El mes de julio se ha despedido con algunos de los títulos más importantes no ya del verano, sino probablemente de todo el año: La Odisea o Spider-Man: Brand New Day están llevando a millones de espectadores al cine como no se veía mucho tiempo, algo que continuará durante estos primeros días de agosto. No obstante, el nuevo mes trae consigo una nueva hornada de estrenos para acompañar a esas dos gigantes y, quien sabe, quizá incluso hacerles algo de sombra.

El final de Oak Street, la misteriosa película de dinosaurios protagonizada por Ewan McGregor y Anne Hathaway y dirigida por el cineasta de culto David Robert Mitchell, o El ser querido de Rodrigo Sorogoyen con un Javier Bardem que acumula elogios, son sin duda las dos películas que mejor se presentan. Pero no las únicas, puesto que también tenemos la vuelta de un aventurero animado, de una gran saga de terror o de Jacob Elordi en la adaptación de una novela distópica de lo más exitosa.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto de eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó manteniendo alejados a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

El final de Oak Street

Llevaba unos cuantos años alejado de Hollywood después de la fría acogida que tuvo su última película, Lo que esconde Silver Lake, pero ahora está de vuelta y con más ganas que nunca. Mientras prepara la secuela de su gran éxito, It Follows, el director David Robert Mitchell regresa con esta particular historia de ciencia ficción sobre una familia que se ve trasladada a la época de los dinosaurios sin previo aviso. Anne Hathaway y Ewan McGregor dan vida a los padres que tendrán que buscar no solo proteger a sus hijos sino también el modo de volver al barrio sanos y salvos.

Insidious: Fuera del más allá

Aprovechando el buen momento de terror de este año con películas como La momia de Lee Cronin, Obsession o Backrooms, las grandes sagas buscan su oportunidad. Tras el regreso de Posesión infernal hace algunas semanas, ahora es el momento de Insidious, la saga que arrancó en 2010 de la mano de James Wan (Saw) y que ha vivido ya cinco entregas. Esta será la sexta con un regreso a los orígenes pero una nueva protagonista que, buscando huir de unos asaltantes, se topará con el plano astral más aterrador en toda la saga.

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Cuarta entrega de la saga de animación de más éxito en nuestro país, Tadeo y Sara viven una nueva aventura en Londres, donde buscan el paradero de la famosa lámpara maravillosa de Aladino y Las mil y una noches. Sin embargo, su ya inseparable compañera la Momia tiene otros planes, y obliga a los aventureros a cruzar medio mundo con tal de arreglar el entuerto provocado y de descubrir el secreto detrás de la lámpara.

La constelación del perro

El director Ridley Scott, veterano en mil batallas desde Blade Runner a Gladiator pasando por Napoleón, vuelve a las andadas con una historia algo diferente a las que nos tiene acostumbrados. El cineasta adapta La constelación del perro, una de las novelas de ciencia ficción más aclamadas de los últimos años, y lo hace de la mano de varios actores de renombre como Jacob Elordi, Josh Brolin y Margaret Qualley. La película contará la historia de un piloto que acaba de perder a su mujer en medio de un apocalipsis por el cual la mayor parte de la humanidad ha fallecido, y el resto busca sobrevivir huyendo de unos carroñeros conocidos como Segadores.

Una noche al año

Las comedias románticas están resurgiendo, y ningún momento mejor que el verano para vivir una historia de corazones rotos y por coser. Allie (Monica Barbaro) y Owen (Callum Turner) se encuentran en una Nueva York de un universo alternativo, en la que los solteros tienen una sola noche al año para mantener relaciones sexuales. Lejos de querer una aventura fugaz como el resto de la ciudad, buscarán estrechar lazos en una noche en la que absolutamente todo lo que puede pasar mal, sucederá.

El ser querido

No se podía despedir el mes sin la que está llamada a ser una de las grandes películas españolas del año, y quizá la que pueda representar a España en los Oscar, aunque tendrá dura la competición con La bola negra de Los Javis, gran favorita. Aun así, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras dirigir la serie Los años nuevos se antoja como una emocionante historia sobre relaciones familiares y el propio cine. En ella, Javier Bardem y Victoria Luengo dan vida a un director de cine y su hija actriz, quienes se reencuentran durante un rodaje del primero en las Islas Canarias. Allí, en medio de un rodaje ya de por sí complicado, estallará todo lo que ambos quisieron decirse y nunca pudieron.

Para quienes vieron Spider-Man: Brand New Day sin conocer de antemano la identidad de la voz de E.V., la sorpresa llegó después. Fue en redes sociales donde se viralizó el dato: Naomi Watts es quien interpreta a la asistente virtual, y su elección no es casual para los seguidores más atentos. La conexión entre Watts y Holland se remonta a una película anterior: Lo imposible. En ese drama dirigido por J.A. Bayona, Watts encarnaba a la madre del personaje interpretado por Holland. La relación madre-hijo que compartieron en pantalla en 2012 quedó grabada en la memoria del público, aunque muchos no reconocieron de inmediato a Watts en su nueva faceta digital dentro del MCU.

El descubrimiento de esta “reunión” ocurrió tras el estreno, cuando usuarios en plataformas como X y Reddit compartieron capturas y fragmentos de entrevistas, sorprendidos por la coincidencia. Los comentarios reflejaban asombro: nadie lo había advertido antes de ver la película, y la noticia se expandió rápidamente, convirtiéndose en uno de esos detalles que enriquecen la experiencia de los fans. La participación de Watts como E.V. adquiere una dimensión simbólica, pues el personaje de la inteligencia artificial actúa como guía y apoyo para Parker en los momentos de mayor dificultad. Aunque no es una madre en sentido literal, la elección de Watts —quien ya había asumido ese rol junto a Holland en Lo imposible— refuerza el vínculo entre ambos actores y aporta una capa de significado adicional para quienes conocen el antecedente cinematográfico.

Un reencuentro inesperado

En Lo imposible, Watts y Holland interpretaron a una familia separada por el desastre del tsunami de 2004, ofreciendo una de las parejas madre-hijo más reconocidas del cine reciente. La película, dirigida por Bayona, consolidó la carrera internacional de Holland y le valió a Watts una nominación al Oscar. Volver a encontrarse, aunque sea en registros diferentes y diez años después, suma un guiño nostálgico que solo algunos espectadores captaron a primera vista. Los comentarios en redes (“Nadie se había dado cuenta” y muchos del estilo) reflejaron entusiasmo y sorpresa, destacando lo inusual de la coincidencia y el modo en que el MCU integra detalles que solo se revelan con el tiempo o la investigación de los seguidores más dedicados.

Antes de sumarse al universo Marvel, Naomi Watts había consolidado una carrera internacional con papeles en películas como Mulholland Drive, The Ring y King Kong. Su versatilidad y presencia en distintos géneros la convirtieron en una de las actrices más reconocidas de su generación. La nominación al Oscar por Lo imposible marcó un hito, y su colaboración con directores como David Lynch, Gore Verbinski y J.A. Bayona demuestra su capacidad para adaptarse a proyectos de gran envergadura. La llegada de Watts al MCU, aunque en un rol aparentemente secundario como la voz de una inteligencia artificial, abre la puerta a posibles expansiones de su personaje, siguiendo ejemplos previos dentro de la franquicia.

La experiencia previa de actores como Paul Bettany, quien pasó de ser la voz de J.A.R.V.I.S. a interpretar a Vision en pantalla, sugiere que la presencia de Watts en el MCU podría crecer en próximas entregas. Por ahora, su interpretación de E.V. añade una capa de profundidad y nostalgia para quienes recuerdan su trabajo junto a Holland, y plantea nuevas posibilidades para el desarrollo de la saga de Spider-Man. La noticia de que Naomi Watts vuelve a ser la “madre” de Tom Holland en Spider-Man: Brand New Day es un ejemplo de cómo la industria conecta trayectorias y guiños cinematográficos, sorprendiendo tanto a los seguidores nuevos como a los veteranos.

Inde Navarrette, protagonista de Obsession, ha confirmado que negocia su ingreso al Universo Marvel y comparte abiertamente cuál sería su personaje soñado. “Me encantaría ser parte de Marvel. Creo que es divertido, especialmente porque crecí viendo X-Men”, explicó la actriz en una entrevista reciente, dejando en claro su vínculo emocional con la franquicia y su entusiasmo por sumarse a sus filas. La actriz, que hasta hace nada era una completa desconocida, tiene ahora el mundo a sus pies y las ideas más que claras.

La actriz, que se ha convertido en una de las revelaciones de Hollywood tras liderar el éxito de terror independiente Obsession, no solo ha captado la atención de la industria por su desempeño actoral, sino también por su interés en los universos de superhéroes. Navarrette confirmó que ha mantenido una reunión con Jake Schreier, el director encargado de la nueva versión de X-Men para Marvel Studios y responsable de Thunderbolts, aunque evitó precisar si se trató de una negociación concreta por un papel. “He tenido muchas reuniones desde que salió Obsession, y eso ha sido muy bueno, porque conoces gente y puedes hacer preguntas”, comentó. El encuentro, según relató, fue principalmente una oportunidad para expresar su admiración por el trabajo de Schreier en Thunderbolts, destacando el enfoque en los personajes que, en su opinión, distingue a Marvel en sus mejores momentos.

La actriz fue directa al revelar cuál sería su papel predilecto en el Universo Marvel. “Mystique siempre ha sido muy guay”, respondió cuando le preguntaron por el personaje que más desea interpretar. Navarrette recordó su fascinación de niña por el proceso de maquillaje y prótesis que requiere el personaje, popularizado primero por Rebecca Romijn en la trilogía original de X-Men y después por Jennifer Lawrence en las precuelas. “De pequeña, veía los detrás de cámaras del proceso de las prótesis. Eso me parecía fascinante. Siempre miraba los making of de muchas cosas, como Piratas del Caribe y X-Men. Me resultaba muy interesante”, relató.

Navarrette no confirmó si en esa charla se discutió un rol específico dentro de X-Men, pero sí subrayó el valor de poder interactuar con creadores de proyectos que le inspiran. “Eso es un lujo que tengo ahora, conocer a diferentes personas, y no todas esas reuniones se convierten en proyectos. A veces solo quieres trabajar con alguien porque te gusta lo que ha hecho”, manifestó. Mystique, una mutante capaz de adoptar cualquier apariencia, es uno de los personajes más icónicos de la saga. La interpretación de Romijn marcó una época, y la propia actriz volverá a encarnar el papel en Vengadores: Doomsday, que cruzará a los X-Men originales con los Vengadores de Marvel Studios. Navarrette expresó su admiración por el legado de Mystique y su deseo de continuar esa tradición. “Crecí viendo los X-Men de los 2000. Ser parte de eso sería un sueño”, afirmó.

De ‘Obsession’ al radar de Hollywood

En la misma entrevista, Navarrette respondió a especulaciones que circulan en redes sociales sobre la posibilidad de que interprete a Felicia Hardy/Black Cat en una futura entrega de Spider-Man. Al respecto, fue tajante: “No sé quién es”, respondió tras enterarse de que los usuarios la han propuesto en ese papel. “Me encanta Spider-Man y disfruto mucho toda la prensa de Tom Holland que está ocurriendo ahora”, agregó, restando valor a los rumores pero dejando claro su apertura a sumarse a cualquier proyecto de Marvel. Navarrette reconoció que estas especulaciones la divierten, aunque no corresponden a ninguna negociación real: “Cada vez que veo algo así, me río, porque obviamente sé la verdad. Pero me encantaría ser parte de Marvel”, reiteró.

El salto de Navarrette al centro de la conversación en Hollywood se dio gracias a su papel como Nikki en Obsession, una película de terror que sorprendió por su éxito comercial: recaudó 459 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de apenas 750 mil dólares. Esta cifra superó a franquicias como Star Wars: The Mandalorian and Grogu, Supergirl y Moana, consolidando a Navarrette como una de las jóvenes actrices más solicitadas del momento. La repercusión de Obsession multiplicó las oportunidades para Navarrette, quien ahora se encuentra en el radar de los grandes estudios y directores de la industria.

Mientras tanto, el reboot de X-Men dirigido por Jake Schreier sigue sin anunciar su elenco completo. Recientemente se confirmó que Samara Weaving dará vida a Emma Frost, personaje que anteriormente interpretó January Jones. La expectativa por conocer al resto del reparto y el posible ingreso de Navarrette a la saga sigue creciendo, alimentada por sus propias declaraciones y el interés que ha generado su meteórico ascenso. Navarrette, por ahora, se mantiene prudente, valorando cada paso y disfrutando del momento. “Es divertido imaginar qué podría pasar en el futuro, pero por ahora solo me alegra poder conocer y aprender de gente tan talentosa”, concluyó.

La negociación entre Warner Bros. y los representantes de Margot Robbie, Ryan Gosling y Greta Gerwig ha sido el mayor obstáculo para el avance de Barbie 2. La directiva, encabezada por el CEO David Zaslav, consideró que la propuesta elaborada para el talento principal era “demasiado generosa” debido a los porcentajes de participación en ganancias ofrecidos si la película alcanzaba determinados objetivos de recaudación. La información, publicada por The New York Times, indica que los representantes del talento rechazaron una oferta formal en mayo y aún no han presentado una contraoferta. Este estancamiento es visto con preocupación dentro del estudio, que ya invirtió recursos para asegurar la continuidad del proyecto, pero hasta ahora no logra avanzar.

Por su parte, un portavoz de Warner Bros. rechazó la versión de que el estudio se negara a negociar. Según la declaración oficial de los copresidentes del estudio, Pam Abdy y Michael De Luca, existe un acuerdo de derechos con Mattel y se han hecho “grandes ofertas” para intentar cerrar el trato de Barbie 2, pero hasta el momento no consiguieron resultados favorables. La situación pone en riesgo la producción de la secuela y podría afectar la relación entre el estudio y los talentos involucrados, considerados piezas clave para replicar el éxito del primer filme. El acuerdo entre Warner Bros. y Mattel establece que el estudio tiene hasta diciembre para asegurar la continuidad de Barbie 2. De no concretar un contrato satisfactorio con Robbie, Gosling y Gerwig, los derechos revertirán automáticamente a Mattel, lo que dificultaría cualquier intento futuro de producir la secuela bajo la misma fórmula.

Warner necesita cerrarlo antes de diciembre

En este contexto, Warner Bros. ha buscado acelerar las conversaciones, consciente de que el plazo es limitado y que la presión por parte de Mattel también influye sobre las negociaciones. La compañía juguetera tiene interés en mantener vivas las adaptaciones cinematográficas de su franquicia más rentable, pero no está dispuesta a ceder indefinidamente los derechos si el proyecto no avanza. En palabras de los directivos de Warner Bros.: “Tenemos un acuerdo de derechos con Mattel y hemos hecho una serie de grandes ofertas para intentar finalizar los acuerdos y realizar la próxima película de Barbie. Lamentablemente, no hemos logrado un acuerdo hasta ahora”.

La falta de avances ha sido atribuida tanto a la postura del estudio como a las demandas del talento. Mientras Warner Bros. sostiene públicamente que su oferta fue rechazada y no hubo una contraoferta, representantes de los actores y la directora han optado por el silencio, sin emitir declaraciones oficiales sobre el estado de las conversaciones. El CEO David Zaslav tomó la decisión de rechazar la propuesta económica presentada al considerar que excedía los márgenes razonables para el estudio, pese al éxito previo de Barbie. La incertidumbre ha llevado a que ninguna de las partes quiera ceder, lo que genera dudas sobre la viabilidad de Barbie 2 en el corto plazo.

El interés por una secuela surge tras el enorme impacto de Barbie en 2023. La película, dirigida por Greta Gerwig y coescrita junto a Noah Baumbach, recaudó $1.500 millones a nivel global, logró ocho nominaciones al Oscar y ganó en la categoría de mejor canción original. Su lanzamiento, junto con Oppenheimer, dio origen al fenómeno cultural conocido como “Barbenheimer”, intensificado por una campaña de marketing masiva y la estética rosa asociada a la franquicia. Desde 2024, se sabe que Gerwig y Baumbach tienen ideas para el desarrollo de Barbie 2. Sin embargo, el futuro del proyecto depende ahora de una resolución favorable en las negociaciones entre Warner Bros. y el equipo creativo original. La continuidad de la saga está en proceso, condicionada por la capacidad del estudio y el talento para alcanzar un acuerdo económico que satisfaga a ambas partes antes de que expire el plazo contractual.

La nueva película de los X-Men en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) comienza a tomar forma con el anuncio del primer fichaje destacado: Samara Weaving interpretará a Emma Frost, una de las figuras más complejas y populares de los cómics de mutantes. La elección de la actriz australiana marca el inicio de la conformación del equipo que protagonizará el esperado reinicio de la franquicia bajo la dirección de Jake Schreier.

Weaving, reconocida por sus papeles recientes en Noche de bodas 2 y Over Your Dead Body, se incorpora así a una producción que busca redefinir la presencia de los X-Men tras la adquisición de los derechos por parte de Disney en 2019. Emma Frost, personaje que en la saga impresa evolucionó de supervillana a heroína, es famosa por sus habilidades telepáticas y su liderazgo en el universo mutante. La noticia sobre el fichaje fue publicada por Variety, aunque los representantes de la actriz y de Marvel no realizaron comentarios oficiales. La confirmación de Weaving como la primera integrante del nuevo elenco pone en marcha la maquinaria promocional de la película, que aún no ha revelado el resto de los actores que darán vida a los icónicos personajes. El papel de Emma Frost es central para la narrativa, ya que la mutante ha sido tanto antagonista como aliada en los cómics, lo que anticipa una interpretación versátil y con potencial de desarrollo en futuras entregas.

La participación de Samara Weaving en el proyecto supone un movimiento significativo para Marvel Studios. La actriz ha ganado notoriedad en los últimos años por su versatilidad en géneros que van desde el terror hasta la comedia negra, con títulos como The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Su incorporación al MCU representa una apuesta por aires renovados y una imagen fresca para el nuevo equipo de mutantes. Weaving dará vida a Emma Frost, un personaje dotado de extraordinarios poderes telepáticos y una personalidad ambigua que ha evolucionado a lo largo de las décadas en el mundo de los cómics. La adaptación de Frost al cine ha sido esperada por los seguidores desde la integración de los X-Men al universo Marvel, ya que su historia se entrelaza con la de otros grandes líderes mutantes.

Los primeros pasos de los nuevos X-Men

La actriz se suma a una larga lista de intérpretes que han dado el salto a las grandes franquicias del cine, y su elección responde a la intención de Marvel de atraer tanto al público fiel como a nuevas audiencias. El anuncio llega en un momento clave para Marvel Studios, que atraviesa una etapa de reconfiguración tras los discretos resultados en taquilla de sus más recientes estrenos, como Capitán América: Nuevo Mundo y Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos. Según lo informado, la compañía busca recuperar el impulso comercial y creativo que la llevó a dominar la industria durante más de una década.

El reinicio de X-Men es una de las apuestas más fuertes del estudio. Con la dirección de Jake Schreier, conocido por su trabajo en Thunderbolts, la productora espera darle un nuevo aire a la franquicia y aprovechar el potencial de los personajes mutantes, que hasta hace poco estaban bajo control de 20th Century Fox. El reciente evento en la Comic-Con sirvió de escenario para la presentación de otros fichajes destacados, como Ryan Gosling en el papel de Ghost Rider y David Jonsson como el nuevo rey de Wakanda para Pantera Negra 3. Estas incorporaciones refuerzan la estrategia de Marvel de renovar sus historias principales y expandir el universo con nuevos rostros.

La integración de los X-Men al MCU también permitirá que personajes clásicos de las películas anteriores tengan presencia en futuros proyectos. Se confirmó que figuras como Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden volverán en Vengadores: Juicio Final, un filme que reunirá a los principales héroes de distintas generaciones. Esta decisión busca conectar la nostalgia de los seguidores con la nueva visión que desarrolla Marvel Studios. Desde la compra de Fox por parte de Disney, la expectativa por ver a los mutantes junto a los Vengadores y otros héroes del MCU ha ido en aumento, y el fichaje de Weaving es el primer paso concreto en esa dirección.

El estreno de Spider-Man: Brand New Day ha traído un gran cambio de aires al personaje, pero no todo es de estreno en la nueva aventura del superhéroe. Si algo ha definido a las distintas encarnaciones cinematográficas de Spider-Man es cómo han usado la música para contar quiénes son Peter Parker, Miles Morales y sus villanos en cada época. La nueva película, con temas que van de TV On The Radio y Tame Impala a Bad Bunny y Chaka Khan, completa un arco que arranca en el rock alternativo de los 2000, pasa por el hip hop de las películas de Miles Morales y llega al pop global y al reguetón que domina la última década.

Angustia millenial y rock de garaje

El primer Spider-Man, el que muchos consideran el original y verdadero, fue el de Tobey Maguire. Su relación con su mejor amigo Harry (James Franco), sus constantes idas y venidas con Mary Jane (Kirsten Dunst) o sus encarnizados enfrentamientos con el Duende Verde o el Doctor Octopus marcaron un antes y un después para toda una generación, pero esa trilogía a cargo de Sam Raimi escondía detrás la banda sonora del nuevo siglo, la de la angustia millenial y el rock garajero que se infiltraron en cada adolescente con la misma velocidad y contundencia que el gen arácnido en las venas de Peter Parker.

Más allá del reconocible tema oriiginal que compuso Danny Elfman para la primera película, estas películas contaron con artistas como Chad Kroeger de Nickelback, Dashboard Confessional, The Killers, Sum 41, The Hives o The Strokes, gran paradigma del rock indie de principios de los 2000 y quienes, como ha hecho ahora el superhéroe, han regresado ahora con un nuevo álbum, Reality Awaits. En la primera entrega de la saga hasta una de las artistas hacía un cameo, Macy Gray, cantando la canción My Nutmeg Phantasy junto a Tom Morello mientras Spidey rescataba a Mary Jane del primer ataque del temible Duende de Willem Dafoe.

El reboot ‘indie’ de Andrew Garfield

Spidey entró en una nueva década y lo hizo con una nueva piel, una nueva novia y sobre todo, una nueva playlist. Andrew Garfield recogía en 2012 el testigo de Tobey Maguire y lo hacía de la mano de Marc Webb, director de la romcom indie de referencia a finales de la década anterior como fue 500 días juntos. No conseguiría que sonasen los Smiths pero sí otras bandas indies como The Shins, quien participaba con su No Way Down. El de Garfield siempre fue un Spider-Man más retraído e introspectivo y de ahí también que saliese un grupo tan íntimo como Coldplay con su Til Kingdom Come, quizá anticipando el trágico destino de Peter y Gwen.

El viaje de este Spider-Man fue breve pero capturó como ninguno la transición que se daría desde el rock y el pop de los 2000 hacia nuevos sonidos. No en vano la segunda entrega, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, cerraría con Alicia Keys, Kendrick Lamar y el tema It’s on again, aunque lo cierto es que no habría ninguna otra aventura. No obstante, quizá el tema más icónico que haya quedado para los fans de este díptico no sea ni rock ni rap, sino Gone, gone, gone de Phillip Phillip, una canción de Stomp and Holler, género cercano al folk que floreció durante estos años gracias a grupos y artistas como The Lumineers, Vance Joy, Of Monsters and Men o Milky Chance, entre otros. Esos tiempos quedaron atrás pero aun pueden escucharse muchas de estas canciones en ciertas caafeterías de especialidad o locales de hamburguesas con bicicletas colgadas en sus paredes de papel pintado.

Miles Morales, un nuevo universo de hip hop y trap

Mientras el nuevo Spider-Man, el de Tom Holland, se iba infiltrando poco a poco en el Universo Cinematográfico Marvel, el gran punto de inflexión musical llegaba con Spider-Man: Un nuevo universo (2018) y sus secuelas, centradas en Miles Morales. Aquí la música deja de ser un acompañamiento para convertirse en un personaje más. Daniel Pemberton firmaría una partitura que mezcla orquesta con beats de hip hop, pero el verdadero cambio lo traen las canciones y, sobre todo, el trabajo de Metro Boomin. En Un nuevo universo, temas como Sunflower de Post Malone y Swae Lee o Familia de Nicki Minaj se convierten en himnos que definen la película. La banda sonora está construida como un álbum de hip hop y trap, con colaboraciones de artistas como Travis Scott, Jaden Smith, Lil Wayne o Juice WRLD. El sonido es urbano, joven, directamente conectado con la cultura de Brooklyn y con la identidad afro-latina de Miles.

Spider-Man: A través del Spider-Verso (2023) llevaría esa idea aún más lejos. Metro Boomin vuelve a producir una banda sonora que funciona como un mixtape de lujo, con temas de Future, Don Toliver, 21 Savage, A$AP Rocky, Nas o Lil Uzi Vert, además de piezas más experimentales y electrónicas. La música ya no solo refleja la generación de Miles, sino que narra su conflicto interno: entre el legado de Peter Parker y su propia voz, entre el deber y la rebeldía. Este giro es fundamental para entender Brand New Day. Las películas de Miles Morales demostraron que Spider-Man podía hablar el lenguaje del hip hop y del trap sin perder su esencia. Abrieron la puerta a que el universo cinematográfico del personaje aceptara el reguetón, el R&B moderno y el pop global como parte natural de su mundo sonoro.

El MCU: mainstream y música ochentera

Con la llegada de Spider-Man al Universo Cinematográfico de Marvel, la banda sonora da otro giro. Michael Giacchino mantiene un leitmotif reconocible, pero las canciones licenciadas se vuelven más mainstream, más “playlist de Spotify”. En Spider-Man: Homecoming (2017), el tono es de comedia de instituto en pleno auge del streaming: hay pop, hip hop ligero y temas que suenan como lo que escucharía un adolescente en 2017, con clásicos como Ramones o Rolling Stones pero también grupos de actualidad como Alt-j o Spoon.

El director Jon Watts, gran fan del cine adolescente de los ochenta, llenaría las siguientes entregas de algún que otro clásico de la época, como I will always love you de Whitney Houston, Vacation de The Go-Go’s o Back in black de AC/DC. Spider-Man: No Way Home reuniría a los Spider-Man de las anteriores entregas y a sus respectivos villanos, y con ellos una banda sonora mucho más ecléctica que pasaría por Talking Heads, Beastie Boys, Sex Pistols o los queridos Ramones, ya seña de identidad del Spidey de Tom Holland.

Un nuevo día para Spider-Man

La nueva película mantiene la idea de que la música define la generación de Peter, pero la lleva a un territorio que ninguna entrega anterior había tocado con tanta claridad: la coexistencia de rock alternativo, R&B, soul clásico y, sobre todo, hip hop y reggaetón en español. Temas como Wolf Like Me de TV On The Radio -cuyo videoclip dirigió irónicamente el director de las anteriores entregas, Jon Watts- conectan directamente con la herencia indie de los años 2000 y 2010. Es el eslabón con The Strokes, Sum41 y esa Nueva York de millenial de Maguire y Garfield, como si hubiera aprendido de ellos mucho más que a ser Spider-Man. Pero en la misma película suenan EoO de Bad Bunny y Dame Tu Amistad de Dominique Patrick Noel, Hector Luis Pagan, Eduardo Padua y Eddie Montalvo, situando a Peter en una ciudad donde el español y el reggaetón son parte natural del paisaje sonoro.

Ese cambio no es solo estético: es demográfico y cultural. El Spider-Man de las primeras películas hablaba el lenguaje del rock anglosajón dominante en la radio comercial. El de Brand New Day habla el lenguaje de una Nueva York real de 2026, donde el hip hop y el reggaetón son la banda sonora de los barrios, del transporte público, de las fiestas, de las redes. Al mismo tiempo, la inclusión de I’m Every Woman de Chaka Khan y St. Elmo’s Fire de Brian Eno introduce un puente con el soul, el funk y el pop de los 70 y 80. Es como si la película dijera: “Peter ya no solo representa a una generación; representa a varias”. Esas canciones funcionan como un contrapunto clásico dentro de un mundo sonoro muy contemporáneo, algo que recuerda a cómo Spider-Man 3 mezclaba el rock con una banda de jazz escolar, pero llevándolo a otra escala.

Loser de Tame Impala, Fire For You de Cannons y Oh yeah? de Steve Lacy cierran el círculo con el indie y el R&B moderno, manteniendo viva la línea que arrancó con The Strokes y TV On The Radio, pero con una producción más pulida. La música de Brand New Day dice que este Spider-Man es, al mismo tiempo, heredero del rock que lo hizo famoso y producto de una era en la que el hip hop y el reguetón son tan centrales como las guitarras lo fueron para sus primeras películas. De Tom Morello y The Strokes a Metro Boomin y Bad Bunny, cada nuevo Spider-Man ha sonado como su tiempo. Y la nueva película, más que reinventar al personaje, lo pone al día: misma máscara, misma ciudad, pero una banda sonora que demuestra que en 2026 todas los géneros pueden convivir en armonía.

Su primera temporada llegó una semana como esta hace justo dos años. En pleno verano, sin hacer mucho ruido pero dispuesta a demostrar que, a falta de películas, buenas son las series. Y eso que en 2024 apenas habían pasado dos años del estreno de The Batman, la película que presentó a Robert Pattinson como el nuevo justiciero enmascarado. Dos años después, y sin señales de que Pattinson y el director Matt Reeves vayan a volver pronto, quien no ha fallado ha sido la versión del personaje animada y en la pequeña pantalla.

Hablamos de Batman: El cruzado enmascarado (Caped Crusader), el proyecto creado por Bruce W. Timm y que recupera la versión del icónico superhéroe más original, la apegada a los cómics de detectives de los años 40 y 50 más que al de los universos cinematográficos megalómanos. Timm era uno de los principales responsables de Batman: La serie animada, producción de los años 90 que convivió con otros éxitos animados de la época -y muy anteriores al boom de los superhéroes en el cine- como Spider-Man: La serie animada o X-Men, estrenada también en 1992. La serie no solo serviría para profundizar en el personaje, sino también para descubrir a nuevos como Harley Quinn, que nació de esta producción y posteriormente adquirió una popularidad sin precedentes para ningún otro personaje no nacido del cómic.

Con el mismo espíritu, una animación parecida pero las energías completamente renovadas, la serie renació en 2024 en Amazon Prime Video, después de una larga travesía para encontrar distribució en incluso con el miedo de quedar en algún cajón de Warner entre tantas fusiones y remodelaciones de compañías. No fue así y la serie vio la luz bajo la plataforma de la compañía de Jeff Bezos, en donde se puede ver su nueva temporada desde este mismo viernes 31 de agosto.

Una nueva Robin y el regreso del Joker

En esta nueva temporada, veremos de nuevo a Batman (en la voz de Hamish Linklater) y a personajes clásicos que ya aparecieron en la primera entrega como Alfred, Barbara Gordon o Harley Quinn. Si en aquella primera tanda de episodios los villanos fueron gente como El Pingüino -ahora convertido en mujer, con la voz de Minnie Driver-, Catwoman, Luciérnaga o Dos Caras, en esta la gran novedad será la primera aparición del Joker, del que ya se habían dejado algunas pistas al final de la primera temporada. No será la única gran novedad, ya que también estará la primera Robin en pantalla, Carrie Kelley, personaje que fue introducido en los cómics de El regreso del Caballero oscuro de Frank Miller. Junto a ella, villanos clásicos de Batman como El Sombrerero Loco, el Espantapájaros o Enigma desfilarán por las calles de Gotham, obligando a Bruce Wayne a ser más astuto que nunca.

A la espera del regreso del Batman de Robert Pattinson, que como todo parece va para largo y no verá la luz al menos hasta 2028, todos los fans de Batman están de suerte al poder disfrutar de nuevas aventuras y sus queridos personajes durante estos días de verano. Si Batman: La serie animada fue toda una serie fundacional para una generación entera de jóvenes que desarrolló su pasión por el murciélago, ahora es el turno de una nueva con esta serie que, manteniendo la misma esencia, busca ampliar sus horizontes y reinventar el mito.

La espectacular batalla contra los lestrigones en La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, es uno de los momentos más impactantes del cine reciente. Pero tras la figura del héroe Odiseo, interpretado por Matt Damon, se esconde un hecho poco conocido: quien realmente se enfrenta a los soldados gigantes en muchas de las escenas clave no es el propio Damon, sino la especialista canadiense Devyn Dalton.

Para crear la ilusión de que Odiseo y sus hombres se ven amenazados por gigantes de casi tres metros, el equipo de La Odisea recurrió a una técnica clásica y eficaz: la perspectiva forzada. Los lestrigones fueron interpretados por especialistas que superan los dos metros de altura, mientras que los héroes, en varias secuencias, fueron sustituidos por dobles de menos de metro y medio. En este contexto, la figura de Dalton, que mide 1,37 metros, resultó fundamental para el efecto visual que buscaba Nolan.

Dalton ocupó el lugar de Damon en varios planos durante la batalla, aportando una escala realista y dinámica a la secuencia. Según explicó el propio Damon en el pódcast Happy Sad Confused, muchas imágenes en las que parece estar a punto de ser aplastado por los gigantes fueron rodadas realmente con Dalton frente a los especialistas más altos del reparto. El actor relató cómo, tras finalizar el rodaje de estas escenas, se acercó a Dalton para agradecerle su trabajo y la abrazó. En sus palabras, la especialista tenía “los mejores brazos que he visto en mi vida”.

La magia del cine

Este reconocimiento público de Damon ha puesto en primer plano la labor de los especialistas y, en particular, la de las mujeres en un sector históricamente dominado por hombres. Dalton, de 34 años, ha construido una carrera variada como actriz, doble de acción, artista de captura de movimiento, actriz de voz y bailarina. Lejos de ser una barrera, su estatura se convirtió en una ventaja esencial para lograr el realismo de la secuencia de los lestrigones. Al colocarla frente a intérpretes de estatura mucho mayor, la diferencia de tamaño generaba de manera natural la ilusión de que Odiseo se enfrentaba a titanes.

Dalton define su trabajo como “magia del cine”. En declaraciones a The New York Post, expresó: “Se habla a menudo de los especialistas, pero ¿qué pasa con las especialistas? Ha sido un camino muy largo intentando abrirnos paso”. Su comentario resalta el esfuerzo y la perseverancia de las mujeres que, como ella, han conseguido abrirse camino en una industria donde la imagen y el físico suelen ser una barrera adicional.

La carrera de Dalton comenzó poco después de terminar el instituto, cuando se incorporó al mundo del cine como especialista. Su primera gran oportunidad llegó en 2011 con El origen del planeta de los simios, donde interpretó a Cornelia y se adentró en la captura de movimiento. Posteriormente, participó en La guerra del planeta de los simios como Cornelius y sustituyó a César en escenas puntuales. Su trabajo en franquicias reconocidas como The Last of Us y Godzilla le ha permitido consolidar una reputación sólida en la industria.

El ritmo de vida de un especialista exige una preparación física constante. Dalton explica que siempre debe estar lista para cualquier llamado, ya que a veces la contratación llega con tan solo una semana de antelación. Para La Odisea, intensificó su entrenamiento junto a un preparador físico para reforzar fuerza y habilidades de combate. “Oportunidades como esta surgen después de ganarte la confianza y construir una reputación sólida dentro de la industria. No ocurre de la noche a la mañana. Requiere muchísimo tiempo y he pasado toda mi carrera preparándome para esto”, afirma Dalton.

El reconocimiento de Damon no solo ha visibilizado el trabajo de Dalton, sino también la importancia de reconocer cuerpos femeninos fuertes y poderosos en una industria donde la imagen sigue siendo un obstáculo. Dalton celebra que cada vez se preste más atención al papel de las mujeres especialistas, aunque admite que la batalla por la igualdad y la visibilidad continúa: “Muchas mujeres han abierto puertas, pero sigue siendo una batalla constante. Espero poder seguir allanando el camino”, concluye. La batalla de los lestrigones en La Odisea no solo es un ejemplo de destreza técnica y visual, sino también de cómo el trabajo de una especialista puede transformar la percepción del héroe en pantalla. El cine, en definitiva, sigue encontrando nuevas formas de sorprender al público, muchas veces gracias al talento y la dedicación de quienes rara vez aparecen en primer plano.

La conversación surgió cuando el conductor del pódcast le propuso a Holland pensar en una realidad alternativa donde él nunca hubiera sido elegido para encarnar a Peter Parker y, en su lugar, el protagonista de Dune asumiera el rol en el MCU. Sin dudar, Holland respondió con admiración hacia el actor estadounidense: “Creo que él (Timothée) sería un gran Spider-Man. Creo que aportaría mucha emoción. Sería una versión más introspectiva del personaje, lo cual podría resultar interesante”. También destacó las capacidades emocionales del actor, conocido por su trabajo junto a Zendaya —esposa de Holland— en Dune. Según Holland, “Timothée podría ofrecer una interpretación más contenida y profunda de Peter Parker, distinta a la que los seguidores han visto hasta ahora”.

La charla no quedó ahí. En tono de broma, Holland imaginó las consecuencias de ese hipotético intercambio profesional. Si Chalamet hubiera sido Spider-Man, él mismo podría haber interpretado a Paul Atreides en la adaptación cinematográfica de Dune. “Quizá yo conseguí Dune”, bromeó. “Sería un tipo torpe corriendo por la arena. Aunque, la verdad, sería divertido”. Estas declaraciones de Holland no solo muestran su buen humor, sino también una apertura poco habitual entre grandes figuras de franquicias millonarias para hablar abiertamente sobre alternativas en el reparto. El actor reconoció que un Spider-Man interpretado por Chalamet probablemente sería más reflexivo y sosegado, marcando un contraste con su propia versión, que se caracteriza por la espontaneidad y el dinamismo.

Holland y el futuro de Spider-Man en el MCU

Aunque las especulaciones sobre universos alternativos causaron revuelo, Holland subrayó que su presente sigue ligado a Spider-Man. Actualmente, está enfocado en el próximo capítulo de la saga, Spider-Man: Brand New Day. En la misma conversación, el actor reveló que Marvel Studios ya había previsto, desde la etapa de Spider-Man: No Way Home, la posibilidad de entregar el manto del superhéroe a un nuevo personaje. El propio Holland manifestó interés en participar en la transición del legado de Peter Parker, mencionando en particular la idea de presentar y guiar a nuevas generaciones de héroes, como Miles Morales. No obstante, aclaró que esto no significa un retiro inminente: “Estoy dispuesto a seguir siendo Spider-Man mientras Marvel Studios y Sony lo deseen”, afirmó.

El futuro de Spider-Man parece abierto a múltiples posibilidades dentro del MCU, pero Holland insiste en que la decisión sobre la continuidad del personaje dependerá tanto de la evolución de las historias como de la recepción del público. Por lo pronto, el actor mantiene su compromiso con el superhéroe que lo catapultó a la fama internacional. Más allá del MCU, Holland ya tiene en agenda un nuevo desafío actoral. El británico será el protagonista del biopic sobre Fred Astaire que prepara Sony Pictures, bajo la dirección de Paul King. Según confirmó, una vez que finalice la gira promocional de Spider-Man: Brand New Day, dará inicio a los ensayos de baile necesarios para encarnar al legendario artista.

Con este anuncio, Holland amplía el horizonte de su carrera, mostrando su disposición para asumir papeles diferentes e incluso explorar géneros como el musical. El intérprete ha dejado claro que, pese a su identificación con Spider-Man, busca diversificar su trayectoria en la industria cinematográfica. Por ahora, la expectativa de los seguidores se mantiene tanto en el futuro de Spider-Man como en la evolución personal y profesional de Holland, quien continúa ocupando un lugar central en la conversación sobre el presente y futuro del cine de superhéroes y más allá.

Wonder Man formaba parte del selecto grupo de series enmarcadas en el Universo Cinematográfico Marvel que se estrenaron en Disney+ como contenido original. La mayoría de estas producciones, como WandaVision, The Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye y Moon Knight, fueron planteadas como historias autoconclusivas de una sola temporada. Solo Loki logró obtener una continuidad con una segunda temporada emitida, mientras que WandaVision generó dos derivados: Vision Quest y Agatha All Along. La renovación inicial de Wonder Man destacaba precisamente por ser una excepción a la norma de Marvel Studios en la plataforma. El anuncio llegó apenas dos meses después del estreno, lo que sugería confianza en el potencial del producto y su integración en la narrativa del MCU. Finalmente, esa continuidad no se materializó, y la serie se une a la lista de producciones Marvel que no extienden su historia más allá de la primera tanda de episodios.

Wonder Man fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest, con Cretton encargado de la dirección de los dos primeros episodios, y Guest como showrunner. El elenco estuvo encabezado por Yahya Abdul Mateen II en el papel de Simon Williams, acompañado por Ben Kingsley, quien interpretó a Trevor Slattery. La serie también contó con la participación de X Mayo, Demetrius Grosse, Zlatko Burić, Arian Moayed y Olivia Thirlby. La sinopsis oficial describe a Simon Williams como un aspirante a actor de Hollywood que lucha por consolidar su carrera. Tras un encuentro casual con Trevor Slattery, un actor con sus mejores papeles ya en el pasado, ambos se involucran en la filmación de una nueva versión del filme de superhéroes Wonder Man, dirigida por el legendario Von Kovak. A través de estos personajes, la trama explora la lucha por un papel transformador y ofrece una mirada al funcionamiento interno de la industria del entretenimiento.

Un posible futuro por delante

El estreno de Wonder Man fue recibido con una respuesta positiva por parte de la crítica especializada. El primer y único ciclo consiguió un 91 % de aprobación en Rotten Tomatoes. En su reseña para Variety, Alison Herman destacó la química entre Abdul-Mateen y Kingsley, subrayando el tono entre lo absurdo y lo romántico de sus personajes. Además, Abdul-Mateen logró una nominación al Emmy como mejor actor principal en comedia, convirtiéndose en el único intérprete en recibir una candidatura por proyectos tanto de Marvel como de DC. Disney no publicó datos oficiales de audiencia para Wonder Man. Sin embargo, la serie logró alcanzar la octava posición en el ranking Nielsen de streaming durante la semana de su debut, correspondiente al 26 de enero al 1 de febrero. Posteriormente, salió del top ten en la semana siguiente, sin retornar a las listas de los títulos más vistos.

Según personas con conocimiento de la situación, aunque Wonder Man no continuará como serie, los personajes podrían regresar en futuras producciones del Universo Cinematográfico Marvel. Esta posibilidad mantiene abierta la puerta a nuevas apariciones de Simon Williams, Trevor Slattery y el resto del elenco en próximas historias desarrolladas por el estudio. La cancelación de Wonder Man se suma a la tendencia de Marvel Studios de limitar sus series originales a un solo ciclo, con apenas contadas excepciones. El caso refuerza la estrategia de la empresa de reservar la continuidad para producciones que logran un impacto sobresaliente o que están concebidas desde el inicio como franquicias de largo recorrido.

El mes de agosto arranca y con él llega una nueva oleada de series, tanto el regreso de viejas conocidas como la llegada de nuevas historias y personajes. Ya sea para hacer más llevadero el calor o para aderezar la estancia en la playa o la piscina, estas son las mejores series que llegan este mes a plataformas y que no te puedes perder.

El regreso de dos ya míticas como Ted Lasso o Cien años de soledad, la despedida de algunas como Outer Banks o la llegada de nuevos superhéroes como la esperada Linternas que se podrá ver en HBO. Agosto estará llena de grandes aventuras con las que disfrutar los últimos días del verano.

Cien años de soledad (Netflix, 5 de agosto)

Su primera temporada fue toda una sorpresa, así que en la segunda se espera que Netflix redoble la apuesta. La ambiciosa producción que adapta la colosal novela de Gabriel García Márquez regresa para seguir desarrollando las historias de la emblemática familia Buendia, con una Macondo en el que poco a poco las cosas han cambiado, y la llegada del tren pondrá patas arriba todo.

Ted Lasso (Apple TV y Movistar+, 5 de agosto)

El entrenador favorito de tu entrenador favorito está de vuelta. Y no hablamos de José Mourinho, quien ya se encuentra en el Real Madrid con todo dispuesto para empezar la temporada en el Real Madrid. Hablamos de Ted Lasso, el entrenador más carismático de la ficción y quien vuelve después de unos años alejado del terreno de juego. Lo hará con su club ya mítico, el Richmond, pero con un nuevo y apasionante reto: encargarse de motivar al equipo femenino del club londinense, el cual espera contar con la misma suerte y diversión con la que funcionó durante años el masculino.

Los destrozos (Disney+, 6 de agosto)

Fue una de las grandes novelas de hace un par de años, y era solo cuestión de tiempo que encontrase una adaptación, ya fuese en cine o en serie. Al final, y dado el gran volumen de páginas, ha sido en una miniserie de Disney+ a cargo de Ryan Murphy, el hombre con un sello inconfundible gracias a series como American Horror Story. Murphy, quien recogió el proyecto después de pasar por manos de Luca Guadagnino o Kristofer Borgli, reciente director de El drama, colabora ahora estrechamente con el autor de la novela original, Bret Easton Ellis, en esta historia sobre un joven abriéndose camino en la Los Angeles de los años 80 mientras un asesino en serie anda suelto.

Mi brillante carrera (Netflix, 13 de agosto)

La fiebre de Los Bridgerton llega hasta las costas de Australia, donde se desarrolla una nueva historia de amor entre la alta sociedad. Sybylla es una obstinada campesina que sueña con escribir, pero todo cambia cuando la sociedad espera de ella otra cosa. Tras reencontrarse con Harry, un antiguo conocido y ahora rico pretendiente, en quien al principio verá un obstáculo y después un vehículo para su gran oportunidad de mantenerse independiente y creativa.

Linternas

El universo de DC necesita un nuevo héroe, y en etapa de cambios, nada mejor que darle la oportunidad al que históricamente ha sido de los más poderosos. Linterna Verde, que contó con una fallida adaptación a la gran pantalla de la mano de Ryan Reynolds, vuelve ahora en forma de miniserie para contar sus orígenes y poder integrarlo de una forma mucho más profunda y orgánica en el universo que ya diseña James Gunn junto al Superman de David Corenswet o la Supergirl de Milly Alcock.

Outer Banks (Netflix, 25 de agosto)

Una de las series sobre amistad y aventuras dice adiós después de cinco temporadas. De ella han salido algunos de los actores más cotizados en la actualidad, como Drew Starkey o Madelyn Cline, y por el camino grandes aventuras de estos cazatesoros de la costa de Oakland. En esta última temporada buscarán resolver el mayor misterio hasta la fecha mientras lidian con como la vida los lleva a separar sus caminos.

Materia Oscura (Apple TV y Movistar+, 28 de agosto)

Fue una de las grandes sorpresas de ciencia ficción en 2024, y dos años después regresa con una nueva temporada para seguir indagando en los misterios de los viajes en el tiempo. Jennifer Connelly y Joel Edgerton continúan dando vida a esta pareja embarcada en un peligroso viaje a través de distintos universos.

Zendaya atraviesa días de especial relevancia en el mundo del espectáculo. En medio de la promoción de Spider-Man: Brand New Day, la nueva entrega del universo Marvel que protagoniza junto a Tom Holland, la actriz se toma un respiro para mirar hacia atrás y recordar uno de sus trabajos más recientes: su colaboración con Rosalía en la tercera temporada de la serie Euphoria (HBO Max). Aunque la atención mediática se centra en el esperado estreno cinematográfico, la presencia de la artista española en la pantalla chica junto a Zendaya captó la mirada de la audiencia por la intensidad de sus escenas compartidas.

La participación de Rosalía, reconocida por su trayectoria musical, marcó su debut en la actuación con el personaje de Magick, una bailarina nocturna en un entorno criminal. Zendaya, como protagonista de Euphoria en el papel de Rue Bennet, compartió varias escenas con la cantante. En diálogo con la revista Fotogramas, la actriz estadounidense ofreció detalles de ese proceso creativo y resaltó el profesionalismo de Rosalía frente a los desafíos del guion. “Rosalía es una artista con un talento increíble y, además, una persona encantadora”, subrayó Zendaya al recordar la dinámica durante el rodaje. Uno de los momentos más comentados por la prensa especializada y por los seguidores de la serie fue la discusión entre ambas artistas en una escena de alta carga dramática. Según Zendaya, la exigencia interpretativa era elevada, pero el trabajo en equipo facilitó el desarrollo de la secuencia. “Aunque tuviera que insultarme en español, tengo que admitir que me encantó compartir escenas con ella”, confesó la actriz.

La dinámica en el set fue fluida, a pesar de que los roles exigían momentos de enfrentamiento directo. Zendaya explicó que la tensión que se vivía en la ficción no trasladó conflictos fuera de cámara. “Creo que incluso le daba un poco de pena hacerlo, pero yo le decía: ‘no me lo voy a tomar como algo personal, vamos, dime todo lo que tengas que decirme’”, relató la protagonista. De este modo, Zendaya buscó transmitir confianza a Rosalía para que pudiera desenvolverse con naturalidad en situaciones de conflicto dramático, ayudando así a que la cantante se sintiera cómoda interpretando escenas que requerían hostilidad.

El salto actoral de Rosalía y su impacto global

La presencia de Rosalía en Euphoria no solo supuso un reto personal para ella, sino que también fue vista por Zendaya como un fenómeno cultural de alcance internacional. La actriz estadounidense reflexionó sobre la repercusión de la española y la comparó con la de los ídolos pop y con la propia figura de Spider-Man. “Ver lo que representa para tanta gente... En cierto modo es una estrella del pop. Tiene una relevancia cultural global muy parecida a la que puede tener una artista como Rosalía e influye en muchísimas personas”, afirmó Zendaya. Este reconocimiento cobra especial sentido considerando que Rosalía ha consolidado una carrera musical de éxito antes de incursionar en la actuación. La artista española suma así un nuevo logro a su trayectoria, mientras expande su influencia en otros ámbitos del entretenimiento.

Mientras Zendaya sigue disfrutando con el estreno de Spider-Man: Brand New Day, la actriz no pierde de vista los logros de sus colegas. En sus declaraciones, también destacó la evolución profesional de Tom Holland, su coprotagonista en la saga del superhéroe. Zendaya valoró la mirada personal y madura que Holland aportó a esta nueva entrega, así como las ideas técnicas que influyeron en el resultado final del filme dirigido por Destin Daniel Cretton. Aun así, siempre podrá decir que compartió pantalla con la cantante y lo que es más importante, puede decir que la ha insultado sin consecuencias.

El actor Manolo Solo ha fallecido a los 62 años de edad, según ha confirmado la Academia del Cine español. Uno de los grandes rostros del cine español desde hace años, el de Algeciras contaba con un Premio Goya a mejor interpretación por Tarde para la ira, la ópera prima como director del también actor Raúl Arévalo, en la que era la segunda nominación para el andaluz. Con su fallecimiento, el cine español pierde a uno de sus grandes talentos y, sobre todo, a una gran persona ampliamente querida y respetada en el gremio de actores y en toda la industria del audiovisual en nuestro país.

Nacido como Manuel Jesús Fernández Serrano en Algeciras (Cádiz) en 1964, se crio en Los Barrios hasta los seis años y después se trasladó con su familia a Sevilla. Se licenció en Ciencias de la Educación por la Universidad de Sevilla, aunque nunca llegó a dedicarse a la pedagogía. Su vocación interpretativa surgió desde joven; tras formarse en el Instituto de Teatro de Sevilla, debutó como actor teatral en 1989 y comenzó a trabajar en televisión antes de dar el salto al largometraje.

Su nombre artístico, “Solo”, lo adoptó en su juventud, cuando tocaba en grupos de rock and roll, como una forma de “hacer bandera de la soledad” tras quedarse huérfano de padre siendo niño. “De niño, mi pasión era ser actor, pero no encontraba el eco necesario, ni en los profesores ni en los compañeros. Sin embargo di con gente apasionada por el rock. Fui rockero antes que fraile”, contaría en una entrevista. Lo que ese pequeño no sabía es que estaba a punto de convertirse en una gran estrella, pero del cine español.

