Bayona se dio a conocer con El orfanato y Un monstruo viene a verme, antes de sumarse a la franquicia de dinosaurios en 2018 con Jurassic World: El reino caído. Aquella película dividió a la crítica y al público en su momento, aunque con los años ganó reconocimiento entre los seguidores de la saga. ¿Por qué Bayona suena para reemplazar a Edwards en Jurassic World? El cineasta español es el favorito para dirigir la secuela de Rebirth después de que Edwards dejara el proyecto por diferencias creativas no especificadas. Bayona ya dirigió El reino caído en 2018 y su trabajo más reciente fue el drama La sociedad de la nieve, de tono muy distinto al de una película de dinosaurios.

Su filmografía más reciente, con La sociedad de la nieve, se aleja del género de criaturas que caracteriza a la saga. Ese film, un thriller de supervivencia, marcó un quiebre estilístico respecto de sus trabajos previos vinculados al terror y la fantasía. Resta ver qué enfoque adoptaría Bayona si finalmente regresa a dirigir, después de las decisiones que tomó en Fallen Kingdom, donde había apostado por una estética más gótica y oscura dentro del universo de dinosaurios. Esa impronta fue uno de los elementos que, con el tiempo, revalorizó a la película entre el público.

Así sería la nueva entrega

El guion de la nueva entrega seguiría a cargo de David Koepp, guionista histórico de la franquicia, responsable de varios de los libretos que dieron forma a la saga desde sus inicios. Su continuidad en el proyecto se mantendría pese al cambio de director. Se espera que la película conserve a los protagonistas incorporados en Rebirth: Scarlett Johansson, Mahershala Ali y Jonathan Bailey. Los tres actores se sumaron a la franquicia como parte del nuevo elenco presentado en esa entrega. No se detalló aún de qué forma Bayona se integraría a una producción que ya contaba con guion y elenco definidos bajo la dirección de Edwards, ni qué cambios podría introducir sobre el material existente. Tampoco se informó si el cambio de director implicaría modificaciones en el guion ya escrito por Koepp.

Según fuentes cercanas a la producción citadas por The Wrap, los productores Steven Spielberg y Frank Marshall son considerados los arquitectos fundacionales de la saga. Esas mismas fuentes sostienen que el recambio constante de directores y elencos forma parte natural de la evolución de la franquicia, más allá de quién ocupe la silla de director en cada entrega. Esta lectura explicaría, en parte, por qué la salida de Edwards no pondría en riesgo la continuidad del proyecto. La estructura detrás de cámaras, sostenida por Spielberg y Marshall desde el origen de Jurassic Park, funcionaría como el verdadero hilo conductor de la serie, independientemente de los cambios que se produzcan frente a cámara o en la silla de dirección.

Esa estabilidad en la producción contrastaría con la rotación de directores que ha caracterizado a la franquicia en sus últimas entregas, desde Colin Trevorrow hasta el propio Edwards, pasando por el mismo Bayona en 2018. El rodaje de la próxima película podría comenzar el año próximo, de acuerdo con la información disponible. Todavía no se confirmó oficialmente si Bayona aceptará el cargo ni cuándo se anunciaría una decisión definitiva sobre la dirección del proyecto, pero todo apunta a que podría tener en los dinos su próxima gran aventura.

La de ayer fue una noche muy especial para todos los fans de Guitarricadelafuente, para todos los que se han subido al barco después de verle en La bola negra, y también para el propio cantante, protagonista absoluto estos días. El cantante, de nombre real Álvaro Lafuente Calvo, puso el broche de oro a su gira Spanish Leather con un concierto que despedida que tuvo de todo: botas de cuero, purpurina, grandes canciones, dedicatorias a los que protestan por una vivienda digna e incluso una gran celebración del éxito de La bola negra con algunos de sus actores presentes.

Nadie quería perderse el concierto del cantante, aunque a algunos no les quedó más remedio. Los Javis, por ejemplo, se encontraban a miles de kilómetros de allí, pues se habían desplazado a Los Angeles para recoger el premio a Mejor dirección en los Critics Choice Celebración. Otras, como Samantha Hudson y otras tantas personas desplazadas a la Puerta del Sol en protesta por la situación de la vivienda en España, se tenían que conformar con entrar en directo en el concierto por videollamada para soliviantar un poco el FOMO. Sin embargo, hubo varios compañeros de La bola negra y amigos de Guitarricadelafuente que no se quisieron perder el tan esperado concierto, en el que además cantaría por priemera vez La nieve, la canción original de la película y por la que podría ganar el Oscar.

Miguel Bernardeau y Carlos González, dos de los protagonistas de La bola negra junto a Milo Quifes, estaban sobre la pista y muy cerquita del escenario, del que se bajó Guitarricadelafuente para bailar junto a ellos una de sus canciones más conocidas, Agua y mezcal. La cámara seguía al cantante y en las pantallas se podía ver, con un filtro en blanco y negro, como allí se encontraban los actores de La bola negra, y otros artistas y amigos como Begoña Vargas y compañía. El público estalló de emoción al ver especialmente a Bernardeau, cuyo personaje en el filme de los Javis es nada menos que Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista, militar y pareja sentimental de Federico García Lorca.

De aquí a Hollywood

Este improvisado encuentro entre los compañeros de reparto de la aclamada película es probablemente el último que tiene lugar en Madrid después de haber estado presentando la película en distintos coloquios, pero no el último en general. Tanto Guitarricadelafuente como el resto del reparto viajarán con toda seguridad a Estados Unidos en las próximas semanas, donde comenzará una exhaustiva campaña de promoción conducida por Netflix, quien ha invertido más dinero en ello que lo que ha costado la propia película.

Todo ello para intentar poner La bola negra en el mapa y por ende a toda España, pues no hay que olvidar que su historia es la de tres jóvenes de tres épocas distintas pero conectadas por lo queer y por su implicación en la Guerra civil española. La película apunta a tener una larga carrera de premios después de haber recibido el de Mejor dirección en Cannes y el del público en festivales como Toronto o San Sebastián. Hay quien ya habla de que pueda llegar a medirse con la mismísima La Odisea por la estatuilla a Mejor película, pero habrá que esperar porque esto es una carrera de fondo. En cualquier caso, parece que Guitarricadelafuente avanza con paso firme y lo hace acompañado de sus compañeros que ya son amigos en este maravilloso viaje.

El concierto de anoche en el Movistar Arena será un preciado recuerdo que se lleven todos los que estuvieron allí, pero también los que no pudieron hacerlo. Guitarricadelafuente saltaba al ya icónico escenario de la capital para cerrar su gira Spanish Leather y en plena ola de conmoción por La bola negra, su primer papel cinematográfico. Aun con todo, el cantante tuvo tiempo y cabeza para acordarse de aquellos que geográficamente estaban un poco lejos de la calle Goya en la que se encuentra situado el estadio, pero cuyos corazones estaban sobre la pista.

Después de haber dedicado un primer guiño a Madrid con la canción Futuros amantes al inicio de su actuación, el músico de Benicàssim introducía otro de sus grandes temas con una dedicatoria muy especial. “La siguiente canción se llama La puerta del sol, y está dedicada a todos los que están ahí fuera, esto va por ellos”, enunciaba el cantante entre los vítores del público antes de entonar los primeros versos: “Ya no me acuerdo de la última vez / Del azul clarito / Que nadie sepa lo que vamos a hacer / Háblame bajico / No hables de futuro / Es una ilusión, la llevo en la espalda / Que nadie sepa lo que vamos a hacer”.

No fue ni mucho menos el único momento que Guitarricadelafuente, de nombre Álvaro Lafuente Calvo, tuvo para acordarse de la gente de Madrid y en general de todas las personas movilizadas a la Puerta del Sol y en protesta contra el caso Maricarmen y la situación de la vivienda en España. Después de interpretar por primera vez La nieve, la canción original de La bola negra que se presenta como clara candidata a ganar el Oscar, el cantante “interrumpió” su concierto para acordarse de otra persona que no estaba allí pero que sí estaba en la Puerta del Sol: Samantha Hudson, cantante, celebridad y activista española que conectaba en directo por videollamada para mandar un mensaje de cariño a su amigo pero también uno de unión a todo el público.

El mensaje de Samantha Hudson

“Qué FOMO me está dando no estar ahí, estoy segura de que está siendo una barbaridad. Yo estoy aquí en mi tienda desde la acampada de Sol, pero guardad energías porque mañana hay una manifestación por la vivienda a las 12 de la mañana. No vamos a parar hasta que hagamos una huelga general, que no decaiga la ducha”, convocaba Hudson ante los aplausos y gritos de los espectadores. “Queremos medidas reales, por una vivienda justa, digna y de calidad, un derecho básico y fundamental. Que viva la lucha de la clase trabajadora”, cerraba en su intervención la artista.

Fue un concierto de lo más especial por muchos motivos y esta dedicatoria fue uno de ellos, pero no el único. Guitarrica decía adiós de una vez por todas a Spanish Leather, su último disco y con el que se ha consagrado como una de las grandes voces de su generación y un referente en el pop actual, al tiempo que daba la bienvenida a una nueva etapa, tan incierta como apasionante. Una etapa que lo llevará no solo a afrontar nuevos retos musicales sino también en la gran pantalla, pues aun le queda mucha carrera por delante con las más que posibles nominaciones de La bola negra a los Oscar. Quien sabe, quizá se acabe acordando de otras tantas personas cuando suba al Dolby Theatre a recoger premio.

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú se estrenó en un momento muy concreto de la historia y en especial para Estados Unidos. Hacía tan solo unos meses del asesinato del presidente John Fitzgerald Kennedy —la película se retrasó de hecho por ello— y la sociedad se encontraba en plena paranoia nuclear después de la crisis de los misiles de Cuba. Era el momento perfecto para hablar del tema, o quizá demasiado presente para hacer una broma de ello, pero el caso es que la película aupó a Kubrick a los cielos como gran cronista de su tiempo, algo que continuaría años después con 2001: Una odisea del espacio o La naranja mecánica.

También hubo críticas negativas, que calificaban la película como “el chiste enfermo más demoledor con el que me he encontrado”, “un poco demasiado despectiva con nuestro sistema de defensa” o “más maliciosa que divertida, más cargada de veneno que de ingenio”, pero al final la pregunta que quedaba era la misma: ¿es legítimo reírse de la guerra nuclear o esa risa debilitaba la seriedad necesaria para enfrentarse al peligro? Bien, el propio Kubrick justificó la forma irónica de la película con un razonamiento muy concreto: el humor podía ser más realista que un drama convencional porque la situación nuclear ya era, en sí misma, absurda: “La comedia era el único camino”.

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Groenlandia

Digger, la nueva película del prestigioso director mexicano Alejandro González Iñárritu (21 gramos, El renacido), parece cincelada a imagen y semejanza de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú ya desde su secuencia inicial. Si en aquella todo se personificaba en la figura de Peter Sellers dando vida al Presidente de los Estados Unidos y a su asesor, el Dr. Strangelove, en este caso es Tom Cruise sobre el que recae todo el peso de la película y de nuevo en un papel doble. Uno de ellos es el magnate del petróleo Digger Rockwell, uno de los hombres más poderosos de todo el mundo y quien se tiene que enfrentar a una crisis mundial junto al presidente de los Estados Unidos después de que una de sus plantas petrolíferas rompa un iceberg en Groenlandia y ponga en peligro la Tierra.

Más allá de su evidente parecido con la premisa de la película de Kubrick, lo cierto es que Digger aterriza en cartelera en un clima sociopolítico curiosamente parecido al del filme de 1964. La tensión entre el bloque Occidente-Oriente sigue más que presente 62 años después, pero a ello hay que añadir otros elementos como el cambio climático, la globalización, la crisis del petróleo o incluso la dependencia tecnológica en la que se ha ido sumiendo a pasos agigantados la sociedad, hasta el punto de que le cuesta más no ya creerse, sino tomarse en serio las cosas. O eso es lo que cree Alejandro González Iñárritu y los tres guionistas que lo acompañan, ninguno de ellos Guillermo Arriaga —autor de Amores perros, Babel o 21 gramos—, pero sí los mexicanos Alexander Dinelaris (Birdman), Sabina Berman (La tía Alejandra) y el argentino Nicolás Giacobone, autor de la última película de Iñárritu, Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades.

Todo lo que ya apuntaron algunos escépticos con Birdman, que no se vio en el prodigio técnico de El renacido y que no se pudo ignorar ya en Bardo, en Digger directamente explota por todos lados. Ante la fotografía deliberadamente fría y aséptica de Emmanuel Lubezki, una combinación de colores monocromática que roza el blanco y negro, todo en Digger busca lo opulento y ostentoso, desde sus planos hasta sus verborreicos diálogos. Todo es un torpe, vulgar y exagerado, un esperpento que se jacta de ser plenamente consciente de ello —esa segunda mitad de la película que sería mejor no spoilear—, pero que no por ello hace más lícita y justificable la cínica posición de esta película.

Tom Cruise, sentencia mortal

No deja de ser irónico que haya sido Tom Cruise, máximo exponente del cine-espectáculo norteamericano moderno y protagonista de una saga sobre salvar el mundo, el designado para dar vida a este Digger que se parece más a la parodia que hace Alec Baldwin de Trump que al propio Trump o cualquier otro político al que pueda pretender imitar, gato enfermo incluido. El mismo que sacrificaba en las últimas películas de Misión Imposible su integridad física dentro y fuera de la pantalla para evitar el lanzamiento de misiles es aquí un hombre cuya gestualidad y moral es diametralmente opuesta, un reto interpretativo en quién sabe si la búsqueda de su ansiado Oscar, pero un personaje cuyo pretendido carisma se desvanece al tercer grito y carraspeo.

Que el estreno de Digger coincida en el tiempo con el éxito de La bola negra, otra película de lo más ambiciosa en su aspiración por retratar la condición humana y cómo hemos heredado los pecados de nuestros antepasados, es quizá el mejor regalo posible para no morir atragantado en el cinismo exacerbado de esta sátira que comete el mayor error posible que eludió Kubrick. Porque pretende aleccionar sobre el tema del que habla, a saber, el siempre inminente fin del planeta Tierra, y hacerlo de la forma más soez, torpe y perversa posible. Y porque, como decía Kubrick, “te ríes, en algunos momentos a carcajadas, pero todo el tiempo la película no te deja dejar de pensar: ‘Sí, esto podría ocurrir’”. Uno sale de Digger pensando que podría ocurrir, que probablemente esté ocurriendo, pero desde luego no riéndose por el camino.

Madrid vive durante esta semana unos de sus días más confusos en mucho tiempo. Capaz siempre de lo mejor y lo peor, en sus calles han convivido a la vez las protestas contra el Gobierno y la Comunidad por el tema de la vivienda y el caso Maricarmen, al tiempo que el mismísimo Woody Allen presentaba su próxima película ignorando por completo el tenso clima político. Entre la belleza y el esperpento, lo reivindicativo y lo escapista, no cabía pensar que una estrella se erigiese con una fuerza capaz de eclipsarlo todo. Pero si algo nos ha enseñado Madrid en todo este tiempo es que solo hace falta un escenario y algo de talento para ser capaz de conquistarla.

Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, ha sido esa estrella capaz de iluminar la capital en sus momentos más oscuros. Aupado por el reciente éxito de La bola negra, película que coprotagoniza junto a Miguel Bernardeau, Milo Quifes y Carlos González, el de Benicàssim salía al Movistar Arena para clausurar su disco Spanish Leather, pero a la vez para dar la bienvenida a la carrera que ya ha empezado por el Oscar. No es que lo admitiera sobre el escenario ni mucho menos, pero ahora mismo no solo es el favorito para arrebatarle la estatuilla a la mismísima Taylor Swift, sino también claro candidato al Oscar a Mejor actor de reparto, algo que no sucede desde 2007... cuando lo ganó Javier Bardem por No es país para viejos.

Precedido por la dulce voz de Isabel Sandoval que sonaba por megafonía con la otoñal Fade into you de Mazzy Star, Guitarricadelafuente saltaba al escenario como ese cervatillo asustado que ha demostrado ser dentro y fuera de la pantalla, una pequeña caracola que va cogiendo fuerza con cada ola. Hasta la cámara lo rehuía al principio, enfocando sus botas doradas -ese spanish leather del que ha hecho gala en su álbum- siendo enceradas bajo un pantalón de purpurina mientras sonaban los acordes de Full time papi, uno de sus grandes éxitos y encargado de abrir un concierto con un significado más que especial para el cantante.

Comprometido con Madrid y su gente

Consciente de que la noche apenas acababa de comenzar pero que suponía un y antes un después en su carrera, el castellonense arrancaba con un tímido “Viva Madrid” que más tarde se convertiría en todo un llamamiento a la unión, casi un poco como el arco de su personaje en La bola negra, ese soldado del bando sublevado al que “le han puesto un fusil en la mano” y quien poco a poco va encontrando su verdadera identidad en la mirada que le devuelve Rafael Rodríguez Rapún, el personaje interpretado por Miguel Bernardeau. No sabemos si Guitarrica miró a Miguel a la cara o sintió su reflejo en los ojos de todos los asistentes que lo acompañaba, pero sin duda encontró sus fuerzas y un inmejorable fusil sobre el público desplazado.

Tras calentar con Calypso y Futuros amantes con el primer guiño a la capital (“Cafeterías de Madrid se ven tan europeas”), el cantante se cambiaba su camisa vaquera y pantalones dorados por unos plateados a pecho descubierto. “Habéis venido a quemaros las pestañas, a relucir esta piel dorada”, recitaba poético mientras apuntaba a las botas que deslizaban por un escenario inundado de arena de playa. “Vamos a celebrar que vamos a vivir”, gritaba antes de entonar otro de sus primeros y más sentidos temas, Conticinio. Tras este momento tan íntimo entre el cantante y sus fans más acérrimos, el cambio de outfit daba paso a una sección mucho más rumbera y, por ende, más bailable para el público del Movistar Arena, que ya le había entregado su corazón pero ahora quería hacer lo propio con sus pies.

Pipe dream, Mataleón, Abc y especialmente La puerta del sol pondrían la nota más alegre, esta última especialmente después de estar dedicada a todos los desplazados a la acampada multitudinaria en el epicentro de la capital. Guitarricadelafuente no se olvidaba de todos los jóvenes y no tan jóvenes alzados en protesta por la vivienda como tampoco lo hacía su buena amiga Samantha Hudson, quien irrumpía en el concierto por videollamada y en directo desde la mismísima Puerta del Sol, desde la que convocaba a todo el público para la huelga de este sábado en Madrid.

Álvaro, Guitarrica y Sebastián

Demostrando al contrario de otros que se puede ser creativo y reivindicativo, estar interesado en el amor y las relaciones humanas sin renunciar a la conciencia social, Guitarrica daba paso al momento más esperado de la noche. La primera interpretación de La nieve, la canción original de La bola negra y clara aspirante al Oscar, cobraba vida por fin sobre un escenario en el que el cantante aparecía con la ya mítica trompeta de Sebastián. El niño, el cantante y el actor se convertían en uno solo al interpretar los preciosos acordes y cantar esos versos que acompañan una de las escenas más bellas y singulares del filme de los Javis y ya de la historia del cine español: “Llego el primero donde arden mil fuegos / De carne y lucero, es mi cruz / Mira de frente como hacía a los veinte / Y quién no le teme al sol / Llego a la nieve, mira qué tontería / Arden las turbias palabras que nunca aprendí”. Que se prepare Taylor Swift y todo Hollywood, que llega un chico de larga melena y más largas pestañas para arrasar en el Dolby Theatre.

No sería una fiesta redonda sin sus invitados más singulares, y tras interpretar La nieve el cantante bajaba del escenario para celebrar el éxito de La bola negra al ritmo de Agua y mezcal con algunos de sus compañeros de reparto. Miguel Bernardeau o Carlos González aparecían por la pantalla en blanco y negro y desataban el griterío del estadio con casi la misma fuerza que los soldados de la película al ver a la cupletista de Penélope Cruz. La chispa entre Guitarrica y el antiguo actor de Élite sigue intacta, y de ahí surgía de nuevo una ráfaga de fuego (metafórico pero también literal, que para algo lo tiene el Movistar Arena) para continuar con Quién teme a la maquina, Guantanamera y Tramuntana, su particular carta de amor a la Cataluña en la que ha crecido los últimos años y a la que profesa tanto o más cariño que Madrid.

El colofón llegaba con su gran hit y carta de despedida oficial para el disco, BABIECA! una canción con la fuerza del caballo del Cid pero que en realidad está dedicada a la historia de amor de sus padres, aunque bien podría ser una predicción de su carrera actual: “Sale en prime time, las noticias / Hoy tengo el poder, la delicia / Pierdo el control en la pista”. Aquel chico con mirada de cervatillo y melena de león sacaba un último esfuerzo para despedirse con Sixtinain, uno de sus primeros temas y que dice: “Voy viajando con las olas / Evitando el temporal / No me falla la memoria / Y tú tampoco lo harás”. Desde este momento y hasta que Hollywood diga lo contrario, Guitarricadelafuente viajará con las olas y con millones de españoles a su lado, pues se ha ganado ya un rincón privilegiado en el corazón de todos con los que su música han bailado.

El Ministerio de Cultura ha concedido a Julio Llamazares el Premio Nacional de Narrativa de 2026 por El viaje de mi padre, una obra en la que el jurado ha apreciado la persistencia de las huellas de la Guerra en un territorio y en la memoria de varias generaciones. El Premio está dotado con 30.000 euros. Según el Ministerio de Cultura, el jurado ha distinguido el libro, publicado en Alfaguara, por su “profundo calado memorialístico y humano”, que articula recuerdos, heridas y preguntas sin respuesta.

El escritor leonés estaba viendo “de reojo” el debate sobre vivienda que ha tenido lugar esta mañana en el Congreso de los Diputados cuando ha recibido la noticia del premio. “Esa agresividad que destilan las instituciones, los políticos y también la calle... a mí España me empieza a dar miedo y Europa me empieza a dar miedo”, le ha dicho a EFE.

Julio Llamazares nació en Vegamián, León, en 1955. Es periodista, escritor y guionista, y su producción abarca poesía, novela, crónica, artículos, relatos, dietarios y literatura de viajes.

La anterior edición del galardón reconoció a Paco Cerdà. Entre los autores premiados en otras convocatorias figuran Marilar Aleixandre, Xesús Fraga, Juan Bonilla, Pilar Adón, Cristina Morales, Almudena Grandes, Fernando Aramburu y Cristina Fernández Cubas.

El jurado ha señalado que Llamazares “combina con maestría la evocación personal y la dimensión histórica, revelando que los desplazamientos geográficos marcaron la identidad de varias generaciones”. También ha valorado una prosa “poética, depurada y sobria”, en la que paisajes y personajes protagonizan “un viaje en el tiempo que anuda espacio, pasado y literatura”.

La resolución del Ministerio sostiene que El viaje de mi padre propone una reflexión sobre el paso del tiempo y los vínculos generacionales. El jurado considera que el libro transforma una experiencia individual “en una rebelión íntima contra el olvido y la desmemoria”.

La valoración define la obra como “una travesía de redención” y atribuye al escritor la capacidad de hibridar géneros, conmover al lector y fundir la geografía con el alma humana. El dictamen sitúa a Llamazares entre las voces destacadas de las letras españolas que también ha publicado en poesía La lentitud de los bueyes en 1979 y Memoria de la nieve en 1982. Sus recopilaciones de artículos incluyen En Babia (1991), Nadie escucha (1995) y Entre perro y lobo (2008).

De la poesía y el periodismo a la literatura de viajes y la novela

La literatura de viajes ocupa una parte relevante de la obra de Llamazares, con títulos como El río del olvido, publicado en 1990 y 2006; Trás-os-Montes (1998); Cuaderno del Duero (1999); Las rosas de piedra (2008); Atlas de la España imaginaria (2015); El viaje de don Quijote (2016), y Las rosas del sur (2018).

El autor también ha escrito la crónica El entierro de Genarín, aparecida en 1981 y 2015; los libros de relatos En mitad de ninguna parte, editado en 1995 y 2014, y Tanta pasión para nada (2011); además del dietario Primavera extremeña (2020).

Su narrativa incluye Luna de lobos (1985), novela de la que escribió asimismo el guion cinematográfico; La lluvia amarilla (1988); Escenas de cine mudo, publicada en 1994 y 2006; El cielo de Madrid (2005); Las lágrimas de San Lorenzo (2013); Distintas formas de mirar el agua (2015), y Vagalume (2023).

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura. Jesús González González, subdirector general de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas, ha ejercido la vicepresidencia.

Como vocales han participado María Paz Battaner Arias, Paz Battaner, propuesta por la Real Academia Española; Anxo Angueira Viturro, por la Real Academia Gallega; Eneko Barrutia Etxebarria, por la Real Academia de la Lengua Vasca; Maite Salord Ripoll, Maite Salord, por el Instituto de Estudios Catalanes, y Rosa María Agost Canós, Rosa Agost Canós, por la Academia Valenciana de la Lengua.

También han formado parte del órgano José Belmonte Serrano, propuesto por la Asociación Española de Críticos Literarios; Carmen Alemany Bay, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas; Miguel Barrero Vázquez, por la Asociación Colegial de Escritores de España; María Teresa Antona López, Mayte Antona, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España; Brígida Manuela Pastor Pastor, por el Centro de Estudios de Género de la UNED; Ramón Rozas Domínguez, por el Ministerio de Cultura, y Paco Cerdà como autor galardonado en la convocatoria anterior.

Su rostro se ha situado en el centro de la atención mediática al encabezar el reparto de Monstruo: La historia de Lizzie Borden, que se ha situado entre las series más vistas de Netflix, donde interpreta a la protagonista, acusada de asesinar a hachazos a su padre y a su madrastra en 1892. Se trata de la cuarta temporada de la antología de Ryan Murphy e Ian Brennan, que sitúa por primera vez a una mujer en el centro de su relato criminal.

Lizzie Borden fue juzgada por las muertes de Andrew Borden y Abby Borden en Fall River, Massachusetts, y resultó absuelta. El caso, uno de los más conocidos de la crónica negra de Estados Unidos, ha mantenido su vigencia por las dudas sobre la autoría y por las explicaciones sociales y psicológicas que se han proyectado sobre la acusada.

La actriz ha llegado al papel tras ser descubierta, precisamente, por Ryan Murphy e interpretar a Kerry O’Shea en Feud: Capote vs. The Swans y debutar en Broadway con Appropriate. Beatty estudió interpretación en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York y se graduó en 2022, en una promoción formada por 18 alumnos.

Quién es Ella Beatty, Lizzie Borden en ‘Monster’

Beatty pertenece a una de las familias más reconocibles del cine estadounidense. Es la menor de los cuatro hijos de Warren Beatty y Annette Bening, y sobrina de Shirley MacLaine, hermana de su padre.

Su trayectoria familiar reúne varios hitos de la Academia de Hollywood: Warren Beatty ganó el Oscar a la mejor dirección por Reds y suma 14 nominaciones; Annette Bening ha recibido cinco candidaturas al Oscar y ha ganado dos Globos de Oro; MacLaine cuenta con un Oscar y seis nominaciones. La actriz ha reconocido que crecer con padres célebres le proporciona privilegio y visibilidad, aunque aspira a demostrar su capacidad por sí misma.

La serie de Netflix supone su primer gran papel protagonista para la pantalla. Lo hace arropada por intérpretes como Charlie Hunnam, que interpreta a Andrew Borden, Rebecca Hall, que encarna a Abby Borden, la madrastra de Lizzie y Vicky Krieps.

La preparación física para encarnar a Lizzie Borden

Beatty abordó a Borden como una figura histórica incompleta, reconstruida a partir de documentos, fotografías, testimonios y las decisiones de ficción del guion. “Leí un maravilloso libro llamado The Trial of Lizzie Borden, que tenía información realmente excelente sobre su vida y la especie de red de personas a su alrededor. Pero, desde el principio, empecé a tomar decisiones sobre cuánto del personaje que el público vería en la serie estaba compuesto por hechos de la persona real y cuánto era una especie de creación nuestra y un reflejo de lo que estaba en el guion”, cuenta Ella Beatty en la rueda de prensa de presentación de la serie. También escuchó pódcast de crónica negra sobre las distintas teorías del caso.

La intérprete también trabajó con la especialista en movimiento Julia Crockett para trasladar la información histórica al cuerpo del personaje: una postura, una manera de caminar, de ocupar el espacio y de relacionarse con quienes la rodean. “Sentí que estábamos construyendo a alguien”, ha explicado sobre un proceso en el que el texto de la serie acabó siendo su principal guía.

La nueva versión de Borden se incorpora a una historia que ya había llegado al cine con Chloë Sevigny en el papel de Lizzie Borden en la película llamada El asesinato de la familia Borden (Lizzie), de 2018. Beatty conocía aquella interpretación, pero considera que cada adaptación encuentra una puerta de entrada distinta al caso y que la serie utiliza a Lizzie para examinar cuestiones más amplias que la posible culpabilidad de la protagonista.

La actriz sitúa una de esas cuestiones en la relación entre violencia y feminidad. A su juicio, el interés del público no reside solo en el crimen, sino en preguntarse qué llevó a una persona a ejercer violencia y cómo influyeron en esa trayectoria las convenciones de su época, la represión y la psicología individual.

“Creo que la antología es, en cierto modo, un ejercicio en torno a esa pregunta. ¿Por qué? ¿Cómo llegó esta persona a ese punto? ¿De qué está hecha su psicología para que la empuje hacia la violencia? Y cuando se trata específicamente de mujeres, creo que, por lo general, las mujeres matan por motivos diferentes a los de los hombres”, reflexiona. “Y creo que esta serie está interesada en explorar cuáles podrían ser esos motivos. Quizás sea menos evidente. Creo que la feminidad y la violencia no son dos cosas que la gente asocie libremente. Así que creo que incluso esa yuxtaposición es una cuestión de investigación interesante”.

Beatty ha reconocido también que suele evitar las películas y series violentas porque se asusta con facilidad. Para interpretar a Borden tuvo que adentrarse en un universo de violencia extrema y sostener al personaje desde dentro. “Casi siempre tengo miedo [risas]. Así que no oculté ese miedo, para ver si eso me ayudaba, qué despertaba en mí, qué creaba. Pero sí, estaba aterrorizada”.

El actor Olivier Martinez acusó a su ex esposa, Halle Berry, de haber agredido físicamente a su hijo en común, de 12 años, y presentó una petición de orden de restricción temporal en su contra. En el mismo expediente, Martinez solicitó la custodia exclusiva del menor, lo que modificaría el régimen de tenencia compartida que ambos mantienen desde su divorcio. Según consta en la petición judicial, el intérprete francés afirma que el 26 de septiembre la actriz “abusó físicamente” de su hijo Maceo al saltar sobre él y colocarle las manos en el cuello hasta ahogarlo. El documento forma parte de un proceso legal que Martinez impulsó ante la Justicia de Los Ángeles. Martinez solicitó en su petición que se le otorgue la custodia completa del niño, en reemplazo del esquema actual de tenencia compartida entre ambos padres. El actor sostiene que el episodio del 26 de septiembre no fue un hecho aislado.

En el expediente, Martinez señaló que hubo “otras instancias de abuso durante los últimos años”, que incluyen ataques físicos adicionales contra el menor, además de maltrato verbal y emocional dirigido hacia él mismo por parte de Berry. El actor también incluyó en su denuncia una frase que, según afirma, Berry le dijo a su hijo durante una discusión por temas de manutención: que él era “una perra blanca tratando de robarle a una mujer negra”. Martinez agregó que la actriz luego le preguntó al niño cómo se sentía al respecto “como hombre negro”.

De acuerdo con la petición, tras el incidente Berry le envió un mensaje de texto a Martinez para disculparse. El actor escribió que no desea “cortar de manera permanente” el vínculo entre Berry y su hijo, pero consideró que no deberían verse hasta que ella asuma “responsabilidad suficiente” por sus acciones. Martinez pidió además que se ordene a Berry no estar bajo los efectos del alcohol u otras sustancias durante las visitas con el menor. En el escrito indicó que su hijo podría estar “traumatizado” por lo ocurrido y que no quiere pasar tiempo en la casa de su madre.

La respuesta de la defensa de Berry

La abogada de la actriz, Marina Beck, rechazó de manera categórica las acusaciones. En un comunicado, calificó la presentación judicial de “enteramente infundada y deliberadamente engañosa”. Beck sostuvo que existe “abundante evidencia, incluidas numerosas resoluciones judiciales”, de que Martinez violó en reiteradas ocasiones órdenes de la Justicia e interfirió en intervenciones terapéuticas y educativas necesarias para el menor, conducta por la cual, según la abogada, el actor ya fue sancionado legalmente.

La defensa de Berry calificó la denuncia como parte de un patrón conocido. Beck afirmó que la presentación “no resulta del todo inesperada” por parte de alguien con “un historial bien documentado de comportamiento errático, posesivo y violento”. El comunicado agregó que Berry se encuentra “profundamente entristecida” por la situación, pero que no permitirá que esto la disuada de “luchar por los mejores intereses de Maceo” ni de brindarle el apoyo que necesita. Los representantes de Berry no respondieron a los pedidos de comentario adicionales sobre el caso.

Berry y Martinez se casaron y luego iniciaron el trámite de divorcio en 2015, tras dos años de matrimonio. Desde entonces, ambos mantuvieron un acuerdo de custodia compartida sobre Maceo. La actriz tiene además una hija de 18 años, fruto de una relación anterior, que no forma parte de la disputa legal actual entre Berry y Martinez. El proceso judicial por la custodia de Maceo continúa abierto tras la presentación de la petición de restricción. Por el momento, no se informó una fecha para una audiencia que resuelva el pedido de Martinez ni la respuesta formal que Berry presentará ante el tribunal.

Arqueólogos griegos identificaron el yacimiento donde Aristóteles educó a Alejandro Magno, hace más de 2.300 años, en la región de Emacia, al norte de Grecia. Se trata de la antigua ciudad macedonia de Mieza, un complejo de tres hectáreas que incluía aulas, un pabellón deportivo y salones de banquetes. La arqueóloga Angelikí Kottaridi, directora de las excavaciones en la zona, confirmó el hallazgo a la agencia EFE. “Estamos totalmente seguros de que se trata de la escuela que fundó Filipo II”, afirmó, en referencia al rey de Macedonia que gobernó desde el 359 a. C. hasta su asesinato en el 336 a. C.

El recinto incluye un pabellón deportivo, un estadio de atletismo, una pista de correr cubierta y aulas de enseñanza con pupitres de piedra. Entre las ruinas, el equipo de Kottaridi halló monedas, cerámicas y cuatro estiletes, los instrumentos que los alumnos de la antigüedad utilizaban para escribir. Estos objetos podrían aportar pistas sobre la identidad de quienes se formaron en el lugar. El filósofo griego impartió allí clases de ética, política, letras y ciencias naturales a Alejandro, según relata el historiador romano Plutarco en su obra Vidas paralelas. De acuerdo con ese texto, Alejandro fue discípulo de Aristóteles entre los 13 y los 16 años. Dos años después de concluir esa formación, el joven macedonio ya estaba preparado para gobernar. En el año 338 a. C. se puso al frente de la caballería en la batalla de Queronea, el enfrentamiento en el que Filipo derrotó a las fuerzas combinadas de atenienses y tebanos.

Filipo II no solo fundó la escuela de Mieza: también creó gimnasios similares en Anfípolis y en Aigai, la capital del reino macedonio. Sin embargo, según Kottaridi, el centro de Mieza funcionaba como “lo que hoy se describiría como un colegio de élite”. Allí se formaban los hijos de los macedonios más ilustres, con clases de táctica, estrategia y entrenamiento físico orientadas a la guerra. Este año, los arqueólogos descubrieron un complejo de habitaciones contiguo a las aulas, con una antesala y dos salas de banquetes.

En esos ambientes se conservan suelos de mosaico y plataformas elevadas para divanes, pensadas para recibir hasta 20 comensales. La escuela contaba además con una pista de correr techada, conocida como xystós, de 200 metros de longitud, bordeada por 64 columnas dóricas. Esta estructura se utilizaba para el entrenamiento físico durante los días de frío o calor extremos. Según la arqueóloga, los elementos arquitectónicos y decorativos hallados allí son similares a los del palacio real macedonio de Aigai, la actual Vergina, donde residieron Filipo y Alejandro.

Un colegio de élite para los hijos de la aristocracia

Para Kottaridi, “lo más impresionante” del hallazgo es que demuestra que la preocupación estatal por una educación integral y organizada no se originó en ciudades-estado democráticas como Atenas. En esa ciudad solo existían escuelas privadas, donde filósofos como Sócrates o Platón impartían clases. El modelo surgió, en cambio, en la Macedonia de Filipo II. La arqueóloga explica que estos gimnasios, donde se enseñaban letras, el arte de la guerra, la cultura y la lengua griega, acompañaron a Alejandro en su campaña militar.

Con el tiempo, se convirtieron en la piedra angular del periodo helenístico, la etapa histórica que se extiende desde la muerte del conquistador, en el 323 a. C., hasta el fallecimiento de Cleopatra, en el 30 a. C., y el posterior dominio romano. En el año 334 a. C., Alejandro Magno inició la campaña militar con la que derrotó a persas, egipcios y fenicios. En apenas una década consolidó un imperio que se extendía desde Grecia hasta el valle del río Indo, y desde Egipto hasta Asia Central.

En ese vasto territorio fundó decenas de ciudades, entre ellas Alejandría, en Egipto. Según Kottaridi, el elemento más característico de esas nuevas ciudades eran precisamente las escuelas similares a la de Mieza, que contribuyeron a difundir la cultura y la lengua griega entre los pueblos del mundo de esa época. Instalaciones de este tipo se hallaron incluso en lugares tan distantes como Afganistán, en la antigua ciudad helenística de Ai-Khanoum, al este de la actual Kabul. Las excavaciones en Mieza comenzaron en 2024. Este año continuarán centradas en el área del pabellón deportivo y en las aulas de enseñanza del yacimiento.

Hablamos de la banda sonora de la película, compuesta por el músico Raül Refree y la cual ha sido publicada una semana después de su estreno, aunque con algo de polémica. Las bandas sonoras de las películas de estreno suelen llegar el mismo día en que el filme llega a cartelera o incluso unos pocos días antes, pero en el caso de La bola negra esto se ha retrasado un poco más, de ahí que muchos fans se preguntasen si la partitura de la película de los Javis llegaría a ver la luz. Pues bien, lo ha hecho finalmente y ya puede escucharse en plataformas de streaming como Spotify, aunque habrá que esperar un poco más para poder adquirirla en formato físico.

Eso sí, el lanzamiento de la banda sonora ha venido con una ausencia muy grande que no han tardado en señalar muchos fans en redes sociales. Hablamos de la no inclusión de dos canciones importantes para la película, como son el Soldadito español que interpreta Judeline -también presente en el filme en calidad de actriz en el que es su debut cinematográfico- y sobre todo la versión de La leyenda del tiempo de Camarón de la Isla, que además de Refree cuenta con la colaboración del músico Pablo Lluch, conocido principalmente por su labor en la academia de Operación Triunfo.

Otro posible premio para una película que aspira a todo

“no subir soldadito español y la leyenda del tiempo es como si a paquita salas le quitas a noemí argüelles y a lidia san josé”, “queremos la leyenda del tiempo y soldadito español! no hagas como en la mesias sin meter el arbol” o “faltan esas dos canciones” son solo algunos de los comentarios que han circulado por redes sociales como X o Instagram reclamando esos dos temas, aunque de momento ni Refree ni ningún otro miembro de La bola negra se han pronunciado al respecto. La banda sonora sí incluye La nieve, la canción original de Guitarricadelafuente que podría estar nominada al Oscar y quién sabe si incluso ganarlo.

Es una de las muchas candidaturas posibles para una película que ahora mismo se presenta como gran contendiente para los Oscar, con permiso de La Odisea. Los Javis llevan ganando premios desde que debutasen en el Festival de Cannes y la película está atrayendo cada vez más y más público, no solo en nuestro país sino también más allá de nuestras fronteras. Habrá que esperar hasta enero para ver finalmente cuanto del ruido se transforma en nominaciones, pero de momento los espectadores podrán disfrutar de la compañía de la banda sonora de una película que ya es historia del cine español.

Actualización: la productora de la película, Suma Content, ha anunciado que solo se trata de un EP y que el álbum completo saldrá el próximo 16 de octubre con las canciones originales que aparecen en la película.

Hablamos de Tony, la película del estudio A24 centrada en la figura de Anthony Bourdain, cocinero, escritor y presentador de televisión estadounidense que se convirtió en toda una celebridad a principios del siglo XXI, especialmente a partir la publicación del libro Kitchen Confidential: Adventures in the Culinary Underbelly. La película, que llegó a los cines en Estados Unidos el pasado 21 de agosto, no tenía distribuidora en nuestro país y se desconocía su fecha de estreno en salas, hecho que finalmente no se producirá. En su lugar, Tony aterrizará directamente en streaming, aunque al menos ya se sabe en cuál y cuándo lo hará.

El filme dirigido por Matt Johnson (Blackberry) y protagonizado por Dominic Sessa (Los que se quedan), Leo Woodall (The White Lotus) o Antonio Banderas llegará directamente a Prime Video, la plataforma de Amazon. Lo hará el próximo lunes 26 de octubre, coincidiendo con otros estrenos del mes en la plataforma como Haciendo amigos, Masterplan o El sueño americano, otra cinta biográfica y centrada en otro apasionante mundo como el del baloncesto y la NBA.

Pasión por los fogones

La historia sigue a Tony, un joven aspirante a escritor de Nueva Jersey que, después de fracasar en una beca literaria, viaja a Provincetown, Massachusetts, detrás de una chica. Sin dinero ni un rumbo claro, consigue trabajo fregando platos en un restaurante de mariscos. Allí entra por primera vez en el ambiente caótico, intenso y competitivo de las cocinas profesionales, y descubre que la gastronomía podría convertirse en su verdadera vocación. Antonio Banderas interpreta al dueño del restaurante y Emilia Jones a Nancy, la chica que Tony intenta conquistar. La película está inspirada libremente en algunos capítulos de las memorias Kitchen Confidential, por lo que mezcla hechos reales con personajes y situaciones inventados. No es una biografía completa ni explica cómo llegó a ser famoso; funciona más bien como una historia de iniciación sobre un joven perdido que empieza a encontrar su lugar.

Anthony Bourdain fue un chef, escritor, periodista y presentador estadounidense. Se hizo famoso por mostrar el mundo de los restaurantes desde dentro, con una mirada muy directa y poco idealizada. Bourdain destacaba porque no se limitaba a hablar de platos: utilizaba la comida para acercarse a otras culturas. Rechazaba tratar las tradiciones gastronómicas extranjeras como algo exótico o inferior y mostraba curiosidad, respeto y empatía hacia las personas que conocía. Murió por suicidio en Francia el 8 de junio de 2018, a los 61 años. Por eso, Tony se concentra en una etapa mucho más temprana de su vida: antes de convertirse en el famoso chef, autor y viajero televisivo que conoció el público.

Guitarricadelafuente se suma a una lista de personalidades que serán distinguidas en esta edición del festival. Entre ellas figuran Helen Mirren, que recibirá el Legend of Entertainment Award, y Julianne Moore, galardonada con el Icon Award. También será reconocido Patrice Vermette con el Variety Creative Impact in Production Design Award. El Discovery Award que recibirá Guitarricadelafuente está destinado a celebrar su primera incursión como actor en un largometraje.

Las posibilidades de que Guitarricadelafuente obtenga una nominación al Oscar a mejor actor de reparto subieron a 57%, de acuerdo con datos de Awards Expert citados por Variety. El avance se produjo en los días previos al anuncio del Discovery Award y refuerza las expectativas en torno a su interpretación en La Bola Negra, un filme que ya acumula menciones como una de las apuestas de la temporada de premios. La película está dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como Los Javis. En ella, Guitarricadelafuente interpreta a Sebastián, un soldado durante la Guerra Civil española que se enamora de un prisionero herido al que custodia en un hospital, interpretado por Miguel Bernardeau.

Una carrera llena de premios

El filme reúne tres historias sobre hombres homosexuales que abarcan casi un siglo de historia española. Una de ellas sigue a Carlos, interpretado por Milo Quife, un joven que es rechazado en 1932 por un club social exclusivo de Granada por su orientación sexual. La tercera historia tiene como protagonista a Alberto, un historiador queer interpretado por Carlos González, quien en 2017 descubre secretos familiares tras la muerte de su abuelo. El elenco se completa con Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close y Julio Torres

La Bola Negra llega al festival de Savannah con un recorrido previo en certámenes internacionales. La cinta ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto y también el Premio del Público en el Festival de San Sebastián. Además, Calvo y Ambrossi obtuvieron el premio a mejor dirección en el Festival de Cannes por este trabajo. Esa trayectoria previa en festivales de peso había alimentado ya las expectativas de cara a la temporada de premios de Hollywood, un contexto en el que ahora se inscribe el crecimiento en las proyecciones de Oscar para Guitarricadelafuente.

Guitarricadelafuente se dio a conocer en 2018 con El Conticinio, un tema que grabó con un micrófono de PlayStation. Esa misma grabación fue elegida en 2025 para un comercial de Apple dirigido por Spike Jonze y protagonizado por Pedro Pascal. Entre sus primeros éxitos se cuentan Guantanamera y Nana Triste, este último junto a Natalia Lacunza, que acumularon 59 millones y 70 millones de reproducciones respectivamente. Su álbum debut, La Cantera, salió en 2022. En 2025 publicó Spanish Leather, con una portada fotografiada por Wolfgang Tillmans. Para La Bola Negra compuso además el tema original La Nieve, que ya se encuentra disponible en plataformas de streaming.

La ficción sitúa a una joven educada en casa, interpretada por Summer H. Howell, en un centro con detectores de metales, simulacros de tiroteo y acoso amplificado por las redes sociales.

El punto de partida adelanta la catástrofe: el instituto Ewen arde y la localidad de Chamberlain, en Maine, queda devastada, con 200 muertos. Después, la narración retrocede un año hasta la muerte de Ralph White, el padre de Carrie.

La policía encuentra entonces a Carrie y a su madre, Margaret White, recluidas en su vivienda. Para conservar la custodia de su hija y la casa, Margaret debe aceptar un empleo, mientras Carrie se incorpora por primera vez a la enseñanza pública.

Cómo actualiza Mike Flanagan la historia de ‘Carrie’

La adaptación convierte los elementos contemporáneos de la escuela estadounidense en parte central del relato. Carrie atraviesa un detector de metales el primer día de clase y queda paralizada durante un simulacro de tirador activo, una rutina que, según TheWrap, sus compañeros conocen desde la educación primaria.

La protagonista también llega al instituto sin haber usado internet, teléfonos ni bibliotecas, y con escaso contacto con otras personas ajenas a su madre, según IndieWire. Esa falta de experiencia la vuelve vulnerable ante el rechazo de sus compañeros y ante la difusión digital de las humillaciones que sufre.

La serie conserva hechos reconocibles de la novela de Stephen King, publicada hace 52 años, pero desplaza el foco hacia la presión cotidiana sobre los adolescentes. The Hollywood Reporter considera que la ampliación permite dedicar más tiempo a estudiantes, profesores y administradores que intentan intervenir, aunque no logran impedir el desenlace.

Flanagan, que ejerce como creador y dirige cuatro episodios, ya había adaptado obras de King como El juego de Gerald, Doctor Sueño y La vida de Chuck. También ha transformado textos de Shirley Jackson y Edgar Allan Poe en series de mayor extensión, como La maldición de Hill House, Otra vuelta de tuerca y La caída de la casa Usher.

La nueva versión presenta a Carrie como una joven amable, curiosa y abierta a hacer amigos, más que como una figura permanentemente aterrorizada. Howell interpreta sus cambios entre el aislamiento, el miedo y la confianza creciente que le aporta descubrir su capacidad para mover objetos con la mente, según The Hollywood Reporter.

Las nuevas capas y valoración de la crítica

Samantha Sloyan encarna a Margaret como una madre religiosa, cruel y controladora, pero movida por una forma de afecto que la crítica de The Hollywood Reporter describe como alimentada por teorías de la conspiración y una fe confusa. La serie le atribuye una dimensión más desarrollada que la de las adaptaciones anteriores.

El reparto incorpora también a Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, Matthew Lillard como el director Grayle, Amber Midthunder como la profesora Rita y Tim Bagley como el orientador Peter Morten. La reseña de TheWrap destaca además a Michael Trucco como el padre de Chris y subraya que el diseño de los hogares de los personajes aporta información sobre cada uno de ellos.

La historia de Chris deja de limitarse al papel de agresora: la serie vincula su violencia con los conflictos de su familia y con la crueldad de su padre. Para IndieWire, ese planteamiento intenta explicar su conducta, aunque la crítica considera que la ficción desplaza la responsabilidad moral hacia los adultos y suaviza en exceso a los adolescentes.

El baile de graduación no cierra la serie, sino que ocurre en el penúltimo episodio. TheWrap sostiene que ese cambio prepara una continuación centrada en las consecuencias de la violencia de Carrie y en la existencia de otras personas con habilidades telequinéticas.

Ese desenlace divide a las críticas. Empire valora que Mike Flanagan mantenga el impulso trágico de la historia y adapte el material a un entorno donde cada agresión puede ser grabada y difundida. La considera una serie fresca y repleta de ideas, al igual que The Wrap, que la describe como un “éxito rotundo”. Mientras The Hollywood Reporter e IndieWire creen que la expansión debilita la fuerza del horror y resta impacto al clímax del baile.

Este último caso es el que se cumple en el caso de Vera (Susana Abaitua) y Lucas (Maxi Iglesias), los dos protagonistas de Nuda propiedad. Como si el cine tuviera la habilidad de predecir el futuro, esta película llega en el momento de máxima agitación social por la crisis de la vivienda para contarnos la historia de una pareja que, desesperada por la subida de los precios del alquiler, decide comprar desesperadamente una vivienda en esta modalidad sin saber que está a punto de caer en una trampa que les llevará a su propio límite.

“Creo que hay algo de la inocencia y de la ternura que dan Lucas y Vera que hace que te preguntes: ¿cómo pueden llegar hasta donde llegan? Nadie está libre ante la desesperación, el dolor y la imposibilidad, así que nadie está libre de acabar cometiendo atrocidades", apunta Abaitua sobre una comedia negra con tintes de thriller. “El objetivo era plantar dos personajes y enseñar muy bien la ilusión que era para ellos esto, para que luego acabes preguntándote cómo han acabado así dos personas tan buenas. Pero es que esto pasa”.

Una coincidencia que “no da alegría”

El estreno de Nuda Propiedad llega cuando se cumple una semana de la acampada en la Plaza del Sol en Madrid por la crisis de la vivienda. Miles de personas llevan días protestando por el derecho a una vivienda digna, en un contexto donde los precios de alquiler y compra de vivienda siguen subiendo. “Escribimos la película hace dos años, fíjate que entonces ya estaba tenso el tema. Y claro, si durante tanto tiempo estiras el chicle, al final se rompe y la gente explota”, lamenta Alberto Utrera, director de la película.

