal, pese a las críticas promovidas por algunos de los defensores de la anterior cantante de la banda, Leire Martínez.

Sin embargo, más allá de esa guerra de bandos sobre qué vocalista de La Oreja de Van Gogh lo habría hecho mejor o peor, y al margen de todo ese cúmulo de emociones y del carácter festivo del evento, lo cierto es que muchos fans también se han mostrado preocupados por otros aspectos del concierto. Elementos como la puesta en escena, la calidad del sonido o incluso el desempeño de la propia Amaia Montero han generado muchas reacciones que, desde la crítica al chascarrillo fácil, han dado a entender que la actuación musical del grupo dejó bastante que desear en su esperado regreso.

De las orejas cortadas de Van Gogh a los mensajes de agradecimiento

Uno de los vídeos que más ha circulado por redes sociales ha sido el momento en el que La Oreja de Van Gogh interpretaba La niña que llora en tus fiestas, esa misma canción que Amaia Montero llegó a criticar por su melodía, “más allá del chunda chunda”. Tras varias líneas donde la vocalista se fue completamente de la melodía, pudo verse cómo esta se acercaba para hablar con el técnico, de lo que se deduce que hubo algún problema técnico con los monitores. Gracias a estos aparatos los cantantes pueden escuchar su propia voz, algo fundamental para poder afinar bien en conciertos con tanto ruido de fondo.

Sin embargo, fuera por la tecnología o por otras cuestiones, lo cierto es que la desafinación de Amaia Montero fue otra de las constantes de la noche, con momentos tan críticos como su interpretación de su versión de Nothing Compares 2 U, o de temas tan conocidos como Muñeca de trapo o Deseo cosas imposibles. La plataforma central que elevaba a la cantante, muchas veces, parecía separarla del sonido del resto de la banda, en una puesta sobre el escenario marcada por los tonos chillones y, en ocasiones, también por la falta de energía. “Van Gogh se habría cortado las dos orejas para no tener que oír esto”, han lamentado algunos usuarios en redes sociales. “Me callo porque es más cómodo engañarse”, expresaba otro.

A pesar de todo, muchos otros fans han asegurado haber disfrutado mucho del concierto por tener la oportunidad de volver a escuchar a Amaia junto a La Oreja de Van Gogh. “Me habéis hecho volar”, agradecía una de las asistentes al concierto a las pocas horas de concluir el show. No es la única con ese sentimiento de gratitud ante el regalo que ha supuesto reencontrarse con la formación original de la banda. Ahora, quedará por ver su desempeño en los próximos conciertos.

El Movistar Arena de Madrid será la próxima parada, antes de pasar por Albacete y Murcia en lo que queda de primavera. Después, la banda dará más de una decena de conciertos en poco más de tres meses, y continuará con la gira, al menos de momento, hasta principios de diciembre. El Tantas cosas que contar Tour 2026 ya ha llegado y La Oreja de Van Gogh está dispuesta a seguir regalándole a sus fans todo lo que tienen en este último o penúltimo vals de una de las bandas de rock pop español más importantes del siglo.

Para Arturo Pérez-Reverte, “un ser humano es en gran parte lo que ha leído”. Puede que, por eso, el escritor de novelas como El capitán Alatriste, Falcó o El pintor de batallas es una persona tan relevante para muchos de sus lectores. Sus historias forman parte de ellos, razón por la que todos esos fans querrían saber, igualmente, qué libros han construido al autor que tanto adoran.

A lo largo de los últimos años, y sobre todo a través de sus redes sociales, donde se muestra muy activo, Arturo Pérez-Reverte lleva años compartiendo recomendaciones, donde también ha incluido muchas veces novelas o películas importantes para él a nivel personal. La última de estas interacciones, en un post que ya se acerca a las 50.000 visualizaciones, es El capitán Blood, de Rafael Sabatini: “La mejor novela de piratas que leí en mi vida”, sentencia.

El escritor ha sido el encargado de escribir el prólogo a la nueva edición que este clásico de la piratería tendrá con Zenda y Edhasa, donde precisamente reflexiona sobre esos libros que dejan huella. “El capitán Blood fue para mí uno de esos libros”, indica en dicho prólogo. “Lo leí justo siendo un niño, quizá con ocho o nueve años, antes incluso de La isla del tesoro, Un capitán de quince años, Jerry de las islas o La isla de Coral”.

Cuando hacerse pirata es cuestión de “dignidad”

Casi por casualidad, el joven Arturo Pérez-Reverte encontró este libro en la biblioteca de su casa y lo leyó y releyó hasta “deshacerlo”, conquistado por la historia de ese médico que, injustamente acusado de traición, es vendido como esclavo y, al escapar, se lanza al mar junto con otros compañeros para iniciar una nueva vida al margen de la ley. “La creación de su propia hermandad de piratas ya no era simple aventura: era una respuesta moral a un mundo injusto y perverso”, relata el novelista.

“Quizá pudo haber sido otro libro, pero fue éste que el afortunado lector tiene ahora en sus manos. El capitán Blood formó parte de mi educación intelectual y moral. En él descubrí a tiempo qué era la injusticia, y también por qué, a veces, hacerse pirata bajo cualquiera de sus formas no es un delito, sino una forma de dignidad”, concluye el autor.

“La combinación de lectura y cine resultó decisiva”

Ya disponible en librerías, El capitán Blood tiene una extensión de 480 páginas y es considerado un clásico del género. Además, cuenta con una famosa adaptación cinematográfica de 1935 protagonizada por Errol Flynn, Olivia de Havilland y Basil Rathbone que, según el escritor, también fue “muy buena”. “En este caso, la combinación de lectura y cine resultó decisiva. Las imágenes de la película se mezclaron con las páginas leídas hasta fundirse en un mismo recuerdo. Para un niño lector, aquello era tocar la gloria. Embriagarse de felicidad”.

Sin embargo, la reedición de este clásico de Sabatini no es el único regreso de Arturo Pérez-Reverte a las librerías. El novelista acaba de publicar con Alfaguara Enviado especial, un libro que acumula varias crónicas y reportajes a lo largo de la década de los 70 y los 80 firmadas por el escritor cuando presenció de primera mano, como corresponsal, los conflictos más cruentos del último tercio del siglo XX.

Madrid se prepara para una noche cultural fuera de lo común con motivo de la visita del papa León XIV a la ciudad del 6 al 12 de junio. Un total de 15 museos y diferentes entidades culturales abrirán sus puertas de forma gratuita y con horarios ampliados la noche del sábado 6 al domingo 7.

La decisión responde a una iniciativa acordada tras una reunión en la residencia arzobispal, que reunió al cardenal arzobispo de Madrid, José Cobo, junto a representantes culturales y organizadores de la visita papal. Entre los museos participantes se encuentran espacios emblemáticos como el Museo del Prado, que permanecerá abierto hasta las 00:30, y el Museo Reina Sofía, cuya clausura será a las 23:30.

Durante esta jornada especial, llamada Noche en Blanco (y Amarillo), el acceso será libre y se ofrecerán actividades únicas. El evento busca acercar el patrimonio artístico de la ciudad a la ciudadanía, en sintonía con el espíritu de la Noche en blanco parisina (festival cultural anual gratuito que transforma la ciudad en un museo al aire libre durante toda una noche) y rindiendo homenaje a los colores vaticanos.

Estos son los lugares que se podrán visitar gratis

Además de los grandes museos nacionales, también colaboran en esta iniciativa instituciones privadas como el Museo Thyssen-Bornemisza, abierto hasta la medianoche, al igual que otros centros como CaixaForum, el Museo Naval y el Espacio Fundación Telefónica. El Templo de Debod, el Museo de San Isidro, la Fundación Mapfre, la Galería de las Colecciones Reales y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando también se sumarán a la iniciativa con horarios especiales.

Además, a la Noche en blanco (y amarillo) se suman otros museos locales, como el Museo de Historia de Madrid (abierto hasta las 2 de la mañana) y el Jardín de la Banca March (abierto hasta las 4 de la mañana), junto a lugares de referencia como los Teatros del Canal y la Escuela Superior de Música Reina Sofía, que realizará un concierto de 22.00 a 23.00 con inscripción previa.

La programación especial incluirá asimismo exposiciones de piezas seleccionadas por su relación con el magisterio del papa, conciertos y eventos pensados especialmente para el público joven. Entre ellas destaca la velada No la debemos dormir, que se celebrará en los Teatros del Canal y se prolongará hasta las 05:00, con propuestas que van desde la danza española a sesiones de DJ.

“Una noche para mirar, descubrir y alzar la mirada”

El coordinador nacional del viaje, Yago de la Cierva, ha subrayado el significado del evento, en declaraciones recogidas por la agencia Europa Press: “La Noche en Blanco (y Amarillo) es una de las muchas muestras de la cooperación de la Iglesia con la sociedad civil y con las instituciones culturales, y una prueba de la enorme ilusión que el Viaje ha despertado en toda la sociedad”.

No solo los museos estarán abiertos: varias parroquias históricas de la capital permitirán la entrada de visitantes y peregrinos durante la madrugada, invitando a conocer su patrimonio y a participar en momentos de oración. “Una noche para mirar, descubrir y alzar la mirada”, dicen desde la organización.

Con esta programación especial, Madrid se convertirá, durante la noche del próximo 6 de junio, en un gran escenario de encuentro cultural y espiritual, celebrando la llegada del pontífice y la colaboración entre Iglesia y sociedad civil. Durante su estancia, el papa tendrá una intensa agenda que le llevará a recorrer distintas zonas de la ciudad y del país, incluyendo visitas a Barcelona y a las Islas Canarias.

Después de un inicio de gira un tanto catastrófico en el que la vocalista Amaia Montero, que regresaba a su formación original casi después de 20 años de ausencia, fue criticada por desafinar en su primera cita en los escenarios, la banda donostiarra La Oreja de Van Gogh introdujo cambios notables en el repertorio de su segundo concierto en el BEC.

No es una práctica poco común en las giras, donde la estructura suele ser estable, sobre todo si se trata de un segundo concierto, pero lo cierto es que parece que se están intentando limar aquellas cosas que no salieron bien en la primera jornada. Así, en esta ocasión, el repertorio pasó de incluir 25 canciones a 22, tras suprimir Adiós, La niña que llora en tus fiestas y Todos estamos bailando la misma canción.

Esta última, interpretada por Amaia Montero en la jornada anterior desde una peana de 5 metros de altura sujetada por un arnés, resultó un auténtico desastre, lo que provocó que la cantante, tras la actuación, reconociera su incomodidad y se disculpara ante el público, mientras el teclista Xabi San Martín la acompañaba en el escenario. Según el diario El Correo, estos ajustes limitaron la presencia de canciones correspondientes a la etapa vocal de Leire Martínez, dejando fuera varios éxitos destacados.

Reajustes en la ‘setlist’

La retirada de Todos estamos bailando la misma canción, presentada originalmente por Montero la noche de fin de año, sobresale en el listado de variaciones. En la primera jornada, la canción se interpretó desde la plataforma elevada, pero para el segundo concierto ya no formó parte de la ‘setlist’.

Además, desapareció la versión de Nothing compares 2U, tema con el que Montero fue descubierta por la banda y que en la primera noche incluyó como guiño casi a ‘capella’. El repertorio definitivo mantuvo la estructura general en bloques temáticos, aunque los retoques incidieron tanto en la representación de Leire Martínez como en la de Montero. Además, títulos relevantes como Inmortal, Cometas por el cielo y Jueves —esta última dedicada a las víctimas del 11 de marzo— tampoco se interpretaron en esta ocasión.

Durante el segundo concierto, la escenografía incorporó nuevamente la peana elevada, ahora utilizada para interpretar Mariposa, con proyecciones de alas en las pantallas del recinto que acompañaron el momento.

Del rosa al amarillo

Amaia Montero se mostró más confiada sobre el escenario, sin los titubeos del día anterior, según se ha podido ver en diferentes imágenes que han recorrido las redes sociales. En cuanto a la imagen, Montero vistió de amarillo, color cuya elección suele estar asociada a supersticiones de mala suerte en el mundo del espectáculo, lo que subrayó su confianza frente al público. En los bises, apareció además con una camiseta que lucía la frase “tenemos el récord del mundo en querernos”, extraída de la canción Rosas.

La selección de teloneros continuó con el grupo Veintiuno, quien calificó la cita como el “reencuentro más importante de la historia del pop en los últimos 30 años”. Entre las diversas anécdotas destacadas por los asistentes, se produjo una pedida de mano en la parte trasera de la pista, celebración que, aunque fue aplaudida entre el público, probablemente pasó inadvertida para los artistas.

