A lo largo de su carrera, lanzó numerosos hits como El Alma al Aire, Cuando nadie me ve y Corazón Partío, entre otros. Ha vendido más de 25 millones discos en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los artistas de habla hispana más vendidos. Además, fue galardonado con múltiples premios Grammy Latinos, incluyendo el Grammy a la Mejor Álbum del Año, consolidando su estatus como una figura influyente en la música en español.

Sanz también es conocido por sus colaboraciones con otros artistas destacados, como Shakira, Juanes y Joaquín Sabina, entre otros. Su habilidad para combinar géneros y estilos atrajo a una amplia audiencia, lo que le permitió mantenerse relevante en la industria musical durante décadas.

En 2021, recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y lanzó su álbum Sanz para celebrar sus treinta años de carrera. Rápidamente, el álbum alcanzó el número uno en España. En 2022, publicó varios sencillos, incluidos NASA junto a Camilo y La Despedida, además de iniciar una exitosa gira que congregó cerca de 300 mil personas en 16 conciertos.

En 2023, presentó su primer EP Correcaminos y en mayo de ese mismo año el artista reveló públicamente que sufría de “depresión secundaria por estrés” que lo llevó a consultar a especialistas y a seguir un tratamiento. Hoy, recuperado, explicó cómo fue esa dura experiencia que le tocó atravesar y qué aprendizaje le dejó.

Recientemente, lanzó su nuevo single Palmeras en el Jardín que marca el inicio de una etapa artística profunda y emocional. Esta canción es el adelanto de un disco que se espera para mediados del 2025.

— Lanzaste tu nuevo tema Palmeras en el Jardín y comentaste que surgió de las heridas del alma. ¿Podrías contarnos de qué se trata?

— En realidad todas las canciones salen de alguna herida en el alma porque los compositores trabajamos con un instrumento que es la emoción. Si no has vivido una experiencia, es muy complicado poder escribir sobre ella. En algún momento sí fantaseé con la idea de poder escribir canciones de cosas que no había vivido, pero no funciona así. Necesitas haber pasado por ahí para poder contarlo.

— Después de más de 30 años de carrera, ¿cuál sigue siendo tu motivación?

— La música en sí, su belleza, ponerle el nombre a las cosas, el inventar canciones que no existían. Cuando terminas una canción sientes un agradecimiento a la vida, es una especie de poder, entonces cuando pierdes esa ilusión es terrible. Yo he pasado épocas por las que no tenía motivación para escribir o simplemente tenía una laguna de inspiración y es terrible porque me siento completamente incompleto.

— ¿Te da miedo el paso del tiempo?

— No. Me daría miedo que no pase el tiempo (risas).

— Fuiste muy abierto recientemente con tus desafíos sobre la salud mental, ¿cómo estás hoy en día?

— Mucho mejor. Trabajé muy duro en eso y creo que está superado, realmente. Mi psiquiatra ya me dio el alta. Así que ya... (risas).

— ¿Cuáles fueron las herramientas con las que trabajaste para poder superarlo?

— Había medicación y una parte de terapia. Las terapias consistían en conversaciones en las que el terapeuta más que darte herramientas, va conversando contigo hasta que tu empiezas a encontrar las claves de por qué te sientes de una forma u otra. Lo peor de todo es que yo no sabía qué estaba pasando, no podía ponerle nombre al sentimiento que tenía, entonces era como ese agujero en el pecho que sale en el video, en la primera imagen, porque así era como definía yo esa sensación. Sí me dijo que era muy bueno que no me quedara encerrado en casa, que estuviera con amigos, con gente que me quisiera. Iba a ver si suspendía la gira, pero no la suspendí porque el primer día que me subí al escenario sentí que donde mejor me sentía, más libre y más tranquilo era subido a ese escenario.

— ¿Cómo equilibrás hoy tu vida profesional y personal?

— Bueno, soy uno de los mejores padres del mundo, sino el mejor (risas). Dicho por una universidad de Toronto, ¿sabes? Que es de donde salen todas las informaciones (risas). Lo compagino bien, intento darle tiempo a mi familia y también dárselo a mi trabajo. Ahora soy más cuidadoso con las cosas que hago y las que no. Intento elegir muy bien los tiempos, no pasar tanto tiempo fuera de casa, compaginarlo.

— ¿Crees que hay una mayor presión en la industria en relación a años anteriores con la aparición de las redes y otras formas de difusión?

— La música está en evolución constante, siempre. He vivido varios procesos. Cuando se sacó por primera vez el CD parecía que se acababa el mundo, empezó la piratería callejera y parecería que se acababa la industria y ha seguido. Después, aparecieron las plataformas, se ha reinventado y se han hecho mil cosas. Es una cosa que, en realidad, no me compete mucho. Mi trabajo es hacer música, hacer música bien y de calidad, que es lo que yo puedo hacer. O sea yo no soy un buen artista de reggaeton, no lo sería y me refiero a que hay muchos artistas que intentan hacer algo porque está de moda y creo que es un error. El artista que hace reggaeton lo hace porque así lo siente. Nadie puede fingir ser lo que no es. Entonces, mi parte del trabajo es esta y luego la de la industria es de la industria. Ellos sabrán cómo hacen el tema de las cuentas, es un tema que siempre va a estar cambiando.

— ¿Cómo estás viviendo la presentación de este nuevo tema?

— Retomando esto de la promoción que ya casi lo tenía olvidado (risas). Tengo mucha ilusión con el disco y con esta canción en concreto, así que uno lo hace con más ganas. De momento, la recepción es buena.

— ¿Cómo es la recepción del público hasta ahora?

— De momento, noto muy buen ambiente. Se han hecho escuchas en varias ciudades. Se estrenó en Madrid, en México, en Buenos Aires y la reacción de la gente es muy buena y también noto que los periodistas lo han ido a escuchar, han visto el video y la reacción es satisfactoria.

Su primer disco lo lanzaron en 2016, titulado Suena Migrantes!, en el que hicieron gala de su mezcla entre la cumbia y el pop, tomando elementos del reggaetón, salsa e incluso cuarteto. Hasta el momento no volvieron a editar un álbum, pero engrosaron su catálogo con una infinidad de singles y colaboraciones, siendo las más destacadas “No bailo pa’ ti” (con los MYA), “¿Ke tal si nos escapamos?” (con Rombai), “Superclásico” (junto a Rei y Fabro), “Mercho” (de Lil Cake), “Vikingos” (La Joaqui) y “Anti amor” (Ulises Bueno), entre muchas más.

María Figueiras: —Capaz no estaban acostumbrados a la industria de la música, que es muy competitiva. ¿Alguna experiencia que puedas compartir? ¿Se refugiaban entre ustedes para no caer en cualquiera?

