A lo largo de su carrera, lanzó numerosos hits como El Alma al Aire, Cuando nadie me ve y Corazón Partío, entre otros. Ha vendido más de 25 millones discos en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los artistas de habla hispana más vendidos. Además, fue galardonado con múltiples premios Grammy Latinos, incluyendo el Grammy a la Mejor Álbum del Año, consolidando su estatus como una figura influyente en la música en español.

Sanz también es conocido por sus colaboraciones con otros artistas destacados, como Shakira, Juanes y Joaquín Sabina, entre otros. Su habilidad para combinar géneros y estilos atrajo a una amplia audiencia, lo que le permitió mantenerse relevante en la industria musical durante décadas.

En 2021, recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y lanzó su álbum Sanz para celebrar sus treinta años de carrera. Rápidamente, el álbum alcanzó el número uno en España. En 2022, publicó varios sencillos, incluidos NASA junto a Camilo y La Despedida, además de iniciar una exitosa gira que congregó cerca de 300 mil personas en 16 conciertos.

En 2023, presentó su primer EP Correcaminos y en mayo de ese mismo año el artista reveló públicamente que sufría de “depresión secundaria por estrés” que lo llevó a consultar a especialistas y a seguir un tratamiento. Hoy, recuperado, explicó cómo fue esa dura experiencia que le tocó atravesar y qué aprendizaje le dejó.

Recientemente, lanzó su nuevo single Palmeras en el Jardín que marca el inicio de una etapa artística profunda y emocional. Esta canción es el adelanto de un disco que se espera para mediados del 2025.

— Lanzaste tu nuevo tema Palmeras en el Jardín y comentaste que surgió de las heridas del alma. ¿Podrías contarnos de qué se trata?

— En realidad todas las canciones salen de alguna herida en el alma porque los compositores trabajamos con un instrumento que es la emoción. Si no has vivido una experiencia, es muy complicado poder escribir sobre ella. En algún momento sí fantaseé con la idea de poder escribir canciones de cosas que no había vivido, pero no funciona así. Necesitas haber pasado por ahí para poder contarlo.

— Después de más de 30 años de carrera, ¿cuál sigue siendo tu motivación?

— La música en sí, su belleza, ponerle el nombre a las cosas, el inventar canciones que no existían. Cuando terminas una canción sientes un agradecimiento a la vida, es una especie de poder, entonces cuando pierdes esa ilusión es terrible. Yo he pasado épocas por las que no tenía motivación para escribir o simplemente tenía una laguna de inspiración y es terrible porque me siento completamente incompleto.

— ¿Te da miedo el paso del tiempo?

— No. Me daría miedo que no pase el tiempo (risas).

— Fuiste muy abierto recientemente con tus desafíos sobre la salud mental, ¿cómo estás hoy en día?

— Mucho mejor. Trabajé muy duro en eso y creo que está superado, realmente. Mi psiquiatra ya me dio el alta. Así que ya... (risas).

— ¿Cuáles fueron las herramientas con las que trabajaste para poder superarlo?

— Había medicación y una parte de terapia. Las terapias consistían en conversaciones en las que el terapeuta más que darte herramientas, va conversando contigo hasta que tu empiezas a encontrar las claves de por qué te sientes de una forma u otra. Lo peor de todo es que yo no sabía qué estaba pasando, no podía ponerle nombre al sentimiento que tenía, entonces era como ese agujero en el pecho que sale en el video, en la primera imagen, porque así era como definía yo esa sensación. Sí me dijo que era muy bueno que no me quedara encerrado en casa, que estuviera con amigos, con gente que me quisiera. Iba a ver si suspendía la gira, pero no la suspendí porque el primer día que me subí al escenario sentí que donde mejor me sentía, más libre y más tranquilo era subido a ese escenario.

— ¿Cómo equilibrás hoy tu vida profesional y personal?

— Bueno, soy uno de los mejores padres del mundo, sino el mejor (risas). Dicho por una universidad de Toronto, ¿sabes? Que es de donde salen todas las informaciones (risas). Lo compagino bien, intento darle tiempo a mi familia y también dárselo a mi trabajo. Ahora soy más cuidadoso con las cosas que hago y las que no. Intento elegir muy bien los tiempos, no pasar tanto tiempo fuera de casa, compaginarlo.

— ¿Crees que hay una mayor presión en la industria en relación a años anteriores con la aparición de las redes y otras formas de difusión?

— La música está en evolución constante, siempre. He vivido varios procesos. Cuando se sacó por primera vez el CD parecía que se acababa el mundo, empezó la piratería callejera y parecería que se acababa la industria y ha seguido. Después, aparecieron las plataformas, se ha reinventado y se han hecho mil cosas. Es una cosa que, en realidad, no me compete mucho. Mi trabajo es hacer música, hacer música bien y de calidad, que es lo que yo puedo hacer. O sea yo no soy un buen artista de reggaeton, no lo sería y me refiero a que hay muchos artistas que intentan hacer algo porque está de moda y creo que es un error. El artista que hace reggaeton lo hace porque así lo siente. Nadie puede fingir ser lo que no es. Entonces, mi parte del trabajo es esta y luego la de la industria es de la industria. Ellos sabrán cómo hacen el tema de las cuentas, es un tema que siempre va a estar cambiando.

— ¿Cómo estás viviendo la presentación de este nuevo tema?

— Retomando esto de la promoción que ya casi lo tenía olvidado (risas). Tengo mucha ilusión con el disco y con esta canción en concreto, así que uno lo hace con más ganas. De momento, la recepción es buena.

— ¿Cómo es la recepción del público hasta ahora?

— De momento, noto muy buen ambiente. Se han hecho escuchas en varias ciudades. Se estrenó en Madrid, en México, en Buenos Aires y la reacción de la gente es muy buena y también noto que los periodistas lo han ido a escuchar, han visto el video y la reacción es satisfactoria.

Su primer disco lo lanzaron en 2016, titulado Suena Migrantes!, en el que hicieron gala de su mezcla entre la cumbia y el pop, tomando elementos del reggaetón, salsa e incluso cuarteto. Hasta el momento no volvieron a editar un álbum, pero engrosaron su catálogo con una infinidad de singles y colaboraciones, siendo las más destacadas “No bailo pa’ ti” (con los MYA), “¿Ke tal si nos escapamos?” (con Rombai), “Superclásico” (junto a Rei y Fabro), “Mercho” (de Lil Cake), “Vikingos” (La Joaqui) y “Anti amor” (Ulises Bueno), entre muchas más.

María Figueiras: —Capaz no estaban acostumbrados a la industria de la música, que es muy competitiva. ¿Alguna experiencia que puedas compartir? ¿Se refugiaban entre ustedes para no caer en cualquiera?

Migrantes: —Al ser todos amigos, al principio la pasábamos bien. La verdad es que no teníamos mucha idea de lo que era la industria de la música. Nosotros realmente empezamos a hacer música y a tocar por diversión. Tocábamos por la pizza y la cerveza. Íbamos con los instrumentos arriba del bondi. Obviamente, teníamos el sueño de pegarla, de poder girar por todo el país y todo eso. Pero al principio era un hobby, una diversión. Todos estudiábamos y queríamos recibirnos de nuestra carrera. A la vez, estaba ese miedo de poder dedicarnos solamente a la música que hacía que sigamos estudiando. Nuestra familia sí nos apoyaba, pero a la vez tenés esa presión de decir: “Che, me está manteniendo mi viejo, se está rompiendo el lomo para que estudie y yo perdiendo el tiempo con la música”. Pero nos pudimos ir acomodando en los horarios para hacer las dos cosas a la vez. Y cuando empezamos a pegar canciones y a girar, pudimos mantenernos, tener nuestra plata. Nunca tuvimos mucha idea de lo que eran las regalías, los derechos de autor... Es más, hasta hace poco nos dimos cuenta de que una canción que habíamos sacado hacía un montón, no estaba registrada. Ahora estamos por cumplir 10 años como banda y ya empezamos a entender mejor el negocio.

María Figueiras: —El proceso creativo de la banda, ¿cómo es? ¿Componen entre todos y lo van escuchando?

Migrantes: —Es bastante variado, la verdad. A nosotros nos gusta mucho juntarnos con otros amigos artistas, pasar el rato haciendo música, cagándonos de risa... Por suerte, tenemos un grupo de amigos que no nos ponemos la presión de decir: “Tenemos que hacer un hit”. Vamos al estudio, hacemos música por diversión y porque nos gusta. A veces trabajamos juntos, otras por separado.

María Figueiras: —Otros artistas dicen que las bandas son como un matrimonio. ¿Coinciden? ¿Cómo resuelven las diferencias?

Migrantes: —Cuando éramos muchos teníamos peleas. A veces empieza a jugar un poco el ego acerca de quién hace cada cosa. Al fin y al cabo somos amigos y siempre estuvo todo bien. Pero a veces la situación se pone un poco difícil. Es que convivimos mucho tiempo y es inevitable tener choques por más de que te lleves superbién.

María Figueiras: —¿Sienten que al haber arrancado de tan chicos en algún momento se les subió la fama en la cabeza?

Migrantes: —No, no. Si algo nos caracteriza es tener los pies sobre la tierra. Nuestro equipo también nos ayuda en eso. Y me parece que es importante para el artista, si no, perdés tu horizonte. La esencia del artista creo que es eso, ser vos.

María Figueiras: —¿Alguna frustración grande que hayan vivido?

Migrantes: —Al principio, nos dolía bastante si alguna canción no era un hit. Sentíamos un poco de inseguridad. Pero con el tiempo fuimos entendiendo cómo funciona esto de las canciones: que no todas van a pegar, que a la gente no le va a gustar todo. Son etapas que vivimos los artistas. Algunas con un poco más de inspiración, otras con menos. También las ganas... Cada uno tiene su vida personal y hay que ir equilibrando eso porque no podemos estar todo el día armando contenido para TikTok o haciendo nuestras canciones. Tenemos nuestras cosas y eso hay que entenderlo.

María Figueiras: —¿Algún objetivo que quieran cumplir adelante? ¿Algo que quieran manifestar más adelante?

Migrantes: —Si es por manifestar, creo que nuestro sueño más grande es hacer un estadio o un teatro. Y creo que en las canciones nuevas se ve reflejado eso.

Fotos/Candela Teicheira.

“Arranqué cuando tenía 10 años. Me di cuenta de que podía cantar porque estaba practicando una canción para el colegio y dije: ‘¡Puedo!’. Hablé a mi familia, les mostré lo que podía hacer y les pareció muy bueno. También le preguntaron a Paloma si le gustaba cantar y nos mandaron a las dos a clases de canto. Mis papás siempre nos apoyaron un montón, realmente creo que nada de lo que hicimos hubiese sido posible sin el apoyo de ellos. Nosotros teníamos que venir a Buenos Aires —somos de Río Cuarto— y tenía que viajar toda la familia. Hasta el día de hoy, si tengo un show, ellos vienen a verme”, cuenta Morena sobre sus inicios.

María Figueiras: —¿Cómo fue tener a Mau y Ricky de coaches en La Voz Argentina?

Morena López Díaz: —Cuando se diluyó el dúo con mi hermana, me quedé pensando en qué hacía. No me sentía culpable, pero sí tenía mucho miedo de hacerlo solo. Todo lo que se me venía por delante era muy desconocido, junto con la responsabilidad de llevar sola un proyecto. Fue muy duro para mí, para mi autoestima, animarme a hacerlo sola. En ese momento, justo se dio el casting del programa y participé, pero realmente tenía mucho miedo; sentía que no iba a pasar la primera etapa. Veía mucha gente que cantaba muy increíble y yo me preguntaba qué tenía para aportar en eso. Pero mis papás me ayudaron, me impulsaron a que me animara. Fui solita a hacer el casting y de repente pasé una ronda, otra, fui a la audición a ciegas y de repente se dieron vuelta Mau y Ricky. Estar ahí fue una gran experiencia y algo que significó mucho para trabajar en mi autoestima. Lidiar con el hate y la exposición en esos meses fue un montón... El día antes de cantar en cada ronda no me salía la voz por el estrés, los nervios... Era todo muy fuerte. Pero haber podido ser fuerte y sobrellevar esas situaciones y seguir delante, me sirvió un montón.

María Figueiras: —La industria musical o de la música, en general, es un ambiente competitivo y difícil. Desde ese lado, ¿recordás alguna experiencia que te haya marcado y te haya servido para estar donde estás hoy?

