La novela de Jane Austen, publicada en 1811 bajo la firma anónima “por una dama”, cuenta la historia de Elinor y Marianne Dashwood. Tras la muerte de su padre, las jóvenes, su madre y su hermana menor deben abandonar Norland Park, la propiedad familiar que pasa a manos de John Dashwood, hijo del primer matrimonio del difunto.

La familia se instala en Barton Cottage, una vivienda más modesta en Devon. Allí, las dos hermanas afrontan un escenario en el que el matrimonio aparece como una de las pocas vías de estabilidad económica para mujeres sin herencia. Elinor, reservada y pragmática, se enamora de Edward Ferrars; Marianne, más impulsiva, establece una relación con John Willoughby.

La película relee el conflicto entre razón y deseo

El guion de Diana Reid conserva buena parte del lenguaje de Austen, según la información de producción, aunque propone una lectura centrada en la intimidad de las protagonistas. Elinor representa la contención emocional y el sentido del deber, mientras Marianne expresa sus afectos sin reservas.

Reid planteó que varios comportamientos presentes en la novela mantienen vigencia, aunque hoy tengan otros nombres. La guionista señaló que situaciones vinculadas a la idealización amorosa, las promesas incumplidas y la ausencia repentina de respuestas encuentran equivalentes reconocibles en las relaciones contemporáneas.

La historia no se limita a los vínculos sentimentales. El eje del relato es el lazo entre Elinor y Marianne, dos hermanas que discuten, se protegen y enfrentan de maneras opuestas las restricciones sociales de su tiempo. Oakley buscó que las protagonistas aparecieran como mujeres activas, en contacto con el trabajo doméstico, el paisaje y las decisiones que condicionan su futuro.

Daisy Edgar-Jones encarna una Elinor menos rígida

Edgar-Jones, conocida por Normal People, La chica salvaje y Twisters, interpreta a Elinor Dashwood. La actriz explicó que la versión busca mostrar los sentimientos que el personaje suele ocultar tras su conducta serena.

A su lado, Creed-Miles da vida a Marianne, la hermana que persigue el amor con mayor intensidad. Ambas actrices ya habían compartido reparto en la película Pond Life, estrenada en 2018, una experiencia que facilitó la construcción de la complicidad entre los personajes.

El elenco incluye además a Caitríona Balfe como la señora Dashwood, George MacKay como Edward Ferrars, Frank Dillane como Willoughby, Herbert Nordrum como el coronel Brandon y Fiona Shaw como la señora Jennings. La joven Bodhi Rae Breathnach interpreta a Margaret, la menor de las hermanas.

El antecedente de Ang Lee mantiene un lugar central

La nueva versión llega más de 30 años después de la adaptación cinematográfica de 1995, dirigida por Ang Lee. Aquella producción contó con Emma Thompson como Elinor y Kate Winslet como Marianne, y obtuvo el Óscar al mejor guion adaptado para Thompson.

La obra de 1995 consolidó la presencia de Austen en el cine contemporáneo y se sumó a una etapa de renovado interés por sus novelas. También hubo dos adaptaciones televisivas de Sentido y sensibilidad, además de múltiples relecturas de otros títulos de la escritora británica.

Oakley apuesta por escenarios naturales y película de 35 milímetros

La directora de Blue Jean rodó en película de 35 milímetros y eligió escenarios de Dorset, Devon y Knebworth para alejarse de una imagen exclusivamente asociada a salones y mansiones. El equipo utilizó Kingston Russell House, en West Dorset, para representar Norland Park.

En contraste, Barton Cottage fue construido a partir de una estructura rural en Dartmoor. La directora de fotografía Arnaud Potier buscó una imagen de menor saturación, con referencias a pinturas de la época y una presencia marcada de la luz natural, la lluvia, el viento y los animales.

Una novela que conserva su vigencia desde 1811

La primera edición de Sensatez y Sentimiento tuvo 750 ejemplares y se agotó antes de una segunda impresión en 1813. Desde entonces, la novela se ha mantenido en circulación y confirmó a Austen como una autora central de la literatura inglesa.

Esta nueva adaptación recupera ese relato desde la tensión entre las exigencias materiales, las convenciones sociales y los deseos de sus protagonistas. La historia de las Dashwood vuelve así a las pantallas con una mirada que privilegia tanto el romance como el vínculo familiar.

Larry David y Jerry Seinfeld escribieron en marzo de 1989 el piloto que dio origen a Seinfeld en el departamento de Seinfeld, en West Hollywood, Los Ángeles, mediante sesiones basadas en diálogos improvisados, pero el guion derivó en una disputa con los responsables de Castle Rock por los cambios introducidos antes de que NBC aprobara su filmación.

“No hacían más que empeorar las cosas”, resumió David. La historia forma parte de un extracto de Emperor of Nothing: The Making of Larry David, el libro de Blake J. Harris publicado el 19 de octubre por Vanity Fair, que reconstruye algunos de los episodios más decisivos en la vida del comediante.

Es que, a los 41 años, David no imaginaba que aquel proyecto pondría en marcha una serie de acontecimientos capaces de cambiar su vida: después de muchos años de vivir solo, tendría que compartir techo con alguien.

El piloto que cambió la rutina

Para trabajar en el piloto, se instaló temporalmente en el condominio de 2 habitaciones de Seinfeld, una experiencia que le generó cierta inquietud desde el comienzo.

Acostumbrado a convivir con sus propios pensamientos y manías, procuró no alterar las costumbres de su compañero y adaptarse a su meticulosa rutina de orden y limpieza. “No había ni una miga; ni un periódico. ¡Nada!”, recordó David, en referencia a la pulcritud de Jerry.

El trabajo comenzó sin esquemas previos ni pizarras para ordenar las escenas. Larry y Jerry construyeron el libreto a partir de intercambios verbales y observaciones cotidianas, un método que luego distinguiría al programa por un diálogo más cercano a una conversación común que al lenguaje habitual de las comedias.

El piloto se escribió en una semana y recibió el nombre de Stand Up

Durante esos días, ambos escribían durante la jornada y asistían a clases de bikram yoga. Seinfeld dijo que el proceso de creación “nunca fue una lucha”, mientras que David también describió el período de trabajo como placentero.

El primer borrador tomó cerca de una semana y fue entregado el 11 de marzo a Castle Rock, la productora encargada del proyecto. La propuesta, titulada Stand Up, mostraba aspectos de la vida diaria de un comediante y se apartaba de las fórmulas convencionales de las sitcoms, comedias televisivas construidas con tramas y personajes reconocibles.

La reacción dentro de la compañía no fue uniforme: Glenn Padnick dijo que la primera lectura le pareció realmente buena. Sin embargo, el responsable de la producción, Gary Gilbert, sostuvo que otras personas de la empresa rechazaron el borrador porque los personajes sonaban parecidos entre sí y la historia no tenía una estructura clara.

Castle Rock modificó el texto para ajustarlo a las convenciones televisivas

Gilbert consideró que había material humorístico valioso, aunque creyó necesario reorganizar la historia para responder a las expectativas de NBC. Para ello, extendió las 42 páginas del guion sobre el suelo de la oficina de Rob Reiner, y recortó escenas y diálogos con tijeras para trasladarlos a otras partes del libreto.

Según su explicación, algunos chistes que figuraban en los actos segundo y tercero debían aparecer antes. Junto con el cofundador de Castle Rock, Andy Scheinman, añadió líneas que buscaban diferenciar a los personajes y darles una voz más identificable dentro de los códigos tradicionales de las comedias de situación.

La reescritura alcanzó aproximadamente un tercio del guion, según David. El comediante expresó su rechazo cuando él y Seinfeld recibieron esa versión: “Estaba furioso. Habían reescrito el guion [...] No les correspondía a ellos reescribirlo. Era nuestro”.

Los guionistas retomaron el texto y presentaron un tercer borrador pocos días después. Gilbert y Scheinman volvieron a intervenirlo, lo que produjo una cuarta versión. David resumió su postura sobre esas modificaciones con una frase: “No hacían más que empeorar las cosas”.

Ante el desacuerdo, Gilbert propuso revisar el libreto página por página junto con los 2 creadores y Scheinman. El objetivo era combinar ambas miradas: preservar el tono que buscaban los comediantes, pero reforzar la narración para que el programa pudiera funcionar dentro del formato televisivo.

NBC aprobó la producción del episodio piloto

La discusión creativa no resolvió todas las dudas. Warren Littlefield, vinculado a NBC, señaló que el texto no tenía una trama sólida y que parecía disperso. Aun así, la cadena encontró un elemento que inclinó la decisión: el proyecto resultaba gracioso y ofrecía una propuesta distinta.

NBC decidió filmar el piloto pese a sus reservas sobre la estructura de la historia. Littlefield recordó la determinación con una expresión informal: “Vamos a probar un episodio piloto y a ver qué pasa”.

Un año después, Gilbert presentó un reclamo ante el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA). El organismo revisa, entre otros asuntos, qué autores deben recibir los créditos de creación o desarrollo de una producción. Gilbert y Scheinman sostuvieron que sus intervenciones ameritaban uno de esos reconocimientos.

Los 3 árbitros estudiaron los 5 borradores del piloto. Todos coincidieron en que los cambios posteriores no alteraban de manera sustancial la identidad ni la viabilidad de la serie. Uno de ellos concluyó que el formato, los personajes principales, la trama simple y gran parte de los diálogos correspondían al trabajo de Larry David y Jerry Seinfeld.

La resolución dejó para ambos el crédito exclusivo. Otro de los evaluadores señaló que las contribuciones habían consistido, principalmente, en mover diálogos y reorganizar escenas. El mismo árbitro dejó otra valoración sobre el origen del conflicto: “Francamente, pensé que el primer borrador era el mejor guion”.

Luego de varios años vinculado a Star Wars, Mark Hamill atravesó una etapa de desmotivación profesional que lo llevó a considerar un retiro discreto.

El actor, recordado por interpretar a Luke Skywalker, encontró una nueva oportunidad laboral cuando el director Mike Flanagan lo convocó para integrar el elenco de “La caída de la Casa Usher”, la serie de Netflix inspirada en relatos de Edgar Allan Poe. “Mike llegó a mi vida en un momento realmente importante”, afirmó el actor de 75 años en una entrevista con Esquire.

Mike Flanagan lo convocó cuando evaluaba dejar la actuación

Hamill contó que la idea de dejar la actividad surgió después de terminar la última trilogía de la saga galáctica. “Cuando terminé las secuelas de Star Wars, pensé que tal vez era un buen momento para retirarme”, declaró al medio estadounidense.

El actor precisó que no tenía intención de comunicar formalmente esa decisión. “Probablemente no lo habría anunciado. Simplemente ya no tenía la misma motivación que en mis primeros años”, señaló.

La llamada de Flanagan abrió una nueva etapa profesional. El director le ofreció interpretar a Arthur Pym, el abogado y ejecutor de los intereses de la familia central de “La caída de la Casa Usher”. Hamill viajó desde Los Ángeles a Vancouver para el rodaje sin una idea definida sobre cómo afrontar el personaje.

“Estaba en el avión camino a Vancouver sin tener ni idea, absolutamente ninguna, de cómo iba a interpretar a Pym”, recordó el actor en diálogo con Esquire.

Arthur Pym marcó su entrada al universo de Flanagan

El personaje de Arthur Pym exigía una transformación física y vocal. Hamill buscó transmitir la frialdad y la falta de empatía del abogado mediante el maquillaje, el vestuario, el peinado y una voz grave.

“Quería transmitir que estaba muerto por dentro, que no tenía alma ni emociones humanas”, comentó sobre el papel. También explicó que procuró convertirlo en alguien que generara rechazo inmediato: “Quería que fuera alguien con quien, si lo conocieras, no querrías estar”.

La construcción de esa voz no formó parte de una conversación previa con Flanagan. El actor estadounidense contó que comenzó a utilizarla durante las tomas y que el realizador reaccionó de forma favorable. Según relató, el director pasó cerca del set y comentó: “Me encanta tu voz”.

La colaboración continuó después con “La vida de Chuck”, adaptación de una novela corta de Stephen King. Allí encarnó a Albie Krantz, un abuelo y contador que cuida a su nieto junto a su esposa, interpretada por Mia Sara.

De Arthur Pym a un abuelo en La vida de Chuck

Hamill definió a Albie Krantz como la contracara de Arthur Pym. Para construirlo, se tiñó el cabello y el bigote de blanco, además de usar gafas de marco metálico. Al verse caracterizado, encontró una referencia visual inesperada.

“No fue hasta que me puse esas gafas y me miré en el espejo que pensé: ‘Dios mío, soy idéntico a la versión Disney de Geppetto’”, expresó.

El actor también detalló su método para memorizar parlamentos extensos. Durante un discurso de su personaje sobre las matemáticas, recurrió a anotaciones y dibujos en los márgenes del guion. “Dibujo caricaturas en el margen, escribo juegos de palabras, cuanto peores mejor, porque así lo recuerdas”, explicó.

El vínculo con Flanagan coincidió con una etapa en la que Hamill retomó papeles alejados de la figura de Luke Skywalker. Antes de esas producciones, participó en la comedia “What We Do in the Shadows” como Jim el Vampiro y encarnó al Mayor en “La larga marcha”, otra obra basada en material de King.

Un regreso a Carrie con un personaje irreconocible

La entrevista con Esquire se publicó tras la aparición de Hamill en el sexto episodio de “Carrie”, la nueva serie desarrollada por Flanagan.

El actor interpreta a Damon Nostra, también llamado Greg McMurray, un falso médium que asegura escuchar a los muertos. Hamill buscó que el público no lo identificara de inmediato. “Recuerdo haber dicho: ‘Quiero ser lo más irreconocible posible’”, declaró.

Al principio, el intérprete incluso quiso que su nombre no apareciera en los créditos. “Pensé que sería más divertido intentar engañar al público”, indicó. Sin embargo, el episodio terminó con su identificación como estrella invitada.

La participación en Carrie también cerró una conexión que se remontaba a 1976. Hamill recordó que realizó una audición conjunta para los proyectos de George Lucas y Brian De Palma, quien preparaba la primera adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King.

Casi medio siglo después, el actor volvió a ese universo desde un papel secundario, bajo la dirección del cineasta que lo apartó de la idea del retiro.

Tras estrenar este mismo fin de semana Clayface, un nuevo villano de Batman asoma por la puerta. HBO y DC Studios desarrollan una serie dedicada a Poison Ivy, una de las villanas más reconocidas del universo de Batman. El proyecto está a cargo de Lauren LeFranc, creadora y showrunner de El Pingüino, según confirmó The Hollywood Reporter. La noticia fue reportada primero por Deadline, mientras que LeFranc se encuentra en conversaciones para producir la serie, que todavía está en etapas tempranas, sin mayores detalles confirmados sobre reparto ni guionistas.

Una serie sobre Poison Ivy está en marcha en HBO bajo la producción de Lauren LeFranc, showrunner de El Pingüino. El proyecto no formará parte del universo cinematográfico de Batman dirigido por Matt Reeves, según se informó, aunque aún no se confirmaron detalles de reparto, guion ni fecha de estreno. El dato más relevante del anuncio es que la serie quedará fuera del universo construido por Reeves para sus películas de Batman. Esto la distingue de El Pingüino, que sí formaba parte de esa continuidad.

El origen de una villana

Poison Ivy fue creada por el dibujante Carmine Infantino y los guionistas Robert Kanigher y Sheldon Moldoff. El personaje debutó en el cómic Batman #181, publicado en junio de 1966, y se convirtió en una de las integrantes permanentes de la galería de villanos del superhéroe. En su versión original de la Edad de Plata, la villana era presentada como Lillian Rose, una botánica seducida por un hombre llamado Marc LeGrand para participar en el robo de un artefacto egipcio que contenía hierbas antiguas. Al temer que ella lo delatara, LeGrand intentó envenenarla con esas mismas hierbas. Rose sobrevivió y descubrió que había adquirido inmunidad a todas las toxinas y enfermedades naturales.

Tras el evento editorial Crisis on Infinite Earths, que reformuló la continuidad de DC Comics, el origen del personaje fue reescrito en 1988 por el guionista Neil Gaiman en el cómic Secret Origins #36. Desde esa versión, la villana pasó a llamarse Pamela Isley, una botánica de Gotham con una infancia marcada por padres emocionalmente distantes. Según esa historia, Isley estudió bioquímica botánica avanzada bajo la tutela del profesor Jason Woodrue, quien la sedujo y luego la inyectó con venenos y toxinas como parte de un experimento. Esa exposición provocó su transformación física y mental, y le otorgó la capacidad de controlar toda forma de vida vegetal además de un beso capaz de matar mediante un tóxico letal en sus labios.

Las otras Poison Ivy

El personaje desarrolló con los años una obsesión particular hacia Batman, descrita en los cómics como la de la única persona que ella no podía controlar debido a su fuerza de voluntad. Esa dinámica se convirtió en un elemento recurrente de sus apariciones durante décadas. Su versión más recordada en imagen real fue interpretada por Uma Thurman en la película Batman & Robin, estrenada en 1997.

Poison Ivy también tuvo presencia constante en producciones animadas: Batman: The Animated Series, Batman: The Brave and the Bold y Harley Quinn, serie en la que suele aparecer vinculada románticamente con el personaje que le da título. Esa relación entre ambas villanas, insinuada por primera vez en el episodio Harley and Ivy de la serie animada de los años 90, se consolidó más tarde en los cómics como un vínculo romántico de larga duración. Además, el personaje protagonizó apariciones en las series live-action Gotham y Batwoman. Hasta ahora, la villana nunca había encabezado una serie propia, algo que este desarrollo en HBO buscaría cambiar por primera vez.

LeFranc se dio a conocer en el universo de Batman como creadora de El Pingüino, serie que se transformó en un éxito de audiencia y crítica tras su estreno en 2024. Esa producción sí pertenecía de forma directa al universo cinematográfico de Reeves. Contó con Colin Farrell retomando su papel con prótesis del filme The Batman, mientras que el propio Reeves se desempeñó como productor ejecutivo. El Pingüino obtuvo nueve premios Emmy en 2025. Antes de este proyecto, LeFranc había trabajado como guionista y productora en Agents of S.H.I.E.L.D., serie de Marvel transmitida por ABC.

El anuncio sobre Poison Ivy se da un día antes del estreno de Clayface, película centrada en otro villano del hombre murciélago y dirigida por James Watkins. Dentro del calendario de producciones vinculadas a Batman, también se prevé el estreno de The Batman Parte II, dirigida por Reeves, programado para el 18 de febrero de 2028. En paralelo, se informó que HBO no renovó El Pingüino para una segunda temporada, pese al reconocimiento que obtuvo la serie el año anterior.

Olivia Wilde ya prepara su próxima película como directora tras el estreno de The Invite (La invitación) junto a Penélope Cruz. Se trata de Naughty, una comedia navideña para Universal Pictures que suma a Jennifer Aniston y a Samara Weaving, la actriz del momento tras Noche de bodas 2. Según adelantó The Hollywood Reporter, Weaving se incorpora a un elenco que ya incluía a Aniston, Peter Dinklage, Chase Sui Wonders, Regina Hall e Ike Barinholtz. Naughty sigue a una madre, interpretada por Aniston, cuya única esperanza de obtener la custodia de su hijo frente a su ex manipulador es encontrar a Papá Noel (Dinklage) y convencerlo de testificar en su juicio de divorcio. Fuentes consultadas por The Hollywood Reporter describieron el proyecto como “La boda de mi mejor amiga en el Polo Norte”.

El guion es obra de Jimmy Warden y nació como un spec script, es decir, un libreto escrito sin encargo previo de un estudio. En el reparto, Wonders y Hall interpretan a las mejores amigas de la protagonista, mientras Barinholtz da vida al expareja conflictivo. Weaving se pondrá en la piel de la amante de ese personaje. La producción corre a cargo de LuckyChap, la productora de Margot Robbie, Tom Ackerley, Josey McNamara y Milan Popelka, junto con la propia Wilde y Warden. Universal fijó el estreno para el 5 de noviembre de 2027.

Naughty llega como el siguiente paso de Wilde detrás de cámaras después de La invitación, la comedia dramática que estrenó A24 el 26 de junio pasado. En esa película, Wilde no solo dirigió, sino que también actuó junto a Seth Rogen, Cruz y Edward Norton. La trama de La invitación sigue a un matrimonio, interpretado por Wilde y Rogen, que invita a cenar a sus vecinos del piso de arriba, encarnados por Cruz y Norton. La noche deriva en revelaciones inesperadas sobre ambas parejas. Según Los Angeles Times, la cinta está basada en la película española Sentimental (2020) y fue adaptada por Rashida Jones y Will McCormack. La invitación se presentó primero en el Festival de Sundance en enero y luego llegó a los cines en España tras su paso por San Sebastián. La crítica de Los Angeles Times destacó las actuaciones del cuarteto protagonista, con especial mención a Cruz como “seductora y observadora” en su papel de Piña.

Samara Weaving, la actriz que suma proyecto tras proyecto

Weaving atraviesa un año cargado de estrenos. Antes de sumarse a Naughty, la actriz lanzó tres películas: Over Your Dead Body, Noche de bodas 2, Carolina Caroline. A la par de su trabajo en comedia, Weaving dio un salto al universo de superhéroes. La actriz fue confirmada para interpretar a Emma Frost, también conocida como la Reina Blanca, en la nueva película de los X-Men que prepara Marvel. Ese proyecto de X-Men tiene previsto comenzar su rodaje en la primavera o el verano del próximo año, de acuerdo con la información publicada por The Hollywood Reporter. Weaving está representada por CAA, 111 Media y Johnson Shapiro.

Dentro del estudio, la vicepresidenta ejecutiva de desarrollo de producción, Sara Scott, y la directora de desarrollo de producción, Jacqueline Garell, son quienes supervisan Naughty para Universal Pictures. Con Wilde al frente de la dirección y un elenco que combina comedia y drama, Naughty se perfila como una de las apuestas navideñas del estudio para 2027. El estreno quedó fijado para el 5 de noviembre de ese año, según confirmó Universal.

La película Michael, centrada en la vida del cantante Michael Jackson, no podrá competir inicialmente en la categoría de comedia o musical de los próximos Globos de Oro.

El comité de los premios rechazó la solicitud presentada por Lionsgate, el estudio responsable de la producción, al considerar que las interpretaciones musicales no cumplen con los criterios establecidos para clasificar una película dentro de ese género, según informó en exclusiva Gold Derby.

La decisión abre un nuevo escenario para la campaña de premios del filme, protagonizado por Jaafar Jackson, sobrino del artista.

Si el estudio no presenta una apelación exitosa, la película deberá competir en las categorías de drama, donde también se medirán sus posibilidades de obtener nominaciones, incluida una eventual candidatura para su protagonista.

De acuerdo con fuentes citadas por Gold Derby, Lionsgate había presentado Michael para competir como comedia o musical, una clasificación que suele respetar la preferencia de los estudios.

Sin embargo, el comité evaluador determinó que la producción no cumplía con los requisitos necesarios para ingresar en esa categoría.

El reglamento de los Globos de Oro establece que un musical puede ser una comedia o un drama en el que las canciones, además de los diálogos hablados, contribuyan al desarrollo de la trama.

Es así que los integrantes del comité consideraron que las actuaciones musicales de Michael no impulsan suficientemente la narración como para justificar esa clasificación.

El estudio tiene hasta el 31 de octubre para presentar las candidaturas y todavía debe determinar si solicitará una revisión. En caso de que la apelación prospere, la película podría volver a ser considerada para competir en la categoría musical o de comedia.

La clasificación resulta relevante para Jaafar Jackson, quien interpreta a su tío en la producción y figura entre los candidatos potenciales a una nominación en la próxima temporada de premios.

Cabe destacar que en los Globos de Oro, las categorías de interpretación de reparto no se dividen entre drama y comedia o musical. Por ello, actores como Colman Domingo, quien también participa en Michael, no se verían afectados por la misma distinción de género en esas categorías.

El criterio aplicado por el comité responde a modificaciones introducidas en las reglas de los premios después de que películas como Ray y Walk the Line obtuvieran reconocimientos en el apartado musical.

A partir de esos casos, la organización estableció que la presencia de canciones no es suficiente para clasificar una producción como musical: la música debe contribuir de manera significativa al avance de la historia.

Desde entonces, varias películas biográficas sobre figuras de la música han competido en las categorías dramáticas. Entre ellas se encuentran A Complete Unknown, sobre Bob Dylan; Elvis, centrada en Elvis Presley, y Bohemian Rhapsody, que narra parte de la trayectoria de Freddie Mercury y la banda Queen.

Jaafar Jackson habla sobre las escenas eliminadas de ‘Michael’

En una entrevista con la revista Variety, Jaafar Jackson habló sobre el proceso de edición, los cambios en el guion y la posibilidad de retomar su papel en una futura secuela.

Estrenada en abril, Michael narra distintas etapas de la vida del artista, desde sus comienzos como integrante de los Jackson 5 hasta su consolidación como una de las figuras más reconocidas de la música.

La historia concluye en 1988, con una representación del cantante durante su presentación en el estadio de Wembley, en Londres, como parte de la gira Bad.

La película registró el mayor estreno en taquilla para una producción biográfica musical y posteriormente superó los mil millones de dólares en recaudación mundial, convirtiéndose en la película biográfica más taquillera de la historia, según los datos difundidos sobre su desempeño comercial.

Sin embargo, la versión estrenada no incluye referencias a las acusaciones de abuso sexual infantil contra Michael Jackson, aunque ese contenido estaba contemplado en el guion inicial.

Durante la producción, el equipo identificó una cláusula de un acuerdo legal que impedía al patrimonio del cantante mencionar a uno de los denunciantes, Jordan Chandler.

Al ser consultado por Variety sobre las escenas que no llegaron a la versión definitiva, Jaafar explicó que el rodaje fue extenso y que la exclusión de secuencias forma parte del proceso cinematográfico.

“Fue un rodaje enorme. He oído muchas historias de otros actores sobre la cantidad de material que se graba en un proyecto y que al terminar no se incluye en la versión final”, declaró.

Y añadió: “En la sala de edición, se revisan las escenas buscando interpretaciones o tomas específicas, y las cosas cambian constantemente. Así que, desde el principio, sabía que no todo lo que grabáramos aparecería en la versión final”.

También explicó que el trabajo realizado en las secuencias descartadas le permitió adquirir experiencia y desarrollar sus habilidades interpretativas.

“Fue la experiencia más gratificante porque incluso las cosas que no se utilizaron, la experiencia que obtuve de ellas, me hicieron mejor actor. Siento que eso sucederá muchas veces más con otros proyectos. Uno desearía que cierta interpretación estuviera en la película y no lo está. Eso es algo con lo que hay que lidiar al hacer una película”, dijo.

Por si fuera poco, durante la entrevista, el actor también recordó momentos de su infancia junto a Michael Jackson.

Entre sus primeras memorias mencionó las ocasiones en que le pedía dulces, los videojuegos que compartían y los juegos de escondite. Jaafar describió esas experiencias como parte de los recuerdos que conserva de su relación familiar.

Kylie Jenner estaría interesada en dar el siguiente paso en su relación con Timothée Chalamet, mientras su hermana Kendall Jenner avanza en su romance con Jacob Elordi.

Según fuentes citadas por Page Six, la posibilidad de que Kendall se comprometa antes que ella habría generado tensión y frustración en Kylie, quien considera que el matrimonio podría formar parte de su futuro con el protagonista de Wonka.

De acuerdo con una persona cercana al entorno de ambas parejas, aunque Kylie y Chalamet mantienen una relación desde 2023, algunas personas de su círculo consideran que Kendall y Elordi podrían llegar al altar primero. Esta percepción habría influido en las expectativas de Kylie sobre el futuro de su relación.

“Kylie está lista para comprometerse y ha dejado bastante claro a Timothée que ve el matrimonio en su futuro. Ella no le está dando un ultimátum ni exigiéndole un anillo, pero sin duda le está dejando claros sus sentimientos y espera que él se dé cuenta cuanto antes. Esto está presionando a Timothée para que dé ese siguiente paso”, explicó la fuente.

La fuente también señaló que el actor, de 30 años, está comprometido con la relación y siente afecto por Kylie, aunque todavía no estaría preparado para asumir un compromiso matrimonial.

“Timothée adora a Kylie y está muy involucrado en su relación, pero simplemente aún no está preparado. Existe la sensación de que si propusiera matrimonio pronto, sería más por la presión que siente que porque esté realmente preparado”, expresó el informante.

Kylie Jenner, de 29 años, y Timothée Chalamet comenzaron a protagonizar rumores de romance en abril de 2023.

Desde entonces, han sido fotografiados juntos en distintos eventos y actividades, entre ellos partidos de tenis y ceremonias de la industria cinematográfica. Aunque mantienen una relación pública, ninguno de los dos ha anunciado planes concretos de boda.

La situación de Kendall Jenner, sería diferente. Según las fuentes citadas por el medio estadounidense, su relación con Jacob Elordi, de 29 años, habría avanzado con rapidez y ambos estarían considerando la posibilidad de construir un futuro juntos.

“Jacob está completamente comprometido con Kendall. Siente sinceramente que ha encontrado a la persona indicada y su relación está avanzando mucho más rápido”, afirmó el informante.

También describió diferencias en la dinámica de ambas parejas: mientras Kylie y Chalamet mantendrían una relación más relajada, Kendall y Elordi estarían abordando su futuro con mayor seriedad.

Los rumores sobre Kendall y el protagonista de Euphoria comenzaron a circular en febrero de 2026.

En junio, ambos fueron vistos durante un viaje a Australia para celebrar el cumpleaños del actor. Posteriormente, continuaron apareciendo juntos en público, incluido un encuentro en la gala del Academy Museum en Los Ángeles.

En agosto, una fuente citada previamente por Page Six aseguró que Kendall consideraba a Elordi una posible pareja para casarse.

Según ese testimonio, la modelo había tenido relaciones serias anteriormente, pero con el actor habría comenzado a contemplar el matrimonio como una posibilidad concreta. Ninguno de los dos ha confirmado públicamente planes de compromiso.

Las dos parejas también compartieron una salida en grupo en Los Ángeles en mayo, después de asistir a un evento privado organizado por Fanatics.

Fotografías obtenidas por el medio mostraron a Elordi conduciendo un automóvil con Kendall en el asiento del acompañante, mientras Kylie y Chalamet viajaban en la parte trasera junto a una amiga.

Cole Sprouse reaccionó a la cobertura mediática de las declaraciones de su hermano gemelo, Dylan Sprouse, quien afirmó que ambos son “hijos del incesto” al referirse a los antecedentes genealógicos de sus familias.

A través de sus historias de Instagram, Cole cuestionó el enfoque de un titular que recogía las palabras de Dylan y señaló el impacto que tuvo leerlo al comenzar el día.

“No hay entrenamiento de medios en el mundo que pueda prepararte para leer este titular sensacionalista a las 10 de la mañana”, escribió.

Lo que dijo Dylan Sprouse

La respuesta de Cole se produjo después de que Dylan Sprouse abordara el tema en un episodio reciente del pódcast Wildmen, en el que habló sobre los vínculos familiares entre sus padres en generaciones anteriores.

“Cuando lo usé por primera vez, mi reconstrucción de la historia familiar era muy diferente a la de ahora. He encontrado a muchos familiares, curiosamente, a quienes nunca conocí, porque la familia de mi padre está bastante fragmentada. Empecé a hablar con ellos, a comparar y contrastar”, recordó.

El artista explicó que una de las primeras pistas surgió al investigar los desplazamientos de sus antepasados durante la fiebre del oro en California, en el siglo XIX.

Es así que algunos familiares se trasladaron desde Carolina del Norte hasta el oeste de Estados Unidos después de que uno de sus parientes encontrara oro en la región.

Con el tiempo, integrantes de las ramas materna y paterna de la familia coincidieron en California. El actor afirmó que ambas líneas familiares se unieron mediante un matrimonio a finales del siglo XIX, aunque posteriormente volvieron a separarse.

La investigación tomó un nuevo rumbo cuando Dylan Sprouse descubrió que sus padres también pertenecían a ramas familiares que compartían antepasados.

Según contó, la conexión se produjo nuevamente en la generación de sus progenitores, quienes contrajeron matrimonio sin conocer, de acuerdo con su relato, el vínculo genealógico que existía entre sus familias.

El actor explicó que decidió compartir el hallazgo con Cole Sprouse, con quien mantiene una relación cercana.

“Llamé a Cole, le mostré una foto y le dije: ‘Hombre, acabo de descubrir una mierda jodidamente loca’”, dijo, y agregó que “empezó a sospechar” porque “descubrió que los tíos [de nuestro padre] eran gemelos idénticos”.

Otro elemento que llamó su atención fue la presencia de varios pares de gemelos en distintas generaciones.

“Siempre pensé que los gemelos idénticos, o los gemelos en general, solo provenían del lado materno de la familia. Tuvimos siete pares de gemelos en cuatro generaciones”, dijo Dylan, antes de revelar que había encontrado una razón para la recurrencia: “¡Porque es la misma familia!”.

Dylan Sprouse bromeó diciendo que no tiene “dedos palmeados”, pero cree que los genes de su familia se cruzaron en algún momento. “Son mi padre y mi madre. No tenían ni idea. Entonces, me encuentro con esto y pienso: ‘¿Qué demonios?’”, dijo.

Durante la conversación, el famoso también mencionó la historia de una tía que, según explicó, había sido uno de dos gemelos durante la gestación.

“Muchas cosas empezaron a tener sentido, porque una de mis tías era gemela, pero fue una de las gemelas que se comió a su gemela en el útero, y cuando le abrieron un quiste en el hombro, tenía dientes y pelo. En resumen, Cole y yo somos hijos de incesto”, indicó.

Durante una entrevista en el pódcast de Jenny McCarthy, Selma Blair habló sobre su relación con el alcohol y su experiencia con la esclerosis múltiple, una enfermedad neurológica que le fue diagnosticada en 2018.

La intérprete explicó que comenzó a consumir bebidas alcohólicas desde muy joven para intentar aliviar dolores de cabeza, ansiedad y dolor neuropático, además de utilizarlas para conciliar el sueño.

La conversación fue grabada antes del incidente ocurrido el 11 de octubre en un vuelo de Delta Airlines con destino a Nueva York, que derivó en su detención y en cargos judiciales.

El episodio del pódcast se publicó después de los acontecimientos. McCarthy compartió un fragmento en Instagram y aclaró que la entrevista había sido grabada antes de lo sucedido.

Durante la charla, la presentadora le preguntó a Selma Blair sobre el uso del alcohol para enmascarar los síntomas de su enfermedad.

“Incluso a una edad muy temprana, lo utilizaba para los dolores de cabeza, para calmarme. Después me di cuenta de que era lo único que me quitaba el dolor nervioso”, explicó.

Y añadió: “Es increíble la cantidad de veces que he recurrido al alcohol, incluso siendo muy joven. Nunca me gustaron las drogas. Simplemente les tenía miedo, ¿sabes? Pero claro, una copa no es suficiente. Dos copas no son lo ideal. Tres son mejor. Cuatro son horribles”.

Sin embargo, Blair señaló que el consumo podía aumentar progresivamente y que sus efectos posteriores no eran favorables.

“Cuando estás deprimida, esa nunca va a ser una buena solución y yo siempre me sentía cansada y deprimida, y eso era horrible. Sigo siendo un ser humano, pero reconozco que el alcohol no es una buena medicina para mí”, señaló.

Por si fuera poco, la artista aseguró que aunque no asiste a un programa contra el alcoholismo, si está consiente de que no debe beber de más.

“No llevo un estilo de vida completamente sobrio con Alcohólicos Anónimos, pero beber, no, eso no lo puedo hacer. Ojalá pudiera ser alguien que, con dos copas de vino, fuera coqueta y divertida, y supiera escuchar mejor”, compartió.

La actriz también habló sobre su tratamiento médico y dijo que continúa tomando antidepresivos. Según explicó, siente temor ante la posibilidad de dejar esa medicación, incluso cuando se trata de una dosis baja.

La intérprete hizo pública su esclerosis múltiple en 2018. La enfermedad afecta al sistema nervioso central y puede provocar síntomas como fatiga, alteraciones de la movilidad, problemas de visión y dolor, aunque sus manifestaciones varían entre pacientes.

Blair ha hablado en distintas ocasiones sobre los desafíos físicos asociados con su diagnóstico y sobre la manera en que estos han influido en su vida cotidiana.

Sobre el incidente durante un vuelo procedente de Los Ángeles con destino a Nueva York, Selma Blair fue acusada de agredir a miembros de la tripulación y, posteriormente, a un agente policial y a una enfermera.

La actriz se declaró inocente de dos cargos de agresión en segundo grado relacionados con presuntos incidentes posteriores al aterrizaje.

Su abogado, Shawn Barnes, sostuvo ante el tribunal que Blair había omitido varias dosis de un medicamento destinado a controlar síntomas neurológicos y que también se había golpeado la cabeza durante el vuelo. La defensa afirmó que esos factores habrían contribuido a un estado de confusión y desorientación.

Un portavoz de Blair declaró a la revista People que la actriz había experimentado una emergencia médica durante el trayecto y negó que hubiera intentado abrir la puerta del avión o que tuviera intención de hacer daño a alguien.

También recordó que padece esclerosis múltiple y afecto pseudobulbar, una condición neurológica que puede provocar episodios involuntarios de risa o llanto. Selma Blair tiene programada una audiencia judicial para el 19 de enero.

Adele estaría cada vez más cerca de regresar a la música con un nuevo álbum de estudio, cinco años después del lanzamiento de 30. Dos pistas recientes alimentaron las expectativas de sus seguidores: las sesiones de grabación que habría realizado en Londres y la reserva de un misterioso concierto que después fue cancelado.

Aunque la cantante todavía no anuncia oficialmente un nuevo disco, los reportes de la prensa británica apuntan a que prepara su próximo proyecto musical.

Según publicó The Sun el 20 de octubre, la artista trabaja en nuevas canciones y tendría previsto lanzar un álbum el próximo año. El periódico citó a una fuente cercana que aseguró: “Se está preparando para un gran regreso y reservó el recinto como una forma secreta de mostrar sus nuevas canciones y recoger opiniones”.

La misma fuente afirmó que Adele canceló posteriormente la presentación secreta en el Roundhouse de Camden y que, por el momento, no existen conversaciones para reprogramarla. “Pero la música nueva definitivamente está en camino y ella está emocionada por lanzar un nuevo disco el próximo año”, añadió el insider.

Grabaciones en Londres

Las versiones sobre el regreso de Adele también apuntan a Church Studios, un reconocido estudio de grabación ubicado en Crouch End, al norte de Londres. De acuerdo con el tabloide anglosajón, la cantante viajó desde Los Ángeles, donde reside desde hace más de una década, para trabajar en nuevas composiciones.

El medio sostuvo que la artista pasó al menos dos semanas en la capital británica para escribir y grabar música, aunque mantuvo un perfil discreto durante su estancia. Church Studios tiene un antecedente importante en su carrera: allí registró parte de 25, el álbum que publicó en 2015. El estudio pertenece al productor Paul Epworth, colaborador habitual de Adele, con quien ganó un Oscar por “Skyfall”, la canción de la película homónima de James Bond.

En junio de 2026, The Mirror ya había informado sobre las sesiones en Londres y citó a una fuente que explicó por qué la cantante eligió ese lugar: “Se siente segura en Church Studios y es donde trabaja Paul, así que tenía sentido viajar hasta allí para las sesiones, en lugar de trabajar en otro sitio de Los Ángeles”.

Otra de las incógnitas es el nombre del próximo disco. Adele suele titular sus álbumes con la edad que tenía cuando comenzó a trabajar en ellos: 19 (2008), 21 (2011), 25 (2015) y 30 (2021). Por esa razón, The Sun especula que su quinto álbum podría llamarse 38, en referencia a la edad que cumplió la cantante en mayo de 2026.

La pausa musical que anunció en 2024

Las novedades adquieren mayor relevancia por las declaraciones que Adele hizo en julio de 2024, cuando anticipó que se alejaría de la música tras sus residencias de conciertos en Las Vegas y Múnich.

En una entrevista con la cadena alemana ZDF, la cantante explicó que se sentía agotada después de varios años de presentaciones. “No tengo ningún plan para hacer música nueva. Quiero tomarme un gran descanso después de todo esto y creo que quiero dedicarme a otras actividades creativas durante un tiempo”, afirmó.

En aquella conversación, también reconoció que su energía estaba agotada y que ni siquiera cantaba en casa. La pausa no sorprendió por completo a sus seguidores, pues Adele suele dejar largos intervalos entre sus proyectos musicales.

El último álbum de estudio de la británica hasta el momento fue 30. El disco salió en noviembre de 2021 y abordó experiencias personales, incluido su divorcio de Simon Konecki.

La comediante Roseanne Barr aseguró que Lisa Marie Presley le confió detalles íntimos sobre sus matrimonios con Michael Jackson y Nicolas Cage durante los años en que ambas mantuvieron una estrecha amistad.

Según relató la actriz, de 73 años, en una entrevista publicada el martes por The Hollywood Reporter, la hija de Elvis Presley, quien murió el 12 de enero de 2023 a los 54 años, le habría dicho que el cantante de “Thriller” fue “el mejor amante que tuvo”.

Durante la entrevista, Barr habló sobre su cercanía con figuras como Madonna y Sandra Bernhard. Al recordar a Presley, la describió como una de las personas con las que tuvo mayor confianza. “La mejor persona con la que salía era Lisa Marie Presley”, afirmó la protagonista de la serie Roseanne.

Según su versión, Presley le dijo que Jackson había sido “el mejor amante que había tenido”. Cuando el entrevistador cuestionó la veracidad de sus declaraciones y la acusó de mentir, Barr defendió su relato.

“No, no estoy mintiendo”, respondió. “Ella dijo que era el mejor y que tenía lo suyo. Dijo que él le decía todo lo que las mujeres quieren escuchar”.

La comediante también habló sobre la relación de Presley con Nicolas Cage, con quien la hija de Elvis estuvo casada durante menos de cuatro meses en 2002.

“Me contó sobre Nicolas Cage y sus intimidades”, señaló Barr. “Me contó sobre todos los hombres con los que estuvo, cómo eran, el tamaño y el uso, todo eso”. La actriz defendió la credibilidad que atribuye a esos relatos al afirmar que Presley “nunca mentía sobre esas cosas”.

Priscilla Presley también abordó la relación con Jackson en sus memorias

Las declaraciones de Barr se suman a otros testimonios públicos sobre la vida privada de Lisa Marie Presley. En sus memorias póstumas, From Here to the Great Unknown, publicadas en 2024, la propia Presley contó que Jackson “todavía era virgen” cuando se conocieron. También recordó que se sorprendió cuando el cantante tomó la iniciativa en el plano físico y le dijo que no estaba dispuesto a esperar. Presley describió aquellos días como la etapa más feliz de su vida.

Priscilla Presley, madre de Lisa Marie, también abordó la relación en su libro de 2025, Softly, As I Leave You: Life After Elvis. “Le pregunté si tenían una relación física. Como mucha gente, no estaba segura. Dijo que sí”, escribió. Sin embargo, Priscilla, de 81 años, calificó a Jackson como “un hombre manipulador” y reconoció que el matrimonio de su hija con el cantante la horrorizó.

En cuanto a la relación con Cage, Priscilla relató en sus memorias una fuerte discusión en el yate del actor. Según su versión, la pelea terminó cuando Cage arrojó al mar el anillo de compromiso de Lisa Marie, una joya valorada en 65.000 dólares.

“Hasta donde sé, el anillo sigue allí”, escribió. También contó que Cage le entregó después un diamante aún más grande, de diez quilates, y ambos retomaron su compromiso.

Lisa Marie Presley estuvo casada en cuatro ocasiones: con Danny Keough, entre 1988 y 1994; con Jackson, entre 1994 y 1996; con Cage, en 2002; y con Michael Lockwood, entre 2006 y 2021.

Tuvo cuatro hijos: Riley, de 37 años; Benjamin, quien murió en 2020 a los 27 años; y los gemelos Harper y Finley, que cumplieron 18 años este mes.

Lea Michele volverá a interpretar a Rachel Berry en el reinicio de Glee, la serie musical creada por Ryan Murphy que prepara una nueva etapa para Disney+ y Hulu.

La información fue confirmada por Variety, que citó a varias fuentes cercanas al proyecto, aunque todavía no se han revelado detalles sobre la fecha de estreno, el argumento ni el alcance de la participación de los integrantes del elenco original.

“Ella está dentro”, dijo una fuente. Mientras que otra afirmó: “Aún es pronto, pero nos sentimos bien y estamos contentos de que la banda vuelva a estar junta”.

Además de Lea Michele, otros dos actores de la producción original han publicado mensajes en redes sociales que parecen apuntar a su posible regreso: Heather Morris, quien interpretó a Brittany Pierce, y Chord Overstreet, conocido por su papel de Sam Evans.

Por el momento, no se han divulgado detalles oficiales sobre los personajes que aparecerán ni sobre la composición definitiva del reparto.

La serie original se emitió durante seis temporadas en la cadena Fox, entre 2009 y 2015. La historia seguía a un grupo de estudiantes de la escuela secundaria McKinley High que participaban en un club de canto y competían en distintas presentaciones musicales.

Lea Michele interpretó a Rachel Berry, una joven con aspiraciones artísticas que buscaba desarrollar una carrera en Broadway, mientras afrontaba conflictos personales y dificultades en sus relaciones con otros estudiantes.

Uno de los ejes narrativos de Rachel fue su relación intermitente con Finn Hudson, personaje interpretado por Cory Monteith, quien fue pareja de Michele en la vida real.

Monteith murió en 2013, durante la emisión de la serie. Su fallecimiento tuvo repercusiones en la historia de Glee, que incorporó un episodio dedicado a Finn en su quinta temporada.

El episodio final de la producción original se emitió el 20 de marzo de 2015. En ese desenlace, Rachel consigue un premio Tony, se casa con Jesse St. James, interpretado por Groff, y se convierte en madre sustituta del hijo de Kurt Hummel y Blaine Anderson, personajes interpretados por Chris Colfer y Darren Criss.

Antes de alcanzar reconocimiento televisivo, Michele ya contaba con experiencia en el teatro musical. Participó en producciones de Broadway como Los miserables, Ragtime, El violinista en el tejado y Spring Awakening, esta última junto a Jonathan Groff.

Después de Glee, intervino en diversos proyectos de cine y televisión, entre ellos la serie Scream Queens, también creada por Murphy.

Cabe destacar que en septiembre, Ryan Murphy confirmó que ya terminó de escribir el guion para un posible regreso de Glee.

El creador habló sobre el proyecto durante el estreno de la nueva temporada de American Horror Story, donde explicó que el texto fue desarrollado junto con Brad Falchuk e Ian Brennan, quienes participaron con él en la escritura de las primeras temporadas de la producción.

“Acabo de terminar el guion hace una hora. He estado en contacto con unos diez miembros del reparto original. Es muy bonito, y aunque tenían muchas preguntas, todos se mostraron muy entusiasmados con la idea”, declaró a Entertainment Tonight.

Sin embargo, Ryan Murphy señaló que el guion todavía no ha sido presentado oficialmente al reparto.

“Nadie lo ha leído. Así que no sé, ya veremos. Me prometí a mí mismo que quería escribir un par de ellos para ver qué opinaba la gente, sobre todo el reparto, porque éramos muy unidos cuando lo estábamos rodando. Así que ya veremos”, dijo.

La posibilidad de recuperar la serie ya había sido mencionada por Murphy en julio. En declaraciones a People, el creador explicó que Glee había vuelto a despertar interés entre públicos jóvenes.

A partir de esa recepción, planteó la posibilidad de desarrollar una nueva versión o una continuación de la producción en algún formato.

“Esa serie es interesante porque ha vuelto. Muchos jóvenes la ven ahora. Y pienso: ‘Quizás deberíamos retomarla’. Mi nostalgia y mi cariño por ella son tales que creo que a la gente le gustaría ver una nueva versión de alguna forma”, expresó.

El anuncio incorpora referencias a clásicos del cine navideño y muestra a la actriz con diferentes conjuntos de ropa interior y vestuarios inspirados en personajes conocidos de la temporada.

El comercial fue publicado en la cuenta oficial de YouTube de SYRN y comienza con la artista sentada en su casa frente a un televisor antiguo.

Mientras observa la pantalla, aparecen imágenes de ella caracterizada como Cindy Lou Quien, la niña de Villa Quién que forma parte de la historia del Grinch.

En distintas secuencias, la protagonista de Euphoria aparece con un atuendo a rayas y un chal mientras sostiene regalos. En otra escena, decora un espacio con luces navideñas y mira a su alrededor.

Estas imágenes recrean elementos visuales asociados con el personaje y con la ambientación festiva de la película.

Cindy Lou Quien fue interpretada por Taylor Momsen en la adaptación cinematográfica de El Grinch, estrenada en 2000 y protagonizada por Jim Carrey.

La película está basada en el libro infantil del escritor e ilustrador Dr. Seuss, publicado originalmente en 1957. La campaña también incluye referencias a El extraño mundo de Jack, la película animada de 1993 dirigida por Henry Selick y producida por Tim Burton.

En una de las escenas, Sydney Sweeney adopta una caracterización inspirada en Jack Skellington, protagonista de la cinta, y reproduce una imagen similar a la secuencia en la que el personaje contempla las luces navideñas.

Además de las referencias cinematográficas, el anuncio presenta a la actriz con otros dos conjuntos de lencería. Uno de ellos incorpora elementos visuales asociados con una estética de reina de las nieves.

De esta manera, el comercial combina la promoción de los productos de SYRN con imágenes vinculadas a películas y personajes reconocibles del entretenimiento.

La campaña se suma a otras acciones publicitarias protagonizadas por Sweeney durante los últimos meses. Entre ellas figura un anuncio de la marca deportiva Novig, en el que la actriz aparece utilizando balones de fútbol como parte de la composición visual.

La campaña inicial fue cuestionada por personas que consideran que presenta a las mujeres desde una perspectiva centrada en su apariencia física y que utiliza la sexualización como recurso para captar la atención del público interesado en las apuestas deportivas.

Las críticas también plantearon interrogantes sobre la representación de las deportistas y el papel de las mujeres en la industria del deporte.

El mes pasado, Sweeney respondió a las reacciones mediante la publicación de imágenes adicionales de la campaña en su cuenta de Instagram.

También compartió fotografías de deportistas que han posado sin ropa para la revista The Body Issue, una edición especial de ESPN dedicada a la relación entre el cuerpo humano y el rendimiento deportivo.

Entre las figuras que aparecieron en esas publicaciones se encuentran la tenista Serena Williams, la luchadora Ronda Rousey, el jugador de baloncesto Karl-Anthony Towns y el exjugador de fútbol americano Jason Kelce.

La exmodelo Adrianne Curry, ganadora de la primera temporada de America’s Next Top Model, lanzó duras críticas contra Victoria’s Secret tras el desfile anual de la marca de lencería, celebrado el domingo en Culver City, California.

Durante una transmisión en vivo por su canal de YouTube el lunes, Curry cuestionó la elección de Kylie Jenner como protagonista del Fantasy Bra, la icónica pieza valuada en 50 millones de dólares.

