El mes de noviembre da comienzo en Madrid con una amplia y variada oferta de exposiciones, que van desde la celebración de ilustres figuras de la capital hasta aventuras en el siempre surrealista universo de Dalí. Después de un mes marcado por las fotografías de Martin Parr y Robert Frank o la pintura de Kenny Scharf, esta vez es el turno para nuevas propuestas de la mano de grandes centros como el Museo del Prado o el Thyssen Bornemisza pero también otros más inusitados como el complejo El Águila o la Sala Castellana de la Fundación Canal.

Una cita con Luis Escobar

La exposición Una cita con Luis Escobar repasa la trayectoria de Luis Escobar Kirkpatrick, una figura vinculada a la renovación del teatro español tras la Guerra Civil. La muestra podrá visitarse del 16 de octubre de 2026 al 21 de febrero de 2027 en la Sala de Exposiciones Cristóbal Portillo, del Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, situado en el Complejo El Águila. Nacido en Madrid en 1908 y fallecido en 1991, Escobar trabajó como director de escena, autor, traductor, empresario, cineasta y actor. Su actividad contribuyó a que las artes escénicas recuperaran una vocación artística en un período marcado por la censura y los dogmas ideológicos.

El recorrido pone el foco en su conocimiento del medio teatral y en sus vínculos con creadores de diferentes disciplinas y posiciones. Dramaturgos, directores, cineastas, intérpretes, pintores y diseñadores encontraron en él a un maestro, colaborador, socio o amigo. Escobar introdujo tendencias y autores de vanguardia en el panorama escénico de posguerra. Quienes lo trataron destacaron su generosidad, modestia y sentido del humor. Quedó inmortalizado en el cine a través de Luis García Berlanga con sus papeles en La escopeta nacional y sobre todo Patrimonio nacional junto a José Luis López Vázquez.

Rainer Maria Rilke y el arte español

La exposición Rainer Maria Rilke y el arte español podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado de Madrid entre el 17 de noviembre de 2026 y el 7 de marzo de 2027. La muestra ocupará la sala C del edificio de Jerónimos y coincide con el centenario de la muerte del poeta, ocurrida el 29 de diciembre de 1926 en Montreux.

Comisariada por Javier Arnaldo y Javier Barón, la exposición analiza la influencia de la cultura artística española en la obra y el pensamiento de Rilke. El recorrido abarca desde escritos tempranos, como el soneto Velázquez y el psicodrama Murillo, hasta su producción literaria final. El poeta admiró a artistas como Ignacio Zuloaga, El Greco, Francisco de Goya y Pablo Picasso. La muestra también aborda su visita a la exposición sobre El Greco celebrada en París en 1908 y el viaje que realizó por España entre noviembre de 1912 y febrero de 1913, con estancias en Toledo y Ronda que dejaron huella en su escritura.

Aqua Mater. Sebastião Salgado

La exposición Aqua Mater, dedicada a la obra de Sebastião Salgado, llega a Madrid con una selección conjunta de las series Aqua Mater y Glaciares. La muestra se celebra en la Sala Castellana 214 y reúne cerca de un centenar de fotografías en blanco y negro de gran formato. Organizada por La Fábrica junto con la Fundación Canal y comisariada por Lélia Wanick Salgado, la propuesta fue concebida especialmente para este espacio. El recorrido reúne imágenes tomadas durante más de dos décadas en algunos de los paisajes más remotos del planeta.

La Antártida, la Patagonia, la Amazonia, Islandia, el Himalaya y Canadá figuran entre los escenarios retratados. La exposición plantea un viaje por la fuerza, la inmensidad y las distintas formas del agua, además de invitar a pensar su relación con los seres humanos. La iniciativa coincide con los 175 años de Canal de Isabel II y los 25 años de actividad de la Fundación Canal, que celebran el agua como vínculo entre naturaleza, cultura, conocimiento y sostenibilidad.

Imagen y memoria. Argentina 1976-2003

La exposición Imagen y memoria. Argentina 1976-2003 presenta en el Museo de América una selección de fotografías del argentino Eduardo Longoni, centradas en acontecimientos políticos y sociales que marcaron a su país entre la dictadura militar y los primeros años de la democracia. La muestra puede visitarse desde el 29 de octubre hasta el 21 de marzo de 2027 en el claustro de la primera planta del museo. El acceso está incluido con la entrada al recorrido permanente.

Longoni, nacido en Buenos Aires en 1959, comenzó su carrera profesional en 1979 en la agencia Noticias Argentinas, durante la dictadura. Sus imágenes de ese período y de la transición democrática fueron expuestas en más de 50 países. La exposición está comisariada por Raquel Aznar y Lucía del Olmo, técnicas del Museo de América. Coincide con los 50 años del golpe de Estado y propone reflexionar sobre los derechos humanos, la fragilidad de sus garantías y la necesidad de preservar la memoria.

El universo freudiano de Dalí

La exposición sobre Salvador Dalí y Sigmund Freud se presenta en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y propone revisar la trayectoria del pintor de Figueras a partir de su relación con los escritos del médico vienés. Comisariada por Jaime Brihuega, la muestra sitúa esa influencia como uno de los ejes de la poética visual de Dalí. El recorrido aborda desde su universo familiar durante la infancia y la adolescencia hasta sus creaciones tardías en Cataluña.

Dalí conoció traducciones de Freud a comienzos de la década de 1920, mientras residía en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Desde 1926, su obra se acercó al surrealismo y desarrolló el método paranoico-crítico, inspirado en aquellas lecturas. El vínculo tuvo un momento decisivo en 1938, cuando el artista entrevistó a Freud en Londres, donde el psicoanalista estaba exiliado. La exposición se divide en seis secciones cronológicas e incorpora obras de Ingres, Severini, Arp, Schwitters, Federico García Lorca, Tanguy, Santiago Ramón y Cajal y Freud.

Amazon Prime Video sorprendió este 30 de octubre con la incorporación de las once películas del universo de Harry Potter a su catálogo, justo en la antesala de Halloween. La plataforma reúne desde hoy las ocho entregas protagonizadas por Daniel Radcliffe junto a las tres películas de la saga Animales fantásticos, disponibles para suscriptores sin coste adicional. La coincidencia con la noche de brujas no pasa inadvertida entre los fans de la franquicia creada por J. K. Rowling, que durante años ha debatido si las películas del joven mago encajan dentro del género de cine de terror o fantasía festiva propio de estas fechas.

El catálogo incorpora las ocho entregas estrenadas entre 2001 y 2011: Harry Potter y la piedra filosofal, la cámara secreta, el prisionero de Azkaban, el cáliz de fuego, la Orden del Fénix, el misterio del príncipe y las dos partes de las Reliquias de la Muerte. A estas se suman las tres cintas de Animales fantásticos, estrenadas entre 2016 y 2022, protagonizadas por Eddie Redmayne en el papel de Newt Scamander. Estas películas funcionan como precuela y están ambientadas décadas antes de las aventuras de Harry, Hermione y Ron.

Por el momento no se ha especificado cuánto tiempo permanecerán los once títulos en el catálogo de Amazon. Octubre siempre ha llevado el sello de Harry Potter por motivos del propio relato: la noche en la que Lord Voldemort asesinó a los padres del protagonista ocurrió un 31 de octubre de 1981, fecha que marca el inicio de toda la saga. A eso se suma que la primera película incluye una celebración de Halloween en Hogwarts, con calabazas flotantes y fantasmas, lo que refuerza la conexión entre la franquicia y estas fechas.

La serie de HBO Max llega para Navidad

El desembarco en Prime Video se produce en paralelo al avance de la nueva serie de Harry Potter que prepara HBO Max, que un día antes, el 29 de octubre, reveló su primer póster oficial. La producción, titulada Harry Potter y la piedra filosofal, se estrenará el 25 de diciembre de 2026 y mantendrá una emisión semanal hasta el 14 de febrero de 2027. La primera temporada constará de ocho episodios que adaptarán el primer libro de la saga literaria. El protagonista será Dominic McLaughlin, acompañado por Arabella Stanton como Hermione Granger y Alastair Stout como Ron Weasley.

El reparto de veteranos incluye a John Lithgow como Albus Dumbledore, Janet McTeer como Minerva McGonagall, Paapa Essiedu como Severus Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid. La dirección de varios episodios corre a cargo de Mark Mylod, conocido por su trabajo en Succession y Juego de tronos, mientras que el guion lleva la firma de Francesca Gardiner. La banda sonora es obra de Hans Zimmer. La segunda temporada, que adaptará La cámara secreta, ya ha sido confirmada y se encuentra en rodaje. A su elenco se incorporarán Kit Harington como Gilderoy Lockhart y Rafe Spall como Arthur Weasley, entre otros.

Aunque las once películas acaban de llegar a Prime Video, no son un contenido exclusivo de la plataforma. HBO Max mantiene disponible todo el catálogo cinematográfico de la franquicia, al ser la casa natural del universo creado por Rowling y la plataforma que además alojará la nueva serie. Las películas también pueden encontrarse en Movistar Plus Ficción Total, por lo que los suscriptores de este servicio tienen otra vía de acceso a la saga completa. Con la llegada a Prime Video, los espectadores cuentan ahora con una opción adicional para organizar una maratón por Halloween, sin necesidad de recurrir a alquiler o compra de los títulos.

La serie Big Little Lies vuelve a ponerse en marcha. La serie de HBO protagonizada por Nicole Kidman, Reese Witherspoon y Laura Dern filmó esta semana un primer día de rodaje para su tan esperada tercera temporada, aunque la producción completa recién arrancará el año próximo. El rodaje tuvo lugar el jueves en The Ranch Lot de Warner Bros. Studios Burbank. Según adelantó Variety, participó la actriz Merrin Dungey, quien interpreta a la detective Adrienne Quinlan desde el estreno de la serie en 2017.

La jornada de filmación no marcó el inicio formal de la producción. Se trató de una sola escena destinada a mantener vigente el crédito fiscal del estado de California, ya aprobado para la temporada. La normativa exige que el rodaje principal comience dentro de 180 días calendario desde la fecha de la Carta de Asignación Condicional, o 240 días si el presupuesto de gastos calificados supera los 100 millones de dólares. No se precisó cuándo Big Little Lies recibió ese documento. Las estrellas principales de la serie no estuvieron presentes en esta jornada. Kidman, Witherspoon, Dern, Shailene Woodley y Zoë Kravitz quedaron al margen del rodaje de un día, centrado únicamente en el personaje de Dungey.

El rodaje total de la temporada 3 no comenzará hasta 2027, sin fecha confirmada todavía. HBO no anunció oficialmente el regreso de la producción y declinó hacer comentarios al respecto. El obstáculo principal es lograr coordinar las agendas de un elenco compuesto por varias de las actrices más solicitadas de Hollywood. El jefe de HBO, Casey Bloys, había calificado la posibilidad de una tercera temporada como “poco realista”, en referencia directa a los compromisos profesionales de Witherspoon, Kidman, Dern y Meryl Streep.

Por qué la producción completa se demora

Tampoco hay director confirmado para esta nueva entrega. De acuerdo con fuentes citadas por Variety, quien dirigió la jornada de esta semana ya había trabajado previamente en la serie y cuenta con la aprobación del DGA, el sindicato de directores de Estados Unidos. Big Little Lies sigue a un grupo de madres en Monterey, California, cuyos hijos asisten a la misma escuela. Celeste (Kidman), Madeline (Witherspoon) y Renata (Dern) entablan amistad con Jane (Woodley), recién llegada al pueblo, y juntas terminan envueltas en una investigación por homicidio. Zoë Kravitz completa el grupo conocido como las “Monterey Five” en el papel de Bonnie. La especulación sobre una tercera temporada tomó fuerza en noviembre de 2023, cuando Kidman confirmó en un encuentro público que el proyecto estaba en marcha. En septiembre de 2025, HBO oficializó la renovación.

La temporada 3 tendrá como base la novela Big Little Truths, de Liane Moriarty, publicada en agosto. El libro traslada la historia una década hacia adelante: los hijos de las protagonistas ya no son niños sino adolescentes o adultos jóvenes, enfrentados a nuevos conflictos como las drogas, el sexo y el alcohol. Woodley se refirió a este salto temporal como una oportunidad narrativa. “Estoy muy entusiasmada con la tercera temporada, y con la posibilidad de explorar quiénes son estas mujeres diez años después”, declaró la actriz. “Todas somos diez años mayores. Los chicos también son diez años mayores. Ya no son realmente niños y la mayoría son adultos ahora. Así que la perspectiva de eso me parece genial.”

La primera temporada de Big Little Lies se emitió en 2017 como miniserie y se convirtió en un éxito inmediato de crítica. Obtuvo 16 nominaciones a los premios Emmy y se llevó ocho estatuillas, entre ellas la de Mejor Serie Limitada, Mejor Actriz para Kidman y Mejor Actriz de Reparto para Dern. Ante la repercusión, HBO decidió extender la historia más allá de su formato original. La segunda temporada llegó en 2019 con la incorporación de Streep al elenco, en el papel de la suegra de Celeste. Dungey, la actriz presente en el rodaje de esta semana, también participó de ambas temporadas anteriores. Su trayectoria incluye papeles en series como Alias, The King of Queens y Once Upon a Time, además de apariciones recientes en Chicago Med, The Lincoln Lawyer y S.W.A.T.

Martin Scorsese acumula décadas de carrera y un lugar reconocido entre los grandes directores del cine. Sin embargo, pocos conocen uno de sus proyectos que nunca llegó a filmarse: una película sobre Cleopatra protagonizada por Angelina Jolie. El director reveló los detalles de ese intento fallido en el primer episodio de Crafty, la serie original de Tribeca. Allí explicó por qué una producción que definió como “muy salvaje” terminó cancelada antes de ver la luz.

Scorsese confirmó que Jolie ya estaba comprometida para protagonizar la película. “Íbamos a hacerla”, contó el director en Crafty. “Angelina Jolie. Íbamos a hacerlo. Ella iba a ser Cleopatra VII. Iba a ser muy salvaje.” La producción contaría con un guion escrito por Eric Roth, el mismo guionista que después trabajó con Scorsese en Los asesinos de la luna, estrenada en 2023. Jolie interpretaría a la última gobernante del Egipto ptolemaico. El director no detalló en qué etapa de desarrollo se encontraba el proyecto antes de caer, ni precisó fechas de rodaje o la existencia de un elenco adicional confirmado.

Scorsese nunca llegó a filmar su versión de Cleopatra porque el hackeo a Sony Pictures de 2014, vinculado a la comedia de Seth Rogen “The Interview”, generó un escándalo que afectó al estudio y derivó en la cancelación del proyecto con Jolie como protagonista. El director explicó la secuencia de hechos en sus propias palabras. “Íbamos a hacer Cleopatra en un momento, y luego se burlaron de él [Kim Jong Un], y se enojó y voló a todos en Columbia”, relató Scorsese. “Seth Rogen, ¿no? Y después se enojó, y eso arruinó Cleopatra".

El hackeo a Sony y ‘The Interview’

El origen del conflicto se remonta a noviembre de 2014, cuando un grupo de hackers vulneró los sistemas de Sony Pictures. El ataque buscaba impedir el estreno de The Interview, la comedia protagonizada por Seth Rogen sobre un intento de asesinato ficticio al líder norcoreano Kim Jong Un. Aunque Rogen no fue responsable directo de la cancelación de Cleopatra, el hackeo motivado por su película desencadenó una crisis en el estudio. La filtración expuso miles de correos electrónicos internos de ejecutivos y productores de Columbia Pictures, la división de Sony involucrada en el proyecto de Scorsese.

Entre el material expuesto por el hackeo figuraban intercambios de correo entre el productor Scott Rudin y la entonces presidenta de Sony, Amy Pascal. En uno de esos mensajes, Rudin se refirió a Jolie como “una consentida con talento mínimo”. Esos correos, sumados al clima de crisis que atravesaba el estudio tras el ataque, se dieron en paralelo al estancamiento de la producción de “Cleopatra”. El proyecto quedó atrapado en medio del escándalo que sacudió a Sony en los meses posteriores al hackeo.

Scorsese no ofreció precisiones sobre si existe alguna posibilidad de retomar la producción en el futuro. Las declaraciones del director se dieron en el contexto de una conversación más amplia sobre su carrera en Crafty, el formato de Tribeca dedicado a explorar el oficio detrás del cine. La mención de “Cleopatra” surgió como un ejemplo de proyectos que no lograron concretarse pese al interés de un director reconocido y una protagonista confirmada. El episodio marca una de las pocas veces en que Scorsese detalla públicamente los efectos colaterales que tuvo el hackeo de 2014 sobre producciones ajenas al propio estudio Sony.

La muerte de Patrick Stewart, ha dejado un gran dolor en Hollywood y el resto del mundo, pero también ha hecho recordar de una de las anécdotas más entrañables de su relación con el público español: el día en que conoció a Javier Franquelo, el actor que durante décadas prestó su voz al capitán Jean-Luc Picard y al profesor Charles Xavier en el doblaje. Fue en El Hormiguero, en marzo de 2017, cuando Stewart participó en un reto ideado por Trancas y Barrancas. Entre varias personas, el actor británico tenía que adivinar cuál era su voz española. El elegido fue Franquelo, un veterano del doblaje madrileño cuya carrera había quedado íntimamente unida a la de Stewart.

Cuando Stewart identificó a Franquelo, el momento se convirtió en una pequeña celebración del oficio del doblaje. El actor español se acercó, le estrechó la mano y le dijo: “Un placer, mucho gusto”. Después añadió la frase que ha quedado como el resumen perfecto de aquel encuentro: “Con un actor tan magnífico no es difícil”. Stewart, conocedor del peso que tiene una buena voz en la recepción internacional de una interpretación, respondió con agradecimiento: “Qué amable, muchas gracias”. No fue un simple gesto de cortesía televisiva: para un intérprete que había construido su carrera sobre la palabra, el ritmo y la precisión, reconocer el trabajo de quien adapta esa interpretación a otra lengua tenía un valor especial.

Franquelo recordó después aquel encuentro con evidente emoción. En una entrevista con El País, contó que le hizo mucha ilusión conocer a Stewart y que le pareció “un señor de la cabeza a los pies”, además de “un tío encantador” y “un pedazo de actor y de persona”. También reveló una curiosidad lingüística: él pronunciaba el apellido del actor como “estíwar”, pero Stewart le corrigió con amabilidad y le explicó que se decía “estúar”. La conexión entre ambos iba mucho más allá de un programa de televisión. Javier Franquelo fue una de las voces habituales de Patrick Stewart en España y llegó a doblarlo en al menos 27 producciones, según la base de datos especializada eldoblaje.com. Su registro profundo, elegante y ligeramente severo encajaba con la autoridad teatral de Stewart, capaz de transmitir dignidad incluso en los diálogos más técnicos o fantásticos.

Un actor eterno

Esa sintonía fue especialmente visible en dos personajes que definieron la popularidad mundial del actor: Jean-Luc Picard, el capitán de la USS Enterprise en Star Trek: The Next Generation, y Charles Xavier, el mentor de los X-Men en el cine. Stewart encarnó al profesor Xavier en nueve películas de la franquicia Marvel, mientras que su Picard se convirtió en uno de los líderes más queridos de la ciencia ficción televisiva. En el caso de Xavier, Franquelo heredó un papel con historia. Paco Hernández había sido la voz del personaje en las primeras entregas de la saga y, tras su fallecimiento, Franquelo asumió la continuidad en varias películas. Que el público español pudiera seguir reconociendo al personaje sin perder su identidad era, en buena medida, mérito de esa continuidad vocal.

La muerte de Franquelo, el 24 de junio de 2025 a los 91 años, había dejado ya un vacío en el doblaje español. Su voz dio vida al señor Burns en Los Simpson, al profesor Farnsworth en Futurama y al monstruo de las galletas de Barrio Sésamo, entre muchos otros personajes. Pero su trabajo con Patrick Stewart ocupa un lugar particular en la memoria de los aficionados: fue la voz que permitió a varias generaciones escuchar en español la serenidad de Picard y la sabiduría de Xavier. Un año después, la muerte de Stewart, quien ya tenía relación con España, cierra un círculo doloroso. El actor británico murió en su casa de Los Ángeles, acompañado por su esposa, Sunny Ozell, tras un “breve y conmovedor viaje” con alzhéimer y demencia con cuerpos de Lewy, según comunicó su portavoz. Las muestras de cariño llegaron de compañeros como Ian McKellen, William Shatner, Hugh Jackman y Jonathan Frakes, que destacaron su generosidad, su rigor y su enorme influencia en la cultura popular.

El casting del nuevo Batman dentro del universo cinematográfico de DC ya está en marcha. Así lo confirmó James Gunn, jefe de DC Studios, quien adelantó que el anuncio del actor “no está muy lejos” y reveló el principal criterio que están evaluando: la edad. El director, que lanzó el universo con Superman el año pasado protagonizada por David Corenswet, habló del tema en un adelanto de The Suicide Squad: Is It Canon? The Official Podcast, con estreno previsto para este viernes.

Gunn fue tajante al descartar las versiones que circulan sobre una supuesta elección ya realizada. “No hemos elegido a nadie todavía. Toda la gente que piensa que va a aparecer en esto o aquello, es una mentira”, afirmó el director. El ejecutivo precisó que el proceso de selección está cerca de cerrarse, aunque sin fecha concreta. “No va a pasar mucho tiempo antes de que elijamos a Batman”, señaló Gunn, al tiempo que aclaró que no descarta a actores que ya tuvieron papeles secundarios en producciones previas del universo, como El Escuadrón Suicida.

“Si le di a alguien un papel de un día en El Escuadrón Suicida y resulta que va a ser el mejor Batman, no lo voy a descartar por eso. Quiero tener en cuenta a todo el mundo”, explicó. Gunn marcó una diferencia con la forma en que históricamente se eligió al actor detrás del traje de murciélago. Según el director, el objetivo es encontrar al intérprete más adecuado para el personaje, sin que eso implique recurrir a una figura reconocida de Hollywood.

La edad, la pista más concreta hasta ahora

“Una de las cosas que me emociona de elegir a Batman es poder escoger a quien sea realmente el mejor actor para ese papel”, dijo Gunn. “Los Superman siempre se eligieron según quién era el mejor actor para el rol. Y por alguna razón, los Batman siempre se eligen como estrellas de cine.” El próximo Batman del universo de Gunn pertenecerá a La liga de la justicia, el proyecto confirmado en 2022 cuando el director y Peter Safran asumieron el control de DC Studios. En ese anuncio también se incluyeron títulos como Superman, Supergirl, Lanterns y Clayface. Ese Batman será un personaje separado del interpretado por Robert Pattinson en la saga de Matt Reeves, que continúa su propio camino con The Batman.

Durante la conversación, el actor Steve Agee, parte del elenco de El Escuadrón Suicida, le preguntó a Gunn si la edad del futuro Batman era un factor a considerar, teniendo en cuenta que el personaje deberá sostenerse en la pantalla “durante diez años”. La respuesta del director fue directa: “Definitivamente.” Gunn fue más allá y ofreció el dato más concreto hasta el momento sobre el perfil del actor buscado. La edad del próximo Batman en el universo de DC Studios es la principal pista revelada por James Gunn: según el director, el personaje tendrá una edad similar a la de Superman, interpretado por David Corenswet, de 33 años, ya que ambos héroes son presentados como futuros compañeros y contemporáneos dentro de la historia.

“La gente siempre está buscando pequeñas pistas sobre el casting de Batman”, comentó Gunn. “A grandes rasgos, Batman y Superman tienen más o menos la misma edad. No creo que sean de edades drásticamente diferentes. Son futuros grandes amigos, contemporáneos.” Con Corenswet como punto de comparación, la edad del próximo Batman rondaría los treinta años, aunque Gunn no ofreció un número exacto ni confirmó candidatos. El actor de Superman volverá a encabezar el universo de DC Studios con el estreno de Man of Tomorrow, previsto para el 9 de julio de 2027, la siguiente gran apuesta del estudio antes de que se concrete la llegada del nuevo Batman a la pantalla.

Fin de semana de Halloween y viernes de nuevos estrenos en cartelera. En el mes más terrorífico del año hemos visto ya nuevos títulos del género como Clayface o Whalefall, pero es ahora cuando llega la traca final. No solo de terror, sino que también llegan esta semana nuevas e increíbles aventuras que darán algo más que sustos.

La principal de ellas es la de la karateka Sandra Sánchez, cuya increíble historia es llevada a la gran pantalla, pero no la única. Terror para los más pequeños con La oveja Shaun: Misión Calabaza y para los que no lo son tanto con Leviticus. Además, la española Esta soledad o la surcoreana Hope, en la que policías persiguen a unas criaturas extrañas llegadas de otro planeta.

Karateka

Todo el mundo celebró su medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Tokio, pero pocos sabían entonces el gran camino que había recorrido Sandra Sánchez hasta ahí. Su retirada de la competición tras el cáncer de su madre, su regreso al tatami años después, su compleja relación con su entrenador y pareja o su enfrentamiento con otra karateka japonesa por el título mundial antes de los Juegos Olímpicos. Andrea Ros da vida a Sánchez mientras que Patrick Criado hace lo propio con su sensei, en una película que ha contado con el asesoramiento y participación particular de la propia Sandra Sánchez.

La oveja Shaun: Misión calabaza

La oveja favorita de los niños vuelve a la gran pantalla con una nueva aventura, pues el mítico estudio Aardman estrena La oveja Shaun: Misión Calabaza. En los días previos a Halloween, en la granja de Mossy Bottom, el granjero destruye sin querer el huerto de calabazas de su rebaño de ovejas. Shaun se convierte en un científico loco para solucionar el problema, pero la situación empeora a partir de ahí: el granjero desaparece y se descubre que una bestia salvaje merodea por los bosques de Mossingham.

Leviticus

En Leviticus, Naim se acaba de mudar junto a su madre a un pueblo extremadamente religioso en algún lugar de Australia. Allí conoce a Ryan, un chico con el que empieza a mantener una relación hasta descubre que Ryan se ha liado con otro estudiante. Lleno de celos, se lo cuenta a los padres de los dos jóvenes, que deciden llevar a sus hijos a un extraño ritual que “expulse de ellos el demonio que provoca su homosexualidad”. Sin embargo, a los jóvenes les empiezan a suceder una serie de extraños fenómenos, por los cuales son perseguidos y atacados por una extraña figura que les resulta familiar.

Esta soledad

Javier Giner (Yo, adicto) debuta en el largometraje con esta íntima película protagonizada por Oriol Pla y Marina Salas. En ella se narra la historia de Leo y Lorea, una pareja que rompe después de cinco años juntos. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.

Hope

Presentada en el Festival de Cannes y aclamada allá por donde ha pasado, la nueva marcianada del director surcoreano Na Hong-jin llega por fin a cines, y lo hace con un reparto que mezcla actores surcoreanos (Hwang Jung-min, Jung Ho-yeon o Jo In-sung) con estrellas de Hollywood (Michael Fassbender, Taylor Russell o Alicia Vikander). En ella, los refuerzos se han desviado para combatir los incendios forestales y se han cortado todas las comunicaciones. El jefe del puesto policial de Hope, Bum-seok, y la agente Sung-ae luchan por defender un pueblo de ancianos, mientras que en las montañas, Sung-ki y los lugareños que se han lanzado a la búsqueda de la bestia se ven, por el contrario, acosados por ella. Lo que comienza como ignorancia siembra la semilla del desastre, que se intensifica a través del conflicto humano hasta convertirse en una tragedia de proporciones cósmicas.

El guionista Simon Stephenson demandó al director Alexander Payne y aseguró que el guion de Los que se quedan se construyó a partir de su libreto inédito, titulado “Frisco”. La denuncia se presentó el miércoles y también apunta contra el guionista David Hemingson, el productor Mark Johnson, Miramax, Focus Features y otras entidades corporativas vinculadas a la producción. La demanda sostiene que existen 46 “incidentes coincidentes” entre las tramas de ambos guiones. Según el texto legal, la estructura y los sucesos de “Frisco” “fueron trasladados meticulosamente” al filme, con “detalles cosméticos superficiales” modificados para disimular el parecido.

El guion Frisco narra la historia de un médico desanimado que trabaja en un hospital pediátrico y debe hacerse cargo de una paciente adolescente precoz. Entre ambos surge una amistad durante un viaje a San Francisco, que termina con la decisión del doctor de renunciar a su empleo y emprender un recorrido por el país. La demanda plantea que esas similitudes con Los que se quedan exceden la coincidencia. El propio documento legal recurre a una metáfora del oficio para graficar el reclamo: “Los guiones suelen llamarse el plano de una película. Los demandados construyeron su film usando Frisco como su plano”. ¿Por qué Simon Stephenson demandó a Alexander Payne? El guionista sostiene que el director tuvo acceso a su libreto “Frisco” años antes del estreno de Los que se quedan y que elementos centrales de esa historia (un médico desencantado, un viaje con un paciente joven y una decisión final de abandonar el trabajo) reaparecen en la película con cambios superficiales. La demanda reclama 46 coincidencias puntuales entre ambos guiones.

Antes de iniciar acciones legales, Stephenson llevó sus acusaciones al Gremio de Guionistas de Estados Unidos (WGA) en 2024. El sindicato le informó que no tenía competencia para resolver ese tipo de disputas y lo derivó a un abogado. Payne salió al cruce de las acusaciones en el Festival de Cine de Sarajevo, donde calificó el reclamo como “lo más estúpido del mundo”. El director no ofreció otros detalles sobre el caso en esa oportunidad. Stephenson es guionista con créditos en Paddington 2, Luca y The Electrical Life of Louis Wain. Escribió Frisco entre 2012 y 2013, a partir de su propia experiencia como pediatra antes de dedicarse al cine. El guion no quedó en el olvido entre los especialistas de la industria: ocupó el tercer puesto en el Black List, el ranking anual que reúne a los mejores guiones inéditos de Hollywood según encuestas entre ejecutivos del sector.

El contacto previo entre Stephenson y Payne

La demanda detalla que los agentes de Stephenson intentaron interesar a Payne en llevar “Frisco” a la pantalla mucho antes del estreno de Los que se quedan. Según el documento, lograron que el director leyera el guion en dos oportunidades: primero en 2013 y luego nuevamente en 2019. En ambas ocasiones, Payne decidió no avanzar con el proyecto. El reclamo legal cita una comunicación en la que el socio de producción del director le habría transmitido al agente de Stephenson que “a Payne sí le gustó, pero no estaba interesado en producirlo ni en dirigirlo”.

A partir de ese rechazo formal, la demanda construye su argumento central: que pese a no haber avanzado con Frisco como proyecto propio, Payne habría incorporado elementos de ese guion a los borradores de Los que se quedan a través de sus aportes e indicaciones a Hemingson, acreditado como guionista de la película. Los que se quedan, protagonizada por Paul Giamatti, fue estrenada por Focus Features y estuvo entre las películas destacadas de la temporada de premios, con nominaciones al Oscar incluidas. La demanda no detalla el monto de la indemnización reclamada ni fija una fecha para una eventual audiencia judicial.

La actriz Jennifer Lawrence reveló que durante el rodaje de una escena de desnudez descubrió en el set a miembros del equipo técnico que no estaban autorizados a presenciarla. La actriz contó el episodio en el podcast Call Her Daddy y explicó que tomó medidas inmediatas al respecto. La confesión surgió cuando le preguntaron si con los años se volvió más firme a la hora de defender sus propios límites en los rodajes.

Lawrence narró que, en una ocasión, detectó personal del equipo técnico presente sin aprobación mientras filmaba una escena de desnudez. La actriz afirmó que “vino con fuerza” sobre la situación y remarcó que el episodio le sirvió para fijar un principio claro de cara al resto del elenco y del equipo. “Hubo una instancia en un set donde había miembros del equipo que no estaban aprobados cuando yo estaba haciendo desnudez”, relató Lawrence. “Me puse muy estricta con eso, justamente porque si nosotros no establecemos ese principio, ¿qué va a pasar con una chica de 18 años, desconocida, cuando aparezca gente en el set que no está autorizada a estar ahí?”.

La actriz explicó que ese tipo de situaciones ponen a las intérpretes jóvenes en una posición incómoda. “Ella va a estar en la posición de decidir si dice algo y se gana una reputación de ser difícil, o si deja que esas personas con las que no se siente cómoda la vean desnuda”, sostuvo. Según contó, consideró importante explicarle al equipo por qué esa conducta no era aceptable. Lawrence vinculó el episodio con una reflexión más amplia sobre su forma de trabajar. “Tenés que ser maleable, eso es parte del trabajo”, dijo, y puso como ejemplo los pedidos de la directora Lynne Ramsay para la película Die My Love: cortarse el pelo, usar flequillo estilo mullet y teñirse de rubio platinado. “Pero definitivamente hablo más ahora porque soy consciente del lugar que ocupo en la industria”, agregó la actriz.

Su relación con la desnudez y el cuerpo en pantalla

Lawrence no es ajena a los desnudos ni a las escenas de sexo en su filmografía. El año pasado se viralizaron sus comentarios sobre haber prescindido de un coordinador de intimidad durante el rodaje de Die My Love, junto a Robert Pattinson. “No tuvimos uno, o tal vez sí pero no lo usamos realmente... me sentí muy segura con Rob”, dijo en el podcast Las Culturistas. Describió al actor como alguien “no pervertido” y “muy enamorado” de su pareja, Suki Waterhouse. “Mayormente hablábamos de nuestros hijos y de nuestras relaciones. Nunca hubo nada raro tipo ‘¿pensará que me gusta?’. Si hubiera habido algo de eso, probablemente habría tenido un coordinador de intimidad”, explicó. Agregó que muchos actores se ofenden cuando una compañera no quiere tener relaciones con ellos, y que ahí empieza “el castigo”. Según Lawrence, Pattinson no fue de esa manera.

Sobre las escenas de desnudo en Die My Love, Lawrence fue tajante: “No me importa la desnudez, no soy sensible respecto a eso. Quería que Lynne tuviera total libertad artística”. La actriz señaló que estar embarazada durante el rodaje le quitó buena parte de la “ansiedad de vanidad” que solía sentir. “Antes de No Hard Feelings estaba a dieta, sin comer carbohidratos y entrenando. Estaba embarazada [para Die My Love]. ¿Qué iba a hacer, no comer? Trabajaba 15 horas por día, estaba cansada”, relató. También contó una anécdota puntual sobre el proceso de posproducción: “Recuerdo que me mandaron un primer plano de celulitis y me preguntaron si quería que lo retocaran. Les dije que no, que eso es un trasero”.

Lawrence también habló sobre su reaparición como Katniss Everdeen. “Fue increíble, fue una locura. Era el mismo equipo, el mismo asistente de dirección con el que trabajé un millón de veces porque lo amo”, dijo sobre el reencuentro. El reencuentro con Josh Hutcherson y Woody Harrelson la emocionó particularmente. “Con Josh no caminábamos al baño sin abrazarnos. Fue hermoso. Y Woody, obviamente, entró por la ventana de mi habitación de hotel sin invitación. No sería lo mismo si respetara los límites o usara una puerta”, contó. Con estas declaraciones, Lawrence confirmó la participación de Harrelson como Haymitch en El amanecer de la cosecha, la precuela centrada en un joven Haymitch, interpretado por Joseph Zada, durante los 50° Juegos del Hambre.

Jamie Dornan confía en su nuevo Aragorn para El señor de los anillos: la caza de Gollum: “No estoy tratando de superar a Viggo Mortensen” Jamie Dornan reconoció la presión de heredar el papel de Aragorn en La caza de Gollum, la próxima precuela de El señor de los anillos, y aseguró que no busca igualar ni superar la actuación original de Viggo Mortensen. El actor norirlandés habló con la revista L’Officiel, en declaraciones traducidas por Slash Film.

“Hay presión cuando intentas seguir esos pasos. Me pidieron interpretar un papel súper icónico y haré lo mejor que pueda”, explicó Dornan. El intérprete, conocido por Cincuenta sombras de Grey y la serie The Fall, agregó que para él “Aragorn siempre será solo Viggo”. “Su actuación es una de mis favoritas de todos los tiempos, y me siento honrado de intentar recuperar al menos algo de la energía que él le dio originalmente al personaje. No hay ninguna parte de mí que esté tratando de superarlo”, cerró el actor de 44 años.

Mortensen, de 68 años, ya había manifestado públicamente su conformidad con que Dornan tome la posta. Según declaraciones previas del propio director de la película, el actor original se mostró satisfecho con la elección de casting. La caza de Gollum reconstruye el período en que el futuro rey de Gondor todavía vivía como un montaraz solitario conocido como Strider, antes de los sucesos narrados en La comunidad del anillo. Mortensen encarnó a Aragorn en la trilogía original dirigida por Peter Jackson entre 2001 y 2003: La comunidad del anillo, Las dos torres y El retorno del rey.

La caza de Gollum está dirigida por Andy Serkis, quien además repite como la criatura Gollum/Sméagol mediante captura de movimiento. Se trata de la primera vez que Serkis asume la dirección principal de una entrega de la franquicia, tras haber trabajado como director de segunda unidad en la trilogía de El Hobbit y haber dirigido films como Mowgli: la leyenda de la selva y Venom: habrá matanza. El guion estuvo a cargo de Philippa Boyens, Phoebe Gittins y Arty Papageorgiou. La trama se ubica en el período de 17 años que separa el cumpleaños de Bilbo Bolsón del momento en que Frodo abandona la Comarca. La historia sigue la cacería conjunta de Gandalf y Aragorn para capturar a Gollum antes de que las fuerzas de Sauron lo encuentren y obtengan información sobre el Anillo Único.

Peter Jackson, productor del proyecto, reveló en el Festival de Sitges, donde recibió el Gran Premio Honorífico, que el filme se inspiró en el enfoque narrativo del Joker protagonizado por Joaquin Phoenix para explorar la psicología de Gollum desde una perspectiva interna. Jackson adelantó además que el rodaje, iniciado en Nueva Zelanda durante el verano boreal de 2026, está cerca de concluir: restarían alrededor de dos semanas de filmación. Junto a Serkis, retornan a la franquicia Ian McKellen como Gandalf, Elijah Wood como Frodo Bolsón y Lee Pace como el rey élfico Thranduil. A ellos se suman Kate Winslet, en el papel de una hobbit llamada Marigol; Anya Taylor-Joy, como Seren, una elfa sindar creada especialmente para el filme; y Leo Woodall, quien interpreta a Halvard, miembro del grupo de caza de Aragorn.

Woodall había sido mencionado inicialmente como posible candidato para interpretar al joven Aragorn, rumor que finalmente no se concretó cuando Warner Bros. confirmó a Dornan en el papel durante el CinemaCon de abril. No todos los personajes de El Hobbit regresarán: el actor Luke Evans, quien dio vida a Bardo el Arquero, confirmó recientemente que es poco probable que retome ese papel en la nueva producción. El señor de los anillos: la caza de Gollum llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027, bajo distribución de Warner Bros. Esa misma fecha coincidirá con el estreno de Avengers: Secret Wars.

La noche más esperada del año para muchos ya está a la vuelta de la esquina. Brujas, asesinos en serie y demás monstruos se dan cita en Halloween, y con ella Madrid alberga algunas de las actividades culturales y de ocio más curiosas. Este año la capital contará con todo tipo de actividades enfocadas en distintas edades y nosotros hemos recopilado algunas de las propuestas más divertidas para pasar Halloween, ya sea fuera o desde casa, disfrazado o sin disfraz, pero siempre con muchas ganas de pasárselo bien.

Penguin

La fiesta de Halloween empieza desde bien pronto para los niños, y es que no hay que olvidar que son aquellos que mejor se lo pueden pasar en Halloween. Desde Penguin también lo saben y por eso organizan su propia fiesta en La Nube de Casa del Lector, ubicada en Matadero y donde han montado un espacio con diferentes talleres y actividades basados en algunos de los mundos más halloweenescos de sellos como Montena, Alfaguara, Molino, Bruguera o B de Blok, para hacer de la tarde un espectáculo lleno de misterio, imaginación y criaturas espeluznantes.

Raves

La mayor fiesta de Halloween de Madrid, así se presenta la Blackworks Halloween: The Purgatory que se celebra este viernes 30 y sábado 31 en la Nueva Cubierta de Leganés. Un festival electrónico de 2 días, 24 horas de hard techno y más de 20.000 ‘ravers’ dispuestos a darlo todo desde las 18 de la tarde hasta el amanecer. La propuesta de Blackworks va más allá de un festival temático, con un recinto se transformará en un inmenso esce- nario gótico de terror, con una ambientación diseñada para envolver al público en una experiencia en 360. Escenarios, estructuras, iluminación, efectos especiales y elementos escenográficos recrearán un purgatorio electrónico en el que miles de ravers disfrazados de personajes de terror o con el habitual uniforme de guerra: outfits negros, gafas de sol oscuras, botas cyberpunk..

Conciertos Radar Joven

Para los jóvenes y no tan jóvenes, nada mejor que pasar el fin de semana de Halloween disfrutando de la escena musical de la capital. Da la casualidad de que este Halloween coincide con varios de los conciertos de Radar Joven, el ciclo que desde hace años organiza la Comunidad de Madrid para impulsar a bandas emergentes. Si además de salir disfrazado a bailar quieres descubrir a la próxima banda del momento, este fin de semana lo podrás hacer desde el viernes con Benzú y Elena Carat en Café La Palma (21:30h); interrogación amor y Amante Laffón en El Sótano (20:30h); Comic Sans en Moby Dick (21:00h) o Supercremalleras en Siroco (21:00h), pero también la noche del sábado con Korashe en Café Berlín (19:30h); sélpide en Contraclub (22:00h); Las Nietas del Charli en sesión matinal en Galileo Galilei (12:00h); y Estela Gris y Azul Yokai en Maravillas (21:00h).

Filmin y FlixOlé

Si eres de los que prefiere quedarse en casa, tampoco pasa nada. No hay nada más típico de Halloween que pasarlo viendo una buena película de terror, y en plataformas esperan varios títulos de lo más interesantes. Filmin ha hecho su propia colección para esta ocasión, encabezado por Carrie por el 50º aniversario pero que también cuenta con otras como American Psycho, La sustancia o la reciente Backrooms, auténtico fenómeno de terror del año. No es la única, pues FilxOlé sigue contribuyendo al cine español con su particular propuesta para este Halloween, que incluye títulos como Yo anduve con un zombie (Jacques Tourneur, 1943), El ataque de los muertos sin ojos (Amando de Ossorio, 1973) o la saga de culto completa Puppet Master, pero también de producción nacional como La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971), Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972), La novia ensangrentada (Vicente Aranda, 1972) o Ceremonia sangrienta (Jorge Grau, 1973).

Círculo de Bellas Artes

Quizá la opción más clásica para pasar una noche así es pillar un buen disfraz y marchar a bailar. Todo un edificio mítico de Madrid como el Círculo de Bellas Artes no podía quedarse sin albergar una fiesta así, y tras organizar el clásico baile de máscaras de Carnaval, ahora le llega el turno a la Noche de muertos y brujas. Un akelarre con DJs y artistas que mezclarán cumbia, reggaetón, mambo y otros ritmos endemoniados con magia, actuaciones y demás sorpresas, pero sobre todo con un desfile de los mejores disfraces, calaveras y catrinas de toda la ciudad en un escenario inmejorable como es bajo la cúpula del Salón de Baile y entre los mármoles de la Sala de Columnas.

Brad Bird, director de Los Increíbles, reveló el significado oculto detrás de los poderes de la familia Parr. Durante su participación en el evento That Hollywood Show, el cineasta explicó que cada habilidad extraordinaria de los superhéroes responde a una etapa de vida o a un rol familiar específico. La saga, que le dio a Pixar y Disney varios cientos de millones de dólares en recaudación, construye sus escenas de acción sobre una base doméstica. Antes de enfrentar villanos, los Parr deben resolver conflictos cotidianos como cuidar a un bebé o atender responsabilidades del hogar.

Según explicó Bird, los poderes de Bob, Helen, Violeta, Dash y Jack-Jack no son arbitrarios: cada uno representa una tensión personal propia de su edad o su función en la familia, y por eso la acción de la película siempre está conectada con un conflicto emocional reconocible para el público. Para Bob Parr, el padre de familia, Bird partió de una exigencia social tradicional. “Se espera que los padres sean fuertes, así que lo hice superfuerte”, explicó el director.

Con Helen Parr, la madre, el razonamiento apuntó a la sobrecarga de tareas que suele recaer sobre esa figura. “A las madres las jalan en diez direcciones a la vez, así que ella se estira”, señaló Bird. En el caso de Violeta, la hija adolescente, el cineasta recurrió a las inseguridades propias de esa etapa. “Los adolescentes son inseguros y están a la defensiva, por eso ella puede volverse invisible y tiene campos de fuerza”, detalló. Dash, el hijo menor, representa el polo opuesto: la energía incontenible de la infancia. “Los niños de diez años son bolas de energía que siguen hasta caer rendidos”, explicó Bird. Finalmente, Jack-Jack, el bebé de la familia, condensa la incertidumbre sobre el futuro de cualquier persona recién nacida. “Los bebés son una incógnita; podrían ser el próximo líder del mundo libre o podrían ser un vagabundo, no lo sabes”, afirmó el director de Los increíbles y su secuela.

De ‘Los Increíbles 3′ a ‘Ray Gunn’

La familia Parr tendrá una tercera entrega confirmada. Disney la programó para el 16 de junio de 2028, con Peter Sohn, director de Elementos y Un gran dinosaurio, al frente de la dirección. Bird permanecerá en la producción junto con Dana Murray y también participará como guionista. La nueva película continuará la historia iniciada en 2004 y retomada en 2018, cuyas dos primeras entregas Bird escribió y dirigió. Durante el panel de D23 de 2026 se adelantó que Violeta y Dash tendrán mayor protagonismo en la trama. Los hermanos realizarán actividades superheroicas a escondidas mientras deben cuidar a Jack-Jack, quien seguirá desarrollando nuevos poderes. También se informó que el personaje Winston Deavor impulsará una liga de superhéroes con intereses comerciales y productos asociados.

El interés de Bird por la animación comenzó a los once años, cuando emprendió un cortometraje que tardó casi tres años en completar. Ese trabajo llamó la atención de Disney y propició que Milt Kahl, uno de los animadores históricos del estudio, lo orientara cuando tenía catorce años. Más tarde trabajó como animador en Disney y en otros estudios. En televisión, Bird realizó tareas de consultoría en Los Simpson y King of the Hill, además de crear el segmento Family Dog para Amazing Stories. En 1999 debutó como director de largometrajes con El gigante de hierro, con guion de Tim McCanlies y una historia que él mismo desarrolló a partir del libro de Ted Hughes. Los Increíbles y Ratatouille le dieron dos premios Óscar a mejor película animada, entregados en 2005 y 2008, respectivamente.

Su próximo proyecto, Ray Gunn, llegará a Netflix el 18 de diciembre. Se trata de un detective noir de ciencia ficción ambientado en Metropia, una ciudad futurista inspirada en finales de la década de 1930, donde humanos y extraterrestres conviven. La trama sigue a Raymond Gunn, con la voz de Sam Rockwell, un detective privado que investiga una serie de asesinatos vinculados a una superestrella pop llamada Venus Nova, interpretada por Scarlett Johansson. Bird llevó este proyecto consigo durante más de treinta años antes de conseguir financiamiento. “Fue muy difícil conseguir financiación”, reconoció el director, quien describió la idea original como una mezcla entre El halcón maltés y Buck Rogers. La cinta se estrenará en cines el 4 de diciembre, antes de su llegada a la plataforma de streaming.

El Real Madrid se ha sumado a las disculpas presentadas por Kylian Mbappé y pidió perdón al pueblo chino por el malestar generado tras las declaraciones del delantero francés sobre un meme que lo comparaba con Mao Zedong. El club difundió un comunicado en el que asegura mantener “un profundo respeto” por China, su historia, su cultura y sus ciudadanos. La disculpa del club blanco llega después de que el propio Mbappé emitiera un comunicado en tres idiomas y de que LaLiga, a través de su presidente Javier Tebas, pidiera perdón en nombre de la competición y de sus clubes.

En su texto, el Real Madrid expresó sus disculpas “al pueblo chino por el malestar que hayan podido ocasionar las recientes palabras” de Mbappé. El club remarcó que mantiene “un profundo respeto por China, su historia, su cultura y sus ciudadanos, así como por los millones de aficionados chinos que sienten cariño y admiración por el Real Madrid”. La entidad madridista se sumó de forma explícita a las disculpas públicas del propio jugador, en las que este “ha manifestado su arrepentimiento por sus palabras y ha reiterado su respeto hacia el pueblo chino”. El club cerró su comunicado con un mensaje de compromiso: reafirmó los valores de “respeto, convivencia y entendimiento entre culturas” y expresó su deseo de seguir fortaleciendo los lazos de amistad con China y sus ciudadanos.

El pronunciamiento del Real Madrid se produjo después de que Mbappé emitiera un comunicado oficial en chino, francés e inglés, firmado el martes en París. En ese mensaje, el delantero reconoció que sus palabras “han herido a muchas personas en China y entre la comunidad china de todo el mundo”. El futbolista explicó que había “reaccionado a una imagen” suya en una entrevista reciente y calificó su comentario de “desafortunado”. Cerró su comunicado con una disculpa directa: “Siento un profundo respeto por el pueblo chino y su historia, y estoy sinceramente arrepentido”.

La disculpa de Mbappé que precedió al comunicado del club

La polémica se originó cuando Mbappé, preguntado por su meme favorito, dijo que el que más le hacía reír era uno en el que usaban su cara “en un dictador chino”. Aunque el jugador no mencionó a ningún dirigente, en redes sociales circulaba desde hacía meses una imagen con su rostro superpuesto al retrato del exlíder Mao Zedong. En China, las sátiras sobre antiguos líderes vinculados al Partido Comunista Chino (PCCh) están perseguidas bajo el delito de “difamación de héroes y mártires”, en un entorno de fuerte censura de contenidos políticos.

