Law Roach, estilista de Zendaya desde 2011, desmintió los rumores sobre una supuesta segunda celebración de boda entre la actriz y Tom Holland.

Las declaraciones fueron realizadas durante la alfombra roja del estreno en Los Ángeles de Spider-Man: Brand New Day, donde aseguró que la pareja no tiene previsto realizar una nueva ceremonia pública.

En una entrevista concedida a Complex durante el evento celebrado el 27 de julio en el Dolby Theatre, Roach fue consultado sobre las versiones que apuntaban a una segunda boda para compartir el enlace con un mayor número de invitados o con el público.

“No lo creo”, respondió el estilista. Posteriormente, añadió que considera que las personas deberían felicitar a la pareja por su matrimonio y respetar la forma en que decidieron celebrarlo.

“Creo que la gente debería felicitarlos. Son dos personas jóvenes, exitosas y enamoradas que tuvieron una boda privada y lograron mantenerla así. Si son personas cuyo trabajo admiran, simplemente celebren que están juntos y felices”, declaró.

Roach también aseguró que los rumores sobre una segunda ceremonia son “definitivamente falsos”, descartando así las especulaciones que habían circulado en redes sociales y diversos medios de entretenimiento.

Las declaraciones llegan meses después de que el propio estilista revelara que la boda ya se había celebrado. Durante la entrega de los Actor Awards 2026, realizada el 1 de marzo, afirmó en una entrevista con Access Hollywood que el matrimonio “ya había ocurrido” y que el público se lo había perdido.

Pocos días después, el 15 de marzo, Zendaya volvió a alimentar las especulaciones cuando asistió a la ceremonia de los Premios Oscar portando un anillo de matrimonio.

Desde entonces, la actriz ha continuado utilizando la pieza en distintas apariciones públicas y alfombras rojas. La confirmación oficial del matrimonio llegó en junio, cuando Tom Holland abordó el tema durante una entrevista con Esquire.

El actor desmintió unas imágenes de boda generadas mediante inteligencia artificial y explicó que sus familiares no fueron engañados por esas fotografías porque “todos estuvieron presentes” en la ceremonia real.

Posteriormente, Law Roach también hizo referencia a esas imágenes creadas con inteligencia artificial durante una aparición en Good Morning America. En aquella ocasión comentó que el vestido de novia que Zendaya utilizó en su boda real era “mejor que ese”, sin ofrecer más detalles sobre el diseño o la celebración.

En fechas más recientes, Holland volvió a referirse públicamente a Zendaya como su esposa. Lo hizo durante el episodio del 21 de julio del pódcast Dish, donde utilizó ese término al hablar de la actriz.

A pesar de esas declaraciones, Zendaya ha explicado en diversas ocasiones que prefiere mantener en privado los aspectos relacionados con su vida personal.

Durante su participación en el pódcast Modern Love de The New York Times, publicado el 1 de abril, señaló que comprende el interés del público en su relación debido a que ambos han desarrollado gran parte de sus carreras frente a las cámaras y protagonizaron películas en las que sus personajes se enamoran.

“Lo entiendo, pero también tengo mis propios límites sobre qué temas quiero tratar y de qué quiero hablar, y también sobre qué estoy dispuesta a compartir, ¿sabes? Simplemente intento encontrar el equilibrio en el punto medio”, dijo.

Kanye West y Lauren Pisciotta, alcanzaron un acuerdo para resolver la demanda por presunto acoso sexual que ella presentó en su contra en 2024, de acuerdo con documentos judiciales presentados ante un tribunal de Los Ángeles.

Según la información difundida por TMZ, los representantes legales de Pisciotta entregaron el pasado 29 de julio un documento en el que notifican que ambas partes llegaron a un acuerdo el 23 de julio.

En el escrito se señala que el convenio es “incondicional” y que la solicitud formal para desestimar el caso será presentada dentro de los 45 días posteriores a esa fecha. Hasta el momento, los términos del acuerdo no han sido dados a conocer públicamente.

Pisciotta compartió que comenzó a trabajar con West en julio de 2021, cuando él se preparaba para lanzar su línea de moda Yeezy. A la influencer le ofrecieron un millón de dólares por el trabajo. La única condición era que estuviera disponible para él las 24 horas del día, los siete días de la semana, lo cual ella aceptó.

En su demanda, Lauren Pisciotta detalló que ganaba un millón de dólares adicionales con OnlyFans hasta que el rapero, de 49 años, le pidió que fuera más “como Dios” y eliminara su cuenta en 2022.

A cambio, West supuestamente le aumentaría el sueldo a 2 millones de dólares anuales para compensar la pérdida de ingresos. Sin embargo, ella afirmó que él nunca le ajustó el sueldo.

Finalmente, la demanda fue presentada en 2024 donde, la exempleada acusó a Kanye West de presunto acoso sexual y sostuvo que fue despedida después de recibir múltiples mensajes de texto y videos con contenido sexual explícito.

Además, West supuestamente compartió detalles explícitos de actos sexuales que quería experimentar, así como fotos y vídeos de West teniendo relaciones sexuales con otras mujeres.

Supuestamente, Pisciotta también recibió de West fotos íntimas de empleados “actuales y antiguos” de Yeezy, tanto hombres como mujeres.

Asimismo, señaló que durante una estancia en un hotel el artista presuntamente se masturbó y la tocó sin su consentimiento antes de quedarse dormido.

La demanda también incluyó la acusación de que el rapero supuestamente la drogó durante una sesión de estudio organizada junto con Sean “Diddy” Combs. Estas afirmaciones forman parte de los señalamientos contenidos en el proceso civil presentado por la exempleada.

Hasta el momento, el acuerdo alcanzado entre ambas partes no establece públicamente la admisión de responsabilidad por parte de Kanye West ni detalla el monto económico o las condiciones pactadas para poner fin al litigio.

El caso de Lauren Pisciotta no es el único en el que Kanye West ha enfrentado acusaciones de conducta sexual inapropiada. De acuerdo con la información citada por TMZ, una mujer identificada como Jenn An también ha señalado públicamente al artista por un presunto episodio de agresión sexual ocurrido en 2010.

Jenn An ofreció recientemente un testimonio sobre esas acusaciones en una entrevista difundida por la BBC. En ese espacio reiteró los señalamientos realizados contra el músico, mientras que Kanye West rechazó las acusaciones formuladas en su contra, según el mismo reporte.

Nick Reiner, hijo de Rob Reiner y Michele Singer Reiner, recibió una sanción disciplinaria en el Centro Correccional Twin Towers del condado de Los Ángeles tras un incidente ocurrido el pasado 27 de abril, mientras permanece en prisión preventiva por el proceso penal que enfrenta por la muerte de sus padres.

De acuerdo con información difundida por People, el incidente ocurrió alrededor de las 8:15 horas dentro de la Torre 1 del complejo penitenciario, donde el hombre de 32 años permanece alojado en una unidad especializada de observación médica bajo medidas de seguridad reforzadas y en una celda individual.

Según una fuente familiarizada con el caso citada por la publicación, Nick había terminado de ducharse y se había cambiado a un uniforme nuevo proporcionado por la prisión cuando comenzó a mostrar signos de frustración porque los agentes penitenciarios no regresaron de inmediato para trasladarlo nuevamente a su celda.

La misma fuente indicó que el retraso se debió a una emergencia registrada en otra área de la unidad, donde otro interno presuntamente sufrió una sobredosis, situación que requirió la intervención inmediata del personal de custodia antes de atender a Reiner.

De acuerdo con el reporte, durante la espera el interno elevó el tono de voz, gritó, utilizó lenguaje ofensivo y se negó a seguir las instrucciones de los agentes.

La fuente señaló que dirigió comentarios hostiles tanto a un sheriff como a un sargento y que, ante la situación, uno de los oficiales solicitó apoyo adicional, por lo que otros tres custodios acudieron al lugar.

La confrontación, según la información disponible, no derivó en un enfrentamiento físico. No obstante, las autoridades penitenciarias elaboraron un reporte disciplinario por presuntas violaciones a las normas internas del centro de reclusión.

Como consecuencia de ese procedimiento, Reiner perdió durante cinco días diversos privilegios permitidos a los internos, entre ellos el acceso a llamadas telefónicas, visitas personales y compras en la tienda del centro penitenciario.

La sanción fue emitida inicialmente por un supervisor del personal de custodia y posteriormente revisada por otro oficial responsable.

Después, un funcionario encargado de asuntos disciplinarios acudió a la celda de Reiner para explicarle la infracción registrada, revisar su conducta y notificarle las medidas temporales impuestas.

El incidente ocurrió dentro de la unidad de observación médica de la cárcel, un área destinada a personas privadas de la libertad con necesidades médicas o psiquiátricas específicas. En ese módulo, los internos son trasladados individualmente a duchas de acero cerradas bajo supervisión del personal.

Según la fuente consultada por People, durante los traslados los agentes utilizan cámaras corporales, aunque estas no graban el momento en que los internos se encuentran bañándose. Asimismo, el personal realiza revisiones periódicas de bienestar aproximadamente cada 15 minutos.

Nick Reiner permanece recluido desde diciembre de 2025, cuando fue arrestado por su presunta participación en la muerte de Rob Reiner y Michele Singer Reiner, quienes fueron encontrados sin vida en su residencia de Brentwood con heridas provocadas por arma blanca.

La fiscalía presentó en su contra dos cargos de homicidio en primer grado con circunstancias especiales, incluida la utilización de un cuchillo.

En febrero de este año, Reiner se declaró no culpable durante su comparecencia ante el Tribunal Superior del condado de Los Ángeles y permanece sin derecho a fianza mientras continúa el proceso judicial.

De acuerdo con la información publicada, Reiner había recibido tratamiento por esquizofrenia antes de la muerte de sus padres. Tras su ingreso al centro penitenciario fue colocado inicialmente bajo vigilancia por riesgo de suicidio, medida que fue retirada en enero.

La fuente señaló que el episodio disciplinario registrado en abril representa un hecho aislado dentro de su permanencia en prisión, ya que en los meses posteriores se había adaptado en términos generales a la rutina del centro penitenciario.

Sin embargo, añadió que su estado de salud mental habría presentado un deterioro reciente.

Además, la publicación informó que el 28 de mayo se presentó ante el tribunal una orden médica relacionada con Reiner bajo reserva judicial, por lo que su contenido no fue dado a conocer públicamente.

La próxima comparecencia de Nick Reiner está programada para el 15 de septiembre, fecha en la que se celebrará la audiencia preliminar del caso.

Bette Midler habló sobre dos decisiones profesionales que marcaron su trayectoria: rechazar los papeles principales de las películas Cambio de hábito, (1992) y Misery (1990), producciones que posteriormente alcanzaron reconocimiento y éxito comercial con otras actrices en esos personajes.

En una entrevista con Rolling Stone, la actriz y cantante de 80 años explicó los motivos por los que decidió no participar en ambos proyectos.

Midler señaló que en el caso de Misery, adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King, rechazó interpretar el papel de Annie Wilkes, personaje que finalmente fue realizado por Kathy Bates y que le permitió obtener el Premio de la Academia a Mejor Actriz.

“Rechacé Misery. No quería que apareciera en pantalla que le cortaba el pie a alguien, porque el público identifica al actor con el suceso”, dijo.

Bette Midler agregó que su esposo, Martin von Haselberg, le ha mencionado en ocasiones que consideraba esa decisión un error profesional. “Mi marido sigue diciendo que soy una completa idiota”, señaló.

La segunda producción a la que la artista se refirió fue Cambio de hábito, comedia musical estrenada en 1992. En esa película, el papel de Deloris Van Cartier, una cantante que adopta la identidad de la Hermana Mary Clarence, fue interpretado por Whoopi Goldberg.

Según explicó Midler, rechazó el proyecto porque consideraba que su público no esperaba verla con el hábito religioso que utilizaba el personaje durante gran parte de la película.

“Rechacé Cambio de hábito porque dije: ‘Mis fans no quieren verme con un velo’”, recordó. Y Whoopi dijo: ‘¡Que venga el maldito velo!’”, indicó.

Cambio de hábito se convirtió posteriormente en una de las películas más reconocidas de la década de 1990. Según datos de Box Office Mojo, la cinta original y su secuela de 1993, Sister Act 2: Back in the Habit, recaudaron cerca de 300 millones de dólares en conjunto en taquilla mundial.

A pesar de no haber participado en esas producciones, Bette Midler desarrolló una extensa carrera en cine, televisión y música. La artista recibió nominaciones al Premio de la Academia por sus actuaciones en The Rose (1979) y For the Boys (1991). También formó parte de películas como Beaches (1988), Hocus Pocus (1993) y The First Wives Club (1996).

En el ámbito musical, Midler alcanzó reconocimiento con canciones como “Wind Beneath My Wings”, “The Rose” y “From a Distance”, temas que tuvieron presencia en las listas de popularidad y se convirtieron en parte de su repertorio más conocido.

Recientemente, la actriz compartió un encuentro con Barbara Hershey, su compañera de reparto en Beaches.

A través de una publicación en Instagram, Bette Midler mostró una fotografía junto a Hershey y escribió: “¡Es una reunión de ‘Beaches’! ¡Aquí estoy con la gran Barbara Hershey! ¡Nos conocemos desde hace mucho tiempo!”.

Ambas actrices protagonizaron la película de 1988, basada en la novela homónima de Iris Rainer Dart, publicada en 1985 y reconocida como un éxito de ventas del New York Times. El reencuentro recordó una de las producciones más representativas dentro de la filmografía de Midler.

La actriz guardó bajo estricta confidencialidad los detalles de su personaje durante más de un año, lo que incrementó las especulaciones y reavivó el interés por la franquicia, según reportes de Variety y Deadline.

La estrategia del secreto y el impacto en la promoción

El hermetismo en torno al papel de Sadie Sink fue una decisión deliberada por parte de Marvel Studios, que optó por restringir al máximo la información disponible antes del estreno.

La actriz explicó en la premiere en Los Ángeles que solo compartió el secreto con familiares y amigos cercanos: “Mi familia lo sabía, mis amigos, mis amigos cercanos lo sabían, pero sí, simplemente no la prensa”. Esta política de confidencialidad impulsó la circulación de rumores y teorías en redes sociales, lo que se tradujo en una promoción constante para la película.

Sink relató que presenció el aumento de teorías sobre su personaje en internet, mientras la identidad de su rol se mantenía bajo llave.

“Soy como una tumba, así que no fue tan difícil”, aseguró la actriz, definiendo con esa frase su capacidad para mantener el secreto. El comentario se difundió rápidamente y fue interpretado como un guiño a la cultura de reserva que caracteriza a Marvel en sus grandes producciones.

El fenómeno de las teorías y la reacción de los fans

El silencio de Sadie Sink respecto a su personaje sirvió como catalizador de la especulación. Numerosos seguidores propusieron hipótesis sobre a quién interpretaría, mencionando nombres como Jean Grey, Gwen Stacy, Mayday Parker y Rachel Summers.

La actriz reconoció que algunos fans acertaron, aunque se negó a confirmar cuál de esas opciones es la correcta: “Sí, eso ha pasado... Pero eso pasa todo el tiempo en internet”, expresó ante la consulta de la prensa.

El equipo de promoción de la película aprovechó la situación limitando la aparición de Sink en tráileres y materiales oficiales. Incluso, la propia actriz bromeó en un video publicado en la cuenta oficial de Instagram de la película, donde afirmó que solo podía confirmar que no interpretaba ni a Spider-Man ni a la tía May, pero que sí formaba parte del elenco. Esta línea de comunicación reforzó el misterio y alimentó el debate en foros y plataformas de discusión.

La experiencia de Sink en el set de Spider-Man

En cuanto a su experiencia profesional, Sadie Sink describió el ambiente de trabajo en el rodaje como abierto y acogedor.

“Supongo que es muy divertido explorar un personaje nuevo y especialmente hacerlo entre personas tan receptivas y acogedoras como lo fue este reparto”, sostuvo la actriz, quien ya contaba con reconocimiento previo por su trabajo en Stranger Things.

La oportunidad de asumir un desafío diferente en el universo de Spider-Man representó un incentivo para Sink. “Fue muy divertido probar cosas nuevas como actriz y simplemente pasarlo bien con ello. Es una película divertida”, afirmó durante el estreno, dejando en claro que el proyecto le permitió disfrutar de su oficio y de la dinámica grupal del elenco.

Expectativa ante el estreno y la identidad no revelada

Spider-Man: Brand New Day llegará a los cines el viernes 31 de julio, manteniendo hasta el final el misterio sobre el personaje de Sadie Sink. La actriz ha sostenido la política de reserva incluso frente a la prensa, lo que ha generado una expectación inusual entre los seguidores de la franquicia.

El caso de Sink evidencia cómo la confidencialidad se transforma en una herramienta de promoción para grandes estudios como Marvel, que logran mantener a la audiencia atenta y activa en la antesala de un lanzamiento. El interés por descubrir la identidad del personaje se ubica ahora como uno de los principales atractivos del estreno.

Una base de confianza construida antes de Marvel

La historia compartida de Tom Holland y Jon Bernthal comenzó en 2017 durante la filmación de la película irlandesa Pilgrimage. Ambos actores atravesaban una etapa de audiciones cruciales para sus carreras, grabando juntos las cintas que los llevarían, con el tiempo, a ingresar al Universo Cinematográfico de Marvel (MCU).

“Miren, conozco a Tom desde que tenía 17 años. Hicimos juntos nuestras cintas de audición [para el Universo Cinematográfico de Marvel]”, recordó Bernthal sobre el inicio de ese vínculo profesional y personal.

La relación profesional se profundizó con la participación de ambos en The Odyssey, dirigida por Christopher Nolan. En esa producción, Holland interpretó a Telémaco y Bernthal al rey Menelao, lo que les permitió trabajar juntos nuevamente antes de coincidir en el set de la próxima entrega de Spider-Man.

Improvisación y humor: un método de trabajo compartido

Al llegar al rodaje de Spider-Man: Brand New Day, la confianza entre Holland y Bernthal se tradujo en una dinámica de libertad creativa. El propio Holland relató que el reencuentro en el set fue “muy divertido” y que la experiencia previa bajo la dirección de Christopher Nolan los había dejado en una sintonía particular.

“Acabábamos de salir del rodaje de Nolan y habíamos tenido una experiencia increíble con Chris. Llegamos a Spider-Man y fue como si no hubiera límites. Tuvimos una sesión de improvisación de seis semanas en la que no parábamos de hacer bromas y de buscar nuevas formas de llevar humor a la película”, explicó el actor británico.

Durante esas semanas de trabajo, ambos actores aprovecharon su historia compartida para ajustar la interacción entre Peter Parker y Frank Castle, alejándose de lo que estaba previsto en el libreto. Según relataron durante la presentación en Los Ángeles, esa complicidad alteró varias escenas, generando una versión más espontánea y orgánica de la alianza entre sus personajes.

La influencia de la amistad en la narrativa de Brand New Day

La química fuera de cámaras tuvo consecuencias directas en la narrativa de Brand New Day. En la película, Peter Parker conoce a Frank Castle, también conocido como Punisher, quien aparece como uno de los vigilantes que patrullan las calles de Nueva York.

En lugar de mantener la tradicional rivalidad entre ambos, la historia explora una alianza cimentada en la confianza y el respeto mutuo, influenciada por la relación real de los actores.

“Lo que más me gusta es cómo nuestra relación influyó en la relación entre los dos personajes”, sostuvo Holland. El actor remarcó que muchos de los momentos más significativos en la película surgieron a partir de la improvisación y del aporte personal de Bernthal.

El resultado final se apartó en varias ocasiones de lo que estaba escrito, dotando al filme de una frescura particular.

Trayectorias que se cruzan y evolucionan

La carrera de Jon Bernthal dentro del MCU comenzó en 2016 con su debut como Frank Castle en Daredevil, seguido de The Punisher, Daredevil: Born Again y The Punisher: One Last Kill. Por su parte, Tom Holland asumió el rol de Peter Parker en Captain America: Civil War, y Brand New Day marca su cuarta película en solitario como Spider-Man.

El reencuentro profesional en Spider-Man se apoyó en el respeto y la admiración mutua. “Soy un admirador enorme suyo”, destacó Bernthal sobre Holland.

“Fue muy bonito para mí ver hasta dónde ha llegado, pero también ver que sigue siendo el mismo, que es amable, recto y trabajador”, agregó. Esta valoración personal contribuyó a fortalecer la colaboración en el set y a enriquecer la construcción de sus personajes.

Una nueva etapa para la franquicia

El estreno de Spider-Man: Brand New Day, previsto para el 31 de julio, marca una etapa renovada para ambos personajes. Bernthal regresó al universo Marvel poco después de coincidir con Holland en The Odyssey, lo que favoreció que la confianza previa impulsara varias escenas hacia una versión distinta de la que figuraba en la página.

La alianza en pantalla entre Peter Parker y Frank Castle es el reflejo de una amistad real que se gestó años antes, lejos de los reflectores. La complicidad y el recorrido conjunto de ambos actores redefinieron la dinámica de la historia, dando lugar a una entrega que explora nuevas dimensiones en la relación entre superhéroes, más allá de lo que dictaba el guion original.

La posibilidad de un encuentro entre el Spider-Man interpretado por Tom Holland y el Venom de Tom Hardy continúa sin concretarse en el universo cinematográfico de Sony y Marvel.

Sin embargo, durante una entrevista concedida al podcast Happy Sad Confused, la productora Amy Pascal afirmó que mantiene la expectativa de que ese proyecto pueda realizarse en el futuro, mientras que el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, también dejó abierta la posibilidad de que ocurra.

En la conversación Pascal y Feige fueron consultados sobre qué tan cerca se encuentra la posibilidad de desarrollar un crossover entre ambos personajes, una idea que ha sido objeto de especulación entre los seguidores de las franquicias.

Al responder a la pregunta, Amy Pascal señaló: “Sería genial, digámoslo así”. Posteriormente, cuando el conductor Josh Horowitz le preguntó si todavía existía la posibilidad de que Tom Holland y Tom Hardy compartieran pantalla como Spider-Man y Venom, Kevin Feige intervino para responder: “Siempre hay que tener esperanza”.

Pascal coincidió con esa postura y agregó: “Tengo esperanza. Tenemos esperanza”. Hasta el momento, ninguno de los estudios involucrados ha confirmado oficialmente la producción de una película que reúna a ambos personajes.

Aunque el proyecto de un crossover permanece sin anuncios oficiales, Amy Pascal confirmó que una película animada centrada en Venom continúa en desarrollo.

A principios de este año, Deadline informó que Zach Lipovsky y Adam B. Stein, quienes dirigieron Final Destination Bloodlines, fueron elegidos para encargarse de la dirección del largometraje animado para Sony.

La posibilidad de un encuentro entre Spider-Man y Venom ha sido tema de conversación en distintas ocasiones debido a que ambos personajes forman parte del universo de Marvel y mantienen una relación importante dentro de los cómics.

Sin embargo, hasta ahora las adaptaciones cinematográficas han desarrollado sus historias por separado.

En 2025, Tom Hardy reveló que un proyecto conjunto estuvo cerca de concretarse. Durante una entrevista para The Discourse Podcast, el actor explicó que las conversaciones avanzaron más de lo que el público conoce.

“Estuvimos tan cerca como me lo puedo imaginar, aparte de hacer una película juntos, lo cual me hubiera encantado hacer porque eso significa muchísima diversión”, declaró Hardy durante esa conversación.

El actor también explicó algunas de las razones por las que le interesaba participar en un proyecto que reuniera a ambos personajes. Según comentó, uno de los principales motivos era la expectativa del público infantil por ver a Spider-Man y Venom compartir la pantalla.

“Porque, ya sabes, por mucho que a los adultos les encanten las películas de superhéroes, como se puede comprobar en taquilla cuando tienen éxito, creo que los niños me recuerdan constantemente lo importantes que son estos personajes. Y no entienden por qué sus personajes favoritos no aparecen juntos en las películas”, señaló.

Hasta el momento no se han dado a conocer detalles sobre posibles negociaciones entre Sony Pictures y Marvel Studios para desarrollar una producción que reúna a ambos personajes. Tampoco existe una fecha estimada para un eventual anuncio relacionado con ese proyecto.

Por otra parte, el desarrollo de la película animada de Venom representa uno de los proyectos confirmados por Sony dentro de su estrategia para continuar expandiendo las historias vinculadas al personaje.

La producción estará a cargo de Zach Lipovsky y Adam B. Stein, quienes recientemente dirigieron Final Destination Bloodlines.

El drama gaúcho "London" llega a Venecia como una de las 7 películas en competencia en la Semana Internacional de la Crítica de la 83ª edición del festival italiano, con su première mundial programada para el 6 de septiembre.

Filmada en Porto Alegre y dirigida por la dupla Victor Di Marco y Márcio Picoli, la producción queer se convierte en la única representante brasileña en esa sección, considerada una vitrina del cine mundial para nuevos talentos.

La Semana Internacional de la Crítica (SIC), sección independiente y paralela al Festival de Venecia, anunció el lunes 20 de julio su selección oficial para la edición de este año. El certamen, que se celebrará entre el 2 y el 12 de septiembre, dedica su competencia exclusivamente a largometrajes de directores en su debut, y el ganador se lleva el León del Futuro y un premio de USD 100.000.

Un joven con discapacidad en una casa de fetiches

En "London", Di Marco también asume el papel protagónico: interpreta a London, un joven con discapacidad que se gana la vida con presentaciones eróticas en una casa de fetiches en la capital británica.

Cuando la posibilidad de descubrir el origen y el futuro de su condición aparece a través de un examen médico, el personaje enfrenta una disyuntiva que lo obliga a decidir si permite que un diagnóstico marque su destino o si sigue sus propios deseos.

La sinopsis oficial del filme señala: “Al encontrarse con un mundo miope y distorsionado ante su presencia, el protagonista tendrá que reinventarse para liberarse y descubrir quién realmente es".

El material de difusión agrega que, a pesar de los tabúes y las creencias que rodean a los cuerpos situados más allá de la lógica binaria y funcional sostenida por la estructura capacitista. La película trae cuerpos que vibran, desean, viven y se apartan de toda patologización que la sociedad impone, cuestionando los discursos normativos que históricamente los reducen a la inadecuación.

La narrativa aborda el capacitismo, autonomía y sexualidad desde una perspectiva que, según sus realizadores, plantea una mirada sobre la discapacidad: no como un límite o una carencia, sino como una potencia creativa y una forma de mirar el mundo.

Beatrice Fiorentino, directora general de la SIC, calificó la obra como una película radicalmente queer en la que la sexualidad no es un tabú, sino un espacio de liberación, según informó la agencia EFE.

En declaraciones recogidas por el sitio especializado brasileño Papo de Cinema, Fiorentino también destacó la madurez de la película y lo describió como una propuesta que “celebra la vida, el deseo y el amor, con una mirada sobre cuerpos y experiencias frecuentemente marginados por el cine”.

El equipo detrás de la película

El filme está escrito y dirigido por Di Marco y Márcio Picoli, quienes antes de este largometraje firmaron juntos tres cortometrajes: O que Pode um Corpo? (2020), Possa Poder (2022) y Zagêro (2024).

La producción está a cargo de Proa & Popa Produções y Balde de Tinta, con fotografía de Bruno Polidoro, dirección de arte de Valeria Verba y banda sonora original de Vito O. Azevedo.

El elenco lo completan Carla Cassapo, Jéssica Teixeira, Pedro Bertoldi, Priscilla Colombi, Emilio Farias y Manu Thedy. En Brasil, la distribución en salas estará a cargo de Retrato Filmes, aunque la fecha de estreno en el circuito nacional aún no fue anunciada.

Las otras películas en competencia

La programación de la Semana Internacional de la Crítica de Venecia presenta 7 óperas primas provenientes de cuatro continentes, destacando así el carácter global de la competencia.

Además de "London", la lista incluye dos títulos colombianos: “El fin de los tiempos”, dirigido por Bibiana Rojas Gómez y Juan David Cárdenas, y “Meteorito”, de Sebastián Múnera.

Completan la selección la coproducción entre India, Reino Unido y Grecia “Our share of sand”, de Shalini Adnani, junto con la italiana "Prima della guerra" de Tommaso Usberti, la china "Zoom in, Zoom out" dirigida por Dong Jie y la tunecina "The H@llow man" de Kamel Laaridhi.

La directora de la competición, citada por la agencia EFE, subrayó el compromiso de la muestra con “un cine independiente orgulloso, valiente y vital”, insistiendo en la necesidad de reinventar el imaginario contemporáneo a través de estas propuestas.

De acuerdo con la organización del certamen, la selección de este año busca propiciar una reflexión colectiva sobre cuestiones como el colonialismo, los efectos del control tecnológico, la precarización laboral, la violencia y la construcción de identidades.

La película "London" tendrá su proyección de gala el 6 de septiembre. El equipo creativo estará presente durante la función, reafirmando la apuesta de la Semana Internacional de la Crítica por visibilizar nuevas voces y miradas en el panorama internacional.

Tom Brady protagonizó un verano familiar lejos del ruido mediático. El exmariscal de campo de la NFL retirado, de 48 años, compartió en Instagram una serie de fotografías de una semana de aventuras en Alaska junto a sus tres hijos: Jack, de 18 años; Benjamin, de 16; y Vivian, de 13. El propio jugador definió la experiencia con pocas pero contundentes palabras. “Una semana en Alaska con mis tres mejores amigos. El viaje de toda una vida”, según divulgó la revista People.

Las imágenes que Brady publicó en su cuenta mostraron a la familia en plena naturaleza. Paseos junto a perros de trineo, largas jornadas de pesca en lagos de aguas cristalinas y momentos en bote con el paisaje de montañas y bosques como telón de fondo.

El exintegrante de los New England Patriots también se animó a saltar desde un bote al agua helada sin remera, en una escena que sus seguidores no tardaron en viralizar. Sobre esa experiencia, Brady escribió: “Verdaderamente inspirador. Qué suerte experimentar el poder de la naturaleza en un lugar así”.

Un verano que comenzó con un hito familiar

El viaje a Alaska fue el punto más alto de un verano cargado de momentos significativos para la familia Brady. Todo arrancó en junio, cuando Jack Moynahan —el mayor de los tres y fruto de la relación del exdeportista con la actriz Bridget Moynahan— se graduó de la escuela secundaria. Brady asistió a la ceremonia junto a sus otros dos hijos y luego compartió fotos del festejo en redes.

“Uno de los días más orgullosos de mi vida”, escribió Brady en sus redes sociales, al publicar imágenes de la celebración. “Ver a Jack cruzar el escenario y graduarse hacia el próximo capítulo de lo que ya es una vida impresionante. Eres un hijo, hermano, nieto y amigo increíble, entre tantas otras cosas”, expresó el siete veces campeón del Super Bowl.

Hijos de dos relaciones distintas, unidos en un mismo viaje

Benjamin y Vivian son hijos de Brady con su exesposa, la modelo Gisele Bündchen, con quien estuvo casado durante 13 años antes de divorciarse en 2022. Jack, en cambio, es hijo del exdeportista con Moynahan, con quien mantuvo una relación antes de conocer a Bündchen.

De acuerdo con People, los tres crecieron en una familia ensamblada que, según muestran las publicaciones de Brady, mantiene vínculos estrechos. El exatleta lleva un colgante con los nombres de sus hijos, algo que mostró públicamente en octubre pasado con una frase que resume su vínculo: “Siempre en mi corazón”. La semana en Alaska funcionó como una extensión natural de ese lazo, con el padre como organizador de la aventura y los tres chicos como protagonistas.

Bündchen también tuvo su escapada veraniega con los hijos

Mientras Brady armaba valijas para el norte, Gisele Bündchen aprovechó el verano para viajar con sus hijos a Tahití. La modelo y su esposo, Joaquim Valente, con quien comparte un hijo de 16 meses, llevaron a Benjamin y Vivian a disfrutar del Pacífico Sur. “¡Qué lugar tan especial!”, escribió Bündchen el 18 de julio al publicar las fotos de ese viaje.

Brady, que es considerado como una de las personalidades más reconocidas y relevantes dentro del panorama del deporte a nivel mundial, sigue siendo protagonista no solo en lo que respecta a su desempeño y trayectoria dentro del campo de juego, sino también fuera de este ámbito específico. En el último tiempo estuvo ligado a una serie de actividades vinculadas a la organización y a la promoción de la Copa del Mundo 2026, lo que pone en evidencia que su influencia y su presencia pública trascienden los límites del fútbol americano.

Un tribunal del Reino Unido ordenó a Mitch Winehouse, padre de la cantante Amy Winehouse, pagar cerca de un millón de libras esterlinas (1,338,555 dólares) en costos legales tras perder una demanda presentada contra Naomi Parry, exestilista de la artista, y Catriona Gourlay, amiga cercana de la cantante.

El caso estuvo relacionado con la venta de objetos que pertenecieron a la fallecida intérprete en subastas realizadas en Estados Unidos.

Mitch Winehouse, de 75 años, interpuso la demanda ante el Tribunal Superior de Inglaterra y Gales al sostener que Parry y Gourlay obtuvieron beneficios económicos mediante la venta de prendas de vestir, maquillaje y otros artículos personales de la cantante sin su autorización.

Además, afirmó que ambas ocultaron deliberadamente las transacciones y reclamó 730 mil libras esterlinas (976,707.15 dólares) correspondientes a las ganancias obtenidas por las ventas.

Sin embargo, la jueza Sarah Clarke KC desestimó la demanda y concluyó que Mitch tenía conocimiento de las subastas desde un inicio. En una resolución emitida previamente este año, la magistrada señaló que, posteriormente, el demandante inició acciones legales contra las dos mujeres.

Amy Winehouse falleció en 2011 a los 27 años debido a una intoxicación por alcohol. Tras su muerte, Mitch Winehouse heredó el patrimonio multimillonario de la cantante.

Una década después, en 2021 y 2023, Naomi Parry y Catriona Gourlay participaron en la venta de diversos objetos relacionados con la intérprete mediante subastas celebradas en Estados Unidos.

Durante el proceso judicial, Parry declaró que Amy acostumbraba regalar ropa y otros objetos personales a sus amistades. Según su testimonio, la cantante entregaba con frecuencia prendas de vestir a personas cercanas.

Entre los artículos subastados figuró un vestido corto de seda utilizado por Amy Winehouse durante su última presentación en Belgrado, Serbia.

De acuerdo con la información presentada ante el tribunal, esa prenda fue vendida por 180 mil libras esterlinas (240,715 dólares). La cantante falleció cinco días después de haber utilizado ese vestido.

El tribunal también escuchó que el catálogo de la subasta incluyó un total de 834 artículos.

Según la información presentada durante el juicio, la venta de 2021 generó ingresos por aproximadamente 1.04 millones de libras esterlinas (1.3 millones de dólares) para el patrimonio de Amy Winehouse, de los cuales el 30% fue destinado a la Amy Winehouse Foundation.

Mitch Winehouse sostuvo que entendía que los recursos obtenidos en esa subasta serían distribuidos entre él, la madre de la cantante, Janis Winehouse, y la fundación creada en memoria de la artista.

Naomi Parry declaró además que Mitch le ofreció 187 mil libras esterlinas correspondientes a los ingresos obtenidos por la venta de sus artículos como parte de un acuerdo para poner fin al litigio. La exestilista indicó ante el tribunal que rechazó esa propuesta.

En una resolución posterior sobre los costos del proceso, emitida el miércoles, la jueza Sarah Clarke KC determinó que Mitch Winehouse deberá cubrir pagos provisionales de 569 mil 330 libras esterlinas (760,909 dólares) a favor de Naomi Parry y de 394 mil 521 libras esterlinas (527,489 dólares) para Catriona Gourlay en un plazo de dos semanas.

Asimismo, la magistrada ordenó que el demandante pague los costos legales de ambas mujeres bajo una base de indemnización, un mecanismo mediante el cual la parte beneficiaria puede recuperar un porcentaje mayor de los gastos legales incurridos durante el litigio.

En su resolución, la jueza señaló que el demandante presentó una reclamación que calificó como débil y que el desarrollo del proceso derivó en un litigio de gran escala.

También indicó que Mitch Winehouse intentó ampliar el alcance de la demanda en una etapa avanzada del procedimiento, lo que provocó que el juicio, inicialmente previsto para seis días entre diciembre y enero, se extendiera por tres jornadas adicionales.

La magistrada añadió que las acusaciones formuladas por el demandante afectaron la reputación, las perspectivas profesionales, la estabilidad financiera y la salud de las demandadas.

También consideró que ambas mujeres tenían derecho a defender su reputación personal y profesional durante todo el proceso judicial.

La cuarta entrega de Spider-Man dentro del Universo Cinematográfico de Marvel por fin ha llegado a los cines de Latinoamérica y la expectativa es gigantesca.

Esta cinta prometía darle al personaje una especie de reinicio donde estuviera más conectado con sus raíces del comic: lejos de patrocinadores millonarios, de amenazas cósmicas y luchando por mantener a salvo a Nueva York mientras logra llegar a fin de mes.

Entonces la pregunta es: ¿logró esta cinta su cometido? ¿Este fue el primer vistazo al amigable vecino con el que todos nos hemos llegado a identificar?

El eterno sacrificio del arácnido

Es importante recordar el contexto que el Peter Parker de Tom Holland vive en esta nueva realidad. Tras los sucesos de la tercera película, Peter tuvo que renunciar a su mejor amigo, al amor de su vida y ver morir a su tía, la única familia que le quedaba para poder salvar el multiverso.

Ahora es un vigilante solitario, no tiene prácticamente ningún contacto humano mas que los golpes que le dan los villano de la semana. Sí, Spider-Man es amado por toda la ciudad, pero al llegar a casa, Peter Parker está completamente solo y su único consuelo es ver a sus antiguos seres queridos desde la pantalla mientras crecen y cumplen sus sueños.

Por si esto fuera poco, la parte arácnida de Peter comienza a entrar en una nueva fase que le genera mucho dolor, pero que promete volverlo un ser aún más sorprendente si llega a sobrevivir a estos cambios.

Por último, pero no menos importante, una amenaza anónima comienza a apoderarse de la mente de las personas, causando caos y confusión tanto en las autoridades como en el arácnido.

La lucha interna de Peter Parker

La película alcanza un gran acierto al reflejar las aflicciones de Peter, pues lleva a su máximo nivel uno de los rasgos más distintivos del personaje: su sacrificio, siempre dispuesto a recibir todos los golpes de la vida con tal de que sus seres queridos estén a salvo.

Por supuesto, el carisma de Tom Holland le añade aún más sabor a la ecuación. Esa eterna cara de chico bueno (a pesar de ya tener 30 años) hace más enternecedoras sus escenas emotivas y es fácil sentirse feliz por él cuando las cosas salen bien para el pobre Peter.

Sumado a esto, la forma en que esta “parte arácnida” comienza a apoderarse de él se siente tanto creativa como acertada, pues al alejarse de todo lo que amaba, Peter comienza a desaparecer y solo queda su parte animal y salvaje... O eso cree él.

El “villano” de esta película no es nada menos que Jean Grey, uno de los X-Men más poderosos de todos los tiempos. En esta versión es una joven llena de ira por el secuestro y asesinato de su hermana, pero con un potencial gigantesco en el campo de la telequinesis.

Peter, como el siempre benevolente héroe que es, busca regresarla al camino correcto y, tras varios intentos en los que casi pierde la vida, lo logra. Al mismo tiempo, abraza su lado “animal” para convertirse en un Spider-Man más poderoso y maduro.

Por supuesto, el paralelismo con lo que pasa Jean Grey y Peter Parker es evidente. Ambos han sido vistos como amenazas; ambos han visto cómo la vida les ha quitado todo lo que aman por culpa de sus dones, ambos tienen un enorme potencial por descubrir y al final ambos lo aceptan para convertirse en la mejor versión de ellos mismos, dando paso, además, a comenzar una de las historias más apasionantes y con más carga política de Marvel: los X-Men.

Adiós para siempre al viejo Spider-Man

Sin lugar a dudas, Spider-Man: un nuevo día, es una película divertida, con mucha acción, muchas risas y la dosis correcta de drama, pero también es un hecho que desde el momento que el arácnido entró al UCM, toda su historia de los comics se tiró a la basura.

¿Qué pasó con el Peter que tomaba fotos del Hombre Araña para el periódico? ¿Dónde está el Peter que llegaba a un departamento destartalado y que luchaba contra viento y marea por hacer lo correcto?

¿Dónde están los amigos, rivales y romances de Peter? ¿Algún día podremos volver a ver en pantalla a Gwen Stacy, Harry Osbourne u Otto Octavius?

Y por supuesto, ¿dónde están los villanos que hicieron a Spider-Man un héroe tan extraordinario? Sí, las anteriores películas les dieron su lugar a personajes como El Vuitre, Mysterio y el Duende Verde, pero en esta película todos pasan a tercer plano (Shocker, Rhino, Scorpion), siendo enemigos que se mencionan por algunos segundos y aportan poco y nada a la trama.

Y es que, Spider-Man no es lo que es solo por trepar muros y columpiarse por imponentes rascacielos. Son sus valores y las personas que lo rodean lo que, hasta el día de hoy, lo vuelven tan especial.

Las enseñanzas del tío Ben (que ahora es la tía May la voz de la razón en la cabeza de Peter), el dramático triángulo amoroso de Peter, Gwen Stacy y Mary Jane. Las eternas excusas para poder salvar la ciudad y por supuesto, los lazos tan íntimos que muchos villanos de Spider-Man tienen con él.

Por un lado, se agradece que el UCM trate de desarrollar historias nuevas o, al menos, reestructurar lo que alguna vez se vio en comics o películas anteriores, pero también es un hecho que la personalidad de Spider-Man y su universo poco a poco se empiezan a diluir por ideales mucho más ambiciosos que contar una historia que conecte con el público.

Las prioridades de Marvel: un universo en expansión

Spider-Man: un nuevo comienzo fue poco más que una excusa para presentar la siguiente gran apuesta de Marvel: los X-Men. Esto no es ninguna sorpresa dado que, con sus otros Avengers “de vacaciones”, el personaje más popular de la franquicia debe funcionar para mover la trama. Así pasó también con su anterior entrega, que más allá de unir a los tres Spider-Men, arrancó toda la saga del multiverso que culminará con Avengers: Doomsday.

Seguramente, los fans jóvenes de Spider-Man saldrán satisfechos de la sala, pero los que crecieron con los comics, series animadas y primeras películas puedan sentir algo de preocupación de que su personaje favorito comience a olvidar que lo hizo grandioso en primer lugar.

Una familia descubrió una colección de cartas Pokémon selladas y artículos de colección mientras ayudaba a su abuela a localizar objetos que había guardado durante años.

De acuerdo con estimaciones realizadas por coleccionistas en redes sociales, el conjunto podría tener un valor superior a los 250,000 dólares, aunque la familia señaló que esa cifra no ha sido verificada de manera independiente.

El hallazgo fue compartido por uno de los nietos a través de una publicación en Reddit. Según explicó, su abuela, actualmente de más de 80 años, había mencionado en distintas ocasiones que todavía conservaba algunos sobres antiguos de Pokémon y “algunos Charizard”.

Sin embargo, los integrantes de la familia pensaban que se trataba de una colección común, por lo que no esperaban encontrar una cantidad significativa de artículos.

La búsqueda comenzó con una caja que contenía diversos productos relacionados con la franquicia Pokémon. Entre ellos se encontraban las Poké Balls chapadas en oro de 24 quilates distribuidas por Burger King, figuras, accesorios, mazos iniciales y una caja de la película Pokémon: The First Movie.

A pesar de ese primer hallazgo, la abuela insistió en que recordaba haber comprado sobres adicionales años atrás. A partir de esa información, la familia realizó una segunda revisión de la vivienda.

Durante la búsqueda, uno de los nietos encontró varias cajas ocultas debajo de un mueble para televisión. En ellas había sobres sellados, cartas de Charizard y un álbum con numerosas cartas pertenecientes a colecciones clásicas de Pokémon, entre ellas Base Set, Jungle, Fossil y otras series antiguas.

Según el relato publicado en Reddit, la mujer explicó que originalmente compró cartas Pokémon para que sus nietos pudieran jugar con ellas. Al mismo tiempo, adquirió sobres y cartas adicionales con la intención de guardarlos para el futuro sin informarles sobre su existencia.

Entre los objetos encontrados destacan tres cajas selladas de sobres de la colección First Edition Fossil.

De acuerdo con la información compartida en la publicación, este tipo de producto suele comercializarse por montos que oscilan entre 15,000 y 30,000 dólares por unidad. Además, la colección incluía sobres sueltos de la serie Base Set cuyo valor conjunto fue estimado en al menos 30,000 dólares.

Las imágenes difundidas junto con la publicación también muestran otros artículos de colección relacionados con la franquicia, entre ellos un juguete Pokédex sellado de la década de 1990.

A partir del material compartido, distintos coleccionistas que comentaron la publicación calcularon que el valor total de la colección podría superar los 250,000 dólares. No obstante, la familia indicó que aún no ha realizado una tasación profesional para confirmar esa estimación.

De acuerdo con el testimonio publicado, la búsqueda podría no haber concluido. La abuela señaló que cree que todavía podrían existir más artículos de Pokémon almacenados en diferentes lugares de la vivienda, por lo que la familia contempla continuar revisando la casa.

El caso se suma a otros descubrimientos recientes de colecciones de cartas Pokémon con un valor elevado. En abril, un vendedor revisó un álbum perteneciente a un menor de edad que contenía cartas valoradas en miles de dólares.

Asimismo, en otro caso difundido previamente, una familia conservó una colección de cartas estimada en 36,000 dólares después de que el padre del hogar iniciara el proceso para desecharla. También se han reportado hallazgos de cartas de alto valor en áticos y unidades de almacenamiento.

Jared Leto citó en un concierto de 2013 una frase de película sobre “chicas de preparatoria” ante una joven, un episodio que la cadena británica BBC rescató en un documental emitido este miércoles en el que diez mujeres acusan al actor y músico de conducta sexual delictiva, cuatro de ellas cuando eran menores de edad.

El incidente ocurrió durante una presentación de su banda Thirty Seconds to Mars en el Ex’Pression College de Emeryville, California.

Tras llamar a una joven al escenario, pedirle un abrazo y preguntarle su nombre y procedencia, la estrella adoptó el acento de Matthew McConaughey y recitó una línea del personaje que el actor enunció en Dazed and Confused (1993).

“Me gustan las chicas de preparatoria. Yo sigo envejeciendo y ellas siempre tienen la misma edad. Bien, bien, bien”, se le escuchó decir, según recuperó el documental Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood.

Según el medio británico, los presuntos incidentes tuvieron lugar entre 2002 y 2016, cuando él tenía entre 30 y 40 años.

Ante las acusaciones, el actor emitió un comunicado a través de sus representantes: “Jamás he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida. Estas acusaciones son absoluta y categóricamente falsas”.

Los relatos documentados por la BBC describen situaciones de distinta gravedad. Una de las mujeres afirma que Leto la agredió sexualmente en el baño de un motel cuando tenía 17 años.

Otra asegura que el artista la amenazó con una agresión sexual en una habitación de hotel en 2002, cuando ella tenía 19 años.

“No creo que se intercambiaran muchas palabras, y él abrió la cortina de la ducha y empezó a besarme”, declaró esa mujer en el documental de la BBC. La misma testigo afirmó que Jared Leto tomó su mano y la usó para masturbarse.

Una tercera mujer relató haber mantenido relaciones sexuales con el protagonista de El club de los desahuciados en California cuando tenía 17 años, por debajo de la edad de consentimiento legal en ese estado, fijada en los 18.

“No era una gran preocupación para él”, dijo la mujer, en referencia a las conversaciones que tuvieron sobre su edad. “Me dijo: ‘Quiero que me llames papá’. Y era o fingir ser una niña pequeña o ‘mi pequeña niña’... Solo con el tiempo fui comprendiendo lo aterrador que realmente era eso”, añadió.

Una cuarta mujer acusó al artista de acoso: afirmó que Leto le hizo repetidas llamadas de contenido sexual explícito cuando ella tenía 16 años.

El medio británico señaló haber corroborado “varios de los testimonios de las mujeres con amigos y familiares a quienes contaron los encuentros con Leto en su momento”, y aseguró tener acceso a fotografías y mensajes que, en algunos casos, respaldan las versiones de las denunciantes.

Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood incluye además declaraciones de dos personas que trabajaron con 30 Seconds to Mars.

El actor no era ajeno a este tipo de señalamientos antes de esta investigación. En 2025, la DJ Allie Teilz lo acusó públicamente en redes sociales de haberla agredido cuando tenía 17 años, lo que llevó a otras mujeres a presentar sus propias denuncias en un reporte publicado en junio de ese año por el medio Air Mail.

En aquella ocasión, Leto también rechazó todos los cargos, calificándolos de “demostrablemente falsos”.

El ganador del Oscar al mejor actor de reparto por El club de los desahuciados acumuló otras polémicas a lo largo de su carrera.

Durante el rodaje de Escuadrón Suicida (2016), en el que interpretó al Joker, envió una rata viva a su compañera Margot Robbie, un cerdo muerto al equipo de producción y objetos de contenido sexual a otros miembros del reparto.

En Morbius (2022), se negó a caminar sin muletas fuera de cámara para mantenerse en el personaje, lo que obligó al equipo a trasladarlo en silla de ruedas.

En 2019, el artista organizó el Camp Mars, un campamento de pago en Croacia para seguidores de su banda. Las imágenes del evento, en las que Leto aparecía vestido de blanco rodeado de asistentes con atuendos similares, provocaron comparaciones con la estética de una secta.

Las imágenes del clip, en las que la actriz aparece con las piernas al descubierto, multiplicaron los comentarios sobre su notable pérdida de peso.

En el video, Moore interpreta una versión retorcida de la Miranda Priestly de El diablo viste a la moda, rechazando atuendos y dispensando consejos de moda a las integrantes del grupo.

La producción muestra a Katseye actuando ante una sala de ejecutivos llamados Boyseye, con cada miembro del grupo en versiones de género intercambiado, hasta que la intervención de Moore las lleva a replantear su propuesta artística.

“Animal” fue compuesta en colaboración con Ed Sheeran y producida por Omer Fedi y Blake Slatkin, quienes también han trabajado con Addison Rae y Adéla, respectivamente.

El sencillo forma parte del EP de cinco canciones Wild, previsto para el 14 de agosto, y fue precedido por “Pinky Up”, el primer lanzamiento de Katseye sin Manon Bannerman, quien permanece en pausa del grupo.

“Realmente estamos dando un paso adelante y probando cosas nuevas, y se está viendo muy bien”, declaró Daniela, integrante de Katseye, durante el evento de cuenta regresiva oficial que el grupo organizó en YouTube minutos antes del estreno del video.

La delgadez de Moore despierta alarma

La aparición de Moore en el clip de Katseye no fue un hecho aislado. Semanas antes, la actriz de 63 años había concentrado comentarios similares en la alfombra roja del Festival de Cine South by Southwest (SXSW), en Austin, donde posó con un vestido sin mangas con escote pronunciado y una abertura lateral que dejó ver su figura.

Esa misma semana, Hola reportó que su presencia en los Actor Awards había disparado especulaciones en redes sociales sobre el presunto uso de Ozempic, aunque ninguna afirmación fue confirmada.

En aquella ceremonia, Moore vistió un ceñido vestido negro sin mangas que expuso una figura notoriamente delgada.

La actriz estuvo en SXSW para el estreno de I Love Boosters!, cinta que también protagoniza Keke Palmer y que dirige Boots Riley, el cineasta detrás de Sorry to Bother You.

La acompañó su chihuahua de 544 gramos, Pilaf, que ya se ha convertido en una presencia habitual en sus apariciones públicas.

La preocupación por la delgadez de Moore se inscribe en una tendencia más amplia que inquieta a estilistas y especialistas en salud de Hollywood. Según reveló Page Six, múltiples fuentes del sector advierten que estrellas ya delgadas recurren a microdosis de Ozempic u otros fármacos similares para perder aún más peso.

“Hay un estigma ahora en tener cualquier tipo de peso”, señaló un estilista y exeditor de Vogue en declaraciones al citado medio.

Un dermatólogo de Hollywood consultado por el mismo medio añadió que sus clientas “llevan mucho tiempo microdosificando GLP-1″.

La nutricionista de celebridades Jess Baker alertó sobre señales físicas que, en un contexto clínico, encenderían las alarmas:

“He notado signos visibles de desgaste muscular en varios famosos donde antes no existían: sienes hundidas, clavículas marcadas, omóplatos prominentes. Estos cambios pueden indicar malnutrición, lo que significa que el cuerpo no recibe lo suficiente para funcionar”.

Un estilista de alto perfil consultado por Page Six describió la presión que existe en el ambiente: “Una actriz ve que otra adelgaza, y entonces otra adelgaza aún más”.

Quienes visten a las estrellas se encuentran, según el medio, en una posición incómoda: buscan que sus clientas luzcan bien, pero también quieren que estén sanas.

“No puedes decirles a estas actrices que están demasiado delgadas”, señaló la fuente. “Solo dirán: ¡pero [tal actriz] es más pequeña que yo!”.

Moore protagonizó en 2024 La sustancia, película de terror corporal en la que interpretó a una figura del fitness de mediana edad que crea una versión más joven de sí misma —encarnada por Margaret Qualley— mediante una droga ilegal.

El papel le valió una nominación al Oscar a Mejor Actriz, aunque el galardón fue a manos de Mikey Madison por su actuación en Anora, de Sean Baker.

El nuevo filme del director Christopher Nolan está a punto de superar en apenas 13 días de estreno los 330 millones de dólares que Oppenheimer tardó 595 días en acumular en el mercado doméstico de Estados Unidos.

La Odisea cerraría este miércoles con más de 330 millones de dólares en taquilla nacional, lo que la convertiría además en la tercera película más taquillera de Nolan en ese mercado, solo por detrás de El caballero de la noche (534,9 millones) y El caballero de la noche asciende (448,1 millones), según informó Deadline.

El lunes de su segunda semana en cartelera, la adaptación cinematográfica del poema homérico recaudó 14,7 millones de dólares, con una proyección de más de 16 millones para el martes, lo que elevaría su total acumulado en EE.UU. a 320,1 millones de dólares antes del cierre del miércoles.

La caída entre su primer y segundo fin de semana fue de apenas el 30%, según reportó The Wrap. Esa cifra la ubica entre las tres menores bajas de segunda semana para una película con apertura superior a los 100 millones de dólares, solo superada por Wicked (27,9% en 2024) y Top Gun: Maverick (28,9%).

En contraste, Oppenheimer registró una caída del 43% en su segundo fin de semana.

La película abrió con 123,5 millones de dólares el 17 de julio y sumó 87 millones adicionales en su segundo fin de semana, para llegar a 210,5 millones solo en territorio estadounidense al cabo de dos semanas.

A nivel global, el total asciende a 639 millones de dólares, de los cuales 140 millones provienen exclusivamente de proyecciones en formato IMAX, de acuerdo con Variety.

Con esos números, La Odisea se encamina a incorporarse al club de las películas con más de 1.000 millones de dólares en recaudación mundial, lo que la convertiría en el cuarto título en lograrlo en 2026, tras Toy Story 5 (1.020 millones), Super Mario Galaxy: la película (1.010 millones) y el biopic Michael (1.010 millones).

La Odisea es ya la película más taquillera de Matt Damon en un rol protagónico en el mercado doméstico.

Por su parte, según reportó Collider, Benny Safdie —quien interpreta a Agamenón— se convirtió en el actor con mayor recaudación acumulada en 2026, gracias a sus participaciones en La Odisea y en Super Mario Galaxy: la película.

Las valoraciones del público y la crítica también respaldan el rendimiento comercial: la película acumula un 94% de reseñas positivas y un 97% de aprobación del público en el sitio Rotten Tomatoes.

En redes sociales, los personajes de Robert Pattinson (Antínoo) y Samantha Morton (Circe) protagonizaron una ola de comentarios virales de manera orgánica.

Nolan y parte del elenco mantuvieron presencia en programas de televisión durante la segunda semana, lo que impulsó el interés del público por el filme.

El próximo desafío para La Odisea llegará este fin de semana con el estreno de Spider-Man: Brand New Day, previsto para el 31 de julio, cuya apertura se proyecta en más de 200 millones de dólares solo en Norteamérica, según Box Office Theory.

Deadline estimó que eso podría traducirse en una caída de hasta el 50% para La Odisea en su tercer fin de semana, con una recaudación de alrededor de 45 millones de dólares.

¿De qué trata “La Odisea”?

La Odisea adapta el poema épico de Homero y sigue a Odiseo —rey de Ítaca, interpretado por Matt Damon— en su tortuoso regreso a casa tras la guerra de Troya.

El viaje, que se extiende por diez años, lo enfrenta a criaturas y obstáculos míticos: el cíclope Polifemo, las sirenas, la hechicera Circe y la ninfa Calipso, entre otros.

Mientras Odiseo lucha por volver, su esposa Penélope (Anne Hathaway) resiste las presiones de 108 pretendientes que buscan ocupar el trono de Ítaca. Su hijo Telémaco (Tom Holland), ya adulto, parte en busca de su padre. La diosa Atenea (Zendaya) protege a Odiseo a lo largo de su periplo.

El reparto incluye además a Robert Pattinson como el pretendiente Antínoo, Charlize Theron como Calipso, Lupita Nyong’o en el doble papel de Helena de Troya y Clitemnestra, Benny Safdie como Agamenón, Jon Bernthal como Menelao y John Leguizamo como Eumeo, el fiel sirviente de Odiseo. La película tiene una duración de tres horas.

Jared Leto rechazó este miércoles las acusaciones de conducta sexual delictiva formuladas en su contra por diez mujeres en un documental de la cadena británica BBC, y calificó los señalamientos de absolutamente falsos.

“Jamás he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida”, afirmó el actor y músico estadounidense en un comunicado difundido por sus representantes a la prensa. “Estas acusaciones son absoluta y categóricamente falsas”.

El documental, titulado Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood, fue emitido este miércoles por la BBC y recoge los testimonios de las diez mujeres, cuatro de las cuales aseguran que los hechos ocurrieron cuando eran menores de edad.

Según la cadena británica, los incidentes habrían tenido lugar cuando el artista tenía entre 30 y 40 años.

Las acusaciones contra Jared Leto

Los testimonios documentados por la BBC describen situaciones de distinta gravedad.

Una de las mujeres acusa a Jared Leto de haberla agredido sexualmente en el baño de un motel cuando tenía 17 años.

Otra afirma que el actor la amenazó con una agresión sexual cuando tenía 19 años, tras quedarse a solas con él de forma inesperada en una habitación de hotel.

Una tercera mujer relata haber mantenido relaciones sexuales con Leto en California cuando tenía 17 años, una edad inferior a la del consentimiento legal en ese estado, lo que constituiría legalmente una violación de menores.

Una cuarta asegura que el actor, valiéndose de su fama, le hizo repetidas llamadas de contenido sexual explícito cuando tenía 16 años y le propuso en al menos una ocasión mantener relaciones.

Todas las mujeres que aparecen en el documental sitúan los hechos entre 2002 y 2016, según informó la BBC.

La cadena señaló haber corroborado “varios de los testimonios de las mujeres con amigos y familiares a quienes contaron los encuentros con Leto en su momento”, y afirmó haber tenido acceso a fotografías y mensajes que “respaldan sus versiones”.

Además de los testimonios de las mujeres, el documental incluye declaraciones de dos personas que trabajaron con la banda del cantante, 30 Seconds to Mars.

No es la primera vez que Leto enfrenta señalamientos de este tipo.

En 2025, la DJ Allie Teilz lo acusó públicamente en redes sociales de haberla agredido cuando tenía 17 años, lo que llevó a otras mujeres a presentar sus propias denuncias en una investigación publicada en junio de ese año por el medio Air Mail. En aquella ocasión, también negó todos los cargos.

Jared Leto es ganador del Oscar al mejor actor de reparto por El club de los desahuciados y lidera 30 Seconds to Mars, banda de rock formada en 1998 conocida por canciones como “The Kill”, “Kings and Queens” y “This Is War”.

Las acusaciones recientes se suman a una serie de episodios que ya habían puesto a la estrella en el centro de la polémica.

Durante el rodaje de Escuadrón suicida (2016), donde interpretó al Joker, el actor llevó su método de trabajo a un extremo que perturbó al elenco: envió una rata viva a su compañera Margot Robbie, un cerdo muerto al equipo de producción y una serie de objetos de contenido sexual —entre ellos condones usados y juguetes— a otros miembros del reparto.

En la filmación de Morbius (2022), se negó a caminar sin muletas fuera de cámara para mantenerse en el papel de un hombre con movilidad reducida. La decisión ralentizó tanto los traslados durante la producción que el equipo acordó transportarlo en silla de ruedas para no afectar los tiempos de rodaje.

Asimismo, Leto ha sido objeto de críticas por los eventos que organiza para los seguidores de su banda, 30 Seconds to Mars. En 2019 realizó el Camp Mars en Croacia, un campamento al que los asistentes accedían previo pago de sumas elevadas para convivir con el grupo.

Las imágenes promocionales del evento, en las que el artista aparecía vestido de blanco rodeado de fans con atuendos similares, despertaron comparaciones con la estética de una secta y generaron un fuerte rechazo, pese a que el propio actor y la banda aludieron a ello de forma irónica.

La novia de Leonardo DiCaprio protagoniza la portada de Vogue de agosto con un editorial sobre la disolución de los géneros en la moda y la fluidez de género, mientras la pareja suma otro verano en Europa juntos.

Vittoria Ceretti, la modelo italiana de 28 años que sale con el actor desde 2023, ocupa la portada de Vogue de agosto de 2026 con un editorial fotográfico en el que mezcla prendas de colecciones masculinas y femeninas. Las imágenes, tomadas por el fotógrafo Vito Fernicola, acompañan un ensayo de la teórica de la moda Maria Luisa Frisa sobre la fluidez de género en la indumentaria contemporánea.

En el editorial, Ceretti apareció con prendas que van desde trajes de corte masculino hasta faldas de seda, en una propuesta que la propia modelo describió a Vogue: “No tuvimos que elegir entre un carácter u otro. Experimentamos ambos, los hicimos convivir y los mezclamos”.

La exposición pública de la pareja

La publicación coincide con que la relación comenzó en el verano de 2023, cuando fueron fotografiados juntos en una discoteca de Ibiza, y desde entonces la pareja pasó varios veranos en distintos destinos de Europa; el pasado fin de semana, según informó Hola USA, fueron vistos cenando con amigos en el sur de Francia. La revista confirmó que el número llegó a los kioscos el 28 de julio.

La portada aparece en una etapa de mayor visibilidad para la pareja. Según lo informado por Harper’s Bazaar, DiCaprio, de 51 años, y Ceretti tuvieron su primera aparición juntos en público durante una gala de premios al asistir ambos a la ceremonia de entrega de los Óscar 2026 que tuvo lugar en el mes de marzo.

En esa edición, el actor participaba como nominado a la categoría de Mejor Actor por su papel en la película Una batalla tras otra. Aunque llegaron por separado y evitaron posar juntos en la alfombra roja, durante la ceremonia se los vio en asientos contiguos, acompañados por Teyana Taylor.

De acuerdo a lo señalado por Harper’s Bazaar, esta fue la primera ocasión en seis años en la que DiCaprio asistió a los premios llevando una acompañante.

Una persona del círculo íntimo del actor le manifestó a la revista People después de la gala que “esta relación con Vittoria se siente diferente y más seria”, a lo que sumó que DiCaprio “está más abierto a un futuro serio de lo que sus amigos lo vieron antes”.

La misma persona remarcó que una de las cuestiones que el actor aprecia es la independencia profesional de Ceretti, un aspecto que para él tiene especial peso, sobre todo durante los extensos lapsos en que se encuentra trabajando en rodajes.

La carrera de Ceretti

A lo largo de febrero de 2026, Ceretti fue seleccionada y posteriormente confirmada para desempeñar el papel de abanderada. Esta designación la llevó a convertirse en la persona encargada de representar a Italia durante el transcurso de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno Milano Cortina 2026, de acuerdo con la información que difundió la revista People.

Fue precisamente en ese segmento de la cobertura televisiva donde varios de los comentaristas que participaban del evento la reconocieron ante la audiencia internacional, ya que la presentaron al hacer mención de su pareja, a quien describieron como “un actor muy, muy famoso”.

Ceretti concluyó a Vogue: “Si lo que una persona está atravesando es verdaderamente real, si existe la seguridad plena de que ambos se aman, entonces no hay ningún motivo por el que alguien deba sentirse en estado de alarma. Porque el amor proporciona una sensación de seguridad y, además, hace que crezca la confianza”.

“Sadie tuvo un trabajo muy difícil al entrar en esta enorme película con una familia ya establecida, y encajó perfectamente”, afirmó Holland durante el evento al que Infobae tuvo acceso. “Ella ofrece una actuación absolutamente maravillosa, y la emoción que aporta, el profesionalismo y el corazón son exactamente lo que esta película necesitaba. Es un soplo de aire fresco. Es algo fresco y único, y no lo habíamos visto antes en una de estas películas”, señaló.

El actor también dio crédito a su colega por la difícil tarea de mantener el secreto de su personaje durante la promoción de la película y así “proteger” la experiencia del público. “Para mí, Sadie es una heroína silenciosa porque no puede hablar de nada”, resumió Holland.

Sadie Sink y el secreto que Marvel quiere proteger

Desde que fue anunciada como parte del reparto, Sadie Sink ha evitado revelar detalles sobre su papel. Durante la conferencia, la actriz reconoció que guardar la información en reserva fue una de las partes más complejas de su incorporación a la franquicia.

“No tuve el guion durante un tiempo, pero hablé mucho con Destin sobre el personaje, así que tenía una buena idea de hacia dónde iban las cosas”, explicó Sink, quien ya había trabajado con el director Destin Daniel Cretton antes de sumarse a la película.

“Ha sido un gran secreto que he tenido que guardar, pero soy una gran fan de Spider-Man, especialmente del Spider-Man de Tom, así que se siente muy surrealista formar parte de esto”, comentó la estrella de Stranger Things.

Cuando el moderador Josh Horowitz intentó obtener información sobre el desafío de interpretar a su personaje, Sink mantuvo la postura del estudio y respondió únicamente: “No”. La reacción provocó risas entre el elenco, que tampoco quiso adelantar detalles de la trama.

Hasta el momento, una de las teorías más comentadas en redes sociales relaciona a Sink con Jean Grey, integrante de los X-Men. A pocas horas del estreno mundial, algunos comentarios realizados por el músico Steven Lacy durante la premiere de Los Ángeles alimentaron las especulaciones, aunque Marvel no ha confirmado oficialmente la identidad del personaje.

Marvel eligió a Sadie Sink sin una audición

Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, explicó durante la conferencia cómo surgió la incorporación de Sink al proyecto y reveló que la actriz no tuvo que realizar una audición para obtener el papel.

“Estábamos hablando sobre qué personaje incorporar, qué tipos de personajes y qué agendas de villanos. Teníamos una idea para una historia y pensábamos en diferentes actores”, explicó Feige.

Según el productor, la decisión llegó cuando la coproductora Emily Fong mencionó que Sink como una opción ideal para un rol específico.

Después de esa conversación, el equipo creativo decidió que la actriz era la elección correcta. “Destin había trabajado con ella antes y en ese momento dijimos: sí, debería ser ella y debería ser este personaje. Por eso no hubo proceso de audición”, afirmó Feige.

Una historia sobre la soledad de Peter Parker

Spider-Man: Un nuevo día retoma la historia de Peter Parker después de los acontecimientos de Spider-Man: Sin camino a casa, cuando el héroe decidió borrar su existencia de la memoria de todos para proteger a sus seres queridos. La película muestra a un Peter que enfrenta las consecuencias de ese sacrificio mientras intenta encontrar un nuevo equilibrio entre su vida personal y su identidad como Spider-Man.

Durante la conferencia, Holland explicó que la película presenta una versión más vulnerable del personaje, quien perdió la conexión con las personas más importantes para él, entre ellas MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon).

“Realmente encuentras a Peter Parker al comienzo del capítulo más oscuro de su vida”, afirmó el protagonista. “Para mí, lo que más me gusta de la película es que representa una historia de advertencia sobre los peligros de vivir una vida solo, sin una comunidad y sin amigos”.

En esa misma línea, Amy Pascal explicó que la experiencia de aislamiento es un elemento que conecta a varios personajes de la película, incluido el de Sadie Sink.

“Lo que es cierto para su personaje y para todos los demás personajes de la película es que todos están pasando por lo mismo. Todos atraviesan una sensación de aislamiento, de sentirse diferentes, de sentirse alienados y de estar en negación sobre las vidas que están viviendo”, explicó la productora.

Spider-Man: Un nuevo día llegará a los cines de América Latina el 29 de julio.

El actor nacido el 31 de agosto de 1949 en Filadelfia, Pensilvania, lleva décadas practicando el budismo tibetano y mantiene una estrecha relación con el Dalai Lama. Esa búsqueda espiritual se convirtió en el eje de su bienestar. Hoy, Gere combina meditación diaria y una dieta basada en plantas con una vida familiar activa junto a su esposa y sus hijos, a quienes describió como “la clave de su felicidad”.

Cómo luce Richard Gere a los 76 años

Las imágenes más recientes de Richard Gere en el set de Asimetría, tomadas en julio de 2026 en las calles de Manhattan, muestran a un actor de cabello blanco y barba “plateada” que no intenta disimular el paso del tiempo. Para las escenas, vistió una camisa verde oliva bajo un blazer gris carbón con pantalón a juego y zapatos de cuero marrón, una estética sobria y casual que contrasta con los trajes impecables de sus personajes más célebres.

Quienes lo rodean subrayan que su energía en el set no condice con la imagen que proyectan sus 76 años. El actor apareció relajado entre tomas, sonriente y caminando de la mano con su coprotagonista por los barrios de Nueva York, en una producción que ya generó interés por la calidad de su material de origen.

El secreto que Gere atribuye a su vitalidad física y emocional no es ningún tratamiento estético. La meditación diaria y una alimentación vegetal son los pilares que menciona de forma consistente. Según declaró a People, la bondad y la compasión guían tanto su vida interior como sus hábitos cotidianos. En el documental La sabiduría de la felicidad, que el actor produjo sobre las enseñanzas del Dalai Lama, exploró la idea de que el dinero y el reconocimiento pueden dar placer, pero no construyen una alegría estable. “Eso es todo. Esa es la clave de mi felicidad”, dijo al referirse a su vida junto a su familia, su piano, sus guitarras y sus libros.

Quién es la pareja de Richard Gere y dónde viven

La tercera esposa de Richard Gere es Alejandra Silva, una publicista española 33 años menor que él. La pareja se conoció en 2014 y contrajo matrimonio en 2018 tras cuatro años de noviazgo. Silva, nacida en Madrid, es la figura central de la vida familiar del actor en esta etapa.

La historia de su residencia en los últimos años tuvo varios capítulos. A finales de 2024, Gere anunció públicamente el traslado de la familia a España. “Mi esposa es española y me dio unos siete años aquí, así que vamos a pasar unos años en Madrid”, declaró en el programa Tonight Show Starring Jimmy Fallon. La aventura española duró aproximadamente un año: en septiembre de 2025, según informó Hello!, la familia optó por quedarse en Estados Unidos, donde los hijos retomaron la escuela. La casa que compraron en un barrio exclusivo a las afueras de Madrid, con reformas recientes, permanece abierta para visitas frecuentes.

El 4 de julio de 2026, Alejandra Silva publicó en Instagram una serie de fotografías de la celebración del Día de la Independencia en Nueva York, con un paseo en barco por el río Hudson con la Estatua de la Libertad de fondo. Días después, el 19 de julio, la pareja asistió a la final del Mundial de Fútbol 2026 en el estadio de Nueva York-Nueva Jersey, en East Rutherford, para alentar a España, que venció a Argentina y se coronó campeón del mundo. Silva compartió fotos del evento junto al actor Javier Bardem y con jugadores de la selección española. Actualmente, la pareja alterna entre su residencia en el norte del estado de Nueva York y viajes frecuentes a Madrid.

Cuántos hijos tiene Richard Gere

El artista es padre de tres hijos biológicos y padrastro de uno más. Su hijo mayor, Homer Gere, de 26 años, nació de su matrimonio con la actriz Carey Lowell, con quien estuvo casado entre 2002 y 2016. Homer siguió los pasos de sus progenitores y se dedica a la actuación. En julio de 2026 protagonizó la serie The Shards junto a Kaia Gerber, hija de Cindy Crawford, la primera esposa de Richard Gere, con quien estuvo casado entre 1991 y 1995. Homer reveló a People que, cuando era niño, escuchaba en el autobús escolar la banda sonora de Chicago —protagonizada por su padre— para calmar la ansiedad por la separación.

Con Alejandra Silva, Gere tuvo dos hijos: Alexander, de 7 años, nacido en febrero de 2019, y James, de 6, nacido en abril de 2020. Ambos crecen en un entorno bilingüe —inglés y español— y fueron fotografiados junto a su padre en imágenes que Silva compartió en sus redes sociales. “Es un padre muy dedicado y presente”, declaró la propia Silva a People, donde describió al actor como alguien que disfruta leer cuentos a los niños y que prioriza el tiempo en familia. Silva también tiene un hijo de su matrimonio anterior con el empresario Govind Friedland: Albert, de 13 años, a quien Gere trata como un hijo propio.

Las películas más exitosas de Richard Gere

La carrera de Richard Gere en el cine abarca más de cinco décadas. Su consagración llegó con Oficial y caballero (1982), drama romántico que recaudó casi 130 millones de dólares, obtuvo seis nominaciones al Óscar y le valió su primera nominación al Globo de Oro. En ese filme, su interpretación de un cadete naval enamorado de una trabajadora de fábrica lo instaló como uno de los galanes más cotizados de Hollywood.

Ocho años después llegó el título que definiría su imagen para siempre: Mujer bonita (1990), junto a Julia Roberts. La película recaudó 463 millones de dólares en todo el mundo y se convirtió en uno de los romances más vistos de la historia del cine. La química entre Gere y Roberts fue tal que los estudios los reunieron nuevamente en Novia a la fuga (1999), que sumó otros 310 millones de dólares en taquilla.

El año 2002 fue el más prolífico de su trayectoria en términos comerciales y de reconocimiento crítico. Ese año protagonizó tres películas: Las profecías de las sombras, Infiel y Chicago, el musical ganador del Óscar a la Mejor Película. Su papel como el abogado Billy Flynn en Chicago le valió el Globo de Oro al Mejor Actor de Comedia o Musical, el único de su carrera. La película recaudó 307 millones de dólares. Dos años después, Cita con el amor (2004) sumó otros 170 millones a su filmografía.

Entre sus otros títulos destacados figuran Miedo primario (1996), donde compartió pantalla con un entonces desconocido Edward Norton, y Sommersby (1993), junto a Jodie Foster, que recaudó 140 millones de dólares. Ahora, con Asimetría —basada en la novela aclamada de Lisa Halliday y dirigida por Edward Zwick, con quien ya trabajó en A prueba de fuego (1996)— Gere retoma el gran cine romántico a los 76 años, con producción en curso en Nueva York y sin fecha de estreno confirmada aún.

Kate Cassidy acudió este martes al estudio Skin Club Miami, en Florida, para someterse a la remoción con láser del tatuaje “444” que llevaba en la mano como tributo al cantante Liam Payne, fallecido en octubre de 2024.

La influencer compartió el procedimiento en sus historias de Instagram y aclaró de inmediato que los diseños serán rehechos eventualmente, descartando que se trate de una eliminación permanente.

“Decidí quitarme algunos tatuajes que quedaron mal hechos. Los voy a mandar a rehacer eventualmente”, escribió Cassidy en la misma plataforma.

La aclaración llegó tras la publicación de un video en el que se ve a un técnico aplicar el láser sobre los tres dígitos en su mano.

El número tenía un peso particular para la pareja. Tras la muerte de Payne, Cassidy reveló que el “444” era el “ángel number” de ambos, una cifra que asociaban al amor y al apoyo mutuo.

Ese número aparecía además en una nota manuscrita que el cantante le había dejado, en la que expresaba su deseo de casarse con ella “dentro de un año”. La firma del mensaje rezaba: “Me and Kate to marry within a year / engaged and together forever 444”, que en español equivale a “Kate y yo nos casamos dentro de un año / comprometidos y juntos para siempre 444”.

Liam Payne murió el 16 de octubre de 2024 en Buenos Aires tras caer desde el balcón del tercer piso del hotel donde se alojaba. Tenía 31 años.

El personal del establecimiento había encerrado al cantante en su habitación mientras se encontraba bajo los efectos de drogas y alcohol. El exintegrante de One Direction había llegado a Argentina días antes de su muerte, y Kate Cassidy estuvo con él en los días previos al accidente.

Meses después de la tragedia, la influencer se tatuó varios diseños en su cuerpo como homenaje al músico.

Entre ellos figuran unas alas de ángel, el número cuatro en el anular izquierdo, las iniciales “LP” —por Liam Payne— en la muñeca y una rosa marchita en el pulgar.

El “444” en la mano era el más reciente de esos tributos, realizado casi dos años atrás.

Los ángeles numbers, o números de ángel, son secuencias numéricas a las que distintas tradiciones espirituales atribuyen mensajes del universo o de seres superiores. La práctica se remonta a la Antigua Grecia y aún tiene seguidores en la actualidad. En el caso del 444, se le asocia comúnmente con protección, amor y apoyo.

En el primer aniversario de la muerte del cantante, Cassidy declaró a Page Six que le tomó dos meses de “lidiar con ese dolor y esa pena” para empezar a “vivir mi vida” y “aceptar” la tragedia.

En el homenaje que publicó poco después de la muerte de Payne, lo describió como “el amor de mi vida” y “mi mejor amigo”, y afirmó haber ganado “un ángel guardián”.

En ese mismo texto, Cassidy escribió: “Hace unas semanas nos sentamos afuera en una hermosa tarde a manifestar nuestras vidas juntos. Guardo tu nota cerca, aunque me dijiste que no la mirara”.

Y agregó: “Decía: ‘Kate y yo nos casamos dentro de un año / comprometidos y juntos para siempre 444’. Liam, sé que estaremos juntos para siempre, pero no de la manera que habíamos planeado".

“Desearía que pudieras ver el enorme impacto que has tenido en el mundo. Trajiste tanta felicidad y positividad a todos: millones de fans, tu familia, amigos y especialmente a mí”, escribió Cassidy en ese tributo publicado en sus redes sociales.

La creadora de contenido también describió al músico como alguien que “iluminaba cada habitación” y cuya energía era “contagiosa”. “Siento que perdí la mejor parte de mí misma. No puedo imaginar un día sin tu risa y tu amor”, añadió.

El proceso de remoción con láser requiere más de una sesión. Dado el tamaño reducido de los tatuajes de Cassidy, probablemente bastarán un par de tratamientos para completar el trabajo.

Aún no está confirmado si reproducirá los mismos diseños o optará por otros distintos.

Marsden dijo a Entertainment Tonight que lo acompaña cada día la reacción de los fans a las primeras imágenes del filme y al traje de Cíclope. Marsden sostuvo que todo el equipo de producción está complaciendo las expectativas que tienen los seguidores, y que lo están haciendo “subiendo mucho el volumen”, una frase con la que prometió que esa apuesta logrará satisfacer a todas las personas involucradas y a la audiencia.

Uno de los ejes de la charla fue el atuendo de Cíclope, adaptado de manera directa de las viñetas del cómic original. Consultado sobre qué sintió al mirarse al espejo por primera vez con ese uniforme, Marsden respondió: “Maldición, estoy en forma“.

El intérprete además reconoció que parte de ese logro corresponde al trabajo de su entrenador personal, Nick Shimonek, especialmente a raíz de la repercusión que tuvo una foto suya incluida en el tráiler de Doomsday, que circuló en redes sociales.

Como consignó Entertainment Tonight, Marsden añadió en tono de broma que enfundarse el atuendo causa de inmediato una sensación de adrenalina que lo invade: “El visor se pone y es hora de jugar”.

Marsden admitió que volver a interpretar al personaje va más allá de lo profesional y tiene un valor personal, más allá de la repercusión que tiene el trabajo en un proyecto de estas características. “Es muy satisfactorio poder hacer esto por los fans, pero también por mí mismo, por mis hijos… y sentir que todavía puedo hacerlo físicamente”, expresó el actor al medio en sus declaraciones.

Esa última observación quedó también registrada por Vanity Fair en una entrevista anterior, en la que el actor —que tiene 51 años— reconoció que si el equipo hubiese esperado un par de años más para volver, él habría tenido “dificultades para entrar al traje”.

La broma sobre Ryan Gosling y Marvel

Durante el intercambio que mantuvo con Entertainment Tonight, entre los distintos asuntos que se trataron, uno de los ejes de la charla fue la noticia sobre el ingreso reciente de Ryan Gosling al Universo Cinematográfico de Marvel, ya que el actor fue elegido para asumir el papel de Ghost Rider.

Marsden decidió reaccionar a esta novedad adoptando una actitud humorística: comentó que tanto él como Rachel McAdams ya tienen su participación dentro del universo Marvel, de modo que, con la llegada de Ryan Gosling, se da la curiosidad de que prácticamente todos los protagonistas centrales de Diario de una pasión (2004) ahora quedaron reunidos dentro de ese mismo universo cinematográfico de superhéroes.

“¿Quién lo hubiera predicho?”, dijo el actor. Incluso se animó a pensar en una posibilidad ficticia donde los tres pudieran reencontrarse para interpretar de nuevo la icónica escena de la lluvia que se vio en la película, solo que, en esa ocasión alternativa, aparecerían luciendo los trajes de los personajes de superhéroes que interpretan en el universo Marvel.

Cuándo se estrena Avengers: Doomsday

El estreno de Avengers: Doomsday está planeado para el 18 de diciembre de 2026. Además de James Marsden en el reparto, la película marcará el retorno de otros actores pertenecientes al elenco original de los filmes de X-Men, como Patrick Stewart, en el rol del profesor X; Ian McKellen, en el de Magneto; y Rebecca Romijn, en el de Mística. A ellos se sumará Robert Downey Jr., que encarnará al Doctor Doom.

El músico, cuyo nombre real es Kenneth Gorelick, fue entrevistado por el rapero y comediante Dave Burd —conocido artísticamente como Lil Dicky—, el productor Benny Blanco y la productora televisiva Kristen.

A lo largo del episodio, Gorelick defendió su método: “Si querés mantenerte en un nivel de excelencia, tenés que practicarlo todo el tiempo”. Cuando Burd le señaló que nunca había probado saltarse un día y que por lo tanto no podía saber qué pasaría, el músico respondió sin dudar: “No voy a probarlo”.

La conversación derivó rápidamente en un intercambio de confesiones sobre el perfeccionismo. Gorelick describió el proceso de grabación como algo extenuante: “Es como mirarte al espejo y preguntarte qué pasaría si te sacás un pelo de la ceja. Hay demasiado por revisar”.

Blanco reconoció de inmediato esa sensación y la vinculó con su propio uso del “nudging” en Pro Tools —el ajuste milimétrico de la posición de las notas en la línea de tiempo—, técnica que también practica Burd en sus producciones.

La química entre los tres conductores y el invitado fue tan inmediata que Burd llegó a afirmar que Gorelick era la única persona en su vida que le había recordado a sí mismo. El saxofonista, lejos de rechazar la comparación, dijo que lo veía también: “Parecés meticuloso, estás en punto”.

Otro punto de coincidencia fue la relación con los productos descontinuados. Burd reveló que compra reservas de su acondicionador favorito en eBay desde hace 15 años, porque el fabricante cambió la fórmula original. Gorelick contó que hizo exactamente lo mismo con su crema para el cabello, y que incluso contactó al fabricante para ofrecerle su respaldo público sin cobrar nada a cambio.

La respiración circular

Uno de los momentos del episodio fue la demostración en vivo de la respiración circular, técnica que permite a Gorelick sostener una nota de forma continua mientras respira por la nariz al mismo tiempo. “Puedo mantener una nota media hora”, afirmó el músico, ante la reacción de los conductores. Explicó que la técnica puede aprenderse con entrenamiento, aunque advirtió que la coordinación es un factor determinante.

La demostración incluyó también una muestra de los ejercicios técnicos que Gorelick realiza cada mañana antes de llegar al estudio. Blanco, que practica música desde los 9 años y lleva décadas produciendo para artistas como Ed Sheeran y Katy Perry, admitió que escuchar al saxofonista en vivo le provocó una sonrisa.

Los orígenes de una carrera

Gorelick repasó también cómo llegó a grabar su primer disco solista. Pasó cinco años como músico de sesión junto al pianista Jeff Lorber, quien tenía contrato con el productor Clive Davis.

Fue Clive Davis quien, tras verlo tocar repetidamente en clubes de jazz de New York, le propuso dar el salto en solitario. “Clive me dijo que creía que había un mercado para mi música”, recordó el músico, quien reconoció que nunca había presionado para conseguir ese paso por cuenta propia.

Sobre su lugar en la industria, Gorelick admitió que desarrolló cierta incomodidad con el sistema de los sellos discográficos cuando vio artistas sin el nivel técnico que él consideraba necesario obtener contratos.

“Trabajé muchísimo para alcanzar mi habilidad. Hay quienes consiguieron un contrato sin merecerlo”, señaló, aunque aclaró que ese malestar desaparece rápido: cualquier enojo, dijo, se le va en cuestión de minutos.

Al cierre del episodio, Gorelick calificó la entrevista como una de las cinco mejores de su vida, y Burd aprovechó para pedirle el número de celular con la promesa de organizar una cena en el próximo mes o dos.

El actor, conocido por la saga Evil Dead y la serie Burn Notice, habló con Michael Rosenbaum, donde reveló los detalles de su estado de salud, el proceso de creación de su nueva película independiente Ernie y Emma y su visión sobre el estado actual de la industria del cine en Hollywood.

Campbell explicó al podcast Inside of You with Michael Rosenbaum que su diagnóstico llegó tras un período de vulnerabilidad física: una gripe grave antes de un viaje a Japón para visitar tropas, seguida de una infección de estafilococo en el pulgar tras limpiar la vivienda de un amigo fallecido. “Mi sistema inmune probablemente dijo 'abierto al público‘“, señaló el actor, quien reconoció que todo ocurrió con rapidez y sin indicios previos.

Lejos de adoptar un tono de lamento, Campbell describió la experiencia como una cadena de revelaciones. “Si quieres poner tu casa financiera en orden, consigue cáncer. Si quieres reconectar con amigos y familiares con quienes no has hablado en décadas, consigue cáncer”, planteó ante Rosenbaum, quien escuchó.

El actor amplió la lista: la enfermedad también lo llevó a relanzar su vínculo con su esposa Ida, a eliminar lo que él llama “la drudgería” y a vivir con una presencia que, según afirmó, nunca antes había experimentado con esa intensidad.

La enfermedad, detalló Campbell a Inside of You, funciona para él como un “Whac-A-Mole”: el cáncer aparece en distintos puntos del cuerpo, se trata y vuelve a estado latente. Al momento de la grabación, el actor afirmó encontrarse "entre golpes“, tras haber completado 2 o 3 rondas de tratamiento.

“Lo clínico es que es tratable, no curable“, precisó. Sobre el final de vida, mencionó sin dramatismo la ley de su estado que permite la eutanasia voluntaria: “No me molesta tener eso en el bolsillo”.

El estreno de Ernie y Emma

El telón de fondo de la entrevista fue el estreno de Ernie y Emma, la primera película que Campbell escribió, dirigió y produjo con control creativo total desde The Evil Dead de 1981.

La historia sigue a Ernie, un viudo vendedor de peras que emprende un viaje por carretera para esparcir las cenizas de su esposa en los lugares que ella eligió antes de morir. El filme fue rodado íntegramente en el sur de Oregón durante el mes de junio, en la propiedad y los alrededores del propio Campbell, quien durmió en su propia cama durante toda la producción.

“Mi esposa Ida dijo: ‘¿Por qué no puedes dormir en tu propia cama? ¿Por qué no podríamos almorzar en casa?’”, relató Campbell a Inside of You. La producción fue financiada con fondos propios, sin participación de estudios ni productoras externas.

El actor subrayó que esa independencia le permitió elegir a cada colaborador, aplicar su propio método de rodaje —incluido el llamado “método ruso”, que invierte el orden tradicional y filma los planos cerrados antes que el plano general— y tomar decisiones tan personales como incluir un fragmento de Lawrence Welk en la banda sonora.

Rosenbaum dijo: “Pensé que era una historia simple y al final me di cuenta al mismo tiempo de para qué era todo esto”. Campbell explicó que la premisa central de la película es la pregunta de si existe vida después de la pérdida: “Ella lo amaba y sabía que iba a ser un desastre, así que organizó este viaje para que él resolviera lo que no ha estado enfrentando”.

La crítica de Campbell a Hollywood

La conversación también incluyó una crítica al modelo de producción dominante en Hollywood. Campbell describió la dinámica de los grandes estudios como un sistema regido por el miedo, donde las notas de producción son interminables y los directores deben negociar cada decisión.

Citó el caso de un amigo cineasta con derecho a corte final —uno de los aproximadamente 20 directores en el mundo con esa prerrogativa— que aun así debía lidiar con decenas de notas del estudio tras cada entrega. “¿Si pensábamos que las relaciones públicas manejaban el espectáculo antes, estos tipos están volcando todo esto en la inteligencia artificial“, afirmó.

Campbell también reflexionó ante Inside of You sobre la migración de la industria fuera de California: “Hay un trocito de papel flotando en Hollywood. Es la última hoja de llamado que hicieron para alguien”.

Mencionó que Georgia, que llegó a atraer inversiones tan grandes que cadenas de estudios británicos como Shepperton construyeron allí instalaciones propias, ahora también pierde producción frente a destinos internacionales más baratos. “Si ven su próxima miniserie y los actores intentan sonar estadounidenses, sabrán que se fueron del país entero. Están filmando en Bulgaria”, añadió.

Sobre su disposición a aceptar nuevos proyectos de otros cineastas, el actor fue categórico: la experiencia de controlar su propio rodaje lo dejó sin paciencia para las ineficiencias ajenas.

Rechazó una oferta para aparecer un día en un western por las condiciones que implicaba —12 páginas de diálogo, un equipo desconocido y un vestuario sin tiempo de prueba— y declinó otra propuesta de un primer director que nunca había pisado un set. "No quiero estar en la escuela de nadie“, resumió.

La gira teatral de la película

Ernie y Emma inició su recorrido teatral en Estados Unidos a través de la cadena Alamo Drafthouse, con presentaciones en vivo del propio Campbell tras las proyecciones.

El actor planea extender la gira a otras 25 ciudades en primavera y llevar el filme a Europa, con especial interés en Londres, ciudad donde The Evil Dead encontró su primer reconocimiento internacional a través de la distribuidora Palace Pictures a principios de la década de 1980, cuando en Estados Unidos aún no tenía distribución. "Evil Dead nació en Inglaterra, les debo un viaje", declaró Campbell en la entrevista con Rosenbaum.

La advertencia de Amy Pascal y sus motivos

La productora estadounidense Amy Pascal, responsable de la franquicia de Spider-Man, relató que suele aconsejar a los protagonistas evitar relaciones sentimentales durante la filmación. Según expresó en declaraciones reproducidas por Variety, mantuvo conversaciones individuales con Tom Holland y Zendaya, pidiéndoles no cruzar la frontera profesional: “Les hago ese pedido a todos, pero nunca me escuchan”.

Pascal, de 68 años, explicó que su recomendación se basa en la experiencia de que ese tipo de vínculos puede complicar la dinámica del rodaje. Consultada sobre la reciente confirmación del matrimonio de los actores, aseguró: “No pensé que terminarían casándose, pero me alegra verlos felices”.

Confirmación del matrimonio y manejo de la privacidad

La relación entre Holland y Zendaya se formalizó públicamente en 2021, pero la noticia de su casamiento trascendió en 2026. El actor británico abordó el tema durante una entrevista en la que mencionó la difusión de fotos falsas generadas con inteligencia artificial. “Mi abuela vio esas imágenes y pensó que no la habíamos invitado a la boda”, relató Holland. Al ser consultado si tuvo que aclarar la situación a otros familiares, respondió: “No, porque todos estaban allí”. El actor evitó brindar más detalles: “Eso es todo lo que van a sacar de eso”.

Durante una participación en un pódcast británico, Holland volvió a referirse a Zendaya como su esposa al responder con quién iría de vacaciones a Grecia: “Creo que probablemente mi esposa sería una muy buena opción”. También bromeó sobre la posibilidad de viajar con Matt Damon, compañero de ambos en la película Odyssey: “Sería un poco extraño si dijera: ‘Perdona, cariño, en realidad me voy a llevar a Matt’”. El 17 de julio, en otra entrevista, reafirmó su vínculo sentimental con una referencia directa: “No, porque está casada conmigo”.

Un patrón en la franquicia Spider-Man

La advertencia de Amy Pascal se inscribe en una tendencia histórica dentro del universo de Spider-Man. La productora admitió que impartió el mismo consejo a Andrew Garfield y Emma Stone, quienes mantuvieron una relación entre 2011 y 2015. De forma similar, Tobey Maguire y Kirsten Dunst salieron brevemente entre 2001 y 2002, según documentó Variety.

Estos antecedentes muestran que las tres generaciones de protagonistas de la saga establecieron vínculos fuera del set con sus parejas en pantalla. El fenómeno contribuyó a la narrativa mediática sobre la dificultad de separar ficción y realidad en los grandes proyectos cinematográficos de Hollywood.

Un nuevo ciclo para la pareja y la franquicia

Tom Holland y Zendaya se conocieron durante una prueba de pantalla para Spider-Man: Homecoming, película estrenada en 2017. Desde la confirmación de su relación, ambos han mantenido bajo perfil respecto a su vida privada y consolidaron una imagen de estabilidad ante la opinión pública.

La franquicia prepara ahora la próxima entrega, Spider-Man: Brand New Day, cuyo estreno se prevé para el 31 de julio. Variety informó que Amy Pascal valora la madurez de la pareja para equilibrar su vínculo personal y profesional, y percibe positivamente el desenlace de la historia fuera de cámara. “Me alegra verlos felices”, reiteró la productora en diálogo con el medio estadounidense.

Ferrell, protagonista de clásicos como “Elf” y “Anchorman”, abrió la puerta a su universo personal y creativo. Entre anécdotas y reflexiones, el comediante se refirió al peso de la opinión pública, las exigencias del género y su nuevo proyecto en Netflix, “The Hawk”.

Reflexión sobre la comedia y la percepción pública

El actor de 59 años compartió episodios en los que el público manifestó opiniones ambiguas sobre su trabajo. “No me importa lo que digan, creo que eres hilarante”, le afirmó a un desconocido en una ocasión.

Relató que inmediatamente preguntó “¿Qué están diciendo?”, resaltando su interés por entender el trasfondo de las percepciones ajenas. “¿Quiénes son ‘ellos’? Dame la lista”, insistió durante el relato.

En otro momento, recordó el encuentro con una mujer que le dijo: “Eres muy gracioso, pero no eres Larry David”. Ferrell respondió con ironía: “¿Por qué no vuelves a tu mesa y te callas?”. El actor agregó que este tipo de comentarios no lo intimidan: “Si vas a insistir, entonces yo también me voy a poner firme”.

También analizó la recepción de su humor fuera de Estados Unidos. “El par de veces que estuve en Italia, recuerdo que estaba en una cafetería y alguien dijo: ‘Ahí está, el Zoolander’. Yo respondí: ‘Bueno, no soy Zoolander, soy Mugatu’. ‘Sí, ya sé a lo que me refiero’. Esa película, en particular, enloquece a los italianos”, contó.

Rechazo a la secuela de “Elf”

En relación con su popular papel en “Elf”, Ferrell fue enfático al referirse a las ofertas que recibió para rodar una continuación y aseguró que rechazó propuestas económicas muy elevadas para realizar la secuela.

Cuando Horowitz le preguntó si tras su recordada aparición vestido de Buddy the Elf en un partido de hockey esto reavivó el interés del estudio, Ferrell señaló: “No. No escuché ni un susurro. Ese tren ya zarpó”.