Llegamos a la mitad del mes de mayo con un calendario de publicaciones realmente imparable. Tanto es así, que cuesta seleccionar una lista con diez libros recomendados, porque son muchos los lanzamientos esta semana que realmente merecen la pena.

Destacan los ensayos, entre ellos: Dame veneno que quiero vivir. Skincare, bótox, miedo a envecejer y linaje femenino, de Leticia Sala (Anagrama), en torno a la cultura ‘beauty’ de nuestros días; o, en otro plano muy diferente, dentro de la teoría política, El futuro de la democracia, de Daniel Innerarity (Galaxia Gutenberg).

En poesía, también se recuperan la Obra reunida, de Arthur Rimbaud (Galaxia Gutenberg) y Poemas de juventud (1943-1946), de Ida Vitale (Tusquets). Y, en cuanto a novela gráfica, se celebra el 20 aniversario de Fun Home. Una familia tragicómica, de Alison Bechdel (Reservoir Books) y se lanza Animales domésticos, de Bianca Bagnarelli (Salamandra Graphic).

‘Hombres enamorados’, de Irvine Welsh

El escritor escocés regresa al universo de Trainspotting, situando la acción al final de los años ochenta, cuando el gobierno de Margaret Thatcher está próximo a concluir y las tendencias culturales cambian del punk al dance.

El protagonista, Renton, se asienta en Ámsterdam tras la huida con el dinero del robo, sumido en un entorno de clubes y figuras peligrosas. Sick Boy permanece en Londres y busca dejar atrás sus adicciones, entablando una relación con Amanda, hija de un político, lo que lo introduce en un ambiente social muy diferente. Begbie alterna entre la cárcel y el barrio de Leith, al que sigue vinculado, mientras que Spud regresa también a Leith, donde sostiene un romance con Ali, una joven relacionada con el consumo de opiáceos.

La trama se centra en el paso hacia la edad adulta y la gestión de emociones, con los protagonistas intentando redefinir sus vidas tras una juventud marcada por la marginalidad y la autodestrucción. Welsh mantiene su estilo característico de prosa vigorosa, empleo de lenguaje callejero y creación de personajes desorientados y vulnerables. La novela sigue abordando temas como el sexo explícito, el exceso y la dificultad de dejar atrás el pasado, reafirmando las señas de identidad de su autor.

‘Yesteryear’, de Caro Claire Burke

Una de las novelas más virales de la temporada que será llevada al cine protagonizada por Anne Hathaway. Narra la historia de una influencer estadounidense con millones de seguidores, conocida por promover el modelo de ‘tradwife’, que experimentará un cambio radical al despertar en 1855, en una versión rudimentaria de su hogar. En este escenario sin tecnología ni servicios modernos, la protagonista quedará expuesta a una vida marcada por la falta de comodidades y la necesidad de asumir tareas físicas intensas para sobrevivir.

El relato muestra cómo el esposo, antes percibido como un heredero sin habilidades, asume el rol de granjero experimentado, mientras los hijos empezarán a sufrir el abandono propio de un entorno sin ayuda. La protagonista, privada de su red de apoyo y de los recursos habituales, se enfrentará a trabajos domésticos extremos, como acarrear leña y lavar ropa a mano hasta lastimarse.

El libro pone en evidencia la distancia entre la imagen pública de perfección que sostenía la protagonista y la realidad de su vida fuera del ámbito digital. La novela plantea interrogantes sobre la autenticidad y los límites de los modelos ‘aspiracionales’, especialmente cuando deben enfrentarse a circunstancias de extrema precariedad y vulnerabilidad.

‘La bailarina’, de Patrick Modiano

Regresa el Premio Nobel francés con una nueva obra en la que un hombre, tras reencontrarse en París con alguien que evita reconocerlo, inicia un viaje interior a través de la memoria. El protagonista rememora el París de su juventud, marcado por la violencia, el exilio y sentimientos de culpa, mientras figuras del pasado resurgen como recuerdos intensos. La historia gira en torno a los recuerdos de una bailarina y su hijo Pierre, quienes representan el vínculo con un pasado atravesado por clubes nocturnos y deseos ocultos.

Modiano utiliza una estructura narrativa fragmentada, rompiendo la linealidad temporal y mostrando cómo las evocaciones se imponen de manera caótica y desordenada. El narrador adopta una postura de testigo silencioso frente a una ciudad y unos habitantes envueltos en un clima de tensión. Más que resolver un crimen, la novela explora la dificultad de aceptar las huellas del pasado y la adaptación a un presente constante. El libro se inserta en el género negro, aunque se centra en la evocación y la reflexión personal.

‘Toni’, de Rumena Buzarovska

La autora macedonia debuta en la narrativa extensa enfocándose en la crisis de un hombre de mediana edad cuya vida pone en cuestión el modelo tradicional de masculinidad. A través de un tono irónico y recursos de humor negro, la obra retrata el progresivo deterioro emocional y social del protagonista, un exmúsico de Skopie que ahora trabaja como funcionario, evitando responsabilidades y mostrando dependencia de las mujeres a quienes desprecia.

La trama sigue al personaje durante unas vacaciones marcadas por fracasos y pérdidas, donde la sátira de la autora expone la ‘autoindulgencia’, el autoengaño y la victimización masculina. La perspectiva narrativa se adentra en la mente del protagonista, revelando sus contradicciones y fragilidades.

Buzarovska continúa explorando temas presentes en sus libros previos, como Mi marido y No voy a ninguna parte, y ofrece una visión mordaz sobre la masculinidad contemporánea y el misógino arquetípico, alternando momentos de comedia con otros de tensión y desconcierto.

‘Tiempos de aburrimiento’, de Jenifer Becker

Otro debut contundente que sigue a una joven, Mila, que decide desvincularse de internet al llegar a los treinta y cuatro años, impulsada por el temor a que cualquier aspecto de su vida pueda volverse en su contra. Esta determinación la lleva a eliminar perfiles en redes sociales, revisar archivos viejos y borrar huellas digitales. Al principio, experimenta una sensación de logro, pero pronto enfrenta un vacío profundo.

Ambientada en el Berlín ‘pospandémico’, la narrativa describe cómo la desconexión digital de Mila la lleva a reencontrarse con el aburrimiento, primero con un matiz nostálgico y luego con una soledad marcada. La vida sin pantallas adopta un ritmo distinto, el tiempo parece extenderse y el silencio cobra una presencia inesperada. Al dejar de compartir su vida en línea, Mila también pierde acceso a las historias de otros, acercando su rutina a la de Emily Dickinson más que a la de sus contemporáneas.

Pese a su alejamiento del entorno virtual, Mila aún siente la presión de estar bajo observación constante en la vida real. La novela explora el deseo de desaparecer completamente y cuestiona los límites del control individual frente a la vigilancia en la sociedad actual.

Jenifer Becker plantea en esta obra que abandonar internet no necesariamente implica recuperar autonomía, sino que puede derivar en una experiencia vital más limitada. Una ácida crítica a la tecnología y la sociedad contemporáneas definida como una ‘bomba literaria’.

‘Operación Masacre’, de Rodolfo Walsh

Se recupera este clásico de 1957 que introdujo la novela de no ficción periodística en Argentina, anticipando en casi una década a A sangre fría de Truman Capote. El libro se basa en entrevistas a supervivientes, familiares y funcionarios, y expone los fusilamientos de José León Suárez cometidos el 9 de junio de 1956, durante la dictadura ‘autodenominada’ Revolución Libertadora, que había derrocado a Juan Domingo Perón.

Un clásico de la literatura del siglo XX que ahora se reedita con prólogo de Leila Guerriero.

‘A flor de piel’, de Nora Muñiz

La novela debut de la mexicana Nora Muñiz examina el vínculo entre madre e hija a través de la historia de una madre joven que cuida a una niña afectada por un llanto constante y ronchas persistentes en la piel. La obra profundiza en la experiencia de la maternidad atravesada por el agotamiento y la pregunta sobre la posibilidad de evitar el sufrimiento de los hijos. El relato sitúa la violencia en la crianza como eje central y explora hasta dónde puede llegar el amor materno al intentar proteger a la descendencia.

La trama se estructura alrededor del síntoma físico de la hija, que se convierte en símbolo de los secretos no dichos dentro de la familia, marcando el tono oscuro y reflexivo del libro.

‘M.5. El fin y el principio’, de Antonio Scurati

El cierre de la saga literaria de Antonio Scurati sobre el fascismo italiano aborda los últimos seiscientos días de Benito Mussolini, desde el declive del régimen hasta su ejecución en abril de 1945, y concluye un proyecto que ha superado el millón de ejemplares vendidos en cuarenta países. La narración se sitúa en un contexto de violencia y desmoronamiento, con episodios destacados como la exhibición pública del cadáver de Mussolini en la Plaza Loreto de Milán, símbolo de la caída del dictador y de sus allegados, y de la transformación de la ciudad en un escenario que refleja el fin de una era.

La crítica ha valorado la saga por su alcance literario e histórico. Medios internacionales, como The New York Times, consideran la obra “una lección histórica de antifascismo disfrazada de novela”, y la considera una lectura debería ser obligatoria para comprender el fascismo y el auge de la extrema derecha.

El reconocimiento internacional se ha visto reflejado en la difusión de la saga en cuarenta países y en la valoración de voces como Roberto Saviano, quien la define como “una obra maestra”. La serie se consolida como un referente literario y documental sobre el fascismo y su impacto en la historia europea reciente.

‘Una vida lejana’, de M.L. Stedman

Nos adentramos en la Australia Occidental de 1958, en una extensa granja de ovejas llamada Meredith Downs, propiedad de la familia MacBride. La trama central se desencadena a partir de un accidente en el que Phil MacBride provoca la muerte de uno de sus hermanos, lo que obliga al superviviente a tomar decisiones drásticas para proteger a un niño y, de ese modo, cambia el rumbo de la familia.

A lo largo de varias décadas del siglo XX, la historia explora los secretos y las tensiones internas del clan MacBride, centrando su atención en Matt MacBride, el menor de los hermanos. Matt enfrenta un conflicto moral que lo impulsa a revisar sus lazos familiares y sus obligaciones, situándolo entre el amor personal y el deber hacia los demás.

En este contexto, la novela analiza las consecuencias irreversibles de cada decisión y muestra cómo el entorno hostil de la Australia rural refleja la vulnerabilidad de los personajes. La narración alterna momentos íntimos con escenarios de gran escala, abordando tanto los efectos individuales como los históricos de los actos de los protagonistas. De la autora del best-sellar, La luz entre los océanos.

‘Árbol’, de Aya Kōda

El renovado interés por Aya Koda se produjo tras el estreno de Perfect Days de Wim Wenders, lo que llevó a lectores y críticos internacionales a destacar la obra de la autora japonesa. Más de cien años después de su nacimiento, su estilo sigue vigente, como señala la escritora Hiromi Kawakami. En sus ensayos, Koda recorre distintos paisajes de Japón y analiza el vínculo de las personas con árboles emblemáticos, como los cerezos y los cedros sugi milenarios.

La cercanía de Koda con la naturaleza se originó en su infancia, a partir de las enseñanzas de su padre, quien le mostró a reconocer especies y sembrar árboles, algo que influyó en su perspectiva de por vida. Sus textos abordan desde la observación del entorno hasta el efecto de acontecimientos naturales y el trabajo de quienes cuidan los bosques, explorando la belleza, la pérdida y lo efímero.

En su serie de ensayos, Koda utiliza los árboles como símbolo de la relación entre tradición y entorno. Para la autora, los bosques japoneses representan tanto la historia del país como la búsqueda individual de dejar huella, mostrando con cada ciclo de la naturaleza el legado cultural y personal.

La buena noticia, es que no tendremos que esperar mucho para verla, ya que se estrenará en Apple TV el próximo 29 de mayo. Se trata de la adaptación de su propio libro, titulado en inglés Propeller One-Way Night Coach y que aquí se llamará Ven a volar conmigo.

La película, narra la travesía de un joven entusiasta de la aviación, Jeff —a quien da vida el debutante Clark Shotwell— y su madre, interpretada por Kelly Eviston-Quinnett, en un trayecto aéreo a través del país hacia Hollywood.

Un homenaje a la edad de oro de la aviación

La historia sitúa su acción durante la edad dorada de la aviación y describe cómo un vuelo rutinario se convierte en un viaje transformador, lleno de escalas inesperadas, pasajeros peculiares y una mirada singular a la primera clase. Así, la experiencia del chico estará marcada por comidas a bordo, azafatas encantadoras, pasajeros extraordinarios y momentos mágicos e inesperados, elementos que terminan definiendo el futuro del protagonista.

