El actor Matthew Lillard lamentó su regreso a Scream y afirmó que debió rechazar su participación en la séptima película de la franquicia tras el despido de Melissa Barrera. El actor, que interpretó a Stu Macher en la cinta original de 1996, habló durante una sesión de preguntas y respuestas por los 30 años de Scream. Allí reconoció que aceptó volver al proyecto sin reparar en la situación de Barrera. Matthew Lillard sostuvo que se siente avergonzado por haber retomado su personaje en Scream 7. El actor relacionó su decisión con la salida de Melissa Barrera, apartada de la producción después de publicar mensajes de apoyo a Palestina y críticas a las acciones de Israel en la guerra entre Israel y Hamas. “Me siento mal por eso. Me siento avergonzado”, dijo Lillard ante el público. Según explicó, la posibilidad de regresar a la saga lo entusiasmó y no pensó en lo que atravesaba Barrera ni en las implicancias de aceptar el trabajo.

El intérprete afirmó que “debió haber dicho que no” a la propuesta. También reconoció que fue cuestionado por reincorporarse a la franquicia y sostuvo: “Me equivoqué. Estoy del lado equivocado de la historia en eso”. Lillard indicó que aún disfruta formar parte de la película, aunque admitió que su vuelta “quizás no fue la mejor idea”. Sus declaraciones surgieron cuando un asistente le preguntó por las dificultades que enfrentan las figuras públicas al pronunciarse sobre asuntos políticos.

El actor dijo que procura defender a las comunidades queer y trans, así como manifestarse contra el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE). Aun así, reconoció que tomar posiciones públicas puede tener consecuencias laborales. Durante el encuentro, Lillard se refirió a Barrera como una actriz “hermosa” y cuestionó que fuera despedida luego de sus publicaciones. “Es una mierda y es muy duro”, afirmó sobre el caso. Spyglass Entertainment apartó a Barrera de Scream 7 a finales de 2023. La compañía señaló entonces que tenía “tolerancia cero con el antisemitismo o la incitación al odio en cualquier forma”.

Los cambios que atravesó la última película

Barrera rechazó las acusaciones de antisemitismo y explicó que utilizaba su plataforma para visibilizar asuntos que le preocupaban. La actriz también sostuvo que el silencio no era una opción para ella. Lillard consideró que la industria del cine no reaccionó como debía ante la salida de Barrera. Según dijo, “todo el mundo” tendría que haber expresado respaldo a la actriz cuando perdió su puesto dentro de la saga. El actor añadió que Barrera anticipó un debate que luego se amplió en Hollywood. También recordó que, tras su despido, las ofertas de trabajo para la intérprete disminuyeron, de acuerdo con lo que ella misma había contado.

Barrera encabezó el relanzamiento de la franquicia desde 2022 como Sam Carpenter, un personaje vinculado a Billy Loomis, uno de los asesinos Ghostface de la primera película. Participó en dos entregas antes de quedar fuera del proyecto. Su salida provocó cambios en la producción. El director Christopher Landon también abandonó la película, al igual que Jenna Ortega, quien interpretó a Tara Carpenter, hermana de Sam. La salida de Ortega fue atribuida en un primer momento a compromisos con la serie Miércoles, de Netflix. Más tarde, la actriz explicó que decidió no continuar porque el proyecto “se estaba desmoronando”.

Ortega declaró a The Cut que, si Scream 7 no iba a contar con el equipo de directores y las personas con las que había trabajado, no le parecía la decisión adecuada para su carrera en ese momento. La séptima entrega reorientó su historia hacia Sidney Prescott, el personaje interpretado por Neve Campbell. Kevin Williamson, guionista de la película original, volvió como coguionista y director de una trama en la que un nuevo Ghostface apunta contra Tatum, la hija de Sidney, interpretada por Isabel May.

Es la actriz de la que todo el mundo habla, y tiene pinta de que seguirá siendo así durante los próximos meses. Inde Navarrette se dio a conocer mundialmente hace tan solo unos meses gracias a la película Obsession, y desde entonces se ha convertido en la niña bonita de Hollywood. Elogios, premios y festivales infinitos que la han llevado a conocer a una de sus referentes, que resulta ser nada más y nada menos que la mismísima Penélope Cruz.

Ambas han coincidido en Toronto, donde ha tenido lugar el Festival Internacional de Toronto (TIFF) y donde Navarrette recogía un premio de parte de IMDB, la mayor web de cine y series en todo el mundo. Después de recoger el premio IMDb “Breakout” STARmeter, Navarrette confesaba que acababa de encontrarse con la actriz española, y que le había hecho tanta o más ilusión que recibir el premio, el cual había sido designado por los más de 250 millones de usuarios mensuales de la web.

“He conocido a Penélope Cruz, me ha dicho que aun no ha visto la película Obsession y le he dicho que no hacía falta, que ella no tiene por qué saber quién soy. Estoy obsesionada con ella. Voy a por ti, Penélope, no para seguir tu carrera sino porque estoy obsesionada contigo”, bromeaba en última instancia la joven actriz. Penélope Cruz se encontraba allí promocionando dos de sus últimas películas, tanto The Invite de Olivia Wilde -basada en Sentimental de Cesc Gay- como La bola negra, la película de los Javis por la que se podría convertir en una rival para la propia Navarrette.

Amigas y puede que rivales

Lo cierto es que Navarrette ha cosechado ya varios premios en lo que va de temporada, entre ellos Critics’ Choice Super Awards, los Premios cinematográficos Astra de mitad de temporada o el Festival Internacional de Cine de Seattle, además del mencionado de IMDB. Falta por ver si la actriz se acaba asentando en la temporada principal de premios, con los Globos de Oro y quién sabe si los Oscar, un lugar en el que parece que también estará La bola negra, convirtiendo a Navarrette y Cruz de amigas a rivales.

Tras el éxito de Obsession, a Navarrette no han parado de lloverle ofertas, y la que ha aceptado primero de forma oficial es la propuesta de Marvel con X-Men, la película basada en el universo de los mutantes y que contará con Jake Schreier (Thunderbolts) como director y gente como Sadie Sink, Kit Connor, Samara Weaving, Christopher Abbott o Adam Driver en su reparto. Navarrette dará vida a Rogue/Pícara, uno de los personajes más fuertes de los X-Men, y es solo cuestión de tiempo ver si ya ha hecho como esta superheroína y le ha “robado” sus poderes a Penélope Cruz tras estar en contacto con ella. De momento parece que, como dirían en Casablanca, ha sido el comienzo de una bonita amistad entre la española y la que se ha convertido en la actriz de moda en Hollywood.

Así se ha anunciado esta misma mañana en la Academia de Cine, en un acto presentado por el presidente de la misma, Fernando Méndez-Leite, y que ha contado con la presencia del prestigioso director Alejandro Amenábar, encargado de hacer oficial el anuncio. La bola negra competía con El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen con Javier Bardem y Victoria Luengo como protagonistas, y con Los domingos, la última película de Alauda Ruiz de Azúa. Las tres cintas estuvieron presentes en la pasada edición del Festival de Cannes, de la que salió también triunfadora La bola negra tras obtener el galardón a Mejor dirección ex-aequo con Pawel Pawlikowski por Fatherland.

Decrita como “una épica y romántica aventura queer”, La bola negra cuenta las historias de tres hombres de tres épocas distintas pero conectados por la sexualidad y el deseo, a la vez que unidos por un mismo hombre: Federico García Lorca. La película está a su vez basada en el texto del dramaturgo Alberto Conejero La piedra oscura, que narra el encuentro íntimo de un soldado del bando nacional con un soldado republicano, inspirado en la figura del histórico Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista y buen amigo de Lorca. En la película, estos tres protagonistas están interpretados por Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos González, así como otros como Penélope Cruz, Miguel Bernardeau o Lola Dueñas, quien ya apareció en La Mesías.

Una nueva carrera para España

La bola negra sucede de esta forma a Sirat. Trance en el desierto, que fue la película escogida por la Academia para representar a España en los últimos Oscar, celebrados el pasado mes de marzo y donde la película de Oliver Laxe estaba nominada tanto a Mejor película Internacional como a Mejor sonido, cuyo equipo charló en exclusiva con Infobae el día de antes de la gala. Al igual que sucedió con aquella, La bola negra podría aspirar a otras candidaturas además de la de Mejor película internacional, aunque eso ya dependerá de los gremios de cada uno de los oficios. Habrá que esperar al próximo 15 de diciembre para conocer las famosas shortlists, y hasta el 21 de enero de 2027 para conocer las nominadas finales antes de una gala que tendrá lugar el próximo 14 de marzo de 2027.

Después de un año que ya está siendo histórico por la triple participación en Cannes, España tiene ahora en su mano volver a hacer historia en los Oscar. Lleva sin ganar el galardón a Mejor película Internacional desde 2004 con Mar adentro, precisamente de Alejandro Amenábar, encargado de pasar ahora el testigo a Los Javis. No lo tendrán fácil, eso sí, ya que de momento ya tienen enfrente a la que se llevó la Palma de Oro en Cannes, Fjord, que representará a Rumanía, así como otros títulos; All of a sudden (Japón), Possible Love (Corea del Sur) o Silent Friend (Hungría), entre otros.

HBO prevé estrenar la segunda temporada de El Caballero de los Siete Reinos durante la primera mitad de 2027. Casey Bloys, presidente y director ejecutivo de HBO y Max Content, confirmó esa ventana de lanzamiento, aunque la cadena todavía no informó una fecha exacta para el regreso de la producción. La nueva entrega continuará la historia de Ser Duncan “Dunk” el Alto y su escudero Egg en Poniente. La segunda temporada adaptará La espada leal, la segunda novela corta de la serie Cuentos de Dunk y Egg escrita por George R. R. Martin.

Bloys dio la actualización durante una entrevista con Deadline, cuando fue consultado por los planes de HBO para ampliar el universo de Juego de tronos mediante nuevas series derivadas. El directivo nombró a El Caballero de los Siete Reinos y La Casa del Dragón al referirse a las producciones de la franquicia. Luego confirmó que la segunda temporada de la serie sobre Dunk y Egg llegará en la primera mitad de 2027. De momento sabemos que su rodaje ha tenido en parte lugar en España, en concreto en zonas de las Islas Canarias como Artenara y La Fortaleza de Ansite.

“Está por salir en la primera mitad de 2027”, afirmó Bloys sobre la producción, a la que describió como nominada a los premios Emmy. Sus declaraciones fijan por primera vez un período previsto para el estreno, sin precisar día ni mes. Bloys también descartó otros proyectos en desarrollo dentro de la franquicia. “Además de eso, no, nada más”, respondió al ser preguntado si HBO planeaba nuevas series además de El Caballero de los Siete Reinos y La Casa del Dragón. La información llega cerca de un mes después de que Peter Claffey, actor que interpreta a Dunk, comunicara que el rodaje de la segunda temporada había concluido.

Expandiendo el universo

El Caballero de los Siete Reinos es la segunda serie derivada de HBO basada en el universo de Game of Thrones, después de La Casa del Dragón. Esta última completó tres temporadas y su cuarta entrega está prevista para 2028, de acuerdo con la información difundida. La historia de Dunk y Egg transcurre aproximadamente 100 años antes de los acontecimientos de Juego de tronos. La próxima temporada mostrará a ambos personajes durante sus viajes por Poniente, donde se verán involucrados en nuevos conflictos.

El relato elegido para la adaptación es The Sworn Sword, la segunda novela corta de Tales of Dunk and Egg. La serie sigue a Dunk, un caballero errante, y a Egg, su joven escudero, en una etapa anterior a los sucesos de la saga principal. Ira Parker desarrolla la producción como responsable creativo. Claffey volverá a encabezar el elenco como Ser Duncan “Dunk” el Alto, junto con Dexter Sol Ansell, quien interpreta al príncipe Aegon “Egg” Targaryen.

La segunda temporada incorporará a Peter Mullan como Ser Eustace Osgrey, Babou Ceesay como Ser Bennis y Lucy Boynton como Lady Rohanne Webber. HBO aún no comunicó cuándo comenzará la emisión ni cuántos episodios tendrá la nueva entrega. La confirmación de Bloys solo establece que el estreno se espera entre enero y junio de 2027. Claffey había adelantado que la segunda temporada tendrá “un tono diferente” respecto de la primera.

Si eres de esas personas que vive crónicamente online, probablemente la frase “Y a veces se me olvida” haya resonado con fuerza en tu cabeza durante estos días. La razón se debe a un vídeo viral que lleva toda la semana circulando por redes sociales y que, sin tener nada del todo especial, ha conseguido conquistar a cada uno de los que lo han visto. Se trata de una serie de jóvenes -y no tan jóvenes- cantando una canción al unísono, algo que no podría parecer nada del otro mundo. Pero hay detalles en ese vídeo que han hecho que cada vez más gente haya reparado en él, hasta llevar ya más de 30 millones de visualizaciones solo en X. Uno de esos detalles es la canción que ha originado todo.

El vídeo, que pertenece a la familia Caño como han corroborado varios medios, reproduce una canción que llevaba en el olvido más de diez años, y que pertenece a una banda del todo extinta, aunque cuenta con una versión curiosamente protagonizada por una estrella muy de actualidad. La canción en concreto se llama Dama y Vagabundo, y pertenece a la boy-band Bromas Aparte. Esta formación se originó en Madrid y estaba formada por formación integrada por Keko (cantante, compositor y fundador de la banda), Guille (bajista, compositor y fundador de la banda), Marcos, (batería y community manager de la banda), Alex, (guitarra y responsable de coros) y Lalo, (guitarrista y compositor).

El tema pertenece al álbum de la banda #MillenialsRock, único LP del grupo después de lanzar sencillos como Si se pone a llover, Estoy loco, Abrázame muy fuerte o la propia Dama y Vagabundo, que es la que canta la familia Caño en el famoso vídeo. Una canción que, como era de esperar, ha crecido exponencialmente en reproducciones dentro de plataformas como Spotify, donde ahora acumula 3 millones de oyentes, mientras que el grupo, que lleva sin actividad desde 2017, ha reflotado su popularidad con hasta 40 mil oyentes.

De Ana Mena a Gerard Piqué

Lo más curioso de todo es que la canción conecta una banda extinta con una cantante que a día de hoy no puede ser más relevante, como es Ana Mena. La malagueña colaboró con Bromas Aparte allá por 2016, cuando la por entoces jovencísima cantante no era tan conocida, haciendo una versión aun más especial del tema que ha terminado escogiendo la familia Caño para su vídeo. Aunque en un inicio mucha gente pensó que podía tratarse de una canción religiosa, la historia ha dado un gran giro al descubrirse que se trataba en realidad de un tema pop de lo más nicho, ya que no todo el mundo conocerá la banda. Ni siquiera los que se consideren más fan de Ana Mena.

Aun así, nada ha podido evitar que el vídeo llegase a gente tan famosa como Gerard Piqué, que lo compartía en su perfil de X, y otras tantas personalidad que han interactuado con el momento musical de la familia Caño. Por su parte, algunos de los integrantes de la familia y el vídeo han respondido a la atención recibida con otra canción, dedicada “a todos los haters”. Se trata de un nuevo vídeo en el que se puede ver a los hermanos subidos a una colina y cantando Los Tontos, un tema de C. Tangana que el artista madrileño hizo en colaboración con Kiko Veneno. Han nacido nuevas estrellas.

Thornton explicó que no era una aplicación en un teléfono, sino una máquina instalada en el set. “Oímos un pedo y seguimos”, recordó sobre una escena de clase. La segunda vez, el elenco identificó que alguien estaba detrás de los efectos sonoros. La actriz también mencionó que Mike Flanagan utilizaba el aparato para aliviar el clima de secuencias con carga dramática. El equipo trabajaba sobre una historia marcada por el acoso, la violencia y el despertar de los poderes telequinéticos de Carrie White. Summer H. Howell, protagonista de la serie, también participó en una de esas intervenciones. La actriz accionó la máquina durante un beso entre Sue Snell, interpretada por Siena Agudong, y Tommy, papel de Joel Oulette. Howell dijo que ese momento le provocó nervios, pese a que se trataba de una broma. La primera vez que intentó activar el mecanismo durante la escena, el aparato no funcionó.

El uso de la máquina contrastó con la exigencia técnica del baile de graduación, la secuencia central de Carrie. Durante una jornada de rodaje en Vancouver, Howell permaneció cubierta de sangre artificial mientras el equipo preparaba planos con llamas, aspersores y objetos que debían salir despedidos. Flanagan recordó que el grupo de producción estaba dos horas retrasado y “aguantando por las uñas”. El director explicó que debían destruir el escenario en un orden preciso para obtener las tomas necesarias antes de prender fuego a partes del gimnasio, cubrirlas de sangre o inutilizarlas para nuevas filmaciones.

La producción utilizó distintos tipos de sangre artificial para la escena. Flanagan detalló que había productos para la piel, el cabello y los ojos, además de una mezcla más espesa. El líquido usado para el balde que cae sobre Carrie le pareció demasiado acuoso en una toma aérea, porque tenía una apariencia más cercana a la pintura. La secuencia también requirió tres niveles de barras de fuego detrás de Howell. Cuando las llamas no se encendían a tiempo para seguir la acción, el equipo recurrió a un acelerante. Los aspersores añadieron otra dificultad: el guion establece que Carrie aplasta las tuberías con la mente, pero los operadores de los interruptores todavía no lograban coordinar el efecto.

La serie traslada la historia de Stephen King a la actualidad y sitúa el conflicto de Carrie en una escuela atravesada por redes sociales. La joven, criada en aislamiento por su madre religiosa, Margaret White, y su padre, Ralph, ingresa por primera vez a una escuela pública tras la muerte accidental de él en una obra de construcción. Según la información adelantada por la producción, el Estado no tenía registro de Margaret ni de Carrie antes de la llegada de trabajadores sociales a la casa familiar. El hogar carece de buena parte de la tecnología contemporánea debido a los temores de Ralph a una posible vigilancia gubernamental.

Una Carrie algo diferente

Howell interpreta a una Carrie que desconoce buena parte del mundo exterior y que se convierte en blanco de agresiones físicas y virtuales. Chris, la alumna popular a cargo de Thornton, graba el episodio de la primera menstruación de Carrie en el vestuario y crea una cuenta de Instagram que afecta a toda la comunidad. Flanagan indicó que quiso evitar una mirada automática de villanía sobre los personajes. Thornton sostuvo que Chris actúa desde el dolor tras la separación de sus padres y porque siente que perdió el control sobre su vida. Samantha Sloyan, quien interpreta a Margaret, describió a su personaje como una madre cuyo amor por su hija convive con decisiones violentas.

El rodaje reunió a varios intérpretes que ya habían trabajado con Flanagan, un grupo al que el director y sus seguidores llaman “Flanafam”. Kate Siegel, esposa y colaboradora del realizador, participa en un papel no revelado y suma su décima actuación en una producción dirigida por él. Sloyan encarna a Margaret White en su séptima colaboración con Flanagan. Rahul Kohli interpreta a un profesor de Ewen High School, mientras Michael Trucco asume el papel del padre de Chris. Matthew Lillard, conocido por la saga de terror Scream, interpreta al director Grayle.

Flanagan dijo que prefiere el término “Flanafam” frente a “Flanaverse”, porque siente que el vínculo con sus actores se parece más a una familia que a un universo compartido. Siegel recordó que, antes de adoptar ese nombre, el director intentó impulsar “Flavengers” en mensajes enviados al equipo. Agudong contó que llegó intimidada a un set donde muchos miembros del elenco ya tenían vínculos previos, aunque percibió el cuidado mutuo entre los participantes. Durante el rodaje del primer episodio, recordó, una broma con la máquina ocurrió mientras ella y Thornton comían burritos frente a cámara. Así se presenta una serie que aterrizará en Prime Video el próximo 7 de octubre pero que ya ha dejado huella en muchas personas.

La película Tiempo de victoria, que llega esta semana en cines, reconstruye esas horas previas al Día D. Andrew Scott interpreta a Stagg y Brendan Fraser encarna a Eisenhower, el general estadounidense que debía decidir si enviaba a más de 150.000 soldados aliados hacia las playas de Normandía o si esperaba una nueva marea favorable. Un largometraje que inmortaliza una de tantas grandes historias que esconde este período, pero que por fin es inmortalizada en la gran pantalla.

Stagg no comandaba tropas ni ocupaba un lugar en la cadena militar que preparaba el desembarco. Su tarea consistía en reunir las conclusiones de tres grupos de pronosticadores, dos británicos y uno estadounidense, y convertirlas en una recomendación única para el comandante aliado. Los equipos no trabajaban con los mismos métodos ni llegaban siempre a la misma respuesta. Los estadounidenses se apoyaban en previsiones analógicas: comparaban las condiciones presentes con patrones registrados en el pasado. Los británicos usaban observaciones, cartas trazadas a mano y conocimientos todavía recientes sobre la atmósfera superior. Stagg debía oír las discusiones, ordenar los datos y entrar luego a una reunión donde cada conclusión podía modificar el comienzo de la Operación Overlord.

El pronóstico que cambió todo

Peter Stagg, su hijo, lo recordó años después desde su casa, a una hora de Burdeos. Dijo que su padre era “un escocés adusto e irascible”, de disciplina estricta y pocas sonrisas. También recordó que, cuando había visitas, podía convertirse en un anfitrión atento, con whisky para los invitados. En junio de 1944, esa faceta quedó desplazada por una responsabilidad que su hijo resumió de otro modo: si el pronóstico fallaba, Francia podía haber tenido otro destino.

El 5 de junio era, en principio, la fecha ideal para el desembarco. Los aliados habían identificado una ventana entre el 5 y el 7 de junio, pero no podían elegir cualquier jornada. Antes de la invasión necesitaban 48 horas de calma; luego, vientos inferiores a fuerza 4 de Beaufort durante tres días. Los aviones requerían baja nubosidad, una visibilidad de más de 4,8 kilómetros y una base de nubes suficiente para las operaciones. También necesitaban marea baja al amanecer para dejar expuestas las defensas alemanas. La fecha debía caer un día antes o cuatro después de la luna llena, por las misiones nocturnas. Y el desembarco debía coincidir con la ofensiva soviética de verano en el frente oriental, para obligar a Alemania a repartir sus fuerzas.

Catherine Ross -interpretada por Kerry Condon en el filme-, responsable de biblioteca y archivos de la Met Office, calculó que la posibilidad de reunir las condiciones meteorológicas deseadas era de 13 a 1. Si se sumaba el requisito de la luna, las probabilidades se alejaban todavía más. A comienzos de junio, una sucesión de frentes y bajas presiones atravesaba el canal de la Mancha. La previsión meteorológica era un adelante o un alto. El resto estaba listo.

Se abrió el cielo y apareció la oportunidad

Los meteorólogos estadounidenses veían una oportunidad para el 5 o el 6 de junio. Los británicos objetaban la primera fecha. Una tormenta cerca del norte de Escocia y un sistema de alta presión sobre el Atlántico anunciaban mar agitado y nubosidad excesiva sobre el canal. Stagg tomó partido por la advertencia británica: los vendavales harían imposible el desembarco. Eisenhower recibiría después aquel parte como “el peor informe que hubieras visto”. Los convoyes que ya habían salido recibieron la orden de regresar. La maquinaria reunida para una de las mayores operaciones anfibias de la historia quedó suspendida por una previsión que podía cambiar en cuestión de horas. Stagg escribió en su diario: “Ahora estoy bastante aturdido, todo es una pesadilla”.

El 4 de junio, los mapas comenzaron a sugerir otro movimiento. La tormenta podía desplazarse hacia el noreste y dejar detrás un intervalo breve de condiciones menos hostiles. No era el tiempo que los planificadores habían imaginado para el Día D. Era apenas una pausa entre sistemas meteorológicos.

El trabajo de Stagg exigía una conclusión que los gráficos no entregaban de manera limpia. Los equipos se acercaron a un consenso para el 6 de junio, pero la recomendación no garantizaba cielos despejados ni mar calmo. La pregunta era más limitada: si ese día sería suficientemente bueno. Stagg volvió ante Eisenhower con esa respuesta. El general recordaría una “pequeña sonrisa” en el rostro del meteorólogo. También recordaría que pensaron que aquella pausa podía alcanzar para hacerlo. Tras el silencio, autorizó el avance. El 6 de junio de 1944, las fuerzas aliadas desembarcaron en Normandía.

El pronóstico acertó por razones equivocadas

Los primeros soldados cruzaron el canal de la Mancha con el mar todavía agitado. The Associated Press describió “mareos considerables” entre quienes viajaban hacia Francia. Los vientos levantaban olas blancas y el trayecto se volvió más difícil de lo previsto. La previsión de Stagg no se cumplió de la forma esperada. Dan Suri, meteorólogo de la Met Office, explicó que la tormenta al norte de Escocia no avanzó hacia el noreste. Se desplazó al sur, hacia el mar del Norte, y se debilitó durante ese recorrido. Los vientos cedieron algo y la visibilidad mejoró cuando el frente sobre el norte de Francia se alejó. “Acertaron por las razones equivocadas”, dijo Suri.

Las condiciones siguieron siendo marginales, pero esa precariedad alteró los cálculos alemanes. Las previsiones de Alemania eran parecidas a las aliadas. El 4 de junio, el meteorólogo jefe de la tercera flota aérea alemana le dijo al mariscal de campo Erwin Rommel que el tiempo en el canal impediría intentos de desembarco hasta el 10 de junio. Los alemanes esperaban una invasión con mejores nubes, viento, visibilidad y una marea alta. Los aliados avanzaron con requisitos distintos y atacaron cuando el mal tiempo parecía descartar esa posibilidad.

Después de la invasión, Stagg redactó un informe oficial para Eisenhower. Lo acompañó con un memorando sobre la decisión de aplazar el desembarco y sobre lo que habría ocurrido si las tropas hubieran tenido que esperar las siguientes mareas aptas. El meteorólogo escribió que una postergación habría dejado a los soldados ante la peor tormenta del canal de la Mancha en 20 años. La decisión tomada durante aquellos 45 segundos había evitado un temporal que los pronósticos posteriores mostraron con mayor claridad que los mapas disponibles en la noche del 4 de junio. Eisenhower respondió por escrito: “Gracias. Y gracias a los dioses de la guerra que fuimos cuando lo hicimos”.

Tiempo de victoria vuelve a esa habitación, a los mapas y a esa orden. Andrew Scott interpreta a Stagg mientras Brendan Fraser representa a Eisenhower frente a una decisión que dependió de una previsión incompleta, un frente que cambió de rumbo y un desembarco que comenzó el 6 de junio de 1944. Años después de lo ocurrido, durante un encuentro entre el entonces presidente Kennedy y el viejo Eisenhower, el primero le consultaría al segundo sobre el factor clave para ganar la guerra. “Teníamos mejores meteorólogos que los alemanes”, sería su contundente respuesta.

Tras la ceremonia de los Premios Emmy 2026, celebrada esta pasada noche en Los Ángeles, la televisión española vuelve a mirar una lista que reúne cinco producciones reconocidas por la Academia Internacional de Artes y Ciencias de la Televisión. Cuatro series y un telefilme español han obtenido un Emmy Internacional, desde el galardón pionero de La cabina en 1973 hasta los reconocimientos a ficciones, telenovelas y documentales de formato corto en los últimos años.

Los Emmy que entrega la Academia de Televisión de Estados Unidos y los Emmy Internacionales responden a certámenes distintos. Los primeros premian principalmente a producciones estadounidenses, mientras que los Internacionales distinguen programas realizados fuera de ese país. En ese segundo ámbito se concentran los cinco títulos españoles premiados. El primer reconocimiento llegó en 1973 para La cabina, el mediometraje dirigido por Antonio Mercero, escrito junto a José Luis Garci y protagonizado por José Luis López Vázquez. La obra, emitida por Televisión Española en diciembre de 1972, recibió el Emmy Internacional a mejor telefilme.

La historia comienza con un hombre que entra en una cabina telefónica y descubre que no puede salir. A partir de esa situación, el relato desplaza la acción hacia un terreno inquietante, sin apartarse de su punto de partida. Con una duración de 34 minutos, la producción se convirtió en uno de los títulos más difundidos de la televisión española de los años 70. La cabina está disponible de forma gratuita en RTVE Play, dentro de las colecciones de archivo de la corporación pública.

Más de cuatro décadas después, Pulseras rojas llevó otra estatuilla a España. La ficción catalana, ganó el Emmy Internacional Kids a mejor serie en la edición de 2015. Creada por Albert Espinosa y dirigida por Pau Freixas, la producción sigue a un grupo de adolescentes que comparte la experiencia de una larga internación en un hospital. Televisió de Catalunya y Castelao Pictures figuraron como responsables de la obra reconocida por la Academia Internacional. La serie cuenta con dos temporadas y puede verse en España a través de Netflix, Filmin y Atresplayer. La disponibilidad puede variar según el país y los acuerdos de distribución vigentes.

‘La casa de papel’ fue la primera ficción española premiada como mejor drama

En 2018, La casa de papel obtuvo el Emmy Internacional a mejor serie dramática. La producción creada por Álex Pina para Antena 3 había comenzado su emisión en España en 2017 y alcanzó proyección global tras su incorporación al catálogo de Netflix. La serie narra el asalto a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, planificado por un grupo de atracadores dirigido por El Profesor. El reconocimiento en Nueva York confirmó el alcance internacional de una ficción que, en ese momento, ya circulaba en decenas de mercados. Las cinco partes de La casa de papel están disponibles en Netflix.

La edición de 2024 de los Emmy Internacionales dejó dos reconocimientos para España. La Promesa, producida por RTVE, StudioCanal y Bambú Producciones, ganó en la categoría de mejor telenovela. La ficción de época se centra en Jana, una joven que llega al palacio de los Luján con el propósito de esclarecer la muerte de su madre. La serie diaria, creada por Josep Cister Rubio, se puede seguir en La 1 y en RTVE Play, donde están disponibles los capítulos emitidos.

Ese mismo año, la docuserie catalana Punt de no retorn recibió el Emmy Internacional a mejor serie de formato corto. Dirigida por Raül Gallego, la producción aborda conflictos, cambios sociales y procesos políticos a través de reportajes centrados en personajes y territorios concretos. Las temporadas de Punt de no retorn se encuentran en la plataforma 3Cat. La edición más reciente de los Emmy Internacionales, cuyos ganadores se anunciaron el 24 de noviembre de 2025, tuvo tres producciones españolas candidatas. Valle Salvaje y Regreso a las Sabinas compitieron en la categoría de mejor telenovela, que finalmente ganó la producción turca Deha. El documental deportivo de Netflix en torno al Caso Rubiales Se acabó: Diario de las campeonas, fue nominado y obtuvo el premio en su categoría. Además, el actor español Oriol Pla ganó el Emmy a mejor interpretación masculina por su papel en Yo, adicto.

La actriz María Galiana lamentó los 22 años que dedicó a Cuéntame cómo pasó, la serie en la que interpretó a Herminia, abuela de la familia Alcántara. A los 91 años, afirmó que ese trabajo televisivo “no le ha aportado nada” y describió esa etapa como un “desperdicio”. Galiana cuestionó el lugar que tuvo ese personaje dentro de su carrera. La intérprete señaló que habría preferido hacer cine y asumir otros papeles, ya que no esperaba consolidarse ante el público como una abuela de ficción.

María Galiana formó parte de Cuéntame cómo pasó durante 22 años. En la producción interpretó a Herminia, uno de los personajes de la familia Alcántara, eje de una serie que se extendió durante 23 temporadas. La actriz fue directa al evaluar ese período. “Los 22 años que he estado en televisión haciendo la serie no me han aportado nada. La abuela, vaya un papel”, declaró en una entrevista concedida a EFE.

Sus palabras no se refieren a la recepción de la ficción ni a su éxito entre distintas generaciones de espectadores. Galiana expresó una valoración personal sobre el tipo de personaje que representó y sobre las posibilidades profesionales que, a su juicio, dejó de lado. El papel de Herminia quedó asociado a una etapa prolongada de su carrera. La actriz dedicó más de dos décadas a encarnar a la abuela de los Alcántara, una figura presente en la historia familiar narrada por la serie. Para Galiana, esa identificación no coincidía con lo que esperaba de su trayectoria. “Lo último que pensaba era que me iba a consagrar como abuela. Qué ajeno a mi personalidad”, sostuvo.

El deseo de hacer cine y otros personajes

La intérprete explicó que ser actriz no estuvo entre sus objetivos iniciales. Cuando logró dedicarse a la interpretación, esperaba desarrollar un recorrido distinto al que finalmente tuvo en televisión. Galiana dijo que habría querido participar en películas y asumir personajes que considerara más adecuados para ella. “Me hubiese gustado hacer películas y papeles buenos”, afirmó. La actriz planteó así una distancia entre su trabajo más conocido en televisión y sus propias aspiraciones. Su crítica apunta a haber quedado vinculada durante años a un papel de abuela que, según dijo, no se correspondía con su personalidad.

La sevillana también sostuvo que el tiempo dedicado a la ficción fue un período desaprovechado. “Estoy haciendo teatro para compensar”, señaló. No ofreció detalles sobre montajes concretos ni sobre próximos trabajos teatrales. La declaración presenta esa actividad como una forma de equilibrar una carrera que, para el público, quedó marcada por Herminia. La valoración de Galiana sobre Cuéntame cómo pasó contrasta con los reconocimientos que recibió por otros trabajos. La actriz cuenta con premios vinculados a su interpretación en cine, entre ellos el Premio Goya a mejor actriz de reparto por Solas en 2000. Por esa película también obtuvo el Premio Ondas a la mejor actriz. El texto sobre su entrevista recuerda además el reconocimiento como mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Tokio.

Más allá de Cuéntame, Galiana protagonizo películas como Solas de Benito Zambrano, que figura entre los títulos asociados a sus principales galardones. Esos premios forman parte de una trayectoria que incluye numerosas distinciones, según la información difundida. Galiana afirmó que su objetivo profesional habría estado más cerca de ese tipo de experiencias cinematográficas. Frente a los 22 años que pasó en la serie, insistió en que habría preferido participar en películas y en papeles distintos. La actriz resumió su posición con una crítica a la huella que dejó Herminia en su carrera: “La abuela, vaya un papel”.

Una comedia sobre cinco amigos que comparten casa en Queens prepara su llegada a Disney+ en España tras lograr un 40% más de audiencia en streaming con su segunda temporada. Los nuevos episodios estarán disponibles desde el 30 de septiembre y se estrenarán completos. La serie es Adults, una producción de FX creada por Ben Kronengold y Rebecca Shaw. La ficción se centra en Billie, Anton, Issa, Paul Baker y Samir, un grupo de amigos que convive en Nueva York mientras afronta conflictos personales y las exigencias de la vida adulta.

Algunos medios han comparado la premisa con la de Friends y Cómo conocí a vuestra madre: varias amistades, una ciudad como escenario y la convivencia como punto de partida para las historias. La producción de FX no se presenta como continuación ni adaptación de esas series. La segunda temporada llegará en exclusiva a Disney+ en España con sus ocho capítulos disponibles el día de su lanzamiento. La primera entrega y el episodio precuela “Marathon Day” ya forman parte del catálogo de la plataforma.

La nueva tanda de episodios se estrenó el 27 de agosto. En los 12 días posteriores a su lanzamiento en plataformas, el visionado en streaming subió 40% frente al mismo período de disponibilidad de la primera temporada, según datos internos de Disney citados por The Hollywood Reporter. La comparación toma como referencia los primeros 12 días de la primera entrega, que se emitió entre mayo y junio de 2025. Disney no difundió las cifras absolutas de audiencia de ninguna de las dos temporadas.

Reescribiendo los orígenes

El aumento se concentró en parte fuera de Estados Unidos. En los mercados internacionales donde la serie se distribuye a través de Disney+, el público duplicó el registrado por la primera temporada, de acuerdo con los datos de la compañía. En Estados Unidos, las dos temporadas llegaron completas a Hulu. La primera también se emitió en FX con dos episodios semanales, mientras que la segunda tuvo su difusión lineal en FXX. La evolución de la audiencia adquiere peso porque la primera temporada partió de una base reducida. FX y los creadores de la comedia reconocieron que el debut no había reunido a un público amplio.

Antes del estreno de la segunda temporada, FX lanzó “Marathon Day”, un capítulo precuela publicado el 31 de julio. El episodio elevó el consumo de la primera temporada durante las cuatro semanas previas a la llegada de los nuevos capítulos. La historia ofrece antecedentes sobre el vínculo entre los protagonistas. La primera temporada había presentado al grupo cuando la amistad ya estaba consolidada y todos compartían la vivienda de Queens. Kronengold contó a The Hollywood Reporter que FX les consultó cómo recibir de nuevo al público y les pidió una idea fuera de lo habitual. Los creadores respondieron con un relato sobre el origen de los personajes.

“Puesto que empezamos la serie dejando a la gente en medio de este grupo de amigos, pensamos que debíamos hacer una historia de origen”, afirmó Kronengold. El creador añadió que el episodio podía atraer a quienes no vieron la serie cuando se estrenó en 2025. El reparto está formado por Malik Elassal, Lucy Freyer, Jack Innanen, Amita Rao y Owen Thiele. Freyer interpreta a Billie; Thiele encarna a Anton; Rao da vida a Issa; Innanen interpreta a Paul Baker, y Elassal asume el papel de Samir. Adults procede de FX Productions. Kronengold y Shaw son los responsables de la serie y figuran como productores ejecutivos. El equipo de producción ejecutiva también incluye a Nick Kroll, Sarah Naftalis, Jonathan Krisel, Alicia Van Couvering y Rob Rosell. La segunda temporada se distribuye en Disney+ fuera de Estados Unidos. En España, sus ocho episodios estarán disponibles a partir del 30 de septiembre.

La actriz Salma Hayek, que ha cumplido esta semana 60 años, debutará como directora de cine para salas con Arena, una aventura romántica independiente que también escribió. La película, definida como una historia de amor prohibido, reúne a la actriz mexicana con Yura Borisov y Cara Delevingne, mientras su rodaje ya está en marcha en Quintana Roo y Veracruz. El proyecto será el primer largometraje de Hayek como directora pensado para exhibición en cines. Arena aborda una relación prohibida y plantea un recorrido íntimo en torno al deseo, el amor y la conexión con la tierra, de acuerdo con la descripción de la actriz en Variety.

La producción se filma en dos estados mexicanos que forman parte central de la propuesta visual. Hayek señaló que los paisajes de Quintana Roo y Veracruz aportan una experiencia sensorial ligada a la naturaleza y al territorio donde transcurre la historia. La actriz explicó que la búsqueda de locaciones fue parte del trabajo de la película. Según contó a Variety, el equipo encontró lugares que no habían sido mostrados antes en pantalla dentro de esas regiones.

El elenco de Arena está integrado por la propia Salma Hayek, Yura Borisov y Cara Delevingne. El texto difundido por Variety presenta a los tres intérpretes como las figuras centrales de la película. Borisov fue nominado al Oscar por su trabajo en Anora, dirigida por Sean Baker. También encabeza Artificial, una próxima producción de Neon dirigida por Luca Guadagnino, según informó la publicación estadounidense.

“Una historia de amor prohibido”

Delevingne participa en Arena después de formar parte de Club Kid, película que el texto citado describe como uno de los éxitos del año. La información disponible no precisa los personajes ni la dimensión de cada papel dentro de la trama. La película cuenta con financiamiento independiente. Salma Hayek figura entre los productores junto con Angelina Jolie, ganadora del Oscar por Inocencia interrumpida; Stacy Perskie, productor de Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades; y Jose Tamez, su socio de producción desde hace años.

El director de fotografía es Philippe Le Sourd, responsable de la imagen de Priscilla, de Sofia Coppola, y The Grandmaster, de Wong Kar-wai. Su incorporación forma parte del equipo técnico que acompaña el primer largometraje para cines dirigido por Hayek. Salma Hayek explicó que eligió Quintana Roo y Veracruz no solo como fondos para la acción, sino como espacios vinculados al sentido de Arena. La directora sostuvo que la conexión con el terreno y la naturaleza refuerza la dimensión emocional de la historia.

“Es una historia de amor prohibido”, afirmó Hayek a Variety. También describió la película como un recorrido sobre el descubrimiento de otra persona y la posibilidad de experimentar placer en aspectos cotidianos. La actriz dijo que las locaciones aportan una dimensión cinematográfica propia a la película. “Estoy emocionada de mostrar al mundo estas joyas ocultas”, declaró al referirse a los lugares seleccionados durante el rodaje. Arena marca una nueva etapa profesional para Hayek, cuya carrera en Hollywood se extiende por más de tres décadas. Antes de este proyecto, dirigió The Maldonado Miracle, un especial infantil por el que obtuvo un premio Emmy diurno a la mejor dirección. Con Arena, Hayek asumirá la dirección, la escritura y la producción de una película rodada en México. El proyecto se encuentra actualmente en filmación entre Quintana Roo y Veracruz.

“Tuvimos una reunión individual cuando la película todavía era solo un guion y ya le gustó mucho la idea. Después fue siguiéndola y, cuando se la enseñamos terminada, fue un flechazo. El día del estreno, estábamos en el photocall y él gritaba: ¡Carlos, la Espiga de Oro!. Era el director del festival y decía eso antes de que se hubiera decidido nada. Estaba muy a muerte con la película. De hecho, nos la incluyeron cuando la convocatoria ya estaba cerrada", asegura ahora Carlos Saiz, debutante en el largometraje con esta película tan especial que está basada en la vida de dos personas reales, las mismas que se interpretan en la película: Lionel Corral y su padre, de nombre Lionel también. Saiz nos revela su historia.

“Conocí a Lionel hace muchos años en Murcia, por el grafiti, y también conocí a su hermana. Me cautivó el contraste entre su historia y su forma de ser. Cuando lo conocí, su madre acababa de fallecer y su padre era una figura prácticamente ausente para mí: alguien que se había ido hacía mucho tiempo y a quien no veía. Al mismo tiempo, Lionel era un chaval muy sensible, de barrio, con una manera de hablar muy particular y con un vínculo muy fuerte con la música. Empecé a retratarlo de forma natural con el móvil y poco a poco entraron otros miembros de la familia. Cuando conocí mejor a su padre, pensé: Aquí hay algo muy fuerte”, explica el director, quien realizó un primer ensayo en forma de cortometraje con los mismos protagonistas, y ahora ha llevado a la gran pantalla esta historia que ya ha triunfado en festivales internacionales como el de Transilvania o Pekín, donde se llevó el premio a mejor actor el mismísimo Lionel padre.

Una amistad convertida en película

“El corto fue una primera prueba, un simulacro de lo que después sería la película. Tenía menos medios y una historia más breve, pero ya abordaba una temática similar y nos permitió acostumbrarnos a la presencia de las cámaras”, desvela Lionel hijo. “El corto ayudó a perder el miedo a la cámara. Después de esa experiencia, ya no supuso un problema que nos grabaran”, secunda el padre, todo un descubrimiento en una película que nunca termina de ser ficción pura ni tampoco se mueve por el camino del documental. “No trabajamos con un guion estricto ni con diálogos que hubiera que memorizar. Carlos y el equipo tenían una estructura, una especie de mapa: nos proponían llegar a determinados lugares o recuperar episodios de nuestra relación y de viajes anteriores. A partir de ahí, improvisábamos. La intención siempre fue que todo resultara fiel a nuestra manera de hablar y de relacionarnos”.

En la película, padre e hijo se embarcan en un viaje por carretera desde Murica hasta Francia, con el objetivo de ver a Alicia, hija de uno y hermana del otro. Un viaje que empieza con absoluta incomunicación, y que poco a poco va acercando a padre e hijo, con una narrativa muy cinematográfica pero que no dejaba de narrar un encuentro real que se estaba produciendo en ese mismo momento. ““Me interesaba conocer las formas clásicas y los dispositivos de rodaje para romperlos. Albert Serra y Jonathan Glazer son referencias en ese sentido: experimentan mucho con la forma, con varias cámaras, con cámaras ocultas y con una idea del cine digital que permite rodar de otra manera”, razona Saiz, quien menciona el reaility y Gran Hermano como otra posible referencia.

“No entiendo que un arte tan vinculado al presente se limite a recrear emociones si puede llegar a encontrarlas delante de la cámara. El cine permite pulsar una realidad, filmarla y buscar esos momentos. El digital facilita eso. Puede haber algo de reality, pero aquí hay 90 minutos construidos a lo largo de seis años de trabajo; un programa como Callejeros puede hacer 90 minutos en medio mes. La diferencia está en el tiempo, en la sensibilidad y en el cuidado”. A diferencia de los programas en los que a veces la línea de la intimidad se cruza y el morbo se hace presente, Saiz tiene clara la forma éticade proceder. “El límite está en quererlos mucho y en conocerlos. La película está hecha para el público, pero antes que nada está hecha para ellos. Quiero que tengan un álbum familiar en forma de película, algo que puedan ver dentro de muchos años y que les devuelva ese momento de sus vidas. Intenté ser fiel a lo que veía”.

Falta sentimiento

La pregunta que queda hacerse ante algo así es, ¿realmente tiene el cine un poder terapéutico? Sus protagonistas lo aclaran: “La película fue una excusa para pasar tiempo juntos en familia. Más allá del resultado cinematográfico, durante el rodaje ocurrieron cosas que nos han permitido compendernos mejor el uno al otro. Yo pude conocer aspectos de la infancia y de la vida de mi padre que desconocía, y también hablé con personas que ayudaron a aclarar muchas dudas”, razona el hijo, aunque el padre se muestra más cauteloso. “Yo conozco a mi hijo desde pequeño: es serio, cabezón y ha preferido mantener cierta distancia. Él tiene su vida y yo tengo la mía. La película muestra una intención de acercamiento, pero en la vida real cada uno sigue su camino”.

Con Carolina Durante (Falta sentimiento) y Él Mató a un polícia motorizado (La noche) como gran banda sonora, Lionel sirve también como un puente imaginario entre dos generaciones no opuestas pero sí entre las que existe una gran brecha que ilustra la película. “Hay una falta de comunicación muy fuerte en esta familia. Hablan mucho, pero no siempre logran decir lo que de verdad sienten”, señala el director. Con el estreno de la película en cines, el largo viaje que han vivido los tres parece llegar a su fin, aunque Lionel padre tiene claro que ya le ha cogido el gusto a la cámara y que aún hay cosas por contar: “Me gustaría hacer otra película, incluso una segunda parte. Dejamos una puerta abierta para continuar la historia, aunque el director todavía no parece decidido. Yo sí tengo ganas y algunas ideas. Una película tarda años en hacerse, por eso habría que escribirla y desarrollarla con tiempo”.

Es una de las mejores actrices de su generación, pero no de las que más se prodigan en la gran pantalla. Tras más de 20 años trabajando ininterrumpidamente, la actriz irlandesa Saoirse Ronan se tomó un respiro de su oficio para centrarse en su vida personal junto al también actor Jack Lowden y el hijo de ambos. Los proyectos con los que la irlandesa ha podido salir de este “semiretiro” han sido Blitz de Steve McQueen y Bad Apples, la comedia negra que ahora estrena en cines un año después de que inaugurase el Festival de San Sebastián.

Ronan, que a lo largo de su extensa carrera ha dado vida a todo tipo de personajes, asume aquí el rol de Maria (Ronan), una joven profesora en un centro escolar de la Inglaterra profunda. A pesar de su entusiasmo y su buen hacer con la mayoría de niños, hay un alumno que interrumpe la pacífica convivencia de la clase. Danny (Eddie Waller) no solo llega tarde a las clases y no hace los deberes, sino que además provoca a sus compañeros y tiene ataques de violencia que llevan a Maria a tomar una drástica medida. Con la inminente llegada de un inspector y después de un accidente del que se siente culpable, Maria tiene la pésima idea de secuestrar a Danny y retenerlo en su casa en contra de su voluntad. Irónicamente, la consecuencia inmediata es que la clase mejora en su rendimiento académico, pero la conciencia comienza a corroer a la profesora.

En los últimos años hemos visto como el cine ha hecho nuevos esfuerzos por entender ese ecosistema particular que son los centros educativos. Ya sea para explicar el bullying como en la belga Un pequeño mundo (Laura Wandel, 2021) o la corrupción y desigualdades preexistentes de la alemana Sala de profesores (Ilker Çatak, 2023), el mundo de los profesores y alumnos como metáfora de la sociedad ha entrado en la órbita del cine europeo contemporáneo, y con Bad Apples encontramos un nuevo enfoque. Fiel a la tradición inglesa, lo que hace diferente a esta película de las otras referencias es su crudo humor, y sobre todo como este entra en escena conforme más oscura se va volviendo la película.

Una oscura pero lúdica reflexión

La de Bad Apples es sin duda una apuesta tan curiosa como arriesgada, haciendo al espectador un cómplice involuntario de la gran fechoría de la profesora, pero a la vez ilustrando como a veces las malas decisiones traen buenas consecuencias...al principio. Este mismo verano hemos visto con otra comedia como Una noche al año que una premisa demasiado fantasiosa puede ser un problema, pero Bad Apples intenta bajar en todo momento a tierra una trama que se le podría ir de las manos tanto como a su protagonista.

En lugar de ello, la película profundiza en la relación de María con sus alumnos, con el resto del claustro e incluso con ella misma, siendo la interpretación de Saoirse Ronan clave para encontrar el tono en su justa medida de una comedia que igual será demasiado negra para algunos, pero ilustra a la perfección la pesadilla en la que se puede convertir trabajar en un centro escolar. “Nunca había leído nada parecido, nunca había tenido la oportunidad de interpretar a un personaje que me permitiera verme envuelta en situaciones tan descabelladas, y aun así resultaba tremendamente divertido”, confesaba la actriz.

Mientras Ronan ya se encuentra en medio de su próximo gran proyecto, el de dar vida a Linda McCartney en las películas de los Beatles que está realizando Sam Mendes, el público ya puede decir que vuelve a disfrutar de una actriz única. Pocos intérpretes serían capaces de sostener una película así de problemática que bordea en más de un momentop el límite del humor, aunque termina enseñando una valiosa lección, como es que incluso los mejores profesores cometen errores, y que no todo en la vida se basa en sacar buenas o malas notas.