La integrante del clan Kardashian se convirtió en la primera mujer sin el estatus de “ángel” en vestir la prenda desde que Adriana Lima luciera una pieza similar por última vez en 2018.

La empresaria, pareja del actor Timothée Chalamet, completó el look con una minifalda transparente, ropa interior plateada y las tradicionales alas blancas. Tras el desfile, compartió en sus historias de Instagram una fotografía de la pieza con la frase “el mejor día de mi vida”, según consignó el Daily Mail.

“Nada en contra de Kylie Jenner... pero no eres una maldita modelo”, afirmó Curry durante el streaming. “No tienes cuerpo de modelo. No sé por qué la pusieron en el sujetador”, agregó, en referencia a la pieza creada junto a la joyería Jacob & Co, que incluye 4.410 diamantes naturales y una gema amarilla de 75,54 quilates.

La concursante del reality, quien ahora tiene 44 años, argumentó que el Fantasy Bra debió ser asignado a otra supermodelo. “Es para la reina del baile. Es para el ángel máximo de Victoria’s Secret”, reiteró. “Es como si tuvieran el título de reina de la primavera y se lo dan a Jenner. ¡Vamos! Victoria’s Secret es un chiste”.

También despotricó contra el casting de modelos

Curry también dirigió sus críticas hacia la política de casting del evento, a la que acusó de priorizar la fama sobre la experiencia. “Todo es un jodido postureo ético o ‘quién es el mayor influencer’”, declaró.

En la misma línea, apuntó contra la inclusión de la modelo trans Alex Consani en el desfile: “Tienen a las jodidas Kardashians ahí metidas, a esa modelo trans, lo siento, no son más atractivas que las modelos originales de Victoria’s Secret a las que les dijeron que no”, expresó airada.

La exreina de belleza, hoy representante de la marca Avon, defendió que el casting debería basarse en el mérito, no en la notoriedad. Citó el caso de Adriana Lima como ejemplo de lo que, según ella, la marca ya no practica: “No era una gran influencer. Nadie la conocía”, dijo sobre el descubrimiento de la brasileña.

El director creativo defendió la elección de Jenner

Aunque la participación de Kylie Jenner causó debate, la empresaria ha sido firmemente respaldada por el director creativo de la marca, Adam Selman. Él argumentó: “Kylie realmente trasciende la moda, la cultura, la televisión, trasciende una sola cosa. Ella ha creado su propia cultura, ¿cuánta gente puede decir eso?”.

Por otro lado, las ácidas palabras de Adrianne Curry tampoco generaron consenso en redes sociales. Mientras algunos usuarios coincidieron en que “no está equivocada”, otros la acusaron de actuar por “envidia”. Un tercer comentario calificó el episodio como “la pelea de multimillonarias más graciosa del año”.

Tras la controversia, Curry publicó un video en Instagram para aclarar sus dichos: “No creo que Kylie Jenner sea fea”, afirmó, aunque insistió en que “no parece una modelo”.

La producción incluye la primera entrevista de Bowick desde el fallecimiento de su hermano y reconstruye, a través de material familiar inédito, los años en los que el actor vivía entre el éxito televisivo y una férrea lucha contra la adicción.

En declaraciones para la docuserie, Bowick describió la magnitud del esfuerzo que Perry realizó para intentar recuperarse.

“Gastó 7 millones de dólares tratando de mantenerse sobrio. Así de en serio se tomaba su enfermedad”, relató la hermana del actor.

Aunque Perry disfrutaba el reconocimiento público y el éxito financiero por encarnar a Chandler Bing en Friends, sus familiares percibieron que existía una fuerte insatisfacción. “Hablaba de esa sensación de vacío o soledad que no lograba llenar del todo”, agregó.

Lo que la familia vivía mientras la serie seguía al aire

Bowick explicó que, durante los años en que Friends destacaba como uno de los programas más vistos de la televisión estadounidense, la familia enfrentaba una realidad muy distinta a la que mostraba la pantalla. El deterioro de la adicción de Perry se agravó entre la quinta y la séptima temporada de la serie.

“Todos sabíamos lo grave que era su trastorno, así que había una sensación de incertidumbre, una sensación de ¿quién sabe qué va a pasar?”, señaló la hermana del actor.

En ese contexto, Bowick reveló un detalle que hasta ahora no se había hecho público: Perry había salido de un proceso de rehabilitación poco antes de filmar el episodio del matrimonio entre Chandler y Monica Geller (Courteney Cox).

La escena, emitida durante la séptima temporada del programa que se transmitió entre 1994 y 2004, mostraba al personaje alcanzar una estabilidad sentimental que contrastaba con la fragilidad que el actor atravesaba detrás de cámaras.

Bowick señaló además que esa boda ficticia reflejaba, de manera indirecta, los deseos personales que su hermano no llegó a concretar fuera de la televisión. “Cuando vimos esa boda, todos sabíamos que él había querido eso en la vida, quería una pareja y quería hijos”, expresó en una entrevista reciente con People.

Un documental construido con material familiar inédito

The One About Matthew Perry está dirigido por la realizadora Mary Robertson, ganadora de un premio Emmy, y reúne fotografías y videos del archivo privado de la familia Perry que nunca habían sido difundidos.

Además de Bowick, la producción incluye testimonios de personas cercanas al actor, entre ellas David Pressman, amigo suyo durante cuatro décadas, el guionista de Friends Jeff Strauss y West Huddleston, vinculado al trabajo de Perry en favor de los tribunales de rehabilitación de drogas, una causa que impulsó en los últimos años de su vida.

Perry murió el 28 de octubre de 2023 a los 54 años por los efectos agudos de la ketamina, en un fallecimiento calificado como accidental en el que también incidieron el ahogamiento, una enfermedad coronaria y los efectos de la buprenorfina. El actor había declarado públicamente haber pasado por rehabilitación en 15 ocasiones a lo largo de su vida.

Manuel Otto, creador del videojuego Stick Run, habría muerto durante una transmisión en Twitch el martes por la noche en Alemania, según un comunicado de la compañía. El caso abrió cuestionamientos sobre la seguridad en las plataformas de streaming y la salud mental de los creadores de contenido.

Otto, de 30 años, era conocido como streamer y desarrollador del título en línea. La compañía señaló en un comunicado que tuvo conocimiento de una transmisión en la que el creador aparentemente se quitó la vida.

La plataforma Twitch retiró posteriormente la transmisión y el video asociado, de acuerdo con la empresa. Stick Run pidió respetar la privacidad de las personas involucradas y evitar la difusión de información no verificada o especulaciones.

El lugar preciso de la muerte no fue confirmado. El diario regional alemán PNP informó que una persona murió tras un incendio en una habitación ubicada en el ático de una vivienda en una localidad de Baviera, aunque las autoridades no identificaron a la víctima.

Stick Run pidió información a la comunidad y a las autoridades

La empresa solicitó a cualquier persona con información sobre el caso que se comunicara con Stick Run o con la corporación policial local correspondiente. También circularon en línea imágenes que presuntamente mostraban momentos previos y durante el incidente transmitido en vivo.

Integrantes de la comunidad de videojuegos publicaron mensajes de consternación tras conocerse la noticia. Algunas reacciones describieron a Otto como parte de su infancia, mientras otros usuarios expresaron tristeza por lo ocurrido.

El incidente abrió cuestionamientos sobre salud mental y las reglas de seguridad en las plataformas de streaming. El texto también recordó la muerte del streamer francés Raphael Graven, conocido como Jean Pormanove, durante una transmisión en Kick el año pasado.

Graven, de 46 años, murió después de más de 200 horas de tortura y humillación, según la información disponible. Miles de espectadores, entre ellos menores de edad, alertaron en los comentarios cuando el streamer dejó de mostrar señales de vida mientras permanecía recostado sobre un colchón.

El 5 de agosto, los streamers Safine Hamadi y Owen Cenazandotti fueron declarados culpables de incitación a la violencia y al odio por un tribunal penal de Niza. Ambos recibieron sentencias suspendidas.

Stick Run nació en Facebook en 2010 y llegó a móviles en 2013

Stick Run fue desarrollado y publicado por Otto cuando tenía 14 años. El juego se lanzó en Facebook en agosto de 2010 y después fue adaptado para dispositivos Android e iOS, de acuerdo con International Business Times.

El título es un juego de plataformas y carrera infinita. Los usuarios controlan a un personaje de palo que debe avanzar por un circuito de obstáculos, recoger puntos de experiencia y monedas, y evitar choques que terminan la partida.

También permite competir con hasta cuatro jugadores, personalizar al personaje y usar las monedas para adquirir objetos.

Su expansión ocurrió durante los años de auge de los juegos integrados en redes sociales. International Business Times reportó que una ficha de 2013 le atribuía más de 40 millones de “me gusta” en Facebook y seis millones de usuarios frecuentes; esas cifras corresponden a ese periodo y no miden su audiencia actual.

La misma publicación señaló que Stick Run acumuló más de 43 millones de jugadores en su historia. En 2012, el portal especializado Game Developer lo incluyó entre los juegos de Facebook de crecimiento más rápido, con 3.8 millones de usuarios activos mensuales.

En Estados Unidos, existe la Red Nacional de Prevención del Suicidio para pedir ayuda, puedes llamar al 1-888-628-9454 o al 1-800-273-8255, la línea del Servicio Nacional de Prevención del Suicidio, para hablar con alguien que te brindará apoyo gratuito y confidencial las 24 horas del día, los siete días de la semana. Los CDC también recomienda sus propias políticas, programas y prácticas de prevención.

Línea de prevención del suicidio en Argentina: el Centro de Asistencia al Suicida ofrece orientación y apoyo. Tienen una línea de prevención del suicidio disponible al teléfono 135 (línea gratuita) o al (011)5275-1135 y 0800 345 1435 para llamadas desde todo el país.

En México, para aquellos que buscan ayuda o asistencia en relación al suicidio, existe la Línea de la Vida: 800-911-2000, este servicio es gratuito y está disponible las 24 horas del día, los 7 días de la semana.

En Colombia, la Línea de la Vida brinda apoyo emocional a individuos que enfrentan crisis de suicidio o angustia. Este servicio está disponible en varias ciudades del país. En Bogotá, se puede contactar a través de la línea 106 o vía WhatsApp al 3007548933. Barranquilla cuenta con la línea 339 99 99, mientras que en Medellín se dispone de la Línea Amiga al 444 44 48. En Cali, al igual que en Bogotá, la línea de atención es el 106. Estas líneas ofrecen una respuesta inmediata a quienes necesitan ayuda en momentos críticos.

En Perú, el Ministerio de Salud (Minsa) ofrece apoyo emocional a través de la Línea 113 Salud, accesible nacionalmente por teléfono, WhatsApp o Telegram en los números 955557000 y 952842623.

En España, el Ministerio de Sanidad ha establecido la Línea 024 para la atención a la conducta suicida.

En Guatemala, la Fundación Desarrolla Guatemala para la Educación y la Salud, tiene la línea telefónica: 1582 y el número de WhatsApp: 502- 3007-1582.

En El Salvador, para orientación psicológica o atención ante una crisis, el ministerio de Salud dispone del número 131. Durante la llamada deben seleccionar su departamento y luego la opción de salud mental. También se puede llamar al número 503 7741-6614, de lunes a viernes, de 7:30 a 15:30 o al Sistema de Emergencias 9-1-1 .

En Costa Rica , está la línea Aquí Estoy del Colegio de Profesionales en Psicología de Costa Rica ofrece un servicio gratuito de apoyo para la prevención del suicidio y el Centro de Atención Psicológica (UCR), teléfono 506- 2511-5776.

En Honduras, la línea de emergencia para la prevención del suicidio es 988.

En Panamá el Ministerio de la Mujer pone al servicio de la comunidad la Línea gratuita 147 que brindará atención profesional en salud mental 24 horas.

Puedes recibir atención psicológica gratuita en República Dominicana llamando al Centro de Contacto Cuida tu Salud Mental al número (809) 200-1400.

Disney+ y Hulu confirmaron de manera oficial el reboot de Glee, la serie musical creada por Ryan Murphy que marcó a toda una generación entre 2009 y 2015. El anuncio se realizó este miércoles 21 de octubre a través de la cuenta oficial de Instagram del programa, tras meses de rumores sobre el regreso de los integrantes del coro de la secundaria William McKinley.

La producción está a cargo de 20th Television y la serie se emitirá tanto en Hulu como en Disney+, según confirmaron ambas plataformas. Por el momento no se difundió información sobre el elenco ni sobre una fecha de estreno.

En septiembre, Murphy había revelado a Entertainment Tonight que ya tenía un guion listo junto a sus colaboradores habituales, Brad Falchuk e Ian Brennan, los mismos responsables de las dos primeras temporadas de la serie original.

“He estado en contacto con cerca de diez de los miembros del elenco original. Es muy dulce, y todos tenían muchas preguntas, pero todos estaban muy entusiasmados con la idea”, adelantó también el realizador.

Qué se sabe de los actores originales

Por separado, algunas de las estrellas originales habían manifestado su interés por un eventual retorno. Lea Michele, quien encarnó a Rachel Berry, dijo esto a E! News: “Amo Glee. Siempre amaré Glee. Amo a Ryan Murphy. Tiene un lugar muy especial en mi corazón. Seguiré a Ryan adonde vaya”.

Jane Lynch, quien dio vida a la entrenadora Sue Sylvester, también se mostró dispuesta a volver, en declaraciones a la revista People en 2024.

Pero no todas las respuestas fueron igual de entusiastas. Kevin McHale, que interpretó a Artie Abrams, un personaje en silla de ruedas, expresó algunas dudas sobre ello en 2022 en declaraciones a Insider: “No sé si Artie podría estar en esto. Sabiendo lo que sabemos ahora, no creo que deba interpretar a un personaje que está en silla de ruedas. Así que, si me dejan dejarme crecer la barba y interpretar a otro personaje, lo haré”.

Por su parte, Chris Colfer, quien interpretó a Kurt Hummel, se mostró más cauto. En una entrevista con Bustle, el actor señaló: “Todavía no sé nada y no he escuchado absolutamente nada. Ojalá lo supiera. Fue un programa muy difícil de hacer, y sería muy difícil hacerlo ahora que Naya ya no está. Pero sé que los fans de Glee probablemente vendrían por mí con tridentes y garras si dijera que no”.

Según contó a Entertainment Weekly a principios de octubre, Colfer mantiene contacto frecuente con sus excompañeros, aunque al margen del proyecto del reboot: “Hablo con alguien de Glee casi todos los días. Tenemos muchos chats de texto. Son principalmente memes graciosos y fotos de los hijos de la gente, pero tratamos de juntarnos lo más que podemos”.

La serie perdió a tres de sus protagonistas originales

El elenco de Glee atravesó tres pérdidas desde el estreno de la serie en 2009. Cory Monteith, quien interpretó a Finn Hudson, murió en 2013 por una sobredosis mientras el programa seguía en emisión. Mark Salling, intérprete de Puck, se suicidó en 2018 tras declararse culpable de posesión de pornografía infantil. Naya Rivera, que dio vida a Santana López, murió ahogada en 2020 a los 33 años tras salvar a su hijo, que había caído a un lago.

La ficción musical original, estrenada en la cadena Fox, narró durante seis temporadas la vida de un grupo de estudiantes de secundaria en Lima, Ohio, quienes eran integrantes de un coro escolar.

El programa abordó temas como la sexualidad, la raza, la discapacidad y la salud mental, y se hizo célebre por sus versiones musicales de canciones como “Don’t Stop Believin’” y “Teenage Dream”. Según datos de Variety, la música de la serie reúne en la actualidad un promedio de 4,1 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Colleen Hoover confesó que el desenlace de su novela Verity la dejó tan desconcertada como a millones de lectores que, desde 2018, debaten si creer en el manuscrito o en la carta que cierra la historia. La revelación llegó durante una entrevista en el podcast Booked, Blonde and Busy, conducido por Olivia Ponton, donde la escritora texana se sinceró sobre el proceso creativo detrás de uno de los thrillers psicológicos más comentados de la última década.

“Escribí Verity desde la perspectiva de Lowen y, cuando terminé el libro, estaba tan confundida como ella”, dijo Hoover. La autora explicó que, en aquel momento, habría asegurado sin dudar que el manuscrito era real. “Creo que con esa carta intentaba salvarse el pellejo”, añadió. Sin embargo, una relectura reciente para preparar anotaciones en Kindle alteró por completo su percepción: “Durante todo el proceso de anotación, sentí lástima por Verity. Y entonces llegué a esa carta y pensé: ‘Pobre mujer’”.

La novela que Hoover autopublicó tras rechazar los límites de un género

Verity nació en 2018 como un giro radical en la carrera de Hoover, una autora asociada hasta entonces casi exclusivamente con la novela romántica contemporánea. La idea surgió durante un viaje en auto de regreso de ver una película cuyo final la frustró: quería algo aterrador pero verosímil. Esbozó la trama con su madre durante el trayecto y, al llegar a casa, delineó la novela entera antes del amanecer.

Una editorial le había pedido que se mantuviera dentro de la ficción para mujeres, un consejo que Hoover decidió ignorar. En lugar de negociar, autopublicó el libro en diciembre de 2018 a través de Amazon. Durante casi tres años las ventas fueron discretas, hasta que en 2021 la comunidad BookTok de TikTok convirtió la novela en un fenómeno viral. Grand Central Publishing, sello de Hachette Book Group, adquirió los derechos y relanzó la edición, que trepó al segundo puesto de la lista de los más vendidos del New York Times.

Un thriller que divide a los lectores entre “equipo carta” y “equipo manuscrito”

La trama sigue a Lowen Ashleigh, una escritora en apuros económicos que acepta completar la serie inconclusa de la exitosa autora Verity Crawford, postrada tras un accidente de tránsito. Al instalarse en la casa de los Crawford, Lowen encuentra un manuscrito autobiográfico que nunca debió salir a la luz: página tras página de confesiones perturbadoras sobre la relación de Verity con sus hijas y su obsesivo amor por su marido, Jeremy Crawford.

El hallazgo desata una espiral de sospechas, atracción y violencia. Pero cuando todo parece resuelto, una carta oculta bajo el piso ofrece una versión opuesta de los hechos: Verity asegura que el manuscrito era ficción, un ejercicio creativo para construir un personaje villano, y que fue Jeremy quien intentó matarla. Hoover diseñó ambas versiones para que resultaran igual de convincentes, y desde la publicación se ha negado a zanjar el debate.

“He estado en ambos lados de la cuestión”, reconoció en el podcast. “Haber sido yo quien la escribió me resulta muy confuso, así que una parte de mí pensó: ahora quiero analizarlo desde la perspectiva de todos y escribir la de cada uno”. Pero descartó la idea de inmediato: “Eso le va a quitar lo que más me gusta de este libro, y eso son las conversaciones que genera después”.

De trabajadora social a fenómeno editorial con más de 20 millones de copias

Margaret Colleen Hoover —de soltera Fennell— nació el 11 de diciembre de 1979 en Sulphur Springs, Texas. Creció en un hogar marcado por la violencia doméstica: su padre agredía físicamente a su madre, y la pareja se divorció cuando ella era pequeña. Se graduó en trabajo social en la Universidad Texas A&M–Commerce y trabajó como consejera en un programa federal de nutrición antes de dedicarse a la escritura.

En 2012 autopublicó su primera novela, Slammed, concebida originalmente como un regalo de Navidad para su madre, que acababa de recibir un Kindle. El libro escaló las listas de los más vendidos impulsado por reseñas en blogs literarios y redes sociales. Ese mismo año, Hopeless se convirtió en la primera novela autopublicada en alcanzar el primer puesto del New York Times.

La consagración llegó con It Ends with Us (2016), inspirada en parte en su infancia, que aborda la violencia de género. En 2021, el impulso de BookTok catapultó sus ventas a cifras sin precedentes: para octubre de 2022 había vendido más de 20 millones de libros y ocupaba seis de los diez primeros puestos en la lista de ficción en rústica del New York Times. La revista Time la incluyó entre las 100 personas más influyentes del mundo en 2023.

La película recaudó USD 145 millones y consolidó el regreso de Anne Hathaway

La adaptación cinematográfica de Verity, dirigida por Michael Showalter con guion de Nick Antosca, tuvo su estreno mundial en el Curzon Mayfair Cinema de Londres el 24 de septiembre de 2026 y llegó a las salas de Estados Unidos y Canadá el 2 de octubre, distribuida por Amazon MGM Studios. Con un presupuesto de USD 40 millones, el filme ha recaudado USD 145,1 millones en taquilla global hasta el 18 de octubre: USD 65,9 millones en Norteamérica y USD 79,2 millones en mercados internacionales, según datos de Box Office Mojo.

Anne Hathaway interpreta a Verity Crawford, Dakota Johnson da vida a Lowen Ashleigh y Josh Hartnett encarna a Jeremy Crawford. El estreno consolidó un año excepcional para Hathaway, quien con Verity sumó su tercer filme en 2026 en debutar en el primer puesto de la taquilla norteamericana, después de The Devil Wears Prada 2 y The Odyssey, según informó The New York Times.

Un final concebido dos semanas antes de la entrega

Hoover reveló que el célebre desenlace abierto no formó parte del plan original. “Dos semanas antes de entregarlo al editor, todavía lo estaba escribiendo y pensaba que tendría un final”, contó. “Una noche, mientras estaba en la cama, se me ocurrió el final que le di, así que me levanté de inmediato y me puse a escribirlo”.

La autora admitió que nunca imaginó la magnitud del debate que desataría. “No lo escribí con la intención de crear una carta de equipo en lugar de un manuscrito de equipo. Me encanta que se haya convertido en eso, pero nunca fue mi intención”, dijo antes de zanjar, con humor, que todos los personajes son simplemente “unos locos que se merecen el uno al otro”.

El aventurero galés Ash Dykes, de 35 años y con más de cuatro millones de seguidores en TikTok, generó alarma entre su comunidad digital al permanecer más de 16 horas sin contacto con su equipo. El influencer había emprendido una travesía en kayak inflable por uno de los ríos más peligrosos del planeta, infestado de cocodrilos e hipopótamos, en plena cuenca del Congo, en África central.

Quién es Ash Dykes y en qué consiste su travesía

Dykes es un explorador con cinco récords mundiales en su haber. Entre sus hazañas previas figuran el cruce en solitario y sin asistencia del desierto de Gobi, en Mongolia, y una caminata de cinco días por Madagascar mientras padecía malaria, cuadro que, según le advirtieron los médicos, pudo haberlo dejado en coma de haber llegado apenas unas horas más tarde a recibir atención.

Su desafío actual forma parte de “Project Six”, una serie de seis expediciones a algunos de los lugares más inaccesibles de la Tierra a lo largo de 12 meses. La primera de ellas consiste en recorrer 434 millas (698 kilómetros) por el río Sangha, desde Nola, en la República Centroafricana, hasta Mossaka, en la República del Congo, según detalló la revista People. El viaje inició el 8 de octubre, lo acompañan un guía local y un videógrafo británico, y tiene una duración estimada de tres a cuatro semanas.

Antes de internarse en la selva, el explorador ya había enfrentado contratiempos: la pérdida temporal de su equipaje y el rechazo de sus visas de ingreso, lo que lo obligó a tomar una ruta alternativa por tierra desde Camerún.

La cuenca del Congo atraviesa la segunda selva tropical más extensa del planeta y contiene el punto más profundo jamás registrado en un río, con 720 pies (219 metros) de profundidad. Asimismo, en 2010, el aventurero sudafricano Hendrik Coetzee murió tras el ataque de un cocodrilo cuando intentaba convertirse en la primera persona en navegar toda la cuenca, de acuerdo con el diario The Sun.

Durante su recorrido, Dykes y su equipo debieron lidiar con el agotamiento de sus reservas de agua potable, calor extremo y picaduras constantes de moscas y mosquitos.

El 20 de octubre, el explorador compartió un video en el que relató haber sufrido la picadura de un insecto no identificado. “No estoy del todo seguro de qué me picó, pero ciertamente se hizo notar”, escribió en el pie de su publicación. “Fue una abeja o algo así, no lo sé. Doloroso, de todos modos”. El episodio, señaló, sirvió como “recordatorio de que aquí, en la selva, no solo hay que cuidarse de la fauna más grande”.

¿Qué pasó con Ash Dykes?

El 21 de octubre, el equipo de Dykes publicó un comunicado en Instagram y TikTok que encendió las alarmas entre sus seguidores. “Ha pasado más de 16 horas desde la última vez que supimos de Ash y el equipo, lo cual es preocupante”, indicó el mensaje en la red social. “Nos esforzaremos por mantenerlos informados y les haremos saber en cuanto tengamos más noticias”, agregó el comunicado que no precisó el lugar ni el momento del último contacto registrado.

Horas más tarde, el propio equipo del explorador difundió una actualización que disipó los peores temores. “Acabamos de recibir un mensaje del teléfono satelital/Garmin de Ash. Todos están a salvo”, informaron.

La publicación explicó que el sistema Starlink dejó de funcionar y la batería se agotó, por lo que el grupo no puede enviar videos ni actualizaciones completas, y solo logra transmitir mensajes breves cuando consigue señal en el dispositivo Garmin. “Eso es todo lo que sabemos por ahora. Los actualizaremos cuando sepamos más. Gracias por sus oraciones”, cerró el comunicado.

De completar con éxito la travesía por el Sangha, Dykes tendrá solo dos semanas de descanso antes de iniciar la segunda misión de “Project Six”, que según adelantó se desarrollará en un destino con temperaturas cercanas a los -15℃ (5℉).

Atarashii Gakko! se ha consagrado como uno de los proyectos musicales más populares de Japón en la última década. El cuarteto conformado por Suzuka, Kanon, Mizyu y Rin, destaca por un estilo irreverente, lejos de los cánones que la industria asiática ha impuesto, sobre todo, en sus talentos femeninos.

No son perfectas (al menos no de la manera que le gusta a las cámaras); no temen reírse de sí mismas, ni sudar a mares en cada show ni arrojarse al público para contagiarse de su adrenalina.

“Seishun” es la palabra que escoge el cuarteto para describir su manera de hacer arte. “Nosotras la definimos como ‘vivir el presente dándolo todo’. Disfrutar del ‘aquí y ahora’ con el máximo esfuerzo —sin importar la edad que tengas— es lo que queremos encarnar y transmitir al mundo a través de nuestras actuaciones sobre el escenario. ¡SÉ TÚ MISMO!”, dice la banda en entrevista con Infobae.

Esta actitud desenfadada y auténtica es la que han hecho que la banda tenga un recibimiento tan cálido en Latinoamérica, en particular en México, donde gracias a dos presentaciones extraordinarias en el país, hoy tienen una fanbase que no deja de crecer.

Para aprovechar este amor mutuo, Atarashii Gakko! anunció a principios de año su primer gira oficial por la región, con presentaciones confirmadas en Chile, Brasil y por supuesto, México, donde cerrarán con el concierto más grande en la historia de la banda el 8 de diciembre.

Estos conciertos marcarán un hito para el cuarteto, que además, acaba de lanzar su último álbum de estudio: From Tokyo with Love, una producción cargada de un sonido retro, lleno de homenajes a figuras del rock y el pop de los ochenta.

El rock clásico inunda el nuevo sonido de Atarashii Gakko!

“Siempre nos ha encantado la música de los 80, y hay algo que nos fascina especialmente: mezclar algo del pasado —esa nostalgia— con quienes somos en el presente, y ver qué tipo de alquimia surge de ello”, dicen las chicas sobre la evidente influencia de artistas de hace varias generaciones en su nuevo álbum que llegó a todas las plataformas el pasado 24 de julio.

Esta “alquimia”, como bien dicen, apareció en producciones anteriores, pero es ahora donde explota con mayor intensidad, principalmente por una inclinación hacia el hard rock anglosajón. ¿Cuál es la banda que influyó particularmente en este sonido? El cuarteto lo tiene bien claro.

“En cuanto a los artistas que nos han influido, AC/DC es sin duda uno de ellos; esa influencia se nota claramente en un tema como “Oi AG!”. ¡De hecho, algunos de nuestros fans han empezado a llamarnos ‘AG/DC’!”, aseguran las chicas.

El álbum no solo supone un cambio importante en el sonido de Atarashii Gakko!, sino también una nueva forma de trabajar su arte. Entre los fans, es bien sabido que Suzuka es la que toma el micrófono principal en la mayoría de canciones, pero para esta producción, decidieron que era momento de que Rin y Mizyu tuvieran su momento de brillar con los temas “Kore de E” y “Waiting for Good Time” respectivamente.

De manera grupal, también unieron fuerzas de maneras más creativas. “Chanka Chanka”, el primer sencillo del álbum, fue un esfuerzo colectivo que representó “un gran reto”.

“Discutimos todo, desde el concepto en adelante. La fuimos construyendo juntas a partir de ahí, por lo que ocupa un lugar especial para nosotras”, reveló la agrupación sobre este tema que se ha convertido rápidamente en uno de los favoritos del público.

Pero ahí no acabaron las sorpresas para Suzuka, Kanon, Mizyu y Rin. Hubo un tema en particular que se llevó un gran tiempo de trabajo en el estudio.

“‘Leave It All Behind’ fue, de hecho, la que más nos sorprendió. Creo que se le dedicó más tiempo a pulirla y perfeccionarla durante la fase de grabación que a cualquier otra canción del álbum, ¡así que no dejen de escucharla hasta el final!”

Pero como todo proyecto artístico, la apreciación es completamente subjetiva. Por ello, cada una de las chicas tiene su canción favorita de From Tokyo with Love:

MIZYU – “UTAGEHIKARU”

«Incluyendo el aspecto de la interpretación, esta canción me permitió crear exactamente el tipo de actuación que quiero ofrecer en este momento. Interpretarla ante el público se ha convertido, sinceramente, en una especie de costumbre para mí. ¡Es mi obsesión actual!».

RIN – “Waiting for Good Time”

«Mientras escribía la letra y la melodía, todo lo que había estado pensando a solas en mi habitación terminó plasmado directamente en AG!. Sentí que lo que llevaba en mi corazón encajaba a la perfección con el grupo. Puse todo lo que sentía en aquel entonces en esta canción; por eso, ahora mismo, es el tema del álbum que más me representa».

Kanon – “TTTTokyo”

«Esta canción refleja realmente quiénes somos en este momento. El hecho de que las cuatro viajemos a tantos países distintos y luego regresemos a casa, a Tokio... eso es precisamente lo que encierra esta canción. Cada vez que aterrizamos de vuelta en Tokio, es el tema que me viene a la mente».

Suzuka – “Oi AG!”

«La energía que transmite esta canción conecta tanto con mi propia energía actual que resulta increíble cantarla. Como quiero provocar una revolución para AG!, eso me impulsa a poner aún más sentimiento en mi interpretación».

La relación de Atarashii Gakko! con México

El cuarteto se presentó por primera vez en México en 2023 como parte del festival Corona Capital. Fue uno de los primeros actos en salir a escena, pero aún así, se convirtió en uno de los favoritos del público.

“Fue una experiencia realmente conmovedora. También recordamos lo encantadores y entrañables que fueron los fans mexicanos que conocimos; fue tal el impacto que, de inmediato, sentimos el deseo de volver”, dicen las chicas sobre el recuerdo de aquella presentación, aunque no toda la experiencia fue tan positiva.

“La primera vez que fuimos, la altitud era tan elevada que nosotras llegamos a sentir un poco de mal de altura; ¡así que nos fuimos pensando que, sin duda, los habitantes de allí deben de ser expertos en aprovechar el oxígeno!”, reveló el cuarteto entre risas.

Y no es para menos. Cualquiera que vea un concierto de Atarashii Gakko!, podrá darse cuenta de la exigencia física que requiere su show. Sin embargo, regresar a los camerinos hechas polvo es un logro para el cuarteto.

“¡Sí que nos cansamos! Pero la energía que tenemos las cuatro, como grupo joven, es, sinceramente, de otro nivel. Todavía estamos aprendiendo a aceptar ese agotamiento y a averiguar cómo lidiar con él. Tanto el agotamiento como los moretones son como medallas de honor de un gran espectáculo”.

No pasó mucho tiempo para que se coordinara un reencuentro entre el público mexicano y Atarashii Gakko!. Menos de un año después, el grupo volvió a la Ciudad de México para presentarse en el Pepsi Center. Aunque fue un show considerablemente más pequeño, la energía seguía ahí y la sinergia con los fans iba en un aumento meteórico.

El amor a Atarashii Gakko! se expande por toda Latinoamérica

Poco a poco, la relación entre la banda y Latinoamérica se hace más estrecha. Artistas como Bad Bunny, Young Miko y Antonio Carlos Jobim ya forman parte de las playlists de las chicas.

Fans de toda la región exigen en redes la llegada de Atarashii Gakko! a sus países; no obstante, la coordinación de un viaje al otro lado del mundo es sumamente difícil.

En esta gira, Suzuka, Kanon, Mizyu y Rin llegarán al Teatro Caupolicán de Chile el 3 de diciembre en la que supone su primera vez en el país. Posteriormente, brindarán dos conciertos en el Primavera Sound São Paulo, Brasil y el 5 y 6 de diciembre (otro importante debut). Finalmente, cerrarán su tour en el Velódromo Olímpico de la Ciudad de México el 8 de diciembre, donde esperan reunir a más de 18.000 personas.

Incluso con una demanda más grande, el cuarteto se enfrenta a los mismos retos, por lo que, a todos esos fans de Latinoamérica que sueñan con más presentaciones de Atarashii Gakko! en la región, las chicas les tienen un mensaje muy importante:

“Incluso antes de nuestro primer viaje a México en 2023, podíamos sentir a través de las redes sociales que había fans esperándonos; por eso, cuando finalmente pudimos ir por primera vez, fue una experiencia emocionante que nos llenó de alegría. Teníamos muchas ganas de conocer a todos en persona y ampliar aún más nuestro círculo; además, como también recibíamos mensajes desde otras partes de la región, llevábamos mucho tiempo deseando que esto ocurriera —¡llevábamos años soñando con ello! Estamos muy felices de que, por fin, se haga realidad. Nos encantaría seguir regresando muchas veces más, así que, para empezar, ¡vengan a vernos a los conciertos de diciembre!”.

El salto resulta considerable para el Beatles Story, el espacio que funciona desde 1990 en el Royal Albert Dock. La titularidad pasará ahora a manos de Apple Corps, lo que lo convertirá en la primera experiencia oficial para fans en la ciudad natal del grupo. El anuncio, recogido por The Guardian, incluye además la remodelación de la segunda torre más alta de Liverpool, que será tematizada con el universo visual del filme animado Yellow Submarine.

El nuevo recinto ocupará un centro comercial abandonado desde 2024

La futura sede se instalará en el edificio del St John’s Market, un antiguo complejo comercial situado junto a la estación de tren de Lime Street que permanece sin uso desde que cerró en 2024. El cambio de ubicación permitirá cuadruplicar la superficie disponible y ofrecer lo que sus promotores describen como una “experiencia de varias horas”.

El itinerario reproducirá escenarios clave de la trayectoria del conjunto: desde las casas de infancia de sus integrantes hasta el Cavern Club, los locales nocturnos de Hamburgo donde forjaron su sonido, los estudios de Abbey Road, el Shea Stadium de Nueva York —donde la histeria colectiva impedía al cuarteto escuchar su propia música— y la terraza del edificio en Savile Row, en Londres, donde ofrecieron su última presentación en vivo en 1969.

Parte de los decorados y la utilería provendrá del ambicioso ciclo cinematográfico que dirige Sam Mendes: cuatro películas biográficas, una por cada integrante, cuyo estreno también está previsto para 2028. Los sets de rodaje serán reutilizados para las ambientaciones del recinto.

McCartney y Starr celebraron la propuesta con emotivas declaraciones

McCartney expresó su entusiasmo ante la magnitud de la obra. “Me parece increíble y me llena de humildad que la gente siga interesada en nuestra historia”, aseguró. Y añadió: “Amo Liverpool. Es parte de lo que soy, es parte de lo que son los Beatles. Si nos hubieran dicho que esto iba a pasar cuando empezábamos, nunca lo habríamos creído”.

Por su parte, Ringo Starr también se sumó a los festejos. “En el fondo sigo siendo un scouser”, afirmó, en referencia al gentilicio de los habitantes de la metrópoli. “La ciudad fue, y sigue siendo, una ciudad musical. Y ahora ampliamos el Beatles Story… qué locura. El ritmo continúa”, completó el baterista.

Junto al anuncio, la compañía comunicó la creación de una entidad benéfica, el Apple Corps Liverpool Trust, que recibirá una porción de cada entrada vendida para financiar programas destinados a músicos locales.

La iniciativa cuenta con apoyo del gobierno británico y las autoridades regionales

Andy Burnham, alcalde de la región metropolitana de Manchester, elogió la ambición de los planes y los describió como “el tipo de visión que quiero ver más en toda Gran Bretaña: apostar por lo que nuestras grandes ciudades saben hacer mejor y convertir esa reputación global en empleo, oportunidades y crecimiento”. También destacó que el brazo solidario del proyecto ayudará a “la próxima generación de jóvenes artistas a creer que existe un camino desde su dormitorio o sala de ensayo hasta la cima del mundo”.

El alcalde de Liverpool, Steve Rotheram, señaló que “la gente ya viaja desde la otra punta del planeta para visitar la cuna de cuatro chicos que sacudieron la tierra” y que estos planes “llevan esa atracción a otro nivel”. La operación es coordinada por Apple Corps junto al ayuntamiento local y la Autoridad Combinada de la Región, con respaldo del gobierno del Reino Unido, aunque los detalles financieros no fueron revelados.

La compañía también supervisa la transformación del 3 Savile Row en Londres, el inmueble donde tuvo lugar aquel legendario concierto en la azotea. Ese espacio de siete pisos, previsto para 2027, permitirá a los visitantes acceder a la terraza y reproducirá el estudio donde los Beatles grabaron el álbum Let It Be. Un estudio de 2016 estimó que el legado de la banda aporta unas 82 millones de libras anuales (USD 109.863.600) a la economía de la región.

La revelación se produjo en una ceremonia dedicada a recaudar fondos para la investigación contra el cáncer. Carter combinó su respuesta sobre el cuidado de la piel con reflexiones sobre la ciencia, la investigación médica y la importancia del trabajo humano.

La actriz asistió al Angel Ball 2026 de la Gabrielle’s Angel Foundation, celebrado el lunes 19 de octubre en Cipriani Wall Street. Ante una consulta por el aspecto de su piel, Carter afirmó que resumía su método de cuidado, “honesta y verdaderamente”, en usar “agua y jabón”.

Lynda Carter resumió su rutina de belleza en agua y jabón

En esa respuesta, Lynda Carter no mencionó marcas, procedimientos estéticos ni tratamientos especializados. Precisó que utiliza un jabón transparente como parte de un hábito cotidiano, sin detallar una secuencia de productos ni etapas adicionales.

La consulta estuvo vinculada con el aspecto de su piel durante la gala, cuando Carter participó en la alfombra de Cipriani Wall Street. Su respuesta quedó enmarcada en una ceremonia con producciones elaboradas y figuras homenajeadas por su participación en la velada.

La respuesta contrastó con un atuendo elaborado. La revista indicó que Carter eligió un vestido largo ceñido al cuerpo, cubierto de pequeños apliques reflectantes, con escote redondo y acabado translúcido. Sobre esa pieza llevó una prenda exterior negra y larga, con volados amplios y brillantes.

El diseño incorporaba un cuello voluminoso alrededor de los hombros. Los volados también recorrían la parte delantera de la prenda y los puños.

Carter completó el conjunto con aros colgantes, zapatos en punta con aplicaciones, rizos voluminosos, rubor rosado, pestañas definidas y lápiz labial rosa, según la descripción publicada.

La actriz definió la intención de su atuendo en declaraciones recogidas por el medio. “Intenté estar tan glamorosa como pudiera esta noche”, afirmó Carter, antes de resumir el diseño con una expresión breve: “Volados, volados”.

Durante la sesión de fotos, Carter posó con una mano sobre la cintura y mostró los detalles brillantes del vestido, una imagen que acompañó su intención declarada de asistir con el mayor glamour posible.

Carter, entre las homenajeadas de una gala por la investigación contra el cáncer

La presencia de Carter en la gala tuvo un motivo que excedió la moda. Según informó HELLO!, la intérprete fue una de las homenajeadas del Angel Ball 2026, junto con la cantante Dionne Warwick y la filántropa Nicola Verses.

El reconocimiento reunió a las tres figuras en una ceremonia cuya recaudación se destinó al apoyo de la investigación contra el cáncer.

Durante la conversación con la revista, Carter subrayó el sentido de la ceremonia y puso el foco en la comunidad científica. “Se trata de asuntos serios, de celebrar las mentes brillantes de la comunidad científica y de poner de relieve lo que hacen por nosotros”, sostuvo la actriz.

Durante la entrevista, también expresó preocupación por depender de la inteligencia artificial sin la intervención de personas capacitadas. Para explicarlo, comparó esa posibilidad con viajar en un avión sin piloto.

“El trabajo requiere habilidades y requiere personas”, afirmó Lynda Carter en declaraciones a HELLO!. Luego insistió en que la empatía y el contacto humano siguen siendo centrales para ayudar a otras personas.

“Por eso estoy aquí, para recordarles a todos que somos humanos y que las personas que más nos ayudan son humanas”, expresó. La reflexión formó parte de sus comentarios sobre la necesidad de que la experiencia humana acompañe las herramientas tecnológicas.

Lynda Carter dejó abierta una futura colaboración con Jessica Carter Altman

La publicación también abordó la relación artística con Jessica Carter Altman, cantante y compositora que ya acompañó a su madre como invitada especial en presentaciones en vivo. Carter destacó que su hija es una “música, cantante y compositora muy talentosa”.

Consultada sobre una nueva colaboración, la actriz señaló que siempre mantiene esa expectativa. También contó que escribe y canta “un poco” y dejó la decisión en manos de Altman: “Posiblemente veremos, depende de ella”. Carter no detalló ningún proyecto concreto ni una fecha para ese posible trabajo conjunto.

Erik von Detten dio voz a Sid en Toy Story, protagonizó Brink! y apareció en The Princess Diaries. Era un rostro familiar de Disney para toda una generación.

Hoy, a los 44 años, enfrenta una demanda por abuso financiero de ancianos, fraude, incumplimiento del deber fiduciario, fraude constructivo y apropiación indebida tras su paso como representante de ventas en Rosland Capital, una firma de metales preciosos con sede en Los Ángeles.

La acción legal fue presentada el 11 de mayo ante el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles por Sheila Greenberg, de 85 años, y su esposo Norman Greenberg, de 97, un matrimonio residente en La Jolla, California.

El caso permanece pendiente ante el juez Bradley S. Phillips, con una conferencia de gestión programada para el 9 de noviembre, según precisó USA Today.

Cómo la pareja llegó a Rosland Capital y a Von Detten

Todo comenzó con un anuncio en televisión. Los Greenberg contactaron a Rosland Capital alrededor del verano de 2020 después de ver varios comerciales que, tal como consta en la denuncia, estaban “diseñados en gran parte para atraer a personas mayores”.

La publicidad advertía sobre “consecuencias terribles para los jubilados en Estados Unidos” y combinaba preocupaciones como la deuda descontrolada, la inflación, la agitación política y la constante devaluación del dólar, de acuerdo con los documentos judiciales.

Cuando la pareja llamó a la firma, solicitó hablar con el asesor de mayor rango. Fueron conectados con Von Detten.

El matrimonio le explicó al antiguo intérprete que jamás había invertido en oro ni en ningún otro metal precioso, y le comunicó su edad avanzada, un dato que consideraba relevante para quien fuera a asesorarlos.

Tras esa conversación inicial, los Greenberg quedaron lo suficientemente impresionados como para revelarle que los saldos combinados de sus cuentas IRA superaban los USD 2.000.000.

El escrito judicial asegura que Von Detten les pidió que “dejaran las decisiones en sus manos” y les garantizó que era “muy conocedor en metales preciosos y en cuentas IRA de metales preciosos”. Les prometió “recomendaciones muy específicas que se ajustaran a sus necesidades”.

Las tres compras que vaciaron sus cuentas de jubilación

Entre octubre de 2020 y agosto de 2021, los Greenberg realizaron tres compras de monedas de oro por un total de USD 2.146.958, según el expediente obtenido por el Los Angeles Times. El valor real de esas piezas era de aproximadamente USD 1.360.925.

La denuncia sostiene que los demandantes abonaron el equivalente a USD 3.009 por onza, cuando la cotización del oro rondaba los USD 1.903 por onza, un recargo cercano al 60 %, de acuerdo con documentos revisados por Fox News Digital.

La primera operación se concretó el 19 de octubre de 2020 y superó los USD 999.000 en monedas Lady Liberty. Sheila adquirió 797 piezas por USD 599.654 y Norman compró 531 por USD 399.519, detalla el expediente citado por el medio. La pérdida inmediata de esa transacción habría superado los USD 367.000.

El 5 de noviembre de ese mismo año, ambos realizaron una segunda compra por más de USD 1,14 millones: Sheila desembolsó USD 677.644 por 885 monedas adicionales y Norman pagó USD 470.139 por otras 614. Esa operación les habría representado más de USD 418.000 en detrimento patrimonial instantáneo, afirma el reclamo.

Lo que pasó con las monedas después de cada transacción

Las monedas de oro no llegaron a manos de la pareja. Todo el material fue enviado a Delaware Depository, una instalación de almacenamiento de terceros, mientras los Greenberg continuaron con el pago de tarifas recurrentes por custodia y mantenimiento de sus cuentas respaldadas en oro, tal como consignó People.

Una vez vaciadas las cuentas de jubilación, Von Detten convenció al matrimonio de invertir fondos adicionales a través de un fideicomiso familiar.

En agosto de 2021, compraron 109 monedas PAMP British Museum Lewis Chessmen por USD 135.487 —valuadas en aproximadamente USD 48.832— y 50 monedas PAMP F1 Abu Dhabi por USD 64.300, cuyo valor real rondaba los USD 22.420, según detalló Fox News Digital.

El momento en que los Greenberg se dieron cuenta

Los demandantes aseguran que no advirtieron la diferencia entre lo pagado y el valor real de sus activos hasta 2025, cuando comenzaron a revisar sus tenencias, informó Fox News Digital.

Sheila recurrió a una herramienta de inteligencia artificial para investigar las prácticas comerciales de la firma, una búsqueda que la llevó a descubrir lo que describió como una conducta contraria a la ética.

“En lugar de ayudarlos a proteger su patrimonio ganado con esfuerzo, los demandados se quedaron con él”, señala el documento legal citado por People.

El silencio del acusado y el futuro del caso

Von Detten fue una figura reconocida del entretenimiento juvenil durante los años 90 y principios de los 2000.

Además de sus papeles en Brink! y The Princess Diaries, participó en la serie So Weird y en la adaptación cinematográfica de Leave It to Beaver de 1997. Su carrera en Hollywood se fue diluyendo durante las últimas dos décadas.

Su trabajo más reciente en la industria, según IMDb, fue el thriller de 2024 My Acting Coach Nightmare. Se incorporó a Rosland Capital en 2018.

El actor no se pronunció públicamente sobre la denuncia, consignan los medios que cubrieron el caso. La firma se acogió al Capítulo 11 de la Ley de Quiebras el 2 de julio de 2026.

Los abogados de la compañía declararon a E! News que no pueden comentar directamente sobre el litigio, pero que trabajan con un comité de acreedores para crear un fideicomiso de liquidación que investigue la historia financiera de la empresa y atienda los reclamos de los Greenberg y otros inversores.

El matrimonio solicitó un juicio por jurados y reclama al menos USD 900.000 en daños compensatorios, el doble en daños adicionales, indemnización punitiva, intereses previos al fallo y costas legales.

La figura de Darth Vader quedó asociada a una de las revelaciones más recordadas del cine, pero la relación entre Vader y Luke Skywalker condensó un conflicto que George Lucas reconoció como recurrente en su obra: el vínculo entre padres e hijos.

Antes de dirigir Star Wars, Lucas rechazó el proyecto que su padre, George Lucas Sr., había preparado para él. El empresario esperaba que su hijo continuara al frente de su negocio de artículos de oficina, mientras el futuro cineasta buscaba dedicarse a la fotografía y al cine.

En una entrevista de 1999 con el periodista Bill Moyers, Lucas relató la disputa y la reconciliación posterior, y explicó que los creadores escriben desde sus emociones. Años después, el periodista Anthony Breznican retomó esas reflexiones al analizar el peso de la paternidad en la historia de Darth Vader.

El rechazo de Lucas al futuro que su padre había imaginado

George Lucas Sr. había construido un negocio de papelería y equipos de oficina en Modesto, California, y esperaba que su hijo se hiciera cargo de la empresa. Lucas contó a Moyers que la decisión de dedicarse al cine produjo el mayor desacuerdo entre ambos.

“Mi padre quería que entrara a su negocio”, recordó el director. “Yo le dije que no iba a hacerlo”. Explicó que su padre había levantado la empresa para que él la heredara y que esa decisión resultó difícil de aceptar para George Lucas Sr.

Lucas sostuvo que su padre suponía que regresaría al comercio familiar después de comprobar que el camino artístico no sería sencillo. “Pensaba que iba a morir de hambre como algún tipo de artista”, relató al describir la preocupación de George Lucas Sr.

Con el paso de los años, Lucas comprendió el esfuerzo que había demandado construir la empresa y el sentido que tenía para su padre dejarle ese patrimonio. También dijo que su padre alcanzó a ver el éxito de Star Wars y terminó orgulloso de su hijo.

“Solo hay una cosa que hay que lograr en la vida, y es hacer que los padres se sientan orgullosos”, afirmó Lucas en la entrevista con Moyers. El vínculo quedó marcado por el enfrentamiento, pero también por la comprensión posterior.

La relación entre padres e hijos en la obra de Lucas

“Sin importar cómo escribas, escribes desde tus propias emociones y sentimientos”, señaló Lucas durante la entrevista con Moyers. Los vínculos familiares ocupan un lugar recurrente en su filmografía.

Anthony Breznican recuperó una reflexión de Lucas sobre la presencia de vínculos entre padres e hijos en sus películas y en las de Steven Spielberg. “Casi todas nuestras películas tratan sobre padres e hijos, ya sea Darth Vader o E.T.”, sostuvo el creador de Star Wars.

Luke descubre quién es su padre, teme parecerse a él y, aun así, insiste en que todavía existe bondad en ese hombre.

Mientras criaba a sus propios hijos, Lucas también reflexionó sobre la relación entre padres e hijos. En declaraciones recogidas por Breznican, sostuvo que los padres intentan hacer lo correcto y “no quieren ser Darth Vader”.

Vader como padre redimido por su hijo

En una entrevista de 2005 con la BBC, Lucas describió Star Wars como “la tragedia de Darth Vader”. El realizador explicó que el recorrido de Anakin Skywalker no era la historia de un monstruo, sino la de un personaje que elige el bien frente al sufrimiento de Luke.