Antes de la disculpa del Real Madrid, la crisis había escalado con la suspensión por parte de la televisión estatal CCTV de las retransmisiones de LaLiga y de los partidos de Mbappé. Empresas como Dongpeng, Mengniu y Milkground cancelaron sus contratos publicitarios con el futbolista, mientras que la plataforma Xiaohongshu y el portal deportivo Dongqiudi también tomaron distancia del jugador. Tebas, por su parte, había advertido que LaLiga “no puede permitir que unas declaraciones individuales empañen” la relación de la competición con China y anunció un protocolo de sensibilización para clubes y jugadores.

El episodio se suma a otros incidentes recientes entre el fútbol español y la sensibilidad china. En septiembre, medios oficiales chinos habían criticado al propio Real Madrid por un mensaje que mencionaba conjuntamente a Nepal y el Tíbet tras una riada. En abril, el FC Barcelona había pedido disculpas tras la aparición de una bandera de Taiwán en una página vinculada a su academia internacional. En febrero, el Real Madrid ya había difundido disculpas atribuidas a su defensa Dean Huijsen por republicar en Instagram un contenido calificado de racista hacia los ciudadanos asiáticos.

Pedro Sánchez ya ha empezado su campaña electoral para las elecciones que tendrán lugar el próximo 29 de noviembre, y a la espera de pasarse por el programa de Jordi Wild para un debate con Feijóo y Abascal, de momento ha comenzado por otro de internet. Ha sido en Keep it cutre, el podcast conducido por Ángela Henche y Albanta San Román en el que se habla de forma informal con invitados conocidos y siempre acaban saliendo temas interesantes y recomendaciones culturales. Con Pedro Sánchez, melómano y aficionado al audiovisual, no iba a ser diferente.

El actual presidente del Gobierno comenzó este Amiga Date Cuenta repasando la actualidad política y defendiendo sus años de gestión en el poder, antes de pasar a hablar de temas como el odio en redes sociales, la regulación de la inteligencia artificial -con mención a sus deepfakes- o de salud mental, donde comentaba que hace ejercicios de meditación diarios. Entre todo ello, Sánchez aprovechaba para sacar a colación de Amancio Ortega y la clase alta española la última serie de Netflix.

Hablando de conciencia de clase y de cómo algunas personas se sienten más cercanas “a millonarios que a quien pide en la puerta del Mercadona”, emergía tanto la figura de Amancio Ortega como la de los otros ricos que no están “hechos a sí mismos” como el empresario gallego, sino que por el contrario han heredado sus riquezas y posesiones y vivido de las rentas. “Es muy bueno aspirar al máximo, y Amancio Ortega es un hombre que se ha hecho a sí mismo, pero hay otros que vienen de alta alcurnia, de familias franquistas y que han heredado un empresón con monopolios estatales de otras épocas”, reflexionaba Sánchez, antes de introducir a propósito la última serie española de Netflix que guarda gran relación con el tema.

Una sátira sobre la realidad de algunos

“Estoy viendo una serie española que está curiosa en Netflix, Grande de España, que está bastante bien. Que es un poco esta movida, trata de gente que se cree más de lo que realmente es”, mencionaba el presidente del Gobierno haciendo referencia a la produccción creada por Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero que lanzó la plataforma el pasado 23 de octubre. “Ellos hablan de la aristocracia, de estos nombres así con apellidos compuestos, este tipo de cosas”, explicaba Sánchez.

Grande de España narra en seis episodios la vida de Don Leandro, un marqués arruinado que vive de las apariencias y sueña con ser nombrado Grande de España. Pasando apuros económicos, Leandro tiene la idea de vender su palacete familiar en Madrid para saldar sus deudas, y todo apunta a que sacará un buen pellizco cuando conoce a la empresaria Sofía Carrington, quien parece interesada en la propiedad. Poco a poco la relación entre ambos se va estrechando y con ella ambos descubren que no son del todo como dicen ser, en una gran sátira sobre la hipocresía de buena parte de la supuesta clase alta española. Antonio de la Torre y Alexandra Jiménez dan vida a Leandro y a Sofía respectivamente, en una serie que no toma inspiración directa de ningún personaje concreto, pero que tiene reminiscencias de otras grandes obras sobre la aristocracia española, como Patrimonio Nacional de Luis García Berlanga.

HBO adquirió los derechos para desarrollar una serie limitada de Los pájaros, la nueva versión del clásico de Alfred Hitchcock basado en la novela de Daphne du Maurier. El proyecto, que Sarah Snook protagonizará, llegó a la cadena tras haber sido impulsado durante meses por Universal Global Television (UGT). La producción fue reportada en exclusiva por Deadline. Según el medio, la serie estuvo en desarrollo en UGT y su predecesora UIS por más de un año antes de aterrizar en HBO.

La historia sigue a Myra Massey, interpretada por Snook, una mujer que escapa de una disputa de custodia y regresa a su pueblo natal con su hija pequeña. Allí investiga en secreto la desaparición sospechosa de una amiga de la infancia. Mientras un asesino sigue suelto y las amenazas personales se intensifican, Myra debe proteger a su hija de un peligro adicional: ataques de pájaros violentos y mortales vinculados de forma inexplicable al crimen. El guion del piloto fue escrito por Tom Spezialy. Universal Global Television actuará como coestudio junto a HBO en esta producción, que retoma el título original de 1963 dirigido por Hitchcock y la novela corta de Du Maurier en la que se basó.

Spezialy y Snook ejercen como productores ejecutivos junto a David Heyman y Danny Samit, a través de Heyday Television, la empresa conjunta de Heyman con UGT. También participa como productora ejecutiva Jennifer Gabler Rawlings, de Omni Artists. Universal Pictures, estudio hermano de UGT, produjo la película de 1963 y posee los derechos del título junto al patrimonio de Du Maurier. A su vez, Universal Television, otra división del mismo grupo, produce La edad dorada, la serie de época que HBO emite con éxito. Spezialy fue productor ejecutivo de Watchmen, serie de HBO con la que compartió el Emmy a Mejor Serie Limitada en 2020. También trabajó en The Leftovers para la misma cadena. Más recientemente, ejerció como productor ejecutivo de Blade Runner 2099, la serie de Prime Video que continúa el universo de la película de Ridley Scott.

La actriz indicada para el proyecto

Snook, de nacionalidad australiana, se dio a conocer mundialmente por su papel de Shiv Roy en Succession, producción de HBO. Por ese personaje recibió tres nominaciones al Emmy y ganó el premio en 2023. La actriz protagonizó además All Her Fault, la serie limitada de UGT emitida en Peacock, que le valió otra nominación al Emmy. El año pasado ganó un premio Tony por su actuación en El retrato de Dorian Gray. En 2025 obtuvo el premio AACTA a Mejor Actriz por su trabajo en Memoir of a Snail, la película animada que estuvo nominada al Oscar. Snook está representada por UTA, Omni Artists, Hansen Jacobson Teller y, en Australia, por Shanahan Management.

Los pájaros ya había generado intentos previos de adaptación que no llegaron a concretarse. En 2007 se anunció un remake cinematográfico con Naomi Watts como protagonista y Martin Campbell en la dirección, proyecto que nunca se materializó. En 2017, la BBC anunció una serie basada en el mismo material, con guion del dramaturgo irlandés Conor McPherson. Esa producción tampoco llegó a filmarse. La versión que ahora desarrolla HBO, impulsada por Spezialy desde el guion y por Heyman como productor ejecutivo, se convierte así en el intento más avanzado hasta la fecha para llevar nuevamente a pantalla la historia que Hitchcock convirtió en un clásico del cine de terror en 1963.

Connor Storrie, el actor de Heated Rivalry, negocia su incorporación a Ghost Rider, la próxima película de Marvel Studios protagonizada por Ryan Gosling, informó The Hollywood Reporter. El actor de Drive interpretaría a un villano del universo del motociclista infernal, aunque Marvel no confirmó de qué personaje se trata. Hace apenas un año, Storrie era un actor desconocido que se mantenía trabajando como mesero. Ahora está por compartir pantalla con una de las grandes estrellas de Hollywood en una de las franquicias más grandes del cine.

El actor se dio a conocer con Heated Rivalry, la serie dramática sobre hockey que tendrá una segunda temporada. Ghost Rider sería su primer gran proyecto tras ese éxito. Shawn Levy está a cargo de la dirección de Ghost Rider, lo que lo reencuentra con Gosling y con el guionista Jonathan Tropper, con quienes trabajó previamente en Star Wars: Starfighter. El filme ya tiene fecha de rodaje confirmada: comenzará a filmarse en Nueva York el próximo año. Linus Sandgren, director de fotografía de Dune Part 3, fue contratado para el proyecto, que se rodará en celuloide, según indicaron las fuentes consultadas por The Hollywood Reporter.

Se presume, aunque Marvel no lo confirmó oficialmente, que Gosling interpretará a Johnny Blaze, el personaje central de Ghost Rider. No se sabe todavía qué papel ocupará Storrie en la trama ni a qué villano encarnaría. El proyecto producido por Kevin Feige junto a Louis D’Esposito, Stephen Broussard, Levy y el propio Gosling se anunció de manera sorpresiva en la Comic-Con de San Diego en julio. Marvel le asignó una fecha de estreno: el 28 de julio de 2028. Como productores ejecutivos figuran Richie Palmer y Jessie Henderson.

Quién es Ghost Rider y su paso previo por el cine

Storrie se convirtió en una de las figuras reveladoras de 2025 gracias a Heated Rivalry, donde interpreta al fenómeno del hockey ruso Ilya Rozanov. El éxito de la serie le abrió las puertas a acuerdos de marca y a una participación como anfitrión en Saturday Night Live, que le valió una nominación al Emmy. Además de Ghost Rider, el actor ya filmó un papel en la adaptación de The Bell Jar dirigida por Sarah Polley.

Ghost Rider es un personaje creado por el guionista Gary Friedrich y el artista Mike Ploog para Marvel Comics, que apareció por primera vez en 1972 en Marvel Spotlight No. 5. En los cómics, Johnny Blaze es un motociclista acróbata que hace un pacto con el diablo y queda unido a un demonio llamado Zatharos, lo que lo transforma en un espíritu de venganza con calavera en llamas que conduce una motocicleta de fuego. El personaje no tuvo un villano fijo en las historietas, sino una serie de antagonistas demoníacos. Entre ellos, se destaca Mephisto, la figura diabólica que en distintas versiones ha sido su principal enemigo.

El salto de Ghost Rider al cine ocurrió en 2007, cuando Nicolas Cage protagonizó la primera película dirigida por Mark Steven Johnson para Columbia Pictures y Marvel Studios. En esa versión, Cage encarnó a Johnny Blaze enfrentado a Blackheart, interpretado por Wes Bentley, hijo demoníaco de Mephistopheles, a quien dio vida Peter Fonda. El filme recaudó 228,7 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de 110 millones. Cage repitió el papel en la secuela Ghost Rider: Spirit of Vengeance, estrenada en 2012 bajo la dirección de Mark Neveldine y Brian Taylor. Los derechos del personaje regresaron a Marvel en 2013. Más adelante, el personaje tuvo una versión en la serie Agents of S.H.I.E.L.D., mientras que Sacha Baron Cohen interpretó a Mephisto en la serie de Disney+ Iron Heart.

“Cuando la estrenamos, me molestaba que se hablara de retrato generacional. Ahora pienso que, objetivamente, sí lo era, aunque también tenía una forma de trabajar y de contar distinta de otros retratos más convencionales”, reconoce ahora Berta Prieto, creadora y protagonista de ambas series de Filmin. “En Autodefensa escribíamos desde posiciones más firmes. Ahora planteamos temas sobre los que no tenemos una opinión cerrada. Quizá por eso la serie pueda durar más: el tiempo irá respondiendo a preguntas que hoy siguen abiertas”, sostiene Prieto en su entrevista con Infobae, secundada por su compañero Miguel Ángel Blanca. “Autodefensa tenía que pasar de moda en cinco años. Respondía a una moral muy concreta del momento pospandemia. Esta serie plantea contradicciones morales que pueden perdurar más y tener otras lecturas dentro de 20 años”.

Esas preguntas, dudas y contradicciones se manifiestan en la figura de Paula, una joven no tan joven que aún recuerda el éxito de crítica que vivió con su rompedora novela El coño y la navaja, pero que tiempo después no ha logrado despegar del todo ni profesional ni personalmente. Trabaja en la sombra para una niña influencer, pero la gran oportunidad le llega cuando una editorial le propone hacer la biografía de Lil Rogelio, un polémico cantante de trap que ha obtenido un permiso para salir de la cárcel y está dispuesto a colaborar. Al principio, Paula no está muy convencida, pero poco a poco la relación entre ambos comienza a estrecharse, aunque no entienda muy bien qué saldrá de todo ello.

Entre el scroll y la desubicación constante

“Lil Rogelio despierta en Paula ganas de moverse. Hoy es difícil generar en las personas ese impulso para pasar del pensamiento a la acción”, reconoce Prieto, quien da vida a la joven y quien cree que la serie, lejos de estigmatizar la figura de los influencers y la relación de la sociedad actual con las redes sociales, busca escenificar precisamente cómo de interiorizada está en nuestras vidas. “Queríamos tratarlos de igual a igual. En la serie son los amigos y confidentes de Paula; no queríamos reírnos de ellos ni colocarnos por encima. Podemos criticar a los influencers por convertir su vida en contenido, pero en la ficción ocurre todo el tiempo”.

Más allá de su controvertida propuesta, lo realmente diferente de Segunda temporada es su manera de llevar eso narrativamente, con una estructura de siete episodios no ya autoconclusiva, sino autodestructiva. ”El punto de partida es que cada capítulo destruya al anterior, que sabotee todo lo que el espectador ha visto. El primer episodio tenía que ser el más mainstream, para que confiaras en un lenguaje, y a partir de ahí cambiarlo todo. El scroll infinito ha inundado el relato: llevamos 100 años de lenguaje cinematográfico y las redes sociales llevan 15 o 20, y estamos en ese momento en el que esa mezcla tiene que afectar al audiovisual", reflexiona Miguel Ángel Blanca, comparando el ADN de Segunda temporada con la imprevisibilidad del algoritmo.

“Cuando haces scroll te encuentras una catástrofe, después un plato cocinado en las calles de la India y luego una chica que se maquilla. Esa esquizofrenia, ese relato entrecortado, tiene que entrar de alguna forma en el cine. Por eso el capítulo tres es una película de maldiciones adolescentes, el cinco está rodado en vertical y, de repente, los personajes cambian de lugar dentro de la historia. No sabemos nunca cuál es la verdad, porque la verdad puede ser todo”, explicaba Blanca, algo que secunda Prieto. “La gente que ve la serie sabe que está viendo una ficción, pero a la vez es espectadora constante de muchas otras cosas: del scroll, de TikTok, de series. No queríamos hacer una propuesta naturalista que conectara solo desde la empatía. Damos por hecho que el espectador también es ciudadano de este mundo y que reconoce esos códigos. Por eso la serie se puede permitir ciertos saltos temporales y de tono: no porque todo sea una red social, sino porque partimos de que quien la ve ya está acostumbrado a moverse entre formatos y relatos distintos.”

“El sacrificio que han tenido los Javis es transformarse en memes”

Segunda temporada también plantea a mitad de sus siete episodios el gran conflicto que supone vampirizar la vida de alguien, ya sea esta una niña influencer o un cantante de trap afligido. “Hace unos años parecía importante conquistar el espacio público para ciertas minorías. Ahora quizá hemos entendido hasta qué punto la visibilidad puede esclavizar, y que cierta libertad pasa por recuperar espacios íntimos”, señala Prieto, cuyo personaje se cuestiona esta idea en los episodios finales, aunque sus creadores admiten que no tienen una posición ni respuesta clara al respecto.

Algo más claro lo tienen con el otro fenómeno más reciente en el audiovisual español, el de La bola negra de Los Javis, quienes para Blanca son el ejemplo perfecto de cómo entender el lenguaje moderno. “Los Javis son influencers, y no lo digo como algo negativo. Si ves cómo se muestran, cómo manejan sus fotos o cómo se relacionan con el público, entiendes que han asumido esas reglas. Han entendido hasta qué punto tienen que ser naturales y hasta qué punto tienen que construirse. Eso no implica que haya algo falso: es la forma en la que hoy muchos artistas se comunican y generan un vínculo con la gente. El único sacrificio que han tenido que hacer es tranformarse en memes, pero son los artistas más de su tiempo que existen”.

Kylian Mbappé ha pedido disculpas al pueblo chino tras la polémica generada por sus declaraciones sobre un meme que lo comparaba con Mao Zedong. El delantero del Real Madrid emitió un comunicado oficial en tres idiomas (chino, francés e inglés), firmado este martes en París, en el que admite el error y expresa su arrepentimiento. “Siento un profundo respeto por el pueblo chino y su historia, y estoy sinceramente arrepentido”, escribió el futbolista francés, quien reconoció que sus palabras “han herido a muchas personas en China y entre la comunidad china de todo el mundo”.

En el comunicado, Mbappé explicó el contexto de su comentario: “Durante una entrevista reciente, reaccioné a una imagen mía en la que aparecía representado. Mi comentario fue desafortunado y ahora comprendo que ha herido a muchas personas en China”. El jugador no detalló más allá de ese reconocimiento, aunque sí dejó clara su voluntad de enmendar el malestar causado. El delantero cerró su mensaje con una disculpa explícita: “Pido disculpas a todas las personas a las que mis palabras hayan ofendido. No era en absoluto mi intención”. La declaración responde directamente a la crisis desatada después de que el futbolista, preguntado por su meme favorito, dijera que el que más le hacía reír era uno en el que usaban su cara “en un dictador chino”, en referencia a una imagen que circulaba en redes con su rostro superpuesto al retrato de Mao Zedong.

El comunicado de Mbappé se produce después de que la televisión estatal CCTV suspendiera las retransmisiones de LaLiga y de los partidos del futbolista, y de que empresas como Dongpeng, Mengniu y Milkground cancelaran sus contratos publicitarios con el jugador. La plataforma Xiaohongshu y el portal deportivo Dongqiudi también habían tomado distancia del delantero en los días previos. A ello se sumó la intervención de LaLiga, que había censurado las palabras del futbolista. El presidente de la competición, Javier Tebas, emitió un comunicado en el que pidió disculpas en nombre de LaLiga y de sus clubes, y advirtió que “no podemos permitir que unas declaraciones individuales empañen” la relación de la competición con China. Tebas anunció además un protocolo de sensibilización y comunicación que se desarrollará junto a los clubes y los jugadores.

El origen del conflicto

La polémica se originó cuando Mbappé, en una entrevista, relató su gusto por el meme que lo vinculaba con la figura del exlíder chino. El futbolista no mencionó a ningún dirigente de forma directa, pero la imagen que circulaba en redes sociales desde hacía meses superponía su rostro al retrato de Mao Zedong. En China, las sátiras sobre antiguos líderes vinculados al Partido Comunista Chino (PCCh) están perseguidas bajo el delito de “difamación de héroes y mártires”, en un entorno de fuerte censura de contenidos políticos. Esa sensibilidad explica la rapidez con la que instituciones y empresas reaccionaron ante el comentario del delantero.

El episodio con Mbappé se suma a otros incidentes recientes entre entidades del fútbol español y la sensibilidad china. En septiembre, medios oficiales chinos habían criticado al Real Madrid por un mensaje que mencionaba conjuntamente a Nepal y el Tíbet tras una riada. En abril, el FC Barcelona había pedido disculpas tras la aparición de una bandera de Taiwán en una página vinculada a su academia internacional. En febrero, el Real Madrid difundió disculpas atribuidas a su defensa Dean Huijsen por republicar en Instagram un contenido calificado de racista y ofensivo hacia los ciudadanos asiáticos.

Javier Tebas, presidente de LaLiga, pidió disculpas en nombre de la competición española y de sus clubes tras la polémica generada por las declaraciones de Kylian Mbappé sobre un meme que lo comparaba con Mao Zedong. La organización difundió un comunicado en el que lamenta “profundamente la ofensa” causada entre los aficionados chinos. El pronunciamiento llega después de que la televisión estatal CCTV suspendiera las retransmisiones de LaLiga y de los partidos del delantero del Real Madrid, y de que varias empresas chinas rompieran sus contratos publicitarios con el futbolista.

LaLiga afirmó que los comentarios de Mbappé “fueron realizados a título personal y no representan a LaLiga”. La entidad aclaró que, “en la medida de nuestra responsabilidad institucional”, pide disculpas en nombre de la competición y de todos sus clubes. Tebas fue más allá en sus declaraciones personales. “Entendemos y respetamos plenamente la sensibilidad del pueblo chino y lamentamos sinceramente el daño que estas declaraciones hayan podido ocasionar”, expresó el dirigente, quien trasladó las disculpas “a todos aquellos que se hayan sentido ofendidos”.

El presidente de LaLiga explicó que la competición mantiene desde hace años una relación con el país asiático. “Hemos construido una relación sólida de confianza, cooperación y amistad con China, sus autoridades, sus instituciones deportivas, sus organismos audiovisuales y, especialmente, con los millones de aficionados chinos”, señaló. Tebas remarcó que no se puede permitir que unas declaraciones individuales empañen esa relación ni perjudiquen a los más de 20 clubes que integran las competiciones profesionales españolas, a los socios comerciales ni a los aficionados chinos.

Un protocolo de sensibilización para clubes y jugadores

El comunicado detalla que LaLiga está adoptando “las medidas que están a nuestro alcance” para abordar la situación y reforzar la sensibilidad cultural en las actuaciones relacionadas con la competición. Tebas reiteró “el máximo respeto hacia China y su pueblo” y la voluntad de LaLiga de fortalecer unas relaciones que calificó de “estratégicas, profundas y duraderas”. El organismo anunció que trabajará “en diálogo con las autoridades y nuestros socios en China” para superar la situación y preservar la confianza mutua. Como parte de esa estrategia, LaLiga concretará un protocolo de sensibilización y comunicación que se desarrollará junto a los clubes y los jugadores.

La polémica ha surgido cuando Mbappé, preguntado en una entrevista por su meme favorito, respondió que el que más le había hecho reír era uno en el que usaban su cara “en un dictador chino”. El futbolista no mencionó a ningún dirigente, pero en redes sociales circulaba una imagen con su rostro superpuesto al retrato de Mao Zedong. La reacción china fue inmediata. CCTV suspendió las retransmisiones de LaLiga y de los contenidos de Mbappé, mientras que empresas como Dongpeng, Mengniu y Milkground cancelaron sus contratos publicitarios con el jugador. La plataforma Xiaohongshu (RedNote) y el portal deportivo Dongqiudi también tomaron distancia del futbolista, este último al retirar su nombre de la clasificación del Balón de Oro 2026. En China, las sátiras sobre antiguos líderes vinculados al Partido Comunista Chino (PCCh) están perseguidas bajo el delito de “difamación de héroes y mártires”, en un entorno de fuerte censura de contenidos políticos.

La disculpa de LaLiga se produce en un contexto de tensiones repetidas entre entidades del fútbol español y la sensibilidad china. En septiembre, medios oficiales chinos criticaron al Real Madrid por un mensaje que mencionaba conjuntamente a Nepal y el Tíbet tras una riada. En abril, el FC Barcelona pidió disculpas después de que apareciera una bandera de Taiwán en una página vinculada a su academia internacional. En febrero, el Real Madrid había difundido disculpas atribuidas a su defensa Dean Huijsen por republicar en Instagram un contenido calificado de racista y ofensivo hacia los ciudadanos asiáticos.

Elon Musk impulsó una versión de La Odisea creada con inteligencia artificial como respuesta “anti-woke” al éxito de taquilla de Christopher Nolan, pero el resultado generó un rechazo generalizado entre los primeros espectadores. Los siete minutos iniciales del proyecto, difundidos durante el fin de semana en X, fueron descritos por la crítica y los usuarios como una producción vacía de contenido artístico. El magnate había prometido en reiteradas ocasiones una adaptación “históricamente precisa y fiel al arte de Homero”, generada con su propia inteligencia artificial, Grok. La producción estuvo a cargo de la compañía especializada en IA Wonder Studios, bajo la dirección de Dev Walker.

La difusión del primer fragmento desató una ola de críticas negativas tanto de medios especializados como de usuarios de la red social. Un crítico de The Telegraph escribió que el material es “tan inquietante que se siente un tic en los ojos por su torpeza grotesca”, y describió a los personajes como de “mirada vidriosa” y voces sin expresión, con una calidad “parecida a un zombie”. El mismo texto señaló que el personaje de Penélope “luce completamente distinta en cada escena” y concluyó que la pieza “merece ser pasada por la espada, quemada hasta los cimientos y escondida para siempre bajo las arenas del tiempo”.

El comentario con más votos en la publicación oficial de X calificó el material de “absoluta basura, como se esperaba”. Otro usuario coincidió en que se trata de “soulless slop sin pensamiento ni nada”. Un tercero ironizó: “Este es el fracaso de La Odisea que el propio Elon predijo”. Otras críticas apuntaron directamente a la falta de interpretación actoral. Un comentario sostuvo que “la incapacidad de expresar emociones con efectividad a través de una actuación de calidad en voz, postura y expresión resulta distractora”. Otro usuario fue más allá y afirmó que “los guionistas y su creatividad artística están seriamente subvalorados”, al calificar el guion de “plano y cliché”.

El enfrentamiento previo entre Musk y Nolan

Entre los comentarios negativos, hubo espacio para una valoración más moderada. Un usuario escribió que existen “pequeños detalles sutiles que se sienten como CGI”, pero que en general le pareció “muy impresionante” y expresó interés en ver el enfoque de los próximos episodios. Las secuencias de batalla recibieron una mención más favorable. El crítico de The Telegraph consideró que esas escenas tienen “algo de la calidad épica” de 300, la película de Zack Snyder.

Si el video se hubiera publicado un año atrás, es probable que las reacciones hubieran sido más positivas, dado el fotorrealismo relativo de las imágenes. La recepción de este capítulo refleja la rapidez con la que evoluciona la inteligencia artificial generativa y, al mismo tiempo, la velocidad con la que el público se acostumbra a sus avances, al punto de responder con indiferencia o rechazo a resultados que meses atrás habrían llamado la atención. Hasta el lunes, el video acumulaba 6,8 millones de impresiones en X, una cifra que no resulta especialmente alta si se considera que una impresión puede generarse con solo desplazarse por la pantalla, sin necesidad de reproducir el contenido completo.

Musk había cuestionado en varias oportunidades la adaptación de Nolan a lo largo del año. En enero escribió que “Nolan perdió su integridad” tras conocerse el casting de Lupita Nyong’o como Helena de Troya. En mayo respaldó a un comentarista conservador que calificó al director de “cobarde” y además impulsó una teoría según la cual Nolan habría optado por un elenco diverso únicamente para cumplir con los requisitos de inclusión de la Academia de Hollywood. Pese a las críticas de Musk, La Odisea de Nolan recaudó más de 1.780 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en la película más taquillera de la carrera del director. El tropiezo de la versión generada con IA se suma a otro traspié reciente vinculado al empresario: el documental del cineasta Alex Gibney sobre Musk, de carácter crítico, fracasó en taquilla y fue retirado casi por completo de las salas de cine tras apenas una semana en cartelera amplia.

Un meme que compara al futbolista francés Kylian Mbappé con el exlíder chino Mao Zedong desató una crisis diplomático-comercial en China. La televisión estatal CCTV suspendió las retransmisiones de LaLiga española y de los partidos del delantero del Real Madrid, mientras varias empresas chinas cancelaron de forma inmediata sus contratos publicitarios con el jugador. La medida de CCTV entró en vigor en la noche del lunes al martes, según informó el medio local The Paper, que citó fuentes vinculadas a la radiotelevisión pública. La decisión también incluyó la retirada de todos los anuncios y vídeos protagonizados por Mbappé.

Todo comenzó cuando Mbappé, preguntado en una entrevista por su meme favorito, respondió: “Con el que más me he reído es ese en el que usan mi cara en un dictador chino. Lo utilizo mucho con mis amigos”. El futbolista no nombró a ningún dirigente, pero en redes sociales circulaba desde hacía meses una imagen con su rostro superpuesto al retrato de Mao Zedong. China reaccionó con dureza. Las autoridades advirtieron que las palabras y los actos que “hieren los sentimientos del pueblo chino serán rechazados por todos los sectores de la sociedad”. La suspensión de CCTV se convirtió así en la respuesta más visible de un organismo estatal ante unas declaraciones de un deportista extranjero.

La decisión de CCTV se sumó a la de varias compañías que anunciaron este martes el fin de su relación comercial con el jugador. Entre ellas figuran el grupo de bebidas Dongpeng y las lácteas Mengniu y Milkground. Dongpeng Beverage Group difundió comunicados en Weibo, tanto desde su cuenta principal como desde la de su marca Bu Shui La, en los que anunció la ruptura inmediata de sus lazos con Mbappé. La empresa alegó “tolerancia cero ante comportamientos que hieran los sentimientos nacionales”. Mengniu y Milkground confirmaron por separado el fin de sus acuerdos comerciales con el delantero, aunque ninguna de las dos precisó en sus comunicados el incidente concreto que motivó la decisión. Mengniu, uno de los principales grupos lácteos de China, mantiene patrocinios deportivos internacionales vinculados al Mundial, al Comité Olímpico Internacional (COI) y al argentino Lionel Messi. Los anuncios de Mbappé para Bu Shui La habían aparecido con frecuencia en marquesinas, autobuses y ascensores de ciudades chinas, sobre todo durante el pasado verano, coincidiendo con el Mundial FIFA de 2026.

Empresas chinas rompen sus contratos con Mbappé

La plataforma china Xiaohongshu, conocida internacionalmente como RedNote, informó este martes de que su colaboración con Mbappé había concluido el 31 de diciembre de 2024, al expirar el contrato. La empresa anunció además que estaba revisando y retirando contenidos relacionados con el jugador.

Por su parte, el portal deportivo Dongqiudi sustituyó el nombre de Mbappé por la expresión “no existe tal persona” en la clasificación del Balón de Oro de 2026, certamen en el que el delantero había terminado segundo. En China, las sátiras sobre antiguos líderes y personalidades vinculadas al Partido Comunista Chino (PCCh) están perseguidas bajo el delito de “difamación de héroes y mártires”. La normativa se aplica en un entorno de fuerte censura de contenidos políticos, lo que explica la reacción inmediata de instituciones y empresas ante el comentario de Mbappé.

La controversia no es un episodio aislado. En septiembre, medios oficiales chinos criticaron al Real Madrid por un mensaje que mencionaba conjuntamente a Nepal y el Tíbet tras una riada, una formulación que la prensa local consideró “incorrecta”. En abril, el FC Barcelona pidió disculpas después de que apareciera una bandera de Taiwán en una página vinculada a su academia internacional. Meses antes, en febrero, el Real Madrid difundió disculpas atribuidas a su defensa Dean Huijsen por republicar en Instagram un contenido calificado de racista y ofensivo hacia los ciudadanos asiáticos. Estos episodios reflejan la sensibilidad del mercado chino ante cualquier referencia a asuntos territoriales o políticos considerados delicados por las autoridades del país.

Wildwood ha llegado por fin a las salas de cine tras años de espera, devolviendo a LAIKA al primer plano de la animación con una epopeya de fantasía oscura en stop motion. Pero quienes se hayan dejado seducir por su bosque encantado, sus criaturas inquietantes y su mezcla de aventura infantil y amenaza adulta tienen una cita obligada con la película que lo empezó todo: Los mundos de Coraline (Coraline, 2009), disponible ahora mismo en Movistar Plus+ y perfecta para Halloween.

Dirigida por Travis Knight y escrita por Chris Butler, Wildwood adapta la novela de Colin Meloy y Carson Ellis y narra el periplo de Prue McKeel, una adolescente que se adentra en un bosque mágico a las afueras de Portland para rescatar a su hermano pequeño, secuestrado por unos cuervos. En ese territorio oculto conviven animales que hablan, humanos y una guerra capaz de decidir el destino de todos. La cinta es el sexto largometraje de LAIKA y su primer estreno en siete años. Además, supone un salto arriesgado para el estudio: es su primera película clasificada PG-13 en Estados Unidos —no recomendada para menores de doce años en España—, lo que confirma su vocación de hacer animación para públicos que no temen la oscuridad.

Su llegada a los cines ha tenido también un peso simbólico. Tras un desarrollo que se prolongó durante más de una década, la película abrió en más de 2.900 salas norteamericanas y debutó en tercera posición de la taquilla doméstica con unos 11,6 millones de dólares, a los que se sumaron ingresos internacionales en sus primeros días. Antes de Wildwood, antes de El alucinante mundo de Norman y antes de Kubo y las dos cuerdas mágicas, LAIKA debutó con Los mundos de Coraline. Estrenada el 6 de febrero de 2009, fue la primera película animada del estudio -primero habían estrenado La novia cadáver de Tim Burton en colaboración con Warner Bros y sentó las bases de su identidad: fantasía oscura, personajes frágiles pero valientes, mundos paralelos y una factura artesanal obsesiva.

Perfecta para Halloween

La película fue adaptada y dirigida por Henry Selick, responsable también de Pesadilla antes de Navidad, a partir de la novela de Neil Gaiman. Su protagonista es Coraline Jones, una niña de once años —con la voz de Dakota Fanning— que se muda con sus padres a una vieja casa y descubre una puerta secreta que da acceso a un mundo aparentemente mejor que el suyo. Allí la esperan una “Otra Madre” y un “Otro Padre” más atentos y complacientes que sus padres reales. El problema es evidente desde el primer vistazo: ambos tienen botones cosidos en lugar de ojos. Lo que comienza como un paraíso a medida se convierte en una trampa, cuando la Otra Madre exige a Coraline que acepte también botones en los ojos para poder quedarse allí para siempre.

Los mundos de Coraline funciona como una película de Halloween porque no necesita monstruos gigantes ni sustos baratos para inquietar. Su terror nace de lo doméstico: una casa vieja, una puerta prohibida, unos padres distantes y una versión idealizada de la familia que esconde algo profundamente siniestro. La Otra Madre, conocida como la Beldam, es uno de los villanos más memorables de la animación contemporánea. Tras su fachada maternal se esconde una criatura arácnida y depredadora que intenta atrapar a Coraline y consumir su alma, un giro que convierte el relato en una fábula sobre la manipulación, el deseo y el valor de aceptar la vida imperfecta que uno tiene.

Aun así, no es una película exclusivamente terrorífica. Es una aventura de crecimiento con humor, ingenio y una heroína memorable: Coraline no espera a ser rescatada, sino que enfrenta a la Beldam con astucia, valentía y la ayuda de un gato sarcástico. Esa combinación de encanto, melancolía y escalofrío explica por qué la cinta se ha convertido en un clásico de culto para la temporada de Halloween. La buena noticia para quienes quieran completar el doble programa tras ver Wildwood es que Los mundos de Coraline está disponible en streaming en Movistar Plus+, dentro de su catálogo de cine y series. La película fue nominada al Óscar, al Globo de Oro y al BAFTA a la mejor película de animación, y sigue siendo una de las obras más reconocibles del estudio. Su mezcla de ternura, crueldad y belleza visual explica que, más de quince años después, siga resistiendo como una experiencia única.

Artesanía que sigue deslumbrando

Como Wildwood, Los mundos de Coraline es una demostración de por qué LAIKA apuesta por el stop motion pese a su enorme coste y lentitud. Cada gesto, expresión y escenario fue construido físicamente y animado fotograma a fotograma, en un proceso que combina marionetas, atrezzo real, impresión 3D y efectos digitales. El nivel de detalle sigue siendo asombroso: Coraline llegó a tener miles de rostros intercambiables para transmitir sus emociones, y hasta los guantes del personaje fueron tejidos a mano con agujas en miniatura. Esa textura tangible es parte esencial de su magia inquietante; nada parece completamente limpio ni artificial, y precisamente por eso el “Otro Mundo” resulta tan hipnótico. La película fue también un éxito comercial: recaudó cerca de 125 millones de dólares en todo el mundo y continúa siendo la película más taquillera de LAIKA. Más de una década después, su influencia se percibe en la ambición visual y tonal de Wildwood.

Hay una continuidad clara entre ambas películas. Las dos parten de una niña protagonista que cruza un umbral hacia un mundo oculto; las dos confrontan a figuras adultas amenazantes; y las dos convierten la fantasía en un vehículo para hablar de familia, miedo y madurez. La diferencia está en la escala. Los mundos de Coraline es una fábula íntima, casi de cámara, centrada en una casa y una puerta. Wildwood expande esa sensibilidad hacia una aventura épica, con un bosque inmenso, facciones en guerra y una duración de 132 minutos. Por eso, si Wildwood te ha conquistado, Los mundos de Coraline no es solo una recomendación nostálgica: es la obra fundacional que permite entender de dónde viene la personalidad de LAIKA. Y, con sus ojos de botón, sus pasillos imposibles y su bruja maternal, pocas películas animadas encajan mejor con una noche de Halloween.

El actor Robert Pattinson celebró el ingreso de Steven Soderbergh a la producción de The Batman: Parte II, luego de que Matt Reeves se apartara temporalmente del rodaje por un asunto familiar. En declaraciones a GamesRadar+, el actor calificó de “completamente desinteresado” el gesto del director. “Es muy generoso de su parte”, afirmó Pattinson sobre la decisión de Soderbergh de tomar las riendas de la fotografía principal mientras Reeves resuelve su situación personal.

El protagonista de The Batman: Parte II explicó que Soderbergh se sumó al proyecto con el único objetivo de respaldar a Reeves, sin desplazarlo de la dirección de la cinta. “Estoy muy contento de que haya venido a ayudar a Matt”, señaló Pattinson. “Es increíblemente generoso de su parte, y lo está haciendo de la manera más amable. Es completamente desinteresado”. El actor también se refirió al trabajo previo de Reeves en el libreto. “Creo que Matt puso muchísimo esfuerzo en el guion, y estamos casi terminando. Entonces, que alguien venga y diga: ‘Solo quiero ayudar a Matt; quiero hacerlo en conjunto con él y llevarlo a la edición’. Y que sea alguien tan talentoso como Steven quien lo haga es genial”, agregó.

Pattinson adelantó además que la producción ya está en marcha. “Creo que ya están filmando. Y yo empiezo en un par de días”, respondió cuando le preguntaron cuándo se retomaría el rodaje. El rodaje de The Batman: Parte II se había pausado luego de que Reeves debiera alejarse del set por motivos familiares no especificados. Soderbergh se incorporó para completar las escenas pendientes junto al equipo del director, de forma que el material se integre con lo ya filmado. Warner Bros. informó el 5 de octubre que Reeves necesitaba apartarse de la filmación por un asunto familiar. El estudio no detalló las razones de esa decisión ni confirmó si habrá cambios en la fecha de estreno. “La producción de The Batman: Parte II se pausó temporalmente mientras Matt Reeves se enfoca en un asunto familiar”, indicó un vocero del estudio en ese momento. “Matt cuenta con el apoyo total de DC Studios y esperamos continuar pronto con el proyecto”.

El relevo ideal

Hasta el momento no se informó si el estreno previsto para el 18 de febrero de 2028 sufrirá modificaciones a raíz de la pausa en el rodaje. Tras el anuncio del estudio, Reeves publicó un mensaje en su perfil de X para despejar dudas sobre su continuidad al frente del proyecto. “Solo para que quede claro, no estoy dejando The Batman: Parte II”, escribió el director. “Estoy profundamente agradecido con Steven por venir en mi ayuda durante este momento difícil para terminar la fotografía principal. Gracias a todos por su preocupación y buenos deseos”. James Gunn, cocíder de DC Studios, también se refirió al cambio en Threads. “Matt sigue siendo el director de The Batman 2 y siempre lo será. No puedo expresar lo profundamente agradecidos y conmovidos que estamos por la oferta de Steven de ayudarlo a completar su visión”, escribió.

Por su parte, Soderbergh difundió un comunicado propio en el que elogió el trabajo previo de Reeves en la saga. “Pensé que el trabajo de Matt Reeves en The Batman fue deslumbrante; fue intencional, específico y rigurosamente coherente”, señaló. “El objetivo aquí es trabajar con Matt y su equipo para generar material que se integre sin inconvenientes con lo que ya se filmó, de modo que Matt pueda terminar apropiadamente su película”, agregó el director en la misma declaración. Además de Pattinson, el elenco de The Batman: Parte II incluye a Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Charles Dance y Brian Tyree Henry. También forman parte del reparto Colin Farrell en el papel de el Pingüino, Andy Serkis como Alfred Pennyworth y Jeffrey Wright como el comisionado Gordon. El estreno de la cinta continúa programado para el 18 de febrero de 2028, aunque el estudio no confirmó si esa fecha se mantendrá tras la pausa en la producción.

La primera categoría, que es la que ha terminado haciéndose fuerte, aunque también la que da más signos de agotamiento, es la que aglutina películas caracterizadas no solo por su espectacularidad, sino también por un marcado humor y una infantilización generalizada de la violencia y otros temas profundos. Ahí se encuentra la mayor parte de las películas de Marvel, con Guardianes de la Galaxia como su mayor ejemplo, pero también con otras que se han desarrollado de forma paralela a Marvel, como las de Spider-Man —bajo el sello Sony— o incluso con títulos ajenos a Marvel como Kick-Ass.

Sin embargo, con el éxito de El caballero oscuro se prendió la mecha de otra oleada, la de películas que buscaban lo épico, lo serio, lo oscuro muchas veces, y que renunciaban a un humor recurrente en pos de una solemnidad que poco a poco fue resultando cada vez más ridícula e impostada para la sociedad descreída y atada al meme que habita desde hace años en internet. A la trilogía de Nolan le sucedió con menos éxito la saga de Superman y Batman vs Superman de Zack Snyder, mientras los X-Men hacían lo propio en su universo con Primera clase y Días del futuro pasado.

Un eterno Halloween

Con los años surgió una tercera vía, que buscaba llevar las películas de superhéroes a un nuevo nivel renunciando por completo a sus códigos tradicionales y estableciendo el punto de vista del villano o antihéroe, ya fuera desde el humor (El escuadrón suicida) o desde la oscuridad, con el éxito de Joker en 2019 —y sus recurrentes comparaciones con el cine de Scorsese— como el ejemplo más claro. A escasos meses del estreno de Vengadores: Doomsday, la película que puede decidir el futuro del género o enterrarlo casi definitivamente, DC ha decidido apostar por una película que, como la naturaleza de su protagonista, toma cosas de aquí y allá y, sin embargo, no termina de ser ninguna de ellas. Y esa película es Clayface.

Ambientada en la icónica Gotham de Batman, pero sin mención alguna al justiciero enmascarado —se supone que pertenece al mismo universo que Superman y Supergirl, pero no así al Batman de Robert Pattinson—, la película se centra en la figura de Matt Hagen. Criado en un barrio marginal y sufriendo abusos de su padre —una parte del personaje que quedó cortada en montaje, aunque regaló el cameo de Aaron Paul—, Hagen es un actor en alza que recibe una nominación al Oscar y se cree en la cima del mundo. Sin embargo, una mala decisión lo lleva a ser emboscado por un grupo de mafiosos que le desfiguran la cara. De la noche a la mañana su sueño se desvanece y todo su entorno lo deja de lado, hasta que ve la única oportunidad de recuperar su vida en el experimental proyecto de la doctora Corr (Naomie Ackie): consiste en inyectarle una serie de nanocélulas autoregenerativas en los tejidos dañados y así “reconstruir” su cara original. Sin embargo, poco a poco el tratamiento va dando señas de ser más perjudicial de lo aparente.

Clayface no solo elimina a Batman de la ecuación, sino que también se desmarca desde el primer momento del manido género superheroico. Su director, James Watkins, lleva cultivando el género de terror desde que saltase con la escalofriante Eden Lake, en la que una pareja se veía acorralada por un grupo de jóvenes sin escrúpulos. Aquí se centra en el llamado body horror, con referentes como La mosca de David Cronenberg o Un hombre lobo americano en París, sin olvidar el cine de Brian Yuzna (Society, La novia de Re-Animator) en sus secuencias más delirantes. Es decir, estamos ante una película eminentemente de terror, y más en concreto del llamado body horror, el subgénero donde el miedo surge precisamente de las mutilaciones o transformaciones físicas, como las que va sufriendo aquí Hagen en su descenso a la locura.

Gotham en los tiempos de ‘Obsession’

Del mismo modo que sucedía con La sustancia, Clayface no es la película más sutil del mundo, pero sí consigue ir haciendo su discurso más y más perturbador. Un poco como su referente más directo, Obsession, la película te pone en la piel de un personaje hasta cierto punto tierno e inocente —quizá demasiado remarcado en esos insertos de entrevistas de Hagen— que se “obsesiona” tanto con la idea de fama como con el vínculo que desarrolla con su doctora. Ese sentimiento de frustración y amor no correspondido llevará a Matt a convertirse poco a poco en Clayface, quien en los cómics originales de Batman era en realidad un actor caído en desgracia que iba asesinando a los miembros de una obra al más puro estilo El fantasma de la ópera.

La película brilla más cuando abraza su locura, como en esa secuencia en la discoteca que podría recordar a Brian de Palma por su juego con la perspectiva —aquí reforzado por el superpoder de Clayface—, que cuando intenta ser un drama sobre la inherentemente trágica condición de su protagonista. Watkins tiene problemas cuando se sale del body horror y tanto en su trama amorosa como en la de investigación detectivesca se notan demasiado el artificio y la impostura. En definitiva, es una fantástica película cuando se olvida de que pertenece al universo al que pertenece y se derrite cuando intenta dar una dimensión mayor a su personaje, pero desde luego demuestra que hay esperanza para seguir trabajando y que hay cine mucho más allá de los superhéroes, pues si hay un género que nunca se agota, ese es el terror.

Lo que el público no sabía es que el equipo rodó material adicional con el actor durante varios días, pensado para flashbacks que mostraban la infancia de Matt en los barrios bajos de Gotham City. En esas escenas, Seth Thomas interpretaba a un Matt más joven, mientras Ishtar Currie Wilson daba vida a su madre. El guion original contemplaba una presencia más desarrollada del padre abusivo interpretado por Paul. Sin embargo, tras evaluar el material, el equipo decidió recortar la mayor parte de esas secuencias. Lo que quedó fue apenas ese fragmento dentro de la pelea, último vestigio de un personaje que iba a tener mayor peso narrativo.

La decisión de reducir la presencia de Paul respondió a un replanteo sobre la identidad de Matt. Watkins explicó que el equipo debatió si el personaje debía estar marcado por “los pecados del padre” o representar algo más universal: la sensación de impotencia frente a una ofensa y el deseo de venganza que, según el director, atraviesa a cualquier persona más allá de su pasado. “Esa noción de venganza me pareció más universal y más identificable para todos nosotros”, señaló Watkins. “No importa si cargás con un trauma o no. Si nos agravian, cargamos con esa sensación de haber sido perjudicados y queremos hacer algo, pero generalmente en la vida no podemos hacer nada y somos impotentes.”

Una escena para el recuerdo

El director vinculó ese sentimiento con el atractivo que generan películas de venganza como John Wick o The Equalizer. Según Watkins, Matt “no es un tipo malo tratando de ser bueno”, sino “un tipo decente” que, como todas las personas, convive con impulsos primarios que pueden volverse peligrosos. Ese giro conceptual modificó también la función narrativa de Jimmy. En lugar de aparecer como un fantasma que atormenta a Matt en flashbacks, el personaje se convirtió en un arma que Matt utiliza conscientemente contra quienes lo traicionaron. “Probablemente también está diciendo: ‘No, yo no soy mi padre’”, planteó el director.

Watkins describió la secuencia de pelea en Vesuvius como “el regocijo oscuro de la película”, el momento donde Matt exhibe toda su capacidad de transformación. El director buscó equilibrar la ligereza de un Matt que se mezcla entre los asistentes a la fiesta con la brutalidad de la masacre que ejecuta contra sus enemigos. “Odio quando en las películas una persona normal de repente se convierte en un Navy SEAL y puede ser una especie de ninja”, explicó Watkins. Su intención fue que el superpoder de Matt residiera en su capacidad de cambiar y disfrazarse, generando una complicidad con el espectador que lo acompaña en el momento de disfrute, hasta que la violencia empieza a incomodar.

El casting de Paul también reunió al actor con Max Minghella, quien interpreta al detective de la policía de Gotham John Borrelli en la película. Ambos habían trabajado juntos en el thriller de misterio The 9th Life of Louis Drax, estrenado en 2016. Watkins consideró que esa colaboración previa podría haber influido, “posiblemente de forma inconsciente”, en la decisión de convocar a ambos actores para Clayface. “Los dos son actores increíbles y personas muy agradables, un placer para trabajar”, agregó el director.

El nuevo largometraje no continúa la historia de Alien: Romulus, estrenada en 2024 y que revitalizó la franquicia en taquilla. La secuela de esa película sigue sin fecha ni novedades concretas. En cambio, fuentes citadas por la publicación indican que el proyecto se vincula con Prometheus y Alien: Covenant. El punto de unión sería el androide interpretado por Michael Fassbender en ambas películas, descrito como un personaje amoral dentro de la trama. Fassbender no está confirmado para participar en esta nueva entrega.

La nueva cinta de Alien, en desarrollo para 20th Century Studios, retomaría elementos narrativos de Prometheus y Alien: Covenant a través del androide que interpretó Michael Fassbender en ambas películas. Ridley Scott produce el proyecto pero no lo dirigirá, mientras Aaron Guzikowski escribe el guion, todavía sin reparto ni director confirmados.

