Dos hermanitos son abandonados en el bosque por su papá y su madrastra. Pero ellos logran regresar a la casa, gracias a las señales que fueron dejando en el camino. Sin embargo, en el segundo intento de los padres, finalmente los chicos se pierden y ahí comienza la historia que se parece más a una de terror que a un cuento para niños. Hay un bosque encantado. Hay nenes perdidos. Hay una cabaña. Hay una bruja. Pero nada es lo que parece. Y lo primero que pensas es: ¿de qué va todo esto? En Un bosque rodeado de árboles (Edhasa, 2026), del escritor mexicano Fabio Morábito, el escenario es una fuerza que no protege y que modifica a todos los que ingresan en él. En sus profundidades, los personajes pierden las coordenadas y deben inventarse otras para poder sobrevivir. Así, el padre que abandona puede convertirse en abandonado y ¿abusado? y los hijos abandonados se transforman en victimarios.

Es que hay historias que creemos conocer porque nos las contaron mil veces. Y las escuchamos mucho antes de saber que detrás de un bosque puede haber una amenaza o que unos padres pueden abandonar a sus hijos o que una casa de dulces puede esconder algo siniestro que no es una golosina. “Dos viejos, de pie junto a ellos, los miraban. ‘Vamos a tener carne para un mes’, dijo la vieja. El viejo tenía un machete en la mano y el padre de los niños vio cómo se inclinaba sobre su esposa, que yacía a su lado inconsciente, levantó el brazo, y la decapitó de un machetazo. No comprendió lo que acababa de ocurrir hasta ver la cabeza de su mujer separada del cuerpo y fue tal el terror que sintió que no profirió ningún grito”.

Así las cosas, el último libro del autor mexicano, cambia por completo el antiguo cuento de Hansel y Gretel, lo desarma y le cambia las fichas. Pero, por sobre todas las cosas modifica la moral de sus protagonistas que son capaces de hacer cualquier cosa por conservar la vida. Pero literal. Y en este punto creo que Morábito pone el dedo en la llaga y**** vuelve sobre los primeros miedos infantiles hasta tal punto que ahora somos nosotros los que estamos aterrados de perdernos en el bosque y encontrarnos con un par de viejos brujos que cazan gente, la cocinan y después la sirven para la cena. Horrible. ¿Y los chicos? Bueno, ellos tampoco son ya las víctimas de una historia de abandono: de a poco empiezan a convertirse en otra cosa. Y es esa metamorfosis lo que hace que un cuento tradicional infantil, sea una novela negra. Muy negra.

El cuento del cuento

El punto de partida es conocido. Un leñador acosado por la pobreza, abandona a sus hijos en el bosque. Pero Morábito da un giro y cambia de rumbo: después de dejarlos allí, el propio padre se pierde junto con su esposa, la madrastra de los chicos, y termina cayendo en manos de unos viejos chiflados. Y lo que parecía un relato lineal de abandono se convierte en una trama de destinos cruzados, cautiverios, tragedia y supervivencia. Entonces, la frontera entre el bien y el mal, tan clara en las fábulas para niños, se vuelve difusa.

De esta manera, la pregunta podría ser. ¿qué les pasa a las víctimas cuando dejan de serlo? Y la respuesta es escalofriante. Porque en la novela**** la lucha por sobrevivir también tiene un costo. Y no aparece como virtud, sino como una fuerza capaz de estropear a quien la tiene: los hermanos dejan atrás la inocencia y el bosque los obliga a adoptar un idioma distinto: el de la ferocidad. Y nada en este mundo los frena. Y es aquí donde la propuesta del autor de El lector a domicilio sorprende con algo más profundo: reinventa el cuento infantil e identifica los miedos adultos. La miseria, el abandono, la crueldad, el hambre, el miedo a la soledad, todo aquello que los relatos destinados a los niños suelen camuflar en brujas, bosques encantados y casas de azúcar aparece aquí sin el consuelo de la moraleja. En realidad, sin ningún consuelo.

Lo cierto es que Fabio Morábito toma un cuento que creíamos terminado y hace con él algo que al principio no entendemos. No quiere devolvernos la infancia, sino todo lo contrario. Nos muestra qué había en ella que todavía hoy nos inquieta. Los monstruos siguen allí, pero no son los de la casa de dulces. Ahora pueden tener la cara de un padre, de una madre o de una hermana. La cara de la maldad, de la crueldad o de la decrepitud.

Y acaso esa sea la verdadera oscuridad de Un bosque rodeado de árboles: descubrir que los cuentos que alguna vez nos enseñaron que existen víctimas y victimarios también pueden enseñarnos que nadie permanece para siempre en el mismo rol. Porque en el bosque de esta historia, hasta Hansel y Gretel tienen que cambiar y ser aquello a lo que le temían.

El bosque del título resulta perturbador y es porque un bosque no termina nunca de mostrarse. Siempre hay un árbol más y otro más, una zona oculta, que queda fuera del alcance del ojo, algo que puede estar esperando más allá del sendero. Y, en ocasiones, la literatura también. funciona así. Sorprende. Desconcierta. Nos espera agazapada.

¿Quién es Fabio Morábito?

Nació en Alejandría en 1955. De padres italianos, vivió su infancia en Milán hasta los 15 años cuando se mudaron a México. Publicó poesía y cuentos, géneros con los que obtuvo varios premios nacionales e internacionales. Muchos de sus libros fueron traducidos al alemán, al inglés, al francés, al portugués y al italiano. Con El lector a domicilio recibió el Premio Xavier Villaurrutia de Escritores 2018 y el Premio Roger Caillois 2019. Con la editorial Edhasa publicó las colecciones de cuentos La sombra del Mamut y Jardín de noche, ambos en 2024. Un bosque rodeado de árboles (Edhasa, 2026)**** es su última publicación.

Romina Paula no solo estrenó en agosto Un sueño raro, sino que reestrenó en el mismo mes una obra que fue un éxito en su momento, El tiempo todo entero, dieciséis años después, con el elenco original completo. En ambos casos, el resultado fue a sala llena, al punto de sumar pocas funciones más durante noviembre.

En el caso de esta reposición, no solo es significativo el salto de una sala independiente, como fue el Espacio Callejón en su momento, a la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, sino las posibles relecturas del texto, tras la exposición de las redes sociales, la pandemia, el #Niunamenos, por mencionar algunos sucesos históricos. Sin embargo, permanece vigente, intacta, impoluta.

Incluso, todos los aditamentos contextuales abren preguntas nuevas. Antonia –Pilar Gamboa–, esa hija que se niega a salir de su casa sin motivo aparente más que no tener la necesidad ni la intención de, podría ser “diagnosticada” como ansiosa o con ataques de pánico a los ojos del público de 2026. Tal vez esa sería una lectura posible años después de su creación y estreno.

Para quienes no conozcan la trama –que también se presenta como una relectura, no una versión libre, de El zoo de cristal, de Tennesse Williams–, todo sucede en una noche. Antonia y Lorenzo (Esteban Bigliardi), su hermano, conversan mientras el segundo se prepara para salir. Su madre, Susana Pampín, sin demasiadas explicaciones, dueña de su propia independencia, les informa lo mismo: va a salir, y puede que no vuelva a dormir. Insiste, pero no mucho, con que su hija también lo haga.

En algún momento de la noche, llega a la casa Maximiliano –Esteban Lamothe–, amigo de Lorenzo, quien capta la atención de Antonia. A partir de este encuentro, se abren diversas preguntas entre todos los personajes tras el aire fresco que trae Maximiliano.

El tiempo todo entero es una obra que se construye con referencias culturales que también permanecen vigentes y que pueden suscitar carcajadas calladas, para desnudar capas más profundas acerca de los vínculos familiares, el deber ser, los mandatos. Cada uno de los personajes, en mayor o menor medida, es puesto en jaque, si bien Antonia parece ser la más evidente.

La puesta en escena sigue siendo la misma, sin necesidad de artilugios más que buenos parlamentos y actuaciones sólidas, que dan cuenta cuánto se conoce el elenco y el trabajo de equipo que se sostiene en el tiempo.

Infobae Cultura dialogó con Romina Paula sobre este reestreno que el público va a poder disfrutar en las últimas funciones del 20, 21 y 27 de noviembre.

—Este año coincidieron Un sueño raro y el reestreno de El tiempo todo entero. ¿Qué significa para vos, como autora y directora, sostener dos universos dramatúrgicos distintos al mismo tiempo?

—Por un lado, fue un delirio estrenar dos obras con cuatro días de diferencia. Y encima, la obra nueva habla sobre viajes en el tiempo y una misma persona conviviendo consigo misma en dos momentos distintos de su vida. Y de algún modo volver a hacer El tiempo todo entero en Buenos Aires con el elenco original tiene algo de viaje espacio- temporal: las mismas actrices y actores interpretando los mismos personajes tantos años después. Esa analogía me tiene bastante atónita.

—La obra nació como una reescritura de El zoo de cristal, de Tennessee Williams. ¿Qué es lo que todavía te interpela de ese texto?

—Hace mucho que no leo El zoo de cristal así que la verdad que conservo la sensación de lectura de aquella época. Pero para mí es una obra entrañable y dolorosa, la más autobiográfica de sus obras, según Williams mismo, y eso la hace para mí tener una cualidad especial, una vulnerabilidad específica que la hace una obra tan delicada.

—El elenco es el mismo desde el estreno original. ¿Cómo se sostiene esa complicidad actoral después de tantos años y giras?

—Somos amigos además de trabajar juntos. Tuvimos hijos en estos años, y nuestro vínculo continuó por fuera del escenario, mucho. Todos nos dedicamos al teatro y al cine, y nos profesionlizamos, eso también cambió mucho el modo que tenemos de trabajar juntos ahora. Pero por suerte también quedó intacto algo de juntarse a hacer obras que nos generen algún tipo de pensamiento sobre el mundo, más allá de todo lo demás, de sus condiciones de producción, quiero decir.

—Pasar de la escena independiente y el Espacio Callejón a una sala comercial como el Paseo La Plaza, sobre la avenida Corrientes. ¿Qué implicó ese salto?

—Que la pueda ver un cierto público que nunca iría al Espacio Callejón y ganar más dinero por función, evidentemente, por la cantidad de localidades y su precio. De todos modos, la produjimos de modo independiente, nosotros como compañía, así que es una producción independiente en un teatro que no lo es.

—¿Cómo leés la realidad de los personajes dieciséis años después en la Argentina de 2026?

—Es extraño sobre todo el vínculo con los dispositivos que se disparó y aceleró en estos últimos años. Cuando estrenamos esta obra aún no teníamos teléfonos inteligentes. Entonces el encierro de Antonia tenía un significado o un peso distinto que ahora se resignifica mucho. Otra cosa es que ya en su momento el personaje de Antonia hablaba de asesinatos de mujeres por violencia machista, pero en ese momento no se había instalado el concepto de femicidio aún. Hablaba de eso sin saber cómo nombrarlo.

*Esta obra se podrá ver los viernes 20 y 27 de noviembre a las 22, y el sábado 21 de noviembre a las 21:30 en la sala Pablo Picasso, del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, C. A. B, A. Entradas a la venta por Plateanet.

Fotos: gentileza prensa El tiempo todo entero (©Martina Perosa y ©Sebastián Arpesella).

Quizás la proyección más solicitada del Festival de Cannes en mayo no tuvo alfombra roja ni requirió vestimenta formal. La película, que se proyectó solo una vez en una sala abarrotada con capacidad para 300 personas, tampoco tenía ninguna posibilidad de ganar un premio.

La ocasión fue la presentación de una nueva restauración de Los demonios de Ken Russell, o Los demonios de Ken Russell, como la distribuidora Warner Bros. Clockwork la ha titulado para su estreno el 16 de octubre. Esta película de época, que trata sobre un sacerdote libertino del siglo XVII (Oliver Reed) perseguido por supuestamente instigar un caso de posesión demoníaca entre monjas, fue recibida en algunos círculos como un escándalo en 1971. Pero desde hace tiempo es objeto de interés para los cinéfilos, quienes se han sentido intrigados por su estética modernista, sus problemas con la censura y sus largos periodos de inaccesibilidad.

En cierto modo, esta es la primera vez que la visión del director británico se apreciará en todo su esplendor. La restauración incluye escenas censuradas que se creían perdidas, como monjas desnudas y frenéticas retorciéndose sexualmente sobre un crucifijo gigante o una Madre Superiora (Vanessa Redgrave) haciendo el amor con un fragmento de hueso fálico. Estas escenas se mostraron por primera vez en 2004. Pero ni siquiera este material se había visto con la máxima calidad visual hasta ahora.

En 1971, Los demonios fue objeto de furia y rechazo generalizado. En su reseña para The New York Times, Vincent Canby escribió que la película era “tan superficial, obscena o no, que solo puedo creer que los miembros de la Motion Picture Association, que la clasificaron como ‘X’, deben estar aliados con Belcebú o con Warner Brothers”. Russell se enfrentó en televisión con el crítico del London Evening Standard, Alexander Walker, quien había criticado duramente la película, y lo golpeó en la cabeza con un periódico.

El revuelo cobra sentido en su contexto. “Cuando la gente vio la película, debido a la crudeza de las imágenes de Ken, quedaron impactados”, dijo el crítico Mark Kermode, quien entabló amistad con Russell en la década de 1990 y fue fundamental para encontrar el metraje perdido y reintegrarlo al montaje del director, que proporcionó a Clockwork. “Esto generó una especie de escándalo. Los censores tuvieron problemas, el estudio tuvo problemas, y la historia se convirtió en: ‘Esta es una película escandalosa’”.

Sin embargo, Russell, que falleció en 2011 a los 84 años , estaba adaptando un respetado libro de no ficción de 1952, Los demonios de Loudun de Aldous Huxley, y una versión teatral de John Whiting que le siguió en 1961.

La trama gira en torno a Urbain Grandier (Reed), un sacerdote católico que mantiene relaciones sexuales con mujeres sin ningún pudor, pero que también gobierna la ciudad amurallada de Loudun como una especie de bastión laico donde católicos y protestantes conviven pacíficamente. El autogobierno de la comunidad representa una amenaza para las aspiraciones autoritarias del cardenal Richelieu de una Francia unificada. Y cuando la hermana Jeanne (Redgrave), reprimiendo su deseo por Grandier, insinúa que el sacerdote ha participado en actividades demoníacas, las autoridades ven una oportunidad.

En resumen, esta película puede ser famosa por estar repleta de monjas sexualizadas, pero su éxtasis es forzado. El padre Barré (Michael Gothard) tortura a la hermana Jeanne e incita a las demás monjas, cuyas vidas corren peligro, a un estado de delirio orgiástico.

“Es una historia brillante, seria y conmovedora sobre el lavado de cerebro, la politización de la religión y el uso de la histeria”, dijo Kermode en una videollamada. Señaló que este es un tema recurrente en la obra de Russell, un converso al catolicismo que tuvo una relación compleja con su fe.

“A Ken le interesaba mucho la religión, pero también la religión falsa, los falsos mesías”, dijo Kermode. “Si nos fijamos, por ejemplo, en algo como Tommy” —la adaptación cinematográfica de Russell de 1975 de la ópera rock de The Who— “Tommy es sin duda una historia sobre falsos mesías”.

El uso de la religión, o al menos la percepción de cómo se utilizaba, influyó sin duda en la recepción. Los demonios se estrenó cinco años después de la mucho más conservadora Un hombre para la eternidad, ganadora del Óscar a la mejor película, sobre el mártir del siglo XVI Sir Thomas More. Ambas películas terminan con un hombre en juicio obligado a elegir entre sus creencias y su vida en una disputa que ha fusionado la iglesia y el estado. Pero More, a diferencia del sudoroso y visceral Grandier, nunca se muestra como un hipócrita, y Russell trata la hipocresía de Grandier como algo profundamente humano, digno de compasión.

En una entrevista, Richard Crouse, autor de Raising Hell: Ken Russell and the Unmaking of The Devils, señaló otro acontecimiento de 1966: la publicación en la revista Time de una portada con la inscripción “¿Ha muerto Dios?”. Crouse afirmó que los temas satánicos también se estaban abriendo paso en películas como El bebé de Rosemary’s Baby (1968) y El exorcista (1973).

Pero en su libro, Crouse señala que Los demonios nunca alcanzó el éxito popular de esas películas. La diferencia, según explicó en una entrevista, radicaba en la absoluta crudeza de la película de Russell. “Fue ampliamente condenada como sacrílega cuando se estrenó”, afirmó Crouse, mencionando las objeciones del Vaticano y de la activista conservadora británica Mary Whitehouse.

Y añadió que la película “libró y perdió más batallas con las juntas de censura que casi cualquier otra película que se me ocurra, producida por un gran estudio, protagonizada por grandes estrellas internacionales y dirigida por un director como Ken Russell, que ya había tenido grandes éxitos antes”.

Russell pasó página rápidamente. Sorprendentemente, Los demonios fue la segunda de las tres películas que estrenó en 1971, junto con The Music Lovers y The Boy Friend. Durante mucho tiempo, la única versión para el hogar disponible era una versión para mayores de 18 años en una cinta VHS de pésima calidad. En los últimos años, Los demonios ha aparecido en DVD en algunos territorios y de forma intermitente en plataformas de streaming como Criterion Channel, pero nunca en su versión completa ni sin modificaciones visuales.

La sensibilidad visual transgresora de Russell podría ser la mayor revelación de esta restauración. Dos años después del éxito de crítica de su refinada adaptación de D.H. Lawrence, Mujeres enamoradas (1969), que pasó relativamente fácilmente por la censura, Russell utilizó Los demonios para comenzar a desarrollar el estilo más alucinatorio que definiría películas posteriores como Lisztomania (1975) y Estados alterados (1980).

Su diseñador de producción fue Derek Jarman, quien más tarde se convertiría en un importante cineasta experimental y que creó un interior de convento que se asemeja mucho a una casa de baños con azulejos blancos, una imagen que, según Kermode, derivaba de Huxley.

Kermode añadió que para Russell era importante que Los demonios tuviera un aspecto contemporáneo. “Si hubieras estado en Loudun en aquel entonces, no habría parecido una ciudad vieja y cubierta de musgo”, dijo. “Parecía una ciudad moderna. Quería que los espectadores vieran la película como algo moderno”.

Eso también explica los anacronismos deliberados. A algunos espectadores les resulta chocante que el padre Barré, con gafas de sol tintadas, se parezca a John Lennon. “Quería mostrar que esto siempre había sucedido”, dijo Lisi Trebble Russell, quien conoció a Russell en la década de 1970 y estuvo casada con él durante la última década de su vida, en la videollamada con Kermode. “Por eso, eligió intencionadamente a alguien que no pertenecía en absoluto al círculo íntimo de los Beatles”.

Si bien Trebble Russell mencionó otros rasgos distintivos de la época que podrían haber estado presentes en la mente de Russell —la guerra de Vietnam, los experimentos de control mental del proyecto MKUltra— , hizo hincapié en que la música clásica fue su primer amor.

En Cannes, le contó al público que cuando Russell recuperó el metraje perdido para la película, respondió: “Ahora he recuperado mi ritmo”.

Fuente: The New York Times

El guitarrista de Spandau Ballet Gary Kemp convirtió la agenda de Brian Epstein de 1967 en el punto de partida de 1967: The World of Brian Epstein and the Beatles, un libro que reconstruye los últimos meses del representante de los Beatles a través de sus contactos personales y profesionales, mientras atravesaba una crisis marcada por el aislamiento, las adicciones y la incertidumbre sobre su lugar junto al grupo.

La carpeta negra Twinlock, de 160 x 100 mm, contiene 57 páginas con 404 entradas, muchas escritas a mano por Epstein. El volumen funciona como un mapa de la red social y empresarial que rodeaba al empresario de Liverpool el año de su muerte: incluye a David Bailey, David Frost y a la mayoría de los Rolling Stones.

El también compositor Kemp no suele coleccionar recuerdos del rock, pero decidió pujar por la agenda tras recibir un correo de Sotheby’s. “Pensé: ‘Tengo que tener esto. Tengo que sostenerlo’”, dijo al diario The Guardian. “Tiene ADN”.

El músico participó de la subasta por teléfono desde un estudio de grabación y elevó su oferta hasta £ 10.710. Con esa compra se convirtió en el quinto propietario de la agenda, que tras la muerte de Epstein pasó a manos de su hermano, luego de su sobrino y después fue vendida una vez más antes de llegar a Sotheby’s.

La adquisición condensaba una admiración que Kemp mantenía desde hacía décadas por los Beatles y por Epstein, el hombre que descubrió al grupo en The Cavern hacia fines de 1961. El músico atribuye parte de las oportunidades que alcanzó en su carrera a aquel encuentro entre el representante y la banda.

“Si Paul no hubiera conocido a John, no estaría viviendo en esta casa”, afirmó Kemp. “Pero si Brian no hubiera bajado aquellas escaleras a la hora del almuerzo de noviembre, tampoco estaría viviendo aquí”.

La agenda despertó el interés del cineasta Simon Halfon, amigo de Kemp desde la década de 1990. Halfon había dedicado años a desarrollar una película biográfica sobre Epstein, con Jude Law previsto para interpretar al representante, aunque el proyecto no se concretó.

El cineasta vio en aquellas páginas una posibilidad distinta: contar la vida de Epstein mediante las personas que figuraban entre sus contactos. “Lo llamé camino a casa y le dije: ‘Dios mío, Gary, esto es un libro’”, recordó Halfon.

Kemp y Halfon revisaron nombre por nombre para establecer quién era cada persona y por qué había coincidido con Epstein. El músico consultó libros, diarios, revistas y archivos en línea, mientras Halfon buscó imágenes vinculadas con cada entrada; algunas identidades resultaron fáciles de ubicar y otras quedaron casi sin rastro.

El resultado no adopta la forma de una biografía convencional. Organizado alfabéticamente, el libro reúne fragmentos que delinean a un hombre al frente de los crecientes negocios de los Beatles, rodeado de artistas, abogados y representantes internacionales, pero cada vez más presionado por su vida privada.

El año 1967 fue decisivo para Epstein porque su contrato con los Beatles estaba por vencer y la banda había dejado de actuar en vivo. La carga de trabajo ya había llevado a Epstein a fusionar, en enero de ese año, su empresa NEMS Enterprises con la agencia de Robert Stigwood. La medida buscaba aliviar sus responsabilidades, pero generó tensiones con los Beatles.

“Está aterrorizado”, sostuvo Kemp sobre el representante. “Encuentra a estos muchachos, los transforma en el fenómeno más grande que el mundo ha visto, pero después todo empieza a escapársele de las manos. En ese momento entra en pánico. No puede dormir. Toma estimulantes y depresores”.

El consumo de drogas agravó un estado mental que ya era frágil. La reconstrucción sigue sus encuentros con médicos especializados en adicciones, las casas de juego que frecuentaba y sus tratamientos de rehabilitación en The Priory, en Londres.

Epstein también se sentía ajeno por su condición de judío y era homosexual cuando las relaciones entre hombres todavía constituían un delito en el Reino Unido. Su agenda revela una presencia amplia de la comunidad gay entre sus vínculos, desde su abogado David Jacobs hasta personas que había llevado desde Liverpool y figuras como Robin Maugham, sobrino de Somerset Maugham.

Pese a la amplitud de su círculo, Epstein aparece como una figura solitaria. Kemp halló referencias a algunos probables romances, relaciones breves con hombres que atravesaron su vida, pero ninguna que se consolidara.

La historia más inquietante es la de John “Dizz” Gillespie, un aspirante a actor estadounidense con quien Epstein mantuvo una relación intermitente y conflictiva. Durante su último encuentro, en agosto de 1966, Gillespie robó del hotel de Epstein en Los Ángeles un maletín con USD 20.000, contratos, fotografías comprometedoras y posiblemente la agenda anterior del empresario.

El robo expuso a Epstein a una amenaza persistente de chantaje y revelación de su intimidad. Sin embargo, Gillespie figura en la agenda adquirida por Kemp, una inclusión que podría responder a culpa, desesperación o esperanza.

Halfon apenas encontró rastros del actor. Finalmente localizó un ejemplar firmado de A Spaniard in the Works, de John Lennon, dedicado a Dizz con una anotación mordaz que permitió confirmar su existencia y vincularlo con el entorno de Epstein.

Brian Epstein murió solo, a los 32 años, por una sobredosis accidental de somníferos el 27 de agosto de 1967. Había pasado el fin de semana festivo en su casa de campo de Sussex, pero el invitado al que esperaba no llegó; decepcionado y ebrio, condujo de regreso a Londres, se encerró en su dormitorio de Chapel Street y murió allí.

Kemp imagina que la agenda estaba sobre la cama cuando encontraron el cuerpo. Las direcciones incluidas en la carpeta permitieron reconstruir también la geografía de su vida: clubes, oficinas, restaurantes y viviendas de Londres, junto con el ambiente nocturno de Nueva York y el mundo de Hollywood, donde aparecen Dean Martin, el coronel Tom Parker y Orson Welles.

Halfon sostuvo que el proyecto buscó devolver a Epstein un lugar propio frente a la dimensión pública de los Beatles. “La gente puede decir: ‘Este fue el hombre que hizo realidad su sueño’”, afirmó el cineasta.

Los nombres de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr no aparecen en las páginas de la agenda. Kemp sugirió en la introducción que esa ausencia pudo obedecer a razones de seguridad, especialmente después del robo de Gillespie, aunque el libro plantea que las apariencias pueden engañar.

Será su cuarta visita a Buenos Aires, pero se convertirá en una experiencia muy distinta. Es que Melissa Aldana volverá a los escenarios porteños con un show dedicado a Sonny Rollins, esa leyenda del jazz de todos los tiempos que falleció el 25 de mayo pasado, a los 95 años y que fue mucho más que una influencia para esta saxofonista chilena, radicada en Nueva York y convertida en una de las principales figuras de la escena jazzera actual.

“El momento más importante fue cuando descubrí a Sonny Rollins. Ahí algo cambió para mí. Me enamoré del sonido del saxo tenor y de la libertad que sentía en su manera de improvisar”, afirmó a Infobae Cultura al hablar de su formación musical poco antes del concierto que dará este martes, a las 20, en el Teatro San Martín, como parte de un ciclo organizado con Jazz At Lincoln Center.

En esta presentación, donde estará acompañada por el pianista Kevin Hays, esta artista de 37 años mostrará otra de sus múltiples facetas luego de haber brindado dos conciertos porteños en Bebop para presentar su último álbum, Filin, que, a la manera de Ballads, de John Coltrane, rescató temas del género que en los años 40 unió la trova cubana tradicional, el bolero y el jazz.

Aldana, que nació en una familia de músicos (su padre, Marcos, es saxofonista, al igual que su abuelo, Kiko), está radicada en Nueva York desde 2007, donde estudió en el Berklee College of Music, y no paró de subir peldaños en su carrera. Por un lado, porque en 2013 se convirtió en la primera mujer en ganar el prestigioso Concurso Internacional de Jazz Thelonious Monk, del que su papá fue semifinalista, y 9 años después la revista especializada Down Beat la consagró como una de las mejores intérpretes del saxo tenor del mundo, además de haber estado nominada dos veces a los Grammy.

Pero, más allá del reconocimiento y las distinciones, acompañó cada paso de su trayectoria con la búsqueda de caminos distintos, innovadores, que, no casualmente, se dieron en sintonía con su pasión por la lectura, el arte y el tarot, que influenciaron sus composiciones, como queda reflejado en cada uno de sus 7 discos como solista.

Incluso participó de Artemis, un supergrupo de mujeres integrado por la pianista Renee Rosnes, la cantante Cécile McLorin Salvant, la trompetista Ingrid Jensen, la clarinetista Anat Cohen, la bajista Noriko Ueda y la baterista Allison Miller, pero no hizo de este proyecto una proclama feminista en un ambiente como el del jazz, donde las mujeres aún no tienen el lugar que pudieron conseguir en el rock o en el pop, por ejemplo.

“Creo que las mujeres siempre han sido parte de la historia del jazz -dijo-, aunque muchas veces no han recibido el reconocimiento o las oportunidades que merecían, especialmente como instrumentistas, compositoras y líderes de sus propios proyectos. Hemos avanzado muchísimo, y hoy hay una generación de mujeres extraordinarias haciendo música muy importante. Haber sido parte de Artemis fue una experiencia muy especial. Compartir música con mujeres tan talentosas y con tanta personalidad fue algo muy enriquecedor”.

Sin embargo, señaló que “lo ideal sería llegar a un punto en el que el género de un músico no sea lo que defina cómo lo escuchamos o cómo valoramos su trabajo”. “Para mí -agregó, lo importante siempre ha sido la música, la personalidad y lo que cada artista tiene para decir. Todavía queda trabajo por hacer, pero creo que estamos avanzando en una dirección positiva”.

Su nueva presentación en Buenos Aires será para rendirle su homenaje a Rollins, quien, según confesó, fue el responsable de su decisión de dejar el saxo alto para dedicarse al saxo tenor. “Desde muy chica estudiaba y transcribía solos. Recuerdo pasar mucho tiempo escuchando a Charlie Parker y aprendiendo ese lenguaje. Pero creo que el momento más importante fue cuando descubrí a Sonny Rollins -admitió-. Ahí algo cambió para mí. Me enamoré del sonido del saxo tenor y de la libertad que sentía en su manera de improvisar”.

“Después llegaron Dexter Gordon, John Coltrane, Michael Brecker y muchos otros músicos que fueron marcando distintas etapas de mi desarrollo”, añadió Aldana, aunque remarcó: “Creo que nunca hubo un momento en el que decidiera conscientemente dedicarme al jazz. La música siempre fue parte de mi vida y, de alguna manera, fui encontrando mi camino a través de ella”.

Ya con ciudadanía artística no sólo sudamericana, la saxofonista reconoció su “admiración y respeto por la riqueza musical” de nuestro país: “La Argentina tiene una tradición musical increíble, no solamente dentro del jazz, sino también en la música popular. Hay músicos muy importantes como Gato Barbieri, Guillermo Klein y Leo Genovese, que representan distintas generaciones y maneras de acercarse a la música”.

“También me parece muy interesante la conexión que tenemos los músicos latinoamericanos, incluso cuando nuestras experiencias y nuestros caminos son diferentes”, enfatizó. Y en su mensaje final dejó en claro su entusiasmo por esta nueva presentación porteña: “Buenos Aires es una ciudad con una identidad cultural muy fuerte, y siempre es una alegría tener la oportunidad de volver, tocar y conectar con el público de aquí”.

Fue inevitable que, al retomar la tradición epistolar, termináramos reflexionando sobre las diferentes fases del proceso de escritura, las obsesiones al corregir y los retos a la hora de publicar y presentar un libro. A lo largo de un año y medio de cruce de correos electrónicos -correlato moderno de las cartas-, también compartimos textos inéditos, lecturas y recuerdos.

Este intercambio comenzó de manera espontánea, luego de la Feria del Libro de Buenos Aires en 2023, donde nos conocimos presentando la novela Zambullidas o la educación acuática (Cortina, 2022) y el libro de cuentos Sueños como cuchillos (Mayer, 2022).

Una tomó la iniciativa con un primer mail, después de leer los cuentos de la otra, para trabajarlos en sus talleres de escritura. La respuesta llegó con entusiasmo y encendió la chispa de la conversación.

En una época dominada por la inmediatez y la saturación de notificaciones que genera la maraña digital, la correspondencia nos sumergió en otro tipo de sintonía: el de la respuesta diferida.

En palabras de Silvina Friera en la contratapa: “la carta en el siglo XXI, en este presente atravesado por el avance de la Inteligencia Artificial (IA), tiene un sentido disruptivo porque implica volver a los tiempos ‘lentos’ y a la espera en una sociedad que se consume en el vértigo de una inmediatez sin fondo”.

Las cartas, un espacio de conversación

Ninguna escribía cartas desde hacía años; rescatarlas fue también una apuesta por esas charlas pausadas que hoy cuesta tanto cultivar. Este ejercicio, que sucede en la ausencia de uno de los interlocutores, exige paciencia y voluntad a la par para ese diálogo demorado. Por suerte, lo encontramos a ambos lados.

Así, este libro reúne los correos que nos escribimos entre mayo de 2023 y junio de 2024, desde aquel primer encuentro organizado por Milena Caserola en La Rural hasta la Feria del Libro de Tandil, adonde viajaríamos juntas un año después.

En estas cartas que cruzamos entre Villa Pueyrredón y Villa Santa Rita fuimos descubriendo numerosas coincidencias. Entre ellas, que no solamente compartimos editorial y carrera universitaria, Ciencias de la Comunicación en la UBA, sino que ambas trabajamos en comunicación institucional y transitamos periodismo y talleres paralelamente a la escritura.

Entre una feria y otra, el intercambio epistolar se fue entrelazando con presentaciones de nuestros libros, charlas en bibliotecas, viajes y cafés. La correspondencia iba construyendo un espacio propio, a mitad de camino entre la conversación y la escritura.

Y cada correo que llegaba nos acompañó también en el proceso de dar forma a nuestros siguientes libros: los volúmenes de cuentos Pases de magia (Cortina, 2024) y Nunca podemos descansar del todo (Mayer, 2025).

Escribir cartas, ¿un mundo extinto?

Ninguna lo tenía muy presente al momento de empezar, pero -mucho tiempo atrás- las dos contábamos con cierta experiencia en el mundo, casi extinto, de las cartas.

Una de nosotras tenía una madrina que se había ido a vivir a Boston cuando ella era una niña. Empezó a escribirle y ese intercambio terminó convirtiéndose, casi sin proponérselo, en un ejercicio narrativo. Las cartas permitían contar, inventar y mirar la propia vida desde otro lugar.

En el caso de la otra, cuya familia judío-alemana había emigrado escapando del nazismo, toda su infancia estuvo marcada por las cartas que iban y venían. Sus abuelas se escribían con parientes dispersos por el mundo e incluso con vecinos en Alemania. Más tarde, cuando su propio hermano partió a Brasil durante la guerra de Malvinas, conoció la alegría del sobre bajo la puerta y de sostener, así, una conversación a la distancia.

Acompañamientos en la escritura

Escribir (no) es un oficio solitario también fue conformando una cartografía personal de nuestras experiencias de acompañamiento en la escritura: tanto en talleres grupales como en clínicas de obra. Así, fuimos trazando este recorrido en el que emergieron nombres de quienes nos guiaron y enseñaron a lo largo de este camino y de los propios talleres que coordinamos.

Una atesora el recuerdo de clínicas inolvidables con Mario Goloboff e Inés Fernández Moreno. Más tarde, hizo realidad el sueño de abrir un espacio propio con el Taller Contar el Cuento. Desde entonces, disfruta mucho acompañar a cada participante en la búsqueda de una voz propia para contar sus historias. Y, también, de ir tejiendo comunidad a partir de la lectura y la escritura compartidas.

En el caso de la otra, fueron los grupos de escritura, a los que asistió desde sus veintipocos, los primeros espacios donde encontró maestros y maestras, lectores y lectoras. Allí descubrió la importancia del aprendizaje colectivo en este oficio. Con el tiempo, esas experiencias dieron lugar a los talleres en La Transformación Escritura, el espacio que coordina desde hace diez años, como una forma de compartir el ejercicio y el placer de leer y escribir, y de acompañar a otros y otras en la tarea.

Ya no estamos solas

Al ritmo de los mails, fuimos tejiendo más que un intercambio: nació una amistad que trascendió lo estrictamente literario. El cruce de cartas llegó a su fin al terminar nuestros nuevos libros, Pases de magia y Nunca podemos descansar del todo.

Entretanto, escribirnos fue nuestra forma de recuperar el arte de la conversación, de reencontrarnos en una época en la que nunca estuvimos rodeados de tantos dispositivos, pero, a la vez, nunca nos sentimos tan solos.

Por eso, este libro terminó desafiando la idea de que la escritura es un oficio solitario. Al publicar estas cartas, se sumó otra mirada: nosotras dos y el lector o lectora. Ya somos tres. Apostamos a contagiar las ganas de escribir y de cultivar la pausa. Porque, del otro lado, siempre habrá alguien dispuesto a conversar.

(Desde Rosario) Una camina por la peatonal San Martín, Rosario. Mira a la izquierda, mira a la derecha y ve a otra que mira una vidriera. Se acerca. Le pregunta dónde queda el Cultural Fontanarrosa (se ve que no es de acá, es imposible vivir en Rosario y no saber eso). La mujer de la vidriera extiende la mano y señala: está ahí nomás. “¿Va a la Feria del Libro?”, pregunta. “Sí”, dice la otra. “¿Está linda la Feria?” La de la vidriera sonríe, mucho. “Está hermosa. A los que nos gustan los libros…”

Debemos ser muchos a los que nos gustan los libros, porque el fin de semana que pasó -el último de esa Feria que había abierto el 8 y terminó ayer domingo- el Cultural Fontanarrosa rebalsaba. Había cola en los pasillos para entrar a las salas. Había chicos en el hermoso espacio para la infancia, donde entre muchos charlaron con el mendocino Chanti. Había jóvenes con el infaltable cosplay y había mucha gente que pasaba con bolsitas: la prueba de que, además de la experiencia, se llevaban un libro. Varios libreros presentes darían fe de esto: “Funciona”, decían. Al final, cuando todo termine, los organizadores hablarán de 300 mil personas.

Como la de Santiago del Estero, como la de Corrientes, como la de Santa Fe, la Feria del Libro de Rosario se hace un poco adentro y un poco afuera. En la amplia entrada del centro cultural se instala una carpa donde hay stands y, al aire libre, una pantalla gigante retransmite las actividades para la gente que se sienta a disfrutar la charla, la tarde, el encuentro en unos silloncitos. Todo muy relajado.

Y eso, relajado, no es poco decir en Rosario. Por eso el secretario de Cultura y Educación de la Municipalidad, Federico Valentini, cuando le dice a Infobae que la Feria viene creciendo, dice también que eso es posible porque mejoró lo de la seguridad, en una ciudad que estuvo acorralada por el narcotráfico. “Hace algunos años la gente tenía miedo. Yo, que no soy muy miedoso, en algunos momentos me planteaba si salir a la calle. Eso ahora no pasa”. Es un elogio a la gestión del gobernador radical Maximiliano Pullaro, que forma parte de la alianza Unidos para Cambiar Santa Fe, que también integra el intendente de Rosario, Pablo Javkin.

Esa alianza también explica esta Feria, cargada de actividades donde participan autores rosarinos y “nacionales”. A diferencia de la de Buenos Aires -organizada por distintos actores privados de la industria del libro- la Feria de Rosario está a cargo de la provincia, el municipio y la Universidad Nacional de Rosario, con la participación de la Fundación El Libro. Los stands son gratuitos para editores y libreros. Las entradas son gratuitas para el público. Los gastos de los presentadores, técnicos, todo, sale de dinero público: en tiempos de “no hay plata” es una decisión política.

Eso dice, con orgullo, Silvana Schulze, coordinadora general de la Feria. Es dinero público, es una apuesta pública.

-¿Y no corre riesgo la Feria si cambia el gobierno?

Schulze mira con cara de “qué le vamos a hacer” y asiente: “Así es la democracia...” pero le tiene fe a una alianza de varios partidos y, también, al trabajo realizado. “Vino gente de muchos lugares, hubo mucha producción rosarina, tenemos una editorial propia...” Quienes visitaron la Feria no la encontraron en la oficina sino en medio del hall central respondiendo 18 mil consultas. Ahí, en medio de la adrenalina, es la charla con Infobae.

Mientras tanto en las salas hablan María O’Donnell -con su libro Montoneros-, habla Luis Novaresio -con La vida que importa- y la historiadora Marcela Ternavasio habla de su Rosas, entre muchos otros.

El sábado a la noche, cuando casi se iba la Feria, Reynaldo Sietecase presentó por segunda vez en la ciudad Cabrón, un libro sobre su padre que, desde el título, da una pista de cómo fueron las cosas. Dice que escribió literatura antes de ser periodista, que no es su primer libro donde Rosario es central. Cuenta que llegó a este libro a partir de una sensación: que había olvidado la voz de su padre. Su padre era bancario pero tocaba la guitarra y cantaba... y él no se acordaba.

Entonces le vino a la memoria, contó, un video de su padre. Algo raro: el hombre había ido a comprar una filmadora y el vendedor, para probarla, lo había filmado a él, conversando. Sietecase tenía esa filmación. Y cuando vio los detalles, ay, las cosas que el vendedor había capturado -un anillo, por ejemplo- eran cosas que él, el hijo, tenía, ahora que su padre había muerto.

Eso cuenta el periodista, y pone el video. Y vemos al hombre serio, tranquilo, en una actividad cotidiana. Y sí, se oye su voz. “Es una presentación rara”, dice Sietecase. Y da lugar a Sandra Corizzo, que canta. Entonces Sietecase va leyendo algunos tramos, revelando su libro, su historia y su corazón. Y Corizzo le pone otra belleza, otra línea de emoción y, si se escucha bien, algún contexto.

“Yo tenía una relación difícil con él”, dice este Reynaldo Sietecase (el otro se llamaba igual). Que había dejado clara su postura en el título del libro... Cabrón.

En el público asiente, comenta, filma de a ratos Lilian, que ahora es una jubilada que avanza con un andador pero antes fue antropóloga, psicóloga, una docente universitaria retirada más allá de su voluntad en el esplendor de sus 70 años.

Esto es público y es íntimo. Un hijo cariñoso, un hermano que mira a su hermana, que descubre el machismo en el que fue criada, que le escribe un poema tiernísimo - Mi hermana estaba loca de niña- y nos recomienda hablar de nuestros padres con quienes crecieron al lado nuestro.

Público e íntimo. Rosario se siente chica y grande, se siente potente y, a la vez, familiar, este espacio en que la gente se conoce. Cuando esto termine y salgamos de la sala, bajar las escalera para ganar la calle será una hazaña. Sigue el ruido, sigue la feria, sigue la fiesta.

Rembrandt rara vez necesita presentación. Sin embargo, varias obras de este artista de la Edad de Oro holandesa nunca han llegado al público estadounidense, una situación que cambiará el año que viene con una nueva exposición en el Museo Metropolitano de Arte, organizada en colaboración con el Louvre, según anunció el Met el jueves.

Al menos tres obras de Rembrandt nunca antes vistas en Estados Unidos (Betsabé con la carta del rey David, El juramento de los batavos y Mujer bañándose en un arroyo) se expondrán junto a más de 120 pinturas, grabados y dibujos procedentes de más de 40 prestadores en la exposición Rembrandt y los antiguos, que se inaugurará en noviembre de 2027. La exposición se trasladará al Louvre en marzo de 2028.

Joanna Sheers Seidenstein, conservadora de dibujos y grabados europeos del Met, está organizando la exposición junto con Blaise Ducos, conservador de pintura holandesa y flamenca del Louvre. Seidenstein afirmó en una entrevista que la exposición explora la fascinación de Rembrandt por la Antigüedad, trazando lo que ella describió como “esta relación entre tradición e innovación y esta idea del pasado como lente para el presente”.

Añadió que una de sus obras favoritas de Rembrandt es Betsabé, que plasma el dilema moral de la protagonista mientras reflexiona sobre la citación que ha recibido del rey. Seidenstein la calificó como “una obra maestra de la pintura y una de las representaciones más conmovedoras que el artista ha hecho de las emociones y la interioridad psicológica”. El Met también ha tomado prestado del Museo Nacional Romano un relieve antiguo, conocido por Rembrandt a través de un grabado, que inspiró el ritual del lavado de pies en Betsabé.

El Louvre se perfiló rápidamente como un socio natural —ya se habían celebrado exposiciones conjuntas anteriormente—, como Valentin de Boulogne: Más allá de Caravaggio y Fundido en bronce: la escultura francesa desde el Renacimiento hasta la Revolución. El Met posee 20 pinturas atribuidas a la propia mano de Rembrandt, 11 dibujos y cientos de impresiones de sus grabados.

Para Rembrandt y los antiguos, el Met aportará cuatro pinturas, tres dibujos y 11 grabados, mientras que el Louvre prestará dos pinturas y dos dibujos del artista.

Entre las aportaciones del Met se encuentra Aristóteles con un busto de Homero, que salió del museo por última vez hace 56 años.

Aunque se trata de la mayor exposición de Rembrandt en el Met en 20 años, el arte neerlandés ha ocupado un lugar central desde su fundación en 1870, al igual que Nueva York —que en su día fue el asentamiento neerlandés de Nueva Ámsterdam— mantiene profundos lazos con los Países Bajos. Esto hace que la perdurable relevancia del artista forme parte de una historia cultural mucho más larga.

La obra de dos artistas contemporáneos también ofrecerá al público estadounidense una nueva perspectiva en el Met el próximo año, coincidiendo con el inicio en serio de las obras de construcción de su ala Tang de Arte Moderno y Contemporáneo. El museo anunció el jueves que el encargo de la fachada —que invita a los artistas a transformar sus nichos a lo largo de la Quinta Avenida en un espacio expositivo— recae en Danh Vo, el artista de origen vietnamita que vive y trabaja en Berlín y Ciudad de México.

La obra de Vo utiliza objetos para poner de manifiesto las historias y las estructuras de poder que estos encierran. En 2018, el Guggenheim acogió una retrospectiva de su trayectoria, Danh Vo: Take My Breath Away. (Vo tiene una exposición individual en curso en White Cube Nueva York hasta el viernes).

“Es uno de los pensadores más agudos sobre la historia y sobre cómo los objetos la conservan, y eso es precisamente lo que hace el Met”, afirmó David Breslin, conservador del Met a cargo del arte moderno y contemporáneo. “Recontextualizamos los objetos y las historias para hacerlos más palpables y cercanos a nuevos públicos”.

Ese enfoque impregna la práctica escultórica de Vo. En We the People (2014), creó una réplica en cobre de la Estatua de la Libertad, dividida en 250 fragmentos, invitando a los espectadores a replantearse los ideales de libertad. Para Lot 20. Two Kennedy Administration Cabinet Room Chairs (2013), Vo despojó del cuero a dos sillas originales de la sala del Consejo de Ministros de John F. Kennedy, dejando al descubierto los materiales subyacentes en una crítica a la guerra de Vietnam.

El Met —que actualmente expone cuatro esculturas de Liu Wei, un artista afincado en Beijing, hasta el 8 de junio de 2027— confiere a los artistas encargados de su fachada un grado inusual de libertad creativa, señaló Breslin. “Hay una cierta valentía en quitarnos esto de las manos y decirle a un artista: “Esto depende de ti””.

Esa libertad es fundamental para la creatividad de Vo. “Lo único que me preocupa es poder hacer lo que quiera”, afirmó Vo en una entrevista.

Vo aún no ha revelado sus planes para la fachada, que se inaugurará el 16 de septiembre de 2027. “No tengo ninguna idea”, dijo. “Es un espacio muy difícil de abordar”.

El Met también ha anunciado que Sandra Mujinga, nacida en Goma (República Democrática del Congo) y criada en Noruega, será la autora de su Great Hall Commission de 2027. La obra anterior de Mujinga abarca la escultura, el texto, la performance y los medios digitales, y a menudo explora temas políticos. Su instalación se podrá ver a partir del 4 de noviembre de 2027.

Entre Rembrandt, Vo y Mujinga, la temporada de 2027 del Met reunirá a artistas e ideas de siglos y continentes muy distintos en un diálogo renovado, invitando al público a ver historias conocidas desde perspectivas desconocidas. “Si nuestro público empieza a sentir que sabe lo que va a pasar a continuación”, afirmó Breslin, “ni yo ni el museo estamos haciendo nuestro trabajo”.

Fuente: The New York Times.

Fotos: La Real Academia Sueca de Bellas Artes, a través del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; Museo del Louvre, París, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Foto de Mathieu Rabeau/RMN-GP; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Nick Ash; Tove Sivertsen.

El Museo Sívori reúne alrededor de 4.000 obras de arte argentino de los siglos XX y XXI. Creado en 1938 como Museo Municipal de Bellas Artes, Artes Aplicadas y Anexo de Artes Comparadas, adoptó en 1946 el nombre del pintor Eduardo Sívori y, desde 1996, funciona frente al Rosedal del Parque Tres de Febrero.

La sala de Galería Azur, ubicada en Arroyo 981, estuvo completa con 250 personas durante el remate. Las bases de las piezas comenzaron en USD 650 y la selección incluyó trabajos de Gabriel Chaile, Jorge Macchi, Fernanda Laguna y otros artistas argentinos consagrados y emergentes.

Entre las obras que encontraron comprador figuraron los Conejos de Elba Bairon y Proto, una serie de ocho pinturas de Chaile. Una pieza de Osías Yanov también concentró una puja disputada, mientras que la galería continuará ofreciendo en los próximos días los lotes que no fueron adquiridos durante la subasta.

La co-curadora de la muestra y vicepresidenta de la Asociación, Carolina Pinciroli, destacó el aporte de artistas y galerías a la iniciativa: “Queremos agradecer a los artistas y a las galerías, que nos apoyan con las obras”.

Pinciroli señaló que los recursos obtenidos en la edición anterior permitieron realizar obras, comprar mobiliario y equipamiento técnico para conservadores y restauradores. También vinculó esos fondos con las exposiciones dedicadas a Agustín Riganelli, Jorge Macchi y Alejandra Seeber.

La asociación se reactivó en 2025 por impulso de la directora del museo, Teresa Riccardi, y está presidida por Abel Guaglianone. Su primera acción consistió en financiar de manera íntegra una muestra inaugural; desde entonces, canaliza donaciones privadas para sostener la programación del museo, difundir sus actividades, sumar socios y públicos, y acompañar tareas de conservación y restauración.

El director de Galería Azur y rematador de la jornada, Lucas Kokogian, definió el encuentro como una celebración del respaldo privado a una institución pública: “Fue una fiesta del arte, que eso es lo más importante”.

Kokogian sostuvo que el museo busca financiamiento privado para acompañar campañas de este tipo frente a instituciones con mayores recursos. También agradeció a los coleccionistas, artistas y galeristas que participaron de la convocatoria y afirmó que la galería continuará colaborando con el Sívori y otras instituciones artísticas.

La sede del Museo Sívori integra el parque mediante un patio de esculturas y presenta exposiciones temporarias de arte moderno y contemporáneo. Su patrimonio se formó a partir de los antiguos Salones de Pintura, Escultura y Grabado, además de compras y donaciones posteriores.

Galería Azur cuenta con más de 15 años de trayectoria en el mercado de arte argentino moderno y contemporáneo. En los últimos años abrió espacios expositivos en Berlín, Miami, Nueva York y Uruguay.

El Jardín Japonés de Buenos Aires realizará el sábado 24 y el domingo 25 de octubre las Jornadas de Cosplay, Manga y Anime, una programación que incluirá concursos, charlas, música, propuestas escénicas y gastronomía japonesa.

La actividad, organizada por la Fundación Cultural Argentino Japonesa, se desarrollará de 11:30 a 18. Durante ambas jornadas, el predio de la avenida Casares, entre Figueroa Alcorta y Del Libertador, recibirá a aficionados al manga, el anime y el cosplay.

El domingo 25, a las 16, se llevará a cabo la segunda instancia del Concurso Extraordinario de Cosplay, Manga y Anime Taikai. El desfile y la competencia ofrecerán un viaje a Japón como primer premio, según informó la organización. El Jardín Japonés pondrá sus senderos y espacios a disposición de los asistentes que quieran realizar fotografías con sus caracterizaciones.

El cosplay consiste en representar a un personaje, real o ficticio, mediante vestuario e interpretación. La práctica suele estar asociada a personajes de manga, anime, cine, literatura, videojuegos y música. Su expansión internacional se vinculó con encuentros de aficionados en Japón desde la década de 1970. El programa contempla trivias, charlas, canciones de anime o anisong, bandas en vivo y teatro.

La agenda también incluirá la Gastro Japo Street Food, con puestos de comida japonesa que funcionarán de 12 a 18 en el Damero y el Patio Magnolias. Entre las opciones anunciadas figuran sushi, ramen, yakitori, kushikatsu, sando, mochi, mochi dango, dorayaki y galletas de matcha. Además, el Espacio Arte Culinario Jardín Japonés ofrecerá su propuesta habitual de sushi, entradas y platos calientes durante el evento.

El Jardín Japonés abrirá todos los días de 10 a 18:45. Para las jornadas, la entrada tendrá un valor de $ 8.000 para argentinos residentes con DNI y de $ 24.000 para no residentes.

La Usina del Arte dedicará tres jornadas a la obra de Charly García con conciertos y una propuesta para público familiar, en el marco de la celebración por los 75 años del músico argentino. Las actividades se realizarán del viernes 23 al domingo 25 de octubre, con entrada gratuita y reserva previa.

El ciclo, llamado Semana Charly, reunirá a intérpretes de distintas generaciones alrededor de canciones que forman parte del repertorio del artista. La programación combinará relecturas de sus composiciones, homenajes y un espectáculo que vincula el rock con la ficción.

La primera función será el viernes 23 de octubre a las 20 en la Usina del Arte. La cantante Marina Wil presentará Las canciones más lindas de Charly García, acompañada por un cuarteto de cuerdas.

Ian Schifres estará a cargo del piano, los arreglos y la dirección musical. El concierto contará además con la participación de Pablo Granados como invitado.

El sábado 24 de octubre, también a las 20, Mery Granados y Joaco Burgos ofrecerán Mery Granados y Joaco Burgos le cantan a Charly. El encuentro estará centrado en obras de García y se sumará a las actividades previstas por su aniversario.

La programación concluirá el domingo 25, a las 18, con Charly en el país de las maravillas, una obra dirigida al público familiar y presentada por Vanessa Alanís.

El espectáculo propone un recorrido por canciones de Charly García en diálogo con el universo de Alicia en el país de las maravillas. La puesta combina música, personajes y elementos de fantasía.

Los tres conciertos serán sin costo y requerirán reserva previa a través del sitio web de la Usina del Arte.

Manifestantes bloquearon este lunes el acceso al Louvre, en París, en apoyo al movimiento estudiantil y para denunciar “la represión policial”, informaron varios sindicatos y la dirección del museo más visitado del mundo.

El museo no pudo abrir como estaba previsto a las 09H00 (07H00 GMT) debido a una protesta organizada por estudiantes de la Escuela del Louvre, indicó la dirección de la pinacoteca. En un folleto repartido en el exterior del recinto se podía leer: “Estamos orgullosos de anunciarles que bloqueamos el mayor museo del mundo”.

Desde hace semanas, los estudiantes de liceo se movilizan en Francia para exigir mejores condiciones en su educación.

En este contexto, el sábado una manifestación contra la carestía de la vida degeneró en una ola de disturbios y saqueos “sin precedentes”, según las autoridades, con unos 2.400 arrestos, cientos de comercios saqueados y graves destrozos en los edificios públicos.

La dirección del Louvre precisó que el bloqueo del lunes, liderado por medio centenar de estudiantes de la Escuela del Louvre, no está directamente vinculado al museo, utilizado como “caja de resonancia” del movimiento.

La fecha corresponde exactamente al primer aniversario del espectacular robo de joyas en la pinacoteca, que sumió a la institución en una profunda crisis.

Según el sindicato CFDT, los estudiantes de Bellas Artes también se sumaron a la acción de este lunes.

En su folleto, los alumnos movilizados no hacen referencia a las jornadas de protesta de este fin de semana, sino que apoyan “la lucha por el derecho a estudiar, a trabajar, a vivir libremente en buenas condiciones”.

Situada dentro del recinto del museo, la Escuela del Louvre es un centro de enseñanza superior que imparte cursos de historia del arte, arqueología, epigrafía, antropología y museología, según indica su página web.

Desde hace un año, el acceso al Louvre fue bloqueado en numerosas ocasiones por las movilizaciones del personal, iniciadas tras el robo del 19 de octubre de 2025 para reclamar mejores condiciones de trabajo y de remuneración.

Fuente: EFE

Decir que Salvador Dalí fue un provocador profesional es caer en un lugar común. El catalán no solo pintaba relojes derretidos; esculpía su propia existencia ante los ojos de un mundo que oscilaba entre la fascinación y el espanto. Sin embargo, detrás de sus ojos desorbitados y sus bigotes desafiantes a la gravedad, habitaba una lucidez matemática. De su arsenal de aforismos punzantes, hay uno que resuena fuerte en talleres, escritorios y consultorios: “No temas a la perfección, nunca la alcanzarás”.

A primera vista, la frase parece un balde de agua fría, un golpe de realismo pesimista. Pero en el universo daliniano, funciona exactamente al revés. Es una invitación a la libertad absoluta. Si la perfección es una quimera inalcanzable, el miedo al fracaso carece de sentido. Solo queda el acto de crear. Para entender su origen hay que ir hasta la década de 1940. Salvador Dalí y su musa, Gala, se encontraban refugiados en los Estados Unidos, huyendo de una Europa devastada por la Segunda Guerra Mundial.

Fue en ese contexto de desarraigo y reinvención donde el pintor consolidó su estatus de celebridad global. En 1942, Nueva York vio nacer La vida secreta de Salvador Dalí, la autobiografía donde aparece por primera vez esta famosa sentencia. No fue una memoria convencional, sino una extensión de su método paranoico-crítico llevado a la literatura. En sus páginas, el pintor mezcla recuerdos de su infancia en Figueres con fantasías delirantes, egolatría explícita y confesiones que escandalizaron.

La importancia de La vida secreta de Salvador Dalí en la historia del arte es capital. El libro inauguró la era del artista como su propio producto de marketing. Dalí entendió antes que nadie que el mito que rodeaba al autor era tan valioso como el lienzo mismo. La publicación de este texto coincidió, además, con su expulsión definitiva del grupo surrealista liderado por André Breton, quien lo acusó de mercantilista y le puso el despectivo anagrama Ávida Dollars. Dalí respondió diciendo: “El surrealismo soy yo”.

La paradoja de “No temas a la perfección, nunca la alcanzarás” radica en que Salvador Dalí era, técnicamente, un obsesivo de la perfección formal. Admiraba la geometría sagrada y la técnica pulcra de los grandes maestros del Renacimiento. Su técnica pictórica, visible en óleos como La persistencia de la memoria o El Cristo de San Juan de la Cruz, roza el fotorrealismo místico. Entonces, ¿por qué despreciaba la búsqueda de lo perfecto? Porque para él, la perfección era sinónimo de muerte estética.

“Los errores tienen casi siempre un carácter sagrado”, escribió también, y pedía que nunca se intentaran corregir, porque son los que revelan la verdadera psicología del creador. Para él, el intento fallido por alcanzar lo perfecto es el motor que genera el estilo, la grieta por donde se filtra el inconsciente. Hoy, en un mundo obsesionado con la productividad, el algoritmo y la estética pulida de redes, el genio de Figueres nos pide aceptar la imperfección: ahí reside nuestra única oportunidad de ser auténticos.

¿Quién es Salvador Dalí?

Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España, y se convirtió en uno de los máximos íconos mundiales del surrealismo. Su padre era un notario estricto, su madre una ama de casa afectuosa. Su carrera despegó tras estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde forjó amistad con el cineasta Luis Buñuel y el poeta Federico García Lorca, con quienes revolucionaría la vanguardia artística en obras fundacionales como el cortometraje Un perro andaluz.

Su vida cambió en 1929 al conocer a Elena Ivanovna Diakonova, inmortalizada como Gala, quien se transformó en su esposa, musa inspiradora y administradora de su prolífica carrera. Juntos construyeron un imperio estético y excéntrico que desafió las convenciones académicas, comerciales y políticas de la época. Su genialidad técnica, inspirada en los maestros del Renacimiento, se tradujo en obras maestras de un detallismo fotográfico impactante e iconografías inolvidables.

Basta nombrar a La persistencia de la memoria, Construcción blanda con judías hervidas y Metamorfosis de Narciso. Tras pasar una exitosa década exiliado en los Estados Unidos, regresó a su Cataluña natal, donde dedicó sus últimos años a la creación de su propia obra cumbre interactiva: el Teatro-Museo Dalí en su ciudad natal. Consumido por el dolor tras la muerte de su amada Gala y con una salud deteriorada por el párkinson, falleció a causa de un paro cardiorrespiratorio el 23 de enero de 1989.

En un mundo regido por la inmediatez parecería que la ortografía ha dejado de tener relevancia, sin embargo, el escribir textos con coherencia y sin erratas siempre será benéfico en todos los ámbitos.

En lo laboral, el escribir de forma correcta deja ver a los demás las habilidades y conocimientos que se poseen; además, ayuda a construir una imagen óptima a través de la cual puedes parecer más serio y confiable. El tener errores de ortografía y sintaxis pueden, por el contrario, dar un pensamiento negativo que te haría parecer descuidado o poco preparado.

Por otro lado, el tener la capacidad de hacer un texto bien escrito habla también de la personalidad, al mostrar interés por siempre construir un buen puente de comunicación con los interlocutores.

Aunque escribir bien no es una tarea sencilla, requiere de mucha práctica y de conocer las estructuras de la lengua, por lo que leer puede ser un gran apoyo para la riqueza del léxico.

En este sentido, la Real Academia Española (RAE) se ha convertido en la institución más relevante para la regularización lingüística, mediante la promulgación de normas para fomentar la unidad idiomática del mundo hispanohablante.

La Fundación del Español Urgente (Fundéu), una institución sin ánimo de lucro que tiene como objetivo el impulsar el buen uso del español en los medios de comunicación, se ha aliado con la RAE y emite a través de su página web y de manera constante diversos tips para que los ciudadanos puedan resolver sus dudas sobre cómo se escribe correctamente cierta palabra, cómo se usa una expresión o tips de temáticas varias.

Uso correcto

Con motivo de las protestas que se están llevando a cabo en Francia, se proponen las siguientes claves de redacción lingüísticas.

De acuerdo con la Ortografía de la lengua española , los sustantivos que designan formas de Estado o de gobierno, como república , son nombres comunes, por lo que, en sus usos genéricos, se escriben con minúscula . No obstante, si República Francesa se emplea como denominación oficial del país, la mayúscula es adecuada.

Al periodo de la historia de Francia con el actual régimen político se le conoce como V República o Quinta República , expresiones que se escriben con mayúsculas iniciales : «La disolución de la Asamblea Nacional es un mecanismo previsto por la Constitución de la V República». No se recomienda 5.ª República , con el ordinal en cifras arábigas.

La palabra ayuntamiento se escribe con mayúscula inicial cuando alude a un organismo determinado («El Ayuntamiento de París denuncia la violencia»). Sin embargo, en referencia al edificio que alberga una corporación («Unas 7000 personas marchan hacia el ayuntamiento») o en usos genéricos («Otros ayuntamientos se quejan de la falta de medios policiales») se escribe con minúscula . En el caso de Ayuntamiento de Limoges , es posible escribir ayuntamiento con mayúscula si se considera que es un edificio singular de carácter monumental, de acuerdo con la ortografía académica.

Los sustantivos genéricos calle , plaza , avenida , etc. , que acompañan a los nombres propios de espacios urbanos, se escriben con minúscula inicial : «Los manifestantes se acercan a la plaza de la República» y no «… a la Plaza de la República». Por otro lado, es adecuado utilizar números romanos y arábigos para los distritos de París, con el término genérico distrito en minúscula.

La expresión estado de emergencia , que el diccionario académico define como ‘s ituación oficialmente declarada de grave peligro por conflictos sociales , catástrofes naturales u otras razones’, se escribe enteramente con minúsculas .

El artículo que precede al nombre de la sede de la Presidencia de la República Francesa se escribe con inicial minúscula: el Elíseo .

El símbolo del porcentaje ( % ) se escribe separado por un espacio de la cifra a la que acompaña : «Enfrenta una deuda pública cercana al 119 % del PIB», no «… al 119% del PIB».

En cifras de más de cuatro dígitos , se recomienda utilizar un espacio de separación cada tres cifras (contando desde la derecha) y no el punto ni la coma . En las de cuatro, es válido omitirlo: «Las protestas dejan ya 2000 detenidos», pero «Más de 500 000 manifestantes».

Los nombres de cargos , sean del rango que sean, se escriben con minúscula , según la Ortografía de la lengua española : presidente , primer ministro, ministro del Interior…

Cuando se menciona a los chalecos amarillos , que se han sumado a las protestas, lo indicado son las minúsculas en todos sus términos . No es necesario, pero pueden utilizarse comillas: «Dos generaciones, una misma fractura: de los “chalecos amarillos” a los estudiantes».

Los lemas llevan solo mayúscula inicial en la primera palabra (y en los nombres propios, si contienen alguno) y, dentro de un texto, se delimitan entre comillas : «El lema “Amarillos y jóvenes, nuestras luchas se encuentran”».

Tanto el sustantivo macronismo , empleado para designar el sistema político o de gobierno del presidente francés Emmanuel Macron, como el adjetivo macronista , que se utiliza para sus partidarios, están bien formados a partir de su nombre propio, por lo que no requieren comillas ni cursivas .

¿Para qué sirve la RAE?

Fundada en Madrid en 1713 por iniciativa del octavo marqués de Villena, Juan Manuel Fernández Pacheco y Zúñiga, la RAE es la institución que busca preservar el buen uso y la unidad de una lengua en permanente evolución y expansión.

Sus más recientes estatutos (actualizados en 1993), establecen que la función principal de la Real Academia es “velar por que la lengua española, en su continua adaptación a las necesidades de los hablantes, no quiebre su esencial unidad”.

Este compromiso se ha plasmado en la denominada política lingüística panhispánica, compartida con las otras 22 corporaciones que forman parte de la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), creada en México en 1951.

Actualmente, la institución está constituida por 46 académicos, entre ellos el director y los demás cargos de la Junta de Gobierno, elegidos para mandatos temporales.

Una de las críticas que se le han hecho a la RAE es su negativa a reconocer palabras o expresiones que han surgido entre las generaciones más jóvenes, sobre todo a raíz de la aparición de las redes sociales. Una de las polémicas más recientes es el reconocimiento del lenguaje inclusivo.

Sin embargo, en el 2020 optó por lanzar el Observatorio de Palabras, un repositorio digital que ofrece información sobre palabras o acepciones de palabras y expresiones que no aparecen en el Diccionario de la Lengua Española (DLE), pero que han generado dudas en cuanto a su uso, tales como neologismos, extranjerismos, tecnicismos, regionalismos, entre otros.

La información contenida en el Observatorio es provisional al no estar contemplada en las obras académicas, por lo que puede verse modificada y cambiar con el paso del tiempo, pero ello no implica que se acepte su uso.

Se cumplieron cien años del nacimiento del filósofo francés Michel Foucault (Poitiers, 15 de octubre de 1926 - París, 25 de junio de 1984), posiblemente el pensador más citado en las humanidades y las ciencias sociales contemporáneas. Su extensa obra abarca, entre muchas otras la pregunta por lo humano; las condiciones de posibilidad del conocimiento; el estatuto de la verdad; la relación entre sexualidad y política –la biopolítica– o las formas que adopta el poder en la Modernidad.

Del poder que oprime al poder que produce

Sin embargo, pocas de sus intuiciones resultan tan útiles para entender el presente como su teoría del poder y, en particular, el papel de los medios de comunicación como uno de sus dispositivos más eficaces.

La interpretación clásica del poder lo concibe como una dimensión vertical, jerárquica y visible, y lo encarnan las instituciones que ostentan el monopolio legítimo de la violencia, según la formulación de sociólogo Max Weber.

Foucault cuestiona esa imagen, y sugiere que el poder no es una posesión ni una facultad estática de la que alguien dispone y otro padece. Es, más bien, un entramado de relaciones que circula horizontalmente por todo el cuerpo social. No se reduce a la represión, sino que produce normas, constituye las condiciones de posibilidad de nuestras prácticas cotidianas y moldea identidades y comportamientos allí donde actúa.

Los medios como dispositivo de poder

Los medios de comunicación convencionales encajan bien en esta rúbrica. Su capacidad de controlar el relato los convierte en actores políticos de primer orden. Este poder blando de configurar la mirada colectiva es, en muchas ocasiones, más determinante para la vida pública que los hechos mismos.

El politólogo Joseph Nye definió la capacidad de un actor para obtener lo que desea no mediante la coerción, sino mediante la persuasión y la construcción de un relato atractivo de sí mismo. Quien controla el discurso controla una forma de poder tan eficaz como la fuerza, aunque menos visible. Los medios producen estados de ánimo colectivos y contribuyen a fijar qué es sensato decir y qué resulta demasiado radical para ser siquiera proferido en el debate público.

Según su narrativa oficial, la función de los medios de comunicación es la de ser mensajeros neutrales, dar cuenta de aquello que sucede. Pero el modo en que se cuenta un acontecimiento es, ante todo, una forma de producirlo socialmente. El también filósofo francés Roland Barthes lo señaló en su lección inaugural en el Collège de France en 1977: la lengua no es progresista ni reaccionaria, es sencillamente un mecanismo que obliga a decir de una determinada manera. Antonio Gramsci, uno de los más brillantes politólogos del siglo XX, había mostrado décadas atrás cómo la hegemonía cultural –el sentido común que una sociedad da por evidente– se construye tanto o más en el terreno simbólico que en el económico.

Foucault no escribe como tal una teoría de los medios de comunicación, pero su concepto de discurso ofrece las herramientas para pensarlos. Para él, los discursos no se limitan a describir una realidad previa, sino que forman los objetos de los que hablan. Toda sociedad controla, selecciona y redistribuye lo que puede decirse. Para ello emplea divisiones entre lo verdadero y lo falso, así como reglas sobre quién está autorizado a hablar y hasta dónde puede decir. Es lo que se conoce como la relación entre poder-saber: cada sociedad tiene unos discursos que acepta como verdaderos y ciertas instancias habilitadas para sancionarlos.

Aplicada a los medios, esta idea desplaza la pregunta habitual: importa menos si una noticia es verdadera o falsa que quién decide qué es noticia, cuáles son las fuentes legítimas y qué vocabulario es entendido como neutral. El poder de los medios no consiste solo en censurar, sino en dar forma a aquello que puede ser pensable. En muchas ocasiones, este poder se organiza de forma deliberada e institucional.

Poder blando y control del relato: el caso de la Hasbará

Un ejemplo institucionalizado de este mecanismo es la Hasbará, la red de diplomacia pública del gobierno de Israel. Dependiente directamente de la Oficina del Primer Ministro, es la encargada de gestionar el relato del país en el exterior, justificar sus prácticas militares y coordinar esta comunicación en medios extranjeros y redes sociales.

Aunque se presenta a sí misma como una labor legítima explicativa, buena parte de la literatura académica que la ha estudiado la describe, en cambio, como un aparato de propaganda estatal, destinado a naturalizar ante la opinión pública occidental su política de asentamientos en Gaza y Cisjordania que tanto el Consejo de Seguridad de la ONU en 2016 como la Corte Internacional de Justicia en 2024 han calificado de ilegal y expansionista.

El caso ilustra bien la tesis foucaultiana: el poder no necesita ocultar sus actos, le basta con controlar el lenguaje con el que se nombran.