“El villano se convierte en héroe inspirado por el hijo”, afirmó Lucas al explicar el desenlace de la saga. Esa lectura coloca el final de El regreso del Jedi en el centro de la historia: Vader salva a Luke y abandona al emperador, aun cuando esa elección implica su muerte.

Lucas ya había planteado ante Moyers que Vader es redimido por sus hijos. Para el director, esa resolución se vinculaba con su idea de la paternidad y con la posibilidad de que un hijo cambiara el destino de su padre.

El hijo no vence al padre por la fuerza, sino que se niega a renunciar a él. En la entrevista con la BBC, Lucas contó que dejó de dirigir películas durante 15 años para criar a sus hijos y que retomó la dirección cuando ya eran mayores.

David Fincher recortó más de 60 páginas del guion original que Quentin Tarantino escribió para Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la secuela de Érase una vez en Hollywood protagonizada por Brad Pitt. El director reveló los detalles del proceso de edición en una entrevista conjunta con Tarantino para la revista Empire. “El primer borrador que leí tenía 230 páginas. Era esencialmente dos películas”, afirmó Fincher en la entrevista. Tras los recortes, el filme quedó en aproximadamente dos horas y 20 minutos de duración.

David Fincher eliminó más de 60 páginas del guion que Quentin Tarantino escribió para la secuela de Érase una vez en Hollywood. El director explicó que el primer borrador, de 230 páginas, funcionaba como dos películas distintas, por lo que debió reducir el material para alcanzar un metraje final de dos horas y 20 minutos. Tarantino había considerado en algún momento convertir esta historia en la continuación de su éxito de 2019. Finalmente decidió no dirigirla porque no quería que una secuela fuera su décima y potencialmente última película. El cineasta le cedió entonces la dirección a Fincher. Brad Pitt, quien ya había trabajado con Fincher en Se7en, Fight Club y El curioso caso de Benjamin Button, contribuyó a sumarlo al proyecto.

Fincher explicó que su interés por el proyecto no pasaba tanto por la trama como por la posibilidad de explorar a los personajes y sus vínculos en el Hollywood de los años 70. “Me gustó la idea de que fuera una historia alrededor de una fogata”, señaló el director. “No se trataba tanto de la trama como de cómo los participantes colisionaban entre sí en los callejones de Hollywood en 1977”. Sobre el proceso de adaptación, Fincher describió el equilibrio entre los intereses creativos de guionista, actor y director: “En algún lugar ahí estaba el diagrama de Venn de lo que quería hacer Brad, lo que quiero hacer yo, lo que quería hacer Quentin. No ‘quiere hacer’, sino las áreas en las que nos enfocaríamos”.

El tono de novela policial que eligió Tarantino

La película se ambienta en 1977, ocho años después de los sucesos de Once Upon a Time... in Hollywood. En esta nueva entrega, Cliff Booth trabaja como arreglador en Hollywood. Mientras la cinta original giraba en torno a la relación de Booth con el actor de televisión en decadencia Rick Dalton, interpretado por Leonardo DiCaprio, la secuela se apoya más en la ficción criminal. Entre sus referencias figura el novelista Elmore Leonard, cuyo libro Rum Punch sirvió de base para Jackie Brown, filme de 1997 dirigido por el propio Tarantino.

“No la pienso como una película de pasar el rato en absoluto”, dijo Tarantino a Empire. “Érase una vez en Hollywood era una película de pasar el rato, pero sabés que vas rumbo a Cielo Drive. Tiene esa fuerza, por eso no necesitaba mucha trama. Este guion fue muy distinto... Para mí, tenía el sabor de un libro de bolsillo de Elmore Leonard: una sensación de historia criminal de bolsillo”. El proyecto reúne nuevamente a Pitt con el personaje que le valió el premio Óscar a mejor actor de reparto en 2020. Once Upon a Time... in Hollywood, protagonizada también por DiCaprio y Margot Robbie, recibió diez nominaciones al Óscar, incluidas las de mejor película y mejor director. Las nuevas desventuras de Cliff Booth tendrá un estreno exclusivo de dos semanas en salas IMAX a partir del 25 de noviembre, antes de su llegada a Netflix el 23 de diciembre.

La película también lideró durante su primera semana el ranking semanal de Netflix en Argentina y Uruguay. Además, ingresó al Top 10 de España, Chile, Costa Rica, Israel, Paraguay y Venezuela, con una presencia que amplió la circulación internacional de la producción.

Con una duración de 1 hora y 37 minutos, el film pone el foco en Ulises Verón, un psicoanalista pragmático que pierde confianza en los procedimientos habituales de la terapia. Convencido de que debe conseguir resultados concretos, el personaje comienza a intervenir de forma directa en la vida de sus pacientes y cruza límites que su profesión establece con claridad.

El método parece dar resultado hasta la llegada de Martín Bouchard, un escritor atravesado por un bloqueo creativo. La relación entre ambos activa el conflicto central de una historia que se mueve entre la incomodidad, el humor ácido y las contradicciones de sus personajes.

Darín encarna a un terapeuta que convierte sus certezas en un problema

Goldfrid definió a la película como una comedia negra centrada en las neurosis, los deseos de encontrar soluciones inmediatas y los efectos que produce la necesidad de controlar la vida ajena. Para el director, Ulises no actúa solamente por vocación de ayuda: cada intervención exitosa refuerza su propia percepción de poder.

“Ulises Verón no es solo un analista que ha perdido la fe en el método tradicional de la terapia”, explicó Goldfrid. El personaje, según describió, está cansado de la inacción y decide tomar decisiones drásticas con la intención de resolver los conflictos de quienes lo consultan.

Esa posición comienza a resquebrajarse cuando aparece Martín Bouchard, interpretado por Peretti. El escritor funciona como contrapunto del analista y como una figura que lo obliga a confrontar sus propias carencias. La tensión entre ambos estructura el relato y convierte el duelo intelectual en un elemento narrativo central.

Goldfrid señaló que le interesaba mostrar a dos personajes que se consideran opuestos, aunque terminan reflejándose mutuamente. La película propone así una mirada sobre aquello que cada persona rechaza en los demás y que, en ocasiones, permite reconocer sus propias fragilidades.

Buenos Aires aparece ligada a la experiencia de la terapia

El mundo del psicoanálisis atraviesa la trama desde una perspectiva vinculada con la vida cotidiana de Buenos Aires. Goldfrid remarcó que la ciudad tiene una relación particular con la terapia y que ese contexto se incorporó a la construcción estética y emocional de la película.

La investigación para desarrollar ese universo incluyó conversaciones con profesionales, aunque el director explicó que el material surgió sobre todo de experiencias personales y de intercambios del equipo creativo sobre las angustias y conflictos de los personajes.

El guion fue escrito por Emanuel Diez. La fotografía estuvo a cargo de Rodrigo Pulpeiro, la música fue compuesta por Roque Baños y la edición fue realizada por Andrés Quaranta. Daniel Gimelberg trabajó en el diseño de producción, mientras que Jam Monti estuvo al frente del vestuario.

El elenco se completa con Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. Federico Posternak, Ricardo Darín y Chino Darín figuran entre los productores de la película.

El reencuentro de Darín y Peretti sostiene el conflicto principal

Goldfrid ya había trabajado con Peretti en Música en espera y con Darín en Tesis sobre un homicidio. En esta ocasión, destacó que la presencia de ambos permitió potenciar la dinámica entre el terapeuta y el escritor.

El director sostuvo que el conocimiento de Peretti como psiquiatra aportó herramientas al trabajo sobre las conductas y los mecanismos de la angustia, aunque subrayó que la construcción del personaje respondió al trabajo actoral y al desarrollo del guion.

Con su llegada al primer lugar del ranking global de Netflix para películas de habla no inglesa, “Lo dejamos acá” quedó disponible para el público de la plataforma en distintos territorios.

La próxima entrega de una de las grandes sagas de terror moderno está en camino, y lo hace con Jack O’Connell, el regreso de Cillian Murphy y una gran revelación. El actor Jack O’Connell ha confirmado que interpretará al hermano de Cillian Murphy en Un Lugar Tranquilo Parte III, la tercera entrega de la franquicia de terror dirigida por John Krasinski. La revelación llegó en una entrevista exclusiva con Collider durante el Newport Beach Film Festival. El actor, que se consolidó como una de las nuevas figuras del género gracias a Sinners y la saga 28 años después, adelantó detalles sobre la trama familiar que tendrá la nueva película. También habló sobre otros proyectos en marcha y el momento que atraviesa el cine de terror en la taquilla.

Jack O’Connell confirmó que su personaje y el de Cillian Murphy en Un Lugar Tranquilo Parte III serán hermanos, un vínculo que refuerza el eje central de la saga: la supervivencia familiar frente a criaturas que cazan por el sonido. El actor adelantó la noticia en una entrevista exclusiva con Collider. “Un Lugar Tranquilo se sintió como familia. Se trata de familia, obviamente. Tiene a John Krasinski y Emily Blunt involucrados, y Cillian y yo interpretamos hermanos”, explicó O’Connell. Agregó: “Hubo una sensación familiar real en esa producción. Fue genial, hombre”.

El actor también se refirió al presente del género de terror en la industria del cine. Consultado sobre su participación en distintos proyectos, destacó el buen momento que atraviesan las producciones de este tipo en las salas. “El terror está explotando. La gente está yendo a ver terror. Así que es genial. Sí, es increíble”, afirmó O’Connell.

El regreso de Emmett y el peso de su historia

La tercera película reúne nuevamente a Emily Blunt como Evelyn Abbott y a Cillian Murphy en el papel de Emmett, con Krasinski de vuelta en la dirección después de haber dirigido las dos primeras entregas de la franquicia. La confirmación de que Murphy y O’Connell interpretarán hermanos introduce un dato nuevo sobre el pasado de Emmett. En Un Lugar Tranquilo Parte II, su personaje había perdido a su esposa e hijos tras la invasión alienígena, lo que lo dejó aislado y, en un primer momento, reacio a ayudar a Evelyn Abbott y a sus hijos sobrevivientes. La aparición de un hermano en la tercera película abre una variante dentro de esa historia personal, que hasta ahora se había construido sobre la pérdida total del núcleo familiar de Emmett.

Durante la misma entrevista, O’Connell se refirió a su participación en Godzilla x Kong: Supernova, otro de sus proyectos en desarrollo. El actor destacó el reencuentro con Delroy Lindo, con quien había compartido elenco en Sinners. “Creo que Godzilla fue muy divertido, un montón de diversión. Genial volver a hacerlo con Delroy, el tío Delroy. Sí, fue un grupo divertido para estar”, señaló O’Connell sobre la experiencia en el set.

La franquicia Un Lugar Tranquilo se convirtió en una de las sagas de terror más sólidas de los últimos años desde el estreno de su primera entrega. La película original, estrenada en 2018, recaudó aproximadamente 341 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de producción de apenas 17 millones de dólares, lo que la transformó en uno de los éxitos sorpresa de ese año. Su secuela, estrenada en 2021, sumó otros 297 millones de dólares en recaudación global. Por su parte, la precuela Un Lugar Tranquilo: Día Uno, lanzada en 2024, amplió el universo de la franquicia y recaudó cerca de 262 millones de dólares en todo el mundo. Un Lugar Tranquilo Parte III se encuentra actualmente en desarrollo, con Krasinski nuevamente a cargo de la dirección y el regreso confirmado de Blunt y Murphy en sus respectivos papeles.

En una entrevista exclusiva con People durante la New York Comic Con celebrada el 8 de octubre en el Javits Center de Nueva York, Cox reveló que el pequeño quedó “devastado” al enterarse de que Daredevil: Born Again no tendrá una cuarta temporada y que la tercera entrega, prevista para 2027 en Disney+, será la última.

“El color se le fue de la cara cuando se lo conté. No se me ocurrió que le fuera a afectar tanto, así que fue muy dulce”, relató el intérprete de 43 años al medio estadounidense. El niño, cuyo nombre no se ha dado a conocer públicamente, apenas había comenzado a disfrutar la idea de que su padre fuese un superhéroe. “Tiene seis años. Recién está entrando en la onda de ‘mi papá es un superhéroe’”, explicó Cox.

La cancelación tampoco es sencilla para Cox. “No creo estar preparado para eso. Han sido 12 años de mi vida”, admitió. “Creo que es muy probable que, al final de mi carrera, este personaje sea el más importante para mí. No sé si uno puede prepararse para eso. Estoy intentando preparar a mi hijo más de lo que me preparé a mí mismo. Él está devastado”, agregó ante People.

El actor inglés, nacido el 15 de diciembre de 1982, se puso el traje de Matt Murdock por primera vez en 2015, cuando Netflix estrenó la serie original Daredevil. A lo largo de tres temporadas —emitidas entre 2015 y 2018—, su interpretación del abogado ciego convertido en justiciero le valió el reconocimiento de la American Foundation for the Blind, que le otorgó el premio Helen Keller Achievement Award.

Tras la cancelación del universo Marvel en la plataforma de streaming, Cox pasó años en la incertidumbre hasta que Marvel Studios lo reincorporó al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) con un cameo en Spider-Man: No Way Home (2021) y apariciones en She-Hulk: Attorney at Law y Echo.

La serie nació con la idea de completar un ciclo de tres temporadas, según el jefe de Marvel Television

El regreso pleno llegó con Daredevil: Born Again, estrenada en 2025 en Disney+, aunque el camino estuvo plagado de obstáculos. Los guionistas originales, Matt Corman y Chris Ord, fueron reemplazados por Dario Scardapane —quien había trabajado en The Punisher de Netflix— después de que las huelgas de guionistas y actores de 2023 paralizaran la producción y la compañía decidiera reorientar creativamente el proyecto.

Brad Winderbaum, jefe de Marvel Television, explicó en una entrevista en The Brandon Davis Show que la serie siempre fue concebida como una trilogía. “La serie original de Netflix son tres temporadas, y Born Again son tres temporadas. Son como colecciones en tres volúmenes, y luego tomaremos un respiro y pensaremos qué sigue para el personaje”, señaló el ejecutivo, según recogió Gizmodo.

Sin embargo, esa narrativa contrasta con declaraciones anteriores del propio Winderbaum, quien en 2025 había hablado de hacer de Born Again una serie anual y dijo esperar “la temporada tres y la temporada infinito”.

Cox acumula unas 70 horas interpretando a Daredevil entre ambas series y múltiples apariciones en el UCM

“Creo que he interpretado a Daredevil durante unas 70 horas o algo así de increíble. Ha sido un regalo enorme y el gran honor de mi carrera”, reflexionó Cox. En total, el actor ha dado vida al personaje en 39 episodios de la serie de Netflix, ocho de The Defenders (2017), 17 de Born Again, además de apariciones en películas y series del UCM.

La serie también transformó su vida personal. Cox conoció a Samantha Thomas, entonces vicepresidenta de Programación Original de la desaparecida Marvel Television, el primer día de rodaje de Daredevil. Se casaron en septiembre de 2018 y tienen una hija, Elsie, y un hijo.

“Mi vida es irreconocible en estos 12 años. Conocí a mi esposa el primer día de Daredevil y ahora tengo una familia. Esas cosas cambian enormemente tus perspectivas”, afirmó.

La temporada final reunirá a los Defenders y mostrará a un Matt Murdock encarcelado y al borde del abismo

La tercera temporada retomará la historia tras el impactante final de la segunda entrega, en la que Matt Murdock expuso públicamente su identidad y fue arrestado. “¿Qué le hacen ocho o nueve meses de ser vilificado, encarcelado y temer por su vida? ¿Qué le hace a su psique?”, se preguntó Cox. “Desde su perspectiva, él intentaba ayudar. Todo este tiempo intentó ayudar a la gente, a la ciudad, y terminó en el fondo del pozo”.

En el panel de la New York Comic Con, Marvel confirmó oficialmente lo que fotografías filtradas del set habían adelantado: Finn Jones regresará como Danny Rand/Iron Fist en la temporada final, completando así la reunión de los Defenders. Krysten Ritter (Jessica Jones) y Mike Colter (Luke Cage), quienes ya aparecieron en la segunda temporada, también estarán presentes.

Colter no pudo asistir al evento, pero Cox celebró el reencuentro: “La primera vez que estuvimos todos juntos de nuevo, fue como volver a 2016”, dijo el actor, según informó el sitio oficial de Marvel.

La producción de la tercera entrega ya concluyó y se encuentra en posproducción, aunque Scardapane se desvinculó del proyecto al no renovársele el contrato. Aún no se ha anunciado quién completará la fase final ni una fecha exacta de estreno, más allá de 2027.

Winderbaum sugiere que Daredevil podría continuar fuera de la serie, pero nada está confirmado

Pese a la despedida televisiva, la puerta no parece cerrarse del todo para el personaje. Winderbaum indicó que Marvel tiene la intención de “pensar qué sigue” para Matt Murdock una vez concluida la serie, sin confirmar una nueva producción ni una película en solitario. Consultado en la Comic Con sobre si el público había visto a Daredevil por última vez, Cox fue cautelosamente optimista: “Creo que habrá algo”, declaró, según reportó FandomWire.

Las dos primeras temporadas de Daredevil: Born Again, creada por Scardapane y protagonizada también por Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva y Deborah Ann Woll, se encuentra disponible en Disney+.

El destino era preciso: 21 de octubre de 2015. Esa fecha, imaginada en 1989 por Volver al futuro II, quedó grabada en la cultura popular como el día en que Marty, el Doc y Jennifer llegaron a un Hill Valley poblado de pantallas gigantes, videollamadas, prendas inteligentes y autos voladores. En tanto, la película se convirtió en un filme de culto. Con miles de fanáticos en todo el mundo.

El viaje en el tiempo que cambió la historia de Marty

Cuando Volver al futuro llegó a los cines en julio de 1985, la ciencia ficción era uno de los grandes motores de Hollywood. Dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg, la película presentaba al Doc Brown, un científico que había construido una máquina para viajar en el tiempo a partir de un DeLorean, y al joven Marty, un adolescente que buscaba su propia identidad. El éxito de taquilla abrió paso a dos continuaciones y, cuatro años después, Volver al futuro II llevó a los tres a una fecha que entonces parecía lejana.

Pero en la pantalla grande, todo empezó con un imprevisto. En 1985, Marty presenció cómo un grupo de terroristas libios asesinaron al Doc Brown, a quien buscaban porque les había robado plutonio para alimentar su experimento. Con el DeLorean como única salida, Marty aceleró, activó el viaje en el tiempo y terminó en 1955, tres décadas antes de su nacimiento. Sin poder volver al presente, la única alternativa que se le ocurrió fue buscar al Doc de ese año. Él le brinda su ayuda y le advierte que cada decisión puede dejar una marca en su propia vida.

Este es el comienzo de la primera entrega de una saga que marcó para siempre a la ciencia ficción, con una historia que tiene como eje central el viaje en el tiempo y la superación constante de problemas que, en algunos casos, llegan a convertirse en enredos, como el que protagonizó Marty al evitar que su madre se enamorara de él y la desaparición de su “yo” del futuro.

De la mano de situaciones que escapaban de la imaginación o los guiones de la época, Michael J. Fox se posicionó como una estrella en ascenso, con una prolífica carrera que lo ubicó entre las figuras más importantes de Hollywood. Por su parte, Christopher Lloyd se convirtió para siempre en el Doc, dejando casi en el olvido su verdadero nombre.

Un viaje al futuro y una fecha icónica

En toda la saga, existe un punto de inflexión para los fanáticos. En los momentos finales de la primera entrega, el Doc reaparece en la puerta de la casa del joven y, junto a su novia Jennifer Parker, inician una nueva travesía que esta vez será hacia el futuro: al 21 de octubre de 2015.

Al igual que casi medio siglo antes en la historia, los antagonistas son los mismos y los desafíos, aunque con otra mirada hacia el horizonte, se agolpan: un robo y la promesa de un tiempo en prisión, y un eterno enfrentamiento entre el protagonista y el villano Biff Tannen (personificado por Thomas F. Wilson). Nuevamente, el héroe es el mismo Marty McFly que busca subsanar los errores familiares.

En tanto, en medio de un pueblo irreconocible y con tecnología desconocida, el Doc procura que ninguno de los viajeros se cruce con su versión de 2015. Al tiempo que Marty recorre el Hill Valley que la película imaginó en 1989: una ciudad atravesada por pantallas, dispositivos domésticos y vehículos suspendidos en el aire.

Una recepción dividida que se transformó en fenómeno cultural

Cuando Volver al futuro II se estrenó el 22 de noviembre de 1989, la recepción de la crítica fue dispar. Algunos especialistas valoraron la ambición de su relato, los efectos visuales y la forma en que retomaba los hechos de la primera película.

Otros cuestionaron una trama más compleja y menos cálida que la de 1985. American Film Institute señala que las reseñas contemporáneas destacaron esa diferencia de tono respecto de la entrega original.

La respuesta del público, en cambio, se reflejó con fuerza en las salas. La película recaudó cerca de USD 333 millones en todo el mundo durante su estreno inicial y se ubicó entre las producciones más vistas de 1989. Además, recibió premios por sus efectos especiales, entre ellos el BAFTA y el Saturn Award.

Predicciones y un relato que se convirtió en realidad

Cuando Volver al futuro II llegó a los cines, muchas de las tecnologías que mostraba parecían lejanas. Sin embargo, cuando finalmente llegó el 21 de octubre de 2015, algunas de esas ideas ya formaban parte de la vida cotidiana.

Una de las coincidencias más evidentes fueron las videollamadas. Más adelante en la película, el Marty del futuro se comunica con su jefe a través de una pantalla instalada en su casa, una escena que anticipaba las conversaciones por video que hoy pueden hacerse desde teléfonos, computadoras y tabletas.

La ciudad futurista de Hill Valley también estaba llena de pantallas planas, carteles electrónicos y publicidad interactiva. En el 2015 real, esos recursos ya eran habituales en hogares, comercios y espacios públicos. Además, la película imaginó dispositivos portátiles y lentes tecnológicos: el hijo de Marty utilizaba en su casa unos anteojos para mirar videos, algo parecido a los lentes inteligentes y a otros dispositivos que se desarrollaron décadas después.

Otro de los detalles que se acercó a la realidad fue el uso de pagos electrónicos y sistemas de identificación biométrica. En la película, los personajes utilizan sus huellas digitales para confirmar acciones y acceder a determinados servicios. Aunque no se aplicaba de la misma manera, en 2015 ya existían celulares con lectores de huellas, pagos sin efectivo y sistemas de reconocimiento biométrico.

Los inventos que todavía no llegaron

A pesar de las coincidencias, varias de las ideas más recordadas de Volver al futuro II todavía no existían para cuando se imaginaron. La más evidente eran los autos voladores. En la película, los vehículos se desplazaban por carriles aéreos sobre Hill Valley y formaban parte de la rutina de la ciudad. Sin embargo, en la realidad no había un sistema de transporte personal de ese tipo disponible para el público.

Tampoco existían los hoverboards que usaban Marty y Griff durante una persecución. Aunque se comercializaron patinetas eléctricas con ese nombre, ninguna podía flotar sobre el suelo sin ruedas ni desplazarse (aunque sea unos metros) sobre el agua como ocurría en la película. El objeto se convirtió en uno de los símbolos más recordados de Volver al futuro II.

Las prendas inteligentes también permanecían fuera del alcance de la vida cotidiana. La campera de Marty se ajustaba a su cuerpo y se secaba sola, mientras que sus zapatillas se ataban de manera automática. Algunas empresas desarrollaron modelos inspirados en ese calzado, pero la ropa capaz de adaptarse por completo a quien la usa seguía siendo una idea de ciencia ficción.

Otro invento que no llegó fue el horno capaz de hidratar una pizza en pocos segundos. En el futuro de Hill Valley, una pizza pequeña podía transformarse en una comida familiar con solo colocarla dentro de una máquina. En 2015, cocinar seguía requiriendo tiempo, horno y preparación.

Por último, el mayor invento de la saga continuaba siendo imposible: los viajes en el tiempo. El DeLorean permitió que Marty y el Doc modificaran hechos del pasado y conocieran el futuro, pero esa posibilidad todavía pertenecía exclusivamente al mundo de la ficción.

Cuando el futuro llegó al calendario

El 21 de octubre de 2015 dejó de ser una fecha escrita en la pantalla del DeLorean y se convirtió en un acontecimiento fuera de la ficción. A las 16:29, la hora en la que Marty, el Doc Brown y Jennifer llegaron a Hill Valley en Volver al futuro II, fanáticos y medios recuperaron la película para comparar el futuro imaginado en 1989 con el presente real.

La celebración tuvo proyecciones especiales, encuentros de seguidores y apariciones del elenco original. En Nueva York, se realizó una función en el Lincoln Center, mientras que más de 1.700 cines de Estados Unidos programaron exhibiciones de la saga. Michael J. Fox, el actor que dio vida a Marty, también participó de la jornada con una aparición televisiva, según Fox News Channel.

Las marcas vinculadas con el universo de Hill Valley también aprovecharon la fecha. La famosa gaseosa que se ve en la película lanzó una edición limitada de 6.500 botellas en Estados Unidos con el nombre que aparecía en el filme y a un precio de USD 20,15, como referencia al año en que transcurre la historia. La campaña incluyó actividades en la New York Comic Con, con una recreación del Café 80’s, un DeLorean, entre otras actividades.

El diario USA Today también publicó una portada inspirada en la edición ficticia que aparece en la película. Por su parte, Universal difundió una promoción de Jaws 19, la falsa secuela anunciada en una de las escenas de Hill Valley. La jornada mostró hasta qué punto una fecha creada para una ficción podía transformarse en un evento cultural y comercial, como detalló The Drum.

Un futuro que todavía no pasó de moda

A pesar de que el futuro de Volver al futuro II no se cumplió como lo imaginó Robert Zemeckis, la película siguió presente en la conversación pública porque varias de sus ideas sí se acercaron a la vida cotidiana.

Su vigencia, de todos modos, no depende solo de las predicciones. El DeLorean, el hoverboard y las zapatillas autoajustables se convirtieron en símbolos reconocibles de la cultura popular. A la vez, el relato conserva conflictos más cercanos que sus inventos: las decisiones familiares, el temor a modificar el propio destino y las consecuencias de intervenir sobre el pasado.

El 21 de octubre de 2015 no confirmó que la película hubiera adivinado el futuro. Confirmó, en cambio, que Volver al futuro II había construido una imagen duradera sobre cómo podía serlo. Décadas después de su estreno, Hill Valley sigue funcionando como un punto de comparación entre las promesas tecnológicas de cada época y los límites de la realidad.

El elenco original de 10 razones para odiarte se reunió en Dancing with the Stars para rendirle homenaje a Heath Ledger, el actor que protagonizó la película junto a Julia Stiles y murió en 2008. La reunión tuvo lugar durante la “Noche de Dedicatoria” del programa de baile de ABC, emitida el martes. Stiles y su compañero de baile, Ezra Sosa, dedicaron su presentación a Ledger, con quien la actriz compartió protagónico en la comedia romántica de 1999.

La pareja bailó al ritmo de Can’t Take My Eyes Off You, de Frankie Valli, la misma canción con la que el personaje de Ledger, Patrick Verona, serenateaba a Kat Stratford, interpretada por Stiles, durante una práctica de fútbol en la película. En esa escena original, Patrick corre y baila entre las gradas del estadio mientras la banda del colegio toca el tema. El gesto buscaba conquistar a Kat, después de que Joey Donner, personaje de Andrew Keegan, le pagara para invitarla a salir.

La coreografía de Sosa y Stiles incluyó algunos de los movimientos característicos de Ledger en aquella secuencia. Al finalizar el número, sonó en el estudio el poema que el personaje de Kat lee sobre Patrick hacia el final del filme. Stiles colocó entonces una flor en el piso, en homenaje al actor fallecido. El gesto marcó el cierre emotivo de una presentación pensada como tributo directo a su memoria. Después del momento de la flor, se sumaron al estudio varios de los compañeros de reparto de Stiles en 10 razones para odiarte: Andrew Keegan, Joseph Gordon-Levitt, Larisa Oleynik, Gabrielle Union y Susan May Pratt.

Keegan interpretó a Joey Donner, Gordon-Levitt dio vida a Cameron James, Oleynik fue Bianca Stratford, Union encarnó a Chastity y Pratt interpretó a Mandella en la película dirigida por Gil Junger. El reencuentro completo del elenco en el escenario de Dancing with the Stars fue el punto central de la “Noche de Dedicatoria”, en la que los participantes del programa dedicaron sus coreografías a personas significativas en sus trayectorias personales o profesionales.

Recordando a una estrella

Antes de la emisión del episodio, Sosa compartió en Instagram una publicación conjunta con Stiles en la que explicó el proceso detrás de la preparación del homenaje. “No creo que hayamos abordado nunca una presentación con más cuidado, sensibilidad e intención que esta”, escribió el bailarín en el posteo. “Desde el principio fue muy importante tanto para Julia como para mí que este homenaje se creara con el máximo respeto, cuidado y con la guía cercana de quienes conservan más presente la memoria de Heath”.

Sosa aclaró que la intención del tributo no era “definir una relación ni contar una historia que no nos corresponde relatar”. El objetivo, señaló, era “honrar un momento hermoso, una película que cambió muchas vidas y a alguien cuyo impacto se sigue sintiendo en generaciones”. “Pusimos mucho amor en esta pieza y estamos muy agradecidos por la confianza que se nos dio para llevarla a cabo”, agregó. “Nuestra única esperanza es que honre su memoria con la dignidad, el amor y el respeto que merece”.

Heath Ledger murió en 2008 a los 28 años por una sobredosis accidental. Su papel como Patrick Verona en 10 razones para odiarte es considerado uno de los que lo lanzó a la fama antes de su carrera posterior en Hollywood. 10 razones para odiarte, dirigida por Gil Junger, sigue a un adolescente llamado Joey que quiere salir con Bianca, pero no puede hacerlo hasta que su hermana mayor, Kat, de carácter huraño, tenga novio, según la estricta regla impuesta por el padre de ambas. Ahí es cuando Joey le paga a un joven misterioso, Patrick, para que invite a salir a Kat, en la trama que terminó por consolidar a la película como una de las comedias románticas adolescentes de referencia de los años 90.

James Bond está abierto a subastas. Y no nos referemos solo al papel protagonista en la próxima entrega de la saga, que aun anda en disputa, sino a la subasta que ha lanzado la empresa Propstore con una línea de 400 lotes de memorabilia del espía más famoso de la historia del cine, desde Dr. No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2021). La puja, conocida como James Bond Online Auction, está disponible para ofertas de todo el mundo y se extiende hasta el 27 de octubre. Entre los objetos que salen a la venta figuran trajes, vestidos, pósteres, libros y una claqueta original de rodaje. La subasta recorre más de seis décadas de la saga protagonizada por distintos actores en el papel del agente secreto británico. ¿Qué se está subastando de James Bond? La casa Propstore puso en venta 400 lotes vinculados a la franquicia 007, con piezas que van desde el traje de Daniel Craig en Skyfall hasta el vestido de Ana de Armas en Sin tiempo para morir, además de pósteres originales y primeras ediciones de los libros de Ian Fleming. La subasta cierra el 27 de octubre.

El lote más destacado es el traje Tom Ford, la camisa y los gemelos que Daniel Craig usó en Skyfall (2012), con un valor estimado de hasta 53 mil dólares. También sale a la venta el vestido y las sandalias que lució Ana de Armas en su papel de Paloma en No Time to Die, con un precio estimado similar, cercano a los 53 mil dólares. Otro de los lotes centrales es un conjunto de 14 primeras ediciones de los libros de Ian Fleming, el autor de la saga, publicadas por la editorial Jonathan Cape. Se espera que esta colección supere los 50 mil dólares. La subasta incluye además un póster británico quad de Dr. No, con montaje en lino, valuado en hasta 22 mil dólares. A eso se suma una claqueta original de Octopussy (1983), que podría venderse por más de 10 mil dólares.

Alastair McCrea, director de consignaciones de Propstore, explicó a The Hollywood Reporter por qué la franquicia mantiene un atractivo constante entre coleccionistas de distintas generaciones. “James Bond tiene un lugar único en la cultura popular, y el interés sigue siendo fuerte hasta el día de hoy”, afirmó McCrea. Según el directivo, Bond forma parte del cine desde hace más de 60 años, y cada generación tiene su propio actor favorito en el papel. “Una persona creció con Sean Connery, otra con Pierce Brosnan, otra con Daniel Craig, así que todavía se puede tener a tres generaciones de una misma familia debatiendo sobre quién fue el mejor 007”, agregó.

Las piezas más valiosas y sus precios estimados

McCrea señaló que eso explica el atractivo del coleccionismo vinculado a la saga: “Hay algo para todos, ya sean las películas, los actores, los gadgets, los pósteres, los vestuarios o el arte original”. Según el directivo, pocas franquicias de cine pueden decir lo mismo, y eso sostiene la fortaleza del mercado. McCrea también destacó el papel de las marcas asociadas a la saga, como Aston Martin y Omega, que según él mantienen alta la exposición del franquicia. Precisó que la era de Daniel Craig fue la que generó el mayor aumento de precios en coleccionables, algo visible en pósteres, guiones, libros y vestuarios.

Esta subasta llega después de otra puja en línea organizada por Propstore con más de 300 objetos de Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve. Esa subasta concluyó la semana pasada. Entre sus piezas más destacadas estuvo el abrigo que usó Ryan Gosling en la película, que se vendió por 201.600 dólares, un monto que incluye la comisión del comprador. La subasta de Bond se da en paralelo al proceso de casting en curso para elegir al próximo actor que interpretará a 007 en la próxima película de la saga, que será dirigida por Villeneuve. McCrea sostuvo que ese anuncio renovará el interés por la franquicia en los próximos años. “Las noticias sobre una nueva película en el horizonte siempre despiertan un interés renovado, y espero que eso crezca en los próximos años”, afirmó el director de consignaciones.

Sunday Rose, hija de Nicole Kidman y Keith Urban, habló sobre el desarrollo de su carrera como modelo y las oportunidades que ha recibido por pertenecer a una familia reconocida en la industria del entretenimiento.

En una entrevista con Vogue, la joven de 18 años se refirió a sus inicios en la moda, la relación entre sus estudios y el trabajo, y la manera en que busca desenvolverse profesionalmente.

Durante la conversación, Sunday Rose reconoció que su entorno familiar le ha permitido acceder a oportunidades que no están disponibles para todas las personas.

La modelo señaló que es consciente de esa situación y que procura aprovechar cada experiencia laboral con responsabilidad.

“Soy muy consciente de que se me ofrecen oportunidades que no todo el mundo puede tener, y estoy verdaderamente agradecida de poder aprovecharlas”, expresó a la publicación.

También explicó que intenta mantener una actitud positiva durante las jornadas de trabajo, incluso cuando está cansada o debe afrontar los efectos de los viajes y los cambios de horario.

“Así que, cuando estoy en el trabajo, me aseguro de dar siempre lo mejor de mí, nunca vengo con una actitud negativa, por muy cansada o con jet lag que esté, y trato a todo el mundo con respeto”, dijo.

Sunday Rose debutó en las pasarelas en octubre de 2024, cuando participó en el desfile de Miu Miu durante la Semana de la Moda de París. La presentación correspondió a la colección primavera-verano 2025 de la firma italiana y marcó su primera aparición en una pasarela internacional.

La modelo recordó que, antes de participar en aquel evento, pensaba que conocía los aspectos principales de la profesión.

“Recuerdo haber llegado allí y pensar que sabía muchísimo sobre el mundo del modelaje, pero en realidad no sabía absolutamente nada. Hay muchísimo trabajo detrás de un desfile, muchísima gente, muchísima organización… ¡Es una locura! ¡Y es muy inspirador verlo todo!”, comentó.

Nicole Kidman había establecido una condición para que su hija comenzara a trabajar como modelo: debía esperar hasta cumplir los 16 años.

Sunday Rose explicó que manifestó su interés por la profesión a los 14, pero tuvo que esperar dos años antes de iniciar formalmente esa actividad.

Desde su debut, ha participado en desfiles celebrados en Nueva York, Milán y París. Una de sus apariciones más recientes tuvo lugar el 4 de octubre, cuando caminó en la presentación de Valentino.

Consultada sobre si alguna vez ha evitado mencionar deliberadamente la identidad de sus padres, la modelo respondió que no suele hacerlo de manera intencional.

Además de sus compromisos profesionales, Sunday Rose continúa con su formación académica.

“Curiosamente, creo que la escuela es lo que más me mantiene con los pies en la tierra cuando estoy modelando. Cuando empecé, no sabía cómo lidiar con el contraste entre esos dos mundos”, dijo.

Y añadió: “Pero ahora he encontrado la manera de disfrutar del modelaje, de viajar y de vivir todas estas experiencias increíbles con gente maravillosa, y luego volver aquí y disfrutar de la reconfortante sensación de la rutina y de ir a la escuela”.

La hija de Kidman y Urban también ha comenzado a participar en eventos de relevancia internacional fuera de las pasarelas. En mayo de 2026 asistió por primera vez a la Met Gala junto a su madre, en una edición celebrada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Para esa ocasión, Nicole Kidman vistió un diseño de Chanel, mientras que Sunday Rose llevó un vestido de alta costura de Dior en tonos rosados.

Daft Punk habría rechazado una propuesta de Rockstar Games para participar en la banda sonora de Grand Theft Auto VI (GTA 6), pese a que la oferta contemplaba un presupuesto sin límite definido.

La información fue difundida por la cuenta especializada hasitleaked en la red social X el 19 de octubre, aunque hasta el momento no existe una confirmación oficial por parte de la desarrolladora ni de los representantes del grupo.

Según esa publicación, el equipo de Rockstar se habría puesto en contacto con la representación de los músicos para proponerles un regreso conjunto con motivo del lanzamiento del videojuego.

La iniciativa habría sido planteada como una oportunidad para reunir nuevamente al dúo, que anunció su separación en 2021.

La misma fuente señaló que Justice habría sido la segunda opción de Rockstar para el proyecto musical.

El dúo francés participa en la campaña promocional de GTA 6 con su canción “Flower in a Hurricane”, incluida en el tráiler más reciente del videojuego, según la información difundida sobre el lanzamiento.

La posible participación de Daft Punk ha generado interés debido a la trayectoria del dúo y a su decisión de poner fin a su actividad conjunta hace cinco años.

Sin embargo, por ahora no se han divulgado detalles verificables sobre las condiciones de la supuesta oferta ni sobre las razones por las que habría sido rechazada.

Lo que se sabe del posible regreso de Daft Punk

Daft Punk, integrado por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, anunció su separación en febrero de 2021 mediante el video Epilogue, que confirmó el final de su trayectoria como dúo.

Durante su carrera, ambos músicos desarrollaron una propuesta que combinó música electrónica, disco y elementos del pop, con álbumes como Discovery y Random Access Memories.

Aunque dejaron de trabajar juntos como agrupación, su catálogo ha seguido presente en la industria musical mediante reediciones y publicaciones conmemorativas.

Además, en 2025 participaron de manera indirecta en una experiencia temática dentro de Fortnite, que incluyó elementos visuales, actividades interactivas y contenidos inspirados en su música.

Mientras persisten las versiones sobre Daft Punk, Justice aparece vinculado con la promoción del juego a través de “Flower in a Hurricane”, una canción que acompaña el tráiler más reciente.

De acuerdo con la información publicada, el grupo también aportaría otros temas a la selección musical del título.

La música ha sido una parte relevante de la identidad de la franquicia Grand Theft Auto, que suele integrar emisoras de radio ficticias con repertorios de distintos géneros y épocas. Estas selecciones contribuyen a ambientar las ciudades y situaciones que aparecen durante la partida.

Entre los artistas que también han sido vinculados con la propuesta musical de GTA 6 figuran Bad Bunny, Tate McRae y Lana Del Rey.

Rockstar ha intensificado la promoción de Grand Theft Auto VI con avances audiovisuales, productos de colección y artículos relacionados con el videojuego.

La compañía mantiene el proyecto como uno de sus principales lanzamientos, mientras crece la atención sobre sus características, su ambientación y su contenido musical.

La alfombra previa al desfile de Victoria’s Secret reunió a intérpretes, modelos, creativos y figuras de la televisión en Sony Pictures Studios, en Culver City, California. 18 apariciones marcaron la antesala del Victoria’s Secret Fashion Show 2026, celebrado el 18 de octubre.

El encuentro combinó invitados y artistas del cartel musical con personalidades vinculadas a la industria de la moda. La selección de asistentes fue documentada por All the Stars en el 2026 Victoria’s Secret Fashion Show y por la cobertura de llegadas de Women’s Wear Daily. En el escenario estaban anunciadas actuaciones de KATSEYE, Tate McRae, Megan Moroney y Megan Thee Stallion.

1. Tate McRae

Tate McRae posó en la alfombra rosa del Victoria’s Secret Fashion Show con un conjunto negro de dos piezas firmado por Ludovic de Saint Sernin. La prenda superior es un corpiño de breteles finos con un recorte en forma de mariposa en el centro, mientras que la falda, a la cintura, repite el mismo motivo calado sobre la cadera.

Completó el look con una pulsera de strass en la muñeca derecha y uñas en tono blanco. Llevó el cabello rubio suelto, con ondas, y posó con una mano apoyada en la cintura mientras sonreía hacia un costado.

2. KATSEYE

Las integrantes del grupo Katseye posaron juntas en la alfombra rosa. Lara Raj llevó un vestido plateado de estampado animal print con escote en V; Megan Skiendiel, un diseño burdeos de tiras cruzadas con abertura lateral.

Yoonchae Jeong, un vestido negro con cuello asimétrico de canutillos plateados y Daniela Avanzini cerró el grupo con un vestido negro de cuello halter cubierto de lentejuelas.

3. Vanessa Bryant

Para su aparición en el evento, Bryant eligió un vestido camisero de Dior en color azul marino, con cuello solapa, botonadura frontal y cinturón a tono que define la cintura. La prenda presenta mangas largas con puños abotonados y un ribete en contraste blanco que recorre el cuello, puños y borde inferior de la falda, de corte evasé por encima de la rodilla.

Combinó la pieza con un collar de cadena plateada, un bolso pequeño en tono metalizado con cadena del mismo color y sandalias de tacón alto en blanco. Llevó el cabello suelto, con ondas.

4. Megan Thee Stallion

Megan Thee Stallion posó en la alfombra rosa del Victoria’s Secret Fashion Show con un vestido largo de lentejuelas en tono rosa y negro, de escote profundo en V y silueta entallada hasta el piso.

El diseño incorpora un tren de plumas rosas en la parte posterior, que la cantante sostuvo con una mano mientras apoyaba la otra en la cadera.

5. Dylan Sprouse

El actor Dylan Sprouse asistió para acompañar a su esposa, la modelo Barbara Palvin, que volvió a la pasarela seis semanas después del nacimiento de su primera hija. Su presencia quedó registrada en las coberturas de las llegadas.

6. Law Roach

Law Roach, la reconocida estilista de Zendaya, posó con una chaqueta de plumas en tonos marrón y burdeos, de mangas largas y textura abundante en todo el cuerpo de la prenda. Combinó la pieza con un pantalón negro de corte recto y botines negros de punta fina.

7. Romy Mars

Romy Mars posó en la alfombra rosa con un top negro sin mangas, de escote redondeado, combinado con una falda midi de tul bordado con lentejuelas negras y flecos de cuentas de colores en el ruedo. Llevó una cartera pequeña en tono rosa colgada del hombro, pulseras y anillos dorados, y completó el look con sandalias de taco bajo en color rosa.

8. Megan Moroney

Megan Moroney posó con un vestido corto de tiras cruzadas en la espalda, confeccionado con hileras de cuentas y lentejuelas en tonos burdeos y bronce que dejan el torso parcialmente descubierto. La prenda, de corte asimétrico, se ciñe al cuerpo y deja un costado abierto desde la cadera hasta el hombro.

9. Tinashe

Tinashe llegó con un conjunto de Erik Charlotte compuesto por una chaqueta satinada blanca de cuello alto y solapas anchas, usada sobre un bandeau a tono con un broche metálico en forma de flor y una cadena plateada que cae desde la cintura.

Completó el look con una minifalda de tul blanco con volumen de estilo tutú y sandalias plateadas de taco alto con plataforma frontal.

10. Lisa Rinna llegó junto a Delilah Belle

Lisa Rinna posó junto a su hija Delilah Belle en la alfombra rosa. La actriz lució un diseño de Elias Matso x Erik Charlotte que combina un bolero de piel sintética en tono topo con hombros estructurados, un corpiño de satén blanco y una falda voluminosa de tul color rosa pálido hasta la rodilla. Completó el look con un tocado a juego con el bolero, adornado con una pluma larga que se eleva por encima de su cabeza, y zapatos de taco alto en tono burdeos.

A su lado, Delilah Belle llevó un vestido negro de encaje semitransparente, con un hombro descubierto y un corte que deja ver parte de la espalda y varios tatuajes en el brazo. La joven sostuvo una estola de plumas celestes y combinó el vestido con zapatos chatos bordados con motivos florales.

11. Victoria Monét

Victoria Monét posó en el Victoria’s Secret Fashion Show con un vestido corpiño de Bone & Busk, confeccionado en satén rosa pálido con costuras verticales tipo corset y un panel de encaje blanco en la zona del busto. La prenda, sin tirantes y de largo mini, incorpora un cierre delantero con ojales y cordones visibles a la altura del abdomen.

Completó el look con una gargantilla de perlas de varias hileras, aros a juego y zapatos de taco alto en tono beige.

12. Tan France

Tan France llegó con un traje de lino en tono rosa palo, compuesto por un saco cruzado de solapas anchas y un pantalón amplio de cintura con cordón ajustable.

Debajo, llevó una remera blanca de cuello redondo y una cadena fina de metal dorado. Completó el look con anteojos de sol redondos de lentes color ámbar y sandalias negras de tiras cruzadas.

13. LaQuan Smith

LaQuan Smith posó en el Victoria’s Secret Fashion Show con una musculosa negra de encaje semitransparente, que deja ver el torso, combinada con un pantalón negro de cuero de corte acampanado.

Llevó varias cadenas plateadas superpuestas, una de ellas con un dije en forma de cruz con incrustaciones de brillantes, además de pulseras en la muñeca derecha.

14. Charlotte Lawrence

Charlotte Lawrence vistió un vestido largo de tirantes finos, confeccionado en tul semitransparente color beige con bordado de flores y hojas en hilo plateado que recorre toda la prenda. El diseño, de corte recto hasta el piso, deja ver la silueta a través de la tela traslúcida.

15. Blake Griffin y Francesca Aiello

El exjugador de básquet Blake Griffin y la diseñadora Francesca Aiello llegaron juntos al evento. Él llevó una camisa de rayas finas en celeste y blanco, con el cuello abierto y una cadena dorada con un dije verde, combinada con una gorra azul marino con un bordado blanco en el frente.

A su lado, Francesca Aiello lució un vestido negro de escote profundo en V, con un panel semitransparente de tul plisado sobre el busto y breteles finos cruzados al cuello.

16. Olivia Ponton

Olivia Ponton se sumó al evento con un vestido largo sin breteles, de corpiño estructurado con aplicaciones de lentejuelas iridiscentes en forma de escamas superpuestas. La falda, de encaje bordado en tono champán, incorpora una abertura frontal que deja ver la pierna y se extiende hasta el piso en un diseño de cola amplia. Completó el look con una gargantilla de cadena fina dorada y un anillo de piedra ovalada en la mano derecha.

17. Evelyn Ha

Evelyn Ha acudió al Victoria’s Secret Fashion Show con un vestido corto sin tirantes, de escote en corazón, confeccionado en tono rosa con aplicaciones de brillantes y motivos florales bordados en toda la prenda.

Un cinturón con hebilla de strass en forma de moño marca la cintura. Completó el look con una gargantilla de perlas finas y sandalias plateadas de tiras cruzadas con taco alto.

Sahara Ray, modelo y diseñadora de trajes de baño que alcanzó notoriedad hace una década por su supuesto romance con Justin Bieber, murió a los 34 años. La noticia se conoció el 19 de octubre de 2026, cuando su familia confirmó el fallecimiento al medio estadounidense TMZ.

“Falleció anoche rodeada de su familia en el hospital. Era muy querida”, declaró la familia de Ray al medio. Hasta ese momento, no se había confirmado oficialmente la causa de la muerte. Sin embargo, Daily Mail publicó el mismo 19 de octubre un reporte con información de una fuente cercana a la modelo, según la cual Ray habría sufrido una sobredosis de fentanilo el viernes anterior y fue trasladada a un hospital del área de Los Ángeles.

De acuerdo con ese testimonio, permaneció con soporte vital hasta que su familia tomó la decisión de retirarlo el domingo por la tarde. El medio señaló que no estaba claro si la sobredosis fue accidental o intencional. Por ahora, esta versión no ha sido transmitida oficialmente por las autoridades.

La muerte de Ray ocurrió nueve meses después del nacimiento de su hija Snow, el 27 de enero de 2026. La modelo compartió imágenes de la bebé en sus redes sociales y dedicó varias publicaciones a su nueva etapa como madre. En su última publicación de Instagram, del 19 de julio, describió a su hija como “todo mi corazón”.

Su vínculo con Justin Bieber y otros romances

Ray llegó a los titulares internacionales en 2016, cuando fue fotografiada junto a Justin Bieber durante unas vacaciones en Hawái. Las imágenes de ambos en la playa, incluidas fotografías en las que aparecían desnudos mientras nadaban, alimentaron los comentarios de una relación sentimental.

A pesar de esos gestos de confianza, la naturaleza de su vínculo nunca quedó confirmada públicamente. Ambos evitaron responder a la prensa sobre dichos rumores.

Antes de eso, Ray también había sido relacionada con Cody Simpson, cantante y actor australiano. Según E! News, ambos protagonizaron un breve romance en 2015. Años después, en julio de 2023, la modelo apareció en fotografías junto al músico Mod Sun, quien acababa de terminar su relación con Avril Lavigne.

Page Six informó que Ray publicó en sus historias de Instagram una fotografía en la que besaba a Mod Sun, aunque luego la eliminó. Una fuente citada por el medio aseguró entonces que el músico disfrutaba de su soltería y que la situación no era seria.

Su carrera como modelo y los problemas de salud

Hija del reconocido surfista australiano Tony Ray, Sahara creció entre Australia, Santa Cruz, California, y Hawái. Durante su infancia acompañó a su padre a competencias de surf de grandes olas, aunque en la adolescencia decidió abandonar ese deporte para dedicarse a la moda. Más tarde se trasladó a Los Ángeles y estudió en el Fashion Institute of Design & Merchandising.

Además de trabajar como modelo, lanzó su propia marca de trajes de baño, Sahara Ray Swim, y reunió una comunidad de casi 900.000 seguidores en Instagram. En redes sociales mostraba sus sesiones de moda, viajes y aspectos variados de su vida personal.

En diciembre de 2021, Ray reveló que tenía dificultades relacionadas con el consumo de sustancias y anunció su ingreso a un centro de tratamiento en Malibú, California, especializado en salud mental y rehabilitación por consumo de drogas y alcohol. En un video dirigido a sus seguidores, explicó que permanecería allí durante 30 días y que documentaría parte de la experiencia.