El fichaje de Guzikowski representa un reencuentro con Scott. Los dos ya habían colaborado en Raised by Wolves, la serie de ciencia ficción que se emitió en HBO Max y que recibió buenas críticas. Guzikowski creó esa serie, mientras Scott se desempeñó como productor ejecutivo y dirigió los dos primeros episodios. Esa participación marcó, además, su primer trabajo en televisión desde que comenzó a filmar películas en la década de 1970. De acuerdo con fuentes consultadas por The Hollywood Reporter, fue el propio Scott quien recurrió a Guzikowski para poner en marcha este nuevo proyecto de Alien.

Guzikowski es conocido por su estilo dramático y crudo. Escribió Prisoners, el debut en inglés de Denis Villeneuve, protagonizada por Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal en torno al secuestro de una niña. También firmó el guion del remake de Papillon, con Rami Malek y Charlie Hunnam en los papeles principales. A eso se suma su trabajo como creador y productor ejecutivo de la serie Red Road, protagonizada por Jason Momoa para el canal Sundance.

El guionista mantiene una agenda cargada de trabajo. En paralelo al proyecto de Alien, escribe una película original de ciencia ficción para Jon Watts en 20th Century Studios. También adapta un relato corto de Philip K. Dick para Sony Pictures. A esos encargos se suma el guion de una película animada orientada a público adulto basada en Death Stranding, el videojuego de acción y aventura creado por Hideo Kojima. Guzikowski está representado por la agencia Verve y por Adam Kolbrenner, de Lit Entertainment Group.

El secreto mejor guardado de Vengadores: Doomsday se llama Sandra Hüller. La actriz alemana, nominada al Oscar por Anatomía de una caída, se suma al elenco coral de la próxima superproducción de Marvel con un papel de cameo que la productora mantiene bajo absoluto hermetismo. La noticia llega en un año de particular visibilidad para la intérprete, que en la primavera boreal integró el reparto de Proyecto Hail Mary y más recientemente apareció junto a Tom Cruise en Digger.

Las especulaciones sobre la participación de Hüller en el universo Marvel comenzaron hace un par de semanas, cuando su nombre apareció en el British Stunt Register, el registro británico de especialistas de cine. A partir de ese indicio, los rumores se multiplicaron entre fanáticos y medios especializados. The Hollywood Reporter confirmó finalmente la vinculación de la actriz con el proyecto. Marvel, por su parte, no emitió comentarios al respecto, en línea con la política de hermetismo que rodea a toda la producción.

Sandra Hüller tiene un cameo confirmado en Vengadores: Doomsday, la nueva película de Marvel dirigida por los hermanos Russo. Su participación fue confirmada por The Hollywood Reporter tras semanas de rumores, aunque el estudio no reveló detalles sobre el personaje que interpretará ni confirmó públicamente la noticia. Gran parte de la trama permanece oculta y se sabe que transcurre, al menos en parte, en la nación ficticia de Latveria, el territorio de origen del villano central de la película.

Un elenco con superhéroes de distintas épocas

Vengadores: Doomsday se encuentra en la etapa final de posproducción, con estreno previsto para el 18 de diciembre. La película está dirigida por Anthony y Joe Russo, responsables de anteriores entregas del universo Vengadores. El filme reunirá a personajes provenientes de varias películas recientes de Marvel, entre ellas Thunderbolts, Los 4 Fantásticos: Primeros pasos y Black Panther: Wakanda por siempre, además de los elencos de las películas de Thor y las clásicas cintas de X-Men. Robert Downey Jr. encabeza el reparto en el papel del Doctor Doom, el hechicero científico cuya amenaza pone en jaque a distintas líneas temporales del universo. Su regreso se suma al de Chris Evans, quien retoma a Steve Rogers tras haber aparecido como Johnny Storm en Deadpool y Lobezno.

El papel de Hüller en la cinta se describe únicamente como un cameo, sin más precisiones oficiales sobre su naturaleza o duración en pantalla. Los rumores que circulan entre seguidores de la saga apuntan a tres posibilidades: que la actriz interprete a la madre del Doctor Doom, que encarne a una bruja vinculada al personaje, o que forme parte de un grupo conocido como las Brujas de Latveria. Marvel exhibió en la Comic-Con de San Diego de este año una serie de túnicas de distintos colores identificadas con Latveria, un elemento que alimentó las teorías sobre la existencia de ese grupo de hechiceras encapuchadas dentro de la trama.

Representada por la agencia UTA, Sandra Hüller construyó su reputación en Hollywood a partir de dos papeles protagónicos: Anatomía de una caída y La zona de interés, ambas producciones que la posicionaron entre las actrices europeas más reconocidas del circuito internacional. Este año, la intérprete tuvo un rol clave en Proyecto Hail Mary, donde dio vida al personaje que recluta a Ryan Gosling para intentar salvar al planeta. En una de las escenas más recordadas de la película, Hüller canta “Sign of the Times”, de Harry Styles, un tema que ella misma propuso incluir en la secuencia de karaoke. Más recientemente, la actriz apareció en Digger interpretando a la hermana del personaje de Tom Cruise, consolidando un año de trabajo continuo en producciones de alto perfil dentro de la industria estadounidense.

Con el inminente anuncio del próximo James Bond, Jack Lowden y Margaret Qualley son, según las casas de apuestas, la pareja protagónica favorita para la próxima película de 007. Mientras Amazon MGM y el director Denis Villeneuve avanzan con las pruebas de pantalla finales para elegir al nuevo agente secreto, el actor escocés lidera las cuotas para quedarse con el papel y la estadounidense encabeza la lista de candidatas a convertirse en la próxima “chica Bond”. Según datos de Oddschecker, plataforma británica que compara cuotas de distintas casas de apuestas, Lowden tiene un 62 por ciento de probabilidad implícita de ser elegido como el nuevo agente 007. Le siguen Callum Turner con 25 por ciento y Josh O’Connor con 13 por ciento. En el plano femenino, BetOnline ubica a Qualley con un 33 por ciento, apenas por delante de Sydney Sweeney y Anya Taylor-Joy, ambas con 25 por ciento.

Jack Lowden, de 36 años, es un actor escocés nacido en Essex en 1990 y criado en la localidad de Oxton, en los Borders de Escocia. Se formó en la Royal Scottish Academy of Music and Drama de Glasgow, donde se graduó en 2011. Antes de su salto a la pantalla, Lowden construyó una carrera teatral sólida. Protagonizó la obra Black Watch del National Theatre of Scotland y encarnó a Eric Liddell en la adaptación escénica de Carros de fuego. Su papel como Oswald en Ghosts, de Henrik Ibsen, le valió el Premio Laurence Olivier y el Ian Charleson Award en 2014.

En cine, Lowden integró el elenco de Dunkerque (2017), de Christopher Nolan, y protagonizó Mary Queen of Scots (2018), Fighting with My Family (2019) y Benediction (2021), película por la que también se desempeñó como productor ejecutivo. Su papel más reconocido en televisión es el de River Cartwright, agente del MI5, en la serie de Apple TV Slow Horses, donde comparte elenco con Gary Oldman y Kristin Scott Thomas. Por ese personaje recibió dos nominaciones al Premio Emmy. Lowden también fue anunciado como protagonista de la adaptación de Netflix de Pride and Prejudice, donde interpretará a Mr. Darcy, con estreno previsto para diciembre. En su vida personal, está casado con la actriz Saoirse Ronan, nominada cuatro veces al Óscar, con quien se casó en Edimburgo en 2024 y con quien tuvo un hijo al año siguiente.

Quién es Margaret Qualley, la favorita para ser la chica Bond

Margaret Qualley, de 31 años, nació el 23 de octubre de 1994 en Kalispell, Montana, Estados Unidos. Es hija de la actriz Andie MacDowell y del exmodelo Paul Qualley. Antes de dedicarse a la actuación, se formó como bailarina de ballet clásico y trabajó como modelo. Su debut cinematográfico ocurrió de forma casual en Palo Alto (2013), de Gia Coppola. Poco después consiguió un papel recurrente en la serie de HBO The Leftovers (2014-2017). Su carrera se consolidó con Once Upon a Time... in Hollywood (2019), de Quentin Tarantino, y con la miniserie de Netflix Maid (2021), que le valió una nominación al Globo de Oro.

En los últimos años, Qualley trabajó con el director Yorgos Lanthimos en Poor Things (2023) y Kinds of Kindness (2024). Su papel más reciente de peso fue el de Sue en The Substance (2024), película de terror corporal junto a Demi Moore que le significó otra nominación al Globo de Oro. En su vida personal, Qualley estuvo casada con el productor musical Jack Antonoff, líder de la banda Bleachers y colaborador habitual de Taylor Swift. La pareja, que se casó en 2023 en Long Beach Island, Nueva Jersey, se separó en julio de 2026 tras casi tres años de matrimonio.

Una fuente citada por People describió la relación como “complicada”, mientras que la representante de Qualley negó versiones de infidelidad o problemas de confianza en un comunicado emitido en julio. Las pruebas de pantalla finales para definir al próximo Bond comenzaron este fin de semana, según informó previamente The Hollywood Reporter. Además de Lowden, Calum Turner y Josh O’Connor integran el grupo de finalistas que compiten por el papel.

“Lo que me interesaba, y que ya exploraba en Temporada de patos, era combinar el melodrama con el humor. El humor es una de las formas más respetuosas de acercarse a los personajes y también al dolor”, explica Eimbcke en su entrevista con Infobae con motivo del estreno de Moscas, quinto largometraje del mexicano tras estrenar el año pasado Olmo, otro relato centrado en un joven de Nuevo México lidiando con cuidar a un padre enfermo. Con su nueva película recupera el blanco y negro y los personajes cotidianos de Temporada de patos, pero sobre todo un mismo acercamiento al dolor desde el humor y el sentimiento, que no sentimentalismo.

“Mucho del humor de Moscas y de Temporada de patos tiene relación con la farsa, incluso con el pastelazo. Es una tradición que viene de Charlie Chaplin. La risa y el llanto conviven muy bien: ese viaje emocional me parece muy bello”, argumenta el mexicano, que presentó la película en el Festival de Berlín a principios de este año y posteriormente en San Sebastián, donde tuvo una gran acogida. “Ha sido muy bonito, porque es una película muy mexicana en muchos sentidos, pero también muy universal. La presentamos en San Sebastián, París, Londres y Alemania, y la respuesta ha sido muy buena. Podría haberse hecho en Buenos Aires, Madrid, México o Nueva York. Tiene detalles específicos de México, pero el público los interpreta muy bien”.

Bastián y Olga

La película cuenta la historia de dos personajes en edades muy diferentes pero cuyo espíritu es muy afín. Olga (Teresa Sánchez) es una mujer que, por dificultades financieras, se ve obligada a alquilar una habitación de su casa a un hombre, sin saber que este trae consigo a su hijo. Lejos de enfadarse con su nuevo inquilino, Olga encuentra una amistad y gran consuelo en el pequeño Cristian (Bastián Escobar), un niño de nueve años que tiene su propia visión del mundo y cuya obsesión con una máquina recreativa lo llevará a realizar grandes aventuras. Una amistad fraguada en rodaje y que llevó a Eimbcke a aprender sus propias lecciones.

“Había una escena en la que Bastián jugaba con unos clips. Como adulto, mi primera reacción fue pedirle que dejara de hacerlo y se concentrara. Después entendí que allí estaba la transición que buscaba para la escena. Tuvimos que construir alrededor de eso”, revela el director, quien alababa la capacidad del joven Bastián. “François Truffaut decía que los niños son cineastas nativos. Responden a acciones precisas y claras: si saben qué desean, el trabajo consiste en ponerles obstáculos y dejarlos actuar”.

Del melodrama al nuevo punk

Truffaut no es el único referente de Eimbcke, quien tira de un compatriota como Guillermo del Toro para explicar su interés en el humor y la ternura como respuesta a las dificultades que atraviesa México. “Guillermo del Toro decía que el sentimiento es el nuevo punk. En muchas cinematografías parece haber una voluntad de evitar el sentimiento a toda costa, pero, si se aborda con respeto y profundidad, hay que darse la oportunidad de hacerlo”, afirma contundente el cineasta, quien sitúa el melodrama a pesar de todo como uno de los pilares de su educación cinematográfica: “A mí me gusta mucho el melodrama. Crecí viendo telenovelas y no tuve una formación cinematográfica tradicional. La telenovela viene del cine mexicano de oro: de Pedro Infante, Ismael Rodríguez y toda esa tradición. El melodrama forma parte de la cultura mexicana”.

Frente al cinismo y la llamada al desastre de otras películas dirigidas por mexicanos recientemente -ejem, Digger de Alejandro González Iñárritu-, Eimbcke aboga por encontrar la esperanza en la inocencia y seguir confiando en la humanidad, aunque no por ello reniega de sus paisanos. “Alejandro González Iñárritu sigue representando una parte muy importante de México. Me parece una especie de caballito de Troya. También Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro nunca dejan de mirar hacia México, ya sea porque filman allí o porque apoyan a nuevas generaciones”.

Tras estrenar este mismo fin de semana Clayface, un nuevo villano de Batman asoma por la puerta. HBO y DC Studios desarrollan una serie dedicada a Poison Ivy, una de las villanas más reconocidas del universo de Batman. El proyecto está a cargo de Lauren LeFranc, creadora y showrunner de El Pingüino, según confirmó The Hollywood Reporter. La noticia fue reportada primero por Deadline, mientras que LeFranc se encuentra en conversaciones para producir la serie, que todavía está en etapas tempranas, sin mayores detalles confirmados sobre reparto ni guionistas.

Una serie sobre Poison Ivy está en marcha en HBO bajo la producción de Lauren LeFranc, showrunner de El Pingüino. El proyecto no formará parte del universo cinematográfico de Batman dirigido por Matt Reeves, según se informó, aunque aún no se confirmaron detalles de reparto, guion ni fecha de estreno. El dato más relevante del anuncio es que la serie quedará fuera del universo construido por Reeves para sus películas de Batman. Esto la distingue de El Pingüino, que sí formaba parte de esa continuidad.

El origen de una villana

Poison Ivy fue creada por el dibujante Carmine Infantino y los guionistas Robert Kanigher y Sheldon Moldoff. El personaje debutó en el cómic Batman #181, publicado en junio de 1966, y se convirtió en una de las integrantes permanentes de la galería de villanos del superhéroe. En su versión original de la Edad de Plata, la villana era presentada como Lillian Rose, una botánica seducida por un hombre llamado Marc LeGrand para participar en el robo de un artefacto egipcio que contenía hierbas antiguas. Al temer que ella lo delatara, LeGrand intentó envenenarla con esas mismas hierbas. Rose sobrevivió y descubrió que había adquirido inmunidad a todas las toxinas y enfermedades naturales.

Tras el evento editorial Crisis on Infinite Earths, que reformuló la continuidad de DC Comics, el origen del personaje fue reescrito en 1988 por el guionista Neil Gaiman en el cómic Secret Origins #36. Desde esa versión, la villana pasó a llamarse Pamela Isley, una botánica de Gotham con una infancia marcada por padres emocionalmente distantes. Según esa historia, Isley estudió bioquímica botánica avanzada bajo la tutela del profesor Jason Woodrue, quien la sedujo y luego la inyectó con venenos y toxinas como parte de un experimento. Esa exposición provocó su transformación física y mental, y le otorgó la capacidad de controlar toda forma de vida vegetal además de un beso capaz de matar mediante un tóxico letal en sus labios.

Las otras Poison Ivy

El personaje desarrolló con los años una obsesión particular hacia Batman, descrita en los cómics como la de la única persona que ella no podía controlar debido a su fuerza de voluntad. Esa dinámica se convirtió en un elemento recurrente de sus apariciones durante décadas. Su versión más recordada en imagen real fue interpretada por Uma Thurman en la película Batman & Robin, estrenada en 1997.

Poison Ivy también tuvo presencia constante en producciones animadas: Batman: The Animated Series, Batman: The Brave and the Bold y Harley Quinn, serie en la que suele aparecer vinculada románticamente con el personaje que le da título. Esa relación entre ambas villanas, insinuada por primera vez en el episodio Harley and Ivy de la serie animada de los años 90, se consolidó más tarde en los cómics como un vínculo romántico de larga duración. Además, el personaje protagonizó apariciones en las series live-action Gotham y Batwoman. Hasta ahora, la villana nunca había encabezado una serie propia, algo que este desarrollo en HBO buscaría cambiar por primera vez.

LeFranc se dio a conocer en el universo de Batman como creadora de El Pingüino, serie que se transformó en un éxito de audiencia y crítica tras su estreno en 2024. Esa producción sí pertenecía de forma directa al universo cinematográfico de Reeves. Contó con Colin Farrell retomando su papel con prótesis del filme The Batman, mientras que el propio Reeves se desempeñó como productor ejecutivo. El Pingüino obtuvo nueve premios Emmy en 2025. Antes de este proyecto, LeFranc había trabajado como guionista y productora en Agents of S.H.I.E.L.D., serie de Marvel transmitida por ABC.

El anuncio sobre Poison Ivy se da un día antes del estreno de Clayface, película centrada en otro villano del hombre murciélago y dirigida por James Watkins. Dentro del calendario de producciones vinculadas a Batman, también se prevé el estreno de The Batman Parte II, dirigida por Reeves, programado para el 18 de febrero de 2028. En paralelo, se informó que HBO no renovó El Pingüino para una segunda temporada, pese al reconocimiento que obtuvo la serie el año anterior.

Olivia Wilde ya prepara su próxima película como directora tras el estreno de The Invite (La invitación) junto a Penélope Cruz. Se trata de Naughty, una comedia navideña para Universal Pictures que suma a Jennifer Aniston y a Samara Weaving, la actriz del momento tras Noche de bodas 2. Según adelantó The Hollywood Reporter, Weaving se incorpora a un elenco que ya incluía a Aniston, Peter Dinklage, Chase Sui Wonders, Regina Hall e Ike Barinholtz. Naughty sigue a una madre, interpretada por Aniston, cuya única esperanza de obtener la custodia de su hijo frente a su ex manipulador es encontrar a Papá Noel (Dinklage) y convencerlo de testificar en su juicio de divorcio. Fuentes consultadas por The Hollywood Reporter describieron el proyecto como “La boda de mi mejor amiga en el Polo Norte”.

El guion es obra de Jimmy Warden y nació como un spec script, es decir, un libreto escrito sin encargo previo de un estudio. En el reparto, Wonders y Hall interpretan a las mejores amigas de la protagonista, mientras Barinholtz da vida al expareja conflictivo. Weaving se pondrá en la piel de la amante de ese personaje. La producción corre a cargo de LuckyChap, la productora de Margot Robbie, Tom Ackerley, Josey McNamara y Milan Popelka, junto con la propia Wilde y Warden. Universal fijó el estreno para el 5 de noviembre de 2027.

Naughty llega como el siguiente paso de Wilde detrás de cámaras después de La invitación, la comedia dramática que estrenó A24 el 26 de junio pasado. En esa película, Wilde no solo dirigió, sino que también actuó junto a Seth Rogen, Cruz y Edward Norton. La trama de La invitación sigue a un matrimonio, interpretado por Wilde y Rogen, que invita a cenar a sus vecinos del piso de arriba, encarnados por Cruz y Norton. La noche deriva en revelaciones inesperadas sobre ambas parejas. Según Los Angeles Times, la cinta está basada en la película española Sentimental (2020) y fue adaptada por Rashida Jones y Will McCormack. La invitación se presentó primero en el Festival de Sundance en enero y luego llegó a los cines en España tras su paso por San Sebastián. La crítica de Los Angeles Times destacó las actuaciones del cuarteto protagonista, con especial mención a Cruz como “seductora y observadora” en su papel de Piña.

Samara Weaving, la actriz que suma proyecto tras proyecto

Weaving atraviesa un año cargado de estrenos. Antes de sumarse a Naughty, la actriz lanzó tres películas: Over Your Dead Body, Noche de bodas 2, Carolina Caroline. A la par de su trabajo en comedia, Weaving dio un salto al universo de superhéroes. La actriz fue confirmada para interpretar a Emma Frost, también conocida como la Reina Blanca, en la nueva película de los X-Men que prepara Marvel. Ese proyecto de X-Men tiene previsto comenzar su rodaje en la primavera o el verano del próximo año, de acuerdo con la información publicada por The Hollywood Reporter. Weaving está representada por CAA, 111 Media y Johnson Shapiro.

Dentro del estudio, la vicepresidenta ejecutiva de desarrollo de producción, Sara Scott, y la directora de desarrollo de producción, Jacqueline Garell, son quienes supervisan Naughty para Universal Pictures. Con Wilde al frente de la dirección y un elenco que combina comedia y drama, Naughty se perfila como una de las apuestas navideñas del estudio para 2027. El estreno quedó fijado para el 5 de noviembre de ese año, según confirmó Universal.

Halloween está a la vuelta de la esquina, al acecho como todos esos villanos a lo Freddy Krueger o Michael Myers, y la cartelera lo sabe. Después de una semana algo tranquila que tuvo como protagonistas a los luchadores de Street Fighter o la comedia La invitación readaptando la obra de Cesc Gay de la mano de Olivia Wilde, en esta todas las miradas están puestas en grandes títulos que sorprenderán a todos.

El regreso a Gotham con una historia completamente paralela a Batman pero terrorífica, como también lo es la interpretación de Luis Zahera como un ultrasur en busca de venganza. No son los únicos, puesto que también tenemos una nueva gran adaptación de Jane Austen, la nueva aventura de José Mota o la película más ambiciosa de animación hasta la fecha, ahí es nada.

Clayface

Uno de los villanos más antiguos de Batman por fin obtiene la historia que se merece para ser puesto a la altura de grandes como el Joker, Bane o el Pingüino. El meteórico ascenso de Matt Hagen (Tom Rhys Harries), desde chico de la calle en Gotham hasta protagonista de Hollywood, se ve trágicamente truncado cuando las acciones de un jefe del crimen local lo dejan horriblemente desfigurado. Abandonado por su equipo y sin nada que perder, Matt busca un tratamiento de vanguardia que, milagrosamente, le devuelve su aspecto anterior… pero que también afecta inesperadamente su percepción de la realidad, sumiéndolo en una espiral destructiva de venganza que lo consume por completo.

Leones en invierno

Después de interpretar a grandes personajes como el de El reino o As Bestas, Luis Zahera realiza una de sus interpretaciones más descarnadas. Un policía infiltrado atropella a una joven y se fuga. El padre de la víctima, un antiguo ultrasur, investiga por su cuenta, chocando con el pasado. Las ansías de encontrar la verdad, y de hacer justicia a su manera, le llevarán a una trama de corrupción, poder y crimen organizado. Mientras el responsable de la muerte de su hija lucha por ocultar la verdad, el padre de la víctima irá cruzando líneas rojas, adentrándose en un camino que no tiene retorno. Porque hay algo más peligroso que un padre defendiendo a sus hijos, y es un padre que ya no tiene hijos a los que defender.

Arriba tutto

Más allá de sus cinéfilos y humorísticos especiales de Nochevieja, José Mota se embarca en una aventura original con esta particular historia. A principios de 1900, la feliz infancia de Michi se ve interrumpida con la violenta muerte de su padre, un artista ambulante que ha enseñado al pequeño a ver la magia y el humor en cada rincón de la vida. Pasados los años, Michi se ha convertido en un hombre amargado, violento y consumido por el rencor. Una asombrosa aparición y el reencuentro con Conchita, su amor de la niñez le ayudará a recuperar el paraíso perdido y la transgresora visión del mundo que le inculcó su padre. Convertido en un hombre nuevo, el destino le llevará a vivir una aventura en la que intentará cumplir la promesa de amor que una vez le hizo a la niña.

Sentido y sensibilidad

Daisy Edgar-Jones y George McKay son las caras visibles de esta nueva gran adaptación de todo un clásico de Jane Austen. Sentido y sensibilidad, narra la vida de las hermanas Dashwood tras la muerte de su padre. Elinor representa la prudencia y el autocontrol; Marianne, la emoción y el impulso. Al quedar con recursos limitados, ambas enfrentan dificultades sentimentales y sociales. Elinor se enamora de Edward Ferrars, pero descubre que él tiene un compromiso secreto. Marianne se entrega a Willoughby, quien la abandona para casarse por dinero. Las experiencias cambian a las dos jóvenes: Marianne aprende a moderar sus sentimientos y Elinor encuentra recompensa para su constancia. La novela cuestiona las normas económicas y matrimoniales de su época.

Wildwood

El estudio Laika, autor de grandes títulos como Los mundos de Coraline o Kubo y las dos cuerdas mágicas, vuelve a la carga con una de las producciones más ambiciosas en toda la historia de la animación. Cuando el hermanito de Prue McKeel es raptado por una bandada de cuervos, se verá obligada a emprender una desesperada misión de rescate. Acompañada por su torpe pero leal compañero de clase Curtis Mehlberg, Prue se adentra en un mundo de animales parlantes, bandidos y poderosos personajes movidos por el dolor y la ambición. A medida que ambos se ven arrastrados a un conflicto que amenaza el equilibrio del bosque, Prue deberá descubrir una fortaleza y una determinación que nunca supo que poseía. Si quiere salvar a su hermano y proteger el frágil futuro de Wildwood, tendrá que arriesgarlo todo.

David Fincher recortó más de 60 páginas del guion original que Quentin Tarantino escribió para Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la secuela de Érase una vez en Hollywood protagonizada por Brad Pitt. El director reveló los detalles del proceso de edición en una entrevista conjunta con Tarantino para la revista Empire. “El primer borrador que leí tenía 230 páginas. Era esencialmente dos películas”, afirmó Fincher en la entrevista. Tras los recortes, el filme quedó en aproximadamente dos horas y 20 minutos de duración.

David Fincher eliminó más de 60 páginas del guion que Quentin Tarantino escribió para la secuela de Érase una vez en Hollywood. El director explicó que el primer borrador, de 230 páginas, funcionaba como dos películas distintas, por lo que debió reducir el material para alcanzar un metraje final de dos horas y 20 minutos. Tarantino había considerado en algún momento convertir esta historia en la continuación de su éxito de 2019. Finalmente decidió no dirigirla porque no quería que una secuela fuera su décima y potencialmente última película. El cineasta le cedió entonces la dirección a Fincher. Brad Pitt, quien ya había trabajado con Fincher en Se7en, Fight Club y El curioso caso de Benjamin Button, contribuyó a sumarlo al proyecto.

Fincher explicó que su interés por el proyecto no pasaba tanto por la trama como por la posibilidad de explorar a los personajes y sus vínculos en el Hollywood de los años 70. “Me gustó la idea de que fuera una historia alrededor de una fogata”, señaló el director. “No se trataba tanto de la trama como de cómo los participantes colisionaban entre sí en los callejones de Hollywood en 1977”. Sobre el proceso de adaptación, Fincher describió el equilibrio entre los intereses creativos de guionista, actor y director: “En algún lugar ahí estaba el diagrama de Venn de lo que quería hacer Brad, lo que quiero hacer yo, lo que quería hacer Quentin. No ‘quiere hacer’, sino las áreas en las que nos enfocaríamos”.

El tono de novela policial que eligió Tarantino

La película se ambienta en 1977, ocho años después de los sucesos de Once Upon a Time... in Hollywood. En esta nueva entrega, Cliff Booth trabaja como arreglador en Hollywood. Mientras la cinta original giraba en torno a la relación de Booth con el actor de televisión en decadencia Rick Dalton, interpretado por Leonardo DiCaprio, la secuela se apoya más en la ficción criminal. Entre sus referencias figura el novelista Elmore Leonard, cuyo libro Rum Punch sirvió de base para Jackie Brown, filme de 1997 dirigido por el propio Tarantino.

“No la pienso como una película de pasar el rato en absoluto”, dijo Tarantino a Empire. “Érase una vez en Hollywood era una película de pasar el rato, pero sabés que vas rumbo a Cielo Drive. Tiene esa fuerza, por eso no necesitaba mucha trama. Este guion fue muy distinto... Para mí, tenía el sabor de un libro de bolsillo de Elmore Leonard: una sensación de historia criminal de bolsillo”. El proyecto reúne nuevamente a Pitt con el personaje que le valió el premio Óscar a mejor actor de reparto en 2020. Once Upon a Time... in Hollywood, protagonizada también por DiCaprio y Margot Robbie, recibió diez nominaciones al Óscar, incluidas las de mejor película y mejor director. Las nuevas desventuras de Cliff Booth tendrá un estreno exclusivo de dos semanas en salas IMAX a partir del 25 de noviembre, antes de su llegada a Netflix el 23 de diciembre.

La próxima entrega de una de las grandes sagas de terror moderno está en camino, y lo hace con Jack O’Connell, el regreso de Cillian Murphy y una gran revelación. El actor Jack O’Connell ha confirmado que interpretará al hermano de Cillian Murphy en Un Lugar Tranquilo Parte III, la tercera entrega de la franquicia de terror dirigida por John Krasinski. La revelación llegó en una entrevista exclusiva con Collider durante el Newport Beach Film Festival. El actor, que se consolidó como una de las nuevas figuras del género gracias a Sinners y la saga 28 años después, adelantó detalles sobre la trama familiar que tendrá la nueva película. También habló sobre otros proyectos en marcha y el momento que atraviesa el cine de terror en la taquilla.

Jack O’Connell confirmó que su personaje y el de Cillian Murphy en Un Lugar Tranquilo Parte III serán hermanos, un vínculo que refuerza el eje central de la saga: la supervivencia familiar frente a criaturas que cazan por el sonido. El actor adelantó la noticia en una entrevista exclusiva con Collider. “Un Lugar Tranquilo se sintió como familia. Se trata de familia, obviamente. Tiene a John Krasinski y Emily Blunt involucrados, y Cillian y yo interpretamos hermanos”, explicó O’Connell. Agregó: “Hubo una sensación familiar real en esa producción. Fue genial, hombre”.

El actor también se refirió al presente del género de terror en la industria del cine. Consultado sobre su participación en distintos proyectos, destacó el buen momento que atraviesan las producciones de este tipo en las salas. “El terror está explotando. La gente está yendo a ver terror. Así que es genial. Sí, es increíble”, afirmó O’Connell.

El regreso de Emmett y el peso de su historia

La tercera película reúne nuevamente a Emily Blunt como Evelyn Abbott y a Cillian Murphy en el papel de Emmett, con Krasinski de vuelta en la dirección después de haber dirigido las dos primeras entregas de la franquicia. La confirmación de que Murphy y O’Connell interpretarán hermanos introduce un dato nuevo sobre el pasado de Emmett. En Un Lugar Tranquilo Parte II, su personaje había perdido a su esposa e hijos tras la invasión alienígena, lo que lo dejó aislado y, en un primer momento, reacio a ayudar a Evelyn Abbott y a sus hijos sobrevivientes. La aparición de un hermano en la tercera película abre una variante dentro de esa historia personal, que hasta ahora se había construido sobre la pérdida total del núcleo familiar de Emmett.

Durante la misma entrevista, O’Connell se refirió a su participación en Godzilla x Kong: Supernova, otro de sus proyectos en desarrollo. El actor destacó el reencuentro con Delroy Lindo, con quien había compartido elenco en Sinners. “Creo que Godzilla fue muy divertido, un montón de diversión. Genial volver a hacerlo con Delroy, el tío Delroy. Sí, fue un grupo divertido para estar”, señaló O’Connell sobre la experiencia en el set.

La franquicia Un Lugar Tranquilo se convirtió en una de las sagas de terror más sólidas de los últimos años desde el estreno de su primera entrega. La película original, estrenada en 2018, recaudó aproximadamente 341 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de producción de apenas 17 millones de dólares, lo que la transformó en uno de los éxitos sorpresa de ese año. Su secuela, estrenada en 2021, sumó otros 297 millones de dólares en recaudación global. Por su parte, la precuela Un Lugar Tranquilo: Día Uno, lanzada en 2024, amplió el universo de la franquicia y recaudó cerca de 262 millones de dólares en todo el mundo. Un Lugar Tranquilo Parte III se encuentra actualmente en desarrollo, con Krasinski nuevamente a cargo de la dirección y el regreso confirmado de Blunt y Murphy en sus respectivos papeles.

El elenco original de 10 razones para odiarte se reunió en Dancing with the Stars para rendirle homenaje a Heath Ledger, el actor que protagonizó la película junto a Julia Stiles y murió en 2008. La reunión tuvo lugar durante la “Noche de Dedicatoria” del programa de baile de ABC, emitida el martes. Stiles y su compañero de baile, Ezra Sosa, dedicaron su presentación a Ledger, con quien la actriz compartió protagónico en la comedia romántica de 1999.

La pareja bailó al ritmo de Can’t Take My Eyes Off You, de Frankie Valli, la misma canción con la que el personaje de Ledger, Patrick Verona, serenateaba a Kat Stratford, interpretada por Stiles, durante una práctica de fútbol en la película. En esa escena original, Patrick corre y baila entre las gradas del estadio mientras la banda del colegio toca el tema. El gesto buscaba conquistar a Kat, después de que Joey Donner, personaje de Andrew Keegan, le pagara para invitarla a salir.

La coreografía de Sosa y Stiles incluyó algunos de los movimientos característicos de Ledger en aquella secuencia. Al finalizar el número, sonó en el estudio el poema que el personaje de Kat lee sobre Patrick hacia el final del filme. Stiles colocó entonces una flor en el piso, en homenaje al actor fallecido. El gesto marcó el cierre emotivo de una presentación pensada como tributo directo a su memoria. Después del momento de la flor, se sumaron al estudio varios de los compañeros de reparto de Stiles en 10 razones para odiarte: Andrew Keegan, Joseph Gordon-Levitt, Larisa Oleynik, Gabrielle Union y Susan May Pratt.

Keegan interpretó a Joey Donner, Gordon-Levitt dio vida a Cameron James, Oleynik fue Bianca Stratford, Union encarnó a Chastity y Pratt interpretó a Mandella en la película dirigida por Gil Junger. El reencuentro completo del elenco en el escenario de Dancing with the Stars fue el punto central de la “Noche de Dedicatoria”, en la que los participantes del programa dedicaron sus coreografías a personas significativas en sus trayectorias personales o profesionales.

Recordando a una estrella

Antes de la emisión del episodio, Sosa compartió en Instagram una publicación conjunta con Stiles en la que explicó el proceso detrás de la preparación del homenaje. “No creo que hayamos abordado nunca una presentación con más cuidado, sensibilidad e intención que esta”, escribió el bailarín en el posteo. “Desde el principio fue muy importante tanto para Julia como para mí que este homenaje se creara con el máximo respeto, cuidado y con la guía cercana de quienes conservan más presente la memoria de Heath”.

Sosa aclaró que la intención del tributo no era “definir una relación ni contar una historia que no nos corresponde relatar”. El objetivo, señaló, era “honrar un momento hermoso, una película que cambió muchas vidas y a alguien cuyo impacto se sigue sintiendo en generaciones”. “Pusimos mucho amor en esta pieza y estamos muy agradecidos por la confianza que se nos dio para llevarla a cabo”, agregó. “Nuestra única esperanza es que honre su memoria con la dignidad, el amor y el respeto que merece”.

Heath Ledger murió en 2008 a los 28 años por una sobredosis accidental. Su papel como Patrick Verona en 10 razones para odiarte es considerado uno de los que lo lanzó a la fama antes de su carrera posterior en Hollywood. 10 razones para odiarte, dirigida por Gil Junger, sigue a un adolescente llamado Joey que quiere salir con Bianca, pero no puede hacerlo hasta que su hermana mayor, Kat, de carácter huraño, tenga novio, según la estricta regla impuesta por el padre de ambas. Ahí es cuando Joey le paga a un joven misterioso, Patrick, para que invite a salir a Kat, en la trama que terminó por consolidar a la película como una de las comedias románticas adolescentes de referencia de los años 90.

James Bond está abierto a subastas. Y no nos referemos solo al papel protagonista en la próxima entrega de la saga, que aun anda en disputa, sino a la subasta que ha lanzado la empresa Propstore con una línea de 400 lotes de memorabilia del espía más famoso de la historia del cine, desde Dr. No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2021). La puja, conocida como James Bond Online Auction, está disponible para ofertas de todo el mundo y se extiende hasta el 27 de octubre. Entre los objetos que salen a la venta figuran trajes, vestidos, pósteres, libros y una claqueta original de rodaje. La subasta recorre más de seis décadas de la saga protagonizada por distintos actores en el papel del agente secreto británico. ¿Qué se está subastando de James Bond? La casa Propstore puso en venta 400 lotes vinculados a la franquicia 007, con piezas que van desde el traje de Daniel Craig en Skyfall hasta el vestido de Ana de Armas en Sin tiempo para morir, además de pósteres originales y primeras ediciones de los libros de Ian Fleming. La subasta cierra el 27 de octubre.

El lote más destacado es el traje Tom Ford, la camisa y los gemelos que Daniel Craig usó en Skyfall (2012), con un valor estimado de hasta 53 mil dólares. También sale a la venta el vestido y las sandalias que lució Ana de Armas en su papel de Paloma en No Time to Die, con un precio estimado similar, cercano a los 53 mil dólares. Otro de los lotes centrales es un conjunto de 14 primeras ediciones de los libros de Ian Fleming, el autor de la saga, publicadas por la editorial Jonathan Cape. Se espera que esta colección supere los 50 mil dólares. La subasta incluye además un póster británico quad de Dr. No, con montaje en lino, valuado en hasta 22 mil dólares. A eso se suma una claqueta original de Octopussy (1983), que podría venderse por más de 10 mil dólares.

Alastair McCrea, director de consignaciones de Propstore, explicó a The Hollywood Reporter por qué la franquicia mantiene un atractivo constante entre coleccionistas de distintas generaciones. “James Bond tiene un lugar único en la cultura popular, y el interés sigue siendo fuerte hasta el día de hoy”, afirmó McCrea. Según el directivo, Bond forma parte del cine desde hace más de 60 años, y cada generación tiene su propio actor favorito en el papel. “Una persona creció con Sean Connery, otra con Pierce Brosnan, otra con Daniel Craig, así que todavía se puede tener a tres generaciones de una misma familia debatiendo sobre quién fue el mejor 007”, agregó.

Las piezas más valiosas y sus precios estimados

McCrea señaló que eso explica el atractivo del coleccionismo vinculado a la saga: “Hay algo para todos, ya sean las películas, los actores, los gadgets, los pósteres, los vestuarios o el arte original”. Según el directivo, pocas franquicias de cine pueden decir lo mismo, y eso sostiene la fortaleza del mercado. McCrea también destacó el papel de las marcas asociadas a la saga, como Aston Martin y Omega, que según él mantienen alta la exposición del franquicia. Precisó que la era de Daniel Craig fue la que generó el mayor aumento de precios en coleccionables, algo visible en pósteres, guiones, libros y vestuarios.

Esta subasta llega después de otra puja en línea organizada por Propstore con más de 300 objetos de Blade Runner 2049, dirigida por Denis Villeneuve. Esa subasta concluyó la semana pasada. Entre sus piezas más destacadas estuvo el abrigo que usó Ryan Gosling en la película, que se vendió por 201.600 dólares, un monto que incluye la comisión del comprador. La subasta de Bond se da en paralelo al proceso de casting en curso para elegir al próximo actor que interpretará a 007 en la próxima película de la saga, que será dirigida por Villeneuve. McCrea sostuvo que ese anuncio renovará el interés por la franquicia en los próximos años. “Las noticias sobre una nueva película en el horizonte siempre despiertan un interés renovado, y espero que eso crezca en los próximos años”, afirmó el director de consignaciones.

Pedro Pascal se ha emocionado con La bola negra, la nueva película de Los Javis, y ha alabado a su reparto a través de una publicación en Instagram que incluye varias fotografías de los actores de la cinta. El mensaje del intérprete chileno parafrasea una frase de Federico García Lorca y ya ha generado respuestas de parte del elenco. “... demasiadas historias de amor enterradas en los campos. Hay que arañar la tierra para que salgan. #LaBolaNegra. Live. Love. Y liberación”, escribió Pascal en su publicación, haciendo alusión a la famosa frase del personaje de Federico García Lorca en la película.

La publicación de Pascal no se limitó a un texto: incluyó varias fotografías junto a imágenes del elenco de La bola negra, gesto que explica el carácter elogioso hacia los actores de la cinta. El actor combinó la cita inspirada en Lorca con las palabras “Live”, “Love” y “liberación”, en línea con el tono del filme. La bola negra ya es la película más taquillera de la última década en España. El respaldo de Pascal, una de las figuras más reconocibles de Hollywood, se suma a la repercusión que ha tenido la cinta desde su estreno. El mensaje del actor no tardó en generar reacciones entre parte del reparto. Entre quienes respondieron a la publicación de Pascal se encuentran Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos González, grandes protagonistas del filme.

“Te quiero”, le escribió la mismísima Penélope Cruz, mientras que el resto del reparto, desde Guitarricadelafuente a Milo Quifes o Carlos González, pasando por Miguel Bernardeau, se sumaron a los agradecimientos. Conscientes de la fuerza de la voz de alguien como Pedro Pascal, la película sigue encontrando fieles más allá de nuestras fronteras, y tras su estreno en Estados Unidos va más fuerte que nunca en la carrera por el Oscar. Aunque cuidado, porque también le están saliendo competidores por el camino.

Un actor bien valorado en Hollywood

La bola negra está dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como Los Javis, y toma como punto de partida una obra inacabada de Federico García Lorca. La cinta aborda la memoria, los silencios impuestos durante décadas y las historias de amor que permanecieron ocultas por la represión social y política. La frase que Pascal citó en su publicación, sobre historias de amor enterradas en los campos que es necesario “arañar” para que salgan a la luz, resume el eje central del relato que proponen sus creadores.

Durante los últimos años, Pascal se ha consolidado como una de las voces más activas de Hollywood en la defensa de distintas causas sociales. El actor ha mostrado reiteradamente su apoyo a los derechos del colectivo LGTBIQ+, especialmente de las personas trans. Se trata de una cuestión sobre la que se ha pronunciado en numerosas ocasiones y que también le toca de cerca por la relación que mantiene con su hermana, la actriz Lux Pascal. El actor también ha utilizado su altavoz mediático para defender los derechos de las personas migrantes y refugiadas. Pedro Pascal procede de una familia que abandonó Chile durante la dictadura de Augusto Pinochet. En distintas intervenciones públicas también ha respaldado iniciativas de carácter humanitario y ha expresado su posición sobre conflictos internacionales.

Pedro Pascal nació en Santiago de Chile en 1975 y es uno de los actores más populares de Hollywood. Desarrolló buena parte de su carrera en televisión, con apariciones en series como Buffy cazavampiros, The Good Wife u Homeland. Su gran salto a la fama llegó en 2014 gracias a su papel de Oberyn Martell en Juego de Tronos. A partir de ahí encadenó proyectos cada vez más relevantes, hasta convertirse en uno de los rostros más reconocibles de la industria. Ha protagonizado series de gran éxito como Narcos, donde interpretó al agente Javier Peña; The Mandalorian, ambientada en el universo Star Wars; y The Last of Us, adaptación del videojuego en la que da vida a Joel Miller. En cine también ha participado en producciones destacadas como Kingsman: El círculo de oro, Wonder Woman 1984, El insoportable peso de un talento descomunal, o Gladiator II.

Michael Douglas reveló que le pidió a Marvel que matara a su personaje en la saga de Ant-Man, pero que el estudio se negó a dejarlo salir del universo cinematográfico. El actor ganador del Oscar hizo la confesión en una entrevista reciente con el podcast Happy Sad Confused. Consultado sobre si eran ciertos los rumores de que quería que su personaje, Hank Pym, muriera dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), Douglas no dudó en confirmarlo. “Me habrían matado después de la segunda, pero no me dejaron”, respondió el actor.

La intención de abandonar la franquicia no es nueva. En 2024, durante una aparición en el programa The View, Douglas ya había detallado que su pedido estaba pensado para la tercera entrega de la saga, Ant-Man y la Avispa: Quantumania. Michael Douglas pidió a Marvel matar a su personaje con una secuencia de efectos especiales en la que Hank Pym se encogiera hasta el tamaño de una hormiga y explotara, según relató el propio actor. La idea buscaba aprovechar al máximo la tecnología visual de la franquicia antes de su salida definitiva.

“Esa fue mi petición para la tercera”, explicó Douglas en ese momento. “Dije que me gustaría tener una muerte seria, con todos esos grandes efectos especiales. Tiene que haber alguna forma fantástica en la que pueda encogerme al tamaño de una hormiga y explotar, lo que sea. Quiero usar todos esos efectos”. El actor también adelantó entonces que no esperaba continuar en el papel más allá de esa película. “Pero eso fue en la última. Ahora, no creo que vaya a aparecer para una cuarta”, afirmó.

Por qué se sumó al universo de superhéroes

Douglas debutó como Hank Pym, el Ant-Man original, en la película de 2015 titulada Ant-Man. El personaje regresó en tres ocasiones más dentro del MCU. Las siguientes apariciones del actor fueron en Ant-Man y la avispa (2018), Vengadores: Endgame (2019) y Ant-Man y la avispa: Quantumania (2023), esta última la película para la que había pedido la muerte de su personaje sin éxito. A pesar de su insistencia, Marvel optó por mantener con vida a Hank Pym en todas sus apariciones, incluida la de 2023, donde Douglas compartió elenco con Michelle Pfeiffer y Paul Rudd.

En la misma conversación con “Happy Sad Confused”, Douglas explicó los motivos que lo llevaron a unirse a Marvel en primer lugar. El actor dijo que nunca había filmado una película con pantalla verde y quería probar esa experiencia. “Dije: ‘Nunca he hecho una película de pantalla verde’”, relató Douglas sobre su decisión de sumarse al proyecto. “Les dije a todos mis agentes: ‘Me gustaría hacer una de estas películas de pantalla verde para ver cómo son’, ¿sabes? Porque es increíble. Es nada, solo una pantalla verde y te muestran las imágenes de cómo va a quedar cuando esté todo terminado”.

Sin embargo, el actor también reconoció las dificultades que implica ese tipo de rodaje. “Es una actuación difícil, hombre”, agregó. “Viene hacia ti por aquí, por allá, ya sabes… Hicimos Ant-Man y Paul Rudd fue un actor maravilloso, un grupo encantador, pero luego no puedes salir de eso”. Esa última frase resume el dilema que atravesó Douglas durante casi una década dentro del universo de superhéroes: una vez dentro de la franquicia, abandonarla no resultó tan sencillo como sumarse a ella. El actor permaneció ligado al personaje de Hank Pym desde 2015 hasta 2023, a pesar de su intención declarada de poner fin a esa etapa mucho antes. La próxima película de Marvel es la esperada Vengadores: Doomsday, aunque no se esperemos ver a Douglas en su reparto.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, recomendó este 19 de octubre Where Is Gone?, la canción que reúne a Rosalía y la banda irlandesa Fontaines D.C., después de participar en un acto del Partido Socialista Obrero Español (PSOE) en Valladolid. “Volviendo de Valladolid y escuchando esta canción cautivadora y llena de amor. Una pasada”, escribió en su cuenta de X. El mensaje puso el foco sobre una colaboración que llegó hace pocos días y que forma parte de Dopamine Chamber, el quinto álbum del grupo de Dublín. La frase de Sánchez, difundida junto al enlace al tema, que esta misma semana podrán escuchar en directo muchas personas con la llegada de la banda a Madrid y Barcelona.

No es la primera vez que el jefe del Ejecutivo expresa su admiración por Rosalía. En 2023, durante una entrevista con el pódcast La Pija y la Quinqui, había definido a la cantante como “una artistaza” y señaló que Candy, incluida en Motomami, era una de sus canciones favoritas. “Where Is Gone?” se publicó el 12 de octubre como tercer adelanto de Dopamine Chamber, que llegó a las plataformas el 16 de octubre. El tema representa la primera colaboración de Fontaines D.C. con una voz invitada en uno de sus álbumes.

La canción une las voces de Rosalía y del cantante Grian Chatten en una balada de arreglos orquestales, guitarra acústica y percusión. Ambos se alternan en las estrofas y confluyen en el estribillo, dentro de una composición que se distancia del sonido más directo del pospunk asociado a los primeros trabajos del grupo. La producción estuvo a cargo de James Ford, habitual colaborador de Arctic Monkeys, Blur, Gorillaz y Depeche Mode. Ford también trabajó en Romance, el anterior disco de Fontaines D.C., publicado en 2024. En el álbum, Where Is Gone? ocupa el octavo lugar de una lista de 11 canciones. Antes de su lanzamiento, la banda había presentado Marianne y Tongue, dos temas que anticipaban la continuidad de la atmósfera sombría y electrónica que empezó a tomar forma en Romance.

“Ella ha hecho por España lo que nosotros por Irlanda”

Para Fontaines D.C., la participación de Rosalía responde a una admiración que se remonta a los primeros trabajos de la artista. Carlos O’Connell, guitarrista de la banda, explicó que la sigue desde Los Ángeles, el álbum que publicó en 2017 junto a Raül Refree. O’Connell, nacido en Madrid y de madre dublinesa, encontró una afinidad entre la forma en que Rosalía se acercó al flamenco y la búsqueda de Fontaines D.C. alrededor de la tradición musical irlandesa. “Hemos sido fans de ella desde que apareció en 2017 con su primer álbum”, señaló en declaraciones difundidas por el grupo.

El músico sostuvo que le interesó la voluntad de Rosalía de mantener vivas referencias de la música española y el flamenco. A su juicio, esa actitud tiene puntos de contacto con el recorrido de Fontaines D.C., una banda que incorporó en sus letras, imágenes y referencias culturales elementos ligados a Dublín e Irlanda. “Ella ha hecho algo por España que sentimos que es similar a lo que nosotros hemos hecho por Irlanda, abriendo las compuertas”, afirmó O’Connell. La colaboración, por tanto, une a dos proyectos que han reformulado tradiciones locales desde lenguajes contemporáneos. Chatten también se refirió a la presencia de Rosalía en el disco. El vocalista la definió como una compositora, arreglista y letrista “increíble” y consideró que el trabajo conjunto era un momento destacado en su carrera.