Migrantes: —Al ser todos amigos, al principio la pasábamos bien. La verdad es que no teníamos mucha idea de lo que era la industria de la música. Nosotros realmente empezamos a hacer música y a tocar por diversión. Tocábamos por la pizza y la cerveza. Íbamos con los instrumentos arriba del bondi. Obviamente, teníamos el sueño de pegarla, de poder girar por todo el país y todo eso. Pero al principio era un hobby, una diversión. Todos estudiábamos y queríamos recibirnos de nuestra carrera. A la vez, estaba ese miedo de poder dedicarnos solamente a la música que hacía que sigamos estudiando. Nuestra familia sí nos apoyaba, pero a la vez tenés esa presión de decir: “Che, me está manteniendo mi viejo, se está rompiendo el lomo para que estudie y yo perdiendo el tiempo con la música”. Pero nos pudimos ir acomodando en los horarios para hacer las dos cosas a la vez. Y cuando empezamos a pegar canciones y a girar, pudimos mantenernos, tener nuestra plata. Nunca tuvimos mucha idea de lo que eran las regalías, los derechos de autor... Es más, hasta hace poco nos dimos cuenta de que una canción que habíamos sacado hacía un montón, no estaba registrada. Ahora estamos por cumplir 10 años como banda y ya empezamos a entender mejor el negocio.

María Figueiras: —El proceso creativo de la banda, ¿cómo es? ¿Componen entre todos y lo van escuchando?

Migrantes: —Es bastante variado, la verdad. A nosotros nos gusta mucho juntarnos con otros amigos artistas, pasar el rato haciendo música, cagándonos de risa... Por suerte, tenemos un grupo de amigos que no nos ponemos la presión de decir: “Tenemos que hacer un hit”. Vamos al estudio, hacemos música por diversión y porque nos gusta. A veces trabajamos juntos, otras por separado.

María Figueiras: —Otros artistas dicen que las bandas son como un matrimonio. ¿Coinciden? ¿Cómo resuelven las diferencias?

Migrantes: —Cuando éramos muchos teníamos peleas. A veces empieza a jugar un poco el ego acerca de quién hace cada cosa. Al fin y al cabo somos amigos y siempre estuvo todo bien. Pero a veces la situación se pone un poco difícil. Es que convivimos mucho tiempo y es inevitable tener choques por más de que te lleves superbién.

María Figueiras: —¿Sienten que al haber arrancado de tan chicos en algún momento se les subió la fama en la cabeza?

Migrantes: —No, no. Si algo nos caracteriza es tener los pies sobre la tierra. Nuestro equipo también nos ayuda en eso. Y me parece que es importante para el artista, si no, perdés tu horizonte. La esencia del artista creo que es eso, ser vos.

María Figueiras: —¿Alguna frustración grande que hayan vivido?

Migrantes: —Al principio, nos dolía bastante si alguna canción no era un hit. Sentíamos un poco de inseguridad. Pero con el tiempo fuimos entendiendo cómo funciona esto de las canciones: que no todas van a pegar, que a la gente no le va a gustar todo. Son etapas que vivimos los artistas. Algunas con un poco más de inspiración, otras con menos. También las ganas... Cada uno tiene su vida personal y hay que ir equilibrando eso porque no podemos estar todo el día armando contenido para TikTok o haciendo nuestras canciones. Tenemos nuestras cosas y eso hay que entenderlo.

María Figueiras: —¿Algún objetivo que quieran cumplir adelante? ¿Algo que quieran manifestar más adelante?

Migrantes: —Si es por manifestar, creo que nuestro sueño más grande es hacer un estadio o un teatro. Y creo que en las canciones nuevas se ve reflejado eso.

Fotos/Candela Teicheira.

“Arranqué cuando tenía 10 años. Me di cuenta de que podía cantar porque estaba practicando una canción para el colegio y dije: ‘¡Puedo!’. Hablé a mi familia, les mostré lo que podía hacer y les pareció muy bueno. También le preguntaron a Paloma si le gustaba cantar y nos mandaron a las dos a clases de canto. Mis papás siempre nos apoyaron un montón, realmente creo que nada de lo que hicimos hubiese sido posible sin el apoyo de ellos. Nosotros teníamos que venir a Buenos Aires —somos de Río Cuarto— y tenía que viajar toda la familia. Hasta el día de hoy, si tengo un show, ellos vienen a verme”, cuenta Morena sobre sus inicios.

María Figueiras: —¿Cómo fue tener a Mau y Ricky de coaches en La Voz Argentina?

Morena López Díaz: —Cuando se diluyó el dúo con mi hermana, me quedé pensando en qué hacía. No me sentía culpable, pero sí tenía mucho miedo de hacerlo solo. Todo lo que se me venía por delante era muy desconocido, junto con la responsabilidad de llevar sola un proyecto. Fue muy duro para mí, para mi autoestima, animarme a hacerlo sola. En ese momento, justo se dio el casting del programa y participé, pero realmente tenía mucho miedo; sentía que no iba a pasar la primera etapa. Veía mucha gente que cantaba muy increíble y yo me preguntaba qué tenía para aportar en eso. Pero mis papás me ayudaron, me impulsaron a que me animara. Fui solita a hacer el casting y de repente pasé una ronda, otra, fui a la audición a ciegas y de repente se dieron vuelta Mau y Ricky. Estar ahí fue una gran experiencia y algo que significó mucho para trabajar en mi autoestima. Lidiar con el hate y la exposición en esos meses fue un montón... El día antes de cantar en cada ronda no me salía la voz por el estrés, los nervios... Era todo muy fuerte. Pero haber podido ser fuerte y sobrellevar esas situaciones y seguir delante, me sirvió un montón.

María Figueiras: —La industria musical o de la música, en general, es un ambiente competitivo y difícil. Desde ese lado, ¿recordás alguna experiencia que te haya marcado y te haya servido para estar donde estás hoy?

Morena López Díaz: —Yo creo que muchas cosas de las que me han pasado me desafiaron y, cada vez, voy entendiendo más cómo funciona la industria y cuál es el rol que yo quiero cumplir personalmente para llevar algo adelante. Sé que hay mucha competencia. También esto de quién llega primero... de repente ves artistas de 22 años que están re pegados y vos decís: “Yo tengo 22, ¿en qué momento se me va a dar?”. Hay un poco esa presión de cumplir con las expectativas de lo que es ser un artista, más siendo mujer. Todo el tiempo sentís que tenés que estar a la altura de lo que ya ves. Y es muy difícil no ver eso y decir: “Bueno, me falta esto, ¿y si aprendo a bailar para llegar a este nivel?”. El hecho de estar comparándome con los otros, de sentir que tengo que llegar y cómo voy a hacer y cómo voy a atravesarlo... Pero bueno, también hago mucha terapia. Estoy en ese proceso de trabajarlo, de armar una coraza sin perder lo que soy y sin mostrar algo que no soy.

María Figueiras: —Muchos artistas se ponen en un personaje como para vender su producto, pero en la diaria capaz son otra cosa. ¿Cómo te llevás con eso?