Morena López Díaz: —Yo creo que muchas cosas de las que me han pasado me desafiaron y, cada vez, voy entendiendo más cómo funciona la industria y cuál es el rol que yo quiero cumplir personalmente para llevar algo adelante. Sé que hay mucha competencia. También esto de quién llega primero... de repente ves artistas de 22 años que están re pegados y vos decís: “Yo tengo 22, ¿en qué momento se me va a dar?”. Hay un poco esa presión de cumplir con las expectativas de lo que es ser un artista, más siendo mujer. Todo el tiempo sentís que tenés que estar a la altura de lo que ya ves. Y es muy difícil no ver eso y decir: “Bueno, me falta esto, ¿y si aprendo a bailar para llegar a este nivel?”. El hecho de estar comparándome con los otros, de sentir que tengo que llegar y cómo voy a hacer y cómo voy a atravesarlo... Pero bueno, también hago mucha terapia. Estoy en ese proceso de trabajarlo, de armar una coraza sin perder lo que soy y sin mostrar algo que no soy.

María Figueiras: —Muchos artistas se ponen en un personaje como para vender su producto, pero en la diaria capaz son otra cosa. ¿Cómo te llevás con eso?

Morena López Díaz: —Sí, a medida que pasa el tiempo me animo a hacer muchas cosas que quizás se corren de lo que soy todos los días. Hasta de la ropa que uso, quizás. Todo el tiempo estoy buscando correrme de esos lugares más cómodos, pero también para encontrar a una Morena artista, que capaz es un personaje un poco más creado dentro de lo que es el mundo de Morena como artista. Y después reservarme lo más mío, lo más íntimo, para mí.

María Figueiras: —Firmaste con un sello grande, ¿cómo cambió tu proceso creativo? ¿Cómo lo hacías antes y cómo lo hacés ahora que tenés un equipo que está por detrás?

Morena López Díaz: —Yo estaba muy acostumbrada a resolver mis cosas sola, con mi familia, con la gente que me estaba rodeando y sin plata. Era ponerme el proyecto al hombro y resolver lo que pudiera con lo que tenía. Hoy tengo un equipo que está trabajando para el proyecto y aporta en todas sus maneras. Tengo un calendario más organizado... Me encanta: es parte de crecer y saber que ahora, en serio, se viene algo importante y mucho más profesional. Siento que estoy avanzando un montón y eso me deja muy tranquila. Pero con los miedos que uno tiene, creo que es inevitable. Me gusta hacer todo, hasta escribir una canción que tenga ciertas palabras. Y hoy me encuentro en situaciones donde capaz estoy compartiendo con otros compositores, estoy escuchando y aprendiendo a observar. Y sacando cositas que sé que me falta aprender y que otra persona me las puede aportar.

María Figueiras: —¿Qué es lo que pensás que la gente opina de vos y no es verdad?

Morena López Díaz: —Hay algo que me pesa mucho, que tiene que ver con algo muy mío, y que quizás toca una inseguridad, y es que llegué adonde estoy porque soy linda, o que no me merezco estar donde estoy porque no soy talentosa. Y eso me ha dolido mucho. Porque trabajo un montón para aprender cada vez más y ser mejor cantante. Si tengo que actuar, actuaré. Si tengo que bailar, bailaré. Lo estoy dando todo y hay un esfuerzo muy grande por detrás, que a veces me hace hasta cuestionarme y decir: “¿Es verdad lo que dicen?”. Intento correrme de ese lugar, pero inevitablemente uno lo lee y dice: “¿Será que sí?”.

Foto/Candela Teicheira.

El trabajo debut se llamó Parientes y se editó en el año 2010. Fue grabado en estudios Del Abasto al Pasto con la producción de Martín Bosa y contó con Manuel Moretti, cantante de Estelares, como invitado. Tres años más tarde le dieron forma a Actitud, segunda placa, grabada en el estudio de Pericos y con la producción de Diego Chapa Blanco, tecladista del famoso grupo de reggae argentino.

El tercer disco de Parientes llegó en 2016 y se titula Dejo todo por vos. Nuevamente, trabajaron con Chapa Blanco y también en el estudio perico. En el tema “Invierno” se destaca la colaboración de Rolo Sartorio, cantante de La Beriso. Cuatro años después, y en plena pandemia, apareció Contratiempos, el cuarto álbum del grupo, en donde brillan Piti Fernández (”Mis amigos”) y Manuel Quieto (”Por la boca vive el pez”) como voces invitadas. Su hasta ahora última entrega discográfica vio la luz el año pasado y la bautizaron La soledad de los amantes. Entre una serie de canciones propias, se luce una versión de “Revolución turra”, una gema casi oculta de El Salmón, el célebre disco quíntuple que Andrés Calamaro editó en el año 2000. En esta charla, habla Guido, cantante y hermano mayor de Parientes.

María Figueiras: —¿Tenían algún músico en la familia?

Parientes: —Desde el lado del hobby, nuestro padre, que es médico, era bajista de una banda, que creo que se llamaba Terapia Intensiva. Cuando era un niño iba a sus ensayos con una guitarrita de plástico y yo estaba 100% creído que era un músico más del grupo que él tenía. Así que la música, siempre, desde muy temprana edad, fue de las cosas que más me gustaba compartir con mi padre.

María Figueiras: —¿Cuál fue el momento bisagra que dijiste: ‘Quiero dedicarme a esto’?

Parientes: —Cuando era más grande. Había salido un tema nuestro y empezó a sonar en todas las radios, allá por el 2013, 2014. Y dije: ‘Guau, esto puede pasar’. Ese momento fue bastante bisagra, cuando salió nuestra canción llamada “Bailando”. Y ahí dijimos: ‘Vamos a meterle un poco más de nafta a esto’.

María Figueiras: —¿Te pudo dar alguna indicación o un consejo tu papá?

Parientes: —Mi mamá era bastante reacia a que tuviéramos una banda de rock. En ese momento, la música estaba muy asociada a malos hábitos y ella nos quería alejada de eso. Pero también estaba mi hermano, a quien siempre le gustó mucho la música; pero otra de las cosas que él hacía muy bien era ser piloto de autos. Él era piloto de kartings, después de rally. Y un día mi mamá me dijo: “Necesito sacarlo a Emilio del rally, tratá de que entre a la banda”. Y así fue cómo el Emi terminó haciendo música conmigo; siempre le apasionó un montón, pero también tenía su costado fierrero, que era muy peligroso.

María Figueiras: —¿Cómo es tener una banda con hermanos?

Parientes: —Tiene un montón de cosas positivas, como también negativas. Con un hermano podés tener peleas que con otras personas no, pero sabemos distinguir bien el proceso creativo de la banda, con el proceso de la relación de hermanos. Tenemos una relación muy fuerte y a veces, cuando yo cumplo el rol de hermano mayor en la banda, se producen ciertos choques, porque está bueno que dentro de la banda seamos más pares. Después, cuando somos hermanos, si puedo decirle algo. Pero lo que tiene de bueno es poder compartir con un hermano algo tan lindo como ir a tocar, salir de gira. Es un viaje de egresados cada fin de semana que salimos.

María Figueiras: —¿De qué manera buscan su estilo, sus canciones?

Parientes: —Es re complejo. Ayer estuve demeando una canción y, a veces, podés pasarte una tarde haciendo una canción que creías que estaba buenísima, pero la escucha otro y te dice: “Che, esto no tiene nada que ver con la banda”. Creo que la búsqueda del estilo es continua, no existe una fórmula, aunque muchos compositores sí la tienen. El proceso creativo es de lo más lindo que hay, pero puede ser muy frustrante y hay veces que te puede cambiar el humor. Es una lucha interna con el ego. Hay que hacer canciones continuamente para, en algún momento, dar con las canciones que realmente te gusta tocar en vivo. Nos ha pasado de ir al estudio, grabar canciones y, después, cuando las queremos tocar en vivo, no están buenas. No está bueno que pase.

María Figueiras: —¿Cómo manejás esa frustración de haber grabado un tema y que te digan: “No está bueno”?

Parientes: —Es difícil, pero creo que la escucha del otro y no cerrarse en uno mismo es importante. Hay que abrirse, escuchar y ponerse del otro lado para decir: “Tiene razón lo que está diciendo”. Yo soy muy abierto y me presto a escuchar las críticas y, si veo que tienen razón, no vamos por ahí. Y más ahora, que está esto de los géneros, que tratan de mezclarse; pero no queremos perder la identidad del rock & roll. Hace poco Rolo (Sartorio) de La Beriso me mandó una canción compuesta por él para que haga Parientes y yo la escuché y dije: “Somos una banda de rock”. Y no podemos bajar el nivel. Que él nos haya compartido una canción para que hagamos, es increíble. Hace poquito Fran (Lago) de Cruzando el Charco me pasó un tema para ver qué me parecía... Estamos metidos con esa gente que nosotros admiramos desde lo artístico. Y eso está buenísimo.

María Figueiras: —¿Cuál es el legado que les gustaría dejar en la música?

Parientes: —Muchas veces hablamos de lo que representa el rock en el país, que siempre fue uno de los géneros más importantes. Yo tuve la suerte de viajar a distintos países y que me digan que el rock argentino es de lo mejor. Dejar algunas canciones dentro de nuestro rock y que digan: “Ah, esta es una banda de rock de Argentina”, es un montón. Y siempre dije que lo máximo sería que una cancha de fútbol cante una canción nuestra.

Fotos/Candela Teicheira.

Otro de los temas que abordó fueron los premios Emmy que se demoraron en entregarse por la huelga de Hollywood: “Yo estaba de acuerdo con la huelga como productor y como profesional. Eran reclamos lógicos y creo que hay cosas que aún siguen sin solución, sin solucionarse. Por ejemplo, las limitaciones a la inteligencia artificial en el uso de los actores. Se está dando este año con la anomalía absoluta de que hay dos entregas de premios Emmys norteamericanos en un mismo año calendario”, concluyó Axel.

Sobre las series que elige para este año no dudó ni un instante: “Tengo un corazoncito mío de toda la vida, con Larry David y con Curb Your Enthusiasm, es un año con un nivel muy alto. La mejor televisión de la historia se dio en estos últimos diez años.

El productor compartió la fascinante experiencia sobre su colaboración con el renombrado director Martin Scorsese en la película El aroma del pasto recién cortado, próxima a estrenarse en las salas locales. Describió la posibilidad de trabajar estrechamente con uno de los iconos más grandes del cine, al destacar la oportunidad única que presentó este proyecto: “Cualquiera que ame el cine, poder decir y descubrir un día que tu nombre está en el mismo cartel en el que está Scorsese, es un sueño”. Martín vio, leyó el guion, tuvo notas, vio la película, tuvo notas de montaje y después nos ayudó mucho en la campaña internacional. Haciendo cosas específicas, como levantando el teléfono para pedir que gente la viese y piense en la existencia de la película. Hasta nos ayudó a armar, por ejemplo, el equipo de prensa que manejó la película en Estados Unidos.

En otro orden habló sobre la evolución del cine y la representación en la industria hoy en día: “Estamos hablando de cambios culturales y sociales constantes y en algún momento lo que sentías era que la industria de Hollywood no se daba cuenta de que había un mundo allá afuera, que había un montón de países que consumían un montón y que valía la pena no hablarle a una única cultura monolítica y hablarle de culturas diferentes y a la diversidad. Yo creo que los Estudios sí se dieron cuenta en la última década las oportunidades que se perdían cuando hacían películas que apuntaban a una sola audiencia. Hoy hay genuinamente tenés muchísima diversidad.

El Festival de Venecia

Kuschevatzky compartió también su emoción por la selección en el Festival de Venecia, donde se codearon con producciones de renombrados cineastas: “Ver que nuestra película está considerada entre las 21 mejores películas del mundo es wow!!! Nada te prepara para eso, fue muy buena la recepción, es una película muy divertida. Yo creo que nadie está en Argentina completamente preparado para la película con la que se van a encontrar, es muy sorprendente”.

En Venecia, “nosotros pasamos la película y dos días después pasó su película Almodóvar, y antes de la proyección, fue María, la película con Angelina Jolie haciendo de María Callas, la cantante de ópera”, destacando el lugar en el que se encuentra. El productor cinematográfico y guionista reflexionó sobre el enfoque que se debe tener en cuenta al seleccionar festivales, una decisión hecha en equipo que depende del perfil particular de cada película. “Venecia es un festival muy abierto a películas ambiciosas y de escala”, concluyó el productor para Teleshow.

El líder de Nafta es Magamo, cantante, guitarrista y compositor. El resto del grupo está conformado por Abril Olivera y An Espil en coros, Simón G. en teclados, Tomás Sánchez en batería y Bryan Vainberg en el bajo. Su primer álbum, titulado NAFTA, vio la luz en octubre de 2019.