La memoria selectiva

La historia reciente ofrece ejemplos abundantes de cómo la mirada colectiva está atravesada por lo que los medios narran, pero también por lo que omiten. Por eso es habitual asociar un lugar con un acontecimiento concreto, pero no hacer lo mismo con otros de magnitud comparable.

Así, en el imaginario global, la plaza de Tiananmén queda indisolublemente ligada a las protestas de 1989. Sin embargo, no ocurre lo mismo con Los Ángeles –ciudad célebre por la cultura del cine–, donde los disturbios de 1992 dejaron más de medio centenar de víctimas mortales. Tampoco asociamos Génova con el asesinato de Carlo Giuliani en la Piazza Alimonda por el carabinero Mario Placanica durante las protestas contra la cumbre del G8 de 2001. No es casual qué episodios de violencia quedan grabados en la memoria colectiva y cuáles se diluyen; suele depender de si el episodio confirma o desmiente el relato que la sociedad occidental sostiene sobre sí misma.

La caja de herramientas

Una imagen potente de la concepción metodológica de Foucault la encontramos en Un diálogo sobre el poder y otras conversaciones, donde propone entender su propia teoría como una caja de herramientas. La metáfora expresa una actitud práctica frente al pensamiento: más que construir un sistema cerrado, se trata de producir instrumentos útiles para analizar y transformar situaciones concretas.

Cien años después de su nacimiento, esa caja de herramientas sigue abierta sobre la mesa, demostrando que en ningún caso las prácticas discursivas son neutrales. Por eso se denomina “operación especial” a la invasión militar de un país, “intervención táctica” al secuestro ilegal de un presidente extranjero, o “acción antiterrorista” a la limpieza étnica y el genocidio.

De esta forma se pone en marcha el mismo dispositivo que Foucault se propuso desmontar: no el poder que prohíbe, sino el que produce, con el lenguaje, la versión del mundo que después llamamos realidad.

Fuente: The Conversation

Quizás haya pasado un tiempo desde que releíste esa novela favorita. O hay un libro que siempre quisiste leer y, por fin, tienes tiempo. Te acomodas, abres la tapa y allí está: un diminuto insecto que corretea por la página. Luego aparece otro. O detectas señales inquietantes de que algo ha estado comiendo y viviendo entre las páginas.

Los piojos de los libros existen. También los pececillos de plata, esos pequeños insectos de movimientos rápidos que se sienten atraídos por los materiales ricos en almidón presentes en los libros y sus encuadernaciones. El moho también puede instalarse. Por eso, si compras un libro en una venta de garaje o en una tienda de segunda mano, o recoges uno de la entrada de una casa o de una Pequeña Biblioteca Libre, quizá convenga tomar algunas medidas preventivas.

Y aquí entra en juego el congelador.

Logan Spurgeon, autor de Hinterland y Sourwood, comenzó a congelar sus libros después de llevar varios a casa desde una tienda de segunda mano con un olor perceptible. Mientras investigaba cómo desodorizarlos, encontró consejos para revisarlos y congelarlos con el fin de eliminar plagas.

“Recomendaban revisar entre las páginas y cerca de la encuadernación en busca de indicios de piojos de los libros, y congelar los ejemplares para matar cualquier plaga, lo que también servía como remedio para los olores”, dijo Spurgeon. “Así que los metí en el congelador”.

Más tarde publicó un video sobre esta práctica y le sorprendió la atención que recibió. Algunos espectadores se enteraban por primera vez de la existencia de los piojos de los libros. Otros debatían si congelarlos realmente funcionaría.

La respuesta es sí. Kristi Westberg, directora interina de preservación y conservación de la Biblioteca, Museo de Arte y Jardines Botánicos Huntington, en San Marino, California, confirma que la congelación es una manera eficaz de combatir los insectos en los libros.

Solemos pensar que cuidar un libro es sencillo: leerlo, colocarlo en un estante y evitar derramar una bebida sobre él. Pero hay mucho más que saber para mantener los libros en buen estado.

Congelar un libro exige más que dejarlo junto al helado

Los libros deben colocarse en una bolsa sellada antes de congelarlos. Esto mantiene a los insectos alejados de los alimentos y evita que se forme condensación sobre el libro cuando se descongela.

Westberg recomienda dejar los libros en el congelador durante al menos tres días y hasta seis días como medida adicional de precaución. En el caso de infestaciones graves, puede valer la pena repetir la congelación, ya que los huevos de ciertos insectos pueden sobrevivir a la primera sesión y eclosionar después.

Pero congelar los libros resuelve solo una parte del problema. «La congelación elimina las plagas, pero si no se corrige el origen del problema, podrían regresar», afirmó Westberg.

No guardes los libros en el garaje

La humedad es una preocupación particular porque puede favorecer la aparición de moho; a su vez, el moho y los hongos pueden servir de alimento para los piojos de los libros.

El consejo de Westberg es simple: evita almacenar libros en áticos, sótanos o garajes, donde la temperatura y la humedad pueden variar. En cambio, procura un ambiente estable, de aproximadamente 16 a 25 °C (60 a 77 °F) y con una humedad relativa de entre el 40 y el 60 %.

Para los libros especialmente importantes o valiosos, da un paso adicional: guárdalos en una caja. Enfundar un libro en una caja es una manera sencilla de prolongar su vida útil, señaló el restaurador de libros Jeff Peachey, dueño de Peachey Conservation en Nueva York.

«Puedes enviar las medidas de tu libro y, básicamente, te mandan una caja de cartón plana, de calidad archivística y hecha a medida, como para una pizza», explicó Peachey. Las cajas se pueden plegar y no requieren adhesivo.

“Es una muy buena forma de aislar los libros de la luz, atenuar algunos cambios ambientales y brindarles protección física, todo a la vez”, afirmó. “Una gran opción son las cubiertas protectoras”.

Antes de comprar un libro usado, huélelo

En la Librería Housing Works, en el centro de Nueva York, donde las ventas de libros de segunda mano ayudan a financiar los servicios de la organización sin fines de lucro, el gerente de calidad e innovación Mike Savage supervisa a los voluntarios que evalúan cada libro donado.

Los libros con daños evidentes por agua o moho —como decoloración, hinchazón o páginas pegadas— se reciclan en lugar de ponerse a la venta, explicó Savage. Sin embargo, distingue con cuidado los libros dañados por el moho de aquellos que presentan decoloración por el sol o desprenden el olor característico de un libro antiguo.

Para quienes quieran distinguirlos por su cuenta, conviene prestar atención a un olor a humedad o moho, en particular si se acompaña de manchas visibles o indicios de daños por agua. El olor por sí solo no es una prueba concluyente, pero puede indicar exposición a la humedad. Si un libro usado huele claramente a humedad, sepáralo de los demás.

No todos los hallazgos de segunda mano esconden un problema. Pero, cuando lo hacen, la solución está tan cerca como la cocina.

Fuente: The New York Times

Durante décadas, los diccionarios biográficos del arte británico resumieron la vida de Winifred Knights con una sola línea: la primera esposa de sir Thomas Monnington. La obra de la pintora, ganadora a los 21 años del prestigioso Rome Scholarship y autora de una de las imágenes más perturbadoras sobre la Primera Guerra Mundial, quedó relegada al olvido hasta 2016, cuando la Dulwich Picture Gallery de Londres organizó la primera retrospectiva de su carrera, casi setenta años después de su muerte.

Knights nació en 1899 en Streatham, al sur de Londres, hija de una cantante de teatro y un administrador de una compañía azucarera. Estudió en la Slade School of Fine Art bajo la tutela de Henry Tonks y Fred Brown, en los mismos años en que los zepelines alemanes bombardeaban la capital británica.

La experiencia le dejó un trauma que describió por escrito: “He llegado a un estado en el que no puedo dejar pasar un avión sobre mi cabeza sin sentirme terriblemente mal y temblorosa”. A esa angustia se sumó la muerte de su primo Ted Murby en la batalla de Passchendaele y el impacto directo de la explosión de una fábrica de TNT en Silvertown, en enero de 1917, que la obligó a interrumpir sus estudios.

Ese cúmulo de experiencias desembocó en The Deluge, la obra con la que Knights ganó el Rome Scholarship en 1920 y se convirtió en la primera mujer en recibir esa beca de la British School at Rome. El ejercicio pedía representar el diluvio bíblico en un plazo de ocho semanas, en un lienzo de casi dos por dos metros y medio.

Knights entregó una composición de 21 figuras que huyen en diagonal hacia una montaña, mientras una ola se eleva detrás de ellas. La escena, pensada como una respuesta emocional a la memoria de la guerra, fue calificada por el Daily Graphic como la obra de un genio. Hoy integra la colección permanente de la Tate, en Londres.

La beca la llevó a instalarse en Anticoli Corrado, un pueblo al sur de Roma, donde vivió hasta 1925. Allí pintó su obra más ambiciosa, The Marriage at Cana, una reinterpretación del milagro bíblico en la que la propia artista aparece retratada tres veces, sentada a distintas mesas del banquete, un gesto que coincidió con el reconocimiento creciente que empezaba a recibir en los círculos artísticos romanos.

La pintura recorrió exposiciones internacionales, pero su gran tamaño hizo que ni la Tate ni el Fitzwilliam Museum de Cambridge aceptaran incorporarla a sus colecciones permanentes. Pasó años almacenada bajo una escalera en la oficina londinense de la British School at Rome, hasta que en 1958 fue donada al Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa, en Wellington, donde se exhibe en la actualidad como una de las piezas más valoradas de la institución.

Knights incorporó su propia imagen en buena parte de sus composiciones, con el atuendo que la caracterizó durante toda su vida: una falda larga de inspiración campesina italiana, blusa abotonada, sombrero negro de ala ancha y aros de coral. Aparece como tercera figura desde la izquierda en The Deluge y, según documentó la historiadora Sacha Llewellyn, su rostro vuelve a identificarse en Santissima Trinita, pintada entre 1924 y 1930, considerada por buena parte de la crítica como su obra maestra. Se trata de una pieza de propiedad privada que rara vez se exhibe en público.

En 1924 se casó con Thomas Monnington, también becario de la Rome Scholarship, con quien había forjado una relación durante los veranos en la campiña umbra. La influencia de Knights sobre el trabajo de su marido fue tan marcada que algunos amigos de la pareja comenzaron a llamarlo “señor Knights”.

De regreso en Inglaterra, Knights recibió en 1928 el encargo de pintar un retablo para la capilla Milner Memorial, en la catedral de Canterbury. El resultado, Scenes from the Life of Saint Martin of Tours, le demandó cinco años de trabajo, marcados por desacuerdos con el arquitecto Herbert Baker, que estuvieron a punto de llevarla a abandonar el proyecto.

La obra combina tres episodios de la vida del santo: el momento en que comparte su capa con un mendigo, su visión de Cristo vestido con esa misma prenda y la resurrección milagrosa de un niño, una escena con resonancia personal para la artista, que había perdido a un hijo al nacer poco antes. El retablo permanece hoy en la cripta de la catedral.

En 1933, el matrimonio Courtauld contrató a Knights y a Monnington para trabajar en la decoración de Eltham Palace, junto al diseñador sueco Rolf Engströmer y el decorador italiano Peter Malacrida. El nacimiento de su hijo John, en 1934, marcó el final de su producción activa: a partir de ese momento, dedicó la mayor parte de su energía a la crianza y dejó inconcluso un encargo del conde de Crawford y Balcarres en el que había trabajado durante cinco años.

Murió en Londres en 1947, a los 47 años, a causa de un tumor cerebral que no había sido diagnosticado. Ningún periódico publicó entonces una necrológica sobre ella.

Un urbanista propone que escuelas, trabajo y comercios queden a menos de 15 minutos a pie de cada hogar como respuesta a la crisis ambiental y la pérdida de calidad de vida en las grandes metrópolis. Esa es la tesis central de La ciudad de los 15 minutos, el nuevo libro del urbanista franco-colombiano Carlos Moreno, publicado por Taurus en 2026, que sistematiza un modelo de planificación urbana que ya influye en políticas de decenas de ciudades alrededor del mundo.

El concepto que transformó París llega a las librerías

Moreno —nacido en Tunja, Colombia, en 1959, y radicado en París desde hace décadas— acuñó el término “ciudad de los 15 minutos” a partir de una observación aparentemente simple: la distancia que un peatón promedio puede caminar en ese lapso equivale, en la práctica, a alrededor de un kilómetro cuadrado de territorio urbano. Si dentro de ese radio se concentran los servicios esenciales —comercios, educación, atención médica, espacios verdes y empleo—, los habitantes recuperan tiempo, reducen el uso del automóvil y mejoran su bienestar.

El modelo encontró su laboratorio más visible en París, donde la entonces alcaldesa Anne Hidalgo adoptó el concepto en 2020 y lo integró a la política de movilidad y reordenamiento urbano de la ciudad. Desde entonces, la capital francesa redujo carriles vehiculares, amplió ciclovías y reorganizó servicios barriales. “Consiste en garantizar que el ciudadano tenga toda su vida organizada a 15 minutos de su hogar”, resumió Moreno en declaraciones a El Español.

El libro analiza la herencia del funcionalismo y sus consecuencias urbanas

La obra, de 336 páginas, traza primero un recorrido histórico por la planificación urbana del siglo XX, con foco en el funcionalismo del arquitecto Le Corbusier, cuyo legado Moreno señala como uno de los factores que generaron ciudades diseñadas para el automóvil y no para las personas. A partir de ese diagnóstico, el autor desarrolla su propuesta alternativa, apoyada en investigaciones y casos concretos.

El libro cuenta con un prefacio del urbanista danés Jan Gehl, referente mundial en diseño de ciudades a escala humana, quien subraya que el kilómetro cuadrado que puede recorrerse en 15 minutos “es una distancia que se puede hacer en, más o menos, 15 minutos”, y califica la propuesta de Moreno como un conjunto de nociones “fáciles de concebir” y aplicables en distintos contextos. La obra también suma contribuciones de Martha Thorne, experta en arquitectura y sostenibilidad.

Cuatro pilares y un objetivo: reducir la dependencia del automóvil

Moreno estructura su modelo en torno a cuatro ejes que, según el libro, deben repensarse de forma simultánea: el alojamiento, la vida en los barrios, el transporte y el trabajo. La reorganización del espacio urbano en función de la proximidad, y no de la velocidad de desplazamiento, es el hilo conductor de cada capítulo.

El urbanista argumenta que la dependencia del automóvil privado no es solo un problema ambiental, sino también de salud pública y cohesión social. La contaminación del aire, el sedentarismo, el tiempo perdido en traslados y la fragmentación de los vínculos comunitarios son, en su análisis, consecuencias directas de ciudades diseñadas en función de las distancias largas.

Un modelo adoptado en todos los continentes

Aunque París concentra la mayor atención mediática, el libro documenta la adopción del modelo en ciudades de América Latina, Asia y Europa. Moreno, que se desempeña como director científico de la cátedra Emprendimiento, Territorio e Innovación del IAE París–Universidad Panthéon-Sorbonne, ha asesorado a gobiernos y municipios de distintos continentes en proyectos orientados a la sostenibilidad y la proximidad urbana.

En 2019, la Academia Francesa de Arquitectura le otorgó la Medalla de la Prospective por sus aportes al urbanismo. La ciudad de los 15 minutos es su segunda gran obra de divulgación tras La revolución de la proximidad, y profundiza el marco conceptual que desarrolló en aquel volumen con nuevas evidencias y ejemplos de implementación.

La edición en español, traducida por Patricia Torres Londoño, está disponible en librerías de España y América Latina bajo el sello Taurus.

El Museo del Louvre expone a partir de este miércoles una serie de grandes obras del maestro Zurbarán, uno de los pintores españoles más importantes del siglo XVII, que ponen de relieve su dominio de la luz y del volumen.

Sobrecogedores Cristos en cruz, gráciles vírgenes inmaculadas, mártires y otras escenas religiosas pueblan esta muestra sobre Francisco de Zurbarán (1598-1664), abierta al público hasta el 25 de enero.

En total, 65 obras, la mayoría del pintor extremeño, revelan su capacidad para crear “imágenes muy impactantes, muy intensas, composiciones muy poderosas, con juegos de luces en claroscuro” que le valieron el apodo de Caravaggio español, explica Charlotte Chastel-Rousseau, conservadora jefe del departamento de Pintura del museo parisino y comisaria de la muestra.

Cristo en la cruz, una de las telas que abren la exposición, transmite “la fuerza escultórica de la pintura de Zurbarán [...] su capacidad para pintar los cuerpos en volumen, con una gran depuración, una gran simplificación”, explica la experta.

De hecho, cuenta, los fieles que veían esta pintura de un Cristo crucificado con un paño blanco en la cintura sobre un fondo oscuro no sabían si se trataba de un cuadro o de una escultura.

La precisión en los detalles, como en los pliegues de las telas, los rostros o las joyas, es otra característica de Zurbarán, uno de los artistas españoles más importantes del siglo XVII junto a Velázquez y Murillo.

“Zurbarán da verosimilitud a su pintura con la voluntad de conferir verdad a su obra”, dice Chastel-Rousseau.

En El Borreguillo, prestada por el Museo del Prado, un cordero con las patas atadas reposa sobre una mesa gris. La técnica minuciosa del pintor para reproducir texturas proporciona a esta obra de pequeño formato una auténtica apariencia de realidad.

La numerosa obra del maestro español se encuentra muy dispersa y, para sacar adelante esta exposición, fue necesaria la colaboración de la National Gallery de Londres y del Art Institute of Chicago, junto con el Museo del Prado de Madrid.

La muestra estuvo en Inglaterra hace unos meses y viajará a Estados Unidos en febrero.

En París, la exposición está organizada en paralelo con una exhibición sobre esculturas policromadas religiosas procedentes del Museo Nacional de Escultura de Valladolid, para dar una imagen más global de la creación artística española de la época.

Ambos eventos forman parte de un ciclo que organiza la pinacoteca parisina sobre arte español, que incluye cine presentado por la actriz Rossy de Palma, flamenco con Israel Galván y música con el cantante asturiano Rodrigo Cuevas.

Fuente: AP.

Foto: EFE/ Edgar Sapiña Manchado.

El Fondo Nacional de las Artes (FNA) anunció la apertura del Concurso de Arte y Tecnología 2026, que busca impulsar la producción artística contemporánea, la experimentación y la innovación desde una perspectiva federal. La inscripción estará disponible del 9 de octubre al 5 de noviembre.

El jurado entregará tres premios: $3 millones para el primer puesto, $2 millones para el segundo y $1 millón para el tercero. Las obras premiadas y seleccionadas integrarán una muestra colectiva en el Palacio Libertad, Centro Cultural Domingo Faustino Sarmiento, cuya fecha dependerá de la disponibilidad del espacio; quienes sean seleccionados y no obtengan uno de los tres premios recibirán $600.000 por exhibición.

Podrán participar artistas argentinos o extranjeros mayores de 18 años con residencia legal en el país, de forma individual o colectiva. Se aceptará una obra terminada después del 1 de enero de 2024 por postulante, y la convocatoria contempla trabajos realizados con inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, impresión 3D, robótica, instalaciones interactivas, composición generativa, videomapping y otras tecnologías.

Las postulaciones se realizarán exclusivamente mediante la Plataforma Digital del FNA, con una memoria descriptiva y un registro visual de la obra. La iniciativa también apunta a promover la reflexión sobre el impacto social y cultural de la inteligencia artificial y otras tecnologías digitales, electrónicas, inmersivas o emergentes; los resultados se publicarán en la página web del organismo y serán comunicados por correo electrónico a los ganadores.

El Museo de la Ciudad abrirá el jueves 22 de octubre la exposición El otro Perotta, una retrospectiva sobre José Luis Perotta, fotógrafo argentino cuya obra abarcó la moda, el rock y distintos registros de la cultura popular. La muestra se inaugurará a las 17 en la sede Querubines, en Defensa 225, y permanecerá abierta hasta abril de 2027.

La propuesta reúne trabajos realizados entre 1965 y 1989 y se apoya en el fondo fotográfico que conserva el museo desde 1998. El archivo contiene más de 25.000 piezas, entre negativos, copias de época, hojas de contacto y documentos personales del artista.

Con curaduría de Paula Carrella, la exhibición organiza el recorrido en tres núcleos: Moda y publicidad, Música y cultura popular y Ensayos fotográficos. El conjunto busca ampliar la mirada sobre un autor asociado especialmente a los retratos de figuras del rock argentino.

Perotta nació en Tres Arroyos en 1948 y murió en Buenos Aires en 1989. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Gráficas Nº 31 de La Boca. Entre 1967 y 1971 viajó por Europa, donde trabajó para la televisión sueca, colaboró con las revistas Vogue y Popular Photography Italiana y produjo unas 12.000 imágenes sobre movimientos juveniles.

De regreso en la Argentina, expuso en la Galería Lirolay, dirigió el área de fotografía de la revista Siete Días y desarrolló campañas publicitarias. Entre ellas figura el Almanaque Pirelli de 1975, concebido a partir del fileteado porteño.

Su producción también incluyó coberturas y ensayos de investigación social. Entre esos trabajos se encuentran registros del Noroeste Argentino y del terremoto que afectó a Perú en 1970. Esa diversidad atraviesa la selección que ahora presenta el Museo de la Ciudad.

El otro Perotta se exhibirá en la sede Querubines, en Defensa 225, mientras que la otra sede de la institución funciona en Defensa 187. El museo abre lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19; sábados, domingos y feriados, de 11 a 20. Los martes permanece cerrado.

La entrada general cuesta $ 10.000 y el acceso para residentes argentinos o extranjeros con DNI tiene un valor de $ 2.000. Los miércoles la entrada es gratuita para residentes argentinos. Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios con acreditación, personas con discapacidad y un acompañante, menores de 12 años y grupos de escuelas públicas tienen ingreso sin cargo todos los días.

La Cinemateca Francesa rinde homenaje al actor Jean-Paul Belmondo, fallecido en 2021 a los 88 años, con la primera retrospectiva integral sobre la carrera de esta estrella que puso rostro a una auténtica revolución del cine no solo francés, sino mundial, en los años sesenta.

Titulada Belmondo, le magnifique (Belmondo, el magnífico) en un guiño a la película de Philippe de Broca que protagonizó en 1973 (Le magnifique), la muestra recorre toda su trayectoria, desde sus orígenes familiares hasta el final de una carrera compuesta por unos 90 filmes que combinaron la comedia, la acción y el drama.

Jugando y reinventándose, Belmondo hizo de su itinerario vital un “inmenso terreno de juego”, detalló a esta agencia Clémentine Deroudille, comisaria de esta muestra que se podrá visitar hasta el 31 de enero y que consta de fotografías personales y de rodaje, cartelería, extractos de filmes y prendas de ropa originales de sus películas, entre otros elementos.

“Hoy atravesamos un periodo muy difícil, nos enseñan a dividirnos, a detestarnos. Jean-Paul Belmondo nos demuestra exactamente lo contrario y es una persona que une a la gente. Es alguien que permite que personas de otros países, franceses y gente de todas las opiniones y de todo tipo puedan reunirse en torno a una exposición y a un personaje”, opinó esta experta.

Belmondo nació en Neuilly-sur-Seine (en la periferia oeste de París), el 9 de abril de 1933, y fue un niño de padre escultor y madre pintora al que le interesaba más el boxeo -la otra gran pasión de su vida junto a la interpretación- que la escuela.

Se inició en la actuación de la mano del actor Raymond Girard, conocido de su padre, y en el seno del Conservatorio Nacional Superior de Arte Dramático, a pesar de que su profesor Pierre Dux le recomendó cambiar de rumbo profesional: “Con la cara que tiene, jamás tendrá a una mujer en sus brazos”.

Y es que la de Belmondo, con su nariz rota y su aspecto viril algo arisco, era un tipo de belleza que el gran público nunca había visto hasta entonces y que él tuvo que crear primero en el escenario y luego ante las cámaras.

Con Godard, un binomio revolucionario

Su gran salto llegó de la mano de Jean-Luc Godard para revolucionar juntos la historia del cine desde À bout de souffle (Al final de la escapada), en 1960.

De ese proyecto se pueden ver en la muestra extractos del somero guion que preparó Godard para aquella aventura, su primer largometraje, con el que rompió todas las reglas. Así, el rodaje en las calles de París, lejos de los estudios, dio a Belmondo libertad para inventar una nueva manera de moverse, de hablar y de ser un hombre en la pantalla.

Luego llegarían títulos como Une femme est une femme (Una mujer es una mujer) o Pierrot le Fou (Pierrot el loco), dentro de un periodo de actividad frenética en el que rodó 30 películas en apenas cinco años (1960-1965).

La exposición repasa cómo procuraba elegir papeles atípicos siempre que podía, para divertirse, su paso por Italia y su también fructífera relación con otros realizadores, como De Broca.

Convertido ya en una estrella, a finales de los 60 bajó algo el ritmo pero sus apariciones en pantalla se volvieron un acontecimiento, como el estreno de Borsalino (Jacques Deray, 1970) junto a otra de las grandes figuras del cine francés de la época, Alain Delon.

El apellido Belmondo se volvió así una marca con capacidad para imponer sus propias reglas en un momento en el que protagonizó numerosos filmes de acción, hasta el relativo fracaso de El solitario en 1987, que dio pie a que reconectase exitosamente con el teatro.

Eso lo mantuvo alejado de los rodajes excepto por Itinerario de un niño mimado (Claude Lelouch, 1988), que le dio un premio César a mejor actor que nunca fue a recoger. “El único jurado que puede entregar distinciones es el público, pues no existimos más que por él y para él y siempre me he esforzado por obtener su aprobación”, aseveró sobre aquella decisión.

En las décadas siguientes, aunque consagrado al teatro, la recta final de su carrera dejó colaboraciones igualmente notables con directores como Agnès Varda, Cédric Klapisch o de nuevo Lelouch.

Falleció en 2021 pero su impronta es clara en toda una generación de actores franceses actuales, como Jean Dujardin, y en la visión de cineastas como Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Steven Spielberg o Spike Lee, que lo han citado como referente para dirigir a sus actores.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/Nerea González; AP Photo/ Laurent Cipriani, File; EFE/ Rafael Pascual/Archivo y EFE/ EPA/ Ian Langsdon.

Cientos de manifestantes se congregaron este sábado frente a uno de los museos más importante de Colombia en rechazo a una decisión del presidente Abelardo de la Espriella de quitar obras relacionadas con la comunidad LGBT, feminismo, procesos de paz, entre otras.

En el Museo Nacional, donde se exhibe buena parte de la memoria histórica, artística y cultural del país, decenas de piezas fueron removidas de sus paredes esta semana por orden del gobierno derechista, bajo el argumento que el recinto no debe “servir como instrumento de adoctrinamiento político”.

“Se están dando decisiones para reescribir esa memoria, esa historia según la narrativa que quiere posicionar el gobierno”, dijo a la AFP Paola Castañeda, profesora de geografía de 35 años, que repartía entre los manifestantes pegatinas con imágenes de las obras retiradas.

Sin referirse directamente al museo, De la Espriella dijo el jueves que el “Estado tiene el deber moral insoslayable y político de impedir que los espacios culturales sean captados por el socialcomunismo ateo y enemigo de los valores”.

Junto a la ministra de Cultura, Paola Holguín, lanzó advertencias contra la llamada cultura “woke”, que definió como “uno de los grandes cánceres que amenazan la unidad nacional”.

La palabra inglesa “woke” es usada con frecuencia por sectores conservadores como etiqueta peyorativa para criticar políticas progresistas.

La jornada transcurrió de manera pacífica con música, cánticos y arengas como “somos artistas, no somos terroristas”.

En la noche, la policía antidisturbios disolvió la protesta con bombas aturdidoras, gases lacrimógenos y una tanqueta que lanzaba chorros de agua.

“Me siento con mucha desesperanza, porque una obra de arte es una obra de arte. No es una amenaza”, dijo Leti Muñoz, pensionada de 59 años con una bandera feminista.

“Profunda preocupación”

El Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo) y otros cinco museos de todo el país firmaron una declaración en la que expresaron su “profunda preocupación” por lo ocurrido con las obras retiradas y exigieron a la ministra de Cultura “que garantice la autonomía de los museos”.

“Ningún gobierno debería decidir qué podemos ver de nuestra historia según sus afinidades políticas, ni imponer una versión que suprima las demás”, anotaron.

Aliado de Donald Trump y en el poder desde hace poco más de dos meses, De la Espriella es criticado por sus frecuentes alusiones a Cristo, el uso de imágenes religiosas en eventos públicos y declaraciones contra derechos protegidos por la Constitución, como el aborto.

También por presuntos excesos en sus políticas de mano dura, como liderar con pistola al cinto operaciones militares o caminar entre los cadáveres que dejó uno de sus bombardeos.

Están “borrando por completo aquellas cosas que ellos han llamado apología del terrorismo, de aquellas cosas que ellos han llamado ideología woke, que no son otra cosa que la memoria del conflicto armado (...) la memoria de la lucha de los colectivos de mujeres, los colectivos feministas, los colectivos LGBT”, añadió Castañeda.

Desde esta semana se prohibió tomar fotografías dentro del museo, dijeron trabajadores a la AFP. El miércoles decenas de miles protestaron en todo el país, en la primera marcha contra las políticas de derecha del gobierno.

Los manifestantes llamaron a un nuevo plantón frente al museo Nacional el domingo a las 10H00 locales (15H00 GMT).

Fuente: AFP. Fotos: Sebastian BARROS / AFP

“Siento que nos tenemos que tomar esto mucho más en serio porque no han pasado ni siquiera tres meses de este nuevo gobierno y está sucediendo este tipo de cosas”, dijo Daniel Jiménez, artista plástico de la comunidad LGBT.

Fuente: AFP

La 19ª Feria del Libro Antiguo de Buenos Aires reunirá del miércoles 28 de octubre al domingo 1 de noviembre a libreros, coleccionistas y lectores en el Palacio Libertad, con una programación centrada en 1926, el año en que se publicaron Don Segundo Sombra, de Ricardo Güiraldes, y El juguete rabioso, de Roberto Arlt.

Durante cinco días, de 14 a 20 horas, la Plaza Seca del edificio ubicado en Sarmiento 151, CABA, albergará los stands de 26 librerías. Cuatro de ellas participarán por primera vez y una llegará desde Ecuador.

La entrada será libre y gratuita. La organización estará a cargo de la Asociación de Libreros Anticuarios de Argentina, ALADA, que reúne a libreros especializados, anticuarios y editores dedicados a la conservación del patrimonio bibliográfico nacional y universal.

1926, entre el mito criollo y las vanguardias

El año elegido como eje temático marcó la aparición de dos obras centrales de la literatura argentina: Don Segundo Sombra y El juguete rabioso. La feria recuperará ese período mediante actividades dedicadas a las tensiones de las vanguardias artísticas y literarias de comienzos del siglo XX.

Daniel Zachariah, presidente de ALADA, explicó el sentido de la selección: “Como todos los años seguimos trabajando con el patrimonio y con la custodia de material de importancia local. Vemos cómo la Feria, que es la más antigua e importante de América Latina, crece año a año. Y en esta edición elegimos 1926, año clave para la literatura argentina, como eje temático, para volver sobre ese momento fundacional del país”.

El público podrá encontrar libros publicados desde el siglo XV hasta las vanguardias de principios del siglo XX, además de grabados, mapas, fotografías de interés histórico y afiches culturales y políticos. La propuesta convoca a profesionales del libro antiguo de Argentina y del exterior, bibliófilos, coleccionistas, libreros, entusiastas y lectores.

El Salón de Honor ofrecerá tres charlas abiertas. Sergio Baur abordará las vanguardias que atravesaron la obra de Güiraldes y la conformación de Don Segundo Sombra como exponente del mito criollo.

Cuatro encuadernadoras profesionales expondrán sus criterios de intervención sobre piezas antiguas, entre el respeto por el libro y los deseos de quienes las conservan. Tres coleccionistas de distintas generaciones compartirán anécdotas y hallazgos vinculados con la práctica de reunir libros e impresos.

La muestra fotográfica del investigador y coleccionista Carlos Vertanessian estará dedicada a los libreros anticuarios. También se presentará una selección de la colección Ricardo Vallejos sobre las Islas Malvinas, integrada por más de 4.000 ejemplares dedicados exclusivamente al archipiélago.

Un Espacio-Taller reunirá a artistas, encuadernadores, impresores, editores artesanales, restauradores y hacedores de papel, que mostrarán su trabajo en vivo. El Archivo General de la Nación, la Biblioteca Argentina para Ciegos —con piezas en braille— y la Biblioteca del Congreso de la Nación tendrán una participación especial.

“Durante la pandemia convocamos a este taller para adultos mayores, para el cual tuvimos que hacer todo un trabajo previo a fin de que estas personas pudieran participar online, instalar la aplicación, usar el teléfono”, cuenta Maribel García Navillat, narradora oral, escritora y fotógrafa, oriunda de Hinojo, un pueblito del partido de Olavarria.

De hecho, el taller se dictó en el marco de UPAMI, Universidad para Adultos Mayores Integrados) es un programa del INSSJP (Instituto Nacional de Servicios Sociales para Jubilados y Pensionados) y del PAMI que ofrece talleres y cursos universitarios gratuitos para jubilados y pensionados, a través de acuerdos con las universidades de cada provincia o región.

En este caso, la Universidad Nacional del Centro de la provincia de Buenos Aires, que abarca Tandil y Olavarría.

Maribel señala, en charla con Infobae, que una de las participantes fue su propia abuela, que cuando esto comenzó aun vivía.

“Camila, una estudiante avanzada de Trabajo Social me daba asistencia técnica, llamando una por una a las participantes para explicarles cómo usar la computadora. O sea que los primeros encuentros fueron individuales y por teléfono”, cuenta.

El boca a boca amplió la difusion de la convocatoria que así trascendió los límites de Olavarría y el taller llegó a tener 70 alumnas. “Se maquillaban, se peinaban y se vestían para cada encuentro virtual”, recuerda Mabel con ternura.

El taller, más allá de la convocatoria temática inicial, se volvió un espacio de convivencia y de vínculos. Se tejieron amistades, se atravesaron duelos, surgieron confidencias.

“Había una señora que estaba siempre muy seria y eso me llamaba mucho la atención, participaba pero no sonreía nunca, hasta que después de un año nos contó que su marido había fallecido en la pandemia y que ese taller la salvó. A lo largo del curso hubo otras pérdidas, y el grupo contuvo y continuó”, dice Maribel, que es museóloga y participó de la creación de varios museos, entre ellos, la Casa Museo de María Elena Walsh en Ramos Mejía. y la Sala Evita Niña en Los Toldos.

Cita a Oran Pamuk, el escritor turco, autor de la novela El Museo de la Inocencia, quien dice que el futuro de los museos está en el interior de las casas, en lo cotidiano y lo querido.

“La idea del taller era que cada una de ellas descubriera la importancia de todo lo que tenían en sus casas. La marca de su vajilla, a veces oriunda de países que ya no existen. De dónde trajeron sus familiares esos objetos, revalorizarlos, ponerlos en un lugar privilegiado de la casa. Todo lo de uso cotidiano empezaba a ponerse en escena. Cada objeto tiene una historia para contar. Hay historias detrás de nuestras cosas, muchas de inmigración por ejemplo, y la idea era descubrir el valor de esos objetos en la vida de cada una de las personas”, explica.

En un objeto cotidiano, un juguete, la vajilla, una foto, pueden caber muchas historias. “La idea era extender la memoria hasta donde pudiéramos”, sintetiza.

Todas esas historias se volcaron en un libro, Las Musas en Casa, realizado a medida que brotaban los recuerdos en estas mujeres que le abrieron las puertas de sus casas a Maribel Garcia, inspiradora —musa— principal de este proyecto.

Una de las participantes del taller contó que cuando cumplió 5 años le regalaron un juego de tacitas de té. Ilusionada, invitó a sus amiguitas a festejar su cumpleaños con la expectativa de jugar con ellas con su regalo nuevo. Pero ese día, no vino ninguna de las nenas invitadas. Ella no festejó su cumpleaños nunca más. “Nos mostró las tacitas que le habían regalado y todavía conservaba, de latón como se usaban en esos tiempos. Entonces el día de su cumpleaños, las demás señoras del taller la recibieron en el zoom con la sorpresa de que se habían disfrazado y decorado sus casas para festejarle el cumpleaños y le enviaron una caja de bombones. Fue su primer festejo de cumpleaños”, cuenta Maribel.

“La idea de las musas fue surgiendo de a poco —sigue diciendo—. Museo significa Casa de las Musas, inspiradoras y protectoras de las artes y las ciencias, de modo que a medida que iban revalorizando los objetos empezaron a decir ‘nosotros somos las musas’ y de ahí vino el nombre”.

¿Desde el comienzo estuvo presente la idea de legar algo a sus hijos? “Sí, todas expresaron ese deseo, ese objetivo”, responde.

De ese anhelo surgió la idea del libro. Maribel integra un grupo que edita de modo cooperativo, Colaborativa Insai, creada con la finalidad de “armar una comunidad para editar sin sello editorial, ni edición individual”.

“Todas decían que querían hacer esto para dejarlo a sus hijos y nietos —dice—. Incluso una de ellas, Margarita, llegó a darles el libro a sus hijos y falleció poco después de que se publicara. Margarita nos dejó, pero sigue viva a través de su testimonio y sus palabras”.

Algunas de las participantes del taller viven en el campo y otras que son de centros urbanos. La virtualidad permite tender vínculos más allá del hábitat de cada uno.

Una muestra del contraste entre campo y ciudad, lo dio una musa que contó que sus padres eran “tacheros”, entonces una de las porteñas dijo: “Ah, ¿eran taxistas?” Maribel ríe y aclara: “No, eran tacheros literalmente, eran los que reparaban los fondos de las ollas y tachos… Un trabajo artesanal que ya casi no existe”.

A la larga, de esa red virtual surgió el deseo de conocerse personalmente.

Maribel lo cuenta así: “Nos encontramos por primera vez físicamente cuando se levantó la cuarentena, en Tapalqué. También hicimos un encuentro con los hijos y los nietos que son, después de todo, los destinatarios de todo esto. Ellas quieren dejar a sus hijos y nietos un testimonio de parte de sus vidas y de sus recuerdos”.

El libro Las Musas en Casa trae 35 historias surgidas de sus objetos. Para realizarlas, Colaborativa Insai convocó a 17 escritoras, argentinas y de otros países, que convirtieron esas mismas historias en cuentos, las reversionaron, pero “siempre trabajando con las musas, interactuando con ellas, para tener su aprobación”.

“En una de esas historias —acota Maribel—, mi abuela cuenta que, como su vajilla era muy pobre, ella le puso stickers de rosas. Entonces, pusimos stickers en el libro. Por ejemplo, en el libro, sobre un fondo color hueso, la tacita es verde con naranja. En un plato está Blancanieves o la Bella durmiente. Además el libro tiene aromas, de acuerdo a las historias, por ejemplo, huele a naranja, a rosas. Para esto, hicimos un convenio con una empresa de Colombia que hace estas cosas”.

Finalmente, el libro trae un plus. Maribel Gómez es poseedora de una inmensa colección de postales antiguas —”tantas que ya no sé dónde ponerlas….” Y entonces decidió colocar en cada libro una postal auténtica, original, como regalo.

Las Musas en Casa incluye una breve biografía de cada una, su foto y la historia de sus objetos.

“Hay en el grupo una inmigrante italiana que se trajo los broches de madera de colgar la ropa… Otra de las musas nos contó que de niña caminaba 20 kilómetros todos los días para ir a la escuela. Cuando por fin empezó a ir a caballo, guardó un mechón de la crin del animal como recuerdo”, cuenta.

El proyecto y este hermoso libro-objeto tuvo un reconocimiento: el Honorable Concejo Deliberante de Olavarría lo declaró de interés cultural, para gran alegría de las mujeres que participaron de él.

El diseño del libro es de Fernanda Caperón. Laura D’Agostino fue la editora, el arte es de Natalia Eva Maisano y el diseño de tapa de Vero Carman.

Más información sobre el libro de las Musas en instagram.

Hace dos años, frente al monitor de su computadora, Adriana Riva recibió una consigna. Desde Traslasierra, en un taller literario vía Zoom, Federico Falco le pedía un trabajo en serie. “Ahora no recuerdo específicamente, pero sí que se basaba en un artista visual que le sacaba fotos cada vez que veía en la vía pública algo amarillo”. Cuando terminó la clase, agarró Punto de fuga de David Markson, y encontró ésta frase subrayada: “Joseph Cornell vivió con su madre toda su vida”. Entonces se le ocurrió una idea.

“Tal vez podía usar el mismo dispositivo de Markson, pero a madres que yo ya venía acumulando por lecturas”, dice. A la clase siguiente del taller llevó cuatro carillas escritas. “Vi que generaba mucho entusiasmo”, recuerda. A las pocas horas ya estaba, otra vez, buceando en su biblioteca. “La maternidad es siempre el tema que me está rondando y sobre el que yo escribo”, agrega del otro lado del teléfono, en un día de lloviznas y ansiedad, como los que se apilan en las vísperas del Día de la Madre.

Efectivamente, su literatura está completamente atravesada por la maternidad: aparece en algunos de los relatos de su primer libro, Angst (2017), y es central en su novela La sal: “Es una deconstrucción del rol materno”, asegura. También aparece en Ahora sabemos esto (“es un poemario donde, con mi madre, leemos en pandemia La Odisea, y a partir de las cosas que vamos charlando surgen todos esos versos”), y en Ruth, su libro anterior, la protagonista es una viuda de 82 años con hijos ya adultos.

En Entre otras la narradora recorre la casa de su madre: la cocina, el baño, la mesa de luz. Busca cosas, hace un inventario, y naufraga en sus libretas: páginas de anotaciones diarias e inservibles, tachaduras, mandados, nombres, horarios, lugares. “Su caligrafía es apurada, calca la urgencia de la vida”, escribe. “Estoy escribiendo sobre mi madre y tengo la esperanza de que si junto suficientes notas voy a poder construir una madre”. Y más adelante: “Es más fácil reconocer las pertenencias de una madre que a una madre”.

Ese plano íntimo y enigmático se superpone con el de las citas, que funcionan como microcuentos de celebridades artísticas. Por ejemplo: “Constantino Cavafis vivió con su madre hasta que ella murió. Roland Barthes vivió con su madre hasta que ella murió. Jorge Luis Borges vivió con su madre hasta que ella murió. Nunca hay suficiente madre”. O también: “¡No lo hagas! ¡No puedes! ¡No debes!, le respondió Mary Foley a su hijo Arthur Conan Doyle, cuando le confesó que quería matar a Sherlock Holmes".

“Cuando su hijo David murió a los 13 años, en un accidente, Margaret Ogilvy se metió en la cama y se abrazó a la ropa de bautismo de David. Su otro hijo, James Matthew Barrie, de 6, entró a la habitación en puntas de pie e intentó hacerla reír. Ese es el primer recuerdo del autor de Peter Pan sobre su madre: una sonrisa robada al llanto”, leemos, pero también: “Una madre es una complejidad de por vida. La ausencia de una madre, también. ¿Qué no voy a recordar de mi madre cuando ya no esté?"

“Mi madre leyó y le encantó. Es el que más le gustó, porque no es tan afín a la literatura. Se demoró mucho porque iba a buscar cada una de las referencias. Eso le encanta”. Adriana Riva es hija pero también madre de tres mujeres. “Me encanta el mundo femenino. Todo ese linaje materno me interesa. Tengo una debilidad por las madres de todo tipo: hay madres muy violentas y dañinas, hay madres muy amorosas, hay madres muy locas, madres depresivas. Hay para todos los gustos”, dice y se ríe.

“Siento que es una figura que le pega más a las mujeres, en el sentido de que eventualmente puede reproducir y, si una después se convierte en madre, puede replicar o no a la madre que tuvo. Cosa que un hombre no, porque no puede concebir, no tiene el órgano reproductivo de la mujer. Ahí hay algo que me interesa. Se ve siempre cuando uno charla con amigas o con hermanas o con primas: el miedo a repetir los errores y hasta dónde uno quiere parecerse a la madre que conoció”, continúa.

La fascinación de una transformación: “Cuando uno pasa de ser hija a ser madre”. Pero además: “Incluso si uno no tiene hijos, también es un vínculo que me parece muy complejo y fundacional. Además, todos tenemos una madre. No hay nadie que no tenga una madre. Aunque esté muerta, aunque no haya estado. Nadie nace de un huevo. Incluso siendo huérfano, uno ha tenido una madre: ha sido gestado nueve meses en un vientre materno. Y sin embargo, es una figura que cae muy rápido en clichés”.

“No son lo mismo los padres de ahora que los padres de mitad del siglo pasado o que los padres de fin del siglo XIX. Uno necesita a veces hablar de estereotipos, de generalizaciones, pero siempre hay que poder ver la particularidad de cada uno de estos casos”, dice y marca, otra vez, la transformación: “Antes había un corte mucho más grande entre niños y adultos. Los niños por un lado, los adultos por otro. Y hoy esa brecha se achicó. Los padres van con los hijos a recitales o comparten la misma ropa”.

“Antes había una cosa más de autoridad, más vertical. Se han modificado muchísimo los vínculos”, dice y menciona el feminismo: “Si uno se pone a leer Un cuarto propio de Virginia Woolf, por supuesto que ha habido muchísimos avances, desde el voto, pero siempre queda mucho más por recorrer, por conquistar. Y siempre atento a que hay muchas cosas que se conquistan y después se vuelven a perder. De todos modos, creo que no hay un verdadero retroceso, que siempre se avanza”.

“Hoy el patriarcado sigue vigente. Basta con ver sueldos, cupos, cargos. Sin embargo, hay un montón de conquistas. Prefiero ser mujer ahora que en 1810 o 1910. Creo que sí se van corriendo y se van conquistando ciertas batallas que se han dado”, comenta y vuelve a subrayar que la riqueza está en “la particularidad de cada caso”: “La madre idealizada me parece un delirio. No existe la madre pura, casta, buena, perfecta. Cada uno hace lo que puede, tanto en la maternidad como en los otros aspectos de la vida”.

En el mar de citas, escenas y micronarraciones que se despliegan en Entre otras, Riva elige, ahora, eventualmente, una, que es del escritor búlgaro Elías Canetti: “No hay otra forma más intensa de poder”. “Me gusta mucho porque señala que siempre hay algo medio asimétrico en esa relación. Hay que ver cómo uno maneja ese poder para que no lastime, o para que no lastime tanto. Es una responsabilidad enorme, porque hay una asimetría al principio. Es un vínculo que se va modificando con el tiempo”.

“Cuando uno habla de madre la imagina con hijos pequeños, con niños que no se pueden valer por sí mismo. A diferencia de los animales, los humanos necesitan durante mucho tiempo de alguien que lo cuide. Un bebé no puede sobrevivir solo. Hay que andarse con cuidado de ese poder que uno tiene para que sea algo amoroso y no abusivo. También me conmueven todos los fracasos, porque es difícil. Los hijos siempre van a venir a reclamar algo”, dice Riva, y concluye: “Uno siempre equivoca: es parte de la vida”.

(Fotos: Alejandra Lopez)

El divulgador de filosofía argentino Darío Sztajnszrajber participó de la Feria Internacional del Libro de Monterrey para continuar con la presentación de su libro El amor es imposible. En diálogo con Infobae Cultura el escritor se refirió a las aventuras de las relaciones amorosas y el impacto sobre las personas. “Me parece que lo que hace el amor desde su imprevisibilidad es derrumbar al sujeto”, fue una de las frases que dejó.

Autor de libros como ¿Para qué sirve la filosofía?, Filosofía en 11 frases y Filosofía a martillazos, llegó a México para hablar de su mirada sobre el amor. En su nuevo libro invita a pensar desde ocho tesis diferentes cómo lo entendemos.

“Estoy muy contento de ver que en países como México y muchos otros países hispanoamericanos, el trabajo que empezamos a hacer de divulgación de la filosofía hace ya años no solo está llegando, sino que está, de algún modo, instalado”, señaló sobre el principio de la charla.

A poco de dar una conferencia en uno de los auditorios más grandes del Centro Internacional de Negocios (Cintermex), que estuvo colmado de gente que hizo fila de casi una hora para escucharlo, Darío habló del impacto de la filosofía y cómo rompió las fronteras: “Bueno, recién tuve una entrevista con todo un grupo de profesores de filosofía de Monterrey. Me pasó igual en Querétaro: hace un mes que estuve en el High Festival y es una especie de sensación como de cierta realización, como de ‘qué bueno que un laburo que empezó así medio de casualidad, arrancando con los programas de Mentira la Verdad en Canal Encuentro, fue llegando’”.

“Esto también habla de cierto lenguaje universal de la filosofía. Vos te das cuenta acá, en esta entrevista con profesores de filosofía de México, que las problemáticas son las mismas. Después, uno obviamente las encarna en cada lugar particular, pero hay algo similar que acaricia a todos. Así que muy feliz de estar acá”, agregó.

En uno de los cuartos de la sala de prensa, Darío se dispone a hablar de su obra más reciente con Infobae:

—En tu libro hablas sobre la relación de tus padres y un amor fallido que tuvo tu madre. ¿Qué diferencias encontrás en la forma de amar entre la época de tus padres, tu época y la de tus hijos?

—Son como olas, son ciclos que van y vienen. Por ahí, hace algunos muy pocos años, se pensaba que en cuestiones amorosas había un giro hacia cierta deconstrucción del amor. Giro que sigue más que vigente, pero que al mismo tiempo, y por suerte te diría, ninguna postura sobre ninguna cosa termina resultando eternamente hegemónica, ¿no? Hay algo en ese sentido de las idas y vueltas que a mí me parece muy interesante, sobre todo para que cada una de las versiones se autocritique, vea sus propias limitaciones, sus falencias. Hoy creo que el panorama sobre cuestiones del amor es como muy anárquico. No creo que haya un modelo único, ni creo que haya un modelo hegemónico.

—O perfecto

—Perfecto, menos, ¿no? Como no hay un modelo perfecto, hay muchos modelos en juego, muchas versiones, pero como que no hay ninguna que uno diga hoy haciendo esa especie de estadística media. Pero no hay un modelo sobre el amor que se haya vuelto el único, ¿no? Y otros como más marginales que conviven increíblemente como formas del amor que cuestionan más los mandatos como más clásicos, con una especie de regreso a ciertas formas por ahí más tradicionales. Por ahí la monogamia, el matrimonio, son instituciones que en algún momento fueron como muy cuestionadas y hoy encuentran a mucha gente que las sostiene. Entonces, esta situación anárquica para mí básicamente explica esto como una especie de fragmentación, casi como tribal, ¿no? Como que hay tribus distintas que se sienten identificadas con formas del amor muy distintas. Que obviamente hay debates, pero me parece que lo propio de esta época es eso, ¿no? Digo porque, por lo menos en los últimos dos siglos, siempre hubo estas olas donde una de las versiones del amor se consolidaba como la dominante y el resto jugaba más en los márgenes. Me parece que hoy se vive esto de manera más descentrada.

—¿Y qué valor tiene la palabra “te amo” en esta lectura sobre el amor?

—Me parece que en cuestiones del amor, el lenguaje no es solo descriptivo, ¿no? Cuando uno dice “te amo”, está construyendo al mismo tiempo un juicio performativo. O sea, uno al decirle “te amo” a alguien no es solamente una explicación o una descripción de un sentimiento. Tiene el mismo valor que puede tener un beso. Hay una implicación del ser en su totalidad. Como que el lenguaje en el amor no es algo accidental o secundario, sino que es algo intrínseco. Muchas veces amamos también con las palabras, ¿no? Y ni hablar de que seducimos, que enamoramos, pero la palabra va a las raíces mismas del amor. Y siempre me resultó muy interesante toda esa clasificación de términos que hay alrededor del amor, la fuerza que puede tener un te amo frente a un te quiero, ¿no? La necesidad como de cierta reciprocidad, el conflicto; en el libro yo lo trabajo sobre conceptos que al mismo tiempo son utilizados por todos, pero que apuntan a una singularidad, donde, sobre todo desde la concepción así más clásica de que amar es ir en busca de mi otra mitad. Entonces, esa idea romántica de que hay alguien. Esa media naranja. Y el modo en que te relacionas con esa persona incluye todos los rasgos propios con los que cualquier persona se maneja a la hora de amar, ¿no? Es un conflicto siempre muy interesante entre lo universal y lo particular. Me parece clave la cuestión del lenguaje. Estamos muy acostumbrados a pensar el lenguaje en términos más descriptivos, ¿no? Como que uno habla y dice: “La pared es gris” y está describiendo lo que sucede. Cuando uno dice “te quiero”, “te amo” u “te odio”, no está solo describiendo, sino que está construyendo en ese acto del lenguaje un impacto y una transformación sobre el otro.

—¿Y qué pasa con el amor hacia un padre, hacia un hermano o un amigo?

—Creo que la palabra amor es una palabra que ha reducido, desde el punto de vista del significado, un montón de potencialidades que tiene el amor y de ámbitos muy distintos. De hecho, en el mundo griego había diferentes palabras, deidades y conceptos del amor que nosotros terminamos agrupándolos y llamándolos a todos del mismo modo. Para nosotros, la palabra amor es la misma en el amor a la patria, en el amor a tu mamá, en el amor a tu novia, en el amor a tus hijos, en el amor a la camiseta del Pincha.

Y en realidad son amores distintos, ¿no? Entonces, lo que me interesa en términos filosóficos es ver por qué ciertas formas del amor en todos esos casos se han instituido como únicas. E imposibilitan formas como divergentes, que por ahí le dan otra textura, le dan otro color, amplían posibilidades. Cuando uno habla del amor a los hijos, la pregunta ahí es qué tipo de versión del amor es la que ha vencido a la hora de pensar el amor por los hijos. Entendiendo que mucho de esa forma dominante tiene mucho de verdad, porque por algo también en su triunfo, por decir así, revela que hay un acompañamiento, que hay algo con lo que nos identificamos, pero al mismo tiempo obtura otras. Entonces, por lo menos desde el punto de vista de la práctica filosófica que yo hago, que a mí me gusta, siempre estoy buscando qué es lo que se pierde cuando un modelo se impone. Esa es como la pregunta: ¿por qué triunfaron ciertos modelos?

—¿Y por qué triunfó la monogamia en esa lucha de diferentes modelos?

—Lo que siempre es importante con el tema de la monogamia es entenderla en todas sus dimensiones y no únicamente en su dimensión afectiva. Y entender que por algo también se busca que toda la discusión sobre la monogamia solo tenga una relación directa con el tema afectivo, con el tema de los celos, con el tema de las fidelidades mutuas. Y no se piensa en la monogamia como una relación social y, en tanto relación social, vinculada con todo el resto de los ámbitos, como el económico y político. Porque la monogamia supone una estructura social que se relaciona directamente con el modo en que trabajamos, en que organizamos el tiempo, en que nos relacionamos con nuestras energías productivas. Es mucho más que reducir la cuestión de la monogamia a: ¿puedo enamorarme de más de una persona? ¿Puedo tener una relación con más de una persona?. Me parece que reducirlo a eso es quitarle a la cuestión monogámica toda la problemática filosófica que implica relacionarla con el mundo del trabajo, de la eficiencia, del poder, que por eso hay tantos estudios sobre el tema, que buscan llevarlo más para ese lado.

—En tu quinta tesis hablas sobre el amor como incalculable; ¿te referís al amor no solo como amar a alguien, sino que también se analicen otros puntos?

—Creo que en el caso de la tesis cinco, dice que el amor es imposible porque es incalculable. Y uno asocia lo posible a lo calculable, a lo que uno prevé, a lo que uno diseña. Y un poco el juego de esa tesis es que el enamoramiento es algo que uno no decide ni desde la voluntad. Nadie decide: “Me quiero enamorar de alguien porque me quiero enamorar de alguien”. Tampoco el enamoramiento es el resultado de un cálculo, como “a ver de quién me conviene más enamorarme”, hacer como una cuenta en una calculadora. Tampoco pasa por ahí, ¿no? Y uno de algún modo asocia las formas como más instituidas del amor con justamente con lo que uno puede prever, con lo que uno puede calcular. Como que el ideal romántico del amor relaciona mucho el amor con la consolidación y expansión del sujeto. Me parece que lo que hace el amor desde su imprevisibilidad, desde lo incalculable, lo que hace es derrumbar al sujeto. Por ahí, todo lo que vos tenías como previsto, el enamoramiento se te cae, ¿no?

De hecho, un poco el mito de la manzana de la discordia, que es el que cuento, trae un poco todas esas consecuencias. Paris termina eligiendo a la diosa Afrodita como la diosa más linda porque la diosa le promete, si es elegida, darle a la mujer más hermosa del mundo. La mujer más hermosa del mundo se llama Helena, pero está casada. Y todo lo que eso trae después, que es básicamente la guerra de Troya, ¿no? Entonces, es como poner en jaque un poco la idea del cálculo y también de cierta ilusión que tenemos los seres humanos, que es que cuanto mejor calculamos, mejor nos va, ¿no? Como hay una idea así de un pensamiento calculatorio que todo lo puede predecir.

En general, la filosofía que a mí me gusta hacer pone el acento siempre ahí, en cuestionar las totalizaciones, y es importante esto, porque en general para el sentido común, a la filosofía la ven como una especie de como de devaneo radical, como que va en contra de todo. Y en realidad, más que ir en contra, es ir en contra de las monopolizaciones, más que de las totalizaciones. O sea, no es que todo cálculo sea malo. En todo caso, es malo que todo sea producto de un cálculo, que es distinto. Después necesitamos, obviamente, cálculo, estrategia, pensamiento instrumental para millonadas de cosas en la vida. Ahora, por suerte, hay aspectos también de la existencia que son improductivos, que no tienen una utilidad concreta, que rompen cualquier previsión. El problema es que todo ese aspecto llamado entre “irracional” siempre fue como bastardear o dejar de lado. A mí me parece importante cómo recuperar también ese aspecto y que conviva esa pluralidad. Y que haya un conflicto, y que vivamos ese conflicto como parte de lo que somos.

En la evolución de la humanidad las relaciones y vínculos han cambiado contundentemente, los tiempos de relación poseen nuevos acuerdos y conviven en dinámicas atípicas, menos ortodoxas y convencionales. Estas diferencias progresivas hoy nos convocan en un vínculo especial, el original, el biológico, el afectivo, ese primer contacto de vida que nace de la relación Madre-Hijo y que tendrá tantas historias como personas existan.

Desde la psicología el desarrollo de la vida tendrá en cada etapa referencias marcadas; la primera requiere respuestas inmediatas ante la relación de dependencia y necesidades básicas las cuales establecen las características de una base segura, en la niñez temprana aparecen los procesos de exploración supervisada, luego comenzará la búsqueda de identidad y organización de esquemas, dando un gran paso donde la jerarquía cambia su verticalidad hacia una relación entre iguales y en ocasiones con consultas mutuas.

Los hijos, ya con historias vividas construirán sus proyectos, relaciones, parejas, familia, y cada hito aprendido emergerá, pasando a la etapa donde cambian los roles, vislumbrando y asumiendo los cuidados que requiere la adultez media y tardía pero esta vez al revés, dando espacio a la reciprocidad y a los legados especiales de protección invertida, similares a los de origen pero con más tiempo de vida y similar fragilidad.

Y el arte; inmerso en cada detalle, nos presentará en este recorrido situaciones particulares de madres e hijos, historias, pintura y vida que han sido inmortalizadas con sentimientos profundos y en su esencia nos vincularan por antagónico o semejante a la necesidad de replantear la palabra Mamá; más allá de género y vínculo su representación se basa en ese primer refugio de cuidado amoroso, sostén, protección y cobijo en el valioso ejercicio de la función maternal.

En esta invitación al mundo pictórico conoceremos parte de la cotidianidad de grandes maestros, sus emociones y la relación con su vínculo primario.

La madre creyente y mecenas de Henri de Toulouse-Lautrec, Adèle fue sin duda el manager incondicional que todo artista quisiera tener, ella no solo admiraba la obra de su hijo, también confío plenamente en Él.

Fueron tiempos de incertidumbre y agobio donde escaseaban las respuestas y la incertidumbre aumentaba. Su vida se dividió en tres etapas cruciales; enfermedad genética, bohemia parisina y alcoholismo y declive final hasta su muerte prematura.

Su madre lo acompañó hasta los últimos días y después de su partida continuó presentando las obras de Henri a los grandes museos de París; batallando y argumentando a todo aquel que se opusiera al valor que hoy le asigna la historia.

Los originales eran rechazados con frecuencia por considerarlos inmorales, ya que se centraban en el bajo mundo de los cabarets, pero no conforme con eso Adèle avanzo y financió personalmente el primer catálogo de su hijo. Durante toda su vida custodió cada lienzo hasta crear el Museo Toulouse-Lautrec en el Palacio de la Berbie en Albi, salvaguardando así su legado histórico.

Muy por el contrario encontramos a Marie Schiele, madre de Egon Schiele quien tras la muerte del padre de Egon por sífilis cuando el pintor tenía 14 años, quedó sumida en la ruina y la amargura, recriminando a Egon que pintar era perder tiempo, su pedido era concreto; ante la ausencia del progenitor: Él debía trabajar para sostener el hogar económicamente.

Lejos de estas demandas las que llegaban eran otras, en 1912, Egon fue encarcelado durante 24 días bajo acusaciones de inmoralidad y exhibición de dibujos eróticos, esto provocó mayor enfado y oposición al punto de no ir a visitarlo.

Angustiado, Egon, desde prisión, escribió una amarga carta donde le preguntaba: “¿Dónde está la madre que sufre por su hijo?“. El fuerte sentimiento de soledad puso a la luz sus diferencias y la falta de apoyo, confirmando en esa experiencia vivida la percepción que tenía de su madre; una figura distante, fría y sepultada por el rencor, que probablemente coinciden en el dolor pero no encontraron coincidencia en vida.

Para Manet la vida económica era distinta, su madre Eugénie-Désirée Fournier tenía un influyente salón musical en París, la mujer reconocida y sofisticada eligió por esposo a Auguste, un magistrado riguroso que pasados los años se opuso rotundamente al mundo que Édouard elegía, prohibiendole que fuera artista. Pero Eugénie-Désirée intervino en secreto para convencerlo de pagarle clases particulares en el taller de Thomas Couture.

Al morir su padre en 1862, la fortuna heredada de su madre no sólo protegió a Manet de las críticas despiadadas del Salón oficial, sino que le permitió convertirse en el mecenas encubierto de sus amigos impresionistas, comprando cuadros a Claude Monet y Auguste Renoir cuando estos no tenían para comer, una función que seguro heredó de su madre y hoy se agradece.

Desde otro polo, la madre de Alberto Durero, Barbara Holper era pobre y abnegada, su existencia fue una tragedia biológica casi permanente, tuvo 18 hijos, vio morir a 15 de ellos antes de alcanzar la adultez.

En sus diarios, Durero reflejó sus sentimientos más profundos y sentidos dando cuenta con creces lo que significó el sacrificio de su madre, una mujer extremadamente religiosa que se encomendada a la Fe, rezando sin descanso en casa situación extrema que se presentaba, pidiendo protección por ella, su familia y por cada uno de los viajes que Alberto realizaba a Italia.

Reflejo de ese amor en 1514 realiza el famoso dibujo a carboncillo, era el tiempo final que compartía con su madre y la llevó a su casa, al morir, el pintor escribió al margen de un papel “Falleció piadosamente... sentí un dolor tan grande por ella que no puedo expresarlo con palabras, y ese rostro se considera el primer retrato “no idealizado del envejecimiento y la decrepitud física en el arte occidental”.

Mary Newbold Singer, culta y disciplinada, era la madre de John Singer Sargent, esta mujer que sufrió una severa depresión tras perder a su primera hija en Filadelfia, una vez recuperada, convenció a su esposo de trasladarse a Europa. Ese exilio voluntario cambió la infancia de Sargent poniéndolo en un camino de educación itinerante por los grandes museos de Italia, Francia y España.

Mary le exigía diariamente a su hijo que complete con dibujos sus cuadernos, plasmando cada iglesia, paisaje o museo antes de finalizar cada uno de los viajes. Le enseñó acuarela, le inculcó estudiar idiomas; francés, italiano y alemán, convirtiendo a Sargent en el retratista cosmopolita más codiciado de la alta sociedad eduardiana y neoyorquina.

Para finalizar recordaremos a Caterina di Meo Lippi, la mujer que dio a luz al inmenso Leonardo da Vinci, según archivos notariales confirman que era huérfana, analfabeta y su vida había transcurrido en el campo. A los 15 años queda embarazada de Ser Piero, sumida en la indigencia es separada de Leonardo para mantener el decoro social del padre y es casada con un alfarero local.

Varias décadas después, cuando Caterina quedó viuda y anciana, Leonardo la llevó a su propio taller de Milán, 1493. En varios manuscritos figuran minuciosas anotaciones contables donde el maestro renacentista detallo listados de vestimenta, cuidados y hasta los gastos del funeral y entierro de su madre “106 liras”, demostrando la vigencia del vínculo afectivo a pesar del distanciamiento inicial.

En esta crianza de dos madres, ya que fue separado de Caterina a la edad de 5 años y luego criado por su madrastra, Alviera, quien no podía tener hijos pero lo cobijó como propio el tiempo y las decisiones externas no hicieron mella. Esta mujer, que si pertenecía al mismo entorno social que su padre, hizo que el niño esté rodeado de afecto y educación.

Una doble maternidad entre la campesina y la aristocrática tuvo su espacio en el análisis de Freud, en su ensayo de 1910, donde argumentó la dualidad afectiva que se representa en situaciones como éstas, y en un claro ejemplo en la magistral obra de Leonardo; La virgen, el niño Jesús y Santa Ana, cuyos protagonistas reflejan amor, una profunda nostalgia y la representación femenina en la vida del autor.

En los lienzos se ven los trazos que deja el tiempo, los vínculos, las enseñanzas, aquellos mecenazgos invisibles de complicidad intelectual, esfuerzos y vidas abnegadas, todo, incluso las grietas amargas de la incomprensión materna se transmutan, se atraviesan, dando paso a nuevas estructuras de elección conciente donde será primordial la responsabilidad y constancia de los vínculos. Es en ese puerto primario donde la vulnerabilidad humana encuentra cobijo y es en esas primeras miradas donde se concentran las enseñanzas para habitar el mundo.

En este breve paseo pictórico si una oración despierte la memoria o resuena en un abrazo que este sea “En el nombre de la Madre” porque ahí está la raíz original del afecto humano; hoy con variedad de colores.

Ante las sospechas del uso secreto de la inteligencia artificial en la literatura, han surgido varias iniciativas para garantizar a los lectores que los libros fueron escritos por humanos.

Esta semana, en la mayor feria de libros del mundo, en Fráncfort, el impacto de la IA en la creación literaria alimentó encendidos debates y se presentaron varios sistemas de etiquetado, creados en países como Alemania, Francia y el Reino Unido.

Este tipo de iniciativas cobraron fuerza tras varias polémicas, como la que afectó al escritor haitiano-canadiense Thélyson Orélien, quien fue acusado en redes sociales de haber utilizado la IA para escribir su primera novela, algo que él niega firmemente.

En Francia, el caso provocó un “verdadero sismo” en el sector del libro, explicó a la AFP Charlotte Allibert, cofundadora de Librinova, una plataforma de autoedición y agencia literaria.

La empresa propone una etiqueta de “creación humana”. Para obtenerla, los autores tienen que someter su obra a un análisis efectuado por un programa de detección de IA y luego, realizar una entrevista con un auditor encargado de examinar su proceso de escritura. Hasta ahora se han certificado unas 200 obras.

Según Allibert, la medida responde a una preocupación creciente entre los escritores, sobre todo los que se autoeditan. “Cada vez tienen más miedo de que se sospeche que utilizan IA”, subrayó.

Marco “transparente y fiable”

En el Reino Unido, la empresa emergente Books By People también ha puesto en marcha su propio certificado.

Las obras tienen que responder a los criterios de “literatura orgánica” definidos por la empresa, y que exigen que el autor sea quien escribió el libro, aunque se autoriza un uso limitado de la IA, sobre todo para la corrección ortográfica o gramatical.

“Queremos crear un marco global, transparente y fiable en el que editores y autores puedan apoyarse”, explicó Esme Dennys, cofundadora de la iniciativa.

Los editores se adhieren al dispositivo pagando una cuota y luego pueden pedir que los libros de sus autores sean etiquetados con la marca “Books By People”. Cinco editores independientes han secundado el proyecto.

En Estados Unidos, la asociación de escritores Authors Guild lanzó el sello “escrito por un humano”, que los autores pueden incluir en su libro, basado en un sistema de autocertificación. De momento, unos 6.500 libros cuentan con esta etiqueta.

Polémicas

La controversia en torno a Thélyson Orélien estalló en septiembre, cuando una cuenta anónima en la red social X acusó al escritor, de 38 años, de haber utilizado la IA para escribir su primera novela “C’était ça ou mourir” (Era eso o morir), apoyándose en una herramienta de detección de IA.

El autor rechazó estas acusaciones y denunció unos ataques motivados, según él, por el racismo. Aun así, a causa de la polémica, su obra quedó excluida en la selección del prestigioso premio Goncourt de Francia.

Antes de esa controversia, la editorial francesa Hachette canceló la publicación de la novela de terror Shy Girl, de Mia Ballard, en Estados Unidos y retiró el libro de la venta en el Reino Unido, tras unas acusaciones de utilización de IA.

En declaraciones al New York Times, Ballard negó haber recurrido a la IA pero indicó que una conocida suya a la que había contratado para editar el libro, autoeditado en un primer momento, sí que la había utilizado.

A pesar de los reiterados escándalos, algunos actores del sector del libro no están convencidos de la eficacia de este tipo de sellos.

La mayoría de los dispositivos actuales autorizan un uso mínimo de la IA, por ejemplo para realizar búsquedas o para la corrección gramatical, pero hay quien teme que esto deje un margen importante a la interpretación.

A otros les preocupa que quizá pueda ser demasiado fácil eludir los controles de estas iniciativas, que apenas dan sus primeros pasos, y hacer pasar libros producidos por la IA por obras escritas por humanos.

Sebastian Guggolz, al frente de la Asociación de Editores y Libreros de Alemania, consideró que al sector le está costando definir una estrategia clara.

“No hay solo ‘con IA’ o ‘sin IA’”, afirmó en la feria de Fráncfort. Según él, unos sistemas que se limiten a categorizar el grado de uso de la IA podrían ser insuficientes.

“La cuestión debe plantearse de forma más profunda, debe dirigirse a cada individuo y al conjunto de la profesión: ¿cómo queremos hacer que nuestras prácticas sean transparentes?”, lanzó.