El actor de las mil caras

Su debut en el cine llegó en 2002 con Todo en lugar, pero pronto se convirtió en un rostro habitual del cine español de autor y de género. Ha participado en más de un centenar de proyectos audiovisuales, incluidos títulos tan emblemáticos como El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), Celda 211 (Daniel Monzón, 2009), La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) o Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016). Precisamente por esta última obtuvo el Goya al Mejor Actor de Reparto en 2017, además de un Feroz y un premio de la Unión de Actores. También fue nominado al Goya por B, la película (2015) y ha recibido otros galardones, como el Premio Talento Andaluz en el Festival de Málaga o el AISGE.

En televisión ha intervenido en series como Hospital Central, Aída, El Ministerio del Tiempo, La Peste o 30 monedas, donde ha demostrado su capacidad para encarnar personajes complejos y ambivalentes. Paralelamente, mantiene una sólida presencia en teatro y ha trabajado como actor y director de doblaje. En años recientes ha protagonizado películas como Una quinta portuguesa (2025), por la que estuvo nuevamente nominado al Goya, o la serie Anatomía de un instante, en la que daba vida al miitar y exministro de defensa Manuel Gutiérrez Mellado.

Por primera vez desde que Tom Holland, un nuevo director se ha hecho con los mandos de la saga. Las tres primeras entregas, desde Spider-Man: Homecoming hasta Spider-Man: No Way Home pasando por Lejos de casa, habían estado dirigidas por Jon Watts. Hombre fuerte en la casa Marvel y encargado de todo lo relacionado con Spider-Man desde hace años, Watts fue relevado para este nuevo proyecto por Destin Daniel Cretton, director habitual del circuito de cine independiente estadounidense y quien dio el salto en Marvel de la mano de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Su buen hacer en aquella película le valdría encargarse de esta nueva aventura del superhéroe encarnado por Tom Holland, en la que impreso todo el corazón y energía que poseían sus anteriores trabajos. No solo Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, sino especialmente sus primeras películas, más centradas en el aspecto emocional que en las escenas puramente de acción.

Una de esas primeras películas, la que le puso en el mapa en gran medida, fue Las vidas de Grace (Short Term 12, 2013), escrita y dirigida por el propio Cretton y encabezada por Brie Larson, con la que ha colaborado habitualmente hasta llegar precisamente a Spider-Man: Brand New Day en la que ha tenido que prescindir de sus servicios a pesar de estar también integrada en el Universo Cinematográfico Marvel. Se podría decir que buena parte del mérito de ello tiene que ver con la gran interpretación que Larson hizo en esta película, pero no fue la única en un filme que puede verse actualmente en plataformas como Movistar+ o Filmin.

Una cantera de grandes actores

Las vidas de Grace relata la historia de Grace, una joven que trabaja como supervisora en el centro de menores Short Term 12, un lugar para adolescentes en estado de precariedad. Aunque Grace es una persona apasionada y entregada a su trabajo, no todos los chicos del centro son igual de buenos con ellas, y tiene que hallar la forma de conectar con ellos mientras lidia con los fantasmas de su propio pasado. Con la llegada de una nueva joven a Short Term 12, Grace comenzará a indagar en sus traumas como manera de recuperar la ilusión en su trabajo y su vida.

Además de Larson, quien da vida a la divertida y empática Grace, la película cuenta con una camada de jóvenes estrellas, muchos de ellos desconocidos por aquel entonces, demostrando así el buen ojo de Destin Cretton. La joven nueva en el centro está interpretada pro Kaitlyn Dever, a quien posteriormente hemos visto en Super empollonas, Nadie te salvará o las series Creedme y The last of Us. También estaba un joven Rami Malek antes de ganar el Oscar por Bohemian Rhapsody o ser villano Bond en Sin tiempo para morir. Incluso Lakeith Stanfield, al que recordarán todos los que hayan visto la magnífica serie Atlanta y películas como Diamantes en bruto, Déjame salir o Puñales por la espalda. En definitiva, un elenco llamado a tocar el cielo que aquí desplegó todo su buen corazón, el mismo que ahora ha trasladado Destin Cretton al universo Spider-Man.

En ese instante, McKellen manifestó su entusiasmo y respaldo con una frase breve y contundente: “Maravilloso… y te lo mereces”. Mackie agradeció el gesto, resaltando la generosidad del veterano actor. La noticia de que Anthony Mackie porta el escudo como el nuevo Capitán América en Vengadores: Doomsday consolida la transición del personaje dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). Este hecho se dio a conocer públicamente durante el rodaje, sorprendiendo incluso a algunos miembros del elenco. Vengadores: Doomsday reúne a figuras destacadas tanto del MCU como de las películas de X-Men. Ian McKellen retoma su emblemático papel de Magneto, personaje que ha interpretado en varias entregas de la saga mutante. En esta nueva producción, Magneto se suma a una alianza inédita de héroes y villanos.

El reparto incluye a Chris Evans, Chris Hemsworth, Danny Ramirez, Sebastian Stan, Paul Rudd, Tom Hiddleston, Letitia Wright, Winston Duke, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Simu Liu, Florence Pugh, Lewis Pullman y Robert Downey Jr., entre otros. También participan antiguos compañeros de McKellen en X-Men, como Patrick Stewart, James Marsden, Kelsey Grammer, Alan Cumming y Rebecca Romijn. La integración de personajes de diferentes franquicias responde a la magnitud del conflicto que aborda la película, en la que los héroes deben unir fuerzas ante una amenaza global.

Magneto toma el mando

Durante una aparición en un festival de cine en Roma, Ian McKellen compartió una experiencia particular vivida durante el rodaje de Vengadores: Doomsday. Según relató, los directores Joe y Anthony Russo le pidieron que mostrara mayor furia en una escena en la que Magneto utiliza sus poderes magnéticos. McKellen explicó que necesitaba una motivación para interpretar el odio que requería el momento. Su solución fue imaginar que destruía la mansión Mar-a-Lago, propiedad de Donald Trump, para dar realismo a su interpretación. “Me pidieron que pareciera odiar lo que destruía. Así que me planté y grité: ‘¡Mar-a-Lago!’”, detalló el actor británico.

Esta anécdota ilustra el ambiente distendido y creativo que predominó durante la filmación, así como la libertad que los directores otorgaron al elenco para encontrar inspiración en la construcción de sus personajes. Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre, presentará un enfrentamiento sin precedentes entre los héroes más poderosos del universo Marvel y el villano Doctor Doom. En un giro notable, Robert Downey Jr. interpreta a Doctor Doom, alejándose de su icónica encarnación de Tony Stark.

La película propone una alianza masiva para combatir la amenaza que representa Doom, integrando a personajes de diversas franquicias y líneas argumentales. La inclusión de figuras históricas de X-Men y la entrega del manto de Capitán América a Anthony Mackie marcan hitos relevantes en la narrativa del MCU. La interacción entre Ian McKellen y Anthony Mackie en el set, y la aprobación espontánea del primero, subrayan el impacto simbólico de este relevo. El gesto de McKellen, al descubrir el nuevo rol de Mackie, se ha convertido en un ejemplo de reconocimiento entre generaciones de actores y personajes en el universo Marvel.

La autora Joyce Carol Oates, reconocida por obras como Blonde, salió en defensa de la película La Odisea dirigida por Christopher Nolan tras una reseña negativa firmada por la traductora Emily Wilson. En declaraciones publicadas en X, Oates cuestionó el tono y el contenido del texto de Wilson, a quien acusó de utilizar “el lenguaje burdo de la gente de MAGA” y de no mostrar el respeto que debería tener una traductora hacia otras interpretaciones de los clásicos.

La polémica se originó cuando Wilson, autora de una aclamada traducción al inglés de La Odisea en 2017, publicó en la London Review of Books una crítica demoledora sobre la versión cinematográfica de Nolan. En su análisis, Wilson sostuvo que la película carecía de “profundidad psicológica, emocional, política y ética” y afirmó que no aportaba “nada convincente”. Este enfoque rigorista provocó la reacción de Oates, quien consideró que la traductora, por su vínculo con el texto original y su labor, debería entablar el debate con mayor consideración hacia quienes “actúan de buena fe”.

En la reseña, Wilson no escatimó adjetivos para describir lo que considera las carencias de la película. Según ella, La Odisea de Nolan presenta su “habitual combinación de grandilocuencia y superficialidad”, con una visión “demasiado confusa” y personajes “poco desarrollados” que no logran sostener la promesa de abordar grandes ideas. Wilson expresó: “Esperaba que la afinidad de Nolan con estos temas homéricos le llevara a nuevas alturas creativas y le permitiera crear personajes más creíbles. Pero la visión de la película es demasiado confusa, sus personajes demasiado poco desarrollados, para cumplir lo que medio promete en términos de grandes ideas, aunque es muy eficaz transmitiendo grandes explosiones y grandes gigantes”.

La traductora añadió que la calidad de los diálogos es “abismal”, que los personajes no tienen una motivación convincente para sus acciones o palabras y que, además, “no hay escenas de sexo y toda la comida tiene un aspecto horrible”. Estas afirmaciones generaron rápidamente debate en redes sociales y entre críticos, abriendo un intercambio sobre los límites de la adaptación cinematográfica de textos clásicos.

“La gente de MAGA”

Frente a la repercusión de la reseña, Joyce Carol Oates utilizó su cuenta en X para expresar su desacuerdo y defender la película de Nolan. Oates escribió que, en lugar de diferir de manera colegiada sobre las interpretaciones de Homero, Wilson recurre a “un lenguaje burdo” similar al empleado por “la gente de MAGA” para atacar a quienes tienen ideas distintas. La autora lamentó la falta de respeto y consideró que, precisamente por su papel de traductora —alguien “al servicio de un texto”—, Wilson debería ser “más considerada y respetuosa con los demás que también actúan de buena fe, tal como ella afirma”. La intervención de Oates pone en primer plano la tensión entre el trabajo de adaptación y el de traducción. Para la autora, el debate en torno a La Odisea no puede dirimirse recurriendo a descalificaciones personales o a un lenguaje que polariza, sino a partir del reconocimiento de la pluralidad de enfoques posibles sobre los textos clásicos.

Antes de la controversia, Christopher Nolan había manifestado admiración por el trabajo de Emily Wilson. En declaraciones a la revista Empire, el director reconoció que utilizó el inicio de la traducción de Wilson —“Háblame de un hombre complicado”— como referencia principal para elaborar el personaje de Odiseo, interpretado por Matt Damon. Este gesto evidenciaba la influencia que la visión de Wilson tuvo sobre el proceso creativo de Nolan, al menos en una etapa inicial del proyecto. El episodio actual contrasta con ese reconocimiento previo y revela la complejidad de los vínculos entre creadores y traductores en la reelaboración contemporánea de los mitos antiguos. El cruce de declaraciones entre Oates y Wilson pone en cuestión cómo se establecen los límites del respeto y la crítica en el ámbito cultural.

El enfrentamiento público entre Oates y Wilson refleja un debate más amplio sobre el modo en que las obras clásicas como La Odisea pueden ser reinterpretadas en el cine y la literatura contemporánea. Para algunos, la fidelidad al texto original es prioritaria y cualquier desviación corre el riesgo de banalizar la obra. Para otros, la adaptación supone necesariamente una transformación que abre nuevas lecturas y diálogos con el presente. La defensa hecha por Joyce Carol Oates y la reseña de Emily Wilson ponen de manifiesto que los clásicos siguen siendo terreno de disputa y que su vigencia está sujeta tanto a la riqueza de las interpretaciones como a la intensidad de las polémicas actuales.

Dicen que a Christopher Nolan, quien anda estos días acaparando todos los focos por el estreno de la aclamada La Odisea, le encantaría hacer una película sobre James Bond, el agente 007. Denis Villeneuve parece haberse quedado con ese sueño por el momento, pero lo que quizá ninguno de los dos sepa es que el año pasado ya se estrenó una de las mejores películas jamás hechas en torno a un espía como él. La misma que por fin ha llegado a plataformas para que puedan disfrutarla todos, ya que no contó con estreno comercial en salas.

Hablamos de Reflejo en un diamante muerto, una película tan extraña como atrevida y diferente, que pasó por el Festival de Berlín y que en nuestro país tuvo una gran acogida en el Festival de Sitges, donde se llevó el Premio de la crítica, o en el festival Rizoma de Madrid. Allá por donde pasó asombró y ahora podrá hacer lo mismo desde las casas de todo el mundo, ya que la película acaba de llegar a plataformas de la mano de Movistar+. Es de esas películas que hay que buscar para encontrar, pero que con ver unos minutos uno se da cuenta de que esta ante algo diferente.

¿De qué va Reflejo de un diamante muerto? Es algo complicado de explicar, pero podría resumirse de la siguiente manera. John (Fabio Testi) es un hombre de setenta años que pasa sus días en un resort prácticamente vacío en la Costa Azul. Prácticamente vacío porque una mujer merodea por sus habitaciones, una con la que, sin saberlo pero intuyéndolo, John guarda una gran conexión. El hombre, que en otra vida fue un agente secreto, comienza a indagar en su memoria para entender qué relación tiene con aquella mujer y cómo ha podido acabar como lo ha hecho, en un resort que le es extrañamente familiar. Ahí comienza la historia del otro John (Yannick Renier), el que fue el mejor espía de su generación en la Riviera de los años 60.

Un brillante juego de espejos lleno de texturas y colores

Incapaz de distinguir entre la realidad en la ficción, entre el recuerdo y la pura imaginación, el protagonista de Reflejo en un diamante muerto se sumerge en un juego de espejos al mismo tiempo que el espectador, quien encontrará una historia tan disparatada e imposible de seguir como para placentera en todos los sentidos de la palabra. Dirigida por el dúo belga Hélène Cattet y Bruno Forzani (Amer, El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo), la película es toda una apuesta por la sinestesia, provocando un juego de colores, texturas e incluso olores que harán que la inmersión en la historia sea total aunque por momentos pueda parecer un delirio. Y en gran medida lo es.

Contando con la aparición especial de María de Medeiros (Pulp fiction), a quien nuestro cine también ha visto recientemente con otra película sobre la identidad como Una quinta portuguesa, la película despliega una serie de efectos visuales prácticos que harían la envidia del mismísimo Nolan. Una narración de lo más particular en la que la imagen siempre va por delante del texto y en la que Cattet y Forzani recurren al humor y a lo meta -con sus guiños tanto a las películas de espías como al cine de género italiano de los 60 y 70- para buscar la complicidad del espectador.

A la espera de que Villeneuve encuentra a su James Bond o que Nolan se decida por su siguiente película tras el éxito de La Odisea, uno puede encontrar la mejor película no oficial de James Bond de los últimos años en esta Reflejo en un diamante muerto, una película que si bien no pasó por cines ahora obtiene la oportunidad de demostrar lo que merece la pena en el streaming, siendo los usuarios de Movistar+ los primeros en descubrir que aun se pueden hacer películas con grandes colores y texturas, con una narrativa distinta y, en definitiva, con la capacidad de sorprender plano a plano, aunque sea con historias o personajes que resulten extrañamente familiares.

El productor y DJ francés Kavinsky, célebre por su influencia en la música electrónica y especialmente por su tema Nightcall incluido en la banda sonora de la película Drive (2011), dirigida por Nicholas Winding Refn y protagonizada por Ryan Gosling, fue hallado muerto en su domicilio de París durante la noche del martes. La noticia fue confirmada este miércoles por el diario Le Parisien. Tenía 50 años. La policía encontró al artista, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, sin vida en su residencia situada en el departamento de Sena-Saint Denis, en las afueras de París. Según las fuentes citadas por el periódico, se investiga la posibilidad de que la causa del fallecimiento haya sido un accidente cerebrovascular. Se informó que en los días previos, Belorgey había padecido dolores de cabeza persistentes, motivo por el cual esta hipótesis cobra fuerza en la investigación.

El fallecimiento de Kavinsky ha generado impacto en la escena musical francesa e internacional, dada su relevancia en el desarrollo del género synthwave y su capacidad para trascender fronteras con un estilo inconfundible. Su carrera estuvo marcada por una propuesta estética y sonora fuertemente influida por la música de los años ochenta, la cultura de los videojuegos clásicos y el house francés. Nacido en 1976 en Sena-Saint Denis, Belorgey inició su trayectoria profesional en la actuación, antes de volcarse completamente a la música en 2005, una decisión alentada por su amigo, el director francés Quentin Dupieux, quien le obsequió un ordenador que ya no utilizaba. Este gesto resultó fundamental para el giro en la carrera artística de Kavinsky.

Como productor, Kavinsky alcanzó notoriedad internacional gracias a Nightcall, tema que compuso y lanzó en 2010, y que un año después se popularizó globalmente al formar parte de la banda sonora de Drive. El éxito de la canción, reconocible por sus sintetizadores oscuros y melancólicos, lo posicionó como referente del synthwave, un subgénero de la electrónica inspirado en la estética retrofuturista y los sonidos vintage. A lo largo de su carrera, el DJ francés publicó tres álbumes de larga duración: Nightcall (2010), OutRun (2013) y Reborn (2022). Cada uno de estos trabajos consolidó su reputación como innovador del género y le permitió mantener una base de seguidores considerable, como lo reflejan sus 4,2 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Una influencia capital más allá del cine

La notoriedad de Kavinsky se vio reforzada en el marco de los Juegos Olímpicos de 2024, donde fue una de las figuras centrales en la ceremonia de clausura celebrada en París. Durante el evento, interpretó una nueva versión de Nightcall junto a la banda francesa Phoenix y la cantante belga Angèle, en una actuación que fue destacada por diversos medios internacionales y celebrada por sus seguidores. Este reconocimiento en un evento global subraya la influencia del artista en la cultura popular contemporánea y su capacidad para conectar con nuevas generaciones a través de su música y su imagen.

Una de las características distintivas de Kavinsky fue la creación de su propio personaje ficticio: un zombi de piel azul y ojos rojos, bautizado con su nombre artístico. Según la narrativa desarrollada por el propio músico, este personaje resucitó en 2006 para dedicarse a la música tras haber estrellado su Ferrari Testarossa en 1986, dotando así a su obra de un trasfondo lúdico y visual que acompañó todas sus portadas e iconografía. Este universo conceptual, sumado a la coherencia estética de sus producciones, consolidó la imagen de Kavinsky como un artista integral, capaz de conjugar música, narrativa y diseño visual en un proyecto que trascendió la mera producción musical.

El fallecimiento de Kavinsky deja un vacío en la música electrónica francesa y europea. Referentes del género y seguidores expresaron sus condolencias en redes sociales, destacando la importancia de su legado y la influencia de temas como Nightcall en la música contemporánea. Hasta el momento, las autoridades continúan investigando las circunstancias exactas de la muerte, mientras el mundo de la música y el cine despide a una de sus figuras más singulares de las últimas décadas.

Sony ha presentado el primer avance de Jumanji: Mundo abierto, la tercera y última entrega de la exitosa franquicia cinematográfica. El tráiler muestra el regreso del cuarteto protagonista, encabezado por Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan. Los cuatro actores retoman sus papeles como los avatares del videojuego que reimagina el universo original de Jumanji para una nueva generación. El adelanto confirma la participación de otros intérpretes recurrentes, como Danny DeVito, Nick Jonas, Awkwafina, Marin Hinkle, Bebe Neuwirth, Lamorne Morris y Rhys Darby. Además, se suman al elenco los actores Dan Hildebrand y Jack Jewkes, aportando rostros nuevos a la dinámica del grupo. Esta combinación de figuras busca mantener el espíritu de aventura, humor y acción característico de la franquicia.

El tráiler de Jumanji: Mundo abierto ofrece un primer acercamiento a la nueva misión que deberán enfrentar los personajes. La trama continúa la fórmula que convirtió a las dos películas anteriores en fenómenos de taquilla: adolescentes atrapados en un videojuego, cuyos avatares son interpretados por Johnson, Hart, Black y Gillan. El avance revela escenarios inéditos y desafíos que refuerzan la mezcla de comedia, acción y los intercambios de identidad que han definido la saga desde su reinicio.

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En esta tercera entrega, el equipo central retoma la interacción que ya había conquistado al público en las producciones previas. El regreso de los mismos protagonistas, junto a la incorporación de nuevos personajes, promete ampliar las posibilidades narrativas de la historia. El tráiler deja ver escenas de acción y situaciones cómicas, reafirmando el tono ligero y familiar que ha caracterizado a la saga desde que en 2017 reiniciase en gran medida el universo de la película original de los noventa con Robin Williams.

Así será la nueva entrega

Jumanji: Mundo abierto se inscribe como la continuación directa de los éxitos previos: Jumanji: Bienvenidos a la jungla (2017) y Jumanji: Siguiente nivel (2019). Ambas películas, que renovaron la franquicia original de 1995 protagonizada por Robin Williams y Kirsten Dunst, trasladaron el concepto del clásico juego de mesa a un entorno digital. En total, las dos entregas anteriores recaudaron más de 1.700 millones de dólares en todo el mundo, consolidando a Jumanji como una de las sagas más rentables de los últimos años.

El guion y la dirección de Jumanji: Mundo abierto están nuevamente a cargo de Jake Kasdan, quien ya había dirigido las dos cintas anteriores. Kasdan comparte la autoría del libreto con Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, responsables también de los textos de las entregas previas. La producción corre por cuenta de Matt Tolmach, Dwayne Johnson, Dany Garcia, Hiram Garcia y el propio Kasdan, garantizando continuidad en el equipo creativo detrás de la franquicia.

El estreno de Jumanji: Mundo abierto estaba programado originalmente para el 11 de diciembre, pero ha sido postergado para el día de Navidad. De esta forma, la película llegará a los cines poco después de los lanzamientos de Dune: Parte Tres y Vengadores: Doomsday, dos superproducciones que compartirán la cartelera en una semana que los seguidores ya denominan Dunesday. Esta coincidencia anticipa una competencia directa por la atención del público durante la temporada navideña. La estrategia de lanzamiento busca aprovechar el alto flujo de espectadores propio de las fiestas, pero también enfrenta el desafío de destacar entre producciones de alto presupuesto y gran expectativa. Con el regreso de los protagonistas originales y la promesa de nuevas aventuras, Jumanji: Mundo abierto cierra la trilogía apostando por el humor, la acción y la nostalgia hacia el universo creado en los noventa.

Emma Stone está de vuelta en la comedia romántica, pero su regreso al género que le vio crecer ha tenido un gran coste para una persona en particular. Los New York Mets, el archiconocido equipo de béisbol, ha tenido que reubicar a un abonado con veintinueve años de antigüedad para ceder su asiento de primera fila al equipo de producción de The Catch, la nueva película que la actriz está rodando durante estos días. El club le comunicó el cambio como un gesto de buena voluntad en una temporada difícil, sin revelar que la verdadera razón era el rodaje de la cinta. Lo que le ofrecieron como mejora fue una plaza en la fila dieciséis junto a la línea de primera base, una ubicación que el aficionado consideró inferior a su habitual posición en el jardín derecho.

El club contactó al abonado la semana pasada y le presentó el traslado como una atención especial, sin mencionar en ningún momento las necesidades de producción de The Catch. El aficionado esperaba acceder a una zona exclusiva durante el partido ante los Dodgers. Lo que encontró fue una vista alejada del campo que ocupó durante casi tres décadas. La situación trascendió en redes sociales cuando la cuenta Knicks Memes publicó que “los Mets engañaron a un abonado para que cediera su asiento a Emma Stone”, señalando que la organización disfrazó el cambio de amabilidad en lugar de ser transparente sobre los motivos reales. La publicación se viralizó rápidamente y dividió a los seguidores del equipo entre quienes defendieron la decisión del club y quienes la calificaron de deshonesta hacia un cliente fiel. El propio aficionado afirmó sentirse desplazado por el brillo de Hollywood y lamentó que el club no le hubiera explicado con claridad por qué necesitaban su asiento.

The Catch es una comedia romántica que llegará a los cines en mayo de 2027 y que también protagoniza Chris Pine. Las escenas filmadas en Citi Field muestran a Emma Stone en el banquillo, interactuando con jugadores y mezclándose entre el público durante el partido del viernes 24 de julio ante los Dodgers, una derrota de los Mets por 4 a 2. Stone, ganadora de dos premios Oscar por La La Land (2017) y Poor Things (2024), apareció con una gorra blanca de los Mets con visera azul mientras las cámaras registraban escenas en distintas zonas del estadio. Pine, de 45 años, no estuvo presente durante las jornadas de grabación en el recinto.

Llena de cameos y autenticidad neoyorkina

El beisbolista Juan Soto participó en una de las escenas junto a la actriz antes del primer lanzamiento del partido. El outfielder, cinco veces elegido al Juego de las Estrellas, sumó así un crédito cinematográfico a una temporada en la que lidera al equipo con un promedio de bateo de .283, veintiún cuadrangulares y cincuenta y dos carreras impulsadas. La producción de The Catch también alteró la rutina del equipo en el terreno de juego. Los Mets suelen vestir su uniforme alternativo negro en los partidos de viernes por la noche en casa, pero frente a los Dodgers utilizaron su equipación blanca de rayas para mantener la coherencia visual que requería la filmación. La presencia de cámaras y equipo técnico se extendió por todo el estadio durante la serie, integrando el rodaje con la actividad deportiva sin suspender el desarrollo normal del partido.

La decisión del club de priorizar las necesidades de una producción cinematográfica por encima de la transparencia con uno de sus abonados más longevos generó opiniones encontradas. Parte de la afición entendió la medida como una oportunidad de visibilidad para el equipo y el estadio a nivel internacional. Otros señalaron que un seguidor con veintinueve años de fidelidad merecía, al menos, una explicación honesta. Los Mets atraviesan una temporada complicada en la División Este de la Liga Nacional, lo que hace aún más sensible cualquier decisión que pueda interpretarse como una falta de consideración hacia su base de seguidores más comprometida. Por lo menos ha sido en pos de la vuelta de Emma Stone a las comedias románticas.

En una apuesta que promete renovar el cine navideño, Jennifer Aniston regresará a la gran pantalla con una comedia centrada en Santa Claus. La actriz compartirá cartel con Peter Dinklage en Naughty, el nuevo proyecto dirigido por Olivia Wilde. La película, producida por Universal Pictures, tiene previsto su estreno en cines el 5 de noviembre de 2027. Naughty marca el regreso de Aniston al género festivo, en una historia que explora la desesperación de una madre por recuperar la custodia de su hijo con la inesperada ayuda de Santa Claus. El film se encuentra actualmente en preproducción y ha generado expectativas tanto por su reparto como por el equipo creativo detrás de cámaras.

La participación de Jennifer Aniston en Naughty representa su vuelta al universo de las comedias navideñas, tras su intervención en Fiesta de empresa de 2016 o los inolvidables capítulos navideños de Friends. En la nueva cinta, Aniston encarnará a Mallory, una mujer envuelta en una batalla legal por la custodia de su hijo. La trama gira en torno a su última esperanza: localizar a Santa Claus y convencerlo de que testifique en el juicio de divorcio. La propuesta de Naughty se suma a la trayectoria de Aniston en el género de la comedia, donde ha consolidado una imagen de cercanía y versatilidad. Su regreso genera expectativa, especialmente por el giro argumental que plantea la intervención de un Santa Claus real como testigo en un proceso judicial. El anuncio de este proyecto confirma que Aniston sigue apostando por papeles que combinan humor con conflictos personales, una fórmula que ha cosechado buenos resultados en su carrera reciente.

Peter Dinklage dará vida a una versión singular de Santa Claus, aportando su experiencia en producciones de comedia y fantasía. Dinklage, recordado por su participación en Elf (2003), asumirá el desafío de encarnar a un Santa involucrado en un conflicto familiar atípico. La sinopsis oficial anticipa un tono de comedia con elementos de drama, en el que la figura de Santa se integra en la realidad cotidiana de los personajes. La elección de Dinklage como coprotagonista refuerza la apuesta por un humor inteligente y por la reinterpretación de figuras clásicas del imaginario navideño. El actor aporta un historial de papeles memorables, lo que contribuye a elevar las expectativas sobre el resultado final de la película. Naughty enfrentará en su fin de semana de estreno a Margie Claus, una comedia musical animada de Warner Bros. en la que Melissa McCarthy prestará su voz al personaje de la esposa de Santa. Esta coincidencia en la cartelera anticipa una competencia directa entre dos visiones diferentes del mito navideño.

Olivia Wilde, de Penélope a Jennifer

La dirección de Naughty estará a cargo de Olivia Wilde, quien ha consolidado su carrera tras los éxitos de Booksmart (2019), Don’t Worry Darling (2022) y viene de estrenar The Invite junto a Penélope Cruz. Wilde expresó que este film es un proyecto personal por el que ha luchado durante varios años. En declaraciones recogidas durante la premiere de I Want Your Sex, la directora señaló: “Es una película que busca el espíritu de Rob Reiner, una comedia con mucho corazón en su núcleo”. Wilde destacó que Naughty representa un desafío mayor que sus trabajos anteriores y agradeció la confianza de Universal Pictures para llevar adelante una comedia original a gran escala.

La directora también adelantó que el reparto podría ampliarse con nuevos nombres próximamente, sumando atractivo al proyecto. La cineasta ha recibido elogios por su capacidad para equilibrar comedia y drama, una característica que, según sus propias palabras, estará presente en Naughty. El guion fue escrito por Jimmy Warden, conocido por Cocaine Bear, quien desarrolló la historia inicialmente como un proyecto especulativo.

Naughty se encuentra en fase de preproducción y su estreno está programado para el 5 de noviembre de 2027. Universal Pictures apuesta por el regreso de las comedias navideñas originales en medio de una cartelera dominada por franquicias y secuelas. El enfrentamiento con Margie Claus ese mismo fin de semana podría marcar un hito en la taquilla para el cine familiar. El proyecto ha sido presentado como una comedia con aspiración de convertirse en un clásico moderno, apoyada en el carisma de Aniston, la versatilidad de Dinklage y la dirección de Wilde. El equipo confía en que la combinación de humor, emoción y una reinterpretación de Santa Claus atraerá tanto a familias como a adultos en la temporada navideña de 2027.

El mes de julio llega a su fin después de semanas llenas de grandes estrenos y que culminan ahora con una nueva hornada de nuevos títulos. Mientras La Odisea sigue reinando en taquilla, nuevos nombres emergen para hacer en gran medida competencia a la aventura de Christopher Nolan con Matt Damon a la cabeza, a pesar de tener un aliado en común: Tom Holland.

El actor británico lidera una vez más la película de Marvel, la cuarta dentro de la saga tras Spider-Man: Homecoming, Lejos de casa y No Way Home. En esta ocasión se tiene que enfrentar a una nueva y desconocida amenaza mientras lidia con el hecho de que ya nadie sabe quién es Peter Parker. De los superhéroes a las superestrellas del pop, pues Anne Hathaway -también presente en La Odisea- protagoniza otra de las grandes películas de la semana con Mother Mary.

Spider-Man: Brand New Day

Ha pasado un tiempo desde la última aventura del Spider-Man de Tom Holland, hasta el punto de que todos a su alrededor le han olvidado, aunque solo fuera por un conjuto del Doctor Strange. Ahora es el momento de volver a enfundarse el traje de superhéroe y salvar a Nueva York de una gran y desconocida amenaza. Mientras Peter busca reconectar con MJ (Zendaya) y su amigo Ned (Jacob Batalon), Spider-Man tendrá que aprender de todo lo vivido para enfrentarse a un peligro sin precedentes, y con la mirada puesta en lo que estará por venir en su próxima aventura, Vengadores: Doomsday.

Mala bestia

Iria del Rio (Los años nuevos) protagoniza este drama con toques fantásticos sobre adopción y adolescencia. Una pareja toma la decisión de acoger en su hogar a Atenea (María Schwinning), una joven sin familia que vive en un internado y se ve incapaz de lidiar con la idea de hacerse mayor. Pero cuando esta entra en su nueva casa, los temores y vulnerabilidades que arrastra desde hace años empiezan a asomar. A partir de ese momento, Atenea tomará una serie de decisiones que la pondrán en un gran compromiso.

Atrapa el millón

Grégoire Vigneron, guionista de grandes éxitos en Francia como El pequeño Nicolás o Un hombre de altura, dirige ahora esta comedia de lo más disparatada. Stan (Rayane Bensetti) lleva tiempo detrás de un ascenso en su empresa que no parece llegar nunca, y decide tomarse la justicia por su mano y robar una maleta con más de un millón de euros en dinero negro. Cuando va camino del aeropuerto recibe una llamada con el esperado ascenso, y es en ese momento que decide devolver lo robado antes de que le descubran, pero para ello necesitará la ayuda del cerrajero más excéntrico que jamás ha conocido.

La última ronda en Venecia

Comparada con las fábula alegres y entretenidas de Alice Rohrwacher, Italia presenta una nueva historia de amistad con La última ronda en Venecia, de Francesco Sossai. En ella, Carlobianchi y Doriano, dos veteranos amigos, decide cambiar por completo los planes de un tercero, el joven estudiante de arquitectura Giulio. Los tres se embarcan en un gran viaje por tierras venecianas en los que disfrutar del paisaje, de la comida y de la buena compañía.

Mother Mary

Anne Hathaway da vida a una superestrella del pop -con reminiscencias de Taylor Swift, pero inspirada también gracias a la colaboración de Charli XCX o FKA Twigs- y su intensa relación con una vieja amiga a la que le pide un gran favor: que se encargue del vestuario de su próxima gira. David Lowery, director de la celebrada A Ghost Story y quien daría el gran salto posteriormente con Peter Pan y Wendy o El caballero verde, se encarga aquí de imprimir su particular visión a este relato sobre la ambición desmedida y las relaciones forjadas entre la amistad y el trabajo.

El Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha presentado los títulos que competirán en la Sección Oficial de su 74ª edición, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre. Entre los cineastas seleccionados figuran nombres destacados como Pablo Larraín, Mike Leigh y Benjamín Naishtat, quienes optarán a la Concha de Oro junto a otros realizadores de reconocido prestigio internacional.

El certamen confirmó la participación de siete largometrajes internacionales, a los que se suman tres producciones españolas ya anunciadas previamente. La lista incluye nuevos proyectos de Nicole Garcia, Maha Harada, Hans Petter Moland y Yeşim Ustaoğlu, así como la esperada ópera prima de la escritora japonesa Maha Harada. La selección oficial de este año busca reflejar la diversidad de miradas y estilos que caracterizan al panorama cinematográfico actual, reuniendo a cineastas consagrados y debutantes en una competencia que, según la organización, representa “la vitalidad creativa del cine contemporáneo”.

Entre los títulos anunciados destaca Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia. Protagonizada por Marion Cotillard y Théodore Pellerin, la película narra la historia de una mujer recién salida de prisión que comienza a trabajar en una cafetería. El objetivo de su protagonista es acercarse a un joven que frecuenta la zona, en un relato de segundas oportunidades bajo la dirección de la cineasta francesa. La ópera prima de Maha Harada, titulada In My Father’s Room, supone el debut en la dirección de la autora japonesa. Con un guion basado en una de sus propias novelas, la historia se centra en una trabajadora de museo que recibe una llave misteriosa, capaz de abrir la habitación de su difunto padre. Harada, conocida por sus best sellers inspirados en el mundo del arte, da el salto al cine con una propuesta de corte íntimo y personal.

De Mariana Enríquez a Lali Expósito

El director chileno Pablo Larraín presentará Mis muertos tristes, una adaptación cinematográfica de cuatro relatos de la escritora Mariana Enriquez. El filme está protagonizado por Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La trama sigue a Ema, una mujer con la capacidad de ver y escuchar a los muertos, en una exploración de la frontera entre la vida y la muerte. Larraín, habitual de festivales como Cannes, Venecia y Berlín, regresa a San Sebastián tras haber presentado títulos como Spencer, Tony Manero, Post Mortem y Ema en ediciones anteriores.

Por su parte, el británico Mike Leigh vuelve a la Sección Oficial con Tender Loving Care, tras su participación en 2024 con Hard Truths. La película, protagonizada por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson, continúa la exploración del cineasta sobre las complejidades del mundo contemporáneo. Leigh, ganador de la Palma de Oro en Cannes por Secrets and Lies y del León de Oro en Venecia por Vera Drake, suma así un nuevo trabajo a una filmografía reconocida por su mirada social y humana.

El noruego Hans Petter Moland competirá con Growth of the Soil, basada en la novela homónima del Nobel Knut Hamsun. El filme sitúa su acción en el norte de Noruega, donde una pareja enfrenta desafíos que ponen a prueba su relación. Moland ya obtuvo el Premio Especial del Jurado en San Sebastián en 1995 y ha llevado varias de sus obras a festivales de primer nivel como la Berlinale.

Benjamín Naishtat, cineasta argentino que ganó la Concha de Plata en 2018 con Rojo, regresa al certamen con Glaxo. La película, protagonizada por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi, transcurre en un pequeño pueblo argentino en 1957. La llegada de un excomisario y su esposa altera la vida de cuatro jóvenes, en una trama de tensiones y fracturas personales. Naishtat suma reconocimientos en certámenes como Berlín y Locarno, y su último trabajo, Puan, fue premiado por su guion. La realizadora turca Yeşim Ustaoğlu presentará What Remains, centrada en el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden impuesto para reconectar consigo misma. Ustaoğlu, ganadora de la Concha de Oro en 2008 por Pandora’s Box, ha presentado sus trabajos en la Berlinale y la Mostra de Venecia.

La Sección Oficial también contará con tres producciones españolas en competencia: El mal padre de Roberto Bueso, Saints de Mikel Gurrea y 5 minutos más de Javier Ruiz Caldera. Estos títulos confirman la apuesta del festival por el cine nacional y su integración en el panorama internacional. Fuera de concurso se proyectarán la serie El castillo, creada por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero. Además, la programación especial incluirá películas como Último adiós de Koldo Almandoz, Ruega por nosotras de Daniel Monzón, Sacamantecas de David Pérez Sañudo y Bajañí de Fernando Trueba.

Durante la época de mayor visibilidad de la trilogía El señor de los anillos, Sean Astin, actor que interpretó a Samwise Gamgee, enfrentó dificultades económicas inesperadas. En una entrevista reciente con The Guardian, Astin reveló que debió vender su casa en los primeros años de la década de 2000, pese al impacto global de las películas y la fama que adquirió por su papel en la obra dirigida por Peter Jackson. La causa, según explicó, fue haber negociado un salario considerablemente bajo para participar en las tres películas que redefinieron el género fantástico.

La trilogía El señor de los anillos, estrenada entre 2001 y 2003, se consolidó como un fenómeno cultural y comercial, acumulando una recaudación de 2.900 millones de dólares en todo el mundo. Sin embargo, Astin señaló que el reconocimiento público que recibió no se tradujo en estabilidad financiera inmediata. “Había una desconexión entre la atención que estaba recibiendo y cuánto dinero teníamos. ¡No era mucho dinero! De hecho, tuve que vender mi casa porque negocié una cantidad muy pequeña en la trilogía”, expresó el actor en la entrevista.

La situación financiera de Astin durante el rodaje contrasta con la percepción general sobre los actores de grandes franquicias. El propio actor detalló que recibió unos 75.000 dólares por cada película, sumando un total de 250.000 dólares por las tres entregas. Esta cifra resulta llamativa frente al éxito comercial de El señor de los anillos, una de las sagas más rentables de la historia del cine. El sistema de contratación de los actores fue un factor determinante para los bajos salarios. Astin explicó que el equipo liderado por Peter Jackson filmó las tres películas de manera consecutiva, una decisión que impidió a los actores renegociar sus contratos a medida que la saga ganaba popularidad. Según sus palabras, “no era el tipo de escenario lucrativo que te permitía vivir tranquilo el resto de tu vida”.

‘La caza de Gollum’, siguiente aventura

Elijah Wood, protagonista de la trilogía como Frodo Bolsón, compartió una visión similar en declaraciones previas a Business Insider. Wood explicó que New Line Cinema asumió un “verdadero riesgo” al rodar las tres entregas a la vez, lo que llevó a que el elenco aceptara salarios “no elevados”. El actor subrayó que el beneficio de ese acuerdo era formar parte de un proyecto que marcaría sus carreras de forma permanente. Otro de los actores principales, Orlando Bloom, quien interpretó a Legolas, también expuso en 2019 que su remuneración por la trilogía fue baja, situándose en 175.000 dólares por las tres películas, según comentó en una entrevista en “The Howard Stern Show”.

La confesión de Sean Astin sobre la venta de su casa evidencia la tensión que puede existir entre la fama y la realidad económica de los actores en grandes producciones. Aunque Astin aclaró que se encuentra en una situación financiera estable en la actualidad, reconoció que durante el apogeo de El señor de los anillos su familia y él no gozaban de una seguridad económica proporcional al éxito mediático de las películas. Astin afirmó: “No estaba preparado para ese nivel de visibilidad y acceso”, refiriéndose a cómo la notoriedad pública contrastó con los límites de su economía personal. Su relato destaca la estructura contractual de los grandes estudios, que en ocasiones priorizan la minimización de riesgos financieros sobre la remuneración de sus talentos protagonistas.

Actualmente, la franquicia de El señor de los anillos prepara su regreso a la gran pantalla con proyectos como La caza de Gollum, dirigido por Andy Serkis, y una nueva película coescrita por Stephen Colbert. Sean Astin no ha sido confirmado en estas nuevas producciones, pero anticipó que, de regresar, buscará mejores condiciones. El caso de Astin y sus compañeros de reparto ilustra cómo los acuerdos iniciales pueden dejar a los actores fuera de los beneficios a largo plazo, incluso en sagas que se transforman en fenómenos de la cultura popular. La experiencia de Astin pone en primer plano el debate sobre la equidad en la industria cinematográfica, sobre todo cuando el éxito comercial no se refleja en la compensación de quienes lo hacen posible. La historia de El señor de los anillos continúa expandiéndose en la industria del cine, mientras las vivencias de sus protagonistas revelan las complejidades económicas detrás de los grandes éxitos de taquilla.

Cristiano Ronaldo, uno de los futbolistas más reconocidos del mundo, prepara su desembarco en la industria televisiva con un proyecto propio que lo tendrá como actor y productor. El portugués encabeza la serie dramática Day 1s, una ficción ambientada en el universo de los agentes de fútbol, que marca además el debut de su productora UR•Marv Studios en colaboración con el cineasta Matthew Vaughn. El proyecto surge tras la reciente eliminación de Portugal en el Mundial, hecho que llevó a Ronaldo, actualmente jugador del Al-Nassr de Arabia Saudita a sus 41 años, a enfocarse en nuevas facetas profesionales. Según lo informado, Day 1s será la primera serie en la que el deportista asume un papel protagónico y ejecutivo, abriendo una nueva etapa en su carrera más allá del deporte.

Day 1s representa el primer trabajo televisivo de Ronaldo en carácter de actor y productor ejecutivo. El futbolista liderará el elenco y participará en las decisiones creativas del proyecto, que se produce bajo el sello de UR•Marv Studios, una filial lanzada junto a Matthew Vaughn, director de títulos como Kingsman y X-Men: First Class. La serie fue concebida como una apuesta audaz de Ronaldo para consolidar su presencia en la industria del entretenimiento, explorando un territorio hasta ahora ajeno para él. De acuerdo con el anuncio, el propio Ronaldo impulsó la idea de protagonizar y producir Day 1s, confiando en el potencial de la historia y el equipo detrás de cámaras. La serie se rodará principalmente en Londres y contará con la financiación independiente de UR•Marv Studios. Desde su lanzamiento, la productora ha finalizado dos largometrajes deportivos y ha declarado que buscará integrar tecnología innovadora sin dejar de lado los métodos tradicionales de producción.

La serie Day 1s está inspirada en una idea original del agente de fútbol Darren Dein y cuenta con guion y dirección a cargo de Matthew Vaughn. El relato gira en torno a Stanley Dalton, un agente británico de fútbol ficticio, y explora los desafíos, intrigas y dilemas éticos de quienes se desempeñan en ese ambiente profesional. El inicio de las grabaciones en Londres marca el punto de partida para la producción, que aspira a captar tanto al público futbolero como a los seguidores de las series dramáticas. Desde la producción se ha comparado la premisa de Day 1s con la de la reciente serie brasileña The Playoffs, emitida por Globo, donde también se retrata la vida de un agente deportivo. Sin embargo, el enfoque de la nueva serie busca diferenciarse por la presencia de figuras globales y una narrativa que combina tensión, humor y elementos propios del negocio del fútbol europeo.

Así será ‘Day 1s’

El elenco de Day 1s contará con Damian Lewis, conocido por su trabajo en Homeland, en el papel principal de Stanley Dalton. Además, se prevé la participación de estrellas invitadas vinculadas al fútbol de alto nivel, como Thierry Henry, y del rapero británico Dave. La inclusión de estos nombres refuerza la intención de unir el mundo del deporte con el espectáculo, proporcionando cameos y colaboraciones de alto perfil que buscan atraer a una audiencia diversa. Matthew Vaughn, productor y director británico, aporta su experiencia en la realización de películas como Lock, Stock and Two Smoking Barrels y Layer Cake. Su alianza con Ronaldo pretende posicionar a UR•Marv Studios como un nuevo jugador relevante dentro del sector audiovisual europeo, combinando la popularidad global del fútbol con el atractivo de las grandes producciones televisivas.

Cristiano Ronaldo, a sus 41 años, continúa jugando profesionalmente para el club saudí Al-Nassr, pero su reciente eliminación en octavos de final del Mundial ante España marcó el cierre de su carrera mundialista con Portugal. Este desenlace ha incentivado su búsqueda de nuevos horizontes fuera de las canchas. El futbolista, que a lo largo de su trayectoria ha defendido los colores del Real Madrid y el Manchester United, inicia ahora una etapa donde la televisión y la producción audiovisual ocupan un lugar central. Su apuesta por Day 1s refleja tanto su capacidad de reinventarse como su interés por explorar áreas creativas que trascienden el deporte.

El estreno de Obsession se ha convertido en uno de los mayores fenómenos cinematográficos de 2026. La película, dirigida por Curry Barker, sorprendió a la industria y al público al convertirse en un éxito de taquilla inesperado, impulsada por el boca a boca y el interés que generó su atmósfera inquietante dentro del género de terror de bajo presupuesto. El filme atrajo la atención tanto por sus cifras millonarias como por la interpretación de su protagonista, que fue ampliamente comentada entre críticos y espectadores.

Será precisamente Michael Johnston, el actor principal de Obsession, quien podría dar el salto del terror contemporáneo a la aventura clásica. Según confirmó Variety, Johnston se encuentra en negociaciones para sumarse al elenco de la cuarta entrega de La momia. Este movimiento lo posiciona en uno de los proyectos más esperados de los próximos años, junto a figuras consagradas de la franquicia.

La posible incorporación de Johnston representa un giro relevante en su carrera, ya que pasaría de encabezar una producción de terror independiente a integrarse en una superproducción de aventuras ambientada en el Egipto fantástico que caracteriza la saga de La momia. Johnston, que antes de Obsession era conocido por su trabajo en la serie Teen Wolf, ha visto cómo su popularidad creció aceleradamente tras el reciente éxito en cines. La cuarta entrega de la franquicia contará con el regreso confirmado de Brendan Fraser y Rachel Weisz, quienes retomarán los papeles de Rick O’Connell y Evelyn O’Connell, respectivamente. Ambos actores, galardonados con el Oscar, vuelven a encontrarse en pantalla después de que Weisz estuviera ausente en la tercera película, La momia: la tumba del emperador dragón (2008).

La saga, que debutó en 1999 con La momia, narra las aventuras de un cazador de tesoros que accidentalmente libera a un sacerdote egipcio maldito, desatando fuerzas sobrenaturales. Las dos primeras películas, La momia y El regreso de la momia (2001), fueron éxitos de taquilla y consolidaron a Fraser como uno de los protagonistas del cine de acción de la época. La reaparición de Weisz, un reclamo largamente esperado por los seguidores, añade valor a esta nueva entrega. A la lista de regresos se suma John Hannah, otro de los personajes más populares de la saga, cuya participación fue confirmada oficialmente.

El salto de Johnston a una franquicia como La momia evidencia la tendencia de los estudios a apostar por talentos emergentes que han demostrado su atractivo ante el público. En Obsession, Johnston obtuvo reconocimiento por su actuación en un contexto de terror psicológico y narrativas intensas, demostrando versatilidad y capacidad para liderar proyectos de gran impacto. Ahora, con la posibilidad de incorporarse a una de las sagas más exitosas del cine reciente, el actor se enfrenta al reto de combinar su experiencia en el cine de terror con el universo de aventuras, acción y misterio que define a La momia. Su llegada coincide con la estrategia de Universal Pictures de revitalizar la franquicia sumando nuevos rostros al elenco histórico. La dirección de La momia 4 estará a cargo de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, quienes han trabajado juntos en la saga Ready or Not.

El guion fue escrito por David Coggeshall, conocido por The Family Plan y Orphan: First Kill. La producción ejecutiva recae en Sean Daniel, involucrado en la franquicia desde sus inicios, junto a William Sherak, James Vanderbilt y Paul Neinstein de Project X Entertainment. Universal Pictures confirmó que el estreno mundial de La momia 4 está previsto para el 15 de octubre de 2027. Aunque los detalles de la trama permanecen bajo estricta reserva, la combinación de actores originales, la posible llegada de Michael Johnston y la dirección del nuevo equipo creativo generan expectativas elevadas en torno a la película. La saga de La momia ha acumulado más de 1.800 millones de dólares en recaudación desde su primera entrega, consolidándose como una de las franquicias más lucrativas y reconocibles del cine en las últimas décadas.

La clave que ha demostrado La Odisea es que estas narraciones no envejecen porque hablan de conflictos muy reconocibles: líderes que dudan, familias rotas, amores imposibles, viajes de regreso, castigos divinos y decisiones que cambian una vida entera. Algunas ya han sido adaptadas antes y siguen esperando una nueva versión con más músculo; otras podrían llegar al cine desde ángulos distintos, no solo como espectáculo, sino como tragedia, aventura o drama psicológico. Ahí está, precisamente, su vigencia.

Jasón y los argonautas

La historia de Jasón tiene todos los ingredientes de una superproducción: una misión imposible, una tripulación de héroes, un mar lleno de amenazas y un objeto legendario, el vellocino de oro. No es solo una aventura, sino también un relato sobre liderazgo, ambición y traición, con un protagonista que depende tanto de sus aliados como de su propia astucia. El mito permite además jugar con escenarios lejanos, criaturas fabulosas y un tono épico muy agradecido para el cine.

Sí tuvo una adaptación muy conocida, Jasón y los argonautas (1963), convertida con los años en película de culto por sus efectos de Ray Harryhausen. Una nueva versión no tendría por qué copiar ese tono; podría explorar más la tensión interna del grupo, el peso de Medea o la fragilidad de un héroe que no siempre está a la altura de su destino. Ahí está su oportunidad: transformar una aventura clásica en un drama de poder y consecuencias.

La Eneida

Si hay un mito hecho para una gran superproducción, es la historia de Eneas. La Eneida combina caída de una ciudad, huida, intervención divina y fundación de un nuevo mundo, todo atravesado por la sensación de pérdida. No es una aventura ligera, sino una epopeya de obediencia y sacrificio, en la que el protagonista debe anteponer una misión histórica a su vida privada.

La obra de Virgilio apenas ha tenido una adaptación de gran peso que la lleve al centro del imaginario popular, y eso le da todavía más margen. Una película podría alternar la devastación de Troya con el largo viaje de Eneas hasta Italia, subrayando el conflicto entre destino y deseo. También permitiría explorar una pregunta muy actual: cuánto cuesta construir una nación cuando el origen está hecho de ruina y exilio.

La Orestíada

Aquí la mitología se vuelve familiar, política y brutal al mismo tiempo. La Orestíada de Esquilo narra una cadena de asesinatos dentro de la casa de los Atridas y culmina con el paso de la venganza privada a una nueva forma de justicia. Es un material extraordinario para el cine porque tiene crimen, culpa heredada, poder dinástico y una transformación social de fondo.