A partir de allí, fueron creciendo en convocatoria y se subieron a los escenarios de los festivales más importantes del país, como Cosquín Rock, Rock en Baradero y Futurock, entre otros. En julio del año pasado editaron el álbum Nafta II, el cual presentaron en el estadio Luna Park. El disco, además, se quedó este año con la estatuilla del Premio Gardel correspondiente al Mejor álbum pop alternativo.

María Figueiras: —Todavía son independientes, incluso, en varias entrevistas dijiste: “La libertad no se negocia”. ¿Cuáles son los pros y las contras de ser independientes?

NAFTA: —Justo “libertad” es una palabra que hoy en día está bastante pisoteada, pero creo que desde la independencia tiene un pro y es que vos hacés las cosas a tu forma. La contra es que ocupás mil puestos. En cambio, una banda que se maneja con una productora, tiene gente que se encarga de determinadas cosas y de cumplir determinadas funciones. Cuando una banda es independiente, todos hacemos un poco todo. Se reparten las tareas y muchas veces, terminás haciendo cosas que preferirías no hacer.

María Figueiras: —¿Cómo lidiás con la frustración cuando sacan un disco?

NAFTA: —Nosotros hacemos las cosas apuntando a lo más alto, dejando todo y diciendo: “Esto es lo mejor que hicimos, es lo más alto a lo que pudimos llegar laburando en equipo”. Y después, pase lo que pase, si quedás atado a lo que la gente espera, nunca vas a satisfacer a todo el mundo. Y ahí quedás preso de lo que esperan de vos y te alejás más de lo que podés llegar a lograr siendo auténtico. Quizás la frustración está más en el proceso de la composición, que es parte de cualquier proceso creativo. Y el oficio te va haciendo saber lidiar con eso. La frustración es una parte fundamental del proceso creativo, porque está al lado tuyo, todo el tiempo, diciéndote: “Esto es malísimo, esto es malísimo... Bueno, esto no”. Afortunadamente, nuestros dos discos fueron muy bien recibidos y fue hermoso.

María Figueiras: —¿De qué forman manejan las críticas? ¿Se blindan como grupo, se cuidan entre todos?

NAFTA: —Sí, la verdad que por el nivel de agresión, violencia y crueldad que se vive en las redes en la actualidad, nos bardean bastante poco. Cuando a veces leés alguna bardeada, tenés que ponerte a hacer el ejercicio mental de decir: “Tengo 10 mil mensajes de gente que dice que le cambió la vida y me estoy obsesionando con uno...”. Y a veces, de loco, entrás a ver su perfil y ves qué le gusta a la persona, lo que él o ella considera, y decís: “Cómo me estoy enroscando con este salame”. Eso pasa con las redes, el anonimato y una envalentonada de ser lo más sanguinario, cruel y lastimoso posible, que me repugna. Pero bueno, es como está el mundo hoy en día. Nadie está acostumbrado a que lo ataquen o lo bardeen, y eso lleva a un proceso de ir fortaleciéndote para que eso no te afecte negativamente.

María Figueiras: —¿Cuál es la fórmula para no caer en las tendencias musicales o lo que está de moda?

NAFTA: —No tenemos que hacer un esfuerzo por eso, porque siempre hicimos las cosas así. Y es el camino natural de las cosas. A veces se te van presentando situaciones nuevas u ofertas de cosas. Y decís: “¿Por qué iríamos a tocar acá?”. Y ahí vas un poco perfilándote en qué cosas decir que “Sí” y en qué cosas decir que “No”. Y eso te va armando una personalidad del proyecto que se va haciendo a medida que se van presentando las cosas.

María Figueiras: —¿Alguna anécdota para compartir de la banda o de algo que les haya pasado en alguna gira?

NAFTA: —Con Tony, el baterista, nos conocemos desde muy chicos, desde el jardín. En 6° o 7° organicé una colecta en la clase para comprarle una batería, porque necesitábamos un baterista. Él no sabía nada, yo tampoco, no sabíamos ni como se tocaba. En ese momento nos gustaba mucho el punk, entonces tocábamos sin saber nada. Pasamos de año, y a los meses, entraron dos pibes nuevos al colegio, los dos eran bateristas, los dos la mataban. Y fue gracioso porque estábamos preparando a un baterista, cayeron dos cracks que terminaron enseñándole. Y Tony terminó siendo un gran batero y un hermano de la vida.

María Figueiras: —¿Cómo se van preparando para sus próximos shows en el Movistar Arena?

NAFTA: —Bien, increíble. Ya estamos ensayando y armando unas cositas sorpresa. Y después, es lo mismo de siempre: tocar, hacer música y compartir con la gente, sin mucho fuego artificial. Es vernos a nosotros tocando los temas, compartiendo lo que pasa entre la gente y la banda es increíble. NAFTA en vivo suena muy bien y ver a una banda en vivo siempre es muy superior a cualquier grabación, a cualquier disco... Lo que te pasa en vivo, no se compara con nada. Incluso, los errores que puedan surgir, la imperfección del vivo. Hoy en día que los discos están hechos tan perfectos, el vivo tiene algo que es único. Y ahora que está pasando esto, no sabemos cuánto va a durar, porque nada es para siempre. Por eso hay que disfrutarlo.

Nacido como Andrés Ceballos, su nuevo nombre artístico tiene un significado muy especial que habla de sus raíces: el “Koi” es un acrónimo que significa “Kids Of Immigrants”, dado que su padre es argentino y su madre, brasileña. Y justamente buceando en esos orígenes es que empezó a dar con el concepto y los contenidos para AIJAG (las siglas de “Andrés Is Just A Game”), su álbum debut como solista.

“En esta búsqueda nueva, yo sabía que quería mantener el ‘Andrés’ porque es mi nombre. Pero ‘Ceballos’ es el apellido de mi padre y la rama artística viene mucho por el lado de mi madre y de mis abuelos también. Entonces, mirando un poco mi árbol genealógico, mis raíces y de dónde vengo, toda mi familia son inmigrantes. Me gusta abrazar eso y poner ‘Hijo de inmigrantes’ en inglés. Me gustó mucho esa idea”, cuenta acerca de su reinicio artístico que lo encuentra entregando un disco de pop fresco, desenfadado y cargado de estribillos.

María Figueiras: —¿Cuándo y por qué decidiste lanzarte como solista?

Andrés Koi: —Tomé la decisión de compartir la noticia a finales de 2022, pero la fui tomando poquito a poco. Creo que la última gira yo ya la sentí como una despedida. No la quisimos anunciar como una gira de despedida, pero fue como tantas cosas en la vida: un ciclo que termina y otro ciclo que empieza. Fue difícil, al principio, la verdad. Porque llevaba tocando con ellos desde que tengo 16 o 17 años. Ahora tengo 31, ha sido media vida. Para mí se completó el ciclo, necesitaba volar solo, hacer mi álbum y arrancar toda una carrera que comienza ahora y que se construye a base de canciones, de trabajo y de algo muy importante que es estar a gusto donde estás. Porque sino, es insostenible. Me tuve que reconstruir un poquito, ¿no? O sea, agarrar las piezas y volverme a formar hasta mi propia identidad. Es muy curioso, uno a veces pone mucho de la identidad de uno mismo y de la autoestima de uno mismo en el trabajo.

María Figueiras: —En Japón una de las cosas que aprendiste es esta filosofía de vida, de que las cosas cuando se rompen, las agarrás y las recomponés con oro. ¿Cuál fue tu oro para recomponerte y volver a empezar?

Andrés Koi: —La terapia. El autoconocimiento, el preguntarse las cosas, el no dar las cosas por hecho, el empujar tú el barco para saber lo que pesa, eso es muy importante. Hablar, trabajar, escribir mucho. Yo escribo mucho, todos los días. No solo canciones, es mi forma de sacar las cosas, de frenar ese cerebro más lógico, más analítico. El escribir un disco también fue muy terapéutico para mí. Cada canción representa una etapa de mi vida.

María Figueiras: —En tu canción “La buena vida”, vos hablás de que las cosas buenas de la vida son más sencillas de lo que uno cree, y contás que antes le dabas mucho valor a lo material y no tanto a lo que sentías...

Andrés Koi: —Sí, todo engloba un poquito ese mensaje: del ser, del tener, el hacer, de todo eso. De la identidad, de lo que soy y de lo que me agarro para sentirme como soy. Es un disco bastante reflexivo, pero que llega en un momento de mi vida que he estado pasando ahí. Ya estoy escribiendo canciones nuevas y tengo cosas nuevas que contar, pero este disco refleja esa etapa en la que he transicionado.

María Figueiras: —Arrancaste muy chico, ¿en algún momento se te subió la fama a la cabeza?

Andrés Koi: —Pasan cosas que yo creo que tu cerebro no está preparado para que pasen. Y pasa demasiado rápido. Yo creo que nunca he sido un gillipollas (NdR.: necio o estúpido). Me gusta tratar bien a todo el mundo, nunca he sido una persona maleducada ni nada de eso. Me gusta generar un buen ambiente, es una prioridad, pero creo que muchas veces no he valorado lo que hay alrededor. Lamentablemente, uno aprende equivocándose. Lo bueno de haber empezado joven es que sigo siendo joven. Tal vez no tan joven, pero relativamente sí. Y ya me ha dado una experiencia haber estado en una banda que se ha movido mucho por bastantes países. Puedo seguir equivocándome, pero ya conozco algunas cosas.

María Figueiras: —¿Pensás que dejaste pasar alguna oportunidad con esto de no tener experiencia?

Andrés Koi: —¡Qué va! Al revés, me he subido a todas. Me ha costado dejar pasar oportunidades. Es esto del FOMO (NdR: del inglés, Fear of missing out o temor a perderse algo), sufría más de eso, de no querer perderme nada. Y eso hace que no mires nunca hacia adentro y no estés tan conectado con lo tuyo. Al final, el ejercicio del artista tiene muchísimo que ver con frenar y tener una parte muy reflexiva para saber qué quieres proyectar.

María Figueiras: —Ahora que sos solista, ¿cuáles han sido los mayores desafíos y oportunidades?

Andrés Koi: —Yo siempre he escrito mis canciones, desde que tengo 16 años. Sigo siendo yo, contando mi vida, pero es verdad que la vestimenta, la producción, el estilo, la estética, el nombre... Todo eso ha sido un reto. He tenido que confiar muchísimo en mí, que lo íbamos a lograr, sacar ese disco adelante. Había muchas dudas, mucha incertidumbre, mucha gente que desapareció, que decidió mirar hacia otro lado. Cuando tú más necesitas ayuda, hay mucha gente que desaparece. Eso sirve para filtrar, para saber quién quiere estar contigo y quién quiere solamente pegarse al éxito cuando aparece. Había muchos aprendizajes en el camino.

María Figueiras: —¿Qué esperás que descubran tus nuevos y tus viejos fans con tu reciente música?

Andrés Koi: —Es empezar otra vez. Es tener una mentalidad de cinturón blanco, de volver a arrancar... Es verdad que mucha gente sí está ahí, que estaba ahí porque conectó con mi voz, con mi forma de escribir. Hay gente nueva que se suma, todos los días, gente que va descubriendo el mensaje, la identidad. Pero entiendo que lleva tiempo. Hay que ser insistente, seguir sacando música y encontrar esos huecos en los que pueda decir y transmitir algo. Habrá gente que venga de la época pasada, gente que no. Y también mucha gente que no sepa ni qué es Dvicio y que me conozca recién ahora. Y eso me gusta.

María Figueiras: —¿Sentís que hay una presión por adaptarte a las tendencias musicales?

Andrés Koi: —Pues, lo sentía más antes. Ahora no me afecta tanto. Quizás hace 5 años sentía más esa presión. Pero este álbum ha sido de hacer lo que necesitaba contar, de ir hacia adelante y el que se lo crea y me quiera apoyar, vamos con todo. Pero no ha habido ninguna presión sobre estilos musicales ni nada de eso.

María Figueiras: —¿Cómo buscás tu sonido?

Andrés Koi: —Haciendo muchas canciones, la verdad. No me quedo con ganas de hacer nada. Con ellas fui disipando las dudas.

María Figueiras: —¿Cuál es la diferencia más grande que ves en la música que hacías antes y la que hacés ahora?

Andrés Koi: —A nivel musical, lo noto en los arreglos. La banda de ahora he metido metales, hay saxo, hay trompeta... Luego, la banda son casi todas mujeres, entonces hemos hecho una mezcla musical muy interesante. Siento que todavía, a día de hoy, la música que hago es más autobiográfica todavía. Yo cuento mi vida para conectar con la vida de la gente. Una señora me dijo una vez: “Te has convertido en ‘Yo, yo y yo’”. Y le dije: “No, no es por ahí. Yo estoy contando mi historia porque todo el mundo vive una transición en su vida. Y es para intentar inspirar”. Yo contando lo mío me autoayudo, pero también puedo inspirar a gente que está pasando por su proceso. Y eso es lo bonito.