Tres años después, en 2024, enfrentó otro problema de salud. La modelo contó que había desarrollado el síndrome de Guillain-Barré, un trastorno neurológico poco frecuente que puede causar debilidad muscular y parálisis. Según relató, la afección apareció después de un accidente automovilístico el 8 de abril, cuando un conductor presuntamente ebrio la embistió a gran velocidad.

Robert Plant, vocalista de Led Zeppelin, recordó cómo la muerte de su hijo Karac, de cinco años, en 1977, modificó su relación con la banda y su perspectiva sobre la vida en las giras.

En una entrevista con The Sunday Times, el músico británico afirmó que, después de perder a su hijo, dejó de necesitar la dinámica profesional que mantenía con el grupo, pese a que la agrupación continuó su actividad durante los años siguientes.

Karac Plant murió en julio de 1977 a causa de una infección gastrointestinal aguda. En ese momento, Led Zeppelin se encontraba de gira por Estados Unidos.

Al enterarse de que su hijo había enfermado, el vocalista regresó a Inglaterra para acompañarlo junto a su entonces esposa, Maureen Wilson. La situación llevó a cancelar el resto de las presentaciones previstas de la gira.

Al recordar ese periodo, el cantante explicó que no existían instrucciones para afrontar una situación personal de esa naturaleza mientras formaba parte de una de las bandas de rock más reconocidas de la época.

“Simplemente seguimos adelante. Pero no necesitaba al grupo después de perder a mi hijo. Estos romances musicales son geniales cuando todo va bien”, dijo.

Robert Plant explicó que la convivencia constante con los integrantes y el equipo de una banda podía resultar distinta cuando las circunstancias personales cambiaban.

Según relató, las largas esperas detrás del escenario y la rutina de los desplazamientos dejaron de tener el mismo sentido para él tras la muerte de Karac.

“Cuando las cosas se complican, ¿Quién quiere estar sentado entre bastidores durante horas y horas con gente con la que llevas atrapado desde 1968? No estás jugando a las cartas, no estás yendo al cine, solo estás esperando. Siempre buscaba escapar”, indicó.

La muerte de su hijo también quedó vinculada con la obra musical de Robert Plant. El cantante escribió junto al guitarrista Jimmy Page la canción “All My Love”, incluida en el álbum In Through the Out Door, publicado en 1979.

El disco fue el último álbum de estudio que Led Zepellin publicó antes de la muerte de John Bonham, ocurrida en septiembre de 1980.

El baterista, amigo de Plant desde su juventud, murió a los 32 años tras consumir alcohol en exceso. Después de su fallecimiento, los integrantes restantes anunciaron la disolución del grupo en diciembre de ese mismo año.

En la entrevista, Robert Plant. también recordó a Bonham y describió su personalidad como la de un hombre sensible y generoso.

El cantante consideró que las exigencias de la vida itinerante de la banda afectaban a su compañero, quien debía equilibrar la añoranza de su familia con su papel como baterista de una agrupación de alcance internacional.

Plant señaló que Bonham se encontraba dividido entre el deseo de regresar a casa y la responsabilidad de continuar con su trabajo musical.

Tras la disolución del grupo, Robert Plant. desarrolló una carrera en solitario que incluyó distintos géneros y colaboraciones con otros músicos. A lo largo de las décadas posteriores, publicó álbumes que exploraron el blues, el folk y las tradiciones musicales de distintas regiones.

Su trabajo más reciente mencionado en la información difundida es All That Glitters…, un EP de versiones y canciones tradicionales grabado con su banda Saving Grace.

La actriz y cantante costarricense Maribel Guardia anunció una de las decisiones más dolorosas de su vida: renunciar, por el momento, a reencontrarse con su único nieto, hijo del fallecido cantante Julián Figueroa, debido al temor de que un eventual acercamiento familiar sea utilizado para formular nuevas acusaciones contra ella o su esposo, Marco Chacón.

Durante una declaración pública acompañada por su equipo jurídico, la artista aseguró que estaba cerca de conseguir un régimen de convivencia con el menor, después de una prolongada disputa legal con Imelda Tuñón, viuda de su hijo.

Sin embargo, afirmó que recibió información sobre un supuesto plan para utilizar al niño en una acusación contra integrantes de su familia.

“Con el corazón destrozado les informo que, a escaso tiempo de que por fin se me conceda un régimen de convivencia con mi único nieto, la defensa legal de nuestra contraparte, con el propósito de evitar que esto ocurra, ha fabricado un dictamen privado”, manifestó Guardia.

La actriz sostuvo que dicho documento contendría señalamientos de presuntas agresiones contra el menor, los cuales rechazó categóricamente.

Maribel Guardia teme ser acusada durante un encuentro con su nieto

Uno de los momentos más delicados de su intervención ocurrió cuando explicó las razones que la llevaron a abandonar temporalmente sus esfuerzos por recuperar el contacto con el niño.

“Existe un plan perverso para que, al darse la primera convivencia, se pretenda utilizar nuevamente al niño para culpar a mi esposo de algún tipo de agresión horrible”, aseguró la artista.

Guardia indicó que, según la información proporcionada por sus abogados, también existiría el riesgo de que una acusación recayera directamente sobre ella o sobre una sobrina.

“Me veo obligada a declinar de algo que estaba a punto de lograr: convivir con el niño que crié desde los cero años y hasta los ocho”, expresó.

La actriz insistió en que su decisión no representa una renuncia afectiva, sino una medida de protección frente a las situaciones que asegura temer.

“No existe dolor más grande para una abuela que tener que renunciar al abrazo de mi único nieto por el temor fundado de que ese abrazo se convierta en una trampa mortal”, afirmó.

Su abogado denuncia presuntas irregularidades

Durante la comparecencia, el abogado Beceiro, integrante de la representación legal de Guardia, aseguró que su equipo cuenta con información que le hace sospechar de un supuesto intento de provocar nuevas denuncias penales durante el primer encuentro con el menor.

El profesional también cuestionó al representante legal de Imelda Tuñón e hizo referencias a antiguos escándalos judiciales mexicanos.

Además, anunció que continuarán las acciones relacionadas con las circunstancias de la muerte de Julián Figueroa, así como las investigaciones que consideran necesarias sobre documentos sucesorios y otros hechos que han denunciado.

“Ningún frente de los que se han iniciado va a desaparecer. Continuaremos con la integración de todos y cada uno de ellos”, advirtió.

Marco Chacón también expresa preocupación

Por su parte, Marco Chacón, esposo de la actriz, manifestó su preocupación por el sufrimiento emocional que, según explicó, ha enfrentado Guardia durante el conflicto.

“Para mí lo es en lo personal y todavía más cuando veo a mi esposa sufrir a diario, desvelarse a diario por la imposibilidad de tener un encuentro con un niño que crió desde los cero años hasta prácticamente los ocho”, expresó.

Chacón también denunció supuestas irregularidades en expedientes judiciales y manifestó temores por posibles represalias contra su familia, aunque estas sospechas no han sido corroboradas de manera independiente.

“El amor por mi nieto permanece intacto”

Al finalizar su intervención, Maribel Guardia reiteró que mantiene la esperanza de que algún día pueda recuperar la relación con su nieto.

“El amor por mi nieto permanece intacto y me lo quedaré tatuado en el alma”, manifestó.

La actriz concluyó recordando a su hijo fallecido y agradeciendo a quienes han acompañado a su familia durante el proceso.

“He pasado por momentos muy duros, la pérdida de mi hijo, pero este sin duda es uno de los momentos más dolorosos de mi vida”, expresó.

La socialité le puso bastante atención a los detalles del estilo de North. Como prenda de verstir principal, Kim eligió una remera negra oversize con mangas a rayas blancas y negras estampada con la leyenda “N0rth4evr”, título del EP que su hija lanzó en mayo de este año.

Completó el atuendo con una cadena de plata que tenía un dije de calavera y huesos cruzados, pulseras metálicas con pinchos y uñas extralargas en punta con un diseño gótico en blanco y negro, muy similar a la manicura habitual de la adolescente.

Kardashian presentó todo el look en un post de Instagram, en el que imitó las poses características de su hija. Las fotos fueron musicalizadas con temas de North West y con “Moonlight”, de XXXTENTACION.

“Halloween 2026”, escribió Kim K al pie de la publicación. Su hermana Kourtney Kardashian comentó “¡Gemelas!!!!!!”, mientras que su madre, Kris Jenner, sumó: “¡Esto es tan divertido!!!!!”. En tanto, su otra hermana, Khloé Kardashian, también destacó el parecido con un comentario similar.

Los usuarios de internet felicitaron a Kim por la precisión con el look. “Chica, pensé que era North”, escribió uno de ellos, mientras que otro agregó: “¡Esperen, se ven como gemelas!”. “El apoyo de los padres es lo mejor que existe”, señaló un comentario citado por Billboard.

North había enfrentado críticas por su estética

Meses atrás, gran parte de internautas había rechazado las modificaciones excéntricas de North West. Algunos incluso la describieron como “demoníaca”.

En una transmisión reciente en TikTok Live, North West salió al cruce de esas críticas. “No, no soy demoníaca, chicos. Dejen de decir que soy demoníaca. No, no lo soy”, afirmó, y agregó: “Solo porque me gusta vestirme así, no juzguen un libro por su portada”.

Durante esa misma transmisión, madre e hija revelaron además que las perforaciones de North no son reales. Un dato que sorprendió a buena parte de sus seguidores, que no habían notado el detalle. “Las cambio tanto que ustedes creen que es real”, bromeó la joven. North expresó en el pasado su deseo de hacerse perforaciones genuinas, pero Kardashian se negó a autorizarlo.

En diálogo con Alex Cooper en el podcast “Call Her Daddy”, Kardashian había descrito antes cómo es de lidiar con las críticas hacia el estilo de su hija. “Es realmente difícil y es realmente interesante porque todos los chicos usan las mismas cosas, pero cuando mi hija intenta usarlo yo digo, ‘está bien, nunca más usaremos eso’”, explicó. “Lamentablemente, cometimos ese error frente a todo el mundo”, añadió.

Kardashian, quien comparte a North, Saint, Chicago y Psalm con su expareja Ye, ya había protagonizado disfraces conjuntos con su hija mayor en años anteriores, entre ellos una caracterización de Cher y Dionne de la película Clueless en 2023 y de la princesa Jasmine en 2016.

Dylan Sprouse, conocido junto a su hermano gemelo Cole por protagonizar la serie de Disney Channel Zack y Cody: Gemelos en Acción, habló sobre un descubrimiento relacionado con sus antepasados durante una reciente participación en el pódcast Wildmen.

El actor explicó que, al investigar su historia familiar mediante una plataforma de genealogía, encontró conexiones entre las ramas materna y paterna de su familia que lo llevaron a cuestionar sus vínculos de parentesco.

Durante la conversación, Dylan relató que utilizó el servicio Ancestry, que permite explorar árboles genealógicos y rastrear posibles vínculos familiares mediante herramientas de investigación y pruebas de ADN.

“Cuando lo usé por primera vez, mi reconstrucción de la historia familiar era muy diferente a la de ahora. He encontrado a muchos familiares, curiosamente, a quienes nunca conocí, porque la familia de mi padre está bastante fragmentada. Empecé a hablar con ellos, a comparar y contrastar”, recordó.

El artista explicó que una de las primeras pistas surgió al investigar los desplazamientos de sus antepasados durante la fiebre del oro en California, en el siglo XIX.

Es así que algunos familiares se trasladaron desde Carolina del Norte hasta el oeste de Estados Unidos después de que uno de sus parientes encontrara oro en la región.

Con el tiempo, integrantes de las ramas materna y paterna de la familia coincidieron en California. El actor afirmó que ambas líneas familiares se unieron mediante un matrimonio a finales del siglo XIX, aunque posteriormente volvieron a separarse.

La investigación tomó un nuevo rumbo cuando Dylan Sprouse descubrió que sus padres también pertenecían a ramas familiares que compartían antepasados.

Según contó, la conexión se produjo nuevamente en la generación de sus progenitores, quienes contrajeron matrimonio sin conocer, de acuerdo con su relato, el vínculo genealógico que existía entre sus familias.

El actor explicó que decidió compartir el hallazgo con Cole Sprouse, con quien mantiene una relación cercana.

“Llamé a Cole, le mostré una foto y le dije: ‘Hombre, acabo de descubrir una mierda jodidamente loca’”, dijo, y agregó que “empezó a sospechar” porque “descubrió que los tíos [de nuestro padre] eran gemelos idénticos”.

Otro elemento que llamó su atención fue la presencia de varios pares de gemelos en distintas generaciones.

“Siempre pensé que los gemelos idénticos, o los gemelos en general, solo provenían del lado materno de la familia. Tuvimos siete pares de gemelos en cuatro generaciones”, dijo Dylan, antes de revelar que había encontrado una razón para la recurrencia: “¡Porque es la misma familia!”.

Dylan Sprouse bromeó diciendo que no tiene “dedos palmeados”, pero cree que los genes de su familia se cruzaron en algún momento. “Son mi padre y mi madre. No tenían ni idea. Entonces, me encuentro con esto y pienso: ‘¿Qué demonios?’”, dijo.

Durante la conversación, el famoso también mencionó la historia de una tía que, según explicó, había sido uno de dos gemelos durante la gestación.

“Muchas cosas empezaron a tener sentido, porque una de mis tías era gemela, pero fue una de las gemelas que se comió a su gemela en el útero, y cuando le abrieron un quiste en el hombro, tenía dientes y pelo. En resumen, Cole y yo somos hijos de incesto”, indicó.

Fuera de este descubrimiento, Dylan también atraviesa una nueva etapa personal junto a Barbara Palvin, con quien contrajo matrimonio en 2023. La pareja dio la bienvenida a su primera hija, Sylvie.

Casi cuatro décadas después de su estreno, Cuando Harry conoció a Sally… sigue generando conversación, y su protagonista, Billy Crystal, acaba de revelar en exclusiva a la revista PEOPLE cómo nacieron tres de las escenas más emblemáticas del clásico de 1989. En el reportaje de portada de esta semana, el actor de 78 años recordó que cada uno de esos momentos surgió de la colaboración estrecha entre él, el director Rob Reiner, la coprotagonista Meg Ryan y la guionista Nora Ephron.

Crystal contó que, durante el rodaje de la comedia romántica, Reiner atravesaba el divorcio de la actriz y directora Penny Marshall. “Estaba pasando por momentos muy difíciles. Y hablábamos por teléfono constantemente por la noche”, recordó el actor. Esas conversaciones telefónicas nocturnas entre amigos se trasladaron a la pantalla: en la película, los personajes de Harry Burns y Sally Albright ven Casablanca mientras hablan por teléfono.

“Eso era algo que hacíamos”, explicó Crystal en la entrevista recogida por PEOPLE. “Es uno de mis pequeños intercambios favoritos. Éramos nosotros mismos en estado puro”.

Otro de los pasajes favoritos de los seguidores de la película tuvo un origen distinto. Según relató el actor, él había escrito previamente un concepto cómico “sobre dos tipos hablando de su terapia”. Reiner retomó esa idea, y juntos desarrollaron la secuencia en la que Crystal y el fallecido Bruno Kirby conversan sobre el divorcio durante un partido de fútbol americano. Cada vez que están a punto de abordar sus sentimientos, “la ola” de los aficionados los interrumpe al ponerse de pie en el estadio. “Lo incluimos y es una escena fantástica”, afirmó Crystal.

La icónica escena del orgasmo fue obra de Ephron y Ryan

El momento más recordado de la cinta —la simulación de un orgasmo en un restaurante— nació de la pluma de Ephron. La guionista propuso abordar la idea de que las mujeres fingen orgasmos porque Harry, según describió Crystal, “es un canalla, se acuesta con muchas mujeres y se cree un semental”. Fue Ryan, hoy de 64 años, quien sugirió que el personaje fingiera el orgasmo y que la escena ocurriera en un lugar público.

“Nos reíamos a carcajadas y Nora ya estaba tomando notas, y entonces enfocamos a una mujer mayor que dice: ‘¡Quiero lo mismo que ella!’”, recordó Crystal en la revista. Esa mujer fue Estelle Reiner, la madre del director. “Fue un sueño poder grabarla”, concluyó el actor.

La frase pronunciada por Estelle Reiner ocupa el puesto 33 en la lista de las 100 frases más memorables del cine estadounidense, según el American Film Institute (AFI).

Una película que reinventó la comedia romántica

Dirigida por Reiner y escrita por Ephron, Cuando Harry conoció a Sally… se estrenó el 21 de julio de 1989 con un presupuesto de 16 millones de dólares. Columbia Pictures aplicó una estrategia de distribución gradual: abrió en apenas 41 salas y dejó que el boca a boca impulsara la demanda. En su primer fin de semana en esas pocas pantallas, recaudó más de un millón de dólares, la segunda mejor apertura para una película en menos de 50 salas, solo detrás de Star Wars (1977). La cinta se expandió hasta 1.174 salas y acumuló 92,8 millones de dólares en América del Norte, cifra que trepó a unos 193 millones a escala global.

Fue la primera película en obtener una calificación A+ de CinemaScore desde la creación de ese servicio de encuestas en 1979. Ephron ganó el premio BAFTA al mejor guion original y recibió nominaciones al Óscar, al Globo de Oro y al galardón del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA). La banda sonora, a cargo de Harry Connick Jr., le valió al artista su primer Grammy a la mejor interpretación vocal masculina de jazz.

El filme protagonizado también por la fallecida Carrie Fisher fue seleccionado en 2022 por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su conservación en el Registro Nacional de Cine por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”. Además, ocupa el sexto puesto entre las mejores comedias románticas según el AFI y el número 23 en la lista de las 100 películas más divertidas del cine estadounidense.

Crystal lleva a Broadway el “peor año de su vida”

La entrevista con PEOPLE coincide con la llegada de Crystal a Broadway. Su espectáculo unipersonal, 860, se estrena el 21 de octubre en el Imperial Theatre de Nueva York y tendrá una temporada de 14 semanas, hasta el 3 de enero. El título hace referencia a la dirección del hogar donde el actor vivió durante 46 años junto a su esposa, Janice Crystal, y que perdió en los incendios de Pacific Palisades de enero de 2025.

La pérdida de la casa fue solo el comienzo de lo que Crystal describe como “el peor año de su vida”. El 14 de diciembre de 2025, Reiner y su esposa, la productora y fotógrafa Michele Singer Reiner, fueron hallados muertos en su residencia del barrio de Brentwood, en Los Ángeles. Su hijo, Nick Reiner, de 32 años, fue arrestado esa misma noche y posteriormente acusado de dos cargos de asesinato en primer grado. En febrero de 2026 se declaró inocente y permanece encarcelado.

A pesar de ese dolor, el monólogo de Crystal recurre al humor como herramienta de sanación. “La risa hizo posible mi vida”, aseguró el actor.

Netflix destituyó a Dan Lin como responsable de su división cinematográfica, en una decisión que se produce en medio de una reestructuración de su equipo directivo y de los ajustes de personal realizados por la compañía.

De acuerdo con fuentes citadas por Variety, el codirector ejecutivo Ted Sarandos comunicó a Lin su salida el viernes, después de que se conociera la salida de otros altos cargos de la plataforma.

La decisión se produjo tras una reducción de aproximadamente 6% de la plantilla internacional de Netflix la semana anterior, que incluyó la salida de Bela Bajaria, directora de contenidos, y Doug Belgrad, colaborador cercano de Dan Lin.

Los movimientos forman parte de una revisión de la estrategia de contenidos de la empresa, en un contexto marcado por el desempeño de sus acciones y los cambios en la interacción de los usuarios con la plataforma.

Tras la salida de Lin, Peter Rice, ejecutivo con experiencia en las industrias del cine y la televisión, asumirá un papel central en la reorganización de la estrategia de contenidos. Su llegada estará acompañada de cambios en la estructura y las prioridades de producción de Netflix.

Una gestión centrada en reducir costos

Dan Lin llegó a Netflix con el objetivo de reorganizar la división cinematográfica y priorizar la selección de proyectos.

Su gestión estuvo asociada con una política de control del gasto y una mayor atención a la respuesta de las audiencias, en contraste con la estrategia de su antecesor, Scott Stuber, quien dejó la compañía a mediados de 2024.

Durante la etapa de Stuber, Netflix había invertido en producciones de cineastas como Martin Scorsese, Alfonso Cuarón y Rian Johnson, además de ampliar el volumen de estrenos originales.

La plataforma llegó a plantearse el lanzamiento de una película por semana durante 2022, aunque posteriormente redujo el ritmo de producción.

Lin reorganizó los equipos cinematográficos para agrupar a los ejecutivos según su experiencia en distintos géneros, en lugar de hacerlo por el presupuesto de los proyectos.

También participó en la programación de títulos que ocuparon espacios de estreno tras la salida de Stuber, entre ellos Nonnas, Happy Gilmore 2 y The Thursday Murder Club.

En el área de animación, Dan Lin incorporó a Hannah Minghella a un puesto directivo. Asimismo, intervino en la contratación de intérpretes para futuros proyectos, incluidos Alan Ritchson, Matthew McConaughey y Ben Stiller.

Uno de los cambios asociados con la gestión de Lin fue impulsar estrenos cinematográficos exclusivos para determinadas producciones antes de su llegada al catálogo de streaming.

Esta estrategia se planteó especialmente para películas basadas en propiedades intelectuales dirigidas al público familiar.

Entre los proyectos vinculados con esta política figuran Narnia: The Magician’s Nephew, dirigida por Greta Gerwig, y una nueva adaptación de Charlie y la fábrica de chocolate.

Según la información publicada por Variety, la producción de Narnia representa una inversión estimada de 250 millones de dólares y contempla un estreno inicial en salas.

La apuesta supone una evolución respecto de la postura histórica de Netflix, que había priorizado la distribución directa por internet.

Diferencias con cineastas y cambios en la dirección

En las semanas previas a su salida, trascendieron informaciones sobre diferencias entre Dan Lin y Ben Affleck relacionadas con el uso de InterPositive, una plataforma de inteligencia artificial vinculada con la producción audiovisual del actor y director.

También se reportaron desacuerdos entre Lin y Gerwig durante una reunión virtual sobre Narnia.

Cuatro fuentes consultadas por Variety señalaron que la conversación estuvo marcada por diferencias en torno al avance del proyecto.

Posteriormente, Lin dejó de supervisar directamente la película y Belgrad asumió esa responsabilidad. Las fuentes no establecieron que ese episodio fuera la causa de su destitución.

En un mensaje interno difundido el lunes, Dan Lin recordó que Bajaria le había aconsejado mantener su identidad profesional al incorporarse a Netflix. En el texto, destacó la relación entre la pasión por el cine y la conexión emocional que las películas generan con el público.

La compañía no ha confirmado públicamente quién ocupará de manera definitiva el puesto de Lin. Entre los posibles nombres mencionados en el sector figuran Mike De Luca y Pam Abdy, ejecutivos vinculados con la producción cinematográfica.

Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson y protagonista de la película biográfica Michael, se refirió a las escenas que quedaron fuera del montaje final de la producción, entre ellas una tercera parte que estaba prevista para abordar las acusaciones de abuso sexual infantil contra el cantante.

En una entrevista con la revista Variety, el actor habló sobre el proceso de edición, los cambios en el guion y la posibilidad de retomar su papel en una futura secuela.

Estrenada en abril, Michael narra distintas etapas de la vida del artista, desde sus comienzos como integrante de los Jackson 5 hasta su consolidación como una de las figuras más reconocidas de la música.

La historia concluye en 1988, con una representación del cantante durante su presentación en el estadio de Wembley, en Londres, como parte de la gira Bad.

La película registró el mayor estreno en taquilla para una producción biográfica musical y posteriormente superó los mil millones de dólares en recaudación mundial, convirtiéndose en la película biográfica más taquillera de la historia, según los datos difundidos sobre su desempeño comercial.

Sin embargo, la versión estrenada no incluye referencias a las acusaciones de abuso sexual infantil contra Michael Jackson, aunque ese contenido estaba contemplado en el guion inicial.

Durante la producción, el equipo identificó una cláusula de un acuerdo legal que impedía al patrimonio del cantante mencionar a uno de los denunciantes, Jordan Chandler.

El hallazgo obligó a realizar modificaciones en la historia y nuevas grabaciones, con un costo reportado de 15 millones de dólares.

Como resultado, el desenlace se trasladó a una etapa anterior de la vida del artista y la narración dio mayor espacio a su relación con su padre, Joe Jackson, interpretado por Colman Domingo.

Jaafar Jackson y el material descartado

Al ser consultado por Variety sobre las escenas que no llegaron a la versión definitiva, Jaafar explicó que el rodaje fue extenso y que la exclusión de secuencias forma parte del proceso cinematográfico.

“Fue un rodaje enorme. He oído muchas historias de otros actores sobre la cantidad de material que se graba en un proyecto y que al terminar no se incluye en la versión final”, declaró.

Y añadió: “En la sala de edición, se revisan las escenas buscando interpretaciones o tomas específicas, y las cosas cambian constantemente. Así que, desde el principio, sabía que no todo lo que grabáramos aparecería en la versión final”.

También explicó que el trabajo realizado en las secuencias descartadas le permitió adquirir experiencia y desarrollar sus habilidades interpretativas.

“Fue la experiencia más gratificante porque incluso las cosas que no se utilizaron, la experiencia que obtuve de ellas, me hicieron mejor actor. Siento que eso sucederá muchas veces más con otros proyectos. Uno desearía que cierta interpretación estuviera en la película y no lo está. Eso es algo con lo que hay que lidiar al hacer una película”, dijo.

Por si fuera poco, durante la entrevista, el actor también recordó momentos de su infancia junto a Michael Jackson.

Entre sus primeras memorias mencionó las ocasiones en que le pedía dulces, los videojuegos que compartían y los juegos de escondite. Jaafar describió esas experiencias como parte de los recuerdos que conserva de su relación familiar.

En agosto se confirmó que Michael tendrá una secuela. De acuerdo con las declaraciones del actor, la continuación podría abordar las acusaciones desde la perspectiva del cantante y ofrecer una narración centrada en su versión de los acontecimientos.

Jaafar afirmó que considera importante que la voz de su tío tenga presencia en el relato, especialmente al tratar los últimos años de su vida. Sus declaraciones reflejan el enfoque que, desde su perspectiva, debería tener la futura producción.

No obstante, el actor aclaró que todavía no ha recibido información concreta sobre el argumento ni sobre los detalles del proyecto. También manifestó su disposición a volver a interpretar al cantante, independientemente de las decisiones que se adopten durante el desarrollo de la secuela.

Jennifer Lopez y Brett Goldstein estarían manteniendo una relación sentimental de carácter informal, según informó el medio estadounidense Page Six, que cita a una fuente cercana a los actores.

Ambos protagonizan la película Office Romance, producción de Netflix en la que compartieron escenas y cuya promoción estuvo acompañada de preguntas sobre la naturaleza de su vínculo fuera de la pantalla.

De acuerdo con la publicación, Lopez, de 57 años, y Goldstein, de 46 años, fueron vistos el 16 de octubre en una fiesta organizada por un representante de talentos en Los Ángeles, California.

Según el reporte, ambos llegaron y se retiraron del lugar en el mismo automóvil, aunque ingresaron al evento por separado.

Una fuente citada por Page Six señaló que la relación entre los dos actores es actualmente “algo casual”, sin ofrecer más detalles sobre su situación sentimental.

“Lo único que tienen en común es que a ambos les gusta salir a fiestas y restaurantes. A diferencia de su ex, Ben [Affleck], que siempre tenía el ceño fruncido cuando salían”, dijo el informante.

La aparición pública se suma a otros encuentros que han despertado especulaciones sobre una posible relación entre la cantante y el intérprete británico, conocido por su participación en la serie Ted Lasso.

Cabe recordar que los rumores comenzaron a circular meses antes de la reciente aparición en Los Ángeles.

En marzo de 2025, Jennifer Lopez y Brett Goldstein fueron vistos juntos en una función de la obra de Broadway Oh, Mary!. La filmación de Office Romance comenzó al mes siguiente.

En junio de ese año, Page Six informó que ambos habían mantenido una relación profesional durante el rodaje, aunque, según una fuente citada por el medio, existía química entre ellos.

“Mantuvieron una actitud profesional en el set durante el rodaje, pero su química era innegable. Intentaron mantener un perfil bajo durante los meses de rodaje, pero coqueteaban de vez en cuando en el set, y sin duda había una fuerte conexión entre ellos. Todos los vieron muy cariñosos en la fiesta de fin de rodaje y era obvio que se gustaban”, dijo la fuente.

La colaboración profesional contribuyó a que surgieran preguntas sobre la relación entre los protagonistas durante las actividades de promoción de la película.

El 2 de junio, ambos acudieron al programa Today para hablar sobre la producción. Durante la entrevista, la presentadora Savannah Guthrie les preguntó directamente si mantenían una relación sentimental fuera de la pantalla.

Jennifer Lopez respondió que no estaban saliendo, mientras que Brett Goldstein confirmó la declaración.

“Nunca hay una ocasión en la que me vean con alguien o trabajando con alguien sin que intenten relacionarme con esa persona”, señaló la cantante, a lo que el actor añadió: “Creo que si te paras cerca de ella, eso es lo que sucede”.

Por si fuera poco, en octubre, durante una aparición en el programa Watch What Happens Live with Andy Cohen, Lopez habló sobre su experiencia de trabajo con Goldstein y lo describió como el mejor compañero de beso que había tenido en una película.

La declaración se produjo en el contexto de la promoción de Office Romance y generó nuevas conversaciones sobre la química entre los protagonistas.

La participación sorpresa de Kylie Jenner en el Victoria’s Secret Fashion Show 2026 habría causado malestar entre algunas modelos veteranas, según el Daily Mail. La empresaria lució el exclusivo Fantasy Bra, una pieza valorada en USD 50 millones que tradicionalmente estaba reservada a figuras destacadas de la pasarela.

La presencia de Kylie Jenner fue una sorpresa para el público, ya que nunca antes había modelado en el famoso evento de la marca de lencería. Según el Daily Mail, todo se mantuvo en secreto incluso entre bastidores, por lo que algunas modelos habrían estado atónitas al verla ocupar ese lugar.

“Algunas de las modelos de la vieja escuela no estaban contentas de que Kylie fuera el centro de atención”, afirmó una fuente anónima al Daily Mail. Dicho insider sugirió que las profesionales con una larga trayectoria podrían haberse sentido desplazadas por el protagonismo de las figuras más jóvenes. “Kylie no es modelo, es una magnate multimillonaria de los cosméticos”, precisó.

“Solo diré que las veteranas Candice Swanepoel y Elsa Hosk no se veían tan felices cuando estaban en la pasarela’, alegó la fuente del medio.

Ambas supermodelos ya han sido portadoras de la costosa pieza en ediciones anteriores: Swanepoel llevó el Fantasy Bra en 2013, mientras que Hosk lo lució en 2018.

Por ahora, ninguna participante ha expresado públicamente alguna incomodidad por Kylie Jenner. Para la fuente del tabloide británico, eso se quedará así porque “ellas son demasiado inteligentes como para decir algo”.

“Saben cómo es la fama y sabían que Kylie generaría revuelo para la marca. Pero mirando sus rostros, no parecen felices en absoluto”, reiteró.

Una elección que dividió al público

La supuesta tensión entre las modelos coincidió con las reacciones enfrentadas que provocó el debut de Jenner en el desfile. El domingo del evento, algunos espectadores celebraron su participación, mientras otros cuestionaron que una celebridad ocupara un lugar asociado históricamente con las supermodelos.

En los comentarios de un video publicado por Victoria’s Secret en Instagram, algunos usuarios calificaron la decisión como una “falta de respeto a las modelos de verdad”. Otros lamentaron que el espectáculo hubiera pasado del “glamour a ser un circo de influencers”.

Sin embargo, Jenner encontró apoyo ferviente de su familia. Su hermana Kendall comentó en una publicación sobre el desfile: “¡¡¡Una mujer preciosa!!!“.

Kris Jenner, su madre, también expresó su apoyo en Instagram con el mensaje “¡¡¡Mi chica angelical!!!“, mientras que Kim Kardashian reaccionó con un ”Simplemente perfecta".

Pese a las supuestas tensiones, Kylie Jenner también contó con el apoyo de varias modelos. Según el Daily Mail, Gigi y Bella Hadid, Amelia Gray e Irina Shayk, cercana a las hermanas Jenner por su amistad con Gigi, respaldaron su participación y la acogieron en la celebración final por el cierre del desfile.

¿Por qué fue elegida Kylie Jenner?

Oficialmente, la marca expresó que seleccionaron a la socialité y empresaria por su alcance mediático. “Realmente trasciende la moda, la cultura, la televisión y cualquier categoría individual”, dijo Adam Selman, director creativo de la marca, a Vogue.

La participación también habría representado una oportunidad comercial para Kylie, propietaria de Kylie Cosmetics. La empresaria utilizó productos de su propia marca durante el espectáculo, lo que le permitió dar visibilidad a su nueva colección Winter Kissed en sus redes sociales.

Asimismo, según el Daily Mail, Kylie habría logrado modelar para Victoria’s Secret debido a los compromisos profesionales de su hermana Kendall Jenner, quien no trabaja con Victoria’s Secret desde 2018 y actualmente está vinculada con Intimissimi, una marca rival de lencería.

Una fuente citada por el medio aseguró que Kris Jenner propuso a Kylie como alternativa y que la empresaria aceptó la invitación meses antes del desfile.

El Fantasy Bra de 2026 fue creado en colaboración con Jacob & Co. y cuenta con 4.410 diamantes naturales, incluido uno amarillo de 75 quilates. Según la información difundida por la marca y recogida por los medios, 15 artesanos dedicaron más de 1.000 horas a su elaboración.

Ivana Baquero tenía 11 años cuando interpretó a Ofelia en El laberinto del fauno, la película de Guillermo del Toro que se convirtió en un clásico del cine fantástico. Dos décadas después, la actriz española, de 32 años, continúa su carrera con proyectos internacionales y nuevos desafíos frente a las cámaras.

El aniversario número 20 de la película coincide con su regreso a los cines en una versión restaurada, con funciones especiales en 2D, 3D y 4K. En México, el filme volvió a estar disponible en salas desde el 15 de octubre de 2026.

Para Baquero, volver la mirada hacia aquella producción significa recordar una experiencia decisiva. “Ha trascendido el tiempo y se ha convertido en una película de culto, lo cual es asombroso y muy singular”, declaró a Forbes en una entrevista publicada el 11 de octubre de 2026. “Cuando miro hacia atrás, es un cuento de hadas y una experiencia que siempre atesoraré, de la que aprendí muchísimo. Realmente influyó en la carrera que desarrollé como intérprete”.

De sus primeros papeles a la película de Guillermo del Toro

Baquero nació en Barcelona el 11 de junio de 1994 y comenzó a trabajar en el cine durante su infancia. Debutó en la pantalla grande con Romasanta. La caza de la bestia (2003), dirigida por Paco Plaza y protagonizada por Elsa Pataky y Julian Sands. Después participó en Rottweiler, Películas para no dormir: Cuento de Navidad y Frágiles, entre otras producciones.

Su gran oportunidad llegó con El laberinto del fauno, ambientada en la España de 1944. En la película, Ofelia es una niña que se muda al campo con su madre embarazada y su padrastro, el cruel capitán Vidal. En medio de la violencia de la posguerra, descubre un universo fantástico en el que debe superar tres pruebas para recuperar su supuesto lugar en un reino subterráneo.

La interpretación de Baquero fue premiada con un Goya a mejor actriz revelación cuando ella tenía apenas 12 años. Además, la película se llevó tres premios Oscar, en las categorías de fotografía, dirección artística y maquillaje, y también ganó el BAFTA a mejor película de habla no inglesa.

Una carrera adulta entre España y Estados Unidos

Tras el éxito de la cinta, Baquero interpretó a la hija del personaje de Kevin Costner en La otra hija (2009) y participó en El club de los incomprendidos (2014). Más adelante protagonizó la serie fantástica Las crónicas de Shannara (2016-2017) y la producción española de Netflix Alta mar (2019-2020).

En 2025, presentó uno de sus roles más demandantes en el filme La viuda negra, dirigida por Carlos Sedes. Allí interpretó a María Jesús Moreno, conocida como Maje, condenada por el asesinato de su marido en un caso ocurrido en Valencia en 2017. Para preparar el papel, la actriz investigó los antecedentes durante meses y procuró comprender a su personaje sin justificar sus actos, según contó a ANA en junio de 2025.

Su trabajo más reciente también incluye Spartacus: House of Ashur, serie para la que pasó seis meses de rodaje en Nueva Zelanda, de acuerdo con esa entrevista.

El estilo de vida actual de Baquero se puede describir como “nómada”: ella explicó que vive principalmente en Estados Unidos, aunque viaja con frecuencia por motivos laborales y pasa otras temporadas en España.

Dato curioso: Ivana Baquero también estudió Derecho, una disciplina que le interesaba, aunque no terminó la carrera.

La actriz reconoce que interpretar a Ofelia sigue siendo parte de su identidad profesional. “Es un honor. Soy consciente de que, no importa lo que haga, siempre me recordarán como la niña de El laberinto del fauno”, dijo a ANA.

Sin embargo, también explicó que buscó papeles más adultos para que el público dejara de verla únicamente como una actriz infantil. “No ha sido una transición muy fácil, pero he tenido suerte de poder trabajar. He sido muy selectiva; no he hecho todo lo que me ha llegado”.

El actor afirmó que el Razzie que recibió por interpretar a Lex Luthor redujo sus posibilidades de conseguir papeles en grandes estudios y lo llevó a enfocarse en la escritura y la dirección.

Eisenberg interpretó al villano de Superman y Batman en la película de 2016, pero asoció el reconocimiento de los Razzies, premios satíricos que distinguen actuaciones y producciones cuestionadas, con un período de incertidumbre sobre su lugar en grandes proyectos cinematográficos.

Según publicó People, Eisenberg hizo estas declaraciones durante una charla en el BFI London Film Festival. Allí sostuvo que, tras recibir el premio a peor actor de reparto, dejó de acceder a papeles en películas de estudio y comenzó a prever un cambio desfavorable en su trayectoria.

Eisenberg vinculó el Razzie con sus dificultades para acceder a papeles de estudio

En Batman v Superman: Dawn of Justice, Eisenberg compartió elenco con Henry Cavill y Ben Affleck, quienes interpretaron a los personajes centrales. La película recibió cuatro Razzies, de acuerdo con la información publicada por la revista estadounidense.

Además del premio concedido a Eisenberg, la película fue distinguida por peor guion, peor secuela y peor pareja en pantalla para Cavill y Affleck.

El actor afirmó que aquel reconocimiento incidió en los proyectos a los que podía aspirar. “No podía conseguir más papeles en películas de estudio porque había ganado un Razzie por la película de Batman”, expresó durante la charla. Para Eisenberg, la inquietud no se limitó a una reacción puntual. “Gran parte de esto vino del miedo”, explicó.

Luego describió cómo vive la incertidumbre dentro de la profesión. “Si sos actor, vivís con el pánico de preguntarte si estás en ascenso o en descenso. No hay una meseta”, sostuvo.

También afirmó: “La actuación es una industria inestable y terrible, donde estás en ascenso o sos noticia de ayer”. Esa idea resumió la preocupación que, según explicó, atravesaba su trabajo como intérprete.

Eisenberg agregó que su forma de anticipar los cambios intensificó esa preocupación. “Si sos una persona paranoica como yo, lo ves venir con anticipación”, dijo. A partir de esa lectura, concluyó que debía buscar una alternativa para sostener su trabajo en el cine.

Su interpretación del premio también alcanzó su vínculo con el género de superhéroes. “La industria no quería que estuviera en una película de superhéroes”, afirmó. Para explicar esa conclusión, agregó: “La industria te dice qué quiere de vos”.

El actor sostuvo que atender esa señal era parte de la continuidad profesional. “Si sos inteligente y consciente de vos mismo, lo aprendés rápido”, señaló. Después cuestionó la posibilidad de insistir en ese género: “El actor que no tiene éxito es el que dice: ‘No, quiero hacer más de eso’”.

Eisenberg llevó esa reflexión a una conclusión más directa. “No va a pasar, no te quieren ahí y no te habrían dado un Razzie si te quisieran ahí. Es un premio a la mala actuación”, afirmó. También añadió: “Si querés tener una carrera en las artes, tenés que seguir las cosas que te están diciendo que gustan”.

La escritura y la dirección fueron la respuesta de Eisenberg a esa etapa

La salida que encontró fue trabajar en proyectos propios. “Tenía que dirigir películas. Por eso empecé a escribirlas, para mantener mi carrera a flote”, señaló durante el encuentro en Londres. La frase conecta el temor que describió con la decisión de llevar su actividad detrás de cámara.

De acuerdo con People, Eisenberg escribió y dirigió When You Finish Saving the World, estrenada en 2022, y A Real Pain, de 2024. Esta última fue nominada al Oscar a mejor guion original en 2025.

Su película más reciente como director, The Debut, formó parte de la programación del BFI London Film Festival, donde Eisenberg volvió a referirse a las razones de ese giro profesional.

Volvió la incertidumbre. Christina Applegate reveló que sus médicos le han informado hace poco que no padece esclerosis múltiple, enfermedad que se le había diagnosticado en 2021 por varios síntomas que habían debilitado su organismo. La noticia, lejos de aliviarla, la dejó frustrada ya que sus problemas físicos persisten y todavía desconoce qué los provoca.

Los últimos meses fueron difíciles. En abril de 2026, la actriz fue hospitalizada por presuntas complicaciones de su enfermedad. En agosto, fuentes cercanas a la estrella informaron que ya estaba en casa, recuperándose favorablemente.

La actriz de Matrimonio con hijos compartió lo ocurrido a través de su podcast MeSsy, que conduce junto a Jamie-Lynn Sigler. Ambas actrices suelen conversar sobre sus experiencias con la esclerosis múltiple, aunque esta vez Applegate contó que necesitó alejarse del programa para procesar la nueva información médica.

“Mi doctora entró en mi habitación y me dijo: ‘Felicitaciones, no tienes esclerosis múltiple’”, recordó entre lágrimas. “No me alegré en absoluto. Todos los demás estaban muy felices”, relató.

Cómo descubrieron el error en su diagnóstico

Applegate explicó que la revisión comenzó después de que su médica propusiera suspender una infusión para observar cómo reaccionaban sus células B. Según contó en el podcast, el recuento de esas células no aumentó ni disminuyó tras interrumpir el tratamiento, lo que dio lugar a una investigación sobre su diagnóstico original.

La evaluación incluyó tecnología médica más reciente y llevó a sus médicos a concluir que nunca había padecido esclerosis múltiple. Sin embargo, la actriz aseguró que el cambio en su historia clínica no modificó los síntomas que experimenta desde 2021.

“Uno no recibe un diagnóstico erróneo y, de repente, mejora. No he mejorado, Jamie. Si acaso, he empeorado”, expresó durante la conversación con Sigler. “Así que vuelvo al punto de partida, sin saber qué me pasa”.

Applegate contó que sus médicos iniciarán una investigación la próxima semana para determinar qué ha ocurrido durante estos años. La actriz recordó que, cuando recibió el diagnóstico inicial, se sometió a distintas pruebas, entre ellas resonancias magnéticas y una punción lumbar. En aquel momento, los estudios mostraron lesiones en su cerebro.

Ahora, sin un diagnóstico claro sobre su salud, Applegate describió la mezcla de emociones que siente. “Pasé una gran depresión [por la esclerosis], perdí mi trabajo, perdí todo”, explicó entre lágrimas en el podcast. “¿Qué le dices a alguien que ha vivido con esto durante seis años? Esto detuvo mi vida”.

Su situación física tampoco ha cambiado. Applegate explicó que todavía necesita utilizar una silla de ruedas para acudir al consultorio médico, porque no puede caminar desde el automóvil hasta la sala de atención. Además, recibe fisioterapia tres veces por semana.

La incertidumbre también repercute en su relación con la comunidad de personas con esclerosis múltiple, a la que apoyó públicamente después de su diagnóstico. “Siento que decepcioné a todo el mundo”, admitió. La actriz explicó que compartir su experiencia le había dado una razón para afrontar cada día, incluso cuando se sentía mal.

Durante el episodio, la neuróloga Marwa Kaisey, profesora asociada del departamento de neurología del Cedars-Sinai Medical Center, explicó que los diagnósticos erróneos de esclerosis múltiple son relativamente frecuentes. Según indicó, casi una de cada cinco personas diagnosticadas no tendría realmente la enfermedad.

“No tenemos una única prueba para la esclerosis múltiple”, señaló Kaisey. Por ello, los médicos deben evaluar una serie de criterios para determinar si una persona la padece.

JAY-Z habría elegido encabezar el espectáculo de medio tiempo de Apple Music en el Super Bowl LXI, programado para febrero de 2027 en el SoFi Stadium de Inglewood, California, según informó Puck. El fundador de Roc Nation, de 56 años, pasaría de supervisar las contrataciones del evento a ocupar el escenario principal.

El rapero, empresario y fundador de Roc Nation tendría la autoridad final de contratación dentro de la alianza de entretenimiento de la compañía con la NFL. De acuerdo con fuentes de la industria citadas por el medio, evaluó a figuras como Miley Cyrus y Justin Bieber antes de optar por su propia participación.

Representantes de la NFL y Roc Nation no han comentado públicamente el reporte. Las fuentes indicaron que el anuncio oficial podría llegar este fin de semana, cuando JAY-Z encabezará dos fechas casi agotadas en el mismo recinto californiano.

La posible contratación cerraría un ciclo iniciado en 2019, cuando el comisionado de la NFL Roger Goodell incorporó a Roc Nation como estratega oficial de entretenimiento musical en vivo de la liga. El acuerdo, valuado en alrededor de USD 5 millones anuales, se renovó por otros cinco años en 2024.

El acuerdo entre Roc Nation y la NFL cambió la programación del medio tiempo

La alianza surgió después de la controversia por el manejo de la NFL sobre las protestas de jugadores. Su objetivo era actualizar la presencia cultural de la liga y atraer a audiencias jóvenes y diversas.

Bajo la supervisión de JAY-Z, el espectáculo de medio tiempo dejó atrás la dependencia de actos de rock de trayectoria para contratar figuras de la música contemporánea. La programación incluyó el show de hip-hop de Los Ángeles en 2022, Rihanna en 2023, Usher en 2024, Kendrick Lamar en 2025 y Bad Bunny en 2026.

Fuentes consultadas por Puck señalaron que una contratación del propio JAY-Z era vista internamente como una etapa previsible durante la gestión de Roc Nation con la NFL.

Los aniversarios de Reasonable Doubt y The Blueprint impulsaron su agenda de 2026

El reporte coincidió con un año de conmemoraciones para el músico nacido en Brooklyn. En 2026 marcó los 30 años de su álbum debut de 1996, Reasonable Doubt, y los 25 años de The Blueprint, publicado en 2001.

Su agenda de conciertos generó ingresos de taquilla durante esas celebraciones. Una residencia de tres noches agotadas en el Yankee Stadium de Nueva York recaudó más de USD 42 millones en julio.

JAY-Z también encabezó el Roots Picnic de Filadelfia, con capacidad para 80 mil personas, el 30 de mayo. Una fecha agotada en un estadio de París sumó USD 12 millones el mes pasado, después de dos conciertos en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres.

Durante su segunda presentación en Londres, reunió en el escenario a The Fugees. El reporte planteó que esa capacidad de convocatoria podría trasladarse a una transmisión televisiva global que supera los 120 millones de espectadores.

JAY-Z llegaría al Super Bowl sin un álbum nuevo en casi una década

Una presentación en el Super Bowl LXI se apoyaría en el catálogo de JAY-Z y no en lanzamientos recientes. El artista no publica un álbum de estudio desde 4:44, disco de doble platino editado en 2017.

Su última entrada al top cinco del Billboard Hot 100 fue su colaboración en Drunk in Love de Beyoncé, que llegó al segundo lugar en 2013. En agosto de 2026, Roc Nation descartó en redes sociales las versiones de un álbum terminado pendiente de lanzamiento y las calificó como “noticias falsas”.

El catálogo del rapero abarca cuatro décadas de éxitos asociados con el hip-hop de las generaciones X y millennial. Su trayectoria también incluyó su ingreso al Rock & Roll Hall of Fame en 2021, presentado por el expresidente Barack Obama, y una serie documental de ocho episodios con el productor Rick Rubin disponible en HBO.

Beyoncé y los artistas de Roc Nation entrarían en la conversación sobre invitados

Una confirmación del anuncio en Los Ángeles pondría la atención sobre los posibles invitados. Beyoncé encabezó el show de medio tiempo en Nueva Orleans en 2013 y participó junto a Coldplay y Bruno Mars en Santa Clara en 2016.

Canciones conjuntas como Crazy in Love y ’03 Bonnie & Clyde figurarían entre las opciones para una lista de temas. La red de colaboradores de JAY-Z y el roster de Roc Nation incluyen a Rihanna, Alicia Keys, J. Cole y A$AP Rocky.

U2 encabezará el show de medio tiempo del primer NFL Thanksgiving Eve Game, el nuevo encuentro que la liga y Netflix incorporan al calendario de Acción de Gracias de 2026.

La banda irlandesa, ganadora de 22 premios Grammy y miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, celebrará sus cincuenta años de trayectoria con una presentación especial durante el cruce entre Green Bay Packers y Los Angeles Rams, programado para el 25 de noviembre en el SoFi Stadium de Inglewood, California, según anunció este martes el portal oficial de la plataforma, Netflix Tudum.

Cómo seguir la transmisión

El evento marca la primera vez que la jornada de fútbol americano de Acción de Gracias arranca la noche previa a la festividad. De acuerdo con Netflix Tudum, la cobertura comenzará a las 18.00 horas ET (15.00 horas PT), mientras que el inicio del partido está fijado para las 20.00 horas ET (17.00 horas PT). La transmisión estará disponible para cualquier usuario con una suscripción activa a Netflix, sin costo adicional, en todos los planes de la plataforma.

“Hay una razón por la que U2 encabezó estadios durante décadas: no solo se presentan, entregan momentos icónicos que el público recuerda para siempre”, declaró Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, citado por Netflix Tudum. “Estamos encantados de que traigan esa misma magia al escenario de la NFL en Netflix. Va a ser una noche inolvidable para los aficionados al fútbol y los miembros de Netflix en todo el mundo”, agregó el ejecutivo.

El antecedente del Super Bowl de 2002

U2 ya había colaborado antes con la NFL. El cuarteto encabezó el show de medio tiempo del Super Bowl XXXVI, disputado en el Louisiana Superdome de Nueva Orleans el 3 de febrero de 2002, apenas meses después de los atentados del 11 de septiembre.

En ese entonces, la banda rindió homenaje a las víctimas con la proyección de sus nombres sobre una pantalla gigante, mientras el cantante Bono mostraba una bandera de Estados Unidos en el interior de su chaqueta. Aquel partido terminó con la victoria de los New England Patriots sobre los St. Louis Rams por 20 a 17, decidida por un gol de campo de 48 yardas de Adam Vinatieri en los segundos finales.