Sobre la vigencia de la película, el actor remarcó que es un clásico, y consideró que mantener la integridad del film original pesó más que cualquier incentivo económico.

Personajes y proceso creativo

Ferrell defendió la posibilidad de interpretar personajes que no sean necesariamente “simpáticos” para el espectador. Relató una conversación con una ejecutiva de estudio que le aseguró: “Los personajes de comedia tienen que ser agradables”.

El actor discrepó con esa idea y sostuvo que su trabajo en “Saturday Night Live” había demostrado que las figuras incómodas o incluso antipáticas también podían conectar con la audiencia.

“Creo que he tenido el don de hacer que eso resulte divertido y agradable, no sé cómo lo hago”, reconoció. Como ejemplo, recordó un sketch en el que gritaba a niños durante una canción de cumpleaños: “Sobre el papel eso se ve horrible, pero funcionó increíblemente bien”.

El actor también se refirió a la variedad de sus papeles y destacó que disfrutó la sinceridad de interpretar a Buddy, un personaje cuyo entusiasmo molesto le resultó especialmente divertido. “Pero también es divertido gritarle a los niños. Si tienes dudas, en la comedia, grítale a un niño pequeño, mientras más pequeño y tierno, mejor”, comentó entre risas.

La nueva serie “The Hawk”

Ferrell presentó detalles de “The Hawk”, su reciente proyecto para Netflix, donde encarna a Lonny Hawkins, un golfista egocéntrico conocido como “The Hawk”. “Por el 87% del show lleva una visera que dice su apodo, porque vive con miedo mortal de que alguien no lo reconozca”, explicó.

El personaje está inspirado en los golfistas de la década de 1970, con una estética marcada por los cigarrillos durante las pausas entre hoyos, la ropa llamativa y la costumbre de tomar cócteles después de los partidos, según explicó Ferrell.

Sobre la actualidad del golf profesional, opinó: “El PGA está vacío de personalidad en este momento. Lo digo con cariño, porque el PGA también es parte de nuestro show”. La serie también cuenta con la participación de Luke Wilson, Chris Parnell y Molly Shannon, habituales compañeros de Ferrell.

Colaboraciones y proyectos futuros

El actor reveló que mantiene conversaciones con Adam Sandler y Ben Stiller para posibles colaboraciones. “Sandler, bendito sea, me dice: ‘Tenemos que hacer algo antes de que no podamos movernos más’”, relató.

Además, adelantó que está trabajando con Ryan Gosling en una comedia de acción: “Estamos dándole forma, espero que salga adelante porque podría ser muy divertido”.

Ferrell aseguró que prefiere involucrarse en propuestas innovadoras y explicó que, mientras conserve crédito dentro de la industria, busca destinarlo a otros proyectos que mantengan una sensación de aventura y exploración creativa.

Glen Hansard, el músico irlandés ganador del Oscar que comenzó su carrera como músico callejero en las aceras de Dublín, murió a los 56 años tras un accidente de motocicleta en Lucan, en las afueras de la capital irlandesa, en la madrugada del miércoles.

La policía irlandesa confirmó que recibió el aviso de una colisión de un solo vehículo poco antes de las 4:30 horas, hora local.

El músico recibió atención en el lugar del accidente, pero falleció poco después. La Garda Síochána —la policía nacional de Irlanda— informó que el choque ocurrió en Lower Road, en Lucan, al oeste de Dublín, y que realiza una investigación activa.

ATC Management, la agencia que representaba a Hansard, confirmó la muerte en un comunicado: “Con el corazón roto anunciamos el fallecimiento de Glen Hansard, quien murió en las primeras horas de esta mañana tras un accidente de tráfico en Dublín”.

Nacido en Ballymun, Dublín, en 1970, el artista abandonó la escuela a temprana edad y empezó a tocar en las calles de la ciudad. Fundó la banda The Frames en 1990 y llegó a un público más amplio cuando protagonizó The Commitments (1991), el filme de Alan Parker sobre una banda de soul formada por jóvenes de clase trabajadora en Dublín.

Su mayor reconocimiento llegó con Once (2007), dirigida por John Carney —exbajista de The Frames—, en la que Hansard interpretó a un músico callejero que entabla una relación creativa y romántica con una pianista checa, papel que recayó en la artista Markéta Irglová.

La película, rodada con un presupuesto reducido, recaudó más de 20 millones de dólares en todo el mundo y ganó el Premio del Público en el Festival de Sundance.

En los Premios de la Academia de 2008, Hansard e Irglová se alzaron con el Oscar a la Mejor Canción Original por “Falling Slowly”, tema central del filme.

La adaptación teatral de Once, con libro de Enda Walsh y dirección de John Tiffany, se estrenó en Broadway en 2012 y ganó ocho Premios Tony, entre ellos el de Mejor Musical.

Con The Frames, Hansard publicó seis álbumes de estudio. El disco Burn the Maps (2004) llegó al número uno en Irlanda, y For the Birds (2001) fue el primero en entrar en el Top 10 irlandés, bajo la supervisión del ingeniero de sonido Steve Albini.

En paralelo, formó el dúo The Swell Season junto a Irglová, con quien publicó tres álbumes, el último de ellos, Forward, en 2025.

Como solista, Glen Hansard lanzó cinco álbumes. Su disco Didn’t He Ramble recibió una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Folk en 2016.

AP señaló que el músico publicó el segundo volumen de su álbum Don’t Settle – Transmissions East & West el mes pasado, lo que evidencia que mantuvo actividad artística hasta el final de su vida.

Fuera de los escenarios, Hansard era una figura comprometida con la causa de las personas sin hogar en Dublín. Desde 2010 organizó cada 24 de diciembre una colecta benéfica en las calles de la ciudad en apoyo a la Dublin Simon Community, una organización que asiste a personas en situación de calle en Irlanda y el Reino Unido.

La iniciativa atrajo a músicos como Bono, Sinéad O’Connor, Imelda May y Shane MacGowan. La organización expresó que estaba “devastada” ante la noticia y lo describió como “un gigante en la lucha contra el sinhogarismo”.

Las reacciones de la industria musical no tardaron en llegar. Andrew Strong, quien compartió elenco con Hansard en The Commitments, escribió en Facebook: “Estoy devastado al escuchar la triste noticia. Es una pérdida trágica y sin sentido”.

El actor Chris O’Dowd publicó en Instagram: “No puedo creer que Glen haya dejado el mundo tan pronto”. Mike Scott, cantante de The Waterboys, escribió en X: “Viaja bien, amigo. Hiciste realidad tus sueños. Lo siento mucho por su esposa y su hijo de tres años”.

El primer ministro irlandés, Micheál Martin, expresó en X que estaba “profundamente entristecido” por la muerte del artista, a quien describió como un músico y actor que realizó “una contribución significativa al panorama cultural de Irlanda durante muchos años”.

El ministro de Cultura, Patrick O’Donovan, señaló al Guardian que “pocos artistas tuvieron un impacto tan grande en la narrativa irlandesa moderna”.

Glen Hansard deja a su esposa, la poeta finlandesa Maire Saaritsa, y a su hijo Christy, de tres años. En una entrevista de 2023 con la BBC Radio Ulster, el músico describió la paternidad como “el mayor cambio de perspectiva” de su vida: “Durante 52 años fui la persona más importante en mi propia vida, y de repente todo eso cambió por completo”.

Cuatro mujeres acusan a Jared Leto de conducta sexual criminal en hechos ocurridos cuando eran adolescentes, según un nuevo documental de la BBC que reúne los testimonios de diez mujeres contra el actor y músico. Las acusaciones incluyen agresiones ocurridas entre 2002 y 2016, cuando Leto tenía entre 30 y 40 años.

En “Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret”, nueve de las denunciantes relatan públicamente sus casos por primera vez, según la BBC. Una de las víctimas señala que el actor la agredió en el baño de un motel cuando tenía 17 años. Otra mujer afirma que Leto la amenazó con agresión sexual a los 19 años. Una tercera sostiene que mantuvo relaciones con Leto en California cuando tenía 17, por debajo de la edad de consentimiento legal en ese estado, y que el actor “restó importancia” al tema al discutirlo con ella.

El documental muestra un acuerdo de confidencialidad que una de las denunciantes, quien recibió llamadas sexuales de Leto a los 16 años, se negó a firmar. Según la BBC, cuatro mujeres describen llamadas “extrañas y muy sexuales” cuando eran menores de edad. Las interacciones habrían ocurrido mientras Leto era líder de la banda Thirty Seconds to Mars.

BBC documenta testimonios y pruebas

La BBC afirma haber corroborado los testimonios de varias mujeres con amistades y familiares que supieron de los hechos en su momento. Además, el medio asegura haber visto imágenes y mensajes que respaldan los relatos. Dos exempleados de la Thirty Seconds to Mars señalan en el documental que el personal se sentía incómodo por la forma en que Leto interactuaba con adolescentes, a quienes a veces invitaba a camerinos o a la casa donde grababa. “Todos pensaban que la diferencia de edad era demasiado grande”, afirma uno de los exempleados.

Nueve denuncias previas en Air Mail

El año pasado, la DJ Allie Teilz denunció a Leto por conducta sexual inapropiada cuando ella tenía 17 años. Su testimonio motivó que otras mujeres hicieran públicas acusaciones similares. Un reportaje de la revista Air Mail en junio de 2025 recogió las versiones de nueve mujeres que acusan al actor de mantener contacto sexual o conductas inapropiadas con menores durante varios años. En ese reportaje, una mujer relató que Leto le pidió su número telefónico cuando ella tenía 16 años y, posteriormente, le hizo llamadas con contenido sexual. Otra denunciante afirmó que el músico la invitó a fiestas en su casa y la contactaba de madrugada.

En el mismo texto de Air Mail, la modelo Laura La Rue afirmó que conoció a Leto a los 16 años y que él insistió en obtener su número. También relató un episodio donde el actor se presentó completamente desnudo ante ella cuando tenía 17 años. Los representantes de Leto niegan todas las acusaciones, aseguran que las interacciones fueron apropiadas y señalan que La Rue habría pedido trabajar como asistente personal del actor, lo que ella rechaza.

Patrón de comportamiento y reacción de Jared Leto

Otras mujeres consultadas por la BBC y Air Mail describen un patrón de contacto nocturno, mensajes sexuales y fiestas con presencia mayoritaria de jóvenes. Una de las denunciantes declaró: “Esto fue hace 25 años… él ha salido impune”.

El equipo legal de Jared Leto rechaza todas las acusaciones y sostiene que el músico no ha consumido alcohol ni drogas en más de 35 años. Las investigaciones de la BBC y Air Mail revelan que las denuncias se remontan a los primeros años de la carrera musical y actoral de Leto y que varias de las víctimas han aportado pruebas documentales.

La decisión implica que su quinto álbum de estudio, Arirang —el mayor debut del año en el Billboard 200 con 641.000 unidades equivalentes en su primera semana—, no será presentado ante la Recording Academy para ninguna categoría.

El anuncio llega después de que la Academia revelara cinco nuevas categorías para la 69ª edición: entre ellas, Mejor Interpretación de Pop Asiático, diseñada para reconocer grabaciones en idiomas asiáticos, incluidos el K-pop, el J-pop y el C-pop.

La resolución establece que solo califican obras que hagan un uso “sustancial y claramente identificable” de al menos un idioma asiático, quedando afuera canciones con apenas palabras sueltas, ad-libs o letras enteramente en inglés. Según informó el diario surcoreano The Chosun Ilbo, HYBE aclaró que la decisión “no es un boicot de toda la compañía” y que otros artistas del sello podrán presentar sus trabajos con normalidad.

Desde que BTS pisó por primera vez la alfombra roja de los Grammy como presentadores en 2019, el grupo acumula cinco nominaciones y ningún premio. “Dynamite” en 2021, “Butter” en 2022 y tres candidaturas en 2023 —incluyendo Álbum del Año por Music of the Spheres de Coldplay, en el que participaron— no se tradujeron en ningún trofeo.

El desaire repetido alimentó la percepción de que la Academia no ha sabido reconocer plenamente a los artistas no angloparlantes, una crítica que cobró nueva vigencia con la creación de la categoría asiática.

La nueva categoría fue recibida con rechazo generalizado por fans y observadores de la industria, que la describieron como una forma de “segregación musical”: en lugar de competir de igual a igual con cualquier artista occidental en las categorías generales, los artistas asiáticos quedarían contenidos en un espacio propio.

El precedente no es nuevo: The Weeknd boicoteó los Grammy en 2021 tras quedar afuera de toda nominación pese al éxito masivo de “Blinding Lights”, y llamó al proceso “corrupto y carente de transparencia”.

Más recientemente, la banda sonora de KPop Demon Hunters de Netflix se llevó solo un premio en febrero de este año, y Rosé de BLACKPINK regresó sin estatuilla a pesar de la performance de “APT.”, su colaboración con Bruno Mars.

Cómo es el proceso de selección en los Premios Grammy

El proceso arranca con la ventana de postulación, en la que los miembros de la Recording Academy y las compañías discográficas registradas envían sus trabajos de forma voluntaria. Si una grabación no es presentada formalmente durante ese período, no puede ser considerada para ninguna nominación ni aparecer en ninguna boleta de votación.

Cada envío es revisado de forma individual por el equipo de premios de la Academia para verificar su elegibilidad, y luego pasa por comités de expertos organizados por género —más de 350 especialistas— que se encargan de confirmar que cada entrada esté ubicada en la categoría correcta, sin emitir juicios artísticos.

A partir de ahí, los miembros votantes participan en una primera ronda para definir los nominados y, tras el anuncio oficial, en una segunda ronda para elegir a los ganadores. Los votos son contabilizados por la firma independiente Deloitte & Touche.

El plazo de postulaciones para la 69ª edición abrió el 7 de julio y se cerrará el 28 de agosto. La ceremonia está programada para el 7 de febrero de 2027 en el Crypto.com Arena de Los Ángeles.

Sony ha presentado el primer avance de Jumanji: Mundo abierto, la tercera y última entrega de la exitosa franquicia cinematográfica. El tráiler muestra el regreso del cuarteto protagonista, encabezado por Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan. Los cuatro actores retoman sus papeles como los avatares del videojuego que reimagina el universo original de Jumanji para una nueva generación. El adelanto confirma la participación de otros intérpretes recurrentes, como Danny DeVito, Nick Jonas, Awkwafina, Marin Hinkle, Bebe Neuwirth, Lamorne Morris y Rhys Darby. Además, se suman al elenco los actores Dan Hildebrand y Jack Jewkes, aportando rostros nuevos a la dinámica del grupo. Esta combinación de figuras busca mantener el espíritu de aventura, humor y acción característico de la franquicia.

El tráiler de Jumanji: Mundo abierto ofrece un primer acercamiento a la nueva misión que deberán enfrentar los personajes. La trama continúa la fórmula que convirtió a las dos películas anteriores en fenómenos de taquilla: adolescentes atrapados en un videojuego, cuyos avatares son interpretados por Johnson, Hart, Black y Gillan. El avance revela escenarios inéditos y desafíos que refuerzan la mezcla de comedia, acción y los intercambios de identidad que han definido la saga desde su reinicio.

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En esta tercera entrega, el equipo central retoma la interacción que ya había conquistado al público en las producciones previas. El regreso de los mismos protagonistas, junto a la incorporación de nuevos personajes, promete ampliar las posibilidades narrativas de la historia. El tráiler deja ver escenas de acción y situaciones cómicas, reafirmando el tono ligero y familiar que ha caracterizado a la saga desde que en 2017 reiniciase en gran medida el universo de la película original de los noventa con Robin Williams.

Así será la nueva entrega

Jumanji: Mundo abierto se inscribe como la continuación directa de los éxitos previos: Jumanji: Bienvenidos a la jungla (2017) y Jumanji: Siguiente nivel (2019). Ambas películas, que renovaron la franquicia original de 1995 protagonizada por Robin Williams y Kirsten Dunst, trasladaron el concepto del clásico juego de mesa a un entorno digital. En total, las dos entregas anteriores recaudaron más de 1.700 millones de dólares en todo el mundo, consolidando a Jumanji como una de las sagas más rentables de los últimos años.

El guion y la dirección de Jumanji: Mundo abierto están nuevamente a cargo de Jake Kasdan, quien ya había dirigido las dos cintas anteriores. Kasdan comparte la autoría del libreto con Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, responsables también de los textos de las entregas previas. La producción corre por cuenta de Matt Tolmach, Dwayne Johnson, Dany Garcia, Hiram Garcia y el propio Kasdan, garantizando continuidad en el equipo creativo detrás de la franquicia.

El estreno de Jumanji: Mundo abierto estaba programado originalmente para el 11 de diciembre, pero ha sido postergado para el día de Navidad. De esta forma, la película llegará a los cines poco después de los lanzamientos de Dune: Parte Tres y Vengadores: Doomsday, dos superproducciones que compartirán la cartelera en una semana que los seguidores ya denominan Dunesday. Esta coincidencia anticipa una competencia directa por la atención del público durante la temporada navideña. La estrategia de lanzamiento busca aprovechar el alto flujo de espectadores propio de las fiestas, pero también enfrenta el desafío de destacar entre producciones de alto presupuesto y gran expectativa. Con el regreso de los protagonistas originales y la promesa de nuevas aventuras, Jumanji: Mundo abierto cierra la trilogía apostando por el humor, la acción y la nostalgia hacia el universo creado en los noventa.

Después de varios años desarrollando el proyecto, la directora Lucía Puenzo llevará a la pantalla grande una de las historias más polémicas de la crónica policial argentina. “Pepita, la Pistolera”, protagonizada por Luisana Lopilato, llegará a los cines el 3 de septiembre con una propuesta que combina drama, thriller y reconstrucción histórica para revisitar la vida de Margarita Di Tullio, una mujer que pasó de convertirse en una figura marginal de la noche marplatense a transformarse en una leyenda popular.

Inspirada en hechos reales, la película evita el camino de la biografía tradicional para explorar el origen del mito. La historia transcurre durante el invierno de 1985 en Mar del Plata, donde una trabajadora sexual embarazada decide enfrentarse a las redes de explotación, la corrupción policial y el poder mafioso que dominaban la ciudad. A partir de ese momento comienza el ascenso de una mujer que terminaría siendo conocida como “Pepita, la Pistolera”.

La película encuentra en Luisana Lopilato uno de los desafíos más importantes de su carrera. Alejada de los personajes que marcaron gran parte de su trayectoria, la actriz asume un rol oscuro, complejo y cargado de matices. Además de protagonizar la historia, también debuta como productora ejecutiva, un paso que marca una nueva etapa profesional.

“Interpretar la historia de Pepita es un deseo en el que vengo trabajando desde hace varios años”, explicó Lopilato al anunciar el proyecto. La actriz también destacó la posibilidad de trabajar junto a Lucía Puenzo, una de las realizadoras argentinas con mayor reconocimiento internacional.

Para Puenzo, la película representa el regreso al cine argentino con un relato donde las fronteras entre heroína y criminal se vuelven deliberadamente difusas. La directora, responsable de títulos como XXY, El niño pez y Wakolda, vuelve a interesarse por personajes femeninos que desafían los mandatos sociales y las estructuras de poder.

El guion, escrito por la propia Puenzo junto a Andrés Gelós y Tatiana Mereñuk, reconstruye una época atravesada por la violencia institucional y el funcionamiento clandestino de las redes de prostitución. Sin embargo, la película no se limita a narrar un caso policial. También explora las decisiones morales de una mujer que buscó proteger a otras víctimas dentro de un universo dominado por hombres.

El elenco reúne a algunas de las figuras más destacadas del cine y el teatro argentino. Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto, Camila Peralta, Esteban Bigliardi y Gustavo Bassani acompañan a Lopilato en una producción que apuesta por una reconstrucción realista del Mar del Plata de mediados de los años ochenta.

Detrás del proyecto también existe una de las alianzas de producción más importantes del cine argentino reciente. La película reúne a Zeppelin Studios, Historias Cinematográficas, Pampa Films, Life Is One y The Remake, en un modelo de coproducción que refleja la transformación que atraviesa actualmente la industria audiovisual.

Lucas Jinkis, uno de los productores, definió esta nueva etapa como “la era del CO”: coproducción, colaboración y cofinanciación. Una estrategia que busca potenciar proyectos de gran escala capaces de recorrer primero las salas de cine y luego las plataformas de streaming.

La figura de Margarita Di Tullio continúa despertando interés más de cuatro décadas después de haber ocupado las portadas de los diarios. En 1985 fue juzgada por matar a tres hombres que ingresaron armados a su vivienda. La Justicia consideró que actuó en legítima defensa y la absolvió, aunque aquel episodio apenas fue el comienzo de una historia marcada por la controversia.

Durante años también fue señalada por su presunta participación en otros casos resonantes, entre ellos la investigación por el crimen del fotógrafo José Luis Cabezas y distintas causas vinculadas a corrupción judicial. Esa mezcla de realidad, rumores y leyenda terminó convirtiéndola en uno de los personajes más enigmáticos del imaginario criminal argentino.

Más que reconstruir una sucesión de hechos policiales, Pepita, la Pistolera propone revisar el contexto que permitió el nacimiento de ese mito. En tiempos donde el cine vuelve a interesarse por personajes femeninos complejos, ambiguos y contradictorios, la nueva película de Lucía Puenzo busca ofrecer una mirada que trascienda el expediente judicial para preguntarse qué ocurre cuando una mujer decide desafiar las reglas de un sistema construido para mantenerla al margen.

Con una protagonista decidida a romper sus propios límites y una directora acostumbrada a explorar las zonas grises del comportamiento humano, Pepita, la Pistolera se perfila como una de las producciones argentinas más esperadas del segundo semestre.

El proyecto marca el regreso del actor a las grandes producciones tras varios años, y según una fuente citada por PEOPLE, “fue una oportunidad única en la vida” para Depp, que interpreta a Ebenezer Scrooge en esta nueva adaptación dirigida por Ti West.

Un papel que desafía y entusiasma

Depp, de 63 años, encarna al célebre Scrooge en una producción que reúne a figuras como Andrea Riseborough, Tramell Tillman, Ian McKellen y Rupert Grint. Esta apuesta por un reparto de reconocidos talentos acompaña la ambición artística de la propuesta.

“Está muy ilusionado con el rodaje de Ebenezer. Es un proyecto muy especial para él”, señalan desde el entorno del actor.

La oportunidad de interpretar un personaje emblemático de la literatura británica y de regresar al primer plano de la industria han sido factores clave en el entusiasmo que muestra Depp durante el rodaje.

La visión de Ti West y el enfoque gótico del filme le ofrecen nuevas herramientas para profundizar en su caracterización.

El rodaje y la conexión con el trabajo

Según una fuente cercana, Depp está “realmente bien”. La misma persona destaca que “le encanta rodar en exteriores y ha estado muy concentrado en su trabajo”, lo que se refleja en la energía que transmite al equipo de producción. El actor ha encontrado en este proceso una renovada motivación profesional y personal.

Esta concentración en el trabajo se complementa con una apertura a las actividades de promoción y el contacto con el público. La dinámica de filmar fuera del estudio ha permitido a Depp redescubrir aspectos de su oficio que valora especialmente, potenciando su entrega en cada jornada de grabación.

Un reencuentro especial con los fans

El 23 de julio, Depp sorprendió en la Comic-Con de San Diego al aparecer caracterizado como Scrooge fuera del centro de convenciones. Un video difundido por Entertainment Weekly mostró al intérprete con el icónico sombrero de copa y bastón, rodeado de seguidores que celebraron la inesperada visita.

“Se lo pasó en grande”, relata una fuente sobre la experiencia de Depp en la convención. “Ha vuelto a interpretar un personaje, algo que le encanta. Realmente cobra vida cuando se mete en esos personajes; los lleva en la sangre”.

La respuesta del público y la energía recibida en ese encuentro resultaron decisivas en su ánimo. Según la misma fuente, aparecer en la Comic-Con como un personaje icónico “fue revitalizador para él”.

Una pausa forzada y el regreso al cine

Ebenezer es la primera película de un gran estudio en la que participa Depp en siete años. Aunque el actor siente que “en realidad nunca se ha ido”, su carrera en Hollywood se vio interrumpida tras el juicio por difamación contra su exesposa Amber Heard.

El proceso legal concluyó en junio de 2022, con un veredicto que declaró a Heard culpable de los tres cargos de difamación. Tras las apelaciones, ambos llegaron a un acuerdo por el que Heard pagaría a Depp un millón de dólares, suma que él anunció que donaría a organizaciones benéficas.

Durante ese período, Depp fue apartado de franquicias como Animales Fantásticos y de una posible secuela de Piratas del Caribe. El actor, que negó las acusaciones en su contra, recibió más de 10 millones de dólares en la demanda por difamación, mientras que Heard fue indemnizada con 2 millones de dólares en una contrademanda.

Nuevos proyectos y otra etapa profesional

Tras superar la etapa judicial, Depp recupera su lugar en grandes producciones. Entre sus próximos trabajos figura Day Drinker, un thriller de acción junto a Penélope Cruz, que tiene previsto su estreno para 2027.

El entorno del actor destaca que está “feliz” y “comenzando una nueva etapa”, impulsado por el vínculo renovado con sus seguidores y el desafío profesional que representa Ebenezer.

El estreno de la película, previsto para el 13 de noviembre, marca el inicio de un ciclo distinto para Johnny Depp. La experiencia reciente y los desafíos asumidos lo colocan nuevamente en el centro del cine internacional, con la convicción de que interpretar a figuras como Scrooge le permite reconectar con aquello que más disfruta de su profesión.

Un origen oscuro y el punto de inflexión creativo

New Line Cinema, el estudio detrás del proyecto, concibió originalmente ‘La máscara’ como una película de terror.

La idea inicial tomaba elementos de los cómics publicados por Dark Horse, donde el personaje central, Stanley Ipkiss, encuentra una máscara que transforma su personalidad y lo lleva a cometer actos violentos. Chuck Russell, con experiencia previa en el género de terror tras dirigir ‘Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño’, parecía el candidato ideal para continuar esa línea.

Sin embargo, Russell percibió el potencial de la historia para funcionar como una comedia visual y física. El director defendió ante el estudio que el guion podía destacar más si apostaba por el humor absurdo y las posibilidades del slapstick, una decisión que terminaría cambiando la historia del cine comercial de los años 90.

Este cambio solo pudo materializarse gracias a la incorporación de Jim Carrey, actor capaz de llevar la exageración al límite y dotar al personaje de un carisma difícil de igualar.

La transformación del guion y el aporte de Jim Carrey

Russell argumentó ante los productores que la película necesitaba un intérprete con la capacidad de moverse fluidamente entre lo absurdo y lo emotivo, y que Carrey estaba en el momento justo de su carrera para asumir ese reto.

En 1994, Carrey estrenó tres películas que lo consolidaron como una de las figuras más influyentes del cine de Hollywood: ‘Ace Ventura, un detective diferente’, ‘La máscara’ y ‘Dos tontos muy tontos’. Esta trilogía de estrenos catapultó su imagen y lo situó como referente de la comedia física.

El propio director reconoció que, sin Carrey, esa transformación de tono habría resultado imposible. La flexibilidad del actor y su dominio de la gestualidad permitieron que el personaje se convirtiera en un ícono, alejando al film de sus raíces oscuras y orientándolo hacia un público mucho más amplio.

La química entre Carrey y Cameron Diaz, quien debutó en el cine con esta película, también contribuyó a que el resultado fuera memorable.

De la oscuridad a un fenómeno internacional

La apuesta por la comedia no solo definió el estilo de la película, sino que también alteró su destino comercial. ‘La máscara’ se convirtió en una de las comedias más exitosas de la década, superando los USD 351 millones de recaudación global frente a un presupuesto de apenas USD 23 millones.

El film fue recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por el público, y consolidó la carrera de sus protagonistas.

El éxito de la película abrió la puerta a nuevos proyectos para Carrey y Diaz, quienes aprovecharon la popularidad obtenida para diversificar sus carreras. Mientras tanto, el personaje de la máscara adquirió estatus de culto, y su iconografía sigue vigente en la cultura popular.

La secuela fallida y rumores de un posible regreso

Años después del estreno original, el estudio intentó revivir la franquicia con una secuela titulada ‘La máscara 2’, en la que Jim Carrey ya no participó. El papel principal quedó en manos de Jamie Kennedy, conocido por su participación en la saga ‘Scream’. Sin embargo, la secuela no alcanzó ni la repercusión ni los resultados económicos de la original: con un presupuesto de USD 84 millones, apenas recaudó USD 57 millones a nivel mundial.

La recepción negativa de ‘La máscara 2’ no impidió que el interés por la franquicia siguiera vigente. En distintas ocasiones, tanto Jim Carrey como Cameron Diaz han sido consultados sobre la posibilidad de volver a interpretar sus personajes.

Diaz expresó su disposición a regresar solo si Carrey también aceptaba, mientras que el actor dejó la puerta abierta, siempre que el guion estuviera a la altura de las expectativas. Hasta ahora, no se ha confirmado ningún nuevo proyecto, pero la historia detrás de ‘La máscara’ continúa despertando curiosidad y alimentando expectativas sobre un eventual regreso.

Emma Stone está de vuelta en la comedia romántica, pero su regreso al género que le vio crecer ha tenido un gran coste para una persona en particular. Los New York Mets, el archiconocido equipo de béisbol, ha tenido que reubicar a un abonado con veintinueve años de antigüedad para ceder su asiento de primera fila al equipo de producción de The Catch, la nueva película que la actriz está rodando durante estos días. El club le comunicó el cambio como un gesto de buena voluntad en una temporada difícil, sin revelar que la verdadera razón era el rodaje de la cinta. Lo que le ofrecieron como mejora fue una plaza en la fila dieciséis junto a la línea de primera base, una ubicación que el aficionado consideró inferior a su habitual posición en el jardín derecho.

El club contactó al abonado la semana pasada y le presentó el traslado como una atención especial, sin mencionar en ningún momento las necesidades de producción de The Catch. El aficionado esperaba acceder a una zona exclusiva durante el partido ante los Dodgers. Lo que encontró fue una vista alejada del campo que ocupó durante casi tres décadas. La situación trascendió en redes sociales cuando la cuenta Knicks Memes publicó que “los Mets engañaron a un abonado para que cediera su asiento a Emma Stone”, señalando que la organización disfrazó el cambio de amabilidad en lugar de ser transparente sobre los motivos reales. La publicación se viralizó rápidamente y dividió a los seguidores del equipo entre quienes defendieron la decisión del club y quienes la calificaron de deshonesta hacia un cliente fiel. El propio aficionado afirmó sentirse desplazado por el brillo de Hollywood y lamentó que el club no le hubiera explicado con claridad por qué necesitaban su asiento.

The Catch es una comedia romántica que llegará a los cines en mayo de 2027 y que también protagoniza Chris Pine. Las escenas filmadas en Citi Field muestran a Emma Stone en el banquillo, interactuando con jugadores y mezclándose entre el público durante el partido del viernes 24 de julio ante los Dodgers, una derrota de los Mets por 4 a 2. Stone, ganadora de dos premios Oscar por La La Land (2017) y Poor Things (2024), apareció con una gorra blanca de los Mets con visera azul mientras las cámaras registraban escenas en distintas zonas del estadio. Pine, de 45 años, no estuvo presente durante las jornadas de grabación en el recinto.

Llena de cameos y autenticidad neoyorkina

El beisbolista Juan Soto participó en una de las escenas junto a la actriz antes del primer lanzamiento del partido. El outfielder, cinco veces elegido al Juego de las Estrellas, sumó así un crédito cinematográfico a una temporada en la que lidera al equipo con un promedio de bateo de .283, veintiún cuadrangulares y cincuenta y dos carreras impulsadas. La producción de The Catch también alteró la rutina del equipo en el terreno de juego. Los Mets suelen vestir su uniforme alternativo negro en los partidos de viernes por la noche en casa, pero frente a los Dodgers utilizaron su equipación blanca de rayas para mantener la coherencia visual que requería la filmación. La presencia de cámaras y equipo técnico se extendió por todo el estadio durante la serie, integrando el rodaje con la actividad deportiva sin suspender el desarrollo normal del partido.

La decisión del club de priorizar las necesidades de una producción cinematográfica por encima de la transparencia con uno de sus abonados más longevos generó opiniones encontradas. Parte de la afición entendió la medida como una oportunidad de visibilidad para el equipo y el estadio a nivel internacional. Otros señalaron que un seguidor con veintinueve años de fidelidad merecía, al menos, una explicación honesta. Los Mets atraviesan una temporada complicada en la División Este de la Liga Nacional, lo que hace aún más sensible cualquier decisión que pueda interpretarse como una falta de consideración hacia su base de seguidores más comprometida. Por lo menos ha sido en pos de la vuelta de Emma Stone a las comedias románticas.

En una apuesta que promete renovar el cine navideño, Jennifer Aniston regresará a la gran pantalla con una comedia centrada en Santa Claus. La actriz compartirá cartel con Peter Dinklage en Naughty, el nuevo proyecto dirigido por Olivia Wilde. La película, producida por Universal Pictures, tiene previsto su estreno en cines el 5 de noviembre de 2027. Naughty marca el regreso de Aniston al género festivo, en una historia que explora la desesperación de una madre por recuperar la custodia de su hijo con la inesperada ayuda de Santa Claus. El film se encuentra actualmente en preproducción y ha generado expectativas tanto por su reparto como por el equipo creativo detrás de cámaras.

La participación de Jennifer Aniston en Naughty representa su vuelta al universo de las comedias navideñas, tras su intervención en Fiesta de empresa de 2016 o los inolvidables capítulos navideños de Friends. En la nueva cinta, Aniston encarnará a Mallory, una mujer envuelta en una batalla legal por la custodia de su hijo. La trama gira en torno a su última esperanza: localizar a Santa Claus y convencerlo de que testifique en el juicio de divorcio. La propuesta de Naughty se suma a la trayectoria de Aniston en el género de la comedia, donde ha consolidado una imagen de cercanía y versatilidad. Su regreso genera expectativa, especialmente por el giro argumental que plantea la intervención de un Santa Claus real como testigo en un proceso judicial. El anuncio de este proyecto confirma que Aniston sigue apostando por papeles que combinan humor con conflictos personales, una fórmula que ha cosechado buenos resultados en su carrera reciente.

Peter Dinklage dará vida a una versión singular de Santa Claus, aportando su experiencia en producciones de comedia y fantasía. Dinklage, recordado por su participación en Elf (2003), asumirá el desafío de encarnar a un Santa involucrado en un conflicto familiar atípico. La sinopsis oficial anticipa un tono de comedia con elementos de drama, en el que la figura de Santa se integra en la realidad cotidiana de los personajes. La elección de Dinklage como coprotagonista refuerza la apuesta por un humor inteligente y por la reinterpretación de figuras clásicas del imaginario navideño. El actor aporta un historial de papeles memorables, lo que contribuye a elevar las expectativas sobre el resultado final de la película. Naughty enfrentará en su fin de semana de estreno a Margie Claus, una comedia musical animada de Warner Bros. en la que Melissa McCarthy prestará su voz al personaje de la esposa de Santa. Esta coincidencia en la cartelera anticipa una competencia directa entre dos visiones diferentes del mito navideño.

Olivia Wilde, de Penélope a Jennifer

La dirección de Naughty estará a cargo de Olivia Wilde, quien ha consolidado su carrera tras los éxitos de Booksmart (2019), Don’t Worry Darling (2022) y viene de estrenar The Invite junto a Penélope Cruz. Wilde expresó que este film es un proyecto personal por el que ha luchado durante varios años. En declaraciones recogidas durante la premiere de I Want Your Sex, la directora señaló: “Es una película que busca el espíritu de Rob Reiner, una comedia con mucho corazón en su núcleo”. Wilde destacó que Naughty representa un desafío mayor que sus trabajos anteriores y agradeció la confianza de Universal Pictures para llevar adelante una comedia original a gran escala.

La directora también adelantó que el reparto podría ampliarse con nuevos nombres próximamente, sumando atractivo al proyecto. La cineasta ha recibido elogios por su capacidad para equilibrar comedia y drama, una característica que, según sus propias palabras, estará presente en Naughty. El guion fue escrito por Jimmy Warden, conocido por Cocaine Bear, quien desarrolló la historia inicialmente como un proyecto especulativo.

Naughty se encuentra en fase de preproducción y su estreno está programado para el 5 de noviembre de 2027. Universal Pictures apuesta por el regreso de las comedias navideñas originales en medio de una cartelera dominada por franquicias y secuelas. El enfrentamiento con Margie Claus ese mismo fin de semana podría marcar un hito en la taquilla para el cine familiar. El proyecto ha sido presentado como una comedia con aspiración de convertirse en un clásico moderno, apoyada en el carisma de Aniston, la versatilidad de Dinklage y la dirección de Wilde. El equipo confía en que la combinación de humor, emoción y una reinterpretación de Santa Claus atraerá tanto a familias como a adultos en la temporada navideña de 2027.

Jennifer Tedmori, quien participó como integrante del elenco de la serie juvenil El manual de Ned, compartió en redes sociales un video en el que muestra los pagos residuales que continúa recibiendo por su trabajo en la producción de Nickelodeon, cerca de 20 años después de su emisión original.

La publicación generó conversación entre usuarios al revelar el monto de varios de los cheques correspondientes a la retransmisión del programa.

La artista publicó el video el pasado 24 de julio en su cuenta de Instagram. En la grabación aparece abriendo alrededor de 19 sobres que, según explicó, contenían cheques por regalías derivadas de su participación como actriz infantil. Actualmente, además de su trayectoria en la actuación, ejerce como abogada.

“Es una época triste del año para mí. Recibí mis cheques de regalías de Ned y he estado posponiendo abrir esto durante meses porque es una pesadilla. Algunos de estos podrían valer un centavo, otros cinco dólares. Así que pensé que podrías ser mi doble y revisarlos conmigo”, dijo en el video.

La intérprete apareció en 11 episodios de El manual de Ned, serie estrenada por Nickelodeon en 2004 y centrada en las experiencias de un grupo de estudiantes de secundaria.

Jennifer Tedmori dio vida a Doris Trembly, integrante del llamado “Huge Crew”, un grupo de personajes que mostraban interés por el protagonista, Ned Bigby, interpretado por Devon Werkheiser. En la historia, su personaje también mantenía una rivalidad con Moze, interpretada por Lindsey Shaw.

Durante el video, la actriz explicó que había pospuesto durante varios meses la apertura de los sobres debido a que desconocía el monto de cada uno de los pagos. Conforme revisó los documentos, mostró que varios de los cheques correspondían a cantidades de apenas unos centavos.

El primer cheque abierto frente a la cámara fue por dos centavos de dólar. Posteriormente aparecieron otros pagos inferiores a 50 centavos, incluidos cheques por tres centavos.

“Mira, todo este papel que estoy tirando en mi coche por dos malditos centavos. Sé que la economía está fatal, pero ¿dos centavos? Quédatelo. Quédatelo. No lo quiero Ahora lo entiendo, ha pasado mucho tiempo. Me sorprende recibir algo, ¿menos de tres centavos?. Te costó 75 centavos enviar este sobre, y con lo que está pasando, las cuentas no cuadran", expresó.

Después de revisar todos los sobres, la actriz calculó que el total de regalías correspondientes a sus 11 apariciones en El manual de Ned ascendía a 8.63 dólares.

Entre los documentos también encontró un cheque relacionado con otra producción televisiva. Se trató de un pago residual por su participación en un episodio de la serie 90210, emitido en 2008, donde interpretó a un personaje identificado como “Goth Girl”.

Ese cheque, por un monto de 21.43 dólares, fue el de mayor valor entre los mostrados en el video.

Al sumar los pagos correspondientes a ambas producciones, Jennifer Tedmori indicó que el monto total recibido ascendía a 30.06 dólares.

Los pagos residuales forman parte del sistema de compensación utilizado en la industria audiovisual de Estados Unidos. Estos ingresos se generan cuando una producción vuelve a exhibirse o distribuirse a través de distintos formatos o plataformas, conforme a las condiciones establecidas en los contratos y acuerdos sindicales aplicables a cada proyecto.

Aunque la cantidad recibida por Tedmori corresponde a un periodo prolongado desde la emisión original de la serie, la publicación volvió a poner atención sobre la forma en que se calculan este tipo de remuneraciones para actores con participaciones secundarias o recurrentes en producciones televisivas.

La experiencia compartida por la actriz también coincide con declaraciones realizadas anteriormente por otros integrantes del elenco de El manual de Ned.

En 2023, Devon Werkheiser publicó un artículo de opinión en Business Insider en el que explicó que enfrentó dificultades para encontrar nuevos proyectos de actuación después del final de la serie.

En ese texto, el actor señaló que durante varios años vivió de sus ahorros hasta que estos comenzaron a agotarse cuando tenía alrededor de 25 años, situación que lo llevó a buscar nuevas fuentes de ingresos.

El manual de Ned se transmitió originalmente entre 2004 y 2007 y se convirtió en una de las producciones juveniles más reconocidas de Nickelodeon durante esa etapa.

William Bethel y Justin Booth, responsables del canal de YouTube Creek Kings Outdoors, fueron condenados tras declararse culpables de múltiples delitos relacionados con la caza ilegal de fauna silvestre en el estado de Ohio, Estados Unidos.

La resolución judicial pone fin a una investigación desarrollada durante más de un año por autoridades estatales, la cual documentó actividades ocurridas entre 2019 y 2024.

El Departamento de Recursos Naturales de Ohio (ODNR, por sus siglas en inglés) informó que Bethel, de 28 años, y Booth, de 23, ambos residentes de Columbus, aceptaron su responsabilidad en 20 cargos cada uno.

La investigación concluyó en septiembre de 2025, cuando ambos fueron acusados formalmente. Posteriormente, en mayo de 2026, los dos se declararon culpables ante las autoridades.

De acuerdo con la información oficial, los investigadores determinaron que ambos realizaron actividades de caza de venado de cola blanca en Three Creeks Metro Park y en otras propiedades privadas sin contar con la autorización correspondiente.

Además, las autoridades señalaron que varias de las piezas de caza obtenidas durante esas actividades fueron presentadas en videos publicados en el canal Creek Kings Outdoors.

Según el ODNR, algunos de esos contenidos mostraban ejemplares que, de acuerdo con la versión difundida por los creadores, habían sido cazados legalmente en Kentucky. Sin embargo, la investigación concluyó que varios de esos animales fueron abatidos de manera ilegal en territorio de Ohio.

Como parte de la sentencia, William Bethel y Justin Booth deberán pagar de forma conjunta 29 mil 219.32 dólares por concepto de restitución. Al sumar multas, cuotas y costos judiciales, el monto total de las sanciones económicas asciende a 37 mil 051.32 dólares.

El tribunal también ordenó que ambos cumplan nueve días de prisión durante la temporada de caza correspondiente al periodo 2026-2027. Adicionalmente, recibieron una sentencia suspendida de 531 días de cárcel, condicionada al cumplimiento de los términos establecidos por la justicia.

La resolución incluye un periodo de cinco años de libertad condicional supervisada, durante el cual Bethel y Booth deberán reportarse periódicamente ante las autoridades competentes.

Asimismo, tendrán prohibido ingresar a las propiedades administradas por Columbus y Franklin County Metro Parks durante ese mismo plazo.

Como parte de las medidas impuestas, ambos perdieron sus permisos para realizar actividades de caza, pesca y captura de animales mediante trampas durante cinco años.

En el caso de William Bethel, la declaración de culpabilidad incluyó delitos relacionados con la caza de venados sin los permisos requeridos, la práctica de caza durante temporadas cerradas y la omisión del registro obligatorio de los animales obtenidos.

Asimismo, la lista agrega la caza en propiedades sin autorización, la posesión de ejemplares capturados ilegalmente y de partes de animales sin identificación oficial, la utilización de un vehículo motorizado como apoyo para la actividad cinegética y el ingreso ilegal a propiedades.

Por su parte, Justin Booth aceptó cargos por cazar sin autorización en terrenos ajenos, no registrar los venados obtenidos conforme a la normativa estatal, poseer animales y partes de ejemplares obtenidos ilegalmente, colaborar con un infractor de las leyes de vida silvestre, exceder el límite anual permitido de venados con astas, obstruir las labores de las autoridades e ingresar ilegalmente a propiedades.

El Departamento de Recursos Naturales de Ohio informó que la investigación fue desarrollada en coordinación con Columbus y Franklin County Metro Parks, la Unidad de Delitos Informáticos de la Patrulla Estatal de Carreteras de Ohio y fiscales asignados al Tribunal Ambiental del Condado de Franklin.

Amazon MGM Studios desarrolla una nueva película animada centrada en el personaje del Sombrerero Loco, figura perteneciente al universo literario creado por Lewis Carroll en Alicia en el país de las maravillas.

El proyecto contará con Scott Mosier, conocido por su trabajo en la franquicia Clerks, como responsable de la adaptación del guion.

La producción se encuentra actualmente en desarrollo y los detalles de la historia se mantienen reservados. Dentro del relato original, el personaje organiza una fiesta de té junto a la Liebre de Marzo y el Lirón, una de las escenas más reconocidas de la novela publicada en 1865.

El personaje tiene la costumbre de cambiar de sitio en la mesa al azar, recitar poemas confusos y plantear acertijos como: «¿En qué se parece un cuervo a un escritorio?». El aspecto del personaje fue definido por el ilustrador John Tenniel en los libros originales.

El cuento atemporal de Lewis Carroll ha sido adaptado en numerosas ocasiones para cine y televisión. Entre las adaptaciones más emblemáticas se encuentra el clásico animado de Disney de 1951, Alicia en el País de las Maravillas, que introdujo a generaciones de espectadores al mágico mundo de Alicia.

En 2010, Tim Burton ofreció una versión más oscura con actores reales, protagonizada por Mia Wasikowska como Alicia y Johnny Depp como el Sombrerero Loco. La película fue un éxito de taquilla mundial y le siguió Alicia a través del espejo en 2016.

La historia también ha inspirado varias adaptaciones televisivas, incluyendo la miniserie de 1985 con un reparto coral, la película para televisión de Hallmark de 1999 protagonizada por Tina Majorino, la reinterpretación de Alicia de Syfy de 2009 y la serie derivada de ABC, Once Upon a Time in Wonderland, que se emitió durante la temporada televisiva 2013-14.

Más recientemente. Toshiya Shinohara dirigió un largometraje de anime tituladoDive in Wonderlandpara el estudio PA Works, estrenado en 2025. Los libros también han inspirado numerosas adaptaciones para televisión y teatro a lo largo del último siglo. Actualmente se está preparando una versión musical protagonizada por Sabrina Carpenter.

El proyecto de Amazon tendrá como productor a Adam Nagle, quien desarrollará la película a través de la compañía Aniventure.

Scott Mosier cuenta con experiencia en proyectos cinematográficos de animación y comedia. Entre sus trabajos recientes se encuentra la película animada Free Birds, estrenada en 2013, en la que participó como coguionista y productor, además de prestar su voz al personaje Pizza Dude.

Mosier también fue codirector de la versión animada de El Grinch, producida por Illumination y estrenada en 2018. La película, basada en el personaje creado por Dr. Seuss, recaudó más de 500 millones de dólares a nivel mundial y formó parte de una nueva adaptación del clásico navideño para el público familiar.

Su trayectoria está estrechamente relacionada con Kevin Smith y la saga Clerks. Mosier participó como actor en todas las entregas de la franquicia y produjo varias películas del cineasta. Además, ha trabajado como actor de voz en producciones animadas como Sing 2, La vida secreta de tus mascotas 2 y El Grinch.

Michael Johnston se encuentra en conversaciones preliminares para integrarse al elenco de la cuarta entrega de La Momia, de acuerdo con información confirmada por Variety.

Johnston ha desarrollado parte de su trayectoria en televisión, donde participó en la serie Teen Wolf. En 2026 protagonizó la película de terror Obsession, dirigida por Curry Barker.

La producción, realizada con un presupuesto reducido, obtuvo un desempeño destacado en taquilla y contribuyó a ampliar la proyección del actor entre el público cinematográfico.

De hecho, de acuerdo con los datos de Box Office Mojo, la producción acumula 426.7 millones de dólares en la taquilla mundial, cifra que la coloca por encima de cualquier otra película de terror original estrenada desde el año 2000.