No es una historia que haya tenido una gran adaptación popular reconocible por el gran público, y eso deja espacio para una lectura ambiciosa. Podría funcionar como un drama oscuro sobre una familia maldita, pero también como una reflexión sobre el nacimiento de la ley. En vez de quedarse en el asesinato, el interés estaría en el momento en que una comunidad decide dejar atrás el castigo como forma única de resolver el conflicto.

Edipo Rey

Pocas historias son tan famosas y tan devastadoras como la de Edipo. El rey que busca la verdad termina descubriendo que él mismo es el centro de la tragedia. Esa estructura la convierte en una de las narraciones más cinematográficas de la antigüedad: hay investigación, pistas, revelaciones y una caída final que no depende del azar, sino de la propia identidad del protagonista.

La tragedia de Edipo ha sido adaptada en distintas ocasiones, y precisamente por eso sigue siendo una referencia inevitable cuando se habla de tragedia clásica. Una nueva versión podría insistir en su dimensión detectivesca, o bien en su dimensión psicológica, como un hombre que avanza con convicción hacia su propia destrucción. Su fuerza está en que la verdad no libera: destruye.

Teseo y el minotauro

El mito de Teseo y el minotauro parece diseñado para el cine desde el principio. Un héroe entra en un laberinto para enfrentarse a una criatura monstruosa y volver con vida es casi una sinopsis perfecta para una película de aventuras y suspense. Además, el laberinto ofrece una imagen central potentísima, no solo como espacio físico, sino como símbolo del miedo, el control y la confusión.

La historia ya ha tenido versiones previas, aunque no siempre memorables, y eso deja campo libre para una reinterpretación más seria o más oscura. Una buena adaptación podría ir más allá del combate final y explorar la relación entre Atenas y Creta, el sacrificio de jóvenes inocentes y la ambigüedad de un héroe que triunfa, sí, pero también participa de un sistema violento. El mito tiene mucho más que una bestia: tiene política, ritual y dominación.

Orfeo y Eurídice

Si Hollywood busca una gran historia de amor y pérdida, Orfeo y Eurídice sigue siendo una de las más potentes. La imagen de un músico que desciende al inframundo para recuperar a su amada tiene una belleza inmediata, pero el verdadero centro del mito es la fragilidad humana: basta una mirada atrás para perderlo todo. Eso lo convierte en un relato íntimo, casi minimalista, pero de enorme fuerza dramática.

Ha tenido distintas adaptaciones, muchas de ellas ligadas al cine más poético o simbólico, y por eso sigue siendo un mito muy flexible. Podría dar lugar a una película visualmente espectacular, pero también a una tragedia sobria, centrada en la duda y la imposibilidad de confiar del todo en la esperanza. Su valor está en que no necesita grandes ejércitos: le basta con el amor, la música y la ausencia.

Hipómenes y Atalanta

Este es uno de los relatos menos explotados y, al mismo tiempo, uno de los más originales. Atalanta es una corredora invencible que solo acepta casarse con quien consiga vencerla en una carrera. Hipómenes logra hacerlo gracias a la ayuda de Afrodita y al uso de unas manzanas de oro, en una mezcla de velocidad, deseo y astucia que tiene mucho potencial visual. Es un mito que además tendría a una heroína femenina, tan ausente en este universo.

Sin ningún referente audiovisual previo, aquí conviene destacar la riqueza del propio relato: la competencia entre amor y autonomía, la intervención divina y el castigo final por desafiar los límites impuestos. Una película sobre Atalanta podría ser tan física como emocional, con el cuerpo y el movimiento como centro del conflicto. Tiene el ritmo de una historia que puede contar mucho en poco tiempo.

Lo interesante de esta fiebre mitológica es que no responde solo a la nostalgia, sino a una necesidad muy actual de historias con peso. Hollywood busca relatos que combinen espectáculo y densidad, y los mitos griegos ofrecen justo eso: dioses, pero también humanidad; batallas, pero también dilemas morales. No son piezas de museo, sino máquinas narrativas que siguen funcionando cuando se las actualiza con inteligencia. Si La Odisea abre de verdad una nueva etapa, no sería extraño que volviera el interés por personajes como Jasón, Eneas, Edipo u Orfeo. La mitología tiene algo que el cine sigue necesitando: conflictos claros, imágenes poderosas y consecuencias irreversibles. Y quizá por eso, cada cierto tiempo, Hollywood regresa a ella como quien vuelve a una fuente que todavía no se ha agotado.

El documental se diferencia de otras producciones deportivas por el uso de material nunca antes visto y el testimonio directo de los veintiséis jugadores y el cuerpo técnico. Según la información oficial, la serie mostrará no solo los momentos de euforia tras la victoria, sino también la dinámica de grupo, la gestión de la presión y la adversidad, así como el proceso de unión que transformó al plantel en una familia competitiva.

Uno de los momentos centrales será la reconstrucción de la jugada que llevó al gol de Ferran Torres en tiempo suplementario, acción que definió el 1-0 ante Argentina en el estadio de Nueva Jersey. Además, se documentarán los días previos y posteriores a la final, ofreciendo una visión íntima de la preparación, las celebraciones y la reacción del entorno. La docuserie busca acercar al espectador a la realidad de los deportistas, mostrando tanto los momentos de alegría como los de tensión, incertidumbre y trabajo colectivo. Los productores destacan la inclusión de escenas que reflejan la camaradería, la superación de obstáculos y el papel del cuerpo técnico en la consolidación del grupo.

El Mundial de 2026 estuvo marcado por controversias políticas y un ambiente de alta tensión, tanto dentro como fuera de los estadios. En ese escenario, la Selección Española logró sobreponerse a las expectativas que ubicaban a Francia como principal favorita, eliminándola en las semifinales con una actuación que fue calificada como una exhibición de control futbolístico.

La victoria final ante Argentina no solo significó obtener la segunda estrella mundial para España, sino que también consolidó una generación de jugadores que, según los testimonios recogidos en la serie, encontraron en la cohesión y la resiliencia las claves de su éxito. Durante los 52 días de convivencia, el equipo desarrolló un sentido de pertenencia y esfuerzo colectivo que, según el propio documental, fue fundamental para alcanzar la meta. La docuserie pretende mostrar cómo el proceso de preparación y la convivencia diaria fueron determinantes en el rendimiento del equipo, permitiendo entender “el qué y, sobre todo, el cómo” de un campeonato que quedará en la memoria del fútbol español.

Una nueva colaboración

El proyecto representa la séptima colaboración entre la RFEF y Prime Video, que en los últimos años se ha posicionado como la principal ventana de contenidos exclusivos sobre la Selección Española. El catálogo de la plataforma incluye títulos como “Luis, el sabio del éxito”, centrado en la Eurocopa 2008 y la figura de Luis Aragonés; “La Quinta de la quinta”, sobre los jóvenes talentos del fútbol español; y “La fuerza del grupo”, que narra la campaña en la Eurocopa 2020.

Estos documentales, junto a “10 años de la primera estrella”, “La Copa de todos” y “Un equipo llamado España”, configuran una oferta que busca retratar no solo los logros deportivos, sino también los valores, la historia y las emociones que rodean a la selección nacional. Con la nueva docuserie, Prime Video refuerza su apuesta por el contenido deportivo español y consolida su relación estratégica con la RFEF, ofreciendo a los aficionados de todo el mundo una visión exclusiva de los momentos más íntimos y decisivos de cada campeonato.

El lanzamiento de la serie sobre la Selección Española se enmarca en la estrategia global de Prime Video, que ha incrementado notablemente su programación deportiva. La plataforma ofrece retransmisiones exclusivas de la UEFA Champions League y partidos de la NBA, junto a documentales internacionales como Built in Birmingham: Brady & the Blues y All or Nothing: Arsenal. La combinación de eventos deportivos en directo y producciones originales ha permitido a Prime Video ampliar su base de suscriptores y posicionarse como un referente en la cobertura del deporte de élite a nivel mundial. El estreno de la docuserie sobre el Mundial 2026 añade un nuevo hito a su catálogo, y responde a la demanda de los seguidores por acceder a los relatos más personales y desconocidos de sus ídolos. El acceso a la serie estará disponible para todos los suscriptores de Prime Video antes de fin de año.

La llegada de El diablo viste de Prada 2 a Disney+ está programada para el 29 de julio. Esta secuela, esperada por quienes disfrutaron la original y por nuevas generaciones de espectadores, se suma así al catálogo de la plataforma tras su paso por cines. El acceso anticipado en Apple TV, mediante compra digital, ha permitido a algunos fans adelantarse al streaming global, pero será a partir de la fecha indicada cuando la película esté disponible para todos los suscriptores de Disney+. Esta ventana de lanzamiento busca aprovechar el interés renovado por la franquicia y la alta demanda que generó en taquilla, donde la película rompió récords y reafirmó el atractivo de sus protagonistas. El regreso de Anne Hathaway y Meryl Streep al universo de la moda, el periodismo y los dilemas personales ha sido recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por el público.

En El diablo viste de Prada 2, el guion recupera la dinámica entre Andy Sachs y Miranda Priestly, ahora en un contexto marcado por la transformación de los medios y la industria de la moda. Andy regresa a la revista Runway tras una crisis mediática que amenaza la supervivencia de la publicación, mientras Miranda mantiene el control de su imperio en un entorno complicado para el sector. El reencuentro de ambas reactiva una de las relaciones más reconocibles del cine reciente. La película explora temas actuales como los desafíos de los medios tradicionales, el impacto de la inteligencia artificial y el papel de las mujeres en posiciones de liderazgo. El relato se apoya en el reparto original y en la evolución de los personajes, adaptando el conflicto a un panorama social y tecnológico renovado.

Viejas y nuevas caras

La secuela no solo recupera a Emily Blunt como Emily y Stanley Tucci como Nigel, sino que suma apariciones especiales de figuras del mundo de la moda y la música. Entre los nombres destacados se encuentran Lady Gaga, Donatella Versace, Law Roach y Naomi Campbell. Lady Gaga, además de compartir una escena con Meryl Streep, es responsable de la banda sonora, a la que acompaña un videoclip junto a la rapera Doechii. La presencia de Donatella Versace adquiere especial relevancia, ya que en la primera entrega la industria de la moda evitó participar por temor a represalias. Ahora, la diseñadora aparece en una secuencia con Emily Blunt, considerada significativa para la narrativa y para el reconocimiento del filme en el ámbito de la moda.

La película también ha sido noticia por los cameos que no llegaron a la versión final. Una escena rodada con la actriz Sydney Sweeney fue eliminada poco antes del estreno por razones no aclaradas públicamente. Además, se filmó un encuentro entre Miranda Priestly y Anna Wintour, la editora de Vogue, que finalmente no se incluyó en la película, aunque sí se utilizó como material promocional para el lanzamiento. Estos detalles han generado conversación entre los seguidores de la saga, que han seguido de cerca tanto el proceso de producción como la llegada de la secuela a las plataformas digitales. El diablo viste de Prada 2 se consolida así como un evento cinematográfico y cultural del año, disponible para ver en Disney+ este verano.

Matt Damon confirmó en una entrevista para “The Dan Patrick Show” su participación en la nueva película de ciencia ficción dirigida por Daniel Kwan y Daniel Scheinert, reconocidos como los Daniels. Los realizadores alcanzaron notoriedad mundial tras el éxito de Todo a la vez en todas partes, y su nuevo proyecto ha despertado gran expectativa en la industria. Damon describió la propuesta que recibió de los directores de manera llamativa: “La forma en que me lo presentaron fue: si El club de los cinco se encuentra con Origen, se mezcla con una película de anime y con un episodio de Last Week Tonight with John Oliver que nunca salió. Así que, si te gustó Todo a la vez en todas partes y toda esa locura y corazón, creo que este te va a gustar”. El actor remarcó: “Es un proyecto realmente especial”.

El elenco confirmado incluye a Sandra Oh, Charles Melton, Michael Gandolfini, PinkPantheress, Sean Kaufman, Silvia Dionicio, Jackson Kelly, Kerrice Brooks y Thalia Dudek. El estreno de la película, que será distribuida por Universal, cambió de fecha: inicialmente prevista para el 12 de junio de 2027, llegará a los cines el 19 de noviembre del mismo año. La producción está programada para comenzar en Los Ángeles antes de fin de año. De acuerdo con la información suministrada, este será el primer largometraje de los Daniels desde el fenómeno Todo a la vez en todas partes, que recaudó más de $100 millones en taquilla y obtuvo siete premios Oscar, incluido el de mejor película. La trama de la cinta previa, protagonizada por Michelle Yeoh, giraba en torno a una dueña de lavandería que debía conectar con versiones alternativas de sí misma en universos paralelos para evitar la destrucción de la realidad. El dúo de directores debutó en 2016 con Un cadáver para sobrevivir y se consolidó tras dirigir el videoclip viral de “Turn Down for What” de Lil Jon.

Durante la misma entrevista, Damon reveló que el director y guionista Edward Berger le envió el primer acto del próximo filme de la saga Jason Bourne, en desarrollo desde 2023. “Se ve realmente bien y tengo muchas esperanzas de que ocurra”, afirmó. Damon, sin embargo, fue enfático respecto a sus expectativas: “Ambos coincidimos en que debe estar a la altura de las tres primeras películas de la franquicia. Si realmente sentimos que tenemos una oportunidad de hacer algo genial, yo estoy dentro. Amo ese personaje. Ha sido una parte increíble de mi vida. Me encantaría volver a hacerlo”. Estas declaraciones reflejan la cautela y el compromiso de Damon con la calidad del proyecto, así como su vínculo personal con el personaje que lo acompañó durante años.

Tom Holland y el desafío de ser Fred Astaire

Por su parte, Tom Holland encara el reto de interpretar a Fred Astaire en un biopic largamente anunciado. El actor, actualmente en plena gira promocional de La Odisea y Spider-Man: Día nuevo, reconoció en Good Morning America que ya ha comenzado los ensayos de baile: “Apenas termine estas giras, volveré al estudio de danza. Hice mis primeros ensayos recientemente y me llenaron de emoción y de absoluto pavor porque tengo muchísimo trabajo por delante para intentar hacerle justicia a Fred”. Holland subrayó su decisión de asumir personalmente todas las coreografías: “Sin dobles, hacer todos los bailes yo mismo, filmar esas escenas en una sola toma, como él mismo lo haría”.

En una entrevista posterior en “Live With Kelly and Mark”, el actor profundizó sobre su momento profesional: “Que La Odisea y Spider-Man se estrenen con semanas de diferencia me hace sentir que cerré el primer acto de mi carrera y ahora estoy listo para papeles más maduros. Lo que busco en este próximo capítulo es el desafío máximo, encontrar cosas que realmente me asusten”. El biopic de Astaire representa para Holland la oportunidad de reconectar con su formación original, ya que su primer gran papel fue en Billy Elliot, el musical, donde el baile era fundamental. El actor confesó que uno de sus mayores arrepentimientos fue haber dejado de bailar tras finalizar aquella etapa: “Después de terminar Billy Elliot, dejé de bailar. Ahora, este proyecto me ha llevado de vuelta al estudio central de Londres donde ensayé por primera vez para Billy Elliot”. La emoción de Holland por el desafío es palpable: “Estoy muy emocionado por este reto”.

Tanto Damon como Holland apuestan por proyectos que representan nuevas etapas en sus carreras. Damon se involucra en una propuesta de ciencia ficción que promete un enfoque inusual y arriesgado, mientras Holland se compromete a honrar el legado de Astaire con disciplina y entrega, asumiendo uno de los papeles más exigentes de su trayectoria. Ambos actores, tras el paso por La Odisea, encaran el futuro inmediato con proyectos que combinan ambición artística, riesgo personal y altas expectativas del público.

El sueño americano acaba de llegar a cines y lo hace para contar la historia real de dos agentes franceses que empezaron desde lo más bajo —sin ni siquiera hablar inglés— y que hoy día son dos nombres clave en la NBA, representando a jugadores de la talla de Victor Wembenyama. Inspirada en las vidas de los agentes reales Bouna Ndiaye y Jérémy Medjana, la película mezcla deportes y amistad al estilo de referentes como Jerry Maguire o Garra, pero con una aproximación a la historia y un humor mucho más europeo, lejos de la épica idealizada que estamos acostumbrados a ver en las películas de Hollywood hasta que llegó otra película sobre deportes que “desromantizó” a los jugadores y marcó época, como fue Moneyball. Rompiendo las reglas del juego.

Como el Billy Beane de Brad Pitt en aquella película, Bouna Ndiaye y Jérémy Medjana (interpretados por Jean-Pascal Zadi y Raphaël Quenard) parten de un sueño común, llegar a la NBA, pero con el firme convencimiento de que tienen un talento y una forma de trabajar como nadie más. Una idea que los lleva a darse en más de una ocasión contra el muro, pero que a la larga los hace diferenciarse, como le sucedía al Jerry Maguire de Tom Cruise, del resto de agentes. “Son personas que no aceptan un ‘no’ por respuesta y siempre insisten un poco más hasta conseguir que les digan que sí”, resume Anthony Marciano, encargado de dirigir la película y cuya historia personal también tiene mucho que ver con la de los propios agentes que ha narrado.

De la vida real a la pantalla

“Me identifiqué también con la relación que los protagonistas entablan con los jugadores, porque yo tuve una primera vida profesional en la música, donde produje artistas y me asocié con mis dos mejores amigos para crear un sello discográfico. Durante años no funcionó nada, hasta que finalmente alcanzamos un número uno en Francia”, revela el propio Marciano. “Lo más importante de esa etapa era levantarme cada mañana y saber que iba a encontrarme en la oficina con mis mejores amigos. Eso hacía que la vida me pareciera maravillosa, y es lo que vivieron también los protagonistas de la película. Por eso la historia me resultó tan personal”, explicaba el director.

Marciano llevaba más de seis años sin firmar una película desde que sorprendiese a más de uno con Play, otra película de lo más personal en su relato de vida a través de los años y que fue un pequeño gran fenómeno en su paso por aquella edición de 2020 del Festival de San Sebastián. “Play narraba la vida de alguien que graba toda su vida y el espectador ve los brutos de su cámara. Todo está hecho para que parezcan imágenes reales, lo que representó una gran complejidad técnica. Recuerdo que en San Sebastián me preguntaron si no había molestado a las personas que aparecían en las imágenes por usarlas en la película. Para mí, ese fue el mejor cumplido que pudieron hacerme, porque querían decir que la película funcionaba como un documental verdadero, aunque en realidad era pura ficción”, desarrolla Marciano, quien para hacer igual de real El sueño americano se ha sacado otro truco de la manga: brutos de partidos reales de la NBA.

La vida en cuatro cuartos

“No es una película de deportes, pero en los momentos en que aparece representado el deporte, para mí era fundamental que no parecieran falsos, que los movimientos y las jugadas resultaran creíbles. Cuando tuvimos que recrear partidos de la época con los actores, contamos con la suerte de acceder, gracias a los protagonistas reales, a los brutos de una cámara de la NBA de los años 2000″, explica el cineasta. “Usamos esas imágenes para crear falsos raccord e insertar a nuestros actores, y fue la primera vez que la NBA autorizó algo así. Conseguir esa proeza técnica fue un honor”, confiesa Marciano, quien trabajó, como dice, en estrecha colaboración con los auténticos Bouna Ndiaye y Jérémy Medjana, productores del filme.

En definitiva, El sueño americano es la mezcla perfecta entre una historia de amistad, algo de road trip, un poco de deportes (y encima lo más verosímil posible) y mucho humor. Como ya hiciera en Play, Marciano logra conmover y hacer reír a partes iguales sin por ello renunciar al realismo de una película que, a pesar de sus orígenes humildes, ya se puede mirar en sus grandes referentes, que ni el propio director oculta. “Quería que la película tuviera el aspecto de un filme estadounidense, porque se titula El sueño americano y me interesaba que evocara las películas que veían los protagonistas en su infancia, tanto en la imagen como en la música y el tono general".

El Prometeo Americano. Así se llama el libro en el que se basó Christopher Nolan para hacer la película que lo consagraría como uno de los grandes cineastas de su tiempo, obteniendo el Oscar a Mejor director y a Mejor película por retratar la vida de Robert J. Oppenheimer, el padre de la bomba atómica. Otro hombre que regaló a la humanidad algo de tal poder que parecía más divino que humano, y cuya acción lo llevó en gran medida a vivir el resto de su vida con el la responsabilidad de lo que sus actos ocasionaron. En primera instancia, las bombas de Hiroshima y Nagasaki, pero también todos los horrores que vendrían después.

Solo Nolan podía coger La Odisea, probablemente una de las mayores aventuras de todos los tiempos y una obra fundacional en la literatura de occidente, y llevarse la historia de Odiseo a ese mismo terreno, el del héroe caído que lleva una pesada carga. Como Oppenheimer antes que él, y Batman antes que el físico, el Odiseo que encarna Matt Damon se da cuenta en su viaje de todo lo que ha ocasionado a partir de un pequeño gran efecto dominó. El ardid del caballo, tan alabado en tiempos de guerra, se ha convertido ahora en la primera piedra para un nuevo mundo de desconfianza mutua, un mundo sin dioses ni hombres en los que buscarlos, como en la obra original de Homero. Porque, como dice el propio protagonista en la película, “No busques dioses en los hombres, siempre te decepcionarán”.

Un Odiseo moderno

“Se pueden ver ecos del ingenio de Odiseo en el de Oppenheimer, así como las trágicas consecuencias de sus descubrimientos”, comentaba el propio Matt Damon en una entrevista. “Ambos hombres se sienten atormentados por lo que han hecho”. En La Odisea se sustituye la personificación de los dioses -especialmente Atenea, quien en la obra original es omnipresente y aquí queda reducida a una pequeña cuota de pantalla de Zendaya- por la falsa idea de que estos pueden estar en cualquier sitio -los ojos sabios de los que habla Telémaco (Tom Holland) antes de que su padre le diga la mencionada frase, pero que en cualquier caso lo que rige el mundo de los hombres es la xenia o “ley de Zeus”, una norma de convivencia y hospitalidad que comienza a fracturarse precisamente a partir de la destrucción de Troya.

“Ahora, al echar la vista atrás, me doy cuenta de que tiene mucho que ver con Oppenheimer. En realidad, son más o menos la misma historia. La historia de un hombre que construyó una máquina para ganar una guerra y acabó destruyendo su propio mundo en el proceso”, argumentaba el propio Nolan en una entrevista, en la que revelaba la verdadera clave de La Odisea y la idea que condensa tan bien la reflexión de Odiseo. “Se supone que debe mantener a la gente en el buen camino. Me interesaba la idea de que la interdependencia de las personas es la base y, posiblemente, la definición misma de la civilización. Y tanto Oppenheimer como La Odisea nos muestran con qué frecuencia se ignora eso y, por lo tanto, lo frágil que es la civilización y lo fácil que es que se desmorone". Para ser una obra de más de 2.000 años de antigüedad, este Odiseo se siente más actual que nunca, y sus palabras tienen un eco que bien puede llegar hasta nuestros días, en los que es inútil seguir buscando dioses en los ojos humanos.

Zach Cregger, director de Weapons, sorprendió a los asistentes de la Comic-Con de San Diego al revelar los primeros detalles sobre la esperada precuela centrada en Gladys, el personaje que interpretó Amy Madigan y que se convirtió en uno de los grandes enigmas del cine reciente. El proyecto, titulado provisionalmente Gladys, se encuentra en proceso de escritura y promete expandir el universo de Weapons a través de una historia cargada de misterios y giros inesperados.

Durante el panel Directors on Directing, organizado por Collider, Cregger compartió su entusiasmo por este nuevo desafío creativo y destacó la riqueza del personaje. “Estoy realmente emocionado por la película de Gladys y me encantó trabajar con Amy”, afirmó el cineasta ante la audiencia. Agregó que, aunque en Weapons el pasado de la tía Gladys se mantuvo en las sombras, existe “una historia increíble que contar sobre de dónde viene Gladys y cómo llegó a ser lo que conocemos”. Según Cregger, el guion en desarrollo mantiene la esencia enigmática y sorprendente que caracterizó a la película original.

La narrativa de la precuela se presenta como una oportunidad para explorar en profundidad el origen de un personaje que, hasta ahora, había permanecido deliberadamente oculto. Cregger explicó que en Weapons la decisión de no mostrar el trasfondo de Gladys fue intencional, ya que el misterio era fundamental para la estructura del filme. Sin embargo, tras el impacto que generó en la audiencia y el reconocimiento obtenido por Madigan —quien ganó el Oscar a mejor actriz de reparto por su interpretación—, el director consideró que había llegado el momento de ahondar en el pasado de Gladys. “El guion está en proceso, pero estamos tomándolo muy en serio y avanza en la dirección correcta”, detalló Cregger, quien también confirmó que la historia estará llena de “giros y cosas alucinantes”.

La precuela de la gran película de terror de 2025

En Weapons, estrenada en agosto de 2025 bajo el sello de Warner Bros., la trama gira en torno a un grupo de niños que desaparecen misteriosamente durante la noche. La cinta, que contó con un elenco encabezado por Julia Garner, Josh Brolin, Alden Ehrenreich, Austin Abrams y Benedict Wong, fue un éxito en taquilla al recaudar 270 millones de dólares a nivel mundial. El personaje de Gladys, interpretado por Madigan, destacó por su ambigüedad y presencia inquietante, despertando un interés inusual entre los seguidores del género. El propio Cregger reconoció que parte del atractivo de Weapons residía en mantener a Gladys como una figura enigmática, lo que motivó la expectativa por descubrir sus orígenes.

El anuncio de la precuela se suma a la agenda cargada del director. Durante el mismo panel en Comic-Con, Cregger presentó el último tráiler y material exclusivo de su adaptación cinematográfica del videojuego Resident Evil, que será distribuida por Sony en septiembre. Además, adelantó que su siguiente largometraje será The Flood, un proyecto de ciencia ficción que él mismo escribió y que también será producido por New Line Cinema. Estos anuncios consolidan a Cregger como uno de los nombres más activos y versátiles dentro de la industria actual. En paralelo, el panel contó con la presencia de otros realizadores como John Francis Daley y Jonathan Goldstein, directores de Mayday, quienes ofrecieron novedades sobre el desarrollo de la próxima película de Star Trek. Goldstein reveló que la historia se ambientará en un futuro más lejano y no incluirá a los personajes habituales de la franquicia.

La confirmación de la precuela Gladys y los detalles compartidos por Cregger marcan el inicio de una nueva etapa para el universo de Weapons. El director subrayó que el proceso de guion está en marcha y que se abordará con el mismo rigor creativo que caracterizó al filme original, asegurando que la película ofrecerá “muchos giros y misterios” para el público. Con el respaldo de New Line Cinema y la atención generada por el personaje de Gladys, la expectativa por esta historia de origen crece entre los seguidores del terror y el suspense.

El universo de Blade Runner se expande con la llegada de Blade Runner 2099, la esperada serie de Prime Video que pone en el centro a Michelle Yeoh y Hunter Schafer. La ficción, situada cincuenta años después de los hechos de Blade Runner 2049, presenta un mundo donde los replicantes han tomado el control y los humanos sobreviven como ciudadanos de segunda clase. La serie, que debutará este año, revela un giro inédito: una humana debe asumir el rol de replicante para sobrevivir en una sociedad que ha cambiado de jerarquía. Este primer vistazo confirma la apuesta de Amazon por renovar el clásico con una mirada contemporánea y un elenco que promete nuevas capas de profundidad al dilema de la identidad.

En esta nueva entrega, Michelle Yeoh interpreta a Olwen, una Blade Runner replicante en la fase final de su vida. Olwen lidera la búsqueda de un grupo de replicantes renegados, enfrentando el conocimiento certero de su inminente muerte. Según detalló la showrunner Silka Luisa, el personaje de Yeoh retoma el eje existencial de Roy Batty, pero desde una perspectiva inédita: “Estamos contando la historia desde el punto de vista de la replicante”. La otra figura central es Cora, encarnada por Hunter Schafer. A diferencia de otras narrativas de la franquicia, Cora es una humana que ha pasado su vida huyendo de los Blade Runner y que ahora se ve obligada a fingir ser uno de ellos. Su camuflaje ha sido tan efectivo que ha perdido la conexión con su propia humanidad. Luisa explicó que la serie plantea una pregunta crucial: “Una vez que has perdido tu humanidad, ¿puedes recuperarla?”.

Este eje argumental dota a la serie de una tensión constante, ya que la supervivencia de Cora depende de su habilidad para ocultar su verdadera naturaleza en un entorno hostil. La relación entre Olwen y Cora, ambas investigando la pista de los replicantes desaparecidos, es el motor narrativo de la trama y una de las principales novedades respecto a las entregas anteriores. Blade Runner 2099 traslada al espectador a una Los Ángeles radicalmente distinta. Entre los hechos ocurridos tras Blade Runner 2049 y el presente de la serie, una sublevación replicante ha modificado el equilibrio de poder. “La guerra ha sucedido y los humanos han perdido. Nuestros peores temores se han hecho realidad”, señaló Luisa.

La ciudad, ahora bajo el dominio de los replicantes, se presenta como un territorio en el que los humanos deben adaptarse a una nueva condición social. Los replicantes ocupan los puestos de decisión y control, mientras que los humanos luchan por no quedar relegados a la marginalidad. Este giro permite a la serie explorar el concepto de humanidad desde la inversión de los roles tradicionales, dando pie a nuevas reflexiones sobre la relevancia de la especie humana en un futuro dominado por la inteligencia artificial. La ambientación no solo toma como referencia las películas previas, sino que también incorpora elementos del libro original de Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?. Según Luisa, regresar al material literario permitió expandir el universo y responder a la curiosidad de los fanáticos sobre aspectos del mundo que no habían sido explorados en profundidad.

Los nuevos rostros y el dilema de la identidad

El desarrollo de Blade Runner 2099 estuvo guiado por la experiencia de figuras clave. Silka Luisa, responsable del proyecto, contó con la colaboración directa de Michael Green, guionista de Blade Runner 2049, y de Ridley Scott, director de la primera película, ambos como productores ejecutivos. Luisa destacó la importancia de contar con el respaldo y la visión de Scott, asegurando que aspectos visuales y mitológicos del canon original han sido respetados e integrados en la nueva narrativa. “Había puntos de la mitología que era fundamental tocar y conocer la intención original”, detalló la showrunner.

La serie, largamente esperada desde su anuncio hace cinco años, fue concebida como un homenaje y una evolución del legado Blade Runner. Según Luisa, el equipo fue muy consciente del peso de la franquicia y trabajó con extremo cuidado en cada etapa del proceso, buscando equilibrar la fidelidad al pasado con la necesidad de ofrecer algo novedoso. La identidad visual de Blade Runner 2099 representa una evolución deliberada del estilo que definió a la saga. Luisa explicó que la serie se inspira tanto en la oscuridad y la lluvia del filme de Ridley Scott como en las atmósferas gélidas de la secuela de Denis Villeneuve. Sin embargo, la nueva entrega apuesta por un registro distinto: “Nos inclinamos por el sunshine noir. Seguimos en el mundo Blade Runner, pero el clima es caluroso, pegajoso y soleado”.

La acción se traslada en parte a la costa, con escenarios como Santa Mónica y una paleta cromática que introduce luz y temperatura a la mitología visual. La producción priorizó el uso de efectos prácticos para mantener la credibilidad en pantalla y facilitar la interacción de los actores con el entorno. Un ejemplo es la recreación del famoso “spinner”, el vehículo volador, cuya actualización fue supervisada por Paul Inglis, director de arte de Blade Runner 2049. Con estos elementos, Blade Runner 2099 se presenta como una expansión ambiciosa del universo original, dispuesta a cuestionar los límites de la identidad, la humanidad y el poder, mientras redefine la estética del futuro según las reglas de un nuevo orden replicante.

La carrera por el Oscar en 2027 ya ha empezado con una clara favorita para sus votantes. Christopher Nolan ha estrenado estos días La Odisea, generando una ola de entusiasmo entre los votantes que ya la consideran la obra a vencer en la próxima temporada de premios. La producción, que se ha estrenado bajo el sello de Universal Pictures, batió el propio récord mundial de taquilla del director con una recaudación de 264 millones de dólares en su estreno global.

El filme inició oficialmente su campaña de cara al Oscar con varias exhibiciones especiales en las principales sedes de la Academia. El Samuel Goldwyn Theater de Los Ángeles recibió a casi mil asistentes, una cifra que por sí sola refleja el interés que despierta La Odisea entre los votantes. Paralelamente, la membresía del Reino Unido, cada vez más influyente en la votación de los Oscar, tuvo su propio pase en el Soho Hotel de Londres. En Nueva York, la proyección en 35 mm permitió a los miembros de la costa este experimentar el regreso a Ítaca desde una óptica cinematográfica diferente.

Los testimonios recogidos tras las funciones describen una reacción prácticamente unánime de admiración. Un experimentado votante de la Academia, que prefirió el anonimato, declaró: “No pensé que algo pudiera superar Oppenheimer y la primera película de Chris [Nolan], Following. Es el cineasta definitivo de nuestra época”. Este tipo de comentarios han alimentado la percepción de que Nolan ha consolidado su posición en la industria, especialmente después de que Oppenheimer arrasara en la temporada 2024 y le valiera su primer Oscar como director. La película, que adapta el clásico homérico, destaca por ser la primera filmación realizada íntegramente con cámaras Imax. Esta apuesta técnica ha sido reconocida tanto por el público como por los especialistas, quienes subrayan el impacto visual y la magnitud del proyecto. Sin embargo, incluso aquellos que han señalado alguna reserva lo han hecho en términos positivos: “Me pareció espectacular, un poco larga pero de una escala enorme”, comentó otro miembro de la Academia tras la proyección.

Las primeras reacciones entre los miembros de la Academia han situado a La Odisea como la favorita indiscutible para la próxima temporada de premios. Aquellos que ya han visto la película coinciden en que la competencia tendrá difícil igualar su impacto. “Esto fue como el All-Star de la NBA, pero de la actuación”, señaló un actor miembro de la Academia, en referencia al elenco encabezado por Matt Damon y compuesto por figuras como Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, Charlize Theron, John Leguizamo y Jon Bernthal. El comentario más repetido entre los asistentes fue: “Buena suerte al resto de películas que se estrenen este año”.

“El All-Star de la actuación”

Para los votantes, la asistencia masiva a las funciones y el entusiasmo expresado después son indicadores claros del impulso de La Odisea. En la temporada de premios, la diferencia entre admiración y favoritismo suele medirse por la capacidad de una película para movilizar a los votantes y generar conversación. De acuerdo con fuentes presentes en las proyecciones, La Odisea ha logrado ambos objetivos en sus primeras apariciones públicas ante la Academia.

El reparto de La Odisea ha sido calificado como uno de los más sólidos de la década. Matt Damon, quien ya cuenta con un Oscar por guion y dos nominaciones como actor, emerge como un candidato fuerte en la categoría principal tras liderar una película con la mayor apertura comercial de su carrera. Un veterano miembro de los apartados técnicos relató haber llorado en dos ocasiones, ambas vinculadas a escenas íntimas y emotivas: una cuando el personaje de Damon escucha a las sirenas, y otra al interactuar con su perro, Argos. La escena de Argos, el perro, ha cobrado especial relevancia en el entorno de la campaña, ya que demuestra que la película no solo apuesta por el espectáculo, sino también por la emoción y los pequeños detalles capaces de conectar con la audiencia y los votantes.

A pesar del entusiasmo actual, la ruta hacia el Oscar aún presenta desafíos. Próximamente, festivales como Telluride, Venecia y Toronto presentarán nuevas propuestas que podrían competir por la atención de la Academia. Además, la tendencia histórica muestra que las películas estrenadas en verano, aunque generan expectación inmediata, a veces pierden fuerza frente a los lanzamientos de final de año, como ocurrió con Dunkerque de Nolan. El verdadero termómetro será la capacidad de La Odisea para mantener el interés y la conversación entre los votantes a lo largo de los próximos meses. Por ahora, la película ha logrado situarse en el centro del debate y consolidarse como la referencia obligada de la temporada.

En medio del furor de La Odisea, una nueva serie de estrenos aterriza en cartelera para buscar asombrar tanto como lo está haciendo la película de Christopher Nolan. Una semana para reírse de una nueva comedia española, sufrir con el último hit de terror, conocer la emocionante historia real de dos agentes de la NBA o maravillarse de nuevo con el reestreno de todo un clásico de la animación.

Tres de más, la nueva comedia protagonizada por Salva Reina y Kira Miró, encabeza esta selección de estrenos más esperados de la semana, en la que también se encuentran la terrorífica Insaciable, el thriller setentero Motor City o El sueño americano, una historia que mezcla amistad, deportes y un gran viaje. No todo iba a ser el viaje de vuelta a casa del Odiseo de Matt Damon.

Tres de más

Kira Miró y Salva Reina no solo son pareja detrás de cámaras, sino que ahora también lo son en la ficción. Dan vida a Julia y Ernesto, una pareja que parece tenerlo todo: una relación envidiable, carreras de éxito y, sobre todo, una vida ideal sin hijos. Sin embargo, un día despiertan y se encuentran con tres niños que insisten en llamarlos mamá y papá. Su vida perfecta se ha esfumado. De la noche a la mañana tendrán que aprender a ser padres mientras tratan de descubrir de dónde han salido esos niños y cómo pueden librarse de ellos.

Insaciable

Australia dio el año pasado una gran película de terror como Devuélvemela, y ahora se propone lo mismo con esta Insaciable. En ella se cuenta la historia de Hana, una estudiante de medicina con una fuerte dismorfia corporal, se somete a una moda de adelgazamiento tan absurda como macabra: comer cenizas humanas. A partir de ese momento, comienza a ser acosada por un fantasma hambriento, una manifestación literal del mito del ‘hungry ghost’.

Motor City

Alan Ritchson, Shailene Woodley y Ben Foster protagonizan este oscuro thriller de época. En el Detroit de los años 70, el romántico de clase trabajadora John Miller es incriminado por un despiadado gángster tras enamorarse de su novia. Tras pasar años en prisión, regresa con una única misión: vengarse.

Nicky, aprendiz de bruja

Gran clásico de estudio Ghibli, Nicky la aprendiz de bruja regres a los cines por su aniversario. Nicky es una joven bruja de 13 años, en periodo de entrenamiento, que se divierte volando en su escoba junto a Jiji, un sabio gato negro. Según la tradición, todas las brujas de esa edad deben abandonar su hogar durante un año para saber valerse por sí mismas. Así, ella descubrirá lo que significa la responsabilidad, la independencia y la amistad. En su camino Nicky y Jiji harán un nuevo amigo, Tombo, con el que vivirán extraordinarias aventuras.

El sueño americano

Dos amigos sin apenas dinero ni idea de inglés pero con un sueño en común: llegar a la NBA. El director francés Anthony Marciano (Play) lleva a la pantalla la apasionante historia de Jeremy Bedjana y Bouna Ndiaye, dos representantes de baloncesto que han llevado a jugadores como Nicolas Batum o Victor Wembanyama, una de las grandes estrellas de la NBA actualmente. Pero la película cuenta los orígenes de esta extraña pareja, con gran humor y una valiosa lección sobre cómo las relaciones estrechas y sinceras pueden imponerse al dinero.

La nueva película protagonizada por Penélope Cruz y Javier Bardem, Búnker, ha sido seleccionada para competir en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia, uno de los certámenes más antiguos y prestigiosos del mundo. La cinta, dirigida por el cineasta francés Florian Zeller, estará así en la carrera por el León de Oro, el máximo galardón del festival. Además, la película formará parte de las Galas del Toronto International Film Festival (TIFF), consolidando su presencia en el circuito internacional antes de su estreno en cines, que será distribuido por Elastica en nuestro país.

La selección de Búnker para la competición principal en Venecia supone un nuevo hito en la trayectoria de Cruz y Bardem, quienes interpretan a la pareja protagonista en un drama que explora los desafíos contemporáneos a través de una historia íntima y moralmente compleja. El anuncio también confirma la posición de Zeller como uno de los autores más destacados del cine europeo actual, tras el reconocimiento obtenido por sus anteriores películas, El padre y El hijo. El elenco de la película está encabezado por Javier Bardem y Penélope Cruz, considerados dos de los intérpretes españoles más reconocidos a nivel mundial. Junto a ellos figuran actores como Stephen Graham, conocido por su trabajo en Adolescencia y Snatch: Cerdos y diamantes; Paul Dano, con créditos en Pozos de ambición y The Batman; y Patrick Schwarzenegger, visto en The White Lotus y The Staircase.

La trama de Búnker gira en torno a Miguel, un arquitecto galardonado que acepta construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico, enfrentándose a un dilema moral. Su esposa, Sofía, comienza a cuestionar los cimientos de su relación tras diecisiete años juntos, especialmente después de mudarse a Londres para perseguir el sueño profesional de Miguel. A medida que Miguel se sumerge en el proyecto, la pareja debe confrontar si aún comparten aspiraciones, valores y una visión de futuro.

Inspirada en una historia real

El filme plantea preguntas sobre la ética profesional y las consecuencias de las decisiones personales en un contexto de creciente incertidumbre global. Búnker utiliza el conflicto de la pareja como un prisma para abordar temas como el miedo al futuro, las amenazas ecológicas, la desigualdad social y el individualismo. En definitiva, un thriller dramático que examina los desafíos emocionales y morales a los que se enfrenta una pareja ante las inquietudes de un mundo cada vez más incierto, explorando los miedos, las dudas y los dilemas éticos que definen nuestra época".

Florian Zeller, responsable del guion y la dirección, reveló que la idea de la película surgió tras leer un artículo sobre Mark Zuckerberg y la construcción de un búnker en Hawái. Zeller se preguntó si el fundador de Facebook sabía algo que los demás ignoraban, y cómo la paradoja de quien conecta al mundo buscaba aislarse resultaba fascinante. “Entonces me hice otra pregunta: ‘¿acaso no nos estamos aislando todos, de algún modo, dejando de vernos como continentes interconectados para convertirnos cada vez más en islas a la deriva?’”, explicó Zeller. El cineasta reconoció que escribió el guion pensando en Penélope Cruz y Javier Bardem: “Ambos fueron el punto de partida y la principal fuente de inspiración de este proyecto, no solo porque son dos de los actores con más talento de la actualidad, sino también porque forman una pareja icónica. Quería construir una historia en torno a esa realidad tan fascinante para explorar el amor, la fidelidad y el perdón”.

Búnker aborda los grandes desafíos sociales de la actualidad desde una perspectiva íntima, centrada en la relación de una pareja que busca formas de reconciliación y entendimiento en la madurez. El filme interroga el impacto del miedo al futuro, el empobrecimiento y la soledad en el seno de las relaciones personales, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la verdad y la autenticidad en tiempos de crisis. La expectativa por el estreno de Búnker en Venecia y Toronto es alta, tanto por el prestigio del equipo creativo como por la relevancia de los temas tratados. De momento su fecha de estreno en España se desconoce, aunque está confirmada de la mano de Elastica Films.

Cuando la cantante Charli XCX prometió que su nuevo álbum sería un apasionante viaje por el mundo de la música, la moda y el cine, no lo decía por decir. Después de regalar sencillos como Rock Music, SS26 o Wink Wink, la británica ha dejado ver la tercera pata de su particular mesa que es Music, Fashion, Film, el álbum que publica este mismo viernes y del cual acaba de sacar su último adelanto con un gran homenaje al actor Vincent Cassel y a una película de culto a la que está ineludiblemente ligado.

Camera ha sido el último sencillo que Charlotte Emma Aitchison, más conocida como Charli XCX, ha lanzado antes de mostrar al mundo su álbum. Y lo ha hecho con la firme intención de demostrar que su promesa iba en serio y que con este álbum busca entrelazar los tres universos propuestos y cómo se ha involucrado en ellos. En los últimos meses, la cantante ha desarrollado una faceta más allá de la música como actriz y cineasta, participando en películas de Hollywood y otras de bajo presupuesto como Erupcja, que llega a los cines este mismo verano. Pues bien, con Camera y más especialmente con el videoclip de esto, ha contado con un gran aliado para conseguir más cotundencia en el mensaje.

En el videoclip se puede ver al actor francés Vincent Cassel en medio del rodaje de una película, aparentemente una en la que hay violencia y disparos. Mientras la voz de Charli conduce a Cassel de una escena a otra, la cámara gira para descubrir que es la propia cantante quien está dirigiendo a Cassel y por ende la película que está haciendo, con un gesto de empuñar una pistola en un claro guiño a La Haine (El odio), la película francesa de 1995 que convirtió a Cassel en una estrella. Mientras tanto, la propia cantante reflexiona sobre si puede dar este paso en su carrera: “‘Cause that look, it’s a bullet / It makes me question what I’m doing / Do I wanna make music? Am I being fuckin’ stupid / If I try to be a girl on the screen when I’m turning thirty-four?‘”.

Sus películas más infravaloradas

Cassel, quien es a día de hoy toda una leyenda del cine francés y ha participado en grandes películas de Hollywood como Cisne negro o la saga Ocean’s, en la que daba vida al antagonista François Tolour, no es el único referente cinematográfico para Charli. El mismísimo Martin Scorsese, director de obras maestras como Taxi Driver o Toro salvaje, es una de las imágenes del álbum como referente cinematográfico para la británica, junto al diseñador Marc Jacobs y al músico John Cale, miembro de bandas como The Velvet Underground, considerada una de las primeras del indie rock.

Por su parte, la cantante está aprovechando estos días de promoción para confirmar que su faceta cinematográfica no es solo pura fachada, sino que realmente es una cinéfila de pro. Desde hace un tiempo que cuenta con un perfil en la red social Letterboxd, en la que comparte sus visionados y algunas críticas, y recientemente ha recomendado algunas películas infravaloradas o que ella considera incomprendidas, como El incidente de M. Night Shyamalan, The Bling Ring de Sofia Coppola o Al límite (Bringing Out the Dead), de su querido Martin Scorsese. Habrá que esperar a este viernes para conocer el resto de canciones, pero de momento parece claro que la cantante ha querido pegar un gran cambio con respecto a Brat, con la que inició una gran revolución en la historia reciente de la música pop.

Según Nolan, la IA funciona como un regalo sospechoso que, al igual que el mítico caballo de Troya, contiene en su interior intenciones ocultas. El cineasta afirmó: “Creo que la IA es un caballo de Troya en el que todos saben que los griegos están dentro. Es un caballo transparente, hecho de cristal. Todos pueden ver lo que ocurre en su interior”. Esta declaración surge en un contexto donde la inteligencia artificial ha irrumpido en distintos ámbitos, desde la creación artística hasta las finanzas, generando debates sobre sus posibles consecuencias.

Nolan eligió la figura del caballo de Troya “de cristal” para subrayar la paradoja de una tecnología que no esconde su funcionamiento, pero cuya finalidad sigue siendo motivo de sospecha. Para el director, la transparencia de la IA no elimina el temor a sus implicaciones. La referencia histórica evoca la estrategia griega para conquistar Troya, presentando un obsequio engañoso que ocultaba un ataque desde el interior. El realizador de Oppenheimer y Interestelar advirtió que la inteligencia artificial, aunque expuesta y discutida públicamente, sigue siendo vista como una amenaza potencial por amplios sectores de la población. Nolan manifestó que la sociedad no acepta de manera pasiva los avances tecnológicos, sino que observa con atención quiénes los impulsan y cuáles son sus verdaderas motivaciones.

El director destacó la desconfianza creciente hacia la IA, especialmente entre las nuevas generaciones. Nolan afirmó que nunca había observado una tecnología que, avanzando tan rápido, fuera “tan completamente rechazada por el público”. Según sus palabras, la reacción de los jóvenes frente a los videos y contenidos generados por inteligencia artificial es inmediata y crítica, calificando estos productos como “AI slop” y confinándolos a un espacio de desconfianza y recelo. Para Nolan, este escepticismo resulta saludable, ya que impide que la sociedad acepte sin cuestionamientos los “regalos” tecnológicos. El cineasta considera que la vigilancia y la duda son esenciales para aprovechar los beneficios de las innovaciones sin caer en una fe ciega. “La reacción de los jóvenes es alentadora. Es positivo ver a las nuevas generaciones tan suspicaces”, expresó durante la entrevista.

La metáfora del caballo de Troya y el avance de la IA

En paralelo, la industria cinematográfica debate el papel de la inteligencia artificial en la creatividad y la autoría. Elon Musk, fundador de X (antes Twitter), ha anunciado que su herramienta Grok Imagine generará una versión de La Odisea creada íntegramente por IA antes de fin de año, prometiendo fidelidad histórica y respeto al arte de Homero. Musk ha criticado abiertamente la versión dirigida por Nolan, especialmente en lo relativo a la elección de su elenco, polémica que el director ha calificado de “irrelevante”.

La controversia sobre la adaptación de La Odisea y el uso de inteligencia artificial en el cine pone de relieve las tensiones existentes entre los defensores de la innovación tecnológica y quienes defienden la preservación de ciertos valores artísticos y culturales. Nolan, por su parte, reiteró que la adaptación y la reinterpretación forman parte esencial del proceso creativo y rechazó los cuestionamientos centrados en el reparto. El debate sobre la inteligencia artificial no se limita a la esfera artística. Organizaciones como SAG-AFTRA han manifestado su apoyo a un marco regulatorio propuesto por la administración Trump, que contempla medidas para proteger los derechos de autor, introducir controles parentales y fomentar el desarrollo de la fuerza laboral especializada en IA.

En junio, Donald Trump firmó una orden ejecutiva que promueve la cooperación voluntaria de las empresas del sector, obligándolas a presentar sus nuevos modelos de inteligencia artificial al gobierno para una revisión de 30 días antes de su lanzamiento público. Este marco busca equilibrar la innovación tecnológica con la protección de intereses sociales y culturales, reflejando la inquietud creciente sobre el impacto de la IA en todos los ámbitos, desde la economía hasta la cultura popular. La postura de Christopher Nolan, al comparar la inteligencia artificial con un “caballo de Troya de cristal”, sintetiza el sentimiento de alerta y escepticismo que recorre tanto la industria cinematográfica como la sociedad en general frente a una tecnología cuyo alcance y consecuencias aún están en discusión.

La secuela de Días de trueno avanza con paso firme en Paramount. El estudio ha iniciado negociaciones para que Jonathan Levine dirija la nueva entrega, en la que Tom Cruise volverá a encarnar al piloto Cole Trickle. El proyecto, que cuenta con la producción de Jerry Bruckheimer, uno de los responsables de la película original, está concebido como la próxima gran producción de Cruise.

El regreso de Días de trueno a la primera línea de la agenda de Paramount representa una apuesta clara por uno de los títulos más recordados del catálogo de películas deportivas de Hollywood. La secuela se beneficia del impulso que la figura de Cruise y la participación de Bruckheimer, ambos involucrados en la cinta de 1990, otorgan al proyecto. Según se ha informado, Paramount ha confiado en Levine tras observar los resultados positivos de Mr. Irrelevant, un drama deportivo dirigido por él que ha generado expectativas altas durante sus pruebas de audiencia de la pasada primavera.

El acuerdo entre Paramount y Levine aún se encuentra en fase de negociación, pero la decisión de convocarlo supone un voto de confianza del estudio en el director. Mr. Irrelevant, protagonizada por David Corenswet y con estreno previsto para el 25 de diciembre, ha sido objeto de elogios en los primeros visionados internos. El desempeño de Levine en este proyecto ha reforzado su perfil para liderar la secuela de Días de trueno, dado su manejo de la tensión narrativa y su capacidad para trasladar la emoción del deporte a la pantalla.