Fotos/Candela Teicheira.

En el 2019, junto con el elenco de aquella serie, realizó muchos shows en el Teatro Ópera, también en el Luna Park, además de una gran gira nacional e internacional que se vio interrumpida por la pandemia. Pero fue justo en ese momento de confinamiento en que El Purre encontró un espacio para desarrollar su faceta más musical y empezó a componer sus primeras canciones.

Así vio la luz “Enamorado”, su primer single, el lanzamiento de su carrera musical. El tema sería precedido por una serie de canciones hasta derivar en su primer EP, en el año 2023. Y en abril de este 2024 vio la luz su primer álbum, titulado Nuestro Truman Show, el cual cuenta con artistas invitados como Coti Sorokin y Jaime Ramona.

María Figueiras: —¿Cómo fue arrancar en el mundo del entretenimiento a una edad muy temprana?

El Purre: —Fue hermoso arrancar a trabajar desde tan chico. La verdad es que yo pintaba para hacer otra cosa en mi vida. Me había anotado para estudiar Arquitectura en la UBA. Cuando terminé el colegio estudiaba teatro y tocaba la guitarra, pero al empezar la carrera dije: “Quiero hacer otra cosa”. Y me acuerdo de que ese año empecé a estudiar producción de televisión, pero duré dos meses en la facultad. Yo no quería hacer producción, quería estar adelante. Entonces dejé. Le dije a mi vieja: “Estoy para actuar, para cantar”. No tenía bien claro lo que quería, pero sabía que era por ahí. Así fue que empecé a hacer castings, hice un par de publicidades... Mi primer trabajo fue a los 18 y fui creciendo. Hace como 9 años que estoy laburando y es un montón. Para mí voló el tiempo.

María Figueiras: —¿Recordás algún momento significativo?

El Purre: —La bisagra a nivel visibilidad fue Go! Fue un antes y un después, porque la serie era 360: teníamos shows en vivo donde cantábamos y bailábamos, y tuvo dos temporadas a las que les fue espectacular.

María Figueiras: —¿Sentiste alguna vez, después de estos 9 años de carrera, que quizás soportarte cosas que hoy en día no callarías?

El Purre: —Mi familia no es del medio, entonces yo no conocía el ambiente. En ese sentido, para mí era todo nuevo y muy divertido: era como estar en Disney, una locura. Siento que viví cosas que no estaban en mis planes y por eso me sorprendía de todo lo que me pasaba: los laburos, los viajes... Para mí la vida del actor, que ahora se me combina con la de músico, es como un electrocardiograma. Hay veces que estás con mucho laburo, pero después se termina un proyecto, y hasta que no viene el próximo, estás en tu casa esperando que salga lo que hiciste. O nada, vagueando.

María Figueiras: —Pasaste de ser un actor de tiras juveniles a tener otra faceta, ¿cómo fue despegarse de esa imagen?

El Purre: —Yo siento que renegar de eso es una lástima. Porque al fin y al cabo yo estoy acá sentado gracias a todos esos proyectos. También pasa que uno empieza a quedar afuera de esos proyectos por la edad. Porque ya no doy para hacer de un pibe de 18. Ya robé un montón de tiempo: hasta los 25, 26 hacía de un pibe de 18, pero en un momento se corta. La bisagra se da por la edad y también por los proyectos de los que uno es parte. Este año se estrena el proyecto más importante del cual fui parte, que es la serie de Cromañón. Y creo que ahí hay un cambio en la temática, por ser un hecho histórico que ocurrió en la Argentina.

María Figueiras: —¿Te contactaste con los familiares para la serie?

El Purre: —Tuvimos un montón de charlas con sobrevivientes que formaron parte también de la escritura a la hora de escribir la serie. Fueron meses de mucho laburo donde yo dije que… yo creo que es el primer proyecto que me pasó de terminar de trabajar y llevármelo a casa. Como que era muy difícil de soltar, muchas veces, porque era muy duro. Para mí fue un antes y un después. Más que en mi carrera, en mi vida.

María Figueiras: —Este año sacaste tu disco. ¿Qué importancia le das al feedback del público?

El Purre: —Obviamente, hago canciones para que las escuche la mayor cantidad de gente posible. Igual creo que perdí un poco el conocimiento de qué es lo que quiere escuchar la gente, sino más lo que quiero escuchar yo. A este álbum lo siento superhonesto y la gente también lo recibió mucho mejor que a la música que había sacado antes, que era más: “Hay que hacer esto porque es lo que funciona hoy en día”. Creo que este disco tiene mucho de José.

María Figueiras: —¿Sentís una presión por mantener las expectativas ajenas o un tipo de imagen?

El Purre: —No sé si siento presión porque yo creo que podría desaparecer, en el sentido de cerrar mi Instagram, y si no quisiera dedicarme más a esto, no pasa nada. Va a haber otro que me reemplace. Creo que la presión me la pongo yo. Mis ganas de salir a tocar enfrente de cada vez más gente, que mi música llegue a más personas, o tener desafíos actorales que sean cada vez más desafiantes. Pero a mí no me come qué es lo que está esperando la gente de mí. Sí, me dan ganas de cumplir con sus expectativas, no es que me da lo mismo. Pero siento que si mañana no me quisiera dedicar más a esto, lo puedo hacer.

María Figueiras: —¿Cómo lidiás con la fama y la atención del público?

El Purre: —Ya me acostumbré, pero obviamente al principio es un flash que te pidan una foto... Cuando salió Go!, salía a la calle y lo sentía todos los días. En las redes también. Por primera vez pensé: “No puedo salir y pasar por la puerta del colegio a las cuatro de la tarde”. Pasé una vez y no me podía ir...

María Figueiras: —¿Qué consejos les darías hoy a los jóvenes que quieren arrancar?

El Purre: —El mismo que me dieron mis papás: uno tiene que prepararse para ser el mejor. No importa si no lo es, pero sí estar tranquilo de que uno se preparó y dejó todo para ser el mejor. Eso fue lo que me dijeron mis padres el día que dejé la facultad y les dije que quería dedicarme a esto. Me dijeron que me tenía que preparar y estudiar. Y eso fue lo que hice.

Yami nació en 1997 en el seno de una familia tipo (mamá, papá y hermano menor) en la que nadie se dedica a ser artista. Y como muchas de su generación, su infancia estuvo marcada por la banda sonora de las películas de Disney. De preadolescente se hizo fan de los Jonas Brothers y, en paralelo a ese momento, asistía a clases de comedia musical. De más grande también estudió música en un conservatorio. Cuando tenía 15 años subió su primer video a YouTube, cantando en la playa con una amiga, y pegó 100 mil reproducciones. Ese fue su primera gran exposición, algo que hoy ya vive con suma naturalidad.

“Yo soy muy nerd, me gusta mucho estudiar. Desde los 3 años yo ya cantaba: mi mamá decía que las maestras notaban que no era tan común que una nena se sepa todas las canciones y cante todo el día. Me fluía desde siempre”, contó Safdie a Teleshow, quien además es licenciada en Artes Escénicas. Y siguió:

María Figueiras: —Y el apoyo de la familia siempre es fundamental...

Yami Safdie: —Sí, yo estoy realmente muy agradecida, tuve mucha suerte con la familia que me tocó. Ellos veían que era lo que a mí me gustaba y me apoyaron. También me acompañaban a castings y todo... Obviamente, cuando estaba terminando el colegio aparecieron esos miedos típicos de los padres del tipo: “¿De qué vas a vivir? Bueno, capaz un plan B”... Pero siempre me apoyaron un montón y todavía lo siguen haciendo. Mi viejo trabaja conmigo en la parte legal y las finanzas, mi mamá me hace la ropa.

María Figueiras: —¿Te acordás cuál fue el mayor desafío que tuviste?

Yami Safdie: —¿De toda mi carrera? Y yo creo que fue cuando tuve que tomar la decisión de jugármela y empezar en serio. A mí me gustaba cantar y quería dedicarme a eso, pero no lo hacía del todo. Lo primero que hice cuando terminé el colegio fue anotarme en producción de espectáculos, que tenía algo que ver, pero no era exactamente lo que quería. Entonces yo estaba estudiando eso, pero no me sentía feliz. “Yo no quiero estar atrás del escenario, yo quiero estar arriba”, pensaba. Y un día tuve que sincerarme conmigo misma y cambié de carrera, empecé a subir contenido a las redes, me lo empecé a tomar en serio y ahí es como que cambió todo.

María Figueiras: —¿Cómo te sentís hoy en día con todo?

Yami Safdie: —Bien, feliz. También siento que queda un montón de camino por recorrer, pero miro hacia atrás y digo: “Guau, logramos un montón de cosas”. Fueron muchos años de estudiar y de subir TikToks todos los días, que parece una boludez, pero era trabajo. También a veces subís un video que no lo ve nadie y te sentís desmotivado, pero tenés que seguir, seguir, seguir, sacar canciones. Y de a poco todo se fue dando. Hoy estoy viviendo la vida que soñé siempre.

María Figueiras: —¿Cómo te llevás con exponer tus sentimientos en una canción?

Yami Safdie: —Me gusta. Lo disfruto. Al principio me costaba un poco porque son como un diario íntimo. Realmente mis canciones son casi todas 100% reales. Al principio te estás abriendo un poco, pero ahora me encanta. Y cuanto más sinceras son, más me gusta, porque ahí es donde más fácil llegás al otro, porque todos vivimos cosas más o menos parecidas, creo. Entonces, cuando escuchás una canción de algo que me pasó a mí, capaz decís: “Ay, a mí también”. Y eso para mí es lo más lindo de la música.

María Figueiras: —¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Tenés algún ritual por detrás? ¿Qué importancia le das al feedback de tus seguidores?

Yami Safdie: —Me gusta subir ideas de canciones que no están terminadas, es algo que no se estila tanto, no es tan común, pero es algo que me gusta hacer a mí. Cuando escribo algo que me gusta mucho, digo: “Esto lo tengo que subir ya”. Si veo que mucha gente conectó y lo disfruta, obviamente me voy a apurar para sacar ese tema lo antes posible. Si veo que capaz no tanto, si a mí me encanta la voy a sacar igual, pero capaz con menos apuro. O la meto en un disco. Me gusta usar como termómetro lo que mis fans quieren y me piden. Con respecto al proceso creativo, me encierro en un estudio chiquitito que tengo en mi casa, agarro un instrumento, que puede ser el piano o la guitarra, o pongo un beat de Internet, y me pongo a fluir en ese momento, a ver qué tengo ganas de decir.

María Figueiras: —¿Qué tan importante es para vos transmitir autenticidad?

Yami Safdie: —Para mí es todo y es lo que hizo un quiebre en mi carrera, también. Esta canción “De nada”, que fue la primera que se hizo viral, fue cuando realmente no me puse ninguna traba, no quise parecerme a nadie. Estaba enojada ese día con mi ex y escribí una canción desde lo más sincero y hasta con un toque divertido, irónico, sin querer ser solemne ni nada de eso. Y ahí es donde pasó eso que te decía antes, que la gente más conectó y vibraron con eso. De hecho, hace poco volví a hablar con mi ex, con quien tenemos la mejor, ahora ya pasó mucho tiempo, y él se caga de risa también. Y me dijo: “Está muy buena tu música, es un poco cruel, pero está buenísima, te felicito”. Para mí ser auténtica es todo, pero no solo en mi caso, sino en todos los artistas que escucho. Yo creo que se siente cuando son sinceros.

María Figueiras: —¿Te sentís acompañada por los nuevos artistas que hay?

Yami Safdie: —Re sí, estoy contenta, la verdad. Creo que es una escena supergenerosa la que se armó en Argentina. También llevó un tiempo darme a conocer, pero una vez que los empecé a conocer a todos, son todos superbuena onda y creo que también por eso todos están en el lugar que están. Yo creo que es difícil ser exitoso si no sos buena gente.

María Figueiras: —¿Qué consejos le darías a la gente que está arrancando?

Yami Safdie: —Les diría que sean auténticos, que exploren, que busquen lo que realmente tienen adentro, porque todos tenemos algo único con lo que venimos.

“Es bastante frustrante saber que te querés dedicar a algo que es muy difícil. Por suerte a mí siempre me gustaron muchas cosas y fui siempre muy proactiva. Y me gustaron, no solamente cosas, sino que las llevé a cabo. Soy licenciada en Relaciones Públicas. Y siento como que todo eso lo hice por el miedo a que no me vaya bien. Era como bueno, listo, vamos a dibujar mi universo… Un ‘plan B’ de un montón de ‘plan B’. Nunca entré a una oficina”, dice a Teleshow.