El Padrino. Parte II, protagonizada por Al Pacino, ganó seis premios Oscar, entre ellos Mejor Director y Mejor Película, y es considerada una de las mejores secuelas jamás realizadas. ¿Por qué comparó Stan la secuela de Batman con El Padrino. Parte II? El actor sostuvo que el nivel de trabajo y la escala del proyecto que percibe en el rodaje le generan esa sensación, aunque aclaró que prefiere no exagerar el paralelismo hasta que el público pueda ver el resultado final en pantalla. La referencia de Stan eleva las expectativas de los seguidores de Batman sobre el desenlace del proyecto de Reeves, que continúa en pleno desarrollo.

Stan se encuentra actualmente filmando escenas de The Batman Parte II en Londres, donde la producción avanza de forma activa. Según el actor, Reeves lleva tres años trabajando en la construcción de esta secuela. Ese tiempo de desarrollo, según Stan, se reflejaría en el resultado final de la película. “Matt ha pasado tres años trabajando en esto. Hay mucha especulación sobre estos papeles, sobre qué es esta película, pero creo que va a ser una buena recompensa: es muy terrenal y real, y eso es lo que me encantó”, señaló el actor en la misma entrevista con Variety.

Conexión navideña

The Batman Parte II tiene previsto su estreno para el 18 de febrero de 2028. Consultado sobre su relación personal con el personaje, Stan mencionó que Batman Returns es su película favorita de superhéroes. El actor recordó con precisión el momento en que la vio por primera vez. “Mi película de superhéroes favorita es Batman Vuelve, recuerdo exactamente dónde la vi, en Navidad”, contó a Variety.

Stan agregó que, al haber crecido en Europa, Batman representaba para él el personaje más reconocible de todos. Según indicó a la publicación, esa cercanía cultural con el personaje explica en parte su entusiasmo por sumarse a la franquicia. El papel que Stan interpretará en The Batman Parte II permanece sin confirmación oficial. Diversos reportes señalaron que encarnaría a Harvey Dent, aunque el estudio no lo ha ratificado. En la entrevista, el actor evitó dar precisiones sobre su rol. Señaló que los espectadores deberán ver la película para comprender su verdadera escala.

“Quieres generar expectativa un poco, pero todavía tenemos mucho tiempo”, indicó Stan, según Variety, al ser consultado directamente sobre el personaje que interpreta en la secuela. Stan se suma a un elenco que incluye a Robert Pattinson, Jeffrey Wright, Colin Farrell y Andy Serkis. Su incorporación al proyecto fue anunciada en mayo, mes en el que Variety también informó que Scarlett Johansson se había unido a la película.

La cantante Charli XCX no pasará por España en su gira europea. Pero ni por España, ni Portugal, ni Italia, Alemania y tantos otros países. La artista británica anunció en la tarde de ayer las fechas y paradas de su gira europea y apenas contaba con 6 citas, la mayoría de ellas concentradas entre Reino Unido y la República de Irlanda. Tan solo Ámsterdam y París se encontraban entre las ciudades del continente europeo, y aun así todo condensado durante el mes de febrero, lo que causó un gran revuelo entre sus fans, y una rápida respuesta de la propia Charli.

“Ah Europa, ese famoso continente compuesto por Glasgow, Manchester y Londres”, “no te deslomes tanto hija mía” o “tan cansado de que los artistas hagan giras enanas y prioricen festivales... no quiero ir al primavera a ver un show reducido y mal, quiero un concierto NORMAL” eran solo algunos de los comentarios de los fans criticando e ironizando con la situación. Charli, que como muchos sabrán es una persona bastante pediente de las redes sociales y en especial de los mensajes de sus fans, no tardó en dar una respuesta, a medio camino entre la disculpa sincera y la justificación física y emocional.

“Hola a todos. Sé que hay mucha frustración en los comentarios por el hecho de que no esté dando muchos conciertos. Lo siento mucho si os sentís decepcionados, pero tengo que ser fiel a mi verdad como artista: las giras me resultan muy duras, tanto emocional como físicamente. No busco compasión y siento un enorme respeto por los artistas que pueden soportarlo a un nivel intenso, prolongado y a toda máquina, pero yo simplemente no soy una de esas personas y nunca lo he sido. Esto también fue parte de mi razonamiento para hacer una gira más corta por Norteamérica. Siento mucho si pensáis que os estoy fallando, de verdad que lo siento. Quizá algún día esté preparada para el tipo de gira que esperáis de mí, pero ahora mismo no lo estoy. Si venís a un concierto, espero que os divirtáis y lo disfrutéis, y yo haré todo lo posible por mantener una actitud sana y positiva y disfrutarlo también. xx Mucho amor, Charli”, escribía en su cuenta de Instagram, poniendo el foco en el cansancio mental y físico de una gira así.

Los festivales, la última esperanza

El anuncio de Charli coincide precisamente con el inicio de su tour Music, Fashion Film en Estados Unidos, que comenzó este mismo viernes con una primera parada en Philadelphia y que continuará en Nueva York hasta terminar en Las Vegas el 23 de octubre. Parece evidente que la cantante no ha querido hacer una gira muy extensa en el otro continente y quizá por ello no es de extrañar que para Europa haya seguido el mismo camino, y en general lo haya acotado a su Inglaterra natal. Aun con todo, hay quien se pregunta si no habrá otra manera de ver a la artista tocar por primera vez el disco que lanzó este verano.

La respuesta podría estar en los festivales, en los que Charli XCX siempre se ha prodigado y que en el caso de España ha estado estrechamente ligada al Primavera Sound de Barcelona. Dado que la gira europea concluye en febrero y el primavera no tiene lugar hasta finales de mayo y principios de junio, es bastante probable que se haya despejado el calendario en caso de una posible temporada de festivales. De momento no ha dado muchas pistas al respecto y habrá que esperar a ver cómo le va en estas primeras actuaciones, pero de momento parece que Charli XCX ha dejado la etapa brat en todos los aspectos y prefiere tomarse esta nueva con más calma.

Antes de Fernando Alonso, Carlos Sainz y Madring, hubo un piloto que llevó la bandera española a Ferrari y se convirtió en uno de los pioneros nacionales del automovilismo internacional. Su carrera terminó el 12 de mayo de 1957, durante la Mille Miglia, en un accidente que también mató a su copiloto, Edmund Nelson. El Gran Premio de España devuelve este fin de semana la Fórmula 1 a Madrid, cerca de cuatro décadas después de la última etapa del Jarama. El estreno de Madring conecta con una historia anterior: la de un aristócrata español que intentó hacerse un lugar en la élite de las carreras y murió a los 28 años. ¿Su nombre? Alfonso de Portago.

El nuevo circuito, situado en el entorno de IFEMA Madrid, recibe la actividad del Mundial entre el 11 y el 13 de septiembre. El programa también incluye carreras de Fórmula 2 y Fórmula 3. Madring tiene 5,4 kilómetros y 22 curvas. El trazado combina vías públicas con sectores permanentes y cuenta con rectas en las que los monoplazas pueden alcanzar los 340 km/h, de acuerdo con la información de Fórmula 1. La curva conocida como La Monumental será uno de los puntos distintivos de la prueba. Tiene 547 metros, un peralte del 24% y una entrada que limita la visión de los pilotos antes de la frenada. La organización prevé que ese sector concentre buena parte del público. La configuración de la curva busca ofrecer un desafío técnico y una zona de observación para las gradas.

Carlos Sainz, embajador del Gran Premio de España, fue el primer piloto en completar una vuelta al circuito asfaltado. El madrileño recorrió el trazado en un coche deportivo antes de la apertura de la actividad oficial. “Es más rápido de lo que parece”, afirmó Sainz al describir Madring. El piloto también destacó la primera curva como una posible zona de adelantamientos y se refirió a la exigencia de Las Cárcavas y de las enlazadas del segundo sector. Sobre La Monumental, Sainz señaló: “Sólo se ve el cielo”. La frase aludía al ascenso y al peralte que preceden a ese giro, una de las imágenes con las que el nuevo circuito busca presentarse ante el calendario.

La película que recoge su historia

El automovilismo español cuenta hoy con dos campeones del mundo, una afición consolidada y una nueva sede para el Gran Premio. En los años 50, Alfonso de Portago representó una excepción: fue el primer español que compitió para Ferrari y abrió un camino en una época con menos oportunidades para los pilotos del país. Su figura forma parte de Ferrari, la película dirigida por Michael Mann que reconstruye una etapa de presión para Enzo Ferrari y que se puede ver actualmente en Movistar+, HBO Max o Amazon Prime. Gabriel Leone interpreta a Portago, mientras Adam Driver encarna al fundador de la escudería y Penélope Cruz da vida a Laura Ferrari. El largometraje se sitúa en el verano de 1957. En esa temporada, la empresa afrontaba dificultades económicas y deportivas, y la Mille Miglia aparecía como una competición decisiva para su futuro. Portago llegó a Módena en busca de un puesto en Ferrari. Su oportunidad se abrió después de la muerte del piloto Eugenio Castellotti durante una prueba, un hecho que obligó al equipo a reorganizar sus planes.

El español no procedía de un ambiente convencional para un corredor. Su nombre completo era Alfonso Antonio Vicente Eduardo Ángel Blas Francisco de Borja Cabeza de Vaca y Leighton, y pertenecía a una familia vinculada a la nobleza. Su padre, Antonio de Portago, practicó hípica, polo y boxeo. También trabajó como actor antes de que la Guerra Civil interrumpiera esa actividad. Alfonso siguió una ruta deportiva variada. Representó a España en bobsleigh durante los Juegos Olímpicos de Invierno y practicó distintas disciplinas antes de descubrir las carreras de automóviles.

La relación de Portago con Ferrari nació en Estados Unidos. Allí conoció a Luigi Chinetti, importador de la marca italiana y figura clave en las carreras de resistencia. Chinetti le propuso participar como copiloto en la Carrera Panamericana. Portago aceptó y, poco después, tuvo su propio Ferrari 250 MM. La pasión por la marca lo llevó a intentar una incorporación al equipo de Módena. Enzo Ferrari terminó por darle una oportunidad en un contexto de necesidad para la escudería. El piloto español también ocupó espacio en la prensa por su relación con la actriz Linda Christian. La intérprete había sido pareja de Tyrone Power y volvió a las portadas italianas tras iniciar su vínculo con Portago.

La atención mediática no agradaba a Enzo Ferrari. Al fundador de la escudería le preocupaba que los fotógrafos concentraran su interés en Christian y dejaran los coches en un segundo plano. La película recupera ese episodio y lo sitúa entre las tensiones que rodeaban al equipo. También muestra a Portago como un piloto ambicioso, dispuesto a ganar un sitio en una estructura que reunía a algunas de las figuras centrales del automovilismo europeo.

Una inspiración para otros pilotos

La carrera italiana debía ser una oportunidad para consolidar el lugar de Portago en Ferrari. La prueba terminó con un accidente en el tramo final, cuando el español conducía junto a Edmund Nelson. Las primeras versiones apuntaron a un fallo en los neumáticos. La investigación posterior concluyó que una piedra provocó el reventón de una rueda del coche. La tragedia abrió un período de investigaciones y cuestionamientos públicos contra Ferrari. Enzo Ferrari y la compañía fueron absueltos de los cargos relacionados con el siniestro.

La muerte de Portago dejó una pérdida para la escudería y para el deporte español. Su trayectoria había incluido el primer podio de un piloto español y su presencia como el primer representante nacional dentro de Ferrari. Fernando Alonso lo ha mencionado como una referencia por su valentía y determinación. Ahora, mientras Madrid estrena un circuito para la Fórmula 1, el recuerdo de Portago vuelve a enlazar el presente del automovilismo español con una generación que compitió cuando llegar a la élite era una excepción.

Durante años ignorado e incluso despreciado por algunos, el cine de género ha ido recuperando popularidad y obteniendo reconocimiento en los últimos años. Fruto del buen momento que vive el terror, que solo en este año ha encontrado dos grandes fenómenos como son Backrooms y Obsession, en España varios directores están intentando aportar su pequeño granito de arena a la causa, y el último de ellos lo ha hecho con un thriller psicológico con ecos de M. Night Shyamalan y de la mano de la Michelle Jenner más oscura que quizá se haya visto hasta la fecha.

“Creo que está volviendo el género español y debería hacerlo. España le debe mucho al cine de género, tanto por lo que ha exportado como por la imagen que ha proyectado fuera”, apunta Hugo Stuven, director que estrena este mismo fin de semana El nido, último capítulo en el género desde nuestro país. “Es uno de los mejores vehículos para contar otras cosas. No consiste solo en dar miedo o provocar sustos: permite hablar de temas que, quizá, de otro modo resultarían más difíciles de abordar”, argumenta el cineasta, que se embarca en su primer largometraje de ficción tras haber rodado documentales como El desafío: ETA. Aunque él siempre tuvo claro que era el terror donde debía aventurarse.

“Las películas que nos marcaron cuando éramos niños o adolescentes suelen ser de ciencia ficción, fantasía o terror. Muchos de los que amamos el cine empezamos por esa chispa. En mi caso, fueron Spielberg y Hitchcock”, admite Stuven, aunque viendo El nido es imposible no pensar en el cine de M. Night Shyamalan, y en concreto en El bosque, una película con la que tiene varios elementos en común. “Shyamalan es un género en sí mismo. Me interesa no solo el giro final de sus películas, sino su manera de narrar, de asumir riesgos y de utilizar el género para contar historias que importan”.

Michelle protagonista, la casa como antagonista

Entre esas historias de las que habla Stuven, El nido cuenta la de Marta (Michelle Jenner), una mujer que vive en una casa alejada de la civilización junto a su hijo y su madre, a los que pretende proteger del mundo exterior. Una paz dictada que rompe la llegada de Velasco, un extraño aparentemente inofensivo, pero que poco a poco alterará por completo la convivencia de la familia y sacará el lado más oscuro de Marta. Es ahí donde emerge la figura de Michelle Jenner, absoluta protagonista del filme.

“Michelle leyó el guion y le encantó porque era un personaje que no había interpretado nunca: muy oscuro. A ella le gusta el género, el terror y el cine psicológico. Necesitaba una actriz que tuviera luz, aunque fuera un punto pequeño de luz. Todos tendemos a ver a Michelle como alguien angelical, pero puede hacer un papel oscuro, dar miedo y resultar totalmente creíble”, razona Stuven, quien sostiene todo el peso dramático de El nido sobre los hombros de la actriz de Los hombres de Paco o Isabel, que hasta introdujo una secuencia de lo más complicada: “Es una actriz camaleónica, visceral e intuitiva. Aportó muchos matices al personaje: la postura corporal, pequeños temblores en el ojo o en el cuello. La secuencia del corte de pelo fue real, se cortó su propio pelo con una navaja antigua y solo pudimos rodarla una vez”.

Además del resto de actores -Pablo Derqui, Luisa Gavasa y el joven Dylan Radley-, quien le da la réplica a Marta no es otra que la propia casa, de vital importancia dramática para su director. “La casa tenía que funcionar como un antagonista. Buscamos muchas localizaciones, recorrimos bosques y casas, pero no encontramos la que necesitábamos. Por eso decidimos construir el exterior a nuestro gusto en un bosque y levantar el interior en un plató. A partir de ahí, con Ana Alvar González, directora de arte, ajustamos la distribución y creamos un espacio que permitiera contar la historia”. El equipo incluso fue capaz de incorporar el raíl tan peculiar que se ve en la película, y que pertenece a la historia real que había inspirado El nido. “El raíl era real, de hierro, y tuvimos que convivir con él durante todo el rodaje. También diseñamos paredes móviles para que la cámara pudiera avanzar, entrar en las habitaciones y hacer determinados movimientos. Construir el decorado a medida nos dio la libertad necesaria para mover la cámara y aportar riqueza a la puesta en escena”.

Un puzle lleno de detalles

Ese raíl no es el único detalle cuidado al milímetro por Stuven y su equipo. Lo primero fue la textura, para la que decidieron incorporar el grano directamente en cámara. “Era una decisión importante porque no puedes quitarlo después, pero no queríamos añadirlo en posproducción: no producía la textura que estábamos buscando”. La segunda, unas lentes anamórficas encargadas de reforzar la sensación de agobio. “El grano, las lentes y el formato estaban pensados para provocar una sensación de angustia y claustrofobia. Queríamos que el aspecto visual acompañara el encierro y la tensión de la historia”.

Stuven ha encontrado con El nido la película que llevaba años buscando después de realizar grandes labores en el terreno documental, pero no se cierra la puerta a otros géneros. “No me considero un director de género. Estoy haciendo género porque me gustan esas historias y porque me permiten hablar de muchas cosas, pero no quiero que eso me encasille. Tengo escrita una comedia, también un drama que me gusta mucho, y me encantaría hacer un western, una comedia disparatada o un gran drama”. Al final, como sucede con Spielberg, Shyamalan o Hitchcock, “lo importante son las historias y encontrar una puesta en escena muy poderosa, en la que la imagen esté al servicio de lo que cuenta la película”.

La Feria del Disco de Madrid celebrará su XXIX edición los días 26 y 27 de septiembre de 2026 en el Pabellón de Convenciones del Recinto Ferial de Casa de Campo. La cita reunirá entre 130 y 140 expositores especializados, con material musical procedente de distintos lugares del mundo. El encuentro permitirá comprar vinilos, CD, cassettes, libros, merchandising y piezas para coleccionistas. También habrá ediciones descatalogadas, rarezas y artículos que ya no se comercializan en las plataformas habituales, junto con conciertos, sesiones de DJ y presentaciones vinculadas a la industria musical.

Los puestos ofrecerán formatos físicos para públicos con intereses diversos. La feria incluirá desde discos de vinilo y CD hasta cassettes, publicaciones y objetos relacionados con intérpretes, grupos y sellos musicales. La oferta estará dirigida tanto a quienes buscan ampliar una colección como a quienes quieren localizar álbumes o ediciones que ya no se encuentran con facilidad. Entre los artículos previstos figuran ediciones descatalogadas, rarezas y otros materiales destinados al coleccionismo.

Los expositores llegarán con productos de distintos lugares del mundo. La organización prevé la participación de entre 130 y 140 vendedores durante las dos jornadas en Casa de Campo. La Feria Internacional del Disco de Madrid se celebrará el sábado 26 y el domingo 27 de septiembre en el Pabellón de Convenciones de Casa de Campo. Allí se podrán adquirir formatos físicos de música y artículos de colección, con una programación que también sumará actuaciones, sesiones de DJ y encuentros con profesionales.

Todo lo que tienes que saber

La convocatoria mantiene una propuesta centrada en la búsqueda y comparación de música en formato físico. El público podrá recorrer los puestos para revisar la oferta de discos, publicaciones y objetos vinculados con el sector. La edición de 2026 será la número 29 de la feria. El encuentro acumula casi tres décadas de trayectoria en Madrid y volverá a reunir a vendedores especializados en el recinto ferial. La programación no se limitará a la compraventa de música y objetos de colección. Durante el fin de semana se celebrarán conciertos y sesiones de DJ dentro de la agenda anunciada para la feria. También habrá presentaciones de discos y libros. El programa incluirá coloquios con artistas y profesionales de la industria musical, aunque aún no se ha difundido la relación de invitados de esta edición.

En convocatorias anteriores participaron figuras como George DuBose, fotógrafo oficial de Los Ramones. Por el momento, la organización no ha comunicado qué artistas o profesionales asistirán a la cita de septiembre. La feria abrirá el sábado 26 de septiembre de 10.00 a 21.00 horas. El domingo 27 podrá visitarse de 10.00 a 19.30 horas en el Pabellón de Convenciones del Recinto Ferial de Casa de Campo. El recinto está cerca de las estaciones de Metro de Alto de Extremadura, de la línea 6, y Lago, de la línea 10. El acceso puede realizarse mediante transporte público.

La entrada para una jornada costará 5,12 euros, tanto el sábado como el domingo. El abono válido para los dos días tendrá un precio de 9,22 euros y las entradas estarán disponibles en la web oficial de la Feria Internacional del Disco. Los menores de 12 años podrán acceder sin pagar entrada. También se permitirá la asistencia con mascotas, siempre que los perros permanezcan atados dentro del recinto. Una oportunidad única para llevarse a todos a disfrutar de la música en un formato que puede decir que está viviendo una segunda juventud.

La película conecta las historias de tres hombres homosexuales en diferentes períodos de la historia de España. El relato reúne esas trayectorias a través de personajes interpretados por un elenco que combina figuras españolas e internacionales. Guitarricadelafuente participa en el reparto junto a Penélope Cruz y Glenn Close. La imagen difundida del rodaje muestra al músico durante la producción, en una fotografía de Carla Oset. Calvo y Ambrossi llegan al estreno de La bola negra después de compartir el premio a mejor dirección en Cannes, según la información proporcionada. La película tendrá primero su recorrido en salas españolas antes de su lanzamiento comercial en Estados Unidos. El estreno en España está previsto para el 25 de septiembre. La fecha llegará después de la presentación de la película en el Festival de Cine de San Sebastián.

Javier Calvo y Javier Ambrossi dijeron a The New York Times que el presupuesto de La bola negra fue inferior a 15 millones de dólares. La cifra corresponde a una producción rodada durante 12 semanas en distintas localizaciones reales de España. La filmación incluyó escenarios de época y secuencias bélicas. Los directores priorizaron reducir el uso de efectos digitales en esas escenas, de acuerdo con la información difundida sobre la película. El coste resulta menor frente a la estimación planteada para una producción de características similares en Hollywood. El texto señala que un gran estudio estadounidense podría necesitar al menos 100 millones para realizar un proyecto de esa escala.

Cuánto costó hacer ‘La bola negra’

La diferencia se vincula con las condiciones de rodaje y el modelo de producción. La bola negra recurrió a espacios reales de España para desarrollar una historia que atraviesa varios momentos históricos. El presupuesto inferior a USD 15 millones no impidió la participación de un reparto con Guitarricadelafuente, Penélope Cruz y Glenn Close. La película combina esa selección de intérpretes con recreaciones de época y escenas de guerra. Netflix se impuso en la puja por los derechos estadounidenses de La bola negra. Tras esa adquisición, la plataforma decidió conceder a la película una exhibición exclusiva en salas antes de habilitarla para sus suscriptores. La cinta llegará a los cines de Estados Unidos el 16 de octubre. Permanecerá allí durante 46 días y pasará al catálogo de Netflix el 2 de diciembre.

El período supera los 30 días de Historia de un matrimonio. Según el texto, ninguna otra película de Netflix había recibido hasta ahora una ventana cinematográfica exclusiva tan extensa. La decisión coloca a La bola negra dentro de una estrategia internacional de distribución de la plataforma. Netflix optó por retrasar su llegada al streaming para sostener su exhibición en las salas estadounidenses. La película se estrenará en España el 25 de septiembre, después de su paso por el Festival de Cine de San Sebastián.

Desde tiempos inmemoriables, salir en la banda sonora del FIFA (ahora conocido como EA Sports FC), el popular videojuego de fútbol desarrollado por Electronic Arts, era todo un sello de calidad. Desde los años 90 con Song 2 de Blur hasta Imagine Dragons y Glass Animals pasando por principios de los 2000 con Kasabian y su Club Foot que inspiró la victoria de España en el primer Mundial, el FIFA ha sido un vehículo de exposición inmejorable para un sinfín de artistas. Un escaparate del que también ha disfrutado algún que otro músico español, una tradición que llega hasta nuestros días con la llegada de la última edición del videojuego, EA Sports FC 27.

La banda madrileña Alcalá Norte será una de las presentes en esta nueva versión, que saldrá a la venta a partir del próximo 25 de septiembre. Lo hará con su último tema hasta la fecha, El hombre planeta, gran sencillo del que está por ser su segundo álbum de estudio, que debería ver la luz a finales de este mismo año, aunque aun no se ha confirmado la fecha oficial ni el título del mismo. La cuenta oficial de la banda, gestionada por su bajista Pablo Prieto ‘Admin’, quien explicaba la intrahistoria: “lo del fifa fue la cosa más random, presentamos la canción a EA Sports sin ninguna esperanza en plan sujetame el cubata y dijeron venga va os la ponemos de una, de un simple cachondeo salen las cosas más guapardas joder que emoción”.

Recibiendo su nombre del centro comercial ubicado en Arturo Soria, Alcalá Norte es una banda formada en 2019 en ese mismo barrio y compuesta originalmente por Álvaro Rivas (Cantante), Jaime Barbosa (Batería), Carlos Elías (Guitarra), Laura de Diego (Teclado), Pablo Prieto (Bajo) y Juan Pablo Juliá (Guitarra), quien desde hace tiempo ya no participa en la formación, que ha contado en los últimos conciertos con el músico René del Hoyo de Dharmacide como guitarrista. Después de lanzar unos primeros temas de clara ascendencia post-punk, Alcalá Norte comenzó a adquirir notoriedad a partir del lanzamiento de su primer disco en 2024, con temas como La calle Elfo, Supermán o especialmente La vida cañón, convertida en un himno moderno del indie español. Su crecimiento en los últimos meses ha sido exponencial y aparecer ahora en el videojuego es tan solo una pantalla más para esta banda que no se pone límites: “Después de salir en el Fifa tenemos que salir en Los Simpson”.

España en el FIFA

Alcalá Norte se une a una larga tradición de bandas y artistas españoles en el conocido videojuego de fútbol. Una tradición que comenzó con el FIFA 2005 gracias a Mala Rodríguez, quien fue la primera en abrir la veda para España con una canción del todo futbolera, Jugadoras, Jugadores. A la artista andaluza le seguirían Carlos Jean con Get Down o Dover con Do Ya, uno de sus temas más míticos y que estaba presente en el FIFA 08. Tras ellos vendría Macaco, uno de los artistas que más ha participado en el videojuego con canciones como Moving, Hacen falta dos o Una sola voz.

En los últimos años, y más allá del cambio de nombre, el videojuego ha ido transformando su banda sonora, pasando del rock británico a un sonido mucho más universal y urbano, lo que ha hecho que proliferen también artistas como Quevedo, Morad, Saiko o Rosalía, quien ya ha participado en hasta dos ocasiones con Yo x Ti, Tú x Mí y SAOKO. La última participación española había sido en el EA FC 25 gracias al dúo Hinds y su En forma, pero ahora será el turno de Alcalá Norte y su Hombre planeta,

El actor Andrew Garfield dejó de usar ChatGPT después de interpretar a Sam Altman en Artificial, la película de Luca Guadagnino sobre la crisis que atravesó OpenAI en 2023. El actor dijo que investigar el desarrollo de la inteligencia artificial cambió su relación con esa herramienta. Andrew Garfield dejó de usar ChatGPT después de investigar a Sam Altman para Artificial, una película sobre la crisis que atravesó OpenAI en noviembre de 2023. El actor dijo que el trabajo aumentó sus dudas sobre la inteligencia artificial y sus posibles consecuencias sobre el empleo y la economía.

El actor habló de su decisión durante una entrevista en Jimmy Kimmel Live!, donde le preguntaron si su participación en la película había incrementado o reducido sus temores sobre la inteligencia artificial. Garfield relacionó su respuesta con una experiencia anterior de su carrera. En 2010 interpretó a Eduardo Saverin, cofundador de Facebook, en La red social, dirigida por David Fincher. Tras terminar aquella producción, explicó, dejó de utilizar Facebook. Ahora afirmó que tuvo una reacción parecida luego de encarnar a Altman, director ejecutivo de OpenAI.

“Inmediatamente dejé de usar ChatGPT”, confesó Garfield. El actor señaló que su investigación sobre el empresario y sobre la industria tecnológica lo llevó a cuestionar con mayor profundidad el rumbo de estas herramientas. Garfield también describió la sensación que le produjo conocer más sobre el sector. “Cuanto más sabes, más te das cuenta de que nos dirigimos de cabeza a un territorio particularmente desconocido”, dijo durante la conversación televisiva. La inquietud de Garfield se concentró en los efectos que la adopción de inteligencia artificial podría tener sobre el trabajo y la economía. El actor mencionó la incertidumbre alrededor de los empleos que pueden desaparecer ante la expansión de estas tecnologías.

Las dudas del actor sobre la inteligencia artificial

La preparación para interpretar a Altman exigió que el actor se acercara a un mundo marcado por el desarrollo acelerado de la inteligencia artificial. Según contó, ese proceso no le aportó certezas, sino más preguntas sobre el alcance de esos cambios. Artificial lleva al cine uno de los episodios de mayor tensión dentro de OpenAI. La trama se sitúa en noviembre de 2023, cuando el consejo de administración de la empresa decidió despedir a Altman. La salida del director ejecutivo abrió varios días de incertidumbre en la compañía. Altman regresó al cargo poco después y la película reconstruye ese periodo, junto con la participación de otras figuras vinculadas a la empresa.

Luca Guadagnino, director de Call Me by Your Name, Challengers y Queer, está a cargo de la película. El guion fue escrito por Simon Rich. Garfield interpreta a Altman, mientras que Yura Borisov encarna a Ilya Sutskever, cofundador de OpenAI y una de las personas involucradas en la salida del director ejecutivo. Monica Barbaro aparece como Mira Murati, quien asumió de forma temporal la dirección ejecutiva de la compañía durante la crisis de 2023.

El reparto también incluye a Ike Barinholtz como Elon Musk, además de Cooper Hoffman, Jason Schwartzman, Zosia Mamet, Billie Lourd, Chris O’Dowd y Mark Rylance. El primer avance de la película presenta el conflicto por el despido y retorno de Altman, pero también plantea las consecuencias que podría tener el desarrollo de inteligencia artificial. La historia muestra a una versión del directivo consciente del alcance de la tecnología que ayudó a impulsar. ChatGPT se convirtió en una de las caras públicas de ese proceso desde su lanzamiento en noviembre de 2022. Garfield aseguró que asumir el papel de Altman fue un trabajo difícil de dejar atrás y admitió nervios por la reacción que puede generar Artificial.

La semana pasada fue la de tomar la temperatura a la vuelta a la normalidad, pero esta que llega ya es hora de recargar del todo las pilas con una gran oleada de estrenos. Septiembre es un mes en el que las miradas siempre están puestas en los festivales de Venecia o San Sebastián, pero que entre medias deja algunas de las grandes joyas de la temporada.

En esta semana, todo el peso recae sobre estrellas internacionales de la talla de Nicole Kidman y Sandra Bullock por Prácticamente magia 2, o de Saoirse Ronan por su magnífica actuación en Bad Apples. Entre medias hay lugar para nuevos títulos de nuestro cine, en especial la road movie entre padre e hijo de Lionel, el thriller psicológico y claustrofóbico que propone El nido o la nueva comedia familiar con toque navideño de Leo Harlem. ¿Cuál no piensas perderte este fin de semana?

Prácticamente magia 2

Prácticamente magia 2 recupera a Sandra Bullock y Nicole Kidman como Sally y Gillian, dos integrantes de una familia de brujas marcada por una maldición amorosa que se ha extendido durante siglos. La secuela, ambientada 25 años después de la historia original, suma a Maisie Williams y Joey King como parte de las nuevas generaciones del clan. Las hermanas deberán reunirse para enfrentar secretos del pasado, revelaciones vinculadas a sus poderes y decisiones que exigirán sacrificios. Su objetivo será romper de una vez por todas el hechizo que ha condicionado el destino de su familia.

Lionel

Lionel es una road movie a medio camino entre la ficción y el documental, inspirada en las vidas reales de Lionel Corral Bernal y su padre, también llamado Lionel. La historia comienza cuando el protagonista acepta viajar junto a su distante padre para visitar a su hermana en Francia. El trayecto, que parecía una simple travesía por carretera, deriva en un ajuste de cuentas entre ambos. A través de caminos desconocidos y recuerdos silenciados, Lionel deberá tomar distancia dentro de su propia familia y buscar una oportunidad para reconstruir vínculos que parecían rotos.

Bad Apples

Bad Apples, la comedia negra protagonizada por la actriz irlandesa Saoirse Ronan, sigue a Maria, una maestra de primaria empeñada en motivar a un grupo de niños de diez años. Su trabajo se complica por un alumno rebelde y caótico, cuyo comportamiento amenaza su carrera. Tras tomar varias malas decisiones, Maria termina por llevar al niño a su casa y encerrarlo allí de forma accidental. Mientras busca una salida a la situación, descubre que la clase comienza a prosperar sin él. El entusiasmo de los padres y del personal docente convierte su secreto en un problema todavía mayor.

El nido

El nido, el thriller psicológico dirigido por Hugo Stuven y protagonizado por Michelle Jenner, presenta a Marta (Jenner), una mujer consumida por el miedo al mundo exterior. Convencida de que solo ella puede proteger a los suyos, mantiene recluidos en casa a su madre y a su hijo pequeño, bajo unas reglas que parecen garantizar su seguridad. Esa aparente calma se quiebra con la llegada de Velasco, un hombre cuya presencia altera el frágil equilibrio del hogar. El encuentro obliga a Marta a enfrentarse a los temores que han definido su vida y a una oscuridad íntima oculta tras su obsesión protectora.

Un plan perfecto

La nueva comedia navideña protagonizada por Leo Harlem, con Jordi Sánchez o Ernesto Sevilla en el reparto, sigue a los Ibáñez, una familia arruinada cuya convivencia se desmorona mientras el banco amenaza con desahuciarlos. Todo cambia cuando descubren un túnel bajo su casa, excavado para robar la sucursal de enfrente. Con Rufus, un ladrón retirado, deciden completar el golpe para salvar su situación. Pero las discusiones, los imprevistos y la falta de coordinación convierten el plan en un caos. Entre situaciones disparatadas, descubrirán que quizá el botín no sea lo único que necesitan para recuperar la ilusión y reconstruir su familia.

A la proyección de apertura asistirán Calvo y Ambrossi, además del actor Julio Torres, protagonista del filme. El programa completo de la muestra se dará a conocer más adelante este mes. La Bola Negra narra la historia de tres hombres gais a lo largo de 85 años de historia española, con la trama distribuida en tres líneas temporales: 1932, 1937 y 2017. El guion se inspira en un fragmento inconcluso de Federico García Lorca. El elenco incluye a Torres, al músico español Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glenn Close. La banda sonora incorpora la canción original “La Nieve”, coescrita e interpretada por Guitarricadelafuente.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

La cinta tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes en mayo, donde recibió una ovación de pie de 16 minutos. En esa edición, Los Javis obtuvieron el premio a mejor dirección, en un empate con Paweł Pawlikowski por Fatherland. Después pasó por el Festival de Telluride para su estreno en Norteamérica. Antes de su paso por Nueva York, “La Bola Negra” será la película de cierre de la 39ª edición del Out on Film Festival de Atlanta, el 4 de octubre.

Abriendo a lo grande

La directora ejecutiva interina de NewFest, Lesli Klainberg, explicó la elección del filme para abrir el festival. “Javier Calvo y Javier Ambrossi nos han traído una épica que abarca generaciones en ‘La Bola Negra’, exactamente el tipo de narrativa queer audaz que NewFest existe para defender”, afirmó Klainberg el miércoles. “Abrir nuestro festival con una película de esta escala y ambición señala nuestro compromiso de mostrar narrativas LGBTQ+ que sean cinematográficas, políticamente resonantes y visibles sin disculpas en el escenario mundial”, agregó.

Por su parte, Ambrossi había explicado a Variety horas antes del estreno mundial en Cannes las motivaciones detrás del proyecto. “Necesitaba hacer una película grande con actores gais interpretando personajes gais”, dijo el director. “Queríamos hacer la película más grande que pudiéramos hacer en España y convertirla en una declaración. Merecemos tener películas grandes y las personas LGBT merecen ser las protagonistas de películas grandes”, sostuvo.

Ambrossi añadió: “Cuando era niño, no tenía superproducciones protagonizadas por hombres gais. Quería darle al mundo esta idea de una superproducción dirigida por un autor pero también muy queer. Podemos hacer cosas grandes”. Netflix distribuirá “La Bola Negra” en cines a partir del 16 de octubre. La plataforma tiene previsto su estreno en streaming para el 2 de diciembre, lo que marca una ventana de 47 días entre ambos lanzamientos, la más extensa registrada hasta el momento para la compañía.

La mayoría de esas preventas, más del 70% según los datos de Disney, corresponden a entradas para Infinity Vision, una nueva certificación de salas premium de gran formato. La compañía presentó este sello en CinemaCon y lo promociona como la experiencia cinematográfica “más grande, más brillante y más inmersiva” para los espectadores. El dato confirma que el público prioriza el formato de proyección a la hora de asegurar su lugar para el estreno. La demanda anticipada por boletos de alta gama sugiere que buena parte de los espectadores busca vivir el regreso de los Vengadores en la mejor calidad de pantalla posible, meses antes de que la película llegue a los cines.

Vengadores: Doomsday está dirigida por Anthony y Joe Russo y reúne a un elenco extendido de superhéroes: los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, los Thunderbolts y los X-Men originales. Todos deberán enfrentar a su enemigo más temible hasta el momento, Victor Von Doom. Robert Downey Jr. regresa al MCU, pero esta vez como el nuevo gran villano, tras la muerte de Tony Stark/Iron Man al final de Avengers: Endgame. La película llegará a los cines el 18 de diciembre. Junto a Downey Jr., vuelve Chris Evans como Steve Rogers/Capitán América, personaje que había viajado en el tiempo y dejado su rol de superhéroe en Endgame. También reaparece Chris Hemsworth como Thor, junto a Paul Rudd como Ant-Man, Letitia Wright como la Pantera Negra, Sebastian Stan como el Soldado del Invierno, Tom Hiddleston como Loki y Simu Liu como Shang-Chi.

Un podcast para preparar el estreno

Doomsday marca además el debut oficial en el MCU de varias estrellas de las películas de “X-Men” de Fox, tras la adquisición de ese estudio por parte de Disney. Patrick Stewart regresa como Charles Xavier, junto a Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope, Kelsey Grammer como Bestia, Rebecca Romijn como Mística, Alan Cumming como Nightcrawler y Channing Tatum como Gambito.

Se suman también los protagonistas de Fantastic Four: First Steps: Pedro Pascal como Mister Fantástico, Vanessa Kirby como la Mujer Invisible, Joseph Quinn como la Antorcha Humana y Ebon Moss-Bachrach como la Cosa. El elenco de Thunderbolts completa la lista, con Florence Pugh como Yelena Belova, David Harbour como Guardián Rojo, Lewis Pullman como Centinela, Wyatt Russell como Agente Estados Unidos y Hannah John-Kamen como Ghost.

Antes del lanzamiento de la película, Marvel puso en marcha el Countdown to Avengers: Doomsday Official Podcast. El ciclo recorre cinco películas de la Saga del Infinito: Vengadores (episodio de estreno del 27 de agosto), Vengadores: la era de Ultrón (3 de septiembre), Capitán América: Civil War (10 de septiembre), Vengadores: Infinity War (17 de septiembre) y Vengadores: Endgame (24 de septiembre). Las cinco películas están disponibles en Disney+. El quinto episodio del podcast coincidirá con el reestreno en cines de Vengadores Endgame: Encore, programado para el 25 de septiembre de 2026.

En la pandemia algo se rompió entre los espectadores y las salas de cine. No solo tuvieron que distanciarse durante un tiempo, sino que cuando la situación remitió se tardó bastante en retomar la realidad, y para cuando la vuelta a las salas se hizo efectiva ya nada era lo mismo. Han pasado ya seis años desde entonces y los efectos de aquel distanciamiento se han reducido considerablemente, pero aun falta mucho para que la relación vuelva a ser la que era antaño, no hablemos ya de hace décadas, cuando las familias podían pasar un día entero pegadas a la butaca en infinitas sesiones.

El 2026 ha sido un buen año para el cine en cuanto a reducir esa brecha se refiere, con grandes fenómenos de taquilla como La Odisea o Spider-Man: Brand New Day y otros a menor escala pero triunfadores en su género como Backrooms u Obsession. Una ola a la que se quiere sumar el último gran proyecto de divulgación cinematográfica de Madrid, uno que busca unir a clásicos como Alfred Hitchcock o Ingmar Bergman entre música en directo, copas de vino y grandes figuras del cine y la literatura como el ganador del Premio Cervantes Luis Mateo Díez o la productora ganadora del Goya Elena Manrique (El laberinto del fauno, Celda 211). Irónicamente, no podía tener otro nombre que el de La brecha de lo real.

“La palabra brecha es muy importante para mí, porque estas películas abren un espacio donde las certezas de todos pueden moverse. El arte no cambia el mundo, pero puede cambiarnos la manera de mirarlo”, comienza explicando la actriz Isabel Herranz, encargada de fundar y coordinar esta iniciativa que arranca este mismo jueves en el Pequeño Cine Estudio de Madrid con la proyección de Vértigo de Alfred Hitchcock y que se extenderá hasta el 8 de octubre con Persona de Ingmar Bergman, pasando por El ángel exterminador de Buñuel o Rashomon de Akira Kurosawa. “Todas tienen una narrativa común: la puesta en solfa de la realidad. En todas hay una brecha. Entre la mirada, la representación, desde dónde miramos y desde dónde nace nuestro deseo”.

Recuperar la experiencia cinematográfica

Más allá de la selección de clásicos indiscutibles, Herranz explica que el principal objetivo de La brecha de lo real es recuperar de alguna manera esa experiencia cinematográfica perdida con los años. “Estamos tan rodeados de imágenes y todo sucede tan rápido que perdemos la posibilidad de detenernos ante una imagen. Se ve una película tras otra y punto. No se retiene, no se asimila, no se comenta. Este ciclo pretende recuperar eso. No es un ciclo al uso. Es una reinvención del cinefórum de toda la vida”, razona Herranz, quien para ello ha propuesto que el evento no se quede solo en la mera proyección, sino también en lo que viene después, con un coloquio y un encuentro posterior acompañado de vino y aperitivos.

“He querido incluir música, la película, un coloquio y un encuentro posterior. Hay un vino seleccionado para cada noche, con un picoteo, para que la experiencia se alargue y también se prolongue la pregunta que deja la película. Durante la entrada del público habrá música en directo con una pianista y cantante, con un repertorio pensado para cada título. Me interesa que se entre al cine como se entraba antes, con recogimiento, casi como si se entrara a un templo”, explica la coordinadora del ciclo.

Unos invitados de altura

No hay buen coloquio sin unos invitados de excepción, y con La brecha de lo real se puede decir que Herranz ha encontrado a todo tipo de invitados de gran altura y, sobre todo, procedentes de distintos ámbitos. Desde personas relacionadas con el cine como el crítico Carlos Losilla, la productora Elena Manrique o el director José Manuel Mouriño a otros como los escritores Luis Mateo Díez y Marta Sanz, el artista visual Javier Codesal o incluso el psicólogo Andrés Borderías, director del Centro de Psicoanálisis Aplicado o fundador de la revista Letras Lacanianas. “No quería perfiles solo de cine. Me interesaba que hubiera una conversación multidisciplinar y que cada invitado aportara una mirada distinta. Carlos Losilla podría dar una clase magistral sobre Vértigo, igual que Constanza Nieto o Luis Mateo Díez podrían desarrollar muchos aspectos de la película, pero no quiero una masterclass”.

Este último punto es quizá el más importante para Herranz, quien aspira no solo a convocar a cinéfilos apasionados, sino también a algunos menos habituales, gente que incluso puede que no haya visto ninguna de las películas proyectadas. “Quiero captar al público, incluso al que no es gran cinéfilo. No se trata de dar una película masticada ni de explicarla como si el espectador no pudiera entrar en ella; se trata de decir: ‘Aquí hay algo que quizá te estás perdiendo’. Quiero que el público se sienta libre y que participe”, concluye la actriz y coordinadora del ciclo, quien se muestra ambiciosa con respecto al proyecto. “Lo importante es crear comunidad, construir una marca y poder avanzar hacia un segundo ciclo, donde me gustaría incorporar teatro”.

La reina Letizia retomó su agenda internacional con un viaje a Oslo junto al rey Felipe para asistir a los actos previos al funeral de Estado del rey Harald de Noruega. La llegada de los monarcas se produjo el 8 de septiembre, tras las vacaciones de verano. Una imagen distribuida por GTRES muestra a Letizia al llegar al Grand Hotel de la capital noruega. La reina aparece vestida de luto, con ropa cómoda y un libro en la mano, aunque el rey Felipe no figura en la fotografía.

La visita a Oslo supone la primera aparición pública de Letizia después del periodo estival. Aunque la reina ya había retomado el trabajo semanas antes, el desplazamiento a Noruega marcó su regreso a los actos internacionales tras el verano. Letizia y Felipe viajaron para participar en la despedida del rey Harald. El funeral de Estado reunió a representantes de distintas casas reales que llegaron a la capital noruega para los actos organizados antes de la ceremonia.

La reina Letizia llegó a Oslo para participar con el rey Felipe en los actos por la muerte del rey Harald de Noruega. Durante su entrada al Grand Hotel, una fotografía dejó ver que llevaba un ejemplar de El loro de Flaubert, novela del escritor británico Julian Barnes. Haakon y Mette-Marit de Noruega ofrecieron esa noche una cena privada en el Palacio Real para los asistentes al funeral. La recepción fue el primer encuentro organizado por ambos como reyes de Noruega, de acuerdo con el texto. No trascendieron imágenes de esa cena. También fueron vistos al llegar al Grand Hotel Nicolás y Alexia de Grecia, el gran duque de Luxemburgo, Rosario Nadal y los herederos de Japón, el príncipe Akishino y Kiko.

Así es ‘El loro de Flaubert’

El título que Letizia llevaba durante el viaje era El loro de Flaubert, de Julian Barnes. El libro se identificó al ampliar la imagen tomada durante su llegada al hotel de Oslo. La novela narra la historia de Geoffrey Braithwaite, un experto en la vida de Gustave Flaubert. El personaje emprende la búsqueda del loro disecado que inspiró Un corazón sencillo, un relato del escritor francés. El loro de Flaubert fue el título que consagró a Barnes en los años 80 como uno de los autores asociados a la generación Granta. El texto sitúa a ese grupo entre quienes renovaron la literatura inglesa en las últimas décadas del siglo XX. Barnes ha escrito novelas históricas, ensayos, relatos y obras autobiográficas. Su producción también aborda la literatura, el arte, la música y la historia europea, según la información proporcionada.

El escritor británico, de 80 años, padece una forma rara de cáncer de sangre que mantiene controlada con tratamiento. A finales de este año publicó Despedidas, presentada como su última novela. Barnes explicó que siente haber dicho ya lo que quería decir como novelista. El texto señala que no se refiere a una retirada, sino a una culminación literaria centrada en el amor, la pérdida, el envejecimiento y la muerte.

La lectura de Letizia coincide con la próxima entrega de los Premios Princesa de Asturias. Julian Barnes fue distinguido con el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026. La princesa Leonor entregará el galardón al escritor en el Teatro Campoamor de Oviedo a finales de octubre. El texto presenta la elección del libro como una forma de que la reina conozca la obra del autor antes de recibirlo. El jurado del premio destacó la capacidad de Barnes para construir una obra que combina humor, ironía y una mirada sobre la condición contemporánea.

En la trama, Kara es diametralmente opuesta a su primo Kal-El. Es fiestera, gamberra y prefiere ir de copas antes que dedicarse a las tareas propias de una superheroína. Su actitud cambia cuando conoce a Ruthye (Eve Ridley), única superviviente de la masacre provocada por el despiadado Krem (Matthias Schoenaerts). Kara no tenía intención de ayudarla, pero todo cambia cuando la vida de su perro Krypto corre peligro.

A partir de ese punto, la historia se traslada por distintos rincones de la galaxia, en una aventura que combina acción y el tono particular que Kara aporta al Universo DC. El reparto se completa con David Corenswet en el papel de Superman y Jason Momoa como Lobo, ambos con presencia en la trama principal. El guion es obra de Ana Nogueira, mientras que la dirección corre a cargo de Gillespie. James Gunn, al frente del Universo DC, también intervino en el proyecto cuando los primeros pases no obtuvieron la repercusión esperada.

Un paso débil por los cines

El recorrido de Supergirl por las salas quedó por debajo de lo esperado. La película recaudó 40 millones de dólares, una cifra considerablemente inferior a la de otras producciones de superhéroes con recepción igualmente débil, como Morbius, que alcanzó los 165,7 millones de dólares pese a haber sido señalada como un fracaso comercial en su momento.

El resultado dejó a Supergirl en una posición complicada dentro de la estrategia de Gunn para el Universo DC, que apostaba por el personaje como una de sus piezas destacadas del año. Supergirl estará disponible en HBO Max a partir del jueves 10 de septiembre. A partir de esa fecha, los usuarios de la plataforma podrán acceder a la película sin necesidad de acudir a los cines. Este estreno digital abre una nueva oportunidad para que el filme encuentre entre el público de streaming la respuesta que no logró durante su paso por las salas.

Kara Zor-El fue presentada por primera vez en la película Superman de 2025 y, según lo previsto hasta ahora, podría regresar el próximo año en la secuela Man of Tomorrow. Sin embargo, no hay confirmación de que el personaje vuelva a protagonizar una aventura en solitario tras el resultado obtenido en taquilla. Con su llegada a HBO Max, Supergirl se suma a la lista de producciones del Universo DC que buscan en el streaming la continuidad que no consiguieron en el circuito de cines convencional. Mientras tanto, otras producciones derivadas como Lanterns acaban de empezar su andadura, y es cuestión de tiempo que todas ellas se terminen cruzando en el nuevo universo orquestado por James Gunn.

La Sala Berlanga de Madrid proyectará, del 22 al 26 de septiembre, cinco películas españolas incluidas en Made in Spain del Festival de Cine de San Sebastián. Las entradas costarán 3,50 euros y se venderán en la taquilla del recinto y en entradas.com, con gastos de gestión. La muestra reúne Tres adioses, de Isabel Coixet; Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa; La buena hija, de Júlia de Paz; Corredora, de Laura García Alonso; y Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste. La programación se celebrará en la Sala Berlanga, situada en la calle Andrés Mellado, 53. Fundación SGAE organiza esta exhibición madrileña de títulos presentes en la sección no competitiva Made in Spain del Zinemaldia.