Jonathan Levine, el elegido para la nueva carrera

La selección de Jonathan Levine por parte de Paramount responde a una carrera marcada por la versatilidad y la adaptación a diversos géneros. Levine ha dirigido desde películas de terror como All the Boys Love Mandy Lane hasta comedias con Seth Rogen como The Night Before y Long Shot, pasando por dramas reconocidos en Sundance como The Wackness y propuestas híbridas como 50/50 y Warm Bodies. Su experiencia más reciente se vincula con la televisión de alto perfil, al dirigir episodios de Nine Perfect Strangers, la serie protagonizada por Nicole Kidman y creada por David E. Kelley. El trabajo de Levine en Mr. Irrelevant fue determinante para que Paramount lo considerara para dirigir la secuela. El tono del filme, su ritmo y la recepción favorable en las primeras pruebas han sido factores clave para que el estudio apostara por él como la figura capaz de dar nueva vida a la franquicia.

Tom Cruise no solo será el protagonista, sino también productor de la nueva entrega. Su regreso a Días de trueno supone el reencuentro con uno de los papeles que consolidaron su imagen como estrella del cine de acción a principios de la década de 1990. Cruise, junto a Jerry Bruckheimer, encabezará la producción, asegurando continuidad en el tono y la ejecución respecto al filme original.

Así será la secuela

El guion de la secuela está a cargo de Will Staples, conocido por su trabajo en videojuegos como Call of Duty 3: Modern Warfare y la coescritura de la película Without Remorse de Michael B. Jordan. Hasta el momento, los detalles específicos de la trama permanecen en reserva. No se han difundido elementos argumentales ni pistas sobre el enfoque de la historia, salvo la confirmación del regreso de Cruise al universo de las carreras automovilísticas.

Estrenada en 1990, Días de trueno fue dirigida por Tony Scott, quien ya había trabajado con Cruise en Top Gun. La película narra la historia de Cole Trickle, un joven piloto de NASCAR que se enfrenta a desafíos tanto en la pista como en su vida personal, incluyendo accidentes, rivalidades y una historia de amor. El reparto original incluyó a Robert Duvall, Nicole Kidman, Cary Elwes y Randy Quaid, todos figuras reconocidas en la industria cinematográfica.

En su momento, Días de trueno no alcanzó el éxito de taquilla de Top Gun, pero se consolidó como uno de los títulos más populares de Cruise y se mantuvo en la memoria del público por sus escenas de velocidad y su retrato del mundo del automovilismo estadounidense. La confirmación del avance de la secuela de Días de trueno y la elección de Levine como director marcan una nueva etapa para la franquicia. La combinación de talento experimentado tanto delante como detrás de cámara, junto con la reserva sobre los detalles narrativos, alimenta la expectación por el regreso de una de las historias deportivas más icónicas del cine reciente.

El cineasta británico Ridley Scott será el encargado de dirigir una nueva adaptación cinematográfica de La isla del tesoro, el clásico de aventuras escrito por Robert Louis Stevenson. La película contará con la participación de Hugh Jackman, quien dará vida al mítico pirata Long John Silver. El proyecto supone un regreso a los relatos de aventuras y piratas, con la promesa de renovar uno de los títulos más influyentes de la literatura universal.

La elección de Scott al frente del proyecto y la confirmación de Jackman como protagonista fueron reveladas junto con el anuncio de que Sony Pictures se encuentra en negociaciones para adquirir el paquete de producción. Esta nueva versión busca ofrecer una mirada contemporánea a la historia, manteniendo la esencia de la obra original pero apostando por una interpretación renovada de los personajes y el universo narrativo.

La adaptación de La isla del tesoro estará dirigida por Ridley Scott, responsable de títulos como Gladiador y Napoleón. El guion de la película fue escrito por Jack Thorne, guionista reconocido por su trabajo en Enola Holmes y La materia oscura. La producción correrá a cargo de Scott y Michael Pruss a través del sello Scott Free, la compañía que ha respaldado varios de los proyectos recientes del cineasta. La decisión de poner a Jackman en el rol de Long John Silver fue recibida como una apuesta por el carisma y la versatilidad actoral del intérprete australiano. La obra de Stevenson gira en torno a la figura de Silver, un pirata tan peligroso como seductor, que se convierte en el eje del relato y en un referente de la literatura de aventuras. Según fuentes cercanas a la producción, la adaptación de Thorne convenció a Scott de elegir este proyecto como su nueva prioridad.

Una lucha de estudios

El proyecto de La isla del tesoro llegó al mercado después de que 20th Century Studios —la productora de confianza de Scott en los últimos años— desestimara su participación. La decisión no se debió a falta de interés, sino a que 20th Century Studios forma parte de Disney, que actualmente prioriza la franquicia Piratas del Caribe dentro de su división de acción real. La posibilidad de competir en el mismo género llevó a la compañía a renunciar a la primera opción sobre el filme. Varias productoras evaluaron el paquete de la película, pero Sony Pictures se posicionó como la favorita desde el inicio. La relación de larga data entre Ridley Scott y Tom Rothman, responsable de Sony y antiguo ejecutivo de 20th Century, influyó en el interés del estudio por el proyecto. Rothman respaldó varias películas de Scott tanto en 20th Century como en Sony, incluyendo Todo el dinero del mundo y Napoleón, lo que refuerza la confianza en la colaboración.

La nueva versión de La isla del tesoro se inspira en la trama original de Stevenson, publicada en 1883. La historia sigue a Jim Hawkins, un joven que descubre el mapa de un tesoro legendario y se embarca en una travesía marítima plagada de peligros. Durante el viaje, Hawkins se enfrenta al carismático y traicionero Long John Silver, líder de los piratas y figura central en el desarrollo del relato. Desde su publicación, La isla del tesoro ha vendido más de 100 millones de ejemplares en todo el mundo y ha sido traducida a más de 50 idiomas. La obra ha dado origen a numerosas adaptaciones en cine y televisión, incluyendo la versión animada El planeta del tesoro (2002), dirigida por John Musker y Ron Clements. Esta película trasladó la acción al espacio y presentó una lectura de ciencia ficción del clásico, con las voces de Joseph Gordon-Levitt y Emma Thompson en los papeles principales.

La reinterpretación que propone Scott busca actualizar los elementos centrales de La isla del tesoro, manteniendo la intriga, la aventura y la tensión entre los personajes. El objetivo del equipo creativo es ofrecer una experiencia que dialogue con el público contemporáneo, sin perder el atractivo universal de la novela original. El interés de Sony Pictures por el proyecto y la suma de talentos como Jackman, Thorne y Pruss anticipan una producción de gran escala, destinada a revivir el legado de uno de los relatos más influyentes de la literatura de aventuras. La fecha de inicio del rodaje y el reparto completo aún no han sido confirmados.

Lo primero que hay que entender, más allá de que sea una adaptación cinematográfica y de que Nolan tenga su propia visión que puede o no diferir de la de la obra original, es que el cineasta trabajó con una traducción concreta como material base. Se trata de la versión de la intérprete Emily Wilson, publicada en 2017 bajo el sello W. W. Norton & Company. Ampliamente elogiada, la traducción de Wilson ya difería en algunos elementos de anteriores versiones, pero en general fue considerada como una más que fiel al relato atribuido al poeta Homero, del que no hay que olvidar que tampoco se ha llegado a verificar del todo su existencia. Con todo ello en cuenta, Nolan ha decidido llevarse a Odiseo y su odisea a un terreno que le es mucho más familiar y que puede diferir en gran medida del concepto que representaba la obra original, como es el del héroe trágico que en gran medida se arrepiente de lo que ha hecho y ve cómo es “castigado” por sus actos.

En el poema de Homero, que no arranca con Odiseo sino con un encuentro entre los dioses del Olimpo (completamente ausentes de la versión cinematográfica a excepción de la Atenea de Zendaya, e incluso con asterisco para esta), Odiseo es descrito como un héroe tan astuto como orgulloso y fanfarrón, el mismo que le llevará a granjearse la enemistad de Poseidón después de dejar ciego a uno de sus hijos, el cíclope Polifemo. Nolan mantiene en gran medida este punto, pero a lo largo de la película extiende el “pecado” del personaje que interpreta Matt Damon a un resultado de haber violado la tan mencionada en el filme “Ley de Zeus”, la cual apela a la buena hospitalidad y castiga al que no la respeta, como es el caso de Odiseo a partir de entrar en Troya con “malas artes”, para hacernos entender. El ardid del caballo vendría a ser un ejemplo de guerra sucia entendida en nuestros términos contemporáneos, básicamente.

Los viajes (y personajes) que quedaron en el tintero

Para adaptarse a esta idea de que todas las desventuras de Odiseo y su tripulación son resultado de falta de honor en la Guerra de Troya, Nolan prescinde deliberadamente de algunos viajes menos tortuosos y más amables con el griego, como es su viaje a la corte de Alcínoo y los feacios, donde conoce a Nausícaa y donde realmente comienza a recuperar su memoria a través de participar en unos juegos y, sobre todo, de escuchar los cantos de gesta en la corte de su paso por Troya. En la película, Odiseo arranca en la isla de Calipso como en el poema de Homero, pero recupera la memoria a través de esta, quien lo ha estado “drogando” con unas flores de loto que pertenecen a otro relato de la historia original, la de los lotógafos. Esta omisión, así como otras como la de la isla de Éolo -quien ayuda a Odiseo entregándole unos sacos con viento para ayudar en su travesía- ayuda a favorecer esta idea de viaje maldito por la cual los propios soldados comienzan a dudar de él, hasta el punto de desobedecer sus órdenes en más de una ocasión.

Con los viajes, hay otros personajes que quedan en el tintero tanto de la historia de Odiseo como de la trama paralela, la de su hijo Telémaco. De esta forma, nunca llegamos a ver a Néstor, rey de Pilos, quien es en realidad el primero en acoger al hijo de Odiseo y revelar la historia del caballo, así como la trágica muerte de Agamenón. En la película, Telémaco viaja directamente hasta Esparta para reunirse con Menelao y su esposa Helena, quienes le relatan lo que ocurrió en Troya pero no le dan ninguna información sobre el paradero de su padre. Otras ausencias notables de personajes que han sido en gran medida sustituidas son la de Anticlea, madre de Odiseo y con quien tiene uno de los encuentros más emotivos en el Hades, o Aquiles, con quien también se encuentra en el Hades y cuya reflexión sobre ser el rey de los muertos en vez de uno más entre los vivos influye en gran medida en Odiseo.

En su lugar, la película introduce un “nuevo” personaje en la figura de Sinón, interpretado por Elliot Page. Sinón ya era un personaje existente en una obra derivada de La Odisea como es La Eneida de Virgilio, en la que se le presentaba como un primo de Odiseo encargado de convencer a los soldados troyanos de llevarse el caballo, indispensable para tomar la ciudad. En la película de Nolan, Sinón era un joven de Ítaca que marcha por error a la guerra -en favor de Antínoo, el pretendiente de Penélope (Anne Hathaway) que interpreta Robert Pattinson y al que de esta manera Nolan le da un pasado- y muere junto al caballo sin saber del ardid. Sinón se encuentra más tarde con Odiseo en el Hades y le confronta, haciendo más palpable esta idea de que el héroe carga con la culpa de su muerte.

Atenea, solo presente para Odiseo

No obstante, de todos los personajes que aparecen y pueden diferir con respecto a la obra original, quizá el más significativo es el de Atenea, un personaje esencial en el poema de Homero hasta el punto de que aparece en casi todas las tramas, tanto las de Odiseo como las de Telémaco o Penélope. Atenea es un personaje omnipresente en toda la obra, ya que además se personofica en varios de los personajes que van apareciendo a lo largo de esta, como el tutor de Telémaco Mentor.

En la película, Atenea no solo se presenta únicamente a Odiseo, sino que además descubrimos al final de la película que ni siquiera se trata de Atenea, sino de una joven que murió decapitada en Troya ante los ojos de Odiseo. Nunca llega a quedar del todo claro si Odiseo veía realmente a la diosa de la sabiduría encarnada en esta chica o simplemente esta chica es una aparición más en recuerdo de todas las víctimas que dejó a su paso, pero lo cierto es que poco o nada tiene que ver con la Atenea que conocemos en la obra original, que dialoga y aconseja al héroe en todo momento.

Por último, el final de la película también difiere en gran medida con el de Homero, que concluye con Odiseo de vuelta en Ítaca para reinar en paz a pesar de la muerte de los pretendientes, y con Penélope reconociéndole a través del lecho nupcial, pues este había construido la cama en torno a un olivo. Nolan susitituye esto por una figura de Atenea que Penélope le regaló antes de partir hacia Troya, y concluye con un nuevo viaje de Odiseo, esta vez junto a su mujer, mientras que deja a Telémaco al frente de Ítaca como su nuevo rey. En mayor o menor medida, se puede decir que La Odisea de Christopher Nolan mantiene cierta fidelidad a la obra original que adapta, y que todas las decisiones que difieren de ella solo van en pos de ser coherente al cine del ganador del Oscar por Oppenheimer, con esa idea del héore trágico a lo Batman que carga con sus pecados y una llamada a la convivencia y la paz que tanto ha transmitido el propio director en entrevistas.

Dicen que la idea original de Regreso al futuro surgió de que Bob Gale, guionista y productor de la misma junto al director Robert Zemeckis, surgió de que este hojease el anuario escolar de sus padres y se plantease si sería amigo de ellos de compartir clase. Regreso al futuro fue una de las inspiraciones clave a su vez para una saga que ha girado en torno a un concepto similar: ¿Qué pasaría si puderas regresar al instituto pero siendo ya adulto? Así se han forjado dos de las películas cómicas y de acción más entretenidas de los últimos años, y que pronto tendrán una tercera entrega en camino.

Hablamos de 21 Jump Street, o como se conoció en España, Infiltrados en clase, una serie de películas en torno a dos policías más camino de los treinta que de los veinte, que se infiltran en un colegio para seguir el rastro de una droga que se está propagando por todo el estado. Su aun juvenil apariencia es lo único que les consigue este puesto, ya que son una pareja de policías de lo más torpes e inexperimentados. Desde ese momento, Schmidt (Jonah Hill) y Jenko (Channing Tatum) tienen que hacerse pasar por Doug y Brad, dos jóvenes estudiantes que tendrán que ganarse la confianza de los “populares” del instituto para hallar el paradero del camello. ¿El problema? Todo lo que sabían sobre el instituto ya no aplica a la nueva generación.

Ahi radica precisamente el gran punto a favor de Infiltrados en clase, el contraste entre una generación y otra en todos los sentidos: humor, formas de relacionarse con el mundo y hasta la música que ponen en las fiestas. Si uno había sido un auténtico pringafo en el instituto y otro el más popular de la clase, ahora esos roles se han invertido, derivando en que Jenko tenga más conexión con los nerds y sea Schmidt quien se gane la confianza de los nuevos populares, encabezados por Eric (Dave Franco) y Molly Tracey (Brie Larson), de la cual se empieza a enamorar a pesar de la diferencia de edad. Entre medias, una serie de persecuciones, disparos y muchos chistes tan estúpidos como ingeniosos a la vez. “Solo queríamos hacer algo guay y pasárnoslo genial en el proceso”, comentarían Tatum y Hill en la mayoría de entrevistas sobre la película.

Una secuela idéntica y una tercera entrega en camino

Hay que decir que tanto Infiltrados en clase como su secuela directa, Infiltrados en la universidad, corren a cargo del dúo Phil Lord y Christopher Miller, los mismos detrás de La LEGO película o de uno de los grandes éxitos del año, Proyecto salvación con Ryan Gosling. Lord y Miller perfeccionaron su particular humor con una segunda entrega que es prácticamente idéntica en argumento a la primera, solo que sustituyendo el insitituto por la universidad, con la cantidad de cosas que eso conlleva. Siendo una saga que basa buena parte de su apuesta en el humor y en la química de Jonah Hill y Channing Tatum, era de esperar que tuviese el mismo éxito, y así fue. Sin embargo, las dos películas, que se pueden ver en Amazon Prime durante estos días hasta su retirada del catálogo, andan huérfanas de una tercera. Algo que podría cambiar muy pronto.

Porque hace tan solo unos meses que se anunció que la tercera entrega, titulada 24 Jump Street (a la espera de ver dónde se infiltran y cómo se titularía en España), ya está en marcha. De momento no con Lord y Miller al frente, pero sí con algunos de sus otros protagonistas como Jonah Hill, Channing Tatum y Ice Cube, encargado de dar vida al jefe del programa especial de infiltrados. Habrá que esperar para ver cómo coge forma el proyecto, pero de momento Amazon ofrece la oportunidad de revivir sus últimas aventuras.

El propio Damon ha relatado que, tras no conseguir que su esposa atendiera la llamada debido a una reunión por Zoom, ha marcado el número de Affleck. “Él se volvió loco”, ha recordado Damon durante una entrevista promocional. De esta manera, la noticia del nuevo proyecto ha llegado primero a los oídos de Affleck, quien ha reaccionado con entusiasmo genuino y ha celebrado el logro incluso antes de que la propia familia del actor pudiera hacerlo. La conversación telefónica se extendió durante aproximadamente media hora, según Damon, quien ha añadido que ambos se encontraban en Los Ángeles en ese momento. Apenas ha terminado la llamada, Damon recibió un mensaje de texto de su esposa, cuestionándole por qué no le ha avisado primero. Este episodio ha dejado en evidencia la cercanía entre ambos actores y la espontaneidad con la que han compartido los momentos clave de sus trayectorias.

En La Odisea de Christopher Nolan, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su hogar después de años en la Guerra de Troya. En Ítaca su familia y amigos ya le han dado prácticamente por muerto después de tanto tiempo, y mientras su esposa Penélope (Anne Hathaway) teje un sudario para su suegro Laertes como excusa para demorar su casamiento con alguno de los pretendientes, el joven Telémaco parece ser el único que conserva algo de esperanza de reencontrarse con su padre. Es por ello que viajará a otros reinos con la esperanza de hallar algo de información sobre el paradero de Odiseo, sin saber que este ya está en un viaje de vuelta a casa.

Una gran amistad a lo largo de los años

A lo largo de los años, celebraciones y desafíos han sido compartidos por ambos, fortaleciendo una amistad que ha trascendido los límites de la industria. La reacción de Affleck ante la noticia de La Odisea se ha sumado a una larga lista de momentos en los que ambos actores se han apoyado mutuamente en sus respectivas carreras, consolidando una dinámica que ha sido vista como ejemplar dentro del medio. Bajo la dirección de Christopher Nolan, Damon ha asumido el papel de Odiseo, el legendario rey de Ítaca cuya odisea para regresar a su hogar tras la guerra de Troya ha capturado la imaginación de generaciones. La película ha buscado adaptar el antiguo poema homérico, resaltando no solo los desafíos mitológicos, sino también la humanidad, la inteligencia y las contradicciones del personaje principal.

La interpretación de Damon ha puesto el acento en la carga emocional que implica el liderazgo y el deseo de supervivencia, al tiempo que ha explorado el costo personal de las decisiones de Odiseo. Según la descripción del proyecto, el filme se ha centrado tanto en las batallas externas contra monstruos y dioses como en los conflictos internos que han moldeado la personalidad de un héroe complejo, cuyas fallas y virtudes se han entrelazado a lo largo de su viaje. La historia de cómo Ben Affleck ha sido el primero en saber sobre el papel de Matt Damon en La Odisea ha reflejado la confianza y el compañerismo que han definido su vínculo durante décadas. El episodio se ha sumado a la larga historia compartida entre ambos, marcando un nuevo capítulo en una amistad que ha seguido generando adoración dentro y fuera de Hollywood.

Según datos proporcionados por Marvel Studios, la mayoría de los horarios para el jueves 17 y viernes 18 de diciembre ya se han quedado prácticamente sin disponibilidad, lo que ha llevado a las cadenas de cines a incorporar más funciones de cara a Navidad y los días posteriores. La estrategia de habilitar la preventa junto con la aparición del primer adelanto oficial ha generado una demanda inusual incluso para los estándares del MCU. El propio estudio ha confirmado que la venta anticipada, limitada a formatos premium, ha superado ampliamente las expectativas iniciales.

El primer día de preventa de Vengadores: Doomsday se ha traducido en entradas prácticamente agotadas para los estrenos en los formatos más demandados, incluso sin incluir funciones en Imax. De acuerdo con fuentes de la industria, la cifra de 16,5 millones de dólares en ventas anticipadas ha representado el doble de lo alcanzado en igual lapso por Deadpool & Wolverine en 2024, cuya preventa ha abarcado todas las salas y formatos. El furor se ha hecho evidente desde el momento en que las entradas han salido a la venta, coincidiendo con la publicación del tráiler. Los principales complejos han informado de filas virtuales y sistemas de reserva saturados en cuestión de minutos, confirmando la expectativa generada en torno a la película.

La preventa inicial se ha limitado a mil salas nacionales especializadas en formatos premium, un segmento que ha ganado protagonismo en los lanzamientos recientes del género de superhéroes. La película, sin embargo, llegará a más de cuatro mil pantallas en Norteamérica durante su primer fin de semana, lo que anticipa un volumen significativo de espectadores y ventas. Ante la alta demanda, los exhibidores han decidido sumar nuevas funciones para los días festivos y extender la disponibilidad en semanas posteriores al estreno. Según han informado fuentes ligadas a la distribución, varios complejos han programado funciones matutinas, nocturnas y especiales para grupos numerosos, previendo una afluencia masiva.

Sin IMAX pero con Infinity Vision

Un dato relevante es que Vengadores: Doomsday no ha contado con salas Imax en su estreno, ya que Dune: Part III ha ocupado en exclusiva ese circuito durante tres semanas a partir del mismo día de lanzamiento. Esta limitación ha llevado a Marvel Studios y Disney a promocionar el sello “Infinity Vision”, una certificación que garantiza elevados estándares técnicos en proyección y sonido, aunque no se trata de una tecnología nueva sino de un reconocimiento a las salas que cumplen ciertos requisitos. La preferencia del público por los formatos premium ha sido un factor clave en el éxito de la preventa, según han destacado fuentes de la industria. El estudio confía en que la experiencia mejorada en imagen y sonido compense la ausencia de Imax y mantenga el atractivo para los espectadores más exigentes.

El desempeño de ‘Vengadores: Doomsday’ en preventa no solo ha superado a Deadpool & Wolverine, sino que se ha acercado a los registros de los mayores éxitos recientes del MCU. Aunque las cifras de venta anticipada no siempre se traducen en récords de taquilla, los analistas han previsto uno de los mejores debuts del año. La última reunión completa de los héroes de Marvel en Avengers: Endgame ha logrado la mayor apertura de la historia en 2019, con 357 millones de dólares en Estados Unidos y 1.200 millones a nivel global. Desde entonces, solo eventos como Spider-Man: No Way Home (1.900 millones globales) y Deadpool & Wolverine (1.300 millones) han logrado acercarse a esos números.

La coincidencia del estreno de Vengadores: Doomsday con Dune: Parte Tres —bautizada como “Dunesday” por la prensa especializada— ha anticipado uno de los fines de semana más intensos para la industria cinematográfica, con posibilidades de alcanzar cifras históricas de recaudación conjunta. La película, dirigida por Joe y Anthony Russo, constituye la trigésima novena entrega del MCU. El reparto ha reunido a figuras como Robert Downey Jr. (en el rol de Doctor Doom), Chris Evans, Chris Hemsworth, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Patrick Stewart, Pedro Pascal, Ian McKellen, Letitia Wright y Channing Tatum. La sinopsis oficial ha sugerido que “héroes queridos de tres universos distintos se enfrentarán a una amenaza existencial sin precedentes”. El estudio ya ha confirmado una secuela: Avengers: Secret Wars, programada para 2027.

La reedición de La La Land llegará a los cines el domingo 16 de agosto, proyectándose en salas Dolby Cinema de la cadena AMC Theatres en Estados Unidos. La decisión de volver a proyectar la película responde tanto a su éxito sostenido como a la expectativa generada por el reencuentro del público con una de las producciones más reconocidas de la última década. El regreso a la gran pantalla incluye un nuevo cartel promocional, donde la mano de Gosling ha sido rediseñada para adoptar la pose que originalmente debió tener, de acuerdo con las instrucciones del equipo de producción y las intenciones del propio actor.

En declaraciones a The Wall Street Journal Magazine en 2024, Gosling describió su experiencia al posar para el póster: “Estamos bailando, Emma y yo, y no sabía que eso terminaría siendo el póster de la película. Se suponía que debíamos levantar las manos y pensé que sería genial poner mi mano más plana, aunque todos me dijeron que no molaba. Estaba seguro de que era más cool”. Sin embargo, con el tiempo, el actor admitió que la decisión no fue la mejor: “Ahora, cuando lo veo, y tengo que verlo todo el tiempo, sé lo que habría sido más cool… la pose que se planeó. Así maté un poco la energía. Lo llamo ‘La La Hand’”.

El rediseño del póster para el relanzamiento es una respuesta directa a esa inquietud. Lionsgate decidió intervenir la imagen después de que el propio Gosling, en reiteradas entrevistas, señalara que la postura de su mano era un detalle que lamentaba y que, según sus palabras, “mató la energía” de la composición visual original. La nueva versión del cartel muestra la mano extendida en la posición que el equipo creativo había sugerido en un inicio, cumpliendo así un deseo expresado en público por el protagonista.

Un clásico del cine por derecho propio

El fenómeno de La La Land no se limita a la anécdota del póster. Desde su estreno en 2016, la película dirigida por Damien Chazelle se convirtió en un referente del cine musical contemporáneo. Obtuvo seis premios Oscar, incluidos mejor director y mejor fotografía, además de un récord de siete Globos de Oro. La producción, protagonizada por Gosling y Emma Stone, recaudó 447 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de 30 millones. El impacto del filme se tradujo en un renovado interés por el género musical y en la consolidación de sus actores principales como figuras centrales de la industria cinematográfica.

La trama de La La Land sigue a Seb, un pianista con aspiraciones de éxito, y Mia, una actriz en busca de su gran oportunidad en Los Ángeles. Gosling fue galardonado con un Globo de Oro por su interpretación y Stone ganó el Oscar a mejor actriz. La química entre ambos personajes y la ambientación nostálgica de la ciudad contribuyeron a que la película se convirtiera en un fenómeno cultural.

El legado de La La Land continúa expandiéndose. Actualmente se prepara una adaptación musical para Broadway, aunque todavía no se ha anunciado la fecha de estreno. Este proyecto apunta a trasladar el universo del filme a los escenarios teatrales, sumando un nuevo capítulo a la historia de la película. La corrección del póster, que acompaña el regreso de La La Land a los cines, representa la resolución de una inquietud personal para Gosling y un guiño a los seguidores atentos a los pequeños detalles. El rediseño no solo celebra una década de éxito, sino que también reabre la conversación sobre el impacto visual y emocional de una de las películas más influyentes de los últimos años.

El rodaje de La Odisea, la adaptación monumental de Nolan del poema homérico, fue una odisea en sí misma. Noventa y un días de filmación —del 25 de febrero al 5 de agosto de 2025—, seis países y entornos tan dispares como el Peloponeso griego y la costa volcánica de Islandia. El objetivo: capturar la escala y el vértigo de la travesía de Odiseo sin recurrir al artificio digital. “Al rodar en la realidad física, el relato se transforma”, explicó Nolan a Empire. “El mundo te enfrenta a límites, y eso afecta la historia.”

La producción desechó la comodidad de los estudios siempre que fue posible. La única excepción: una secuencia filmada en el tanque de agua de Falls Lake, en Universal Studios, donde Damon y el reparto remaron y naufragaron a bordo del Draken Harald Hårfagre, un barco vikingo construido con técnicas tradicionales. La elección del navío —nórdico, no griego— ya generó debate entre expertos, pero la lógica de Nolan fue otra: buscar la experiencia auténtica, aunque eso significara desafiar la ortodoxia. También le ha costado al cineasta británico alguna que otra polémica, aunque de momento esta no ha surtido mucho efecto en la recaudación de una película que apunta a ser lo más visto del año y un fenómeno como no se veía desde hace años. Quizá, precisamente, desde cuando Nolan estrenó su última cinta, Oppenheimer, el mismo fin de semana que Barbie.

Marruecos: la Troya de adobe y luz dorada

La gran ciudad amurallada de Troya, escenario del inicio del poema y del primer desafío de Odiseo, no se rodó en tierras griegas ni turcas. Nolan eligió el sur de Marruecos: Marrakech, Tahanaoute, El Haouz, Essaouira y Ouarzazate. Allí, el ksar de Aït Benhaddou —una fortaleza de barro y piedra, declarada patrimonio de la UNESCO— se transformó en la Troya cinematográfica.

Ese entorno, con sus murallas rojas y sus callejones de polvo, dotó a las escenas bélicas de una atmósfera primitiva y brutal. El equipo convivió con las temperaturas extremas del desierto y la textura real de los materiales. No hay rastros de CGI: cada plano respira polvo, sudor y sol. La decisión de rodar en Marruecos, ajena al texto original, fue una apuesta por la autenticidad visual. El país africano ofreció ese aire de antigüedad inmemorial que Nolan buscaba para situar al espectador en la época de los héroes.

Grecia: el corazón del viaje y la Ítaca perdida

El regreso a casa es el motor de Odiseo, y Grecia, el corazón geográfico y emocional de la película. Nolan y su equipo se instalaron en el Peloponeso, donde la costa recortada y las ruinas antiguas se convirtieron en el paisaje de la nostalgia y la espera.

La Voidokilia Beach, la playa de Almyrolaka, el castillo de Methoni, Acrocorinth y la cueva de Néstor fueron escenarios clave. Esta última, ubicada 12 kilómetros al norte de Pilos, está rodeada de leyendas: según la mitología, allí guardaban su ganado Néstor y Neleo. En la película, la cueva es el escenario del encuentro de Odiseo con el cíclope Polifemo, una secuencia de tensión que se benefició de la oscuridad y los ecos de la gruta real.

Para los actores, la inmersión fue total. Tom Holland, que interpreta a Telémaco, relató a GQ la experiencia de caminar durante media hora por la playa, rodeado de extras vestidos de soldados griegos, barcos de época y sin rastro del equipo técnico. “Parecía una recreación histórica más que un rodaje”, dijo Holland. El efecto, según él, fue entrar en la piel de su personaje casi sin darse cuenta.

Sicilia: islas mágicas y el palacio de Ítaca

La siguiente parada fue Sicilia, tierra volcánica atravesada por la historia y el mito. La isla, cuna de colonias griegas desde el siglo VIII a.C., fue el escenario principal para recrear Thrinacia, la isla legendaria donde los compañeros de Odiseo sucumben a la tentación y el castigo de los dioses.

Nolan prefirió las islas menores de Sicilia para captar la sensación de aislamiento y peligro. Lipari, Vulcano, Basiluzzo y Favignana se convirtieron en escenarios de naufragios, banquetes y emboscadas. En Favignana, el castillo de Santa Caterina fue elegido como el palacio de Ítaca.

La logística fue exigente: en Favignana, el equipo debía subir una pendiente de cuarenta y cinco minutos para alcanzar la localización. El material pesado viajaba en helicóptero, pero los actores —Damon, Pattinson, Hathaway— hacían la subida a pie, vestidos de época. Robert Pattinson, que interpreta a Antínoo, describió la travesía como una “gran igualadora”. “No solo te mete en personaje, te une al resto; todos sufrimos lo mismo”, confesó.

En el poema original, Odiseo desciende al inframundo en el libro XI. Nolan llevó ese pasaje a Islandia, país de volcanes, cuevas y playas negras. Las secuencias del más allá se rodaron en la montaña Hjörleifshöfði, la península Snæfellsnes, el río Markarfljót y el puerto de Landeyjahöfn. La elección de Islandia buscaba transmitir una sensación de extrañeza y desconcierto: el paisaje es tan ajeno a la cuenca del Mediterráneo que refuerza la idea de un mundo aparte. Matt Damon, caracterizado como Odiseo, se adentra en las grutas y camina por la arena volcánica, rodeado de un silencio que no precisa efectos especiales.

Escocia: los mares del norte y los barcos vikingos

El periplo terminó en la costa de Moray Firth, en el norte de Escocia. Allí se rodaron las escenas marítimas más complejas, aprovechando la amplitud de un brazo de mar de 800 kilómetros y la aspereza del clima. El castillo de Findlater y el bosque de Culbin sirvieron de fondo para emboscadas y desembarcos. Durante el rodaje, los periodistas locales detectaron un barco vikingo de tamaño real atracado en Inverness. No era un decorado: era el Draken Harald Hårfagre, la misma embarcación que se utilizó en los tanques de agua de Estados Unidos.

Para Nolan, cada localización fue un experimento de resistencia. El director rehuyó la comodidad y buscó que el elenco —Damon, Holland, Hathaway, Zendaya, Pattinson— sintiera el viaje en carne propia. “Cada sitio fue el más duro en el que he rodado”, admitió Damon. El rodaje, más que una simulación, fue una odisea real: marchas de casi una hora, paisajes inhóspitos, temperaturas extremas, poca distancia entre la incomodidad del actor y la del personaje.

En cada país, el equipo se enfrentó a una geografía nueva, a un idioma distinto, a una logística compleja. El resultado no fue solo un espectáculo visual, sino una experiencia compartida por todos los que participaron: la épica de Homero, reconstruida a través del esfuerzo físico y la elección radical de Nolan por la autenticidad. La Troya de barro en Marruecos, la Ítaca de Favignana, el inframundo en Islandia y los mares de Escocia quedan, así, como paradas de un viaje de película. Uno que, más allá de la pantalla, exigió al equipo de La Odisea recorrer el mundo y desafiarlo, plano a plano, como en la mejor tradición de los héroes antiguos.

Riverdale regresa, pero no como muchos imaginaban. Disney+ ha dado luz verde a una nueva serie ambientada en el universo de Archie, con el equipo original detrás de la exitosa ficción juvenil, aunque esta vez bajo una premisa completamente distinta. El proyecto, titulado Afterlife With Archie, contará con Roberto Aguirre-Sacasa como showrunner y la producción ejecutiva de Greg Berlanti, Sarah Schechter, Leigh London Redman y Jon Goldwater, entre otros. La serie tiene previsto su estreno global para otoño de 2027.

La noticia marca un giro inesperado en la trayectoria del universo Archie en televisión. Hasta ahora, Riverdale había explorado el drama adolescente, los misterios y las relaciones sentimentales en una pequeña ciudad estadounidense. Esta nueva etapa, sin embargo, propone un cambio de género: la tranquilidad de Riverdale se verá alterada por una invasión zombi provocada tras un hechizo fallido de una bruja adolescente, según la descripción oficial del proyecto. Archie y sus amigos deberán luchar por sobrevivir, mientras la ciudad es asediada por los muertos vivientes y las lealtades, amistades y romances se ponen a prueba.

Disney+ apuesta así por el regreso de una de las marcas juveniles más reconocidas de los últimos años, pero lo hace con un enfoque radicalmente nuevo. La producción corre a cargo de Warner Bros. TV, donde tanto Aguirre-Sacasa como Berlanti tienen acuerdos globales, lo que convierte a Afterlife With Archie en una de las pocas series de Disney+ desarrolladas por un estudio externo. La participación de Archie Comics Studios y la productora Muckle Man Productions refuerza la colaboración creativa detrás de la adaptación.

La serie reunirá al equipo creativo que impulsó Riverdale durante siete temporadas en The CW, así como en sus derivados Katy Keene y Las escalofriantes aventuras de Sabrina. Aguirre-Sacasa, responsable de la adaptación televisiva, liderará el proyecto junto a Berlanti y Schechter. La alianza entre Disney+, Warner Bros. TV y Archie Comics representa un movimiento poco común en la industria, donde las plataformas suelen priorizar producciones internas. Según Jon Goldwater, editor de Archie Comics Studios, este regreso al universo Archie supone “un momento de círculo completo” para quienes participaron en la génesis de Riverdale. Berlanti y Schechter, por su parte, destacaron el entusiasmo de reencontrarse con personajes y ambientes familiares, pero bajo un tono y un género completamente distintos.

De drama adolescente a horror sobrenatural

La diferencia fundamental entre ambas series radica en el enfoque narrativo. Afterlife With Archie traslada a los personajes clásicos de Archie a un escenario apocalíptico, donde la amenaza zombi reemplaza los misterios y dilemas adolescentes. Un hechizo fallido ejecutado por una bruja adolescente desencadena la invasión, lo que obliga al grupo a replantearse sus vínculos mientras luchan por sobrevivir en una ciudad sitiada. El proyecto busca mantener los elementos de amistad, lealtad y humanidad propios del universo Archie, pero explorándolos desde el prisma del horror y la supervivencia. Ayo Davis, presidenta de Disney Kids & Family, señaló que la serie será “igual de emocionante que conmovedora”, y anticipó que los seguidores “van a enamorarse de esta nueva versión de la pandilla, y quizá a gritar también”.

Afterlife With Archie nació como cómic en 2013, fruto de la colaboración entre Aguirre-Sacasa y el artista Francesco Francavilla. La publicación recibió elogios por su capacidad para combinar elementos clásicos con horror y drama, y es considerada un antecedente clave para la posterior expansión televisiva del universo Archie. Una edición deluxe que recopila los diez números de la saga está prevista para octubre, lo que refuerza el interés renovado en la franquicia. Aguirre-Sacasa subrayó la importancia personal de este proyecto: “Antes de Riverdale y de Chilling Adventures of Sabrina, existió Afterlife With Archie”. El guionista calificó la adaptación televisiva como “el proyecto soñado” y agradeció la confianza de Disney+, Berlanti Productions y Archie Comics para llevarlo a la pantalla.

La decisión de Disney+ de apostar por una serie basada en un cómic que combina horror y drama adolescente responde a la búsqueda de propuestas diferentes dentro del catálogo juvenil. El equipo creativo expresó su deseo de ofrecer una experiencia única, capaz de atraer tanto a los seguidores de Riverdale como a quienes buscan nuevas perspectivas en la narrativa serial. El regreso de Riverdale a través de Afterlife With Archie representa un experimento ambicioso para Disney+, Warner Bros. TV y Archie Comics Studios. El estreno en otoño de 2027 marcará un nuevo capítulo en la relación entre la franquicia y su público, planteando una mezcla de nostalgia y novedad que buscará consolidar a Archie y su universo como referentes contemporáneos en la ficción televisiva.

Durante una conversación con Josh Horowitz en el pódcast Happy, Sad, Confused, Feige fue consultado directamente sobre si Secret Wars marcaría un reinicio de la saga. Su respuesta fue tajante: “No, pero miro a los cómics, como siempre hago, en cuanto a nuestra narrativa. En ambas Secret Wars —pero particularmente en la de [Jonathan] Hickman de hace diez años— hay una hoja de ruta interesante para donde podemos ir.” Estas declaraciones zanjan la confusión que circulaba entre los seguidores de Marvel sobre el destino de los personajes tras el estreno de Doomsday y Secret Wars. Feige subrayó que el futuro del MCU no se construirá sobre un borrón y cuenta nueva, sino en diálogo directo con el material original en los cómics, especialmente la saga publicada entre 2015 y 2016.

La posibilidad de un reinicio total tras los eventos de Secret Wars era una de las teorías más extendidas entre la comunidad fan. Sin embargo, Kevin Feige descartó cualquier borrón y cuenta nueva para el MCU y matizó que su visión se inspira directamente en las historias originales de Marvel Comics. “Reboot es una palabra que asusta”, explicó el productor en declaraciones previas a Variety. “Puede significar muchas cosas para diferentes personas. Reset, línea temporal única… estamos pensando en esa dirección. X-Men es donde eso sucederá a continuación”.

Los X-Men, clave en la nueva etapa

El propio Feige ya había anticipado en 2025 que la próxima película de X-Men ayudaría a “resetear” el MCU, aunque insistió en que eso no equivalía a un reboot en el sentido estricto. La distinción entre ambos conceptos ha servido para calmar a quienes temían que los eventos de Secret Wars eliminarían todo el bagaje previo del universo cinematográfico. “No habrá un reinicio completo”, resumió Feige en su última aparición pública. El enfoque será una adaptación progresiva, guiada por el desarrollo que marcó la saga de Secret Wars de Jonathan Hickman, reconocida por su complejidad y su influencia sobre la estructura del multiverso Marvel.

Las especulaciones se intensificaron después de que Joe Russo, codirector de Secret Wars y Doomsday, declarara que el MCU regresaría a una suerte de “fase cero”. “Estuvimos con Rob [Downey Jr.] antes de hoy”, dijo Russo a The Hollywood Reporter. “Hablábamos sobre este concepto de volver a empezar desde cero. Queremos asegurarnos de que todos sientan que no estamos apoyándonos en nada del pasado.” Frente a este tipo de comentarios, la postura de Feige marca un contraste. Si bien se esperan cambios significativos tras el estreno de Secret Wars, el MCU no renunciará a su continuidad, sino que buscará integrar elementos clásicos y nuevos dentro de una misma narrativa.

La incertidumbre sobre el alcance real de Secret Wars permanece. Hasta ahora, los detalles sobre la trama son escasos y el primer tráiler de Doomsday —con la aparición de Doctor Doom— apenas ha comenzado a abrir nuevas teorías sobre el impacto en la saga. El propio Feige reconoció que la palabra “reboot” genera inquietud, pero insistió en que el modelo a seguir es la adaptación de la estructura narrativa de los cómics, no el reinicio absoluto.

El cómic que señala el camino

La saga Secret Wars, escrita por Jonathan Hickman y publicada entre 2015 y 2016, narra el colapso del multiverso Marvel y la creación de un nuevo mundo donde héroes y villanos de diferentes realidades se enfrentan en escenarios desconocidos. Feige indicó que esta historia servirá como guía para las próximas fases del MCU, aportando un marco para la integración de personajes y universos alternativos sin borrar lo ya construido. “La Secret Wars de Hickman ofrece una hoja de ruta clara”, afirmó Feige. El cómic se caracteriza por la convergencia de líneas argumentales y la posibilidad de reintegrar personajes clásicos y nuevas versiones sin perder la continuidad central. Este enfoque permitirá a Marvel aprovechar el atractivo de los multiversos y, al mismo tiempo, mantener la coherencia con las películas anteriores.

Antes del estreno de Avengers: Secret Wars el 17 de diciembre de 2027, Marvel tiene previsto lanzar títulos clave que prepararán el terreno para esta nueva etapa. Entre ellos destacan Spider-Man: Brand New Day, programada para la próxima semana, y Avengers: Doomsday, que llegará el 18 de diciembre. La expectativa aumenta con la confirmación del regreso de personajes como Doctor Doom, que tendrá un papel relevante en el futuro inmediato del MCU. Además, se conoce que nuevos actores y directores de renombre se están sumando a la franquicia, mientras otros proyectos como Blade siguen enfrentando dificultades para concretarse.

Feige también ha comentado sobre el potencial de actores como Adam Driver dentro del universo Marvel y sobre los retos que implica adaptar personajes emblemáticos a la gran pantalla. Con la agenda de estrenos definida y la hoja de ruta inspirada en las obras de Hickman, Marvel Studios apuesta por una expansión narrativa que buscará equilibrar la innovación con el respeto a su propio legado.

La actriz Megan Fox regresa a la gran pantalla con Jennifer’s Body 2, una secuela que promete reavivar el interés por una de las películas más comentadas de su trayectoria. El rodaje comenzará en octubre en Vancouver bajo la dirección de Karyn Kusama, con guion de Diablo Cody y la producción a cargo de Disney. La confirmación del regreso de Fox como protagonista marca un momento relevante tanto para la actriz como para los seguidores de la franquicia.

En 2009, Jennifer’s Body llegó a los cines de la mano de 20th Century Fox. La cinta mezclaba el terror adolescente con el humor negro, presentando a Fox en el papel de una porrista de secundaria poseída por una fuerza demoníaca. El personaje, convertido en una súcubo, atacaba a sus compañeros, mientras su mejor amiga, interpretada por Amanda Seyfried, intentaba detener la ola de horror. El estreno generó expectativas altas: Fox era entonces una figura central en la cultura pop y Cody venía de recibir un Óscar por Juno. Sin embargo, la película solo recaudó aproximadamente $6,8 millones en su primer fin de semana en Norteamérica y cerró su recorrido con unos $31,6 millones a nivel mundial, cifra modesta frente a un presupuesto de alrededor de $16 millones.

La recepción inicial de Jennifer’s Body fue desigual, alcanzando un 47% de aprobación en Rotten Tomatoes. Críticos señalaron problemas de tono y una campaña de marketing que priorizó el horror sobre el componente satírico. Pese a esto, la prensa especializada y algunos espectadores destacaron los diálogos de Cody y las actuaciones de Fox y Seyfried.

Una película de culto

Con el paso de los años, Jennifer’s Body ha experimentado una profunda transformación en su valoración cultural. Críticos y audiencias redescubrieron la película, resaltando su abordaje sobre la amistad femenina, la sexualidad y la explotación. El film también se destaca por subvertir tropos clásicos del género de terror, lo que ha impulsado su popularidad en plataformas de streaming y redes sociales. Esta reevaluación ha convertido a Jennifer’s Body en un referente para las nuevas generaciones de espectadores. El fenómeno de culto que la rodea se refleja en debates y análisis en medios especializados, así como en el crecimiento de comunidades de fans, especialmente entre quienes reivindican el valor de las producciones de los años 2000.

La noticia de la secuela se conoció inicialmente en marzo, cuando se supo que Cody estaba trabajando en el guion y que tanto Fox como Seyfried manifestaron interés en retomar sus papeles. Ahora, según Production Weekly, el rodaje está programado para octubre en Vancouver. Aunque la información sobre la trama se mantiene bajo reserva, la confirmación de Kusama como directora y de Fox como protagonista ha generado gran expectativa. Dread Central informó en exclusiva que Amanda Seyfried aún no ha firmado oficialmente, aunque se espera que regrese como coprotagonista. Otros detalles sobre el elenco y la distribución permanecen sin anuncio, aunque se ha confirmado que la producción está bajo el sello de Disney, propietaria actual de 20th Century Fox. Todavía no está claro cuál será la estrategia de lanzamiento: podría optar por un estreno tradicional en cines o priorizar plataformas de streaming, considerando la tendencia actual del mercado.

El regreso de Megan Fox a Jennifer’s Body se percibe como un intento de capitalizar el renovado interés en la obra y en su figura. Para muchos críticos y seguidores, la secuela representa una oportunidad para explorar nuevas dimensiones de los personajes y actualizar los temas originales a la sensibilidad contemporánea. El fenómeno de culto en torno a la película ha influido en el discurso sobre la representación femenina en el terror, así como en la reivindicación de títulos subestimados en su estreno. La confirmación de un equipo creativo original, sumada al respaldo de Disney y al contexto de culto que rodea a la franquicia, convierte a Jennifer’s Body 2 en uno de los proyectos más esperados del año. Mientras crecen las expectativas sobre el regreso de Seyfried y se aguardan detalles sobre la trama, la producción de la secuela confirma el lugar de la saga en la cultura pop y anticipa una nueva etapa para Megan Fox y su personaje más icónico.

Posesión infernal: en llamas se encuadra en un terreno un tanto difuso para una saga de lo más ambigua. Bien podría adherirse al concepto de recuela que acuñó la quinta entrega de Scream y al que se han acogido estos años títulos como Gladiator II, Cazafantasmas: más allá o casi cualquier entrega reciente de Parque jurásico. Sin embargo, esto es así solo en su apariencia, ya que la ausencia de personajes icónicos de la saga -Bruce Campbell solo es homenajeado- impide en todo momento que termine de asomar ese estilo. Aunque lo que de verdad hace a esta película diferente es la firme apuesta de su director, Sébastien Vanicek -en colaboración con el coguionista Florent Bernard- por el extremismo francés, ese subgénero nacido a raíz de títulos como Martyrs, Irreversible o principalmente Alta tensión, aquella película de Alexandre Aja con Cécile De France a la que Posesión infernal: en llamas le debe mucho.

“Una película que no he visto en mucho tiempo, pero que me marcó profundamente cuando la vi, es Alta tensión de Alexandre Aja", cometnaba ya Vanicek con motivo del estreno de su anterior película, Vermin: La plaga. Un prometedor debut que le valió la admiración tanto de Raimi como de Lee Cronin, también productor de la película y autor de la que quizá sea la otra gran película de terror en lo que va de año, La momia de Lee Cronin. Además, ambos entendieron a la perfección que debían darle al francés la libertad creativa que ellos necesitaron en su momento. “Me dijeron que la película sería 100 % a mi estilo. En cuanto les conté lo que yo entendía por Posesión infernal vimos que estábamos en la misma onda, me dejaron hacer la película que tenía en mente. En cuanto al estilo, la violencia, la brutalidad y el tipo de violencia, tuve carta blanca", reconocía en una entrevista.

Alta tensión en casa de los Price

Posesión infernal: en llamas arranca con un prometedor y violento prólogo que ya marca el tono de la película antes de introducirnos en el verdadero drama: el de la familia Price, la heredera del personaje de Ash Williams que encarnó Bruce Campbell en la trilogía original de Raimi. La protagonista no es ninguno de ellos sino la francesa Alice (Souheila Yacoub), mujer del hijo mayor de los Price y una extraña vista con recelo en una familia azotada por la tragedia constante, casi al puro estilo Destino final. A raíz de un traumático desastre, Alice se convertirá en la final girl de un banquete de sangre y violencia con pocos precedentes en el cine de estudio reciente.

“Todo lo que se podía hacer de forma práctica, se hizo de forma práctica. Lo único que no pudimos hacer de forma práctica fueron los agujeros en las caras, así que ese es el único momento en el que utilizamos maquillaje con zonas verdes en los rostros”, explicaba a Variety el cineasta, quien desde luego ha llevado a otro nivel la puesta en escena tradicional con esta película. Digno sucesor de Raimi, el francés emplea toda clase de recursos y movimientos de cámara para exprimir al máximo a sus actores y trasladar ese dolor físico constante hasta el espectador, sin abusar de jumpscares y con sus momentos de gore gratuitos pero que, como él mismo dice, “¿Si no los haces en Posesión infernal, dónde vas a hacerlos?“.

Mala sangre y mala leche a pesar de todo

Quizá el mayor halago que se le pueda hacer a esta Posesión infernal es que conserva el humor y la violencia de la saga aunque sean de una manera completamente diferente, más macabra aun si cabe. En medio del caos hay espacio para el comentario sobre la violencia doméstica, la desconexión familiar e incluso algún que otro momento de lo más perverso y mórbido, ya sea a través de la matriarca de la familia y sus “discapacidades” a la relación del joven con su pareja. "Esa es la esencia de Posesión infernal: ¿estarías dispuesto a matar a tus seres queridos? Por eso las películas siguen vivas, porque plantean la pregunta más horrible del mundo", reflexionaba el director.

En Posesión infernal: en llamas si algo se puede malpensar y retorcer así será, dando lugar a escenas que pueden llevar al límite de la tolerancia a más de uno. En definitiva, estamos ante una película que se acerca más al extremismo francés de principios de siglo que a lo que venía siendo la saga, pero eso no debe verse como algo necesariamente malo, sino como un temporal cambio de rumbo. Y decimos temporal porque Vanicek ya ha confirmado que lo más probable es que no siga con otra entrega y esto se quede solo en un divertido desvío en el camino. Quién iba a decir que en el fin de semana de La Odisea habría otra película sobre muertos volviendo a la vida con igual de astucia para sacar adelante escenas arriesgadas sin efectos digitales e incluso con más humor e ingenio del que Nolan exhibe. Y eso ya es mucho decir.

La secuencia en la que Odiseo, interpretado por Matt Damon, y su tripulación quedan atrapados en la cueva de Polifemo refleja una brutalidad que va más allá del mito original. El diseño del cíclope —una figura humana descomunal, de rasgos torcidos y un solo ojo rotado— se inspira directamente en el óleo de Goya, una de las pinturas negras más inquietantes de la historia del arte. Nolan explicó: “Una de las primeras cosas que le mostré fue un cuadro de Goya, una de las pinturas negras de Saturno devorando a sus hijos, y es una imagen horrible”.