Una tradición con más de un siglo de historia

Los partidos de Acción de Gracias forman parte del calendario de la NFL desde 1920, aunque la costumbre de jugar al fútbol americano en esa fecha es anterior y se remonta a 1876, cuando las universidades de Yale y Princeton institucionalizaron un enfrentamiento entre ambas, de acuerdo con un repaso histórico publicado por DAZN. Otros programas universitarios, como el de Michigan, replicaron la práctica a comienzos del siglo XX, lo que impulsó a los equipos profesionales de la época a sumarse a la tradición.

Actualmente, los Dallas Cowboys y los Detroit Lions suelen ser locales en dos de los tres partidos que se disputan cada Día de Acción de Gracias.

Qué otros partidos de la NFL serán transmitidos por Netflix

Para la edición de 2026, Netflix continuará con su programación de partidos de Navidad: el 25 de diciembre transmitirá el cruce entre Green Bay Packers y Chicago Bears en el Soldier Field, seguido por el enfrentamiento entre Buffalo Bills y Denver Broncos en el Empower Field at Mile High.

La plataforma también sumará por primera vez un partido correspondiente a la semana 18, la última de la temporada regular, y transmitirá a nivel global la gala NFL Honors durante la semana del Super Bowl.

Apu Nahasapeemapetilon había aparecido sin hablar desde el episodio The Serfsons, transmitido en octubre de 2017. El retorno del personaje habría permanecido bajo reserva hasta la emisión del capítulo.

Malhotra, actor nacido en India y criado en Estados Unidos, describió el cambio de intérprete como una recuperación del personaje. “Realmente es su regreso a casa”, escribió en una declaración publicada en Instagram.

Apu formó parte de la serie animada desde 1990 y durante años fue interpretado por el actor blanco Hank Azaria, quien utilizó un acento indio marcado para el papel. El comediante indoestadounidense Hari Kondabolu cuestionó esa representación en el documental de 2017 The Problem With Apu.

Sunil Malhotra habló con el equipo creativo antes de asumir la voz de Apu

La controversia llegó a la serie un año después del documental, cuando Los Simpson aludió a las críticas por el personaje. Parte del público consideró insuficiente esa respuesta, mientras que otros defendieron que todos los habitantes de Springfield se construyen desde estereotipos.

Azaria anunció que dejaría de interpretar a Apu en 2020. Más tarde dijo en el podcast Armchair Expert que sentía la necesidad de recorrer Estados Unidos para disculparse personalmente con cada persona india del país.

Antes de la emisión de The Revengening, Malhotra explicó a Variety que la noticia de una audición para la serie le provocó dudas sobre el personaje. “Cuando mi agente me llamó por una audición para Los Simpson, supe exactamente para qué papel era y la idea me cayó como un peso en el estómago”, dijo Sunil Malhotra a Variety.

El actor de Grey’s Anatomy y The Legend of Korra señaló que se preguntó si el equipo de guion había cambiado durante los ocho años que Apu permaneció sin hablar. También planteó si la producción podía reconocer y disculparse por errores previos, darle una nueva interpretación al personaje y mantener el tono propio de la serie.

Malhotra habló con el showrunner Matt Selman y el coproductor ejecutivo Cesar Mazariegos sobre una versión de Apu adecuada para 2026. “Fue el inicio de una experiencia de colaboración profunda que espero sea igual de satisfactoria para los seguidores de larga fecha de Los Simpson y para otros niños del sur de Asia que, como yo, dejaron de verla en algún momento”, dijo Malhotra a Variety.

La esposa de Apu, Manjula, también tendrá una nueva intérprete. Janina Gavankar, quien participó en The Morning Show de Apple TV, asumirá la voz que antes realizaron Jan Hooks y Tress MacNeille.

Apu regresó a Springfield como el responsable de una venganza

En The Revengening, un hombre con un disfraz de Halloween llamado “Daft Monk”, una referencia al dúo francés Daft Punk, parece morir accidentalmente una y otra vez a manos de los habitantes de Springfield. Un año después vuelve para vengarse.

El personaje reúne a la ciudad en el ayuntamiento, se quita el casco y revela que es Apu. Ahí relata que estuvo a punto de morir decenas de veces antes de llegar a la Isla de la Basura Olvidada, donde el doctor Nick lo curó.

“Soy el hombre al que dejaron por muerto. Soy aquel cuya existencia fingieron olvidar”, declaró Apu antes de intentar incendiar el ayuntamiento. Marge Simpson intervino y le dijo: “Apu, lamentamos mucho haberte dejado por muerto. Créeme, queríamos hacer lo correcto”.

Bart Simpson admitió que la familia tuvo miedo y no supo cómo actuar. Homero Simpson se ofreció a sacrificarse para salvar al resto de Springfield y recordó que Apu participó en sus equipos de boliche, cuartetos de barbería y bandas de versiones de rock para papás.

“Te dimos por sentado. Yo te di por sentado”, dijo Homero. El episodio estará disponible en Disney+ en los próximos días en varias partes del mundo.

La nueva adaptación cinematográfica de Street Fighter debutó con una recaudación superior a los USD 50 millones durante su primer fin de semana en salas. La película lleva al cine la franquicia de videojuegos de Capcom, compañía japonesa de videojuegos, con una historia centrada en sus luchadores y el torneo World Warrior.

Según Box Office Mojo, sitio especializado en el seguimiento de la taquilla cinematográfica, la producción superó los USD 50 millones en ingresos mundiales durante el período comprendido entre el 14 y el 18 de octubre. Su lanzamiento comenzó en varios mercados internacionales antes de llegar a las salas de Estados Unidos y Canadá.

La distribución está a cargo de Paramount Pictures, en virtud de un acuerdo global con Legendary Entertainment, productora cinematográfica estadounidense, anunciado en septiembre de 2025. Aunque el lanzamiento coincidió con la adquisición de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount, completada el 6 de octubre de 2026, ambas operaciones responden a procesos distintos: una es un contrato de distribución cinematográfica y la otra, una transacción corporativa.

Estados Unidos y Canadá aportaron el 60,5% de la recaudación mundial

El mercado estadounidense y canadiense aportó USD 30.775.377, equivalentes al 60,5% de los ingresos mundiales registrados por Street Fighter. La recaudación internacional sumó otros USD 20,1 millones, que representaron el 39,5% restante, según Box Office Mojo.

La película llegó a las salas de Estados Unidos el viernes 16 de octubre y se exhibió en 3.575 cines durante su fin de semana de apertura. En ese territorio, los ingresos del viernes alcanzaron USD 12,95 millones; el sábado sumaron USD 10,81 millones y el domingo, USD 7 millones.

Fuera de Norteamérica, el calendario de estreno comenzó el 14 de octubre en determinados países de Europa, Medio Oriente, África y Asia-Pacífico. Otros territorios, entre ellos México y Brasil, incorporaron la película a sus carteleras el 15 de octubre.

Los resultados corresponden a los ingresos por venta de entradas durante el lanzamiento inicial y no representan el rendimiento comercial definitivo de la producción.

Además, la taquilla bruta no equivale a los beneficios netos del estudio. Para determinar la rentabilidad de una película es necesario considerar los costos de producción, publicidad y distribución, así como los acuerdos económicos con las salas de exhibición.

Ryu, Ken y Chun-Li en el torneo World Warrior de 1993

La historia se sitúa en 1993 y sigue a Ryu, interpretado por Andrew Koji, y Ken Masters, interpretado por Noah Centineo. Ambos vuelven a encontrarse cuando Chun-Li, a quien interpreta a Callina Liang, los recluta para participar en el torneo World Warrior.

De acuerdo con la sinopsis difundida por Paramount Pictures, la competencia esconde una conspiración que obliga a los protagonistas a enfrentarse a su pasado y revisar su relación. La trama combina los combates característicos de los videojuegos con una historia que conecta a los principales personajes de la franquicia.

La dirección estuvo a cargo de Kitao Sakurai. El reparto también incluye a Jason Momoa, Curtis “50 Cent” Jackson, David Dastmalchian, Roman Reigns, Cody Rhodes, Vidyut Jammwal y Orville Peck, entre otros intérpretes.

La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos otorgó a la película la clasificación PG-13, que advierte que parte de su contenido puede no ser adecuado para menores de 13 años sin orientación de sus padres. La ficha de Box Office Mojo indica una duración de 1h59 y la clasifica dentro del género de acción.

La producción presenta una nueva adaptación de los personajes creados para la serie de videojuegos de Capcom. La franquicia comenzó en los salones de arcade en 1987 y posteriormente se extendió a distintas consolas, competencias profesionales y otras producciones audiovisuales.

La película de 2026 constituye una nueva versión cinematográfica de la propiedad intelectual, que ya había llegado a la pantalla grande con adaptaciones de acción real en 1994 y 2009. La nueva entrega presenta su propia interpretación de los personajes y del universo de combate de la saga.

El acuerdo Paramount-Legendary como modelo de distribución

La participación de Paramount en el proyecto responde a un convenio de distribución anunciado en septiembre de 2025. El acuerdo establece que el estudio se encargaría de comercializar y distribuir internacionalmente las películas producidas por Legendary Entertainment, con excepción de China, donde Legendary East gestiona esas actividades.

Las compañías identificaron a Street Fighter como el primer largometraje de la alianza. La producción reúne a Legendary y Capcom, propietaria de la franquicia de videojuegos, mientras Paramount asume la distribución cinematográfica en los territorios contemplados por el convenio.

Este tipo de contrato permite que una productora se apoye en la infraestructura comercial de otro estudio para llevar sus películas a distintos mercados. Entre las tareas de distribución se encuentran la coordinación de los estrenos, la organización de las campañas de lanzamiento y la gestión de la exhibición en los territorios incluidos en el acuerdo.

El convenio no convierte a Paramount en propietaria de Street Fighter. Capcom conserva un papel central por ser titular de la franquicia original, mientras Legendary participa en la producción de la adaptación. Cada compañía desempeña una función diferente dentro del proyecto.

El acuerdo también contempla excepciones para determinadas películas de Legendary que mantienen su distribución con Warner Bros. Pictures, entre ellas Dune: Part Three y Godzilla x Kong: Supernova. Por tanto, la alianza con Paramount no abarca automáticamente todos los títulos asociados a la productora.

La adquisición de Warner Bros. Discovery, diez días antes del estreno

Paramount anunció el 6 de octubre de 2026 que había completado la adquisición de Warner Bros. Discovery. Según el comunicado corporativo de Skydance, compañía de producción y entretenimiento, la operación reunió activos de cine, televisión, plataformas de streaming, noticias y otras áreas del entretenimiento bajo una misma estructura empresarial.

La compañía resultante integra estudios cinematográficos, servicios de streaming y marcas reconocidas, entre ellas HBO y CBS, además de las redes de televisión y los activos deportivos de ambas empresas. El comunicado también señaló que la entidad combinada proyectaba ampliar su producción anual de películas para salas.

La transacción se concretó diez días antes del estreno estadounidense de Street Fighter. Sin embargo, esa cercanía temporal no demuestra que la adquisición haya influido en los ingresos de la película ni en las decisiones relacionadas con su producción.

La distribución ya estaba definida por el acuerdo entre Paramount y Legendary, anunciado el año anterior. Por tanto, el vínculo directo entre Paramount y la película corresponde al convenio cinematográfico, mientras que la compra de Warner Bros. Discovery constituye un cambio en la estructura empresarial del grupo.

La adquisición sí modifica el contexto en el que opera la compañía, al reunir bajo una misma organización una cartera más amplia de estudios, producciones, plataformas y propiedades intelectuales. Su impacto sobre los futuros estrenos dependerá de las decisiones comerciales y de producción que adopte la empresa integrada.

En el caso de Street Fighter, los datos disponibles permiten describir la respuesta de las salas durante su apertura, pero no atribuir ese resultado a la compra corporativa.

El tráiler difundido por la plataforma adelanta un relato situado después de la explosión de gas que alteró la vida de un pueblo vasco y de las familias afectadas. La película no plantea una reconstrucción directa del accidente, sino que se centra en el vacío que deja la muerte de uno de los niños y en el modo en que sus seres cercanos afrontan esa ausencia.

Cuesta interpreta a Mariaje, la madre del menor fallecido. Elejalde da vida a Nicasio, su abuelo. Ambos comparten un mismo golpe, aunque el punto de partida del filme sitúa a cada personaje ante una respuesta distinta frente a la pérdida.

Mariaje y Nicasio buscan una salida al dolor

La explosión de gas, ocurrida en octubre de 1980 en una localidad vizcaína, conmocionó a la comunidad y tuvo repercusión en toda España. El niño toma aquella tragedia real como base para construir una ficción centrada en quienes deben continuar después del suceso.

Mariaje y Nicasio emprenden un recorrido marcado por emociones que no esperaban encontrar. La película observa cómo el duelo modifica los vínculos familiares, altera la relación con el entorno y obliga a sus protagonistas a buscar una manera propia de convivir con lo ocurrido.

El planteamiento evita colocar el accidente como único centro dramático. La atención recae en sus consecuencias íntimas: las conversaciones interrumpidas, el recuerdo del niño y la dificultad de aceptar que la vida cotidiana ha quedado partida en dos.

Barroso, que también firma el guion, explicó que la historia aborda la necesidad de descubrir una fuerza interior ante una experiencia extrema. “Solo cuando uno se expone a una situación extrema, y a la necesidad de superarla, es cuando descubre su verdadera fuerza”, señaló el cineasta sobre el sentido de la película.

La adaptación se aleja de una crónica literal de la tragedia

La novela de Fernando Aramburu sirve como punto de partida de un largometraje que prioriza el proceso emocional de sus personajes. La producción se aproxima así a los hechos reales desde una perspectiva de ficción, sin presentarse como una recreación documental del caso.

En ese marco, el viaje de Mariaje y Nicasio funciona como eje del relato. Los dos personajes buscan una respuesta a una pérdida imposible de reparar, pero sus caminos no necesariamente coinciden. La película propone que el dolor no admite una fórmula común y que cada familiar debe encontrar su propio modo de sostener la memoria.

Belén Cuesta, conocida por trabajos como La trinchera infinita o La casa de papel, vuelve a un registro dramático para encarnar a Mariaje. A su lado, Karra Elejalde incorpora a Nicasio, el abuelo que acompaña y atraviesa la tragedia desde otra generación.

El reparto incluye además a Pep Ambròs, Raquel Ferri, Joan Solé y Alex Infantes. Leyre Berrocal también figura entre los intérpretes de esta producción rodada entre distintas localizaciones del País Vasco y Madrid.

Barroso vuelve al cine con una historia de memoria y familia

El director Mariano Barroso cuenta en su filmografía con títulos como Éxtasis y Todas las mujeres, además de haber dirigido la serie La línea invisible. Por el guion adaptado de Todas las mujeres, escrito junto a Alejandro Hernández, recibió el Goya al mejor guion adaptado.

Con El niño, el realizador regresa a una historia atravesada por la memoria, la familia y la continuidad de la vida después de una pérdida. La propuesta se suma a las producciones de Netflix inspiradas en hechos reales, aunque en este caso el foco se sitúa lejos de la investigación del suceso.

“Descubro constantemente cosas nuevas sobre ella en cada guion”, dijo Wilson, de 57 años, en una entrevista con People. La intérprete explicó que su punto de partida es el material escrito y que prefiere descubrir el rumbo de Bailey a medida que recibe nuevas escenas, en lugar de imaginar de antemano qué debería ocurrirle.

Desde los primeros episodios, la cirujana atravesó cambios dentro y fuera del hospital. Su vínculo con Ben Warren, personaje encarnado por Jason George, los problemas de salud y las responsabilidades que asumió en el Grey Sloan Memorial modificaron su recorrido. En la temporada 23, además, aparece la posibilidad de que vuelva a estudiar.

Bailey evalúa una maestría para participar en las decisiones de salud pública

Los nuevos episodios, estrenados el 15 de octubre, retoman una idea que Bailey expresó en el cierre de la temporada 22: cursar una maestría en salud pública. La inquietud apareció después del derrumbe de un puente que, en la ficción, se relacionó en parte con los recortes de fondos estatales. A partir de esa experiencia, la médica busca tener “un asiento en la mesa” donde se definen las políticas que afectan al sistema de salud.

Wilson destacó ese aspecto de la historia porque presenta la educación como una posibilidad abierta en cualquier momento de la vida. “Me encanta esa parte porque nunca es demasiado tarde”, afirmó a People. Para la actriz, Bailey muestra que una persona puede retomar la formación, ampliar sus conocimientos o elegir un camino profesional diferente.

La intérprete cree que esa situación puede resultar cercana para quienes están pensando en su futuro. “Si puedo transmitirle a alguien, a través de Bailey, ‘esperá un momento, ¿por qué no vuelvo a estudiar?’, que tome esa idea y siga adelante”, expresó. Según Wilson, los personajes de la serie tienen llegada al público y, en ocasiones, pueden motivar decisiones personales.

Todavía no se informó si Bailey decidirá empezar la maestría. Sin embargo, la actriz manifestó que le interesa acompañar ese posible cambio, ya que permitiría mostrar a la cirujana en un ámbito distinto, vinculado con la salud pública y no solo con la atención diaria de los pacientes.

Los cambios en los guiones renuevan el recorrido de Miranda Bailey

A lo largo de la serie, pasó de ser una cirujana exigente, encargada de formar a los residentes, a ocupar puestos de mayor responsabilidad. Al mismo tiempo, las dificultades familiares, los conflictos laborales y las decisiones médicas complejas fueron definiendo su historia.

La actriz sostuvo que esas transformaciones impiden que el trabajo se vuelva repetitivo. “Puede aparecer un integrante nuevo de la familia, del que no sabía nada, o una dirección profesional diferente”, explicó. Cada novedad le plantea una pregunta concreta: cómo reaccionará Bailey ante una situación que nunca había vivido.

“Los guionistas siempre proponen algo que hay que tener en cuenta”, señaló. Wilson explicó que busca comprender qué aporta cada escena al personaje y construir una respuesta coherente con ese cambio, sin anticiparse a las decisiones creativas de la producción.

El paso de los años también modificó el elenco y las historias de la ficción. Aun así, Bailey continúa como uno de los personajes que unen los comienzos de la serie con su presente. Mientras tanto, nuevas generaciones de médicos llegan al Grey Sloan Memorial y encuentran en ella una figura de referencia.

La nueva temporada combinará cambios personales y casos médicos

Además de la decisión académica de Bailey, la temporada 23 incorporará cambios en las relaciones entre los personajes y nuevas emergencias médicas. Wilson adelantó que la serie conservará los elementos que el público reconoce, aunque las relaciones dentro del hospital tendrán situaciones diferentes.

“Van a encontrar las cosas a las que están acostumbrados, junto con novedades en las relaciones entre nuestros personajes”, declaró la actriz. De todos modos, aclaró que los casos médicos seguirán siendo el centro de los episodios.

“Tenemos casos médicos realmente fuera de lo común esta temporada”, anticipó. Esas historias incluirán urgencias, decisiones de los profesionales y consecuencias para quienes trabajan en el hospital.

Michael Douglas reveló que le pidió a Marvel que matara a su personaje en la saga de Ant-Man, pero que el estudio se negó a dejarlo salir del universo cinematográfico. El actor ganador del Oscar hizo la confesión en una entrevista reciente con el podcast Happy Sad Confused. Consultado sobre si eran ciertos los rumores de que quería que su personaje, Hank Pym, muriera dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), Douglas no dudó en confirmarlo. “Me habrían matado después de la segunda, pero no me dejaron”, respondió el actor.

La intención de abandonar la franquicia no es nueva. En 2024, durante una aparición en el programa The View, Douglas ya había detallado que su pedido estaba pensado para la tercera entrega de la saga, Ant-Man y la Avispa: Quantumania. Michael Douglas pidió a Marvel matar a su personaje con una secuencia de efectos especiales en la que Hank Pym se encogiera hasta el tamaño de una hormiga y explotara, según relató el propio actor. La idea buscaba aprovechar al máximo la tecnología visual de la franquicia antes de su salida definitiva.

“Esa fue mi petición para la tercera”, explicó Douglas en ese momento. “Dije que me gustaría tener una muerte seria, con todos esos grandes efectos especiales. Tiene que haber alguna forma fantástica en la que pueda encogerme al tamaño de una hormiga y explotar, lo que sea. Quiero usar todos esos efectos”. El actor también adelantó entonces que no esperaba continuar en el papel más allá de esa película. “Pero eso fue en la última. Ahora, no creo que vaya a aparecer para una cuarta”, afirmó.

Por qué se sumó al universo de superhéroes

Douglas debutó como Hank Pym, el Ant-Man original, en la película de 2015 titulada Ant-Man. El personaje regresó en tres ocasiones más dentro del MCU. Las siguientes apariciones del actor fueron en Ant-Man y la avispa (2018), Vengadores: Endgame (2019) y Ant-Man y la avispa: Quantumania (2023), esta última la película para la que había pedido la muerte de su personaje sin éxito. A pesar de su insistencia, Marvel optó por mantener con vida a Hank Pym en todas sus apariciones, incluida la de 2023, donde Douglas compartió elenco con Michelle Pfeiffer y Paul Rudd.

En la misma conversación con “Happy Sad Confused”, Douglas explicó los motivos que lo llevaron a unirse a Marvel en primer lugar. El actor dijo que nunca había filmado una película con pantalla verde y quería probar esa experiencia. “Dije: ‘Nunca he hecho una película de pantalla verde’”, relató Douglas sobre su decisión de sumarse al proyecto. “Les dije a todos mis agentes: ‘Me gustaría hacer una de estas películas de pantalla verde para ver cómo son’, ¿sabes? Porque es increíble. Es nada, solo una pantalla verde y te muestran las imágenes de cómo va a quedar cuando esté todo terminado”.

Sin embargo, el actor también reconoció las dificultades que implica ese tipo de rodaje. “Es una actuación difícil, hombre”, agregó. “Viene hacia ti por aquí, por allá, ya sabes… Hicimos Ant-Man y Paul Rudd fue un actor maravilloso, un grupo encantador, pero luego no puedes salir de eso”. Esa última frase resume el dilema que atravesó Douglas durante casi una década dentro del universo de superhéroes: una vez dentro de la franquicia, abandonarla no resultó tan sencillo como sumarse a ella. El actor permaneció ligado al personaje de Hank Pym desde 2015 hasta 2023, a pesar de su intención declarada de poner fin a esa etapa mucho antes. La próxima película de Marvel es la esperada Vengadores: Doomsday, aunque no se esperemos ver a Douglas en su reparto.

Tras su inesperado éxito, el documental sobre Elizabeth Holmes ya planea su carrera hacia los Oscar y podría convertirse en el principal rival de La bola negra en la temporada de premios. You Can See Everything, dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim, recaudó 15 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, una cifra que casi ningún documental alcanza en toda su explotación comercial. El filme, producido por A24, sigue a la fundadora de Theranos durante los 34 días previos a su ingreso en prisión, donde cumple una condena de once años y tres meses por fraude. La historia continúa después de ese momento, en un relato que combina realidad y puesta en escena bajo la dirección de Fielder.

You Can See Everything acumula un 99 en Metacritic y un 98% en Rotten Tomatoes. En plataformas de audiencia sostiene un 4,7 sobre 5 en Letterboxd y un 9,4 en IMDb, cifras registradas hasta el lunes 19 de octubre. Si la puntuación en IMDb se mantiene, la película superaría a Cadena perpetua (1994) como el filme mejor calificado de la historia en ese sitio, según los datos difundidos. Ese recibimiento crítico y comercial, inusual para un documental, es lo que impulsó a A24 a lanzar una campaña de Oscar que abarca prácticamente todas las categorías competitivas.

La comparación con La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis), surgió en medios especializados tras conocerse el fenómeno de You Can See Everything. La cinta española, distribuida en Estados Unidos por Netflix, representa a España en la carrera de los Oscar y venía siendo considerada la principal alternativa a La Odisea en la pelea por el premio mayor. La bola negra se convirtió en el segundo mejor estreno limitado en salas estadounidenses para una película en idioma distinto al inglés de Netflix, con 277.500 dólares recaudados en cuatro salas de Los Ángeles y Nueva York durante su fin de semana de debut. Atención a continuación, porque hay posibles spolers de You Can See Everything.

Un fenómeno de crítica sin precedentes

Según medios especializados, el surgimiento de You Can See Everything le ha quitado parte del protagonismo a la película española justo en el fin de semana de su estreno estadounidense. El hito histórico que supondría que un título español entrara en la categoría de mejor película podría quedar eclipsado si es un documental el que finalmente lo logra. Ningún documental fue nominado a mejor película en las 98 ceremonias previas de los Oscar. El éxito de taquilla y crítica de You Can See Everything alimenta la posibilidad de que rompa ese techo histórico, aunque el recorrido habitual de la temporada de premios todavía representa un obstáculo tanto para el filme de Fielder como para la cinta de Los Javis.

Según el sitio de premios de A24, el filme será elegible para mejor documental en la 99ª entrega de los Oscar, pero también se presentará en mejor película, con Fielder, Oppenheim, Tatiana Bears, Maggie Ambrose y Jack Davis como productores. La postulación incluye además dirección (Fielder y Oppenheim), diseño de producción (Alex DiGerlando y Rebecca Meis), fotografía (David Bolen), diseño de vestuario (Katina Danabassis), edición (Adam Locke-Norton), maquillaje y peinado (Stephanie Pasicov y Kerrie Smith), sonido (Paul Hsu y Richard Carlos) y banda sonora original (Ari Balouzian).

Nathan Fielder se baja

Variety confirmó que Amanda Seyfried, acreditada en el filme como Elizabeth Holmes, es elegible para las categorías actorales de los Oscar. La actriz también aparece interpretándose a sí misma mientras retoma el papel de Holmes, por el que ya ganó un Emmy en The Dropout. Seyfried será impulsada en la categoría de mejor actriz de reparto. Una nominación significaría la segunda de su carrera, después de la que obtuvo por Mank (2020), y llegaría por interpretar dos personajes a la vez: ella misma y la mujer que ya le valió un Emmy.

Fielder, acreditado como él mismo en el filme, podría ser elegible para postularse como intérprete, pero Variety confirmó que no lo hará. La decisión evita un hecho que nunca ocurrió en la historia de la Academia: ningún actor fue nominado al Oscar por interpretarse a sí mismo. El antecedente más cercano llegó con otro título de A24, Sing Sing (2024), donde el coguionista y protagonista Clarence Maclin, un hombre previamente encarcelado que interpretó una versión de sí mismo, construyó una candidatura real a mejor actor de reparto que terminó sin nominación.

Christopher Abbott, quien interpreta en escenas recreadas a Billy Evans, esposo de Holmes, también es elegible para mejor actor de reparto. Fuentes cercanas a la campaña de premios señalaron que el impulso actoral se concentrará en Seyfried, independientemente de la elegibilidad de Abbott. La distribuidora Avalon confirmó que You Can See Everything llegará a los cines españoles el 12 de febrero de 2027, bajo el título Ver Para Creer. El anuncio llegó acompañado de un tráiler oficial de la cinta.

Antes de convertirse en uno de los estudios de grabación más reconocidos de la historia de la música, Abbey Road Studios, ubicado en el norte de Londres, fue una residencia privada construida en el siglo XIX.

Décadas antes de recibir a los Beatles y a otros artistas internacionales, la propiedad quedó vinculada con la misteriosa muerte de una mujer, un caso que dio origen a relatos sobre una supuesta presencia paranormal en sus instalaciones.

Desde su apertura como estudio de grabación, el recinto ha recibido a músicos y agrupaciones como los Beatles, Pink Floyd, Queen, Aretha Franklin y Kate Bush.

Sin embargo, parte de su historia se remonta a 1831, año en que se construyó la casa de nueve habitaciones que posteriormente albergaría las instalaciones musicales.

Una de las historias más conocidas sobre el inmueble es la de la llamada «Dama de Blanco», una figura que, según testimonios recogidos durante el siglo XX, habría sido vista recorriendo los pasillos del edificio durante la noche.

La mujer ha sido identificada popularmente como Edith Rosse, una antigua estrella del music hall que vivió en la propiedad durante las primeras décadas del siglo pasado.

De acuerdo con una carta de Ken Townsend, ingeniero de grabación que trabajó en Abbey Road entre 1950 y 1995, obtenida por el diario The Telegraph, el personal de seguridad del estudio informó sobre supuestos encuentros con una mujer vestida de blanco.

“El personal de seguridad nocturna, que en aquel momento estaba formado por los señores Smythe y Blyth, se quejaba de que, durante la madrugada, el fantasma de Abbey Road bajaba por el pasillo, la puerta se abría y una mujer vestida de blanco pasaba frente a ellos”, relató.

Los testimonios contribuyeron a consolidar las historias sobre la supuesta aparición, aunque no existe evidencia verificable que confirme la presencia de un fenómeno paranormal en el edificio.

Las historias relacionadas con el inmueble no se limitan a la figura de la mujer de blanco.

Studio Sound Magazine también recogió relatos sobre puertas que se abrían y cerraban sin intervención aparente, habitaciones en las que se percibía un intenso olor a perfume y una supuesta mancha de sangre en una de las habitaciones del ático que cambiaba de color.

La historia de Edith Rosse

La identidad atribuida a la llamada Dama de Blanco está relacionada con Edith Rosse, quien residió en la propiedad junto a John Maundy Gregory, un hombre que se instaló allí durante la década de 1920.

Aunque se creía que ambos mantenían una relación matrimonial, los relatos históricos señalan que su vínculo era platónico. Según la información publicada por The Telegraph, Gregory convenció a Rosse de modificar su testamento para favorecerlo como beneficiario.

Sin embargo, la mujer murió pocos días después de realizar el cambio, una coincidencia temporal que posteriormente generó sospechas sobre las circunstancias de su fallecimiento.

La causa oficial de muerte fue una hemorragia cerebral y la enfermedad de Bright, una denominación médica histórica asociada con afecciones renales.

Pese a ese diagnóstico, las dudas sobre un posible envenenamiento llevaron a un inspector a ordenar la exhumación del cuerpo para realizar nuevas investigaciones. No obstante, el avanzado estado de descomposición impidió que los investigadores llegaran a una conclusión definitiva.

Según la revista especializada Studio Sound Magazine, John Maundy Gregory había enterrado a Rosse en un ataúd sin sellar, en un cementerio cercano al río Támesis, circunstancia que habría dificultado el análisis posterior de sus restos.

Por ello, las sospechas sobre las causas de su muerte no se tradujeron en una conclusión que confirmara un posible envenenamiento.

Miley Cyrus compartió una historia personal sobre Dolly Parton durante la segunda presentación de su espectáculo en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, el domingo 18 de octubre.

Antes de interpretar “Jolene”, la cantante recordó a su madrina, fallecida el 25 de agosto a los 80 años, y relató una experiencia que, según contó, ocurrió en su casa mientras intentaba comunicarse con ella.

La artista, de 33 años, regresó al escenario del emblemático recinto californiano para la segunda fecha de Bass Persuades Live, una serie de conciertos vinculada con su décimo álbum de estudio, Bass Persuades, publicado el 18 de septiembre.

Durante el espectáculo del domingo, Miley Cyrus explicó que conserva en su habitación un maniquí de Dolly Parton que recibió como regalo de Navidad de la propia cantante.

Según relató, una noche decidió reproducir “Jolene” frente a la figura, mientras sostenía su teléfono para grabar el momento y encendía una vela.

La intérprete contó que también colocó una flor y pidió una señal que le permitiera saber si su madrina estaba presente. “Dolly, si estás aquí ahora mismo, haz que las luces parpadeen”, recordó haber pensado.

Cyrus aseguró que, después de esa petición, las luces de todo el pasillo comenzaron a parpadear.

También señaló que su prometido, Maxx Morando, se encontraba en la casa en ese momento y podía confirmar lo ocurrido, aunque, según explicó, él desconocía lo que ella había pedido.

Durante su intervención ante el público, la cantante expresó que sentía la presencia de Dolly Parton durante el concierto y que recordar a su madrina le ayudaba a afrontar las emociones que experimentaba sobre el escenario.

“Sé que Dolly está aquí conmigo esta noche, y estoy experimentando algunos de los sentimientos que más temo, pero tenerla aquí conmigo me ayuda a superarlo, y tenerte a ti aquí conmigo también me ayuda a superarlo. Así que, cueste lo que cueste, este programa es para ustedes. Y para Dolly”, dijo.

La cantante volvió a emocionarse durante otro momento de la presentación, cuando sostuvo una fotografía enmarcada de su madrina e invitó a los asistentes a cantar “Used to Be Young”. “Dejen que mi tía Dolly los escuche”, pidió al público.

El homenaje también estuvo presente durante la primera fecha del espectáculo, celebrada el viernes 16 de octubre. En aquella ocasión, Miley Cyrus interpretó “Jolene” y lloró sobre el escenario mientras recordaba a la artista de música country.

Además del tributo, la intérprete abordó las críticas que recibió por su actuación del viernes. Antes de cantar “Something Beautiful”, habló sobre la importancia de mostrarse vulnerable y explicó que su relación con los escenarios ha cambiado con el tiempo.

“Me enorgullezco de ser dulce y fuerte a la vez. Eso es algo que me encanta de mí: puedo ser vulnerable. Nunca he oído decir que no me entrego por completo a lo que hago”, expresó.

La cantante aseguró que su presencia en el escenario no era un experimento con el público, sino una experiencia personal que sus seguidores hacían posible.

“Soy muchas cosas, y ni siquiera vamos a entrar en ese tema porque todos ustedes me han acompañado el tiempo suficiente para saber que cada vez que hago algo significativo, eso va a ser un trampolín en mi vida, en mi carrera, para impulsarme hacia adelante no solo para ser la artista, sino la persona que quiero ser”, indicó.

Asimismo, afirmó que se encontraba plenamente concentrada en el momento que compartía con ellos.

Kate Cassidy, quien mantenía una relación sentimental con Liam Payne al momento de su muerte, compartió una reflexión sobre el duelo y su proceso de recuperación emocional, a dos años del fallecimiento del exintegrante de One Direction.

A través de una publicación en Instagram, la joven habló sobre los cambios que ha experimentado durante este periodo y confirmó que ha comenzado a salir nuevamente con otras personas.

El cantante murió en octubre de 2024, a los 31 años, tras caer desde el balcón de un alojamiento en Argentina. En ese momento, mantenía una relación con Cassidy, con quien había comenzado a salir en 2022. Desde entonces, ella ha compartido mensajes y recuerdos del cantante en sus redes sociales.

En su más reciente publicación, la creadora de contenido explicó que el proceso de duelo ha cambiado su manera de afrontar la pérdida y señaló que la recuperación emocional no significa dejar atrás a la persona fallecida.

“Mi novio falleció hace dos años y estas son algunas de las cosas que he aprendido durante este tiempo. Sanar no significa que lo hayas superado; mi mentalidad ahora es totalmente diferente a la de hace dos años o incluso hace un año. De verdad, cuando pienses que las cosas no van a mejorar, te prometo que sí mejoran”, escribió.

Kate Cassidy señaló que, aunque el paso del tiempo puede ayudar a afrontar la pérdida, no necesariamente elimina el dolor.

“Hay un dicho que afirma que el tiempo cura todas las heridas, pero, para ser sincera, no las cura por completo. Y el hecho de que pase el tiempo no significa que tu dolor vaya a desaparecer; supongo que simplemente aprenderás a sobrellevarlo mejor”, expresó.

Cassidy también explicó que su estado emocional varía. Según relató, hay días en los que se siente bien y puede continuar con sus actividades habituales, mientras que en otros momentos experimenta tristeza y dificultades para salir de casa.

Uno de los puntos centrales de su mensaje fue la posibilidad de recuperar la felicidad después de una pérdida. “Tienes permitido volver a ser feliz y mereces volver a ser feliz”, afirmó, al referirse a quienes atraviesan experiencias similares.

En ese contexto, Kate Cassidy confirmó que ha comenzado a tener citas. Explicó que, después de dos años, se encuentra en una etapa en la que ha salido con distintas personas y ha tenido experiencias tanto positivas como negativas.

La joven sostuvo que continuar con su vida no implica olvidar a Payne ni dejar atrás el vínculo que compartieron.

“Estoy aprendiendo que seguir adelante no siempre significa dejar a alguien atrás”, expresó. También aseguró que mantiene al cantante presente en su vida y que siempre ocupará un lugar especial en su corazón.

La publicación se produce después de que Kate Cassidy recibiera críticas en redes sociales por unas imágenes en las que aparecía preparando helado con un hombre cuya identidad no reveló.

Algunos usuarios cuestionaron el momento en que compartió esos videos, coincidiendo con el segundo aniversario de la muerte de Liam Payne, y otros hicieron comentarios sobre el parecido físico entre el hombre y el cantante.

Antes de esa publicación, Cassidy había recordado a Payne con un mensaje por su cumpleaños número 33, acompañado de imágenes y recuerdos relacionados con su relación.

Al Pacino construyó una de las carreras más reconocidas de la actuación estadounidense a partir de personajes de enorme intensidad, desde Michael Corleone en la trilogía de El Padrino hasta Frank Serpico, Tony Montana en Scarface, Sonny Wortzik en Tarde de perros y Frank Slade en Perfume de mujer. Nacido en Nueva York como Alfredo James Pacino, comenzó en el teatro durante la década de 1960 y alcanzó notoriedad internacional tras su elección para la película de Francis Ford Coppola de 1972.

Su trabajo se extendió durante más de seis décadas entre cine, televisión y escenarios. En los últimos años encarnó a Jimmy Hoffa en El irlandés, de Martin Scorsese, actuación que le valió su novena nominación al Oscar, y participó en títulos como Érase una vez en Hollywood, La casa Gucci y Knox Goes Away. También mantuvo su vínculo con el teatro y sumó reconocimientos como dos premios Tony, dos Emmy y el premio Cecil B. DeMille.

A los 86 años, el actor será distinguido con el Premio SAG-AFTRA a la Trayectoria Profesional, un galardón que entrega el Sindicato de Actores de Cine-Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio, entidad que representa a intérpretes y trabajadores de los medios en Estados Unidos.

Al Pacino será premiado por su trayectoria

Se trata del máximo reconocimiento que concede el Sindicato de Actores de Cine-Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio. La distinción reconoce su trabajo en cine, televisión y teatro durante más de 60 años, además de sus aportes humanitarios.

La organización, conocida por sus siglas en inglés como SAG-AFTRA, reúne a cerca de 160 mil profesionales del entretenimiento y los medios de comunicación en Estados Unidos, entre ellos actores, locutores, periodistas, bailarines, cantantes y especialistas. El galardón se entrega cada año a un intérprete que represente los más altos ideales de la profesión.

Al Pacino se convertirá en el 62.º ganador del premio, que ya recibieron figuras como Katharine Hepburn, Paul Newman, James Earl Jones, Jane Fonda y Harrison Ford. Según el comunicado del sindicato, el reconocimiento contempla tanto su trayectoria artística como sus iniciativas de ayuda ante desastres naturales, combate contra el hambre y la pobreza, y respaldo a compañías teatrales locales.

La ceremonia tendrá lugar el 28 de febrero de 2027 en el Shrine Auditorium & Expo Hall de Los Ángeles, durante la 33.ª edición de los Premios de Actores. Netflix transmitirá el evento en directo y el anuncio fue realizado por la entidad el 15 de octubre, de acuerdo con Reuters y AP.

El actor agradeció la distinción en una declaración difundida por la entidad: “He vagado y explorado durante gran parte de mi vida, pero siempre me he sentido como en casa con un guion y mis compañeros actores”. Luego añadió: “El trabajo y los actores con los que he compartido este camino han sido algunas de las mayores alegrías de mi vida”.

El presidente de SAG-AFTRA, Sean Astin, justificó la decisión al destacar la influencia del célebre intérprete sobre varias generaciones. “Al verlo actuar, uno presencia a un alumno y a un maestro”, afirmó en el comunicado. También lo definió como un artista de “valentía, intensidad y pasión”, cuya obra estableció un estándar dentro de la actuación.

Una carrera llena de distinciones

La carrera de Al Pacino acumuló premios en cine, televisión y teatro. El actor obtuvo un Oscar como mejor actor por Perfume de mujer en 1993 y recibió nueve nominaciones de la Academia a lo largo de su trayectoria.

También ganó cuatro Globos de Oro: por Serpico, Perfume de mujer, Angels in America y You Don’t Know Jack. La organización le concedió además el premio Cecil B. DeMille en 2001, una distinción honorífica que reconoce las contribuciones de una figura a la industria cinematográfica.

En televisión, el neoyorquino recibió dos premios Emmy como mejor actor en miniserie o película para televisión. Los obtuvo por su interpretación de Roy Cohn en Angels in America, y del médico Jack Kevorkian en You Don’t Know Jack. Ambos papeles también le valieron premios individuales del Sindicato de Actores de Cine-Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio.

Su recorrido en los escenarios le dio dos premios Tony: el primero en 1969 por Does a Tiger Wear a Necktie? y el segundo en 1977 por The Basic Training of Pavlo Hummel. Esos triunfos, sumados al Oscar y a los Emmy, lo ubicaron entre los intérpretes que completaron la llamada Triple Corona de la actuación en Estados Unidos.

Entre sus otras distinciones figuran el Premio a la Trayectoria del American Film Institute, la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos, el Kennedy Center Honor y el León de Oro a la Trayectoria del Festival de Venecia.

Rod Stewart, de 81 años, ofreció una actualización sobre su estado de salud tras someterse a un procedimiento cardíaco en agosto.

El músico habló sobre su recuperación durante su asistencia a una función benéfica de Sinatra the Musical, celebrada el jueves 15 de octubre en el teatro Aldwych, ubicado en el West End de Londres, donde estuvo acompañado por su esposa, Penny Lancaster.

Al ser consultado por el diario Daily Mail sobre cómo se encontraba después de la intervención, el intérprete de “Maggie May” respondió que se sentía “fantástico” y comentó que recientemente había nadado 400 metros.

La declaración se produjo dos meses después de que se sometiera a un procedimiento de colocación de un stent coronario. La intervención llevó al artista a cancelar el resto de sus presentaciones programadas para 2026, con el objetivo de atender su salud.

El procedimiento se realizó después de que experimentara dificultades durante una presentación en Utah, en junio, cuando necesitó utilizar una mascarilla de oxígeno y estuvo cerca de desmayarse en el escenario.

Posteriormente, su esposa, Penny Lancaster, de 55 años, compartió detalles sobre los problemas de salud que había enfrentado el cantante.

Durante una participación en el pódcast At Home with Vanessa, conducido por Vanessa Feltz, explicó que Rod Stewart había atravesado un par de episodios de infecciones de las vías respiratorias superiores.

Lancaster señaló que algunas de las presentaciones se habían realizado en lugares situados a gran altitud, una condición que, según explicó, podía afectar a cualquier persona.

Sin embargo, indicó que en ese momento desconocían que el músico también tenía un problema cardíaco.

“Detectaron una ligera obstrucción que requería la colocación de un stent, algo que, según numerosas investigaciones, parece ser necesario en la mayoría de las personas mayores de 65 años”, dijo.

El stent coronario se utiliza para mantener abierta una arteria y facilitar el flujo sanguíneo cuando existe una obstrucción. Asimismo, explicó que la estrella del rock cuenta con un grupo de personas que se aseguran de que se lo tome con calma a partir de ahora.

“Entre mi hermano, su entrenador, los médicos y todos los demás, no vamos a dejar que se salga con la suya... tiene que hacer lo que se le dice”, comentó.

La intervención fue seguida por la suspensión de sus compromisos musicales restantes para este año.

Pese a la cancelación de los conciertos de 2026, Rod Stewart anunció en septiembre una nueva gira para 2027, titulada The Final Encore Tour. El cantante presentó el proyecto como su última gira de rock, aunque aclaró que no tiene previsto retirarse por completo de la industria musical.

“Después de mucha deliberación y tristeza, tengo que anunciar que el próximo año será mi última gira, para siempre”, escribió el artista en Instagram el 28 de septiembre.

En el mismo mensaje, precisó que no se retirará, pero que dejará de realizar giras de rock una vez concluya este recorrido.

La agenda anunciada contempla presentaciones en Estados Unidos, incluidos Florida, Georgia y Colorado, así como en Canadá, Irlanda, Inglaterra, Escocia, Irlanda del Norte y otros países de Europa continental.

Stewart también aprovechó el anuncio para agradecer a sus seguidores por el apoyo recibido durante su carrera e invitarlos a asistir a los conciertos previstos para el próximo año.

Solo seis semanas después de convertirse en madre, Barbara Palvin regresó a la pasarela del desfile de moda de Victoria’s Secret 2026 en Los Ángeles, con su esposo, el actor Dylan Sprouse, como su mayor admirador desde la primera fila.

La modelo húngara de 33 años dio a luz a su primera hija, una niña llamada Sylvie, en septiembre, y su vuelta a las pasarelas no pasó desapercibida en una noche que marcó el regreso del evento a la ciudad californiana tras 19 años.

En una entrevista con Zanna Roberts Rassi, conductora del pódcast Wildmen, Sprouse, de 34 años, aseguró que su esposa había estado “trabajando muchísimo” para prepararse para el desfile. “Me asombra cómo logra mantener la compostura y hacerlo bien cada vez”, declaró el actor, con quien Palvin se casó en julio de 2023, según recogió PEOPLE.

El también protagonista de Zack y Cody: Gemelos en Acción confesó que el desfile le depara sorpresas año tras año. “Ella no me cuenta el orden de las cosas ni cómo se desarrollan. Me sorprende un poco. A veces veo sus caras, como si ya las hubiera visto antes, pero estoy muy emocionado por ver qué nos depara este año”, añadió, de acuerdo con el medio.

Sprouse también reveló que su esposa había practicado su caminata la noche anterior al evento. “Le dije que se veía genial… se veía natural”, aseguró en declaraciones recogidas por Us Magazine.

Palvin desfiló con dos looks y también cargó con una lesión en el pie

La modelo no solo enfrentó el desafío de regresar a la pasarela pocas semanas después del parto: según relató Sprouse en la alfombra rosa, Palvin se había fracturado el pie cuatro semanas antes del desfile y caminó sobre una lesión a medio sanar, informó PEOPLE.

A pesar de las dificultades, la modelo húngara lució dos conjuntos durante la velada en los Sony Pictures Studios de Culver City. El primero fue un romántico camisón rosa transparente con inscripciones caligráficas, que combinó con un peinado suelto y maquillaje en tonos rosados. Su segundo look incluyó las icónicas alas gigantes de la marca, que acompañó con un corpiño blanco con incrustaciones de pedrería y ropa interior a juego, según detalló Us Magazine.

Sprouse se puso de pie en varias ocasiones desde la primera fila para filmar y aplaudir a su esposa, e incluso le lanzó un beso mientras ella desfilaba.

Antes de salir a la pasarela, Palvin habló con PEOPLE entre bastidores y restó dramatismo a su regreso. “Mañana cumpliré seis semanas posparto, que es, creo, cuando la mayoría de la gente en Estados Unidos tiene que volver al trabajo. Así que no es para tanto”, afirmó la modelo.

La ex ángel de Victoria’s Secret también calificó la decisión de la marca de incluirla en el desfile como un gesto significativo. “Creo que es muy empoderador que el equipo de Victoria’s Secret me tenga en el desfile y que estemos apoyando a las mujeres”, aseguró en la misma entrevista.

El actor reveló que su hija ya se ríe de sus chistes

Sprouse también compartió detalles sobre su nueva vida como padre. Según contó, la recién nacida ya se “reía” de sus bromas, algo que interpretó como una señal definitiva de aceptación. “Así que, oficialmente estoy dentro, amigo”, bromeó.

El actor no ocultó su fascinación por el parecido de Sylvie con su madre. “Por suerte, tiene los preciosos ojos azules de Barbara. ¡Y son enormes! Si todo va bien, heredó mi sentido del humor y todo lo demás de Barbara”, afirmó ante PEOPLE.

En declaraciones a E! News, reveló las realidades menos glamurosas de la crianza. “Lo que más me ha sorprendido es lo insensible que me he vuelto a los fluidos corporales”, admitió. “Supongo que es lo normal cuando se tiene un bebé. Están por todas partes todo el tiempo”.

El anuncio del embarazo en Cannes y la llegada de Sylvie

La pareja había revelado la noticia de su embarazo el 14 de mayo, durante la 79.ª edición del Festival de Cannes, y en junio confirmaron que esperaban una niña. El 28 de septiembre, Sprouse y Palvin anunciaron el nacimiento de su hija a través de una publicación conjunta en Instagram con la frase: “Nos tomamos el Día del Trabajo en sentido literal este año”, en referencia al feriado estadounidense del 7 de septiembre, fecha en la que habría nacido Sylvie, según recogieron PEOPLE y Cosmopolitan.

El nombre de la niña fue revelado por Sprouse en un episodio de su pódcast Wildmen el 29 de septiembre. “Hay un momento en el que miro a Sylvie y digo: ‘Esto es lo más genial que existe’. Me está mirando, y sus ojos se abren. Tiene una pequeña ventana de vigilia durante el día, me mira, sonríe o algo así, y es lo más tierno”, compartió el actor, según citó Cosmopolitan.

Dos días antes del desfile, Victoria’s Secret confirmó la participación de Palvin con un video promocional en el que la modelo aparecía junto a un cochecito con un cartel que decía “Angel on Board” (ángel a bordo). En el clip, la húngara anunciaba: “Estoy de vuelta”, y luego pedía silencio para no despertar a su bebé, según informó PEOPLE.

Palvin describió la maternidad como “una montaña rusa”

En declaraciones a PEOPLE tras bambalinas, la modelo, quien celebró su primer cumpleaños como madre el 8 de octubre, reflexionó sobre la experiencia de criar a su primera hija. “Es una aventura, divertida, pero también aterradora. Es como una montaña rusa”, describió.

Palvin también dedicó palabras a su esposo. “Dylan es genial. Siempre quiso ser papá, y creo que es un padre increíble para una niña. Creo que estaba destinado a serlo. No lo sabía antes, pero así era”, afirmó. Y añadió que el actor estuvo filmando esa semana y no pudo pasar tiempo con la bebé, pero regresó para acompañarla en el desfile.

Antes de que la modelo saliera a la pasarela, Sprouse le dedicó un mensaje público a través de sus historias de Instagram. “Orgulloso de mi esposa, que se lanzó directamente al desfile de Victoria’s Secret después del parto. ¡Es diferente!”, escribió, y añadió: “¡No sé de dónde sacas tanta energía, pero vaya!”.

El desfile reunió a figuras consagradas, debutantes y un elenco musical femenino

El regreso del evento a Los Ángeles, luego de dos ediciones consecutivas en Nueva York, convocó a modelos veteranas como Gigi Hadid, Adriana Lima, Candice Swanepoel, Ashley Graham y Elsa Hosk —quien volvió a la pasarela tras ocho años de ausencia—, junto con figuras más recientes como Alex Consani, Anok Yai y Paloma Elsesser, según informaron Vogue y Harper’s Bazaar.

La velada también tuvo debutantes de alto perfil: Natalia Bryant, hija de la leyenda del baloncesto Kobe Bryant, pisó por primera vez la pasarela de la marca. Sin embargo, la sorpresa de la noche fue la aparición de Kylie Jenner, quien salió a escena durante la actuación de Megan Thee Stallion luciendo unas enormes alas blancas con plumas, según consignó Harper’s Bazaar.