Morena López Díaz: —Sí, a medida que pasa el tiempo me animo a hacer muchas cosas que quizás se corren de lo que soy todos los días. Hasta de la ropa que uso, quizás. Todo el tiempo estoy buscando correrme de esos lugares más cómodos, pero también para encontrar a una Morena artista, que capaz es un personaje un poco más creado dentro de lo que es el mundo de Morena como artista. Y después reservarme lo más mío, lo más íntimo, para mí.

María Figueiras: —Firmaste con un sello grande, ¿cómo cambió tu proceso creativo? ¿Cómo lo hacías antes y cómo lo hacés ahora que tenés un equipo que está por detrás?

Morena López Díaz: —Yo estaba muy acostumbrada a resolver mis cosas sola, con mi familia, con la gente que me estaba rodeando y sin plata. Era ponerme el proyecto al hombro y resolver lo que pudiera con lo que tenía. Hoy tengo un equipo que está trabajando para el proyecto y aporta en todas sus maneras. Tengo un calendario más organizado... Me encanta: es parte de crecer y saber que ahora, en serio, se viene algo importante y mucho más profesional. Siento que estoy avanzando un montón y eso me deja muy tranquila. Pero con los miedos que uno tiene, creo que es inevitable. Me gusta hacer todo, hasta escribir una canción que tenga ciertas palabras. Y hoy me encuentro en situaciones donde capaz estoy compartiendo con otros compositores, estoy escuchando y aprendiendo a observar. Y sacando cositas que sé que me falta aprender y que otra persona me las puede aportar.

María Figueiras: —¿Qué es lo que pensás que la gente opina de vos y no es verdad?

Morena López Díaz: —Hay algo que me pesa mucho, que tiene que ver con algo muy mío, y que quizás toca una inseguridad, y es que llegué adonde estoy porque soy linda, o que no me merezco estar donde estoy porque no soy talentosa. Y eso me ha dolido mucho. Porque trabajo un montón para aprender cada vez más y ser mejor cantante. Si tengo que actuar, actuaré. Si tengo que bailar, bailaré. Lo estoy dando todo y hay un esfuerzo muy grande por detrás, que a veces me hace hasta cuestionarme y decir: “¿Es verdad lo que dicen?”. Intento correrme de ese lugar, pero inevitablemente uno lo lee y dice: “¿Será que sí?”.

Foto/Candela Teicheira.

El trabajo debut se llamó Parientes y se editó en el año 2010. Fue grabado en estudios Del Abasto al Pasto con la producción de Martín Bosa y contó con Manuel Moretti, cantante de Estelares, como invitado. Tres años más tarde le dieron forma a Actitud, segunda placa, grabada en el estudio de Pericos y con la producción de Diego Chapa Blanco, tecladista del famoso grupo de reggae argentino.

El tercer disco de Parientes llegó en 2016 y se titula Dejo todo por vos. Nuevamente, trabajaron con Chapa Blanco y también en el estudio perico. En el tema “Invierno” se destaca la colaboración de Rolo Sartorio, cantante de La Beriso. Cuatro años después, y en plena pandemia, apareció Contratiempos, el cuarto álbum del grupo, en donde brillan Piti Fernández (”Mis amigos”) y Manuel Quieto (”Por la boca vive el pez”) como voces invitadas. Su hasta ahora última entrega discográfica vio la luz el año pasado y la bautizaron La soledad de los amantes. Entre una serie de canciones propias, se luce una versión de “Revolución turra”, una gema casi oculta de El Salmón, el célebre disco quíntuple que Andrés Calamaro editó en el año 2000. En esta charla, habla Guido, cantante y hermano mayor de Parientes.

María Figueiras: —¿Tenían algún músico en la familia?

Parientes: —Desde el lado del hobby, nuestro padre, que es médico, era bajista de una banda, que creo que se llamaba Terapia Intensiva. Cuando era un niño iba a sus ensayos con una guitarrita de plástico y yo estaba 100% creído que era un músico más del grupo que él tenía. Así que la música, siempre, desde muy temprana edad, fue de las cosas que más me gustaba compartir con mi padre.

María Figueiras: —¿Cuál fue el momento bisagra que dijiste: ‘Quiero dedicarme a esto’?

Parientes: —Cuando era más grande. Había salido un tema nuestro y empezó a sonar en todas las radios, allá por el 2013, 2014. Y dije: ‘Guau, esto puede pasar’. Ese momento fue bastante bisagra, cuando salió nuestra canción llamada “Bailando”. Y ahí dijimos: ‘Vamos a meterle un poco más de nafta a esto’.

María Figueiras: —¿Te pudo dar alguna indicación o un consejo tu papá?

Parientes: —Mi mamá era bastante reacia a que tuviéramos una banda de rock. En ese momento, la música estaba muy asociada a malos hábitos y ella nos quería alejada de eso. Pero también estaba mi hermano, a quien siempre le gustó mucho la música; pero otra de las cosas que él hacía muy bien era ser piloto de autos. Él era piloto de kartings, después de rally. Y un día mi mamá me dijo: “Necesito sacarlo a Emilio del rally, tratá de que entre a la banda”. Y así fue cómo el Emi terminó haciendo música conmigo; siempre le apasionó un montón, pero también tenía su costado fierrero, que era muy peligroso.

María Figueiras: —¿Cómo es tener una banda con hermanos?

Parientes: —Tiene un montón de cosas positivas, como también negativas. Con un hermano podés tener peleas que con otras personas no, pero sabemos distinguir bien el proceso creativo de la banda, con el proceso de la relación de hermanos. Tenemos una relación muy fuerte y a veces, cuando yo cumplo el rol de hermano mayor en la banda, se producen ciertos choques, porque está bueno que dentro de la banda seamos más pares. Después, cuando somos hermanos, si puedo decirle algo. Pero lo que tiene de bueno es poder compartir con un hermano algo tan lindo como ir a tocar, salir de gira. Es un viaje de egresados cada fin de semana que salimos.

María Figueiras: —¿De qué manera buscan su estilo, sus canciones?

Parientes: —Es re complejo. Ayer estuve demeando una canción y, a veces, podés pasarte una tarde haciendo una canción que creías que estaba buenísima, pero la escucha otro y te dice: “Che, esto no tiene nada que ver con la banda”. Creo que la búsqueda del estilo es continua, no existe una fórmula, aunque muchos compositores sí la tienen. El proceso creativo es de lo más lindo que hay, pero puede ser muy frustrante y hay veces que te puede cambiar el humor. Es una lucha interna con el ego. Hay que hacer canciones continuamente para, en algún momento, dar con las canciones que realmente te gusta tocar en vivo. Nos ha pasado de ir al estudio, grabar canciones y, después, cuando las queremos tocar en vivo, no están buenas. No está bueno que pase.

María Figueiras: —¿Cómo manejás esa frustración de haber grabado un tema y que te digan: “No está bueno”?