La dirección y la producción del filme corren a cargo del propio Travolta, junto con Jason Berger y Amy Laslett de Kids at Play, bajo el amparo de Apple Original Films.

La película supone el debut como director de John Travolta, una figura de larga trayectoria reconocida tanto en los géneros populares de finales del siglo XX —como ocurrió con su papel en Grease— como en propuestas más arriesgadas de los años noventa, entre ellas Pulp Fiction (1994) y Primary Colors (1998).

Travolta traslada aquí una de sus grandes pasiones personales, la aviación, presente también en su faceta como piloto ocasional y en otros trabajos anteriores como actor. Al asumir la dirección, Travolta incorpora a Ella Bleu Travolta, su hija, en el reparto interpretando a una de las azafatas junto a Olga Hoffmann, y suma a Miles McMahon como parte del elenco.

El regreso a Cannes de Travolta

La exhibición de en Cannes de Ven a volar conmigo, marca el regreso de John Travolta al festival francés casi treinta años después de su última participación como actor. En 1998 presentó Primary Colors, y previamente había acudido con Pulp Fiction y Atrapada entre dos hombres en 1994 y 1997, respectivamente.

La participación de la película en la Sección No Competitiva del Festival de Cannes coincide con un año donde la presencia de títulos estadounidenses en el festival es limitada. El certamen cuenta con obras europeas como la inaugural La Vénus électrique de Pierre Salvadori y una importante representación española, con títulos como Amarga Navidad de Pedro Almodóvar, La bola negra de los Javis y El ser querido de Rodrigo Sorogoyen.

Travolta, que suma más de setenta producciones como actor, asume con este largometraje un nuevo papel tras décadas de experiencia en la industria. Al mismo tiempo que ha dirigido su ópera prima, el actor tiene en marcha la participación en seis proyectos más, entre los que se encuentran November 1963 y The Gentleman Thief. También estaría en postproducción la última película de Renny Harlin, en la que compartiría protagonismo con el español Álvaro Mel, titulada Black Tides.

El actor y cómico Martin Short ha relatado durante una entrevista con CBS News Sunday Morning, el profundo impacto que provocó en su familia el suicidio de su hija Katherine Short, ocurrido el pasado febrero a los cuarenta y dos años de edad.

Short describió la muerte de Katherine como “una pesadilla para la familia”, y subrayó que tanto la salud mental como el cáncer —en referencia al padecimiento que sufrió su esposa Nancy Dolman— deben ser entendidos como enfermedades que, en ocasiones, pueden resultar terminales.

“Mi hija luchó mucho tiempo con graves problemas de salud mental, trastorno límite de la personalidad y otros cuadros; hizo lo que pudo hasta que ya no pudo más”, expresó el actor en la citada entrevista.

Los problemas de salud de Katherine

La oficina del forense de Los Ángeles confirmó a la revista People que el deceso de Katherine se debió a un suicidio. En un comunicado, la familia Short pidió respeto a la intimidad y resaltó que Katherine Hartley Short “será recordada por la luz y alegría que trajo al mundo”.

Graduada en psicología y estudios de género y sexualidad por New York University en 2006, Katherine obtuvo el máster en trabajo social por la University of Southern California en 2010. Trabajaba como trabajadora social clínica titulada en práctica privada y prestaba servicios en la clínica Amae Health en labores de apoyo comunitario, grupos familiares y psicoterapia.

Por otra parte, Nancy Dolman, esposa de Martin Short durante treinta años, murió por cáncer de ovario en 2010 a los cincuenta y ocho años. El actor adoptó junto a ella a Katherine, Oliver (40) y Henry (36).

Qué contará el documental sobre Martin Short

El estreno de la película documental Marty, Life Is Short en Netflix está previsto para el 12 de mayo y en él se repasará toda su vida dentro del mundo del cine desde sus inicios hasta la actualidad. O, lo que es lo mismo, desde Saturday Night Live o películas míticas de los años ochenta como El chip prodigioso hasta recientes éxitos como Solo asesinatos en el edificio.

El documental está dirigido por el mítico Lawrence Kasdan, guionista de las sagas de Indiana Jones o La guerra de las galaxias, y contará con la participación de personalidades de Hollywood como Steven Spielberg o Tom Hanks y su mujer Rita Wilson, grandes amigos de Martin Short, al igual que la recientemente fallecida Catherine 0’Hara, a la que también la película dedicará un pequeño homenaje.

Martin Short ha estado toda la vida ligado a la comedia. Sin embargo, la huella de la muerte siempre le ha acompañado. A los doce años, perdió a su hermano mayor en un accidente y antes de cumplir los 20 ya habían fallecido sus padres.

Quizás por eso, utilizó el humor como salvavidas emocional. Es al menos lo que dicen sus amigos, como Steve Martin, que lo ha acompañado desde sus inicios hasta la actualidad, configurando una de esas extrañas parejas de Hollywood que solo existen por los vínculos más sólidos y que se puedan imaginar delante y detrás de las cámaras.

El rotundo éxito de la película Michael, biopic de Michael Jackson, ha consolidado el legado del Rey del Pop en la cultura actual. Tras su estreno en abril de 2026, la cinta ha superado todas las expectativas comerciales al recaudar aproximadamente 570 millones de dólares a nivel mundial en apenas tres semanas y ya se posiciona como el biopic musical más exitoso en Estados Unidos, reafirmando el magnetismo eterno del cantante de Billie Jean, Beat It o Thriller.

Así, el éxito de Michael vive directamente de la relevancia que tuvo este artista que llegó a vender más de 70 millones de copias con solo uno de sus discos (Thriller), y que en seis décadas diferentes, incluso 20 años después de su muerte, ha conseguido que sus canciones entren en las listas de lo más escuchado del mundo. Tal fue su fama en vida que, allí donde iba, se convertía en el centro de atención de todo el mundo.

En España, sin ir más lejos, actuó un total de ocho veces a lo largo de su carrera. Marbella, Madrid, Barcelona, Oviedo, Zaragoza y Tenerife serían algunos de los destinos donde recalaría el rey del pop, protagonizando todo tipo de anécdotas que, con el tiempo, han ido saliendo a la luz, desde sus paseos por la capital rodeado de policías hasta su preocupación cuando vio a tanta gente asomada a los balcones en las calles. Alguien tendría que explicarle que hacer vida en aquella parte exterior de la casa era muy habitual en España, al contrario que en otros países más fríos.

El hotel que no le permitió hospedarse

Sea como sea, cuesta imaginar que una ciudad no deseara que el artista actuara allí, así como que un hotel que no quisiera recibirlo durante su estancia. Sin embargo, eso fue lo que ocurrió en Madrid a finales de los años 80. El Rey del Pop iba a actuar frente al estadio Vicente Calderón completamente lleno y buscaba quedarse en alguno de los mejores establecimientos de la ciudad.

El elegido para acoger al cantante fue el Hotel Ritz (actual Mandarin Oriental Ritz Madrid), un histórico edificio inaugurado a principios del siglo XX por el rey Alfonso XIII para dotar a la capital de un alojamiento de lujo al estilo de París o Londres. Sin embargo, desde el Ritz decidieron rechazar la estancia del artista por una sencilla razón: no se aceptaban mascotas, y Michael Jackson siempre iba acompañado de uno de los personajes que más reacciones ha provocado en su biopic: Bubbles, su chimpancé.

Convertido en su compañero inseparable desde los 80, Bubbles se convirtió en parte del círculo íntimo del cantante, e incluso durmió durante mucho tiempo en su misma habitación. Sin embargo, a medida que creció, su carácter se volvió cada vez más imprevisible y ganó mucha fuerza, por lo que en 2003 sería trasladado al Centro de Grandes Simios de Florida. Desde allí, describieron la personalidad de este simio como tranquila y también “juguetona”, lo que explicaba también por qué a Michael Jackson le gustaba tanto estar con él. Cuando recibió la negativa del Ritz, decidió no prescindir de su mascota y acabar recalando en el Hotel Palace, donde le ofrecieron su mejor habitación.

Una habitación llena de juguetes en Canarias

Lo cierto es que la presencia de Bubbles no sería la única extravagancia de Michael Jackson en los hoteles. En 1993, el cantante visitó la isla de Tenerife para un concierto frente a 50.000 personas. Para ello, el cantante se alojó en el Hotel Botánico de Puerto de la Cruz, y un elemento muy recordado de su estancia es que pidió que su habitación estuviera llena de juguetes.

El artista se dejó ver en diferentes zonas del norte de la isla y, tal y como recordarían quienes estuvieron allí, se gastaría mucho dinero en discos... y en llamadas telefónicas: “La factura telefónica en el Hotel Botánico fue astronómica”, recordó Juan Manuel Bethencourt en una entrevista para el diario canario de El Día. Betancourt fue el responsable del reportaje documental de 2023 Adivina quién actuó esa noche, que rescató todos los recuerdos del concierto de Michael Jackson en Tenerife treinta años antes.

“Lo que ocurrió con Tenerife fue una cosa totalmente exótica. El concierto en Tenerife no estuvo en la gira europea, ni en la asiática, ni en la americana. Convirtieron a la isla en una escala entre el final de la gira asiática y el inicio de la gira latinoamericana. Jackson pasó de Estambul a Buenos Aires y, en medio, estuvo tres días en Canarias”, concluía para el citado medio. De este modo, pese a sus muchas excentricidades, y también pese a las polémicas que rodearon su figura en los últimos años de su vida, el cantante dejó recuerdos inolvidables en cada lugar en el que actuó, además de su música, que décadas después de su muerte sigue emocionando a viejos y nuevos oyentes.

La primavera es sinónimo de mucho ajetreo para el mundo de los libros y los escritores. Si hace unas semanas Barcelona se llenaba de rosas y literatura durante Sant Jordi, a finales de mayo llegará la Feria del Libro de Madrid, otro de los grandes eventos del mundo editorial a lo largo del año. Entre medias, no obstante, también se han celebrado diferentes ferias más pequeñas, pero donde la oportunidad de los autores y lectores de conocerse sigue dándose por igual.

Sin embargo, la experiencia de los autores que se acercan a una feria y esperan para firmar algunos de sus libros no siempre resulta igual de gratificante. Esto es algo que ha comprobado este mismo fin de semana el novelista Juan Gómez-Jurado, cuyas cifras de ejemplares vendidos, más de 12 millones según los últimos datos, podrían hacernos pensar que sus firmas estarán abarrotadas. Sin embargo, el propio autor ha confirmado cómo, en la Feria del Libro de Vallecas a la que ha asistido recientemente, la experiencia ha sido justamente la contraria.

“Tres horas. Seis personas. Caseta de la Feria del Libro de Vallecas. Y esto es lo normal”, ha escrito en un post publicado en su cuenta de X, que ya roza las 100.000 visualizaciones. Lejos de protestar o lamentarse, el autor ha querido extraer una lección de este tipo de experiencias: “Si estás empezando, escúchame: no te sientas mal cuando te pase. Y te va a pasar. A veces vendrá gente. Y otras lloverá. O hará un sol que ahuyenta. O simplemente no será el día. Y te tocará mirar tres horas a una calle medio vacía con la sonrisa puesta por si aparece alguien”.

La promesa a los escritores que están empezando

El autor ha hecho referencia a las precipitaciones que, muy probablemente, han disuadido este fin de semana a muchos lectores de visitar las casetas de la Feria del Libro de Vallecas, de por sí un evento marcadamente local. Por una cosa o por otra, la falta de lectores en una firma de libros puede ser una situación habitual. “A mí me sigue pasando”, advierte Juan Gómez-Jurado. “Y mejor que me siga pasando, porque el día que deje de pasarme será que se me ha olvidado de dónde vengo”.

Por esto mismo, el novelista ha querido dirigirse también a los que todavía escriben “en silencio” y esperan, algún día, tener una caseta para firmar sus libros. “La tendréis”, promete, “y algún día también estará vacía. Volvéis a casa, abrís el documento, y escribís la siguiente página. Es lo único que cuenta”. Por último, el escritor también ha querido dirigirse a esas seis personas que acudieron “a mojarse con él” en las tres horas que ha estado en la Feria. “Gracias”, ha concluido.

Juan Gómez-Jurado se encuentra ahora en plena promoción de su nueva novela, Mentira. “Este es el libro más importante de mi vida”, afirmaba en sus redes sociales en una carta dirigida a sus lectores. Desde su publicación, este título se ha situado en lo más alto de las novedades más vendidas, confirmando el éxito de un autor que, desde la trilogía de Reina Roja, se ha convertido en uno de los autores en lengua castellana más leídos del mundo.