El elenco musical estuvo compuesto íntegramente por artistas femeninas. Megan Moroney abrió la velada con los temas “6 Months Later” y “Wish I Didn’t”; Tate McRae estrenó la coreografía de su nuevo sencillo “Housewife”; el grupo Katseye interpretó “Pinky Up” y “Animal” de su álbum Wild; y Megan Thee Stallion cerró el desfile con “Her” y “Body”, según detalló Harper’s Bazaar. La transmisión fue gratuita a través del canal oficial de YouTube de Victoria’s Secret.

Richard Riehle, conocido por interpretar a Tom Smykowski en la comedia Office Space (1999), falleció a los 78 años en Los Ángeles, California. De acuerdo con información publicada por TMZ, el intérprete murió por causas naturales el jueves 15 de octubre de 2026.

El actor desarrolló una carrera de varias décadas en cine, televisión y teatro, con participaciones en numerosas producciones de Hollywood.

Su trayectoria se caracterizó por una amplia variedad de personajes secundarios, tanto en comedias como en dramas, que lo llevaron a trabajar en películas, series televisivas y obras teatrales.

Nacido en 1948 en Menomonee Falls, Wisconsin, Riehle estudió en la Universidad de Notre Dame, donde obtuvo su título universitario, y posteriormente cursó una maestría en Bellas Artes en la Universidad de Minnesota.

Su primera aparición cinematográfica llegó en 1975, cuando participó en Rooster Cogburn, película protagonizada por John Wayne y Katharine Hepburn.

Antes de consolidar su presencia en la pantalla, el actor trabajó de manera constante en el teatro regional.

En 1986 debutó en Broadway con la obra Execution of Justice. Años después regresó a los escenarios neoyorquinos con dos producciones destacadas: The Iceman Cometh, en 1999, y The Man Who Had All the Luck, en 2002.

Uno de los papeles más reconocidos de su carrera fue el de Tom Smykowski, gerente de producto de software, en Office Space, comedia escrita y dirigida por Mike Judge que se estrenó en 1999.

La película retrata las frustraciones de un grupo de empleados dentro de una empresa y se convirtió en uno de los títulos más identificados con la trayectoria del actor.

Entre 2001 y 2005, Richard Riehle también interpretó a Walt Finnerty en la comedia televisiva de Fox Grounded for Life.

A lo largo de su carrera participó, además, en distintas producciones de la franquicia Star Trek y tuvo una aparición como actor invitado en Barry, la serie de comedia protagonizada por Bill Hader, en 2023.

Su filmografía cinematográfica incluyó títulos como De ratones y hombres (1992), El fugitivo (1993), Jury Duty (1995), Deuce Bigalow: Gigoló (1999) y De boda en boda (2005). Estas participaciones formaron parte de una extensa lista de créditos que abarcó diferentes géneros y etapas de la industria audiovisual estadounidense.

Otro de los personajes recurrentes de Riehle fue el de Santa Claus, figura que interpretó en ocho producciones.

Entre ellas se encuentran la película Our First Christmas, estrenada en 2008, y la comedia A Very Harold & Kumar 3D Christmas, de 2011. También participó en diversas películas originales del canal Hallmark, varias de ellas vinculadas con historias familiares y navideñas.

En años recientes, el actor continuó trabajando en nuevos proyectos. En noviembre de 2024 asistió al preestreno de Holiday Touchdown: A Chiefs Love Story, una producción de Hallmark. Durante 2026, figuró en el reparto de las películas The Cowboy Killer y Boris Is Dead, dos de sus trabajos más recientes.

La carrera de Richard Riehle abarcó más de cinco décadas de actividad artística, con participaciones en producciones cinematográficas, series de televisión y montajes teatrales.

Britney Spears publicó un nuevo video en su cuenta de Instagram el sábado 17 de octubre, en el que compartió reflexiones personales sobre la autenticidad, las críticas que ha recibido y su trayectoria.

La artista, de 44 años, acompañó las imágenes con un mensaje en el que afirmó que el mundo ha sido “hostil” con ella, aunque aseguró que continúa adelante con su vida y sus proyectos personales.

En el video, grabado en una sala con iluminación tenue, la cantante aparece con un suéter estampado que se quita frente a la cámara. Después, luce una blusa blanca anudada por debajo del pecho, una minifalda gris y botas rojas.

Durante la grabación, la cantante posa en distintas ocasiones y sonríe a la cámara, mientras suena de fondo la canción “Baby Did a Bad Thing”, del músico Chris Isaak.

La publicación estuvo acompañada de un texto en el que la intérprete de Baby One More Time hizo referencia a la imagen que proyectaba cuando era más joven y a las tendencias actuales entre otras artistas.

“Muchas chicas el año pasado han adoptado por completo la imagen que yo solía tener cuando era más joven. Y bueno, eso está bien, pero al menos la mía era auténtica”, escribió.

Por si fuera poco, Britney Spears recordó que durante su etapa escolar se consideraba una persona tímida o poco popular y expresó su percepción de que “el mundo se ha vuelto falso”.

En el mismo mensaje, sostuvo que le parecía lamentable que las personas que se muestran genuinas reciban críticas y comentó que algunas personas de su entorno le han aconsejado comportarse de manera diferente.

“En realidad soy demasiado amable en la vida real y ese es el problema... a todas las chicas que dicen que soy historia... ¡SOY PROFECÍA!’”, declaró.

Y añadió: “Soy la típica chica de la escuela Apple B que hacía volteretas hacia atrás y saltos mortales hacia atrás y se enamoraba de la gente en cada set al que iba... esos años fueron preciosos, tan joven e ingenua. El mundo me ha odiado y sigo en pie, viviendo y soñando”.

Al final de su publicación, la cantante expresó sus planes de compartir fotos de su viaje a Italia “pronto”, antes de añadir: “Aunque quiero guardarlas para mí. PD: Sin maquillaje pareces mucho más joven”.

La actividad reciente de Britney Spears en redes sociales también coincide con otras noticias relacionadas con su carrera y su vida personal.

Este mes, compartió la canción inédita “She’ll Never Be Me”, grabada originalmente para su álbum Britney, publicado en 2001, y en cuya composición y letra participó su expareja Justin Timberlake.

El lanzamiento se produjo antes de la edición del vigesimoquinto aniversario del disco, prevista para el 6 de noviembre.

La publicación se produjo pocos días después de que la cantante fuera vista en Nueva York, donde acudió a almorzar al restaurante mediterráneo RinTinTin.

Durante esa salida, estuvo acompañada por personal de seguridad y, una vez dentro del establecimiento, se cubrió el rostro con una bufanda y utilizó gafas de sol.

En una entrevista publicada el 16 de octubre por The Hollywood Reporter, la escritora estadounidense —cuya trilogía distópica superó los 35 millones de copias vendidas en todo el mundo— abordó por primera vez con detalle los motivos que impidieron completar la saga en la pantalla grande.

“Creo que en ese momento todos los actores habían avanzado. Todos habían seguido adelante y no íbamos a retroceder”, afirmó Roth al medio.

Lionsgate dividió el libro final en dos películas y la apuesta le salió cara

La saga literaria arrancó en 2011 con Divergent, seguida por Insurgent (2012) y Allegiant (2013). Las adaptaciones cinematográficas, protagonizadas por Shailene Woodley como Beatrice “Tris” Prior y Theo James como Tobias “Four” Eaton, llegaron a las salas entre 2014 y 2016, con un reparto que también incluyó a Kate Winslet, Ansel Elgort, Miles Teller y Zoë Kravitz.

Siguiendo la fórmula que funcionó para Harry Potter, Crepúsculo y Los juegos del hambre, el estudio anunció en abril de 2014 que el tercer libro se dividiría en dos largometrajes: Allegiant y Ascendant. Sin embargo, la tercera entrega recaudó apenas 179 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto estimado de entre 110 y 142 millones, muy por debajo de los 288 millones de Divergent y los 297 millones de Insurgent.

El desplome fue inmediato: en su primer fin de semana en Estados Unidos, Allegiant recaudó 29 millones de dólares, un 46 % menos que la primera película. La crítica fue igual de severa: apenas un 11 % de aprobación en Rotten Tomatoes y una calificación B en CinemaScore, la más baja de la franquicia. “Quizá apuramos la tercera película en vez de tomarnos nuestro tiempo”, admitió en su momento el CEO de Lionsgate, Jon Feltheimer.

El elenco rechazó participar en un telefilme para Starz

Con el fracaso en taquilla, el estudio recortó el presupuesto de Ascendant y, en julio de 2016, reconvirtió el proyecto en un telefilme destinado a Starz —cadena que Lionsgate adquiriría meses después— con la posibilidad de derivar en una serie. El director Lee Toland Krieger y el guionista Adam Cozad, ya vinculados al proyecto cuando era un largometraje, permanecieron a bordo.

Pero la propuesta no sedujo al elenco. Woodley declaró a Screen Rant: “Yo no firmé para estar en una serie de televisión”. James tampoco aceptó. En diciembre de 2018, un vocero de Starz confirmó a BuzzFeed News que la franquicia ya no estaba en desarrollo activo. La historia cinematográfica de Divergente quedó, así, inconclusa.

Roth canalizó la “ansiedad” por Divergente en un nuevo libro

Pese al desenlace amargo, la autora aseguró a The Hollywood Reporter que las películas le abrieron una oportunidad profesional que de otro modo no habría tenido. En una entrevista previa con People en 2023, Roth ya había expresado cierta paz con el final de la saga fílmica: “Sabía que las películas estaban tomando un camino diferente al de los libros, y si cambias el recorrido, cambias el final”, dijo entonces.

Años después, esa reflexión se transformó en impulso creativo. El 6 de octubre se publicó The Sixth Faction, el primer volumen de una bilogía de HarperCollins que reimagina el universo de Divergente desde un punto de partida distinto: una tragedia durante la ceremonia de elección de Tris la desvía hacia un camino que la trilogía original nunca contempló. Roth ha sido clara en que no se trata de una precuela, secuela ni un spin-off, sino de una reinterpretación en un universo alternativo.

“Divergente tiene un poder de permanencia que no esperaba”, reconoció la autora. “Es difícil que los libros tengan ese tipo de efecto persistente en los lectores, y porque tenía ese poder, pensé que debía corregir mis propios sentimientos al respecto. Cargaba cierta ansiedad acumulada sobre Divergente y pensé que crear algo nuevo me ayudaría a redescubrir mi amor por los personajes y el mundo. Ahí nació The Sixth Faction”.

La segunda parte de la bilogía llegará en febrero de 2027

En la nueva historia, los sin facción —personajes marginales en la trilogía original— adquieren una civilización propia con gremios y refugios subterráneos, y el título alude precisamente a esa “sexta facción” formada por los divergentes y los descartados por el sistema. La secuela, The Last Testimony, tiene fecha prevista para el 2 de febrero de 2027.

Consultada sobre una posible adaptación audiovisual de la bilogía, Roth no lo descartó, aunque se mostró cautelosa: “Se lo envié a las personas a las que tenía que enviárselo”, respondió sin dar más detalles. Además de esta bilogía, la escritora publicó en mayo su novela Seek the Traitor’s Son, primer volumen de la serie Burning Empire, un relato distópico con elementos de romance que, según contó a People en 2025, fue “probablemente lo más divertido que me pasó al escribir un libro”.

Hunter Schafer reveló que se sometió a una cirugía de reafirmación genital en diciembre, durante una entrevista con Elle. La actriz de 27 años describió el procedimiento como una decisión que tomó tras replantear la forma en que quería presentar su identidad.

“Fue increíble y me encanta”, dijo Schafer a Elle sobre la intervención.

La actriz explicó que durante mucho tiempo abrazó la parte expansiva de su identidad de género e intentó mantener su cuerpo anterior, al considerar que había algo valioso en esa experiencia. Su decisión cambió cuando la visión LGBTQ+ que buscaba construir para sí misma no se materializó de la manera que esperaba.

Según UChicago Medicine, el término “cirugía genital” abarca distintos procedimientos de reafirmación de género realizados en los genitales, que pueden tener objetivos feminizantes o masculinizantes.

La recuperación incluyó un límite de 150 pasos al día

Schafer pasó la recuperación a inicios de este año en un departamento amplio que rentó para restringir sus movimientos. Amigos y familiares la visitaron mientras seguía las indicaciones médicas de permanecer acostada.

“Creo que mi límite era de 150 pasos diarios, lo cual no es nada”, dijo Schafer a Elle.

La actriz interpretó a Jules, una adolescente transgénero, en Euphoria, y mantuvo una postura pública en defensa de los derechos de las personas transgénero. En 2016, participó en una protesta contra la llamada ley de baños de Carolina del Norte durante una sesión especial de la Asamblea General estatal, de acuerdo con WUNC.

Schafer tenía 18 años y cursaba la preparatoria cuando sostuvo un cartel que decía que las juventudes trans existen, son válidas y merecen derechos humanos básicos.

Schafer cuestionó el cambio de marcador de género en su pasaporte

El año pasado, Schafer criticó a la administración de Donald Trump después de que su nuevo pasaporte incluyó el marcador “masculino” en lugar de “femenino”, a raíz de una orden ejecutiva presidencial. En un video compartido en redes sociales, dijo que la modificación le complicaría algunos aspectos de su vida cotidiana.

La actriz afirmó que no había tenido problemas con su marcador de género desde que lo modificó una década antes. También indicó que nunca cambió su acta de nacimiento y consideró que las agencias responsables de los pasaportes podrían estar cotejando ese documento.

“Quiero reconocer mi privilegio, no solo como una mujer trans famosa, blanca y delgada, que puede ajustarse a los estándares de belleza actuales y pasar desapercibida, y aun así me ocurrió”, dijo Schafer en el video.

Schafer sostuvo que la letra incluida en su pasaporte no modifica su identidad, aunque anticipó que podría obligarla a revelar más veces su condición transgénero ante agentes de control fronterizo durante sus viajes. “Una letra en un pasaporte no puede cambiar eso”, afirmó.

Con una duración de 110 minutos, el largometraje se concentra en la dimensión social y humanitaria que atravesó la trayectoria de Francisco. El relato incorpora material de archivo, testimonios y episodios de su vida para acercarse a las convicciones que sostuvo antes y después de convertirse en máxima autoridad de la Iglesia católica.

La película pone el foco en los sectores más vulnerables

El documental presenta a Bergoglio a partir de su relación con los pobres, los marginados y las personas que suelen quedar fuera de la agenda pública. La propuesta evita limitarse a los momentos institucionales de su pontificado y busca recuperar las experiencias, decisiones e ideas que marcaron su vida desde la juventud.

Según la información de la producción, Recen por mí: la historia de Francisco incluye imágenes de archivo exclusivas y fragmentos de su testimonio personal. A través de esos materiales, la película plantea un recorrido cronológico que parte de la Argentina y alcanza su proyección internacional como líder religioso.

La elección del título remite a una de las frases que Francisco utilizaba habitualmente en sus apariciones públicas. El documental toma esa expresión como punto de partida para presentar una biografía centrada en el hombre y en la construcción de un mensaje que colocó la dignidad humana, la solidaridad y la atención a los excluidos entre sus ejes principales.

Bartucci propone mirar al hombre detrás del pontífice

Para Facundo Bartucci, el proyecto nació de la intención de mostrar una faceta humana de Francisco y de volver sobre sus orígenes. El director sostiene que el compromiso de Bergoglio con los sectores vulnerables no comenzó con su llegada al Vaticano, sino que formó parte de su recorrido previo.

“Me interesaba especialmente su compromiso con los sectores más vulnerables de la sociedad, algo que marcó su vida desde mucho antes de ser elegido Papa”, explicó Bartucci al referirse a la intención de la película.

El realizador sitúa la obra en un contexto de crisis económicas, ambientales y espirituales. Desde esa perspectiva, el documental retoma la figura de Francisco como un dirigente religioso que insistió en la necesidad de escuchar a quienes no tienen representación ni visibilidad en los ámbitos de poder.

“Quería retratarlo no como una figura de poder, sino como un hombre comprometido con acompañar y dar voz a quienes nunca son escuchados”, señaló el director. Esa idea ordena la narración y define el lugar que ocupan los pasajes dedicados a su labor social.

El debut documental de un director argentino

Bartucci es director y productor argentino, además de cofundador de la productora independiente Amargo y Retruco Films. Su trabajo reúne investigación histórica, asuntos sociales y relatos centrados en procesos humanos. En 2024 realizó el cortometraje Ofelia y cursó estudios de Producción en la New York Film Academy.

Recen por mí: la historia de Francisco será su primer largometraje documental. La película se presenta dentro de los géneros documental, biográfico y social, y combina español, italiano y latín; contará además con subtítulos en inglés.

El estreno había sido anunciado por la distribuidora A Contracorriente Films en fechas cercanas a la festividad de San Francisco de Asís, santo que inspiró a Bergoglio al elegir su nombre pontificio. La producción subraya ese vínculo con la sencillez, la humildad y el servicio a los pobres.

Una biografía que recorre una trayectoria pública

La cinta reconstruye etapas de la vida de Francisco sin limitarse a su dimensión religiosa. El eje pasa por su vínculo con las comunidades vulnerables, sus intervenciones sobre desigualdad y exclusión, y la repercusión internacional que alcanzó su mensaje.

Con ese enfoque, la película propone revisar el legado de Jorge Bergoglio desde sus convicciones personales y su acción pública. El estreno del 19 de noviembre llevará a las salas una mirada argentina sobre una figura cuya trayectoria mantuvo una atención constante sobre quienes viven en los márgenes.

Kylie Jenner se convirtió en la primera modelo fuera del grupo de Ángeles en portar el Fantasy Bra de USD 50 millones durante el Victoria’s Secret Fashion Show 2026, celebrado en Culver City, California. Adam Selman, director creativo de la marca, explicó a Vogue que la elección respondió a la intención de colocar la pieza en una figura con alcance más allá de la moda.

El sostén regresó a la pasarela por primera vez desde 2018. La pieza incluyó un diamante amarillo de USD 22 millones como elemento central y 4,410 diamantes naturales.

Jenner salió con una minifalda transparente, ropa interior plateada, tacones transparentes y alas blancas. Timothée Chalamet y Kris Jenner la acompañaron desde la primera fila, mientras que la empresaria publicó después una imagen del vestuario en Instagram Stories con el mensaje: “El mejor día de todos”.

La decisión generó críticas entre usuarios de X, quienes cuestionaron que Victoria’s Secret entregara el Fantasy Bra a Jenner en lugar de una de las modelos que han desfilado para la firma durante años.

Una usuaria calificó la elección como “una falta de respeto total a las modelos de verdad”, mientras otra cuestionó que la marca seleccionara a Jenner “en un salón lleno de modelos talentosas”.

También hubo reclamos por el lugar simbólico que ocupa la prenda dentro del desfile. “¿De entre absolutamente todas las personas, por qué demonios le pusieron el Fantasy Bra a Kylie Jenner?”, escribió una usuaria en X.

La conversación se concentró en el peso simbólico de la pieza, asociada durante décadas con las Ángeles y supermodelos de la marca. Algunos comentarios calificaron la selección como una falta de respeto a las modelos profesionales y cuestionaron que la empresa privilegiara el alcance de una celebridad sobre la trayectoria en pasarela.

Otros usuarios defendieron la decisión y destacaron que el momento devolvió el Fantasy Bra a la conversación pública. La división también abrió un debate sobre la estrategia de Victoria’s Secret: preservar una tradición ligada a sus modelos veteranas o usar figuras con grandes audiencias digitales para atraer espectadores jóvenes.

Victoria’s Secret eligió a Kylie Jenner por su alcance de audiencia

Selman sostuvo que la participación de Jenner formó parte de la propuesta de entretenimiento del desfile. “Kylie va más allá de la moda, de la cultura, de la televisión y de una sola cosa. Eso es exactamente lo que hacemos nosotros”, dijo Adam Selman a Vogue.

El director creativo señaló que la idea central del show fue “fandomonium”, un concepto que buscó combinar una pieza asociada a la marca con una personalidad inesperada. “Les damos a los fans lo que quieren con este Fantasy Bra y se lo ponemos a un talento inesperado que tiene una audiencia enorme y un gran impacto cultural”, indicó Selman a Vogue.

Jacob Arabo, diseñador de la prenda, detalló que el montaje requirió resolver el ajuste de una estructura sin textiles. “Está hecho completamente de oro y diamantes; no tiene tela. Lograr el ajuste correcto y asegurar que pudiera moverse de forma natural con el cuerpo no fue fácil”, reveló Jacob.

El desfile volvió con nuevas Ángeles y modelos veteranas

El Victoria’s Secret Fashion Show regresó a Los Ángeles por primera vez en 19 años. La pasarela reunió a Gigi y Bella Hadid, Adriana Lima, Elsa Hosk, Barbara Palvin, Candice Swanepoel, Alessandra Ambrosio, Vittoria Ceretti, Rosie Huntington-Whiteley, Irina Shayk y Ashley Graham.

El evento también presentó el debut en pasarela de Solange Omon como nueva Ángel de Victoria’s Secret. La modelo fue descubierta a través de la serie de transmisión de YouTube Angels Among Us.

Megan Thee Stallion, Katseye, Megan Moroney y Tate McRae participaron en el programa musical. El desfile marcó el tercer año de regreso de la producción después de una pausa de seis años.

Entre las ausencias señaladas por seguidores estuvieron Romee Strijd y Frida Aasen, quienes no fueron seleccionadas para caminar en esta edición. El show debutó en 1995 y volvió en 2024 tras su suspensión en 2019.

Después de varios años en los que Steve Harrington se convirtió en uno de los personajes más reconocidos de Stranger Things, Joe Keery enfrentará una nueva etapa profesional sobre un escenario de Nueva York.

El actor debutará en Broadway con Other Desert Cities, una obra en la que compartirá elenco con Julia Louis-Dreyfus, Allison Janney, Ed Harris y Lily Rabe.

El estreno llega en medio de una agenda que también incluye su proyecto musical como Djo, nombre con el que lanzó canciones como “End of Beginning”, que circularon masivamente en TikTok y llegaron a la lista Billboard Hot 100.

Keery explicó que la convivencia entre ambas facetas exige una organización intensa y decisiones que toma según los proyectos que aparecen en su camino.

Un debut en Broadway junto a figuras de Hollywood

Other Desert Cities, escrita por Jon Robin Baitz y dirigida por John Benjamin Hickey, tendrá funciones en el Hudson Theatre desde el 18 de octubre hasta el 17 de enero. El actor de 34 años interpretará a un integrante de una familia que atraviesa tensiones durante las fiestas, luego de que su hermana llegue con un libro que expone secretos familiares.

El personaje de Keery intenta contener las discusiones y preservar los vínculos entre sus padres conservadores, encarnados por Julia Louis-Dreyfus y Ed Harris, su hermana, interpretada por Lily Rabe, y la hermana del personaje de Louis-Dreyfus, a cargo de Allison Janney.

Contó a The Hollywood Reporter que la posibilidad de trabajar con ese grupo de actores influyó en su decisión de aceptar el papel. “Julia, Allison y Ed participaron en la primera lectura que hice de la obra. Soy un gran admirador de los tres. Así que, cuando recibes un correo electrónico con una propuesta así, piensas: ‘¡Guau! Genial, sí, acepto’”, afirmó.

El intérprete definió con humor el objetivo de su personaje dentro de la trama. “Mi objetivo, bromeando conmigo mismo, para los próximos 105 o más programas, es salvar la Navidad”, señaló al medio estadounidense.

Del cierre de una gira a los ensayos teatrales

La preparación de la obra coincidió con una etapa activa de la carrera musical. A comienzos de 2026 realizó una gira por México y Sudamérica, antes de actuar como telonero de Tame Impala. También ofreció presentaciones en Reino Unido poco antes del inicio de los ensayos en Nueva York.

El cambio de ritmo fue inmediato. “Terminé el domingo, volé el lunes y empecé a ensayar el martes. Durante las primeras dos semanas, sin duda sentí el impacto inicial, pero tenía que adaptarme”, relató a The Hollywood Reporter.

La transición implicó pasar de los conciertos y los viajes a una rutina centrada en textos, movimientos y ensayos. Uno de los momentos centrales de Other Desert Cities recae en un monólogo de su personaje, que cuestiona la visión familiar presentada en el libro de su hermana y defiende los afectos que persisten pese a los conflictos.

Para abordar esa escena, el actor trabajó con Hickey y recurrió a un método que combina repetición, desplazamiento físico y práctica constante. “Aprendí mis diálogos, y luego te das cuenta de que no te los sabes de memoria, y tienes que aprendértelos de nuevo”, explicó.

“Gran parte de mi trabajo consiste en intentar, en la medida de lo posible, interiorizar las cosas mediante el movimiento. Así que, por lo general, implica caminar mucho, hablar conmigo mismo y luego ensayar”, añadió.

La búsqueda de personajes después de Stranger Things

Keery inició su carrera teatral antes de alcanzar reconocimiento internacional con Stranger Things. Su llegada a Broadway también sigue el camino de otros integrantes de la serie, como Gaten Matarazzo y Maya Hawke. Sadie Sink, quien volvió a los escenarios en 2025 con John Proctor is the Villain, alentó al actor a asumir esta experiencia.

El actor aseguró que el prestigio de sus compañeros de elenco dejó de ser un elemento de presión cuando comenzaron las funciones y los ensayos. “Hay algo en hacer una obra de teatro que te obliga a dejar el ego a un lado. Todos lo hacen porque quieren hacerlo. Todos lo hacen porque les apasiona. Así que creo que es una especie de gran igualador”, sostuvo.

Tras su participación en la serie de Netflix, también trabajó en películas independientes y en la producción televisiva Fargo. Sobre su futuro, comentó que mantendrá abiertas las dos actividades, sin un plan rígido sobre la manera de repartir el tiempo entre la actuación y la música.

“Nunca depende realmente de uno. Es decir, no es que pueda elegir entre todas las opciones”, subrayó Keery. También destacó que cree firmemente que las cosas correctas se presentan en su camino y que confía en su intuición sobre lo que quiere hacer día a día.

Kim Kardashian presenta su relación con Kanye West como el vínculo que modificó su vida pública, su estilo y su lugar en la moda. El relato forma parte de un adelanto de The Cut de la próxima biografía Citizen Kim: The Woman Who Created the Future, de Jonathan Van Meter.

El libro, que Viking publicará el 27 de octubre de 2026, reconstruye la historia de Kardashian a partir de conversaciones de años con el autor. En el extracto, ella describe a West como una pareja que hizo de su imagen un proyecto y que la acompañó desde su ruptura con Kris Humphries hasta su divorcio en 2021.

Kim Kardashian dice que Kanye West cambió su vida

Kardashian y West comenzaron a salir en la primavera de 2012, tras casi una década de conocerse. Ella venía de divorciarse de Kris Humphries y de perder contratos publicitarios; West, en cambio, llegaba de encabezar Coachella, diseñar una colección propia en París y afianzar su lugar en la moda.

Kardashian le dijo a Van Meter que West se sintió atraído por la idea de convertir en prestigioso lo que otros despreciaban: “Me di cuenta de que a él le encanta un proyecto. Creo que se enamoró de la idea de mí y de todo el proyecto que había detrás”.

La empresaria recordó que esa inclinación era parte de la forma en que West encaraba su carrera. “Le encantan las cosas que quizá no son cool y dice: ‘Voy a hacerlas cool’”. Como ejemplo, mencionó su decisión de grabar 808s & Heartbreak y alejarse temporalmente del rap.

“Creo que pensó: ‘Voy a estar con una estrella de reality. Nadie la respeta. Les voy a mostrar lo cool que es’”, dijo Kardashian. “Cambió mi vida. Cambió mi vida por completo”.

La pareja se acercó después de la ruptura de Kardashian con Humphries. West la invitó a volar a París para ver su debut en la moda y, según ella, ese viaje definió el inicio de su relación: “Ahí fue cuando de verdad empezamos a estar juntos”.

Kardashian contó que West bromeaba con que había organizado el desfile para conseguir una cita con ella. Tras pasar aquella noche en París, ella sintió que la relación tenía otro sentido: “Desde ese momento pensé: ‘¡Ah, está bien!’”.

En un especial de aniversario de Keeping Up With the Kardashians, Kardashian resumió esa etapa así: “Juro que desde que aterrizamos me enamoré locamente de él y pensé: ‘Dios mío, ¿por qué no hice esto antes? Así es la vida real: amor, diversión y apoyo de verdad’”.

Aun así, también reconoció que al comienzo estaba idealizando el vínculo. “Era muy divertido. Era muy alocado. Pero creo que probablemente yo estaba un poco infatuada”, dijo sobre West.

El embarazo llegó siete meses después de que empezaron a salir

Siete meses después de iniciar la relación, Kardashian quedó embarazada de North West. “Ni siquiera habíamos tenido nuestra primera pelea de verdad cuando quedé embarazada”, relató.

La noticia la tomó por sorpresa después de que especialistas en fertilidad le indicaran que tenía pocos óvulos y que concebir sería difícil. “Me fui a Miami sin anticonceptivos y quedé embarazada ese primer mes. Pensé: ‘Mierda. Literalmente pensé que mi vida se había acabado’”.

Cuando llamó a West, apenas pudo hablar. “Lloraba tan fuerte que no me salían las palabras. Él pensó que había muerto alguien de mi familia”, recordó. Luego le dijo: “Dios mío, estoy embarazada”.

Kardashian explicó que necesitó tomar la decisión a solas. Le pidió a West una semana sin hablar con nadie y, al terminarla, le comunicó: “Está bien, sigamos adelante y tengamos un bebé”. North nació el 15 de junio de 2013.

West redefinió la imagen pública de Kardashian

En el adelanto publicado por The Cut, Kardashian también atribuye a West un cambio radical en su vestuario. “Poco tiempo después de empezar la relación, Kanye me dijo: ‘¿Puedo hacerte un cambio de imagen de moda?’”, contó.

Ella aceptó sin saber qué implicaba. Un equipo de estilistas llegó a su casa y sustituyó gran parte de su guardarropa. Kardashian recordó que West le puso un vestido negro de cuero de Givenchy y zapatos de piel de serpiente de Tom Ford para asistir a un partido de los Lakers.

Al volver, encontró que habían retirado casi todos sus zapatos. “Casi me pongo a llorar. ¡Pasé años coleccionándolos!”, dijo. En su lugar, había ropa de diseñadores que no conocía, entre ellos Lanvin.

“Yo no sabía nada de alta moda. Había libros de moda apilados por todos lados. Era hora de ponerse a trabajar y aprender”, señaló. La lección que, según Kardashian, conservó incluso después del divorcio fue otra: “Me dio mucha confianza”.

El cambio se trasladó a la vida pública de la pareja. En 2013, Kardashian asistió al Met Gala como acompañante de West mientras estaba embarazada. Al año siguiente se casaron en Florencia y luego protagonizaron una portada conjunta de Vogue.

La relación también convirtió a Calabasas en una extensión de su imagen. Cuando comenzaron una remodelación de 40 millones de dólares en una mansión de 20 millones, West difundió la frase Calabasas Is the New Abu Dhabi, que apareció en espectaculares de Los Ángeles.

West lanzó Adidas Calabasas en 2017 y convirtió a Kardashian en el rostro de la campaña Yeezy Season 6. Las imágenes simulaban fotografías paparazzi de ella haciendo mandados por la ciudad y se difundieron directamente desde sus redes sociales.

El divorcio llegó después de los conflictos de 2020

Kardashian solicitó el divorcio el 19 de febrero de 2021, pocos meses antes de su séptimo aniversario de bodas, bajo el argumento de “diferencias irreconciliables”. Pidió la custodia física y legal conjunta de sus cuatro hijos.

El texto sitúa el quiebre final en 2020. Durante la pandemia, West pasó meses en su rancho de Cody, Wyoming, y anunció una candidatura presidencial que tomó por sorpresa a Kardashian. En un mitin en Charleston, Carolina del Sur, habló públicamente de que había querido que ella abortara durante el embarazo de North.

En un episodio de Keeping Up With the Kardashians, Kardashian aparece llorando junto a sus hermanas. “Sinceramente, ya no puedo hacer esto. Siento que soy una maldita fracasada y es como mi tercer maldito matrimonio”, dijo. “Sí, me siento como una maldita perdedora”.

También expuso que no quería abandonar su vida en Hidden Hills para seguirlo a Wyoming: “Él debería tener una esposa que apoye cada uno de sus movimientos, que viaje con él y haga todo lo que yo no puedo hacer”.

La biógrafa cita una broma que Kardashian le hizo después de cuidar a West cuando enfermó de COVID-19: “¡Lo saqué de mi cama! ¡Nunca volvió!”.

Tras el divorcio, Kardashian fue incluida por primera vez en la lista de multimillonarios de Forbes. Para entonces, Skims tenía una valuación cercana a los 4 mil millones de dólares.

Citizen Kim: The Woman Who Created the Future, de Jonathan Van Meter, será publicado el 27 de octubre de 2026 por Viking, sello de Penguin Publishing Group.

Aun así, afirmó que no conoce planes para que Stewart continúe después de esos dos proyectos.

Pierre interpreta a Stewart en la serie de HBO junto a Kyle Chandler, que encarna a Hal Jordan. Ambos forman parte del cuerpo de Green Lantern, un grupo de héroes de DC que utiliza anillos de poder, y encabezan una investigación por asesinato en el interior de Estados Unidos.

Según publicó Esquire en una entrevista de Johnny Davis, Pierre solo conoce lo que ya se concretó: la primera temporada de Lanterns y su participación en Man of Tomorrow.

Ante las nuevas ofertas que recibe, definió el momento como “una experiencia nueva” y dijo que le produce “una sensación de gratitud”.

Aaron Pierre solo conoce los planes de John Stewart en Lanterns y Man of Tomorrow

“Por el momento, todo el plan es lo que ya se realizó: la primera temporada de Lanterns y Man of Tomorrow. No hay un plan más allá de eso”, afirmó el actor.

De acuerdo con la entrevista, Lanterns alcanzó 9,3 millones de espectadores en todo el mundo durante sus primeros tres días, una de las mayores aperturas de HBO.

Pierre no detalló conversaciones sobre la continuidad, aunque subrayó su vínculo con Stewart: “Este hombre es muy especial para mí”.

Stewart fue uno de los primeros superhéroes negros de DC. Pierre contó que conoció ese universo de niño, gracias a un amigo que le prestaba historietas, y que una de sus primeras lecturas fue un cómic que reunía a la *Liga de la Justicia* con los *Vengadores*.

Para el papel, leyó cómics, habló con personas que conocían bien al personaje y recibió ejemplares de Warner Bros. Quiso prepararse para improvisar junto a Chandler sin modificar la trama. “Me describo como un estudiante para siempre”, señaló sobre su relación con la actuación y las artes marciales.

El actor vinculó ese método con una experiencia en Otelo, donde compartió elenco con Mark Rylance y asistió a ensayos en los que no debía participar.

De allí tomó una idea: “No tengo que llegar al primer día de ensayo sabiéndolo todo”. Sobre los Green Lantern, añadió: “Su superpoder es la capacidad de no tener miedo en la búsqueda de superar el miedo”.

La presentación de la serie en la Comic-Con de San Diego, una convención de cultura popular, reforzó su vínculo con el personaje. Pierre dijo que ante la reacción del público “se puede sentir el sonido” y recordó haber pensado junto a Chandler: “Eso fue de otro mundo”.

Rebel Ridge cambió la relación de Aaron Pierre con la fama

La llegada de Pierre a Lanterns siguió al éxito de Rebel Ridge, película de suspenso de Netflix dirigida por Jeremy Saulnier. Allí encarnó a Terry Richmond, un exinfante de marina que viaja a Luisiana para pagar la fianza de su primo y se enfrenta a la policía cuando le incautan el dinero.

De acuerdo con la nota, Rebel Ridge superó los 30 millones de visualizaciones durante sus primeros tres días en Netflix.

Pierre aparece en 129 de las 135 escenas y realizó entrenamiento con armas, bicicleta, boxeo y jiujitsu brasileño. “El proyecto alcanzó una repercusión cultural que yo nunca había vivido”, afirmó.

La repercusión trajo una exposición pública que le resultó difícil. “Sentí gratitud y ansiedad”, sostuvo, y explicó que “se puede entrenar para ser atleta, músico, actor o periodista, pero no para afrontar el reconocimiento público”.

“Mi instinto era esconderme”, dijo. Durante ese período salió de su casa apenas dos veces por semana y reconoció: “Me estaba convirtiendo en una persona recluida”.

Ese reconocimiento llegó después de rechazos y dificultades económicas. “No sabía si tenía la fortaleza para continuar”, relató Pierre, quien precisó: “No tenía nada a mi nombre. Mi saldo bancario estaba por debajo de cero”. Su hijo, su familia y sus amistades fueron su sostén. Sobre el presente, añadió: “No creo que exista nunca una sensación de alivio o de llegada”.

Star Wars: Starfighter y Man of Tomorrow amplían los próximos proyectos de Pierre

Pierre también integra Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy y protagonizada por Ryan Gosling. No dio detalles de su personaje por los acuerdos de confidencialidad. “Son cosas importantes”, comentó sobre esos contratos, que, a su juicio, “protegen el momento”.

Calificó el rodaje como “la experiencia de una vida” y dijo: “Creo que es fenomenal”. Sobre la extensión de su papel, se limitó a señalar: “Habrá que verla”. Pierre dijo que estará en Man of Tomorrow y explicó que procura sostener una rutina entre rodajes: “Me gusta la estructura”.

Gomez confirmó en una historia de Instagram publicada el domingo que dejó el hábito, aunque reconoció la dificultad para abandonar la nicotina. “Me entusiasma mucho porque dejé de vapear y solo espero poder mantenerlo. Es muy difícil”, dijo en Instagram.

La intérprete también dirigió un mensaje a quienes consideran comenzar a vapear. “Simplemente no vale la pena. Es muy tonto y cambió mi voz”, señaló Gomez en el video.

La exfigura de Disney Channel ya había hablado sobre las modificaciones en su voz en diciembre de 2025. En una transmisión en vivo de Instagram, atribuyó el cambio a una inflamación interna en la garganta: “Mi garganta se inflama por dentro a veces. Eso es todo”.

El lupus y el tratamiento que han afectado a Selena Gomez

Gomez ha hablado públicamente de su diagnóstico de lupus, una enfermedad autoinmune crónica que puede provocar inflamación e irritación en articulaciones, piel, riñones, células sanguíneas, cerebro, corazón y pulmones, según Mayo Clinic.

Gomez también rechazó en el pasado los rumores sobre un supuesto problema con el alcohol. “Nunca he tenido un problema con la bebida”, declaró a Billboard en 2015, al explicar que su ingreso a un centro de tratamiento estaba relacionado con el lupus y la quimioterapia, no con drogas o alcohol.

La artista también relacionó las variaciones de peso con los medicamentos de su tratamiento. Durante un episodio de la serie de Apple TV+ Dear…, estrenada en 2023, explicó que su peso cambiaba de forma constante cuando tomaba ciertos fármacos.

“Mi peso fluctuaba constantemente porque tomaba ciertos medicamentos”, dijo Gomez en Dear…. La cantante señaló que recibió críticas por subir de peso debido al lupus: “La gente no tardó en usarlo en mi contra. Me avergonzaban por aumentar de peso a causa de mi lupus”.

Selena Gomez habló de su trastorno bipolar con Benny Blanco

Gomez también ha abordado su diagnóstico de trastorno bipolar y la forma en que lo enfrenta dentro de su matrimonio con Benny Blanco. En una entrevista con Rolling Stone en 2022, explicó el proceso posterior al diagnóstico: “Me costó mucho trabajo aceptar que tenía trastorno bipolar y aprender a manejarlo, porque no iba a desaparecer”.

La artista participó en marzo en el pódcast de su esposo, Friends Keep Secrets. “Es útil tener una pareja que entienda cómo estás y se encuentre contigo donde estás. Después, poco a poco, entiendes lo que está pasando”, dijo Gomez en el programa.

Gomez también describió en Rolling Stone cómo cambió su tratamiento: “Él realmente me guió”, dijo sobre el psiquiatra que revisó sus medicamentos.

Los problemas de salud relacionados con el vapeo

El vapeo con nicotina puede generar dependencia y se asocia con inflamación de las vías respiratorias, alteraciones cardiovasculares y lesiones pulmonares agudas, según una revisión citada por Infobae. El estudio también señaló que los aerosoles pueden contener sustancias como formaldehído, arsénico y plomo.

En la salud bucal, especialistas consultados advirtieron sobre sequedad en la boca, irritación y retracción de las encías. La reducción de saliva favorece bacterias, llagas, mal aliento y caries; la nicotina, a su vez, disminuye el flujo sanguíneo en las encías. La evidencia sobre los efectos a largo plazo sigue en estudio.

Los videos publicados por el actor lo muestran en un cuadrilátero, practicando golpes sobre manoplas y patadas junto al entrenador Jack Boonsanong, mientras avanza el rodaje de la tercera película de la serie de acción.

La publicación aporta una actualización puntual sobre el proyecto para el que Netflix había anunciado el regreso de Hemsworth, Idris Elba y Golshifteh Farahani. La plataforma también informó que Sam Hargrave dirigirá la película, aunque todavía no dio a conocer la trama ni una fecha de estreno.

Según publicó Men’s Health, Hemsworth compartió seis videos de práctica y explicó que se encuentra filmando en Tailandia. Las imágenes no adelantan una escena ni revelan aspectos de la historia, pero confirman que el actor trabaja en el país asiático durante el rodaje.

La novedad de los videos está en ese dato. Luego del anuncio oficial sobre el elenco y la dirección, el mensaje del protagonista ubica a Extraction 3 en plena filmación y ofrece una referencia pública sobre su preparación para volver a encarnar a Tyler Rake.

El mensaje de Hemsworth sitúa el rodaje de la tercera película en Tailandia

“Estoy filmando Extraction 3 en Tailandia y he tenido la suerte de entrenar golpes con manoplas junto a mi buen amigo Jack Boonsanong”, escribió Chris Hemsworth en la publicación. Al final del mensaje, agradeció al entrenador.

Los videos muestran ejercicios con combinaciones de puños, patadas y movimientos dentro de un cuadrilátero.

Boonsanong sostiene las manoplas durante parte de la práctica, mientras Hemsworth alterna golpes y trabajo de piernas. El contenido no indica a qué personaje o a qué secuencia responde cada ejercicio.

La publicación permite distinguir dos datos. El primero es que el actor se entrena con Boonsanong durante su estadía en Tailandia. El segundo es que Hemsworth afirma de forma directa que filma la nueva entrega.

Durante unas vacaciones en Costa Rica en julio, Hemsworth había compartido una rutina de cuerpo completo con 17 ejercicios, una pesa rusa y bandas de resistencia.

Ese antecedente muestra una preparación previa a la difusión de las imágenes de combate desde Tailandia, pero no permite afirmar que ambas rutinas formen parte de un mismo plan elaborado para la película.

Netflix anunció el regreso de Hemsworth, Idris Elba y Golshifteh Farahani

La confirmación de que el rodaje continúa se suma a la información que Netflix difundió en abril sobre Extraction 3. En ese anuncio, la plataforma comunicó que Hemsworth volverá a ser Tyler Rake y que Elba y Farahani regresarán a la serie.

Netflix también anunció el retorno de Sam Hargrave como director. Hargrave dirigió las dos películas anteriores y la tercera entrega será producida por AGBO, la compañía liderada por Anthony y Joe Russo, de acuerdo con la información de la plataforma.

El anuncio oficial mantiene en reserva el argumento de la nueva película y no establece una fecha de lanzamiento. Por eso, los videos difundidos por Hemsworth no permiten anticipar el conflicto de Rake ni determinar si los ejercicios practicados en Tailandia formarán parte de una escena concreta.

La información disponible permite establecer que la filmación está en marcha y que el protagonista se encuentra en uno de los lugares elegidos para el rodaje. Fuera de esos datos, Netflix no comunicó detalles sobre el desarrollo de la historia ni sobre las próximas etapas de la producción.

Las imágenes muestran una práctica de combate, no un adelanto de la película

El entrenamiento que aparece en los videos combina golpes de puño, patadas y desplazamientos. Hemsworth practica esos movimientos sobre las manoplas que sostiene Boonsanong.

Las imágenes muestran su trabajo físico, pero no son un adelanto oficial ni confirman el contenido de una secuencia.

Esa diferencia permite ubicar el alcance de la novedad. El hecho confirmado es que Extraction 3 se filma y que Hemsworth prepara movimientos de combate durante su estadía en Tailandia.

Cualquier relación más precisa entre los ejercicios y la historia requeriría información de Netflix, del director o del equipo de producción.

Por ahora, el anuncio de abril y el mensaje difundido desde Tailandia delimitan lo conocido sobre la nueva entrega.

Hemsworth, Elba y Farahani integran el elenco confirmado, Hargrave dirige la película y el protagonista informó que el rodaje continúa. Netflix no comunicó todavía la fecha de estreno ni nuevos datos sobre el argumento.

Un libro grueso con dos décadas de críticas negativas, un retiro solitario en el desierto y 48 horas de lectura ininterrumpida. Así describió Matthew McConaughey el ejercicio de introspección que, según reveló, le permitió distinguir entre el resentimiento gratuito y la crítica constructiva que recibió a lo largo de su carrera en Hollywood.

El actor de 56 años compartió la anécdota durante su aparición en el episodio del martes 13 de octubre del pódcast Build or Break, conducido por Daniel Lubetzky, fundador de la marca de alimentos Kind. Lubetzky le preguntó cómo evita que las opiniones negativas sobre su trabajo afecten su autoestima, y la respuesta del ganador del Óscar fue tan peculiar como reveladora.

“Me fui con todas mis reseñas —20 años de reseñas— al desierto durante una semana y las llevé todas en este libro grueso”, contó el actor al pódcast, según recogió People. Antes de detallar la experiencia, bromeó con que los críticos que escribieron reseñas favorables “eran los inteligentes”.

Lo que encontró entre esas páginas lo obligó a hacer una distinción crucial. “Desde la primera oración ya sabías: ‘Esta persona la tiene contra mí’. No importaba si había visto la película o no. Simplemente no le caigo bien. Iba a escribir una reseña negativa de todos modos”, explicó sobre un grupo de críticos.

Sin embargo, otras reseñas le ofrecieron una perspectiva distinta. “Esta persona tiene razón. En realidad, es fan mío, y no obtuvo de mi actuación lo que yo esperaba transmitir. ¿En qué fallé?”, se preguntó. “Esto es crítica constructiva. Esta persona es un buen crítico. Estaba evaluando el trabajo y criticándolo objetivamente”, añadió.

El actor rechazó USD 14,5 millones para romper con las comedias románticas

La revelación cobra mayor sentido a la luz de una de las transformaciones profesionales más comentadas de Hollywood en la última década: el llamado “McConaissance”. Tras debutar en la pantalla grande con Dazed and Confused (1993) y consolidarse como galán de comedias románticas taquilleras como The Wedding Planner (2001), How to Lose a Guy in 10 Days (2003) y Failure to Launch (2006), McConaughey reconoció que su estilo de vida —“viviendo en la playa, corriendo sin camiseta”— lo había encasillado.

La decisión de abandonar ese nicho fue radical. Según ha contado en entrevistas previas, rechazó un papel por el que le ofrecían USD 14,5 millones y dejó de aceptar guiones de comedias románticas durante casi dos años. “No llegaron ofertas durante casi un año y medio. Estaba empezando a aceptar que quizás nunca volvería a trabajar en Hollywood”, reconoció en una conversación con Business Insider.

El giro dio frutos. En 2011 regresó con The Lincoln Lawyer, y en los años siguientes encadenó actuaciones aclamadas por la crítica en Mud, Magic Mike y The Wolf of Wall Street. El punto culminante llegó en 2013 con Dallas Buyers Club, donde su interpretación de Ron Woodroof, un cowboy diagnosticado con sida, le valió el Óscar al mejor actor. Al año siguiente, su papel como Rust Cohle en la primera temporada de True Detective (HBO) le sumó una nominación al Emmy.

“Hollywood es un lugar que busca el calor del éxito”

En la conversación con Lubetzky, el actor nacido en Texas también reflexionó sobre las distorsiones que genera la fama. Antes de convertirse en estrella de cine, explicó, todo lo que hacía “se medía por cómo hacías el trabajo”. Pero en la industria, dijo, las reglas cambian por completo.

“De repente, después de un fin de semana exitoso, toda esta gente dice ‘te quiero, te quiero, te quiero’, y llega el champán”, relató. “Yo pensaba: ‘Un momento, ¿cómo te llamas?’. Solo le he dicho ‘te quiero’ a cuatro personas en mi vida y de repente todos lo dicen. ¿Este lugar es genial o simplemente busca el calor del éxito?”

El ejercicio de leer todas las críticas negativas de golpe, sostuvo, le sirvió precisamente para “diseccionar la diferencia entre lo falso y lo real”, líneas que, según él, se difuminan con frecuencia en la vida de un actor popular.

McConaughey estrena serie con Woody Harrelson en Apple TV

Actualmente, protagoniza junto a su amigo cercano Woody Harrelson la serie de comedia Brothers, estrenada el 23 de septiembre en Apple TV. La producción de ocho episodios, creada por el nominado al Emmy y ganador del Premio Peabody Lee Eisenberg, sigue a versiones ficcionalizadas de ambos actores cuya amistad de toda la vida se desmorona cuando descubren un secreto familiar: podrían ser hermanos de sangre.

La serie, producida por Paramount Television Studios, también cuenta con Holland Taylor, Natalie Martinez y Brittany Ishibashi en el elenco. Los episodios se estrenan semanalmente hasta el 4 de noviembre de 2026.

En la pantalla grande, McConaughey regresó en agosto con The Rivals of Amziah King, un thriller criminal que recaudó poco más de USD 2,1 millones en taquilla doméstica, su primera película en salas desde 2019.

La modelo Cindy Crawford habló tras la muerte de su hijo Presley Gerber, quien falleció a los 27 años en un centro de rehabilitación en California. “Estamos más que destrozados por haber perdido a nuestro amado hijo y hermano”, escribió la supermodelo en su cuenta de Instagram, junto a una fotografía en blanco y negro del joven con plumas de ave en forma de alas.

Según registros del médico forense del condado de Los Ángeles obtenidos por la revista People, Gerber murió el 20 de septiembre de 2026 en una clínica de rehabilitación de Santa Mónica. El deceso fue declarado a las 9:45 a.m. —hora local— por los paramédicos que acudieron al lugar, de acuerdo con la información proporcionada por la oficina forense a la revista.

Crawford se despidió de su hijo con un mensaje cargado de orgullo y dolor

En su publicación, la modelo acompañó la imagen con un extenso mensaje en el que destacó la bondad y la vulnerabilidad con las que su hijo se presentó ante el mundo. “Es un alma dulce y hermosa que amó y es amado, ahora y siempre”, expresó Crawford, quien también se mostró orgullosa de la manera en que el joven enfrentó sus luchas personales de forma pública.