Parientes: —Es difícil, pero creo que la escucha del otro y no cerrarse en uno mismo es importante. Hay que abrirse, escuchar y ponerse del otro lado para decir: “Tiene razón lo que está diciendo”. Yo soy muy abierto y me presto a escuchar las críticas y, si veo que tienen razón, no vamos por ahí. Y más ahora, que está esto de los géneros, que tratan de mezclarse; pero no queremos perder la identidad del rock & roll. Hace poco Rolo (Sartorio) de La Beriso me mandó una canción compuesta por él para que haga Parientes y yo la escuché y dije: “Somos una banda de rock”. Y no podemos bajar el nivel. Que él nos haya compartido una canción para que hagamos, es increíble. Hace poquito Fran (Lago) de Cruzando el Charco me pasó un tema para ver qué me parecía... Estamos metidos con esa gente que nosotros admiramos desde lo artístico. Y eso está buenísimo.

María Figueiras: —¿Cuál es el legado que les gustaría dejar en la música?

Parientes: —Muchas veces hablamos de lo que representa el rock en el país, que siempre fue uno de los géneros más importantes. Yo tuve la suerte de viajar a distintos países y que me digan que el rock argentino es de lo mejor. Dejar algunas canciones dentro de nuestro rock y que digan: “Ah, esta es una banda de rock de Argentina”, es un montón. Y siempre dije que lo máximo sería que una cancha de fútbol cante una canción nuestra.

Fotos/Candela Teicheira.

Otro de los temas que abordó fueron los premios Emmy que se demoraron en entregarse por la huelga de Hollywood: “Yo estaba de acuerdo con la huelga como productor y como profesional. Eran reclamos lógicos y creo que hay cosas que aún siguen sin solución, sin solucionarse. Por ejemplo, las limitaciones a la inteligencia artificial en el uso de los actores. Se está dando este año con la anomalía absoluta de que hay dos entregas de premios Emmys norteamericanos en un mismo año calendario”, concluyó Axel.

Sobre las series que elige para este año no dudó ni un instante: “Tengo un corazoncito mío de toda la vida, con Larry David y con Curb Your Enthusiasm, es un año con un nivel muy alto. La mejor televisión de la historia se dio en estos últimos diez años.

El productor compartió la fascinante experiencia sobre su colaboración con el renombrado director Martin Scorsese en la película El aroma del pasto recién cortado, próxima a estrenarse en las salas locales. Describió la posibilidad de trabajar estrechamente con uno de los iconos más grandes del cine, al destacar la oportunidad única que presentó este proyecto: “Cualquiera que ame el cine, poder decir y descubrir un día que tu nombre está en el mismo cartel en el que está Scorsese, es un sueño”. Martín vio, leyó el guion, tuvo notas, vio la película, tuvo notas de montaje y después nos ayudó mucho en la campaña internacional. Haciendo cosas específicas, como levantando el teléfono para pedir que gente la viese y piense en la existencia de la película. Hasta nos ayudó a armar, por ejemplo, el equipo de prensa que manejó la película en Estados Unidos.

En otro orden habló sobre la evolución del cine y la representación en la industria hoy en día: “Estamos hablando de cambios culturales y sociales constantes y en algún momento lo que sentías era que la industria de Hollywood no se daba cuenta de que había un mundo allá afuera, que había un montón de países que consumían un montón y que valía la pena no hablarle a una única cultura monolítica y hablarle de culturas diferentes y a la diversidad. Yo creo que los Estudios sí se dieron cuenta en la última década las oportunidades que se perdían cuando hacían películas que apuntaban a una sola audiencia. Hoy hay genuinamente tenés muchísima diversidad.

El Festival de Venecia

Kuschevatzky compartió también su emoción por la selección en el Festival de Venecia, donde se codearon con producciones de renombrados cineastas: “Ver que nuestra película está considerada entre las 21 mejores películas del mundo es wow!!! Nada te prepara para eso, fue muy buena la recepción, es una película muy divertida. Yo creo que nadie está en Argentina completamente preparado para la película con la que se van a encontrar, es muy sorprendente”.

En Venecia, “nosotros pasamos la película y dos días después pasó su película Almodóvar, y antes de la proyección, fue María, la película con Angelina Jolie haciendo de María Callas, la cantante de ópera”, destacando el lugar en el que se encuentra. El productor cinematográfico y guionista reflexionó sobre el enfoque que se debe tener en cuenta al seleccionar festivales, una decisión hecha en equipo que depende del perfil particular de cada película. “Venecia es un festival muy abierto a películas ambiciosas y de escala”, concluyó el productor para Teleshow.

El líder de Nafta es Magamo, cantante, guitarrista y compositor. El resto del grupo está conformado por Abril Olivera y An Espil en coros, Simón G. en teclados, Tomás Sánchez en batería y Bryan Vainberg en el bajo. Su primer álbum, titulado NAFTA, vio la luz en octubre de 2019.

A partir de allí, fueron creciendo en convocatoria y se subieron a los escenarios de los festivales más importantes del país, como Cosquín Rock, Rock en Baradero y Futurock, entre otros. En julio del año pasado editaron el álbum Nafta II, el cual presentaron en el estadio Luna Park. El disco, además, se quedó este año con la estatuilla del Premio Gardel correspondiente al Mejor álbum pop alternativo.

María Figueiras: —Todavía son independientes, incluso, en varias entrevistas dijiste: “La libertad no se negocia”. ¿Cuáles son los pros y las contras de ser independientes?

NAFTA: —Justo “libertad” es una palabra que hoy en día está bastante pisoteada, pero creo que desde la independencia tiene un pro y es que vos hacés las cosas a tu forma. La contra es que ocupás mil puestos. En cambio, una banda que se maneja con una productora, tiene gente que se encarga de determinadas cosas y de cumplir determinadas funciones. Cuando una banda es independiente, todos hacemos un poco todo. Se reparten las tareas y muchas veces, terminás haciendo cosas que preferirías no hacer.

María Figueiras: —¿Cómo lidiás con la frustración cuando sacan un disco?

NAFTA: —Nosotros hacemos las cosas apuntando a lo más alto, dejando todo y diciendo: “Esto es lo mejor que hicimos, es lo más alto a lo que pudimos llegar laburando en equipo”. Y después, pase lo que pase, si quedás atado a lo que la gente espera, nunca vas a satisfacer a todo el mundo. Y ahí quedás preso de lo que esperan de vos y te alejás más de lo que podés llegar a lograr siendo auténtico. Quizás la frustración está más en el proceso de la composición, que es parte de cualquier proceso creativo. Y el oficio te va haciendo saber lidiar con eso. La frustración es una parte fundamental del proceso creativo, porque está al lado tuyo, todo el tiempo, diciéndote: “Esto es malísimo, esto es malísimo... Bueno, esto no”. Afortunadamente, nuestros dos discos fueron muy bien recibidos y fue hermoso.