La colaboración llega tras otro vínculo reciente entre Rosalía e Irlanda. U2 incluyó en su próximo álbum, Carnaval de Luz, una canción titulada The Mirror Maker (Rosalía), que Bono presentó como un homenaje a la artista española. El grupo publicará ese disco el 13 de noviembre. Antes, Fontaines D.C. tocará el 22 de octubre en el Movistar Arena de Madrid y el 24 de octubre en el Sant Jordi Club de Barcelona. Ambos conciertos formarán parte de la gira europea con la que presentará en directo Dopamine Chamber.

Tras su inesperado éxito, el documental sobre Elizabeth Holmes ya planea su carrera hacia los Oscar y podría convertirse en el principal rival de La bola negra en la temporada de premios. You Can See Everything, dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim, recaudó 15 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, una cifra que casi ningún documental alcanza en toda su explotación comercial. El filme, producido por A24, sigue a la fundadora de Theranos durante los 34 días previos a su ingreso en prisión, donde cumple una condena de once años y tres meses por fraude. La historia continúa después de ese momento, en un relato que combina realidad y puesta en escena bajo la dirección de Fielder.

You Can See Everything acumula un 99 en Metacritic y un 98% en Rotten Tomatoes. En plataformas de audiencia sostiene un 4,7 sobre 5 en Letterboxd y un 9,4 en IMDb, cifras registradas hasta el lunes 19 de octubre. Si la puntuación en IMDb se mantiene, la película superaría a Cadena perpetua (1994) como el filme mejor calificado de la historia en ese sitio, según los datos difundidos. Ese recibimiento crítico y comercial, inusual para un documental, es lo que impulsó a A24 a lanzar una campaña de Oscar que abarca prácticamente todas las categorías competitivas.

La comparación con La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis), surgió en medios especializados tras conocerse el fenómeno de You Can See Everything. La cinta española, distribuida en Estados Unidos por Netflix, representa a España en la carrera de los Oscar y venía siendo considerada la principal alternativa a La Odisea en la pelea por el premio mayor. La bola negra se convirtió en el segundo mejor estreno limitado en salas estadounidenses para una película en idioma distinto al inglés de Netflix, con 277.500 dólares recaudados en cuatro salas de Los Ángeles y Nueva York durante su fin de semana de debut. Atención a continuación, porque hay posibles spolers de You Can See Everything.

Un fenómeno de crítica sin precedentes

Según medios especializados, el surgimiento de You Can See Everything le ha quitado parte del protagonismo a la película española justo en el fin de semana de su estreno estadounidense. El hito histórico que supondría que un título español entrara en la categoría de mejor película podría quedar eclipsado si es un documental el que finalmente lo logra. Ningún documental fue nominado a mejor película en las 98 ceremonias previas de los Oscar. El éxito de taquilla y crítica de You Can See Everything alimenta la posibilidad de que rompa ese techo histórico, aunque el recorrido habitual de la temporada de premios todavía representa un obstáculo tanto para el filme de Fielder como para la cinta de Los Javis.

Según el sitio de premios de A24, el filme será elegible para mejor documental en la 99ª entrega de los Oscar, pero también se presentará en mejor película, con Fielder, Oppenheim, Tatiana Bears, Maggie Ambrose y Jack Davis como productores. La postulación incluye además dirección (Fielder y Oppenheim), diseño de producción (Alex DiGerlando y Rebecca Meis), fotografía (David Bolen), diseño de vestuario (Katina Danabassis), edición (Adam Locke-Norton), maquillaje y peinado (Stephanie Pasicov y Kerrie Smith), sonido (Paul Hsu y Richard Carlos) y banda sonora original (Ari Balouzian).

Nathan Fielder se baja

Variety confirmó que Amanda Seyfried, acreditada en el filme como Elizabeth Holmes, es elegible para las categorías actorales de los Oscar. La actriz también aparece interpretándose a sí misma mientras retoma el papel de Holmes, por el que ya ganó un Emmy en The Dropout. Seyfried será impulsada en la categoría de mejor actriz de reparto. Una nominación significaría la segunda de su carrera, después de la que obtuvo por Mank (2020), y llegaría por interpretar dos personajes a la vez: ella misma y la mujer que ya le valió un Emmy.

Fielder, acreditado como él mismo en el filme, podría ser elegible para postularse como intérprete, pero Variety confirmó que no lo hará. La decisión evita un hecho que nunca ocurrió en la historia de la Academia: ningún actor fue nominado al Oscar por interpretarse a sí mismo. El antecedente más cercano llegó con otro título de A24, Sing Sing (2024), donde el coguionista y protagonista Clarence Maclin, un hombre previamente encarcelado que interpretó una versión de sí mismo, construyó una candidatura real a mejor actor de reparto que terminó sin nominación.

Christopher Abbott, quien interpreta en escenas recreadas a Billy Evans, esposo de Holmes, también es elegible para mejor actor de reparto. Fuentes cercanas a la campaña de premios señalaron que el impulso actoral se concentrará en Seyfried, independientemente de la elegibilidad de Abbott. La distribuidora Avalon confirmó que You Can See Everything llegará a los cines españoles el 12 de febrero de 2027, bajo el título Ver Para Creer. El anuncio llegó acompañado de un tráiler oficial de la cinta.

Esta semana arranca uno de los momentos más preferidos de cualquier amante del séptimo arte. La Fiesta del Cine, la más esperada para todo el mundo, por fin vuelve a cartelera. Este lunes 19 comienza y durará hasta el próximo jueves 22 de octubre, con cuatro días durante los cuales la entrada de todas las películas tendrá un precio reducido de 3,50 euros. Pero cada vez que llega un momento así, en el que mucha gente aprovecha para acudir a las salas como no han hecho durante el resto del año, surge la misma pregunta: ¿Qué películas merece la pena ver durante estos días?

Pues bien, desde Infobae te traemos una selección de siete títulos de todo tipo de géneros, historias pequeñas o ambiciosas, producciones nacionales o con estrellas internacionales y de mucha duración o muy breves, por si quieres aprovechar la tarde y ver más de una película. Excavadores despiadados, luchadores aguerridos, soldados de la Guerra Civil o parejas con ganas de experimentar te esperan a la vuelta de la esquina.

‘La bola negra’

A estas alturas quedará poca gente que aún no sepa de ella o no la haya visto, pero la Fiesta del Cine es quizá el mejor momento para hacer un hueco en la agenda y sacar entrada para ver la que puede ser la película más importante en la historia reciente de España. Decimos que puede porque es pronto para ver cómo se da su carrera en la temporada de premios de Hollywood, pero lo cierto es que, más allá de los trofeos, el filme dirigido por los Javis es todo un viaje por nuestro país a través de tres líneas temporales y tres personajes unidos por el deseo y por la mirada gay.

‘La invitación’

Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde) son una pareja que lleva una aburrida rutina y ella decide romperla invitando a sus vecinos de arriba, aunque él tenga la idea de echarles la bronca por hacer demasiado ruido. Una vez llegan Hawk y Pina, los ruidosos vecinos de arriba, comienza a formarse entre los cuatro una conexión de lo más especial que los llevará a contemplar una propuesta de lo más insólita. Remake de Sentimental de Cesc Gay, esta es una de esas películas que también podrían estar en la carrera por los Oscar, especialmente por parte de Penélope Cruz, quien suena como firme candidata al premio a mejor actriz de reparto.

‘El precio de la red’

Hablamos la semana pasada de lo buena que era La red social, pero más de quince años después ha llegado su secuela no-oficial. Con el mismo guionista, Aaron Sorkin —quien aquí ejerce de director—, la película se centra de nuevo en la figura de Mark Zuckerberg, aunque esta vez desde el punto de vista de una de sus antiguas empleadas para Facebook, Frances Haugen (Mikey Madison), y del periodista (Jeremy Allen White) encargado de destapar uno de los mayores escándalos de la red social puntera durante tanto tiempo.

‘Digger’

Un magnate del petróleo causa una catástrofe que puede provocar el fin de la civilización tal y como la conocemos. ¿No suena tan lejano a día de hoy, verdad? Pues eso se pretende probar Alejandro González Iñárritu con su nueva película, en la que une fuerzas con Tom Cruise para que este dé vida a Digger, uno de los personajes más insólitos en toda su carrera. A medio camino entre la sátira y la farsa, la película explora los límites de la humanidad a la hora de enfrentarse a su mayor miedo: su fin.

‘Coyote vs Acme’

Si lo que estás buscando es algo de humor, Coyote vs Acme es la película. Trayendo de vuelta a los icónicos Looney Tunes, la película se centra en la historia del Coyote, quien, después de años de perseguir incansablemente al Correcaminos, decide reclamar sus derechos ante la ley. Él y su abogado Kevin deciden llevar a juicio a ACME, la empresa que ha proporcionado al Coyote años y años de fracasos y otras tantas lesiones y magulladuras. Lo que no saben es que esta demanda provoca un cisma en la compañía, que esconde un gran secreto que podría derribar todos sus cimientos. Coyote y abogado empiezan a colaborar juntos para hallar la verdad detrás de todo el caso, en una película cuya historia fuera de la pantalla es casi o tan emocionante como la del propio Coyote, pues estuvo cerca de no ver la luz después de que Warner cancelase su estreno.

‘Resident Evil’

Terror, humor...y un poco de videojuegos. Todo cabe en esta particular adaptación de Resident Evil, el mítico videojuego que ya había tenido versiones cinematográficas pero nunca como esta. Todo se debe en gran medida a Zach Cregger, director de hits de terror de los últimos años como Barbarian o Weapons y quien aquí capta a la perfección la esencia original en la historia de un mensajero que se adentra en un peligroso camino conforme descubre que toda Racoon City se está convirtiendo en extraños monstruos. Correr es su única salvación.

‘Street Fighter’

Hablando de videojuegos, otra gran adaptación acaba de llegar a cines y será uno de los platos principales para esta Fiesta del Cine. Hablamos de Street Fighter, la cual retoma el clásico videojuego de arcade de la japonesa Capcom y se la lleva a una historia algo distinta de aquella primera adaptación con Jean Claude Van Damme como protagonista. En este caso nos reencontramos con los luchadores Ryu y Ken, ahora separados tras una desgracia común y con ánimo de revancha. Todo cambia cuando el perverso M. Bison organiza un nuevo torneo para grandes luchadores al que son invitados con una clara intención oculta. Junto a otros guerreros como Zangief, Dhalsim, Blanka o la icónica Chun-Li, las peleas nunca tuvieron tanto color y tanta emoción desde la época en la que estaban encerradas en la pantalla de una máquina recreativa.

Este fin de semana España ha puesto un pie en Hollywood. La bola negra acaba de estrenarse al otro lado del charco y lo ha hecho por todo lo alto, con sesiones en algunas de las ciudades más importantes de Estados Unidos y con una fiebre de cinéfilos dispuestos a dejar atrás su desconocimiento de la lengua de Cervantes. Nadie se quiere perder la que ahora mismo es la gran contendiente de La Odisea por el Oscar y quien sabe si una de las que arrasará en la próxima edición de los premios de la Academia de Hollywood. Aun queda mucho para eso y como dice Penélope Cruz es mejor pensar en otras cosas, pero de momento los Javis han conseguido algo muy difícil.

No hablamos solo de dar el salto y exhibir una película española en cines de Estados Unidos, sino también colarse en uno de los templos modernos para cualquier cinéfilo, el armario de la Criterion Collection. El armario de Criterion (Criterion Closet) es un espacio físico de almacenamiento en las oficinas de la distribuidora cinematográfica The Criterion Collection en Nueva York. Este icónico lugar, originalmente un baño reformado, contiene estanterías repletas con todo el catálogo de películas clásicas y contemporáneas de la marca en formato físico (DVD, Blu-ray y 4K).

Su fama internacional se debe a una exitosa serie de videos cortos en YouTube. En ellos, la compañía invita a prestigiosos directores, actores y artistas de la cultura pop a entrar al clóset. Las celebridades eligen libremente sus películas favoritas mientras explican ante la cámara su valor artístico y el impacto emocional o profesional que tuvieron en sus vidas. Este formato se ha convertido en un fenómeno de culto para cinéfilos globales, quienes disfrutan ver las recomendaciones auténticas de figuras como Guillermo del Toro, Martin Scorsese o Cate Blanchett. El concepto ha crecido tanto que Criterion creó el Mobile Closet, una furgoneta itinerante con más de 1.500 títulos que viaja por festivales y eventos para que los aficionados vivan la misma experiencia. En resumen, es el paraíso definitivo del cineasta y un escaparate promocional de referencia.

Las predilectas de los Javis

“¡Una visita genial de Los Javis! ✨ Su nueva película, LA BOLA NEGRA, escrita y dirigida por el dúo de cineastas Javier Calvo y Javier Ambrossi, ya se puede ver en los cines gracias a Netflix. Las recomendaciones de Javier Calvo (próximamente habrá más...)”, anunciaba Criterion Collection en sus redes sociales, donde compartía las ya habituales fotografías de Polaroid con los dos directores de cine. A la espera de ver el vídeo completo y saber qué dijeron los Javis, estas son las películas que recomendaron.

Calvo recomendó la trilogía de Michael Haneke, el realizador austríaco conocido por películas como Amour o La cinta blanca, y cuya trilogía bajo Criterion recoge tres de sus primeros trabajos: El séptimo continente, El vídeo de Benny y 71 fragmentos de una cronología del azar. No en vano, el antiguo actor de Física o Química se presenta como un auténtico fan de Haneke por su camiseta de Funny Games, película que realizó primero en Austria y posteriormente en Estados Unidos. Además, Calvo también recomienda El sur, la película de Víctor Erice del año 1983 y que es uno de los títulos más importantes del cine español.

Por su parte, Ambrossi destaca una película quizá menos conocida entre el gran público como es Personal Shopper, la cinta dirigida por el francés Olivier Assayas sobre una asistente personal que comienza a recibir extraños mensajes del que cree es el fantasma de su hermano. No podían abandonar el armario además sin recomendar una película de Pedro Almodóvar, uno de sus grandes referentes cinematográficos y al que reverencian llevándose Átame, la comedia negra que el manchego realizó junto a Antonio Banderas y Victoria Abril a finales de los ochenta.

El cineasta Tim Burton prepara su próxima película junto al escritor Kazuo Ishiguro, ganador del Premio Nobel de Literatura. Según reveló en exclusiva Deadline, el director dirigirá un guion original escrito por el autor británico-japonés, en un proyecto que todavía no tiene título y que estaría ambientado en el Japón de la posguerra. La noticia llega después de que Burton finalizara el rodaje de la tercera temporada de Wednesday. Aunque el filme todavía está en desarrollo, es el proyecto al que el director le ha dedicado más atención desde que terminó ese rodaje, según indicaron fuentes del medio.

Ishiguro confirmó la noticia a Deadline durante la alfombra roja del estreno mundial de Klara and the Sun, en el Festival de Cine de Londres. El autor aclaró que se trata de una historia original, no basada en ninguna de sus novelas publicadas ni en proyectos futuros. Según fuentes consultadas por el medio, el guion ya está escrito y el plan es que Burton dirija a partir de ese texto. Por el momento, el proyecto no tiene distribuidora asignada.

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La estrategia prevista es sumar talento al elenco antes de presentar la película en el mercado. Más allá de Burton e Ishiguro, ningún otro nombre está confirmado en esta etapa. Fuentes consultadas señalan que el filme estaría ambientado en el Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque los detalles de la trama permanecen bajo reserva. Como suele ocurrir con los proyectos de Burton, la información sobre el argumento se mantiene limitada.

Preparando la tercera temporada de ‘Miércoles’

El acuerdo con Ishiguro se da en un momento particular para Burton. La producción de la tercera temporada de Miércoles recientemente concluyó su rodaje, lo que le permitió al director volcar su atención hacia proyectos en el cine. Si bien no se confirmó que esta película sea su próximo trabajo, dado que el proyecto sigue en etapa de desarrollo, es el que mayor avance presenta entre sus planes actuales tras cerrar el rodaje de la serie. Ishiguro es conocido principalmente por novelas como Nunca me abandones y Klara and the Sun. Sin embargo, también incursionó en la escritura de guiones para cine. Su trabajo más reciente en ese terreno fue el guion de Living, protagonizada por Bill Nighy, una adaptación de un clásico de Akira Kurosawa. Esa experiencia previa lo posiciona con un perfil que combina la narrativa literaria con el formato cinematográfico.

La asociación entre Burton e Ishiguro representa un cruce de estilos que, según Deadline, podría atraer el interés de talento de primer nivel una vez que el proyecto avance hacia su siguiente etapa. Burton e Ishiguro comparten además una conexión indirecta a través de Jenna Ortega, protagonista de Miércoles. La actriz encabeza la adaptación cinematográfica de Klara and the Sun, dirigida por Taika Waititi. Esa película tuvo su estreno mundial la misma noche en que Ishiguro confirmó el proyecto con Burton, durante el Festival de Cine de Londres. Su estreno comercial está previsto para la semana siguiente.

La adaptación de Klara and the Sun ya había generado atención previa con la publicación de su primer tráiler, en el que se presentó al personaje interpretado por Ortega, una amiga artificial dentro de la trama de la novela de Ishiguro. Por el momento, no se confirmaron más detalles sobre el reparto, la fecha de rodaje ni el título definitivo de la nueva película de Burton e Ishiguro. Deadline indicó que compartirá información adicional a medida que el proyecto avance.

El director de cine James Cameron felicitó a Marvel Studios por el nuevo triunfo en taquilla de Vengadores: Endgame, que volvió a superar a Avatar como la película más taquillera de la historia tras su relanzamiento “Encore” en septiembre. El director publicó un mensaje acompañado de una imagen de Iron Man recibido por una tribu Na’vi de Avatar, con el texto: “Eres de la gente”. Firmó la publicación como Jim Cameron.

Vengadores: Endgame desplazó a Avatar del primer puesto del ranking histórico de recaudación global gracias a su relanzamiento “Encore”, estrenado el 25 de septiembre con un final modificado y nuevas escenas post-créditos. La película de Marvel alcanzó así 2.925,5 millones de dólares en taquilla internacional, por encima de los 2.924 millones de Avatar, según datos de The Numbers.

Cameron escribió: “Felicitaciones a Marvel y a la número uno Vengadores: Endgame: Encore por traer a los espectadores a los cines”. No es la primera vez que el cineasta reconoce este tipo de hito a su competencia directa en los libros de taquilla. En julio de 2019, cuando Vengadores: Endgame superó por primera vez a Avatar, Cameron también había celebrado el logro en redes sociales con un mensaje en el idioma na’vi: “Oel ngati kameie. Los veo, Marvel. Felicitaciones a Vengadores: Endgame por convertirse en el nuevo rey de la taquilla”.

Una disputa que se repite desde 2019

El cruce entre ambas franquicias por el título de película más taquillera de la historia tiene varios capítulos. Tras la corona que Vengadores: Endgame le arrebató a Avatar en 2019, el propio Cameron recuperó el primer puesto en 2021 con un relanzamiento de su filme. En aquel momento, Marvel respondió en redes con una publicación que mostraba el título de Avengers siendo borrado por el de Avatar, en referencia al cambio de liderazgo. Ahora, con el relanzamiento “Encore” de septiembre, la balanza volvió a inclinarse del lado de Marvel. La diferencia entre ambas cintas es de apenas 1,5 millones de dólares en recaudación internacional acumulada, un margen que mantiene abierta la posibilidad de nuevos cambios en el ranking si cualquiera de las dos franquicias vuelve a estrenarse en salas.

La nueva versión de Vengadores: Endgame incorporó un final modificado y escenas post-créditos pensadas para enlazar con Avengers: Doomsday, la próxima entrega de la saga prevista para este invierno. En su fin de semana de estreno, el relanzamiento se ubicó en el primer puesto de la taquilla. Solo en su viernes de apertura recaudó 11,2 millones de dólares en 3.060 salas. Ese fin de semana también incluyó el estreno de otras producciones con buena recepción de público, aunque con un futuro incierto en cartelera. Entre ellas, Heart of the Beast, de Paramount, y Forgotten Island, de Universal/DreamWorks, que pese al desempeño positivo en taquilla enfrentan dificultades para sostener su presencia en los cines frente a la competencia.

Street Fighter -más concretamente el II, que salió allá por 1991-, era uno de esos videojuegos que ejemplifican el concepto de arcade junto a otros como Pac-Man, Space Invaders o Donkey Kong. Diseñado por la japonesa Capcom, no fue el primero pero sí el que popularizó los arcades de lucha, pues a continuación le salió competencia como el Tekken o el Mortal Kombat, su némesis occidental. Nació en ese mueble físico del que hablábamos, y en un principio constaba de un panel de control con un joystick de 8 direcciones y 6 botones de acción digital, divididos exactamente en dos filas y que permitían a los jugadores moverse de forma horizontal, saltar, agacharse o, sobre todo, hacer combinaciones de ataques, siendo las más famosas el Shoryuken y el Hadoken.

Igual que el arcade transicionó de la galería al salón recreativo, Street Fighter pasó del mueble a la gran pantalla y solo tres años después del fenómeno del videojuego nacía Street Fighter: La última batalla, con un presupuesto de 35 millones de dólares, escrita por el autor de Jungla de cristal y protagonizada por Jean-Claude Van Damme o Raúl Juliá. La recepción de la crítica y de los fanáticos fue absolutamente desastrosa, ya que el director transformó el místico torneo de artes marciales en una genérica trama militar repleta de humor absurdo, desdibujando por completo la identidad de héroes como Ryu y Ken. Además, el rodaje en Tailandia fue un completo caos debido a las adicciones de Van Damme y la grave enfermedad de Juliá, quien falleció antes del estreno. Sin embargo, el arrastre de la marca provocó un inesperado éxito comercial en taquilla, recaudando casi 100 millones de dólares a nivel mundial. Capcom asegura que a día de hoy sigue siendo una de las inversiones más rentables en su historia, pero más de treinta años después ha decidido que era el momento de hacerle justicia.

Pelead, pelead, malditos

La escena inicial de la nueva Street Fighter (Kitao Sakurai, 2026) es ya toda una reverencia a lo anteriormente mencionado y una declaración de intenciones al espectador. Una secuencia en la que vemos, de forma animada y con unos diseños lo más fieles a los originales, el origen del mito del videojuego, a saber, el torneo que Ryu ganaba a Sagat con un legendario Shoryuken pero despertando una energía tan poderosa como oscura y prohibida. Ambientada en los mismos 90 en los que se alumbró el juego, la película narra la vida de Ryu y Ken (Noah Centineo) a partir de este suceso y una tragedia en común que ha cambiado por completo sus vidas a peor, uno como bufón de la MTV y otro como vendedor ambulante. Sin embargo, la propuesta del perverso M. Bison de organizar un nuevo torneo les plantea la posibilidad de redimirse a ambos, aunque en el fondo sepan que hay algo muy peligroso detrás de ello.

Al contrario que aquella adaptación de 1994, esta película apuesta desde el principio por un formato puramente luchador, y de ahí que se vertebre en torno al torneo que ambos protagonistas disputan. Tiene sus cambios y arreglos necesarios para hacer la trama tan simple como orgánica y fácil de seguir posible, y su verdadera destreza yace en la capacidad de imitar esas divertidas combinaciones de golpes en pantalla. Para ello ha contado con Andrew Koji, quien ya había participado en Bullet Train o Snake Eyes: G.I. Joe Origins y quien lleva desde los 8 años practicando artes marciales, con formación en taekwondo, kung fu Shaolin y kickboxing. Para el papel de Ryu, Koji realizó regímenes intensos de patadas y técnica de karate de hasta 2 horas de patadas diarias, al igual que su compañera de reparto Callina Liang, quien da vida a la mítica Chun-Li, aquí una agente encubierta de la Interpol.

Una divertida y olvidable partida

Street Fighter es una delicia para los fans de la misma manera que lo fue en su día poder jugar al II en las recreativas y elegir a Blanka, Guile, Zangief o Dhalsim. Todos ellos tienen aquí su par de minutos de gloria, manteniendo la esencia de los personajes, aunque siendo solo extras de lujo para la gran función de Ryu y Ken, sustentada en la habilidad del primero y el carisma del segundo. Eso sí, todos están marcados por el mismo patrón de ironía e ingenuidad, desde los funcionales villanos Vega y Balrog (interpretados por los músicos Orville Peck y 50 Cent) hasta los más perversos M. Bison (una dudosa elección la de David Dastmalchian) o Akuma (Joe Anoa’i).

En definitiva, la película tiene todo lo que hacía bueno al videojuego en los 90; es colorida, es entretenida, sabe los golpes de efecto que tiene que hacer y tiene el humor y la ironía suficiente para no ser cargante en sus más de dos horas de metraje. Pero igual que Ken anula a Ryu y viceversa, son esas mismas virtudes en gran medida lo que hace de ella un trabajo de consumo rápido y olvidable, como si dentro del jugo de elementos se les hubiese olvidado uno de los más importantes, como es el de la pregnancia. Toca todos los botones y todos son efectivos, pero cuando acaba la partida, sorprendentemente, no entran demasiadas ganas de echar otra.

La noticia llega en un momento simbólicamente preciso. Barnes publicó en enero de 2026, coincidiendo con su octogésimo cumpleaños, Departure(s), un libro que el propio autor ha descrito como “mi última obra, mi partida oficial, mi conversación final con el lector”. Que el jurado del Princesa lo elija ahora no es casualidad: es el tipo de justicia poética que el propio Barnes, lector voraz de Flaubert y Chéjov, sabría apreciar.

Entre las propuestas, apuntó una notable presencia de la literatura hispanoamericana, incluidos “siete maestros españoles de primera línea”, así como autores chinos, japoneses o indios, además de una distribución “razonablemente equilibrada” entre hombres y mujeres, “hay cinco o seis autoras extraordinarias”, dijo. “Si queremos ser exóticos, podemos ser exóticos. Si queremos ser castizos, podemos ser muy castizos. Si queremos ser muy amantes de la igualdad de género y que le toque este año a una mujer, lo podríamos hacer con garantía de que elegimos muy bien”, subrayó el director de la RAE. En sus 45 ediciones, el galardón, concedido cuatro veces de forma compartida, distinguió a diez mujeres -dos en las veinte primeras convocatorias- y, con 23 nacionalidades premiadas, recayó en España 18 veces; ocho más en ámbito hispanomericano -incluido el pueblo de Puerto Rico por su defensa del español- y seis en Estados Unidos, tres en Canadá, dos en Francia y dos en México, entre otros.

De lexicógrafo a arquitecto de la novela moderna

Barnes nació en Leicester el 19 de enero de 1946 y se formó en el Magdalen College de Oxford, donde se graduó con honores en 1968. Sus primeros años profesionales los pasó como lexicógrafo para el suplemento del Oxford English Dictionary, un detalle biográfico que no es anecdótico: en él se adivina al escritor que sería, obsesionado con la precisión de las palabras, con lo que significan y con lo que ocultan. Su debut novelístico llegó en 1980 con Metroland, pero fue El loro de Flaubert (1984) el libro que lo instaló en el mapa de la literatura mundial. Esa novela —inclasificable mezcla de biografía, ensayo y ficción— fue finalista del Booker Prize y ganó el Prix Médicis en Francia, país al que Barnes está unido por una devoción literaria y cultural que recorre toda su obra.

Si hay una constante en Barnes es la desconfianza hacia las certezas. Sus novelas no resuelven: interrogan. El sentido del final (2011), con la que ganó el Man Booker Prize —el galardón más prestigioso de las letras británicas—, es un ejercicio magistral sobre cómo la memoria traiciona y reescribe el pasado. Su protagonista, un hombre ya anciano, descubre que su versión de su propia historia juvenil es profundamente falsa. En poco más de 150 páginas, Barnes desmonta la idea de que somos narradores fiables de nuestras propias vidas. Esa misma inquietud recorre El ruido del tiempo (2016), su aproximación a la figura del compositor Dmitri Shostakóvich atrapado entre el arte y el terror estalinista, y La única historia (2018), una novela sobre el amor y sus consecuencias narrada en tres tiempos gramaticales distintos —un truco formal que en sus manos resulta demoledor.

Pocos escritores británicos han sido tan celebrados en Francia como Barnes. Fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en 1988, Officier en 1995 y Commandeur en 2004, la máxima distinción en ese escalafón. Su fascinación por la cultura francesa —de Flaubert a Montaigne, de la pintura impresionista a la gastronomía— no es el capricho de un anglófilo invertido, sino una forma de mirar su propia tradición desde la distancia productiva del extranjero.

Una despedida que es también un testamento

Departure(s), su último libro, cierra el círculo. Escrito con la conciencia de quien sabe que habla por última vez, el volumen regresa a sus obsesiones de siempre —la mortalidad, el tiempo, el recuerdo— pero con una serenidad nueva. No la resignación del que se rinde, sino la claridad del que ha llegado a algún sitio. El Premio Princesa de Asturias encuentra así a un Barnes que ha convertido su propio final en materia literaria. Hay en eso una coherencia admirable: el escritor que durante 44 años exploró cómo los seres humanos se enfrentan a la pérdida y al olvido termina enfrentándose, con la misma honestidad, al suyo propio.

Además de a Mendoza en 2025, en las ediciones más recientes el Premio Princesa de Asturias de las Letras fue para la poeta, ensayista y política rumana Ana Blandiana (2024); el escritor y traductor japonés Haruki Murakami (2023); el dramaturgo español Juan Mayorga (2022); el escritor, guionista y realizador francés Emmanuel Carrère (2021), y la poetisa, ensayista, traductora y profesora canadiense Anne Carson (2020). De la nómina de galardonados forman parte también autores como los estadounidense Philip Roth, Paul Auster o Arthur Miller; el mexicano Carlos Fuentes; el colombiano Álvaro Mutis; el peruano Mario Vargas Llosa y escritores españoles como Francisco Umbral, Antonio Muñoz Molina, Camilo José Cela, Ángel González, Miguel Delibes o José Hierro.

El de las Letras es el penúltimo de los ocho galardones en fallarse este año a la espera de que el 17 de junio se dé a conocerse al ganador de la categoría de la Concordia. Ya han sido distinguidos Patti Smith (Artes); Studio Ghibli (Comunicación y Humanidades); David Klenerman, Shankar Balasubramanian y Pascal Mayer (Investigación Científica y Técnica); la Bóveda Global de Semillas de Svalbard (Cooperación Internacional); Timothy Garton Ash (Ciencias Sociales) y Leo Messi (Deportes).

Sydney Sweeney y Kirsten Dunst se han reunido frente a cámaras para arrancar el rodaje de El secreto de la asistenta, la secuela de La asistenta. La confirmación llegó el 15 de octubre de 2026 a través de un video de apenas 16 segundos publicado en la cuenta oficial de X de la franquicia, que mostró el primer momento del elenco en el set. En el clip, Sweeney abraza a Dunst mientras Brittany Snow baila a un costado y Michele Morrone posa junto al cartel de Lionsgate Stage 1. Según se informó, el rodaje también fue detectado en Hoboken, Nueva Jersey. El estreno en salas está previsto para el 17 de diciembre de 2027.

La cuenta oficial de La asistenta confirmó junto al video los nombres y personajes de los nuevos integrantes. Dunst interpretará a Wendy Garrick, un papel que se suma a una carrera marcada por su rol de Mary Jane Watson en la trilogía de Spider-Man y por su nominación al Oscar por The Power of the Dog. Brittany Snow, recordada por su papel de Chloe en Pitch Perfect, dará vida a Marybeth. Paul Anthony Kelly, que interpretó a JFK Jr. en Love Story, será Douglas Garrick. Stephen Kalyn, quien tuvo su papel de ruptura en Off Campus, encarnará a Brock.

Así será la secuela

El primer vistazo a The Housemaid’s Secret confirma que Sydney Sweeney retoma su personaje junto a Kirsten Dunst, Brittany Snow, Paul Anthony Kelly y Stephen Kalyn. El rodaje comenzó el 15 de octubre de 2026 en Lionsgate Stage 1, con registro adicional en Hoboken, y el estreno está fijado para diciembre de 2027. La asistenta (2025) convirtió un presupuesto de 35 millones de dólares en una recaudación mundial cercana a los 400 millones de dólares. La película abrió con alrededor de 19 millones de dólares en el mercado doméstico a mediados de diciembre de 2025 y mantuvo su rendimiento durante las fiestas gracias al boca a boca.

Ese resultado comercial explica, según se detalló, la rapidez con la que se dio luz verde a la secuela. La historia original se mantuvo cercana a la novela de Freida McFadden, aunque el director Paul Feig modificó el desenlace: Andrew cae por las escaleras en lugar de morir en el ático, como ocurre en el libro. Para El secreto de la asistenta no se confirmaron variaciones respecto al material original. Feig regresa en la dirección, acompañado nuevamente por la guionista Rebecca Sonnenshine, ambos responsables de la primera película.

El argumento oficial ya coincide con el de la novela: Millie limpia el penthouse de un ejecutivo tecnológico cuya esposa permanece encerrada en un cuarto de huéspedes. Se espera que los giros centrales de la trama se conserven, con margen para un ritmo más ajustado y un tramo final de mayor escala, en línea con lo logrado en la primera entrega. Con las cámaras ya en marcha y la puerta del cuarto de huéspedes todavía cerrada en la trama, Sydney Sweeney y Kirsten Dunst encabezan ahora la búsqueda de quién guarda la llave de ese secreto.

La pieza formará parte de Grand Theft Auto VI: The Album, un disco que reunirá 34 canciones originales vinculadas al juego. Rockstar Games y Atlantic Records avanzaron parte del repertorio durante las últimas semanas, aunque todavía no difundieron la lista completa de temas ni precisaron si habrá una edición independiente con la partitura instrumental de Justice. La confirmación distingue dos planos musicales dentro de GTA VI. Por un lado, Justice compuso la música original dinámica, es decir, las piezas que pueden variar de acuerdo con las acciones, las secuencias narrativas y el ritmo de juego. Por otro, el álbum oficial y las emisoras de radio reunirán canciones de artistas de géneros diversos.

Rockstar no explicó aún cuántas horas de música creó el dúo ni detalló de qué modo se integrarán sus composiciones en las misiones y los recorridos por Leonida, el estado ficticio donde transcurre la nueva entrega. La empresa tampoco anunció si Justice participó de la selección musical de las estaciones de radio. La música dinámica ya ocupó un lugar destacado en Grand Theft Auto V, que salió en 2013. Aquella entrega contó con una composición colectiva de Tangerine Dream, Woody Jackson, The Alchemist y Oh No, con DJ Shadow a cargo de la mezcla y sincronización. El sistema permitía que las capas musicales respondieran a la actividad del jugador y convivieran con las radios disponibles dentro de los vehículos.

En GTA VI, Justice tomará esa responsabilidad de forma exclusiva. Se trata de la primera vez que el grupo francés compone la partitura de un videojuego, según la información difundida tras el tráiler de lanzamiento. Flower in a Hurricane es el primer lanzamiento de Justice asociado de manera directa al videojuego. La canción reúne al productor y cantante australiano Kevin Parker, conocido como Tame Impala; a la estadounidense SZA; y a King Gizzard & The Lizard Wizard, grupo de rock psicodélico originario de Melbourne.

El álbum reunirá temas de Travis Scott, Cardi B y Keith Richards

La colaboración extiende el vínculo entre Justice y Tame Impala. Ambos ya habían trabajado en “Neverender”, incluida en Hyperdrama, el cuarto álbum de estudio del dúo, publicado en 2024. Ese tema recibió el Grammy a la mejor grabación dance/electrónica en 2025. Justice surgió en París en 2003 y alcanzó proyección internacional con canciones como “D.A.N.C.E.”, “Genesis” y “We Are Your Friends”. Su música combina bases electrónicas, referencias al rock y arreglos de disco. Tras Cross en 2007, el grupo publicó Audio, Video, Disco en 2011, Woman en 2016 y Hyperdrama en 2024.

La elección de Justice también vincula a GTA VI con una corriente de música electrónica francesa que tuvo alcance global desde comienzos de los años 2000. El dúo llega al proyecto después de una gira internacional de Hyperdrama y de una nueva etapa de colaboraciones con artistas de la música pop y electrónica. Hasta ahora se publicaron nueve canciones del álbum oficial. Además de Flower in a Hurricane, el repertorio anunciado incluye Rhyno, de Travis Scott; Don’t Chart, de Cardi B; Suzuki, de Fuerza Regida; Macacoa 2000, de Rauw Alejandro; y Bright Lights, Big City, de Keith Richards.

También figuran That’s It, de Yung Lean con Future y Metro Boomin; y Sexy Magic, que reúne a Ca7riel, Paco Amoroso, PinkPantheress, Fred again.. y Étienne de Crécy. La diversidad del listado anticipa que la radio del juego combinará pop, hip-hop, música latina, rock y electrónica. Rockstar ya confirmó seis emisoras con conductores asociados a la industria musical. Entre ellas figuran Cocoteo FM, con Bad Bunny y RaiNao; Flash FM, con Robyn; y Back Country Radio, con Lana Del Rey y Morgan Wallen. La compañía presentará el resto del contenido musical en las semanas previas al lanzamiento del juego.

Esas nuevas tomas con Pitt incluyeron la reconstrucción de escenografías completas. Por eso, Las nuevas desventuras de Cliff Booth no llegó a ningún festival de otoño: la cinta simplemente no estaba terminada. El director quería más tiempo y más presupuesto para alcanzar el resultado que buscaba. La gestión de Lin le otorgó solo una fracción de lo solicitado, algo difícil de digerir para un cineasta conocido por sus jornadas de hasta 70 tomas por escena. La salida de Fincher de Netflix responde a un choque directo con Dan Lin durante la producción de Las nuevas desventuras de Cliff Booth: el director exigió reshoots costosos y más presupuesto, la plataforma se los negó casi por completo, y esa tensión terminó por quebrar el vínculo entre ambos tras años de colaboración.

Lin asumió la dirección de la división cinematográfica de Netflix en abril de 2024. Según el reportaje de Page Six, su gestión representa lo opuesto a la de su antecesor, Scott Stuber, quien gastaba con libertad y pagaba cifras elevadas por talento reconocido. Bajo el mando de Lin, la producción original de películas de Netflix se redujo a más de la mitad. Siegel también aclaró un dato relevante: Las nuevas desventuras de Cliff Booth fue el único proyecto de Fincher que pasó realmente por las manos de Lin. Tanto Mank como The Killer pertenecen a la era Stuber. La producción no resultó barata. Pitt cobra 40 millones de dólares por su papel protagónico, Fincher recibe 20 millones por dirigir, y Quentin Tarantino suma otros 20 millones por el guion. Eso representa 80 millones de dólares solo en costos de “por encima de la línea”, dentro de un presupuesto total que superaría los 200 millones de dólares.

Una etapa de cambios en Netflix

Fincher no es el único cineasta de primer nivel que chocó con Lin. Según se informó un día antes del reportaje sobre Fincher, también existe fricción entre el ejecutivo y Greta Gerwig por Narnia: El sobrino del mago. Lin realizó numerosas observaciones sobre los primeros cortes de esa película y prometió “arreglarla” en postproducción. El resultado fue una distancia que todavía persiste entre ambos. Una fuente cercana a Ben Affleck sostuvo además que el actor expresó en privado que no soporta a Lin. Ese dato explicaría por qué fue la directora de contenidos Bela Bajaria, y no Lin, quien presentó a Affleck en el estreno de su película Animals el 1 de octubre.

Lin quedó al margen de los recortes recientes de Netflix, que el miércoles despidió a mil empleados. En ese mismo movimiento, Doug Belgrad, su número dos y vicepresidente de cine, dejó su cargo. Belgrad era visto como el “policía bueno” dentro de la división, alguien con buena relación con el talento. Mientras tanto, los exejecutivos de Warner Bros. Michael De Luca y Pam Abdy aparecen mencionados como posibles candidatos a ocupar un rol mayor dentro de la estructura.

El futuro de Lin al frente del cine de Netflix podría depender directamente del desempeño de Las nuevas desventuras de Cliff Booth. Si la película funciona, su posición se consolida. Si fracasa, haber perdido a Fincher en el proceso podría ser el factor que termine con su gestión. Tanto Narnia como esta producción son filmes de presupuesto elevado y alto riesgo que, sobre el papel, estaban pensados para no fallar. Las nuevas desventuras de Cliff Booth se estrenará de forma exclusiva en salas IMAX el 25 de noviembre, con un recorrido de dos semanas antes de llegar a Netflix el 23 de diciembre.

Sony Pictures evalúa que sus cuatro películas biográficas sobre The Beatles lleguen a los cines el mismo día, según fuentes citadas por The Hollywood Reporter. La productora Pippa Harris, socia del director Sam Mendes, adelantó la estrategia durante el Foro de la Industria del Festival de Cine de Londres de la BFI. “Queremos que la gente pueda disfrutarlas en el cine al mismo tiempo, durante el mismo período”, afirmó Harris en ese encuentro. La productora aclaró que esto “no significa necesariamente que la gente vaya a ver las cuatro películas el mismo día”, sino que podrían verlas durante el mismo mes, una por semana o en fines de semana consecutivos.

Sin embargo, fuentes consultadas por el medio aseguran que Mendes y el estudio contemplan desde hace tiempo una opción más radical: estrenar las cuatro cintas exactamente el mismo día. El proyecto, que reconstruye la historia de la banda desde la perspectiva de cada uno de sus integrantes, busca evitar que un filme opaque a los otros tres en la taquilla. Una de las ideas en evaluación consiste en reportar la recaudación de las cuatro películas de forma conjunta, en lugar de difundir cifras individuales por cada título. Con esta medida, Sony buscaría impedir el típico relato mediático de comparaciones del estilo “la película de John Lennon recaudó 12 millones de dólares más que la de George Harrison”.

Las cifras de venta de entradas por película probablemente igual trascenderían a través de fuentes independientes del sector, según se informó. Pero la estructura de reporte conjunto evitaría que el propio estudio convalide ese tipo de rankings. La pregunta “¿cuál es tu Beatle favorito?” acompaña a la banda desde su formación y genera un debate que Sony parece querer sortear, sobre todo porque los dos Beatles sobrevivientes, Paul McCartney y Ringo Starr, participan de manera activa en el proyecto. Ambos músicos revisaron los guiones y se reunieron con los actores que los interpretan.

La misma historia, cuatro puntos de vista

Las cuatro biopics están protagonizados por Paul Mescal, Harris Dickinson, Joseph Quinn y Barry Keoghan, en los papeles de Paul, John, George y Ringo, respectivamente. Cada película narra la historia del grupo desde el punto de vista de uno de sus integrantes. El hecho de que existan cuatro largometrajes distintos, cada uno centrado en un miembro de la banda, plantea un desafío particular para el estudio: lograr que el público asista a ver las cuatro producciones sin que unas canibalicen la audiencia de las otras ni se perciba una jerarquía entre ellas. Entre las alternativas que se analizan también figura la venta de un paquete de cuatro entradas, pensado para incentivar a los espectadores a comprometerse con las cuatro películas en el cine en lugar de elegir solo una o dos y dejar el resto para plataformas de streaming.

No está claro, de todas formas, cómo funcionaría esta modalidad en la práctica, ya que implicaría coordinar con las principales cadenas de cines una estructura de venta de entradas fuera de lo habitual. En caso de confirmarse el estreno simultáneo, las fuentes indicaron que el plan de marketing de Sony sería presentar las cuatro películas sin un orden “correcto” de visualización, dejando a criterio del público en qué secuencia verlas.

Las cuatro películas sobre The Beatles tienen previsto su estreno en abril de 2028, una fecha que Sony espera que ofrezca un calendario con menor competencia cinematográfica. El objetivo es asegurar suficientes pantallas disponibles en cada mercado para que las cuatro cintas, dedicadas a John, Paul, George y Ringo, puedan exhibirse de manera simultánea. Las fuentes consultadas remarcaron que todos estos planes continúan en discusión y podrían modificarse antes del estreno.

Luchadores, invitaciones descaradas, malos hijos y ballenas. Esta semana es de esas en la que las cosas más inverosímiles y aleatorias pueden tener lugar, y tras una semana de redes sociales con El precio de la verdad, esta es el momento para salir de internet y vivir una vida de altos vuelos, los mismos que propone la recomendación más romántica de la semana.

Con Halloween en el horizonte y la Fiesta del Cine a la vuelta de la esquina, esta semana se entremezclan títulos de todo tipo, encabezados quizá por las peleas de Street Fighter o la propuesta indecente de La invitación. Esta última, además, con una Penélope Cruz que podría hacer historia en caso de ser nominada a los Oscar por esta y por La bola negra, en la que da vida a la cupletista Nené Romero.

Street Fighter

Han pasado unos cuantos años de aquella adaptación con Jean Claude Van Damme, el suficiente tiempo para realizar una nueva versión de uno de los videojuegos más populares de la historia, Street Fighter de Capcom. En este caso, la historia se centra en Ryu y Ken, dos amigos de infancia unidos por su pasión por las artes marciales, pero separados por una gran tragedia en torno a su maestro. Cada uno recibe una invitación para un nuevo torneo organizado por el maquiavélico M. Bison, quien en realidad urde un plan para sustraer la energía de los competidores.

Whalefall

Las aventuras marinas nunca descansan, del mismo modo que tampoco lo hace Austin Abrams, quien hasta hace nada huía sin descanso de las criaturas de Resident Evil y ahora se enfrenta a un peligro mucho más gigantesco. Tras la muerte de su padre, Jay Gardiner se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos, pero es tragado por una ballena. Atrapado en su interior con solo una hora de oxígeno restante, Jay se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó pueden ser la clave para escapar.

La maleta

Lucía Caraballo y el mexicano Alejandro Speitzer protagonizan esta comedia romántica de altos vuelos a cargo de Carlos Therón (Es por tu bien). Laura y Nacho se han conocido en un vuelo, pero una vez que recojan sus maletas, su breve encuentro habrá terminado. Laura no quiere eso, así que propone un juego: si la primera maleta que sale es la de ella, esa misma noche tendrán una cita. Nacho acepta y, para salirse con la suya, ella coge la primera maleta que ve... sin saber que pertenece a unos terroristas.

El mal hijo

El actor Jaime Lorente realiza su debut en la dirección con este drama sobre un hijo que ha de resolver algunas cuentas pendientes en su familia. Tras ser abandonado por su padre y puesto a cargo de su abuela, este joven tiene que lidiar con las heridas de su familia y encontrar un nuevo trabajo con el que sustentarla. Pero pronto se dará cuenta de que de alguna manera su camino está ya marcado, y es mucho más difícil escapar del destino de lo que pensaba.

La invitación

Una casa, dos parejas y mucho jamón, aunque no del todo ibérico, más bien prosciutto. En La invitación se juntan dos parejas. Por un lado, Angela (Olivia Wilde) y Joe (Seth Rogen), quienes han invitado a su casa a Pina y Hawk (Edward Norton), una pareja liberal que se pasa el día manteniendo relaciones sexuales. Lo que al principio empieza como un encuentro informal pronto se transforma en algo mucho más íntimo y revelador para cada uno de ellos. Penélope Cruz encabeza esta divertida comedia basada en la obra Los vecinos de arriba de Cesc Gay, que ya la llevó al cine en 2020 bajo el título de Sentimental.

Barcelona propone en octubre un recorrido por la fotografía, el diseño, el deporte y las experiencias audiovisuales. Las exposiciones de la temporada combinan archivos documentales, obras de grandes figuras del siglo XX, relatos personales y formatos inmersivos que sitúan al visitante dentro de cada propuesta. American Images reúne más de tres décadas de la obra de Dana Lixenberg, fotógrafa neerlandesa que retrató a celebridades como Prince y Tupac Shakur, además de comunidades atravesadas por la precariedad, la desigualdad y el impacto del cambio climático. Su trabajo parte de procesos lentos y de una relación de confianza con las personas fotografiadas.

La muestra Emancipaciones. Colección Foto Colectania revisa el papel de la fotografía en los cambios sociales de España y sigue su paso desde los círculos aficionados hasta el arte contemporáneo. Incluye copias de prensa, álbumes, fanzines y pruebas de tiraje. La Fundació Joan Miró dedica una exposición a Charlotte Perriand, diseñadora que defendió la unión entre arquitectura, arte y vida cotidiana. La agenda también incluye ANIMONDO: Viaje Salvaje, una experiencia audiovisual que recrea cuatro ecosistemas mediante proyecciones de 360 grados y sonido envolvente, e Iniesta Experience: El Juego Interior, un recorrido interactivo por la carrera, los recuerdos y la dimensión personal del exfutbolista.

Dana Lixenberg: American Images

La exposición American Images reúne más de tres décadas de trabajo de la fotógrafa neerlandesa Dana Lixenberg y podrá visitarse del 1 de octubre de 2026 al 17 de enero de 2027. retrospectiva se expone en el centro fotográfico KBr Fundación Mapfre. Comisariada por Laurie Hurwitz y Marcel Feil, la muestra recorre proyectos realizados en Estados Unidos desde los años noventa y aborda la identidad estadounidense desde la perspectiva de una extranjera establecida en Nueva York.

Incluye retratos de figuras como Prince, Kate Moss, Tupac Shakur y Biggie Smalls, junto con trabajos documentales sobre comunidades vulnerables. El eje central es Imperial Courts, un proyecto iniciado en 1993 en un complejo de viviendas sociales del sur de Los Ángeles, donde Lixenberg retrató durante años a residentes afroamericanos e hispanos. También presenta imágenes de personas sin hogar en Indiana y de la comunidad iñupiaq de Shishmaref, Alaska, afectada por el cambio climático global.