Con ese resultado, la película también ingresó al décimo lugar entre las cintas de terror con mayor recaudación de todos los tiempos. En la clasificación histórica se ubica inmediatamente por debajo de The Exorcist, que registró 430.8 millones de dólares durante su exhibición en cines.

La nueva entrega de La Momia marcará el regreso de Brendan Fraser y Rachel Weisz a la franquicia. Ambos actores retomarán los personajes de Rick O’Connell y Evelyn O’Connell, respectivamente, después de haber alcanzado acuerdos para participar en la producción.

Su incorporación había sido reportada previamente durante el año pasado y ahora forma parte de la alineación oficial del proyecto.

También está confirmada la participación de John Hannah, quien volverá a interpretar a Jonathan Carnahan, personaje que apareció en las primeras entregas de la saga y que se convirtió en uno de los integrantes recurrentes de la franquicia.

Los detalles de la historia permanecen bajo reserva. El estudio no ha dado a conocer información sobre la trama ni sobre los nuevos personajes que podrían incorporarse a la película, incluida la posible participación de Johnston.

La franquicia La Momia comenzó en 1999 con la película protagonizada por Brendan Fraser y Rachel Weisz. La historia sigue a un aventurero que, durante una expedición, despierta accidentalmente a un sacerdote egipcio maldito dotado de poderes sobrenaturales.

La producción dio origen a una de las principales franquicias de aventuras de Universal Pictures y fue seguida por La Momia Regresa en 2001.

Rachel Weisz participó en las dos primeras películas, pero no formó parte de La Momia: La tumba del Emperador Dragón, estrenada en 2008, en la que el personaje de Evelyn O’Connell fue interpretado por otra actriz.

La nueva producción representará el regreso de Weisz a la saga después de más de dos décadas desde su última aparición en la franquicia.

La dirección estará a cargo de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, integrantes del colectivo Radio Silence, responsables de películas como Ready or Not y su secuela Ready or Not 2: Here I Come.

El guion fue escrito por David Coggeshall, quien anteriormente trabajó en proyectos como The Family Plan y Orphan: First Kill. La nueva producción de Universal Pictures tiene previsto su estreno en cines para el 15 de octubre de 2027.

En la producción participa nuevamente Sean Daniel, quien ha estado vinculado a todas las entregas de La Momia desde la película original de 1999.

Su trabajo también incluye títulos relacionados con la franquicia como El Rey Escorpión, La Momia Regresa, La Momia: La tumba del Emperador Dragón y la versión de La Momia estrenada en 2017 como parte del proyecto conocido como Dark Universe.

La actriz Anya Taylor-Joy relató un episodio singular que vivió con Paul McCartney en un hotel. Un encuentro marcado por la espontaneidad y una pregunta insólita del ex Beatle, que dejó a la intérprete con una emoción difícil de olvidar.

Un jardín, una flor y una pregunta inesperada

Todo ocurrió cuando Taylor-Joy se encontraba sentada en el lobby de un hotel. Desde su lugar, observó a Paul McCartney en el jardín, rodeado de flores.

Para la actriz, reconocida mundialmente por su trabajo en producciones como “Gambito de dama”, el solo hecho de ver a uno de sus ídolos ya representaba un momento especial. Sin embargo, fue McCartney quien dio el primer paso para entablar una conversación.

El músico británico se acercó a ella y le dijo: “Te reconozco de las portadas de revistas. ¿Alguna vez has olido una arvejilla?”.

Taylor-Joy, sorprendida, respondió que no. Él la invitó a descubrir el aroma de esa flor, creando un instante tan inusual como memorable.

El significado de la arvejilla en la cultura británica

La arvejilla, conocida en inglés como “sweet pea”, es una flor valorada por su fragancia y su simbolismo de delicadeza y placer.

En Reino Unido, las arvejillas suelen asociarse con la llegada de la primavera y con gestos de cortesía y aprecio.

La elección de McCartney de compartir ese aroma con Taylor-Joy puede interpretarse como una muestra de sencillez y hospitalidad, un gesto amable alejado de la solemnidad habitual en encuentros entre celebridades.

Este detalle añade una capa de significado al episodio, mostrando cómo una acción cotidiana puede transformar una reunión casual en una experiencia inolvidable.

La reacción de Anya Taylor-Joy tras el encuentro

Sobre el impacto que le produjo ese breve intercambio, Taylor-Joy no dudó en expresar su entusiasmo. “Podría haberme muerto ahí. Ese fue mi pico, me sentí genial”, reconoció la actriz.

La frase, reproducida en medios como Indie Hoy y LADbible, refleja la intensidad del momento para quien está acostumbrada a la atención mediática, pero no a compartir escena con una leyenda de la música.

El episodio revela cómo incluso figuras reconocidas internacionalmente pueden verse impactadas al encontrarse con aquellos que admiran desde la infancia o la juventud. El relato de Taylor-Joy se suma así a una larga lista de celebridades que han compartido públicamente la emoción de conocer a sus ídolos.

El fenómeno de los encuentros virales entre celebridades

Los medios suelen destacar estos episodios, convirtiéndolos en fenómenos virales. El caso de Taylor-Joy y McCartney fue comparado con el de Jennifer Lawrence, quien expresó abiertamente su sorpresa y admiración al conocer a Jack Nicholson.

Este tipo de situaciones humaniza a las figuras públicas y conecta con el público a través de la empatía y la identificación con sus emociones.

La viralización de estos encuentros no solo responde al interés por las celebridades, sino también a la fascinación por ver cómo la admiración trasciende el estatus y la fama.

La admiración de Taylor-Joy por McCartney y los Beatles

Durante la entrevista con LADbible, la conversación derivó naturalmente hacia la música. Consultada sobre su Beatle favorito, Taylor-Joy respondió: “Es Paul”.

La actriz también destacó la relación creativa entre McCartney y John Lennon, poniendo en valor el modo en que ambos dialogaban a través de sus canciones, un rasgo que, desde su perspectiva de fanática, resulta esencial para entender el legado del grupo.

Esta admiración no es solo una preferencia personal, sino el reconocimiento de una influencia artística que ha atravesado generaciones y fronteras. Para Taylor-Joy, la creatividad y la colaboración entre McCartney y Lennon representan un modelo inspirador.

Un recuerdo imborrable en la carrera de la actriz

El encuentro con Paul McCartney se incorporó a las experiencias más valiosas de la vida de Taylor-Joy. Más allá de su trayectoria en la actuación, la actriz reconoció lo especial de ese instante, marcado por la sencillez y la autenticidad.

La anécdota, lejos de ser un simple encuentro casual, se transformó en una historia que trasciende lo anecdótico y resalta el valor de los gestos pequeños entre figuras célebres.

La experiencia también invita a reflexionar sobre el poder de la admiración y la capacidad de las personas, sean o no famosas, de sorprenderse y emocionarse ante quienes consideran sus referentes.

El recorrido fue grabado en video y posteriormente compartido en redes sociales, donde mostró el ascenso del globo, la recuperación del equipo y el homenaje realizado en memoria de su mascota.

El usuario, conocido en la plataforma como The Battersby, llevó a cabo el lanzamiento el 7 de mayo de 2026 como parte de una promesa que, según explicó, había hecho a su perro Oscar: mostrarle el mundo.

Para ello colocó las cenizas del animal dentro de un globo de gran altitud junto con un juguete de los extraterrestres de la película Toy Story.

El dispositivo también incluía una cámara de 360 grados, con un valor aproximado de 500 libras esterlinas (alrededor de 660 dólares), además de un rastreador GPS para localizar el equipo tras su regreso a la Tierra.

Las imágenes registradas por la cámara muestran el ascenso del globo por encima de las nubes y el recorrido realizado hasta alcanzar gran altitud sobre el planeta. El video también documenta el descenso del dispositivo después de que el globo estallara debido a la disminución de la presión atmosférica.

Al explicar el funcionamiento del sistema, Battersby indicó que las cenizas fueron colocadas dentro del globo y que, una vez que este se rompió por las condiciones atmosféricas, quedaron dispersadas mientras el resto del dispositivo descendía sujeto a una caja preparada para aterrizar.

De acuerdo con el creador de contenido, el mecanismo permitió que la estructura regresara a la superficie para ser recuperada posteriormente.

Tras el lanzamiento, el TikToker perdió la ubicación del dispositivo durante varias horas. Según relató, inicialmente pensó que el localizador GPS había dejado de funcionar y que tanto la cámara como el material grabado se habían perdido.

Sin embargo, mientras se encontraba con un grupo de amigos en un pub, el sistema de rastreo volvió a emitir una señal de ubicación. Tras recibir la notificación, el grupo se dirigió al punto indicado por el GPS para intentar recuperar el dispositivo.

Una vez en el lugar, los participantes cruzaron una cerca y recorrieron una zona cubierta de hierba y ortigas hasta localizar la caja que contenía la cámara. El equipo permanecía grabando en el momento del hallazgo, por lo que fue posible conservar el registro completo del viaje, incluido el descenso y el aterrizaje.

Después de recuperar el dispositivo, Battersby confirmó que las cenizas de Oscar habían sido liberadas durante el vuelo, tal como estaba previsto en el diseño del experimento. El creador también compartió un mensaje dirigido a su mascota.

“¡Lo logramos! La vida nunca ha sido tan amable conmigo. Pero hoy, algo me hizo querer saber que llegó hasta allá arriba. Oscar, ya te he enseñado el mundo, como te prometí”, dijo, y más tarde dedicó el vídeo terminado a su “pequeña rareza espacial”.

La publicación del recorrido acumuló visualizaciones e interacciones en TikTok, donde los usuarios siguieron el desarrollo del lanzamiento y la búsqueda del dispositivo hasta su recuperación.

Gibbs relató que llevaba entre una y dos horas pescando junto a sus compañeros cuando el grupo dejó el arrecife para adentrarse en aguas más profundas en busca de peces de mayor tamaño. En ese momento había varios tiburones de arrecife gris cerca, y uno de ellos comenzó a permanecer alrededor de los buzos durante más tiempo que los demás.

Según explicó en TikTok, es posible que el movimiento de la embarcación, el ruido de los fusiles de pesca y la actividad en el agua despertaran el interés del animal. Con el paso de los minutos, el tiburón empezó a mostrar un comportamiento diferente.

“Empezó a hacer semicírculos muy cerrados debajo de nosotros, se volvió cada vez más agitado e incluso se lanzó hacia el bote. Ahora que lo pienso, esa debió ser una señal suficiente para terminar la inmersión”, escribió el influencer al reconstruir lo ocurrido.

Pese a esas señales, Gibbs admitió que no creyó que el animal representara un gran peligro ya que no era muy grande. “Ese fue un error. Sabía que venía por mí”, reconoció. También explicó que la mayor parte de su experiencia había sido con tiburones en Nueva Zelanda, donde, según indicó, suelen ser mucho menos agresivos, por lo que esperaba una reacción similar.

En la descripción del video, el influencer explicó que el tiburón “esquiva el fusil de pesca, pasa por debajo de mí, se aferra a la parte trasera de mi pantorrilla y comienza a girar sobre su eje”, una maniobra conocida como death roll, con la que el depredador intenta desgarrar a su presa.

El video también muestra los desesperados intentos de Gibbs por defenderse con el fusil de pesca antes de que el tiburón lograra morderlo.

Después del ataque, sus compañeros Colby y Dan reaccionaron de inmediato. Ambos lograron sacarlo del agua, atendieron la herida y ayudaron a trasladarlo a un hospital, donde los médicos iniciaron un tratamiento de emergencia.

El influencer reveló días después que fue sometido a cuatro cirugías y a un injerto de piel en la pierna derecha.

“Me siento increíblemente afortunado de seguir teniendo mi pierna, conservar el uso completo de mi pie y estar recuperándome”, escribió en Instagram junto a varias fotografías desde el hospital. “Todo indica que tendré una recuperación completa, algo por lo que estoy enormemente agradecido”.

En la misma publicación aprovechó para agradecer a quienes participaron en su rescate y recuperación. “Solo quería dar las gracias de corazón a todos los que se comunicaron conmigo durante los últimos seis días, tanto en Fiyi como en Nueva Zelanda. Su apoyo realmente ha significado mucho”, escribió. Además, dedicó un reconocimiento especial a Colby y Dan, así como al personal médico, familiares y amigos que lo acompañaron durante esos días.

Lejos de responsabilizar al animal, Gibbs aseguró que comprende lo ocurrido. “No le guardo rencor al tiburón. Yo estaba en su entorno cazando su comida. Estuve en el lugar equivocado en el momento equivocado”, afirmó.

Asimismo, el youtuber precisó que todavía está evaluando publicar el resto de la grabación porque “se vuelve muy gráfica”. Lo que busca es compartir más información sobre cómo responder a lesiones graves y la importancia de llevar equipo adecuado para atender traumatismos durante una inmersión.

Además, resumió las principales lecciones que le dejó el ataque: abandonar la inmersión si un tiburón cambia de comportamiento, no ignorar señales de agresividad, no subestimar el riesgo por el tamaño del animal y utilizar trajes de neopreno negros en aguas tropicales en lugar de modelos con camuflaje.

Dakota Johnson asumirá el papel de Marilyn Monroe en Flesh Impact, la nueva película dirigida por Maggie Gyllenhaal que abordará la vida de la icónica figura del cine estadounidense.

El proyecto fue anunciado el 27 de julio por la marca automotriz Genesis, que participa como socio de la producción con motivo del centenario del nacimiento de Monroe, que se conmemorará en 2026.

De acuerdo con un comunicado oficial, la historia presentará a Johnson como Monroe durante el periodo de mayor reconocimiento de su carrera.

Asimismo, la actriz Ellen Burstyn, de 93 años, interpretará una versión de Monroe situada en un escenario hipotético sobre la vida que podría haber tenido si hubiera vivido más tiempo.

Maggie Gyllenhaal, de 48 años, explicó que el interés por desarrollar el proyecto surgió a partir de la propuesta de Genesis para realizar una producción conmemorativa dedicada a la actriz.

En un comunicado, la directora señaló que siempre ha sentido interés por la figura de Marilyn Monroe y que el objetivo de Flesh Impact es presentar al personaje desde una perspectiva contemporánea.

“Siempre me ha fascinado Marilyn Monroe. Cuando Genesis me presentó la idea de un proyecto para celebrar su centenario, supe que quería colaborar para llevar esta historia a la pantalla”, expresó.

Asimismo, la directora añadió que la película busca mostrar a la actriz “a través de una mirada moderna que recupere su historia”.

En una entrevista concedida a Vanity Fair, Gyllenhaal comentó que inicialmente dudó sobre asumir la dirección del proyecto debido a la relevancia histórica y cultural de la fallecida actriz.

“Por supuesto, conocía sus actuaciones más importantes y la trayectoria que dejó en vida. Pero pensé: no sé si soy la persona adecuada para este trabajo. Voy a tomarme un momento para ver qué surge”, dijo.

Durante la conversación con la publicación, la directora también destacó aspectos de la interpretación de Marilyn Monroe que considera relevantes para la construcción del personaje en la película.

Además, planteó la posibilidad de imaginar cómo habría evolucionado la carrera de la actriz si hubiera contado con varias décadas más de trayectoria profesional.

“Su actuación me resulta fascinante: extraña, salvaje y muy alegre, mezclada con algo terriblemente perturbador a la vez. Me pregunté qué habría sido de ella si hubiera tenido 60 años para vivir. ¿Qué cambiaría en el trabajo que haría ahora?“, indicó.

Marilyn Monroe fue una de las principales figuras de la industria cinematográfica estadounidense durante las décadas de 1950 y principios de 1960.

Entre sus películas más conocidas se encuentran Some Like It Hot, How to Marry a Millionaire y Gentlemen Prefer Blondes. Esta última incluye la interpretación de la canción “Diamonds Are a Girl’s Best Friend”, una de las escenas más representativas de su carrera.

Monroe falleció en 1962 a los 36 años. En ese momento, el Departamento de Policía de Los Ángeles describió el caso como una muerte “posiblemente accidental”, mientras que la Oficina del Forense del Condado de Los Ángeles determinó que la causa fue un “probable suicidio”.

Con el paso de los años también han surgido diversas teorías relacionadas con las circunstancias de su fallecimiento.

Además de Dakota Johnson y Ellen Burstyn, el elenco de Flesh Impact incluye a Sepideh Moafi, conocida por su participación en la serie The Pitt, así como Peter Sarsgaard, esposo de Maggie Gyllenhaal. El comunicado de la producción describe la película como “una carta de amor a uno de los íconos más perdurables del cine”.

La presentación mundial de Flesh Impact está programada para septiembre de 2026 durante el Festival Internacional de Cine de Venecia.

El actor utilizó sus redes sociales para narrar cómo logró pasar inadvertido, agradeció a la comunidad de seguidores y reflexionó sobre el papel central que tienen los fanáticos en la historia del personaje.

El plan secreto que permitió el anonimato

La presencia de Ryan Reynolds en el evento respondió a una estrategia cuidadosamente planeada. El actor decidió no avisar a la organización ni a sus asistentes para experimentar la convención sin privilegios ni barreras.

Desde las primeras horas del día, preparó el traje gris de Deadpool y cubrió su rostro con la icónica máscara, lo que le permitió cruzar los controles y sumarse al flujo de miles de visitantes.

Según relató Reynolds en X, la posibilidad de recorrer la Comic-Con de San Diego sin escoltas ni restricciones le permitió observar de cerca el entusiasmo de los seguidores.

El actor se detuvo a posar en fotos y participar en actividades típicas de la jornada, mientras los presentes ignoraban que se encontraban junto al protagonista de la saga.

Interacciones espontáneas y momentos insólitos

Durante el evento, el actor compartió escenas con asistentes disfrazados y personajes populares. En uno de los videos difundidos, se aprecia a Reynolds bromeando con un Olaf de gran tamaño y fotografiándose con fanáticos que portaban camisetas de Deadpool.

También simuló un duelo con espadas junto a otro cosplayer del personaje, generando escenas espontáneas que luego se viralizaron en redes sociales.

La jornada incluyó encuentros con figuras reconocidas de la cultura pop, como Robert Remus (Sergeant Slaughter), voz emblemática en la franquicia de G.I. Joe. Este tipo de situaciones alimentó la sorpresa entre los seguidores cuando, al día siguiente, el propio actor reveló la anécdota y compartió imágenes inéditas de su recorrido.

El impacto de la experiencia en la comunidad de fans

El contacto directo con el público dejó una huella en el testimonio de Ryan Reynolds. En su publicación, el actor agradeció la devoción de los fans y reconoció que “los seguidores hicieron despegar a Deadpool hace tantos años”.

Este mensaje, replicado por medios y portales como Variety y Entertainment Weekly, subrayó la importancia de la comunidad en el éxito de la saga.

La reacción de los asistentes no tardó en manifestarse. Diversos usuarios de X y TikTok compartieron imágenes y videos del momento en que descubrieron la verdadera identidad del enmascarado, generando una ola de comentarios y muestras de asombro. Para muchos, la actitud de Reynolds constituye un gesto de respeto hacia el público y una celebración del vínculo entre el actor y la franquicia.

“Los fans hicieron posible Deadpool hace muchos años”, escribió el actor en X, tras su paso por la Comic-Con de San Diego. Añadió: “Ayer, 10 años después de la primera película y exactamente dos años después de Deadpool & Wolverine, me sentí muy afortunado de estar en la #SDCC con todos aquellos cuya devoción incondicional trae tanta alegría a este mundo”.

En el escenario del panel, Reynolds sorprendió a los presentes al tomar el micrófono disfrazado y sin ser reconocido: “Lo escucho desde hace mucho tiempo, pero es la primera vez que llamo”, dijo. Luego, consultó con humor: “Me parece una forma muy cara de anunciar una película. ¿Cuándo empiezan a filmar?”. El actor aprovechó el espacio para reflexionar sobre la evolución de la franquicia y el vínculo con los fans.

Durante una charla anterior, Reynolds reconoció el riesgo asumido al filtrar imágenes de prueba de Deadpool en 2014: “Sí, hice un poco de trampa, pero creo que estaba en el camino correcto para algo que le interesaría a la gente. Y estoy agradecido de haber escuchado ese instinto y de haber hecho lo incorrecto en ese momento”.

Hall H, rumores y el futuro de Deadpool

Uno de los puntos culminantes de la jornada tuvo lugar en el Hall H, escenario tradicional de los anuncios más esperados de la convención.

Allí, Marvel presentó avances de la próxima película Avengers: Doomsday y la aparición de Reynolds reavivaron las especulaciones sobre la posible inclusión de Deadpool en el proyecto. Por el momento, no existe confirmación oficial sobre la participación del personaje en la nueva producción.

La última aparición de Deadpool en la pantalla grande se produjo en 2024, con la película Deadpool & Wolverine. La cinta, compartida por Reynolds y Hugh Jackman, marcó un récord al superar los 1,3 mil millones de dólares en la taquilla internacional. Este hito contribuyó a consolidar al personaje como uno de los más exitosos del universo de superhéroes.

El valor de la Comic-Con como espacio de encuentro

Más allá del impacto individual, la experiencia de Reynolds refuerza el papel de la Comic-Con de San Diego como punto de encuentro entre celebridades, creadores y seguidores.

El evento se ha convertido en una plataforma donde las grandes franquicias buscan sorprender a los fans y fortalecer lazos con la comunidad. El mensaje final del actor, en el que agradeció poder recorrer el evento “sin asistentes, sin seguridad, sin cuerdas”, enfatizó la importancia de estos espacios para la cultura pop.

La anécdota de Ryan Reynolds se suma a otras historias similares de celebridades que han optado por vivir la convención desde el anonimato, generando empatía y renovando el entusiasmo de quienes hacen posible el fenómeno fan.

El regreso de Macaulay Culkin como Kevin McCallister podría estar más cerca de convertirse en realidad. Disney habría iniciado conversaciones con el actor para desarrollar una nueva película de Mi pobre angelito (Home Alone), una posibilidad que llega después de años de distancia entre Culkin y el personaje que lo convirtió en una estrella mundial.

La información fue revelada por el periodista Matt Belloni en su podcast The Town. Según explicó, Culkin fue visto recientemente en los estudios de Disney, una señal que habría despertado entusiasmo dentro de la compañía por la posibilidad de recuperar la franquicia con su protagonista original.

“Disney está salivando” ante la idea de una nueva película con Culkin, aseguró Belloni, quien afirmó que el estudio estaría “cortejándolo como nunca antes”. De acuerdo con el periodista, Disney incluso estaría dispuesto a ofrecerle otro proyecto personal si acepta regresar a interpretar a Kevin McCallister.

“Tienen una buena idea. He hablado con personas que han escuchado la idea y es una muy buena idea para un reboot de Mi pobre angelito con Macaulay Culkin”, comentó Belloni.

El enorme interés del estudio estaría relacionado con la vigencia de la franquicia. Las primeras dos películas, estrenadas en 1990 y 1992, siguen siendo clásicos navideños y mantienen una fuerte presencia cada temporada en las listas de contenidos más vistos en streaming.

La secuela que imaginó Macaulay Culkin

La posibilidad de una nueva entrega también parte de una idea que el propio Culkin compartió anteriormente. Durante los eventos por el aniversario número 35 de Mi pobre angelito, el actor reveló cómo imagina una continuación de la historia de Kevin McCallister, esta vez con el personaje convertido en adulto.

La propuesta cambiaría la dinámica de las películas originales: Kevin ya no sería el niño que protege su casa de los ladrones, sino un padre que enfrenta problemas familiares y termina viviendo una situación similar a la que experimentó en su infancia.

“Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un hijo y todo eso. Estoy trabajando muy duro y realmente no le estoy prestando suficiente atención, y el niño empieza a molestarse conmigo, y entonces me quedo fuera [de la casa]”, explicó Culkin.

“Mi hijo no me deja entrar… y él es quien está poniendo las trampas para mí”, agregó el actor. Para Culkin, la casa funcionaría como una metáfora de la relación entre padre e hijo y de la necesidad de Kevin de recuperar el vínculo con su familia.

Durante décadas, Culkin evitó regresar al papel que marcó su infancia. Después del éxito de Mi pobre angelito y Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, el actor se alejó de la actuación durante un periodo y no participó en las siguientes entregas de la franquicia.

Sin embargo, en los últimos años su relación con Kevin McCallister cambió. Culkin volvió a interpretar al personaje en campañas publicitarias y participó en actividades relacionadas con el aniversario de la primera película. Se le notó más optimista sobre la posibilidad de regresar. En una presentación por los 35 años del estreno, el actor reconoció que deja la puerta abierta a esa opción con la condición de que le ofrezcan una buena historia.

La grabación completa de la película apareció en una publicación de X que posteriormente fue compartida por otra cuenta, lo que permitió que el material se propagara rápidamente. El video alcanzó aproximadamente 2,1 millones de visualizaciones en dos horas y media antes de ser eliminado de la plataforma y reemplazado por un aviso de retiro por derechos de autor.

La cadena BBC también reportó que algunos usuarios reaccionaron con sorpresa ante la filtración, debido a la calidad de la copia y al hecho de que una película diseñada para salas IMAX estuviera disponible dentro de una publicación en redes sociales. “La película completa de La Odisea en un video incrustado en Twitter. Increíble”, ironizó un internauta.

Además de la versión en alta calidad, otras copias piratas de menor resolución comenzaron a circular en Twitter. Una de ellas fue retirada después de alcanzar cerca de 50.000 reproducciones, según informó The Hollywood Reporter.

Pocas horas después de la viralización del material, Universal Pictures confirmó que estaba al tanto de la situación y aseguró que tomó medidas inmediatas para retirar el contenido

“Nos enteramos de la publicación no autorizada de la película e inmediatamente iniciamos protocolos de eliminación. Tomamos muy en serio la infracción de derechos de autor y buscaremos todos los recursos apropiados para proteger nuestro contenido y nuestros derechos de propiedad intelectual”, dijo el estudio en un comunicado a la prensa.

La filtración ocurrió pocos días después del estreno en cines de La Odisea, una producción de gran escala que Christopher Nolan filmó utilizando cámaras IMAX y un formato pensado para pantallas de gran tamaño. La película adapta el poema épico de Homero y sigue la historia de Odiseo, rey de Ítaca, durante su peligroso viaje de regreso a casa después de la guerra de Troya, un conflicto que duró una década.

El filme está protagonizado por Matt Damon como Odiseo, mientras que Anne Hathaway interpreta a Penélope, su esposa, y Tom Holland encarna a Telémaco, su hijo. El reparto también incluye a Zendaya, Charlize Theron, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson y Elliot Page.

La circulación de una copia pirata no parece haber afectado el rendimiento comercial de La Odisea. De acuerdo con datos de Variety, la película superó los 650 millones de dólares en taquilla mundial después de sus dos primeros fines de semana en cartelera.

La producción acumuló alrededor de 652 millones de dólares, con 362 millones provenientes de mercados internacionales y 289 millones de Estados Unidos y Canadá. La cifra es todavía más llamativa considerando que se trata de una película de casi tres horas de duración, clasificación R y con un presupuesto estimado de 250 millones de dólares.

El desempeño también fue notable en las salas IMAX. La cinta generó 140 millones de dólares en entradas vendidas a nivel global en este formato. La prensa especializada además señaló que sigue existiendo una alta demanda en las funciones en pantallas IMAX de 70 mm debido a la preferencia de Nolan por este formato.

Mathew Knowles anunció que Destiny’s Child lanzará nuevas remixes inéditas en los próximos 30 días, con la participación de Beyoncé, Kelly Rowland, Michelle Williams y artistas invitadas como Missy Elliott.

El padre y exmanager del grupo reveló la noticia en una entrevista con SiriusXM’s Page Six Radio el miércoles pasado. “Estamos a punto de lanzar un montón de nuevas remixes. Algunas nunca las han escuchado antes de Destiny’s Child”, dijo Knowles en declaraciones al programa. El empresario aclaró que las tres integrantes del trío tendrán un rol protagónico en los temas, y no el de artistas secundarias. “Hay algunas que son dance mixes, y otras que son simplemente urban mixes regulares. Tenemos tanta música que todavía no se había publicado de Destiny’s Child”, agregó.

Entre los “raperos invitados” que participan en las remixes, Knowles mencionó a Missy Elliott antes de detenerse. El anuncio llega en un momento en que los seguidores del grupo aguardan con expectativa nuevo material del trío, que se separó oficialmente en 2006.

Una banda fundada en Houston con décadas de historia

Destiny’s Child nació en Houston, Texas, a comienzos de los años 90 bajo el nombre Girl’s Tyme, cuando Beyoncé Knowles y LaTavia Roberson se conocieron en una audición. Kelly Rowland se sumó poco después, y en 1993 se incorporó LeToya Luckett. El grupo fue moldeado desde sus inicios por Mathew Knowles, quien asumió la dirección artística y reformó su alineación varias veces antes de lograr el despegue.

En 1996 adoptaron el nombre definitivo de Destiny’s Child y firmaron con Columbia Records. Su primer sencillo de impacto, “No, No, No”, llegó en 1997 junto a un contrato que los catapultó a la escena del R&B. Al año siguiente publicaron su álbum debut homónimo, aunque fue con The Writing’s on the Wall (1999) que la banda alcanzó la masividad internacional, impulsada por hits como “Bills, Bills, Bills” y “Say My Name”, que se convirtió en uno de los sencillos más reconocidos de su carrera.

Previo al lanzamiento de ese sencillo, Roberson y Luckett abandonaron el grupo en circunstancias que generaron controversia pública. En su reemplazo ingresaron Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque esta última se fue a los pocos meses. Desde el año 2000, Destiny’s Child quedó consolidado como trío con Beyoncé, Rowland y Williams.

Cinco álbumes y más de 60 millones de discos vendidos

El tercer álbum de estudio, Survivor (2001), fue el más exitoso de la banda en términos comerciales e incluyó la canción homónima que se transformó en un himno generacional. Le siguió 8 Days of Christmas (2001), un álbum navideño, y tras un período de pausa en el que cada integrante desarrolló proyectos solistas, el grupo regresó con Destiny Fulfilled (2004), su quinto y último disco de estudio.

En 2005 publicaron la recopilación #1’s y anunciaron la disolución formal del grupo, que se hizo efectiva en marzo de 2006. A lo largo de su trayectoria, Destiny’s Child vendió más de 60 millones de discos en el mundo, posicionándose como uno de los grupos femeninos más vendidos de todos los tiempos, según datos de Britannica.

Reencuentros esporádicos desde el cierre

Pese al fin oficial del grupo, las tres integrantes se reunieron en distintas ocasiones a lo largo de los años. La más recordada fue su aparición en el show de medio tiempo del Super Bowl 2013, en el que Beyoncé era la artista principal. Volvieron a actuar juntas en el festival Coachella 2018, dentro de la célebre presentación de Beyoncé. El reencuentro más reciente ocurrió el 26 de julio de 2025, en el último concierto de la gira Cowboy Carter de Beyoncé en Las Vegas.

El anuncio de nuevas remixes también llega mientras los fans aguardan el tercer álbum solista de Beyoncé, que completaría una trilogía junto a Renaissance y Cowboy Carter. El 4 de julio pasado, la artista lanzó “Morning Dew (Donk)”, que formará parte de la edición del vigésimo aniversario de su álbum B’Day, de acuerdo con información de The Hollywood Reporter.

La cinta se sitúa después de los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home (2021), cuando Peter Parker quedó completamente aislado luego de que el hechizo del Doctor Strange borrara de la memoria del mundo la existencia del joven héroe.

En esta nueva etapa, Peter continúa protegiendo Nueva York como Spider-Man, pero enfrenta las consecuencias emocionales de que sus amigos MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) ya no recuerden la relación que tuvieron con él. Mientras lidia con la soledad, una nueva amenaza pone en peligro a la ciudad.

Una de las mejores puntuaciones recientes de Marvel

Según los primeros registros de Rotten Tomatoes, Spider-Man: un nuevo día llegó a obtener alrededor de un 91% de aprobación de los críticos, con más de 89 reseñas contabilizadas al cierre de este texto. El resultado coloca a la película entre las producciones mejor valoradas del Universo Cinematográfico de Marvel en los últimos años y cerca de los números obtenidos por Spider-Man: No Way Home, que alcanzó un 93%.

En Metacritic, la película consiguió inicialmente una puntuación de 70 sobre 100, una cifra similar a las entregas anteriores de Spider-Man protagonizadas por Holland. Spider-Man: Homecoming obtuvo 73 puntos, mientras que Spider-Man: Far From Home logró 69 y Spider-Man: No Way Home llegó a 71.

Las primeras reseñas destacan que la película abandona parte de la escala cósmica de las anteriores aventuras del personaje para enfocarse en los conflictos personales de Peter Parker. Los críticos valoraron la decisión de mostrar nuevamente al héroe como una figura más cercana al concepto original de los cómics: un joven que debe equilibrar sus responsabilidades con sus problemas cotidianos.

Entre las opiniones positivas, William Bibbiani, de The Wrap, aseguró que la película representa un punto destacado dentro del MCU reciente: “No tenemos muchas grandes películas del MCU últimamente. Que esta sea uno de los puntos altos de toda la franquicia se siente increíble. Y espectacular. Y sensacional”.

Por su parte, David Rooney, de The Hollywood Reporter, resaltó la dirección de Destin Daniel Cretton y señaló que la película tiene “la buena decisión de dejar de insistir sobre el maldito multiverso”. La crítica también valoró que la historia regrese al conflicto emocional de Peter Parker.

Liz Shannon Miller, de Consequence, describió la producción como “una película notablemente coherente, a menudo alegre, dedicada a darle al personaje crecimiento y gracia”. Mientras tanto, Brian Truitt, de USA Today, indicó que, aunque no es la película más explosiva de Holland como Spider-Man, busca ser más profunda que una entrega promedio del MCU.

No todas las opiniones fueron completamente favorables. Peter Bradshaw, de The Guardian, consideró que el resultado es entretenido en pantalla, pero cuestionó la falta de novedades frente a las películas animadas de Spider-Verse. Otros críticos señalaron problemas relacionados con el ritmo, una historia con demasiados elementos y la sensación de que algunas decisiones solo están destinadas a preparar futuras entregas.

Spider-Man: un nuevo día se estrena en América Latina este miércoles 29 de julio. Además de Tom Holland y Zendaya, la película incorpora nuevos rostros al universo del personaje, entre ellos Jon Bernthal como The Punisher, Mark Ruffalo como Bruce Banner/Hulk, Michael Mando como Scorpion y Tramell Tillman en un nuevo papel dentro de la franquicia.

El impacto de sus apariciones se refleja tanto en las cifras de audiencia como en la conversación social, pero detrás de cada batalla aérea existe un proceso técnico y artístico que involucra a decenas de especialistas.

Según explicó Dadi Einarsson, supervisor de efectos visuales de la serie, a Men’s Health en una entrevista exclusiva, la creación de los dragones es el resultado de una colaboración estrecha entre animadores, técnicos de efectos visuales, diseñadores y el propio showrunner.

El objetivo no solo es lograr que estas criaturas sean verosímiles, sino también dotarlas de una personalidad propia y de una conexión emocional con el espectador.

El arte detrás de las bestias

Einarsson detalló que el desarrollo de los dragones parte de los libros de George R. R. Martin y se amplía con la visión de Ryan Condal, el showrunner. Se elaboró una guía para cada uno de los 22 dragones que aparecieron en las dos primeras temporadas y en los nuevos episodios, donde se especifican características como tamaño, color, edad, género y rasgos de carácter.

También especificó a Men’s Health que “cuanto más tiempo hemos pasado con ellos, más oportunidades hemos tenido de desarrollarlos como personajes, de hacerlos realmente complejos y multifacéticos, con sus propios rasgos distintivos”.

La serie introduce dragones como Sheepstealer, cuya apariencia y comportamiento reflejan una vida en libertad, lejos de la domesticación de los dragones Targaryen.

El supervisor señaló que el diseño de este personaje se inspiró en la imagen de un animal callejero, con una mandíbula prominente y signos de vitiligo, lo que lo diferencia visualmente de criaturas como Syrax, la dragona de Rhaenyra, o Caraxes, vinculado a Daemon Targaryen.

“Imaginamos que Sheepstealer podría haber sido rechazado debido a alguna deformidad o algo así. Entonces, si nunca ha sido aceptado, hay que pensar en cómo pudo haber sucedido eso en primer lugar”, explicó Einarsson.

Tecnología y recursos en el set

La mayor parte de las secuencias con dragones se generan en posproducción, pero el proceso no se limita al trabajo digital. El equipo utiliza cabezas de dragón de fibra de vidrio y actores vestidos de azul para que los intérpretes puedan interactuar físicamente durante las grabaciones.

Einarsson indicó que “tenemos diferentes cabezas para cada dragón, pero es muy difícil que alcancen el tamaño real si son los más grandes. Así que tenemos que usar punteros láser o varas largas con pelotas de tenis para que los actores reaccionen”.

Las escenas de vuelo se planifican mediante previzualizaciones digitales donde los actores pueden consultar los movimientos y las acciones que deberán ejecutar.

Para simular el vuelo, se emplea un dispositivo conocido como “buck”, un cardán que permite girar la montura y sobre el que se instala al intérprete, mientras la cámara simula el desplazamiento alrededor del dragón.

Referencias animales y realismo

Aunque los dragones no existen en la naturaleza, el equipo de efectos visuales recurre a la observación de animales reales para dotar de credibilidad a sus movimientos. El especialista, con una larga experiencia en animación, comentó que el equipo observa caimanes para definir los desplazamientos terrestres y albatros para los aterrizajes, especialmente en el caso de Sheepstealer.

“Usamos un albatros como referencia esta temporada, pero para un aterrizaje. Es cuando Sheepstealer aterriza en la cima de la montaña y arroja a Rhaena; tiene un aterrizaje bastante torpe”, señaló el supervisor.

El principio es replicar la anatomía y el peso de criaturas reales en cada animación: huesos, articulaciones y centros de gravedad están presentes en los modelos digitales, lo que permite simular la inercia y la superposición de movimientos.

La tradición visual instaurada por la saga Jurassic Park sirve de referencia, dado que el público ya ha aceptado ciertas convenciones sobre el desplazamiento de grandes criaturas.

Fuego y batallas aéreas

El equipo de House of the Dragon cuenta con especialistas en efectos prácticos que generan explosiones y fuego real en el set para lograr una representación más convincente del aliento de los dragones. El supervisor destacó que este recurso, heredado de la experiencia en Game of Thrones, permite que las referencias digitales resulten más precisas.

“Tenemos muchos cañones de fuego y cosas que podemos prender fuego, que podemos usar como base para cualquier toma en la que estemos trabajando o como referencia”, describió Einarsson a Men’s Health.

Las batallas aéreas, como la que protagonizan Sheepstealer, Moondancer y Vermax en el primer episodio de la temporada, se planifican desde los storyboards y se desarrollan en animatics que permiten a los directores y editores anticipar cada plano.

Secuencias como la persecución de Jacaerys Targaryen bajo el agua requieren dispositivos especiales que simulan el movimiento del dragón en un entorno acuático, combinando recursos físicos y digitales.

Un investigador de ciberseguridad aseguró haber encontrado una filtración masiva de datos relacionada con el Festival de Tribeca, en los que se habrían vulnerado registros con información de contacto asociada a reconocidos actores, directores y productores de Hollywood.

La investigación fue dada a conocer por el especialista en ciberseguridad Jeremiah Fowler, de Black Hills Information Security, quien publicó sus hallazgos en un blog de ExpressVPN y posteriormente habló con Variety. Según explicó, descubrió una base de datos que contenía 666.369 registros con fechas comprendidas entre 2019 y 2026.

Entre el material hallado había documentos de carácter promocional, kits de prensa e imágenes, pero también un archivo de respaldo (.dump) que, según Fowler, contenía información potencialmente sensible.

En ese respaldo existía una carpeta denominada “contactos” con 13.535 registros, donde figuraban nombres, direcciones, números telefónicos y correos electrónicos asociados a figuras como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Guillermo del Toro, Ron Howard, Robert De Niro, Jennifer Lawrence, Angelina Jolie, Morgan Freeman, Rami Malek y Michael J. Fox, entre otros.

De acuerdo con Fowler, algunos registros correspondían a asistentes, representantes o publicistas, mientras que otros incluían cuentas personales. “Vi muchas cuentas de correo de consumidores, como Google o Yahoo”, declaró a Variety. El investigador también explicó que algunos campos de la base de datos estaban incompletos.

¿Qué habría provocado la filtración?

El investigador atribuyó el incidente a un error humano relacionado con el manejo de los archivos de respaldo.

“Normalmente, cuando haces una copia de seguridad, no la mantienes en un entorno de producción”, explicó a Variety. “La llevas fuera de línea o la colocas en una base de datos separada; así sirve como respaldo en caso de que algo salga mal”.

Según Fowler, el archivo permanecía almacenado sin ningún tipo de cifrado, lo que permitía que cualquier persona con acceso a internet pudiera visualizar su contenido mediante herramientas de búsqueda especializadas.

“Fue un error humano dejar el archivo de respaldo en la base de datos, y el archivo estaba en texto plano, sin cifrar”, afirmó el especialista. También señaló que, de haber estado protegido mediante encriptación, ni él ni terceros habrían podido acceder a la información.

El experto indicó además que encontró datos sobre los dispositivos vinculados a determinadas direcciones de correo electrónico, como el tipo de teléfono, la versión del sistema operativo o el navegador utilizado.

“Eso daría a un ciberdelincuente suficiente información, hipotéticamente, para dirigirse aún más a esa persona”, explicó a LADbible. También advirtió que este tipo de datos podría facilitar campañas de phishing e ingeniería social cada vez más sofisticadas gracias al uso de inteligencia artificial.

La respuesta del Festival de Tribeca

Tras conocerse el informe, el Festival de Tribeca rechazó que se hubiera expuesto información personal de las celebridades mencionadas.

En un comunicado citado por Variety, un portavoz aseguró: “Ninguno de los talentos mencionados en los reportes recientes tuvo información de contacto personal divulgada. La gran mayoría de la información consistía en datos de contacto profesionales de acceso público, incluidos representantes de relaciones públicas, agentes de talento, direcciones de correo de oficinas, información del sitio web del festival y otros datos que ya estaban disponibles públicamente”.

La organización añadió que “toda la información fue eliminada rápidamente tras su descubrimiento”.

Fowler, por su parte, reconoció que el festival actuó con rapidez una vez que fue notificado. “Lo solucionaron literalmente ese mismo día. Actuaron muy rápido. Son una organización profesional”, dijo el experto a la prensa.

El investigador sostuvo además que no encontró indicios de que la información hubiera sido utilizada por ciberdelincuentes antes de ser retirada, aunque insistió en que una base de datos de estas características podía convertirse en un objetivo atractivo para ataques dirigidos.

Un nuevo puesto en el ranking global

El avance de Nolan en la clasificación se explica por los resultados de La odisea, protagonizada por Matt Damon. De acuerdo al reporte de Espinof, el total acumulado en la carrera del director británico llegó a 6.685 millones de dólares, desplazando a Peter Jackson, cuyas películas suman 6.553 millones. Esta diferencia de 132 millones coloca a Nolan en una posición estratégica, ya que su último estreno continúa sumando espectadores a nivel internacional.

El momento marca un cambio relevante entre los cineastas con mayor impacto económico en la industria. Espinof destacó que la cifra alcanzada por Nolan representa un “hito histórico” en su trayectoria, situándolo a las puertas de otro salto en el ranking global.

La competencia por el tercer lugar

Actualmente, el tercer puesto en el listado de directores más taquilleros lo ocupan los Hermanos Russo. Su cifra se ubica en 6.763 millones de dólares, según el mismo reporte. Espinof proyectó que Christopher Nolan podría superar este registro en los próximos días, conforme avance la recaudación de La Odisea en los principales mercados del cine internacional.

La competencia entre Nolan y los Russo añade expectativa al ranking. De acuerdo con el medio, el liderazgo de Nolan sobre los Russo podría ser transitorio, ya que el próximo estreno de Vengadores: Doomsday podría devolver a los hermanos el tercer escalón, salvo que la franquicia de Marvel enfrente un desempeño por debajo de lo esperado.

Spielberg y Cameron, lejos del alcance inmediato

En la parte superior de la tabla, Steven Spielberg mantiene el primer lugar con 10.938 millones de dólares, mientras que James Cameron ocupa la segunda posición con 10.591 millones. Según precisó Espinof, la diferencia entre ambos y el resto de los directores es amplia, lo que los mantiene fuera del alcance inmediato de sus competidores más cercanos.

El dominio de Spielberg y Cameron evidencia la magnitud de sus éxitos de taquilla. Títulos como Jurassic Park, E.T. y Avatar explican su permanencia en estos puestos, con recaudaciones que superan ampliamente las cifras de otros realizadores contemporáneos.

Otros movimientos en el Top 10

El ascenso de Nolan y la consolidación de los primeros lugares provocaron cambios en las posiciones restantes. Según Espinof, Michael Bay descendió al sexto lugar, con un acumulado de 6.495 millones de dólares. El informe también señala que Jon Favreau no logró ingresar al Top 10 este año, tras el desempeño de The Mandalorian & Grogu, que no alcanzó las expectativas de taquilla.

Favreau, responsable de varias producciones exitosas, se ubica actualmente en la decimotercera posición, con 4.366 millones de dólares recaudados a lo largo de su carrera. Este resultado refleja la alta competencia entre directores que aspiran a ingresar a los puestos de mayor recaudación histórica.

El impacto de La oOdisea y la dinámica de la taquilla

El impulso generado por La odisea ha sido determinante para el ascenso de Christopher Nolan en el ranking de directores más taquilleros. Espinof resalta el papel de este último estreno como factor clave en la nueva configuración del listado. La película, encabezada por Matt Damon, sumó cifras significativas en su estreno mundial y continúa ampliando el margen de ventaja sobre Peter Jackson.

La disputa por el tercer escalón permanece abierta y sujeta al comportamiento de los próximos estrenos. Por el momento, la cima del ranking muestra una brecha considerable que favorece a Steven Spielberg y James Cameron, quienes conservan su posición sin amenazas directas en el corto plazo.

La cantante Ariana Grande presentó una demanda contra dos hackers cuya identidad todavía se desconoce, a quienes acusa de acceder ilegalmente a las cuentas digitales de personas de su círculo cercano para robar y difundir canciones inéditas, fotografías y grabaciones privadas de su proceso creativo.

La acción legal, interpuesta el lunes 27 de julio en un tribunal de Los Ángeles, busca identificar a los responsables de una serie de ataques informáticos que, según la artista, se prolongaron durante varios años y provocaron la filtración de su material personal.

De acuerdo con documentos judiciales revisados por Variety, la demanda sostiene que los acusados llevaron a cabo campañas de phishing y otros métodos de hackeo para infiltrarse en las cuentas de fotógrafos, productores y colaboradores que trabajaban estrechamente con la intérprete. Una vez obtenían acceso, presuntamente descargaban contenido inédito y lo vendían en la dark web por “importantes sumas de dinero”.

El expediente judicial describe una serie de incidentes ocurridos entre 2019 y 2024. La demanda afirma que en 2019 los responsables obtuvieron las credenciales de acceso a una cuenta de Dropbox perteneciente a un fotógrafo que había trabajado con Grande. Al año siguiente, habrían hackeado el teléfono móvil de uno de sus productores y accedido a masters inéditos, maquetas y grabaciones de sesiones de estudio.

En 2023, la situación escaló hasta la filtración de 45 canciones inéditas de la cantante antes de que pudieran publicarse oficialmente. Los abogados de Grande precisan que la artista ha sido victima de leaks desde su debut en 2011.

El supuesto esquema continuó en 2024, cuando los responsables habrían creado una cuenta de Gmail y un dominio de internet haciéndose pasar por un fotógrafo para engañar a un técnico digital y conseguir fotografías inéditas pertenecientes a la artista.

Qué busca Ariana Grande con la demanda

La demanda no identifica por nombre a los presuntos responsables, quienes aparecen como “John Does” en los documentos judiciales. El objetivo inicial del proceso es obtener autorización judicial para emitir citaciones que permitan identificar a las personas detrás de los ataques mediante el rastreo de su actividad digital.