Fuente: AFP

La obra de Jaime de los Ríos propone una escultura que dura apenas lo que tarda un mensaje en recorrer la red. “La escultura más grande jamás construida, y también la más efímera” se exhibe en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF), en la Ciudad de Buenos Aires, como parte del programa de intercambio EAS-EZE.

La instalación convierte en una línea luminosa el trayecto real de los datos que conectan a dos personas ubicadas en puntos distantes del planeta. Donostia, Viena, Riad, Sídney y Tucumán son algunas de las ciudades desde las que se realizaron los intercambios registrados por la obra.

Para activar la pieza, dos participantes que no se conocen ingresan al mismo sitio web desde sus respectivas ciudades. Uno selecciona la opción “soy el origen” y el otro “soy el destino”. A partir de allí, un servidor identifica el recorrido de la comunicación entre ambas direcciones y lo representa sobre un mapa.

“Esa línea es la escultura. Dura lo que dura la conexión: unas décimas de segundo”, explica el artista en sus Instrucciones para encender un diálogo. La visualización muestra los cables, nodos y países que atraviesan los datos antes de llegar a destino.

La obra pone el foco en la infraestructura material de internet. Según plantea el proyecto, buena parte de esas comunicaciones depende de cables de fibra óptica tendidos bajo los océanos y de redes controladas por operadoras y grandes compañías tecnológicas. Los itinerarios digitales pueden coincidir con antiguos corredores marítimos, una relación que la instalación vuelve visible mediante el trazado de cada conexión.

La exhibición incluye un video que documenta veinte conexiones entre las mismas dos personas a lo largo de varios meses. Cada encuentro se produjo desde una ciudad diferente y uno de los intentos no llegó a completarse.

De los Ríos trabaja en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología. Es artista de nuevos medios, curador, director artístico y técnico de la New Art Foundation y fundador del laboratorio arteklab. Su producción incluye instalaciones, imágenes en movimiento y dibujos realizados con dispositivos robóticos, con investigaciones sobre algoritmos, sistemas generativos y la relación entre computación y espacio físico.

La curaduría está a cargo de Helga Massetani y Diana Wechsler. La propuesta establece un vínculo con Buenos Aires. Ecologías Urbanas, la exposición de Mikel Otxotek que también se presenta en el MUNTREF. Ambas muestras abordan, desde perspectivas diferentes, los desplazamientos históricos y contemporáneos y las redes que conectan territorios.

El programa EAS-EZE, que promueven Bitamine, el Instituto Vasco Etxepare y el MUNTREF para la internacionalización de artistas del País Vasco, cumplió diez años. La exposición puede visitarse con entrada gratuita de miércoles a domingo, de 11 a 18, en el antiguo Hotel de Inmigrantes, ubicado en Avenida Antártida Argentina, Ciudad de Buenos Aires.

Sanguine, sátira de terror corporal ambientada en las urgencias de un hospital, ganó este sábado el premio a la mejor película del Festival de Cine Fantástico de Sitges. El certamen también distinguió a la producción dominicana No salgas y al argentino Cristian Ponce en una de sus secciones paralelas.

La ópera prima de la directora francesa Marion Le Corroller, una coproducción franco-belga, sigue a Margot, interpretada por Mara Taquin, una joven interna sometida a una fuerte presión en el servicio de urgencias más exigente del país.

La llegada de pacientes de su edad con síntomas inexplicables coincide con inquietantes transformaciones en el cuerpo de la protagonista. Con humor negro y sangre, la película recurre al terror corporal, en la línea de las cineastas francesas Julia Ducournau, directora de Titane, y Coralie Fargeat, responsable de La sustancia.

Le Corroller explicó que la historia surgió de su propia experiencia de desgaste profesional cuando trabajaba en el sector financiero. Es el segundo año consecutivo en que el máximo galardón de Sitges recae en la primera película de una directora, después del triunfo en 2025 de La hermanastra fea, de la noruega Emilie Blichfeldt.

El jurado también reconoció el guion de Buddy, dirigida por el estadounidense Casper Kelly. La película presenta a un unicornio de peluche de un programa infantil que se transforma en un monstruo asesino.

El Festival de Sitges otorgó el premio del público Blood Window, plataforma de promoción del cine fantástico iberoamericano, a No salgas, de Victoria Linares Villegas.

La producción dominicana aborda la experiencia queer y los traumas heredados a través de una joven que, tras la muerte de su novia, se enfrenta a la necesidad de ocultar quién es.

Por su parte, el argentino Cristian Ponce compartió con la española La muerte de Drácula el premio a la mejor dirección de Noves Visions, la principal sección paralela del festival. Lo obtuvo por Familia teme enfrentar una nueva noche de terror.

Ponce recupera la estética de los programas de la televisión argentina de la década de 1980 para evocar un período todavía marcado por la dictadura. En la película, una familia presencia fenómenos cada vez más extraños y comienza a dudar de su propia realidad, en una propuesta con elementos experimentales y referencias al cine de David Lynch.

Rodada en menos de una semana, con pocos recursos y sin financiación estatal argentina, la obra refleja el “proceso de mucha crisis” que atraviesa el cine bajo el gobierno de Javier Milei, según afirmó en Sitges su productor, Juan Protto.

El festival, referencia mundial del cine de terror y de género, celebrará el año próximo su 60ª edición. Esta convocatoria contó con invitados como el neozelandés Peter Jackson, que recibió el Gran Premio Honorífico más de tres décadas después de presentar en Sitges su comedia gore “Braindead” (1992), y el estadounidense Danny DeVito, quien celebró los 30 años de “Matilda”.

El encuentro mantuvo además su tradicional Zombie Walk, un desfile de falsos muertos vivientes por las calles de la localidad de la costa catalana.

De la biólogía a las terapias alternativas y, finalmente, a la literatura. Luisa Poppe decidió dejar atrás la incomodidad que sentía al final de su carrera universitaria para plasmarla en una nueva escritura: una trilogía que propone un vínculo entre el cuerpo, la memoria y las decisiones personales. El primero de los libros, El cuerpo que escucha, ya está disponible en Amazon; el segundo, El alma que recuerda, se encuentra en proceso de escritura, y el tercero, El corazón que elige, permanece como cierre de la historia. La trama sigue a un neurólogo y a una joven que trabaja con niños con discapacidad y en situación de abandono, marcada por una sensibilidad que también se expresa en su cuerpo.

Pero lo que ahora motiva la conversación con Infobae Cultura es otro libro. Se llama Lirellpol: memorias de conciencia. Ahí Poppe plantea que el desarrollo espiritual no supone negar las dificultades. “El despertar de la conciencia no es escapar del dolor y tener la vida maravillosa de Heidi”, dijo y sostuvo que su propuesta apunta a asumir la propia existencia con honestidad, aceptación y resiliencia. “Que nos empiece a importar mucho más que cada acción tiene una responsabilidad y un efecto detrás”, afirmó. Para Poppe, esa mirada puede expresarse en lo que define como “semillas de luz” que cada persona deja a quienes vienen después.

La formación inicial de Luisa Poppe fue en biología. Durante el último año de la carrera, en 1997, atravesó un período de tristeza que volcaba en poemas y que la llevó a cuestionar su continuidad en el ámbito universitario. “Mi cuerpo me empezó a decir que ya no podía seguir. Estaba muy triste”, relató. Ocurrió durante las dificultades que atravesaba la educación universitaria argentina en la década de 1990, entre tomas de facultades y problemas de financiamiento. Entonces recordó una conversación con un asistente de cátedra que le dijo que la carrera “empieza cuando salís de acá” y admitió que no se graduaba porque perdería el acceso al laboratorio donde investigaba.

En 1998, Poppe ingresó a la Escuela de Comedia Musical de Julio Bocca y Ricky Pashkus. Allí encontró una dinámica distinta a la que había experimentado en la universidad. “Me levantaba pensando: ‘Hoy me toca ir a la escuela’”, recordó, y contrastó el esfuerzo que dedicaba al teatro musical con el que había realizado en biología: “Era un esfuerzo gozoso”. Hacia fines de ese año bailó en el teatro Maipo. Para la autora, aquel cambio confirmó una decisión que describe como una escucha de su propia vocación. “Ya iba a entender en algún momento para qué había estudiado biología, pero tenía que seguir mi naturaleza”, sostuvo.

En la escritora encontró algo nuevo: “Me daba cuenta de que mi alma volaba feliz, que finalmente había encontrado un espacio pleno de libertad en la escritura”. En paralelo, Poppe prepara Cuatro estaciones, una antología que reunirá poemas escritos en distintos momentos de su vida. Recordó que ganó un concurso de poesía en Argentina hacia 1999 y sostuvo que esos textos permiten seguir “la evolución de la conciencia” de una misma persona. También trabaja en un libro infantil inspirado en los relatos que transmitía a sus hijos sobre la Navidad, los Reyes Magos y la magia.

La autora indicó que busca contarles a los chicos “que no creyeran tanto en la Navidad o en los Reyes Magos, sino que creyeran en la magia”. El libro abordará, además, la espera de un bebé y la expectativa de que cada niño pueda reconocer sus propias capacidades.

Otro eje de su actividad está vinculado con el acompañamiento de mujeres durante la gestación y el parto. Poppe relató que comenzó un proceso personal de revisión luego de atravesar síntomas de agotamiento en 2012 y que, durante su formación como doula, abordó aspectos de su propia historia de nacimiento. Su madre padecía cáncer cuando ella nació y murió cuando Poppe tenía dos años. La escritora afirmó que esa experiencia influyó en la forma en que pensó los nacimientos de sus hijos y en su tarea junto a otras mujeres. “Sin tener una gran bienvenida a la vida, se la pude dar a mis hijos”, expresó.

Para Poppe, la formación le permitió escuchar relatos de mujeres que vivían con frustración sus experiencias de parto. Recordó, por ejemplo, los testimonios de quienes decían: “Yo quería parto natural y fue cesárea”. A partir de allí, consideró que el acompañamiento debe contemplar la historia personal de cada madre y el contexto en el que transcurre el nacimiento. “Cuando podés estar en el momento más vulnerable de una persona y no parar de mirarla con amor, algo cambia en todos los que están ahí”, señaló. Esa es, según definió, la experiencia que busca ofrecer durante los partos.

Mientras avanza con sus libros, la terapeuta continúa con sesiones y contenidos digitales. Además, anunció un retiro para mujeres en Barahona, República Dominicana, donde reside de forma temporal, previsto del 9 al 13 de noviembre y organizado junto con Laura Hurtado bajo el nombre I Am Light.

El fotógrafo Juan Pose inaugurará Gigantes en las nubes el jueves 8 de octubre de 2026 a las 18 h en el Espacio Giesso de Buenos Aires, una exposición de alrededor de 30 fotografías sobre árboles monumentales de la Patagonia que propone a las araucarias o pehuenes como presencias milenarias, anteriores y posteriores a la vida humana.

La muestra permanecerá abierta hasta el 10 de noviembre de 2026 en la sala de Avenida Alvear 1595, esquina Montevideo, en Recoleta. La entrada será libre y gratuita, de lunes a sábados entre las 10 y las 20 h.

Las araucarias remiten a un recuerdo de infancia del fotógrafo argentino: sus grandes proporciones y las rugosidades de la corteza le hacían pensar en la piel de un dinosaurio. En esta serie, los árboles dejan de ser parte del fondo patagónico para convertirse en símbolos de permanencia, resistencia y territorio.

La curadora Estela Mourin y la gestora Fernanda Akian organizaron el recorrido con el paisaje como sujeto central de cada obra. Las imágenes fueron impresas con tecnología Giclée, tintas pigmentadas sobre papel de fibras de algodón, en diversos tamaños y ediciones.

Pose, nacido en Argentina en 1962, combina una formación autodidacta con estudios de cine junto al director Eliseo Subiela, una experiencia que enriqueció su manera de construir y observar imágenes, según la gacetilla de prensa de la exposición.

Pose tomó su primera cámara a los 16 años y encontró en ella una forma de mirar el mundo. A los 19 se embarcó en un carguero para salir de Argentina con una cámara pequeña y sin dinero.

El fotógrafo recordó aquel viaje: “Me fui de Argentina en un barco de carga con cero peso y una camarita... Y, desde entonces, la cámara nunca me abandonó. La fui cambiando, por supuesto, pero mi gran compañía siempre fue la cámara”.

La luz organiza su método de trabajo y determina el momento de cada toma. “Todo es luz. La fotografía es luz. Sin luz está muerto”, sostuvo sobre la condición que, para él, hace posible una imagen.

Su jornada suele comenzar a las seis de la mañana. Recorre los sitios donde espera encontrar aves u otros animales y permanece atento a lo que aparezca, especialmente en la estepa patagónica de San Martín y Junín de los Andes, donde realizó gran parte de sus fotografías argentinas.

Luego de vivir durante algunos años en Colorado, Estados Unidos, y de participar de una producción de Hollywood durante el rodaje de Danza con lobos, volvió al país. Retomó entonces el trabajo con la naturaleza neuquina: zorros, ciervos, paisajes nevados y cielos.

La fotografía no comienza, para Pose, cuando presiona el obturador. El procedimiento incluye la contemplación previa, la búsqueda de una determinada luz y la disposición a esperar hasta que el entorno defina el instante.

Cada toma exige conocer el comportamiento de los animales, recorrer largas distancias y aceptar que la escena esperada puede no ocurrir. El ave puede quedar de espaldas, una nube puede modificar la luz o el animal puede alejarse cuando el fotógrafo se aproxima.

Pose trabaja desde su estudio-galería en San Martín de los Andes, donde exhibe de manera permanente parte de su producción. Los marcos de sus fotografías también son elaborados por él con madera trabajada artesanalmente. “También hago los cuadros. Le doy un marco que acompañe su locura, o al menos mi interpretación”, señaló.

Además de Gigantes en las nubes, Pose desarrolló las colecciones Plumas de luz, Reflejos, Salvaje, Azul, Lanines, Plumas y Cuentos de mar. Las series reúnen imágenes bajo una identidad propia y están concebidas como relatos visuales.

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugurará el martes 20 de octubre a las 19 la exposición temporaria Susana Rodríguez. Historia íntima, una selección de cerca de 40 obras producidas por la artista argentina entre las décadas de 1970 y 1980, que examina los vínculos entre historia, autobiografía, cuerpo y memoria.

La muestra, curada por la investigadora del Museo Gabriela Naso, reunirá serigrafías, dibujos, pinturas, collages y otras piezas gráficas que pocas veces fueron exhibidas en la Argentina. Permanecerá abierta hasta el 17 de enero de 2027 en las salas del segundo piso.

El director del Bellas Artes, Andrés Duprat, señaló que la institución busca reconocer a una creadora que desplazó los lenguajes tradicionales hacia “territorios menos transitados, allí donde la historia y la autobiografía se enlazan”.

El grabado ocupó un lugar permanente en la producción de Rodríguez. Sobre esa superficie desarrolló asuntos presentes en toda su carrera: el cuerpo, el erotismo, el tiempo y la memoria, con una elaboración conceptual y técnica que atraviesa su obra.

El cuerpo y la sexualidad durante los años 70

La producción realizada durante los largos años 70 partió de experiencias humanas íntimas y recurrió a marcos como la psicología y la semiótica, que entonces habían trascendido sus campos de origen para incorporarse a los discursos cotidianos.

Naso explicó que la dificultad de comunicación entre las personas y la sexualidad como forma de autoafirmación fueron algunos de los ejes de esos trabajos. La artista también exploró “zonas más huidizas”, con la voluntad de llevar a imágenes aquello que resulta imposible de decir.

El grabado y el dibujo, dos medios tradicionales, fueron alterados mediante la combinación de técnicas y la apropiación de elementos de la cultura masiva. Esa búsqueda reunió abstracción y figuración, narración y hermetismo, profusión y vacío, erotismo y siniestro, pulsiones de vida y muerte, además de dimensiones personales y colectivas.

Rodríguez nació en Buenos Aires en 1948. Se graduó como maestra en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires “Manuel Belgrano” y como profesora superior de Grabado en la escuela Prilidiano Pueyrredón.

En 1988 obtuvo una residencia en la Fundación Rockefeller de Bellagio, Italia. Entre 1989 y 1990 se instaló en São Paulo, Brasil, donde continuó su especialización en litografía.

Premios y obras en colecciones de América y Europa

La artista realizó exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de São Paulo en 1988; el Centro Cultural Recoleta en 1997, 2000 y 2003; el Museo Provincial de Bellas Artes de Salta en 2001; el Fondo Nacional de las Artes en 1996 y 2000; y el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori en 2018.

Su trayectoria incluye el Gran Premio de Grabado del Salón Nacional en 2001, el Premio Adquisición Banco Nación en 2008, el Segundo Premio de Grabado del Salón Manuel Belgrano en 2011 y una Mención en Grabado del Premio Trabucco en 2012. Ese mismo año recibió el Premio Konex de Grabado y fue declarada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

En 2013 obtuvo el Premio de Grabado del Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, en Santa Fe. Sus obras integran las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, el Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata, el Museo Nacional del Grabado y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

También conserva trabajos suyos el Voluntariado de las Casas Reales de Santo Domingo, República Dominicana; el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid; el Museo Joan Miró de Barcelona; el Consulado Argentino en Nueva York; el Museo de Arte de las Américas de la OEA en Washington, Estados Unidos; y el Fredrikstad Museum de Noruega. La obra de Susana Rodríguez forma parte, además, de colecciones privadas de Argentina, Brasil, Francia, Italia, España y Estados Unidos.

El Teatro San Martín abrirá sus puertas al teatro tradicional japonés con una propuesta inusual: proyectar en pantalla grande dos obras de Kabuki filmadas con tecnología de cine. La cita será el domingo 18 de octubre, a las 18, en la Sala Leopoldo Lugones, ubicada en Avenida Corrientes 1530, y la entrada no tendrá costo.

El ciclo, llamado Cinema Kabuki, propone un formato que combina el registro cinematográfico con la experiencia en vivo del teatro japonés. La función reunirá un doble programa con dos piezas representativas de esta disciplina escénica centenaria: Ninin Fuji Musume y Nihon Furisode Hajime, con una duración total de 91 minutos.

Alta definición para una tradición escénica de siglos

La propuesta busca trasladar al público la atmósfera de una representación de Kabuki en vivo a través de imagen en alta definición y sonido envolvente. El objetivo, según explicaron los organizadores, es que el registro cinematográfico permita apreciar con precisión las expresiones faciales, la técnica interpretativa y los recursos escénicos que distinguen a este género, que en Japón combina danza, canto y actuación estilizada.

La función está organizada por el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad, en conjunto con la Fundación Japón Lima. Se trata de una presentación única, sin repeticiones programadas hasta el momento.

Dos historias, dos tradiciones del Kabuki

El programa abre con Ninin Fuji Musume, una pieza de danza protagonizada por Bandō Tamasaburō, reconocido como Tesoro Nacional Viviente en Japón, junto a Nakamura Shichinosuke. Ambos son especialistas en los papeles de onnagata, la técnica actoral mediante la cual intérpretes masculinos representan personajes femeninos, una de las particularidades distintivas del Kabuki clásico. La obra transcurre en un escenario cubierto de flores de glicina, donde los dos actores interpretan a los espíritus de esa planta en una secuencia de cambios de vestuario que acompañan la coreografía.

La segunda obra, Nihon Furisode Hajime, retoma el mito japonés de Yamata-no-Orochi, la serpiente de ocho cabezas. La trama sigue al héroe Susanoo-no-Mikoto en su intento por rescatar a la princesa Inada de la criatura, que se presenta primero bajo la apariencia de la princesa Iwanaga antes de revelar su verdadera forma. La pieza se destaca por su ritmo escénico y por los cambios rápidos de vestuario, un recurso técnico característico del Kabuki conocido como hayagawari.

Información para el público

Entrada: sin costo. Retiro de localidades: en la boletería del Teatro San Martín, desde dos horas antes del inicio de la función.

Fuente y fotos: gentileza Departamento de Prensa CTBA (Fotos: ©Takashi Okamoto).

Si tuviera que hacer una comparación que, seguramente, dejará disconformes a muchos, diría: si Lacan es Cristo, Jacques-Alain Miller es San Pablo.

Desde mi punto de vista en un elogio. Es una manera de decir que Miller no es solo un discípulo de Lacan, sino una voz que le dio forma a su mensaje y estableció las líneas más eficaces de su enseñanza.

De la misma manera que le ocurrió a Pablo con los otros apóstoles, mientras que estos hablaban para decir lo que el maestro había dicho, la prédica paulina habla en su nombre y recupera la palabra plena.

Con los años, a la división entre lacanianos y no lacanianos, le siguió la división entre millerianos y no millerianos. Lo paradójico es que a veces quienes se dicen no millerianos piensan en la órbita de lo que Miller planteó.

Hay quienes insisten: Jacques-Alain Miller no es Lacan (le hace decir cosas que este no dijo nunca). ¿Hay algún problema en eso? De lo que no cabe duda es de que Miller lo lee de una manera en que muy pocos lo consiguen.

Y, en buena medida, si existe algo así como el “lacanismo”, es por efecto del trabajo de Miller –de la misma manera en que los apóstoles, después de la muerte de Cristo, se hubieran dispersado en sectas menores destinadas a perderse si no hubiera estado Pablo.

Jacques-Alain Miller le dio a la enseñanza de Lacan vocación ecuménica. No me voy a de detener en comentar que, además, tiene a su cargo el establecimiento de sus seminarios en pos de su publicación. Algunos creen que eso le da un poder.

Pienso más bien que Miller está atento a la época; que más que soltar lo que tenía en un cajón, responde a la circunstancia con la aparición de un nuevo volumen de la palabra (que, además, ya circula por su cuenta). Publicar es intervenir.

Miller interviene. Lo hace siempre, incluso hoy cuando es un hombre grande. Él ya era Miller el día que yo llegaba a este mundo. Lo leo y escucho atentamente. Sobre todo, porque Miller viene del futuro.

Algunas veces, cuando se me ocurre algo que supongo interesante, descubro después que él ya se refirió a la cuestión unos años antes. Cuando no pienso lo mismo, le agradezco que me empujó a pensar.

Con esta gratitud, la de alguien que no está en sus filas, pero reconoce lo dado, voy a comentar la reciente publicación de su curso Los desencantados del psicoanálisis (dictado en 2001-2002).

Un poco más sobre Jacques-Alain Miller

Los cursos de Miller se conocen en su conjunto como La orientación lacaniana. Al igual que los seminarios de Lacan, se publican oficialmente de manera discontinua y a partir de ocasiones específicas. Mientras, circulan en versiones inéditas.

Desde hace unos años, la obra de Miller comenzó a despertar interés sistemático. En 2011, compré en París el ensayo de Nicolas Floury: Le Réel insensé. Introduction à la pensée de Jacques-Alain Miller. Me sorprendió; hasta ese momento yo no pensaba que a Miller se le atribuía un pensamiento –más allá de comentar, elucidar, explicar a Lacan.

En 2023, Fernando José Ferrari publicó Leer con Miller: Otro Lacan. El nacimiento de la clínica milleriana. Entre un 2011 y 2023, podrían mencionarse otros trabajos, pero estos extremos producen el efecto de sentido que me interesa: Miller es también alguien que fundó una clínica psicoanalítica.

Desde mi punto de vista, esto es más claro a partir de sus cursos que rondan el cambio de siglo. Si tuviera que ilustrarlo con una pequeña anécdota, me remitiría al que se llama La experiencia de lo real (1998-1999) cuando Miller cuenta su regreso de un viaje a Estados Unidos en el que, desde una ventana, vio un cartel que decía Enjoy Coca-Cola.

Es admirable la elucidación que hace de esa epifanía: Coca-Cola es el nuevo plus de goce, incluso el objeto que reformula esta noción, a partir del momento en que es posible drogarse con cualquier cosa.

Ya no se trata del objeto de goce afectado por la represión, que retorna a partir de la pérdida. Es el objeto de consumo, que escapa a la lógica de la neurosis (cuyo sello es la negatividad) y se presta a descargas sin sentido.

Lo asombroso es que Miller diga esto hacia fines de los ‘90, anticipándose más de dos décadas a los temas que hoy son comunes en psicoanálisis. Además, sin decirlo y entre líneas, este curso es el andamiaje teórico de la noción de psicosis ordinaria (en la que no me voy a detener por una cuestión de extensión).

Este curso tiene tres partes precisas: la discusión del carácter; el movimiento de la categoría de goce hacia un residuo corporal que no hace lazo; por último, el síntoma como acontecimiento de cuerpo.

Las tres partes articuladas concluyen en una idea clínica brutal: el sufrimiento psíquico hoy no halla carriles de elaboración que lleven a una representación (significante) y, antes que, por las vías del síntoma clásico, hoy se resuelven en caracteropatías.

La neurosis de carácter, entonces, reemplaza a la neurosis de transferencia; el sujeto contemporáneo se defiende (ya no reprime) con formaciones reactivas que son una satisfacción “directa” (Freud dixit) de la pulsión. Así pasamos de la clínica del sujeto a la clínica de la vida dañada y desregulada de la que hoy tanto se habla y Miller anticipó.

Este curso (La experiencia de lo real) es el que sigue a uno que introdujo una noción estrictamente milleriana: El partenaire-síntoma y al que continúan otros dos: Los usos del lapso y El lugar y el lazo. Como dije antes, estos cursos son –para mí– la verdadera invención milleriana de una clínica que no es lacaniana, que es la de Miller y tiene una orientación clara y esclarecedora.

Lamentablemente no puedo comentar estos cuatro cursos, pero si voy a detenerme en el que les sigue, que se acaba de publicar: Los desencantados del psicoanálisis.

La brecha entre teoría y práctica

Este curso parte de una constatación: la situación actual (en 2002, pero también en este 2026) del psicoanálisis es de desconcierto. Si históricamente el lacanismo era la comunidad de herejes, enfrentados a la ortodoxia de la IPA (Asociación Internacional de Psicoanálisis); esta última abandona sus estándares y cede el eclecticismo.

Incluso en la IPA hay lugar para Lacan. Se lo lee como un autor más. Ante este paisaje, Miller interviene: “No hay una teoría de Lacan”; es decir, no se puede ser lacaniano a medias, tomando un poquito de acá y otro de allá. La de Lacan es una enseñanza, viva y orientada por lo imposible de la práctica analítica.

Entonces, ¿son los lacanianos los nuevos ortodoxos? Antes que reclamar la filiación en tal o cual concepto, la pregunta de Miller apunta a lo real del análisis y la dificultad para su transmisión.

Los autores de la Internacional se la pusieron fácil: hablan de modelos teóricos, como si fueran construcciones heurísticas, todas igualmente válidas (todas igualmente leves), con las que se trata de curar, hacer el bien, solucionar la vida de la gente.

A este problema se suma otro, el del caso clínico cuando se lo utiliza con fines de una confirmación. Así la práctica queda subordinada a saber lo que ya se sabía. Dos clases de este curso (El caso clínico y Crisis del caso) apuntan a situar cómo quien mejor puede dar cuenta de la experiencia del análisis es el mismo analizante, pero deja en ascuas al analista respecto de lo que puede plantear teóricamente. Leamos:

“¿A quién se dirige un relato del caso? No al paciente, evidentemente. De hecho, nos incomoda pensar que el paciente pueda leerlo […] Entonces, ¿de quién es el sufrimiento? Del analista, que intenta reencontrar algo de lo que fue agente sin poseer las claves. El relato del caso testimonia su propio vínculo con el misterio de lo que está en juego.”

Reflexiones sobre el momento actual

A partir de este momento, el curso dedica cinco clases al “momento actual”, cuyo eje está en cómo la figura del analista comenzó a ocupar lugar con su propia subjetividad para dar cuenta de la experiencia.

La noción en disputa es la de “contratransferencia”. En una conversación de seminario con Éric Laurent y Graciela Brodsky (entre otros), en esta sección se discute la práctica de los colegas de la IPA –a partir de sus textos y casos– para ubicar cómo el desplazamiento hacia la persona del analista fue en desmedro de la lógica del tratamiento:

“Cuando surge el no sé [en la intención de comprender por parte del analista] cuando falla el yo sé, pasa a primer plano la ecuación personal del analista, bajo la forma de la contratransferencia: ‘Pensé que…, me dije que…, me sentí incómodo…, se reactivó en mí…’. En otras palabras, cuando el analista tropieza con su no sé la ecuación personal cobra protagonismo y esto se traduce en un deterioro de la clínica.”

Valoro especialmente de esta parte del curso el esfuerzo por leer a otros, algo que los analistas actuales casi no hacen. Este curso es ejemplar para ilustrar la actitud del analista que se deja interpelar por otras prácticas, sin por eso ceder en sus principios. Hacer una buena crítica es un trabajo arduo.

Por esta vía, Miller llega a un esbozo de conclusión:

“Queda claro lo que constituiría el falso semblante en eventuales debates: considerar que la diferencia entre lacanianos y no lacanianos se reduce a la duración de la sesión. La verdadera diferencia que esa cuestión cuantitativa encubre es la contratransferencia.”

Ahora bien, esto no quiere decir que la duración de la sesión sea un asunto menor, ya que esa duración (breve, en los lacanianos) es lo que hace que el analista no se impregne de los efectos contratransferenciales:

“No se puede excluir que nuestra sorpresa al leer ciertos informes provenga justamente de ahí: del efecto de sesiones prolongadas que liberan en el analista una actividad mental que, en los lacanianos, queda inhibida por la brevedad del encuentro.”

Contratransferencia, o peor: empatía

Luego de este recorrido, podríamos decir que “lacaniano” es el analista que niega la contratransferencia. Miller lo dice de este modo:

“El verdadero motor, la dinámica misma de la enseñanza de Lacan, estaría en ese rechazo. Esa construcción podría sostenerse a partir de la mortificación del analista, su localización en el lugar del Otro, las tesis sobre el sujeto supuesto saber, el acto y el discurso analíticos. Todas son formulaciones cada vez más elaboradas para excluir al analista de la consideración de la contratransferencia.”

Sin embargo, luego de las reflexiones sobre el momento actual se produce un viraje. A la teoría de la contratransferencia le siguió en el psicoanálisis contemporáneo una defensa del analista empático (que hoy está muy de moda). Miller es taxativo: “Lo que se llama empatía no es más que la versión proyectiva del analista sobre el paciente”.

Al lado de las propuestas de analistas que plantean “franquearse” con sus pacientes, que se entregan a desbordes emocionales (como llorar con ellos), que hablan de “copensar” (en un verdadero holding hands), los viejos teóricos de la contratransferencia parecen ortodoxos. Aquí Miller comienza a vislumbrar que el problema vendrá de la mano del reemplazo del analista por terapeutas bondadosos y bienintencionados. El tiempo le dio la razón.

Al psicoanálisis como experiencia del inconsciente, lo reemplaza una comunicación de afectos. Al analista frío, impersonal, distante, le sigue el analista que “pone sus cartas sobre la mesa”, que practica una self-disclosure, una revelación de sí mismo.

El problema de esta perspectiva es que produce una “ablación del deseo del Otro”, esto es, esa instancia respecto de la cual cada quien se posiciona como sujeto. El tratamiento se convierte en un diálogo comprensivo de entendimiento recíproco.

A esta intención, Miller responde –desde el principio del seminario, recordándolo en diferentes clases– con una frase de Lacan: “Una interpretación cuyos efectos se comprenden no es una interpretación psicoanalítica”.

Retorno a Lacan

Leer el movimiento de la enseñanza de Miller es apasionante, mientras leemos somos sujetos de la pasión. En una clase comienza: “Nos reímos. Es un hecho: nos reímos. Aquí lo hacemos seguido, muy seguido –quizá demasiado–, desde que leemos a otros psicoanalistas”.

Más adelante, la risa se convierte en mueca de dolor. Así comienza otra clase: “Ustedes sufren. Sufren, y Éric Laurent y yo lo hemos notado. Sufren cuando hablamos de autores que no son Lacan”.

En un contexto global en el que el psicoanálisis está asediado por diversas psicoterapias instrumentales, en el que se cede con instancias de garantía y supervisión para conseguir una “falsa evidencia amable” –según una formulación de Laurent en este curso– hacer la pregunta por lo propio del análisis sin concesiones es un acto de valentía.

Cuando las asambleas internacionales buscan estrategias para vender un psicoanálisis aggiornado y acorde a la demanda actual, este curso recupera los problemas y reintroduce la pregunta por el sujeto en su dimensión exigida. También lo hace con el analista, cuando en el final de la clase que se titula “Los principios de la práctica lacaniana”, Miller cita un pasaje de Lacan que dice:

“Si hubiera podido hablar del acto psicoanalítico hasta el final, lo habría hecho para decirles que no por no nada les hablé del deseo del psicoanalista. Es imposible, en efecto, que no provenga del fantasma del psicoanalista –o sea, de lo más opaco, cerrado y autista que hay en su palabra– el shock que deshiela en el analizante la palabra […]”

Miller enfatiza que esta es una declaración única, “que cuesta creer que sea de Lacan”; porque, ¿no había que separarse de la persona del analista? ¿De qué modo en ese fango (su fantasma) crece un deseo? No por nada este curso de Miller se publicó este año, el mismo en que se publicó el seminario El acto psicoanalítico de Jacques Lacan –que ya fue comentado por Verónica Buchanan en esta sección de Cultura.

El futuro llegó, hace rato. En ese año 2002, Miller anticipaba “el dolor exquisito del movimiento psicoanalítico: la tensión entre el psicoanálisis en singular (lacaniano) y el psicoanálisis en plural (ecléctico)”. Desde entonces no hemos visto más que una grieta que se ensancha.

En ese entonces, Miller decía: “Anticipo –profetizo– que los términos de ese debate ya se perfilan”. La profecía se cumplió. Miller es un profeta de los buenos, de los que devuelven el mensaje con una forma invertida, para decir de dónde venimos y a dónde vamos.

Entre las peregrinaciones de la cultura popular, pocas opciones superan una escapada al Maine rural para visitar a Stephen King.

El autor, tan asociado al estado como las langostas o los whoopie pies, vive con su esposa, Tabitha, en Lovell, un bonito pueblo próximo a la frontera con Nuevo Hampshire. Un edificio cercano, situado en una colina con vistas a las estribaciones y a un lago glaciar, alberga tanto su oficina de escritura como una suerte de museo de King.

Tras recorrer caminos ondulantes flanqueados de pinos y girar a la izquierda junto al cartel que advierte “Cuidado con Molly” —un homenaje al corgi de King, una estrella de las redes sociales conocida como la Cosa del Mal—, se llega a un espacio amplio y luminoso lleno de carteles de cine y recuerdos de las más de 100 adaptaciones audiovisuales de los relatos de King. Hay que levantar la mirada y girar sobre uno mismo para abarcar la dimensión de su impacto en el entretenimiento estadounidense.

Ordenados cronológicamente, los carteles van de Carrie —allí está la pobre Sissy Spacek, con los ojos muy abiertos bajo su manto de sangre— a Carrie. El primero corresponde a la adaptación de Brian De Palma de 1976 del debut novelístico de King, sobre una marginada tímida que destruye mediante telequinesis a quienes la atormentan en la escuela secundaria. (La película celebra su 50.º aniversario en noviembre.) El segundo explica la visita de hoy: una nueva adaptación televisiva de Carrie, disponible ahora en Amazon Prime Video.

Creada por Mike Flanagan, la serie de ocho episodios ofrece una versión moderna y actualizada en la que el acoso contra Carrie ocurre en gran medida a través de las redes sociales y los horrores incluyen simulacros de tiroteos escolares. La joven, interpretada con entusiasmo por Summer H. Howell, es menos una marginada que una rareza a la que sus padres conspiracionistas han mantenido apartada del mundo. Hay sangre de cerdo en el baile de graduación, desde luego, pero también una trama más amplia sobre una subcultura telequinética que apunta a posibles temporadas futuras.

Flanagan, quien idolatra a King desde que leyó It en quinto grado, ha adaptado al cine varios libros del autor (El juego de Gerald, Doctor Sueño). Sin embargo, esas son en su mayoría versiones fieles, mientras que Carrie se acerca más al espíritu de las creativas actualizaciones televisivas de Flanagan de clásicos del terror literario como La maldición de Hill House y La caída de la Casa Usher.

“Nunca tuve que mirar a Edgar Allan Poe a los ojos y preguntarle: ‘¿Qué te pareció?’”, dijo Flanagan. Pero, si en este caso le inquietaba la respuesta, no tenía por qué preocuparse.

“Tengo derecho de veto sobre todo”, dijo King. “Y, en lo esencial, no lo uso porque confío por completo en Mike. Él es el susurrador de King”.

A sus 79 años, King todavía escribe la mayoría de los días. Acaba de publicarse Otros mundos que estos, el último libro de su trilogía El talismán con Peter Straub. Actualmente termina su última novela sobre la investigadora privada Holly Gibney, presentada por primera vez en Mr. Mercedes (2014). Alejarse definitivamente de sus mundos inventados es “muy triste”, dijo King, quien reconoció que este regreso de Carrie, su primer éxito, cierra de algún modo un círculo.

“Podría dar por terminada mi carrera”, dijo, aunque enseguida se retractó. “No, no, no. Ya tuve problemas antes por decir que creía que podía retirarme”.

“Lo único que no me gustaría es morir en mi escritorio”, agregó. “Eso es todo”.

Ese escritorio está en una oficina de la planta alta, abarrotada de reconocimientos y más cachivaches: un certificado de la Medalla Nacional de las Artes cuelga a pocos metros de una figura de Chía de Pennywise. King y Flanagan se sentaron allí la semana pasada para hablar de Carrie, sus paralelismos políticos y sus adaptaciones favoritas de la obra del autor. Molly se echa dócilmente a tus pies. Al parecer, su lado malvado aparece durante las visitas al veterinario.

Estos son fragmentos editados de la conversación.

—¿Por qué Carrie? ¿Por qué ahora?

—Mike Flanagan: Esa es la pregunta. Y fue la primera que Steve hizo cuando hablamos de esto por primera vez. Se trataba de cómo tomar la idea central de esta novela increíble y llevarla a 2026. La novela habla del acoso, la amabilidad, la crueldad y las consecuencias de elegir la crueldad. Esa pregunta se ha vuelto aún más relevante, sobre todo para las generaciones más jóvenes. Hemos puesto en manos de nuestros hijos una tecnología que alienta la crueldad, que la celebra.

—Stephen King: Carrie trata sobre el acoso, y la serie de televisión trata sobre el ciberacoso.

—También hay una dimensión más política. El padre de Carrie defiende propaganda de derecha y su madre, además de ser una fundamentalista religiosa como en el libro, es una fanática de los derechos de los padres.

—MF: En esta época, el fanatismo religioso parecía más un síntoma en el caso de Margaret White. Todos vivimos en burbujas de verdades seleccionadas. Esas tribus, esas distorsiones, son algo importante que los adolescentes, en especial, deben sortear. ¿Qué es real? ¿Qué es este mundo que heredarán? Depende del sitio web al que recurran para buscar respuestas. Carrie creció en este culto de tres personas; sus padres habrían desarrollado su propia burbuja. Él escuchaba programas de radio de extrema derecha, pero Margaret tenía opiniones extremas que, en algunos casos, podían considerarse ultraprogresistas. En realidad, no se trataba de su política.

—Entonces, ¿intentaron ser apartidistas?

—MF: Sí, porque quiero que quienes puedan beneficiarse de una serie que nos anime a reconsiderar la crueldad se vean reflejados en varios personajes. Si digo que uno es claramente bueno y otro claramente malo, no les daré nada en qué reconocerse. Tengo cosas para decir sobre el tema partidista, pero no quiero expulsar a la gente de la conversación en un momento de tanta polarización.

—¿Qué cosas querés decir? Podés contármelas.

—MF: ¡Puedo contárselas a The New York Times! Suena como una gran idea. Prefiero no hacerlo.

—Ha habido varias adaptaciones de Carrie a lo largo de los años. Steve, ¿tenías alguna reserva sobre revivir esta historia una vez más?

—SK: No. Ya no pienso mucho en Carrie, porque fue un libro de iniciación.

—Pero también fue lo que lanzó tu carrera.

—SK: Tuve mucha suerte. Pude dejar de dar clases y empezar a escribir a tiempo completo, que era lo que quería. Empezó como un cuento. Iba a ser una de esas historias que vendía a Cavalier, Swank o alguna de esas revistas; todavía no había dado el salto a Penthouse. Empecé a escribirla, vi que iba a ser más larga que un cuento y la tiré a la basura. Mi esposa la sacó del cesto, alisó las páginas que había escrito y me dijo: “Esto es bueno. Deberías seguir”. Le respondí: “No sé nada sobre vestuarios de chicas”. Ella dijo: “Te contaré todo lo que necesitás saber”. Se lo envié a Bill Thompson, el editor, y me dijo: “Creo que tienes un éxito asegurado”. Reescribí la historia según sus indicaciones y vendí el libro. El anticipo fue de 2500 dólares; Doubleday era increíblemente barato en aquella época. Pero un domingo Bill me llamó y me dijo: “Hemos vendido los derechos de la edición de bolsillo por 400 000 dólares”. Se lo conté a Tabby y se echó a llorar, porque en aquel entonces vivíamos en un apartamento destartalado. Había peleas arriba; eso lo incluí en El resplandor.

—¿Te gustó la película de De Palma?

—SK: Me encantó. La primera vez que la vi, la proyectaron en Boston, en Roxbury. En la sala principal, donde se proyectaba Carrie, estaba Norman, ¿eres tú? con Redd Foxx. El público era totalmente negro; éramos como dos granos de sal en el salero. Había dos tipos que parecían corredores de fútbol americano justo detrás de nosotros. Al final de la película, Sue Snell tiene un sueño, y una mano sale del suelo y la agarra. Y estos tipos gritan como niñas pequeñas. Y pensé: Esto va a funcionar.

—Y ahora muchos de tus libros se han adaptado al cine y a la televisión. ¿Qué se siente cuando la gente hace suyas tus historias?

—SK: Es como mandar a un hijo a la universidad. Esperas que le vaya bien y que no se involucre con las drogas ni con nada que pueda arruinarlo.

—¿Cuáles son algunos de tus favoritos?

—SK: Creo que Misery es buena. Me gusta The Stand, la que hizo Mick Garris. Hay muchas que me gustan, y no hablo de las que no me gustan. Me han preguntado una y otra vez sobre The Shining. Nunca me gustó. Esa es la que la gente pregunta porque de alguna manera ha adquirido esta reputación de la crítica que la elevó. Tabby dice que [palabrota] flota.

—¿Y tú, Mike?

—MF: No puedo decidirme entre Cadena perpetua y Cuenta conmigo. Ambas son películas perfectas. Me encanta el terror. Me encanta sentir miedo. Sin embargo, lo que más me atrae de Steve es la emoción. Son historias sobre la esperanza, y ambas están impregnadas de ella.

—Cuando se trata de actualizar una historia tan conocida como Carrie, ¿cómo se hace sin perder su esencia?

—MF: Estaba nerviosa por los cambios que estábamos haciendo. En el proceso tienes que decir: “¿Qué cosas, si no están en pantalla, no estamos haciendo ‘Carrie’?” Para algunas de ellas, son las escenas clave. Claro que vas a ir al baile de graduación. Claro que Carrie va a estar cubierta de sangre de cerdo. Claro que vas a ver esa escena horrible en el vestuario.

—SK: Al principio del espectáculo, se ven sus pies caminando por el pueblo. Porque no es ninguna gran sorpresa.

—MF: Se trata de las sorpresas que puedes incorporar en el camino. Carrie White, en todas las versiones que hemos visto, es desde el principio una chica temblorosa, aterrorizada y traumatizada. Ha tenido una vida difícil, y la nuestra es todo lo contrario. Es curiosa y entusiasta, inocente e inexperta, por eso el mundo la ataca de inmediato. Pero como fanático de Stephen King de toda la vida y estudiante de cine, supe el día que empezamos a rodar la escena del baile de graduación que necesitaba tomarme un momento, respirar hondo, mirar a mi alrededor y decir: “Estoy en el baile de graduación con Carrie White”.

—¿Y sentiste el peso de eso?

—MF: Lo siento con especial intensidad en proyectos como este. También siento una enorme responsabilidad cuando Steve me confía sus juguetes. Cuando me dice que puedo jugar en su arenero, tengo mucho cuidado de no [grosería] en él. Y si he logrado que Steve se sienta orgulloso con lo que hemos hecho con su historia, eso es lo que importa.

—SK: Bueno, estoy muy contento con lo que hiciste. Pero también te divertiste.

—MF: Me divierto muchísimo. Tengo el mejor trabajo del mundo.

—SK: Ambos tenemos el mejor trabajo del mundo.

Fuente: The New York Times

El show Hello! el unplugged, que convoca a músicos que participaron en la grabación original del MTV Unplugged de Charly García en 1995, se presenta este lunes en el Teatro Coliseo. La fecha llega después de 15 funciones con entradas agotadas en La Fábrica -la ex sala de ensayo en tiempos de gracia artística del ícono rockero argentino- y se enmarca en la Semana García, ciclo de celebraciones por el 75.° cumpleaños del maestro, el viernes 23. El proyecto reúne a los músicos que formaron parte de la histórica banda del Unplugged: Zorrito Von Quintiero (teclado, guitarra y voz), Fernando Samalea (batería y bandoneón), Erica Di Salvo (violín) y Ulises Di Salvo (violonchelo), junto a Emme como voz invitada, y Matías Mango (piano, teclado y bajo), Santiago Maurino (guitarra) y Michelle Bliman (saxo y coros) completando la formación.

Un show histórico

El 4 de mayo de 1995, Charly García entró a los estudios Post Edge de MTV en Miami Beach en una limusina que había convertido en su cuartel general durante toda la estadía en Florida. Rechazó la habitación de hotel que le había reservado la producción, exigió tres choferes en turnos rotativos y montó dentro del vehículo un minibar, equipos de audio y un teclado amplificado. Era, a su manera, la única forma que encontró de mantener el control sobre su entorno antes de someterse al escrutinio de la televisión internacional. Lo que siguió fue una grabación de diez horas que desafió cada norma del formato y terminó por convertirse en uno de los documentos sonoros más importantes del rock en español.

García llegaba a ese estudio en un momento de profunda tensión creativa. Acababa de editar La hija de la lágrima (1994), una ópera rock de ambición descomunal que lo había dejado al borde del agotamiento, y ya gestaba en silencio los conceptos que un año después cristalizarían en el ya mucho más caótico Say No More, su etapa más vanguardista y hermética (para muchos, el comienzo de la barranca abajo). El MTV Unplugged fue, en ese contexto, una tregua estratégica: la última vez que el músico ejecutaría su obra bajo parámetros de control estructural y fidelidad melódica tradicional antes de iniciar su inmersión en la disonancia deliberada y el arte conceptual.

El formato exigía instrumentos “desenchufados”. Charly García colocó un teclado Yamaha a pilas sobre su piano de cola Baldwin y, ante la protesta de la producción, impuso su voluntad. Antes de que comenzara la música, manipuló una muñeca que al jalarse de una cuerda emitía frases pregrabadas —entre ellas, la palabra “Hello”, que terminaría dando título al álbum— y sonidos que evocaban el croar de una rana. En medio del concierto, con 400 espectadores en el estudio y las cámaras encendidas, exigió una pausa para ir al baño. La productora se negó. El divo, en estado de combustión permamente durante toda su estancia en Miami, abandonó el set de todas formas y obligó a toda la maquinaria del canal a paralizarse más de treinta minutos hasta su regreso.

Lo que esas disrupciones no lograron fue opacar la calidad del material. El repertorio seleccionado funcionó como una retrospectiva meticulosamente curada de su producción solista de las décadas de 1980 y 1990: desde “Yendo de la cama al living” hasta “Demoliendo hoteles”, pasando por “Los dinosaurios”, “No soy un extraño” y el medley de Serú Girán (“para llorar”, ironizó el artista). La decisión más trascendental del álbum fue la incorporación de los hermanos Erika y Ulises Di Salvo en violín y violonchelo, que dotaron a los arreglos de una textura camarística que redefinió canciones nacidas en la era del sintetizador. Cuando Fernando Samalea reemplazó la caja de ritmos Roland de “No soy un extraño” con un bandoneón, García conectó el rock de los ochenta con sus raíces rioplatenses más profundas. Y cerró un círculo: la canción es un tango y la tocaron como un tango.

El resultado fue un álbum certificado con Disco de Platino en Argentina y Disco de Oro en Uruguay, pero su peso excede las cifras comerciales. Hello! MTV Unplugged opera como un umbral: el punto exacto en que la obra de Charly García alcanza su mayor legibilidad clásica justo antes de volverse deliberadamente ilegible. La sofisticación de los arreglos camarísticos, la austeridad instrumental y la desnudez interpretativa que el formato impuso no atenuaron su música sino que revelaron su arquitectura más profunda. Detrás de la furia de Piano Bar y la experimentación sintética de Clics Modernos había una partitura de extrema solidez formal que el ruido eléctrico, paradójicamente, había mantenido parcialmente oculta.

Lo que Hello! hizo, en definitiva, fue demostrar que las canciones de García no dependían de ningún contexto tecnológico para sostenerse. Funcionaban en la era del sintetizador, funcionaban despojadas de electricidad y, como lo confirma este regreso al Teatro Coliseo tres décadas después, siguen funcionando cuando las tocan otros músicos en otro siglo. Esa es la marca de una obra que trasciende al intérprete y se instala en el repertorio común de una cultura.

Los 125 años de Los Buddenbrook han hecho que se vuelva la mirada sobre la primera novela de Thomas Mann, que a la postre le daría el Premio Nobel en 1929 y que ahora parece arrojar luces sobre el deterioro que ha sufrido el modelo económico alemán.

En los últimos años ha habido una creciente tendencia de interpretar la obra de Thomas Mann a la luz de la crisis del presente -o de lo que se ha llamado el final de una época- y Los Buddenbrook no ha escapado a ella.

Historia de una decadencia

Los Buddenbrook, publicada en febrero de 1901 cuando Mann tenía 25 años, cuenta la decadencia de una familia a lo largo de cuatro generaciones.

La primera de ellas, representada por el patriarca Johann Buddenbrook, muestra una gran seguridad cuando la empresa familiar atraviesa su mejor momento.

La segunda, encarnada en su hijo Jean, se enfrenta a preocupaciones sobre el estancamiento económico y por dudas sobre el principio familiar según el cual hay que entregarse plenamente a los negocios, pero se deben hacer sólo aquellos que permiten dormir bien.

“Pienso en Strunck & Hagenström que están creciendo mientras nuestros negocios transitan aguas demasiado tranquilas”, le escribe Jean Buddenbrook a su hijo Thomas en una carta.

Los Hagenström son una familia rival de los Buddenbrook que terminarán desplazándolos en el mercado.

La rivalidad entre las dos familias se hace más dura en la tercera generación y, aunque Thomas lleva a la familia a la cumbre social, con él -y sobre todo con su hermano Christian que vive entre la hipocondría y el cinismo- empieza a verse con claridad la decadencia que culminará en su hijo Hanno.

¿Comerciantes honrados?

En Lübeck (norte de Alemania), en una de las secciones del reciente congreso anual de la Sociedad Thomas Mann, se planteó una oposición entre la máxima que guía a los Buddenbrook y un chiste de Christian, uno de los hijos, quien dice que, bien mirado “todo hombre de negocios es un bandido”.

En un momento en que se hace ese chiste, el único de los presentes que no se ríe es Hermann Hagenström, quien dice que él, por su parte, tiene mucho respeto por su oficio.

Aunque Christian sugiere que la reacción de Hagenström le generó cierta incomodidad y cierta sospecha, no hay nada en la novela que haga pensar que los Hagenström sean bandidos.

Sus prácticas de negocios son otras, se adaptan a nuevas circunstancias y hacen operaciones que los Buddenbrook no quieren llevar a cabo.

“Necesitamos más empresarios como los Hagenström. Por proteger a los Buddenbrooks no debemos impedir que los Hagenström crezcan”, dijo la periodista económica Anja Kohl en el congreso, en el que la familia en decadencia se comparó con el modelo económico alemán actual.

En la novela, los bandidos son otros y dos de ellos -Bendix Grünlich y Hugo Weinschenk- llegan a la familia Buddenbrook a través del matrimonio.

Weinschenk, director de una compañía de seguros contra incendio, es acusado y condenado por prácticas indebidas.

Lo revelador es la comprensión de Thomas Buddenbrook hacia Weinschenk, pues dice que, aunque lo que hizo no estaba bien, no cree que sea tan culpable como otros piensan.

Lo que precipita la descomposición final de la familia, sin embargo, es la pérdida de vigor y de fe en sí mismo de Thomas Buddenbrook, que además es consciente de que no tendrá sucesor.

Su único hijo, Hanno, tiene una sensibilidad exacerbada y una salud frágil que lo incapacita para el mundo de los negocios.

La maldición de la cuarta generación

Durante el congreso se realizó además una visita guiada por los escenarios de la novela en la ciudad, durante la que se recordó una frase atribuida al creador del imperio alemán, Otto von Bismarck, según la cual la primera generación crea riqueza, la segunda la administra, la tercera estudia historia del arte y la cuarta se echa a perder.

Esa sentencia no cuadra exactamente con el destino de los Buddenbrook, porque Thomas trata de ser un hombre de negocios, aunque sí se cumple el mal desenlace familiar.

La ensayista Julia Friedrich, que se ha dedicado a hacer entrevistas con herederos de empresas familiares, aseguró que en algunos de ellos -pese a tener todos los problemas económicos resueltos- la herencia y la obligación de seguir adelante con el negocio son una carga de la que quisieran librarse pero ante lo cual no encuentran salida.

Ello lleva a que muchas empresas alemanas transiten por lo que en la novela de Mann se llaman “aguas demasiado tranquilas” y que las innovaciones se den en otra parte.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Rodrigo Zuleta.

Radicado en España, el investigador abordó el peso de las creencias personales, el valor de conversar para ordenar las ideas y las dificultades para escuchar en una sociedad atravesada por la polarización. “Las palabras tienen el poder de crear realidades y no solo de describir realidades”, afirmó.

Para Sigman, algunas expresiones no se limitan a comunicar un sentimiento o una convicción: también intervienen en la experiencia. Decir “te quiero” modifica un vínculo, mientras que afirmar “soy capaz de hacer algo” puede influir en la manera de enfrentar un desafío. “Cuando uno dice de sí mismo, por ejemplo, ‘soy capaz de hacer algo’, esa profecía es reflexiva”, explicó.

Cómo influye el diálogo interno en la imagen que tenemos de nosotros mismos

El lenguaje también opera en las conversaciones que cada persona mantiene consigo misma. Según Sigman, el pensamiento puede entenderse como una forma de diálogo interno en la que anticipamos situaciones, evaluamos experiencias y formulamos juicios sobre nuestras capacidades.

El problema aparece cuando esas evaluaciones se convierten en límites difíciles de cuestionar. Expresiones como “no puedo hacer matemática” o “no puedo tocar la guitarra” pueden consolidar una percepción de incapacidad, incluso cuando describen dificultades que podrían trabajarse.

“Cualquier persona sabe que uno muchas veces es el peor juez de sí mismo”, señaló el neurocientífico. Y advirtió sobre un mecanismo que puede reforzar esa mirada: cuando una crítica ajena se incorpora a la propia identidad, deja de percibirse como una opinión y comienza a interpretarse como una descripción objetiva de la realidad.

“Yo no registro eso como una opinión, sino como una descripción de la realidad”, explicó.

Modificar ese diálogo interno, sin embargo, no es un proceso inmediato. Sigman descartó las soluciones instantáneas y comparó el cambio con un aprendizaje que requiere práctica: identificar las autocríticas, revisar cómo se formulan e intentar construir interpretaciones alternativas.

“Mejorar la conversación con uno mismo no se hace de un día para el otro”, afirmó.

El investigador también cuestionó los mensajes que atribuyen a la voluntad individual la capacidad de superar cualquier dificultad. La consigna “si vos querés, vos podés”, por ejemplo, puede resultar perjudicial cuando se aplica a personas que atraviesan enfermedades incurables.

“Una disposición optimista, una disposición activa, puede ayudarte en el tratamiento”, aclaró. Sin embargo, advirtió que presentar el pensamiento positivo como una garantía de recuperación puede trasladar una responsabilidad injusta a quien enfrenta una situación de salud compleja.

Por qué conversar ayuda a pensar mejor

Hablar con otra persona también permite detectar errores en el propio razonamiento. Una idea puede parecer clara mientras permanece en la cabeza, pero revelar inconsistencias cuando intentamos explicarla.

Sigman vinculó ese fenómeno con el método de estudio asociado al físico Richard Feynman, que propone explicar un tema con palabras sencillas para comprobar cuánto se comprende realmente. “Una vez que creo que lo sé, se lo cuento a alguien”, relató sobre su manera de abordar un problema.

La dificultad aparece cuando, durante la explicación, comienzan a surgir términos complejos o se pierde la claridad. Para Sigman, esos obstáculos permiten reconocer qué aspectos todavía no están suficientemente comprendidos.

“Hablar no es solo para escuchar las opiniones del otro, sino para poner a prueba tus propias ideas, como un laboratorio del pensamiento”, afirmó.

La conversación, desde esa perspectiva, no consiste únicamente en intercambiar información. También obliga a ordenar argumentos, identificar vacíos y revisar certezas. Escuchar una mirada diferente puede ampliar la comprensión de un problema, pero explicar la propia posición también permite ponerla a prueba.

Redes sociales y polarización: la dificultad de escuchar al otro

El valor del diálogo contrasta con algunas dinámicas de las plataformas digitales. Sigman sostuvo que los espacios de interacción condicionan la manera en que las personas se expresan y señaló que cada red puede favorecer determinados comportamientos.

“Hay medios como X ahora, que son particularmente propensos a la ira. Otros como Instagram, que son particularmente propensos a la vanidad”, planteó. También describió las dificultades de los grupos numerosos de WhatsApp, en los que la cantidad de participantes puede convertir el intercambio en una sucesión de mensajes difícil de sostener.

“La tragedia del grupo de WhatsApp es la tragedia de una multitud conversando”, resumió.

Para el neurocientífico, uno de los problemas de las discusiones actuales es que muchas veces se busca imponer una posición antes que comprender la experiencia del interlocutor. Esa dinámica puede intensificarse en contextos de polarización, cuando la hostilidad de los demás alimenta las propias reacciones.

“Estás alrededor de gente iracunda y te volvés iracundo. Es muy difícil no serlo”, afirmó.

Frente a esa escalada, Sigman destacó la importancia de interrumpir las respuestas automáticas. En ocasiones, escuchar implica no apresurarse a dar consejos ni intentar resolver el problema del otro. “A lo mejor no quiere consejos. A lo mejor lo que quiere es que la escuches y que le des amparo”, sostuvo.

El rol de los facilitadores frente a la polarización

Durante la entrevista, Sigman también se refirió a una investigación que realizó junto con Joaquín Navajas sobre las conversaciones entre personas con posiciones enfrentadas. El trabajo exploró qué sucede cuando los participantes discuten sin intermediarios y qué cambia cuando interviene una figura capaz de facilitar el intercambio.

Los investigadores denominaron “grises de alta confianza” a quienes podían reconocer distintas maneras de interpretar un problema sin renunciar necesariamente a sus propias convicciones. “No era gris porque fuese tibio o dubitativo, sino porque tenía una convicción genuina de que hay muchas maneras de mirar ese problema”, explicó.

Según relató, la presencia de esos facilitadores aumentó la probabilidad de que personas con posiciones opuestas se escucharan, comprendieran sus argumentos y redujeran la tensión.

“La probabilidad de que dos personas que estaban en antípodas escuchen, entiendan, se acerquen y bajen la crispación era muchísimo más alta”, afirmó.

El objetivo, aclaró, no era que ambas partes abandonaran sus posturas, sino que pudieran procesar sus diferencias de otra manera. “Cada uno mantiene su tesitura”, señaló.

La posibilidad de conversar sin convertir cada desacuerdo en una confrontación resume uno de los planteos centrales de Sigman: las palabras pueden influir tanto en la relación que una persona construye consigo misma como en la manera en que una sociedad convive con sus diferencias.

El neurocientífico dará una charla el lunes 19 de octubre, a las 19, en el Teatro Metropolitan.

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“¿Y todo lo que no es Hollywood, dónde va a estar?”, señaló el reconocido actor mexicano Daniel Giménez Cacho sobre el cierre de una charla íntima con Infobae Cultura en la Feria Internacional del Libro de Monterrey en la que remarcó la fuerte disputa en la que se encuentra el arte latinoamericano contra lo que llama “discursos hegemónicos”.

Gímenez Cacho, de extensa carrera en cine, teatro y televisión en México, también supo colaborar con directores argentinos como Lucrecia Martel (Zama) o Luis Ortega (El Jockey). Su discurso también, entiende, se aplica en el enfrentamiento que vive actualmente la industria del cine en Argentina con el Gobierno de Javier Milei por los recortes en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

El actor participó por primera vez en esta edición de la feria regiomontana que alberga a cientos de estudiantes universitarios y apasionados por la cultura, en una de las ciudades más importantes de México. Aquí llega después de presentar su primera película como director, “Juana”, en donde marca la lucha que una mujer entabla “para sobrevivir, crecer y salvarse”.

Sobre esta nueva faceta detrás de cámara, se identifica como un “director de orquesta”, donde debe “crear un clima de confianza que se construye” a partir de horas y horas de ensayo.

“Si un director te dice: ‘Haz así, levanta la cara y pon tal hilo en este momento’, lo puedes hacer, pero estás repitiendo una forma, no estás reflejando un proceso interno. Por lo tanto, no va a comunicar con la fuerza que comunica cuando estás hablando de un proceso interno que sale de tus entrañas y se proyecta”, afirmó.

En un apartado de la sala de prensa que presentó el evento organizado en Cintermex, el actor se prestó a la charla con Infobae con un café en la mano:

—¿Cómo te trata esta primera experiencia en la Feria del Libro de Monterrey?

—Es la primera vez que vengo, pero a mí siempre me han gustado mucho las ferias porque, pues, siempre veo que cuando están vivas, me anima y me da muchísima esperanza de que tanta gente se interese. Ahorita en la mañana vi filas de niños y niñas. Lo importante que es hoy la formación de públicos, ¿no? Todas las ventanas que se abren ahí para la diversidad, que es un tema que se me hace tan importante para tener herramientas contra las narrativas hegemónicas.

—¿Cómo ves que ese interés de los niños por la literatura, se puede mezclar con el arte en un mundo donde todo es efimero?

—Nos da mucho miedo la cosa hegemónica y dominante de la inmediatez de las redes, de todo eso, como si eso estuviera desplazando a lo otro. Y sí, efectivamente, es un cambio, pero creo que es algo tan único y tan distinto que también es atractivo, porque justamente no hay eso en las redes. Entonces también es verdad que cuando hay algo que es muy dominante, algo que es diferente, tiene muchas oportunidades, porque así es el ser humano. O sea, pues esto ya lo vi, esto ya lo vi, esto ya lo vi. Y esto tiende a ser el teléfono y las redes; es extremadamente repetitivo e insatisfactorio. Genera unas promesas de que se van a agotar y se tiene que llenar con otra. Y empiezas una especie de espiral que te va dejando un poco hueco, ¿sabes? Entonces, la literatura, el teatro, el hecho de detener el carro y pararte y ver una obra de teatro, una hora y media, es una experiencia tan diferente que se vuelve muy atractiva, porque no se parece en nada a lo dominante.

Yo ahí creo que no hay que ser tan pesimistas y hay que confiar en el poder que tiene eso y en el poder que tiene sentarse y leer un libro. Claro, si tú no lo conoces, si no tienes acceso a libros, si no sabes cómo leer, es difícil que accedas, ¿no? En ese sentido, pues sí pienso que las políticas públicas tienen que buscar maneras inteligentes de no arruinar el proceso y el goce se va. Las redes y todo esto pienso que te alejan de ti mismo, del contacto contigo, porque estás afuera, con tu energía afuera, en cuántos likes, cuántas cosas, qué dijeron, cómo están, qué hago para tener seguidores.

—Respecto a las narrativas hegemónicas que mencionabas antes, ¿de qué forma crees que la literatura y el arte pueden contrarrestar a este tipo de discursos dominantes?

—El arte y la cultura son grandes herramientas para eso. ¿Y por qué? Pues porque están hablando primero de generar empatía, pienso yo. O sea, cuando exponemos historias y conmovemos a la gente, estás generando empatía. Y la empatía pienso que es la gran medicina contra el odio. Porque yo sí veo a Milei, veo a una persona que odia bastante, lo veo enojado como un perro ladrando. Entonces pienso que la empatía, eso es lo que fortalece nuestras comunidades y también nuestra manera de estar en el mundo, lo que favorece la tolerancia, el acercamiento con el otro, con el diferente. Eso es para mí la gran herramienta que es el arte y la cultura, generar comunidades que comulgan maneras de estar en el mundo.

Hay muchos niveles para conectar, más allá de las fronteras. Hay uno que conecta también en las luchas, en el activismo, ¿no? Pero pienso que el arte y la cultura entran todavía más adentro al corazón, al espíritu, y eso es una gran arma de lucha. Nos conecta emocionalmente si nos toca y nos transforma y nos hace crecer un poquito más allá de esta palabra tan mal usada que es el entretenimiento.

—Te ha tocado trabajar con directores argentinos como Luis Ortega, Lucrecia Martel o Santiago Mitre. ¿Qué similitudes encontrás entre el cine argentino y las producciones mexicanas?

—Como mexicano, voy allá y me conecto inmediatamente. O sea, me subo a un colectivo, parece que estoy casi en México. Pero sí hay algo culturalmente de que nosotros somos vecinos de Estados Unidos y ahí hay una tensión que en Argentina no se siente. Quizás en Argentina están más hacia Europa. Siento que nosotros tenemos que luchar más con esa hegemonía gringa, y estamos más acomplejados en algún sentido. O quieres marcar esa diferencia totalmente o ya te asimilaste y lo que quieres es que te acepten allá y triunfar en Hollywood. Estamos en esa dialéctica así tan fuerte y allá en Argentina me siento más relajado. Y por ahí aparecen cosas más originales, porque no están en esa tensión y más libres en algún sentido.

—Justamente, en Argentina hay una fuerte disputa entre la industria del cine y el Gobierno por los recortes en el INCAA. ¿Qué rol pensás que tiene que cumplir el Estado en las producciones?

- Fundamental, fundamental. Esas son políticas públicas que se tienen que mantener, porque no puede ser que los Estados no intervengan en el mercado. Y entonces, es que le llaman libre mercado, pero en realidad para mí no tiene mucha libertad, porque el que es más fuerte domina. Y eso es la libertad de aniquilar al adversario, al independiente. Eso es lo que es libre, que tú puedes aplastar a quien quieras. Entonces, ¿qué es lo que pasa? Otra vez el asunto de la diversidad. Se imponen narrativas hegemónicas y no llega la diversidad, que es tan esencial, no solo por el tema de la equidad y de la inclusión, sino por el tema de la sobrevivencia de la especie. Que nosotros sepamos qué hace un niño en la Patagonia y qué hace una señora en la frontera con Estados Unidos, de voces locales, auténticas, originales y verdaderas, de gente que está hablando desde su localidad. Eso es la fuerza que tiene la diversidad, que nos enriquece y que la necesitamos tanto. Aquí en México se llaman derechos culturales. Están garantizados por la ley, nada más que no se ejecutan. ¿Qué quiere decir? Que tú no puedes estar obligado a solo consumir un tipo de cosa. Materia de cultura. También en materia comercial, como las leyes antimonopolio. Pero culturalmente también; no puedo ser obligado a solo consumir el Hombre Araña o lo norteamericano.

En Argentina, el Día de la Madre se celebra el tercer domingo de octubre, una costumbre que distingue al país de buena parte del mundo, donde la fecha suele coincidir con mayo.

La ocasión reaviva cada año la pregunta de qué regalar, y los libros aparecen como una alternativa que combina lo afectivo con lo duradero.

Conectar con mamá a través de la lectura tiene un atractivo particular: permite compartir una historia, discutirla después y encontrar, muchas veces sin buscarlo, un espejo de la propia relación. Porque detrás de una gran historia o de un gran personaje casi siempre hay una figura materna que influye, para bien o para mal, en el rumbo de la trama.

A veces se trata de una madre ausente que deja una herida que atraviesa generaciones; otras, de una presencia tan fuerte que termina por moldear el destino de quien la rodea. La siguiente selección reúne siete títulos recientes que, de maneras muy distintas, tocan ese nervio.

Escalera interior - Almudena Grandes

Lumen publicó Escalera interior, el libro que completa el legado de Almudena Grandes, fallecida en 2021. La selección, a cargo de Elisa Ferrer, reúne las narraciones, escenas y crónicas que la autora española publicó cada quince días en El País Semanal, textos donde construyó personajes y vidas cotidianas con la misma atención que dedicó a sus novelas mayores.

El volumen funciona como un retrato de la propia Grandes: sus páginas tienen el olor del salitre de Cádiz y el bullicio de Madrid, los ruidos domésticos y las confidencias de los patios de luces. La autora de Las edades de Lulú y de la serie Episodios de una Guerra Interminable recibió a lo largo de su carrera el Premio de la Fundación Lara, el Premio Nacional de Narrativa y el Premio Elena Poniatowska, entre otros reconocimientos, y su última novela, Todo va a mejorar, se publicó de forma póstuma.

El chico que dibujaba constelaciones - Alice Kellen

Alice Kellen, seudónimo de la escritora española Silvia Hervás, es autora de El chico que dibujaba constelaciones, una historia de amor construida en torno a Valentina y Gabriel, dos personajes que atraviesan la vida tratando de sostener la promesa del “para siempre”. Nacida en Valencia en 1989, Kellen publicó dieciséis novelas que fascinaron a más de tres millones de lectores, entre ellas Nosotros en la luna y La teoría de los archipiélagos.

En su paso por la 49ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, donde reunió a más de mil personas, la autora explicó a Infobae que busca personajes con luces y sombras: “Me motivan los personajes que tienen luces y sombras, que se equivocan, que evolucionan y que reflejan lo humano”. Kellen también reivindicó la legitimidad de la novela romántica frente a los prejuicios que todavía enfrenta el género: “Escribir sobre el amor es igual de legítimo que cualquier otro tema”.

Roto - Beta Suárez

Roto es la segunda novela de la escritora argentina Beta Suárez, que narra la separación de Julia y Romeo, una pareja de cuarenta años sin hijos que intenta terminar su relación con la misma calma con la que la empezó, aunque el plan se desarma apenas comienza. La autora construyó una historia sin antagonistas, donde el amor simplemente se agota sin que medie un responsable.

En diálogo con Infobae, Suárez explicó: “No quería escribir una historia donde haya un malo, un bueno, porque la vida en general no es así”. El libro es una historia que combina el humor negro con momentos de una ternura que no busca esconder lo incómodo de los vínculos.