Lo que realmente distingue a la versión de Nolan es la forma en que la monstruosidad se vuelve cotidiana. Polifemo, interpretado por Bill Irwin, arranca de manera casual a los marineros y los devora con la misma frialdad con la que Saturno, en la obra de Goya, mutila a su hijo. Nolan profundiza sobre este efecto: “Pero una de las cosas realmente horribles de eso, de lo que hablamos mucho, es la vacuidad de la expresión, que esto no es un monstruo, nadie piensa que es un monstruo”. En la pintura de Goya, Saturno aparece con ojos desorbitados y expresión perdida, ajeno al horror de su propio acto. Nolan traslada ese detalle al cíclope de La Odisea, dotando a Polifemo de una mirada desprovista de emociones, que multiplica la sensación de amenaza. “Y eso es lo que lo hace más aterrador: que desde el punto de vista del monstruo, no son un monstruo”, remarca el director.

Un monstruo que no se percibe como tal

La clave para Nolan es la percepción. En su visión, el verdadero terror no reside en la apariencia externa de la criatura, sino en el hecho de que para Polifemo los humanos son irrelevantes. “Para ellos somos irrelevantes y eso es lo que realmente da miedo”, señala el cineasta. En la secuencia más impactante, el cíclope mastica el torso de un marinero como si fuera un simple bocado, evocando la violencia sin remordimientos de Saturno en el cuadro de Goya. Este enfoque conecta la brutalidad del mito clásico con el desasosiego contemporáneo. Nolan refuerza la idea de que el monstruo más inquietante es aquel que no se reconoce como tal, que actúa sin conciencia ni culpa, un concepto que encuentra eco en los temores modernos sobre la indiferencia y la deshumanización.

Nolan reconoce también la influencia de otros cineastas en este tratamiento de la monstruosidad, especialmente la obra de Guillermo del Toro. “Hemos sacado mucho de las películas de mi amigo Guillermo Del Toro”, afirma. “Una de las cosas que me ha enseñado en su cine es que el monstruo nunca es solo un monstruo”. Esta perspectiva enriquece la figura de Polifemo, que deja de ser un simple antagonista para convertirse en un símbolo más complejo y aterrador. La elección de situar al cuadro de Goya como eje de la construcción visual y conceptual de Polifemo aporta a La Odisea una densidad cultural única. El diálogo entre la pintura negra del Prado y el cine contemporáneo abre nuevas lecturas sobre el mito y sobre la naturaleza del miedo.

La relación entre La Odisea y Saturno devorando a su hijo no es solo visual. El propio texto homérico, en la traducción de Emily Wilson, ya describe con crudeza la violencia del cíclope: “Saltando alto, extendió las manos hacia mis hombres, agarró a dos y los golpeó contra el suelo como cachorros, y el suelo quedó mojado de sesos. Los desgarró miembro a miembro para hacer su comida, luego los devoró como un león en las montañas, devorando carne, entrañas y huesos, sin dejar nada”. Nolan recoge esa brutalidad, la filtra a través del horror pictórico de Goya y la devuelve al público en una imagen que, según sus propias palabras, da más miedo que cualquier monstruo. Así, La Odisea de Nolan convierte la leyenda del cíclope en una experiencia visual y emocional que trasciende el mito, el arte y el propio cine.

He-Man y los Masters del universo presenta a Nicholas Galitzine como el príncipe Adam, un joven que, tras un accidente, queda varado en la Tierra y separado de la espada mágica que lo conecta con Eternia. Veinte años después, el destino lo obliga a regresar y enfrentar la amenaza de Skeletor, iniciando una búsqueda personal y heroica. El reparto se completa con nombres como Jared Leto, Idris Elba, Camila Mendes y Alison Brie, en una apuesta por el tono pulp y la acción fantástica, elementos que definieron a la saga original.

La llegada de la película generó expectativas elevadas tanto en la industria como entre los seguidores. Sin embargo, su desempeño en taquilla no alcanzó los resultados previstos por Amazon MGM Studios. Con un presupuesto estimado entre USD 165 y 200 millones, la recaudación mundial apenas superó los USD 103 millones, con cifras modestas en mercados clave como Estados Unidos y España. A pesar de esta recepción comercial, la crítica y el público especializado han mostrado opiniones divididas. Los aficionados más nostálgicos han valorado la fidelidad al espíritu original y la apuesta por una aventura colorida frente a las tendencias más oscuras de otras adaptaciones recientes.

Un titubeante paso por salas

Tras su paso por las salas, He-Man y los Masters del universo tendrá una segunda oportunidad en streaming. Amazon MGM Studios ha confirmado que la película estará disponible en Prime Video a partir del 22 de julio, con un lanzamiento global en más de 240 países y territorios y en 30 idiomas. La plataforma busca así captar nuevas audiencias y revitalizar el interés por la franquicia, apenas 48 días después del estreno en cines. La estrategia de adelantar la ventana de exhibición responde a la necesidad de amortizar la inversión y aprovechar la maquinaria promocional aún activa. Para Amazon, el rendimiento en streaming podría determinar el futuro de la saga y la viabilidad de una secuela, ya en fase de desarrollo inicial.

Si bien la producción no logró convocar al gran público en salas, sí encontró eco entre los seguidores que crecieron con los dibujos animados y juguetes de los años 80. Analistas señalan la dificultad de atraer a nuevos espectadores fuera del nicho nostálgico, pero destacan que la película ha logrado diferenciarse al rechazar los enfoques más sombríos de otras sagas contemporáneas. El futuro de He-Man y los Masters del universo dependerá, en buena medida, de la respuesta que obtenga en Prime Video. La introducción de personajes como She-Ra y la continuidad de la saga están condicionadas al desempeño en la plataforma a partir de este nuevo estreno mundial.

El cineasta iraní Mohammad Rasoulof recibió este lunes el Premio de la Paz en el Festival de Cine de Locarno en reconocimiento al conjunto de sus obras, de tintes poético, social y político, y por las cuales fue condenado el año pasado por el régimen de Teherán a ocho años de prisión y a azotes en público, aunque logró huir del país antes de su detención.

“El motivo principal para de la emisión de esta sentencia es la firma de comunicados y la realización de películas y documentales, que de acuerdo con el tribunal, son ejemplos de colusión y colusión con la intención de cometer crímenes contra la seguridad del país”, informó en ese momento el abogado del cineasta Babak Paknia.

El jurado del premio destacó la forma en que las películas de Rasoulof exploran de manera poderosa y profunda temas como la libertad, la responsabilidad individual y la dignidad humana.

Como ejemplos mencionó La vida de los demás, premiada con el Oso de Oro en la Berlinale de 2020, y La semilla del higo sagrado, que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes en 2024, y antes de estas, Un hombre de integridad (2017) y Adiós (2011).

La primera de esa película aborda la pena de muerte en Irán, mientras que la segunda trata de la lucha de las mujeres por la libertad y fue rodada de forma clandestina dentro del país.

El Festival de Locarno comentó que el galardón ha sido otorgado en el día que dedica a la diplomacia y que tiene el objetivo honrar a figuras del ámbito cultural que se han distinguido por promover la paz, la diplomacia y el diálogo entre los pueblos.

Al mismo tiempo, el premio ha sido creado para resaltar el papel de Locarno como símbolo del diálogo y la coexistencia pacífica, y para conmemorar el centenario de los Tratados de Locarno de 1925, una serie de acuerdos con los que se buscaba garantizar la paz y la estabilidad en Europa occidental después de la Primera Guerra Mundial.

Este martes el público tendrá la oportunidad de conocer en persona a Rasoulof en una conversación en el marco del Festival.

El Premio Locarno Ciudad de la Paz marca el primer paso de un proyecto plurianual cuyo objetivo es consolidar la reputación internacional de Locarno como un lugar privilegiado de reflexión e intercambio, guiado por el espíritu del arte y la diplomacia. Fue creado para conmemorar el centenario de los Acuerdos de Locarno.

En 2025, la Ciudad de Locarno, en colaboración con numerosos actores regionales, nacionales e internacionales, ha establecido un amplio programa de eventos diseñado para explorar y promover los valores de la paz y el diálogo entre los pueblos, y este Premio se inscribe en este enfoque.

Fuente: EFE.

Fotos: Reuters/ Sarah Meyssonnier; Reuters/ Stephane Mahe; Reuters/ Clodagh Kilcoyne.

El propio Nolan ha defendido en diversas ocasiones su preferencia por los efectos prácticos, y en La Odisea llevó esa filosofía al extremo. Para recrear la travesía de Odiseo entre Escila y Caribdis, el equipo decidió filmar en un entorno real, utilizando un barco auténtico en un paso marítimo. Según Damon, la decisión de prescindir de pantallas verdes y rodar en el mar generó una atmósfera de tensión y realismo inéditos en las superproducciones recientes. En palabras del actor: “Llevamos un barco a través del paso y Chris tenía motos de agua a un lado haciendo círculos… para crear un pequeño remolino que el equipo de efectos visuales pudiera usar como guía”. Damon enfatizó que esta técnica permitió a los actores experimentar de primera mano la inestabilidad y el peligro que requería la escena, facilitando así interpretaciones más verosímiles.

Este tipo de preparativos, según el equipo, no solo aportó autenticidad al resultado final, sino que también sirvió de referencia tangible para el trabajo posterior de los especialistas en efectos visuales. El remolino generado por las motos de agua se convirtió en un punto de partida realista para la integración de efectos digitales, respetando siempre la premisa de priorizar lo físico sobre lo virtual.

El método Nolan: efectos prácticos en el estrecho de Mesina

El ataque del monstruo Escila es uno de los momentos más recordados del poema original de Homero y, en la película, se transformó en un verdadero reto técnico. Damon relató que el equipo de producción diseñó un sistema de poleas especialmente para esta secuencia. “Se montó un sistema de poleas que levantaba a los especialistas del suelo de la cubierta del barco… fue lo más increíble que vi”, declaró el actor. Gracias a este dispositivo, los dobles de acción eran literalmente arrancados del barco, simulando el momento en que las cabezas de Escila capturan a los marineros. La coordinación entre el equipo de especialistas, los operadores y el director fue fundamental para lograr que la escena mantuviera el dramatismo y la brutalidad del relato original, sin sacrificar la seguridad de los participantes.

El resultado fue una secuencia en la que los movimientos, las caídas y las reacciones de los actores respondían a estímulos reales, lo que se tradujo en imágenes de gran impacto visual y emocional. Damon aseguró que presenciar la escena desde el propio set fue una de las experiencias más intensas de su carrera. La apuesta por los efectos prácticos no se limitó al episodio de Escila. Damon recordó que el tramo final del rodaje se asemejó más a una expedición que a una grabación tradicional. En una de las jornadas más exigentes, el equipo recreó un temporal en alta mar utilizando dos motores a reacción de tamaño comparable al de un avión comercial, que arrojaban agua sobre los actores para simular condiciones extremas.

Damon también compartió que, en otra ocasión, Nolan vertió agua directamente sobre su rostro para una toma en primer plano, provocando que el propio actor comparara el momento con una sesión de tortura. Pese a la dureza de esas jornadas, Damon afirmó que el rodaje le permitió superar miedos personales, como la claustrofobia que experimentó en las escenas del Caballo de Troya y la huida del cíclope. La crítica ya ha destacado cómo La Odisea logra unir marionetas, acrobacias y efectos digitales en un conjunto coherente y verosímil. El enfoque de Nolan para el ataque de Escila ha sido señalado como una de las secuencias más logradas de la película, donde la intensidad de los efectos prácticos se convierte en el principal atractivo visual del filme.

El evento de IMAX en el AMC Lincoln Square había generado gran expectación entre el público y la industria, debido a la participación de Cruise en la promoción de la experiencia cinematográfica tradicional. Sin embargo, las condiciones meteorológicas alteraron sus planes y le impidieron llegar a tiempo. Según una fuente citada por Page Six, la tormenta sorprendió al actor en su trayecto hacia el cine, obligándolo a retrasar su llegada hasta pasada la hora de la función. Cuando finalmente arribó al lugar, la sala ya se encontraba vacía y los asistentes se habían retirado, mientras los empleados del cine realizaban las tareas de limpieza y reposición de concesiones. A pesar de la situación, Cruise decidió no retirarse y protagonizó un gesto poco habitual incluso para los estándares de Hollywood.

En lugar de abandonar el recinto, Tom Cruise solicitó a los responsables de IMAX la posibilidad de ver la película en una función privada. Antes de comenzar la proyección, el actor recorrió las instalaciones del cine y reunió a todos los empleados que trabajaban en ese momento, invitándolos personalmente a acompañarlo dentro de la sala. De acuerdo con la fuente consultada por Page Six, “Cruise reunió a cada empleado de AMC que estaba barriendo y reponiendo concesiones, y los llevó al teatro para ver la película con él”. Este gesto transformó la rutina nocturna de los trabajadores en una experiencia inesperada, permitiéndoles disfrutar de La Odisea junto a una de las figuras más reconocidas del cine mundial.

“Una película brillante”

La proyección privada fue organizada especialmente para Cruise y el grupo de empleados, quienes pudieron disfrutar de la película en un ambiente exclusivo y relajado. El actor, conocido por su defensa de la experiencia cinematográfica en salas, compartió la función y conversó con los presentes sobre la importancia de ver películas en la gran pantalla. Este episodio se suma a la lista de acciones públicas con las que Cruise ha buscado apoyar y revitalizar la asistencia a los cines tras los desafíos recientes para la industria. Su involucramiento directo con los empleados de AMC refuerza su imagen como promotor activo del cine tradicional.

Tras la función privada, Tom Cruise elogió la película en su cuenta de Instagram, calificándola como “brillante” y recomendando a sus seguidores asistir a las salas para vivir la experiencia. La película, dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Matt Damon en el papel de Odiseo, ha generado expectativa tanto por su propuesta visual como por su reinterpretación del clásico griego. Cruise compartió imágenes en redes sociales posando frente a la pantalla con el cartel de La Odisea, reforzando su mensaje sobre la relevancia de ver películas en formato IMAX y en cines tradicionales. Este tipo de promoción directa se ha vuelto una marca registrada del actor en los últimos años, en un contexto en el que la industria busca atraer nuevamente a los espectadores a las salas.

Además de su participación en eventos como el de AMC, Tom Cruise continuará su presencia en la cartelera con el estreno de Digger, la nueva película del director Alejandro G. Iñárritu que llegará a los cines en octubre. El anuncio fue confirmado tras el evento, señalando que el actor mantiene una agenda activa y proyectos de alto perfil. La invitación espontánea de Cruise a los empleados de AMC subraya su compromiso con la industria y su voluntad de crear experiencias memorables tanto para el público como para quienes trabajan tras bambalinas en el mundo del cine.

Millones de españoles llevan semanas celebrando goles al ritmo de su canción, pero muchos aún no conocen al hombre que se esconde detrás de ella y que lleva casi 30 años siendo todo un referente en el mundo de la música latina en general y del merengue en particular. Hablamos de Elvis Crespo, el músico que se hizo un nombre con su álbum debut, Suavemente, y que tantos años después vive una segunda juventud con La Graciosa, la canción que lanzó hace unos meses junto a Quevedo y que se ha convertido en el himno oficial de España en este Mundial 2026. Con permiso de Superestrella de Aitana, por supuesto.

“Estoy viviendo un momento diferente y único, especial porque me encuentro en Madrid, tengo conciertos estos días y coincide con el Mundial y con la increíble presentación que está teniendo el equipo de España”, afirma un alegre Elvis Crespo en su entrevista con Infobae, en la que reconoce que se llevó una gran alegría al ver que su canción era la elegida para acompañar al combinado de Luis de la Fuente en el Mundial. “Me tomó por sorpresa que tomaran la canción La Graciosa con Quevedo, y me entusiasma y me enamora más el momento por el vínculo que tengo con la selección nacional desde el 2010, cuando ganamos y celebraron con otra de mis canciones", desvela Crespo, haciendo alusión a cuando Pepe Reina y Sergio Ramos pusieron a todos a bailar con Píntame en el avión de vuelta a España después de conquistar el primer Mundial en Sudáfrica. “Eso me conecta con la selección, me entusiasma mucho y le agradezco a Dios que me permite vivir este momento”.

Crespo nació en el mismo sitio en el que España se juega este domingo ganar su segundo Mundial, Nueva York, pero pasó buena parte de sus años de formación en Puerto Rico, de donde era su familia. Con el tiempo, y después de influenciarse por maestros como Ismael Rivera, Chamaco Ramírez, el Gran Combo de Puerto Rico o Gilberto Santa Rosa y aprender de la mano de otros como Toño Rosario o Willy Berríos, dio el salto con Suavemente (Sony Discos, 1998), el álbum que le dio a conocer, del mismo nombre que la canción que hoy día sigue haciendo bailar a millones de personas, aunque todo haya cambiado mucho desde entonces.

“Gilberto Rosa era el Bad Bunny de mi generación”

“Vivimos en un mundo diferente, en una industria diferente. Hoy contamos con plataformas que en los años 90 no existían. Antes yo tenía que levantarme un sábado temprano, conseguir 10 o 15 dólares para comprarme el CD de Gilberto Santa Rosa, que en aquel momento era el Bad Bunny de mi generación. Ahora no, ahora ya la audiencia, ya el público tiene en sus manos la posibilidad de escuchar la música al momento y eso pues definitivamente es un beneficio para los artistas que traigan música interesante y música del alma”, reflexiona Crespo, que en realidad supo sobreponerse al inmenso éxito de Suavemente y lanzó otros hits como el mencionado Píntame o el álbum que ahora presenta en nuestro país, Poeta herío. “Lo que no ha cambiado es que importa que la canción conecte. No importa cuántas plataformas haya, porque Suavemente nació sin YouTube, Facebook, Twitter ni TikTok. Al final del día una buena canción es una buena canción".

Esa “buena canción” le ha llevado a colaborar con uno de los mayores artistas que hay en España, Quevedo. “Conocía lo que hizo con Bizarrap o la canción que hizo con Mike Towers. También su voz me cautivó, tiene una voz única, diferente. Al conocerlo personalmente, me di cuenta de que es un artista brillante y estoy muy feliz de colaborar con él en este álbum”, explica Crespo, quien además tuvo la suerte de descubrir también lo que era en realidad La Graciosa, la isla de Las Palmas en Canarias. “Me llegó la canción, la escucho, me gusta, pero no la entendía porque no sabía lo que era hasta que me explica el concepto del álbum, su idiosincrasia como canario. Ahí me encantó la idea de esta isla, cogí la guitarra, saqué los acordes y le mandé la idea. Y aquí tenemos el resultado, que es una canción muy especial, la canción del verano aquí en España”.

Una gira por España muy especial

Sin duda, La Graciosa es la canción que le está trayendo más alegrías y le conecta más que nunca con un público para el que solo tiene grandes palabras. “Es un público especial, un público exigente. Estamos hablando de la madre patria, donde nació el idioma que amo tanto. Mi conexión con el idioma y con mis ancestros hacen que mi estadía en España sea placentera y curiosa. Porque me gusta curiosear, aprender cosas nuevas aun a mis 55 años“, recalca el músico, que viene de actuar en Jerez, en el Starlite de Marbella, en las Noches del Botánico de Madrid y en Murcia.

Crespo cierra la gira este mismo sábado precisamente en Canarias, como una forma de cerrar el círculo con un concierto en Tenerife que se antoja de lo más especial. Y lo que es más importante, una cita previa inmejorable para la final que vivirá España ante Argentina y para la que Crespo ve a La Roja como clara favorita. “Yo lo visualizo y lo verbalizo. Con solamente sentirlo llevo un mensaje al cuántico. Me encanta la campaña que está por ahí que dice que hay que visualizar la victoria. Así que me visualizo escuchando La Graciosa en la celebración del Mundial, de esa segunda estrella para España". Esperemos que el que ha sido hasta ahora talismán también sea oráculo.

El Festival de San Sebastián celebrará del 18 al 26 de septiembre su 74º edición con una presencia destacada del cine español en todas sus secciones. Un total de 25 títulos, entre ellos 23 largometrajes y dos series, fueron anunciados en Madrid por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, confirmando la diversidad y vitalidad de la producción nacional de este año.

Entre los aspirantes a la Concha de Oro, máximo galardón del certamen, figuran tres nombres destacados: Roberto Bueso, Mikel Gurrea y Javier Ruiz Caldera. Cada uno llega con propuestas que abordan géneros y temáticas muy distintas, reflejando la amplitud del cine español contemporáneo. El mal padre, dirigida por Roberto Bueso y protagonizada por Eduard Fernández, marca la primera incursión del cineasta valenciano en la competencia principal. La película narra el reencuentro de Santiago Balmes, un escritor y académico célebre, con sus tres hijos para cumplir un último deseo: pasar las Navidades en la antigua casa de veraneo familiar tras años de distanciamiento. La participación de Bueso en la Sección Oficial supone un paso relevante tras sus anteriores trabajos, La banda (2019) y la futbolera Llenos de gracia (2022), presentados previamente en el apartado Made in Spain.

Por su parte, Mikel Gurrea regresa al certamen con Sants, en la que Victoria Luengo interpreta a una mujer que se une a una banda dedicada al robo de figuras religiosas mientras enfrenta la inminente muerte de su madre, encarnada por Ariadna Gil. Gurrea, quien obtuvo varios premios con su debut Suro en 2022, vuelve a apostar por personajes en conflicto y temáticas de fuerte carga emocional. La sección competitiva se completa con 5 minutos más, el primer filme de Javier Ruiz Caldera en la competencia oficial. Protagonizada por Javier Cámara, Berto Romero (también guionista) y Belén Cuesta, la película explora, con tintes de comedia y ciencia ficción, la crisis de un matrimonio atrapado en un bucle temporal que les impide avanzar en su relación. La Sección Oficial también da cabida a propuestas fuera de concurso. Destaca la proyección de El castillo, una serie policiaca de seis capítulos que reconstruye el auge de la mafia proxeneta en España. Basada en el libro de no ficción El proxeneta de Mabel Lozano, la serie está creada por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, con dirección principal de Elena Martín Gimeno y participación de Sandra Romero.

Nuevos directores, de Javier Giner a Jaime Lorente

En el apartado Proyecciones Especiales se agrupan cinco títulos con enfoques diversos. Azken Agurra, de Koldo Almandoz, presenta una dramedia existencialista sobre funerales laicos. Ruega por nosotras, de Daniel Monzón, ambienta en 1974 el internamiento de una joven rebelde en el Patronato de Protección de la Mujer. Sacamantecas, de David Pérez Sañudo, mezcla thriller y hechos históricos en la Vitoria de la III Guerra Carlista.

La serie Más allá de la sociedad, dirigida por Carlos Torres y creada con J. A. Bayona, retoma el relato tras el accidente de los Andes en 1972, explorando la vuelta a casa de los supervivientes. Por último, Bajañí de Fernando Trueba propone un recorrido musical por tres países a través de la guitarra de Niño Josele.

Tres títulos competirán en la sección New Directors, dedicada a óperas primas. Esta soledad, primer largometraje de Javier Giner, retrata los lazos frágiles de dos jóvenes en Bilbao. El mal hijo, dirigida por Jaime Lorente y basada en la novela de Salvador S. Molina, aborda el drama familiar de un niño obligado a vivir con su abuela tras el abandono paterno. February, Seven Days supone el debut de Tatjana Moutchnik, que sitúa el reencuentro de dos hermanos ucranianos en Stuttgart tras la invasión rusa.

Las secciones paralelas: Diego Luna o Tsai Min-Liang

El cine español también estará presente en Horizontes Latinos, con títulos premiados en Cannes y Berlinale. Moscas, de Fernando Eimbcke, narra la lucha de una mujer frente a la soledad y la precariedad. Ceniza en la boca, de Diego Luna, muestra las dificultades de dos hermanos migrantes entre México y Madrid. El deshielo, de Manuela Martelli, es un thriller sobre la desaparición de una niña en la cordillera chilena.

En Zabaltegi-Tabakalera se proyectarán cinco películas, entre ellas HAMALAU gau (CATORCE noches) de Oskar Alegria Suescun, Lejos de los árboles de Meritxell Colell Aparicio y Les Roches rouges de Bruno Dumont. También destacan Jaleos / Flamenco Sketches de Isaki Lacuesta y Dust (La deriva) de Tsai Ming-Liang. En la sección Perlak, La bola negra de Javier Ambrossi y Javier Calvo, inspirada en una obra de Federico García Lorca, fue reconocida en Cannes y explora vidas conectadas por el deseo y la herencia a lo largo de distintas épocas.

Por último, el Velódromo acogerá el documental Muguruza FM 40 Tour, codirigido por Ander Merino Etxebeste y Fermin Muguruza, y la película Karateka de Aritz Moreno, que narra la trayectoria de la campeona olímpica de karate Sandra Sánchez. La programación de la 74º edición del Festival de San Sebastián se completará con nuevos anuncios en las próximas semanas, consolidando la cita como escaparate de la producción audiovisual española actual.

La monumental Troya, dirigida por Wolfgang Petersen y estrenada en 2004, sigue vigente como una de las adaptaciones cinematográficas más ambiciosas de la literatura clásica. Protagonizada por Brad Pitt como Aquiles, la película adapta La Ilíada de Homero y se presenta como una precuela directa de los eventos de La Odisea, la otra gran epopeya homérica que ha vuelto a la actualidad gracias a la versión de Christopher Nolan. Veintiún años después de su estreno, la obra mantiene su estatus como referente del cine épico moderno.

La historia de Troya se centra en el asedio y caída de la ciudad homónima, un conflicto que reúne a los más grandes héroes griegos y troyanos. Desde el inicio, el filme sitúa al espectador en la tensión previa a la guerra, mostrando la llegada de la flota griega a las costas de Asia Menor. El desembarco de los mirmidones, liderados por Aquiles, es una de las escenas más recordadas: el estruendo de las campanas despierta a la ciudad, mientras Eric Bana —Héctor— observa el avance del enemigo desde las murallas. Ese amanecer marca el inicio de una serie de enfrentamientos que definirán el destino de la ciudad y de quienes la habitan.

La producción apostó por un realismo inusual en el género. Petersen, conocido por títulos como Das Boot y La historia interminable, decidió que los actores realizaran las coreografías de combate sin dobles de acción. Las escenas de lucha, grabadas en localizaciones naturales y con una planificación meticulosa, transmiten la crudeza y la intensidad propias del mito. El propio director reconoció la presión de dirigir secuencias de tal magnitud con estrellas internacionales como Brad Pitt y Eric Bana, y la responsabilidad de adaptar una de las narraciones más influyentes de la historia.

Disponible en varias plataformas

Una de las claves del filme es su capacidad para equilibrar la espectacularidad visual con el desarrollo dramático de los personajes. El duelo entre Aquiles y Héctor es el punto culminante de la película, tanto en lo físico como en lo emocional. Esta confrontación, grabada sin dobles, aporta autenticidad y tensión, consolidando la fama de la cinta como referente del cine épico. Petersen relató que se sentía abrumado ante la tarea de organizar un enfrentamiento tan intenso y relevante, consciente de la magnitud del legado homérico. Troya no solo se apoya en las batallas; los diálogos y las subtramas personales enriquecen el relato. La relación entre Héctor y su familia, la rivalidad entre Aquiles y Agamenón, y los motivos detrás de la guerra otorgan profundidad a los personajes. La música de James Horner y la fotografía de Roger Pratt refuerzan la atmósfera, acompañando la acción con una banda sonora que acentúa la tensión y la gloria de cada momento.

La película culmina con la caída de la ciudad y la salida de los griegos, dejando abiertas las historias de quienes, como Odiseo, deben emprender el regreso a casa. Es precisamente ese punto de partida el que conecta Troya como precuela directa de La Odisea. La travesía de Odiseo, marcada por las secuelas de la guerra y los desafíos del regreso, constituye el hilo principal de la epopeya que Nolan ha llevado nuevamente a la pantalla, reforzando el vínculo entre ambas obras. Actualmente, Troya puede verse en Amazon Prime Video, HBO Max y Movistar+, lo que facilita el acceso a una experiencia épica que marcó el género bélico en el cine contemporáneo. Su disponibilidad en estas plataformas permite revisitar una obra clave del cine épico, ideal para quienes buscan comprender el origen de los eventos de La Odisea y explorar el universo de Homero en toda su dimensión cinematográfica.

La película de Nolan, estrenada este verano, representa para miles de personas la primera aproximación a la epopeya homérica. Beard recuerda su propio primer encuentro con La Odisea en la infancia, cuando su madre le leyó la historia de Polifemo, el cíclope devorador de hombres. Destaca la astucia de Odiseo, quien, bajo el falso nombre de “Nadie”, logra engañar al gigante y escapar junto a sus compañeros. Para la historiadora, este episodio ejemplifica la mezcla de ingenio y humor que recorre el poema original, un atributo que, según su análisis, la adaptación cinematográfica pasa por alto.

Beard subraya que el gran fallo de la versión de Nolan es la desaparición tanto del carácter bromista como de la dimensión sexual en la figura de Odiseo. “No hay ni un solo chiste en toda la película”, señala la historiadora. En el texto de Homero, Odiseo se distingue por su astucia, su personalidad irónica e incluso su tendencia a la mentira, elementos que generan ambigüedad y placer en la audiencia. Beard lamenta que el filme prescinda de momentos clave como el juego de palabras con Polifemo —el célebre “Nadie me hiere”—, donde el humor sirve de recurso para la supervivencia.

En cuanto al erotismo, la experta sostiene que Nolan opta por una versión mucho más contenida y pulcra de los episodios amorosos. El vínculo con Circe, por ejemplo, pierde la carga sexual y la competencia emocional que definían la relación en la obra original. El resultado, según Beard, es “una Odisea sin sexo”, donde los dilemas de fidelidad y los matices emocionales de Odiseo quedan relegados en favor de un relato más sobrio y unidimensional.

Diferencias clave entre la película y el poema homérico

A pesar de estas críticas, Beard reconoce los aciertos de la película, especialmente en su enfoque contemporáneo y su ritmo ágil. Destaca que la versión de Nolan evita el lenguaje grandilocuente y acerca la historia a los espectadores modernos, como cuando Telémaco llama “papá” a Odiseo o en la representación visual del cíclope, que recuerda a Saturno devorando a su hijo según la pintura de Goya.

Nolan también acierta, en opinión de Beard, al abordar la complejidad estructural del poema, intercalando líneas temporales y mostrando tanto la travesía de Odiseo como la situación en Ítaca durante su ausencia. El trabajo de los actores es otro punto fuerte, con Matt Damon encarnando a un Odiseo sólido y Anne Hathaway como una Penélope decidida. Sin embargo, la crítica insiste en que la versión de Nolan resulta más “estática” al eliminar las ironías y contradicciones que definían al héroe homérico.

La ausencia de los feacios

Uno de los cambios más notorios es la omisión de episodios fundamentales, como la estancia de Odiseo en la corte de los feacios, donde en el poema narra sus aventuras. Nolan traslada ese relato al periodo de cautiverio con Calipso, suprimiendo así a personajes femeninos cruciales como la reina Arete y su hija Nausícaa. Beard considera que esta decisión afecta la riqueza del universo femenino en la obra y simplifica los conflictos y las posibilidades de Odiseo fuera de Ítaca.

En lugar de explorar las ambigüedades morales y los dilemas personales del original, la película introduce un mensaje sobre el declive de la civilización tras la guerra de Troya. Referencias a la “edad de bronce” y amenazas externas sustituyen los juegos de ironía y las preguntas sobre la verdad y la mentira. Para Mary Beard, el filme es una puerta de entrada valiosa a la epopeya, pero quienes busquen la complejidad, el humor y la sensualidad de Homero tendrán que volver al poema.

Consultado sobre los motivos de su omisión, Holland respondió de forma directa: “No sé por qué nunca la he visto. Sé que me encantaría, pero simplemente nunca ha sido una película que haya puesto”, admitía el actor, que en la película da vida a Telémaco, el hijo de Odiseo (Damon). La confesión de Holland refleja una realidad común incluso entre quienes trabajan dentro de la industria cinematográfica: pueden existir vacíos sobre obras icónicas. A pesar de todo, Damon le alentaba a verla ya que cree que la primera experiencia es insuperable. “Me da mucha envidia que puedas verlo por primera vez. Me pregunto si te parecerá tan revolucionaria como lo han sido tantas cosas que se han basado en ella posteriormente”, comentaba el actor.

En La Odisea de Christopher Nolan, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su hogar después de años en la Guerra de Troya. En Ítaca su familia y amigos ya le han dado prácticamente por muerto después de tanto tiempo, y mientras su esposa Penélope (Anne Hathaway) teje un sudario para su suegro Laertes como excusa para demorar su casamiento con alguno de los pretendientes, el joven Telémaco parece ser el único que conserva algo de esperanza de reencontrarse con su padre. Es por ello que viajará a otros reinos con la esperanza de hallar algo de información sobre el paradero de Odiseo, sin saber que este ya está en un viaje de vuelta a casa.

El impacto de ‘Matrix’ y experiencias personales

Durante la conversación, Damon también compartió su admiración por Matrix y confesó que siempre deseó participar en la película. Además, destacó la influencia de la actuación de Edward Norton en La dos caras de la verdad, señalando que fue una inspiración clave para él y Ben Affleck en la creación de El indomable Will Hunting. Damon resaltó que la importancia de Matrix no solo se debe a su argumento, sino también a su estilo visual y los dilemas filosóficos que plantea. La película ha sido un referente para cineastas y actores desde su estreno, inspirando a nuevas generaciones y consolidándose como un clásico del cine de ciencia ficción.

El episodio se produjo en medio de la gira de promoción de La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan que reúne a Holland y Damon como protagonistas. El elenco ha recorrido distintas ciudades presentando el filme, cuyo estreno está previsto para este 17 de julio. Entre las anécdotas surgidas durante la campaña, la confesión de Holland y la reacción de Damon destacaron por su espontaneidad y resonancia entre el público. El intercambio aportó un momento de humor y cercanía a la promoción de La Odisea, recordando que incluso los actores más reconocidos pueden tener pendientes algunos clásicos.

Fin de semana de altos vuelos el que espera a cualquier amante del cine. La que probablemente sea una de las películas más esperadas de todo el 2026 llega por fin a cartelera. La Odisea desembarca en salas con un reparto plagado de grandes estrellas y una historia que es sinónimo de épica, pero no será la única película que acapare la atención, aunque seguramente se imponga en taquilla a estrenos recientes como Minions & Monsters o Toy Story 5, si es que llega al fenómeno de Obsession como se prevé.

Sea como fuere, incluso para quienes no quieran participar de la fiesta de Cristopher Nolan hay otras opciones la mar de interesantes. Tenemos el regreso de una aclamada saga de terror como es Posesión infernal, con un nuevo capítulo que retoma algunos de los elementos clásicos de la saga pero en una nueva historia, la comedia española que protagonizan Gorka Otxoa y Adrián Lastra, un viaje en carretera entre padre e hijas o un thriller carcelario con dos grandes promesas.

La Odisea

Christopher Nolan vuelve a los cines, y eso siempre es sinónimo de una gran aventura. El director detrás de algunos de los títulos más ambiciosos de los últimos años como Origen, Interstellar u Oppenheimer toma la clásica historia de Homero para construir su propio imaginario en esta épica lucha entre la voluntad de un hombre por volver a su casa frente a la ira de los dioses. Odiseo, encarnado por Matt Damon, se embarca en un peligroso viaje de vuelta a Ítaca mientras su mujer Penélope (Anne Hathaway) y su hijo Telémaco (Tom Holland) comienzan a perder la esperanza en su regreso.

Omaha

El verano es también para viajes en familia, y ninguno más trascendente que el de esta película escrita por el autor de El asesinato de dos amantes, probablemente una de las grandes revelaciones de aquel 2020 en el que las pequeñas joyas del streaming tomaron el control ante la ausencia de cines. En este caso Omaha nos traslada a la historia de los hermanos Ella y Charlie, quienes emprenden junto a su padre un viaje a través del país para conocer un mundo nuevo. A medida que se desarrolla su aventura, Ella empieza a comprender que las cosas pueden no ser lo que parecen.

Ni contigo ni sin mí

Gorka Otxoa y Adrián Lastra son dos rostros icónicos de la comedia española gracias a títulos tan míticos como Pagafantas o Primos, respectivamente, y ahora unen fuerzas en esta comedia con toque veraniego. A Ernesto le acaba de dejar su mujer. Intentando remontar lo que puede ser el peor cumpleaños de su vida, decide pasarlo en su casa de la playa junto a su mejor amigo. Pero se encuentra con una sorpresa: la nueva novia de su vecino no es otra que su ex.

Hombres de acero

A Tom Blyth ya le hemos visto este año en la comedia romántica de Netflix basada en un best seller La gente que conocemos en vacaciones, pero ahora pasa del romance al thriller con Hombres de acero. Flanqueado por otra gran promesa del cine británico como es David Jonsson (Alien: Romulus), ambos dan vida a dos compañeros de celda que se encuentran precisamente cuando uno de ellos está a punto de obtener la libertad condicional. Pero conforme la relación de celda avance los sueños de este por escapar de las rejas se irán esfumando.

Posesión infernal: En llamas

Por último, pero no menos importante, está la vuelta de una de las grandes franquicias del cine de terror. Posesión infernal empezó de la mano del gran Sam Raimi, que luego haría la trilogía de Spider-Man junto a Tobey Maguire, y ha seguido en los últimos años con la producción de Raimi pero en manos de otros directores como Lee Cronin, quien ha estrenado este año La momia de Lee Cronin. Ahora es el francés Sébastien Vanicek quien se pone a los mandos en esta suerte de continuación con la familia original de la saga pero una nueva historia de lo más macabra y llena de sangre.

El humorista Héctor de Miguel, conocido como Quequé, fue detenido anoche en Salamanca, su ciudad natal, por un delito de desobediencia por el que está siendo investigado en un juzgado de Madrid, según ha informado el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León en un comunicado. Pasadas las 14 de la tarde y según ha informado el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León en un comunicado, ha sido puesto en libertad.

El humorista, conocido por los programas El Club de la Comedia o Cadena SER, ha quedado en libertad según ha dictado el magistrado de la Plaza 1 de la Sección de Instrucción del Tribunal de Instancia de Salamanca. Ahora queda a disposición del juez que dictó la orden de busca y captura en el marco de unas diligencias por desobediencia.

Como ha podido saber EFE, se trata de una condena dictada por la de la Audiencia de Madrid que le impuso la obligación de pagar 41.800 euros al periodista Alfonso Rojo por una intromisión a su derecho al humor. El humorista ya habría pagado. La justicia le condenó en 2024 por difamarlo durante su participación en La vida moderna de la SER -programa dirigido por David Broncano y copresentado por Ignatius Farray y el propio De Miguel-. El tribunal también solicitó eliminar las declaraciones de Twitter y YouTube.

Sin embargo, como ha dado a conocer la agencia, “no habría atendido de forma adecuada la lectura del encabezamiento y fallo de la sentencia”, motivo por el que la justicia le habría detenido.

Otras causas abiertas

El pasado 16 de marzo, el Tribunal de Instancia Sección de Instrucción Plaza Número 6 de Valladolid dictó la apertura de juicio oral contra Quequé, a quien se le atribuye un presunto delito de coacciones. Según el auto, la acusación está relacionada con hechos denunciados por la abogada Polonia Castellanos, presidenta de la asociación Abogados Cristianos.

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En esta causa, la Fiscalía solicita una pena de dos años de prisión para el humorista, además del pago de una indemnización de 6.000 euros en concepto de perjuicio y daño moral a Castellanos. La acusación sostiene que existió acoso hacia la dirigente de la organización, aunque los detalles del supuesto comportamiento considerado delictivo no se han hecho públicos en las últimas horas. El ministerio público también considera responsable civil a la entidad Cadena SER, donde Quequé desarrolla parte de su actividad profesional. La emisora podría verse obligada a responder económicamente en caso de producirse una condena firme contra el acusado.

Sin información sobre el motivo actual de la detención

El 8 de mayo de 2025, la Audiencia Provincial de Madrid resolvió archivar una causa que también involucraba a Quequé. En ese expediente, se analizaban declaraciones que el humorista había realizado en su programa radiofónico, donde mencionó la posibilidad de “dinamitar el Valle de los Caídos” y “apedrear a sacerdotes pederastas”. La resolución judicial concluyó que no existía delito de odio en las expresiones vertidas por el humorista. Según la decisión de la Audiencia Provincial, las manifestaciones de Quequé quedaban amparadas por el derecho a la libertad de expresión, motivo por el cual se desestimó cualquier tipo de responsabilidad penal en ese caso.

Por el momento, las autoridades no han especificado si la detención de Quequé en Salamanca está directamente relacionada con el procedimiento abierto en Valladolid o responde a otro asunto distinto, pendiente en Madrid. Tampoco se conoce si existe una orden de traslado inminente o si el humorista permanecerá en la ciudad castellanoleonesa hasta nueva orden judicial. Fuentes de la Delegación del Gobierno en Castilla y León, citadas por EFE, insisten en que la detención obedece a una reclamación judicial activa, aunque no han ofrecido más detalles sobre el contenido del expediente o las próximas actuaciones previstas por los tribunales.

El actor Sam Neill, reconocido internacionalmente por su papel en Jurassic Park, falleció a los 78 años a causa de una neumonía, según confirmó su representante, Philip Grenz. El fallecimiento del intérprete se produjo el lunes en Sídney y fue comunicado a través de una declaración en las redes sociales del actor, donde se indicó que su muerte fue “súbita e inesperada” y que se encontraba libre de cáncer al momento de su fallecimiento.

Neill había superado recientemente un diagnóstico de angioinmunoblástica de células T, un tipo raro de linfoma no Hodgkin. En 2023, el propio actor había hecho pública su batalla contra la enfermedad y relató que se sometió con éxito a una terapia CAR-T, un tratamiento innovador para combatir este tipo de cáncer. Según detalló su representante a TMZ, la neumonía fue la causa final, descartando una recaída oncológica.

El representante de Sam Neill, Philip Grenz, informó que el actor murió el lunes en Sídney, rodeado de su familia. En el comunicado difundido tras su deceso se resalta que “permaneció libre de cáncer” hasta el final y que su partida fue inesperada. La familia subrayó que Neill “falleció con la dignidad que caracterizó toda su vida” y estuvo acompañado por sus seres queridos. Neill, que había trabajado en cuatro proyectos consecutivos durante el último año, mantenía una actividad profesional intensa pese a los desafíos de salud que enfrentó recientemente. Su manager confirmó que estos trabajos están programados para estrenarse en los próximos meses.

La carrera de Sam Neill abarcó más de cinco décadas y lo posicionó como una de las figuras más versátiles del cine y la televisión. Alcanzó fama mundial al interpretar al paleontólogo Alan Grant en la película Jurassic Park (1993), dirigida por Steven Spielberg, y en sus secuelas Jurassic Park III (2001) y Jurassic World: Dominion (2022). Su interpretación de Grant, un científico cauteloso y racional ante el peligro de los dinosaurios, lo convirtió en un referente del género de aventuras.

Neill también dejó huella en el cine australiano y neozelandés, destacándose en títulos como My Brilliant Career (1979), que marcó el inicio de su proyección internacional, y en producciones como Dead Calm junto a Nicole Kidman. Su rango actoral le permitió pasar de papeles dramáticos, como en La lección de piano, a personajes siniestros, como el Anticristo en Omen III: The Final Conflict, o históricos, como el cardenal Thomas Wolsey en la serie The Tudors. A lo largo de su carrera, Neill obtuvo múltiples reconocimientos, incluyendo nominaciones al Emmy por la miniserie Merlin (1998) y como narrador de Wild New Zealand (2017), así como tres candidaturas al Globo de Oro por Merlin, One Against the Wind y Reilly: Ace of Spies.

Reacciones y homenajes en la industria

El fallecimiento de Sam Neill generó una ola de homenajes por parte de colegas y figuras del cine. Steven Spielberg expresó: “Disfruté enormemente hacer todas las películas de Jurassic con él. Junto a Laura Dern y Jeff Goldblum, siempre seremos familia Jurassic y Sam nunca será olvidado por nosotros ni por sus millones de seguidores en todo el mundo”.

La actriz Sharon Lawrence manifestó en sus redes sociales: “Condolencias y agradecimiento por la alegría y maestría que Sam Neill aportó a nuestra industria”. Por su parte, Richard E. Grant, amigo personal y compañero de reparto en Palm Beach, lo describió como “un caballero en el sentido más estricto” y destacó el apoyo que recibió del actor en momentos difíciles. Las muestras de admiración incluyeron referencias a la capacidad de Neill para alternar entre personajes antagónicos y entrañables, consolidando una trayectoria marcada por la diversidad de géneros y registros interpretativos.

Según informó su representante, la familia de Sam Neill organizará un pequeño memorial en la finca que el actor poseía en Nueva Zelanda. Solo un número reducido de amigos y parientes participará en la despedida, en cumplimiento de la voluntad del propio Neill, quien prefería evitar homenajes públicos o grandes celebraciones. Esta decisión responde al deseo de mantener la privacidad, una constante en la vida personal del actor, quien rara vez participaba en eventos masivos fuera del ámbito profesional. No habrá, según confirmó Grenz, actos abiertos ni funerales multitudinarios. La familia y los allegados de Sam Neill han solicitado respeto y discreción en este momento, mientras se preparan para rendirle homenaje en la intimidad, acorde a sus deseos y valores personales.

Se podría decir que España ha vivido su particular Odisea para llegar hasta la final del Mundial. Empezó con un gran bache, y la amenaza de quedar a la deriva, pero pronto se recompuso y, a pesar de las dificultades, ha logrado llegar casi al final del camino. Ahora solo falta poner la guinda, como le decía Pepe Reina a Pedro Porro, antes de que este comentase que se había motivado con el documental de Informe Robinson sobre el Mundial de España de 2010. Lo que probablemente no sabrían ninguno de ellos, ni el resto de la expedición española, es que en aquel 2010 también se estrenó una película cuya coincidencia ahora puede traerles suerte.

El director británico estrenó aquel verano una de sus películas más icónicas, Origen. Aquel filme protagonizado por Leonardo DiCaprio sobre un equipo encargado de robar ideas a través de los sueños fue todo un pelotazo en taquilla, la película que elevó a su director a la categoría de grandes cineastas y la que sucedió a la gran victoria de España en Sudáfrica, tan solo unos días antes del estreno de Origen en cines. 16 años después, la historia vuelve a repetirse, aunque con los papeles cambiados.

Ahora es el director quien estrena antes de que España vuelva, 16 años después, a jugar la final de un Mundial. Y lo hace con La Odisea, la película en la que lleva trabajando casi el mismo tiempo que la Selección prepara este Mundial, desde que Nolan se llevase el Oscar con Oppenheimer... y España la Eurocopa con Luis de la Fuente al mando. Desde entonces mucho ha cambiado: Nolan ha ido renovando su habitual equipo sustituyendo piezas tan clave como el director de fotografía (Wally Pfister, ahora Hoyte van Hoytema), el editor (Lee Smith, ahora Jennifer Lame) o incluso el compositor, del icónico Hans Zimmer al sueco Ludwig Göransson. La Selección Española también se ha ido renovando, dejando atrás a los pesos pesados de los días de gloria y encontrando una nueva generación en los Oyarzábal, Unai Simón, Cucurella o Mikel Merino. Hasta Nolan y de La Fuente comparten su apuesta clara por los jóvenes, con Tom Holland y Lamine Yamal como principales estrellas.

Mucho ha cambiado desde entonces...

En La Odisea de Christopher Nolan, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su hogar después de años en la Guerra de Troya. En Ítaca su familia y amigos ya le han dado prácticamente por muerto después de tanto tiempo, y mientras su esposa Penélope (Anne Hathaway) teje un sudario para su suegro Laertes como excusa para demorar su casamiento con alguno de los pretendientes, el joven Telémaco parece ser el único que conserva algo de esperanza de reencontrarse con su padre. Es por ello que viajará a otros reinos con la esperanza de hallar algo de información sobre el paradero de Odiseo, sin saber que este ya está en un viaje de vuelta a casa.

Existen muchas coincidencias y patrones entre ambos eventos pero habrá que esperar al domingo para ver si se cumple la más importante. De momento, Nolan ya ha triunfado en el apartado crítico previo al estreno de la película, con una gran oleada de comentarios positivos tanto para su dirección como para la actuación del reparto, y todo apunta a que en cuanto desembarque en cartelera arrasará en taquilla. Por su parte, España tiene frente a Argentina su última parada en esta particular odisea de la que, como hace 16 años, espera volver a salir victoriosa.

La mayoría de críticas en torno a la película han salido a la vez porque tenían un embargo y aunque algunos pudiesen haber visto el filme antes que otros, sus comentarios han llegado a la vez. Pero lo cierto es que sean del país que sean, los críticos coinciden en que La Odisea es una obra maestra, un prodigio cinematográfico de casi tres horas que no aburren lo más mínimo sino que son de una gran epicidad: “Christopher Nolan ha convertido una de las grandes leyendas de la civilización occidental en un ‘blockbuster’ para la posteridad. Es la película del año”, afirma Robbie Collin para el prestigioso diario The Telegraph, pero incluso quienes no son compatriotas de Nolan lo alaban. “Nolan nos invita a soñar a lo grande. Su Odyssey es un clásico en todos los sentidos, una afirmación cautivadora del arte y una obra de cine en estado puro".

En La Odisea de Christopher Nolan, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su hogar después de años en la Guerra de Troya. En Ítaca su familia y amigos ya le han dado prácticamente por muerto después de tanto tiempo, y mientras su esposa Penélope (Anne Hathaway) teje un sudario para su suegro Laertes como excusa para demorar su casamiento con alguno de los pretendientes, el joven Telémaco parece ser el único que conserva algo de esperanza de reencontrarse con su padre. Es por ello que viajará a otros reinos con la esperanza de hallar algo de información sobre el paradero de Odiseo, sin saber que este ya está en un viaje de vuelta a casa.

Unanimidad también en España

No es solo en Estados Unidos o Reino Unido que existe consenso en torno a la película, sino que en nuestro país también parece haber encantado la película de Nolan. "El británico completa una nueva y subyugante relectura del tiempo de la mano de todas sus obsesiones: la del héroe destructor de mundos, la del relato fracturado y la del propio cine", escribe Luis Martínez en El Mundo. “Se percibe un amor por la deriva fantástica a la antigua usanza, convirtiendo el tortuoso, largo y epopéyico regreso al hogar de Odiseo en un variado aquelarre de criaturas y conjuros”, secunda Sergi Sánchez en La Razón. Tan solo Javier Ocaña en El País se muestra algo más comedido: “Nolan, poderoso creador de imágenes estranguladas por el exceso (...) nunca se conforma, siempre pretende avanzar en el lenguaje y con la tecnología. Hasta el desmayo. na buena película con momentos excitantes, pero no extraordinaria ni indiscutible”.

La de Ocaña es quizá una de las pocas voces disonantes en torno a una película de la que al final no se ha señalado tanto su inexactitud histórica como se preveía. Con los primeros adelantos de la película mucha gente se llevaba las manos a la cabeza y la polémica en torno a ciertas decisiones no tardó en extenderse en redes sociales. Nada de eso parece haber afectado a los primeros en verla, que a pesar de todo la elogian como una adaptación libre pero certera: “Combina la fidelidad al mito con su interés por el tiempo cinemático, la memoria y la identidad”, argumenta Carlos Reviriego en El Cultural, mientras que Javier Zurro va por el mismo camino: “Una adaptación impecable y furiosa con la que vuelve a ensanchar los límites del blockbuster hollywoodiense y que demuestra que los clásicos hablan de nosotros, siempre”.

Peter Jackson dejará la silla de director en la próxima película de El señor de los anillos, pero ha confirmado que su vuelta a la dirección de largometrajes será con una nueva aventura de Tintín. El cineasta neozelandés, conocido por adaptar la obra de J. R. R. Tolkien, participará solo como productor en La caza de Gollum. Mientras tanto, trabaja en el guion de la esperada secuela de Las aventuras de Tintín junto a Fran Walsh.