En el escrito, citado por Variety, la defensa explica que Grande busca “descubrir las identidades de estos individuos actualmente desconocidos y sin escrúpulos para exigirles responsabilidades por su conducta invasiva”. Además, sostiene que “es fundamental para la Sra. Grande garantizar —en su nombre y en el de otros— que este tipo de conducta sea disuadida en la mayor medida posible”.

Según recoge la BBC a partir de la demanda, sus abogados afirman que la “invasión maliciosa de la privacidad de la Sra. Grande y la irrupción en su carrera le han causado un daño sustancial e irreparable”.

“La demanda pretende servir como elemento disuasorio frente a futuros actos de esta naturaleza, no solo contra Ariana, sino también contra los muchos artistas que han sufrido invasiones similares de su privacidad y el robo de su trabajo creativo”, afirmó una fuente cercana a la artista que habló con PEOPLE. “Los artistas merecen el derecho a controlar cómo y cuándo se comparte su arte con el mundo. El robo y la distribución ilegal de obras creativas socavan ese derecho y no deben tolerarse”.

Dos años antes de acudir a la justicia, durante una entrevista en el programa The Zach Sang Show para promocionar Eternal Sunshine, Grande ya había manifestado públicamente su frustración por las filtraciones de material inédito.

“Antes de irme a Wicked, hubo algunas sesiones de estudio que hice que ahora están por todo TikTok, muchas gracias, nos veremos en la cárcel. Literalmente", declaró al recordar la difusión no autorizada de “Fantasize”.

“Todas fueron escritas para una serie de televisión, para algo que no era para mí, así que Fantasize aparece, una locura, fue robada... Estos piratas, delincuentes, ilegales", afirmó.

El público presenció el debut del tráiler, que mostró por primera vez al villano Sinestro y confirmó a los Manhunters como la amenaza principal de la historia.

El evento contó con la presencia destacada de Aaron Pierre y Kyle Chandler, protagonistas de la producción, quienes compartieron detalles sobre el proceso de rodaje y la naturaleza de sus personajes. El panel incluyó la proyección de una amplia variedad de material audiovisual, que despertó el entusiasmo de los seguidores de la saga de Linterna Verde.

Una dupla en conflicto y una amenaza intergaláctica

La serie, creada por Chris Mundy, Damon Lindelof y Tom King, se centra en la relación entre John Stewart (Aaron Pierre), un joven Linterna Verde en formación, y el veterano Hal Jordan (Kyle Chandler).

De acuerdo con la sinopsis oficial citada por The Hollywood Reporter, la trama sigue a dos policías intergalácticos que se ven envueltos en un oscuro misterio terrestre con vínculos cósmicos mientras investigan un asesinato en el corazón de Estados Unidos.

Uno de los puntos que generó mayor expectativa entre los asistentes fue la aparición de Ulrich Thomsen en el papel de Sinestro, archienemigo de los Linternas, así como la confirmación de que los Manhunters se presentan como el gran desafío de la temporada.

El tráiler evidenció el enfrentamiento interno entre Stewart y Jordan, donde el primero anhela asumir el control y el segundo se resiste a aceptar que el joven no es su suplente, sino su reemplazo.

El esfuerzo de Aaron Pierre y su conexión con el personaje

Durante el panel, Pierre relató el desafío físico que enfrentó para conseguir el papel protagónico. El actor explicó que, en pleno proceso de audición, sufrió una grave lesión en el brazo izquierdo: “El tendón se separó del hueso y el bíceps se desgarró hasta el hombro”.

Pese a la gravedad de la lesión y la cirugía posterior, el actor completó su última prueba de selección usando un corsé ortopédico. “Tenía muchísimas ganas de conseguir el papel. Adoro a John. En ese momento, y no exagero, pensé: ‘¿Qué haría John?’ Así que entré, di lo mejor de mí y conseguí el papel”, expresó.

También compartió su admiración por el personaje de John Stewart. “Si tuviera que elegir a cualquier personaje del Universo DC, elegiría a John Stewart. Lo elegiría siempre”, aseguró Pierre durante su intervención, según citó The Hollywood Reporter.

Rodaje, familia y presencia estelar en el panel

En su participación, el actor de 32 años destacó que menos del 20% de la serie se grabó en los estudios de Warner Bros.; el resto de las escenas se filmaron en diversas locaciones de California.

El actor describió la convivencia durante el rodaje como la de una compañía teatral itinerante, mencionando que el elenco y el equipo formaron una “familia” y que era habitual verlo haciendo flexiones junto al personal de transporte. “Se siente la familia y unidad... pase lo que pase, nos entregamos por completo a este proyecto”, afirmó Pierre durante el evento.

La presentación incluyó también la aparición de Nathan Fillion, quien sorprendió al público al subir al escenario para interpretar brevemente a Guy Gardner, personaje que retomará tras su participación en la última película de Superman. Además, la serie cuenta con la participación de Garret Dillahunt, Poorna Jagannathan, Kelly Macdonald, Laura Linney, Jason Ritter, J. Alphonse Nicholson y Jasmine Cephas Jones.

Estreno y expectativas

La fecha de estreno de “Lanterns” quedó fijada para el 16 de agosto en la plataforma de streaming de HBO, donde se espera que la serie expanda el universo televisivo de DC Studios.

El panel de la Comic-Con se completó con la presencia de los creadores y varios miembros del reparto, quienes reafirmaron su compromiso con el proyecto, que busca consolidar a los Linternas Verdes como una de las franquicias más relevantes de la compañía.

Previo a este lanzamiento, DC Studios alcanzó notoriedad con producciones como “The Penguin”, premiada en los Emmy de 2024, y la segunda temporada de “Peacemaker”, creada por James Gunn.

La industria cinematográfica registró el hito de Toy Story 5 al superar los 1.022 millones de dólares en recaudación global, consolidándose como el mayor éxito de taquilla de 2026 hasta el cierre de julio. El desempeño afecta a estudios, distribuidores y mercados internacionales, al situar nuevamente a Disney y Pixar en el primer plano de la animación comercial, según datos confirmados por Box Office Mojo y Deadline.

De acuerdo con Deadline, la quinta entrega de la franquicia animada de Pixar recaudó 573,5 millones de dólares en mercados internacionales y 448,5 millones en Estados Unidos, cifra que la posiciona como la película más taquillera del año. Box Office Mojo reporta que el filme cruzó la marca de los mil millones durante su sexto fin de semana en cartelera, tras sumar 24,7 millones en la taquilla internacional y 10 millones en la estadounidense en el fin de semana del 26 al 28 de julio.

El récord se produce en un contexto de intensa competencia entre los principales estudios de Hollywood por el liderazgo mundial de la taquilla. En el mismo periodo, “La Odisea” de Christopher Nolan sumó cerca de 640 millones de dólares tras su segundo fin de semana, según cifras de Deadline, mientras otros títulos de alto perfil como “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones en el año.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en taquilla mundial según Box Office Mojo y Deadline?

La cifra oficial reportada por Box Office Mojo es de 1.022 millones de dólares a nivel global para Toy Story 5, con 573,5 millones provenientes del mercado internacional y 448,5 millones de la taquilla doméstica en Estados Unidos. Deadline y Cartoon Brew corroboran que el filme alcanzó este monto después de seis semanas en exhibición, tras sumar 34,7 millones globales en su sexto fin de semana.

El desempeño internacional se apoya en más de 52 mercados, con un descenso de solo 17,7% respecto al fin de semana anterior, impulsado por el estreno en Alemania, de acuerdo con Koimoi y datos agregados de Box Office Mojo.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en Estados Unidos?

En Estados Unidos, Toy Story 5 logró una recaudación acumulada de 448,5 millones de dólares, según Box Office Mojo y Deadline. La cifra representa alrededor del 44% de su recaudación total y convierte a la película en la más taquillera de la franquicia en el país, superando a las entregas previas.

El estreno doméstico alcanzó 159,6 millones de dólares y la película mantuvo presencia en el top 3 de la taquilla estadounidense durante seis semanas consecutivas. Según datos de Cartoon Brew, el sexto fin de semana sumó 10 millones en ese mercado, cifra que permitió mantener la posición entre los títulos más vistos, detrás de “La Odisea” y la versión live-action de Moana de Disney.

¿Qué récords rompió Toy Story 5 para Disney y Pixar?

Box Office Mojo informa que Toy Story 5 es la sexta película de Pixar en superar el umbral de los mil millones de dólares, junto con “IntensaMente 2”, “Los Increíbles 2”, “Toy Story 3”, “Toy Story 4” y “Buscando a Dory”. La película también es el lanzamiento más exitoso del año, desplazando a “Michael” (1.015 millones) y “Super Mario Galaxy Movie” (1.011 millones), como confirma Deadline.

Cartoon Brew destaca que la quinta entrega de la saga es la tercera película de la franquicia en cruzar la barrera de los diez dígitos a nivel global y se ubica como la decimocuarta película animada más taquillera de todos los tiempos, según datos de la Motion Picture Association.

¿Cuáles son los mercados internacionales más importantes para Toy Story 5?

El éxito de Toy Story 5 depende en gran medida de su desempeño en mercados clave fuera de Estados Unidos, según Box Office Mojo y Deadline. Alemania, México, Reino Unido, Japón y China figuran entre los territorios con mayores ingresos, aunque el desglose exacto por país no fue publicado detalladamente por las fuentes principales.

El comportamiento de la taquilla internacional refleja la estrategia de distribución global de Walt Disney Studios y el peso de las audiencias de América Latina, Asia y Europa en la consolidación de las franquicias animadas, según Deadline. En mercados como Alemania, el estreno impulsó la recaudación del sexto fin de semana, permitiendo una caída menor al promedio global de las grandes producciones.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otras películas taquilleras de 2026?

Deadline reporta que, junto con Toy Story 5, otras producciones superaron cifras destacadas en 2026. “La Odisea” de Christopher Nolan alcanzó 640 millones de dólares a nivel mundial tras su segundo fin de semana. “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones, aunque ya han sido superadas por la nueva entrega de Toy Story.

El ranking de recaudación global de 2026 ubica a Toy Story 5 en el primer puesto, según Deadline, con “La Odisea” y “Moana” entre los títulos que completan el podio durante el mismo fin de semana.

¿Por qué Toy Story 5 es relevante para la industria del cine en 2026?

El récord de Toy Story 5 representa un indicador de la recuperación plena de la industria cinematográfica global tras la crisis sanitaria y la reconfiguración de los estrenos internacionales. Según Deadline, la marca de los mil millones alcanzada por la película refuerza la confianza de los estudios en el mercado de la animación y garantiza la continuidad de producciones de alto presupuesto.

La respuesta del público ante franquicias consolidadas como Toy Story y la asistencia sostenida a los cines permiten a Disney y Pixar mantener la franquicia como una de las más rentables del calendario internacional, según Box Office Mojo y la Motion Picture Association.

¿Qué impacto tiene el éxito de Toy Story 5 en los próximos estrenos y en el público?

La taquilla de Toy Story 5 anticipa un aumento de las inversiones en animación y en la producción de secuelas dentro de las grandes franquicias. Deadline señala que el liderazgo de Disney y Pixar impulsa la programación de nuevos proyectos y la consolidación de alianzas internacionales para la distribución de contenidos familiares.

Para los espectadores, el éxito de la saga garantiza la continuidad de la franquicia y refuerza la presencia de títulos familiares en la cartelera internacional. La permanencia en los primeros puestos de la taquilla confirma la vigencia del cine animado y su atractivo para distintas generaciones.

HBO Max abrió oficialmente las puertas de uno de sus proyectos latinoamericanos más ambiciosos. La plataforma presentó las primeras imágenes de Carlota, la serie producida por Sony Pictures Television que reimagina la vida de Carlota de Bélgica, la última emperatriz de México, desde una perspectiva contemporánea, con una puesta visual de gran escala y un elenco internacional encabezado por Belinda, Jaime Lorente, Miguel Ángel Silvestre y Mabel Cadena.

El anuncio coincidió con una fecha cargada de simbolismo: el aniversario de bodas entre Carlota y Maximiliano, una elección que refuerza la intención de la producción de dialogar con la historia mientras construye una ficción que busca acercar aquellos acontecimientos al público actual.

Las primeras fotografías ofrecen un adelanto del tono de la serie. Lejos de limitarse a una reconstrucción histórica tradicional, Carlota apuesta por una estética elegante, cinematográfica y emocional, donde el poder, la ambición, la pasión y los conflictos personales se convierten en el verdadero motor del relato.

En las imágenes puede verse a Belinda completamente transformada en la joven emperatriz, mientras que el español Jaime Lorente interpreta a Maximiliano de Habsburgo. Miguel Ángel Silvestre da vida a Alfred van der Smissen y Mabel Cadena encarna a Josefa, uno de los personajes fundamentales en el desarrollo de la historia.

La producción representa una apuesta de enorme magnitud para HBO Max. El rodaje se extendió durante 17 semanas y recorrió más de 40 locaciones distribuidas entre América Latina y Europa, incluyendo palacios, jardines, conventos y edificios históricos que fueron intervenidos para recrear el México imperial del siglo XIX.

El despliegue también quedó reflejado en sus cifras: participaron 45 actores principales, cerca de 1.370 extras, 80 músicos, más de 100 bailarines y dobles, además de cientos de técnicos que dieron forma a una producción diseñada con estándares internacionales.

Detrás del proyecto se encuentra el showrunner Carlos Quintanilla Sakar, acompañado por Adriana Pelusi, quien además firma los guiones principales. La dirección está a cargo de Ana Lorena Pérez Ríos y José Manuel Cravioto, mientras que David Azcano Lara y Ximena Amann lideran la fotografía, en un equipo creativo que busca combinar rigor histórico con una narrativa moderna.

Uno de los aspectos que más distingue a Carlota es su propuesta estética. El diseño de vestuario, encabezado por Loles García, evita la simple reproducción museística de la época y propone reinterpretar la moda del siglo XIX desde una sensibilidad actual. Cada vestido, color y silueta fue concebido para acompañar la evolución emocional de los personajes, especialmente la transformación de Carlota a medida que enfrenta las presiones del poder y el aislamiento.

La diseñadora explicó que el equipo realizó un profundo trabajo de documentación histórica antes de permitirse tomar licencias creativas. Esa combinación entre investigación y reinterpretación permitió construir una identidad visual propia que distingue a la serie de otros dramas de época.

El mismo criterio se aplicó al diseño de producción. Bajo la dirección de Carlos Bodelón, se recrearon espacios completos en estudio, entre ellos la recámara imperial de Carlota y Maximiliano, un camarote de barco y caballerizas especialmente construidas para la serie. El objetivo fue crear un universo visual coherente donde cada elemento —desde los carruajes hasta las cortinas, el mobiliario o la iluminación— ayudara a contar la historia.

Más allá de la espectacularidad de la producción, Carlota pretende revisar a una figura histórica compleja. Tradicionalmente recordada como la emperatriz europea que llegó a México junto a Maximiliano durante el Segundo Imperio Mexicano, la serie buscará explorar sus contradicciones, su ambición política, sus dilemas personales y el enorme costo emocional que implicó ocupar un lugar central en uno de los momentos más turbulentos de la historia del continente.

El reparto internacional amplía todavía más la dimensión del proyecto. Además del cuarteto protagónico, participan Bárbara de Regil, Sebastián Zurita, Irene Azuela, Álvaro Rico y Clara Alvarado, conformando un elenco que reúne figuras de México, España y América Latina.

Aunque HBO Max todavía no confirmó la fecha exacta de estreno, el lanzamiento de estas primeras imágenes deja en claro que Carlota apunta a convertirse en uno de los grandes eventos de la plataforma. La combinación entre una historia real, un elenco de renombre, una producción de alto presupuesto y una mirada contemporánea sobre una figura histórica promete ofrecer una serie que trascienda el drama de época para convertirse en un relato sobre el poder, la identidad y las decisiones que cambian el curso de la historia.

El proyecto marca un momento histórico para la obra de King: por primera vez Carrie será adaptada como una serie de televisión. Detrás de la producción se encuentra Mike Flanagan, uno de los nombres más prestigiosos del terror contemporáneo gracias a títulos como The Haunting of Hill House, Midnight Mass y Doctor Sueño. El propio Stephen King participa como productor ejecutivo, una muestra de la confianza que deposita en el realizador para reinventar uno de sus relatos más emblemáticos.

El primer adelanto, presentado durante un multitudinario panel en la Comic-Con de San Diego, deja claro que esta nueva versión conservará el espíritu de la novela, aunque con una lectura profundamente contemporánea. El tráiler combina momentos de gran tensión psicológica con imágenes que anticipan el regreso de escenas icónicas, como el recordado baile de graduación, pero desarrolladas desde una perspectiva completamente diferente.

La protagonista será Summer H. Howell, quien fue elegida para interpretar a Carrie White tras un extenso proceso de casting en el que participaron más de mil aspirantes. La actriz dará vida a la adolescente marginada que, tras años de aislamiento bajo el estricto control de su madre Margaret, deberá enfrentarse al despiadado mundo de la escuela secundaria mientras descubre que posee extraordinarios poderes telequinéticos.

En esta versión, la historia comienza tras la muerte del padre de Carrie. Ese acontecimiento obliga a la joven a abandonar el encierro en el que vivió durante toda su infancia para ingresar a un colegio público. Allí deberá soportar el acoso escolar, que ahora encuentra una nueva dimensión gracias a las redes sociales, donde la humillación puede viralizarse en cuestión de minutos.

Ese es uno de los grandes cambios propuestos por Flanagan. La serie traslada el conflicto original al presente, explorando cómo el bullying, la exposición permanente y la presión digital pueden convertirse en un detonante tan devastador como el fanatismo religioso que marcaba la obra de 1974.

Junto a Howell, el elenco está encabezado por Samantha Sloyan como Margaret White, una madre obsesivamente protectora cuya personalidad tendrá más matices que en versiones anteriores. También participan Siena Agudong, Alison Thornton, Joel Oulette, Josie Totah, Arthur Conti, Amber Midthunder y Matthew Lillard.

A diferencia de la película de Brian De Palma de 1976, que condensaba la historia en poco más de una hora y media, el formato de ocho episodios permitirá desarrollar con mayor profundidad tanto los conflictos emocionales como los personajes secundarios. Flanagan adelantó que la serie explorará nuevas capas de la mitología de la telequinesis, incluyendo referencias al llamado “gen TK”, ampliando así el universo construido por Stephen King.

Sin embargo, el creador aclaró que no se trata simplemente de expandir la historia, sino de profundizar en los pequeños acontecimientos cotidianos que conducen a la tragedia. La serie busca responder una pregunta central: ¿Carrie es una víctima, un monstruo o una heroína nacida de la crueldad que la rodea?

La novela original fue publicada en 1974 y representó el comienzo de una carrera extraordinaria para Stephen King. Desde entonces, el escritor vendió más de 350 millones de ejemplares en todo el mundo y sus historias dieron origen a más de 300 adaptaciones entre cine y televisión.

La versión cinematográfica dirigida por Brian De Palma en 1976, protagonizada por Sissy Spacek y Piper Laurie, fue un fenómeno de crítica y público, además de obtener dos nominaciones al Oscar. Medio siglo después, sigue siendo considerada una de las mejores películas de terror de todos los tiempos y una referencia obligada dentro del género.

Con esta nueva adaptación, Prime Video apuesta por revitalizar un clásico sin perder su esencia. En tiempos donde las redes sociales amplifican la violencia cotidiana y el acoso puede volverse masivo en cuestión de segundos, Carrie encuentra un nuevo contexto para demostrar que los monstruos no siempre nacen con poderes sobrenaturales: muchas veces son creados por una sociedad incapaz de detener la crueldad.

El estreno del próximo 7 de octubre promete convertirse en uno de los grandes acontecimientos del streaming para los fanáticos del terror, consolidando además el excelente momento que viven las adaptaciones televisivas del universo de Stephen King.

Durante la época de mayor visibilidad de la trilogía El señor de los anillos, Sean Astin, actor que interpretó a Samwise Gamgee, enfrentó dificultades económicas inesperadas. En una entrevista reciente con The Guardian, Astin reveló que debió vender su casa en los primeros años de la década de 2000, pese al impacto global de las películas y la fama que adquirió por su papel en la obra dirigida por Peter Jackson. La causa, según explicó, fue haber negociado un salario considerablemente bajo para participar en las tres películas que redefinieron el género fantástico.

La trilogía El señor de los anillos, estrenada entre 2001 y 2003, se consolidó como un fenómeno cultural y comercial, acumulando una recaudación de 2.900 millones de dólares en todo el mundo. Sin embargo, Astin señaló que el reconocimiento público que recibió no se tradujo en estabilidad financiera inmediata. “Había una desconexión entre la atención que estaba recibiendo y cuánto dinero teníamos. ¡No era mucho dinero! De hecho, tuve que vender mi casa porque negocié una cantidad muy pequeña en la trilogía”, expresó el actor en la entrevista.

La situación financiera de Astin durante el rodaje contrasta con la percepción general sobre los actores de grandes franquicias. El propio actor detalló que recibió unos 75.000 dólares por cada película, sumando un total de 250.000 dólares por las tres entregas. Esta cifra resulta llamativa frente al éxito comercial de El señor de los anillos, una de las sagas más rentables de la historia del cine. El sistema de contratación de los actores fue un factor determinante para los bajos salarios. Astin explicó que el equipo liderado por Peter Jackson filmó las tres películas de manera consecutiva, una decisión que impidió a los actores renegociar sus contratos a medida que la saga ganaba popularidad. Según sus palabras, “no era el tipo de escenario lucrativo que te permitía vivir tranquilo el resto de tu vida”.

‘La caza de Gollum’, siguiente aventura

Elijah Wood, protagonista de la trilogía como Frodo Bolsón, compartió una visión similar en declaraciones previas a Business Insider. Wood explicó que New Line Cinema asumió un “verdadero riesgo” al rodar las tres entregas a la vez, lo que llevó a que el elenco aceptara salarios “no elevados”. El actor subrayó que el beneficio de ese acuerdo era formar parte de un proyecto que marcaría sus carreras de forma permanente. Otro de los actores principales, Orlando Bloom, quien interpretó a Legolas, también expuso en 2019 que su remuneración por la trilogía fue baja, situándose en 175.000 dólares por las tres películas, según comentó en una entrevista en “The Howard Stern Show”.

La confesión de Sean Astin sobre la venta de su casa evidencia la tensión que puede existir entre la fama y la realidad económica de los actores en grandes producciones. Aunque Astin aclaró que se encuentra en una situación financiera estable en la actualidad, reconoció que durante el apogeo de El señor de los anillos su familia y él no gozaban de una seguridad económica proporcional al éxito mediático de las películas. Astin afirmó: “No estaba preparado para ese nivel de visibilidad y acceso”, refiriéndose a cómo la notoriedad pública contrastó con los límites de su economía personal. Su relato destaca la estructura contractual de los grandes estudios, que en ocasiones priorizan la minimización de riesgos financieros sobre la remuneración de sus talentos protagonistas.

Actualmente, la franquicia de El señor de los anillos prepara su regreso a la gran pantalla con proyectos como La caza de Gollum, dirigido por Andy Serkis, y una nueva película coescrita por Stephen Colbert. Sean Astin no ha sido confirmado en estas nuevas producciones, pero anticipó que, de regresar, buscará mejores condiciones. El caso de Astin y sus compañeros de reparto ilustra cómo los acuerdos iniciales pueden dejar a los actores fuera de los beneficios a largo plazo, incluso en sagas que se transforman en fenómenos de la cultura popular. La experiencia de Astin pone en primer plano el debate sobre la equidad en la industria cinematográfica, sobre todo cuando el éxito comercial no se refleja en la compensación de quienes lo hacen posible. La historia de El señor de los anillos continúa expandiéndose en la industria del cine, mientras las vivencias de sus protagonistas revelan las complejidades económicas detrás de los grandes éxitos de taquilla.

Cristiano Ronaldo, uno de los futbolistas más reconocidos del mundo, prepara su desembarco en la industria televisiva con un proyecto propio que lo tendrá como actor y productor. El portugués encabeza la serie dramática Day 1s, una ficción ambientada en el universo de los agentes de fútbol, que marca además el debut de su productora UR•Marv Studios en colaboración con el cineasta Matthew Vaughn. El proyecto surge tras la reciente eliminación de Portugal en el Mundial, hecho que llevó a Ronaldo, actualmente jugador del Al-Nassr de Arabia Saudita a sus 41 años, a enfocarse en nuevas facetas profesionales. Según lo informado, Day 1s será la primera serie en la que el deportista asume un papel protagónico y ejecutivo, abriendo una nueva etapa en su carrera más allá del deporte.

Day 1s representa el primer trabajo televisivo de Ronaldo en carácter de actor y productor ejecutivo. El futbolista liderará el elenco y participará en las decisiones creativas del proyecto, que se produce bajo el sello de UR•Marv Studios, una filial lanzada junto a Matthew Vaughn, director de títulos como Kingsman y X-Men: First Class. La serie fue concebida como una apuesta audaz de Ronaldo para consolidar su presencia en la industria del entretenimiento, explorando un territorio hasta ahora ajeno para él. De acuerdo con el anuncio, el propio Ronaldo impulsó la idea de protagonizar y producir Day 1s, confiando en el potencial de la historia y el equipo detrás de cámaras. La serie se rodará principalmente en Londres y contará con la financiación independiente de UR•Marv Studios. Desde su lanzamiento, la productora ha finalizado dos largometrajes deportivos y ha declarado que buscará integrar tecnología innovadora sin dejar de lado los métodos tradicionales de producción.

La serie Day 1s está inspirada en una idea original del agente de fútbol Darren Dein y cuenta con guion y dirección a cargo de Matthew Vaughn. El relato gira en torno a Stanley Dalton, un agente británico de fútbol ficticio, y explora los desafíos, intrigas y dilemas éticos de quienes se desempeñan en ese ambiente profesional. El inicio de las grabaciones en Londres marca el punto de partida para la producción, que aspira a captar tanto al público futbolero como a los seguidores de las series dramáticas. Desde la producción se ha comparado la premisa de Day 1s con la de la reciente serie brasileña The Playoffs, emitida por Globo, donde también se retrata la vida de un agente deportivo. Sin embargo, el enfoque de la nueva serie busca diferenciarse por la presencia de figuras globales y una narrativa que combina tensión, humor y elementos propios del negocio del fútbol europeo.

Así será ‘Day 1s’

El elenco de Day 1s contará con Damian Lewis, conocido por su trabajo en Homeland, en el papel principal de Stanley Dalton. Además, se prevé la participación de estrellas invitadas vinculadas al fútbol de alto nivel, como Thierry Henry, y del rapero británico Dave. La inclusión de estos nombres refuerza la intención de unir el mundo del deporte con el espectáculo, proporcionando cameos y colaboraciones de alto perfil que buscan atraer a una audiencia diversa. Matthew Vaughn, productor y director británico, aporta su experiencia en la realización de películas como Lock, Stock and Two Smoking Barrels y Layer Cake. Su alianza con Ronaldo pretende posicionar a UR•Marv Studios como un nuevo jugador relevante dentro del sector audiovisual europeo, combinando la popularidad global del fútbol con el atractivo de las grandes producciones televisivas.

Cristiano Ronaldo, a sus 41 años, continúa jugando profesionalmente para el club saudí Al-Nassr, pero su reciente eliminación en octavos de final del Mundial ante España marcó el cierre de su carrera mundialista con Portugal. Este desenlace ha incentivado su búsqueda de nuevos horizontes fuera de las canchas. El futbolista, que a lo largo de su trayectoria ha defendido los colores del Real Madrid y el Manchester United, inicia ahora una etapa donde la televisión y la producción audiovisual ocupan un lugar central. Su apuesta por Day 1s refleja tanto su capacidad de reinventarse como su interés por explorar áreas creativas que trascienden el deporte.

El estreno de Obsession se ha convertido en uno de los mayores fenómenos cinematográficos de 2026. La película, dirigida por Curry Barker, sorprendió a la industria y al público al convertirse en un éxito de taquilla inesperado, impulsada por el boca a boca y el interés que generó su atmósfera inquietante dentro del género de terror de bajo presupuesto. El filme atrajo la atención tanto por sus cifras millonarias como por la interpretación de su protagonista, que fue ampliamente comentada entre críticos y espectadores.

Será precisamente Michael Johnston, el actor principal de Obsession, quien podría dar el salto del terror contemporáneo a la aventura clásica. Según confirmó Variety, Johnston se encuentra en negociaciones para sumarse al elenco de la cuarta entrega de La momia. Este movimiento lo posiciona en uno de los proyectos más esperados de los próximos años, junto a figuras consagradas de la franquicia.

La posible incorporación de Johnston representa un giro relevante en su carrera, ya que pasaría de encabezar una producción de terror independiente a integrarse en una superproducción de aventuras ambientada en el Egipto fantástico que caracteriza la saga de La momia. Johnston, que antes de Obsession era conocido por su trabajo en la serie Teen Wolf, ha visto cómo su popularidad creció aceleradamente tras el reciente éxito en cines. La cuarta entrega de la franquicia contará con el regreso confirmado de Brendan Fraser y Rachel Weisz, quienes retomarán los papeles de Rick O’Connell y Evelyn O’Connell, respectivamente. Ambos actores, galardonados con el Oscar, vuelven a encontrarse en pantalla después de que Weisz estuviera ausente en la tercera película, La momia: la tumba del emperador dragón (2008).

La saga, que debutó en 1999 con La momia, narra las aventuras de un cazador de tesoros que accidentalmente libera a un sacerdote egipcio maldito, desatando fuerzas sobrenaturales. Las dos primeras películas, La momia y El regreso de la momia (2001), fueron éxitos de taquilla y consolidaron a Fraser como uno de los protagonistas del cine de acción de la época. La reaparición de Weisz, un reclamo largamente esperado por los seguidores, añade valor a esta nueva entrega. A la lista de regresos se suma John Hannah, otro de los personajes más populares de la saga, cuya participación fue confirmada oficialmente.

El salto de Johnston a una franquicia como La momia evidencia la tendencia de los estudios a apostar por talentos emergentes que han demostrado su atractivo ante el público. En Obsession, Johnston obtuvo reconocimiento por su actuación en un contexto de terror psicológico y narrativas intensas, demostrando versatilidad y capacidad para liderar proyectos de gran impacto. Ahora, con la posibilidad de incorporarse a una de las sagas más exitosas del cine reciente, el actor se enfrenta al reto de combinar su experiencia en el cine de terror con el universo de aventuras, acción y misterio que define a La momia. Su llegada coincide con la estrategia de Universal Pictures de revitalizar la franquicia sumando nuevos rostros al elenco histórico. La dirección de La momia 4 estará a cargo de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, quienes han trabajado juntos en la saga Ready or Not.

El guion fue escrito por David Coggeshall, conocido por The Family Plan y Orphan: First Kill. La producción ejecutiva recae en Sean Daniel, involucrado en la franquicia desde sus inicios, junto a William Sherak, James Vanderbilt y Paul Neinstein de Project X Entertainment. Universal Pictures confirmó que el estreno mundial de La momia 4 está previsto para el 15 de octubre de 2027. Aunque los detalles de la trama permanecen bajo estricta reserva, la combinación de actores originales, la posible llegada de Michael Johnston y la dirección del nuevo equipo creativo generan expectativas elevadas en torno a la película. La saga de La momia ha acumulado más de 1.800 millones de dólares en recaudación desde su primera entrega, consolidándose como una de las franquicias más lucrativas y reconocibles del cine en las últimas décadas.

Emily Wilson publicó una crítica sobre la adaptación cinematográfica de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, en la que cuestionó distintos aspectos de la producción inspirada en el poema épico de Homero.

La académica, cuya traducción al inglés de la obra fue citada por el cineasta como una de las referencias para desarrollar la película, consideró que la versión cinematográfica carece de la profundidad presente en el texto original.

La reseña fue publicada en la London Review of Books y posteriormente retomada por distintos medios internacionales.

En ella, la profesora de Estudios Clásicos de la Universidad de Pensilvania sostuvo que la película no desarrolla de manera suficiente elementos relacionados con los personajes ni con los temas centrales de la obra de Homero.

“Carece de muchos de los elementos que hacen grande al poema. No tiene nada convincente que decir sobre el tiempo, la memoria, la historia, la guerra, ni sobre la relación entre el glorioso regreso de un guerrero y las vidas de su familia, adversarios, camaradas, amigos y vecinos”, expresó.

Wilson afirmó que había esperado que el interés de Nolan por los temas homéricos impulsara una nueva aproximación creativa a la historia y permitiera construir personajes con mayor complejidad.

“La Odisea presenta su habitual combinación de grandiosidad y superficialidad... la visión de la película es demasiado confusa, sus personajes demasiado poco desarrollados, para cumplir lo que promete a medias en cuanto a grandes ideas, aunque sí es muy buena a la hora de transmitir grandes explosiones y grandes gigantes”, expresó.

Y añadió: “Carece de profundidad psicológica, emocional, política y ética. Su estructura narrativa es artificiosa. La escritura es pésima. Ninguno de los personajes tiene una motivación convincente para sus acciones o palabras. No hay escenas de sexo y toda la comida tiene un aspecto horrible”.

Además, señaló que la película presenta una combinación de elementos visuales de gran escala con un desarrollo que, en su opinión, resulta limitado en cuanto a las ideas que propone.

Emily Wilson también cuestionó la estructura narrativa del largometraje y el guion, además de considerar que las motivaciones de los personajes no resultan suficientemente desarrolladas. “Me avergonzaría haber escrito cualquier parte de este guion”, concluyó.

Las declaraciones contrastan con los comentarios realizados previamente por Christopher Nolan durante la promoción de la película.

En entrevistas concedidas antes del estreno, el director explicó que utilizó como referencia la traducción de Emily Wilson publicada en 2017. En particular, destacó la frase inicial de esa versión, “Tell me about a complicated man” (“Háblame de un hombre complicado”), como un punto de partida para construir la interpretación de Odiseo, personaje interpretado por Matt Damon.

Antes de la publicación de su reseña, Wilson ya había manifestado algunas observaciones sobre la película durante una entrevista con The Sunday Times.

En esa conversación reiteró algunas de sus diferencias con la adaptación cinematográfica, aunque también señaló que el estreno representa un acontecimiento relevante para acercar al público a la literatura clásica.

La especialista indicó que el lanzamiento de la película ha contribuido a incrementar el interés por La Odisea y por las distintas traducciones disponibles de la obra, incluida la suya.

Además, consideró que la atención generada en torno al poema podría favorecer el interés por disciplinas como la literatura, las lenguas clásicas y la historia dentro del ámbito académico.

En el plano comercial, La Odisea también ha registrado resultados destacados en taquilla. Durante su segundo fin de semana en los cines de Estados Unidos recaudó alrededor de 90 millones de dólares, consolidándose como una de las producciones con mayor desempeño comercial del año.

Suri, hija de Tom Cruise y Katie Holmes, realizó un cambio legal de apellido y ahora figura oficialmente como Suri Noelle, de acuerdo con registros electorales obtenidos por la revista People.

El cambio aparece en su inscripción como votante en el condado de Allegheny, Pensilvania, donde actualmente cursa sus estudios universitarios.

La joven, de 20 años, estudia en la Universidad Carnegie Mellon, ubicada en Pittsburgh. Según la información publicada, se registró para votar durante su primer año académico, en octubre de 2024, utilizando el apellido Noelle en lugar de Cruise.

Noelle corresponde al segundo nombre de su madre, Katie Holmes. Hasta el momento, ni Suri ni sus representantes han realizado declaraciones públicas sobre los motivos del cambio de apellido.

Suri nació en abril de 2006, pocos meses antes de que Tom Cruise y Katie contrajeran matrimonio en noviembre del mismo año.

La pareja anunció su separación en 2012, poniendo fin a un matrimonio de casi seis años. Desde entonces, Holmes ha mantenido la custodia de su hija, quien ha desarrollado su vida académica y personal principalmente alejada de la atención mediática.

El cambio de apellido ya había quedado reflejado públicamente algunos meses antes de su registro electoral.

En junio de 2024, durante la ceremonia de graduación de la escuela secundaria, la joven utilizó el nombre Suri Noelle, de acuerdo con información difundida en ese momento por distintos medios estadounidenses.

Ese mismo fin de semana, Tom Cruise fue visto asistiendo a uno de los conciertos de la gira The Eras Tour de Taylor Swift en el estadio de Wembley, en Londres.

Tras la graduación de su hija y antes de su ingreso a la universidad, Katie Holmes concedió una entrevista a la revista Town & Country, en la que habló sobre esa nueva etapa en la vida de Suri.

La actriz expresó que se sentía orgullosa del logro académico de su hija y comentó que, aunque extrañaría tenerla cerca, consideraba que el inicio de la vida universitaria representa un periodo de nuevos comienzos y descubrimiento personal.

Durante los últimos años, Holmes ha realizado pocas declaraciones públicas sobre Suri, quien ha mantenido un perfil bajo mientras cursa sus estudios universitarios. En diciembre de 2024, la actriz respondió públicamente a versiones publicadas por algunos medios sobre la situación financiera de su hija.

En esa ocasión, Katie Holmes utilizó su cuenta de Instagram para desmentir un reporte del Daily Mail que aseguraba que Suri había tenido acceso a un fondo fiduciario atribuido a Tom Cruise al cumplir 18 años. La actriz calificó la información como falsa y pidió que dejaran de difundirse ese tipo de versiones.

Aunque Suri ha limitado sus apariciones públicas, en agosto de 2025 fue fotografiada durante una visita al set de filmación de Happy Hours en Nueva York, donde Katie trabajaba junto al actor Joshua Jackson. Madre e hija fueron vistas caminando por las calles de la ciudad antes del inicio de la jornada de grabación.

El cambio legal de apellido se conoce mientras Suri continúa con sus estudios universitarios en Pensilvania y mantiene un perfil discreto respecto a su vida personal.

En una entrevista con Entertainment Weekly durante la Comic-Con de San Diego, Chris Evans reveló que su regreso como Capitán América al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) comenzó a plantearse mucho antes de su participación en Avengers: Doomsday.

El actor explicó que durante varios años mantuvo abierta la posibilidad de volver a la franquicia y pidió al estudio continuar presentándole propuestas para una eventual aparición de su personaje.

Asimismo, el artista habló sobre las conversaciones que mantuvo con Marvel Studios después del estreno de Avengers: Endgame en 2019. S

Según relató, los productores Kevin Feige y Lou D’Esposito ya habían explorado posibles caminos para continuar la historia de Steve Rogers, incluyendo una trama en la que el personaje asumiría una nueva identidad conocida como Nomad.

“Cuando terminamos ‘Endgame’ en 2018, Lou y Kevin me invitaron a cenar y me dijeron: ‘Nos encantaría seguir haciendo películas con Steve Rogers como Nomad’. Y yo les dije: ‘Bueno, ¿qué tienen ustedes?’“, dijo.

Y añadió: “Fue una propuesta genial. Pero, por alguna razón, en ese momento no me pareció lo correcto… Era un poco celoso. Quería conservarlo. Pero simplemente les dije: ‘Por favor, sigan proponiéndolo’”.

Cabe recordar que en el cierre de Avengers: Endgame mostró a Steve Rogers viajando al pasado para devolver las Gemas del Infinito y posteriormente permaneciendo en esa época para vivir una vida junto a Peggy Carter, interpretada por Hayley Atwell.

La escena funcionó como una despedida del personaje dentro de la saga, aunque dejó abierta la posibilidad de futuras apariciones. Después de esa película, Chris Evans continuó recibiendo propuestas relacionadas con un posible regreso.

El actor indicó que durante años escuchó alrededor de una docena de ideas diferentes sobre cómo podría reincorporarse a la franquicia, pero ninguna terminó de concretarse debido a que no encontraba el enfoque adecuado para retomar al personaje.

“A lo largo de ocho años, escuché al menos una docena de propuestas. Todas eran maravillosas. Simplemente, nunca me convencieron del todo. Y uno empieza a pensar… tal vez no sea lo correcto, porque simplemente no lo es”, compartió.

Es así que la decisión de volver comenzó a tomar forma cuando recibió información sobre las conversaciones entre Robert Downey Jr. y el estudio para regresar a la franquicia. “Pensé: ‘Uy, uy. ¿Qué significa esto?’… Y de repente todo cobró sentido”, comentó.

Downey Jr., quien interpretó a Tony Stark, conocido como Iron Man, fue una de las figuras centrales del Universo Cinematográfico de Marvel hasta los acontecimientos de Avengers: Endgame.

Sin embargo, para Avengers: Doomsday, el actor no retomará ese papel, sino que interpretará a Victor von Doom, uno de los principales antagonistas de la nueva película.

Evans y Downey Jr. participaron en la Comic-Con de San Diego para promocionar sus respectivos regresos al universo de Marvel.

Durante el evento, el estudio mantuvo en reserva los detalles sobre las circunstancias narrativas que explicarán la aparición nuevamente de Steve Rogers en la próxima entrega de la saga.

La participación de Evans en Avengers: Doomsday representa su regreso al papel que interpretó por primera vez en Captain America: The First Avenger (2011) y que desarrolló a través de varias películas individuales y entregas de los equipos de los Vengadores.

Christine Begin Nickell compartió el testimonio de la última charla que mantuvo con su hijo, el cantante Oliver Tree, horas antes de que falleciera en un accidente de helicóptero en Brasil.

Durante el homenaje organizado en el Quarry Amphitheater de Santa Cruz, la madre relató que su hijo se mostraba “muy feliz” y “entusiasmado con la vida” mientras planificaba nuevos proyectos musicales junto a sus amigos.

La familia y quienes lo acompañaron buscan ahora sostener el legado artístico del músico a través de una fundación y un museo orientados a inspirar a jóvenes creadores.

La energía en la última conversación

En declaraciones recogidas durante el homenaje, Christine evocó la calidez y el entusiasmo de su hijo en aquella última comunicación. Según su relato, Oliver Tree le habló sobre sus planes inmediatos: “Me dijo que al día siguiente iba a tomar un helicóptero hacia una casa en la cima de una montaña para hacer música y TikToks con sus amigos”.

La madre detalló que ese contacto fue breve, pero dejó en evidencia el vínculo de confianza y complicidad que mantenían.

El accidente ocurrió el 14 de junio en Brasil y costó la vida del artista junto a otras cinco personas. Tree tenía 32 años y, según la reconstrucción de su entorno, atravesaba un momento de expansión laboral y personal. La convocatoria al homenaje en Santa Cruz reunió a familiares, amigos y figuras del espectáculo como Logan Paul, Ethan Klein, Diplo y Aaron Mercury.

Un vínculo marcado por el humor y el afecto

Durante su intervención, Begin Nickell compartió una anécdota sobre la promesa de su hijo de dejar de fumar durante la gira. “Le había escrito para preguntarle cómo iba su promesa de dejar de fumar una vez que estuviera de gira”, relató.

La respuesta llegó en forma de videollamada, con el músico exhalando una gran bocanada de humo frente a la cámara y riendo. Después de ese gesto, Tree habló de sus planes para el día siguiente, reafirmando la energía positiva que lo caracterizaba.

La madre destacó la cercanía y la complicidad entre ambos, y remarcó que su hijo mostraba un entusiasmo sostenido por sus proyectos. “Estaba entusiasmado con la vida”, subrayó Nickell en su intervención.

Recuerdos de la infancia y el despertar musical

Al repasar la infancia del cantante, Christine Begin Nickell recordó que eligió para su hijo un nombre “con los pies en la tierra”, aunque desde pequeño él expresaba deseos de ir más allá. Lo describió como un niño dulce e inquieto, con una energía inagotable.

“Se despertaba antes del amanecer, se instalaba en el pasillo junto a los dormitorios y se ponía a cantar. Aquellas actuaciones tempranas, agotadoras entonces para la familia, hoy me parecen sus comienzos en la música”, afirmó.

La madre explicó que, aunque no le dieron todo lo que deseaba, Oliver Tree aprendió a esforzarse por lo que quería. “Creció con hambre de ir por más, no en un sentido material, sino como impulso personal”, expresó Nickell.

Adolescencia, desafíos y transformación

La etapa adolescente del músico estuvo marcada por dificultades. Nickell relató que la muerte de su primo Wayne impactó a su hijo y lo llevó a experimentar con drogas.

“A los 17 años, dejó las drogas y se volcó a la música”, explicó la madre. Ese fue el punto de inflexión que transformó una vocación de la infancia en una búsqueda artística seria y profesional.

A partir de esa decisión, Tree comenzó a construir una identidad artística propia, un nombre y un universo alrededor de la música. “Se entregó por completo a ese proyecto”, enfatizó la madre, resaltando el compromiso del cantante con su obra.

Fundación y museo para preservar el legado

En el tramo final de su discurso, Begin Nickell expresó gratitud por el apoyo recibido desde la muerte de su hijo. Según sus palabras, la familia trabaja en la creación de la fundación Dr. Oliver Tree’s Extremely Epic Art Grant for Baby Geniuses y en un museo dedicado a su legado.

“La oleada de afecto y respaldo ha sido una fuente profunda de consuelo”, explicó la madre, quien remarcó la importancia de dar continuidad a los deseos y sueños del músico.

Las iniciativas buscan acompañar a jóvenes artistas y sostener la huella creativa de Oliver Tree. “La familia afronta ahora la tarea de poner en marcha la fundación y un museo para preservar su legado. Esas iniciativas buscan apoyar a artistas emergentes y cumplir los deseos que él dejó expresados”, expuso Nickell durante el homenaje.

Mantener vivo el impulso creativo

La madre del cantante cerró su intervención con el compromiso de mantener vivo el impulso y el espíritu de los proyectos trazados por Oliver Tree.

“Mi intención es llevar adelante ese trabajo y mantener vivo el impulso del proyecto que mi hijo dejó trazado”, concluyó Christine Begin Nickell, haciendo eco de la determinación familiar de sostener la memoria y la inspiración que el músico representa para nuevas generaciones de creadores.

Un pescador de 27 años fue detenido en Washington tras una investigación relacionada con la captura y manipulación de especies de tiburones protegidas, luego de que publicara en redes sociales videos en los que aparecía capturando ejemplares de tiburón de seis branquias y tiburón de siete branquias en aguas del estrecho de Puget.

El hombre identificado como Connor Seifert, residente de Tacoma, Washington, compartió en plataformas digitales imágenes y videos de sus actividades de pesca. Según las autoridades, algunas de las publicaciones mostraban la captura de especies cuya pesca recreativa está restringida por las regulaciones estatales.

De acuerdo con el Departamento de Pesca y Vida Silvestre de Washington, la investigación se desarrolló durante varios meses antes de que los agentes procedieran con la detención.

Las autoridades señalaron que Connor Seifert y otras personas fueron observados trasladando fuera del agua a un tiburón de seis branquias para realizar una fotografía antes de devolverlo al mar.

Los investigadores finalmente arrestaron al ladrón de tiburones en una operación encubierta. El caso fue anunciado oficialmente el 23 de julio, cuando las autoridades informaron la presentación de cargos contra el pescador.

En total, se presentaron nueve cargos por pesca recreativa ilegal en segundo grado, considerados delitos menores, además de un cargo por proporcionar una declaración falsa o engañosa a un funcionario público, clasificado como un delito menor grave bajo la legislación estatal.

Cada uno de los cargos por pesca ilegal puede representar una multa de hasta mil dólares y una pena de hasta 90 días de cárcel. El cargo relacionado con una declaración falsa contempla una posible sanción de hasta cinco mil dólares y hasta un año de prisión.

Las autoridades indicaron que recibieron 14 denuncias relacionadas con las actividades de Seifert. Según el departamento estatal, varias de estas quejas surgieron a partir del contenido publicado en sus redes sociales, donde aparecían videos de capturas de tiburones de seis y siete branquias.

Los investigadores señalaron que en algunos videos el pescador aparecía sosteniendo abiertas las mandíbulas de los tiburones.

Especialistas en conservación han señalado que la manipulación inadecuada de estos animales puede afectar su capacidad de respirar y representar un riesgo durante su liberación, especialmente en especies que requieren permanecer en movimiento para mantener el flujo de agua hacia sus branquias.