La primera jornada será el martes 22 de septiembre. A las 18.30 h se proyectará Tres adioses, una película de 2026 dirigida por Coixet y con una duración de 122 minutos. Ese mismo día, a las 21.00 h, será el turno de Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa. El largometraje, también de 2026, tiene una duración de 102 minutos. El miércoles 23 de septiembre, La buena hija se exhibirá a las 18.30 h. La cinta de Júlia de Paz dura 104 minutos. A las 20.30 h se proyectará Corredora, de Laura García Alonso, con 95 minutos de duración. El jueves 24 de septiembre habrá dos funciones. Este cuerpo mío, dirigida por Afioco Gnecco y Carolina Yuste, se verá a las 18.30 h. La producción es de 2025 y dura 86 minutos. A las 20.30 h se repetirá Tres adioses.

La programación continuará el viernes 25 de septiembre con Iván & Hadoum, a las 18.30 h, y La buena hija, a las 20.30 h. Ambas películas tendrán su segunda proyección en la muestra. El sábado 26 de septiembre, Corredora se proyectará a las 18.00 h. La última sesión será a las 20.00 h con Este cuerpo mío. Tras esa función se realizará una presentación y coloquio con Afioco Gnecco, uno de los directores de Este cuerpo mío. La actividad figura como parte de la programación de la película en Madrid.

Cinco películas de la sección Made in Spain

Los cinco largometrajes forman parte de Made in Spain, la sección española no competitiva del Festival de Cine de San Sebastián. Fundación SGAE colabora con este apartado del certamen desde 2012. La edición de 2026 de Made in Spain en el Zinemaldia incluye 28 títulos de producción española reciente. Entre ellos figuran Dieciséis momentos de mi vida, de Albert Serra; Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar; Viva, de Aina Clotet; y Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz.

También integran la selección Mala bèstia, de Bàrbara Farré; Yo no moriré de amor, de Marta Matute; Pizza Movies, de Carlo Padial; y 200 vidas, Paco Rabal, de Vanesa Benítez. Según la información de la muestra, Tres adioses aborda los vínculos y aquello que permanece después de una despedida. La buena hija se centra en la familia y en sus zonas complejas.

Corredora fue escrita durante el X Laboratorio de Escritura de Guion de Cine: Opera Prima para Cortometrajistas 2022 de Fundación SGAE. Iván & Hadoum también fue seleccionada en ese laboratorio y plantea una historia sobre amor, identidad, deseo, raíces y fronteras. En Este cuerpo mío, Gnecco y Yuste tratan la identidad desde la experiencia íntima del cuerpo. Fundación SGAE también convocará en 2026 el I Premio SGAE a la Mejor música original en el Zinemaldia.

La Bola Negra recibirá el estreno en salas más extenso que Netflix haya concedido nunca a una producción propia, según reveló Variety. La película, protagonizada por Penélope Cruz, permanecerá 46 días en cartelera antes de sumarse al catálogo de la plataforma. El filme llegará a los cines el 16 de octubre y desembarcará en Netflix el 2 de diciembre. Se trata de un plazo que supera ampliamente los estrenos limitados que la compañía suele reservar para sus apuestas de cara a los premios.

La Bola Negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, se destacó en el Festival de Cannes en mayo pasado. Allí Netflix adquirió los derechos por USD 5 millones y los realizadores recibieron el premio del jurado a mejor dirección. Tras su paso por Cannes, la producción continuó su recorrido en el Telluride Film Festival el fin de semana pasado. El filme se dirige ahora a Toronto, donde tendrá otra presentación de gran magnitud. Este itinerario de festivales, sumado a la ventana teatral extendida, coloca a La Bola Negra entre los proyectos con mayores aspiraciones dentro del calendario de premios de Netflix para esta temporada.

El caso de La Bola Negra se enmarca en un giro mayor de la compañía hacia el cine tradicional. En 2027, Netflix dará a Narnia: The Magician’s Nephew, de Greta Gerwig, un estreno amplio de casi 50 días, incluidas salas Imax. La producción animada ChCharlie y la fábrica de chocolate tendrá, por su parte, una ventana de 47 días durante la temporada navideña. Ambos títulos se suman a la lista de proyectos con rollouts inusualmente largos para los estándares de la plataforma. Netflix reportará además cifras de taquilla para seis próximas películas, algo que nunca había hecho. Según confirmaron dos fuentes internas a Variety, la lista incluye La Bola Negra, Narnia, Charlie y la fábrica de chocolate, The Further Mis-Adventures of Cliff Booth (de David Fincher), The Mosquito Bowl e Ink.

De “un concepto anticuado” a la nueva normalidad

Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, había calificado en el pasado la ventana teatral tradicional como un “concepto anticuado” frente al modelo de consumo bajo demanda de la plataforma. En una entrevista posterior con Bloomberg, admitió que podría “ver a la compañía haciendo cosas que no había hecho antes” respecto a los cines, aunque insistió en que Netflix seguirá priorizando el streaming. Un alto ejecutivo de un estudio consultado por Variety señaló: “La verdadera pregunta es qué quiere ser Netflix ahora”. El mismo ejecutivo agregó que, tras haber intentado adquirir Warner Bros. Discovery, la compañía “no puede volver a meter parte de esa pasta de dientes en el tubo”.

Un distribuidor veterano consideró que un acercamiento de Netflix al circuito teatral sería bien recibido por los exhibidores. “Imaginen si Netflix, de todas las empresas, respaldara una campaña de marketing teatral real, y no solo una jugada de premios”, planteó la fuente. Los cines exigen, sin embargo, que Netflix cumpla con las reglas del sector si va a competir en ese terreno. Eso incluye reportar cifras de taquilla, una práctica que la compañía había evitado hasta ahora, para malestar de distribuidores de estudios e independientes.

Los directores Werner Herzog y David Lynch mantuvieron un respeto mutuo por sus películas, aunque sus últimos encuentros se volvieron más difíciles. El director explicó que Lynch estaba cada vez más volcado a la meditación trascendental y que sus conversaciones habían cambiado antes de la muerte del creador de Twin Peaks, en enero de 2025. Ahora que el alemán vuelve a estar en boca de todos con el estreno de su nueva película, Bucking Fastard, no ha podido evitar rememorar su último encuentro con Lynch.

Herzog relató que el distanciamiento no respondió a una disputa artística. Según contó a IndieWire, Lynch quería hablar sobre paz mundial y meditación, mientras que él no compartía ese interés. Esa diferencia marcó sus contactos finales y evitó que Herzog pudiera mostrarle Bucking Fastard, su nueva película dedicada al cineasta estadounidense. Werner Herzog dijo que existía un “profundo respeto” por el trabajo de David Lynch, pese a que ambos tenían producciones y búsquedas cinematográficas diferentes. El director señaló que pensó en Lynch como una de las primeras personas con las que quería ver su próximo filme.

“Sentí que debía ser el primero en ver la película conmigo”, afirmó Herzog. No llegó a cumplir ese deseo antes de la muerte de Lynch, ocurrida a los 78 años. El cineasta sostuvo que la relación cambió durante los últimos años de vida del autor de Mulholland Drive. “El contacto con David era difícil porque se había metido completamente en la meditación trascendental”, explicó. Herzog recordó una de esas conversaciones frente a frente. Según su relato, Lynch colocaba sobre la mesa una fotografía orientada hacia él, mientras Herzog solo veía el reverso de la imagen.

Un regreso a lo grande

La foto era de un gurú. Herzog indicó que, desde su lugar, veía primero esa imagen y, detrás de ella, a Lynch. “Quería hablar de paz mundial y meditación, y eso no es lo mío. Así que cambió”, declaró. David Lynch comenzó a practicar meditación trascendental en 1973. En su sitio web, el director escribió que la disciplina le permitía acceder a una “conciencia pura” y le daba acceso a reservas de energía, creatividad y felicidad. La práctica ocupó un lugar creciente en sus actividades públicas. En 2022, Lynch presentó un programa de salud mental de varios millones de dólares destinado a financiar formación en meditación trascendental para 30.000 estudiantes universitarios de distintos países.

El plan buscaba que los participantes se convirtieran en expertos avanzados de meditación orientada a la paz y contribuyeran a una “paz global duradera”, según anunció entonces el director. Las declaraciones de Herzog sitúan esa dedicación en el centro de sus últimos diálogos. El realizador no cuestionó la obra de Lynch ni su decisión personal, pero describió cómo aquella inclinación redujo el terreno común entre ambos.

Bucking Fastard está dedicada a David Lynch y se basa en una historia real sobre Joan y Jean, dos hermanas gemelas que viven juntas en los márgenes de la sociedad. Las hermanas Kate y Rooney Mara interpretan a las protagonistas. La película tuvo su estreno reciente en el Festival de Venecia. Herzog había querido compartirla con Lynch antes de su fallecimiento, una intención que no pudo concretarse. El director también pasará por el Festival de San Sebastián para presentar Bucking Fastard. Durante su visita, recibirá el Premio Donostia. La distinción acompañará la presentación de una película que Herzog vinculó de forma directa con Lynch, aunque sus últimos intercambios personales quedaron atravesados por la distancia que, según su testimonio, abrió la meditación trascendental.

Star Wars llevará Una nueva esperanza a Imax 70 mm por primera vez con motivo del 50.º aniversario de la película. El reestreno está previsto para el 19 de febrero de 2027 y se producirá tras el crecimiento de este formato durante 2026, impulsado por las funciones de La Odisea, de Christopher Nolan. El buen resultado de la épica aventura protagonizada por Matt Damon ha animado a muchos otros a querer probar con este formato, que sin embargo sigue inédito en nuestro país y solo puede verse en unos pocos cines en todo el mundo. Sin embargo, quizá todo cambie después de esto.

Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza, estrenada en 1977, volverá a los cines en copias Imax de 70 mm y en pantallas Imax digitales, según informó Variety. La función del 19 de febrero de 2027 será la primera proyección de la película original de la saga en cualquier formato Imax. El lanzamiento anticipará las celebraciones por las cinco décadas desde el debut de Star Wars, el 28 de mayo de 1977. Una de esas películas que cambió para siempre la historia del cine y marcó escuela.

La elección del formato coincide con el rendimiento que tuvieron las proyecciones Imax de 70 mm este año. Estas salas, que solo están disponibles en una cantidad limitada de cines del mundo, acumularon una recaudación global de 78 millones de dólares. La media por pantalla alcanzó 1,9 millones de dólares, de acuerdo con los datos recogidos por Variety. El desempeño se vinculó sobre todo a La Odisea, la producción de Christopher Nolan. La película extendió sus exhibiciones en Imax de 70 mm hasta septiembre, con una permanencia total de 11 semanas en cartelera. Las funciones registraron localidades agotadas durante varias semanas en distintos complejos y ofrecieron horarios continuos en algunas de las salas que cuentan con ese sistema de proyección.

Aprovechando la nueva aventura

La Odisea superó los 450 millones de dólares en la taquilla mundial de Imax y se convirtió en el estreno más taquillero de la compañía, según la información publicada. La película también rebasó los 1.600 millones de dólares en ventas totales y quedó como la producción con clasificación R de mayor recaudación. Ese escenario precederá la llegada de la primera película de Star Wars a una tecnología que no había utilizado desde su estreno hace 50 años.

El calendario de la franquicia incluirá también Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy y protagonizada por Ryan Gosling. La producción llegará a los cines el 28 de mayo de 2027, exactamente cinco décadas después del estreno de la primera película. Gosling interpretará a Kade Auberon, un piloto espacial que enfrenta un pasado misterioso y emprende una aventura por la galaxia que lo pone frente a su destino. El reparto incluye a Matt Smith, Mia Goth, Aaron Pierre, Jamael Westman, Daniel Ings, Flynn Gray y Amy Adams. Jonathan Tropper escribió el guion; Levy y Kathleen Kennedy producen la película, mientras Gosling, Dan Levine, Mary McLaglen y Josh McLaglen figuran como productores ejecutivos.

Como deja bien claro en el último tema de su último disco, Nadie dura para siempre. Nada ni nadie dura para siempre, y es por ello que Charli XCX quiere dejar constancia de su paso por este mundo de todas las maneras posibles. Una declaración de intenciones condensada en el título Music, Fashion, Film que se ha encargado de ir cumpliendo durante estos últimos meses, y que después de convertirse en una protagonista indiscutible del verano de 2024 gracias a brat, ahora parece autocondenada a convertirse en el rostro, el cuerpo y la voz de 2026.

La cantante británica arranca este mismo viernes sus primeros conciertos de la gira Music, Fashion, Film, su gran publicación de este año pero ni mucho menos la única. Después de un 2024 de lo más movido con el lanzamiento de brat y la resaca que dejó para 2025, la artista de Essex necesitaba reinventarse, y vaya si lo ha hecho. En apenas unos meses ha lanzado dos discos -antes de su álbum de estudio firmó la banda sonora de la película Cumbres borrascosas-, tres películas -The moment, Erupcja y próximamente I want your sex- y sobre todo una nueva forma de entender el arte de forma total en una era en la que parece que uno tiene que pedir perdón por mostrarse tal y como es y no como espera el resto. En ese sentido, Charli ha decidido enseñar todas sus caras posibles, y todas ellas son diferentes pero siguen siendo la misma.

La primera de esas caras la mostró en The Moment, la película que presentó entre el Festival de Sundance y la Berlinale a principios de este mismo año. Una película montada en forma de falso documental, pretendiendo retratar la gira de una estrella del pop en plena transición artística como gran alegoría de su propia etapa brat. Una divertida y sincera forma de dar carpetazo a la etapa que remontó su carrera pero de la que ya no se siente tan parte, aunque no por ello ha dejado de tocar en sus conciertos lo que ya son himnos como Apple, 360 o Girl, so confusing, tan popular que hasta Lorde la ha incorporado en sus conciertos.

Buscando la inspiración todo el tiempo

Más allá de ser una lúdica entrada en el universo de la artista y un documento más o menos fiel de los tejemanejes en la gira de una estrella del pop -no en vano estaba dirigida por el hombre detrás de la propuesta artística de Charli con brat, Aidan Zamiri, The Moment era una transición perfecta hacia el nuevo horizonte que persigue Charli, el del reconocimiento académico. Tras pasar por dos festivales de lo más prestigiosos, la cantante se lanzó a componer su primera banda sonora al completo, la de la particular versión de Cumbres borrascosas a cargo de Emerald Fennell. Un incendio cinematográfico del que Charli consiguió salir indemne, pues fue su aportación de lo más rescatable y alabado en una película que sembró una gran polémica y no poca disparidad entre quienes la vieron.

En aquella banda sonora ya se podía apreciar esta idea de Charli de dejar el cinismo y la superficialidad de brat por algo mucho más sincero e íntimo, al tiempo que se acercaba a sonidos mucho más experimentales y sobre todo rockeros. La presencia de John Cale, miembro fundador de la banda The Velvet Underground, era ya un adelanto de lo que la artista de 34 años estaba cocinando entre bambalinas: un álbum que no fuera del todo rock pero tampoco ya pop, que no sonase a brat pero sí a Charli. Un álbum que condensase todas sus obesiones en apenas media hora, una media hora intensa, frenética y también de lo más divertida.

De ahí nació Music, Fashion, Film, un álbum dedicado a esta nueva etapa en la carrera de Charli y sobre todo a esta multifaceta que estaba desarrollando como artista, dejando clara su intención de expander su espíritu a través de sus tres disciplinas artísticas predilectas. Por una la conocía todo el mundo, la moda se podía intuir y el cine había empezado a desmarcarse como nueva gran obsesión, especialmente a partir de que compartiese su cuenta de Letterboxd y se descubriese que la cantante era una cinéfila apasionada. ¿El resultado? Juntar a los tres grandes rostros de esas artes en una misma habitación y portada. John Cale, Marc Jacobs y Martin Scorsese como tres figuras clave para entender el arte moderno, y de paso el corazón de la propia artista.

Una estrella del cine aún por pulir

Esta última pata es quizá la que Charli aun tenga más por pulir, más que nada porque se nota que es una disciplina en la que se nota que la británica aun no ha podido encontrar del todo su voz, viendo lo dispares que son sus tres proyectos estrenados este año. A la mencionada The Moment le ha seguido Erupcja, estrenada en cines hace tan solo una semana y que deviene en un drama romántico en el que Charli da vida a otra posible extensión de sí misma y su cultura de clubs, pero con una vocación autoral europea y de lo más intimista, más en la línea de algunos temas del disco que de lo mostrado anteriormente.

Poco o nada tiene que ver Erupcja a su vez con I want your sex, el último de los proyectos cinematográficos de este año en los que participa en calidad de actriz y en la que se ha juntado con uno de esos directores que tanto alababa por Letterboxd, Gregg Araki. Conocido por sus romances queer con un estilo particular vinculado al videoclip y de una gran fuerza visual, Araki fue una de las voces más especiales de finales de los noventa y principios de los 2000 en el cine underground estadounidense, y tras muchos años ha vuelto a ponerse tras las cámaras en esta comedia sobre una directora de arte aprovechándose de su empleado en prácticas. Quien sabe si buscando desmarcarse de su identidad y perseguir una nueva como afirmaba en el tema Camera, Charli da vida aquí a la aburrida novia del protagonista, mientras que toda la vitalidad y humor recaen sobre el personaje de Olivia Wilde.

A pocos días de comenzar esa gira que de momento no tiene apuntadas paradas por España -habrá que esperar a la próxima temporada de festivales y al Primavera Sound que tanto le gusta-, lo que queda de 2026 seguirán siendo de Charli con el estreno de I Want Your Sex en diciembre y quién sabe si alguna otra sorpresa que tenga guardada bajo la manga. Al fin y al cabo, si algo ha demostrado la artista es que le gusta reinventarse y cambiar sin dejar de ser ella misma.

A nadie se le escapa que Carlos Alcaraz es toda una sensación dentro del mundo del tenis. El español ha regresado por todo lo alto después de estar unos meses apartado a un US Open en el que de momento ya está en cuartos, después de derrotar en octavos a Tommy Paul con un contundente 6-4, 6-3, 6-4. En cuartos le espera ya Ben Shelton, pero ni jugar fuera de casa ni hacerlo contra tenistas nortemericanos ha hecho que el murciano no se convierta en el ojito derecho del público estadounidense, hasta el punto de que una de sus mayores promesas cinematográficas se ha declarado fan número 1 del tenista.

“Soy tu mayor fan”, escribía en una story de Instagram la actriz Rachel Zegler, en la que publicaba una fotografía de Alcaraz durante el partido frente a Paul en el que salió victorioso. La admiración sincera de Zegler no pasó desapercibida, ya que varias cuentas dedicadas al tenis y en concreto al US Open se hicieron eco de los ánimos de la actriz: “Presidenta del club de fans de Carlos Alcaraz”, publicaba una de estas junto a fotografías de la actriz durante el US Open, a lo que ella no tardaba en contestar: “Es cierto...es cierto que lo soy”.

Zegler es principalmente conocida por su faceta como actriz y cantante, ya que se dio a conocer con el musical West Side Story de Steven Spielberg, y desde entonces no ha dejado de trabajar hasta convertirse en una de las actrices más cotizadas en Hollywood, con papeles en grandes blockbusters como Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes o Blancanieves, remake del clásico de Disney por cuya elección se sembró una gran polémica que ella misma denunció como un ataque racista hacia su persona. En los próximos meses, Zegler tiene pendiente de estreno She Gets It from Me un drama independiente que protagoniza junto a Marisa Tomei, y Octet, la nueva película de Lin-Manuel Miranda en la que comparte reparto con Amanda Seyfried o Tramell Tillman. En el horizonte se encuentra su próximo gran papel con On Your Feet, biopic de los artistas cubanos Emilio Estefan Jr. y Gloria Estefan y de cómo llegaron a Estados Unidos para convertirse en estrellas, con Zegler dando vida a Gloria.

Todos aman a Carlos

Lo cierto es que, aunque se autoproclame como la mayor fan de Alcaraz, lo cierto es que el murciano no va corto de admiradores entre las grandes esferas de Hollywood. Más allá del mundo del deporte, donde ya es considerado uno de los grandes del tenis, Alcaraz ha ido ganándose una legión de fans entre algunas de las más grandes estrellas de Hollywood. A sus partidos han acudido asiduamente figuras como Tom Cruise, Zendaya, Julia Roberts o Nicole Kidman, que quizá no haya podido acudir a los últimos encuentros por estar promocionando su última película, Prácticamente magia 2. La ganadora del Oscar Natalie Portman ha sido una de las más habituales en los encuentros que Alcaraz ha disputado en los últimos años.

Zegler y el resto de la élite hollywoodiense tienen una nueva cita con el tenis de Alcaraz mañana, con la esperanza de que el murciano venza a Shelton, pase a semifinales y puedan seguir disfrutando de él un poco más. Mientras tanto, el tenista sigue concentrado en ir a por el que sería su tercer US Open con apenas 23 años, un hito que no ha conseguido lograr nadie hasta la fecha.

Nadie hubiera pensado hace un par de años que en apenas unos meses los hermanos Gallagher no solo se hablarían, sino que también tocarían juntos por todo el mundo e incluso harían una película. El mundo cambia demasiado rápido y en los últimos meses hemos asistido a un revival sin precedentes del britpop, esa corriente musical que popularizaron los Gallagher bajo la banda Oasis junto a otras como Blur, Pulp o Suede. Pero claro, solo los primeros pueden decir que sigan triunfando tantos años después.

Tan solo hace dos años de que Oasis anunciase su regreso a los escenarios, uno de que ese regreso efectivamente se produjera y solo unos días de que los hermanos hayan presentado en cines la película que recoge este pequeño gran milagro musical. Bajo el título Oasis: Don’t Look Back in Anger, el documental recoge la gira de reunión de Liam y Noel Gallagher, Oasis Live ‘25, uno de los regresos al rock más esperados, desde la experiencia de la banda hasta la de sus seguidores en todo el mundo, con acceso a los ensayos, al detrás de cámaras y a los conciertos, además de las primeras entrevistas conjuntas con Noel y Liam en más de 20 años. Coincidiendo con la gira mundial de entradas agotadas de la banda, también explora el impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para públicos y generaciones de todo el mundo.

Con guion del mismísimo Steven Knight (Peaky Blinders), la codirección de Dylan Southern y Will Lovelace o la fotografía de Haris Zambarloukos (Mamma Mia), el documental ha sido digno de formar parte de la Sección Oficial del mismísimo Festival de Venecia, donde la han presentado los Gallagher durante estos días tras su premiere en Londres. Aunque en ambas presentaciones los hermanos se han mostrado parcos en palabras, como suele ser habitual, era Knight quien se explayaba en su nombre para dar un significado al documental. “No se llama Don’t Look Back in Anger por casualidad. No miramos a lo que pasó. Simplemente damos por hecho que eso fue lo que ocurrió. Mucha gente lo sabe, algunos no. Pero de lo que trata esta película es de lo que sucede ahora mismo”.

Un doble paso por España

El momento en el que llega este documental no puede ser más especial para el público español. La película documental aterriza en cines este mismo viernes 11 de septiembre, coincidiendo con el inminente anuncio de conciertos en nuestro país. Oasis ha ido dando pistas de que algo muy gordo se viene de nuevo en escenarios, y esta vez todo apunta a que los de Mánchester pasarán por Barcelona. Así lo han dejado entrever en los diferentes vídeos que han ido colgando en redes sociales, enigmáticos clips cargados de referencias visuales como una a Joan Miró y la Ciudad Condal que no ha pasado desapercibida para cualquier fan de la banda.

Si bien se había especulado con la posibilidad de que Oasis viajase a Madrid para tocar en el Metropolitano, parece que de momento los seguidores de la banda tendrán que conformarse con viajar a Barcelona cuando se anuncie oficialmente el concierto o la serie de conciertos allí. Mientras tanto, todos podrán disfrutar desde este mismo viernes de esa gran aventura que fue el regreso a los escenarios de los Gallagher.

Jack Lowden ha pasado, en pocos meses, de ser una presencia respetada pero relativamente discreta del cine y la televisión británicos a instalarse en el centro de la conversación sobre el próximo James Bond. Su nombre circula ahora con fuerza entre los aspirantes al 007, en competencia con otros candidatos como Callum Turner, Henry Cavill, Paul Mescal o Harris Dickinson, según distintos ecos de la industria y de la prensa de entretenimiento. La combinación de juventud, acento británico y experiencia previa en el terreno del espionaje lo convierte en uno de los perfiles más naturales para heredar el esmoquin de Bond.

Nacido en Escocia en 1990, Lowden tiene 36 años, está casado con la también actriz Saoirse Ronan y pertenece a una generación de actores británicos que han consolidado su prestigio más por la calidad de sus trabajos que por el ruido mediático. Esa trayectoria le ha permitido moverse con soltura entre teatro, televisión y cine, y construir una imagen de intérprete serio, contenido y versátil. A diferencia de otros nombres que suenan para Bond por puro magnetismo de alfombra roja, Lowden llega a la discusión con una carrera ya probada y con una relación orgánica con el mundo del espionaje.

Su papel más visible en los últimos años ha sido el de River Cartwright en Slow Horses, la serie de Apple TV+ sobre agentes de inteligencia relegados a un segundo plano dentro del MI5. Ese personaje no solo lo ha hecho familiar para el gran público, sino que además le ha dado una credencial casi ideal para la saga Bond: ya ha interpretado a un espía británico, con el código físico y emocional que exige el género. En una industria donde la marca 007 se asocia tanto al carisma como a la credibilidad, ese antecedente pesa más de lo que parece.

Bendecido por todo un grande

Antes de Slow Horses, Lowden ya había demostrado que podía sostener papeles de época, drama y tensión con la misma autoridad. En su filmografía aparecen títulos como Dunkerque, de Christopher Nolan, María, reina de Escocia y Benediction, además de trabajos televisivos que lo ayudaron a afinar una presencia sobria, elegante y contenida. No es un actor definido por el exceso, y esa es precisamente una de las razones por las que su nombre encaja en la conversación sobre Bond: no parece un imitador del mito, sino alguien capaz de reinterpretarlo desde una energía más seca y moderna.

En el debate sobre el próximo 007, hay un punto que juega a su favor y otro que le exige remar. A favor, encaja en varias casillas que los productores suelen valorar: es británico, tiene una edad compatible con un ciclo largo de franquicia y ya conoce el ritmo de un personaje vinculado al espionaje. En contra, su candidatura compite con actores que han ocupado antes el espacio del “Bond posible”, algunos con mayor proyección internacional o mayor exposición comercial. Esa tensión entre perfil ideal y rivalidad mediática explica por qué Lowden aparece tan a menudo en las quinielas, pero todavía no como certeza absoluta.

Aun así, la conversación se ha acelerado por dos factores muy concretos. El primero es el respaldo público de Gary Oldman, compañero suyo en Slow Horses, quien ha dicho que cree que Lowden está siendo considerado seriamente e incluso ha dejado caer que la decisión podría estar tomada, aunque no anunciada: “Cruzo los dedos por que sea él”. El segundo es la lectura que varios comentaristas hacen de su imagen: un Bond menos ornamental y más funcional, con nervio, frialdad y una intensidad que recuerda a la etapa de Daniel Craig. En otras palabras, Lowden no solo “podría” ser Bond; para muchos, ya tiene varias de las herramientas que el papel exige.

La recta final

La paradoja es que cuanto más convincente parece como 007, más visible se vuelve la competencia. Callum Turner ha sido durante meses uno de los nombres más repetidos, mientras que Henry Cavill, Paul Mescal, Harris Dickinson y otros actores jóvenes o de perfil más internacional siguen orbitando la misma órbita de especulación. Pero si la producción busca a alguien que combine solidez dramática, acento británico y experiencia directa como espía, Jack Lowden aparece como una opción especialmente difícil de descartar.

Por eso su candidatura tiene algo de lógica y algo de suspense. Si finalmente se confirma, no sería una elección extravagante, sino una apuesta cuidadosamente alineada con lo que Bond ha sido y con lo que podría volver a ser: un personaje elegante, peligroso y verosímil, interpretado por un actor que ya ha demostrado que sabe moverse en la sombra. Y si no lo fuera, su nombre seguiría como uno de los más sólidos en la carrera por un papel que, por ahora, sigue abierto entre rumores, favoritos y competencia feroz.

Hay problemas que se solucionan con el paso del tiempo, y otros que con ello solo se hacen más grandes. Cuando Óscar Bernàcer (Una vida Bárbara) comenzó a rumiar el guion de Enjambre hace más de una década, España vivía una gran crisis financiera, con deshaucios y empresas en quiebra a la orden del día. Tantos años después la situación no solo no ha cambiado, sino que probablemente ha ido a peor. Momento perfecto, desgraciadamente, para que una película como la suya llegue a cines.

“La película nació hace 14 años, en los años más duros de aquella crisis. Existía la sensación de que no se cuidaba a las personas: se rescataba a la banca y a las grandes empresas, mientras mucha gente quedaba abandonada”, cuenta a Infobae el director acompañado de Pablo Molinero, el actor en el que ha dado forma y vida a esa preocupación que sigue a la orden del día. “La crisis se ha vuelto prácticamente crónica. La incertidumbre y la sensación de que nos expulsan de las ciudades generan mucho desasosiego y frustración”.

En Enjambre, Molinero da vida a Lluc, un hombre al que una serie de malas decisiones lo han llevado a tomar un giro radical en su vida, el de refugiarse en la aldea de Malpàs. Allí una comunidad de vecinos se autogestiona de forma más o menos armónica, y a través de una viaje amiga de Lluc deciden aceptarle e incluso otorgarle un rol de importancia en la construcción de esa nueva sociedad. Sin embargo, pronto Lluc se dará cuenta que ni es tan fácil dejar atrás tu anterior vida, ni la vida en una aldea autogestionada es tan armoniosa como puede parecer desde fuera.

“La película empieza con un tono más naturalista, tranquilo y relajado, pero todo se va enturbiando. También las interpretaciones se desplazan hacia el thriller: el póquer, los silencios, las miradas y la desconfianza”, explica el actor conocido por La Peste, quien resalta la importancia del tono dentro de una película cargada de personajes e historias paralelas: “Al ser una película coral, todos debíamos estar en el mismo tono. Si uno se sale, todo se puede venir abajo”.

Esa coralidad fue la que llevó a que el rodaje de Enjambre se convirtiese en una extensión de la propia trama de la película, con buena parte de los actores y el resto del equipo familiarizándose con el entorno rural, aunque sin malos rollos y con la ayuda de los locales. “La experiencia de rodaje fue inmersiva. Estábamos aislados, compartíamos hotel, comidas y jornadas enteras. De alguna manera, también nosotros formamos una comunidad”, señala Molinero. “Los municipios y las familias de la zona nos ayudaron mucho. Nos prestaron casas y colaboraron con la logística, incluso con las pistas forestales por las que debían circular los camiones y el material”, recuerda Bernàcer, quien en la Malpàs de la película -rodada a medio camino en Alto Palancia entre El Toro, Bejís y Torás- construye un escenario casi inédito en el cine español reciente.

La importancia de pertenecer a algo, lo que sea

Ambos coinciden en que ese guion primigenio ha evolucionado en algo mucho más grande, hasta el punto de que cualquier espectador podrá identificarse con la película por diversos motivos, pues hay un sentimiento común al ser humano. “Por encima de todo existe una necesidad de pertenencia. En los barrios y las ciudades ese sentimiento se pone en duda porque muchos espacios se orientan al turismo, al negocio y a la tematización, en vez de favorecer la socialización. Las ciudades deberían ser lugares donde compartir problemas y soluciones, donde se genere comunidad. Ahora parece que todo es negocio, incluso la privacidad”, sostiene el director debutante en el largometraje de ficción.

Conscientes del peligro de idealizar demasiado el ambiente rural, una dinámica que se ha impuesto en el cine español de los últimos años, Molinero apunta el contraparte. “Cambiar de contexto no basta si no cambia la mentalidad, el paradigma y la forma en que nos relacionamos. La película propone una autocrítica: no alcanza con escapar de la ciudad. Hay que cuestionar la relación con el poder, la fuerza, la ética y la justicia”, razona contundente Molinero.

En un verano que ha estado marcado por La Odisea de Christopher Nolan, una revisitación de Homero en la que el director se proponía a hablar del gran problema de de desconfianza y entendimiento entre la sociedad, Enjambre llega para cerrar el verano o reabrir el otoño con una serie de preguntas de difícil respuesta, incluso para sus propios responsables: “No sé qué haría en una situación así. Me interesan las historias de lugares extremos porque ponen en juego el instinto de supervivencia que todos tenemos, pero a Malpàs no iría”, reflexiona Molinero. “Según cuál fuera la alternativa, quizá no me quedaría allí; aunque también podría decir que sí. Esa es la condición humana”, concluye el director.

El cineasta habló sobre la producción en una entrevista con Deadline, mientras promocionaba The Basics of Philosophy en el Festival de Cine de Venecia de 2026. Consultado sobre si había disfrutado la adaptación dirigida por Nolan, dio una respuesta breve: “Sí, me gustó”. También rechazó parte de los cuestionamientos que recibió la obra y dijo que “mucho de eso es solo cebo de clics”. Para Schrader, los resultados de la película no deben interpretarse como una fórmula industrial. La definió como “una gran excepción, pero una excepción” y explicó que él no se presentaría ante un estudio para pedir 200 millones de dólares con el objetivo de filmar “la próxima Odisea”. Su advertencia apuntó a la expectativa de que una marca conocida, un gran reparto o un presupuesto alto basten para asegurar una recaudación comparable.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

Al referirse a una eventual continuación, Schrader fue más contundente. “Algún tonto hará la secuela de la película y perderá una fortuna. Veremos quién es”, declaró. Sus palabras no confirmaron que La Odisea 2 esté en desarrollo ni que Warner Bros. prepare ese proyecto. La declaración planteó una previsión sobre el riesgo económico de intentar prolongar la historia después del desempeño atribuido a la primera entrega. La Odisea, distribuida por Universal Pictures, tuvo un presupuesto de USD 250 millones y recaudó 1.550 millones de dólares en todo el mundo, de acuerdo con los datos difundidos. Más de USD 565 millones correspondieron a Estados Unidos y más de USD 989 millones procedieron de los mercados internacionales. La película también superó a Deadpool & Wolverine, de 2024, como la producción con clasificación R de mayor recaudación, según los datos citados por Variety.

‘La Odisea’ continuará en cines IMAX

La exhibición en salas IMAX de 70 mm se extenderá hasta el 30 de septiembre debido a la demanda de entradas, informó Variety. La ampliación llevará a 11 semanas el recorrido de la película en ese formato. La recaudación global de La Odisea en IMAX llegó a 457 millones de dólares, con lo que superó el registro de Avatar, de 2009, que había alcanzado 271 millones sin ajuste por inflación. Las 41 pantallas IMAX de 70 mm existentes en el mundo aportaron 66 millones de dólares a esa recaudación, con un promedio de USD 1,6 millones por sala. El artículo señaló que la película obtuvo en IMAX más dinero que muchas producciones lograron reunir en todas las pantallas y formatos durante el período posterior a la pandemia.

Nolan filmó La Odisea íntegramente con cámaras IMAX. Durante el rodaje utilizó 640 kilómetros de película (2,1 millones de pies), una longitud superior a la distancia entre Toronto y Nueva York, según IMAX. La producción adapta el poema de Homero y sigue el retorno de Odiseo después de la guerra de Troya. Matt Damon interpreta a Odiseo, rey de Ítaca. El elenco reúne además a Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron, Elliot Page, Jon Bernthal y John Leguizamo.

El Festival de San Sebastián acaba de anunciar uno de sus momentos más importantes, como es la lista completa de invitados para su 74ª edición, que reunirá 263 títulos procedentes de 47 países. Entre las presencias confirmadas figuran Orlando Bloom, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Ricardo Darín, Lali Espósito, Jeremy Irons, Rami Malek y Brad Pitt. El festival, que acostumbra a contar con grandes estrellas desfilando por su alfombra roja, contará este año con una larga lista de presencias tanto nacionales como sobre todo internacionales muy a tener en cuenta.

También acudirán a San Sebastián a presentar sus películas directoras y directores como Fatih Akin, Beth de Araujo, Lukas Dhont, Jesse Eisenberg, Nicole Garcia, Pablo Larraín, Diego Luna, Valentina Maurel, Martin McDonagh, Tsai Ming-Liang, Cristian Mungiu, Hans Peter Moland, Olivier Nakache y Eric Toledano, Pawel Pawlikowski, Ira Sachs y Andrey Zvyagintsev. Además, recibirán el Premio Donostia el cineasta alemán Werner Herzog, que presentará junto al actor Orlando Bloom su nuevo largometraje,Bucking Fastard,y la actriz Naomi Watts, protagonista de la películaThe Housewife(La esposa perfecta) dirigida por Ben Shirinian, a quien también acompañará la intérprete Lena Olin. Bloom entregará el Premio Donostia a Herzog y el cineasta J.A. Bayona, a Naomi Watts.

El cineasta alemán Werner Herzog y la actriz Naomi Watts recibirán este año el Premio Donostia, el máximo galardón honorífico del certamen. Herzog presentará junto a Orlando Bloom su nuevo largometraje, Bucking Fastard, mientras que Watts protagoniza The Housewife (La esposa perfecta), dirigida por Ben Shirinian. El Premio Donostia de esta edición reconocerá la trayectoria de Werner Herzog y de Naomi Watts. Bloom entregará la distinción a Herzog, mientras que el cineasta J.A. Bayona hará lo propio con Watts, quien estará acompañada en San Sebastián por la actriz Lena Olin. Fuera de esta categoría, la actriz Carmen Machi recibirá el Premio Nacional de Cinematografía durante las Galas RTVE.

Mucho más que Brad Pitt

La Sección Oficial a concurso reunirá a nombres como Fatih Akin, director de Geister / Ghost Song, y Jesse Eisenberg, que presentará su tercer largometraje como director, The Debut. La actriz Marion Cotillard acompañará a Nicole Garcia en 7h40 ce matin-là, mientras que Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant respaldarán Les Misérables, de Frédéric Cavayé. En la sección Perlak destaca la presencia de Ira Sachs, que además de presidir el jurado oficial viajará con Rami Malek y Tom Sturridge, protagonistas de The Man I Love. También participarán Lukas Dhont con Coward, Cristian Mungiu con Fjord y Andrey Zvyagintsev con Minotaur.

El cine latinoamericano tendrá presencia en prácticamente todas las secciones del certamen. En la Sección Oficial, Lali Espósito y Marcelo Subiotto participarán en el estreno de Glaxo, del argentino Benjamín Naishtat, mientras que Mercedes Morán y Dolores Fonzi respaldarán Mis muertos tristes, de Pablo Larraín. En Horizontes Latinos, el mexicano Diego Luna presentará Ceniza en la boca junto a Adriana Paz y Anna Díaz, y el paraguayo Marcelo Martinessi mostrará Narciso con Nahuel Pérez Biscayart. El actor Ricardo Darín acudirá a San Sebastián con Lo dejamos acá, de Hernán Goldfrid, película cuya imagen protagoniza el cartel oficial de esta edición.

Un jurado de renombre

El cine español tendrá una presencia amplia en la programación. En la Sección Oficial competirá Eduard Fernández como protagonista de El mal padre, de Roberto Bueso, junto a Mikel Gurrea con Sants y Javier Ruiz Caldera con 5 minutos más, esta última con Javier Cámara y Berto Romero. En la sección Made in Spain, Albert Serra inaugurará el apartado con Seize moments de ma vie. Penélope Cruz acudirá en calidad de estrella en La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, programada en Perlak, y también en The Invite, la película de Olivia Wilde que adapta la obra de Cesc Gay en Sentimental..

El jurado de la Sección Oficial estará presidido por el cineasta estadounidense Ira Sachs, que ya participó en esa misma sección con Love Is Strange (2014) y Little Men (2016). Lo acompañarán el director japonés Genki Kawamura, la guionista francesa Catherine Paillé, la actriz brasileña Alice Braga y la intérprete vasca Patricia López Arnaiz, ganadora de la Concha de Plata a la mejor interpretación por Los destellos (2024). Completan el jurado el actor sueco Bill Skarsgård, protagonista de It y Nosferatu, y el productor británico Mike Goodridge, quien ha trabajado en títulos como Club Zero y Ballad of a Small Player.

El mundo del periodismo ha llorado estos días la muerte de Gloria Steinem, periodista y activista feminista, que falleció esta misma semana a los 92 años, dejando tras de sí una gran carrera que se ha convertido en ejemplo para muchas personas en la profesión y fuera de ella. Lo que quizá no todo el mundo recuerde es que Steinem tuvo una destacada aparición en nuestro país, al que acudió para recibir el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2021, y donde dejó un discurso para el recuerdo. Sus palabras sobre fronteras y migración resuenan ahora en medio de la tensión que atraviesa España estos mismos días.

Steinem afirmó entonces que “no existen los inmigrantes” y describió a toda la humanidad como pasajera de un mismo planeta. La frase vuelve al debate público mientras continúan las protestas y las discusiones políticas sobre la gestión de la llegada masiva de personas a la ciudad autónoma. Su fundación, Gloria’s Foundation, comunicó que la escritora falleció en su casa de Nueva York, rodeada de personas cercanas. El comunicado no precisó la causa del fallecimiento.

Steinem se convirtió en una de las voces más reconocidas del feminismo estadounidense desde los años setenta, cuando cofundó la revista Ms. Magazine. En 1971 participó en la creación del National Women’s Political Caucus, un espacio de organización política feminista en Estados Unidos. En octubre de 2021, con 87 años, recibió el Princesa de Asturias en el Teatro Campoamor de Oviedo, en una ceremonia presidida por el rey Felipe VI, la reina Letizia y la princesa Leonor. La escritora se mostró honrada por sumarse a una lista de galardonados que incluía a Susan Sontag, Nelson Mandela, Margaret Atwood y Doris Lessing, a quienes definió como “escritores y revolucionarios”.

Una trayectoria entre el periodismo y el activismo

Steinem centró buena parte de su intervención en los cambios que dejó la pandemia. Sostuvo que las fronteras nacionales parecieron más artificiales y que permanecer en casa se volvió más valioso que viajar. También destacó el reconocimiento que ganaron los trabajadores sanitarios y los empleados de comercios frente a banqueros y directivos empresariales. Según la escritora, esa revalorización del trabajo esencial fue una de las señales más claras del período.

La autora vinculó esos cambios con los roles de género. “Los roles de género son bastante nuevos en la historia de la humanidad”, afirmó, y explicó que el patriarcado se consolidó cuando las comunidades humanas dejaron de ser migratorias y se volvieron sedentarias. Advirtió, sin embargo, que la violencia doméstica contra las mujeres aumentó en algunos casos durante los confinamientos, una consecuencia que calificó de trágica. En ese mismo discurso, Steinem amplió su reflexión hacia la ecología y la migración. Fue en ese punto cuando pronunció la frase que hoy recobra fuerza ante la situación en Ceuta. “No existen los inmigrantes, todos somos pasajeros en esta nave espacial terrestre, con la esperanza de salvar nuestros futuros y nuestros bosques, que son nuestro futuro”, dijo ante el público asturiano.

La escritora acompañó esa idea con una profecía atribuida a indígenas de la nación cheroqui, según la cual la Tierra terminaría por desechar a la humanidad si continuaban la destrucción de los bosques y las divisiones entre personas por el color de su piel. Steinem afirmó que el racismo en Estados Unidos había alcanzado “un punto de inflexión”. Contrapuso el movimiento Black Lives Matter con el asalto al Capitolio protagonizado por seguidores de Donald Trump, a quien calificó como uno de los presidentes que más dividió al país.

Cerró su intervención con una reflexión sobre la risa como forma de libertad. “La risa es una prueba de libertad”, dijo, y explicó que figuras autoritarias como Hitler y Stalin temían la burla y castigaban a quienes se reían de ellas. Casi cinco años después de aquel discurso, la muerte de Steinem coincide con nuevas protestas en Ceuta y en distintas ciudades españolas, semanas después de que decenas de miles de personas cruzaran la frontera desde Marruecos en un episodio que el Gobierno español sigue investigando.

Las actrices Margaret Qualley y Monica Barbaro se disputan el papel de Adele Astaire, hermana de Fred Astaire, en el próximo biopic de Sony Pictures sobre el legendario bailarín. Ambas actrices competirán por acompañar a Tom Holland, quien interpretará al protagonista de la cinta. Según fuentes citadas por Page Six, la lista de candidatas para el rol ha quedado reducida a dos nombres tras un proceso de selección que también consideró a otras intérpretes.

Adele Astaire fue la hermana mayor de Fred y su compañera de baile durante los años en que ambos actuaron juntos en espectáculos de vodevil y luego en Broadway. Ese personaje es el que buscan interpretar Qualley y Barbaro. Antes de que la búsqueda se redujera a estas dos actrices, la producción también consideró a Chloe East, conocida por su papel en The Fabelmans, de Steven Spielberg.

El biopic sobre Fred Astaire fue anunciado hace cinco años y avanza ahora hacia una de sus decisiones de casting más relevantes. La elección de la actriz que interpretará a Adele Astaire definirá a la compañera de danza de Holland en pantalla, en una producción que reconstruye la etapa de mayor exposición pública de los hermanos Astaire sobre los escenarios.

Paul King, director de la saga Paddington, está a cargo de la realización del filme. Amy Pascal, responsable también de la franquicia de Spider-Man, participa como productora del proyecto. Se sumó además Jake Myers, productor de Mission: Impossible – Fallout y productor ejecutivo de Interstellar, quien se incorporó como productor de línea de la película.

Holland confirmó que no utilizará doble de baile y que él mismo ejecutará todas las coreografías de la cinta. El actor, quien debutó en el West End con Billy Elliot the Musical entre 2008 y 2010, ya mostró sus habilidades de danza en distintos videos difundidos públicamente, entre ellos una rutina en el programa Lip Sync Battle que combinó Singin’ in the Rain con Umbrella, de Rihanna. En julio, durante una aparición en Good Morning America para promocionar Spider-Man: Brand New Day, Holland habló sobre el desafío que representa el papel: “Como tan pronto termine con estas giras, me voy a meter de lleno al estudio de danza. Hice mis primeros ensayos hace poco y me llenó de entusiasmo y de terror absoluto, porque tengo mucho trabajo por delante para intentar hacerle honor a Fred”.

Tanto Qualley como Barbaro cuentan con formación clásica en ballet. Qualley estudió danza en la North Carolina School of the Arts y fue aprendiz del American Ballet Theatre mientras asistía a la Professional Children’s School de Nueva York. También bailó sobre el escenario de la 97ª entrega de los premios Oscar, en un homenaje dedicado a James Bond. Barbaro, por su parte, obtuvo una licenciatura en Bellas Artes con especialización en danza en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York (NYU). Ahora solo queda esperar a ver quién se hace con el que promete ser uno de los grandes papeles de la próxima temporada.

Paul Thomas Anderson ya prepara su próxima película tras el recorrido de Una batalla tras otra, que obtuvo seis premios Oscar. El compositor Jonny Greenwood, colaborador habitual del cineasta, afirmó que el director eligió una idea y se acerca al inicio de un nuevo proyecto narrativo. Greenwood dijo a Screen Daily que Anderson ya definió el rumbo de su siguiente largometraje, aunque todavía no se conocen el argumento, el reparto ni el calendario de rodaje, lo cual llevará un tiempo. El músico anticipó que la película incluiría un instrumento con peso en la composición y que ya comenzó a estudiarlo.

El compositor expresó que el director “ha elegido una idea” entre varios proyectos que tenía en consideración. Según relató, Anderson parece retomar el impulso para activar la producción, aunque no precisó cuándo comenzaría el trabajo ni cuál será la historia elegida. Greenwood señaló que Anderson está “cerca de pulsar el botón” de la próxima película. La frase sugiere que el proyecto atraviesa una etapa de preparación, pero no confirma que el rodaje esté fechado ni que exista una producción en marcha.

El integrante de Radiohead sostuvo que ya intenta aprender un instrumento que tendría un lugar central en la nueva obra. No identificó cuál sería ese instrumento ni explicó cómo se integraría a la música de la película. “Ya intento aprender un instrumento nuevo que sería central para ella”, contó Greenwood. El compositor tampoco aclaró si Anderson le presentó material del guion o si las conversaciones se limitaron a la concepción musical del futuro filme.

Tempos largos, pero no eternos

La colaboración entre ambos se extiende desde Pozos de ambición, de 2007. Greenwood compuso después las partituras de The Master, Inherent Vice, El hilo invisible, Licorice Pizza y Una batalla tras otra, de acuerdo con los títulos mencionados en el texto. El músico explicó que cada trabajo con Anderson concentra su atención durante meses. Dijo que no cuenta con un equipo dedicado a arreglos o asistencia, una elección que reduce la cantidad de películas que puede asumir cada año. “Cuando trabajo en una película para Paul, es prácticamente lo único en lo que pienso durante meses”, afirmó. Greenwood calculó que, bajo ese método, no puede encargarse de más de una banda sonora anual, o de dos en algunas ocasiones.

Greenwood advirtió que el proceso de la próxima película podría extenderse. Aun así, recordó que Anderson completó Licorice Pizza en un período de pocos meses, por lo que evitó anticipar cuánto demorará esta vez el nuevo largometraje. “Crees que la próxima película va a llevar años y a menudo ocurre”, dijo Greenwood. Luego añadió que Anderson tuvo varias ideas y que ahora parece haber escogido una, con un ritmo de trabajo que vuelve a acelerarse. El compositor describió un proceso de trabajo prolongado y personal. Contó que Anderson le permite desarrollar la partitura durante el rodaje, sin imponer una entrega inmediata cuando la película ya está terminada.

Greenwood relató que Anderson visita el lugar donde compone y observa su método, que el músico definió como una escena con papeles, una impresora que falla y una orquesta a punto de llegar. Según Greenwood, el director entiende que ese trabajo se realiza con seriedad. El músico de Radiohead menciona dos posibilidades para el próximo proyecto, aunque ninguna tiene confirmación. Anderson habló antes sobre una película de jazz situada en los años 40 que podría tener a Denzel Washington en el reparto.

La nueva serie se presenta como una producción de fantasía que combinará aventura, horror gótico y romance trágico. Su eje será la creación de Strahd von Zarovich, quien pasa de ser un antihéroe marcado por la tragedia a convertirse en uno de los villanos más conocidos del juego. La trama abordará la relación del personaje con el poder, el amor y la obsesión, además de su transformación en un ser no muerto. La historia también se situará en Ravenloft y sus Dominios del Terror, escenarios atravesados por la magia oscura y la intriga sobrenatural.