María Figueiras: —¿De qué forman manejan las críticas? ¿Se blindan como grupo, se cuidan entre todos?

NAFTA: —Sí, la verdad que por el nivel de agresión, violencia y crueldad que se vive en las redes en la actualidad, nos bardean bastante poco. Cuando a veces leés alguna bardeada, tenés que ponerte a hacer el ejercicio mental de decir: “Tengo 10 mil mensajes de gente que dice que le cambió la vida y me estoy obsesionando con uno...”. Y a veces, de loco, entrás a ver su perfil y ves qué le gusta a la persona, lo que él o ella considera, y decís: “Cómo me estoy enroscando con este salame”. Eso pasa con las redes, el anonimato y una envalentonada de ser lo más sanguinario, cruel y lastimoso posible, que me repugna. Pero bueno, es como está el mundo hoy en día. Nadie está acostumbrado a que lo ataquen o lo bardeen, y eso lleva a un proceso de ir fortaleciéndote para que eso no te afecte negativamente.

María Figueiras: —¿Cuál es la fórmula para no caer en las tendencias musicales o lo que está de moda?

NAFTA: —No tenemos que hacer un esfuerzo por eso, porque siempre hicimos las cosas así. Y es el camino natural de las cosas. A veces se te van presentando situaciones nuevas u ofertas de cosas. Y decís: “¿Por qué iríamos a tocar acá?”. Y ahí vas un poco perfilándote en qué cosas decir que “Sí” y en qué cosas decir que “No”. Y eso te va armando una personalidad del proyecto que se va haciendo a medida que se van presentando las cosas.

María Figueiras: —¿Alguna anécdota para compartir de la banda o de algo que les haya pasado en alguna gira?

NAFTA: —Con Tony, el baterista, nos conocemos desde muy chicos, desde el jardín. En 6° o 7° organicé una colecta en la clase para comprarle una batería, porque necesitábamos un baterista. Él no sabía nada, yo tampoco, no sabíamos ni como se tocaba. En ese momento nos gustaba mucho el punk, entonces tocábamos sin saber nada. Pasamos de año, y a los meses, entraron dos pibes nuevos al colegio, los dos eran bateristas, los dos la mataban. Y fue gracioso porque estábamos preparando a un baterista, cayeron dos cracks que terminaron enseñándole. Y Tony terminó siendo un gran batero y un hermano de la vida.

María Figueiras: —¿Cómo se van preparando para sus próximos shows en el Movistar Arena?

NAFTA: —Bien, increíble. Ya estamos ensayando y armando unas cositas sorpresa. Y después, es lo mismo de siempre: tocar, hacer música y compartir con la gente, sin mucho fuego artificial. Es vernos a nosotros tocando los temas, compartiendo lo que pasa entre la gente y la banda es increíble. NAFTA en vivo suena muy bien y ver a una banda en vivo siempre es muy superior a cualquier grabación, a cualquier disco... Lo que te pasa en vivo, no se compara con nada. Incluso, los errores que puedan surgir, la imperfección del vivo. Hoy en día que los discos están hechos tan perfectos, el vivo tiene algo que es único. Y ahora que está pasando esto, no sabemos cuánto va a durar, porque nada es para siempre. Por eso hay que disfrutarlo.

Nacido como Andrés Ceballos, su nuevo nombre artístico tiene un significado muy especial que habla de sus raíces: el “Koi” es un acrónimo que significa “Kids Of Immigrants”, dado que su padre es argentino y su madre, brasileña. Y justamente buceando en esos orígenes es que empezó a dar con el concepto y los contenidos para AIJAG (las siglas de “Andrés Is Just A Game”), su álbum debut como solista.

“En esta búsqueda nueva, yo sabía que quería mantener el ‘Andrés’ porque es mi nombre. Pero ‘Ceballos’ es el apellido de mi padre y la rama artística viene mucho por el lado de mi madre y de mis abuelos también. Entonces, mirando un poco mi árbol genealógico, mis raíces y de dónde vengo, toda mi familia son inmigrantes. Me gusta abrazar eso y poner ‘Hijo de inmigrantes’ en inglés. Me gustó mucho esa idea”, cuenta acerca de su reinicio artístico que lo encuentra entregando un disco de pop fresco, desenfadado y cargado de estribillos.

María Figueiras: —¿Cuándo y por qué decidiste lanzarte como solista?

Andrés Koi: —Tomé la decisión de compartir la noticia a finales de 2022, pero la fui tomando poquito a poco. Creo que la última gira yo ya la sentí como una despedida. No la quisimos anunciar como una gira de despedida, pero fue como tantas cosas en la vida: un ciclo que termina y otro ciclo que empieza. Fue difícil, al principio, la verdad. Porque llevaba tocando con ellos desde que tengo 16 o 17 años. Ahora tengo 31, ha sido media vida. Para mí se completó el ciclo, necesitaba volar solo, hacer mi álbum y arrancar toda una carrera que comienza ahora y que se construye a base de canciones, de trabajo y de algo muy importante que es estar a gusto donde estás. Porque sino, es insostenible. Me tuve que reconstruir un poquito, ¿no? O sea, agarrar las piezas y volverme a formar hasta mi propia identidad. Es muy curioso, uno a veces pone mucho de la identidad de uno mismo y de la autoestima de uno mismo en el trabajo.

María Figueiras: —En Japón una de las cosas que aprendiste es esta filosofía de vida, de que las cosas cuando se rompen, las agarrás y las recomponés con oro. ¿Cuál fue tu oro para recomponerte y volver a empezar?

Andrés Koi: —La terapia. El autoconocimiento, el preguntarse las cosas, el no dar las cosas por hecho, el empujar tú el barco para saber lo que pesa, eso es muy importante. Hablar, trabajar, escribir mucho. Yo escribo mucho, todos los días. No solo canciones, es mi forma de sacar las cosas, de frenar ese cerebro más lógico, más analítico. El escribir un disco también fue muy terapéutico para mí. Cada canción representa una etapa de mi vida.

María Figueiras: —En tu canción “La buena vida”, vos hablás de que las cosas buenas de la vida son más sencillas de lo que uno cree, y contás que antes le dabas mucho valor a lo material y no tanto a lo que sentías...

Andrés Koi: —Sí, todo engloba un poquito ese mensaje: del ser, del tener, el hacer, de todo eso. De la identidad, de lo que soy y de lo que me agarro para sentirme como soy. Es un disco bastante reflexivo, pero que llega en un momento de mi vida que he estado pasando ahí. Ya estoy escribiendo canciones nuevas y tengo cosas nuevas que contar, pero este disco refleja esa etapa en la que he transicionado.

María Figueiras: —Arrancaste muy chico, ¿en algún momento se te subió la fama a la cabeza?

