Sabrina Carpenter nunca da puntada sin hilo. La cantante es experta en llenar todos sus espectáculos de referencias, ya sea a la cultura pop a su propio pasado. Y teniendo delante un evento tan importante y con tanta exposición como es la Met Gala, la autora de Manchild no ha querido dejar pasar la ocasión de hacer ambas cosas, referenciando no solo su propio nombre sino también el título de una de las comedias románticas más emblemáticas del cine clásico. Una película que, literalmente, llevaba adherida a su cuerpo mientras desfilaba por la icónica gala.

La artista sorprendió a todos enfundándose un vestido hecho de celuloide, pero no uno cualquiera. Se trataba de la película Sabrina, dirigida por Billy Wilder en el año 1954 y considerada todo un clásico de la comedia romántica del Hollywood de la época, al que Carpenter nunca se ha cansado de referenciar. Ahora ha encontrado la forma de unir su nombre, su pasión por la cultura pop y la moda en uno solo, pues no en vano la temática de la Met Gala de este año era “La moda es arte”, y se buscaba con ello "explorar la relación entre la ropa y el cuerpo que hay debajo". Lo que no sabemos es si detrás de la elección de la película hay algo más, pues se trata de una película con una relación romántica muy concreta.

La película en cuestión narra la historia de Sabrina (Audrey Hepburn), la joven hija del chófer de la familia adinerada que componen Linus (Humphrey Bogart) y David (William Holden), quienes nunca se han fijado en la joven, bien por negocios o por intereses en otras. Todo cambia cuando Sabrina regresa a la casa después de años estudiando cocina en París, convertida ahora en una mujer sofisticada y elegante, que no tarda en captar la atención de los hermanos, especialmente de David. Pero este ha de casarse para cerrar una fusión con otra empresa, lo que lleva a Linus a intentar seducir a Sabrina para poder cerrar el trato, sin saber que por el camino él también se enamorará de la dulce joven.

Otra película favorita

La película se llevó un Premio Oscar de lo más curioso, el de Mejor diseño de vestuario, que recayó en la veterana Edith Head. Durante la película se cimentó el rumor de que muchos de los vestidos de Hepburn habían sido diseñados y escogidos por Hubert de Givenchy, aunque Head desmentió el rumor durante años, y el propio Givenchy lo reconfirmó tras la muerte de la diseñadora. Sea como fuere, fue el principio de una larga amistad entre Audrey Hepburn y el francés, de la cual precisamente se llevará a cabo ahora una película con Thomasin MacKenzie como la actriz y Ansel Elgort como el modisto galo.

Por si fuera poco, Sabrina Carpenter aprovechó la gala para reafirmar su película favorita, que no es ni de Billy Wilder ni pertenece al Hollywood clásico, aunque se haya convertido en una película de referencia para toda una generación. “Shrek 2″, afirmaba la cantante durante la pasarela, dejando entrever así su ecléctico gusto, y quizá un posible guiño de cara al futuro. Al fin y al cabo, ya se sabe que la cantante nunca da puntada sin hilo.

Universal Pictures acaba de presentar el nuevo tráiler de La Odisea, la esperada adaptación cinematográfica de Christopher Nolan basada en el legendario poema de Homero. El avance, estrenado en la última emisión de The Late Show with Stephen Colbert, ofrece un primer vistazo a Charlize Theron en el papel de Circe y muestra el imponente diseño del Cíclope, dos de los elementos más esperados por los seguidores del proyecto.

En las imágenes del tráiler, Matt Damon encarna a Odiseo mientras enfrenta al monstruoso Cíclope, una de las criaturas más icónicas de la mitología griega. La secuencia destaca por su tratamiento visual: el Cíclope aparece en una atmósfera sombría, con efectos prácticos y digitales que refuerzan su carácter intimidante. El avance también introduce a Theron como la hechicera Circe, vestida con atuendos inspirados en la Grecia antigua y rodeada de una escenografía que remite a lo sobrenatural. La interpretación de Theron como Circe enfatiza la dualidad del personaje, conocida por su poder para transformar y manipular a quienes se acercan a su isla.