El proyecto fue creado por John August, pero el director Alfonso Cuarón participará como productor ejecutivo. El equipo de producción también incluye a Gabriel Marano, en representación de Hasbro; Richard Schwartz, y Gaby Rodríguez, por Esperanto Filmoj. Netflix decidió avanzar con Ravenloft tras dejar sin desarrollo su serie basada en Forgotten Realms. El cambio coloca a la ambientación gótica como la nueva apuesta televisiva de la plataforma para llevar el universo de Dungeons & Dragons a la acción real.

Una ambientación creada para el juego de rol

Ravenloft fue creado en 1983 por Tracy y Laura Hickman. Desde su lanzamiento, se convirtió en una de las ambientaciones más jugadas dentro de Dungeons & Dragons y amplió su presencia más allá de las partidas de rol de mesa. El mundo creado por los Hickman inspiró novelas, módulos de juego, videojuegos y libros de reglas complementarios. La figura de Strahd von Zarovich quedó instalada como uno de sus personajes centrales, junto con los territorios que conforman los Dominios del Terror.

Wizards of the Coast publicó recientemente Ravenloft: The Horrors Within, una reinterpretación ampliada y actualizada de la historia original. La ambientación también apareció en la primera temporada de Dungeon Masters, el programa de partidas de rol producido por Wizards. Dungeon Masters se estrenó en abril y mostró el universo de Ravenloft dentro de una producción televisiva vinculada con la marca. La nueva serie de Netflix llevará ese escenario a una ficción de acción real centrada en una historia de origen.

El universo de la franquicia llegó al cine con Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones, protagonizada por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Justice Smith, Regé-Jean Page y Sophia Lillis. La película recibió buenas críticas y formó una base de seguidores tras su estreno. La producción, no obstante, no alcanzó la recaudación que Paramount necesitaba. Paramount-Skydance decidió no avanzar con una secuela por razones financieras, aunque los directores John Francis Daley y Jonathan Goldstein informaron que ya terminaron un guion para una posible continuación.

Según Goldstein, Hasbro respalda la búsqueda de un estudio que financie y distribuya esa segunda película. Daley señaló que el equipo conserva interés en retomar a los personajes de la primera entrega, aunque reconoció las dificultades económicas que enfrenta el proyecto. Los realizadores no informaron planes de reparto para la secuela. Mientras la continuidad cinematográfica busca un nuevo socio financiero, Netflix prepara Ravenloft como una historia separada dentro del universo de Dragones y mazmorras.

Dave Bautista retoma el entrenamiento con pesas para prepararse para interpretar a Kratos en la serie de God of War de Prime Video. El actor mostró su estado físico en un video de Instagram y dijo que todavía necesita dos meses para alcanzar la condición que busca antes de asumir el papel. Bautista afirmó que atraviesa la tercera semana desde que volvió a trabajar con pesas. “Me quedan dos meses más para llegar a donde tengo que estar. ¡Es como montar en bici! ¡Vamos allá!”, expresó en la publicación.

El actor compartió imágenes de sus brazos y abdominales, en una etapa de recuperación de masa muscular tras sus trabajos más recientes. La publicación sugiere que el entrenamiento forma parte de su preparación para el personaje de Kratos. “Ya voy por la tercera semana de entrenamiento con pesas otra vez”, señaló Bautista. En el video, el intérprete no precisó cuál es su rutina ni detalló el objetivo físico que debe cumplir para la producción.

El papel exige una apariencia cercana a la del protagonista de los videojuegos de God of War, conocido por su complexión física, la ceniza que cubre su piel y los tatuajes rojos que recorren parte de su cuerpo. Bautista no aparece aún caracterizado como Kratos. Las imágenes difundidas muestran su evolución en el gimnasio, sin maquillaje, vestuario ni elementos visuales asociados al Fantasma de Esparta. El actor había perdido parte de su masa muscular después de interpretar a Drax en Guardianes de la Galaxia. Ahora, según mostró en Instagram, volvió a entrenar con pesas con la meta de recuperar volumen y definición.

Bautista reemplazará a Ryan Hurst como protagonista

La elección de Bautista se produjo después de que Ryan Hurst dejara el papel principal de la adaptación debido a una lesión. Hurst iba a encarnar a Kratos en la serie que prepara Prime Video. El cambio puso a Bautista al frente de un proyecto para el que su nombre había circulado durante años entre los seguidores de la saga. Los fanáticos lo habían incluido en repetidas propuestas para una versión de acción real del personaje. La producción todavía no difundió detalles sobre la fecha de inicio de rodaje ni sobre el calendario para el lanzamiento de la serie. Tampoco hay información oficial sobre las escenas que podrían necesitar una nueva filmación tras la salida de Hurst. Bautista había manifestado anteriormente su interés por asumir otros papeles basados en videojuegos, entre ellos Marcus Fénix, protagonista de Gears of War. Antes de ese posible proyecto, su próximo desafío ligado a una franquicia de videojuegos será Kratos.

Prime Video no ha publicado aun una imagen oficial de Bautista con el aspecto completo de Kratos. La plataforma podría revelar primero una fotografía promocional, como ocurrió antes con Hurst, aunque ese plan no fue confirmado. También se mencionaron rumores sobre un posible cambio en el papel de Atreus, hijo de Kratos en la historia de God of War. Amazon no comunicó decisiones sobre ese personaje ni confirmó modificaciones en el reparto. La falta de anuncios oficiales deja abiertas las dudas sobre el enfoque de la adaptación y sobre el avance de la producción. Por ahora, la señal más visible del proyecto es el entrenamiento de Bautista y su previsión de necesitar dos meses más para llegar a la condición física que pretende.

El mes de septiembre apenas acaba de arrancar y atrás quedan esos taquillazos veraniegos. Algunos de ellos pueden seguir coleando, como La Odisea o Spider-Man: Brand New Day, pero también es momento de pasar página y tomar de vuelta la rutina con una nueva oleada de películas.

Esta semana el protagonismo vuelve a ser español después de El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, pues nuevos títulos de nuestra cinematografía aterrizan en cartelera. El thriller Cronos sobre los atentados de las Ramblas con Enric Auquer como protagonista o el drama rural Enjambre son algunos de ellos, pero también hay hueco para la animación con un toque queer o para el terror más divertido de la mano de Eli Roth y su Dulce sabor a muerte.

Cronos

El 17 de agosto de 2017, tras el famoso atentado terrorista en las Ramblas de Barcelona, la policía activado el llamado protocolo CRONOS. El actor Enric Auquer se encarga de dar vida a uno de los Mossos D’Esquadra presentes en dicha operación, que transcurrió durante cuatro días y dejó no pocos afectados fruto de la ira, impotencia y frustración acumulados.

Enjambre

Una de las películas más ambiciosas que ha alumbrado el cine español en los últimos años, Enjambre narra la historia de Lluc (Pablo Molinero), un hombre que busca huir de su traumático pasado insertándose en la autogestionada comunidad de Malpàs. Allí descubre una nueva familia y encuentra una nueva identidad con la que sentirse útil de nuevo, pero poco a poco también va entendiendo qué se esconde detrás de esa aparente felicidad de vida en comunidad alejada del resto de la sociedad.

Jim Queen

En el corazón de la noche parisina, Jim domina Gym Queens, una comunidad digital donde el deseo, el cuerpo y la popularidad definen el estatus. Pero su vida cambia cuando contrae Heterosis, un virus que transforma a los hombres homosexuales en heterosexuales y amenaza con vaciar la escena gay de la ciudad. Sin aliados ni prestigio, Jim solo cuenta con Lucien, un joven tímido y virgen que decide acompañarlo. Ambos atraviesan el Marais para encontrar al enigmático doctor Ragoult, cuya posible cura puede devolverle a Jim aquello que perdió y frenar una epidemia que pone en riesgo a toda una comunidad.

Black Box: Vuelo 298

Remake del cortometraje Vessel (2012), dirigido por Clark Baker, la película sigue al vuelo 298 durante su trayecto de Nueva Orleans a Seattle. El avión se estrella en circunstancias desconocidas y deja tras de sí un misterio que desconcierta a los investigadores. La aparición de unas grabaciones entre los restos permite reconstruir parte de lo ocurrido a bordo. Los testimonios revelan que los pasajeros enfrentaron una experiencia sobrenatural que escapa a toda explicación racional.

Dulce sabor a muerte

El director Eli Roth, que un día se considerase discípulo del mismísimo Quentin Tarantino, regresa a su género predilecto, el terror, con esta sangrienta Dulce sabor a muerte que no ha estado exenta de polémica por su uso de inteligencia artificial. Un apacible verano en un pueblo turístico se transforma en una amenaza para sus habitantes cuando los niños empiezan a atacar a los adultos. Una maldición vinculada a los helados que consumen despierta en ellos una violencia incontrolable. Solo tres menores permanecen fuera de los efectos de la extraña infección. Mientras el pueblo cae en el caos, deberán escapar de sus compañeros e intentar encontrar una forma de salvar a los adultos.

La cartelera de Madrid reunirá diez montajes teatrales entre septiembre de 2026 y enero de 2027, con textos clásicos, dramaturgia contemporánea y repartos encabezados por Javier Bardem, Coque Malla, Alba Flores, Javier Cámara y Marta Nieto. Bardem volverá a los escenarios con ¡Chéjov, Chéjov!, tras situarse en el centro de la conversación por su actuación en la película El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen. El actor participará en una producción basada en textos de Antón Chéjov que se presentará en una sala independiente de Madrid. La temporada incluirá adaptaciones de Federico García Lorca, Bertolt Brecht, Pedro Calderón de la Barca y Jean-Paul Sartre. También habrá obras centradas en la memoria histórica, la precariedad, los conflictos por la vivienda, la culpa y los efectos de las crisis económicas y políticas.

Javier Bardem compartirá elenco con Alicia Borrachero, Rafa Castejón, Ben Temple y Manuela Velasco en ¡Chéjov, Chéjov!. La obra, dirigida por Juan Carlos Corazza, llegará al Espacio Zafra Teatro desde el 5 de noviembre hasta el 31 de enero de 2027. El montaje reunirá textos del dramaturgo ruso Antón Chéjov y tendrá lugar en una sala independiente, lejos de los grandes recintos públicos y privados de la capital. La presencia de Bardem marcará uno de los principales atractivos de la programación de otoño.

Coque Malla protagonizará La ópera de los tres centavos, de Bertolt Brecht, en el Teatro Infanta Isabel. La versión en español tendrá dirección de Mario Vega, música de Kurt Weill y un despliegue musical a cargo de Miguel Malla. La obra se estrenará el 22 de septiembre y permanecerá en cartel hasta el 6 de noviembre. Carmen Barrantes acompañará a Malla en una historia ambientada en la Alemania de 1928, atravesada por el paro, la marginalidad, la prostitución y la crisis del sistema capitalista.

Alba Flores formará parte de Libres!, texto de Esther F. Carrodeguas dirigido por Andrés Lima. La producción se verá en el Teatro de la Abadía entre el 11 de septiembre y el 12 de octubre. Libres! recuperará la historia de Mujeres Libres, la organización anarcosindicalista que defendió la emancipación femenina, el antifascismo y la revolución social. La puesta se narrará con ritmo de cabaret e incorporará figuras como Emma Goldman, Federica Montseny y Dolores Ibárruri, conocida como La Pasionaria. Andrés Lima regresará a la dirección después de 1936, con un texto de Carrodeguas que también alude a la presencia de hombres dentro de esos espacios políticos. La autora tendrá además La Punzión en el Centro Dramático Nacional (CDN), bajo la dirección de Beatriz Jaén.

La programación también incluirá Verborrea, la nueva obra de Pablo Remón. El espectáculo llegará a las Naves del Matadero el 1 de octubre y continuará hasta el 1 de noviembre, con Javier Cámara, Marta Nieto, Israel Elejalde y Emilio Tomé. La obra plantea la supervivencia como una forma de resistencia a partir de un grupo de punk. Su líder vende chapas en conciertos de Taylor Swift y también droga, mientras afronta la posibilidad de perder la casa que le cedió su familia, que pretende destinarla al alquiler turístico. La escenografía de Verborrea estará a cargo de Mónica Boromello, quien trabajó en Fuenteovejuna, de Rakel Camacho, y en El entusiasmo, del propio Remón.

Chéjov y Lorca, entre la frustración y la maternidad

La presencia de Chéjov no se limitará al montaje con Bardem. La compañía L’Om Imprebís presentará Moscú no existe en el Teatro Fernán-Gómez, del 8 de octubre al 8 de noviembre. La obra condensará Tío Vania, La gaviota, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos. La propuesta trasladará al presente preguntas sobre la frustración de quienes siguieron las expectativas sociales, la búsqueda del éxito y la precariedad de una joven artista. Federico García Lorca también tendrá espacio con Yerma, dirigida por Eduardo Vasco. El montaje se representará en el Teatro Español desde el 30 de octubre hasta el 27 de diciembre, con Lara Grube en escena. La pieza aborda la obsesión de una mujer por tener un hijo y la presión social que rodea a la maternidad. La obra de Lorca sitúa ese conflicto en el centro de un drama que conserva vigencia en los debates actuales.

El Teatro María Guerrero, sede del CDN, acogerá Magda, de Chela De Ferrari y Luis Alberto León. La producción, dirigida por De Ferrari, estará en cartel del 13 de noviembre al 17 de diciembre. La obra parte de la figura de Magda Goebbels, esposa de Joseph Goebbels, y de los últimos momentos de la Europa de 1945. El montaje reconstruye la historia de una mujer que asesinó a sus hijos antes de suicidarse junto a su marido.

La temporada comenzará el 8 de septiembre con Las amistades peligrosas, adaptación de Christopher Hampton a partir de la novela de Pierre Choderlos de Laclos. David Serrano dirigirá la producción en el Teatro Marquina, donde estará hasta el 18 de octubre. Pilar Castro, Ángela Cremonte y Roberto Enríquez encarnarán un triángulo marcado por la manipulación, los celos, el deseo, el poder y la necesidad de imponerse sobre los demás.

La séptima promoción de la Joven Compañía de Teatro Clásico llevará Andrómeda y Perseo al Teatro de la Comedia entre el 4 y el 13 de diciembre. Nuria Castejón dirigirá la adaptación de Álvaro Tato sobre la obra de Pedro Calderón de la Barca, estrenada por primera vez en 1653. El relato seguirá la batalla de Perseo contra Medusa y su vínculo con Andrómeda. La programación cerrará en diciembre con Jean Paul Sartre, dirigida por Ainhoa Amestoy, con Isabel Ordaz, Pere Ponce, Olivia Molina y Jesús Asensi en un espacio cerrado.

Si la última edición de los Premios Oscar ya tuvo una destacada presencia española, especialmente a través de la película Sirat, esta próxima promete ser tanto o más apasionante. El primer paso era escoger las tres películas candidatas a representar a España en los próximos Premios Oscar, una distinción que se ha anunciado esta misma mañana en la Academia de Cine en Madrid a cargo de Miriam Garlo, la mujer que hizo historia el año pasado al convertirse en la primera actriz sorda en alzarse con el Premio Goya.

La bola negra, El ser querido y Los domingos han sido las elegidas como las tres candidatas finales a representar a España en la próxima edición de los Oscar, la que será la número 99º de los prestigiosos premios de Hollywood. Hay que recordar que esta elección es tan solo para el premio a Mejor Película Internacional, para el cual cada país elige a su representada, mientras que para otros premios son los propios gremios de Hollywood los que eligen las nominadas. Esto significa que, aunque alguna de estas películas no fuese finalmente elegida, podría aun así aspirar a la estatuilla a través de otra categoría.

La bola negra es sin duda la que parte como favorita de las tres, hasta el punto de que en Hollywood está sonando como más que posible candidata a otras categorías más allá de Película Internacional. El épico drama queer de Los Javis conquistó el Festival de Cannes, de donde salió con el premio a mejor dirección ex-aequo y ahora apunta a ser una película importante en Hollywood gracias a su distribución internacional a través de Netflix, que ya la ha situado como una de las cintas a tener en cuenta. Incluso para el Oscar a Mejor canción original, donde Guitarricadelafuente ya se posiciona como un duro contendiente frente a Taylor Swift, quien podría estar nominada por Toy Story 5.

Tomando el relevo de Sirat

El ser querido es la película más reciente en cartelera, pues acaba de estrenarse y ya está conquistando al público de nuestras salas. La película dirigida por Rodrigo Sorogoyen también participó en el Festival de Cannes y narra la historia de un veterano director de cine que se reencuentra con su hija en el rodaje de una película muy especial para ambos. Javier Bardem, actor predilecto en la Academia de Hollywood, podría también llegar a los Oscar incluso si la película no fuese finalmente elegida como representante de España.

Los domingos es la única película que ya ha pasado previamente por los Goya, y que cuenta con la unanimidad de un país que vio como ganaba cinco de los trece cabezones a los que estaba nominada, entre ellos el de Mejor película, dirección (Alauda Ruiz de Azúa) o Actriz principal y de reparto (Patricia López Arnáiz, Nagore Aramburu). Este drama sobre una joven que empieza plantearse convertirse en monja y su compleja relación con su familia fue uno de los grandes títulos españoles del 2025, pero con esta representación en los Oscar su carrera podría llegar más lejos que nunca.

Una de ellas tomará el relevo de Sirat, que fue la representante de España en los últimos Oscar después de ser preseleccionada junto a Romería de Carla Simón y Sorda de Eva Libertad. La película dirigida por Oliver Laxe conmocionó Hollywood y obtuvo más de una nominación, pues también estaba en la de Mejor Sonido. La próxima película encargada de representar a España tomará su testigo y tendrá la difícil tarea de lograr una estatuilla que se resiste desde hace más de veinte años. La elección final se conocerá el próximo 16 de septiembre, pero de momento ya hay tres títulos que calientan motores para el sprint final.

El Festival de Cine de Venecia 2026 abre este miércoles 2 de septiembre con una programación marcada por los nuevos trabajos de cineastas como Danny Boyle, Werner Herzog, Nanni Moretti, Lee Chang-Dong y Martin McDonagh. Entre los títulos de la sección oficial figura Búnker, con Penélope Cruz y Javier Bardem. La 83.ª edición de la Mostra se extenderá hasta el sábado 12 de septiembre, cuando cerrará con la italiana Dio ride, de Giovanni Veronesi. Un total de 21 largometrajes competirán por el León de Oro.

Búnker, dirigida por el francés Florian Zeller, sitúa a Javier Bardem y Penélope Cruz al frente de una coproducción hispano-francesa sobre el aislamiento social, el amor, la fidelidad y el perdón. La película forma parte de la competición oficial del Festival de Venecia. Bardem interpreta a un arquitecto premiado que acepta un encargo con dilemas morales: construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico. Su esposa, Sofía, a quien da vida Cruz, empieza a cuestionar la relación tras 17 años juntos. La película es el tercer largometraje de Zeller después de El padre, que le dio a Anthony Hopkins su segundo Oscar, y El hijo. La presencia de Cruz y Bardem convierte a Búnker en una de las producciones españolas con mayor atención dentro de la programación veneciana.

La representación española en la sección oficial también incluye Sucederá esta noche, de Nanni Moretti. Fuera de competencia, en Venice Open, se proyectará Dust, del director chino-malayo Tsai Ming-Liang, rodada en varias localizaciones de Gipuzkoa. Danny Boyle inaugurará el certamen con Ink, una película sobre el magnate australiano Rupert Murdoch, de 95 años. Guy Pearce y Jack O’Connell protagonizan esta producción basada en una obra de teatro de James Graham.

La historia sigue el ascenso de Murdoch desde 1969 y su relación con Larry Lamb en la creación de un tabloide. Boyle explicó que ambos levantaron un periódico que, contra los pronósticos, se convirtió en el diario más vendido del mundo. Murdoch estuvo al frente de un imperio mediático que incluyó cadenas como Fox y Sky, además de los periódicos The Sun y The Times. El empresario ha sido cuestionado por sus tácticas agresivas y el periodismo sensacionalista asociado a sus medios.

Werner Herzog competirá con Bucking Fastard, su primera película de ficción desde 2019. Kate y Rooney Mara interpretan a Jean y Joan Holbrooke, dos gemelas cuya relación llamó la atención en los años 80, cuando un hombre las acusó de acosarlo durante años. Las hermanas compartían formas de hablar, caminar y relacionarse con el mundo, según la historia real que inspira la película. Herzog, de 83 años, también recibirá uno de los premios Donostia en el Festival de San Sebastián.

Regresos de Lee Chang-Dong, Moretti y McDonagh

El surcoreano Lee Chang-Dong vuelve al largometraje después de ocho años con Possible Love. El director no estrenaba una película desde Burning, de 2018, y su nueva obra sigue las vidas entrelazadas de dos parejas casadas. Corea del Sur eligió Possible Love para representarla en la próxima edición de los Oscar. El comité de selección destacó en un comunicado la “completitud cinematográfica”, la claridad del mensaje de Lee Chang-Dong y su puesta en escena.

Nanni Moretti presentará Sucederá esta noche, una película sobre reencuentros, amores no correspondidos y segundas oportunidades. Parte de la trama transcurre en San Sebastián, durante conciertos de Bruce Springsteen en Anoeta, donde los protagonistas vuelven a verse después de años. La película contará con una proyección en la sección Perlak del Festival de San Sebastián. El reparto incluye al francés Louis Garrel, la italiana Jasmine Trinca y el propio Moretti, cuya trayectoria reúne reconocimientos desde la segunda mitad de los 80.

Martin McDonagh llevará a Venecia Wild Horse Nine, una comedia negra ambientada poco antes del golpe de Estado de Chile de 1973 que derrocó al presidente Salvador Allende. La película reúne a John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana di Girolamo y Tom Waits. La trama presenta a dos agentes veteranos de la Agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos (CIA), con pasados oscuros y conspiraciones actuales. La confianza entre ambos se pondrá a prueba por la relación que uno de ellos establece con dos estudiantes rebeldes.

Robert Pattinson, Paul Schrader y las producciones latinoamericanas

Robert Pattinson encabeza Primetime, de Lance Oppenheim, como el periodista de investigación y presentador estadounidense Chris Hansen. El personaje alcanzó notoriedad mundial por el programa To Catch a Predator, emitido por la cadena NBC entre 2004 y 2007. El formato recurría a colaboradores que se hacían pasar por menores de edad en chats y foros para contactar a supuestos pederastas. La película aborda los límites de las reglas y la ética de la televisión, en el primer largometraje de ficción de Oppenheim.

Paul Schrader presentará The Basics of Philosophy en Venice Open. En ella, Jack Huston interpreta a un profesor universitario de filosofía atormentado por una culpa del pasado, en una historia centrada en el pecado, la culpa y la redención. Sofia Boutella y Bill Pullman completan el reparto de la película. Martin Scorsese participa como productor ejecutivo, 50 años después de Taxi Driver, el filme escrito por Schrader y dirigido por Scorsese.

Entre las producciones latinoamericanas aparece Hombre al agua, dirigida por el mexicano Gael García Bernal, en la sección Venecia Spotlight. El programa también incluye el documental Biografía de Jorge Luis Borges, del argentino Mariano Llinás, con una duración cercana a seis horas. La competición oficial incorporó además Naza, documental de Yuval Abraham y Rachel Szor sobre el asesinato masivo de civiles palestinos en Gaza. La obra fue producida por el diario británico The Guardian y Jim Wilson, de JW Films.

El interés se explica por una combinación de factores: una historia que conecta tres épocas, la referencia a Federico García Lorca, un reparto con figuras de distintas generaciones y el debut interpretativo de Guitarricadelafuente. Aún no hay nominaciones al Oscar, pero el recorrido previsto en cines y Netflix alimenta las expectativas sobre una eventual presencia en la carrera.

La película transcurre en 1932, 1937 y 2017, y enlaza las vidas de tres hombres homosexuales separados por el tiempo. El relato está inspirado en un texto inacabado de Federico García Lorca y en La Piedra Oscura, la obra teatral de Alberto Conejero. Conejero escribió el guion junto a Calvo y Ambrossi, conocidos como Los Javis, quienes trasladan esos materiales a una narración que aborda deseo, memoria y violencia contra las personas homosexuales. El tráiler presenta el filme como “una epopeya queer que desafía el tiempo”, una definición que ha acompañado la difusión internacional de la producción.

El estreno mundial tuvo lugar en Cannes, en mayo, donde Javier Calvo y Javier Ambrossi obtuvieron el premio a mejor dirección. Ese reconocimiento precedió a la compra de los derechos de distribución estadounidense por parte de Netflix. La plataforma programó funciones en salas de Estados Unidos desde el 16 de octubre, antes de incorporar la película a su catálogo el 2 de diciembre. El plazo entre ambos lanzamientos será el más extenso aplicado por Netflix a una de sus películas, por encima de la ventana que tuvo Marriage Story, estrenada en 2019 con Scarlett Johansson y Adam Driver como protagonistas.

‘La nieve’, fuerte contendiente para los Oscar

El músico Guitarricadelafuente, cuyo nombre es Álvaro Lafuente Calvo, interpreta a Sebastián en su primer papel en el cine. Su presencia también está ligada a la música: escribió e interpreta “La Nieve”, la canción original del filme, mientras que la partitura corre a cargo de Raül Refree. El reparto suma a Carlos González como Alberto, Miguel Bernardeau como Rafael Rodríguez Rapún, Milo Quifes como Carlos, Lola Dueñas como Teresa, Penélope Cruz como Nené Romero, Glenn Close como Isabelle Durand, Julio Torres como Juan Pablo y Alberto Cortés como Federico García Lorca.

La Nieve concentra parte de la atención alrededor de la película por la posibilidad de entrar en la conversación sobre mejor canción original en los Oscar. La eventual candidatura de Guitarricadelafuente todavía dependerá de los procesos y anuncios de la Academia, que no ha comunicado sus nominaciones. La comparación con Taylor Swift, mencionada como posible contendiente por una canción vinculada a Toy Story 5, I Knew It, I Knew You, se mueve también en el terreno de las previsiones previas a la lista oficial de aspirantes. El desempeño internacional del tráiler y la campaña de Netflix han dado mayor visibilidad a esa expectativa.

La Bola Negra se estrenará en los cines de España el 25 de septiembre, pasando justo antes por el Festival de San Sebastián. Después iniciará su exhibición estadounidense el 16 de octubre y llegará a Netflix el 2 de diciembre. La película encara ese calendario con el antecedente de Cannes, una distribución amplia fuera de España y una recepción inicial que ha situado su tráiler entre los lanzamientos españoles con mayor circulación internacional antes de su llegada a las salas.

El director Ridley Scott habría cuestionado a Paul Mescal después de Gladiator II y habría considerado que el actor no era “lo bastante masculino” para el papel, según personas cercanas a La constelación del perro citadas por Matt Belloni, periodista de Puck. La versión fue recogida por Jordan Ruimy y se han hecho eco de ella varios medios, si bien se indica que el director de Blade Runner podría no haber usado esa expresión de forma concreta o achacado su salida del rodaje a ese único motivo.

Paul Mescal estaba previsto como protagonista de La constelación del perro, una película de Ridley Scott, pero Jacob Elordi ocupó el papel antes del rodaje. El entorno del actor explicó que la decisión respondía a conflictos de agenda con las cuatro películas sobre The Beatles de Sam Mendes. Sin embargo, Belloni puso en duda esa explicación y citó a fuentes que atribuyeron el cambio a la experiencia de Scott con Mescal durante Gladiator II. De acuerdo con esa versión, el director no quedó conforme con el perfil que Mescal aportó a la secuela.

Mescal dio vida a Lucio Vero en Gladiator II, que se situaba varios años después de los acontecimientos de la película original, tras la muerte del gladiador Máximo Décimo Meridio al que diera vida Russell Crowe. En la película, Lucio Vero se convertía no solo en un gladiador sino también en la voz de una revolución contra un nuevo imperio, en este caso el de los emperadores Caracalla (Fred Hechinger) y Geta (Joseph Quinn). Con ayuda de Macrino (Denzel Washington) y las crecientes dudas del general romano Justo Acacio (Pedro Pascal), la mecha de la revolución en Roma se volverá a prender.

Por debajo de lo esperado

Gladiator II recaudó 462 millones de dólares en la taquilla mundial, aunque su rendimiento fue menos del esperado dado que contaba ya con un presupuesto inicial de entre 250 y 300 millones. Fue ampliamente criticada por sus inexactitudes históricas, como la famosa inundación de tiburones en el Coliseo o las peleas de gladiadores con monos y otras criaturas, de las que el director se defendió en más de una ocasión. Sin embargo, Scott no realizó en ningún momento comentario alguno de una posible mala interpretación de Mescal, el cual sigue siendo un actor respetado.

Por su parte, Scott ha regresado con La constelación del perro a los cines, en la que adapta el best seller Peter Heller, una distopía en la cual un piloto busca sobrevivir a un gran desastre que ha diezmado a la población. Con la ayuda de su perro y otros pocos supervivientes, este piloto ha de huir de los carroñeros, otros seres que pretenden hacerse con el control de lo que queda de mundo. La película apenas lleva unas semanas en cartelera aunque de momento ha superado algunos de los cálculos estimados en cuanto a taquilla se refiere, si bien ha vuelto a generar una recepción mixta en cuanto a crítica se refiere. Minetras Mescal encara su próximo gran proyecto como Paul McCartney de The Beatles, su agente ya se ha encargado de desmentir cualquier rumor sobre un posible desencuentro con Ridley Scott, y quizá no es descartable que en el futuro puedan volver a trabajar juntos.

El actor británico Noah Jupe se incorpora al reparto de Vengadores: Secret Wars, la próxima gran producción conjunta de Marvel tras Vengadores: Doomsday, el esperado estreno de finales de año. Interpretará un papel que permanece bajo reserva, según la información publicada por Variety. Marvel no respondió a las consultas sobre su contratación. Jupe no se sumó a Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre, sino a su continuación, Vengadores: Secret Wars. La nueva película comenzará su rodaje más adelante este año y llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027. El personaje del actor y los detalles de la historia no fueron revelados.

La película estará dirigida por Anthony Russo y Joe Russo, responsables de otras entregas de la franquicia. Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, figura como productor de la cinta, que continuará los acontecimientos de Vengadores: Doomsday. La incorporación de Jupe ocurre cuando la producción de Vengadores: Secret Wars todavía no ha comenzado. La cercanía del rodaje abrió una etapa de especulaciones sobre el reparto, aunque la información disponible solo confirma la participación del actor británico. El intérprete es conocido por su trabajo en la serie El infiltrado nocturno y en The Undoing. En cine, obtuvo una nominación a los Independent Spirit Awards por Honey Boy y participó en las películas de Un lugar en silencio.

Jupe apareció recientemente en Hamnet, película de Chloé Zhao ganadora del Oscar. Allí compartió elenco con Paul Mescal, Jessie Buckley y su hermano menor, Jacobi Jupe. El actor también trabajó junto a Sadie Sink en una puesta de Romeo y Julieta en el West End de Londres. Sink interpretó a Julieta, mientras que Jupe asumió el papel de Romeo en esa producción de la obra de William Shakespeare. Sink debutó en el Universo Cinematográfico de Marvel como la mutante Jean Grey en Spider-Man: Brand New Day, estrenada en julio. La actriz retomará ese personaje en la próxima película de X-Men, dirigida por Jake Schreier.

De ‘Hamnet’ a Marvel

La presencia de ambos actores en proyectos de Marvel no confirma que compartan escenas en Vengadores: Secret Wars. La información publicada solo señala que Jupe podría reencontrarse con Sink tras su trabajo conjunto en Londres, mientras Marvel mantiene en secreto el rol que tendrá el actor. Vengadores: Doomsday reunirá a superhéroes procedentes de tres universos: los Vengadores, los Cuatro Fantásticos y varios integrantes de los X-Men originales de Fox. Los personajes afrontarán una amenaza vinculada con Victor Von Doom.

Robert Downey Jr. interpretará al nuevo antagonista de Marvel, después de haber encarnado a Tony Stark, también conocido como Iron Man. Ese personaje murió en Vengadores: Endgame, estrenada en 2019. El reparto de Vengadores: Doomsday incluye a Chris Evans, quien regresará como Steve Rogers, Chris Hemsworth, Pedro Pascal, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Vanessa Kirby, Channing Tatum, Simu Liu, Patrick Stewart, Ian McKellen y Tom Hiddleston.

Marvel no divulgó detalles de la trama de Vengadores: Secret Wars. La información publicada apunta a que la película tendrá una escala mayor que Vengadores: Doomsday, lo que ha alimentado expectativas sobre el posible regreso de personajes como el Spider-Man de Tom Holland o el Doctor Strange de Benedict Cumberbatch. La película lleva el mismo nombre que una saga de cómics que reúne a héroes de distintos mundos del multiverso en una dimensión llamada Battleworld. En esas historietas, Battleworld une realidades diferentes y sitúa a los héroes y sus variantes en un nuevo universo.

El mes de septiembre ya está aquí, y con él la vuelta a la normalidad. Pero no por ello hay que desilusionarse, sino todo lo contrario. Nuevas y grandes exhibiciones aprovechan estas fechas también para presentar su nueva temporada de cara a otoño, y Madrid es la ciudad ideal para disfrutar de grandes propuestas artísticas.

Durante este mes de septiembre, todo aquel que pase por la capital podrá disfrutar de nuevas muestras en centros históricos como el Thyssen o el Reina Sofía, así como descubrir las nuevas y originales propuestas de la Fundación Mapfre o el Museo Casa Natal de Cervantes en Alcalá de Henares, al noreste de Madrid. Carmen Laffón, Aurèlia Muñoz o la mismísima Odisea están esperando.

Carmen Laffón

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposición dedicada a Carmen Laffón, pintora y escultora sevillana fallecida en 2021. La muestra reúne 77 obras realizadas entre 1956 y 2021 y recorre los principales motivos de una trayectoria artística de más de seis décadas. El recorrido se organiza en nueve secciones centradas en temas recurrentes de su producción: la muñeca Marcelina, la cuna, los cestos, los armarios, el Coto de Doñana, las viñas, la cal y las salinas. La exposición pone en diálogo piezas de distintas etapas y se concentra en los dos géneros fundamentales de Laffón: la naturaleza muerta y el paisaje. Sus interiores muestran objetos cotidianos, como máquinas de coser y armarios, mientras que sus exteriores remiten a Sevilla y Sanlúcar de Barrameda, con azoteas, vistas urbanas y entornos naturales.

La artista comenzó con una representación realista, pero progresivamente centró su interés en las posibilidades de la pintura. Sus composiciones, construidas con veladuras y manchas difuminadas, se acercan en algunos momentos a la abstracción. A partir de mediados de los años noventa incorporó la escultura y desarrolló series de gran formato sobre el Coto, las viñas, la cal y las salinas. La muestra es la primera gran exposición monográfica dedicada a Laffón desde su fallecimiento y también recuerda su ingreso como académica de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos, 1850-1914

La Sala Recoletos de la Fundación MAPFRE presenta una exposición dedicada a las mujeres artistas vinculadas al prerrafaelismo. La muestra podrá visitarse en Madrid del 24 de septiembre de 2026 al 10 de enero de 2027. El recorrido aborda la participación femenina en este movimiento artístico, surgido en Gran Bretaña en 1848 como oposición al modelo académico oficial de mediados del siglo XIX. Su influencia se mantuvo hasta los primeros años del siglo XX. Comisariada por Pamela Gerrish Nunn, la exposición analiza cómo las artistas de la sociedad victoriana adoptaron, reinterpretaron o desarrollaron las posibilidades del prerrafaelismo desde una posición marcada por las restricciones sociales de la época.

La propuesta también examina sus vínculos con determinados artistas varones, el interés que despertó en ellas la defensa del movimiento realizada por John Ruskin y la independencia con la que construyeron sus propios criterios artísticos. La selección reúne obras de múltiples disciplinas: óleos, acuarelas, dibujos, grabados, fotografías, textiles, bordados, esmaltes y vidrieras. Entre las creadoras representadas figuran Elizabeth Siddal, Julia Margaret Cameron, Evelyn De Morgan, May Morris y Eleanor Fortescue-Brickdale. La muestra ofrece una mirada amplia sobre el papel de las mujeres en el prerrafaelismo y sobre la diversidad de técnicas con las que contribuyeron a su desarrollo.

Inclinado de mi estrella. Astronomía en época de Cervantes

La nueva exposición sobre Cervantes invita a conocer cómo se entendían la astronomía y la cosmografía entre los siglos XVI y XVII, una época marcada por la transición entre la tradición clásica y los primeros avances de la ciencia moderna. La propuesta coincide con un periodo excepcional para la observación del cielo. España será escenario de tres eclipses visibles de forma extraordinaria en 2026, 2027 y 2028, una sucesión que permite recuperar los conocimientos y las creencias que despertaban fascinación hace más de cuatro siglos.

Miguel de Cervantes vivió entre dos siglos decisivos para la historia de la ciencia. Fue contemporáneo de Giordano Bruno, Tycho Brahe, Johannes Kepler y Galileo Galilei, cuyas investigaciones contribuyeron a transformar la manera de interpretar el universo. En aquel momento, el estudio del cosmos todavía estaba condicionado por la herencia grecolatina y por el modelo geocéntrico de Claudio Ptolomeo, que situaba la Tierra en el centro del universo.

Los textos cervantinos muestran, además, que la astronomía no formaba parte de la vida cotidiana como una ciencia destinada a explicar el cosmos. Para la mayoría de la población, se mezclaba con la experiencia diaria, las creencias tradicionales y las enseñanzas religiosas. La exposición reconstruye esa mirada sobre el cielo y permite entender la distancia entre el conocimiento popular y los debates científicos que comenzaban a desarrollarse en los círculos académicos.

Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra

La jornada de estudio Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra reunirá a especialistas internacionales con motivo del cierre de la exposición Aurèlia Muñoz. Entes. El encuentro analizará las conexiones entre los movimientos que transformaron el arte textil contemporáneo desde finales de la década de 1960. Entre ellos figuran la nouvelle tapisserie y el Fiber Art, también conocido como «arte de fibra».

Estas corrientes encontraron centros de desarrollo en ciudades como Lausana, Varsovia, Nueva York, São Paulo y Barcelona. Desde esos espacios se consolidó una comunidad artística vinculada por el intercambio de ideas y la experimentación formal. Aurèlia Muñoz formó parte de ese entorno internacional y mantuvo un diálogo constante con otros creadores que ampliaron los límites tradicionales del textil. Su obra será abordada durante la jornada junto con las afinidades que compartió con distintas tendencias y escenas artísticas.

El programa contará con la participación de voces expertas y del equipo curatorial de la exposición. Sus intervenciones buscarán situar la producción de Muñoz dentro de un marco transnacional, marcado por debates estéticos y ecopolíticos. La jornada también examinará la vigencia de esas discusiones y sus vínculos con las prácticas artísticas actuales. El encuentro propone así una lectura ampliada de la trayectoria de la artista y del papel que tuvo el arte de fibra en la renovación del lenguaje textil contemporáneo.

La Odisea. Un viaje inmersivo

El Centro de Experiencias Inmersivas MAD estrenará el 18 de septiembre de 2026 una experiencia dedicada a La Odisea de Homero. La propuesta trasladará al público a la antigua Grecia del periodo micénico para acompañar a Odiseo en su regreso a Ítaca. La producción recreará algunos de los episodios centrales del poema: la batalla ante Troya, el caballo de madera, el encuentro con el cíclope Polifemo, las Sirenas, el descenso al Hades y el paso entre Escila y Caribdis.

Pensada para todos los públicos, la experiencia combinará recreaciones escénicas, proyecciones envolventes en 360°, un espacio de metaverso, realidad virtual multisensorial e instalaciones holográficas. La voz de Homero guiará el recorrido y presentará cada sala. Con auriculares con cancelación de ruido, los visitantes podrán interactuar con el entorno, abrir puertas y utilizar una antorcha para avanzar por el mundo virtual.

La película inmersiva se dividirá por primera vez en ocho historias independientes. Cada prueba de Odiseo tendrá su propio lenguaje visual, atmósfera y banda sonora, con una estructura formada por ocho cortometrajes reunidos en un mismo espacio. La experiencia estará disponible también en inglés, incluida la sala inmersiva principal. El idioma se incorporará a las salas interactivas, el metaverso, la instalación holográfica y los paneles, con el objetivo de facilitar el acceso del público internacional. Tanto si has visto ya la película de Christopher Nolan como si no, es una experiencia que no se puede dejar escapar.

Arturo Pérez-Reverte ha puesto fin a su histórica colaboración con el suplemento dominical XLSemanal del diario ABC, donde firmó la columna Patente de corso durante más de tres décadas. El escritor español anunció su despedida con un mensaje dirigido a sus lectores, en el que expresó gratitud y nostalgia por este cambio en su trayectoria. “Siempre dije que un lector habitual de mis novelas o artículos es mi amigo, y eso me produce una natural tristeza en el momento de decir adiós a estas páginas que han sido tanto tiempo mi confortable hogar”

Durante 33 años, Pérez-Reverte publicó casi mil 600 artículos en el suplemento considerado el más leído de España. Su labor comenzó cuando aún ejercía como reportero, una etapa que terminó en 1994. A lo largo de este tiempo, el autor exploró en sus columnas recuerdos personales, episodios históricos, escenas de guerra, viajes y reflexiones sobre la actualidad, aunque los textos de opinión fueron minoría. “Fui muy feliz contando todo eso, y espero haber contribuido también, con mi trabajo, a la felicidad o el interés de algunos lectores, cuya lealtad me ata a ellos con una deuda imposible de compensar por mi parte”. La columna Patente de corso se consolidó como uno de los espacios más reconocidos del periodismo de opinión en español. La diversidad temática y el enfoque personal marcaron el tono de sus entregas, que encontraron un público fiel entre los lectores habituales de la revista. El escritor manifestó su agradecimiento a quienes siguieron su obra, afirmando que considera amigos a sus lectores habituales y que la despedida de estas páginas le produce tristeza.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

El propio Pérez-Reverte explicó los motivos de su retiro del suplemento, dejando claro que no responde a conflictos internos ni a diferencias con el medio. “Pasa el tiempo, pasan los años y pasa la vida. Dentro de dos meses cumpliré 75, y hay cosas que la edad y el mundo en el que vivo hacen que me replantee y considere con otra mirada”. El escritor subrayó que su decisión obedece a la necesidad de reorganizar su tiempo entre la actividad periodística y la literaria. Indicó que la despedida no implica una ruptura definitiva con la prensa escrita, sino una pausa para reflexionar sobre futuros proyectos y ajustar su agenda a nuevos intereses.

Libertad editorial y experiencias personales

En su mensaje de despedida, Pérez-Reverte reconoció el respeto absoluto a su libertad de expresión durante toda su etapa en XLSemanal. Resaltó que nunca sufrió censura, incluso cuando algunos de sus textos generaron controversias o incomodidad entre lectores y anunciantes. Según relató, la empresa enfrentó dificultades con lectores disconformes y clientes irritados, e incluso se vieron amenazados ingresos publicitarios, pero su libertad fue respetada y absoluta.

El autor valoró el apoyo del equipo editorial y la confianza recibida a lo largo de los años. También reconoció la lealtad de los lectores, a quienes considera parte fundamental de su recorrido en la prensa. “Mi libertad fue siempre respetada y absoluta, incluso cuando algunos artículos especialmente agresivos, religiosa, social o políticamente incorrectos—lo que ocurría con cierta frecuencia—pusieron a la empresa en dificultades con lectores disconformes y clientes irritados, amenazando incluso sus ingresos publicitarios” Pese a dejar de publicar en XLSemanal, Pérez-Reverte aclaró que no tiene intención de abandonar la escritura periodística. Señaló que ha dejado de colaborar en otros medios impresos, pero ha recibido propuestas para continuar con sus artículos en diferentes espacios. Explicó que está evaluando esas ofertas con calma y que tomará decisiones al respecto en los próximos días.

El escritor aprovechó el descanso periodístico para finalizar y corregir su próxima novela, cuya publicación está prevista para octubre. Los lectores podrán seguir accediendo a sus textos a través de redes sociales y de la revista digital Zenda, donde continuará activo. La salida de Arturo Pérez-Reverte de XLSemanal marca el cierre de una etapa relevante para el periodismo de opinión en España. Su legado queda reflejado tanto en la cantidad como en la diversidad de temas tratados y en la relación construida con sus lectores, que seguirán su rastro en nuevos formatos y plataformas.

Las luces del MGM Grand se apagaban sobre una noche que, sin saberlo, marcaría en un antes y un después para la música y la cultura popular. Era el 7 de septiembre de 1996 en Las Vegas. Tupac Shakur, de 25 años, había asistido al combate de boxeo entre Bruce Seldon y Mike Tyson, amigo y figura paterna simbólica para muchos en el mundo del rap. Esa misma noche, en el vestíbulo del hotel, estalló una pelea entre la comitiva de Tupac y Orlando Anderson, un joven asociado a los South Side Compton Crips. Lo que pareció un altercado callejero más en la efervescente escena del hip hop de los 90 sería, horas después, el prólogo de un crimen que dejaría una herida abierta durante tres décadas.

Minutos después de la pelea, Tupac y su amigo Suge Knight, fundador de Death Row Records, salían del hotel en un BMW negro. En un semáforo cerca del Flamingo Road, un Cadillac blanco se detuvo a su lado. Desde la ventanilla del pasajero, alguien abrió fuego. Tupac recibió cuatro impactos: dos en el pecho, uno en el brazo y otro en la pierna. El conductor, Knight, resultó herido de bala en la cabeza. Ambos fueron trasladados al hospital, pero Tupac, tras seis días de agonía, falleció el 13 de septiembre de 1996. Su muerte no solo truncó la carrera de uno de los artistas más influyentes de su generación, sino que también encendió la mecha de una de las mayores rivalidades en la historia de la música: la guerra entre las costas Este y Oeste del rap estadounidense.

El contexto de los años 90 es inseparable de la tragedia. El hip hop vivía una época dorada, pero también profundamente dividida. En Nueva York, Bad Boy Records, liderada por Sean “Puffy” Combs, representaba el sonido más comercial y orientado al mainstream. En Los Ángeles, Death Row Records, con figuras como Dr. Dre y Tupac, encarnaba el “gangsta rap”, crudo, político y conectado con la realidad de las calles. La tensión entre ambas costas se alimentó de letras, declaraciones públicas y, en ocasiones, de violencia real. Tupac, encarcelado en 1995 por un caso de agresión sexual que siempre negó, salió bajo fianza gracias a Suge Knight, quien pagó su libertad a cambio de que grabara para Death Row. Desde entonces, Tupac se convirtió en el rostro más visible de la costa Oeste, y sus ataques verbales hacia Combs y The Notorious B.I.G., su máxima estrella, avivaron el fuego.

Fin a las teorías conspiratorias

Muchos vieron en el asesinato de Tupac una extensión lógica de esa guerra. Las teorías de conspiración se multiplicaron: desde la implicación de la policía de Las Vegas hasta la participación de agentes de la DEA o incluso la idea de que Tupac seguía vivo, oculto en alguna isla del Caribe. Sin embargo, durante años, el caso permaneció sin resolver, alimentado por testigos que se negaron a colaborar, por la cultura del “no snitching” (no delatar) en las comunidades afectadas por las bandas, y por la falta de pruebas concluyentes.

La historia dio un giro inesperado en 2023, cuando Duane “Keffe D” Davis, tío de Orlando Anderson y exlíder de los Crips, publicó un libro de memorias en el que admitía su participación en el tiroteo. Aunque sus declaraciones no fueron suficientes para abrir un proceso judicial de inmediato, sembraron la semilla para que, años después, la fiscalía del condado de Clark retomara el caso con nuevas pruebas y testimonios. En agosto de 2026, casi 30 años después del crimen, Davis fue llevado a juicio, acusado de orquestar el asesinato como venganza por la pelea en el MGM Grand.

El juicio, que comenzó el 10 de agosto de 2026, ha sacado a la luz grabaciones, entrevistas y declaraciones que pintan un cuadro más claro de aquella noche. La fiscalía sostiene que Davis no apretó el gatillo, pero sí proporcionó el arma, organizó el ataque y dio las órdenes. Su defensa, por su parte, argumenta que las declaraciones de Davis fueron exageradas o sacadas de contexto, y que no hay pruebas físicas que lo vinculen directamente con el tiroteo.

Treinta años después, el caso de Tupac ya no es solo un misterio criminal, sino un símbolo de una época marcada por la violencia, la rivalidad y la búsqueda de justicia en un sistema que durante décadas pareció haber olvidado a una de sus víctimas más icónicas. El juicio en Las Vegas no solo busca determinar la culpabilidad de un hombre, sino cerrar, al menos en parte, una herida que ha definido la historia del hip hop y la cultura popular durante tres décadas.

La secuela de La asistenta continúa sumando nombres a su elenco, consolidando un reparto que busca repetir el éxito de la primera entrega. En las últimas horas se confirmó que Stephen Kalyn, conocido por su papel en la serie Off Campus de Amazon Prime Video, es el nuevo fichaje de El secreto de la asistenta, la continuación del filme que conquistó la taquilla en diciembre de 2025.

La noticia fue confirmada tras el cierre del acuerdo entre Kalyn y Lionsgate, el estudio responsable de la producción. El actor se une a un reparto liderado por Sydney Sweeney, quien retoma el papel principal de Millie Calloway, y que cuenta también con la participación de Kirsten Dunst, Brittany Snow y Paul Anthony Kelly. La dirección está a cargo de Paul Feig, quien regresa tras su labor en la primera parte. La incorporación de Kalyn refuerza la apuesta del estudio por sumar talento emergente y caras conocidas al proyecto. El secreto de la asistenta es una de las producciones más esperadas tras el éxito de La asistenta, que en su estreno recaudó $126,4 millones en Estados Unidos y alcanzó los $400,5 millones a nivel mundial. El filme anterior contó con Sydney Sweeney, Amanda Seyfried y Brandon Sklenar en los roles centrales.

El anuncio de Stephen Kalyn como nuevo integrante del elenco posiciona a la secuela en el radar de los seguidores de las series juveniles, especialmente del público que sigue Off Campus. La llegada de Kalyn busca aportar frescura y atraer a nuevas audiencias sin perder la esencia de la saga. La historia de la secuela continuará con la vida de Millie Calloway, quien acepta un trabajo como empleada doméstica para una mujer a la que nunca está autorizada a ver. La trama promete mantener el tono de suspenso y los secretos que caracterizaron a la primera película, esta vez con una nueva amenaza detrás de una puerta cerrada.