Maldita - Florencia Canale

Florencia Canale publicó Maldita, una novela que reconstruye la figura de Erzsébet Báthory, la noble húngara del siglo XVI conocida como la Condesa Sangrienta, acusada de torturar y asesinar a cientos de mujeres jóvenes entre 1590 y 1610. El libro llegó después de más de dos años de investigación que incluyeron visitas a tres castillos vinculados a la vida de la condesa, repartidos en distintos países de Europa Central.

La autora argentina vinculó la obsesión de Báthory por la juventud eterna con el mandato de la belleza que atraviesa a las mujeres en distintas épocas, una reflexión que conectó de manera directa con la figura de su propia madre: “Le hubiera gustado tanto leer esta novela”, dijo a Infobae. Canale definió a su protagonista como “una furia desesperada” y explicó que su interés se dirige hacia personajes femeninos que se reconocen como victimarios desde el inicio de la historia.

Vivir contigo - Satoshi Yagisawa

Satoshi Yagisawa, autor japonés nacido en Chiba en 1977 y ganador del Premio Literario Chiyoda en 2008 por Mis días en la librería Morisaki, publicó Vivir contigo, una novela que sigue a Yoichi y Yukari, dos hermanastros que deben rehacer su vínculo después de perder a sus padres en un accidente. La historia pertenece al subgénero conocido como cozy fiction, caracterizado por privilegiar la calidez y la introspección por sobre el conflicto.

El libro construye su emoción desde los detalles domésticos: las recetas que la madrastra de los protagonistas dejó escritas, el reparto silencioso de las tareas del hogar y la dificultad de ambos hermanos para expresar lo que sienten. La llegada de un gato al jardín familiar funciona como punto de partida para una pequeña aventura que termina por acercarlos.

Las gratitudes - Delphine de Vigan

Anagrama publicó Las gratitudes, de la escritora francesa Delphine de Vigan, nacida en 1966 en Boulogne-Billancourt y consagrada internacionalmente con su novela No y yo (2007). El libro narra, a través de dos voces cruzadas, los últimos meses de vida de Michka Seld, una anciana que pierde el habla por una afasia mientras intenta cumplir un último deseo: agradecer a quienes la salvaron de morir en un campo de exterminio durante la ocupación alemana.

Una de esas voces pertenece a Marie, la vecina a la que Michka cuidó durante la infancia cuando su madre se ausentaba; la otra, a Jérôme, el logopeda que la asiste en el geriátrico. Con un estilo contenido, la novela aborda la memoria, el envejecimiento y la gratitud hacia las personas que marcaron una vida, en una trama donde la ausencia de la propia madre de Marie encuentra, en Michka, una forma de reemplazo afectivo.

El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes - Tatiana Tibuleac

Tatiana Tibuleac, escritora moldavo-rumana nacida en Chisináu, es autora de El verano en que mi madre tuvo los ojos verdes, considerada un fenómeno literario en Rumanía desde su publicación en 2016. La novela sigue a Aleksy, un pintor que atraviesa un bloqueo artístico y que, por recomendación de su psiquiatra, revive el último verano que pasó junto a su madre en un pueblo vacacional francés.

El relato recorre el rencor, la tristeza y la rabia de un hijo que debe perdonar a la madre que lo rechazó, mientras ambos enfrentan juntos la enfermedad que la consume. Tibuleac, que se dio a conocer en 1995 con la columna “Historias verdaderas” en el periódico Flux, recibió el premio de la Unión de Escritores Moldavos por esta obra, que fue traducida a numerosos idiomas.

Murió el artista Carlos Bissolino, cuya obra pictórica, desarrollada desde los ’70 exploró el espacio, los paisajes oníricos y el color.

Formado junto a Luis Felipe Noé y con una etapa decisiva de trabajo en Roma durante los años 80, dejó una producción que pasó de las ilusiones de profundidad y los marcos recortados a composiciones de fuerte protagonismo cromático, además de una extensa trayectoria docente en universidades argentinas.

Óleos, acrílicos, técnicas mixtas sobre tela e tinta sobre papel forman parte de una producción que alternó entre formatos grandes y medianos. En sus trabajos más recientes predominaban el gouache, la témpera, la acuarela, la tinta y otros procedimientos sobre papel.

Su última gran exposición, Antología Flotante, reunió casi 80 obras distribuidas en tres salas del Centro Cultural Recoleta. La muestra evitó la forma de una retrospectiva convencional: el título propuso reconsiderar las piezas desde una perspectiva abierta, sin fijarlas en un recorrido definitivo.

En aquella muestra, además, se presentaron una serie de objetos, con “un imaginario sin bordes, donde los muebles adquieren elegantes rasgos animales; donde la sensualidad se expande en direcciones insospechadas y el azar traza sus patrones inhumanos”.

Durante un largo período, Bissolino investigó las posibilidades espaciales de la pintura mediante cuadros de marcos recortados, escaleras aparentes e ilusiones de profundidad sobre el plano pictórico. Esa etapa estuvo marcada por una atmósfera metafísica y por la tensión entre la superficie material de la tela y la percepción de un espacio que parecía extenderse más allá de sus límites.

Con el tiempo, el color se convirtió en el núcleo de su trabajo. Las formas, los objetos y los elementos de la naturaleza aparecen aligerados de su peso material, en composiciones que aluden a lo sobrenatural y remiten al uso cromático de los simbolistas.

El propio artista sintetizó su vínculo con la tradición pictórica en una frase: “Yo estoy pintando y pienso que la pintura ya se hizo”.

Bissolino estudió pintura y dibujo con Luis Felipe Noé. En 1981 obtuvo la Beca Francesco Romero, concedida por el Fondo Nacional de las Artes y la Embajada de Italia, y luego continuó su formación en la Scuola di Arti Ornamentali di San Giacomo, en Roma.

Vivió y trabajó en la capital italiana entre 1982 y 1989. Aquella experiencia coincidió con una etapa de intensa producción durante los años 80, antes de su regreso a la Argentina.

En 2004 creó una cátedra de pintura en la Universidad Nacional de las Artes, que se consolidó como un espacio de investigación sobre el plano pictórico. Hasta 2023 fue titular de la materia Proyectual de Pintura en esa institución.

También fue titular de las materias Medios Expresivos II y III de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual de la Universidad Nacional de La Plata. Su labor docente dejó una influencia directa en artistas como Agustín Fernández, Sol Ganim, Rodolfo Marqués, Ramiro Oller, Juan Reos y Gonzalo Silva.

Ese grupo fue responsable de gestionar Antología Flotante y consensuar la selección de las obras exhibidas. La propuesta buscó que las pinturas pudieran ser repensadas fuera de una lectura cronológica o cerrada sobre la trayectoria del artista.

A lo largo de su carrera recibió el Segundo Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales en 2010 y el Segundo Premio Novartis del Museo Nacional de Bellas Artes en 1997. En 1981 obtuvo el Premio Pío y Amalia B. de Collivadino del LXX Salón Nacional de Artes Plásticas.

Entre sus reconocimientos también figuran el Gran Premio Pintura Fundación Federico Lanús-Fondo Nacional de las Artes y el Premio Ezequiel Leguina del LXVIII Salón Nacional de Pintura, ambos en 1979, además del Primer Premio Nuevos Valores del Dibujo de la Galería Altamira, recibido en Buenos Aires en 1977.

Este año, donó al Museo Moderno 22 dibujos sin título, realizadas entre 2020 y 2024, aunque varias de ellas fueron iniciadas en 2005 o 2014 y retomadas durante el período de reclusión de la pandemia.

La leyenda de Hollywood Danny DeVito, que presenta en el Festival de Sitges Drag, película de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, que produce junto con sus hijos Jake y Lucy DeVito, ha asegurado en un encuentro con la prensa que “todo se está volviendo conservador”, por lo que “debemos recuperar el cine independiente”.

El estadounidense, mito del cine gracias a sus papeles en Alguien voló sobre el nido del cuco, Gemelos o Batman Returns, la dirección de Matilda y La guerra de los Roses o la producción de Pulp Fiction, recibió este jueves el Gran Premio Honorífico de Sitges, lo que considera “un honor”.

“Es maravilloso estar aquí, porque sé que me quieren y yo los quiero, porque ustedes aman el cine y el cine es mi vida. Desde que era un niño, entrar en una sala a oscuras y contemplar esta magnífica exposición de historias humanas me emocionaba profundamente. Así que estoy muy feliz de que me hayan invitado y me alegra muchísimo que vayan a rendirme este homenaje”, ha admitido el productor.

Además de la distinción, DeVito presenta en competición oficial Drag, una comedia negra protagonizada por su hija Lucy DeVito, Lizzy Caplan y John Stamos, un género sobre el que ha asegurado que le da “libertad”.

“Cuanto más oscuro, mejor. Me gusta el viejo precepto de zarandear a los personajes, hacer que suban a un árbol, amenazarlos con un palo y luego dejarlos bajar. A mí, cuando consigo que suban al árbol, me gusta tomarles el pelo”, ha seguido el productor de Drag, que ha confesado su gusto de joven por Dean Martin, Jerry Lewis o los Tres Chiflados.

La cinta tiene mucho de eso, ya que sitúa a dos hermanas, Lucy DeVito y Lizzy Caplan, entrando a robar en una casa en medio del bosque, lo que las lleva a situaciones tan sangrientas como chistosas, en un camino ya explorado por DeVito en Tira a mamá del tren, La guerra de los Roses o Death to Smoochy.

La libertad de la comedia negra

“Esperamos seguir los pasos de Danny, porque ha participado en la creación de historias maravillosas y, como él mismo ha dicho, la libertad de la comedia negra reside en que puedes ir en cualquier dirección, siempre con la idea de sorprender al público”, han suscrito Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, directores de Drag.

Sobre esa libertad, DeVito ha enfatizado que “las cosas están cambiando y todo se está volviendo muy conservador”, aunque poco a poco el “péndulo está oscilando y hay algo más de espacio para explorar”.

“Debemos recuperar el cine independiente. Los grandes conglomerados empresariales tienen que producir un determinado número de películas al año, pero estamos hablando de artistas. Estamos hablando de Greg y Raviv, de personas apasionadas por sus proyectos individuales, y eso es lo que queremos apoyar. No es fácil, pero tampoco es imposible”, ha agregado el productor.

Ese plural incluye a Jake y Lucy DeVito, quienes trabajan junto a su padre dentro de la productora Jersey Films 2nd Avenue, una labor que, según el hijo menor, “permite ampliar la familia” con el resto de miembros del equipo a través de “una experiencia muy comunitaria”.

“Somos una familia muy unida y crecimos viendo películas, yendo a rodajes y aprendiendo a amar el cine, así que nos entendemos muy bien y tenemos una conexión especial. Somos muy afortunados de tener esta oportunidad de trabajar juntos, crear juntos y colaborar”, ha seguido Lucy.

Evidentemente, Danny DeVito reconoce su implicación junto a su mujer Rhea Perlman en la educación cinéfila de sus hijos, que desde pequeños pasaron de los dibujos animados a ver películas de Hitchcock con cinco años.

“Entonces, en casa surgían preguntas: ‘¿Qué es el blanco y negro?’ o ‘¿Qué son los subtítulos?’. Así que fui introduciéndolos poco a poco en el cine y, al final, ellos tomaron la iniciativa. Ahora son ellos los que me llevan a mí”, sentencia DeVito orgulloso.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Quique García.

El ciclo Esenciales presentará en el Palacio Libertad el concierto Charly sinfónico coral el sábado 17 de octubre, a las 20 h, y el domingo 18, a las 19 h. La producción homenajeará a Charly García con una relectura sinfónica y coral de su trayectoria en Sui Generis, Serú Girán y su carrera solista.

La actividad será gratuita y requerirá entradas. La reserva virtual estará disponible desde dos días antes de cada función, a partir de las 14 h, hasta agotar el cupo, con un límite de dos localidades por persona; los menores deberán ingresar acompañados por un adulto.

La propuesta, concebida originalmente por Valeria Ambrosio, tendrá arreglos y dirección musical de Gaby Goldman. Participarán la Sinfónica Juvenil Nacional Libertador San Martín y el Coro Nacional de Música Argentina.

El repertorio incluirá Inconsciente colectivo, Seminare, Desarma y sangra y Canción de Alicia en el país. La función del sábado se transmitirá en vivo por la radio en línea del Palacio Libertad.

Quienes completen el formulario deberán retirar las entradas físicas el día de la función, desde las 14 h y hasta el inicio, en los mostradores de la planta baja. También se entregará un cupo de localidades directamente en la boletería durante esa jornada, hasta agotar la capacidad de la sala.

Leer poesía hoy puede ofrecer una pausa frente a la velocidad de la información y una forma de volver sobre las palabras, sus ritmos y sus sentidos. En esa búsqueda, los poemas no se presentan como respuestas cerradas, sino como piezas que acompañan, interpelan y a veces protegen. Evaristo Carriego lo formuló así: “Si hallas la canción dura, / es porque cada estrofa tiene algo de armadura, / que al corazón resguarda de la flecha amistosa”.

Con esa imagen como punto de partida, estos cuatro libros de poesía (Carriego, Antonio Machado, Alfonsina Storni y Gustavo Adolfo Bécquer) proponen recorridos distintos por una escritura que resiste, observa y deja marcas. Se los adquiere de forma gratuita en BajaLibros.

La armadura íntima

Poesías completas reúne la producción lírica de Evaristo Carriego, quien murió en Buenos Aires en 1912. No se trata de un poemario concebido y editado por el autor en vida, sino de una recopilación póstuma que ordena una obra atravesada por el barrio, la experiencia urbana y una sensibilidad marcada por las tensiones de su tiempo.

El volumen permite seguir la variedad de registros de Carriego y volver al verso que guía esta selección. La “armadura” de cada estrofa nombra una defensa ante la herida, pero también una manera de decirla. La edición póstuma conserva el conjunto de una voz que la muerte interrumpió temprano, sin aislarla de las zonas sociales y afectivas que recorren sus poemas.

El tiempo toma la palabra

Con Nuevas canciones, Antonio Machado reunió en 1924 un libro central de su trayectoria. Sus poemas trabajan con formas breves y con imágenes ligadas al paisaje, el paso del tiempo y la reflexión sobre la propia escritura, en un momento posterior a los grandes libros que habían consolidado su lugar en la poesía española.

La lectura de Nuevas canciones muestra una búsqueda de concentración: cada texto reduce la anécdota y deja espacio para la observación. El libro propone una poesía atenta al tiempo y a la memoria, donde una escena, un objeto o una figura del paisaje pueden sostener una pregunta que no necesita resolverse.

Una voz poético inconfundible

La Poesía completa de Alfonsina Storni reúne toda la producción lírica de la autora publicada entre 1916 y 1938, abarcando desde su primer poemario, La inquietud del rosal, hasta su obra póstuma, Mascarilla y trébol. Esta recopilación cronológica permite apreciar la evolución de su voz poética a lo largo de las décadas. Además, esta nueva versión de la editorial Leamos contiene un prólogo a cargo de Marina Mariasch.

La música después de la pérdida

Las Rimas de Gustavo Adolfo Bécquer constituyen una obra central del posromanticismo español y una de las colecciones de poesía de mayor influencia en lengua española. Fueron publicadas de forma póstuma en 1871 por iniciativa de sus amigos, después de la muerte del autor, y fijaron un conjunto de composiciones de tono íntimo y estructura depurada.

El libro vuelve una y otra vez sobre el amor, la pérdida, la creación poética y los límites del lenguaje. La brevedad y la música de las Rimas sostienen una intensidad que prescinde de la grandilocuencia. Esa economía expresiva explica parte de su persistencia y permite leerlas como poemas que todavía interrogan la relación entre emoción y palabra.

ARTE

Galería NN inaugura su primera sede porteña en San Telmo

La galería de arte contemporáneo NN, con sede en La Plata desde 2016, abrirá su primer espacio propio en Buenos Aires, con una sala de exhibición en planta baja y, en el primer piso, un ambiente donde el arte contemporáneo convive con muebles de colección de la mano de Retrodeco. Para la apertura se presentará una exhibición colectiva del staff de la galería y artistas invitados, entre ellos Porkeria Mala, Amanda Tejo Viviani, Renata Molinari, Eva Moro Cafiero, Nicolás Bacal, Yuyyu Puleston, Matías Ercole, Julien, Sofi Finkel, Carlos Segovia, Carlos Gutiérrez, Foguel, Mateo Valbuena y Marta de la Gente, dirigidos por Virginia Martín y Facundo Belén. La apertura se realizará el viernes 16 de octubre, de 19 a 23. La entrada es libre y gratuita.

* Galería NN, Bolívar 646, C.A.B.A

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Fundaremos Buenos Aires, primera muestra individual de Nazarena Miranda

Con curaduría de Naiara Fiuza Cominguez, la Galería POPA presentará Fundaremos Buenos Aires, primera exposición individual de Nazarena Miranda. La muestra reúne un cuerpo de obras en las que la artista articula distintas búsquedas materiales y conceptuales desarrolladas en los últimos años: pinturas sobre lienzo conviven con obras realizadas sobre sábanas y superficies intervenidas mediante procedimientos que incorporan óleo, arena y fuego, en un lenguaje donde la transformación de la materia participa activamente en la construcción de sentido. El cuerpo y la piel constituyen uno de los núcleos persistentes de la producción de Miranda, que aparece fragmentado, superpuesto, doblado o parcialmente disuelto en la materia pictórica. La muestra puede visitarse los viernes y sábados, de 12 a 16, y para otros días y horarios puede coordinarse una cita previa. La entrada es libre y gratuita. Hasta noviembre.

* Galería POPA, Gral. Gregorio Aráoz de Lamadrid 882, C.A.B.A.

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Habitar el misterio: Arte, humanidad y trascendencia

Con motivo de la visita del Papa León XIV a la Argentina, el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina y la Bienal de Arte Sacro Contemporáneo presentan Habitar el misterio: Arte, humanidad y trascendencia, exposición curada por María Pimentel de Lanusse y Verónica Parselis que reúne obras de las ediciones XIII y XIV de la Bienal, en diálogo con la encíclica Magnifica Humanitas. Participan, entre otros, Diana Aisenberg, Mirta Kupferminc, Ángela Copello, Diego Fontanet y Franco Darío Vico. La inauguración será el lunes 26 de octubre, a las 18, y la muestra podrá visitarse hasta el domingo 8 de noviembre, de lunes a domingo, de 11 a 19. La entrada es libre y gratuita.

* Pabellón de las Bellas Artes, Pontificia Universidad Católica Argentina, Av. Alicia Moreau de Justo 1300, C.A.B.A.

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Mi discurso es el silencio: Mi canto el grito, de Juan Carlos Romero

El Museo Comunitario Isla Maciel inaugurará la muestra Mi discurso es el silencio. Mi canto el grito, dedicada a Juan Carlos Romero (1931-2017), uno de los grandes referentes de la gráfica y el arte político argentino. La exposición propone recuperar el legado del artista y su concepción del arte como herramienta para intervenir la realidad, en un territorio donde el muralismo, la gráfica y la producción colectiva forman parte de la identidad del barrio. La entrada es libre y gratuita.

* Museo Comunitario Isla Maciel, 3 de Febrero 1570, Isla Maciel, Avellaneda, Provincia de Buenos Aires.

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Éclat, de Rosario Briones

Éclat, primera exposición individual de Rosario Briones, con curaduría de Ale Roux. La muestra reúne obras de las series Derivas, Intervalos y Latente, en las que el agua, el pigmento y el movimiento corporal convierten la pintura en el registro de un instante único e irrepetible. Briones trabaja sobre papel, tela, acrílico y chapa, incorporando materiales del diseño industrial y del universo automotor que vinculan su obra con su propia historia familiar. La exposición inauguró el 1º de octubre y podrá visitarse hasta el 10 de noviembre.

* OTTO Galería, Paraná 1158, C. A. B. A.

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El movimiento contemporáneo de la joyería en América Latina

Guda Pecadora presenta El movimiento contemporáneo de la joyería en América Latina, exhibición colectiva y lanzamiento en español del libro homónimo, realizado en articulación con Núcleo Joalheria de San Pablo, dirigida por Chrissie Barban. La muestra reúne piezas de más de 50 artistas de la región, entre ellos Roxana Casale, Carmen Romero y Débora Santángelo por Argentina, junto a creadores de Brasil, Chile, Colombia, España, Guatemala y México. La apertura y presentación del libro se realizó el sábado 26 de septiembre, y la exhibición cerrará el sábado 24 de octubre a las 19.

* Guda Pecadora, Chacabuco 866, San Telmo, C.A.B.A.

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Geografías del gesto, cuatro artistas entre Chile y Argentina

El Centro Cultural MATTA presenta Geografías del gesto, exposición con curaduría de Christine Clément que reúne a Luciano Garbati, Nieves Legaspi, Solange Heilenkotter y Carlos Fernández en un diálogo entre Chile y Argentina a través de la escultura, la pintura, el relieve y la instalación sobre el cuerpo, la memoria y el territorio. La muestra puede visitarse hasta el 24 de octubre, de martes a sábado de 12 a 19, con entrada libre y gratuita.

* Centro Cultural MATTA, Embajada de Chile, Tagle esquina avenida del Libertador, ingreso por Plaza República de Chile, C.A.B.A.

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Y yo me levanto para contar una historia, de Paula Parisot

Y yo me levanto para contar una historia, muestra de Paula Parisot con curaduría de César Oiticica Filho, se exhibe hasta el 17 de octubre. La exposición propone un recorrido por las narrativas que la artista construye a través de sus imágenes y materiales, y puede visitarse de manera libre de martes a viernes de 12 a 18 y sábados de 14 a 18, con entrada libre y gratuita.

* Espacio Cultural Palacio Pereda / Embajada del Brasil, Arroyo 1142, CABA

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Cal, de Lázaro Blanco y Pablo López Luz

Desde el 12 de septiembre, la Fundación Larivière presenta Cal, exposición que reúne más de medio centenar de obras de los fotógrafos mexicanos Lázaro Blanco y Pablo López Luz. Con curaduría de Alexis Fabry, la muestra propone un diálogo entre dos generaciones unidas por una misma búsqueda: revelar, en la arquitectura popular mexicana, una belleza construida a partir de la luz, la materia, el color y el paso del tiempo. La exposición puede visitarse de jueves a domingo, de 12 a 19. La entrada general cuesta $6.000; jubilados y estudiantes (con acreditación) pagan $4.000, mientras que vecinos de La Boca (con documentación) y menores de 18 años no abonan entrada.

* Fundación Larivière, Caboto 564, C. A. B. A.

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Estado de Asamblea, de Gabriela Golder

Estado de Asamblea, exhibición de Gabriela Golder, reúne videoinstalaciones, archivos, textos, canciones, carteles y testimonios en torno a la asamblea como dispositivo de acción. Mujeres y diversidades de distintas generaciones y territorios toman la palabra, votan y proponen a lo largo de cinco obras distribuidas en distintos espacios de ArtHaus: “No hay espectadores”, “Estado de Asamblea”, “Las presentes”, “El repertorio” y “Toda forma de Estado”. La muestra permanece abierta hasta el 17 de enero de 2027.

* ArtHaus, Bartolomé Mitre 434, C. A, B. A.

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Natura Ficta, muestra colectiva en Galería La Oficina

Galería La Oficina presentará Natura Ficta, exposición colectiva de Paula Otegui, Julio Alan Lepez y Pablo Noce, que propone revisar las formas en que habitamos, imaginamos y construimos nuestra relación con la naturaleza. En las pinturas de Noce, paisajes naturales e imágenes digitales conviven y se superponen; Lepez introduce el artificio como parte constitutiva de toda representación, y Otegui crea escenarios exuberantes donde cuerpos, animales y vegetación se entrelazan, en un cuestionamiento de la herencia de dominación entre lo humano y lo no humano. La inauguración se realizará el sábado 31 de octubre, a las 18, y la muestra podrá visitarse hasta el sábado 5 de diciembre, los viernes y sábados, de 17 a 20, o con cita previa. La entrada es gratuita.

* Galería La Oficina, Humboldt 311, Villa Crespo, C.A.B.A.

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Brasilia: la construcción del futuro y Singular Plural: Imaginaciones sobre lo múltiple en el Arte Correo

El Museo Universitario de Diseño (MUD) de la Universidad Nacional de Lanús inaugura Brasilia: la construcción del futuro, con obras del fotógrafo Marcel Gautherot sobre el nacimiento de la capital brasileña entre 1958 y 1960, y Singular Plural: Imaginaciones sobre lo múltiple en el Arte Correo, con curaduría de Julio Lamilla y Clarisa López Galarza, a partir del archivo del artista platense Edgardo Antonio Vigo. Ambas propuestas inauguraron el viernes 11 de septiembre y permanecerán en exhibición hasta fines de diciembre de 2026, con visitas de lunes a viernes de 12 a 17. La entrada es libre y gratuita.

* Museo Universitario de Diseño (MUD), avenida Hipólito Yrigoyen 5612, Remedios de Escalada, Lanús, Provincia de Buenos Aires.

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Preludio para la vida de un fauno

Preludio para la vida de un fauno es una muestra dedicada a Rodo Bulacio y Rolo Juárez, dos artistas que durante la década de 1990 marcaron la escena de Tucumán y desafiaron los códigos de una tradición conservadora. Con curaduría de Carlota Beltrame, la exposición reúne cerca de 30 obras de ambos creadores y puede visitarse hasta el 6 de noviembre, de lunes a viernes de 10 a 19.

* Biga Art Gallery, Arenales 1181, C. A. B. A.

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Una copita llena de miel, nueva muestra de María Luque en Galería Mar Dulce

Una copita llena de miel es la quinta exposición individual de María Luque en Galería Mar Dulce y presenta 23 obras nuevas en arte textil cosido a mano, inspiradas en servilletas antiguas, retazos de tela y una colección de hilos de colores que la artista fue reuniendo con el tiempo. Junto con la exposición principal se presenta +COLECTIVA97, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería e invitados.

Visitas de martes a sábados de 16:00 a 19:00. Hasta el 17 de octubre de 2026. Entrada libre y gratuita.

* Galería Mar Dulce, Uriarte 1490, C. A. B. A.

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Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

• Vestir mundos, inaugurada el 10 de septiembre de 2026 y que se podrá visitar hasta el 1 de marzo de 2027, es una muestra basada en el archivo de la Fundación IDA que reúne a creadores argentinos de indumentaria como Martín Churba, Jessica Trosman, Vero Ivaldi, Vicki Otero, Cora Groppo, Mariano Breccia, Mercedes Martínez, Clara de la Torre, Diana Dai Chee Chaug, Roxana Liendro, Romina Cardillo, Juliana García Bello, Mariángeles Aguirre, Paula Aguirre y Milagros Pereda. La exposición explora prácticas que recuperan oficios artesanales, trabajan con cooperativas y colectivos urbanos, e incorporan materiales naturales y biomateriales frente a los desafíos ambientales del siglo XXI. Curaduría: Franco Chimento y Raúl Flores.

• Bosques Umbral, inaugurada el jueves 20 de agosto, con curaduría de Nicolás Cuello y obras de Gala Berger, Flavia Da Rin, Lulo Demarco, Alejandra Mizrahi, Toni Morales, Eva Moro Cafiero, Yhomara Muñoz y Jimena Travaglio, explora las relaciones entre tecnología y hábitat a través de arquitecturas fantásticas, fábulas digitales y artefactos ecotécnicos. Hasta el 1° de agosto de 2027.

• Luis Camnitzer: Todo por aprender: La resurrección de Simón Rodríguez, inaugurada el jueves 20 de agosto, con curaduría de Alfredo Aracil, recupera el pensamiento del filósofo y educador venezolano Simón Rodríguez para ponerlo en diálogo con el arte, la educación y la inteligencia artificial. La muestra incorpora una obra realizada por estudiantes del Instituto Vocacional de Arte Manuel José de Labardén y se presenta junto al libro Luis Camnitzer: Más allá de la inteligencia, disponible en la web del museo. Hasta el 1° de febrero de 2027.
• Océano interior, hasta abril de 2027. Invita a aventurarse en las profundidades oceánicas a través de obras de artistas, arquitectos y científicos que abordan los paisajes polares y la inmersión como encuentro con lo remoto y lo íntimo. Curaduría: Alfredo Aracil, en diálogo con Victoria Noorthoorn y Patricio Orellana. Segundo subsuelo (Sala I).
• Naturaleza arquitecta, hasta abril de 2027. Invita a reconocer a la naturaleza como protagonista de las prácticas creativas y sociales, con obras de artistas que proponen escuchar las historias de bosques y ríos y aprender de los animales otra forma de ver el mundo. Curaduría: Patricio Orellana, en diálogo con Victoria Noorthoorn. Asistencia curatorial: Florencia Morel. Coordinación general: Agustina Vizcarra y Noelia Magnelli. Planta baja (Salas A y B).
• Desde el origen, de Ariel Cusnir, hasta abril de 2027. La acuarela más grande realizada por el artista, un gran mural ejecutado con agua de mar traída de Necochea que transforma el espacio de ingreso del museo en un cuaderno de viajes. Curaduría: Raúl Flores. (Espacios de circulación común en planta baja).
• Moderno y MetaModerno: Edición 70 Aniversario, hasta abril de 2027. Ambiciosa exposición del Patrimonio del Museo con más de 300 obras seleccionadas de un acervo de más de 8000 piezas, que ofrece un recorrido por los movimientos del arte argentino moderno y contemporáneo. Curaduría: Victoria Noorthoorn, Patricio Orellana, Pino Monkes, Franco Chimento, Nicolás Cuello, Raúl Flores, Jorge Ponzone y Valeria Semilla. (Salas C, E y F).
• Materiales para la memoria, de Ana Gallardo, hasta abril de 2027. Escenifica los gestos íntimos a los que el arte recurre para sostener la presencia de quienes nos faltan, con recuerdos que anidan en la arquitectura de lo doméstico. Producción: Edgar Lacombe. Texto: Nicolás Cuello. (Café Moderno).

* Museo Moderno, en Av. San Juan 350, CABA.

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Teatro San Martín

• Luz de Oriente, de Gabriel Giovanetti (FotoGalería Sara Facio - Hall del Teatro San Martín). La FotoGalería Sara Facio del Teatro San Martín presenta un recorrido fotográfico por los caminos de la fe musulmana a través de las inmensidades de Asia, desde los enclaves de China hasta las ciudades de Bujará y Samarcanda. La obra del artista argentino Gabriel Giovanetti (Buenos Aires, 1955-2023) propone una mirada sudamericana que combina la sensibilidad artística con la observación antropológica, y retrata un mundo de polvo, soledad y marginación donde sus personajes conservan la dignidad de reyes en el exilio. Texto curatorial: Hilda Lizarazu. Dirección: Claudio Larrea. Producción: Irupé Tentorio. Martes a viernes de 14 a 21; sábados y domingos de 13 a 20. Entrada gratuita.

* FotoGalería Sara Facio, Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530, C. A. B. A.

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• Territorio efímero, de Carlos Furman. El Teatro San Martín presenta una selección de trabajos de la última década de Carlos Furman, uno de los fotógrafos de teatro más destacados de la Argentina, con retratos y escenas de grandes obras de teatro, danza y títeres, junto a imágenes diseñadas para la promoción de espectáculos. La muestra busca explorar el límite entre la fotografía como documento y como propuesta visual autónoma. Dirección: Claudio Larrea. Producción: Irupé Tentorio. Martes a viernes de 14 a 21; sábados y domingos de 13 a 20. Entrada gratuita.

* Hall Alfredo Alcón, primer piso del Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530, C. A. B. A.

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Muestras en el MALBA

• Colección Malba—Costantini: Latinoamérica en expansión. A partir del 1 de mayo. En el marco de su 25° aniversario, el museo presenta una selección del acervo y de la colección particular de su fundador, Eduardo F. Costantini. Alrededor de 150 piezas creadas entre 1900 y la década de 1970 se distribuyen en once núcleos que trazan los itinerarios del modernismo latinoamericano. Curaduría: María Amalia García, Alejandra Aguado y Nancy Rojas. Visitas guiadas: Miércoles y sábados a las 16:00, a partir del 2 de mayo. A partir del 1 de mayo. Nivel 1.

* Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), en Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA.

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Muestras en el Centro Cultural Recoleta

• HABITAR, XX Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires. El Centro Cultural Recoleta es una de las sedes de la XX Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, cuya propuesta curatorial para esta edición, HABITAR, invita a reflexionar sobre el habitar humano en el planeta. La programación en el CCR incluye El calderón de tierra cruda, instalación ganadora del concurso franco-argentino Architexture: Aquí y mañana; los Premios de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea - Premios Mies van der Rohe 2026, y la exposición internacional Form Follows Fiction: Seis indagaciones, curada por Vladimir Belogolovsky. La muestra abrió el sábado 3 de octubre, y se extenderá durante todo el mes, con entrada sin cargo para argentinos y residentes.

• Melodía encadenada, de Andrés Aizicovich, recupera la imagen de la inmersión para reflexionar sobre el acto creativo y los procesos de comunicación. La muestra presenta una serie de pinturas con cuerpos flotantes y contorsionados atravesados por una línea de agua que funciona como umbral entre la superficie y la profundidad, y se completa con cinco cabezas-vasijas que hacen circular agua en un circuito cerrado, volviendo visible y audible aquello que habitualmente permanece intangible: la memoria, los relatos y las formas mediante las cuales una comunidad comprende el mundo. Curaduría: Javier Villa. En la sala 4.

• Eslabón de leyes es la primera exposición individual de Manuel Sigüenza. La muestra surge de su fascinación por un conjunto de cerámicas halladas en la década de 1930 en el arroyo Leyes, provincia de Santa Fe, y propone pensar la cerámica arqueológica y la contemporánea como una materialidad capaz de activar viajes en el tiempo y conservar algunos de los relatos más antiguos de la cultura argentina. A partir de esos restos, desplaza la pregunta sobre qué son estos objetos para indagar qué producen y cómo operan en la construcción de imaginarios, instituciones y relatos que se transforman a lo largo del tiempo. Curaduría: Javier Villa. En la sala 10.
• El juguete rabioso: 100 años. Curada por Sylvia Saítta y Juan Maisonnave, homenajea la primera novela de Roberto Arlt con un gran mural de tapas de diversas ediciones, ilustraciones, obras de artistas plásticos, un ejemplar de la primera edición y una réplica de la máquina de escribir Underwood citada por el autor. En las salas 2 y 3. Disponible hasta marzo de 2027.
• Plástica escatológica. A cargo del artista Martin Farnholc Halley, reúne pintura, ensamblaje y video en un universo atravesado por la música, los vínculos personales y materiales de la vida cotidiana, en diálogo con la tradición abstracta argentina. En la sala 5. Disponible hasta el 25 de octubre.
• Homenaje a Mireya Baglietto. Inauguración: 30 de abril. El primer homenaje del 2026 es a Mireya Baglietto, artista visual argentina, investigadora y creadora del Arte Núbico. La creadora interviene el espacio temporal de la Sala Histórica con su tradicional propuesta núbica: telas pintadas que simulan un cielo recubren y cuelgan del techo y el público es invitado a percibir el espacio mediante el celular, con el vidrio de la pantalla como si fuera un espejo ubicado a la altura de los ojos. Caminar, mirar el reflejo que se produce en el vidrio del aparato y acceder a una nueva dimensión en la que se invierten las referencias tradicionales, convirtiendo el cielo en tierra. Una pequeña reproducción de los trabajos de gran formato que la artista desplegó en las salas del centro cultural en décadas pasadas. En la Sala Histórica. Disponible hasta el 25 de octubre de 2026.

* Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA.

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Arte en el Centro Cultural Borges

• Damiana Poggi concibe y dirige Triggear, una obra que explora la espera como disposición corporal y política a partir de las requisas rutinarias del penal, con performance en video de Rodolfo Opazo, Quillén Mut y Juan Francisco López Bubica, diseño sonoro de Guillermina Etkin y Miguel Masllorens, y acompañamiento artístico de Diana Szeinblum. La pieza indaga en los pliegues de la coerción y la vigilancia, entre danza, erotismo y disciplina corporal, con producción general de Julieta Hantouch. En el Espacio Beta.

• Vista previa, muestra que reúne obras fotográficas de Andrea Ostera realizadas entre 1993 y 2026. La selección se aparta de los trabajos más conocidos de la artista, vinculados a la experimentación con la materialidad fotográfica, y recupera una zona de su producción compuesta principalmente por tomas directas, donde la luz funciona como hilo conductor entre escenas del mundo visible. Curaduría de Gabriel Valansi. En el Espacio Bon Marché.

• El Jardín Estrangulado, del artista Miguel Harte, presenta un árbol maquínico e híbrido construido a partir de fragmentos naturales, copias artificiales y estructuras visibles, en fricción con un conjunto de seres emergentes que parecen pertenecer a otra fase evolutiva. La obra propone el jardín como un cuerpo en crisis, atravesado por brotes, tensiones y derrames, donde naturaleza y máquina se confunden. En el Octógono.

• Rumores, apariciones y algunas criaturas extraordinarias, con curaduría de Guillermina Mongan, indaga las poéticas fantásticas contemporáneas del territorio platense desde una perspectiva interdisciplinaria que articula la historia del arte, la filosofía política de la imaginación y la micropolítica del deseo. La muestra propone entender la fantasía como una tecnología crítica capaz de intervenir el inconsciente colectivo estructurado por las lógicas del capitalismo contemporáneo. Participan los artistas Ezequiel Herrera, Weingart, Pablo Pérez Torres, Julieta Rockera, Julia Cossani, Durnzno, Julia Varela, Laura Pires, Regina Igarzabal, Mijail de Amieva, Lucía Delfino, Lucrecia Giménez, Martín Bozo, Paloma Catalá del Río, Sofía Canteli, Vic Asu, Matías Quintana, Fran Carranza, Juan Simonovich y MRA. MR. En el Piso 3.

• Tratado de repetición reúne esculturas y relieves de Luis Terán que recorren los principales ejes de su práctica: un método basado en la repetición de gestos y procedimientos en el que cada obra deriva de la anterior. Maderas, sogas, telas, plásticos y otros materiales recuperados conforman el punto de partida de una producción que encuentra en el descarte nuevas posibilidades, mientras las huellas y texturas de esos materiales permanecen visibles como testimonio de su historia. Curaduría: Laura Spivak. En el Piso 1.
• Wunderkammer: Cámara de maravillas. Inspirada en las antiguas cámaras de maravillas europeas de los siglos XVI al XVIII, la muestra de Nicola Costantino reúne flores imposibles, máquinas, criaturas híbridas y dispositivos en movimiento en una gran escenografía inmersiva. En el Espacio Berni.
• Luz constructiva, de Gonzalo Maciel. Intervención espacial que investiga la naturaleza dinámica del color a partir de su triple condición: color luz, color pigmento y color sustractivo, mediante tubos LED, planos pintados y acrílicos semitransparentes.  En el Acceso.
• Si el desierto crece, ¡entonces cavemos!, de la artista Leila Tschopp, interviene la arquitectura del espacio con una pintura mural y cinco pinturas colgantes sobre MDF, realizadas con acrílico y arena de silicio. La obra construye un paisaje quebrado que alude tanto a la pintura metafísica como a proyectos arquitectónicos de la modernidad latinoamericana, en los que figuras humanas aparecen solas o en dúos, cayendo o intentando levantarse, atravesadas por el desánimo y la finitud. El título retoma una frase de Nietzsche en Así habló Zaratustra y remite al desierto como paisaje y metáfora de la incertidumbre. Visitas de miércoles a domingo de 14:00 a 21:00. Entrada libre y gratuita. En el Espacio Borges.

Horario de visita: de miércoles a domingos, de 14 a 21. Entrada gratuita.

* Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA.

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Adriana Bustos, Código natal: los orígenes cósmicos del Museo

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta esta exposición curada por Mariana Marchesi, con el dibujo monumental Carta natal del Museo Nacional de Bellas Artes, obra especialmente comisionada a la artista para celebrar los 130 años de la institución. Bustos traza allí un zodíaco personal con reinterpretaciones de obras de la colección. Presenta además el video Plutón en la Casa de Bombas, que recupera la memoria de los piletones subterráneos del edificio, y el dibujo Planisferio celeste del Museo, donado por la artista para la colección del Bellas Artes. Puede visitarse hasta el 7 de noviembre, en el primer piso, de martes a viernes, de 11 a 19:30, y los sábados y domingos, de 10 a 19:30.

* Museo Nacional de Bellas Artes, en Av. del Libertador 1473, C. A. B. A.

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PEINARTE, de Pedro Roth

El atelier de Daniel Calderón presenta PEINARTE, exposición de pinturas y dibujos de Pedro Roth, con curaduría de Ana Aldaburu y Damián Roth. La muestra despliega un imaginario propio de Roth, rico en personajes, mitologías urbanas y presencias fantasmagóricas, y propone consagrar el atelier como un territorio vivo donde el arte habita los gestos cotidianos, en un diálogo entre la creación contemporánea y los escenarios del cuidado estético.

* Atelier de Daniel Calderón, República Árabe Siria 3124, 1° B, C. A. B. A.

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En MALBA Puertos, Paula Castro: Jugar las pinturas

Curadora: Alejandra Aguado. Malba Puertos presenta juegos escultóricos de Paula Castro que toman como punto de partida cinco obras de arte latinoamericano, resultado de una investigación que la artista viene desarrollando desde 2021. El conjunto de cinco juegos incluye la reedición de dos diseños y la presentación de tres exclusivos inspirados en la colección del museo.

* Malba Puertos, en Alisal 160 Bahía, Puertos, Belén de Escobar, Provincia de Buenos Aires.

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Instantáneas en el Subte

Emova inaugura en la estación Las Heras de la Línea H la tercera edición de su exposición itinerante, una propuesta artística que invita a descubrir espacios inéditos del Subte. Los 12 participantes elegidos retrataron el Puesto Central de Operaciones, el Centro de Monitoreo de infraestructura y tres talleres históricos: Polvorín, Parque Patricios y Lacarra. Como novedad, la muestra incorpora una obra audiovisual realizada con cámara analógica Super-8. Se puede visitar, además, de manera virtual, ingresando a https://emova.com.ar/index.php/instantaneas-en-el-subte-2026.

* Estación Las Heras, Línea H, Avenida Pueyrredón y la Avenida Las Heras, C. A. B. A.

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Los museos porteños presentan sus exposiciones

Programación de las muestras que ofrece actualmente la red de MuseosBA.

• Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Av. Infanta Isabel 555, Parque Tres de Febrero, CABA):

1. La estilización del esfuerzo, Agustín Riganelli. Retrospectiva. Colección Sívori. Primera gran exposición dedicada al escultor argentino en más de tres décadas, esta retrospectiva reúne obras de la colección del Museo Sívori: esculturas en mármol, bronce, piedra, yeso y madera, junto con dibujos y monocopias, que permiten recorrer la amplitud de la búsqueda artística de Riganelli, con obras que se presentan al público por primera vez. La muestra es resultado del sostenido trabajo de investigación, catalogación y restauración que el Sívori desarrolla sobre el acervo de Riganelli, integrado por más de 800 obras. Curaduría: Teresa Riccardi y Ayelén Pagnanelli. Hasta el 22 de noviembre.
2. Atmosferismo, Alejandra Seeber. Exposición producida en el marco del programa de artistas contemporáneas argentinas Visibles en la Tempestad que reúne pinturas al óleo de gran formato en las que Seeber aborda el género del paisaje. Su trabajo indaga en la tensión entre la intemperie y el cobijo, la condición de alerta en la naturaleza y los modos en que el humano percibe y habita el entorno. Hasta el 22 de noviembre.

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• Museo de Arte Español Enrique Larreta (Av. Juramento 2291, CABA):

1. Intervenciones Mínimas VI. En esta ocasión se presentará una obra de Mariano Ferrante, en acrílico sobre tela, perteneciente a la colección del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires). En la sala Escritorio del Museo Larreta. Curaduría: Delfina Helguera.
2. Árboles, de Martín Reyna. La exposición reunirá obras de distintas etapas de la trayectoria de Martín Reyna, desde 1990 hasta la actualidad, centradas en el árbol como motivo de exploración de la naturaleza, la representación y el acto de pintar. Con curaduría de Santiago Bengolea, la propuesta se extenderá por distintos espacios del museo, incorporando las salas temporarias, el pasillo de las salas, el baño patrimonial y el escritorio de las salas permanentes. Inauguración: viernes 23 de octubre, a las 17.

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• Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco – Sede Palacio Noel (Suipacha 1422, CABA):

FUEGUINOS: Imaginarios visuales de las tierras australes. Fotografías de Tierra del Fuego de los siglos XIX y XX. Hasta el 16 de noviembre. Esta exposición fotográfica explora los imaginarios visuales construidos en torno a los pueblos originarios australes a través de imágenes de los siglos XIX y XX, reuniendo un valioso corpus fotográfico registrado por expedicionarios, científicos y misioneros en el extremo sur de América. Curadora invitada: doctora Margarita Alvarado Pérez.

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• Museo de Bellas Artes de Artistas Argentinos Benito Quinquela Martín (Av. Pedro de Mendoza 1835, CABA):

1. Maestros: El Bosque y el Árbol, de Gaby Messina. Exposición de Gaby Messina, con la curaduría de Helena Ferronato y Silvina Amighini, que reúne retratos fotográficos y registros audiovisuales de algunos de los artistas más importantes del país en los espacios donde desarrollan sus obras. Esta exhibición ofrece una mirada profunda y cercana a los procesos creativos de destacados artistas mayores de 65 años, entre ellos Luis Felipe Noé, Marta Minujín, Gyula Kosice y Julio Le Parc.

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• Museo de Arte Popular José Hernández - MAP (Av. del Libertador 2373, CABA)

1. XXII Salón de Arte Textil en Pequeño y Mediano Formato. Exposición de las obras premiadas y seleccionadas en la última edición de este Salón, coorganizado por el Museo de Arte Popular junto a su Asociación de Amigos y declarado de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, que muestran la riqueza en técnicas, la combinación de lo tradicional con lo experimental, la utilización de materiales orgánicos, inorgánicos o sintéticos y la expresión de texturas, volúmenes y colores. Además, en el jardín del museo se exhibe Aguayo, una obra de arte digital de Diego Javier Alberti. Hasta el 25 de octubre.
2. La riqueza del monte. La exposición propondrá un diálogo entre el monte santiagueño y sus representaciones artísticas, a través de piezas artesanales que darán cuenta del vínculo entre el entorno natural y las prácticas culturales de la región: obras de cerámica, hilados, tejidos y madera, junto con instalaciones, materiales audiovisuales y un biombo inspirado en la flora del monte. La muestra permitirá conocer el trabajo de la Asociación Adobe, que desde hace 25 años trabaja en la preservación de la cultura y el patrimonio del monte y en el fortalecimiento de sus artesanos. Inauguración: miércoles 7 de octubre, hasta el 21 de marzo de 2027.

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• Museo de la Ciudad (Sede Querubines, Defensa 223, CABA)

Buenos Aires Museo (BAM) abrió por primera vez en su historia una exposición permanente dedicada a la historia y la cultura de la ciudad, con propuestas interactivas que recorren los orígenes de la metrópoli hasta una proyección de su futuro. La muestra combina objetos patrimoniales con dispositivos tecnológicos para trazar las transformaciones de Buenos Aires y de la sociedad porteña a lo largo de los siglos.

La exhibición organiza su recorrido en torno a los hitos que moldearon la ciudad: sus primeros tiempos, las escenas culturales que la definen y una invitación a imaginar cómo será la urbe en las próximas décadas. El acceso es gratuito los miércoles.

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(Sede Elorriaga, Defensa 225, CABA)

El otro Perotta presentará material inédito del archivo fotográfico de José Luis Perotta, resultado de un proceso de recuperación, catalogación e investigación llevado adelante por el Museo de la Ciudad. La exposición ampliará la mirada sobre la trayectoria del fotógrafo y su producción, incorporando trabajos vinculados con la moda, la publicidad, los retratos de personalidades de la cultura y un amplio conjunto de fotografías personales, que exceden su conocida relación con el rock argentino. Inauguración: jueves 22 de octubre, 17.

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• Museo de Esculturas Luis Perlotti (Pujol 644, CABA)

1. Lo arcaico por venir. Esculturas de Antonio Oriana y Rubén Locaso. Hasta el 12 de octubre. En el marco del ciclo Homenaje a Grandes Maestros, que pone en valor figuras relevantes de la escultura argentina, esta muestra articula un diálogo entre las obras de Antonio Oriana y Rubén Locaso, proponiendo un recorrido por dos modos de concebir la práctica escultórica y su relación con la temporalidad, en sus esculturas y obras bidimensionales. Curaduría: María José Pérez. En la sala del primer piso del museo.
2. Umbrales y constelaciones, de Mariana Brihuega y Andrea Bloise. Hasta el 15 de noviembre. Reúne trabajos realizados entre 2017 y 2026 por dos artistas con formación escultórica compartida y lenguajes divergentes: Brihuega trabaja con metal y objetos recuperados; Bloise desarrolla una pintura de paisaje onírico y dimensión metafísica. Curaduría: María José Pérez.

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• Museo Casa Carlos Gardel (Jean Jaurés 735, CABA)

Gardel, lo real, lo simbólico, lo imaginario, de Jorge Muscia. Hasta fin de año 2026. Una retrospectiva que reúne una selección de obras realizadas por el artista y maestro fileteador Jorge Muscia a lo largo de casi cuarenta años de trabajo de producción artística inspirada en la figura de Carlos Gardel. El poeta Horacio Ferrer bautizó a Muscia como El fileteador del tango, debido a su labor artística retratando a las figuras icónicas del género.

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• Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra (Crisólogo Larralde 6309, CABA)

1. La forma de las palabras. Herramientas, usos y espacios de escritura en el siglo diecinueve. La exhibición pone en diálogo las colecciones del Museo Histórico Saavedra y del Museo de las Escuelas para pensar en perspectiva histórica las profundas transformaciones culturales y tecnológicas que atraviesan las prácticas de escritura y lectura. Las palabras, sus técnicas y sus objetos como parte del modo en que imaginamos y construimos lo propio. Hasta fin del año 2026.
2. Buena Madera. Los jardines del museo serán un espacio donde la escultura no solo se exhibirá sino que también se creará frente al público. Realizada en colaboración con el Museo de Esculturas Luis Perlotti, la muestra presenta obras de destacados escultores: Adriana Badii, Christian Faccini, Darío Klehr, Jorge Gionco, Adriana Mazzotta, Juan Carlos Mercurio y Juan Alfredo Percivalle. Además, los artistas Darío Klehr y Jorge Gionco realizarán varias jornadas de talla en vivo. Hasta el mes de noviembre.

MUSEOS BA: Los museos están abiertos de lunes a viernes de 11 a 19, y los sábados, domingos y feriados de 11 a 20 (excepto el Museo Quinquela Martín, cuyo horario es lunes de 11 a 16, miércoles a domingos de 11 a 18). Los martes permanecen cerrados. Entrada general $10000; residentes argentinos y/o extranjeros con DNI, $2000. Miércoles, sin cargo. Los jubilados, ex combatientes de Malvinas, estudiantes universitarios, con presentación de acreditación, personas con discapacidad junto con un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

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Museo Ana Frank

Recorridos guiados por cuatro salas con objetos originales de la época, la única recreación de la Casa de Atrás y el castaño original al que Ana le escribía en su diario. Jueves, viernes, sábado y domingo: visitas particulares de 14 a 18. 2 x 1 en la entrada general los jueves y domingos (solo en efectivo).

* Centro Ana Frank Argentina, Superí 2647, C. A. B. A.

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Colón Fábrica

Recorrido por las grandes escenografías del Teatro Colón, con vestuarios y elementos originales de las principales producciones del primer coliseo. Circuitos gratuitos todos los martes con previo retiro de entradas por la boletería. Abre de lunes a domingos de 10 a 18.

* Colón Fábrica, Av. Pedro de Mendoza 2147, C. A. B. A.

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TEATRO

Una obra más real que la del mundo

Con dirección de Juan Coulasso e idea y concepción dramatúrgica junto a Victoria Roland, Una obra más real que la del mundo propone una caminata a la deriva por el Cementerio de la Chacarita, donde un grupo de actores oficia de guías erráticos entre las galerías de este laberinto en el corazón de la ciudad. La octava temporada presenta una nueva versión del recorrido, tras el inicio de las obras de recuperación del Sexto Panteón, con menos subsuelos y hormigón, pero con más cielos, árboles y criptas. Guían el recorrido Flor Sánchez Elia, Ignacio Pereyra León, Verónica Gerez, Nahuel Caputto y Victoria Roland. Las funciones se realizan el sábados 17 y 31, y domingos 11 y 18 de octubre, a las 14:30, y el domingo 1 de noviembre, a las 14:30. Las entradas son a colaboración, con cupo limitado, y se habilitan semanalmente, el lunes anterior a las funciones de ese fin de semana, a las 14:30, a través de Alternativa Teatral.

* Cementerio de la Chacarita, Av. Guzmán 680, C.A.B.A.

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Clamores

Con dirección y dramaturgia de Rocío Maruenda, propone una trama central protagonizada por una escritora de la que se desprenden varios relatos: su mejor amigo y su amante se desvelan, un grupo de artistas amateur graba un videoclip en un teatro prestado, dos compañeros de oficina tienen dificultades de comunicación afectiva y un bar cambia de año demasiado rápido, mientras la música suena todo el tiempo. Las preguntas que atraviesan la obra lanzan a la escritora en un recorrido nocturno por las calles del centro de Buenos Aires, bajo la premisa de que hay que inventar cuando la realidad no alcanza. El elenco está integrado por Vera Rotman, Emanuel Heredia Vouillat, Josefina García, Ángeles Fernández, Sabrina Sutelman, Joan Molins, Ignacio Vallejos y Rocío Maruenda. Las únicas cuatro funciones de la temporada se realizan los sábados, a las 22, desde el 17 de octubre hasta el 7 de noviembre. Las entradas pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* La Carpintería Teatro, Jean Jaurès 858, C.A.B.A.

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Estrellada

Escrita y dirigida por Verónica Litvin, Estrellada es un unipersonal interpretado por Victoria Baldomir que narra la historia de Marina, una astrofísica que, tras alcanzar un hallazgo revolucionario, es desvinculada formalmente del proyecto que lideró mediante una carta. Inspirada en historias reales de mujeres cuyos aportes científicos fueron apropiados o invisibilizados por investigadores hombres durante el siglo XX, la obra combina humor, ironía, ternura y drama mientras la protagonista revisita sus descubrimientos, sus vínculos y aquello que todavía puede sostenerla, con el universo de la astronomía como metáfora central de la puesta. Las siete funciones se realizan los jueves, a las 21, del 15 de octubre al 26 de noviembre. Las entradas pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* NüN Teatro Bar, Juan Ramírez de Velasco 419, C.A.B.A.

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La Casa de Monkey Island, de Rebekka Kricheldorf

Con dirección de Monina Bonelli y Juan Branca, La Casa de Monkey Island tendrá su estreno en Latinoamérica en el marco del Programa Expandido del encuentro Pausar la IA. En la pieza, la inteligencia artificial atraviesa la creación como concepto y materialidad, funciona como herramienta de construcción escénica, excusa narrativa y personaje digital: presentada inicialmente como una reflexión sobre la ética animal y el marketing alimentario, la obra revela gradualmente su verdadero enfoque, la adicción digital y la manipulación de la subjetividad por sistemas invisibles, a través del humor y la ironía. Actúan Ariel Pérez De María, Mayra Homar, Laura Cymer y Sergio Mayorquin. El estreno fue el sábado 10 de octubre, a las 14, con funciones los sábados 17, 24 y 31 de octubre, a la misma hora. La entrada es gratuita.

* Casa de la Cultura, subsuelo, Av. de Mayo 575, C.A.B.A.

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Entre tus siestas

Con dramaturgia de Brenda Howlin y codirección junto a Flor Micha y Santiago Swi, Entre tus siestas es una comedia que cruza el teatro físico, la danza y la música para sumergirse en el puerperio de una madre que, junto a su pareja, se enfrenta a la contradicción entre el amor por su hijo y la pérdida total de su vida. La obra, ganadora del primer premio en el Certamen Iberoamericano de Dramaturgia Carlos Schwaderer y declarada de interés social por la Legislatura Porteña, está protagonizada por Débora Zanolli y Martín Tecchi. Las funciones se realizan los jueves, a las 21:30, durante octubre y noviembre. Las entradas son a la gorra y pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* Teatro Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A.

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Shamrock

Escrita por Brenda Howlin y dirigida por Nano Zyssholtz, la obra Shamrock propone una comedia en verso, física y absurda sobre mujeres irlandesas enviadas vírgenes a Buenos Aires para encontrar marido y ser felices para siempre, que al llegar se encuentran con engaños, pasos de tango, scones, amistad y empoderamiento. El elenco está integrado por Gaby Páez, Pablo Kusnetzoff, Caro Setton y Justina Grande. La quinta temporada propone cinco únicas funciones a la gorra, los sábados de octubre, a las 22. Las entradas pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* Espacio Aguirre, Aguirre 1270, C.A.B.A.

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Paternoster, de Jacobo Langsner

Con dirección de Mateo Chiarino, expone la pasividad colectiva ante el avance del fascismo, escondido detrás de una ilusión de libertad y moral civilizada. La obra narra la historia de Elena, una mujer joven que alquila una pieza de su casa a un matrimonio mayor, conservador y reaccionario, en una convivencia donde la tensión pasa de la humorada a la oscura perversión. Actúan Cecilia Cósero, Mucio Manchini y Delfina Valdiviezo. El reestreno se realizó el viernes 9 de octubre, a las 22:30, con funciones los viernes, a la misma hora.

* Teatro Almagna, Guardia Vieja 3783, C.A.B.A.

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Hablar largo

Con dramaturgia y dirección de Leandro Airaldo, vuelve al universo de la comunicación y los vínculos afectivos en un escenario rural: Silvana, reconocida actriz, llega a una casa en el campo para visitar a su hijo Julián y a su novia Carolina, en un reencuentro atravesado por una revelación que expone la fragilidad de los vínculos y vuelve urgente la necesidad de hablar. El elenco está integrado por Nicolás Asprella, Alejandra D’Agostino y Mónica Driollet. La obra se estrenará el domingo 11 de octubre, a las 20, con funciones todos los domingos a la misma hora. Las entradas cuestan 15.000 pesos durante octubre, en el marco del Festival del Pueblo, y 24.000 pesos durante noviembre, y pueden adquirirse a través de Alternativa Teatral.

* Teatro del Pueblo, Lavalle 3636, C.A.B.A.

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Las perras

Las perras, escrita por Lucila Quarleri y dirigida por Malena Saito, es una tragicomedia sobre la amistad entre mujeres y las formas singulares de atravesar una pérdida, protagonizada por Maia Lancioni, Martina López González, Delfina Oyuela y Fernando De Rosa. La obra sigue a tres amigas que se reencuentran en Bragado, su pueblo de infancia, tras la muerte de la cuarta integrante del grupo. Las perras se estrena el 4 de octubre y continuará los domingos de octubre y noviembre a las 19, al aire libre, en el patio de Animal Teatro.

* Animal Teatro, Castro 561, C.A.B.A.

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Todos los días estoy aburrida y lloro: Diarios tempranos

Natali Aboud escribe, junto con Daniela Korovsky y Josefina Botto Todos los días estoy aburrida y lloro: Diarios tempranos. Con dirección de Aboud, esta obra está construida a partir de los diarios íntimos que Korovsky y Botto escribieron durante su adolescencia, entre 1995 y 2006. Lejos de un relato lineal, la pieza trabaja con fragmentos que se asocian entre sí, en una estructura cercana a la lógica de la memoria, donde Korovsky y Botto se observan, se leen y se exponen frente a las adolescentes que fueron. Las funciones se realizarán los miércoles 7, 14 y 28 de octubre, y el miércoles 4 de noviembre, a las 21:30. Las entradas cuestan 33.000 pesos, que pueden conseguirse en Alternativa Teatral.

* Dumont 4040, Santos Dumont 4040, C.A.B.A.

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Delfina

Pilar Fridman escribe, codirige junto a Guido Turtula y protagoniza Delfina, obra que narra los días de Ana en un hospital, donde recibe una carta que promete un reencuentro con su padre en los Alpes Suizos y emprende un viaje insólito a través de la selva amazónica. Interpretan la pieza Marina Artigas, Lola Banfi, Pilar Fridman, Marcos Medrano, Debora Nishimoto, Malena Resino, Antonella Saldicco, Miguel Sorrentino y Max Suen. La obra se estrena el sábado 3 de octubre, a las 20, y continuará los sábados de octubre y noviembre a la misma hora. Las entradas cuestan 28.000 pesos, con descuento para estudiantes a 25.000 pesos.

* Espacio Callejón, Humahuaca 3759, C.A.B.A.

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No me dejes así, con el elenco original

Eugenia Guerty, Claudio Martínez Bel, César Bordón y Néstor Caniglia retoman, veinte años después de su estreno, No me dejes así, con dirección de Enrique Federman y colaboración autoral de Mauricio Kartun. La obra sigue a cuatro personajes en un reencuentro errático, de pocas palabras, llantos y risas, sin que nada se diga sobre la razón que los reúne. La pieza, ganadora del Premio Teatro del Mundo a la Mejor Dramaturgia en 2005, se presenta los sábados a las 23, y en octubre suma funciones los lunes a las 20. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral.

* Timbre4, México 3554, C.A.B.A.

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Un paraíso a orillas del río

El dramaturgo y director Bruno Tignanelli estrena Un paraíso a orillas del río, pieza que aborda un aspecto del terrorismo de Estado poco explorado desde el teatro: la violencia estatal ejercida sobre personas de la comunidad LGBTIQ+. Ambientada a mediados de la década del 70, la obra narra la historia de amor entre Osvaldo y Miguel, dos actores transformistas cuyo vínculo es desmembrado por la dictadura cívico-militar, en un relato ficcional inspirado en hechos reales. El elenco está integrado por Nicolás Maiques, Taiu Braver y Leandro Sandonato. La obra se estrenará el miércoles 7 de octubre, con funciones los miércoles y jueves, a las 20:30. Las entradas tienen un valor de 25.000 pesos, con descuento para estudiantes y jubilados, y pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* Teatro Asterión, Zelaya 3122, C.A.B.A.

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Putamadre

Caro Fernández y su hijo Santiago Laborde protagonizan Putamadre, obra basada en la novela de autoficción de Fernández, con dramaturgia de Tere Donato y Fernández, bajo la dirección de Felicitas Kamien. La pieza recorre a dos voces la historia de una madre y un hijo atravesados por el consumo problemático, la privación de la libertad y los límites de un sistema que expulsa a quienes no encajan. Se estrena el viernes 2 de octubre y continuará todos los viernes a las 21:30. Las entradas cuestan 35.000 pesos, disponibles a través de Alternativa Teatral.

* Dumont 4040, Santos Dumont 4040, C.A.B.A.

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Las traiciones, de Juan Andrés Romanazzi

Juan Andrés Romanazzi escribe y dirige Las Traiciones, una relectura teatral de Helena, Penélope y Ulises, despojados del heroísmo clásico y arrojados a un presente marcado por la precariedad y la supervivencia cotidiana. Interpretan la obra Paula Mbarak, Iván Moschner y Laura Silva. Las funciones se realizan los martes de septiembre y octubre a las 20:30. Las entradas cuestan 22.000 pesos, con descuento para estudiantes y jubilados a 20.000 pesos, disponibles en Alternativa Teatral.

* El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, C.A.B.A.

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La Zapatería (crónica de mujeres calzadas)

Alfredo Allende escribe y dirige La Zapatería (crónica de mujeres calzadas), nueva obra de la compañía Síndrome de Eureka ambientada en una zapatería de barrio en 1972, donde el fervor ideológico de la época irrumpe en la rutina cotidiana. Interpretan la obra Flor Orce, Florencia Pineda, Julia Nardozza, Florencia Patiño y Mirna Cabrera. Las funciones se realizan los sábados de septiembre y octubre a las 20. Las entradas cuestan 20.000 pesos, disponibles en Alternativa Teatral.

* Centro Cultural de la Cooperación, avenida Corrientes 1543, C.A.B.A.

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Hotel Julio César

Obra que sigue a un hijo y una madre dueños de un hotel en la Costa Atlántica, donde un día de carnaval hace que la verdad y el deseo pujen por salir a flote. Interpretan la obra Ana María Castel, Guido D’Albo, Sebastián Dartayete, Laura Otermin y Alcira Serna. Escrita por Laura Otermin y dirigida por Patricio Azor.

Funciones: sábados a las 17. Las entradas cuestan 26.000 pesos, a la venta en Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

* El Método Kairós, El Salvador 4530, C.A.B.A.

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Centro Cultural Borges

• Minué compasivo, de Juan Ignacio Fernández. Con dirección de Cecilia Meijide, la obra propone una trama donde el amor y la política se entrelazan en el invierno de 1806, a días de la primera invasión inglesa: Mariano regresa a Buenos Aires y es recibido por sus tres hermanas, Helena, América y Josefina, últimas descendientes de una familia inglesa que añora volver a Europa, mientras la llegada del ejército invasor reordena deseos, alianzas y pasiones en la ciudad. El elenco está integrado por Yanina Gruden, Manuela Iseas, María Emilia Ladogana, Juan Ignacio Bianco, Julián Cardoso, Julián Chertkoff, Matías Corradino y Marco Gianoli. Las funciones se realizan los jueves 8, 15, 22 y 29 de octubre y los domingos 4, 11, 18 y 25 de octubre, y 1 de noviembre, a las 20. Sala Mercedes Sosa.

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• La noche dos veces. Con dramaturgia y dirección de Mora Monteleone, la obra propone dos noches separadas por diez años que avanzan en simultáneo, como en un thriller o juego de espejos: una en abril de 1982, cuando dos chicos y dos chicas vuelven de una fiesta mientras el país entra en guerra, en una noche de secretos, traiciones y decisiones que se toman sin saberlo, y otra en 1992, cuando esas dos chicas se reencuentran tras diez años sin hablarse. El elenco está integrado por Yanina Gruden, Martina Zalazar, Tom CL, Federico Pezet y Mora Monteleone. Las funciones se realizan los viernes 2, 9, 16, 23 y 30 de octubre y los sábados 3, 10, 17, 24 y 31 de octubre, a las 19. Sala Mercedes Sosa.

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• La mujer puerca, de Santiago Loza. Con dirección de Lisandro Rodríguez, narra la historia de una mujer que ha vivido a pleno para conseguir la santidad sin lograrlo, de naturaleza puerca, mundana y terrenal, en la tragedia de la materia que no está hecha para la trascendencia. Protagonizada por Valeria Lois, la pieza se define como la travesía de una huérfana, con melodrama y humor, atravesada por el amor no correspondido y la necesidad de amar en medio del silencio. Las funciones se realizan los sábados 10, 17, 24 y 31 de octubre, a las 17. Sala Astor Piazzolla.

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• El retrato punzó. Escrita y dirigida por Damián Drezik, la obra se ambienta en Buenos Aires en 1851, cuando el régimen del Restaurador de las Leyes atraviesa su hora más crítica y el pintor Prilidiano Pueyrredón es convocado para retratar a Manuelita Rosas en lo que es, en realidad, un mandato político: el colorado punzó debe dominar la tela, aunque el artista busca imponer su visión estética por encima de la propaganda. La pieza explora, desde el delirio y la ambición, los hilos invisibles que conectan el arte con el poder. Actúan Fernando Gonet, Micaela Rey y Damián Smajo. Las funciones se realizan los miércoles 7, 14 y 21 de octubre, a las 20. Sala Mercedes Sosa.

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• Ella, el inglés. Escrita e interpretada por María Rojí, con dirección de Sergio Lombardo, Ella, el inglés propone una travesía donde canciones y textos revelan la historia de una argentina que conoce a un extranjero llegado a Buenos Aires en la década del 30, en busca del amor y su propia identidad. La música en vivo recorre temas emblemáticos del jazz, la milonga y el tango, con arreglos que subrayan las similitudes y diferencias entre culturas, en un espectáculo íntimo y entrañable. Acompañan a Rojí Fernando Albinarrate en dirección musical y piano, Marcelo Aronson en percusión y Luis Pondal en guitarra y contrabajo. Las funciones se realizarán los miércoles 14 y 21 de octubre, a las 20. Sala Astor Piazzolla.

Las entradas para todos los espectáculos son gratuitas y se retiran en Informes, con un máximo de dos por persona, desde una hora antes de cada función.

Sala Astor Piazzolla, Centro Cultural Borges, Viamonte 525, C.A.B.A.

* Centro Cultural Borges, Viamonte 525, C.A.B.A.

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Liquidación Total!, de Eliana Murgia

En una tienda de ropa vintage del barrio de Palermo, dos actrices intervienen un diario íntimo y confeccionan ficciones para probar, para usar, para vender. Una es original y la otra es copia; una es real y la otra es falsa; una miente y la otra dice la verdad, o al revés, o las dos por igual: en esa ambigüedad se despliega Liquidación Total!, escrita y dirigida por Eliana Murgia, quien también actúa junto a Fiorella Cominetti. La obra indaga en la memoria y la construcción de la identidad: qué calidad tienen los recuerdos, qué marcas dejaron y si son realmente propios o imitaciones deformes de lo que fuimos.

La pieza, seleccionada para la Residencia Incubadora de Primeras Obras del Centro de Capacitación Artística Profesional, integra el Circuito Site Buenos Aires de obras en espacios no convencionales. Se presenta los miércoles a las 20:30, y las entradas pueden conseguirse en Alternativa Teatral.

* Dudou Vintage, Guatemala 4334, C. A. B. A.

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Los runners (ya corrimos demasiado), de Gustavo Moscona

Gustavo Moscona escribe y dirige Los runners (ya corrimos demasiado), comedia absurda ambientada en la pandemia que sigue a cinco corredores que se entrenan clandestinamente durante el aislamiento para participar de un torneo internacional en Brasil. Actúan Iván Altschuler, Camila Berguier, Patricio Cullen, Verónica Kamlacz y Santiago Rulfi. La obra estrenó el viernes 2 de octubre a las 22 y continuará los viernes de octubre y noviembre a la misma hora. Las entradas se pueden adquirir en la boletería del teatro o a través de Alternativa Teatral.

* Teatro Polonia, Fitz Roy 1475, C.A.B.A.

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El cielo en una habitación, de Sonia Novello

Sonia Novello escribe El cielo en una habitación, obra sobre los caminos sinuosos del deseo que interpretan Analía Sánchez y Luis Millicay, bajo la dirección general de Claudia Mac Auliffe y ella misma. La puesta sigue a Omar, que cree haber encontrado a la mujer de sus sueños, y a Mari, que imagina otra vida a través de los vestidos de su empleadora. Las funciones se realizan los sábados a las 18.