Los tiburones de seis branquias y siete branquias forman parte de especies que cuentan con regulaciones específicas de protección en determinadas zonas. Las normas de pesca buscan establecer límites sobre la captura y manejo de ejemplares con el objetivo de conservar las poblaciones marinas y reducir impactos derivados de actividades humanas.

Tras la presentación de los cargos, Connor Seifert se declaró no culpable, de acuerdo con registros judiciales. El pescador deberá comparecer nuevamente ante un tribunal en agosto para continuar con el proceso legal correspondiente.

En caso de recibir las sanciones máximas contempladas para los cargos presentados, el creador de contenido podría enfrentar una pena acumulada superior a tres años de prisión, además de multas económicas.

El caso generó atención debido a la difusión pública de los videos relacionados con las capturas y al debate sobre la regulación de actividades recreativas de pesca cuando involucran especies protegidas.

Las autoridades continúan utilizando reportes ciudadanos y material publicado en internet como parte de las investigaciones relacionadas con posibles infracciones a las normas de conservación.

Mientras avanza el proceso judicial, las autoridades mantienen las recomendaciones para que los pescadores conozcan y respeten las restricciones establecidas para determinadas especies marinas, así como los procedimientos adecuados para la manipulación y liberación de ejemplares protegidos.

Tom Holland afronta una nueva etapa profesional marcada por la honestidad en la promoción de sus películas. El actor británico, conocido por su interpretación de Spider-Man, compartió cómo ha evolucionado su relación con la prensa y la importancia de sentirse realmente representado por los proyectos que presenta al público.

“Cuando haces prensa de películas de las que estás realmente orgulloso, es muy fácil”, sostuvo Holland, quien actualmente promociona dos grandes estrenos.

La diferencia de promocionar películas que convencen

Durante el pódcast Dish, Tom Holland confesó que no siempre respaldó con entusiasmo todos los filmes en los que participó.

Según relató, la experiencia de recomendar una película varía radicalmente cuando el resultado final le parece satisfactorio: “Cuando me preguntan por qué el público debería ver una película, no siento que engaño a nadie, porque realmente creo en el valor de ese trabajo”.

El actor señaló que en ocasiones anteriores afrontó el proceso promocional sin convicción. “No debería, porque es una mierda”, admitió que llegó a pensar ante la pregunta sobre por qué alguien debía ver una de sus películas.

Esta declaración, espontánea y sin filtros, refleja una etapa en la que promocionar cine se convertía en un compromiso más que en una satisfacción profesional.

Un presente marcado por el orgullo y el aprendizaje

Holland contrasta ese pasado con su situación actual. Ahora vive una gira de prensa diferente, impulsada por el orgullo que siente por sus dos estrenos recientes.

“Estoy promocionando dos películas de las que me siento muy orgulloso”, remarcó el actor. La diferencia radica en la seguridad que tiene para recomendar los proyectos en los que participa.

Además de la satisfacción profesional, Holland valora el aprendizaje que le deja compartir escenario con colegas destacados. En su reciente gira de prensa ha trabajado junto a Anne Hathaway, a quien definió como una profesional. El actor destacó que “fue una gran experiencia de aprendizaje” y consideró enriquecedora la dinámica de promoción conjunta con la ganadora del Oscar.

Spider-Man: Brand New Day, un regreso esperado

Uno de los títulos que protagoniza esta etapa es Spider-Man: Brand New Day, que llegará a los cines el 31 de julio. En esta entrega, Holland retoma el papel de Peter Parker cinco años después de la última aparición del personaje en No Way Home (2021). Aquella historia concluyó con el mundo olvidando la identidad de Parker, dejándolo solo y sin amigos.

La nueva película enfrenta a Spider-Man a una amenaza inédita y relata su intento por reactivar la memoria de MJ, interpretada por Zendaya, y de su mejor amigo Ned, a cargo de Jacob Batalon.

El reparto se amplía con la participación de Sadie Sink, cuyo papel aún no se ha revelado, Mark Ruffalo como Hulk y Jon Bernthal como Punisher. Holland interpreta a Spider-Man desde 2016, cuando debutó en Captain America: Civil War.

The Odyssey, un desafío bajo la dirección de Christopher Nolan

El otro gran estreno de Holland es The Odyssey, dirigido por Christopher Nolan y ya disponible en cines. En este filme, el actor comparte cartel con Anne Hathaway, quien encarna a Penélope, madre de Telémaco, el personaje que interpreta Holland.

La colaboración con Nolan representa para el británico un desafío actoral significativo, que le ha permitido explorar nuevas dimensiones en su desarrollo profesional.

Holland subrayó que la promoción de ambos títulos le ha permitido vivir la gira de prensa con una satisfacción distinta a la de campañas anteriores. Esta vez, se siente respaldado por la calidad de los proyectos que presenta, lo que le permite recomendar las películas con sinceridad y entusiasmo.

Un giro en la relación con la prensa

El contexto actual de Tom Holland marca un cambio en su vínculo con la promoción y la industria. En entrevistas recientes, el actor británico manifestó que la honestidad y la seguridad profesional son esenciales para afrontar la exposición mediática.

El orgullo por sus trabajos y la oportunidad de compartir proyectos con colegas como Anne Hathaway y bajo la dirección de Christopher Nolan confirman un momento de madurez en su carrera, donde la satisfacción personal se convierte en motor para el diálogo con el público y la prensa.

Tom Holland habló sobre su experiencia durante las campañas de promoción de sus películas y reconoció que, en algunas ocasiones, ha enfrentado dificultades al responder preguntas sobre proyectos que no siempre le generaban el mismo nivel de entusiasmo.

El actor británico señaló que los ciclos de prensa pueden representar un reto cuando los intérpretes deben hablar públicamente de una producción.

Durante una reciente participación en el podcast Dish, conducido por Nick Grimshaw y Angela Hartnett, el famoso explicó que la promoción de una película resulta más sencilla cuando siente una conexión positiva con el proyecto.

“Cuando haces promoción de películas de las que estás muy orgulloso, es muy fácil. Porque cuando te preguntan por qué la gente debería ir a ver esta película, no le mientes a nadie”, dijo.

Y añadió: “De verdad crees que la gente debería ir a verla. He tenido experiencias en las que la gente me dice: ‘¿Por qué deberías ver esta película?’ Y en el fondo piensas: ‘No deberías, porque es una mierda’“.

En contraste, describió su actual racha de proyectos como “una especie de vuelta de honor”, y añadió: “Lo he disfrutado muchísimo. Estoy muy orgulloso de ambas películas”.

Actualmente, el actor se encuentra promocionando dos grandes producciones: La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, y Spider-Man: Brand New Day, ambas programadas para llegar a los cines con pocas semanas de diferencia.

Además de sus proyectos actuales, Holland habló sobre su siguiente papel cinematográfico: interpretará a Fred Astaire en una película biográfica dirigida por Paul King, realizador conocido por trabajos como Paddington y Wonka.

La producción se encuentra actualmente en fase de preparación y requerirá que el actor desarrolle las habilidades de danza asociadas con el legendario artista estadounidense.

De hecho, durante una entrevista con el programa Good Morning America, Holland explicó que realizará personalmente las secuencias de baile del proyecto.

El actor señaló que ya comenzó con los primeros ensayos y que regresará al estudio de danza una vez que termine la gira de promoción de sus películas actuales.

“Nuestro próximo proyecto es Fred Astaire, que es lo que tenemos planeado. En cuanto termine estas giras, volveré al estudio de danza. Hace poco hice mis primeros ensayos, y me llenó de emoción y a la vez de pánico, porque tengo muchísimo trabajo por delante para estar a la altura de Fred”, explicó.

Fred Astaire fue una de las figuras más reconocidas de la llamada Edad de Oro de Hollywood y alcanzó fama internacional por su trabajo como bailarín, actor y cantante en películas como Top Hat y Holiday Inn. Su estilo de interpretación y sus coreografías lo convirtieron en una referencia dentro del cine musical estadounidense.

Holland indicó que su preparación para este papel representa un desafío debido a la importancia del personaje que interpretará. También expresó su intención de realizar las escenas de baile sin utilizar dobles, con el objetivo de capturar la forma en que Astaire trabajaba sus números musicales en pantalla.

“Deseo no usar dobles. Bailar todo, filmar esos bailes en una sola toma, como lo habría hecho él”, dijo.

El interés de Holland por la danza se remonta a sus primeros años de carrera. Antes de convertirse en una figura reconocida del cine internacional, obtuvo notoriedad por interpretar a Billy Elliot en la producción teatral del mismo nombre en el West End de Londres, experiencia que marcó una etapa importante en su formación artística.

Rebecca Luna, conocida en TikTok por compartir su experiencia tras ser diagnosticada con Alzheimer de inicio temprano, falleció el 25 de julio a los 49 años mediante el procedimiento de Asistencia Médica para Morir (Medical Assistance in Dying, MAID), mecanismo legal vigente en Canadá.

La noticia fue confirmada a través de una publicación en su cuenta oficial de TikTok, donde se informó que la creadora de contenido falleció alrededor de la 1:15 p.m., acompañada por sus seres queridos. En el mismo mensaje, su familia agradeció las muestras de apoyo recibidas y solicitó privacidad.

Rebecca Luna residía en Victoria, en la provincia canadiense de Columbia Británica, y era madre soltera.

De acuerdo con información difundida en una campaña de recaudación de fondos creada para cubrir gastos relacionados con el final de su vida, mantenía una estrecha relación con su comunidad de seguidores en redes sociales, quienes siguieron de cerca la evolución de su estado de salud durante el último año.

Hasta el momento la campaña en GoFundMe lleva acumulado poco más de 11 mil dólares, con una meta de 20 mil dólares.

“He sido madre soltera (con mucho orgullo) toda mi vida, así que mis queridos seguidores me sugirieron que hiciera una campaña de GoFundMe para cubrir los gastos del final de mi vida y así no dejar a mis seres queridos con esa responsabilidad además de su propio dolor”, se lee en la descripción de la campaña.

La creadora de contenido anunció públicamente su diagnóstico de Alzheimer de inicio temprano en abril de 2025, cuando tenía 48 años.

A partir de ese momento comenzó a documentar en TikTok distintos aspectos de su enfermedad, incluyendo consultas médicas, cambios en su condición y el proceso que siguió para acceder al programa de Asistencia Médica para Morir.

Sus publicaciones alcanzaron una amplia audiencia y reunieron a una comunidad interesada en conocer más sobre esta forma poco frecuente de demencia que puede manifestarse antes de los 65 años.

Además de compartir actualizaciones personales, Rebecca Luna difundía información relacionada con la legislación canadiense sobre MAID y respondía preguntas de personas que buscaban conocer el funcionamiento del procedimiento.

Durante ese periodo también relató algunos momentos personales vinculados a su actividad como creadora de contenido.

Entre ellos destacó el encuentro con la cantante británica Lily Allen, a quien consideraba una de sus artistas favoritas. Luna explicó que logró conocerla durante un concierto después de expresar públicamente su deseo de tomarse una fotografía con ella.

Días antes de su fallecimiento, Rebecca Luna informó a sus seguidores que la fecha prevista para acceder al procedimiento había sido modificada.

Inicialmente estaba programada para principios de agosto; sin embargo, posteriormente comunicó que se realizaría el 25 de julio. En un video publicado poco antes de esa fecha explicó que la decisión se había tomado tras evaluar su situación médica y personal.

En ese mismo mensaje señaló que el deterioro asociado con la enfermedad había influido en su determinación. También indicó que dedicaría sus últimos días a convivir con sus familiares antes de la fecha establecida.

Rebecca Luna reunió cerca de 100 mil seguidores en su cuenta más reciente de TikTok, donde publicó de manera constante videos relacionados con su experiencia viviendo con Alzheimer de inicio temprano.

A lo largo de más de un año utilizó la plataforma para compartir información sobre su diagnóstico, las decisiones médicas que enfrentó y el desarrollo de su tratamiento.

La artista dio a conocer su estado de salud durante el fin de semana y explicó que decidió compartir la información después de recibir numerosas preguntas de sus seguidores sobre su ausencia.

De acuerdo con un comunicado obtenido por la revista People, la intérprete de “You’re So Vain” señaló que actualmente recibe tratamiento por la enfermedad de Parkinson.

“Mucha gente me ha escrito, preguntándose amablemente por mi relativo silencio, cómo estoy y qué he estado haciendo. La verdad es que he estado aprendiendo a vivir con la enfermedad de Parkinson. Me ha llevado tiempo comprender el diagnóstico, adaptarme a él y decidir cuánto quería compartir públicamente”, indicó.

Asimismo, indicó que fue sometida a una intervención quirúrgica para tratar un carcinoma basocelular, un tipo de cáncer de piel que se desarrolla con frecuencia en las células basales de la epidermis.

“Me extirparon el cáncer, pero la cirugía afectó mi apariencia y me hizo sentir más cohibida al ser vista en público. Siempre he sido más crítica con mi aspecto de lo que nadie podría imaginar (¡qué ironía que haya escrito «Eres tan vanidosa»!), y esto le dio a mi crítico interior mucho material nuevo", indicó.

A pesar de las condiciones médicas que atraviesa, la cantante, de 83 años, afirmó que ha continuado con sus actividades personales y profesionales.

“El Parkinson es diferente para cada persona y puede ser impredecible. Algunos días estoy tan cansada que no puedo ni empezar el día. Otros, me da un poco más de margen para moverme, pensar, trabajar y sentirme yo misma”, expresó.

Por si fuera poco, Carly Simon reveló que la enfermedad comenzó con problemas de artritis en ambas rodillas y en la cadera. Posteriormente se sometió a tres cirugías para reemplazar las tres articulaciones con metal y plástico.

“Después de tres cirugías de reemplazo, asumí que mi dificultad para caminar era simplemente una parte desafortunada y bastante irónica del proceso de recuperación. Pero mi movilidad siguió empeorando”, señaló.

Y añadió: “Me costaba levantarme de sillas bajas y sofás profundos sin que alguien me ayudara. Los muebles mullidos se convirtieron en mi peor enemigo. Una vez sentada, sentía como si la silla me hubiera engullido y pudiera quedarme allí para siempre, como una invitada que se ha quedado demasiado tiempo”.

Sin embargo, la famosa aseguró que llegó un momento en que no podía caminar sin ayuda, por lo que tras una evaluación exhaustiva en la Clínica Mayo, le diagnosticaron Parkinson.

En el mismo comunicado, Carly Simon habló sobre algunos de los efectos físicos y emocionales derivados de sus problemas médicos. Mencionó el dolor, el cansancio y la carga mental asociados con su situación de salud, además de referirse a los cambios que ha experimentado en su rutina diaria.

“El Parkinson suele asociarse con problemas de movimiento, temblores y equilibrio, pero puede afectar mucho más que al cuerpo. Puede provocar ansiedad, depresión, agotamiento y apatía. Eso ha sido una de las cosas más difíciles de explicar. No se trata simplemente de tristeza o pereza”, comentó.

La cantante señaló que actualmente se desplaza con mayor lentitud y que depende más del apoyo de otras personas que en etapas anteriores de su vida. También explicó que ha aprendido a aceptar que cada jornada puede ser diferente.

Pese a ello, la artista prepara la publicación de Comes in Waves, el que será su primer álbum de larga duración desde 2008. El próximo lanzamiento marcará su regreso con un material de estudio después de más de una década sin editar un disco completo.

La última presentación pública de Carly tuvo lugar en 2019, cuando participó en la edición número 31 del Tibet House US Benefit Concert & Gala, celebrado en el Carnegie Hall.

El avance se presentó durante el panel del sábado en la Comic-Con de San Diego, donde el equipo creativo también ofreció detalles sobre el enfoque de la serie.

La miniserie, de ocho episodios, estará a cargo de Mike Flanagan —creador de La maldición de Hill House y Misa de medianoche— como guionista, productor ejecutivo, showrunner y director.

Trevor Macy ejercerá como productor ejecutivo, y Amazon MGM Studios producirá el proyecto.

El tráiler recorre escenas del gimnasio escolar, el momento en que Carrie White recibe la corona en el baile de graduación y su posterior grito en medio de un incendio.

El avance anticipa la historia de una adolescente inadaptada que, tras la muerte repentina de su padre, ingresa por primera vez a la escuela pública y debe enfrentar un escándalo de acoso, la presión de las redes sociales y el despertar de poderes telequinéticos.

Summer H. Howell interpretará a Carrie White. La actriz fue elegida entre más de mil audiciones.

En declaraciones recogidas por Deadline, describió el proceso de construcción del personaje: “Se siente como si mi Carrie llegara a este mundo muy abierta y emocionada, quiere hacer amigos, ir a la escuela y conocer gente. Nunca ha experimentado a nadie más que a su mamá y a su papá”.

Flanagan explicó en el panel de la Comic-Con que su versión se aparta de las adaptaciones anteriores.

"Carrie fue escrita hace medio siglo. Carrie fue adaptada de manera espectacular por Brian De Palma. Es intocable. No hay razón alguna para intentar seguir esos pasos. El mundo, sin embargo, ha cambiado bastante", señaló el cineasta.

Para actualizar la historia a los tiempos actuales, Flanagan invitó a varios estudiantes de preparatoria a la sala de guionistas.

“Compartieron situaciones impactantes o un trato constante y microagresiones que no necesariamente se presentan como acoso dirigido”, afirmó en declaraciones recogidas por el citado medio.

Y agregó: “Nos adentraremos en la crueldad del mundo actual y en cómo el internet la alienta, la recompensa, la celebra y la amplifica. Esto es terrible para los adultos, y para los adolescentes aún más”.

El director también abordó la escena del baile de graduación. Según reportó Gizmodo, Flanagan la describió como “la escena más compleja que jamás he filmado” y advirtió que, aunque el público crea conocer lo que sucede en ese momento, “no lo sabe”.

“Creo que mucha gente cree que sabe lo que es el programa. Y lo que más me emociona hoy es saber qué gran sorpresa va a ser nuestra Carrie“, sostuvo.

Todo sobre la nueva adaptación de “Carrie”

Además de Summer H. Howell en el rol protagónico de Carrie, el reparto incluye a Siena Agudong como Sue Snell, Matthew Lillard como el director Grayle, Samantha Sloyan como Margaret White, Alison Thornton como Chris Hargensen, Thalia Dudek como Emaline, Amber Midthunder como la señorita Desjardin, Josie Totah como Tina, Arthur Conti como Billy y Joel Oulette como Tommy.

El elenco se completa con Heather Graham, Kate Siegel, Michael Trucco, Katee Sackhoff, Rahul Kohli, Crystal Balint y Danielle Klaudt. Cabe destacar que Sloyan, Siegel y Kohli son habituales colaboradores de Mike Flanagan.

Thornton, quien da vida a la antagonista Chris Hargensen, destacó ante Deadline la dinámica de trabajo en el set: “Era muy importante que nos tuviéramos confianza desde el principio, porque el programa es muy oscuro y el set tenía que ser un espacio seguro”.

La serie constituye la primera adaptación televisiva de la novela de Stephen King. El libro, publicado en 1974, llegó al cine por primera vez en 1976 de la mano de De Palma, en una película con nominación al Oscar protagonizada por Sissy Spacek.

Le siguieron Carrie 2: La ira (1999), una versión para televisión en 2002 y un remake en 2013 dirigido por Kimberly Peirce, con Chloë Grace Moretz y Julianne Moore en los roles principales.

Howell, quien tenía 21 años durante el rodaje, tiene la oportunidad de aportar una mayor verosimilitud al personaje adolescente que sus predecesoras en el rol, debido a la extensión que permite el formato en pantalla chica.

La joven estrella tiene experiencia previa en el género de terror, con apariciones en títulos como Curse of Chucky, Cult of Chucky y Channel Zero, entre otros.

El proyecto fue anunciado en octubre de 2024 y recibió luz verde de Amazon en abril de 2025. La producción concluyó en octubre del mismo año.

La miniserie fijó su fecha de estreno en Prime Video para el 7 de octubre de 2026.

El actor y exluchador John Cena decidió hacer pública su experiencia con dos trasplantes capilares, un proceso que sumó más de 20 horas en el quirófano y marcó un antes y un después en su vida. Enfrentar la caída del cabello fue especialmente desafiante para alguien cuya imagen está constantemente bajo escrutinio, tanto en el mundo del espectáculo como en el deporte.

En conversación con People, Cena relató que la decisión de someterse al procedimiento fue acompañada por la guía de su médico: “El objetivo es tener más cabello, y esta era la manera de lograrlo, hablando con Ken Anderson, mi doctor”. El actor no dudó en elogiar al especialista, afirmando: “Me encanta ese tipo. Ha cambiado mi vida por completo”.

Motivos que llevaron a Cena a someterse a los trasplantes

La presión del público jugó un papel clave en el recorrido de Cena hacia la restauración capilar. Durante sus presentaciones en la WWE, los comentarios y carteles referentes a su calvicie lo obligaron a tomar conciencia sobre su imagen y a preguntarse qué alternativas tenía a disposición.

La exposición reiterada a las bromas y observaciones lo llevó a investigar tratamientos y a informarse en profundidad, buscando una solución para recuperar la densidad y mejorar su confianza frente a la audiencia.

El propio Cena lo relató de forma directa: “Intentando ocultar mi calvicie, la audiencia lo sacó a la luz. Vi sus carteles que decían: ‘El calvo John Cena’. Ellos me empujaron a ver cuáles eran mis opciones y realmente informarme sobre la salud del cuero cabelludo, la salud capilar y de los folículos”.

Esta presión persistente lo animó a establecer una rutina de cuidados, incorporar terapias y productos específicos y considerar finalmente el trasplante como una posibilidad real y efectiva.

Cómo fue el proceso quirúrgico

El procedimiento quirúrgico de Cena constó de dos operaciones principales: la primera se extendió por trece horas y media, y la segunda duró ocho horas. El médico Ken Anderson le propuso raparse la cabeza, explicando que esto permitiría conservar los folículos y facilitar la precisión en el implante.

El actor resaltó la exigencia física y emocional del proceso, reconociendo que la duración y la preparación mental fueron aspectos determinantes para enfrentar ambas intervenciones con optimismo.

Cena expresó su confianza absoluta en el tratamiento y en su médico: “Estoy luciendo este asunto del cabello con la promesa de que él está trabajando. Tengo total confianza y fe en él con este proceso.”

Además, compartió su experiencia en redes sociales, agradeciendo: “Segunda ronda de tratamiento FUE y esta vez fui con todo para lograr los mejores resultados. Gracias Ken Anderson, y al equipo de Anderson Center for Hair por acompañarme en este viaje.”

El impacto en su vida personal y profesional

La transformación física tuvo un impacto inmediato en el bienestar y la seguridad de Cena. Recuperar densidad capilar le permitió desenvolverse con mayor naturalidad tanto en la vida cotidiana como en sus presentaciones públicas, aportando un renovado sentido de control sobre su imagen.

El propio actor reconoció que el cambio fue clave para restablecer su autoestima y disipar inseguridades que venía arrastrando desde hacía años, especialmente en situaciones sociales.

En lo profesional, el efecto fue igual de significativo. Cena destacó que el nuevo aspecto amplió sus posibilidades en la industria del entretenimiento: “Un peinado diferente puede identificar un papel que puede darme más trabajo, hacer lo que amo”.

El trasplante no solo diversificó su rango interpretativo, sino que también abrió puertas para acceder a personajes y oportunidades que antes consideraba fuera de su alcance debido a las limitaciones visuales que le imponía la calvicie.

El estigma sobre los tratamientos capilares

Durante la entrevista, Cena abordó el estigma social que pesa sobre los hombres que recurren a tratamientos capilares. Admitió que el temor al prejuicio fue el principal motivo por el que postergó la intervención durante años, pese a que la solución estaba al alcance de su mano.

El actor lamentó el tabú que rodea estos procedimientos y reflexionó sobre cómo la presión social puede demorar decisiones que mejorarían la calidad de vida de muchas personas.

“Odio el hecho de que, si no hubiera tanto estigma, lo habría hecho hace 10 años. Pensé que estaba solo, pero siete u ocho de cada diez [hombres] sufren de adelgazamiento o calvicie”, expresó.

Cena subrayó que el procedimiento emplea únicamente el propio cabello: “No hacen nada más que mover tu cabello, uno por uno, de un área a otra. Es mi cabello... Si alguien me va a criticar por eso, no creo que haya vergüenza en ello. Cambió por completo el rumbo de mi vida”.

MrBeast reunió a algunas de las figuras más reconocidas del deporte y el entretenimiento para conceder deseos a 100 niños afectados por el cáncer y recaudar fondos para la investigación científica.

El video, titulado “We Helped 100 Kids Fight Cancer” (Hemos ayudado a 100 niños a luchar contra el cáncer) y publicado el 25 de julio en YouTube, muestra al creador de contenido Jimmy Donaldson junto a estrellas como LeBron James y Dwayne Johnson en una serie de sorpresas para pequeños pacientes y sobrevivientes de la enfermedad.

El proyecto marca una alianza entre Beast Philanthropy —la organización benéfica de Donaldson—, la organización Stand Up to Cancer (SU2C), la empresa biofarmacéutica Amgen y la St. Baldrick’s Foundation, dedicada a la investigación del cáncer infantil.

La campaña busca financiar un nuevo equipo de científicos denominado SU2C Pediatric Cancer Dream Team, que reunirá a investigadores de distintas instituciones para acelerar el desarrollo de tratamientos pediátricos.

Donaldson anunció que él, Amgen y St. Baldrick’s realizarán una donación combinada de 6,5 millones de dólares para impulsar ese equipo, mientras que St. Baldrick’s se comprometió por separado a recaudar 1,5 millones de dólares adicionales para la campaña.

Uno de los momentos centrales del video tuvo lugar en la escuela I PROMISE School de Akron, Ohio, operada por la LeBron James Family Foundation.

Allí, el astro de la NBA sorprendió a seis niños de St. Baldrick’s y otros sobrevivientes de cáncer pediátrico, con quienes compartió una cancha de baloncesto.

James también entregó a Donaldson las llaves de House Three Thirty, un espacio comunitario de su fundación en Akron.

“Fue un honor compartir la cancha con ellos, y aún mejor compartir nuestro espacio y crear recuerdos increíbles junto a sus familias”, declaró James. “Queríamos que supieran que son superhéroes de la vida real”, agregó el jugador.

La reacción de los niños ante la aparición de James quedó plasmada en el video: “Literalmente estoy a punto de explotar. Creí que estaba soñando”, expresó uno de ellos.

El clip también contó con la participación de La Roca y otros creadores y celebridades como IShowSpeed, KSI, LaurenZSide, Sam and Colby y el médico Dr. Mike.

El grupo musical Stray Kids ofreció una actuación y una sesión de encuentro con sus seguidores, entre ellos un niño llamado Ezra.

Otro participante recibió una experiencia de Fórmula 1, mientras que un joven aficionado al fútbol americano que había sido apartado de los deportes durante su tratamiento vivió un momento especial con los Pittsburgh Steelers.

MrBeast también se asoció con Disney para llevar a tres niños al resort Aulani en Hawái y sorprenderlos con una invitación al estreno de la película de acción real Moana, donde conocieron a Dwayne Johnson.

El video arrancó con Mac, un niño que había completado recientemente su tratamiento y cuyo deseo era esquiar.

El cierre del proyecto lo protagonizó un participante anónimo que pidió a Donaldson usar la oportunidad para ayudar a otros pacientes con cáncer.

Esa solicitud derivó en una campaña de donación de sangre en Greenville, Carolina del Norte —ciudad natal de MrBeast—, con el objetivo de salvar hasta 1.000 vidas.

Durante una visita al Children’s Hospital Los Angeles, Donaldson conversó con el doctor Alan S. Wayne sobre la necesidad de ampliar la investigación oncológica.

“Más de 105.000 niños en el mundo pierden la vida cada año por el cáncer, y estamos trabajando para cambiar eso”, afirmó MrBeast.

Katie Couric, cofundadora de SU2C, valoró el alcance de la iniciativa: “El cáncer es la principal enfermedad que mata niños en Estados Unidos. Cada niño merece la oportunidad de crecer”, señaló Couric, al tiempo que ponderó la capacidad de convocatoria de Donaldson, cuya audiencia en YouTube rivaliza con la de grandes eventos televisivos en vivo.

Tres actores británicos con presencia en Hollywood —Benedict Cumberbatch, Alan Cumming y Benedict Wong— pidieron este lunes al Gobierno del Reino Unido que bloquee la fusión entre Paramount y Warner Bros. Discovery, en un artículo de opinión publicado en The Guardian en el que advierten que la operación “amenaza con causar un daño inmenso al público británico”.

El texto, dirigido a la secretaria de Estado de Cultura, Lisa Nandy, sostiene que su intervención podría “ser una de las decisiones más trascendentales que cualquier secretaria de Cultura haya tomado para el cine, la televisión y los medios del Reino Unido en toda una generación".

La carta señala que la fusión —valorada en 110.000 millones de dólares— derivará en “despidos, producciones canceladas, menos películas encargadas y menos riesgos asumidos”.

Los actores reconocen que ese aspecto corresponde en mayor medida a la Autoridad de Competencia y Mercados (CMA, por sus siglas en inglés), organismo que también revisa la operación, pero insisten en que a Nandy le corresponde determinar si la fusión responde al interés público. Su respuesta es categórica: “Definitivamente, no”.

El eje central del artículo es la concentración de medios de comunicación que produciría la operación. Paramount ya controla Channel 5, uno de los cinco canales de televisión de servicio público del Reino Unido, y CBS en Estados Unidos.

Si la adquisición de Warner Bros. Discovery prospera, CNN y CNN International quedarían también bajo el mismo propietario.

“Si un único propietario con intereses comerciales controla el acceso a ambos [archivos de noticias de CNN y CBS], controla la materia prima de nuestra memoria histórica”, señala el texto recogido por The Guardian.

Los tres actores advierten que esa acumulación de poder informativo va más allá de una fusión empresarial ordinaria. Cuando distintos propietarios gestionan distintas redacciones, una historia que uno considera inconveniente puede llegar igualmente al público a través de otro.

Al unirse en una sola compañía, “las ansiedades comerciales —o las deudas políticas— de una sola junta directiva determinan lo que millones de personas ven y lo que nunca sabrán que existió”, escribieron los artistas.

El artículo también alude a las consecuencias económicas para la industria audiovisual británica. El sector emplea a más de 180.000 personas, registró un gasto de producción de 6.800 millones de libras el año pasado y aporta cerca de 12.000 millones de libras anuales a la economía.

Cumberbatch, Cumming y Wong recuerdan lo ocurrido tras operaciones anteriores: cuando Discovery se unió a WarnerMedia en 2022, archivó películas ya terminadas y eliminó miles de puestos de trabajo; cuando Skydance se fusionó con Paramount el año pasado, prescindió de cerca de 2.000 empleados.

El texto cierra con una exhortación directa a la secretaria de Estado: “Nandy ha abierto la puerta a la intervención. Debe atravesarla, por el bien de todos los que hacen televisión y cine en el Reino Unido, y de todos los que los ven. Si no lo hace, nos quedaremos sin capacidad para proteger nuestra industria y nuestra cultura de esta consolidación. No debemos apartar el interés público; debemos defenderlo y bloquear esta fusión”.

Nandy ya había manifestado que está “dispuesta a intervenir” en la operación, aunque el Parlamento permanece en receso hasta el 1 de septiembre.

La secretaria de Estado afronta además otros asuntos mediáticos de envergadura, entre ellos la adquisición de ITV por parte de Sky —propiedad de Comcast— y la renovación de la carta real de la BBC.

La operación entre Paramount y Warner Bros. Discovery enfrenta resistencia en varios frentes. En Estados Unidos, 12 estados, liderados por California, presentaron una demanda federal para impedir la fusión, y el pasado viernes Paramount acordó posponer la operación hasta que se celebre el juicio antimonopolio.

La semana pasada, la Comisión Europea dio luz verde a la fusión, aunque con condiciones.

A propósito del estreno de La Odisea, la vida personal de Christopher Nolan cobró relevancia una vez más y usuarios en redes sociales recordaron el caso que ensombreció su historia familiar.

Matthew Nolan, el hermano mayor del director, fue acusado en 2009 de participar como sicario en el asesinato del financiero estadounidense Robert Cohen en Costa Rica, según documentos judiciales.

Cohen, de 63 años, trabajaba como contador para el millonario comerciante de gemas Robert Breska, con sede en Florida.

Según documentos judiciales, cuando aproximadamente cinco millones de libras esterlinas del dinero de Breska desaparecieron, este culpó a Cohen, pese a que existen contraindicaciones que apuntan al socio comercial costarricense de Cohen, Mario Quintana, como el responsable.

Quintana apareció muerto de un disparo en lo que fue catalogado como un aparente suicidio en 2004.

Antes de morir, Cohen había dejado constancia de sus temores en una carta hallada por el FBI: “Breska es capaz de poner en peligro mi vida... si algo me llegara a ocurrir, el señor Breska sería el responsable”.

Breska habría contratado a Matthew Nolan para recuperar el dinero perdido. En marzo de 2005, lo presentó a Cohen en Costa Rica bajo la identidad falsa de Matthew McCall Oppenheimer, supuestamente un miembro de la dinastía de diamantes Oppenheimer.

Los documentos del tribunal señalan que “Breska le dijo a Cohen que este hombre era un multimillonario y miembro de una familia dedicada al negocio de la joyería”.

En ese viaje, Matthew conoció también a Luis Alonso Douglas Mejia, un botones de hotel que posteriormente fue condenado en Costa Rica por el secuestro y asesinato de Cohen.

Testigos declararon haber visto a Cohen y a Matthew juntos en la capital, San José, antes de que este y Mejia presuntamente forzaran a la víctima a subir a un automóvil.

De acuerdo a los documentos judiciales, las autoridades costarricenses sostuvieron que la pareja torturó a Cohen, con daños en sus órganos internos que “causaron una hemorragia masiva y resultaron en la muerte”.

Un patólogo costarricense habría encontrado evidencia de que la víctima fue sometida a dolor y sufrimiento antes de morir. Su cuerpo fue hallado el 10 de marzo de 2005 cerca de la costa caribeña del país.

Los documentos de la causa, resumidos en la plataforma legal Casetext, describen la acusación de Costa Rica en estos términos:

“Costa Rica sostiene que Mejia contactó al acusado [Nolan] y, por una cantidad de dinero aún no determinada, contrató sus servicios; ambos planearon la manera en que privarían a la víctima de su libertad para luego asesinarlo”.

El juez Michael T. Mason, en la audiencia de extradición, observó que Matthew había salido del país al día siguiente del hallazgo del cuerpo y añadió: “Hay evidencia competente de que Nolan continuó sus esfuerzos para localizar los activos de Breska tras la muerte de Cohen”.

A pesar de ello, el tribunal determinó que existían “pruebas insuficientes” para extraditarlo a Costa Rica por los cargos de secuestro agravado y homicidio agravado, por lo que las autoridades costarricenses abandonaron su solicitud en 2010. Matthew no fue condenado por los cargos de asesinato.

El agente del FBI, Pablo Araya, quien arrestó a Matthew, expresó sus dudas ante The Daily Mail: “No sé cómo pagó su defensa. Estaba en quiebra. Alguien pagó por un abogado de alto perfil”.

Su abogada, Andrea Gambino, fue tajante: “Matthew Nolan es inocente de los cargos que le imputa el gobierno de Costa Rica”.

Mientras permanecía detenido en el Centro Correccional Metropolitano de Chicago durante la revisión de los cargos, Matthew intentó fugarse.

Las autoridades encontraron en su celda, según informó NBC Chicago, “una navaja, un arnés, un clip metálico para abrir esposas y nueve metros y medio de cuerda hecha con sábanas“.

Aunque nunca llegó a ejecutar la huida, fue condenado a 14 meses adicionales de prisión en 2010 tras declararse culpable de posesión de contrabando en la cárcel y obstrucción a la justicia. El paradero actual de Matthew Nolan es desconocido.

Christopher Nolan y su hermano menor Jonathan Nolan —conocido por cocrear la serie Westworld y por su colaboración en películas como Memento, El caballero oscuro, El caballero oscuro: La leyenda renace e Interestelar— nunca se han pronunciado públicamente sobre los cargos contra Matthew.

David Jonsson fue confirmado como el nuevo Black Panther en la tercera entrega de la franquicia de Marvel Studios, según anunció el director Ryan Coogler durante el panel de la sala Hall H en la San Diego Comic-Con 2026.

La película, aún sin título oficial, tiene previsto su estreno para el 15 de diciembre de 2028.

Jonsson, de 32 años, interpretará al Príncipe T’Challa II, el hijo adulto del personaje que Chadwick Boseman llevó a la pantalla en Black Panther (2018).

Se trata del mismo niño —conocido como Toussaint, hijo de T’Challa y de Nakia, personaje de Lupita Nyong’o— que fue presentado al final de Black Panther: Wakanda Forever (2022).

“La última vez que hicimos una película, presentamos a un personaje que es el hijo del personaje que el gran Chadwick Boseman interpretó, nuestro T’Challa, en ese filme”, dijo Coogler ante el público reunido en la convención. “En esta próxima película, crece y llega a la madurez”, añadió el cineasta.

Cuando Jonsson salió al escenario, recibió una ovación de pie. “Quiero decir muchas gracias. Gracias, Ryan, gracias, Kevin [Feige], gracias a esta increíble familia a la que tengo el honor, el privilegio y la bendición de unirme”, expresó el actor. “Realmente no quiero decir demasiado porque quiero dejar que la pantalla hable. Pero créanme, el honor es completamente mío”, completó.

El presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, reveló a la revista Empire que la decisión de fichar a Jonsson se tomó entre cinco y seis meses antes del anuncio público, y que partió de una iniciativa personal de Coogler.

“Aún no habíamos comenzado una búsqueda. Ryan estaba trabajando en Sinners y cuando Ryan trabaja en un proyecto, está completamente volcado en él. La presunción era que nos sentaríamos con él después de que Sinners se estrenara, tras la campaña de los premios de la Academia", explicó Feige a Empire.

Fue el propio Coogler quien tomó la iniciativa. “Aproximadamente un mes y medio antes de que comenzara ese proceso, me llamó y dijo: ‘Lo encontré’. Yo le dije: ‘¿Qué quieres decir?’ Y él respondió: ‘Lo encontré. Es este tipo, David Jonsson’”, relató Feige.

El director concertó entonces un encuentro reservado con el actor. “Tuvo una reunión secreta con él, en la oscuridad, en un hotel en algún lugar, y me llamó después y dijo: ‘Es él, es él. Lo sentí. Lo sentí en mi alma. Es un buen hombre y es el próximo Black Panther’”, citó Feige, según recogió Empire. “Me estremecí, se me aguaron los ojos y dije: ‘Hagámoslo’”, añadió el productor.

Nacido en Londres en septiembre de 1993, David Jonsson es el menor de cuatro hermanos. Su padre trabajó como ingeniero de sistemas en el aeropuerto de Heathrow y su madre prestó servicios en la Policía Metropolitana. Se formó en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA), de donde egresó en 2016.

Su trayectoria profesional arrancó ese mismo año y fue ganando visibilidad con papeles en producciones como la serie Industry, de BBC Two y HBO, donde dio vida a Augustus Sackey entre 2020 y 2022.

La comedia romántica Rye Lane le aportó reconocimiento de la crítica, y su papel como el androide Andy en Alien: Romulus (2024) lo catapultó a las grandes producciones. Al año siguiente protagonizó The Long Walk, adaptación de la novela de Stephen King.

Los premios acompañaron su ascenso: en 2025 obtuvo el galardón de estrella emergente en los Premios BAFTA por su trabajo en Alien: Romulus, y en 2026 recibió el Premio Robert Altman en los Film Independent Spirit Awards.

También se llevó el premio al mejor actor en obra de teatro en los Black British Theatre Awards de 2022.

En Black Panther 3, Jonsson compartirá pantalla con Letitia Wright, quien retomará su papel de Shuri —la hermana de T’Challa que asumió el manto de Black Panther en la segunda entrega, tras la muerte de Boseman en agosto de 2020—, y con Winston Duke como M’Baku. Boseman falleció a los 43 años tras una batalla privada contra el cáncer.

Una voz femenina con gritos y llantos al fondo, un estruendo y luego el silencio. Así describió un despachador del Departamento de Policía de Owasso (Oklahoma) la llamada de emergencia que recibió la noche del jueves 23 de julio.

El hecho ocurrió minutos antes de que los agentes hallaran los cuerpos sin vida de la influencer Sara Gilson, de 43 años, y su esposo en proceso de divorcio, Jeremiah “Shawn” Duffey, de 48, en lo que las autoridades calificaron como un aparente homicidio-suicidio.

“Estoy intentando comunicarme de nuevo con él [el niño], pero pude escuchar a una mujer al fondo llorando y gritando. Algún tipo de golpe fuerte en el fondo”, dijo el operador de emergencias a los agentes que acudieron al lugar, según informó People el domingo 26 de julio.

La llamada fue realizada por un niño que vivía en la vivienda a las 11:15 de la noche. Los agentes llegaron a la escena tres minutos después, a las 11:18 PM.

En esa misma comunicación, el agente también hizo referencia a “un hombre al que habíamos estado buscando hace unas semanas tras ser sorprendido besando a un menor”, según recogió la citada revista.

El Departamento de Policía de Owasso confirmó que Gilson murió por un disparo de Duffey, quien luego se quitó la vida.

¿Quién era Sara Gilson?

Sara Gilson era estilista y creadora de contenido en TikTok, plataforma en la que acumulaba 69.000 seguidores al momento de su muerte.

Publicaba videos sobre moda, belleza, gastronomía y vida cotidiana, y también destacaba el trabajo artístico de su padre.

Jeremiah Duffey, por su parte, tenía una cuenta en la misma red social bajo el nombre de usuario Duff Daddy, actualmente privada.

Dos semanas antes de su muerte, Gilson se volvió viral al participar en una tendencia de TikTok en la que los usuarios simulan ser entrevistados por Netflix para un documental.

“Preparándome para cuando Netflix estrene un documental sobre mi futuro exmarido, de quien acabo de descubrir que es un pedófilo”, escribió en su video del 11 de julio. En el pie del video añadió: “Ojalá estuviera bromeando”. El hombre no respondió públicamente a las acusaciones antes de su muerte.

El 10 de julio, un día antes de ese video, Gilson había solicitado una orden de protección de emergencia contra Duffey, en la que alegaba que él poseía un arma, había amenazado con suicidarse “y se había dado a la fuga”, según informó The Oklahoman.

La orden lo obligó a abandonar el domicilio familiar y a mantenerse a más de 90 metros de distancia de Gilson, con vigencia hasta el 24 de agosto.

Ese mismo día, otra mujer presentó una orden de protección separada contra Duffey en nombre de su hija menor de edad, una joven de 15 años que jugaba en el equipo de baloncesto juvenil que Duffey entrenaba.

Según recogió el diario, la madre de la menor alegó que Duffey la besó y tocó, y que otro entrenador fue testigo del hecho.

La joven también relató a su madre que él le envió mensajes, la invitó a su habitación de hotel durante un torneo y le ofreció dinero “para mantenerla callada”.

No era la primera vez que Sara Gilson buscaba protección legal. En 2021 ya había presentado dos órdenes de protección contra Jeremiah Duffey, aunque ambas fueron desestimadas porque ella no se presentó a las audiencias, según registros judiciales consultados por People.

Gilson tenía dos hijos —una hija y un hijo— fruto de una relación anterior, a quienes aparecía frecuentemente en su perfil de TikTok. “Apoyar a mis hijos es mi cosa favorita”, escribió en una de sus publicaciones.

Tras su muerte, allegados abrieron una campaña en GoFundMe para recaudar fondos para los menores. “Sus hijos eran el centro de su mundo, y todo lo que hacía era por ellos”, señala la descripción de la colecta.

Su última publicación en TikTok fue el 21 de julio, dos días antes de su muerte. Sobre una fotografía suya en un bote, mirando el agua, escribió: “Que lo que sea que fue eso nunca vuelva a encontrarme. Por favor, Dios”.

Mensajes de texto revelaron en una audiencia judicial en Los Ángeles que Celeste Rivas Hernández, la adolescente de 14 años cuya muerte se atribuye al cantante D4vd, había quedado embarazada a los 13 años y se sometió a un aborto más de un año antes de su muerte.

Los mensajes, presentados por la fiscalía el viernes, forman parte de la audiencia preliminar en la que un juez debe determinar si el músico, cuyo nombre legal es David Anthony Burke, irá a juicio.

En uno de los intercambios, fechado en enero de 2024, Burke le pedía disculpas a la joven por “haberla puesto en esa situación”. Ella respondió: “Ninguno de los dos somos capaces de cuidar al bebé. Es lo mejor, ¿no?”. Más adelante, él preguntó si el bebé era suyo, y ella contestó: “Por supuesto que es tuyo, David”.

En otro mensaje, recuperado de la cuenta de iCloud del acusado, él escribió: “Dejemos que este aborto sea el último hasta que tengamos el real”. En junio de 2024, cuando la víctima tenía 13 años, ella le preguntó: “¿Y si el primer aborto no funcionó?”.

Meses después, en un mensaje distinto, Rivas Hernández confesó que lamentaba haber “quitado la vida inocente de un bebé literal”.

La fiscalía sostiene que D4vd comenzó a abusar sexualmente de Celeste Rivas Hernández cuando ella tenía 13 años y él 18, y que la asesinó cuando ella amenazó con revelar la relación y arruinar su carrera, que le había dejado al menos 10 millones de dólares entre 2023 y 2025, según declararon testigos financieros ante el tribunal.

Los fiscales alegan además que desmembró el cuerpo en el garaje de su casa en las Hollywood Hills, en Los Ángeles.

El detective de la Policía de Los Ángeles (LAPD) Corey Farrell testificó que el teléfono de Burke contenía más de tres decenas de fotografías que no pudieron proyectarse en la sala porque mostraban abusos sexuales explícitos. Rivas Hernández tenía entre 13 y 14 años en esas imágenes.

Imágenes menos explícitas —en las que la pareja aparecía besándose y recostada en una cama— sí fueron mostradas en pantalla. En una de ellas se distinguía un tatuaje con la palabra “David” en tinta roja en uno de sus dedos, el mismo dedo que fue hallado amputado cuando se encontró el cuerpo.

La madre de la víctima, Mercedes Martínez, rompió en llanto cuando el detective comenzó a describir las imágenes; su esposo bajó la vista. La fiscal adjunta de distrito Beth Silverman se acercó a consolarla, y la pareja abandonó la sala.

El dispositivo del músico también contenía conversaciones sobre planes de convivencia que ambos habían bautizado como “Operación Awesome”.

El médico forense Grant Ho, del Departamento de Medicina Legal del Condado de Los Ángeles, declaró que fue “extremadamente difícil” determinar la hora de la muerte por el avanzado estado de descomposición del cuerpo.

Precisó que la adolescente llevaba muerta “al menos semanas”, aunque también podría haber sido meses.

Identificó dos heridas de arma blanca: una en el abdomen que penetró el hígado y otra en el lado izquierdo del tórax que dañó las costillas.

Los análisis toxicológicos, practicados únicamente sobre el hígado por ausencia de sangre disponible, arrojaron resultados inconclusos respecto a la metanfamina, por lo que Ho afirmó que no podía “decir que jugó algún papel en la muerte”.

La defensa, encabezada por la abogada Marilyn Bednarski, cuestionó si la descomposición pudo afectar los resultados toxicológicos e interrogó al forense sobre si era posible descartar una muerte por sobredosis. Ho confirmó que los datos toxicológicos no eran suficientes para sostener esa hipótesis.

Según la fiscalía, David Anthony Burke envió un vehículo a recoger a Celeste Rivas Hernández el 23 de abril de 2025 desde Lake Elsinore, California, a unos 129 kilómetros de Los Ángeles. Los mensajes entre ambos se interrumpieron en cuanto ella llegó a la vivienda.

Su cuerpo fue hallado el 8 de septiembre de 2025 en el maletero delantero de un Tesla registrado a nombre de Burke, un día después de que la joven habría cumplido 15 años.

“Ella no llegó a su cumpleaños número 15, ¿correcto?”, preguntó la fiscal Silverman. “Correcto”, respondió Ho.