Stephen Kalyn: de Amazon Prime a la gran pantalla

Stephen Kalyn se dio a conocer por su interpretación en Off Campus, serie original de Amazon Prime Video que le valió reconocimiento entre el público joven y la crítica. Además de su trabajo en esta producción, Kalyn ha formado parte de títulos como Gen V, Cruel Intentions y Motorheads, consolidando una carrera ascendente en la industria audiovisual. El acuerdo entre Kalyn y Lionsgate fue negociado por Robert Melnik en nombre del estudio, asegurando así la presencia del actor en una de las apuestas más fuertes de la compañía para el próximo año.

Detrás de El secreto de la asistenta hay un equipo que mantiene la continuidad con la primera entrega. La producción está encabezada por Todd Lieberman de Hidden Pictures, Laura Fischer de Pretty Dangerous Pictures, Paul Feig y la propia Sydney Sweeney a través de su sello Honey Trap. El guion es responsabilidad de Rebecca Sonnenshine, quien ya había adaptado la novela original para la primera película. En la producción ejecutiva repiten Carly Elter y Alex Young de Hidden Pictures, mientras que Kaylee McGregor de Honey Trap actúa como coproductora.

La supervisión del filme por parte de Lionsgate recae en Chelsea Kujawa y Maria Ascanio, quienes han estado involucradas en todas las etapas del proyecto. La trama de la secuela retoma la vida de Millie Calloway en un escenario de misterio y tensión. La protagonista acepta un empleo donde su principal consigna es no ver nunca a la dueña de la casa, pero pronto se enfrenta a un secreto que pone en riesgo su propia seguridad.

La primera entrega, La asistenta, se estrenó en diciembre de 2025 y se convirtió en un fenómeno de taquilla, logrando una recaudación significativa tanto en el mercado local como internacional. El éxito comercial y el interés de la audiencia por el desenlace de la historia impulsaron a Lionsgate a apostar rápidamente por una continuación. La suma de Stephen Kalyn al reparto se produce en un contexto de constante renovación dentro de la industria, donde las franquicias buscan expandirse incorporando nuevos rostros reconocibles para el público joven. Con la expectativa centrada en el rodaje y la fecha de estreno, El secreto de la asistenta se perfila como uno de los eventos cinematográficos más destacados del próximo año.

El entrenador español Robert Moreno inicia una nueva etapa profesional tras asumir como seleccionador nacional de Corea del Sur. La Federación de Fútbol de Corea (KFA) oficializó la llegada de Moreno, quien afronta este desafío seis años después de su paso por la Selección Española de Fútbol. Su designación marca un nuevo capítulo en su carrera, orientado a la construcción de un equipo competitivo para el fútbol asiático.

Moreno fue elegido tras un proceso de selección que incluyó varias fases de evaluación y entrevistas. La KFA destacó su “preparación, conocimiento del fútbol coreano, capacidad de análisis y disposición para plantear distintas alternativas tácticas”. El nombramiento reúne a un técnico con experiencia en clubes y selecciones con la expectativa de renovar el proyecto deportivo surcoreano.

El acuerdo inicial con Moreno se extiende hasta el 27 de noviembre. Sin embargo, la federación confirmó una cláusula que le permitiría continuar al frente del equipo para disputar la próxima Copa Asia, prevista para principios de 2027 en Arabia Saudí. La duración del contrato refleja tanto el carácter temporal como la posibilidad de extensión, condicionada a los resultados de los primeros encuentros y a la adaptación del técnico al entorno coreano.

Ecuador, su primer reto

La KFA decidió apostar por Moreno tras varias reuniones presenciales y un exhaustivo análisis de candidatos. Según la federación, el perfil del técnico español encajó por su flexibilidad táctica y su capacidad para adaptarse a distintos contextos futbolísticos. La federación valoró positivamente la experiencia acumulada tanto en clubes europeos como en selecciones nacionales, así como su historial reciente con equipos de primer nivel. El organismo deportivo subrayó que el nombramiento responde a la necesidad de impulsar una nueva etapa en el combinado nacional, con vistas a fortalecer su presencia en competiciones internacionales. Se espera que Moreno aporte “una visión renovada y un enfoque metodológico riguroso”, según comunicó la KFA.

El debut oficial de Robert Moreno como seleccionador de Corea del Sur tendrá lugar el 24 de septiembre en un partido amistoso contra Ecuador en la ciudad de Suwon. Cuatro días después, el equipo se medirá a Uruguay. En la ventana internacional de octubre, Corea del Sur disputará dos nuevos encuentros: el 2 de octubre contra Venezuela y el 6 de octubre frente a Uzbekistán.

Estos primeros compromisos serán clave para que Moreno comience a implementar sus ideas y conozca el potencial de la plantilla. Los partidos amistosos permitirán observar el rendimiento de los jugadores en distintas situaciones y ajustar el planteamiento táctico de cara a los objetivos de medio plazo. La federación está gestionando la organización de dos partidos internacionales adicionales para la ventana FIFA de noviembre. Estas oportunidades facilitarán la consolidación del grupo y servirán de preparación para los desafíos que la selección enfrentará en 2027.

Un viejo conocido en el fútbol español

Moreno cuenta con una trayectoria relevante en el fútbol de élite. Fue seleccionador interino de la Selección Española de Fútbol durante la temporada 2019, asumiendo el cargo en ausencia de Luis Enrique. Bajo su dirección, el equipo nacional mantuvo la competitividad en la clasificación para la Eurocopa. Además, ha trabajado en clubes como el AS Mónaco y el Granada CF, donde desarrolló diferentes proyectos deportivos.

La llegada de Moreno a Corea del Sur supone un reto en términos de adaptación cultural y futbolística. El técnico español deberá familiarizarse con la dinámica del fútbol asiático y establecer un canal de comunicación efectivo con la plantilla y el entorno federativo. La experiencia previa en selecciones nacionales constituye una base para afrontar este proceso de integración.

El objetivo inmediato de Moreno será consolidar un equipo reconocible y competitivo, capaz de responder a las expectativas de la KFA. El ciclo inicial servirá como período de evaluación y ajuste, con la vista puesta en la posible extensión del contrato hasta la Copa Asia, donde podría medirse a otro técnico español como Luis García para Catar. La federación considera que la experiencia internacional de Moreno y su enfoque analítico pueden contribuir a elevar el nivel del combinado surcoreano. El futuro del técnico español en Corea del Sur dependerá del desempeño en esta primera fase y de su capacidad para adaptarse a las exigencias del fútbol asiático.

Una serie mítica de los años 90, reconocida por su atmósfera oscura y su narrativa poco convencional para el universo infantil, acaba de ver frustrado su esperado regreso. Disney ha decidido cancelar el desarrollo de su remake en acción real, una noticia que impacta a quienes crecieron con las aventuras nocturnas y los dilemas morales de un grupo de héroes petrificados por el día.

La serie en cuestión es Gárgolas, una producción animada que se emitió entre 1994 y 1997, y que desde entonces ha mantenido un fuerte culto de seguidores. La noticia de la cancelación fue confirmada a Variety por una fuente cercana al proyecto, tras la difusión de rumores originados por una entrevista con Greg Weisman, co-creador de la animación original. “Eso está muerto”, declaró Weisman al ser consultado sobre el estado actual de la serie para la plataforma Disney+. Añadió que no hay planes para una versión en acción real y que desconoce cualquier movimiento en cuanto a una nueva animación. Weisman no formaba parte activa del reboot, pero su comentario fue clave para esclarecer el destino del proyecto.

La adaptación en acción real de Gárgolas había sido anunciada en 2023 con gran expectación. El encargo estaba en manos del guionista Gary Dauberman, conocido por su trabajo en It, y de James Wan, productor de Atomic Monster. Ambos figuraban como productores ejecutivos. Disney Branded Television se encargaba de la producción, lo que reforzaba la idea de que la plataforma apostaba fuerte por el regreso de la franquicia. El argumento propuesto para la nueva versión retomaba el eje central de la Gárgolas original: Goliath, el último de una raza de guerreros mitológicos, debía adaptarse a la vida en el Nueva York contemporáneo tras liberarse de una maldición de siglos. La sinopsis oficial describía a Goliath como un personaje marcado por el misterio de su pasado, acompañado de la detective de policía Elisa Maza, en una lucha constante por proteger la ciudad de nuevas amenazas.

Un proyecto que nunca llegó a desarrollarse del todo

El proyecto, sin embargo, nunca superó la fase de desarrollo temprano. La cancelación de la serie pone fin a meses de especulaciones entre los aficionados y la prensa especializada, quienes veían en el regreso de Gárgolas una oportunidad para presentar a nuevas generaciones una historia que marcó a muchos espectadores por su tono adulto y su profundidad temática. La confirmación del cierre definitivo llegó después de que los rumores se multiplicaran en foros y redes sociales, sobre todo tras la entrevista de Weisman.

La serie original, producida por Walt Disney Television Animation, se alejaba del tono habitual de la compañía. Gárgolas presentaba un grupo de seres fantásticos que, durante el día, permanecían convertidos en piedra bajo el hechizo de una traición ocurrida en la Escocia del siglo X. Solo podían despertar mil años después, en pleno Manhattan, gracias a la intervención de un industrial llamado David Xanatos. Una vez libres, los protagonistas se comprometían a proteger la ciudad, enfrentando tanto amenazas sobrenaturales como dilemas éticos y sociales. El elenco de voces que dio vida a los personajes en la animación original incluía a Keith David, Salli Richardson, Jonathan Frakes, Marina Sirtis, Ed Asner, Thom Adcox-Hernandez, Jeff Bennett y Bill Fagerbakke. La serie se emitió durante tres temporadas, siendo la última conocida como “Gargoyles: The Goliath Chronicles”.

Desde su cancelación en los años 90, Gárgolas ha acumulado una base de seguidores fieles y nostálgicos. A lo largo de los años, se han sucedido rumores y propuestas para revivir la franquicia, pero ninguna llegó a concretarse. La reciente iniciativa de Disney+ era vista por muchos como la oportunidad más tangible hasta la fecha. El cese definitivo del proyecto deja claro que, al menos por ahora, Gárgolas permanecerá como un referente de la animación de los años 90 y como uno de los títulos más recordados por quienes vivieron su impacto original. La decisión de Disney corta de raíz las esperanzas de ver una reinterpretación en acción real que, durante meses, mantuvo en vilo a una comunidad de fanáticos que sigue considerando la serie como una de las propuestas más singulares del catálogo de la compañía.

Tiene mucha más gracia ver la película de Preston Sturges que escribir por aquí sus diálogos, pero sin duda el humor de la screwball comedy de los años 40 se hace más que socorrido a la hora de hablar de Una noche al año (Will Gluck, 2026), la comedia romántica que acaba de llegar a los cines y que precisamente habla del sexo no ya como una necesidad, sino como una excepción. El problema es que, más allá de su extrañísima premisa, la película es tanto un reflejo de su época -como querría Sullivan de la suya- como una evidencia de lo poco que hemos avanzado como sociedad en estos 85 años que han transcurrido entre una y otra.

La premisa de Una noche al año es de todo menos sencilla. En un futuro cercano pero alternativo, una ley prohíbe el sexo entre personas que no estén casadas, siendo perseguido por la justicia todo aquel que no cumpla el mandato e incluso llevando un biosensor en el brazo que identifique a los casados de los solteros. No obstante, y por cortesía del gobierno de Estados Unidos, durante una noche al año se permite mantener relaciones sexuales a todo el mundo. Owen (Callum Turner) se había preparado a conciencia para una noche así con su pareja (Maya Hawke), pero un cambio de planes lo lleva a salir a la noche de Nueva York buscando otra cosa. Durante la larga noche en la que todos parecen estar muy ocupados, el joven se cruzará en el camino de Allie (Monica Barbaro), una aspirante a cantante con una visión del amor demasiado idealista como para disfrutar de una noche así sin prejuicios, pero que al igual que Owen se ve lanzada a cambiar las cosas.

Es mejor no sobrepensar, en general

¿En qué momento la gente permitió una ley así? ¿Cómo no se ha derogado? ¿Cómo deciden qué día del año es EL día? ¿Cómo sabe el biosensor si llevas puesto un preservativo o no? ¿Por qué la gente espera hasta el último día para concertar citas o incluso comprar condones? Y en general, ¿cómo es que nadie se ha vuelto completamente loco en el proceso? Ninguna de esas preguntas tiene respuesta ni demasiada explicación en Una noche al año, aunque su director insiste en, como verbalizan sus personajes, no sobrepensar demasiado.

“La verdad es que esta película no se puede describir. El reparto va a programas de entrevistas y se pasa el 80 % del tiempo explicando las reglas de ese mundo, y eso no es de lo que trata la película. Tenemos que dejar que la gente la vea. Esa es la mejor herramienta que tenemos, sobre todo para algo tan alocado como esto”, explica Gluck, que sin embargo se contradice y admite que, como Sullivan, se pasó mucho tiempo en cómo construir ese distópico (aunque no tan alejado de la realidad, ya sea por religión, por el auge del conservadurismo o por los dictámenes de las redes sociales) universo que plantea. “Le di muchas vueltas, dediqué mucho tiempo a construir ese mundo. Estos personajes viven en un pequeño mundo alternativo que podría darse fácilmente. Tenemos que hablar de ello. Pero lo que realmente quería era que ese mundo quedara en un segundo plano. No quería que la película tratara sobre eso. Se trata más bien de cómo nuestros personajes se las arreglan en la vida”.

Gluck realizó hace más de quince años Rumores y mentiras, una suerte de adaptación de La letra escarlata de Nathaniel Hawthorne en un instituto de los 2000 y, sobre todo, la película por la que se dio a conocer Emma Stone, quien interpretaba a una chica idealista en el amor y cínica en las relaciones, no muy alejada de la que interpreta Barbaro en Una noche al año. Si en aquella cinta se proponía cómo los estereotipos de instituto suponían un impedimento para que las personas pudieran conocer e intimar de forma auténtica, aquí Gluck directamente establece que es casi imposible conocer el amor verdadero si hay sexo esporádico de por medio, una idea algo mojigata incluso dentro de una distopía.

Un mundo sin sexo esporádico, ¿pero con más amor?

En su extraña mezcla de Jo, qué noche de Martin Scorsese con la saga de La Purga, Gluck sigue ahondando en los recovecos del amor más escéptico que ya había explorado en otras películas -a él le debemos también Con derecho a roce, que popularizó el concepto de “follamigo”- y en la dinámica de enemigos a amantes de su última película, Cualquiera menos tú (con cameo de Sydney Sweeney y Glen Powell incluido, entre muchos otros). El director vuelve a tirar de la química en sus protagonistas, de momentos extrañamente cómicos e incluso de lanzar a la cara grandes temas musicales, lo que ya le funcionó con Unwritten de Natasha Bedingfield en Cualquiera menos tú. No obstante, en todo momento da la sensación de que la premisa y, en general, el aire marciano se come la propia historia de amor, interrumpiendo y sacando al espectador del embrujo cada vez que ambos protagonistas pueden intimar.

El resultado es una comedia romántica que se sale del molde, por no decir que es extremadamente rara. Simpática, con algún que otro momento de brillo pero que en general está muy lastrada por la maleta que carga a cuestas y que le impide soltarse al nivel que lo hacían otras romcoms del propio director. Irónicamente, este confesaba en una entrevista que Una noche al año cortó parte de la desnudez de varias escenas después de descubrir con Cualquiera menos tú, que las nuevas generaciones prefieren no ver sexo en pantalla. “Creo que ha habido un cambio social: antes, la desnudez se daba en contextos adultos y se guardaba en los móviles en casa, para el uso privado de cada uno. Ahora es algo más privado e íntimo que la gente no quiere ver cuando comparte una experiencia con otros. Hoy en día, cada vez que la gente ve desnudos o situaciones muy adultas en una gran sala de cine, se siente incómoda”.

Esta última revelación lleva a pensar que quizá, más allá de un mensaje ciertamente mojigato y conservador, Gluck solo se ha adelantado unos años a una sociedad que, con una ley antisexo premarital o no, podamos llegar a ver en cualquier momento. La propia relación de la gente con el amor y las comedias románticas ya se ha erosionado en los últimos años, y aunque este está siendo un año de notables excepciones, se puede decir que Una noche al año es una película a la que le falte esa pizca de sexo que demandaban en Los viajes de Sullivan, pero por otro lado, será la que les encantará a las nuevas generaciones. El debate ya está abierto.

La esperada continuación de la película de culto Donnie Darko ya es una realidad. Richard Kelly, director y creador de la obra original, lanzará este año la novela The Philosophy of Time Travel, que no solo funciona como secuela directa, sino que también sienta las bases para una futura adaptación cinematográfica. El libro, con unas 800 páginas, transcurre en 1988 inmediatamente después de la muerte de Donnie, interpretado por Jake Gyllenhaal. La publicación coincidirá con el 25º aniversario del estreno de la película.

The Philosophy of Time Travel se presenta como el primer paso tangible de Kelly para expandir el universo narrativo de Donnie Darko. “He mantenido el contacto con todo el reparto a lo largo de los años. Estoy bastante seguro de que saben que he estado trabajando en todo esto, y la secuela es tan grande que este libro arranca en los 14 meses posteriores a la muerte de Donnie, y después hay mucho más material narrativo que he estado desarrollando, donde el tiempo salta 28 años hacia el futuro”, explicó Kelly en declaraciones recogidas por Variety.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

El cineasta no oculta su deseo de adaptar la novela primero como una película animada o de captura de movimiento, para luego dar paso a una producción en acción real que continúe la historia casi tres décadas después de los hechos originales. “Esta sección de la secuela sería animación y, en teoría, si sucede, habría un salto temporal gigantesco de unos 28 años, y donde los actores, si quieren interpretar sus papeles en carne y hueso, sería maravilloso también. Así que veremos qué pasa”, detalló Kelly, uno de esos cineastas que fueron apartados de Hollywood después de sus batacazos posteriores, al igual que otros directores como David Robert Mitchell, quien ahora ha vuelto con El final de Oak Street..

Buscando reunir al reparto original

Aunque el realizador aún no ha contactado formalmente al reparto para retomar sus papeles, su aspiración es clara: “Mi condición para hacer una secuela real era reunir al reparto original y llevarlo a una escala gigantesca. Eso lleva tiempo, tiene un coste y es difícil porque implica varias películas”, subrayó. “Es esta cosa grande, gigantesca e inmanejable que tengo que tratar de dominar. Pero en mi mente, así debe ser. Dada la manera en que esta película ha conectado con la gente durante tanto tiempo, me propuse construirlo todo y trazarlo por completo, sabiendo que hay muchos desafíos asociados”.

La nueva novela de Kelly utiliza un formato de documentos encontrados, alternando las voces de Rose y Eddie, los padres de Donnie, quienes documentan de manera exhaustiva los acontecimientos tras la muerte de su hijo y sus investigaciones paralelas para entender lo que ocurrió. Según el propio autor, “lo que me di cuenta a medida que la historia crecía era que necesitaba volver en el tiempo y alejarme de la secuela para contar lo que ocurría en los 14 meses después de la muerte de Donnie. Hay mucha información esencial en esa sección”. Kelly describe el proceso: “Pensé, ¿por qué no armar una novela y publicar solo esa parte de la secuela, así puedo lanzarla al mundo y eso pondrá el barco en marcha hacia donde tenga que ir? En mi mente, esto es la pieza final del rompecabezas para lanzar la secuela y ver qué sucede”.

Un largo camino hasta ver la luz

El autor asegura que la novela sorprenderá al revelar la verdadera naturaleza de los personajes en la realidad de California del Sur, mostrando cómo fueron arrastrados a un universo onírico colectivo durante 28 días, y cómo intentan comprenderlo tras la muerte de Donnie. Según Kelly, “forman una especie de grupo de apoyo que termina convirtiéndose en un culto, y todos se unen. Hay muchas sorpresas sobre quiénes son realmente y fue gratificante ver a todos los personajes empezar a interactuar entre ellos en respuesta a la muerte de Donnie, haciéndose amigos muy cercanos”.

Kelly destaca que incluso personajes considerados villanos en la película adquieren nuevas dimensiones en la novela: “Hay personajes que son villanos en la película, pero en la realidad de la secuela no lo son; puede que hayan hecho cosas terribles en el sueño de la primera película, pero cuando los conoces en la realidad, intentan procesar por qué hicieron esas cosas y lo analizan igual que los fans analizan la película. Quería escribir un papel realmente gratificante para todos los actores, incluso para quienes solo aparecieron en una o dos escenas”.

El camino para concretar la secuela ha sido largo y accidentado. Kelly reconoce que le llevó más de dos décadas idear una continuación que estuviera a la altura, enfrentando diferentes etapas de desarrollo y dificultades legales: “Ha habido todo tipo de permutaciones y múltiples compañías y estudios involucrados en todo el proceso”. El lanzamiento de The Philosophy of Time Travel marca también el debut de Range Literary Publishing, un nuevo sello orientado a proyectos con potencial de adaptación audiovisual. La novela ya está disponible en preventa y se espera que su salida definitiva, todavía sin fecha confirmada, marque el inicio de una nueva etapa para uno de los universos más intrigantes del cine contemporáneo, sea o no con el regreso de los hermanos Gyllenhaal y el resto del elenco original.

El conocido actor Jacob Elordi confirmó durante una entrevista en el marco del estreno de La constelación del perro que sus próximos trabajos en el cine ya tienen nombre y directores. El actor detalló que primero participará en lo nuevo de Ari Aster y luego en un proyecto dirigido por László Nemes, el celebrado autor húngaro. Al referirse a ambos proyectos, Elordi expresó su entusiasmo y anticipó la adaptación de la novela Outer Dark como uno de los retos más importantes de su carrera.

Durante la reciente promoción de La constelación del perro, Jacob Elordi confirmó oficialmente que será el protagonista masculino de la próxima película de Ari Aster, titulada provisionalmente Scapegoat, donde compartirá cartel con Scarlett Johansson, confirmada desde hace algunos meses para el proyecto. Además, el actor australiano reveló su participación en la adaptación de Outer Dark, la novela de Cormac McCarthy, bajo la dirección de László Nemes. Elordi afirmó: “Voy a hacer la próxima película de Ari Aster y luego voy a hacer esta película con László Nemes, que es el director de El hijo de Saul, que estoy muy emocionado. Vamos a hacer una adaptación de Outer Dark, la novela de Cormac McCarthy. Estoy muy emocionado”.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

La declaración de Elordi pone punto final a los rumores que circulaban en torno a su posible participación en el nuevo largometraje de Ari Aster para A24, estudio responsable de algunos de los títulos más influyentes del cine independiente reciente. La noticia adquiere relevancia por la presencia confirmada de Scarlett Johansson en el reparto principal de Scapegoat, junto con la firma autoral de Aster, conocido por títulos como Hereditary y Midsommar y quien se ha convertido en estos años en una de las voces más singulares de Hollywood.

El actor con el que todos quieren trabajar

La combinación de Johansson y Elordi genera altas expectativas en la industria, tanto por la trayectoria de ambos actores como por la identidad creativa de Ari Aster, quien ha mantenido en secreto la trama de Scapegoat. Aunque la sinopsis oficial no ha sido divulgada, diversas fuentes especulan sobre el enfoque del filme, que podría oscilar entre el thriller, la ciencia ficción y el drama más convencional. La producción ha mantenido un estricto hermetismo respecto al argumento de Scapegoat. Algunas versiones sugieren que la historia podría girar en torno a un médico que interviene quirúrgicamente a una celebridad de internet, mientras que otras apuntan a una posible trama de romance de ciencia ficción o a un drama clásico. Hasta el momento, ni Ari Aster ni A24 han confirmado detalles sobre el guion.

Jacob Elordi atraviesa un periodo de consolidación artística y mediática. Su labor en La constelación del perro, que acaba de llegar a los cines, marca el inicio de una nueva etapa tras su paso por Euphoria, serie que finalizó recientemente con su tercera y última temporada. Recientemente Elordi también fue nominado al Oscar y al Globo de Oro por su interpretación en Frankenstein de Guillermo del Toro para Netflix y obtuvo una segunda nominación al Globo de Oro por la serie limitada The Narrow Road to the Deep North.

Durante el último año, Elordi participó en la adaptación cinematográfica de Cumbres borrascosas dirigida por Emerald Fennell, película que logró una recaudación superior a los 240 millones de dólares frente a un presupuesto de 80 millones. La constelación del perro, en la que ha podido trabajar con el gran director Ridley Scott, es su último proyecto hasta la fecha, en el cual da vida a un piloto en un mundo apocalíptico en el que la población se ha visto diezmada y solo unos pocos sobreviven. Después de curtirse con todo un gran cineasta como es el hombre detrás de Blade Runner o Gladiator, parece que Elordi está preparado más que de sobra para afrontar esos dos nuevos retos en el horizonte.

Woody Harrelson y Matthew McConaughey se reencuentran en la pantalla con la llegada de Brothers, la nueva serie de Apple TV que explora una premisa tan inusual como irresistible: ¿y si los célebres protagonistas de True Detective fueran, en realidad, hermanos? La comedia, producida por Paramount Television Studios, parte de una base de rumores y coincidencias reales que han acompañado a ambos actores durante años, y los convierte en el centro de una ficción que mezcla realidad y fantasía.

La trama de Brothers presenta a Harrelson y McConaughey interpretando versiones ficticias de sí mismos que, tras un inesperado giro en la vida familiar, comienzan a sospechar que podrían compartir algo más que una amistad de décadas. Todo se desencadena cuando el personaje de Harrelson, tras el bochornoso desenlace de la boda de su hija, se instala en casa de McConaughey. Allí, una serie de revelaciones lleva a ambos a enfrentarse a la posibilidad de tener el mismo padre, detonando situaciones cómicas y un nuevo tipo de vínculo entre los protagonistas.

El argumento no es casualidad. Desde hace tiempo circulan rumores sobre la posibilidad de que los actores estén relacionados fuera de la ficción. Woody Harrelson lo reconoció abiertamente en declaraciones a Esquire, donde explicó: “No lo sé porque no hemos hecho la prueba, pero puedo decir que hay coincidencias casi insólitas. La madre de Matthew tuvo una relación con mi padre justo en la época en que él fue concebido. Eso parece una gran coincidencia”. Esta anécdota, que ha alimentado especulaciones entre los seguidores de ambos intérpretes, sirve de combustible para una comedia que juega con los límites de la verdad y el mito hollywoodense.

Así será ‘Brothers’

A través de ocho episodios, Brothers alterna el humor absurdo con el retrato de una amistad real, mientras sus protagonistas afrontan los dilemas de la familia y la identidad. En paralelo a la investigación sobre su posible parentesco, la serie incorpora un segundo conflicto: McConaughey se enfrenta al vértigo de una potencial campaña para gobernador de Texas, un guiño a los rumores que han rodeado al actor en la prensa estadounidense. Así, la ficción no solo explora la dinámica entre ambos, sino que también parodia los desafíos públicos y privados de las celebridades.

El elenco de Brothers incluye a Natalie Martinez, Brittany Ishibashi, Nolan Almeida, Ella Grace Helton, Noah Carganilla, Highdee Kuan, Oona Yaffe y Holland Taylor, quienes aportan variedad y matices a la narrativa. La producción ejecutiva recae en Lee Eisenberg, también showrunner, junto a McConaughey, Harrelson, Natalie Sandy, David West Read, Trish Hofmann, Bill Bost, Jason Winer, David Finkel, Brett Baer y Jeremy Plager. La dirección de varios episodios, incluido el piloto, está a cargo de Trent O’Donnell. La estrategia de lanzamiento de Brothers contempla el estreno de dos episodios iniciales el 23 de septiembre, seguido de un episodio nuevo cada miércoles hasta el 4 de noviembre. Este formato busca mantener la expectación y estimular la conversación semanal entre los seguidores, en línea con otras producciones originales de Apple TV.

La serie se apoya en el carisma y la química probada de Harrelson y McConaughey, quienes ya cautivaron al público con su trabajo conjunto en True Detective. Ahora, bajo el registro de la comedia, exploran nuevas facetas de su relación en pantalla, jugando con su propia imagen pública y con los rumores que los rodean desde hace años. El resultado es una ficción autorreferencial que invita al espectador a preguntarse cuánto hay de verdad detrás del mito. Mientras la industria observa el regreso de los actores a un proyecto común, Brothers se consolida como uno de los estrenos más esperados de la temporada. La promesa de ver a Harrelson y McConaughey reencontrándose en un contexto completamente diferente al drama policial, y la posibilidad de que la realidad supere a la ficción, convierten a la serie en una propuesta singular dentro del catálogo de Apple

Uno de los elementos más discutidos tras la publicación del tráiler de Endgame: Encore es la evidente nueva colorimetría de la película. El avance muestra escenas con colores más saturados y un contraste aumentado respecto al estreno de 2019. Secuencias icónicas, como la marcha de Thanos al frente de su ejército, lucen ahora una paleta de tonos más intensos, lo que ha sido percibido por muchos espectadores como una mejora significativa en la presentación visual. Este cambio ha sido motivo de debate, ya que algunos usuarios en redes sociales sugieren que el efecto podría estar limitado al tráiler o deberse a ediciones externas, mientras que otros aseguran que la diferencia será evidente en la proyección completa. De cualquier forma, la percepción general es que la película gana en vitalidad visual, aportando una atmósfera renovada a momentos ya emblemáticos del MCU.

Más allá de lo estético, Endgame: Encore introduce ajustes mínimos en el guion. Uno de los pocos cambios confirmados es la modificación de una línea de Tony Stark (Robert Downey Jr.)hacia el final del filme, alterando su frase para darle mayor énfasis emocional. El resto de la estructura narrativa permanece igual: tras la desaparición de la mitad de los seres vivos, los héroes supervivientes buscan restaurar el equilibrio y rescatar a sus compañeros caídos, culminando en la confrontación definitiva con Thanos. De acuerdo con información publicada por The Direct, el objetivo de Marvel Studios fue “retrabajar momentos selectos” en lugar de transformar el argumento central. Así, la esencia de la cinta se conserva, brindando a los espectadores tanto la nostalgia del relato original como el atractivo de las novedades introducidas.

Ajustes narrativos y respeto al material original

La reacción del público ante el tráiler de Endgame: Encore fue inmediata. Numerosos seguidores expresaron en foros y redes sociales que los cambios visuales elevan la calidad de la película, destacando la intensidad de los colores y la nitidez de las escenas. Otros, en cambio, adoptaron una postura más escéptica, sugiriendo que estos ajustes podrían ser superficiales o incluso engañosos si solo se aplican a los materiales promocionales. El consenso, sin embargo, indica que el reestreno ha conseguido reavivar el interés por una historia que muchos ya conocen al detalle. El hecho de que Marvel haya decidido no modificar la columna vertebral de la narrativa, sino actualizar su presentación y sumar contenido exclusivo, es visto como una estrategia para atraer tanto a nuevos espectadores como a los más veteranos del MCU.

El metraje inédito de Endgame: Encore, limitado a cuatro minutos, no estará disponible en todos los formatos. Solo quienes asistan a funciones en IMAX o en el sistema Infinity Vision de Disney podrán acceder a este material adicional. Estas secuencias incluyen escenas grabadas especialmente para anticipar los eventos de Vengadores: Doomsday, lo que convierte la experiencia en cines en un evento único para los seguidores de la franquicia.

Esta decisión de restringir el contenido extra a formatos premium refuerza la función del reestreno como puente narrativo. Marvel busca no solo revivir la emoción del desenlace de la Saga del Infinito, sino también preparar al público para el siguiente capítulo de la saga, asegurando que Endgame: Encore sea más que un simple ejercicio de nostalgia. Con estos cambios, Endgame: Encore se posiciona como una propuesta renovada que conjuga respeto por la obra original, novedades técnicas y una mirada directa al futuro del MCU. El resultado es una cita obligada para quienes desean experimentar —o redescubrir— uno de los mayores fenómenos del cine contemporáneo, ahora desde una perspectiva visual y narrativa alineada con los próximos pasos de la franquicia.

El mes de agosto llega a su fin pero no se despide sin una nueva oleada de grandes títulos, ya con la mente puesta en esa nueva temporada que es septiembre pero sin olvidar de disfrutar de los últimos días de verano. Unos últimos días que vienen cargados de grandes historias y nuevos personajes, muchos de ellos de origen nacional.

El ser querido, la esperada película de Rodrigo Sorogoyen con Javier Bardem y Victoria Luengo al frente, es una de ellas. También un clásico moderno de la animación española con Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, o el intimista drama de Anoche conquisté Tebas. Además de los títulos españoles, también estará grandes nombres como el de Jacob Elordi y Ridley Scott con La constelación del perro, o el de Monica Barbaro y Callum Turner, en sendas distopías con dispares resultados.

El ser querido

No se podía despedir el mes sin la que está llamada a ser una de las grandes películas españolas del año, y quizá la que pueda representar a España en los Oscar, aunque tendrá dura la competición con La bola negra de Los Javis, gran favorita. Aun así, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras dirigir la serie Los años nuevos se antoja como una emocionante historia sobre relaciones familiares y el propio cine. En ella, Javier Bardem y Victoria Luengo dan vida a un director de cine y su hija actriz, quienes se reencuentran durante un rodaje del primero en las Islas Canarias. Allí, en medio de un rodaje ya de por sí complicado, estallará todo lo que ambos quisieron decirse y nunca pudieron.

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Cuarta entrega de la saga de animación de más éxito en nuestro país, Tadeo y Sara viven una nueva aventura en Londres, donde buscan el paradero de la famosa lámpara maravillosa de Aladino y Las mil y una noches. Sin embargo, su ya inseparable compañera la Momia tiene otros planes, y obliga a los aventureros a cruzar medio mundo con tal de arreglar el entuerto provocado y de descubrir el secreto detrás de la lámpara.

Anoche conquisté Tebas

En una tarde de invierno muy fría, Antonio y Jota regresan del frente junto a sus amigos en busca de unas antiguas termas romanas. Bromean entre ellos y vadean pantanos mientras rememoran su última batalla. Las termas han aparecido tras pasar mucho tiempo bajo el agua de un embalse y gente de todas las edades acude a pasar el día. Pero hay algo misterioso en estas termas, como si el agua influyera en el estado de ánimo de los chicos, dándoles el valor de decir cosas que nunca han contado a nadie. A medida que el día se convierte en noche, confiesan sus sentimientos y sus temores de perder para siempre a su mejor amigo. Narrativa etérea y maestría visual impregnan el primer largometraje de ficción de Gabriel Azorin, un relato sobre la amistad masculina coescrito junto a Celso Giménez, del grupo teatral La Tristura.

Una noche al año

Está siendo un gran año para las comedias románticas, y el género quiere seguir expandiéndose con este nuevo capítulo en forma de extraña distopía. En un futuro alternativo, las personas solteras solo pueden mantener relaciones sexuales una noche al año. Allie (Monica Barbaro) y Owen (Callum Turner), dos jóvenes que arrastran sus propios problemas y desilusiones, se conocen por casualidad en una Nueva York que vive su noche más salvaje, y aunque ellos no tienen del todo claro lo que quieren, es evidente que salta la chispa.

La constelación del perro

Tras una moderada aceptación de Napoleón y especialmente de Gladiator 2, Ridley Scott vuelve a los cines, y esta vez quiere hacerlo con un éxito rotundo. Es por ello que el cineasta ha recurrido a todo un best-seller como La constelación del perro, una distopía en la que un virus mortal ha diezmado a la población y solo unos pocos sobreviven. Uno de ellos es Hig (Jacob Elordi), un piloto que se ha mantenido gracias a la compañía de su perro pero que busca encontrar otros supervivientes al tiempo que escapar de los segadores, unos carroñeros errantes de lo más peligrosos.

El Museo Sorolla de Madrid reabrirá sus puertas en octubre de 2026, después de permanecer cerrado por más de dos años debido a un ambicioso proyecto de ampliación iniciado en enero de 2022. La finalización de la primera fase de las obras marca el regreso de una de las instituciones culturales más relevantes dedicadas al pintor valenciano Joaquín Sorolla y supone una transformación significativa en la experiencia de sus visitantes. La reapertura, prevista tras la conclusión de esta etapa inicial, ha sido confirmada por el Ministerio de Cultura. Según la información facilitada al Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad (Cermi), el museo volverá a recibir público en octubre de este año, coincidiendo con la entrega de los nuevos espacios y servicios resultantes de la ampliación.

La intervención comenzó en 2022 y se ha desarrollado en varias fases. Durante este periodo, el museo ha permanecido cerrado al público, permitiendo la ejecución de las obras sin interferencias y garantizando la seguridad de los visitantes y trabajadores. La primera fase, que ahora se da por concluida, permitirá la apertura de las áreas ampliadas, mientras que la segunda fase se centrará en la rehabilitación de la vivienda histórica que perteneció a Sorolla, con un plazo estimado de diez meses desde el inicio de esos trabajos. Entre las principales novedades tras la reanudación de actividades destaca la incorporación de nuevos espacios expositivos y de servicios, además de mejoras notables en la distribución y el acceso a las colecciones. El proyecto de ampliación responde tanto a la necesidad de incrementar la capacidad del museo como a la de actualizar sus instalaciones para cumplir con los estándares contemporáneos de accesibilidad y sostenibilidad.

La ampliación incluye nuevos itinerarios, zonas de descanso y áreas adaptadas a diferentes perfiles de visitantes. Según lo previsto, estos cambios facilitarán una circulación más fluida y permitirán la organización de exposiciones temporales de mayor envergadura, así como actividades educativas y culturales para públicos diversos. El Ministerio de Cultura subraya que la actuación combina la ampliación física con la intervención sobre la casa histórica del pintor, uno de los elementos más emblemáticos del conjunto museístico. De este modo, se busca preservar el carácter original del espacio, al tiempo que se adaptan las instalaciones a las necesidades del siglo XXI.

Novedades tras la ampliación del museo

Uno de los pilares fundamentales de la reforma ha sido la accesibilidad universal. Desde el inicio del proyecto, se han implementado criterios rigurosos para garantizar que todas las personas, independientemente de sus capacidades, puedan disfrutar plenamente de la oferta del museo. Las novedades en materia de accesibilidad incluyen ascensores accesibles identificados con el Símbolo Internacional de Accesibilidad (SIA), equipados con señalización en braille y caracteres arábigos en alto relieve. Los aseos cuentan con pictogramas normalizados, alto relieve y contraste cromático para facilitar la identificación.

El museo ha incorporado bandas señalizadoras visuales y táctiles, así como rampas e itinerarios accesibles que cumplen con la normativa técnica vigente. El Ministerio de Cultura exigió para la ejecución de las obras la contratación de una empresa homologada por la Fundación ARS, encargada de verificar el cumplimiento de las condiciones de accesibilidad incluidas en el proyecto. Además, el museo está en proceso de obtención del certificado de accesibilidad conforme a la norma AIS 1/2018, con un grado de cinco estrellas. Esta certificación se completará al finalizar la totalidad de la obra. El Museo Sorolla dispondrá de pantallas y paneles informativos con textos claros, señalización basada en pictogramas internacionales y sistemas de alto contraste. La taquilla y el auditorio estarán equipados con bucles magnéticos para personas con audífonos o implantes cocleares. Los contenidos audiovisuales estarán subtitulados y se reservarán las primeras filas para personas con discapacidad auditiva y visual.

En el ámbito digital, la página web del museo contará con un servicio de lectura de voz dirigido especialmente a personas ciegas o con baja visión. Además, se ofrecerán visitas guiadas con intérprete de Lengua de Signos Española (LSE). Para mejorar la accesibilidad cognitiva, se prevé la disponibilidad de folletos en lectura fácil para exposiciones temporales y, a partir de 2027, recorridos guiados adaptados a distintos grupos. También se ofrecerán sillas de ruedas gratuitas para quienes las necesiten durante su visita. Tras la reapertura en octubre de 2026, el Museo Sorolla continuará con la segunda fase del proyecto: la rehabilitación de la casa histórica de Joaquín Sorolla. Esta etapa tendrá una duración prevista de diez meses e implicará intervenciones específicas para conservar y modernizar este espacio, completando así la transformación integral del complejo museístico. Con estas actuaciones, el museo busca consolidarse como un referente de accesibilidad y modernidad, preservando su legado y abriéndolo a todos los públicos.

La actriz irlandesa Saoirse Ronan manifestó su intención de integrarse a la franquicia de James Bond, pero con un giro inesperado: su deseo es interpretar a la próxima gran villana de la saga, alejándose del arquetipo de “chica Bond”. Ronan, reconocida por sus papeles en Mujercitas y Lady Bird, ambas de Greta Gerwig, aseguró estar “muy en serio” sobre asumir un rol antagónico en la mítica serie de películas de espías.

La declaración de Ronan se produjo durante una entrevista con Empire, donde la actriz se encontraba promocionando su más reciente largometraje, Bad Apples. En ese contexto, expresó: “Dije que quería ser una villana de Bond y lo digo muy en serio”. La actriz subrayó que le atrae la posibilidad de “ir al lado oscuro” y que sería “realmente interesante ver a una joven villana”. Ronan consideró que, en especial para chicas y mujeres, resultaría valioso observar a un personaje femenino capaz de canalizar toda su ira y dirigirla con propósito dentro de la trama. La artista profundizó en el impacto que podría tener un personaje así: “Hay algo interesante, dramáticamente, en eso. Me gustaría hacer más de ese tipo de papeles”. Estas palabras, junto con su trayectoria en personajes complejos y diversos, refuerzan la seriedad con la que Ronan aborda este nuevo objetivo profesional.

La posibilidad de que una actriz joven y reconocida como Ronan asuma el rol de villana en James Bond abre el debate sobre la representación de las mujeres en la franquicia, históricamente limitada a los roles de “chica Bond” o intereses románticos. Ronan propone, con su interés declarado, una ruptura con ese esquema tradicional y plantea una alternativa que, según sus palabras, aportaría una dimensión dramática inédita a la saga. La actriz explicó que ver a una mujer joven encarnando a la persona capaz de enfrentarse al icónico espía británico resultaría inspirador para el público femenino, permitiendo observar cómo un personaje femenino canaliza emociones intensas hacia un objetivo claro. Esta visión, defendida abiertamente por Ronan, coincide con los cambios de paradigma que atraviesa la industria del cine en materia de género y representación.

Rumores de casting y vínculos familiares

La candidatura de Ronan para un papel en la saga coincide con los rumores que sitúan a su esposo, Jack Lowden, como uno de los posibles sucesores de Daniel Craig en el papel de James Bond. Lowden, conocido por su trabajo en Slow Horses, figura entre los nombres más mencionados junto a Callum Turner, Jacob Elordi, Tom Holland, Aaron Taylor-Johnson y Harris Dickinson. A pesar de la proliferación de especulaciones, Amazon MGM Studios no ha confirmado ningún fichaje para el rol de 007. La compañía, que asumió el control pleno de la franquicia en febrero de 2025 tras un acuerdo con los históricos productores Barbara Broccoli y Michael G. Wilson, mantiene hermetismo sobre las decisiones de casting, alimentando las expectativas y el debate en torno al futuro de la saga.

El interés de Ronan por un papel antagónico añade un matiz singular al proceso de selección, especialmente considerando su vínculo personal con uno de los candidatos rumoreados para el protagónico. La próxima entrega de James Bond contará con Denis Villeneuve en la dirección y un guion a cargo de Steven Knight, creador de Peaky Blinders. Este nuevo ciclo creativo marca el inicio de una etapa bajo la gestión de Amazon MGM Studios, que busca revitalizar la franquicia tras el cierre de la era Craig.

La directora de casting Debbie McWilliams, responsable de seleccionar a catorce Bonds, declaró recientemente que el papel requiere “una amenaza latente” y que cada actor imprime un sello distintivo. McWilliams señaló que Pierce Brosnan aportó elegancia y atractivo, mientras que Daniel Craig aportó mayor dureza, anticipando así que la elección del próximo villano podría ser igualmente disruptiva. Mientras continúan las especulaciones sobre su posible incorporación al universo Bond, Ronan mantiene una agenda activa. Participará en los biopics de los Beatles dirigidos por Sam Mendes, donde interpretará a Linda McCartney, y en Three Incestuous Sisters, dirigida por Alice Rohrwacher. Este último proyecto reúne a un elenco internacional con nombres como Josh O’Connor, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Isabella Rossellini y Mick Jagger.

Una nueva temporada de Black Mirror ya está en marcha, consolidando el lugar de la serie como uno de los primeros y más duraderos éxitos de Netflix. La plataforma confirmó que el rodaje de la octava entrega comenzó durante el verano, aunque aún no existe una fecha oficial para su estreno. El anuncio reafirma la continuidad de la antología distópica, que ha marcado tendencia en la televisión global desde su debut. El regreso de Black Mirror está impulsado, una vez más, por su creador Charlie Brooker, quien lidera la escritura y la producción ejecutiva de la temporada ocho. Brooker cuenta con el respaldo de Bisha K. Ali en el guion, mientras que Jessica Rhoades, Annabel Jones y Louise Sutton se suman como productoras ejecutivas. Mark Kinsella participa como coproductor ejecutivo y la distribución internacional corre a cargo de Banijay Rights.

El rodaje de la nueva temporada de Black Mirror comenzó este verano, según confirmó Netflix. Por el momento, la plataforma no ha anunciado la fecha de lanzamiento de los próximos episodios. El proceso creativo está encabezado por Charlie Brooker, quien se ha referido recientemente al retorno de la serie y su identidad: “Black Mirror volverá, y espero que sea más Black Mirror que nunca”, declaró. Brooker también comentó que “afortunadamente la serie tiene futuro”, y que ya se encuentra trabajando activamente en los nuevos episodios. El equipo de producción mantiene prácticamente la misma estructura de temporadas anteriores, con nombres clave en la escritura y la producción ejecutiva. La continuidad del formato antológico —donde cada episodio presenta una historia independiente, generalmente centrada en las implicaciones sociales y personales de la tecnología— sigue siendo una de las marcas de la serie.

Black Mirror se ha consolidado como uno de los títulos más representativos y longevos de Netflix desde que la plataforma adquirió los derechos de emisión y producción. La serie, creada en 2011 en el Reino Unido, se incorporó al catálogo global de Netflix en 2016, lo que impulsó su alcance internacional y la transformó en un fenómeno cultural. Desde entonces, la antología ha explorado temas relacionados con la tecnología, la vigilancia, la privacidad y la distorsión de la realidad, generando debates sobre el presente y el futuro digital. Su estilo oscuro y provocador la ha diferenciado dentro del catálogo de la plataforma y ha sido citada como influencia en otras producciones audiovisuales.

Una serie atípica en el panorama actual

La longevidad de Black Mirror es inusual en el actual ecosistema de series de streaming, donde la mayoría de los programas tienen ciclos de vida breves. La confirmación de una octava temporada subraya su vigencia y su capacidad para adaptarse a los cambios sociales y tecnológicos. La séptima temporada, lanzada en abril de 2025, recibió una acogida favorable tanto del público como de la crítica. Obtuvo nominaciones en los Globos de Oro en la categoría de mejor serie limitada y mejor antología o película para televisión. Además, los actores Rashida Jones y Paul Giamatti fueron reconocidos por sus interpretaciones en los episodios Common People y Eulogy, respectivamente.

Los críticos destacaron el episodio Into Infinity, una secuela de USS Callister, por su capacidad para superar el planteamiento de la historia original y profundizar en los dilemas éticos y tecnológicos. La recepción de la temporada siete marcó un retorno a los temas tecnológicos y distópicos que caracterizaron los primeros años de la serie, tras una sexta temporada de recepción desigual. Charlie Brooker ha comparado el proceso de creación de una nueva temporada de Black Mirror con la elaboración de un álbum musical. Según Brooker, cada episodio se concibe como una pista con tono y estilo propios, y parte de la motivación es explorar ideas y géneros que aún no han sido abordados: “A menudo pienso: ‘¿Qué no hemos hecho aún, y qué tono busco?’”.

El creador ha descartado la posibilidad de episodios radicalmente diferentes, como una “hoedown” (baile campestre estadounidense), pero reconoce que la serie se mantiene en constante búsqueda de nuevas perspectivas. Brooker considera que la clave del éxito de Black Mirror reside en su capacidad para anticipar o reflejar aspectos de la realidad tecnológica, y confía en que la octava temporada mantendrá esa dinámica. El rodaje en curso y la continuidad de su equipo creativo refuerzan la expectativa de que Black Mirror seguirá siendo un referente dentro de la oferta de Netflix y en el debate sobre tecnología, sociedad y futuro.

Los mutantes están de vuelta, si es que en algún momento se llegaron a ir del todo. Parece que después de años de tener que vivir apartados tanto en la ficción como fuera de ella -debido a los derechos que recaían sobre Fox e impedían su integración en el UCM-, parece que Disney ya prepara un nuevo reboot para reintroducir a este grupo de superhéroes que tantas alegrías ha dado en los cómics... y también en el cine. Porque no hay que olvidar que, a pesar de hacer próximamente su entrada en Marvel, ellos fueron de los primeros en popularizar el género con una serie de películas estrenadas a principios de siglo.

De momento, este reboot, que correrá a cargo de Jake Schreier (Thunderbolts), ya cuenta con su Profesor X (Christopher Abbott) y mutantes como Pícara (Inde Navarrette), Cíclope (Kit Connor), Tormenta (Maya Simone Boyd), Emma Frost (Samara Weaving) o incluso el malvado Mr. Siniestro (Adam Driver), entre otros. No obstante, primero habrá que ver el final de los originales en Vengadores: Doomsday, y qué mejor manera de prepararse tanto para eso como para el reboot que repasando la cronología de películas de los X-Men. Aunque pueden seguirse por fecha de estreno, a continuación proponemos una forma cronológica de verlas en base a cuándo y cómo transcurren sus acontecimientos, líneas temporales alteradas incluidas. Todas ellas disponibles en la misma plataforma, Disney+.