Puede que nunca hayas oído hablar de Demócrito de Abdera, pero seguro que alguna vez habrás escuchado la palabra que él inventó: los átomos. Ya en el siglo V a.C., cuando ni siquiera se había descubierto la gravedad, este filósofo griego señaló que la materia se componía a partir de pequeñas partículas indivisibles. No sería esta su única aportación, pues además, este pensador también nos dejaría otras valiosas reflexiones sobre la éica, la música o las matemáticas.

De Demócrito nos ha llegado, también, el apodo que tenía en su época: “El filósofo que ríe”. Este sobrenombre se debía no solo a su tendencia a reírse de la insensatez humana, sino también a su forma de abordar https://www.infobae.com/espana/cultura/2026/05/08/marco-aurelio-filosofo-estoico-tienes-poder-sobre-tu-mente-no-sobre-los-acontecimientos-comprende-esto-y-encontraras-la-fuerza/, de la que eliminaba siempre la intervención divina para centrarse en lo estrictamente humano. El objetivo final del conocimiento, para él, debía ser alcanzar la tranquilidad interna de cada individuo.

En sus reflexiones sobre la conducta humana, Demócrito observó con agudeza cómo la ambición desmedida nublaba el juicio de sus contemporáneos. Fue en este contexto donde pronunció una de sus sentencias más célebres y vigentes: “Hay hombres que trabajan como si fueran a vivir eternamente”. Esta crítica apuntaba directamente a la incapacidad de disfrutar del presente, una advertencia sobre la fragilidad de nuestra existencia y el error de postergar la felicidad.

El significado de la frase de Demócrito

Las palabras del filósofo griego conectan con su concepto de eutimia, que definía como un estado de ánimo sereno y constante. Demócrito afirmaba que “la felicidad no reside en las posesiones ni en el oro; el alma es la morada de la felicidad”. Al trabajar sin descanso, el hombre moderno olvida que la acumulación de bienes no garantiza el bienestar emocional. Hoy vemos este reflejo en el agotamiento laboral y la ansiedad por el estatus social permanente.

Así, la frase de Demócrito nos recuerda cómo el exceso de trabajo actúa como un falso placer de productividad que termina consumiendo la salud. En nuestro día a día, la hiperconectividad y la presión por el éxito constante nos convierten en esos hombres que Demócrito criticaba con ironía. Al fin y al cabo, el capital más valioso y escaso del ser humano no es su salario, ni sus logros, sino su tiempo.

La sabiduría de Abdera nos invita a valorar el tiempo desde esa perspectiva. Si bien el esfuerzo es necesario para la subsistencia, convertir la labor en el único eje vital es una forma de ceguera existencial. Demócrito sugería que el sabio debe buscar la autosuficiencia para no depender de caprichos externos. Entender que nuestra vida es finita es, paradójicamente, lo que nos permite empezar a vivir con verdadera plenitud y alegría.

La brevedad de la vida y el ocio

Demócrito no fue el único filósofo clásico que nos habló de la brevedad de la vida. Esta preocupación sería retomada siglos después por Séneca, quien denunciaría que aquellas personas que viven ajetreadas descuidan su propia existencia. “No es que tengamos poco tiempo, es que perdemos mucho”, sentenciaría. Ambos filósofos veían, pues, que la obsesión por el trabajo es síntoma de una huida de uno mismo y de la propia mortalidad.

Pensadores más contemporáneos, como Bertrand Russell, han defendido el elogio del ocio como una herramienta de libertad. Russell sugería que la ética del trabajo ha sido una trampa para mantener a las masas ocupadas, impidiendo el desarrollo del pensamiento crítico y el disfrute cultural. Al igual que el griego, este autor subrayaba que la vida solo adquiere sentido cuando somos capaces de detener la maquinaria productiva para contemplar el mundo que nos rodea.

De este modo, la advertencia de Demócrito ha seguido resonando durante todo este tiempo, y quizá más hoy que nunca, con una sociedad obsesionada con el rendimiento. El filósofo griego nos recordó que no somos eternos para animarnos a encontrar la moderación en todo lo que hacemos, incluyendo nuestras obligaciones. La verdadera riqueza, según el sabio de la risa, reside en nuestra capacidad de habitar el presente con una mente tranquila y en paz.

La carrera de Meryl Streep es una de las más brillantes con las que una actriz podría soñar. La intérprete ha participado en todo tipo de papeles memorables, demostrando una capacidad de adaptación al alcance de muy pocos que le ha llevado a ganar múltiples premios: tres Oscar, nueve Globos de Oro, dos BAFTA y dos Emmy.

Estos últimos galardones representan una faceta pocas veces valorada en la trayectoria de Meryl Streep. Su rostro no ha aparecido muchas veces en series de televisión, pero las pocas en las que ha ocupado un papel importante en este tipo de producciones, el resultado ha sido excelente. Como ejemplo, estaría la serie de 2003 que, en su momento, fue considerada como una de las mejores ficciones para la pequeña pantalla que se habían hecho nunca: Ángeles en América.

Esta miniserie de seis episodios se sitúa en la Nueva York de los años 80, cuando la crisis del sida y el conservadurismo de la era del presidente Reagan marcaban el pulso de la sociedad. Prior Walter, un hombre gay, enfrenta el diagnóstico de la enfermedad y el abandono de su pareja, mientras un ángel lo convoca a una misión profética. Las historias de otros personajes, como el abogado Roy Cohn o el joven Joe Pitt, se entrelazan en un contexto donde la homosexualidad, la religión y la política se debaten de manera cruda y directa.

La actriz da vida a cuatro personajes

El reparto es uno de los elementos que hacen de Ángeles en América, serie inspirada en una igualmente exitosa obra de teatro, un fenómeno pocas veces visto en la historia de la televisión. Al Pacino, en el papel de Roy Cohn, lidera un grupo en el que también destacan Meryl Streep, Emma Thompson, Patrick Wilson y Jeffrey Wright. Cada uno de ellos aportó con esta serie un trabajo que, posteriormente, sería muy aplaudido por la crítica.

En el caso de la actriz de El diablo viste de Prada, Mamma Mia o Memorias de África, destaca el hecho de que, como otros de los intérpretes que participaron en el proyecto, interpretó varios personajes. En su caso concreto, fueron cuatro: desde una madre mormona a un fantasma de un personaje histórico; desde un ángel a un anciano rabino judío ortodoxo.

Esta variedad de roles potenciaba el tratamiento de temas como la identidad y la transformación, centrales en la serie. A partir de ellos, la historia ofrecía un crudo retrato de su época, a través de dilemas sobre la sexualidad, el peso de la religión y la presión social. Por eso, el impacto de la serie radica tanto en su profundidad como en el elemento “simbólico” de cada uno de sus personajes, ilustres representantes de los Estados Unidos de los 80.

Dónde ver ‘Ángeles en América’

Ángeles en América fue un éxito absoluto. Ganó cinco Globos de Oro y hasta siete premios Emmy. En todos estos galardones, Meryl Streep sería también reconocida por su trabajo. Además, la crítica se deshizo en elogios por el resultado final. “Extravagantemente concebida y gloriosamente realizada, no solo es una de las mejores series de televisión que se han hecho jamás; también es una trascendente obra de arte”, la ensalzaban en una crítica publicada en el medio USA Today.

Ángeles en América se convirtió en una obra histórica al desafiar la lógica de su época y reunir a celebridades de Hollywood en un formato televisivo. El resultado fue una miniserie que aborda sin rodeos la soledad, la enfermedad, la culpa y la búsqueda de sentido en un mundo en crisis. La serie, disponible en HBO Max, sigue siendo recomendada para quienes buscan una experiencia intensa y profunda en apenas una tarde. El desfile de estrellas, la ambición de la puesta en escena y la fuerza de la escritura siguen atrayendo a quienes buscan relatos que desafíen los límites de la televisión tradicional.

El mes de mayo es el mes de Madrid por antonomasia. El levantamiento frente a los franceses, San Isidro, las finales de Champions... pocos meses representan mejor a la capital española, que tampoco sería lo mismo sin el arte que la rodea. Después de un mes de abril protagonizado por el Soy Asurbanipal de CaixaForum o el Guernica africano del Reina Sofía, este mes es el turno de batallas galácticas, moda y mucho más.

De esta forma, en la misma ciudad pueden convivir los stormtroopers de Star Wars con los fan zines, la moda del Romanticismo con la técnica de Lidó Rico y una revisión de uno de los cuadros más controvetidos de todo el Museo del Prado, como es El año del hambre de Madrid. Ya avisamos que este era el mes de la capital.

El imperio fan contraataca

Desde el 6 de mayo de 2026, Espacio Delicias en Madrid alberga la exposición El Imperio Fan Contraataca, concebida como la experiencia definitiva para los seguidores de la saga Star Wars. Situada en el Paseo de las Delicias, 61, esta muestra reúne una de las colecciones privadas más grandes del universo galáctico. El visitante recorre recreaciones a tamaño real de escenas emblemáticas, descubre vestuario original, dioramas detallados y piezas únicas de memorabilia. Destacan las secciones dedicadas a personajes como Boba Fett, los Stormtroopers y Darth Vader, junto a figuras de acción poco comunes y zonas interactivas que permiten vivir la saga en primera persona.

La exposición ofrece espacios para posar en fondos temáticos, probar habilidades como Jedi o contemplar modelos de naves legendarias. Después de recorrer ciudades como Londres, Los Ángeles y París, la colección llega a Madrid para transformar Espacio Delicias en un punto de encuentro de la cultura pop y el entretenimiento. La propuesta invita tanto a nostálgicos como a nuevas generaciones de fans a sumergirse en un entorno inmersivo, donde el arte y la pasión por la saga se fusionan en un recorrido pensado para todos los públicos.

Lidó Rico. L’anima non finita

La Sala Alcalá 31 en Madrid presenta, del 8 al 31 de mayo, la exposición “L’anima non finita” de Lidó Rico. La muestra recorre más de tres décadas de creación del artista, desde sus primeros dibujos minimalistas de los años ochenta hasta sus más recientes instalaciones de gran formato. Esta revisión constituye el cierre de la conmemoración de los 1200 años de la fundación de Murcia y ofrece una mirada profunda sobre la identidad contemporánea y el cuerpo como espacio de conflicto. El recorrido incluye más de 50 obras que exploran la intimidad y la vulnerabilidad como aspectos esenciales del ser humano. En la planta baja, destacan dos grandes instalaciones: “Secadero de pensamientos”, con numerosas cabezas suspendidas, y “Piel y memoria”, un mural escultórico que transita por la historia, la identidad y la memoria colectiva.

En la primera planta, el visitante encuentra esculturas que invitan a una experiencia introspectiva centrada en la identidad individual, el recuerdo y la autorrepresentación. La exposición pone en valor la técnica de Lidó Rico, basada en la inmersión directa del cuerpo en escayola, subrayando la conexión entre lo físico y lo existencial y otorgando al proceso creativo un lugar central dentro de la obra.

Super Zines

Entre el 16 de abril y el 31 de mayo, la Casa del Lector en Espina (Matadero) acoge una exposición dedicada a las publicaciones de tirada limitada, con acceso gratuito. El público puede visitarla de martes a viernes de 16 a 20:30 h, y los fines de semana y festivos también de 11 a 14 h. La muestra ofrece una panorámica sobre la diversidad formal, material y narrativa de los fanzines y otras ediciones independientes, destacando su papel en la escena editorial contemporánea. Estos soportes, a menudo apartados de los canales tradicionales de producción y distribución, han sido vehículos de expresión para profesionales y aficionados.

El recorrido expositivo invita a valorar tanto la dimensión gráfica como la materialidad de estas publicaciones. Se analizan sus procesos de creación, los modos de lectura y la relevancia de la autoedición como herramienta artística y social. La exposición resalta cómo el fanzine sigue vigente como espacio de encuentro, difusión y experimentación, consolidándose como un soporte esencial para la transmisión de ideas y la construcción de comunidades independientes.

Ecos de la moda romántica

El Museo Nacional del Romanticismo en Madrid abre, desde el 4 de marzo de 2026, la exposición Ecos de la moda romántica. Este recorrido reúne más de 40 trajes procedentes de la colección de indumentaria de la Fundació Antoni de Montpalau, los cuales se exhiben en las estancias del palacio del marqués de Matallana, sede del museo. La muestra, comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Núñez Muñoz, presenta diseños de figuras clave de la moda española de los siglos XX y XXI, como Cristóbal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Elio Berhanyer, Sybilla, Jesús del Pozo, Teresa Helbig y David Delfín. Cada uno de ellos reinterpreta el estilo romántico, recuperando siluetas como miriñaques, crinolinas y estampados florales que remiten a la moda del siglo XIX.