Andrés Koi: —Pasan cosas que yo creo que tu cerebro no está preparado para que pasen. Y pasa demasiado rápido. Yo creo que nunca he sido un gillipollas (NdR.: necio o estúpido). Me gusta tratar bien a todo el mundo, nunca he sido una persona maleducada ni nada de eso. Me gusta generar un buen ambiente, es una prioridad, pero creo que muchas veces no he valorado lo que hay alrededor. Lamentablemente, uno aprende equivocándose. Lo bueno de haber empezado joven es que sigo siendo joven. Tal vez no tan joven, pero relativamente sí. Y ya me ha dado una experiencia haber estado en una banda que se ha movido mucho por bastantes países. Puedo seguir equivocándome, pero ya conozco algunas cosas.

María Figueiras: —¿Pensás que dejaste pasar alguna oportunidad con esto de no tener experiencia?

Andrés Koi: —¡Qué va! Al revés, me he subido a todas. Me ha costado dejar pasar oportunidades. Es esto del FOMO (NdR: del inglés, Fear of missing out o temor a perderse algo), sufría más de eso, de no querer perderme nada. Y eso hace que no mires nunca hacia adentro y no estés tan conectado con lo tuyo. Al final, el ejercicio del artista tiene muchísimo que ver con frenar y tener una parte muy reflexiva para saber qué quieres proyectar.

María Figueiras: —Ahora que sos solista, ¿cuáles han sido los mayores desafíos y oportunidades?

Andrés Koi: —Yo siempre he escrito mis canciones, desde que tengo 16 años. Sigo siendo yo, contando mi vida, pero es verdad que la vestimenta, la producción, el estilo, la estética, el nombre... Todo eso ha sido un reto. He tenido que confiar muchísimo en mí, que lo íbamos a lograr, sacar ese disco adelante. Había muchas dudas, mucha incertidumbre, mucha gente que desapareció, que decidió mirar hacia otro lado. Cuando tú más necesitas ayuda, hay mucha gente que desaparece. Eso sirve para filtrar, para saber quién quiere estar contigo y quién quiere solamente pegarse al éxito cuando aparece. Había muchos aprendizajes en el camino.

María Figueiras: —¿Qué esperás que descubran tus nuevos y tus viejos fans con tu reciente música?

Andrés Koi: —Es empezar otra vez. Es tener una mentalidad de cinturón blanco, de volver a arrancar... Es verdad que mucha gente sí está ahí, que estaba ahí porque conectó con mi voz, con mi forma de escribir. Hay gente nueva que se suma, todos los días, gente que va descubriendo el mensaje, la identidad. Pero entiendo que lleva tiempo. Hay que ser insistente, seguir sacando música y encontrar esos huecos en los que pueda decir y transmitir algo. Habrá gente que venga de la época pasada, gente que no. Y también mucha gente que no sepa ni qué es Dvicio y que me conozca recién ahora. Y eso me gusta.

María Figueiras: —¿Sentís que hay una presión por adaptarte a las tendencias musicales?

Andrés Koi: —Pues, lo sentía más antes. Ahora no me afecta tanto. Quizás hace 5 años sentía más esa presión. Pero este álbum ha sido de hacer lo que necesitaba contar, de ir hacia adelante y el que se lo crea y me quiera apoyar, vamos con todo. Pero no ha habido ninguna presión sobre estilos musicales ni nada de eso.

María Figueiras: —¿Cómo buscás tu sonido?

Andrés Koi: —Haciendo muchas canciones, la verdad. No me quedo con ganas de hacer nada. Con ellas fui disipando las dudas.

María Figueiras: —¿Cuál es la diferencia más grande que ves en la música que hacías antes y la que hacés ahora?

Andrés Koi: —A nivel musical, lo noto en los arreglos. La banda de ahora he metido metales, hay saxo, hay trompeta... Luego, la banda son casi todas mujeres, entonces hemos hecho una mezcla musical muy interesante. Siento que todavía, a día de hoy, la música que hago es más autobiográfica todavía. Yo cuento mi vida para conectar con la vida de la gente. Una señora me dijo una vez: “Te has convertido en ‘Yo, yo y yo’”. Y le dije: “No, no es por ahí. Yo estoy contando mi historia porque todo el mundo vive una transición en su vida. Y es para intentar inspirar”. Yo contando lo mío me autoayudo, pero también puedo inspirar a gente que está pasando por su proceso. Y eso es lo bonito.

Fotos/Candela Teicheira.

En el 2019, junto con el elenco de aquella serie, realizó muchos shows en el Teatro Ópera, también en el Luna Park, además de una gran gira nacional e internacional que se vio interrumpida por la pandemia. Pero fue justo en ese momento de confinamiento en que El Purre encontró un espacio para desarrollar su faceta más musical y empezó a componer sus primeras canciones.

Así vio la luz “Enamorado”, su primer single, el lanzamiento de su carrera musical. El tema sería precedido por una serie de canciones hasta derivar en su primer EP, en el año 2023. Y en abril de este 2024 vio la luz su primer álbum, titulado Nuestro Truman Show, el cual cuenta con artistas invitados como Coti Sorokin y Jaime Ramona.

María Figueiras: —¿Cómo fue arrancar en el mundo del entretenimiento a una edad muy temprana?

El Purre: —Fue hermoso arrancar a trabajar desde tan chico. La verdad es que yo pintaba para hacer otra cosa en mi vida. Me había anotado para estudiar Arquitectura en la UBA. Cuando terminé el colegio estudiaba teatro y tocaba la guitarra, pero al empezar la carrera dije: “Quiero hacer otra cosa”. Y me acuerdo de que ese año empecé a estudiar producción de televisión, pero duré dos meses en la facultad. Yo no quería hacer producción, quería estar adelante. Entonces dejé. Le dije a mi vieja: “Estoy para actuar, para cantar”. No tenía bien claro lo que quería, pero sabía que era por ahí. Así fue que empecé a hacer castings, hice un par de publicidades... Mi primer trabajo fue a los 18 y fui creciendo. Hace como 9 años que estoy laburando y es un montón. Para mí voló el tiempo.

María Figueiras: —¿Recordás algún momento significativo?

El Purre: —La bisagra a nivel visibilidad fue Go! Fue un antes y un después, porque la serie era 360: teníamos shows en vivo donde cantábamos y bailábamos, y tuvo dos temporadas a las que les fue espectacular.

María Figueiras: —¿Sentiste alguna vez, después de estos 9 años de carrera, que quizás soportarte cosas que hoy en día no callarías?

El Purre: —Mi familia no es del medio, entonces yo no conocía el ambiente. En ese sentido, para mí era todo nuevo y muy divertido: era como estar en Disney, una locura. Siento que viví cosas que no estaban en mis planes y por eso me sorprendía de todo lo que me pasaba: los laburos, los viajes... Para mí la vida del actor, que ahora se me combina con la de músico, es como un electrocardiograma. Hay veces que estás con mucho laburo, pero después se termina un proyecto, y hasta que no viene el próximo, estás en tu casa esperando que salga lo que hiciste. O nada, vagueando.