Bajo el nombre artístico D4vd, el artista se convirtió en un fenómeno de internet con una mezcla de indie rock, R&B y lo-fi pop. Sus canciones acumulan más de mil millones de reproducciones en Spotify, entre ellas su éxito de 2022 “Romantic Homicide”.

Abrió para SZA en su gira de 2023, actuó en el festival Coachella en 2024 y lanzó su primer álbum de larga duración, Withered, dos días después de la fecha en que las autoridades sitúan la muerte de Rivas Hernández.

El fiscal del Condado de Los Ángeles, Nathan Hochman, presentó siete cargos en su contra, entre ellos asesinato, abuso sexual continuo de una menor y mutilación de restos humanos. Burke se declaró inocente de todos los cargos.

La audiencia preliminar retomará el lunes con el regreso del detective Farrell al estrado, en lo que se prevé será la última jornada de testimonio antes de que el juez decida si hay mérito suficiente para llevar el caso a juicio.

Sara Gilson, una creadora de contenido de Oklahoma con presencia en TikTok, fue asesinada a tiros por su esposo en trámites de divorcio, Jeremiah “Shawn” Duffey, quien luego se quitó la vida, en lo que las autoridades calificaron como un homicidio seguido de suicidio.

El crimen ocurrió la noche del 23 de julio en la vivienda de Gilson, ubicada en Owasso, apenas dos semanas después de que ella publicara un video en redes sociales donde acusaba a Duffey de pedofilia.

La policía de Owasso respondió al llamado de emergencia alrededor de las 11:15 p.m., tras una llamada al 911 realizada por un menor que residía en la casa. Ambos criaban juntos dos hijos adolescentes, que correspondían a un compromiso anterior de ella.

Al llegar, los agentes hallaron a Gilson, de 43 años, y a Duffey, de 48, muertos por heridas de bala.

Las investigaciones determinaron que Duffey disparó primero contra Gilson y luego contra sí mismo. Un familiar identificó a ambas víctimas, según informó el canal local KTUL.

La noche del crimen, Duffey violó una orden de alejamiento que Gilson había obtenido el mes anterior.

De acuerdo con registros judiciales consultados por la revista People, el 10 de junio Gilson había solicitado una orden de protección de emergencia contra su esposo, quien fue obligado a abandonar el hogar y a mantenerse a más de 30 metros de distancia.

El 23 de junio, esa medida fue extendida hasta el 24 de agosto. Gilson había presentado dos órdenes de protección previas contra Duffey en 2021, aunque ambas fueron desestimadas porque ella no se presentó a las audiencias.

En su solicitud de la orden de junio, Gilson alegó que Duffey poseía un arma de fuego, que había amenazado con quitarse la vida y que había huido del domicilio tras ser confrontado por ella, según publicó The Oklahoman.

El 11 de julio, menos de dos semanas antes de su muerte, Sara Gilson publicó en TikTok —donde era conocida como @mrsgilson— un video enmarcado en la tendencia viral que simula entrevistas para documentales de Netflix.

El texto en pantalla decía: “Preparándome para cuando Netflix estrene un documental sobre mi futuro exesposo, de quien acabo de descubrir que es un pedófilo”, pretendiendo alistarse para hablar frente a las cámaras de un documental y exponer su caso.

La leyenda del video agregaba: “Ojalá estuviera bromeando”.

Las acusaciones de Gilson no se limitaban a las redes sociales. El mismo 10 de junio en que ella presentó su orden de protección, la madre de una menor de 15 años interpuso una orden similar contra Duffey ante los tribunales.

La joven, a quien Duffey entrenaba en un equipo de baloncesto juvenil, acusó al hombre de haberla besado y tocado de manera inapropiada, haber sido sorprendido por otro entrenador, haberla invitado a su habitación de hotel durante un torneo y haberle ofrecido dinero para comprar su silencio, según registros judiciales citados por The Oklahoman.

Esa orden de protección también fue extendida el 23 de junio hasta el 24 de agosto.

Tras la muerte de Sara Gilson, una campaña de recaudación de fondos en GoFundMe fue lanzada para apoyar a sus dos hijos.

“Su pérdida repentina y desgarradora ha dejado a toda una comunidad de luto, pero la mayor pérdida la sienten sus dos preciosos hijos, quienes ahora deben enfrentar la vida sin su amorosa madre”, se lee en el comunicado de la campaña.

A más de tres décadas del crimen que conmocionó a la Argentina, Prime Video llevará a la pantalla uno de los casos policiales más impactantes de la historia del país. El próximo 28 de agosto estrenará Barreda, una película original protagonizada por Luis Machín que reconstruye el cuádruple femicidio cometido por el odontólogo Ricardo Barreda, pero con una diferencia fundamental respecto de las múltiples versiones que circularon durante años: esta vez, el relato deja de centrarse en el asesino para recuperar la historia y la voz de las mujeres que fueron asesinadas.

Dirigida por Daniela Goggi (El Rapto), la producción propone revisar un expediente que durante décadas estuvo atravesado por el morbo mediático y por una mirada que convirtió al femicida en un personaje de la cultura popular. La película apuesta a una lectura contemporánea, con perspectiva de género, que pone el foco en las víctimas y en el contexto de violencia que precedió al crimen.

El elenco reúne a algunas de las figuras más importantes de la actuación argentina. Luis Machín interpreta a Ricardo Barreda, mientras que Carla Peterson encarna a Gladys McDonald, su esposa; Mercedes Morán interpreta a Elena Arreche, la suegra; Maite Lanata y Margarita Páez dan vida a Cecilia y Adriana, las dos hijas asesinadas. Completan el reparto Marcelo Subiotto, Paola Barrientos y Alberto Ajaka.

La película es una coproducción entre About Entertainment, Infinity Hill y Amazon MGM Studios y estará disponible en más de 240 países y territorios. Desde Prime Video adelantaron que el objetivo fue alejarse de la construcción mediática que durante años presentó a Barreda como una supuesta víctima de humillaciones familiares para recuperar las historias de las cuatro mujeres cuya vida quedó eclipsada por la figura del asesino.

El desafío no es menor. Durante décadas, el caso fue narrado casi exclusivamente desde la palabra de Barreda, quien incluso llegó a recibir cientos de cartas de apoyo mientras cumplía condena y se convirtió en un personaje de insólita popularidad. Su imagen apareció en remeras, tazas y otros objetos, un fenómeno que hoy es analizado como una muestra del tratamiento machista que predominó en buena parte de la cobertura mediática de la época.

En ese sentido, la película busca discutir esa construcción social. En lugar de profundizar en la personalidad del femicida, propone reconstruir la cotidianeidad de las mujeres asesinadas, sus vínculos y la violencia que atravesaban puertas adentro de la casa familiar. El resultado promete ser un drama psicológico y humano que invita a reflexionar sobre cómo cambió la manera de contar estos hechos desde la irrupción de la perspectiva de género.

La historia real detrás de la película

El 15 de noviembre de 1992, Ricardo Barreda asesinó con una escopeta a su esposa Gladys McDonald, a su suegra Elena Arreche y a sus dos hijas, Cecilia y Adriana, en la vivienda familiar de La Plata. Durante el juicio sostuvo que sufría constantes humillaciones y utilizó como argumento el apodo “Conchita”, con el que aseguraba que su familia lo degradaba. En 1995 fue condenado a prisión perpetua por el cuádruple femicidio. Sin embargo, años después obtuvo arresto domiciliario, luego la libertad condicional y finalmente la extinción de la pena. Murió en mayo de 2020 a los 84 años. Su caso marcó un antes y un después en la discusión pública sobre la violencia de género y el tratamiento mediático de los femicidios.

El estreno de Barreda también llega en un contexto donde el audiovisual argentino revisita hechos reales desde nuevas miradas. La propia Daniela Goggi ya había explorado esa línea con El Rapto, y ahora vuelve a trabajar sobre un episodio profundamente instalado en la memoria colectiva.

Las primeras imágenes difundidas por Prime Video muestran una ambientación minuciosa y actuaciones de gran intensidad dramática. Lejos del policial clásico, todo indica que la película buscará incomodar al espectador, obligándolo a mirar un caso conocido desde otro lugar.

Más que reconstruir un crimen, Barreda pretende revisar cómo una sociedad eligió durante años contar esa historia y por qué las voces de las víctimas quedaron relegadas detrás de la figura del asesino. Ese cambio de perspectiva es, justamente, el principal diferencial de una de las producciones argentinas más esperadas del año.

El grupo real de estudiantes de Chicago que inspiró parte de la historia original de Grease fue, según Far Out y un artículo de Chicago Reader, una pandilla estudiantil conocida como los Goombas. La película, adaptada por Allan Carr a partir de la obra de 1971 de Jim Jacobs y Warren Casey, suavizó ese material, lo hizo más apto para toda la familia y desplazó la ambientación fuera del Chicago suburbano.

La versión cinematográfica, impulsada por el reparto de John Travolta y Olivia Newton-John, tuvo más éxito que la obra teatral de la que partía. Pero ese resultado vino acompañado de cambios de fondo en la fidelidad a la historia y al paisaje que habían planteado Jacobs y Casey.

Según Far Out, la obra original transcurría en el Chicago suburbano y tenía un enfoque bastante más áspero. Carr redujo esa dureza para acercar la historia a un público familiar.

El director Randal Kleiser también trasladó la ambientación a un entorno más rural, en línea con sus propias experiencias en la secundaria, según Far Out. Con ese ajuste, parte de los elementos más ligados a la experiencia real que habían escrito Jacobs y Casey quedó fuera de la película.

Los personajes reales detrás de la historia

Far Out señala que no solo varios personajes estaban basados en personas reales, sino también las relaciones entre ellos.

Entre esos casos aparece Donna Mills, actriz que afirmó en una entrevista por el 20° Aniversario de la película que Sandy estaba inspirada en ella. Su argumento, recogido por Far Out, fue que había sido alumna transferida en la misma escuela que Jacobs. Sin embargo, no es un hecho confirmado.

Las pandillas escolares que inspiraron a T-Birds y Pink Ladies

La conexión con la realidad también alcanzó a los grupos juveniles de la historia. Far Out sostiene que los T-Birds y las Pink Ladies tuvieron equivalentes parciales en el mundo real, aunque no de manera exacta ni bajo esos mismos nombres.

En la obra original, el grupo masculino no se llamaba T-Birds, sino Burger Palace Boys. A partir de ahí, Far Out cita un artículo de Chicago Reader que identifica a los Goombas como la pandilla real en la que se basó ese conjunto de muchachos.

La escritora Cynthia Gallaher, citada por Far Out, afirmó que esas pandillas y grupos existieron en la vida real mientras su hermana asistía a la misma escuela a la que había ido Jacobs. Ese testimonio refuerza la idea de que el texto teatral partía de una memoria local concreta.

La versión más áspera que Hollywood dejó fuera

Jacobs describió a las Pink Ladies con una dureza que contrasta con la imagen más ligera que dejó la película. “Las chicas más duras que he visto en mi vida”, dijo, según Far Out.

Ese grupo femenino, además, llevaban cuchillas de afeitar en el pelo para usarlas si necesitaban defenderse. Esa referencia marca una distancia clara entre el tono del original y el filtro que después impuso la adaptación cinematográfica.

Los Goombas, de acuerdo con Far Out, eran los chicos que en la práctica dominaban la escuela. También competían con pandillas rivales de la zona en carreras de aceleración y acababan en peleas cerca del muelle.

Leo Golda, exintegrante de los Goombas, recordó un episodio más grave en declaraciones recogidas por Far Out: “No usábamos armas, pero unos tipos de Steinmetz High School aparecieron una noche, sacaron una escopeta por la ventanilla de un coche y dispararon”.

Luego precisó: “Le hicieron un agujero al radiador del coche de un tipo, pero eso fue todo”. Para quienes conocieron ese trasfondo, la historia de Grease mantiene un vínculo directo con Chicago aunque en la pantalla transcurra en el ficticio Rydell High.

La dinámica de los lanzamientos digitales ha transformado radicalmente la estructura de comercialización de los grandes estudios cinematográficos, convirtiendo la publicación de cada avance en un acontecimiento global de alta influencia en el consumo de entretenimiento.

La efectividad de estas campañas ya no se evalúa únicamente de manera cualitativa, sino a través de métricas cuantificables de visualización multiplataforma durante las primeras 24 horas, las cuales demuestran tener un impacto directo en la preventa de boletos y en el posterior comportamiento de la taquilla global.

Lo que antes se medía en salas de cine o en proyecciones de televisión hoy se dirime en plataformas como YouTube, Instagram y TikTok, donde millones de usuarios se suman en cuestión de horas a ver el primer adelanto de una producción esperada.

1. “Spider-Man: Un nuevo día”

El largometraje de Columbia Pictures y Marvel Studios, distribuido por Sony Pictures Releasing, marca el regreso de Tom Holland en el papel de Peter Parker bajo la dirección de Destin Daniel Cretton. El tráiler oficial de debut, lanzado el 18 de marzo de 2026, obtuvo la cifra récord de 718.6 millones de vistas en sus primeras 24 horas.

El reporte elaborado por Variety confirmó que este volumen de tráfico superó el récord anterior de cualquier categoría de entretenimiento, sobrepasando incluso las marcas de la industria de los videojuegos, como el caso de GTA VI.

La película, con fecha de estreno para el 30 de julio, llega cinco años después de Spider-Man: Sin camino a casa, donde se presenta a Peter Parker viviendo solo y dedicado por completo a combatir el crimen en una ciudad que ya no recuerda su nombre.

Después de borrarse de la vida y la memoria de quienes lo rodeaban, afronta una presión creciente que desata una evolución física que amenaza su existencia, mientras surge un nuevo patrón de delitos.

La cuarta entrega de Spider-Man dentro del UCM, cuenta con los regresos de Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Jon Bernthal y Michael Mando. A su vez, se incorporan Sadie Sink, Tramell Tillman, Liza Colon-Zayas y Marvin Jones II.

2. “Avengers: Doomsday”

El enfoque promocional de Walt Disney Studios y Marvel Studios se concentró en Avengers: Doomsday, cuyo tráiler oficial fue lanzado el 20 de julio de 2026, estableciendo el segundo debut más visto de la historia con 503 millones de reproducciones en 24 horas y convirtiéndose en el avance digital más exitoso para la distribuidora de la marca Disney.

La campaña había iniciado previamente en diciembre de 2025 mediante cuatro avances cortos focalizados en el regreso de los hermanos Anthony y Joe Russo a la dirección de la franquicia.

El reporte de The Washington Times detalló cómo el avance sirvió como plataforma de lanzamiento para la venta anticipada de entradas, generando una recaudación de 16.5 millones de dólares en preventa doméstica durante su primer día.

El avance anticipa el regreso de Robert Downey Jr. en una faceta diferente al interpretar a Victor von Doom, quien se enfrentará a facciones combinadas de Los Vengadores, los X-Men y Los 4 Fantásticos. El filme llegará a las salas el 17 de diciembre de 2026.

3. “Deadpool & Wolverine”

La consolidación de Marvel Studios en las listas de rendimiento digital se evidenció durante el Super Bowl de febrero de 2024, cuando la presentación del tráiler de Deadpool & Wolverine acumuló 365 millones de vistas totales de forma combinada en su primer día de lanzamiento.

Los informes comerciales de Disney destacaron este evento como un punto de inflexión para el estudio tras un periodo de menor rendimiento comercial en taquilla, impulsando la recaudación mundial del filme hasta superar los 1.300 millones de dólares.

4. “Spider-Man: Sin camino a casa”

Presentado originalmente en agosto de 2021, el primer tráiler oficial de Spider-Man: Sin camino a casa capturó la atención de los aficionados con 355.5 millones de reproducciones durante sus primeras 24 horas.

La pieza promocional, distribuida por Sony Pictures, disparó las discusiones y teorías digitales debido a la confirmación de la apertura del multiverso, el regreso de villanos clásicos de franquicias previas y las apariciones especiales de Tobey Maguire y Andrew Garfield junto a Tom Holland.

El éxito del avance anticipó un rendimiento histórico en taquilla que culminó con 1.900 millones de dólares a nivel global, convirtiéndose en el largometraje más lucrativo de la historia del estudio.

5. “Avengers: Endgame” (Tráiler teaser)

En diciembre de 2018, Marvel Studios distribuyó el primer avance de Avengers: Endgame, que acumuló 289 millones de vistas en su día de estreno.

Con una atmósfera sombría centrada en la desolación de los personajes tras el desenlace de Avengers: Infinity War, este tráiler capitalizó el interés acumulado durante una década de producciones del universo cinematográfico, impulsando de forma decisiva al filme a convertirse en el segundo más taquillero de la historia global, con una recaudación acumulada de 2.790 millones de dólares.

6. “Avengers: Endgame” (Primer tráiler)

El primer tráiler oficial de Avengers: Endgame —distinto del teaser— registró 268 millones de reproducciones en 24 horas en marzo de 2019. Es la única película con dos tráileres distintos dentro del top 10.

Ese doble ingreso al ranking refleja el nivel de atención sostenida que Marvel Studios logró mantener durante la campaña de promoción de la película, con cada nuevo lanzamiento de material generando una respuesta masiva y cuantificable en las plataformas digitales.

El tráiler amplió la información sobre la trama y mostró a los Vengadores reorganizados tras los eventos de Infinity War, lo que mantuvo el interés de una audiencia que ya había demostrado su disposición a consumir cualquier material relacionado con el cierre de la llamada Saga del Infinito.

7. “Superman”

El primer avance oficial de Superman, producción que marca el inicio de la reestructuración del Universo DC bajo la dirección de James Gunn y la interpretación de David Corenswet, acumuló 250 millones de vistas en sus primeras 24 horas durante el mes de diciembre de 2024. De acuerdo con el reporte de Variety, esta cifra representó el mejor debut digital para una producción de Warner Bros. Pictures y la marca DC.

Los datos de seguimiento de taquilla de The Numbers señalan que este interés inicial se tradujo en una sólida recaudación global de 618.7 millones de dólares.

A pesar de los análisis sobre sus márgenes de ganancia frente a un costo de producción de 225 millones de dólares y una campaña publicitaria valorada en 200 millones de dólares, los resultados comerciales posicionaron a la película como la de mayor recaudación dentro de la era post-pandemia para producciones que no pertenecen a Disney o Sony en la categoría de superhéroes.

8. “Transformers: El despertar de las bestias”

La franquicia de ciencia ficción de Paramount Pictures obtuvo un importante impacto promocional a finales de 2022 con el lanzamiento de su avance de Transformers: El despertar de las bestias, el cual registró 238 millones de vistas en su día de estreno.

No obstante, los análisis de rendimiento comercial apuntan a este proyecto como un ejemplo clásico de la desconexión que puede surgir entre la repercusión digital y el éxito de taquilla en salas, donde el filme alcanzó una recaudación moderada de 441 millones de dólares, comprometiendo temporalmente los planes inmediatos del estudio para nuevas continuaciones cinematográficas.

9. “Avengers: Infinity War”

En noviembre de 2017, la publicación del avance de Avengers: Infinity War registró 230 millones de visualizaciones en las primeras 24 horas.

El tráiler presentó de manera formal la primera reunión a gran escala de los superhéroes del Universo Cinematográfico de Marvel frente a la amenaza de Thanos.

Los resultados económicos confirmaron la alta fidelidad de la base de consumidores de la marca al superar la barrera de los 2,050 millones de dólares de recaudación mundial durante su posterior exhibición en cines.

10. “El rey león” (2019)

La adaptación fotorrealista del clásico animado de Disney obtuvo 224.6 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas en noviembre de 2018 con su primer tráiler promocional.

La campaña supo captar el interés intergeneracional y, a pesar de que la película recibió críticas divididas respecto a la expresividad de los animales representados en pantalla, el título se convirtió en la versión de acción real más exitosa de la compañía de entretenimiento, con un cierre comercial acumulado de 1,660 millones de dólares a nivel global.

El intérprete británico, conocido por series como Happy Valley y Grantchester, fue el invitado del final de la 18.ª temporada del podcast Table Manners, conducido por Jessie Ware y su madre Lennie Ware. Durante el episodio, Norton habló sin filtros sobre los desafíos cotidianos que implica manejar la diabetes tipo 1 en entornos sociales y profesionales.

“Llegué a decirle ‘perdón, Jude’ en medio de un evento de GQ“, relató Norton en declaraciones recogidas por el podcast, en referencia a un episodio que protagonizó junto a Jude Law y Nicole Kidman. Había administrado su insulina anticipando pan en el entrante, pero el plato llegó sin carbohidratos.

Con el tiempo contado antes de sufrir una hipoglucemia, debió interrumpir discretamente los discursos para pedir comida al personal. El caos que desató en cocina tuvo un desenlace involuntariamente cómico: alguien le llevó una fuente humeante de papas en pleno discurso de Kidman.

El actor, que utiliza una bomba de insulina y un sensor continuo de glucosa, explicó durante el episodio el funcionamiento de su dispositivo frente a las anfitrionas, que le preguntaron si podía comer azúcar.

“Por favor, no le pregunten a un diabético si puede comer azúcar. Solo necesito decirle a mi dispositivo que voy a comer azúcar, y listo”, respondió Norton. La aclaración llegó justo antes de que Lennie sirviera un helado de pistacho con chocolate negro al 80%, receta de Alexandra Dudley.

La condición no le impidió completar la Maratón de Londres, aunque lo hizo con una infección de pecho que contrajo el día anterior. Norton corrió igualmente, motivado por los niños con diabetes tipo 1 que habían donado su dinero de bolsillo a Breakthrough T1D, la organización benéfica que apoya la investigación sobre esta enfermedad.

"No había manera de que me retirara“, dijo el actor al podcast. Cerca de la meta, con las piernas cediendo y el calor extremo, describió la recta final como “un campo de batalla”, con corredores tendidos en el suelo atendidos por equipos médicos.

Norton expresó su confianza en que los avances científicos permitan, en un plazo de entre 10 y 15 años, prescindir de la administración manual de insulina. “Estamos en el tramo final“, sostuvo.

La investigación en torno a la diabetes tipo 1 se aceleró en la última década, en gran parte gracias a fondos provenientes de Estados Unidos, donde la enfermedad concentra una inversión significativa en ensayos clínicos.

La relación de Norton con la comida y su familia

Más allá de la enfermedad, el episodio giró en torno a la relación de Norton con la comida, la familia y los proyectos que lo tienen ocupado este año. El actor creció en Yorkshire en el seno de una familia numerosa que se reunía cada verano en Cornualles bajo el mando de su abuela materna, a quien llama Granny Jean.

Fue en esas vacaciones multitudinarias —con 24 personas en una casa para diez— donde nació su ritual del baño matutino antes del desayuno, que él llama PBD (pre-breakfast dip). “Me sigo tirando al agua, llueva o haga sol”, contó.

Los proyectos que prepara el actor

Norton tiene la agenda repleta. Aparece como villano principal en House of the Dragon, la precuela de Game of Thrones, y describe la experiencia como inédita para él: “Nunca había estado en algo de esta escala”.

Reveló que los dragones en rodaje no son enteramente digitales: tres operadores vestidos de azul, al estilo del Blue Man Group, manipulan con varas la cabeza y las alas animatrónicas del animal ante una pantalla croma, mientras los efectos visuales completan la imagen en postproducción.

Paralelamente, encarna a Brian Epstein, el mánager de The Beatles, en el proyecto de Sam Mendes que abordará la historia de la banda en cuatro películas separadas. El rodaje lo llevó recientemente a Barcelona, donde las noches de filmación se alternaban con baños en hielo al amanecer junto al Mediterráneo.

El actor también produce. Su compañía, Rabbit Track, tiene en marcha Foxfinder, una película que se rodará en Baviera en agosto y en la que Norton no aparecerá como intérprete, lo que supone, según él, un paso de madurez para la empresa. El reparto incluye a Ebon Moss-Bachrach, conocido por The Bear.

Además, protagoniza Sunny Dancer, un filme independiente del director George Jakes en el que comparte pantalla con Bella Ramsey, Jessica Gunning y Neil Patrick Harris, y en el que da vida a un padre joven cuya hija adolescente se recupera de un cáncer.

Para 2027, Norton tiene previsto subir a las tablas con Hamlet, un proyecto que Jessie Ware celebró como el sueño de cualquier actor.

Jim Carrey rindió homenaje al director Chuck Russell, quien falleció a los 74 años, con un mensaje en el que recordó la experiencia de trabajar junto al cineasta durante el rodaje de La Máscara (1994), una de las películas más representativas de su carrera.

En una declaración obtenida por Page Six, el artista expresó su sentir tras haber colaborado con el cineasta y destacó el ambiente de trabajo que el director promovía durante la filmación.

Carrey también recordó el impacto que, según él, tuvo la forma de dirigir de Russell en quienes participaron en la producción.

“Considero un privilegio haber trabajado con Chuck Russell, quien durante el rodaje de La Máscara creó una atmósfera exuberante, infantil, de asombro y camaradería en su plató. Todo el elenco y el equipo quedaron conmovidos e inspirados por su alegría”, señaló.

El actor concluyó su mensaje agradeciendo al director y afirmó que La Máscara ocupa un lugar importante dentro de su trayectoria profesional.

“Cada uno de nosotros ha sido bendecido durante muchos años por ese momento tan vibrante e imperecedero”, expresó antes de señalar que considera la película “una de las joyas de mi vida creativa”.

La muerte de Chuck Russell fue confirmada por su esposa, Ania, al diario The New York Times. De acuerdo con esa información, el cineasta falleció el 22 de julio en San Diego, California, a los 74 años.

Russell desarrolló una carrera como director, productor y guionista en la industria cinematográfica. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Pesadilla en Elm Street 3 (1987), La mancha voraz (1988), La Máscara (1994), Eraser (1996) y El rey escorpión (2002).

Su proyecto más reciente fue Witchboard (2024), producción en la que desempeñó las funciones de guionista, director y productor.

Estrenada en 1994, La Máscara fue una adaptación del personaje creado por Dark Horse Comics. La historia sigue a Stanley Ipkiss, un empleado bancario interpretado por Jim Carrey que encuentra una misteriosa máscara capaz de transformarlo en un personaje con habilidades sobrenaturales y una personalidad completamente distinta.

La película también contó con la participación de Cameron Diaz en el papel de Tina Carlyle, personaje que trabaja como cantante y mantiene una relación con Dorian Tyrell, interpretado por Peter Greene.

A lo largo de la historia, Tina desarrolla un vínculo con Stanley mientras este intenta controlar los efectos de la máscara.

El largometraje representó uno de los estrenos más destacados de la carrera de Carrey durante 1994. Ese mismo año, el actor protagonizó también Ace Ventura: Detective de mascotas y Dos tontos muy tontos, producciones que contribuyeron a consolidar su presencia en la comedia cinematográfica de la década.

En los años posteriores, Jim Carrey participó en diversas producciones de cine y televisión.

En tiempos recientes ha reducido su actividad en Hollywood y ha concentrado parte de su trabajo en la franquicia cinematográfica de Sonic the Hedgehog, donde interpreta al personaje de Dr. Robotnik. Además, en 2025 apareció como él mismo en el documental Starring Dick Van Dyke.

El mensaje difundido por Carrey se suma a las reacciones generadas tras el fallecimiento de Russell, cuya trayectoria estuvo vinculada a producciones de terror, acción y comedia a lo largo de varias décadas.

Durante una de las dinámicas habituales de su espectáculo, el intérprete invitó al escenario a una mujer del público para dedicarle una interpretación cercana, una práctica que forma parte de sus presentaciones en vivo.

Sin embargo, la interacción tomó un rumbo distinto cuando el artista percibió que la asistente parecía sentirse incómoda.

En videos compartidos por asistentes al concierto, se observa a Usher interpretando una canción frente a la mujer mientras intenta interactuar con ella mediante gestos y un contacto ligero en el rostro.

Posteriormente, el cantante la invitó a acercarse a una cama instalada como parte de la escenografía del espectáculo.

La mujer dio un paso hacia atrás y mantuvo una postura rígida. Tras notar su reacción, Usher decidió detener la dinámica y se dirigió al público con una pregunta. “No creo que ella quiera estar en el escenario, ¿verdad?”, expresó antes de alejarse de la fan.

Instantes después, el cantante hizo una señal hacia el equipo de producción para que la mujer abandonara el escenario y continuó con el desarrollo del concierto. De acuerdo con los videos difundidos en redes sociales, algunos asistentes reaccionaron con abucheos mientras se realizaba el cambio.

Horas después del concierto, la mujer, identificada en redes sociales como Gabrielle Cheyenne, respondió a los comentarios que comenzaron a circular en internet sobre su participación en el espectáculo.

A través de distintas publicaciones, explicó que aceptó subir al escenario cuando fue seleccionada entre el público y señaló que desconocía en qué consistiría la dinámica.

“¡No te dicen por qué vas a subir ahí! ¿Queríais que subiera ahí y me lo follara ahora mismo?”, escribió.

También indicó que había asistido al concierto junto con su madre y que ambas contaban con boletos en la zona cercana al escenario. Según relató, antes del inicio del espectáculo fueron reubicadas al área VIP.

En respuesta a usuarios que cuestionaron por qué aceptó subir al escenario, Cheyenne escribió que pocas personas rechazarían una invitación de ese tipo frente a miles de asistentes.

Un día después del concierto, la joven publicó nuevas fotografías en sus redes sociales acompañadas del mensaje “Sin preocuparme”. Posteriormente compartió una serie de historias en Instagram para responder a las críticas recibidas.

En esas publicaciones afirmó que su actitud no era negativa y sostuvo que las reacciones surgieron después de leer comentarios ofensivos dirigidos hacia ella.

“¡No van a meterse en internet insultándome y faltándome al respeto y esperar que me quede tranquila!”, expresó, y añadió: “¡No crean que van a acosarme por una experiencia que ustedes no vivieron!”.

La interacción entre Usher y sus seguidores durante los conciertos forma parte de uno de los segmentos más conocidos de sus presentaciones.

En distintas giras recientes, el cantante ha incluido dinámicas en las que invita a integrantes del público al escenario para interpretar algunas de sus canciones de manera cercana.

Selena Gomez y Benny Blanco continúan compartiendo momentos de su viaje por Italia, una escapada que coincidió con el cumpleaños número 34 de la cantante.

A través de sus redes sociales, la también actriz publicó una serie de imágenes de sus vacaciones junto a su esposo, mostrando actividades realizadas durante su recorrido por distintos puntos del país europeo.

La publicación, compartida el viernes 24 de julio en Instagram y acompañada por la canción “Shining Like That Summer” de oofforoom, incluyó un carrusel de 19 fotografías en las que la pareja aparece disfrutando de paisajes, gastronomía y actividades culturales durante su estancia en Italia.

De acuerdo con una fuente consultada por PEOPLE, parte de la celebración de cumpleaños tuvo lugar en Il Borro, una propiedad familiar de la casa de moda Ferragamo ubicada en la región de Toscana.

Durante su visita, los artistas participaron en una clase de cocina en la que prepararon pasta fresca, compartieron una cena y realizaron una actividad de equitación.

La misma fuente señaló que Benny Blanco organizó parte de la celebración y que previamente había viajado en barco para acompañar a Selena Gomez durante una etapa de su estancia en Reino Unido. Según el testimonio, el productor buscó preparar actividades especiales para conmemorar la fecha.

“No solo pasaba los días viajando en barco para estar con ella en Inglaterra, sino que también le organizó una fiesta de cumpleaños especial en la Toscana. Siempre se esfuerza por hacer que las cosas sean especiales para ella”, declaró.

Durante el viaje, la actriz compartió fotografías tomadas a bordo de un yate. En una de ellas aparece utilizando un conjunto azul cielo de dos piezas de la marca Monday Swimwear, mientras Blanco aparece descansando al fondo de la imagen.

En otras fotografías, la intérprete lució un traje de baño blanco de una pieza con gafas de sol ovaladas y accesorios para el cabello.

La cantante también publicó imágenes de momentos cotidianos durante la travesía, como una partida de Scrabble junto al productor musical mientras ambos se encontraban en el barco. Además, mostró fotografías de alimentos, bebidas y lugares que visitaron durante su recorrido por Italia.

La pareja recorrió zonas con arquitectura histórica y visitó espacios culturales, incluyendo una iglesia con varios siglos de antigüedad donde posaron juntos para una fotografía. Gomez también compartió una imagen tomada desde un balcón con vista al río Arno, en Florencia.

El viaje coincidió con la celebración oficial del cumpleaños de Selena Gomez, ocurrido el 22 de julio. Ese día, la artista publicó un mensaje relacionado con el sexto aniversario del Rare Impact Fund, iniciativa enfocada en la salud mental de los jóvenes.

“De niña, jamás hubiera imaginado que celebraría mi cumpleaños junto a los seis años del Rare Impact Fund. Hoy me siento muy feliz. Ver a esta comunidad unirse para apoyar la salud mental de los jóvenes ha sido el mejor regalo, así que ¡muchas gracias!”, expresó.

Por su parte, Blanco compartió un video en TikTok en el que documentó una clase de cocina italiana realizada como parte de la celebración.

En las imágenes, el productor aparece explicando que prepararían una comida italiana para el cumpleaños de su esposa. Posteriormente, Gomez participa en la elaboración de pasta, desde la preparación de la masa hasta su procesamiento con una máquina especializada.

El video también mostró la preparación de un plato de berenjena y parmesano. Al probar la comida elaborada por Gomez, Blanco comentó que era uno de los mejores platillos que había probado durante su estancia en Italia.

Debbie Adamson, una mujer de 67 años originaria de Southampton, en el condado de Hampshire, Reino Unido, relató cómo logró volver a viajar en avión después de permanecer 17 años sin volar debido a una intensa fobia relacionada con el transporte aéreo.

Según contó, el proceso incluyó conocer más sobre el funcionamiento de las aeronaves y utilizar la música del grupo surcoreano BTS como una herramienta para controlar la ansiedad durante los vuelos.

De acuerdo con información difundida por Kennedy News & Media, el miedo de Adamson comenzó años atrás, después de realizar el que describió como su primer vuelo, un trayecto que partió de Budapest mientras era estudiante.

La experiencia la llevó a desarrollar el temor de que cualquier avión en el que viajara pudiera estrellarse.

Con el paso de los años, la fobia persistió. En 2006, cuando planeaba viajar junto con su esposo y sus tres hijos a Orlando, Florida, intentó evitar el vuelo ocultando deliberadamente su pasaporte dentro de una revista mientras se encontraba en el aeropuerto. Sin embargo, el personal del lugar emitió un nuevo documento para que pudiera abordar el avión.

Debbie Adamson recordó que durante ese viaje permaneció llorando durante aproximadamente tres horas. Dos años después, en 2008, decidió dejar de viajar por vía aérea debido a que consideró que ya no podía afrontar el temor que experimentaba cada vez que debía abordar un avión.

La aerofobia, nombre con el que se conoce el miedo intenso a volar, la mantuvo alejada de los vuelos durante casi dos décadas. Durante ese periodo evitó trasladarse por vía aérea y limitó este tipo de viajes.

La situación comenzó a cambiar el año pasado, cuando un amigo que trabaja como piloto le explicó distintos aspectos relacionados con el funcionamiento de los aviones y los procedimientos de seguridad de la aviación.

Según Adamson, esa información le permitió comprender mejor cómo operan las aeronaves y reducir parte de la incertidumbre que asociaba con los vuelos.

Posteriormente se integró a un grupo de apoyo en Facebook dedicado a personas con miedo a volar. Como parte de ese proceso, decidió planear un viaje a Santorini, Grecia, para celebrar junto con su esposo su 40 aniversario de matrimonio.

Antes de realizar ese viaje, la familia organizó un vuelo a Orlando como una especie de prueba para evaluar cómo enfrentaría nuevamente la experiencia de viajar en avión.

Fue durante ese trayecto cuando Debbie Adamson descubrió que escuchar música de BTS le ayudaba a controlar la sobrecarga sensorial que experimentaba durante el despegue y el vuelo.

La mujer explicó que preparó una lista de reproducción integrada exclusivamente por canciones del grupo de K-pop, conformado por RM, Jin, SUGA, j-hope, Jimin, V y Jung Kook.

Según relató, escuchar esa selección musical durante el despegue le permitió concentrarse en la música mientras mantenía los ojos cerrados y sostenía con fuerza el asiento.

“Creé una lista de reproducción a prueba de balas, con todas y cada una de las canciones que me encantan, para saber que seguiría escuchándolas. Cerré los ojos durante el despegue y me agarré con mucha fuerza”, dijo.

Y añadió: “Una vez que lo hice, empecé a racionalizarlo. Simplemente me demostré a mí misma que me había dado permiso para no tener miedo, y así fue. Toda la presión me la imponía mi propia mente”.

Adamson señaló que esa estrategia le ayudó a afrontar el vuelo, incluso durante episodios de turbulencia, sin experimentar la misma reacción que había tenido en viajes anteriores.

Al recordar los años en los que convivió con la aerofobia, explicó que solía informar a los sobrecargos sobre su miedo al ingresar al avión, en ocasiones mientras ya se encontraba llorando.

“No puedo explicarlo, simplemente no puedes controlarlo. Es un terror absoluto. Incluso con la más mínima turbulencia, volvía a llorar. Nunca comía ni bebía, [pero] bajaba de los vuelos sintiéndome bastante mal. Era realmente terrible”, indicó.

Actualmente, Adamson considera que aún mantiene conciencia de su miedo, aunque afirma que ha desarrollado herramientas para enfrentarlo.

“Nunca diría que estoy curada, pero tengo la suficiente autoconciencia como para pensar: ‘Voy a darme permiso para no tener miedo’. No tenía nada de qué avergonzarme, no pude evitarlo. Pero lo que no hice fue darle a mi mente la libertad de informarse al respecto y ser un poco más lógica en ese sentido”, comentó

Después de retomar los viajes en avión, la británica señaló que tiene previsto realizar nuevos viajes en el futuro.

En una entrevista con SlashFilm, el cineasta explicó que uno de los momentos de mayor complejidad técnica ocurrió durante la filmación de una secuencia de acción en la que el personaje interpretado por Abrams huye mientras varios cuerpos caen desde lo alto de edificios como parte de un brote de zombis.

“Tuvimos que diseñar esta escena en la que él simplemente corre y los cuerpos caen y explotan a su alrededor. Y sabía que no quería hacerlo con efectos visuales porque sentía que se vería demasiado artificial. Entonces, pensé: ‘¿Cómo hacemos esto para que todas estas explosiones sean reales?’”, dijo.

La escena, que aparece brevemente en el tráiler, se hizo realidad gracias a la meticulosa coreografía y puesta en escena de la producción, que tuvo en cuenta las “bolsas de sangre del tamaño de un cuerpo” de 68 kilos que caían al suelo desde las grúas situadas sobre él.

Según Zach Cregger, durante esa filmación uno de los elementos utilizados en el rodaje cayó muy cerca del actor.

“Lo habría matado. Si hubiera dado un paso más a la derecha, habría muerto. [La escena] sale en la película, así que vale la pena. Me quedé bastante atónito”, indicó.

El director también comentó que la realización del proyecto representó una experiencia de aprendizaje en su trayectoria como cineasta.

“Lo maravilloso de hacer películas es que tienes una escena, una idea genial en la cabeza, y luego cuentas con la ayuda de todo un equipo para materializarla e inmortalizarla en la pantalla”, comentó.

Y añadió: “Se siente un verdadero trabajo en equipo y una gran satisfacción. Estoy muy orgulloso de esta película. Siento que he crecido mucho como cineasta al hacerla”.

La nueva película de Resident Evil está protagonizada por Austin Abrams, quien interpreta a Bryan, un mensajero médico que debe luchar por sobrevivir después de que un aparente brote zombi transforme el entorno que lo rodea.

La producción está dirigida por Zach Cregger, realizador conocido por Weapons, y también cuenta con las actuaciones de Zach Cherry, Kali Reis y Paul Walter Hauser.

La nueva producción representa la séptima adaptación cinematográfica de Resident Evil desde que la franquicia llegó por primera vez al cine en 2002. La serie de videojuegos, desarrollada originalmente por Capcom, ha dado origen a múltiples películas, series y producciones derivadas a lo largo de más de dos décadas.

En septiembre de 2025, Cregger adelantó en una entrevista con Polygon algunos aspectos de su propuesta para la franquicia. En esa ocasión explicó que su intención era ofrecer una experiencia que reprodujera sensaciones similares a las que experimentan los jugadores durante las entregas de la saga.

De acuerdo con el director, la narrativa de la película busca trasladar a la pantalla elementos característicos de los videojuegos, entre ellos la tensión constante, la exploración y la sensación de vulnerabilidad frente a los peligros que enfrenta el protagonista.

Charlize Theron dio a conocer que varias de las prendas utilizadas por Carrie-Anne Moss en la película Memento (2000), dirigida por Christopher Nolan, pertenecían a su guardarropa personal.

La revelación se produjo durante una entrevista con Konbini Video Club, en la que participó junto a sus compañeras de reparto Zendaya y Lupita Nyong’o para promocionar The Odyssey, la más reciente producción del cineasta.

Durante la conversación, el entrevistador preguntó a Theron cuál era su película favorita de Christopher Nolan. La actriz respondió que le resultaba difícil elegir una sola, aunque señaló que Memento ocupa un lugar especial por los recuerdos asociados a la producción.

Posteriormente explicó que una amiga suya fue la encargada del diseño de vestuario de la película y que ambas compartían vivienda durante el desarrollo del proyecto. Según relató, tanto Nolan como su hermano visitaban con frecuencia la casa para reunirse con la diseñadora y planificar el vestuario.

“Memento es especial para mí porque mi amiga diseñó el vestuario de esa película y vivimos juntas durante ese tiempo. Chris y su hermano venían a casa y se reunían con ella para hablar del vestuario, y no tenían dinero. Así que gran parte de lo que Carrie-Anne Moss usa en esa película salió de mi armario”, afirmó.

La diseñadora de vestuario de la cinta fue Cindy Evans, quien trabajó en la producción escrita y dirigida por Christopher Nolan. La película contó con las actuaciones principales de Guy Pearce, Carrie-Anne Moss y Joe Pantoliano. Moss interpretó a Natalie, una mesera y cantinera cuyo vestuario se caracterizó por un estilo casual con elementos urbanos.

Estrenada en el año 2000, Memento se convirtió en una de las primeras producciones de Nolan en alcanzar reconocimiento internacional.

La historia sigue a Leonard Shelby, un exinvestigador de seguros que intenta identificar al responsable del asesinato de su esposa. El personaje padece una forma de pérdida de memoria que le impide conservar recuerdos recientes, por lo que solo puede recordar acontecimientos ocurridos antes del incidente que provocó su condición.

La película fue nominada a dos premios Oscar: Mejor Guion Original y Mejor Edición. Con el paso del tiempo, ha mantenido presencia en conversaciones sobre la filmografía de Christopher Nolan y continúa siendo una de las obras más conocidas de la primera etapa de su carrera.

En relación con el filme, Guy Pearce, protagonista de la historia, habló el año pasado sobre su percepción de su propio trabajo en la producción. En una entrevista con The Sunday Times, el actor explicó que volvió a ver la película y expresó que no quedó conforme con su interpretación de Leonard Shelby.

“Soy un desastre en esa película. Mientras la veía, me di cuenta de que odio lo que hice. Intentaba adoptar una actitud desenfadada, pero me equivoqué por completo”, expresó.

Y añadió: “John Gielgud dijo una vez: ‘Puedes ser bueno en una buena película, bueno en una mala, malo en una mala, pero nunca malo en una buena’. Sin embargo, vi Memento y me di cuenta de que soy malo en una buena película. ¡Mierda!”.

Toy Story 5 superó los mil millones de dólares en la taquilla mundial y se convirtió en la película con mayor recaudación del año.

Con 448 millones de dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 573 millones en el exterior, el filme de Disney y Pixar acumula un total global de 1.022 millones de dólares.

Se trata del tercer largometraje en 2026 en cruzar esa barrera, tras Super Mario Galaxy: la película y Michael, ambas con 1.001 millones de dólares.

A ellas se suma La Odisea, que con 639,6 millones tras apenas dos fines de semana de exhibición apunta a convertirse en la cuarta producción del año en alcanzar esa cifra, antes del estreno de Spider-Man: Brand New Day el 30 de julio.

De acuerdo con Variety, este año se perfila como el de mayor cantidad de películas con recaudación superior a los mil millones de dólares desde que la pandemia alteró la industria cinematográfica en 2020.

En 2019, nueve títulos superaron ese umbral; en 2020, ninguno lo logró. Desde entonces, la cifra fue de uno en 2021, tres en 2022, dos en 2023 y tres en 2024 y 2025.

En los próximos días, Toy Story 5 también superará a Toy Story 4 (2019) como la entrega más taquillera de la franquicia, que recaudó 1.070 millones en su momento. Es la tercera secuela de la saga en cruzar los mil millones, después de Toy Story 3 (2010), con 1.060 millones.

El filme está dirigido por Andrew Stanton, veterano de Pixar, y retoma la historia de Woody (con la voz de Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen) y Jessie (Joan Cusack).

La trama gira en torno a la llegada de Lilypad, una tableta infantil que desplaza a los juguetes como objeto de entretenimiento de su dueña, Bonnie.

La película abrió en junio con 160 millones de dólares, el debut más alto del año y el mejor arranque en la historia de la saga, y sostuvo su atractivo para el público familiar durante toda la temporada de verano.

La música volvió a estar en manos de Randy Newman, compositor de todas las entregas anteriores, con la incorporación del tema de Taylor Swift, producido junto a Jack Antonoff.

Un factor adicional fue la participación de Swift, cuya boda con Travis Kelce fue una de las noticias más comentadas del verano.

La cantante compuso el tema “I Knew It, I Knew You” para la banda sonora del largometraje, un detalle que Variety señaló como un elemento que no pasó inadvertido entre el público.

Al éxito comercial se sumó una semana difícil para el estudio: Pixar Animation Studios fue alcanzado por una ronda de despidos de Disney.

La revista además apuntó que, mientras las secuelas de animación han recuperado terreno en la taquilla, las propuestas originales siguen enfrentando dificultades.

Hoppers, la otra apuesta de Pixar para 2026, no logró sostener su impulso inicial tras un buen fin de semana de apertura.

El récord de “Toy Story 5″ en América Latina

En su primer fin de semana de exhibición en América Latina, Toy Story 5 convocó a más de 10 millones de espectadores en la región y recaudó 53,8 millones de dólares.

Esas cifras la posicionaron como la película más vista de la región en lo que va de 2026 y como el estreno más exitoso del año en el mercado latinoamericano.

El resultado ratifica la vigencia de una franquicia que arrancó en 1995 y que, más de tres décadas después, mantiene convocatoria tanto entre quienes crecieron con sus personajes como entre nuevas generaciones de espectadores.

En cuanto al ecosistema de la franquicia, los títulos de Toy Story acumulan más de 2.000 millones de horas reproducidas en Disney+ y producen más de 1.000 millones de dólares anuales en ventas vinculadas a productos de consumo, videojuegos y publicaciones.

La marca tiene presencia en parques temáticos de Disney en todo el mundo, con cuatro áreas temáticas, 19 atracciones y dos hoteles asociados a sus personajes.

Audrey Hepburn se negó cuando el fotógrafo John Isaac le propuso retocar digitalmente las arrugas de su rostro para una publicación.

La anécdota, recogida en el libro Intimate Audrey: An Authorized Biography, expone la postura que la actriz mantuvo toda su vida frente a la cirugía plástica: un rechazo absoluto.

La biografía, escrita por su hijo Sean Hepburn Ferrer y la coautora Wendy Holden, revela que “cualquier sugerencia de cirugía plástica le resultaba una anatema, pues honraba la historia de cada línea de su rostro”.

El libro, publicado con carácter oficial, es el primer retrato autorizado de la protagonista de Breakfast at Tiffany’s (Diamantes para el desayuno) desde esta perspectiva íntima.

El episodio con Isaac ocurrió cuando la revista American Photo le pidió a Hepburn que eligiera una fotografía favorita para una edición especial con celebridades.

La actriz seleccionó una imagen de ella junto a un niño durante una de sus misiones con UNICEF.

Al preguntarle el fotógrafo si deseaba eliminar las arrugas para la publicación, la respuesta fue tajante: “No se te ocurra tocar ni una sola de esas arrugas; me las gané todas”.