El recorrido dialoga con la colección de pintura del museo, mostrando la influencia de la indumentaria burguesa y aristocrática entre 1830 y 1870 en la moda contemporánea. Un espacio especial está dedicado a Pedro Rodríguez: allí se exhiben una selección de sus trajes, 30 figurines y referencias a su labor en el diseño de vestuario para cine, como en la película Pequeñeces (1950). La exposición subraya la vigencia de la estética romántica en la moda actual y su constante diálogo con el pasado.

El año del hambre en España

El Museo Nacional del Prado en Madrid presenta, del 27 de abril al 13 de septiembre de 2026, la exposición “Una obra, una historia: El cuadro del hambre”. Esta muestra recupera una pintura monumental de 315 x 437 cm que, aunque hoy resulta casi desconocida, fue un auténtico fenómeno durante el reinado de Fernando VII, llegando a rivalizar con maestros como Francisco de Goya y José de Madrazo. El recorrido, instalado en la sala 66 del edificio Villanueva, propone al visitante una reflexión sobre los aspectos menos visibles del arte y su historia. Como subraya Miguel Falomir, director del Prado, el objetivo es mirar “más allá de los méritos estéticos” para descubrir el trasfondo histórico y político que acompañó a la obra.

Aclamada en su tiempo como un símbolo nacional, la pintura fue celebrada por la prensa, reproducida en estampas y mencionada en canciones y poemas. La exposición reconstruye su lugar central en el Prado de 1819, mostrando cómo el absolutismo de Fernando VII utilizó el arte como herramienta ideológica. La propuesta examina el ascenso y declive de este icono, que pasó de ser metáfora de la España decimonónica a una curiosidad local, y plantea preguntas sobre la crítica, la propaganda y el papel de los museos en la construcción del gusto.

Agustina Bazterrica nació en Buenos Aires en 1974 y escritora, pero también es licenciada en Artes y gestora cultural. En 2017 resultó ganadora del Premio Clarín por su novela Cadáver exquisito y por la misma novela fue premiada con el Ladies of Horror Fiction. Éxito total en Argentina y en el mundo, Cadáver exquisito fue traducida a más de 30 lenguas. Bazterrica es autora, además, del libro de relatos Diecinueve garras y un pájaro oscuro y de la novela Las indignas. Recientemente Editorial Godot publicó en su colección Íntima Literatura o muerte, un ensayo apasionado en el que Bazterrica, una de las grandes escritoras argentinas de los últimos años, autora de distopías fascinantes y horrorosas, escribe sobre la cocina de su escritura y también sobre su relación estrecha y hasta física con la lectura.

En su libro, Agustina reflexiona sobre el vínculo con los maestros, sobre el modo en que las ideas pueden volverse obsesiones y detalla el modo en que trabaja los textos, en los que cada palabra tiene un valor único. También dedica largas reflexiones a las influencias conscientes y también a aquellas otras que se instalan en su escritura desde el imaginario colectivo. Para dar una idea del tono apasionado del libro, que se mantiene hasta el final, vale reproducir la frase del comienzo: “Si no escribo, me muero”.

Lo que sigue es la transcripción y adaptación de la charla que mantuvimos semanas atrás durante la grabación de un episodio del podcast Vidas prestadas. Esa tarde, además de hablar sobre Literatura o muerte, también adelantó algunas pistas de su próximo libro: una novela porteña y graciosa que transcurre en el futuro y en el que los personajes recitan frases célebres de Moria Casán.

— ¿Cómo es eso de que si no escribís te morís?

— Es que es verdad, es verdad, si no escribo me voy… A ver, si no estoy en contacto con la literatura, me voy apagando. Necesito hacerlo y la verdad es que soy una privilegiada de poder al día de hoy, después de haber trabajado 22 años como secretaria en un estudio de abogados como para poder pagar las cuentas, poder vivir de los libros, poder estar viajando, hablando de literatura. Yo todos los días agradezco...

— Me impresiona lo que estás diciendo aunque lo sabía, porque además lo contaste varias veces. En el libro hay un momento en donde aparece la Agustina Bazterrica que habla del dinero y de lo que significa la necesidad de ganar dinero para poder escribir y mencionás, por ejemplo, que les pagás a las personas que leen tus manuscritos, incluso si son amigos.

— Bueno, de hecho, mañana jueves me junto con Pamela Terlizzi Prina, que es amiga, escritora, poeta, con la que hice “Siga al conejo blanco”, que fue un ciclo que invitábamos a un montón de gente, y ella me va a dar la devolución de la nueva novela.

— Sí, sí, que ya está terminada.

— Que ya está terminada. Y le pagué a Pame y ella me dijo, no, somos amigas hace muchísimos años, me dijo, no, no me pagues. Y yo: Pamela, es tu trabajo, es tu tiempo. O sea, fin, te pago. Lo mismo con Sarah Moses, la traductora de mis libros en inglés, que también la está leyendo. Y cuando Lili, mi maestra hace más de treinta años, la termine de leer también le voy a pagar, porque me parece que es valorar el tiempo del otro y la experiencia.

— Porque sabés que hay una especie de situación incómoda en relación a eso porque pareciera que todo el placer que provoca la literatura tendría que provocarlo también trabajar con la literatura.

— Claro.

— Presentaciones de libros que no se pagan cuando sí se paga un taxi para llevar algo o trasladar a alguien, o se paga un canapé o un vino para un evento, pero no se contempla pagar el trabajo de los presentadores. Me impresionó favorablemente que hablaras del tema, por eso lo digo. Tamara Tenenbaum también habla del tema. Muchas veces parece que el tema del dinero no va de la mano de hablar del arte.

— Porque está esta cosa de “por amor al arte”.

— Eso, claro.

— Y si bien en mi caso yo valoro y agradezco viajar y hacer todo lo que hago, es mi tiempo, es mi cuerpo, mi experiencia. O sea, viajar es alucinante y esto no es una queja. Yo lo llamo “problema champagne” porque te estás quejando de que viajás mucho, es ridículo, pero al mismo tiempo viajar implica poner el cuerpo, cambiar la alimentación, el clima, o sea, te afecta corporalmente y hablar delante de un montón de gente también es dar un montón de energía. Y eso tiene un valor.

— Por supuesto.

— Y si bien yo lo he hecho muchas veces de manera gratuita, yo he hablado en más de cien escuelas, no les cobro honorarios a las escuelas.

— Claro, pero no es lo mismo.

— No es lo mismo. Por eso entonces elijo dónde sí y dónde no. Pero ya llega un punto en mi vida en el que puedo decir: bueno, yo ya pagué el derecho de piso, fin.

— Te digo esto último sobre el tema, porque tu libro es mucho más que esto, a mí lo que me encantaría es que ya no se tenga que hablar del tema. O sea, que presentar un libro, escribir una contratapa o leer un manuscrito se considere un trabajo como cualquiera.

— Totalmente, igual está cambiando de a poco.

— Porque se empezó a hablar, porque hay gente como vos que lo escribió en su libro; eso ayuda muchísimo para que se instale el tema. Pero mencionabas a tu maestra, en el libro mencionás las veces que ella te apuraba cuando salías del taller diciéndote: “Para la próxima semana me traes un cuento así y asá”, y cómo eso en realidad lo que hizo fue darte impulso para escribir.

— Totalmente.

— Le das mucho espacio a lo que tiene que ver con los talleres y con el aprendizaje.

— Completamente. A mí los talleres de Lili, Liliana Díaz-Mindurry, que está en todos mis libros. y la nombro en todas las entrevistas, me enseñaron muchísimas cosas y me dieron muchísimas herramientas para poder escribir. Y, además, aparte de ser súper recontra lúcida, Liliana es una de las personas, de entre las que conozco, que más leyó en la vida. Sus cursos sobre la Divina Comedia son una locura, ahora está haciendo un curso sobre Saer, que es mi autor favorito, es increíble. Pero es una persona generosa que cuando veía que alguien no solo tenía talento, bueno, el talento es importante pero hay que desarrollarlo y hay que sostenerlo con disciplina. Entonces ella apostaba a esa persona. Y en mi caso avisó eso, fue como: bueno, te voy a exigir.

— ¿Llegaste a pensar que no, que lo tuyo era para poquito?

— Bueno, tuve un desvío, que creo que lo nombro en el libro. Antes de trabajar como secretaria, trabajé haciendo visitas guiadas en el Teatro Colón y me enamoré de la ópera y aparte tuve un ex que era cantante del coro del Colón, eso también influyó.

— No está esto en el libro.

— No, eso no porque no lo quería nombrar.

— Por eso, me está interesando mucho (risas).

— Y empecé a estudiar canto lírico, que soy malísima, o sea, no va, no era lo mío. Y en un momento le pregunté a mi maestro de canto qué pasaba si yo dejaba. Y era como, bueno, no pasa nada. Y en cambio Liliana me respondió, me acuerdo literal, si dejás de escribir yo te mato.

— Qué amenaza.

— Y fue como, ok, sí. Porque, digo, están buenos los desvíos también porque gracias a ese desvío yo la conocí a Liliana. Porque empecé a estudiar en el Conservatorio Nacional, que no sé cómo me aceptaron, aún hoy no sé. Y conocí a un chico que tenía su obra, me la prestó y me voló la cabeza. Y ahí la contacté y empecé a ir a sus talleres. O sea que ese desvío fue fundamental.

— Bueno, lo que pasa es que a lo largo de la vida uno vive varias vidas también, ¿no?

— Totalmente.

— La mayoría de las personas, salvo los casos en donde uno se queda como muy adentro, si tenés una vida afuera, si trabajas, si conocés gente, suele pasar que existen esos desvíos. Mencionabas recién a Saer.

— Sí.

— Quienes te conocemos o te seguimos en las redes sabemos lo que te pasa con Saer. En el nuevo libro hablás de Saer en varias oportunidades pero me interesa mucho el momento en el que hablás del cuento “Solas” porque es el cuento que le trajo el primer gran escándalo.

— Ah, no sabía, ¿a ver el chisme?

— Contemos primero por qué lo mencionás en el libro y ahora yo te cuento el chisme.

— Bueno, a ver, es mi autor argentino favorito y de hecho algo que no está acá porque todavía no había sucedido, yo tengo un grupo de amigas con las que nos juntamos cada 15 días a leer por Zoom libros que elegimos entre todas. El grupo se llama “Leo, luego existo”.

— ¿Son todas escritoras?

— No, algunas son escritoras, pero la mayoría son lectoras. Tenemos ingenieras, tenemos de todo, dentistas, y un subgrupo de ese grupo que se armó ahora se llama Secta Saer y nos juntamos una vez por mes, todo por Zoom porque hay algunas que viven en otros países, y queremos leer toda la obra de Saer. Entonces ya leímos El entenado, ahora estamos con Cicatrices, y vamos a seguir.

— ¿Leen solo a Saer o leen a los que leyeron a Saer, también?

— No, por ahora solo a Saer. Vamos a terminar toda la obra de Saer y después veremos con qué seguimos. Pero para mí, le decía la otra vez a un amigo, cada libro de Saer es una lección, una masterclass de literatura.

— Es así, claro. Y están sus libros también que no son de ficción, los ensayos sobre literatura.

— Son impresionantes.

— Es un poeta escribiendo narrativa.

— Totalmente. Aparte, a ver, El entenado yo la leí muchas veces y ahora la releí y sigo encontrando cosas, y capas de lectura, y me sigo emocionando, y sigo diciendo cómo hizo para crear esta maravilla. Ahora con Cicatrices lo mismo, que no es el libro que más me gusta de Saer, pero bueno, releerlo es...

— Si después de leerla, leen la clase de Sarlo sobre Cicatrices que está en el libro de sus clases que publicó Siglo XXI, si leen a Sarlo pueden encontrar esto mismo que estás diciendo acerca de las capas que uno empieza a encontrar y dice: cómo puede ser que esto no lo vi, o cómo no me di cuenta. Es increíble.

— Porque nada está puesto al azar.

— Así es.

— Todo está todo conectado y todo tiene un porqué.

— Bueno, y después hay personajes que siguen a lo largo de la obra y eso también es muy maravilloso. Pero hablábamos del cuento “Solas” porque vos en Literatura o muerte contas un poco la cocina de cada uno de tus libros. Y en un momento, creo que lo de “Solas” es por Las indignas, mencionás ese cuento en donde hay dos mujeres en una cama.

— Sí. Una tensión sexual, erótica.

— Bueno, entonces, ese cuento se publicó, creo que fue en El Litoral, en el diario de Santa Fe, en los 60, y fue un escándalo porque eran dos mujeres en la cama, dos prostitutas en la cama.