“Agradecemos las numerosas muestras de cariño y apoyo de tantas personas que conocen y quieren a nuestra familia, e incluso de desconocidos que sienten nuestro dolor”, añadió la supermodelo. La publicación cierra con un mensaje dirigido directamente a su hijo: “Hasta que nos volvamos a encontrar, nuestro dulce niño. Te amaremos siempre, mamá, papá y Kaia”, seguido por las fechas de nacimiento y fallecimiento de Presley.

La hermana menor del modelo, Kaia Gerber, también dedicó un homenaje ese mismo domingo. La actriz compartió un video de ambos de niños mientras bailaban juntos, una imagen cerca del océano y una carta manuscrita de cuatro páginas dirigida a “Prez”, como lo llamaba.

“Estoy aprendiendo a quererte sin poder verte. A decirte algo sin tomar el teléfono para llamarte. A ser tu hermana en un mundo en el que no puedo tenderte la mano”, expresó Kaia en la misiva escrita con letras azules sobre fondo celeste. En su mensaje, recordó que de niña le daba miedo perforarse las orejas, por lo que él lo hizo primero. “Siempre tú ibas primero”, señaló, y añadió con dolor: “De verdad desearía que no hubieses sido tú primero esta vez”.

Presley Gerber luchó abiertamente contra la adicción y la depresión

Durante los últimos años de su vida, Gerber compartió de forma abierta sus dificultades con el consumo de sustancias y los trastornos emocionales. Con frecuencia difundía videos en su cuenta de la red social bajo el nombre “Lunes de Salud Mental”, donde abordaba su proceso de recuperación.

En diciembre de 2025, publicó un video —luego eliminado— en el que reveló que tomaba medicamentos para tratar sus ataques de pánico, según informó el medio estadounidense. En esa misma época, el joven expresó su deseo de encontrar “una buena comunidad de personas que puedan ser buenas influencias para mí”.

Nacido el 2 de julio de 1999 en el barrio de Brentwood, en Los Ángeles, Presley siguió los pasos de su madre en el mundo del modelaje y debutó en la pasarela de la firma italiana Moschino con apenas 16 años. Su última aparición pública fue en junio de 2026, durante un evento benéfico en Malibú dedicado a organizaciones de bienestar emocional, donde participó como panelista.

La policía investiga una sobredosis y un paro cardíaco como causa del deceso

Grabaciones de las llamadas obtenidas por People revelaron que a las 9:35 a.m. del 20 de septiembre se registró un paro cardíaco en la cuadra 1000 de Berkeley Street, en Santa Mónica. Un segundo registro confirmó que los servicios de emergencia respondieron a una sobredosis en la misma dirección.

El Departamento de Policía de Santa Mónica emitió un comunicado donde indicó que sus agentes encontraron a Gerber sin vida al arribar al establecimiento. Los detectives “investigan el fallecimiento como una sobredosis sospechada” y descartaron indicios de actividad criminal, precisó el cuerpo policial.

La entidad forense practicó una autopsia el lunes 21 de septiembre, pero la causa y la forma de la muerte quedaron diferidas, lo que implica que se requieren análisis y estudios adicionales para determinarlas. La investigación permanece abierta.

La estrategia del joven bailarín de Adelaida fue tan calculada como efectiva, según informó el sitio especializado Glam Adelaide. Power esperó dos días en las inmediaciones del recinto para asegurarse una ubicación privilegiada entre el público. En sus manos llevaba un cartel casero con una frase directa: “Llevo aquí dos días, ¿puedo ser tu Lush Life Boy?”. Larsson lo vio, lo señaló y lo invitó a acompañarla en el segmento más esperado de su espectáculo.

La tradición del “Lush Life” nació en Amsterdam y se convirtió en fenómeno global

Desde noviembre de 2025, cada fecha de la gira de Larsson incluye un ritual: la artista selecciona a un asistente para que ejecute junto a ella la coreografía del puente musical de “Lush Life”. La dinámica cobró fuerza cuando Julia Coster, una fanática de 16 años de Amsterdam, completó la rutina sin cometer un solo error. El clip de aquel momento se propagó en TikTok y motivó a miles de seguidores a memorizar los pasos con la esperanza de ser los próximos elegidos.

Larsson describió esta sección del show como “mi parte favorita del concierto” durante su presentación en el iHeartRadio Music Festival de Las Vegas, en septiembre de 2026. A lo largo de la gira, el formato se replicó en festivales europeos como el Open’er de Polonia y el Big Weekend de la BBC en Sunderland, donde distintos fanáticos ocuparon el lugar junto a la cantante.

Power saltó a la fama con Dua Lipa y cumplió su sueño junto a Katy Perry

El historial de Power ante las cámaras comenzó en marzo de 2025. Con apenas 12 años, asistió a un recital de Dua Lipa en el Rod Laver Arena de Melbourne y cautivó a quienes lo rodeaban en las tribunas con sus movimientos. La repercusión del video lo llevó al programa de televisión The Project, donde reveló su mayor anhelo: “Me encantaría bailar con Katy Perry en un escenario”.

Ese deseo se concretó tres meses después. Perry lo divisó entre la multitud del Adelaide Entertainment Centre con un letrero que pedía una oportunidad. La cantante estadounidense lo subió al escenario durante su gira The Lifetimes Tour y le pidió que demostrara su talento.

El adolescente respondió con una coreografía de Swish Swish que incluyó piruetas, splits y saltos acrobáticos. Al finalizar, Perry se arrodilló ante él y declaró al público: “Adelaida, creo que tienen una estrella entre ustedes”. El video, difundido por el medio australiano, acumuló cerca de 400.000 reproducciones en pocas horas.

“Lush Life” volvió a las listas de éxitos una década después de su lanzamiento

El impacto de la dinámica en cada show también repercutió en los números de la canción. “Lush Life”, publicada originalmente en 2015, regresó a los rankings y alcanzó los primeros puestos en Alemania, Austria, República Checa y Noruega en 2026, más de diez años después de su estreno. La viralización en TikTok y los clips generados por los propios asistentes en cada recital alimentaron ese resurgimiento.

Larsson agradeció el fenómeno durante su actuación en el festival Open’er. “Llevo cantando esta canción más de diez años y cada vez es mejor. Eso es gracias a ustedes”, expresó ante la primera fila. Tras el episodio del domingo en Adelaida, las redes sociales se llenaron de comentarios sobre Power.

La cuenta Zara Larsson Feed en la red social X compartió el video y destacó el backflip final del joven. En junio de 2025, tras su aparición con Perry, el propio Keegan definió su meta: “Quiero salir de gira. De verdad. Quiero llenar estadios como este. Y simplemente quiero bailar”.

En The Joe Rogan Experience, el podcast conducido por Joe Rogan, la conversación con Michael Douglas comenzó con un elogio a Falling Down. “He sido admirador suyo durante mucho tiempo”, le dijo el entrevistador antes de recordar una de las escenas de la película.

A partir de allí, el actor y productor recorrió momentos de su carrera, desde la adaptación de Atrapado sin salida hasta las reacciones que provocaron Un día de furia, Wall Street y Atracción fatal.

Salud, vínculos y prioridades personales

Douglas recordó que atravesó un cáncer en estadio cuatro unos 16 años antes de la entrevista. “No parecía bueno”, dijo sobre aquel diagnóstico, que, según explicó, modificó el orden de sus prioridades.

El actor señaló que varias amistades se habían distanciado durante el tratamiento porque no sabían cómo acompañarlo. “No sabían si venían a despedirse o a acompañarme”, resumió sobre las reacciones de su entorno.

Douglas destacó el apoyo de Shane Salerno, guionista con quien había trabajado años atrás y que le envió mensajes de aliento durante su tratamiento. Según recordó el actor, esas palabras le transmitían confianza en su recuperación: “Podés hacerlo”.

La producción de “Atrapado sin salida”

La charla se detuvo en Atrapado sin salida, la primera película que Douglas produjo. El intérprete relató que su padre, Kirk Douglas, había adquirido los derechos de la novela de Ken Kesey e intentó llevarla al cine durante años.

Cuando supo que Kirk consideraba vender el proyecto, Douglas le pidió una última oportunidad para llevarlo al cine. “Te daré un año”, recordó que le respondió su padre. Luego se asoció con Saul Zaentz y avanzó con la adaptación, aunque más adelante debió afrontar una decisión clave para definir el reparto.

El director Miloš Forman y Zaentz consideraron que Kirk Douglas ya no era adecuado para interpretar a Randle P. McMurphy. Douglas debió comunicárselo: “Papá, no va a suceder”. Más tarde, Kirk vio la versión final y le dijo: “Es una gran película”.

“Un día de furia” y “Wall Street”, dos películas y sus reacciones

Rogan definió Un día de furia como una de sus películas favoritas y evocó una escena en la que el personaje de Douglas cuestionaba una obra vial. El actor sostuvo que, tres décadas después del estreno, el relato todavía tenía puntos de contacto con preocupaciones contemporáneas.

“También era una de mis favoritas, esa clase de comedia oscura”, dijo Douglas sobre la película. Luego explicó qué le resultaba inquietante de esa vigencia: “Encajaba con la actualidad”. El comentario se refería a la frustración del personaje central y a su conflicto con el entorno.

Douglas también relató que una escena ambientada en una tienda coreana provocó reclamos de una asociación de comerciantes. Semanas más tarde, entró en su comercio habitual de Nueva York y vio a los empleados con insignias de caras sonrientes. Interpretó ese gesto como una señal de que la película había trascendido la discusión inicial.

El entrevistado comparó esa recepción con la de Gordon Gekko, el personaje que interpretó en Wall Street. Douglas recordó que algunos corredores de bolsa lo trataban como una figura digna de admiración, aunque él lo consideraba el villano. “¿De qué hablan? Yo era el villano”, les respondía, según contó.

Esa reacción le mostró que parte del público se quedaba con la apariencia del personaje antes que con su conducta. “Les gustaban el estilo y la ropa; la moral no importaba”, explicó Douglas al describir la admiración que Gekko despertaba entre algunos hombres de Wall Street.

El desenlace de “Atracción fatal”

Otro tramo se centró en Atracción fatal. Douglas admitió que el equipo dudó antes de elegir a Glenn Close para interpretar a Alex Forrest, aunque la actriz aceptó hacer una prueba. Después de verla, el productor reconoció el error: “Qué equivocados estábamos”.

El desenlace cambió después de las funciones de prueba. En la versión inicial, el personaje de Close se quitaba la vida y dejaba indicios que comprometían al personaje de Douglas. El público rechazó esa resolución y, según el actor, expresó una demanda directa: “No, mátenla”.

Close se resistió a filmar una nueva escena porque consideraba que aquel final era coherente con el personaje. “Así es como funciona todo”, sostuvo. Douglas la convenció con una comparación teatral: “Si esto fuera una obra que se prueba fuera de la ciudad, nos dirían que hay que cambiarlo”.

El disco, previsto para el 13 de noviembre, llegará poco tiempo después de que U2 cumpliera 50 años desde su formación en Dublín, en un período en el que la continuidad de su alineación original quedó en duda.

El grupo irlandés buscó que el proyecto no funcionara como una revisión de su pasado. “Cada vez que una banda como U2 entra al estudio, de algún modo tiene que separarse y volver a unirse”, comentó Bono a Rolling Stone. El cantante añadió que “existen discos en los que sabes que tienes que empezar otra vez”.

Larry Mullen Jr. volvió a tocar tras una cirugía cervical

La situación de Mullen condicionó el presente del grupo. El baterista no participó en los 40 conciertos que U2 ofreció en Sphere, en Las Vegas, donde Bram van den Berg ocupó su lugar. El músico atravesaba una lesión cervical que se agravó durante la gira de 2019 de The Joshua Tree.

“Sentí una cierta humillación cuando te lesionas y no puedes superarlo”, afirmó el músico de 64 años. El baterista aclaró que esa sensación no se dirigía a sus compañeros: “La banda hacía lo que tenía que hacer. No tuve la sensación de haber quedado atrás”.

Los médicos le recomendaron que se retirara, según relató el propio Mullen. La cirugía implicaba riesgos importantes, entre ellos la posibilidad de una parálisis. “Mi deseo de volver a tocar anuló eso”, señaló al explicar por qué siguió adelante con la intervención.

Después de la operación, realizada en Dublín, tardó entre tres y cuatro meses en volver a sentarse detrás de la batería. “Me di cuenta de que tocaba de otra manera. Todo era distinto. Mi cuerpo no funcionaba como antes”, recordó.

Cuando regresó al estudio junto a sus compañeros, la respuesta de la banda despejó parte de las dudas. “Puse primera y empecé a conducir”, resumió sobre aquella primera sesión.

The Edge sostuvo que la presencia del baterista resultó decisiva para que el álbum avanzara. “No creo que hubiéramos hecho un disco si Larry no hubiera podido tocar”, afirmó. Además, describió el efecto de su regreso: “Una vez que Larry entró a la sala, todo cobró sentido”.

El grupo dejó atrás las capas de producción de sus últimos álbumes

La grabación de Carnaval De Luz también implicó una revisión de la dinámica que dominó los trabajos anteriores del grupo, Songs of Innocence y Songs of Experience. Mullen cuestionó el método de alternar productores y compositores, una práctica que, según él, dificultaba el lugar de cada integrante en el estudio.

“Fue muy difícil cuando había tantos productores involucrados ¿Qué es la banda? ¿Qué hace la banda? ¿Cómo funciona? No sabía qué se suponía que debía hacer”, reflexionó el baterista.

Adam Clayton coincidió con ese diagnóstico. El bajista señaló que durante aquella etapa “el sonido de la banda se volvió muy turbio”, debido a la acumulación de arreglos y capas de teclados.

Para el nuevo álbum, el objetivo fue otro: “Era claramente un disco basado en querer que la banda sonara como si estuviera tocando junta en una sala”.

The Edge destacó la incidencia de Clayton y Mullen en el resultado final. “Cuando Adam y Larry tocan, todo sube un 50% en profundidad, intensidad y personalidad”, declaró. Mullen, por su parte, reconoció que su posición frente a los cambios también se modificó después de la operación: “Estoy trabajando en el ‘no’ positivo”.

Bono dejó de perseguir el gran éxito radial

El nuevo material incluye temas extensos y estructuras menos atadas al formato de radio. El grupo trabajó con Brian Eno y el productor Garret “Jacknife” Lee, además de recuperar influencias de David Bowie, Fela Kuti, Donna Summer, Yes y el rock progresivo.

El cantante de 66 años admitió que durante años buscó volver a colocar canciones de U2 entre los grandes éxitos de la radio. “Nada me emociona más que escuchar nuestras canciones en la radio”, afirmó. Aun así, reconoció que la expectativa cambió: “Ahora la canción es su propia recompensa”.

Entre las piezas que reflejan ese giro figura “Coexist (I Will Bless the Lord at All Times?)”, que se acerca a los siete minutos. La versión original duraba 17 minutos. Lee sugirió reducirla para evitar que quedara como una obra de escucha aislada.

The Edge defendió la apertura hacia composiciones menos convencionales y señaló que Bono incluso escribió una introducción para una de las canciones influida por Yes.

El guitarrista también descartó que el tiempo redujera la ambición creativa del grupo: “Nuestro próximo álbum podría ser el mejor que hayamos hecho”.

La banda ya ensaya para una gira de estadios

A los 66 años, Clayton subrayó que piensa en los límites físicos y en el valor de conservar la salud. “Cuando termine este ciclo probablemente tendré 70 años”, planteó. El bajista evitó afirmar que U2 seguirá tocando en estadios durante la década siguiente.

Mullen expresó una posición más concreta sobre la formación original. “Hay un valor real en U2 en su forma original. Vale la pena luchar por ella. También vale la pena ceder por ella”, afirmó.

La banda ya confirmó la gira mundial Carnaval De Luz Presents: The Greatest Show On Earth, que comenzará en Latinoamérica en 2027. El itinerario incluirá un show en Ciudad de México el 26 de febrero, dos presentaciones en São Paulo, el 10 y el 12 de marzo, y dos fechas en Buenos Aires, el 23 y el 25 de marzo, en el Estadio River Plate.

Mullen regresará a los escenarios después de su operación cervical y anticipó que deberá evaluar su resistencia en cada concierto: “Aunque no pueda tocar dos horas y media, si puedo tocar una hora, será suficiente”.

El actor compartió ese recuerdo durante una entrevista con Theo Von en el podcast This Past Weekend w/ Theo Von, con motivo del estreno del film en salas. Durante la charla, abordó el impacto de la lectura, los desafíos de adaptar el relato al cine y las razones por las que destacó el trabajo del elenco.

Brolin aceptó el papel después de terminar la novela de Daniel Kraus

Brolin relató que leyó Whalefall durante un rodaje en Italia, mientras trabajaba con Ridley Scott. Dijo que demoró el final porque “no quería que terminara” y recordó: “Apoyé el libro sobre mi pecho y lloré”. Al concluir la lectura, tomó una decisión sin revisar la adaptación: “Estoy dentro. La hago”.

El actor ya conocía a Kraus, con quien había entablado amistad. El escritor se había quedado en su casa durante dos semanas mientras terminaba Angel Down, una obra por la que, según contó Brolin, había recibido el Premio Pulitzer.

Ese vínculo antecedió a la película, aunque el actor sostuvo que la respuesta que tuvo ante el libro fue personal e inmediata.

Al recordar esa experiencia, Brolin se preguntó: “¿Cuándo fue la última vez que me pasó algo así?”. La reacción lo llevó a aceptar el papel sin esperar el guion.

Para él, la historia había reunido una situación extrema y una relación familiar que le resultaron suficientes para sumarse al proyecto.

La película mostró a un joven que recurrió a las enseñanzas de su padre

Según explicó Brolin, el personaje de Austin Abrams se adentra en el mar para buscar los restos de su padre y termina tragado por una ballena. “El padre muere”, señaló al describir el punto de partida de la historia. “Sale a buscar sus restos y la ballena se lo traga”, añadió.

El actor planteó que esa situación obligó al protagonista a enfrentar una parte del vínculo que había rechazado. “Lo que necesita para sobrevivir es exactamente lo que le enseñó el padre”, afirmó.

Brolin consideró que esa idea estaba en el centro de la historia y que permitía reconsiderar la dureza con la que el adulto se había relacionado con su hijo. También destacó una dificultad narrativa: buena parte del relato transcurrió dentro del animal. “¿Cómo hacés una película en la que un hombre pasa el 80% de la historia dentro de una ballena?”, preguntó.

Tras plantear ese desafío, sostuvo que la propuesta funcionó porque no quedó reducida al encierro, sino que mantuvo el conflicto entre ambos personajes.

Brolin valoró el trabajo de Abrams y revisó cómo juzgaba sus propias películas

Brolin fue directo al evaluar el resultado: “‘Whalefall’ es muy buena”. También destacó que “la dirección es muy buena” y que “Austin Abrams es increíble”.

El actor había trabajado antes con Abrams en Weapons y señaló que su interpretación sostuvo el recorrido del personaje dentro de la historia.

Su comentario sobre la película estuvo acompañado por una reflexión sobre su propio trabajo. Brolin recordó que durante años había considerado que Thrashin’ era una de sus peores actuaciones, aunque luego modificó ese juicio.

“Aprendí a no decir que algo es malo”, explicó Brolin al recordar a un espectador que le contó cómo Thrashin’ había cambiado su vida. Sus padres consumían drogas y la película lo había acercado al patinaje, una actividad en la que encontró refugio. “Me salvó la vida”, le dijo.

A partir de ese encuentro, el actor concluyó que una obra puede adquirir un valor diferente para cada espectador, más allá de la opinión de quienes la realizaron.

A Paul McCartney lo acompañan seis décadas de contactos y colaboraciones, pero hay un número que no se decide a marcar: el de Bob Dylan. El exintegrante de The Beatles reconoció que le gustaría compartir una canción con el compositor estadounidense, aunque la idea de hacérselo saber le provoca un nerviosismo que lo ha mantenido lejos de la propuesta.

La confesión surgió durante su participación en el podcast Good Hang with Amy Poehler, emitido el 13 de octubre. Ante una pregunta sobre los artistas con quienes aún le gustaría trabajar, McCartney mencionó al compositor sin dudarlo, aunque admitió que su admiración le dificulta dar el primer paso. “Siempre pienso en Bob Dylan. Pero me da mucho miedo llamarlo”, dijo.

La respuesta resulta llamativa en la trayectoria de un músico que grabó con Stevie Wonder, Michael Jackson, Elvis Costello, Rihanna y Kanye West, entre otros.

McCartney imagina una llamada que todavía no hizo

El músico británico llevó la escena hacia el humor al recrear una presentación telefónica breve: “¿Bob? Soy Paul”. Poehler respondió que le resultaba difícil imaginar a Dylan atendiendo una llamada. McCartney siguió la broma y sugirió que el autor de “Like a Rolling Stone” podría estar “en algún arbusto, en un saco de dormir, tal vez”.

Detrás de la broma hay una distancia personal que McCartney ya había descrito meses antes. En mayo, durante una entrevista en BBC Radio 2, señaló que ambos se conocen desde hace décadas, pero no tienen una relación lo bastante cercana como para que el contacto resulte espontáneo. “Soy un fan, pero no lo conozco lo suficientemente bien”, afirmó.

El último encuentro que recordó ocurrió en 2016, durante el festival Desert Trip, en California. McCartney explicó que Dylan pidió verlo entre bastidores y que ambos conversaron a solas en una carpa. Según su recuerdo, el estadounidense fue elogioso y le dijo: “Eres una estrella”. El británico reconoció que no supo bien cómo responder y se limitó a agradecerle y a expresarle su admiración.

El encuentro que marcó el vínculo con Dylan

La historia entre ambos comenzó mucho antes de Desert Trip. The Beatles y Dylan se conocieron en Nueva York en 1964, cuando el cuarteto de Liverpool ya había alcanzado notoriedad en Estados Unidos. Aquel encuentro quedó asociado al intercambio artístico entre dos de las figuras más influyentes de la música popular de la década.

McCartney ha situado a Dylan entre las influencias que llevaron al grupo a replantear su manera de escribir canciones. Esa valoración no impidió que existieran diferencias entre ambos. A lo largo de los años, el músico estadounidense expresó reparos sobre parte del repertorio de The Beatles y cuestionó similitudes entre algunas de sus composiciones y elementos de su propia obra.

Pese a esos episodios, McCartney mantiene su admiración. En su conversación con BBC Radio 2, explicó que al principio le costaba seguir las letras de Dylan y que, en ocasiones, dejaba de comprender las canciones a mitad de camino. Con el tiempo, dejó de ver esa dificultad como un obstáculo y comenzó a valorar el impacto de las imágenes aisladas dentro de una composición.

La escritura de Dylan alimenta la admiración de McCartney

El exbeatle definió a Dylan como “un compositor fantástico” y admitió sentir envidia por su escritura. El valor de esas letras, explicó, no depende siempre de una narración lineal: a veces está en dos palabras o en una combinación inesperada capaz de construir una imagen. Mencionó expresiones como “monje celoso” y “barco mágico” para describir esa capacidad.

“Puedes quedarte atrapado con solo dos palabras de una letra de Bob”, explicó McCartney en la entrevista radial. También reconoció que no cree poder escribir de esa manera. Sus dichos sitúan el deseo de colaborar en un vínculo de admiración artística, antes que en la búsqueda de sumar un nuevo nombre a una discografía atravesada por trabajos compartidos con músicos de distintas generaciones.

Dylan, de 85 años, y McCartney, de 84, no han grabado juntos. Por ahora, una posible colaboración entre dos de los compositores centrales de la música popular continúa en el terreno de una llamada que el ex-Beatle no se anima a hacer.

Joe Manganiello compartió nuevos detalles sobre la película de Batman que Ben Affleck planeó desarrollar, pero que nunca llegó a la pantalla.

El actor, conocido por su participación en True Blood y Magic Mike, tenía previsto interpretar nuevamente a Deathstroke, el antagonista de DC Comics que apareció brevemente en Justice League.

Según relató Manganiello, Affleck pretendía asumir varias funciones en el proyecto: escribir el guion, dirigir, producir y protagonizar la película como Bruce Wayne.

La historia habría presentado a Deathstroke como el principal enemigo de Batman, con una trama centrada en la venganza y la destrucción de la vida personal del superhéroe.

Joe Manganiello explicó que Ben Affleck concebía la producción como “una versión de superhéroes de The Game, de David Fincher”, en referencia al thriller psicológico de 1997 protagonizado por Michael Douglas.

En la historia que describe el actor, Deathstroke actuaría convencido de que Batman había asesinado a su hijo, motivo por el que buscaría desmantelar todos los aspectos de la vida del protagonista.

La venganza del villano habría incluido el asesinato del comisionado James Gordon, personaje interpretado por J.K. Simmons en anteriores producciones de DC, y el secuestro de Alfred Pennyworth, el mayordomo de Bruce Wayne, encarnado por Jeremy Irons.

El plan también contemplaba una incursión en la Baticueva, el escondite subterráneo de Batman.

Las escenas de acción que habría incluido

El actor también describió una secuencia de combate que habría tenido lugar a mitad de la película. Deathstroke estaría a punto de matar tanto a Batman como a Batgirl, antes de que ambos consiguieran escapar utilizando un tren elevado.

Batgirl no había aparecido en esa versión del universo cinematográfico de DC, por lo que Manganiello no precisó quién habría interpretado al personaje. Leslie Grace encarnó a la superheroína en una película independiente que Warner Bros. decidió cancelar antes de su estreno.

El desenlace del proyecto también habría incluido un enfrentamiento entre Batman y Deathstroke por las calles de Gotham.

Joe Manganiello lo describió como un “enfrentamiento individual culminante por las calles de Gotham”, inspirado, según explicó, en una secuencia de combate generada por computadora del videojuego Batman: Arkham Asylum, con Tim Miller vinculado a la referencia creativa.

Al recordar sus conversaciones con Ben Affleck, Manganiello señaló que recibió la propuesta con interés. “Me pareció una buena idea”, escribió. También recordó que elogió el trabajo del actor y director, especialmente su película The Town, y que esperaba ver su versión de Batman.

Sin embargo, Manganiello también manifestó dudas sobre la cantidad de responsabilidades que Affleck planeaba asumir.

Según recordó, le comentó que escribir, dirigir, producir y protagonizar una producción de esa magnitud parecía demasiado para una sola persona. Como comparación, mencionó a Mel Gibson y su trabajo en Braveheart.

Affleck, de acuerdo con el testimonio de Manganiello, respondió: “Sí, lo sé… Pero no te preocupes, estás en buenas manos. Estás en buenas manos, amigo”.

Ben Affleck quedó vinculado a una película individual de Batman después de interpretar a Bruce Wayne en Batman v. Superman: Dawn of Justice (2016), dirigida por Zack Snyder. Sin embargo, en 2019 reconoció en una entrevista con Jimmy Kimmel que no había conseguido resolver el proyecto.

Un año después, el actor explicó a The New York Times que continuar con la película podría haber tenido consecuencias negativas para su vida personal, en un periodo en el que enfrentaba problemas relacionados con el alcohol.

“Le mostré a alguien el guion de The Batman. Me dijo: ‘Creo que el guion es bueno. También creo que te beberás hasta la muerte si vuelves a pasar por lo que acabas de pasar’”, recordó en 2020..

Aún así, Ben Affleck retomó el papel en Zack Snyder’s Justice League (2021) y The Flash (2023).

Ethan Hawke y Drew Barrymore recordaron una oportunidad sentimental que, según el actor, pudo haber ocurrido durante la década de 1990.

Durante una aparición el viernes en The Drew Barrymore Show, el protagonista de Before Sunrise le confesó a la presentadora que llevaba años familiarizado con su figura y que, en más de una ocasión, había imaginado la posibilidad de encontrársela en una fiesta.

“No creo que pueda recordar una época de mi vida en la que no supiera de tu existencia”, le dijo Hawke a Barrymore durante la conversación.

La actriz respondió sorprendida y aseguró que compartía esa percepción: “¡Así es exactamente como me siento contigo!”. El intercambio continuó cuando Hawke planteó que ambos nunca habían tenido una cita.

“Lo que no puedo creer es que nunca hayamos salido juntos, ¿sabes?”, comentó ante las risas del público. Drew Barrymore reaccionó con una pregunta directa: “¿Dónde estabas?”.

La presentadora insistió en que muchas personas habrían querido tener una oportunidad romántica con el actor. “Y, por cierto, lo que yo y todas las demás chicas del planeta habríamos dado por salir contigo. ¿Dónde demonios estabas?”, expresó.

Ethan Hawke explicó entonces que la posibilidad de coincidir con la actriz sí había pasado por su mente durante aquellos años.

“Hubo muchas noches en las que, cuando iba a una fiesta, pensaba: ‘Quizá Drew esté allí’”, recordó, situando esas expectativas en algún momento de la década de 1990.

El actor, conocido también por su trabajo en la serie The Lowdown, explicó que prefería no forzar las circunstancias y esperaba que el encuentro se produjera de manera espontánea.

“Me gusta hacerme el indiferente. Quería que sucediera de forma natural. Pensaba que algo mágico ocurriría”, señaló.

Barrymore respondió con humor al recordar que finalmente no pasó nada entre ellos. “Y mira lo que pasó: ¡nada!”, le dijo. Hawke concluyó que ambos terminaron encontrándose años después, aunque en un contexto diferente: “Nos estamos conociendo en un programa de entrevistas”.

La conversación tuvo como telón de fondo una década en la que ambos actores desarrollaron buena parte de sus carreras cinematográficas.

Ethan Hawke, de 55 años, ya había llamado la atención con Dead Poets Society (1989) y posteriormente participó en Reality Bites (1994) y Before Sunrise (1995).

Drew Barrymore, cinco años menor que Hawke, había comenzado su trayectoria desde niña. Interpretó a Gertie en E.T., el extraterrestre, cuando tenía seis años, y durante los años siguientes participó en películas como Poison Ivy, Batman Forever y Boys on the Side.

Tanto Barrymore como Hawke han tenido relaciones y matrimonios a lo largo de sus vidas. La actriz se casó con Jeremy Thomas en marzo de 1994, aunque la pareja se separó 19 días después. En 2001 contrajo matrimonio con el comediante Tom Green, de quien se divorció cinco meses más tarde.

En junio de 2012, Barrymore se casó con Will Kopelman, con quien tuvo dos hijas, Olive y Frankie. La pareja anunció su separación en 2016.

Ethan Hawke, por su parte, se casó con la actriz Uma Thurman en 1998. Tuvieron dos hijos, Maya y Levon, y se separaron en 2005. En 2008, el actor contrajo matrimonio con Ryan Shawhughes, con quien tiene otras dos hijas, Clementine e Indiana.

Barbara Palvin volverá a desfilar para Victoria’s Secret apenas seis semanas después del nacimiento de su primera hija con el actor Dylan Sprouse.

La modelo húngara participará en el Victoria’s Secret Fashion Show 2026, celebrado en Los Ángeles, donde habló sobre su regreso al trabajo y los cambios que ha experimentado desde que se convirtió en madre.

En una entrevista con Page Six Style detrás del escenario, la famosa expresó su entusiasmo por volver a la pasarela y reconoció que también sentía cierta preocupación por el desfile.

“Estoy feliz. Estoy emocionada. ¡Espero no caerme!”, comentó antes de la presentación.

La modelo restó importancia al poco tiempo transcurrido desde el parto y explicó que su regreso coincide con el periodo de recuperación que consideraba habitual.

“Les digo a todos: esto es normal. La licencia de maternidad es de seis a ocho semanas; mañana cumplo seis semanas, así que simplemente estoy haciendo lo mismo que todos los demás. ¡Y solo tengo que caminar por una pasarela!”, señaló en tono de broma.

Barbara Palvin también habló sobre su recuperación física y las medidas que tomó durante el embarazo y después del nacimiento de su hija.

“Curiosamente, mi cuerpo se recuperó muy rápido, por suerte. Además, creo que es porque nunca había estado tan saludable”, afirmó.

La modelo explicó que durante el embarazo procuró mantener una alimentación basada en productos orgánicos, con el objetivo de favorecer la salud de su hija.

“Durante el embarazo, realmente quería asegurarme de que mi niña estuviera sana, así que solo comía alimentos orgánicos. Y ahora, en el posparto, como estoy amamantando, quería asegurarme de alimentarme bien”, relató.

Sobre su preparación para regresar al trabajo, Palvin señaló que permitió que su cuerpo se recuperara de manera gradual.

“Así fue como me preparé: simplemente dejé que mi cuerpo sanara por sí solo e hice algunos ejercicios ligeros, pero nada intenso”, explicó.

El apoyo de Dylan Sprouse y su familia

La modelo también destacó el acompañamiento de su esposo durante esta nueva etapa. Dylan Sprouse tenía previsto asistir al desfile para apoyarla desde la primera fila, aunque Barbara Palvin desconocía si el actor prepararía alguna sorpresa.

“Mi maravilloso esposo estará aquí esta noche. No sé qué está planeando; ¡espero que nada, porque tiene que estar cuidando a nuestra niña ahora mismo!”, comentó.

En ediciones anteriores del desfile, Sprouse había protagonizado gestos públicos de apoyo a su esposa. En 2024 llevó figuras de cartón de las mascotas de la pareja y, en 2018, le entregó comida de Shake Shack después de una presentación.

Palvin también agradeció la ayuda de sus amigos y familiares durante las primeras semanas de maternidad.

“No tengan miedo de pedir ayuda. Porque yo soy así: quiero hacerlo todo por mi cuenta. Pero no estaría aquí si mis amigos y mi familia no me hubieran apoyado”, afirmó.

Durante la entrevista, la modelo se emocionó al hablar de la experiencia. Después de bromear sobre los cambios hormonales del posparto, añadió: “Sé que este es un viaje difícil. ¡Pero somos madres, carajo! ¡Vamos con todo!”.

La participación de 2026 marcará la sexta ocasión en que Barbara Palvin desfila en el espectáculo anual de Victoria’s Secret. Su debut ocurrió en 2012, cuando tenía 19 años.

Kaia Gerber habló públicamente sobre la muerte de su hermano mayor, Presley Gerber, con una publicación en Instagram en la que compartió recuerdos de su infancia y expresó el impacto de su pérdida.

El mensaje fue difundido el domingo, casi un mes después del fallecimiento del modelo, ocurrido el 20 de septiembre en un centro de rehabilitación de Santa Mónica, California. Presley tenía 27 años.

La publicación incluyó un video de ambos durante su infancia, una fotografía juntos y un texto en el que Kaia describió el vínculo que mantuvo con su hermano.

“No tengo palabras. Sabes cuánto me encantaba ser tu hermana. Siempre ha sido y siempre será mi cosa favorita de mí misma”, expresó.

En otro fragmento, la modelo, de 25 años, describió el afecto que sentía por Presley y la dificultad de afrontar su ausencia.

“Llegué a este mundo aferrada a ti con todas mis fuerzas. Sentía más amor por ti del que sabía qué hacer. Y ahora que no tiene un lugar evidente adonde ir, estoy segura de que terminará devorándome por completo. Nací amándote. Moriré amándote. Nunca hubo nada más”, escribió.

Kaia añadió que está aprendiendo a mantener ese vínculo sin poder ver a Presley, aunque reconoció que todavía no sabe cómo hacerlo. Asimismo, expresó que volvería a vivir cada momento a su lado, incluso conociendo el dolor que supondría perderlo.

“Caminaría conscientemente hacia este dolor si eso significara que, al otro lado, podría volver a ser tu hermana. Mi querido hermano, te adoro. Amo a mi hermano. Mi hermano está muerto. Y esta fiesta es una porquería sin ti, Prez”, escribió.

El mensaje de Cindy Crawford

Cindy Crawford expresó su pesar por la muerte de su hijo, Presley Gerber, de 27 años, mediante una publicación en Instagram en la que recordó su vida y agradeció las muestras de apoyo recibidas por su familia.

El mensaje fue acompañado de una fotografía en blanco y negro del joven, en la que aparecen elementos que simulan alas de ángel. En la publicación, difundida el domingo, la supermodelo escribió que ella y sus familiares se encuentran profundamente afectados por la pérdida.

También recordó los 27 años que compartieron con Presley y destacó aspectos de su personalidad, como su amabilidad y su disposición para mostrarse vulnerable.

“Estamos profundamente desconsolados por la pérdida de nuestro amado hijo y hermano. Nos sentimos muy afortunados de haber tenido a Presley en nuestras vidas durante 27 años. Era un alma dulce y hermosa que amó y es amado, ahora y siempre. Estamos muy orgullosos de cómo se desenvolvió en el mundo, con bondad y vulnerabilidad”, expresó.

Cindy Crawford también agradeció a las personas que se han comunicado con sus familiares para ofrecerles condolencias y muestras de solidaridad.

“Agradecemos las muestras de amor y apoyo de tantas personas que conocen y aman a nuestra familia, e incluso de desconocidos que comparten nuestro dolor. Hasta que nos volvamos a encontrar, nuestro dulce niño. Te amamos por siempre, Mamá, Papá y Kaia”, concluyó.

Cabe destacar que Rande Gerber compartió el mismo mensaje en su cuenta de Instagram.

Eric Dane, reconocido por sus participaciones en Grey’s Anatomy y Euphoria, relató cómo su hija menor, Georgia, lo ayudó a regresar a una embarcación después de que perdiera la capacidad de nadar durante unas vacaciones en Antigua.

El episodio ocurrió tras su diagnóstico de esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad neurodegenerativa que afecta las neuronas encargadas de controlar los músculos.

El testimonio forma parte de My Book of Days: A Memoir in Moments, las memorias póstumas del intérprete, fallecido el 19 de febrero a los 53 años.

Un fragmento del libro fue obtenido por la revista People, que difundió detalles del incidente y de la conversación que Dane mantuvo posteriormente con Rebecca Gayheart, su esposa, de quien estaba separado.

Según el relato del actor, Georgia se encontraba en el agua junto a una amiga cuando él se dio cuenta de que ya no tenía la fuerza necesaria para nadar y regresar al barco. La niña intervino para ayudarlo a volver a la embarcación.

Después de ponerse a salvo, Eric Dane se comunicó por teléfono con Rebecca Gayheart, con quien se había casado en 2004. En el fragmento de sus memorias, el actor describió la conversación y la reacción de su esposa al conocer lo sucedido.

“Georgia me pasa el teléfono”, escribió Dane antes de reproducir sus palabras durante la llamada: “No sé nadar, Rebecca. No sé nadar”. El actor relató que ambos terminaron llorando durante la conversación.

“Ella rompe a llorar desconsoladamente y yo lloro con ella. Lloramos juntos. Finalmente, las lágrimas disminuyen, se convierten en jadeos, y cuando ambos hemos dejado de llorar, Rebecca dice: ‘Tenía miedo de este día. Sabía que llegaría. Lo he estado temiendo’”, relató.

La conversación reflejó la preocupación que ambos compartían por la evolución de la ELA y sus consecuencias en la vida cotidiana del actor.

Dane ya había contado parte de lo sucedido en una entrevista con el programa Good Morning America, emitida en junio de 2025.

Durante la conversación con la periodista Diane Sawyer, explicó que la experiencia le permitió reconocer los efectos de la enfermedad sobre sus capacidades físicas.

“Cuando me lancé al océano ese día y me di cuenta de que no podía nadar ni generar la fuerza suficiente para volver al barco, pensé: ‘¡Dios mío!’. Y en ese momento me di cuenta de que ya no estaba a salvo en el agua. Ella me arrastró de vuelta al barco”, relató.

Pese a lo ocurrido, el actor procuró que Georgia pudiera continuar disfrutando de la actividad con su amiga.

Cabe recordar que el famoso anunció públicamente su diagnóstico de esclerosis lateral amiotrófica en abril de 2025. La enfermedad afecta progresivamente las neuronas motoras, lo que puede provocar debilidad muscular y dificultades para realizar movimientos voluntarios.

El intérprete murió el 19 de febrero, menos de un año después de hacer público su diagnóstico. Según su certificado de defunción, la causa de muerte fue una insuficiencia respiratoria.

Dane y Gayheart tuvieron dos hijas: Billie, nacida en 2010, y Georgia, nacida en 2011. Aunque Gayheart solicitó el divorcio en febrero de 2018, después de 14 años de matrimonio, la pareja no completó formalmente el proceso.

Tras el diagnóstico del actor, ella retiró la solicitud y ambos mantuvieron una relación cercana, con viajes familiares junto a sus hijas. Las memorias My Book of Days: A Memoir in Moments tienen prevista su publicación en noviembre.

Halle Berry, ganadora del Óscar a mejor actriz en 2002 por Monster’s Ball, enfrenta una nueva disputa judicial con su exesposo, el actor Olivier Martinez, por la custodia de su hijo Maceo, de 13 años.

Según documentos judiciales citados por Page Six, Martinez solicitó la custodia legal exclusiva del menor y una orden de restricción por violencia doméstica, después de acusar a la artista de agredir físicamente al adolescente.

La actriz y su equipo legal rechazaron las acusaciones, a las que calificaron como “infundadas y deliberadamente engañosas”.

De acuerdo con los documentos, Olivier Martinez sostiene que Halle Berry estranguló a su hijo durante una discusión ocurrida el 26 de septiembre en la residencia de la actriz, en Los Ángeles.

El conflicto habría comenzado por el uso de unas gafas de realidad virtual. Martinez también alegó que hubo otros episodios de presunto maltrato durante el último año y medio, aunque los detalles de esos incidentes no se han hecho públicos.

En medio del proceso, una fuente que conoce a Berry desde hace años declaró a Page Six que la actriz presenta cambios de humor que, según su relato, han sido observados por personas de su entorno.

“Halle puede ser el ser humano más encantador que hayas conocido y, segundos después, estallar de ira. Hay algo que solo puedo describir como una desregulación de su estado de ánimo que muchas, muchas personas de su entorno han presenciado”, dijo el informante.

Y añadió: “Y, aunque personalmente nunca la he visto comportarse así con sus hijos, la polaridad de sus estados de ánimo es bien conocida entre sus amigos… No creo que nadie en su vida sea inmune a esos cambios de humor”.

La fuente también hizo referencia a otros episodios de la trayectoria de la famosa, entre ellos un accidente automovilístico ocurrido en febrero de 2000 en Hollywood y un incidente durante el rodaje de Gothika, en 2003, cuando su compañero Robert Downey Jr. le fracturó accidentalmente un brazo.

Según el relato, Halle Berry habría expresado a sus amistades que consideraba poco sincera la disculpa del actor.

Pero, la persona entrevistada aclaró que esas referencias no determinan su responsabilidad en el caso actual: “Sin embargo, esto no la hace culpable de aquello de lo que se le acusa”.

La declaración de su hija y la disputa judicial

La hija mayor de la actriz, Nahla Aubry, de 18 años, presentó una declaración ante un tribunal superior de Los Ángeles en la que defendió a su madre. Según el documento obtenido por Page Six, describió a la artista como una madre dedicada y aseguró que nunca había presenciado agresiones contra su hermano.

“Nunca he visto a mi mamá golpear, abofetear, estrangular, agarrar ni maltratar físicamente a Maceo de ninguna manera. Nunca he visto a mi mamá poner las manos alrededor del cuello de Maceo, someterlo a una llave de estrangulamiento, impedirle respirar ni realizar ninguna conducta que se parezca remotamente a las acusaciones que se han hecho en su contra”, declaró.

Nahla reconoció que su madre establece reglas y exige respeto, pero añadió que es “cálida, comprensiva y está profundamente involucrada en nuestras vidas”. “Nunca observé nada abusivo en su manera de criarnos”, concluyó.

Actualmente, Olivier Martinez tiene la custodia temporal de Maceo. Un juez autorizó que el adolescente pueda declarar en el procedimiento. Berry conserva derechos para desempatar determinadas decisiones y mantiene la custodia física durante las noches.

En una respuesta judicial presentada el miércoles, la actriz responsabilizó a Martinez de los recientes problemas de comportamiento de su hijo en la escuela.

Berry solicita la custodia legal exclusiva o, alternativamente, la autoridad definitiva para decidir sobre educación, atención médica y salud mental cuando ambos progenitores no logren un acuerdo tras 72 horas de negociación.

Cabe recordar que Olivier Martinez y Halle Berry se casaron en Francia en julio de 2013 y anunciaron su separación en 2015. Su divorcio se finalizó en agosto de 2023.

El acuerdo estableció que Berry pagara 8 mil dólares mensuales de manutención para Maceo, además de cubrir su educación privada, seguro médico y otras necesidades.

La actriz también mantuvo una disputa judicial con Gabriel Aubry, padre de su hija Nahla, tras su separación en 2010.

Cindy Crawford expresó su pesar por la muerte de su hijo, Presley Gerber, de 27 años, mediante una publicación en Instagram en la que recordó su vida y agradeció las muestras de apoyo recibidas por su familia.

El mensaje fue acompañado de una fotografía en blanco y negro del joven, en la que aparecen elementos que simulan alas de ángel. En la publicación, difundida el domingo, la supermodelo escribió que ella y sus familiares se encuentran profundamente afectados por la pérdida.

También recordó los 27 años que compartieron con Presley y destacó aspectos de su personalidad, como su amabilidad y su disposición para mostrarse vulnerable.

“Estamos profundamente desconsolados por la pérdida de nuestro amado hijo y hermano. Nos sentimos muy afortunados de haber tenido a Presley en nuestras vidas durante 27 años. Era un alma dulce y hermosa que amó y es amado, ahora y siempre. Estamos muy orgullosos de cómo se desenvolvió en el mundo, con bondad y vulnerabilidad”, expresó.

Cindy Crawford también agradeció a las personas que se han comunicado con sus familiares para ofrecerles condolencias y muestras de solidaridad.

“Agradecemos las muestras de amor y apoyo de tantas personas que conocen y aman a nuestra familia, e incluso de desconocidos que comparten nuestro dolor. Hasta que nos volvamos a encontrar, nuestro dulce niño. Te amamos por siempre, Mamá, Papá y Kaia”, concluyó.

Cabe destacar que Rande Gerber compartió el mismo mensaje en su cuenta de Instagram. Por su parte, Kaia Gerber, modelo y hermana de Presley, republicó la publicación de su madre, difundiendo así el homenaje familiar en sus propias redes sociales.

Investigación sobre las circunstancias de la muerte de Presley Gerber

De acuerdo con información publicada inicialmente por el medio estadounidense TMZ, Presley Gerber murió el 20 de septiembre en un centro de alojamiento para personas en recuperación de adicciones ubicado en Santa Mónica, California.

Según Page Six, Presley Gerber se encontraba bajo los efectos de alguna sustancia cuando llegó al centro de rehabilitación. TMZ, por su parte, informó que “no parecía estar sobrio” al momento de su ingreso.

Según ese reporte, el fallecimiento ocurrió pocas horas después de su ingreso al establecimiento. Las autoridades policiales investigan el caso como una posible sobredosis. Hasta la información difundida, no se sospechaba de la intervención de terceros en su muerte.

Una fuente citada por ese medio afirmó que Gerber “no estaba bien” y que había enfrentado durante años problemas relacionados con su autoestima y con la percepción que tenía de sí mismo.

En una publicación de Instagram que posteriormente eliminó, compartida el 1 de diciembre de 2025 y citada por Just Jared, Gerber explicó que había atravesado varias pérdidas y que estas experiencias habían influido en su situación personal.

“Aquí les dejo algo claro: la verdad los hará libres (con suerte) jaja. He tenido muchas pérdidas de diferentes tipos últimamente. Eso no es una excusa, pero es la razón, o parte de ella, por la que estoy donde estoy ahora”, escribió.

Presley Gerber señaló que tomaba distintos medicamentos con objetivos específicos. Según explicó, utilizaba Valium, cuyo principio activo es diazepam, para ayudar a controlar la actividad del sistema nervioso central.

Asimismo, consumía buprenorfina para tratar el dolor y los trastornos relacionados con el consumo de opioides, y Xanax, cuyo principio activo es alprazolam, “cuando los ataques de pánico eran realmente muy fuertes”.

En 2024 también había revelado que sobrevivió a una sobredosis de fentanilo que lo dejó en coma durante varios días.

El examen post mortem ya fue realizado; sin embargo, la determinación oficial de la causa del fallecimiento quedó pendiente mientras continúan las investigaciones.

Los actores analizaron el alcance de esos sistemas luego de protagonizar “The Social Reckoning”, la película de Aaron Sorkin inspirada en la investigación periodística sobre los llamados Facebook Files.

Durante una entrevista con Rolling Stone, Madison, quien interpreta a la ex empleada de Facebook Frances Haugen, y White, en el papel del periodista Jeff Horwitz, hablaron sobre la radicalización en internet, los límites de las compañías tecnológicas y las presiones que enfrentan quienes exponen información interna de grandes empresas.

La trama se centra en la investigación que reveló documentos y testimonios sobre el funcionamiento de Facebook y sus consecuencias. Jeremy Strong interpreta a Mark Zuckerberg en la producción.

Jeremy Allen White, sobre el control de las plataformas

White contó que su relación con las redes sociales es distante y vinculada, sobre todo, con el trabajo. Esperó varios años antes de abrir una cuenta en Instagram y explicó que “todas esas dudas o temores se hicieron realidad y se reforzaron durante el proceso de preparación de la película”, afirmó el actor.

El protagonista de la serie The Bear sostuvo que antes tendía a concederles el beneficio de la duda a las grandes tecnológicas y consideraba posible que ciertos efectos estuvieran fuera de su control. Tras investigar el caso, su percepción cambió.

“La verdad es que saben exactamente qué está pasando. Lo que pasa era la intención”, señaló el actor de 35 años. Luego planteó una inquietud sobre el modelo de negocio de las compañías digitales: “Tienen gran parte de nuestra atención, de nuestra participación, de nuestro tiempo. ¿Necesitan todo eso?”.

El actor también se refirió al impacto de esos entornos en los vínculos personales. Recordó que, entre 2020 y 2021, notó cambios profundos en la manera en que algunas personas cercanas interpretaban la realidad.

“Había amistades que conocía desde hacía años y que cambiaron su forma de entender qué era verdad”, explicó. Según relató, esas diferencias de percepción dificultaron los acuerdos y profundizaron las distancias entre personas que antes compartían puntos de vista.

Madison y los caminos de radicalización

Madison señaló que no mantiene una relación personal con las redes sociales. “No tengo ninguna relación personal con las redes sociales”, afirmó durante la entrevista con Rolling Stone.

Tuvo cuentas de Instagram y Facebook durante su adolescencia, aunque dejó de usarlas sin que mediara un episodio específico. “Simplemente nunca se consolidó”, explicó sobre esa experiencia.

La actriz de 27 años indicó que su distancia con las plataformas marcó una diferencia respecto de Frances Haugen, el personaje que interpreta en la película. Aun así, tras trabajar en la historia, comentó que entendió mejor el atractivo de ciertos contenidos y circuitos digitales para quienes terminan atrapados en posiciones extremas.

“Puedo entender cómo sería un camino muy atractivo, seductor, para recorrer, especialmente después de hacer esta película”, afirmó Madison. También sostuvo que muchas personas tienen familiares o conocidos que siguieron esa dirección en internet.