* La Gloria Espacio Teatral, Yatay 890, C. A. B. A.

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La mesa, o las formas que toma el amor, de Andrea Ojeda

Andrea Ojeda firma el texto de La mesa, o las formas que toma el amor, dirigida por Diego Cazabat e interpretada por Alejandra Tabach, Mario Gutiérrez, Luz Miraldi, Carolina Del Valle, Ana Rodriguez, Marco Álvarez y Juan Bampini. La obra, producida por Inclaudicables, aborda las consecuencias de los modelos patriarcales y conservadores dentro de una familia que vela a su padre muerto. Las funciones se realizan los jueves a las 20, con entradas a 20.000 pesos a través de Alternativa Teatral.

* Centro Cultural de la Cooperación, Sala Raúl González Tuñón, Av. Corrientes 1543, C.A.B.A.

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La gravedad de las burbujas

La gravedad de las burbujas, con dramaturgia y dirección de Juan Pablo Galimberti, es una obra de teatro experimental que explora narrativas simultáneas: siete personajes cuentan sus historias dentro de un mismo departamento, sin conectarse entre sí. Ganadora del Premio Funámbulos Selección 2025 y del Premio Teatro del Mundo en Dramaturgia y en Actuación (Pablo Dos Reis), el elenco está integrado por Pablo Dos Reis, Francisco González Gil, Sol Kohanoff, Catriel Kucharczuk, Franco Moix, Luciana Vitale y Juan Pablo Galimberti. Funciones: en octubre los jueves, a las 20:30.

* La China Casa Cultural, Dr. Adolfo Dickman 1220, C. A. B. A.

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Informe sobre Nadie, de Theo Fernández y Benicio Chendo

Theo Fernández escribe Informe sobre Nadie, dirigida por Benicio Chendo, una pieza sobre el dramaturgo olvidado Claudio Nadie que un detective al estilo Philip Marlowe investiga para determinar si merece un homenaje oficial. Actúan Theo Fernández, Franco Gotelli, Julia Iokich, Camila Oviedo, Francisco Tramujas y Ana Paula Tucci. La obra se presenta el viernes 16 de octubre, a las 21. Las entradas cuestan 15.000 pesos y se adquieren online o el mismo día de la función en la boletería, desde dos horas antes y solo en efectivo.

* Sala Cancha, Centro Cultural Rojas UBA, avenida Corrientes 2038, C.A.B.A.

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Me gusta de oro, de Daira Basin y Alejandro Lifschitz

Daira Basin y Alejandro Lifschitz presentan esta sátira sobre el universo de las redes sociales que se desarrolla en un evento ficticio llamado “La noche de las redes sociales”. Bajo la dirección de Lifschitz, actúan Daira Basin, Graciana De Lamadrid, Andrea Francavilla, Florencia García, Isabel Gasperini, Alejandro Lifschitz y Mara Palazón. La obra, declarada de interés cultural por la Legislatura porteña, se presenta todos los viernes de octubre a las 20:30, con entrada a la gorra y reservas a través de Alternativa Teatral.

* Fandango Teatro, Luis Viale 108, C.A.B.A.

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Río de las Congojas, primera adaptación teatral de la novela de Libertad Demitrópulos

Río de las Congojas, con idea y dramaturgia de Sofía D’Amelio y colaboración dramatúrgica de Jorgelina Flury, bajo la dirección de Natalia Miranda, es la primera adaptación teatral de la novela homónima de Libertad Demitrópulos. La obra recrea la expedición de Juan de Garay hacia fines del siglo XVI, cuando una mujer soldado, María Muratore, se une a la travesía guiada por su deseo de una vida autónoma, en el marco de la primera fundación de Santa Fe y la Revolución de los Siete Jefes Mestizos. El elenco está integrado por Sofía D’Amelio, Jorgelina Flury, Luis Alberto González, Olave Mendoza y Joaquín Sesma. Funciones los sábados a las 21:00. Entradas disponibles en alternativateatral.com.

* Teatro Hasta Trilce, Maza 177, C. A. B. A.

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Vampiras, terror gótico en el litoral argentino

Vampiras, escrita y dirigida por Tona Passarelli, con actuación de Pilar Castiñeyras y Liza Polo, sitúa el universo del terror gótico en un pequeño pueblo del litoral argentino de los años noventa, donde una joven fascinada por el imaginario gótico conoce a una misteriosa mujer que oculta su verdadera naturaleza desde hace siglos. Con humor, ironía y extrañeza, la obra reflexiona sobre el deseo, el paso del tiempo y los vínculos entre mujeres. Estreno: martes 2 de septiembre a las 21:00. Funciones los miércoles de septiembre y octubre a las 21:00. Las entradas cuestan $24.000 (estudiantes y jubilados $18.000), disponibles en alternativateatral.com.

* Teatro El Grito, Costa Rica 5459, CABA

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Visitando al Sr. Green

Visitando al Sr. Green, del dramaturgo estadounidense Jeff Baron, regresa a la calle Corrientes con Facundo Arana en el papel de Ross Gardiner, un joven ejecutivo neoyorquino condenado a visitar semanalmente a un anciano viudo tras un incidente de tránsito, y Jorge Suárez como el Sr. Green. Con dirección de Santiago Doria, la obra —que cuenta con más de 600 producciones en 52 países— aborda la amistad, la empatía, la soledad y la aceptación a través del vínculo entre dos hombres separados por la edad y las costumbres. Estreno: 9 de septiembre. Funciones de miércoles a domingo hasta mediados de octubre. Entradas disponibles en Plateanet y en la boletería del teatro.

* Multiteatro, Av. Corrientes 1283, CABA

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Maldición eterna a quien lea estas páginas, de Manuel Puig

Maldición eterna a quien lea estas páginas, basada en la novela de Manuel Puig, con adaptación de Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz y dirección de Marcelo Moncarz. La obra sigue a Larry, un neoyorkino contratado para pasear en silla de ruedas a un anciano argentino amnésico y afásico exiliado en Nueva York en 1978, cuyo misterioso pasado se irá revelando en cada encuentro. El elenco está integrado por Luis Campos, Mateo Chiarino y Luz Miraldi. Funciones los domingos a las 18:00. Las entradas cuestan $25.000 (general) y $23.000 (estudiantes y jubilados), disponibles en alternativateatral.com.

* Teatro Hasta Trilce, Maza 177, C. A. B. A.

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La Tristeza, de Consuelo Iturraspe

La Tristeza, escrita y dirigida por Consuelo Iturraspe y protagonizada por Fernanda Bercovich. La obra toma como punto de partida el cuento homónimo de Antón Chéjov para trasladar su motivo central —la necesidad de compartir el dolor ante la indiferencia ajena— a una remisería contemporánea, donde Sonia, operadora, y Caballo, chofer, se comunican por radio mientras intentan atravesar el suicidio de una compañera de trabajo. Funciones todos los domingos a las 19:00. Entradas disponibles en alternativateatral.com.

* Zelaya, Zelaya 3134, C. A. B. A.

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La Companyia Hongaresa en Buenos Aires

Coro, de Paco Zarzoso, con dirección de Germán Rodríguez y Paco Zarzoso, e interpretación de Shanti Criscuolo, Paula Ituriza y Caro Setton, propone una escena doméstica —una madre, una hija, una abuela en una tarde de calor— que deriva hacia un territorio poético y ritual donde lo cotidiano revela lo oculto. Funciones los viernes a las 20:00. Las entradas cuestan $30.000, con descuento para jubilados y estudiantes. Reservas al 11 2786-1118.

* TODA Teatro, Tacuarí 964, C. A. B. A.

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La suerte ajena, de Braian Ross

La obra, con dirección de Flor Berthold, sigue a Gregorio, un jubilado solitario, y a una joven pareja embarazada al borde del desalojo, unidos por una mentira que parecía inofensiva. Lo que comienza como un improvisado plan para conseguir dinero se transforma en un juego de consecuencias imprevisibles que cambiará la suerte de todos. Actúan Juli Coria, Santiago Ceresetto, Braian Ross y Graciana Urbani. Funciones los lunes a las 20.30.

* Border Teatro, Godoy Cruz 1838, C. A. B. A.

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Encadenados, estreno de La Runfla en su 35° aniversario

El Grupo de Teatro Callejero La Runfla celebra sus 35 años con el estreno de Encadenados. O el error de los efímeros, de Héctor Alvarellos, versión sobre Prometeo encadenado, de Esquilo, con Javier Giménez en el rol protagónico y elenco integrado por Manuela Vázquez, Camila Berguier, Fernando Daniel D’Amico, Mauro Rubén Cantisani, Paine Valente y Aylen Sol Puccio. Las funciones continuarán los sábados de octubre y noviembre a las 21, con entrada a la gorra.

* Parque Avellaneda, Directorio y Lacarra, inicio en el mástil central, C.A.B.A.

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Haroldo en la luz, un homenaje escénico a Haroldo Conti

Haroldo en la luz, escrita, dirigida y con puesta en escena de Paula Mujica Lainez, es un viaje escénico por los paisajes que habitaron al escritor y militante Haroldo Conti y su compañera Marta Scavac entre 1972 y 1976, con actuación de Osmar Núñez y Lorena Szekely. La obra, atravesada por textos de Conti, recorre momentos esenciales de su vida, su literatura y sus pasiones sin seguir una reconstrucción cronológica. Funciones los domingos a las 17:30. Las entradas cuestan $25.000 (general) y $22.000 (estudiantes y jubilados), disponibles en alternativateatral.com o en la boletería del teatro.

* El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, C. A. B. A.

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La Escriba

La Escriba (Partitura poética para mujer y yarará), escrita y dirigida por Sandra Franzen e interpretada por Anahí Gadda, propone una partitura poética en la que una autora cuestiona el caos de la creación mientras su personaje vaga por el litoral argentino con la música como grito desgarrador. Escriba, mujer y yarará se transforman y se unen en el camino hacia una nueva figura: la mujer política. Funciones los sábados a las 18:00. Las entradas anticipadas cuestan $20.000 y están disponibles en alternativateatral.com o en la boletería del teatro.

* Teatro Hasta Trilce, Maza 177, CABA

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Sarmiento, la clase

Juan Leyrado interpreta a Domingo Faustino Sarmiento en una clase magistral sobre educación y progreso en la que el prócer vuelve a nuestros días y, entre la fascinación y el espanto que le provoca el presente, confronta reflexiones, confesiones, verdades incómodas y provocaciones. Una obra de Juan Francisco Dasso dirigida por Nicolás Dominici. Funciones: viernes, sábados y domingos a las 19:30.

* Sala Solidaridad, Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543, C. A. B. A.

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El trabajo

Autor: Federico León. Tras su paso por el Festival Santiago a Mil de Chile y el FITEI de Portugal, regresa a la sala Zelaya del Abasto. León toma como punto de partida los talleres que dicta desde hace quince años y se incluye como intérprete junto a Santiago Gobernori y Beatriz Rajland. La obra pone en escena a un grupo de participantes de un taller en busca de una forma de experimentación radical. Funciones: viernes y sábados a las 20.

* Zelaya, Zelaya 3134, C. A. B. A.

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Par ‘Elisa (Tiempo de despedida)

La dupla creativa conformada por Jorge Palant y Enrique Dacal sube a escena este clásico del teatro argentino. Una pareja de hombres ve alterado su ecosistema por el regreso inesperado de una mujer con historia común con ambos. Funciones: domingos a las 20. Entradas: $22.000, por Alternativa Teatral.

* Teatro Tadron, Niceto Vega 4802, C. A. B. A.

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Siete estaciones para hablar de amor

Una historia de amor en el corazón del granero del mundo, donde viven pobres desamparados y ricos desinteresados en la condición del otro. Autora: Victoria Hladilo, inspirada en el cuento “Del amor”, de Antón Chéjov. Carlos Belloso, Laura Nebole y Manuel Vignau dan vida a esta historia que cruza amores prohibidos, desigualdad y lucha de clases. Ganó el Premio Argentores 2023. Funciones: lunes a las 20.

* Teatro del Pueblo, Lavalle 3636, C. A. B. A.

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Responsable, de Susana Torres Molina

Responsable, escrita y dirigida por Susana Torres Molina, presenta el reencuentro fortuito de dos amigas después de varias décadas de distancia, a partir del cual emerge el pasado compartido —la militancia juvenil, la traición, el exilio— en una intensa indagación sobre las contradicciones íntimas de ambos personajes. El elenco está integrado por Mercedes Fraile y Silvina Katz. Funciones los domingos a las 17:00. Las entradas cuestan $25.000 (general) y $22.000 (estudiantes y jubilados), disponibles en alternativateatral.com.

* Lavalle CasAbierta, Lavalle 3644, CABA

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Espumas de Oriente

Espumas de Oriente (Un melodrama argentino), escrita por Irene Almus y dirigida por Mariana Gióvine, recrea los años 60 cuando dos actores se conocen en un radioteatro y se enamoran, mientras la llegada de la televisión amenaza ese mundo. Con tangos cantados en vivo y humor, la obra rinde homenaje a la cultura rioplatense. El elenco está integrado por Santiago Fracarolli, Juan Azar e Irene Almus, con dirección musical de Juan Azar. Estreno: viernes 11 de septiembre. Funciones los viernes a las 21:00. Entradas disponibles en alternativateatral.com o en la boletería del teatro.

* Centro Cultural de la Cooperación, avenida Corrientes 1543, CABA

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Mis cosas preferidas

Mis cosas preferidas (Pieza para cuatro personajes con uno solo en escena), escrita y dirigida por Macarena García Lenzi e interpretada por Valeria Giorcelli, regresa al Camarín de las Musas tras su aclamada temporada en España. Funciones los viernes a las 21:30. Entradas disponibles en la boletería del teatro.

* El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, CABA

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La Paciencia (fatídica sindical)

En un centro de cuidados intensivos, dos enfermeras de turno noche cometen un error que deviene en fatalidad. Al llegar la jefa de enfermería de una protesta sindical, emergen en tono de comedia negra las miserias y el desgaste psíquico de una existencia consagrada al cuidado. Elenco: Noelia Prieto, Valeria Giorcelli y Karina Elsztein. Dramaturgia y dirección: Macarena García Lenzi. Funciones: sábados a las 20. Duración: 75′.

* El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, C. A. B. A.

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Somos 5

Somos 5, escrita por Rubén De la Torre y codirigida junto a Pablo Gorlero, con actuaciones de Dana Basso, Ana Padilla, Javier Niklison y Néstor Caniglia, sigue a cinco amigos inseparables que, tras la muerte del primero del grupo, intentan cumplir su último deseo: arrojar sus cenizas en el muelle de la casa del Tigre donde siempre se reunían. Funciones todos los lunes a las 20:00, desde el 3 de agosto.

* El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, CABA

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Una

Una mujer que un día se mira de verdad y ya no se reconoce. Lo que comienza como una pequeña grieta se convierte en una avalancha de preguntas sobre la identidad. Dramaturgia y dirección: Giampaolo Samá. Protagonista: Miriam Odorico. Funciones: sábados a las 17:30. Entradas en Alternativa Teatral. Duración: 70′.

* Almagna Teatro, Guardia Vieja 3783, C. A. B. A.

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Edipo en Ezeiza

Escrita y dirigida por Pompeyo Audivert. Los personajes dudan de su identidad y asumen estar siendo abducidos por un poder invisible en esta comedia metafísica donde nada es lo que parece. Las alusiones político-históricas orquestan identificaciones que invitan al espectador a reflexionar sobre el ser y el sentir lo nacional. Funciones: domingos a las 19. Valor de la entrada: $25.000. En Alternativa Teatral.

* Espacio Experimental Leónidas Barletta (Sala Inda Ledesma), Av. Pte. Roque Sáenz Peña 943, C. A. B. A.

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El beso de la mujer araña

Con Oscar Giménez y Pablo Pieretti y dirección de Valeria Ambrosio. La obra de Manuel Puig narra la historia de dos prisioneros en la Argentina de los años 70: un militante revolucionario y un homosexual acusado de corrupción de menores. Una obra sobre ideales, libertad y el amor más allá de la sexualidad. Funciones: viernes y sábados a las 20.

* Teatro Buenos Aires, en Rodríguez Peña 411, C. A. B. A.

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Incidente en Vichy

De Arthur Miller. Adaptación y dirección: Pablo Gorlero. Nominada a 8 premios ACE, ganadora como mejor obra y mejor actor en los Premios al Teatro Independiente. Funciones: jueves a las 20. Con el auspicio del Museo del Holocausto. Entradas en Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

* El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, C. A. B. A.

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Por amar a Mara, de Diego Carreño y Carlos Belloso

Dirigida por Carlos Belloso, esta comedia dramática sigue a una pareja en crisis tras más de veinte años juntos, que decide someterse a una terapia neuroelectro-biomolecular para intentar salvar su matrimonio. Actúan Sol Canesa, Diego Carreño, Cecilia Roche y Miguel Ángel Vigna. La obra se presenta los sábados a las 20, con entradas a 23.000 pesos a la venta en Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

* La Carpintería Teatro, Jean Jaurès 858, C.A.B.A.

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1850: El último agosto, de Pablo Müller

Con dirección y versión escénica de Norberto Gonzalo, el autor Pablo Müller estrenó 1850. El último agosto, pieza que propone redescubrir al anciano libertador José de San Martín en la intimidad de sus últimas horas, a través de una charla ficcional con su amigo Tomás Guido y la sutil presencia de su hija Mercedes. Los grandes acontecimientos históricos ceden lugar a los recuerdos, las dudas, los afectos y las convicciones del hombre que cambió el destino de un continente. Actúan Jorge Capussotti, Guido D’Albo y Patricia Guillermina Rozas. Las funciones se realizan los sábados, a las 21. La entrada general cuesta 30.000 pesos, y para estudiantes y jubilados, 21.000 pesos, a la venta en Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

* Teatro La Máscara, Piedras 736, C.A.B.A.

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Experiencia Evita

Flora Ferrari encarna a Eva Perón en Experiencia Evita, propuesta que combina teatro documental, performance y relato histórico para recorrer los hitos que marcaron el destino de la figura, desde su infancia humilde hasta el doloroso desenlace que cimentó su leyenda, con imágenes de archivo y objetos auténticos, y con traducción simultánea al inglés y al portugués. El espectáculo se desarrolla junto a una cena de tres pasos con platos típicos de la gastronomía argentina. Las funciones se realizan los domingos, a las 19.

* Perón Perón San Telmo, Bolívar 813, C.A.B.A.

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CINE

Malba Cine

• Annemarie, de Mariana Sanguinetti. Mariana Sanguinetti dirige Annemarie, documental sobre su bisabuela, la fotógrafa Annemarie Heinrich, que a través de su archivo personal y testimonios de familiares y colegas construye un retrato que trasciende lo biográfico para reflexionar sobre la memoria, la vejez y el paso del tiempo. La película, con participación de Graciela Borges y Mirtha Legrand, se estrena tras su paso por el BAFICI y se proyectará del 9 al 30 de octubre, con la primera función el 9 de octubre a las 20, todos los viernes a las 20.

* Auditorio Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415, C. A. B. A.

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DANZA Y PERFORMANCE

La Casa., de Aitana Cordero

Aitana Cordero, directora y coreógrafa española, en el marco de Cabina Escénica, presentará La Casa., obra de teatro performática que indaga sobre los vínculos sociales y los lugares de pertenencia a través de una fisicalidad de la construcción y la destrucción, con un elenco integrado por Ana Paula Méndez, Flor Sánchez Elia y Mariana La Torre, seleccionadas mediante una convocatoria abierta. La agenda porteña de Cordero incluye una conversación con el curador Gonzalo Lagos el sábado 17 de octubre, a las 18, las funciones de la obra los sábado 24 y domingo 25 de octubre, a las 20, y el taller La Casa / En construcción los miércoles 28 y jueves 29 de octubre, de 13 a 16. Todas las actividades son de entrada libre y gratuita, con inscripción previa.

* Fundación Andreani, Av. Pedro de Mendoza 1987, y Teatro Verdi, Av. Almirante Brown 734, La Boca, C.A.B.A.

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Todo lo que está a mi lado, de Fernando Rubio

La obra de Fernando Rubio nace de un sueño que devuelve a la memoria una historia de la infancia, olvidada durante veinticinco años, pero alojada en algún lugar de la mente y del cuerpo. De ese espacio, a la vez concreto e imaginario, surge una búsqueda estética en torno a la intimidad, el movimiento sutil y las derivas de la memoria, donde objetos y espacios familiares se transforman a través de los cuerpos y adquieren otros sentidos. Las funciones se realizan los jueves 22 y 29, viernes 23 y 30, sábados 24 y 31 de octubre, y domingos 25 de octubre y 1 de noviembre, a las 19. La entrada es gratuita y se retira en la Mesa de Informes del segundo piso, con un máximo de dos por persona, desde media hora antes de cada función.

* Espacio Infinito, Centro Cultural Borges, Viamonte 525, C.A.B.A.

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Quimera, de Oscar Araiz

El coreógrafo Oscar Araiz estrena Quimera, una pieza concebida especialmente para La Capilla, el espacio más pequeño del Centro Cultural Recoleta. Araiz toma como punto de partida el universo poético de Federico García Lorca y la figura mitológica que da título a la obra, un monstruo con cabeza de león, vientre de cabra y cola de dragón, como alegoría de la convivencia entre naturalezas diferentes. El elenco combina primeros bailarines del Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata con intérpretes formados en danza contemporánea, flamenco y teatro del movimiento: Jazmín Gude Alonso, Valentín Fernández, Martín Álvarez, Sofía Mazza, Yamil Ostrovsky, Marcela Suez, Lucía Fucci y Sofía Muñoz. Únicas funciones: jueves 15, 22 y 29 de octubre, a las 19. La entrada es libre y sin costo para argentinos y residentes, por orden de llegada hasta agotar la capacidad del espacio.

* Sala Capilla, Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, C.A.B.A.

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8CHO, de Brenda Angiel

La coreógrafa y bailarina Brenda Angiel, pionera de la danza aérea y galardonada en 2024 con el Premio María Guerrero por sus 30 años de trayectoria, repone este espectáculo de tango danza aérea con arneses y música en vivo. La puesta reúne a trece artistas en escena, siete bailarines y seis músicos, con dirección musical de Juan Pablo Arcangeli y la participación del cantante Alejandro Guyot. La obra se presentará en cuatro únicas funciones, los domingos 4, 11, 18 y 25 de octubre, a las 18. La entrada general anticipada cuesta 25.000 pesos, la general 30.000 pesos y para estudiantes, jubilados y sindicatos, 22.000 pesos, y pueden adquirirse a través de Alternativa Teatral.

* Aérea Teatro, Bartolomé Mitre 4272, C.A.B.A.

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Ático/Vaivén/Cenizas, de Elena Dahn

La obra se construye entre fuerzas contradictorias: dar forma y destruirla, controlarla al máximo y entregarse a aquello que la excede por completo. El látex funciona como una segunda piel, una membrana que separa y conecta interior y exterior, un límite poroso entre el cuerpo y el espacio que, al envolverlo, lo contiene y lo somete a su resistencia. En el Espacio Infinito, esa investigación adquiere una nueva escala espacial y temporal, llevada al registro de lo escénico: a lo largo de ocho funciones, las obras se despliegan sucesivamente, sin duración predeterminada, mientras un público móvil entra y sale de una propuesta que nunca vuelve exactamente al mismo estado. Las funciones se realizan los viernes 16, sábados 17, y domingo 18 de octubre, a las 20. La entrada es gratuita y se retira en la Mesa de Informes del segundo piso, con un máximo de dos por persona, desde media hora antes de cada función.

* Espacio Infinito, Centro Cultural Borges, Viamonte 525, C.A.B.A.

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Festival y Premio Al Fin Solos, con dirección artística de Brenda Angiel

Aérea Teatro presentará una nueva edición del Festival Al Fin Solos, iniciativa destinada a bailarines, intérpretes y coreógrafos que desarrollan trabajos en formato solo, con el objetivo de impulsar la creación contemporánea y generar un espacio de encuentro entre artistas de distintas trayectorias. La programación, seleccionada entre más de 80 propuestas, reúne diez solos a cargo de Laura Zapata, Nelson Iván Simonelli, Mayra Bonard, Laura Cucchetti, Agustina Muñiz, Marcela Chiummiento, Esteban Cárdenas, Málavika Tara Móhanan, Daniela Ojeda con Delfina Campagnoli y Gonzalo Reartes, divididos en dos programas: el A, los sábados 10 y 17 de octubre, y el B, los sábados 24 y 31 de octubre. Con dirección artística de Brenda Angiel y jurado integrado por Angiel, Miriam Gurbanov y Susana Szperling, el festival se desarrollará los sábados de octubre, a las 20, y culminará con la entrega de premios el sábado 31 de octubre, a las 21:30. La entrada general cuesta 22.000 pesos.

• Aérea Teatro, Bartolomé Mitre 4272, C.A.B.A.

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INFANTILES

Talleres de sábados por la mañana

Niño Librería propone tres sábados consecutivos para crear entre libros. María Paz Salotto guiará el taller Tarjetas Caladas, especial por el Día de la Madre, en el que madres e hijos cortarán, calarán y jugarán con el papel, los colores y las formas para crear tarjetas únicas, el sábado 17 de octubre, de 10 a 12, con un costo de 50.000 pesos. Lila Vázquez Lareu conducirá la Sesión de Escritura Creativa, un espacio para inventar historias y jugar con las ideas, los recuerdos y las emociones sin experiencia previa, el sábado 24 de octubre, de 10 a 12, con un valor de 35.000 pesos. Por último, Marianela Muller guiará el taller Dibujando Historias: Misterio & Fantasía, en el que se crearán historias con personajes extraños y criaturas misteriosas sobre un plegado infinito, el sábado 31 de octubre, de 10 a 12. Los cupos son limitados y quienes sean parte de Casa Niño acceden a un 10% de descuento.

* Niño Librería, Donado 1652, C.A.B.A.

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El barbero de Sevilla, función distendida de El Colón para Niños

Alumnos de las carreras de Dirección Escénica de Ópera, Preparación Musical de Ópera, Canto Lírico, Danza y Artes Escenotécnicas del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, junto a su orquesta académica bajo la dirección musical de Juan Miceli, presentarán una función distendida de El barbero de Sevilla, con textos, dramaturgia y dirección escénica de Rita Cosentino. La adaptación reduce y adecua los estímulos sensoriales, como la iluminación y el sonido, para brindar una experiencia más accesible dirigida a personas neurodivergentes y a quienes presentan sensibilidad sensorial, recomendada a partir de los cinco años. La función se realizará el viernes 16 de octubre, a las 15. Las entradas están a la venta en www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del Teatro Colón, de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17.

* Teatro Colón, Tucumán 1171, C.A.B.A.

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MÚSICA

CCEBA Jazz presenta a Iturri-Sellan-Farb trío

El ciclo CCEBA Jazz, coordinado por Julia Moscardini, presentará un nuevo concierto con el trío integrado por Mariana Iturri en voz y flauta traversa, Joaquín Sellan en piano y Ramiro Farb en guitarra, con la participación del baterista y percusionista invitado Danilo Abad. La formación presentará un repertorio de jazz argentino con composiciones originales y obras de autores contemporáneos latinoamericanos, donde la voz ocupa un lugar singular como un instrumento más del ensamble, en un diálogo construido a través de la improvisación en vivo entre guitarra, piano, flauta y voz. La función se realizará el jueves 29 de octubre, a las 19. La entrada es libre y gratuita, por orden de llegada hasta completar la capacidad del espacio.

* Centro Cultural de España en Buenos Aires, Paraná 1159, C.A.B.A.

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En el Teatro Colón

• Los cuentos de Hoffmann, con dirección musical de Carlo Montanaro. La temporada lírica 2026 del Teatro Colón presenta Los cuentos de Hoffmann, ópera compuesta por Jacques Offenbach, con dirección musical de Carlo Montanaro y dirección de escena, escenografía y vestuario del memorable Eugenio Zanetti, en una producción del teatro estrenada en 2019 que, tras siete años, vuelve a subir al escenario. La función del viernes 16 de octubre, a las 20, contará con beneficios para el público sub 30: los menores de 30 años podrán adquirir las localidades generales de todo el teatro, excepto Paraíso, a 30.000 pesos, mientras que Paraíso costará 15.000 pesos. Las entradas pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17, o a través de www.teatrocolon.org.ar.
• Vida de héroe, concierto de la Orquesta Filarmónica por el Día de la Madre. Con la dirección de Srba Dinić y la participación estelar del clarinetista español Pablo Barragán como solista invitado, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires presentará el concierto Vida de héroe. El repertorio reunirá la Obertura de Nabucco, de Giuseppe Verdi, y el Concierto para clarinete y orquesta n.° 1 en fa menor, op. 73, de Carl Maria von Weber, además del poema sinfónico Ein Heldenleben (Una vida de héroe), op. 40, de Richard Strauss. El concierto tendrá su estreno en la función del ciclo de abono el sábado 17 de octubre, a las 20, con una función especial por el Día de la Madre el domingo 18, a las 11.
• Matthias Goerne canta el Winterreise, de Franz Schubert. El barítono alemán Matthias Goerne cantará el Winterreise, de Franz Schubert, en el ciclo Grandes Intérpretes. La función se realizará el sábado 17 de octubre, a las 17.

• Teatro Colón, Tucumán 1171, C.A.B.A.

• Teatro Colón, Tucumán 1171, C.A.B.A.

* Teatro Colón, Tucumán 1171, C.A.B.A.

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Concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, junto al Coro Polifónico Nacional

En el marco de su 80° aniversario, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires brindará un concierto junto al Coro Polifónico Nacional, con la dirección musical de Carlos Vieu. El programa estará dedicado a la Quinta sinfonía de Dmitri Shostakóvich y a las Danzas Polovtsianas de El príncipe Ígor, de Aleksandr Borodín. La función se realizará el viernes 9 de octubre, a las 20. Las entradas pueden adquirirse en la boletería del Teatro Colón, de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17, o a través de www.teatrocolon.org.ar.

* Palacio Libertad, Sarmiento 151, C.A.B.A.

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En el Borges

• Ciclo Cubilete: Noveno Maturín

El cuarteto argentino Noveno Maturín, integrado por Ciro Dartiguelongue, Ramiro Martínez, Martín Yeyati y Lulo Loguercio, ofrecerá un concierto que recorrerá el universo sonoro construido por la banda en el último tiempo, en plena grabación de su primer álbum de estudio, con una propuesta que dialoga con la tradición del rock nacional, la riqueza rítmica del candombe y la sensibilidad de la canción rioplatense contemporánea. El repertorio incluirá canciones del nuevo trabajo junto con sencillos ya publicados, entre ellos Quiénes serán.La función se realizará el viernes 16 de octubre, a las 20. Sala Astor Piazzolla.

Las entradas para todos los espectáculos son gratuitas y se retira en Informes, con un máximo de dos por persona, desde una hora antes de la función.

* Centro Cultural Borges, Viamonte 525, C.A.B.A.

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El Jardín Suena, un nuevo ciclo de música en el Museo Larreta

El Museo de Arte Español Enrique Larreta presenta El Jardín Suena, un ciclo de conciertos en su jardín andaluz que se desarrolla todos los sábados de septiembre a noviembre a las 17, con artistas de la escena local y regional. El sábado 19 se presenta Clarazul (canciones íntimas). La actividad está incluida con la entrada al museo, por orden de llegada y sin inscripción previa. No se suspende por lluvia. La entrada general cuesta $10.000 y $2.000 para residentes argentinos; los miércoles es sin cargo para residentes.

* Museo de Arte Español Enrique Larreta, Av. Juramento 2291, C. A. B. A.

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Visage, Los Telebolitos y Adicta

Con curaduría de Fabián Jara, el Centro Cultural Ricardo Rojas presentará un concierto encabezado por Visage, junto a Los Telebolitos, de Colombia, y Adicta. La función se realizará el 20 de octubre, a las 20:30.

* Sala Batato Barea, Centro Cultural Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038, C.A.B.A.

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ACTIVIDADES CULTURALES

2.ª Feria del Libro de Floresta

Este evento reunirá a escritores, editoriales, artistas, vecinos y organizaciones barriales en una jornada que combina presentaciones de libros, lecturas de poesía, talleres, actividades para las infancias y música en vivo, con la consigna “No a la vuelta de la cárcel en el Rocca”, en reclamo por el futuro del predio del ex Hogar Manuel Rocca. La programación incluye presentaciones de Hugo Lamadrid, Sol Rosales, Gabriela Mayer y Rocío Cortina, poesía a cargo de Marisa do Brito Barrote, Marianela Motta y Elian Awerbuch, una presentación de integrantes del Coro de Niños para visibilizar la situación que atraviesa la agrupación, la inauguración de un mural sobre Malvinas con la participación del muralista Alejandro Dufourt y excombatientes del grupo GPS, y el cierre musical de la orquesta de tango Negro Valor. La feria se realizará el sábado 17 de octubre, desde las 13. Se suspende por lluvia.

* Elpidio González y Segurola, Floresta, C.A.B.A.

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Gente x Gente, lecturas en el marco de Estado de asamblea

En el marco de la exposición de Gabriela Golder, ArtHaus presentará una nueva edición de Gente x Gente, con textos leídos para pensar el presente desde distintas perspectivas: feminista, anticapitalista, medioambiental y decolonial. Luciana Mastromauro, Ariel Farace, Lisandro Rodríguez, Valentino Grizutti y Mia Miceli interpretarán textos de Nona Fernández, Angela Davis, Ailton Krenak, Gonzalo Maier y Rebecca Solnit, con idea y curaduría de Giuliana Migale Rocco, Delfina Kavulakian y Sebastián Vidal Makinson. La función se realizará el lunes 19 de octubre, a las 20. Las entradas pueden conseguirse a través de Alternativa Teatral.

* ArtHaus, terraza, Bartolomé Mitre 434, C.A.B.A.

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Presentación de Eye y yo, de Dennis Smith y Julieta Cayetina

Dennis Smith y Julieta Cayetina presentarán Eye y yo, publicado por Planeta, un libro sobre una abuela que sobrevivió al Holocausto, un número tatuado que nadie recuerda y una nieta decidida a rescatar la historia. La presentación se realizará el lunes 19 de octubre, a las 18. La entrada es libre y gratuita hasta colmar la sala.

* Dain Usina Cultural, Nicaragua 4899, C.A.B.A.

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Simulacro de Juicio Oral, cierre del Programa La Justicia va a la Escuela

Con motivo de la clausura del Ciclo 2026 del Programa La Justicia va a la Escuela, la Asociación de Magistrados y Funcionarios de la Justicia Nacional invita a asistir al Simulacro de Juicio Oral, protagonizado por alumnos secundarios y magistrados de la Nación. El encuentro se realizará el 28 de octubre, a las 9.

* Salón de Derechos Humanos de la Corte Suprema de Justicia de la Nación, Talcahuano 550, planta baja, C.A.B.A.

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Jornada en homenaje al centenario de Don Segundo Sombra, de Ricardo Güiraldes

El Centro de Estudios del Imaginario de la Academia Nacional de Ciencias de Buenos Aires, junto con la Universidad del Salvador y la Universidad Nacional de San Antonio de Areco, organizarán una jornada en homenaje al centenario de Don Segundo Sombra (1926), de Ricardo Güiraldes. El encuentro contará con la apertura de Hugo Bauzá, director del Centro de Estudios del Imaginario, y María Rosa Lojo, y con disertaciones de Mercedes Giuffré, Lucía de Leone, Candela Bentancor, Jorge Bracamonte y María Elena Babino, además de un diálogo entre Lojo y Martín Trosset. La actividad se realizará el viernes 16 de octubre: por la mañana, de 10:30 a 12:30, en la Universidad del Salvador, y por la tarde, desde las 15:30, en la sede de la Academia Nacional de Ciencias, con transmisión simultánea por Zoom y por el canal de YouTube de la ANCBA.

* Universidad del Salvador, Tucumán 1845, tercer piso, Aula Magna, y Academia Nacional de Ciencias de Buenos Aires, Av. Alvear 1711, tercer piso, C.A.B.A.

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Historias secretas del Teatro Colón, experiencia teatral itinerante

Nuevas funciones de la experiencia teatral itinerante Historias secretas del Teatro Colón propondrán un recorrido de aproximadamente una hora que comienza en Plaza Vaticano, donde un anfitrión recibe al público y abre la puerta a un viaje por espacios emblemáticos del teatro, con relatos históricos, anécdotas y apariciones inesperadas de artistas “fantasmales” que interpretan fragmentos de óperas célebres. Las funciones se realizarán el domingo 18 de octubre, a las 17 y a las 18. Las entradas pueden adquirirse en www.teatrocolon.org.ar y en la boletería del Teatro Colón, de lunes a sábado de 9 a 20 y los domingos de 9 a 17.

* Teatro Colón, Tucumán 1171, C.A.B.A.

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Ciclo de charlas con escritores argentinos: Adriana Riva

La periodista Susana Mitchell dialogará con la escritora Adriana Riva en una nueva edición del Ciclo de charlas con escritores argentinos. El encuentro se realizará el jueves 29 de octubre, a las 18.

* Café Rivarola, Pasaje Dr. Rodolfo Rivarola 154, C.A.B.A.

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Visitas guiadas del Teatro Colón

Las visitas guiadas del Teatro Colón se realizan todos los días de 10:00 a 16:45, con salidas cada 15 minutos y una duración aproximada de 50 minutos. Las visitas en inglés tienen lugar a las 10:00, 11:00, 12:00, 13:30 y 15:00, y en portugués a las 13:00 y 16:00. Existen distintas tarifas según el público: general, jubilados, estudiantes residentes, personas con discapacidad y su acompañante, menores de 7 años, Pase Cultural y residentes en Argentina. Las entradas para jubilados, estudiantes residentes, Pase Cultural y personas con discapacidad junto a su acompañante solo pueden adquirirse en la boletería del teatro con el certificado correspondiente. Las entradas están disponibles en teatrocolon.org.ar y en la boletería, de lunes a sábados de 9:00 a 20:00 y domingos de 9:00 a 17:00. Consultas al 4378-7100 o a visitasguiadas@buenosaires.gob.ar.

* Teatro Colón, Tucumán 1171, C. A. B. A.

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La Biblioteca del Teatro Colón estrena nuevo horario de atención

La Biblioteca del Teatro Colón, que custodia un acervo de unos 30.000 volúmenes sobre música, danza, lírica e historia del teatro, atiende de manera libre y gratuita de lunes a viernes (no feriados) de 10:00 a 17:00, con ingreso por Libertad 637. Los visitantes pueden consultar programas históricos digitalizados que documentan los orígenes del Teatro Colón desde 1908. Consultas al 4378-7137, al 4378-7198 o a bibliotecaeatc@buenosaires.gob.ar.

* Biblioteca del Teatro Colón, Libertad 637, C. A. B. A.

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Experiencia Evita

Experiencia Evita propone un recorrido emotivo por la vida de Eva Perón —su infancia, su ascenso público y su legado— guiado por la actriz Flora Ferrari, con dirección de Martín Alomar y guion de Francisco Taiana. El espectáculo combina teatro documental, performance y relato histórico, con imágenes de archivo y objetos auténticos, e incluye una cena de tres pasos con platos típicos de la gastronomía argentina y bebidas. Con traducción simultánea al inglés y al portugués. Funciones todos los domingos a las 19:00. Cupo limitado. Reservas e información en experience.evita@gmail.com o al +54 9 11 5769-4444.

* Perón Perón San Telmo, Bolívar 813, C. A. B. A.

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CONFERENCIAS, SEMINARIOS, TALLERES

Los cuentos sobre la mesa, taller de Lucía Higuera

Es un taller de escritura y lectura que se dictará en octubre y noviembre, con ocho encuentros de iniciación grupal a la escritura de ficción. La propuesta, a cargo de Lucía Higuera, es teórico-práctica y está pensada para que los participantes empiecen a escribir desde el comienzo, experimenten con la ficción y construyan las primeras herramientas para dar forma a un proyecto propio.

Los encuentros se realizarán los miércoles de octubre y noviembre, de 17 a 19, en Bariloche los miércoles a las 17 en la Librería La Sede (km 18), y en Dina Huapi los lunes a las 18:30 en Filomena. El costo del taller es de dos cuotas de 75.000 pesos o una única de 130.000 pesos.

* Librería La Sede, km 18, Bariloche, Río Negro.

* Filomena, Perú 21, Dina Huapi, Río Negro.

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Taller de collage en primavera con Teresa Clark Maauad

Teresa Clark Maauad, artista visual y gestora cultural mexicana residente en Buenos Aires y miembro de la Sociedad Argentina de Collage, dicta el Taller de collage en primavera. Los encuentros son los miércoles de 19:00 a 21:00, desde el 16 de septiembre hasta el 25 de noviembre. Contacto e inscripción al 11 6103-3801 o por Instagram @teresaclarkm.

* Nieto Estudio de Arte, Villa Urquiza, C. A. B. A

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Una morada en la frontera, taller con Victoria Roland

Victoria Roland coordinará Una morada en la frontera [Laboratorio de escrituras para la escena], un taller de cuatro encuentros que propone pensar la escena como un espacio de diálogo entre disciplinas para producir escrituras destinadas a materiales escénicos. Las clases se dictarán los jueves 1, 8, 15 y 22 de octubre de 17 a 19. El arancel es de 90.000 pesos; las inscripciones se realizan al correo vicoroland@gmail.com.

* CASA Fundación Medifé, Ayacucho 1945, C.A.B.A.

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Ritmo y palabra

Gabriel Yeannoteguy coordina este taller presencial destinado a quienes trabajan con la palabra en la escritura, la actuación, el canto, la dramaturgia y la dirección teatral. Inspirado en las ideas de Idea Vilariño y María del Carmen Aguilar, el espacio propone redescubrir el ritmo en la lectura, la escucha, la escritura, el canto y la actuación. El taller comenzará en octubre con ocho encuentros; quienes estén interesados pueden consultar días y horarios al 11-4024-8307.

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Taller de Lectura Creativa con Verónica Abdala

Verónica Abdala dicta el Taller de Lectura Creativa, un espacio dedicado a explorar la obra de tres grandes autoras argentinas contemporáneas: Leila Guerriero, María Negroni y Samanta Schweblin. El taller comienza el 18 de septiembre de 2026, con frecuencia quincenal. Contacto e inscripción al mail veroabdalarevistas@gmail.com o al 11 4403-4250.

* Libros del Pasaje, Thames 1762, C. A. B. A.

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Taller de Impro, con Pablo Rusconi

Pablo Rusconi celebra los diez años de su Taller de Impro, que reúne a más de 200 alumnos anuales en cinco sedes porteñas y ofrece un entrenamiento en espontaneidad, escucha y trabajo en equipo a través de la improvisación teatral. Junto a Fiorella Muro, dirige un espacio dirigido a jóvenes adultos con clases semanales en Belgrano, Colegiales, Saavedra, Palermo y Almagro. Las consultas e inscripciones se realizan al 11-6410-8325 o por correo a taller.improteatral@gmail.com.

• Belgrano: Mendoza 2659, C.A.B.A. (lunes)
• Colegiales: Arredondo 2495, C.A.B.A. (martes)
• Saavedra: Vidal 3801, C.A.B.A. (miércoles)
• Palermo: Gascón 1474, C.A.B.A.
• Almagro: Lavalle 3644, C.A.B.A.

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CONVOCATORIAS Y CONCURSOS

FIDBA 2027: convocatoria abierta para documentales

El FIDBA, Festival Internacional de Cine y Artes Documentales de Buenos Aires, mantiene abierta la convocatoria para su edición 2027, que se realizará del 17 al 22 de agosto de ese año en Buenos Aires. La inscripción está dirigida a largometrajes y cortometrajes documentales nacionales e internacionales terminados después del 1 de enero de 2026, y contempla once categorías competitivas, entre ellas Largometraje de Creación, Nuevos Directores, Nuevas Narrativas, Docs VR y Documentales sobre Derechos Humanos. La participación de films argentinos es gratuita y se realiza a través de la plataforma Festhome, mientras que las producciones extranjeras deben enviarse con subtítulos en inglés. El plazo de inscripción cierra el 21 de junio de 2027. Más información en info@fidba.org.

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III Premio Internacional de Poesía Oliverio Girondo 2027

La editorial independiente Baldíos en la Lengua convoca al III Premio Internacional de Poesía Oliverio Girondo 2027, en homenaje a los 60 años del fallecimiento del poeta. La convocatoria está abierta a obras inéditas de poesía en español, de temática libre y autoría individual, creadas exclusivamente por humanos sin uso de inteligencia artificial, con una extensión de entre 50 y 65 páginas. El primer premio consiste en la edición gratuita del libro ganador, con una tirada de hasta 300 ejemplares, 50 de los cuales recibirá el autor junto con un diploma; además se otorgarán seis menciones especiales sin orden de mérito, que llevarán los nombres de otras tantas obras de Girondo. El plazo de presentación cierra el 24 de enero de 2027, sin prórroga, y las obras deben enviarse a premiooliveriogirondo@gmail.com.

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CONTENIDO AUDIOVISUAL

Desarmando Discursos de Odio III

El Centro Ana Frank y la Defensoría del Pueblo de la Ciudad presentan la tercera edición de Desarmando Discursos de Odio, una serie de diez videos para redes sociales que aborda prejuicios y estigmatizaciones hacia las personas migrantes y en situación de pobreza. Las piezas parten de frases que circulan socialmente para ponerlas en cuestión y promover una mirada crítica frente a los discursos de odio. El proyecto surgió de una encuesta respondida por más de trescientas personas y se completó con talleres participativos junto a jóvenes del Centro Ana Frank, además de entrevistas con especialistas como Camila Carril, Gabriela Torres, Gisele Kleidermacher, Walter Peña, Mirna Florentín, Julián Isaguirre, Daniel Fernández, Mariel Fernández y Guillermo Pérez Sosto.

* Los videos pueden verse en este enlace: https://youtu.be/j9LVoQhcvsQ?si=qX0DwUT8gSiVqMo0.

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* Se puede enviar la información de actividades y espectáculos para esta agenda a cultura@infobae.com.

Ahora bien, media hora después, en el encuentro con la prensa una vez concluida la ceremonia, aclaró sus palabras: “No es una continuación realmente. Si están esperando una continuación, se van a llevar un chasco. Como dije antes, cierra el universo de La casa de los espíritus, pero no es una continuación. Es una novela totalmente independiente, no necesitas leer La casa de los espíritus para para leer esta”.

Fue una noche de superproducción del mayor grupo editorial de habla hispana y de ellos habla, entre otras cosas, su convocatoria política: más allá de la presencia de los reyes Felipe VI y Letizia Ortiz, reunió al candidato presidencia del Partido Popular Alberto Núñez Feijóo, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de la Comunidad Catalana, Salvador Illa, y el alcalde de Barcelona, Jaume Collboni. Un cuarteto de cuerdas que interpretó versiones adaptadas de clásicos pop como “Fix You” de Coldplay, “Bittersweet Symphony” de The Verve, “Bad Guy” de Billie Eilish o “Every breath you take” de The Police, amenizó la apertura de la ceremonia, previa a la cena y a los sucesivos anuncios de los resultados preliminares de las vocatorios.

Le siguieron los discursos del presidente del Grupo Planeta, José Creuheras Margenat, y el rey Felipe VI, quién pronunció una parte de sus palabras en catalán. Por cierto, más allá de las medidas de seguridad usuales en estos casos, como por ejemplo un escaneo de pertenencias a cada uno de los invitados, llamó la atención a este cronista el nivel de cercanía que, luego de concluida la ceremonia, tuvieron los reyes de España y también, mucho más inclusive, Núñez Feijóo, a quién una mayoría de encuestas y el clima político español -al menos hasta la irrupción del movimiento juvenil por la vivienda y la muerte de la septuagenia Maricarmen Abascal- señalan como posible futuro presidente de la Nación. Rodeados de gente, los reyes y Feijóo, se pasaron un buen rato dialogando con sus conocidos y se fueron caminando como cualquier hijo de vecino.

El Premio Planeta, que este año celebró su 75.ª edición, es desde 2021 el galardón literario mejor dotado del mundo: un millón de euros para la obra ganadora y 200.000 para el finalista. La ceremonia, presidida por los reyes de España, desbordó su sede habitual en la Sala Oval del Museu Nacional d’Art de Catalunya y se trasladó al Pabellón 1 de la Fira de Barcelona -por cierto, los separa una distancia de no más de 500 metros- para dar cabida a la gala más multitudinaria de su historia. Por el palmarés del certamen, fundado en 1952 por José Manuel Lara Hernández, han pasado plumas como las de Mario Vargas Llosa, Manuel Vázquez Montalbán, Javier Cercas y Camilo José Cela, pero con Allende el premio incorpora a la autora viva más leída en lengua española —más de 80 millones de ejemplares vendidos— y, a sus 84 años, a la ganadora de mayor edad en la historia del galardón.

Además, supone el pase editorial del año: histórica firma de Random House (antes Sudamericana), ahora Isabel Allende pasa a ser un activo de Planeta. Y para un premio que venía con baja de prestigio o lo que se entienda por él -con el caso del panelista televisivo Juan del Val, ganador en 2024, como símbolo- que en el 75° del galardón, sea nada menos que Isabel Allende supone una inyección de resonancia mundial y sello de calidad. El círculo se completa con que este año se cumplen -otro aniversario clave en términos numéricos- 45 años de la publicación de La casa de los espíritus. Tal vez por eso hablar de “continuación” sea un buen gancho, aunque la propia autora pareció desactivar la operación de marketing espontáneo amplificado por las primeras y urgentes crónicas de la prensa.

En la rueda de prensa posterior, la jurado y escritora Carmen Posadas no ocultó su emoción: confesó que La casa de los espíritus figura entre las obras que más marcaron su oficio y que conserva su ejemplar “todo subrayado en casa”. Allende, con el humor que sostuvo toda la noche, atribuyó su decisión de presentarse al certamen a la influencia de su familia y de “mi tercer marido, que espero que sea el último, aunque quizá hay un cuarto”, antes de comparar el peso simbólico del reconocimiento con “ganarse el Nobel”.

Sobre la novela, la autora chilena residente en Estados Unidos describió un proceso creativo despojado de estrategia previa: “Nunca planeo nada, no tengo un bosquejo de lo que voy a hacer, sino que me lanzo de cabeza y por el camino vamos ordenando las cartas”. La hora antes del alba retoma a Alba Trueba —víctima de la represión, nieta del patriarca Esteban Trueba— y la sigue en su regreso, embarazada, a la casa familiar, donde pasa de víctima a cronista de una época convulsa. Allende vinculó la escritura de esta historia al clima político actual: “Cuando veo tantas democracias amenazadas por el autoritarismo, el nacionalismo extremo, incluso el fascismo, vuelvo a sentir el temor que me obligó a salir de mi país después del golpe militar de 1973”. Y reveló que el germen de la trama nació durante un viaje en ferry entre Montevideo y Buenos Aires, cuando el único personaje que tenía en la cabeza era un luchador mexicano enmascarado —el Ángel— inspirado en las tardes de lucha libre a las que la llevaba su abuelo de niña. “El Ángel lo tengo conmigo desde hace muchos años”, dijo esta mujer sin dudas dotada de lo que hoy tan livianamente se dan en llamar “aura”. Por si hacía falta, ahora tiene un premio Planeta y una novela que seguramente se venderá por millones de ejemplares en todo el mundo. Todo eso sucedió en una noche de otoño tropical en Catalunia.

La seguridad en el Louvre sigue siendo una cuestión candente, un año después del espectacular robo de joyas en el museo más visitado del mundo, en un caso donde todavía hay varias incógnitas, sobre todo el paradero del botín.

Los ladrones lograron entrar el 19 de octubre de 2025 a una galería del museo gracias a una grúa, y en apenas ocho minutos a plena luz del día sustrajeron varias joyas de la Corona por un valor de unos de 100 millones de dólares.

El incidente, que dio la vuelta al mundo, puso en evidencia los fallos de seguridad de la pinacoteca, que el año pasado recibió nueve millones de visitantes, la gran mayoría extranjeros.

Los informes que siguieron al robo revelaron, entre otros desaciertos, que había pocas cámaras perimetrales y que se habían subestimado los riesgos de intrusión.

En el momento de los hechos, el Louvre sólo había utilizado 3 de los 83 millones de euros (92 millones de dólares) del programa de seguridad destinado a modernizar sus instalaciones. La institución habría preferido invertir en “operaciones visibles y atractivas” para ganar público en detrimento de la renovación de los edificios, según un tribunal francés.

Desde entonces, se llevaron a cabo una serie de intervenciones para aumentar el número de cámaras y proteger los accesos.

Pero para el presidente del museo, Christophe Leribault, es necesario un “gran plan” de renovación y transformación en profundidad.

“Las operaciones indispensables para asegurar el museo requieren obras en el edificio histórico y en las infraestructuras. No hay una solución ‘superficial’, fácil y milagrosa”, afirma.

Riesgo de cierre

En su opinión, “si el Louvre no se repara, adapta y transforma, perderá categoría muy rápidamente y, a la larga, deberá cerrar sus puertas al público”, advierte el responsable, nombrado en febrero.

Tras un año de investigación y la detención de cuatro sospechosos, las joyas sustraídas siguen sin aparecer, pese a las exhaustivas pesquisas en Francia y los intercambios con la policía de Bélgica, Italia y otros países.

Entre las ocho piezas del siglo XIX que se llevaron figura un collar de esmeraldas y diamantes que Napoleón I regaló a su esposa, la emperatriz María Luisa.

Según expertos consultados por AFP, habría más posibilidades de encontrar las joyas si los ladrones hubieran actuado solos y escondido el botín en algún lugar de la región parisina.

Pero un amplio dispositivo de rastreo en casas y garajes de los sospechosos y sus familias, efectuado por un centenar de agentes, no ha dado ningún fruto.

Si la banda actuó bajo las órdenes de un líder con vínculos con el crimen organizado, la situación se complica, dicen los especialistas.

“El poder del crimen organizado no consiste solo en aportar la experiencia para cometer un delito, sino también en disponer de personas que se lleven los objetos y los vendan”, señala Corrado Catesi, coordinador de la Unidad de Obras de Arte del organismo policial internacional Interpol.

Despiece de las joyas

Dos de los principales sospechosos detenidos confesaron que el grupo actuaba para un cabecilla quien, según ellos, habría conducido el montacargas.

Pese a estas declaraciones, los investigadores no creen realmente que exista este organizador, todavía no identificado, porque normalmente estos coordinadores no suelen estar en el terreno.

En la peor de las hipótesis, los ladrones consiguieron entregar las joyas para su despiece y pasaron a formar parte del lucrativo mercado clandestino de piedras preciosas.

“Una vez retallados, volver a entrar en el circuito legal de suministro para ser comprados por mayoristas o minoristas es bastante sencillo”, admite Tobias Kormind, director general de 77 Diamonds, la mayor joyería de diamantes en línea de Europa.

“A menos que una piedra tenga inclusiones internas muy singulares, incluso los mejores laboratorios gemológicos, como el GIA, tendrían problemas para identificar como robado undiamante recién pulido”, afirma.

El robo del Louvre, del que ya se anunció una película, es sin duda el más sonado de una serie de hurtos similares recientes en Francia, que han puesto de relieve las deficiencias en la seguridad de los museos galos.

A principios de octubre, la policía recuperó dos cuadros de Renoir que habían sido robados semanas antes en Cagnes-sur-Mer, en el sureste del país. Y en julio, unos ladrones sustrajeron varias piezas de joyería valoradas en más de 4,5 millones de euros (5,2 millones de dólares) en un museo del noreste.

Fuente: AFP

“Con excesiva frecuencia se considera que toda crítica se ejerce en contra. No es así, la crítica justa favorece; la discutidora especie humana solo prospera en discrepancia. Todo gobierno que se precie de ser progresista debe ofrecer las mejores condiciones para ser criticado”, aseguró el autor.

Juan Villoro (Ciudad de México, 1956) recibió este miércoles en el Palacio de Bellas Artes de la capital mexicana el premio internacional Carlos Fuentes, otorgado por la Secretaría de Cultura y la Universidad Nacional Autónoma de México, que reconoció la trayectoria de uno de los escritores más versátiles de la literatura hispana.

“En un momento en que la ultraderecha se hace cargo de la mayoría de los países de América Latina, es de agradecer que representemos una zona de excepción. Sin embargo, aún falta lo que falta, como dicen los zapatistas; no sería fiel al espíritu de Fuentes, si no insistiera en ello”, dijo.

Novelista, cuentista, cronista, dramaturgo, traductor y académico, Juan Villoro agradeció haber sido reconocido con el premio instaurado para preservar el legado de uno de sus maestros, su compatriota Carlos Fuentes, a pesar de que muchos de su edad merecen el galardón tanto como él.

“El milagro de estar aquí no se hubiera completado sin la voluntad del jurado que conspiró en mi favor en un momento en que sobran escritoras y escritores de relieve. Pertenezco a una generación que me curó de la posibilidad de sentirme superior”, aseveró.

Según el autor de novelas como El testigo o El disparo de argón, el arco de sus contemporáneos comenzó con Daniel Sada, nacido en 1953, y desemboca en David Toscana, ocho años menor; y en medio se encuentran otros autores de excepción como Fabio Morabito, Francisco Hinojosa, Luis Miguel Aguilar, Carmen Boullosa o Enrique Serna.

“Cualquiera de ellos podría estar en mi lugar”, comentó.

En el acto celebrado en el Palacio de Bellas Artes, el rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, el doctor Leonardo Lomelí Vanegas, elogió que Villoro sea tan lúcido en tantos géneros y dijo que sus textos no reducen a las personas a categorías generales.

“Cada personaje conserva su singularidad y sus afectos sin renunciar a sus claros límites. Ellos se suma el uso inteligente de la memoria y la ironía. Estos recursos no evaden la gravedad de los acontecimientos, sino que ayudan a examinarlos desde a vistas inesperadas y a revelar las inconsistencias de nuestra vida pública y privada”, comentó.

En nombre del jurado del premio, la poeta Myriam Moscona repasó los inicios de Juan Villoro, quien pertenece a su generación, y comparó su obra con la de Fuentes, una de las figuras más emblemáticas de la generación del *boom* liderada por los premios Nobel latinoamericanos Gabriel García Márquez y Mario Vargas Llosa.

“La prosa de Juan es esa piedrecilla que cae de golpe contra la inercia de la historia a través de la ficción, el ensayo y la crónica. Ambos autores activan una alarma permanente en nuestra conciencia”, dijo.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ José Méndez.

Video: Imágenes: Amaranta Marentes/ EFE.

El Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina (UCA) y la Bienal de Arte Sacro Contemporáneo inaugurarán el 26 de octubre la muestra Habitar el misterio: Arte, humanidad y trascendencia, que reúne obras de las ediciones XIII y XIV de la Bienal y acompaña la visita del papa León XIV a la Argentina.

La exhibición, curada por María Pimentel de Lanusse y Verónica Parselis, vincula el arte contemporáneo con las ideas centrales de la encíclica Magnifica Humanitas. El recorrido aborda la condición humana, la espiritualidad, la memoria, la tecnología, la naturaleza y la experiencia de lo trascendente.

Algunas piezas combinan tecnologías digitales con tradiciones ancestrales o anticipan formas de incertidumbre en un mundo en transformación, donde, según las curadoras, “lo sagrado y lo cotidiano conviven sin jerarquías”. Otras obras ponen el acento en la fragilidad y la vulnerabilidad humana, así como en la responsabilidad ética frente a la naturaleza y la creación.

“En este diálogo entre lo contemporáneo y la tradición judeocristiana, esta muestra busca afirmar que el arte es un espacio privilegiado desde el cual cada época puede cuestionar sus límites y confirmar su horizonte de trascendencia”, escribieron Pimentel de Lanusse y Parselis en el texto curatorial.

Para fundamentar el enfoque, las curadoras retomaron una idea del propio pontífice: “Como plantea León XIV, el desafío de nuestro tiempo no es ser espectadores de aquello que se derrumba, sino entrar en la ‘obra’ de la historia y reconstruirla”. Y sumaron una reflexión propia: “Frente a un tiempo que tiende a medir al ser humano por su productividad o su rendimiento, recordemos que la dignidad es un don que precede a toda utilidad y que el arte es un camino para habitar el Misterio”.

La muestra reúne obras de 27 artistas: Diana Aisenberg, Diego Javier Alberti, Blas Aparecido, Fernando Diego Bekir, Xil Buffone, Alejandro Carosella, Ignacio Cassas, Leonardo Cavalcante, Ricardo Carlos Castro, Angela Copello, Richar De Itatí, Nicolás Domínguez Nacif, Diego Fontanet, Gaba de Dios, Gabriela Gaetano, Itamar Hartavi, Magdalena Holmberg, Agustín Iriart, María Ester Joao, Mirta Kupferminc, Fernando Loré, Sasha Minovich, Lydia Ángela Redelico, Juan Rey, Hernán Salvo, Daniel Pablo Scherman, Juan Miguel Seifo y Franco Darío Vico.

La convocatoria tiene carácter ecuménico: está abierta a artistas de distintas confesiones religiosas. El certamen se inauguró en la Argentina en 1986 por iniciativa de monseñor Vicente Vetrano, vicario para la cultura del Obispado de Morón, con el objetivo de generar un espacio de encuentro entre el arte y la religión. Desde 2004 lo organiza la Fundación Vetrano y, a partir de la XIII edición, se sumó la Fundación La Santa Faz.

La exposición se inaugurará el lunes 26 de octubre a las 18 h en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, ubicado en Av. Alicia Moreau de Justo 1300, en Puerto Madero, y permanecerá abierta al público general hasta el domingo 8 de noviembre. El horario de visita es de lunes a domingo de 11 a 19 h, con entrada libre y gratuita. Más información disponible en @pabellonartes.uca.

El siglo XX fue el escenario de una de las batallas intelectuales más feroces de la historia humana. Mientras los totalitarios de uniforme y trinchera intentaban moldear el mundo a la fuerza, en los escritorios se libraba una guerra silenciosa pero definitiva: la lucha por el control de las ideas. En esa trinchera del pensamiento, pocos dispararon con tanta precisión como el filósofo austríaco Karl Popper. “La verdadera ignorancia no es la ausencia de conocimientos, sino el negarse a adquirirlos”, escribió.

Esta frase no es un eslogan de autoayuda intelectual. Es, en realidad, el núcleo ético de un pensador que sobrevivió al ascenso del nazismo, sufrió el exilio y dedicó su vida a demoler las verdades absolutas. Para entender el peso de estas palabras, es necesario viajar en el tiempo hasta el año 1938. Popper, de origen judío, había logrado escapar de una Viena que ya capitulaba ante las garras de Adolf Hitler. Encontró refugio en el rincón más inesperado del planeta: la Universidad de Canterbury, en Nueva Zelanda.

Fue allí, sintiéndose aislado y con el corazón en una Europa que se desangraba en la Segunda Guerra Mundial, donde escribió su obra cumbre y más polémica: La sociedad abierta y sus enemigos. Publicado finalmente en 1945, el libro cayó como una bomba en el ambiente académico. En sus páginas, Popper no solo atacaba al fascismo y al estalinismo de su presente, sino que se atrevía a denunciar a los “padres sagrados” de la filosofía occidental: Platón, Georg Wilhelm Friedrich Hegel, Karl Marx.

Popper los acusaba de haber plantado las semillas intelectuales del totalitarismo al pretender profetizar las leyes infalibles de la historia. Es justamente en el marco de La sociedad abierta y sus enemigos donde la frase cobra su verdadera dimensión. Para él, la falta de información o el no saber algo es la condición natural y humilde del ser humano. En otro de sus textos, Conjeturas y refutaciones, lo dejó claro: “Nuestro conocimiento es finito, mientras que nuestra ignorancia es necesariamente infinita”.

No saber no es un pecado; es el motor que nos impulsa a investigar. Por eso, el peligro real, la “verdadera ignorancia”, es de carácter moral y político. Ocurre cuando un individuo, un partido político o una sociedad deciden de forma consciente cerrarse a la experiencia, censurar el disenso y negarse a adquirir nuevos conocimientos que pongan en jaque sus prejuicios. Es la ignorancia militante, el dogmatismo ciego de quien prefiere la comodidad de una mentira sagrada antes que el riesgo de una verdad incómoda.

Para el autor, el fanático no es alguien que no sabe; es alguien que decidió dejar de aprender. Tanto en la ciencia como en la política, Popper demostró que la única forma de avanzar es a través del ensayo y el error. Una teoría científica solo es válida si se mantiene abierta a ser criticada y refutada; una sociedad solo es libre si sus instituciones permiten corregir pacíficamente los errores de sus gobernantes. Negarnos a nuevos conocimientos o a escuchar al que piensa distinto, destruye ese emcanismo.

Sin la posibilidad de corregir el error, nos asomamos al abismo del autoritarismo. A ochenta años de aquella gran frase, concebida en el exilio neozelandés, Karl Popper interpela de frente a nuestra cultura contemporánea. En tiempos de burbujas de filtro en redes sociales, donde el sesgo de confirmación nos empuja a bloquear todo aquello que nos contradice, negarse a adquirir conocimientos ya no es un descuido: es la forma más sofisticada, peligrosa y moderna de la ceguera. Estamos avisados.

¿Quién es Karl Popper?

Karl Raimund Popper nació en Viena, Austria, el 28 de julio de 1902, en una familia próspera de origen judío convertida al protestantismo. Tras doctorarse en filosofía en la Universidad de Viena en 1928, se vinculó estrechamente con el famoso Círculo de Viena, aunque siempre mantuvo una postura sumamente crítica hacia su positivismo. El ascenso del nazismo en Europa lo obligó a exiliarse en 1937 en Nueva Zelanda, donde ejerció la docencia y redactó sus obras de filosofía política más urgentes.

Finalizada la Segunda Guerra Mundial, se trasladó al Reino Unido para incorporarse como profesor de lógica y método científico en la prestigiosa Escuela de Economía de Londres (LSE), ciudad donde residió hasta el final de sus días. A lo largo de su prolífica carrera, consolidó su estatus como uno de los filósofos de la ciencia más influyentes del siglo XX gracias a tratados fundamentales como La lógica de la investigación científica (1934), donde introdujo su emblemático concepto de falsacionismo.

También sobresalen sus Conjeturas y refutaciones (1963) y Conocimiento objetivo (1972). En el ámbito político, su obra cumbre fue La sociedad abierta y sus enemigos (1945). Reconocido internacionalmente y distinguido con el título de Sir por la reina Isabel II en 1965, Karl Popper falleció en el distrito londinense de Croydon el 17 de septiembre de 1994, a los 92 años, legando un arsenal de ideas que transformó para siempre nuestra forma de entender el conocimiento y la libertad.

En un mundo regido por la inmediatez parecería que la ortografía ha dejado de tener relevancia, sin embargo, el escribir textos con coherencia y sin erratas siempre traerá beneficios en todos los ámbitos.

En lo laboral, el escribir de forma correcta deja ver a los demás las habilidades y conocimientos que se poseen; además, ayuda a construir una imagen óptima a través de la cual puedes parecer más serio y confiable. El tener errores de ortografía y sintaxis pueden, por el contrario, dar un pensamiento negativo que te haría parecer descuidado o poco preparado.

Por otro lado, el tener la capacidad de hacer un texto bien escrito habla también de la personalidad, al mostrar interés por siempre construir un buen puente de comunicación con los interlocutores.

Aunque escribir bien no es una tarea sencilla, requiere de mucha práctica y de conocer las estructuras de la lengua, por lo que leer puede ser un gran apoyo para la riqueza del léxico.

En este sentido, la Real Academia Española (RAE) se ha convertido en la institución más relevante para la regularización lingüística, a través de la promulgación de normas para fomentar la unidad idiomática del mundo hispanohablante.

La Fundación del Español Urgente (Fundéu), una institución sin ánimo de lucro que tiene como objetivo el impulsar el buen uso del español en los medios de comunicación, se ha aliado con la RAE y emite en su página web y de manera constante diversas recomendaciones para que los ciudadanos puedan resolver sus dudas sobre cómo se escribe correctamente cierta palabra, cómo se usa una expresión o tips de temáticas varias.

Uso correcto

Róterdam , con tilde en la o y una sola t , es la forma adecuada de escribir en español el nombre de esta ciudad neerlandesa.

En los medios es frecuente leer frases como «Gimnastas mexicanas inician en Rotterdam el camino a Los Ángeles 2028», «El representante nacional llegará a Rotterdam tras años de preparación y competencia» o «El atraque del barco en Roterdam marca el final de su largo viaje desde Sudamérica».

El Diccionario panhispánico de dudas señala que Róterdam , con una sola t , es la forma adaptada a la ortografía y pronunciación españolas del nombre de esta ciudad. Aunque en su idioma original se escribe Rotterdam y se pronuncia como una voz aguda (/rroterdám/), en español está generalizada la pronunciación esdrújula (/rróterdam/), por lo que le corresponde llevar tilde.

Así, en los ejemplos anteriores habría sido preferible escribir «Gimnastas mexicanas inician en Róterdam el camino a Los Ángeles 2028», «El representante nacional llegará a Róterdam tras años de preparación y competencia» y «El atraque del barco en Róterdam marca el final de su largo viaje desde Sudamérica».

El gentilicio adecuado para los naturales de Róterdam es roterodamens e , como indica el Diccionario de la lengua española .

¿Qué es la RAE?

Fundada en Madrid en 1713 por iniciativa del octavo marqués de Villena, Juan Manuel Fernández Pacheco y Zúñiga, la RAE es la institución que busca preservar el buen uso y la unidad de una lengua en permanente evolución y expansión.

Sus más recientes estatutos (actualizados en 1993), establecen que la función principal de la Real Academia es “velar por que la lengua española, en su continua adaptación a las necesidades de los hablantes, no quiebre su esencial unidad”.

Este compromiso se ha plasmado en la denominada política lingüística panhispánica, compartida con las otras 22 corporaciones que forman parte de la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), creada en México en 1951.

Actualmente, la institución está constituida por 46 académicos, entre ellos el director y los demás cargos de la Junta de Gobierno, elegidos para mandatos temporales.

Una de las críticas que se le han hecho a la RAE es su negativa a reconocer palabras o expresiones que han surgido entre las generaciones más jóvenes, sobre todo a raíz de la aparición de las redes sociales. Una de las polémicas más recientes es el reconocimiento del lenguaje inclusivo.

Sin embargo, en el 2020 optó por lanzar el Observatorio de Palabras, un repositorio digital que ofrece información sobre palabras o acepciones de palabras y expresiones que no aparecen en el Diccionario de la Lengua Española (DLE), pero que han generado dudas en cuanto a su uso, tales como neologismos, extranjerismos, tecnicismos, regionalismos, entre otros.

La información contenida en el Observatorio es provisional al no estar contemplada en las obras académicas, por lo que puede verse modificada y cambiar con el paso del tiempo, pero ello no implica que se acepte su uso.