Charlotte Perriand. La libertad de repensar el mundo

Charlotte Perriand. La libertad de repensar el mundo es la primera exposición en España dedicada a la diseñadora francesa Charlotte Perriand (1903-1999), figura del diseño y la arquitectura modernos. La muestra se podrá visitar del 9 de octubre de 2026 al 28 de febrero de 2027 en las salas de exposición temporal de la Fundació Joan Miró. Comisariada por Martina Millà, jefa de exposiciones de la institución, sitúa a Perriand dentro de una red de creadores, arquitectos e ideas que conectó París, Barcelona y el Mediterráneo.

El recorrido aborda su paso por el Atelier Le Corbusier, donde desarrolló una voz propia, y su defensa de la integración entre arte, arquitectura y diseño. También destaca su relación personal e intelectual con Josep Lluís Sert, iniciada en 1928. Organizada por Kunstmuseen Krefeld, con Museum der Moderne Salzburg y la Fundació, reivindica su trabajo como una herramienta para transformar la vida cotidiana.

Emancipaciones

Emancipaciones. Colección Foto Colectania propone una nueva lectura de los fondos de Foto Colectania a través de la fotografía española y su vínculo con los relatos de la modernidad europea. La exposición se podrá visitar del 8 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027. Está comisariada por Florian Ebner, responsable del Departamento de Fotografía del Centre Pompidou de París.

La muestra examina dos procesos paralelos: la transformación de la sociedad española desde la posguerra y el final del franquismo, y la emancipación de la fotografía como medio artístico y documental. El recorrido se organiza en tres capítulos: la mirada humanista sobre la reconstrucción social; el retrato de comunidades, identidades y movimientos políticos; y la revisión de lo documental desde la década de 1980. Además de copias de exposición, incorpora álbumes, fanzines, pruebas de tiraje, copias de prensa y otros materiales que muestran cómo cambian el sentido y la circulación de las imágenes.

Animondo: Viaje Salvaje

Animondo: Viaje Salvaje es una experiencia de cine inmersivo en 360 grados que se estrenará mundialmente en Barcelona entre el 24 de octubre de 2026 y el 30 de abril de 2027. La propuesta tendrá lugar en SABDA, situado en la calle Muntaner 83B, en el Eixample, y será la primera exposición inmersiva de larga duración del espacio. Cada sesión admitirá a 22 personas y durará unos 50 minutos, incluido un espectáculo central de 25 minutos.

La obra lleva al público por cuatro entornos naturales conectados: selva, fondo marino, Ártico y sabana. Las imágenes se proyectan en las cuatro paredes de una sala 360°, sin un frente definido, mientras un sistema de sonido Dolby Atmos reproduce efectos en tres dimensiones. Creada con Unreal Engine, la experiencia prescinde de narración y de luces estroboscópicas. Las entradas estarán disponibles a través de Fever, con fechas de venta que la plataforma anunciará próximamente.

Iniesta Experience: El Juego interior

Iniesta Experience: El Juego Interior es una exposición interactiva e inmersiva dedicada a Andrés Iniesta, situada en el antiguo IMAX del Port Vell, en el Moll d’Espanya de Barcelona. Está abierta desde el 28 de septiembre de 2026 y hasta el 10 de enero de 2027, con un recorrido de unos 90 minutos, lo que dura cualquiera de los partidos que lo han convertido en leyenda del fútbol español.

La experiencia consta de ocho salas —en referencia al dorsal de Iniesta— que repasan su vida desde Fuentealbilla y su llegada a La Masia hasta sus triunfos con el Barça y la selección española. Combina tecnología, audiovisuales, objetos y juegos: los visitantes pueden recrear su gol ante el Chelsea en Stamford Bridge, participar en un rondo virtual, poner voz a una retransmisión o revivir el gol del Mundial 2010. Más allá del fútbol, aborda la presión, la soledad, el sacrificio y la salud mental, apoyando el programa Esportivament de la Fundació Barça. Es una propuesta familiar, emocional y sensorial, pensada para conocer tanto al jugador como a la persona.

Todo cambia cuando son convocados por M. Bison para competir en el Torneo Internacional de Grandes Luchadores, en el cual hay mucho más en juego que la honra. Aunque desconocen la trampa que se oculta detrás de la competición, ambos se embarcan en una gran aventura en la que les acompaña Chun-Li, una agente doble de grandes patadas. Pero no es la única, pues en la película hay espacio para todo tipo de estrellas, desde Jason Momoa hasta el luchador Alexander Volkanovski pasando por el rapero 50 Cent.

Ken Masters - Noah Centineo

Ken Masters ha llevado una vida más basada en el show que en el arte marcial, e incapaz de lidiar con sus propios sentimientos ha adquirido una serie de vicios que lo han separado de las enseñanzas del maestro Gouken. Sin embargo, el regreso a la escena de Ryu y la convocatoria para su primer torneo le dan la oportunidad de recuperar el honor que cree perdido. El joven Noah Centineo, conocido por A todos los chicos de los que me enamoré, Black Adam o recientemente Warfare: Tiempo de guerra, es el encargado de encarnar al arrogante luchador de melena rubia.

Ryu - Andrew Koji

El luchador supremo, el único capaz de liberar toda la energía del Hadou. O eso cree él. Ryu se crio junto a Ken al mando del maestro Gouken, pero una gran desgracia cambió para siempre su carrera. Ahora está ante la oportunidad de volver al ring y demostrar lo que vale, pero sus miedos de verse dominado por la rabia persisten. El actor Andrew Koji, conocido por películas como Bullet Train o Snake Eyes: G.I. Joe Origins, es el elegido para dar vida al gran protagonista de la saga, con permiso de Ken.

Chun-Li - Callina Liang

Sin duda uno de los personajes más queridos de toda la saga, en la película Chun-Li es una agente especial encargada de investigar las operaciones de M Bison, aunque para ganar su confianza tenga que trabajar para él y convocar a varios de los guerreros. La joven Callina Liang (Presence) es la encargada de dar vida a la icónica luchadora de kung-fu

M. Bison - David Dastmalchian

Gran villano de la función, el todopoderoso M Bison intenta organizar un segundo campeonato de los mayores guerreros del planeta con una gran intención oculta: capturar a Ryu y drenar la energía vital de su Hadou. Para darle vida está el actor David Dastmalchian, al que muchos conocerán por Dune, Ant-Man o la película de terror El último late night.

Balrog - 50 Cent

El boxeador favorito de tu boxeador favorito no podía faltar. Balrog es desde sus inicios uno de los personajes jugables más icónicos de Street Fighter y aquí es uno de los duros competidores de Ryu y Ken en su camino a la cima. Para darle vida no está un boxeador sino un músico, en concreto el rapero 50 Cent que parece que nació para intepretar al personaje.

Blanka - Jason Momoa

Un bicho verde salido de Brasil y encerrado en la prisión de Metrolao hasta dar con el paradero de su madre. Blanka es probablemente una de las grandes sorpresas de la película y no es para menos, ya que el filme le da al personaje del videojuego una historia de lo más particular y encima con un gran actor como Jason Momoa detrás.

Dhalsim - Vidyut Jammwal

Otro de los personajes más carismáticos y queridos por los fans es Dhalsim, conocido por su larguísimo y siempre estirable brazo, y quien aquí es uno de los oponentes de Ryu y Ken de cara al título. Lo interpreta el actor indio Vidyut Jammwal, quien es toda una eminencia en su país y realiza aquí su debut internacional.

Juli- Rayna Vallandingham

Creada originalmente para Street Fighter Alpha 3, Juli es una de las doce guardaespaldas de M. Bison, y probablemente la más carismática y letal de todas sus dolls. Para encarnarla la película ha optado por la luchadora de taekwondo Rayna Vallandingham, quien estuvo durante meses sometiéndose a un duro entrenamiento ayudada por sus conocimientos con la vara conocida como bong.

Vega - Orville Peck

Uno de los personajes favoritos para cualquier español, Vega es ese luchador enmascarado y de coleta larga con raíces en nuestro folclore, capote incluido. Para darle vida está el músico Orville Peck, quien tiene en común con el personaje que acostumbra a no enseñar su rostro, aunque desconocemos si también tiene raíces españolas.

Joe - Alexander Volkanovski

Hasta el luchador de la Ultimate Fighting Championship (UFC), que se ha enfrentado con el mismísimo Ilia Topuria -con victoria para este- participa en la película. El australiano da vida a Joe, uno de los pocos luchadores del torneo en la película que no remite a a un personaje jugable del videojuego, sino que se trata de uno basado en la CPU (el rival automático del juego) del original. Para encarnar al personaje, Volkanovski tuvo que llevar una peluca que hará que muchos ni siquiera lo reconozcan. Para que luego digan con Superman y las gafas de Clark Kent.

Sylvester Stallone se arrepiente de sus escenas de acción y aconseja a quienes buscan asumir riesgos en un rodaje que dejen ese trabajo en manos de especialistas. El actor afirmó que las lesiones acumuladas durante décadas de carrera le dejaron secuelas físicas y numerosas operaciones. En una entrevista con Fox News Digital, Sylvester Stallone, actor y director estadounidense, dijo que tiene “millones, millones de arrepentimientos” por haber insistido en realizar sus propias escenas de riesgo. Según relató, los golpes y accidentes no fueron aislados, sino que se acumularon con el paso de los años.

El intérprete de Rocky sostuvo que podría pasar media hora enumerando lesiones y explicó que cada una tuvo consecuencias sobre su estado físico. “He resultado herido muchas, muchas veces”, declaró durante la conversación. Stallone aseguró que el impacto de esas intervenciones cambió su condición física. “Nunca he vuelto a ser el mismo”, afirmó al referirse a las cirugías que necesitó después de varios accidentes ocurridos durante su trabajo en películas de acción. El actor mencionó de forma particular las secuelas que sufrió tras Los mercenarios, la película de acción que protagonizó y dirigió en 2010. Stallone explicó que, después de esa cinta, tuvo que someterse a nueve operaciones de espalda y a tres fusiones cervicales. También afirmó que sufrió lesiones en ambos hombros y daños en un ojo, para el que necesitó implantes de lentes.

La nota recuerda que el accidente ocurrió durante una escena en la que Stallone debía ser derribado por Steve Austin, exluchador de la WWE. La secuencia salió mal y, de acuerdo con el reporte, el actor sufrió dislocaciones en los hombros y una fractura en el cuello. Las lesiones derivaron en nuevas intervenciones médicas. Stallone necesitó que le colocaran una placa metálica en el cuello y fue sometido a fusiones de la columna, según la información recogida sobre aquel episodio del rodaje. El protagonista de Rambo no presentó esas experiencias como una demostración de resistencia ni como un motivo de orgullo. Al hablar sobre su decisión de asumir los riesgos físicos de las escenas, dijo que ahora cuestiona haber expuesto su cuerpo de esa manera.

El consejo de Stallone para los actores

Stallone recomendó que los actores no intenten sustituir a los profesionales encargados de las acrobacias. “Dejad que los profesionales hagan su trabajo”, dijo al dirigirse a quienes consideran realizar escenas de riesgo por su cuenta. El actor advirtió que los golpes contra el suelo tienen consecuencias que pueden aparecer con el tiempo. “No se puede vencer a la gravedad; cuando golpeas el suelo, pierdes, y volverá”, afirmó durante la entrevista con Fox News Digital.Para explicar esa advertencia, Stallone comparó el desgaste físico con las lesiones que pueden sufrir los jugadores de fútbol americano. Su comentario apuntó a los efectos acumulados de los impactos, más que a un solo accidente en un momento puntual.

También rechazó la idea de que esas lesiones deban interpretarse como un mérito profesional. “La gente pregunta: ‘¿No estás orgulloso de ello?’. No. Creo que soy un idiota por hacer eso”, declaró. Stallone añadió que no encuentra motivo para sentirse satisfecho por haber terminado con el cuerpo lesionado. “¿Estoy orgulloso de haberme roto en pedazos? Pues no”, expresó al recordar la forma en que afrontó las escenas de acción durante su carrera.

El actor ya había compartido una reflexión parecida antes de la publicación de sus memorias, The Steps, el mes anterior. En esa ocasión, habló con The New York Times sobre el precio que pagó por someter su cuerpo a exigencias físicas extremas. Stallone describió como “masoquista” el trato que dio a su cuerpo y afirmó que esa decisión tuvo un costo elevado. El intérprete vinculó esa etapa de su carrera con las lesiones que, según explicó, todavía condicionan su estado físico. Ante la posibilidad de volver atrás, Stallone sostuvo que elegiría otro camino. “Que otra persona lleve la bandera y no hagas tus propias escenas de riesgo”, dijo al resumir el consejo que habría seguido si hubiera tenido la oportunidad de repetir su trayectoria.

Una de las películas más importantes del futuro ya está en camino, y después de mostrar las primeras imágenes de sus protagonistas, ahora el rodaje ha revelado nuevas incorporaciones de última hora. Las primeras imágenes del rodaje de Miami Vice ’85 han filtrado la incorporación de Dominic Sessa al elenco liderado por Michael B. Jordan y Austin Butler. Las fotos, tomadas durante una filmación nocturna, muestran además a Danny Ramirez en la misma escena. Sessa, conocido por su papel en Los que se quedan (The Holdovers), fue captado con un look ochentoso: camisa celeste, pantalón blanco y barba completa. Su participación en la película todavía no fue confirmada de manera oficial por la productora.

Las imágenes fueron tomadas el lunes 12 de octubre en Jerry’s Liquor, un local ubicado en Wayne, Nueva Jersey. Allí, Sessa apareció filmando una escena junto a Butler y Ramirez, lo que generó especulación sobre su rol en la producción. A diferencia de Sessa, la incorporación de Danny Ramirez al elenco sí había sido confirmada con anterioridad. Hasta el momento no se informó qué personaje interpretará Sessa en la historia ni se detalló el alcance de su participación. El actor se hizo conocido por su papel en The Holdovers, la comedia dramática navideña de Alexander Payne que cosechó reconocimiento de la crítica. También participó en Ahora me ves 3, tercera entrega de la saga de ilusionistas. Su trabajo más reciente fue interpretar a un joven Anthony Bourdain en el drama biográfico Tony.

A la lista de incorporaciones se sumó Haley Lu Richardson, actriz reconocida por su participación en The White Lotus y en la serie Ponies. Por el momento no se reveló qué personaje interpretará en el filme. Richardson se integra a un elenco encabezado por Jordan y Butler en los papeles de los detectives Ricardo “Rico” Tubbs y James “Sonny” Crockett, respectivamente. La productora no brindó detalles adicionales sobre el rol de la actriz dentro de la trama.

Un reparto de altura

Entre sus trabajos recientes se destacan la serie de Peacock Ponies, junto a Emilia Clarke, además de las películas Good Luck, Have Fun, Don’t Die, de Gore Verbinski, y Zi, presentada en el Festival de Sundance bajo la dirección de Kogonada. La actriz está representada por las agencias Gersh y Sloane Offer Weber & Dern. Miami Vice ’85 es una adaptación cinematográfica de la serie policial de los años 80 creada por Anthony Yerkovich para NBC. La trama retoma elementos del episodio piloto, titulado “Brother’s Keeper”, y aborda el contraste entre el glamour y la corrupción en el Miami de mediados de esa década.

La dirección está a cargo de Joseph Kosinski, responsable de Top Gun: Maverick y F1: La película. El guion fue escrito por Dan Gilroy, autor de Nightcrawler, junto con Eric Warren Singer, quien había elaborado una versión anterior del libreto. El elenco de apoyo incluye a Alden Ehrenreich, Whitney Peak, Camila Morrone, John Leguizamo, Walton Goggins, Andrew Schultz, Edi Gathegi, André Holland y Michael Irby, además de los ya mencionados Ramirez y, de confirmarse, Sessa.

La película llegará a los cines el 19 de mayo de 2028. El rodaje se realiza en formato Imax, según se informó sobre la producción en curso. El filme es producido por Dylan Clark, a través de su compañía Dylan Clark Productions, responsable también de The Batman y El pingüino, junto con el propio Kosinski. El guion de Gilroy retoma los personajes originales creados por Yerkovich para la serie, que había sido producida ejecutivamente por el propio Yerkovich y Michael Mann. Por parte de Universal, la supervisión del proyecto está a cargo de Sara Scott, vicepresidenta ejecutiva de Desarrollo de Producción, y Christina Hoffrogge, ejecutiva creativa de Desarrollo de Producción.

Ben Affleck calificó como el “punto más bajo” de toda su carrera como actor el rodaje de una de las producciones más comentadas del universo de superhéroes de Warner Bros. El actor hizo esta revelación durante una reciente aparición en el podcast Happy Sad Confused. En la conversación con el conductor Josh Horowitz, Affleck explicó por qué la producción de Liga de la Justicia, estrenada en 2017, resultó tan negativa para él. El actor interpretó a Bruce Wayne/Batman en el filme, basado en los personajes de DC Comics.

“La verdad es que la experiencia de Liga de la Justicia para mí fue muy, muy negativa por muchas razones diferentes”, admitió Affleck. “Algunas tenían que ver con dónde estaba yo personalmente, otras con la tragedia que ocurrió durante ese período, y también con el hecho de que realmente vi cómo no se debe hacer una película así cuando el estudio está en desacuerdo con el cineasta. Estás cometiendo un error de verdad. Eso fue lo que realmente condenó esa película”, agregó el actor.

Después de que Batman v Superman: Amanecer de la justicia (2016) se convirtiera en una decepción crítica importante y no cumpliera con las expectativas de taquilla de Warner Bros., el estudio pidió un tono más ligero para Liga de la Justicia. Esta exigencia chocó con la visión creativa más oscura que tenía el director Zack Snyder para el filme. Durante la posproducción, Snyder se alejó de la película tras la muerte de su hija. Warner Bros. llevó entonces al director Joss Whedon para supervisar reshoots extensos, que terminaron por aligerar el tono original de la historia.

El choque entre Warner Bros. y Zack Snyder

“Vaya, eso fue una porquería”, dijo Affleck sobre la salida de Snyder del proyecto. “Que lo sacaran de esa película, y los reshoots que hicimos: si quieres el punto más bajo de mi carrera, fue eso”. Horowitz también le preguntó al director y protagonista de Animals si tuvo algún tipo de “epifanía” mientras trabajaba en Liga de la Justicia, al ver cómo la película “colapsaba” frente a él. “La muerte por suicidio de alguien eclipsa todo”, respondió Affleck. “Y la forma en que eso fue, pienso, francamente, usado como excusa... pensé que eso fue una de las cosas más asquerosas que he visto. Fue muy repugnante”.

El actor continuó describiendo el clima general durante el rodaje: “Y después todo el ambiente y la vibra, de gran parte de la cual no fui testigo directo, pero de la que escuché de segunda mano en cuanto a las experiencias de Ray (Fisher) y Gal (Gadot) y de otras personas. Fue simplemente como: ‘Vaya, esto es lo más repugnante que puede haber’”. Con esa frase, Affleck tradujo su reacción ante lo vivido en el set como algo cercano al límite de lo tolerable, una valoración que resume el tono general de sus declaraciones sobre la experiencia completa de filmar Liga de la Justicia.

Años más tarde, los seguidores finalmente pudieron ver la versión de Snyder del filme. El montaje del director de Liga de la Justicia se estrenó en 2021 en HBO Max tras una campaña global de fanáticos. Esa campaña provocó un cambio de estrategia por parte de la plataforma de streaming y de Warner Bros., que invirtió 70 millones de dólares para terminar los efectos visuales y la edición de esa versión alternativa. “Me alegró mucho y me sentí gratificado de que Zack haya podido lanzar su corte, y lo hizo de una manera muy astuta... se las ingenió para lograr que su proyecto se estrenara, lo cual fue genial”, afirmó Affleck. “Estaba muy feliz por él”, cerró el actor sobre el desenlace que finalmente tuvo la visión original de Snyder para la película.

El actor Jeremy Renner ha lanzado una advertencia sobre el destino de los Vengadores en la próxima entrega del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). El actor confirmó que no formará parte de Vengadores: Doomsday en el papel de Ojo de Halcón y aseguró que, sin él, el grupo de superhéroes corre un riesgo serio en la pantalla grande. Consultado en una entrevista reciente sobre si regresaría para la nueva película, Renner fue tajante. “No, no, no, no. En esa no”, respondió. La frase marcó el tono de una declaración que combinó el anuncio de su ausencia con un pronóstico poco alentador para sus excompañeros de elenco.

Jeremy Renner afirmó que no participará en Vengadores: Doomsday y vinculó directamente esa ausencia con el posible resultado de la trama: según el actor, los Vengadores “probablemente pierdan” en la nueva película porque nadie lo convocó para retomar a Ojo de Halcón, un personaje que encarnó en varias entregas del MCU desde 2012. “‘Doomsday’ no estoy, así que los Vengadores probablemente van a perder, que lo sepan... no me llamaron, así que es culpa de ellos si pierden”, declaró Renner. El comentario, formulado en tono de humor, no incluyó detalles sobre la trama de la película ni sobre los motivos por los que su personaje no fue convocado para esta entrega.

Aunque no integra el elenco de Doomsday, Renner expresó entusiasmo por la reposición en cines de Vengadores: Endgame, el filme de 2019 que llegó nuevamente a las salas como antesala del estreno de la nueva película. Vengadores: Doomsday tiene previsto su estreno para el 18 de diciembre. La vuelta de Endgame a la cartelera se dio como parte de la expectativa generada antes del lanzamiento del nuevo filme de la saga.

Pensando en continuar con el personaje

El actor interpretó a Ojo de Halcón en Los Vengadores, Vengadores: La era de Ultrón y Vengadores: Endgame. También tuvo apariciones breves con el personaje en Thor y en Captain America: Civil War. Renner protagonizó además la serie Hawkeye, centrada en su personaje dentro del catálogo de producciones del MCU. En 2025, Renner había señalado que estaba abierto a volver al universo Marvel, ya fuera para una segunda temporada de Hawkeye o para otro proyecto dentro de la franquicia.

“Siempre estoy feliz de estar en ese mundo, hombre. Amo a todos esos personajes, amo al personaje”, dijo Renner a la revista Empire en esa oportunidad. “Seguro terminaremos haciendo la temporada 2 de Ojo de Halcón, y otras cosas. Y estoy feliz de hacerlo. Mi cuerpo se está preparando para algo así. No sé si alguien quiere verme en mallas, pero mi cuerpo se va a ver bien en las mallas.” Esas declaraciones, previas al estreno de Doomsday, mostraban una disposición distinta a la que expresó en la entrevista más reciente, donde confirmó directamente que no formará parte de la nueva película.

En la misma entrevista de 2025 con Empire, Renner había indicado que se había recuperado “más del 150%” del accidente que sufrió en 2023, lo que según sus palabras lo dejaba en condiciones de realizar sus propias escenas de riesgo para futuras películas de Marvel. El actor había sido hospitalizado después de que un Sno-Cat, una máquina quitanieves de gran porte que pesa al menos 6.500 kilos (14.330 libras), lo atropellara. El accidente le provocó la fractura de ocho costillas en 14 lugares distintos, además de fracturas en la rodilla derecha, el tobillo derecho, la tibia de la pierna izquierda, el tobillo izquierdo, la clavícula derecha y el hombro derecho.

Gerwig reveló que se reunió personalmente con el vocalista Robert Plant y el guitarrista Jimmy Page para pedirles la canción. No fue una negociación fría ni un simple trámite de licencias: la cineasta explicó que los músicos conectaron con el corazón de su película y con el universo de C. S. Lewis, autor de la saga que inspira el filme. “Ellos aman a C. S. Lewis”, declaró Gerwig durante una conversación con Stephen Colbert en el AMC Lincoln Square IMAX de Nueva York, horas antes del estreno en línea del tráiler. La directora no ocultó su emoción por haber recibido el sí de la banda. “Estaba tan conmovida de que me permitieran usar esta canción”, afirmó. Y es que el permiso tiene un peso histórico. Aunque “Stairway to Heaven” nunca fue lanzada como sencillo en Estados Unidos —decisión de la propia banda—, se convirtió en un pilar de la radio rock y ayudó a que Led Zeppelin IV alcanzara el número 2 del Billboard 200 en diciembre de 1971.

La elección no es solo un golpe de efecto publicitario. Gerwig describió Stairway to Heaven como una epopeya que explora el descubrimiento espiritual, la iluminación y la posibilidad de perderse por el camino. Son, precisamente, algunos de los temas centrales de El sobrino del mago, la novela de 1955 que adapta la película y que funciona como precuela de El león, la bruja y el armario. La canción acompaña la secuencia climática del tráiler, en la que Aslan —con la voz de Meryl Streep— toma forma en una explosión de luz. La imagen, de estética cósmica y psicodélica, coincide con la construcción gradual de la composición de Led Zeppelin: comienza casi en susurro y crece hasta convertirse en una experiencia monumental. Esa progresión encaja con la idea de Gerwig de contar la creación de un mundo entero.

Una decisión histórica

El resultado es un tráiler que no se limita a presentar personajes o efectos visuales: utiliza la música como parte esencial de su relato. Para una historia sobre el origen de Narnia, la aparición de Stairway to Heaven sugiere trascendencia, misterio y una apertura hacia lo desconocido. También ofrece a una nueva generación de espectadores una primera aproximación a un clásico que, pese a su longevidad, conserva una fuerza cultural extraordinaria. Que Plant y Page hayan aceptado tiene una relevancia que va más allá del impacto del tráiler. Led Zeppelin ha sido históricamente reacio a ceder Stairway to Heaven para producciones audiovisuales. La propia Wayne’s World convirtió esa resistencia en parte de la cultura pop con la célebre escena en la que a Wayne Campbell se le impide tocar el riff inicial en una tienda de música.

Gerwig, en cambio, logró algo que otras películas no habían conseguido: una autorización real para emplear la grabación original en una campaña de gran visibilidad. El hecho de que la canción se estrene en un tráiler de Narnia añade además una capa simbólica. La saga de Lewis siempre ha tratado la imaginación como una puerta hacia verdades más profundas, y la música de Led Zeppelin ha funcionado durante décadas como una experiencia casi mítica para sus oyentes. La directora ha explicado que su vínculo con las historias de Narnia viene desde la infancia, cuando la sensación de posibilidad que transmitían los libros se quedó con ella hasta la edad adulta. Cuando supo que Netflix había adquirido los derechos de la franquicia, presentó el proyecto al copresidente ejecutivo Ted Sarandos destacando sus grandes temas: el bien, el mal, la vida y la muerte. Escribió el primer borrador en 2021.

Narnia: el sobrino del mago no comienza por el primer libro publicado de la saga, sino por la novela que explora el nacimiento de Narnia. Esa decisión permite a Gerwig abordar los orígenes del mundo y construir una película sobre la creación, la tentación y la llegada de la luz a un lugar todavía sin forma. La sensibilidad musical de la directora también se percibe fuera del tráiler. En una lista de reproducción previa a una proyección aparecieron artistas como David Bowie, The Rolling Stones y Todd Rundgren, lo que confirma que las influencias rock y psicodélicas no son un adorno puntual, sino parte del lenguaje visual y emocional de la adaptación. El reparto incluye a Daniel Craig, Carey Mulligan, Ciarán Hinds y Emma Mackey, que interpreta a la bruja Jadis. David McKenna y Beatrice Campbell dan vida a Digory y Polly, los jóvenes protagonistas cuyo viaje los conduce hacia el mundo extraordinario de Narnia. Con Stairway to Heaven, Gerwig ha conseguido algo más que una licencia musical excepcional. Ha unido dos universos que parecen hechos el uno para el otro: la fantasía espiritual de C. S. Lewis y la épica sonora de Led Zeppelin. Y, al hacerlo, ha convertido un tráiler en un pequeño acontecimiento histórico.

Si a Rosalía no la han nombrado hija adoptiva de Irlanda, poco le falta para ello. En apenas unas semanas, la cantante ha sido objeto de adoración por parte de U2, que ha encontrado en ella la inspiración para la canción de su próximo álbum The Mirror Maker (Rosalía), y para Fontaines D.C., que pronto actuará en España con conciertos en Madrid y Barcelona, pero que primero presenta su nuevo álbum, Dopamine Chamber. Un álbum oscuro e intimista, pero que encuentra en la figura de Rosalía una de sus canciones más especiales y, hasta la fecha, la única que han realizado con otra voz acompañando a la de Grian Chatten.

Nadie hubiese esperado esta improvisada conexión entre la cantante catalana y dos de las formaciones más importantes de Irlanda, pasado, presente y futuro de un país con una gran tradición musical que ahora reverencia a la nuestra. “Hemos sido fans de ella desde que apareció en 2017 con su primer álbum. Era un álbum tradicional, pero era absolutamente precioso. Lo que nos emocionaba es que parecía que era alguien intentando mantener la tradición de la música española y el flamenco viva. Nos parecía algo muy similar a lo que estábamos haciendo nosotros, en un sentido espiritual, trayendo el viejo espíritu de la música tradicional irlandesa”, comentaba en una reciente entrevista Carlos O’Connell, quien en realidad nació en Madrid, pues es hijo de un español y una dublinesa.

Fontaines ya había refrendado su amor por España anteriormente, cuando rodó el videoclip de una de sus canciones más especiales -Favorite- en las calles del centro de la capital, en un vídeo que mezclaba imágenes de los integrantes de la banda con otras de ellos circulando por el Rastro o visitando un tablao de flamenco. La semilla ya estaba ahí y solo era cuestión de tiempo que esta unión se produjese, pero además lo ha hecho en un momento tan clave como es el nuevo álbum para ellos, y la primera canción para Rosalía después de su etapa LUX. “Nos ha dejado alucinados en cada paso de su camino. Ella ha hecho algo por España que sentimos que es similar a lo que nosotros hemos hecho por Irlanda, abriendo las compuertas. Es precioso haber visto esto en los dos países de los que procedo”, explicaba O’Connell.

De Rosalía a The Cure y Depeche Mode

Había mucha expectación por conocer el siguiente paso en el camino de estos dos proyectos musicales y el resultado no podría estar menos a la altura. Where is gone es un tema cuyo inicio bien podría estar sacado de una película de 007, pero que pronto torna en algo mucho más profundo conforme se produce una suerte de diálogo musical entre las voces de Rosalía y el cantante Grian Chatten, que terminan fundiéndose en una sola. Es la octava canción de Dopamine Chamber, el álbum que continúa en gran medida el camino impuesto por Fontaines con su anterior trabajo, Romance, en el cual ya se mezclaban canciones más atmosféricas y oscuras con otras mucho más alegres y animadas.

Según el propio Grian Chatten, el álbum gira alrededor de una gran pregunta: ¿Hasta qué punto estaríamos dispuestos a renunciar a la imaginación para no ser conscientes de la catástrofe? Six Shot Morning es la canción perfecta para introducir al oyente en esa atmósfera, en ese universo en el cual “la intención es entrar a la cámara de dopamina y probar cómo reaccionamos al estímulo de las canciones”. Una canción que hace referencia al “six-pack”, el nombre que recibió en Irlanda del Norte una modalidad de castigo paramilitar basada en seis disparos contra las articulaciones. Esa referencia, que ya estaba en el trabajo de otro gran exponente de la cultura irlandesa como Martin McDonagh, sitúa al oyente ante una violencia física e histórica, en sintonía con la inquietud que propone el álbum y con la tradición irlandesa de la que hablaba la banda.

Six Shot Morning también encapsula el sonido por el que ha optado la banda irlandesa en este álbum, muy cercano al pospunk y a la música gótica de los años 80 y en especial a The Cure o Depeche Mode, con cuyos temas se pueden identificar bastantes similitudes en canciones como Mimesis, Happy for You o Intimate, el tema con el que cierra el álbum. También sigue habiendo lugar para otros más melódicos y alegres en la línea de Favorite o It’s Amazing To Be Young, como podrían ser Japan, One Man -con voces de niños de fondo y de nuevo elementos del folclore gaélico- o el propio tema con Rosalía. Se podría decir que no es un álbum de hits, pero que sí está pensado para hacer una gran introspección y durar mucho más en el corazón de sus fans.

Vuelta a España

Esta mezcla entre lo oscuro y lo alegre, entre el nihilismo y el humanismo, la resume el bajista de la banda, Conor Deegan III. “Se trata de mezclar un montón de cosas diferentes que, sobre el papel, parecen no encajar entre sí o incluso entrar en conflicto, pero, en realidad, describen muy bien lo que se siente al vivir este momento concreto. Puedes pasarte el rato leyendo noticias alarmistas mientras estás sentado en el Partenón”, reflexionaba el músico, refrendando esa idea de “advertencia catastrófica” de la que hablaba Chatten y que se transmite a lo largo de todo el disco.

Dopamine Chamber se podrá escuchar a partir del 16 de noviembre, tan solo una semana antes de que la banda aterrice de nuevo en España después de haber organizado una minigira por España en la que actuó en lugares tan singulares como Cádiz o Alicante. En esta ocasión sí lo hará en las grandes ciudades, con conciertos el día 22 de octubre en el Movistar Arena de Madrid y el 24 de octubre en el Sant Jordi Club de Barcelona, quién sabe si con la mismísima Rosalía subiéndose al escenario y deleitando así a todos los fans con esta nueva era para ambos proyectos que han traído de nuevo lo mejor de la tradición de cada país.

El 30 de noviembre, La bola negra recibirá un homenaje en los Gotham. Después llegará el primer corte de la Academia, las votaciones y la fecha decisiva: el 21 de enero se sabrá si la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi es una de las cinco nominadas al Oscar a mejor película internacional. La campaña de La bola negra llega al tramo estadounidense con tres reconocimientos que han dado visibilidad a la película: el premio a la mejor dirección en Cannes para los Javis —compartido con Paweł Pawlikowski—, el People’s Choice Award de Toronto y el Premio del Público de San Sebastián, que obtuvo con una nota de 9,40 sobre 10. Además, la cinta ha sido seleccionada por España para competir por el Oscar a mejor película internacional.

El calendario de la Academia empieza el 15 de noviembre, con los Premios de los Gobernadores. La gala concede premios honoríficos y no funciona como una competición que otorgue nominaciones, pero reúne a figuras de la industria en plena temporada. Para La bola negra, el primer escaparate específico en Estados Unidos llegará unas semanas más tarde. El 27 de octubre se anunciarán las nominaciones a los Gotham y el 30 de noviembre se celebrará la ceremonia. La bola negra recibirá allí el Gotham Vanguard Tribute, un homenaje a la película y a su equipo. No es una nominación competitiva al Oscar ni garantiza un lugar en la carrera, pero sí ofrece visibilidad en Estados Unidos para Los Javis y el reparto.

El proceso formal de la Academia comienza el 7 de diciembre, cuando se inicia la votación preliminar. Termina el 11 de diciembre y, cuatro días después, el 15 de diciembre, se anunciarán las shortlists: las listas reducidas de películas que siguen en carrera en determinadas categorías. Para La bola negra, ese primer corte será una prueba decisiva de su candidatura internacional. En paralelo, llegarán otras citas de la temporada. Los nominados a los Film Independent Spirit Awards se conocerán el 2 de diciembre, los de Critics Choice el 4 de diciembre y los de los Globos de Oro el 7 de diciembre. Estos premios no deciden la categoría internacional de los Oscar, pero pueden contribuir a que una película mantenga presencia en la conversación crítica e industrial.

Enero: la gran decisión

El 3 de enero de 2027 se celebrarán los Critics Choice Awards y el 10 de enero, los Globos de Oro. El 12 de enero tendrá lugar la gala del National Board of Review. Son citas de gran visibilidad, aunque sus votantes y categorías no coinciden exactamente con los de la Academia. La votación para las nominaciones al Oscar se abrirá el 11 de enero y concluirá el 15 de enero. Luego llegará el anuncio de las candidaturas, el 21 de enero. Ese día se sabrá si La bola negra ha superado el filtro de la shortlist y se convierte en una de las cinco finalistas a mejor película internacional. La temporada no se limitará a esa categoría. El 19 de enero se anunciarán las nominaciones de los BAFTA; los nominados a los Actor Awards —antes conocidos como SAG Awards— se conocerán el 6 de enero. Sus resultados pueden ofrecer señales sobre el apoyo que reciben películas e intérpretes en la industria, aunque no sustituyen la votación de la Academia.

Si consigue la nominación, La bola negra entrará en una nueva fase de campaña. El 16 de febrero tendrá lugar el almuerzo de los nominados al Oscar, una cita de promoción y encuentro para los candidatos. Después, la votación final empezará el 25 de febrero y terminará el 4 de marzo. En esas semanas también se celebrarán los BAFTA, el 21 de febrero; los Producers Guild Awards, el 27 de febrero; y los Actor Awards, el 28 de febrero*. No son resultados determinantes para la categoría internacional, pero completan el panorama de la temporada y pueden alimentar el impulso de los títulos que llegan con más fuerza al tramo final.

La ceremonia de la 99.ª edición de los Oscar será el 14 de marzo de 2027. La distribución acompaña el recorrido: La bola negra se estrenó en España el 25 de septiembre y tendrá exhibición en salas de Nueva York y Los Ángeles antes de su llegada a Netflix el 2 de diciembre. La campaña se jugará en etapas: mantener el impulso tras Cannes, Toronto y San Sebastián; superar la shortlist del 15 de diciembre; lograr una de las cinco nominaciones el 21 de enero; y convencer a los votantes antes del cierre del 4 de marzo. El Gotham Vanguard Tribute será un escaparate temprano, pero el primer veredicto determinante de la Academia llegará con las shortlists. El gran sí —o no— se conocerá en enero, pero parece que va lanzada a la carrera y quiere llegar la primera.

El actor Jordi Mollà compartió en su cuenta de Instagram la carta que le envió Woody Allen para ofrecerle un papel en su nueva película, que el cineasta estadounidense rueda estos días en Madrid. El mensaje, breve y personal, incluyó una frase que terminó de convencer al intérprete catalán. “Querido Jordi, nos encantaría que interpretaras a John. Es un personaje muy especial, y pensamos que podríamos hacerlo muy real”, escribió Allen. El director añadió: “Si aceptas, estaremos encantados. Si no, tal vez en el futuro podamos trabajar juntos. Solo tengo 90 [años]. Te deseo lo mejor, Woody”.

¿Qué le respondió Jordi Mollà a la carta de Woody Allen? El actor catalán compartió también su contestación en redes sociales, donde aceptó formalmente el papel en la nueva película del director, que se rueda en Madrid desde el pasado 5 de octubre y marcará el filme número 51 de su carrera. Al cineasta ya se lo ha podido ver por distintas calles del centro de la capital e incluso acudiendo a comer a algún que otro restaurante.

La respuesta de Mollà, publicada igualmente en su perfil de Instagram, mantuvo un tono formal: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con este intercambio, el intérprete de La buena estrella y Los años bárbaros se sumó al reparto del filme. Lo acompañan el actor español Peter Vives, además de Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Así será la película

Allen presentó el proyecto antes de comenzar el rodaje y explicó por qué eligió la capital española como escenario. Según relató, la historia requería una “atmósfera diplomática” y Madrid, ciudad que ya conocía de visitas anteriores, le pareció el lugar adecuado. “Es bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”, describió el director durante la rueda de prensa de presentación. Allen también avanzó algunos detalles sobre el tono de la cinta, cuyo título todavía se desconoce. “Una comedia con romance, intriga, infidelidad... Con todos los ingredientes que hacen una buena historia, pero eso habrá que verlo cuando se haga la película y se junten todas las piezas, a ver si cumple mis expectativas”, afirmó el cineasta.

La película cuenta con financiación parcial del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, que aportaron 1,5 millones de euros cada administración. Esa cifra cubre la diferencia que la productora debía asumir por rodar en un territorio con menos exenciones fiscales que otras localizaciones. Tanto el medio especializado Variety como el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) sitúan el presupuesto total del filme en torno a los 14 millones de dólares (12 millones de euros). Esto significa que las administraciones madrileñas financiaron alrededor del 20% de la producción. Como condición por recibir estas ayudas, la película deberá incluir el nombre de Madrid en su título definitivo.

Madrid será el escenario principal del rodaje, con buena parte de las secuencias previstas en el centro de la ciudad. Aranjuez también tendrá presencia en varias escenas del filme. La producción cuenta además con un equipo técnico compuesto casi en su totalidad por profesionales españoles. Entre ellos figuran varios nombres con trayectoria internacional reconocida. Destaca la participación de la diseñadora de vestuario Sonia Grande, que ya había colaborado con Allen en producciones anteriores del director, o el director de fotografía José Luis Alcaine, mítico de películas de Pedro Almodóvar como Volver o Dolor y gloria.

El adelanto muestra una serie de asesinatos brutales cometidos dentro de una iglesia. Esas escenas llevan al personaje de Johansson a cuestionarse si las afirmaciones de anteriores asesinos, que alegaban haber estado poseídos por el demonio, podrían tener fundamento real. La trama plantea así un cruce entre el procedimental policial y el terror sobrenatural, un enfoque que Flanagan definió como una ruptura con el resto de la franquicia.

Antes de revelar el tráiler, el director adelantó que se trata del proyecto más aterrador de su carrera. “Esta película no se parece a ninguna otra de El exorcista que se haya hecho jamás, algo que estábamos decididos a lograr desde el principio: llevar esta franquicia en una dirección completamente distinta”, afirmó Flanagan durante el panel. “Y una de las cosas en las que todos coincidimos desde el arranque fue que tenía que dar miedo. Tenía que ser jodidamente aterradora, un miedo que te caliera hasta los huesos”, agregó el cineasta. Además de Ejiofor y Johansson, participan John Leguizamo, Laurence Fishburne, Diane Lane y Jacobi Jupe, conocido por su papel en Hamnet.

Vínculo con el resto de la franquicia

Universal compró en 2021 los derechos para desarrollar una nueva trilogía de El exorcista por 400 millones de dólares. Esa trilogía arrancó dos años después con El exorcista: Creyente. Sin embargo, el filme de Flanagan no funcionará como una secuela directa de esa película de 2023.

En 2024, el director había expresado su entusiasmo por sumarse al proyecto. “El exorcista es una de las razones por las que me convertí en cineasta, y es un honor tener la oportunidad de intentar algo fresco, audaz y aterrador dentro de su universo”, señaló Flanagan en ese momento. “Reencontrarme con mis amigos de Blumhouse, con quienes hice algunas de mis obras favoritas, hace que esto sea aún más emocionante.” El exorcista: Mártires representa la cuarta colaboración entre Flanagan y Blumhouse. Antes había escrito y dirigido Oculus (2013), Hush (2016) y Ouija: El origen del mal (2016). Las tres películas fueron producidas por Trevor Macy, quien regresa ahora como productor en representación de Intrepid Pictures.

El filme es una producción de Blumhouse-Atomic Monster y Morgan Creek Entertainment, en asociación con Red Room Pictures, la productora de Flanagan. Alexandra Magistro ejerce como productora ejecutiva por Red Room Pictures, mientras que Topher Merrill y John Baden cumplen esa función por Morgan Creek Entertainment. Macy, Karl Frankenfield, David Robinson y Roy Lee figuran como productores. Por su parte, Jason Blum es productor y Ryan Turek productor ejecutivo por Blumhouse-Atomic Monster. El exorcista original se estrenó en 1973 bajo la dirección de William Friedkin. La película narraba la historia de una madre, interpretada por Ellen Burstyn, que contrataba a sacerdotes católicos para realizar un exorcismo a su hija de 12 años, interpretada por Linda Blair, poseída por un demonio. Aquel filme recaudó 441 millones de dólares a nivel global y recibió 10 nominaciones al premio Oscar.

Es difícil imaginar cómo una charla de bar entre un chico y una chica, una fiesta de hermandad con modelos o una carrera de remo podrían integrarse en la misma película y conseguir decir de esta que fuese una adelantada a su tiempo, una crónica de toda una época y también una de las mejores obras de su tiempo, pero así fue. No es que no se supiera que se estaba ante una gran película, pero lo cierto es que el paso del tiempo ha tratado a La red social mejor que a pocas otras cintas en la historia reciente del cine. Con el estreno de su secuela no-oficial, El precio de la red, y el regreso tanto del guionista Aaron Sorkin como de la figura de Mark Zuckeberg, era el momento de repasar la increíble pero cierta historia de una de las mejores películas de la década pasada.

Antes de El precio de la red, que llega esta semana a cines sin el director David Fincher ni el actor Jesse Eisenberg pero con Aaron Sorkin y Jeremy Strong como Mark Zuckerberg en su lugar, estuvo una película que comenzó de forma algo improvisada, cuando ni siquiera la obra en la que se basa estaba publicada. Como reflejaría la propia historia, regata incluida, lo importante era ser el primero, y ahí Aaron Sorkin estuvo más ágil que nadie para comenzar a trabajar sobre el inacabado trabajo de Ben Mezrich que se transformaría en Multimillonarios por accidente: El nacimiento de Facebook. Una historia de sexo, talento, dinero y traición.

“Lo estaba leyendo y, en algún momento de la página tres, dije que sí. Fue la vez que más rápido he dicho que sí a algo... Querían que empezara enseguida. Ben y yo estábamos investigando un poco al mismo tiempo, más o menos por caminos paralelos”, confesaría Sorkin, por entonces ya un guionista reputado por Algunos hombres buenos o El ala oeste de la Casa Blanca. Su investigación lo llevó incluso a montar un grupo dentro del propio Facebook, además de contactar con varias de las personas involucradas en la creación de la web, que prefirieron mantenerse en el anonimato. Todo ello mientras Mezrich se basaba en la versión del cocreador de Facebook, Eduardo Saverin, y sin pasarle a Sorkin los avances: “Nos reuníamos dos o tres veces. Yo iba a Boston, o quedábamos en Nueva York, y más o menos comparábamos notas e intercambiábamos información, pero no vi el libro hasta que él lo terminó. Para cuando vi el libro, probablemente ya llevaba hecho el 80% del guión”.

La ‘Ciudadano Kane’ de las películas de adolescentes

Algo que tenía claro Sorkin es que quería estructurar de una forma muy determinada la película para que se fueran entremezclando distintos tiempos entre las tres versiones de la historia: la de Eduardo Saverin (Andrew Garfield), cocreador de Facebook y encargado de darle el impulso económico inicial, los hermanos remeros Winklevoss (Armie Hammer), que reclamaban haber tenido la idea original; y Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), el chico que una noche decidió crear una web para comparar chicas del campus y que terminó pagando a los otros dos tras disputas legales por la propiedad, la idea original y la dilución de acciones de la mayor red social de todos los tiempos, Facebook.

David Fincher, conocido por Seven y El club de la lucha y quien venía de realizar Zodiac y El curioso caso de Benjamin Button, aceptó adaptar bajo la producción de Sony el guion de Sorkin, el cual calificaría de “La Ciudadano Kane de las películas de John Hughes”, haciendo referencia al mítico director que popularizó el cine adolescente en los años 80 gracias a películas como El club de los cinco o Todo en un día (Ferris Bueller’s Day Off): “Es lo más parecido a una película de John Hughes que he podido hacer. Para mí, eso supuso salir de mi zona de confort al mostrar a los frikis en su hábitat natural. Pude decirle al estudio: ‘No hay estrellas de cine en esta película, solo chicos de entre 20 y 25 años’. Fue increíblemente divertido y liberador poder simplemente elegir a las mejores personas para esos papeles”.

De este modo, Fincher dio a parar con un Jesse Eisenberg que parecía la viva imagen de Mark Zuckeberg, el cantante Justin Timberlake —quien le ganó la partida a Jonah Hill en el papel por el fundador de Napster, Sean Parker— o Andrew Garfield en su primer gran papel antes de dar vida a Spider-Man. Con Armie Hammer fue por partida doble, pues interpretaba a los gemelos Tyler y Cameron Winklevoss, para lo que usó a un doble (Josh Pence) y luego en posproducción sustituía su rostro por el de Hammer, siendo casi imposible notar la diferencia. Si bien este último es persona non grata en Hollywood —del mismo modo que Kevin Spacey, quien por cierto es productor ejecutivo de la película—, lo cierto es que La red social impulsó sobremanera las carreras de Garfield y Eisenberg, aunque este último “ya no quiere ser asociado con ese personaje”.

El falso Harvard y el mimo que iluminó el camino

Fincher tenía a los actores, a parte de su equipo habitual —con el director de fotografía Jeff Cronenweth a la cabeza— y un guion terminado y bien pulido, pero faltaba una cosa: el campus donde se ambientaba buena parte de la historia. Harvard se negó a que La red social se rodase dentro de sus instalaciones porque la historia de demandas legales, robos de propiedad intelectual y negligencias de su cuerpo de estudios le producía demasiada vergüenza, por lo que Fincher tuvo que rodar buena parte de las escenas en la Universidad Johns Hopkins de Baltimore. Sin embargo, el cineasta encontró la forma más ingeniosa y extraña posible para poder rodar escenas exteriores de Harvard y así saltarse el veto con la ayuda de un inesperado aliado: un mimo.

“En Harvard no fueron de gran ayuda. Una película sobre las disputas entre estudiantes y las demandas judiciales que se derivaron de ellas no era un tema que les interesara mucho. A David se le ocurrió la idea de un carrito a batería con unas luces. Luego consiguió que un artista callejero llevara el carrito al campus, iluminara los arcos mientras hacía mímica, hasta que Jesse pasara corriendo. Entonces apagaba las luces y se marchaba”, recordaría el director de fotografía sobre la curiosa anécdota. ¿Pero, por qué un mimo? “Si el personal de seguridad lo detenía, el mimo no diría nada. Para cuando lo sacaran de allí, ya habríamos conseguido nuestra toma”.