‘X-Men: Primera clase’

No fue ni mucho menos la primera película de los mutantes, pero sí la primera en mostrar sus orígenes y en establecer una nueva cronología de la que derivarían las posteriores. Ambientada en los años 60 en medio de la crisis de los misiles de Cuba, en X-Men: Primera clase conocemos a unos jóvenes Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr/Magneto (Michael Fassbender), quienes, junto a la ayuda de Raven/Mística (Jennifer Lawrence) intentan evitar el colapso del mundo y reclutar una nueva hornada de mutantes a los que enseñar a defender el planeta Tierra, entre ellos Banshee, Angel, Havoc o un joven Bestia al que ahora daría vida Nicholas Hoult.

Men Orígenes: Lobezno

Si bien hizo un pequeño cameo en Primera Clase, la historia de Lobezno como tal no comenzaría hasta unos años más tarde, ya en los 70. Aquí empezaríamos a conocer la auténtica vida de Lobezno desde niño, luego como Logan, un hombre con una vida apacible en el bosque junto a su amada Kayla Silverfox, y posteriormente como sujeto de pruebas de la llamada Arma X para William Stryker. Junto a él, otros mutantes de lo más peligrosos como Gambito, Espectro (interpretado nada menos que por Will i.am.), Dientes de sable o La Mole.

‘X-Men’

Ahora sí, este fue el inicio por fecha de estreno de los X-Men, presentando al elenco original que llega hasta nuestros días, aunque ya ambientada en el año 2000. La película presenta la gran rivalidad entre los dos grandes mutantes y viejos amigos, Magneto (Ian McKellen) y Charles Xavier (Patrick Stewart), defensores cada uno de una forma opuesta de vivir como mutantes y hacer frente a la sociedad, mientras en el Congreso se busca aprobar una Ley de Registro de Mutantes.

‘X-Men 2′

Secuela directa de la anterior, X-Men 2 pone en el foco a un nuevo villano que, según esta cronología, ya conocerían muchos: William Stryker. El general que convirtió a Lobezno en un arma mortal tiene ahora nuevos planes para el resto de mutantes y es por ello que los equipos de Magneto y el Profesor X deciden unir fuerzas para salvarse los unos a los otros de una amenaza mayor. Brian Cox daría vida al villano en una película que introduciría personajes importantes como Nightcrawler (Alan Cumming) o Coloso (Daniel Cudmore).

‘X-Men 3: La decisión final’

La sociedad busca destruir a los mutantes de una vez por todas, y unos laboratorios han desarrollado una supuesta “cura” para el gen X. El equipo de Magneto busca detener esto mientras que el resto aún llora la pérdida de Jean Grey, la cual vuelve a la vida en una versión mucho más oscura y peligrosa. Con tantos frentes abiertos, Lobezno, Charles Xavier y el resto de mutantes tendrán que unir fuerzas para salvar el mundo y a su propia especie a la vez.

‘Lobezno inmortal’

Logan se ha mudado a Japón para intentar olvidar todo lo que ocurrió, pero el fantasma de Jean Grey todavía le persigue. Incapaz de recordar qué fue lo que hizo y qué es verdad y qué no, se ve envuelto en un gran embrollo de la yakuza japonesa. Convocado para transferir su poder curativo a un multimillonario que se está muriendo de cáncer, Logan se ve de la noche a la mañana huyendo de la mafia nipona y protegiendo a una joven que le recuerda por qué ha de seguir luchando.

‘X-Men: días del futuro pasado’

En un futuro no muy lejano, los mutantes están al borde de la extinción. Un ejército de robots letales para los mutantes conocidos como los centinelas los tiene acorralados, y la única manera de salvarse es enviar a Logan al pasado, unos años después de los eventos de X-Men: Primera Clase. En una nueva crisis internacional, Logan tendrá que reunir a Magneto, Charles y Mística para evitar que el futuro se torne tan oscuro para la raza mutante.

‘X-Men: Apocalypse’

Los eventos de X-Men: Días del futuro pasado alteraron todo, y en esta continuación ambientada en los 80 un antiguo poder resurge de sus cenizas. Se trata nada menos que de Apocalipsis (Oscar Isaac), el primer mutante y quien convoca a una nueva legión de jinetes del apocalipsis para acabar con toda la humanidad. Unos jóvenes Cíclope (Tye Sheridan), Jean Grey (Sophie Turner) o Nightcrawler (Kodi Smit-McPhee) tendrán que encontrar el modo de acabar con esta amenaza y rescatar al resto.

‘X-Men: Fénix Oscura’

Tras acabar con Apocalipsis, queda claro que los jóvenes están preparados para liderar a los X-Men, pero también que Jean Grey contiene un poder tan inmenso como peligroso. Todo se precipita cuando, durante una misión de rescate en el espacio, Jean recibe una llamarada solar que desata una serie de poderes que es incapaz de controlar. Aturdida y confundida, una malvada alienígena comienza a manipular a la mutante para ponerla en contra del resto, que tendrán que encontrar la manera de contener su explosión de ira pero sin acabar con la vida de la que sigue siendo su amiga.

‘Los nuevos mutantes’

Aventura independiente del resto de películas —fruto también de los derechos de Fox al margen de Disney—, esta película sirvió para dar un respiro a la saga e introducir una historia alejada de lo visto hasta ahora, incluso más cercana al terror. En una prisión de máxima seguridad, cinco jóvenes con poderes especiales empiezan a comprender su verdadera naturaleza mientras son sometidos a toda clase de experimentos que los llevan a unir fuerzas para escapar de una vez por todas de su cárcel. Maisie Williams, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Blu Hunt y Henry Zaga darían vida a estos nuevos personajes de los que nunca se volvió a saber.

‘Logan’

Ambientada en un futuro alternativo en 2029, en el que los mutantes han dejado de nacer desde hace años, el viejo Logan se dedica a ejercer como chófer sin saber que se va a cruzar en el camino de Laura (Dafne Keen), una joven mutante con poderes muy similares a los suyos y que busca huir hasta un refugio de mutantes conocido como Eden. Aunque al principio se niega, finalmente se lleva a Laura y a un viejo Charles Xavier que padece una grave enfermedad en un viaje hasta el supuesto refugio, mientras son perseguidos por la compañía que desarrolló a Laura y que ahora pretende utilizarla como arma.

‘Deadpool’ y ‘Deadpool vs Lobezno’

Las películas de Deadpool comenzaron por su propia cuenta, con algún que otro guiño y cameo incluido de los X-Men, pero fue con Deadpool y Lobezno que por fin ambos universos se mezclaron, y dieron lugar a otros tantos dentro del ya llamado multiverso de Marvel. Es una película importante no solo para el futuro inmediato de la saga, sino también porque fue la que abrió la puerta a los mutantes en el MCU, hasta entonces exclusivos de las películas de Fox.

Con una recaudación de 132,5 millones de dólares y un presupuesto de apenas 28 millones, El drama se posiciona como uno de los títulos más rentables y comentados de la temporada. Su desembarco en España coincide con la recta final del verano, un momento estratégico para captar la atención de quienes buscan novedades en plataformas. La película apenas ha tardado unos meses en dar el salto desde los cines hasta el streaming, consolidando una tendencia cada vez más presente en el calendario de estrenos internacional.

El proyecto está encabezado por Zendaya y Robert Pattinson, quienes interpretan a los protagonistas de una historia que desafía los límites del género romántico clásico. La dirección y el guion llevan la firma de Kristoffer Borgli, conocido por Dream Scenario, y el equipo de producción incluye nombres reconocidos como Ari Aster (Hereditary), Lars Knudsen (Eddington) y Tyler Campellone (Midsommar). La participación de A24, uno de los estudios más influyentes y cotizados en la actualidad, añade un sello de calidad y personalidad distintiva al proyecto. Esta colaboración creativa ha sido fundamental para dotar a El drama de una identidad propia, alejándola de los convencionalismos del género romántico y acercándola a un terreno más incómodo y complejo.

Una campaña de marketing diferente

La trama de El drama se centra en Emma y Charlie, una pareja que aparenta atravesar su mejor momento de estabilidad y felicidad mientras se prepara para casarse. Todo cambia drásticamente durante la semana previa al enlace, cuando un secreto del pasado sale a la luz y transforma el vínculo entre ambos. El detonante es una confesión inesperada que obliga a los protagonistas a replantearse su relación y a enfrentarse a cuestiones de confianza, perdón y duda. A partir de ese giro, la historia transita por una espiral emocional que se distancia de la comedia romántica tradicional, utilizando el humor negro como herramienta de tensión y contraste. La película explora así los límites de la intimidad y la capacidad de reconstrucción de una pareja sometida a presión.

El éxito de El drama no se explica solo por su resultado en taquilla. La película ha conseguido mantenerse en la conversación pública gracias a una campaña de promoción poco convencional, que arrancó en diciembre con un anuncio ficticio de compromiso publicado en The Boston Globe. Esta acción anticipó la narrativa de la película y logró captar la atención de audiencias en redes sociales y medios especializados, posicionando el título como uno de los más esperados de la temporada.

Con su llegada a HBO Max el 27 de agosto, El drama afronta una segunda vida destinada a ampliar su audiencia. La plataforma refuerza así su catálogo con una apuesta que reúne a dos de los intérpretes más mediáticos del momento y cuenta con un respaldo creativo y de producción destacado. La incorporación de El drama a la oferta de streaming en España refuerza la tendencia de acortar los plazos entre el estreno en salas y la disponibilidad digital, permitiendo que títulos de éxito mantengan su vigencia y alcance en nuevos públicos. Con su propuesta de humor negro y una narrativa que desafía expectativas, la película se perfila para continuar generando conversación y análisis en los próximos meses.

El director Jon Turteltaub confirmó que la esperada tercera entrega de la saga La búsqueda “es finalmente real” y contará con el regreso de Nicolas Cage como protagonista. El anuncio se realizó durante el primer National Treasure Weekend en Filadelfia, en un evento que reunió a seguidores del filme y que marcó un hito para la franquicia tras casi dos décadas de espera.

La confirmación se produjo la noche del viernes en el Independence Visitor Center, donde Turteltaub participó en la grabación en vivo del pódcast “National Treasure Hunt”, conducido por Aubrey Paris y Emily Black. Ante una audiencia que inicialmente reaccionó con incredulidad, el director aseguró: “No he dicho esto antes, pero ustedes merecen la primicia. Es real. Ahora, es real en Hollywood: pueden pasar cosas. Si a Nic le atropella un autobús, no hay La búsqueda 3. Si a mí me atropella un autobús, probablemente sí hay La búsqueda 3. Bienvenidos a Hollywood”.

La noticia de que La búsqueda 3 está en marcha conmocionó al público presente, que pasó del asombro a los aplausos y vítores apenas Turteltaub confirmó que era la primera vez que lo anunciaba públicamente. El director aclaró que existe un guion que tanto él como Disney aprueban y que “en la medida de lo posible, todos vuelven” al reparto, incluido Cage. La primera película de la saga se estrenó en 2004 y se convirtió en un fenómeno, en parte por sus escenas rodadas en Filadelfia, una ciudad que, según Turteltaub, ha terminado por adoptar la historia y a sus personajes. El evento en la ciudad incluyó una proyección gratuita de La búsqueda al aire libre en Independence Mall, recorridos por las locaciones del rodaje y una proyección de la secuela de 2007, La búsqueda: El libro de los secretos.

Razones del retraso en la producción y clima político

Uno de los puntos más destacados de la intervención de Turteltaub fue su explicación sobre por qué han pasado casi veinte años desde la última entrega. El director atribuyó el retraso, en parte, al clima político en Estados Unidos. Relató que el ex presidente de la Cámara de Representantes, Kevin McCarthy, lo contactó para solicitar una proyección privada para el Congreso y que se sorprendió al descubrir que, según su percepción, “los demócratas no pueden ser patriotas”. Turteltaub describió cómo esa visión, y la creciente polarización política, dificultaron el desarrollo de la película. Según Turteltaub, actualmente es común que los espectadores interpreten cualquier obra desde una perspectiva política, lo que ha obligado a los creadores de la franquicia a ser especialmente cuidadosos. “Tenemos que ser muy cuidadosos, pero no siento que podamos ignorarlo. Hay que incluir esa idea en la historia de alguna manera, sin que nadie se sienta rechazado”, señaló el director.

El avance más concreto de esta nueva etapa es que ya existe un guion que cuenta con el visto bueno tanto de Turteltaub como de Disney. El director aseguró que el objetivo es que el reparto original regrese, especialmente Nicolas Cage, quien fue clave en el éxito de las dos primeras entregas. “Hasta donde podemos, todos estarán de vuelta”, afirmó Turteltaub, aunque advirtió que en Hollywood nada es definitivo hasta que la producción comienza. No se revelaron detalles sobre la trama de La búsqueda 3, ni se confirmó si Filadelfia seguirá siendo uno de los escenarios principales. Tampoco se dieron fechas de rodaje o estreno, pero la noticia del avance del proyecto fue suficiente para entusiasmar a los seguidores de la saga.

El anuncio de Turteltaub se integró en un fin de semana de celebraciones que reunió a cientos de personas en Filadelfia. La ciudad fue escenario de proyecciones gratuitas, recorridos por locaciones originales y charlas entre fanáticos y creadores. La organización del evento destacó la popularidad continua de la franquicia y el impacto cultural que La búsqueda ha mantenido a lo largo de los años. Pese a la falta de detalles sobre el argumento o el calendario de producción, la confirmación pública de Turteltaub marca el inicio de una nueva etapa para La búsqueda. El director subrayó que la tercera parte abordará, de alguna manera, la realidad política y social actual, con el objetivo de mantener la relevancia de la saga sin perder su espíritu original.

Shaquille O’Neal ha confirmado que su sueño de formar parte del universo Marvel quedó truncado por una razón que él mismo considera paradójica: su tamaño e imagen pública. El exjugador de baloncesto, conocido mundialmente por su trayectoria en la NBA y su carisma fuera de las canchas, relató que los ejecutivos de Marvel rechazaron su deseo de participar en una cinta de los Vengadores, argumentando que su presencia resulta “demasiado grande” para la ficción.

O’Neal, de 54 años, explicó que su aspiración era interpretar un papel de acción en el cine, pero se enfrentó a la negativa de los responsables del estudio. “Me encantaría hacer más papeles de acción, pero nos dijeron que soy demasiado grande, y lo que quieren decir con eso es que, cuando aparezco en pantalla, todos dirán: ‘¡Ahí está Shaq!’”, relató el exdeportista en una entrevista. Según sus palabras, la posibilidad de interpretar a un personaje completamente ajeno a su propia figura pública se ve limitada por el fuerte reconocimiento que genera su rostro y su físico.

Esta postura de Marvel no es nueva para O’Neal. El propio exjugador ya había manifestado en 2018 su interés por integrarse al elenco de una película de los Vengadores, pero la respuesta fue similar. “Quería estar en los Vengadores y ellos dijeron: ‘Shaq, te queremos, pero si tu cara aparece en pantalla, la gente solo va a pensar que eres tú’”, recordó. La percepción de los ejecutivos es que su imagen no permite que el público lo vea como otra persona, un obstáculo que ha condicionado su carrera en la industria audiovisual.

El propio O’Neal ha reconocido que busca papeles que le permitan distanciarse de su figura pública y explorar otros registros actorales. Sin embargo, la industria suele limitarlo a interpretarse a sí mismo o a personajes que giran en torno a su fama como deportista. “Si intento hacer de médico o cualquier otra cosa, mi personaje no resulta creíble”, señaló. Este tipo de obstáculos ha sido una constante en su carrera fuera del baloncesto. Pese a su popularidad y versatilidad, la percepción generalizada sobre su identidad actoral ha restringido las oportunidades de interpretar roles completamente ajenos a su historia personal.

Participaciones previas junto a Adam Sandler y otros proyectos

La negativa de Marvel se centró en el efecto inmediato que genera la aparición de Shaquille O’Neal en pantalla. Los ejecutivos manifestaron que el público no logra disociar al exjugador de su imagen real, lo que dificulta que pueda encarnar a personajes ficticios en producciones de alto perfil como las del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). En palabras del propio O’Neal, los responsables del estudio fueron directos: “Me dijeron que mi cara es demasiado conocida para interpretar a otro personaje que no sea yo mismo”. Esta barrera ha cerrado la puerta, al menos por ahora, a su participación en franquicias como la de los “Vengadores”.

A pesar de no haber logrado ingresar al MCU, O’Neal ha contado con una presencia constante en el cine y la televisión. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran varias colaboraciones con Adam Sandler, uno de los nombres más populares de la comedia estadounidense. El exjugador ha participado en películas como Jack y su gemela, Juntos y revueltos y Niños grandes 2, donde suele asumir papeles cómicos y cameos. Además, O’Neal interpretó a un superhéroe en Steel (1997), cinta en la que encarnó a un personaje del universo DC. En 2026, realizó un cameo en la nueva entrega de Scary Movie y próximamente aparecerá en Niños grandes 3.

Actualmente, O’Neal también lidera la liga profesional de mates “Dunkman”, cuyo certamen final se transmite en televisión, ampliando así su perfil como figura del entretenimiento más allá del deporte. Aunque el sueño de Marvel quedó atrás, Shaquille O’Neal mantiene su interés por participar en proyectos cinematográficos de alto impacto. En particular, expresó su deseo de compartir pantalla con Dwayne “The Rock” Johnson. “Quiero hacer una película con The Rock para poder vencerlo”, declaró O’Neal en tono humorístico. Consultado sobre si podría desbancar a Johnson en un enfrentamiento ficticio, respondió con confianza: “¡Fácil! Pollo a la barbacoa”. La trayectoria de O’Neal en la industria audiovisual muestra que, pese a los rechazos y limitaciones impuestas por su imagen pública, el exjugador mantiene su apuesta por expandir sus horizontes creativos en el cine y la televisión.

La revelación surgió durante la gira de prensa, cuando Anne Hathaway y Tom Holland compartieron detalles sobre la filmación. Hathaway explicó: “Lo que creo que la gente no puede creer es que estuvimos allí y aún no entendemos cómo sucedió. Participamos en algunas tomas, y cuando lo vimos dijimos: ‘¿cómo lo logró?’”.

Holland sumó: “Cuando convirtieron a las personas en cerdos, todo fue real. No había nada de CGI. Usaron animatrónica para ello”. Este dato contrasta con las expectativas del público actual, acostumbrado a que las grandes producciones dependan de la postproducción digital para crear secuencias espectaculares.

El rodaje de la escena de Circe y los efectos prácticos

La secuencia de transformación, considerada una de las más aterradoras de La Odisea, fue elaborada mediante efectos prácticos y animatrónica en el propio set. Según Anne Hathaway, todo el modelado que realiza Circe en pantalla es un efecto práctico: “Todo ese esculpido que ella hace, no es CGI. Es un efecto práctico”.

Tom Holland detalló que los elementos más impresionantes, como “cuando ella les separa las mandíbulas y demás, son efectos reales”. El equipo de producción trabajó junto a un artista para crear esculturas que Samantha —quien interpreta a Circe— pudiera manipular en cámara, logrando así una interacción auténtica entre la actriz y los elementos de la escena.

Para lograr el efecto deseado, se fabricaron cabezas animatrónicas y partes móviles que respondían a los movimientos de la actriz. La secuencia fue rodada en tiempo real, sin recurrir a retoques digitales posteriores. De esta manera, la reacción de los actores y el impacto visual fueron genuinos, ya que no dependían de la imaginación o de referencias virtuales, sino de lo que realmente ocurría frente a las cámaras.

La experiencia del elenco y el impacto en el set

La decisión de Nolan de evitar el CGI sorprendió incluso a los propios intérpretes. Anne Hathaway relató que, aun estando presentes en el set, el mecanismo detrás de la transformación seguía siendo un misterio para ellos. Esta sensación de asombro se trasladó a la pantalla, intensificando la tensión de la secuencia.

La experiencia de filmar con animatrónica exigió una coordinación minuciosa entre el equipo técnico y artístico. Tom Holland destacó que la veracidad del efecto ayudó a los actores a sumergirse en la escena y a transmitir emociones auténticas al público. “Cuando lo ves en persona, es imposible distinguir dónde termina la máquina y empieza la actuación”, comentó Holland durante la promoción.

Samantha, la actriz responsable de dar vida a Circe, también aportó su perspectiva sobre el rodaje. “Solo quiero decir que no hay CGI. Todo es real y está en cámara. Eso es magia del cine”, afirmó en una entrevista con Vanity Fair.

La magia del cine y la inspiración en los efectos clásicos

Samantha explicó que la elección de efectos prácticos fue intencionada y evocó la tradición de la magia en el cine. “Siempre han existido formas en que la magia del cine puede engañarnos de manera hermosa. Amo la magia; fui asistente de mago cuando era niña. Me encanta David Blaine. Cuando éramos niños y soñábamos con estar en el cine, para mí todo era ver películas como Dentro del laberinto o La historia interminable y querer ser el dragón blanco que flota en el cielo”.

Esta declaración conecta el trabajo de Nolan con una corriente nostálgica por las técnicas tradicionales del séptimo arte. El uso de efectos físicos y animatrónica en La Odisea no solo rinde homenaje a los clásicos, sino que redefine el estándar de las superproducciones contemporáneas, apostando por la autenticidad y el asombro tangible.

La escena de Circe se impone así como un ejemplo de innovación a través de lo artesanal. El resultado, según los testimonios del elenco, fue una experiencia inmersiva tanto para quienes participaron en el rodaje como para el público, que ha quedado marcado por una secuencia tan real que desafía las expectativas de la era digital.

Antes de Los Vengadores, de las escenas poscréditos y de los multiversos de Marvel, estaba Fast & Furious. No mucho antes, apenas unos años, pero el suficiente tiempo como para afirmar con contundencia que fue esta saga y no otra la que supo entender como nadie el cambio de siglo y hacia dónde iba encaminado el futuro del cine en general y de la industria de Hollywood en particular. Solo que, a diferencia del MCU, estos decidieron pasárselo bien por el camino. Al fin y al cabo, de qué sirve llegar el primero a la meta si no has disfrutado la carrera.

Corría el año 2001 y unos por aquel entonces desconocidos Paul Walker y Vin Diesel entraban en escena. El primero venía de ser el chico guapo en comedias adolescentes, el segundo de tipo duro en Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg, pero pronto iban a demostrar al mundo que eran mucho más que eso. “Vin era un actor duro, al estilo Bruce Willis, pero menos atractivo. A su lado, Paul Walker era un semidiós”, recuerda la periodista María Estévez, quien tuvo la suerte de ser la primera en conocerles cuando aún eran unos totales desconocidos y el estudio Universal la invitó a conocerlos como parte de la promoción del filme. “Recuerdo cómo los actores se paseaban conversando de un lado a otro, haciendo bromas o hablando del catering. Vin se divertía con los periodistas, Paul flirteaba con una amiga mía. Existía una complicidad que no hay ahora”.

Estévez, quien recoge la anécdota y otras tantas en su libro Esto es Hollywood, menciona que, aunque fueran otros tiempos —tan solo unos meses antes del 11-S—, aquel primer encuentro ya resumía como ninguno lo que iba a ser la saga: algo familiar. También que fue una película que desafió cualquier expectativa, incluso la de la gente que estaba detrás del proyecto. “Nadie esperaba que The Fast and the Furious fuera un evento internacional a lo largo de dos décadas”. En 2026, y a las puertas de comenzar el rodaje de la que sería la undécima entrega de la autodenominada “Familia” que han construido durante este tiempo, ya se puede decir que aquel modesto proyecto lleno de caras semidesconocidas fue todo un éxito.

Sentando las bases del nuevo milenio

La historia de la saga comenzó precisamente en los periódicos. En concreto, con un artículo publicado en la revista Vibe bajo el título de Racer X —irónicamente, el primer borrador de título para la saga sería Racer Wars, y su última entrega es Fast X— que hablaba de una serie de carreras clandestinas en la ciudad de Nueva York. Lo curioso, además de coches japoneses trucados y una policía desesperada, es que hablaba de una escena “políglota”, compuesta por jóvenes de todas partes, algo que se trasladaría —junto a todo lo demás— a las películas, y que haría que Fast and Furious se desmarcase del resto de predecesoras y abriese un camino a nuevos y jóvenes actores de todas las etnias. “La gente se dio cuenta de que el mundo no era solo Estados Unidos y que no estaba compuesto únicamente por personas de raza blanca, ¿sabes? Que el mundo estaba lleno de gente de piel amarilla y morena", comentaría tras el estreno Michelle Rodriguez, encargada de dar vida a Letty, el interés amoroso de Dom Toretto (Vin Diesel), pero una piloto aún más feroz sobre la pista.

Rodriguez y Jordana Brewster pondrían el lado femenino de una saga que venía a demostrar que eso de la gasolina y los derrapes no era solo cosa de tíos musculados. Tras ellas irían surgiendo en venideras secuelas personajes femeninos de lo más interesantes, como el de Eva Mendes en la segunda entrega. “Mendes era la cuarta latina en acción en aquella carrera contrarreloj que entonces vivían las actrices de Hollywood para despuntar entre los 20 y los 35 años”, menciona Estevez. Luego vendrían Gal Gadot, Elsa Pataky —en la quinta y más alabada película—, Gina Carano, Nathalie Emmanuel o incluso Charlize Theron como principal antagonista de las últimas, a sus 50 años.

Una franquicia sin límites

Pero no fue lo único que la saga cambió, sino que también se adelantó a otras franquicias a la hora de asentar una serie de elementos. Tal y como señala el ensayista Dan Hassler-Forest en su libro Fast and Furious Franchising, la serie tuvo una serie de decisiones de lo más rompedoras para su época y que influenciaron lo que vendría después, principalmente el Universo Cinematográfico Marvel. En una época en la que estaba más que asentada la idea de la trilogía, The Fast and Furious se permitió hacer una secuela sin su principal protagonista —con una aventura de la pareja Brian (Paul Walker) y Roman (Tyrese Gibson)— y redoblar la apuesta con una tercera entrega ambientada en otro continente, con otros personajes e incluso cambiando la velocidad por el “drifting” (derrape, para que nos entendamos). Eso sí, con una secuencia final en la que introduciría de nuevo al Dom Toretto de Vin Diesel al más puro estilo Marvel... o deberíamos decir al estilo Fast and Furious, porque llegó incluso antes.

“Su saga marcó un antes y un después, puso de moda entre los jóvenes angelinos las carreras nocturnas y dejó claro que las estrellas ya no tenían tanto poder e influencia”, sostiene María Estévez. El gran atractivo de la serie reside en su capacidad para aludir al mundo real sin llegar nunca a lo que podría considerarse un comentario social”, sugiere Hassler-Fores. Pero lo cierto es que la lección más importante que ha dejado tras todos estos años es que el cine no tiene límites, pues aquella primera entrega a baja escala que vuelve ahora a los cines 25 años después lo hace convertida en sinónimo de éxito en taquilla, ahora para un público completamente nuevo, pero al que sigue conquistando y enseñando la que probablemente sea la lección más valiosa de todas, el significado de la familia.

El nombre de José Mourinho está en boca de todos durante estos días. Desde que se anunciase como nuevo entrenador del Real Madrid, el técnico portugués ha acaparado todas las miradas en su esperado regreso al coliseo blanco, del cual estuvo al frente entre 2010 y 2013. Mucho tiempo ha pasado desde entonces y mucho ha cambiado el club blanco, pero Mourinho parece seguir siendo el mismo de siempre, aunque asegura haber cogido más experiencia y madurado en algunos aspectos.

“El Mourinho de hoy es que el está en condiciones de aconsejar al Mourinho de 2013. El Mou de 2013 es un poco como eres tú el que aconseja a tu padre o tu padre a ti. Tienes que estar siempre muy tranquilo. Para mi es mucho fácil ahora estar muy tranquilo”, revelaba este viernes durante su primera rueda de prensa oficial como técnico del equipo del Bernabéu, después de que su presentación y la del resto de jugadores fuesen a puerta cerrada y sin medios que no fuesen del propio club. Sin embargo, antes de su puesta de largo ante el Espanyol, el entrenador luso tuvo tiempo para una entrevista algo más distendida en la que pudo dar algunas claves de su vida actual, entre ellas la serie que más le tiene enganchado.

Ha sido en El Chiringuito, el programa liderado por Josep Pedrerol que desde este mismo verano ha dado el salto a Mediaset después de años formando parte de Atresmedia bajo el nombre de El Chiringuito de Jugones. Como parte también de su estreno por todo lo alto, el programa pudo contar con la primera entrevista en exclusiva al nuevo mánager del Real Madrid, con lo que todo ello suponía. Y de ahí surgió una gran conversación entre Pedrerol y Mourinho que derivó en un test algo más personal, moderado por el periodista Diego Plaza y en el que el luso desveló no solo que es más de series que de películas, sino también cuál es la que más le está gustando en este momento.

Una nueva temporada

“Soy más de series. Te vas a reír, no digo que sea mi favorita pero sí la que estoy viendo... Ted Lasso. Es un fenómeno”, revelaba Mourinho en este test rápido, en el que también confesaba que su lugar predilecto era Setúbal, por encima de ciudades de las que guarda un gran cariño como Londres, Madrid o Lisboa, la última en la que estuvo como entrenador del Benfica. Mourinho menciona precisamente una serie sobre fútbol, que va sobre un entrenador de primer nivel y que tiene una relación muy cercana con sus jugadores, aunque aclara que no por ello establece un vínculo entre su persona y el personaje interpretado por Jason Sudeikis. “No me siento identificado, pero es un fenómeno”.

Ted Lasso arrancó en el año 2020 en Apple TV+, fruto de una idea personal del propio Sudeikis después de hacer un divertido anuncio en el que interpretaba a un entrenador de fútbol americano intentando aprender sobre el noble deporte del balompié. De ahí surgió la idea de una serie sobre este particular personaje, tan dulce como las pastas que regala a todos, que viajaba hasta Londres para entrenar al Richmond AFC, un club ficticio de la Premier League al que lleva a lo más alto. Después de tres temporadas de grandes triunfos dentro y fuera del campo -más de ocho Premios Emmy a mejor serie y actor-, la serie se tomó un respiro hasta este mismo año, cuando ha estrenado la cuarta temporada, ahora con Lasso entrenando a la sección femenina del Richmond. Parece claro que, con sus estilos particulares, los caminos de Mourinho y Lasso han quedado entrelazados y está ante ellos una nueva y prometedora temporada.

La producción de la esperada adaptación cinematográfica Miami Vice ’85 suma una nueva protagonista a su reparto: Camila Morrone compartirá pantalla con Michael B. Jordan y Austin Butler en el reboot dirigido por Joseph Kosinski. El anuncio refuerza el atractivo del proyecto, que ya había captado la atención por la magnitud de sus nombres y por su conexión con la icónica serie de los años ochenta.

La confirmación de Morrone como coprotagonista llega tras un año de reconocimientos y nuevos retos para la actriz. Su actuación en la serie de Netflix Algo terrible está a punto de suceder recibió comentarios positivos tras su estreno en primavera. Según fuentes de la producción, las pruebas de química entre Morrone y Butler se realizaron el fin de semana previo a la oferta, que fue presentada poco después. La trama de Miami Vice ’85 se ambienta en el Miami de mediados de los años ochenta y propone una visión renovada del universo creado por Anthony Yerkovich. La película tomará como inspiración el episodio piloto de la serie original y buscará replicar su influencia en la cultura y el estilo, tanto en moda como en narrativa audiovisual.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

Con la incorporación de Morrone, el elenco principal de la adaptación suma otra figura en ascenso. Michael B. Jordan y Austin Butler ya estaban confirmados como protagonistas, mientras que Alden Ehrenreich y Whitney Peak se integraron recientemente al reparto. La presencia de Morrone refuerza la apuesta de Universal y de Kosinski por reunir a talentos consolidados y emergentes en roles clave. El fichaje de Morrone fue resultado de un proceso selectivo, en el que se valoró la dinámica entre los intérpretes principales. Después de las pruebas finales con Butler, la actriz recibió la propuesta formal para sumarse al proyecto.

Una nueva visión de Miami en los años ochenta

Joseph Kosinski, conocido por su trabajo en grandes producciones, estará a cargo de la dirección. El guion lleva la firma de Dan Gilroy, quien ha adaptado los personajes originales de la serie creada por Anthony Yerkovich y producida ejecutivamente por Michael Mann. Una versión previa del guion fue desarrollada por Eric Warren Singer. La producción será liderada por Dylan Clark y su compañía Dylan Clark Productions, junto con Kosinski. Desde Universal, Sara Scott, vicepresidenta ejecutiva de Desarrollo de Producción, y Christina Hoffrogge, ejecutiva creativa, supervisarán el desarrollo del proyecto. La película se rodará para formato Imax y tiene previsto su estreno en salas el 19 de mayo de 2028. El rodaje comenzará este mismo año, marcando el inicio de una producción que busca generar impacto visual y narrativo.

Miami Vice ’85 pretende explorar el glamour y la corrupción que caracterizaron el Miami de los años ochenta. El proyecto aspira a captar la atmósfera única de la ciudad durante ese periodo, manteniéndose fiel a la estética y el tono que hicieron de la serie original un fenómeno de la cultura popular. El guion se inspira en el episodio piloto de la serie, con la intención de actualizar su propuesta para nuevas audiencias sin perder el vínculo con el legado de la franquicia. Universal apuesta por una producción de alto perfil, tanto en su equipo artístico como en los aspectos técnicos.

El 2026 ha sido un año de consolidación para Morrone. Tras su trabajo en Algo terrible está a punto de suceder, la actriz fue considerada para varios proyectos de alto perfil. Además de su participación en Miami Vice ’85, Morrone fue vista en la segunda temporada de The Night Manager, donde actuó junto a Tom Hiddleston. Entre sus próximos estrenos figuran la adaptación para Netflix de The Age of Innocence y la película Gonzo Girl, dirigida por Patricia Arquette y coprotagonizada por Willem Dafoe. Morrone fue nominada previamente al Emmy por su papel en la serie de Prime Video Daisy Jones & The Six. El anuncio de su incorporación al reboot de Miami Vice confirma la tendencia de la industria a reunir elencos de alto perfil para revisitar franquicias reconocidas, combinando talento emergente con figuras consolidadas en el panorama audiovisual actual.

Jacob Elordi esquivó la pregunta más esperada de la noche en Londres. Durante la presentación mundial de La constelación del perro en Leicester Square, el actor australiano fue consultado por la prensa sobre los rumores que lo vinculan con el papel de James Bond, una de las franquicias más codiciadas del cine contemporáneo. Su respuesta fue breve y evasiva: “Estoy de vacaciones”, declaró con una sonrisa, evitando así confirmar o negar su participación en las audiciones para el famoso espía británico.

La reacción de Elordi no pasó inadvertida. El ambiente en el Odeon Luxe Leicester Square era de expectación, con cientos de seguidores congregados para ver de cerca a los protagonistas del último trabajo de Ridley Scott. Elordi llegó acompañado de Rak Jasper, uno de los tres perros actores que participan en la película, y fue recibido por gritos y muestras de entusiasmo, en especial de un grupo de jóvenes que lo saludaron desde una ventana cercana. El actor correspondió con un gesto, aumentando aún más la algarabía en la zona.

El rumor sobre la posible elección de Jacob Elordi como el nuevo James Bond ha circulado con fuerza en los últimos meses. Diversos medios especializados lo incluyen entre los favoritos para el papel, en un contexto donde la búsqueda del sucesor de Daniel Craig ha generado enorme interés. La respuesta del actor, aunque concisa, no contribuyó a disipar las especulaciones. “Estoy de vacaciones”, repitió, sin ofrecer detalles sobre cualquier acercamiento formal a la producción de la saga.

Durante la alfombra roja de La constelación del perro, Elordi se refirió a su experiencia bajo la dirección de Ridley Scott. En diálogo con Variety, calificó al cineasta como “el rey de las películas” y describió el rodaje como “un sueño hecho realidad”. Según el actor, trabajar junto a Scott fue una vivencia única: “No creo que vuelva a tener una experiencia así. Es único y pionero del cine moderno”, expresó. La presencia de Ridley Scott en el estreno reforzó la atención mediática en torno a la película. El director, que había presentado Gladiator 2 en el mismo lugar menos de dos años atrás, fue acompañado por otros integrantes del elenco, como Josh Brolin, Margaret Qualley y Guy Pearce. La expectativa por el lanzamiento de la nueva producción de Scott se reflejó en la asistencia de figuras destacadas y en la cobertura internacional del evento.

De ‘Euphoria’ a Ridley Scott

La constelación del perro es una adaptación de la novela homónima de Peter Heller, llevada a la pantalla por Scott con guion de Mark L. Smith para Disney’s 20th Century Studios. La historia se sitúa en un mundo post-apocalíptico, tras una pandemia de gripe devastadora que ha reducido la humanidad al mínimo. El relato sigue a un ex piloto civil y a un exmarine, quienes enfrentan amenazas externas mientras buscan preservar la esperanza de una vida mejor. Originalmente, el papel principal fue pensado para Paul Mescal, protagonista de Gladiator 2. Mescal debió abandonar el proyecto por conflictos de agenda relacionados con su participación en las biografías de los Beatles, permitiendo así la incorporación de Elordi al elenco principal. Esta modificación en el reparto fue uno de los temas comentados por la producción antes del estreno.

Otro de los protagonistas, Josh Brolin, compartió su experiencia en el set con Empire Magazine. Brolin confesó que durante el primer día de rodaje consideró abandonar el proyecto debido al intenso estilo de trabajo de Scott. “Me molestó y me asusté mucho”, reveló el actor, quien incluso llegó a comunicarse con su agente para manifestar su deseo de salir de la película. Finalmente, las condiciones en el set mejoraron y Brolin continuó, calificando el enfoque de Scott como “estratosféricamente creativo y peligroso”.

Las declaraciones de Brolin ofrecen una mirada interna sobre las exigencias del rodaje de La constelación del perro, confirmando el carácter desafiante de trabajar bajo la dirección de Scott, reconocido por su rigor y creatividad en la industria. La constelación del perro llegará a los cines el próximo 28 de agosto. La trama acompaña a dos sobrevivientes —un ex piloto civil y un exmarine— en su intento por resistir en un entorno hostil tras una pandemia global, explorando los límites de la resiliencia humana y la posibilidad de un futuro mejor.

El verano sigue su curso y, mientras los espectadores siguen disfrutando de aventuras como las de La Odisea, Spider-Man: Brand New Day o la reciente El final de Oak Street, nuevas historias aterrizan en cartelera. Para esta semana tenemos una nueva mezcla de géneros, con actores destacados como Jason Statham o Vin Diesel, quien regresa a la gran pantalla en una de sus sagas más conocidas.

El reencuentro de Fast & Furious por su 25 aniversario es sin duda una de las grandes noticias cinéfilas de la semana, pero no la única. También tenemos un nuevo capítulo en la celebrada franquicia de terror Insidious, y pequeñas grandes aventuras en alta mar o en Chequia, sin olvidar nuestro cine con una emocionante historia de amistad y baile como la que presenta A fuego.

Insidious: Fuera del más allá

Elise Reiner, la espiritista más famosa del cine regresa en una nueva entrega de Insidious, una que vuelva a sus raíces más sobrenaturales. Cuando la ortodoncista Gemma (Amelia Eve) comienza a tener unos sueños de lo más extraños y a percibir presencias paranormales, su vida y la de su hija pasa a estar en peligro. Es por ello que tendrán que recurrir a los servicios de Elise Reiner y descubrir qué malvado espíritu se encuentra detrás de sus malos sueños. Pero la verdad detrás de lo que sucede será mucho más aterradora de lo que puedan imaginar.

El motín

Que el guiño a La jungla de cristal en el póster no despiste, esta historia no tiene lugar en un gran rascacielos sino nada menos que en alta mar. Después de que su jefe, un industrial multimillonario, sea asesinado delante de él, Cole Reed se ve obligado a cargar con la culpa del crimen, lo que le obliga a huir mientras trabaja para descubrir una conspiración internacional. Jason Statham se vuelve a poner el traje de héroe de acción en este thriller a cargo de Jean-François Richet (El piloto) en el que nada es lo que parece.

A fuego

Tras la repentina muerte de su hermano Nico, Lola, de 17 años, se adentra en una búsqueda que la lleva a descubrir un mundo oculto que él solía frecuentar: El Búnker. Un espacio abandonado convertido en epicentro de fiestas clandestinas y batallas de baile, donde la música y la libertad se viven sin reglas. Allí, Lola encuentra un grupo de amigos que la acompaña en su camino, le ayuda a reconectar con su pasión por el baile y a redescubrirse. El Búnker se convierte en su refugio, un lugar donde aprender a vivir sin miedo, sin filtros, a fuego. La nominada al Goya por El 47 Zoe Bonafonte protagoniza esta película junto a Marc Soler, Omar Banana o la cantante Ruslana.

El coro de Praga

El cine checo ha dado grandes títulos a lo largo de su historia, tal y como repasamos durante este verano futbolero-cinéfilo a través de la Nueva Ola Checoslovaca. Ahora quiere escribir un nuevo episodio con El coro de Praga, una película que, sin llegar al nivel de títulos de aquella época, no está exenta de carga política. Karolina, una niña de trece años, recibe la oportunidad de unirse a un coro de élite, donde cantará junto a su hermana y otras chicas de su ciudad. Su innegable talento pronto llamará la atención del exigente director del coro, quien poco a poco aprovechará los sueños e ilusiones de la joven para ir acercándose a ella.

A todo gas (Fast and Furious)

En el año 2001 eran prácticamente unos desconocidos, pero estaban a punto de cambiar para siempre la industria del cine. Vin Diesel y Paul Walker protagonizaron esta primera entrega de Fast and Furious, la que hoy día es una de las sagas más queridas y emocionantes. Pero para llegar a las cotas más altas primero empezaron en las carreras clandestinas y callejeras, donde arranca esta primera película que ahora cumple 25 años. Dominic Toretto, Brian O’Conner y el resto de la familia vuelven a la gran pantalla, mientras la saga ya prepara la que será su última entrega, Fast Forever.

El actor Charles Melton se encuentra en negociaciones avanzadas para interpretar al protagonista de la adaptación cinematográfica live-action de Naruto, según información revelada en exclusiva. La producción, dirigida por Destin Daniel Cretton, impulsa una búsqueda internacional para encontrar a los actores que den vida a los icónicos personajes del universo creado por Masashi Kishimoto. Melton, reconocido por su reciente trabajo en televisión y cine, podría asumir el reto de encarnar al joven ninja cuyo sueño es convertirse en líder de su aldea.

La noticia surge mientras se intensifican las especulaciones sobre el futuro profesional de Melton, quien hasta la semana pasada era mencionado entre los candidatos a sumarse al elenco de X-Men durante la convención D23. Sin embargo, el foco se ha desplazado hacia el ambicioso proyecto de Lionsgate, que busca adaptar uno de los mangas y animes más populares a escala global. Charles Melton está en la etapa final de conversaciones para asumir el papel principal en la versión live-action de Naruto. Fuentes cercanas al proyecto detallan que la búsqueda de actores para encarnar a los personajes principales —Naruto, Sasuke y Sakura— comenzó el mes pasado, con un proceso de selección global. El personaje de Naruto Uzumaki es central en la narrativa: un adolescente huérfano que aspira a convertirse en líder y protector de su aldea, conocido como el Hokage.

El interés por Melton como posible protagonista ha generado expectativas en la industria, ya que el rol de Naruto supone un desafío actoral y físico. La franquicia cuenta con una base de seguidores internacional y una historia que ha trascendido generaciones desde su aparición original en el manga y la serie animada. El estudio Lionsgate no ha emitido comentarios oficiales sobre la negociación. Sin embargo, la preproducción avanza, respaldada por un equipo de productores con experiencia en grandes adaptaciones.

Charles Melton, un actor en plena escalada

Melton ha consolidado su carrera con trabajos recientes que incluyen una nominación al premio Emmy por su papel en la segunda temporada de la serie Bronca, donde compartió elenco con Oscar Isaac, Carey Mulligan y Cailee Spaeny. Además, obtuvo reconocimiento de la crítica por su actuación en la película Secretos de un escándalo, estrenada en 2023. Entre otros títulos en los que ha participado destacan Su infierno privado, Guerra y la serie Riverdale. Su versatilidad actoral y presencia en proyectos de alto perfil han impulsado su imagen en la industria, situándolo como uno de los intérpretes emergentes más notables del momento. El posible fichaje para Naruto marcaría un nuevo hito en su carrera, al frente de una franquicia con proyección global y altos estándares de exigencia tanto en la interpretación como en la acción.

La adaptación de Naruto será dirigida por Destin Daniel Cretton, cineasta que ha transitado del cine independiente a grandes producciones de Hollywood. El proyecto está respaldado por Avi Arad, Ari Arad y Emmy Yu para Arad Productions, junto a Jeremy Latcham. Cretton también figura como productor a través de su empresa Hisako, junto a Jeyun Munford. Cabe recordar que en 2014 se intentó lanzar una versión cinematográfica de Naruto con Michael Gracey como director, pero el proyecto no prosperó. El actual equipo busca superar las dificultades previas y concretar una adaptación que respete la esencia original de la obra de Kishimoto.

La producción se encuentra en una fase de desarrollo en la que aún no se han confirmado otros nombres del elenco ni fecha de estreno. La expectativa en torno al proyecto aumenta a medida que se conocen avances en el proceso de casting y la posible incorporación de Melton. Destin Daniel Cretton se ha destacado en los últimos años por su capacidad para dirigir tanto dramas independientes como éxitos de taquilla. Inició su carrera en 2013 con Las vidas de Grace, filme protagonizado por Brie Larson, LaKeith Stanfield, Rami Malek y Kaitlyn Dever.

Posteriormente, dirigió El castillo de cristal y Cuestión de justicia, antes de dar el salto a grandes estudios con Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos (2021). Su más reciente obra, Spider-Man: Un nuevo día, recaudó más de $800 millones solo en el mercado estadounidense, estableciendo un récord de taquilla. El desembarco de Cretton en la adaptación de Naruto suma experiencia y prestigio al proyecto, incrementando las expectativas sobre el resultado final de una de las adaptaciones más esperadas por los seguidores del anime y manga japonés.

El filme adapta la novela de Maggie O’Farrell, donde el foco se desplaza de Shakespeare hacia su esposa, una mujer rural, señalada como “bruja” por su entorno y rechazada por el padre del escritor. La narrativa de Hamnet se apoya en el único hecho probado: Shakespeare tuvo un hijo llamado Hamnet y escribió una tragedia titulada Hamlet, nombres considerados equivalentes en el inglés antiguo. A partir de este dato, la autora y la directora construyen una ficción en torno a las emociones, las pérdidas y los vínculos familiares que marcaron la vida del escritor.

La película no solo ha logrado captar la atención por su argumento, sino también por el reconocimiento obtenido en el circuito de premios. Jessie Buckley fue galardonada con el Oscar a mejor actriz protagonista, coronando una temporada en la que Hamnet acumuló ocho nominaciones a los premios de la Academia, incluyendo mejor película. La dirección de Zhao y la interpretación de Buckley han sido señaladas como los aspectos más sobresalientes en la recepción crítica de la obra.

Para quienes no pudieron verla en cines, la llegada de Hamnet a plataformas representa una segunda oportunidad de acceso. En el caso de España, la película estará disponible en SkyShowtime a partir del 24 de agosto. El estreno digital responde a un fenómeno de taquilla poco habitual: en el país, la recaudación fue proporcionalmente mayor respecto a la población que en el mercado estadounidense, confirmando el interés por propuestas alejadas de los géneros comerciales tradicionales.

Una historia diferente

Hamnet evita la estructura clásica de los relatos biográficos y explora la cotidianidad de la familia Shakespeare. El guion pone en primer plano a la esposa del dramaturgo, mostrando cómo la convivencia con el futuro autor de Hamlet influyó en la dinámica del hogar, aunque ni la familia ni el propio Shakespeare fueran plenamente conscientes de su posterior trascendencia. La historia sugiere, desde la ficción, que las experiencias familiares y la pérdida fueron determinantes en la creación del célebre drama. Sin embargo, tanto la novela como la película aclaran la ausencia de pruebas directas sobre ese nexo, dejando espacio a la interpretación artística y emocional.

La promoción de Hamnet en algunos medios llegó a calificarla como “la mejor película de la historia”, generando debates y expectativas en la crítica y el público. Si bien la cinta solo se llevó un Oscar, el impacto de Jessie Buckley en el papel principal fue ampliamente reconocido. La propuesta de Universal Studios, con la dirección de Chloé Zhao, se consolidó como una de las producciones más comentadas de la temporada. En España, el desempeño en taquilla superó las previsiones, demostrando que el público local busca alternativas a los grandes éxitos comerciales y está dispuesto a respaldar historias originales que ficcionan personajes históricos desde una mirada íntima.

El estreno de Hamnet en streaming amplía el acceso a una película que ha generado discusiones sobre la representación de figuras históricas y la reinterpretación de sus vínculos familiares. La interpretación de Jessie Buckley, junto con la narrativa visual de Zhao, ha sido destacada por su aproximación emocional y su capacidad para ofrecer una visión renovada sobre el entorno de Shakespeare. La historia de Hamnet, sin revelar giros esenciales, invita a descubrir la influencia de las relaciones personales en la obra de uno de los escritores más universales, consolidándose como una opción relevante en el catálogo digital de la temporada.

Uno de los actores más reconocidos en la historia reciente del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), David Harbour, ha sorprendido al público al revelar una línea crucial de la próxima película Vengadores: Doomsday. El actor, conocido por su papel como Alexei Shostakov/Red Guardian en Black Widow y Thunderbolts, encendió el debate entre los seguidores de la franquicia al pronunciar una frase que podría anticipar un giro inesperado en la historia.

Durante una entrevista concedida a Variety, Harbour fue invitado a compartir una línea de Vengadores: Doomsday fuera de contexto. La respuesta fue breve pero contundente: “Tú… eres Tony Stark”, dicha con acento ruso, en clara referencia a su personaje. El gesto fue interpretado como una posible revelación sobre la identidad de uno de los personajes centrales del filme, lo que ha desatado una ola de especulaciones acerca del regreso de Robert Downey Jr. y su relación con el icónico Tony Stark.