Lo acompaña Pepe Viyuela, quien también aparece en la película interpretando a un notario que acompaña a la pareja protagonista en todo el proceso de compra (“alguien que hace su trabajo sin preguntarse nada”, lo define el propio actor), y que define la situación como “la crónica de una muerte anunciada”. “Esta coincidencia con la explosión social no te alegra. No piensas en qué bien que haya coincidido desde el punto del marketing, porque de lo que se está hablando es algo muy trágico y muy sangrante. Constata, por lo menos, que no nos equivocamos al elegir hablar de este tema”.

“Sientes más responsabilidad”, opina por su parte Susana Abaitua. “No estamos ciegos, vivimos en este mundo y esto demuestra que llevamos mucho tiempo con una crisis de la vivienda que era insostenible”. Cuando ella y Maxi Iglesias leyeron por primera vez el guion, se preguntaron si, para cuando se estrenara la película, todo estaría mejor, algo que claramente no ha sucedido. “En la película se conoce a esta pareja y se ponen sobre la mesa unas cuestiones necesarias para su desarrollo, para mirar al futuro si quieren seguir juntos, algo que también es muy importante que la sociedad revise”, añade él.

Del “somos padres” al “somos propietarios”

Las palabras de Maxi Iglesias señalan el pilar central de Nuda propiedad: la relación de Vera y Lucas, una funcionaria de Correos y un profesor de matemáticas, que lo único que hace es esperar a tener un poco de suerte. Y, como si la suerte fuera el mismísimo Godot, esto los tiene paralizados a nivel vital y acaba por comprometer el propio bienestar de la pareja cuando ni siquiera tienen un lugar al que llamar “casa”. Por eso, uno de los momentos favoritos del actor es cuando, tras firmar la compra del piso, la pareja se abraza al borde de las lágrimas y exclama: “¡Somos propietarios!“.

“Se alegran tanto como si acabaran de saber que han conseguido ser padres”, comenta Iglesias. “El ‘vamos a ser propietarios’ para mí se justificaba como que habían conseguido un objetivo vital para la pareja. A lo mejor antes estaba ya el lugar y, como consecuencia, había una tranquilidad para tener hijos. Si no contamos con esa tranquilidad, ¿cómo se celebra conseguirla? Es la celebración de personas que pensaban que no iban a tener ninguna opción y de pronto llega una ilusión. Por eso me sale una frase que no estaba en el guion: ‘¿Cómo no hemos sido propietarios antes?’”.

Repensarnos como sociedad

La nuda propiedad utiliza la vida y la muerte de una persona como un valor de mercado. Para Utrera, además, es algo perverso “porque el que compra, que ya va ahogado, tiene que pagar además un alquiler inevitablemente, esperando a que una persona muera”. “Para esa persona también tiene que ser una historia esto, que haya gente esperando a que te mueras para entrar en tu casa”, reflexiona. “En fin, es una salida a un momento en el que lo que se hace es intentar sobrevivir y buscar salidas a una situación muy complicada”.

En este contexto, es donde proliferan (y triunfan económicamente) personajes como el de Pepe Viyuela, personas que hacen su trabajo y nada más, sin cuestionarse las consecuencias ni pedir disculpas por nada. “No estamos hablando de los notarios, sino de un tipo de ser humano que va por el mundo mirándose solo a sí mismo y preocupándose solo por su propio bienestar”, afirma el actor. “La falta de empatía, la falta de solidaridad, la deshumanización... tampoco hace falta irse muy lejos para encontrarte a alguien así”.

Estas personas son testigos y agentes de las desgracias de una pareja cada vez más desesperada que solo cuenta con el apoyo del otro. “Es una historia de amor, de darte cuenta de que en los pequeños detalles es donde está todo. En el caso de Vera, necesita encontrarse con ese desequilibrio al que le han llevado las decisiones que han ido tomando sobre algo para volver a encontrarse”, concluye Susana Abaitua. Por su parte, Iglesias termina subrayando que “la piedra angular” de todas nuestras relaciones, y por lo tanto de la sociedad, es cómo nos vinculamos a los demás. “Hay que pararse y preguntarse qué nos ha pasado: cuáles son ahora las prioridades, lo importante, qué se aplaude, qué se señala y qué se juzga”.

Peacock ha dado luz verde a una serie de ficción de la franquicia Fast & Furious, con Vin Diesel como productor ejecutivo, con una previsión de estreno en 2028, que la haría coincidir con la próxima película, Fast Forever.

La adaptación televisiva de la franquicia contará con Mike Daniels y Wolfe Coleman como guionistas del episodio piloto y responsables creativos. Universal Pictures estrenará Fast Forever el 17 de marzo de 2028, y Peacock prevé lanzar la producción ese mismo año.

Vin Diesel afirmó que había cuatro series del universo Fast & Furious en preparación, pero Peacock precisó después que solo una se encontraba en desarrollo activo, de acuerdo con The Hollywood Reporter. La plataforma tampoco ha revelado el título que tendrá la nueva producción ni otros detalles sobre su argumento.

La serie de Fast & Furious llegará a Peacock en 2028

Mike Daniels, conocido por su trabajo en Hijos de la anarquía, Shades of Blue y el próximo remake de Los casos de Rockford para NBC, compartirá la dirección creativa con Wolfe Coleman. Coleman ha participado en Shades of Blue y 911: Lone Star.

Ambos escribirán el piloto y ejercerán como productores ejecutivos junto a Diesel y Sam Vincent, de One Race; Neal H. Moritz y Pavun Shetty, de Original Film; Jeff Kirschenbaum, y Chris Morgan. Moritz y Original Film ya producen la saga cinematográfica.

La propiedad suma hasta ahora 11 películas a lo largo de 25 años y figura entre los activos más valiosos de NBCUniversal. Sus títulos han recaudado más de 7.000 millones de dólares en la taquilla mundial, según datos oficiales.

El universo de la saga se ha extendido también a atracciones en parques temáticos, videojuegos y otros productos comerciales. Antes de este encargo de Peacock, Netflix emitió la serie animada Fast & Furious Spy Racers durante seis temporadas, entre 2019 y 2021.

El anuncio inicial de Diesel hablaba de cuatro series

Durante la presentación del pasado mayo, Diesel sostuvo que la expansión televisiva respondía a una demanda persistente de los seguidores. “Durante la última década hemos comprobado que los aficionados querían más. Querían que ampliáramos los personajes históricos y sus historias”, afirmó.

El actor añadió que había esperado a que el proyecto reuniera las condiciones adecuadas para proteger sus elementos centrales. “Fue el momento adecuado cuando Donna Langley empezó a supervisarlo todo, porque entonces supe que la integridad de los personajes, el atractivo internacional y lo que nos hace sentirnos como una familia quedarían protegidos en televisión”, declaró antes de anunciar cuatro producciones.

La franquicia comenzó el 22 de junio de 2001, cuando Universal Pictures estrenó The Fast and the Furious, un thriller ambientado en la cultura de las carreras callejeras de Los Ángeles. La película estaba protagonizada por Vin Diesel como Dominic Toretto, Paul Walker como Brian O’Conner, Jordana Brewster como Mia y Michelle Rodriguez como Letty.

La película que Woody Allen rodará en Madrid será muchas cosas, pero desde luego no una película política. Así lo ha admitido el propio director en la presentación de su próximo proyecto en los Teatros del Canal de Madrid, donde ha dado los primeros detalles de su próxima película acompañado por el alcalde de la ciudad José Luis Martínez Almeida y la presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso. El neoyorkino ha sido preguntado por el tema del que todo el mundo habla esta semana en la capital, la multitudinaria acampada en la icónica Puerta del Sol en protesta por el caso Maricarmen en particular y la situación de la vivienda en España en general. Un tema del que Allen cree que no puede opinar.

“Nunca he sido un cineasta político, no tengo la sabiduría ni las aptitudes sociales. Estoy centrado en lo romántico, sé solo lo que he leído en los periódicos pero no tengo más información que una persona normal. No puedo arrojar nada de luz en ese tema. Mi trabajo siempre ha sido no político y centrado en las relaciones humanas”, afirmaba el cineasta durante la presentación del filme, aun sin título, que se rodará en Madrid durante las próximas seis semanas, y que contará con el español Peter Vives en su reparto, así como Jemima Kirke y Alexi Wasser, presente en el anuncio del proyecto en Madrid.

“Vivo en una casa en Nueva York, pero no sé nada sobre vivienda. Sinceramente, no soy la persona adecuada para responder. A menos que haya algún problema del que no esté al corriente, vives en una casa, tienes a tu familia y así es como va la vida”, insistía Allen al ser preguntado directamente por la acampada que tiene lugar estos días en Madrid, la misma ciudad que ha elegido a pesar de tener otras opciones sobre la mesa como el País Vasco, Canarias o Navarra, tal y como revelaba el productor de la película Miguel Morales, de Wanda Visión.

Consciente pero no pendiente

A pesar de admitir haber leído los periódicos y ser hasta cierto punto consciente de la actualidad madrileña, la cual lleva viviendo desde hace meses, Allen reafirmaba su interés en las relaciones humanas y no en la problemática de la vivienda que viven sus ciudadanos estos días. “Escribí la historia para estar en el extranjero, en un ambiente diplomático. Madrid tenía sentido. Yo estaba interesado en la ciudad y creo que encajaba en la idea de la película. Ya había trabajado en San Sebastián o Barcelona, y creo que sería una nueva experiencia, fresca. He actuado aquí y promocionado películas, pero nunca rodado y tengo muchas ganas de hacerlo”, revelaba el cineasta, que ha pasado las últimas semanas viviendo en Madrid junto a su esposa y disfrutando de la llamada vida madrileña, en palabras del alcalde José Luis Martínez Almeida.

“No es Nueva York, pero en ninguna otra ciudad se va a sentir tan en casa. Es un madrileño más comprando y disfrutando de la ciudad. Lo que mejor hacemos los madrileños, dar calor y acogida a los que vienen de fuera”, aseguraba el alcalde en su bienvenida a un director que presenta la que será su 51º película en su rica filmografía, plagada de títulos icónicos como Annie Hall, Manhattan o Misterioso asesinato en Manhattan, a la que aseguraba Wasser que se parecerá este nuevo proyecto.

De momento se desconoce el título de la película, aunque sí se sabe que deberá llevar el nombre de Madrid en él, como parte del acuerdo al que llegó con la Comunidad de Madrid dentro de que esta aportase un millón y medio al proyecto. Como hiciera con Medianoche en París o Desde Roma con Amor, Allen imprimirá su particular visión a la capital española en una historia de la que no ha querido desvelar demasiado, pero que asegura mezclará elementos habituales en su prolífica carrera. “Es una comedia con romance, intriga, infidelidad y otros ingredientes. Siempre creo que voy a hacer una historia pero nunca lo sabes hasta que haces la película, simplemente la haces. Creo que tengo los ingredientes pero hay que verlo, y ahora viene la parte dura, hacer la película juntar todo y esperar que esté a la altura de mis expectativas, y haré todo lo posible para que así sea. Creo que Madrid es la ciudad adecuada para ello”. Parece claro que Allen se ha enamorado de Madrid, aunque no de la que está ahora mismo en su epicentro.

Las inscripciones definitivas vencían el 1 de octubre y la Academia anunciará el 15 de diciembre una preselección de 15 películas, antes de revelar las nominaciones el 21 de enero.

Hay que recordar que la Academia ha modificado este año sus reglas para permitir que una película ganadora del máximo galardón en los Festivales Cannes, Berlín, Venecia, Sundance, Busan o Toronto pueda competir sin el respaldo de un comité nacional.

Qué películas representarán a Europa

Italia ha elegido The Spiral, de Paolo Strippoli, un thriller de terror protagonizado por Valeria Bruni Tedeschi y Jasmine Trinca. La historia comienza cuando Anna visita a su hija Alice durante una tormenta y le revela que pactó con una figura demoníaca llamada The Stranger para salvar la pierna de la joven tras un accidente ocurrido 20 años antes. La película se presentó en el Festival de Venecia y podrá verse en el próximo Festival de Sitges.

Francia ha optado por Minotauro, del ruso Andrey Zvyagintsev, ganadora del Gran Premio de Cannes. Una película que adapta La mujer infiel, de Claude Chabrol y la traslada al contexto político de la Guerra de Ucrania, razón por la que su director ha sido vetado en su país de origen.

Dinamarca presentará Woman Unknown, de May el-Toukhy, ganadora del León de Oro de Venecia y de la Copa Volpi a la mejor actriz para Mathilde Arcel. Se trata de un drama sobre las heridas de la Segunda Guerra Mundial en torno a las vejaciones sexuales que tuvieron que sufrir las mujeres por parte de los hombres.

Polonia ha seleccionado Fatherland, de Paweł Pawlikowski, protagonizada por Sandra Hüller y Hanns Zischler. Rodada en blanco y negro, acompaña al novelista alemán Thomas Mann y a su hija Erika en un viaje por carretera a través de Alemania en 1949. Pawlikowski ganó el premio a la mejor dirección en Cannes (junto con Los Javis) por esta película, escrita junto a Henk Handloegten.

Rumanía llevará Fjord, escrita y dirigida por Cristian Mungiu y elegida por unanimidad por su comité nacional. La película ganó la Palma de Oro, el premio Fipresci, el del Jurado Ecuménico, el Prix de la Citoyenneté y el François Chalais en Cannes y está protagonizada por Sebastian Stan y Renate Reinsve.

Alemania ha escogido Everytime, tercer largometraje de Sandra Wollner, que obtuvo el premio Un Certain Regard en Cannes. La película parte de la muerte de Jessie y sigue a Ella, la hermana menor de la fallecida y al chico al que todos culpan, durante unas vacaciones familiares en Tenerife. Everytime también ha pasado por los festivales de Sídney y Karlovy Vary y ganó el Gran Premio Corazón de Sarajevo. Su estreno norteamericano está previsto en Toronto y la película también figura en la programación del Festival de Nueva York.

Hungría competirá con Silent Friend, de Ildikó Enyedi, una exploración de la relación entre seres humanos, plantas y tiempo. La película, protagonizada por Tony Leung Chiu-Wai, Luna Wedler, Enzo Brumm y Léa Seydoux y recibió seis premios en la 82ª Mostra de Venecia.

Irlanda presentará Aontas, thriller de atracos en lengua irlandesa dirigido por Damian McCann. Narrada en orden cronológico inverso, la película sigue a tres ladrones, encabezados por una mujer al borde del colapso, tras el fracaso de un robo a un banco rural.

Lituania ha elegido How to Divorce During the War, de Andrius Blaževičius, ganadora del premio a la dirección en la competición World Cinema Dramatic de Sundance. La trama se sitúa en Vilnius en 2022, cuando una ejecutiva decide comunicar a su marido que quiere divorciarse un día antes de la invasión rusa de Ucrania a gran escala.

Suiza ha seleccionado el documental Who is Still Alive, de Nicolas Wadimoff, centrado en nueve palestinos que escaparon de la crisis humanitaria en Gaza. La película, estrenada en las Giornate degli Autori de Venecia en 2025, examina la pérdida del hogar en el marco de la guerra de Gaza.

Representantes de América Latina

Cuba estará representada por Malecón, de Carlos Larrazabal, que gira en torno a Elvis, un hombre que regresa a La Habana después de pasar 10 años en prisión. El personaje se reencuentra con su amor de juventud y se introduce en los círculos criminales de la ciudad mientras trata de financiar su huida.

Larrazabal ha escrito el guion junto al cubano Fabián Suárez, tras desarrollar el proyecto en el programa Sundance Collab. César Domínguez, Camila Rodhes, Omar Rolando y Yordanka Ariosa encabezan el reparto, mientras que Jorge Perugorría, Jaime Otero y Flavio Florencio figuran entre los productores.

Venezuela ha seleccionado La muerte no tiene dueño, de Jorge Thielen Armand, protagonizada por Asia Argento. Caro viaja al país para vender la plantación de cacao de su padre fallecido, pero encuentra la mansión familiar ocupada por antiguos empleados que pretenden permanecer allí.

La película se estrenó en la Quincena de Cineastas de Cannes y pasó por Locarno y Fantastic Fest, en Austin. En el certamen suizo, Argento recibió un premio honorífico a toda su trayectoria.

Chile presentará El deshielo, de Manuela Martelli, un misterio ‘posdictatorial’ situado en una estación de esquí de los Andes. Maya O’Rourke, que debuta en el cine, interpreta a una niña de nueve años que presencia hechos perturbadores en el negocio familiar.

La película se estrenó en Un Certain Regard de Cannes y el reparto también incluye a Paulina Urrutia, Mauricio Pešutić, Paula Zúñiga, Marcela Salinas y Lautaro Cantillana.

Representantes africanas

Marruecos ha presentado La más dulce, de Laila Marrakchi, centrada en un grupo de temporeras marroquíes contratadas para recoger fresas en España. Las mujeres deciden enfrentarse a empleadores abusivos tras sufrir acoso y condiciones de vida inhumanas.

La película se inspira en la historia de jóvenes que dejan Marruecos para trabajar en una finca fresera del sur de España con el objetivo de sostener a sus familias. Se estrenó en Un Certain Regard de Cannes y es una coproducción de Francia, Marruecos, España y Bélgica.

Marruecos nunca ha obtenido una nominación al Óscar internacional, aunque ha entrado tres veces en la lista corta. Su última presencia fue en 2023 con The Mother of All Lies, de Asmae El Moudir.

Egipto concurrirá con The Stories, escrita y dirigida por Abu Bakr Shawky e inspirada en el inicio de la relación entre el padre egipcio y la madre austriaca del cineasta, que comenzaron a escribirse cartas cuando él era un pianista en El Cairo en 1967. La narración recorre desde finales de los años sesenta hasta los ochenta.

Amir El-Masry, Valerie Pachner y Nelly Karim protagonizan la película, estrenada en el festival Tallinn Black Nights de 2025. Después ganó el Tanit de Oro a la mejor película en Cartago y pasó por el Festival de Cine del Mar Rojo.

Sudáfrica ha elegido Variations on a Theme, drama en afrikáans escrito y dirigido por Jason Jacobs y Devon Delmar. Hettie Farmer interpreta a una anciana pastora de cabras de Namaqualand que cae en una estafa vinculada a unas reparaciones prometidas por el servicio de su padre en la Segunda Guerra Mundial.

La película ganó el Tiger Award del Festival Internacional de Cine de Róterdam, el premio a la mejor película africana en Joburg y el de mejor película en Zagreb Subversive. La familia de la protagonista pretende trasladarla a la ciudad, una decisión que amenaza con privarla de su independencia.

Kenia competirá con One Woman, One Bra, de Vincho Nchogu. La protagonista, Star, vive en Sayit y corre el riesgo de perder su casa cuando sus vecinos están a punto de recibir títulos de propiedad de unas tierras cuya posesión legal obtendrán por primera vez en siglos.

Star desconoce quiénes son sus padres y no está casada, dos circunstancias que complican su situación. Una fotografía de su infancia impulsa la búsqueda de su madre distanciada mientras explora vías para reclamar las tierras.

Bangladés enviará Roid, de Mejbaur Rahman Sumon, un drama rural sobre Sadu, un aparcero empobrecido que vive aislado con su esposa. Aunque intenta abandonarla repetidamente en lugares desconocidos, ella siempre encuentra el camino de vuelta.

Roid se estrenó en la competición Tiger de Róterdam y fue seleccionada por el Festival Internacional de Cine de Seattle. Es el segundo largometraje de Sumon tras Hawa, candidata de Bangladés en 2022 y primera película bangladesí que entró en la clasificación de taquilla de Estados Unidos.

Competidoras asiáticas

Vietnam ha seleccionado Spirit Guardians: The Last Secret of the First Emperor, dirigida por Nguyễn Phan Quang Bình. La película de acción fantástica histórica se desarrolla durante el reinado del emperador Đinh Tiên Hoàng y sigue a unos guerreros que dividen por varias rutas el cortejo fúnebre que transporta el ataúd del monarca para proteger su tumba.

Johnny Trí Nguyễn, Lê Vũ Long, Tuấn Trần y Thiên Tú encabezan el reparto. Nguyễn también firma la coreografía de acción de una película que ha recaudado más de 38.000 millones en la taquilla local desde su estreno en agosto y ha sido seleccionada para una gala en Toronto.

Japón estará representado por De repente, de Ryusuke Hamaguchi, la segunda obra del director elegida por el país después de Drive My Car, ganadora del Óscar internacional. La película, ‘coproducida’ por Francia y Japón con respaldo de Alemania y Bélgica, se rodó principalmente en París.

La trama adapta un libro de correspondencia entre una filósofa con cáncer terminal y una antropóloga médica. Virginie Efira interpreta a la responsable de una residencia de mayores que busca implantar un modelo de cuidados centrado en la dignidad, mientras Tao Okamoto da vida a una directora teatral japonesa en tratamiento oncológico.

Corea del Sur ha seleccionado Possible Love, de Lee Chang-dong, su primer largometraje en ocho años. La película sigue a dos matrimonios cuyas vidas se cruzan después de un funeral: una pareja afectada por el despido del marido y otra formada por una documentalista que investiga a trabajadores que han perdido su empleo y su esposo.

El comité surcoreano ha destacado la precisión formal y la puesta en escena de un relato que aborda formas sutiles de violencia, la libertad incompleta, la felicidad y los conflictos laborales. Sul Kyung-gu y Zo In-sung forman parte del reparto.

Hong Kong competirá con Sons of the Neon Night, escrita, dirigida y ‘coproducida’ por Juno Mak. Ambientada en una versión alternativa de Hong Kong en 1994, reúne a Takeshi Kaneshiro, Sean Lau, Tony Leung Ka-fai, Louis Koo y Gao Yuanyuan.

La producción terminó en 2018, pero tardó siete años en estrenarse, hasta llegar a la sección Midnight Screenings de Cannes en mayo de 2025. Con un presupuesto aproximado de 50 millones de dólares, figura entre las películas más caras de la historia del territorio.

India ha elegido Gondhal, drama en maratí de Santosh Davakhar que transcurre durante una sola noche en la región rural de Maharashtra. Una ceremonia matrimonial tradicional obliga a una pareja recién casada a confrontar costumbres antiguas, deseos íntimos y fragilidades ocultas.

La película obtuvo una nominación al Pavo Real de Oro en el Festival Internacional de Cine de India, donde Davakhar ganó el Pavo Real de Plata a la mejor dirección. También recibió un premio Fipresci en Bengaluru y galardones de dirección y fotografía en Pune.

Indonesia presentará Four Seasons in Java, escrita y dirigida por Kamila Andini. Putri Marino interpreta a Pertiwi, una mujer que vuelve a una localidad que no está dispuesta a aceptarla tras salir de prisión.

El drama psicológico incorpora misterio, realismo mágico y ciencia ficción para abordar el trauma, la memoria, la violencia y la división social. Se estrenó en el programa Centrepiece de Toronto y tiene prevista su proyección en Busan, además de una nominación a la mejor fotografía en los Asian Pacific Screen Awards de 2026.

Camboya ha seleccionado Becoming Human, ópera prima de Polen Ly. La historia sigue a Thida, espíritu protector de un cine antiguo que va a ser demolido y que debe decidir entre renacer o permanecer como fantasma.

Savorn Serak, estudiante de danza de 15 años, encabeza el reparto junto a Piseth Chhun. El actor ganó el premio Horizonte de Venecia en 2021 por White Building.

Irak presentará No Paradise If You Are Killed by a Woman, thriller de Halkawt Mustafa sobre Vyan, una francotiradora kurda que regresa a Mosul para rescatar a su hermana, encarcelada por Estado Islámico. La película, rodada en calles y entornos reales de la ciudad iraquí, se estrenó fuera de competición en Venecia y también participa en Toronto.

Mongolia competirá con Independence: Keeper of the Prophecy, de Tamir Bat-Ulzii, ambientada en 1911 y dedicada a la resistencia contra más de dos siglos de dominio manchú bajo la dinastía Qing. La película fue financiada con una ayuda del Fondo Mongol de Cine con motivo del 115.º aniversario de la recuperación de la independencia del país.

Australia concursará con First Light, debut como director de James J. Robinson y primera coproducción filipino-australiana presentada por el país al Óscar. También es la primera película en tagalo enviada por Australia.

Ruby Ruiz interpreta a la hermana Yolanda, monja y enfermera que investiga una muerte sospechosa relacionada con corrupción entre las élites económicas y la Iglesia. Robinson ganó el premio a la mejor dirección australiana en el Festival Internacional de Cine de Melbourne de 2025.

Entre las últimas incorporaciones se encuentra la de Pakistán, que ha elegido el documental de suspense Hanging by a Wire, de Mohammed Ali Naqvi, su primera candidatura documental en esta categoría. La película reconstruye el accidente de agosto de 2023 en el que ocho pasajeros, seis de ellos escolares, quedaron suspendidos a unos 274 metros sobre un barranco en Battagram tras romperse el cable de una telecabina.

La producción combina imágenes de testigos, testimonios de los supervivientes y recreaciones con participantes en el rescate, seguido en directo dentro y fuera de Pakistán. Hanging by a Wire se estrenó en Sundance 2026, pasó por Tribeca y tendrá estreno en plataformas en Paramount+ tras su distribución en salas del Reino Unido y Estados Unidos.

Nepal ha escogido Elephants in the Fog, debut de Abinash Bikram Shah, sobre una comunidad kinnar de una aldea nepalí que lucha por protegerse. La película ganó el Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes y obtuvo nominaciones a la Cámara de Oro y la Queer Palm.

La distribuidora Filmin adquirió los derechos para España, dentro de una red de ventas que incluye territorios como Reino Unido, Benelux, Suiza, Israel, Australia, India, Indonesia, Francia, Alemania, Austria, Brasil y Nepal.

El mes de octubre suele ser el de Halloween y las películas de terror, pero no hay que olvidar que también es el de los primeros grandes estrenos que apuntarán a los Oscar. Algunos se han adelantado ya como La bola negra, estrenada el fin de semana pasado y uno de los grandes fenómenos del año en España, pero quedan por aparecer por cartelera nuevas películas dispuestas a intentar emular la emoción y disfrute que está dejando la película de los Javis en todo aquel que va a verla.

Los nombres de Tom Cruise, Dakota Johnson o Anne Hathaway son los encargados de hacer de reclamo en esta semana, en la que se intercalan historias de grandes magnates, soldados caídos, parejas desesperadas por encontrar un piso o novelistas encerradas en un gran misterio. Con resaca aun del Festival de San Sebastián y la mirada puesta en Valladolid, Gijón o esa temporada de premios, la de esta semana son historias de altos vuelos con las que dar la bienvenida oficialmente al otoño.

Digger

Tras decir adiós a la saga Misión Imposible de una vez por todas, Tom Cruise encara su próximo papel de una manera un tanto extraña: con un gran cambio físico y sobre todo en un registro en el que no lo veíamos desde quizá Tropic Thunder. Aquí el actor da vida a Digger Rockwell, un magnate del petróleo que ha de afrontar una gran crisis cuando una de sus plantas petrolíferas provoca un gran cataclismo en todo el mundo. Un gran gabinete de crisis se forma para intentar poner fin al desastre, pero las malas decisiones de Digger solo llevan a que la situación empeore por completo.

Lucky Strike

Scott Eastwood, actor de películas como Escuadrón suicida o Fast and Furious X e hijo del icónico actor y director Clint Eastwood, se pone en la piel de un soldado de la Segunda Guerra Mundial que sobrevive a un auténtico infierno. Después de luchas en la Batalla de las Ardenas y caer herido, este soldado queda completamente aislada en medio del caos con solo una radio estropeada y su entrenamiento militar como vías de supervivencia, y tendrá que reunir todas sus fuerzas para aguantar hasta que llegue el rescate. Si es que este llega.

Nuda propiedad

Susana Abaitua y Maxi Iglesias protagonizan esta comedia romántica que expone una peculiar pero cada vez más común situación en nuestro país. Vera y Lucas son una pareja cercana en busca de piso que encuentran el que parece ideal, solo que tiene una gran condición; es de nuda propiedad, lo cual significa que su anciano dueño permanecerá en él hasta morir. Sin embargo, un día el anciano desaparece y regresa de una forma algo diferente, como rejuvenecido. La paranoia y la obsesión se adueñan entonces de una pareja que cada vez ve más difícil disfrutar a solas de la casa.

Sunny Dancer

La actriz británica Bella Ramsey -quien se diera a conocer por Juego de tronos y posteriormente The Last of Us- protagoniza este drama adolescente que te hará ver el lado buena de las cosas. En ella interpreta a Ivy, una joven de 17 años que padece cáncer y acude a un campamento para otros jóvenes pacientes. A pesar de sus reticencias, poco a poco comienza a entablar amistad con el resto del grupo y disfrutar por fin del verano como se merece.

Verity

Empezamos el año con un thriller erótico que fue todo un éxito en taquilla y ahora estamos ante otro caso que quiere ir a rebufo de La asistenta. Basada en la obra de Colleen Hoover (Romper el círculo), Verity reúne a dos de las actrices de moda como son Dakota Johnson y Anne Hathaway, que está siendo una de las intérpretes del año gracias también a Mother Mary y sobre todo La Odisea. La película cuenta la historia de Lowen Asgleigh, una mujer contratada como escritora fantasma para Verity, una autora de bestsellers que ha quedado incapaz tras sufrir un accidente. Al entrar en casa de la autora y conocer a su marido, Lowen irá descubriendo los oscuros secretos del éxito.

Mucho se ha hablado de la mala racha que atraviesan los superhéroes del Universo Cinematográfico de Marvel desde que en 2019 se estrenara Vengadores: Endgame, poniendo punto y final a la saga del infinito y despidiéndose -o ya no tanto- de personajes tan icónicos como Tony Stark, Iron Man (Robert Downey Jr.) o el Capi, Steve Rogers (Chris Evans). Pocas han sido las excepciones en los últimos años que han devuelto a los seguidores de los superhéroes el espíritu de aquella saga iniciada en 2008.

Pero mucho antes de que Jon Favreau arrancara con la figura del genio multimillonario y sarcástico, Marvel ya tenía un hueco en el cine. Eso sí, con una propuesta bastante alejada del tono family friendly que hoy caracteriza a la franquicia. En 1998 llegó a los cines Blade, una cinta protagonizada por Wesley Snipes que seguía al cazador de vampiros (y medio vampiro él mismo) Eric Brooks, alias Blade, de la que muchos expertos en el género consideran que abrió el camino para éxitos posteriores, como fue el Spider-Man de Sam Raimi. Snipes estuvo acompañado por Stephen Dorff, Kris Kristofferson y N’Bushe Wright en una producción que se estrenó en Estados Unidos el 21 de agosto de 1998. En España, quienes quieran recuperarla tienen poco margen: la cinta abandona Netflix el próximo 4 de octubre.

La película dirigida por Stephen Norrington caminó entre la acción y el terror, tanto que fue prohibida en Malasia y censurada en Alemania. En el caso del país germánico, la cinta sí llegó completa a los cines, pero fue en febrero de 2000, cuando la entonces Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Schriften —el organismo federal encargado de los contenidos perjudiciales para menores— decidió incluirla en un índice oficial de contenidos perjudiciales para menores. Para facilitar su comercialización, circuló una versión recortada, con casi diez minutos menos, que pudo clasificarse para mayores de 16 años. La cinta no salió de la lista hasta 2019.

Disponible en Netflix hasta el 4 de octubre

Pese a la violencia y a una recepción tibia entre la prensa —mantiene un 59% de aprobación entre la crítica frente al 78% del público en Rotten Tomatoes—, Blade también encontró defensores. Entre las críticas destacada la de Peter Bradshaw, de The Guardian, que revisó la película en 2021 y le otorgó cuatro estrellas sobre cinco. El crítico destacó especialmente su combinación de géneros y la definió como “un terror de acción entretenidamente macabro y montado de forma emocionante, con una energía propulsiva”.

Más allá de las opiniones de la crítica, Blade fue un éxito comercial. Con un presupuesto estimado de unos 45 millones de dólares, recaudó más de 131 millones en todo el mundo, de los que 70 procedieron de Estados Unidos y Canadá. Esto sirvió de base para franquiciar al personaje: Snipes volvió como cazavampiros cuatro años después con Blade II, esta vez dirigida por Guillermo del Toro. En 2004 se puso punto y final a la saga con Blade: Trinity, con David S. Goyer.

Desde entonces se ha intentado que vuelva el personaje, aunque no ha tenido la misma suerte que otros superhéroes. En 2019, el mandamás de Marvel, Kevin Faige, anunció durante la Comic-Con de San Diego que Mahershala Ali —ganador de dos Premios Óscar como Mejor actor de reparto por las películas Moonlight (2016) y Green Book (2018)— daría vida a Blade en una etapa nueva del antihéroe.

El proyecto, sin embargo, terminó convirtiéndose en uno de los desarrollos más accidentados de Marvel Studios. Bassam Tariq fue el primer director anunciado, pero abandonó la película en septiembre de 2022. Después tomó el relevo Yann Demange, responsable de episodios de Lovecraft Country, aunque también terminó desvinculándose en 2024. A esos cambios se sumó una larga sucesión de guionistas y distintas versiones de la historia, hasta el punto de que Variety informó de que el proyecto había pasado por al menos cinco guionistas.

Los retrasos terminaron afectando también a su fecha de estreno. La película llegó a estar programada para el 7 de noviembre de 2025, pero Disney terminó retirándola de su calendario en octubre de 2024. Hasta este verano, que el propio Ali confirmó que, tras siete años en el proyecto sin llegar a puerto, abandonaba. “Si hubieran querido hacerla, la habríamos hecho”, aseguró en una entrevista con GQ.

Cayetana Fitz-James Stuart, más conocida como la XVIII duquesa de Alba, nació un 28 de marzo de 1926. Por ello, este año, con motivo del centenario de su nacimiento, el Palacio de Lira acoge una exposición que reúne más de 200 piezas que recorren la vida, los intereses culturales y la labor patrimonial de una mujer que, a pesar de mantenerse fiel a su linaje, fue también una persona adelantada a su tiempo.

Arte, retratos, fotografías, documentos históricos, vestidos, objetos personales; estos y otros elementos expuestos muestran la vida de una mujer desde su infancia, cuando era llamada Tanuca, hasta su papel al frente de uno de los mayores patrimonios históricos de España. El recorrido también aborda su relación con el cine, la ópera, el flamenco, la moda y la pintura, acorde a la vida poco convencional para las expectativas sociales que había en la época que Cayetana mantuvo.

La duquesa de Alba tomó varias decisiones en su vida que no siempre encajaron con la imagen de la aristocracia. Defendió siempre una gran libertad personal y se relacionó muy estrechamente con el mundo del arte, la imagen y la moda. Además, heredó una enorme colección artística y dedicó buena parte de su vida a conservarla y a mantener vivo el patrimonio de la Casa de Alba. El Palacio de Liria, por ejemplo, fue reconstruido y posteriormente convertido bajo su dirección en un espacio que conservaba su carácter de residencia familiar, no simplemente de museo.

Entre lo público y lo personal

La exposición está organizada en siete secciones temáticas y fue comisariada por Eugenia Martínez de Irujo, hija de la duquesa, junto con Cristina Carrillo de Albornoz. El proyecto requirió más de tres años de investigación, ya que no se limita a reconstruir una biografía, sino que también se detiene en la responsabilidad que asumió Cayetana de Alba en la conservación de las colecciones, los palacios y los documentos de su familia.

Otra parte del recorrido se centra en la influencia de su padre, Jacobo Fitz-James Stuart, y en la educación cosmopolita que recibió. Sus viajes y su cercanía con distintas expresiones artísticas aparecen como elementos centrales de su trayectoria. Los asistentes podrán conocer su faceta como coleccionista y pintora, en una muestra que presenta a la duquesa como una figura vinculada al legado de su linaje, aunque atenta a la cultura de su tiempo.

La fotografía tiene un espacio destacado en la exhibición. Cayetana fue retratada por autores como Cecil Beaton, Richard Avedon, Henry Clarke y Juan Gyenes. Su relación con el arte comenzó durante la niñez. En esa etapa también posó para Mariano Benlliure e Ignacio Zuloaga, dos artistas que formaron parte de su entorno temprano. Así, la investigación ha permitido recuperar materiales documentales y fotográficos de la Casa de Alba, entre los que destacan cartas relacionadas con Isabel II del Reino Unido y Jackie Kennedy.

Visitar el Palacio de Lira

La edición madrileña añade una sección sobre el 70.º aniversario de la reconstrucción del Palacio de Liria. El edificio constituye una parte central de la muestra porque fue uno de los proyectos que marcaron la vida de la duquesa. De hecho, la entrada incluye también el acceso libre al Palacio de Lira, edificio que funciona como una pieza más del recorrido y cuyas salas permiten vincular los objetos exhibidos con el lugar donde se preservó una parte sustancial del patrimonio de la Casa de Alba.

La muestra llega a Madrid después de su paso por el Palacio de las Dueñas de Sevilla, donde recibió 150.000 visitantes. En Liria se podrá visitar del 1 de octubre al 31 de enero, con un horario de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 19.00 los días comprendidos entre el martes y el domingo. Los lunes, por otro lado, abrirá de 10.00 a 14.00, con una sesión gratuita a las 10.00 para la que se habilitarán entradas cada lunes a las 12.00, salvo que sea festivo. De lunes a viernes no festivos, la tarifa general será de 20 euros y la reducida de 13 euros; los fines de semana y festivos, los precios ascenderán a 22 y 15 euros, respectivamente.

El escritor Arturo Pérez-Reverte (Cartagena, 1951) acumula un 2026 -otro más- de éxitos. Este pasado 25 de septiembre llegó a Netflix la adaptación en formato miniserie de su best-seller El problema final, una intriga detectivesca de cuatro episodios liderada por José Coronado, quien da vida a un actor en declive que en sus tiempos interpretó a Sherlock Holmes. Un crimen imposible desarrollado en un hotel donde sus huéspedes y sospechosos quedan incomunicados por un temporal.

A esta ficción hay que sumarle que el académico y miembro de la Real Academia Española (RAE) está a días de estrenar su nueva novela, La hipótesis más peligrosa, que llega a librerías este 20 de octubre. Publicada por Alfaguara, se trata de una historia de viaje e iniciación protagonizada por Cal Gadea, un adolescente de 16 años que emprende la búsqueda del padre al que nunca conoció y termina encontrándolo en un puerto del Mediterráneo.

Pero entre estreno y estreno, Pérez-Reverte también encuentra tiempo para compartir algunas de sus recomendaciones culturales. El pasado 20 de septiembre, el escritor dio su opinión sobre Amici miei (Habitación para cuatro en España), la comedia italiana dirigida por Mario Monicelli en 1975. “Es una obra maestra”, dijo en respuesta al usuario de X @erosvelvetuuyv, que le preguntó si conocía la obra del cineasta, nominado en seis ocasiones a los premios Oscar.

Ambientada en Florencia, sigue a un grupo de amigos de 50 años que intenta escapar de sus problemas a través de lo que llaman zingaratas: bromas, en ocasiones disparatadas y crueles, con las que se divierten. Ugo Tognazzi, Gastone Moschin, Philippe Noiret, Duilio Del Prete y Adolfo Celi encabezaron su reparto.

Una comedia de un director nominado a seis Oscar

Dirigida por Monicelli , en realidad la idea partía de otro de los grandes nombres de la comedia italiana, Pietro Germi, ganador del Oscar en 1963 a Mejor Guion Original por la película Divorcio a la italiana. El cineasta llevaba tiempo trabajando en la película junto a los guionistas Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi y Tullio Pinelli, pero murió en 1974 antes de poder rodarla. La propia cinta conservó su nombre en los títulos de crédito como homenaje antes de señalar a Monicelli como director.

La cinta no solo contó con una enorme acogida en Italia -se situó entre los mayores éxitos comerciales de la temporada 1975-1976- sino que dio origen a otras dos películas: Amici miei - Atto II, estrenada en 1982 y también dirigida por Monicelli, y Amici miei - Atto III, que llegó en 1985 con Nanni Loy como director. En la temporada de premios, también fue un éxito: Mario Monicelli recibió el premio a mejor dirección por la película y Ugo Tognazzi fue reconocido como mejor actor protagonista. Además, el filme obtuvo los Nastri d’Argento al mejor guion y al mejor argumento original, entre otros reconocimientos. Monicelli acabaría consolidándose como uno de los grandes nombres de la commedia all’italiana, con una carrera de más de medio siglo y seis películas vinculadas a candidaturas al Oscar.

Madrid acogerá del 2 al 30 de octubre una programación de cultura porteña con Jorge Luis Borges como figura central, a 40 años de la muerte del escritor. La propuesta Buenos Aires en Madrid reunirá obras de teatro, cine, música, tango, danza, literatura y actividades familiares en instituciones y salas de la capital española.

El programa, impulsado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, prevé actividades en el Instituto Cervantes, Casa de América, la Fundación Ortega-Marañón, los centros culturales Paco Rabal y Paco de Lucía, Casa de Vacas, Faro de Moncloa y varias librerías madrileñas.

El acto central se realizará el martes 20 de octubre, cuando el legado de Jorge Luis Borges y María Kodama sea depositado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes. La ceremonia, organizada junto con la Fundación Internacional Jorge Luis Borges, incorporará objetos personales del autor para su preservación patrimonial.

Ese día habrá una actividad abierta al público sobre el legado artístico y cultural de Borges y Kodama. El programa incluye Las milongas de Borges, con Marcelo Balsells y César Angeleri, además de una lectura de poemas a cargo de la actriz Laura Novoa, acompañada por el músico Damián Rovner.

La agenda vinculada al escritor continuará en la Fundación Ortega-Marañón, que desde el 20 de octubre hasta el 6 de noviembre presentará la muestra “Borges: el otro, el mismo”. La exposición reunirá libros de su biblioteca, primeras ediciones, correspondencia, fotografías, pinturas, discos y otros objetos de la colección del Museo del Escritor de Madrid.

La muestra propone revisar distintas etapas y vínculos del autor argentino, desde su entorno familiar y sus amistades hasta su trabajo como traductor y su consagración literaria. En la misma sede, Balsells, Claudio Méndez, Angeleri y Gustavo Nardi presentarán Sentir argentino, un espectáculo de música y poesía dedicado a Borges, Astor Piazzolla, Atahualpa Yupanqui y Carlos Gardel.

La programación comenzará el 2 de octubre con un ensayo abierto de Una distancia necesaria, una coproducción de teatro independiente entre Buenos Aires y Madrid que conectará de forma simultánea escenarios de las dos ciudades mediante recursos tecnológicos. El estreno será el 9 de octubre en el Centro Cultural Paco Rabal.

El primer fin de semana se presentarán Buenas noches, Buenos Aires, un recorrido musical por compositoras e intérpretes porteñas, y Manuelita, mi casa es el mundo, una propuesta familiar inspirada en la obra de María Elena Walsh. El 10 de octubre, la Librería Mandolina albergará La librería mágica: los cuentos cobran vida, otro homenaje a la autora.

El 5 de octubre, BB ASUL ofrecerá en el Faro de Moncloa su concierto acústico Música triste para chicas lindas. Más adelante, el actor Luciano Cáceres llevará Paraíso a Espacio Alma el 17 de octubre y participará en la presentación de una de las películas del ciclo de Casa de América.

El 18 de octubre, la Librería Parenthesis recibirá Cortázar.exe, una performance de Nana y Bruno Galindo centrada en la musicalidad y la obra de Julio Cortázar. También integran el apartado literario las presentaciones de Veintisiete noches, de Natalia Zito, y Desaparecida dos veces, de Teresa Donato, además del espectáculo Cartas y boleros al rey de la cabina, con Novoa y Rovner.

La programación de tango incluye Tango, folklore y poesía argentina, con Balsells, Angeleri, Maximiliano Legnani y Nardi, y dos funciones de La azotea de mi vida, de Gustavo Masó, dentro de Lado Gus. El sábado 24 de octubre habrá además una jornada de tango y milonga en la terraza de Casa de Vacas, en el Parque del Retiro, con clases, práctica libre, exhibiciones y musicalización del DJ Loic Vix.

Entre el 19 y el 23 de octubre, la Sala Iberia de Casa de América dedicará un ciclo a Héctor Alterio y Luis Brandoni. La selección reúne Esperando la carroza, Fermín, glorias del tango, El hijo de la novia, La odisea de los giles y Darse cuenta.

La función de Fermín, glorias del tango, prevista para el martes 20, contará con una presentación especial de Cáceres. El calendario completo de Buenos Aires en Madrid se extenderá hasta el 30 de octubre en distintos espacios de la capital española.

El director de cine Woody Allen es desde esta semana hijo adoptivo de Madrid, y lo será durante las próximas 6 semanas que dure el rodaje de su próximo largometraje. Aun sin título pero con buena parte del equipo confirmado, el cineasta neoyorkino llegaba a los Teatros del Canal de Madrid para presentar la que será su 51º película, acompañado del alcalde José Luis Martínez Almeida y de la presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso, encargados de introducir a Allen en la ciudad.

“No es Nueva York, pero en ninguna otra ciudad se va a sentir tan en casa. Es un madrileño más comprando y disfrutando de la ciudad y de lo que mejor hacemos los madrileños, dar calor y acogida a los que vienen de fuera”, afirmaba Martínez Almeida en su intervención de bienvenida al director. “Esta película va a ser desde Madrid para todo el mundo, la va a presentar como una de las grandes capitales y donde hay que estar”, señalaba el alcalde, quien destacaba también que Allen hubiese elegido el proyecto a pesar de no contar con las mismas ventajas fiscales que otras localizaciones como Navarra, País Vasco o Islas Canarias, consideradas en su momento cuando Wanda Visión habló con el director acerca del proyecto.

Un proyecto que no tendrá título pero sí tiene actores, como Jemima Kirke, Alexi Wesser o el español Peter Vives, y que contará nada menos que con el gran José Luis Alcaine como director de fotografía, así como de otras grandes figuras de nuestro cine como Sonia Grande o Alan Bainé en su equipo. Faltaba escuchar la palabra del propio Allen y sobre todo por qué había elegido Madrid como eje central, y que historia puede traer a ella después de haber rodado obras maestras como Annie Hall o Manhattan en Nueva York.

Una comedia con romance en un ambiente diplomático

“Escribí la historia para estar en el extranjero, en un ambiente diplomático. Madrid tenía sentido. Yo estaba interesado en la ciudad y creo que encajaba en la idea de la película. Ya había trabajado en San Sebastián o Barcelona, y creo que sería una nueva experiencia, fresca. He actuado aquí y promocionado películas, pero nunca rodado y tengo muchas ganas de hacerlo”, comenzaba revelando el cineasta, quien recordaba que ya conocía la ciudad de hace tiempo. “Había estado aquí antes, esta no es mi primera impresión. Es una ciudad preciosa y perfecta para la ambientación diplomática que quería para la historia. Si vienes de Nueva York a estas ciudades resultan muy exóticas, sus edificios y la vegetación es pintoresca, es muy diferente a una ciudad americana. Creo que era la ciudad perfecta para esta película”.

Sobre el argumento de la película, Allen asegura que se trata de “una comedia con romance, intriga, infidelidad”, pero también reconoce la dificultad. “Siempre creo que voy a hacer una historia pero nunca lo sabes hasta que haces la película, simplemente la haces. Creo que tengo los ingredientes pero hay que verlo, y ahora viene la parte dura, hacer la película juntar todo y esperar que esté a la altura de mis expectativas, y haré todo lo posible para que así sea”, detallaba.

A pesar de ser preguntado por la presente protesta que ahora mismo tiene paralizado el centro de la ciudad, Allen rechazaba posicionarse al respecto. “Nunca he sido un cineasta político, no tengo la sabiduría ni las aptitudes sociales. Estoy centrado en lo romántico, sé solo lo que he leído en los periódicos pero no tengo más información que una persona normal. No puedo arrojar nada de luz en ese tema. Mi trabajo siempre ha sido no político y centrado en las relaciones humanas”, recordaba el cineasta, quien también comentaba cómo ha evolucionado su estilo. “Cuando era joven era mucho más convencional y dedicado, me he vuelto algo perezoso y ahora tengo un estilo de planos largos en el que los actores están mas agradecidos por tener que hacer menos tomas. Empezó porque era perezoso y ahora es todo un estilo cinematográfico. Quiero hacer el plano e irme a casa”, bromeaba el director.

Un último baile

Vives y Wasser, presentes en el encuentro junto al director, daban las pequeñas pinceladas de sus personajes. “Soy muy similar al personaje, me he preparado toda mi vida para esto. Es un poco como Misterioso asesinato en Manhattan. No quiero decepcionar a Woody”, comentaba Wasser, mientras que el español desvelaba que su personaje es “un diplomático casado con la mujer protagonista”. Algo coartados por poder revelar demasiado de la película, Allen salía al paso para explicar el proceso de casting. “Miramos a muchos actores, y finalmente lo redujimos a unos pocos con los que probamos los personajes. Estos son maravillosos, era increíble escucharles leer la historia, era perfecto y tal y como imaginaba en mi cabeza.

Allen viene de haber rodado en Francia su última película, Golpe de suerte, en la que ya contaba con actores menos conocidos para el gran público, de la misma forma que han mantenido los títulos de sus películas en secreto o simplemente sin confirmar hasta su mismo fin de rodaje. “No tendré un título hasta que termine la película”, confirmaba el neoyorkino, quien insistía en que no tiene pensado dejar el cine de momento. “No me quiero retirar del cine aun, y he en Madrid he encontrado la ciudad perfecta para esta historia”.

Después de un septiembre cargado de estrenos, en el que ha arrasado en Netflix Monstruo: La historia de Lizzie Borden y la española El problema final, basada en la novela de Arturo Pérez- Reverte, nos adentramos en un octubre absolutamente pletórico repleto de novedades.

Además de las diez series que hemos seleccionado, hay otras ficciones de lo más interesantes que merece la pena destacar. Es el caso de Kill Jackie, protagonizado por Catherine Zeta-Jones (y en la que también encontramos a Óscar Jaenada), un thriller criminal basado en la novela El precio que pagas, de Nick Harkaway y que fue rodado en Bilbao. Se podrá ver en HBO Max a partir del 2 de octubre.

También Pequeños profetas, una de las comedias británicas mejor valoradas del año en la que un hombre excéntrico obsesionado con la desaparición de su novia, utilizará una receta de su padre, que le permitirá invocar a unos espíritus mágicos que prevén el futuro. Una ficción con toques fantásticos de lo más singular con Pearce Quigley y Sir Michael Palin. En Apple TV a partir del día 7.

Esta es nuestra selección de series imprescindibles para ver durante el mes octubre por orden de estreno.

1. ‘Al este de Edén’ (1 de octubre en Netflix)

Adaptación en formato miniserie de la mítica novela de John Steinbeck que llevó al cine Elia Kazan en 1955. Ahora, su nieta, la actriz y directora Zoe Kazan, se pone al frente de este proyecto ambientado después de la Guerra Civil americana en el que dos hermanastros heredan una fortuna y una mujer se encarga de seducirlos. En el reparto, Florence Pugh, Mike Faist y Christopher Abbott. La crítica ya la ha elogiado como una de las grandes ficciones históricas de la temporada.