El resto, como suele decirse, es historia. La red social se convirtió en un clásico prácticamente desde su estreno, aunque en los Oscar solo obtuvo 3 premios: Sorkin por el guion, para Trent Reznor y Atticus Ross por la innovadora banda sonora en la primera de una exitosa y duradera asociación musical, y montaje. El galardón a Mejor Película fue a parar a El discurso del rey. El tiempo ha dado la razón a Fincher y Sorkin porque hoy día nadie se acuerda de aquella tierna pero endeble película sobre el discurso de Jorge VI, mientras que todo el mundo sabe la diferencia entre un apasionado y un gilipollas y que, si los hermanos Winklevoss hubieran inventado Facebook, “habrían inventado Facebook”. Todos menos quizá Mark Zuckerberg, quien dijo de ella que solo habían acertado en una cosa: “Solo acertaron en el vestuario, muchas de las prendas que salen en la película también lo están en mi armario. Pero aquellos que buscan una reflexión sobre las redes sociales y nuestro viaje hacia un mundo más conectado tendrán que esperar y, por el momento, seguir buscando”.

La actriz española, que ya ganó el premio a Mejor actriz de reparto en 2009 por Vicky Christina Barcelona de Woody Allen, es ahora mismo seria contendiente a hacer auténtica historia. La madrileña podría estar nominada a esta categoría de nuevo por La bola negra, pero también podría estarlo por La invitación, la película dirigida por Olivia Wilde en la que acompaña a Seth Rogen, Edward Norton y la propia Wilde, quien adapta la obra original Sentimental de Cesc Gay. De ser nominada por ambas, Penélope Cruz se convertiría en la primera persona en tener una doble candidatura en la misma categoría.

Tiene algo de trampa, puesto que en realidad este es el primer año en el que se autoriza esto. Hasta el momento, las normas de la Academia impedían que una persona tuviera dos candidaturas en la misma categoría, aunque sí podía ser en categorías distintas. Por ejemplo, Julianne Moore -quien podría repetir este año por El debut- estuvo en 2002 nominada tanto por Las horas a Mejor actriz de reparto como por Lejos del cielo a Mejor actriz protagonista. Lo mismo ha sucedido en casos contados, como Al Pacino (Esencia de mujer y Glengarry Glenn Rose), Sigourney Weaver (Gorilas en la niebla y Armas de mujer) o Jessica Lange (Tootsie y Frances). La más reciente fue Scarlett Johansson en 2019, nominada por Historia de un matrimonio a Mejor actriz protagonista y a Mejor actriz de reparto por Jojo Rabbit.

Su amiga también podría hacer historia

En cualquier caso, Penélope Cruz se desmarcaba en la presentación de La bola negra en el Festival de cine de Londres de esta carrera para la que habrá que esperar al menos hasta el 21 de enero de 2027. “Estoy muy agradecida por haber tenido estas oportunidades y por recibir tanto cariño a cambio… No debería pensar en nada más", zanjaba la actriz, cuya segunda película llegará a España esta misma semana, el próximo 16 de octubre. Una película en la que acampaña a Olivia Wilde, actriz y directora de películas como Súper empollonas o No te preocupes, querida. Cruz no es la única que podría hacer historia, ya que Wilde también podría hacer lo propio con La invitación.

Wilde está ante la posibilidad de ser la primera mujer nominada en dirigirse y obtener una nominación como actriz al Oscar. Es algo que ha sucedido en muchas ocasiones para los hombres, pero nunca hasta ahora en el caso femenino. A lo largo de la historia de los Oscar hay ejemplos de actores que ganaron el Oscar dirigiéndose a sí mismos, como Laurence Olivier por Hamlet o Roberto Benigni por La vida es bella, aunque ambos no obtuvieron el Oscar a Mejor dirección. Por otro lado, hay quienes han obtenido el Oscar a Mejor dirección o incluso película en películas que ellos mismos protagonizaban, como Woody Allen con Annie Hall, Kevin Costner con Bailando con lobos o Clint Eastwood con Sin perdón y Million Dollar Baby. ¿Será el 2027 el año en que Penélope Cruz y Olivia Wilde rompan barreras y hagan historia’

La Bola Negra, la película de Los Javis, recibirá el Gotham Vanguard Tribute en la gala de los Gotham Film Awards, que se celebrará el 30 de noviembre en Nueva York. El reconocimiento distingue a los directores Javier Calvo y Javier Ambrossi, así como a todo el elenco de la cinta producida por Netflix, en un premio que ganó el año pasado Frankenstein de Guillermo del Toro y que puede suponer el primer gran impulso para la película en su carrera a por el Oscar. Se trata del primer gran premio que recibe la producción española en suelo estadounidense, tras una temporada que ya incluyó reconocimientos en Cannes y Toronto.

La ceremonia tendrá lugar en Cipriani Wall Street. Además de Calvo y Ambrossi, el homenaje alcanza al elenco completo de la película: Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glenn Close. El Gotham Vanguard Tribute reconoce a La Bola Negra por su reinterpretación del legado del poeta y dramaturgo español Federico García Lorca. El galardón distingue proyectos cinematográficos que el Gotham Film & Media Institute considera arriesgados en su forma narrativa y en su ambición artística. El estreno estadounidense de la gala no es un hecho aislado: la película llega a esta cita tras ganar el premio a mejor dirección en Cannes y el People’s Choice Award en Toronto, lo que explica el interés del instituto neoyorquino en sumarla a su lista de homenajeados de este año.

Jeffrey Sharp, director ejecutivo de The Gotham Film & Media Institute, fundamentó la distinción en un comunicado. “Inspiradora e imaginativa, La Bola Negra nos recuerda por qué Federico García Lorca sigue siendo una de las voces esenciales del siglo veinte”, afirmó. Sharp también destacó el trabajo conjunto de los directores con el elenco. Según sus palabras, Ambrossi y Calvo “traen la exploración del deseo y la pertenencia de Lorca a nuevas audiencias en una película de ambición amplia y profundidad emocional”.

El primero de muchos

El título de la cinta proviene de una obra inconclusa de Lorca. El guion, escrito por Calvo y Ambrossi junto a Alberto Conejero, se nutre además de otros escritos del autor granadino y retoma elementos de La piedra oscura, obra teatral del propio Conejero.La trama recorre tres momentos de la historia española a través de tres personajes distintos. En 1932, Carlos, interpretado por Milo Quifes, busca un lugar en una España fracturada. En 1937, Sebastián, a cargo de Guitarricadelafuente, encuentra conexión a través de las líneas enemigas. Ya en 2017, Alberto, interpretado por Carlos González, descubre un secreto familiar silenciado durante décadas.

Antes de llegar a los Gotham Awards, La Bola Negra consiguió el premio a mejor dirección en el Festival de Cannes 2026. Después, en el Festival Internacional de Cine de Toronto, obtuvo el People’s Choice Award, el galardón más importante que otorga esa muestra. Ese triunfo en Toronto convirtió a La Bola Negra en el primer título de Netflix en obtener el máximo premio del festival canadiense. También fue la primera película internacional en lograrlo en 15 años, según se informó. La cinta es, además, la candidata oficial de España al Oscar a Mejor Película Internacional.

En cuanto a su exhibición comercial, La Bola Negra se estrenará en salas de Nueva York y Los Ángeles el 16 de octubre, antes de expandirse a más cines de Estados Unidos y Canadá. Algunas salas seleccionadas la proyectarán en formato de 35 milímetros. El estreno en Netflix para Estados Unidos y Canadá está previsto para el 2 de diciembre. La gala de los Gotham Film Awards reunirá otros homenajes anunciados previamente. El estudio de animación LAIKA recibirá el Gotham Anniversary Tribute, mientras que el director Danny Boyle será distinguido con el Gotham Director Tribute por su trabajo en Ink.

El actor Matthew Lillard reconoció que atravesó una crisis económica severa tras el fracaso comercial de Scooby-Doo 2: Desatado, al punto de tener que vender su casa y sus autos para sostener a su familia. Lillard hizo estas declaraciones durante su participación en la serie de videos Know Their Lines de Variety, conducida por Nick Stango. Allí repasó su relación con la franquicia que lo catapultó a la fama y que después, según relató, estuvo a punto de hundir su carrera.

El intérprete de Shaggy explicó que tras el estreno de Scooby-Doo en 2002, película que recaudó 275 millones de dólares en todo el mundo junto a Freddie Prinze Jr., Sarah Michelle Gellar y Linda Cardellini, esperaba convertirse en una estrella de taquilla. Sin embargo, la secuela de 2004 no cumplió esas expectativas y marcó el inicio de un estancamiento prolongado. “Sentí mucha presión para no arruinarla”, confesó Lillard sobre su primer gran papel. La ilusión de convertirse en una gran figura del cine se desvaneció poco después del estreno de la segunda película.

Matthew Lillard admitió haber pensado que podía convertirse en uno de esos actores de los años 90 que nunca logran recuperar su carrera. El fracaso comercial de Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed coincidió con el inicio de ese prolongado bache profesional, según su propio relato. El actor explicó que durante años culpó directamente a la franquicia por la falta de trabajo. “Resentí a ‘Scooby-Doo’ durante mucho tiempo”, dijo, aunque aclaró que nunca llegó a arrepentirse de haber participado en el filme.

La crisis económica que atravesó Lillard tras el fracaso de la secuela lo obligó, junto a su esposa, a vender su casa y sus autos, además de reducir drásticamente sus gastos. El propio actor reconoció que sin el dinero ganado en esa segunda película, su familia no habría logrado sostenerse durante ese período de inactividad laboral. “Mi esposa y yo habríamos tenido que vender todo. Eventualmente vendimos gran parte de eso. Vendimos los coches, vendimos la casa”, relató Lillard en la entrevista. “Básicamente achicamos nuestras vidas para poder vivir de una manera muy económica.”

La obsesión con la fama

El actor agregó que su esposa debió volver a trabajar en ese momento, algo que definió como un punto clave en su vida personal y profesional. Según explicó, antes de la secuela se consideraba a sí mismo “un tipo grande” dentro de la industria, pero la realidad terminó siendo distinta. “Siempre fui un actor de reparto, y pensé que era más que eso”, admitió Lillard. El actor describió ese período como un proceso de humildad forzada que, con el tiempo, aprendió a valorar.

En declaraciones previas recogidas por Business Insider el año pasado, Lillard había contado que esperaba que la secuela lo convirtiera en el nombre principal de los repartos durante la siguiente década de su carrera. En cambio, ocurrió lo contrario: no consiguió papeles protagónicos durante un largo tramo de tiempo. “Estaba atrapado en este impulso de ser, entre comillas, famoso”, reconoció el actor. Según su relato, tuvo que dejar de perseguir la fama para poder reconstruir su carrera como actor de reparto.

El cambio de mentalidad permitió a Lillard reinsertarse en la industria de formas que no esperaba. Mientras continuaba poniendo voz a Shaggy en distintas películas animadas de la franquicia, el actor comenzó a sumar papeles secundarios en producciones de peso. Entre ellos se destacan su participación en Los descendientes, ganadora del premio Oscar, y en Golpe de efecto, dirigida por Clint Eastwood. Ambos trabajos marcaron su consolidación como actor de reparto tras los años de dificultades posteriores al fracaso de Scooby-Doo 2: Desatado.

El mes de octubre apenas acaba de echar a andar, pero ya ha dejado algún que otro título para el recuerdo como Digger, la alocada nueva película de Alejandro González Iñárritu con un irreconocible Tom Cruise o Verity, el nuevo thriller erótico de Dakota Johnson y Anne Hathaway que pretende replicar el éxito de La asistenta. Mientras que La bola negra de los Javis sigue dominando en taquilla y ya se prepara para su asalto a Estados Unidos y resto del mundo, que se producirá el próximo 16 de octubre, estos son los nuevos estrenos a tener en cuenta.

Historias digitales, crónicas de conflictos, madres del terror o historias de migrantes protagonizan las nuevas caras de esta semana. Nombres como los de Jeremy White Allen y Mikey Madison, Jessica Chastain, Sophie Thatcher o Diego Luna e historias que se entrecruzan para seguir alimentando a los espectadores en estas semanas anteriores a Halloween. Antes del terror hay que enfrentarse a aventuras reales.

El precio de la red

Pensábamos que la historia había acabado, pero quedaba mucho por contar. La red social no solo fue una de las mejores películas cuando se estrenó en 2010, sino que fue la crónica de toda una generación cuya vida siguió como si nada y en realidad tuvo sus consecuencias de quedar enganchado a una nueva droga, las redes sociales. Más de quince años después, el guionista original Aaron Sorkin retoma la historia para ver el impacto de Facebook en la sociedad a partir de la relación entre una ingeniera y un periodista que anda detrás de sacar a la luz todo lo que Mark Zuckerberg y su compañía no querían que supiésemos.

La otra madre

Jessica Chastain regresa a un género en el que apenas se ha prodigado pero en el que ha cuajado como ninguna como es el terror. Tras La cumbre escarlata y la segunda parte de It, la actriz ganadora del Oscar vuelve al género con La otra madre. En ella da vida a dos personajes: por un lado, la madre de Bela, una niña de ocho años que vive con unos padres que mantienen constantes discusiones. Por otro, una siniestra entidad que solo la niña puede ver y a la que llama la Otra Mamá. ¿Es real o solo producto de su imaginación? Poco a poco, esta extraña presencia se va adueñando de la consciencia de una niña cuya madre real no sabe qué hacer.

Naza

Tras llevarse el Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Venecia y el del público a mejor filme europeo en San Sebastián -donde solo La bola negra causó mayor emoción-, este documental sobre el conflicto en Gaza se presenta como uno de los documentos más importantes de nuestro presente. Dirigido por Yuval Abraham y Rachel Szor (No man’s land), narra la noche en los tejados de Tel Aviv, revelando con detalle los mecanismos que hay detrás del asesinato en masa y deliberado de civiles palestinos en Gaza por parte de las tropas de Israel. Naza es la palabra utilizada por el ejército israelí para denominar a las víctimas civiles como ‘daños colaterales’.

Su propio infierno

Tras encargarse de dos miniseries tan de su particular estilo como Demasiado viejo para morir joven y Cowboy de Conpenhagen, el director danés Nicolas Winding Refn regresa al largometraje con Su propio infierno. El autor de Drive presenta aquí otra nueva historia de lo más oscura y ambientada en los márgenes de la sociedad, en la que se entrecruzan las historias de una joven en busca del paradero de su padre o un soldado que pretende rescatar a su hija del mismísimo infierno. Sophie Thatcher, Charles Melton y Kristine Froseth protagonizan este slasher que contará con la presentación del propio Winding Refn en algunos cines de Madrid y Barcelona.

Ceniza en la boca

El actor mexicano Diego Luna, conocido por películas como Y tu mamá también o series como Andor del universo Star Wars, debuta como director con este largometraje que transita entre México y Madrid. Lucila (Anna Díaz) es una joven de 21 años que intenta encontrar su lugar en el mundo frente a la presión familiar, la misoginia y el racismo. Junto a su hermano pequeño, Diego, viaja a España para reencontrarse con su madre, Isabel (Adriana Paz), que emigró ocho años atrás en busca de un futuro mejor. La llegada de Lucila está lejos de ser tranquila. Las circunstancias a las que se enfrenta a diario le recuerdan constantemente sus orígenes, para bien y para mal. Esta carga despierta en ella la necesidad de emanciparse, vivir una vida acorde a su edad y dejar de ejercer de falsa madre de su hermano o de sobrevivir con trabajos precarios.

La escritora canadiense Anne Carson, distinguida este 8 de octubre con el Premio Nobel de Literatura 2026, encontró hace unos meses un objeto de análisis fuera de los márgenes habituales de la poesía, la traducción y el mundo clásico: un concierto de Rosalía en Chicago. “Tengo resaca de Rosalía”, escribió al comienzo de un ensayo publicado por la London Review of Books después de presenciar el show de la cantante española ante 20.000 personas.

La Academia Sueca premió a Carson “por una obra audaz e inventiva que, en diálogo lúdico con la tradición clásica, ha creado nuevas formas para la literatura contemporánea”. La decisión pone en primer plano a una autora que ha desarrollado una obra difícil de encasillar, a medio camino entre la poesía, el ensayo, la traducción y la relectura de textos antiguos. Su texto sobre Rosalía permite observar otra faceta de esa escritura. Carson no se limita a reseñar una actuación ni a ordenar referencias musicales. El ensayo se detiene en el vínculo entre una estrella pop y un público que convierte cada gesto de la artista en una reacción física.

Carson asistió al concierto que Rosalía ofreció el 20 de junio en Chicago. Según relató, el elemento que más la impresionó fue el sonido de los asistentes. La poeta describió una audiencia que gritaba ante cada respiración de la cantante y sostuvo que el fenómeno excedía las dimensiones habituales de una presentación musical. “Esa voz puede hacer cualquier cosa”, escribió sobre la intérprete catalana. Carson situó la voz en el centro de su observación, por encima de la escenografía, la coreografía y la circulación de imágenes que acompañan a las giras de grandes figuras del pop.

Para la autora canadiense, Rosalía posee una voz todavía luminosa, con un registro que puede adquirir mayor profundidad con el paso de los años. En su lectura, el flamenco exige una madurez que la artista todavía está en condiciones de desarrollar. La comparó con una flecha de plata que atraviesa el volumen del sistema de sonido y provoca una respuesta inmediata del público. La escena se organizaba, según Carson, en una secuencia de retroalimentación. Los seguidores gritaban, Rosalía elevaba la intensidad y los gritos regresaban desde las gradas. La poeta asistió al espectáculo junto a una acompañante, identificada solo como C., y señaló que ambas permanecieron sentadas mientras el resto del estadio se mantuvo de pie durante las dos horas de actuación.

La mística, Simone Weil y la figura de Rosalía

El análisis de Carson también se concentra en los elementos religiosos de la propuesta artística de Rosalía. La cantante ha incorporado referencias a Dios, Jesús, el sacrificio y la redención en sus letras, imágenes y puestas en escena. Ese repertorio convive con códigos del pop contemporáneo, la sexualización de los bailes y una estética que combina símbolos de distintas tradiciones. Carson definió como inquietante esa mezcla entre recursos de la música global y referencias místicas. La poeta ha abordado en otras ocasiones el misticismo como una forma de rebasar los límites de la filosofía. Por eso, identificó afinidades entre algunas letras de Rosalía y las ideas de la pensadora francesa Simone Weil, una figura que también ocupa un lugar relevante en la obra de la escritora canadiense.

La pregunta sobre las creencias personales de Rosalía no ocupa el centro del ensayo. Carson plantea que el público busca en la cantante una figura atravesada por imágenes religiosas y por una intensidad emocional que se exhibe ante miles de personas. Ese “recipiente religioso”, como lo llamó, aparece expuesto a una experiencia extrema de adoración colectiva. La autora también reflexionó sobre la feminidad que proyecta Rosalía. “¿La envidio? Claro que sí”, escribió. La ubicó como una encarnación de glamour y fuerza femeninos, capaz de posar, seducir y parodiar su propia imagen. Carson comparó ese procedimiento con el de la islandesa Björk, aunque sostuvo que ambas artistas toman caminos distintos frente a la representación de lo femenino. El ensayo concluye con una mirada menos celebratoria sobre los seguidores de Rosalía. Carson esperaba encontrar una forma de camaradería entre quienes habían compartido el concierto. En cambio, percibió una relación individual entre cada asistente y la figura sobre el escenario.

Después del show, mientras esperaba el tren, observó a los asistentes inmersos en sus propios auriculares y teléfonos. No encontró, según escribió, una exaltación compartida ni una emoción común que continuara fuera del estadio. La noche, señaló, parecía haberse cerrado para cada persona de forma privada. Esa observación no reduce la fascinación de Carson por Rosalía. Al contrario, muestra el interés de la nueva ganadora del Nobel, quien ya ganó el Premio Princesa de Asturias de las Letras, por los mecanismos de la voz, la devoción, la imagen y la distancia entre una multitud reunida y una comunidad real. En ese concierto de Chicago, la poeta vio una artista capaz de dominar el escenario y un público que respondió con una intensidad que todavía la acompañaba semanas después.

Era un secreto a voces, pero por fin se ha confirmado por ambas partes. Una de las nuevas canciones del próximo disco de U2, Carnaval de Luz, está dedicada a Rosalía. Ya lo adelantó su cantante Bono hace algunas semanas, pero ahora ha sido la propia Rosalía la que ha desvelado los detalles de este curioso encuentro entre ella y el líder de la banda irlandesa, quien no dudó en pedirle consejo sobre algunas palabras en español.

The Mirror Maker (Rosalía) es esa canción que forma parte del disco que saldrá el próximo 13 de noviembre y que ha encontrado en la cantante española una de sus principales inspiraciones. Tal y como revelaba Rosalía en su paso por el programa de Jimmy Fallon, fue el propio Bono quien la escribió y habló con ella para que esta le asesorase en una determinada cuestión. “No le conozco personalmente, pero me escribió y me contó que tenía este nuevo proyecto y una canción, The mirror maker, y luego me preguntó si tenían sentido algunas palabras”, confesaba la cantante.

La cantante, que terminó hace algunas semanas la gira de su último disco, LUX, se encuentra de paso por Estados Unidos, donde también actuará en el conocido programa Saturday Night Live. Antes de eso, la cantante intentaba explicarle a Fallon cuál fue la palabra que Bono tenía en mente y que ni siquiera está en el diccionario castellano: “Una palabra, en realidad, me vino a la mente. Había esta palabra, ‘marmole’… Creo que, por lo que recuerdo, era ‘mamole’. Y no sé, pensé: ‘Nunca he oído esta palabra. No sé qué significa’. Así que la busqué, hice una investigación, y no existía en el español estándar. Entonces le dije: a Bono ‘No sé, pero siéntete libre de inventar tu propio idioma’“, detallaba Rosalía, que concluía mostrando su admiración por el cantante y la formación irlandesa.

Una admiración mutua

“Bono es una leyenda Es increíble. Es alucinante porque cuando era niña, solía escuchar sus canciones. With or Without You. Es increíble”, reconocía Rosalía acerca del cantante, que ya expresó anteriormente su admiración por la española. “Normalmente solo escribimos canciones sobre gente en la cárcel o gente muerta. Esto es simplemente celebrar a alguien porque es una artista extraordinaria”, explicaba el irlandés, antes de admitir que ella “Llegó al mismo punto justo antes que nosotros, lo cual es molesto y también realmente inspirador”.

Ahora sabemos que fue Penélope Cruz la que hizo de Celestina en este encuentro, y puso en contacto al músico irlandés con la catalana, colaboración de la cual ha salido esta canción llamada The Mirror Maker (Rosalía). Lo próximo de Rosalía, eso sí, será una colaboración con otra banda irlandesa, Fontaines D.C., que ha contado con ella para el tema Tongue dentro de su próximo álbum, Dopamine Chamber. Un álbum que llegará el próximo 16 de octubre antes de la actuación de los irlandeses en España, con conciertos en Madrid y Barcelona los días 22 y 24 de octubre respectivamente. ¿Será Rosalía invitada a subir al escenario?

Spotlight se impuso como mejor película en los Premios Óscar de 2016. Una década después, su director, Tom McCarthy, sostiene que el filme no logró el cambio institucional que esperaba dentro de la Iglesia Católica. La película, protagonizada por Michael Keaton, Rachel McAdams y Mark Ruffalo, narró la investigación periodística del Boston Globe que destapó el encubrimiento sistemático de abusos sexuales a menores por parte de sacerdotes católicos. McCarthy habló sobre el legado de la cinta durante el Festival de Cine de Nueva York, donde presentó su nuevo trabajo. El director reconoció el impacto emocional que generó entre los espectadores, pero cuestionó si ese efecto se tradujo en transformaciones reales dentro de la institución religiosa.

“He escuchado a mucha gente que vio la película. Mucha gente que se sintió comprendida después de que se estrenó”, afirmó McCarthy a Variety el sábado por la noche. A diez años de que Spotlight ganara el Óscar a mejor película, su director cree que la Iglesia Católica no ha hecho lo suficiente para proteger a los menores de abusos sexuales. “¿Ha causado mucho cambio dentro de la Iglesia Católica? En mi opinión, no realmente. No lo suficiente”, sostuvo. Para McCarthy, la meta sigue siendo absoluta: “No es suficiente hasta que cada niño esté seguro. Y eso es un juego de suma cero”. El director remarcó que su intención como cineasta nunca fue imponer conclusiones, sino visibilizar un problema. “Creo que, como cineastas, nuestro trabajo es iniciar una conversación, hacer que la gente piense sobre un tema, pero iluminar las cosas”, explicó. “Eso es lo que creo que hicimos con Spotlight”.

El nuevo filme de McCarthy, A Statement, podría leerse como una respuesta a la falta de cambios institucionales que siguieron a Spotlight. La película, con un elenco encabezado por Paul Rudd, sigue a veinte expertos que intentan consensuar una declaración ante el Congreso sobre los efectos del dióxido de carbono en el clima. La trama se basa en una conferencia real realizada en San Petersburgo, Florida, en 1980. El texto inicial del filme la describe como “la primera reunión dedicada a resolver la crisis climática en Estados Unidos”. El grupo, finalmente, nunca alcanzó un consenso, y casi cincuenta años después el debate sobre las emisiones de carbono continúa dividiendo a la política estadounidense. “Esta película no sermonea. Hay un bien y un mal aquí, pero queremos que la gente se siente a la mesa y tenga esa conversación y escuche”, agregó McCarthy sobre su nuevo trabajo.

“Todo se politiza”

El estreno de A Statement coincidió con el fracaso en taquilla de Digger, la película de Tom Cruise. El crítico Owen Gleiberman, de Variety, calificó ese filme como una “sátira bombásticamente autoimportante” que intenta ser el “Dr. Strangelove del cambio climático”. Nathaniel Rich, autor del libro de no ficción Losing Earth (2019) en el que McCarthy basó su guion, utilizó el mismo adjetivo al describir A Statement, aunque en sentido opuesto. En el festival, calificó la cinta como la “primera película sobre el cambio climático escrita para adultos” y la elogió por “no ser bombástica”.

“No he visto [Digger] pero tengo mucha curiosidad por verla”, dijo Rich. “Todo lo que puedo decir es que no ha existido una película como esta antes”. El jueves, 21 estados demandaron a la administración Trump por la derogación de las regulaciones federales de gases de efecto invernadero para plantas de energía. Mientras la Agencia de Protección Ambiental (EPA) liderada por Trump sostiene que eliminar los límites de la era Biden reducirá costos e impulsará la producción energética, la coalición liderada por demócratas argumenta que el retroceso atrasará décadas la lucha del país contra el cambio climático.

Rudd se refirió a la polarización actual del tema en contraste con la reunión de 1980 retratada en el filme. “Todo se politiza”, señaló el actor. “Esto no era un tema politizado. Esta reunión era de gente muy inteligente, republicanos y demócratas por igual, que se dio cuenta: esto es una amenaza existencial y es algo que debemos abordar”. En una escena final del filme, el personaje de Paul Giamatti, un director gubernamental del Departamento de Energía, le dice al personaje de Tatiana Maslany: “Los presidentes vienen y van, pero si hay algo en lo que siempre estaremos de acuerdo, es en la ciencia”. Al respecto, Rudd bromeó: “Creo que lo dijo con un poco de guiño”.

Más allá de la incertidumbre sobre el guion final, Stan sí pudo hablar sobre la experiencia de volver a compartir set con sus compañeros de reparto. El actor describió el rodaje como un regreso cargado de memoria compartida junto a colegas con los que lleva más de una década trabajando dentro del UCM. “Pude reencontrarme con todos”, contó Stan. “Fue muy nostálgico mirar atrás y pensar en todos estos años que nos conocemos y en los que crecimos juntos. Es increíble en ese sentido”, señaló. El actor fue más allá al describir el vínculo entre el elenco: “Ha sido una familia, y nunca deja de serlo”.

Esa dinámica de regreso no estuvo exenta de dudas sobre el rumbo narrativo del filme. Vengadores: Doomsday, la continuación directa de Vengadores: Endgame, llega a los cines sin que buena parte de sus protagonistas sepa con certeza qué lugar ocupará su personaje en la historia final, un dato que alimenta las especulaciones previas al estreno. Stan no es el único miembro del elenco que admitió desconocer los detalles de la trama. Alan Cumming, quien retoma su papel del mutante Nightcrawler tras haberlo interpretado por primera vez en X2: X-Men United (2003), hizo una confesión similar en una entrevista con SiriusXM.

No todo el mundo siente lo mismo

“Para ser honesto, no entiendo completamente la trama”, declaró Cumming. El actor también precisó que filmó la mayoría de sus escenas “frente a una pantalla azul”, una técnica habitual en producciones con efectos visuales extensos que suele dificultar que los intérpretes tengan una visión completa del contexto narrativo en el momento del rodaje. Parte de esa falta de certeza entre los actores podría explicarse por la forma en que los codirectores, Joe Russo y Anthony Russo, encararon el rodaje. Según contó Joe Russo a la Associated Press el mes pasado, el equipo trabajó con un guion inconcluso que fue modificándose durante la producción.

“Siempre vemos el guion como un organismo vivo”, explicó Russo. “Somos directores que trabajamos desde la improvisación y el ensayo. Nos gusta ver qué aportan los actores a los personajes, y a veces no contamos con ellos hasta unos días o unas semanas antes de filmarlos. Y muchas veces, ahí es cuando sucede la magia”, agregó. Ese método, que privilegia los aportes de último momento de los actores sobre un libreto cerrado, coincide con los testimonios de Stan y Cumming sobre su desconocimiento del resultado final de la película.

Stan debutó como Bucky Barnes en Capitán América: el primer vengador en 2011. Desde entonces, el actor sumó apariciones en Capitán América: el soldado de invierno, Capitán América: Civil War, Vengadores: Infinity War y otras producciones de Marvel, consolidándose como uno de los intérpretes con mayor continuidad dentro de la franquicia. En paralelo a su regreso al UCM, Stan también tiene actividad en el circuito de cine independiente. Fjord, su más reciente filme, llega a las salas de cine este viernes. Vengadores: Doomsday, por su parte, se estrenará en los cines el 18 de diciembre.

Oasis: Don’t Look Back in Anger es el resultado de intentar reconstruir las piezas rotas de la separación del grupo -acontecida en 2009 en París, donde arranca la película- y juntarlas con el Live 25′, la gira que los ingleses comenzaron en Cardiff el 4 de julio de 2025 y concluyeron en Sao Paulo el 23 de noviembre, después de haber recorrido también América del Norte y Asia. Una gira por la que no todo el mundo daba un duro -llegaron a salir varias casas de apuestas pronosticando una nueva separación- y no solo se mantuvo en pie durante un año sino que pudo llegar a buen puerto sin aparentes fricciones, o al menos eso demuestra ahora este documental.

“La pregunta que quería responder con esta película era: ¿por qué, tras 16 años sin promoción ni marketing, esta música tiene más éxito que nunca? En la primera reunión que tuve con Noel, me dijo que no tenía ni idea de que la gira iba a tener esta acogida. Pensaba que serían pabellones, no estadios", cuenta Steven Knight, creador de Peaky Blinders, guionista de la próxima película de James Bond y encargado de dar forma a este documental fotografiado por Dylan Southern y Will Lovelace. “De repente, se desata una auténtica oleada. Resulta evidente que no pueden ser solo los fans que estuvieron allí la primera vez; tiene que ser la siguiente generación, e incluso la siguiente. ¿Por qué estaba ocurriendo esto? Por eso elegimos a determinados fans de esa generación para hablar con ellos”.

Una familia de nuevo

El documental arranca precisamente con aquel desgraciado encuentro en 2009 e inmediatamente se traslada a Cardiff, dando lugar a una sucesión de imágenes que se centran tanto en los fans como en los momentos más íntimos de los Gallagher, siendo a la vez un pequeño diario de ese acercamiento mutuo. “Hay muchos momentos clave. Mis favoritos son cuando el primer día le estaba explicando a Liam cómo cantar: “Take me there, take me there…” (en Slide Away). Él lo hace, lo canta, Liam se burla un poco de él, se miran y se echan a reír. Y uno piensa: “Vale, eso eran dos hermanos hablando entre ellos”, relata Knight en una entrevista para NME. “El segundo momento fue cuando Liam cogió la mano de Noel en el concierto inaugural de Cardiff, y Noel no tenía ni idea de que iba a hacerlo. A partir de ahí, el segundo paso decisivo fue cuando se presentaron a sus hijos y estos se hicieron mejores amigos. De repente, vuelven a ser una familia. Que eso ocurra sin que nadie lo narre ni lo señale, así es la vida”.

Una familia que no se queda solo en la de sangre, sino también en la que ha unido su música. A lo largo de Oasis: Don’t Look Back in Anger podemos recorrer las historias de gente que ha superado la depresión o que ha encontrado el amor gracias a ello, haciendo un relato colectivo de lo que han supuesto canciones como Wonderwall o Champagne Supernova mientras estas suenan de fondo. Hay anécdotas, hay declaraciones políticas -un Noel cabreado por ser tildado de derechas. Eso sí, poca o ninguna mención hay a asuntos más escabrosos, como el precio de las entradas, que ha vuelto a estar en la diana a cuenta de la nueva gira.

Una fiebre que continúa

Porque quizá la gran noticia de que este documental que pasó primero por cines y ahora aterriza en Disney+ es que viene sucedido por una nueva gira, la que anunciaron hace algunas semanas los Gallagher y que, esta vez, sí incluirá parada en España. Barcelona formará parte de un nuevo tour que ha vuelto a ser cuestionado tanto por los altos precios como por cómo se ha gestionado la alta demanda de estos. La fiebre por Oasis continúa y quizá muchos de esos espectadores hayan encontrado en el documental la razón definitiva para querer participar de esta gran fiesta.

Con todo ello en mente, desde este 9 de octubre muchos de los que vivieron la ya histórica gira tendrán la oportunidad de revivirla, los que lo harán el verano que viene de prepararse y los que estén entre medias de disfrutar mucho más que de unos conciertos grabados. Porque Don`t look back in anger es mucho más que eso, es una crónica de un complejo pero sentido encuentro, no solo de los hermanos Gallagher sino también de estos con su público, con su música y con una fe que creían perdida y han recuperado. Quizá la próxima gira de para otro documental, porque este regreso ya ha desmentido ese tópico de que segundas partes nunca fueron buenas.

El impacto de la serie se trasladó a las ventas del libro original. La editorial Penguin Classics registró un incremento del 200% en las ventas de la novela desde que Netflix anunció la luz verde para el proyecto, lo que reavivó el interés por el texto más de siete décadas después de su publicación. Pese a encabezar el ranking de series, Al Este del Edén no fue el título más visto de Netflix durante esa semana. Ese lugar correspondió a la película Unabomber, protagonizada por Jacob Tremblay, que alcanzó 24.9 millones de visualizaciones en su segunda semana de estreno.

La serie se desarrolla desde finales del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial y se centra en la vida de Cathy Ames, junto con sus mediohermanos Adam y Charles Trask en Connecticut, así como en la de sus hijos, los gemelos no idénticos Caleb y Aron, en el valle de Salinas, California. Para Kazan era un proyecto de lo más personal, ya que su abuelo dirigió la primera gran adaptación al cine junto a James Dean: “Cuando tenía quince años me obsesioné con este libro. Se me quedó grabado y constituía como una especie de misterio para mí. Lo he leído muchas veces desde entonces y, cada vez, encuentro algo nuevo. No supe de la conexión que había entre el material y mi abuelo hasta después de leer el libro”.

Domina pero no lidera

El segundo puesto del ranking de películas fue para The Widower: ‘Til Death Do Us Part, con 11.6 millones de vistas. En tercer lugar se ubicó Tyler Perry’s Doing Life, con 9.3 millones. Ambos títulos superaron en audiencia a los primeros puestos del ranking de series de esa misma semana. La comparación entre ambos rankings deja en claro un patrón habitual en Netflix: los estrenos de cine suelen concentrar picos de audiencia más altos en sus primeras semanas que las series, incluso cuando estas últimas logran posicionarse como lo más visto dentro de su propia categoría. Detrás de Al Este del Edén, el segundo lugar del ranking de series fue para Monster: The Lizzie Borden Story, que sumó 5.7 millones de visualizaciones en su tercera semana de disponibilidad en la plataforma. El reboot de A Different World ocupó el tercer puesto, con 5.1 millones de vistas en su segunda semana. Por su parte, la serie de competencia sin guion Wonka’s The Golden Ticket se ubicó en el cuarto lugar, con 4.3 millones de visualizaciones.

El quinto puesto correspondió al debut de Lego One Piece, que reunió 3.8 millones de vistas en sus primeros seis días de estreno. The Gentlemen completó su quinta semana en el ranking en el sexto lugar, con 2.9 millones de visualizaciones. En el séptimo puesto se ubicó Crew Girl, serie que fue renovada para una segunda temporada y que sumó 2.6 millones de vistas durante esa semana. Los últimos lugares del top 10 de series fueron ocupados por la edición del 28 de septiembre de Raw: 2026, con 2.5 millones de visualizaciones, seguida por The Gentlemen, con 1.7 millones, y la temporada 14 de Gabby’s Dollhouse, también con 1.7 millones de vistas. El ranking completo de Netflix para la semana del 28 de septiembre al 4 de octubre incluye tanto producciones en inglés como títulos en otros idiomas, organizados en listas separadas para series y películas.

La familia de C.S. Lewis difundió un comunicado oficial a través de Netflix en el que respaldó el trabajo de Greta Gerwig al frente de Narnia: El sobrino del mago. El mensaje llega días después de que el fundador de Movieguide, Ted Baehr, asegurara que los herederos del escritor estaban molestos con la producción. En el texto, difundido por los descendientes de David y Douglas Gresham, hijastros del autor británico, se destaca la “pasión sincera” de la directora por la saga y se expresa entusiasmo por el resultado del rodaje. El comunicado señala que la familia mantiene “conversaciones continuas” con la directora y que fue testigo directo de su compromiso con la obra durante una visita al set de filmación en Londres. “De nuestras conversaciones continuas con Greta Gerwig, hemos sido testigos personales de su pasión sincera por la serie de Narnia”, indica el texto. “Su amor de toda la vida por C.S. Lewis es evidente para todos los involucrados en esta película.”

La familia de C.S. Lewis emitió un comunicado en el que respalda a Greta Gerwig como directora de la nueva adaptación de Narnia. El mensaje, difundido a través de Netflix, surge luego de versiones que apuntaban a un conflicto interno por la elección de Meryl Streep como voz de Aslan. El texto agrega: “Estamos encantados de trabajar con una directora y un equipo de producción tan talentosos y consumados, y estamos ansiosos por continuar trabajando con ellos en futuros proyectos. Nuestra visión es que esta película sea enormemente exitosa y que este nivel de talento se aplique a todas las Crónicas de Narnia”. El medio NarniaWeb también mantuvo contacto con la familia, que precisó que todavía no vio imágenes ni escuchó audio alguno de la producción.

La semana anterior, Baehr había declarado a CBN que integrantes de la familia Lewis se encontraban “muy molestos” por la elección de Meryl Streep como voz de Aslan. El fundador de Movieguide afirmó que estaban “preocupados por eso, porque temen que destruya la marca”, y sostuvo que la familia buscaba “recuperar el control” de la compañía que administra los derechos literarios y audiovisuales de la obra de Lewis. Baehr mantiene vínculos personales de larga data con la familia, en particular con Douglas Gresham, de quien es padrino de al menos uno de sus nietos. También fue presidente de la compañía que produjo la versión animada de 1979 de The Lion, the Witch and the Wardrobe, un filme que, según sus palabras, Gerwig “amó”.

Quiénes son los hijastros de C.S. Lewis

C.S. Lewis no tuvo hijos biológicos. A través de su matrimonio con Joy Davidman Gresham, se convirtió en padrastro de los dos hijos de ella, David y Douglas Gresham, a quien está dedicado The Horse and His Boy, publicado en 1954. David murió en 2014. Douglas, por su parte, estuvo asociado durante décadas a la C.S. Lewis Company como consultor creativo y participó de cerca en las películas de Narnia producidas entre 2005 y 2010. Conserva actualmente un crédito de productor ejecutivo en la producción de Netflix.

En 2024, la esposa y los hijos de Douglas anunciaron que padecía demencia frontotemporal y mostraba signos iniciales de Parkinson. Según informaron en ese momento a NarniaWeb, es cuidado en su casa por su esposa y su hijo mayor, y no se espera que presente mejoría. La C.S. Lewis Company, que posee los derechos de las obras literarias del autor y participa de la producción del filme, cuenta actualmente con cuatro empleados. Entre ellos figuran el codirector Vincent Sieber-Smith, en el cargo desde 2012, y el codirector Graham Williams, incorporado en 2025, quien ha estado vinculado a organizaciones cristianas como Compassion UK y Hillsong Church London.

La compañía ya había manifestado previamente: “Es increíblemente conmovedor ver cuán profundamente Greta Gerwig ha abrazado el mundo de C.S. Lewis, y ha infundido en Narnia: el sobrino del mago alegría, corazón y amor genuino por la historia”. Una fuente que trabajó en el filme señaló a NarniaWeb que representantes de la compañía estuvieron presentes en el set “todos los días” y participaron activamente de las discusiones creativas sobre la película. Narnia: El sobrino del mago se estrenará en salas de cine e IMAX en todo el mundo el 12 de febrero de 2027, antes de su llegada a Netflix el 2 de abril de ese mismo año.

Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau improvisaron un beso durante el rodaje de La bola negra que Los Javis decidieron no incluir en el montaje final. Los dos actores lo contaron en una entrevista con Emmy Rossum que ya circula en redes. La escena correspondía a la última noche de sus personajes, Sebastián y Rafael. Según relataron, el gesto surgió sin estar planeado por el guion y quedó registrado en cámara, aunque finalmente no formó parte del corte que llegó a los cines.

El momento se reveló en una charla grabada para el canal de YouTube Still Watching Netflix, conducida por Rossum. Allí, Bernardeau y Guitarricadelafuente hablaron sobre cómo vivieron el rodaje de la escena final entre sus personajes. “Lo vivimos todo como una auténtica historia de amor”, afirmó Miguel Bernardeau durante la entrevista. Guitarricadelafuente sumó el detalle que disparó la viralización: “Nos besamos al final”.

El actor lo ratificó de inmediato: “Sí, nos besamos”. Durante el rodaje de la última noche de Sebastián y Rafael en La bola negra, Guitarricadelafuente improvisó un beso a Miguel Bernardeau que no estaba en el guion. Los directores de la película, Javier Calvo y Javier Ambrossi, decidieron no incluir esa toma en el montaje final, según contaron ambos actores en una entrevista con Emmy Rossum. Bernardeau añadió un detalle sobre lo que ocurrió detrás de cámara en ese instante: “Podía oír tu risa como si fuera un grito”, le dijo a su compañero de reparto frente a la presentadora.

“Puede que lo usemos...”

En plena entrevista, Javier Calvo y Javier Ambrossi se sumaron a la conversación con Rossum para confirmar su versión de lo ocurrido en el set. “¡Lo besaste! Y nosotros, muy bien, Guitarrica, perfect”, dijo Calvo, entre risas de la presentadora y de los presentes. Ambrossi completó el relato con la reacción que tuvieron ambos directores en el momento del rodaje: “Nosotros como no, no, no, no...”, apuntó, en referencia a cómo intentaron frenar la improvisación sin éxito. Calvo dejó abierta la puerta a que ese material todavía pueda usarse en algún formato. “Puede que lo usemos, no lo sé. Pero no”, dijo, en una frase que cerró el bloque de la confesión grupal durante la entrevista.

Miguel Bernardeau, por su parte, no escondió lo que sintió al protagonizar esa escena no guionizada junto a Guitarricadelafuente. “Me encantó, me encantó”, reconoció sobre el momento que terminó quedando fuera del montaje definitivo. La conexión entre ambos actores no se limitó al set de rodaje. Se trasladó también a las entrevistas conjuntas que dieron desde el inicio de la promoción de La bola negra, donde ambos mostraron buen trato en cámara. Esa cercanía se hizo visible además fuera de los compromisos de prensa. El pasado viernes 2 de octubre, Guitarricadelafuente cerró en Madrid su gira Full Time Papi con un concierto en el Movistar Arena. Miguel Bernardeau estuvo presente en ese show y acompañó al cantante, intérprete de La nieve, en el cierre de su gira. La aparición reforzó públicamente el vínculo que ambos construyeron durante el rodaje de la película.

La confesión sobre el beso improvisado y su posterior corte del montaje final no tardó en viralizarse entre seguidores de la película y de sus protagonistas. El fragmento de la entrevista con Rossum se difundió rápido en redes sociales. Ese alcance despertó un pedido concreto entre los fans: que Los Javis liberen el metraje original de la escena entre Sebastián y Rafael. Por ahora, ni Calvo ni Ambrossi confirmaron si ese material verá la luz en algún formato adicional. La frase de Calvo durante la entrevista, “puede que lo usemos, no lo sé”, quedó como la única pista pública sobre el futuro de esa toma descartada del montaje final de La bola negra.

El anuncio del cartel del Primavera Sound 2027 era de lo más especial, pues había muchas expectativas puestas sobre él. No todos los día se cumplen 25 años, y con un aniversario tan especial cabía esperar que grandes artistas ocupasen su ya esperadísimo lineup. Más de uno se llevó alguna que otra decepción al no ver nombres de estrellas del pop como Madonna o Charli XCX en su cartel, mientras que otros celebraron que sí entrasen los de Phoebe Bridgers, Fontaines D.C. o Doechii. Sea como fuere, hubo un nombre que pasó desapercibido y que bien podría ser el tapado de la próxima edición, aunque solo sea por la historia que esconde detrás.

En la tercera sección del cartel, entre los nombres de artistas patrios como Axolotes Mexicanos -proyecto paralelo de dos de los miembros de Carolina Durante-, El Buen Hijo o Irenegarry -actual miembro de la banda Shego, casi pasa desapercibido el nombre de Headache, y el misterio solo se acrecienta al entrar en el perfil de Spotify y comprobar que cuenta con 355 mil oyentes -la mayoría de ellos ubicados en países angloparlantes-, que solo tiene dos álbumes y que no parece haber un grupo o cantante detrás. Solo un enigmático mensaje.

“Imagina que había un hombre. Un hombre totalmente normal. Un hombre totalmente común. Una noche, este hombre no podía dormir y no sabía qué hacer, así que cogió una moneda y la lanzó una y otra vez hasta que se aburrió y la tiró a su regadera. Se sintió muy desafortunado y se dijo a sí mismo que era solo porque estaba cansado porque no podía dormir porque era muy malo escribiendo. Pero eso era mentira”, arranca el texto que tiene como biografía, y que describe una historia a medio camino entre lo surrealista y lo onírico. El hombre detrás de ese artista existe, aunque el autor detrás de esas letras y sobre todo la persona que les pone voz está más en entredicho.

El hombre detrás de éxitos de Travis Scott o Frank Ocean

Headache nació en 2023 como el proyecto paralelo de Vegyn, un productor musical de origen británico que en los últimos años se ha convertido en todo un referente dentro de la industria gracias a producir para artistas como Travis Scott, Shygirl o Frank Ocean, para el cual produjo el que está considerado uno de los mejores álbumes de la música alternativa contemporánea, Blonde. El álbum que sacó Vegyn como Headache en 2023 llevaba por título The Head Hurts but the Heart Knows the Truth, pero lo que realmente llamaba la atención era su particular propuesta: un sonido envolvente con base electrónica sobre la que una voz empezaba a recitar versos de lo más llamativos, casi apelando directamente al oyente.

“¿Alguna vez te has despertado y te has preguntado dónde estás y por qué estás desnudo? Ahora estás escuchando Headache", es lo primero que se podía escuchar en The beginning of the end, primera canción del primer disco de Headache, que el año pasado lanzó Thank Your for Almost Everything, de nuevo acreditando a Vegyn -de nombre real Joseph W. Thornalley- pero también a un supuesto letrista llamado Francis Hornsby Clark. Decimos supuesto porque no hay constancia alguna de Hornsby en internet y otros medios como Rolling Stone han intentado indagar sobre la figura de este presunto poeta sin éxito. Vegyn aseguraba a la revista que se trata de un buen amigo suyo que simplemente no tiene Instagram, aunque más de tres años después del inicio del proyecto Francis Hornsby Clark no se ha dejado ver en ningún concierto de los que Vegyn ha ido dando bajo Headache. ¿Será el Primavera el momento o quizá sea el rumor de que ni siquiera existe?

Cuando la IA abre un nuevo camino

A este ‘escritor fantasma’ hay que sumar un hecho sí reconocido por Vegyn, y es que la voz que se escucha en las canciones de Headache está generada por inteligencia artificial, lo cual no hace más que incentivar el misterio sobre Hornsby Clark. “No hay ninguna gran misión detrás de Headache. Nunca nos sentamos a decir: “Vale, y ahora vamos a hacer esto”. Simplemente sucedió muy rápido y con mucha facilidad. Simplemente nos pareció muy divertido. Es una voz humana. Es una IA, pero es una voz humana. No es como la voz de un perro ni nada por el estilo. Ya sabes, ¿cuál es la diferencia?“, se defendía Vegyn para la revista.

La pregunta es, ¿por qué un productor reconocido iba a recurrir a la IA pudiendo contar con cualquier profesional? No parece un proyecto hecho para ganar más dinero ni tampoco se publicita demasiado. “Hago música porque eso me hace feliz. Me dedico al diseño gráfico porque eso me hace feliz. Diseño ropa porque eso me hace feliz. Me gusta cocinar, me gusta leer y me gusta ver películas y todas esas otras cosas”, cuenta Vegyn, quien encapsula este sentimiento en una de las canciones más populares de Headache, Truism 4 dummies: I don’t know much about anything really But I do know how life makes me feel It makes me feel both dead and alive (La verdad es que no sé mucho de nada, pero sí sé cómo me hace sentir la vida. Me hace sentir a la vez muerto y vivo).