En esa especie de “Plan B” estaba Olivia cuando, en 2014, comenzó a trabajar en una agencia que la convirtió en cara de reconocidas marcas nacionales e internacionales. Sin embargo, dos años más tarde, le dio cauce a lo que ella considera su verdadera pasión: cantar. Así, durante dos temporadas fue la cantante de Acantilados, banda de cumbia pop. Para 2019 irrumpió como solista con la canción “Se nos hizo tarde”. Y a partir de allí, cuenta con un rosario de singles, algunos para su proyecto personal y también colaboraciones con artistas como Acedera, José Sonner y Wildo Samuel.

Lo más reciente de su cosecha es “Temporada de canciones tristes”, “¿Qué vas a hacer hoy?” (en su versión eléctrica y también acústica) y “En la cara”, todas editadas en lo que va de este año y, todas, con un videoclip. “Negociar que una canción que no tenga videoclip, que sería como ilógico en cualquier caso, es porque no quiero que esa canción tenga tanta notoriedad, porque me da vergüenza todavía hacerme tanto cargo de lo que digo”, explica.

Actualmente, Wald reparte sus días entre Argentina y México. “Creo que el haberme abierto musicalmente a México me ayudó a no tener tanta ansiedad por encajar en cierto sonido. Allá hay más diversidad de sonidos. ‘En la cara’ que es un pop rock que salió hace poco, ahora está cuarta viral en Argentina y es una canción que no tiene nada que ver con lo que usualmente escuchamos en Argentina. Y para mí eso fue una manera de asegurarme que está buenísimo seguir mi propio camino y no hace falta estar haciendo reggaetón para que a la canción le vaya bien porque cuando la letra es algo con lo que el público puede conectar es como que va por ahí”, explica sobre la necesidad de adaptarte a las tendencias musicales.

María Figueiras: —¿Cómo describís tu proceso creativo?

Olivia Wald: —Va cambiando. Son muchísimos años. Yo escribo canciones desde que tengo 10 años. Hoy en día compongo desde la improvisación, tanto en el estudio, como sola en mi casa, y es como la manera que encuentro de que el inconsciente me explique lo que estoy sintiendo y quiero decir y después construyo desde ahí, no es que todo sale y fin.

María Figueiras: —¿De qué manera recibís y manejás las críticas?

Olivia Wald: —Me tiran mucho hate hace muchísimos años. Antes de sacar mi propia música estaba mucho en Instagram. Me criticaron siempre mucho. La verdad es que me afectó en ese momento, hoy no me interesa. Son críticas de: “No me gusta como cantas”; “No entiendo como respiras con tu nariz”; “Quién te hizo mal la rinoplastía”. No son críticas dolorosas y, además, se hacen por redes sociales. En persona nadie te lo viene a decir.

María Figueiras: —¿Y cómo fue esto de cambiar, de ser independiente a firmar con una discográfica grande?

Olivia Wald: —Yo tengo una obsesión laboral intensísima, es muy difícil trabajar conmigo y ahora tenemos un equipo gigante. Para mí fue un proceso muy difícil. Ceder. O sea, yo prefiero armar mis propias estrategias de marketing a que me digan, tenés que decir esto me… no me gusta, estoy tratando de trabajarlo, siento que estoy mejorando un montón. El mayor desafío fue poder hacerme cargo de mi proyecto y defenderlo queriéndolo porque nosotros por ahí, cuando ya escuchamos música, vemos como alguien que formó algo y le gustó, pero en realidad somos personas que escuchamos música, que nos gusta cantar y que tratamos de armar un proyecto atrás de… nada, una vida normal de alguien que canta.

Con pequeños hits como “Ya pasó”, “Tu geografía”, “Jullie” y “Casi desangelados” se hicieron aún más fuertes en la escena que proponía un recambio en el rock argentino y, en 2014, se alzaron con un premio Gardel al Mejor Álbum Artista Pop. Con el impulso que les dio y presentaciones cada vez más grandes (incluyendo funciones en teatros como el Ópera), comenzaron a componer el sucesor de su debut.

Así, en 2017 redondearon Asfalto, disco que produjeron junto a Coti Sorokin y Diego Uma, de Babasónicos. Si hubo casi cuatro años de distancia entre el primer y segundo trabajo, para el tercero no esperaron tanto. Así, con “Perdiendo la Cabeza”, editado como single en octubre de 2018, en los primeros meses de 2019 salió Besos en la espalda, su hasta ahora último álbum, el cual presentaron oficialmente en el Teatro Vorterix.

En 2020, pandemia mediante, lanzaron tres canciones: “Todas Las Flores de Enero”, “No te Quedes Solo” y “Fobia”, las cuales se esperaba que formaran parte de un futuro disco. Sin embargo, en 2021 Vitola decidió apostar por su carrera solista. En silencio, sin avisarles nada su público, el recorrido de la banda quedó en pausa. De la misma manera y sin que nadie se los pidiera, volvieron al ruedo en mayo de este año. Con dos shows sold out en Niceto Club y el estreno de la canción “Cristal”, Indios regresó con la misma energía y en busca de nuevas aventuras. Y se espera que en lo que queda de este 2024 aparezca un nuevo disco.

María Figueiras: —Ustedes son de las de la banda más importante del rock-pop de Argentina. Se separaron por un tiempo, ¿por qué lo decidieron? ¿Pensaron que iba a durar tanto?

Indios: —Creo que a todos nos hizo muy bien. Las dinámicas que no nos hacían bien o que fueron como en un tiempo pasado, fueron un problema, por así decirlo, y son desafíos a superar en esta nueva etapa. Por otro lado, es como nuestra casa, también la banda Indios. Entonces un poco fue volver a casa.

María Figueiras: —Fue algo así como, nos tomamos un tiempo y después volvemos, como si nada hubiera pasado.

Indios: —Creo que el vínculo de banda es como un matrimonio de seis personas. Es más parecido a la pareja que a la amistad, en el sentido de que hay mucho corazón. Hay algo muy valioso que es la banda y que es muy sensible y frágil.

María Figueiras: —¿Cómo hacen para equilibrar los proyectos personales con la banda?

Indios: —Yo pienso que es todo. Es un caos, así que también hay que abrazarlo. Cuando te preguntan: “¿Cómo encontraste el equilibrio?”. Perdiéndolo. En realidad ya está perdido. Es cuestión de disfrutar el caos.

María Figueiras: —¿A ustedes les pasó que cuando tuvieron su pausa se dieron cuenta de todo lo que habían logrado?

Indios: —Y, a veces, ese loop eterno no te permite frenar la pelota y decir: “Che, ¿estamos bien? ¿Vos estás contento, vos te sentís bien en tu lugar? ¿Te gusta lo que estamos haciendo?”. Es como no hay que hacer otra cosa, hay que hacer un show, hay que sacar un disco, hay que irse de gira, hay que y a veces te perdés en eso.

María Figueiras: —Y con estas nuevas bandas que surgieron cuando ustedes estaban en su tiempo, ¿sienten una nueva competencia?

Indios: —Naturalmente pasa que nos admiramos entre todos. O sea, podemos nombrar a los Bándalos Chinos, a El Zar, que son gente con la que estamos, Silvestre y La Naranja, son todas bandas que nos ven y estamos abrazados con una sonrisa. Siento que, si pasa eso, está buenísimo porque también te sentís menos solo. Es re importante tener a un colega y decir: “Che...”. En el fracaso, por decir entre comillas, estamos todos igualados.

Luego de varios singles y un ep que coquetea con el jazz, el rock y el R&B, en noviembre de 2023 lanzó su primer disco titulado Cultura Famélica. Se trata de un trabajo experimental en el que fusiona distintos géneros musicales como el rock, el punk y el metal de los 90, sumado a matices de hip hop, jazz y soul que siempre caracterizaron a sus versos, los cuales resaltan por su humor y su asertividad.

En marzo pasado presentó el trabajo en la sala La Tangente a lleno total y le sirvió como punto de partida para una pequeña gira de presentaciones que la llevarán por La Plata (el 15 de septiembre) y culminará en Niceto Club el próximo 9 de diciembre.

En paralelo, sigue engrosando su repertorio. Luego de “Keep it Stupid”, hace unas semanas lanzó el single “No busco el hit”, compuesto y producido junto a nan Q. Se trata de un pop rapeado lleno de ironía y sátira que adelanta lo que será su próximo trabajo.

La canción fue editada un videoclip, dirigido por Sofía Tau, el cual se revela como una pequeña película de terror clase B en la que se homenajea a una figura de la cultura pop bizarra nacional como es Ricardo Fort. El recordado mediático sirve como una suerte de metáfora para señalar la conexión con el disfrute más allá de los prejuicios, tal como la canción que invita a despojarse de todo tipo de inhibiciones.

Antes de convertirse en FEMI, Agnes se recibió de abogada. “Arranqué estudiando Derecho por una cuestión de mandato, porque fue lo que hizo mi papá; pero el dibujo, el canto y el humor siempre fueron mi vida. También me gustaba mucho la docencia, las Ciencias de la Educación y Filosofía. Creo que cuando uno tiene una vocación se termina colando en lo que uno hace, por más que uno no esté buscándolo. En ese contexto, mientras estaba estudiando, pensaba: ‘¿Cómo puedo hacer para que esto que aprendí sea una canción?’. Me parecía injusto que yo me enterara en la Facultad de cosas que tenían que ser de público conocimiento. Así empecé a hilar lo que iba aprendiendo con hacer una canción o un chiste. Y así me conoció la gente: por hacer un video sobre ‘Qué hacer cuando te quieren allanar tu casa’ o ‘Qué hacer cuando te detienen’. Yo hacía canciones sobre eso”, contó a Teleshow.

María Figueiras: —Tus letras por lo general tienen mucha data.

FEMI: —Creo que la forma en que escribo es un sello personal. Creo que hay que empezar a hacer música que no subestime a la audiencia. Creo que está bueno proponer algo distinto y que el otro se tenga que esforzar para entenderlo. Creo que hago música para gente que quiere divertirse, pero también para los que quieren pensar un poco más o tener otras propuestas.

María Figueiras: —Cuando frenás la pelota y ves todo tu camino recorrido desde ese momento hasta ahora, ¿qué sentís?

FEMI: —Yo me siento... A veces no me doy cuenta, de hecho no sé, la primera vez que ves a una persona que canta de punta a punta una canción tuya a los gritos, decís… Todo está tan acelerado que está bueno frenar un poco y decir: “Bueno, ¿estoy bien? A ver…”. A mí me pasa que, en lo personal, soy muy obsesiva y marco mi ritmo porque soy independiente. Al mismo tiempo, ser independiente implica el cansancio de que cubrís muchas áreas. O sea, uno pone todo en su proyecto, y va viendo que hay una recompensa, y la recompensa también es muy grande para uno. Veo gente que se acerca a colaborar, o cuenta que le gustó el disco, y me pone chocha. Es enorme la satisfacción.

María Figueiras: —¿Sos vulnerable a la opinión ajena?

FEMI: —Un poco y un poco. La gente muchas veces ama aquello a lo que le va bien y a lo que está en proceso. Es más fácil desquitar la ira ahí. Hay una lógica que es bastante dispar, en la que se espera más de las artistas femeninas que de los masculinos. Y, en general, se presume que si una artista mujer hace algo, no hay un significado profundo detrás. Se espera que la mujer sea linda, a la vista, que sea agradable de ver, que la mujer no opine políticamente, que la mujer baile, que esté vestida en pollera y haga una coreografía. Se espera, que llene ese lugar, ese espacio. Después, si vos querés ser algo más que atractiva, vas a tener problemas. Vas a tener trabas, vas a tener odio, vas a tener… a la gente ya no le cae tan bien.

Dos años más tarde y con cierto rodaje por el circuito bonaerense y porteño, aumentaron el repertorio con el disco Bandera, el cual produjeron junto al baterista Guillermo Salort. Y sin dudas abrieron un portal hacia otro lado con canciones más maduras y en donde se dejaron llevar por cierto aire synth-pop. Impulsados por sus propias composiciones, aumentaron su radio de acción a través de distintas giras por el interior del país y apariciones en los festivales más grandes, como el Lollapalooza, Cosquín Rock, Harlem y La Nueva Generación.

La quietud de la pandemia no les aminoró la marcha, ya que aprovecharon para redondear su tercer álbum, titulado Los años futuros, donde exploraron nuevas sonoridades con texturas industriales. Al año siguiente, la placa quedó nominada como Mejor Álbum Rock Alternativo en los Premios Gardel y además participaron de dos importantes homenajes: por un lado, del tributo a Gabriel Ruiz Díaz de Catupecu Machu; y por el otro, de los 20 años del disco Jessico de Babasónicos, para el cual aportaron una singular versión de “Atomicum”.