2. ‘Reina Roja 2. Loba negra’ (2 octubre en Prime Video)

La adaptación de la saga literaria de Juan Gómez Jurado sigue a Antonia Scott (Victoria Luengo), una mujer con un coeficiente intelectual desorbitado que trabaja para una organización secreta para investigar casos delicados, y al inspector Jon Gutiérrez, interpretado por Hovik Keuchkerian. En esta ocasión, ambos deberán resolver un crimen vinculado con la mafia rusa en la Costa del Sol.

La investigación girará en torno a la localización de Lola Moreno (Adriana Torrebejano), la esposa de un mafioso perseguida por una asesina a sueldo conocida como Loba Negra. Una secuela cargada de acción en la que las mujeres toman el poder y en la que se indaga en torno a la relación entre los protagonistas.

3. ‘Carrie’ (7 de octubre en Prime Video)

Otra esperada adaptación, en este caso de la novela de Stephen King, que también sirvió para que debutara en el cine Brian de Palma en la película de 1976. Del proyecto se encarga un experto en el maestro del cine de terror como es Mike Flanagan, que revisa el clásico desde una óptica contemporánea, trasladando la historia a la actualidad para hablar de temas como el ciberbullying.

La protagonista es Carrie White (Summer H. Howell), una chica inadaptada sometida a la sobreprotección de su progenitora (Samantha Sloyan), que será víctima de un escándalo viral de acoso a través de las redes sociales, lo que despertará en ella unos misteriosos poderes de telequinesia.

4. ‘El Castillo’ (8 de octubre en Movistar Plus+)

La ‘coguionista’ de Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña, junto a Eduardo Villanueva, adaptan la novela no ficción de Mabel Lozano El proxeneta, en la que se denunciaba la explotación sexual de mujeres, mediante la prostitución y la trata.

La serie cuenta el auge de esta mafia en España a través de la figura del empresario que lidera el negocio, el Suizo (Raúl Arévalo), al mismo tiempo que se cuenta la historia de una chica colombiana que contraerá una deuda con él, Claudia (Valentina Vidal) y los policías que investigan el caso, interpretados por Omar Ayudo y Laia Marull. Al frente de la dirección encontramos a Elena Martín y Sandra Romero, que aportan un tono seco y metódico cercano al periodismo de investigación y alejado de cualquier tipo de exhibicionismo.

5. ‘Furia. Parte 2′ (9 de octubre en HBO Max)

Después de su pletórica primera temporada, Félix Sabroso vuelve a reunir a un reparto femenino espectacular en esta segunda entrega donde las mujeres vuelven a situarse al borde del abismo y de situaciones disparatadas que las llevan al límite.

Entre los nombres destacados de esta parte dos, encontramos a Maribel Verdú, Carmen Maura, María León, Cecilia Suárez, Ana Mena, Clara Sans y repiten Claudia Salas y Ana Torrent. Entre los escenarios de esta segunda temporada, encontramos un guiño a la propia serie a través de un rodaje que recrea los acontecimientos que vimos anteriormente.

6. ‘Aquel’ (’biopic’ de Rapahel, el 9 de octubre en Netflix)

Biopic de Raphael, que abarca su carrera a lo largo de cinco décadas y repasa su vida desde sus orígenes humildes en la España de posguerra hasta la conquista de los grandes escenarios profesionales. También se aborda sus conflictos personales y los fantasmas particulares en este recorrido particular hacia el éxito y la fama. Javier Morgade y Carlos Santos se meten en la piel del artista en diferentes etapas de su trayectoria. Una serie fundamental para los fans del artista y para todos aquellos que quieran acercarse a su figura.

7. ‘VisionQuest’ (14 de octubre en Disney+)

Nueva serie de aventuras de Marvel que sigue a Visión, quien permanece oculto tras escapar de quienes querían utilizarlo como arma, hasta que una recompensa por su captura lo obliga a huir junto a Thomas Sheperd, un joven que podría ser la reencarnación de su hijo. El personaje vuelve a estar interpretado por Paul Bettany, mientras que Ruaridh Mollica encarna a Sheperd.

La producción cierra la trilogía iniciada por WandaVision en 2021 y continuada con Agatha, ¿quién si no? en 2024. Durante su búsqueda de un nuevo propósito, Visión consultará distintas inteligencias artificiales integradas en su programación para conseguir sus propósitos.

8. ‘Crystal Lake’ (16 de octubre en HBO Max)

La ‘precuela’ de la saga Viernes 13 sigue a Pam, una madre soltera interpretada por Linda Cardellini, que no ha superado la muerte por ahogamiento de su hijo Jason en un lago, ocurrida hace casi un año.

Dos desconocidos llegan a su casa para indagar en su pasado y desencadenarán una serie de acontecimientos que lleva a los habitantes de Crystal Lake a preguntarse quién es realmente Pam. Un ‘slasher’ para los fans de la mítica franquicia sobre uno de los ‘serial killers’, Jason Voorhees, más carismáticos de la historia del cine.

9. ‘Grande de España’ (23 de octubre en Netflix)

La nueva comedia de Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany (responsables de Vergüenza) expone un juego de falsas apariencias alrededor de un palacete familiar en Madrid. Don Leandro, un marqués arruinado interpretado por Antonio de la Torre, quiere vender la propiedad para resolver sus problemas económicos y alcanzar su objetivo de convertirse en Grande de España.

La operación parece posible cuando Sofía Carrington, una empresaria interpretada por Alexandra Jiménez, se interesa por el inmueble. La compradora y el vendedor descubrirán que ninguno es quien aparenta ser.

10. ‘Nocturno’ (30 de octubre en Apple TV)

Un ‘exsoldado’ convertido en detective de homicidios, interpretado por Liev Schreiber, abandona Filadelfia y se instala en una pequeña localidad del oeste de Pensilvania en busca de una vida tranquila.

La calma desaparece cuando un asesino en serie, interpretado por Stephen Graham, convierte al pueblo y a la familia del detective en sus objetivos. Para encontrar a la última víctima, el protagonista envía a una agente del FBI, interpretada por Zazie Beetz y a quien considera una hija, a enfrentarse al criminal. La historia está basada en las novelas policiacas de Lars Kepler y hará las delicias de los aficionados al género negro.

Comienza el mes de octubre todavía con la resaca del estreno de La bola negra, que se ha convertido en un auténtico acontecimiento en la taquilla de nuestro país. La película de Los Javis ha desembarcado en la cartelera como se esperaba, despertando el interés de los espectadores que llevaban meses escuchando hablar de la película desde su estreno en el pasado Festival de Cannes.

Estas próximas semanas también se estrenan algunas películas españolas que entrarían en los Premios Goya de este año. Es el caso de la producción histórica vasca Las ciegas hormigas, basada en la novela de Ramiro Pinilla; El mal hijo, la ópera prima del actor Jaime Lorente; el documental sobre Federico García Lorca titulado La voz quebrada; Karateka, la historia real de la leyenda española de esta disciplina, Sandra Sánchez y Esta soledad, de Javier Giner, protagonizada por Marina Salas y Oriol Pla.

Además de los diez estrenos internacionales que hemos seleccionado, también encontramos el premiado documental Naza; la adaptación que Diego Luna ha hecho de la novela de Brenda Navarro Ceniza en la boca; lo nuevo de Hirokazu Kore-eda, un film de ciencia ficción titulado Kakeru (Sheep in the Box); El hombre que desafió al rey, producción de Paul Greengrass protagonizada por Andrew Garfield y Klara y el sol, de Taika Waititi que adapta al Premio Nobel Kazuo Ishiguro.

1. ‘Digger’ (2 de octubre)

Tom Cruise aparece totalmente irreconocible en esta sátira política dirigida por Alejandro González Iñárritu, en la que interpreta a un magnate petrolero que, después de ser el responsable de una hecatombe ecológica, se ‘autoerige’ como salvador del mundo.

Una película destinada a generar diversidad de opiniones tanto por la interpretación de Tom Cruise como por el tono de una obra que apuesta por la caricatura barroca y el exceso en todos los sentidos.

2. ‘Verity. La sombra de un engaño’ (2 de octubre)

Una joven es contratada como escritora fantasma para una gran autora de bestsellers, que ha quedado impedida tras un accidente. Cuando entre a trabajar en su casa descubrirá que nada es lo que parece y que sus empleadores esconden un buen puñado de secretos.

Adaptación de la novela de Colleen Hoover (responsable de Rompiendo el círculo) encabezada por un reparto de lujo en el que encontramos a Anne Hathaway, Dakota Johnson y Josh Hartnett.

3. ‘El precio de la red’ (9 de octubre)

La esperada secuela de La red social, de David Fincher, esta vez dirigida por su guionista, Aaron Sorkin, que rescataría al personaje de Mark Zuckerberg veinte años después (esta vez encarnado por Jeremy Strong), con el imperio de Facebook en peligro de extinción.

La película se basa en The Facebook Files, una serie de artículos que destaparon los efectos nocivos de la red social en los adolescentes. La historia sigue a Frances Haugen (Mikey Madison), joven ingeniera de Facebook, que fue la encargada de destapar el escándalo con la ayuda del reportero del Wall Street Journal, Jeff Horwitz (Jeremy Allen White).

4. ‘Su propio infierno’ (9 de octubre)

Regresa el director Nicolas Winding Refn, tan amado para algunos como odiado para otros. Lo hace con una película fiel a su propio estilo, una abstracción de lo más estilizada y esteticista iluminada con luces de neón y con una preciosa banda sonora del mítico Pino Donaggio.

Más formal que narrativa, la película está ambientada en una metrópolis futurista en la que anda suelto un asesino en serie, mientras una joven actriz se encuentra atrapada en un universo a medio camino entre la realidad y la ficción. En el reparto, Sophie Thatcher, Charles Melton, Diego Calva, Havana Rose Liu y Dougray Scott.

5. ‘La invitación.’ (16 de octubre)

Adaptación norteamericana de Sentimental, de Cesc Gay, a cargo de Olivia Wilde, que compone una deliciosa comedia a ritmo frenético en el que dos parejas que quedan una noche a cenar, destaparán sus sueños y miserias desatando toda una serie de situaciones inesperadas.

Un reparto en estado de gracia en el que brilla especialmente Penélope Cruz y en el que también encontramos a la propia Olivia Wilde, Seth Rogen y Edward Norton.

6. ‘Sentido y sensibilidad’ (23 de octubre)

Nueva adaptación del clásico de Jane Austen a cargo de Georgia Oakley (Blue Jean), protagonizada por Daisy Edgar-Jones, George Mackay, Esme Creed-Miles, Caitriona Balfe y Fiona Shaw.

Una vuelta de tuerca de carácter más contemporáneo a las desventuras de las hermanas Dashwood, desde una óptica más naturalista y romántica.

7. ‘Clayface’ (23 de octubre)

James Watkins (Eden Lake, No hables con extraños), se pone al frente de esta película basada en un personaje de DC Cómics, una estrella de cine que, tras haber sido desfigurado, se somete a un experimento para recuperar su forma original con terribles consecuencias.

Con guion de Mike Flanagan, quien en principio se iba a hacer cargo del proyecto, se integra dentro de la nueva etapa de DC liderada por James Gunn junto a Superman, Supergirl y la serie Linternas. Promete escenas gore de terror corporal.

8. ‘Leviticus’ (30 de octubre)

El otro gran título de terror del año, además de Backrooms y Obsession, corresponde a la ópera prima de este joven australiano, Adrian Chiarella, que debuta con la historia de dos adolescentes perseguidos por una presencia sobrenatural que adopta la forma de la persona que más desean.

El horror y el romance queer se dan la mano en esta película que se ubica en una comunidad religiosa represiva donde la homosexualidad se considera un pecado y en la que se pondrán en práctica las terapias de conversión.

9. ‘Hope’ (30 de octubre)

El director coreano Na Hong-jin compone una película destinada a convertirse en un hit para los aficionados al género en la que se mezcla acción, thriller de supervivencia y la presencia de monstruosos alienígenas.

Una superproducción que estuvo a concurso en el pasado Festival de Cannes y que fue celebrada por la crítica gracias a su inventiva y su capacidad para reformular el género de aventuras. En el reparto, Hwang Jung-min, Jo In-sung, Michael Fassbender y Alicia Vikander.

10. ‘La oveja Shaun: Misión calabaza’ (30 de octubre)

Vuelve la célebre oveja Shaun en la tercera película de la franquicia de la factoría Aardman, esta vez ambientada en Halloween. En esta ocasión, el rebaño tendrá que enfrentarse a la destrucción del huerto de calabazas, a Shaun convertido en un científico loco y a una bestia salvaje que merodea la granja.

Una película repleta de gags visuales, de originalidad, encanto y elaborada a través de una compleja técnica artesanal que se estrenará, precisamente, para Halloween.

Aristóteles, una de las mentes más brillantes de la Antigua Grecia y pilar fundamental del pensamiento occidental, dedicó su vida a reflexionar sobre la naturaleza humana, la ética y la sociedad. Discípulo directo de Platón y maestro de Alejandro Magno, el pensador nacido en Estagira en el siglo IV a. C. buscó comprender cómo los ciudadanos podían alcanzar la plenitud dentro de la comunidad civil, sentando las bases metodológicas que definirían el conocimiento posterior.

De esa búsqueda nacería precisamente uno de sus tratados más importantes, la famosa Política de Aristóteles, donde analizó diferentes formas de gobierno y la estructura ideal de la polis griega. Para él, la comunidad política no era una mera asociación fortuita para sobrevivir, sino una institución orientada al bien común y a la virtud. Así, en defensa del orden social, examinó minuciosamente qué significaba ser ciudadano de una comunidad y cómo se distribuía el poder en esta.

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Dentro de la Política, Aristóteles planteó varias reflexiones que siguen siendo muy recordadas a día de hoy. Una de las más recordadas es la siguiente: “Se piensa que lo justo es lo igual, y así es; pero no para todos, sino para los iguales. Se piensa, por el contrario, que lo justo es lo desigual, y así es, pero no para todos, sino para los desiguales”. Una sentencia que cuestiona la noción simplista de que todo el mundo debe ser tratado del mismo modo sin considerar sus verdaderas diferencias.

El significado de las palabras de Aristóteles

La frase del filósofo griego se relaciona con su concepción de la justicia distributiva: tratar de manera idéntica a quienes se encuentran en situaciones desiguales genera una profunda injusticia. Se trata de un criterio muy presente en nuestra sociedad, ya que se aplica tanto en materia económica (los impuestos progresivos) como en materia social (pensemos en la educación inclusiva).

“Lo justo en este caso es lo proporcional, y lo injusto lo que va contra la proporción, de modo que uno resulta con más y otro con menos de lo que le corresponde”, escribía Aristóteles, que señalaba cómo, aparte de la justicia distributiva, existía también una justicia correctiva que sí buscaba la igualdad. “Cuando uno recibe un golpe y el otro lo da, o uno mata y el otro muere, el sufrimiento y la acción se reparten desigualmente, y el juez procura nivelarlos por medio del castigo, quitando de la ganancia del agresor”.

Eso sí, hay que fijarse bien en el contexto histórico que rodeaba a Aristóteles y señalar las severas limitaciones éticas de su época. Aristóteles excluía explícitamente de la ciudadanía plena a las mujeres, los extranjeros y los esclavos, al considerar que sus capacidades naturales diferían de las del varón libre. Por eso, aunque pensemos en lo acertado de sus pensamientos sobre la ciudadanía y el carácter político del ser humano, no podemos olvidar que restringía dicha condición solo a unos pocos.

Pensando en la justicia

La cuestión de lo que es justo y de lo que no lo es ha sido uno de los temas más tratados a lo largo de la historia de la filosofía. Tenemos a pensadores como Immanuel Kant, que reformuló la idea de igualdad al otorgar un valor intrínseco e igual a todo ser humano por el mero hecho de poseer razón. A diferencia, pues, del pragmatismo de Aristóteles, Kant expresaba esta idea en la formulación de uno de sus imperativos categóricos: “Obra de tal modo que uses a la humanidad siempre como un fin y nunca como un medio”.

Por su parte, y ya en el siglo XX, el filósofo estadounidense John Rawls volvería a reivindicar la importancia de la justicia al afirmar: “La justicia es la primera virtud de las instituciones sociales, como la verdad lo es de los sistemas de pensamiento”. Con estas palabras, remarcaba hasta qué punto la justicia debía ser un requisito indispensable y no negociable para cualquier sociedad y que, por lo tanto, una sociedad que no es justa no funciona correctamente.

El actor y director Ben Affleck ha reconocido recientemente haber utilizado inteligencia artificial en Animales, su próximo thriller para Netflix, pero ha evitado detallar en qué partes de la película la aplicó para no romper la ilusión de realidad que persigue el cine. El director considera que el resultado demuestra un empleo ético de esta tecnología porque se trata de una obra «muy humana».

Animales, el thriller de Netflix dirigido por Affleck, se estrenará el próximo 9 de octubre y contará con Gillian Anderson, Steven Yeun y Kerry Washington en el reparto.

Affleck ha expuesto su postura durante el evento Screentime 2026 de Bloomberg, en una conversación con el periodista Lucas Shaw. El actor y director ha vendido además su empresa de inteligencia artificial InterPositive a Netflix por cerca de 600 millones de dólares, una operación que le ha situado entre las voces más favorables a la adopción de esta tecnología en Hollywood.

Cómo ha usado Ben Affleck la inteligencia artificial

El director no ha precisado qué herramientas ni qué escenas de Animales recurrieron a inteligencia artificial. Ha explicado que revelar esos mecanismos tendría el mismo efecto que un mago que, antes de empezar su número, anunciase que esconde otro conejo o que alguien del público es su cómplice.

“He usado [inteligencia artificial] para muchas cosas en esa película. Me resisto un poco a señalar cuáles son, o siquiera a hablar de ello, porque en mi trabajo intentamos fomentar la ilusión de la realidad”, ha dicho Affleck. “Sí la usamos y, de hecho, me pareció un buen ejemplo de cómo utilizar la inteligencia artificial éticamente, porque es una película muy humana”.

El cineasta cree que el temor inicial a estas herramientas disminuye cuando los profesionales las prueban y adquieren “una sensación de control”. Para Affleck, la tecnología deja entonces de parecer una amenaza abstracta y desconocida asociada a la idea de que “va a matarnos a todos”.

Affleck sostiene que la inteligencia artificial es “otra forma de computación” y una mejora tecnológica coherente con la larga serie de avances que ha incorporado la industria del cine y la televisión. También descarta que permita a un director escribir una instrucción y obtener automáticamente una película que el público quiera ver.

Affleck niega que Netflix imponga explicar las tramas

Affleck ha rechazado la interpretación de unas declaraciones de Matt Damon sobre El botín, otra película vinculada a Netflix. Según el director, ambos acudieron al pódcast de Joe Rogan para explicar que su experiencia con la plataforma había sido “completamente contraria” a la frase de Damon que se difundió rápidamente.

La polémica nació a raíz de una intervención de Damon en The Joe Rogan Experience sobre el modelo habitual de las películas de acción. El actor explicó que suelen incluir tres grandes secuencias: una en cada acto, con el mayor despliegue y la mayor parte del presupuesto reservados para el final.

Damon añadió que Netflix preguntaba si podían situar una gran secuencia en los primeros cinco minutos para retener a la audiencia. También afirmó que la plataforma sugería repetir la trama tres o cuatro veces en los diálogos porque algunos espectadores ven las películas mientras usan el móvil. Affleck ha negado que Netflix formule indicaciones de ese tipo. “Netflix nunca haría eso”, ha afirmado.

El director ha reconocido que ha escuchado muchas indicaciones desacertadas de estudios, aunque ha subrayado que ese problema existía antes de Netflix. “Es un negocio con una larga historia de ejecutivos que te dicen que hagas exactamente lo equivocado, lo que va a arruinar tu película”, ha sostenido.

En una de las entrevistas de promoción de la serie, en el Show de Jimmy Fallon, la intérprete reveló algo sorprendente que no sabíamos con respecto a su breve, pero jugosa, participación en Spider-Man: Brand New Day. “Todo eso sucedió gracias a Tom Holland”, dijo, refiriéndose a que fue el actor el que sugirió que su personaje de Yelena Belova apareciera en la película y que tuviera una parte significativa propia.

La película se estrenó en salas el 31 de julio y recaudó, según los datos de taquilla oficiales, 2,49 mil millones de dólares en taquilla, cifra que la convirtió en la tercera cinta más taquillera de todos los tiempos. Solo quedó por detrás de Avatar, de 2009, con 2,92 mil millones, y Vengadores: Endgame, de 2019, con 2,88 mil millones. Sin duda, el mayor acontecimiento en cuanto a repercusión de espectadores a nivel global de todo el año.

Florence Pugh y su relación con Marvel

La actriz explicó que, cuando comenzó su relación con Marvel y se estrenó Viuda negra, su personaje todavía no tenía la misma popularidad que otros superhéroes, ya que la película estaba protagonizada por Scarlett Johansson; durante la alfombra roja de una película anterior de Holland vinculada al universo Spider-Man, alguien le preguntó con quién quería trabajar en la siguiente cinta y él respondió: “En realidad quiero hacerlo con Florence Pugh, que interpreta a Yelena”.

Pugh encarnó por primera vez a Yelena en Viuda negra, estrenada en 2021, y retomó el papel en Thunderbolts en 2025. Dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, el personaje es una asesina y sucesora del título de Black Widow. “¡Bien hecho, Spidey!”, dijo la actriz en sus redes sociales sobre la recaudación de la película, tras conseguir el hito en taquilla.

Próximos proyectos de la actriz

Además de la miniserie Al este del Edén, volveremos a ver a Florence Pugh como la princesa Irulan en Dune. Parte III, dirigida por Denis Villeneuve y cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre. Ese mismo día también regresará como Yelena en Vengadores: Doomsday, dirigida por Anthony y Joe Russo.

Entre sus próximos proyectos se encuentra la adaptación de La biblioteca de la medianoche, basada en el bestseller de Matt Haig, una producción francesa que dirigiría Garth Davis, responsable de títulos como Lion. También la encontraremos en el reparto de 42.6 Years, junto a Annette Benning.

Lo que está claro que gracias a su participación en Spider-Man: Brand New Day, su personaje de Yelena ha adquirido más peso en el universo Marvel, sobre todo por una serie de escenas con un gran contenido cómico vinculado al Spider-Man de Tom Holland. Quedaría en suspenso, eso sí, cuál será su protagonismo en una película con un casting tan desorbitado como el de Vengadores: Doomsday, y si su papel será utilizado en otros ‘crossovers’ de la franquicia de Marvel, ya sea en series o en películas.

Ahora, se han dado algunas pistas sobre su futuro en la carrera de galardones. Focus Features ha inscrito Obsession en la categoría de musical o comedia de los Globos de Oro, una decisión que puede mejorar las opciones de la película de Curry Barker y de su protagonista Inde Navarrette frente a una competencia dramática prevista como más concurrida. Según The Hollywood Reporter, en un reportaje que ha hecho a modo de análisis sobre el tema, la distribuidora y las demás partes implicadas han optado por esta vía, pese a que el filme combina una mezcla entre terror y humor negro.

La candidatura de Obsession como comedia o musical la sitúa en la carrera por el Globo a mejor película frente a Wild Horse Nine, La invitación, Club Kid, El Debut y Michael. El filme, un proyecto de tan solo 750.000 dólares, ha recaudado más de 500 millones de dólares en todo el mundo, lo que la ha situado en el punto de mira.

La historia retrata el caos y la violencia que se desatan cuando un joven consigue que una mujer le quiera “más que nadie en el puto mundo”... y lo consigue con consecuencias de lo más inesperadas. Muchos expertos esperaban que Focus Features impulsara la película en drama por ese planteamiento, aunque las personas vinculadas a la producción sostienen que funciona como una comedia.

El argumento para esa clasificación se apoya en la reacción del público ante las expresiones, los comentarios y los comportamientos más extremos de Inde Navarrette, la protagonista, como la versión creada por el deseo de Nikki Freeman. Varias de esas escenas se han convertido en memes, en una película que ha elevado a la actriz a la primera línea de Hollywood.

Por qué ‘Obsession’ compite como comedia

The Hollywood Reporter señala que los votantes de los Globos de Oro han dado a entender que consideran la película una comedia. Las fuentes consultadas por la publicación invocan además varios precedentes de títulos que desdibujaban las fronteras de género y fueron admitidos en las categorías de musical o comedia.

Entre ellos figuran Déjame salir, Almas en pena de Inisherin, El triángulo de la tristeza, Pobres criaturas, La sustancia y Bugonia. Todas lograron una nominación al Globo a mejor película en musical o comedia; Almas en pena de Inisherin y Pobres criaturas ganaron ese galardón, y las seis acabaron nominadas al Oscar a mejor película.

La elección puede suscitar recelos, como ocurrió con anteriores candidaturas de difícil encaje en esos apartados, entre ellas la de Marte (The Martian). Una subdivisión de la organización de los Globos de Oro puede aprobar o rechazar la categoría propuesta, aunque suele deferir a la decisión de las distribuidoras.

El campo de drama se perfila con competidores como La Odisea, La bola negra, Proyecto salvación, Fjord, De repente, Yo soy Rocky, Elsinore, Tender Loving Care, Paper Tiger y Dune: Parte III. La inscripción de Obsession fuera de ese grupo evita una confrontación directa con esa lista en la categoría principal.

Julianne Moore Vs. Inde Navarrette

La división por géneros también puede facilitar el camino de Navarrette hacia una nominación como mejor actriz, ya que buena parte de las aspirantes destacadas competirán en drama. En ese apartado se espera a Virginie Efira por De repente, Renate Reinsve por Fjord, Carrie Coon por The Liberation, Emily Blunt por El día de la revelación y Rosalind Eleazar por Misty Green.

La relación de candidatas previstas en drama incluye igualmente a Léa Seydoux por Un monstruo amable, Marion Bailey por Tender Loving Care, Helen Mirren por Talento para matar, Penélope Cruz por Bunker y Sandra Hüller por Rose y Fatherland. La principal dificultad de Navarrette en musical o comedia (que está haciendo una campaña previa asombrosa a los Globos de Oro) sería Julianne Moore, candidata por El Debut y considerada la aspirante más fuerte a la estatuilla de interpretación femenina. The Hollywood Reporter añade que, al margen del resultado de las categorías divididas por género, Obsession competirá con fuerza por el Globo al logro de taquilla, un premio abierto a todas las películas.

Netflix y Filmin han sellado un acuerdo de colaboración que transformará la oferta cinematográfica disponible para los usuarios de la plataforma de streaming en España. La alianza permitirá incorporar, de forma mensual, una selección de películas de ficción y documentales elegidos por el comité editorial de Filmin, reconocida por su enfoque en el cine de autor, independiente y de culto.El acuerdo representa una maniobra inédita dentro del panorama del streaming español. A partir de ahora, el catálogo de Netflix integrará un espacio dedicado donde, cada primer día del mes, se sumará un paquete de 10 títulos bajo licencia de Filmin, con permanencia de dos meses antes de dar paso al siguiente ciclo temático.

La iniciativa debuta con la colección temática Octubre de misterio, pensada para coincidir con la temporada de Halloween. Este primer paquete marca el inicio de un modelo que se repetirá cada mes con una nueva selección de 10 películas. Las futuras colecciones se adaptarán a momentos del calendario cultural. El documento del acuerdo menciona como ejemplos la temporada de premios de la Academia de Cine o distintos festivales de renombre. Este esquema reproduce, dentro de Netflix, la lógica que Filmin aplica habitualmente en su propia plataforma, donde organiza su oferta en torno a ciclos temáticos renovables. La diferencia es que ahora esa curaduría llegará a un público mucho mayor. Entre ellos se encuentran títulos como El último late night, Good Boy o Los sudarios, la última película del director David Cronenberg.

El modelo rotativo busca ofrecer una experiencia actualizada de forma constante. Cada ciclo de dos meses da tiempo a los usuarios para descubrir los títulos antes de que sean reemplazados por la siguiente tanda temática. Desde la dirección de Netflix, Diego Ávalos, vicepresidente de contenidos para España, Portugal y Turquía, destacó el valor complementario de la alianza. Según Ávalos, mientras que Filmin construyó una comunidad fiel en torno al cine especializado, Netflix aporta la escala necesaria para llevar estas propuestas al gran público. Por su parte, Juan Carlos Tous, CEO y cofundador de Filmin, calificó la colaboración como “un respaldo histórico” a los casi veinte años de trayectoria de la plataforma española. Tous remarcó que el proyecto refuerza la misión principal de Filmin: conectar el cine de calidad con el mayor número de espectadores posible. Ambos directivos coincidieron en presentar el acuerdo como una combinación de fortalezas distintas. Netflix pone a disposición su infraestructura y su base global de suscriptores; Filmin aporta el criterio editorial y el prestigio acumulado en el circuito independiente.

Qué gana cada plataforma con la alianza

El acuerdo ofrece una segunda vida a producciones aclamadas que, hasta ahora, contaban con una difusión más acotada. Al integrarse en el ecosistema de Netflix, estas películas acceden a una base de usuarios significativamente más amplia que la de Filmin por sí sola. Para Netflix, la colaboración diversifica su catálogo sin perder el sello de prescripción que distingue a Filmin dentro del cine especializado. La plataforma suma así un espacio reconocible para el público interesado en propuestas alejadas del circuito comercial masivo.

¿En qué consiste exactamente el acuerdo entre Netflix y Filmin? La colaboración incorpora cada mes 10 películas de ficción y documentales elegidos por el equipo editorial de Filmin al catálogo de Netflix, con permanencia de dos meses por colección. El estreno es la temática Octubre de misterio, coincidiendo con Halloween, y los próximos ciclos se ajustarán a hitos del calendario cultural como festivales o premios. Para Filmin, el beneficio principal radica en la visibilidad. La plataforma española, especializada en cine de autor, gana acceso a la escala de distribución de uno de los mayores operadores de streaming a nivel mundial.

En conclusión, se trata de una gran noticia para los usuarios de cada plataforma, aunque los que tuvieran ambas ya podían disfrutar en gran medida de ello. A Netflix siempre se le ha demandado un catálogo de mayor calidad y variedad en cuanto a cine se refiere mientras que Filmin obtendrá un merecido reconocimiento a nivel popular. Quien sabe, quizá esta sinergia invite precisamente a que muchos suscriptores de Netflix descubran su próxima película favorita y terminen entrando en el amplio y maravilloso universo cinéfilo que llevan años proponiendo desde Filmin.

Christopher Abbott, el actor confirmado como Profesor X en el reboot de X-Men de Marvel, reconoció que la revelación de su fichaje en el evento D23 no generó la reacción que esperaba entre los asistentes. El intérprete, conocido por su trabajo en Girls o la reciente Al este del edén, admitió en una entrevista con New York Magazine que buena parte del público presente no lo reconoció al momento de salir al escenario. Abbott describió el momento como una experiencia contradictoria: comenzó con entusiasmo, pero el silencio del público lo hizo bajar el tono de inmediato. El actor contó que salió “bastante entusiasmado” y que incluso estuvo a punto de celebrar con un gesto de puño, pero el aplauso tibio lo llevó a optar por un simple saludo con la cabeza en su lugar.

Durante la presentación de Disney Entertainment Showcase en D23: The Ultimate Disney Fan Event, realizada el 14 de agosto de 2026 en Anaheim, California, Abbott fue presentado junto al resto del elenco del nuevo X-Men. Según su propio relato, la falta de reconocimiento inmediato por parte de los fanáticos cambió su actitud en cuestión de segundos. “Creo que empecé a salir con bastante entusiasmo, y luego sentí que mucha gente ahí no sabía quién era yo, así que mi energía cambió en una fracción de segundo”, explicó Abbott. El actor agregó que se volvió “un poco más humilde” respecto a la situación tras percibir esa reacción del público.

Christopher Abbott fue anunciado como el nuevo Profesor X durante D23 2026 y admitió públicamente que la escasa reacción de los fanáticos ante su presentación lo tomó por sorpresa. El actor relató que gran parte del público no lo identificaba, lo que lo llevó a moderar su entusiasmo inicial frente al escenario. “Casi hago un gesto de puño cuando salí, y luego sentí que el aplauso fue silenciado”, continuó el actor. “Así que pensé: voy a salir y simplemente asentir con la cabeza. Se siente casi como un videojuego, o un sueño. No como un buen sueño. Es un poco de ambas cosas: un poco de sueño y pesadilla”.

El elenco confirmado para el reboot

Abbott fue revelado como Profesor X junto a otros nombres que se sumaron al proyecto en el mismo evento. Entre ellos figuran Inde Navarrette en el papel de Rogue, Maya Boyd como Storm y Adam Driver, compañero de Abbott en Girls, como el villano Mr. Sinister. A esos anuncios se suman confirmaciones previas de elenco: Sadie Sink como Jean Grey, Kit Connor como Cyclops y Samara Weaving como Emma Frost. El conjunto conforma el núcleo central de personajes para la nueva versión del equipo mutante dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). El nuevo filme de X-Men tiene fecha de estreno en mayo de 2028 y representa el primer reboot del equipo mutante desde Dark Phoenix, la película de 2019 producida por Fox.

Aquella entrega contó con un elenco que incluyó a James McAvoy como Profesor X, Michael Fassbender como Magneto, Jennifer Lawrence como Mystique, Nicholas Hoult como Beast, Sophie Turner como Jean Grey, Tye Sheridan como Cyclops, Alexandra Shipp como Storm, Evan Peters como Quicksilver y Kodi Smit-McPhee como Nightcrawler. La nueva producción marca así un cambio generacional en los actores que encarnan a los personajes centrales de la saga mutante, ahora bajo la órbita de Marvel Studios. Antes de asumir el que describió como su papel más comercial hasta la fecha dentro del MCU, Abbott se prepara para el estreno de la miniserie de Netflix East of Eden. La producción, en la que comparte elenco con Florence Pugh y Mike Faist, tiene previsto su estreno el jueves. El proyecto llega como antesala a su incorporación formal al universo de X-Men, donde dará vida a uno de los personajes más reconocidos de la franquicia mutante.

Pocos escritores de fantasía contemporáneos han alcanzado el impacto de George R. R. Martin (Bayonne, Nueva Jersey, 1948). Autor de la saga Canción de hielo y fuego, el estadounidense creó el universo literario que posteriormente serviría de base para una de las series más reconocidas de los últimos tiempos: Juego de tronos. Sin embargo, entre guerras, traiciones, dragones y disputas dinásticas, sus novelas también han dejado reflexiones sobre la identidad, el miedo o la forma de enfrentarse a aquello que los demás pueden utilizar contra uno.

Una de las más conocidas aparece precisamente en Juego de tronos, primera novela de la saga y publicada originalmente en agosto de 1996. La trama sigue las luchas políticas y familiares en el continente de Poniente, un lugar donde las estaciones del año duran décadas y el inminente invierno amenaza los Siete Reinos. Martin pone entonces en boca de Tyrion Lannister, mimentro de la Casa Lannister que sufre de enanismo, un consejo dirigido a Jon Nieve, quien ha crecido marcado por ser el hijo bastardo de Eddard Stark: “Nunca olvides qué eres, porque, desde luego, el mundo no lo va a olvidar. Conviértelo en tu mejor arma, así nunca será tu punto débil. Úsalo como armadura y nadie podrá utilizarlo para herirte”, le dice, para en otro momento de la conversación añadir: “Recuerda bien lo que te digo, chico. Todos los enanos pueden ser bastardos, pero no todos los bastardos son necesariamente enanos”.

El origen del consejo

El libro publicado en 1996 terminó siendo el punto de partida de la obra que transformó la carrera de Martin. Canción de hielo y fuego continuó con Choque de reyes (1998), Tormenta de espadas (2000), Festín de cuervos (2005) y Danza de dragones (2011). La saga dio después el salto a la televisión de la mano de HBO, que estrenó Juego de tronos en 2011 y mantuvo la serie en emisión durante ocho temporadas, hasta 2019.

Esta misma saga ha cumplido este 2026 30 años de su publicación. Convertida en uno de los fenómenos culturales más importantes del siglo, ha vendido más de 100 millones de ejemplares en todo el mundo. Pese a ello, los seguidores del escritor llevan 15 años esperando la publicación de la siguiente entrega, Vientos de invierno, sexta y penúltima novela prevista de la serie. El libro continúa sin fecha de publicación.

El aniversario tampoco llegó en el momento más fácil para su autor. El pasado agosto, después de varios meses sin publicar personalmente en su blog, Martin reconoció que 2026 estaba resultando “estresante” y que se había sentido desbordado por lo ocurrido durante el año. El autor confesó que ha pasado un año “luchando contra la tristeza y la depresión”. “Este año ha sido... estresante, por decirlo suavemente. Han pasado tantas cosas que ha sido abrumador. Algunas cosas maravillosas, emocionantes. Sueños cumplidos. Pero también ha habido pesadillas. He perdido amigos”, explicaba, añadiendo que “lo peor está por venir”. “Cumplí setenta y siete años el pasado septiembre, y les digo, envejecer no es nada divertido”.

El universo de Martin, en cualquier caso, continúa creciendo más allá de esta saga. En televisión, El caballero de los Siete Reinos se estrenó este pasado mes de enero, con una segunda temporada ya confirmada, adaptando The Sworn Sword, la segunda novela corta protagonizada por Dunk y Egg”. A ello se suma Game of Thrones: The Mad King, una obra teatral ambientada antes de los acontecimientos de las novelas y centrada en el torneo de Harrenhal, que se estrenó este verano en Stratford-upon-Avon y que, según anunció Martin el 3 de septiembre de 2026, se trasladará próximamente a Londres. Además, Fuego y sangre, la historia de la dinastía Targaryen que sirvió de base para La casa del dragón, sigue planteada como la primera parte de una obra concebida en dos volúmenes, aunque la segunda entrega continúa sin fecha oficial de publicación.

Madrid concentra durante los próximos meses una serie de exposiciones que revisan momentos clave de la fotografía y el arte del siglo XX, desde la experimentación formal hasta la crítica social. La galería MARC BIBILONI presenta A Matter of Taste, un recorrido por la obra de Martin Parr y su mirada irónica sobre el consumo y la vida cotidiana. Fundación MAPFRE ahonda en los orígenes del Art Brut con La otra orilla de la vanguardia, que revisita la Colección Prinzhorn y su influencia en las vanguardias del siglo XX. El Museo Thyssen-Bornemisza suma a su programación una muestra de Kenny Scharf, referente del East Village neoyorquino y del llamado “surrealismo pop”.

A estas propuestas se agrega, en Espacio Fundación Telefónica, Robert Frank & Los Americanos, que reúne la serie completa con la que el fotógrafo retrató las contradicciones de Estados Unidos en los años cincuenta, en el marco de PHotoESPAÑA. Por último, una nueva exposición ofrece la primera gran retrospectiva europea dedicada a Minor White, figura esencial de la fotografía estadounidense y fundador de la revista Aperture. Cinco exposiciones que, desde distintos enfoques, invitan a repensar el rol de la imagen como documento social, espiritual y cultural.

Minor White

Figura de enorme influencia en la fotografía estadounidense del siglo XX, Minor White (Minneapolis, 1908-Boston, 1976) desplegó su concepto de la fotografía a través de una obra personal, pero también desde la docencia, la actividad editorial y museística. Fundador y editor de la revista Aperture, fue profesor en algunos de los centros más relevantes de la escena norteamericana, como la California School of Fine Arts, el Rochester Institute of Technology y el Massachusetts Institute of Technology (MIT). A través de estos espacios, White buscó presentar la imagen fotográfica como territorio de autoconocimiento y transformación espiritual.

La exposición conmemora el cincuenta aniversario de su fallecimiento y constituye la primera gran muestra de su obra en Europa. Reúne sus temas más representativos —la fotografía de naturaleza, el retrato y el desnudo masculino— con especial atención a su trabajo con secuencias, un formato que el propio White definía como “cine de imágenes fijas” y que consideraba esencial para la construcción de significado en sus imágenes. Algunas de estas piezas se exhiben por primera vez en Europa. Una selección de documentos —hojas de contacto, libros y revistas— completa la muestra y permite reconstruir una visión integral de White como autor, editor y comisario.

Robert Frank & los americanos

Espacio Fundación Telefónica presenta Robert Frank & Los Americanos, una exposición que reúne la serie completa de Los Americanos, el proyecto con el que el fotógrafo retrató las desigualdades, el consumismo y las tensiones sociales de Estados Unidos a mediados de los años cincuenta. Publicadas en 1958 en un libro homónimo, estas imágenes hoy icónicas impactaron en su momento por su honestidad y su capacidad de mostrar aquello que muchos preferían ignorar.

Pionero en la renovación de la fotografía como lenguaje artístico, Frank cambió la manera de mirar el mundo a través de una cámara. La muestra, comisariada por David Campany y con apoyo de la Maison Européenne de la Photographie de París, se presenta en el marco de la XXIX edición de PHotoESPAÑA como una oportunidad para redescubrir uno de los proyectos fotográficos más influyentes del siglo XX. Las imágenes fueron realizadas durante un viaje de Frank por Estados Unidos, a lo largo del cual su optimismo inicial se fue desvaneciendo al conocer de primera mano las desigualdades y tensiones sociales del país. Junto al conjunto prestado por la Maison Européenne de la Photographie, se exhiben copias del International Center of Photography de Nueva York y de colecciones privadas.

Kenny Scharf

Dentro del programa dedicado a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una exposición de Kenny Scharf (Los Ángeles, 1958), miembro destacado del movimiento del East Village de Nueva York en la década de 1980 y pionero del arte urbano contemporáneo, junto a Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y su mentor, Andy Warhol. En su obra aparecen referencias constantes a la cultura popular y al surrealismo, combinadas con figuras antropomórficas fantásticas. Sus composiciones extáticas y una paleta de color deslumbrante generan una experiencia inmersiva, íntima y novedosa a la vez.

Scharf trabaja en pintura, escultura, instalaciones, murales, performance y moda, con un compromiso hacia formas de arte dinámicas que cuestionan las jerarquías artísticas establecidas, en sintonía con la filosofía pop. Su relevancia, sin embargo, trasciende ese movimiento: él mismo acuñó el término “surrealismo pop” para describir su estilo. Su participación en la Bienal Whitney de 1985 marcó el inicio de una proyección internacional que continúa en la actualidad, con obra presente en colecciones de museos de Estados Unidos, Brasil, Alemania, Países Bajos y Japón, entre otros.

La otra orilla de la vanguardia

Fundación Mapfre presenta La otra orilla de la vanguardia, una exposición que recorre la historia de la Colección Prinzhorn. A comienzos del siglo XX, el psiquiatra e historiador del arte Hans Prinzhorn reunió en la Clínica Psiquiátrica de la Universidad de Heidelberg obras realizadas por pacientes de instituciones mentales: dibujos, pinturas, esculturas y tejidos que hasta entonces se consideraban solo material médico. Su libro Expresiones de la locura (1922) difundió internacionalmente estas creaciones y tuvo fuerte repercusión entre expresionistas, dadaístas y surrealistas, que reconocieron en ellas una libertad formal y una intensidad expresiva ajenas a las normas académicas.

En la década de 1930, el régimen nazi manipuló esa asociación para desacreditar el arte moderno bajo la etiqueta de Entartete Kunst (Arte degenerado). Tras la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet retomó el legado de Prinzhorn y acuñó el concepto de Art Brut, en defensa de las obras producidas al margen de los circuitos artísticos oficiales. La muestra propone un diálogo entre piezas de la Colección Prinzhorn y obras de referentes de la modernidad, y plantea una reflexión sobre los criterios de inclusión y exclusión en la historia del arte oficial.

Martin Parr: A matter of taste

La galería Marc Bibiloni presenta A Matter of Taste, una exposición dedicada a Martin Parr, referente de la fotografía documental contemporánea, en colaboración con la Martin Parr Foundation de Bristol. La muestra abrió el 11 de septiembre y podrá visitarse hasta el 31 de octubre, en coincidencia con Apertura Madrid Gallery Weekend.

El recorrido reúne imágenes de más de cinco décadas de trabajo del fotógrafo británico, centradas en el consumo, el ocio y la vida cotidiana. Incluye piezas de sus series emblemáticas The Last Resort (1983-1985), sobre el ocio popular en New Brighton, y Common Sense (1995-1999), que retrata con colores saturados y flash anular objetos y detalles del consumo masivo. Una segunda sala explora su vínculo con la moda, a través de colaboraciones con Vogue y Gucci.

La bola negra, el segundo largometraje de Javier Calvo y Javier Ambrossi, ha puesto en boca de todos la relación que Federico García Lorca mantuvo con Rafael Rodríguez Rapún, el futbolista, actor e ingeniero de minas que le robó el corazón al poeta. Pero no fue el único hombre que conquistó a Lorca. Antes que él, estuvo otra de las mentes más brillantes del siglo XX, un amor de sobra conocido: Salvador Dalí.

El genio surrealista llegó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1923. Allí conoció a Lorca, un joven poeta que había llegado a la capital cuatro años antes. El resto es historia: un tira y afloja artístico, personal y amoroso marcado por el exceso de talento. Entre medias también surgió un hueco para los celos: el cineasta aragonés Luis Buñuel, amigo cercano de Lorca en un principio, contempló con recelo la relación cada vez más estrecha que el pintor mantenía con el poeta.

Ese episodio terminó llegando también al cine. En 2008, el director Paul Morrison estrenó la coproducción hispano-británica Sin límites (Little Ashes), una película que desarrolló las relaciones entre los tres artistas entre los años 1922 y 1936, durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid y hasta semanas antes del estallido de la Guerra Civil española, cuando el poeta granadino fue fusilado.

Una película que puede recuperarse en Filmin

El español Javier Beltrán interpretó a Federico García Lorca, mientras que un todavía poco conocido Robert Pattinson —en 2005 empezó a ganar notoriedad al participar en Harry Potter y el cáliz de fuego (2005)— se metió en la piel de Salvador Dalí.

La película se aleja precisamente de la imagen más reconocible del pintor. Morrison presenta a un Dalí joven, seguro de su talento pero mucho menos de sí mismo, todavía tratando de encontrar su lugar dentro del hervidero cultural del Madrid de los años veinte.

La Residencia de Estudiantes sirve como punto de encuentro entre los tres protagonistas de esta historia. Allí coinciden Dalí, Lorca y Buñuel —interpretado por Matthew McNulty— y empieza a desarrollarse una relación en la que la admiración artística se mezcla con la atracción.

Sin límites no tuvo una gran acogida cuando llegó a los cines. La producción, que contó con un presupuesto inicial de dos millones de euros, pasó desapercibida tanto entre la crítica como en taquilla. Según datos del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), la cinta tuvo en España una recaudación total de 166.118 euros por parte de 28.368 espectadores. Eso teniendo en cuenta que en nuestro país la cinta llegó en mayo de 2009, cuando Pattinson ya se había convertido en un fenómeno internacional gracias a Crepúsculo.

Actualmente, la película goza de una puntuación de tres estrellas sobre cinco en Letterboxd, aunque no sale tan bien parada en Rotten Tomatoes: apenas alcanza un 25% de valoraciones positivas por parte de la crítica, frente al 49% del público. El consenso recogido por la plataforma señala que, pese a contar “con un reparto excelente, adolece de un tono irregular y un exceso de momentos involuntariamente ridículos”.

Entre quienes sí encontraron elementos interesantes estuvo Steven Rea, crítico de The Philadelphia Inquirer, que la definió como “una biografía valientemente sincera y etérea”. Más de quince años después, la película puede recuperarse en Filmin, donde queda como una curiosidad cinematográfica por partida doble.

“Se ve que todavía esa es palabra tabú en España, en ciertos medios, como si el confesarlo fuese un descrédito para el poeta”. Así hablaba Vicente Aleixandre sobre cómo en España, en los años 80, todavía había medios de comunicación que no se atrevían a hablar abiertamente de la homosexualidad de Lorca.

El Nobel de Literatura hablaba entonces con José Luis Cano en unas conversaciones que figuran recogidas en Los cuadernos de Velintonia (Fundación Municipal de Cultura José Luis Cano), y siguen resonando a día de hoy tras el estreno de La bola negra, una película que aborda directamente la orientación sexual del poeta y dramaturgo granadino.

Sobre ello también ha querido pronunciarse uno de los guionistas de la película, Alberto Conejero, quien además es autor de la obra de teatro La piedra oscura, la historia de Sebastián y Rafael que Javier Calvo y Javier Ambrossi adaptan en su película. “Medio siglo después del asesinato de Lorca, Vicente Aleixandre lamentaba el silencio en España sobre la homosexualidad del granadino”, escribía hace unos días en una publicación en X.

El robo de una identidad

Desde que se estrenó en cines La bola negra, Alberto Conejero se ha pronunciado en diferentes ocasiones sobre la homofobia que, durante mucho tiempo, hizo que no se hablara abiertamente sobre la homosexualidad de Lorca. No ha sido el único, ya que Javier Calvo y Javier Ambrossi también han abordado el tema en numerosas entrevistas. “A mí me robaron un referente cuando yo era pequeño y estudiaba a Lorca”, afirmaba el primero en una de las presentaciones de la película.

Del mismo modo, Alberto Conejero ha querido incidir en la idea de que en las escuelas y los institutos no se enseñaba que Lorca era un poeta homosexual, y ha señalado la homofobia que imperaba entonces en la sociedad española. Lo ha hecho, por ejemplo, compartiendo vídeos de entrevistas en televisión de la época, donde se trata esta orientación sexual como una “anomalía” a condenar. “Claro que nos robaron a Lorca: sus asesinos, sus censores y los que creen que su homosexualidad es vergonzante o irrelevante”.

A pesar de todas esas evidencias, son muchos los usuarios que han discutido con el escritor y guionista, tratando de negar la homofobia en España. Tras esto, Conejero ha sacado a colación una conversación mantenida con “un compañero de instituto” que se puso en contacto con él por redes sociales y con el que habló de cómo él mismo vivió su homosexualidad en aquella época.

En una captura compartida, se puede ver cómo el autor confiesa que “no fueron años fáciles” para él. La respuesta de ese compañero, lejos de reconocer todo lo sufrido por Conejero, se limita un “ya...”, y a un mensaje más bien genérico que habla de todo el “aprendizaje” que le ha llevado a “donde está hoy”. “Un breve tratado de la romantización del daño y de la imposibilidad de nombrar el mal causado, sí. Todavía nos tocará dar las gracias”, ha lamentado finalmente.

Alexia Putellas (Mollet del Vallès, Barcelona, 1994) no solo fue nombrada la mejor jugadora del mundo cuando en 2021 se convirtió en la primera futbolista española que gabó un Balón de Oro. Ese mismo año llevó a su ahora exequipo, el F.C. Barcelona femenino, a ganar la Liga, la Copa de la Reina y la Liga de Campeones. Al año siguiente volvió a conseguir el Balón de Oro y en 2023 ganó un Mundial junto a la selección española. Pocas jugadoras han revolucionado el mundo del fútbol como ella, dentro y fuera de España. Y ahora, su historia llegará también a la gran pantalla.