La noticia llega en un momento simbólicamente preciso. Barnes publicó en enero de 2026, coincidiendo con su octogésimo cumpleaños, Departure(s), un libro que el propio autor ha descrito como “mi última obra, mi partida oficial, mi conversación final con el lector”. Que el jurado del Princesa lo elija ahora no es casualidad: es el tipo de justicia poética que el propio Barnes, lector voraz de Flaubert y Chéjov, sabría apreciar.

Entre las propuestas, apuntó una notable presencia de la literatura hispanoamericana, incluidos “siete maestros españoles de primera línea”, así como autores chinos, japoneses o indios, además de una distribución “razonablemente equilibrada” entre hombres y mujeres, “hay cinco o seis autoras extraordinarias”, dijo. “Si queremos ser exóticos, podemos ser exóticos. Si queremos ser castizos, podemos ser muy castizos. Si queremos ser muy amantes de la igualdad de género y que le toque este año a una mujer, lo podríamos hacer con garantía de que elegimos muy bien”, subrayó el director de la RAE. En sus 45 ediciones, el galardón, concedido cuatro veces de forma compartida, distinguió a diez mujeres -dos en las veinte primeras convocatorias- y, con 23 nacionalidades premiadas, recayó en España 18 veces; ocho más en ámbito hispanomericano -incluido el pueblo de Puerto Rico por su defensa del español- y seis en Estados Unidos, tres en Canadá, dos en Francia y dos en México, entre otros.

De lexicógrafo a arquitecto de la novela moderna

Barnes nació en Leicester el 19 de enero de 1946 y se formó en el Magdalen College de Oxford, donde se graduó con honores en 1968. Sus primeros años profesionales los pasó como lexicógrafo para el suplemento del Oxford English Dictionary, un detalle biográfico que no es anecdótico: en él se adivina al escritor que sería, obsesionado con la precisión de las palabras, con lo que significan y con lo que ocultan. Su debut novelístico llegó en 1980 con Metroland, pero fue El loro de Flaubert (1984) el libro que lo instaló en el mapa de la literatura mundial. Esa novela —inclasificable mezcla de biografía, ensayo y ficción— fue finalista del Booker Prize y ganó el Prix Médicis en Francia, país al que Barnes está unido por una devoción literaria y cultural que recorre toda su obra.

Si hay una constante en Barnes es la desconfianza hacia las certezas. Sus novelas no resuelven: interrogan. El sentido del final (2011), con la que ganó el Man Booker Prize —el galardón más prestigioso de las letras británicas—, es un ejercicio magistral sobre cómo la memoria traiciona y reescribe el pasado. Su protagonista, un hombre ya anciano, descubre que su versión de su propia historia juvenil es profundamente falsa. En poco más de 150 páginas, Barnes desmonta la idea de que somos narradores fiables de nuestras propias vidas. Esa misma inquietud recorre El ruido del tiempo (2016), su aproximación a la figura del compositor Dmitri Shostakóvich atrapado entre el arte y el terror estalinista, y La única historia (2018), una novela sobre el amor y sus consecuencias narrada en tres tiempos gramaticales distintos —un truco formal que en sus manos resulta demoledor.

Pocos escritores británicos han sido tan celebrados en Francia como Barnes. Fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en 1988, Officier en 1995 y Commandeur en 2004, la máxima distinción en ese escalafón. Su fascinación por la cultura francesa —de Flaubert a Montaigne, de la pintura impresionista a la gastronomía— no es el capricho de un anglófilo invertido, sino una forma de mirar su propia tradición desde la distancia productiva del extranjero.

Una despedida que es también un testamento

Departure(s), su último libro, cierra el círculo. Escrito con la conciencia de quien sabe que habla por última vez, el volumen regresa a sus obsesiones de siempre —la mortalidad, el tiempo, el recuerdo— pero con una serenidad nueva. No la resignación del que se rinde, sino la claridad del que ha llegado a algún sitio. El Premio Princesa de Asturias encuentra así a un Barnes que ha convertido su propio final en materia literaria. Hay en eso una coherencia admirable: el escritor que durante 44 años exploró cómo los seres humanos se enfrentan a la pérdida y al olvido termina enfrentándose, con la misma honestidad, al suyo propio.

Además de a Mendoza en 2025, en las ediciones más recientes el Premio Princesa de Asturias de las Letras fue para la poeta, ensayista y política rumana Ana Blandiana (2024); el escritor y traductor japonés Haruki Murakami (2023); el dramaturgo español Juan Mayorga (2022); el escritor, guionista y realizador francés Emmanuel Carrère (2021), y la poetisa, ensayista, traductora y profesora canadiense Anne Carson (2020). De la nómina de galardonados forman parte también autores como los estadounidense Philip Roth, Paul Auster o Arthur Miller; el mexicano Carlos Fuentes; el colombiano Álvaro Mutis; el peruano Mario Vargas Llosa y escritores españoles como Francisco Umbral, Antonio Muñoz Molina, Camilo José Cela, Ángel González, Miguel Delibes o José Hierro.

El de las Letras es el penúltimo de los ocho galardones en fallarse este año a la espera de que el 17 de junio se dé a conocerse al ganador de la categoría de la Concordia. Ya han sido distinguidos Patti Smith (Artes); Studio Ghibli (Comunicación y Humanidades); David Klenerman, Shankar Balasubramanian y Pascal Mayer (Investigación Científica y Técnica); la Bóveda Global de Semillas de Svalbard (Cooperación Internacional); Timothy Garton Ash (Ciencias Sociales) y Leo Messi (Deportes).

El Studio Ghibli, que este mes recibe el Premio Princesa de Asturias, existe en un estado de dualidad: Hayao Miyazaki sigue dibujando todos los días a sus 85 años, el estudio que cofundó trabaja en adaptaciones teatrales y está expandiendo su parque de atracciones... y al mismo tiempo su futuro es incierto.

“No tenemos absolutamente nada de eso que se llama plan de negocios”, explica en una entrevista con esta agencia el presidente del estudio, Kenichi Yoda, “antes que una empresa, (Ghibli) es un estudio, un lugar para crear arte”.

La compañía sigue creando arte aunque por ahora no haya películas a la vista, defiende quien desde junio preside la leyenda de la animación japonesa, desde la oficina personal del histórico productor del estudio Suzuki Toshio, en el barrio tokiota de Ebisu.

“Durante esos períodos en los que no se lanzan películas al público, desde fuera puede parecer que todo está muy silencioso”, dice Yoda, aun “a riesgo de ser malentendido”, pero asegura que el estudio también sigue creando todos los días.

Animación artesanal y reconocimiento internacional

Yoda recibirá en nombre del Studio Ghibli el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades el próximo 23 de octubre, concedido según el jurado por haber creado historias universales a través de una animación meticulosa y artesanal, cargadas de sensibilidad y de valores humanistas.

“Pienso que es el resultado de haber seguido creando obras sintiendo continuamente lo que estaba ocurriendo en cada época, tanto en Japón como en el mundo”, afirma.

Fundado en 1985 por Miyazaki y el fallecido director Isao Takahata, junto con Suzuki, tras haber llevado al cine con gran éxito Nausicaä del valle del viento (1984), del Studio Ghibli han surgido algo más de una veintena de largometrajes.

Entre los más destacados figuran el Oscar a mejor película de animación El viaje de Chihiro (2001), el más adulto La tumba de las luciérnagas (1988) o Mi vecino Totoro (1988).

Claro que en tierras españolas la animación de los cerebros de Ghibli ya era conocida de mucho antes, aunque los telespectadores de la época no imaginaran lo que estaba por llegar: la serie infantil Heidi (1974), dirigida por Takahata y cuyos personajes fueron diseñados por Miyazaki, llegó a España tan solo un año después de su estreno en Japón.

“Hemos sentido profundamente que muchísima gente ama las obras de Ghibli. Saber que en España también lo sienten así nos alegra enormemente”, subraya Yoda.

Un relevo aún sin resolver

Miyazaki tiene 85 años, aunque Yoda afirma que dibuja todos los días y que todos “están prestando mucha atención a qué conducirá eso”, y Suzuki, 78. Takahata falleció en 2018.

La principal cuestión del estudio de animación más prestigioso de Japón gira pues en torno al futuro, y la falta de un heredero. El propio Miyazaki reconoció, en una escena del documental Never-Ending Man: Hayao Miyazaki (2016), haber “entrenado a sucesores”, para luego haber “devorado su talento” hasta que no quedó nadie para tomar las riendas.

Yoda, por su parte, se esfuerza en restar importancia a su labor.

“No es una empresa en la que el presidente tome el liderazgo”, afirma desde la oficina del productor, bajo la atenta mirada de la estatuilla de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA, en inglés) que se llevó la más reciente y también oscarizada cinta de Ghibli, El chico y la garza (2023).

Un quebradero de cabeza con el que “lleva tiempo lidiando”, reconoció el propio estudio al explicar su adquisición por parte de Nippon Television (NTV) en 2023. Goro Miyazaki, el hijo del ilustrador y director por su parte de Cuentos de Terramar (2006) y la película creada en 3D por ordenador Earwig y la bruja (2020), no es una opción.

Además de haber mantenido una relación tortuosa con su padre, ha dicho en varias ocasiones que no se consideraba capaz de liderar el proyecto de su padre en solitario. Al menos, de momento.

Expansión y nuevos proyectos

Lo que, según Yoda, no quiere decir que esté ausente en la empresa, dedicándose “minuciosamente” al parque Ghibli situado a las afueras de Nagoya y concibiendo una expansión dedicada a Nausicaä, de escala “bastante considerable”.

“Aunque él no es el presidente, puedo afirmar sin lugar a dudas que es uno de los miembros de la junta directiva que piensa más profunda y seriamente en Ghibli”, sostiene.

El pasado julio, la aclamada La princesa Mononoke (1997) resucitó en Tokio con una adaptación al “superkabuki”, que combina el teatro tradicional japonés con efectos especiales y dinamismo. No fue la primera vez, Nausicaä en versión kabuki ya fue llevada a los escenarios en 2019, pero no será la última.

“Hay varios proyectos de entretenimiento en vivo que estamos preparando y otros que anunciaremos en el futuro, que servirán como catalizadores para que la gente vea nuestras películas”, señala Yoda.

Fuente: EFE

[Fotos: Europa Press; Reuters/ Stephane Mahe; Reuters/ Mario Anzuoni (archivo)]

“Hoy en día, seas o no creyente, León XIV es una de las pocas figuras globales que hablan de dignidad humana, de lo que mereces por ser una persona, independientemente de tu origen o ideología. No sabemos cuándo las democracias volverán a hablar de eso. Ni si lo hará su sucesor. Así que espero que tenga una vida larga. Le queda mucho por dar”. Eso dirá, al final de toda la charla, el escritor Santiago Roncagliolo. Que es peruano y quizás por eso se sintió interpelado cuando fue elegido Papa el cura Robert Prevost, que allí fue misionero, profesor y obispo. Y que, aunque es estadounidense, se hizo peruano en 2015.

Quizás sea por eso o porque necesita creer en algo y los valores laicos no le están resultando, es que Roncagliolo -una de las voces destacadas de la literatura de su país- quiso escribir sobre León y ahora está presentando El pastor y los lobos. O quizás sea porque él mismo viene de una familia católica... y de izquierda. “Cuando en España, digo que mi familia es católica y de izquierda me miran como... ‘este chico no entiende nada’”, se ríe. Pero sí, Teología de la Liberación mediante, por estos pagos se entiende de qué habla.

Roncagliolo, hay que decirlo, ya no es tan chico. Nació en 1975, vivió parte de su infancia en México porque sus padres se tuvieron que exiliar, a la vuelta fue educado en un colegio católico donde, cuenta, algún religioso se fue de manos con él y con muchos. Fue a la Universidad Católica y, bueno, se fue haciendo escritor. En 2006 ganó el Premio Alfaguara con Abril rojo, una novela con forma de policial pero donde aparecen Sendero luminoso y los últimos años del régimen de Alberto Fujimori. No podía no ser politizado: viene de una familia metida en política y su papá —que en este libro sale bastante mal parado— llegó a ser ministro de Relaciones Exteriores del Perú en el gobierno de Ollanta Humala.

El libro, basado en una investigación periodística de un año, toca a los sodalites -una organización católica envuelta en graves denuncias de abusos sexuales, psicológicos y de poder- y se va construyendo como un thriller en el que, cuando Prevost se perfila como papa, lo acusan de encubrir a un abusador. Esa línea corre en paralelo con otra acusación: la que recibe uno de los sodalites. ¿Son las dos ciertas, las dos falsas? ¿Alguna se confirmará? El escritor va mostrando el trabajo de Prevost y, a la vez, manejando una intriga que deberá resolverse hacia el final.

Así es que ahora, por videollamada y desde México, Roncagliolo se acomoda frente a la cámara y arranca: “Hemos venido a hablar de Dios”. Se ríe.

—Y de sus representantes en la Tierra.

—Por lo menos de uno.

—Sos un escritor del progresismo, pero se te ve muy católico en este libro.

—Me había olvidado de que parecía tan católico, aunque he escrito mucho de la Iglesia católica. En realidad, mientras investigaba a Prevost fue explotando toda mi propia historia personal y fui recordando toda esa educación católica, que me pilló en un momento, pues, muy parecido al que vivo mientras hago el libro. Un momento en que ya no sé en qué creer. El cinismo parece la única opción natural, porque soy de la generación que crece creyendo que la democracia y la razón lo van a resolver todo. Pero la democracia en este momento te ofrece guerras, bombardeos, perseguir a gente inmigrante. Y la ciencia, que es lo otro que produce la razón, te ofrece una tecnología que, según sus creadores, nos puede matar a todos en diez años.

—¿Y hace falta creer?

—Mientras investigaba, me di cuenta de que yo quería creer, sobre todo cuando hablaba con los misioneros, con los laicos, con la gente que dedica su vida a servir a otros a cambio de nada. Tenía muchas ganas de ser así, que no lo soy. Y esto tenía que ver con esa educación católica y con todo lo que me había dado en un momento en que tenía un padre violento, vivía en un país violento, era un adolescente completamente perdido. Y me di cuenta de que eso era lo que explicaba por qué este señor, el papa, tiene alguna relevancia. Por qué un tipo al que no le pagas impuestos ni tiene ningún ejército, es seguido por todas esas personas. Bueno, porque a esas personas les pasa lo que me pasó a mí de niño. Y a nivel personal reconecté con muchas cosas que había olvidado y que no necesariamente tienes que buscar en el catolicismo, pero no puedes vivir sin ellas. Búscalas donde quieras: en el horóscopo, en el mindfulness...

—¿Qué cosas?

—Bueno, la fe es un sentido. O sea, en última instancia, necesitas un relato personal que te dé un sentido. Creer en algo más grande también es un antídoto contra el dolor y contra el miedo. Y, por último, es una comunidad: una gente que te hace sentir seguro. Y, luego, también me impactó mucho el tema del norte de Perú, donde trabajaba Prevost. En Chulucanas, en Trujillo, en Chiclayo, si eres pobre, necesitas la religión. No porque te den un comedor social sino porque te da un sentido, unas reglas de cómo tratar a los demás, de qué está bien, de qué está mal.

—¿Por qué eso lo necesitan los pobres y no los ricos también?

—A mí no me va a pasar nada si soy ateo. Yo tengo un trabajo, tengo una familia que si todo sale mal me cubrirá. Tengo un Estado, tengo un sistema judicial que va a funcionar. En todas estas zonas del norte, todo eso lo hace la Iglesia, porque el único capital que hay es la comunidad. Entonces, ellos no pueden darse el lujo de, de ser ateos.

—¿Cómo te metiste a investigar esto?

—Lo que entendí es que periodísticamente habría interés por este papa, que yo mismo sentía curiosidad por este hombre del que no sabía nada, salvo que se había ido de Chicago a Chulucanas y por ahí había empezado a quedarse en el Perú. A ver: si haces eso, eres misionero. Nadie hace eso para vivir mejor ni para ascender en la Iglesia. Y, por lo tanto, si es un misionero en los años 80, debía tener que ver con la Teología de la Liberación, que es el cristianismo que yo mamé en casa. De ese cristianismo sale una izquierda que viene de la clase media, no de la lucha obrera. Se van a la izquierda en los sesenta, setenta porque son católicos, porque es la doctrina social de la Iglesia la que les ha dicho: “Hay que ocuparse de los pobres”. Y resulta que es la izquierda la que les dice cómo. Por eso venía al caso la historia de mi padre.

—Pero el centro era Prevost.

—Mi hipótesis era que si un cura que llega a Chiclayo a papa en dos años, ahí debe haber algo que contar. Y si él viene de esta teología, de esta manera de entender la religión, hay algo que contar, que está poco contado, que se ha olvidado y se ha querido olvidar. Y es algo que yo puedo contar porque tiene que ver conmigo. Pero hubo como cuatro versiones de este libro, porque cada vez que avanzábamos ocurría algo que lo cambiaba todo. Básicamente el hecho de encontrar a un papa que ha trabajado con los pecados de la Iglesia, con los lados oscuros: con los abusos sexuales, con los delitos financieros, con mafias de curas que contratan sicarios... ese es el papa que Francisco quiere para la Iglesia. Quiere alguien que pueda resolver eso sin crear una guerra. Pero luego, cuando ya está encaminado para ser papa, lo acusan a él de encubrir a un abusador sexual. Entonces, volvió a saltar por los aires por segunda vez el libro. Y el misterio, de Chiclayo también se vuelve una obsesión personal: necesito saber si de verdad no todo es puro cinismo, si de verdad no todo el mundo miente todo el tiempo, si de verdad hay alguien que es bueno. Tan simple como eso.

—¿Y pudiste resolver eso? ¿Es cinismo? ¿Hay buenos?

—Me quedo con la sensación de que el papa es un hombre bueno. Pero el bien no es como en las películas de superhéroes. O sea: no estás todo el tiempo haciendo cosas muy buenas contra una gente que hace cosas muy malas. Escoges entre lo que hay... y puede haber víctimas. Y las hubo. Por ejemplo: ¿alguien le preguntó a Lute -el sacerdote por el que acusan a Prevost de encubridor- si era culpable o era inocente? Entendieron que las denunciantes lo querían fuera y que él tenía que estar fuera. Pero lo otro era derrumbar todos los otros casos de abusos sexuales y todos los otros casos que estaba investigando. Eso fue algo muy interesante que aprendí con este libro: la ambigüedad de la bondad.

—¿Para qué llegó León?

—Una cosa que descubrí es que los papas tienen un nivel de autocrítica que los políticos no tienen. Cuando vas hablando con cardenales, con obispos, incluso con sacerdotes, te hablan del cisma del siglo XVI como si hubiese sido ayer. O sea, tienen esta conciencia de estar en una dimensión histórica muy larga. Cuando aparecen todos estos casos de abusos sexuales, de delitos financieros, es cuando Benedicto XVI renuncia porque entiende que él no puede controlarlo. Y entonces viene Francisco, que es un papa mucho más cercano, mucho más carismático y que conecta más con la gente, con la gente fuera de la Iglesia, quiero decir. Pero cada vez que abre la boca se monta un cisma dentro de la Iglesia. Entonces él quiere a este cardenal como papa, quiere a este Prevost como papa, porque puede lidiar con estas cosas sin crear una guerra. Evidentemente, es un triunfo del lado de Francisco, pero también la misión no es ganar esa guerra, es acabar con ella, es acabar con esa división.

—¿Y hacia afuera?

—Su misión fuera de la Iglesia es quizás ser menos conflictivo en algunos de los temas. Porque Francisco abría todos los frentes, entraba en todas las batallas. Este va a dejar muchas batallas y consolidar lo que se puede consolidar de Francisco, que es la lucha por la dignidad humana, por los pobres, por los refugiados, por la gente que sufre y sobre todo por causas sociales.

—¿Trataste de hablar con él?

—Mira, ni lo intenté directamente, fui acercándome a gente que lo conocía y pensé: “Si vamos bien, a lo mejor se abre la posibilidad”. Pero siempre supe que eso no iba a ocurrir porque él no da entrevistas, entonces no tenía ninguna razón para dármela justo a mí. Y, también, porque cuando la historia empieza a volverse muy oscura, me doy cuenta de que él no puede contestar las preguntas que yo tendría que hacerle. Robert Prevost podía, pero el papa no puede ponerse a hablar de esto en una entrevista.

—¿Cuáles serían las preguntas?

—Bueno, por ejemplo, lo que hablamos: si alguien le había preguntado a Lute si era inocente antes de apartarlo. Pero si se abría este caso, iban a empezar a salir las fotos de ellos juntos. Este era un sacerdote muy popular y muy cercano a Prevost. Fue una decisión compleja, pero supongo que es el mal menor.

—Es un libro sobre el papa y también sobre tu papá. Uno queda muy bien y el otro tu papá, como borracho, violento, mal.

—Pero está contado desde el perdón también. No es un intento de denunciar, al contrario.

—Pero hay algo que perdonar.

—Y alguien que pidió perdón también. Y el perdón forma parte del núcleo católico básico. Hay algo que también me di cuenta con este libro: que lo que la Iglesia católica te ofrece es un padre. Siempre han pensado en Dios como un padre que es bueno y te cuida, pero si te portas mal te castiga. Los momentos en que para mí fueron importantes fueron los momentos en que mi padre fallaba como padre. Todas las víctimas de abusos sexuales que fui conociendo a lo largo del proceso tenían figuras paternas débiles, rotas, alcohólicas, adictas, lejanas, destruidas: padres destruidos. La Iglesia católica, el catolicismo se vuelve especialmente importante cuando no tienes un padre como crees que deberías tenerlo y necesitas un reemplazo. Y esto es lo que te ofrece.

—En el libro contás un abuso sobre vos y otros compañeros.

—El del padre Jaime. A mí y a muchos. Cuando hablé de esto en la prensa tiempo atrás me di cuenta de que me atacaron las redes sociales del colegio, me atacaron los chicos con los que años antes habíamos hecho chistes al respecto.

—¿Chistes?

—Antes, cuando no era grave, cuando no habíamos pensado que eso no se podía hacer. Era una broma: el padre Jaime y su libido descontrolada. Y yo, como mucha gente, me di cuenta viendo los casos que fueron saliendo internacionalmente, los de Boston primero, los Sodalites en Perú, los de Maciel en México, los de Karadima. De repente, muchos nos quedamos frente a la tele diciendo: “Ah, vale, a que esto no se podía hacer, ¿no?” Y de repente cobramos conciencia de que habíamos sido abusados cuarenta años antes, pero no nos habíamos dado cuenta y nunca le habíamos dado importancia. Pero aceptar que nos había pasado esto implica romper tu idea de una infancia feliz. Quizá para mí era menos grave, porque yo ya sabía que mi infancia había sido una mierda, no tenía nada que proteger.

—¿Y los demás sí?

—Cuando hay un abuso sexual no solamente es responsable el cura: es responsable el colegio que te puso en manos de ese cura. Es la familia que te metió en ese colegio. Son los demás compañeros que no dijeron nada y no se rebelaron contra ese abuso. Entonces, de repente, el abuso es una responsabilidad de todo un grupo social. Y pensar que el chico se ha vuelto loco. -y que siempre fue rarito- es más fácil que pensar que nosotros hemos sido cómplices de una atrocidad como esta, ¿no?

El antropólogo e historiador John Victor Murra, quien revolucionó el estudio del Estado inca, murió hace 20 años en Ithaca, Estados Unidos, a los 90 años, después de una vida digna de una película en la que atravesó algunos de los grandes eventos del siglo XX y dejando un legado que, hasta su llegada, parecía inmposible: le dio voz la civilización Inca como nadie lo había hecho.

En ese sentido, su obra desplazó las visiones que reducían al mundo andino a una rareza exótica y lo examinó como un sistema de administración capaz de organizar trabajo, recursos y obligaciones en los Andes centrales.

Nacido como Isak Lipschitz (Odessa, 1916) el investigador, autor y profesor atravesó guerras, exilios y persecuciones antes de dedicarse a la antropología. Su primer recuerdo era la huida junto a su madre hacia Rumania, mientras ella cargaba la plata familiar y se oían disparos detrás de ambos durante la guerra civil que siguió a la Revolución rusa.

La familia se instaló en Bucarest, donde el joven Lipschitz se identificó con una nación que se construía tras la caída de los imperios otomano, Habsburgo y ruso. El ascenso de la Guardia de Hierro, un movimiento ultranacionalista y antisemita, lo llevó a incorporarse a la organización juvenil socialdemócrata vinculada al Partido Comunista.

Sus padres temían que terminara en prisión y en 1934 organizaron su viaje a Estados Unidos, donde vivía un tío contrabajista en Chicago. Allí estudió en la Universidad de Chicago bajo la influencia de Alfred Reginald Radcliffe-Brown, una figura central de la antropología social británica, aunque Murra cuestionaba sus clases desde el fondo del aula: “¿Y qué hay de la lucha de clases?”.

Tras obtener una licenciatura en Sociología, interrumpió sus estudios, se casó brevemente con la militante Virginia Miller y viajó a España. Entre 1936 y 1939 integró el 58.º batallón de la 15.ª Brigada Internacional del ejército republicano, que enfrentó al escenso de Francisco Franco durante la Guerra Civil.

Las Brigadas Internacionales fueron unidades militares formadas por voluntarios extranjeros de más de 50 países que participaron en la contienda; la mayoría de los brigadistas no eran soldados, sino trabajadores reclutados voluntariamente por los partidos comunistas (Comintern) o veteranos de la Primera Guerra Mundial.

Entre sus integrantes hubo escritores y poetas como George Orwell, John Cornford, Ralph Fox, Charles Donnelly, Christopher Caudwell y Gustav Regler, quienes describieron sus experiencias en el frente.

Murra fue un combatiente que, luego, trasladó el vocabulario de la trinchera al ámbito universitario: “La preocupación de los años treinta sigue, en el sentido de que no es una mera ciencia, es una batalla, es una lucha... tenemos que aplicar tácticas que nos permitan cruzar disciplinas sobre la sociedad andina”, escribió.

Su dominio del ruso, rumano, francés, alemán, inglés y español lo llevó a trabajar como traductor para el alto mando republicano. Esa tarea le permitió observar el funcionamiento del poder y las maniobras de los comisarios políticos; además, sufrió heridas de guerra, entre ellas una lesión en una pierna causada por la explosión de una granada, cuyas secuelas conservaría el resto de su vida.

Al concluir la guerra cruzó los Pirineos y quedó internado durante seis meses en el campo de refugiados de Argelès-sur-Mer, en Francia. Allí volvió a trabajar como traductor y se desencantó del Partido Comunista al ver que numerosos excombatientes eran enviados a sus países de origen, donde podían morir a manos de gobiernos fascistas.

Miller consiguió el visado que le permitió regresar a Estados Unidos. Murra abandonó definitivamente el comunismo después del pacto de no agresión firmado por Adolf Hitler y Joseph Stalin en agosto de 1939, y adoptó una nueva identidad: John por su carácter común y estadounidense, Victor por sus convicciones radicales y Murra por mura, “mora” en rumano, el apodo que había recibido por sus ojos negros.

La Segunda Guerra Mundial lo llevó a colaborar con la antropóloga Ruth Benedict y a visitar Ecuador. En 1942, Donald Collier, conservador del Museo Field de Chicago, lo nombró asistente de un proyecto arqueológico ecuatoriano patrocinado por el Institute of Andean Research; esa experiencia dio origen a sus primeros trabajos sobre el mundo andino.

Las restricciones impuestas en Estados Unidos durante la Guerra Fría a quienes habían tenido vínculos con el comunismo afectaron su carrera. Primero le negaron la ciudadanía y, aun después de obtenerla, no pudo conseguir un pasaporte hasta 1956, por lo que recurrió a fuentes históricas para completar su doctorado en Chicago.

Su tesis, La organización económica del Estado inca, se convirtió en una referencia pese a no haber sido publicada inicialmente. En el estudio cuestionó las interpretaciones sobre un supuesto socialismo incaico y examinó cómo funcionaban la reciprocidad y la redistribución en la economía, la política y la vida social de las comunidades andinas.

La tesis del archipiélago vertical, el concepto más difundido de Murra, sostenía que las sociedades andinas no intercambiaban recursos entre distintas altitudes mediante el comercio, sino mediante mecanismos de control directo: un núcleo político en el altiplano extendía colonias hacia la costa, los valles y las yungas, accediendo así a productos que su propio piso ecológico no podía generar.

Murra rechazaba la expresión “conquista española”, porque consideraba que legitimaba el nuevo orden impuesto tras la llegada europea. Definía aquel proceso como una invasión que destruyó conocimientos y formas de organización singulares, tanto por acciones deliberadas como por desconocimiento de los invasores.

Su atención se concentró en los mecanismos prácticos de una estructura estatal centralizada que se extendía miles de kilómetros a lo largo de los Andes y que operaba sin rueda, mercados, dinero ni un sistema de escritura aparente. Estudió a los funcionarios provinciales que realizaban censos y distribuían labores, así como a los grupos étnicos que evitaban el hambre mediante el manejo de recursos situados en territorios de distintas altitudes.

El antropólogo también se interesó por los funcionarios y soldados españoles que empezaron a comprender la civilización que contribuían a destruir. Sus investigaciones posteriores se centraron en esas figuras y en las fuentes del siglo XVI que permitían reconstruir las relaciones entre autoridades, comunidades campesinas, trabajo y territorio.

Hay un dato que los despachos académicos sobre Murra rara vez mencionan: durante 20 años, entre 1938 y 1958, no tuvo pasaporte. Esa restricción, producto de sus años de militancia y de los mecanismos de persecución política de la posguerra, lo mantuvo confinado en Estados Unidos durante dos décadas.

Esa ausencia forzada de los Andes profundizó su inmersión en las crónicas coloniales: “Durante los veinte años que no pudo salir de los Estados Unidos se introdujo en la misma mente de los cronistas; al llegar a los Andes, había logrado viajar tanto con ellos y vivir junto a sus testimonios, que asumió el derecho de ser su segunda voz”, escribe el arqueógo chileno Lautaro Núñez, quien conoció a Murra en el desierto de Atacama, durante diferentes excavaciones entre 1970 y 1983.

Sin dudas, otras de los grandes legados a la región fue dar lugar a toda una generación entera de arqueólogos andinos. Su aporte fue un antes y un después en la manera en que el mundo entendió la cosmovisión andina.

El pensamiento materialista de Murra fue retomado por la antropología marxista de la década de 1970 y por intelectuales indígenas sudamericanos que buscaban revitalizar sus tradiciones sociales. Ejerció en Puerto Rico, Vassar College y Cornell University, y viajó de forma constante por América Latina.

En 1958 visitó Perú por primera vez con su pasaporte estadounidense, conoció Cusco y participó en un congreso del Centro de Estudios Histórico-Militares en Lima. Ese viaje inició una relación sostenida con el país, donde entabló amistad con José María Arguedas, Óscar Núñez del Prado, María Rostworowski de Diez Canseco y José Matos Mar.

En 1964 fue cofundador del Instituto de Estudios Peruanos. Dos años más tarde, José María Arguedas le dedicó uno de sus poemas más conocidos, Llamado a Algunos Doctores.

Murra describía a la antropología como su hogar. Patriarcal y autoritario, apoyó a mujeres que buscaban reconocimiento profesional y autonomía personal; una de sus alumnas, la feminista californiana Laura X, había adoptado antes su apellido.

Detestaba los regímenes soviéticos y valoraba el localismo de la política estadounidense, aunque defendía un Estado fuerte y mostraba escasa simpatía por los movimientos estudiantiles libertarios de fines de la década de 1960.

Murra no tuvo hijos, pero fue maestro y figura paternal para investigadores de distintos países. Su hermana Ata le sobrevivió en Rumania, y antes de morir entregó al Archivo Antropológico Nacional de Estados Unidos numerosos cuadernos con registros de sus propios sueños.

El silencio puede expresar secretos, obediencia, censura, protesta o afecto; sus formas y sentidos cambian con cada época. En El dedo en los labios, Lola Pons convierte ese territorio esquivo en materia de una historia cultural de la lengua española. El ensayo, de 280 páginas, va de la Edad Media a las redes sociales y sostiene una pregunta que atraviesa toda la lectura: qué revela una sociedad cuando decide callar.

La filóloga y catedrática de la Universidad de Sevilla presenta su primer ensayo narrativo y el más ambicioso de su trayectoria. El libro no trata el silencio como una simple ausencia de palabras. Lo examina como una práctica vinculada con el poder, la oración, el amor, la escucha, la reserva y las formas de exclusión.

Pons combina historia lingüística, episodios culturales y observación del presente. Ese cruce evita que el recorrido se reduzca a un catálogo de palabras antiguas: los cambios en el vocabulario permiten observar también los cambios en lo que se admite decir, en lo que se prohíbe y en aquello que permanece fuera de la conversación pública.

El silencio salió de los claustros y entró en la vida cotidiana

Uno de los tramos más consistentes del volumen sigue la trayectoria de la palabra “silencio”. Su origen religioso, ligado a monasterios y conventos, se desplaza en el siglo XVI hacia los usos cotidianos. Desde entonces, el término abandona el marco del voto y adquiere matices que acompañan la vida social.

El libro muestra que esos matices nunca son inocentes. Lo que en un tiempo puede interpretarse como pudor, en otro puede nombrarse como censura. Los límites de lo decible cambian, y la historia de esas fronteras es uno de los núcleos del ensayo.

La atención a los verbos confirma la precisión con que Pons lee el idioma. “Silenciar”, explica, surgió en el español americano y llegó al español de España a comienzos del siglo XX, cuando desplazó expresiones como “hacer callar” o “mandar callar”. Su terminación en “-ar” responde, además, a que esa es la conjugación que todavía admite la creación de nuevos verbos en español.

Las palabras de la política muestran quién puede hablar

El análisis se detiene en fórmulas que hoy parecen corrientes. “Sin comentario”, por ejemplo, entra en el relato como una expresión asociada a la comunicación política estadounidense antes de pasar a la lengua común. Pons entiende estas incorporaciones como indicios de una época y de sus maneras de administrar la información.

También recupera la figura de “Tácito” durante la Transición española. “Ser un tácito” o “ser de Tácito” designaba a quienes publicaban bajo ese seudónimo al final de la dictadura franquista para intervenir en el debate ideológico y político. El episodio da espesor histórico a una intuición que el libro desarrolla de principio a fin: callar y hablar rara vez son decisiones desvinculadas de las relaciones de poder.

La parte final amplía esa perspectiva hacia los silencios de las mujeres y de quienes tuvieron menor acceso a la escritura o al reconocimiento público. El libro confronta fórmulas como “calladita estás más guapa”, que convierten el silencio femenino en mandato, con las desigualdades que aún se advierten en el uso de la palabra. Pons recuerda que, incluso en parlamentos con representación paritaria y listas electorales equilibradas, las mujeres disponen de menos tiempo de palabra que sus compañeros varones.

El gesto de un dedo sobre los labios enlaza pasado y presente

La discapacidad ocupa otro lugar relevante en el recorrido. El ensayo relaciona “mutismo”, “mudez” y “mutis” a partir de su origen común, a la vez que revisa el uso de “mudo” ante una comprensión más amplia de las formas de comunicación de las personas sordas. El planteamiento evita congelar las palabras en su definición: las sitúa en las transformaciones sociales que alteran su alcance.

El título procede del gesto de llevar un dedo a los labios para pedir silencio. Pons lo vincula con Harpócrates, dios del silencio, y lo llama gesto harpocrático. El recorrido se detiene también en “chist”, la interjección con la que se manda callar y de la que derivan “chistar” y “chiste”. Esa señal, reconocible incluso fuera de las palabras, permite seguir una comunicación no verbal que los textos históricos registran de forma fragmentaria.

La voz “callacuece”, un andalucismo —propio de Andalucía, en España—, se aplica a quien actúa con reserva y logra su propósito sin llamar la atención. La aclaración resulta necesaria para el público de toda América: el término no pertenece al uso general del español. En él se cruzan la discreción, la expectativa y el riesgo de que lo oculto termine por revelarse.

El libro cierra en el entorno digital, donde dejar un mensaje sin respuesta prolonga una conducta anterior: antes podía ocurrir con una carta; ahora, con una comunicación electrónica. Cambia el soporte y cambia el nombre de la práctica, pero persiste la pregunta que organiza estas páginas: qué dice de nosotros aquello que elegimos no decir.

La trigésimo cuarta edición de la Feria Internacional del Libro en Monterrey reunirá a miles de visitantes que esperan por la firma de autores, charlas de grandes personalidades del mundo literario y actividades que combinan la cultura mexicana con los libros. Todo en un evento que se llevará a cabo hasta el próximo domingo 18 de octubre, cuando cierre sus puertas hasta el año que viene.

Todo se desarrolla en el Centro Internacional de Negocios (Cintermex) gracias al impulso de El Tecnológico de Monterrey -una universidad privada- y que este año tiene como invitado especial a El Colegio Nacional, una institución que desde hace 80 años reúne a las voces más influyentes del pensamiento mexicano.

La institución tendrá una presencia destacada mediante un programa de más de cien actividades organizadas por las seis escuelas nacionales de la institución, entre las cuales sobresalen las propuestas de la Dirección Nacional de Patrimonio Cultural.

Asimismo, en los pasillos se ven estudiantes de edades diferentes y también adolescentes y padres con sus hijos que buscan opciones literarias para disfrutar durante el día.

En su edición anterior, el encuentro recibió a 360.000 visitantes, lo que reflejó el impacto que tiene esta cita cultural en los últimos años.

Otra de las particularidades que tiene la edición de este año es la presencia de autores provenientes de 14 países distintos, entre los que figuran personalidades como el premio Nobel de Literatura Jean-Marie Gustave Le Clézio, quien no participó de forma física, sino que lo hizo a través de un holograma. Además, hay nombres como Emmanuel Carrère, Janne Teller, Gioconda Belli, Leonardo Padura y Cristina Rivera Garza.

Entre las propuestas que buscan combinar la idiosincrasia local con el universo editorial se encuentran los stands con actividades exclusivamente pensadas para niños y espacios dedicados a la gastronomía. La programación también incluye eventos especiales que buscan mezclar la esencia de la cultura mexicana con la literatura.

Entre las iniciativas dirigidas a los más jóvenes destaca la presencia de libros dedicados a Lionel Messi y Diego Maradona, pensados para atraer a los adolescentes hacia la lectura con dos figuras del deporte más popular del mundo. A esto se suma la participación de stands universitarios, editoriales locales y representantes del sector comercial, que también contribuyen a la difusión del evento.

Una de las propuestas que más llama la atención del público es la Lucha Libro Tec, un formato diseñado para fusionar el arte de la escritura con la estética de la lucha libre mexicana. Durante las competencias, cuatro participantes se enfrentan cara a cara en un ring, donde ponen a prueba sus habilidades de escritura de cuentos bajo presión.

La dinámica consiste en tiempo real, en el que los competidores deben superar desafíos creativos en vivo que exigen imaginación y capacidad para idear historias de manera inmediata. El ámbito, ideal para familias, se divide en dos categorías y el show lo aportan los disfraces típicos que puede tener cualquier peleador de lucha libre.

Justamente, la combinación de actuación e improvisación, sumada a la puesta en escena propia de la lucha libre, transforma el ejercicio de la lectura en una experiencia única para los espectadores.

El escritor argentino Alberto Manguel estuvo a cargo del discurso inaugural; en él advirtió sobre la disminución en la comprensión profunda de un texto y de qué forma escapa a la mayoría de la juventud. “¿Cómo podemos comunicar con claridad lo que los escritores quieren decir si se encuentran frente a lectores que parecen incapaces de entender una metáfora, un argumento más o menos complejo?”, cuestionó.

Manguel también planteó interrogantes sobre el vínculo entre la comprensión lectora y la vida cotidiana. “¿De qué manera podemos, como lectores, interpretar correctamente lo que un autor está tratando de comunicar si no podemos entender el significado de un texto?”, agregó.

En tanto, desde la organización del evento, la presidenta Carmen Junco, remarcó que este año la intención es “poner en el centro los contenidos, las ideas y las experiencias significativas: aquello que puede acompañarnos, emocionarnos, hacernos pensar y permanecer con nosotros aun después de que termine la Feria”.

El mensaje también subrayó el significado de realizar el encuentro en Monterrey, una ciudad que “ha construido buena parte de su historia mirando hacia adelante” y que ha sido polo de industria, innovación y emprendimiento, además de un espacio cada vez más orientado hacia la generación de ideas.

“Monterrey progresa no sólo cuando construye empresas o transforma su entorno, sino también cuando piensa, crea, debate y se pregunta por el mundo que quiere habitar”, afirmó Junco, que remarcó que el propósito final del encuentro es “encontrarnos con las personas”.

La escritora chilena Isabel Allende ha ganado el Premio Planeta 2026, galardón dotado con un millón de euros que ha recibido por La hora antes del alba. Este libro supone la primera secuela directa de La casa de los espíritus, la novela con la que, “hace exactamente 45 años”, según ha recordado la autora, Allende se convirtió en una de las escritoras más leídas de América Latina.

“No esperaba ver a todo el mundo de pie”, ha confesado la novelista tras subir al escenario a recoger el premio mientras todos los asistentes al acto en Barcelona la aplaudían. En su discurso, Allende ha explicado los motivos por los que finalmente decidió retomar esa historia y contar qué ocurrió después de la última página de La casa de los espíritus con Alba, la nieta del patriarca por la que, afirma, muchos lectores le preguntaban. “Esas preguntas me han rondado por décadas”, ha asegurado.

Sin embargo, hasta ahora la autora nunca había sabido cómo responderlas. Algo que ha cambiado, según ella misma ha contado en su discurso, con el actual contexto político del mundo. “Cada historia es una semilla, yo tengo cientos de semillas. De pronto una semilla brota y empieza a molestarme. Sé que ha llegado el momento de escribirla y eso ocurre porque el tema está en el aire, y ahora, cuando veo tantas democracias amenazadas, vuelvo a sentir el mismo temor que me obligó a salir de mi país en 1973″.

“Son los mismos espíritus que viven en mi casa”

Isabel Allende nunca había continuado la historia de los personajes de La casa de los espíritus. Sin embargo, sí amplió este universo creando una precuela familiar en forma de trilogía temática con Hija de la fortuna y Retrato en sepia. Además, retomó el árbol genealógico de la familia Del Valle (la otra gran familia de esta saga) con su última novela publicada, Mi nombre es Emilia del Valle, con una historia ambientada a finales del siglo XIX donde la protagonista viaja a Chile como corresponsal para cubrir la Guerra Civil chilena de 1891.

“Esta novela es el cierre del universo complejo de los personajes de La casa de los espíritus”, ha dicho Allende sobre La hora antes del alba. “Es la historia de Alba, la nieta, en los años del terror, fortalecida por la maternidad, por el amor de dos hombres y por la callada presencia de los espíritus de su pasado. Esos son los mismos espíritus que viven en mi casa y que me acompañarán en la hora de mi muerte”.

Del mismo modo, la autora ha explicado que el título de esta nueva novela “se refiere al momento más oscuro de la noche, cuando ya se adivina la promesa del amanecer”. Para presentarse al Premio Planeta, Allende empleó el pseudónimo de Luz Ventura, que también encerraba un significado relacionado con este universo literario que ahora retoma. “Es un guiño a las mujeres luminosas de La casa de los espíritus. El apellido Ventura significa afortunada y bendecida. Esta es una historia que transcurre en la noche oscura de la dictadura, pero iluminada por el amor y bendecida por la solidaridad”.

El Premio Planeta 2026 ha deparado una gran sorpresa al anunciar que la ganadora de esta nueva edición ha sido la escritora chilena Isabel Allende. El galardón, dotado con un millón de euros para el ganador, ha reconocido así su novela La hora antes del alba, secuela directa de La casa de los espíritus, libro con el que Allende se convirtió en una de las escritoras hispanas más leídas del mundo hace 45 años.

La casa de los espíritus narra la saga de cuatro generaciones de la familia Trueba (inspirada en la propia familia de la escritora) en un convulso país latinoamericano. A través de personajes como Clara, una mujer de gran sensibilidad y con poderes sobrenaturales; Esteban, el patriarca, y la apasionada Alba, su nieta, la novela entrelaza amores prohibidos, secretos familiares y fenómenos paranormales con los violentos cambios políticos y la dictadura, retratando la memoria, el perdón y la redención.

“Desde que esa novela se publicó he recibido innumerables mensajes de lectores que quieren saber qué pasó con Alba después de la última página”, ha explicado la autora, recibida entre los aplausos del público. “Esa pregunta me ha rondado por décadas; cada historia es una semilla, yo tengo cientos de semillas. De pronto una de esas semillas brota y empieza a molestarme”. Allende también ha explicado que el pseudónimo con el que se presentó, Luz Ventura, hacía referencia, por un lado, a “las mujeres luminosas” de La casa de los espíritus y, por otro, a la fortuna y la “bendición” del amor y la solidaridad.

“Lo más importante es cómo cobra sentido el libro”

El famoso galardón, que también ha otorgado 200.000 euros al escritor Sergio Hernández Carrasco por su novela La añoranza, elegida como finalista, ha celebrado 75 años con este golpe de efecto editorial anunciado en el Pabellón 1 del recinto de Montjuïc de Fira de Barcelona. Esta cifra ha sido celebrada en una gala presidida por los reyes Felipe VI y Letizia, quienes han aplaudido también el fallo de un jurado formado por Luz Gabás, Pere Gimferrer, Eva Giner, Carmen Posadas, Javier Sierra, Paloma Sánchez-Garnica y Belén López, directora de Editorial Planeta y secretaria con voto.

Hasta hoy, los libros ganadores del Premio Planeta han logrado vender más de 47 millones de ejemplares en total, según datos ofrecidos por José Creuheras, presidente del Grupo Planeta. 625.000 libros vendidos de media cada año que, sin embargo, no son lo más importante para este último: “Lo más importante es cómo cobra sentido el libro: cuando un lector lo tiene en sus manos, lo abre, lo lee, se emociona, piensa, se emociona, está de acuerdo o no o, simplemente, disfruta”.

En esta edición se batió de nuevo el récord de obras presentadas para el premio, con un total de 1.424 textos recibidos. De todas las sillas, se seleccionó una para integrar una primera lista de posibles ganadoras, que finalmente se redujo a una vez, para comprobar que una de las obras ya había sido autopublicada. Isabel Allende y Sergio Hernández Carrasco han sido, finalmente, los triunfadores de una noche que ya forma parte de la historia del galardón.

El Premio Planeta recupera la senda de los “grandes” de la literatura en español

Por su parte, Felipe VI ha tomado la palabra antes de conocerse a los premiados para señalar que, pese a que no ha sido habitual su intervención en las cinco galas a las que lleva asistiendo junto a Letizia, esta vez no ha querido negarse por “las 75 ediciones del Premio Planeta, que dan cuenta de la solidez de este proyecto y de su arraigo entre escritores, lectores, como confirma ese récord de participación que realmente impresiona”.

Entre los anteriores ganadores del Premio Planeta destacan nombres como los de Javier Cercas, Eduardo Mendoza, Juan José Millás, Maruja Torres, Juan Manuel de Prada, Camilo José Cela, Mario Vargas Llosa, Antonio Muñoz Molina o Ana María Matute. Sin embargo, en los últimos años el galardón ha sido objeto de varias polémicas por cambiar el perfil de los vencedores, con casos como los de Sonsoles Ónega o Juan del Val, vinculados con el grupo televisivo de cuyo accionariado forma parte el Grupo Planeta.

La Casa de América Latina de París celebró este jueves su 80º aniversario con un llamado a luchar “hasta el final” para evitar la expulsión de su sede, que el Banco de Francia puso a la venta en junio.

Decenas de personas se dieron cita en los dos palacetes del siglo XVIII que la acogen desde 1965 para repasar su historia: su creación en 1946 a iniciativa del general Charles de Gaulle o las intervenciones de los presidentes François Mitterrand en 1981 y Jacques Chirac en 2003 para “salvarla”...

Pero el aniversario está marcado por su posible cierre. El Banco de Francia, propietario de los edificios, sacó a la venta el complejo por 100 millones de euros (112 millones de dólares), sin obligación para los futuros compradores de mantener entre sus muros la “MAL”, como se la conoce, por las iniciales de “Maison de l’Amérique latine”, su nombre en francés.

“Lucharemos hasta el final (...) Sería una verdadera pena que, justo cuando celebramos los 80 años de existencia y actividad de la Casa de América Latina, esta desaparezca”, dijo su presidente, el exembajador francés Jean-Marc Laforêt.

Creada en 1946 para promover las relaciones entre Francia y América Latina, como contrapeso de Estados Unidos y la entonces Unión Soviética, actualmente es un epicentro cultural, aunque en los últimos años fue objeto de críticas a su gestión y a su presunta proximidad con los círculos de izquierdas.

El anuncio de su venta conmocionó a los círculos intelectuales y culturales próximos a la región en París. Más de 26.000 personas firmaron una petición que insta al presidente francés, Emmanuel Macron, a evitar la “desaparición” de la sede.

Entre sus firmantes figuran tres ex primeros ministros, como Dominique de Villepin, diputados, senadores y exministros franceses, así como la expresidenta de Chile, Michelle Bachelet, intelectuales y artistas, indicó Laforêt.

En declaraciones, el expresidente francés François Hollande, a quien Mitterrand encargó en 1981 buscar una solución para equilibrar las cuentas de la Casa, llamó al gobierno a actuar para que su eventual venta incluya una cláusula que permita su permanencia en su sede histórica.

“No se trata de interferir en la vida del Banco de Francia, sino simplemente de decir que sería necesario que existiera esta cláusula que permita a la Casa de América Latina permanecer donde está”, explicó el actual diputado socialista.

“Y corresponde al presidente de la República, en cualquier caso, expresar este deseo, y al Banco de Francia comprender su sentido”, agregó.

Ni la presidencia francesa ni la cancillería respondieron por el momento a las solicitaciones de AFP. La identidad del eventual comprador debería conocerse a finales de noviembre, según el diario Libération.

Fuente: AFP

El Festival Borges llega a su sexta edición con una semana de actividades gratuitas que combinan literatura, música y recorridos urbanos para pensar la obra del escritor argentino desde múltiples lenguajes artísticos. Del 26 al 31 de octubre, el encuentro reunirá a escritores, académicos y artistas de distintos países en formato virtual y presencial, con sede en la Alianza Francesa de Buenos Aires.

La propuesta, organizada por Marisol Alonso y Vivian Dragna, incluye paneles sobre la relación entre Jorge Luis Borges y otros autores universales, una entrevista a la escritora estadounidense Siri Hustvedt y un cruce entre la obra del escritor y el cine de Christopher Nolan. El festival fue declarado de interés cultural por la Legislatura porteña en 2021.

Las charlas virtuales abren la semana con miradas internacionales

La programación arranca el lunes 26 de octubre a las 14:00 con Borges y Thomas Browne, una disertación de Pablo Maurette sobre los vínculos entre Borges y el escritor inglés. Al día siguiente, martes 27 de octubre, a las 14:00, Oswaldo Zavala y Carmen Boullosa debatirán en Repensar El Sur, límites y fronteras bajo el lente de Borges, con la moderación de Luciana Colombo.

El miércoles 28 de octubre, a las 14:00, el español Vicente Cervera Salinas abordará La poesía de Borges, historia de una eternidad, centrada en la dimensión histórica de la obra lírica del escritor. El jueves 29 de octubre, a las 14:00, Marisol Alonso entrevistará a Siri Hustvedt en una actividad que requerirá una inscripción especial el mismo día del evento.

Los encuentros presenciales cruzan literatura, humor y amistades literarias

Desde el lunes 26 de octubre, la Alianza Francesa se convertirá en sede de los paneles presenciales. La primera actividad, a las 18:00, El humor como una de las bellas artes reunirá a Sylvia Iparraguirre, Alfredo de Jorge y Juan Sasturain, con la moderación de Marcos Liyo.

El martes 27 de octubre, a las 18:00, Matilde Sánchez y Daniel Guebel repasarán la amistad literaria entre Borges y Adolfo Bioy Casares en Una amistad literaria, Borges y Bioy, con la moderación de Juan Francisco Baroffio. Más tarde, a las 19:30, Marcos Liyo compartirá Ginebra, una de mis patrias, sobre la ciudad donde el escritor vivió sus últimos años, con la moderación de Vivian Dragna.

El miércoles 28 de octubre se desarrollarán dos paneles consecutivos. A las 18:00, Borges y Joyce, historias de héroes y traidores reunirá a Silvia Utges, Guillermo Martínez y Mónica Cuello, con la moderación de Vivian Dragna. A las 19:30, La grieta en la realidad, Borges y el género fantástico, convocará a Juan Mattio, Ricardo Romero y Luisa Valenzuela, con la moderación de Juan Guinot.

El jueves 29 de octubre, a las 18:00, Gabriela Saidón y Ramiro San Honorio analizarán los puntos de contacto entre Borges, Nolan y la Odisea en Borges, Nolan y la reescritura de la Odisea, presentado por Marisol Alonso.

Experiencia Borges propone un diálogo entre la literatura y otras disciplinas

Bajo el nombre Experiencia Borges, el festival suma cuatro actividades que buscan vincular la lectura con otros lenguajes artísticos. La primera, el jueves 29 de octubre, a las 19:30, El libro absoluto, Borges y el universo, estará a cargo del artista Joaquín Fargas, quien presentará una obra tecnológica inspirada en los cuentos “La biblioteca de Babel” y “El libro de arena”.

El viernes 30 de octubre, a las 20:00, el trío La Funes, integrado por Juliette Massouh, Charlie Rossi y Rubén Gómez, ofrecerá el espectáculo poético musical La otra vereda. El sábado 31 de octubre, a las 11:00, Juan Francisco Baroffio guiará la Caminata borgeana, Borges, el hacedor de Buenos Aires, de aproximadamente dos horas de duración y con cupos limitados.

La jornada de cierre continuará a las 17:30 con Entrevista a Mauricio Kartun, a cargo de Marisol Alonso, y culminará a las 19:30 con Borges y el tango, el coraje como herencia, espectáculo protagonizado por Walter Romero en voz, Diego Kvitko en guitarra y arreglos, y Emiliano Fernández Milky en guitarra.

Programación completa

Lunes 26 de octubre, 14:00 (virtual): Borges y Thomas Browne, con Pablo Maurette

Lunes 26 de octubre, 18:00 (presencial): El humor como una de las bellas artes, con Sylvia Iparraguirre, Alfredo de Jorge y Juan Sasturain

Martes 27 de octubre, 14:00 (virtual): Repensar “El Sur”, límites y fronteras bajo el lente de Borges, con Oswaldo Zavala y Carmen Boullosa

Martes 27 de octubre, 18:00 (presencial): Una amistad literaria, Borges y Bioy, con Matilde Sánchez y Daniel Guebel

Martes 27 de octubre, 19:30 (presencial): Ginebra, una de mis patrias, con Marcos Liyo

Miércoles 28 de octubre, 14:00 (virtual): La poesía de Borges, historia de una eternidad, con Vicente Cervera Salinas

Miércoles 28 de octubre, 18:00 (presencial): Borges y Joyce, historias de héroes y traidores, con Silvia Utges, Guillermo Martínez y Mónica Cuello

Miércoles 28 de octubre, 19:30 (presencial): La grieta en la realidad, Borges y el género fantástico, con Juan Mattio, Ricardo Romero y Luisa Valenzuela

Jueves 29 de octubre, 14:00 (virtual): Entrevista a Siri Hustvedt, por Marisol Alonso (inscripción el mismo día)

Jueves 29 de octubre, 18:00 (presencial): Borges, Nolan y la reescritura de la Odisea, con Gabriela Saidón y Ramiro San Honorio

Jueves 29 de octubre, 19:30 (presencial): El libro absoluto, Borges y el universo, con Joaquín Fargas

Viernes 30 de octubre, 20:00 (presencial): La otra vereda, espectáculo poético musical con La Funes

Sábado 31 de octubre, 11:00 (presencial): Caminata borgeana, Borges, el hacedor de Buenos Aires, con Juan Francisco Baroffio (cupos limitados, duración aproximada de dos horas)

Sábado 31 de octubre, 17:30 (presencial): Entrevista a Mauricio Kartun, por Marisol Alonso

Sábado 31 de octubre, 19:30 (presencial): Borges y el tango, el coraje como herencia, espectáculo de tango con Walter Romero, Diego Kvitko y Emiliano Fernández Milky

Información para el público

Fechas: del lunes 26 al sábado 31 de octubre de 2026.

Lugar de las actividades presenciales: Alianza Francesa, avenida Córdoba 946, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Costo: gratuito, con inscripción previa obligatoria

Inscripción: a través del sitio www.festivalborges.com.ar

Fotos: EFE/ archivo; Europa Press.

Una pintura de Vincent van Gogh que permaneció oculta durante más de seis décadas saldrá a subasta el 18 de noviembre en Nueva York con un precio estimado de USD 207 millones, una cifra que la convertiría en la obra más cara del artista neerlandés jamás vendida en remate público.

Blossoming Chestnut Trees (Châtaigniers en fleurs), un óleo de mayo de 1890, será ofrecido por Sotheby’s como parte de una colección de 12 obras pertenecientes a la familia argentina Blaquier-Arrieta, cuyo valor conjunto ronda los USD 450 millones.

El precio de martillo proyectado —en torno a USD 180 millones, que con la prima del comprador asciende a los 207 millones— supera con amplitud el récord vigente para un Van Gogh en subasta: los USD 117 millones que alcanzó Orchard with Cypresses en Christie’s en 2022. La casa de subastas londinense garantizó la venta por una suma no revelada, lo que asegura que la obra cambiará de manos y, con alta probabilidad, fijará una nueva marca para el pintor.

La obra fue pintada nueve días después de que Van Gogh dejara el asilo de Saint-Rémy

El cuadro fue ejecutado en Auvers-sur-Oise, la localidad situada a 30 kilómetros al noroeste de París donde Van Gogh se instaló tras abandonar el asilo psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence. El 25 de mayo de 1890, Vincent escribió a su hermano Theo para contarle que acababa de terminar “un estudio de castaños”. La escena, según una postal de alrededor de 1920, muestra una vista de la Avenue de la Gare; el edificio que aparece en el extremo izquierdo de la fotografía coincide con el representado en la pintura, informó The Art Newspaper.

En primer plano, Van Gogh retrató un bar con el exterior marrón en la planta baja, ubicado a apenas dos minutos a pie del albergue donde se hospedaba. Más de 135 años después, el local sigue funcionando como bar-tabac bajo el nombre Le Balto, en el número 19 de la Rue du Général de Gaulle. La composición destaca por un cielo azul intenso que contrasta con las flores de los castaños, bajo los cuales tres mujeres con sombrillas de estilo japonés se congregan. La figura de la izquierda, con ropa azul y sombrero de paja, evoca la imagen del propio artista.

Solo ocho de los 50 paisajes de Auvers siguen en manos privadas

Hasta ahora, las únicas imágenes disponibles del cuadro eran reproducciones de baja calidad que no transmitían el impacto visual de la obra. Su última exhibición pública tuvo lugar en 1964, en una muestra sobre Van Gogh y el expresionismo en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. La pintura es una de apenas ocho de los 50 paisajes que el artista realizó en Auvers que aún permanecen en colecciones privadas.

Pocas horas después de completar el cuadro, el clima en Auvers se tornó lluvioso y tormentoso, lo que pudo haber derribado algunas ramas de los castaños. Eso explicaría por qué Van Gogh recogió varias de ellas para pintar su célebre naturaleza muerta Blossoming Chestnut Branches, hoy en préstamo a largo plazo en el Kunsthaus de Zúrich como parte de la colección Emil Bührle.

La obra pasó por cinco coleccionistas antes de llegar a Buenos Aires en 1975

Tras la muerte de Vincent el 29 de julio de 1890, el cuadro pasó a Theo y luego a su viuda, Jo Bonger. En 1905 fue vendida al cuarto príncipe de Wagram, miembro de la familia Rothschild en Francia. Cuatro años después la adquirió el editor berlinés Samuel Fischer, y a su fallecimiento en 1934 la heredó su hija Brigitte. A pesar de la persecución que sufrió la familia por su origen judío, Sotheby’s confirmó que, según investigaciones recientes, la familia pudo disponer de la obra libremente en todo momento.

En 1936, la pintura fue comprada por Henriette y Marcel Kapferer —él era entonces director de la petrolera Royal Dutch Shell en Francia— y posteriormente vendida. En 1945 llegó a manos de George “Buddy” Gard de Sylva, compositor y productor de Hollywood, y tras su muerte en 1950 fue adquirida por la coleccionista neoyorquina Harriet Harris-Jonas. Finalmente, la pareja Blaquier, radicada en Buenos Aires, la compró en 1975.

La colección fue reunida por Nelly Arrieta de Blaquier, fallecida en 2020, y su esposo separado Carlos Pedro Blaquier, muerto en 2023. Las obras pasaron entonces a sus hijos.

En noviembre de 2025, Christie’s ya había vendido en forma privada otra obra de la familia, Seated Zouave (junio de 1888), un retrato de un soldado, por un monto reportado de USD 190 millones que habría incluido comisiones. El comprador podría haber sido de Qatar.

Antes del remate, Blossoming Chestnut Trees será exhibida en Taipéi (5-6 de octubre), Hong Kong (13-15 de octubre) y Nueva York (7-17 de noviembre). Las dos escalas en Asia oriental confirman la importancia creciente de los compradores asiáticos en el mercado de obras de Van Gogh.

En medio de la expectativa por la tercera temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo, Walker Scobell reveló uno de los privilegios más singulares que le ha dado interpretar al célebre semidiós: acceder a los borradores iniciales de los libros de Rick Riordan antes de que lleguen al público.

El actor de 17 años hizo la confesión durante su primera aparición en la Comic Con de Nueva York, el sábado 10 de octubre, donde también compartió un adelanto exclusivo de la nueva entrega que adaptará La maldición del titán.

“Creo que lo más importante que saqué de pasar tanto tiempo con Rick es que, a veces, recibo los primeros borradores de los libros”, dijo Scobell ante una audiencia repleta en el escenario principal del Hall 1D. “Así que obviamente ese es uno de los grandes beneficios de poder interpretar a Percy”.

Scobell desmintió el dicho de “nunca conozcas a tus ídolos”

El joven actor aprovechó el panel —moderado por Damian Holbrook, de TV Insider— para reflexionar sobre el vínculo que ha forjado con Riordan, el creador de la saga que dio vida al personaje que interpreta desde 2023. Lejos de la cautela que suele acompañar las relaciones entre artistas y sus referentes, Scobell ofreció un testimonio sin reservas.

“Creo que si Rick Riordan es tu héroe, definitivamente deberías conocerlo, porque es la persona más amable que jamás hayas conocido”, afirmó, antes de calificarlo como “un tipo realmente genial y agradable”. El autor, de 62 años, publicó la primera novela de la serie, El ladrón del rayo, en 2005, y en 2024 lanzó la séptima entrega, La ira de la triple diosa.

Scobell también comentó que conocer al escritor y a su esposa, Rebecca Riordan —quien además es productora ejecutiva de la serie—, le permitió descubrir las raíces reales de los personajes de ficción. “Fue muy interesante conocerlo a él y a Becky, porque se nota enseguida de dónde sacó a Percy y a Annabeth, ¿sabes?”, explicó. “Casi quería ver a todos los demás que juegan un papel importante en su vida, para ver, por ejemplo, ¿dónde están Grover y Tyson?”.

La tercera temporada adapta por primera vez La maldición del titán

La serie de Disney+, que se estrenó en diciembre de 2023 con una primera temporada basada en El ladrón del rayo y continuó en 2025 con la adaptación de El mar de los monstruos, regresa el 20 de noviembre con ocho episodios que se emitirán en pares durante cuatro semanas. La nueva entrega se basará en La maldición del titán, el tercer libro de Riordan, que nunca antes había sido llevado a la pantalla —las películas protagonizadas por Logan Lerman solo cubrieron las dos primeras novelas—.

Según la sinopsis oficial, las apuestas son más altas que nunca cuando Percy enfrenta la repentina desaparición de Annabeth y la inminente Gran Profecía del Oráculo de Delfos, que dictará el destino del Olimpo. Con Grover a su lado, el semidiós deberá unirse a compañeros inesperados para confrontar una profecía con consecuencias funestas.

Nuevos rostros se suman al elenco con personajes muy esperados por los fans

Junto a Scobell, Leah Sava Jeffries y Aryan Simhadri regresan como Annabeth Chase y Grover Underwood. Se suman Charlie Bushnell como Luke Castellan y Tamara Smart como Thalia Grace, además de Daniel Diemer como Tyson y Dior Goodjohn como Clarisse La Rue.

Entre las incorporaciones más destacadas figuran Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie como los hermanos Nico y Bianca di Angelo, dos de los personajes más queridos de la saga literaria. La actriz Dafne Keen interpretará a Artemisa, diosa de la caza; Saara Chaudry dará vida a Zoë Nightshade, líder de las Cazadoras de Artemisa; Ming-Na Wen encarnará a Hera, y Holt McCallany a Atlas. También se incorporan Kate McKinnon como Afrodita, Jesse L. Martin como Frederick Chase —padre de Annabeth— y David Costabile como el Doctor Thorn.

Riordan expresó su entusiasmo por el resultado en una entrevista exclusiva con Woman’s World: “Honestamente, creo que es la mejor hasta ahora. Los nuevos actores que interpretan a Nico, Bianca, Zoë Nightshade y Artemisa son increíbles”, afirmó el escritor.

Scobell describió la temporada como “la más aterradora” de la serie

Durante el panel, el actor también calificó esta temporada como la más desafiante, en parte porque el material nunca fue adaptado previamente. “Es la más aterradora porque nunca se hizo antes”, comentó. Sobre los personajes que los fans esperaban ver, como Zoë Nightshade y los hermanos di Angelo, aseguró que “todos cumplen con las expectativas”.

Scobell, debutó en el cine en 2022 junto a Ryan Reynolds en The Adam Project y ganó un Kids’ Choice Award en 2024 como mejor actor de televisión infantil. Entre sus próximos proyectos se encuentra también la película animada The Angry Birds Movie 3, con estreno previsto para diciembre de 2026.

La tercera temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo se estrena el 20 de noviembre en Disney+ y Hulu, con dos episodios iniciales seguidos de dos nuevos capítulos cada semana hasta el 11 de diciembre.

Las historias chiquitas, como se suele describir a aquellas íntimas, sin sobresaltos, suelen ser, en muchos casos, las que más se destacan, no solo por la empatía, sino por su capacidad de conmover. Un detalle, en una historia chiquita, es el que hace la diferencia, porque está construida a partir de cientos de ellos.

Un sueño raro, la nueva pieza teatral de Romina Paula, es, en apariencia, una historia pequeña, por su puesta en escena, por tener un elenco de dos actrices y por la trama. Sin embargo, esto es solo una alucinación, porque es un complejo artilugio de capas. Dos actrices, un solo personaje y diversidad de situaciones que se entrelazan en un tiempo presente/futuro/pasado.

En un tiempo sin tiempo, dos mujeres –una joven y otra madura–, que en realidad son la misma, dialogan acerca de una película, de un viaje a Tucumán, y es la excusa necesaria y perfecta para narrar su propia historia. Irene-joven es la que, de alguna manera, develará el misterio de ese encuentro.

Una desafortunada enfermedad, que tendrá un final feliz, es la llave para las preguntas y para ese encuentro entre diferentes planos con la Irene-madura del futuro. En el medio, dialogarán acerca del cine, los amores, la maternidad, la enfermedad, los diagnósticos –que no definen– y las dudas existenciales.

El deseo, los mandatos –terminar la escuela–, los posibles planos o dimensiones, articulan una suerte de metafísica propia y personal de la joven, que ansía beberse la vida a sorbos enormes, mientras la adulta disfruta de lo cosechado al mirar hacia atrás. No hay reclamos de ninguna de las partes, solo preguntas, que resuenan más a dudas que a certidumbre.

Irene-joven describe el envejecer como “un sueño raro”; llamativa manera, además, de nombrar esos bucles temporales que se alojan más del lado de la ciencia que de la ficción dentro de ese género. No por darle un cariz científico a la obra, sino por las preguntas que ella suscita. A la vez, esos viajes temporales juegan con lo onírico desde la idea misma de la confusión que provoca el encuentro de una en otro plano temporal.

Susana Pampín, actriz de trayectoria que es parte del universo de obras de Romina Paula, y Carolina Saade, que está en plena expansión de su carrera, establecen una comunión armónica, equilibrada y tierna que pareciera dar cuenta de años de trabajo juntas. La conexión es tal que el espectador pierde la noción de estar viendo una obra de teatro.

Con atisbos de humor y ternura, actrices y directora edifican una obra sólida que da pie a algunas risas, pero, sobre todo, a la pregunta profunda, a la reflexión sobre el “buen” vivir, sobre el aprovechamiento del tiempo, el goce de la vida, la vida, la salud y la muerte. Un sueño raro evoca esos cuentos de Bradbury en los que la ciencia ficción demuestra un costado sensible y profundamente humano. Y pone la vida en perspectiva.

Con una temporada a sala llena estrenada en el marco de Paraíso en agosto, que cerró el lunes 12 de octubre, la obra extiende dos últimas funciones en noviembre.

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Esta obra es una producción de Paraíso Club en colaboración con Arthaus Central y cuenta con el apoyo de Impacto Finnegans. Protagonizada por Susana Pampín y Carolina Saade. Dramaturgia y dirección: Romina Paula. Espacio: Matías Sendón; luz: Sebastián Francia; sonido: Germán Cohen; asistencia: Manuel Gallardo; producción: María La Greca. Las últimas funciones se podrán ver los lunes 16 y 23 de noviembre a las 20 en Arthaus, C. A. B. A. Entradas a la venta en Alternativa Teatral.

Fotos: gentileza prensa Un sueño raro (© Martina Perosa).

La cantante Sandra Mihanovich se presentará el 19 de octubre en el Teatro Colón como parte de una gala solidaria organizada por Fleni para financiar la renovación de equipos de neurocirugía. El concierto, previsto para las 20 en la sala porteña de Cerrito 628, destinará lo recaudado al proyecto + Tecnología + Salud de la institución.

Mihanovich ofrecerá un repertorio que recorrerá distintas etapas de su carrera. Las localidades están disponibles a través de Entrada Uno y podrán abonarse en seis cuotas sin interés con tarjetas Santander.

La edición 2026 de la gala tendrá como objetivo reunir fondos para actualizar tecnología médica, con especial atención en el área de neurocirugía. La entidad indicó que la incorporación de equipos y la formación de los profesionales requieren una renovación sostenida en el campo de las neurociencias.