María Figueiras: —Pasaste de ser un actor de tiras juveniles a tener otra faceta, ¿cómo fue despegarse de esa imagen?

El Purre: —Yo siento que renegar de eso es una lástima. Porque al fin y al cabo yo estoy acá sentado gracias a todos esos proyectos. También pasa que uno empieza a quedar afuera de esos proyectos por la edad. Porque ya no doy para hacer de un pibe de 18. Ya robé un montón de tiempo: hasta los 25, 26 hacía de un pibe de 18, pero en un momento se corta. La bisagra se da por la edad y también por los proyectos de los que uno es parte. Este año se estrena el proyecto más importante del cual fui parte, que es la serie de Cromañón. Y creo que ahí hay un cambio en la temática, por ser un hecho histórico que ocurrió en la Argentina.

María Figueiras: —¿Te contactaste con los familiares para la serie?

El Purre: —Tuvimos un montón de charlas con sobrevivientes que formaron parte también de la escritura a la hora de escribir la serie. Fueron meses de mucho laburo donde yo dije que… yo creo que es el primer proyecto que me pasó de terminar de trabajar y llevármelo a casa. Como que era muy difícil de soltar, muchas veces, porque era muy duro. Para mí fue un antes y un después. Más que en mi carrera, en mi vida.

María Figueiras: —Este año sacaste tu disco. ¿Qué importancia le das al feedback del público?

El Purre: —Obviamente, hago canciones para que las escuche la mayor cantidad de gente posible. Igual creo que perdí un poco el conocimiento de qué es lo que quiere escuchar la gente, sino más lo que quiero escuchar yo. A este álbum lo siento superhonesto y la gente también lo recibió mucho mejor que a la música que había sacado antes, que era más: “Hay que hacer esto porque es lo que funciona hoy en día”. Creo que este disco tiene mucho de José.

María Figueiras: —¿Sentís una presión por mantener las expectativas ajenas o un tipo de imagen?

El Purre: —No sé si siento presión porque yo creo que podría desaparecer, en el sentido de cerrar mi Instagram, y si no quisiera dedicarme más a esto, no pasa nada. Va a haber otro que me reemplace. Creo que la presión me la pongo yo. Mis ganas de salir a tocar enfrente de cada vez más gente, que mi música llegue a más personas, o tener desafíos actorales que sean cada vez más desafiantes. Pero a mí no me come qué es lo que está esperando la gente de mí. Sí, me dan ganas de cumplir con sus expectativas, no es que me da lo mismo. Pero siento que si mañana no me quisiera dedicar más a esto, lo puedo hacer.

María Figueiras: —¿Cómo lidiás con la fama y la atención del público?

El Purre: —Ya me acostumbré, pero obviamente al principio es un flash que te pidan una foto... Cuando salió Go!, salía a la calle y lo sentía todos los días. En las redes también. Por primera vez pensé: “No puedo salir y pasar por la puerta del colegio a las cuatro de la tarde”. Pasé una vez y no me podía ir...

María Figueiras: —¿Qué consejos les darías hoy a los jóvenes que quieren arrancar?

El Purre: —El mismo que me dieron mis papás: uno tiene que prepararse para ser el mejor. No importa si no lo es, pero sí estar tranquilo de que uno se preparó y dejó todo para ser el mejor. Eso fue lo que me dijeron mis padres el día que dejé la facultad y les dije que quería dedicarme a esto. Me dijeron que me tenía que preparar y estudiar. Y eso fue lo que hice.

Yami nació en 1997 en el seno de una familia tipo (mamá, papá y hermano menor) en la que nadie se dedica a ser artista. Y como muchas de su generación, su infancia estuvo marcada por la banda sonora de las películas de Disney. De preadolescente se hizo fan de los Jonas Brothers y, en paralelo a ese momento, asistía a clases de comedia musical. De más grande también estudió música en un conservatorio. Cuando tenía 15 años subió su primer video a YouTube, cantando en la playa con una amiga, y pegó 100 mil reproducciones. Ese fue su primera gran exposición, algo que hoy ya vive con suma naturalidad.

“Yo soy muy nerd, me gusta mucho estudiar. Desde los 3 años yo ya cantaba: mi mamá decía que las maestras notaban que no era tan común que una nena se sepa todas las canciones y cante todo el día. Me fluía desde siempre”, contó Safdie a Teleshow, quien además es licenciada en Artes Escénicas. Y siguió:

María Figueiras: —Y el apoyo de la familia siempre es fundamental...

Yami Safdie: —Sí, yo estoy realmente muy agradecida, tuve mucha suerte con la familia que me tocó. Ellos veían que era lo que a mí me gustaba y me apoyaron. También me acompañaban a castings y todo... Obviamente, cuando estaba terminando el colegio aparecieron esos miedos típicos de los padres del tipo: “¿De qué vas a vivir? Bueno, capaz un plan B”... Pero siempre me apoyaron un montón y todavía lo siguen haciendo. Mi viejo trabaja conmigo en la parte legal y las finanzas, mi mamá me hace la ropa.

María Figueiras: —¿Te acordás cuál fue el mayor desafío que tuviste?

Yami Safdie: —¿De toda mi carrera? Y yo creo que fue cuando tuve que tomar la decisión de jugármela y empezar en serio. A mí me gustaba cantar y quería dedicarme a eso, pero no lo hacía del todo. Lo primero que hice cuando terminé el colegio fue anotarme en producción de espectáculos, que tenía algo que ver, pero no era exactamente lo que quería. Entonces yo estaba estudiando eso, pero no me sentía feliz. “Yo no quiero estar atrás del escenario, yo quiero estar arriba”, pensaba. Y un día tuve que sincerarme conmigo misma y cambié de carrera, empecé a subir contenido a las redes, me lo empecé a tomar en serio y ahí es como que cambió todo.

María Figueiras: —¿Cómo te sentís hoy en día con todo?

Yami Safdie: —Bien, feliz. También siento que queda un montón de camino por recorrer, pero miro hacia atrás y digo: “Guau, logramos un montón de cosas”. Fueron muchos años de estudiar y de subir TikToks todos los días, que parece una boludez, pero era trabajo. También a veces subís un video que no lo ve nadie y te sentís desmotivado, pero tenés que seguir, seguir, seguir, sacar canciones. Y de a poco todo se fue dando. Hoy estoy viviendo la vida que soñé siempre.

María Figueiras: —¿Cómo te llevás con exponer tus sentimientos en una canción?

Yami Safdie: —Me gusta. Lo disfruto. Al principio me costaba un poco porque son como un diario íntimo. Realmente mis canciones son casi todas 100% reales. Al principio te estás abriendo un poco, pero ahora me encanta. Y cuanto más sinceras son, más me gusta, porque ahí es donde más fácil llegás al otro, porque todos vivimos cosas más o menos parecidas, creo. Entonces, cuando escuchás una canción de algo que me pasó a mí, capaz decís: “Ay, a mí también”. Y eso para mí es lo más lindo de la música.