La directora valenciana Lucía Alemany (La inocencia, Élite, Pídeme lo que quieras) ya rueda una película de ficción inspirada en sus orígenes y primeros años antes de convertirse en futbolista del Barcelona. Porque Alexia tuvo desde niña una certeza: quería jugar al fútbol. Así, la trama seguirá a Putellas, una niña nacida en Mollet del Vallès que empieza a abrirse camino en un deporte que acabaría haciendo historia.

Protagonizada por Madicken Mauri-Sandaker como la futbolista en su adolescencia y Emma Masoliver en su etapa infantil, la cinta relatará su camino junto a sus padres. Mientras Jaume, interpretado por Roger Casamajor (La Mesías), será quien alimente su pasión por el fútbol, Eli. Marina Salas, su madre, tratará de protegerla ante un futuro incierto. La película avanzará hacia los años decisivos de su adolescencia, cuando Alexia tendrá que competir, alejarse de casa, afrontar pérdidas y empezar a tomar sus propias decisiones.

En cines en 2027

Escrita por Valentina Viso y Daniel González, la cinta se rueda actualmente en distintas localizaciones de Cataluña y Valencia y llegará a los cines españoles en 2027. “La historia de Alexia es inspiradora para toda una generación”, ha señalado la directora sobre una figura que, en palabras de la propia directora, “trasciende fronteras y se ha convertido en un icono internacional”.

Excapitana del Barcelona —la catalana dejó el equipo el pasado mayo—, Putellas vistió la camiseta azulgrana durante 14 años. Se marchó después de más de 500 partidos, 232 goles y 38 títulos, pero también después de haber crecido al mismo tiempo que lo hacía el propio fútbol femenino. Vivió desde dentro la profesionalización de la sección en 2015 y terminó convertida en el rostro de un Barça que pasó de buscar su sitio a dominar Europa. Con ella llegaron cuatro Champions, estadios con aforo completo y noches que hasta entonces parecían reservadas al fútbol masculino.

Antes de dar el salto a la ficción, la historia de Putellas ya despertó el interés del audiovisual. En 2022, Prime Video estrenó Alexia: Labor Omnia Vincit, una docuserie centrada en relatar la transformación de la futbolista en un icono global. La producción llegó a estar nominada en los Emmy Internacionales de 2023.

Arturo Pérez-Reverte ha iniciado el último trimestre de 2026 por todo lo alto. Tras el estreno de la serie que adapta una de sus últimas novelas, El problema final (disponible en Netflix desde el pasado 25 de septiembre), llegará ahora su nuevo libro, La hipótesis más peligrosa, con la historia de un padre y un hijo viajando en un velero por el Mediterráneo en una historia de aventuras notablemente distinta a lo que venía haciendo el escritor.

Sin embargo, el trabajo del autor de sagas tan míticas como El capitán Alatriste o Falcó, que cumplirá en noviembre 75 años, no se limita a los libros que él mismo escribe. En este sentido, acaba de publicarse una nueva edición de un libro de uno de los autores más importantes de la literatura española, Pío Baroja, que ha decidido apadrinar firmando el prólogo del mismo.

Se trata de la novela La dama errante (Zenda-Edhasa), obra clave de un autor que, pese a haber nacido en el siglo XIX y haber fallecido en 1956, “no se fue nunca”, según ha afirmado el propio Reverte en sus redes sociales. “Era injusto dejar esta joya olvidada”, ha comentado el autor en el mismo publicación en X, atribuyendo el mérito a la escritora, periodista y editora María José Solano Franco, “que se batió como una leona por el viejo don Pío”.

El retrato de una España rota y en plena transformación

La dama errante es la primera obra perteneciente a la trilogía de La raza de Pío Baroja, un compendio de novelas clave por abordar el ambiente político y social de la España de principios del siglo XX. Inspirada libremente en el atentado anarquista contra Alfonso XIII y Victoria Eugenia, la novela sigue la huida y las transformaciones de sus protagonistas tras un atentado terrorista. A partir de esta historia, Baroja plasma la crispación, el pesimismo generacional y la búsqueda de sentido de una sociedad convulsa y fragmentada.

La dama errante es, además, una obra de muy fácil lectura. Marcada por un estilo narrativo ágil, directo y de frases cortas, refleja a la perfección sus preocupaciones filosóficas habituales, situando a personajes abocados a la acción frente a un entorno hostil que les resulta incomprensible. Además, muestra la maestría del autor para tejer tramas itinerantes donde el viaje actúa como un fiel reflejo de la evolución interior de los propios personajes.

De este modo, la lectura de esta obra de poco más de 200 páginas puede ser una puerta de entrada ideal para conocer a uno de los grandes pilares de la narrativa española del siglo XX. Como miembro clave de la Generación del 98, Pío Baroja destacó por su mirada crítica hacia la sociedad española y su rechazo a las convenciones de la época, algo que influiría mucho en autores posteriores, tanto dentro como fuera de España. Su estilo rompió con la prosa más tradicional y dotó a las letras hispanas de una modernidad vitalista y conmovedora, marcada además por un realismo psicológico pocas veces visto en nuestra literatura.

No ha pasado ni una semana desde que se estrenó La bola negra, la película que este año representa a España en los Oscar y los principales medios estadounidenses vaticinan que será la principal rival de La Odisea en los premios de Hollywood, que Los Javis ya tienen un nuevo proyecto entre manos.

Javier Calvo y Javier Ambrossi producirán para HBO Max una nueva serie “inspirada libremente” en los crímenes de Tor, un pequeño pueblo de apenas 13 casas situado en el Pallars Sobirà, en los Pirineos de Lleida, que en 1995 se encontró con su tercer asesinato en 15 años. La disputa venía precedida por la montaña del pueblo, compartida desde 1896 por las familias de la zona. El proyecto se encuentra actualmente en fase de desarrollo, con Fran Araújo (Hierro, Rapa, La Mesías o Anatomía de un instante) y Eduard Sola (Casa en flames y Ravalear) al frente de la ficción. El casting, por ahora desconocido, contará con un “un elenco joven y prometedor”. Así lo ha anunciado en exclusiva el medio especializado Variety este miércoles.

“El misterio que rodea al monte Tor siempre nos ha intrigado, y creemos tener entre manos una historia con un enorme potencial poético y de entretenimiento”, han declarado Calvo y Ambrossi, según ha recogido el citado medio. “Queremos crear algo nunca visto: una serie donde la naturaleza, los paisajes y los espacios sean protagonistas por derecho propio, sin perder nunca la esencia de sus personajes a lo largo de las décadas, dentro de una narrativa adictiva”.

El caso fue popularizado por el periodista catalán Carles Porta, quien realizó el reportaje Tor, la muntanya maleïda para el programa 30 minuts de Televisió de Catalunya (TV3) en 1997; en 2005 publicó Tor. La montaña maldita, de la mano de Anagrama, y prosiguió en 2018 y 2023 con un podcast y una serie documental, respectivamente.

Así fueron los crímenes de Tor

La historia de Tor gira en torno a la pugna por unas 2.300 hectáreas de montaña que colindan con Andorra, un núcleo que hoy tiene 14 habitantes, pero que en 1896 formaban 13 familias. Aquel año, los vecinos de la aldea crearon la Sociedad de Condueños de la Montaña de Tor para regular la explotación de la montaña. Entre sus requisitos, estaba residir de forma permanente en el pueblo, ser cabeza de familia y tener casa abierta. Con el paso del tiempo, la despoblación y los distintos intereses económicos sobre la montaña fueron tensando cada vez más las relaciones entre los propietarios.

El verdadero punto de inflexión llegó en 1976, cuando varios promotores inmobiliarios se interesaron por losterrenos. Uno de ellos, Rubén Castañé, firmó con tres de los condueños —las familias Sansa, Cerdà y Pereta— un arrendamiento por 99 años y 200.000 pesetas con la intención de levantar una estación de esquí, hoteles, apartamentos y superficies comerciales. La operación, realizada sin contar con el resto, dividió al pueblo en dos.

La tensión terminó estallando el 3 de julio de 1980. Dos hombres vinculados al bando del promotor mataron a tiros a Miguel Aguilar, de 25 años, y Pedro Liñán, de 20, dos leñadores contratados por Jordi Riba, conocido como El Palanca. Ambos homicidas fueron condenados a prisión.

Tras aquellas dos muertes, el conflicto se trasladó durante años a los tribunales. En 1981, varios vecinos iniciaron un pleito para ser reconocidos como únicos miembros de la Sociedad de Condueños y, por tanto, propietarios de la montaña. La batalla judicial se prolongó durante más de una década, hasta que, en febrero de 1995, el Juzgado de Tremp otorgó la titularidad a Josep Montané, conocido como Sansa, al considerar que era el único que cumplía los requisitos exigidos por los estatutos. Seis meses después, el 19 de julio, fue asesinado en su casa. Su cadáver apareció con un cable alrededor del cuello y el crimen nunca llegó a resolverse.

Con solo cinco días en cartelera, La bola negra sigue siendo la película de la que todo el mundo habla en España: de ser el segundo mejor estreno del cine español en la última década (recaudó 4,67 millones de euros y reunió a más de 610.000 espectadores en su primer fin de semana) a conseguir el mejor martes de la historia en taquilla para una película española.

Por ese éxito, son muchos los detalles que han ido trascendiendo sobre cómo se hizo la película y sobre todo lo que en ella aparece. Entre ellos, los múltiples cameos que aparecen, que van desde la escritora Alana S. Portero a parte del entorno más íntimo de los Javis y el propio reparto.

En este sentido, uno de los nombres que más ha sorprendido ha sido el de Leo Encinas Cruz, el hijo mayor de Javier Bardem y Penélope Cruz, que figura en los créditos de la película, tal y como atestigua la base de datos de IMDb. Su intervención, con todo, es tan discreta que casi nadie del público la advirtió, y hasta ahora han trascendido muy pocos detalles sobre cuál es su papel en la producción.

Un debut que nadie detectó en el estreno

A pesar de su corta edad (nació en enero de 2011), lo cierto es que no es el primer trabajo de Leo Encinas Cruz en el mundo del cine: este mismo año prestó su voz a un personaje secundario de Toy Story 5, la última entrega de la saga animada de Disney, donde su madre también tenía un papel muy destacado.

Su paso por la película de los Javis, sin embargo, tiene un peso distinto. Su intervención es una figuración sin líneas de diálogo dentro de una escena coral, por lo que resulta prácticamente imposible identificarlo en el metraje sin conocer previamente el dato, comparte créditos con su madre y figura oficialmente en el elenco de la cinta.

Con todo, la familia ha guardado silencio sobre este debut. Ni Bardem ni Cruz se han referido públicamente a la participación de su hijo, y el adolescente no ha aparecido en ninguna alfombra roja ni acto de promoción de la película, ni siquiera en el estreno. Esto puede deberse, entre otras razones, a la protección del rostro de sus dos hijos que la pareja más famosa del cine español siempre ha ejercido.

Nunca ha posado con sus hijos en un estreno ni en ningún acto público, y son contadas las ocasiones en que se ha referido a ellos en entrevistas. Incluso han mantenido litigios judiciales con aquellos medios que han publicado el rostro de Leo y Luna y, según han explicado en algunas entrevistas, no les permiten tener redes sociales hasta que cumplan 16 años.

Los cameos que sí ha reconocido el público

La bola negra, seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2027, contiene otras muchas apariciones tan breves como estelares. De la hermana de Miguel Bernardeau hasta la madre de Guitarricadelafuente (interpretando, por cierto, a la madre de Sebastián, el personaje interpretado por su hijo), pasando por Custodio Pastor, mánager de los Javis, la cantante Judeline o el diseñador Palomo Spain.

Entre todos esos cameos destaca también el de Teo Lucadamo, hijo de Aitana Sánchez-Gijón, quien interpreta a un soldado llamado Frasquito. “Nació en Barruelo de Santullán y, como a todos estos chavales, la guerra le quitó todo lo bonito de la juventud”, cuenta el joven en una publicación de su cuenta de Instagram, donde también ha compartido imágenes del rodaje caracterizado como militar. “Gracias, Javis, por darme esta oportunidad junto a mis compañeros de #elpelotón y felicidades por la maravilla de película que habéis hecho”.

Pamplona acogerá la gala de los premios Goya de 2027 el 6 de febrero, una cita con la que la Academia de Cine extenderá sus actividades por distintas localidades navarras y reforzará su estrategia de llevar los galardones fuera de Madrid. El presidente de la institución, Fernando Méndez-Leite, ha anunciado la sede junto a la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite.

El Navarra Arena será el recinto de la gala, después de que la Junta Directiva de la Academia de Cine haya designado a Pamplona como sede oficial. La ceremonia reconocerá las interpretaciones principales y de reparto, además de las especialidades técnicas y creativas del cine español.

La capital navarra se incorpora a la lista de ciudades que han acogido unos premios convertidos en itinerantes durante los últimos años. La 40 edición, correspondiente a 2026, había tenido lugar en Barcelona, mientras que Granada, Valladolid, Sevilla, Valencia y Málaga también han sido sedes de la ceremonia.

Méndez-Leite ha subrayado el salto geográfico de los Goya: “Nos vamos al norte. Hasta ahora no habíamos pasado de Valladolid, pero ahora nos vamos hasta Pamplona”. El presidente ha recordado también la presencia de decenas de cineastas e intérpretes navarros y la actividad de rodajes españoles e internacionales en Navarra.

Cuándo se conocerán los nominados a los Goya 2027

La Academia de Cine anunciará los nominados el 15 de diciembre. La bola negra, de Los Javis, parte como principal favorita en una edición en la que competirá con El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen.

Los días previos a la gala, la Academia organizará actividades en diferentes localidades de la comunidad. Méndez-Leite ha presentado ese programa como parte de la descentralización de la institución: “Estamos descentralizando la actividad de la Academia en otros puntos del país que tienen tanto derecho como Madrid de tener la Academia en su pueblo”.

Chivite ha vinculado la celebración con la cohesión territorial y el acceso a la cultura. “Llevar a otros lugares de España los premios Goya es una una forma de cohesionar el país”, ha afirmado la presidenta, que ha señalado que Navarra lleva dos décadas como la ciudad con mejor calidad de vida de España y ha añadido: “El cine es más que entretenimiento, ensancha nuestra imaginación”.

Como comentábamos, será una edición en la que La bola negra partiría como favorita después de convertirse en un autentico acontecimiento, pero también hay muchas películas que podrían convertirse en la gran sorpresa de la noche. Además de El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y de Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, también ha tenido muy buena aceptación en el Festival de San Sebastián 5 minutos de más, de Javier Ruiz Caldera, por la que Javier Cámara ha conseguido la Concha de Oro al mejor intérprete de reparto. Además, un puñado de grandes óperas primas que se disputarán uno de los galardones en los que suele haber más competencia y en el que encontramos películas como Esta soledad, de Javier Giner o Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

El Principito tendrá una nueva adaptación al cine, esta vez en formato live-action, con Morten Tyldum como director y Simon Beaufoy a cargo del guion. El proyecto se desarrolla junto a Le Petit Prince Groupe, la organización que administra el patrimonio del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, autor de la obra original publicada en 1943. La película busca combinar dos historias en un mismo relato: la vida real de Saint-Exupéry como piloto pionero y escritor, y el universo fantástico del Principito. Según trascendió, la parte histórica se filmará en live-action, mientras que el personaje del Principito se creará mediante efectos visuales.

Tyldum, conocido por dirigir The Imitation Game, fue elegido para ponerse al frente de esta adaptación de gran escala, calificada como un proyecto de aventura familiar. El guion está a cargo de Beaufoy, guionista ganador del premio Óscar por Slumdog Millionaire y responsable también de los libretos de Full Monty y Los juegos del hambre: en llamas. La nueva versión de El Principito llevará a la pantalla grande la vida de Saint-Exupéry combinada con la fantasía del libro, en un proyecto que fusiona el drama biográfico con la aventura visual. La producción retomará, además, elementos de la adaptación gráfica que el historietista francés Joann Sfar realizó de la obra hace 15 años. Esa novela gráfica, desarrollada junto a la familia Saint-Exupéry, exploró el vínculo entre el Principito y el Aviador, un eje que la nueva película también buscará retratar. Sfar participó en el desarrollo del concepto de este filme.

Tyldum describió el proyecto como una historia de gran escala emocional. “Es una historia sobre el amor, el duelo y la pérdida. Se trata de la esperanza, de seguir los deseos del corazón y de ver la vida como una gran aventura”, afirmó el director. Beaufoy, por su parte, señaló el desafío que representa adaptar un texto de esta magnitud. “El Principito es el texto más extraordinario porque nunca pasa de moda. Le habla al niño que hay en cada ser humano”, expresó el guionista, quien agregó que llevar la obra a un formato cinematográfico más amplio constituye una responsabilidad estimulante. Sfar, en tanto, vinculó el nuevo proyecto con su trabajo previo junto a la familia del autor. “Estoy agradecido por la confianza depositada en mí por la familia Saint-Exupéry, junto a quienes creé el cómic de El Principito hace 15 años, para desarrollar el concepto de esta película única”, dijo el historietista, quien remarcó su conformidad con el equipo elegido para dirigir y escribir el filme.

Un proyecto de años

El proyecto es impulsado por Aton Soumache, productor francés detrás de la película animada de El Principito dirigida por Mark Osborne en 2015, que tuvo su estreno mundial en Cannes y recaudó cerca de 100 millones de dólares en todo el mundo. Esa versión ganó el César a mejor película animada y el premio BAFTA infantil a mejor largometraje. Soumache también está detrás de la franquicia Miraculous. Soumache describió el nuevo filme como una celebración de la obra. “Este filme no es simplemente una adaptación, sino una celebración de El Principito, de su historia atemporal y su espíritu perdurable”, sostuvo el productor. La película se produce junto a Paul Trijbits, a través de la compañía Magical Society, con oficina en Londres. Trijbits fue productor ejecutivo de la serie familiar de Netflix La carta para el rey y de la película de Disney Saving Mr. Banks, además de haber participado en filmes como Bloody Sunday de Paul Greengrass, Fish Tank de Andrea Arnold y Jane Eyre de Cary Fukunaga.

El Principito vendió más de 200 millones de copias en todo el mundo y fue traducido a cerca de 600 idiomas y dialectos desde su primera publicación en 1943. Sophie Kopaczynski, directora ejecutiva de Le Petit Prince Groupe, señaló que el objetivo del proyecto es honrar el legado de Saint-Exupéry y, a la vez, construir un filme con atractivo internacional. “A través de su extraordinaria vida y sus escritos, Antoine de Saint-Exupéry nos dio una visión profundamente humanista del mundo que sigue resonando a través de generaciones y culturas”, afirmó Kopaczynski, quien anteriormente ocupó un cargo directivo en Studiocanal y trabajó en distintas franquicias de entretenimiento familiar.

La relación entre David Fincher y Netflix se remonta a 2013, cuando el director dirigió el piloto de House of Cards, la serie que le dio a la plataforma su primer gran éxito original. Desde entonces, Fincher se convirtió en una de las figuras más asociadas a la identidad creativa del servicio de streaming. Bajo el contrato firmado en 2020, el cineasta dirigió tres películas para Netflix: Mank, The Killer y la aún no estrenada Las nuevas desventuras de Cliff Booth. Esta última, con Pitt como protagonista, funciona como una suerte de secuela espiritual de Érase una vez en… Hollywood, aunque desarrollada de forma independiente al universo de Quentin Tarantino.

El director también dejó su marca en otros proyectos de la plataforma. Fue productor ejecutivo de la antología animada de culto Love, Death & Robots y dirigió el piloto de Mindhunter, serie procedimental por la que ganó un Emmy. La salida de Fincher de Netflix respondería, en parte, a la recepción limitada que tuvieron sus últimos trabajos para la plataforma. Ni Mank ni The Killer contaron con un estreno amplio en salas de cine ni con edición en formato físico Blu-ray.

El peso de Cliff Booth en la decisión

Mank llegó en plena pandemia, un contexto que restringió su exhibición en cines. The Killer, por su parte, solo tuvo una breve exhibición orientada a calificar para premios, sin una distribución teatral significativa. La respuesta del público fue tibia en ambos casos. Mank generó un interés limitado entre los espectadores, mientras que The Killer pasó relativamente desapercibido pese a su buen recibimiento crítico. La ausencia de ediciones físicas también habría afectado el tipo de seguimiento de culto que caracterizó a películas anteriores del director, como Zodiac y El club de la lucha, títulos que construyeron su reputación a largo plazo gracias en parte a su circulación en formatos físicos y su exhibición sostenida en salas.

Las nuevas desventuras de Cliff Booth se perfila como la última producción de Fincher bajo el contrato vigente con Netflix. La película, con Brad Pitt nuevamente en el papel de Cliff Booth, representa uno de los estrenos más esperados del director en los próximos meses. El desenlace de este proyecto podría funcionar como un punto de inflexión: si la película logra una recepción más sólida que sus antecesoras, no se descarta que ambas partes reconsideren la posibilidad de extender la relación. De lo contrario, marcaría el cierre definitivo de un ciclo que comenzó con House of Cards.

El caso de Fincher se inscribe en una tendencia más amplia dentro de la industria audiovisual. Varios cineastas de renombre que en su momento firmaron acuerdos de exclusividad con plataformas de streaming han comenzado a reevaluar esas alianzas. El acuerdo original de Fincher con Netflix, firmado en 2020, se dio en un momento en que los servicios de streaming competían de forma agresiva por atraer a directores de prestigio, ofreciendo contratos económicamente atractivos y libertad creativa como principales incentivos. Ese escenario habría cambiado con el correr de los años. La eventual salida de Fincher podría interpretarse como una señal de que parte de los directores de mayor perfil vuelve a priorizar la distribución teatral por encima de los acuerdos exclusivos con plataformas digitales. Por el momento, ni Fincher ni Netflix se pronunciaron públicamente sobre el futuro de la relación tras el estreno de Las nuevas desventuras de Cliff Booth.

Hoy en día puede que no nos resulte extraño abrir un CD o una funda de vinilo y encontrarnos que, junto al disco, se incluyan impresas las letras de las canciones que vamos a escuchar. Pero hace 70 años esta práctica no era nada habitual. A pesar de que algunas bandas parecían estar a favor, las discográficas se oponían rotundamente, ya que vendían las letras por separado en revistas o partituras y no estaban dispuestas a perder ese dinero.

Todo cambió con los Beatles. La banda de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr revolucionó el mundo de la música al incluir la letra de sus canciones en su icónico álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), una idea que tuvo tanto éxito que no tardó en ser imitada en toda la industria. Sin embargo, lo que muy pocos saben es por qué la banda de Liverpool tomó esa decisión, algo en lo que tuvo mucho que ver un profesor de inglés español.

Su nombre era Juan Carrión, un profesor de la Universidad de Cartagena que viajó hasta Almería con cuadernos que reunían ejercicios de sus alumnos y fragmentos incompletos de temas de la banda. Por aquel entonces, él era uno de los pocos docentes que utilizaban canciones para enseñar idiomas (una práctica muy habitual a día de hoy), pero quería resolver las partes que no lograba entender al escuchar los discos y las emisiones de Radio Luxemburgo, una emisora europea que, hasta los años 70, sirvió como una ventana a la modernidad del pop y rock internacional para los jóvenes en España.

Un plan meticuloso para contactar con John Lennon

Carrión ya había comprobado la eficacia de la música en su trabajo como profesor de español de militares estadounidenses, aunque cuando quiso emplear el mismo método para enseñarle inglés a sus alumnos, se encontró con un obstáculo: necesitaba disponer de las letras con rapidez porque, cuanto más de moda estaban los temas que enseñaba en clase, más rápido se los aprendían sus alumnos.

Por eso, cuando se enteró de que John Lennon había venido a Almería para el rodaje de una película, no lo dudó y cogió un autobús hasta la ciudad andaluza, donde comenzaría una búsqueda de varios días. Carrión se alojó primero en el Hostal La Fonda y preguntó por Lennon en los alrededores del Paseo de Almería, donde nadie pudo orientarlo sobre la presencia del músico.

La ciudad recibía entonces a equipos de cine por el rodaje de ¡Cómo gané la guerra!, la película que Richard Lester filmaba con Lennon. Al profesor le indicaron que varios extranjeros vinculados a la producción se hospedaban en el barrio de El Zapillo. Así pues, Carrión decidió alojarse allí para ir acercándose poco a poco al entorno de Lennon, sobre todo a través de Les Anthony, chófer y guardaespaldas del artista con el que trabó una gran amistad.

Una película inspirada en esa breve reunión

Fue así como, finalmente, el profesor de inglés acabó consiguiendo reunirse con John Lennon. Dejaron acceder a Carrión al rodaje y pudo así, en un encuentro que apenas duró media hora, entregarle los cuadernos de sus estudiantes para que el cantante pudiera ver y corregir los ejercicios. Además, el docente también formuló una solicitud que acabaría siendo revolucionaria: “Necesitaríamos tener las letras nada más salir el disco”.

Lennon recibió la petición de Carrión y prometió que el siguiente disco de los Beatles incorporaría las letras impresas. El vocalista de la banda compondría en Almería Strawberry Fields Forever, que saldría como un sencillo independiente en febrero de 1967. No obstante, ese mismo año saldría también Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, donde, esta vez sí, se incluirían en la contraportada las letras completas de las canciones del disco, dando paso a una revolución en la industria musical.

Aunque nunca se ha demostrado oficialmente que la petición de Carrión provocara la decisión de los Beatles, él siempre defendió que así fue, y su historia gozó de la credibilidad suficiente como para que, en 2013, se estrenara la película Vivir es fácil con los ojos cerrados, dirigida por David Trueba y protagonizada por Javier Cámara, que interpreta al profesor. La producción, que incluye algunas modificaciones en la historia original, acabaría obteniendo seis premios Goya, entre ellos el de Mejor película.

En los últimos años han surgido varios intentos de alumbrar una Friends para la nueva generación. Solo en 2025 se estrenaron tres series con varios elementos en común y que hasta compartían algún actor, como Impostura (Overcompensating) en Amazon Prime o I love L.A. en HBO Max. La tercera fue precisamente Adults, original de Hulu y la cual se diferenciaba de estas por una apuesta firme por el formato sitcom y por ambientar su historia en Nueva York al estilo de sus referentes.

Adults narra la historia de cinco jóvenes compartiendo piso a las afueras de Nueva York, lo cual ya da una idea de cómo han cambiado las cosas en tan poco tiempo. Si en Friends cada personaje vivía en su propio domicilio y en Cómo conocí a vuestra madre solo Ted y Marshall compartían apartamento, en Adults los protagonistas ni siquiera tienen dinero suficiente para permitirse compartir piso. En su lugar, todos conviven en la casa familiar de Samir mientras sus padres están fuera, en una clara huida hacia adelante que se transmite en sus propias vidas.

Woke o broke

A diferencia de sus series coetáneas, Adults respeta al máximo el formato sitcom en cuanto que reparte el peso en sus cinco personajes, cada uno una versión diferente del veinteañero moderno. Billy (Lucy Freyer), una joven ambiciosa a la que no le sonríe el amor ni el trabajo; Anton (Owen Thiele), el más amable y simpático de todos, pero incapaz de afrontar los problemas o dar un buen consejo; Samir, un chico ingenuo ,pero de buen corazón; e Issa (Amita Rao), la más graciosa y dicharachera del grupo, pero también un imán para las causas perdidas que acoge a Paul Baker (Jack Inannen), el extraño del grupo, pero también el que se gana la confianza de todos.

Basta echar un vistazo rápido a los personajes de Adults para entender cómo ha cambiado todo. Samir no es Ted ni Ross, del mismo modo que Billy no es un interés romántico tan evidente como pudiera serlo Rachel o Robin. Lo mismo con los alivios cómicos, que en esta serie no se focalizan en ningún personaje en concreto, sino que varían según el episodio. Cada uno es especial a su manera, por supuesto, pero el humor de Adults funciona más por lo surrealista de sus situaciones que por algún personaje en concreto, lo que hace que sea más fácil transitar por cada una de sus tramas a lo largo de los episodios de apenas 25 minutos de duración.

Entre sus historias se encuentran temas como el complejo acceso al mundo laboral, la proliferación de psicópatas con las redes sociales y apps de citas o el reparto de tareas en la casa. Tramas que pueden derivar en momentos surrealistas o exagerados, pero que no dejan de reflejar algunas de las experiencias comunes a la globalización que ha universalizado problemas que antes podían representar a unos pocos. Hablando de representación, Adults es otra serie a alabar en su retrato de distintos espectros sexuales sin ningún tipo de imposición forzada o condescendencia, presentando a personajes más allá de su orientación sexual pero sin negarse a comentar las problemáticas ligadas a ellos. En definitiva, su problema nunca es ser woke sino hacer humor del hecho de que no tengan dinero.

De nicho a fenómeno

En su primera temporada, Adults ejerció a la perfección su planteamiento inicial, pero en esta segunda temporada busca ahondar en sus personajes y seguir haciendo humor con cosas de la vida cotidiana, como es la huella digital, el lenguaje moderno en el ambiente de trabajo o incluso una noche de fiesta en la que las drogas pueden jugar una mala pasada. Una serie de situaciones que le han valido ganar poco a poco fama en el boca-oreja y que muchas de sus escenas se viralicen en redes sociales, la forma actual de obtener popularidad al fin y al cabo.

Adults ha pasado de ser una serie en construcción a un pequeño gran fenómeno en Estados Unidos, con cameos de estrellas como Julia Fox, Gaten Matarazzo o la mítica Raven-Symoné, la mítica actriz de la serie Raven en Disney Channel. Hay quien ya especula con un posible cameo para la tercera temporada del mismísimo alcalde de Nueva York, Zohran Mamdani, al que se ha visto en un acto junto al cómico y actor Malik Elassal, encargado de dar vida a Samir en una serie que va camino de convertirse en esa digna heredera de Friends y Cómo conocí a vuestra madre.

En una época donde la tecnología destilaba entusiasmo. Herbert George Wells (Bromley, 1866-Londres, 1946), más conocido como H. G. Wells, fue todo un pionero en frenar la idilia que entonces se entonaba. Nacido en 1866, en plena Segunda Revolución Industrial, el escritor británico creció mientras la electricidad, el teléfono y los primeros automóviles alimentaban la sensación de progreso. Él apostó por todo lo contrario.

Considerado uno de los padres de la ciencia ficción, Wells convirtió esa desconfianza en literatura. En apenas cuatro años publicó algunas de las obras que terminarían definiendo su legado: La máquina del tiempo (1895), La isla del doctor Moreau (1896), El hombre invisible (1897) y La guerra de los mundos (1898).

Ya cerca de los 70 años, en 1936, y después de décadas reflexionando sobre el rumbo de la sociedad, publicó The Anatomy of Frustration: A Modern Synthesis, donde abordó las aspiraciones humanas, sus límites y las razones por las que una humanidad capaz de avanzar científica y materialmente seguía tropezando con las guerras, los nacionalismos, las desigualdades y sus propias contradicciones. De esa obra procede una de sus citas más conocidas, hoy utilizada casi como frase motivacional: “Si te caíste ayer, levántate hoy”.

Una cita como respuesta a Robert Burton

Para construir el libro, Wells tomó como referencia The Anatomy of Melancholy, la obra que el ensayista británico Robert Burton había publicado en el siglo XVII y que figuraba entre sus lecturas predilectas. Pero, en lugar de diseccionar la melancolía, el británico quiso hacer algo parecido con la frustración del ser humano moderno. Para ello creó a William Burroughs Steele, un personaje ficticio al que presentó como un pensador estadounidense que había dedicado años a estudiar las aspiraciones humanas y los motivos por los que estas terminaban una y otra vez frustrándose. “¿Qué se desea? ¿Qué queremos? ¿Como individuos? ¿Como comunidades? ¿Como especie?”, escribió.

Es precisamente entre las últimas anotaciones de Steele donde aparece la reflexión. “Debemos tener el valor de ser pacientes. La incompletitud individual es un asunto privado. Si te caíste ayer, levántate hoy”, escribió.

Vida y obra de un autor xxx

A lo largo de su vida, Wells escribió decenas de novelas, cuentos y ensayos, además de obras dedicadas a la historia, la política y el futuro de la sociedad. Entre ellas destacó The Outline of History, publicada en 1919, donde narró la historia general de la humanidad desde sus orígenes hasta la Primera Guerra Mundial.

Su influencia terminó alcanzando además la cultura popular de formas que Wells difícilmente podía haber previsto. En 1938, todavía en vida del escritor, un joven Orson Welles adaptó La guerra de los mundos para la radio estadounidense. La emisión, presentada con el formato de boletines informativos ficticios, acabaría convirtiéndose en uno de los episodios más célebres de la historia de la radiodifusión.

H. G. Wells murió en Londres el 13 de agosto de 1946, a los 79 años. Para entonces, aquellas novelas que había escrito a finales del siglo XIX ya lo habían convertido en una de las figuras esenciales de la literatura de anticipación.

Jennifer Lawrence protagonizará The Flood, el thriller de ciencia ficción que Zach Cregger escribirá, dirigirá y producirá para New Line y Warner Bros. La película será el próximo largometraje del cineasta tras el éxito de Resident Evil y prolongará su relación con el estudio después de Weapons.

La película llegará a los cines el 11 de agosto de 2028 y su rodaje comenzará en Europa durante los primeros meses de 2027. New Line adquirió el proyecto de Netflix después de que abandonara su fase de desarrollo en aquella plataforma.

Los detalles de la trama y el resto del reparto permanecen bajo reserva. Amblin Entertainment producirá la cinta junto a Roy Lee y Miri Yoon, productores de Vertigo Entertainment y colaboradores habituales de Zach Cregger.

Cuándo se estrena The Flood y quién está detrás

Cregger ha partido de una idea original para construir The Flood, que reunirá al director con Warner Bros. después de Weapons, su película de terror y misterio de 2025. El estudio ya había distribuido aquel largometraje, continuación de la trayectoria que abrió con Barbarian en 2022.

Weapons recaudó 270 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto inferior a 40 millones. La película obtuvo además el Óscar a la mejor actriz de reparto para Amy Madigan, que interpretó a la malvada tía Gladys, responsable del secuestro nocturno de una clase entera de niños mientras su profesor y sus padres no detectaban lo ocurrido.

El director ha celebrado el reencuentro con los responsables del estudio. “Mike, Pam y todo el equipo de Warner Bros./New Line fueron un sueño absoluto como colaboradores en Weapons, y no podría estar más feliz de sumergirme de nuevo con ellos. Jennifer es única y estoy enormemente ilusionado por verla en este papel”, ha declarado Cregger a Variety.

Los ‘copresidentes’ de Warner Bros., Mike De Luca y Pam Abdy, han definido a Lawrence como “una de las actrices más dotadas y cautivadoras que trabajan hoy” y han mostrado su entusiasmo por situarla en el centro de la “visión audaz y completamente original” del cineasta. También han destacado la experiencia previa con Cregger y Vertigo, así como la incorporación de Amblin para llevar la película al público internacional.

La agenda de Jennifer Lawrence antes de ‘The Flood’

Lawrence ganó el Óscar por El lado bueno de las cosas, estrenada en 2012, y alcanzó una proyección global como rostro de la franquicia Los juegos del hambre. Su incorporación a The Flood supone uno de los pocos proyectos elegidos la intérprete este año, especialmente selectiva con sus papeles.

La actriz ha recibido recientemente una nominación al Globo de Oro por el drama sobre el posparto Die My Love, en el que compartía reparto con Robert Pattinson. Entre sus últimos trabajos figuran la comedia romántica Sin malos rollos, dirigida por Gene Stupnitsky, y el drama de A24 Causeway.

Antes del estreno de The Flood, Lawrence aparecerá junto a Leonardo DiCaprio en el esperado drama de terror What Happens at Night, dirigido por Martin Scorsese. También formará parte de Amanecer en la cosecha, la próxima ‘precuela’ de Los juegos del hambre.

Le seguiría la sitcom Paquita Salas, con Brays Efe, que los catapultaría como los nuevos adalides de la nueva generación de cineastas capaces de conectar con el público más joven gracias a sus dosis de humor ligado al lenguaje de Internet y las redes sociales mezclado con el costumbrismo de toda la vida.

Con Veneno, el biopic sobre Cristina Díaz, dieron un paso adelante como autores y demostraron su capacidad para narrar, así como su compromiso con el colectivo LGTBI a la hora de visibilizar el colectivo trans. Por último, llegaría La Mesías, la serie de Movistar Plus+ que constituyó su proyecto más ambicioso y en el que lograron aunar todas sus virtudes, que nos llevaban desde lo más turbio hasta lo pop.

Ahora, se consagran con La bola negra, con la que han ganado (por el momento) el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, el premio del público en el Festival de Toronto y que ha sido seleccionada por España para representarnos en los Oscar, donde ya se vaticina que podría estar nominada en múltiples categorías.

La película parte de una obra inacabada de Federico García Lorca y de la pieza teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero, para hablar de la memoria histórica de nuestro país desde el punto de vista homosexual, y cuenta en el reparto con Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes y Penélope Cruz.

El germen de ‘La bola negra’

Pregunta: ¿Cuál fue el germen del proyecto y cuándo fue el momento en que os disteis cuenta de que la bola se iba a hacer tan grande

Javier Calvo: Nosotros estábamos haciendo otro proyecto que se cayó... y pasamos una etapa muy triste. Pensamos: “¿Ahora qué vamos a hacer? No tenemos una idea clara, vamos a pensar. Y cómo es la vida, que nos fuimos de viaje y me llevé La piedra oscura, de Alberto Conejero, porque me apetecía algo corto. Y al leer el monólogo de Sebastián, que habla del bombardeo de su pueblo y abandona a su madre, a mí como que me emocionó mucho.

Y ese es el germen. Siempre hay algo que te emociona, que te hace llorar inexplicablemente y te dice: “Eso es bueno, hay que tirar por ahí”. Así que empezamos a imaginar. Supimos que queríamos adaptar La piedra oscura, pero había mucho diálogo y transcurría en una sola noche, por lo que hicimos el ejercicio de reducirla, de sacar la esencia para luego hacerla más grande. Dentro de la obra se hablaba de La bola negra, y nosotros no sabíamos qué era, así que nos pusimos a investigar y encontramos un libro sobre teatro inconcluso. Y ahí estaban esas cuatro páginas.

Javier Ambrossi: Nos impactó que fuera a ser una obra con un protagonista gay y que no se pudiera acacabar; tenía algo muy simbólico que nos estaba llamando. Y, de repente, escribir una película sobre lo inacabado cobró mucha fuerza. Así que decidimos unir La piedra oscura, La bola negra y, nos faltaba algo más, así que pensamos: “¿Y si además ponemos algo que nos hable a nosotros mismos y lo conectamos todo?”. Sabíamos que iba a ser muy difícil, porque hay mucha investigación, mucho trabajo con historiadores y mucha introspección. Pero, de repente, todo encajó.

Javier Calvo: Claro, y La bola negra era solo dos páginas de personajes y dos páginas del diálogo con la hermana. “Por mi gusto, tiraría la jabalina, pero debo endulzar naranjas”. O sea, que no podíamos hacer como Haneke con El castillo, de Kafka. Entonces hicimos el ejercicio de imaginar utilizando el elemento del tiempo y lo relacionamos con Así que pasen cinco años y también estudiamos mucho El público y Comedia sin título, yendo de Alberto Conejero siempre de la mano y tejiendo ese universo.

Javier Ambrossi: Él lo ha sido todo. El trabajo que ha aportado, su saber, su cuidado, ha sido precioso, porque nos iba guiando. Ha sido un aprendizaje brutal.

Pregunta: Pero llevar todo eso a una narración hilvanada debe haber sido complicado

Javier Ambrossi: Fue menos de lo que imaginas. Desde la primera lectura de la obra, hubo algo que nos inspiró, que nos hizo saber que teníamos que construir algo alrededor. Es de esas cosas que ves.

Javier Calvo: Como decía Lorca, la creación es un misterio, y solo el misterio nos hace vivir. Es lanzarte a lo desconocido.

Pregunta: ¿Esperáis que haya críticas negativas sobre la película solo por el hecho de que haya tenido tanta repercusión?

Javier Calvo: El otro día leí en Letterbox una crítica que me gustó y que decía: “Si le gusta a todo el mundo, es McDonald’s”. [risas] Entonces, yo entiendo que habrá gente a la que no le va a gustar. Soy consciente de ello, porque es imposible gustarle a todo el mundo, pero también estoy seguro de la película que he hecho.

Venimos ahora de un coloquio en el que había mucha gente joven. Y ver gente de diecisiete, dieciocho años, emocionada con una historia, emocionada con el cine, en una sala de cine, disfrutando colectivamente de una película que les toca el corazón, para mí eso es un mundo. Porque yo sé cuál es la sensación de salir de un cine y sentir que me ha cambiado algo dentro. La sensación de salir del cine y sentir que la calle es distinta, que mi vida es distinta, que puedo tomar una decisión que no me atrevía. Y es lo que yo quería hacer con esta peli, que pudiera remover a la gente por dentro, que saliera distinta de como entró.

La importancia de Federico García Lorca

Pregunta: Desde Cannes habéis trasladado vuestra preocupación de por qué se ha invisibilizado la homosexualidad de Lorca en muchos discursos sobre el autor y de que mucha gente no era consciente de que se le había matado por ser gay. ¿Creéis que esta película cambiará ese discurso?

Javier Calvo: Nuestra película tiene un enfoque artístico y quiere hablar de algo muy concreto. Solo podría decirte que, cuando se publicaron los Sonetos del Amor Oscuro, se eliminó la palabra Oscuro para que no tuviera ningún componente homosexual. Creo que eso habla mucho de cómo se ha intentado invisibilizar este tema.

Javier Ambrossi: Nuestra reivindicación es humanista. Y Lorca es una figura viva que fue libre en todos los sentidos, en su manera de pensar, desde el punto de vista político, en su orientación sexual. Y duele mucho su asesinato porque nos hemos perdido muchas cosas.

Pregunta: Hasta el momento, todos vuestros proyectos habían sido protagonizados por mujeres. ¿Cómo ha sido enfrentaros a personajes masculinos?

Javier Ambrossi: Imagínate, es la primera vez que hacemos algo tan desnudo. Ya no estamos sublimando o intentando buscar metáforas para contarnos a nosotros mismos, como habíamos hecho antes. Ahora es mucho más crudo. Evidentemente, cuando te pones a escribir algo así, te enfrentas a tus miedos, a tus fantasmas. Escribir una película sobre el amor, siendo pareja, te lleva a autoanalizarte. Si eres escritor, como nosotros, necesitamos que cada proyecto nos cambie, que sea una catarsis. Y escribir sobre personajes gais, en busca de quienes son, del deseo, del amor, de expresarse a sí mismos, pues te lleva a un espejo. Quizás, por eso, hemos tardado tanto.

Javier Calvo: Creo que nunca hemos escrito algo que no hayamos sentido que nos fuera a cambiar al final del camino. Que cuando termináramos la película sintiéramos que no fuéramos a ser completamente distintos. Igual hemos estado postergando este momento y aquí estuvimos valientes, prestándonos a nuestra propia historia en muchos sentidos.

Tres historias, tres estilos

Pregunta: Ganasteis el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, y eso no es baladí. Habéis dado un salto descomunal en ese aspecto y la película está llena de ‘set pièces’ impresionantes. ¿Cómo ororquestasteis todo eso?

Javier Calvo: Pues nuestro primer pensamiento fue: vamos a investigar, a ir a museos, a ver cuadros de la época. Había en el Museo del Prado una exposición de cambios en el siglo XIX de los movimientos sociales en la que todo eran multitudes, con reivindicaciones, huelgas. Y eso nos inspiró mucho. También nos fijamos en las fotografías, siempre había mucha gente en las instantáneas. Y quisimos reproducir eso, personas que no estuvieran acostumbradas a ser grabadas, que tuvieran poca autoconciencia. Por esa razón, cada figurante fue importante. También queríamos reproducir el movimiento constante de esas masas. Si la película hablaba de poesía, queríamos que la película contara poéticamente las cosas, así que trabajamos los movimientos coreográficos, casi como si se tratara de una especie de danza contemporánea.

Queríamos, además, filmar de una manera diferente cada época. En el presente, se narra casi de forma documental y, en 1937, se retrata el dolor, la belleza y el deseo desde un punto de vista más objetivo, a través de lentes medias, menos planos, menos movimiento de cámara, todo más estático. Y, luego, en 1932, al partir de la obra de teatro, nos dejamos imbuir por la magia, la cámara se mueve más, como si fuera un personaje, utilizamos angulares...

Javier Ambrossi: Lo bueno es que ya habíamos trabajado con casi todo el equipo técnico, por lo que había mucha confianza. Nos encanta experimentar, probar. Rodamos en 35 mm. natural, por eso la película tiene los bordes redondeados, porque es como si fuera un objeto. Queríamos que fuera un objeto que tuvieras la sensación de que pudieras tocar, por eso del manuscrito, de la herencia, de las cosas que pasan de mano en mano, de generación en generación.

Pregunta: ¿Cómo os sentís estando en el foco de una manera tan brutal, sintiéndoos tan observados?

Javier Calvo: El otro día decíamos que cuando acabe la promoción vamos a desaparecer un tiempo. Porque es peligroso estar siempre visible.

Javier Ambrossi: Es un halago que la película interese tanto, porque es un micrófono gigante para poder contar tu punto de vista del mundo. Lidiamos con todo eso queriéndonos mucho, acompañándonos y cuidándonos, intentando ser sinceros con lo que hemos hecho. Y pasar de las redes sociales, para mí es mi religión, porque no me aportan nada.

El futbolista del Real Betis Héctor Bellerín podría haber sido Rafael Rodríguez Rapún, el amante de Federico García Lorca, en La bola negra. Javier Calvo y Javier Ambrossi revelaron esta curiosa posibilidad hace unos días durante uno de los coloquios en los que presentaron su segunda película, en cines desde el pasado viernes. “Buena parte de la historia empezaba a estar escrita para Héctor Bellerín, porque Rafael es futbolista”, dijo Ambrossi en la Academia de Cine. Sin embargo, que la cinta estuviera protagonizada por Guitarricadelafuente, cantante sin experiencia previa en la actuación, les hizo cambiar de idea. “Necesitábamos a alguien con técnica, con peso y que pudiera sostener a Álvaro”. El papel terminó recayendo en Miguel Bernardeau.

Esa no fue la única razón por la que Bellerín se quedó fuera de la película. Según ha contado el futbolista, él tampoco tenía claro que debiera aceptar una oportunidad así. En una entrevista con Libre y Directo, programa de deportes de la Radio Sevilla de la Cadena Ser, ha explicado que el equipo de casting de la cinta contactó con él para ofrecerle la trama basada en La piedra oscura, la obra de teatro de Alberto Conejero que constituye una de las tres principales patas de La bola negra, que sigue las historias de tres hombres homosexuales en tres momentos distintos de la historia de España: 1932, 1937 y 2017.

“Yo siempre he tenido en mi entorno mucha gente que se dedica a la industria. Tengo gente que son actores, actrices y sé que es una industria muy complicada”, ha señalado el defensa. “Son trabajos superprecarios. Es una de las industrias con más tasas de paro en nuestro país y dedican muchísimas horas y siguen teniendo una vida superprecaria”. Por este mismo motivo, rechazó el papel: “Me parecía un poco intrusismo laboral que simplemente por ser quien soy, tener la oportunidad de participar en una superproducción”, ha finalizado.

Rafael Rodríguez Rapún, el futbolista que se enamoró de Lorca

No es de extrañar que a los Javis se les pasara por la cabeza la opción de Bellerín. Rapún también estuvo vinculado al mundo del fútbol antes de conocer a Lorca y de ser soldado del ejército republicano: jugó en las categorías juveniles del Atlético de Madrid mientras estudiaba en la Escuela de Minas de Madrid. Con apenas 20 años se afilió al PSOE y en 1933 se incorporó a La Barraca, la compañía de teatro universitario dirigida por Lorca, primero como actor y más tarde como secretario nombrado por Federico.

La relación entre ambos terminó estrechándose durante el verano de 1935, en plena gira de La Barraca. De la correspondencia entre ambos solo se conserva una carta de Rapún a Lorca, en la que le confesaba: “Dejar de ver a una persona con la que has estado pasando, durante meses, todas las horas del día es muy fuerte para olvidarlo. Máxime si hacia esa persona se siente uno atraído tan poderosamente como yo hacia ti”.

La historia terminó de forma trágica. Tras conocer el asesinato de Lorca en 1936, Rapún decidió alistarse en el Ejército republicano. Después de realizar un curso de Artillería en Lorca, Murcia, obtuvo la graduación de teniente y fue destinado al frente de Cantabria. Murió el 19 de agosto de 1937, justo un año después del asesinato del poeta, como consecuencia de las heridas provocadas por la explosión de una bomba.

Este martes ha fallecido a los 92 años uno de los cineastas más especiales de la historia reciente de España. Gonzalo Suárez, escritor, guionista, periodista deportivo y director, ha dejado tras de sí una carrera de más de 60 años de trabajo y una veintena de películas protagonizadas por algunos de los nombres más reconocidos del cine patrio: Javier Bardem, Marisa Paredes, Aitana Sánchez-Gijón, José Sacristán o Carmen Maura.

Entre muchas de las películas que rodó, destaca una de las más conocidas, Remando al viento. Estrenada en 1988, se convirtió un año después en una de las grandes triunfadoras de los Premios Goya: obtuvo nada menos que 13 nominaciones -entre ellas a Mejor película- y terminó alzándose con seis premios.

La cinta llevó a la gran pantalla uno de los episodios más célebres de la historia de la literatura europea: la estancia en Suiza de Percy Shelley, su amante Mary y la hermanastra de esta, Claire Clairmont, y el poeta Lord Byron. Al reto de que cada uno escribiera un relato de terror, terminó naciendo Frankenstein, una de las novelas más influyentes de la literatura moderna.

El reparto reunió a Lizzy McInnerny como Mary Shelley, Valentine Pelka como Percy Shelley y Elizabeth Hurley como Claire Clairmont. Los tres rondaban entre los 20 y los 30. “Los actores tenían que ser jóvenes, porque lo realmente llamativo es que Mary Shelley escribió Frankenstein cuando tenía sólo veinte años”, explicó durante el rodaje a El País. El reparto lo completaron José Luis Gómez, Virginia Mataix, Aitana Sánchez-Gijón, Bibiana Fernández, Jose María Pou, Ronan Vibert, José Carlos Rivas, Kate McKenzie y Jolyon Baker.

Un presupuesto de 300 millones de pesetas y un no muy buen recuerdo para Grant

Y así fue. El director confió en un joven Hugh Grant —para entonces tenía 27 años— siete años antes de que este protagonizara Cuatro bodas y un funeral junto a Andie MacDowell y se convirtiera en el galán británico por excelencia. De hecho, es en esta misma cinta donde el actor también triunfó en lo personal: Grant conoció en el set de rodaje a la que fue su pareja, Elizabeth Hurley, con quien mantuvo una relación desde 1987 hasta el año 2000 y con quien a día de hoy conserva una gran amistad.