La institución realiza más de 1.500 neurocirugías y 19.000 consultas especializadas por año, de acuerdo con los datos difundidos en la convocatoria. Además, señaló que atendió a más de 10 millones de pacientes y efectuó más de 12.000 intervenciones neuroquirúrgicas durante la última década.

A través de + Tecnología + Salud, Fleni informó que en los últimos años sumó un resonador magnético de 1,5 teslas con herramientas de inteligencia artificial, actualizó sus resonadores de 3 teslas e incorporó el sistema Gamma Knife Esprit para el abordaje de distintas enfermedades neurológicas. Los recursos que se obtengan en la gala serán destinados en 2026 a continuar esa actualización, con foco en neurocirugía y otras áreas médicas.

Fleni es una entidad de bien público dedicada a la prevención, el diagnóstico, el tratamiento y la rehabilitación de enfermedades neurológicas en niños, adolescentes y adultos.

Un abanico podía acompañar a una novia, señalar un período de duelo, recordar el Centenario o servir para promocionar un producto. También se le atribuyó, durante décadas, un código de gestos para transmitir mensajes. Desde el 16 de octubre, el Museo Histórico Nacional inaugurará Mensajes en el aire, una exposición que sigue los usos sociales, artísticos y comerciales de este objeto a través de piezas de los siglos XVIII, XIX y XX.

La muestra reúne una selección de abanicos de la Colección Histórica del Traje Argentino, con ejemplares de distintas procedencias y épocas, desde el siglo XVIII hasta la década de 1970. La exposición podrá visitarse hasta el 2 de mayo de 2027 en la sede de Defensa 1600.

Un objeto que pasó del fuego a los salones

El origen del abanico se remonta a un gesto elemental: agitar el aire para avivar las brasas. Con el tiempo, esa acción dio lugar a un objeto que sumó materiales, técnicas y funciones, hasta convertirse en un accesorio presente en los salones europeos y en la vida social del Río de la Plata.

La exposición recupera esa transformación a través de piezas que muestran distintas formas de producción. Habrá abanicos fijos de origen chino, ejemplares plegables vinculados con la innovación japonesa y los llamados abanicos “de mil caras”, fabricados en Cantón para el mercado europeo. Estos últimos incluían rostros de marfil tallados a mano.

También se exhibirán modelos asociados a determinadas modas, como el abanico Jenny Lind, denominado así por la soprano sueca que se convirtió en una referencia cultural durante el siglo XIX.

Novias, niñas y duelos, los usos que marcaron al abanico

Lejos de limitarse a una pieza de lujo, el abanico acompañó instancias diversas de la vida cotidiana. Mensajes en el aire reune ejemplares destinados a novias y niñas, así como otros vinculados a las distintas etapas del luto.

El recorrido incluye abanicos conmemorativos, entre ellos los producidos en Argentina para el Centenario, y piezas concebidas con fines publicitarios. La variedad permite seguir cómo un mismo objeto podía funcionar como accesorio de moda, señal de pertenencia social o soporte para una imagen comercial.

La muestra pondrá en duda el célebre “lenguaje del abanico”

La exposición cierra con una revisión del “lenguaje del abanico”, la idea según la cual ciertos movimientos o posiciones del objeto transmitían mensajes definidos. Esa tradición será puesta en diálogo con las miradas de especialistas actuales.

La pregunta que atraviesa ese tramo final apunta a distinguir entre una práctica extendida y una construcción posterior: si esos códigos existieron de forma efectiva o si fueron parte de una estrategia comercial alrededor de un accesorio que, aun inmóvil, acumuló sentidos sociales.

Datos para visitar ‘Mensajes en el aire’

Muestra: Mensajes en el aire

Inauguración: 16 de octubre.

Hasta cuándo: 2 de mayo de 2027.

Lugar: Museo Histórico Nacional, Defensa 1600.

Días y horarios: de miércoles a domingos, de 11 a 19.

Entrada: libre y gratuita.

Fuente y fotos: prensa Museo Histórico Nacional.

El arte del siglo XX está repleto de mujeres que pagaron un peaje de ser la inspiración, el cuerpo o el tormento de un genio varón. Sin embargo, hubo una que dinamitó ese altar de pasividad. Cuando el mundo académico y el periodismo cultural intentaron encasillar a Leonora Carrington como la bella “musa” que desveló a Max Ernst en el París de los años 30, ella dijo: “No tuve tiempo de ser la musa de nadie... Estaba demasiado ocupada rebelándome contra mi familia y aprendiendo a ser una artista”.

Esta frase no pertenece a un manifiesto ficcional ni a una novela autobiográfica de la autora; nació del registro directo y de la insistencia de una investigadora por hacer justicia histórica. Para rastrear el origen exacto hay que viajar a la década de 1980. La historiadora del arte norteamericana Whitney Chadwick se propuso una tarea titánica: rescatar a las creadoras del surrealismo que habían sido sepultadas por la historiografía oficial, la cual solo recordaba a André Breton, Salvador Dalí o René Magritte.

Whitney Chadwick viajó a México para entrevistarse personalmente con Leonora Carrington. En esas largas conversaciones, ante las preguntas sobre cómo operaba el concepto de la “mujer-musa” en el círculo surrealista, la pintora anglomexicana soltó la famosa sentencia. El registro de este pensamiento quedó plasmado en el revolucionario libro de Whitney Chadwick titulado Women Artists and the Surrealist Movement (Mujeres artistas y el movimiento surrealista), publicado en 1985.

La importancia de este libro es monumental. Antes de su aparición, las mujeres del movimiento eran tratadas como apéndices sentimentales o modelos hermosas. El trabajo de Chadwick demostró que figuras como Leonora Carrington, Remedios Varo, Dora Maar o Meret Oppenheim no eran espectadoras pasivas, sino creadoras con una potencia técnica e intelectual que, en muchos casos, superaba a la de sus contemporáneos masculinos. La frase es la síntesis perfecta de su biografía.

Desde su juventud, Leonora Carrington entendió que la única forma de ser artista era desobedecer. Entonces lo primero que hizo fue rebelarse contra su familia —una dinastía de industriales textiles de la aristocracia inglesa que pretendía presentarla en la corte del rey Jorge V— y terminó expulsada de varios internados religiosos por su conducta incorregible. Cuando huyó a París con Max Ernst, los surrealistas la recibieron con fascinación, pero ella rápidamente detectó la trampa del grupo.

Breton y sus amigos idealizaban a la femme-enfant (la mujer-niña), una figura mística que debía inspirar al hombre pero no competir con él. Leonora Carrington rechazó el molde. Mientras ellos teorizaban sobre el inconsciente, ella pintaba obras maestras como The Inn of the Dawn Horse (Self-Portrait) o escribía relatos feroces como La debutante. Más tarde, tras sobrevivir a un hospital psiquiátrico en España —experiencia que narró en Memorias de abajo— y escapar de la guerra, se estableció en México.

Allí, junto a su alma gemela artística, la española Remedios Varo, consolidó un universo pictórico único basado en la alquimia, el misticismo celta y el psicoanálisis, produciendo lienzos icónicos como The Giantess o Green Tea, y generando una estética nueva. Hacia el final de su vida, la frase cobró una nueva capa de popularidad cuando su gran amiga, la escritora mexicana Elena Poniatowska, la incluyó como un pilar fundamental en las páginas de Leonora, la biografía novelada que publicó en 2011.

Que Leonora Carrington haya dedicado su tiempo a aprender a ser artista en lugar de decorar la vida de un hombre es el motivo por el cual hoy su obra se subasta en millones de dólares en Sotheby’s y sus textos se estudian en todo el mundo. La vigencia de sus palabras radica en que siguen funcionando como una advertencia para las creadoras del presente: el arte no se hereda por asociación —ni como musa, ni como esposa, ni siquiera como “hija de”—; se conquista a fuerza de rebeldía y trabajo propio.

¿Quién es Leonora Carrington?

Leonora Carrington nació el 6 de abril de 1917 en Lancashire, Inglaterra, en una familia aristocrática de la que renegó desde muy joven para seguir su vocación artística. Tras estudiar en Florencia y Londres, se mudó a París en 1937, donde se integró al movimiento surrealista y mantuvo una relación con Max Ernst. La Segunda Guerra Mundial desató una etapa trágica: tras la detención de su pareja por los nazis, sufrió un colapso nervioso y fue internada en un hospital psiquiátrico en Santander, España.

En 1942, huyendo del conflicto europeo, se estableció en México, país que adoptó como su hogar y donde desarrolló la etapa más brillante y madura de su carrera. Allí consolidó una profunda amistad creativa con la pintora Remedios Varo y el fotógrafo Chiki Weisz, su esposo y padre de sus hijos. Su vasta producción abarcó la pintura, la escultura y la literatura, destacándose telas magistrales y la novela de culto El juego de los ojos. Falleció en la Ciudad de México el 25 de mayo de 2011, a los 94 años.

En un mundo regido por la inmediatez parecería que la ortografía ha dejado de tener importancia, sin embargo, el escribir textos con coherencia y sin erratas siempre traerá beneficios en todos los ámbitos.

En lo laboral, el escribir de forma correcta deja ver a los demás las habilidades y conocimientos que se poseen; además, ayuda a construir una imagen óptima a través de la cual puedes parecer más serio y confiable. El tener errores de ortografía y sintaxis pueden, por el contrario, dar un pensamiento negativo que te haría parecer descuidado o poco preparado.

Por otro lado, el tener la capacidad de hacer un texto bien escrito habla también de la personalidad, al mostrar interés por siempre construir un buen puente de comunicación con los interlocutores.

Aunque escribir bien no es una tarea sencilla, requiere de mucha práctica y de conocer las estructuras de la lengua, por lo que leer puede ser un gran apoyo para la riqueza del léxico.

En este sentido, la Real Academia Española (RAE) se ha convertido en la institución más relevante para la regularización lingüística, mediante la promulgación de normas para fomentar la unidad idiomática del mundo hispanohablante.

La Fundación del Español Urgente (Fundéu), una institución sin ánimo de lucro que tiene como objetivo el impulsar el buen uso del español en los medios de comunicación, se ha aliado con la RAE y emite en su página web y de manera constante diversas recomendaciones para que los ciudadanos puedan resolver sus dudas sobre cómo se escribe correctamente cierta palabra, cómo se usa una expresión o tips de temáticas varias.

Usos y ejemplos

El adjetivo cancerígeno indica que algo puede dar lugar a un cáncer , mientras que canceroso se refiere a lo relacionado con esa enfermedad , por lo que conviene no confundirlos.

Sin embargo, en las noticias es frecuente encontrar frases como las siguientes: «Confirma que el papa León XIV tenía un tumor cancerígeno en el pulmón», «El doctor de Biden confirma que le extirpó un tejido cancerígeno del pecho» o «Una vez diagnosticados, se les pidió consentimiento para que cedieran parte del tejido cancerígeno».

Tal como recoge el Diccionario de la lengua española , la voz cancerígeno se aplica a lo ‘que puede provocar cáncer’ y canceroso a lo ‘perteneciente o relativo al cáncer’. Por lo tanto, si se quiere señalar que algo corresponde a la enfermedad , como un tumor maligno, o está afectado por ella , como puede ser el caso de un tejido y no que tiene la propiedad de originarla, lo adecuado es emplear canceroso y no cancerígeno .

Por esa razón, en los ejemplos mencionados, en los que se alude a la presencia de cáncer, lo apropiado habría sido escribir «Confirma que el papa León XIV tenía un tumor canceroso en el pulmón», «El doctor de Biden confirma que le extirpó un tejido canceroso del pecho» y «Una vez diagnosticados, se les pidió consentimiento para que cedieran parte del tejido canceroso».

Se recuerda asimismo que tanto carcinógeno como carcinogénico son voces equivalentes a cancerígeno para aludir a la sustancia o el agente que producen cáncer.

¿Qué es la RAE?

Fundada en Madrid en 1713 por iniciativa del octavo marqués de Villena, Juan Manuel Fernández Pacheco y Zúñiga, la RAE es la institución que busca preservar el buen uso y la unidad de una lengua en permanente evolución y expansión.

Sus más recientes estatutos (actualizados en 1993), establecen que la función principal de la Real Academia es “velar por que la lengua española, en su continua adaptación a las necesidades de los hablantes, no quiebre su esencial unidad”.

Este compromiso se ha plasmado en la denominada política lingüística panhispánica, compartida con las otras 22 corporaciones que forman parte de la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), creada en México en 1951.

Actualmente, la institución está constituida por 46 académicos, entre ellos el director y los demás cargos de la Junta de Gobierno, elegidos para mandatos temporales.

Una de las críticas que se le han hecho a la RAE es su negativa a reconocer palabras o expresiones que han surgido entre las generaciones más jóvenes, sobre todo a raíz de la aparición de las redes sociales. Una de las polémicas más recientes es el reconocimiento del lenguaje inclusivo.

Sin embargo, en el 2020 optó por lanzar el Observatorio de Palabras, un repositorio digital que ofrece información sobre palabras o acepciones de palabras y expresiones que no aparecen en el Diccionario de la Lengua Española (DLE), pero que han generado dudas en cuanto a su uso, tales como neologismos, extranjerismos, tecnicismos, regionalismos, entre otros.

La información contenida en el Observatorio es provisional al no estar contemplada en las obras académicas, por lo que puede verse modificada y cambiar con el paso del tiempo, pero ello no implica que se acepte su uso.

Manel Loureiro mira un punto fijo en la pared y duda. “Debe ser la séptima o la octava vez que estoy en esta ciudad... no te la acabas nunca”, dice y sonríe. En el hall de un hotel, con un cuadro expresionista de fondo, el bestseller español de cincuenta años usa las manos para subrayar sus ideas pero también para sacudir las vacilaciones que estira sobre la conversación. “Buenos Aires es absolutamente maravillosa. Mira que he venido muchas veces y siempre encuentro cosas nuevas”, agrega en este diálogo vía Zoom.

Todo empezó en Mundocadaver. Así se llamaba su blog. En enero de 2006 comenzó a publicar una novela por entregas que escribía desde el anonimato mientras trabajaba como abogado en Pontevedra. Era un thriller de supervivencia: tras una epidemia zombi, la civilización colapsa y un abogado viudo tiene que sobrevivir con su gato. Acumuló un millón y medio de lectores, entonces se volvió libro. Fue Dolmen, una editorial independiente de Mallorca, la que en 2007 publicó Apocalipsis Z: el principio del fin.

Y en 2010 apareció la multi: Plaza & Janés, sello del Grupo Planeta, editó la segunda novela de la saga y adquirió los derechos de la trilogía. Luego llegaron otros libros: El último pasajero (2013), Fulgor (2015), Veinte (2017), La Puerta (2020), La ladrona de huesos (2022), Cuando la tormenta pase (2024), y finalmente Antes de que todo cambie, el libro que trae ahora a Loureiro, no solo a Buenos Aires, sino a una gira por la región. “A veces los libros llegan a sitios que tú ni te esperas”, asegura.

—Antes de que todo cambie inicia con una escena terrible, el asesinato del hijo del protagonista. Y pensaba que desde lo audiovisual deberías cuidarte sobre qué mostrar y qué no. En cambio la literatura, te da otras posibilidades. ¿Por qué empezaste por ahí?

—Es verdad que es un puñetazo al principio de la historia. Perder un hijo es lo peor que le puede pasar a un ser humano. Estoy absolutamente convencido de eso. Soy padre y no se me ocurre ninguna experiencia peor, porque es desgarradora, es traumática y es irreversible. Los hijos tienen que enterrar a los padres, no los padres a los hijos. Entonces, es un puñetazo de tal calibre que te permite entender al protagonista desde el primer momento y por qué va a hacer lo que va a hacer. Porque no nos olvidemos una cosa: en Antes de que todo cambie, Sam, su protagonista, es un villano, es un terrorista. Es alguien que va a cometer un atentado que va a cambiar la vida de millones de personas y que va a matar a cientos de personas. Y aun así lo entiendes y dices: “De acuerdo, lo que estás haciendo está mal, pero yo en tu lugar haría exactamente lo mismo”. Claro, para conseguir esto tienes que arrancar desde un sitio emocionalmente tan brutal.

—La novela sigue con acción. La pelea de Sam con tres hombres fuera de un bar. Y eso es algo que se repite en toda la novela. Sin dudas son atrapantes, pero ¿qué papel cumplen?

—Las escenas de acción al final son parte natural del thriller como género. El thriller es una historia que tiene que ir avanzando, que te tiene que ir arrastrando, que te tiene que mantener sentado en el borde de la silla, pasando páginas sin poder parar. Y las escenas de acción ayudan muchísimo a eso. Es importante construirlas bien para que las lectoras, los lectores, de repente les encaje todo, pero que al mismo tiempo no sean lo más importante de la historia: simplemente son el vehículo que hacen avanzar la historia. Lo más importante de la historia son las emociones de los protagonistas, que es lo que te hace empatizar con ellos. La emoción es peripecia, y la peripecia es muy importante porque hace que la historia se mueva. Pero ¿hacia dónde se mueve? Hacia donde queremos ver a los protas. Y eso es muy importante.

—Entonces a Sam le aparece una redención, una venganza: asesinar a todos los presidentes y primeros ministros de la Unión Europea.

—Sam es un tipo destrozado, ha perdido a su hijo y está devorado por la culpa. Esa posibilidad le permite transformar toda esa culpa y ese dolor en odio y en deseo de venganza. Cometer ese atentado es la única manera de dejar salir todo ese odio. Él es consciente de que lo que está haciendo le está destruyendo y le va a destruir. De hecho, va a morir en ese atentado, o él cree que va a morir en ese atentado. Pero al mismo tiempo es que no le queda más alternativa.

—La figura del terrorista aparece de una forma diferente a la representación tradicional. Eso me remite a la posibilidad de tener matices en una discusión política, ideológica, etcétera. ¿Lo pensás así?

—Sí, por completo. A mí lo que me parecía más interesante de esta historia es que se cuenta desde el punto de vista del villano, del terrorista. Este tipo de historias, un atentado masivo, un magnicidio, ya lo hemos visto, ya se nos ha contado en más ocasiones, pero siempre desde el punto de vista del que persigue al terrorista, del que trata de impedirlo. Y a veces el malvado es caricaturizado: es malo porque el mundo le ha hecho así, es un fanático. Hay algo detrás de esa maldad, de ese fanatismo. Incluso el tipo más cruel se tiene que contar algo a sí mismo todas las noches para poder dormir y convencerse de que lo que está haciendo es correcto. Y en este caso sí que me interesaba muchísimo humanizar a este personaje. Sam sabe que lo que está haciendo está mal. No es un fanático. Es perfectamente consciente de las consecuencias. De hecho, si pudiese escoger, él no haría algo así. No hay nadie apuntándole con una pistola al pecho. No hay nadie chantajeándole para que lo haga. Sin embargo, ha llegado a la conclusión de que por mucho que le repugne, es el único camino posible y tiene que llevarlo a cabo. Eso permite construir un personaje muy complejo.

—Está difícil abordar ciertas complejidades. Uno prende la tele, el streaming, las redes y las discusiones de coyuntura aburren por el sesgo autocomplaciente. ¿Cómo se ve allá?

—Vivimos un momento terriblemente convulso. Todos los días cuando nos asomamos a las noticias, lo hacemos con el corazón en un puño. Tenemos la sensación de que estamos a punto de vivir uno de esos grandes momentos históricos que no le apetece vivir a nadie. De momentos de muchísima polarización y tensión. Es cíclico en la historia humana. Por eso esta historia encaja también en este momento, porque al final los escritores somos ser observadores del mundo que nos rodea y transmitimos esa palabra alemana que es tan fea pero que resume esto: el zeitgeist, el espíritu del momento. Este es el zeitgeist que nos ha tocado vivir ahora. Y en ese zeitgeist la violencia política forma parte de la realidad. Siempre ha formado parte la violencia política de la historia, desde la antigüedad. Asesinan a Filipo de Macedonia, sube al poder Alejandro Magno, el mundo cambia. Asesinan a Julio César, sube al poder Augusto, el mundo cambia. Lincoln, Kennedy, el archiduque Francisco, estalla la Primera Guerra Mundial, Gandhi, Olof Palme. Siempre que hay un gran magnicidio, el mundo cambia. Y estos magnicidios siempre se producen en momentos de mucha tensión. Planear en una novela el mayor magnicidio de la historia, no matar a uno ni a dos, sino descabezar por completo a toda la Unión Europea, matar a todos los primeros ministros y presidentes en un solo golpe en beneficio de alguien que no quiere ser reconocido, creo que es una historia que encaja perfectamente en este momento y que refleja esa realidad.

Hace poco, unos años atrás, frente a la mesa donde Loureiro estaba firmando libros, apareció una señora con muletas. Se le acercó despacio, con dificultad, y le dijo: “Tengo esclerosis múltiple. Hace dos años que no salgo de mi casa. Esta es la primera vez. Por culpa de este libro. Lo he hecho para venir a verte”. Loureiro cuenta la anécdota y los ojos le brillan. Ahora recuerda otro lector, un cincuentón de pocas palabras: “Yo no me leía ni los botes de champú y resulta que tropecé con tus libros y ahora me gusta leer”.

“A esa persona le has cambiado la vida”, resume, sintético, y piensa en los de acá, en los de este país: “Yo tengo lectores en todo el mundo, en un montón de idiomas, pero los lectores argentinos tratan de ir un poquito más allá. No sé si es por la pulsión por el psicoanálisis que hay en este país, pero la verdad es que tratan de desmenuzar mucho la historia: no lo que sucede, sino las motivaciones de los personajes. Cuando vengo a Argentina y tengo encuentros con lectores, es examen de materia difícil”.

Bestseller, sí. Sus novelas se tradujeron a más de veinte idiomas. En Estados Unidos, junto a los españoles Carlos Ruiz Zafón y Javier Sierra, rompió la barrera de los 200 mil ejemplares vendidos. Y además, en el imperio del norte logró que su novela El último pasajero se posicionara en el top 3 de los libros más vendidos basándose en reservas previas, es decir, antes de que salga a librerías. Es el primer autor español de la historia en lograrlo. En España, cuando publica un libro, es el más vendido durante semanas.

—La palabra bestseller tiene muchas connotaciones. ¿Qué significa para vos?

—Significa que puedo vivir de lo que escribo. Ese es el peso enorme que supone. O sea, escribo libros que se venden en todo el mundo. Escribo películas, escribo series, vivo de esto, pago las facturas con esto. Pero más allá de lo material, que es muy importante porque te permite afrontar los proyectos de otra manera, está la parte emocional, que de repente sabes que lo que haces tiene eco en cientos de miles de personas. Claro que lo buscas, lo buscan todos los escritores y todas las escritoras: tener muchos lectores, eso es inevitable. Pero no es algo que tú puedas planificar. Y que cuando llega... es maravilloso. Pero al mismo tiempo es una responsabilidad enorme porque te pesa muchísimo en los hombros, porque sabes que hay una expectativa sobre lo que vas a hacer. Después siempre está el eterno debate entre literatura popular y literatura de élite, que es un debate que yo siempre procuro soslayar porque creo que es un debate falso.

—Me interesa. ¿Por qué?

—Hay literatura de élite que es mala con avaricia. Hay literatura popular que es mala con avaricia. Tenemos un montón de ejemplos en la cabeza. Hay literatura de élite que es extraordinariamente buena, pero que es compleja. Y hay literatura popular que es extraordinariamente buena. Yo siempre pongo el mismo ejemplo: hay un tipo que es el epítome de la literatura popular, Stephen King, que siempre ha sido denostado y se ha tratado lo suyo como una obra menor. Yo creo que es un costumbrista maravilloso. Es capaz de dibujar las relaciones entre personajes de las localidades pequeñas. A los espacios pequeños los hace claustrofóbicos. Eso es un talento extraordinario. Nunca se lo van a reconocer con un Nobel. Pero a cambio tiene otro reconocimiento: un reconocimiento popular.

—¿Qué posibilidades arroja la lectura en estos tiempos tan convulsos que decías?

—La lectura, aunque sea ficción, te permite tener una visión un poquito más lúcida de la realidad. La ficción nos permite adentrarnos en terrenos que son plausibles, que no han sucedido todavía pero que pueden suceder, y nos permite reflexionar sobre qué haríamos nosotros en una situación así y cómo sería esa realidad si nos tocase vivir. En definitiva, nos permite proyectar, reflejar nuestros miedos, sentir un cierto alivio si las cosas acaban bien o hacernos reflexionar sobre hacia dónde vamos. Ese es el papel fundamental que ha tenido siempre la literatura de ficción, más allá del entretenimiento, que es fundamental, porque yo creo que leer tiene que ser entretenido y divertido. Por eso escribo thriller y no escribo ensayo: porque quiero que la gente, cuando coja un libro de Manel Loureiro, se lo pase bien de la primera página a la última, que esté disfrutando, y que al acabar diga: “Joder, ha merecido la pena”. Pero al mismo tiempo no puede ser solo entretenimiento. Te tiene que dejar dentro un chispazo que te haga darle vueltas a las cosas.

—¿Cuáles son hoy las principales amenazas de la literatura?

—Yo no me siento amenazado. Yo soy un privilegiado: vivo de esto. Muchos dirán la IA, y yo tengo una teoría al respecto. Hoy una IA no puede escribir un buen libro. Hay muchos libros escritos por IA a la venta en plataformas pero son malísimos. Son malísimos porque la IA simplemente lo que hace es regurgitar cosas, juntarlas sin mucho arte. Son perfectamente identificables. Eso hoy. Pero esto avanza muy rápido. En dos o tres años, o a lo mejor menos, posiblemente una IA sea capaz de escribir un libro estupendo, indistinguible de un libro escrito por un ser humano. Y ahí se va a abrir un momento en el que al principio va a haber un cambio normativo, las editoriales pondrán en la portada de los libros si ha sido escrito por IA. Al principio habrá un rechazo. Tú no vas a querer leer algo escrito por una máquina, ni yo, ni nadie o casi nadie. Hasta que aparezca el primer Cincuenta sombras de Grey o el primer Harry Potter, es decir, el primer fenómeno global, el primer megaseller. Y eso va a suponer un cambio de paradigma.

—Ahí es cuando los lectores aceptan.

—Claro. ¿Y qué va a suponer eso para mí? Para mí, nada. Ni para Stephen King, ni para Ken Follett, ni para Ildefonso Falcones, ni para María Dueñas, ni para cualquier autor que ya tenga un nombre. Todo lo contrario: se va a presuponer que lo que publiquemos nosotros tiene sello de autenticidad humana. Aunque usemos IA, se va a presuponer que lo que hacemos nosotros es humano, porque somos artesanos. El problema lo va a tener aquella persona, aquella chica, aquel chico, aquel señor mayor o señora mayor que quiera publicar su primer libro. Porque va a llegar a una editorial y le van a decir: “Vale, esto está muy bien, pero ¿cómo sabemos que lo has escrito tú? Es más, ¿qué nos impide coger este manuscrito tan estupendo que nos has traído, llevarlo al despacho que tenemos ahí atrás, que tenemos a un lanzador de prompts, que va a ser una nueva profesión, que lo lea y que nos escupa una novela prácticamente idéntica o mejor, y así no te tenemos que pagar derechos de autor?” ¿Te das cuenta de la revolución que va a suponer? Esto va a ser un cambio de paradigma. Yo ya he vivido varias revoluciones editoriales a lo largo de mi vida y de mi vida profesional, y ninguna ha sido el fin del mundo. Siempre hay agoreros que hablan del cataclismo.

—¿El libro digital?

—Sí. Yo viví la llegada del libro digital. En el año 2007, 2008, yo me estaba incorporando a este mundo y de repente llegó el libro digital, que lo iba a arrasar todo, que el formato del libro en papel se iba a morir, iba a desaparecer, que era el cambio definitivo. Al final no pasó nada, tiene un porcentaje, un diez, un 15 % que está ahí, pero no. La piratería iba a acabar con la literatura y la piratería está ahí: sí, se lleva un porcentaje, pero es que al final también consigue que mucha gente que no te compraría jamás te empiece a leer y después resulta que le gusta tanto que se acaba comprando el siguiente libro. Con lo cual las cosas más o menos se equilibran. No sé cuántas crisis económicas hemos atravesado ya con el mundo literario y no se muere. Esto va a ser otra revolución, pero va a ser otro cambio limitado. La IA ha llegado para quedarse, no podemos ponerle puertas al campo. Veremos cómo se incorpora al día a día de los escritores que llegan. Los que ya estamos somos como una especie de dinosaurios, de últimos artesanos puros. Lo que venga después no sé lo que es.

—¿Entonces no corre riesgo de vida la literatura?

—No, nunca, jamás. Estamos programados para contar y para que nos cuenten cosas. Necesitamos la ficción. La ficción es necesaria como respirar, es el alivio que permite al ser humano vivir en el día a día. Y no hablo solo de la literatura, también del cine, de la televisión, del teatro, todos esos momentos de evasión que nos permiten soñar, proyectarnos y vivir otras vidas. Eso es consustancial al ser humano. La literatura va a estar siempre ahí. Es que lleva existiendo desde que el hombre es hombre. Ya antes de que supiésemos escribir, ya existía literatura: había una tradición oral. Y esto va a seguir. Los formatos evolucionan, pero contar historias va a estar siempre: lo llevamos en el ADN.

(Fotos: C. Javier Ocaña)

Desde Barcelona. Este jueves por la noche (la tarde en América latina), el Grupo Planeta convoca su ceremonia más esperada de las últimas décadas: el Premio Planeta cumple 75 años, y lo celebra en la misma ciudad donde el editor José Manuel Lara Hernández lo fundó en 1952, el mismo año en que también nacía la editorial que lleva su nombre. Un doble aniversario de diamante que convierte la edición de 2026 en un hito difícil de igualar en la historia de las letras hispanas.

El galardón —dotado con un millón de euros para la obra ganadora y 200 mil euros para la finalista— es hoy el premio literario de mayor cuantía económica para obra inédita en todo el mundo hispanohablante, superado en dinero solo por el Nobel de Literatura. Lo que comenzó como un mecanismo de legitimación cultural en la España de posguerra se transformó, en siete décadas y media, en una plataforma transmedia que alimenta series de televisión, plataformas de streaming y mercados editoriales en decenas de países. El repaso de sus hitos permite leer, al mismo tiempo, la historia de la literatura en lengua castellana y la evolución del negocio editorial a escala global.

La fecha no es casual. Lara Hernández eligió el 15 de octubre —festividad de Santa Teresa de Jesús— para hacer coincidir el fallo con el santo de su esposa, María Teresa Bosch. Esa coincidencia, mantenida durante 75 ediciones sin excepción, convirtió la fecha en uno de los rituales más reconocibles del calendario cultural hispano. Otro rasgo que distingue al Planeta del resto de los grandes premios es su vocación de masividad desde el origen: nació concebido tanto para el lector como para el mercado.

La edición 74ª, previa a esta celebración de aniversario, batió todos los registros históricos de participación al recibir 1.424 manuscritos inéditos procedentes de los cinco continentes. De ellos, 1.287 llegaron por vía digital. La procedencia geográfica de las obras habla del peso que el galardón tiene en América Latina: 383 manuscritos vinieron de América del Sur, y 154 de ellos llegaron desde Argentina exclusivamente.

Ana María Matute ganó el premio con una novela que había escrito a los 17 años

En sus primeras décadas, el certamen optó por voces literarias de peso intelectual indiscutible, capaces de sortear la censura franquista con alegoría y realismo crítico. En 1954, la tercera edición recayó en Ana María Matute por Pequeño teatro, obra que la autora había concebido en la adolescencia, aunque tardó once años en publicarse. La novela desplegaba un microcosmos opresivo —un teatro de títeres manejado por un anciano— como metáfora de la hipocresía y la crueldad social.

El Premio Planeta fue solo el punto de partida de una de las trayectorias más laureadas de las letras hispanas. Matute obtuvo el Premio de la Crítica y el Premio Nacional de Literatura en 1959, se convirtió en 1996 en la tercera mujer en ingresar a la Real Academia Española en 300 años y alcanzó el cénit de su consagración con el Premio Cervantes en 2010.

Su caso establece un precedente singular: el cruce de galardones que va del Planeta al Cervantes, pasando por el Premio Nadal, lo han logrado únicamente dos escritores en toda la historia literaria española. El segundo es Álvaro Pombo, quien ganó el Nadal en 1983, el Planeta en 2006 con La fortuna de Matilda Turpin, y el Cervantes en 2024. Matute y Pombo son los únicos en ostentar esa triple corona.

En 1977, el galardón recayó en Jorge Semprún por Autobiografía de Federico Sánchez, obra que rompió los moldes de la novela comercial para erigirse en un ensayo autobiográfico y documento político de primera magnitud. Semprún diseccionó allí sus años como dirigente clandestino del Partido Comunista de España (PCE) bajo el seudónimo que da título al libro, y analizó su amarga expulsión de la cúpula por diferencias ideológicas vinculadas al estalinismo.

El libro fue un terremoto en la España de la Transición y provocó respuestas formales de dirigentes comunistas como Santiago Carrillo. La trayectoria de Semprún trasciende además la literatura para instalarse en la historia del cine europeo: antes de ganar el Planeta ya había firmado guiones fundamentales para Alain Resnais (La guerra ha terminado, 1966) y para Costa-Gavras (Z, 1969; La confesión, 1970), obras que cosecharon nominaciones al Oscar e instalaron el cine político europeo en el mapa mundial.

El final de los setenta consagró otro hito del palmarés: en 1979, Manuel Vázquez Montalbán obtuvo el premio con Los mares del Sur, novela en la que su detective Pepe Carvalho investiga el asesinato de un empresario barcelonés que supuestamente viajaba por la Polinesia francesa imitando a Paul Gauguin. Más que el enigma policial, la obra ejecutaba una radiografía de la Barcelona posfranquista, con sus élites recicladas del régimen y sus clases trabajadoras empujadas a los márgenes.

El impacto fue doble: la novela integró la lista de las 100 mejores del siglo XX según El Mundo y ganó el Grand Prix de Littérature Policière en Francia en 1981. Carvalho se convirtió en referencia del género negro europeo y en inspiración de adaptaciones televisivas y cinematográficas en varios países del continente.

Javier Cercas concursó bajo el seudónimo de su propio personaje

La veta negra del certamen tuvo otro momento memorable en 2019, cuando Javier Cercas se alzó con la 68ª edición gracias a Terra Alta. El escritor extremeño afincado en Cataluña se había presentado bajo el seudónimo de «Melchor Marín» —el mismo nombre del protagonista de la novela— y el título provisional de Cristales rotos, entre los 564 originales recibidos ese año. La obra narra la historia de ese mosso d’Esquadra (la policía catalana) exdelincuente convicto y héroe de los atentados yihadistas de Cambrils de 2017, que debe resolver un triple asesinato en la comarca del Priorat con un precio personal muy alto. El galardón, dotado en aquella edición con 601.000 euros, convirtió a Terra Alta en el arranque de una saga que Cercas extendería en años sucesivos, con Marín como personaje central. El finalista fue Manuel Vilas con Alegría, lo que puso en la misma noche a dos de las voces más representativas de la narrativa española contemporánea frente al foco.

La estrategia del Grupo Planeta viró en los años ochenta hacia la novela histórica de gran aliento, el filón más lucrativo del mercado de masas. En 1986, Terenci Moix arrasó con No digas que fue un sueño, recreación del ocaso del amor entre Cleopatra y Marco Antonio ante la amenaza de Octavio Augusto. Moix presentó a una reina que era tanto amante como estadista, entregada a la supervivencia política de su reino hasta el final.

La novela superó holgadamente el millón de ejemplares vendidos, transformando a Moix en un fenómeno de masas y legitimando la ficción histórica de tono romántico como el segmento más rentable del panorama editorial español. Cuatro años después, en 1990, Antonio Gala replicó el fenómeno con El manuscrito carmesí, retrato ficticio de Boabdil, el último sultán nazarí de Granada, narrado como un diario íntimo hallado en una mezquita de Fez. La obra se convirtió en el trabajo más aclamado por la crítica en la carrera del escritor andaluz y consolidó la reputación del Planeta como forjador de longsellers generacionales.

Vargas Llosa ganó tres años antes de ser candidato a la presidencia de Perú

La década de los noventa afianzó el prestigio del certamen con la incorporación al palmarés de figuras de la literatura mundial. En 1993, el novelista peruano Mario Vargas Llosa obtuvo el galardón con Lituma en los Andes, obra en la que recuperó a uno de sus personajes icónicos y lo situó en un campamento minero asediado por la violencia de Sendero Luminoso. Vargas Llosa concursó bajo el seudónimo de «Arimán», y la demanda que siguió al fallo fue tan febril que la primera reimpresión en México alcanzó los 210.000 ejemplares —aunque con graves problemas de encuadernación que irritaron a los lectores coleccionistas—.

La victoria cobró aún mayor dimensión con el tiempo: en 2010, Vargas Llosa recibió el Premio Nobel de Literatura, lo que desencadenó un resurgimiento masivo de las ventas de todo su catálogo en el mundo hispano. Al año siguiente del triunfo del peruano, en 1994, el galardón recayó en Camilo José Cela, quien ya ostentaba el Nobel desde 1989, con La cruz de San Andrés. La inclusión de dos Premios Nobel en dos ediciones consecutivas selló la noción de que el Planeta representaba la cumbre de la consagración económica y mediática para un escritor en castellano.

Hacia el final de la década, el galardón comenzó a demostrar su potencia en mercados anglosajones. En 1998, la escritora hispanouruguaya Carmen Posadas se alzó con el premio gracias a Pequeñas infamias, novela de misterio y sátira social al estilo de Agatha Christie. La obra superó los dos millones de ejemplares vendidos y fue traducida a más de 23 idiomas en más de 40 países. Su impacto en el mercado anglosajón fue extraordinario: cosechó críticas entusiastas en The New York Times y The Washington Post, y en 2002 la revista Newsweek la calificó como «una de las autoras latinoamericanas más destacadas de su generación».

La edición de 2021 fue la más comentada de los últimos años por razones que trascendieron ampliamente la literatura. La obra ganadora, La Bestia, firmada por Carmen Mola, situaba a una criatura siniestra en un Madrid asolado por el cólera y la guerra carlista de 1834. Cuando se desveló la identidad real del ganador, el mundo cultural quedó sacudido: «Carmen Mola» era el alias de tres hombres —Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero—, experimentados guionistas de series de televisión que habían construido deliberadamente una identidad de autora para el mercado.

El debate sobre la apropiación de identidad femenina en el marketing editorial fue internacional y encendido. Sin embargo, la notoriedad catapultó las ventas de la saga previa de «Carmen Mola» protagonizada por la inspectora Elena Blanco, que fue adaptada en series de alto impacto para la plataforma Atresplayer. Fue, además, la primera edición en la que el premio alcanzó el millón de euros, una cifra que desde entonces se mantiene.

El paradigma del galardón como evento de la industria del entretenimiento llegó a su máxima expresión en 2025. Juan del Val —polemista habitual en El Hormiguero, uno de los programas más populares de la televisión española— ganó con Vera, una historia de amor, relato del despertar tardío de una mujer de 45 años que rompe con su vida ordenada para sumergirse en una relación con un hombre mucho más joven. La prensa literaria emitió reseñas demoledoras; el público masivo reaccionó con exactamente el interés opuesto. La novela batió todos los récords previos del certamen, convirtiéndose en el libro galardonado con el Planeta que más ejemplares vendió en sus primeros cinco días en toda la historia de la competición. El episodio ilustra la estrategia dual que el holding despliega con precisión: mientras el Planeta tritura registros de ventas con figuras de gran audiencia televisiva, el Premio Nadal —que en 2026 recayó en el novelista David Uclés— satisface al lector purista de literatura, y ambos nichos quedan así bajo control de la misma corporación.

La arquitectura actual del certamen es inseparable del ecosistema del Grupo Planeta, accionista de referencia del conglomerado Atresmedia (Antena 3, laSexta, Onda Cero). Las obras premiadas en los últimos años lo ilustran sin ambigüedades: Sonsoles Ónega ganó en 2023 con Las hijas de la criada —más de un millón de lectores, ya rodándose como miniserie de gran presupuesto para Antena 3—; Luz Gabás lo hizo en 2022 con Lejos de Luisiana, con derechos adquiridos de inmediato por la productora Plano a Plano; y Eva García Sáenz de Urturi en 2020 con Aquitania, cuya obra previa, El silencio de la ciudad blanca, ya había llegado al cine de la mano de Atresmedia Cine.

Dolores Redondo, ganadora en 2016 con Todo esto te daré, es quizás el ejemplo más completo del recorrido transmedia: su Trilogía del Baztán fue adaptada en tres películas distribuidas por Netflix, y en 2025 la plataforma Filmin estrenó una serie francesa basada en la novela ganadora del Planeta, trasladando la atmósfera de Galicia a los viñedos de la Provenza. El premio, en su 75ª edición, revela esta noche en Barcelona quién escribe el próximo eslabón de esa cadena.

“París siempre es un reto”, aseguró el uruguayo Jorge Drexler, que presentó en la capital francesa su nuevo disco, Taracá, un salto internacional en un momento en el que “el español está de moda” gracias a figuras como Bad Bunny, al que dice admirar y del que sostiene que “ha llegado a lugares donde no llegó el Quijote”.

“A mí me gustan las letras que hace Bad Bunny. Se critica la hipersexualidad del reguetón. Pero el ser humano es sexual. Lo que ha hecho el reguetón es ampliar el campo semántico de la canción, incluir el lenguaje de alcoba que antes no se ponía en las canciones, decir cosas que solo se decían en la intimidad”, afirma el intérprete.

Siempre favorable a explorar nuevas cosas, Drexler considera “un logro literario” esa incorporación y recuerda que el arte “no está solo para poner las cosas fáciles, también está para remover”.

“La misoginia también estaba en el tango, en Police, en Sting, en el rock and roll, en la milonga... Que tire la primera piedra quien no tenga un pasado misógino”, agrega el cantante uruguayo, que no esconde que le encantaría subirse al escenario junto al puertorriqueño.

Drexler considera que “la desconfianza de lo nuevo es parte integral del ser humano” y se dice abierto a aprender de la música urbana.

“Sobre todo porque han abierto camino, han llegado a lugares donde no llegó antes el idioma español. Numéricamente, no llegó ni el Quijote”, asegura.

El español es el vehículo de comunicación de Drexler, lo que le ha limitado entrar en mercados como el francés, al que ahora llega con un disco lleno de ritmos iberoamericanos como el candombe, del que sale el título, un compendio que muestra bien su música.

“La música iberoamericana es fruto de muchas integraciones, es un laboratorio de la globalización 500 años antes de que existiera la palabra globalización”, afirma.

Pese a que reconoce haber bebido de referentes franceses, muy presentes en su Uruguay natal donde incluso los libros de anatomía que usó en sus estudios de medicina eran en francés, Drexler se reivindica como iberoamericano, un terreno donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera.

“Para mí es más natural tocar en Guadalajara de México que en Lyon, aunque lo tenga más cerca”, afirma el músico asentado en Madrid, que asegura conocer “mejor lo que pasa Colombia o Perú que en Francia”.

Un mundo más inhóspito

Desde un Madrid convulsionado por las protestas por el precio de la vivienda, Drexler llega a un París escalofriado por las manifestaciones estudiantiles, el síntoma de “una generación que se pensaba que estaba apática y que se ha levantado para reclamar cosas esenciales”.

“El mundo es ahora más inhóspito, más polarizado, más violento. Un montón de conquistas que logramos tras la caída del muro de Berlín, en unos años se han derrumbado”, afirma el autor de la canción ‘Todo tiempo pasado es peor’.

“No hay tiempo pasado peor que el perdido en añorar”, escribe en esa canción el autor uruguayo, que confiesa no ser un nostálgico y que vive con esperanza el presente.

“Cosas como las que están pasando en la Puerta del Sol (de Madrid) ayudan, mediante la participación popular, a ajustar los desbalances que se producen en las democracias”, señala.

El uruguayo reconoce que sus canciones pueden hablar de cosas de la vida, pero afirma que, en contra de lo que le dicen algunos amigos, no se considera un cronista de la actualidad.

“Yo no soy un periodista con mis canciones. Mi trabajo es emocionar a través de la relación conmigo mismo y con el ser humano en general, con nuestra historia y con mi historia personal propia”, señala.

“Me encantaría escribir de otras cosas, pero uno no escribe de lo que quiere, escribe de lo que puede”, agrega.

Fuente: EFE

David Byrne, músico galardonado y cofundador de Talking Heads, lee por diversión artículos de revistas académicas esotéricas y los utiliza para deleitarnos e ilustrarnos.

En su nuevo libro, Sleeping Beauties: Why Good Ideas Go Dormant and How They Wake Up, Byrne recurre a esas lecturas para ofrecer reflexiones profundas sobre la creatividad. A lo largo de nuestra historia de escasez de información, la moneda del progreso fue el descubrimiento. Ahora, en la era de la abundancia informativa, la inspiración y la innovación pueden depender más del redescubrimiento.

Byrne nos guía en una búsqueda cautivadora para entender cómo llegamos a recordar ideas, inventos y tecnologías olvidadas. Con notable destreza y amplitud, examina cómo ciertos defensores reavivaron las composiciones de Bach y las pinturas de Vermeer después de uno y dos siglos de letargo; cómo los avances tecnológicos reimpulsaron las teorías de la deriva continental y los agujeros negros; cómo los accidentes devolvieron vigencia al lavado de manos y a la genética; y cómo la guerra renovó el interés por el submarino y El gran Gatsby.

Rastrea el término “bellas durmientes” hasta un estudio de 2004 sobre artículos científicos que permanecieron inactivos antes de ser recuperados. La idea encontró eco en Byrne, quien enseguida pensó en obras y artistas que habían seguido trayectorias similares. Cuenta cómo las pinturas de Vermeer comenzaron a desaparecer del reconocimiento público tras su muerte, a fines del siglo XVII, y no resurgieron hasta mediados del siglo XIX, cuando un periodista y crítico de arte francés vio por casualidad una obra de Vermeer en un museo, buscó más trabajos suyos y publicó un catálogo. Todos deberíamos tener la suerte de contar con un defensor tan apasionado.

El análisis de Byrne es lúcido y esperanzador. Reconoce que no podemos controlar si una guerra o una caída de la bolsa de valores hundirá una idea en la oscuridad o la impulsará hacia la aceptación. Recuerda que los genios artísticos y científicos suelen pasar inadvertidos porque se adelantan a su época —cuando pocos pueden reconocer su valor— y que nunca es demasiado tarde para que nuestro trabajo encuentre público. También subraya nuestra capacidad para rescatar ideas que merecen atención.

Esto conduce a la pregunta más desconcertante del libro: ¿cómo? Byrne ofrece indicios del proceso al describir cómo personas solitarias devolvieron la radioastronomía y a Faulkner al primer plano gracias a su voluntad y habilidad. Los lectores querrán saber más sobre estrategias eficaces para captar atención, formar alianzas e impulsar tendencias culturales. Inevitablemente se preguntarán cómo pueden proteger sus propias creaciones de ser ignoradas o descartadas. Hay pruebas, por ejemplo, de que las soluciones tienen menos probabilidades de ser rechazadas cuando primero explicamos el problema; de que mostrar un entusiasmo desbordado puede impedir que los demás nos tomen en serio; y de que a veces es más probable que nos escuchen cuando destacamos las limitaciones, además de las fortalezas, de nuestros proyectos predilectos.

Sería fascinante que Byrne reflexionara sobre esas técnicas y examinara sus propios aciertos y fracasos al lograr que su música y su arte ganaran visibilidad. Comparar los triunfos con las decepciones podría ayudar a aclarar qué hace falta para producir algo que nos sobreviva. Sin embargo, si Byrne dedica poco espacio aquí a sus propias experiencias, nos permite acceder entre bastidores a su mente; en lugar de detenerse en lo que piensa, nos muestra cómo piensa.

En Once in a Lifetime, la icónica canción existencial de su banda, canta sobre cumplir mecánicamente con las rutinas y detenerse a preguntar: “¿Cómo hago funcionar esto?“. En su libro, es muy consciente de que no existe una fórmula infalible para hacer que las ideas perduren o devolverlas a la vida. Lo que presenta es mucho más valioso: un análisis profundo y estimulante de cómo cambia el mercado de las ideas y de qué medidas podemos tomar para modificarlo.

Sleeping Beauties merece un lugar en la biblioteca de cualquiera a quien le importe la creatividad o la cultura. Con el tiempo, quizá se convierta en una bella durmiente, una que las generaciones futuras merezcan despertar.

Fuente: The New York Times

El Museo Judío de Buenos Aires y el Templo Libertad, junto con la editorial Libros del Zorzal, inauguran el próximo jueves 22 de octubre, a las 18 horas, la exposición René Goscinny en Buenos Aires. A cien años del nacimiento del guionista que escribió Asterix, Lucky Luke, Iznogud y Umpah-Pah, la muestra reconstruye el tramo porteño de su biografía, un período poco conocido que resultó decisivo en la formación de su humor y de su estilo narrativo.

Goscinny nació en París en 1926, pero llegó a Buenos Aires con su familia antes de cumplir dos años. Se educó en el Colegio Francés de Buenos Aires y permaneció en la ciudad hasta 1945, cuando partió hacia Nueva York para iniciar la carrera que lo convertiría en uno de los guionistas de historietas más leídos del mundo. “Tengo recuerdos muy pero muy agradables, fue toda mi infancia, toda mi adolescencia, que fueron tan placenteras. Y ese país, la Argentina, es también mi país”, expresó el propio Goscinny en una entrevista de 1976, con una emoción que la exposición busca ahora poner en primer plano.

Documentos de época reconstruyen el entorno familiar y cultural del guionista

El recorrido reconstruye, a través de materiales de las décadas de 1930 y 1940, el entorno artístico y social que marcó al futuro escritor de El pequeño Nicolás durante su infancia y juventud en la ciudad. Entre esos documentos aparece también la figura de su padre, el ingeniero Stanislas Goscinny, y su participación en la vida comunitaria judía porteña de esos años.

La exposición exhibe, además, viñetas y objetos de la historieta y el humor gráfico argentinos de ese momento, que incluyen referencias al tango como fenómeno popular. Entre las piezas se destaca el disco Éxitos de Max Perelman (Discos Panzer), grabado en ídish, que remite al ambiente musical que Goscinny escuchó durante su infancia.

“Goscinny es un autor universal, pero su humor y su mirada sobre el mundo se formaron en parte en esta ciudad. Queríamos devolverle a Buenos Aires ese capítulo de su historia”, señaló Tammy Kohn, directora del Museo Judío de Buenos Aires.

La exposición, producida por el Museo Judío de Buenos Aires y curada por Libros del Zorzal, con la colaboración del Institut René Goscinny de París, la Embajada de Francia en Argentina y el Institut français d’Argentine, se lleva a cabo en el marco del centenario del nacimiento del guionista, denominado Goscinny 100.

La muestra contará además con un catálogo editado por Libros del Zorzal, disponible para su compra en la sede del museo.

Información para el público

Exposición: René Goscinny en Buenos Aires.

Inauguración: jueves 22 de octubre de 2026, 18 horas. Con inscripción previa por medio del Instagram del museo.

Período de exhibición: del 22 de octubre de 2026 al 30 de abril de 2027.

Lugar: Museo Judío de Buenos Aires, Libertad 769, CABA.

Horario de visita: lunes a viernes de 10 a 18 horas.

Visitas guiadas: martes y jueves a las 11 y a las 15 horas, en español e inglés.

Contacto: contacto@museojudio.org.ar

Desde Barcelona. No siente el otoño ni por asomo en la ciudad de Gaudí, Serrat y Lamin Yamal. Este miércoles por la tarde, con pleno sol y más de 25 grados de temperatura, en el bello Palau de la Música Catalana -una de las obras más emblemáticas del modernismo catalán- se realizó la conferencia de prensa de presentación del Premio Planeta, que este año celebra su 75° edición. Con plena presencia del jurado y la voz cantante del director del grupo editorial, José Creuheras, se detallaron las obras finalistas, se repasó el número de textos presentados y, sobre todo, como en cada año, se realizó una suerte de balance del “Estado de la Nación”, en este caso del grupo editorial más grande del mundo en habla hispana.

El presidente del Grupo Planeta y de Atresmedia destacó que el certamen volvió a superar su propio récord de manuscritos presentados, con 1.424 novelas presentadas en esta convocatoria. Para Creuheras, estas cifras confirman el propósito original del galardón, nacido en 1952 con la idea de “dar máxima difusión al libro en la España de 1952, donde se veía poco, y, por otro lado, que los escritores pudieran vivir de la literatura y dedicarse a escribir”. “Por las cifras, lo hemos conseguido”, concluyó.

El directivo desglosó el impacto comercial acumulado por el premio a lo largo de sus 74 ediciones previas: “Sumamos más de 47 millones de libros vendidos. Si los repartimos entre las 74 ediciones anteriores que se han celebrado, salen 625.000 libros por cada una de ellas. Estos libros continúan sumando nuevos lectores. Son personas que se acercan por primera vez a una librería a comprarlo, pero que, a partir de ahí, pueden volver otros días para comprar otros libros”.

El 70 % de la tasa de lectores en España, la cifra que más acerca al país a la media europea, corona un incremento del 56 % en el mercado del libro desde 2013 —el punto más bajo de la crisis iniciada en 2008— hasta la actualidad, con dos tercios de ese repunte concentrados en el último lustro. Así lo planteó Jesús Badenes, director del Área de Libros del Grupo, quien atribuyó el fenómeno al trabajo conjunto de los periodistas culturales y de toda la cadena del libro. Badenes situó estas cifras en el marco de la Feria del Libro de Frankfurt, donde, según relató, continúa mencionándose el “milagro español” en referencia a esa recuperación del sector editorial. El directivo no esquivó los puntos débiles del panorama: señaló la comprensión lectora como un desafío manifiesto, en línea con lo advertido por el informe PISA, y planteó como tarea pendiente del sector profesional elevar ese nivel de comprensión en el conjunto de la sociedad.

Los Reyes de España, Felipe VI y Letizia, presiden este jueves la gala del Premio Planeta de Novela, que este año tuvo un cambio de última hora en la sede y una cifra récord de 1.424 manuscritos presentados. El galardón, considerado el de mayor dotación económica de las letras españolas, entrega un millón de euros a la obra ganadora y 200 mil euros a la finalista. La ceremonia, prevista inicialmente en la Sala Oval del Museo Nacional de Arte de Cataluña, se trasladó al Pabellón 1 de Fira de Barcelona, en Montjuïc, ante la magnitud de la convocatoria. La cena literaria, que reunirá a autoridades y figuras destacadas de la cultura, la economía y la sociedad civil española, podrá seguirse en directo a partir de las 21 hora española (las 4 de la tarde en Argentina; las 2 en Colombia; la 1 en México) a través de las páginas web del premio, de Planeta de Libros y de Casa del Libro, además de las redes sociales de la organización.

Las 1.424 novelas recibidas este año superan los registros de ediciones anteriores y reflejan el alcance internacional del premio. España concentra la mayor parte de los originales, con 778 obras, de las cuales 131 proceden de Madrid y 77 de Barcelona, seguidas por Valencia, con 48, y Zaragoza, con 30. América del Sur aporta 383 manuscritos, con Argentina a la cabeza, con 154, seguida por Colombia, con 78, y Chile, con 48. Desde América del Norte llegan 151 originales, entre los que México concentra 103. El resto de los envíos procede de América Central, con 17; Europa fuera de España, con 28; y, en menor medida, de Asia, África, Australia e Israel. Un total de 61 autores no especificó su procedencia.

El jurado de esta edición está integrado por Luz Gabás, Pere Gimferrer, Eva Giner, Carmen Posadas, Paloma Sánchez-Garnica, Javier Sierra y Belén López, directora de Editorial Planeta y secretaria con voto. La novedad de este año es la incorporación de Sánchez-Garnica y Sierra, ambos con trayectoria previa en el propio certamen: la primera fue finalista en 2021 y ganadora en 2024, mientras que Sierra obtuvo el premio en 2017. Los dos nuevos miembros sustituyen a José Manuel Blecua, fallecido en mayo pasado, y a Juan Eslava Galán, quien formó parte del jurado durante 17 años, desde 2009 hasta 2025. El jurado selecciona de entre el total de manuscritos presentados las diez obras finalistas, casi todas firmadas bajo seudónimo, una práctica habitual en el certamen que mantiene el anonimato hasta el momento de la revelación.

Entre las finalistas de esta edición figuran La sombra de Isabel, de Pedro Regalado Rodríguez; Letraherido, de Pepe M. Carrascosa; Alba Naranja, firmada por Tamsilt El Hayani; Cuando tu muerte es mi liberación, de Lita Rowe; Los Caminantes, de Martín Guerrero; Kintsugi o tres almas rotas, de Hugalma de la Sierra; La noche de los faroles, de Mencía Salazar; Los que faltan, de Luz Ventura; El jardín de Lennon, de Jorge Herrero, y La mujer desnuda sale a las once, de Bernardo Galeana. El jurado elige entre estas diez obras a la ganadora y a la finalista, cuyos nombres se desvelan durante la velada del jueves.

Un premio que nació en 1952 en un restaurante de Madrid

El Premio Planeta tiene su origen en 1952, cuando el editor José Manuel Lara Hernández, fundador de Editorial Planeta, lo creó con el objetivo de dar a conocer la obra de autores españoles y latinoamericanos y, al mismo tiempo, atraer a nuevos lectores. La primera edición, dotada con 40.000 pesetas, se celebró en octubre durante una velada en el restaurante Lhardy de Madrid. La dotación económica creció de forma sostenida a lo largo de las décadas. Pasó a 100.000 pesetas en su segunda edición, a 200.000 en 1959 y a 250.000 en 1966, año en que resultó ganadora Marta Portal con A tientas y a ciegas. En 1967 el premio dio un salto significativo al elevarse hasta 1.100.000 pesetas, cifra que recayó en Las últimas banderas, de Ángel María de Lera, y que convirtió al certamen en el segundo mejor dotado del mundo, solo por detrás del Nobel.

El crecimiento continuó en las décadas siguientes. En 1973 la cuantía ascendió a dos millones de pesetas, y en 1976, con motivo del 25 aniversario, se situó en cuatro millones. Desde 1974 se sumó además un accésit de 500.000 pesetas para la obra finalista. En 1988 el premio alcanzó los 20 millones de pesetas para el ganador y cinco millones para el finalista, cifras que volvieron a incrementarse en 1991 y 1992.

En 2001, al cumplirse los 50 años del certamen, la dotación llegó a los 100 millones de pesetas, equivalentes a 601.000 euros tras la entrada en vigor de la moneda única europea. Dos décadas después, en 2021, coincidiendo con el 70 aniversario, la cifra se fijó en un millón de euros para la obra ganadora y 200.000 euros para la finalista, montos que se mantienen en la presente edición y que consolidan al Planeta como el premio literario mejor dotado del mundo.

La edición de 2025 dejó un antecedente que ilustra la tradición del anonimato en el certamen. El escritor madrileño Juan del Val, guionista y colaborador del programa de televisión El Hormiguero, resultó ganador con la novela Vera, una historia de amor, presentada bajo el pseudónimo femenino Elvira Torres. La finalista de aquella edición fue Ángela Banzas, con Cuando el viento hable.

[Fotos: prensa Planeta]

El compositor argentino Claudio Alsuyet murió a los 68 años, según informó el Teatro Colón, institución que dirigió a través de su Instituto Superior de Arte entre 2015 y 2017.

Nacido en Buenos Aires en octubre de 1957, desarrolló una producción que incluyó piezas para orquesta, coro, conjuntos de cámara y medios mixtos. Sus obras se estrenaron en distintos continentes y recibió premios, becas y distinciones nacionales e internacionales.

El Teatro Colón comunicó el fallecimiento y recordó que Alsuyet también fue compositor residente de la institución en 2000. Durante su paso por el Instituto Superior de Arte estuvo al frente de la formación académica del teatro.

Su formación musical incluyó estudios con Guillermo Graetzer, Julio Palacio y Gerardo Gandini. A lo largo de su carrera, combinó la composición con la docencia y la participación en organismos musicales.

En 2023, la Orquesta Académica del Teatro Colón estrenó mundialmente su obra He ahí la noche. Entre sus reconocimientos figuran el Primer Premio TRINAC, obtenido en 1990 y 1992; el Primer Premio Municipal en Música Sinfónica, correspondiente al período 2002-2003; y el Primer Premio del Concurso de la Universidad de Buenos Aires, en 2005.

También recibió menciones honoríficas en certámenes de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) y del Premio Nacional de Música Sinfónica.

El compositor recibió subsidios y becas de la Fundación Antorchas. En sus últimos años integró la Comisión de Música Sinfónica y de Cámara de SADAIC y se desempeñó como docente en la Universidad Nacional de las Artes. Tenía apenas 68 años.

“Hay algunas perlitas imperdibles”, dice Abel Guaglianone, presidente de la asociación Amigos Sívori, mientras recorre las salas de la galería Azur, donde el 15 de octubre se realizará, a partir de las 19 hs, la Subasta Anual del museo palermitano, que reúne obras de 37 artistas, entre ellos Fernanda Laguna, Jorge Macchi, Gabriel Chaile y Elba Bairon, por nombras algunos, en un mix interesante entre consagrados y jóvenes, con un rango de precios que va de los USD 650 a los 14 mil.

Entre ellas, se encuentra una serie completa de ocho pinturas de pequeño formato, Proto, de Chaile, adquiridas en el emblemático Armory Show de Nueva York en su 25 aniversario, una selección de tres fotografías intervenidas de Flavia Da Rin, pertenecientes a la serie de Los sueños. “Flavia trabaja con una edición de tres ejemplares, y estas corresponden al primero de esa tirada”, cuenta a Infobae Cultura.

“Hay piezas que tienen más de 15 años, como el acrílico sobre papel de Juan José Cambre y otras que son una rareza, como los Conejos de Bairon, quien suele trabajar con ediciones de tres o cinco ejemplares, pero éstas son únicas”, dice sobre las esculturas de papier mache, yeso y pintura acrílica que aparecen en los libros Poéticas contemporáneas: itinerarios en las artes visuales en la Argentina de los 90 al 2010, del Fondo Nacional de las Artes, y en Elba Bairon de Andrea Giunta.

Curada por Carolina Pinciroli y Nicole Moisés, las obras de la 25ª edición de la subasta pueden visitarse de 12 a 19 hs todos los días hasta el remate, que “es la principal recaudación” de la asociación y cuyos “fondos son destinados para apoyar el desarrollo y la programación del año, como hicimos con las muestras del museo de este año, como la de Jorge Macchi, que fue muy importante, y la de Alejandra Seeber”.

Por su parte, Pinciroli comentó: “Todas las obras que están fueron muy seleccionadas, muy buscadas. Una subasta solidaria tiene características diferentes a una subasta normal y comercial, porque tienen que ser obras que tengan un rango de precio accesible, pero a la vez que que sean muy estéticas. Hay artistas muy consagrados, hay artistas que son más contemporáneos. Entonces, bueno, hay un equilibrio entre distintos momentos de carreras de artistas como para armar un abanico de posibilidades, de distintos gustos y distintas elecciones”.

Y agregó: “Estamos muy agradecidos también con todas las galerías que donaron su parte, eso es fundamental. Ese ejercicio de vocación, de dar, es lo que va a la Asociación de Amigos, los artistas, por supuesto, reciben lo que les corresponde, su parte de la obra”.

Entre los lotes también se destacan Carla Grunauer, con Panera mundial, una obra en acrílico y tinta inspirada en los dibujos de circo de Alexander Calder; Osias Yanov, con la acuarela de la serie Presente, realizada a partir de su experiencia en la selva misionera o Jorge Macchi, con Máscara, una acuarela de 2022 que retrata un barbijo encontrado en la calle durante la pandemia.

La directora del Museo Sívori, Teresa Riccardi, sostuvo que lo recaudado es esencial para poder llevar adelante la programación de 2027, mientras “se busca devolverle centralidad a la colección del museo y tender un puente entre su patrimonio de bellas artes y la producción contemporánea”.

Con un acervo que reúne 4.000 piezas, el Sívori busca exhibir cada vez más su patrimonio, ya que “es algo que los públicos reclaman” y, en ese sentido, se proyecta una exposición de Amadeo Azar y otra obras de las décadas de 1920 y 1940, pero para eso también muchas piezas “deben pasar por el proceso de restauración”.

En ese sentido, explicó, son importantes los fondos, tanto del Gobierno de la Ciudad como lo que se recauda en la subasta, ya que a partir de allí se pueden llevar adelante aemás los diferentes programas del Museo.

La programación del museo se articula además a través de tres iniciativas: Enlace Sívori, Visibles en la Tempestad y Sívori al Aire Libre. El primero funciona como una de las líneas de trabajo institucional, mientras que Visibles “está dedicado a artistas mujeres de mediana carrera, creadoras contemporáneas o figuras que no han sido revisadas, como ocurrió con Alicia Orlandi”.

Por su parte, Sívori al Aire Libre reúne actividades ligadas al parque, la comunidad y vínculos con otras instituciones o fundaciones. Riccardi señaló que ese programa también se extendió a iniciativas de salud mental y accesibilidad, áreas que el museo trabaja a partir de apoyos obtenidos mediante mecenazgo.

“El Sívori nace como un museo moderno, pero de Bellas Artes de la ciudad”, explicó, ya que “la institución adquiría obras de su tiempo dentro de ese marco, lo que dejó un patrimonio situado entre ambos campos”.

Así, Riccardi consideró necesaria la continuidad de una sala temporaria para arte contemporáneo porque permite sostener ese vínculo entre las piezas históricas y las producciones actuales: “Tenemos que hacer este enlace”.

Artistas y galerías participantes

Alejandra Seeber (Ruth Benzacar); Jorge Macchi (Ruth Benzacar); Fernanda Laguna (Nora Fisch); Marina Daiez (Nora Fisch); Osias Yanov (Nora Fisch); Julieta Oro (Grasa); Leo Batistelli (Del Infinito); Nazareno Pereyra (De Souza); Ángeles Ascúa (De Souza); Fátima Pecci Carou (Cott); Luciano Giménez (Cott); Franco Fasoli (Cott); Renata Molinari (Galería NN); Yuyu Puleston (Galería NN); Carla Grunauer (Piedras); Santiago Gasquet (Piedras); Unión Textiles Semillas (Linse); Emilia Tessi (Casa Proyecto); Virginia Vitar (Otto Galería); Luciana Lamothe (Barro); Agustina Woodgate (Barro); Joaquín Boz (Barro); Valentina Ansaldi (Quimera); Ana Clara Soler (Quimera); Edgardo Giménez (Lucas Kokogian); Ulises Mazzuca (Lucas Kokogian); Jessica Trosman (Crudo); Yuyo Gardiol (Crudo); Ariel Cusnir (Pasto); Emilia Hendrich (Emilia Hendrich); Elba Bairon (donación particular); Gabriel Chaile (donación particular); Flavia Da Rin (donación particular); Andrés Paredes (donación particular); Juan José Cambre (donación particular), Amadeo Azar (donación particular) y Mirtha Dermisache (Coordenadas Art).

Sobre la Amigos Sívori

Amigos Sívori se reactivó en 2025, bajo el impulso de la directora del museo Teresa Riccardi y la presidencia de Abel Guaglianone, para canalizar donaciones privadas hacia un museo público y sostener su programación artística y educativa.

Su primera acción fue financiar íntegramente una muestra inaugural. Desde entonces, la organización acompaña la difusión de las actividades del museo, la incorporación de nuevos socios y públicos, además de tareas de conservación y restauración.

La comisión directiva está presidida por Guaglianone, con Pinciroli como vicepresidenta, Silvina Rey como tesorera y Mariana Akian como secretaria. También la integran Paula González, Claudia Akian, Mercedes Pardo y Cynthia Partanian, junto con María Belén Ludueña como embajadora honoraria.

*Subasta Anual a beneficio del Museo Sívori. Exhibición previa, del 7 al 15 de octubre de 2026, de 12 a 19 hs. Subasta: 15 de octubre de 2026, a partir de las 19 hs, en Galería Azur - Arroyo 981, CABA

El ADN hallado en una funda protectora para pinturas ayudó a los investigadores a recuperar dos obras de Renoir robadas y a descubrir lo que sospechan que eran preparativos para otro robo de arte, informó un fiscal francés.

Cuatro hombres fueron imputados provisionalmente en la investigación por el robo del 8 de septiembre en el pequeño Museo Renoir de la localidad de Cagnes-sur-Mer, en la Riviera francesa. Los cargos incluyen robo organizado y asociación delictiva, indicó el fiscal de Marsella, Nicolas Bessone.

Una de las pinturas, Retrato de Madame Colonna Romano, sufrió un desgarro. La otra, Joven junto al pozo, presentó daños leves en el marco, señaló Bessone. El fiscal estimó su valor conjunto en 4,2 millones de euros (US 4,7 millones).

Los ladrones usaron una sierra eléctrica para cortar una valla, ingresaron al museo por la planta baja y cortaron las sujeciones que aseguraban los marcos de cuatro cuadros. La alarma se activó y los agentes de policía llegaron cuatro minutos después, una respuesta rápida que “al parecer provocó el pánico de los autores”, dijo Bessone.

“Al huir, no pudieron llevarse las cuatro pinturas y abandonaron dos, que más tarde fueron encontradas en una funda protectora”, afirmó.

El rastreo de un vehículo llevó a los sospechosos

El ADN encontrado en la funda abandonada coincidía con el de un hombre de 29 años que ya estaba bajo investigación en un caso de narcotráfico, en el que la policía seguía su vehículo, explicó Bessone.

Los datos de geolocalización mostraron que el sospechoso, acompañado por un hombre de 41 años, fue a la vivienda de un tercer hombre poco después del robo, según el fiscal.

La vigilancia policial también mostró que el hombre de 29 años visitó el 3 de octubre la Fundación Maeght, en Saint-Paul-de-Vence, que alberga una amplia colección de arte moderno.

Después, el sospechoso se reunió con un cuarto hombre conocido por la policía por casos de robos de arte y falsificación en 2001 y 2003. Bessone afirmó que las detenciones respondieron a la “sospecha muy fundada de que otro robo era inminente”.

Las pinturas estaban ocultas detrás de una pared

Los dos hombres sospechosos de ejecutar el robo en el museo fueron imputados provisionalmente por “robo cometido por una banda organizada” y “asociación delictiva”, entre otros cargos. Fueron enviados a prisión a la espera de que avance la investigación. Ambos negaron haber cometido irregularidades, dijo Bessone.

El tercer sospechoso reconoció haber recibido las pinturas en su vivienda y haberlas ocultado detrás de una pared construida bajo una escalera después del robo. Los investigadores recuperaron los Renoir en ese escondite, indicó Bessone.