La frase en cuestión adquiere relevancia por varios motivos. En primer lugar, Robert Downey Jr. encarna en Vengadores: Doomsday al villano Doctor Doom, una figura emblemática de los cómics y tradicional adversario de los Cuatro Fantásticos. Downey Jr. fue el rostro de Tony Stark/Iron Man a lo largo de 10 películas del MCU, hasta el desenlace de Avengers: Endgame en 2019. Su retorno a la franquicia, ahora bajo otro personaje, supone una ruptura con la tradición de Marvel de asignar un solo personaje a cada actor a lo largo de la saga. La posibilidad de que el propio Guardían Rojo identifique a Doctor Doom como Tony Stark —o, al menos, como alguien idéntico a él— ha provocado una amplia discusión en redes sociales y foros de fanáticos. No existe en los cómics una relación directa entre ambos personajes que justifique el uso de la misma imagen, lo que refuerza la hipótesis de que la película explorará realidades alternativas y variaciones de los personajes clásicos.

Así será ‘Vengadores: Doomsday’

Según la información disponible, Vengadores: Doomsday estará centrada en la convergencia de diversos universos paralelos del MCU. El filme reunirá a los Vengadores principales, los Cuatro Fantásticos y los X-Men de la saga de Fox, todos provenientes de líneas temporales y realidades distintas. Esta premisa permite que existan diferentes versiones de un mismo personaje, interpretadas por el mismo o diferentes actores, como ya se ha visto en otras producciones recientes del estudio, entre ellas Doctor Strange in the Multiverse of Madness y la serie Loki.

La elección de Downey Jr. para el papel de Doctor Doom ha sido considerada por muchos como una estrategia para jugar con la percepción del público y generar un impacto emocional. La frase revelada por Harbour sugiere que en algún momento de la película, Doctor Doom podría quitarse la máscara ante otros héroes, desencadenando la reacción de Red Guardian y planteando la pregunta sobre su verdadera identidad. El hecho de que ambos personajes compartan el mismo rostro podría explicarse como una consecuencia del multiverso, especialmente si Doctor Doom es presentado como una variante de Tony Stark originaria de la Tierra-828, universo introducido previamente en The Fantastic Four: First Steps.

Otra teoría que ha cobrado fuerza es el posible regreso de Tony Stark, aunque no sea como Iron Man del universo principal, sino como una versión alternativa de otro universo. La estructura narrativa de Vengadores: Doomsday permite la inclusión de múltiples variantes de personajes, lo que habilita la aparición de un Stark diferente al que murió en Vengadores: Endgame. Esta posibilidad ha sido alimentada por la propia dinámica del multiverso, que en el MCU ya ha demostrado que los personajes pueden coexistir en diferentes formas y realidades. El estreno de Vengadores: Doomsday está programado para el 18 de diciembre, y la expectativa por conocer el alcance real del spoiler de Harbour no ha hecho más que aumentar tras sus declaraciones. Mientras tanto, los seguidores de Marvel continúan debatiendo si la frase fue una simple broma o si, efectivamente, anticipa un momento clave para la trama y para el futuro del MCU.

Josh Radnor, actor principal de la exitosa serie Cómo conocí a vuestra madre, ha reconocido públicamente que no mantiene relación alguna con sus excompañeros de reparto tras el final de la producción. Durante una reciente entrevista en el pódcast “Half the Picture”, el intérprete fue consultado sobre el estado actual de su vínculo con el elenco y respondió con claridad: “No. Ni siquiera un poco”. La declaración de Radnor sobre el distanciamiento no estuvo acompañada de polémica ni resentimiento. El actor explicó que, tras compartir la filmación de 208 episodios a lo largo de nueve temporadas, es natural que los caminos se separen. “No lo digo de forma dramática. Es solo que…”, puntualizó, dejando claro que la falta de contacto no obedece a conflictos personales sino a la evolución natural de sus vidas tras el cierre de la serie.

A lo largo de la conversación, Radnor detalló que el contacto con sus antiguos compañeros de Cómo conocí a vuestra madre es esporádico y superficial. Mencionó que, con Jason Segel, sus interacciones se limitan a mensajes de texto ocasionales y admitió: “Hace mucho que no lo veo”. En cuanto a Cobie Smulders, destacó que sus encuentros han sido principalmente virtuales, a través de videollamadas para el pódcast que conduce. Sobre Alyson Hannigan, Radnor recordó que la última vez que la vio fue en su propia boda, celebrada en 2024. Fuera de esos episodios puntuales, no se ha producido ningún tipo de reunión, ni encuentros informales ni actividades conjuntas. El actor fue enfático al señalar que, a pesar del cariño y la historia compartida, la cotidianidad ha hecho que cada uno tome su propio rumbo.

Durante la entrevista, Radnor profundizó en la naturaleza de los vínculos que se forjan en un entorno laboral tan intenso como el de una serie televisiva de larga duración. Comparó la experiencia a la de una etapa universitaria donde la convivencia diaria es intensa, pero finalmente temporal. “Es como la universidad, cuando tienes un periodo muy intenso junto a otras personas y crees que vas a seguir viéndolas todos los días, pero luego cada uno sigue su vida”, expresó.

Proyectos actuales y espacio para el reencuentro

El actor también matizó que, aunque existe un afecto profundo por quienes compartieron el set durante casi una década, ese cariño no se traduce en una relación activa. “Tengo amor por todos ellos. Es probablemente un amor duradero, pero no es un amor activo”, afirmó. Para Radnor, el lazo que une a los miembros del reparto se parece más al de una familia que al de una amistad elegida, ya que ninguno eligió a los demás: todos fueron seleccionados para trabajar juntos y, con el paso del tiempo, las dinámicas familiares propias de un grupo forzado a convivir emergen.

Aunque la relación personal se ha enfriado, Radnor mantiene cierta conexión profesional con el universo de Cómo conocí a vuestra madre. Actualmente es anfitrión de un pódcast de repaso de la serie junto al cocreador Craig Thomas. En este espacio, algunos antiguos compañeros han sido invitados, como Neil Patrick Harris, quien participó en un episodio a comienzos de 2026. Durante la grabación con Harris, ambos abordaron algunas tensiones que surgieron durante el rodaje original. Radnor describió esa conversación como “interesante y sanadora”, aunque no implicó una reanudación de la amistad fuera del contexto profesional. El pódcast ha servido como lugar de reencuentro puntual, pero no ha propiciado una reactivación de los vínculos personales entre los miembros del reparto.

El testimonio de Radnor resalta cómo, tras el cierre de una etapa profesional tan intensa como la de Cómo conocí a vuestra madre, la vida de cada actor siguió caminos separados. La serie, que se emitió durante nueve temporadas y alcanzó gran popularidad internacional, fue para sus protagonistas una experiencia comparable a la de una familia temporal. Sin embargo, una vez finalizada la producción, la dinámica diaria y el contacto habitual se disiparon. Radnor resumió su visión afirmando que el trabajo actoral puede ser “como un romance: tienes un amor intenso mientras dura el proyecto, pero luego sigues adelante”. Así, para los seguidores de Cómo conocí a vuestra madre que esperaban una amistad duradera fuera de la pantalla, el propio protagonista aclara que la realidad es distinta y que, aunque persiste el cariño, la relación ya no existe en la vida cotidiana.

Antes de unirse a Marvel Studios como Rogue en la nueva película de los X-Men, Inde Navarrette, quien saltó a la fama por su papel en Obsession, rechazó una oferta para participar en Heat 2, el esperado proyecto donde compartiría pantalla con figuras como Leonardo DiCaprio o Christian Bale. La decisión de Navarrette ha generado atención tanto en la industria como entre los fanáticos, marcando una nueva etapa en su carrera.

Según informaron fuentes a PageSix, Navarrette fue considerada para el papel de Sharlene, personaje interpretado originalmente por Ashley Judd en la primera entrega de Heat. De haberse concretado, la actriz habría trabajado junto a un elenco encabezado por DiCaprio, Christian Bale y Adam Driver. Finalmente, Navarrette declinó la invitación para priorizar su incorporación al universo cinematográfico de Marvel, donde interpretará a una de las mutantes más conocidas de la franquicia.

La propuesta para participar en Heat 2 representaba una oportunidad de alto perfil. El personaje que Navarrette habría encarnado, Sharlene, tiene gran relevancia en la narrativa de la saga. La producción, dirigida por Michael Mann, contaría con un reparto de figuras consolidadas en Hollywood. La noticia sobre la negativa de Navarrette a formar parte del proyecto fue confirmada por fuentes cercanas a la producción, que detallaron que la actriz optó por priorizar su futuro en Marvel Studios tras conversaciones con el director Jake Schreier. No solo Heat 2 fue puesta en pausa por la actriz. Navarrette también declinó una oferta para trabajar en una película de terror dirigida por Mattias Hoehne (Cockneys vs Zombies, Little Bone Lodge), un proyecto que contemplaba una remuneración de $2,5 millones.

Según lo publicado por PageSix, la decisión de Navarrette estuvo influida por su interés en integrarse al universo Marvel y la trascendencia internacional que la franquicia puede ofrecer. Aunque la propuesta económica de la película de Hoehne era considerablemente mayor que el salario recibido en Obsession —apenas $20.000—, la actriz apostó por el alcance global y las oportunidades de crecimiento profesional asociadas a Marvel Studios. De acuerdo con las declaraciones recogidas, Navarrette mantuvo en el pasado conversaciones con Jake Schreier sobre la posibilidad de integrarse al proyecto de los X-Men, alimentando especulaciones que finalmente se confirmaron durante el evento D23, donde se anunció oficialmente su papel como Rogue.

Así será su futuro como Rogue

La revelación de la participación de Navarrette como Rogue se realizó durante la convención D23. Allí se confirmó que el personaje, conocido por su capacidad de absorber poderes, será interpretado por la actriz en la próxima entrega de los X-Men. Navarrette compartirá pantalla con Adam Driver, quien encarnará al villano Mister Sinister; Maya Boyd, en el papel de Storm; Christopher Abbott como el profesor Charles Xavier; y Kit Connor como Cyclops. El anuncio fue recibido con entusiasmo tanto por la prensa especializada como por los seguidores de Marvel, quienes rápidamente viralizaron la noticia en redes sociales. La propia actriz expresó su emoción por el desafío, señalando que creció viendo las películas de X-Men en los años 2000 y que siempre le atrajo la complejidad de personajes como Mystique.

La carrera de Navarrette experimentó un giro tras su participación en Obsession, película que se convirtió en la producción independiente más taquillera con un presupuesto inferior a un millón de dólares. El éxito de la cinta catapultó a la actriz, colocándola en el radar de ejecutivos y directores de grandes estudios. Con esta nueva etapa, Navarrette se posiciona como una de las figuras emergentes de Hollywood, capaz de elegir entre proyectos de alto impacto y consolidar su presencia en franquicias globales.

En diálogos previos con Variety, Navarrette comentó su entusiasmo por los X-Men y su interés particular en personajes como Mystique, destacando la fascinación que sentía de niña por los procesos detrás de cámaras y el uso de prótesis en cine. Tras el anuncio, la actriz recibió mensajes de bienvenida de colegas y de la actriz de voz original de Rogue, quien, a través de redes sociales, celebró su fichaje para Marvel Studios. La apuesta de Navarrette por el universo Marvel abre nuevas posibilidades para su carrera, mientras los seguidores esperan su debut como Rogue en una de las franquicias más exitosas del cine reciente.

El final de Oak Street es la nueva película de David Robert Mitchell, un atípico director de Hollywood que se dio a conocer con su segundo filme, It Follows, todo un soplo de aire fresco para el cine de terror hasta el punto de que encabezó ese resurgimiento del género que se conocería como terror elevado junto a otros como Jordan Peele y su Déjame salir o La bruja de Robert Eggers. Al contrario que estos dos directores, Mitchell decidió seguir su camino lejos del género con Lo que esconde Silver Lake, una película aun más extraña y críptica sobre un joven en Los Angeles en busca de pistas para encontrar a una chica desaparecida. No le fue tan bien con esta última, hasta el punto de que el director se ha pasado años escondido en Hollywood, hasta que al final ha podido estrenar este título que, a pesar de parecer alejado de su estilo, no podría tener más que ver con su cine.

El final de Oak Street cuenta la historia de los Platt, una familia como otra cualquiera de los suburbios de Los Ángeles en los años 80, que se está fragmentando poco a poco por el distanciamiento entre los padres Denise (Anne Hathaway) y Greg (Ewan McGregor) con los problemas propios de la pubertad de los hijos. Nada de eso está a la altura de lo que los espera, pues después de un apagón en mitad de la noche, ven cómo el barrio pasa a estar rodeado de mortíferos dinosaurios y otras criaturas, como si todo el barrio se hubiese teletransportado mágicamente al Jurásico. La familia tendrá que permanecer más unida que nunca si quiere sobrevivir a esta nueva gran amenaza y hallar el modo de volver a su vida de siempre.

Un final feliz... pero raro

Atención porque a continuación vienen spoilers. Después de ver cómo el patriarca de los Platt es devorado por un Tyrannosaurus rex, la familia huye de la casa y logra encontrar la vía de escape en la mansión de la bibliotecaria de Oak Street. Allí se enfrentan a unos cocodrilos del Cretácico y a una suerte de pterodáctilos, pero finalmente logran escapar por el agujero de gusano formado en la azotea. Este los lleva a las afueras del barrio, pero con la salvedad de ser un poco antes de la hora del apagón que cambió todo. Es por ello que Denise toma la rápida decisión de hacer que el Greg que sigue vivo llegue hasta las afueras. Una llamada telefónica obra el milagro y, como descubrimos más tarde, no es la única que hace la ama de casa reconvertida en escritora de éxito tras salvar la vida de miles de vecinos de Oak Street. Pero queda una gran duda, ¿qué ocurre con el resto de la familia Platt, la que no llega a salir de la casa?

Pues podemos intuir que fue teletransportada de nuevo a ese mundo de dinosaurios para ser devorados... o huir nuevamente en un bucle infinito. Lo que queda claro por el último plano es que sí hay una persona duplicada, y es Jeannette (Jordan Alexa Davis), la joven a la que rescatan los Platt y quien se encuentra con una antigua versión de sí misma en su realidad. La película cierra sin explicar nada de esta paradoja, pero con las dos jóvenes presentes, al tiempo que abre la puerta a que estas anomalías puedan volver a suceder, tal y como sugiere la hija de los Platt en más de una ocasión. Unas anomalías que, curiosamente, atienden a una saga de ciencia ficción. Y no Parque Jurásico, precisamente.

Demasiadas coincidencias en la misma calle

Hablamos nada menos que de la saga Cloverfield, la cual arrancó en el año 2008 con Monstruoso de la mano del guionista Drew Goddard y el director Matt Reeves, actual encargado de los últimos proyectos de Batman. La película, que fue una auténtica revolución a pesar de su reducido presupuesto, presentaba una invasión alienígena sin explicación aparente, y se situaba en un mundo distópico que continuaría años después con Calle Cloverfield 10 y posteriormente The Cloverfield Paradox. Ninguna de las tres contaba con los mismos personajes o una historia lineal, pero sí estaba ambientada en un mundo al borde del colapso por una serie de sucesos paranormales, los mismos que tienen lugar en El final de Oak Street y que podrían explicar esta extraña conexión.

Tal y como se explicaba en The Cloverfield Paradox, el fallo de un acelerador de partículas provocaba una serie de anomalías en el espacio-tiempo, como la llegada de los monstruos de la primera película, pero también con la noticia de que varios bloques de viviendas estaban siendo completamente arrancados de la faz de la Tierra, de la misma forma que sucede con los Platt en El final de Oak Street. Incluso la forma de representar estos extraños sucesos es la misma, con una luz cegadora de desconocida procedencia cayendo desde el cielo justo antes de que se desate todo. Por si las casualidades se quedasen ahí, el nombre de la familia es el mismo que el de uno de los protagonistas de la primera Cloverfield, Hud Platt (TJ Miller), lo que invita a pensar que podrían ser parientes.

No hay que olvidar que tanto El final de Oak Street como la saga Cloverfield corren a cargo de la misma productora, Bad Robot, aunque el máximo responsable de esta, el director J.J. Abrams, se encargó de disipar estos rumores diciendo que “la única coincidencia es la presencia de Ewan McGregor, quien está casado con Mary Elizabeth Winstead, protagonista de Calle Cloverfield 102″. Puede que Abrams no quiera prometer nada o simplemente esté diciendo la verdad, pero cualquiera que conozca a David Robert Mitchell o haya visto Lo que esconde Silver Lake sabrá que tantas casualidades no pueden ser pura coincidencia, y que quizá detrás de los eventos paranormales haya mucho más que una vaga explicación científica.

Delfín Amaya construyó junto a su hermano José una de las trayectorias más reconocibles de la rumba catalana. Como integrante de Los Amaya, participó en la creación de un repertorio que combinó la tradición flamenca, los ritmos bailables y elementos de la música popular de los años setenta y ochenta. El dúo, formado en Barcelona en el seno de una familia gitana, alcanzó repercusión dentro y fuera de España. Con el reciente fallecimiento del artista y maestro en su género, bien merece la pena recordar algunas de las canciones que lo hicieron grande.

La discografía de Los Amaya se articuló alrededor de canciones de estribillos directos, estructuras accesibles y una interpretación marcada por las guitarras, las palmas y la energía vocal de los dos hermanos. Caramelos se encuentra entre los títulos más asociados a aquella primera etapa de popularidad. El tema resume varios rasgos del estilo del grupo: una melodía sencilla, un ritmo constante y una letra planteada desde el lenguaje cotidiano de la canción popular.

Otro de los temas esenciales del repertorio es Vete. Su título y su planteamiento pertenecen a la tradición de las canciones de desamor, pero Los Amaya los llevaron al terreno de la rumba, con una interpretación dinámica y un acompañamiento pensado para el baile. La canción contribuyó a fijar la identidad del dúo en una época en la que la rumba catalana ampliaba su presencia en las emisoras y en los escenarios. «¡Qué mala suerte la mía!» incidía también en el relato sentimental, aunque desde una formulación más enfática. La canción convirtió la queja amorosa en un estribillo reconocible y mostró la capacidad de Los Amaya para transformar situaciones habituales —la decepción, la pérdida o el desencuentro— en piezas de amplia difusión. El tema figura, junto a Caramelos y Vete, entre los que las crónicas musicales citan al repasar los principales éxitos del dúo.

Amor y desamor en otra época

El repertorio incluía asimismo canciones de registro más abiertamente romántico. Mujer y Amor, amor reflejan esa vertiente y sitúan la voz de Los Amaya en un marco menos centrado en la celebración y más próximo a la declaración sentimental. En ambas piezas, el dúo mantuvo los rasgos rítmicos de la rumba, pero los puso al servicio de letras dirigidas a la pareja y de melodías de carácter más melódico. La importancia de Los Amaya no se limitó a la publicación de éxitos. Su música contribuyó a proyectar la rumba catalana hacia públicos internacionales. El grupo obtuvo reconocimiento en Latinoamérica, Estados Unidos, Rusia y Japón, según distintas semblanzas sobre su trayectoria, y sus canciones formaron parte de la expansión de un género nacido en los barrios populares de Barcelona.

Dentro de ese recorrido aparecen incluso temas de otros compañeros de profesión, como Gitana hechicera, otra de las composiciones vinculadas a la memoria musical de Los Amaya a raíz de cantarla junto a su autor, Peret, en los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992. El título conecta con motivos habituales del imaginario flamenco y gitano, mientras que la interpretación conserva la combinación de guitarra, compás y estribillo que caracterizó al dúo. La canción amplió el retrato de la mujer presente en otras piezas del grupo: de la destinataria del amor en «Mujer» a la figura idealizada de Perdóname mujer.

La trayectoria de Delfín y José Amaya también fue recuperada en distintos momentos posteriores. En 2005, un disco colectivo de homenaje reunió canciones asociadas a la pareja y contribuyó a reactivar el interés por su repertorio. Además, programas y archivos dedicados a la historia del pop español han presentado a Los Amaya como una referencia de la rumba catalana y de la música popular española de la segunda mitad del siglo XX. De Caramelos a Perdóname mujer y tantas otras, las canciones de Los Amaya ofrecen el recorrido de un dúo que convirtió la rumba catalana en un lenguaje de alcance masivo. En ese repertorio, Delfín Amaya dejó registrada una forma de interpretar basada en el ritmo, la melodía y la comunicación directa con el público.

La confirmación de la duración de Dune: Parte Tres llega en paralelo a otra jugada estratégica del estudio: el lanzamiento de un nuevo teaser y la apertura de la venta de entradas anticipadas para los formatos IMAX 70mm, IMAX convencional y Premium Large Format. La campaña resalta el carácter visualmente monumental que Villeneuve ha buscado imprimir a la trilogía desde su inicio. Las nuevas imágenes insisten en la escala y la inmensidad de los paisajes, ejércitos y escenarios, subrayando la intención del director de convertir la experiencia en sala grande en un sello distintivo de la franquicia.

Warner Bros. acompaña el anuncio con un nuevo adelanto cargado de imágenes que refuerzan la apuesta por el gran formato. El metraje muestra paisajes descomunales, arquitectura colosal y una fotografía cuidadosamente diseñada para que cada plano tenga peso físico. Según la promoción, Dune: Parte Tres no solo busca cerrar la trilogía, sino hacerlo a lo grande, invitando al público a vivir el desenlace en las mejores condiciones técnicas posibles. La venta anticipada de entradas, que ya incluye sesiones en los formatos más avanzados, apunta al núcleo de la estrategia de lanzamiento. Tanto la primera entrega como su secuela fueron concebidas por Villeneuve como experiencias para grandes pantallas, y la tercera parte insiste en esa dirección. El director no parece dispuesto a despedirse de Arrakis con una película menor.

Nuevo adelanto y venta anticipada en gran formato

Dune: Parte Tres está dirigida y coescrita por Denis Villeneuve junto a Brian K. Vaughan, y cuenta con la producción de Cale Boyter, Mary Parent, Brian Herbert, Thomas Tull y Tanya Lapointe. El estreno mundial está previsto para el 18 de diciembre de 2026, una fecha marcada por la competencia directa con Avengers: Doomsday de Marvel Studios, que aspira a convertirse en uno de los mayores acontecimientos comerciales del mismo año. La tercera parte adapta los acontecimientos de Dune Messiah, el segundo libro de la saga literaria de Herbert, aunque introduce cambios. Uno de los más notorios es el salto temporal, ya que la historia se sitúa 17 años después de los hechos de la segunda película, una diferencia respecto a los 12 años que separan la acción original en la novela. Este ajuste permite explorar una nueva etapa en el arco de Paul Atreides, ahora consolidado como emperador.

La película se centra en el reinado de Paul Atreides y las consecuencias de su ascenso al poder. El personaje, interpretado por Timothée Chalamet, deja de ser el joven heredero para enfrentarse a las implicaciones de gobernar un imperio y afrontar amenazas como Scytale. Las visiones de Paul anticipan el colapso del Imperio, mientras nuevas alianzas y conspiraciones se abren paso. En palabras de Villeneuve, esta entrega será “más cargada de acción y tensión” respecto a las anteriores, con un tono y ritmo diferentes. El director adelantó durante la presentación del tráiler que el cierre de la trilogía desmontará el mito del salvador, enfrentando a Paul con el precio de su poder y permitiendo explorar los límites de su liderazgo.

El reparto de Dune: Parte Tres reúne a Timothée Chalamet, Zendaya, Jason Momoa, Florence Pugh, Rebecca Ferguson, Charlotte Rampling, Anya Taylor-Joy y Javier Bardem. A ellos se suman Robert Pattinson como Scytale, Isaach de Bankolé como Farok, Nakoa-Wolf como Leto II Atreides e Ida Brooke como Ghanima Atreides. La presencia de personajes nuevos y recurrentes apunta a una historia compleja, donde la dimensión política y familiar cobra especial relevancia para el desenlace. El nuevo teaser mantiene en secreto muchos elementos de la trama, pero transmite la ambición de Villeneuve por despedirse de la saga a gran escala. Con la venta anticipada de entradas ya en marcha y una fecha de estreno definida, Dune: Parte Tres se prepara para cerrar una etapa que ha demostrado que la ciencia ficción puede conquistar tanto al público como a la crítica sin sacrificar complejidad ni visión artística.

Netflix ha dado a conocer las primeras imágenes oficiales y la fecha de estreno de su próxima serie Al este del Edén, una ambiciosa adaptación de la novela de John Steinbeck. El proyecto, que cuenta con Florence Pugh como protagonista, llegará a la plataforma el 1 de octubre, según informaron los productores y responsables creativos. Las imágenes difundidas muestran a los personajes en escenarios que evocan la atmósfera rural y familiar de la obra original. El avance visual enfatiza la profundidad emocional y el tono íntimo que marcarán la narrativa. La serie busca transportar a los espectadores al Valle de Salinas, California, escenario esencial para el desarrollo de la historia.

Netflix confirmó que Al este del Edén estará disponible a partir del 1 de octubre. Las imágenes iniciales revelan fragmentos de escenas clave: una mujer con expresión seria es abrazada por un hombre en un entorno tenue; en otra, los personajes se encuentran en un campo rural rodeados de vegetación, con edificios y árboles al fondo, sugiriendo el carácter agrícola de la ambientación. En una de las fotografías, un hombre barbudo abraza a dos niños, mostrando un momento de intensidad emocional en el hogar. Cada imagen revela el cuidado por la recreación histórica y el trabajo actoral, elementos que la producción ha subrayado como pilares del proyecto. La llegada de la serie se posiciona como uno de los estrenos más esperados del año en la plataforma, combinando un elenco de renombre con la adaptación de un clásico literario estadounidense.

La actriz Florence Pugh interpreta a Cathy Ames, la antiheroína central de la historia. Según Zoe Kazan, guionista y productora ejecutiva, la elección de Pugh fue definitiva desde el inicio: “No tenía otra persona en mente. Ella es la persona exacta para interpretar a Cathy”, afirmó Kazan durante la presentación. Kazan también destacó la capacidad de Pugh para conectar con la cámara y el misterio de su proceso actoral: “Su conciencia frente a la cámara no tiene igual. Creo que es una genio. Pude verla trabajar durante cinco meses, y todavía no sé cómo logra lo que hace. Solo veo cuánto le importa y cuánto esfuerzo pone, pero su preparación no es evidente para quienes la observamos”. Este enfoque en el trabajo de Pugh refuerza la apuesta de la producción por crear un retrato complejo y humano de Cathy Ames, un personaje cuyas motivaciones han sido objeto de debate desde la publicación de la novela.

Un trabajo muy personal para Kazan

Zoe Kazan ha abordado la adaptación de Al este del Edén desde una perspectiva personal y familiar. Su abuelo, Elia Kazan, dirigió la reconocida versión cinematográfica de 1955, pero la nueva serie busca ampliar el universo narrativo y no limitarse a un solo fragmento del libro. La guionista señaló que se propuso mantener el carácter épico e íntimo del texto original: “Quería que fuera tan personal para mí como lo fue para Steinbeck, a pesar de que él escribía sobre su propia familia”. Kazan explicó que la serie explora el desarrollo de todos los personajes, no solo de Cathy, y que cada elemento narrativo tiene su raíz en la novela. Su objetivo fue “desplegar” la complejidad de los protagonistas, evitando que se conviertan en meros arquetipos.

Al este del Edén narra la historia de las familias Trask y Hamilton, cuyos destinos se entrelazan a lo largo de varias generaciones en California. El reparto incluye a Mike Faist, Christopher Abbott -flamante fichaje de los X-Men- y Ciarán Hinds, quienes interpretan a miembros de ambas familias. La serie aborda preguntas sobre lo que las generaciones transmiten a las siguientes y cómo las personas enfrentan sus propios “lados oscuros”. Zoe Kazan resumió esos interrogantes al reflexionar: “¿Qué se hereda? ¿Qué cargas llevamos? ¿Cómo nos reconciliamos con nuestras propias sombras?” La adaptación de Al este del Edén promete ofrecer una mirada profunda y contemporánea a temas universales, apoyada en una producción de alto nivel y en el talento de su elenco principal. Con su estreno programado para el 1 de octubre, la serie se perfila como uno de los lanzamientos más destacados del año en Netflix.

El actor Sebastian Stan, ampliamente reconocido por su papel de Bucky Barnes en el universo de Marvel Studios, detalló las diferencias entre el rodaje de Vengadores: Doomsday y su involucramiento en The Batman: Parte 2 bajo la dirección de Matt Reeves. En una reciente entrevista con el medio francés Le Journal du Dimanche, el actor compartió su experiencia sobre el método de trabajo en la última entrega de Marvel, marcando un contraste con los protocolos de confidencialidad y estructura narrativa en otros proyectos de gran escala.

Stan explicó que, durante la producción de Vengadores: Doomsday, los actores no tuvieron acceso al guion completo. “No teníamos guion, simplemente rodábamos escenas sueltas”, afirmó, señalando que los productores optaron por esta metodología para evitar filtraciones y dificultar que los periodistas obtuvieran detalles sobre la trama. Esta práctica, según Stan, se ha vuelto habitual para él en los últimos quince años y forma parte de la dinámica de trabajo en proyectos altamente reservados de la industria. El actor describió que su participación en Vengadores: Doomsday, dirigida por Anthony y Joe Russo, se caracterizó por la ausencia de un libreto integral. La estrategia de filmar escenas aisladas sin conocer el contexto total busca mitigar el riesgo de filtraciones en una saga que despierta enorme expectativa entre el público y la prensa especializada.

Stan afirmó que “los productores no querían que leyéramos el guion en su totalidad, para evitar que los periodistas nos hicieran preguntas”. Añadió que esta restricción lo ha acompañado desde hace más de una década en su carrera dentro del género de superhéroes. El resultado es un proceso de rodaje fragmentado y en constante evolución, en el que los actores deben adaptarse a los cambios de dirección narrativa sin la visión global de la historia. Esta modalidad, explicó, modifica la forma en que los intérpretes abordan sus personajes y escenas. “Estoy acostumbrado a esa regla”, comentó Stan, quien también destacó que esta dinámica exige mayor flexibilidad y capacidad de improvisación durante el rodaje.

Sin confirmar su identidad en ‘The Batman: Parte 2′

Sobre The Batman: Parte 2, Stan fue consultado acerca de su posible participación como Harvey Dent, uno de los villanos emblemáticos del universo de DC Comics. El actor evitó confirmar cualquier detalle sobre su rol en la película dirigida por Matt Reeves, manteniendo el hermetismo que caracteriza a las grandes producciones de este tipo. “También no puedo decir nada sobre The Batman: Part 2”, declaró Stan en el mismo diálogo. Señaló que el atractivo de trabajar en proyectos de esta magnitud reside en la posibilidad de participar en universos cinematográficos que disfruta como espectador, aunque la confidencialidad sea estricta y los detalles sean revelados solo cuando la producción lo autoriza. El contraste entre ambos proyectos radica en el acceso a la información y la libertad para hablar sobre el trabajo en curso. Mientras que en Avengers: Doomsday el guion fue deliberadamente fragmentado para todos los actores, en The Batman: Part 2 la estrategia de comunicación se centra en la reserva absoluta de información, sin confirmaciones públicas hasta que el estudio lo disponga.

Días antes de la publicación de la entrevista, Le Journal du Dimanche difundió que Stan habría dicho: “Yo interpreto a Harvey Dent”, lo que generó especulaciones y reacciones inmediatas en redes sociales. La supuesta confirmación del actor causó revuelo entre los seguidores de DC y Marvel, impulsando debates sobre el cruce de franquicias y el futuro de los personajes. Sin embargo, dos fuentes cercanas a la producción desmintieron la cita, calificándola como un error de transcripción. El propio medio francés rectificó su artículo en línea, eliminando la declaración y aclarando que Stan nunca confirmó formalmente su papel en The Batman: Parte 2. De este modo, la expectativa sobre el elenco definitivo de la película permanece, a la espera de anuncios oficiales.

Stan consolidó su reputación en la industria mediante su interpretación de Bucky Barnes, conocido como el Soldado del Invierno, en varias entregas de Marvel Studios desde Captain America: El primer vengador (2011). Recientemente, participó en Thunderbolts y tiene previsto aparecer en Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está programado para el 18 de diciembre. El actor expresó también su entusiasmo por otros estrenos próximos, como La Odisea de Christopher Nolan, subrayando que el atractivo de su profesión radica en la variedad y magnitud de los proyectos en los que puede involucrarse, tanto como intérprete como espectador.

Un nuevo horizonte se atisba en el universo superheroico. El gran anuncio de la pasada D23 ha dejado el nombre de los X-Men como gran hoja de ruta para el futuro de Marvel, después de que ya se anticipase la Jean Grey de Sadie Sink en Spider-Man: Brand New Day. Pero también ha dejado el nombre del que está llamado a ser el próximo gran villano de Marvel, a la espera de ver al Dr. Doom de Robert Downey Jr. en Vengadores: Doomsday y como buen relevo de Thanos. ¿Lo mejor de todo? La estrella de Hollywood que le dará vida.

“Kevin (Feige) y yo hemos hablado durante años de unirme al Universo Cinematográfico Marvel, y creo que por fin hemos encontrado la película perfecta, en el momento perfecto, con un personaje que me importa mucho. Estoy muy emocionado de interpretar el rol de... Magneto”, comenzaba bromeando Adam Driver en una presentación telemática en el D23. “No, ese no es, mejor aún... Nathaniel Millbury”, terminaba aclarando el actor para sorpresa de todos, que ya lo imaginaban.

Mr. Siniestro —también conocido como Nathaniel Essex, aunque en otras versiones ha adoptado el apellido Millbury— es uno de los villanos más persistentes y retorcidos del universo de los X-Men. Su primera aparición completa fue en Uncanny X-Men #221, publicado en septiembre de 1987, aunque el personaje ya había sido insinuado antes en Uncanny X-Men #212 y #213 durante la saga Masacre Mutante. Fue creado por Chris Claremont y presentado visualmente en esa etapa como una amenaza casi enigmática, construida a fuego lento para convertirse en un antagonista de largo recorrido.

Los orígenes de un villano mortífero

Su origen, dentro de la ficción, se remonta al Londres victoriano. Essex era un científico brillante, obsesionado con la evolución, la genética y la posibilidad de dirigir el futuro de la especie humana mediante la manipulación biológica. Esa obsesión lo llevó a cruzar límites éticos cada vez más graves, hasta convertirlo en una figura fría, calculadora y completamente deshumanizada. Con el tiempo, adoptó la identidad de Mr. Siniestro y pasó de investigador a depredador intelectual.

Su relación con los X-Men no es la de un enemigo ocasional, sino la de un adversario estructural. Desde sus primeras apariciones quedó claro que no era un villano de pelea rápida, sino un conspirador a largo plazo, interesado en las líneas genéticas mutantes y en la posibilidad de moldear el futuro de la humanidad a su antojo. Una de sus grandes obsesiones fue la familia Summers, especialmente Scott Summers, porque veía en ese linaje una pieza clave para sus planes sobre la evolución mutante.

Dentro del universo de los X-Men, su ascenso dentro de la franquicia fue gradual. Primero apareció como una presencia en la sombra y después fue ganando peso como uno de los grandes nombres del “lado oscuro” mutante, al nivel de Magneto o Apocalipsis en cuanto a influencia sobre las tramas de los X-Men. Su papel se consolidó en historias donde combinaba clonación, manipulación genética y experimentos con personajes clave, incluyendo su intervención en eventos como la Masacre Mutante y su relación con los Merodeadores. En personalidad, Mr. Siniestro es elegante, narcisista y profundamente cruel. Habla y actúa como alguien convencido de estar por encima de la moral común, lo que lo hace especialmente inquietante: no disfruta solo del poder, sino de la idea de jugar con vidas ajenas como si fueran variables de laboratorio. Esa mezcla de inteligencia, teatralidad y obsesión genética lo vuelve uno de los villanos más memorables de Marvel, porque no representa solo una amenaza física, sino una corrupción absoluta de la ciencia.

La hora de Adam Driver

El anuncio de Driver, broma con Magneto incluida, también deja entrever el largo camino que se ha recorrido hasta llegar aquí. Driver es desde hace años uno de los actores más cotizados en toda la industria de Hollywood, trabajando para directores de renombre como Jim Jarmusch, Spike Lee, Noah Baumbach o James Gray, pero quien hasta ahora se había mantenido al margen del universo de superhéroes. No así del terreno blockbuster, donde tuvo una gran participación como Ben Solo/Kylo Ren dentro de la saga Star Wars. Un papel que le dio a conocer entre el gran público y que seguro que le ha dado las tablas para ahora poder aguantar la presión de ser el próximo gran villano de Marvel. Todo lo que hizo hasta ahora le preparó para llegar hasta aquí y ahora está preparado para aceptar el reto.

Driver podría haber sido un gran Magneto, pero de momento Marvel sigue en busca de un nuevo actor -se rumorea que podría ser Lee Pace, aunque ya tuvo un papel dentro de Marvel con Guardianes de la Galaxia- para dar vida al mutante. Mientras tanto, y como decía Driver en el vídeo de presentación, ya espera al resto del reparto en el estudio. Un reparto que de momento está conformado por Samara Weaving como Emma Frost, Kit Connor como Cíclope, Maya Boyd como Ororo Munroe/Tormenta, Christopher Abbott como Charles Xavier/Profesor X y recientemente Inde Navarrette, la estrella de Obsession, como Rogue/Pícara. Todos ellos tendrán que enfrentarse al Mr. Siniestro de Adam Driver, al que, como hiciera Josh Brolin con Thanos o como todo apunta con Robert Downey Jr., será un villano para recordar.

La sección Perlak, desde años la que convoca algunos de los mejores títulos del año, regresa en esta 74º Festival de San Sebastián con la incorporación de La bola negra de Javier Ambrossi y Javier Calvo —conocidos como Los Javis— a su selección oficial. Esta noticia sitúa al largometraje español entre los grandes títulos internacionales que competirán en una de las vitrinas cinematográficas más reconocidas de Europa, donde convergen obras premiadas en los festivales más prestigiosos del mundo.

La organización del Festival de San Sebastián comunicó que en la edición de este año, la sección Perlak contará con 16 largometrajes. Entre ellos figuran autores consagrados y talentos emergentes, cuyas películas han recogido galardones en certámenes como Cannes, Venecia, Berlín y Sundance. Todas las obras competirán por el Premio del Público Ciudad de Donostia, salvo Juste une illusion de Olivier Nakache y Eric Toledano, que cerrará la sección fuera de concurso.

La inclusión de La bola negra en Perlak representa un hito para el cine español contemporáneo. La película, dirigida por Ambrossi y Calvo, fue anunciada previamente durante la presentación de producciones nacionales para la actual edición del festival. Recientemente, la cinta obtuvo el premio a la mejor dirección ex aequo en Cannes, compartido con Fatherland de Pawel Pawlikowski. Ambrossi (Madrid, 1984) y Calvo (Madrid, 1991) se consolidan como referentes de la nueva generación de cineastas españoles. La proyección de La bola negra en San Sebastián refuerza la visibilidad internacional de la pareja creativa, quienes han demostrado una capacidad de conectar con públicos diversos y de cosechar reconocimientos en escenarios internacionales.

Lo mejor de cada casa

La programación de Perlak destaca por la variedad de estilos y temáticas. Entre los títulos internacionales recientemente anunciados figuran películas avaladas por premios en festivales de primer nivel. El cineasta ruso Andrey Zvyagintsev regresa a San Sebastián para inaugurar la sección con Minotaur, adaptación libre de la cinta francesa La femme infidèle (Claude Chabrol, 1969). Ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes, la película explora el desmoronamiento personal y profesional de un empresario de éxito.

Por su parte, la película de cierre será Juste une illusion, dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano. El filme, protagonizado por Louis Garrel, Camille Cottin y Pierre Lottin, se exhibirá fuera de concurso tras su exitoso paso por la taquilla francesa. Nakache y Toledano mantienen un vínculo especial con San Sebastián, donde ya clausuraron la Sección Oficial en 2011 con Intouchables y repitieron con Samba en 2014. Vuelven ahora a Perlak tras haber competido con otros títulos y recibir el Premio del Público a la Mejor Película por Hors Normes en 2019.

Entre los nombres destacados de la presente edición se encuentran Beth de Araújo, quien presentará Josephine tras ganar el Premio del Público y el Gran Premio del Jurado en Sundance. El filme, protagonizado por Channing Tatum y Gemma Chan, aborda el trauma y la infancia tras un hecho violento. El animador francés Louis Clichy debuta en solitario con Le corset, tras años de trabajo en Pixar y reconocimientos en el Festival de Annecy y la sección Un Certain Regard de Cannes. El cineasta belga Lukas Dhont presentará Coward, cinta que le valió a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne el premio a la mejor interpretación masculina ex aequo en Cannes. Dhont ya cuenta con una sólida trayectoria en San Sebastián, donde anteriormente fue premiado por Girl y Close.

De Hamaguchi a Olivia Wilde

Otras óperas primas presentes en Perlak incluyen Club Kid de Jordan Firstman y Tangles de Leah Nelson, ambas estrenadas en Cannes y protagonizadas por repartos internacionales de renombre. El director japonés Ryusuke Hamaguchi regresa con Soudain, cuya dupla protagonista, Virginie Efira y Tao Okamoto, recibió el premio a la mejor interpretación femenina ex aequo en Cannes. Hamaguchi es ya un habitual de Perlak, donde ha presentado títulos como Drive My Car, ganadora del Oscar a la mejor película internacional. El apartado internacional se enriquece con la presencia del surcoreano Na Hong-jin (Hope, con Michael Fassbender y Alicia Vikander), el británico Martin McDonagh (Wild Horse Nine, con John Malkovich), el italiano Nanni Moretti (Succederà questa notte), y el rumano Cristian Mungiu, quien compite con Fjord, ganadora de la Palma de Oro en Cannes.

En la animación, la canadiense Leah Nelson debuta con Tangles, mientras que el polaco Pawel Pawlikowski regresa con Fatherland, una historia ambientada en la Europa de posguerra que explora la relación entre Thomas Mann y su hija Erika. Pawlikowski es reconocido por Ida y Cold War, ambas premiadas en festivales internacionales. El estadounidense Ira Sachs presentará The Man I Love, ambientada en el Nueva York de finales de los 80, y Olivia Wilde dirige y protagoniza The Invite, abordando los conflictos en la vida de pareja desde la sátira y el drama.

La sección Perlak del 74º Festival de San Sebastián se consolida como un espacio privilegiado para el cine de autor y la exhibición de títulos que han marcado el calendario internacional. La combinación de películas consagradas y nuevos talentos, junto a la inclusión de La bola negra de Los Javis como representante del cine español, garantiza una edición caracterizada por la diversidad creativa y el reconocimiento de la crítica. En total, los 16 largometrajes seleccionados competirán —excepto el filme de clausura— por el Premio del Público Ciudad de Donostia, en un certamen donde la variedad de propuestas y el prestigio de los cineastas participantes auguran una programación de alto nivel.

Vin Diesel anunció que el rodaje de Fast Forever, la última película de la saga Fast & Furious, comenzará en diciembre de 2026. El actor confirmó la fecha durante la celebración del 25 aniversario de la primera entrega, en una proyección especial realizada en Los Ángeles. Diesel, protagonista y productor de la franquicia, explicó que el inicio del rodaje depende solo de ajustes finales solicitados por el estudio, pero aseguró que se encuentra preparado para este cierre.

El proceso hasta llegar a este punto no fue sencillo. Diesel reveló que atravesó cuatro años de desarrollo y la participación de cuatro equipos diferentes de guionistas antes de dar con la versión final del libreto. Según relató, fue solo hace un par de semanas cuando leyó el texto definitivo y sintió que la historia estaba a la altura de lo que el público esperaba para un desenlace. “Tuve que pasar por cuatro guionistas, cuatro años de desarrollo, para llegar a algo que sintiera digno de una final”, explicó el actor a Variety. Al leer el guion, experimentó una reacción emocional intensa: “Lloré. No pude evitarlo”.

El rodaje de la película se iniciará en diciembre, sujeto a que se cumplan las últimas demandas del estudio. Diesel explicó que el principal desafío fue encontrar una historia que cerrara de manera satisfactoria un ciclo de más de dos décadas. La búsqueda del guion adecuado implicó múltiples reescrituras y la intervención de distintos equipos creativos. El propio actor afirmó que solo estuvo conforme cuando encontró una narrativa capaz de generar una respuesta emocional genuina en él y en quienes han acompañado la franquicia desde sus inicios. La versión final del guion se terminó hace pocas semanas, tras un proceso que el propio Diesel calificó como arduo. Durante la función especial por el aniversario, compartió con el público detalles personales sobre su vivencia: “Después de leer el guion, a mitad de camino, una lágrima. Al terminar, estaba llorando. No pude contenerme y tuve que contárselo a todos. Mi hermana me dijo: ‘No más lágrimas, hermano’. A veces, hasta los tipos más duros del mundo necesitan llorar”.

Última entrega y relevancia para la saga

Fast Forever será la undécima y última película principal de la saga. Su estreno en cines está previsto para el 17 de marzo de 2028. Con este film, Universal cierra su franquicia más longeva y rentable, que acumula una recaudación global de 7.300 millones de dólares. El estudio aspira a despedir la serie con una producción a la altura del fenómeno cultural que supuso desde su debut en 2001. La saga Fast & Furious se consolidó como un referente del cine de acción y velocidad, con un elenco internacional y una evolución que la llevó de las carreras callejeras a tramas de espionaje global. Diesel ha sido el rostro visible y uno de los productores clave, guiando la dirección creativa en las últimas entregas. El propio actor destacó la presión y la responsabilidad de ofrecer un cierre satisfactorio tanto para los seguidores como para el equipo que lo ha acompañado.

Aunque Vin Diesel manifestó su satisfacción con el guion, el director Louis Leterrier señaló recientemente que aún no ha leído la versión definitiva. Leterrier, quien dirigió entregas anteriores de la saga, expresó en diálogo con Polygon: “Habrá un final, y es grandioso. Fui muy afortunado de ser parte de la franquicia, y adoro a Vin y a Universal. Ellos son geniales para trabajar. Así que ya veremos, espero”.

La producción de Fast Forever representa el cierre de un ciclo que marcó la historia contemporánea de Universal y del cine de acción. Con la fecha de rodaje confirmada y la expectativa generada por el proceso de escritura, la atención ahora se centra en cómo la película concluirá la historia que ha acompañado a varias generaciones de espectadores. La confirmación de Diesel marca un hito para la franquicia, anticipando una despedida que, según sus palabras, busca estar a la altura del legado construido desde la primera entrega.

La actriz de voz original de todo un clásico de Disney como Hércules (1997), Susan Egan, sorprendió en el evento D23 al proponer públicamente a Zendaya y Tom Holland como protagonistas de la versión live-action que Disney prepara del clásico animado. Egan, quien interpretó a Meg en la cinta original, expresó con firmeza que “el mundo lo necesita”, refiriéndose al potencial de la dupla para encarnar a los icónicos personajes.

Durante la alfombra roja de D23, Egan compartió su entusiasmo al ser consultada sobre el futuro reparto de la adaptación. La actriz no dudó en mencionar a Zendaya como su favorita para el papel de Meg. “He estado insinuándolo sutilmente, pero ahora lo voy a decir. Zendaya. Y probablemente, Tom y Zendaya, a quienes nunca he conocido, estén pensando en pedir una orden de alejamiento ahora mismo. Pero honestamente, no me importa. Siento que el mundo lo necesita”, declaró Egan ante Deadline. La intérprete profundizó en su elección, argumentando que su propuesta trasciende la popularidad de la pareja. “No es porque sean la pareja del momento, ni siquiera es eso. He visto su hermosa carrera desde que era adolescente, y es alguien con los pies en la tierra. Es una mujer fuerte, obviamente, imponente y asombrosa, con una voz increíble y un poco de actitud, ¿no crees?”, explicó Egan sobre Zendaya.

El respaldo de Susan Egan llega en un contexto donde Zendaya y Tom Holland consolidan su lugar como una de las duplas más exitosas de la industria. Ambos actores han compartido pantalla en cuatro entregas de la saga Spider-Man: Homecoming (2017), Far From Home (2019), No Way Home (2021) y recientemente en Brand New Day (2026). Según lo señalado en la entrevista, estas películas han recaudado cerca de 6.000 millones de dólares para Disney. La relación profesional entre Zendaya y Holland no se limita al universo de superhéroes. Este verano, ambos estrenaron La Odisea (2026), una producción que ya superó los 1.290 millones de dólares en taquilla. El éxito comercial y la química entre ambos actores los convierten en candidatos recurrentes para nuevos proyectos de alto perfil. La propuesta de Egan toma relevancia en medio del auge de adaptaciones live-action de clásicos animados. Para la actriz, la combinación de talento, presencia escénica y trayectoria de Zendaya y Holland encajaría con la visión que los seguidores esperan para los personajes de Hércules y Megara.

El futuro de Hércules en versión live-action

El remake live-action de Hércules fue anunciado por Disney en 2020, uniéndose así a la tendencia de revitalizar sus grandes éxitos animados con actores reales. En 2022, la compañía confirmó a Guy Ritchie como director del nuevo proyecto, conocido por su trabajo en la adaptación de Aladdín (2019). Hasta ahora, Disney no ha revelado detalles oficiales sobre el reparto ni la fecha de inicio de rodaje. La sugerencia de Susan Egan aporta un nuevo elemento a la conversación pública sobre el futuro de Hércules. El interés de la actriz original por ver a Zendaya como Meg y a Holland como el héroe griego suma presión a la productora, en medio de expectativas crecientes por parte de los seguidores. Por el momento, la versión live-action de Hércules continúa en etapa de desarrollo, sin anuncios oficiales sobre su elenco. La propuesta de Egan se suma a las especulaciones en torno a la producción, especialmente tras el respaldo mediático obtenido durante el D23.

Desde el anuncio del remake, la expectativa ha ido en aumento. Los fans del clásico animado de 1997 han manifestado en redes sociales sus preferencias para los papeles principales. La intervención de Susan Egan en el D23 reavivó el debate respecto a quiénes deberían interpretar a Hércules y Meg en la versión que prepara Disney. El papel de Megara, caracterizado por un tono sarcástico y una voz única, ha sido considerado por seguidores y críticos como uno de los más complejos dentro del universo Disney. La elección del reparto será determinante para la recepción de la nueva adaptación.