Jackson reveló sus planes durante una conversación con Richard Taylor, colaborador de larga data, en una entrevista para conmemorar los 30 años de su primera película en Hollywood, The Frighteners. “Probablemente la próxima película que dirigiré será una de Tintín”, dijo Jackson en una charla con Gold Derby. “Fran y yo hemos estado escribiendo el guion para la próxima película de Tintín porque hace quince años Steven Spielberg dirigió una película de Tintín y yo la produje. La idea era que luego yo dirigiera la segunda y él la produjera, pero han pasado quince años para llegar hasta aquí, lamentablemente, un poco tarde. Pero es una historia atemporal. Así que probablemente la próxima película que dirigiré será una de Tintín”.

El regreso de la saga de El señor de los anillos al cine no tendrá a Peter Jackson como director. En esta ocasión, el director británico Andy Serkis, conocido por interpretar a Gollum en la trilogía original, será quien esté al frente de La caza de Gollum. Jackson asume el rol de productor, acompañando al equipo desde una posición diferente. La producción de la nueva entrega comenzó a finales de junio y, según Jackson, el rodaje avanza con Serkis al mando.

Los avances en ‘La caza de Gollum’

“Estamos a cuatro días de rodaje”, detalló Jackson en la misma entrevista, refiriéndose al inicio de la filmación el 29 de junio. “Soy productor, pero Andy dirige y comenzamos a rodar ese día”. La cinta está programada para estrenarse en diciembre de 2027. Richard Taylor, responsable de efectos especiales y colaborador habitual de Jackson, intervino en la charla para explicar que su ausencia momentánea en la entrevista se debió a una urgencia en el set de La caza de Gollum. “La maquinaria nunca se detiene”, comentó Taylor. “Tuve que aprobar algo que necesitaba construirse al instante. Así que estamos completamente inmersos. Es obviamente extraordinario y alegre: nos encanta estar de regreso en la Tierra Media”.

Mientras acompaña la producción de La caza de Gollum, Jackson centra su mirada en su regreso a la dirección con la secuela de Las aventuras de Tintín. El acuerdo original con Steven Spielberg preveía que, tras la primera entrega dirigida por Spielberg en 2011, Jackson asumiría la dirección de la siguiente película. Ese plan se retrasó durante más de una década. Jackson explicó las razones de la demora: “Han pasado quince años, lamentablemente, un poco tarde. Pero es una historia atemporal”. El guion, escrito junto a Fran Walsh, ya está terminado. Jackson afirmó que este será probablemente su próximo largometraje como director, aunque no precisó la fecha de inicio del rodaje. El director considera que la naturaleza de la historia permite que el proyecto no pierda vigencia a pesar del retraso. “Las historias de Tintín no envejecen, así que podemos retomarlo en cualquier momento”, explicó Jackson durante su intervención.

Qué ha hecho durante este tiempo

Desde 2014, cuando dirigió El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, Jackson no ha estrenado nuevas películas de ficción como director. En ese lapso, se dedicó a la producción y a documentales como They Shall Not Grow Old y The Beatles: Get Back. En enero, Jackson abordó el motivo de su ausencia como director en un video para la reestreno de El señor de los anillos: El retorno del rey. El fallecimiento de Andrew Lesnie, su director de fotografía habitual, fue determinante.

“Creo que su muerte cambió mi camino creativo. El resultado es que durante once o doce años no he hecho una película dramática porque eso requeriría construir una relación con otro director de fotografía”, explicó Jackson. Richard Taylor destacó el entusiasmo del equipo con el regreso a la Tierra Media bajo la dirección de Andy Serkis. “Nos encanta trabajar con Andy, aunque obviamente extrañamos a Pete dirigiendo como siempre. Pero es una alegría. Estuve en el set el lunes y ver a Andy encajar tan bien y al equipo apoyándolo plenamente fue realmente encantador, muy encantador”.

Taylor mostró un modelo detallado de Bolsón Cerrado, la casa de Bilbo Bolsón, que permite explorar el espacio y observar a personajes humanos y hobbits a escala real. Añadió que el modelo incluye una lente de vidrio que permite filmar con un teléfono móvil, mostrando el nivel de detalle y dedicación del equipo en la producción. Ni Jackson ni Taylor ofrecieron una fecha concreta para el inicio del rodaje de la secuela de Tintín, pero la expectación crece ante su regreso al cine de ficción tras más de una década. Mientras tanto, La caza de Gollum sigue en marcha y su estreno está previsto para diciembre de 2027.

Es por ello que repasamos todos los grandes nombres que aparecen y dilucidamos de una vez por todas qué personajes interpretan, incluso aquellos que han sido una incógnita hasta el final como el de Elliot Page. En la película, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su casa después de años en la Guerra de Troya pero se encontrará con grandes peligros acechándole. Tanto los que le ayudan en su viaje, como la Atenea de Zendaya, como los que le aguardan en Ítaca, como el Telémaco de Tom Holland y la Penélope de Anne Hathaway, forman parte de esta colosal aventura que ya llega a cines.

Matt Damon como Odiseo

Gran protagonista de la historia, Odiseo es un soldado que busca regresar a su hogar después de años peleando en la Guerra de Troya. Aunque su deseo es reunirse con su familia, el destino le tiene preparada una gran y peligrosa aventura. Para interpretarle está Matt Damon, quien ya trabajó a las órdenes de Nolan en Interstellar u Oppenheimer y quien según dicen realiza aquí una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha.

Tom Holland como Telémaco

El hijo de Odiseo, Telémaco nunca llegó a conocer de forma consciente a su padre debido a que este lleva años fuera por la guerra. A pesar de que casi nadie confía en su regreso, Telémaco aun tiene esperanza de reencontrarse con Odiseo, y es por eso que zarpa de Ítaca para recabar información sobre el paradero de su padre. Lo interpreta el joven Tom Holland, conocido por películas como Lo imposible o la saga Spider-Man y quien trabaja por primera vez junto a Christopher Nolan.

Anne Hathaway como Penélope

La fiel esposa de Odiseo, Penélope lleva años esperando la llegada de su marido, aunque cada vez alberga menos esperanzas. Intenta ahuyentar a los pretendientes que le acechan a través de un gran ardid, peor sabe que el tiempo se le acaba. Le da vida Anne Hathaway, quien ya coincidió con Nolan en El caballero oscuro: la leyenda renace, en la que daba vida a la icónica Catwoman.

Robert Pattinson como Antínoo

Uno de los grandes antagonistas de la historia, Antínoo es el líder de los pretendientes de Penélope, y probablemente el que más ansia desposarse con ella y gobernar Ítaca. Es por ello que la toma con Telémaco, hijo de Odiseo y principal amenaza en su camino hacia su sueño. Lo interpreta Robert Pattinson, que debutó en el cine de Nolan con Tenet, y quien ha confesado que se lo ha pasado genial dando vida a esta suerte de villano.

Charlize Theron como Calypso

Es uno de los personajes más importantes del libro, ya que es la mujer que ayuda a Odiseo a volver a casa. Calypso es una ninfa hija del dios Atlas, y es quien rescata al griego después de que este llegue malherido a su isla. Acaba enamorándose de él e intentando que se quede en su isla el mayor tiempo posible, pero al final comprende que este echa de menos a su familia y, con la intervención del resto de dioses, decide dejarlo marchar. Al personaje lo interpreta Charlize Theron quien colabora por primera vez con Nolan y tiene experiencia con este tipo de personajes.

Lupita Nyong’o como Helena/Clitemnestra

El personaje que desató todo, y que sin tener tanto peso en La Odisea como en La Ilíada, su mera presencia es trascendental. Hablamos de la considerada mujer más bella, la que rapta el príncipe troyano Paris y la que desata la Guerra de Troya. Por otro lado, Clitemnestra es la esposa de Agamenón, quien esperará pacientemente a este para luego querer vengarse de él después del sacrificio de su hija Ifigenia. Para interpretar a ambas está la actriz Lupita Nyong’o, quien ha acumulado buena parte de polémica del filme por su designación como Helena, a pesar de que Nolan ha defendido su elección con fuerza.

Elliot Page como Sinon

Un personaje casi desconocido incluso para los que han leído La Odisea, Sinón cambia en gran medida de la mitología a como lo representa Nolan. Originalmente se trata de un primo de Odiseo, que es el encargado de convencer a los troyanos de introducir el caballo en la ciudad. En la película, en la piel de Elliot Page, Sinón es un joven de Ítaca al que le toca por sorteo marchar para la guerra siendo apenas un niño, y quien fallece allí después de ser uno de los que custodia el caballo antes de entrar en la ciudad. Su muerte perseguirá desde entonces a Odiseo, especialmente con su llegada al Hades.

Jon Bernthal como Menelao

Rey de Esparta junto a Helena y uno de los mayores generales de la Guerra de Troya, en La Odisea Menelao es el encargado de recibir a Telémaco en su llegada a la corte de Esparta, y de relatarle la historia de lo que ocurrió en Troya con su padre, de cómo ideó la artimaña del caballo y de cómo se infiltraron en la ciudad. Le da vida Jon Bernthal, conocido por su papel como Punisher y quien ha coincidido con Tom Holland precisamente en la película que ambos también tienen pendientes de estreno, Spider-Man: Brand New Day.

Samantha Morton como Circe

Uno de los personajes más icónicos de la historia original, y promete serlo de esta nueva adaptación. Circe es una hechicera que recibe a Odiseo y sus soldados en su palacio, sin que estos sepan que ella trama un gran complot contra ellos. En la obra de Homero, Circe envenena a los hombres y los transforma en cerdos, pero Odiseo logra convencer a la bruja de que deshaga el encantamiento a cambio de pasar una noche junto a ella. En la película es la actriz británica Samantha Morton, a la que algunos recordarán por La ballena o la serie The Walking Dead, quien ha sido alabada como la gran revelación de toda la película.

Zendaya como Atenea

Por último, los dioses también juegan un papel muy importante en la historia. Es Poseidón quien jura poner en problemas a Odiseo después de que este deje ciego a su hijo el cíclope Polifemo, y es Atenea, diosa de la sabiduría, quien se pone del lado del valiente héroe y le acompaña en sus aventuras, a veces incluso encarnándose en otros hombres. En la película la veremos en la piel de Zendaya, quien debuta en una película de Christopher Nolan y se reencuentra con viejos conocidos como su pareja Tom Holland o su reciente pareja en la ficción con El drama, Robert Pattinson.

Había marcado el gol definitivo, el que dejaba la eliminatoria sentenciada. Una internada por su banda derecha, una aparentemente simple pero en realidad complejísima pared con Dani Olmo, y un mano a mano frente a Mike Maignan con definición a la altura de pocos delanteros. El partido de Pedro Porro ayer con la Selección Española frente a Francia fue mayúsculo, perfecto, de esos que no se olvidan. Pero, al acabar el encuentro, reveló cuál había sido una de las claves de su gran actuación.

“Enhorabuena por la sensación de familia y equipo, por los valores que transmitís. Me siento un privilegiado porque seáis vosotros los que ahora nos representéis”, le decía el exguardameta y campeón del mundo en 2010 Pepe Reina al lateral extremeño en el pospartido de DAZN. “A intentar poner la guinda que queremos todos los españoles, pero estamos orgullosos pase lo que pase”, añadía el madrileño. “Yo creo que es la sensación de familia que dices, desde el principio hasta el final. Justo ayer para motivarme me puse el documental de Robinson de 2010, nada es casualidad”, confesaba Porro a Pepe Reina y Pablo Pinto.

El documental al que hace referencia el jugador de la Selección Española no es otro que el que realizó el programa Informe Robinson, presentado por el fallecido Michael Robinson y el cual se centraba en historias peculiares del mundo del deporte. El episodio de aquel programa centrado en la aventura de España en el Mundial de Sudáfrica es probablemente uno de los más recordados, y no en vano ha servido de inspiración a un jugador que ahora mismo está viviendo lo mismo que vivieron Andrés Iniesta, Fernando Torres, Iker Casillas, Sergio Ramos o Xavi Hernández: estar a las puertas de ganar un Mundial.

Cuando fuimos campeones

En aquel Informe Robinson: Cuando fuimos campeones, el presentador Michael Robinson entrevistaba a buena parte de la plantilla que nos hizo campeones del mundo. Ellos mismos eran protagonistas de un documental en el que relataban partido a partido cómo fue la experiencia de jugar un Mundial y lo que es más importante, de ganarlo por primera vez en toda la historia de España. Para el recuerdo queda la parte final, narrando el gol de Iniesta a través de todos los jugadores y acompañado de la música de Danny Elfman, una canción originalmente compuesta para la banda sonora de Alicia en el país de las maravillas pero que ha terminado quedando en el imaginario colectivo de todo un país.

“Sé que es muy difícil igualar lo que hicisteis vosotros pero vamos a intentarlo con garra, coraje y corazón”, concluía Pedro Porro antes de dedicarle también a su familia la victoria y en especial el gol que ha marcado. Un gol que, como el de Puyol frente a Alemania, ya vale todo una final del Mundial. Si cualquier español o futbolero quiere motivarse para esa final, que sepa que puede ver ese Informe Robinson en YouTube. La mayoría de episodios del programa pueden encontrarse en Movistar+ para cualquiera que sea suscriptor de la plataforma, pero afortunadamente ese episodio en concreto, el del Mundial 2010, se encuentra actualmente de forma abierta en la conocida plataforma de vídeos gratuita. Será un buen talismán de cara a la final que habrá el domingo.

La serie basada en Far Cry para FX ha generado sorpresa en la industria con la incorporación de Steve Buscemi a su elenco. El actor, reconocido por su trayectoria como “secundario estrella” en el cine y la televisión, se suma a una adaptación que ya contaba con la presencia de Rob Mac —también co-creador— y Lizzy Caplan, según adelantó Variety. El anuncio refuerza el atractivo del proyecto y confirma la apuesta de FX por nombres de peso para trasladar la exitosa franquicia de videojuegos a la pantalla.

La noticia del fichaje de Buscemi despertó reacciones inmediatas entre seguidores de la saga y el sector audiovisual. Su perfil encaja con la tradición de personajes complejos y memorables en los videojuegos de Far Cry, una saga conocida por su galería de antagonistas y secundarios. Aunque los detalles sobre la trama y el papel específico del actor permanecen sin revelarse, la decisión de sumar a Buscemi sugiere que la serie apostará por dar protagonismo a intérpretes de alto calibre en cada temporada. La llegada de Steve Buscemi supone un hito para la serie, dada su reputación como uno de los actores más versátiles y respetados de la industria. Buscemi es conocido por su capacidad para dotar de matices a roles secundarios y personajes excéntricos, una marca personal que lo ha mantenido vigente durante décadas.

Buscemi alcanzó notoriedad internacional con su participación en películas de Quentin Tarantino como Reservoir Dogs y de los hermanos Coen como Fargo, El gran Lebowski y Muerte entre las flores, además de títulos como Ghost World y La muerte de Stalin. En televisión, fue parte central de Los Soprano —donde también dirigió episodios— y protagonizó Boardwalk Empire, trabajo por el que recibió nominaciones al Emmy. Ganó el Emmy en 2016 por Park Bench with Steve Buscemi. Este será el primer proyecto de Buscemi para FX, aunque la cadena emitió Fargo, versión televisiva creada por Noah Hawley, quien también está al frente de la adaptación de Far Cry. El actor estará acompañado por Rob Mac, que además de co-crear la serie, tendrá un papel en pantalla, y Lizzy Caplan, cuyo fichaje se había anunciado previamente.

Elenco, equipo creativo y formato de la serie

Junto a Buscemi, el reparto cuenta con la presencia confirmada de Rob Mac y Lizzy Caplan. Mac, además de co-crear la serie junto a Noah Hawley, estará involucrado en la producción a través de su compañía More Better Productions. Hawley, con experiencia en adaptar universos complejos al formato televisivo, liderará la producción ejecutiva bajo su acuerdo con FX y Disney Entertainment Television, a través de 26 Keys. El equipo de producción incluye a Simon Emanuel, Emilia Serrano, Nick Frenkel, Monica Macer, Peter Calloway, John Campisi, Gerard Guillemot, Margaret Boykin y Austin Dill para Ubisoft Film & Television. La producción corre a cargo de FX Productions.

La serie seguirá un formato de antología, lo que implica que cada temporada contará con una historia, un elenco y un contexto diferentes, como ocurre en la franquicia de videojuegos. Este enfoque permite explorar múltiples escenarios y personajes, manteniendo la esencia impredecible de Far Cry. Far Cry debutó en 2004 y desde entonces se ha consolidado como una de las franquicias más populares del sector. El videojuego se caracteriza por su estructura de mundo abierto, historias de supervivencia y villanos carismáticos. Hasta la fecha, se han lanzado seis títulos principales y varios derivados.

Según datos de Ubisoft, más de 100 millones de jugadores únicos han disfrutado la serie desde sus inicios. El último lanzamiento, Far Cry 6, llegó en 2021, reafirmando la vigencia del universo y su potencial para nuevas adaptaciones. La serie de FX se emitirá en Estados Unidos a través de FX y Hulu, y llegará a nivel internacional mediante Disney+. Con la suma de Steve Buscemi y un equipo creativo experimentado, la producción busca captar tanto a fanáticos del videojuego como a una audiencia general atraída por la calidad de sus intérpretes.

El cantante Don Omar anuncia su regreso a Europa en 2027 con su espectáculo The Last King World Tour, una gira que recorrerá trece ciudades del continente y que tiene prevista una presencia destacada en España. El tour marca el reencuentro del artista puertorriqueño con sus seguidores europeos y se presenta como una celebración de más de dos décadas de trayectoria en la música urbana. El anuncio se produce en un momento de especial significado para el intérprete. Coincide con el décimo quinto aniversario de Danza Kuduro, tema que continúa batiendo récords al consolidarse como la canción latina con más reproducciones en Spotify. La canción permanece en el Top 50 Global de la plataforma, lo que demuestra la vigencia y el alcance internacional del repertorio de Don Omar.

La gira The Last King World Tour llevará a Don Omar a escenarios de ciudades clave en Europa. Entre las trece fechas confirmadas, se encuentran seis conciertos en España, así como presentaciones en Suiza, Países Bajos, Alemania, Francia, Italia y Reino Unido. El espectáculo está concebido como una producción de gran formato. La propuesta incluye un despliegue audiovisual que acompañará un repertorio repleto de éxitos, repasando toda la carrera del artista. Según el material de prensa, se busca ofrecer una experiencia que conecte con el público de distintas generaciones y que subraye la influencia de Don Omar en el desarrollo y la internacionalización del reguetón. Las fechas confirmadas para la gira en Europa comienzan el 24 de junio de 2027 en Zúrich, Suiza. El tour continúa el 26 de junio en La Haya, Países Bajos, y el 27 en Düsseldorf, Alemania. El 30 de junio Don Omar actuará en París, Francia, seguido de dos fechas en Italia: 2 de julio en Milán y 4 de julio en Nápoles. El 6 de julio será el turno de Londres, Reino Unido.

España tendrá una presencia especialmente relevante en la agenda del artista. Don Omar ha confirmado seis conciertos en el país, distribuidos en diferentes regiones. El 8 de julio actuará en Bilbao, el 10 en Valencia, el 11 en Murcia, el 15 en Madrid, el 16 en Málaga y el 18 de julio en Galicia. Esta programación refuerza la histórica conexión entre Don Omar y el público español, que se remonta a los inicios de su carrera. Desde hace más de veinte años, sus temas han ocupado lugares destacados en radios, festivales y listas de éxitos en España.

Dónde y cómo conseguir las entradas

Considerado uno de los pioneros del reguetón, Don Omar ha sido una figura central en la expansión global del género. Desde comienzos de los años 2000, su propuesta fusiona ritmos urbanos y letras reconocibles, con una capacidad de conectar con públicos diversos. El éxito de Danza Kuduro es un ejemplo de su permanencia en la industria. A quince años de su lanzamiento, el tema sigue acumulando millones de reproducciones y mantiene posiciones destacadas en rankings internacionales, consolidando a Don Omar como uno de los referentes de la música latina en la era digital.

El repertorio de Don Omar abarca grandes himnos del reguetón y la música urbana. Canciones como ‘Dale Don Dale’, ‘Pobre Diabla’, ‘Salió el Sol’, ‘Bandoleros’, ‘Taboo’, Danza Kuduro y ‘Hasta Abajo’ siguen formando parte de la banda sonora de distintas generaciones. Su legado se refleja también en la influencia ejercida sobre nuevos artistas y en la consolidación del reguetón como uno de los géneros más escuchados a nivel mundial. Las cifras respaldan su impacto: millones de discos vendidos y miles de millones de reproducciones en plataformas digitales.

Próximamente se anunciarán los detalles sobre la venta de entradas, paquetes VIP y experiencias especiales para cada una de las ciudades incluidas en la gira. Los interesados pueden realizar el pre registro en donomar.com para recibir información actualizada y acceder a las novedades de forma anticipada. Con la confirmación de The Last King World Tour, Europa se prepara para recibir a uno de los nombres más influyentes de la música latina. El regreso de Don Omar representa una oportunidad para revivir los grandes éxitos que han marcado la historia del reguetón y celebrar junto a miles de seguidores su extensa trayectoria sobre los escenarios.

Margarita Andrey, considerada la actriz más longeva del cine español, ha fallecido tras haber cumplido los 100 años el pasado mes de septiembre. Su trayectoria, marcada por una veintena de películas y una presencia destacada en las décadas de los cuarenta y cincuenta, quedó interrumpida en 1956, año en que se retiró definitivamente de la interpretación. Su vida y carrera reflejan tanto el esplendor de una época como las limitaciones impuestas por el entorno social de entonces.

La noticia de la muerte de Andrey pone fin a una existencia longeva, caracterizada por una temprana y fulgurante popularidad. Nacida en Madrid en 1926, de padres suizos, fue una figura recurrente en el cine español durante poco más de una década. En ese tiempo, protagonizó títulos emblemáticos como Historias de la radio y Aeropuerto, donde compartió pantalla con Fernando Fernán Gómez y Paco Rabal, consolidándose como un rostro conocido de la gran pantalla. La primera aparición de Andrey frente a las cámaras data de 1944, en un cortometraje documental sobre el parque de El Retiro. Poco después, inició su carrera profesional en El sobrino de don Búfalo Bill (1945), dirigida por Ramón Barreiro. Su talento y presencia no pasaron desapercibidos para Enrique Gómez, quien la eligió como protagonista en Viento de siglos y la dirigió en otras ocho ocasiones, convirtiéndola en su actriz predilecta.

En la década de los cincuenta, el público quedó cautivado por la personalidad y fotogenia de Andrey. Entre sus papeles más recordados figuran la sofisticada dama de Aeropuerto (Luis Lucia, 1953), donde su personaje encandilaba a Fernando Fernán Gómez, y la locutora ingenua de Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955), en la que su voz fue doblada para el personaje que se enamora del rol interpretado por Paco Rabal. Otros títulos destacados de su filmografía incluyen El padre Pitillo, La lupa y Zalacaín el aventurero. Durante su etapa de mayor éxito, Andrey fue considerada uno de los rostros más bellos del cine nacional. Su singular belleza de origen suizo, junto con su elegancia y dulzura, la distinguieron en la España de la posguerra. Los espectadores la identificaban por su sonrisa angelical y sus ademanes refinados, aunque nunca llegó a aparecer en una película en color.

De origen suizo y parecido hollywoodiense

Margarita Andrey Monnard nació en Madrid en 1926 en el seno de una familia acomodada. Sus padres, de origen suizo, influyeron notablemente en su formación y en sus costumbres. La actriz relató que su infancia estuvo marcada por la Guerra Civil Española, periodo durante el cual vivió en San Ildefonso y posteriormente en Burgos, antes de regresar a Madrid para continuar sus estudios. Intentó completar el bachillerato y una carrera de Comercio, pero su interés por el arte la llevó finalmente al cine. Desde pequeña, Andrey fue socia del Club Suizo de Madrid y mantuvo un vínculo estrecho con el país de sus padres, viajando allí siempre que era posible. Practicaba gimnasia y natación a diario y sentía afición por la lectura, los viajes y el cine internacional, admirando a figuras como Gary Cooper e Ingrid Bergman.

En 1955, cuando gozaba de plena popularidad y sus películas eran proyectadas en todo el país, Margarita Andrey anunció su boda y su intención de abandonar la actuación. Esta decisión estuvo motivada, según se informó, por la influencia de los valores familiares de su entorno, incompatibles con la profesión de actriz. El retiro se materializó tras el rodaje de Nunca es demasiado tarde (Julio Coll, 1956), y una última propuesta que no llegó a concretarse. Durante más de siete décadas, Andrey permaneció en el anonimato, centrada en su familia y alejada de los focos. Contrajo matrimonio, tuvo dos hijos y llevó una vida privada, lejos del ambiente cinematográfico. Su drástica retirada y la fragilidad de la memoria colectiva explican que hoy sea recordada principalmente por su longevidad y por el testimonio que sus películas aún ofrecen.

Dotada de una personalidad amable, educada y discreta, Andrey fue comparada en su época con la actriz estadounidense Loretta Young. Su sentido del humor y su trato afable la hacían destacar en los círculos que frecuentaba. Crítica implacable de su propio trabajo, aspiraba a ser en la pantalla una figura dulce y valiente, según declaró en entrevistas de la época. Pese a su retiro temprano y la distancia mantenida del cine, Margarita Andrey deja una huella imborrable para quienes valoran la historia del cine español. Su figura, asociada a una etapa dorada de la cinematografía nacional, sigue viva en las películas que protagonizó y en el recuerdo de quienes la admiraron.

El director afirmó que “el público no sabe qué quiere ver”, y sostuvo que cuando los estudios reciben comentarios negativos sobre un personaje, tienden a interpretar esas opiniones de manera incorrecta. “Permiten que la audiencia haga la película”, sostuvo Lucas. Agregó que actualmente “todo gira en torno a lo que piensan los fans”, lo que, en su opinión, no corresponde con la esencia del cine como arte. Lucas considera que la responsabilidad del desarrollo creativo debe recaer en quienes tienen experiencia, visión y pasión por contar historias. “Haces una película encontrando a alguien que sabe cómo hacer películas, que tiene una historia que contar y es apasionado”, declaró. Para él, los relatos cinematográficos deben priorizar el impacto emocional sobre las preferencias coyunturales del público.

El uso de focus groups y test screenings se ha convertido en una práctica habitual en la industria. Este año, la directora Maggie Gyllenhaal compartió que las pruebas de su película ¡La novia! generaron controversia en público por la representación de la violencia. Por su parte, James Gunn relató que, tras mostrar Superman a audiencias de prueba, recibió objeciones por una escena en la que el protagonista salva una ardilla durante el ataque de un monstruo gigante en Metrópolis. Gunn decidió mantener la secuencia pese a las críticas, argumentando que la ausencia de la escena alteraba la geografía narrativa y la coherencia del personaje. Así, la experiencia de Gunn refuerza la tensión que existe entre la visión autoral y las expectativas del público en el proceso de creación cinematográfica.

Opinión de Lucas sobre el rol creativo del cineasta

Lucas insistió en que el arte cinematográfico debe ser guiado por la capacidad de conmover emocionalmente a la audiencia. Según sus palabras, “el arte es un medio emocional” y las películas deben responder a ese principio, más allá de la aprobación inmediata de los espectadores reunidos en pruebas de mercado. El realizador subrayó que la intervención de los estudios, al priorizar la voz de la audiencia, distorsiona la creación y limita el potencial narrativo. Para Lucas, el cine debe partir de la autenticidad y la visión del creador, no de la búsqueda de consenso. En la misma entrevista, Lucas abordó el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la producción cinematográfica. Señaló que la IA facilita el proceso de realización de películas, comparando su irrupción con la llegada del automóvil en reemplazo del carruaje tirado por caballos. “No hay nada que puedas hacer al respecto. Es el futuro”, manifestó Lucas, relativizando los temores y resistencias que genera la tecnología.

El cineasta consideró que, pese a los riesgos asociados, la inteligencia artificial también puede ofrecer soluciones. Como ejemplo, mencionó la capacidad de la IA para detectar falsificaciones y rastrear el origen de los contenidos, una tarea que, según él, supera la capacidad humana. Lucas expresó: “Si quieres una IA que te diga cuándo algo es falso y de dónde vino, la IA puede hacerlo. Los humanos no, no somos tan inteligentes”. Añadió que la responsabilidad sobre los actos corresponde a las personas, y que la tecnología debe servir como herramienta de identificación y control, no como sustituto de la ética individual.

El director reconoció que el avance tecnológico implica desafíos, pero consideró que la respuesta debe centrarse en la regulación y la responsabilidad legal. “Eres responsable de lo que dices y haces, y si haces algo ilegal debes ser castigado”, indicó Lucas, equiparando el mundo digital con las reglas de la vida real. Así, Lucas ubicó a la inteligencia artificial como parte inevitable del progreso, instando a la industria cinematográfica a adaptarse a los cambios y a no perder de vista el papel central del creador en el proceso artístico.

Apenas faltan unos días para que llegue el gran momento. La Odisea de Christopher Nolan desembarca en cines este mismo viernes 17 de julio y eso es motivo de celebración entre cualquier amante del cine que se precie. Un proyecto ambicioso cargado de una gran expectación como suele ser ya habitual en las películas del británico, pero que parece que con este título piensa llevar todo a otro nivel. No en vano, se trata de la adaptación de una de las obras más influyentes de toda la historia de la literatura. Y para adaptar una obra tan influyente, tampoco viene mal tomar inspiración de otras.

Tal y como ha revelado el propio cineasta, parte de la extensa preparación para la producción del filme ha estado protagonizada por fijarse en referentes para la construcción del imaginario de La Odisea. Uno podría pensar que el director organizó una serie de proyecciones en torno a otras adaptaciones de la misma historia, como el Ulises de los años 50 con Kirk Douglas como protagonista o la reciente El regreso de Ulises, pero nada más lejos de la realidad. Lo cierto es que en realidad no hay muchos precedentes de producciones que se hayan atrevido a adaptar el épico relato atribuido a Homero, por lo que Nolan ha tenido que virar su mirada hacia otro tipo de películas que se podían parecer más a la escala épica que él tenía presente.

En La Odisea de Christopher Nolan, Odiseo (Matt Damon) busca regresar a su hogar después de años en la Guerra de Troya. En Ítaca su familia y amigos ya le han dado prácticamente por muerto después de tanto tiempo, y mientras su esposa Penélope (Anne Hathaway) teje un sudario para su suegro Laertes como excusa para demorar su casamiento con alguno de los pretendientes, el joven Telémaco parece ser el único que conserva algo de esperanza de reencontrarse con su padre. Es por ello que viajará a otros reinos con la esperanza de hallar algo de información sobre el paradero de Odiseo, sin saber que este ya está en un viaje de vuelta a casa.

Dos obras magnas y una con conexión directa

“Tendemos a hacer proyecciones en celuloide y fijarnos en las texturas de películas que podrían inspirarnos. Normalmente esas influencias son bastante indirectas, como es en este caso”, comentaba en una reciente entrevista Nolan, quien para Oppenheimer ya recomendó cintas como JFK de Oliver Stone, The hill de Sidney Lumet o Ciudadano Kane de Orson Welles, ignorando por ejemplo casos que a priori parecían más evidentes como ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú. Para La Odisea no ha sido diferente, con unas citas más ligadas a otros aspectos concretos más allá de la trama.

“En esta película nos fijamos en cosas de Andrei Rublev de Andrei Tarkovsky y Ran de Akira Kurosawa, que es una película increíble en la que nos pudimos fijar en sus alucinantes paisajes y en el viento en particular. La vimos, nos fijamos en cómo ondean sus banderas al viento y pensamos que eso es lo que estábamos buscando para lo que estábamos haciendo", argumentaba el director de Interstellar y El caballero oscuro, haciendo referencia a los espacios en los que transita la película de Kurosawa ambientada en la Japón feudal y a su vez inspirada en otra obra clásica como El rey Lear de William Shakespeare. Aunque no lo mencione, otro elemento que conecta estas dos referencias con La Odisea es su apuesta firme por un formato de película extenso, siendo el 2.35:1 (Sovscope) en el caso de Andrei Rublev y 1.85:1 de aspect ratio en la de Kurosawa, por los 1.43:1 en IMAX 70mm de La Odisea, si bien no se podrá proyectar así en nuestro país.

Nolan sí menciona una última referencia algo más ligada no a la trama pero sí al contexto histórico de la película. “También nos fijamos en La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese, que es una clase de ventana nueva y accesible a la historia", añadía el director de cine, haciendo mención a su preocupación por hacer el contexto de La Odisea lo más cercano y accesible al espectador posible, aunque ello le haya llevado a utilizar un lenguaje moderno en vez de griego antiguo, una decisión de la que aun no sabe si se arrepentirá: “Fui quizás ingenuo, tal vez esto me perjudique, pero quería una narrativa terrenal. Para mí fue una decisión evidente”.

Bonus track: el director que más ha influido a Nolan

Si bien no la citaba entre las inspiraciones, sabemos que hay otra película que el reparto de la película fue a ver durante el rodaje de La Odisea, y se trata nada menos que de Lawrence de Arabia, película dirigida por David Lean en 1962 y otro de los grandes títulos épicos e históricos del cine. Lo sabemos porque el propio protagonista de La Odisea, Matt Damon, reveló que había sido Tom Holland quien había organizado una proyección con el beneplácito del jefe de Sony Pictures, albergando una proyección en 70mm del clásico: “Estábamos en Sony, y Tom Rothman tiene una de las pocas copias en 70mm en perfecto estado de esa película. Y Tom Holland, como es Spider-Man y el favorito de todo el mundo en ese estudio, llamó a Rothman y este se encargó de que pudiéramos verla un domingo, las cuatro horas completas”, confesaba el actor.

Quizá Holland tomó buena nota de su director, porque lo cierto es que Nolan ya había recomendado en anteriores ocasiones a David Lean como uno de sus directores de cabecera y a Lawrence de Arabia como una influencia directa en varias de sus películas. De hecho, la insistencia de Nolan en el uso de celuloide y de un gran formato se ha cimentado en gran medida en la impresión que el filme protagonizado por Peter O’Toole y Omar Shariff causó en él. “A veces resulta difícil expresar con palabras qué es lo que le falta a la proyección digital en comparación con la proyección cinematográfica. Pueden ser los detalles más sutiles de las sombras o la tonalidad particular de los cielos. Aquí se pueden apreciar en el camello cuando sale del desierto mucho antes de lo que se aprecia en Blu-ray”, diría en una proyección organizada en Londres por él mismo diez años antes de que Holland hiciese lo propio con el reparto de La Odisea.

Sea como fuere, todo apunt a que La Odisea tiene la firme promesa de aspirar a ser la próxima gran película en la línea de las mencionadas, una aventura épica y a gran escala. Aunque no se quiera reconocer como tal, Nolan está llamado a suceder a todos esos grandes directores. “No es que quiera compararme con estas figuras, pero los cineastas que me vienen a la mente son personas como Hitchcock y David Lean, que trabajaron en ambos lugares... Considero a David Lean un cineasta de Hollywood... Siempre me he sentido atraído por, supongo que podría decir, el lenguaje cinematográfico más universal”.

La nueva entrega del universo Marvel, Vengadores: Doomsday, tendrá una duración oficial de 165 minutos, según anunció Disney. Con este metraje, la cinta se posiciona como la segunda más extensa en la historia del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), solo por detrás de Vengadores: Endgame, que ostenta el récord con 181 minutos. Esta cifra desplaza a Black Panther: Wakanda Forever (162 minutos) y a Eternals (156 minutos) a la tercera y cuarta posición respectivamente, confirmando el interés del estudio en producciones de gran escala y narrativa prolongada.

El anuncio de la duración se produjo en el marco de la estrategia de Disney para la preventa anticipada de entradas, que iniciará el 20 de julio. La compañía pondrá a disposición del público los boletos para funciones premium en salas Infinity Vision, un formato de exhibición de gran tamaño y alta tecnología diseñado para brindar una experiencia inmersiva. Esta modalidad estará disponible cinco meses antes del estreno oficial, marcando un adelanto inusual en la comercialización de grandes estrenos.

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Con 165 minutos, Vengadores: Doomsday supera por tres minutos a Black Panther: Wakanda Forever y por nueve minutos a Eternals. Hasta la fecha, Avengers: Endgame mantiene el primer puesto como la película más extensa del MCU, con 181 minutos. Este enfoque en largas duraciones caracteriza a las entregas más ambiciosas de Marvel, que buscan ofrecer desarrollos argumentales complejos y reunir a múltiples personajes en un mismo relato. La decisión de revelar la duración con tanta antelación responde a la necesidad de ajustar la logística de la preventa y la programación en salas especiales. Según fuentes del estudio, aunque el corte final de la película podría modificarse ligeramente, cualquier ajuste será menor para no afectar los horarios ya establecidos en los complejos cinematográficos.

Nace un nuevo formato

Disney eligió lanzar la preventa de entradas para Vengadores: Doomsday en el formato Infinity Vision, que debuta con este estreno. Esta decisión surge como respuesta a la estrategia de Warner Bros., que aseguró la exclusividad de las salas Imax para Dune Parte III durante las primeras tres semanas tras el estreno de ambas cintas, previsto para el 18 de diciembre. Infinity Vision es la nueva apuesta de Disney para diferenciar sus grandes producciones, ofreciendo una imagen y sonido de alta calidad en pantallas de gran formato.

La preventa anticipada busca capitalizar la expectativa de los seguidores de Marvel y garantizar una alta ocupación en las primeras funciones, tradicionalmente reservadas para los estrenos más esperados del año. Además, Disney anunció que en septiembre se relanzará Avengers: Endgame bajo el título Avengers: Endgame Encore en salas Infinity Vision, lo que permitirá a los fanáticos revivir la película más larga y taquillera del MCU en este nuevo formato de exhibición. El inicio de la preventa coincide con la proximidad de la Comic-Con de San Diego, donde Marvel tiene previsto presentar el primer tráiler completo de Vengadores: Doomsday en el mítico Hall H. Se espera que el tráiler también sea publicado en línea poco después, como parte de la campaña de promoción que acompaña la venta de entradas.

Vengadores: Doomsday reunirá a un elenco de figuras claves del MCU. Robert Downey Jr., recordado por su interpretación de Tony Stark, regresa en esta ocasión para dar vida al villano Doctor Doom. El reparto incluye además a Chris Hemsworth (Thor), Chris Evans (Steve Rogers), Paul Rudd (Ant-Man), Pedro Pascal (Mister Fantastic), Anthony Mackie (Capitán América), Tom Hiddleston (Loki), Florence Pugh (Yelena Belova), Sebastian Stan (Winter Soldier), Vanessa Kirby (Invisible Woman), Simu Liu (Shang-Chi), Letitia Wright (Black Panther), Patrick Stewart (Professor X), Ian McKellen (Magneto) y Rebecca Romijn (Mystique), entre otros. La magnitud del elenco y la extensión de la película refuerzan la apuesta de Marvel por los grandes eventos cinematográficos, en un contexto donde la competencia por los formatos premium y la atención del público es cada vez más intensa. La confirmación de la duración de Vengadores: Doomsday y la estrategia de preventa anticipada consolidan la expectativa en torno a uno de los estrenos más relevantes de la temporada.

La actriz Anya Taylor-Joy sorprendió al confesar que todavía no ha leído El Señor de los Anillos, pese a que será una de las protagonistas en la próxima película La caza de Gollum. La actriz, que hasta hace poco se consideraba exclusivamente fan de Harry Potter, anticipó que está lista para adentrarse en el universo de J.R.R. Tolkien y asumir el reto de interpretar a una elfa en la franquicia cinematográfica.

“Estoy a punto de leer los libros ahora, en realidad”, expresó Taylor-Joy durante el estreno de la serie Lucky de Apple TV en Los Ángeles, según declaraciones a Variety. Recordó que en su infancia pensaba erróneamente que solo se podía ser fan de una de las dos sagas, pero esa idea cambió cuando, durante la pandemia, vio las películas de El Señor de los Anillos y descubrió que ambas historias podían coexistir en su imaginario. En palabras de la actriz: “Tuve la idea equivocada de que solo podías ser fan de Harry Potter o de El Señor de los Anillos. Nadie me lo dijo, simplemente lo asumí. Por suerte, durante el COVID vi todas las películas de El Señor de los Anillos, y descubrí que puedes amar ambas, y deberías”.

La intérprete fue consultada sobre sus sensaciones tras ser elegida para La caza de Gollum, y no ocultó su entusiasmo. Taylor-Joy afirmó: “Es muy divertido. Si en mi lápida pudiera poner ‘Elfa Letal’, diría que creo que he hecho un buen trabajo en este planeta. Así que sí, estoy emocionada”. La declaración resume el espíritu con el que la actriz asume este nuevo desafío profesional. Aunque aún no ha leído la saga literaria, dejó claro su compromiso con el papel y su disposición a sumergirse en el legado de Tolkien. Anya Taylor-Joy interpretará a Seren, una elfa sindar del Reino del Bosque, descrita como “una agente de confianza y letal del rey Thranduil”. Este papel marca su ingreso a una franquicia que ha cautivado a millones de seguidores alrededor del mundo y que sigue ampliando su universo con nuevas historias y personajes.

Los detalles de una película más que esperada

En junio se confirmó que Taylor-Joy se sumará a La caza de Gollum junto a otros actores reconocidos como Kate Winslet, Leo Woodall y Jamie Dornan. Este último asumirá el papel de Aragorn, reemplazando a Viggo Mortensen, quien interpretó al personaje en la trilogía original. La noticia del cambio de actor para Aragorn generó expectativas y algunas reacciones entre los seguidores de la saga. Dornan, conocido por su trabajo en cine y televisión, dará vida al legendario montaraz en una etapa diferente del personaje, situada entre los eventos de El Hobbit y La Comunidad del Anillo. El filme también contará con el regreso de figuras emblemáticas como Ian McKellen (Gandalf), Elijah Wood (Frodo) y Lee Pace (rey Thranduil), lo que promete continuidad y familiaridad para los seguidores de la serie cinematográfica.

La dirección de La caza de Gollum estará a cargo de Andy Serkis, quien además volverá a interpretar a Gollum, el personaje que lo hizo célebre en la trilogía original. La trama abordará el periodo en el que Aragorn busca a Gollum por orden de Gandalf, una etapa apenas esbozada en las películas previas y que ahora tendrá un desarrollo detallado. Serkis se refirió al recambio de Aragorn y destacó el respaldo de Viggo Mortensen al proyecto. En declaraciones al pódcast “Happy, Sad, Confused”, el director afirmó que Mortensen está “entusiasmado” con la nueva dirección de la historia y la elección de Dornan para el rol. “Estamos absolutamente emocionados. Y, por cierto, también lo está Viggo”, señaló Serkis.

La incorporación de Taylor-Joy y otras figuras de renombre a La caza de Gollum genera expectativas sobre el futuro de la saga. El compromiso de la actriz, evidenciado en sus declaraciones y en su decisión de leer por primera vez El Señor de los Anillos, suma un elemento de curiosidad para los aficionados. Mientras la producción avanza, el público aguarda para ver cómo Taylor-Joy y el resto del elenco interpretarán a personajes icónicos y aportarán nuevas dimensiones a la mitología creada por Tolkien. La actriz, por su parte, ya anticipa que está lista para dejar huella en el universo fantástico y, quizás, ganarse un lugar como la “Elfo Letal” que imagina en su epitafio.

La franquicia de terror Pesadilla en Elm Street prepara su regreso a la pantalla grande bajo el sello de Paramount Pictures, que ha iniciado el desarrollo de una nueva entrega y se encuentra en la búsqueda de un director y del actor que encarnará a Freddy Krueger. El proyecto marca un nuevo capítulo para la saga creada por Wes Craven, tras un acuerdo alcanzado con el patrimonio del cineasta.

La noticia fue confirmada por el propio estudio, que llevará adelante el proyecto a través de su sello especializado en cine de género, Paramount Primal. La iniciativa cuenta con la participación de Iya Labunka y Jonathan Craven, viuda e hijo del creador original, quienes producirán junto a Marc Toberoff. La dirección del sello recae en J.D. Lifshitz y Raphael Margules, reconocidos por su trabajo en películas como Barbarian y Friendship. El desarrollo de la nueva película de Pesadilla en Elm Street representa el primer gran movimiento de Paramount Primal, la marca recientemente lanzada por el estudio para producir películas de terror, ciencia ficción y acción con talentos emergentes y consagrados. La productora confirmó que el proyecto está en sus primeras fases y que la selección de director y protagonista constituye un paso central para definir la visión de esta nueva etapa.

Según el anuncio oficial, Paramount Pictures obtuvo los derechos estadounidenses del guion original de A Nightmare on Elm Street, el filme escrito y dirigido por Wes Craven en 1984, a través de un acuerdo con los herederos del realizador. El objetivo es crear una versión “ambientada en el universo de Pesadilla en Elm Street, basada en el guion original”, aunque no se han revelado detalles argumentales ni el tono que tendrá la nueva entrega. El personaje de Freddy Krueger, conocido por su rostro quemado, su guante con cuchillas y su atuendo de sombrero y suéter a rayas, es considerado uno de los villanos más reconocibles del cine de terror. La búsqueda de un nuevo actor para interpretarlo despierta la atención de la industria, ya que el papel fue inmortalizado durante décadas por Robert Englund.

El acuerdo de derechos y la participación del patrimonio Craven

La concreción de este proyecto fue posible gracias a la recuperación de los derechos de autor del guion original por parte del patrimonio de Wes Craven en 2019. Según las normas de propiedad intelectual en Estados Unidos, los autores pueden reclamar los derechos sobre sus obras 35 años después de su publicación. El abogado y productor Marc Toberoff asistió al patrimonio Craven en este proceso, permitiéndoles negociar el acuerdo actual con Paramount Pictures.

New Line Cinema, y posteriormente Warner Bros., habían sido los responsables de la franquicia desde su inicio. El filme original de 1984 impulsó una saga que incluyó siete secuelas, una nueva versión en 2010, una serie de televisión, historietas y una amplia gama de productos derivados. Sin embargo, los derechos internacionales permanecen en poder de New Line, mientras que Paramount se concentra en el mercado estadounidense. El regreso de Pesadilla en Elm Street genera expectativas tanto en la industria como entre los seguidores del género. El equipo de productores vinculados al patrimonio Craven expresó su entusiasmo por llevar la historia a una nueva generación. Iya Labunka declaró: “Esperamos llevar el mundo de Pesadilla en Elm Street a una generación completamente nueva y comprometida de fans. Sabemos que Wes estaría encantado de ver cómo el género de terror ocupa su lugar en el canon cultural”.

Por su parte, Lifshitz y Margules afirmaron: “No recordamos una época en la que no fuéramos fans de Wes Craven. Que Iya y Jonathan nos hayan confiado la oportunidad de dar vida a una nueva historia en este universo es un honor indescriptible”. La producción del nuevo filme de Pesadilla en Elm Street se encuentra en fase inicial y, según el estudio, “aún no se han definido detalles sobre la trama ni sobre el equipo creativo”. La búsqueda de un nuevo director y un protagonista que asuma el rol de Freddy Krueger será determinante para el rumbo de esta nueva etapa de la franquicia.

Queda poco menos de una semana para que por fin vea la luz una de las películas más esperadas del año, La Odisea de Christopher Nolan. Una adaptación moderna y épica de la obra de Homero que ha perdurado como una de las grandes historias de aventuras de la litetaura universal, y que ahora llega a la gran pantalla. Una pantalla que, dependiendo de donde vivas, podrá ser de una forma u otra, pero de momento en España no será la que el propio Nolan esperaba para poder ver la película tal y como se concibió y se ha rodado originalmente.

Tal y como ya hizo en gran medida en su anterior película, Oppenheimer, Nolan ha rodado La Odisea en un formato muy concreto: IMAX 70mm. De hecho, esta se tratará de la primera película en la historia rodada íntegramente en este formato, ya que en su anterior filme Nolan no pudo hacerlo al completo. Sin embargo, unas características tan concretas de filmación requieren de una pantalla concreta para ser proyectada de esa misma manera. Unas características que escasean en todo el mundo y directamente no existen en España, que sí cuenta con varios cines IMAX y otros en 70mm, pero no ambas. A continuación dejamos un vídeo que explica algunos de estos formatos.

“Creo que lo que le diferencia de otros directores es…que las historias que quiere contar son increíblemente ambiciosas. Y la forma en que quiere contarlas también es increíblemente ambiciosa. En este caso, quería rodarla al 100 % en IMAX, algo que nunca se había hecho. Y ni siquiera se anunció, porque no sabíamos si podríamos hacerlo", explicaba Matt Damon, encargado de dar vida a Odiseo en la película. Irónicamente, Nolan tuvo que hacer de Odiseo para idear una manera de rodar de una manera más sencilla con cámaras tan pesadas. Es por ello que, expresamente para La Odisea, IMAX diseñó las nuevas cámaras cinematográficas Keighley, que resultaban considerablemente más ligeras que los equipos tradicionales de 45kg. Esta drástica reducción de peso se logró principalmente gracias al uso de nuevos cuerpos de fibra de carbono, lo que hizo que las famosas y pesadas cámaras de 70 mm fueran lo suficientemente ágiles como para utilizarlas durante todo el rodaje, de 91 días de duración.

Un formato inédito en España, pero con varios sitios a pie de avión

“Es una cámara que hace mucho ruido. Así que para las escenas íntimas… eso habría sido imposible en IMAX hasta, ya sabes, hace un año. La cámara hace demasiado ruido. El audio… nunca habría funcionado”, confirmaba Damon en una reciente entrevista. Pero vayamos ahora lo importante: ¿qué cines pueden proyectar en IMAX 70mm? Pues bien, cuando Nolan estrenó Oppenheimer hace ya tres años, el mundo apenas contaba con unos treinta cines de estas características repartidos por todo el mundo, aunque la mayoría concentrados en Estados Unidos. Tanto tiempo después, el tiempo le ha dado la razón y ahora hay más salas capaces de proyectar en 70mm IMAX, pero en España seguimos sin contar con una de ellas.

La Odisea podrá verse en IMAX 70mm en una selección exclusiva de cines en Estados Unidos. Las salas incluyen el Harkins Arizona Mills & IMAX en Tempe (Arizona), Regal Hacienda Crossings & IMAX en Dublín (California), TCL Chinese Theatre IMAX en Hollywood (California), Regal Irvine Spectrum & IMAX en Irvine (California), Regal LA Live & IMAX en Los Ángeles (California), Regal Edwards Ontario Palace Stadium & IMAX en Ontario (California), Esquire IMAX Theatre en Sacramento (California), AMC Metreon 16 & IMAX en San Francisco (California), Universal Cinema AMC at CityWalk Hollywood & IMAX en Universal City (California), Cinemark Carefree Circle & IMAX en Colorado Springs (Colorado), Regal Colorado Center 9 & IMAX en Denver (Colorado), AutoNation IMAX (Museum of Discovery and Science) en Fort Lauderdale (Florida), Regal Mall of Georgia & IMAX en Buford (Georgia), Cinemark Seven Bridges & IMAX en Woodridge (Illinois), IMAX Indiana State Museum en Indianápolis (Indiana), Celebration! Cinema Grand Rapids North & IMAX en Grand Rapids (Michigan), Brenden Palms 14 & IMAX en Las Vegas (Nevada), AMC Lincoln Square 13 & IMAX en Nueva York (Nueva York), Cinemark Tinseltown Rochester & IMAX en Rochester (Nueva York), Regal UA King of Prussia & IMAX en King of Prussia (Pensilvania), Apple Cinemas Providence Place & IMAX en Providence (Rhode Island), IMAX Tennessee Aquarium en Chattanooga (Tennessee), Regal Opry Mills & IMAX en Nashville (Tennessee) y Cinemark Dallas & IMAX en Dallas (Texas).