A finales de 2022 editaron su cuarto álbum de estudio, Fuera de lugar, con el que además de revalidar sus credenciales locales, también viajaron por primera vez a destinos como Uruguay, Chile, Perú, México y Costa Rica. Lo último de 1915 hasta el momento son los singles “Resaca” y “Noches de la luna”, adelantos del álbum que verá la luz en algún momento de 2024.

María Figueiras: —¿De qué manera deciden qué camino tomar?

1915: —Se va dando más que nada por la dinámica de trabajo más que por decisión artística creativa. La grabación de singles te permite ser más flexible con la agenda y requiere menos tiempo de estudio. Y está el plus de que a cada canción le podés dedicar más energía y meterte en cada pequeño detalle que, si tenés que grabar 10 canciones en cierta cantidad de tiempo, es otra cosa. Es una decisión de ir paso a paso, dedicarle tiempo a cada canción, que cada canción sea un experimento nuevo. Y también poder grabar mientras nos vamos de gira y no tener que detenernos, dejar de tocar. Poder hacer todo al mismo tiempo, esa es la idea.

María Figueiras: —¿Cómo resuelven cuando hay alguna diferencia?

1915: —Democracia. Lo único malo es que somos cuatro y entonces, a veces, necesitamos un externo que nos desempate. Y si no a las piñas (risas).

María Figueiras: —Leí que en su disco de 2022, Fuera de lugar, hay referencias a un mundo “careta y superficial” y a la búsqueda de identidad en un mundo cambiante. ¿Vivieron alguna vez situaciones en donde se sentían parte?

1915: —Toda la industria de la música y del mundo, como está, tienen esa cosa de fachada. Es un disco rebelde porque canta en contra de eso. Habla de sacarnos las caretas, básicamente. ¿La pregunta es si sentimos algo de eso?

María Figueiras: —Sí, si se basaron en alguna experiencia personal para escribir las letras de las canciones o para hacer el disco en general. ¿En el ambiente musical existe tal caretaje?

1915: —Sí, siempre sentimos que somos la oveja negra, por la música que hacemos, por nuestras personalidades, por nuestra identidad como grupo. Eso no quiere decir que no tengamos afinidad con un montón de gente en esta industria y en la vida. Hay un montón de ovejas negras y por eso hicimos el disco con el significado que lo hicimos, porque queríamos apelar a esa sensación de ser distintos y de aceptarlo y no forzar una normalidad impostada.

María Figueiras: —¿Siempre se sintieron así, desde el principio?

1915: —No, no, creo que nos fuimos dando cuenta con el paso del tiempo. De algún modo también es un tópico o un principio para poder revelarnos y buscar un nuevo sonido. Gracias a ese concepto, el disco ganó más fuerza.

Cuando tenía 12 años comenzó a subir videos a las redes sociales haciendo covers de sus artistas admirados. Con sus imitaciones de Justin Bieber fue con las que adquirió mayor notoriedad, lo que la impulsó a hacer sus primeros shows, algo que logró de manera autogestiva.

En 2016, y con cierto rodaje encima, su carrera dio un vuelco cuando editó su primera canción original, compuesta por ella junto a su amigo Federico Gómez. Se trataba de “No Intentes regresar”, lo que sería el primer adelanto de su álbum debut. Meses después, salió “Volver a creer”, segundo sencillo del disco y que sería utilizado como cortina musical de la novela Amar después de amar, la cual protagonizaron Mariano Martínez e Isabel Macedo. Así se fue cimentando el camino hacia 1998, su disco debut, que vio la luz en septiembre de 2017.

A partir de 2018 y hasta hoy, Valen editó una serie de singles con los que fue experimentando y abriendo su sonido. Desde “Lento” hasta “Ponte mala”, su canción más reciente que vio la luz a fines de junio, la cantante mostró una amplia paleta de colores, texturas y posibilidades con las que su música está madurando, y la muestran más sólida de camino a su segundo álbum.

María Figueiras: — Arrancaste de chica, haciendo videos de skate en redes. Después utilizaste estas plataformas para demostrar que también podías cantar. ¿Qué diferencia ves en las redes de antes y las de ahora?

Valen Etchegoyen: — No sé si veo una diferencia. Sí es cierto que en esta cuestión de querer exprimir todas las redes sociales, cada vez tenemos más plataformas. Antes se mostraba todo un poco más genuino, los filtros eran distintos, no había tanta posibilidad de mostrar un mundo en el que todos somos felices o en el que tenemos una vida perfecta. Antes llenabas un estadio o un teatro porque tus temas se escuchaban en la radio. Hoy, si no metés publicidad en las redes sociales es difícil.

María Figueiras: — ¿Vos sentís esta presión?

Valen Etchegoyen: — Sí. Antes, la música no era tan accesible. Era más difícil “quemar” un tema. Hoy, en cambio, tenés un tema en todas las plataformas digitales: YouTube, TikTok... Entonces dura menos. Fijate que las canciones de hace 20 años se siguen escuchando, porque llevan otro sentimiento o cierta nostalgia. Incluso, cuando yo arranqué, las canciones todavía duraban cuatro minutos; ahora son de dos. Y TikTok te sube de un minuto. Entonces como que cada vez tenés que hacer más trabajo para algo más corto.

María Figueiras: — Si tuvieras que hablar con la Valentina de 14 años, ¿qué le dirías?

Valen Etchegoyen: — Que no deje el skate y que todo se soluciona. Hay una frase muy cliché, que dice que todo se soluciona con el tiempo. Yo creo que es así, pero para mí, todo se soluciona con lo que uno hace en el tiempo. Así que a mi yo del pasado le diría se quede tranquila, que todo va a estar bien.

María Figueiras: — ¿Cómo manejás las expectativas en tu carrera y en tu vida personal para evitar la desilusión?

Valen Etchegoyen: — Lo que hago para no desilusionarme es trabajar, hacer y estar constantemente en movimiento. Y más en un mundo donde hoy en día te quedás. Y más en la ciudad en la que estamos, que es la famosa Ciudad de la Furia. Si no te movés, te come.

María Figueiras: — ¿Qué rol juega la música en tu bienestar emocional y mental?

Valen Etchegoyen: — Desde los 11 años hasta hace dos años, yo… Mi vida la conocía bajo estupefacientes. Entonces cuando digo que la música a mí me salvó fue porque de a poco, con cada una de las experiencias que me dio, tardó. Pero hoy en día soy joven, tengo 25 años y estoy limpia. Estoy consciente, estoy contenta y me siento plena.

María Figueiras: — ¿Cómo fue crecer con tanta exposición?

Valen Etchegoyen: — Siento que me terminó afectando más de grande. De chiquita yo estaba viviendo una fantasía, un sueño, que ni siquiera fui capaz de soñarlo. Me di cuenta de que era un sueño cuando lo estaba viviendo. Entonces siento que me terminó afectando “de grande”. Cuando maduré, me bajó toda esa información y, después de los 18 o 19, hice como un “parate” y me distancié un poco. Estuve dos o tres años distanciada de todo esto y decidí vivir un montón de cosas que me hicieron entender y bajar un poco más a tierra. Y hoy en día vuelvo a todo este mundo por decisión propia, entendiendo cómo funciona y respetando también cómo van pasando las cosas.

María Figueiras: — ¿Sabés lo que te distingue, lo que te hizo llegar hasta acá?

Valen Etchegoyen: — Yo creo que mi seguridad. Desde muy chiquita fui muy segura de lo que hacía, de lo que me gustaba, de lo que quería, de lo que quería ser y hacer sin siquiera entender lo que era juzgar, lo que era señalar al otro. Desde muy chiquita sé que me gustan las mujeres sin siquiera entender si eso estaba bien o estaba mal en la sociedad. Imaginate que a mí me decían “fenómeno de las redes sociales”. No me decían artista, ¿viste? Entonces yo creo que lo que me distingue es eso, como ser pionera. En este mundo de las redes sociales, por lo menos hablando en Argentina, y ser tan segura de mí misma.

La fusión entre lo analógico y lo digital fue la excusa principal que los motivó a configurarse como creadores de música pop. Así salieron las primeras canciones que constituyeron su primer álbum, al cual titularon Círculos y editaron en 2016. Ya con Francisco Nicholson en bajo, Baltazar Oliver en sintetizadores y Matías Verduga en batería, extendieron su repertorio al publicar A los amigos, segundo álbum que vio la luz en 2018.

En los años siguientes editaron los álbumes Pura casualidad (2020) y Río Hotel (2022), con los que se consolidaron en la escena pop local y lo que los llevó a participar de grandes festivales adentro y afuera de la Argentina. Incluso, el año pasado lo coronaron con su primer recital en el mítico estadio Obras Sanitarias.

“Lo tomamos como un estilo de vida desde los comienzos. El compromiso con la música, con el proyecto, fue siempre igual. Solo que, obviamente, creció mucho en estos años, por suerte y estamos muy agradecidos con eso”, dicen sobre el devenir de El Zar. “Ahora es una constante, es estar todos los días grabando, componiendo o viniendo acá a hacer notas. Antes teníamos que mezclar los tiempos del proyecto con otros trabajos, con otras cosas. Hoy en día es estar pensando en la banda, en las canciones, en el disco, en las fechas… Requiere de bastante energía, pero siempre tuvimos la idea clara de lo que queríamos y el compromiso”, explicaron.

María Figueiras: —¿Qué papel juega la música en su salud mental y personal?

El Zar: —Mucha. Es un momento en que trabajamos tanto con la música, estamos todo el tiempo creando, y pasamos una jornada entera en el estudio. Entonces llegamos a casa y no queremos escuchar más... Pero sí es un momento para relajar, para conectar y de inspiración, siempre. Los findes que tenemos libres está bueno estar ahí escuchando discos, bajar un poco y no necesariamente la música que hacemos nosotros, sino una que puede sorprender. Es bueno escuchar un poco de todo.

María Figueiras: —¿Cómo buscan para inspirarse?

El Zar: —Siempre estamos al tanto de lo que sucede, de lo nuevo, de lo que está de moda. Por ejemplo, ahora tenemos presente todo el fenómeno de lo urbano y demás. Pero no lo escuchamos para decir: “Bueno, esto es lo que funciona...”. Creo que te puede llamar una música, una época, o algo de una era. Todo se va reinventando. Pero tampoco nos desesperamos por lo nuevo. Siempre se vuelve a las bases.

María Figueiras: —¿Cuánto influye el feedback de sus seguidores en su proceso creativo?

El Zar: —Siempre es importante. Son parte de todo lo que pasa. Con el público, en los shows, vamos viendo si una canción funciona mejor al inicio, o si tal otra no tiene tanta llegada, y entonces por ahí la sacamos de la lista. Pero al final terminamos haciendo lo que nos gusta. Más allá del estilo, somos obsesivos de la canción.

María Figueiras: —¿Ustedes sienten una presión por ser relevantes?

El Zar: —Obviamente, queremos que las canciones llegan a más lugares, a más personas y que esas personas conecten con ellas. No estamos pendientes al hit, no va por ahí. Tratamos de hacer canciones que sean buenas, que perduren. Últimamente, por ahí algunos artistas y proyectos buscan lo instantáneo, de hacer que llegue a lo que pide el momento… Pero para nosotros es importante hacer canciones que las sigamos escuchando en quince años y que no envejezcan.

María Figueiras: —¿Cuál fue el mayor desafío que superaron?

El Zar: —A medida que va creciendo el proyecto, crece la familia, la banda… Nosotros dos nos vemos todos los días, muchas horas, ya somos amigos, hermanos, socios. Creo que lo principal es cuidarse un poco, cuidar la relación, saber donde está lo laboral, saber que también esto es muy emocional, saber que hay momentos en que se sube, se baja, no perder la cabeza... La clave es que no se pierda o se pudra. Ya pasamos mucho más tiempo con la banda que con nuestras parejas, con las familias, por lo que la idea es poder llevarlo a cabo de manera sana, que no haya problemas. Y si hay, que se hablen.

María Figueiras: —¿Qué metas tienen para el futuro?

El Zar: —Para empezar, disfrutar del presente muchísimo, con todo lo que está pasando. Creo que es un sueño cumplido para los dos, que esta sea nuestra vida, vivir de El Zar, viajar, tocar... Obviamente, siempre se quiere crecer y conocer otros lugares… No negamos que nos gustaría tocar en un gran estadio. Pero estamos bien, estamos dando pasos pequeños, firmes y creo que eso es lo importante.