Sin embargo, años después, Grant recordaría Remando al viento con bastante más ironía que nostalgia. En una charla con la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, como parte de una retrospectiva a su carrera, el actor incluyó la película entre aquellas coproducciones europeas de los 80 en las que un guion escrito en otro idioma acababa “realmente mal traducido al inglés”. Suárez, que no hablaba inglés —aunque a él sí lo definió como “muy agradable”—, necesitó de un traductor, pero que nunca había trabajado en el mundo del cine. “Tenía extraordinariamente poco tacto”, recordó.

La película fue también una de las producciones más ambiciosas de su carrera. Contó con un presupuesto de 300 millones de pesetas -hoy equivaldrían a 1,8 millones de euros- y se rodó en Madrid, Suiza, Llanes y Venecia. Casi todos los intérpretes eran británicos y los actores españoles tuvieron que trabajar en inglés, una decisión pensada para facilitar la venta de la película en Europa. El guion, una obra suya con la investigación previa de su mujer, Hélène Girad, y de Antonio Saura, hijo del cineasta Carlos Saura. “Estoy contento con el guion; creo que la película no va a defraudar”, aseguró durante un rodaje en el que también se mostró especialmente satisfecho con sus intérpretes.

Y no defraudó. Según RTVE, Remando al viento llegó a permanecer 58 semanas consecutivas en cartel, convirtiéndose con el tiempo en una película de culto. El reconocimiento de la industria llegó también muy pronto: además de la Concha de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de San Sebastián, acumuló 13 candidaturas a los Goya y ganó seis estatuillas: Mejor Dirección, Dirección Artística, Dirección de Producción, Diseño de Vestuario, Fotografía y Maquillaje y Peluquería.

El robo del Tesoro de Villena sigue provocando movimientos en los tribunales y despachos de abogados. El Juzgado de la Sección Civil y de Instrucción del Tribunal de Instancia de Villena (Alicante), Plaza n.º 2, ha abierto diligencias previas contra Fulgencio Cerdán, alcalde de la ciudad, y Laura Hernández, directora del museo.

Así, ambos serán investigados junto con la tercera teniente de alcalde y responsable de seguridad del museo, María Server, por un posible delito de daños por imprudencia, según la denuncia de la Asociación para la Defensa del Estado de Derecho y la Lucha contra la Corrupción (ADED). La demanda presentada por esta organización sostiene que las personas encargadas de custodiar el conjunto pudieron incurrir en una omisión que dejó sin la protección adecuada a una de las colecciones de orfebrería prehistórica más destacadas de Europa.

La investigación, según han informado medios como la Agencia EFE, se centrará en una posible falta de protección de las instalaciones donde se encontraba la colección. Por otro lado, la Fiscalía deberá pronunciarse sobre un posible archivo de las actuaciones, en una resolución para la que se podría presentar un recurso en los tres días siguientes ante el mismo órgano judicial.

Así se ejecutó el robo del Tesoro de Villena

El pasado mes de agosto, un grupo organizado perpetró un asalto exprés en el Museo de Villena (Muvi) durante la madrugada. Para distraer a las fuerzas de seguridad, los asaltantes provocaron primero un aviso falso en las afueras, lo que les permitió actuar sin ser descubiertos a tiempo. El atraco se ejecutó en menos de cuatro minutos con precisión milimétrica. Los delincuentes rompieron la vitrina blindada y se apoderaron principalmente de las valiosas piezas de oro.

El Tesoro de Villena estaba integrado por 66 objetos de distintos materiales. La colección sobresalía por sus cerca de 10 kilogramos de oro, entre los 11 cuencos y los 28 brazaletes, una cantidad que la situaba entre los hallazgos de la Edad de Bronce de mayor valor patrimonial en Europa. Las piezas también comprendían tres recipientes de plata, objetos compuestos por hierro y oro, y elementos que combinaban ámbar y oro. Además, uno de los objetos que más llamaba la atención era un brazalete de hierro procedente de un meteorito, lo que añadía un rasgo verdaderamente singular al conjunto.

En el Muvi permanecieron tres vasijas de plata, un brazalete y una parte considerable de los adornos de un bastón. También quedó una de las cuatro coronas que, según se cree, los autores del robo perdieron durante la huida. El resto de los objetos que componían la colección no se encontraba en el museo tras el golpe.

Los próximos pasos para dirimir responsabilidades

El auto judicial no supone una imputación ni determina responsabilidades penales. La investigación judicial deberá determinar si existieron deficiencias en la seguridad del recinto y si esas circunstancias pueden tener relevancia penal. El informe de la Fiscalía será uno de los próximos pasos antes de que el juzgado decida si mantiene o sobresee las diligencias.

Las diligencias previas permiten al juzgado analizar los hechos denunciados, la protección existente en el museo y el grado de responsabilidad que pudiera corresponder a las personas incluidas en el procedimiento a través de una primera investigación. La ADED sostiene que los hechos podrían ser constitutivos de un delito contra el patrimonio histórico.

Apenas medio año antes de su muerte, Gonzalo Suárez fue recibido entre vítores y aplausos en el Auditorio Fórum del Centro de Convenciones Internacionales de Barcelona para recoger el Goya de Honor. Fue, de este modo, en la ciudad condal donde el reconocido escritor, periodista deportivo, guionista y director de cine nacido en Oviedo en 1934 recogió el premio; la misma a la que llegó a finales de la década de los 50 tras varios años de exilio en París y donde escribió sus primeros libros.

Comenzó despuntando en las letras con su periodismo deportivo y de investigación (firmado bajo el seudónimo Martin Girard) y sus relatos vanguardistas. Entre su prolífica obra, destacan De Profundis (1959), El caso de las cabezas cortadas (1965), que él mismo adaptaría a la gran pantalla, o El asesino triste (1994), premiada en la VIII Bienal de Narrativa Elena Poniatowska.

Su llegada al cine a finales de los años sesenta supuso una sacudida para la cinematografía de la época, marcada sobre todo por el realismo. Largometrajes como Ditirambo (1969) o la insólita Aoom (1970) iniciaron una larga trayectoria convertida en una referencia imprescindible para el séptimo arte de nuestro país: sobre todo Remando al viento (1987), con la que obtuvo la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián y seis Premios Goya, sin olvidarnos de Epílogo (1984), que triunfó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes.

Un viaje de ida y vuelta entre las películas y los libros

La conexión entre cine y literatura acompañó a Gonzalo Suárez hasta su fallecimiento a los 92 años. Durante más de seis décadas, combinó el arte de hacer películas con el de escribir obras de todos los géneros. El propio Julio Cortázar se mostró sorprendido ante esta ambivalencia. “¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también, hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas vivas a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal”.

Así lo describía el autor de Rayuela, uno de tantos intelectuales de la época que veían a Suárez como una figura clave en el panorama de la cultura española contemporánea. Aunque quizá este no llegó a saber nunca que, mucho antes de dedicarse al mundo del arte, se dedicó al fútbol, ejerciendo como ojeador de futbolistas para Helenio Herrera, mítico entrenador de equipos como el Atlético de Madrid y el Fútbol Club Barcelona, además de su padrastro. También era aficionado al boxeo, aunque nunca se ganó la vida como púgil.

Fuera cual fuera la disciplina, parece que lo que siempre quiso Gonzalo Suárez fue “soñar despierto”; invitar y ayudar a los demás a que también lo hicieran con él. Así lo confesó él mismo en el Auditorio Fórum de Barcelona, ya sosteniendo el Goya: “Dios nos premia con los sueños y nos castiga con la realidad”. El cine fue, para él, el último reducto donde poder hacerlo.

Gonzalo Suárez, escritor, guionista y director de cine y una de las figuras más singulares de la cultura española, ha fallecido este martes en su domicilio de Madrid a los 92 años, según han informado a EFE fuentes de su familia y ha confirmado la Academia de Cine. El cineasta recibió este pasado mes de febrero el Goya de Honor por su trayectoria, que el jurado definió como “una filmografía sorprendente en la que ha experimentado con todos los géneros y desde todas las actitudes”.

Nacido en Oviedo en 1934, el cineasta tuvo una carrera polifacética cuyo cine se caracterizó por su extrañeza y por no dejar indiferente. Fue autor de una veintena de películas desde que se arrancó a dirigir con 32 años: entre ellas, destacaron El detective y la muerte, La reina anónima o Remando al viento, que le otorgó la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y el premio Goya a Mejor Dirección. También pasó por el Festival de Cannes. En 1984, Epílogo, presentada en la Quincena de Realizadores, recibió el Premio de la Juventud de la mano del jurado joven.

Antes de consolidarse detrás de la cámara, estudió Filosofía y Letras, ejerció como ojeador de futbolistas a las órdenes de Helenio Herrera y comenzó a abrirse camino en el periodismo deportivo y en la escritura bajo el seudónimo Martín Girard. Tras exiliarse en París, en 1958 llegó a Barcelona para debutar en la literatura en 1964 con la novela De cuerpo presente y más tarde con Trece veces trece, Rocabruno bate a Ditirambo, Gorila en Hollywood, El asesino triste, o El hombre que soñaba demasiado, entre otras.

Una veintena de cintas y 60 años de trayectoria

En la capital catalana también empezó su aventura cinematográfica. Considerado uno de los precursores de la llamada Escuela de Barcelona, debutó como director en 1966 y fue construyendo una filmografía en la que convivieron el cine experimental, el comercial y las adaptaciones literarias. Por sus películas pasaron algunos de los nombres más reconocidos de la interpretación española, como Fernando Fernán-Gómez, Francisco Rabal, José Sacristán, Carmen Maura, Victoria Abril, Marisa Paredes, Maribel Verdú, Javier Bardem, Ana Belén o Aitana Sánchez-Gijón, además de intérpretes internacionales como Hugh Grant o Donald Pleasence.

Su trabajo también se extendió a la televisión, donde estuvo detrás de la adaptación de Los pazos de Ulloa. En sus últimos años se había volcado especialmente en la literatura, sin abandonar del todo el cine: entre sus trabajos más recientes figuraban el cortometraje Alas de tiniebla y el mediometraje El sueño de Malinche.

Galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía en 1991, la Medalla de Oro 2026 de la Academia de Cine, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Luis Buñuel, Gonzalo Suárez fue también nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y distinguido con la Orden de Alfonso X el Sabio, que recibió siendo el primer director de cine en obtener esta condecoración.

Hasta el final mantuvo intacta esa voluntad de seguir creando. En julio de 2025, cuando la Academia anunció que recibiría el Goya de Honor, reconoció que el premio le provocaba cierta “añoranza” por no llegarle mientras estaba rodando. “Me gustaría volver a decir ‘acción’ y ‘corten’ porque el cine es acción”, aseguró entonces. Y, al hacer balance de su trayectoria, lo resumió de una forma muy suya: “Si volviera a empezar, haría lo mismo: inventar el cine o tratar de inventarlo”.

La película La bola negra está llena de escenas donde se habla de la importancia de la memoria democrática en España y de la falta de concienciación que hay al respecto. Frases como “has heredado algo y no sabes qué hacer con ello; ya eres español” muestran hasta qué punto cuestiones como la Guerra Civil o la Dictadura posterior marcan la identidad de nuestro país, algo que también queda bien reflejado gracias al papel que interpreta en la cinta de los Javis la actriz estadounidense Glenn Close.

Conocida mundialmente por películas como Mars Attacks!, Las amistades peligrosas, Atracción fatal o 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca!, Glenn Close fue una de las incorporaciones más sonadas a la película que adapta una de las obras de teatro que Federico García Lorca nunca llegó a terminar. Además, su personaje es especialmente importante, ya que interpreta a una hispanista extranjera (al estilo de Ian Gibson o Paul Preston) experta en el poeta granadino.

Contar con alguien de fuera de España para interpretar ese papel no fue casualidad, ya que en la propia película se llama la atención sobre el hecho de que los mayores expertos en este periodo de la historia de España sean extranjeros; una realidad que evidencia la falta de cuidado por la memoria democrática tanto desde las instituciones como muchas veces desde la propia ciudadanía.

“Los dioses del cine están de nuestro lado”

Los Javis transformaron un personaje masculino de La bola negra para escribirlo pensando en Glenn Close. La actriz estadounidense aceptó participar en la película con una condición: quería interpretar su papel íntegramente en castellano. La decisión obligó a Javier Calvo y Javier Ambrossi a organizar una preparación lingüística para Close mientras ella trabajaba en Alemania, y de hecho, recibió clases de español incluso mientras se encontraba rodando la nueva película de Los juegos del hambre, con una profesora enviada por el Instituto Cervantes.

Close aceptó sumarse a La bola negra pese a que su participación era breve y eligió afrontar el personaje en un idioma que no hablaba. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”, recuerdan Javier Calvo y Javier Ambrossi que les dijo la actriz. “Cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. No era muy apetecible”, explicaron los Javis en el pódcast The Script. Los directores necesitaban “a alguien emocional para un texto algo frío”. Su respuesta fue inmediata: “Y esa era Glenn Close”.

El vínculo nació con un correo recibido a las tres de la mañana

La participación de Close en la película se originó mucho antes de que existiera el personaje pensado para ella. La actriz había visto La Mesías, la serie creada por los Javis, y decidió escribirles personalmente. Los dos directores estaban en la cama cuando recibieron el mensaje, enviado durante la madrugada. El correo incluía una carta de tres páginas dedicada a la serie. “Era un mail con una carta, PDF, adjunto, de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close”, explicaron los Javis al citado medio.

Antes de recibir el guion de la película inspirada en la obra inacabada de Lorca, Close había planteado a los directores otro proyecto. Quería llevar al cine el musical Sunset Boulevard, basado en la película El crepúsculo de los dioses, de Billy Wilder. “Le dijimos: ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’”. La negativa no interrumpió el contacto con la actriz, que no dudó en aceptar el papel de La bola negra cuando le hicieron llegar la propuesta.

De hecho, tan buena es la relación entre los cineastas españoles y la actriz estadounidense que, durante el Festival Internacional de Cine de Cannes, se vivió un momento surrealista cuando estos llamaron a la intérprete para contarle la respuesta del público a la película. La intérprete respondió con un mensaje de respaldo al equipo. “Estoy muy orgullosa de vosotros”, les felicitó entonces Close.

Penélope Cruz aparece un total de 18 minutos en La bola negra, pero su personaje basta para abrir una de las puertas más fascinantes de la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi e impulsar el camino que va descubriendo Sebastián (Guitarricadelafuente). La actriz ganadora del Oscar tiene dos números musicales y una conversación con el personaje que centra la línea temporal ambientada en 1937, en plena Guerra Civil.

Durante su escaso intercambio de palabras, la actriz que da vida a la cupletista Nené Romero anima al batallón durante una de las noches en el cuartel con dos temas. Entre las canciones que interpreta está Las tardes del Ritz, un fox-trot que interpretó en la vida real Edmond de Bries, uno de los transformistas más célebres del Madrid de comienzos del siglo XX, a quien la propia Nené menciona durante su conversación con Sebastián.

Detrás de aquel nombre artístico estaba Asensio Marsal Martínez, nacido en Cartagena a finales del siglo XIX. Según recoge la Real Academia de la Historia, su interés por el escenario comenzó cuando tenía 14 años y vio actuar en su ciudad al imitador de estrellas Ernesto Folliers. Días después, durante una fiesta familiar, Asensio se caracterizó como él. El público se divirtió tanto que decidió dedicarse al teatro. Incluso, llegó a aprender a coser para hacerse su propia ropa.

El transformista que menciona Penélope Cruz

Así, se marchó a Madrid para debutar en el ya extinto Teatro de la Encomienda, situado en el número 16 de la calle del mismo nombre, en el actual barrio de La Latina. Primero actuó simplemente como Marsal, su apellido; después adoptó el nombre de Salmar y, finalmente, adoptó su seudónimo con el que entraría en la historia: Edmond —o Egmont— de Bries.

El éxito, sin embargo, no llegó a la primera. El propio artista reconocería más tarde que aquellas primeras actuaciones eran “verdaderas patochadas”. Fue entonces cuando entró en escena Consuelo Vello Cano, La Fornarina, una de las grandes cupletistas de la época y amiga de De Bries, que le aconsejó refinar sus imitaciones y cuidar mucho más la puesta en escena.

Él le hizo caso. Renovó su vestuario, perfeccionó sus números y convirtió la transformación en el centro de su espectáculo. A partir de ahí comenzó a imitar a algunas de las artistas más populares del momento, como La Goya, La Bella Chelito o Pastora Imperio. “Fue calificado como el número uno, pues logró no vulgarizar sus actuaciones, demostrando siempre un gran respeto hacia sus imitadas. Tal era su perfección que, en cierta ocasión en Barcelona, el público se pasó una semana dudando si quien actuaba en escena era hombre o mujer”, recoge la Real Academia de la Historia. La curiosidad fue tal que un grupo de caballeros acudió hasta su hotel para salir de dudas. De Bries los recibió y, al día siguiente, ya no quedaba misterio alguno.

Su gran consagración llegó en Madrid, especialmente en el Teatro Fuencarral, donde obtuvo algunos de sus mayores éxitos. Allí estrenó Las tardes del Ritz, compuesta para él por Álvaro Retana, uno de los números que ahora ha recuperado La bola negra. El vestuario seguía siendo una parte fundamental de su propuesta: llegó a invertir auténticas fortunas en ropa y complementos, hasta el punto de que su guardarropa fue valorado en unas 35.000 pesetas de la época.

Su popularidad llegó incluso hasta la Casa Real, donde en 1919 actuó ante los reyes en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, Alfonso XIII y su mujer, la reina consorte Victoria Eugenia de Battenberg. Sin embargo, tres años después, durante una actuación en el Teatro Lara de Madrid, varios jóvenes protestaron contra su espectáculo al considerar que atentaba contra su “dignidad de varones”. El altercado terminó teniendo consecuencias: la Dirección General de Seguridad le prohibió actuar vestido de mujer al considerarlo “inmoral”.

No sería la última vez. Apenas unos meses después, un nuevo altercado durante su regreso al Teatro Fuencarral provocó otra prohibición por parte de la Dirección General de Seguridad. De Bries decidió entonces defenderse públicamente en una carta enviada a El Imparcial. “Mi repertorio es culto, moral y propio para familias”, escribió el transformista, que denunciaba que una docena de personas había provocado el alboroto y preguntaba: “¿Por qué razón se me atropella a mí, que me he gastado todo cuanto he ganado en perfeccionar mi trabajo?”.

Su historia terminó muy lejos del brillo de aquellos años. Después de ganar fortunas y convertirse en uno de los nombres más populares del transformismo español, Edmond de Bries murió en Barcelona arruinado y todavía soñando con volver a los escenarios. Más de un siglo después, La bola negra rescata su nombre y también una de sus canciones más célebres.

La película La bola negra se está convirtiendo rápidamente en uno de los estrenos más exitosos del año en las salas de cine españolas. La cinta de Javier Ambrossi y Javier Calvo (también conocidos como los Javis) ha llegado tras ser premiada en festivales de todo el mundo e incluso suena para llevarse varias nominaciones a los premios Óscar.

La historia de esta producción está dividida en varias líneas temporales, aunque todas giran alrededor de la obra de teatro homónima que en su día empezó (y nunca pudo terminar) Federico García Lorca, con su primer protagonista explícitamente homosexual. Junto al dramaturgo, que aparece brevemente en la película, también figuran otros personajes históricos de gran interés, entre ellos el de Rafael Rodríguez Rapún (interpretado por Miguel Bernardeau), una figura clave en la trama.

El estreno de La bola negra ha devuelto al primer plano la figura de este exfutbolista del Atlético de Madrid convertido en secretario de La Barraca y en uno de los grandes amores de Federico García Lorca. La escritora María Teresa León, esposa de Rafael Alberti y amiga cercana de ambos, dejó en sus memorias un retrato del dolor que padeció Rapún tras el fusilamiento del poeta: “Nadie como este muchacho silencioso debió sufrir por aquella muerte”, afirmaba. “Estoy segura de que, después de disparar su fusil rabiosamente, se dejó matar. Fue su manera de recuperar a Federico”.

Del mundo del fútbol al del teatro republicano

La figura de Rapún no se ha descubierto con la película de los Javis. En realidad, fue el hispanista Ian Gibson quien rescató su nombre del olvido en su libro Lorca y el mundo gay (Planeta), tras años de investigación destinados a identificar al hombre que inspiró los Sonetos del amor oscuro, una de las obras más famosas del escritor granadino.

Antes de cruzarse con Lorca, Rodríguez Rapún destacaba en las categorías juveniles del Atlético de Madrid mientras estudiaba en la Escuela de Minas de la capital. Con apenas veinte años se afilió al Partido Socialista Obrero Español, en sintonía con sus vínculos en la Universidad Complutense. Un año después se incorporó como secretario a las filas de La Barraca, la compañía de teatro universitario que dirigía Lorca y que llevaba a Lope de Vega, Calderón de la Barca o Cervantes hasta los pueblos más rurales de España.

El pintor y actor de la compañía Luis Sáenz de la Calzada, autor del libro más importante sobre La Barraca, dejó escrita su descripción física: “Cabeza muy grande, braquicéfala, cabello ensortijado, frente no muy amplia surcada por una profunda arruga transversal; nariz correcta que le daba, en cierta medida, perfil de estatua griega”.

Un amor no correspondido

La relación amorosa entre Rapún y Lorca se afianzó durante el verano de 1935, en plena gira teatral de La Barraca. Federico lo convirtió en su secretario personal, más allá del cargo administrativo que ya ocupaba en la compañía. Rapún, sin embargo, no era homosexual. Tuvieron momentos de intimidad, pero el joven nunca ocultó una heterosexualidad que provocó en Lorca desengaño y sufrimiento.

Esa tensión sentimental quedó registrada en la única carta de Rapún a Lorca que se ha conservado, escrita cuando ambos estaban separados: “Dejar de ver a una persona con la que has estado pensando, durante meses, todas las horas del día es muy fuerte para olvidarlo. Máxime si hacia esa persona se siente uno atraído tan poderosamente como yo hacia ti”.

En noviembre de 1935, Lorca viajó a Valencia para las últimas representaciones de Yerma. Citó a Rapún, que no llegó a comparecer. Desde el Hotel Victoria de esa ciudad, el poeta escribió los diez primeros borradores de los Sonetos del amor oscuro, entre ellos El amor duerme en el pecho del poeta y un Soneto gongorino que arranca así: “Este pichón del Turia que te mando, de dulces ojos y de blanca pluma…”.

El fusilamiento del poeta y el alistamiento de Rapún

El estallido de la Guerra Civil, el 17 de julio de 1936, sorprendió a Lorca en Madrid. El poeta decidió permanecer en Granada, en casa de Luis Rosales, cuyos hermanos militaban en Falange, convencido de que estaría a salvo. La Guardia Civil lo detuvo el 16 de agosto de 1936 y lo acusó de haber sido secretario del ministro Fernando de los Ríos y de su homosexualidad. Lo fusilaron dos días después y la noticia llegó a Madrid, donde vivía Rapún, que decidió alistarse en el Ejército Republicano.

Rapún hizo un curso de artillería en la ciudad de Lorca, en Murcia, y obtuvo la graduación de teniente. Fue destinado al frente del norte, donde las fuerzas republicanas intentaban frenar el avance de la Legión Cóndor alemana, los voluntarios italianos enviados por Mussolini y las brigadas mandadas por el general Dávila. El 15 de agosto de 1937, la Legión Cóndor bombardeó Bárcena de Pie de Concha, donde se encontraban Rapún y sus hombres. Las heridas obligaron a trasladarlo a un hospital de campaña en Santander.

Murió el 19 de agosto de 1937, exactamente un año después del fusilamiento del poeta, a los 25 años. Fue enterrado primero en una tumba sin identificar del cementerio de Ciriego; diez años después, su padre solicitó el traslado de los restos al nicho donde reposan en la actualidad.

Pompeyo Trogo fue uno de los historiadores más importantes de la época del emperador Augusto, con trabajos tan célebres como sus Historias Filípicas, la primera gran obra histórica universal escrita en latín. Se trata de un proyecto que comprende 44 volúmenes distintos y que abarca desde las primeras civilizaciones orientales hasta la consolidación del propio Imperio romano.

En las Historias Filípicas no faltaba un análisis de Hispania, región con la que Pompeyo Trogo tenía una relación marcada por lazos familiares. Su abuelo luchó en suelo hispano bajo las órdenes de Cneo Pompeyo Magno durante la guerra contra Quinto Sertorio y su propio padre colaboró estrechamente con Julio César como secretario e intérprete. Estas vivencias heredadas permitieron al cronista obtener una perspectiva amplia y directa sobre la compleja realidad militar peninsular.

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Aunque la obra original de Trogo terminó perdiéndose con el paso del tiempo, el gramático Marco Juniano Justino salvó parte de su contenido en el siglo II o III. Justino elaboró una síntesis conocida como el Epítome de las Historias Filípicas, en cuyo libro XLIV rescató una de las citas más conocidas de Pompeyo Trogo: “Los habitantes de Hispania prefieren la guerra al descanso y, si no tienen un enemigo que venga de fuera, buscan uno en su propia tierra”.

El significado de las palabras de Pompeyo Trogo

La afirmación de Pompeyo Trogo retrata la persistente división interna de la Hispania prerromana. Lejos de conformar una entidad política unificada, la península estaba fragmentada en un mosaico de tribus celtíberas, íberas y lusitanas que mantenían continuas rencillas. Cuando cesaban las guerras organizadas contra invasores, estas comunidades encauzaban su energía bélica hacia enfrentamientos entre ellas mismas.

Por otra parte, el historiador también resalta la psicología guerrera propia de la época. Para muchos de estos pueblos, lo bélico no constituía una simple respuesta defensiva, sino una forma de vida vinculada al honor, el prestigio y la identidad. Trogo advirtió que la inactividad prolongada generaba tensiones internas, empujando a los guerreros a buscar nuevos conflictos para demostrar su destreza en el combate.

Roma tardó dos siglos en dominar completamente Hispania, y solo lo consiguió cuando los generales romanos aprendieron a explotar las rencillas entre tribus locales para forjar alianzas. Esto no dista mucho de lo que encontramos a día de hoy en la política española e internacional. Esta se caracteriza por una marcada polarización y fragmentación identitaria, regional o ideológica, de modo que, cuando no existe un reto o crisis global que una a la sociedad, las comunidades tienden a replegarse en dinámicas de “bloques” y a buscar el enemigo en el vecino.

Los historiadores clásicos e Hispania

Pompeyo Trogo no fue el único romano fascinado por las costumbres peninsulares. Historiadores de la talla de Estrabón o Polibio documentaron extensamente la tenacidad y austeridad de los hispanos. El primero, de hecho, detalló sus rigurosas formas de vida en la Geografía, y muy famosa es la anécdota que cuenta Tito Livio sobre la firme decisión de numerosas comunidades que prefirieron el suicidio colectivo a someterse al yugo militar de las legiones romanas.

De igual modo, escritores posteriores como Plinio el Viejo o el geógrafo Claudio Ptolomeo recopilaron datos valiosos sobre los recursos minerales y la distribución de las etnias prerromanas. Todos coincidieron en retratar a los antiguos habitantes de la península como combatientes admirables y austeros, cuya marcada independencia dificultó significativamente el proceso de asimilación cultural dentro del Imperio romano.

Samuel Alonso Omeñaca ha sido nombrado nuevo director de la Feria del Libro de Madrid con la misión de preservar el prestigio y proyectar este evento literario, convertido en símbolo de la ciudad, de cara a los próximos años. Escritor, editor y gestor cultural, llega al cargo tras la decisión de la Junta Directiva de la Asociación de Librerías de Madrid, desde donde se ha optado por su perfil al reunir experiencia en la organización de ferias, el trabajo editorial, la divulgación y la formación especializada.

La designación sitúa al nuevo responsable al frente de uno de los principales espacios culturales dedicados al libro y la lectura en España. Alonso Omeñaca asumirá la dirección con el encargo de fortalecer el vínculo entre la Feria, las librerías y el resto de los profesionales del sector. La Asociación de Librerías de Madrid plantea una etapa centrada en el diálogo, la programación cultural y la mejora de la experiencia de autores, expositores y público.

La experiencia de Samuel Alonso combina gestión cultural y edición

Antes de llegar a Madrid, Samuel Alonso dirigió la Feria del Libro de Zaragoza y la Semana del Libro de Ejea de los Caballeros. También participó en distintas ediciones de la Feria del Libro de Madrid, donde coordinó proyectos y actividades y completó un recorrido profesional que le da un conocimiento directo de la organización del encuentro madrileño y de los agentes que intervienen cada año: librerías, editoriales, distribuidoras, instituciones, autores y lectores.

Su trayectoria editorial incluye la dirección de 451 Editores, sello de Edelvives. Además, estuvo al frente de la colección Otros Espacios, de Anaya Infantil. El nuevo director también trabajó como editor y asesor literario para sellos como Edelvives, Capitán Swing y Nórdica. Su actividad profesional abarcó, a la vez, la comunicación y la divulgación vinculadas al mundo del libro.

Licenciado en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Salamanca, Alonso completó un máster universitario en Edición impartido por esa institución junto con Grupo Santillana. A lo largo de su carrera colaboró con administraciones públicas, fundaciones, bibliotecas e instituciones culturales. Es autor de varias publicaciones y formó parte de jurados dedicados a la ilustración y a la literatura infantil y juvenil. De hecho, la programación para niños y jóvenes figura entre los aspectos que la Asociación valoró de forma expresa al elegirlo.

La Asociación busca reforzar el papel de las librerías

El proceso para elegir a la nueva dirección comenzó el 29 de julio y ha contado con el apoyo de profesionales vinculados a librerías, editoriales y distribuidoras. La decisión final quedó en manos de la Junta Directiva de la Asociación. Luis Miguel Tigeras Sierra, presidente de la entidad, ha explicado el criterio detrás del nombramiento, señalando la confianza de la junta en “la dilatada experiencia de Samuel Alonso y en su conocimiento del sector”.

Tigeras Sierra ha añadido que el objetivo pasa por “impulsar la Feria desde el diálogo y el trabajo compartido”, en una nueva etapa que debe reforzar a las librerías y el vínculo con sus lectores. Por ello, Alonso Omeñaca iniciará una ronda de contactos con librerías, editoriales e instituciones, en busca de recoger perspectivas directas sobre los retos y las oportunidades que afronta la Feria.

“Asumo esta responsabilidad con ilusión y respeto”, ha afirmado el director al referirse a la dimensión cultural e internacional de la Feria del Libro de Madrid. En su planteamiento, el punto de partida será una revisión del funcionamiento del encuentro, con una “primera labor” que consistirá en abrir “una reflexión profunda para optimizar la experiencia de todo el ecosistema de la Feria: organización, expositores, lectoras y lectores”.

La edición de 2027 abrirá el nuevo ciclo en El Retiro tras el cese de Orúe

La llegada de Alonso coincide con una edición marcada por dos referencias institucionales. La Asociación de Librerías de Madrid celebrará su 50º aniversario al mismo tiempo que la Feria alcanzará su 86ª convocatoria. El encuentro se celebrará entre el 28 de mayo y el 13 de junio de 2027 en el parque de El Retiro.

La designación de Samuel Alonso Omeñaca se produce tras el cese de Eva Orúe, anterior directora de la Feria del Libro de Madrid. La Asociación de Librerías le comunicó la decisión en la mañana del 6 de julio de 2026. Tras conocer la medida, Orúe aseguró que no compartía “ninguna de las razones” que alegaron en su cese. La exdirectora añadió que había recibido “el despido inmediato” y señaló: “No puedo decir nada más”.

Francis Scott Key Fitzgerald (Minnesota, 1896-Hollywood, 1940), más conocido como F. Scott Fitzgerald, fue uno de los grandes nombres de la literatura estadounidense del siglo XX y uno de los escritores que mejor retrató las luces y sombras de los felices años veinte, además de representar algunos de los grandes mitos del llamado sueño americano. El gran Gatsby, publicado en 1925, terminó convirtiéndose en su obra cumbre, precisamente por representar los excesos de la conocida como era del jazz: el dinero, la ambición, la codicia y la promesa de empezar de nuevo. Hoy, la novela que retrata la trágica historia del millonario Jay Gatsby y su obsesión por recuperar a su antiguo amor, Daisy Buchanan, es uno de los mayores clásicos de la literatura -y del cine-, algo que no ocurrió en el momento de su publicación, que fue considerada un fracaso por parte del público.

Fitzgerald no solo publicó esta obra, sino que escribió cuatro novelas, numerosos relatos y ensayos, muchos de ellos aparecidos inicialmente en revistas estadounidenses. Entre esas historias se encuentra Lo más sensato (The Sensible Thing), un cuento publicado por primera vez en 1924 en la revista Liberty y que dos años después quedó recogido en el volumen All the Sad Young Men. Es aquí donde el novelista y escritor dejó una de sus citas más recordadas: “Hay toda clase de amores en este mundo, pero nunca el mismo amor dos veces”.

El origen de la cita

El relato sigue a George O’Kelly, un aspirante a ingeniero convertido en vendedor de seguros que mantiene una relación con Jonquil Cary, pero cuya falta de perspectivas económicas termina interponiéndose entre ambos. George se marcha decidido a conseguir el éxito profesional que cree necesario para poder estar con ella. Cuando finalmente regresa, descubre que el tiempo también ha transformado lo que sentían.

Es precisamente al final del relato cuando Fitzgerald condensa esa idea en una de sus frases más citadas. Mientras George besa de nuevo a Jonquil, comprende que podría pasar toda la eternidad intentando recuperar aquellos momentos perdidos y que nunca lograría revivirlos exactamente como fueron. El escritor cierra entonces la historia con la sentencia citada; “Hay toda clase de amores en este mundo, pero nunca el mismo amor dos veces”.

Nacido el 24 de septiembre de 1896 en Saint Paul, Minnesota, Fitzgerald alcanzó el éxito muy joven. En 1920 publicó su primera novela, A este lado del paraíso, que lo convirtió prácticamente de la noche a la mañana en uno de los escritores más reconocidos de su generación. Entre medias, publicó otros relatos hoy mundialmente conocidos, como El curioso caso de Benjamin Button, en 1922.

Ese mismo año también llegaría Hermosos y malditos y más tarde, El gran Gatsby (1925) y Suave es la noche (1934). En sus últimos años se trasladó a Hollywood, donde trabajó como guionista mientras trataba de recomponer su carrera literaria. Murió el 21 de diciembre de 1940, a los 44 años, a causa de un ataque al corazón, dejando inacabada la novela The Last Tycoon. Décadas después, su obra terminaría ocupando el lugar que no siempre tuvo en vida y Fitzgerald se consolidaría como una de las voces esenciales de la literatura estadounidense del siglo XX.

“El corazón de un maricón es un océano lleno de secretos” es una frase que puede escucharse del personaje interpretado por la actriz de Avilés en la parte final de la película, cuando se produce una de las grandes revelaciones de la historia que componen Carlos (Milo Quifes), Sebastián (Guitarricadelafuente) y Alberto (Carlos González). Una frase contundente pero detrás de la cual hay un gran significado, explicado por los directores de la película, Javier Calvo y Javier Ambrossi, así como por la propia Yenesi.

“Wow, qué pedazo de frase, El corazón de un maricón es un océano de secretos. Yo me he ahogado en corazones de maricones llenos de secretos. Buceo, llego hasta el fondo, se me cae la bombona y ahí me quedo”, contaba la actriz de Mariliendre, que da vida en la película a una abogada y ayudante del albacea de la familia de Alberto y Teresa (Lola Dueñas), la cual se ha mantenido separada durante años pero a raíz de la repentina muerte del abuelo hace que Alberto tenga que acudir a Cantabria para recibir el último testamento de su lejano pariente. Más allá de lo evidente, que muchas personas homosexuales esconden en su corazón grandes secretos, la frase se trata de un guiño directo a una de las películas de cabecera de los Javis: Titanic de James Cameron.

Un homenaje a una película predilecta

¿Qué descubrí con esta frase? Pues que es una referencia directa a Titanic, que nunca la vi entera, era muy pequeña cuando la pusieron por la televisión", aseguraba Yenesi a Shangay en una entrevista promocional de la película. La referencia a Titanic fue reconocida por los directores de la película, al igual que otras como el cine de Andrei Tarkovsky o Béla Tarr, aunque sin duda parece que este referente tenía un mayor anclaje emocional para ellos.

“Yenesi tiene que decir esa frase porque La bola negra es Titanic. Es una historia de amor imposible”, contaba Javier Calvo en La Ser. “Al leer La piedra oscura de Alberto Conejero, que es el germen de La bola negra, había una intimidad que me llevaba a El paciente inglés o Titanic evidentemente”, secundaba Javier Ambrossi, quien mencionaba otra película de referencia para La bola negra, especialmente en cuanto a su estructura. “Al construir las tres tramas también apareció la idea de Las horas, una peli que fuera apetecible para el espectador, que tuviera esa cosa antibelicista, que tuviera esta cosa antifascista, pero que también fuera una peli que apelara a todas las audiencias y que fuera atractiva. Si vas a hacer una peli grande, vamos a intentar que llegue a la gente!. Dicho y hecho.

Antonio Banderas ha provocado una fuerte polémica en redes sociales tras pedir que se atienda a “toda la realidad completa” de los desahucios en España y no solo al caso de Maricarmen, la mujer desalojada de su vivienda la semana pasada. El actor malagueño hizo estas declaraciones durante una entrevista con la Cadena COPE. El intérprete, ganador del Goya a Mejor Actor Protagonista en 2020 y del Goya de Honor en 2014, defendió que su interés está puesto en el conjunto de personas afectadas por desalojos en el país, y no en un único caso convertido en símbolo mediático.

“Me interesa toda la realidad completa y no una específica para un uso político específico. Pienso en Maricarmen, sí, pero también en los 25.000 desahuciados que ha habido en nuestro país”, afirmó Banderas en la entrevista. Ante la pregunta sobre el desalojo de Maricarmen, el actor sostuvo que se debe evitar el uso de un caso individual con fines políticos concretos, y reclamó una mirada más amplia sobre la magnitud de los desahucios en España. Insistió en que su postura no niega el caso puntual, sino que busca incorporarlo dentro de un panorama más extenso.

Banderas señaló además que el foco mediático podría haber recaído en otra situación similar: “Quizás podría haber salido de otra región española porque también ocurrió hace unas tres semanas con una mujer desahuciada con hijos, más joven que Maricarmen, en Cataluña, que además se suicidó”. Con esta comparación, remarcó que existen otros casos de desahucio que no alcanzaron la misma repercusión pública. “A mí me interesa toda la realidad completa y no una específica para un uso político específico”, repitió el actor, subrayando el eje central de su argumento.

El desahucio de Maricarmen y las protestas en España

Maricarmen, de 87 años, fue expulsada de su vivienda el pasado miércoles después de más de siete décadas viviendo en ella. Su caso se transformó en un símbolo de la situación actual del mercado inmobiliario en España. El desalojo derivó en manifestaciones en distintos puntos del país y en una acampada instalada en la Puerta del Sol de Madrid. Banderas reconoció el peso simbólico que adquirió el caso: “Se ha convertido en un icono y en un símbolo”, dijo el actor sobre la repercusión de la situación de Maricarmen.

El actor trasladó su argumento sobre la necesidad de mirar “toda la realidad” a otros conflictos internacionales, en referencia al lema histórico “No a la guerra”. “No, no a las guerras. Vamos a hablar en plural porque a mí me conmueve cuando veo a un niño palestino salir empolvado como si fuera un boquerón de un bombardeo, pero también me conmovió el 7 de octubre cuando les pasó a los judíos lo que les pasó”, expresó Banderas. El intérprete amplió su lista de conflictos que, según dijo, merecen la misma atención: “También me sigue conmoviendo lo que les pasa a los cristianos en Nigeria o en Sudán y me conmueve también lo que han hecho los hutíes en Yemen”. Con estas referencias, Banderas buscó ilustrar su idea de que la atención pública no debería concentrarse en un único conflicto o causa, dejando de lado otras situaciones de violencia que ocurren de forma simultánea en distintas partes del mundo.

“El mundo es muy amplio, hay mucha violencia, demasiada y a muchos niveles. Apoyar una causa y desaprovechar lo que está pasando en otras me parece que ya tiene un tinte completamente distinto, hay que estar a todas”, concluyó el actor durante la entrevista. Las declaraciones de Banderas, que vinculan el caso de Maricarmen con una reflexión sobre distintos conflictos internacionales, generaron un fuerte revuelo en redes sociales tras su difusión, con ciertas críticas al actor por no apoyar de forma más contundente el caso.

Casey Affleck admitió que llamó a Christopher Nolan para resolver una discusión con su hijo sobre la película Tenet, una decisión que después calificó de error. El actor compartió la anécdota durante una entrevista pública en el Festival de Cine de Zúrich, donde también reflexionó sobre su experiencia trabajando con el director. Affleck trabajó con Nolan en Oppenheimer e Interstellar, y aprovechó la conversación en Zúrich para hablar tanto del episodio personal como de lo que significó formar parte del set del director.

“Estaba conduciendo de regreso de la escuela con mi hijo. Hablábamos de Tenet y no estábamos de acuerdo. Dije: ‘Vamos a resolver esto’”, contó Affleck ante el público del festival. La solución que eligieron fue llamar directamente al director de la película para zanjar la discusión. Sin embargo, la respuesta de Nolan dejó al actor con una sensación incómoda. “Lo llamamos y le preguntamos algo que fácilmente podríamos haber buscado en Reddit. Una vez que lo dijo, sonó tan obvio que me sentí avergonzado”, relató Affleck. “Eso fue todo. No lo he vuelto a llamar, y él tampoco me ha llamado a mí”.

Más allá de la anécdota telefónica, Affleck destacó lo que significó trabajar bajo la dirección de Nolan en dos de sus proyectos. Para el actor, la experiencia se diferencia claramente de otros rodajes. “Fue un honor, en verdad. Todos sienten lo mismo. Cuando estás en su set, es diferente a otras películas”, afirmó Affleck. Según describió, el estilo de Nolan combina un trato cercano con instrucciones precisas. “Es inclusivo y da indicaciones mínimas pero brillantes. Hace que todos a su alrededor den lo mejor de sí”, agregó el actor, quien también ha dirigido tres películas propias.

Un ‘outsider’ en Hollywood

Affleck aprovechó la figura de Nolan como ejemplo de una forma de trabajar que él mismo intenta seguir, alejada de las decisiones puramente comerciales. “No tengo una orientación carrerista en mi forma de pensar, y no lo digo con falsa modestia. Simplemente no sabría por dónde empezar”, explicó. “Nolan es un gran ejemplo de eso”. El actor remarcó que, pese al éxito masivo de las películas del director, considera que no responden a una lógica de mercado. “Hace estas películas gigantescas, enormemente populares y exitosas, pero no creo que las haga solo para complacer a otros”, dijo Affleck. “No quiero poner palabras en su boca, pero hace cosas que le interesan a él”, agregó. “Si yo pudiera hacer eso, tendría suerte”.

Affleck ganó el Premio de la Academia por su actuación en Manchester by the Sea, de Kenneth Lonergan, pero calificó la noche de la ceremonia como una experiencia atemorizante. “Esperaba que ganara Denzel Washington [por Fences]. Fue un momento aterrador tener que pararme en ese escenario. No puedo recordar nada de lo que dije”, contó. “Pero sí recuerdo que no agradecí a toda la gente a la que se supone que hay que agradecer. No agradecí a Kenneth, no agradecí a mis hijos, que me alentaron a hacer la película y me apoyaron todo el tiempo. Fue levemente traumático”. El actor también recordó el gesto de un colega tras bajar del escenario. “Recuerdo caminar fuera del escenario y ver a Leonardo DiCaprio parado entre bambalinas. Yo todavía estaba atrapado en un momento de terror y desorientación, y él se estaba riendo y me dio un gran abrazo. Después me sentí mejor”, relató.

Affleck cerró su reflexión sobre el oficio de actuar con una idea sobre el recorrido profesional. “Hay una ilusión de elegir el camino en el que uno quiere estar. El camino te elige a ti”, dijo. “Tienes que encontrar tu manera y cometer todos estos errores. Hacer malas películas, arriesgarte y dar malas actuaciones, no conseguir los trabajos que querías y ver a otra gente conseguir los trabajos que tú querías. Lo bueno de ser actor es que puedes llevarte todos esos sentimientos difíciles y hacer algo con ellos. Es la mejor parte del trabajo”.

La temporada consta de 13 episodios y ha comenzado con un estreno de tres capítulos: 13, 1:13 AM y Rauhnacht. Los episodios duran menos de 30 minutos y dejan diez entregas para resolver la conexión entre los personajes recuperados, los sucesos sobrenaturales y la amenaza que rodea a Mr. Nas.

La acción arranca con Kira, interpretada por Madelaine Petsch, y Ben, encarnado por Joey Pollari. Ella vive obsesionada con el 13; él padece ‘triskaidecafobia’, el temor a ese número, y acepta acompañarla en un viaje de cumpleaños temático para intentar salvar su relación.

Un accidente aéreo altera esa premisa. Tras la tragedia, Ben consigue empleo como cuidador de enfermos terminales de Mr. Nas, un hombre de 87 años que reside en un lujoso ático neoyorquino y cuya conducta nocturna incluye vómitos de bilis negra.

Qué cuentan los tres primeros episodios

Jessica Lange reaparece como Constance Langdon, la matriarca de La casa del crimen, primera temporada de la antología, y trabaja como cuidadora diurna de Mr. Nas. El personaje se convierte en el vínculo entre Ben, el anciano, y una sucesión de rostros procedentes de distintas etapas de la serie.

Lange sostiene el arranque con sus réplicas mordaces y sus monólogos, incluso en escenas como la explicación a Ben de cómo asear a fondo a Nas con una esponja. La actriz no encabezaba una temporada desde Freak Show, la cuarta, aunque apareció como invitada en Apocalypse, la octava.

La recuperación de Constance no llega sola. Entre los regresos encontramos a Addie Langdon, interpretada por Jamie Brewer; Tate Langdon y el Hombre de Goma, ambos a cargo de Evan Peters; los hermanos Winter y Kai Anderson, de Cult, interpretados por Billie Lourd y Peters; y Elizabeth Short, el fantasma de La casa del crimen encarnado por Mena Suvari.

También vuelven las brujas de Coven. Sarah Paulson retoma a Cordelia Goode y Emma Roberts a Madison Montgomery, cuyo regreso recupera la frase “Sorpresa, zorra”, convertida en un meme tras la emisión de la tercera temporada en 2013.

Una temporada diseñada para descifrar referencias

13 exige conocer a fondo la continuidad de la serie, así que los espectadores que no hayan seguido las temporadas anteriores encontrarán poco que disfrutar y pueden perderse entre alusiones, personajes resucitados y pistas sobre qué figuras siguen vivas o muertas.

El volumen de referencias incluye a Twisty el Payaso, de Freak Show, que reaparece para masacrar una escuela de payasos de Los Ángeles en una secuencia con participación de Tig Notaro. Hay, además, una información televisiva sobre la desaparición de cadáveres de figuras históricas muertas en distintos lugares del mundo.

La historia conduce hacia una suerte de purgatorio en la casa de Mr. Nas, donde se reúnen personajes fallecidos de la franquicia. La serie plantea allí la formación de 13 protagonistas femeninas vinculadas a víctimas de temporadas anteriores, mientras se aproxima Rauhnacht, una festividad en la que vivos y muertos se mezclan.

En cuanto a la estética visual, priman las lentes de ojo de pez deformadas, establecida por Murphy en el estreno, que ha vuelto a ponerse detrás de la cámara por primera vez desde Hotel, la quinta temporada. Ned Martel y Charlie Carver, responsables de buena parte de AHS: NYC, firman casi toda esta entrega.

La acumulación de tramas es un tanto desconcertante. El comienzo es ambicioso, cargado de muertes, humor camp y apariciones destinadas a recompensar a los fans, pero demasiado disperso y lento para una temporada de cruce tan extensa. El exceso, eso sí, se mantiene intacto como sello de la franquicia, así como su estética macabra y sangrienta. Por el momento, es todo un disparate.

El actor escocés Alan Cumming, quien interpreta a Nightcrawler en Vengadores: Doomsday, afirmó que no comprende la trama completa de la película pese a formar parte del elenco. En una entrevista con SiriusXM, Cumming contó además que nunca compartió una escena física con Florence Pugh, ya que fue la doble de acción de la actriz quien participó en las secuencias junto a él. “Para ser honesto, no entiendo del todo el argumento”, dijo Cumming en el programa. El actor explicó que Marvel no le permitió leer el guion completo de la producción, y que ni siquiera durante el rodaje logró tener claridad sobre lo que ocurría en la trama. Cumming remarcó que esa falta de información no se limitó a la etapa previa al rodaje. Según su relato, tampoco pudo despejar sus dudas mientras filmaba sus propias escenas dentro del set.

El actor relató que su función en la película se limitó, según sus propias palabras, a correr por el set. Cumming recordó una de las pocas escenas que filmó en locación real, sin pantalla verde de por medio.“Hubo un momento en que estábamos filmando una escena, y era una de las pocas veces que yo estaba realmente en el set y no frente a una pantalla azul”, relató. “Y este hombre vino y me dijo: ‘Bueno, ahora, Alan, estos robots gigantes están bla, bla, bla’, y empezó a contarme todo eso, y yo pensé: ‘Sabes qué, muchas gracias, pero dime hacia dónde tengo que apuntar lo que sea que tenga que apuntar. Y eso voy a hacer. En serio, solo sé que estoy aquí para correr’”.

Alan Cumming reconoció públicamente que no entiende la trama completa de Vengadores: Doomsday, aunque interpreta a Nightcrawler en la cinta. Según contó en SiriusXM, ni siquiera durante el rodaje de sus escenas logró comprender el contexto narrativo, ya que Marvel no le permitió leer el guion completo del filme. La anécdota del hombre que intentó explicarle la escena de los robots ilustra, según el propio actor, el nivel de hermetismo con el que Marvel maneja la información dentro de sus rodajes. Cumming decidió no insistir en obtener más detalles y limitarse a cumplir con la indicación técnica que necesitaba para su actuación.

El regreso de Nightcrawler tras 23 años

Cumming también relató un cruce reciente con Florence Pugh en la ceremonia de los premios Emmy, donde ambos actores descubrieron que jamás habían actuado juntos de manera directa en la película, pese a compartir una escena en la trama. “Y vi a Florence Pugh ayer en los Emmy”, agregó Cumming. “Y le dije: ‘Qué gracioso, nunca te conocí, pero te pusiste encima de mí, o tu doble de cuerpo lo hizo’. Y ella me dijo: ‘Sí, yo también me puse encima de ti, pero era tu doble de cuerpo’”. El intercambio confirmó que ninguno de los dos actores filmó esa secuencia de forma presencial junto al otro, sino que cada uno trabajó con el doble de acción de su contraparte. La escena, que en la película muestra a ambos personajes en contacto directo, fue en realidad producto del trabajo por separado de los dobles y la posterior edición.