En el resto del mundo, La Odisea se proyectará en IMAX 70mm en cines selectos de Canadá, Europa y Australia. Entre los cines canadienses figuran Scotiabank Chinook & IMAX en Calgary, Scotiabank Edmonton & IMAX en Edmonton, Kramer IMAX del Saskatchewan Science Centre en Regina, Cineplex Cinemas Mississauga & IMAX y Cineplex Cinemas Vaughan & IMAX en Toronto, Cineplex Cinemas Langley & IMAX en Vancouver, Cineplex Theatres Bayer’s Lake 18 & IMAX en Halifax, SilverCity Riverport & IMAX en Richmond y Cine Banque Scotia Montréal & IMAX en Montreal. En Europa, la película llegará al BFI IMAX y Science Museum IMAX en Londres, Vue Manchester Printworks en Manchester, Kinepolis Brussels en Bruselas y Cinema City IMAX Prague en Praga. También está confirmada su exhibición en IMAX Melbourne en Australia, lo que refuerza el alcance internacional de este estreno en un formato reservado para experiencias cinematográficas únicas.

Las opciones disponibles en España

En España el número de cines que ofrecen una gran experiencia cinematográfica también ha aumentado durante estos años, y aunque siga sin existir uno capaz de proyectar IMAX 70mm, existen varias opciones que pueden satisfacer a los espectadores. Habría que dividirse según se prefiera una experiencia en celuloide 70mm o con la pantalla amplia (IMAX). En la primera categoría podemos encontrar menos cines que en la segunda, con solo el Phenomena Experience de Barcelona, los Cines Palafox de Zaragoza o los MK2 Paz de Madrid, que han inaugurado sus proyecciones en 70 mm con la versión definitiva de la saga Kill Bill de Tarantino, titulada Kill Bill: The Whole Bloody Affair.

Con respecto al IMAX hay más oferta, pues contamos en España con varias salas repartidas por la península e incluso en las Islas Baleares, con salas en el Festival Park de Mallorca. El resto se pueden encontrar en el Cinesa Parquesur de Madrid, el Cinesa Diagonal Mar de Barcelona y los Kinépolis de Valencia y de Ciudad de la Imagen en Madrid. Para todo lo demás, lo aconsejable es buscar un cine con una pantalla lo más grande posible y lo que es más importante, con un gran equipo de sonido. Hay cines que si bien no cuentan con IMAX o 70mm, sí lo hacen con algunos sistemas de sonido mejorado, como Dolby Atmos. En cualquier caso, la aventura promete ser tan épica que a uno se le olvidará en qué pantalla o de qué forma la está viendo, que es lo que consiguen las grandes películas.

Netflix ha iniciado conversaciones para adquirir Letterboxd, la red social de películas que ha captado la atención de millones de usuarios, entre los que destacan figuras como Martin Scorsese y la cantante Charli XCX. Según un informe de Puck, el proceso de venta se encuentra en etapas preliminares y también involucra a otros grandes actores de la industria del entretenimiento.

La plataforma, fundada en 2011 y basada en Auckland, Nueva Zelanda, ha experimentado un crecimiento notable en los últimos años. De acuerdo con datos de junio de 2026, Letterboxd supera los 30 millones de miembros a nivel global, tras sumar 10 millones solamente en el último año. Este incremento consolida su posición como uno de los espacios digitales más influyentes para la discusión y reseña de películas, tanto entre cinéfilos anónimos como entre personalidades reconocidas.

La venta de Letterboxd está siendo gestionada por la firma LionTree, que actúa como banco de inversión y banca mercantil en la operación. Actualmente, la empresa canadiense Tiny controla el 60% de las acciones tras una adquisición en 2023 valorada entre $50 millones y $60 millones de dólares estadounidenses. El 40% restante se mantiene en manos de los fundadores, Matthew Buchanan y Karl von Randow. El proceso de venta responde al interés de varias corporaciones por posicionarse en el segmento de redes sociales especializadas en cine. La reciente incursión de Letterboxd en el alquiler de videos en línea agrega un incentivo adicional para posibles compradores que buscan diversificar su oferta digital. Un portavoz de Letterboxd expresó: “A medida que Letterboxd ha crecido, es natural que exista interés en lo que hacemos a continuación. No hay nada específico para compartir en este momento. Cualquier decisión sobre el futuro de Letterboxd involucraría a los fundadores”.

Letterboxd ha destacado no solo por su base de usuarios anónimos, sino por la participación de figuras reconocidas internacionalmente. Entre ellas, Martin Scorsese, director de cine ganador del Óscar, es uno de los usuarios más seguidos y activos en la plataforma. También la cantante y compositora Charli XCX ha utilizado Letterboxd para compartir sus opiniones sobre películas y recomendar títulos a sus seguidores. La presencia de estos y otros famosos ha contribuido al atractivo cultural de la plataforma. Además de Scorsese y Charli XCX, la red social cuenta con listas públicas y reseñas de cineastas, actores y músicos que encuentran en Letterboxd un espacio para dialogar directamente con la comunidad global de amantes del cine. Este fenómeno ha convertido a Letterboxd en un referente no solo para el público general, sino también para la industria, que sigue de cerca las tendencias y preferencias de sus usuarios más influyentes.

Preocupación por la independencia

El posible desembarco de grandes empresas tecnológicas o estudios de cine en Letterboxd ha generado descontento y preocupación entre muchos de sus usuarios habituales. En foros y redes sociales, varios usuarios expresaron su inquietud ante la posibilidad de perder un espacio considerado único y auténtico. Un usuario señaló: “Letterboxd funciona exactamente como debería y ofrece a sus usuarios la experiencia concreta que desean, lo cual es totalmente contrario a todo aquello en lo que creen las empresas tecnológicas”. Otro, en tono más personal, escribió: “Letterboxd es, sin duda, uno de los últimos foros web de calidad que nos quedan y una de las mejores formas de redescubrir el cine; dejadme en paz a mí y a mi diario cinematográfico, dejad en paz a Letterboxd”.

La preocupación por la neutralidad de la plataforma es recurrente. Un cinéfilo opinó: “Lo siento, pero ningún estudio debería comprar Letterboxd. Tiene que seguir siendo una plataforma neutral en la que podamos puntuar y reseñar películas con total libertad. No quiero parecer dramático, pero si alguno de estos estudios la compra, seguro que será un desastre. No es el fin del mundo, ¡pero es imposible que eso no afecte a la plataforma de una forma u otra!”.

Una red social cada vez más grande

Aunque Netflix es el nombre más resonante en las negociaciones, el informe cita que otras empresas también han mostrado interés en adquirir Letterboxd. Entre ellas figuran Sony Pictures Entertainment, el grupo resultante de la fusión de Paramount y Skydance, el fondo de inversión RedBird Capital Partners, el gigante de capital privado TPG, y el cofundador de Reddit, Alexis Ohanian, a través de su firma de capital de riesgo Seven Seven Six. Este abanico de interesados revela la importancia estratégica que plataformas como Letterboxd han adquirido en el ecosistema digital del cine y el entretenimiento. No es la primera vez que grandes conglomerados buscan integrar servicios de reseñas y comunidades de usuarios a sus operaciones, como ocurrió en el pasado con Rotten Tomatoes (parte de NBCUniversal) o IMDb (propiedad de Amazon).

El auge de Letterboxd se aceleró durante la pandemia de COVID-19, cuando millones de personas recurrieron a la plataforma para descubrir películas, escribir reseñas y organizar su consumo audiovisual. En 2026, el sitio presenta una comunidad activa que intercambia recomendaciones y listas temáticas, generando datos de valor para estudios y distribuidoras. El proceso de venta manejado por LionTree ha “flotado” una valoración cercana a los $250 millones de dólares, según el reporte de Puck. Esta cifra refleja tanto el crecimiento sostenido de la base de usuarios como el potencial de expansión en nuevas áreas del entretenimiento digital.

La operación plantea interrogantes sobre el futuro de la neutralidad de la plataforma en caso de ser adquirida por un estudio mayor, dado el precedente de otros sitios de reseñas bajo control de empresas con intereses directos en la industria. Mientras tanto, la expectativa en la comunidad de usuarios y la industria es elevada, a la espera de definiciones concretas sobre el destino de la red social donde conviven tanto aficionados como nombres consagrados del cine.

La canción que Erling Haaland grabó junto a sus amigos Erik Botheim y Erik Tobias Sandberg, antes de forjar su carrera como futbolista profesional, ha alcanzado el primer puesto en las listas musicales de Noruega tras un remix realizado por Kygo. El tema, titulado Kygo Jo, fue creado en 2016 cuando los tres formaban parte de la selección sub-17 de su país y, bajo el nombre Flow Kingz, grabaron un video musical que hoy se ha convertido en un fenómeno cultural.

El video original muestra a un joven Haaland actuando con humor bajo el seudónimo “Lyng”, mientras simula usar una parrilla, monta un pequeño coche de juguete y baila en cámara lenta sobre una base de house tropical. La letra menciona a Kygo, uno de los principales referentes de la música electrónica noruega, lo que en su momento fue simplemente una broma interna entre amigos. En 2016, antes de ser conocido mundialmente por sus goles, Haaland era un adolescente más en la selección juvenil noruega. Junto a Botheim y Sandberg, decidieron grabar una canción como parte de una experiencia divertida fuera del campo. El grupo, bajo el nombre Flow Kingz, nunca imaginó que aquel proyecto lúdico trascendería su círculo íntimo.

La canción Kygo Jo, grabada con medios caseros, reflejaba el humor y la amistad de los tres jóvenes. El tono era despreocupado, con guiños al productor Kygo y referencias al ambiente juvenil de Noruega. En la pieza audiovisual, Haaland y sus compañeros aparecen realizando coreografías improvisadas, lo que subraya el carácter espontáneo de la creación. El video permaneció varios años como una curiosidad en internet, apreciado principalmente por fanáticos del fútbol y seguidores de la trayectoria de Haaland. Sin embargo, nunca alcanzó una relevancia masiva hasta el reciente giro provocado por el remix de Kygo.

La situación cambió radicalmente cuando Kygo, al enterarse de la existencia de la canción y tras una promesa pública de remezclar el tema si Haaland marcaba un gol frente a Brasil, cumplió con lo prometido. Tras la victoria de Noruega por 2-1 el pasado domingo 5 de julio, el productor lanzó el remix el 7 de julio con las voces originales de los tres amigos. La nueva versión se convirtió en un fenómeno inmediato: Kygo Jo escaló directamente al primer puesto del Top 50 de Spotify en Noruega y su video viralizó en YouTube. El remix introdujo el característico sonido tropical house de Kygo, manteniendo la esencia divertida de la grabación original.

Una estrella sobre el campo y fuera de él

El caso de Kygo Jo ilustra cómo una grabación juvenil, creada sin pretensiones, puede transformarse en un hit nacional años después. La viralización se explica tanto por el contexto actual de popularidad de Haaland como por la colaboración de una figura internacional de la música electrónica. Tras el lanzamiento, Haaland agradeció a Kygo en Instagram con un mensaje: «¡Por fin lo he conseguido! ¡Gracias, @kygomusic! ¿Significa esto que ahora soy oficialmente artista?». Kygo respondió al comentario: «Futbolista a tiempo parcial, artista a tiempo completo», sumando casi 150 mil “me gusta”. La interacción entre ambos fue ampliamente compartida en redes sociales y medios noruegos. La reacción del público no se hizo esperar. Seguidores de Haaland y Kygo celebraron el éxito inesperado de una canción nacida en la adolescencia, destacando el carácter desenfadado y la naturalidad de ambos protagonistas.

La relación de Haaland con la música ha sido señalada en repetidas ocasiones. El delantero de Manchester City ha mostrado en redes sociales su devoción por la música electrónica, en particular por el productor Solomun y su set de Boiler Room de 2015. En entrenamientos recientes, Haaland fue grabado tarareando melodías y compartiendo fragmentos musicales con compañeros y cámaras. En una sesión de preguntas en Twitter en 2020, Haaland expresó que su carrera alternativa soñada habría sido como rapero o agricultor. Además, ha sido visto asistiendo a conciertos de Drake y se ha reunido con Travis Scott tras partidos internacionales.

La historia de Kygo Jo ha sido cubierta por medios noruegos y especializados en cultura pop, que han resaltado la transformación de Haaland en un fenómeno más allá del deporte. La canción no solo refleja una faceta desconocida de la estrella, sino que también conecta con el público joven y refuerza su imagen de autenticidad durante el Mundial 2026. Este fin de semana, mientras Noruega se prepara para el partido de cuartos de final contra Inglaterra, la figura de Haaland trasciende el fútbol y su canción de juventud confirma su estatus como referente de la cultura popular noruega actual.

El actor Robert Pattinson atraviesa una etapa de transformación en su carrera. Tras encarnar a Batman, este año se enfrenta a dos de los papeles antagónicos más destacados del cine: Antinous en La Odisea y Scytale en Dune: Parte 3. Ambos personajes lo sitúan en el centro de las miradas y revelan su inclinación por habitar el lado oscuro de la ficción. “Me gusta bajar las expectativas de la gente; eso siempre ha sido mi lugar favorito. Subestimar y superar, ese es mi lema.” Con estas palabras, pronunciadas en el estreno mundial de La Odisea el pasado 6 de julio en Londres, Pattinson resumió su disfrute al explorar los matices de los villanos. El intérprete de cuarenta años admitió sentirse especialmente cómodo en estos registros, alejados de las convenciones del héroe clásico.

Pattinson explicó que interpretar a personajes con claroscuros le permite experimentar una libertad creativa distinta a la de los héroes. “Ahí es donde me siento más a gusto”, confesó sobre su predilección por los antagonistas. Esta preferencia se refleja en su elección de proyectos recientes, donde ha buscado roles que le permitan desafiar tanto al público como a sí mismo. El actor sostuvo que disfruta “bajar las expectativas” y sorprender a los espectadores. Según Pattinson, esta estrategia le otorga un margen de maniobra para construir personajes complejos y evitar encasillamientos. De esta manera, logra que sus interpretaciones resulten imprevisibles y, en muchos casos, memorables.

En La Odisea, dirigida por Universal Pictures y con estreno previsto para el 17 de julio, Pattinson interpreta a Antinoo, el principal antagonista de la historia. El personaje compite por la mano de Penélope (Anne Hathaway) durante la ausencia de Odiseo (Matt Damon) tras la Guerra de Troya. Antinous intenta consolidar su poder en Ítaca y eliminar al hijo de la pareja, Telémaco (Tom Holland). Durante la presentación de la película, Pattinson matizó la visión tradicional de su personaje: “No creo que sea realmente el malo. Es una historia de amor, es una historia de amor. Penélope está esperando que Antinous madure”. Estas declaraciones reflejan la intención del actor de dotar al villano de matices y complejidad, alejándolo del arquetipo plano.

Explicando los trucos

En Dune: Parte 3, que llegará a los cines el 18 de diciembre, Pattinson encarna a Scytale, un personaje con habilidades de cambio de forma y pieza central en la conspiración para derrocar al emperador Paul Atreides (Timothée Chalamet). El actor vuelve a coincidir en pantalla con Zendaya, con quien también compartió reparto en The Drama. Scytale representa una amenaza estratégica y camaleónica dentro de la saga. La elección de Pattinson para este papel refuerza su perfil como intérprete capaz de asumir desafíos dramáticos en grandes producciones.

El actor reveló que en cada proyecto busca un “pequeño truco” o característica distintiva para sumergirse en el personaje. “Siempre encuentro algún tipo de peculiaridad. Recuerdo que hacía algo en esta película que muchos consideraban extraño, pero no puedo recordar exactamente qué era”, explicó a la prensa en la alfombra roja de La Odisea. Esta metodología, según Pattinson, le permite acceder a las motivaciones internas de sus personajes y distanciarse de interpretaciones superficiales. El intérprete subrayó que la construcción de un villano requiere observar sus motivaciones más allá del antagonismo evidente. En palabras del propio Pattinson, interpretar a figuras controvertidas requiere encontrar el matiz humano que las hace creíbles: “Nunca se trata solo de ser malo. Hay que entender por qué hacen lo que hacen”.

El calendario cinematográfico del actor británico se encuentra marcado por lanzamientos destacados. Además de La Odisea y Dune: Parte 3, Pattinson tiene previsto estrenar Primetime, donde interpreta al presentador Chris Hansen, y la película de atracos Here Comes the Flood de Netflix, junto a Denzel Washington, Daisy Edgar-Jones y Danai Gurira. Ambas producciones aún no tienen fecha confirmada. Este año, Pattinson consolida su carrera al asumir dos de los villanos más relevantes del cine contemporáneo. Su tránsito de héroe a antagonista lo confirma como uno de los actores más versátiles de su generación.

España ayer dio un paso de gigante en el Mundial 2026 y se clasificó para las semifinales, nada menos que la segunda vez en toda su historia. El gol de Mikel Merino en los minutos finales, de nuevo como ante Portugal, sirvió a los de Luis de la Fuente para clasificarse por 2-1 y lo que es más importante, ahorrarse una prórroga que los hubiera cansado de cara al partido en el que ya espera Francia y que se disputará el próximo martes a las 21 horas de la noche en el estadio de Dallas, Arlington. No sabemos si hasta allí se desplazará el que se ha convertido en un seguidor de lujo para La Roja, nada más y nada menos que el mismísimo Brad Pitt.

Se sabía que en un Mundial celebrado mayoritariamente en sedes de Estados Unidos cabía la posibilidad de ver a no pocas estrellas, y así ha sido durante estas semanas en las que ha transcurrido la máxima competición del fútbol de naciones. No obstante, con el avance en las rondas se han ido cayendo tantas selecciones como famosos invitados por ellas, hasta llegar a unos cuartos donde se ha erigido el actor de Troya y El club de la lucha como distinguido protagonista. Casi a la altura de Courtois, Fabián Ruiz o Mikel Merino.

El actor acudió al encuentro y en seguida fue detectado por las cámaras y por los propios aficionados, que no dudaron en cruzarse con él y dedicarle un gesto de cariño y agradecimiento por apoyar a la Selección Española: “Brad, te queremos. I love you, Brad”, le decían un par de aficionados españoles desplazados a su zona, mientras este respondía al cariño con un saludo. “Eres español, te quiero tío”, le respondían al saludo, para marcharse al cántico de “Brad es español, Brad es español, Brad es español”.. El vídeo no tardaría en circular por redes, con algún que otro mensaje que reza: “Es más español que Pedro Sánchez”.

Su pareja y la relación con España

Lo cierto es que Pitt, que hace un año por estas fechas estaba presentando F1: La película, no estaba solo ni mucho menos en el estadio. Lo acompañaba precisamente su compañero de reparto en la película, Javier Bardem, y por ende la esposa de este, Penélope Cruz, con quien Pitt coincidió en El consejero. Bardem y Cruz han sido la gran representación internacional de la Selección durante estas semanas, así que era de esperar que intercambiasen impresiones con un compañero de profesión y viejo amigo como Pitt.

Por allí andaba también el director David Fincher, con el que Pitt tiene pendiente de estreno Las aventuras de Cliff Booth, spin off de la película Érase una vez en Hollywood por la que Pitt ganó el Oscar a Mejor actor de reparto en 2020. Au así, la persona más importante que estaba ahí para el actor y la que explica su conexión con España no es otra que su pareja, la diseñadora de joyas y empresaria Inés de Ramón, nacida en Nueva Jersey pero con orígenes españoles que explicaban que estuviese allí apoyando como una más a la Selección, que ahora sueña con seguir contando con el favor del mismísimo Aquiles o Tyler Durden en su futuro encuentro ante Francia. Cualquier ayuda será bienvenida.

Además de la cantante de Superestrella, que está siendo uno de los himnos de La Roja durante este Mundial, otros artistas como Ana Mena u Antonio Orozco se vieron en una situación parecida al celebrar sus conciertos en Málaga y Almería respectivamente. Madrid, por su parte, celebraba durante estos días el multitudinario festival Mad Cool y ya había previsto proyectar en sus pantallas el partido de España mientras tenían lugar los conciertos, para que cada uno de los asistentes pudiese decidir si quería apoyar a los artistas o al combinado de Luis de la Fuente.

Pues bien, todos ellos lo solucionaron en gran medida, aunque cada uno a su manera. Quizá el más original fue Antonio Orozco, que se tomó la molestia de esperar a que el partido concluyese y regaló una instantánea preciosa disfrutando del final del encuentro junto a todos sus fans, sentado en una silla y frente a la pantalla del escenario. Todo el público de la plaza de toros de Almería vibró al unísono con el gol de Mikel Merino en los minutos finales, lo que signficaba además que el concierto no necesitaba alargarse mínimo media hora más, lo que hubiese durado la prórroga y quién sabe si penaltis.

Celebrando a lo Mr. Brightside

Bruno Mars era el gran artista internacional que celebraba un concierto ayer en España, y su actuación también será recordada para todos los asistentes. El cantante clausuró su espectáculo justo en el mismo momento en el que Mikel Merino realizaba el gol definitivo para España, regalando así una maravillosa casualidad que cualquiera hubiera dicho que estaba preparada. Algo más preparado estuvo el momento vivido en el Mad Cool con Kings of Leon, la banda encargada de actuar en el escenario principal a la misma hora que el encuentro.

El grupo de rock formado en Nashville debió de tomar buen ejemplo del ya icónico concierto en el que The Killers interpretó Mr. Brightside justo a continuación de que Inglaterra se clasificase para la final de la Eurocopa 2024, la misma que terminaron perdiendo ante España. Kings of Leon hizo lo propio y no solo puso en sus pantallas la victoria de España sino que además lo celebró tocando a continuación uno de sus himnos, Use somebody. En definitiva, cada uno encontró su manera ideal para compaginar el concierto con el partido y todo acabó en final feliz para la Selección Española, que se medirá en semifinales a Francia en un encuentro disputado el próximo martes a las 21:00. Si alguien tiene algún concierto ese día, ya sabe.

El partido entre España y Bélgica se disputará este viernes 10 de julio a las 21:00 horas de España. Para quienes sigan el Mundial desde otras latitudes, el horario será: 14:00 en Perú, Colombia y Ecuador; 13:00 en México; 15:00 en Bolivia, Venezuela, Estados Unidos y Chile; y 16:00 en Argentina, Brasil, Uruguay y Paraguay.

En España, partido se podrá seguir en DAZN Spain, DAZN Mundial, TVE La 1, RTVE Play, La 2 Cat. En Sudamérica, la retransmisión principal correrá a cargo de DSports y Disney+, aunque algunos países dispondrán de señales adicionales, como Paramount+, Flow Sports, Paramount+, Telefe, DGO y DSports en Argentina; Canal 5 en Uruguay; Win Sports en Colombia y América Televisión en Perú. En México, el encuentro podrá verse a través de ViX, mientras que en Estados Unidos será emitido por FOX, Telemundo y Peacock.

Muchas gracias por seguir el partido con nosotros. Nos vemos el martes con otro gran partido: el duelo de semifinales del Mundial entre España y Francia. Hasta entonces!!!!

El récord de Mikel Merino

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Las palabras de Luis de la Fuente

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Los memes del partido

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Lamine Yamal, MVP del partido

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La crónica del partido

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96′ Final del partido

El árbitro señala el final del partido y certifica la victoria de España por 2-1 y el pase a semifinales del Mundial 2026

90′ Tiempo extra

Se añaden siete minutos de tiempo añadido

87′ GOOOOOOOOOOOOL DE ESPAÑA

Cubarsí ve un hueco y saca un disparo desde la frontal del área, Lammens detiene pero el rechace lo caza Mikel Merino

85′ Cambios en Bélgica

Se marcha Kevin de Bruyne y entra Saelemaekers

84′ Tarjeta amarilla

Kevin de Bruyne recibe la tarjeta amarilla tras un agarrón sobre Ferran

83′ Vaya ocasión ha perdido Lamine

El jugador azulgrana recibe un balón a la espalda de la defensa belga, pero el control no es bueno y pierde la ocasión

80′ De Bruyne está fundido

El jugador de centro del campo de Bélgica se va al suelo, pero tratará de aguantar porque a su equipo solo le queda un cambio

78′ Cambio en el banquillo español

Se marcha Oyarzabal y entra Nico Williams

71’ Courtois se lesiona

El portero tendrá que ser finalmente sustituido por Lammens

66′ Courtois lesionado

El portero de Bélgica se marcha al suelo con molestias y parece que tendrá que ser sustituido.

Lukaku intentará hacer un gol a España

/espana/deportes/2026/07/10/lukaku-la-bestia-belga-que-amenaza-la-porteria-de-espana-durante-el-duelo-de-cuartos-de-final-del-mundial/

59′ Cambios en Bélgica

Rudi García introduce cambios para intentar rascar otro gol. Salen De Cuyper, Trossard y Vanaken y entran Lukaku, Witsel y Seys

55′ Cambios en las final españolas

Luis de la Fuente mueve el banquillo. Se marchan Baena y Fabián y entran Ferran Torres y Pedri

54′ Vaya ocasión de Bélgica

Doku sube con el balón por banda y trata de sacar un centro, que rechaza la defensa española. Cae en los pies de De Cuyper, que no duda y saca el disparo, pero se marcha por el lateral de la red

51′ España ronda el área belga

La selección española mueve el balón en en la frontal del área belga buscando un hueco, y consigue sacar un disparo que se marcha a córner tras rebotar en un rival

46′ Aprieta Bélgica

Doku manda un balón envenenado al área, pero Unai Simón está muy atento y atrapa sin problemas

Arranca la segunda parte

Con el marcador 1-1 y el duelo abierto, las selecciones buscarán la victoria en los 90 minutos

50′ Final de la primera mitad

El árbitro señala el final de la primera parte con el marcador en tablas (1-1), tras el gol de Fabián y la respuesta de Charles De Ketelaere

43′ Entran las asistencias médicas

Dani Olmo y Oyarzabal chocan las cabezas y necesitan que entren las asistencias para atenderles

45′ Tiempo añadido

El colegiado añade cinco minutos de tiempo extra

Adiós a la racha de Unai Simón

/espana/deportes/2026/07/10/de-ketelaere-pone-fin-a-la-historica-racha-de-imbatibilidad-de-unai-simon/

40′ Goooooool de Bélgica

Castagne saca un centro y De Ketelaere manda el balón al fondo de la red y vuelve a instaurar las tablas en el marcador.

39′ Nueva ocasión de España

Lamine Yamal vuelve a avisar a Courtois con un lanzamiento desde la frontal del área

El primer gol de España

/espana/deportes/2026/07/10/luis-de-la-fuente-acierta-con-fabian-el-andaluz-mete-el-primero-y-encarrila-a-espana-a-semifinales-del-mundial-2026/

35′ Vaya ocasión de Baena

Baena recibe un balón largo y saca el disparo, pero el linier levanta el banderín por fuera de juego

33′ Falta peligrosa para España

Lamine baila con el balón en la frontal del área y antes de que pueda dispara le hacen falta. Lanza el azulgrana, pero detiene Courtois

29′ GOOOOOOOOOOOL DE ESPAÑA

Dani Olmo saca un disparo contra la portería de Bélgica, que detiene Courtois, pero Fabián caza el rechace y manda el balón al fondo de la red

26′ Se reanuda el partido

El balón vuelve a estar en juego tras la pausa de hidratación

22′ Pausa de hidratación

El árbitro detiene el partido para que los jugadores puedan ir a beber agua ante de reanudar el encuentro

20′ Primer aviso de España

Oyarzabal recupera el balón en la frontal del área y cede para Lamine Yamal, que saca el disparo, pero se marcha directamente fuera

19′ España sigue intentándolo por la banda derecha

Pedro Porro sube como una bala por el lateral derecho e intenta conectar con Lamine Yamal, pero el árbitro señala falta del jugador azulgrana

16′ Pedro Porro se pasa de fuerza

El lateral derecho de España busca con un balón largo la subida de Baena, pero el extremo no fue capaz de llegar

12′ Madre mía Oyarzabal

Cubarsí pega un pase a Oyarzabal que recibe en el área e intenta sacar el disparo, pero choca contra el defensa belga. Los jugadores de La Roja piden penalti, pero el árbitro dice que no hay nada

9′ Vaya falta saca España

Baena pone un centro al área que los jugadores españoles tratan de rematar sin gran éxito

7′ España se adueña del balón

La Roja se hace con la posesión y empieza a mover el balón en el centro del campo, creando la jugada y esperando la ocasión

4′ España aprieta

Los de Luis de la Fuente ya rondan el área belga, presionando por ver portería cuanto antes

1′ Bélgica acecha el área española

La selección belga es la primera en pisar el área rival, aunque no consiguieron sacar el centro ya que el balón salió por línea de fondo

Empieza el partido

Suena el pitido inicial ya rueda el balón sobre el césped

Suenan los himnos!!!!!!!!!!!

Ya salen los futbolistas

Los jugadores ya salen al césped del estadio de Los Ángeles!

Cambio de última hora en Bélgica

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Los aficionados españoles de camino al estadio de Los Ángeles

El seleccionador de Bélgica y sus orígenes españoles

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Calienta la selección española

Saltan los jugadores de España al césped del estadio de Los Ángeles a calentar. Falta menos de una hora para que empiece el partido

Un español en las filas belgas

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También se conoce la alineación de Bélgica

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Ya está la alineación de España

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Marc Márquez lo tiene claro

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Así fue el último partido de España

Análisis del partido entre España y Bélgica

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Así es el estadio en el que juegan España y Bélgica

España y la maldición de los cuartos

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Así llegan España y Bélgica

Luis Suárez se decanta por España en el partido contra Bélgica

El delantero uruguayo con pasado en La Liga española ha analizado los cruces de cuartos de final de este Mundial y ha elegido a España como favorita en su enfrentamiento contra Bélgica. Para el resto de enfrentamientos, el pistolero se decantó por Francia, que eliminó este jueves a Marruecos y espera a su rival en semifinales.

El partido de Argentina contra Suiza tendrá como ganador a la selección de su amigo y excompañero de equipo Lionel Messi, que se vería las caras con Inglaterra en semifinales tras batir esta a la Noruega de Haland.

Bélgica y el tercer puesto como mejor resultado mundialista

Los diablos rojos se han colado entre las ocho mejores selecciones de 2026 para sorpresa de todos y buscarán ante España volver a meterse en unas semifinales del mundo, como ya lo hicieron en 2018, donde cayeron eliminados contra Francia -ganadora de aquel Mundial- y se tuvieron que conformar con un amargo tercer puesto, su mejor resultado hasta la fecha.

La selección belga afronta un recambio generacional que dará a leyendas como Kevin De Bruyne, Lukaku y Thibaut Courtois una última oportunidad para conseguir la primera estrella para su país. Los tres debutaron en el torneo más importante del mundo en 2014, donde cayeron por un gol a cero ante la Argentina de Lionel Messi.

La revancha del Mundial 86 para España

40 años después del Mundial de México en 1986, que ganó la Argentina de Diego Armando Maradona, España tendrá la oportunidad de vengar a una gran generación que llegaba a esa cita mundialista tras completar dos años antes una notable Eurocopa (perdiendo la final contra Francia). La goleada a Dinamarca terminó por disparar las ilusiones españolas. Con la moral por las nubes, afrontaron el duelo ante Bélgica, un partido que dieron por ganado antes siquiera de saltar al campo.

Ese exceso de confianza lo pagaron en el verde. Bélgica dominó el encuentro y en el minuto 35 se adelantaron en el marcador. En el 85, volvió a poner las tablas España. La eliminatoria se decidió en los penaltis y ahí a La Roja le faltó acierto. Eloy Olaya falló el disparo desde los once metros que condenó a los suyos y eliminó a la selección española.

Un hincha especial para Mikel Merino

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Un árbitro inglés a cargo del encuentro

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Unai Simón quiere seguir haciendo historia

Después de terminar el partido contra Portugal con la valla invicta, Unai ya es el portero con más minutos seguidos sin recibir un gol en la historia de los Mundiales (669). Su portería permanece impenetrable desde el último partido de la fase de grupos del Mundial Qatar 2022 contra Japón. Por el camino ha dejado atrás los 517 minutos que llevaba el italiano Walter Zenga desde Italia 90 y los 477 que firmó Iker Casillas durante el Mundial que España ganó en 2010.

“Lo del récord habla mejor del equipo que de mí, por cómo ha venido la dinámica. Concedemos pocas ocasiones y todos trabajamos por y para ello”, ha dicho el portero en rueda de prensa. Incluso no dudó en compartir el premio con sus compañeros de posición: “Mi récord lo hubieran conseguido también David y Joan. Estoy seguro de que formamos el mejor trío de porteros del Mundial”.

Lukaku, el revulsivo del banquillo belga

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Los once probables: Bélgica, con algunas dudas en ataque

En general ha ido repitiendo el once en sus últimos encuentros, pero los de Rudi García quizá podrían introducir algún cambio, como situar a Lukaku de nueve referente y así fijar a los centrales de España. En cualquier caso, lo esperado ahora mismo sería Thibaut Courtois en portería; Timothy Castagne, Nathan Ngoy, Brandon Mechele y Maxim de Cuyper en defensa; Hans Vanaken, Nicolas Raskin y Youri Tielemans en la medular; y Jéremy Doku, Charles De Ketelaere y Leandro Trossard en ataque.

Los once probables: España, con lo esperado

De La Fuente volverá a apostar con toda seguridad por Unai Simón bajo palos; Pedro Porro, Pau Cubarsí, Aymeric Laporte y Marc Cucurella en defensa; Rodri, Dani Olmo y Pedri en el mediocampo; y Lamine Yamal, Álex Baena y Mikel Oyarzabal como tridente ofensivo.

España es sin duda la gran temida

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Hay quien ya pronostica a España como finalista...

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¿Y si hay penaltis?

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Pendientes de Su Majestad

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Y otro gigante esperando en el banquillo

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Enfrente, el gigante belga

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Hablando de Mikel...

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Oyarzabal, punta de lanza con un dato a su favor

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Recuperando al capitán

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Lamine, la estrella a la que se encomienda España

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En semis espera Francia...

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Habla el míster

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¿Y de bebida? Cerveza española o belga

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El homenaje a su arte que llevan en la piel

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¿Y qué tal se les da el cine?

Cuando arrancó el torneo también analizamos las diferentes cinematografías que acompañan a cada Selección, y Bélgica puede decir que cuenta con varias películas de gran calado en los últimos años. Chantal Akerman, cuya película Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles ocupa actualmente el número 1 de la prestigiosa lista de Sight and Sound, es uno de sus grandes nombres, pero también están los hermanos Dardenne (Dos días, una noche), Jaco Van Dormael (Las vidas posibles de Mr. Nobody) o Felix Van Groeningen (Alabama Monroe).

Así juegan los ‘diablos rojos’

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Una Bélgica fuerte, sorprendente y reivindicativa

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A qué hora y dónde ver el partido

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El penalti que lo cambió todo

España se enfrentó a Bélgica en el Mundial de 1986. En México primero se adelantaron los belgas en la primera mitad con un tanto de Jan Ceulemans, que sólo pudo equilibrar en los últimos compases del choque Juan Señor. Los penaltis fueron adversos, con los belgas marcando sus cinco lanzamientos para hacer bueno la parada de Jean-Marie Pfaff a Eloy Olaya y ganarse el billete a semifinales ante la Argentina de Diego Armando Maradona.

Los datos en el duelo individual

Los ‘Diablos Rojos’ y la actual campeona de Europa se cruzarán las caras por vigesimocuarta vez en su historia, con 12 de ellos saldados con victoria de la campeona del mundo de 2010, entre ellos los cinco últimos, aunque no juegan desde septiembre de 2016, con triunfo por 0-2 con doblete de David Silva en el estreno como seleccionador de Julen Lopetegui y con el español Roberto Martínez al frente del equipo belga.

El extraño dato de Bélgica

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El as bajo la manga de España

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La mejor previa

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¡¡Muy buenos días a todos!! Hoy tenemos un encuentro crucial en el Mundial 2026, que arrancó sus cuartos de final en el día de ayer con ese Francia - Marruecos y tiene ahora su segundo encuentro. Uno de especial relevancia para todos los españoles, pues enfrenta a la Selección con Bélgica por un puesto en las semifinales, donde ya espera Francia.

El pase a semifinales de la Copa del Mundo 2026 está en juego este viernes para España, que se enfrentará a Bélgica en un duelo con sabor a revancha y expectativas renovadas. El encuentro, programado para las 21:00 horas en nuestro país, evoca por un lado la eliminación de España en el Mundial de 1986 en penaltis o la recordada victoria de 1990 y representa una nueva oportunidad para que la ‘Roja’ siga escribiendo su historia en el torneo.

La cita futbolística podrá seguirse en todo el país a través de RTVE, La 1, DAZN, Movistar+, TDP, La 2 cat y fuboTV, tanto en señal abierta como por cable o plataformas digitales. Los aficionados españoles tendrán así múltiples alternativas para no perderse ni un minuto de la acción, con una cobertura pensada para todos los dispositivos y preferencias de consumo. Hasta en los mismísimos cines se podrá seguir el encuentro que dará un pase a las semifinales.

El partido entre España y Bélgica se disputará este viernes 10 de julio a las 21:00 horas de España. Para quienes sigan el Mundial desde otras latitudes, el horario será: 14:00 en Perú, Colombia y Ecuador; 13:00 en México; 15:00 en Bolivia, Venezuela, Estados Unidos y Chile; y 16:00 en Argentina, Brasil, Uruguay y Paraguay. Así, la emoción del torneo trasciende fronteras y reúne a hinchas de todo el mundo en torno a la selección española.

España, rumbo firme y récords en defensa

La selección española llega a los cuartos de final con paso firme y la confianza de haber superado una fase de grupos exigente. Tras un debut sin goles ante Cabo Verde, la ‘roja’ mostró su verdadero potencial goleando a Arabia Saudí y consiguiendo un triunfo ajustado ante Uruguay. Mikel Oyarzabal se ha consolidado como el máximo goleador del equipo, con cuatro tantos hasta el momento.

En dieciseisavos, España eliminó a Austria con una actuación sobresaliente de Oyarzabal. Ya en octavos, la victoria sobre Portugal llegó gracias a un agónico gol de Mikel Merino, confirmando la capacidad del equipo para resolver partidos bajo presión. En el arco, Unai Simón ha marcado un hito al superar los 609 minutos sin recibir goles, estableciendo un nuevo récord de imbatibilidad en la historia del Mundial que pertenecía previamente a Walter Zenga desde 1990.

El rendimiento defensivo y la eficacia en los momentos decisivos han colocado a España como uno de los principales aspirantes al título. El equipo ha sabido combinar solidez, talento joven y experiencia, generando ilusión en la afición nacional. España llega a este partido tras una racha positiva, con un once más equilibrado y una defensa que ha hecho historia en el torneo. El liderazgo de Oyarzabal y las paradas de Unai Simón son factores clave en las aspiraciones de la ‘roja’ de alcanzar una nueva semifinal, la que sería la segunda en toda su historia tras la de Alemania en Sudáfrica. Si después de eso se llegó a la final y se ganó ante Holanda, ¿por qué no iba a haber otra ocasión?

Expectativas ante un rival impredecible

Bélgica será el obstáculo a superar para acceder a las semifinales. El conjunto dirigido por Rudi Garcia ha avanzado con estrategias poco convencionales y cambios inesperados, como dejar en el banco a figuras como De Bruyne, Lukaku y Doku en partidos decisivos. La selección belga logró clasificarse como líder del Grupo G y superó a sus rivales con una mezcla de remontadas y contundencia en ataque.

En octavos, Bélgica sorprendió al anfitrión Etados Unidos con una victoria 4-1, resultado de una apuesta táctica que renovó su dinámica de juego. El equipo europeo ha demostrado versatilidad y capacidad para sobreponerse a situaciones adversas, lo que convierte el duelo ante España en un desafío de máxima exigencia. La cita de este viernes será decisiva para nuestra Roja. El objetivo es claro: alcanzar las semifinales y mantener viva la ilusión de conquistar un nuevo título mundial, apoyados por una afición que espera celebrar otra noche memorable en la historia del fútbol nacional.

España podría saltar al campo con Unai Simón bajo palos; Pedro Porro, Pau Cubarsí, Aymeric Laporte y Marc Cucurella en defensa; Rodri, Dani Olmo y Pedri en el mediocampo; y Lamine Yamal, Álex Baena y Mikel Oyarzabal como tridente ofensivo.

Por su parte, Bélgica tendría a Thibaut Courtois en portería; Timothy Castagne, Nathan Ngoy, Brandon Mechele y Maxim de Cuyper en defensa; Hans Vanaken, Nicolas Raskin y Youri Tielemans en la medular; y Dodi Lukébakio, Charles De Ketelaere y Leandro Trossard en ataque.

La película se inspira en el libro El Director, donde David Jiménez narra su experiencia real como máximo responsable de El Mundo. Tras dos décadas como corresponsal en zonas de guerra, Jiménez fue nombrado director del periódico en un momento de crisis para el sector. En la obra original, el autor documenta las dificultades para ejercer un periodismo independiente en un entorno marcado por conflictos internos, presiones empresariales y pugnas de poder. El largometraje traslada ese universo desde la no ficción a la gran pantalla, manteniendo el enfoque en la defensa de la integridad profesional y la búsqueda de la verdad.

“El Director cuenta la historia de una lucha a contracorriente, en la que los principios periodísticos chocan con los intereses del sistema mediático”, explica la nota de prensa oficial. La película retoma episodios clave del libro y los convierte en una narración visual próxima al documental. La trama sigue a David Jiménez (interpretado por David Verdaguer), corresponsal experimentado que asume la dirección de uno de los principales diarios españoles. Desde el primer día, su empeño por impulsar un periodismo riguroso entra en conflicto con los intereses ocultos de la empresa, representados por el editor Cardenal (Alberto San Juan), inspirado en la figura del aquel entonces editor de El Mundo Antonio Fernández-Galiano.

Un reparto lleno de caras conocidas

Pronto, la capacidad del personaje para liderar la redacción se pone a prueba en un entorno hostil, donde la independencia informativa se enfrenta a presiones políticas y económicas. La película ofrece una mirada crítica sobre el funcionamiento interno del periodismo nacional, abordando temas como la censura, las alianzas empresariales y la ética profesional. Con un estilo visual realista, próximo al documental, El Director apuesta por mostrar los dilemas de la profesión y las consecuencias personales que implica defender la honestidad en un contexto adverso.

“El Director” llegará a salas de cine en toda España el 27 de noviembre de 2026. La película está dirigida por Dani de la Orden, conocido por trabajos como “Barcelona, noche de verano” y “Litus”. El guion es obra de Alejandro Hernández —Premio Goya al Mejor Guion Adaptado por “Todas las mujeres”— y Michel Gaztambide —Premio Goya al Mejor Guion Original por “No habrá paz para los malvados”—. Ambos han adaptado el testimonio de Jiménez, imprimiendo al relato un tono crítico y un enfoque realista.

El reparto está encabezado por David Verdaguer, ganador de dos premios Goya, quien encarna al director protagonista. Junto a él, Alberto San Juan interpreta al editor Cardenal. El elenco se completa con Fernando Colomo, Xavi Sáez, Miriam Iscla y Joan Carreras. La película cuenta además con la colaboración especial de Carmen Machi, Emma Vilarasau, Willy Toledo y Fernando Cayo, todos reconocidos por su trayectoria en el cine y la televisión española. Entre las figuras del reparto destacan también Anna Alarcón, Nacho Fresneda, Pau Durá, Marc Rodríguez, David Vert y Mia Sala-Patau. El Director ofrece un retrato de la lucha por la independencia periodística, trasladando al cine los desafíos y dilemas descritos en el libro de David Jiménez sobre su paso por El Mundo.

El actor, que se encuentra en plena promoción de la película que adapta la clásica historia de Homero en torno a Ulises, acaba de revelar un emocionante momento justo a continuación de ver la película, en el cual su madre le abordó con su primera impresión de la misma. Según Holland, la reacción de su progenitora, la fotógrafa Nicola Elizabeth Frost, fue tan genuina que se puso a llorar y a la vez se sorprendió de cuán grande era el papel de su hijo en el filme. “Cuando terminó la película, mientras aparecían los créditos, no había ni un solo ojo seco en toda la sala, y entonces mi madre me puso la mano en la rodilla y me dijo: “¡No me había dado cuenta de que tenías un papel tan importante en esta película!”, relataba el actor en una reciente entrevista.

En la película, Holland da vida a Telémaco, probablemente el personaje más importante de La Odisea, solo por detrás del propio Odiseo/Ulises. La historia arranca precisamente con el joven en Ítaca, intentando recabar información acerca de su padre, quien se marchó a la Guerra de Troya diez años antes y al que Telémaco nunca pudo conocer realmente. Es por ello que viaja hasta la corte de Pilos para ver a Néstor, su rey, y que le ponga al corriente de todo lo ocurrido. Más tarde viaja hasta Esparta para encontrarse con Menelao, compañero de batalla de su padre y quien le relata todo lo que sucedió en Troya. Mientras tanto, a su regreso a Ítaca tendrá que lidiar con los pretendientes de su madre que pretenden arrebatarle el trono a su padre y, por ende, a él mismo.

De una madre a otra

Holland no está solo en esta aventura, ya que cuenta con su mujer Zendaya, quien da vida a la diosa de la sabiduría y consejera de Odiseo, Atenea, pero también con Anne Hathaway, quien da vida a su madre en la ficción, Penélope. Una madre que también se deshacía en elogios hacia Holland: "Como madre en la vida real, espero de todo corazón que todos mis hijos crezcan y sean tan maravillosos como mi hijo en la pantalla. Tom es como el hijo de mis sueños", afirmaba la actriz en otra entrevista durante la promoción de la película.

Hathaway, Holland, Zendaya y el resto del reparto se podrán ver por fin en gran pantalla a partir del día 17 de julio, fecha en la que La Odisea desembarca por fin en cines. Después de meses de rodaje por los lugares más paradisíacos y una experiencia que muchos describen como la mejor de su vida, habrá que ver si la película está a la altura de sus promesas, y si la actuación de Holland lo está a la de las palabras de su madre.

El mes de julio apenas acaba de arrancar y ya ha dejado títulos para el recuerdo con el estreno de Minions & Monsters o La muerte de Robin Hood la semana pasada, y lo seguirá haciendo la siguiente con el estreno más esperado del año, La Odisea de Christopher Nolan. Entre medias está una semana de transición llena de estrenos españoles, un película argentina muy especial y el remake en acción real de uno de los últimos clásicos de Disney.

Hablamos de Vaiana, por supuesto, pero también de varios títulos nacionales que exploran hechos reales como en Tal vez o imaginan disparatadas historias como la que protagonizan Antonio Resines y Quim Gutiérrez en Haciendo amigos. A la espera de Odiseo y sus hombres, este viernes el cine se llena de nuevas y refrescantes aventuras.

Vaiana

No ha sido acogida con la mejor de las bienvenidas, pero si algo tiene Disney es su capacidad para emocionar al público con algún que otro momento. Además, cuenta para ello con uno de los grandes reclamos del cine actual: Dwayne Johnson. El actor que el año pasado realizó una incursión en el drama más serio con The smashing machine vuelve a su lado más desenfadado con estas aventuras en carne y hueso del que es uno de los últimos clásicos de la Casa de las Ideas. Vaiana (ahora en la piel de Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

Las corrientes

La prestigiosa cineasta argentina Milagros Mumenthaler presenta en nuestro país su última película, Las corrientes. En ella se cuenta la historia de Lina, (Isabel Aimé González Solá), una artista y diseñadora que recibe un premio en una ciudad ajena en Suiza y, en medio de esa escena de consagración, queda absorbida por una oscuridad súbita. Mumenthaler, que se inspiró de una experiencia propia para construir la película. “Paseando por el lago me imaginé a una mujer que se arrojaba al río helado. Esaimagen se instalóen mi cabeza y, a partir de ahí, empecé a pensar en esa mujer, y fue entonces que un personaje se fue desarrollando poco a poco”.

La copia perfecta

En la París de los años cuarenta y cincuenta, Jan Bojarski, refugiado polaco, lleva una existencia dividida. En casa, su familia disfruta de una rutina común, ajena a su otro rostro: el de “el Cézanne de la falsificación”. Durante quince años, Bojarski perfecciona la creación de billetes en un modesto cobertizo, logrando tal realismo que engaña incluso a los controles del Banco de Francia. La destreza de Bojarski despierta la obsesión del comisario Mattei. Así comienza una persecución que, con el tiempo, supera la mera aplicación de la ley y se transforma en un enfrentamiento personal entre ambos.

Tal vez

Adriana Ugarte da vida a la protagonista de este drama romántico de época. Inspirada en la vida de la trapecista y escritora María Cristina del Pino Segura Gómez, más conocida como Pinito del Oro, la película narra la relación de esta con la poeta canaria Natalia Sosa. Una mujer en la que la trapecista encontraría su biográfa ideal, pero también una amiga y confidente a lo largo de los años. Tal vez muestra además una Canarias auténtica, pero reflejando la ciudad gris que describiría Natalia en sus cartas. La directora Arima León adoptó “casi que como un compromiso político” representar esa realidad, influyendo en la iluminación y en todos los aspectos formales. La cineasta defendió “una película llena de contradicciones todo el rato”, reflejo de lo que percibe en la sociedad canaria: “llena de miseria, pero a la vez de optimismo y resiliencia”.

Haciendo amigos

Las recomendaciones concluyen con un dúo que no por imprevisible es menos divertido. El gran Antonio Resines y Quim Gutiérrez unen fuerzas en Haciendo amigos. Ellos dos dan vida a Antonio y Félix, una pareja de ladrones que buscan un lugar seguro en el que esconderse de la policía tras dar un golpe. Sin quererlo se cruzan en el camino de un club de teato integrado por personas con diversidad funcional y del que está a cargo Eva (Megan Montaner), una tierna monitora. Esta confunde a Félix con uno de los miembros del grupo y le da la excusa perfecta a los ladrones para alargar la mentira con tal de escapar hasta que todo se calme.

Nacida como Gaynor Hopkins en Swansea, Reino Unido, en 1951, Bonnie Tyler se consolidó como una de las voces más reconocibles de la música pop y rock internacional. Su carrera comenzó en la década de 1970, cuando firmó su primer contrato discográfico y lanzó sencillos como Lost in France y It’s a Heartache, este último alcanzó los primeros puestos en las listas de ventas de Estados Unidos y Europa.

El éxito mundial llegó en 1983 con el sencillo Total Eclipse of the Heart, escrito por Jim Steinman e inmortalizado en un sinfín de películas y series de televisión. Esta canción se posicionó en el primer lugar en varios países y se mantuvo durante semanas en los rankings de Reino Unido y Estados Unidos. El tema vendió más de seis millones de copias y es considerado uno de los clásicos de la música pop de los años ochenta. Holding Out for a Hero, también compuesto por Steinman, reforzó su popularidad y se convirtió en otro de sus himnos.

Una estrella a lo largo de los años

A lo largo de cinco décadas, Bonnie Tyler lanzó más de 15 álbumes de estudio y mantuvo una presencia constante en escenarios de Europa, América y Asia. Su tono de voz áspero, resultado de una operación en las cuerdas vocales en 1977, se transformó en su sello distintivo. Esta característica vocal la diferenció de otras artistas de su generación y le permitió mantener una identidad propia en la industria musical.

El repertorio de Tyler abarcó géneros como el pop, el rock y la balada romántica, y colaboró con figuras relevantes de la música internacional. En 2013, representó a Reino Unido en el Festival de Eurovisión, lo que contribuyó a renovar su popularidad entre nuevas generaciones. Sus discos han superado los 20 millones de copias vendidas en todo el mundo. Su actividad artística se mantuvo constante hasta sus últimos días. La gira europea en la que se encontraba antes de su fallecimiento incluía presentaciones en España, Francia, Alemania y Portugal. El último recital tuvo lugar en Oporto, donde reunió a miles de seguidores.

Bonnie Tyler deja un legado marcado por una voz inconfundible y una capacidad singular para conectar con el público internacional. Su música sigue presente en radios, plataformas digitales y recopilaciones de éxitos de las últimas décadas. La cantante será recordada por su trayectoria, su fuerza escénica y su aporte a la cultura musical global.