Sean cuales sean las verdaderas intenciones de Vegyn y la identidad de Francis Hornsby Clark, lo cierto es que el Primavera Sound ya ha derribado una gran puerta al incluir en su cartel a un artista que se ayuda de inteligencia artificial para sus canciones. En una época en la que esta herramiente está cada vez más a la orden del día, el arte de momento se ha mantenido como férrea barrera a la incorporación de IA, pero puede que artistas como Vegyn ayuden a romper ciertos prejuicios en torno a ella y, quien sabe, si señalar el camino hacia un nuevo futuro para la industria musical. Como dice en Ninety Sixty Five: That’s for me to know / And you to try to find out / Good luck.

Shakira confirmó un concierto adicional en Madrid para cerrar definitivamente la etapa europea de su gira. Será el 12 de octubre, coincidiendo con el Día de la Hispanidad, y contará con varios invitados sobre el escenario. El show, bautizado como “12+1”, pondrá fin a Las Mujeres Ya No Lloran World Tour en su paso por Europa. La cantante colombiana lo anunció el 5 de octubre y lo presentó como una celebración compartida con artistas que han marcado distintos momentos de su carrera. El concierto se celebrará en el Estadio Shakira de la capital española. Se trata de una fecha añadida a la residencia que la artista venía desarrollando en Madrid dentro de su gira mundial.

Shakira confirmará así el cierre de su residencia europea el 12 de octubre en Madrid con un concierto especial que reunirá a varios de sus colaboradores habituales. El show incluirá presentaciones de Maluma, Beéle y Dani Martín, en lo que la artista definió como una fiesta compartida con el público y con quienes han formado parte de su trayectoria musical. Durante toda la residencia, la cantante ya había convocado a distintos artistas sobre el escenario. Para esta despedida, sin embargo, decidió sumar nuevos nombres que no habían participado hasta ahora en el tour.

Entre los confirmados figura Maluma, con quien Shakira comparte una trayectoria de colaboraciones a lo largo de la última década. Se espera que el artista interprete junto a ella Agua, su tema más reciente en conjunto, además de Chantaje, uno de los éxitos más conocidos de ambos. También participará Beéle, otro de los nombres destacados de la nueva generación musical colombiana. Con él, Shakira lanzó recientemente Algo tú, canción que todo indica interpretarán juntos en el escenario madrileño. La relación artística entre ambos no se limita a ese tema. Beéle y Shakira grabaron además una versión conjunta de Hips Don’t Lie para el 20 aniversario de Spotify, por lo que no se descarta que también la incluyan en el repertorio del 12 de octubre.

Con acento español

Shakira también convocó a un artista español para esta despedida. Se trata de Dani Martín, cantante que forjó su carrera tanto al frente de El Canto del Loco como en solitario, y que es uno de los referentes del pop español del siglo XXI. Su incorporación al cartel del show final añade una presencia local a una noche que, hasta el momento, reunía principalmente a artistas latinoamericanos. No se detallaron, de momento, los temas específicos que interpretará junto a la colombiana. La residencia europea de Shakira en Madrid ya había contado con la participación de otros artistas antes de este anuncio. Entre ellos se encuentran Alejandro Sanz, Laura Pausini, Manuel Turizo y Dua Lipa, quienes se subieron al escenario en distintas funciones del tour.

Esa dinámica de invitados sorpresa se mantuvo como una característica de la gira durante su paso por la capital española. El show del 12 de octubre continúa esa línea, aunque se presenta como el cierre definitivo de esta etapa. La artista planteó esta última fecha como algo que excede el formato habitual de un concierto. La definió como una reunión entre colaboradores y artistas que acompañaron distintos momentos de su carrera, antes de poner fin a la residencia.

La preventa de entradas para este concierto estará disponible a través de SMusic a partir del 6 de octubre. La venta general, en tanto, se abrirá al día siguiente, el 7 de octubre. No se informaron, hasta el momento, detalles adicionales sobre precios o disponibilidad de localidades para esta fecha especial dentro de la gira, y tampoco se confirmó si habrá más sorpresas en el repertorio además de los invitados ya anunciados. El concierto del 12 de octubre marcará así el final de la residencia europea de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, con Maluma, Beéle y Dani Martín como los invitados confirmados hasta el momento para acompañar a Shakira en el Estadio Shakira de Madrid.

El cine español celebra este 6 de octubre su jornada anual conmemorativa, el Día del Cine Español, una fecha instaurada hace pocos años para reivindicar el valor cultural de la producción nacional. La efeméride recuerda el fin de rodaje de una película considerada clave en la historia del séptimo arte español y, además, permite disfrutar hoy de una proyección especial y gratuita en Madrid.

El Día del Cine Español se celebra cada 6 de octubre porque esa fecha, pero de 1952, marcó el final del rodaje de Esa pareja feliz, dirigida por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem. El Gobierno eligió este día en 2021 para reconocer la huella del cine nacional en la vida cultural y social del país. La jornada fue instaurada por el Consejo de Ministros en 2021, a propuesta del entonces ministro de Cultura y Deportes, José Manuel Rodríguez Uribes. El objetivo declarado fue “reconocer el papel de las y los cineastas, y su influencia e importancia en la vida cultural y social de nuestro país, así como el valor patrimonial de nuestro cine”.

La decisión se tomó en un contexto marcado por la crisis derivada de la pandemia de coronavirus, que había afectado de forma profunda a todo el sector audiovisual. Con la creación de esta fecha se buscó “reconocer el valor patrimonial de nuestro cine y el papel que ha desempeñado a lo largo de su historia y que ha de seguir desempeñando”. Rodríguez Uribes definió la celebración como un homenaje permanente. “El Día del Cine Español será la fiesta del cine en este país, y cada 6 de octubre celebraremos la suerte que tenemos de ser testigos, espectadores más bien, de la profunda huella que deja nuestro cine en el presente y en el futuro de este país, y por extensión, en nuestras vidas”, afirmó el entonces ministro. Unos años han pasado desde entonces, pero lo cierto es que la fiesta no ha hecho más que mejorar, con cada vez más instituciones y plataformas volcadas en promocionar y difundir nuestro cine.

El rodaje que marcó la fecha

La elección del 6 de octubre no fue casual: ese día de 1952 finalizó oficialmente el rodaje de Esa pareja feliz, escrita y dirigida al alimón por Berlanga y Bardem. La película estuvo protagonizada por Fernando Fernán Gómez, junto a Elvira Quintillá, Félix Fernández y José Luis Ozores. El Gobierno justificó esta elección al calificar la cinta como “la película crisol”. Según el argumento oficial, la obra “no solo es relevante porque reúne a algunos de los más destacados protagonistas de la generación, sino porque también combina a la perfección una serie de principios narrativos, éticos y estéticos” que volverían a aparecer en los mejores trabajos posteriores de ambos directores.

Coincidiendo con la celebración, Esa pareja feliz puede verse hoy en el Cine Doré, sede de la Filmoteca Española en Madrid. La proyección está programada a partir de las 17 horas y tendrá entrada gratuita para el público que quiera asistir. Esta sesión especial ofrece la posibilidad de revisar en pantalla grande la cinta que dio origen a la fecha conmemorativa, en el mismo espacio dedicado a la conservación y difusión del patrimonio cinematográfico español. El Día del Cine Español ha coincidido en distintas ediciones con aniversarios de figuras centrales de la cinematografía nacional. En ocasiones anteriores, la jornada permitió conmemorar fechas destacadas vinculadas a Berlanga, Fernán Gómez, Segundo de Chomón y Bardem. En 2023, la celebración coincidió además con los centenarios de Ana Mariscal, nacida el 31 de julio de 1923, y José María Forqué, nacido el 8 de marzo de 1923, dos figuras de referencia en distintas etapas del cine español.

Adam Sandler y el elenco de Niños Grandes 3 se instalaron en Italia para filmar la etapa final de la secuela de Netflix. La producción, que comenzó el 3 de agosto en Nueva Jersey, Estados Unidos, cruzó el océano para rodar sus escenas europeas, que por guion transcurren en Francia. El actor Chris Rock, parte del elenco original, confirmó en distintas entrevistas recientes el recorrido del rodaje por el país europeo y adelantó algunos detalles sobre el tono y la trama de la película. “Estamos rodando en distintas partes de Italia, ahora mismo en Sardinia pero antes en Milán o Turín”, declaró Rock.

La unidad internacional del rodaje arrancó el 21 de septiembre y tiene previsto cerrar sus escenas europeas el 14 de octubre. El cierre total de la producción está pactado para el 28 de octubre. Antes de instalarse en Turín, el equipo filmó en la región de Valle d’Aosta y luego se trasladó a Cerdeña, según confirmó Rock en sus declaraciones. Parte del elenco se hospedó en Milán durante este tramo del rodaje. ¿Dónde se filma Niños Grandes 3? El equipo rodó sus escenas europeas en distintos puntos de Italia (Valle d’Aosta, Milán, Turín y Cerdeña), mientras que la producción general comenzó en Nueva Jersey en agosto. Pese a usar locaciones italianas, la trama sitúa al grupo protagonista en Francia.

En la ciudad de Turín, en la región de Piedmont, la producción utilizó locaciones del centro histórico como Via Roma, Piazza San Carlo, Via Duse y Via Principe Amedeo, además de los alrededores de los museos Egipcio y del Risorgimento. Medios locales italianos como Sky TG24 y Corriere della Sera registraron la transformación de la ciudad. Un relevamiento del rodaje citado por estos medios describió la jornada: “Hoy, Turín se convierte en París. Otro día de filmación y el centro de la ciudad cambia su aspecto: algunos detalles de set y, por unas horas, Turín se transforma en la capital francesa”.

Chris Rock adelanta detalles de la trama

Según el logline oficial, la historia sigue al grupo original ahora que sus hijos son adultos y pueden emprender “la aventura definitiva”. Rock amplió esa premisa en sus declaraciones: “Toda la banda está junta de nuevo y es como si nuestros hijos estuvieran repitiendo nuestra vida”. El actor también comparó el registro de la película con una serie reconocida: “Es como The White Lotus con los códigos de una película de Niños Grandes”. Esa aventura incluiría, además, un giro vinculado a un casting realizado en junio de este año, que buscaba actores franceses de entre 58 y 63 años con parecido físico a Sandler, Rock, Kevin James, David Spade y Rob Schneider, para interpretar versiones dobles del grupo en Francia.

Sobre el clima de trabajo, Rock describió una experiencia distendida entre el elenco: “Se va a ser muy graciosa, nos lo estamos pasando increíble”. El actor también bromeó sobre el momento actual de su carrera: “Estás en ese punto en tu carrera en el que te das cuenta que Scorsese no te va a llamar. Así que tienes una concentración extra”. La dirección quedó a cargo de Kyle Newacheck, responsable también de Criminales en el mar, mientras que el guion lo firman Tim Herlihy y el propio Sandler. Junto al elenco principal regresan Maria Bello, Salma Hayek y Maya Rudolph en sus papeles de Sally, Roxanne y Deanne. Consultado por la fecha de llegada a las pantallas, Rock señaló: “Se estrenará probablemente el verano que viene”. Ese dato ubicaría el lanzamiento de Niños Grandes 3 durante la temporada estival de 2027, a la espera de una confirmación oficial por parte de Netflix.

La producción de “The Batman: Parte II” fue pausada de manera temporal luego de que su director, Matt Reeves, decidiera apartarse del rodaje para atender un asunto personal. La noticia fue confirmada por un vocero de Warner Bros. y DC Studios, que expresaron su respaldo al cineasta mientras dura el receso. El filme, protagonizado por Robert Pattinson en el papel del Caballero de la Noche, ya había sufrido dos postergaciones previas en su calendario de estreno antes de este nuevo contratiempo.

La detención del rodaje se dio a conocer a través de un comunicado difundido por un representante del estudio. “Producción en The Batman Parte II ha sido temporalmente pausada mientras Matt Reeves se enfoca en un asunto familiar”, señaló el portavoz. El mismo comunicado agregó que Reeves “tiene el pleno apoyo de DC Studios” y que desde la compañía “esperan continuar el viaje pronto”.

La producción de la secuela quedó interrumpida por decisión del propio director, quien se ausentó del set para resolver una cuestión de índole personal. Según el comunicado del estudio, el rodaje se retomará una vez que Reeves pueda reincorporarse, sin que se haya precisado una fecha estimada para ese regreso. No se brindaron detalles adicionales sobre la naturaleza del asunto familiar que motivó la pausa, ni sobre el tiempo que podría extenderse la interrupción del rodaje.

Una producción marcada por retrasos

The Batman Parte II acumula demoras desde que fue anunciada. En un primer momento, el estreno estaba previsto para el 2 de octubre de 2026, pero Warner Bros. decidió postergarlo hasta el 1 de octubre de 2027. Luego, en julio, el estudio volvió a mover la fecha, esta vez hasta febrero de 2028. La nueva pausa en el rodaje se suma a ese historial de corrimientos en el calendario del filme. La primera entrega de la saga dirigida por Reeves, titulada simplemente “The Batman”, se había estrenado en marzo de 2022 con Pattinson como protagonista. El elenco de la secuela también incluye a Scarlett Johansson, Colin Farrell, Sebastian Stan, Andy Serkis y Jeffrey Wright, quienes acompañan a Pattinson en esta nueva entrega. Tras el primer retraso anunciado por el estudio, el jefe de DC Studios, James Gunn, había salido a justificar la extensión de los plazos a través de la red social Threads. “Para ser justos, una brecha de 5 años o más es bastante común en las secuelas”, escribió Gunn en esa publicación.

El directivo citó varios ejemplos de la industria para respaldar su argumento: “7 años entre Alien y Aliens. 14 años entre Los Increíbles. 7 años entre las primeras dos Terminator. 13 años entre Avatar. 36 años entre Top Gun. Y, por supuesto, seis años entre Guardianes de la Galaxia Vol. 2 y Vol. 3”. Con esos antecedentes, Gunn buscó relativizar la extensión del tiempo de espera para la segunda entrega protagonizada por Pattinson, antes de que se conociera la nueva pausa en el rodaje por el asunto familiar de Reeves.

En una entrevista reciente con el medio Collider, Pattinson había adelantado algunos detalles sobre el tono de la película, que describió como un giro respecto de la primera entrega. “Es tan ambicioso. Digo, dije el otro día algo sobre que la primera fue un enfoque diferente de una película de Batman, y esta es otro”, expresó el actor en esa entrevista. Pattinson agregó: “Es un verdadero giro respecto de la primera, pero de alguna manera mantiene elementos de ese sentimiento. Pero simplemente se siente muy ambiciosa, y estoy emocionado de ver cómo resulta”. Esas declaraciones del actor se dieron antes de que trascendiera la pausa en el rodaje motivada por el asunto personal de Reeves, que ahora suma un nuevo interrogante sobre los tiempos de la producción.

Sicario 3 avanza con la confirmación de que Emily Blunt, Josh Brolin y Benicio del Toro retomarán sus papeles originales, según informa Deadline. La tercera entrega de la saga llega con nuevo director y guionista, mientras continúa la búsqueda de un estudio que respalde el proyecto. Los rumores sobre una tercera película venían circulando desde hace años, pero ganaron fuerza este 2026. Brolin había adelantado en el verano que el filme “estaba por suceder pronto”, aunque sin revelar detalles concretos en ese momento.

El dato central de esta nueva entrega es la reunión de los tres protagonistas de la franquicia. Blunt, Brolin y Del Toro están atados para volver a Sicario 3 tras leer el guion, de acuerdo con el reporte de Deadline. El regreso de Blunt resulta particularmente notable porque la actriz estuvo ausente en Sicario: El día del soldado, la segunda entrega de la saga. Su personaje había completado su arco narrativo, lo que en su momento justificó la decisión de no incluirla. Sin embargo, algunos seguidores de la franquicia consideraron que esa ausencia le restó profundidad a la secuela y la acercó más a un filme de acción convencional. La vuelta de Blunt al elenco podría devolverle a la tercera película esa capa narrativa que algunos fans extrañaron en la anterior entrega.

A diferencia de las dos primeras entregas, Sicario 3 tendrá un equipo creativo distinto. La dirección quedará en manos de Padraic McKinley, quien dirigió recientemente The Weight, un drama protagonizado por Ethan Hawke. McKinley es editor de formación y solo cuenta con dos películas como director hasta el momento. Sicario 3 será su tercer proyecto al frente de una producción. El guion correrá por cuenta de Steven Knight, creador de la serie Peaky Blinders y guionista de la próxima entrega de James Bond. Knight no participó en las dos primeras películas de la saga, que fueron escritas por Taylor Sheridan.

La diferencia con respecto a las anteriores entregas

Según reporta Deadline, los tres actores no solo aceptaron volver tras leer el guion de Knight, sino que también tuvieron participación directa en la elección del director. Blunt, Brolin y Del Toro entrevistaron a distintos candidatos antes de decidirse por McKinley. Actualmente, el guion continúa en proceso de edición e incorpora notas y sugerencias de los propios actores. Este nivel de involucramiento del elenco en decisiones creativas marca una diferencia respecto a las entregas anteriores de la franquicia.

Con el guion en marcha, el reparto confirmado y un director elegido, el equipo detrás de Sicario 3 busca ahora un estudio dispuesto a producir la película. El proyecto se encuentra en etapa de negociación con distintas compañías, sin que se haya anunciado todavía un acuerdo cerrado. Uno de los puntos que Deadline no pudo confirmar es si Taylor Sheridan, guionista de las dos primeras películas de la saga, tendrá algún tipo de participación en esta tercera entrega. Sheridan escribió tanto Sicario (2015) como su secuela, pero en esta ocasión el guion quedó a cargo de Knight. No se descarta que Sheridan permanezca vinculado al proyecto como productor, aunque esto no fue confirmado y se trata, por el momento, de una posibilidad sin respaldo oficial.

La ausencia de confirmación se explica en parte por la agenda del guionista, quien actualmente tiene compromisos con varias series de televisión y proyectos cinematográficos, entre ellos una película basada en el videojuego Call of Duty.Por el momento, Sicario 3 no cuenta con una fecha de estreno. El proyecto todavía necesita encontrar un estudio que lo produzca antes de avanzar hacia etapas posteriores como el rodaje. A pesar de la falta de definiciones sobre distribución y calendario, el nivel de avance alcanzado (reparto confirmado, director elegido y guion en proceso de edición) sugiere que la producción atraviesa un momento de aceleración tras años de rumores sin concreción. Y no podría haber caído en mejores manos.

La bola negra ya lleva más de una semana en cartelera, y aunque seguramente aun quede mucha gente por verla, hay millones de espectadores que ya han podido disfrutar de la épica historia a través de tres generaciones de Los Javis. La película, que ya se posiciona como toda una candidata a los Oscar, está conquistando tantos corazones como dejando con ganas de conocer todos sus detalles y recovecos. Para aquellos ávidos de más historias épicas, queer o simplemente de amor a través de los tiempos, este es el lugar adecuado.

Además de recomendar ver todo lo anterioro del dúo formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, desde la que fuera su primera película, La llamada, a series como Paquita salas y La Mesías, hay otras historias con las que seguir la fiebre de La bola negra. Ellos ya han mencionado en entrevistas algunas influencias como la del cine de Almodóvar o películas como Titanic, pero a continuación te sugerimos otros diez títulos que resuenan con fuerza a la hora de ver la película y que pueden ayudar a completar su visionado. Si no, siempre puedes ir al cine a verla otra vez.

Doctor Zhivago

La bola negra parte de un espíritu muy Hollywood clásico, y si hay un gran romance que explica la historia de todo un país a través de una relación personal, esa es Doctor Zhivago. La epopeya romántica de David Lean es un espejo lejano pero potente para La bola negra: también aquí el amor se mide contra la historia, y la poesía se vuelve refugio en tiempos de violencia.

Ambientada en la Rusia revolucionaria, sigue al médico y poeta Yuri Zhivago (Omar Sharif), cuya vida se cruza con Lara (Julie Christie) en medio de guerras, exilios y traiciones. Como en la película de Los Javis, el destino de los personajes está marcado por fuerzas políticas que los superan, pero la cámara de Lean se detiene en los gestos, los paisajes nevados y esa melancolía que convierte lo épico en íntimo. El resultado es un melodrama monumental donde el deseo y la creación artística resisten al caos, un eco perfecto para esa nieve de La bola negra, esa misma tensión entre pasión individual y tragedia colectiva.

Retrato de una mujer en llamas

No es casualidad que la hayan mencionado como referencia directa, ya que es una de las grandes películas queer de época. Céline Sciamma firma uno de los grandes filmes sobre el deseo prohibido y la creación como acto de libertad, dos ejes que también vertebran La bola negra. En la Bretaña del siglo XVIII, la pintora Marianne (Noémie Merlant) debe retratar en secreto a Héloïse (Adèle Haenel), una joven destinada a un matrimonio convenido. Lo que empieza como encargo se transforma en una relación intensa, construida desde la mirada, el silencio y la complicidad artística.

La película comparte con la obra de Los Javis esa capacidad para convertir el amor en resistencia y el arte en espacio de verdad. Además, su estructura emocional, contenida al principio y volcánica al final, recuerda el modo en que La bola negra dosifica el dolor y la belleza. Es cine que arde sin prisa, ideal para prolongar la experiencia de la película española.

Sebastiane

Se encuentra dentro del ciclo organizado por los propios Javis para el teatro Paris en Nueva York. Primer largometraje de Derek Jarman, se trata de una obra pionera del cine queer que reinterpreta el martirio de San Sebastián -no en vano se llama así el personaje de Guitarricadelafuente- desde una mirada homoerótica y espiritual. Ambientada en el año 303 d.C., durante la persecución cristiana del emperador Diocleciano, la película sigue a Sebastián, capitán de la guardia imperial, quien es exiliado a un remoto fuerte costero en Cerdeña tras defender a un joven cristiano.

Allí, rodeado de soldados desnudos y deseos reprimidos, Sebastián se convierte en objeto de obsesión para su comandante Severo, quien finalmente ordena su ejecución con flechas, recuperando la icónica imagen que lo convirtió en símbolo gay del arte renacentista. Jarman filma con lirismo y provocación, combinando tableaux vivants, naturaleza deslumbrante y una reflexión sobre el deseo, el martirio y la identidad. Es cine que, como La bola negra, convierte el cuerpo queer en territorio de resistencia y belleza.

Boogie Nights

Las historias conectadas a través de los años y la idea de un grupo de marginados como gran familia es algo que ya estaba presente en el cine de un gran director antes que en los Javis. Paul Thomas Anderson construye aquí una saga sobre el deseo, la fama y la familia elegida en la industria del porno de los 70 y 80, con un tono épico y melodramático que dialoga con La bola negra en su estructura coral e interconectada. La película sigue a Eddie Adams (Mark Wahlberg), un joven que reinventa su vida como Dirk Diggler, y a su círculo de amigos, amantes y colegas.

Como en la obra de Los Javis, hay una exploración de la marginalidad, la búsqueda de identidad y el precio de vivir al margen de la norma. Anderson filma con energía y empatía, convirtiendo lo explícito en humano y lo excesivo en trágico. La banda sonora, los planos secuencia y la construcción de personajes recuerdan esa ambición de La bola negra por contar historias de personajes en los márgenes con grandeza cinematográfica y corazón popular.

Beau Travail

Si en la escena de los soldados bailando desnudos en la playa pensaste que te sonaba de algo, bingo. Claire Denis traslada Billy Budd de Melville a la Legión Extranjera francesa en Yibuti para firmar una obra sobre la masculinidad, el deseo reprimido y la belleza del cuerpo bajo disciplina. El sargento Galoup (Denis Lavant) ve amenazada su autoridad y sus sentimientos por la llegada de un joven soldado, en una tensión homoerótica que nunca se nombra pero lo invade todo.

La película comparte con La bola negra esa capacidad para hablar de lo queer desde la elipsis y la atmósfera, convirtiendo el paisaje y el gesto en lenguaje emocional. El final, con su explosión de danza y liberación, es uno de los momentos más potentes del cine contemporáneo, un eco perfecto para quien busca en La bola negra esa misma catarsis contenida y poética.

Incendies

La carta que Alberto (Carlos González) encuentra en La bola negra no es el único gran momento de revelación y memoria familiar en una película. Denis Villeneuve adaptó la obra de Wajdi Mouawad para contar una historia de secretos familiares, guerra y identidad que resuena con la estructura de Los Javis. Tras la muerte de su madre, los gemelos Jeanne y Simon viajan a Oriente Medio para cumplir sus últimas voluntades: encontrar a un padre que creían muerto y a un hermano desconocido.

Lo que descubren es un pasado marcado por la violencia, el amor prohibido y la resistencia, con revelaciones que cambian para siempre su comprensión de la familia. Como en La bola negra, hay una narrativa que conecta épocas y generaciones, donde el trauma histórico se transmite como herencia. Es cine que duele pero ilumina, ideal para quien busca en la película de Los Javis esa misma profundidad emocional y política.

Close

No sabemos nunca como fue la infancia de Sebastián, el personaje de Guitarricadelafuente, pero sí que quizá se parecería mucho hoy día a la del niño de Close. Lukas Dhont firma una película sobre la amistad adolescente, la culpa y la presión social que conecta con los temas de vulnerabilidad y deseo en La bola negra. Léo y Rémi son dos amigos inseparables cuya relación se ve fracturada por los comentarios de sus compañeros y la incapacidad de Léo para aceptar esa intimidad ante los demás.

La película explora cómo la heteronormatividad y el miedo al juicio pueden destruir vínculos profundos, con una sensibilidad que recuerda la mirada de Los Javis sobre la juventud queer. Dhont filma con cercanía y respeto, evitando el sensacionalismo y dejando que el dolor emerja desde lo cotidiano. Es una obra necesaria para quien busca en La Bola negra esa misma reflexión sobre cómo la sociedad moldea y a veces rompe los afectos.

Mysterious Skin

Estamos seguros de que el Gregg Araki es una referencia para Los Javis porque ya se intuía en La mesías, pero con La bola negra no cabe duda que el talento para aunar lo divertido y lo trágico en un contexto queer se debe en gran medida a películas como esta. Araki firma aquí una de las películas más intensas sobre trauma, sexualidad y memoria, con una estructura que dialoga con la complejidad temporal de La Bola negra y en la que uno nunca tiene claro hasta el final lo que está pasando realmente.

La historia sigue a Steve, un joven que busca respuestas sobre un abuso sexual sufrido en la infancia, mientras explora su sexualidad y sus relaciones en el presente. Araki combina realismo y lirismo para mostrar cómo el pasado marca el cuerpo y el deseo, con una honestidad que recuerda la valentía de Los Javis al abordar temas difíciles. La película no busca el morbo, sino la comprensión, y convierte el dolor en una reflexión sobre la identidad y la supervivencia. Es una obra dura pero necesaria, ideal para quien busca en La bola negra esa misma capacidad para hablar de lo queer desde la verdad y la complejidad emocional.

Amarcord

Es difícil no imaginar el pueblo de Sebastián un poco como el de esos italianos que retrataba Federico Fellini entre lo esperpéntico en lo bello. El director italiano hizo una obra monumental sobre la memoria, la infancia y la construcción de la identidad en la Italia fascista, con un tono que resuena con la nostalgia y la crítica social de La Bola negra, aunque sea en un tono más humorístico y desenfadado. La película sigue a Titta y su grupo de amigos en la ciudad ficticia de Borgo, mostrando sus sueños, miedos y primeras experiencias sexuales en un contexto de represión y absurdo.

Fellini combina lo onírico y lo cotidiano para crear un retrato colectivo donde lo individual se mezcla con lo histórico, algo que también hace Los Javis al conectar tres épocas a través de Lorca. La película es una celebración de la vida y una crítica a la autoridad, con un humor ácido y una belleza visual deslumbrante. Es un cine que invita a reflexionar sobre cómo el pasado nos forma, ideal para quien ha salido de La bola negra acongojado y necesita pasárselo algo mejor y reír un poco.

La ley del más fuerte

Por último, una inspiración más que directa para los Javis y uno de los directores queer más importantes de toda la historia. El alemán Rainer Werner Fassbinder realizó en su breve vida casi cuarenta películas, pero La ley del más fuerte (Faustrecht der Freiheit) es quizá su melodrama más ácido sobre clase, deseo y explotación que resuena con la crítica social de La bola negra, y bien podría haber sido su historia la del personaje de Sebastián al llegar a Madrid.

La película sigue a Franz, alias «Fox» (el propio Fassbinder), un trabajador de circo gay de clase baja que gana medio millón de marcos en la lotería y entra de lleno en la escena homosexual burguesa de Múnich. Allí conoce a Eugen, hijo de un industrial, quien lo seduce y lo manipula para quedarse con su dinero, mientras sus “amigos” lo explotan sin remordimientos. Fassbinder filma con crudeza y empatía, mostrando cómo el sistema capitalista y las jerarquías de clase destruyen incluso los vínculos afectivos más sinceros. El final, con el suicidio de Fox en una estación de metro vacía, es un golpe devastador que recuerda la tragedia de los personajes de Los Javis. Es cine que duele pero ilumina, ideal para quien busca en La bola negra esa misma reflexión sobre amor, poder y desigualdad.

Bayona se dio a conocer con El orfanato y Un monstruo viene a verme, antes de sumarse a la franquicia de dinosaurios en 2018 con Jurassic World: El reino caído. Aquella película dividió a la crítica y al público en su momento, aunque con los años ganó reconocimiento entre los seguidores de la saga. ¿Por qué Bayona suena para reemplazar a Edwards en Jurassic World? El cineasta español es el favorito para dirigir la secuela de Rebirth después de que Edwards dejara el proyecto por diferencias creativas no especificadas. Bayona ya dirigió El reino caído en 2018 y su trabajo más reciente fue el drama La sociedad de la nieve, de tono muy distinto al de una película de dinosaurios.

Su filmografía más reciente, con La sociedad de la nieve, se aleja del género de criaturas que caracteriza a la saga. Ese film, un thriller de supervivencia, marcó un quiebre estilístico respecto de sus trabajos previos vinculados al terror y la fantasía. Resta ver qué enfoque adoptaría Bayona si finalmente regresa a dirigir, después de las decisiones que tomó en Fallen Kingdom, donde había apostado por una estética más gótica y oscura dentro del universo de dinosaurios. Esa impronta fue uno de los elementos que, con el tiempo, revalorizó a la película entre el público.

Así sería la nueva entrega

El guion de la nueva entrega seguiría a cargo de David Koepp, guionista histórico de la franquicia, responsable de varios de los libretos que dieron forma a la saga desde sus inicios. Su continuidad en el proyecto se mantendría pese al cambio de director. Se espera que la película conserve a los protagonistas incorporados en Rebirth: Scarlett Johansson, Mahershala Ali y Jonathan Bailey. Los tres actores se sumaron a la franquicia como parte del nuevo elenco presentado en esa entrega. No se detalló aún de qué forma Bayona se integraría a una producción que ya contaba con guion y elenco definidos bajo la dirección de Edwards, ni qué cambios podría introducir sobre el material existente. Tampoco se informó si el cambio de director implicaría modificaciones en el guion ya escrito por Koepp.

Según fuentes cercanas a la producción citadas por The Wrap, los productores Steven Spielberg y Frank Marshall son considerados los arquitectos fundacionales de la saga. Esas mismas fuentes sostienen que el recambio constante de directores y elencos forma parte natural de la evolución de la franquicia, más allá de quién ocupe la silla de director en cada entrega. Esta lectura explicaría, en parte, por qué la salida de Edwards no pondría en riesgo la continuidad del proyecto. La estructura detrás de cámaras, sostenida por Spielberg y Marshall desde el origen de Jurassic Park, funcionaría como el verdadero hilo conductor de la serie, independientemente de los cambios que se produzcan frente a cámara o en la silla de dirección.

Esa estabilidad en la producción contrastaría con la rotación de directores que ha caracterizado a la franquicia en sus últimas entregas, desde Colin Trevorrow hasta el propio Edwards, pasando por el mismo Bayona en 2018. El rodaje de la próxima película podría comenzar el año próximo, de acuerdo con la información disponible. Todavía no se confirmó oficialmente si Bayona aceptará el cargo ni cuándo se anunciaría una decisión definitiva sobre la dirección del proyecto, pero todo apunta a que podría tener en los dinos su próxima gran aventura.

La de ayer fue una noche muy especial para todos los fans de Guitarricadelafuente, para todos los que se han subido al barco después de verle en La bola negra, y también para el propio cantante, protagonista absoluto estos días. El cantante, de nombre real Álvaro Lafuente Calvo, puso el broche de oro a su gira Spanish Leather con un concierto que despedida que tuvo de todo: botas de cuero, purpurina, grandes canciones, dedicatorias a los que protestan por una vivienda digna e incluso una gran celebración del éxito de La bola negra con algunos de sus actores presentes.

Nadie quería perderse el concierto del cantante, aunque a algunos no les quedó más remedio. Los Javis, por ejemplo, se encontraban a miles de kilómetros de allí, pues se habían desplazado a Los Angeles para recoger el premio a Mejor dirección en los Critics Choice Celebración. Otras, como Samantha Hudson y otras tantas personas desplazadas a la Puerta del Sol en protesta por la situación de la vivienda en España, se tenían que conformar con entrar en directo en el concierto por videollamada para soliviantar un poco el FOMO. Sin embargo, hubo varios compañeros de La bola negra y amigos de Guitarricadelafuente que no se quisieron perder el tan esperado concierto, en el que además cantaría por priemera vez La nieve, la canción original de la película y por la que podría ganar el Oscar.

Miguel Bernardeau y Carlos González, dos de los protagonistas de La bola negra junto a Milo Quifes, estaban sobre la pista y muy cerquita del escenario, del que se bajó Guitarricadelafuente para bailar junto a ellos una de sus canciones más conocidas, Agua y mezcal. La cámara seguía al cantante y en las pantallas se podía ver, con un filtro en blanco y negro, como allí se encontraban los actores de La bola negra, y otros artistas y amigos como Begoña Vargas y compañía. El público estalló de emoción al ver especialmente a Bernardeau, cuyo personaje en el filme de los Javis es nada menos que Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista, militar y pareja sentimental de Federico García Lorca.

De aquí a Hollywood

Este improvisado encuentro entre los compañeros de reparto de la aclamada película es probablemente el último que tiene lugar en Madrid después de haber estado presentando la película en distintos coloquios, pero no el último en general. Tanto Guitarricadelafuente como el resto del reparto viajarán con toda seguridad a Estados Unidos en las próximas semanas, donde comenzará una exhaustiva campaña de promoción conducida por Netflix, quien ha invertido más dinero en ello que lo que ha costado la propia película.

Todo ello para intentar poner La bola negra en el mapa y por ende a toda España, pues no hay que olvidar que su historia es la de tres jóvenes de tres épocas distintas pero conectadas por lo queer y por su implicación en la Guerra civil española. La película apunta a tener una larga carrera de premios después de haber recibido el de Mejor dirección en Cannes y el del público en festivales como Toronto o San Sebastián. Hay quien ya habla de que pueda llegar a medirse con la mismísima La Odisea por la estatuilla a Mejor película, pero habrá que esperar porque esto es una carrera de fondo. En cualquier caso, parece que Guitarricadelafuente avanza con paso firme y lo hace acompañado de sus compañeros que ya son amigos en este maravilloso viaje.

El concierto de anoche en el Movistar Arena será un preciado recuerdo que se lleven todos los que estuvieron allí, pero también los que no pudieron hacerlo. Guitarricadelafuente saltaba al ya icónico escenario de la capital para cerrar su gira Spanish Leather y en plena ola de conmoción por La bola negra, su primer papel cinematográfico. Aun con todo, el cantante tuvo tiempo y cabeza para acordarse de aquellos que geográficamente estaban un poco lejos de la calle Goya en la que se encuentra situado el estadio, pero cuyos corazones estaban sobre la pista.

Después de haber dedicado un primer guiño a Madrid con la canción Futuros amantes al inicio de su actuación, el músico de Benicàssim introducía otro de sus grandes temas con una dedicatoria muy especial. “La siguiente canción se llama La puerta del sol, y está dedicada a todos los que están ahí fuera, esto va por ellos”, enunciaba el cantante entre los vítores del público antes de entonar los primeros versos: “Ya no me acuerdo de la última vez / Del azul clarito / Que nadie sepa lo que vamos a hacer / Háblame bajico / No hables de futuro / Es una ilusión, la llevo en la espalda / Que nadie sepa lo que vamos a hacer”.

No fue ni mucho menos el único momento que Guitarricadelafuente, de nombre Álvaro Lafuente Calvo, tuvo para acordarse de la gente de Madrid y en general de todas las personas movilizadas a la Puerta del Sol y en protesta contra el caso Maricarmen y la situación de la vivienda en España. Después de interpretar por primera vez La nieve, la canción original de La bola negra que se presenta como clara candidata a ganar el Oscar, el cantante “interrumpió” su concierto para acordarse de otra persona que no estaba allí pero que sí estaba en la Puerta del Sol: Samantha Hudson, cantante, celebridad y activista española que conectaba en directo por videollamada para mandar un mensaje de cariño a su amigo pero también uno de unión a todo el público.

El mensaje de Samantha Hudson

“Qué FOMO me está dando no estar ahí, estoy segura de que está siendo una barbaridad. Yo estoy aquí en mi tienda desde la acampada de Sol, pero guardad energías porque mañana hay una manifestación por la vivienda a las 12 de la mañana. No vamos a parar hasta que hagamos una huelga general, que no decaiga la ducha”, convocaba Hudson ante los aplausos y gritos de los espectadores. “Queremos medidas reales, por una vivienda justa, digna y de calidad, un derecho básico y fundamental. Que viva la lucha de la clase trabajadora”, cerraba en su intervención la artista.

Fue un concierto de lo más especial por muchos motivos y esta dedicatoria fue uno de ellos, pero no el único. Guitarrica decía adiós de una vez por todas a Spanish Leather, su último disco y con el que se ha consagrado como una de las grandes voces de su generación y un referente en el pop actual, al tiempo que daba la bienvenida a una nueva etapa, tan incierta como apasionante. Una etapa que lo llevará no solo a afrontar nuevos retos musicales sino también en la gran pantalla, pues aun le queda mucha carrera por delante con las más que posibles nominaciones de La bola negra a los Oscar. Quien sabe, quizá se acabe acordando de otras tantas personas cuando suba al Dolby Theatre a recoger premio.

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú se estrenó en un momento muy concreto de la historia y en especial para Estados Unidos. Hacía tan solo unos meses del asesinato del presidente John Fitzgerald Kennedy —la película se retrasó de hecho por ello— y la sociedad se encontraba en plena paranoia nuclear después de la crisis de los misiles de Cuba. Era el momento perfecto para hablar del tema, o quizá demasiado presente para hacer una broma de ello, pero el caso es que la película aupó a Kubrick a los cielos como gran cronista de su tiempo, algo que continuaría años después con 2001: Una odisea del espacio o La naranja mecánica.

También hubo críticas negativas, que calificaban la película como “el chiste enfermo más demoledor con el que me he encontrado”, “un poco demasiado despectiva con nuestro sistema de defensa” o “más maliciosa que divertida, más cargada de veneno que de ingenio”, pero al final la pregunta que quedaba era la misma: ¿es legítimo reírse de la guerra nuclear o esa risa debilitaba la seriedad necesaria para enfrentarse al peligro? Bien, el propio Kubrick justificó la forma irónica de la película con un razonamiento muy concreto: el humor podía ser más realista que un drama convencional porque la situación nuclear ya era, en sí misma, absurda: “La comedia era el único camino”.

¿Teléfono rojo? Volamos hacia Groenlandia

Digger, la nueva película del prestigioso director mexicano Alejandro González Iñárritu (21 gramos, El renacido), parece cincelada a imagen y semejanza de ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú ya desde su secuencia inicial. Si en aquella todo se personificaba en la figura de Peter Sellers dando vida al Presidente de los Estados Unidos y a su asesor, el Dr. Strangelove, en este caso es Tom Cruise sobre el que recae todo el peso de la película y de nuevo en un papel doble. Uno de ellos es el magnate del petróleo Digger Rockwell, uno de los hombres más poderosos de todo el mundo y quien se tiene que enfrentar a una crisis mundial junto al presidente de los Estados Unidos después de que una de sus plantas petrolíferas rompa un iceberg en Groenlandia y ponga en peligro la Tierra.

Más allá de su evidente parecido con la premisa de la película de Kubrick, lo cierto es que Digger aterriza en cartelera en un clima sociopolítico curiosamente parecido al del filme de 1964. La tensión entre el bloque Occidente-Oriente sigue más que presente 62 años después, pero a ello hay que añadir otros elementos como el cambio climático, la globalización, la crisis del petróleo o incluso la dependencia tecnológica en la que se ha ido sumiendo a pasos agigantados la sociedad, hasta el punto de que le cuesta más no ya creerse, sino tomarse en serio las cosas. O eso es lo que cree Alejandro González Iñárritu y los tres guionistas que lo acompañan, ninguno de ellos Guillermo Arriaga —autor de Amores perros, Babel o 21 gramos—, pero sí los mexicanos Alexander Dinelaris (Birdman), Sabina Berman (La tía Alejandra) y el argentino Nicolás Giacobone, autor de la última película de Iñárritu, Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades.

Todo lo que ya apuntaron algunos escépticos con Birdman, que no se vio en el prodigio técnico de El renacido y que no se pudo ignorar ya en Bardo, en Digger directamente explota por todos lados. Ante la fotografía deliberadamente fría y aséptica de Emmanuel Lubezki, una combinación de colores monocromática que roza el blanco y negro, todo en Digger busca lo opulento y ostentoso, desde sus planos hasta sus verborreicos diálogos. Todo es un torpe, vulgar y exagerado, un esperpento que se jacta de ser plenamente consciente de ello —esa segunda mitad de la película que sería mejor no spoilear—, pero que no por ello hace más lícita y justificable la cínica posición de esta película.

Tom Cruise, sentencia mortal

No deja de ser irónico que haya sido Tom Cruise, máximo exponente del cine-espectáculo norteamericano moderno y protagonista de una saga sobre salvar el mundo, el designado para dar vida a este Digger que se parece más a la parodia que hace Alec Baldwin de Trump que al propio Trump o cualquier otro político al que pueda pretender imitar, gato enfermo incluido. El mismo que sacrificaba en las últimas películas de Misión Imposible su integridad física dentro y fuera de la pantalla para evitar el lanzamiento de misiles es aquí un hombre cuya gestualidad y moral es diametralmente opuesta, un reto interpretativo en quién sabe si la búsqueda de su ansiado Oscar, pero un personaje cuyo pretendido carisma se desvanece al tercer grito y carraspeo.

Que el estreno de Digger coincida en el tiempo con el éxito de La bola negra, otra película de lo más ambiciosa en su aspiración por retratar la condición humana y cómo hemos heredado los pecados de nuestros antepasados, es quizá el mejor regalo posible para no morir atragantado en el cinismo exacerbado de esta sátira que comete el mayor error posible que eludió Kubrick. Porque pretende aleccionar sobre el tema del que habla, a saber, el siempre inminente fin del planeta Tierra, y hacerlo de la forma más soez, torpe y perversa posible. Y porque, como decía Kubrick, “te ríes, en algunos momentos a carcajadas, pero todo el tiempo la película no te deja dejar de pensar: ‘Sí, esto podría ocurrir’”. Uno sale de Digger pensando que podría ocurrir, que probablemente esté ocurriendo, pero desde luego no riéndose por el camino.

Madrid vive durante esta semana unos de sus días más confusos en mucho tiempo. Capaz siempre de lo mejor y lo peor, en sus calles han convivido a la vez las protestas contra el Gobierno y la Comunidad por el tema de la vivienda y el caso Maricarmen, al tiempo que el mismísimo Woody Allen presentaba su próxima película ignorando por completo el tenso clima político. Entre la belleza y el esperpento, lo reivindicativo y lo escapista, no cabía pensar que una estrella se erigiese con una fuerza capaz de eclipsarlo todo. Pero si algo nos ha enseñado Madrid en todo este tiempo es que solo hace falta un escenario y algo de talento para ser capaz de conquistarla.

Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, ha sido esa estrella capaz de iluminar la capital en sus momentos más oscuros. Aupado por el reciente éxito de La bola negra, película que coprotagoniza junto a Miguel Bernardeau, Milo Quifes y Carlos González, el de Benicàssim salía al Movistar Arena para clausurar su disco Spanish Leather, pero a la vez para dar la bienvenida a la carrera que ya ha empezado por el Oscar. No es que lo admitiera sobre el escenario ni mucho menos, pero ahora mismo no solo es el favorito para arrebatarle la estatuilla a la mismísima Taylor Swift, sino también claro candidato al Oscar a Mejor actor de reparto, algo que no sucede desde 2007... cuando lo ganó Javier Bardem por No es país para viejos.

Precedido por la dulce voz de Isabel Sandoval que sonaba por megafonía con la otoñal Fade into you de Mazzy Star, Guitarricadelafuente saltaba al escenario como ese cervatillo asustado que ha demostrado ser dentro y fuera de la pantalla, una pequeña caracola que va cogiendo fuerza con cada ola. Hasta la cámara lo rehuía al principio, enfocando sus botas doradas -ese spanish leather del que ha hecho gala en su álbum- siendo enceradas bajo un pantalón de purpurina mientras sonaban los acordes de Full time papi, uno de sus grandes éxitos y encargado de abrir un concierto con un significado más que especial para el cantante.

Comprometido con Madrid y su gente

Consciente de que la noche apenas acababa de comenzar pero que suponía un y antes un después en su carrera, el castellonense arrancaba con un tímido “Viva Madrid” que más tarde se convertiría en todo un llamamiento a la unión, casi un poco como el arco de su personaje en La bola negra, ese soldado del bando sublevado al que “le han puesto un fusil en la mano” y quien poco a poco va encontrando su verdadera identidad en la mirada que le devuelve Rafael Rodríguez Rapún, el personaje interpretado por Miguel Bernardeau. No sabemos si Guitarrica miró a Miguel a la cara o sintió su reflejo en los ojos de todos los asistentes que lo acompañaba, pero sin duda encontró sus fuerzas y un inmejorable fusil sobre el público desplazado.

Tras calentar con Calypso y Futuros amantes con el primer guiño a la capital (“Cafeterías de Madrid se ven tan europeas”), el cantante se cambiaba su camisa vaquera y pantalones dorados por unos plateados a pecho descubierto. “Habéis venido a quemaros las pestañas, a relucir esta piel dorada”, recitaba poético mientras apuntaba a las botas que deslizaban por un escenario inundado de arena de playa. “Vamos a celebrar que vamos a vivir”, gritaba antes de entonar otro de sus primeros y más sentidos temas, Conticinio. Tras este momento tan íntimo entre el cantante y sus fans más acérrimos, el cambio de outfit daba paso a una sección mucho más rumbera y, por ende, más bailable para el público del Movistar Arena, que ya le había entregado su corazón pero ahora quería hacer lo propio con sus pies.

Pipe dream, Mataleón, Abc y especialmente La puerta del sol pondrían la nota más alegre, esta última especialmente después de estar dedicada a todos los desplazados a la acampada multitudinaria en el epicentro de la capital. Guitarricadelafuente no se olvidaba de todos los jóvenes y no tan jóvenes alzados en protesta por la vivienda como tampoco lo hacía su buena amiga Samantha Hudson, quien irrumpía en el concierto por videollamada y en directo desde la mismísima Puerta del Sol, desde la que convocaba a todo el público para la huelga de este sábado en Madrid.

Álvaro, Guitarrica y Sebastián

Demostrando al contrario de otros que se puede ser creativo y reivindicativo, estar interesado en el amor y las relaciones humanas sin renunciar a la conciencia social, Guitarrica daba paso al momento más esperado de la noche. La primera interpretación de La nieve, la canción original de La bola negra y clara aspirante al Oscar, cobraba vida por fin sobre un escenario en el que el cantante aparecía con la ya mítica trompeta de Sebastián. El niño, el cantante y el actor se convertían en uno solo al interpretar los preciosos acordes y cantar esos versos que acompañan una de las escenas más bellas y singulares del filme de los Javis y ya de la historia del cine español: “Llego el primero donde arden mil fuegos / De carne y lucero, es mi cruz / Mira de frente como hacía a los veinte / Y quién no le teme al sol / Llego a la nieve, mira qué tontería / Arden las turbias palabras que nunca aprendí”. Que se prepare Taylor Swift y todo Hollywood, que llega un chico de larga melena y más largas pestañas para arrasar en el Dolby Theatre.

No sería una fiesta redonda sin sus invitados más singulares, y tras interpretar La nieve el cantante bajaba del escenario para celebrar el éxito de La bola negra al ritmo de Agua y mezcal con algunos de sus compañeros de reparto. Miguel Bernardeau o Carlos González aparecían por la pantalla en blanco y negro y desataban el griterío del estadio con casi la misma fuerza que los soldados de la película al ver a la cupletista de Penélope Cruz. La chispa entre Guitarrica y el antiguo actor de Élite sigue intacta, y de ahí surgía de nuevo una ráfaga de fuego (metafórico pero también literal, que para algo lo tiene el Movistar Arena) para continuar con Quién teme a la maquina, Guantanamera y Tramuntana, su particular carta de amor a la Cataluña en la que ha crecido los últimos años y a la que profesa tanto o más cariño que Madrid.

El colofón llegaba con su gran hit y carta de despedida oficial para el disco, BABIECA! una canción con la fuerza del caballo del Cid pero que en realidad está dedicada a la historia de amor de sus padres, aunque bien podría ser una predicción de su carrera actual: “Sale en prime time, las noticias / Hoy tengo el poder, la delicia / Pierdo el control en la pista”. Aquel chico con mirada de cervatillo y melena de león sacaba un último esfuerzo para despedirse con Sixtinain, uno de sus primeros temas y que dice: “Voy viajando con las olas / Evitando el temporal / No me falla la memoria / Y tú tampoco lo harás”. Desde este momento y hasta que Hollywood diga lo contrario, Guitarricadelafuente viajará con las olas y con millones de españoles a su lado, pues se ha ganado ya un rincón privilegiado en el corazón de todos con los que su música han bailado.