Cumming retoma al mutante Nightcrawler junto a otros intérpretes históricos de la saga X-Men que también regresan en Vengadores: Doomsday: Patrick Stewart, Ian McKellen, Rebecca Romijn y James Marsden. El actor debutó con este personaje en X2: X-Men United, estrenada en 2003, pero no volvió a interpretarlo en ninguna otra entrega de la franquicia. Esto convierte a Doomsday en la primera oportunidad que tiene Cumming de volver a encarnar a Nightcrawler después de 23 años de ausencia en pantalla. La presencia de estos actores, todos vinculados a las primeras películas de “X-Men”, se suma al elenco de Vengadores: Doomsday en lo que constituye un cruce entre distintas generaciones de producciones de superhéroes de Marvel.

Cumming también describió los cambios técnicos en la caracterización de Nightcrawler entre su primera aparición y el rodaje actual. Según explicó, el proceso de maquillaje se redujo de manera considerable gracias a nuevas tecnologías. “Antes eran unas cuatro horas y media para aplicarlo, pero ahora son solo 90 minutos”, explicó Cumming. “Antes, todos los tatuajes se hacían a mano. No los habían decidido antes de que empezáramos a filmar. Ahora, simplemente se los pegan a mi cara. Es un cambio total”. El actor detalló que en 2003 el equipo de maquillaje definía los diseños de los tatuajes del personaje durante el propio rodaje, mientras que en esta ocasión el proceso llegó ya resuelto antes de comenzar las filmaciones, mediante piezas prefabricadas que se aplican directamente sobre su rostro. Vengadores: Doomsday se estrena en cines el 18 de diciembre.

Nadie habla de otra cosa en los círculos literarios. Thélyson Orélien, autor canadiense de origen haitiano, ha sido acusado de plagio y de haber utilizado la inteligencia artificial para escribir su primera novela, C’était ça ou mourir, después de que varios detectores atribuyeran su redacción a sistemas automatizados y salieran a la luz acusaciones sobre textos anteriores.

El 21 de septiembre de 2026, una cuenta anónima de X llamada Balance ton Claude, con 92 seguidores, sostuvo que C’était ça ou mourir había sido escrita casi por completo con IA tras analizar fragmentos mediante Pangram. La publicación superó las 1.000 veces compartida y acumuló más de tres millones de visualizaciones en menos de dos días.

Las sospechas han derivado en un debate editorial sobre los límites entre utilizar la IA como apoyo durante la escritura y delegar en ella la elaboración íntegra de una obra. La cuestión también ha puesto bajo escrutinio la capacidad de las editoriales para detectar plagios y contenidos generados automáticamente antes de su publicación.

Orélien niega haber recurrido a esas herramientas. El escritor ha afirmado que terminó el primer borrador de la novela en 2019, tres años antes de la aparición de ChatGPT a finales de 2022, y ha explicado a la agencia AFP que reúne documentación con sus editores para demostrar que escribió el libro personalmente.

Qué se sabe de las acusaciones de IA

La novela, publicada en Canadá por Éditions du Boréal y en Francia por Grasset, sigue a Jonas Dorléon, un profesor haitiano que escapa de la violencia de las bandas y atraviesa 12 países hasta llegar a Canadá. Orélien ha dicho que no escribió la obra “con la cabeza, sino con las tripas y el corazón”.

El libro había despertado una atención poco habitual antes de su publicación en Quebec en marzo de 2026. Los derechos para la Europa francófona fueron adquiridos por Grasset y se anunciaron traducciones en más de 20 países, entre ellos Estados Unidos, Corea del Sur, Brasil, Reino Unido y Canadá anglófono.

La obra alcanzó el primer puesto de las listas de ventas en francés de las librerías independientes durante su primera semana y fue ‘preseleccionada’ para los premios Goncourt, Renaudot, Femina y Médicis. The New York Times dedicó un amplio perfil a Orélien y presentó la novela como un relato que describe Estados Unidos no como un destino ideal, sino como un lugar inhumano del que se debe huir.

Los análisis difundidos por Balance ton Claude elevaron la polémica. De acuerdo con los resultados divulgados, los 35 capítulos de la novela obtuvieron valoraciones de entre el 95% y el 100% IA en varios detectores, incluido Pangram. La cuenta también comparó esos resultados con novelas de otros escritores haitianos, que fueron clasificadas como textos humanos por las mismas herramientas.

Pangram sostiene que su sistema identifica señales lingüísticas sutiles asociadas a los modelos generativos. La cuenta que lanzó las acusaciones afirmó que el detector tiene una tasa de falsos positivos del 0,0041%, equivalente a aproximadamente un texto humano por cada 24.400, y que solo 14 de 996.273 textos previos a 2022 fueron clasificados como parcialmente escritos por IA.

Esa fiabilidad ha sido cuestionada por otros usuarios. El periodista francés Clément Garin sometió a Pangram un texto que había escrito en el invierno de 2020, antes de la aparición de ChatGPT, y aseguró que la herramienta lo etiquetó como “100% IA”. “Hice IA antes de la IA”, ironizó en X.

Los detectores no ofrecen un veredicto definitivo

La agencia AFP, ha señalado que otros programas ofrecieron conclusiones distintas sobre los mismos pasajes. InVID-WeVerify, una herramienta ‘cocreada’ por AFP, indicó que los extractos examinados fueron “muy probablemente escritos por un humano”, mientras que otros siete detectores arrojaron resultados divergentes.

Thierry Poibeau, director de investigación del CNRS y especialista en procesamiento automático del lenguaje, ha explicado que los detectores buscan regularidades en los textos, como estructuras repetitivas de frase o ciertos signos de puntuación. Entre los rasgos asociados históricamente a textos automatizados citó las construcciones ternarias y los guiones largos.

El investigador ha advertido, no obstante, de que esos patrones pueden coincidir con la escritura de un autor humano. “La herramienta puede detectar en la escritura algo particular, algo repetitivo, pero quizá sea precisamente eso lo que constituye el estilo de un escritor”, ha señalado Poibeau en declaraciones recogidas por AFP.

Max Spero, director general y cofundador de Pangram, declaró en mayo de 2026 a The Atlantic que su herramienta no debe actuar nunca como “el árbitro final”, sino como el punto de partida para una investigación más profunda. WinstonAI, otro sistema de detección, también precisa que solo identifica textos susceptibles de haber sido generados por IA, sin certificarlo de forma concluyente.

Grasset rechazó los comentarios que afirmaban de forma categórica que la novela había sido escrita o alimentada por inteligencia artificial y sostuvo que esas acusaciones herían al escritor. Boréal indicó inicialmente que se tomaba el caso en serio, aunque mantenía su confianza en el trabajo de Orélien y disponía de versiones de los manuscritos que documentaban el proceso creativo; el 24 de septiembre suspendió la promoción del libro.

La controversia tuvo consecuencias en los premios. El 25 de septiembre, la Academia Goncourt retiró C’était ça ou mourir de su primera selección para el Goncourt de 2026 por las acusaciones de plagio y por considerar “muy probable” que la obra fuera en gran medida producto de la IA. Ese mismo día, el autor perdió el premio Espoir CIC de Estrasburgo.

Las acusaciones de plagio se extienden a trabajos previos

El 24 de septiembre, Le Figaro reveló que la persona tras Balance ton Claude era el ensayista Samuel Fitoussi, columnista de ese diario, inversor en inteligencia artificial y autor de un ensayo contra el ‘wokismo’. Fitoussi ha descrito la situación como “sumamente compleja” y ha alertado de que los modelos mejoran a gran velocidad y compiten por una atención humana limitada.

Las sospechas sobre Orélien no se limitan a su primera novela. La Presse informó de que una de sus columnas publicadas en 2013 era “casi en su totalidad” una “traducción ligeramente revisada” de un artículo aparecido pocos días antes en el periódico filipino The Philippine Star. Radio-Canada mencionó asimismo textos con pasajes plagiados publicados en blogs y en HuffPost Québec.

El 27 de septiembre surgieron nuevas acusaciones sobre el poema Desgarros, difundido en el blog del escritor. El texto sería un ensamblaje de obras de los poetas japoneses Ryōkan, Ono no Komachi y Minamoto no Sanetomo.

También se ha señalado el relato breve ¿Adónde va el mundo?, distinguido en 2012 con el premio del público de Radio-Canada. Casi la mitad de su contenido sería idéntico al prefacio de El retorno de los brujos, de Louis Pauwels y Jacques Bergier, mientras que al menos cuatro columnas de opinión publicadas en prensa habrían incurrido en prácticas similares.

Orélien nació en 1988 en Les Gonaïves, Haití, en una familia protestante de clase media cuya lengua materna era el criollo haitiano. Estudió en un colegio católico privado, se licenció en Derecho en Puerto Príncipe y, después de que su casa fuera destruida por el terremoto de 2010, se instaló en Quebec mediante el sistema canadiense de reunificación familiar.

En 2007 recibió en Suiza el Premio Internacional para Jóvenes Autores de 15 a 20 años por el texto poético Los colores de mi tierra. Durante la década de 2020 estudiaba Economía y Ciencias Políticas en la Universidad de Montreal, compaginando esa formación con el periodismo, y entre 2023 y 2024 dirigió el sitio web de noticias Erra Magazine. Por el momento, no se sabe cuál será el futuro del escritor después de su fulgurante carrera.

El director ha conseguido sorprender gracias a su frescura y originalidad y a una serie de planteamientos inéditos surgidos de su imaginación, los ‘backrooms’, espacios alternativos que, a modo de ‘scape rooms’, suponen un descenso a los infiernos de nuestra mente, donde habitan las peores pesadillas.

Parsons procede de una nueva generación de directores que han llegado para subvertir las reglas del juego dentro de la industria, que no manejan los códigos habituales, que proceden de internet y que utilizan sus propias herramientas para hacer cine.

“Me formé consumiendo principalmente proyectos cinematográficos en línea y me adentré en todo esto a través de una vía que fomenta una curiosidad real por el mundo en el que vivo físicamente, más allá de cómo podrías procesarlo mediante el arte”, cuenta el director. “Siempre intento encontrar una forma indirecta de procesar esas cosas fuera de cualquier medio específico y delimitado. En la vida nunca recibes un resumen al final que te diga qué hiciste bien y qué hiciste mal; esa falta de un final cerrado es sencillamente propia de estar vivo, y creo que convierte la ambigüedad en un tema ambiental en todo lo que hago”, dice sobre la naturaleza de su cine y, en especial, sobre Backrooms.

Conexión con la generación Z

En cuanto a la revolución de los nuevos cineastas que han acaparado las miradas este año y que han conectado con la generación Z, dando un vuelco a la industria, se muestra prudente. “Eso está todavía por determinarse. Todos quieren venderlo como una fórmula. Hasta ahora, cualquier capacidad que tenga para conectar con esas sensibilidades surge principalmente de la intuición: prejuicios sutiles programados en mi cerebro por haber crecido con internet. A veces puedo expresarlos retrospectivamente, pero a menudo las decisiones que provocan una respuesta de personas de mi edad, con trasfondos similares, son cosas de las que ni siquiera me doy cuenta de que estoy haciendo. Lo que diré es que revisar habitualmente la sección de comentarios de cualquier cosa que estés viendo —algo que hago yo y que hace mucha gente— probablemente desarrolla una mayor capacidad para predecir las repercusiones en redes sociales de una obra de arte, para bien o para mal. Así que puede haber un instinto de relaciones públicas más ‘preprogramado’ en los cerebros de los jóvenes simplemente porque han estado inmersos en esa cámara de eco mientras crecían. Pero depende de la persona, y yo todavía estoy resolviendo esa parte”.

Sobre que se relacione el fenómeno con Obsession, lo tiene claro. “No las describiría como películas similares. Ambas son de bajo presupuesto, pero nosotros tuvimos diez millones de dólares y ellos 750.000 dólares. Sí, entiendo, hasta cierto punto, por qué existe una narrativa vinculada entre dos arquetipos de cineastas de la generación Z que pasaron de YouTube al cine y realizan su trabajo y, casualmente, es el momento adecuado para que esa historia cobre fuerza. Creo que Obsession es una gran película: tiene esa ósmosis cultural que mencioné antes, una comprensión de las ‘microsensibilidades’ sutiles de las personas que se sienten un poco privadas de material original en las salas de cine. Se sintió como si realmente estuviera en la misma sintonía que las personas que crecieron a principios de los años 2000. Pero no he descubierto el único factor definitorio que las vincule”.

Las claves de ‘Backrooms’ según su director

Al director le gusta sintetizar la sensación de realidad, aunque sea algo extravagante y exagerado, pero cree que a través de los lugares oscuros se conecta con el espectador, porque el miedo es algo universal. “Backrooms es una una película muy centrada en la arquitectura, y creo que conectó con personas que han formado relaciones profundas, a menudo tácitas, con espacios que han habitado, como habitaciones de su infancia en las que no habían pensado en 40 años. He visto a mucha gente decir que hizo que su mente volviera a algún espacio por el que deambulaban. Así que el trabajo en YouTube fomentó esa manera de pensar”.

Parsons nunca tuvo en su cabeza delimitar al público por un rango de edad, no trató de prestar atención a la demografía. “Nunca pensé en la película dentro de un contexto de terror. Sabía que sería percibida y comercializada de esa manera, pero yo no la experimento así, porque el objetivo no es tanto asustar u horrorizar como provocar introspección: cuestionar ciertas relaciones entre las personas y el mundo exterior. Cada quien sacará de ella lo que saque, e indudablemente tiene sus momentos de susto. Pero los principios fundamentales ya existían; está basada en una lógica de ciencia ficción dura envuelta en una capa exterior incognoscible y misteriosa, con un núcleo nostálgico”, cuenta.

“En todo caso, funciona como una especie de dispositivo de viaje en el tiempo: una puerta que invita a volver a una época más simple y tangible de tu vida. Para alguien que ha llegado a algunos callejones sin salida, abre muchas posibilidades de regresar o de encontrar cosas que perdió hace mucho tiempo. Así que no creo que haya atraído a un público joven puramente por sus propios méritos; eso es en parte la forma en que internet ha jugado con la idea a lo largo de los años, pero sí parece llegar mucho más allá de eso. Esa es mi divagación”.

A Parsons no le gusta hablar de forma específica de qué va la película, pero sí que da algunas pistas: “Para mí es una manera de procesar las excusas que nos damos como partes individuales de los sistemas abstractos que construimos, cultural y socialmente. Muchas de esas ideas sistémicas más grandes están representadas a través del trabajo que Mary (Renate Reinsve) y Clark (Chiwetel Ejioford) hacen en la película: dónde están en sus vidas, los comerciales que realizan y lo que eso significa respecto a su posición económica en la cultura estadounidense de los años 90. Incluso al final, con el personaje de Mark Duplass, todos los personajes orbitan el mismo vacío, intentando producir una respuesta a partir de algo que esencialmente es una singularidad infinita: no vas a obtener una respuesta. Pero lo intentan, y cada uno encuentra formas de hacer las paces con ello o de lanzarse fuera de ello hacia una vida que sea productiva para ellos. Así que es una meditación sobre aquello que aplazamos y a lo que renunciamos frente a los sistemas que habitamos”.

El director asegura que realmente disfrutaba de lo que hacía en YouTube y cuando el proyecto Backrooms empezó a ganar impulso en 2022, se emocionó. Después se ha ido adaptando a esa sensación con el transcurso del éxito de la película, pero asegura sentirse muy centrado, muy zen, y que su idea es seguir haciendo películas.

Este lunes por la noche, con motivo de la entrega de los Premios Vanguardia en Barcelona, Amaia ha recibido el galardón del Premio Talento Joven de la mano del jefe del Ejecutivo, un galardón que premia su trayectoria y proyección artística, Antes de posar juntos ante las cámaras, la artista le ha dado una pancarta en la que podía leerse “Decreto Maricarmen”, en alusión al caso de Maricarmen Abascal, la mujer de 87 años que fue desahuciada la semana pasada después de que la empresa Urbagestión, la propietaria del inmueble, le exigiera que multiplicara por más de cinco su alquiler, de 500 a 2.600 euros mensuales. Su caso ha reactivado la presión social y política para sacar adelante nuevas medidas frente a la crisis de la vivienda.

Sánchez ha recogido el cartel y lo ha mostrado junto a Amaia durante la fotografía posterior a la entrega del galardón. El gesto llega apenas unas horas antes de que el Ejecutivo lleve al Consejo de Ministros una norma que lleva meses encima de la mesa, pero que se ha acelerado tras el impacto del desahucio producido hace una semana. Entre las medidas que el Gobierno ultima está la de contemplar la posibilidad de prorrogar determinados contratos de alquiler que venzan antes del 31 de diciembre de 2028 o la de frenar los desahucios hasta 2028.

Maricarmen podrá volver a su casa

Y mientras Amaia trasladaba la reivindicación hasta el propio presidente del Gobierno, el caso que da nombre a la norma daba este lunes un giro de última hora: Maricarmen ha llegado a un acuerdo con los propietarios del inmueble, Urbagestion, y se queda en la que ha sido su casa durante más de 70 años. El pacto se ha alcanzado tras una reunión de más de cuatro horas mediada por profesionales de la Empresa Municipal de la Vivienda y Suelo (EMVS) de Madrid en la que ha estado presente la abogada de la mujer, Beatriz Duro. “Es la primera vez, desde que se inició todo esto hace más de seis años, que se sienta a negociar y que está dispuesto a ello”, aseguraba su abogada antes de entrar a la reunión a las 17 horas.

Pocas leyendas del cine representan mejor la esencia del western que Clint Eastwood. El actor construyó su carrera a base de protagonizar algunas de las películas más importantes de este género en territorio europeo junto al cineasta italiano Sergio Leone. Más tarde, ya como director, agrandaría su leyenda con otras obras maestras como Sin perdón.

A sus 96 años, Clint Eastwood ya se encuentra retirado, pero no deja de ser poético que la película con la que decidiera retirarse de la actuación fuera, precisamente, un western. Estamos hablando de Cry Macho, una película con la que el legendario intérprete y cineasta se puso por última vez en la piel de un vaquero; en este caso, una exestrella de rodeo y criador de caballos retirado.

En la película, disponible en plataformas como Prime Video (donde se irá el próximo 30 de septiembre) o Movistar Plus, Eastwood nos muestra a un hombre profundamente herido por una caída, varias pérdidas personales y todos los recuerdos que le atormentan. Sin embargo, el encargo de un antiguo jefe (viajar a México para traer de vuelta al hijo de este) deriva pronto en un viaje crepuscular alejada de la acción propia de lo que podría ser un western clásico.

Un proyecto que no se materializaba nunca

Cry Macho, en realidad, llevaba décadas intentando realizarse. Del mismo modo, en 2011, se intentaría relanzar el proyecto con Arnold Schwarzenegger en el papel principal, en el que habría sido el regreso del actor de Terminator tras su mandato como gobernador de California, pero la producción se canceló antes de avanzar. Incluso al propio Eastwood le ofrecieron en los años 90 encabezar la producción, si bien él descartó la idea por estar trabajando en otros proyectos.

De este modo, habría que esperar a 2021 para que Eastwood decidiera hacerse cargo del proyecto, como actor y también como director, y estrenara finalmente la película, la cual cosechó críticas mixtas tras su estreno. “Un corte profundo para los conservadores, un filme para pasar el rato sin nada que demostrar y con suficiente que decir, con buena nota y paisajes desérticos y bonitos”, ensalza una de las reseñas más entusiastas, escrita por el periodista A. O. Scott en The New York Times. “Si conduce el viejo, te aconsejo que subas y lo disfrutes”.

Buena parte del peso de la película recae en Milo, el personaje principal interpretado por Eastwood. Este es un hombre que no presume de fuerza ni de autoridad, sino de experiencia. Además, en su relación con el joven Ragfo retoma uno de los clásicos del cine de Eastwood: el de la paternidad (no necesariamente sanguínea) como una forma de redención para personajes atormentados.

Por otro lado, el relato construye una mirada hacia México como espacio de acogida y comunidad, en contraste con el aislamiento que vive el protagonista, transformado en una convivencia marcada por el afecto y el cuidado mutuo, incluso en la vejez. Eastwood solo dirigiría una película más, Jurado nº 2, aunque en ella no se le volvería a ver frente a las cámaras.

La bola negra ha llegado a los cines este viernes después de meses de mucho halago. La segunda película de Los Javis, que en mayo conquistó el Festival de Cannes y ahora ha hecho lo propio en Toronto y en San Sebastián, presenta las historias interconectadas de tres hombres homosexuales en tres épocas diferentes de la historia de España: 1932, 1937 y 2017. Protagonizada por Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos González, la cinta revisita la historia de la Guerra Civil a través de la mirada de la homosexualidad, todo ello con el nexo común de la figura del poeta y dramaturgo Federico García Lorca.

Pero antes del poeta estuvo Virginia Woolf. En 2002, Las horas construyó una estructura muy similar. La película de Stephen Daldry (Billy Elliot, The Crown), protagonizada por Nicole Kidman, Julianne Moore y Meryl Streep, toma como referencia la obra del mismo nombre de Michael Cunningham, que en 1999 ganó el Premio Pulitzer y tiene como nexo La señora Dalloway (1925), una de las novelas más conocidas de Woolf.

La primera de esas historias, ambientada en 1923, tiene como protagonista a la propia Virginia Woolf (Nicole Kidman), mientras comienza a escribir La señora Dalloway en la Inglaterra de los años veinte. La segunda se traslada a Los Ángeles en 1951, donde Laura Brown (Julianne Moore), una ama de casa embarazada y aparentemente instalada en una vida perfecta, lee la novela mientras empieza a cuestionarse su matrimonio y su maternidad. La tercera, en 2001, sigue a Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una editora neoyorquina que prepara una fiesta para su antiguo amante Richard (Ed Harris), enfermo de sida.

Disponible en Filmin

La película es un reflejo de la propia obra de la autora británica. La novela, que sigue a Clarissa Dalloway durante un día en su vida en Inglaterra después de la Primera Guerra Mundial, se centra en los preparativos de una fiesta que esta ofrece esa misma noche.

La película llegó a los Oscar de 2003 con nueve nominaciones, entre ellas las de mejor película, mejor dirección para Stephen Daldry y mejor guion adaptado. Nicole Kidman se llevó finalmente la estatuilla a mejor actriz por su interpretación de Virginia Woolf —su único Oscar hasta la fecha, pese a que cuenta con cinco nominaciones—, mientras que Julianne Moore y Ed Harris también fueron nominados en las categorías de reparto.

Para la crítica y el público tampoco pasó de largo. Con un presupuesto de 25 millones de euros, la película recaudó más de 41,6 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y en todo el mundo superó los 108,8 millones de dólares, cuadruplicando su presupuesto inicial. Las horas mantiene un 79% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes, donde el consenso destaca especialmente la fuerza emocional de la película y sus interpretaciones. En Metacritic alcanza un 80 sobre 100, a partir de 40 críticas, una nota que la plataforma considera de recepción “generalmente favorable”. En España, la película puede verse actualmente en Filmin.

“Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero”. Quienes hayan visto ya La bola negra reconocerán fácilmente estas palabras de la hermana de Carlos (Milo Quifes) en la película de los Javis. Ahora bien, muy pocos espectadores sabrán que, en realidad, esta escena es la única verdaderamente escrita por Federico García Lorca, el poeta y dramaturgo autor del texto original que inspira la obra cinematográfica.

La adaptación de esta obra de teatro incompleta (y de la que apenas se conservan unas pocas páginas mecanografiadas) ha protagonizado el segundo mejor estreno para el cine español en diez años. Más de 600.000 espectadores han hecho que la producción haya conseguido rozar los 4,7 millones de euros en su primer fin de semana en la gran pantalla. En esto ha contribuido, sin duda, el éxito cosechado por los Javis en la presentación de la película en festivales como el de Cannes (donde fueron premiados por su labor como directores) o el de San Sebastián.

Sin embargo, el éxito de la película también se debe a la popularidad del propio Lorca, un autor tan reivindicado como leído en los últimos años, del que muchos se han preguntado cuánto escribió, en realidad, de todo lo que aparece en La bola negra. En realidad, muy poco: la producción de los Javis se divide en varias líneas temporales y solo en una de ellas se imagina cómo habría podido ser la obra de teatro del escritor granadino, la cual solo tiene mecanografiadas unas pocas páginas donde figuran sus personajes y un breve diálogo entre Carlos y su hermana.

El único diálogo conservado de ‘La bola negra’

De La bola negra se conserva, pues, el dramatis personae, nombre con el que se conoce la lista de personajes que intervienen en una obra literaria y que suele colocarse en las primeras páginas de un texto dramático. Tal y como se puede leer en el Teatro completo de Lorca (publicado por editoriales como Galaxia Gutenberg), en este figuran personajes que también aparecen en la película de los Javis: Carlos, sus amigos Enrique y Lorenzo, su familia, los socios del casino e incluso los esquiadores y la propia nieve, que debía intervenir en la obra con una o más líneas de diálogo.

Del mismo modo, la obra cuenta con una escena para su primer acto, donde Carlos aparece sentado en un diván, donde lo encuentra su hermana diciéndole que debería salir. Es ahí cuando ella le comenta que, si de ella dependiera, saldría siempre a la calle. “¿Y por qué no lo haces?“, le pregunta Carlos. ”Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero", responde ella, en una línea que también puede escucharse en la película.

Por otro lado, sabemos más de la obra por una carta que Lorca le escribió a su amigo Cipriano Rivas Cherif. En este texto, Lorca detalla la historia de un joven burgués de Granada que intenta ingresar como socio en un casino de la ciudad. Al regresar a casa rechazado, el joven conversa con su padre y da a entender que la verdadera razón de haber recibido la bola negra que lo había excluido en la votación es su homosexualidad. Lorca comentaba en la carta su intención de construir un ambicioso friso social que contaría con 36 personajes. Habría sido la primera obra narrativa del autor en colocar la homosexualidad y el estigma social en el centro de la trama de forma explícita.

Una carta inédita de Miguel de Unamuno ha permitido confirmar, 90 años después, uno de los encuentros más singulares de la vida del escritor y filósofo español: una noche de cine en Londres junto a H. G. Wells, autor de La guerra de los mundos y La máquina del tiempo. El documento, localizado en el archivo de la Casa-Museo Unamuno, está fechado el 2 de marzo de 1936 y fue enviado por el intelectual a sus hijos.

“Aquí nos ha ido muy bien. Ya os contaré. Me llevó Wells a ver su película. El tiempo, aunque nublado, excelente”, escribió Unamuno pocas horas antes de abandonar Londres rumbo a París. La película era Things to Come (La vida futura), dirigida por William Cameron Menzies, escrita por el propio Wells e inspriada en su novela Esquema de los tiempos futuros.

Ya en febrero del año pasado, la Unidad de Cultura Científica de la Universidad de Salamanca confirmó la relación epistolar entre ambos con una misiva en la que el novelista británico invitaba al español a cenar en su residencia de Londres el viernes 28 de febrero de 1936. “Sugerimos que entre ambos escritores probablemente existió una comunicación más o menos fluida y sostenida en el tiempo, que desgraciadamente no nos ha llegado completa”, indicó la investigadora Marta García.

Una invitación a cenar y a ver una película

En esta nueva carta, el entonces rector de la Universidad de Salamanca confirma que aceptó la invitación del autor para cenar y acudir juntos al Teatro Leicester Square donde proyectaban la cinta. Su estancia en Londres se debía a su nombramiento como doctor honoris causa por la Universidad de Oxford.

La carta puede contemplarse en la exposición Que inventen ellos. Miguel de Unamuno y la ciencia, muestra organizada por la Universidad de Salamanca y la Casa-Museo Unamuno, que después de pasar por Salamanca viaja a Bilbao, ciudad natal del escritor. Permanecerá en la Sala de Exposiciones del Centro Municipal de Barrainkua del 29 de septiembre al 30 de octubre.

La relación intelectual entre ambos venía de mucho antes. El investigador Rafael Chabrán, en un estudio publicado en 2007 en Cuadernos de la Cátedra Miguel de Unamuno, recuerda que el pensador español fue un gran lector de literatura y pensamiento ingleses y señala expresamente que “Unamuno cita a Wells en más de una ocasión y el escritor inglés dedica, por lo menos, uno de sus ensayos a Unamuno”.

Chabrán documenta además que el autor de la generación del 98 “leyó y estudió intensamente” Anticipations of the Reaction of Mechanical and Scientific Progress Upon Human Life and Thought, de Wells. El ejemplar de la edición de 1902 se conserva en la Casa-Museo Unamuno.

La relación no fue unilateral. Chabrán localizó un texto de Wells dedicado expresamente al español, The Case of Unamuno: The Feeble Republic of Letters, publicado en 1924. En él, Wells se refería al “escandaloso caso de don Miguel de Unamuno” y lo describía como “a great writer and professor” y “a man of undisputed pre-eminence” —un hombre de indiscutible preeminencia—.

El regreso de U2 a la escena musical con su primer disco en casi una década ha sido una de las grandes noticias de la industria en este último trimestre del año. El 13 de noviembre, la banda de Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. lanzará Carnaval de Luz, su decimosexto álbum de estudio. El título en español no es la única sorpresa del grupo en este sentido, que le ha hecho otro guiño al idioma con el tema Silencio y ha provocado todo tipo de rumores con la canción The Mirror Maker (Rosalía).

Al conocerse la tracklist del nuevo disco de la banda de temas como With or Without You y I Still Haven’t Found What I’m Looking For, son muchos los que se preguntaron qué pintaba la cantante española, consagrada internacionalmente tras el éxito de su álbum Lux, en el disco de U2. Los rumores de una posible colaboración no tardaron en surgir, aunque los propios miembros del grupo se han encargado de desmentirlos y de aclarar a qué se debe la inclusión de Rosalía en Carnaval de Luz.

“Normalmente solo escribimos canciones sobre gente en la cárcel o gente muerta”, ha explicado el propio Bono en una entrevista con la revista Rolling Stone. “Ya sabes, héroes muertos, o intentando sacarlos de la cárcel. Esto es simplemente celebrar a alguien porque es un artista extraordinario”. De este modo, el conjunto irlandés quiso rendir tributo a la cantante española y a su último disco, tildado por ellos de obra maestra y que, por desgracia, se les adelantó en la idea de mencionar la luz en el título de su disco.

La reacción de Rosalía

En el citado medio, Bono explica cómo la vinculación entre música y religión que Rosalía establece es una idea que llevaba muchos años resultándole atractiva. Para el cantante de U2, es muy fácil convertirse en un “narcisista” cuando se es cantante de éxito. “El simple hecho de escribir, o pensar que alguien debería estar interesado en tus ideas, hace que sea muy fácil perderse en el espejo. O simplemente en lo que se refleja detrás de ti cuando te miras en el espejo, el mundo que está detrás de ti”.

Sin embargo, para el vocalista, Rosalía es una de las personas que se ha atrevido a “atravesar el espejo y ver qué hay al otro lado”. “Es un poco vergonzoso que se hiciera tan popular antes de que lanzáramos la canción”, reconoce el cantante. “Pero eso no me importa. Todo el mundo conocía también a Martin Luther King”, a quien le dedicaron en su día uno de sus temas más recordados: Pride (In the name of love).

No obstante, todavía faltaba lo más importante: conseguir el permiso de la propia Rosalía para poder sacar el tema, algo en lo que resultó fundamental su amiga en común, Penélope Cruz, que los puso en contacto. “Me animó y me hizo reír un montón”, confiesa Bono acerca de la conversación que tuvo finalmente con la artista española, a quien la unían intereses como la admiración por autores como Federico García Lorca.

“La idea era intentar convencer a Rosalía para que lo hiciera”, comenta Jacknife Lee, productor de la banda durante los últimos años, “y entonces nos dimos cuenta: ¿por qué alguien cantaría una canción sobre sí mismo? No tiene sentido". Por eso, es finalmente Bono quien canta los coros del inicio del tema, imitando a la soprano en algunas de las canciones de Lux.

Una de las escenas más impactantes de La bola negra se aprecia en sus primeros 15 minutos. Un inocente y trompetista Sebastián (Guitarricadelafuente) huye como puede de los bombardeos que los fascistas italianos riegan por su pueblo, que pertenece al bando nacional. En medio de la destrucción, consigue adentrarse en una iglesia de la que ya quedan escombros: para avanzar tiene que trepar una estatua del santo que lleva su nombre: San Sebastián, el mártir cristiano que terminó convirtiéndose en uno de los grandes iconos de la cultura LGTB.

Más allá de las connotaciones que tiene la propia escena —no se desarrollará más para no hacer spoilers—, la imagen que construyen sus directores, Los Javis, es un símil de La mirada de Ulises (1995), de Theo Angelopoulos, película protagonizada por Harvey Keitel que contiene una de las estampas más recordadas de la filmografía del cineasta griego: una gigantesca estatua de Lenin desmontada en varias piezas es transportada en una barca por el Danubio.

Esta solo es una de las películas que Javier Calvo y Javier Ambrossi utilizaron como referencia para construir su segunda película. En cines desde este viernes 25, lleva meses encandilando a la crítica internacional desde que pasó por Cannes. Toronto y el Festival de San Sebastián solo están señalando aún más lo inevitable: que la presencia de España este año en los Oscar será mucho más que optar a la categoría de Mejor película internacional.

‘La bola negra’ y sus influencias

En una entrevista con Elástica, la distribuidora de la cinta en España —en Estados Unidos lo hace Netflix—, Los Javis han desgranado algunas de las películas que sirvieron como brújula para levantar una obra catalogada de “magna” y señalada como una de las grandes películas españolas del año. “Trabajamos con un documento que le enviamos a todo nuestro equipo de pelis que hay que ver y lecturas que hay que hacer”, han explicado.

Entre las referencias utilizadas está el cine del polaco Paweł Pawlikowski, autor del dúo formado por Cold War (2018) —especialmente por la secuencia del baile en la taberna que en la cinta de Los Javis protagoniza Milo Quifes (el personaje de Carlos) junto a María Terremoto— e Ida (2013), que se completa ahora con Fatherland (2026), sobre la memoria del holocausto y la Guerra Fría.

Pero la grandeza que rodea La bola negra no es solo obra de la ambición de Los Javis; también de su directora de fotografía, Gris Jordana (Manlleu, Barcelona, 1981), que medios como Variety o The Hollywood Reporter ya la colocan como una aspirante fija para llevarse el Oscar. En una entrevista con Esquire, ha explicado que en lenguaje que utilizaron para toda la trama sobre la Guerra Civil que lideran Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau “es un lenguaje propio que se centra más en lo humano que en planos de mil explosiones y todo eso”. Por ello, se fijaron en el cine antibélico previamente mencionado, pero en otras cintas como Ven y mira (1985), de Elem Klímov, “donde la guerra es profundamente violenta, pero no está glorificada”.

“Javi Calvo me mandó ver 3.500 películas de Rusia, de Ucrania, del este… de las que luego me confesó que él solo había visto el tráiler. Tomamos la decisión de que queríamos diferenciar las tres épocas a través del lenguaje audiovisual, no de la fotografía. Lo típico del pasado más cálido, el presente más azulado… No queríamos eso", añadió Jordana.

A esa mirada se sumaron otras referencias menos evidentes, como la forma en la que la directora Claire Denis retrata el cuerpo masculino en Beau Travail (1999) y en la relación con la naturaleza de Lazzaro feliz (2018), de Alice Rohrwacher, como aparece, por ejemplo, en las escenas donde Carlos pasea de camino al casino o la película muestra a los salados desnudos en las playas de Cantabria.

También hubo hueco para la familia Coppola. En la mencionada entrevista con Elástica, los Javis han explicado que se inspiraron en una de las escenas de La conversación (1974), de Francis Ford Coppola, para retratar la secuencia donde Sebastian toca, desolado, su trompeta en un cuarto de baño —una muy similar a la que interpreta el personaje de Gene Hackman—, y en Apocalypse Now (1979) para ‘imitar’ la protagonizada por Penélope Cruz. “Con Penélope buscábamos una situación violenta, en plan Apocalypse Now, con peligro. Fue muy complejo crear la luz porque tenía que estar espectacular, pero con mucho movimiento. Al ver el resultado, flipamos”, añadió la directora de fotografía.

A ese mapa de referencias se suman también Sebastiane (1976), de Derek Jarman y Paul Humfress, y Las horas (2002), de Stephen Daldry. Ambas aparecen en una selección elaborada por Jaume Ripoll, cofundador y director editorial de Filmin, en torno a las películas que dialogan con La bola negra. La primera resulta especialmente evidente por su relectura de San Sebastián como icono homosexual. Por su parte, Las horas coincide en forma con la estructura de La bola negra: tres historias interconectadas por La señora Dalloway, obra de Virginia Woolf. Además, tiene un reparto de lujo: está protagonizada por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman y le dio a esta última su primer y único Óscar.

Dónde verlas

• Ven y mira: Filmin
• Cold War: Filmin y Prime Video
• Ida: no disponible actualmente en streaming en España
• Beau Travail: no disponible actualmente en streaming en España
• Lazzaro feliz: Filmin
• Apocalypse Now: Filmin
• La conversación: Filmin
• La mirada de Ulises: Filmin
• Sebastiane: Filmin
• Las horas: Filmin

El estreno ha congregado a 616.292 espectadores en tres días al sumar los pases especiales, según los datos de Rentrak facilitados por Elastica Films. La recaudación la convierte ya en la cuarta película española más taquillera de 2026 en un fin de semana.

La película ha liderado la cartelera española con el 44,54% de la taquilla nacional y ha sido el único título del ‘top 20’ que ha aumentado sus ingresos el domingo. Su comportamiento diario ha consolidado un arranque ascendente en un mercado dominado este año por franquicias y sagas.

El viernes, día de su llegada a los cines, la producción ingresó 1,31 millones de euros y obtuvo el 46,7 % de la cuota de mercado. El sábado alcanzó 1,64 millones, un 25% más, y el domingo elevó la cifra a 1,72 millones, otro 5% por encima de la jornada anterior.

Uno de los mayores estrenos españoles del año

Con una media de 11.995 euros por sala y 1.480 espectadores por cine, La bola negra ha superado la apertura de Ocho apellidos vascos, la película española con más espectadores de la historia. Aquel filme comenzó su recorrido comercial con 404.020 asistentes y 2,72 millones de euros, antes de cerrar su exhibición con 38 millones.

La distribuidora Elastica Films sostiene que se trata del mejor estreno de una compañía independiente en la historia de España, por encima de los 2,2 millones de euros logrados por [REC] 2 en 2009, distribuida por Filmax. El resultado también supone el mejor debut de un drama hablado en castellano, aunque Lo imposible tuvo una apertura superior con una película rodada en inglés.

La recaudación de la obra protagonizada por Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente, Carlos González y Milo Quifes ha superado los 4,47 millones de euros obtenidos por La Odisea, de Christopher Nolan. Entre los estrenos de producción española de 2026, solo Torrente, presidente, de Santiago Segura, queda por delante.

El filme ha competido en su primer fin de semana con el reestreno de Vengadores: Endgame, el debut de En el corazón de la bestia, que abrió con 1,28 millones de euros, y las películas que continuaban en cartelera, Resident Evil y Coyote VS. Acme. La producción de Calvo y Ambrossi se ha impuesto también a esos títulos internacionales.

Los premios en festivales acompañan el estreno

La película ha recibido el Premio del Público Ciudad de Donostia a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se ha proyectado fuera de concurso dentro de la sección Perlas. La puntuación obtenida ha sido de 9,40, la más alta para una producción española en el certamen tras superar a La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona.

Antes de llegar a las salas, La bola negra también obtuvo el premio del público en el Festival de Toronto. Javier Calvo y Javier Ambrossi compartieron, ex aequo con el cineasta polaco Pawel Pawlikowski, el Premio a la Mejor Dirección del Festival de Cannes, donde la película compitió en la selección oficial.

El estreno de La bola negra es el segundo que entra en el grupo de los diez mejores debuts españoles de la historia en 2026, después de Torrente, presidente. Hasta este año habían pasado más de 15 años sin que un nuevo título se incorporase a esa clasificación.

Alberto Cortés, nacido en Málaga en 1983, tiene 43 años y ha desarrollado su carrera en las artes escénicas. Su aparición en la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo, dura menos de tres minutos dentro de un filme de más de dos horas y media.

La película entrelaza tres vidas de épocas distintas a través del deseo, el dolor y la memoria y parte de un proyecto teatral inacabado de Lorca del que se conservan cuatro páginas manuscritas y dialoga con La piedra oscura, la obra de Alberto Conejero que imagina un encuentro entre Rafael Rodríguez Rapún, miembro de La Barraca y pareja del poeta, y un soldado.

Quién interpreta a Federico García Lorca

Cortés ha construido su carrera entre el teatro, la danza, la poesía y la performance. Se formó en Dirección Escénica y Dramaturgia en la ESAD de Málaga y en Historia del Arte en la Universidad de Málaga, y comenzó su trayectoria escénica en 2009.

El creador suele escribir, dirigir e interpretar sus propios montajes. Entre sus trabajos figuran El ardor, Hollywood, Masacre en Alaska y la pieza One night at the Golden Bear.

También es autor de Analphabet, propuesta que ha recorrido festivales y teatros nacionales e internacionales. En 2024 publicó Siempre vengo de noche, un volumen que reúne el texto de esa obra y un cuaderno de notas sobre su proceso escénico.

La elección del malagueño surgió durante la búsqueda de un intérprete que pudiera encarnar una dimensión queer de Lorca. Javier Calvo, codirector de la película, ha explicado a que leyó Siempre vengo de noche y se preguntó qué rostro tendría su autor: “Porque Lorca tenía que ser un poeta queer. Cuando lo encontré vi que no se parecía… pero que podría parecerse”.

Ambrossi ha resumido el resultado de la prueba de selección con una frase: “Le hicimos una prueba… y era él”. El parecido físico entre Cortés y el autor de Romancero gitano ha llamado la atención de los espectadores desde la difusión de las primeras imágenes de la película.

La escena de Lorca que se negaron a eliminar

La presencia de Lorca no estuvo prevista desde el principio. Ambrossi ha reconocido que durante una larga etapa el proyecto fue “la peli de Lorca sin Lorca”, mientras que Calvo defendió conservar la secuencia pese a las recomendaciones en contra: “Todo el mundo nos decía que elimináramos esa escena y yo pensando: ¿Pero cómo voy a cortar el diálogo más bonito que hemos escrito en nuestra vida?”.

El diálogo que Calvo quiso preservar incluye estas palabras: “Si me muero, que se enteren los señores. España tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos. Hay que arañar la tierra para que salgan”. Los directores habían consultado con sobrinas del poeta, visitado la fundación y examinado el manuscrito original de La bola negra, además de leer su obra y textos de personas de su entorno.

La reconstrucción cinematográfica remite a la historia de Lorca y Rapún. El poeta fue asesinado en 1936 y Rapún murió en 1937 tras resultar herido durante la guerra.

Cortés ha descrito su aproximación al personaje desde las afinidades que percibe entre ambos: la escritura, Andalucía, el deseo y la identidad homosexual. “Me acerqué a él desde el autor de teatro, desde el poeta, desde el marica andaluz que escribe sus propias creaciones”, ha dicho al Diario Sur.

En conversación con la Cadena SER, el intérprete ha definido la propuesta de los directores como “un regalo” y ha afirmado: “He conectado con el marica amante y con el autor”. Para él, Lorca conserva vigencia por las preguntas sobre amor, deseo, belleza, vulnerabilidad y libertad presentes en su obra.

El artista acaba de publicar Libro de las devociones, que reúne un intercambio epistolar con el religioso Fernando Donaire, el texto teatral El corazón de Ester y el poemario Los chicos de la playa Adoro.

En estos momentos se está rodando una película sobre Federico García Lorca por parte de Fernando Franco y el actor elegido ha sido Nacho Sánchez. Otros intérpretes que se han metido en el papel han sido Andy García, en Muerte en Granada, Ángel Ruiz, en El Ministerio del Tiempo o Nickolas Grace en Lorca, muerte de un poeta, de Juan Antonio Bardem.

El escritor Stephen King ha recomendado Causa abierta, una miniserie australiana de Apple TV que sigue a un antiguo detective marcado por la desaparición de su hija, once años atrás. El autor de terror ha destacado la serie cuando solo había visto cuatro de sus seis episodios.

La ficción adapta la novela estadounidense The Dispatcher, publicada en 2011 por Ryan David Jahn, y traslada su trama de Texas Oriental a Australia: Ian Ridley, interpretado por Patrick Brammall, descubre que unos restos hallados durante una tormenta podrían pertenecer a Maggie, la hija que creía perdida desde hace 11 años.

King ha expresado su entusiasmo en una publicación en X: “Dos observaciones sobre Causa abierta, después de cuatro episodios en Apple TV: 1. Es una serie fantástica, y 2. No veo una buena resolución para las familias implicadas. Ni para Sarah, a quien interpreta magníficamente Chloe Jean Lourdes”.

La recomendación del novelista llega después de que también haya sugerido recientemente una miniserie de terror de Netflix, Mis muertos tristes, de Pablo Larraín. El escritor ha respaldado en otras ocasiones producciones con una recepción crítica mucho más débil, incluida una serie de terror con un 32 % en Rotten Tomatoes y una película de acción olvidada que acumuló un 28 %.

Qué cuenta ‘Causa abierta’

La historia original de Jahn se centraba en un operador policial de Texas Oriental cuya hija era secuestrada y posteriormente declarada muerta, hasta que él descubría que podía seguir viva. El propio autor había citado a Stephen King como una de sus “cinco grandes influencias” en una entrevista con Mystery Tribune.

En la adaptación, Ian Ridley ha dejado atrás su etapa como detective y trabaja como operador de emergencias policiales. Está separado de su mujer, lleva seis meses sobrio y no ha aceptado que Maggie haya desaparecido para siempre.

El hallazgo de los restos de una niña rompe la estabilidad que había logrado mantener. Al final del segundo episodio, una llamada telefónica intensifica la investigación y conduce a Ridley hasta Henry, un hombre recluido al que da vida Brendan Cowell, y Jenna, interpretada por Maxine Peake, junto a su hija adolescente Sarah.

La serie se ha rodado en el estado australiano de Victoria y Kris Mrksa la ha adaptado para Apple TV. Christian Schwochow dirige los seis capítulos, mientras la narración mantiene el foco en las relaciones y el trauma de sus personajes, además de desarrollar el caso criminal.

Qué destaca la crítica

Luke Buckmaster ha definido la producción en The Guardian como “una de las series más destacadas del año”. El crítico ha señalado: “Me sentí profundamente implicado desde el principio y, en el tercer episodio, estaba completamente enganchado”.

Brian Tallerico ha concedido tres estrellas a la serie en RogerEbert.com y ha valorado tanto el guion de Mrksa como el trabajo de Brammall como operador policial atormentado. Sobre el personaje de Sarah, Tallerico ha escrito: “Hay muchas versiones de este relato en las que la joven situada en el centro de la historia se convertiría simplemente en una pieza de la maquinaria de los giros. Pero Sarah es un personaje complejo y desarrollado”.

La preocupación de King por Sarah parte de esa posición central en el relato. Chloe Jean Lourdes interpreta a la adolescente vinculada a Henry y Jenna, cuya aparición se produce después de la llamada que recibe Ridley al final del segundo capítulo.

La recepción no ha sido unánime. Daniel Fienberg ha cuestionado en The Hollywood Reporter el comportamiento de Ridley, que considera “completamente inapropiado y con frecuencia ilegal de una manera que probablemente sería insostenible”. Fienberg ha reconocido que la serie se sostiene por la calidad de Patrick Brammall y del reparto. Causa abierta ha obtenido un 87% de aprobación de la crítica en Rotten Tomatoes, a partir de 23 reseñas.

El largometraje se ha estrenado mundialmente en el Festival de Cine de Nueva York y las críticas coinciden en que la película combina el género kaiju con una historia familiar marcada por el Japón de posguerra.

La producción es el primer largometraje japonés rodado en IMAX. Yamazaki, que figura también como responsable de los efectos visuales, ha contado con un equipo de VFX mayor que el de Godzilla Minus One, la entrega de 2023 que ganó el Oscar por sus efectos y reactivó la franquicia de Toho.

La amenaza inicial llega a la ciudad de Matsumoto: King Ghidorah, todavía con una sola cabeza, arrasa la población antes de desarrollar su forma de dragón tricéfalo. Sus alas provocan vientos de fuerza huracanada y sus mandíbulas lanzan haces electromagnéticos capaces de elevar edificios, trenes y otros objetos antes de estrellarlos contra el suelo.

Qué ocurre en ‘Godzilla Minus Zero’

La acción transcurre dos años después de los sucesos de Godzilla Minus One. Japón intenta recuperar una apariencia de normalidad mientras Godzilla permanece en el fondo del océano, donde se le daba por destruido tras el ataque de 1947, pero Ghidorah abre una nueva crisis con su irrupción sobre Matsumoto.

El monstruo llega a las montañas japonesas tras la caída de un meteorito y el kaiju pasa periodos de hibernación en las colinas de Nagano. La película deja al margen buena parte de la mitología previa del personaje, que en otras entregas fue vinculado a invasores alienígenas, viajes temporales y la destrucción de Venus miles de años antes.

El profesor Kanji Murakami, interpretado por Min Tanaka, estudia criaturas biológicas y ha sobrevivido al bombardeo de Hiroshima, al ataque de Ginza de la película anterior y a la devastación de Matsumoto. Su experiencia conecta el relato con la historia de la guerra y con el daño físico que han dejado los ataques de los kaiju sobre la población.

Las autoridades japonesas prueban bombardear a Ghidorah con aviones y armas prestadas por Estados Unidos, pero el ataque solo despierta al monstruo. Variety describe una batalla aérea entre media docena de aeronaves y la criatura, mientras que The Hollywood Reporter destaca la capacidad de Ghidorah para regenerarse y resistir el armamento convencional.

Cuando Godzilla reaparece completamente regenerado frente a la costa, Murakami interpreta su regreso como una posibilidad para enfrentar a ambos monstruos. El plan de la Oficina de Respuesta ante Desastres a Gran Escala consiste en atraerlos al mismo lugar para que combatan entre sí: el superviviente quedaría herido y debilitado antes de que las fuerzas humanas intentasen eliminarlo.

La familia vuelve al centro de la historia

La batalla no desplaza a los personajes humanos que sostenían Godzilla Minus One. Kōichi Shikishima, el antiguo piloto kamikaze de la Segunda Guerra Mundial interpretado por Ryunosuke Kamiki, vive ahora con Noriko, encarnada por Minami Hamabe, y con Akiko, la niña huérfana a la que ambos acogieron y que ya tiene siete años.

La familia también cuenta con el apoyo de Sumiko, la vecina interpretada por Sakura Ando, que perdió a los suyos durante la guerra y ejerce como una figura de tía para Akiko. La convivencia que Kōichi ha conseguido levantar vuelve a quedar amenazada por la destrucción de Ghidorah y por el retorno de Godzilla.