El Mad Cool 2026 ha arrancado en el recinto Iberdrola Music de Madrid con una primera jornada repleta de grandes conciertos y una asistencia que rozó el aforo máximo de 55.000 personas. La expectación era alta desde horas antes de la apertura, con operarios, camiones y grúas ultimando los detalles. Las primeras pruebas de sonido se mezclaban con la llegada de los asistentes, ansiosos por disfrutar de una edición especial por el décimo aniversario del festival. Sin embargo, el entusiasmo por la música volvió a verse ensombrecido por el mismo conflicto que ha marcado las últimas ediciones: la movilidad y el difícil retorno a casa.

El ambiente se caldeó, literalmente, desde el inicio. Las altas temperaturas obligaron al público a recurrir a abanicos, ventiladores de cuello y botellas de agua para soportar el calor, mientras Palaye Royale y HotWax daban el pistoletazo de salida a la programación. La británica Wolf Alice y la banda revelación The Last Dinner Party reforzaron la energía del cartel, pero la gran sorpresa de la jornada llegó con Arde Bogotá, que ofreció un concierto secreto bajo el nombre ficticio de “Bigger Splash”, presentando nuevas canciones para un grupo reducido de asistentes.

El final de la noche trajo consigo la repetición de una de las mayores críticas al festival: la dificultad para volver a casa. “Vaya infierno la vuelta a casa desde Mad Cool. Un día va a pasar algo y lo vamos a lamentar”, expresó un usuario en X. Otra asistente relató: “Hora y media para llegar al Mad Cool. Pero nada, buena cara”. Las quejas sobre la congestión, largas esperas y la saturación de los accesos se multiplicaron en redes sociales. “Infierno ayer a las 00:00 para volver a sus casas después del primer día en el Mad Cool desde Villaverde a la Renfe”, compartió otro usuario. El plan de movilidad, financiado íntegramente por la organización con un coste superior a 540.000 euros, incluyó la ampliación del servicio de Cercanías hasta las 3.30 de la madrugada y lanzaderas nocturnas hacia el centro. A pesar de estas medidas, la percepción general entre los asistentes es de insuficiencia, con colas y aglomeraciones que generan preocupación por la seguridad.

Malestar vecinal y conflicto con el entorno

La convivencia del festival con los barrios de Villaverde y Getafe sigue siendo un foco de tensión. La Plataforma Stop Festivales Villaverde denunció: “Las mejoras se están haciendo para los asistentes; para los vecinos, nada. No se puede dormir”. La acumulación de macroeventos ha intensificado el malestar. “Nos han dado a entender que, dado que la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento quieren que el recinto siga para adelante, a los vecinos les damos exactamente igual”, lamentó una portavoz de la asociación en una entrevista a El País.

Las críticas no solo apuntan al ruido, que según los vecinos ha llegado a registrar entre 75 y 80 decibelios en zonas residenciales, sino también a cortes de calles, restricciones de aparcamiento y dificultades de acceso a viviendas. El conflicto ha llegado al ámbito judicial: el Juzgado de Instrucción número 34 de Madrid abrió juicio oral contra el administrador y la promotora del festival tras la denuncia de la Fiscalía por superar los niveles de ruido autorizados en 2023. El Ayuntamiento de Madrid anunció que este año habrá “dispositivo de medición como todos los años” para vigilar el cumplimiento normativo.

Desde la dirección del festival, Javier Arnáiz asegura: “Nos hemos reunido muchas veces con los vecinos y hemos ido intentando mejorar con cada edición”, contaba en El País. El plan de movilidad es una de las principales apuestas para esta edición, junto a una inversión global de cerca de 20 millones de euros. A nivel artístico, la primera jornada tuvo un cierre a la altura de las expectativas: Foo Fighters ofreció un concierto de más de dos horas, repasando sus grandes éxitos y recibiendo el apoyo masivo del público, mientras Moby actuaba en el escenario contiguo. Con un 37% de asistentes internacionales y más de 70 artistas en cinco escenarios, el Mad Cool 2026 confirma su posición como uno de los grandes festivales europeos. Pero, al margen del éxito musical, la convivencia con el entorno y la movilidad siguen siendo las asignaturas pendientes de un evento que, edición tras edición, enfrenta el reto de no convertirse en un “infierno para volver a casa”.

La primera imagen de Octet, el nuevo musical dirigido por Lin-Manuel Miranda, revela una propuesta que pone en primer plano la adicción digital y aborda de manera directa temas como el fenómeno incel y la cultura de la cancelación. El filme, basado en el exitoso musical Off-Broadway de Dave Malloy, acaba de finalizar su rodaje tras 22 días de trabajo y aún busca distribuidor para su estreno.

La historia se desarrolla en el sótano de una iglesia, donde ocho desconocidos se reúnen para tratar su dependencia a internet. El guion, adaptado por el propio Malloy, plantea un espacio de confesión en el que los personajes, tras dejar sus teléfonos en una caja, comparten experiencias que reflejan desde la presión social de las redes hasta conflictos ligados a comunidades digitales tóxicas, como los grupos incel y los efectos de la cultura de la cancelación.

Octet explora el impacto del uso compulsivo de internet, pero va más allá del retrato superficial de la adicción. La película introduce relatos de personajes influenciados por foros virtuales, la búsqueda de validación en línea y la exposición a discursos de odio. Entre los temas centrales aparecen referencias al universo incel ―hombres jóvenes que se identifican como involuntariamente célibes y encuentran comunidades de apoyo en internet― y a la cultura de la cancelación, definida por la exclusión social y digital como respuesta a conductas consideradas inaceptables.

El reparto: de Rachel Zegler a Amanda Seyfried

La propuesta de Miranda pretende mostrar cómo estas realidades afectan la vida emocional y social de los personajes, quienes se ven atrapados entre la necesidad de pertenecer, el miedo al rechazo y la fragilidad de la identidad digital. El musical, originalmente estrenado en 2019, ganó reconocimiento por su aproximación coral y a cappella, y por su capacidad para poner en escena problemáticas contemporáneas con un enfoque humano y crítico.

El reparto está encabezado por Rachel Zegler y Amanda Seyfried, acompañadas de Sheryl Lee Ralph, Philippa Soo, Jonathan Groff, Gaten Matarazzo, Paul Jordan Jansen y Tramell Tillman. El trabajo actoral se apoya en una estructura coral, donde cada intérprete representa una faceta diferente de la relación con la tecnología y las subculturas digitales. La filmación, financiada de forma independiente, se completó en menos de un mes. Miranda explicó a Vanity Fair que la motivación para adaptar Octet surgió tras la reacción de su esposa, Vanessa Nadal, quien considera la obra como el mejor musical que ha visto, a pesar de no ser aficionada al género.

La adaptación cinematográfica de Octet busca trasladar la intimidad y la fuerza vocal del escenario al lenguaje visual del cine. Las actuaciones vocales se grabaron en vivo durante el rodaje para preservar la autenticidad emocional de cada personaje. Miranda y Malloy expandieron el universo del musical original mediante recursos visuales que representan las obsesiones digitales de los protagonistas, como la ansiedad, el aislamiento y la presión de la viralidad. El filme apuesta por mostrar el internet como una presencia ineludible y, en ocasiones, perturbadora, que condiciona las interacciones humanas y la percepción de uno mismo. La puesta en escena utiliza tanto el espacio físico de la iglesia como elementos digitales proyectados, para reflejar el peso de las redes sociales y los foros en la vida de los personajes.

El historiador publicó varios mensajes en los que justificó su entusiasmo por la adaptación. “Mucha gente me dice que La Odisea es una película terrible sin haberla visto… Para que conste, ya la he visto dos veces y es, con diferencia, la mejor adaptación cinematográfica de un mito griego que he visto. Honra a Homero y, al mismo tiempo, crea algo nuevo a partir de él”, afirmó Holland el lunes en X. En un contexto donde proliferan las opiniones sobre la fidelidad de las adaptaciones de clásicos, Holland argumentó que la película de Nolan logra un equilibrio inusual. Destacó la capacidad del director para “lidiar entre la Escila de hacer que los dioses resulten ridículos y la Caribdis de omitirlos por completo”. Según el historiador, esa tensión resuelta es un marcador clave del éxito del filme.

La polémica escaló cuando el CEO de Tesla y SpaceX, Elon Musk, se sumó a los críticos de la película. Musk, conocido por su actividad en X, dirigió un insulto a Holland tras leer sus impresiones sobre La Odisea. Lejos de retroceder, el historiador mantuvo su postura. “Si te gustan otras películas de Nolan, te encantará La Odisea. Si no te gustaron, entonces sáltatela”, concluyó en otro mensaje. El estreno de La Odisea ha generado una fuerte polarización en redes sociales, donde la discusión sobre la llamada “cultura woke” se mezcló con el análisis cinematográfico. Holland, en su defensa, subrayó que evitar la película por prejuicios ideológicos supone una pérdida para los espectadores. Sus publicaciones han sido replicadas y comentadas miles de veces, convirtiendo su opinión en uno de los focos del debate en torno al filme.

Debate sobre la película y polarización cultural

Consultado por la decisión de Christopher Nolan de que los actores usaran acentos estadounidenses, Holland explicó que la película “juega brillantemente y de manera consciente con una variedad de géneros de Hollywood —superhéroes, ciencia ficción, las mitologías de la América moderna— pero nunca deja que esos elementos opaquen la sensación de un mundo antiguo y ajeno”. El propio Holland admitió que no era consciente de que su opinión sobre La Odisea se convertiría “en un pararrayos para toda una guerra cultural”. Su defensa pública ha sido vista por algunos como un ejemplo del nuevo peso de los debates culturales en la promoción y recepción de grandes producciones.

La Odisea es la más reciente incursión de Christopher Nolan en el cine épico. El filme, rodado íntegramente en formato IMAX, cuenta con Tom Holland como Telémaco y Matt Damon en el papel de Odiseo. La producción también incluye a Lupita Nyong’o, quien interpretó a Penélope y defendió la visión del director en una entrevista con Elle: “Apoyo plenamente la intención de Chris y la versión de esta historia que está contando. Nuestro elenco es representativo del mundo”.

El rodaje de La Odisea fue descrito por los actores como una experiencia a la vez “nostálgica y futurista”, en palabras de Holland para Collider. La película ha recibido elogios de la crítica y el público, y la prensa especializada la considera una de las adaptaciones más ambiciosas del mito homérico en la historia reciente del cine. Las primeras reacciones de críticos y analistas coinciden en destacar la apuesta visual y la reinterpretación del clásico. La combinación de innovación técnica y respeto por la obra original ha situado a La Odisea en el centro de la conversación cultural, reflejando tanto el potencial del cine épico como los desafíos de adaptar relatos universales a nuevas sensibilidades.

Faltan escasos días para el estreno de la que promete ser la gran película del verano y quién sabe si del año: La Odisea. Un título que ya es potente de por sí, pero que si encima va acompañado de uno de los grandes directores de nuestro tiempo, entonces no es una adaptación más de la historia de Homero. Hablamos de Christopher Nolan, el cineasta británico detrás de algunas de las mejores y más espectaculares películas de este siglo.

Es por ello que, con motivo de la llegada a cines de su nueva película, repasamos todos los títulos del ganador del Oscar por Oppenheimer, desde sus películas menos acertadas hasta las ya consideradas obras maestras. ¿En qué posición pondrá el tiempo su nueva obra? Es pronto para predecirlo, pero el listón desde luego está alto.

Insomnio

Primera película del británico con actores de gran renombre, este thriller explora los límites de la moralidad y la culpa a través de una investigación policial. La historia sigue a Will Dormer, un experimentado detective de Los Ángeles que viaja a un pequeño pueblo de Alaska para resolver el asesinato de una joven. El caso se complica tanto por la persistente luz del día, que impide a Dormer dormir, como por la presión de una investigación interna sobre su conducta profesional.

El elenco principal cuenta con Al Pacino en el papel de Dormer, Robin Williams como el enigmático asesino Walter Finch y Hilary Swank como la agente local Ellie Burr. La dinámica entre estos personajes impulsa la narrativa, mostrando cómo cada uno lidia con dilemas éticos y personales. La película profundiza en temas como la culpa, el remordimiento y la ambigüedad moral. Dormer se enfrenta a sus propias decisiones cuestionables mientras trata de mantener su integridad, incluso cuando sus acciones lo acercan peligrosamente al hombre que persigue. Insomnio es considerada una pieza clave en la filmografía de Nolan, al demostrar su capacidad para construir tensión psicológica y complejidad narrativa dentro del cine de suspenso contemporáneo.

Following

El debut de un realizador obsesionado con la identidad y la obsesión, este relato en blanco y negro sigue a un joven aspirante a escritor que comienza a seguir a desconocidos por las calles de Londres. Su curiosidad lo lleva a cruzar caminos con un ladrón carismático, quien lo arrastra a un mundo de intrigas y engaños. La trama, narrada de forma no lineal, se va desentrañando a través de saltos temporales que revelan cómo las decisiones aparentemente insignificantes pueden tener consecuencias devastadoras.

Los personajes principales son el escritor sin nombre, Cobb (nombre que le pondría después a DiCaprio en Origen) y una misteriosa mujer vinculada al submundo criminal. El guion minimalista y el bajo presupuesto potencian la tensión psicológica, mostrando la fragilidad de las motivaciones humanas y la facilidad con la que la percepción de la realidad puede distorsionarse. El núcleo temático gira en torno a la construcción de la identidad y la manipulación, donde la búsqueda de inspiración termina por exponer las propias debilidades del protagonista. En la filmografía de Nolan, esta ópera prima destaca por anticipar el gusto del director por las estructuras narrativas complejas y los personajes moralmente ambiguos. Se puede ver en Amazon Prime y Movistar+.

Tenet

Una exploración de la inversión temporal y la manipulación del destino, este thriller de acción sigue a un agente que debe evitar una catástrofe global usando tecnología capaz de invertir la entropía de los objetos y las personas. La narrativa exige reconstruir los hechos a medida que avanza y retrocede el tiempo. Fue la película que reavivó el cine tras la pandemia y solo por eso merece algo de consideración, pero sin duda su errática narrativa no estuvo a la altura de lo que se espera de un filme de Nolan.

John David Washington y Robert Pattinson encabezan el reparto, junto a Elizabeth Debicki y Kenneth Branagh. Las alianzas y traiciones se revelan en una estructura compleja donde nada es lo que parece. El filme aborda la causalidad, el libre albedrío y la percepción del tiempo, desafiando al espectador a seguir un rompecabezas narrativo sin precedentes. Es uno de los experimentos más radicales de Nolan en cuanto a estructura y montaje. Se puede ver en Movistar+ y HBO Max.

Batman Begins

Un origen sombrío para el mito del superhéroe moderno, este relato muestra cómo un joven traumatizado por la muerte de sus padres decide combatir el crimen en Gotham. Rechazando la corrupción y el miedo, Bruce Wayne entrena con la Liga de las Sombras antes de regresar a su ciudad para adoptar la identidad de Batman. El guion se detiene en el desarrollo psicológico del héroe y su entorno, lejos de los excesos caricaturescos de adaptaciones anteriores.

Christian Bale encarna a Wayne, acompañado por Michael Caine (Alfred), Liam Neeson (Ra’s al Ghul), Katie Holmes (Rachel Dawes) y Gary Oldman (Jim Gordon). La interacción entre maestro y discípulo, así como la red de lealtades y traiciones, estructura la narrativa. El eje central es la dualidad entre justicia y venganza, y la dificultad de mantener la ética frente a la corrupción sistémica. Esta película marcó el renacimiento del cine de superhéroes, aportando realismo y complejidad emocional, y sentó las bases para el resto de la trilogía. Se puede encontrar en Netflix, HBO Max, Amazon y Movistar+.

Interstellar

Un drama de ciencia ficción -en el que Spielberg se pasó más de un año trabajando- donde el amor y la supervivencia trascienden el tiempo y el espacio, este relato sigue a un grupo de astronautas que viajan a través de un agujero de gusano en busca de un nuevo hogar para la humanidad. Las paradojas temporales y los lazos familiares ponen a prueba la voluntad de los protagonistas.

Matthew McConaughey interpreta a Cooper, un piloto y padre de familia, acompañado por Anne Hathaway, Jessica Chastain e incluso un joven Timothée Chalamet. La relación entre padre e hija es el hilo conductor de una misión plagada de riesgos y dilemas éticos. La película explora la relatividad, la soledad y el sacrificio, combinando especulación científica con emociones intensas. En la obra de Nolan, representa una de sus apuestas más ambiciosas, tanto en alcance visual como en profundidad conceptual. Está disponible en Amazon, Movistar+ y HBO Max.

Memento

Una reflexión sobre la memoria y la búsqueda de la verdad, este rompecabezas narrativo sigue a un hombre que sufre amnesia anterógrada y busca al asesino de su esposa. Incapaz de formar recuerdos nuevos, recurre a notas, fotografías y tatuajes para reconstruir los hechos. La historia se cuenta en dos líneas temporales: una en blanco y negro, cronológica, y otra a color, en orden inverso, sumergiendo al espectador en la confusión del protagonista.

El personaje central es Leonard Shelby, interpretado por Guy Pearce, acompañado por Natalie (Carrie-Anne Moss) y Teddy (Joe Pantoliano), cuyos intereses y lealtades nunca quedan claros. La tensión surge de la incertidumbre sobre en quién confiar, ya que todos parecen manipular la fragilidad de Leonard para sus propios fines. La película explora la relación entre memoria y verdad, cuestionando si la realidad percibida puede diferir radicalmente de los hechos. El espectador, al igual que Leonard, debe poner en duda cada revelación y motivación. Dentro de la obra de Nolan, este filme consolidó su reputación como un renovador del thriller psicológico, al presentar estructuras narrativas audaces y un protagonista atrapado en un dilema existencial. Se pude ver en Amazon, Filmin, Movistar+ y HBO Max.

El caballero oscuro: la leyenda renace

El cierre de una trilogía marcada por el sacrificio y la decadencia, esta entrega muestra a un Batman envejecido y retirado que debe enfrentarse a un nuevo enemigo, Bane, cuya fuerza y determinación amenazan con destruir Gotham desde sus cimientos. La ciudad, al borde de la anarquía, se convierte en campo de batalla para la redención y el legado del héroe.

Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway y Marion Cotillard lideran el reparto, cada uno con motivaciones cruzadas que enriquecen el conflicto. La caída y resurrección de Bruce Wayne se exploran a través de su vínculo con sus aliados y enemigos. El largometraje reflexiona sobre el precio de la esperanza y la resistencia ante el nihilismo. El cierre épico de la saga consolidó a Nolan como creador de relatos en los que la acción y la introspección se entrelazan. Se puede ver en Amazon, Movistar, HBO Max y Netflix.

Oppenheimer

El retrato de un hombre cuya invención cambió el rumbo de la humanidad, este drama biográfico sigue la vida de J. Robert Oppenheimer, el físico que lideró el Proyecto Manhattan para desarrollar la bomba atómica. La historia recorre sus conflictos éticos, su relación con el poder y el peso de sus decisiones.

Cillian Murphy interpreta a Oppenheimer, acompañado por Emily Blunt, Matt Damon y Robert Downey Jr. Los personajes orbitan en torno al protagonista, reflejando las tensiones científicas, políticas y personales de la época. La obra examina la responsabilidad moral del conocimiento y el impacto irreversible de la ciencia en la historia. Nolan fusiona el rigor de la reconstrucción histórica con la introspección psicológica, planteando preguntas sobre el legado y la culpa. No en vano, le valió su primera estatuilla.

Dunkerque

Un relato de supervivencia coral en el marco de la Segunda Guerra Mundial, este largometraje narra la evacuación de cientos de miles de soldados aliados atrapados en Dunkerque. La acción se divide en tres líneas temporales que se entrecruzan: tierra, mar y aire, mostrando distintas perspectivas del mismo acontecimiento.

Aunque no brillaba por sus interpretaciones, el elenco incluye a Fionn Whitehead, Tom Hardy y Mark Rylance, entre otros. La atención se centra más en la experiencia colectiva y la tensión constante que en el desarrollo individual de los personajes. El filme subraya la resistencia, el miedo y el instinto de preservación sin glorificar la guerra. Nolan emplea el montaje paralelo y la mínima exposición para sumergir al espectador en el peligro y la incertidumbre del conflicto. Está disponible en Amazon Prime Video, Movistar+, HBO Max y Netflix.

Origen

Un viaje al subconsciente y la manipulación de la realidad, esta producción plantea la posibilidad de implantar ideas en la mente a través de los sueños. Un ladrón especializado en espionaje onírico lidera un equipo para realizar un encargo imposible: la implantación de un pensamiento en la mente de un heredero empresarial.

Leonardo DiCaprio encabeza el reparto como Dom Cobb, junto a Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy y Marion Cotillard. Cada miembro del equipo aporta una habilidad específica, mientras que los sueños dentro de sueños crean una estructura narrativa vertiginosa. La historia aborda la culpa, la memoria y la dificultad de distinguir entre realidad y ficción. El éxito mundial de la película confirmó la capacidad de Nolan para combinar acción, originalidad conceptual y complejidad emocional en un espectáculo de gran escala. Está disponible en Amazon, Movistar y HBO Max.

El caballero oscuro

Un enfrentamiento entre orden y caos llevado al extremo, este capítulo redefine el género de superhéroes al enfrentar a Batman con el Joker, un criminal impredecible que desafía las reglas de la ciudad y de la mente humana. La lucha entre ambos se convierte en una reflexión sobre el precio de la justicia y los límites de la ley.

Christian Bale regresa como Bruce Wayne, con Heath Ledger en una interpretación inolvidable como el Joker, y Aaron Eckhart como Harvey Dent. Cada personaje representa una faceta distinta del conflicto entre ética, legalidad y locura. El filme explora la fragilidad de las instituciones y el dilema de sacrificar principios por seguridad. Para muchos, esta entrega consolidó a Nolan como un narrador capaz de fusionar espectáculo y profundidad filosófica, redefiniendo la figura del villano y del antihéroe contemporáneo. Se puede ver en Amazon, HBO Max, Movistar+ y Netflix.

El truco final

Una rivalidad que se convierte en obsesión destructiva, este drama victoriano enfrenta a dos ilusionistas rivales cuyo afán por superarse los arrastra a la ruina personal y profesional. Cada truco y engaño esconde un sacrificio mayor, en una escalada donde el límite entre la ciencia, la magia y la locura se desdibuja. La más infravalorada de sus películas y sin embargo quizá la que mejor resume su cine como un gran espectáculo basado en ilusiones.

Hugh Jackman y Christian Bale interpretan a Robert Angier y Alfred Borden, respectivamente, acompañados por Scarlett Johansson y Michael Caine. Los personajes secundarios no solo completan el entorno, sino que actúan como catalizadores de los conflictos principales. La trama profundiza en la adicción al secreto y la necesidad de reconocimiento, mostrando cómo la competitividad puede destruir vidas. El filme destaca en la trayectoria de Nolan por su estructura de engaños y revelaciones, y por abordar temas de identidad, sacrificio y obsesión. Se puede ver en HBO Max y Movistar+.

Una traducción inédita de J.R.R. Tolkien ha sido localizada en la Biblioteca Bodleiana de la Universidad de Oxford, según informó la Universidad de Granada (UGR). El hallazgo amplía de manera significativa el corpus académico del autor de El Señor de los Anillos y aporta nuevos datos sobre su perfil como filólogo y medievalista. El texto descubierto, titulado Soul’s Ward (‘La custodia del alma’), es una traducción al inglés moderno realizada por Tolkien del homiliario medieval Sawles Warde, una obra del siglo XIII escrita en el dialecto AB. Esta variedad lingüística es de especial interés para los estudios filológicos, en particular para quienes investigan la labor académica de Tolkien.

El hallazgo se produjo en el contexto de una investigación impulsada por la UGR sobre literatura medieval inglesa. El texto permanecía inédito y era desconocido para la comunidad científica internacional. Su localización en uno de los fondos documentales más prestigiosos de Europa resalta la importancia de la búsqueda en archivos históricos para el avance del conocimiento. La traducción inédita se identificó durante una investigación de la UGR centrada en la transmisión y transformación de textos de la literatura medieval inglesa. El proyecto, denominado TRANSMEL (Traducción, Transmisión y Transformación en Literatura Medieval Inglesa), explora la relevancia de los manuscritos antiguos y las traducciones en la configuración de la cultura literaria europea.

El descubrimiento se realizó en la Biblioteca Bodleiana, una de las instituciones bibliográficas más reconocidas a nivel mundial. El trabajo de localización del manuscrito fue llevado a cabo por Andoni Cossio, investigador del proyecto TRANSMEL y profesor en la Universidad del País Vasco. Según la información difundida por la UGR, Cossio examinaba manuscritos medievales conservados en la biblioteca británica cuando halló la traducción. El análisis y la catalogación del texto permitieron confirmar la autoría de Tolkien y su valor para los estudios literarios y filológicos.

El texto identificado, Soul’s Ward, corresponde a una traducción al inglés moderno realizada por Tolkien a partir del Sawles Warde, un homiliario del siglo XIII. La obra original está escrita en el dialecto AB, una variante lingüística inglesa de singular importancia para la filología medieval. Esta traducción, hasta ahora desconocida, añade una nueva dimensión a la producción académica de Tolkien. El documento permite observar su metodología de trabajo, su atención al detalle filológico y su interés por la transmisión textual de la literatura inglesa medieval. El hallazgo demuestra que Tolkien no solo fue un novelista conocido mundialmente, sino también un experto en lenguas antiguas y un estudioso de la cultura medieval. La UGR subraya que el descubrimiento amplía de forma notable el corpus de escritos académicos conservados del autor, enriqueciendo el campo de los estudios tolkienianos.

Impacto en el estudio de Tolkien

La incorporación de esta traducción inédita al corpus académico de Tolkien tiene efectos inmediatos en la investigación internacional sobre su figura. El documento ofrece nuevas claves para comprender sus intereses intelectuales y su labor como filólogo, además de ofrecer información relevante para la historia de la traducción y la filología inglesa. Según la UGR, la localización de Soul’s Ward convierte este texto en una fuente de consulta imprescindible para investigadores especializados en Tolkien y en literatura medieval inglesa. El contenido del manuscrito, así como el proceso de traducción y edición, serán objeto de análisis detallado en futuras publicaciones académicas.

El hallazgo también resalta la importancia de la investigación en archivos y fondos documentales de difícil acceso, donde pueden encontrarse materiales inéditos de gran valor para la comunidad científica. El trabajo culminó con la edición crítica de la traducción en la revista The Review of English Studies, publicada por Oxford University Press. Este paso garantiza la difusión internacional del documento y su integración en el debate académico. El responsable directo del hallazgo es Andoni Cossio, quien desarrolló la investigación en el marco del proyecto TRANSMEL de la Universidad de Granada y en colaboración con la Universidad del País Vasco. La UGR destaca la repercusión del descubrimiento y el esfuerzo de los equipos científicos implicados en la recuperación y edición del manuscrito.

El próximo 20 de octubre, la editorial Alfaguara lanzará al mercado La hipótesis más peligrosa, la nueva novela de Arturo Pérez-Reverte. La obra narra un viaje de aventura e iniciación en el que un adolescente y su padre, hasta entonces desconocido para el joven, recorren el Mediterráneo a bordo de un velero envuelto en misterio. La historia tiene como protagonista a Cal Gadea, un chico de dieciséis años criado por sus abuelos y apasionado de los videojuegos. Movido por la necesidad de encontrar respuestas sobre su pasado, Cal localiza en un puerto del Mediterráneo a Asier Lerrant, el padre que nunca conoció. La búsqueda nace de una pregunta persistente: por qué ese hombre abandonó a su madre y lo excluyó de su propia historia. El reencuentro se produce tras seguir pistas difusas y una fotografía antigua.

Durante el trayecto, padre e hijo se embarcan en un velero dedicado al tráfico de arte robado. La travesía se convierte en una doble exploración: por un lado, la indagación íntima de Cal sobre su identidad y, por otro, el desarrollo de una intriga de corte histórico y policíaco. La novela alterna momentos de iniciación personal con la recreación de leyendas, ecos de antiguas batallas y referencias a piratas, imperios desaparecidos y libros clásicos, todos elementos vinculados a la memoria viva del Mediterráneo.

Uno de los hilos conductores de la obra de Reverte es la enseñanza de Lerrant a su hijo sobre las reglas de la navegación y la vida. El personaje transmite un principio fundamental: “prepararlo todo según la hipótesis más probable, pero adoptar las medidas de seguridad según la hipótesis más peligrosa”. Esa máxima, que da título al libro, estructura tanto el relato como el aprendizaje del joven protagonista, quien debe anticipar peligros y aprender a sobrevivir en un entorno incierto.

Las claves de la novela

La hipótesis más peligrosa se presenta como una novela de aventuras y formación, donde el vínculo entre padre e hijo se ve puesto a prueba en un contexto de riesgo y secretos. El Mediterráneo aparece no solo como escenario físico, sino como símbolo de una historia compartida por civilizaciones, exilios y enfrentamientos. Según la propia editorial, la obra es “una asombrosa mirada sobre el Mediterráneo como memoria viva de la Historia: un mar donde todavía resuena el eco de batallas, exilios, piratas, imperios desaparecidos, leyendas, dioses antiguos, libros clásicos y derrotas humanas”.

La novela combinará la tensión del enigma policíaco con la evolución emocional de los personajes principales, quienes deben aprender a confiar y a sortear obstáculos imprevistos. En este contexto, la figura del padre, descrita como hermética y difícil de descifrar, enseña a Cal no solo a navegar, sino a comprender que la supervivencia depende de ciertas reglas fundamentales. La novela llegará a las librerías el 20 de octubre, sumándose a una producción literaria que ha consolidado a Pérez-Reverte como uno de los autores más leídos en español. Entre sus títulos recientes se encuentran Misión en París (de la serie del capitán Alatriste), La isla de la Mujer Dormida y El problema final, todos ellos con un notable desempeño en ventas y crítica. Su obra Línea de fuego fue distinguida con el Premio de la Crítica 2020 y, en mayo de este año, publicó Enviado especial. Una biografía de guerra, que recopila sus crónicas como reportero.

El propio Nolan, en diálogo con Los Angeles Times antes del estreno, explicó que al escribir el guion eligió “lenguaje que tenga significado emocional y no intelectual para las personas”. Por ello, los diálogos de La Odisea no reproducen el texto clásico, sino que emplean formas lingüísticas actuales. “Fui quizás ingenuo, tal vez esto me perjudique, pero quería una narrativa terrenal. Para mí fue una decisión evidente”, sostuvo Nolan sobre su apuesta estilística.

Esta decisión, que quedó en evidencia en los primeros adelantos de la película, provocó una oleada de reacciones en redes sociales. Varios usuarios manifestaron sorpresa y cuestionaron la pertinencia de utilizar inglés moderno en una historia ambientada en la antigua Grecia. Nolan asumió que la polémica era previsible, aunque sostiene que el objetivo principal fue acercar la trama y sus emociones al espectador contemporáneo. La selección del elenco también ha sido objeto de atención. Nolan optó por integrar figuras de gran renombre internacional, como Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya, Charlize Theron, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o y Jon Bernthal. El director justificó esta decisión explicando que los protagonistas de La Odisea “son figuras mitológicas, icónicas en cierto sentido”, y que necesitaba “el mejor grupo de actores” para dotar de relevancia y cercanía a los personajes.

De los bardos al rap

Según el realizador, la presencia de intérpretes ampliamente reconocidos contribuye a que el público moderno se familiarice con el universo mítico de la obra. “Quería que la audiencia se sintiera en casa”, argumentó. La estrategia de Nolan apunta a que los rostros conocidos sirvan de puente entre la antigüedad del relato y la sensibilidad actual. Otro foco de controversia surgió a partir del diseño de las armaduras utilizadas en la película. En redes sociales, varios espectadores señalaron similitudes entre la vestimenta de los guerreros y el aspecto del traje de Batman, personaje que Nolan ya abordó en su trilogía previa.

El director respondió a estos cuestionamientos recordando que existen referencias históricas para el uso de “dagas micénicas de bronce ennegrecido”, y señaló que la técnica para oscurecer el bronce era posible en la época. Añadió que la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick empleó materiales costosos y técnicas de acabado para subrayar la posición social de Agamenón frente al resto de los personajes. La elección del rapero Travis Scott para interpretar al bardo en La Odisea sorprendió a parte de la audiencia, especialmente tras su aparición en los primeros tráilers. Nolan explicó que su objetivo era “rendir homenaje a la idea de que esta historia se ha transmitido como poesía oral, lo cual es análogo al rap”.

La presencia de Scott busca subrayar el carácter oral y performático de la epopeya griega, estableciendo un puente con formas contemporáneas de transmisión narrativa. Esta decisión refuerza el enfoque de la película de actualizar elementos de la tradición clásica para vincularlos con la cultura popular actual. La Odisea de Nolan llega a las salas envuelta en debate por sus elecciones creativas, desde el idioma hasta el reparto y el diseño visual. El director asume que su adaptación puede generar reacciones encontradas, pero defiende la necesidad de reinterpretar los mitos para cada nueva generación.

En el marco de su 35º aniversario, James Cameron anunció el regreso a los cines de Terminator 2: El juicio final. La película, considerada un hito en la historia del cine de acción y ciencia ficción, volverá a proyectarse en salas de todo el mundo a partir del 28 de agosto, en versiones restauradas en 4K y RealD 3D. El relanzamiento coincide con una fecha simbólica para los seguidores de la saga: el llamado “Día del Juicio”, el 29 de agosto, que en la ficción representa el inicio de la rebelión de las máquinas.

El director, responsable de algunos de los mayores éxitos de taquilla de las últimas décadas, subrayó el valor emocional y social de la cinta en el contexto actual. “T2 fue hecha para cines, y nuestra versión en 3D es la mejor manera de verla en la gran pantalla”, afirmó Cameron. Añadió con ironía: “Creo que después de 35 años ya se pueden revelar spoilers: los buenos ganan contra la superinteligencia artificial. Tal vez ese sea un mensaje de esperanza que todos deberíamos emplear este verano”.

La decisión de reestrenar Terminator 2: El juicio final responde, según Cameron, a una convicción sobre la experiencia cinematográfica y la vigencia del mensaje central del filme. El director remarcó que la versión 3D, resultado de una restauración y conversión realizada en 2017 por StudioCanal, ofrece la oportunidad de redescubrir la película en condiciones óptimas. El mensaje de lucha y resistencia frente a amenazas tecnológicas resuena especialmente en un momento de debate global sobre la inteligencia artificial. El reestreno, en palabras del cineasta, busca reunir tanto a quienes vieron la cinta en su estreno original como a nuevas audiencias. Para Cameron, el regreso de Terminator 2 a los cines representa una invitación a reflexionar sobre el futuro y las posibilidades de superar desafíos colectivos.

La distribución internacional estará a cargo de StudioCanal, en colaboración con Fathom Entertainment y Rialto Pictures. La película se proyectará en salas de Estados Unidos desde el 28 de agosto, con estrenos escalonados en otros países hasta principios de septiembre. Las funciones incluirán versiones restauradas en 4K y RealD 3D, además de otros formatos premium. El evento se enmarca en una estrategia de recuperación y celebración de clásicos modernos. Según Anna Marsh, directora general de StudioCanal y responsable de contenidos de CANAL+, la restauración y revalorización de obras cinematográficas es un pilar de la compañía. Marsh afirmó que la magnitud del lanzamiento global es resultado de una colaboración intensa y entusiasta con los socios estadounidenses.

Todo coincide

El relanzamiento coincide de manera deliberada con el “Día del Juicio” de la trama, lo que añade un componente simbólico para los seguidores de la saga. El 29 de agosto es, en la narrativa de la franquicia, la fecha en que una inteligencia artificial inicia un ataque contra la humanidad, desencadenando los acontecimientos centrales de la película. Terminator 2: El juicio final se consolidó como la entrega más exitosa de la serie, con una recaudación de más de $517 millones en taquilla mundial. El filme, estrenado originalmente en 1991 como secuela de la cinta de 1984, recibió cuatro premios Oscar: Mejor Sonido, Mejor Edición de Efectos Sonoros, Mejores Efectos Visuales y Mejor Maquillaje. Además, obtuvo la calificación A+ de CinemaScore, una distinción poco frecuente.

El impacto de la película se extendió más allá del ámbito comercial y crítico. La combinación de efectos especiales innovadores, secuencias de acción y una narrativa centrada en dilemas éticos y tecnológicos contribuyó a su permanencia en la cultura popular. El relanzamiento busca poner en valor tanto el legado visual como el mensaje de la obra. La cinta cuenta con las actuaciones de Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong y Robert Patrick. El trabajo de efectos especiales, en particular la representación del antagonista T-1000, supuso un avance técnico significativo para la época. La banda sonora, que incluye el tema “You Could Be Mine” de Guns N’ Roses, se integró en el imaginario colectivo.

El director destacó que el reestreno permitirá apreciar nuevamente la potencia visual y sonora de la película en condiciones similares a las de su lanzamiento original. Según Ray Nutt, director ejecutivo de Fathom Entertainment, la cinta “fue un fenómeno cultural en Estados Unidos y, 35 años después, sigue siendo una experiencia que atrapa tanto a públicos nuevos como a veteranos”. El retorno de Terminator 2: El juicio final a las salas representa una oportunidad para revivir una de las obras más influyentes del cine de acción moderno, en un formato que busca cautivar a una nueva generación de espectadores y recordar la vigencia de sus temas centrales.

El director Christopher Nolan sorprendió al revelar que los efectos especiales de La Odisea fueron “muy inspirados” en el trabajo de Guillermo del Toro. Este reconocimiento surge a pocos días del esperado estreno mundial de la adaptación cinematográfica del clásico griego, que llegará a las salas el 17 de julio y ya ha sido elogiada tras su premiere global en Londres. La Odisea marca un hito como la primera película filmada completamente con cámaras IMAX, combinando escenarios reales con una producción a gran escala. Nolan, conocido por evitar el uso de efectos generados por computadora, apostó por técnicas prácticas para dar vida al universo de Homero, un desafío que ha captado la atención de la industria y el público.

En una entrevista concedida a LA Times, Nolan explicó que su aproximación a los monstruos y criaturas mitológicas se basó en la filosofía de Del Toro sobre el tratamiento de seres fantásticos. “Me inspiré mucho en Guillermo del Toro. Lo que aprendí de él es que un monstruo no es un monstruo. Hay que abordarlos como a cualquier otro personaje”, afirmó el director. Esta visión, según Nolan, influyó tanto en el diseño como en la actuación de los seres mitológicos presentes en la cinta.

El trabajo reciente de Del Toro en su filme Frankenstein ha sido especialmente destacado en la industria, tras obtener premios en las categorías de ‘Mejor diseño de producción’, ‘Mejor maquillaje y peluquería’ y ‘Mejor vestuario’ en la última entrega de los Óscar. Nolan reconoció que este enfoque contribuyó a repensar la manera de integrar criaturas complejas en un contexto realista y emotivo. Uno de los aspectos que ha despertado mayor expectación es la ausencia de efectos digitales. Nolan subrayó que todos los efectos de La Odisea fueron generados íntegramente por equipos humanos, sin intervención de CGI. Para recrear a la temida Escila, el monstruo de seis cabezas, se recurrió a técnicas de animatrónica y diseño artesanal, inspiradas directamente en la metodología de Del Toro.

Creando al cíclope

El director detalló que la creación del cíclope Polifemo, interpretado por Bill Irwin, fue otro ejemplo de integración entre tecnología y actuación física. “Utilizamos marionetas, animatrónica, robótica, pero Bill estuvo en el rodaje durante un mes. Además de ser un gran actor, es mimo, payaso, sabe usar su cuerpo. Él fue la esencia”, explicó Nolan en la misma entrevista. Esta combinación de recursos permitió dotar de realismo y presencia tangible a los personajes mitológicos. La decisión de prescindir de imágenes generadas por computadora refuerza el sello distintivo de Nolan, quien en producciones anteriores, como Oppenheimer e Interstellar, ya había apostado por efectos prácticos y fotografía real. En La Odisea, esta elección se convierte en un elemento central del discurso visual, acercando al espectador a una experiencia más orgánica.

Con un presupuesto estimado de $250 millones, La Odisea se perfila como una de las producciones más ambiciosas del año. La cinta fue rodada en locaciones naturales de diferentes continentes, aprovechando la tecnología IMAX para maximizar la inmersión visual. La premiere mundial, celebrada el 6 de julio en Londres, recibió elogios por el despliegue técnico y la fidelidad a la épica original. La recepción anticipada y la magnitud de la campaña internacional han generado comparaciones con el anterior éxito de Nolan, Oppenheimer, que alcanzó una recaudación de $976,8 millones en taquilla. Analistas de la industria consideran que La Odisea podría igualar o superar esos registros, en parte por el atractivo de su propuesta visual y la reputación del director.

Para Nolan, La Odisea representa un texto fundacional que ha permeado de manera subterránea toda su filmografía. “He estado contando esta historia en todas mis películas durante años. Es una historia familiar, de amor, de venganza, de guerra, de madurez”, sostuvo el cineasta. Esta declaración sitúa la adaptación no solo como un homenaje a la literatura griega, sino como una síntesis de los grandes temas que atraviesan su obra. El estreno de La Odisea se plantea así como un acontecimiento cinematográfico, tanto por la innovación técnica como por la reinterpretación de un clásico universal. La influencia de Guillermo del Toro y la apuesta por los efectos prácticos consolidan una tendencia que desafía las convenciones del cine comercial actual.

El actor Sacha Baron Cohen ha concluido la filmación de una nueva película protagonizada por Ali G, el personaje que lo lanzó a la fama internacional. El rodaje se mantuvo en secreto, siguiendo el patrón que el actor ya había empleado con Borat en 2006 y Borat película film secuela en 2020, dos de sus éxitos más reconocidos. Esta estrategia de confidencialidad permitió que el proyecto avanzara sin filtraciones hasta ahora, cuando trascendió públicamente que Ali G regresará al cine más de dos décadas después de Ali G anda suelto.

El proyecto se mantuvo fuera del radar durante toda la producción. Según la información difundida, la filmación se realizó bajo estricta reserva y sin anuncios previos, replicando una fórmula que Cohen ha perfeccionado para preservar el elemento sorpresa en sus trabajos. El método de rodaje en secreto ha sido característico de su carrera, permitiendo la obtención de reacciones genuinas y evitando la intervención de terceros antes del estreno. Hasta el momento, no se han revelado detalles sobre la trama ni sobre la fecha prevista de estreno. Un portavoz de Cohen declinó hacer comentarios sobre la naturaleza del filme o su contenido, reforzando el hermetismo que ha rodeado la producción.

Ali G debutó como personaje en The 11 O’Clock Show del canal británico Channel 4, donde rápidamente se distinguió por su estilo irreverente y su particular sentido del humor. El personaje es un entrevistador que utiliza la jerga de la cultura hip hop, lo que a menudo desconcierta a los invitados, entre los que se han contado figuras como Noam Chomsky, Andy Rooney y Newt Gingrich. La popularidad alcanzada en el Reino Unido permitió que Ali G tuviera su propio programa, Da Ali G Show, a inicios de los años 2000. Posteriormente, el personaje ganó notoriedad en Estados Unidos tras la emisión del programa en la cadena HBO, consolidando su estatus como un referente de la comedia satírica.

La historia de Ali G

La primera película de Ali G, titulada Ali G anda suelto, se estrenó en 2002 y llevó al personaje al formato cinematográfico. La cinta fue recibida con entusiasmo por los seguidores de Cohen, quienes vieron en el filme una extensión del humor absurdo y provocador que caracteriza a sus sketches. Desde entonces, el personaje se mantuvo presente en la cultura popular, aunque sin nuevas incursiones cinematográficas hasta este anuncio. En la actualidad, el regreso de Ali G genera expectativas entre los fanáticos y observadores de la comedia. El personaje es reconocido por su capacidad de poner en aprietos a sus entrevistados y por su influencia en la televisión de sátira, un género que ha evolucionado significativamente desde su debut.

En los últimos años, Sacha Baron Cohen ha diversificado su carrera con participaciones en distintos géneros. Fue nominado al Oscar por su interpretación de Abbie Hoffman en The Trial of the Chicago 7. También ha formado parte de elencos en producciones como Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, The Dictator, Hugo, Alice Through the Looking Glass, Les Misérables y varias entregas de la franquicia animada Madagascar. Recientemente, Cohen actuó en las películas Ladies First y Balls Up, ambas disponibles en la plataforma Netflix. En el ámbito del streaming, compartió pantalla con Kevin Kline y Cate Blanchett en la serie Disclaimer, dirigida por Alfonso Cuarón para Apple+. Además, Cohen fue creador de Who is America en 2019, un programa de sketches que le valió nominaciones a los premios Emmy, al igual que Da Ali G Show. Sus trabajos en Borat y Borat Subsequent Moviefilm también le significaron candidaturas a los premios de la Academia por los guiones.

La primera información sobre la finalización del rodaje de la nueva película de Ali G fue reportada por The Insider. Hasta el momento, los representantes de Cohen no han ofrecido comentarios oficiales acerca de la producción ni detalles adicionales sobre el reparto o el equipo técnico involucrado. El hermetismo de la producción, sumado al historial del actor en proyectos de comedia satírica y provocadora, mantiene la expectativa sobre el tipo de enfoque que tendrá este regreso. El estreno de una nueva película de Ali G representa el retorno de uno de los personajes más influyentes y recordados de la carrera de Sacha Baron Cohen.

Cuando el verano irrumpe con sus días largos y el calor invita a buscar refugio en piscinas, playas o bosques, el cine ofrece relatos que exploran el lado oculto de la temporada más luminosa. Piscinas vacías, playas salvajes y grandes aventuras bajo el sol se convierten en paisajes donde adolescentes y adultos se enfrentan a transformaciones profundas, decisiones difíciles y momentos de autodescubrimiento. Estas historias no solo evocan la libertad, sino también la incertidumbre y el vértigo de crecer.

Películas como El nadador convierten la travesía acuática en una metáfora del ocaso y la introspección, mientras que El graduado retrata la confusión y el desconcierto de quienes buscan sentido tras el fin de una etapa. Otras, como Los reyes del verano, imaginan la fuga adolescente como un experimento de independencia que revela la complejidad de los lazos familiares. Los amos de Dogtown lleva la acción a las piscinas vacías de Los Ángeles, donde la rebeldía y la invención marcan el nacimiento de una cultura. Finalmente, Creatura aborda la construcción de la identidad y el deseo en un entorno costero que invita a mirar de frente el pasado.

El nadador (Filmin)

Considerada todo un clásico de culto, El nadador parte de un relato del escritor estadounidense John Cheever para ilustrar el ocaso de toda una generación, la que retrata a través de los ojos de Ned Merrill (Burt Lancaster), una suerte de Donald Draper que surca su barrio a través de piscinas de vecinos. En su aventura se irá reencontrando con viejos amigos y otros que ya no lo son tanto, mientras comienza a darse cuenta del daño que ha hecho y de todas esas cosas que tenía que cuidar y que decidió ignorar metiendo la cabeza bajo el agua.

La película fue además una de las que marcó la transición del Hollywood al Nuevo Hollywood, con una serie de cambios en la forma de filmar que ya se atisbaban en Bonnie y Clyde y que serían continuados con toda la camada de directores de los años 70, desde Martin Scorsese y Brian de Palma a Francis Ford Coppola.

El graduado (Amazon Prime y Filmin)

La última escena de El graduado condensa el desconcierto de toda una generación. Benjamin Braddock, interpretado por Dustin Hoffman, acaba de irrumpir en una iglesia y escapar con Elaine Robinson. Entre miradas de sorpresa y respiraciones agitadas, ambos suben a un autobús, sucios y eufóricos. El silencio de los minutos finales revela una pregunta tácita: ¿qué viene después de romper con todo? La película, dirigida por Mike Nichols, retrata la incomodidad de un joven atrapado entre expectativas familiares y la rutina de la vida acomodada en los suburbios de Estados Unidos. Benjamin, recién graduado, se siente perdido y sin un propósito claro. Su relación con la señora Robinson, madre de Elaine, es tanto una huida como una búsqueda de sentido.

A lo largo de la historia, la banda sonora de Simon & Garfunkel acompaña el vacío existencial del protagonista. Nichols utiliza planos largos y silencios para subrayar la apatía y el desconcierto. El guion evita respuestas fáciles y muestra el peso de las decisiones impulsivas. El filme plantea el dilema de una juventud que, aun desafiando las reglas sociales, no encuentra respuestas inmediatas a su malestar. La historia de Benjamin ilustra el tránsito entre la rebeldía y la incertidumbre adulta.

Los reyes del verano (Amazon Prime)

Su protagonista está de rigurosa actualidad con el estreno de Mensajes de voz para Isabelle en Netflix, pero pocos saben que Nick Robinson se dio a conocer con esta aventura adolescente. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts, quien luego haría Kong: La isla calavera, la película cuenta la historia de tres jóvenes que se “autoindependizan” de sus familias huyendo al bosque para vivir su propia vida, aunque sea durante un verano.

La fotografía naturalista, los cómicos diálogos a cuenta de secundarios como Nick Offerman (también presente en la película que estrena Netflix ahora) o la música hacen de Los reyes del verano una coming of age imperdible para el verano.

Los amos de Dogtown (Netflix)

El relato de Los amos de Dogtown reconstruye el surgimiento de un fenómeno cultural a partir de las hazañas de un grupo de jóvenes skaters del barrio de Venice, en Los Ángeles. La película dirigida por Catherine Hardwicke se centra en la vida de Tony Alva, Stacy Peralta y Jay Adams, quienes transformaron la cultura del skate a mediados de los años setenta. El filme muestra cómo estos adolescentes, integrantes del equipo Z-Boys, comenzaron a experimentar con patinetas en piscinas vacías durante una fuerte sequía. Esta innovación marcó un antes y un después, ya que su estilo agresivo y creativo redefinió el deporte y lo llevó a una nueva dimensión de popularidad.

La convivencia entre los integrantes del grupo estuvo marcada tanto por la camaradería como por las rivalidades y las oportunidades comerciales que surgieron a su alrededor. La llegada de patrocinadores y la fama pusieron a prueba las relaciones personales, evidenciando las diferencias de carácter y las distintas formas de afrontar el éxito. Los amos de Dogtown responde a una pregunta clave: ¿cómo afecta la fama a quienes nacen en la periferia social? La película ilustra que el reconocimiento repentino trae consigo desafíos y sacrificios, y que el espíritu original puede verse amenazado cuando lo marginal se convierte en mercancía. Al final, los protagonistas deben decidir si priorizan la amistad o el éxito individual, enfrentándose a las consecuencias de sus elecciones.

Creatura (HBO Max)

El tránsito de la niñez a la vida adulta encuentra en Creatura una mirada íntima y sensorial. La película, dirigida por Elena Martín, narra la historia de Mila, una joven que, tras una ruptura sentimental, regresa a la casa familiar en la costa catalana. Este retorno la lleva a confrontar recuerdos de su adolescencia y a revisar la relación con su propio cuerpo y su deseo. A través de una estructura fragmentada, el filme reconstruye las etapas clave de la vida de Mila, desde la infancia hasta la juventud. Cada salto temporal revela cómo experiencias aparentemente menores pueden dejar marcas profundas y duraderas. La exploración de la sexualidad femenina se aborda sin juicios ni idealizaciones, mostrando tanto la curiosidad como la confusión y el peso de los silencios familiares.

La película responde a una pregunta central: ¿cómo influyen los recuerdos y el entorno familiar en la construcción de la identidad? El proceso de Mila (Elena Martín) expone la dificultad de romper con patrones heredados y la importancia de reconciliarse con el pasado para poder avanzar. En Creatura, la cámara y el paisaje costero se convierten en testigos silenciosos de una transformación interior. El relato muestra que crecer implica aceptar lo vivido y atreverse a mirar de frente aquello que durante años se prefirió callar.