White reconoció la responsabilidad individual de verificar la información y consultar medios con profesionales capacitados, aunque señaló las dificultades que plantea la exposición constante a contenidos digitales. “No culpo a esas personas. Culpo al sistema y al algoritmo”, sostuvo.

Regulación y protección de menores

Sobre posibles soluciones, el actor afirmó que no tiene una respuesta definitiva, aunque propuso mayor supervisión externa para las grandes compañías tecnológicas. Mencionó los controles existentes en sectores como el transporte aéreo y la industria farmacéutica como referencia de mecanismos de responsabilidad.

“Creo que tiene que haber reguladores externos para todas estas compañías”, destacó. También consideró necesario establecer más salvaguardas para los menores de edad.

El actor aludió a debates en Australia y el Reino Unido sobre restricciones al acceso de jóvenes a plataformas digitales. Advirtió, de todos modos, que la verificación de edad puede abrir otro interrogante: la eventual recopilación de más datos personales de niños y adolescentes.

White planteó que una prohibición total quizá no sea la salida, aunque sugirió limitar el tiempo de uso para los menores mediante mecanismos ajenos a las propias empresas tecnológicas.

El reconocimiento a Frances Haugen y al periodismo de investigación

Madison destacó el costo personal que implicó para Haugen revelar información sobre Facebook. “Lo que hizo Frances y lo que puso en juego por el bien de otras personas fue muy valiente”, afirmó.

White preparó su personaje a partir de Broken Code, el libro de Horwitz sobre la investigación y el proceso que llevó a la publicación de los Facebook Files. El actor explicó que no se reunió con el periodista hasta después de terminar el rodaje, una decisión que atribuyó al enfoque de Sorkin.

El director buscó que los intérpretes reunieran información sobre las figuras reales, aunque conservaran margen para construir sus propios personajes. White recordó que Sorkin le pidió evitar la imitación y centrarse en una interpretación.

La película reunió la perspectiva de una denunciante interna y la de un periodista de investigación, dos figuras que Madison y White vincularon con la necesidad de exigir responsabilidades a las empresas que administran gran parte de la conversación pública digital.

La serie, protagonizada por Kim You-jung y Park Jin-young, logró debutar en su país de origen con un buen promedo en el rating. Aunque aborda un tema sensible en la historia surcoreana, la ficción se ha ganado el favor del público local hasta el momento.

De qué trata la serie

100 días de engaño forma parte de las producciones especiales por el vigésimo aniversario de la cadena tvN. La trama transcurre en 1932, en Gyeongseong, el antiguo nombre de Seúl, cuando el dominio colonial japonés sobre Corea se encontraba en uno de sus períodos más difíciles y los movimientos clandestinos por la independencia operaban en secreto.

Kim You-jung interpreta a Lee Ga-kyung, la mejor carterista de la ciudad. Ella se gana la vida robando, hasta que las circunstancias la llevan a infiltrarse en el Gobierno General japonés bajo la identidad de una aprendiz de intérprete. Sin embargo, su misión la enfrenta a situaciones que ponen a prueba sus planes y la llevan a conocer a un funcionario con un pasado tan complejo como el suyo.

Ese personaje es Sato Hideo, interpretado por Park Jin-young. Nacido con el nombre de Kim Tae-woong, fue un niño carterista que terminó bajo la protección de Sato Shinichi, un alto funcionario de la administración colonial. Tras pasar diez años fuera de Corea, el talentoso joven regresa como intérprete de élite, con dominio del inglés, el japonés y el coreano, para cumplir una misión importante.

El encuentro entre Ga-kyung y Hideo da paso a un romance atravesado por el engaño, las diferencias sociales y las lealtades enfrentadas.

Espionaje y resistencia

La historia también sigue a Yoo So-ran (Kim Hyun-joo), francotiradora de un grupo clandestino que lucha por la independencia de Corea. Su misión personal de venganza se entrelaza con la de Yoo Philip, un corresponsal coreano-estadounidense al que da vida Lee Moo-saeng. Ambos participan en un plan para asesinar a Sato Shinichi, el alto funcionario interpretado por Jin Seon-kyu.

La producción cuenta con la dirección de Yoo In-sik, realizador detrás de Woo, una abogada extraordinaria y la franquicia Dr. Romantic, y el guion de Rhyu Bo-ri, responsable de Do You Like Brahms?

Un estreno con buenas cifras de audiencia

100 días de engaño debutó el 10 de octubre por tvN y también llegó ese día a Netflix para su distribución internacional. La primera temporada consta de 16 episodios, con emisiones los sábados y domingos. El calendario contempla dos capítulos por semana hasta finales de noviembre.

El rendimiento inicial en la televisión surcoreana fue alentador considerando que se emite en un canal de cable: alcanzó un promedio nacional del 7,6 % para su segundo capítulo, según datos de Nielsen Korea.

Ademásl, las reseñas especializadas destacan el trabajo de su reparto estelar, formado por actores con amplia trayectoria en la pantalla chica y el cine.

Kim You-jung, la protagonista femenina, fue en su momento una de las actrices infantiles más reconocidas de Corea del Sur. Al crecer, obtuvo los roles principales de Love in the Moonlight (2016), Backstreet Rookie (2020) y la película 20th Century Girl (2022).

Su compañero de reparto, Park Jin-young, es cantante, compositor y actor, además de integrante del grupo de K-pop GOT7. En televisión destacó con The Devil Judge (2021) y Yumi’s Cells (2021-2022), mientras que su trabajo en la película Christmas Carol (2022) le valió el premio a mejor actor revelación en los Baeksang Arts Awards de 2023.

La producción también prestó especial atención a la ambientación. Yoo In-sik reconoció ante la prensa la dificultad de recrear el período colonial debido a la escasez de edificios y lugares históricos originales.

Asimismo, Kim You-jung destacó que todo el equipo abordó el aspecto histórico con mucho respeto. Cuando leyeron el guion por primera vez, guardaron un minuto de silencio en memoria de los héroes de la independencia. “Conservé ese sentido de gratitud mientras filmaba. Me dio fuerza para seguir adelante”, relató.

Jenny McCarthy recordó una experiencia que la hizo sentir intimidada durante la boda de Tom Cruise y Katie Holmes en noviembre de 2006.

La actriz y presentadora aseguró que el protagonista de Misión imposible intentó acercarla a la cienciología y describió dos situaciones incómodas que vivió durante las celebraciones, en las que también estuvo presente David Miscavige, líder de la organización religiosa. Así lo contó mientras entrevistaba a Anne Gollert Hill, una exintegrante de la Sea Org que pasó 20 años en la cienciología, en su podcast The Jenny McCarthy Wahlberg Show.

La conversación llevó a McCarthy, de 53 años, a recordar su experiencia junto a Jim Carrey, con quien mantenía una relación sentimental en aquella época.

La incómoda escena con la hija de Tom Cruise y Katie Holmes

McCarthy y Carrey fueron invitados a la boda de Cruise y Holmes, celebrada en noviembre de 2006 en un castillo de Bracciano, Italia. Durante la cena de ensayo previa a la ceremonia, la pareja se sentó frente a los novios y su círculo más cercano.

En ese momento, una niñera llevó a Suri, la hija de Cruise y Holmes, que entonces tenía siete meses, hasta su madre. McCarthy, quien se describió como una persona a la que le encantan los bebés, preguntó si podía sostenerla. Según su relato, la petición provocó un silencio repentino entre los asistentes.

“Fue como en El bebé de Rosemary. Recibí la mirada de la cienciología”, recordó, en alusión a la película de terror de 1968. Holmes le pasó a la niña lentamente, pero McCarthy aseguró que la atención de los invitados la hizo sentir incómoda.

“Solo dije: ‘Hola, bebé’, porque nadie hablaba”, relató. Cuando devolvió a Suri a su madre, las conversaciones se reanudaron como si nada hubiera ocurrido.

“Pensé para mis adentros: ‘Está bien, estoy en el vientre de la bestia en este momento’ Nunca había estado tan asustada“, contó McCarthy.

Otro momento incómodo ocurrió cuando Cruise le presentó a Miscavige como su padrino de boda. McCarthy respondió con ironía: ‘Ja, te eligieron a ti. Felicitaciones’. Según explicó, su comentario sonó despectivo y no agradó al líder religioso. Cruise se rio, aparentemente para aliviar la tensión.

La percepción de McCarthy sobre Katie Holmes

La presentadora también relató que, después de la boda, ella y Carrey compartieron más reuniones con Cruise y Holmes. En esas ocasiones, McCarthy aprovechaba para hablar en privado con la actriz y preguntarle si estaba bien o necesitaba ayuda.

“En ese momento parecía un ciervo frente a los faros de un auto”, dijo sobre Holmes. “Durante la boda, todavía parecía Katie. Ya dentro del matrimonio, noté un cambio en ella”.

Cruise y Holmes estuvieron casados durante cinco años. En junio de 2012, la actriz solicitó el divorcio para “proteger a su hija de la Cienciología”, según los documentos judiciales.

Por otro lado, McCarthy añadió que Cruise habría intentado acercar también a Carrey a su comunidad religiosa. Según recordó, el actor le contó que ya había rechazado intentos anteriores de reclutamiento.

“Hubo varias ocasiones en las que Tom llamaba a Jim y le decía: ‘Oye, ¿por qué no vienen a nuestra casa de Aspen?’“, relató McCarthy. Según su versión, Carrey respondía que no podían ir porque temía que intentaran convencerlos de unirse a la organización.

En el rodaje de una nueva reconstrucción de Abbey Road, cuatro actores volvieron a cruzar la calle que quedó grabada en la historia de The Beatles. La escena llegó después a Paul McCartney, quien se detuvo en un detalle de la imagen: el intérprete de su personaje parecía más bajo que el actor elegido para representar a John Lennon.

El comentario se conoce mientras avanza un proyecto compuesto por cuatro largometrajes, cada uno narrado desde la perspectiva de uno de los integrantes de la banda.

Paul Mescal interpretará a McCartney, Harris Dickinson asumirá el papel de Lennon, Barry Keoghan encarnará a Ringo Starr y Joseph Quinn representará a George Harrison.

Según publicó People, las cuatro películas dirigidas por Mendes tienen previsto estrenarse en abril de 2028. McCartney habló sobre el tema en Good Hang, el pódcast de Amy Poehler, donde explicó por qué la diferencia de altura entre los actores le resultó relevante.

La anécdota surgió a partir de una imagen enviada por Mendes durante el rodaje. McCartney advirtió que Mescal parecía más bajo que Dickinson en la recreación de una caminata por el paso peatonal, una de las postales más identificadas con The Beatles.

McCartney recordó que los integrantes tenían estaturas similares

McCartney sostuvo ante Poehler que las imágenes de la banda no debían mostrarlo más bajo que Lennon. “Todos teníamos la misma altura”, afirmó. Luego precisó: “Todos teníamos la misma altura y Ringo era un poco más bajo. Si se miran las fotos, todos tenemos la misma altura”.

El músico vinculó esa inquietud con Nowhere Boy, la película de 2009 sobre los años iniciales de Lennon. En ese film, Aaron Taylor-Johnson interpretó a Lennon y Thomas Brodie-Sangster encarnó a McCartney, quien cuestionó que la puesta mostrara a su compañero como físicamente más imponente que él.

En referencia a Aaron Taylor-Johnson, quien interpretó a Lennon y más tarde se casó con la directora Sam Taylor-Johnson, McCartney recordó: “El personaje de John, Aaron, con quien ella se casó después, es más grande que yo en la película”. Y agregó: “Mi personaje es medio enclenque. Más chico que John. John me tira al suelo. Y es como decir: ‘Sam, esto no es verdad’”.

Taylor-Johnson, según recordó McCartney, le respondió: “Es una película, no es un documental”. El músico explicó su reacción: “No me gusta esa explicación”.

También señaló que no podía modificar la película porque ya estaba hecha y describió el contraste que veía en pantalla: “Ahí estaba yo, el pequeño Paul. John, el gran héroe. Y es como decir: ‘¡No! No es verdad’”.

Ese antecedente explica el reclamo que trasladó a Mendes. Para McCartney, la diferencia de estatura no era un detalle aislado: era una forma de representación que, según dijo, ya había objetado en una producción anterior sobre la historia del grupo.

Una imagen de Abbey Road llevó el reclamo al nuevo proyecto de Mendes

McCartney contó que el reparto de las próximas películas sobre The Beatles volvió a plantearle la cuestión de la estatura. Al referirse a Paul Mescal, elegido para interpretarlo, señaló: “Es más bajo que el actor que interpreta a John”. Luego recordó una conversación con el director Sam Mendes: “Le dije: ‘Sam, tengo una sola cosa que necesito decirte. Sabés que Paul es un poco más bajo’”.

La situación volvió a surgir cuando Mendes le compartió una imagen del rodaje. “Me mandó una foto de la filmación, y están cruzando el paso peatonal de Abbey Road, y el personaje de Paul es claramente más bajo”, relató McCartney. Ante esa escena, el músico respondió con un mensaje al director: “Sam, ¿más bajo? No hagas esto. Dijiste que no lo harías”.

La escena recrea una de las fotografías más asociadas con The Beatles: los cuatro integrantes cruzan la calle frente a los estudios Abbey Road, en una imagen vinculada al álbum publicado en 1969. McCartney advirtió la diferencia de altura en esa secuencia, que forma parte de la historia visual de la banda.

Mendes respondió al mensaje con una explicación sobre la toma. “No, está bien, es solo la forma de caminar”, le dijo el director, según McCartney. El músico añadió que Mendes luego le envió otra foto de la misma escena “en la que estaban a la misma altura”.

El anuncio llegó el viernes 16 de octubre, cuando la marca publicó un video de la modelo junto a un cochecito de bebé. En la grabación, Barbara aparece con botas de tacón y un cartel rosa con la frase “Ángel a bordo”, una referencia a su nueva etapa como madre y a su trayectoria con la firma.

“Ya estoy de vuelta, perras”, dice Palvin en el video, antes de pedir silencio para no despertar a su hija. En la descripción, la marca le indica que esperan su llegada a Los Ángeles, California.

Por su parte, Dylan Sprouse expresó su admiración por la modelo a través de una historia de Instagram. “Estoy orgulloso de mi esposa, que se lanza de lleno al desfile de Victoria’s Secret después de dar a luz. Es de otra categoría. No sé de dónde sacas la energía, ¡pero vaya!”, escribió el actor de 34 años junto a una fotografía de su esposa junto a su bebé.

La pareja anunció el nacimiento de su primera hija el pasado 28 de septiembre, aunque precisó que la bebé había llegado al mundo a principios de ese mes. Un día después, Sprouse reveló el nombre de la niña durante un episodio de su pódcast Wildmen.

“Hay un momento en el que miro a Sylvie y pienso: ‘Esto es lo más genial del mundo’”, contó sobre su experiencia como padre primerizo. Según relató, le encanta vestir a su hija y observar sus primeras reacciones.

Qué modelos participarán en el Victoria’s Secret Fashion Show 2026

El desfile de Victoria’s Secret reunirá a 22 modelos confirmadas, entre figuras históricas de la marca y rostros de las ediciones más recientes. Entre las participantes destacan Alessandra Ambrosio, quien tendrá su vigésima aparición en el espectáculo, y Adriana Lima, que regresó en 2024 tras seis años de ausencia.

También están confirmadas Candice Swanepoel, Gigi Hadid, Ashley Graham, Elsa Hosk, Grace Elizabeth, Joan Smalls, Liu Wen, Cindy Bruna, Precious Lee, Amelia Gray, Devyn Garcia, Imaan Hammam, Anok Yai, Abby Champion, Alex Consani, Paloma Elsesser, Gabriela Moura, Yoon Young Bae y Jordan Leftwich.

La edición de este año también contará con presentaciones musicales de Megan Thee Stallion, el grupo KATSEYE, Tate McRae y Megan Moroney.

Cuándo y dónde ver el desfile de Victoria’s Secret 2026

El Victoria’s Secret Fashion Show se celebrará el domingo 18 de octubre en Los Ángeles, California. Será la primera vez desde 2007 que el espectáculo se realice en esa ciudad, después de las dos ediciones anteriores en Nueva York.

La transmisión en vivo comenzará a las 4:30 p. m. en Los Ángeles (7:30 p. m. en la costa este de Estados Unidos). El público podrá seguirla gratis a través del canal oficial de Victoria’s Secret en YouTube y de las cuentas de la marca en Instagram y TikTok

Prince fue conocido tanto por su música como por su vida sentimental. A lo largo de su carrera, el intérprete de “Purple Rain” estuvo vinculado con varias mujeres famosas, entre ellas Madonna y Kim Basinger. Sin embargo, no todas las damas que formaron parte de su entorno aceptaron las condiciones de sus relaciones con el artista.

Elisa Fiorillo, cantante que mantuvo un romance con Prince a principios de los años 90, contó que, aunque se sintió querida por el músico, nunca estuvo cómoda con la posibilidad de que él tuviera otras parejas. Sus declaraciones aparecen en la biografía Prince: A Sign o’ the Times, del autor John McKie, publicada el 13 de octubre de 2026.

“Me sentía muy amada, pero sentía que no era la única y no podía lidiar con eso”, recordó Fiorillo en el libro. La artista explicó que su postura también estaba relacionada con su historia familiar.

“Crecí en una familia italiana y mis hermanos y mi padre eran muy mujeriegos, y eso es precisamente lo que no me atrae de un hombre”, afirmó.

Aunque describió a Prince como una persona “muy dulce” y “muy amable”, Fiorillo recordó que pasó aproximadamente un año antes de que él la llamara su novia. Según su relato, el cantante le dijo que le gustaba que nadie supiera que ella era su pareja.

Para Fiorillo, aquella preferencia no era exclusiva de su relación: “Así salía con todas las personas”, aseguró en la biografía.

De pareja a compañera musical

La relación sentimental entre ambos fue breve, pero el vínculo profesional continuó durante años. Fiorillo participó como corista en algunos álbumes de Prince, entre ellos Graffiti Bridge y Diamonds and Pearls. En 2010 se incorporó a su banda, New Power Generation, y siguió trabajando con él durante los últimos años de su vida.

Desde esa posición, pudo observar una dinámica similar a la que había conocido durante su romance. La artista recordó que, en los ensayos, veía a mujeres entrar y salir del entorno privado del cantante.

“Disfrutaba de la gente hermosa y talentosa, y le encantaba la energía de la juventud”, añadió Fiorillo.

Pese a las diferencias que tuvieron, la cantante conserva un recuerdo afectuoso de aquella etapa. “Tuve una experiencia hermosa”, dijo. Y destacó que, después de 20 años, reencontrarse con Prince fue como si nunca se hubieran separado.

“Era como si nada hubiera pasado y nunca nos hubiéramos alejado. Él se sentía muy cómodo conmigo y yo me sentía cómoda con él”, expresó.

Carmen Electra también recordó su romance con Prince

Meses antes de las declaraciones de Fiorillo, Carmen Electra también habló de su relación con el músico. En abril de 2026, cuando se cumplieron diez años de la muerte del artista, la actriz de Baywatch compartió un homenaje en redes sociales y recordó la intensidad de su historia sentimental.

“Al principio éramos amigos, pero nos enamoramos rápida e intensamente. Eras mi todo, quiero decir, mi todo, pero me lastimaste profundamente y yo también te lastimé, porque era demasiado joven para entender cómo comunicar mis sentimientos”, escribió Electra. “Todo eso ya quedó atrás y todavía te amo”.

Según recordó Electra en una entrevista con Vanity Fair en 2023, conoció a Prince en 1991, cuando se mudó a Minneapolis. El artista no solo impulsó su carrera musical, sino que también le dio el nombre artístico por el que se hizo conocida. Sin embargo, después de aproximadamente un año de relación, ella decidió abandonar Paisley Park.

Selma Blair reapareció en público el viernes 16 de octubre, cuando asistió a la convención 90s Con en Hartford, Connecticut. La actriz, de 54 años, participó en el encuentro con sus seguidores apenas cinco días después de su arresto en el aeropuerto internacional John F. Kennedy de Nueva York por un incidente ocurrido durante un vuelo comercial.

La estrella de Cruel Intentions y Legalmente Rubia acudió a una cita que tenía programada desde antes del episodio que derivó en su detención. Durante la convención, posó para fotografías con los asistentes y recibió a sus admiradores en un puesto de firmas, donde permaneció sentada mientras conversaba brevemente con ellos.

Previamente, había dudas sobre la presencia de la actriz en el evento debido a la coyuntura judicial. No obstante, el mismo viernes, los organizadores del evento confirmaron en Instagram que “Selma Blair se unirá a nosotros según lo previsto”.

El influencer Brad Deiter también publicó una fotografía junto a la actriz frente al panel promocional de la convención. Otros asistentes compartieron imágenes de sus encuentros con Blair, quien sonrió para las cámaras y se tomó fotografías con sus seguidores.

El incidente en el vuelo de Delta Airlines

Selma Blair fue detenida por la policía el pasado domingo 11 de octubre, poco después de las 23:00, cuando el avión aterrizó en Nueva York. La actriz fue acusada de agredir a integrantes de la tripulación durante el vuelo que había partido de Los Ángeles.

Las denuncias señalan que habría golpeado a una auxiliar de vuelo y mordido a otro miembro de la tripulación. También fue acusada de agredir a una enfermera y a un agente de la Autoridad Portuaria. Dos integrantes de la tripulación reportaron lesiones y uno de ellos fue trasladado a un hospital para una evaluación adicional, según informó la policía de la Autoridad Portuaria a Us Weekly. El FBI investiga el caso.

Delta Airlines confirmó que el vuelo no sufrió consecuencias operativas y reiteró su postura frente a estos episodios. “Delta tiene tolerancia cero ante las conductas indisciplinadas o ilegales, ya que la seguridad de nuestros clientes y de la tripulación es siempre nuestra prioridad”, declaró un portavoz de la compañía a People.

La versión de la defensa y su situación judicial

El viernes 16 de octubre, el representante de Blair se refirió públicamente al incidente. “Selma Blair sufrió una emergencia médica en el avión”, señaló en una declaración a Us Weekly. “No tuvo intención de lastimar a nadie”.

El portavoz explicó que Blair padece esclerosis múltiple, diagnóstico que hizo público en 2018, y que también tiene afecto pseudobulbar, una condición neurológica asociada a su enfermedad que puede influir en la expresión de sus emociones. Según su abogado, Shawn Barnes, la actriz había omitido varias dosis de su medicación y se encontraba desorientada. El letrado sostuvo que la presunta agresión no fue intencional.

La declaración también pidió cautela ante las especulaciones sobre su salud. “Hay mucho más en esta historia de lo que se ha informado y pedimos que se tengan en cuenta todos los hechos antes de apresurarse a juzgar, ya sea en los tribunales o en la opinión pública”, expresó su representante.

Blair compareció ante un tribunal el lunes 12 de octubre y se declaró inocente de los cargos. De acuerdo con People, la fianza quedó fijada en 20.000 dólares en efectivo, 60.000 dólares en garantía o una fianza parcialmente garantizada de 60.000 dólares. La actriz recuperó la libertad esa misma noche.

El FBI continúa con la investigación y la próxima audiencia judicial de Blair está prevista para el 19 de enero de 2027.

Paul McCartney repasó su vínculo con John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, describió su método de composición y compartió recuerdos familiares durante una entrevista en el podcast Good Hang, conducido por Amy Poehler. El músico británico abordó desde la ruptura de The Beatles hasta la vigencia de los conciertos extensos, sus primeras experiencias laborales y el lugar que la amistad todavía ocupa en su vida creativa.

McCartney, de 84 años, sostuvo que aún conserva una conexión estrecha con su juventud. “En mi cabeza tengo 25 años”, afirmó. Según explicó, ese impulso también funcionaba como guía dentro de The Beatles: cuando tenían que tomar una decisión artística, se preguntaban qué habría pensado su versión de 17 años.

La conversación incluyó una intervención previa de Stella McCartney, hija del artista y diseñadora de moda, quien propuso dos preguntas para su padre: cuál era su primer recuerdo y qué significaba “Monkberry Moon Delight”, canción incluida en el álbum Ram, de 1971.

McCartney se definió como un “adicto a tocar” música

Consultado por su constancia en los escenarios y estudios, McCartney rechazó la idea de que su actividad pueda entenderse solo como trabajo. “No se trabaja la música, se toca”, dijo, antes de definirse como “un adicto a tocar”.

El exintegrante de The Beatles recordó que, antes de consolidar su carrera, tuvo un empleo en una fábrica donde enrollaba bobinas para componentes de motores. El proyecto de ascenso dentro de la empresa quedó atrás cuando Lennon y Harrison lo fueron a buscar con una propuesta para tocar en The Cavern Club de Liverpool.

“Miré las bobinas, miré el sueldo y pensé que tenía que decidir”, relató. Finalmente dejó el puesto para sumarse al grupo, una elección que desembocó en la formación que marcó la música popular del siglo XX.

El cantante también se refirió a su forma de enseñar composición a estudiantes del Liverpool Institute for Performing Arts, institución que ayudó a fundar. Allí, asegura, empieza cada encuentro con una advertencia: “No sé cómo se hace esto”. Para McCartney, cada canción tiene un recorrido particular y no existe una fórmula única para escribirla.

La amistad con Lennon y Harrison sostuvo la dinámica de The Beatles

En la entrevista, McCartney señaló que el vínculo entre los integrantes de The Beatles se construyó antes de la fama, durante los años de escuela, los viajes y las presentaciones en pequeños clubes de Hamburgo.

Sobre George Harrison, explicó que lo conoció en un autobús escolar y que las primeras conversaciones giraban alrededor de guitarras y rock and roll. Con el tiempo, McCartney lo propuso para integrarse al grupo cuando buscaban otro guitarrista. “John quedó muy impresionado y George se unió a la banda”, recordó.

Al hablar de Lennon, Harrison y Ringo Starr, McCartney afirmó que hoy se considera un admirador de lo que hicieron juntos. “Cuanto más pasa el tiempo, más fan soy”, sostuvo. En particular, recordó la experiencia de escribir junto a Lennon y la posibilidad de intercambiar críticas sin filtros dentro del grupo.

“Podía decirle que no me gustaba una línea, y él podía decirme que algo era malo”, explicó. Para McCartney, esa confianza artística era un recurso central: permitía discutir ideas, improvisar y convertir juegos cotidianos en material para canciones.

Los conciertos largos y el vínculo con nuevas generaciones

Poehler le preguntó por la exigencia física de los recitales contemporáneos, en un contexto en el que figuras como Bruce Springsteen y Taylor Swift han popularizado funciones de más de tres horas.

Sin embargo, destacó que el principal incentivo sigue siendo la relación con el público. “Eso es de lo que se trata”, afirmó. También subrayó que en sus conciertos encuentra asistentes de distintas edades, algo que no esperaba al inicio de su carrera solista.

McCartney dijo que disfruta las colaboraciones y el trabajo en grupo por “la compañía”, la amistad y la presencia de otra opinión en la sala. Esa dinámica, sostuvo, se parece a la de niños que juegan juntos: una idea se transforma mientras los participantes prueban alternativas.

Durante la charla, el músico mencionó a Billie Eilish entre los artistas actuales que considera interesantes, aunque aclaró que no siente deseos de haber escrito sus canciones. También señaló que le habría gustado componer “Just the Way You Are”, de Billy Joel.

Stella McCartney llevó la conversación a los recuerdos familiares

La entrevista tomó un tono más íntimo cuando Stella McCartney preguntó por el primer recuerdo de su padre. El músico respondió que cree recordar su nacimiento en el Walton Hospital de Liverpool, aunque admitió que no sabe si se trata de una memoria auténtica o de una imagen reconstruida.

McCartney describió azulejos blancos, instrumentos metálicos y ruidos que asocia con el parto por fórceps. Poehler contó que también nació de esa manera, y ambos bromearon sobre la experiencia.

Respecto de “Monkberry Moon Delight”, McCartney explicó que la expresión nació de una pronunciación infantil de la palabra milk (leche en inglés). Según relató, imaginó una bebida y luego desarrolló una letra cargada de juegos de palabras, ketchup, sopa, puré y gatos.

El episodio cerró con otra definición de McCartney sobre su repertorio y su vida pública: se reconoció como un romántico, dijo que prefiere las películas de amor a las de acción y resumió su visión con una frase que volvió a conectar la música con sus vínculos personales: “Todo lo que necesitás es amor”.

El cantante británico presentó por primera vez en vivo “What Is Enough”, una canción inédita que escribió para su amigo, y compartió unas palabras que conmovieron al público.

El tributo tuvo lugar durante la residencia de 30 conciertos que Styles ofrece en el emblemático recinto neoyorquino como parte de su gira Together, Together. Antes de interpretar el tema, el artista se dirigió a los asistentes y recordó el significado que tienen para él las personas que lo acompañaron a lo largo de su vida y su carrera.

“Me siento increíblemente afortunado de poder dar estos conciertos aquí, en Nueva York, y este recinto significa mucho para mí”, expresó.

“Hay tantas personas en mi vida, amigos y gente con la que he trabajado, sin las cuales no habría podido hacer esto. Y hace dos años, en este mismo día, perdí a uno de esos amigos”, dijo en referencia a Payne, quien murió el 16 de octubre de 2024, a los 31 años.

El cantante también dedicó un mensaje a quienes atraviesan una pérdida. “Estoy seguro de que muchos de ustedes han pasado por algo parecido. Espero que no. Pero, en realidad, se trata de cuidarnos unos a otros”, señaló. “Tantas personas han tocado mi vida de maneras muy especiales. No estaría aquí sin ellas”.

“Voy a tocarles una canción que escribí para mi amigo hace unos dos años, si les parece bien”, dijo antes de presentar “What Is Enough”. En la canción, Styles se dirige a Liam en una carta, mientras reflexiona sobre el duelo de perder a un ser querido.

Payne alcanzó la fama internacional junto a Styles, Niall Horan, Louis Tomlinson y Zayn Malik como integrante de One Direction. La banda se formó en 2010, después de que sus miembros coincidieran en el programa británico The X Factor, y entró en una pausa en 2016. Durante su trayectoria, el grupo consiguió un éxito comercial extraordinario, con cuatro álbumes consecutivos en el primer puesto del Billboard 200.

Payne murió en Buenos Aires, Argentina, tras caer desde el balcón de un hotel el 16 de octubre de 2024. La fiscalía argentina informó que la causa de su muerte fueron múltiples traumatismos y hemorragias internas y externas.

El recuerdo de Payne también ha estado presente en las reflexiones de otros integrantes de One Direction. En los dos años transcurridos desde su muerte, Horan y Tomlinson han hablado públicamente sobre el dolor de haber perdido a su amigo. Niall también escribió el tema “End of an Era” inspirado en sus recuerdos de Liam Payne.

Styles, por su parte, había reconocido anteriormente que la muerte de su antiguo compañero lo llevó a replantearse su manera de ver la vida.

La letra de “What Is Enough”

Harry Styles solo ha interpretado la canción en vivo y no ha publicado la versión de estudio ni la letra oficial. Por ello, la transcripción que aparece a continuación es provisional y podría contener errores.

In the early morning rain

And the flicker of the light

In the kisses of the waves

I’m rustling through the shades [letra poco clara]

[Letra poco clara]

Is it just another lie?

Instead of my arms are wide

You dance until you’re tired

Among the stars above, the friend in all those satellites

Do you?

I’m not wise enough

But I wrote you a letter just to burn it up

And watch it rise

Like you’re in the sky

[Letra poco clara]

Just wasn’t enough

To help you understand what you leave behind

I could tell you what it’s like

To bury friends on a Wednesday nights

Gathered in the garden ‘round a fire

You dance until you’re tired

Now you don’t

Now you never will, will you?

I’m not wise enough to call for a conversation

And then back it up

Why?

Like you in the sky

La decisión de Warner Bros. y DC Studios de que Steven Soderbergh colabore con Matt Reeves en el cierre del rodaje de The Batman Part II reactivó una práctica conocida en Hollywood: películas que debieron ser terminadas por un segundo director. El responsable del proyecto aclaró que no abandonará la producción y que su colega lo asistirá mientras atiende un asunto familiar.

El cineasta de The Batman agradeció públicamente el apoyo de su colega. El caso difiere de otros reemplazos ocurridos durante rodajes: en varias producciones, los cambios respondieron a conflictos creativos, problemas personales, demoras o desacuerdos entre estudios y realizadores. Variety repasó siete antecedentes.

Stanley Kubrick tomó el control de “Spartacus” tras dos semanas de rodaje

Kirk Douglas, protagonista y productor de Spartacus (1960) mediante Bryna Films, impulsó la salida de Anthony Mann cuando la película llevaba dos semanas de rodaje. El actor consideraba que el director había perdido el control del set y permitido que Peter Ustinov dirigiera algunas de sus propias escenas.

El reemplazo fue Stanley Kubrick, quien ya había trabajado con Douglas en Paths of Glory. La epopeya sobre la rebelión de esclavos obtuvo cuatro premios Oscar y el Globo de Oro a mejor drama. Además, se mantuvo como la producción más taquillera de Universal Pictures hasta el estreno de Airport, una década después.

Dexter Fletcher concluyó “Bohemian Rhapsody” después de la salida de Bryan Singer

La producción de Bohemian Rhapsody (2018) ya acumulaba varios meses de trabajo cuando Bryan Singer no regresó al set después del receso de Acción de Gracias. El estudio suspendió temporalmente la filmación por un problema de salud relacionado con el director; más tarde se informó que su madre estaba enferma.

Sin embargo, también circularon denuncias sobre ausencias, maltrato verbal y conflictos entre Singer y Rami Malek, intérprete de Freddie Mercury. Dexter Fletcher, vinculado previamente al largometraje, asumió la dirección para completar el último tercio.

Singer conservó el crédito como director bajo las normas del Sindicato de Directores de Estados Unidos, mientras Fletcher fue acreditado como productor ejecutivo. La película ganó cuatro Oscar y recibió una nominación a mejor película.

Joss Whedon rehizo “Justice League” cuando Zack Snyder dejó la posproducción

En 2017, Zack Snyder se apartó de Justice League durante la posproducción tras la muerte de su hija. Joss Whedon, que había dirigido The Avengers, tomó la película y aplicó cambios extensos en el montaje y nuevas filmaciones.

La versión estrenada ese año dio paso a una campaña de seguidores de Snyder que reclamaban el corte original. En 2021, WarnerMedia publicó Zack Snyder’s Justice League, de poco más de cuatro horas. Snyder dijo recientemente a Variety que no vio el montaje de Whedon porque atravesaba un momento familiar difícil y porque su nombre figuraba en una obra que, según afirmó, no había realizado.

John Frankenheimer heredó una producción caótica de “La isla del Dr. Moreau”

La isla del Dr. Moreau (1996) tuvo una de las producciones más conflictivas de la década. Richard Stanley desarrolló durante cuatro años su adaptación de la novela de H. G. Wells, pero fue despedido por New Line apenas días después del inicio del rodaje en Australia.

El proyecto sufrió la salida de Bruce Willis -sustituido por Val Kilmer-, la muerte de la hija de Marlon Brando antes de la filmación y el abandono del actor Rob Morrow. Con un huracán en la zona y tensiones entre el elenco, John Frankenheimer asumió la dirección. La cinta fracasó en taquilla y recibió múltiples nominaciones a los premios Razzie.

Richard Lester volvió a filmar “Superman II” para obtener el crédito de dirección

Los productores Alexander e Ilya Salkind rodaron Superman y Superman II de manera simultánea desde 1977. La relación con el director Richard Donner se deterioró y el estudio interrumpió la secuela para concentrarse en completar la primera película.

Cuando Superman llegó a los cines en 1978, Donner fue sustituido por Richard Lester. Aunque gran parte de Superman II ya estaba filmada, el nuevo realizador volvió a rodar suficientes secuencias para cumplir con los requisitos necesarios y figurar como director acreditado en la versión estrenada en 1981.

Mark Andrews reemplazó a Brenda Chapman en “Brave” por diferencias creativas

Brenda Chapman pasó seis años desarrollando el guion de Brave (2012), inspirado en el vínculo con su hija. La película marcaría el debut de la primera protagonista femenina de Pixar, y Chapman se convirtió inicialmente en la primera mujer en dirigir un largometraje del estudio.

Durante la producción, Pixar la reemplazó por Mark Andrews debido a diferencias creativas con John Lasseter. Chapman cuestionó la escasez de historias para niñas narradas desde una mirada femenina. Ambos figuran como codirectores y Brave ganó el Oscar a mejor película animada.

Ron Howard asumió “Solo” cuando el rodaje ya estaba avanzado

Phil Lord y Christopher Miller salieron de Solo: A Star Wars Story en junio de 2017, después de que el rodaje comenzara en enero. Lucasfilm atribuyó la decisión a diferencias creativas y eligió a Ron Howard para completar una película que ya tenía la mayor parte de sus escenas filmadas.

Según los informes citados por Variety, la presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, objetó el tono y el método de trabajo más flexible del dúo, frente a un guion que la producción consideraba cerrado. El presupuesto llegó a unos USD 275 millones y la recaudación mundial fue de USD 392 millones, un resultado insuficiente para Disney y Lucasfilm.

El cineasta Tim Burton prepara su próxima película junto al escritor Kazuo Ishiguro, ganador del Premio Nobel de Literatura. Según reveló en exclusiva Deadline, el director dirigirá un guion original escrito por el autor británico-japonés, en un proyecto que todavía no tiene título y que estaría ambientado en el Japón de la posguerra. La noticia llega después de que Burton finalizara el rodaje de la tercera temporada de Wednesday. Aunque el filme todavía está en desarrollo, es el proyecto al que el director le ha dedicado más atención desde que terminó ese rodaje, según indicaron fuentes del medio.

Ishiguro confirmó la noticia a Deadline durante la alfombra roja del estreno mundial de Klara and the Sun, en el Festival de Cine de Londres. El autor aclaró que se trata de una historia original, no basada en ninguna de sus novelas publicadas ni en proyectos futuros. Según fuentes consultadas por el medio, el guion ya está escrito y el plan es que Burton dirija a partir de ese texto. Por el momento, el proyecto no tiene distribuidora asignada.

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La estrategia prevista es sumar talento al elenco antes de presentar la película en el mercado. Más allá de Burton e Ishiguro, ningún otro nombre está confirmado en esta etapa. Fuentes consultadas señalan que el filme estaría ambientado en el Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque los detalles de la trama permanecen bajo reserva. Como suele ocurrir con los proyectos de Burton, la información sobre el argumento se mantiene limitada.

Preparando la tercera temporada de ‘Miércoles’

El acuerdo con Ishiguro se da en un momento particular para Burton. La producción de la tercera temporada de Miércoles recientemente concluyó su rodaje, lo que le permitió al director volcar su atención hacia proyectos en el cine. Si bien no se confirmó que esta película sea su próximo trabajo, dado que el proyecto sigue en etapa de desarrollo, es el que mayor avance presenta entre sus planes actuales tras cerrar el rodaje de la serie. Ishiguro es conocido principalmente por novelas como Nunca me abandones y Klara and the Sun. Sin embargo, también incursionó en la escritura de guiones para cine. Su trabajo más reciente en ese terreno fue el guion de Living, protagonizada por Bill Nighy, una adaptación de un clásico de Akira Kurosawa. Esa experiencia previa lo posiciona con un perfil que combina la narrativa literaria con el formato cinematográfico.

La asociación entre Burton e Ishiguro representa un cruce de estilos que, según Deadline, podría atraer el interés de talento de primer nivel una vez que el proyecto avance hacia su siguiente etapa. Burton e Ishiguro comparten además una conexión indirecta a través de Jenna Ortega, protagonista de Miércoles. La actriz encabeza la adaptación cinematográfica de Klara and the Sun, dirigida por Taika Waititi. Esa película tuvo su estreno mundial la misma noche en que Ishiguro confirmó el proyecto con Burton, durante el Festival de Cine de Londres. Su estreno comercial está previsto para la semana siguiente.

La adaptación de Klara and the Sun ya había generado atención previa con la publicación de su primer tráiler, en el que se presentó al personaje interpretado por Ortega, una amiga artificial dentro de la trama de la novela de Ishiguro. Por el momento, no se confirmaron más detalles sobre el reparto, la fecha de rodaje ni el título definitivo de la nueva película de Burton e Ishiguro. Deadline indicó que compartirá información adicional a medida que el proyecto avance.

El juez Joseph Montano, del Segundo Distrito Judicial de Nuevo México, desestimó este viernes los cargos de abuso sexual infantil contra el actor y director Timothy Busfield tras concluir que la fiscalía no actuó de manera justa e imparcial durante el proceso ante el gran jurado. La decisión, conocida el 16 de octubre, pone fin —al menos de forma temporal— a un caso que acusaba al intérprete de 69 años de contacto sexual inapropiado con un menor en el set de la serie televisiva The Cleaning Lady, en Albuquerque.

El fallo, sin embargo, no cierra por completo la vía penal. Montano señaló que los fiscales tienen la posibilidad de presentar nuevos cargos contra Busfield, quien negó las acusaciones de forma reiterada y las calificó de “mentiras”. Una vocera de la Fiscalía del Segundo Distrito Judicial indicó que la oficina evalúa sus opciones, según informó Reuters.

Por qué el juez desestimó los cargos contra Timothy Busfield

En su resolución, el juez Montano determinó que la fiscalía no instruyó de forma correcta a los miembros del gran jurado sobre los procedimientos para solicitar el testimonio de testigos adicionales. Según el fallo, el fiscal informó de manera errónea a los jurados que al menos ocho de ellos debían estar de acuerdo para convocar a un testigo, un requisito que no correspondía con la normativa aplicable.

“El fiscal actuó de manera que no fue justa ni imparcial”, escribió Montano, y agregó que esa conducta “tuvo el efecto práctico de retener de forma unilateral a los testigos solicitados por los miembros del gran jurado”, de acuerdo con lo publicado por The Guardian.

En términos sencillos, un gran jurado es un grupo de ciudadanos que evalúa las pruebas presentadas por la fiscalía para decidir si existen indicios suficientes para llevar a un acusado a juicio. A diferencia de un juicio ordinario, la defensa no participa en igualdad de condiciones, por lo que la imparcialidad del fiscal resulta esencial para garantizar un proceso legítimo.

Lo que el juez cuestionó fue, precisamente, que la fiscalía impidió a los jurados acceder a testimonios que ellos mismos habían pedido escuchar.

La abogada defensora Amanda Fayerberg reprodujo durante una audiencia en septiembre grabaciones de audio en las que los jurados solicitaban la comparecencia de testigos adicionales. Según NBC News, Fayerberg afirmó que los fiscales informaron de forma incorrecta a los jurados que se necesitarían citaciones judiciales, pese a que esos testigos “estaban presentes, disponibles y dispuestos a declarar”.

Qué denunciaron los menores y cuál era la acusación formal

La investigación se originó a partir de la denuncia de los padres de dos hermanos gemelos que participaron como actores infantiles en The Cleaning Lady, serie producida por Fox y filmada en Albuquerque entre 2022 y 2024. De acuerdo con la denuncia penal presentada en enero, un investigador del Departamento de Policía de Albuquerque recogió el relato de uno de los niños, quien afirmó que Busfield lo tocó en sus partes íntimas sobre la ropa en al menos dos ocasiones: una cuando tenía siete años y otra a los ocho.

Su hermano gemelo también declaró ante las autoridades que fue tocado por el actor, aunque no precisó dónde y dijo que no lo había contado antes porque no quería meterse en problemas, según NBC News.

Los presuntos hechos habrían ocurrido durante pausas en la producción, mientras Busfield se desempeñaba como director y productor de la serie. En febrero, un gran jurado emitió una acusación formal con cuatro cargos de contacto sexual criminal con un menor, que lo acusaban de haber tocado las “partes íntimas” de uno de los niños en varias ocasiones. Cada cargo contemplaba una pena de hasta seis años de prisión, con posibilidad de incremento, según indicaron los fiscales.

La defensa de Timothy Busfield y los próximos pasos de la fiscalía

Los abogados del actor sostuvieron que las acusaciones carecían de sustento y señalaron que, en las entrevistas iniciales con la policía, los propios niños declararon que Busfield no los había tocado de forma inapropiada. La defensa acusó a los padres de los menores de haber inducido a sus hijos a cambiar sus relatos tras perder roles en la serie, según NBC News.

Durante su declaración ante el gran jurado, que se prolongó por unas tres horas según NBC News, el actor aseguró que el caso había puesto su vida “patas arriba” y que perdió contratos de trabajo. Ante la pregunta sobre las acusaciones, respondió: “Digo que eso es absolutamente, en un trillón por ciento, falso. Nunca, jamás”.

La fiscal del condado de Bernalillo, Greer Staley, defendió la actuación de su equipo y argumentó que fue el propio Busfield quien intentó de manera “excesiva” orientar a los jurados hacia testigos y pruebas favorables a su versión.

Con la desestimación de los cargos, la fiscalía deberá decidir si presenta una nueva acusación ante otro gran jurado o busca una vía procesal diferente. Busfield, conocido por sus papeles en The West Wing, Thirtysomething y la película Field of Dreams junto a Kevin Costner, permanece sin condena y mantiene su declaración de inocencia.

El director de cine James Cameron felicitó a Marvel Studios por el nuevo triunfo en taquilla de Vengadores: Endgame, que volvió a superar a Avatar como la película más taquillera de la historia tras su relanzamiento “Encore” en septiembre. El director publicó un mensaje acompañado de una imagen de Iron Man recibido por una tribu Na’vi de Avatar, con el texto: “Eres de la gente”. Firmó la publicación como Jim Cameron.

Vengadores: Endgame desplazó a Avatar del primer puesto del ranking histórico de recaudación global gracias a su relanzamiento “Encore”, estrenado el 25 de septiembre con un final modificado y nuevas escenas post-créditos. La película de Marvel alcanzó así 2.925,5 millones de dólares en taquilla internacional, por encima de los 2.924 millones de Avatar, según datos de The Numbers.

Cameron escribió: “Felicitaciones a Marvel y a la número uno Vengadores: Endgame: Encore por traer a los espectadores a los cines”. No es la primera vez que el cineasta reconoce este tipo de hito a su competencia directa en los libros de taquilla. En julio de 2019, cuando Vengadores: Endgame superó por primera vez a Avatar, Cameron también había celebrado el logro en redes sociales con un mensaje en el idioma na’vi: “Oel ngati kameie. Los veo, Marvel. Felicitaciones a Vengadores: Endgame por convertirse en el nuevo rey de la taquilla”.

Una disputa que se repite desde 2019

El cruce entre ambas franquicias por el título de película más taquillera de la historia tiene varios capítulos. Tras la corona que Vengadores: Endgame le arrebató a Avatar en 2019, el propio Cameron recuperó el primer puesto en 2021 con un relanzamiento de su filme. En aquel momento, Marvel respondió en redes con una publicación que mostraba el título de Avengers siendo borrado por el de Avatar, en referencia al cambio de liderazgo. Ahora, con el relanzamiento “Encore” de septiembre, la balanza volvió a inclinarse del lado de Marvel. La diferencia entre ambas cintas es de apenas 1,5 millones de dólares en recaudación internacional acumulada, un margen que mantiene abierta la posibilidad de nuevos cambios en el ranking si cualquiera de las dos franquicias vuelve a estrenarse en salas.

La nueva versión de Vengadores: Endgame incorporó un final modificado y escenas post-créditos pensadas para enlazar con Avengers: Doomsday, la próxima entrega de la saga prevista para este invierno. En su fin de semana de estreno, el relanzamiento se ubicó en el primer puesto de la taquilla. Solo en su viernes de apertura recaudó 11,2 millones de dólares en 3.060 salas. Ese fin de semana también incluyó el estreno de otras producciones con buena recepción de público, aunque con un futuro incierto en cartelera. Entre ellas, Heart of the Beast, de Paramount, y Forgotten Island, de Universal/DreamWorks, que pese al desempeño positivo en taquilla enfrentan dificultades para sostener su presencia en los cines frente a la competencia.

El rapero y productor Sean “Diddy” Combs fue trasladado este viernes 16 de octubre desde la prisión federal de Fort Dix, en Nueva Jersey, hasta la FCI Allenwood Low, un centro de baja seguridad en Pensilvania. Así lo confirmó un vocero de la Oficina Federal de Prisiones (BOP, por sus siglas en inglés) a varios medios estadounidenses.

El cambio se produjo luego de que el músico fuese llevado a un hospital por una lesión en la cabeza. Hace poco también trascendieron reportes sobre presuntos privilegios de Diddy dentro del penal, entre ellos acceso a alcohol, celulares y masajes “contratados” a otros reclusos.

El vocero de Combs, Juda Engelmayer, emitió un comunicado tras conocerse el traslado. “Apreciamos que la Oficina Federal de Prisiones tome en serio la seguridad de Sean y de todos los involucrados”, citó People. “Su traslado de una instalación de baja seguridad a otra es una distinción importante y, si bien no podemos hablar sobre las razones específicas de la BOP para el movimiento, es consistente con una decisión tomada pensando en la seguridad”, agregó.

Los reportes sobre privilegios dentro de Fort Dix

El pasado 29 de septiembre, NBC News publicó una investigación sobre la vida del músico dentro de Fort Dix. Según el reporte, basado en fotografías, videos y testimonios de cuatro hombres que compartieron unidad con Combs, el intérprete pagaba a otros reclusos para que cocinaran, limpiaran, le hicieran la cama y le lavaran la ropa. Incluso contaba con un recluso que le daba masajes al estilo chino.

“Esto no es la mierda normal que se ve en la cárcel. Esto es de ricos”, relató uno de los reclusos citados por NBC News. “Parece una locura, pero de nuevo, es Diddy”, añadió. El reporte también incluyó registros de Combs en aparente uso de un teléfono celular de contrabando.

Tras la publicación, Combs fue puesto en confinamiento solitario y su fecha de liberación se postergó. La salida del empresario estaba fijada originalmente para el 8 de mayo de 2028, luego se adelantó al 21 de enero de ese año y finalmente quedó establecida para el 2 de marzo de 2028.

La versión oficial sobre la presunta pelea

El traslado también se da un día después de que la BOP desmintiera versiones sobre una pelea de Combs con el narcotraficante Christopher “Dudus” Coke. TMZ y PEOPLE habían reportado que el músico fue hospitalizado el sábado 10 de octubre por una lesión en la cabeza producto de un altercado con Coke.

“Si bien, por razones de privacidad, seguridad y protección, no comentamos sobre las condiciones de reclusión de ningún individuo bajo nuestra custodia, podemos decirles que la historia a la que se refieren es falsa y no ocurrió”, declaró un vocero de la agencia a USA Today el jueves 15 de octubre.

La institución confirmó únicamente que Combs permanecía bajo custodia federal en Fort Dix hasta ese momento, sin ofrecer detalles adicionales.

Combs, de 56 años, cumple una sentencia de 50 meses tras ser declarado culpable en julio pasado de dos cargos de transporte con fines de prostitución, por trasladar a sus parejas y a trabajadores sexuales a través de distintos estados para participar en los encuentros que él mismo denominaba “freak offs”. El jurado lo absolvió de los cargos más graves de tráfico sexual y crimen organizado, que contemplaban la posibilidad de cadena perpetua.