De vuelta en el país y en plena pandemia, se lanzó a la virtualidad para convertirse en streamer pero también para impartir clases de baile de manera online. De a poco empezó a crecer en cuanto a audiencia y a acumular seguidores de a millones, tanto en Instagram como TikTok. Esto le permitió hacerse visible para artistas como Nicki Nicole, Tini Stoessel y María Becerra, quienes la convocaron para que coreografiara algunos de sus videoclips.

En diciembre de 2021 despuntó como cantante al participar de la canción “Qué casualidad”, de Luck Ra. En 2023 editó su primer ep titulado Crisálida, integrado por cuatro canciones. En paralelo a esto, dio a conocer su relación con el rapero Lit Killah. A comienzos de este año tomó más notoriedad en su faceta como bailarina al resultar campeona del Bailando (América).

María Figueiras: —¿Soñaste alguna vez estar viviendo este momento?

Tuli Acosta: —Lo loco de todo esto que está pasando, que junto con mi equipo estamos trabajando para que suceda, es que el sueño concreto no fue decir: “Quiero mi música”, sino encontrar una ventana de todo lo que le gusta a Tuli. En consecuencia, cayó en la música y lo disfruto porque es algo que me interesa aprender. Pero no es algo que me dije y que me imaginé ser cantante algún día. Me pasaba que admiraba muchos los vivos de artistas como Beyoncé y Shakira, que creí que mi sueño era ser bailarina de una artista. En la pandemia me encontré en un blanco, porque todos recapacitamos un poco en ese momento y me dije: “Che, ¿estoy admirando al bailarín o al artista? Estoy mirando al artista siempre, ¿por qué me estoy encasillando en una cosa?”. Cuando, de repente, me gustaba también cantar, actuar, todo lo que hace un artista, estar arriba del escenario… Fue como de rebote, quería tener la canción perfecta para bailar. Eso fue alimentando a la Tuli artista, a todas mis otras pasiones.

María Figueiras: —¿Sabés qué es lo que te distingue y lo que te hizo llegar a acá?

Tuli Acosta: —Es muy fuerte, porque siento que es muy personal. Hay muchos pilares que crean los valores de uno como artista, en donde vas a poner tu arte. Siento que lo que me hizo llegar hasta acá 100% fueron mis papás, siempre tuve su apoyo y siempre me dijeron: “Dale para adelante, siempre te vamos a apoyar, hagas lo que hagas, no importa si no tenemos las herramientas, se consiguen”. Esos valores son claves y siento que lo que me hizo tener hoy en día lo que tengo es la perseverancia. Y sobre todo la pasión por las cosas, nunca hice algo que no me apasione. Esa hambre de hacer algo con pasión es lo que hace que los frutos sean de esta magnitud.

María Figueiras: —Sé que sos muy disciplinada, que trabajás mucho para conseguir tus objetivos.

Tuli Acosta: —Sé muy bien que cuando uno trabaja, las cosas se le tienen que dar y si no se te dan, es porque te vas transformando en otra cosa. Pero siento que el saber no ocupa lugar, así que en todo ese proyecto en el que aprendés la disciplina y estás trabajando duro, vas aprendiendo, por más que después no se te dé, para lo que estés trabajando. Por eso tampoco me frustro cuando las cosas no se me dan porque entendí que si capaz no se me dan, tengo que cambiar a otra cosa y abrazar esos procesos. Jamás vamos a llegar a ese todo que queremos. Siempre nos pasa que: “Ah, pero me gusta esto...”. Lo clave es saber que todo se consigue con la disciplina, con la paciencia.

María Figueiras: —¿Tratás de mostrarte lo más genuina en las redes o te autocensurás?

Tuli Acosta: —Nunca fui tímida, jamás. De hecho, hubo una etapa en la adolescencia en la que uno dice: “Che, pará, la gente habla de esto…”. Cuando sos más niño no te importa nada. La adolescencia es clave para hacer ese clic, mantener eso y mantenerlo hasta que uno se hace adulto. En la adolescencia me pasó que decía: “Eu, no. Pará. No subo esto”, y no subía videos bailando. De repente subí uno, empecé a tener unos poquitos seguidores, a tener contacto con gente que le gustaba lo que hacía, me devolvía ese amor, y retroalimentaba esa relación con esas personas que te siguen. Eso es clave. Y dije: “Flasheé en tener miedo con esto, en tener miedo, en mostrarme, no subir esto, en mostrarme en esto, en lo que sea”. Uno siempre se encuentra con ese límite en donde uno sale de esa zona de confort.

María Figueiras: —El amor con tu novio traspasa la pantalla, se siente. Te veo muy enamorada, se nota que se quieren, se nota el apoyo. ¿En qué momento dijiste: “Estoy en una relación sana, con alguien que me quiere bien”?

Tuli Acosta: —Todos los días. Es algo que yo siento y digo: “Guau. Lo busqué y llegó. ¡Mi hombre ideal!” Yo creo que es algo que llega cuando estás preparado. Yo creo que él se merece todo lo que me da y yo estoy tan bien para entregárselo, ¿se entiende? Es mi pareja donde siento que es el tiempo y el momento correcto y todo está bien. Es muy loco porque es algo que me doy cuenta todos los días de lo importante que es estar bien con uno mismo para entregarse al 100% y hacerle bien a la otra persona. Estoy muy contenta con él. Me demuestra todos los días lo que es estar en una relación sana. El típico mensaje de que uno tiene que estar bien para amar a otro, es así. Creo que hice una sanación en la que pude construir. Apareció esa persona para decirme de nuevo lo que soy, de lo que me había olvidado. Me sacó de un montón de cosas como: “Tuli, no es así esto”. Pero sí, fue un proceso mío. Podés tener un montón de personas a tu alrededor, pero si no haces el clic y no vas hasta el lugar donde más te duele, no vas a sanarlo. Vas a seguir tomando cosas para taparlo. Hay que estar sano para construir una relación sana.

Su álbum debut, Chango (2018), recibió reconocimiento internacional y, en 2020, fue reeditado por el sello japonés P-Vine, lo que a posterior les valió el elogio de “obra maestra de Sudamérica, un paraíso indie-pop” en las bateas de Tower Records Tokio. En 2021 presentaron su segundo álbum titulado Una Caricia -a través del sello catalán Costa Futuro- el cual grabaron entre Buenos Aires y Berlín. Del trabajo forman parte artistas jóvenes como Rosario Ortega, Vanessa Zamora, Clara Cava, Delfina Campos, Juana Rozas y Axel Fiks.

La gira de presentación los paseó por más festivales e incluso visitaron distintas ciudades de Estados Unidos y Europa, junto con escalas en México, Perú y Guatemala, lo que los expandió internacionalmente. En 2023 y tras haber sido adelantado con singles titulados “Terca”, “Insurgentes” y “Mi droga favorita”, lanzaron su tercer álbum al cual bautizaron Gran Turismo.

Actualmente, la banda se encuentra grabando lo que será su cuarto disco y planificando su show más importante en el Teatro Coliseo para el próximo 3 de agosto.

María Figueiras: —¿Cuál fue el proceso para consolidar su formación actual?

Isla de Caras: — Fue un lindo proceso. Ya éramos todos un poco amigos en el momento en que Isla de Caras empezó a sacar música. Teníamos varios intereses en común y cuando sacamos Una caricia, casi terminando la pandemia y había que salir a tocar el disco, se empezó a armar esta banda de cinco y a establecerse. Ese año creo que tocamos casi 60 veces, fue una locura. Y ahí se instaló una dinámica de decir: “Somos nosotros cinco, vamos para adelante con esto”. Estábamos superentusiasmados de haber encontrado la fórmula. Y después, ese envión, esa conexión entre nosotros, nos sirvió para gestar este tercer disco, Gran Turismo.

María Figueiras: — ¿Cómo equilibran la evolución de su sonido para mantenerse fieles a ustedes, a sus raíces, a la identidad de la banda? Y, ¿cómo manejan la necesidad de adaptarse a las nuevas tendencias musicales sin perder su esencia?

Isla de Caras: — No tengo idea. Un poco descreemos de la idea de la esencia en el sentido de que en el momento en que nació nuestro primer disco, había un marco, una escena, un ecosistema de bandas como Silvestre y la naranja, Bandalos Chinos y demás; y creo que toda esa escena mutó. Nosotros también estamos mutando. Entonces, más que adaptarnos a nuevos momentos, seguimos tratando de construir un refugio propio, de retirada, para encontrar lo que tenemos ganas de decir más allá de que tenemos ciertas raíces o que tenemos que obedecer a cierta identidad estética. Siempre jugamos para nosotros, no sé si le damos tanta importancia a lo que está pasando alrededor. Ese sentimiento de coyuntura se cuela en el inconsciente, escuchamos música nueva todo el tiempo, pero no es que tomamos decisiones en función de eso, sino en función de lo que nos divierta en ese momento.

María Figueiras: — ¿Qué estrategias utilizan para conectar con un público nuevo?

Isla de Caras: — Ahora, de pronto, tenemos que hacer tiktoks, reels de Instagram... Hay toda una parte de ser artistas que no nos divierte tanto, pero uno se tiene que adaptar y hacerlo, porque del otro lado es divertido. A veces me encuentro consumiendo reels de otros artistas que escucho, y al final funciona.

María Figueiras: — Su experiencia en los escenarios: su primer Extended Play (EP), que lo lanzaron y fueron a Córdoba a tocar a un recital en el que estaban muy nerviosos... Leí que no abriste los ojos durante treinta minutos. Y después, más adelante, leí que antes de un show estás como en un modo animal, que se te paran las antenas, el cuerpo se eleva y te concentrás. ¿Cómo pasaron de esa transición, del principio hasta ahora?

Isla de Caras: — Noto que hay una especie de evolución personal: al principio me daba un miedo tremendo tocar en vivo. Y después, a medida que se impone tocar en vivo y se impone un volumen piola, porque pasamos de tocar 5 veces en un año a 60, y eso te da una especie de aprendizaje de los tiempos. Siempre es un aprendizaje y eso también es interesante. La sensación de que siempre se puede ser mejor en lo que estás haciendo.

María Figueiras: — ¿Qué legado aspiran a dejar con su música?

Isla de Caras: — Cuesta mucho pensar en un legado porque sentimos que todavía estamos arrancando, en cierto sentido. Pero tenemos la certeza de que la única fórmula o lo único que tenemos para dejar, es seguir haciendo nuevas canciones que estén buenísimas. Y seguir laburando y transformándonos, con gente distinta o con nosotros mismos, que nos dé las ganas de seguir en eso. Dejar obra, repertorio. Pasa más por las canciones que por lo que dejemos nosotros, como ideas nuestras.

Con un sonido fresco e innovador, en 2021, se lanzó a la música urbana. Apenas tres años después, se convirtió en una de las artistas jóvenes más seguidas de su país y con proyección internacional. Entre sus temas más populares se destacan: ”12 Uvas”, “Ibizaaa”, ”Once y Once” y ”Noviembre sin ti”. Sin embargo, sus últimos lanzamientos, fueron los que marcaron un antes y un después en su carrera. Uno de los más populares fue el que sacó junto al rapero Uri. El single en cuestión es “Hiki” y fue producido por Pelo Music, Montevideo Music y ACID. El video oficial registró más de dos millones de reproducciones.

No obstante, su hit fue con “Coquette”, tema que soltó en febrero pasado y que hoy se posiciona en el top 50 de una reconocida plataforma de streaming en Venezuela, Argentina, Colombia, Costa Rica, Ecuador, República Dominicana, Uruguay y España. El éxito de la canción, la llevó a hacer un remix junto a La Joaqui y Yami Safdie.

“Esa fue una historia muy bonita porque yo saqué “Coquette” en febrero y, dos días después de que se estrenó la canción, me llegó un mensaje de la mismísima, la reina, La Joaqui. Cuando lo vi me emocionó mucho, porque desde que hice esa canción, siempre me imagine hacerle un remix con artistas de Argentina, porque tiene como un “sonidito” al estilo RKT. Después mi equipo contactó a Yami y así se fue haciendo el ‘junte’. Fue un proceso muy bonito y cuando llegamos al estudio de video ya era una vibra muy linda. Todo muy femenino”, contó Briella a Teleshow.

María Figueiras: — Alguna vez, ¿te imaginaste este éxito?

Briella: — Jamás. Yo sí he trabajado bastante para promocionar mi música, mis canciones. Pero con “Coquette”, por ejemplo, pasó algo muy particular, que no me había pasado con ninguna de las otras canciones y es que fue tendencia mundial. No solo se quedó en Venezuela, que era mi mayor público, sino que ya se expandió a otros países y era la primera vez que me sucedía. Ahora con el remix más todavía.

María Figueiras: — ¿Esta es tu primera vez en Argentina?