El actor Olivier Martinez acusó a su ex esposa, Halle Berry, de haber agredido físicamente a su hijo en común, de 12 años, y presentó una petición de orden de restricción temporal en su contra. En el mismo expediente, Martinez solicitó la custodia exclusiva del menor, lo que modificaría el régimen de tenencia compartida que ambos mantienen desde su divorcio. Según consta en la petición judicial, el intérprete francés afirma que el 26 de septiembre la actriz “abusó físicamente” de su hijo Maceo al saltar sobre él y colocarle las manos en el cuello hasta ahogarlo. El documento forma parte de un proceso legal que Martinez impulsó ante la Justicia de Los Ángeles. Martinez solicitó en su petición que se le otorgue la custodia completa del niño, en reemplazo del esquema actual de tenencia compartida entre ambos padres. El actor sostiene que el episodio del 26 de septiembre no fue un hecho aislado.

En el expediente, Martinez señaló que hubo “otras instancias de abuso durante los últimos años”, que incluyen ataques físicos adicionales contra el menor, además de maltrato verbal y emocional dirigido hacia él mismo por parte de Berry. El actor también incluyó en su denuncia una frase que, según afirma, Berry le dijo a su hijo durante una discusión por temas de manutención: que él era “una perra blanca tratando de robarle a una mujer negra”. Martinez agregó que la actriz luego le preguntó al niño cómo se sentía al respecto “como hombre negro”.

De acuerdo con la petición, tras el incidente Berry le envió un mensaje de texto a Martinez para disculparse. El actor escribió que no desea “cortar de manera permanente” el vínculo entre Berry y su hijo, pero consideró que no deberían verse hasta que ella asuma “responsabilidad suficiente” por sus acciones. Martinez pidió además que se ordene a Berry no estar bajo los efectos del alcohol u otras sustancias durante las visitas con el menor. En el escrito indicó que su hijo podría estar “traumatizado” por lo ocurrido y que no quiere pasar tiempo en la casa de su madre.

La respuesta de la defensa de Berry

La abogada de la actriz, Marina Beck, rechazó de manera categórica las acusaciones. En un comunicado, calificó la presentación judicial de “enteramente infundada y deliberadamente engañosa”. Beck sostuvo que existe “abundante evidencia, incluidas numerosas resoluciones judiciales”, de que Martinez violó en reiteradas ocasiones órdenes de la Justicia e interfirió en intervenciones terapéuticas y educativas necesarias para el menor, conducta por la cual, según la abogada, el actor ya fue sancionado legalmente.

La defensa de Berry calificó la denuncia como parte de un patrón conocido. Beck afirmó que la presentación “no resulta del todo inesperada” por parte de alguien con “un historial bien documentado de comportamiento errático, posesivo y violento”. El comunicado agregó que Berry se encuentra “profundamente entristecida” por la situación, pero que no permitirá que esto la disuada de “luchar por los mejores intereses de Maceo” ni de brindarle el apoyo que necesita. Los representantes de Berry no respondieron a los pedidos de comentario adicionales sobre el caso.

Berry y Martinez se casaron y luego iniciaron el trámite de divorcio en 2015, tras dos años de matrimonio. Desde entonces, ambos mantuvieron un acuerdo de custodia compartida sobre Maceo. La actriz tiene además una hija de 18 años, fruto de una relación anterior, que no forma parte de la disputa legal actual entre Berry y Martinez. El proceso judicial por la custodia de Maceo continúa abierto tras la presentación de la petición de restricción. Por el momento, no se informó una fecha para una audiencia que resuelva el pedido de Martinez ni la respuesta formal que Berry presentará ante el tribunal.

Arqueólogos griegos identificaron el yacimiento donde Aristóteles educó a Alejandro Magno, hace más de 2.300 años, en la región de Emacia, al norte de Grecia. Se trata de la antigua ciudad macedonia de Mieza, un complejo de tres hectáreas que incluía aulas, un pabellón deportivo y salones de banquetes. La arqueóloga Angelikí Kottaridi, directora de las excavaciones en la zona, confirmó el hallazgo a la agencia EFE. “Estamos totalmente seguros de que se trata de la escuela que fundó Filipo II”, afirmó, en referencia al rey de Macedonia que gobernó desde el 359 a. C. hasta su asesinato en el 336 a. C.

El recinto incluye un pabellón deportivo, un estadio de atletismo, una pista de correr cubierta y aulas de enseñanza con pupitres de piedra. Entre las ruinas, el equipo de Kottaridi halló monedas, cerámicas y cuatro estiletes, los instrumentos que los alumnos de la antigüedad utilizaban para escribir. Estos objetos podrían aportar pistas sobre la identidad de quienes se formaron en el lugar. El filósofo griego impartió allí clases de ética, política, letras y ciencias naturales a Alejandro, según relata el historiador romano Plutarco en su obra Vidas paralelas. De acuerdo con ese texto, Alejandro fue discípulo de Aristóteles entre los 13 y los 16 años. Dos años después de concluir esa formación, el joven macedonio ya estaba preparado para gobernar. En el año 338 a. C. se puso al frente de la caballería en la batalla de Queronea, el enfrentamiento en el que Filipo derrotó a las fuerzas combinadas de atenienses y tebanos.

Filipo II no solo fundó la escuela de Mieza: también creó gimnasios similares en Anfípolis y en Aigai, la capital del reino macedonio. Sin embargo, según Kottaridi, el centro de Mieza funcionaba como “lo que hoy se describiría como un colegio de élite”. Allí se formaban los hijos de los macedonios más ilustres, con clases de táctica, estrategia y entrenamiento físico orientadas a la guerra. Este año, los arqueólogos descubrieron un complejo de habitaciones contiguo a las aulas, con una antesala y dos salas de banquetes.

En esos ambientes se conservan suelos de mosaico y plataformas elevadas para divanes, pensadas para recibir hasta 20 comensales. La escuela contaba además con una pista de correr techada, conocida como xystós, de 200 metros de longitud, bordeada por 64 columnas dóricas. Esta estructura se utilizaba para el entrenamiento físico durante los días de frío o calor extremos. Según la arqueóloga, los elementos arquitectónicos y decorativos hallados allí son similares a los del palacio real macedonio de Aigai, la actual Vergina, donde residieron Filipo y Alejandro.

Un colegio de élite para los hijos de la aristocracia

Para Kottaridi, “lo más impresionante” del hallazgo es que demuestra que la preocupación estatal por una educación integral y organizada no se originó en ciudades-estado democráticas como Atenas. En esa ciudad solo existían escuelas privadas, donde filósofos como Sócrates o Platón impartían clases. El modelo surgió, en cambio, en la Macedonia de Filipo II. La arqueóloga explica que estos gimnasios, donde se enseñaban letras, el arte de la guerra, la cultura y la lengua griega, acompañaron a Alejandro en su campaña militar.

Con el tiempo, se convirtieron en la piedra angular del periodo helenístico, la etapa histórica que se extiende desde la muerte del conquistador, en el 323 a. C., hasta el fallecimiento de Cleopatra, en el 30 a. C., y el posterior dominio romano. En el año 334 a. C., Alejandro Magno inició la campaña militar con la que derrotó a persas, egipcios y fenicios. En apenas una década consolidó un imperio que se extendía desde Grecia hasta el valle del río Indo, y desde Egipto hasta Asia Central.

En ese vasto territorio fundó decenas de ciudades, entre ellas Alejandría, en Egipto. Según Kottaridi, el elemento más característico de esas nuevas ciudades eran precisamente las escuelas similares a la de Mieza, que contribuyeron a difundir la cultura y la lengua griega entre los pueblos del mundo de esa época. Instalaciones de este tipo se hallaron incluso en lugares tan distantes como Afganistán, en la antigua ciudad helenística de Ai-Khanoum, al este de la actual Kabul. Las excavaciones en Mieza comenzaron en 2024. Este año continuarán centradas en el área del pabellón deportivo y en las aulas de enseñanza del yacimiento.

Hablamos de la banda sonora de la película, compuesta por el músico Raül Refree y la cual ha sido publicada una semana después de su estreno, aunque con algo de polémica. Las bandas sonoras de las películas de estreno suelen llegar el mismo día en que el filme llega a cartelera o incluso unos pocos días antes, pero en el caso de La bola negra esto se ha retrasado un poco más, de ahí que muchos fans se preguntasen si la partitura de la película de los Javis llegaría a ver la luz. Pues bien, lo ha hecho finalmente y ya puede escucharse en plataformas de streaming como Spotify, aunque habrá que esperar un poco más para poder adquirirla en formato físico.

Eso sí, el lanzamiento de la banda sonora ha venido con una ausencia muy grande que no han tardado en señalar muchos fans en redes sociales. Hablamos de la no inclusión de dos canciones importantes para la película, como son el Soldadito español que interpreta Judeline -también presente en el filme en calidad de actriz en el que es su debut cinematográfico- y sobre todo la versión de La leyenda del tiempo de Camarón de la Isla, que además de Refree cuenta con la colaboración del músico Pablo Lluch, conocido principalmente por su labor en la academia de Operación Triunfo.

Otro posible premio para una película que aspira a todo

“no subir soldadito español y la leyenda del tiempo es como si a paquita salas le quitas a noemí argüelles y a lidia san josé”, “queremos la leyenda del tiempo y soldadito español! no hagas como en la mesias sin meter el arbol” o “faltan esas dos canciones” son solo algunos de los comentarios que han circulado por redes sociales como X o Instagram reclamando esos dos temas, aunque de momento ni Refree ni ningún otro miembro de La bola negra se han pronunciado al respecto. La banda sonora sí incluye La nieve, la canción original de Guitarricadelafuente que podría estar nominada al Oscar y quién sabe si incluso ganarlo.

Es una de las muchas candidaturas posibles para una película que ahora mismo se presenta como gran contendiente para los Oscar, con permiso de La Odisea. Los Javis llevan ganando premios desde que debutasen en el Festival de Cannes y la película está atrayendo cada vez más y más público, no solo en nuestro país sino también más allá de nuestras fronteras. Habrá que esperar hasta enero para ver finalmente cuanto del ruido se transforma en nominaciones, pero de momento los espectadores podrán disfrutar de la compañía de la banda sonora de una película que ya es historia del cine español.

Actualización: la productora de la película, Suma Content, ha anunciado que solo se trata de un EP y que el álbum completo saldrá el próximo 16 de octubre con las canciones originales que aparecen en la película.

Hablamos de Tony, la película del estudio A24 centrada en la figura de Anthony Bourdain, cocinero, escritor y presentador de televisión estadounidense que se convirtió en toda una celebridad a principios del siglo XXI, especialmente a partir la publicación del libro Kitchen Confidential: Adventures in the Culinary Underbelly. La película, que llegó a los cines en Estados Unidos el pasado 21 de agosto, no tenía distribuidora en nuestro país y se desconocía su fecha de estreno en salas, hecho que finalmente no se producirá. En su lugar, Tony aterrizará directamente en streaming, aunque al menos ya se sabe en cuál y cuándo lo hará.

El filme dirigido por Matt Johnson (Blackberry) y protagonizado por Dominic Sessa (Los que se quedan), Leo Woodall (The White Lotus) o Antonio Banderas llegará directamente a Prime Video, la plataforma de Amazon. Lo hará el próximo lunes 26 de octubre, coincidiendo con otros estrenos del mes en la plataforma como Haciendo amigos, Masterplan o El sueño americano, otra cinta biográfica y centrada en otro apasionante mundo como el del baloncesto y la NBA.

Pasión por los fogones

La historia sigue a Tony, un joven aspirante a escritor de Nueva Jersey que, después de fracasar en una beca literaria, viaja a Provincetown, Massachusetts, detrás de una chica. Sin dinero ni un rumbo claro, consigue trabajo fregando platos en un restaurante de mariscos. Allí entra por primera vez en el ambiente caótico, intenso y competitivo de las cocinas profesionales, y descubre que la gastronomía podría convertirse en su verdadera vocación. Antonio Banderas interpreta al dueño del restaurante y Emilia Jones a Nancy, la chica que Tony intenta conquistar. La película está inspirada libremente en algunos capítulos de las memorias Kitchen Confidential, por lo que mezcla hechos reales con personajes y situaciones inventados. No es una biografía completa ni explica cómo llegó a ser famoso; funciona más bien como una historia de iniciación sobre un joven perdido que empieza a encontrar su lugar.

Anthony Bourdain fue un chef, escritor, periodista y presentador estadounidense. Se hizo famoso por mostrar el mundo de los restaurantes desde dentro, con una mirada muy directa y poco idealizada. Bourdain destacaba porque no se limitaba a hablar de platos: utilizaba la comida para acercarse a otras culturas. Rechazaba tratar las tradiciones gastronómicas extranjeras como algo exótico o inferior y mostraba curiosidad, respeto y empatía hacia las personas que conocía. Murió por suicidio en Francia el 8 de junio de 2018, a los 61 años. Por eso, Tony se concentra en una etapa mucho más temprana de su vida: antes de convertirse en el famoso chef, autor y viajero televisivo que conoció el público.

Guitarricadelafuente se suma a una lista de personalidades que serán distinguidas en esta edición del festival. Entre ellas figuran Helen Mirren, que recibirá el Legend of Entertainment Award, y Julianne Moore, galardonada con el Icon Award. También será reconocido Patrice Vermette con el Variety Creative Impact in Production Design Award. El Discovery Award que recibirá Guitarricadelafuente está destinado a celebrar su primera incursión como actor en un largometraje.

Las posibilidades de que Guitarricadelafuente obtenga una nominación al Oscar a mejor actor de reparto subieron a 57%, de acuerdo con datos de Awards Expert citados por Variety. El avance se produjo en los días previos al anuncio del Discovery Award y refuerza las expectativas en torno a su interpretación en La Bola Negra, un filme que ya acumula menciones como una de las apuestas de la temporada de premios. La película está dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como Los Javis. En ella, Guitarricadelafuente interpreta a Sebastián, un soldado durante la Guerra Civil española que se enamora de un prisionero herido al que custodia en un hospital, interpretado por Miguel Bernardeau.

Una carrera llena de premios

El filme reúne tres historias sobre hombres homosexuales que abarcan casi un siglo de historia española. Una de ellas sigue a Carlos, interpretado por Milo Quife, un joven que es rechazado en 1932 por un club social exclusivo de Granada por su orientación sexual. La tercera historia tiene como protagonista a Alberto, un historiador queer interpretado por Carlos González, quien en 2017 descubre secretos familiares tras la muerte de su abuelo. El elenco se completa con Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close y Julio Torres

La Bola Negra llega al festival de Savannah con un recorrido previo en certámenes internacionales. La cinta ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto y también el Premio del Público en el Festival de San Sebastián. Además, Calvo y Ambrossi obtuvieron el premio a mejor dirección en el Festival de Cannes por este trabajo. Esa trayectoria previa en festivales de peso había alimentado ya las expectativas de cara a la temporada de premios de Hollywood, un contexto en el que ahora se inscribe el crecimiento en las proyecciones de Oscar para Guitarricadelafuente.

Guitarricadelafuente se dio a conocer en 2018 con El Conticinio, un tema que grabó con un micrófono de PlayStation. Esa misma grabación fue elegida en 2025 para un comercial de Apple dirigido por Spike Jonze y protagonizado por Pedro Pascal. Entre sus primeros éxitos se cuentan Guantanamera y Nana Triste, este último junto a Natalia Lacunza, que acumularon 59 millones y 70 millones de reproducciones respectivamente. Su álbum debut, La Cantera, salió en 2022. En 2025 publicó Spanish Leather, con una portada fotografiada por Wolfgang Tillmans. Para La Bola Negra compuso además el tema original La Nieve, que ya se encuentra disponible en plataformas de streaming.

La película que Woody Allen rodará en Madrid será muchas cosas, pero desde luego no una película política. Así lo ha admitido el propio director en la presentación de su próximo proyecto en los Teatros del Canal de Madrid, donde ha dado los primeros detalles de su próxima película acompañado por el alcalde de la ciudad José Luis Martínez Almeida y la presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso. El neoyorkino ha sido preguntado por el tema del que todo el mundo habla esta semana en la capital, la multitudinaria acampada en la icónica Puerta del Sol en protesta por el caso Maricarmen en particular y la situación de la vivienda en España en general. Un tema del que Allen cree que no puede opinar.

“Nunca he sido un cineasta político, no tengo la sabiduría ni las aptitudes sociales. Estoy centrado en lo romántico, sé solo lo que he leído en los periódicos pero no tengo más información que una persona normal. No puedo arrojar nada de luz en ese tema. Mi trabajo siempre ha sido no político y centrado en las relaciones humanas”, afirmaba el cineasta durante la presentación del filme, aun sin título, que se rodará en Madrid durante las próximas seis semanas, y que contará con el español Peter Vives en su reparto, así como Jemima Kirke y Alexi Wasser, presente en el anuncio del proyecto en Madrid.

“Vivo en una casa en Nueva York, pero no sé nada sobre vivienda. Sinceramente, no soy la persona adecuada para responder. A menos que haya algún problema del que no esté al corriente, vives en una casa, tienes a tu familia y así es como va la vida”, insistía Allen al ser preguntado directamente por la acampada que tiene lugar estos días en Madrid, la misma ciudad que ha elegido a pesar de tener otras opciones sobre la mesa como el País Vasco, Canarias o Navarra, tal y como revelaba el productor de la película Miguel Morales, de Wanda Visión.

Consciente pero no pendiente

A pesar de admitir haber leído los periódicos y ser hasta cierto punto consciente de la actualidad madrileña, la cual lleva viviendo desde hace meses, Allen reafirmaba su interés en las relaciones humanas y no en la problemática de la vivienda que viven sus ciudadanos estos días. “Escribí la historia para estar en el extranjero, en un ambiente diplomático. Madrid tenía sentido. Yo estaba interesado en la ciudad y creo que encajaba en la idea de la película. Ya había trabajado en San Sebastián o Barcelona, y creo que sería una nueva experiencia, fresca. He actuado aquí y promocionado películas, pero nunca rodado y tengo muchas ganas de hacerlo”, revelaba el cineasta, que ha pasado las últimas semanas viviendo en Madrid junto a su esposa y disfrutando de la llamada vida madrileña, en palabras del alcalde José Luis Martínez Almeida.

“No es Nueva York, pero en ninguna otra ciudad se va a sentir tan en casa. Es un madrileño más comprando y disfrutando de la ciudad. Lo que mejor hacemos los madrileños, dar calor y acogida a los que vienen de fuera”, aseguraba el alcalde en su bienvenida a un director que presenta la que será su 51º película en su rica filmografía, plagada de títulos icónicos como Annie Hall, Manhattan o Misterioso asesinato en Manhattan, a la que aseguraba Wasser que se parecerá este nuevo proyecto.

De momento se desconoce el título de la película, aunque sí se sabe que deberá llevar el nombre de Madrid en él, como parte del acuerdo al que llegó con la Comunidad de Madrid dentro de que esta aportase un millón y medio al proyecto. Como hiciera con Medianoche en París o Desde Roma con Amor, Allen imprimirá su particular visión a la capital española en una historia de la que no ha querido desvelar demasiado, pero que asegura mezclará elementos habituales en su prolífica carrera. “Es una comedia con romance, intriga, infidelidad y otros ingredientes. Siempre creo que voy a hacer una historia pero nunca lo sabes hasta que haces la película, simplemente la haces. Creo que tengo los ingredientes pero hay que verlo, y ahora viene la parte dura, hacer la película juntar todo y esperar que esté a la altura de mis expectativas, y haré todo lo posible para que así sea. Creo que Madrid es la ciudad adecuada para ello”. Parece claro que Allen se ha enamorado de Madrid, aunque no de la que está ahora mismo en su epicentro.

El mes de octubre suele ser el de Halloween y las películas de terror, pero no hay que olvidar que también es el de los primeros grandes estrenos que apuntarán a los Oscar. Algunos se han adelantado ya como La bola negra, estrenada el fin de semana pasado y uno de los grandes fenómenos del año en España, pero quedan por aparecer por cartelera nuevas películas dispuestas a intentar emular la emoción y disfrute que está dejando la película de los Javis en todo aquel que va a verla.

Los nombres de Tom Cruise, Dakota Johnson o Anne Hathaway son los encargados de hacer de reclamo en esta semana, en la que se intercalan historias de grandes magnates, soldados caídos, parejas desesperadas por encontrar un piso o novelistas encerradas en un gran misterio. Con resaca aun del Festival de San Sebastián y la mirada puesta en Valladolid, Gijón o esa temporada de premios, la de esta semana son historias de altos vuelos con las que dar la bienvenida oficialmente al otoño.

Digger

Tras decir adiós a la saga Misión Imposible de una vez por todas, Tom Cruise encara su próximo papel de una manera un tanto extraña: con un gran cambio físico y sobre todo en un registro en el que no lo veíamos desde quizá Tropic Thunder. Aquí el actor da vida a Digger Rockwell, un magnate del petróleo que ha de afrontar una gran crisis cuando una de sus plantas petrolíferas provoca un gran cataclismo en todo el mundo. Un gran gabinete de crisis se forma para intentar poner fin al desastre, pero las malas decisiones de Digger solo llevan a que la situación empeore por completo.

Lucky Strike

Scott Eastwood, actor de películas como Escuadrón suicida o Fast and Furious X e hijo del icónico actor y director Clint Eastwood, se pone en la piel de un soldado de la Segunda Guerra Mundial que sobrevive a un auténtico infierno. Después de luchas en la Batalla de las Ardenas y caer herido, este soldado queda completamente aislada en medio del caos con solo una radio estropeada y su entrenamiento militar como vías de supervivencia, y tendrá que reunir todas sus fuerzas para aguantar hasta que llegue el rescate. Si es que este llega.

Nuda propiedad

Susana Abaitua y Maxi Iglesias protagonizan esta comedia romántica que expone una peculiar pero cada vez más común situación en nuestro país. Vera y Lucas son una pareja cercana en busca de piso que encuentran el que parece ideal, solo que tiene una gran condición; es de nuda propiedad, lo cual significa que su anciano dueño permanecerá en él hasta morir. Sin embargo, un día el anciano desaparece y regresa de una forma algo diferente, como rejuvenecido. La paranoia y la obsesión se adueñan entonces de una pareja que cada vez ve más difícil disfrutar a solas de la casa.

Sunny Dancer

La actriz británica Bella Ramsey -quien se diera a conocer por Juego de tronos y posteriormente The Last of Us- protagoniza este drama adolescente que te hará ver el lado buena de las cosas. En ella interpreta a Ivy, una joven de 17 años que padece cáncer y acude a un campamento para otros jóvenes pacientes. A pesar de sus reticencias, poco a poco comienza a entablar amistad con el resto del grupo y disfrutar por fin del verano como se merece.

Verity

Empezamos el año con un thriller erótico que fue todo un éxito en taquilla y ahora estamos ante otro caso que quiere ir a rebufo de La asistenta. Basada en la obra de Colleen Hoover (Romper el círculo), Verity reúne a dos de las actrices de moda como son Dakota Johnson y Anne Hathaway, que está siendo una de las intérpretes del año gracias también a Mother Mary y sobre todo La Odisea. La película cuenta la historia de Lowen Asgleigh, una mujer contratada como escritora fantasma para Verity, una autora de bestsellers que ha quedado incapaz tras sufrir un accidente. Al entrar en casa de la autora y conocer a su marido, Lowen irá descubriendo los oscuros secretos del éxito.

El director de cine Woody Allen es desde esta semana hijo adoptivo de Madrid, y lo será durante las próximas 6 semanas que dure el rodaje de su próximo largometraje. Aun sin título pero con buena parte del equipo confirmado, el cineasta neoyorkino llegaba a los Teatros del Canal de Madrid para presentar la que será su 51º película, acompañado del alcalde José Luis Martínez Almeida y de la presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso, encargados de introducir a Allen en la ciudad.

“No es Nueva York, pero en ninguna otra ciudad se va a sentir tan en casa. Es un madrileño más comprando y disfrutando de la ciudad y de lo que mejor hacemos los madrileños, dar calor y acogida a los que vienen de fuera”, afirmaba Martínez Almeida en su intervención de bienvenida al director. “Esta película va a ser desde Madrid para todo el mundo, la va a presentar como una de las grandes capitales y donde hay que estar”, señalaba el alcalde, quien destacaba también que Allen hubiese elegido el proyecto a pesar de no contar con las mismas ventajas fiscales que otras localizaciones como Navarra, País Vasco o Islas Canarias, consideradas en su momento cuando Wanda Visión habló con el director acerca del proyecto.

Un proyecto que no tendrá título pero sí tiene actores, como Jemima Kirke, Alexi Wesser o el español Peter Vives, y que contará nada menos que con el gran José Luis Alcaine como director de fotografía, así como de otras grandes figuras de nuestro cine como Sonia Grande o Alan Bainé en su equipo. Faltaba escuchar la palabra del propio Allen y sobre todo por qué había elegido Madrid como eje central, y que historia puede traer a ella después de haber rodado obras maestras como Annie Hall o Manhattan en Nueva York.

Una comedia con romance en un ambiente diplomático

“Escribí la historia para estar en el extranjero, en un ambiente diplomático. Madrid tenía sentido. Yo estaba interesado en la ciudad y creo que encajaba en la idea de la película. Ya había trabajado en San Sebastián o Barcelona, y creo que sería una nueva experiencia, fresca. He actuado aquí y promocionado películas, pero nunca rodado y tengo muchas ganas de hacerlo”, comenzaba revelando el cineasta, quien recordaba que ya conocía la ciudad de hace tiempo. “Había estado aquí antes, esta no es mi primera impresión. Es una ciudad preciosa y perfecta para la ambientación diplomática que quería para la historia. Si vienes de Nueva York a estas ciudades resultan muy exóticas, sus edificios y la vegetación es pintoresca, es muy diferente a una ciudad americana. Creo que era la ciudad perfecta para esta película”.

Sobre el argumento de la película, Allen asegura que se trata de “una comedia con romance, intriga, infidelidad”, pero también reconoce la dificultad. “Siempre creo que voy a hacer una historia pero nunca lo sabes hasta que haces la película, simplemente la haces. Creo que tengo los ingredientes pero hay que verlo, y ahora viene la parte dura, hacer la película juntar todo y esperar que esté a la altura de mis expectativas, y haré todo lo posible para que así sea”, detallaba.

A pesar de ser preguntado por la presente protesta que ahora mismo tiene paralizado el centro de la ciudad, Allen rechazaba posicionarse al respecto. “Nunca he sido un cineasta político, no tengo la sabiduría ni las aptitudes sociales. Estoy centrado en lo romántico, sé solo lo que he leído en los periódicos pero no tengo más información que una persona normal. No puedo arrojar nada de luz en ese tema. Mi trabajo siempre ha sido no político y centrado en las relaciones humanas”, recordaba el cineasta, quien también comentaba cómo ha evolucionado su estilo. “Cuando era joven era mucho más convencional y dedicado, me he vuelto algo perezoso y ahora tengo un estilo de planos largos en el que los actores están mas agradecidos por tener que hacer menos tomas. Empezó porque era perezoso y ahora es todo un estilo cinematográfico. Quiero hacer el plano e irme a casa”, bromeaba el director.

Un último baile

Vives y Wasser, presentes en el encuentro junto al director, daban las pequeñas pinceladas de sus personajes. “Soy muy similar al personaje, me he preparado toda mi vida para esto. Es un poco como Misterioso asesinato en Manhattan. No quiero decepcionar a Woody”, comentaba Wasser, mientras que el español desvelaba que su personaje es “un diplomático casado con la mujer protagonista”. Algo coartados por poder revelar demasiado de la película, Allen salía al paso para explicar el proceso de casting. “Miramos a muchos actores, y finalmente lo redujimos a unos pocos con los que probamos los personajes. Estos son maravillosos, era increíble escucharles leer la historia, era perfecto y tal y como imaginaba en mi cabeza.

Allen viene de haber rodado en Francia su última película, Golpe de suerte, en la que ya contaba con actores menos conocidos para el gran público, de la misma forma que han mantenido los títulos de sus películas en secreto o simplemente sin confirmar hasta su mismo fin de rodaje. “No tendré un título hasta que termine la película”, confirmaba el neoyorkino, quien insistía en que no tiene pensado dejar el cine de momento. “No me quiero retirar del cine aun, y he en Madrid he encontrado la ciudad perfecta para esta historia”.

Netflix y Filmin han sellado un acuerdo de colaboración que transformará la oferta cinematográfica disponible para los usuarios de la plataforma de streaming en España. La alianza permitirá incorporar, de forma mensual, una selección de películas de ficción y documentales elegidos por el comité editorial de Filmin, reconocida por su enfoque en el cine de autor, independiente y de culto.El acuerdo representa una maniobra inédita dentro del panorama del streaming español. A partir de ahora, el catálogo de Netflix integrará un espacio dedicado donde, cada primer día del mes, se sumará un paquete de 10 títulos bajo licencia de Filmin, con permanencia de dos meses antes de dar paso al siguiente ciclo temático.

La iniciativa debuta con la colección temática Octubre de misterio, pensada para coincidir con la temporada de Halloween. Este primer paquete marca el inicio de un modelo que se repetirá cada mes con una nueva selección de 10 películas. Las futuras colecciones se adaptarán a momentos del calendario cultural. El documento del acuerdo menciona como ejemplos la temporada de premios de la Academia de Cine o distintos festivales de renombre. Este esquema reproduce, dentro de Netflix, la lógica que Filmin aplica habitualmente en su propia plataforma, donde organiza su oferta en torno a ciclos temáticos renovables. La diferencia es que ahora esa curaduría llegará a un público mucho mayor. Entre ellos se encuentran títulos como El último late night, Good Boy o Los sudarios, la última película del director David Cronenberg.

El modelo rotativo busca ofrecer una experiencia actualizada de forma constante. Cada ciclo de dos meses da tiempo a los usuarios para descubrir los títulos antes de que sean reemplazados por la siguiente tanda temática. Desde la dirección de Netflix, Diego Ávalos, vicepresidente de contenidos para España, Portugal y Turquía, destacó el valor complementario de la alianza. Según Ávalos, mientras que Filmin construyó una comunidad fiel en torno al cine especializado, Netflix aporta la escala necesaria para llevar estas propuestas al gran público. Por su parte, Juan Carlos Tous, CEO y cofundador de Filmin, calificó la colaboración como “un respaldo histórico” a los casi veinte años de trayectoria de la plataforma española. Tous remarcó que el proyecto refuerza la misión principal de Filmin: conectar el cine de calidad con el mayor número de espectadores posible. Ambos directivos coincidieron en presentar el acuerdo como una combinación de fortalezas distintas. Netflix pone a disposición su infraestructura y su base global de suscriptores; Filmin aporta el criterio editorial y el prestigio acumulado en el circuito independiente.

Qué gana cada plataforma con la alianza

El acuerdo ofrece una segunda vida a producciones aclamadas que, hasta ahora, contaban con una difusión más acotada. Al integrarse en el ecosistema de Netflix, estas películas acceden a una base de usuarios significativamente más amplia que la de Filmin por sí sola. Para Netflix, la colaboración diversifica su catálogo sin perder el sello de prescripción que distingue a Filmin dentro del cine especializado. La plataforma suma así un espacio reconocible para el público interesado en propuestas alejadas del circuito comercial masivo.

¿En qué consiste exactamente el acuerdo entre Netflix y Filmin? La colaboración incorpora cada mes 10 películas de ficción y documentales elegidos por el equipo editorial de Filmin al catálogo de Netflix, con permanencia de dos meses por colección. El estreno es la temática Octubre de misterio, coincidiendo con Halloween, y los próximos ciclos se ajustarán a hitos del calendario cultural como festivales o premios. Para Filmin, el beneficio principal radica en la visibilidad. La plataforma española, especializada en cine de autor, gana acceso a la escala de distribución de uno de los mayores operadores de streaming a nivel mundial.

En conclusión, se trata de una gran noticia para los usuarios de cada plataforma, aunque los que tuvieran ambas ya podían disfrutar en gran medida de ello. A Netflix siempre se le ha demandado un catálogo de mayor calidad y variedad en cuanto a cine se refiere mientras que Filmin obtendrá un merecido reconocimiento a nivel popular. Quien sabe, quizá esta sinergia invite precisamente a que muchos suscriptores de Netflix descubran su próxima película favorita y terminen entrando en el amplio y maravilloso universo cinéfilo que llevan años proponiendo desde Filmin.

Christopher Abbott, el actor confirmado como Profesor X en el reboot de X-Men de Marvel, reconoció que la revelación de su fichaje en el evento D23 no generó la reacción que esperaba entre los asistentes. El intérprete, conocido por su trabajo en Girls o la reciente Al este del edén, admitió en una entrevista con New York Magazine que buena parte del público presente no lo reconoció al momento de salir al escenario. Abbott describió el momento como una experiencia contradictoria: comenzó con entusiasmo, pero el silencio del público lo hizo bajar el tono de inmediato. El actor contó que salió “bastante entusiasmado” y que incluso estuvo a punto de celebrar con un gesto de puño, pero el aplauso tibio lo llevó a optar por un simple saludo con la cabeza en su lugar.

Durante la presentación de Disney Entertainment Showcase en D23: The Ultimate Disney Fan Event, realizada el 14 de agosto de 2026 en Anaheim, California, Abbott fue presentado junto al resto del elenco del nuevo X-Men. Según su propio relato, la falta de reconocimiento inmediato por parte de los fanáticos cambió su actitud en cuestión de segundos. “Creo que empecé a salir con bastante entusiasmo, y luego sentí que mucha gente ahí no sabía quién era yo, así que mi energía cambió en una fracción de segundo”, explicó Abbott. El actor agregó que se volvió “un poco más humilde” respecto a la situación tras percibir esa reacción del público.

Christopher Abbott fue anunciado como el nuevo Profesor X durante D23 2026 y admitió públicamente que la escasa reacción de los fanáticos ante su presentación lo tomó por sorpresa. El actor relató que gran parte del público no lo identificaba, lo que lo llevó a moderar su entusiasmo inicial frente al escenario. “Casi hago un gesto de puño cuando salí, y luego sentí que el aplauso fue silenciado”, continuó el actor. “Así que pensé: voy a salir y simplemente asentir con la cabeza. Se siente casi como un videojuego, o un sueño. No como un buen sueño. Es un poco de ambas cosas: un poco de sueño y pesadilla”.

El elenco confirmado para el reboot

Abbott fue revelado como Profesor X junto a otros nombres que se sumaron al proyecto en el mismo evento. Entre ellos figuran Inde Navarrette en el papel de Rogue, Maya Boyd como Storm y Adam Driver, compañero de Abbott en Girls, como el villano Mr. Sinister. A esos anuncios se suman confirmaciones previas de elenco: Sadie Sink como Jean Grey, Kit Connor como Cyclops y Samara Weaving como Emma Frost. El conjunto conforma el núcleo central de personajes para la nueva versión del equipo mutante dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). El nuevo filme de X-Men tiene fecha de estreno en mayo de 2028 y representa el primer reboot del equipo mutante desde Dark Phoenix, la película de 2019 producida por Fox.

Aquella entrega contó con un elenco que incluyó a James McAvoy como Profesor X, Michael Fassbender como Magneto, Jennifer Lawrence como Mystique, Nicholas Hoult como Beast, Sophie Turner como Jean Grey, Tye Sheridan como Cyclops, Alexandra Shipp como Storm, Evan Peters como Quicksilver y Kodi Smit-McPhee como Nightcrawler. La nueva producción marca así un cambio generacional en los actores que encarnan a los personajes centrales de la saga mutante, ahora bajo la órbita de Marvel Studios. Antes de asumir el que describió como su papel más comercial hasta la fecha dentro del MCU, Abbott se prepara para el estreno de la miniserie de Netflix East of Eden. La producción, en la que comparte elenco con Florence Pugh y Mike Faist, tiene previsto su estreno el jueves. El proyecto llega como antesala a su incorporación formal al universo de X-Men, donde dará vida a uno de los personajes más reconocidos de la franquicia mutante.

Madrid concentra durante los próximos meses una serie de exposiciones que revisan momentos clave de la fotografía y el arte del siglo XX, desde la experimentación formal hasta la crítica social. La galería MARC BIBILONI presenta A Matter of Taste, un recorrido por la obra de Martin Parr y su mirada irónica sobre el consumo y la vida cotidiana. Fundación MAPFRE ahonda en los orígenes del Art Brut con La otra orilla de la vanguardia, que revisita la Colección Prinzhorn y su influencia en las vanguardias del siglo XX. El Museo Thyssen-Bornemisza suma a su programación una muestra de Kenny Scharf, referente del East Village neoyorquino y del llamado “surrealismo pop”.

A estas propuestas se agrega, en Espacio Fundación Telefónica, Robert Frank & Los Americanos, que reúne la serie completa con la que el fotógrafo retrató las contradicciones de Estados Unidos en los años cincuenta, en el marco de PHotoESPAÑA. Por último, una nueva exposición ofrece la primera gran retrospectiva europea dedicada a Minor White, figura esencial de la fotografía estadounidense y fundador de la revista Aperture. Cinco exposiciones que, desde distintos enfoques, invitan a repensar el rol de la imagen como documento social, espiritual y cultural.

Minor White

Figura de enorme influencia en la fotografía estadounidense del siglo XX, Minor White (Minneapolis, 1908-Boston, 1976) desplegó su concepto de la fotografía a través de una obra personal, pero también desde la docencia, la actividad editorial y museística. Fundador y editor de la revista Aperture, fue profesor en algunos de los centros más relevantes de la escena norteamericana, como la California School of Fine Arts, el Rochester Institute of Technology y el Massachusetts Institute of Technology (MIT). A través de estos espacios, White buscó presentar la imagen fotográfica como territorio de autoconocimiento y transformación espiritual.

La exposición conmemora el cincuenta aniversario de su fallecimiento y constituye la primera gran muestra de su obra en Europa. Reúne sus temas más representativos —la fotografía de naturaleza, el retrato y el desnudo masculino— con especial atención a su trabajo con secuencias, un formato que el propio White definía como “cine de imágenes fijas” y que consideraba esencial para la construcción de significado en sus imágenes. Algunas de estas piezas se exhiben por primera vez en Europa. Una selección de documentos —hojas de contacto, libros y revistas— completa la muestra y permite reconstruir una visión integral de White como autor, editor y comisario.

Robert Frank & los americanos

Espacio Fundación Telefónica presenta Robert Frank & Los Americanos, una exposición que reúne la serie completa de Los Americanos, el proyecto con el que el fotógrafo retrató las desigualdades, el consumismo y las tensiones sociales de Estados Unidos a mediados de los años cincuenta. Publicadas en 1958 en un libro homónimo, estas imágenes hoy icónicas impactaron en su momento por su honestidad y su capacidad de mostrar aquello que muchos preferían ignorar.

Pionero en la renovación de la fotografía como lenguaje artístico, Frank cambió la manera de mirar el mundo a través de una cámara. La muestra, comisariada por David Campany y con apoyo de la Maison Européenne de la Photographie de París, se presenta en el marco de la XXIX edición de PHotoESPAÑA como una oportunidad para redescubrir uno de los proyectos fotográficos más influyentes del siglo XX. Las imágenes fueron realizadas durante un viaje de Frank por Estados Unidos, a lo largo del cual su optimismo inicial se fue desvaneciendo al conocer de primera mano las desigualdades y tensiones sociales del país. Junto al conjunto prestado por la Maison Européenne de la Photographie, se exhiben copias del International Center of Photography de Nueva York y de colecciones privadas.

Kenny Scharf

Dentro del programa dedicado a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una exposición de Kenny Scharf (Los Ángeles, 1958), miembro destacado del movimiento del East Village de Nueva York en la década de 1980 y pionero del arte urbano contemporáneo, junto a Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y su mentor, Andy Warhol. En su obra aparecen referencias constantes a la cultura popular y al surrealismo, combinadas con figuras antropomórficas fantásticas. Sus composiciones extáticas y una paleta de color deslumbrante generan una experiencia inmersiva, íntima y novedosa a la vez.

Scharf trabaja en pintura, escultura, instalaciones, murales, performance y moda, con un compromiso hacia formas de arte dinámicas que cuestionan las jerarquías artísticas establecidas, en sintonía con la filosofía pop. Su relevancia, sin embargo, trasciende ese movimiento: él mismo acuñó el término “surrealismo pop” para describir su estilo. Su participación en la Bienal Whitney de 1985 marcó el inicio de una proyección internacional que continúa en la actualidad, con obra presente en colecciones de museos de Estados Unidos, Brasil, Alemania, Países Bajos y Japón, entre otros.

La otra orilla de la vanguardia

Fundación Mapfre presenta La otra orilla de la vanguardia, una exposición que recorre la historia de la Colección Prinzhorn. A comienzos del siglo XX, el psiquiatra e historiador del arte Hans Prinzhorn reunió en la Clínica Psiquiátrica de la Universidad de Heidelberg obras realizadas por pacientes de instituciones mentales: dibujos, pinturas, esculturas y tejidos que hasta entonces se consideraban solo material médico. Su libro Expresiones de la locura (1922) difundió internacionalmente estas creaciones y tuvo fuerte repercusión entre expresionistas, dadaístas y surrealistas, que reconocieron en ellas una libertad formal y una intensidad expresiva ajenas a las normas académicas.

En la década de 1930, el régimen nazi manipuló esa asociación para desacreditar el arte moderno bajo la etiqueta de Entartete Kunst (Arte degenerado). Tras la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet retomó el legado de Prinzhorn y acuñó el concepto de Art Brut, en defensa de las obras producidas al margen de los circuitos artísticos oficiales. La muestra propone un diálogo entre piezas de la Colección Prinzhorn y obras de referentes de la modernidad, y plantea una reflexión sobre los criterios de inclusión y exclusión en la historia del arte oficial.

Martin Parr: A matter of taste

La galería Marc Bibiloni presenta A Matter of Taste, una exposición dedicada a Martin Parr, referente de la fotografía documental contemporánea, en colaboración con la Martin Parr Foundation de Bristol. La muestra abrió el 11 de septiembre y podrá visitarse hasta el 31 de octubre, en coincidencia con Apertura Madrid Gallery Weekend.

El recorrido reúne imágenes de más de cinco décadas de trabajo del fotógrafo británico, centradas en el consumo, el ocio y la vida cotidiana. Incluye piezas de sus series emblemáticas The Last Resort (1983-1985), sobre el ocio popular en New Brighton, y Common Sense (1995-1999), que retrata con colores saturados y flash anular objetos y detalles del consumo masivo. Una segunda sala explora su vínculo con la moda, a través de colaboraciones con Vogue y Gucci.

El Principito tendrá una nueva adaptación al cine, esta vez en formato live-action, con Morten Tyldum como director y Simon Beaufoy a cargo del guion. El proyecto se desarrolla junto a Le Petit Prince Groupe, la organización que administra el patrimonio del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, autor de la obra original publicada en 1943. La película busca combinar dos historias en un mismo relato: la vida real de Saint-Exupéry como piloto pionero y escritor, y el universo fantástico del Principito. Según trascendió, la parte histórica se filmará en live-action, mientras que el personaje del Principito se creará mediante efectos visuales.

Tyldum, conocido por dirigir The Imitation Game, fue elegido para ponerse al frente de esta adaptación de gran escala, calificada como un proyecto de aventura familiar. El guion está a cargo de Beaufoy, guionista ganador del premio Óscar por Slumdog Millionaire y responsable también de los libretos de Full Monty y Los juegos del hambre: en llamas. La nueva versión de El Principito llevará a la pantalla grande la vida de Saint-Exupéry combinada con la fantasía del libro, en un proyecto que fusiona el drama biográfico con la aventura visual. La producción retomará, además, elementos de la adaptación gráfica que el historietista francés Joann Sfar realizó de la obra hace 15 años. Esa novela gráfica, desarrollada junto a la familia Saint-Exupéry, exploró el vínculo entre el Principito y el Aviador, un eje que la nueva película también buscará retratar. Sfar participó en el desarrollo del concepto de este filme.

Tyldum describió el proyecto como una historia de gran escala emocional. “Es una historia sobre el amor, el duelo y la pérdida. Se trata de la esperanza, de seguir los deseos del corazón y de ver la vida como una gran aventura”, afirmó el director. Beaufoy, por su parte, señaló el desafío que representa adaptar un texto de esta magnitud. “El Principito es el texto más extraordinario porque nunca pasa de moda. Le habla al niño que hay en cada ser humano”, expresó el guionista, quien agregó que llevar la obra a un formato cinematográfico más amplio constituye una responsabilidad estimulante. Sfar, en tanto, vinculó el nuevo proyecto con su trabajo previo junto a la familia del autor. “Estoy agradecido por la confianza depositada en mí por la familia Saint-Exupéry, junto a quienes creé el cómic de El Principito hace 15 años, para desarrollar el concepto de esta película única”, dijo el historietista, quien remarcó su conformidad con el equipo elegido para dirigir y escribir el filme.

Un proyecto de años

El proyecto es impulsado por Aton Soumache, productor francés detrás de la película animada de El Principito dirigida por Mark Osborne en 2015, que tuvo su estreno mundial en Cannes y recaudó cerca de 100 millones de dólares en todo el mundo. Esa versión ganó el César a mejor película animada y el premio BAFTA infantil a mejor largometraje. Soumache también está detrás de la franquicia Miraculous. Soumache describió el nuevo filme como una celebración de la obra. “Este filme no es simplemente una adaptación, sino una celebración de El Principito, de su historia atemporal y su espíritu perdurable”, sostuvo el productor. La película se produce junto a Paul Trijbits, a través de la compañía Magical Society, con oficina en Londres. Trijbits fue productor ejecutivo de la serie familiar de Netflix La carta para el rey y de la película de Disney Saving Mr. Banks, además de haber participado en filmes como Bloody Sunday de Paul Greengrass, Fish Tank de Andrea Arnold y Jane Eyre de Cary Fukunaga.

El Principito vendió más de 200 millones de copias en todo el mundo y fue traducido a cerca de 600 idiomas y dialectos desde su primera publicación en 1943. Sophie Kopaczynski, directora ejecutiva de Le Petit Prince Groupe, señaló que el objetivo del proyecto es honrar el legado de Saint-Exupéry y, a la vez, construir un filme con atractivo internacional. “A través de su extraordinaria vida y sus escritos, Antoine de Saint-Exupéry nos dio una visión profundamente humanista del mundo que sigue resonando a través de generaciones y culturas”, afirmó Kopaczynski, quien anteriormente ocupó un cargo directivo en Studiocanal y trabajó en distintas franquicias de entretenimiento familiar.

La relación entre David Fincher y Netflix se remonta a 2013, cuando el director dirigió el piloto de House of Cards, la serie que le dio a la plataforma su primer gran éxito original. Desde entonces, Fincher se convirtió en una de las figuras más asociadas a la identidad creativa del servicio de streaming. Bajo el contrato firmado en 2020, el cineasta dirigió tres películas para Netflix: Mank, The Killer y la aún no estrenada Las nuevas desventuras de Cliff Booth. Esta última, con Pitt como protagonista, funciona como una suerte de secuela espiritual de Érase una vez en… Hollywood, aunque desarrollada de forma independiente al universo de Quentin Tarantino.

El director también dejó su marca en otros proyectos de la plataforma. Fue productor ejecutivo de la antología animada de culto Love, Death & Robots y dirigió el piloto de Mindhunter, serie procedimental por la que ganó un Emmy. La salida de Fincher de Netflix respondería, en parte, a la recepción limitada que tuvieron sus últimos trabajos para la plataforma. Ni Mank ni The Killer contaron con un estreno amplio en salas de cine ni con edición en formato físico Blu-ray.

El peso de Cliff Booth en la decisión

Mank llegó en plena pandemia, un contexto que restringió su exhibición en cines. The Killer, por su parte, solo tuvo una breve exhibición orientada a calificar para premios, sin una distribución teatral significativa. La respuesta del público fue tibia en ambos casos. Mank generó un interés limitado entre los espectadores, mientras que The Killer pasó relativamente desapercibido pese a su buen recibimiento crítico. La ausencia de ediciones físicas también habría afectado el tipo de seguimiento de culto que caracterizó a películas anteriores del director, como Zodiac y El club de la lucha, títulos que construyeron su reputación a largo plazo gracias en parte a su circulación en formatos físicos y su exhibición sostenida en salas.

Las nuevas desventuras de Cliff Booth se perfila como la última producción de Fincher bajo el contrato vigente con Netflix. La película, con Brad Pitt nuevamente en el papel de Cliff Booth, representa uno de los estrenos más esperados del director en los próximos meses. El desenlace de este proyecto podría funcionar como un punto de inflexión: si la película logra una recepción más sólida que sus antecesoras, no se descarta que ambas partes reconsideren la posibilidad de extender la relación. De lo contrario, marcaría el cierre definitivo de un ciclo que comenzó con House of Cards.

El caso de Fincher se inscribe en una tendencia más amplia dentro de la industria audiovisual. Varios cineastas de renombre que en su momento firmaron acuerdos de exclusividad con plataformas de streaming han comenzado a reevaluar esas alianzas. El acuerdo original de Fincher con Netflix, firmado en 2020, se dio en un momento en que los servicios de streaming competían de forma agresiva por atraer a directores de prestigio, ofreciendo contratos económicamente atractivos y libertad creativa como principales incentivos. Ese escenario habría cambiado con el correr de los años. La eventual salida de Fincher podría interpretarse como una señal de que parte de los directores de mayor perfil vuelve a priorizar la distribución teatral por encima de los acuerdos exclusivos con plataformas digitales. Por el momento, ni Fincher ni Netflix se pronunciaron públicamente sobre el futuro de la relación tras el estreno de Las nuevas desventuras de Cliff Booth.