— Claro.

— Es una historia que está contada por él en algunas entrevistas y también en algunos libros de Martín Prieto, muy lector y conocedor de Saer y de su obra.

— Claro, mirá. Bueno, para mí ese cuento fue una influencia más fuerte que por ahí El cuento de la criada, que es obvio que es un libro con el que dialoga Las indignas, pero Margaret Atwood no es una autora que yo haya estudiado, ¿entendés?

— Claro.

— La estudio más a Clarice Lispector que a Atwood.

— Hablás mucho de las influencias. Es cierto que a veces uno termina de leer algo y queda completamente tomado por esa literatura. Y, también es cierto, como vos mencionás que decía Úrsula K. Le Guin, que es importante copiar. Hay que copiar lo bueno para llegar al estilo propio.

— Totalmente. Bueno, qué es lo que a mí me pasa con los primeros cuentos. Muchos de ellos no están publicados porque son muy malos. Pero es esto, ¿no? Tomar a Cortázar y tratar de escribir algo parecido. Que es lo mismo que hacen los artistas en los museos, ¿no?

— Sí, claro.

— Tratando de copiar la obra de arte. Es un poco lo mismo. Lo que pasa es que si seguís en esa línea de tomar la voz de un autor o una autora que te fascina y no te corrés de eso, bueno, es una copia velada de otro.

— Y sos un epígono y es medio triste.

— Claro.

— Una cosa es el heredero y otra es el epígono.

— Total, y a mí no me interesa. Eso lo ves mucho, creo que no sé si lo puse ahí, en los concursos cuando sos jurado, ¿viste? Los hijos no reconocidos de Borges, de Cortázar. Que van apareciendo y decís: esto ya lo leí.

— Hay algo interesante que mencionás y es la influencia de la que no te diste cuenta, la influencia inadvertida.

— También.

— Y que te la señala de pronto un lector y vos decís: y, sí, puede ser, claro, si esto es algo que ya está en todos.

— Claro. Y también pasa mucho que escribís el libro, se publica y alguien te dice ¿leíste el libro que se publicó en 1600 en Finlandia, que es muy parecido? Y, no, pero también hay un inconsciente colectivo y un poco estamos hablando todos de los mismos temas.

— Exacto.

— Entonces, yo ahora estoy leyendo un libro que se llama Yo que nunca supe de los hombres, que lo relacionan mucho con Las indignas y yo no lo había leído.

— ¿De dónde es?

— Lo escribió una belga (N. de la R. la autora es Jacqueline Harpman).

— Bueno, Echeverría y Alberdi escribían en sintonía con Europa, también. Esas cosas pasan porque es el espíritu de los tiempos lo que está también en uno. Y los temas. Y tus temas, ya desde el comienzo, tienen que ver con la cuestión ambiental, con la vida que llevamos en la Tierra, con los derechos de las mujeres, en toda tu literatura aparece eso.

— Sí.

— Son los temas que te convocan. O, como se dice ahora, que te interpelan, Agustina (risas).

— Que me interpelan. Que estoy atravesada, sí, sí, totalmente, porque bueno, a ver, hola, todo lo que está pasando con los Epstein files. En Cadáver exquisito, sin spoilear, hay una escena donde cazan humanos y el año pasado nos enteramos de que durante el sitio de Sarajevo, hubo millonarios cazando personas. Parece ficción, pero sucedió. A mis cuentos, a veces, en Estados Unidos, sobre todo, los relacionan con el realismo mágico...

— Bueno, eso hacen en general con los latinoamericanos.

— Pero lo que hago es llevar al extremo lo que está latente en nuestra realidad. Entonces, bueno, trabajo sobre todo eso.

— Claro, es medio imposible no estar como impregnado, en un momento como éste, sobre todo en tu caso, que participás activamente en redes. Algo que mencionás, que me pareció muy interesante como lectora, es lo que significa para vos dictar talleres, leer a los otros. Es leerte a vos, haber sido leída o seguir siendo leída por aquellos en los que confiás, pero también leer, esto que mencionabas de ser jurado de concursos, que lleva a leer mucho, pero en el caso de los talleres es leer a aquellos a los que estás formando, ¿no?

— Sí. Ahora no estoy dando talleres porque viajo un montón, pero sí me interesa dar cada tanto. De hecho, los últimos los di con Pamela. Siempre me interesa darlos con otra persona porque aprendo un montón. Aprendo de los asistentes y también de las personas con las que dicto los talleres. Y sí, porque tenés que bajar toda la información que por ahí tenés de manera intuitiva para poder transmitirla. Y yo aprendí un montón. Y, de hecho, hay un cambio bastante grande para mí entre Cadáver exquisito y Las indignas porque en el medio dicté talleres. Y es aprender a mirar tu obra con otra mirada, con otros recursos, que los tenés de manera más racional. Básicamente es eso, aprender a leer de manera activa, que es algo constante, que no se termina, ¿no?

— Decís, por ejemplo, que te sorprende que haya gente que diga que cuando empiezan a escribir una novela o están iniciando un nuevo libro, no leen otra cosa para no contaminarse, mientras a vos te pasa todo lo contrario.

— Todo lo contrario. O sea, a ver, no me parece que haya un solo camino a seguir relacionado con el arte. Hay muchos caminos y tenés muchas excepciones. Pero bueno, lo decía Borges, para ser un gran escritor, tenés que ser un gran lector. Es como si querés tocar el piano y no escuchas música. Es rarísimo. Entonces a mí me pasa que empiezo con algún libro mío y necesito leer sobre el mismo tema, cómo fue tratado, justamente para encontrar una manera, no voy a decir original, porque no existe la originalidad, pero sí novedosa de tratar ese tema. Y para eso es leer, leer, leer. Y, aparte, porque me fascina.

– En Literatura o muerte hablás de la escritura y de la lectura. Y del cajón de herramientas para escribir y todo lo que provoca la lectura, que provoca cuestiones físicas y ahí mencionas un par de ejemplos. A todos los lectores en algún momento nos pasó de cerrar el libro y cerrar los ojos al mismo tiempo porque no podemos creer lo que acabamos de leer, pero también, de pronto, de sentirnos mal o directamente descomponernos. O sea, pasan cosas físicas. De todo eso hablás.

— Sí, totalmente. Aparte yo soy súper intensa cuando leo. De hecho, mis amigos no me regalan libros porque, bueno, como trabajo con los libros detecto muy rápidamente errores de verisimilitud, ¿no? Cuestiones que no me cierran, narradores que digo: qué es esto. Pero, también, cuando soy fan de un libro soy la más intensa (risas). Lo recomiendo a morir. El último libro que recomendé a morir y que lo voy a recomendar ahora en este momento es Dura una eternidad y en un instante se acaba, de Anne de Marck, en una estadounidense contemporánea, ¿ubicás el libro?

— No, no, no. Agendado.

— ¡Ah! Es una cosa impresionante, es una zombi que empieza el libro y se le cae el brazo izquierdo y es un libro precioso sobre el duelo, el amor. Es súper poético, es alucinante.

— ¿Qué te pasa con los géneros en la lectura? Porque estás hablando de una novela de género, que en principio tiene bastante que ver con aquello que te propusiste construir en tu obra, pero también hablás de Saer y Saer no tiene nada que ver con todo eso.

— También creo que lo digo ahí, en mi libro: para mí todo es literatura. Fin. Leo mucha poesía, muchos ensayos, ahora estoy leyendo un ensayo de Esther Pineda, creo que es el nombre, que se llama Bellas para morir. ¿Qué tiene que ver mi literatura con eso? Nada, pero, a ver, yo me alimento de todo. Y, de hecho, me pasa con Cadáver exquisito que en Estados Unidos muchos me preguntan: ¿cuáles son tus autores favoritos de horror? ¿Qué libros de horror leíste? Y, no, leí ensayos.

— Te documentás para escribir.

— Sí, ampliamente.

— ¿Eso es la herencia nerd de la que hablás durante todo el libro?

— La herencia nerd. Yo estudié Artes en la UBA, me especialicé en Artes Plásticas, que es una carrera meramente teórica. Y el último final, que lo di libre porque se me venció la materia, fueron seis horas de final.

— Epa.

— Escrito y oral. Seis horas ahí, en la facultad, rindiendo.

— Dios. ¿Te fue bien?

— Me saqué un 9, pero me podría haber sacado un 0 porque eran muy tiranos los profesores.

— ¿Pero agradecés eso?

— En un punto sí, en otro punto me parece que, bueno, hoy en día hay cosas que no se…

— No se tolerarían. Claro, claro.

— Claro. Pero sí me permitió esto de leer mucho, mucho, mucho, analizar, leer, activamente. Para mí, una cosa fundamental en un libro es la verosimilitud, que no tiene que ver con la veracidad, tiene que ver con que el universo de lo que vos creás, cierre. Entonces, yo en Cadáver exquisito podría haber inventado un lugar donde faenan humanos, que no existe, o sea, podría haber inventado el protocolo que sea, pero me basé en el protocolo que se usa para faenar vacas, cerdos y pollos, porque me parece que es mucho más terrorífico saber que está toda la maquinaria lista ahí. Para eso estudié seis meses ese tema. Con la nueva novela, que transcurre en Buenos Aires, voy a los lugares que nombro, los visito, saco fotos. Por más que sea en un futuro.

— Hablás de tu novela porteña.

— Mi novela porteña es en un futuro pero no importa, necesito estar en el lugar, ¿no? Con Las indignas, lo mismo, leí un montón sobre sectas. Estudié un montón para escribirla.

— Aunque está en el libro, me gustaría que me contaras cómo fue el nacimiento de Las indignas.

— En el 2018 me invitaron a la Feria de Cusco, Perú, que es una feria chiquitita. Cuando viajo, trato si puedo de ir a museos porque obviamente amo el arte y además amo la iconografía de los ángeles arcabuceros que estudié en la Facultad, que son ángeles hechos por artistas anónimos, vestidos de manera barroca con un arcabuz, que es un arma antigua y hay algunos en el Norte de nuestro país, que de hecho hice un viaje con una amiga especialmente para ver esos ángeles. Así de nerd soy. Pero bueno, estaba en Cusco, había un monasterio que ya no se usa como monasterio, no hay monjas en teoría, están las obras de arte. Yo estaba viendo un ángel arcabucero fascinada. Era la única turista. Me doy vuelta, veo una monja rezando, casi me muero de un paro cardíaco porque no tenía que haber monjas ahí. Me acerco, era un maniquí, más siniestro todavía. Salgo de ese lugar, que igual ahora que trabajo con energía, yo creo en las energías, todo el lugar tenía una energía muy densa, pero bueno. Salgo de ahí y digo: tengo que escribir sobre monjas. Pero, claro, lo primero que me surge es el lugar común, ¿no? La monja abusada, la monja que abusa… Me llevó bastante tiempo lograr encontrar la voz, la narradora, los elementos de la historia.

— ¿En qué estabas en ese momento cuando se te ocurrió esa novela? ¿No estabas en proceso con ninguna novela?

— Estaba como empezando a pensar en una novela que la tengo hace mucho, pero que la dejé a un costado y todavía me parece que la tengo que dejar ahí porque no encontré el narrador para esa novela.

— Contemos un poquito cómo es eso porque justamente iba a preguntarte si en estos años hubo mucho que dejaste en el camino, si hubo cosas que tiraste. Antes mencionaste cuentos que no se publicaron ni se van a publicar. A veces, incluso personas que son que son muy buenos lectores, no tienen idea de la cantidad de cosas que quedan en el camino en la obra de un escritor. No se publica todo lo que se escribe.

— Sí, yo no tengo un montón sin publicar porque soy una escritora muy lenta pero, por ejemplo, en el nuevo libro hablo de mi primera novela, Matar a la niña.

— Que sí se publicó.

— Sí, pero me hubiese gustado que no se publicara. Porque la están leyendo pirateada ahora. Que eso no me importa tanto como que la estén leyendo. Digo: no la lean, pero también es como ver mi recorrido, ¿no? Pero sí hay, por ejemplo, una novela que la historia me la contó una compañera de Facultad que es odontóloga, pero estaba estudiando mi carrera porque ama el arte, y un 1 de enero ella estaba en el patio de su casa colgando la ropa y le cae una prótesis dental. Dice: que raro, yo dentista, una prótesis dental, y detrás de la prótesis cae el dueño de la prótesis, que se estaba suicidando y eligió su patio para suicidarse. O sea, eligió matarla, básicamente. Me contó eso en cinco minutos en un recreo, no la vi más, yo escribí, empecé a escribir una novela con eso pero no encontraba como seguirla. La convertí en un cuento que está en Diecinueve garras y un pájaro oscuro y ahora ya sé cómo seguirla. Entonces, antes de escribir la novela de Buenos Aires yo estaba investigando para esa novela. Apareció la novela de Buenos Aires, la empecé a escribir, la terminé. Y ahora voy a retomar la otra, pero son miles de años que estoy con esa idea.