La nieta de la actriz, Emma Ferrer —hija de Sean—, había adelantado parte de esta visión del mundo en declaraciones a People en 2017.

“Para ella, las arrugas eran símbolos de edad, experiencia y sabiduría”, afirmó.

Emma también expresó su pesar por no haberla conocido en vida: “Desearía haberla conocido, porque toda persona que la trató dice que era aún más radiante y encantadora que en las películas”.

Intimate Audrey también desmiente rumores que circularon durante décadas sobre la salud de la actriz.

A pesar de su delgadez, que dio pie a especulaciones sobre un posible trastorno alimentario, el libro precisa que Hepburn “cocinaba, horneaba y comía lo que quería, aunque con cuidado en las porciones”.

La obra detalla su rutina diaria: tras el desayuno, salía a caminar “a un ritmo agotador para quienes la seguían”, y realizaba un ayuno mensual de un par de días.

Lejos de los regímenes estrictos, “tomaba una cerveza fría de vez en cuando, y después de su siesta diaria comía un trozo de chocolate negro —su ‘remedio contra la tristeza’—, seguido de un ‘dedo’ de whisky al caer el sol”, según recoge la obra.

Lily Collins dará vida a Hepburn en el cine

La figura de Audrey Hepburn volverá a la pantalla grande con un proyecto que lleva casi una década de gestación.

La actriz Lily Collins interpretará a la estrella en un largometraje centrado en el rodaje de Breakfast at Tiffany’s, el clásico de 1961 que consagró a Hepburn como uno de los rostros más reconocibles del cine mundial.

Collins, quien también ejercerá como productora a través de su compañía Case Study Films, anunció el proyecto en sus redes sociales con una declaración que no dejó dudas sobre el peso personal del encargo.

“Es con casi 10 años de desarrollo y toda una vida de admiración y devoción por Audrey que por fin puedo compartir esto”, escribió en Instagram. “Honrada y extasiada no alcanzan a expresar cómo me siento”.

El guion estará a cargo de Alena Smith, creadora de la serie Dickinson para Apple TV, y se basará en el libro Fifth Avenue, 5 A.M.: Audrey Hepburn, Breakfast at Tiffany’s and the Dawn of the Modern Woman, del escritor Sam Wasson, catalogado como un éxito de ventas por The New York Times.

La producción promete ser, según el comunicado oficial, “el primer relato completo del rodaje de la película”.

La trama abordará, entre otros conflictos, la disputa que enfrentó al escritor Truman Capote —autor de la novela original— con la productora Paramount, cuando este exigió que Marilyn Monroe interpretara a Holly Golightly. La elección de Hepburn llevó a Capote a sentir que el estudio lo había traicionado.

El filme incluirá además a figuras como la diseñadora Edith Head y el director Blake Edwards, aunque sus intérpretes aún no fueron anunciados.

El reto de Motorcity: acción sin palabras

“Motorcity” representa una excepción dentro del género. Ritchson relató que, al recibir el guion, se sorprendió por su estructura: “Abrí el guion y solo había escenas de acción. No había diálogos en la película. Pensé, ‘¿qué es esto?’”.

El texto, con apenas 87 páginas y sin diálogos, requería de un enfoque interpretativo distinto. “Lo leí probablemente más rápido que cualquier otro, y eso para mí es señal de que es un buen guion”, explicó durante la entrevista.

La producción enfrentó obstáculos desde sus primeras etapas. El propio Ritchson describió las dificultades para conseguir financiación, el escepticismo de estudios ante la idea de un film sin líneas habladas, y los constantes ajustes presupuestarios.

“Tuvimos que armar la financiación independiente. Eso es complicado porque de repente alguien no deposita el dinero y hay que rehacer todo el plan”, detalló. El actor defendió personalmente la inclusión de escenas clave, como la del combate en el ascensor: “Peleé por esa escena. Estaba dispuesto a pagarla de mi bolsillo porque sabía que el público la iba a valorar”.

La propuesta de esta película busca, según Ritchson, mostrar que el diálogo no es la única herramienta para contar historias y abrir la puerta a nuevas formas de narrativa audiovisual. El film, dirigido por Potsy Ponciroli, incorpora la música como elemento central y apuesta por el impacto visual, en un homenaje a los thrillers de los años 70.

Selección de proyectos y control creativo

El ascenso del actor de 43 años en la industria está marcado por una filosofía clara: priorizar proyectos originales frente a secuelas o repeticiones de fórmulas exitosas.

“Sueñas con llegar a un punto donde puedes elegir lo que haces. Cuando llega esa oportunidad, hay que aprovecharla”, aseguró el actor, quien destacó la importancia de “crear propiedad intelectual original y aventuras nuevas para el público”.

Tras el éxito de “Reacher”, accedió a un nivel de influencia donde recibe guiones antes de su publicación. “Somos uno de los pocos equipos que recibe IP (propiedad intelectual) antes que nadie. Eso es porque la industria empieza a confiar en mi gusto y en la capacidad de ejecutar proyectos grandes”, comentó el actor.

Posicionamiento social y mirada política

Las convicciones de Ritchson trascienden lo artístico. Durante la conversación en Happy, Sad, Confused, el actor abordó temas sociales y políticos, cuestionando la pasividad de otras figuras públicas.

“La gente siente miedo de hablar. Yo digo lo que hay que decir si uno se preocupa por la humanidad”, afirmó. Ritchson también criticó la corrupción y la falta de justicia: “Veo injusticias por todos lados y me frustra. Vivo con mucho descontento frente a cómo están las cosas”.

Su interés por la política y la justicia social surgió de experiencias personales y de su lucha con el trastorno de déficit de atención e hiperactividad (TDAH). Mencionó que trabaja con un coach para gestionar la sensibilidad frente al rechazo y la injusticia, aspectos que influyen en su carácter y en su deseo de buscar un mundo más equitativo.

“Si algún día entro en política, lo haría con la intención de hacer el mundo más justo y limpiar la ley para que sea más difícil que los corruptos abusen del sistema”, expresó en el podcast.

Trayectoria, aprendizajes y rumores sobre Batman

La carrera de Ritchson comenzó en el universo de las series juveniles, con su aparición en “Smallville” como Aquaman. El actor recordó que aquella experiencia fue un “golpe de realidad” sobre la volatilidad de la industria: “Me ofrecieron un spin-off, pero el proyecto se cayó por decisiones ejecutivas. Aprendí a no dar nada por sentado”.

El camino estuvo marcado por rechazos, como el fallido casting para interpretar a Thor, y por la consolidación de su imagen en producciones como “Titans” y la citada “Reacher”.

Además, circulan especulaciones sobre una posible incorporación al universo de Batman bajo la dirección de James Gunn. Ritchson evitó confirmaciones pero subrayó su exigencia al elegir proyectos: “Cualquier cosa que haga con DC debe cumplir con mis estándares”.

El actor también compartió anécdotas sobre su vínculo con Arnold Schwarzenegger, quien le sugirió incursionar en la política, y sobre su compromiso con cada personaje, incluyendo la realización de sus propias escenas de riesgo, pese a lesiones: “Me rompí la espalda dos veces el año pasado. Pero siento que le debo al público dar siempre lo mejor”.

Matt Damon reveló que la derrota en una audición fue el motor que lo llevó, junto a Ben Affleck, a escribir Good Will Hunting, la película que en 1997 les valió el Oscar al Mejor Guion Original y los catapultó al estrellato de Hollywood.

El actor de 55 años lo confesó el 15 de julio de 2026 durante una entrevista con Tom Holland, su co-estrella en La Odisea, para la serie GOAT Talk de la revista Complex.

Damon explicó que tanto él como Affleck compitieron por el papel de Aaron Stampler en La verdad desnuda (1996), un rol que finalmente recayó en Edward Norton tras una convocatoria abierta de casting.

“Fue en realidad el verdadero impulso detrás de que escribiéramos Good Will Hunting”, dijo el artista de Hollywood. “Cuando Ben y yo fuimos a buscar ese papel, y Edward lo superó a todos, como debía ser, fue fenomenal en la película”.

Ante esa derrota, el dúo de amigos tomó una decisión que cambiaría el rumbo de sus vidas.

“Nos miramos el uno al otro y dijimos: nunca va a haber un papel tan bueno que llegue a la categoría de actor desconocido, y todos podemos intentarlo, pero son, ya sabes, 10.000 personas buscando una sola cosa. Así que nos pusimos a escribir Good Will Hunting con un poco más de desesperación“, relató.

El papel de Stampler fue uno de los más codiciados por los actores jóvenes de la época, puesto que era una oportunidad única de ser catapultados a la fama.

Richard Gere, protagonista de La verdad desnuda, confirmó recientemente en una entrevista con The Movie Podcast que la producción “no podía encontrar un actor” para interpretar al monaguillo de 19 años acusado de asesinato, pese al interés de numerosas figuras emergentes.

La destacada estrella de cine describió el personaje como “increíble” y aseguró que “todos los grandes actores jóvenes querían interpretarlo”, aunque muchos tuvieron dificultades para combinar la inocencia del personaje con su faceta más oscura.

El propio Gere admitió que estuvo “listo para marcharse” ante la incertidumbre del casting.

La situación se resolvió cuando Norton, tras acudir a la convocatoria abierta, voló para leer junto a él y lo dejó impresionado de inmediato. Fue “fabuloso”, según las palabras de Gere al citado medio.

La verdad desnuda marcó el debut cinematográfico de Edward Norton y su actuación le valió un Globo de Oro y una nominación al Oscar al Mejor Actor de Reparto.

Mientras Norton lanzaba su carrera con ese papel, Matt Damon y Ben Affleck optaron por crear su propia oportunidad.

“Es muy, muy difícil entrar en la industria”, explicó Damon a Holland. “Los trabajos más difíciles de conseguir son los primeros que consigues”.

Good Will Hunting obtuvo el reconocimiento de la crítica, ganó el Oscar al Mejor Guion Original y estableció a Damon como actor y escritor.

El fallecido Robin Williams también se llevó el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su papel en la película.

La colaboración entre Damon y Affleck no se detuvo allí. Los dos intérpretes han seguido trabajando juntos en proyectos como El último duelo (2021) y Air: la historia detrás del logo (2023), el primero bajo su sello productora Artists Equity.

Su más reciente aparición conjunta fue en The Rip, estrenada en enero de 2026 a través de Netflix.

Matt Damon, que actualmente protagoniza La Odisea de Christopher Nolan, reveló a MTV UK que Ben Affleck fue una de las pocas personas cuya opinión sobre la película le importaba.

Tras verla, Affleck llamó a Damon por teléfono para hablar de la adaptación del poema homérico y “no paró de hablar durante una hora”, según contó el propio actor: “Fue como si hubiera visto la película 20 veces. Lo captó todo absolutamente, cada detalle”.

Según informó TMZ, todo comenzó dentro del local cuando alguien tomó el sombrero de Peters.

Las imágenes que circularon en la plataforma X muestran al streamer —sin camisa— confrontar al hombre, al que empujó y golpeó antes de que varias personas intentaran intervenir.

La situación se trasladó luego al estacionamiento del recinto, donde el conflicto se agravó.

Fue allí donde dos hombres, que aparentaban ser guardias de seguridad del club, redujeron a Peters en el pavimento.

Uno de ellos lo inmovilizó con una llave de cabeza mientras el streamer declaraba en la transmisión en vivo que tenía dificultades para respirar.

Su amigo Drago, quien grabó parte del incidente, intentó en repetidas ocasiones apartar a los agresores. “Ciudadanos arrestando... qué tontería”, escribió al compartir el video.

TMZ detalló que la policía de Miami llegó al lugar y separó a los involucrados, aunque las versiones que cada parte ofreció a los agentes fueron contradictorias.

Imágenes posteriores parecen mostrar a Peters sentado en la parte trasera de una patrulla, lo que desató especulaciones sobre un posible arresto.

No obstante, ningún registro público en el sistema de Miami-Dade consignaba un caso criminal a nombre de Peters hasta el cierre de esa jornada, y las imágenes disponibles no muestran que haya sido esposado ni trasladado para ser fichado.

La detención habría sido de carácter temporal, mientras los oficiales investigaban lo ocurrido y separaban a quienes estuvieron involucrados en la pelea.

Al día siguiente, el sábado 26 de julio, Clavicular respondió en X al video que Drago había publicado. “Drago es mi mano derecha, una leyenda. Qué crack”, escribió el streamer.

Este no es el primer episodio de este tipo para el creador de contenido. En marzo pasado, Peters fue arrestado y enfrentó un cargo de agresión menor luego de que la policía lo señalara como instigador de una pelea entre una joven de 19 años y su entonces novia, Violet, de 24. Fuentes cercanas al influencer negaron esa versión en su momento.

Clavicular se ha hecho conocido en la plataforma Kick por sus transmisiones en vivo y su pertenencia a la comunidad de looksmaxxing, centrada en la mejora física extrema.

A lo largo de 2026, el influencer acumuló varios momentos virales, entre ellos la transmisión en directo de una rinoplastia.

Clavicular reveló la verdadera razón de su desmayo en vivo

Semanas antes de la pelea en Miami, Braden Peters había protagonizado otro episodio que atrajo amplia atención en redes. En abril, el streamer perdió la conciencia durante una transmisión en vivo, lo que llevó a numerosos usuarios y medios estadounidenses a especular con una posible sobredosis.

Peters desmintió esa versión en el pódcast Hang Out with Sean Hannity.

“Literalmente, no había comido ese día, consumí demasiado alcohol y simplemente me desmayé un poco”, afirmó. “No tuve una sobredosis ni nada parecido”, añadió en el mismo espacio.

El creador de contenido, de 20 años, restó peso a las reacciones del público: “La gente está actuando como si nunca se hubiera desmayado por beber un poco de más a los 20 años. Sucede todo el tiempo en la universidad. No fue algo importante”, señaló en el pódcast.

Sobre la cobertura mediática, fue más directo. Indicó que la información fue “malinformada, intencionadamente” con el propósito de viralizar su imagen antes de la apertura de un club nocturno.

“La meta era esa, ¿verdad? Se volvió tremendamente viral y luego se produjo la apertura del club”, expresó.

Tras el incidente, Peters fue hospitalizado, aunque él mismo restó importancia al hecho. En una publicación en X escribió: “Acabo de llegar a casa, fue brutal. Todas las sustancias solo sirven para intentar sentirme neurotípico en público, pero obviamente no es una solución real”.

En una transmisión posterior, anunció que buscaría alejarse del consumo: “Creo que debo encontrar otra forma. O practico mogging sobrio o busco un nuevo tipo de contenido", manifestó ante sus seguidores.

La salida del hospital se produjo, de acuerdo con esa misma información, en contra de la recomendación médica.

El propio actor relató que los ingresos obtenidos al prestar su voz a Sid el perezoso fueron decisivos para afrontar compromisos económicos y para asegurar la educación superior de su familia, en el marco del lanzamiento de la sexta entrega de la franquicia, prevista para febrero de 2027.

El impacto económico de un personaje animado

Según relató John Leguizamo en diversos medios, los pagos por participar en La era de hielo no solo le permitieron saldar cuentas cotidianas, sino que abrieron la puerta a la adquisición de una segunda y tercera residencia.

El actor, de 66 años, señaló que el trabajo con la productora le aportó estabilidad financiera durante más de dos décadas. La saga, producida por Blue Sky Studios y distribuida por 20th Century Fox (hoy parte de Disney), se convirtió en una de las más rentables del cine animado desde su estreno en 2002.

La vinculación de Leguizamo con la franquicia se mantuvo constante a lo largo de las entregas. En declaraciones previas al estreno de La Era de Hielo: Mundo de Lava, el actor reconoció que el éxito económico de la serie tuvo un reflejo directo y concreto en su vida familiar. “El dinero de La era de hielo me permitió pagar la universidad de mis hijos”, afirmó en una entrevista reproducida por Variety.

Una franquicia que marcó una generación

La primera película de La era de hielo se estrenó en 2002 y fue seguida por La era de hielo 2: El deshielo (2006), La era de hielo 3: El origen de los dinosaurios (2009), La era de hielo 4: La formación de los continentes (2012) y La era de hielo 5: Choque de mundos (2016).

Durante toda la saga, Leguizamo interpretó a Sid, el carismático perezoso que integra el núcleo central de personajes junto a Manny y Diego.

La sexta entrega, titulada La Era de Hielo: Mundo de Lava, llegará a los cines en febrero de 2027. El primer avance de la película se difundió en junio de 2026 y generó expectativa entre los seguidores. Todos los filmes y cortos de la saga están disponibles en Disney+, ampliando la audiencia y manteniendo vigente el interés por la serie.

El proceso creativo detrás de Sid el perezoso

Para construir la voz de Sid, John Leguizamo recurrió a material documental y observó imágenes de perezosos en el canal Discovery Channel. El actor explicó que estudió el comportamiento de estos animales para dotar de autenticidad al personaje.

Una de las claves fue identificar el sonido que producían al almacenar comida en la boca, lo que lo llevó a incorporar un ceceo lateral característico.

En una entrevista rescatada por The Hollywood Reporter, Leguizamo confesó que, tras dos décadas, todavía le resulta difícil desprenderse de los rasgos vocales de Sid. “A veces me sorprendo hablando con ese ceceo”, admitió el actor, quien también destacó la oportunidad de explorar su faceta más cómica a través del personaje.

Anticipos de la nueva película

En relación al estreno de La Era de Hielo: Mundo de Lava, Leguizamo adelantó la presencia del trío protagónico y el regreso de figuras como Queen Latifah y, posiblemente, Jennifer Lopez. El elenco también contará con la participación de Ray Romano, Denis Leary y Simon Pegg, actores recurrentes en la franquicia.

La trama de la sexta entrega llevará a los personajes a una aventura en territorios dominados por dinosaurios y lava, donde deberán afrontar nuevos desafíos. Según la información oficial, la historia transcurrirá en el llamado Mundo Perdido, un entorno inexplorado dentro del universo creado por Blue Sky Studios.

El legado económico y profesional de la saga

El papel de Sid consolidó a John Leguizamo como una figura reconocida en la animación global. Además del reconocimiento artístico, el actor subrayó que la franquicia de La era de hielo le permitió sostener proyectos personales y familiares a largo plazo. “Es un personaje que cambió mi vida dentro y fuera de la pantalla”, aseguró en diálogo con Variety.

La continuidad de la saga y su impacto económico evidencian el alcance mundial de las producciones animadas. El fenómeno comercial de La era de hielo transformó la carrera de Leguizamo y proporcionó estabilidad a su entorno familiar, un aspecto que el propio actor considera fundamental tras más de veinte años vinculado a la franquicia.

Ryan Gosling protagonizará Ghost Rider, la nueva apuesta de Marvel Studios dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), con estreno previsto para 2028.

El anuncio fue realizado por el presidente del estudio, Kevin Feige, durante el panel de Marvel en el Hall H de la Comic-Con de San Diego, ante una sala que reaccionó con euforia al ver al actor subir al escenario.

La estrella encarnará a Johnny Blaze, el acróbata de motocicletas que, tras vender su alma al diablo, queda unido a un demonio sobrenatural y se convierte en el Espíritu de la Venganza.

Se trata de un ser de calavera en llamas que monta una motocicleta ardiente, posee superfuerza, maneja látigos de fuego y puede obligar a sus víctimas a revivir el dolor emocional que han causado a otros mediante la llamada “Mirada de la Penitencia”.

El personaje fue creado por el guionista Gary Friedrich y el ilustrador Mike Ploog, y tuvo su primera aparición en 1972 en el número 5 de Marvel Spotlight.

La dirección estará a cargo de Shawn Levy, quien ya trabajó con el UCM en Deadpool & Wolverine.

Además, el guion será escrito por Jonathan Tropper, con quien tanto Levy como Gosling ya colaboraron en Star Wars: Starfighter, cinta de la saga galáctica prevista para el 28 de mayo de 2027.

Fue precisamente durante el rodaje de esa producción donde nació la conversación que derivó en el proyecto.

“Gosling es lo máximo. Lo digo con enorme respeto“, declaró Levy ante el público del Hall H. El cineasta explicó que, mientras filmaban Starfighter, el intérprete comenzó a hablar del personaje y él no tardó en unirse a la idea.

“Hermano, vamos a dar una vuelta”, dijo, en alusión al lema del Motorista Fantasma. “Nos vemos en 2028”, añadió.

Por su parte, el nominado al Oscar tomó la palabra para reconocer su vínculo con el personaje. “Como saben, este es un personaje que he querido interpretar por mucho tiempo. Kevin, Josh Horowitz, Hall H, gracias”, afirmó desde el escenario.

La referencia a Horowitz no fue casual: el periodista había presionado públicamente a Feige semanas antes, durante el junket de Spider-Man: Brand New Day, sobre por qué Gosling aún no era Ghost Rider.

En el panel, el presidente de Marvel Studios repitió la broma en vivo y terminó presentando al actor ante el auditorio.

Ryan Gosling será el segundo intérprete en llevar el personaje a la pantalla grande. Nicolas Cage protagonizó dos películas para Sony: Ghost Rider (2007) y Ghost Rider: Spirit of Vengeance (2011), que en conjunto recaudaron más de 361 millones de dólares en todo el mundo.

Ambas recibieron críticas mayoritariamente negativas. Posteriormente, los derechos del personaje revirtieron a Marvel Studios, que lo adaptó para la serie de televisión Agents of S.H.I.E.L.D., donde Gabriel Luna interpretó a Robbie Reyes, una versión más joven y latina del Motorista Fantasma.

Luna estuvo a punto de retomar el rol en una serie independiente para Hulu, pero el proyecto fue cancelado en 2019.

La actriz Eva Mendes, pareja de Gosling, participó en la primera entrega de Cage como Roxane Simpson. Hasta el momento, no hay confirmación oficial sobre si Mendes podría retomar ese papel en la nueva versión.

Esta será la primera incursión de Gosling en el género de superhéroes. El actor, tres veces nominado al premio de la Academia, llega al proyecto tras el éxito de Project Hail Mary, adaptación cinematográfica estrenada en marzo con más de 684 millones de dólares de recaudación mundial.

Gosling inició su carrera a los 13 años en el programa de Disney Channel The All New Mickey Mouse Club, lo que convierte su trayectoria en una que, de forma circular, lo mantiene dentro del universo de franquicias del estudio.

El universo cinematográfico de Marvel suma a Ryan Gosling como el protagonista de una próxima película independiente con la confirmación de que interpretará a Ghost Rider en una próxima película independiente.

El anuncio se realizó durante el panel de Marvel en la Comic-Con de San Diego el 25 de julio, donde Gosling apareció ante el público para compartir su entusiasmo.

Según People, el actor de 45 años, nominado al Óscar, encarnará a uno de los personajes del estudio. La noticia fue recibida con ovaciones, en medio de la expectativa por ver a Gosling asumir este desafío en el universo de los superhéroes.

Gosling dijo desde el escenario: “Como saben, este es un personaje que he querido interpretar desde hace mucho tiempo”. La frase despertó una ovación entre los asistentes.

La confirmación llegó de la mano del presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y consolidó el ingreso del actor al grupo de intérpretes de la franquicia.

Este anuncio refuerza la apuesta de Marvel por actores conocidos internacionalmente para sus proyectos. La elección de Gosling renovará la imagen de Ghost Rider ante una nueva generación de espectadores.

La trayectoria de Ghost Rider en el cine

La historia de Ghost Rider en el cine comenzó en 2007, cuando Nicolas Cage asumió el rol de Johnny Blaze, el motociclista convertido en héroe sobrenatural. Aquella producción funcionó como relato de origen y contó con la participación de Eva Mendes, pareja de Gosling, interpretando a Roxanne Simpson, el interés romántico del protagonista.

Cage retomó el papel en la secuela Ghost Rider: Spirit of Vengeance en 2011, aunque Mendes no regresó para ese proyecto. Ambas películas fueron seguidas por los seguidores del personaje y posicionaron al personaje entre los antihéroes del cine de superhéroes.

La interpretación de Cage se mantuvo como referencia hasta el anuncio de Gosling, que ahora asume la responsabilidad de interpretar al personaje bajo la mirada de Marvel Studios. Este cambio implica un recambio generacional del personaje.

Shawn Levy dirigirá la nueva película

La dirección de la nueva entrega de Ghost Rider estará a cargo de Shawn Levy, cineasta que ya trabajó con Gosling en el próximo estreno de Star Wars: Starfighter.

Levy es reconocido por su éxito en el género con la película Deadpool y Wolverine, estrenada en 2024. Su elección responde a la búsqueda de una nueva visión que combine acción, humor y un tono propio para el personaje.

Durante el panel en la Comic-Con, Levy compartió escenario con Gosling y Kevin Feige, y mostró la buena sintonía entre los tres. El director expresó su entusiasmo recordando: “Estoy teniendo la mayor vibra de déjà vu aquí, porque estuve aquí hace dos años cuando mostramos Deadpool & Wolverine. Nunca olvidaré esa noche, porque conocí a los mejores fans”.

Qué dijeron Gosling y Levy

En la Comic-Con hubo celebración, con Ryan Gosling manifestando su emoción ante los seguidores. La reacción del público reforzó la expectativa por ver su interpretación en la pantalla grande.

Shawn Levy también compartió su entusiasmo e hizo referencia al actor que interpretará el papel protagónico: “Gosling es absolutamente lo mejor. Lo digo con tremendo respeto. Pasamos mucho tiempo el año pasado haciendo Starfighter, y cuando Ryan empezó a hablar sobre este personaje, le dije: ‘Hermano, vamos a hacerlo’. ¡Nos vemos en 2028!”.

El primer papel de superhéroe de Gosling

La incorporación de Ryan Gosling al elenco de Marvel marca su primer papel en una película de superhéroes o de cómics, un cambio en su trayectoria.

Hasta ahora, el actor se había destacado en dramas, comedias y ciencia ficción, pero nunca había participado en una producción de este género. El anuncio generó expectativa entre sus seguidores y entre los aficionados interesados en ver cómo abordará este desafío.

Por el momento, Marvel Studios no ha revelado la fecha de estreno de la nueva película de Ghost Rider. La falta de detalles sobre el calendario de producción mantiene el misterio sobre cuándo llegará a las salas esta adaptación.

La decisión cambió el rumbo de una ficción que, en 2023, se había convertido en la serie original más vista del año en Apple TV, acumulando 283 millones de horas de visualización y 13 premios Emmy.

La expectativa que rodea el regreso de Ted Lasso no solo se apoya en su éxito pasado sino también en la transformación radical de su propuesta: la nueva temporada gira en torno al equipo femenino de AFC Richmond, con las Lady Greyhounds ocupando el centro del relato.

El estreno está programado para el 5 de agosto de 2026, según detalló The Hollywood Reporter, y el elenco principal con Sudeikis, Hannah Waddingham, Juno Temple y Brett Goldstein vuelve a escena, aunque en un contexto completamente renovado.

Un retiro en Ojai y el germen de la nueva etapa

La continuidad de la serie fue fruto de un proceso inusual. En febrero de 2024, Sudeikis reunió al equipo de guionistas en Ojai, California, para evaluar la posibilidad de seguir contando historias sobre Ted Lasso. “Pensé: ‘No sé si ya está terminada’”, admitió el actor de 50 años en una entrevista con The Hollywood Reporter.

La reunión, que se llevó a cabo en el Ojai Valley Inn, se transformó en una mesa de trabajo sobre el futuro de la franquicia. Durante ese encuentro, surgieron ideas para varios spin-offs, entre ellos uno centrado en Roy Kent y otro en Keeley Jones.

Sin embargo, la propuesta que ganó fuerza fue la de explorar el universo del fútbol femenino, una línea argumental insinuada en el cierre de la tercera temporada.

Brendan Hunt, cocreador e intérprete del entrenador Beard, describió ese momento como “comprobar la viabilidad del proyecto”. Según el propio Goldstein, también guionista y actor, el desafío consistía en no caer en la fórmula de un spin-off tradicional.

Entre el agotamiento y la motivación renovada

El camino hacia la cuarta temporada estuvo marcado por el desgaste de Sudeikis, quien había declarado en varias ocasiones que su intención era cerrar la serie tras tres entregas.

El actor pasó casi cinco años dedicado exclusivamente a la ficción, escribiendo y protagonizando cada episodio. “La historia ya estaba contada. Ted volvió a casa [a Kansas City] para estar con su hijo. No iba a hacer que Ted cambiara radicalmente su vida para justificar el dinero”, afirmó al medio estadounidense.

La presión mediática y las circunstancias personales, incluida una ruptura pública con Olivia Wilde, incidieron en su decisión inicial de no continuar.

Pese al cansancio, el vínculo de Sudeikis con el personaje y el impacto emocional de la serie en el público pesaron en su balanza. Según relató The Hollywood Reporter, el actor suele responder a los seguidores: “Cuando los fans me dicen que la serie los salvó, les respondo: ‘A mí también me salvó’”.

Además, reconoció que “es contagioso interpretar a un personaje que ve lo mejor en la gente y no se enfada con el mundo por todos sus defectos y sus sombras”. El regreso de Ted Lasso se consolidó como una necesidad tanto creativa como personal.

El desafío de renovar el universo Lasso

El paso de la serie por la tercera temporada estuvo marcado por retrasos, extensos rodajes y tensiones internas. Bill Lawrence, showrunner original, se apartó del proyecto para enfocarse en otros trabajos, lo que dejó a Sudeikis como principal responsable creativo.

“Fue una muerte lenta y dolorosa”, resumió Brendan Hunt sobre la producción de la tercera temporada, marcada por retrasos derivados de la pandemia y las constantes reescrituras de los guiones.

El propio Sudeikis reconoció que su forma de trabajar contribuyó a ese proceso: “Nunca leí algo y pensé: ‘¡Esto está todo mal!’. Más bien, me pregunté: ‘¿Cómo podemos mejorarlo?’“.

Para la cuarta temporada, la producción incorporó a Jack Burditt, con experiencia en 30 Rock y Modern Family, como nuevo showrunner. Su rol consistió en asegurar el cumplimiento de plazos y presupuestos, mientras Sudeikis mantuvo el control creativo.

Lady Greyhounds: nuevos rostros y continuidad

El salto al fútbol femenino implicó la llegada de nuevas actrices, como Tanya Reynolds, quien interpreta a la entrenadora asistente del equipo. La selección del elenco incluyó pruebas de actuación y habilidades deportivas, replicando el proceso vivido por los intérpretes originales.

“Me puse muy paranoica porque la idea de que yo interprete a una entrenadora es bastante graciosa para cualquiera que me conozca”, relató Reynolds a The Hollywood Reporter.

La preparación incluyó campamentos de entrenamiento y un acompañamiento especial por parte de Waddingham y Temple, quienes asumieron un rol de mentoras para las nuevas integrantes.

La cuarta temporada busca recuperar el tono y la esencia que definieron a Ted Lasso desde su estreno en 2020. Según el consenso interno citado por The Hollywood Reporter, los primeros episodios presentan una duración más acotada y un ritmo narrativo más cercano al de las primeras entregas.

Rhys Harries, de 33 años y criado en Gales, explicó que la situación fue inusual por el tamaño del proyecto. Su agente le avisó de forma rápida, ya que el anuncio oficial se haría público en cuestión de horas. “Tuvo que llamarme muy rápido. Me llamó justo antes de abordar un vuelo”, relató el actor sobre ese momento decisivo en su carrera.

A diferencia de otras ocasiones, la diferencia horaria y la inminencia del comunicado impidieron que sus agentes lo contactaran juntos. La urgencia de la llamada se sumó a la tensión acumulada durante un proceso de audiciones que se prolongó cerca de dos meses, una etapa que el propio actor definió como una prueba de estrés.

El alivio tras la espera

Para sobrellevar la incertidumbre, Rhys Harries eligió recorrer Londres en bicicleta. Esa rutina, pensada para despejar la mente, se transformó en una celebración improvisada en cuanto recibió la noticia.

“Salí a recorrer Londres para distraerme de la espera”, contó el actor. La confirmación lo llevó a contactar de inmediato a su familia y a algunos amigos, compartiendo la alegría a través de llamadas desde la calle.

La obtención de este papel representa su primer gran protagónico en el universo de DC Studios. Hasta el momento, su carrera había incluido participaciones en títulos como The Gentlemen, The Return y Madfabulous, así como la serie The Light in the Hall.

El desafío de Clayface

En Clayface, Rhys Harries interpreta a Matt Hagen, un actor de Gotham City cuya vida da un giro cuando un gánster desfigura su rostro después de descubrir que se acostó con su novia.

A partir de ese hecho, el personaje recurre a una científica, encarnada por Naomi Ackie, quien le ofrece un suero experimental que promete restaurar su apariencia.

La trama plantea que el tratamiento funciona al principio, pero pronto transforma el cuerpo de Hagen hasta convertirlo en la entidad cambiante asociada al villano de Batman. El reparto se completa con Max Minghella, Eddie Marsan y David Dencik, quienes también tienen roles destacados en la historia.

El proceso creativo y la visión del director

James Watkins, director de la película, afirmó que desde su primer encuentro con Rhys Harries sintió que era adecuado para el personaje. “Lo sometí a cuatro o cinco audiciones, además de varias lecturas y pruebas de química”, explicó.

El realizador detalló que, cuando se confirmó el resultado, ambos mantuvieron una conversación muy agradable en la que compartieron su visión sobre cómo abordar el papel.

Durante esas pruebas, el director y el actor analizaron juntos el trasfondo del personaje y coincidieron en la manera de interpretarlo en pantalla. Watkins valoró la disposición de Rhys Harries para sumarse a un proyecto de alto perfil y señaló que el trabajo conjunto durante las audiciones ayudó a consolidar la elección.

Una apuesta de terror dentro del universo DC

Clayface llegará a los cines el 23 de octubre y ocupará un lugar concreto dentro del nuevo universo de DC impulsado por James Gunn. Se trata de la tercera película de esta etapa, tras Superman y Supergirl, y aunque forma parte del entramado compartido, tanto Rhys Harries como Watkins presentaron la cinta como una historia contenida.

El director definió Clayface como una película de menor presupuesto que busca arriesgar dentro del género del terror, apostando por una narrativa más íntima en comparación con otras superproducciones del estudio.

La propuesta introduce un tono diferente en el universo DC, combinando elementos de suspenso y drama con la transformación de uno de los villanos clásicos de Batman.

¡Se reveló el sucesor de Chadwick Boseman! David Jonsson tomará el manto de Black Panther en la tercera entrega de la franquicia de Marvel Studios.

El actor de 32 años interpretará a Toussaint —la versión adulta del hijo de T’Challa, el personaje que encarnó Boseman antes de morir—, según confirmó el director Ryan Coogler el sábado durante el panel de Marvel en la Comic-Con Internacional de San Diego.

El anuncio se produjo ante miles de espectadores reunidos en el Hall H del Centro de Convenciones de San Diego.

Coogler subió al escenario junto al presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y presentó a Jonsson ante una audiencia que respondió con ovaciones y cánticos de Wakanda.

Letitia Wright y Winston Duke, presentes en las dos entregas anteriores de la saga, también acompañaron al director en el escenario.

“Gracias a esta familia que tengo el honor y la bendición de integrar. No quiero decir demasiado, porque quiero dejar que la pantalla hable”, dijo Jonsson desde el escenario.

El personaje de Toussaint, también conocido como T’Challa II, apareció por primera vez en la escena poscréditos de Black Panther: Wakanda Forever (2022), cuando Nakia —interpretada por Lupita Nyong’o— revelaba la existencia del niño.

La tercera película retomará esa historia con el joven ya adulto y con ambiciones sobre el trono de Wakanda, según lo que Coogler expuso en el panel.

Además del reparto, el director dio a conocer un dato técnico que distingue a Black Panther 3 del resto del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU): la película se rodará en su totalidad en celuloide de formato grande, una novedad para la franquicia.

Ryan Coogler precisó que la producción se filmará en 70mm, un formato asociado históricamente con producciones de gran escala visual.

Cabe recordar que David Jonsson llega al rol tras una carrera en ascenso: participó en la serie Industry de HBO, en Rye Lane (2023) y más recientemente protagonizó Alien: Romulus (2024), del director Fede Álvarez, y The Long Walk, de Francis Lawrence, ambas con presentaciones previas en el Hall H de la Comic-Con.

Fue precisamente esta última producción —basada en una novela de Stephen King y coprotagonizada por Cooper Hoffman— la que Coogler mencionó al presentarlo ante el público.

La franquicia que Jonsson hereda tiene un peso considerable en la historia reciente del cine de superhéroes.

La primera Black Panther (2018), con Chadwick Boseman en el papel protagónico, recaudó 1.300 millones de dólares en todo el mundo, obtuvo tres premios Oscar y fue la primera película de superhéroes en recibir una nominación al Oscar a Mejor Película.

Su reparto incluyó a Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Letitia Wright, Winston Duke y Angela Bassett.

Boseman murió en agosto de 2020 tras una batalla privada contra el cáncer de colon. Su partida golpeó duramente a sus compañeros de elenco y al director Ryan Coogler, dejando además un futuro incierto para la serie cinematográfica.

Wakanda Forever (2022) abordó la muerte del personaje de T’Challa y trasladó el papel de Black Panther a Shuri, la hermana interpretada por Wright.

Esa película recaudó más de 850 millones de dólares y ganó un Oscar por el diseño de vestuario de Ruth E. Carter, quien con ese galardón se convirtió en la primera mujer negra en ganar dos premios de la Academia.

Bassett también recibió una nominación por su actuación, la primera para un intérprete en una película de Marvel.

El actor Denzel Washington también forma parte del elenco de Black Panther 3, según había sido anunciado con anterioridad.

El próximo proyecto de la saga de Pantera Negra se anunció con un estreno fijado para el 15 de diciembre de 2028 en Estados Unidos.

La actriz Jennifer Garner vivió durante más de 20 años bajo la vigilancia casi diaria de un fotógrafo que terminó por convertirse en una figura familiar. En una entrevista con el pódcast Shut Up Evan, citada por Complex, describió la relación como “muy interesante”, marcada por un “respeto extraño” y una dinámica que asoció con el síndrome de Estocolmo.

Según relató Garner a Complex, dos fotógrafos la siguen a diario, aunque uno de ellos se transformó en su “fotógrafo principal”. La actriz declaró: “He hecho de todo para pedirle que se vaya. Y, al mismo tiempo, tenemos una clase de respeto extraño el uno por el otro”.

Esa convivencia forzada se consolidó a partir de la rutina y de episodios en los que la presencia del paparazi resultó inesperadamente significativa.

En uno de esos momentos, la actriz notó que una persona desconocida la seguía y temió por su seguridad. Decidió entonces acercarse al fotógrafo que la vigilaba habitualmente, convencida de que, a pesar del acoso constante, estaría a salvo junto a él. “Hemos vivido momentos muy reales juntos”, afirmó Garner en la entrevista.

El “síndrome de Estocolmo” y los límites de la confianza

El vínculo con el paparazi principal, según la actriz, se volvió ambiguo con el paso de los años. Aunque lo intentó todo para mantenerlo lejos, la familiaridad se impuso. La situación la llevó a comparar su experiencia con el síndrome de Estocolmo, fenómeno psicológico en el que una persona desarrolla cierto grado de afinidad hacia quien la mantiene cautiva.

“Hay algo parecido al síndrome de Estocolmo”, sostuvo Garner, quien subrayó que esa confianza puntual nunca eliminó su malestar ni su deseo de preservar la intimidad.

La actriz también reconoció que recurrió “un millón de veces” a la policía para solicitar que la dejaran caminar una vuelta a la manzana con sus hijos y su perro. La presión de los paparazis, lejos de ser un episodio aislado, se volvió una constante que limitó incluso los aspectos más simples de su vida cotidiana.

Consecuencias en la rutina y en la comunidad

El acoso de los fotógrafos no solo impactó a Jennifer Garner sino al entorno en el que se mueve. La actriz relató que la persecución de los paparazis provocó situaciones de peligro en el tránsito: “Si yo pasaba con el semáforo en amarillo, 15 autos cruzaban detrás de mí con la luz roja”.

Además, los fotógrafos llegaban a invadir propiedades privadas, subiendo al césped de otras personas, incluso en terrenos inclinados.

La presión mediática también afectó actividades familiares. En una ocasión, la familia intentó inscribir al hijo menor de Garner en una liga infantil de fútbol, pero la asociación les pidió dejar de asistir porque la presencia de los fotógrafos provocaba la llegada de una veintena de vehículos y alteraba el normal desarrollo de los partidos.

Una dinámica que desborda el ámbito personal

La situación descrita en la entrevista, recogida por Complex, trascendió el círculo íntimo de Garner y alcanzó a vecinos y a otros espacios de la comunidad.

La actriz señaló que la dinámica impuesta por los paparazis ya no solo afectaba a su familia, sino que arrastraba a terceros y generaba incomodidad en el barrio.

Garner explicó que la rutina diaria de persecución y vigilancia se transformó en un fenómeno fuera de control, con consecuencias directas para quienes compartían su entorno inmediato. La problemática ya no se limitaba a la celebridad, sino que condicionaba el día a día de la comunidad.

Carrera profesional y exposición constante

Mientras enfrenta esta situación, Jennifer Garner continúa activa en su carrera. Según reportó Complex, la actriz promociona The Five-Star Weekend, una serie de Peacock.

Además, Netflix anunció que será productora ejecutiva de una nueva versión de la película 13 Going on 30, estrenada originalmente en 2004 y protagonizada por ella.

El actor se presentó ante la audiencia como “Ricky” y aseguró que hacía “cosplay a full”. La irrupción ocurrió mientras los directores Anthony Russo y Joe Russo, junto al presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, presentaban el filme en el panel oficial.

Reynolds dirigió su primera pregunta a Paul Rudd: “¿Dónde está Thor y por qué estaba llorando?”, en referencia a una escena de Deadpool & Wolverine (2024) en la que Chris Hemsworth, en el papel del Dios del Trueno, sostiene a un Deadpool moribundo en una secuencia ambientada en el futuro.

Rudd respondió con ironía —“¿Es fan del Wrexham?“— en alusión al club de fútbol que Reynolds y su amigo Rob McElhenney poseen. Reynolds replicó sin rodeos: “Sabes perfectamente por qué estaba llorando”.

El intercambio más revelador llegó cuando el personaje comentó: “Parece una forma muy cara de anunciar una película. ¿Cuándo empieza el rodaje?”.

Robert Downey Jr., quien interpreta al Doctor Doom en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) tras su paso por el papel de Iron Man, le respondió directo: “Ya está terminada, hermano. Mira a tu alrededor. ¿Te golpeaste la cabeza?”.

Tras un silencio, un Deadpool visiblemente desanimado contraatacó: “¿No hay fotografía adicional, ni sobrecostos, ni adiciones de último momento?”.

Luego cortó abruptamente: “Sin más preguntas. Happy Hogan, trae el Audi. Nos vamos”. Reynolds soltó el micrófono y abandonó la sala.

Aunque la participación de la estrella en Avengers: Doomsday no ha sido confirmada oficialmente, los rumores sobre una posible aparición del personaje persisten en los medios especializados.

La última entrega protagonizada por el antihéroe, Deadpool vs. Wolverine, recaudó más de 1.300 millones de dólares en la taquilla mundial junto a Hugh Jackman.

¿Habrá una nueva película de “Deadpool”?

Semanas antes de la Comic-Con, Ryan Reynolds confirmó en el festival Fanatics Fest que habrá “eventualmente” otra película del personaje. La declaración, recogida por Variety, abre la puerta a una nueva entrega aunque sin fechas concretas.

“Hay algunos elementos muy de nicho que creo que faltan en las películas. Hay algunas cosas que amo de lo que escribió Fabian Nicieza —cocreador del personaje— que son increíbles, y Gerry Duggan, otro amigo y escritor de cómics, que podemos incluir. Eventualmente habrá otra película de Deadpool. Va a ser genial“, dijo Reynolds al moderador Nature Luvz You.

En abril pasado, Reynolds adelantó en el programa Sunday Today que ya tiene material escrito, aunque aclaró que el antihéroe no será el eje central de la historia.

“Tengo algunas cosas escritas, pero no creo que vaya a centrarlo de nuevo. Es un personaje secundario. Es alguien que funciona muy bien en grupo”, afirmó al programa.

En una entrevista previa con THR, el actor explicó su visión sobre los límites del personaje en producciones de estilo crossover.

“Si se convierte en un Vengador o en un X-Men, estamos ante el final de su historia. Deadpool funciona muy bien junto a los Vengadores y los X-Men, pero siempre necesita mantenerse como un outsider”, declaró.

Y agregó en la misma declaración: “Su sueño es ser aceptado y apreciado. Pero no puede serlo. Su mecanismo para desviar la vergüenza a través del humor solo funciona cuando lo usa para cubrir sus muchas carencias”.

Avengers: Doomsday llega a los cines de América Latina el 17 de diciembre de 2026.

La declaración, recuperada por Espinof, desmonta una percepción instalada durante décadas entre el público y la crítica. El director explicó que su intención fue distanciarse del género especulativo que dominaba la ciencia ficción de la época: “Simplemente quería olvidarme de la ciencia. Eso se solucionaría solo”, afirmó, y añadió que le preocupaba que los aficionados al género señalaran errores físicos, como la ausencia de sonido en el espacio exterior.

Esa búsqueda lo llevó a mirar hacia atrás en la historia de la literatura popular. Lucas tenía un referente claro: la obra de Edgar Rice Burroughs, el autor de la serie Barsoom —que incluye Una princesa de Marte— y el padre de lo que se conoce como romance planetario.

Según Espinof, el cineasta declaró que quería “hacer una fantasía espacial que estuviera más en el género de Edgar Rice Burroughs; todo ese otro extremo de la fantasía espacial que existía antes de que la ciencia la dominara en los años 50”.

La influencia de Burroughs fue tan profunda que los primeros apuntes de Lucas para el proyecto, titulados The Journal of the Whills, tomaban prestada incluso la estructura de apertura de A Fighting Man of Mars.

El otro polo que marcó su enfoque fue Stanley Kubrick. Para Lucas, 2001: Odisea del Espacio representaba “la película de ciencia ficción definitiva”, y consideraba que resultaría muy difícil superarla. Esa convicción lo empujó a buscar un territorio diferente, más cercano a los cuentos de hadas que a la física especulativa.

“Lo que realmente necesitamos hacer es colonizar la próxima galaxia, alejarnos de los hechos duros de 2001 y ponernos en el lado romántico", afirmó en declaraciones a Rolling Stone.

Cómo Lucas volvió a definir a Star Wars

La postura de Lucas no se limitó a aquella entrevista. En el Festival de Sundance de 2015, volvió a ser explícito: "Star Wars no es una película de ciencia ficción, es una película de fantasía y una ópera espacial. Realmente no tengo ningún interés en la ciencia ficción".

En Star Wars: The Annotated Screenplays, el director también escribió: Sabía desde el principio que no estaba haciendo ciencia ficción. Estaba haciendo una ópera espacial, una película de fantasía, una pieza mitológica, un cuento de hadas".

Ese marco mitológico fue otro de los pilares del proyecto. Lucas bebió de la obra del estudioso Joseph Campbell, en particular de El héroe de las mil caras, que describía la estructura común de los mitos universales.

El arco de Luke Skywalker en la primera película siguió de forma deliberada ese esquema del “viaje del héroe”, lo que le dio a la saga un alcance que trascendía el género y las fronteras culturales.

Qué dijeron Ford y Lucas sobre la saga

En el plano del reparto, Harrison Ford, quien interpretó a Han Solo en la trilogía original, coincidió con esa lectura en el mismo año del estreno. “Es una película de fantasía, no es tanto ciencia ficción como fantasía espacial”, afirmó el actor en declaraciones recogidas por Espinof, y subrayó que la saga trataba más sobre personas que sobre ciencia, lo que le otorgaba una energía diferente.

Lucas también reconoció que, para desarrollar el proyecto, realizó una investigación sociológica orientada a comprender qué factores hacen que las películas tengan éxito, según detalló Espinof.

El resultado fue una obra que reivindicaba la tradición de los dragones, los héroes clásicos y Tolkien, géneros que, a su juicio, habían quedado desplazados por la ficción especulativa tras la aparición de la bomba atómica.