Briella: — Sí, sí, la primera vez.

María Figueiras: — Hiciste una juntada en el Obelisco y lo compartiste en tus redes sociales. Esperabas a unas 50 o 70 personas, pero llegaron un montón más.

Briella: — Sí. Fue una locura porque yo estoy en Venezuela grabando TikToks en mi cuarto o haciendo música y de la nada llegué a este país, donde yo sabía que tenía público porque siempre me enviaban mensajes preguntándome cuándo venía a Argentina, pero no me esperaba esto. Cuando llegamos y vimos ese mar de gente, dijimos:”Guau”. Fue una experiencia muy linda y bueno, yo superfeliz de tener tanta gente que escucha mi música aquí en Argentina.

María Figueiras: — Tuviste un crecimiento muy rápido, pero con mucho trabajo por detrás. ¿Creés que esto sirve para desmitificar a la persona que se hizo viral de un momento a otro?

Briella: — Sí. Ese siempre ha sido como mi reto: dejar a Venezuela en alto. No solo a mí, sino a toda la camada de artistas venezolanos que estamos creciendo. La gente no se da una idea del trabajo que hay detrás. Porque no es solamente hacer música o hacer música que sepas que le va a gustar al público; sino también promocionarla. Todo lo que va detrás de un video, de una canción... hay toda la logística y un equipo enorme. Como hago género urbano creen que no estudié ni me preparé. De todas formas yo disfruto demasiado del proceso. Cuando uno hace lo que a uno le gusta, uno no siente que está trabajando. Entonces, a pesar de que ha sido un trabajo muy duro, también da mucha satisfacción, es muy lindo.

María Figueiras: — ¿En algún momento sentiste una frustración muy grande que casi te hace abandonar tu sueño? ¿O alguien, en algún momento de tu camino, te dijo algo que casi te hace abandonar y no creer en vos misma?

Briella: — Sí, me ha pasado varias veces. Más que nada cuando estaba comenzando. Creo que uno es como más susceptible o es más sensible y, de repente, cuando te llegan muchos comentarios de “haters” o pasa algo que de repente te hace temblar tu carrera, te hace cuestionarte ciertas cosas, uno dice: “¿Lo dejo o sigo?”. Obviamente, todos los artistas tenemos momentos en donde alguien nos dice que no, o que una oportunidad que queríamos no se nos da. Y son momentos en donde uno dice: “Guau. Quizás no es por aquí, pero siempre otra puerta se abre”. Yo ya lo he aprendido con el tiempo. Ahora, cuando algo no se da como yo quiero, ya sé cómo es parte del proceso y no me afecta tanto.

En 2014 editó su primer álbum de estudio, al cual tituló Pop Nacional. Dos años más tarde largó Músico, que produjo junto a Rafael Arcaute y Miguel Castro (ex Victoria Mil) y que cuenta con Adrián Dárgelos, líder de Babasónicos, como invitado en la canción “Matemática”. En octubre de 2018, lanzó Best Seller, del que se destaca una particular versión del tema de Rodrigo llamado “Fuego y pasión”, el cual hizo junto a Elsa y Elmar. Del trabajo, en el que expandió los límites de la experimentación, también participaron artistas como Louta, Neo Pistea, Ca7riel y Dakillah.

Inspirado por la pandemia y su paternidad (tiene una hija llamada Lila junto a la actriz Violeta Urtizberea), en 2021 editó su cuarto álbum al cual tituló La Batalla y en donde se jugó todavía más por las nuevas sonoridades mixturadas con la canción. Ms Nina e Ysy A fueron los invitados del álbum.

Tras una serie de singles e incluso un ep cumbiero titulado Summer Pack (en el que colaboró con Natalia Oreiro para una nueva versión de “Me muero de amor”), Ingaramo soltó a fines de 2023 su quinto álbum, el cual tituló Welcome to Córdoba City. En el trabajo sacó a relucir sus raíces, tanto en lo musical como en lo social, al reivindicar a distintos íconos de la ciudad que lo vio nacer.

María Figueiras: — Vos como chico de Córdoba, ¿alguna vez te imaginaste tener este éxito?

Juan Ingaramo: — Mirá, siempre tuve ahí como un sueño. Nunca había tenido forma. No es que era un cantante, como esos niños de peña, o que se cantan todo en la mesa. Al contrario, yo era baterista y me vine a Buenos Aires a tocar la batería, estudiar mucho y terminar siendo el baterista de Alejandro Sanz, Fito Páez, ponele. Después, la vida me fue llevando para el frente del escenario y terminé cantando. Por eso, todo lo que me pasa lo agradezco el doble o el triple, porque es un regalo extra que me dio la música, la cual disfruto en todas sus formas.

María Figueiras: — Totalmente, hacer música como un privilegio.

Juan Ingaramo: — Sin dudas, es una práctica muy noble, muy sincera. En un punto también es muy dura. Parece que no, porque la gente tiene una fantasía de que el artista vive de joda, de fiesta, en hoteles... Y eso quizás en un momento sucede y es atractivo, interesante o inspirador, pero después también pasa a ser tu trabajo y es estar lejos de casa y es exponerte al juicio del otro, abrir tu corazón, estar desnudo en un tema, una letra, en la tapa del disco, en un videoclip. A pesar de eso, creo que gana más el cariño de la gente y también la posibilidad de hacer lo uno que quiere.

María Figueiras: — Conocemos a Juan artista, pero ¿cómo es Juan como papá? ¿Cómo te influenció la paternidad en tu música?

Juan Ingaramo: — Uf, mira, creo que me cambió tanto la vida y de una magnitud tan grande que al día de hoy, con terapia y todo, no la puedo definir, porque aparte es como un flujo diario de energía y de cambio. Un desafío. Creo que va a durar para siempre, pero lo que más bien me hace es el amor que me da. Los chutazos que yo siento con mi hija no los sentí nunca ni con la plata, ni el éxito, ni con las otras “drogas” de la vida. Es lo que más feliz me hace. Yo antes de ser padre amaba las giras, las sigo amando, pero por ahí había un show el 19 y yo me extendía el pasaje hasta el 30. Ahora quiero volver cuanto antes, entonces tenemos un plazo límite de 11 o 12 días. Mi pareja es actriz, entonces a veces soy yo el que se queda. Me lo preguntan mucho acerca de cómo hacemos: en general, soy yo el que la llevo mi hija al jardín.

María Figueiras: — ¿Cómo manejás la ansiedad de las estadísticas? ¿Estás al tanto? ¿Cómo negociás la lucha entre tener que hacer lo que el espectador quiere o lo que vende y lo que uno siente?

Juan Ingaramo: — Yo tengo la suerte de haber empezado justo antes de esta era digital. Cuando éramos pibitos, nosotros repartíamos demos en CD. Entonces, de alguna manera, sé que la música no son solo los números. Creo que eso es lo que menos disfruto de este modelo de la industria. No por mí, sino porque creo que ha generado ese valor como única moneda de intercambio. Prácticamente, no se habla más de música, de estilos, de géneros, de melodías, de armonías, de los ritmos. Se habla de los números, de cuántos números generamos los artistas. Como es mi trabajo, yo estoy pendiente y me encanta cuando algo funciona bárbaro. Me he frustrado o me frustra cuando algo no logra un objetivo, pero también trato de aprender. Tengo el alivio de saber que lo hago por otra razón, que no es solamente el número. También veo que ahora, con este modelo político, y creo que es global el asunto, parece que lo único que importa es la plata. Yo entiendo que en este mundo cruel es importante para la subsistencia. Pero no creo que sea... Está bien, me van a decir: ‘No, vos porque tenés plata’. Pero aun así, cuando no la he tenido, sé que hay otros valores que nos pueden hacer ricos como sociedad. La solidaridad es lo principal. En las redes veo pibitos de 19 años frustrados porque no ganan 2000 dólares por mes. Pero amigo, tenés 19 años, pará, ahora tenés que disfrutar de la vida. Y son chicos que tienen zapatillas y comen.

María Figueiras: —¿Qué sentís que te falta hacer musicalmente?

Juan Ingaramo: — Creo que en la música siempre hay cosas para hacer, siempre hay sonidos por perseguir. Es una utopía hacer música, es perseguir algo que probablemente no exista. Pero en esa persecución, encontrás sonidos, canciones, música. Así que sigo en la búsqueda. ¿Y qué me falta ser en la música? Lo lindo es no saberlo, también, es lo incierto. ¿Quién sabe?

Fotos/Gastón Taylor.

En los últimos años, el grupo emergió dentro del circuito under como uno de los más atrayentes e innovadores, y se presentó con frecuencia en las mejores salas de Buenos Aires y el conurbano. En 2017, fueron parte del festival BUE junto a Gorillaz, Arcade Fire, Major Lazer y más artistas. La banda también participó de fechas y festivales en las ciudades de Córdoba y Rosario y compartió escenario con artistas como Calexico, Astro y Jake Bugg.

En septiembre de 2023, tras presentarse en el Cosquín Rock y Lollapalooza Argentina, después de llevar su música por primera vez a México luciéndose en el Festival Vive Latino, cumplieron un sueño y llenaron un Obras, el templo del rock. “Tocar en Estadio Obras es un sueño para todo artista argentino, es un lugar icónico del rock nacional. Todos vimos bandas que amamos toda nuestra vida y no solo nosotros, sino que también nuestros padres y nuestros abuelos. Toca una fibra histórica”, dijo Justo FM, cantante del grupo, a Teleshow.

Sobre el “efecto Obras”, el guitarrista Francisco Nicholson, sumó: “Es loco, hace un año que no me la creía y ahora de repente como que ya queremos comernos el siguiente. Tengo hermanas más grandes y en los noventa fueron a ver bandas de rock pesado, tipo Megadeth. Es un lugar que albergó tanta música que es una locura”.

Entre el esfuerzo y los prejuicios

María Figueiras: — Se puede realmente vivir de ser artista.

Luco Grasso: — Y no sé, es un camino relargo, difícil. Se puede. Creo que hay que tener mucha suerte.

Justo FM: — Sí, o sea, es un camino más difícil que otros. Posiblemente.

Luco Grasso: — Hay cierto prejuicio y es un prejuicio que creo que siempre existe contemporáneo al momento en el que la música sucede, que es que la música de hoy no es tan buena como la de antes. Adorar el pasado como una especie de escudo frente a no poder adaptarse a la modernidad o a lo que está pasando hoy.

María Figueiras: — Ustedes que arrancaron de abajo, ¿cuándo fue el quiebre? ¿Cuándo sintieron que ya no tuvieron que remarla tanto?

Luco Grasso: — ¿Vos creés que dejaste de remar?

Justo FM: — Seguimos remando y seguiremos remando para toda la vida.

Luco Grasso: — Infinito.

El amor por la música

María Figueiras: — ¿Tuvieron un trabajo en paralelo?

Justo FM: — Yo tuve varios trabajos, varias vidas.

Luco Grasso: — Varias vidas, muchos trabajos.

María Figueiras: — ¿Trabajos que no estaban relacionados con la música?

Justo FM: — No. Yo he trabajado en el microcentro llevando papeles de acá para allá.

María Figueiras: — ¿De 9 a 18?

Justo FM: — Sí, trabajo de oficina y después me iba al estudio a grabar. O sea, ahí sí que era remarla por definición.

Luco Grasso: — Lo lindo de la música es que el motivo por el que uno lo hace no es por una cuestión económica. Es por algo que tenés adentro.

Justo FM: — Cuando tenés una pasión es medio inescapable, ¿viste? Yo me acuerdo de estar trabajando de 9 a 18 y es como que en mi cabeza siempre estaba la música. Creo que la música, como todo proyecto, como todo emprendimiento, uno tiene que trabajarla para que crezca, le vaya bien y cada vez le vaya mejor.

La presión por el éxito

María Figueiras: — ¿Sienten presión por mantener el éxito?

Justo FM: — Hay algo de esta fórmula, por así decirlo, que está teniendo una devolución. Entonces sigamos por acá. O sea, esto está funcionando y, al mismo tiempo, como que convivís con una presión o quizás también algo nuestro de decir: “Che, vayamos renovándonos”.

Luco Grasso: — Tocamos con Fabi (Cantilo) en Obras. Ella vino a cantar como invitada “Demoliendo Hoteles” y ese momento fue increíble para nosotros porque estábamos tocando ese tema de Charly, que escuchamos toda nuestra vida, con Fabi en Obras.

Justo FM: — Siempre decíamos el tridente: en Obras, tocando un tema de Charly, con Fabi Cantilo.

Luco Grasso: — Nos gustaría que nos vean como cuatro amigos haciendo música y que estamos en este camino de darlo todo para que eso suceda.