Hasta que se confirmen decisiones oficiales, el nombre de Zendaya aparece ahora respaldado por la voz que dio vida original al personaje. Tom Holland, por su parte, suma méritos tras convertirse en uno de los actores más rentables y reconocidos del estudio. La industria y el público permanecen atentos a los próximos anuncios de Disney sobre el futuro de Hércules, mientras la propuesta de Susan Egan marca un precedente en las discusiones sobre el casting y la dirección artística del proyecto.

La idea de metamorfosis fue el motor conceptual del nuevo filme protagonizado por Tom Holland. Los guionistas detallaron que, tras decidir explorar los cambios en la vida de Peter Parker y su ADN arácnido, surgió la pregunta fundamental: ¿quién sería el villano que encarnaría ese proceso de transformación? McKenna y Sommers revelaron que, al principio, el Camaleón aparecía como una opción fresca dentro de la galería de enemigos del héroe, ya que ningún largometraje del universo Marvel lo había abordado en profundidad. Durante el desarrollo del guion, los creadores se propusieron encontrar un enemigo capaz de desafiar tanto la identidad como la psique de Spider-Man. “Buscamos un villano clásico de Spider-Man que no se hubiera utilizado antes en las películas”, relató McKenna. La opción de Camaleón parecía adecuada para una trama centrada en el cambio y la suplantación, pero la existencia de tramas anteriores sobre los Skrulls y el uso de personajes con habilidades similares en el MCU complicaba la propuesta.

Según los guionistas, el Camaleón iba a ser reformulado para tener poderes de control mental, adaptándose así a la línea argumental de la metamorfosis. Sin embargo, la llegada de Kraven the Hunter en 2024 modificó el panorama. En la cinta de Sony, el Camaleón, interpretado por Fred Hechinger, aparece como medio hermano del protagonista, lo que supuso un conflicto directo para Marvel Studios. “Fue como, ugh, no se puede usar al Camaleón”, reconoció McKenna sobre el momento en que debieron descartar al personaje. Esta decisión no solo alteró la narrativa prevista, sino que empujó al equipo creativo a buscar alternativas para el rol principal de villano.

Jean Grey: la nueva antagonista

La exclusión del Camaleón llevó al equipo a explorar otras figuras capaces de manipular identidades y ejercer control mental sobre Spider-Man. Fue entonces cuando Jean Grey, la popular telépata de los X-Men, emergió como la opción idónea para el antagonismo. Interpretada por Sadie Sink, Jean Grey se convirtió en la villana central, aportando un nuevo matiz psicológico al enfrentamiento con Peter Parker. La introducción de Jean Grey marcó también la llegada formal de los X-Men al MCU, dando pie a conexiones directas con futuras entregas como Avengers: Secret Wars. Además, la trama abordó el desarrollo de tecnología inhibidora de mutantes, una innovación que, según se plantea en la película, podría tener consecuencias en próximas historias del universo Marvel.

A lo largo de Spider-Man: Brand New Day, la interacción entre Peter Parker y Jean Grey se centra en la lucha por controlar sus propias naturalezas. El filme expone cómo Spider-Man, orientado por Bruce Banner y advertido por MJ, desarrolla un chip inhibidor para su ADN alterado, lo que accidentalmente pone en manos de Damage Control una tecnología potencialmente peligrosa para los mutantes. La elección de Jean Grey como villana no solo resolvió el hueco dejado por el Camaleón, sino que, según los resultados, impulsó el éxito de la película. Spider-Man: Brand New Day rompió récords en su fin de semana de estreno y alcanzó los 2 mil millones de dólares en taquilla mundial, posicionándose como la entrega más exitosa de la franquicia.

La crítica y el público respondieron positivamente a este giro creativo. IGN le otorgó un 7/10, resaltando su enfoque en los pilares clásicos del personaje y la profundidad de los dilemas internos de Peter Parker. El cambio de antagonista, lejos de ser una solución improvisada, resultó en un relato que revitalizó la saga y abrió nuevas posibilidades para la integración de los X-Men en el MCU. El descarte del Camaleón, motivado por estrategias entre estudios, terminó guiando a los guionistas hacia lo que describieron como “el personaje perfecto” para llevar adelante la historia. Así, Spider-Man: Brand New Day ofreció una versión original del enfrentamiento entre héroe y villano, en un contexto donde la metamorfosis y la identidad fueron los ejes centrales del relato.

La llegada de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, ha devuelto a la gran pantalla el poder de la mitología griega con una adaptación audaz y tangible del viaje de Odiseo. El realizador británico ha logrado que la epopeya de Homero cobre vida con una estética realista, efectos prácticos y un reparto sin fisuras, actualizando el mito para el público contemporáneo y acercando la antigüedad a la experiencia moderna.

Este estreno ha renovado el interés por el género “espadas y sandalias”, donde la línea entre la historia y la fantasía se desdibuja para ofrecer relatos de héroes, dioses y monstruos. Para quienes buscan prolongar la resaca épica tras el viaje de Odiseo, existe un vasto repertorio de películas que exploran mundos clásicos, aventuras espectaculares y leyendas eternas. A continuación, un recorrido por veinte títulos esenciales para seguir entre capas y espadas a la espera de que Hollywood mire en otros mitos.

Troya (2004)

Tiene sentido empezar por donde retoma y hasta alude Nolan. Troya, de Wolfgang Petersen, adapta de forma libre la Ilíada de Homero. Brad Pitt encarna a Aquiles, mientras que el reparto se completa con figuras como Brian Cox y Eric Bana. La película prescinde de la intervención divina para centrarse en el conflicto humano y militar entre aqueos y troyanos. Con una puesta en escena grandilocuente y combates coreografiados con detalle, Troya busca actualizar el mito clásico para el público del siglo XXI, manteniendo la tensión entre fidelidad histórica y espectáculo.

Ulises (1954)

La adaptación italiana Ulises, dirigida por Mario Camerini y protagonizada por el gran Kirk Douglas, ofrece una versión centrada en la dimensión humana del héroe homérico. El viaje de regreso a Ítaca se narra desde una perspectiva más terrenal, eliminando la presencia directa de los dioses. La película es relevante por haber sentado las bases del cine de aventuras mitológicas en Italia y por anticipar el desarrollo del género peplum, más allá de su fidelidad a la epopeya original.

Ben-Hur (1959)

Ben-Hur, dirigida por William Wyler, es uno de los pilares indiscutibles del género. La película narra la vida de Judá Ben-Hur, interpretado por Charlton Heston, un noble hebreo traicionado y vendido como esclavo que regresa para buscar justicia. El filme es célebre por su carrera de cuadrigas, una de las secuencias más impresionantes de la historia del cine. Con once premios Oscar y una producción monumental, Ben-Hur marcó el estándar de los relatos épicos en Hollywood, fusionando drama personal con grandes eventos históricos y religiosos.

Gladiator (2000)

El resurgimiento del género llegó en el año 2000 con Gladiador, dirigida por Ridley Scott. Russell Crowe encarna a Máximo Décimo Meridio, un general romano que tras ser traicionado se convierte en gladiador y busca venganza contra el emperador Cómodo. La película combina acción intensa con una cuidada reconstrucción del Imperio romano, destacando por su atmósfera visual y su guion cargado de tensión política. La cinta recibió cinco premios Oscar, incluido Mejor Película, y reavivó el interés mundial por las epopeyas de la antigüedad.

Espartaco (1960)

Espartaco representa una de las obras más reconocidas de Stanley Kubrick. Basada en la rebelión de esclavos liderada por Kirk Douglas, la película destaca tanto por su ambición narrativa como por su contexto de producción, en el que el guionista Dalton Trumbo rompió listas negras de Hollywood. La historia muestra la lucha colectiva y el sacrificio ante la opresión, y sus batallas masivas y escenografía detallada la consolidaron como un clásico del cine histórico. Su legado trasciende lo visual, influyendo en la percepción moderna de la resistencia y la libertad.

Furia de titanes (1981)

En Furia de titanes, dirigida por Desmond Davis, los mitos griegos se reinterpretan con un enfoque de aventuras y efectos especiales clásicos. Harry Hamlin interpreta a Perseo en su misión para derrotar al kraken y salvar a la princesa Andrómeda. El film es recordado tanto por su tono desenfadado como por la presencia del búho mecánico Bubo, una invención completamente ajena a la mitología original. La película destaca por el uso de animación stop-motion a cargo de Ray Harryhausen, que le otorga un encanto particular y nostálgico.

Jasón y los argonautas (1963)

Jasón y los argonautas, bajo la dirección de Don Chaffey, es célebre de nuevo por los efectos especiales de Ray Harryhausen, auténtico protagonista de la película. El argumento sigue la expedición de Jasón y sus guerreros en busca del vellocino de oro, enfrentando desafíos sobrenaturales. Las secuencias con esqueletos animados y criaturas fantásticas se mantienen como referencia obligada para los fanáticos del género. La obra es un ejemplo de cómo la creatividad técnica puede potenciar la narrativa mítica en el cine.

Cleopatra (1963)

Cleopatra, dirigida por Joseph L. Mankiewicz, es recordada tanto por su desmesurada producción como por sus conflictos internos. Protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, la película retrata el ascenso y caída de la reina egipcia entre intrigas políticas y amores trágicos. Pese a sus problemas de rodaje y su impacto financiero, el film se ha convertido en una leyenda del cine, mostrando el extremo al que puede llegar una superproducción histórica. Su estética y actuaciones siguen fascinando a nuevas generaciones.

El ladrón de Bagdad (1940)

El ladrón de Bagdad, con dirección múltiple, es un clásico británico que traslada al público a un Oriente fantástico. Sabu protagoniza una serie de aventuras llenas de magos y genios, inspiradas en Las mil y una noches. La película destaca por sus efectos visuales innovadores y su colorido uso de la tecnología Technicolor. Esta versión se convirtió en referencia para futuras adaptaciones y consolidó la imagen mágica del mundo antiguo en el imaginario colectivo.

300 (2007)

Con 300, el director Zack Snyder llevó al extremo la estilización visual y narrativa del género. Inspirada en la novela gráfica de Frank Miller, la película narra la resistencia espartana en la batalla de las Termópilas. El relato se aleja de la precisión histórica para abrazar lo hiperbólico y lo fantástico, con imágenes saturadas y acción coreografiada al detalle. La cinta se convirtió en fenómeno global, generando debates sobre la fidelidad a los hechos y el impacto de la estética en la representación de la antigüedad.

Quo Vadis (1951)

En Quo Vadis, dirigida por Mervyn LeRoy, la Roma imperial se representa con lujo de detalles. La trama sigue al general Marco Vinicio y su relación con la esclava cristiana Ligia, en un contexto de persecución religiosa bajo el reinado de Nerón (interpretado por Peter Ustinov). El film es un retrato de la transición de Hollywood hacia producciones más ambiciosas y marcó un hito por su despliegue visual y su reconstrucción histórica. El personaje de Nerón destaca por su carácter excéntrico y teatral.

Centurión (2010)

Centurión, dirigida por Neil Marshall, adopta un enfoque más crudo y realista del género. La historia se inspira en la desaparición de la Novena Legión romana en Caledonia, presentando un relato de supervivencia y violencia gráfica. Michael Fassbender lidera un elenco que incluye a Dominic West y Riz Ahmed. El film se aleja del tono épico para explorar la brutalidad de la guerra antigua, destacando por su ritmo frenético y su aproximación más cercana a la acción contemporánea.

Simbad y la princesa (1958)

Simbad y la princesa, dirigida por Nathan Juran, es otra muestra del talento de Ray Harryhausen en el campo de los efectos especiales. Simbad (interpretado por Kerwin Mathews) se embarca en una travesía llena de criaturas y magia, enfrentando monstruos y sortilegios para salvar a su amada. El film combina aventura clásica con un despliegue visual sorprendente para la época, y consolidó a Simbad como referente de las historias de marinos y exploradores en el cine fantástico.

Julio César (1953)

La adaptación de Julio César por Joseph L. Mankiewicz traslada la tragedia de Shakespeare al contexto del cine épico. Con un reparto encabezado por Marlon Brando como Marco Antonio, el film explora las consecuencias políticas y personales del asesinato de César. Las interpretaciones de James Mason y John Gielgud aportan profundidad al drama, mientras que la puesta en escena enfatiza la intriga y el conflicto de poder. La película es reconocida por su equilibrio entre el texto clásico y la espectacularidad visual.

La caída del Imperio Romano (1964)

Rodada en la mismísima sierra de Madrid bajo la dirección de Anthony Mann, La caída del Imperio Romano lleva la espectacularidad a un nuevo nivel. El relato se centra en las intrigas y la corrupción que precedieron la caída del imperio, destacando la puesta en escena y el uso de la cinematografía en formato panorámico. El filme aprovecha su gran presupuesto para recrear escenarios monumentales y batallas multitudinarias. Se considera una obra clave para comprender la evolución del género y su obsesión con el auge y declive de las civilizaciones antiguas.

Primero se enfrentó al Buitre. Después, a monstruos inimaginables que en realidad eran Misterio. En No Way Home, los villanos de los anteriores Spider-Man. Y finalmente se ha encontrado con una de las mutantes más poderosas, Jean Grey. Spider-Man no ha tenido un camino de rosas precisamente, pero se puede decir que el de Tom Holland tampoco es quien más difícil lo ha tenido. No obstante, hay un gran villano del universo arácnido al que ni siquiera Tobey Maguire o Andrew Garfield serían capaces de hacer frente.

El superhéroe más querido de Marvel tiene una galería de enemigos legendaria. El Duende Verde representa la tragedia personal; Venom, el espejo retorcido del héroe; Doctor Octopus, la amenaza intelectual. Morlun, en cambio, juega en otra liga: es una figura depredadora, casi sobrenatural, que convierte la existencia misma de Spider-Man en una presa. No busca dominar Nueva York ni derrotar al héroe por orgullo. Su objetivo es alimentarse de él. Pero ni el Duende Verde ni Venom: si hablamos del mayor enemigo de Spider-Man que todavía no ha dado el salto a las películas, el nombre que mejor encaja es Morlun. Es uno de los villanos más inquietantes del universo arácnido porque no funciona como un simple criminal con superpoderes, sino como un cazador casi mítico, obsesionado con perseguir y devorar la energía vital de Spider-Man y de otras versiones del héroe en el multiverso.

Una puerta al multiverso

Esa diferencia lo hace especialmente aterrador. Morlun no pelea por dinero, venganza o poder político. Pelea porque Spider-Man es, para él, alimento. En términos narrativos, eso lo vuelve más cercano a un monstruo de caza que a un supervillano tradicional. Por eso muchos lectores lo consideran uno de los antagonistas más peligrosos y perturbadores que ha enfrentado el trepamuros. La importancia de Morlun va mucho más allá de una sola pelea contra Peter Parker. Su verdadero peso en Marvel está en la idea de los tótems y en la expansión del multiverso arácnido. A través de él, los cómics introdujeron una mitología nueva: la de los Spider-Totems, versiones del héroe conectadas por una fuerza común que las hace parte de una red más grande, algo que ya vimos en las cintas de animación Spider-Man: Un nuevo universo.

Ese concepto fue importante porque ayudó a convertir a Spider-Man en algo más que un personaje aislado de una sola Tierra. Con Morlun, Marvel abrió la puerta a la idea de que existen muchas variantes del héroe, todas vinculadas por una misma esencia. Más adelante, esa lógica sería fundamental para historias como Spider-Verse, donde múltiples Spider-Personas de distintas realidades se reúnen y el multiverso pasa a ser una pieza central del mito arácnido. En ese sentido, Morlun no solo es un villano importante: es una herramienta narrativa. Sirvió para conectar a Spider-Man con una cosmología más amplia, más oscura y más ambiciosa. Su amenaza dio sentido a la existencia de los diferentes Spider-Men y consolidó la idea de que todos forman parte de una estructura mayor.

En los cómics, Morlun y los Herederos -la estirpe de vampiros a la que pertenece- ayudan a explicar por qué existen tantas variantes del héroe y por qué todas comparten una esencia común. En otras palabras, no solo es un villano: es una pieza que amplía el mito de Spider-Man y le da una dimensión casi religiosa. Aquí entra la aclaración importante. En los cómics, Ezekiel Sims no nace como una copia de Morlun ni como su equivalente directo. Más bien es una figura ambigua que conoce el lado místico de Spider-Man y del concepto de Spider-Totem, y más adelante queda ligada al peligro que representan Morlun y los Herederos. De hecho, su conexión más recordada con ese mito es que llega a ocultar a Cindy Moon para protegerla de Morlun. Una Cindy Moon que precisamente se ha rumoreado que aparecía en esta Spider-Man: Brand New Day entre las estudiantes del profesor Banner en la clase que a visitar Peter.

Un tímido intento con ‘Madame Web’

Eso hace que Ezekiel sea importante como intermediario: no es el gran depredador, pero sí un personaje que entiende la amenaza y la anticipa. Por eso, cuando Madame Web lo coloca en el centro de la historia, la película se acerca a ese universo de forma indirecta pero reconocible. La película Madame Web no introdujo a Morlun como tal, pero sí tomó elementos del conflicto totémico y los trasladó a Ezekiel Sims. Esa decisión convirtió al personaje en una versión más oscura y más directamente antagonista que la de los cómics, acercándolo al tipo de amenaza que Morlun representa.

Por eso puede decirse que Madame Web fue un acercamiento tímido, pero real, al universo de Morlun. No porque lo adaptara literalmente, sino porque normalizó en cine la idea de que Spider-Man y sus variantes forman parte de una red de destino, poder y persecución que va mucho más allá de la ciudad de Nueva York. Morlun sigue sin aparecer en películas, y justamente por eso su debut sería tan potente. Tiene el tipo de presencia que puede cambiar el tono de una saga: más oscura, más mítica y más conectada con el multiverso. Si el cine decide profundizar en esa línea, Morlun no sería solo “otro villano pendiente”, sino una amenaza capaz de redefinir la franquicia arácnida. De momento, Peter Parker regresará en Vengadores: Doomsday, pero si sale vivo de esa tal y como esperamos, el único villano que le podría presentar un reto aún más serio que el Doctor Muerte no es otro que Morlun.

A rebufo de Tiburón nacieron joyitas como Mako, el tiburón de la muerte y otras fuera de los Estados Unidos como la mexicana ¡Tintorera! de René Cardona Jr. o la italiana L’ultimo squalo de Enzo G. Castellari. Surgieron hasta películas derivadas de la Tiburón original en 3-D o con el mismísimo Michael Caine, aunque no tuvieran el ingenio de Spielberg ni el impacto de la original. Así nació todo un subgénero conocido como Sharksploitation que llega hasta nuestros días, con sagas de éxito como Megalodón y otros proyectos de serie B como Sharknado. Se han hecho hasta fusiones con Drácula, con drogas (Cocaine Shark), con marionetas o con payasos, así que queda ya poco terreno por explotar.

Con todo esto en cuenta, el de un género que ya está más que pasado de rosca y que hace tiempo que no se toma demasiado en serio a sí mismo, llega ahora a los cines En mar abierto, un nuevo capítulo en el sharksploitation a cargo del hombre que precisamente revitalizó el género. Renny Harlin, su director, es el mismo hombre detrás de Deep Blue Sea, la película estrenada en 1999, con el género dando sus últimos coletazos, y que sirvió para hacer revivir la pasión por los tiburones que en el nuevo siglo daría paso a otros títulos como Open Water o Infierno azul del español Jaume Collet-Serra, mientras Netflix ya ha hecho lo propio con En las profundidades del Sena, que ya prepara su secuela, o Embestida, estrenada hace tan solo unos meses en la plataforma.

Nada más peligroso que la ignorancia humana

En mar abierto encajaría mejor entre estas últimas, pues cuenta la historia de la tripulación de un vuelo desde Los Angeles hasta Shanghai que sufre un colapso y, lejos de poder realizar en tierra un aterrizaje de emergencia, tiene que amerizar en medio del Pacífico, cerca de un arrecife coral que además divide el avión en varias partes. Lo peor de todo, más allá del susto y de la lejanía de ayuda humana, es que una manada de tiburones es quien acude a la llamada, alertados por el reguero de sangre que dejan los fallecidos del accidente y los que quedan en pie, quienes han de organizarse rápido antes de que caiga la noche o suba la marea y sean definitivamente presa de los escualos.

Lo curioso de todo es que, el origen de este accidente, reside en un error humano, o más bien en un cúmulo de negligencias voluntarias que hacen que se desencadene todo, y que ponen el verdadero foco de la película en la parte emocional. Harlin se toma mucho tiempo en acercarse a sus personaje antes de que aparezca la primera aleta, desde el choque cultural que representa el equipo de eSports chino frente a los deportistas americanos, una anciana de camino a ver a su nieta o una recién formada familia con hijos de otros matrimonios que no terminan de entenderse.

Aaron Eckhart, capitán de emergencia

Pero de todos esos personajes quizá el que mejor resuma el espíritu de En mar abierto sea el de Aaron Eckhart, un copiloto que otrora pudo haber sido algo más y se ha tenido que “conformar” con trabajar para una aerolínea de bajo coste, en la que trabaja sin descanso bien para conseguir dinero o bien porque prefiere no enfrentarse al drama familiar que le aguarda en casa. El que diera vida a Harvey Dent/Dos Caras en El caballero oscuro de Christopher Nolan llevaba un tiempo fuera de juego más allá de la saga Objetivo: La Casa Blanca -en la que acompaña a Gerard Butler como el presidente de los Estados Unidos- pero con esta película ha vuelto a ponerse el mono de trabajo y cuaja una sólida actuación como héroe por accidente, un perdedor que obtiene una segunda oportunidad al igual que el personaje de Ben Kingsley.

Esa historia, y cómo se va conjugando con la del resto de personajes, es quizá lo más interesante de una película que apuesta por la seriedad y el drama en las antípodas de la autoconsciencia y humor del género, una línea que roza en más de una ocasión pero que nunca termina de cruzar. Harlin diseña un ejercicio de supervivencia con gran orden y coordinación para que el espectador se sitúe en todo momento a pesar del mar abierto, pero no consigue transmitir el mismo peligro ni fuerza que en Deep Blue Sea, y la pantalla verde de los efectos digitales es a veces mayor incordio que unos tiburones de lo más salvajes pero atragantados de intensidad. Si la fiebre por la sharksploitation ha vuelto, habrá que buscar nuevas formas de recuperar la gloria que Spielberg o el propio Harlin conquistaron en su día.

El cine tiene una curiosa manera a veces de imitar la vida, y otras directamente de predecirla. Y si el fútbol es vida, como afirma alegre el Dani Rojas de la futbolera serie Ted Lasso, entonces el cine y el fútbol deberían entenderse. No lo han hecho siempre, pero ha habido un par de veces contadas en las que esa sinergia ha dado sus frutos. Y ahora esa vez resuena con fuerza tras el último fichaje del Real Madrid.

El club blanco acaba de anunciar la contratación de Yan Diomande, futbolista marfileño que hace tan solo un año estaba en las filas del Leganés y que esta temporada ha sido una de las grandes revelaciones de la Bundesliga alemana, en la que ha despuntado como extremo del RB Leipzig. Internacional por Costa de Marfil, con la que ha disputado el reciente Mundial, ahora se vestirá de blanco y cumplirá su sueño de jugar en el club más grande de la historia del fútbol, algo que ya hizo, desde la ficción, un joven que vivió una historia sorprendentemente parecida a la suya: Santiago Muñez.

Este personaje, al que interpretaría el actor mexicano Kuno Becker durante tres entregas, nació en el año 2005 con la película Goal -titulada aquí como ¡Goool! La película-, en la que se narraba la historia de un joven mexicano sin papeles que había saltado la frontera con Estados Unidos junto a su familia y que practicaba fútbol en una liga menor de Los Angeles. Allí era descubierto por Glen Foy (Stephen Dillane), un exfutbolista británico y antiguo ojeador del Newcastle United, quien veía en Santiago un diamante en bruto al que sacar de su humilde vida y convertirlo en una estrella del fútbol. En la primera película se narra su viaje hasta Inglaterra y sus dificultades para hacerse un hueco en el primer equipo del Newcastle, mientras se adapta a la cultura inglesa, al fútbol de la Premier y conoce a una enfermera de la que se enamora, Roz. Todo eso con música de Oasis de fondo y recreando estadios y partidos reales, con la dificultad que ello conlleva.

La apuesta subiría con su secuela, ¡Goool 2! Viviendo el sueño, en la que Santiago viajaría hasta Madrid para jugar en el Real Madrid de la misma forma que lo hace ahora Diomande, con el que curiosamente comparte varias características. En la parte futbolística, ambos son jugadores ambidiestros y con un gran rango de actividad a lo largo del campo. Diomande puede jugar en las tres posiciones de ataque, aunque tras la inminente renovación de Vinicius todo apunta a que vendría a instalarse en la banda derecha blanca. Son jugadores con una conducción muy particular y que a veces podría parecer que no levantan la cabeza de la pelota, pero a la hora de la verdad pueden dar la asistencia que marque el partido.

Una historia de superación en un Madrid en ruinas

Además de todo eso, el fichaje de Diomande llega en un momento casi idéntico al de una película que transcurría durante la temporada 2005-2006. Hace justo veinte años, el Real Madrid sumaba su segunda temporada en blanco con un equipo plagado de estrellas -Figo, Ronaldo, Zidane, Raúl o Beckham entre otros, quienes aparecen en la propia película- pero sin visos de arrebatar la hegemonía del Barcelona, quien en el filme aparece goleando al Real Madrid en el Bernabéu tal y como sucedió con aquel histórico momento de Ronaldinho. Diomande aterriza ahora en un equipo que viene de dos temporadas de absoluto fracaso a pesar de tener una de las plantillas con mayor talento, con nombres como Kylian Mbappé, Jude Bellingham, Federico Valverde o Vinicius Jr. en su vestuario.

Pero las casualidades no quedan solo en el césped, ya que las verdaderas semejanzas entre ambos jugadores tienen que ver con lo personal. Mientras que Muñez lo deja todo para seguir su sueño de convertirse en futbolista, Diomande ha pasado apuros hasta llegar a la élite. Nació en Abiyán, y durante su infancia no tuvo grandes problemas económicos, pero no fue hasta los 16 años que se le presentó una oportunidad de oro. Fue a través de la ‘DME Academy’ y en la International Development Academy (IDA), en Florida, donde encontraría el hueco para desarrollar su talento antes de dar, como Muñez, el salto a Europa. Fue de la mano del Leganés, quien apostó por el joven extremo y pronto se dio cuenta de que tenían un gran talento en ciernes, como reconoció el exentrenador Borja Jiménez en una entrevista.

A pesar de todo, quien siempre confió en Diomande fue su hermana Roxane, a la que el propio Diomande dedicó una carta hace unos meses dentro de The Players Tribune, gracias a la cual sabemos toda la historia de superación que arrastra el jugador. En Goal, Santiago se enteraba de improvisto de que su padre había fallecido, creyendo que este nunca le había apoyado cuando en realidad le había ido a ver a su último partido. Desgraciadamente, la hermana de Diomande también falleció hace unos meses después de que le pusieran algo en su bebida durante una fiesta en Costa de Marfil, con apenas 15 años y dejando un gran vacío en el futbolista. “No quiero ser rico, solo quiero demostrarle al mundo que mi hermana tenía razón”. Si el sueño de Muñez se cumplió en la ficción, ahora Yan Diomande tiene en su mano la oportunidad de honrar a su hermana jugando para el club más grande del fútbol, el Real Madrid.

El mes de agosto empieza por todo lo alto, con resaca aún del viaje de Odiseo o de trepar muros de la mano del Spider-Man de Tom Holland. Mientras los dos grandes titanes del blockbuster veraniego se pelean en taquillas -y solo entre comillas, pues cuentan con actores comunes como Zendaya, Jon Bernthal o el propio Tom Holland-, nuevos títulos llegan a cartelera para hacer más llevadero el verano y de paso descubrir nuevas historias y personajes.

Uno de ellos será el cómico de Juan Dávila en la comedia romántica El último mono, pero no el único. Otro título español como La ventana abierta viene para sorprender, así como el drama familiar en Islandia de El amor que permanece, el curioso síndrome Rembrandt en una pareja de ingenieros nucleares o, por supuesto, una historia de accidentes aéreos con muchos tiburones. Si no, no sería un verano que merezca la pena.

El último mono

Juan Dávila debutó en el cine hace más de quince años, en una película que quizá algunos recuerden titulada Pegado a tu almohada. Este 2026, ya como cómico consagrado, ha sido su gran retorno a la gran pantalla, primero con Castigo divino y ahora con esta comedia romántica que aspira a desmontar algunos de los estereotipos machistas que imperan hoy día. Susana Abaitua da vida a una cómica feminista que le dará la réplica y le enseñará cómo funcionan realmente las cosas.

El amor que permanece

El director Hlynur Pálmason es una de las grandes voces del cine islandés de los últimos años gracias a Godland o Un blanco, blanco día, y con este drama familiar hay quien dice que ha hecho su película más íntima y redonda. La película cuenta la historia de Anna y Magnus, una pareja recién separada que se reúne en una casa rural junto a sus tres hijos. Allí intentarán recuperar el tiempo perdido y revivir lo que parece que ya está muerto.

La ventana abierta

Unax Ugalde protagoniza este thriller en el que da vida a Rubén, un hombre que espera encontrarse en un pueblo de la costa andaluza con Merche, una mujer con la que lleva meses hablando online y a la que aún no ha desvirtualizado. Sin embargo, cuando llega allí, solo se encuentra una mirada amable, la de la joven Vera, la hija de Merche. Junto a ella empieza a reconstruir los recuerdos de esa mujer rota por dentro y a darse cuenta de cómo es realmente la vida que vive la mujer de la que se ha enamorado.

El síndrome Rembrandt

Todo el mundo conoce el síndrome de Stendhal, por el cual una persona sufre mareos o una gran impresión al estar expuesta a una gran obra de arte o belleza. Pues bien, algo parecido le sucede a Claire, una ingeniera francesa que desarrolla una especial conexión con los cuadros de Rembrandt tras visitar la Galería Nacional junto a su pareja Yves. Ambos ingenieros nucleares y con un gran reto entre manos, la visita cultural hará que la pareja comience a separarse mientras Claire ve en los cuadros del pintor holandés mucho más de lo que imaginaba.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto es eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó, manteniendo alejadas a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

En Londres, la regulación de la publicidad en espacios públicos es estricta, especialmente cuando se trata de imágenes que pueden ser vistas por menores de edad. Las autoridades locales y nacionales cuentan con organismos dedicados a velar por la protección del público frente a contenidos que puedan resultar perturbadores o inapropiados. Este control se refuerza en lugares de alta afluencia, como el transporte subterráneo, donde la exposición es masiva y la diversidad de edades es una constante. Unas reglas que ni una gran película puede romper.

Recientemente, los carteles promocionales de una de las películas de terror más comentadas del año, con permiso de Backrooms y Obsession, han sido retirados de circulación tras una decisión de la Advertising Standards Authority (ASA), el organismo regulador de la publicidad en el Reino Unido. La medida fue tomada después de recibir una treintena de quejas relacionadas con la campaña de La momia, dirigida por Lee Cronin, que se exhibía en estaciones del metro londinense. La polémica se originó por la imagen central del cartel: un primer plano de una figura femenina con aspecto momificado, la piel grisácea y labios secos y agrietados, un ojo cerrado e hinchado y el otro fijo, con una expresión vacía. Para la ASA, estos elementos ofrecían “una impresión realista de una niña muerta” y resultaban “demasiado angustiosos” para ser exhibidos en espacios donde pudieran ser vistos por niños.

Según el fallo del regulador de la capital inglesa, aunque los anuncios no se colocaron dentro de los 100 metros de ninguna escuela, al menos una de las vallas era visible desde una guardería infantil. Se consideró que el riesgo de que menores vieran la imagen era elevado y que el contenido era inadecuado para su difusión en la vía pública. “En cualquier caso, consideramos que la imagen era probable que causara angustia a los niños pequeños y que no era adecuada para su exhibición donde podía ser vista por ellos. Por lo tanto, concluimos que los anuncios eran inadecuados para su exposición exterior y que violaban el código”, afirmó la ASA en su resolución.

Argumentos y defensa de Warner Bros

La campaña de La momia incluía no solo carteles impresos, sino también escenas promocionales para televisión y plataformas digitales. Entre ellas, se mostraba el cuerpo de una mujer siendo retirado de un sarcófago y una escena en la que una madre, visiblemente angustiada, era tocada en la cara por una mano gris y de uñas quebradizas. El tráiler terminaba con la frase: “Solo quiero recuperar a mi hija”, pronunciada por el personaje materno. Esta versión, sin embargo, había sido aprobada por la agencia de control Clearcast para su emisión tras las 19.30 horas. La reacción social no se hizo esperar. Varias personas expresaron que tanto los carteles como los avances eran potencialmente perturbadores, no solo para niños sino también para adultos. Las quejas se centraban en el realismo de la imagen y la naturaleza inquietante de la trama sugerida en la publicidad.

Ante la controversia, Warner Bros defendió la campaña argumentando que se había elaborado con “la debida responsabilidad hacia los consumidores y la sociedad”. El estudio explicó que la figura mostrada en los carteles no era un cadáver, sino una “momia viviente” que regresa con su familia años después de haber sido secuestrada en la infancia. Aseguraron que se utilizó un rostro con expresión neutral y que se evitó intencionadamente cualquier elemento de violencia, amenaza o intimidación. Warner Bros también detalló que el diseño fue presentado y aceptado por el socio publicitario de Transport for London, Global, para su exhibición en la red del metro. En cuanto a los tráilers, el estudio subrayó que los elementos de terror estaban sugeridos y no mostrados de forma explícita: no había escenas de sobresaltos, violencia ni imágenes gráficas.

La resolución de la ASA expuso con detalle los motivos para el retiro de la campaña. En su análisis, el regulador destacó la apariencia cenicienta y sin vida de la figura, el deterioro visible en los labios y el rostro, y la mirada perdida, factores que, combinados, generaban un efecto perturbador y realista de muerte infantil. La proximidad de los anuncios a espacios frecuentados por menores reforzó la decisión de prohibir la exhibición al aire libre. La restricción no afecta las transmisiones en televisión o streaming en horarios autorizados, pero marca un precedente sobre los límites que enfrentan las campañas publicitarias de cine de terror en espacios públicos dentro del Reino Unido.

El fenómeno se explica en parte por el contraste entre la recepción de Spider-Man: Brand New Day y la trilogía previa. Aunque la película debutó con elogios que la posicionan como la mejor versión live-action del personaje en la historia —o, según algunos, la mejor dentro del MCU—, esta aclamación ha servido como catalizador para reavivar viejas críticas hacia la etapa de Watts. El estreno ha reabierto discusiones sobre la dirección creativa y las decisiones que marcaron el paso de Tom Holland como Peter Parker bajo las órdenes de Watts.

El lanzamiento de Spider-Man: Brand New Day no solo acaparó la atención por su éxito en taquilla y las críticas favorables. También provocó que numerosos fanáticos recurrieran a las redes sociales de Jon Watts para expresar su desaprobación por la visión que imprimió en el personaje. Comentarios como “Eres un buen director, Watts, pero tu visión de Spider-Man no nos satisfizo en absoluto” y “Diste una trilogía muy floja, muy Disney” se multiplicaron en su cuenta de Instagram y otras plataformas. La reacción no es nueva, pero sí ha alcanzado un pico inédito tras el lanzamiento de la nueva película. El rápido abrazo a la cinta de Cretton puso en evidencia, a juicio de los fans, que el Spider-Man de Holland solo necesitaba un director que comprendiera mejor al personaje. Para muchos seguidores, la comparación entre ambas etapas acentuó la percepción de que la trilogía de Watts adolecía de profundidad y conexión con la esencia del héroe.

Una entrega con más corazón

Entre los argumentos más repetidos por la comunidad se encuentra la decisión de Watts de eliminar los icónicos “balanceos” de Spider-Man. Según se difundió, el propio Watts habría aconsejado a Destin Daniel Cretton evitar esos movimientos por considerarlos “aburridos y se veían tontos”, algo que fue desestimado por el nuevo director. Para los seguidores, este detalle simboliza el alejamiento de la trilogía de Watts respecto al espíritu clásico del personaje.

Otra de las críticas recurrentes es la dependencia de la narrativa de Tony Stark en la evolución de Peter Parker. A lo largo de las tres películas dirigidas por Watts —Homecoming, Far From Home y No Way Home—, el desarrollo del protagonista se vincula constantemente al legado de Stark. Esta falta de autonomía argumental fue señalada como una de las grandes debilidades de la etapa, incluso en la muy popular No Way Home, que logró reunir a los tres Spider-Man del cine reciente pero no escapó al escrutinio de los fans.

Las redes sociales de Jon Watts se convirtieron en un espacio de catarsis para quienes nunca estuvieron conformes con su dirección. “Pero gracias por dejar a Spider-Man en buenas manos”, escribió un usuario, reflejando el sentir de parte del público que ve en Cretton una esperanza renovada. Otros mensajes, más duros, insistieron en que Watts no regrese a la franquicia, atribuyéndole el haber dado un tono excesivamente ligero y dependiente de la fórmula Disney. Esta dinámica adquirió una dimensión colectiva, con cientos de comentarios que no solo cuestionan las decisiones estéticas y narrativas de Watts, sino que agradecen su salida. El fenómeno expone cómo la percepción de una saga puede cambiar radicalmente a partir de una nueva entrega exitosa.

La diferencia más notoria, según la conversación de los fans, reside en la capacidad de Cretton para ofrecer una historia más introspectiva y madura. Spider-Man: Brand New Day presenta una secuencia de peleas que muchos describen como “sacada de los cómics más exitosos”, y una narrativa que explora las dudas y desafíos del héroe sin depender de tutores ni fórmulas previas. Cretton, que ya había dirigido Shang-Chi: La Leyenda de los Diez Anillos, sumó su experiencia en el MCU para dar un giro al personaje, logrando una conexión inmediata con la audiencia. El éxito de la película en menos de una semana y la recepción global refuerzan la idea de que la saga ha encontrado una nueva voz.

La comunidad de seguidores celebró la llegada de Cretton como el inicio de una etapa prometedora para Spider-Man en el cine. El propio director agradeció el apoyo y expresó su deseo de que la historia conecte con espectadores de todo el mundo. Mientras Spider-Man: Brand New Day continúa su recorrido en los cines, el debate sobre el legado de Jon Watts y la dirección futura del personaje sigue abierto, impulsado por una base de seguidores que no ha dudado en manifestar sus preferencias y expectativas.

Para cualquiera con un par de oídos, hace un par de veranos fue el llamado brat summer de Charli XCX, quien intenta ahora repetir el fenómeno con el lanzamiento de su último disco, Music, Fashion, Film. Para aquellos con un par de ojos y muchas ganas de leer, el verano anterior a aquel fue sin duda el Bret summer, pues aterrizó en librerías una novela de lo más adictiva a cargo de Bret Easton Ellis, autor de American Psycho o Menos que cero. Un viaje trepidante y obsesivo por la Los Ángeles de los años 80 que aún deja huellas a cualquiera que se zambulló en sus más de 600 páginas, y que ahora llega de nuevo con su primera adaptación a la pantalla, The Shards.

La serie llega este jueves a Disney+ después de encontrar en Ryan Murphy al máximo responsable de convertir esa interminable pero adictiva historia en una miniserie de ocho episodios. En un primer momento, la serie recayó sobre otros nombres como Luca Guadagnino, director de Call me by your name o Challengers, y más tarde surgió el de Kristoffer Borgli, quien finalmente se embarcó en El drama junto a Zendaya y Robert Pattinson. No obstante, Murphy ha trabajado con el propio Bret Easton Ellis para mantenerse lo más fiel posible al material original, con una factura visual que no difiere mucho de otras producciones de Murphy como las antologías de Monstruo o American Horror Story.

En la novela original, titulada en nuestro país Los destrozos -la serie ha decidido conservar el título original- se nos narra la historia de Bret (Igby Rigney), un joven de clase alta en la Los Ángeles de los años 80 que sueña con ser escritor y al que le rodean una serie de conflictos. El primero de ellos, el estar saliendo con una de las chicas más guapas del instituto, Debbie Schaffer (Hayes Warner), a pesar de que algo en su interior le dice que tiene otros gustos. El segundo, la llegada de un nuevo alumno, Robert Mallory (Homer Gere), con el que Bret empieza a obsesionarse fruto de esos deseos reprimidos. Y el tercero, una oleada de asesinatos a sangre fría que se producen por el barrio y que parecen seguir un común, lo que hace que a este sospechoso se le bautice como “El Arrastrero”. Mientras Bret busca desarrollar sus dotes como escritor, empezará a investigar poco a poco las escenas del crimen del Arrastrero al tiempo que conoce a Robert, del que sospecha podría estar detrás de todo.

Guapos, ricos y demasiado divertidos

Como en toda novela de Bret Easton Ellis -y casi que también en las series de Ryan Murphy-, los personajes de The Shards son extremadamente guapos y ricos, pero también tienen un punto de superficiales y cínicos, especialmente el propio Bret, quien no deja de ser una suerte de alter ego del propio autor. A pesar de que se había especulado mucho con la posibilidad de que grandes estrellas ocupasen los papeles del elenco protagonista, como Jacob Elordi en el papel de Robert Mallory, finalmente la serie de FX distribuida por Disney ha optado por un reparto semidesconocido en el que apenas destacan los secundarios, siendo los padres de Debbie (Evan Rachel Wood y Wes Bentley) los rostros más reconocibles.

“La Generación Z quiere nuevas estrellas, quiere caras nuevas”, contaba en una entrevista el productor de la serie Brad Simpson, y parece que se lo han tomado al pie de la letra, encontrando a sus protagonistas en los desconocidos Igby Rigney, Homer Gere -hijo de Richard Gere-, Graham Campbell o Hayes Warner, esta última además con faceta como cantante incluida. Quizá Kaia Gerber, en su condición de nepobaby como hija de Cindy Crawford sea la única asentada, después de aparecer en otra producción adolescente como era Bottoms de Emma Seligman junto a Rachel Sennott y Ayo Edebiri. Quién sabe si de aquí saldrán los próximos Jacob Elordi que tanto pedían.

La novela a la que (re)engancharse este verano

El estreno de The Shards, además en pleno verano para una historia que transcurre en buena medida durante esta estación, es una oportunidad única también para aprovechar y leer o redescubrir la novela de Easton Ellis, así como otras de su universo compartido como Glamourama o Las leyes de la atracción, que también tuvo una gran adaptación en su momento. Pero aviso a navegantes; una vez que empieces la novela, no podrás parar de leerla. No solo por el intrínseco misterio que arrastra a Bret y al propio espectador, sino por el estilo trepidante y adictivo que imprime Easton Ellis, siendo capaz de manejar a la perfección el thriller psicológico con el drama adolescente.

Una historia inmersiva y cargada de detalles que te sumergirán por completo en esa Los Ángeles de los 80, desde el primer capítulo con el estreno de El resplandor de Stanley Kubrick hasta una banda sonora de ensueño que transita entre U2, Duran Duran, Donna Summer, Dire Straits o Blondie. Solo queda ver si Ryan Murphy ha respetado, además de todo esto, el lujoso y elegante vestuario que llevan los jóvenes; entonces sí podremos hablar de que, con Charli XCX o con The Shards, este ha sido el verano de la música, la moda y el cine.

La sección Made in Spain del Festival de San Sebastián 2026 presentará una panorámica del cine español actual, reuniendo más de veinte largometrajes donde confluyen estrenos mundiales, óperas primas y el regreso de cineastas consagrados. El evento se inaugura con Albert Serra y su nuevo trabajo tras el éxito de Tardes de soledad, y se clausura con el homenaje a Paco Rabal, a la vez que destaca la presencia de nombres como Pedro Almodóvar e Isabel Coixet, junto a la emergencia de nuevas voces y proyectos inéditos.

El apartado abrirá con el estreno en España de Seize moments de ma vie, una no ficción de Serra dedicada a la actriz y cantante Ingrid Caven. El filme, que se exhibirá fuera de concurso en Locarno antes de llegar a San Sebastián, captura la interpretación en directo de Caven, quien revisita dieciséis episodios de su vida a través de la música en el Théâtre des Bouffes du Nord de París. La trayectoria de Serra, ganador de la Concha de Oro y del Goya a mejor película documental, ha estado marcada por su presencia habitual en festivales internacionales y en la propia sección Made in Spain, donde ya presentó títulos como Honor de caballería, El cant dels ocells y Pacifiction.

La clausura estará a cargo de 200 vidas, Paco Rabal, dirigida por Vanesa Benítez. La obra propone un recorrido por la vida y los viajes del mítico actor a través de grabaciones en super8 y cassettes con su voz, ofreciendo un tributo a quien fuera galardonado en el primer Festival de San Sebastián en 1953 y con el Premio Donostia en 2001. Benítez, nominada al Goya por La vida chipén, debuta en la sección con esta pieza de no ficción.

Tres estrenos mundiales y dos nacionales

La selección 2026 reúne tres estrenos mundiales, dos estrenos nacionales y diez óperas primas, consolidando a Made in Spain como escaparate de la diversidad y vitalidad del cine español. Entre los títulos más esperados figura Amarga Navidad, la última película de Pedro Almodóvar, presentada en la competición oficial de Cannes. Protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón, alterna la vida de una publicista en 2004 y la de un guionista en 2026, reafirmando el vínculo del cineasta manchego con el certamen donostiarra, donde recibió el Premio Donostia en 2024.

Por su parte, Isabel Coixet vuelve a San Sebastián con Tre ciotole, estrenada en Toronto en 2025. La cinta aborda la ruptura de una pareja tras una discusión trivial y supone una nueva incursión de la directora catalana, reconocida con seis Premios Goya y el Premio Nacional de Cinematografía, en las relaciones humanas desde una perspectiva intimista.

También destacan trabajos como Kotodama, el camino del espejo, ópera prima de Eugenio Tardón y Carla Cañellas, que explora el significado espiritual de las palabras en un viaje entre el Camino de Santiago y la ruta japonesa del Shikoku Henro. Acompañando el estreno, los autores presentarán la exposición Kokoro no Michi en el Museo Chillida Leku, donde dialogarán arte y cine en torno a la memoria y la peregrinación.

La programación incluye la ópera prima de Aina Clotet, Viva, premiada en la Semana de la Crítica de Cannes, que narra el renacer vital de una mujer tras superar un cáncer. En la línea de nuevos talentos, se verán debuts como Mala bèstia de Bàrbara Farré, Corredora de Laura García Alonso o La buena hija de Júlia de Paz, junto a filmes como Altas capacidades de Víctor García León o La vida és Verdi de Berta García Lacht.

No faltarán propuestas que abordan temas sociales y personales desde diversas ópticas, como Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, sobre los orígenes del fútbol femenino en España durante el franquismo, o Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste, centrada en la amistad y la transición de género. Comedias como Pizza Movies, de Carlo Padial, o relatos familiares y de crecimiento como Yo no moriré de amor, de Marta Matute, premiada en Málaga, enriquecen la oferta de géneros y miradas.

Bajo la dirección de Paul Feig, El secreto de la asistenta se perfila como una de las secuelas más esperadas de los próximos años. La película, continuación directa de La asistenta, retoma la atmósfera de suspenso que caracterizó a la original y suma nuevas capas de intriga en torno al personaje central, Millie, interpretado por Sydney Sweeney. La historia se inspira nuevamente en la novela de Freida McFadden y cuenta con el respaldo de Lionsgate, que planea consolidar la saga como una franquicia de referencia en el género.

La gran novedad en el reparto es la incorporación de Brittany Snow, quien dará vida a Marybeth, una recepcionista en la empresa del esposo que interpretará Paul Anthony Kelly. El fichaje de Snow, anunciado oficialmente por la productora, ha causado sorpresa entre seguidores y prensa especializada, ya que su nombre no figuraba en las especulaciones previas sobre el elenco. Snow se suma así a un reparto encabezado por Sweeney, junto a Kirsten Dunst y Kelly, quienes personifican a los enigmáticos empleadores de Millie.

La presencia de Brittany Snow en El secreto de la asistenta añade un nuevo matiz al entorno de la protagonista. Su personaje, descrito como una recepcionista discreta, promete desempeñar un papel relevante en la trama, que gira en torno a los secretos que oculta la familia para la que trabaja Millie. La confirmación de su participación refuerza el atractivo comercial y narrativo de la producción. El reparto principal se completa con Sweeney, Dunst y Kelly. Dunst y Kelly interpretan a un matrimonio con un pasado oscuro, mientras que Sweeney retoma el papel de la asistenta que se enfrenta a situaciones cada vez más peligrosas. El guion, a cargo de Rebecca Sonnenshine, mantiene la línea argumental de la primera entrega, con giros y revelaciones inesperadas.

Así será ‘El secreto de la asistenta’

En esta nueva entrega, Millie acepta un puesto como asistenta interna en una casa donde nunca puede ver a la dueña. Al igual que en La asistenta, la familia que la contrata esconde secretos inquietantes que pondrán a prueba la capacidad de observación y resistencia de la protagonista. La saga se basa en las novelas de McFadden, y la reciente publicación de un tercer libro alimenta los rumores sobre futuras adaptaciones cinematográficas. El rodaje de El secreto de la asistenta está previsto para finales de este año, según informó Lionsgate. La fecha de estreno fijada es el 17 de diciembre de 2027, consolidando la apuesta de la productora por una franquicia de largo recorrido. El éxito de la primera película, que recaudó $400 millones con un presupuesto de $35 millones, respalda las expectativas en torno a la secuela.

Antes de su fichaje para El secreto de la asistenta, Brittany Snow destacó en la serie de Netflix The Hunting Wives, producida por Lionsgate Television y renovada para una segunda temporada. Reconocida por su trabajo en títulos como John Tucker Must Die, Hairspray, la trilogía Dando la nota y la cinta de A24 X, Snow aporta experiencia y versatilidad al elenco. Su representación profesional está a cargo de Gersh, Principal Entertainment LA, imPRint y Sloane, Offer, Weber & Dern. La decisión de Lionsgate de sumar a Snow refleja la estrategia de fortalecer la franquicia con intérpretes de perfil internacional y capacidad para sorprender al público. La combinación de un equipo creativo consolidado y un reparto renovado posiciona a El secreto de la asistenta como uno de los títulos más destacados del calendario cinematográfico de 2027.