Noriko arrastra las consecuencias del ataque de Ginza: sobrevivió con un parche en el ojo y presenta una recuperación física anómala. Un médico investiga los efectos de la exposición al tejido celular de Godzilla en las víctimas de los ataques, y esa condición de Noriko puede convertirse en un elemento útil para combatir a los monstruos.

Kōichi se resiste a volver a pilotar un avión de combate. Su dilema ya no se limita a la culpa por haber sobrevivido a la guerra, sino que enfrenta el deber de intervenir ante la amenaza con la responsabilidad de seguir vivo para Noriko y Akiko.

El ingeniero naval Kenji Noda, interpretado por Hidetaka Yoshioka, dirige la respuesta contra Ghidorah y reúne a antiguos compañeros junto a dos incorporaciones: la meteoróloga Makoto Aoyama, a quien da vida Masami Nagasawa, y Murakami. Aoyama detecta que el dragón responde a la fuerza electromagnética de un sistema de tormentas que se mueve con rapidez.

‘Godzilla Minus Zero’ recupera el trauma atómico

La película presenta a Godzilla como una presencia ligada a la ansiedad nuclear, los desastres naturales y la devastación de la posguerra japonesa. The Hollywood Reporter considera que esa especificidad cultural diferencia a las dos películas de Yamazaki de las producciones estadounidenses de la saga, donde el componente humano resulta menos desarrollado.

El crítico Owen Gleiberman sostiene en Variety que los monstruos adquieren una dimensión casi divina: Godzilla carga sus placas dorsales y libera una descarga radiactiva capaz de destruir una ciudad, mientras Ghidorah emite rayos anaranjados desde sus cabezas.

Yamazaki sitúa la historia en los últimos años de la década de 1940, el periodo en el que la saga encuentra su raíz espiritual antes del estreno del Gojira original en 1954. Tanaka nació el 10 de marzo de 1945, la fecha del bombardeo incendiario de Tokio, citado por Variety como el ataque aéreo más mortífero de la historia humana.

Las reseñas destacan dos grandes secuencias de monstruos: el combate aéreo sobre Matsumoto y el choque final entre Godzilla y Ghidorah. IndieWire, señala que el enfrentamiento culminante ha permitido a la franquicia obtener por primera vez una clasificación para mayores de edad R y afirma que, en todos los sentidos, esta secuela supera a su predecesora.

Robert Pattinson ha descartado que su Batman pueda integrarse con naturalidad en el DCU de Gunn, al considerar que la versión de Bruce Wayne creada por Matt Reeves pertenece a un universo de tono tan definido que sacarla de él resultaría difícil. El actor retomará el personaje en The Batman Part II, cuyo estreno está previsto para el 18 de febrero de 2028.

Robert Pattinson ha explicado que el Batman de esta nueva etapa, tendría problemas para relacionarse con otros superhéroes del universo cinematográfico de James Gunn, incluido el Superman interpretado por David Corenswet.

En una entrevista con LADbible, el intérprete ha atribuido esa incompatibilidad al proceso de rodaje y a la atmósfera de la saga. “Creo que sería bastante difícil sacar esta versión de Bruce de ese mundo”, ha afirmado.

El actor ha descrito una experiencia absorbente, marcada por la duración de las filmaciones y el estilo particular de las películas. “El tono se te mete dentro. Recuerdo que me pasó la última vez que lo hice y tardé un tiempo en recuperarme”.

Por qué este Batman no encaja en el DCU

Pattinson ha añadido que durante meses permanece “en la oscuridad todo el tiempo”, tanto por el ánimo como por la iluminación de los rodajes. “No puedo ver nada durante meses. Te afecta; después te sientes raro”, ha dicho sobre las consecuencias de encarnar al vigilante de Gotham.

The Batman de Matt Reeves se estrenó en 2022, una aproximación más oscura al personaje que las películas anteriores. La historia adoptaba la forma de un noir criminal psicológico y se alejaba de la acción convencional de superhéroes.

La trama situaba al Batman de Pattinson ante la corrupción oculta de Gotham después de que un asesino en serie sádico comenzara a matar a figuras políticas relevantes de la ciudad. Ese enfoque reforzó el carácter autónomo de una película concebida como relato independiente.

Así, la estrategia de Reeves se vio como una apuesta por llevar el personaje a un terreno más sombrío incluso que El caballero oscuro, más letal que Sin tiempo para morir y más extenso que Dune.

La distancia tonal con el nuevo universo de James Gunn se aprecia en Superman, estrenada en 2025. El crítico Owen Gleiberman escribió que la película no era “oscura”, sino una historia “alocada, dinámica y multifacética” con auténticas apuestas emocionales.

La secuela supondrá un giro radical

Pattinson ha adelantado a Collider que The Batman Part II supondrá “un giro radical” respecto a la primera entrega. “La primera era una versión distinta de una película de Batman, y esta es otra”, ha explicado.

El actor ha precisado que la continuación conservará elementos de la sensación que transmitía el filme de 2022, aunque la considera “muy ambiciosa”. La secuela reunirá de nuevo a Pattinson con el universo cinematográfico definido por Reeves y ya se perfila como uno de los estrenos más esperados a largo plazo por los fans de la franquicia.

En el mundillo literario no se habla de otro tema: el regreso el “Borges de Bioy”, como se conoce a esta obra monumental, agotada e inaccesible por décadas, escrita por Adolfo Bioy Casares, y que reúne más de dos mil páginas distribuidas en dos tomos, con miles de anotaciones, glosarios, apéndices e índices analíticos.

Es reedición, que sale dos décadas después de la original, es además una versión revisada por Daniel Martino, que incorpora dos décadas de investigación, materiales documentales, notas e índices. Así, el volumen vuelve con correcciones textuales, fuentes localizadas y referencias que amplían sus posibilidades de lectura y consulta, que permite ubicar autores, obras, películas, músicas, personajes, ideas, episodios y conversaciones a lo largo de un registro que abarca más de 40 años.

Martino trabajó junto a Bioy Casares en la organización del material de la primera edición. Su intervención en la nueva versión parte de aquel trabajo y suma el conocimiento acumulado desde entonces, luego de la aparición de documentos y la resolución de cuestiones que antes no tenían respuesta.

La revisión alcanza el texto de principio a fin. Las nuevas notas identifican personas y obras, verifican citas, reconstruyen episodios, localizan fuentes y explican referencias vinculadas con acontecimientos de la época.

Cuando la documentación lo permite, la edición corrige recuerdos o datos que habían quedado establecidos en versiones anteriores. El volumen incorpora así errores detectados, fuentes recuperadas y precisiones sobre pasajes cuyo contexto no había podido determinarse en 2006.

El núcleo de Borges es la relación cotidiana, intelectual y personal entre Bioy Casares y Jorge Luis Borges. Sin embargo, sus páginas reúnen también un panorama de la cultura argentina e internacional del siglo XX, atravesado por escritores, filósofos, artistas, políticos, músicos, cineastas, científicos y figuras de la vida pública.

Los encuentros entre ambos autores conviven con referencias a libros, películas, viajes, discusiones y escenas de la vida cotidiana. La nueva organización de sus índices permite recorrer ese material por nombres propios, títulos, asuntos y episodios, sin depender de una lectura lineal.

El índice analítico fue ampliado y actualizado respecto de la edición anterior. Su extensión transforma a Borges en una herramienta para consultar una época, además de conservar la forma de un diario construido a partir de conversaciones, recuerdos y observaciones.

La edición mantiene la posibilidad de leer la obra de principio a fin como testimonio de una relación intelectual y de un período cultural. También permite volver sobre sus páginas para localizar una persona, un libro, una película, una conversación o un acontecimiento específico.

Adelanto de Infobae Cultura:

Sábado, 28 de agosto, 1965. Borges: “La gente de Emecé está un poco perpleja. Apareció un libro de Justita Dose que lleva en la tapa el pie de imprenta “Emecé Editores”, y ellos ni siquiera fueron consultados». Corren dos hipótesis: una prefiere la falta de escrúpulos; otra, la ignorancia. Bioy: “Lo más probable me parece que Justita quisiera un libro de verdad, con todos los detalles de los otros, y que eligió el pie de imprenta de Emecé porque quedaba bien con la tapa».

Martes, 13 de junio, 1967. A las doce de la noche, cuando lo llevamos a su casa, hacían casi tres grados bajo cero. Comentó: “Si el frío sigue así, este país va a convertirse en un país civilizado». Agregó: “Me gusta el frío». Pero le divisé calzoncillos largos bajo las medias.

Domingo, 30 de julio, 1967. Me dice que Clemente le ha asegurado que Ollantay está plagiada, con personajes y todo, de una pieza de teatro, acaso boliviana. Bioy: “La idea sería que Rojas trabajaba con mitos y leyendas. Como si presentara su Don Juan y su Fausto”. Borges: “No solamente la idea: la explicación. Pero, ¿quién tiene paciencia para indagar, para leer Ollantay y la piecita boliviana? Nunca aclararemos el enigma». Bioy: “¿Te parece que Ricardo Rojas habrá plagiado por recuerdos olvidados o con el librito sobre la mesa? Yo considero este plagio casi imposible. Lo que puede pasar es que uno olvide recuerdos y crea inventarlos». Borges: “He took the Daughters of Memory for the Daughters of Imagination…” [Blake, William, Milton (1810)]. Bioy: “Es claro. Cuántos films habremos olvidado. En algún mediocre film olvidado puede haber una escena que de alguna manera nos estimuló y que después de años vuelve como inventada… Pero Rojas, respetado por medio mundo, ¿podía abrir un librito y, en la esperanza de no ser descubierto, copiarlo?». Borges: “¿Vos creés que Nicholas Blake, al escribir There´s Trouble Brewing plagiaba deliberadamente The Red Redmaynes de Phillpotts? Chesterton imitó The Big Bow Mystery de Israel Zangwill: en el cuento de Zangwill una persona, la que investiga, entra en el cuarto de la víctima, seguida de la criada, y exclama: “¿Cómo? ¡Lo han asesinado!”, y aprovecha la confusión del momento para asestar la puñalada mortal. En el cuento de Chesterton [”The Wrong Shape” (1911)], el asesino entra dos veces: en la primera, solo, asesina; en la segunda, acompañado, descubre el hecho. La solución de Zangwill es mejor y más limpita. Chesterton habrá comprendido que no podía mejorarla".

Sábado, 31 de diciembre, 1967. Borges, recién casado, partió de viaje con su mujer. “Habrá que pasar siete meses con esta bruta”, fueron sus ipsissima verba, me comunica doña Leonor.

Domingo, 8 de septiembre, 1968. Su mujer dijo a María Kodama: “Cada tarde que se pasa sonseando con vos y el anglosajón, yo pierdo los treinta y cinco mil pesos de una conferencia”.

Miércoles, 6 de agosto, 1969. El film [Invasión] es chambón, con errores materiales que lo perjudicarán (por ejemplo, la época es 1957 y no se ven más que automóviles de modelos del sesenta y tantos); la banda sonora resulta impertinente y los actores recitan sus partes; de todos modos, me conmuevo un poco. El film sirve, de paso, para desmentir a Bresson y a Hugo sobre las ventajas de hacer trabajar a gente que no es del oficio; los dos mejores personajes masculinos son dos actores profesionales: los más naturales, los que hablan espontáneamente.

Lunes, 5 de enero, 1970. Borges vio a María Kodama y, aunque está contento, me confía: “María, con todo su understatement japonés, me dijo que Elsa vive en una alucinación: en la alucinación del rencor”.

Viernes, 11 de diciembre, 1970. Comen en casa David Gallagher, profesor de Literatura Hispanoamericana en Oxford, y Manuel Puig. Éste dice: “Una vez copié una dedicatoria de Borges y desde entonces la he puesto en cientos de libros: “A fulano, en el primer día de una amistad de toda la vida””.

Viernes, 30 de julio, 1971. Come en casa Murena, que ataca a Wordsworth, al que no perdona cierto tono de superioridad hacia Coleridge y un agravio a Keats. Hace causa común con Silvina, quien defiende agresivamente, contra Borges y contra mí, “Lend me your ears” de Shakespeare y la poesía de Baudelaire en general diciendo: “No hay ridiculeces: todo es cuestión de tiempo, es decir de modas». “Y ¿el vicio grandilocuente y plural e infinito y grandioso?” “Por qué no, por qué no…”

Domingo, 19 de septiembre, 1971. Leo originales para el concurso de La Nación; encuentro uno, deliberadamente áspero, soez, rico en solecismos y sin duda en anacronismos, no desprovisto de méritos. Pienso que si lo leyera con Borges no hubiera pasado de la media página y de la india que perdía leche por las tetas, mientras besaba después del coito.

Domingo, 7 de septiembre, 1975. Borges refiere que un Haedo, primo suyo (¿o de su prima Esther Haedo?) le dijo una vez en el Salto, en casa de Amorim, que la oveja parece un animal hecho para el hombre: “Es cariñosa y reconoce. No sé cómo hay gente que se acuesta con cabras o yeguas”. Recordamos que hace años, se habló en una reunión de bestialidad y que una joven señora, muy sorprendida, afirmó no tener noticias de que tal aberración existiera. “Muchas mujeres se acuestan con carneros y con perros –le dijeron–. Los perros tienen el inconveniente de abotonarse.» “Lo peor –observó objetivamente la joven señora– es que, después, con esos partners, es imposible la conversación”.

Domingo, 21 de septiembre, 1975. Se me va la mañana en leer los diarios: un poema de Borges, escrito a los pocos días de muerta la madre, con remordimiento de no haber sido bastante bueno con ella [“El remordimiento»]. Borges: “Es el menos personal de tres poemas que escribí”.

Miércoles, 15 de octubre, 1975. Releo (con mucho placer), La metamorfosis. Borges objetaba que no seguía el sistema inventado por su autor. Que un autor no se aferre a un estilo, a una forma de composición, no me parece una debilidad. La metamorfosis es un relato muy bien inventado, pensado, desarrollado.

Miércoles, 19 de mayo, 1976. Carta a Di Giovanni, para darle la buena noticia de que Borges no sólo no habla mal de él, sino que lo extrañó en los Estados Unidos: “Si tiene los defectos de los norteamericanos, está mejorado por la Mafia” (no le cito esta frase).

Domingo, 10 de julio, 1977. María ya no le permite tomarla de la mano, pero él se alegra de su amor, aunque termine así.

Domingo, 29 de enero, 1978. Parece que María Kodama se casó o se casa estos días; que le dijo que lo quiere; que va a volver a él antes de lo pensado. Por de pronto, el jueves parten juntos.

Viernes, 3 de marzo, 1978. María le habría dicho que él es muy dominante; que a su lado ella sería una nulidad y que al lado de un hombre mediocre puede ser alguien. Que por un tiempo no se verán.

Miércoles, 5 de julio, 1978. Leo esta declaración atribuida a Borges, dicha en Tucumán: “El psicoanálisis no me gusta. Es el lado obsceno de la ciencia-ficción”.

Sábado, 5 de agosto, 1978.Dice que para los romanos nada era peor que descubrir la enemistad de Júpiter (“Iuppiter hostis”, en Virgilio) [Eneida, XII]: porque no dependía de lo que el hombre hiciera. Releyó Los miserables. Borges: “Es muy mala. Hugo tiene la incapacidad de imaginar personajes que no sean él mismo. Mejor es Dickens”.

Sábado, 24 de febrero, 1979. María Kodama tenía un lindísimo gato de una raza muy rara. El año pasado, cuando María fue con Borges a Francia, el gato comió veneno para ratas y murió. El veterinario habló con María, y le dijo que gatos de esa raza nunca se envenenan por error; que sin duda el gato se había suicidado porque no podía soportar su ausencia. María contestó que eso no le parecía posible, dada la relación que había entre ella y el gato. Durante todo el día el gato estaba en el balcón; cuando ella volvía a casa, muy tarde en la noche, lo dejaba entrar. El gato la miraba: estaba educado para no restregarse contra sus piernas, porque eso era para ella muy desagradable. María se sentaba en un sillón de anchos brazos y se ponía a leer un libro. El gato, frente a ella, en el suelo, la miraba. De pronto no podía contenerse y saltaba a un brazo del sillón. Ahí estaba un tiempo, hasta que no podía contenerse y con una pata tocaba el libro. Entonces María lo ponía de nuevo en el suelo. Al rato el animal no podía contenerse y se deslizaba a las faldas de María y le empujaba suavemente el libro contra el cuerpo. Entonces María lo llevaba al balcón y cerraba la puerta. El gato la miraba a través del vidrio. “¿No te daba lástima?”, le preguntaban. “No. Para mí era un simple objeto decorativo”.

Sábado, 18 de agosto, 1979. Borges: “Frías me dijo que yo podría constituirme en una fundación para que después de mi muerte solamente él y Bonifacio del Carril manejaran mis bienes. Yo no tengo ganas de verlos. Si mi fortuna es de setenta centavos, ¿por qué voy a dejarla a un millonario que para enriquecerse prostituye el país con best-sellers inmundos?”.

Sábado, 12 de enero, 1980. Busco a Borges. Me dice que está muy solo y que María lo deja.

Viernes, 7 de noviembre, 1980. Come en casa Borges. Cuenta: “A veces, cuando caminábamos por Nueva York, de pronto [María] exclamaba: “Borges, yo lo odio” o “Borges: usted es un monstruo de egoísmo”. Después decía que era en broma, pero era evidente que sentía necesidad de maltratarme... Me parece que ésta no es la mujer que yo quería. Si va a dejarme, mejor así».

Sábado, 3 de enero, 1981. Come en casa Borges. Mucha gente quedó ofendida porque dijo que no quería a Perón y que no le interesaba el fútbol. “¿Qué se propone? —preguntaban— ¿Despreciar al pueblo?».

Domingo, 8 de febrero, 1981. Borges me refiere horrores de María Kodama: “Un día, en Islandia, me dijo: “¿Usted cree que está con María? No está con María: yo soy otra persona, vengativa y mala”. Después de un rato el juego me molestó; ella no hacía caso e insistía... Hace un tiempo me dijo que me apostaba el cuero de su gatita Joy contra el de Beppo. Parecía hablar tan en serio que no pude más y le dije que no, que quiero mucho a mi gato”.

Viernes, 11 de septiembre, 1981. Leo un lindísimo artículo en el New Yorker del 11 de mayo: “Freundschaft” de Samson Raphaelson, que cuenta su amistad y colaboración con Ernst Lubitsch. La amistad de Raphaelson y Lubitsch sin confidencias, sin intimidades, me recuerda la mía con Borges, antes que la vida con sus golpes nos llevaran a confesar, como quien se queja. La verdad es que las confesiones vinieron más espontáneamente de Borges a mí…

Martes, 12 de enero, 1982. Borges: “Hoy pasé un día in the dumps. Ayer María estuvo simpatiquísima, pero hoy recordó no sé qué traición que yo le habría hecho y todo el día se quejó y me acosó con reproches. Hasta logró pelearse con Fanny… Escenas realmente de conventillo... Sin duda estoy calumniando a los conventillos”.

Sábado, 20 de marzo, 1982. Le pregunto si últimamente le va mejor con María. Después de unos instantes de vacilación, contesta: “Sí, tal vez; pero a mí me parece que esta chica tiende a la desdicha. Norah, por ejemplo, tiende a la felicidad. Vos sabés, yo pienso que no habría que vivir con personas que tienden a la desdicha”.

Sábado, 8 de enero, 1983. Cuenta que María, de una manera casi burda, trata de despertar sus celos. Por ejemplo, le asegura que ha conocido un muchacho fascinante. Borges: “A toda hora recuerda la transformación de la sutil, callada, reprimida japonesa que fue, en la afirmativa y desenvuelta occidental que es actualmente: una occidental decidida a no pasarme nada por alto. De pronto me dice: ‘¿Sabe una cosa? Estoy vestida de rojo’. ¿No estará loca?’”.

Jueves, 22 de mayo, 1986. Leo en La Nación declaraciones un poco absurdas de Borges: que ya no existe su Buenos Aires, el de los cuchilleros. Nunca lo conoció.

Sábado, 21 de junio, 1986. María Laura Uriburu, con severidad: “¿Por qué no fuiste al entierro de Borges?”. “Porque no iba a estar Borges, allá”.

¿Qué pierde una novela cuando llega al cine? Con esa pregunta comenzó Escribidores 2026 en Cáceres. La plantearon David Trueba y Ray Loriga en la primera conversación del festival. Pero el encuentro no quedó encerrado en las adaptaciones literarias.

La quinta edición del Festival Literario de América y Europa se celebró del 23 al 26 de septiembre bajo el lema «Pantallas y Literatura». La impulsó la Cátedra Vargas Llosa, un proyecto de la Fundación Internacional para la Libertad, con el apoyo de la Junta de Extremadura.

A lo largo de las jornadas, escritores, cineastas y periodistas abordaron asuntos tan distintos como el acoso escolar, la memoria de Federico García Lorca, la crispación en las redes sociales y el cansancio de la vida cotidiana.

El Teatro Capitol y la Filmoteca de Extremadura acogieron una programación gratuita que volvió a situar a Cáceres en el mapa de las actividades culturales de la Cátedra: el año pasado, la región había sido sede de la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa.

En la inauguración, Raúl Tola, director de la Cátedra, presentó Escribidores como un puente entre la literatura y las pantallas. El consejero extremeño de Cultura, Turismo y Deporte, Laureano León, destacó la posibilidad de proyectar la región a través de la cultura y describió el festival como un espacio de encuentro entre las dos orillas del Atlántico.

Después llegó la conversación inaugural: Loriga sostuvo que una película puede conservar la trama, los personajes o el sentimiento de una novela, aunque no su estilo; Trueba recordó que la adaptación también puede ocupar el lugar de las imágenes que cada lector había imaginado por su cuenta.

El jueves, la escritora extremeña Inma Rubiales llenó el Capitol de público joven. Habló de la reedición de Un amigo gratis, su primera novela, escrita a los catorce años y leída millones de veces en Wattpad.

Contó que comenzó a escribir después de sufrir acoso escolar y que la literatura se convirtió entonces en un refugio. Reescribir la obra como adulta le permitió volver sobre aquella experiencia y revisar cómo había tratado cuestiones delicadas, entre ellas la autoestima, la imagen corporal y el suicidio.

Ese mismo día, la Filmoteca proyectó La casa de Bernarda Alba, de Mario Camus. Al terminar, el hispanista Ian Gibson y la actriz Ana Belén recordaron sus primeros encuentros con la obra de Lorca. Ambos habían descubierto sus libros de jóvenes, en circunstancias muy diferentes, y habían quedado marcados por ellos.

Más tarde, en el Capitol, Ramoncín y la periodista Lucía Méndez hablaron de la dificultad de conversar con quienes piensan distinto. La presión de las redes sobre los periodistas y el funcionamiento de los algoritmos ocuparon buena parte de un diálogo sobre la polarización social y mediática.

El viernes comenzó con una pregunta menos ligada a los libros que a la vida de quienes los escriben y leen: ¿por qué estamos tan cansados? Juan del Val y Nativel Preciado conversaron sobre la autoexigencia, la dificultad de desconectar y el peso del agotamiento mental.

Por la tarde, Iria G. Parente y Selene M. Pascual recordaron cómo se conocieron hace veinte años y cómo hicieron de la escritura a cuatro manos su método de trabajo. Repasaron historias que tardaron años en terminar, como Pétalos de papel, y la importancia de abrir lugar a personajes queer en la literatura fantástica juvenil.

La jornada concluyó en la Filmoteca con la proyección de Al otro lado del río y entre los árboles, de Paula Ortiz, seguida de un diálogo entre Imanol Uribe y Antonio Soler sobre Hemingway y las dificultades de convertir una novela en película.

Extremadura tuvo así un papel más amplio que el de simple anfitriona. Rubiales aportó una voz extremeña capaz de convocar a lectores jóvenes; la Filmoteca puso su pantalla al servicio de conversaciones sobre Lorca y Hemingway; y los espacios de Cáceres acercaron al público a autores y cineastas de distintas generaciones. La programación mostró que un festival literario podía partir de los libros para discutir problemas presentes fuera de ellos.

La última jornada volvió sobre la figura de Mario Vargas Llosa y abrió debates sobre la meritocracia, la memoria de Dulce Chacón y la escritura de series. La entrega del Premio Escribidores a la Trayectoria a Carme Riera completó el cierre del festival.

Durante cuatro días, la propuesta de la Cátedra Vargas Llosa y Extremadura reunió en Cáceres a personas de distintas generaciones alrededor de libros y pantallas, y les dio motivos para continuar la conversación después de salir de las salas

Hablar de Sigmund Freud es hablar de una de las mentes más brillantes e influyentes del siglo XX. Nacido en 1856, este neurólogo austriaco se hizo famoso por fundar el psicoanálisis, una disciplina que revolucionó la psicología y la cultura gracias a sus conceptos sobre el inconsciente y sus métodos de interpretación de los sueños, que marcaron un antes y un después en el estudio de la psique.

Con todo, Freud fue también un intelectual comprometido con su tiempo, y por eso buena parte de su pensamiento sobre la sociedad y sus valores aparece en El malestar en la cultura. En este ensayo publicado en 1930, el autor reflexiona sobre cómo la civilización, a pesar de su promesa de felicidad, suele exigir sacrificios personales y genera frustraciones difíciles de digerir. Así, el psicoanalista lee todas esas tensiones entre nuestros deseos individuales y las exigencias de vivir en comunidad.

Es en las primeras páginas de este libro donde se encuentra una de las sentencias más recordadas de Freud: “Es imposible escapar a la impresión de que la gente usa estándares falsos de medida, que buscan poder, éxito y riqueza para sí mismos y los admiran en los demás, y que subestiman lo que tiene verdadero valor en la vida”. Con estas palabras, resume parte de su visión crítica sobre los valores sociales predominantes y advierte que quizá no estemos buscando donde deberíamos.

El significado de la frase de Freud

El médico austríaco pone el foco en la tendencia generalizada a valorar a las personas según su éxito material y su posición social. Para él, la búsqueda de poder, dinero o fama reemplaza muchas veces la importancia de “amar y trabajar”, que él consideraba los pilares de la salud mental.

Lo primero nos saca del aislamiento egoísta en el que muchas veces nos sumimos, mientras que lo segundo consiste en “sublimar” nuestros impulsos hacia algo útil. Nos da un sentido de realidad, pertenencia y logro personal. A estos dos elementos se les añade el autoconocimiento: aceptar nuestras propias limitaciones, deseos y contradicciones para vivir con mayor libertad y menos culpa.

El problema, para Freud, no está en querer progresar, sino en confundir el progreso con la acumulación de cosas. Habría sido interesante ver qué pensaría de un mundo como el nuestro. Las redes sociales convierten día a día los logros y los lujos en un espectáculo, y el éxito de muchas personas depende del número de likes o seguidores. En ese marco, el contraste entre la imagen que ofrecemos y la satisfacción personal de cada uno es más evidente, lo que hace que nos preguntemos: ¿qué tiene verdadero valor?

Otros pensadores en la misma línea

Las ideas de Freud han sido abordadas por otras figuras de la psicología y la filosofía. Erich Fromm, el autor del famoso libro El arte de amar, retomó este debate en su ensayo ¿Tener o ser? “Si soy lo que tengo y si lo que tengo se pierde, ¿quién soy entonces?”, se pregunta en esta obra. Para él, la felicidad y la identidad no dependen de lo que poseemos. Al contrario, estas cuestiones residen en la calidad de nuestras relaciones y en cómo convivimos con nuestro interior.

Por su parte, el sociólogo Zygmunt Bauman también exploró la obsesión contemporánea con el consumo y la apariencia. En Modernidad líquida, reflexionó sobre cómo “en una sociedad de consumidores, la gente chapotea en cosas, cosas fascinantes y agradables. Si defines tu valor por las cosas que adquieres, ser excluido resulta humillante”.

Así, vemos hasta qué punto Freud y otros pensadores han abierto una puerta para que cuestionemos los valores que hoy dominan nuestras vidas y propongamos nuevos caminos para sentirnos realizados. Sus palabras nos invitan a mirar más allá de la apariencia y preguntarnos: ¿qué es lo que realmente cuenta para nosotros? Ellos dieron sus respuestas, pero cada uno debe encontrar las suyas por sí mismo.

El Festival de San Sebastián toca a su fin, pero deja tras de sí una larga lista de tareas pendientes. Además de su Concha de Oro, el certamen donostiarra ha proyectado algunos de los títulos más interesantes de lo que queda de año, o de lo que está por venir en 2027. Grandes directores, excelentes actores e historias llenas de emoción y ternura, como la que acaba de llegar a cines con La bola negra, que precisamente se estrenó en nuestro país a través del Festival de San Sebastián y ha ganado el premio del público. Pero, ¿qué otras películas hay que tener en el radar para estos meses?

‘Tender Loving Care’

Gran ganadora del festival, Tender Loving Care suponía el regreso del veterano director británico Mike Leigh con este humanista drama. Amy (Kate O’Flynn), trabajadora social en el servicio público de protección a la infancia, regresa a vivir con su alegre mejor amiga, Rosie (Alice Bailey Johnson), tras el fracaso de una relación amorosa. Rosie, que trabaja como asistente social, se enfrenta a diario a la ira y el resentimiento de las personas a las que atiende. A su vez, los padres de Amy (Marion Bailey y Paul Jesson), ya mayores y preocupados por la felicidad de su hija, se ven obligados de pronto a afrontar una crisis propia. La película aún no cuenta con fecha de estreno en nuestro país, pero en Estados Unidos estará en cartelera desde el 4 de diciembre.

‘5 minutos más’

Berto Romero y Belén Cuesta dan vida a un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el mundo entero entra en un bucle temporal. Los últimos cinco minutos se repiten una y otra vez como si saltara la aguja de un tocadiscos. Dirigida por el siempre ingenioso Javier Ruiz Caldera, esta comedia podrá verse en cines el próximo 22 de enero de 2027.

‘El debut’

Julianne Moore protagoniza la segunda película como director de Jesse Eisenberg tras A real pain. Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra. El debut ya ha apuntalado a Moore como una de las más que posibles candidatas al Oscar, aunque para ver su actuación habrá que esperar al 29 de enero de 2027.

‘Ruega por nosotras’

Daniel Monzón (Celda 211) dirige este drama sobre la histórica institución del Patronato de Protección a la Mujer. Ana tiene 19 años, vive en Barcelona y es una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de Protección a la Mujer, institución especializada en “mujeres caídas o en riesgo de caer”. Ana es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad de otras chicas en su misma situación, especialmente la de Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa que conecta al instante con ella. Esa luminosa amistad será lo que mantendrá a Ana a flote.

‘Ceniza en la boca’

El actor mexicano Diego Luna debuta como director en este drama que combina México con Madrid. En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban. No habrá que esperar mucho para verla, ya que se estrena en cines el próximo 9 de octubre.

‘Fatherland’

El director polaco Pawel Pawlikowski, quien compartió el premio a Mejor dirección con los Javis en Cannes, se encarga de este drama de época centrado en la figura de Thomas Mann. El escritor alemán y su hija realizan una gira para recibir dos premios honoríficos bien distintos. Uno, el del lado occidental, y otro del lado soviético, mientras la repentina muerte del hijo empieza a crear un gran conflicto entre Mann y su hija Erika, intérprete y confidente del escritor, además de actriz y escritora. Se podrá ver en cines el próximo 4 de diciembre.

‘De repente’

Tras asombrar a todo el mundo con su última película, Drive my car, el director japonés Ryusuke Hamaguchi regresa con esta De repente, basada en la correspondencia entre la antropóloga médica Maho Isono y la filósofa Makiko Miyano. En París, Marie-Lou Fontaine, directora de una residencia de ancianos, se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en la escucha activa y el respeto a la dignidad de los residentes, a pesar de la escasez de medios y la resistencia de parte de su personal. En medio de estos problemas, su encuentro con Mari Morisaki, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, transformará profundamente su vida. Al forjar una profunda amistad, ambas mujeres unen fuerzas en una lucha compartida para lograr lo imposible. Esta película de la que todo el mundo habla maravillas podrá verse a partir del próximo año, el 19 de febrero de 2027.

‘Club Kid’

Sin duda una de las grandes sorpresas de este Festival de San Sebastián, quien la ha podido ver ya la mantendrá en su corazón durante mucho tiempo. El actor y comediante Jordan Firstman (I love L.A.) escribe, dirige y protagoniza esta historia sobre un promotor de fiestas homosexual en Nueva York, quien de la noche a la mañana recibe la noticia de que tiene un hijo de diez años del que tiene que hacerse cargo. Comenzará entonces una bonita relación entre dos desconocidos mientras lucha por salir de la espiral de drogas y fiesta de la que no quiere hacer partícipe a su nuevo hijo. Club Kid llegará a los cines el próximo 4 de diciembre.

El Festival de San Sebastián de 2026 será recordado como el de las despedidas. La del gran Mike Leigh, director británico de prolífica carrera que presentaba la que bien puede ser su última película, Tender Loving Care, y la de José Luis Rebordinos, máximo responsable del certamen donostiarra durante los últimos quince años. Una edición que ha estado marcada por estos adioses, pero también por la llegada de savia nueva presente a lo largo de las distintas secciones del festival.

La más importante, la Sección Oficial, se ha saldado con la victoria de Tender Loving Care, una ganadora más que digna para suceder a Los domingos, y que se ha llevado también el premio a Mejor guion y a Mejor actriz protagonista gracias a Kate O’Flynn. Eso sí, lo ha hecho dentro de una selección de títulos que dejaban claro la escasez con la que había tenido que lidiar el comité de selección, que se encontró con que los tres grandes títulos españoles del año ya habían pasado por Cannes y otros tantos internacionales por Venecia y el propio certamen francés. Eso había provocado que buena parte del atractivo de Donostia se trasladase a la sección Perlak, desde donde hacen años se aglutinan los grandes títulos de otros festivales de clase A y donde este año se han podido ver De repente de Ryusuke Hamaguchi, Fatherland de Pawel Pawlikowski o Fjord de Cristian Mungiu, ganadora de la Palma de Oro.

A la vista está que el gran fenómeno del festival ha surgido de esta sección, que no ha sido otro que La bola negra, estrenada este mismo fin de semana y que se presenta no solo como la gran esperanza de España para los Oscar, sino también como una de las favoritas para el Oscar. La película de los Javis salió del certamen con un respaldo colectivo y hasta con un premio, el del público por su rotunda 9,40 de media, la más alta para cualquier película española en toda la historia del festival desde que se entrega este premio.

Nuevas directoras y amplios horizontes

Pero a pesar del éxito evidente de La bola negra, no hay que olvidar que un festival también está para descubrir nuevos nombres y ampliar los horizontes. Para eso ha estado siempre la sección de Nuevos directores, cuyo premio iba para Body of glass de Naëmi Ada, que se ha alzado ante otros títulos igual de elogiados como Chicas tristes, El tren fluvial o Esta soledad. También Horizontes Latinos, de la que siempre han salido nuevas y grandes voces del cine latinoamericano y este año ha alumbrado al actor Diego Luna, quien hacía su debut como realizador con Ceniza en la boca. El premio sin embargo ha sido para el documental argentino La ilusión de un verano sin fin de Alessandra Sanguinetti, que también se llevaba el premio DAMA del Jurado Joven,

La 74º edición también ha sido la de dos nombres propios: Naomi Watts y Werner Herzog, ambos galardonados con el Premio Donostia por su carrera. La primera aprovechaba para presentar su última película, The housewife, mientras que el segundo hacía lo propio con Bucking fastard, la particular propuesta que llevó a Venecia y que aquí se encontraba en Perlak. Dos grandes estrellas marcadas a su vez por la alargada presencia de David Lynch, omnipresente en sus discursos, y opacada en gran medida por la irrupción de grandes estrellas en la alfombra, roja, pues San Sebastián tampoco sería lo mismo sin su famoseo. Brad Pitt, Marion Cotillard u Orlando Bloom han sido algunas de las caras que más fotos y firmas han atraído, a pesar de que sus películas no causasen tanto entusiasmo.

Otras secciones como Zabaltegi Tabakalera o Culinary Zinema se han resuelto con sendos premios a Adolescencia, sexo y muerte en Camp Miasma y Burgundy respectivamente, la película de Jane Schoenbrun sobre la experiencia trans a través de una saga de slasher ochentera o el retrato del vino de la Borgoña. Así se despide la 74º edición de un festival que cierra una etapa, la de José Luis Rebordinos, y a partir de este momento abre una nueva época de cambios que solo el año que viene podremos ver cómo llegan a buen puerto.

Listado de premios al completo

• Concha de Oro a Mejor película: Tender Loving Care
• Premio Especial del Jurado: Border
• Concha de Plata - Mejor dirección: Amanda Kernell (Brace Your Heart)
• Mejor interpretación protagonista: Asta Kamma August (Growth of the Soil)
• Mejor interpretación protagonista: Kate O’Flynn (Tender Loving Care)
• Mejor interpretación de reparto: Javier Cámara (5 minutos más)
• Premio del Jurado - Mejor guion: Mike Leigh (Tender Loving Care)
• Premio del Jurado - Mejor fotografía: Oskar Dahlsbakken (Growth of the Soil)
• Mejor música original: Amin Bouhafa
• Premio del Público: La bola negra
• Premio del Público - Mejor film europeo: Naza
• Premio Horizontes (Mejor película latinoamericana): La ilusión de un verano sin fin
• Premio Nuevos Realizadores: Body of Glass

En la película, que narra la historia de tres hombres en la España de tres épocas distintas -1932, 1937 y 2017-, Penélope Cruz da vida a Nené Romero, una mujer que viajaba durante la Guerra Civil española para actuar como cupletista. Esta figura era muy popular en la España de la primera mitad de siglo y consistía básicamente en una artista, generalmente mujer, que cantaba y actuaba interpretando cuplés, un estilo de canción ligera, popular y en ocasiones picaresca, como es el caso de La bola negra. Lo que mucha gente no sabe es que el personaje de Nené Romero está inspirado en una histórica cupletista, y la actriz recibió asesoramiento de la hija de esta, también cupletista y una de las mayores expertas en este noble arte de la España más castiza.

Hablamos de Olga Ramos, nacida en Badajoz en 1918 y quien inicialmente hizo cursó los estudios de violín, primero en el Conservatorio de Badajoz y después en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Durante la Guerra Civil española su conocimiento musical y su desparpajo la llevaron a ganarse la vida como cupletista, animando a las tropas y a la vez sacando el dinero suficiente para mantener a flote a su familia. Tras el final del conflicto, Ramos siguió compaginando su formación musical con sus actuaciones en distintos cafés y salas de Madrid, llegando a ganarse el título de la Reina del Cuplé, con el cual siguió actuando hasta bien mayor.

Pasando el testigo

Su legado continuó con su hija, Olga María Ramos, que es quien se ha encargado de asesorar a Penélope Cruz para preparar su papel en La bola negra. “El cuplé parece fácil, pero es muy difícil. Ya lo decía mi madre: ‘Yo lo canto como el que lava, pero es un género tremendamente complejo’. Y Penélope se acercó al cuplé con una humildad, con unas ganas de aprender. Aceptó todas mis sugerencias. Pero no solo los ha cantado, los ha hecho suyos”, contaba en Vanity Fair Ramos, quien no solo ha sido cupletista durante años sino que se ha encargado de investigarlo y de ser una de sus mayores divulgadoras. Tal y como revela, fue el gran interés de Los Javis en la historia de su madre y del cuplé lo que hizo posible esta bonita colaboración cinéfilo-musical.

“Vinieron a mi con todo el tiempo del mundo. Les enseñé mi Casa-Museo. Alucinaron con el violín de mi madre, con la pianola. Los Javis son dos genios. Yo he sido una más de esa película, y me siento muy orgullosa. Y en el rodaje me sentí muy querida”, relataba para la mencionada revista la cupletista, haciendo alusión a la pianola que también aparece en la película durante la famosa escena de Nené Romero. Porque La bola negra no solo ha rescatado del olvido la historia de Lorca y su obra perdida o puesto de relieve la cuestión queer en nuestro país, sino que también nos ha descubierto el maravilloso mundo del cuplé de la mano de una de sus mayores expertas.

Los Javis revelaron que Héctor Bellerín fue una de las primeras opciones para interpretar a Rafael Rodríguez Rapún en La bola negra, la película que representará a España en la carrera por el Oscar 2027 a Mejor Película Internacional. La confesión llegó durante un coloquio de la Academia de Cine, donde el director Javier Ambrossi compartió un dato que nunca antes había hecho público. El papel terminó recayendo finalmente en Miguel Bernardeau.

Ambrossi explicó que parte del personaje de Rafael Rodríguez Rapún se escribió pensando en el futbolista del Real Betis. “Necesitaba una cara”, detalló el director durante el encuentro. El propio Javier Calvo matizó el alcance de esa idea inicial. Según precisó, la opción de Bellerín “estaba en la primera pizarra” del proyecto, en una etapa temprana del desarrollo del guion.

La razón detrás de esa elección no era casual. Rafael Rodríguez Rapún, el personaje histórico al que da vida Bernardeau en la película, también tuvo un pasado ligado al fútbol antes de dedicarse al teatro. Esa coincidencia biográfica llevó a los directores a imaginar a un futbolista en activo interpretando a otro hombre cuya vida estuvo marcada por ese mismo deporte antes de acercarse al mundo de Federico García Lorca.

Quién fue Rafael Rodríguez Rapún

Rodríguez Rapún llegó a jugar en las categorías juveniles del Atlético de Madrid antes de incorporarse, en 1933, a La Barraca, la compañía teatral universitaria dirigida por García Lorca. Entró primero como actor y acabó ejerciendo como secretario de la compañía, lo que lo convirtió en una de las personas más próximas al poeta granadino. Durante la gira de La Barraca en el verano de 1935, la relación entre ambos se convirtió también en sentimental.

Su historia quedó posteriormente atravesada por la Guerra Civil española. Murió en Santander en agosto de 1937, con 25 años, a consecuencia de las heridas sufridas durante el conflicto. Esa biografía inspiró La piedra oscura, la obra de Alberto Conejero que constituye una de las principales raíces de La bola negra. La película combina esa pieza con la obra inacabada del mismo título escrita por García Lorca.

La historia cinematográfica tomó finalmente otro camino. Calvo hizo hincapié en que buscaban un actor con técnica y peso que acompañara a Guitarricadelafuente durante su interpretación en la trama. Esa necesidad terminó por inclinar la decisión hacia Bernardeau, quien asumió el papel de Rodríguez Rapún en una de las tramas fundamentales de La bola negra.

El propio actor explicó durante la promoción de la cinta que estudiar a Lorca, la Guerra Civil y la vida de Rapún le dejó una huella personal. Según sus palabras, el trabajo en la película le “cambió la vida”. La revelación sobre Bellerín quedó así como una anécdota del proceso creativo, sin que llegara a materializarse en una versión distinta del reparto final.

La Academia de Cine eligió la película de Calvo y Ambrossi para representar a España en la carrera por el Oscar 2027 a Mejor Película Internacional. El reparto está encabezado por Guitarricadelafuente, Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes y Lola Dueñas, además de las colaboraciones de Penélope Cruz y Glenn Close.

Antes de su estreno comercial en los cines españoles, el largometraje ya sumaba reconocimiento internacional. Los Javis obtuvieron con este trabajo el premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes, compartido con el director Paweł Pawlikowski. La bola negra articula su relato a partir de tres hombres situados en diferentes momentos históricos, conectados por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia, según ha explicado la producción durante la promoción de la cinta.

Por un lado, a Taylor Swift, quien ha hecho honor a la acepción de la palabra volviendo -si es que alguna vez se va del todo- con The life of a showgirl: Encore, que incorpora cuatro temas al disco que lanzó hace casi justo un año. Por otro, el reestreno de una de las películas de superhéroes más importantes de la historia, que ahora llega en una versión inédita a los cines y con la misión de reenganchar a los fans antes de afrontar una nueva aventura.

De esta forma, Vengadores: Endgame regresa a los cines casi siete años después de su estreno, aunque no lo hace de la misma forma, pues mucho ha cambiado desde entonces. Lo hace con un nuevo título (lo habéis adivinado, Vengadores Endgame: Encore), con su propio póster y sobre todo con una serie de retoques y nuevas escenas que renuevan en gran medida la experiencia, aunque no deje de ser la misma película que vieron los espectadores que la convirtieron en la segunda más taquillera de la historia, solo por detrás de Avatar de James Cameron. Puede que el propio estreno se deba en gran medida a querer romper ese récord, algo muy habitual también en la discografía de Taylor Swift.

Nuevas y editadas escenas

Por refrescar un poco la memoria, Vengadores: Endgame era una continuación casi directa de Vengadores: Infinity War, estrenada solo un año antes y que concluía con la desaparición de la mitad de la población ante el chasquido de Thanos. Cinco años después, e incapaces de revertir la situación, la llegada de Ant-Man desde el mundo cuántico plantea una posibilidad: regresar atrás en el tiempo y recuperar una a una las gemas del infinito con el objetivo de arreglar todo y acabar con Thanos antes de que pueda chasquear los dedos.

Una compleja misión que lleva a sus protagonistas —el Capitán América, Iron Man, la Viuda Negra, Ojo de Halcón, Hulk o un Thor con sobrepreso, entre otros— a revisitar escenarios de sus anteriores películas, un poco lo que sucedía con Marty McFly regresando a Hill Valley en Regreso al futuro 2. Su final ya es conocido por todos los que la vieron, pero a los que no les volverá a sorprender un desenlace tan épico y emocional que Marvel se ha pasado los años siguientes buscando la forma de emularlo sin éxito.

En esta nueva versión hay algunos detalles técnicos que quizá sean imperceptibles para el gran público, pero que merecen ser señalados, como un cambio en la saturación del color que hace que la película tenga un look visual notablemente diferente, con colores más vivos y mayor contraste entre sus figuras. Lo mismo sucede en el apartado sonoro, con la incorporación de una mezcla de audio Dolby optimizada y unos niveles de brillo diseñados específicamente para pantallas de gran formato premium (PLF), incluida Infinity Vision, la tecnología que se implementará en la próxima gran película de Marvel, y con la que esta ha buscado conectar directamente. Hablamos, por supuesto, de Vengadores Doomsday.

La transición a ‘Doomsday’ que explica el problema del MCU

(Atención: posibles spoilers de Vengadores Endgame: Encore)

Precisamente a consecuencia del inminente estreno de esa película, Vengadores Endgame: Encore introduce su mayor novedad en hasta cuatro escenas completamente nuevas, y varias de ellas, si no todas, configuradas para dar un mayor contexto al futuro del universo que se avecina. La primera de ellas es la única que altera el final de la película, con el baile final entre Steve Rogers y Peggy Carter siendo interrumpido por la llegada del mismísimo Loki, pero el que pertenece a la serie Loki que se estrenó después de Vengadores: Endgame. Fiel a su propia trama, este cambio reescribe en gran medida la historia que conocíamos, y simplemente sirve para alertar al Capi de lo que está por venir, dando a entender que el que veremos en Vengadores: Doomsday es precisamente el de la misma línea temporal de aquí.

Las otras tres escenas ocurren ya tras la conclusión del filme, con una a mitad de créditos que involucra a los agentes de la TVA (Autoridad de Variación Temporal) Mobius (Owen Wilson) y Ouroboros (Ke Huy Quan) viendo el choque entre dos multiversos, el 10005 (que no es otro que el de los X-Men de la Fox) y el 1127, completamente desconocido por el momento. Las otras dos tienen que ver directamente con el gran villano de la función, el Dr. Doom que interpretará Robert Downey Jr. y al que podemos escuchar primero abduciendo al Dr. Banner/Hulk (Mark Ruffalo) y posteriormente forjando su máscara de hierro, en un claro guiño a como lo hacía Tony Stark con la máscara de Iron Man.

Cómo explicarán el hecho de que Doom sea interpretado por una persona con el mismo rostro de Iron Man es aún el secreto mejor guardado de Vengadores: Doomsday, pero lo que está claro es que Marvel admite inconscientemente lo mal que ha labrado su camino hasta aquí si ahora tiene que introducir hasta cuatro escenas adicionales que contextualicen todo. Hasta 15 películas y otras tantas series no solo incapaces de llenar de la misma forma, sino también de allanar el camino hacia otro proyecto mastodóntico que podrá ser mejor o peor, pero desde luego no ha contado con el mismo desarrollo emocional que tuvo esta Vengadores: Endgame, y que ahora los espectadores podrán disfrutar como merecida y necesitada antesala de Vengadores: Doomsday, que aterrizará en cines el próximo 17 de diciembre.

La bola negra, que desde este viernes está en cines tras un camino que arrancó en el Festival de Cannes el pasado mayo, tiene como punto de partida el personaje de Sebastián (Guitarricadelafuente), un joven cuyo pueblo es bombardeado por las fuerzas italianas durante la Guerra Civil y acaba recalando en un batallón del bando nacional en Santander. Situada en tres líneas temporales —1932, 1937 y 2017—, la cinta sigue las vidas interconectadas de tres hombres homosexuales: al personaje de Guitarricadelafuente se suman Carlos, interpretado por el debutante Milo Quifes, y Alberto, al que da vida Carlos González.

Sebastián no solo es el punto de partida de la historia: también lo es el pueblo en el que vive. Los 155 minutos de cinta arrancan en un pueblecito en plena Guerra Civil. Sus habitantes sostienen pancartas de bienvenida a las tropas fascistas italianas, sin saber que lo que les espera es una masacre de balas y sangre. Ese pueblo es Castil de Carrias, un núcleo desertizado ubicado en Burgos que conservaba el aspecto necesario para recrear una localidad castigada por la guerra, con casas hundidas y tapizadas por la hiedra y la maleza. “Decidimos que lo mejor era buscar un pueblo medio derruido en el que solo tuviéramos que construir algo más para poder luego destruirlo con las bombas”, explica Clara Salvador, jefa de localizaciones de la película, a Condé Nast Traveler. Allí comenzó oficialmente el rodaje hace poco más de un año, en agosto de 2025.

Florentino González Sáez, el solitario de Castril

Pero hasta que llegó el equipo de La bola negra, el pueblo estuvo en silencio desde 1994, cuando falleció su único habitante: Florentino González Sáez, un labrador que albergó en él la figura de alcalde de sí mismo y que se obstinó en vivir en soledad desde 1975, cuando tenía 48 años, hasta su muerte, 19 años después. El motivo por el que la despoblación fue haciendo mella fue, entre otros, por la falta de agua. “A todos los echó el agua, la ausencia de agua. Que aquí no hay manantial ni caudal cercano”, escribió El País sobre el pueblo en 1983. “Había que subirla con baldes desde las fuentes de abajo del barranco por la cuesta del Pontón que llamamos, y encima no era un agua buena, era muy dura, con mucho yeso, de mala calidad”, añade Javier, un vecino de la zona para el Diario de Burgos en 2020, recordando la historia del solitario de Castril.