— Pero dijiste que el problema tenía que ver con el narrador.

— No, no es esa. En esa el problema que tengo es que tengo que releer y estudiar toda la Divina Comedia porque quiero que suceda en el Barolo o en un edificio parecido al Barolo y tengo que leer mucho sobre brujas.

— ¿Y cuál era la que tenía el problema del narrador?

— La del narrador es una distopía que, bueno, no sé si escribirla en primera o en tercera o hacer un mix.

— ¿Qué es lo que te suena distinto en una y en otra voz?

— Y bueno, que por ahí si la escribo en tercera me pierdo la frescura de la primera persona que necesito porque la protagonista de esa distopía es una niña. Va a tener que ver con la basura, con las islas de basura.

— Otro de los temas.

— Otro de los temas. Que también me puse a investigar sobre eso y es tremendo. Pero la primera persona me genera muchos problemas a nivel trama, que no sé cómo resolver. Bueno, hay que probar también ¿no?

— Decías que tardas mucho con cada libro.

— Sí.

— ¿Y tenés una rutina de escritura? ¿Escribís una cantidad de horas por día o te tomas semanas sin escribir? ¿Cómo es eso? Cuando viajás, ¿escribís?

— Mirá, es todo como muy raro porque durante mucho tiempo mi rutina de escritura era a la noche porque trabajaba en la oficina. Y no escribo todos los días pero sí estoy conectada todo el tiempo con lo que estoy escribiendo o con la lectura. Ahora sí soy nocturna y escribo durante la noche, pero me está pasando que a veces no y está como transformándose eso. Y me pasó que la novela de Buenos Aires la terminé en Madrid, en un hotel, con jet lag. Cuatro de la mañana, yo escribiendo. No sé, rarísimo, nunca me pasó. No podía escribir en hoteles, pero ahora sí puedo.

— ¿La nueva novela no se parece a nada de lo que habías escrito?

— A ver, sí tiene las mismas obsesiones porque estoy hablando de una situación extrema climática, pero no tiene nada que ver en el registro porque es puramente porteño. Es un narrador en primera persona, vos estás leyendo lo que está pensando y es con todos los insultos que usamos acá, todo el lunfardo. Digamos, es muy, muy, muy argentina.

— A propósito de esto decís algo interesante, también, y volvemos al comienzo, en relación a lo que tiene que ver con vivir de la literatura, cuando decís que es posible que esta novela no sea tan tentadora para traducir como otras pero que no podías no escribirla.

— Totalmente. Sí, porque, a ver, no sé si lo digo ahí, pero ¿cómo traducís el insulto “la concha de la lora”?

— Se buscará algún equivalente (risas).

— Los traductores hacen magia también, yo los admiro un montón. Pero se va a perder algo, ¿no? Sí. Y, a ver, es muy, muy argentina. Y es más graciosa que otra cosa, hay una parte donde un personaje le dice al otro: recitame todas las frases de Moria Casán y ta, ta, ta, ta.

— Ahí, claro, es más complicado. Pero, de pronto, uno se pega sorpresas en ese sentido. ¿En cuanto a tu obra traducida, hubo muchas sorpresas? No porque las puedas chequear, porque seguramente no podrás chequear todas las lenguas, pero sin dudas hubo traducciones en países y en culturas que te sorprendieron. Y eso te lleva a viajar y a conocer.

— Sí, mirá, ya es alucinante que se traduzca a tantos idiomas. Sí me pasó algo muy gracioso con la traducción al chino mandarín, que es que el traductor me contactó por Facebook. Y yo no le daba amistad porque es un señor de Taiwán, yo que sé. Hasta que le di amistad y me dijo mira, entrego el borrador mañana, lo único que quiero saber es –yo le dediqué Cadáver exquisito a mi hermano–, ¿tu hermano es más chico o más grande que vos? Porque no hay un ideograma en chino que sea hermano. Es más chico o más grande. Eso fue como muy gracioso. Y después, sí, no sé, enterarme cosas de los distintos mercados, ¿no?

— Las reacciones.

— Las reacciones. En Estados Unidos es bestseller y eso es como rarísimo, también. Enterarme, yo no sabía, que en Estados Unidos casi no se traducen libros.

— No, claro.

— Es apenas un 3% lo que está traducido.

— Es un privilegio enorme.

— Absoluto. Después, que en países como Finlandia, Noruega, Países Bajos, la gente sabe tan bien inglés que los leen en inglés y por ahí no son traducidos a esos idiomas. Entonces, traducir es todo un desafío para los editores.

— Me parece recordar que había una tapa polaca muy linda.

— Sí, son muy buenos los polacos a nivel diseño y, aparte, viajé ahí, es impresionante. Aman a los latinos. Hay como una conexión con ellos, ¿no? Por ahí es porque sufrieron tanto con las guerras que sí, hay una conexión.

— Decís que terminaste una novela. ¿Va a salir este año?

— No sé. Ojalá.

— Porque viene el proceso de editar, de trabajar.

— De hablar con la editorial. Entonces hay que negociar, hay que ver. No sé, ojalá que sí, me encantaría.

— Cuando te dijeron de escribir para esta colección de Godot, ¿cómo fue ese proceso? ¿Y qué pensabas hacer? ¿Es lo que terminaste haciendo?

— Fue muy gracioso porque me llegó el mail de Víctor Malumián, que es uno de los dueños. Yo estaba entre viajes. Estaba muy, muy pasada de cansancio y a mil. Leo el mail y leí diez mil caracteres. Dije listo, un artículo, lo escribo, le dedico este mes. Fin. Cuando vuelvo al mail eran cien mil caracteres. Casi me muero porque, de hecho, en un momento me agarró una contractura de escribir como una sacada hasta que dije: no, no, no. Le escribí a Víctor: Víctor me equivoqué, por favor dame más tiempo porque no llego. Y, bueno, eso creo que me ayudó a que el libro no sea tan solemne. Como que realmente sea una confesión, ¿no? Y fue un proceso también muy divertido.

— ¿A quién se lo escribiste?

— A quién se lo escribí, qué buena pregunta.

— Claro, quién pensas que es ese lector.

— Es que yo siempre escribo para el lector que está en mi cabeza, que es infumable. Pero también, si bien una consigna era no dar tips de escritura, porque hay muchos libros sobre eso...

— Pero es difícil que no se escape algo.

— Está ahí, todo. Entonces, también es un poco: bueno, acá tenés una línea para seguir, si querés.

— Sí, pero sobre todo hay algo que queda claro y es: primero es la lectura y, después, ponerle el cuerpo a la escritura.

— Para mí, sí, siempre primero es la lectura. Lo digo en el libro: es como inspirar y exhalar.

Lo dice, Marti Grau, en un salón de La Rural, donde ese está haciendo la Feria del Libro de Buenos Aires y donde el embajador de Perú, Carlos Chocano Burga, acaba de dejarle el lugar como País Invitado de Honor.

“Fue un honor, pero también fue un desafío, dijo Chocano Burga. Perú desplegó un stand de 500 metros donde mostró su tradición pero también sus vanguardias y donde -ah, esa amabilidad- casi siempre hubo una porcioncitade ceviche, una causa, un vasito de chicha para probar.

Hubo homenajes, dice -a Mario Vargas Llosa, a Alfredo Bryce Etchenique, a Blanca Varela- pero también actividades con chicos y contactos editoriales. Misión cumplida

Entonces sí, se va Perú y, como Invitado de Honor 2027, llega España, un actor mayor en la industria editorial, entre otras cosas porque allí están las casas matrices de las principales editoriales multinacionales que operan en castellano. Y porque allí viven muchos escritores de distintos lugares de América latina: Martín Caparrós, Clara Obligado, Fernanda García Lao, Santiago Roncagliolo, Mónica Ojeda y Fernanda Ampuero, entre muchos otros. Su presencia ocurrirá unos meses antes de las elecciones generales en ese país, lo que siempre pone las cosas muy movidas.

“Hoy España es el sector editorial más dinámico del mundo hispanohablante”, dijo entonces Christian Rainone, presidente de la Fundación El Libro, que organiza la Feria. “Once años consecutivos de crecimiento, casi cuatrocientos millones de euros en exportaciones. Una industria que sus propios colegas europeos llaman el fenómeno español”.

Viene España. Viene un peso pesado. Y, claro, hay lazos profundos.

“Aquí estuvieron -dice Mart Grau- muchos exiliados ”después del desastre de la Guerra Civil Española. Entonces, “muchísimos españoles se unieron a la Argentina”. Y sí, dice hay negocios. Pero “lo más relevante es seguir fortaleciendo este espacio cultural compartido, este espacio cultural común”.

Por eso, anuncia, además de escritores españoles “de origen latinoamericano que hoy viven en España”. Claro, esos autores ya van siendo parte de la cultura española, la van moldeando, son parte de su transformación.

“España no viene a exportar, viene a compartir, viene a poner en común”, dice el funcionario. Y anuncia dos líneas: diversidad y un recuerdo de la generación del 27, esa generación que integró, entre otros, Federico García Lorca y muchos de cuyos integrantes se exiliaron en la Argentina.

Pero primero, diversidad será el lema de este país, hoy gobernado por el Partido Socialista Obrero Español. Se ocuparán de “ la diversidad española, que está formada por lenguas distintas, por el catalán, el euskera, el gallego, el español, pero también diversidad de orígenes”. Por eso habrá escritores nacidos en América. Divesidad de orígenes.

“No venimos a enseñar qué guapos somos y qué bien hacemos libros” dice el funcionario, sino a compartir un espacio donde los intercambios hoy son permanentes y donde la fortaleza de la lengua común y del espacio cultural común que significa Latinoamérica, el mundo la necesita cada vez con más fuerza".

Lo de generación del 27 es, también, un reconocimiento: “Es un reconocimiento y un agradecimiento a un país y a una ciudad que supo, en los momentos difíciles, acoger a los españoles que tuvieron que salir corriendo por el terror del fascismo y de una dictadura como la franquista en España”.

Es aniversario y es señalamiento político: “En el contexto actual, en un mundo difícil, atacado por eso que denominamos una policrisis de características muy dispares, desde el ámbito cultural, si hay algo que nos puede unir es la defensa de la libertad de expresión y la lucha contra cualquier tipo de censura. Eso que hace unos años parecía superado, que avanzaban los espacios de libertad, de democracia, hoy sabemos y conocemos que vuelve a tener amenazas en un horizonte cada vez más presente".

Y el funcionario habla de preguntas incómodas, de pensamiento crítico. Eso también es la literatura, dice.

Cuando, en un aparte, Infobae le señale que estarán en Buenos Aires poco antes de las elecciones, Marti Grau dirá que es probable que organicen, en la Feria, debates donde también se discutan perspectivas políticas. Y, dado que también será año electoral en la Argentina, esos debates pueden resultar en cruces interesantes.

En esa misma charla, el catalán reafirmará que España parece vivir un buen momento de para la lectura. El 65 por ciento, cuenta, informa haber leído por lo menos un libro en el año. Y si se toma a los más jóvenes, el número crece al 75.

Como muestra de que España es España, antes de terminar el acto suena la música, hay flamenco, canta Blanca Paloma y toca José Pablo Polo.

Presente y pasado, la lectura de hoy y del futuro, ideas y discusiones, migraciones. Aunque todavía no pueden dar nombres -“es muy pronto para las agendas de los autores”- los españoles van configurando una idea de lo que será su presencia. Que, seguramente, no estará exenta de debate.

Fotos: Fundación El Libro

España ha sido confirmada como País Invitado de Honor para la edición 2027 de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, según anunciaron las autoridades de la Fundación El Libro durante una ceremonia oficial celebrada en la sede de La Sociedad Rural de la capital argentina, sede del encuentro literario. El anuncio fue oficializado por Christian Rainone, presidente de la Fundación El Libro: “El país invitado será uno con el que nos une más que la lengua, España. Es el sector más dinámico del sector editorial con 11 años consecutivos de crecimiento, por eso los europeos hablan del ‘fenómeno español’. Los esperamos con los brazo abiertos y los estantes listos”.