El cuarto sospechoso admitió haber visto fotografías de las pinturas, pero aseguró que no las reconoció de inmediato. Ambos fueron imputados provisionalmente por “encubrimiento” de pinturas robadas. Quedaron en libertad bajo supervisión judicial y tienen prohibido salir de Francia. Otras dos personas que habían sido detenidas fueron liberadas sin cargos.

El robo reaviva las inquietudes sobre la seguridad de los museos

El Museo Renoir ocupa la última residencia del destacado pintor impresionista francés Pierre-Auguste Renoir, quien vivió allí hasta su muerte en 1919. Es el principal atractivo de Cagnes-sur-Mer, una ciudad costera mediterránea situada entre Cannes y Niza.

El robo reavivó el recuerdo del robo de joyas de la corona en el Museo del Louvre de París el año pasado y renovó los reclamos de más seguridad y financiamiento para los numerosos espacios culturales de Francia.

Christian Sainte, director nacional de la policía judicial, afirmó el lunes que el país «es atacado repetidamente por grupos delictivos organizados que realizan operaciones de robo contra objetos de valor que forman parte de nuestro patrimonio cultural» en museos, castillos, lugares de culto, viviendas privadas y galerías de arte.

Los museos franceses registraron 23 casos en 2025 y alrededor de 10 en lo que va de este año, señaló.

Fuente: AP

En febrero de 2026, Devuélveme mi país, del político español Alvise Pérez, llegó al número 1 de ventas en Amazon. Semanas después, el detector de inteligencia artificial Pangram atribuyó el 97% de su texto a una máquina. El libro, autopublicado y con diez ediciones en ocho meses, se convirtió en el caso más visible de una investigación del diario español El País: uno de cada tres superventas autopublicados en España presenta trazas de inteligencia artificial.

Pérez rechazó las conclusiones. En una carta dirigida al periodista que firmó la investigación, sostuvo que redactó el volumen “palabra a palabra” y calificó a los detectores de IA como instrumento con “la fiabilidad de un horóscopo”. El político —líder del partido Se Acabó la Fiesta, que obtuvo tres diputados en las elecciones europeas de 2024— comparó su situación con la del libro Manual de resistencia, del presidente Pedro Sánchez, cuya coautoría con la escritora Irene Lozano no generó, a su entender, una investigación equivalente.

La herramienta, precisó El País, no identifica quién usó la IA ni de qué manera: una persona puede recurrir a ella para escribir casi en automático o para dar forma escrita a sus propios pensamientos.

La investigación partió de las listas de más vendidos de Amazon.es —los 50 primeros en las categorías Libros y Kindle— y de Casa del Libro —los 10 primeros en ficción y no ficción—. A esa selección se añadieron los ganadores de 13 premios literarios. Para construir la muestra, el diario tomó capturas mensuales de esas listas conservadas en Internet Archive entre enero de 2025 y septiembre de 2026.

De los títulos identificados, analizó los 119 disponibles: todos para adultos, escritos originalmente en español y publicados en 2025 o 2026. Ninguno fue elegido ni descartado por el contenido o la identidad de su autor.

El método consistió en analizar tres fragmentos de 1.000 palabras de cada libro con Pangram, uno de los detectores mejor valorados del mercado, equivalente a unas 10 páginas por título. Los 12 libros con mayor presencia de IA fueron sometidos además a un análisis de texto completo. Como grupo de control, el diario procesó 56 libros de 2019 y 2020, anteriores a la irrupción de los modelos de lenguaje generativo. Todos dieron 0%.

Los resultados de 2025 y 2026 contrastan con ese punto de partida. 35 de los 119 títulos analizados presentaron alguna presencia de inteligencia artificial (29%), y 13 de ellos superaron el umbral del 50%. La totalidad de esos 13 son obras autopublicadas y, en su mayoría, novelas románticas.

El caso más extremo, según Pangram, es Mr. Sterling: Romance con el CEO, publicado bajo el seudónimo Violeta Dark: el detector atribuye el 100% de su texto a una IA. Ese seudónimo acumula 109 libros en Amazon desde marzo de 2025. Le siguen Mi jefe es el Anticristo (versión sexy), de Estrella Correa, con un 86%; El asesino del mapa, de Pablo Poveda, con un 75%; y Novia del CEO por Navidad, del seudónimo Leila Yoon, con un 53%.

Entre los 60 libros de editorial analizados, ninguno supera el 50%, aunque nueve presentan alguna traza. Cuatro son obras de no ficción de autores conocidos, con porcentajes de entre el 12% y el 34%. En los 15 libros ganadores de premios literarios no se detectó un uso apreciable. La concentración del fenómeno en las obras autopublicadas —13 de 44, el 30%— refleja en parte la composición del propio mercado de Amazon, donde la novela romántica tiene un peso desproporcionado.

Un estudio científico publicado en agosto de 2026 examinó una muestra de 14.419 libros electrónicos autopublicados en Amazon a nivel global. Sus autores consideraron que uno de cada cinco superaba el 25% de uso sustancial de IA. Entre los superventas autopublicados analizados por El País en España, esa proporción asciende al 39%, según consigna el propio diario.

Publicar un libro con contenido generado por IA no es ilegal. La plataforma Kindle Direct Publishing (KDP) de Amazon exige que los autores declaren si su obra contiene material producido por inteligencia artificial, pero no lo prohíbe. La falta de mecanismos de verificación efectivos facilita que muchos títulos circulen sin esa advertencia.

El escándalo en torno a los libros y la IA no se limitó al mercado español. En septiembre de 2026, el escritor Thélyson Orélien, autor canadiense-haitiano de 38 años, se convirtió en el centro de una controversia que sacudió el mundo literario francófono. Su primera novela, C’était ça ou mourir (“Era eso o morir”), que narra el viaje de un maestro que huye de la violencia de las bandas en Haití hasta llegar a Canadá, había ganado el Prix du Roman Fnac y era finalista del Premio Goncourt y del Renaudot cuando una cuenta anónima en X publicó capturas de Pangram que la señalaban como “100% IA”.

Orélien negó las acusaciones. Su editorial, Éditions du Boréal, sello con sede en Montreal, señaló que el primer borrador de la novela fue escrito en 2017, años antes de que los modelos de lenguaje generativo estuvieran disponibles para el público general. En una declaración posterior, el autor reconoció haber usado herramientas de IA “aquí y allá” para investigar expresiones idiomáticas extranjeras, pero afirmó que el texto, la estructura y la trama surgieron “directamente de sus entrañas”.

“La experiencia que estoy atravesando es cruel”, escribió. “Al atribuir a una máquina un texto que es mío, que pertenece a todo mi pueblo, han cuestionado no solo mi condición de escritor, sino mi humanidad.”

La Academia Goncourt retiró la novela de su lista larga. El Prix Renaudot y el Prix Médicis no lo hicieron de inmediato. La editorial suspendió la gira de prensa del autor, que regresó a Quebec. Según la BBC, la novela era el mayor éxito de ventas de su editorial en 60 años y tenía acuerdos de traducción a alrededor de 20 idiomas. Orélien también enfrentó señalamientos de plagio en columnas anteriores a 2012, lo que complicó aún más su situación.

El 6 de octubre de 2026, el escritor zimbabuense Simbarashe Steyn Kundizeza recibió en Londres el Premio Caine de escritura africana, dotado con 10.000 libras esterlinas (unos 11.800 euros), por su relato corto The Blue Fighter. Cinco días después, The Atlantic publicó un artículo de la escritora Vauhini Vara en el que señalaba que Pangram marcaba casi la totalidad del texto como generado por IA.

La fundación del Premio Caine abrió de inmediato una revisión. En su comunicado, indicó que adoptará “un enfoque centrado en el ser humano” y que el proceso incluirá entrevistas con los jueces, una relectura del relato y conversaciones con el autor sobre sus métodos de trabajo. Ellah Wakatama, presidenta del consejo de administración del premio, rechazó que un detector de IA pueda funcionar como prueba definitiva. La agencia literaria de Kundizeza declaró tener “plena confianza” en que la obra es de su autoría. Al cierre de esta edición, el premio no había anunciado ningún hallazgo ni retirado el galardón.

El relato ganador fue seleccionado entre 407 candidaturas procedentes de 27 países africanos. El jurado estuvo presidido por la periodista de la BBC Bola Mosuro. Voces de la comunidad literaria africana cuestionaron además si las herramientas de detección presentan sesgos contra ciertos estilos de escritura, y al menos una prueba pública aplicó Pangram a textos anteriores de Kundizeza sin que el detector los marcara como IA.

El debate sobre quién puede figurar como autor de un libro tiene antecedentes que nada tienen que ver con la IA. Las memorias del tenista Andre Agassi, Open, fueron escritas por el periodista J. R. Moehringer tras 250 horas de conversaciones con el deportista. La práctica del ghostwriting está extendida en la industria editorial desde hace décadas, y su legitimidad rara vez se cuestiona con la misma intensidad.

Lo que distingue el momento actual es la escala y la velocidad. El seudónimo Violeta Dark publicó 109 libros en Amazon en poco más de un año. Pangram, la misma herramienta que señaló a Orélien y a Kundizeza, es también la que El País usó para analizar el mercado español. Sus resultados son probabilidades estadísticas, no veredictos, como advirtió la propia fundación del Premio Caine.

Esa limitación no ha frenado el debate: en Francia, la controversia sobre Orélien llenó programas de televisión y radio durante días, con escritores y editores discutiendo si la IA marcaba “el principio del fin de la literatura”.

Flavia Pittella, divulgadora literaria, ubica la escena en las reuniones que convocaba Victoria Ocampo. Bioy Casares llegó hasta allí con una intención precisa, según contó: “Él quería ser escritor”. Antes había pasado por abogacía y por otras carreras, pero la búsqueda de una voz propia lo llevó a frecuentar ese ambiente.

No fue una presentación solemne ni una discusión sobre literatura lo que terminó de acercarlos. Entre los primeros motivos de colaboración apareció un asunto ligado a la familia de Bioy: “un folleto publicitario” para promocionar productos de La Martona, la empresa láctea de los Casares. Ese encargo menor dejó planteado un vínculo que después encontraría otros lenguajes.

Villa Ocampo fue el punto de partida de una conversación que duró décadas

En la casa de Victoria Ocampo, Bioy encontró el espacio al que quería ingresar y a uno de los autores a quienes buscaba conocer. Pittella lo resumió con una fórmula sencilla: “Va y lo conoce ahí a Borges”. A partir de entonces, las visitas, las lecturas y las conversaciones fueron dando forma a una relación que excedería ampliamente aquel primer encuentro.

Bioy venía de una familia asociada a La Martona y había pasado temporadas en el campo, aunque su interés estaba puesto en otro horizonte. “Quería escribir”, explicó Pittella en Infobae A las Nueve, al describir a un joven que buscaba interlocutores y un lugar dentro de una escena literaria donde Borges ya era una figura reconocida.

El pedido de ayuda para la pieza comercial puso a los dos frente a una tarea concreta. Bioy “le pide a Borges que lo ayude a escribir un folleto publicitario”, relató Pittella. La anécdota reúne, en escala mínima, los dos mundos entre los que se movía el futuro autor de La invención de Morel: la empresa familiar y la literatura.

Bioy fue para Borges un interlocutor de humor y confianza

Con el paso de los años, la amistad ocupó un lugar central en la vida de Borges. Para Pittella, la clave está en el tono que adquirían esos encuentros: “Borges con él se relaja”. La observación apunta a un Borges menos ceremonioso, dispuesto al comentario inmediato, a la broma y a la discusión.

Bioy, según la escritora, compartía con él una forma de entender el humor. Borges encontró “un interlocutor inteligente, divertido, que maneja el mismo código del humor”, afirmó Pittella. Esa afinidad atravesó las charlas privadas, los proyectos en común y los pasajes que el propio Bioy dejó registrados.

En esos apuntes aparece un Borges que no coincide con la imagen solemne que suele rodear al autor de Ficciones. “Borges era muy gracioso”, sostuvo Pittella antes de recuperar algunas respuestas atribuidas al escritor, pequeñas escenas que condensan el tono de aquella intimidad.

Una de ellas surgió cuando le preguntaron si prefería vino tinto o vino blanco. La respuesta de Borges fue tajante y burlona: “No importa, soy ciego”. La frase, citada por Pittella, muestra el modo en que podía convertir una consulta cotidiana en un remate.

En otra escena, alguien le indicó que debía firmar un documento. Borges respondió: “Bueno, pare, no me diga, léelo”, según la reconstrucción que hizo Pittella. El episodio vuelve a situar a la lectura y a la ironía en el centro de una amistad sostenida por el intercambio verbal.

La divulgadora resumió el efecto de ese vínculo sobre Borges con una afirmación que también habla de la libertad de esas conversaciones: “Borges vuela a partir de Bioy”. Su lectura no reduce la obra de uno a la presencia del otro, sino que señala el respaldo y la soltura que la amistad aportó a ambos.

Borges de Bioy guardó cuarenta años de charlas, críticas y lecturas

Esa vida compartida quedó reunida en Borges de Bioy, el diario en el que Adolfo Bioy Casares registró sus encuentros con Borges. Pittella definió el libro como una muestra de devoción: “Esto es amor a Borges”. Allí se acumulan conversaciones, observaciones y discusiones que abarcan cerca de cuarenta años.

El registro comenzó en 1947. Bioy anotó “cada charla, cada conversación, cada crítica”, explicó Pittella, y con ese método dejó constancia de intercambios sobre literatura, política, humor y escritura. El diario no responde a una sola escena: sigue el ritmo de una relación que se renovaba en cada encuentro.

La edición reúne dos tomos y cerca de 1.900 páginas. Para Pittella, ese volumen permite acercarse a “el humor de Borges, su humor, sus procesos de escritura”, además de los debates que ambos mantenían sobre autores y sobre la cultura argentina.

Bioy Casares construyó una obra propia más allá de su vínculo con Borges

La presencia de Borges en su biografía no borra la identidad literaria de Bioy Casares, remarcó Pittella. “Bioy Casares en sí mismo es un autor contundente, único”, afirmó. Sus cuentos y novelas trazaron un camino autónomo, aunque su amistad con Borges haya quedado como una de las asociaciones más persistentes de la literatura argentina.

Entre esos títulos, Pittella destacó La invención de Morel, publicada en 1940. “Esto lo escribe en 1940”, señaló al presentar la novela, construida alrededor de una isla, una máquina y proyecciones humanas. El libro quedó instalado como una de las obras centrales de Bioy.

La lista de lecturas también incluyó Plan de evasión, Diario de la guerra del cerdo, La trama celeste y El perjurio de la nieve. Sobre este último relato, Pittella explicó: “Es un padre que tiene una niña enferma y decide detener el tiempo”. La premisa condensa uno de los procedimientos narrativos que recorren su obra.

La escritura compartida con Borges tuvo, a la vez, una identidad reconocible. Los dos firmaron textos bajo el nombre de Bustos Domecq, un seudónimo formado con apellidos maternos, y crearon a Isidro Parodi, el preso que resuelve casos desde la cárcel. “Utilizaron apellidos maternos”, recordó Pittella al reconstruir ese juego de autores y personajes.

También estuvo Silvina Ocampo en parte de esas experiencias. Pittella señaló que los tres publicaron una antología de literatura fantástica y describió el modo en que Bioy y Borges trabajaban juntos: buscaban “llevarlo a la parodia, al ridículo, pero también a la profundidad humana”. Entre Villa Ocampo, los libros y el diario, aquella amistad dejó una obra común y un archivo de voces que todavía permite seguir la conversación.

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El director y guionista español Hugo Ruiz presentó este miércoles en el Festival de Sitges Dante, un filme protagonizado por el argentino Chino Darín y los españoles Ester Expósito y Vicente Romero, que muestra los bajos fondos de la noche madrileña y configura la segunda parte de una trilogía que abrió ‘Una noche con Adela’.

“Las historias de personajes siempre me han atrapado; si encima las planteas de noche en los suburbios, siempre sale algo interesante”, explicó este miércoles en rueda de prensa Ruiz, que detalló que “en esa noche hay una pandilla de delincuentes que quieren atrapar a un pobre chaval”.

En la película, Chino Darín interpreta a Eduardo, un paramédico que recibe una llamada que lo mandará al encuentro de Ester Expósito y Vicente Romero y lo situará en medio de una disputa entre bandas.

“Me encanta intentar llevar los personajes al límite; y me interesaba mucho el personaje de Eduardo, a ver dónde podíamos llegar con él, por lo que no pensé en otro que en Chino”, confesó el director, que con la fotografía ha querido acercar la cinta a un ambiente de cómic.

“Quería una estética algo más arriesgada de lo que se suele hacer en España, y el director de fotografía, Teo Delgado, me entendió”, ha señalado Ruiz, que también ha admitido buscar “una textura de cine mexicano de los 90, como ‘Amores perros’ y ’21 gramos’”.

Sobre la actuación de Ester Expósito, Hugo Ruiz ha explicó que “quería sacarla de su zona de confort”, por lo que la pusieron “morena y con una cicatriz” y le plantearon que hablara “como una cantante de trap”.

También puso al límite a Chino Darín, ya que el actor admitió que desde que Eduardo entra en juego “no sale nunca”, por lo que estuvo “casi todo el tiempo en el set” y el rodaje se convirtió en “intenso, con mucha carga y sin poder bajar la energía”.

Fuente: EFE

Un bloque de piedra con inscripciones jeroglíficas, encontrado por casualidad por un agricultor egipcio en su propio terreno, condujo a los arqueólogos hasta los restos de dos estatuas colosales que representarían al rey Ramsés II, además de un segundo bloque de granito rosa con inscripciones reales. El descubrimiento se produjo en la aldea de Behbeit al Hegara, en la provincia de Gharbia, al norte de El Cairo, y fue confirmado por el Ministerio de Turismo y Antigüedades egipcio.

El secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, Hisham al Leithy, detalló en un comunicado que la primera pieza corresponde a una cabeza colosal de aproximadamente 1,60 metros de altura. “El rey aparece representado con la doble corona, símbolo de la unificación del Alto y el Bajo Egipto”, señaló el funcionario, que agregó que también se recuperaron los restos de la parte superior del pilar posterior de la escultura, con una inscripción del nombre de Horus del faraón, “Hor Ka Nakht Mery Maat”.

El tamaño original de la estatua rondaría los 8,5 metros

Según lo informado oficialmente, las dimensiones de la cabeza permiten estimar que la pieza completa, incluida su base, medía originalmente unos 8,5 metros.

La segunda pieza localizada es la porción superior de otra estatua real, de unos 2,40 metros de longitud, a la que le faltan las piernas y la base. El rey aparece representado con el tocado conocido como nemes, aunque la parte superior está dañada. Pese a las ausencias, los rasgos faciales se conservan nítidos y en buen estado, con similitudes evidentes respecto de la primera pieza, lo que llevó a los especialistas a atribuir también esta escultura a Ramsés II.

A un metro al norte de la segunda estatua, el equipo de excavación localizó un tercer elemento: un bloque de granito rosa de 1,30 metros de largo que conserva restos de inscripciones jeroglíficas. El texto incluye dos de los títulos reales de Ramsés II: “Nesu-Biti” (Rey del Alto y Bajo Egipto), uno de los cinco títulos del protocolo real de los faraones del Antiguo Egipto, y “Sa-Ra” (Hijo de Ra).

Al Leithy confirmó que las excavaciones y los estudios arqueológicos en el yacimiento continúan con el objetivo de “descubrir más elementos arqueológicos, estudiar la naturaleza de las piezas encontradas y su relación entre sí y con el yacimiento”. El funcionario agregó que ese trabajo busca contribuir a “una comprensión más clara de las dos estatuas, la historia de la zona y su desarrollo arquitectónico durante los periodos del antiguo Egipto”.

El episodio se originó cuando un residente de Behbeit al Hegara, mientras trabajaba en el terreno frente a su casa, se topó con un bloque de piedra con inscripciones. El hombre informó de inmediato a la inspectoría arqueológica local, cuyos especialistas se desplazaron al sitio y, tras un examen preliminar, confirmaron la relevancia de la pieza. A partir de ese aviso, el Consejo Supremo de Antigüedades formó un comité y un equipo especializado para llevar adelante excavaciones de rescate, que desembocaron en la localización de las dos estatuas y el bloque de granito. El ministerio destacó públicamente la iniciativa del ciudadano por reportar el descubrimiento en su propiedad.

Behbeit al Hegara, un enclave vinculado al culto de Isis

La aldea de Behbeit al Hegara figura entre los yacimientos arqueológicos más relevantes del delta del Nilo. El sitio es conocido por los restos de un templo monumental dedicado a la diosa Isis, una de las principales divinidades del panteón egipcio, además de por sus bloques de granito y elementos arquitectónicos vinculados a la actividad religiosa y constructiva de la zona durante el Antiguo Egipto. El Consejo Supremo de Antigüedades precisó que el equipo examinará las inscripciones y las características escultóricas de ambas piezas para determinar su ubicación y función originales dentro del complejo del templo.

Con información y fotos de EFE.

En un mundo regido por la inmediatez parecería que la ortografía ha dejado de tener relevancia, sin embargo, el escribir textos con coherencia y sin erratas siempre será benéfico en todos los ámbitos.

En lo laboral, el escribir de forma correcta deja ver a los demás las habilidades y conocimientos que una persona posee; además, ayuda a construir una imagen óptima a través de la cual puedes parecer más serio y confiable. El tener errores de ortografía y sintaxis pueden, por el contrario, dar un pensamiento negativo que te haría parecer descuidado o poco preparado.

Por otro lado, el tener la capacidad de hacer un texto bien escrito habla también de la personalidad, al mostrar interés por siempre construir un buen puente de comunicación con los interlocutores.

Aunque escribir bien no es una tarea sencilla, requiere de mucha práctica y de conocer las estructuras de la lengua, por lo que leer puede ser un gran apoyo para la riqueza del léxico.

En este sentido, la Real Academia Española (RAE) se ha convertido en la institución más relevante para la regularización lingüística, mediante la promulgación de normas para fomentar la unidad idiomática del mundo hispanohablante.

La Fundación del Español Urgente (Fundéu), una institución sin ánimo de lucro que tiene como objetivo el impulsar el buen uso del español en los medios de comunicación, se ha aliado con la RAE y emite en su página web y de manera constante diversos tips para que los ciudadanos puedan resolver sus dudas sobre cómo se escribe correctamente cierta palabra, cómo se usa una expresión o tips de temáticas varias.

Usos y ejemplos

La voz micromecenazgo es una alternativa preferible al término inglés crowdfunding , que se refiere al mecanismo de financiación de proyectos por medio de pequeñas aportaciones económicas de una gran cantidad de personas.

Es muy habitual encontrar en los medios frases como «La Junta aprueba un decreto de ayudas para impulsar proyectos empresariales mediante campañas de crowdfunding», «El escritor es una máquina de hacer dinero y su último crowdfunding demuestra hasta dónde está el público dispuesto a llegar por él» o «El párroco lanza una campaña de crowdfunding para reparar el tejado de la iglesia».

En la lengua general, el anglicismo crowdfunding puede sustituirse por la palabra española micromecenazgo , según recoge el diccionario académico, pues este término ya tiene el sentido de ‘financiación de un proyecto mediante la participación de un gran número de personas que contribuyen con aportaciones relativamente pequeñas de dinero’.

De acuerdo con el Diccionario panhispánico de dudas , además de esta opción, también son válidas otras como (micro)financiación colectiva o suscripción popular , con un significado similar, que pueden emplearse en función del contexto.

Así, en los casos anteriores habría sido preferible escribir «La Junta aprueba un decreto de ayudas para impulsar proyectos empresariales mediante campañas de micromecenazgo», «El escritor es una máquina de hacer dinero y su último micromecenazgo demuestra hasta dónde está el público dispuesto a llegar por él» y «El párroco lanza una campaña de micromecenazgo para reparar el tejado de la iglesia».

Si se desea usar la palabra inglesa, esta debe destacarse en cursiva (o entrecomillada, si no se dispone de este tipo de letra).

¿Para qué sirve la RAE?

Fundada en Madrid en 1713 por iniciativa del octavo marqués de Villena, Juan Manuel Fernández Pacheco y Zúñiga, la RAE es la institución que busca preservar el buen uso y la unidad de una lengua en permanente evolución y expansión.

Sus más recientes estatutos (actualizados en 1993), establecen que la función principal de la Real Academia es “velar por que la lengua española, en su continua adaptación a las necesidades de los hablantes, no quiebre su esencial unidad”.

Este compromiso se ha plasmado en la denominada política lingüística panhispánica, compartida con las otras 22 corporaciones que forman parte de la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), creada en México en 1951.

Actualmente, la institución está constituida por 46 académicos, entre ellos el director y los demás cargos de la Junta de Gobierno, elegidos para mandatos temporales.

Una de las críticas que se le han hecho a la RAE es su negativa a reconocer palabras o expresiones que han surgido entre las generaciones más jóvenes, sobre todo a raíz de la aparición de las redes sociales. Una de las polémicas más recientes es el reconocimiento del lenguaje inclusivo.

Sin embargo, en el 2020 optó por lanzar el Observatorio de Palabras, un repositorio digital que ofrece información sobre palabras o acepciones de palabras y expresiones que no aparecen en el Diccionario de la Lengua Española (DLE), pero que han generado dudas en cuanto a su uso, tales como neologismos, extranjerismos, tecnicismos, regionalismos, entre otros.

La información contenida en el Observatorio es provisional al no estar contemplada en las obras académicas, por lo que puede verse modificada y cambiar con el paso del tiempo, pero ello no implica que se acepte su uso.

El Louvre necesita un “gran plan” de renovación y transformación, porque no existe una “solución milagrosa” que pueda garantizar su seguridad, su presidente, Christophe Leribault, un año después del espectacular robo en el museo más visitado del mundo.

El robo del 19 de octubre de 2025, en el que un grupo de hombres sustrajo en apenas ocho minutos a plena luz del día varias joyas de la Corona por un valor de más de 100 millones de dólares, acaparó las portadas de la prensa internacional y dejó atónito al mundo.

El incidente puso en evidencia los fallos de seguridad de la pinacoteca, que el año pasado recibió unos nueve millones de visitantes, la gran mayoría extranjeros.

“Necesitamos un gran plan [para el] Louvre. Las operaciones indispensables para asegurar el museo requieren obras en el edificio histórico y en las infraestructuras. No hay una solución ‘superficial’, fácil y milagrosa”, explicó Leribault, en sus respuestas escritas a AFP.

Desde el incidente, se llevaron a cabo una serie de obras para hacerlo más seguro, afirmó el responsable, nombrado en febrero, citando, por ejemplo, la instalación de cámaras “en los puntos más críticos” y “la securización de los accesos”.

El despliegue del plan de seguridad, de 83 millones de euros (93 millones de dólares), cuyos retrasos en su puesta en marcha fueron criticados tras el suceso, “avanza a grandes pasos”, indicó Leribault.

Pero el dirigente insistió en la “complejidad” de llevar a cabo estas obras “manteniendo al mismo tiempo el museo abierto a sus millones de visitantes anuales”.

En este robo de película, en el que los ladrones accedieron al edifico con una grúa, las joyas sustraídas siguen sin aparecer, pese a la exhaustiva búsqueda de los investigadores franceses y los intercambios con la policía de Bélgica, Italia y otros países. Cuatro sospechosos fueron detenidos.

Al hurto espectacular siguieron otros incidentes en la pinacoteca, como varias huelgas sucesivas del personal y una avalancha de averías (escapes de agua, fraudes en la venta de billetes...), que sumieron al museo en una crisis sin precedentes.

La literatura de la escritora mexicana de 94 años Elena Poniatowska nunca se escribió desde los escritorios de la academia, sino desde las suelas gastadas por el pavimento. Cuando en 1969 vio la luz su novela testimonial Hasta no verte Jesús mío, el panorama de las letras hispanoamericanas sufrió un sacudón sísmico. No era la mirada condescendiente de la burguesía compadeciéndose de los desposeídos; era la voz rústica, filosa y dolorosamente real de los márgenes de la sociedad.

En el centro de esa polifonía, una frase se erige como un monumento incómodo: “¿Quién quiere usted que sea bueno en este mundo si la pura pobreza le quita a uno las ganas de tener buen corazón?“ La bondad, muchas veces, es un lujo que la miseria estructural arrebata. Para dimensionar el impacto de esta obra hay que ir a la década de 1960, cuando la joven periodista Elena Poniatowska persiguió durante meses a una lavandera y sobreviviente de la Revolución Mexicana llamada Josefina Bórquez.

En un lavadero colectivo de la Ciudad de México, tras vencer la natural desconfianza de una mujer golpeada por la historia, nació una serie de entrevistas que la autora transformaría en ficción bajo el pseudónimo de Jesusa Palancares. La obra resultante, Hasta no verte Jesús mío, inauguró en el continente la era de la narrativa testimonial, un puente de oro que conectó el periodismo con la alta literatura, abriendo el camino para libros como La noche de Tlatelolco y Nada, nadie: las voces del temblor.

Cuando Jesusa Palancares pronuncia la frase destruye cualquier idealización romántica de la pobreza. Su diagnóstico es de un materialismo descarnado: las privaciones físicas extremas, el hambre crónico y la humillación diaria operan como un ácido que carcome la moralidad. Elena Poniatowska logra plasmar aquí una de las tesis centrales de toda su trayectoria intelectual y política: la desigualdad económica no solo destruye los cuerpos, sino que también confisca la capacidad espiritual de la empatía.

¿Cómo pedirle pureza de sentimientos a quien debe transformarse en una fiera salvaje para disputar el pan de cada día? Esta idea resume a la perfección el pensamiento ético de su autora, conocida popularmente en los círculos intelectuales como “La Princesa Roja” —debido a su herencia aristocrática polaca, la cual abandonó conceptualmente para abrazar las causas de la izquierda latinoamericana—. Para la ganadora del Premio Miguel de Cervantes, escuchar a los de abajo no es un ejercicio estético.

Su producción posterior, ya sea rescatando las voces de creadoras silenciadas en su libro de ensayos Las siete cabritas o ficcionando las biografías de artistas indomables en sus novelas Tinísima (Tina Modotti) y Leonora (Leonora Carrington), siempre gira en torno a la misma obsesión: revelar las estructuras de poder que asfixian el potencial de los seres humanos. En nuestro presente hiperconectado y fracturado, la advertencia de Hasta no verte Jesús mío recobra una vigencia urgente.

En una era donde las discusiones sobre la pobreza suelen quedar atrapadas en frías estadísticas económicas o en discursos de meritocracia digital, la frase de Elena Poniatowska nos obliga a mirar el costo humano profundo de la exclusión. Detrás de cada cifra hay un corazón que se va endureciendo por necesidad. La voz de Jesusa Palancares, rescatada con maestría por la gran cronista de México, sigue siendo un espejo incómodo en el que nuestra sociedad todavía no se atreve a mirar de frente.

¿Quién es Elena Poniatowska?

Elena Poniatowska es una de las escritoras y periodistas más influyentes de la literatura hispanoamericana. Nacida en París en 1932 con ascendencia aristocrática polaca, pero radicada y nacionalizada en México desde su infancia, se la conoce como “La Princesa Roja” por su firme compromiso con las causas sociales de izquierda. Transformó el periodismo continental al ser pionera de la polifonía testimonial, dando voz en sus textos a las comunidades marginadas, trabajadores y mujeres campesinas.

Su consagración definitiva llegó con Hasta no verte Jesús mío (1969), y con su obra maestra absoluta, La noche de Tlatelolco (1971), una monumental crónica oral sobre la masacre estudiantil perpetrada en 1968. Su inigualable contribución a las letras castellanas ha sido honrada con el Premio Miguel de Cervantes en 2013 y la Medalla de Honor Belisario Domínguez en México. Hoy, a sus 94 años, vive en la Ciudad de México. Es un símbolo del periodismo comprometido y de la dignidad artística.

En 1995, la autora canadiense Anne Carson publicó su primer poemario con New Directions, una pequeña editorial cuyo catálogo vanguardista reunía a gigantes de la literatura, entre ellos Tennessee Williams, William Carlos Williams y Pablo Neruda.

No permaneció allí mucho tiempo. Ese mismo año publicó otro libro con Knopf, una editorial con recursos mucho mayores, donde continuó durante años. Pese al desaire, su editor, Declan Spring, siguió intentando recuperar a Carson —la primera autora a la que editó— y asistía con ella a conciertos de jazz cuando viajaba a Nueva York. Esperaba el momento en que la editorial independiente, instalada en una planta reducida y abarrotada de un edificio de oficinas art déco en Chelsea, pudiera volver a publicar la obra de una figura literaria excepcional.

Ese momento llegó una docena de años después, cuando Carson, afectada por la muerte de su hermano, concibió un libro más parecido a un álbum de recortes que a un volumen tradicional. Con ese proyecto, Spring pudo ofrecerle algo que un gigante corporativo no podía: la paciencia y el impulso creativo necesarios para transformar una idea en el homenaje que se convirtió en Nox, un rollo plegado en forma de acordeón y presentado en una caja.

New Directions publicó el libro, una reflexión sobre la muerte y el duelo, en 2010. Aunque Carson trabajó ocasionalmente con otras editoriales y siguió publicando con Knopf hasta 2016, produjo siete obras más con New Directions, donde continúa actualmente. La editorial publicará su próximo libro, Beware the Man Whose Handwriting Sways Like a Reed in the Wind, en febrero, seguido de Highlights of Colonialism, otro poema plegado en acordeón, en el otoño de 2027.

El miércoles, Carson, de 76 años, recibió el Premio Nobel de Literatura. El año pasado lo ganó otro autor de New Directions, el húngaro Laszlo Krasznahorkai. Fue editado por Spring, de 60 años, y por la editora de New Directions, Barbara Epler. Los premios consecutivos llegan después de que otro autor de la editorial, el poeta sueco Tomas Transtromer, obtuviera el galardón en 2011. En sus 90 años de actividad, la empresa ha publicado a 14 ganadores del Nobel.

En una época en la que los grandes grupos editoriales dominan un sector que se concentra con rapidez, New Directions se ha mantenido independiente y ha prolongado su tradición de buscar y acompañar a algunos de los autores más influyentes del mundo. En promedio, publica a un futuro ganador del Nobel aproximadamente cada seis años y medio. Quizás resulte aún más llamativo que haya conservado a esos escritores o, en el caso de Carson, que haya logrado atraerlos de vuelta.

Para Carson, la fórmula es sencilla. “Son las personas más amables”, afirmó, según su agente literaria, Nicole Aragi.

El miércoles por la tarde, Carson y su esposo, Robert Currie, llamaron a la oficina de New Directions desde Islandia, donde viven medio año, y de inmediato los pusieron en altavoz.

—Tómate una copa de champán por mi cuenta —dijo Epler.

—¡Es una botella, querida! —respondió Carson.

New Directions compensa lo que no puede ofrecer en anticipos y abultados presupuestos de mercadotecnia con atención. Cuando autores como Carson pasan por la oficina, por ejemplo, “todos dejamos más o menos lo que estamos haciendo y pasamos el rato”, dijo Spring.

“De los libros que he publicado con ellos, estoy bastante seguro de que una editorial más grande, incluso si los hubiera aceptado, no les habría dado la misma atención ni habrían tenido las mismas ventas, reseñas y premios”, afirmó el agente literario Jonah Straus, representante de John Keene, autor cuyo libro de 2015 con New Directions, Counternarratives, obtuvo varios premios literarios. “New Directions entendió lo que estaba publicando de una manera que una editorial mayor quizá no habría entendido”.

New Directions fue fundada en 1936 por un estudiante de segundo año de Harvard llamado James Laughlin, quien siguió un consejo que le había dado Ezra Pound: “Nunca vas a ser un buen poeta. ¿Por qué no te dedicas a algo útil?”.

Laughlin, cuya familia había hecho fortuna en la industria siderúrgica, publicó posteriormente a figuras de la literatura como Henry Miller, Djuna Barnes, Dylan Thomas y el propio Pound. Fue el primer editor estadounidense de Vladimir Nabokov, aunque rechazó Lolita porque consideraba que el tema era demasiado atrevido.

Laughlin se enamoró de la poesía de Carson y la cortejó para que se uniera a su editorial mediante cartas mecanografiadas. En una misiva a un colega la describió como un “genio auténtico y de nuevas direcciones”. “Estaba prendado de ella”, dijo Epler, de 65 años.

Pese a su riqueza, Laughlin tenía “reputación de ser tacaño: pagaba salarios bajos y demoraba el pago de regalías cuando faltaba dinero”, según su obituario publicado en 1997 en The New York Times. Epler, quien se incorporó a la empresa en 1984 como asistente editorial, lo resumió así: “Podía haber hecho lo que quisiera, pero prefería hacer las cosas de una manera económicamente sensata”.

Laughlin estaba “triste y abatido” ante la posibilidad de perder a Carson frente a Knopf, según una carta sin fecha que escribió. Sin embargo, en vez de hacerle una oferta lucrativa a Carson, profesora de estudios clásicos, “coqueteaba con ella en latín y griego”, dijo Epler. “No entendía cuánto necesitaba el dinero; simplemente no lo entendía”.

Incluso después de su muerte, Laughlin mantuvo sus compromisos con la excelencia literaria y las finanzas ajustadas. La empresa está controlada por completo por sus herederos. Dejó dos fideicomisos de $ 50.000: uno para gastos operativos y otro destinado a disolver el negocio de forma ordenada si alguna vez quebraba.

En el fideicomiso de legado, que venció en 2018, Laughlin estipuló que la empresa no podía venderse ni que su catálogo podía ser adquirido. Aunque sus deseos ya no son vinculantes, todavía definen la filosofía de la compañía.

New Directions ha seguido prosperando gracias a un catálogo de fondo envidiable de autores canónicos como Jorge Luis Borges y Tennessee Williams, resurgimientos inesperados como los de Osamu Dazai y Clarice Lispector, y éxitos más recientes como la escritora danesa Solvej Balle.

A diferencia de los conglomerados editoriales, las editoriales independientes tienen reputación de conservar a los autores que no se convierten de inmediato en éxitos comerciales. “Se necesita tiempo para construir un público, y eso es algo en lo que las grandes editoriales no son tan buenas”, dijo Epler.

El equipo acuerda colectivamente los libros que adquiere y colabora en detalles que llegan hasta las icónicas cubiertas, una característica distintiva de New Directions. “Como somos pequeños y no tenemos tanto dinero, necesitamos decidir rápidamente quién es excelente antes de que los demás se den cuenta”, afirmó Epler. “Dependemos mucho de las recomendaciones de amigos, escritores, traductores y editores de todo el mundo. Pedimos constantemente consejos a otras personas”.

Enormes pilas de manuscritos se amontonan en la oficina de Epler, parte de una búsqueda internacional e incesante del mayor talento literario del mundo: autores que ponen a prueba los límites creativos y atraen tanto a lectores jóvenes en los campus universitarios como a jurados de premios.

“No diría que persiguen los Nobel como tales, pero sí que tienen una perspectiva muy amplia en sus adquisiciones”, dijo Straus.

Krasznahorkai, ganador del Nobel el año pasado, recordó que estaba afuera de un evento en Brooklyn junto a Epler, Spring y Mieke Chew, editora sénior y directora de prensa de New Directions, cuando un joven atravesó la multitud para saludarlos. Krasznahorkai se preparó para firmar un autógrafo.

“No venía hacia mí en absoluto”, recordó Krasznahorkai. “Fue directamente hacia Barbara Epler”.

Quería decirle que era admirador suyo.

Fuente: The New York Times

Fotos: Vincent Alban para The New York Times

A 100 años de su nacimiento, el legado de Miguel Dávila resurge en la Casa Nacional del Bicentenario, con Tercer orden, una gran antológica que reúne alrededor de un centenar de obras que atraviesan seis décadas de producción.

En su curaduría, Joaquín Rodríguez construyó un recorrido con lo cronológico como eje, pero con una colgada a partir del cual —según donde se pare— se pueden observar las persistencia del pintor en sus distintas épocas, entrecruzando en el campo visual a las las figuras duplicadas, los paisajes (bucólicos y urbanos) y toda una cuestión mitológica que atravesó su obra.

La muestra parte de un dibujo de 1949 y reúne óleos, acrílicos, tintas, pasteles, monocopias, aguafuertes, xilografías y cortometrajes experimentales realizados en la década de 1980. También incorpora documentos como catálogos, invitaciones y referencias a los museos, galerías e instituciones.

Dávila se formó en el Instituto Superior de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Tucumán con Lino Enea Spilimbergo, Pompeyo Audivert y Lajos Szalay. En una reflexión fechada en 1976, el artista describió su vínculo con el trabajo en el taller: “Me abandono a la intuición, a la energía propia de la imagen. Esta surge en la tela como una aparición. Muchas veces las obras se adelantan a la comprensión de su creador. La creación no se aviene con la prisa. No se necesita ser entendido sino sabio”.

La afirmación parece centrarse en cierta pulsión creativa sin orden, en un pintar por pintar, pero no hay en Dávila una creación antojadiza, sino un profundo conocimiento del oficio: sus pinceladas, por ejemplo, de cargadas a lavadas según la obra, del trabajo preciso, casi maniático, al golpe que pasa y queda, revelan una intencionalidad, una conciencia del abordaje. Así, en el tiempo, se observa cómo Dávila realizó una investigación técnica que fue modificando sus formas sin abandonar ciertos motivos.

Al referirse a esas composiciones, Rodríguez indicó a Infobae Cultura que la ambigüedad no queda resuelta en una sola imagen: “No se sabe si son dos personajes o es el mismo personaje o es un personaje con su sombra. Esa duplicación reaparece en pinturas posteriores, incluso cuando los elementos de una obra vuelven en otra con arquitecturas nuevas”.

“La idea de la muestra lleva esto: estos pares, estas duplas, que también aparecen en muchas de sus composiciones”, dijo.

Los primeros trabajos incluyen paisajes riojanos, grabados, tintas y monocopias, además de una obra abstracta de 1957. En esas piezas aparecen perros callejeros característicos de La Rioja, cabezas de caballos y vacas.

Hay, en esos inicios, una construcción de lo paisajístico a partir de una semblanza de lo abandonado, de lo libre, de lo olvidado, algo que de alguna manera retomará décadas después, cuando reconstruya aquellos escenario a partir de la memoria: un paisaje como remembranza que se esfuma.

En 1961, Dávila recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes para viajar a París junto con Rómulo Macció, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega. Allí compartió estudio con Deira y se incorporó a la Nueva Figuración.

La producción parisina mantuvo vínculos con el informalismo, aunque incorporó colores, paisajes y referencias al campo, como osamentas que Rodríguez asoció con “la leyenda de la luz mala” y hacia 1968, esas exploraciones “derivaron en imágenes fragmentadas, esqueletos y figuras humanas construidas sobre todo a partir de rostros y manos”.

Durante los años 70, Dávila incorporó la madera en un período en que recibió encargos para realizar murales en edificios. Sus óleos y pasteles conservaron los personajes duplicados, mientras algunas composiciones de 1969 y 1979 mostraron elementos similares con cambios en el espacio pictórico.

La arquitectura adquirió mayor presencia durante la década siguiente. Rodríguez se detuvo ante un mural de cinco metros y lo vinculó “con ciudades imaginarias, cúpulas, edificios y figuras humanas que se mezclan en una misma construcción visual”.

En esa etapa, el artista desarrolló la serie De lo místico. Al describir ese conjunto, el curador sostuvo: “Si bien no se puede identificar con una mitología particular, hay cierta espiritualidad y cierto misterio en las obras que va explorando”.

Los trabajos de los años 80 también devolvieron definición a la figura humana, aunque conservaron masas de formas imprecisas y una tensión entre cuerpos reconocibles y elementos que se desvanecen en el fondo. Algunas pinturas, de hecho, en el abordaje del cuerpo, podrían haber sido realizadas por artistas jóvenes conteporáneos.

Así, en estas geometrías, ciudades y referencias a las vanguardias europeas de comienzos del siglo XX los paisajes de La Rioja resurgen, como quien nunca abandona su terruño más allá del lugar de donde pinte.

En ese sentido, Rodríguez remarcó que esos paisajes no se atienen a una localización precisa: “No hay una definición nunca de lugar específico, sino que es más una exploración de estados de ánimo”. En contraste, la serie Muros de la ciudad, realizada en 1998, reproduce con pintura superficies grafitadas, abandonadas e ignoradas de tal precisión pictórica que pueden parecer collages.

La exhibición también incluye interiores de fines de la década de 1990 y comienzos de los años 2000, concebidos como escenografías con personajes recortados en el espacio. Otra serie aborda el cuerpo femenino en obras realizadas alrededor de 1974 y 1975.

Además de su producción artística, Dávila fue el primer director del Museo Municipal de Bellas Artes de La Rioja, actual Museo Octavio de la Colina, entre 1958 y 1960. Ejerció la docencia de forma ininterrumpida desde 1964 hasta 1995, expuso en las galerías Van Riel, Wildenstein, Rubbers, Art Gallery Internacional y Hoy en el Arte, y recibió el Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano en 1964 y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Pintura en 1981. Sus obras forman parte de museos y colecciones de Argentina y del extranjero.

En sus retratos finales, los ojos son ausencia; hay una “mirada que está como ciega”. Y el recorrido concluye, justamente, con la inacabada La mirada ajena, una obra de 2009, el año en que murió, lo que tiene cierta poética: es como si Dávila hubiera dejado en su obra todo lo que observó, su mundo —que pasó de colores más apagados, ocres, a los brillos de la ciudad—, junto a los recuerdos que se le escapaban en ese traspaso y que hoy, en la Casa del Bicentenario, aparecen vivos para los ojos de (nos) otros.

*MIGUEL DÁVILA. Tercer orden, en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, CABA, hasta el 27 de noviembre. De miércoles a gomingos: 15:00 a 20:00 h.. Entrada gratuita.

Daniela Senés reconstruye en Amantes del poder siete historias de amores prohibidos que involucraron a figuras como Hernán Cortés y Malinche, Isabel I de Inglaterra y Robert Dudley, Eleanor Roosevelt y Lorena Hickok, y Napoleón Bonaparte y María Walewska.

El libro examina cómo esos vínculos alteraron decisiones políticas, provocaron conflictos y afectaron la estabilidad de distintos tronos. A partir de cartas y diarios de época, Senés aborda la relación entre el amor y el poder en distintos siglos, continentes y culturas.

Nacida en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, la autora es licenciada en Relaciones Internacionales y especialista en Didáctica de la Historia, con formación en Argentina y el Reino Unido. Trabajó como formadora de educadores, jefa de examinadores y asesora pedagógica de la Organización del Bachillerato Internacional, además de liderar capacitaciones en más de veinte países. Publicó cinco libros en inglés sobre historia del siglo XX y es autora de Historia a la carta; Amores imperiales, junto con Diana Arias e History After Office, una propuesta de encuentros que combina historia, arte y gastronomía.

Infobae Cultura publica un fragmento del capítulo VI, sobre la relación entres Margherita Sarfatti y Benito Mussolini:

LA ARTISTA DE IL DUCE

Buenos Aires,

primavera de 1940

Un mozo le acercó una bandeja de masas finas. Margherita vio la crema batida y pensó en Fiammetta. Sabía que en Roma su hija hacía fila por harina y leche mientras la guerra se extendía por Europa. Apartó la mirada.

La casa de Victoria Ocampo se abría a un jardín que descendía hacia el río. El aroma de las magnolias entraba por las ventanas abiertas y envolvía el murmullo de las conversaciones. Margherita intentaba seguir el español rápido, lleno de giros porteños que todavía le costaba comprender.

Los asistentes a la conferencia la observaban con curiosidad. Unos pocos estaban allí para conocer a “la zarina de las artes”, la mujer que había dominado los salones intelectuales de Italia. La mayoría, sin embargo, esperaba escuchar los secretos de la amante de Benito Mussolini. Margherita lo sabía. Del mismo modo que sabía que el consulado italiano en Argentina informaba a Roma de todos sus movimientos y que también el FBI la vigilaba, incapaz de determinar si era una refugiada o una espía.54 Había aprendido a vivir en alerta.

Victoria Ocampo caminó hasta su mesa. Vestía un traje de crepé color marfil y un collar de diseño moderno. Como Margherita, no tenía una belleza convencional, pero una seguridad natural la volvía imposible de ignorar.

—La concurrencia es impresionante. Todos quieren escuchar su conferencia —dijo, con una sonrisa cortés.

Margherita verificó su peinado con un gesto discreto. El pelo, rojo cobrizo veteado de gris, no tenía ni una sola hebra fuera de lugar. Los invitados comenzaban a tomar asiento. Querían saber qué había visto esa mujer en aquel periodista socialista de mirada oscura y, sobre todo, cuánto del dictador que gobernaba Italia había ayudado a construir. De eso no podía decir una palabra.

Su anfitriona pareció adivinarle el pensamiento.

—Hábleles de pintura —sugirió Victoria.

Margherita Sarfatti sonrió. De pintura podía hablar toda la noche.

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Venecia,

1895

La luz de la mañana iluminaba el Gran Canal, y el Palazzo Bembo parecía flotar sobre su propio reflejo. Desde los ventanales de la biblioteca de su padre, Amedeo Grassini, Margherita contemplaba el paso lento de las góndolas hacia el puente del Rialto.

Lo tenía todo: un palco en la ópera, vestidos confeccionados con las telas más finas y criados atentos a sus caprichos. Los mejores tutores de Venecia la instruían en cuatro idiomas, por orden de su madre. Emma Grassini repetía que una mujer culta valía más que una mujer bella.

Sin embargo, aquel mundo de privilegio aburría a Margherita.

El oro de los marcos, la porcelana delicada y las arañas de cristal de Murano pertenecían a un universo estanco. Para escapar de él, se refugiaba en los autores que su padre desaprobaba: D’Annunzio, Ibsen, Nietzsche. Los leía a escondidas, con la misma fruición con la que sus amigas devoraban novelas románticas. En esas páginas buscaba una pasión que su vida de lujos no podía ofrecerle.

A los quince años encontró una nueva fe. Dejó de creer en el Dios de la sinagoga para abrazar el socialismo y la causa de los trabajadores del Arsenale. Amedeo se desesperaba con esa hija que cuestionaba el mundo del que él estaba tan orgulloso, pero sus amenazas no lograron que abandonara los mítines políticos. Los socialistas venecianos la llamaban la Virgen Roja.

Una noche de invierno, Margherita bajaba la escalera de La Fenice del brazo de su madre cuando se interpuso en el camino un hombre al que los Grassini conocían de vista. Tenía veintiocho años, un bigote oscuro recortado con esmero y una elegancia discreta que contrastaba con la ostentación de los asistentes.

Besó primero la mano de Emma y después, tomó la de Margherita.

—¿Le ha gustado La Traviata, señorita?

—Mucho. Pero prefiero a Wagner.

Cesare Sarfatti arqueó las cejas.

—¿Wagner?

—Verdi quiere agradar. Wagner, en cambio, exige. Prefiero que me exijan.

La respuesta lo hizo sonreír. La rebeldía siempre lo había atraído.

—Es una opinión poco habitual. ¿Y qué más prefiere usted?

—Que las cosas sean justas. Eso tampoco es habitual.

—Usted es socialista.

—¿Y usted no?

Cesare, un abogado acostumbrado a tener la última palabra, se desarmó. Jamás una mujer lo había obligado a definirse.

—Soy republicano —respondió, casi con vergüenza.

—Es un comienzo.

—Margherita, debemos irnos —intervino Emma, incómoda.

Madre e hija avanzaron hacia la salida tras despedirse. Cesare tuvo la molesta sensación de haber desaprobado un examen. Pero eso no lo detuvo. Poco después comenzó a cortejar a Margherita.

Lo seducía la energía luminosa que la impulsaba. Ella no tardó en ponerlo a prueba. Lo hizo leer a Marx y lo arrastró a reuniones de obreros donde se discutían derechos laborales. Él escuchaba argumentar a la joven de quince años con fascinación. Terminó afiliándose al socialismo, más por amor que por convicción. Margherita había dejado en claro que jamás amaría a un hombre que no fuera socialista. Ella aceptó la propuesta de matrimonio porque sabía que Cesare no intentaría domesticarla. La amaba con sus ideas.

La noticia cayó como una bomba en el Palazzo Bembo y provocó la furia de Amedeo. Le costaba aceptar que su hija quisiera unir su vida a la de un abogado trece años mayor y sin fortuna; pero que, además, él también fuera socialista convertía al noviazgo en la confirmación de sus temores: la inclinación de Margherita hacia el socialismo no era una fase juvenil. La idea le pareció intolerable.

Prohibió la relación, pero Margherita discutió, insistió y desobedeció. Al fin, su padre comprendió que no lograría doblegarla. Si no podía elegir al marido de su hija, al menos intentaría imponer algunas condiciones.

—Cásate con él cuando tengas dieciocho años. Por civil solamente, si quieres, pero cásate. Y a los varones, los circuncidas.

Cesare respetó los tiempos de Amedeo. Margherita cumplió dieciocho años y, veinte días más tarde, se casaron. Partieron de luna de miel a París, donde ella insistió en subir hasta la cima de la Torre Eiffel para contemplar la ciudad desde las alturas. Su marido tomó el ascensor. No sería la última vez que eligieran caminos distintos.

Dos años más tarde nació Roberto, con los ojos verdes de su madre. Al segundo varón lo llamaron Amedeo, en homenaje al abuelo. La maternidad no apartó a Margherita de la militancia. Dejó la administración del hogar en manos del ama de llaves y continuó asistiendo a mítines. Improvisaba discursos subida a las mesas de los cafés de la plaza San Marcos mientras el pequeño Roberto dormitaba a pocos pasos de distancia.

Al mismo tiempo, Margherita comenzó una carrera en el mundo de las artes. Escribía críticas artísticas en una época en la que casi ninguna mujer lo hacía. Usaba un estilo accesible para el público; más que detenerse en las cuestiones técnicas, le interesaban las emociones y las personas detrás de cada obra. En 1903, ganó un premio por sus crónicas sobre la V Bienal de Venecia. Así, su nombre empezó a sonar en el mundo cultural italiano.

Cuando nació Fiammetta, Cesare buscó horizontes más ambiciosos y la familia se trasladó a Milán. Con más de medio millón de habitantes, fábricas en expansión permanente y miles de obreros procedentes de toda Italia, la ciudad era el corazón industrial del país, y también el principal bastión del socialismo italiano.

Margherita se sintió a gusto de inmediato. Pronto trabó amistad con dirigentes políticos, artistas, periodistas y escritores. Su casa era el punto de encuentro para quienes discutían las nuevas corrientes estéticas y el futuro de Italia. Sus artículos sobre arte en Avanti!, el diario oficial del socialismo, eran leídos con atención.

A los treinta y dos años, era una de las figuras culturales más visibles de Milán.

En diciembre de 1912, el partido designó un nuevo director para el periódico. Lo precedía una reputación inquietante: algunos lo veían como el futuro del socialismo italiano; para otros era un agitador incapaz de controlar su temperamento. Benito Mussolini tenía veintinueve años y no había nadie en el mundo a quien le importara menos el arte.

Una noche de 1974, Sylvester Stallone estudiaba películas entre funciones en los cines Baronet y Coronet de Manhattan. No dormía ni salía a fumar. Analizaba qué hacía buena a una buena película y mala a una mala. Ganaba USD 34 por semana y vivía en una pensión más pequeña que una celda de la Oficina Federal de Prisiones. Pocos años después, su nombre encabezaría los créditos de Rocky, la película más taquillera de 1976 y ganadora del Oscar a mejor película. Ese trayecto —de acomodador en la Tercera Avenida a protagonista de Hollywood— es el eje de Los escalones.

El libro reconstruye la vida del actor desde una infancia atravesada por la violencia y la precariedad hasta la primavera de 1977, cuando Rocky ya había redefinido su lugar en la industria. Stallone describe cómo cada una de esas experiencias terminó sedimentando al personaje que lo haría conocido en el mundo entero.

Una lesión de nacimiento que los agentes consideraban un defecto

La historia empieza antes de que Stallone pudiera hablar. Una lesión provocada por fórceps durante su parto afectó parte de su cara y derivó en párpados caídos, una boca asimétrica y una dicción particular. Rasgos que los representantes artísticos, años más tarde, le señalarían como obstáculos para una carrera frente a las cámaras, y que con el tiempo se convertirían en su sello distintivo.

La infancia transcurrió en un pequeño departamento de Hell’s Kitchen, en Nueva York, sin agua caliente. La bañera de ese hogar funcionaba también como mesa: la familia colocaba una tabla encima para comer. Su padre, Frank Stallone Sr., era barbero con aspiraciones de cantor que, según el actor, golpeaba a sus dos hijos y los humillaba. Su madre le dijo una vez: “Deberías saber que no tendrías que estar aquí, y con ‘aquí’ quiero decir en la Tierra”.

Stallone fue expulsado de aproximadamente una docena de escuelas y enviado a un centro para adolescentes con problemas. Aprendió a alentarse a sí mismo frente al espejo. Pasó dos años en la Universidad de Miami estudiando teatro, pero abandonó la carrera cuando le faltaban pocos créditos para graduarse.

De regreso en Nueva York, se instaló en esa pensión de USD 34 semanales. Para subsistir, trabajó retirando excrementos de león en un zoológico y atendió una tienda de delicatessen. Fue detenido tras una pelea y pasó un tiempo breve en la cárcel de Manhattan conocida como The Tombs.

Sin contactos en la industria, buscó representantes en las páginas amarillas y se presentaba personalmente con su fotografía. Los agentes rechazaban su voz y sus facciones. El empleo como acomodador en los cines Baronet y Coronet, sobre la Tercera Avenida y la calle 59, terminó siendo su escuela de cine. Stallone aprovechaba el tiempo entre funciones para desmenuzar títulos como MASH, Love Story, Billy Jack, The French Connection y Patton.

“Decidí estudiar de verdad las películas que se proyectaban”, escribió. “No dormía una siesta entre funciones ni salía a fumar al callejón como otros acomodadores. Usaba el tiempo de manera constructiva y empezaba a descomponer las razones por las que las buenas películas eran buenas y las malas eran malas”.

Stallone rechazó USD 360.000 por el guion de Rocky para conservar el protagónico

La primera apertura real llegó con The Lords of Flatbush (1974), donde compartió pantalla con un entonces igualmente desconocido Henry Winkler. Después se mudó a Los Ángeles con Sasha Czack, quien sería su primera esposa, y trabajó en producciones de Roger Corman, entre ellas Death Race 2000, junto a David Carradine.

En el rodaje de Capone, el actor Ben Gazzara le dio un consejo que marcaría lo que vendría: “Conduce tu propio taxi”. Stallone lo tomó como una orden de asumir el control de su carrera.

En el invierno de 1975, sin dinero y con varios guiones sin producir, escribió el primer borrador de Rocky en tres días. El personaje era inicialmente un boxeador sin rumbo; Stallone lo transformó en un peleador de tercera categoría que buscaba una segunda oportunidad. “El relato es el de cualquier persona que haya soñado con hacer algo especial o inesperado con su vida y nunca recibió una oportunidad”, explicó. “Pensé que la vida era como un ring. Cuando decides subirte, la vida te lastimará si no peleas”.

Los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff quisieron comprar el guion, pero rechazaban que Stallone interpretara el papel principal. Las ofertas escalaron de USD 60.000 a USD 75.000, luego a USD 160.000, hasta una propuesta final de USD 360.000 a cambio de que cediera el protagónico. Stallone rechazó cada oferta. En su cuenta bancaria había USD 106. El precio medio de una vivienda en el condado de Los Ángeles rondaba los USD 40.000 ese año.

Winkler y Chartoff terminaron aceptando sus condiciones. Rocky se estrenó en 1976, encabezó la taquilla anual y se llevó el Oscar a mejor película. Los escalones cierra con una frase de Stallone sobre el daño que le causaron sus padres: “Puedes cambiar el futuro, pero no la historia”.

La periodista y escritora argentina Leila Guerriero fue nominada al Premio PEN–Inge Feltrinelli “Escritura como resistencia”, una distinción internacional que reconoce a autores y periodistas que defienden la libertad de expresión y los derechos humanos a través de su obra.

El ganador de la primera edición del galardón se conocerá durante BookCity Milano, el encuentro literario que se realizará en Milán, Italia, entre el 23 y el 29 de noviembre. La convocatoria fue impulsada por PEN Internacional y la Fundación Feltrinelli.

Guerriero fue incluida entre los finalistas por una trayectoria de más de tres décadas en el periodismo narrativo y la no ficción. La organización destacó su trabajo sobre los cambios políticos, sociales y culturales de América Latina y su aporte a la preservación de la memoria y a la discusión de relatos dominantes.

La nómina incluye a la novelista nicaragüense Gioconda Belli, quien fue privada de su nacionalidad por el gobierno de Daniel Ortega y Rosario Murillo; al escritor, traductor y editor uigur Aziz Isa Elkun, exiliado de China; y al escritor y cineasta afgano Samay Hamed, crítico del régimen talibán.

También figura una candidatura colectiva de los periodistas y escritores eritreos Amanuel Asrat, Dawit Isaak, Idris “Abu Are” y Fessehaye “Joshua” Yohannes. Los cuatro permanecen incomunicados desde 2001 y su postulación coincide con los 25 años de sus detenciones y desapariciones.

La lista se completa con el escritor ucraniano Andréi Kurkov, el autor kurdo Yavuz Ekinci, el poeta maya kaqchikel guatemalteco Miguel Ángel Oxlaj Cúmez y la escritora y activista sudafricana-zimbabuense Zukiswa Wanner, entre otros nombres.

El jurado está integrado por el escritor kurdo Burhan Sönmez, presidente de PEN Internacional; la escritora y editora eslovena Tanja Tuma; la autora canadiense Kim Echlin; y los escritores italianos Andrea Bajani y Paolo Giordano, junto con la escritora y periodista Widad Tamimi.

Durante este año, Leila Guerriero recibió el Premio Maria Moors Cabot de periodismo internacional por su trayectoria y el Premio Strega Europeo por La llamada.

El escritor canadiense Thélyson Orélien afirmó el martes, en un texto a la AFP, que “ninguna frase” de su novela “fue creada por una máquina” de inteligencia artificial, como se le acusa, pero admitió los plagios que cometió en el pasado y pidió “disculpas”.

Orélien está en el ojo del huracán desde hace semanas después de que una cuenta anónima en X lo acusara de haber escrito “casi integralmente” con IA su libro “C’était ça ou mourir”. También fue objeto de denuncias de plagio de textos publicados hace más de una década en Canadá.

“Se dice que ‘C’était ça ou mourir’ fue escrita por una inteligencia artificial. Es una calumnia y una herejía. Recurrí alguna vez a herramientas [de este tipo] para hacer investigaciones [...] Pero ninguna frase de este libro fue creada por una máquina”, aseguró Orélien en este texto, titulado “Esta novela que escribí”.

“Este libro, lo escribí yo mismo. Nace de mis heridas y de las de los demás migrantes. Esa herida del exilio de la que no se sana. Esta novela es el fruto de ello, es el fruto de mi trabajo, es mi creación”, añadió.

“C’était ça ou mourir”, uno de los fenómenos de la temporada literaria en Francia, narra en primera persona la historia de Jonas Dorléon, un profesor que huye de su país, Haití, atrapado en la violencia de las bandas. Comienza entonces un peligroso periplo por 12 países hasta llegar a Canadá.

Orélien explicó que empezó a escribirla “en el otoño de 2017”, en Quebec, Canadá, donde vive desde 2010, tras haber dejado Haití. “Terminé un primer borrador de este texto en 2019”, precisó.

El autor de 38 años, sin embargo, no aportó elementos que pudieran probar estas informaciones, como había dicho que haría cuando surgió la polémica.

Sobre sus acusaciones de plagio, el novelista, que también tiene nacionalidad haitiana, reconoció haber “cometido errores inaceptables” al retomar textos de autores de renombre tras su llegada a Canadá.

“Tenía poco más de 20 años, seguramente quería ir demasiado rápido, sin tener en cuenta realmente todo lo que aún me quedaba por aprender. Quería escribir, leía mucho [...] Pero admirar no me autoriza a tomar, a atribuirme textos que no son míos”, afirmó. “Lo lamento profundamente y pido disculpas”.

Poco después de que la polémica se desatara, la reconocida Academia Goncourt, que otorga el premio literario más prestigioso de Francia, retiró a Orélien de su lista de aspirantes para este año.

Esta controversia sacude el mundo literario francés y plantea interrogantes en todo el mundo sobre cómo esta nueva tecnología afectará al sector del libro.

Fuente: AFP

Ganador del Premio Nobel de Literatura en 1962, Steinbeck construyó una obra atravesada por los conflictos sociales de su país. Sus personajes suelen perseguir una vida mejor, pero se enfrentan a la precariedad económica, los prejuicios y las desigualdades que limitan sus oportunidades.

John Steinbeck y la literatura de la Gran Depresión

La crisis económica de 1929 y las sequías que devastaron regiones agrícolas de Estados Unidos durante la década siguiente marcaron la escritura de Steinbeck. El fenómeno conocido como Dust Bowl provocó el desplazamiento de miles de familias rurales que abandonaron sus tierras para buscar trabajo en otros estados.

El escritor conocía de cerca ese universo. Antes de consolidarse como autor, realizó trabajos temporarios en cosechas, una azucarera y obras de construcción, y compartió jornadas con trabajadores mexicanos y filipinos. Esa experiencia alimentó sus historias sobre las condiciones laborales y la vida de los sectores más vulnerables.

Pittella lo definió como “el autor de la Gran Depresión” y destacó que su literatura partía de una experiencia directa del mundo del trabajo. En lugar de presentar la pobreza como un problema individual, Steinbeck mostró las condiciones sociales que condicionaban la vida de sus protagonistas.

Una de las obras que mejor expresa esa mirada es De ratones y hombres, publicada en 1937. La novela sigue a dos trabajadores rurales que recorren California en busca de empleo mientras sueñan con tener una propiedad y construir una vida propia. La inestabilidad laboral y las dificultades para concretar ese proyecto exponen los límites de una sociedad en la que el esfuerzo no siempre garantiza oportunidades.

Las uvas de la ira y las promesas incumplidas de Estados Unidos

En 1939, Steinbeck publicó Las uvas de la ira, una de sus novelas más reconocidas, que obtuvo el Premio Pulitzer de ficción en 1940. La historia sigue a la familia Joad, obligada a abandonar sus tierras en Oklahoma y trasladarse a California con la esperanza de encontrar trabajo y escapar de la miseria.

El viaje representa la búsqueda de una vida mejor, pero la llegada al destino esperado no resuelve los problemas de los protagonistas. Los bajos salarios, la explotación y la competencia por conseguir empleo revelan una realidad muy distinta de la prosperidad que les habían prometido.

La novela convirtió la experiencia de los trabajadores migrantes en una denuncia de las desigualdades sociales. Su publicación provocó fuertes cuestionamientos de sectores vinculados con la propiedad rural, que rechazaron la representación de las condiciones laborales en el campo.

La obra consolidó a Steinbeck como una figura central de la literatura social estadounidense. Su mirada sobre los desplazamientos, la precariedad y la falta de oportunidades también permite comprender el trasfondo de su producción posterior, incluida Al este del Edén.

Al este del Edén: familia, culpa y sueño americano

Publicada en 1952, Al este del Edén desarrolla una saga familiar ambientada en el valle de Salinas, California. A través de las familias Trask y Hamilton, Steinbeck aborda las rivalidades entre hermanos, los secretos, la culpa y las decisiones que atraviesan varias generaciones.

La novela también cuestiona la idea de que el destino está determinado por el origen familiar. Sus personajes deben enfrentarse a sus propias contradicciones y decidir cómo actuar frente a los conflictos que heredan. La referencia bíblica a Caín y Abel funciona como uno de los principales ejes simbólicos del relato y plantea la tensión entre el bien, el mal y la posibilidad de elegir.

Para profundizar en el proceso creativo de la obra, Pittella recomendó Diario de una novela, un libro que reúne las cartas que Steinbeck enviaba a su editor mientras escribía Al este del Edén. El material permite conocer las dudas y dificultades que acompañaron la elaboración del libro, lejos de la imagen idealizada del escritor que crea sin obstáculos.

Qué cambia en la adaptación de Netflix

La nueva adaptación audiovisual de Al este del Edén pone especial atención en Cathy Ames, interpretada por Florence Pugh. La producción está a cargo de Zoe Kazan, nieta de Elia Kazan, quien dirigió la película de 1955 protagonizada por James Dean.

Pittella destacó que el formato de serie permite desarrollar con mayor amplitud los personajes y los conflictos de una novela extensa. En particular, señaló la importancia que la nueva versión le otorga a Cathy, una figura decisiva para comprender las tensiones de la historia.

La adaptación también reabre el debate sobre la relación entre literatura y cine. Para la crítica, una versión audiovisual debe entenderse como una interpretación de la obra original, no como una reproducción exacta. Cada formato construye su propia mirada sobre los personajes y sus circunstancias.

Por eso, Pittella propuso acercarse tanto al libro como a sus adaptaciones sin establecer un orden obligatorio. La serie puede funcionar como una puerta de entrada a Steinbeck, mientras que la lectura permite profundizar en los matices de sus personajes y en las contradicciones sociales que atraviesan su obra.

Más de seis décadas después de recibir el Nobel, el escritor sigue ofreciendo una mirada sobre las promesas de prosperidad, las desigualdades y los conflictos humanos que marcaron a Estados Unidos. La vigencia de sus novelas reside, en buena medida, en esa capacidad de mostrar la distancia entre la vida que las personas esperan construir y las condiciones que encuentran para hacerlo.

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La Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín proyectará dos veces, el 17 y el 30 de octubre, la versión del director de Hasta el fin del mundo, de 288 minutos, casi cinco horas de duración. La película, protagonizada por William Hurt, Solveig Dommartin, Sam Neill y Jeanne Moreau, se había estrenado en 1991 en una edición de 179 minutos que Wim Wenders aceptó por obligaciones contractuales, mientras el montaje que él concibió originalmente llegaba a las ocho horas. La proyección integra el ciclo En las rutas de Wim Wenders, que del 15 al 30 de octubre repasa diez películas del director alemán en copias restauradas, la mayoría en 4K, en el marco de la 22.ª edición del Encuentro de Cine Europeo en Argentina.

El ciclo, organizado por el Complejo Teatral de Buenos Aires junto con la Delegación de la Unión Europea en Argentina, la Embajada de Alemania en Argentina, el Goethe-Institut Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina, se exhibe en la sala ubicada en avenida Corrientes 1530.

Un director formado entre la posguerra alemana y la fascinación por Estados Unidos

Wenders nació en 1945, el año en que terminaba la Segunda Guerra Mundial, y se formó en la Alemania de la posguerra junto a Rainer W. Fassbinder y Werner Herzog, figuras centrales del Nuevo Cine Alemán. Esa generación heredó el impulso renovador de las vanguardias cinematográficas europeas surgidas del neorrealismo italiano.