“El invierno es duro y hay que guardar mucha leña para no congelarse. De gallinas, cuatro hay, las suficientes para comer algún huevo de vez en cuando. También tengo dos pollos que, más que nada, me sirven para despertarme”, confesó al semanario especializado en sucesos El Caso en 1985, donde ya predijo el futuro del pueblo: “Esto ya no tiene arreglo ninguno. Aquí no va a volver nadie”.

Pero hubo un tiempo en que aquel pueblo estaba lleno de vida. Según los censos históricos del Instituto Nacional de Estadística (INE), Castil de Carrias llegó a contar con 246 habitantes en 1860. En 1950 todavía vivían allí 178 personas; una década después eran 126 y en 1970 la cifra cayó hasta 59. En el censo de 1981 quedaba ya una única persona y un solo hogar: Florentino. El antiguo municipio terminaría integrándose posteriormente en Belorado.

“No hubo manera de convencerle para que se fuera a vivir a otro pueblo, a Briviesca o a Belorado. Era muy cabezota. Recuerdo que en aquellas elecciones en las que se hizo famoso le llevé yo a Belorado a votar”, apunta este mismo vecino. El labrado y su galga Culebra permanecieron allí hasta enero de 1994. Tenía 66 años cuando un cazador encontró su cuerpo en las escaleras de la antigua taberna en la que vivía, como relató el Diario de Burgos. El resto, es historia.

La residencia de Shakira en Madrid moviliza cada fin de semana desde el pasado viernes a más de 55.000 personas. Los 12 conciertos de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour en el Iberdrola Music de Villaverde, en lo que prevé un total de más de 600.000 asistentes, no se limitan a una jornada de conciertos: es toda una experiencia. Es un parque temático sobre la cultura latinoamericana; es Shakiralandia. Es Macondo Park.

Desde que, pasado el mediodía, se abren las puertas del recinto, las posibilidades para pasar las horas previas al concierto son casi infinitas: comer, recorrer sus distintos espacios, leer en La Biblioteca o escuchar en directo a artistas como Amaia o Yerai Cortés, según el día para el que se tenga entrada.

Todo ello requiere también de cientos de trabajadores encargados de que el recinto funcione, desde la restauración hasta el control de accesos y la seguridad. Y, en pleno desarrollo de la residencia, todavía hay vacantes disponibles.

La empresa Safeguard Global busca 50 auxiliares de seguridad para incorporarse al equipo que trabaja durante los conciertos de Shakira en el recinto madrileño. La oferta, publicada en InfoJobs a principios de septiembre, busca candidatos que puedan empezar a trabajar con disponibilidad inmediata y ofrece distintas opciones de horario en función de su disponibilidad. El salario asciende a 11,40 euros brutos por hora.

Jornadas de mínimo 9 horas

Los seleccionados pueden optar por una jornada completa, con entrada a las 08.00 horas y salida “al finalizar el turno” -de cara al público, Macondo Park cierra a la 00:15-, o por un horario de tarde y noche, que se extiende aproximadamente desde las 17.00 hasta las 02.00 horas. Este último supondría, tomando como referencia las nueve horas indicadas en el anuncio, unos 102,60 euros brutos por jornada, siempre que todas ellas computen como horas efectivamente trabajadas.

Por esto mismo, la compañía detalla que “es imprescindible disponer de vehículo propio”, debido a la dificultad de acceso en transporte público a la zona. Para esta ocasión especial, el metro cierra a la 1:30 horas y las líneas de cercanías que pasan por el Iberdrola Musican finalizan a las 23:45 horas.

Tal y como explican en el anuncio, las funciones del puesto se centran principalmente en el control, la vigilancia y el apoyo durante el desarrollo del evento. Entre las tareas detalladas por la empresa se encuentran la cobertura de entradas y accesos, la orientación de los asistentes, el control de diferentes zonas del recinto y la vigilancia y supervisión de las áreas asignadas.

Los auxiliares también deberán colaborar con los responsables de seguridad y organización y cumplir las instrucciones de los encargados del servicio. Safeguard Global advierte, además, de que se trata de un empleo que “requiere permanecer de pie durante varias horas”, por lo que exige disponibilidad para cumplir con los horarios establecidos.

¿Por qué Netflix decidió inscribir a todo el reparto como actuación secundaria? La razón es que ningún personaje concentra suficiente protagonismo frente a los demás, según se detalló. Esa misma táctica ya fue empleada por cuatro películas que terminaron ganando el Oscar a mejor filme: Crash (2005), Spotlight (2015), Moonlight (2016) y Parásitos (2019). Todas esas producciones, excepto Parásitos, lograron además al menos una nominación individual en categoría de reparto. Y todas, salvo Moonlight, se llevaron el premio al mejor elenco en los Screen Actors Guild Awards.

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La Bola Negra fue adquirida por Netflix tras su paso por el Festival de Cannes en mayo. La semana pasada fue elegida como la representante de España para competir por el Oscar a mejor película internacional. El domingo anterior, además, se alzó con el premio del público en el Festival de Toronto. Ese recorrido posiciona al filme como el principal rival de La Odisea en la carrera por el Oscar a mejor película. La producción está ambientada en la Guerra Civil española y despliega tres líneas temporales distintas, lo que explica la amplitud de su elenco.

Penélope Cruz, la favorita entre las actrices

El cantante español de 29 años hace su debut como actor en el filme, donde interpreta a Sebastián, un soldado del bando nacional que se resiste a cumplir su misión: custodiar a Rafael, un soldado republicano herido interpretado por Bernardeau. Entre ambos personajes se desarrolla un vínculo central en la trama. Guitarricadelafuente también compite por el Oscar a mejor canción original con La Nieve, tema que coescribió e interpreta en la película. Si logra ambas nominaciones, se convertiría en la quinta persona en la historia en recibir menciones de actuación y de canción por el mismo filme, después de Mary J. Blige, Lady Gaga, Cynthia Erivo y Leslie Odom Jr.

Cruz interpreta a Nene, una artista de cabaret que entretiene al ejército nacional pese a no compartir su ideología, y que mantiene un breve pero intenso cruce con el personaje de Sebastián. Su actuación la posiciona como la intérprete femenina con mayores chances de obtener una nominación. La actriz ya hizo historia como la primera española en ganar un Oscar de actuación: mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona (2008). Su año 2026 fue particularmente activo, con papeles destacados también en Bunker y La Invitación, motivo por el cual recibió un reconocimiento especial en Toronto.

El respaldo de Netflix al filme no se limita a la estrategia de campaña. La plataforma le otorgará la ventana de exclusividad en cines más extensa de su historia: 47 días, a partir del 16 de octubre. Además, la compañía informará públicamente la recaudación de taquilla de la película, algo que nunca había hecho con ninguno de sus otros estrenos. La Bola Negra será también el primer filme de Netflix en exhibirse en salas AMC fuera de proyecciones puntuales, como ocurrió previamente con Glass Onion: Un Misterio de Knives Out.

Fue eso o morir (C’était ça ou mourir) tenía todos los ingredientes para convertirse en la novela del año en Francia. El novelista y poeta canadiense Thélyson Orélien (Haití, 1988) debutó en la novela de ficción el mes de marzo en Canadá, obra que llegó al país galo el 19 de agosto. En apenas cinco semanas, la historia sobre la dura travesía de un profesor de Historia que huye de Haití rumbo a Canadá vendió 35.000 ejemplares, cosechó elogios de la crítica y se llevó varios premios, entre ellos el Fnac de Novela 2026, el Méduse y el Plume. Todo parecía encaminar al escritor hacia una temporada literaria de ensueño. Hasta que llegó la cuenta de X Balance ton Claude.

Este lunes, el mismo día que el novelista recibió el galardón de Fnac, esta cuenta acusó a Orélien de haber escrito su primera novela “casi en su totalidad por una inteligencia artificial”. “Probamos varios pasajes, en distintos puntos del manuscrito, y obtuvimos casi siempre el mismo resultado: 100 % IA. Recordemos que Pangram es, con diferencia, el detector de IA más fiable”, escribieron en una publicación, adjuntando capturas de pantalla con el resultado del análisis de la web que analiza si un contenido está realizado con IA.

La polémica ha quedado servida y las repercusiones no han tardado en llegar. La Academia Goncourt ha decidido retirar su título de la primera fase de obras que optan al premio, cuyos cuatro finalistas se conocerían el 27 de octubre. En un comunicado hecho público este viernes, la institución alude tanto a los plagios atribuidos al autor como al “resultado convergente de varios análisis de investigadores y periodistas” que, a su juicio, apuntan a que la novela es “con toda probabilidad, en gran medida producto” de una IA.

El autor asegura que empezó a escribir la novela en 2017

La Academia explica que su decisión busca “preservar la integridad del Premio Goncourt” y lanza una advertencia que va mucho más allá del caso Orélien: “No respaldamos ni avalamos de ninguna manera la creación de textos generados con ayuda de la IA”. El que hace apenas unos días era uno de los grandes aspirantes de la temporada literaria francesa se ha quedado así, de golpe, fuera de la carrera por el premio más prestigioso de las letras francesas.

El autor, que ha negado la acusación, ha asegurado que empezó a escribir la obra en 2017, mucho antes de que se desarrollara la IA generativa, y el primer borrador se terminó en 2019. “Siempre me ha gustado la creación y la escritura, no veo por qué recurriría a una máquina”, aseguró a Libération un día después de que arrancase la polémica. “Desde mi reciente llegada a Francia, he sido objeto de numerosos ataques racistas, no de lectores, sino de personas ajenas que buscan perjudicarme. Al principio no les presté atención. Pero no esperaba ataques de este tipo. No estoy triste, sino enfadado. Actualmente estoy recopilando un expediente con mis editores en Francia y Quebec para demostrar mis afirmaciones.”

Sin embargo, a raíz de esto han comenzado a salir a la luz acusaciones de plagio sobre sus textos previos. El diario La Presse aseguró haber comprobado que una columna firmada por el escritor en 2013 era, “en su práctica totalidad”, una traducción ligeramente modificada de un artículo publicado cinco días antes en The Philippine Star.

Tras el éxito comercial de Backrooms, el estudio A24 busca repetir la fórmula con un nuevo fenómeno nacido en internet. La productora se ha unido a Spooky Pictures e Image Nation Studios para llevar a la gran pantalla V/H/S: SCP, película basada en el universo de terror colectivo de la Fundación SCP. El proyecto, sin embargo, enfrenta un obstáculo poco habitual en Hollywood: el material original se publica bajo una licencia Creative Commons que impide reclamar exclusividad sobre sus contenidos.

Backrooms, otro proyecto surgido de la red, recaudó más de 394 millones de dólares en taquilla para A24. Ese resultado explica por qué el estudio decidió mirar hacia otra ficción colectiva de internet con público fiel: la Fundación SCP. En declaraciones a The Wrap, los responsables de la producción justificaron la apuesta al señalar que el “folclore de internet” se ha convertido en una cantera de historias con seguidores consolidados, y citaron como ejemplo directo el caso de Backrooms. A24 adquirió los derechos mundiales de V/H/S: SCP, que se estrenará en 2027 como parte de la saga de terror de metraje encontrado (found footage), que ya suma ocho entregas. En octubre, la franquicia sumará además V/H/S/Mixtape al catálogo de la plataforma Shudder.

El equipo de producción reúne a nombres habituales de la saga, entre ellos Roy Lee, Steven Schneider, Josh Goldbloom y Michael Schreiber, junto a Ben Ross, Rami Yasin, Jakob Pollack y Brad Miska como productores ejecutivos. El anuncio no resultó del todo sorpresivo: Variety ya había adelantado en julio pasado que Spooky Pictures e Image Nation Studios preparaban una adaptación, antes incluso de que A24 se sumara al proyecto. La Fundación SCP surgió en internet alrededor de 2008 y funciona como una gigantesca ficción colectiva construida durante casi dos décadas por miles de colaboradores. Sus autores han creado relatos sobre objetos, criaturas y fenómenos anómalos vinculados a una organización ficticia encargada de contenerlos. Con el tiempo, el universo saltó de la wiki original a videojuegos, cortometrajes y series web, sin que existiera hasta ahora un largometraje propio. V/H/S: SCP sería la primera adaptación cinematográfica de este fenómeno, aunque no es la única que se está preparando en Hollywood.

Una licencia Creative Commons con límites

El choque con las reglas habituales de la industria surge porque los contenidos de SCP se publican bajo licencia Creative Commons BY-SA. Esta licencia permite crear obras derivadas, incluso con fines comerciales, pero impone condiciones que no encajan con el modelo tradicional de explotación de Hollywood. Según recoge Kotaku, la película tendría prohibido incorporar DRM o cualquier otra medida que restrinja su copia. Plagiarism Today añade que la licencia obliga a mantener los mismos términos en las obras derivadas y, además, impide convertirlos en derechos exclusivos. Esto significa que, aunque la cinta podría distribuirse comercialmente, la licencia limita la posibilidad de proteger sus contenidos y controlar en exclusiva su explotación.

Quienes escribieron el universo SCP durante casi veinte años no tuvieron voz ni voto en el proyecto. A través de un comunicado, la comunidad aseguró que nadie los “consultó ni contactó” y que sus intentos de localizar a los responsables de la película no obtuvieron respuesta. El texto es igual de contundente respecto a los límites legales: sostiene que A24 “no tiene ni puede tener ningún derecho exclusivo” sobre los elementos del universo SCP. La productora intentó rebajar la tensión. A través de un portavoz, explicó a Kotaku que “no reclama” derechos para frenar a la comunidad ni impedir que siga creando obras basadas en SCP. Precisó además que los derechos mundiales adquiridos corresponden a la película de V/H/S, no al universo SCP, y presentó la cinta como un homenaje a la comunidad que construyó ese mundo. La aclaración llegó después de que A24 tuviera que retirar avisos automáticos de copyright dirigidos contra contenido de fans de Backrooms.

Como apunta Plagiarism Today, los productores no estaban obligados a recurrir al universo SCP, ya que la idea de una organización secreta que oculta fenómenos paranormales tiene múltiples precedentes fuera de esta comunidad. Hasta la fecha, ni la Fundación SCP ni las productoras han confirmado un acercamiento formal entre ambas partes. Habrá que esperar al estreno de V/H/S: SCP en 2027 para saber hasta dónde llega el pulso por los derechos.

Camilo Joaquín Villarruel, conocido como Milo Quifes, dejó Biología en la Universidad de Granada en 2022 y publicó en 2024 su primera novela, Ultravioleta. El actor ha obtenido su primer papel cinematográfico tras presentarse a un casting al que acudió para trabajar como extra y vencer su temor a la cámara.

Quifes comparte reparto con Antonio de la Torre, Natalia de Molina, Penélope Cruz y Glenn Close. La película narra las vidas de tres hombres en distintas décadas, desde los años anteriores a la Guerra Civil hasta la España contemporánea, y toma como punto de partida una obra de Lorca de la que solo se conservan el reparto de personajes y la primera escena.

El intérprete ha pasado su adolescencia en Sevilla y también ha vivido en Granada. En la biografía que acompañaba a Ultravioleta, publicada por el sello Montena, se indicaba que había tenido seis empleos y se había mudado once veces.

Quién es Milo Quifes y cómo llegó a ‘La bola negra’

Quifes nació en Huelva hace 25 años y empezó a escribir relatos de distintos géneros durante su etapa escolar. Sus profesores de Lengua en Sevilla alimentaron su interés por los libros, aunque inicialmente optó por una formación científica y se matriculó en Biología.

La experiencia universitaria le hizo comprender que esa carrera no era su camino. En un vídeo difundido en sus redes sociales, cuando tenía 21 años, explicó que llevaba tiempo sin sentirse feliz con los estudios: “Todos sabíamos que al final la iba a dejar”.

Tras abandonar la universidad, centró su actividad en la escritura, la creación de contenido y la interpretación. Ultravioleta aborda una historia de amor entre dos hombres y recoge elementos de su propia vida.

El papel en la película de Calvo y Ambrossi llegó después de una sucesión de pruebas que el joven creía destinadas a elegir figurantes. “Buscaban andaluces y yo decidí ir, también para enfrentarme al miedo que me provocaba estar delante de una cámara, y para ganarme algún dinerillo como extra”, ha relatado el actor durante el Festival de San Sebastián.

El personaje de 1932 y las heridas del rechazo

El protagonista ha vinculado su personaje con las experiencias de exclusión que ha vivido fuera de la pantalla. “Me ha obligado a pensar en todas las veces que me han echado a mí la bola negra, que me han cuestionado”, ha afirmado Quifes a Infobae.

El rodaje incluyó una jornada en Sierra Nevada durante un fuerte temporal. El actor llevaba varias capas de ropa térmica bajo el vestuario, pero ha explicado que no podía protegerse del frío en las manos ni en la cara y que apenas veía al equipo por la ventisca y la nieve.

La preparación del personaje le llevó a leer teatro y poesía de Federico García Lorca. “Estuve subrayando una página tras otra”, ha contado sobre un autor cuyo universo, sostiene, combina una simbología que ofrece nuevas lecturas con un amplio conocimiento de la naturaleza humana.

La película ha recibido el premio a la mejor dirección en Cannes y el premio del público en Toronto. La Academia de Cine también ha seleccionado el drama, basado asimismo en La piedra oscura, de Alberto Conejero y ‘coescrito’ por el autor jienense, como representante española en los Oscar. Quifes se define ante todo como escritor y trabaja en una segunda novela, aunque los viajes y la promoción de La bola negra dificulten el avance de ese libro.

Una llave de hierro forjado de época nazarí apareció oculta en el forro de una maleta comprada hace siete años en el rastro de Benalmádena, la misma que en 2019 reveló planos originales de la Alhambra del siglo XIX. El hallazgo lo protagonizó José Antonio Fernández Molina, investigador y perito judicial en antigüedades, quien encontró la pieza por casualidad mientras ordenaba su trastero.

La maleta ya había dado que hablar años atrás. En su interior aparecieron documentos firmados por el arqueólogo y restaurador Manuel Gómez-Moreno, entre ellos planos amarilleados de la Alhambra que en su momento tuvieron gran repercusión mediática. Todo parecía haber quedado allí, hasta que un golpe accidental destapó un secreto adicional guardado en el equipaje.

“Noté un chasquido de algo metálico”, relata Fernández Molina sobre el momento en que la maleta cayó y dejó al descubierto un doble fondo en el forro. Dentro se encontraba la llave, una pieza cuadrada de 27 centímetros que en origen tenía dos dientes, aunque hoy conserva solo uno y a medias. El material y las dimensiones se corresponden con los de las llaves fabricadas en época nazarí. Según explica el investigador, el hierro es un metal “poco duradero, susceptible a roturas y pérdidas”, a diferencia del bronce, lo que explicaría el deterioro de la pieza con el paso de los siglos. Fernández Molina asegura haber localizado solo otras dos llaves similares en toda España, lo que aumenta el valor documental del descubrimiento. Una maleta comprada por casualidad en un mercadillo de Benalmádena escondía, además de planos históricos de la Alhambra, una llave de hierro de posible origen nazarí que permaneció oculta durante años en el doble fondo del forro hasta que un golpe fortuito la reveló.

Comparación con la llave de la Torre de la Vela

Una de las dos piezas similares localizadas por el investigador pertenece a la Torre de la Vela de la Alhambra y está fechada entre los siglos XIV y XV. El estudio comparativo realizado por Fernández Molina detectó varias coincidencias entre ambas llaves. Las dos presentan una cabeza circular y hueca, un cuerpo fino y alargado, además de dos dientes gruesos en su diseño original. Estas similitudes alimentan la hipótesis de que la pieza hallada en Benalmádena pudo abrir en el pasado alguna cerradura del monumento granadino. Para el investigador resulta lógico que Gómez-Moreno, como restaurador de la fortaleza, guardara ese tipo de objeto junto a sus planos de trabajo. El arqueólogo fue también pintor y presidente del patronato del monumento, con acceso a todo el recinto durante las labores de rehabilitación, en las que era previsible que aparecieran objetos de los tiempos del reino nazarí.

No existe, sin embargo, certeza de que la llave perteneciera a la Alhambra. Tampoco es posible que fuera el propio Gómez-Moreno quien la colocara en el forro de la maleta. Fernández Molina data el equipaje entre los años 60 y 70 del siglo pasado, décadas después de la muerte del arqueólogo, ocurrida en 1918. Sus documentos y la llave pasaron por tanto a otras manos antes de terminar guardados juntos. En la misma carpeta que contenía los planos se encontró la esquela de Gómez-Moreno, lo que sugiere que quien reunió ese lote debió tener un vínculo cercano con él. Según le relató en su día el vendedor del rastro, a quien nunca volvió a encontrar, el conjunto procedía del vaciado de una vivienda de Granada. “Hay que investigar más”, resume el experto.

Fernández Molina ya envió un correo electrónico al Patronato de la Alhambra para informar del descubrimiento y ponerse a disposición de sus expertos. Su intención es que la pieza se analice en profundidad y termine expuesta al público, algo que también intentó en 2019 con los planos, sin que entonces se concretara ninguna colaboración. No es la primera vez que este investigador rescata un fragmento histórico en un mercadillo. Antes había comprado un casco de un aviador de la RAF con documentación del piloto británico John Braham y, en 2021, las memorias del judío Walter Bohne sobre su experiencia en la Segunda Guerra Mundial. Esas historias lo impulsaron a escribir la novela El tasador de antigüedades hace tres años. Tras la conversación, Fernández Molina guarda la llave con extremo cuidado en una caja. Sobre el hallazgo, que estuvo a punto de perderse en una maleta desgastada, bromea: “Me cuesta tirar las cosas”.

El día al fin ha llegado; La bola negra llega a los cines, y con ella la apasionante historia de Los Javis que se ha convertido en una de las películas más importantes del año y que ahora mismo está de lleno en la carrera por el Oscar. Una película épica y ambiciosa no solo en su duración, sino también en su producción, en su historia y en sus personajes, con un amplio elenco que va desde Guitarricadelafuente a Penélope Cruz, mezclando actores debutantes, otros poco conocidos y otros que son estrellas mundiales como Glenn Close. Por todo ello, aquí van todos los personajes a tener en cuenta de la película.

Guitarricadelafuente - Sebastián

Gran protagonista de la película, aunque a ojos de los Oscar todos vayan a aplicar a secundarios, Guitarricadelafuente (Álvaro Lafuente Calvo) es sin duda uno de los grandes descubrimientos del filme, ya que se trata de su primera experiencia como actor. El músico da vida a Sebastián, un joven cuyo pueblo es bombardeado por las fuerzas italianas durante laa Guerra Civil y acaba recalando en un batallón del bando nacional en Santander. Allí conoce a Rafael, otro joven que llega como prisionero y al que ponen a su cargo. Poco a poco Sebastián comienza a tener cierto interés y deseo en Rafael, aunque los designios de la guerra pongan una gran barrera entre ambos.

Miguel Bernardeau - Rafael

Miguel Bernardeau le da la réplica a Guitarricadelafuente, aunque a este actor lo conocemos de sobra por series como Élite o Querer y películas recientes como La fiera. El actor hijo de Ana Duato y Miguel Ángel Bernardeau da vida a todo un personaje real como fue Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista, actor y soldado del ejército republicano. En la película, Rafael es apresado por el bando nacional y puesto a cargo de Sebastián, con el que empieza a mantener una estrecha relación. Lo que este no sabe es que Rafael fue íntimo amigo del poeta Federico García Lorca, y tiene un gran encargo por cumplir.

Milo Quifes - Carlos

El protagonista de la otra línea temporal es otro debutante como Milo Quifes, joven granadino que antes de trabajar con los Javis era conocido por sus vídeos en TikTok, y quien también debuta ahora en el largometraje. Quifes interpreta a Carlos, un joven de la Granada de 1931, en la que intenta formar parte del prestigioso casino y al que le dan “bola negra” por su supuesta homosexulidad. Ante la insistencia de su padre (Antonio de la Torre) y el apoyo de su hermana (Natalia de Molina), Carlos tendrá que intentar convencer al consejo del casino de que es apto para entrar.

Carlos González - Alberto

La tercera línea temporal, más cercana a nuestro presente pues se ubica en 2017, es la que protagoniza Carlos González, quien ya había colaborado con los Javis en Veneno y ha aparecido en otras producciones como Maricón perdido, La canción o Mariliendre. Carlos interpreta a Alberto -en homenaje a Alberto Conejero, dramaturgo en cuya obra La piedra oscura está inspirada la película-, un historiador que se topa con un gran secreto familiar que busca investigar a pesar de las reticencias de su madre.

Lola Dueñas - Teresa

Su actuación en La mesías es una de las más magnéticas, por lo que no es de extrañar que los Javis hayan querido a volver a contar con ella para La bola negra. Lola Dueñas da vida a Teresa, la madre de Alberto, una mujer algo antipática que carga con el peso de haber sido abandonada por su padre en la infancia y del que ya no quiere saber nada, hasta que su hijo le pide que le cuente la verdad sobre la historia de su familia.

Glenn Close - Isabelle Durand

Quizá la aparición más sorprendente de La bola negra, la historia de cómo se conocieron Glenn Close y los Javis da para una película en sí misma. La icónica actriz de 101 Dálmatas encarna a Isabelle Durand, una humanista especializada en Federico García Lorca que se encuentra en el camino de Alberto, quien necesita consejo con respecto a una obra de Lorca de lo más especial, La bola negra.

Alberto Cortés - Federico García Lorca

Uno de los personajes que vertebra la película y la historia en la que esta se inspira, Lorca aparece poco en la película pero cuando lo hace llena la pantalla. Lo encarna el hasta en momento desconocido Alberto Cortés, quien más allá de su evidente parecido con el poeta granadino cuaja una de las interpretaciones más especiales de toda la película.

Penélope Cruz - Nené Romero

Por último, pero no menos importante, Penélope Cruz es otro de los grandes reclamos de la cinta. La actriz de películas como Volver y ganadora del Oscar por Vicky Christina Barcelona interpreta a Nené Romero, una bailarina de Madrid que acude al encuentro de las tropas nacionales en Cantabria, donde conoce a Sebastián y le inspira a hacer caso a sus deseos y rebelarse contra el orden establecido.

Si La bola negra sigue las tres vidas de tres hombres interconectadas en diferentes épocas, su geografía es también un buen reflejo de su historia. La que es ya la película del año en España y en el terreno internacional —los expertos vaticinan que llegará a los Oscar con nada menos que 15 nominaciones, una cifra histórica— está, por fin, desde este viernes en cines. El premio a Mejor Dirección que Javier Calvo y Javier Ambrossi consiguieron el pasado mayo en el Festival de Cannes no hizo más que alimentar un fenómeno que después sumó el Premio del Público en Toronto y la elección de la Academia de Cine para representar a España en los Oscar.

La segunda película de Los Javis después de La llamada (2017) es también su proyecto cinematográfico más ambicioso. Una cinta rodada en 35 milímetros que se desplaza entre 1932, 1937 y 2017 y que necesitaba reconstruir no una, sino varias Españas. En total, los cineastas y coguionistas necesitaron 12 semanas por distintos pueblos, playas, ciudades y montañas de Burgos, Cantabria y Granada.

Castil de Carrias: un pueblo despoblado para volver a la Guerra Civil

El universo de la cinta, que tiene como inspiración la obra inacabada de Federico García Lorca del mismo nombre y La piedra oscura, de Alberto Conejero, comienza en Castil de Carrias, una pequeña localidad abandonada de Burgos donde arrancó oficialmente el rodaje en agosto de 2025. También es allí donde comienza la película: un pueblo en plena Guerra Civil recibe a las tropas fascistas italianas antes de que los aviones desaten el horror sobre sus habitantes.

Encontrarlo no fue casualidad. Clara Salvador, jefa de localizaciones de la película, ha explicado que recorrieron Burgos buscando un núcleo que estuviese ya parcialmente derruido para poder intervenir lo mínimo posible. “Hablando con efectos, decidimos que lo mejor era buscar un pueblo medio derruido en el que solo tuviéramos que construir algo más para poder luego destruirlo con las bombas”, ha contado a Condé Nast Traveler.

Situado a 10 kilómetros de Belorado y a 57 kilómetros de Burgos, Castil de Carrias está despoblado desde que en 1994 falleció el que era su único habitante, Florentino González Sáez.

Cantabria: soldados, playas y un hospital de guerra

La trama ambientada en 1937 llevó al equipo hacia el norte. Querían grabar en Comillas. Allí, la antigua Universidad Pontificia se convirtió en la cárcel y el hospital en el que transcurre una parte esencial de la relación entre Rafael Rodríguez Rapún, al que se le atribuye una relación con Lorca, interpretado por Miguel Bernardeau, y el personaje de Guitarricadelafuente.

“Tienen dos o tres edificios abandonadísimos, y rodamos en uno de ellos, que tuvimos hasta que desbrozar por dentro porque tenía plantas”, ha detallado Salvador. Cantabria también aporta algunos de los paisajes más abiertos de la cinta, como la playa de La Arnía, donde los soldados se bañan y cantan frente al Cantábrico, o la de Oyambre.

De la misma manera, el equipo también se desplazó hasta Lafuente, un pueblo de apenas 17 habitantes, para ilustrar el viaje del personaje que interpreta Carlos González —cuya trama se sitúa en 2017— para conocer el pueblo en el que había vivido su abuelo.

Granada: volver a Lorca

Si hay una ciudad inevitable en una película construida alrededor de Federico García Lorca, esa es Granada. Allí transcurre la historia de 1932, motivo por el que Los Javis quisieron rodar en espacios vinculados física y emocionalmente con el poeta.

La Plaza de Santa Ana y Plaza Nueva se transformaron para devolverlas a los años de la Segunda República, con el rodaje también pasando por el Carmen de los Mártires y distintos puntos del Albaicín.

Sierra Nevada: terminar cuando llegara la nieve

Meses después del grueso del rodaje, el equipo regresó a Granada para filmar en Sierra Nevada algunas de las imágenes finales de la película. “Hemos rodado a tres mil metros de altitud en Sierra Nevada, bajo la lluvia, en, en playas, de noche. Todo es real”, ha señalado Ambrossi.

En la obra inacabada que dejó Lorca, que apenas tenía cuatro páginas, dejó palabras como “esquiadores” y “la nieve”, elementos que Los Javis decidieron convertir en imágenes. La producción terminó escogiendo la zona de la Laguna y la pista El Puente, donde filmó con esquiadores profesionales.

Los Javis han conseguido aunar todo eso en La bola negra, su propuesta más arriesgada, ambiciosa y, también, tocada por un estado de gracia que les ha catapultado a una fama internacional desde su proyección en el pasado Festival de Cannes, donde consiguieron el premio a la mejor dirección.

Hay varios ejes vertebrales en la película: la reivindicación de la figura de Federico García Lorca y la revisión de la historia de la Guerra Civil a través del prisma de la homosexualidad, una perspectiva que prácticamente no se había abordado en nuestro país, sobre todo, de una forma tan caleidoscópica y compleja.

Tres tiempos que se miran entre sí

La película articula tres relatos situados en 1932, 1937 y 2017, cada uno rodado de una manera diferente y con sus propios códigos internos, aunque las piezas se van ensamblando de manera armónica interconectándose entre sí y componiendo una epopeya que combina drama bélico, musical, misterio literario y romance gay.

La película parte de las cuatro páginas que Federico García Lorca dejó escritas de una obra titulada La bola negra, concebida como el inicio de su primera pieza con un personaje abiertamente homosexual. El relato de Los Javis especula con la existencia de un manuscrito completo, oculto durante nueve décadas, y con lo que ese hallazgo revelaría sobre identidades silenciadas.

Una de las tramas transcurre durante la Guerra Civil. Guitarricadelafuente interpreta a un joven que presencia la destrucción de su pueblo por la aviación italiana, termina enrolado en el ejército sublevado y recibe el encargo de custodiar a un prisionero republicano.

Ese preso es Rafael Rodríguez Rapún, personaje al que da vida Miguel Bernardeau y que ha mantenido una relación con Lorca. La historia recrea un encuentro entre dos hombres de bandos enfrentados que establecen un vínculo en un hospital de guerra, con una obra inédita del poeta como legado que debe ser protegido.

La segunda línea temporal se sitúa en Granada en 1932. Milo Quifes encarna a un joven sometido al juicio de los socios de un casino, que deciden mediante bolas blancas y negras si merece ser admitido; el rumor sobre su deseo por otros hombres precipita su exclusión, su silencio y su condena social.

La tercera historia avanza hasta 2017 y sigue a un descendiente que hereda un secreto familiar ligado a los episodios anteriores. Carlos González interpreta a ese joven homosexual que rastrea una genealogía atravesada por los silencios y descubre cómo el pasado ha condicionado la vida de su abuelo, de su madre y la suya propia.

Reivindicación ‘queer’ de la memoria histórica

Ambrossi y Calvo han planteado la película como una reivindicación de los relatos de hombres gays españoles suprimidos por los prejuicios, la negación y el deterioro de la memoria. La identidad queer aparece como un proceso de construcción y reconstrucción, condicionado por una sexualidad reprimida y por la ausencia de referencias compartidas.

La película logra mantener la tensión entre materiales heterogéneos en la que encontramos una recreación descarnada y homoerótica de la Guerra Civil, un segmento de aliento poético inspirado en las cuatro páginas de Lorca y un drama contemporáneo de tono realista, que se convierte, de algún modo, en la pieza decisiva que da sentido a toda la propuesta a través de esa búsqueda de lo prohibido, de lo que ha permanecido oculto, que adquiere una dimensión tanto literal como simbólica.

A nivel visual, La bola negra es una explosión de fuerza expresiva a través de unas imágenes poderosas dispuestas a quedar para siempre en el imaginario colectivo: el inicio con el bombardeo, el plano secuencia del tablao flamenco, la secuencia de los soldados en la playa, la ‘set pièce’ protagonizada por Penélope Cruz... son momentos de una rabiosa ‘visceralidad’ y de una contundencia incuestionable.

Junto a ellos, nos encontramos con instantes desnudos de un enorme carácter revelador que consiguen que el elemento histórico tenga un verdadero eco en lo personal, en la intimidad de unos personajes heridos que buscan, en condiciones extremas, su identidad, su lugar en el mundo tras sentirse incomprendidos y rechazados y cuya única culpa reside en el amor.

La bola negra es un auténtico espectáculo cinematográfico, apabullante, necesario, imponente, por momentos excesivo, ‘bigger than life’, pero que se instala como una obra totémica y avasalladora.

Johnny Depp vuelve a estar en el centro de la escena de Hollywood. La productora Lionsgate difundió el primer tráiler de Sed de sangre (título original Day Drinker), un thriller de venganza que lo reúne con Penélope Cruz. El adelanto se conoció este jueves y muestra al actor con acento irlandés en un papel envuelto en misterio, según reportó The Hollywood Reporter.

Sed de sangre está dirigida por Marc Webb y sigue a una bartender de un yate privado, interpretada por Madelyn Cline, que se cruza con un enigmático pasajero a bordo encarnado por Depp. Ambos terminan enredados con una figura criminal interpretada por Cruz, en una trama marcada por conexiones que nadie anticipa. En el tráiler, el personaje de Depp lanza una frase que resume el tono de la película: “¿No quieres a veces portarte mal?”. Cline no es la única secundaria de nivel, pues también están los españoles Manu Ríos y Aaron Piper, ambos conocidos por la serie Élite.

El estreno en cines está previsto para el 26 de marzo de 2027. Se trata de la tercera vez que Depp y Cruz comparten pantalla, tras sus papeles conjuntos en Piratas del Caribe: En mareas misteriosas y en Blow. Sed de sangre marca un nuevo paso en el proceso de reinserción profesional del actor tras años alejado de las grandes producciones de Hollywood. Ese distanciamiento se originó en las acusaciones de abuso doméstico de 2016 y se profundizó con el juicio por difamación de 2022, derivado de su breve matrimonio con Amber Heard.

Nuevos proyectos y ‘Piratas del Caribe’

Sed de sangre no es el único proyecto que devuelve a Depp a la cartelera. El actor también protagoniza Ebenezer, el remake de Cuento de Navidad dirigido por Ti West, cuyo primer tráiler se difundió en julio y cuyo estreno está fijado para el 13 de noviembre. La combinación de ambos títulos convierte a este período en una doble presencia de Depp en los cines, algo que no ocurría desde antes de su alejamiento profesional. El primer adelanto de Sed de sangre se suma así como la segunda gran producción del actor en mostrar imágenes en los últimos meses.

El regreso de Depp no se limita a estos dos estrenos. En agosto, el productor Jerry Bruckheimer reveló en una entrevista con Deadline que existen conversaciones activas para que el actor retome su papel más reconocido: el capitán Jack Sparrow, en una sexta entrega de Piratas del Caribe. “Estamos hablando con Johnny Depp, estamos trabajando en un guion y esperamos poder concretarlo”, declaró Bruckheimer.

Aunque el productor no precisó fechas ni detalles sobre el estado del guion, la declaración confirma que la franquicia evalúa formalmente la reincorporación del actor a un personaje que definió buena parte de su carrera cinematográfica antes del escándalo mediático de 2016. Con Sed de sangre en camino para marzo de 2027, Ebenezer llegando en noviembre y una posible sexta película de Piratas del Caribe en desarrollo, Depp encadena tres frentes simultáneos que marcan el momento más activo de su carrera desde el inicio de su distanciamiento con los grandes estudios de Hollywood.

La ficción recupera las convenciones de los relatos de Arthur Conan Doyle y Agatha Christie con una ambientación inspirada en el cine de los años cincuenta.

La miniserie consta de cuatro episodios de entre 40 y 50 minutos y sitúa a Basil, un intérprete en declive, ante un crimen imposible en una isla próxima a Mallorca. La víctima aparece muerta en un cobertizo cerrado por dentro, mientras los huéspedes del hotel quedan incomunicados por el temporal.

La novela homónima, publicada en 2023, plantea un misterio de círculo cerrado: un grupo de personas aisladas, secretos entre los sospechosos y un cadáver cuya muerte parece inicialmente un suicidio. La adaptación traslada ese mecanismo narrativo a la pantalla bajo la dirección de Félix Viscarret, responsable de series como Patria y Galgos, además de la película Una vida no tan simple.

La acción transcurre durante la primavera de 1959, cuando Basil y otras 12 personas quedan atrapados en un pequeño hotel de un islote. La ausencia de policía obliga al antiguo actor a asumir unas pesquisas para las que solo cuenta, en principio, con dos décadas de experiencia interpretando al detective creado por Conan Doyle.

Qué cuenta ‘El problema final’

Coronado encarna a Basil, un actor que ha dejado atrás los mejores años de su carrera y que se encuentra con su amigo Fonseca, un productor cinematográfico interpretado por Gonzalo de Castro, y la joven pareja de este, encarnada por Cristina Kovani. Los tres viajan a una fiesta en Mallorca vinculada a la negociación de una nueva película, pero el temporal les fuerza a pasar la noche en la isla.

Cuando aparece el cuerpo de una turista inglesa, las primeras pruebas descartan la hipótesis del suicidio y convierten a todos los presentes en posibles autores. El personaje de Coronado debe pasar de reproducir los gestos de Sherlock Holmes ante una cámara a utilizar su propia capacidad deductiva para identificar al asesino.

El actor, durante la promoción, ha resumido la posición de Basil con una definición tajante: “Es el detective a la fuerza, ha interpretado a Sherlock Holmes durante 20 años, así que la gente empieza a pedirle que investigue. Al principio él les dice que solo es un actor, pero luego empieza a crecerse y a creérselo”.

Coronado también ha puesto voz a audiolibros de Arthur Conan Doyle, una circunstancia que conecta su papel con la tradición literaria que inspira la obra. Pérez-Reverte concibió su novela como un homenaje tanto al creador de Holmes como a Basil Rathbone, el actor que popularizó al detective en el cine.

Entre los huéspedes figura Francisco Foxá, un joven escritor de novelas policiacas al que interpreta Martiño Rivas. El personaje admira a Basil y se convierte en su colaborador durante la investigación, en una relación que Rivas ha definido como “su contrapunto, como su Sancho para su Quijote”.

María Valverde interpreta a Adela Figueroa, una joven rica y enigmática, mientras Maribel Verdú da vida a Mrs. Raquel Ausländer, la propietaria del hotel. El reparto se completa con José Condessa como el hombre de confianza de la gobernanta, Pepón Nieto como un médico servicial, Kovani como una promesa de la gran pantalla y De Castro como un productor con ambición y dinero.

Una adaptación diferente a la novela

La versión de Netflix mantiene el crimen en un espacio cerrado y las referencias a Hollywood, aunque desplaza parte del interés de la novela hacia la resolución del enigma.

Mientras que el libro utilizaba la trama detectivesca como vehículo reflexionar sobre el género de detectives, la serie se concentra más en averiguar quién ha cometido los asesinatos. Las modificaciones han contado con la aprobación del escritor.

La producción conserva la esencia del homenaje literario y cinematográfico, con un tono próximo al de Puñales por la espalda, de forma que el misterio avanza mediante pistas que orientan al espectador en una dirección sin aclarar del todo la verdad, ni siquiera para Basil.

En su primera semana de estreno en España, Backrooms recaudó 1,6 millones de euros, situándose entre los títulos de terror más comentados del año junto a Obsession. La película convierte una idea nacida en Internet en un relato ambientado en los años noventa, articulado como una pesadilla física y existencial.

Kane Parsons tiene 20 años y procede de YouTube, donde publicó una serie de cortometrajes que acumuló millones de visualizaciones. Aquella antología contenía el germen de un universo que el largometraje amplía con una mitología propia.

El filme se integra en una generación de autores jóvenes que busca alterar las reglas del terror convencional y vincularlas a las inquietudes contemporáneas. En ese relevo aparecen nombres como Osgood Perkins, director de Longlegs; Zack Cregger, ligado a Weapons y la reciente Resident Evil, y los hermanos Philippou.

Qué cuenta ‘Backrooms’

La historia sigue a Clark, un arquitecto fracasado interpretado por Chiwetel Ejiofor. Separado de su mujer por sus problemas con el alcohol, dirige una tienda de muebles de descuento.

El otro personaje central es Mary, la terapeuta de Clark, a la que da vida Renate Reinsve. Ella arrastra los traumas de una infancia marcada por la convivencia con una madre con problemas de salud mental.

La realidad del relato se quiebra cuando Clark descubre una pared atravesable en el sótano de su negocio. Al otro lado se abre una versión deformada de la tienda, un espacio situado entre una sala de escape y un estado mental de pesadilla.

Ese portal conduce a un universo donde la lógica deja de funcionar y el escenario opera a la vez como un laberinto material y como un descenso hacia los monstruos que habitan la mente. El concepto de “backroom” se presenta como la entrada a callejones sin salida poblados por los engendros creados por la propia cabeza.

Esa construcción aparece como una experiencia en la que la amenaza procede tanto de lo que se ve en pantalla como de lo que queda fuera de campo. Cada puerta, pasillo o trampilla mantiene la incertidumbre sobre lo que puede haber detrás, con una dinámica comparable a un tren de la bruja llevado al extremo.

Una experiencia sensorial

Parsons combina el metraje encontrado, los planos subjetivos, el ‘creepypasta’ —las leyendas urbanas difundidas por Internet— y el terror liminal. La suma de esos recursos busca sostener una sensación de asfixia y pánico, sin ofrecer al espectador certezas sobre las reglas de ese mundo.

La película prioriza el clima y la atmósfera frente a las explicaciones cerradas. Su simbología queda abierta a interpretaciones que pueden recorrer desde las teorías conspirativas hasta la salud mental y la apatía existencial.

Esa tensión entre la estructura narrativa y la experiencia sensorial explica, para el medio, el magnetismo de la propuesta. El terror adopta una forma conceptual y abstracta, pero también corporal, y convierte el laberinto en una amenaza concreta para los personajes.

El entusiasmo que acompañaba a Backrooms desde su estreno en Estados Unidos le ha otorgado casi de inmediato la condición de película de culto. La película se apoya en una propuesta impredecible, opresiva y perturbadora que evita sobreexplicar su propia mitología.

En los últimos años, la figura de Simone Weil ha vivido una suerte de redescubrimiento, especialmente entre las nuevas generaciones. Incluso Rosalía se ha declarado su fan. Tanto que parte de Lux, su último disco publicado a finales del año pasado, está inspirado en Weil. Meses antes, ya mostró en sus redes La gravedad y la gracia, una de las recopilaciones póstumas más conocidas de la filósofa.

Nacida en París en 1909, fue filósofa, profesora, activista política y, durante la última etapa de su vida, una pensadora profundamente interesada por el misticismo y la experiencia religiosa. Su filosofía resulta difícil de separar de su propia biografía: trabajó en fábricas para conocer las condiciones de los obreros y en 1936 viajó a España, donde participó brevemente en la Guerra Civil uniéndose a la Columna Durruti en el Frente de Aragón.

Esa preocupación por mirar verdaderamente al otro atraviesa buena parte de su pensamiento. De hecho, está detrás de una de sus frases más conocidas: “La atención es la forma más rara y pura de generosidad”.

El origen de la cita

Weil la escribió el 13 de abril de 1942 en una carta dirigida al poeta francés Joë Bousquet, quien había quedado paralizado después de recibir un disparo durante la Primera Guerra Mundial. En la misiva, la filósofa manda a su amigo casi todo el tercer acto de una obra de teatro que estaba escribiendo, Venecia salvada.

Ante el temor que le daba morir —falleció un año después, a los 34, por tuberculosis—, le pidió a Bousquet que guardara este trabajo. “No sé si existe algún interés en que estas cosas permanezcan. No quisiera dejarme llevar hasta creerlo. Pero, por si acaso, quiero haber hecho lo necesario. Naturalmente, no le pido nada más respecto a ellas que guardarlas en su casa”, le escribió.

Así, Weil le agradece la atención que había prestado a unas páginas que le había enseñado anteriormente. “Me ha conmovido mucho comprobar que verdaderamente había prestado atención a las pocas páginas que le mostré. No deduzco de ello que merezcan atención. Considero esa atención como un don gratuito y generoso por su parte”. Y así es como introduce la frase citada: “La atención es la forma más rara y más pura de la generosidad”. La correspondencia entre ambos fue publicada posteriormente y la frase aparece recogida en Correspondance, editada por L’Âge d’Homme en 1982.

Su vida, sin embargo, estaba ya cerca del final. En 1942 abandonó Francia junto a su familia rumbo a Estados Unidos, aunque pocos meses después regresó a Europa para instalarse en Londres y colaborar con la Francia Libre. Su salud, deteriorada desde hacía tiempo, empeoró rápidamente. Murió el 24 de agosto de 1943, con apenas 34 años. Buena parte de la obra por la que hoy es conocida apareció de forma póstuma: La gravedad y la gracia se publicó en 1947 y Echar raíces en 1949. Sus cuadernos, cartas y ensayos terminaron consolidando a Weil como una de las voces filosóficas más singulares del siglo XX.

Georg Wilhelm Friedrich Hegel, nacido en Stuttgart en 1770, es una de las figuras más influyentes del idealismo alemán. Su filosofía, centrada sobre todo en la forma en que entendemos la historia, la política y la cultura occidentales, alcanzó la cumbre de su prestigio cuando empezó a enseñar en la Universidad de Berlín, consagrándose como el filósofo más respetado de su época y como una de las principales influencias de pensadores como Karl Marx, Friedrich Nietzsche o Jean-Paul Sartre.

Hegel proponía que la realidad no es estática, sino un proceso dinámico en el que las contradicciones desempeñan un papel fundamental. Así, la dialéctica hegeliana describe cómo una determinada posición, concepto o forma de entender la realidad puede revelar sus propias limitaciones y dar paso a una nueva determinación que la supera y, al mismo tiempo, conserva algunos de sus elementos. El desarrollo no consiste en avanzar hacia formas de comprensión más complejas y no tanto en una sencilla sustitución de unas ideas por otras.

Así es como, para Hegel, avanza progresivamente la historia. Por eso, al filósofo se le atribuye la siguiente paráfrasis: “Las verdaderas tragedias del mundo no son conflictos entre el bien y el mal, sino conflictos entre dos derechos”. No siempre hay justos y malvados, sino dos lecturas éticas que chocan frontalmente. Ambas partes poseen razones éticas válidas, pero su coexistencia resulta imposible dentro del marco social, generando así un conflicto dramático e inevitable que impulsa la transformación del propio espíritu humano.

Las implicaciones de la frase de Hegel

La célebre formulación del titular condensa una tesis que Hegel desarrolla con mayor precisión al hablar de la tragedia como colisión de derechos. Lo decisivo es que cada protagonista posee una razón que puede defenderse por sí misma, pero convierte esa razón parcial en absoluta y termina negando la legitimidad de la otra parte. Por eso, el conflicto resulta trágico: cualquier victoria implica también una pérdida de una determinada perspectiva moral.

Así es como Hegel acabó concediendo un papel fundamental a la historia: un proceso en el que la humanidad adquiere progresivamente conciencia de sí y en el que la libertad se desarrolla cada vez de formas más complejas. Para él, comprender una realidad exigía contemplarla desde dentro, así como desde el conjunto al que pertenece. “La verdad es el todo”, añadía el filósofo, señalando que en ese proceso una perspectiva aislada puede resultar insuficiente para comprender una realidad compleja y, por tanto, estamos obligados a mirar más allá de la propia posición y reconocer aquello que hay de legítimo en el adversario.

El planteamiento conserva una sorprendente actualidad. Pensemos, por ejemplo, en debates sobre protestas públicas: el derecho a manifestarse y expresar una reivindicación puede chocar con la obligación de proteger la seguridad, garantizar la circulación o preservar otros derechos. El desafío consiste, pues, en encontrar equilibrios sin convertir una legitimidad parcial en una justificación absoluta.

Obligados a elegir

Vistas de cerca, las ideas de Hegel guardan un parentesco claro con las de otros pensadores como Isaiah Berlin, un importante filósofo e historiador del siglo XX. Para este último, existían bienes genuinos que pueden entrar en conflicto sin que ninguno sea simplemente falso: libertad e igualdad, por ejemplo, pueden enfrentarse en determinadas circunstancias. ¿Hay una solución clara y sencilla a ese conflicto? Puede que no, pero Berlin nos recuerda que “las colisiones de valores son de la esencia de lo que son y de lo que somos”.

También Max Weber desarrolló una visión profundamente trágica de la acción humana. Su análisis de las distintas “esferas de valor” subraya que los principios que orientan nuestras decisiones pueden ser incompatibles y que ninguna ciencia puede proporcionar automáticamente una solución definitiva. Así, el individuo en realidad se encuentra siempre “entre obligaciones en conflicto” y debe elegir. Al igual que para Hegel, el primer paso es reconocer que determinados choques nacen de legitimidades enfrentadas.

Con todo, es necesario advertir que Hegel nunca defendió que los conflictos sean irresolubles o que todas las posiciones sean igual de válidas. Su visión es más compleja: algunos enfrentamientos se vuelven trágicos precisamente porque cada parte contiene una razón que merece ser escuchada. Reconocerlo no elimina la necesidad de decidir, pero puede cambiar la forma de hacerlo: menos desde la certeza de poseer toda la verdad y más desde la conciencia de que también puede existir una razón al otro lado.