María Figueiras: —¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Tenés algún ritual por detrás? ¿Qué importancia le das al feedback de tus seguidores?

Yami Safdie: —Me gusta subir ideas de canciones que no están terminadas, es algo que no se estila tanto, no es tan común, pero es algo que me gusta hacer a mí. Cuando escribo algo que me gusta mucho, digo: “Esto lo tengo que subir ya”. Si veo que mucha gente conectó y lo disfruta, obviamente me voy a apurar para sacar ese tema lo antes posible. Si veo que capaz no tanto, si a mí me encanta la voy a sacar igual, pero capaz con menos apuro. O la meto en un disco. Me gusta usar como termómetro lo que mis fans quieren y me piden. Con respecto al proceso creativo, me encierro en un estudio chiquitito que tengo en mi casa, agarro un instrumento, que puede ser el piano o la guitarra, o pongo un beat de Internet, y me pongo a fluir en ese momento, a ver qué tengo ganas de decir.

María Figueiras: —¿Qué tan importante es para vos transmitir autenticidad?

Yami Safdie: —Para mí es todo y es lo que hizo un quiebre en mi carrera, también. Esta canción “De nada”, que fue la primera que se hizo viral, fue cuando realmente no me puse ninguna traba, no quise parecerme a nadie. Estaba enojada ese día con mi ex y escribí una canción desde lo más sincero y hasta con un toque divertido, irónico, sin querer ser solemne ni nada de eso. Y ahí es donde pasó eso que te decía antes, que la gente más conectó y vibraron con eso. De hecho, hace poco volví a hablar con mi ex, con quien tenemos la mejor, ahora ya pasó mucho tiempo, y él se caga de risa también. Y me dijo: “Está muy buena tu música, es un poco cruel, pero está buenísima, te felicito”. Para mí ser auténtica es todo, pero no solo en mi caso, sino en todos los artistas que escucho. Yo creo que se siente cuando son sinceros.

María Figueiras: —¿Te sentís acompañada por los nuevos artistas que hay?

Yami Safdie: —Re sí, estoy contenta, la verdad. Creo que es una escena supergenerosa la que se armó en Argentina. También llevó un tiempo darme a conocer, pero una vez que los empecé a conocer a todos, son todos superbuena onda y creo que también por eso todos están en el lugar que están. Yo creo que es difícil ser exitoso si no sos buena gente.

María Figueiras: —¿Qué consejos le darías a la gente que está arrancando?

Yami Safdie: —Les diría que sean auténticos, que exploren, que busquen lo que realmente tienen adentro, porque todos tenemos algo único con lo que venimos.

“Es bastante frustrante saber que te querés dedicar a algo que es muy difícil. Por suerte a mí siempre me gustaron muchas cosas y fui siempre muy proactiva. Y me gustaron, no solamente cosas, sino que las llevé a cabo. Soy licenciada en Relaciones Públicas. Y siento como que todo eso lo hice por el miedo a que no me vaya bien. Era como bueno, listo, vamos a dibujar mi universo… Un ‘plan B’ de un montón de ‘plan B’. Nunca entré a una oficina”, dice a Teleshow.

En esa especie de “Plan B” estaba Olivia cuando, en 2014, comenzó a trabajar en una agencia que la convirtió en cara de reconocidas marcas nacionales e internacionales. Sin embargo, dos años más tarde, le dio cauce a lo que ella considera su verdadera pasión: cantar. Así, durante dos temporadas fue la cantante de Acantilados, banda de cumbia pop. Para 2019 irrumpió como solista con la canción “Se nos hizo tarde”. Y a partir de allí, cuenta con un rosario de singles, algunos para su proyecto personal y también colaboraciones con artistas como Acedera, José Sonner y Wildo Samuel.

Lo más reciente de su cosecha es “Temporada de canciones tristes”, “¿Qué vas a hacer hoy?” (en su versión eléctrica y también acústica) y “En la cara”, todas editadas en lo que va de este año y, todas, con un videoclip. “Negociar que una canción que no tenga videoclip, que sería como ilógico en cualquier caso, es porque no quiero que esa canción tenga tanta notoriedad, porque me da vergüenza todavía hacerme tanto cargo de lo que digo”, explica.

Actualmente, Wald reparte sus días entre Argentina y México. “Creo que el haberme abierto musicalmente a México me ayudó a no tener tanta ansiedad por encajar en cierto sonido. Allá hay más diversidad de sonidos. ‘En la cara’ que es un pop rock que salió hace poco, ahora está cuarta viral en Argentina y es una canción que no tiene nada que ver con lo que usualmente escuchamos en Argentina. Y para mí eso fue una manera de asegurarme que está buenísimo seguir mi propio camino y no hace falta estar haciendo reggaetón para que a la canción le vaya bien porque cuando la letra es algo con lo que el público puede conectar es como que va por ahí”, explica sobre la necesidad de adaptarte a las tendencias musicales.

María Figueiras: —¿Cómo describís tu proceso creativo?

Olivia Wald: —Va cambiando. Son muchísimos años. Yo escribo canciones desde que tengo 10 años. Hoy en día compongo desde la improvisación, tanto en el estudio, como sola en mi casa, y es como la manera que encuentro de que el inconsciente me explique lo que estoy sintiendo y quiero decir y después construyo desde ahí, no es que todo sale y fin.

María Figueiras: —¿De qué manera recibís y manejás las críticas?

Olivia Wald: —Me tiran mucho hate hace muchísimos años. Antes de sacar mi propia música estaba mucho en Instagram. Me criticaron siempre mucho. La verdad es que me afectó en ese momento, hoy no me interesa. Son críticas de: “No me gusta como cantas”; “No entiendo como respiras con tu nariz”; “Quién te hizo mal la rinoplastía”. No son críticas dolorosas y, además, se hacen por redes sociales. En persona nadie te lo viene a decir.

María Figueiras: —¿Y cómo fue esto de cambiar, de ser independiente a firmar con una discográfica grande?

Olivia Wald: —Yo tengo una obsesión laboral intensísima, es muy difícil trabajar conmigo y ahora tenemos un equipo gigante. Para mí fue un proceso muy difícil. Ceder. O sea, yo prefiero armar mis propias estrategias de marketing a que me digan, tenés que decir esto me… no me gusta, estoy tratando de trabajarlo, siento que estoy mejorando un montón. El mayor desafío fue poder hacerme cargo de mi proyecto y defenderlo queriéndolo porque nosotros por ahí, cuando ya escuchamos música, vemos como alguien que formó algo y le gustó, pero en realidad somos personas que escuchamos música, que nos gusta cantar y que tratamos de armar un proyecto atrás de… nada, una vida normal de alguien que canta.