Por su parte, Jordi Martí Grau, secretario de Estado de Cultura de España, anunció: “Vamos a conmemorar un aniversario de la generación del 37, muchos de los cuales luego estuvieron acogidos en esta ciudad”. El funcionario delineó la estrategia de participación que priorizará la posibilidad de exhibir la diversidad de lenguas y orígenes que caracteriza al panorama literario español contemporáneo: “será un canto a la diversidad”, aseguró. Además, detalló que la delegación incluirá tanto escritores españoles como autores latinoamericanos radicados en España. Y subrayó el compromiso con la defensa de la libertad de expresión y la “lucha contra cualquier tipo de censura”.

Este nombramiento posiciona al país europeo como el segundo en recibir el reconocimiento, después del antecedente marcado por Perú, que en la edición actual se convirtió en el primer país —no ciudad— en ejercer este rol central tras romper la tradición de ciudades invitadas que rigió en años anteriores. Durante la edición de este año, Perú desplegó una delegación de 60 autores, editores, músicos y bailarines, destacándose la presencia de figuras referentes como Mario Vargas Llosa, Alfredo Bryce Echenique (fallecido recientemente) y Blanca Varela. La participación peruana fue encabezada por el embajador Carlos Chocano, quien aseguró una agenda que desbordó la Feria y alcanzó escenarios en la Ciudad y la Provincia de Buenos Aires, con respaldo masivo de la colectividad peruana.

Este modelo de transferencia institucional fortalece los lazos editoriales y culturales, proyectando una política de programación internacional continua que convierte a la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires en uno de los principales escenarios de presentación de industrias editoriales extranjeras en el contexto latinoamericano.

España en ferias internacionales

La designación de España en la Feria del Libro de Buenos Aires implica elevar la exigencia sobre la programación del pabellón entrante, considerando que el país ibérico ha consolidado experiencia reciente como invitado de honor en escenarios internacionales. Desde 2024, España ha sido designada como país destacado en la Feria de Gotemburgo (con énfasis en lengua española), la FILBo de Bogotá y la Feria del Libro de Guatemala 2025 (con un pabellón especializado en memoria y cómic), y ejercerá el mismo rol en la 28ª Bienal Internacional del Libro de São Paulo en septiembre de este año.

España amplía así su calendario de participaciones de alto nivel en la industria editorial, sumando la designación para Buenos Aires en 2027 a su trayectoria reciente como país invitado en ferias estratégicas. Esta participación llega tras las ediciones dedicadas a dos de sus ciudades más reconocidas: Barcelona en la 45.ª edición de 2019, bajo el lema Barcelona, Ciudad Literaria, y Santiago de Compostela en la 42ª edición de 2016, bajo Santiago de Compostela. SCQ Pórtico de la Gloria.

En lo que va de año, hemos tenido varios fenómenos cinematográficos. Los últimos han sido quizás El diablo viste de Prada 2 y el biopic de Michael Jackson, pero también han estado Proyecto Salvación, la última entrega de Scream o Cumbres borrascosas, la cuestionada adaptación de EMily Brontë protagonizada por Jacob Elordi y Margot Robbie. Pero entre medias hubo una película mucho más valiente y salvaje que todas esas, una avalada por todo un maestro del cine y con dos protagonistas que sorprendentemente congeniaban a la perfección. Una película que, precisamente ahora, acaba de aterrizar en plataformas tras pasar hace unos meses por cines.

Hablamos de Send Help (Enviad ayuda), un thriller de supervivencia con tanto toque de humor como de gore y, sobre todo, mucha aventura. La película se centra en la historia entre un joven jefe de una compañía tecnológica y su empleada más veterana, una esforzada trabajadora que ansía ser valorada y que sin embargo es despreciada por su superior. Sin embargo, el destino quiere que ambos viajen por negocios y que sean los dos únicos supervivientes después de un grave accidente de avión que los deja varados en una isla paradisíaca. Para grata sorpresa del joven, ella está preparada más que de sobra para la situación, pues lleva años entrenándose para un concurso de supervivencia. Pero mala noticia es que las tornas han cambiado, y quizá la empleada está por fin en situación de reclamar justicia.

Dylan O’Brien y Rachel McAdams forman esta extraña pareja cuya química se basa precisamente en el odio que comienzan a profesarse el uno al otro conforme pasan los días en la isla. El primero es conocido principalmente por la serie Teen Wolf y la saga cinematográfica de aventuras El corredor del laberinto, mientras que McAdams es una de las actrices más versátiles de su generación, capaz de encarnar a la malvada pero carismática Regina George en Chicas malas o a la dulce Mary en la comedia romántica Una cuestión de tiempo. Send Help es de alguna manera su gran regreso al cine, después de unos años apartada de la pantalla con apariciones menores en el universo Marvel de la mano de Doctor Strange.

La isla de los ascensos forzados

No obstante, el gran nombre detrás de Send Help es el de Sam Raimi, conocido principalmente por encargarse de la trilogía original de Spider-Man con Tobey Maguire como el icónico superhéroe, pero quien también ha realizado trabajos que mezclan el terror y el humor como Posesión infernal o El ejército de los muertos. Precisamente Raimi fue el encargado de dirigir la última entrega de Doctor Strange en el multiverso de la locura, y aquí puede decirse que da rienda suelta a su mala leche y todos sus trucos cinematográficos, que no son pocos.

Ha sido Disney+ la plataforma encargada de rescatar esta película tras su paso por cines, y donde ahora se puede encontrar la que es sin duda una de las propuestas más diferentes del año, una que mezcla drama de clases con thriller de supervivencia, que tiene una de las escenas más sangrientas e imprevisibles de lo que va de curso y que desde luego no dejará indiferente a nadie que la vea.

La información, revelada por Variety según cuatro fuentes cercanas a las negociaciones, detalla que Streep, la figura central como Miranda Priestly, no solo fue clave para concretar la secuela, sino que impulsó activamente que sus compañeras estuvieran en igualdad de condiciones. Aunque la intérprete de Miranda Priestly podría haber exigido un salario considerablemente superior, las partes involucradas decidieron que la cifra fuera igual para las tres: 12,5 millones de dólares por su participación en la película dirigida por David Frankel. Este acuerdo fue posible gracias a la inclusión de la cláusula de “favored nations”, práctica que garantiza que ningún miembro principal del reparto cobre menos que otro en el mismo rango. Dos de las fuentes consultadas aseguraron que tanto Hathaway como Blunt recibieron la misma suma para volver a dar vida a Andrea Sachs y Emily Charlton, respectivamente. El gesto, atribuido directamente a Streep en la mesa de negociación, honra el espíritu colectivo que hizo de la primera película un clásico perdurable.

El salario base de ocho cifras no es la única fuente de ingresos para las actrices. Los contratos firmados incluyen bonificaciones ligadas al desempeño en taquilla, un mecanismo habitual en los grandes estudios, pero que en este caso destaca por la magnitud de las cifras alcanzadas. Las fuentes señalaron que los incentivos económicos ya comenzaron a pagarse, dado el éxito inmediato de la secuela en las boleterías mundiales. Hasta la fecha, El diablo viste de Prada 2 ha superado los 300 millones de dólares en recaudación global. Si la tendencia persiste y la película continúa batiendo marcas de taquilla, cada actriz podría ver sus ingresos superar los 20 millones de dólares gracias a la suma de salario y bonos. Este tipo de acuerdos, según expertos consultados por Variety, son habituales entre las grandes estrellas, aunque pocas veces se ven cifras tan elevadas fuera del circuito de superproducciones.

Un fenómeno en taquilla

El regreso de la franquicia fue posible tras una larga espera y con un presupuesto considerable. La primera entrega, estrenada en 2006, fue realizada con 35 millones de dólares y recaudó 326 millones en todo el mundo, consolidándose como un fenómeno cultural y comercial. Para la secuela, los estudios asignaron un presupuesto de 100 millones de dólares, gran parte del cual se destinó al elenco principal, según confirmó el director Frankel. El interés de Streep en retomar el papel de Miranda Priestly no era un hecho hasta hace apenas dos años. Según Aline Brosh McKenna, guionista de ambas películas, la actriz manifestó entonces que estaba “abierta” a considerar ideas para una continuación, lo que aceleró las conversaciones y permitió avanzar en el proyecto.

Aunque el salario recibido por Streep en El diablo viste de Prada 2 es notable, no representa el mayor de su carrera. De acuerdo con otra fuente citada por Variety, ese honor lo tiene No mires arriba, la película de Adam McKay para Netflix, donde la estructura de pago difiere de la de los estudios tradicionales. En el caso de Netflix, la compensación incluye una estimación de lo que la película habría recaudado en cines, sumando un pago extra para sustituir los bonos de taquilla. La secuela se encuentra en su segunda semana de estreno y compite en la taquilla global con títulos como Mortal Kombat II. Las previsiones de la industria apuntan a que El diablo viste de Prada 2 podría sumar hasta 42 millones de dólares adicionales durante este fin de semana, lo que consolidaría su posición entre los estrenos más exitosos del año para 20th Century Studios.

Gerard Butler se prepara para irrumpir en el mayor evento deportivo del planeta con The Nest, una película de acción en la que interpretará a un francotirador atrapado en medio de un partido de la Copa del Mundo. El filme, producido por Thunder Road y Black Bear, será presentado en el mercado de Cannes como una de las apuestas más ambiciosas del año.

En The Nest, Butler encarnará a un experto tirador que recibe una amenaza anónima a través de la radio durante el desarrollo de un partido decisivo. A partir de ese momento, el personaje se ve forzado a actuar para salvar tanto a su familia como a 70.000 espectadores que llenan el estadio en plena final del Mundial. La tensión crece a medida que el reloj avanza y el peligro se cierne sobre los asistentes.

La película está inspirada en operativos reales y cuenta con un guion de Aaron Benjamin. La producción reúne a figuras reconocidas del cine de acción: Basil Iwanyk y Erica Lee (Thunder Road), el propio Butler y Alan Siegel (G-BASE), junto a Steve Klinsky (Untravelled Worlds). El inicio del rodaje está previsto para principios de 2027, mientras que la elección del director aún está en proceso.

Un francotirador en la Copa del Mundo

The Nest traslada la acción a uno de los escenarios más reconocibles y multitudinarios: un estadio repleto durante la Copa del Mundo. El protagonista, interpretado por Gerard Butler, debe enfrentarse a una amenaza desconocida, tomando decisiones bajo presión extrema para proteger a su familia y evitar una tragedia durante el partido. Según los detalles difundidos, la historia se basa en experiencias reales de operativos especializados, lo que añade una capa de credibilidad al argumento. El guion explora la dualidad entre la responsabilidad profesional del francotirador y los riesgos personales al verse involucrado su entorno más cercano. Esta combinación de elementos promete una narrativa intensa y cargada de suspense.

El proyecto será uno de los principales atractivos en el mercado de Cannes, donde Black Bear y Thunder Road buscarán asegurar acuerdos de distribución internacional. El presupuesto estimado para la película oscila entre 70 y 80 millones de dólares (USD 70-80 millones), situándola entre las producciones más costosas presentadas este año en el encuentro de la industria. La estrategia de venta apunta a capitalizar la popularidad de Butler en el género y la demanda de historias ambientadas en contextos de alto riesgo y gran visibilidad mediática. El manejo del mercado doméstico estará a cargo de CAA Media Finance.

Gerard Butler ha construido una sólida reputación como protagonista de películas de acción de gran escala. Su filmografía incluye sagas como Objetivo: La Casa Blanca, Greenland, Juego de ladrones y la exitosa serie animada Cómo entrenar a tu dragón. Su vinculación con The Nest refuerza el atractivo del proyecto para estudios y distribuidores, que buscan nombres con experiencia en roles de alta exigencia. El guionista, Aaron Benjamin, tiene experiencia en el género y ha trabajado en títulos como The Zone, con Paula Patton, y She Seems Nice, ambos en desarrollo. También es autor de Maverick, una biografía sobre John McCain durante su periodo como prisionero de guerra. El equipo de producción incluye a Basil Iwanyk y Erica Lee (Thunder Road), reconocidos por su labor en John Wick, así como al propio Butler y Alan Siegel (G-BASE), y Steve Klinsky (Untravelled Worlds).

La producción de The Nest está programada para comenzar en 2027. Actualmente, el equipo se encuentra en proceso de definir al director que estará al frente del rodaje. Mientras tanto, la película ya despierta interés entre distribuidores y analistas de la industria por su combinación de acción, suspense y el trasfondo del Mundial de Fútbol. El anuncio de la fecha de estreno y la confirmación del reparto adicional se realizarán a medida que avance la preproducción. The Nest se perfila como uno de los títulos más esperados entre las novedades presentadas en el mercado de Cannes, y un nuevo paso en la carrera de Gerard Butler.