La película reúne a un elenco de reconocidas figuras. Anne Hathaway interpreta a Penélope, la esposa de Odiseo, mientras que Tom Holland asume el rol de Telémaco, su hijo. Robert Pattinson da vida a Antínoo, el principal antagonista humano de la historia y aspirante al trono de Ítaca, y Zendaya encarna a la diosa Atenea, consejera de Odiseo. El reparto se completa con nombres como Lupita Nyong’o, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Himesh Patel, Will Yun Lee, Mia Goth, Jimmy Gonzales, Elliot Page y Jovan Adepo, quienes interpretan a diferentes personajes del poema.

El tráiler de La Odisea destaca especialmente por el primer acercamiento a Charlize Theron como Circe. Su aparición está marcada por la atmósfera mística que rodea al personaje, uno de los más complejos y ambiguos del relato original. La caracterización y el diseño de producción buscan transmitir tanto el poder como la amenaza que representa Circe en el viaje de Odiseo. Por otra parte, el Cíclope se presenta como uno de los desafíos visuales más ambiciosos de la producción. El tráiler exhibe una escena de tensión entre Odiseo y el gigante de un solo ojo, realzando la escala y el peligro de la criatura. La combinación de efectos especiales y trabajo de cámara refuerza la sensación de peligro inminente durante el encuentro.

Sin rastro de Zendaya

El avance divulgado por Universal Pictures marca la primera vez que el público puede ver en pantalla la interpretación de Theron en esta faceta, así como el enfoque de Nolan para adaptar elementos míticos con un tono realista y épico. La reacción en redes sociales tras la emisión del tráiler se centró en la fidelidad visual de los personajes y en la magnitud de las escenas de acción. De otra parte, sigue siendo notable la ausencia de Zendaya, quien está confirmado que dará vida a Atenea, pero de la que aun no hemos visto una imagen encarnando a la diosa de la sabiduría.

El reparto de La Odisea reúne a actores que han colaborado previamente con Nolan y a figuras que debutan en su filmografía. Matt Damon, protagonista de la historia, asume el desafío de dar vida a un héroe que debe superar pruebas sobrenaturales y humanas para regresar a Ítaca. Anne Hathaway, conocida por su trabajo con Nolan en Interstellar, encarna la paciencia y la fortaleza de Penélope, mientras que Tom Holland interpreta a un Telémaco que busca su lugar en el mundo ante la ausencia de su padre. Robert Pattinson, en el papel del antagonista Antínoo, aporta un matiz oscuro y calculador a la lucha por el trono, reforzando el conflicto entre los pretendientes y la familia de Odiseo. Zendaya, como Atenea, aparece guiando y protegiendo a los protagonistas, en línea con el papel de la diosa en el poema original.

La Odisea constituye el decimotercer largometraje de Christopher Nolan. El director y guionista ha adaptado el poema de Homero y produce la cinta junto a Emma Thomas bajo la firma Syncopy. Universal Pictures se encarga de la distribución, apostando por un estreno de gran alcance. La película se distingue por ser el primer largometraje narrativo filmado íntegramente con cámaras Imax, una decisión que, según la producción, busca ofrecer una experiencia inmersiva y sin precedentes en la adaptación de relatos clásicos.

El estreno de La Odisea está programado para el 17 de julio, coincidiendo con el lanzamiento de Spider-Man: Brand New Day de Disney y Sony, lo que anticipa una competencia directa en la taquilla internacional. Las entradas para funciones en 70 mm se pusieron a la venta con un año de antelación en julio de 2025, en una estrategia promocional que generó expectativas inéditas para una adaptación de la literatura clásica. El lanzamiento del tráiler refuerza la expectativa por una de las producciones más ambiciosas del año y marca el regreso de Nolan tras el éxito comercial y crítico de Oppenheimer, que recaudó $958,8 millones y obtuvo siete premios Oscar, incluyendo Mejor Dirección y Mejor Película.

Por el Museo Nacional del Prado pasan aproximadamente entre ocho mil y diez mil personas cada día. Es uno de los grandes atractivos turísticos de Madrid y de toda España, y gran capital del mundo del arte desde hace años. Muchas personas recorren miles de kilómetros con el sueño de poder estar a tan solo unos metros de un cuadro de Francisco de Goya, el Greco, Rubens, el Bosco o por supuesto Velázquez y Las meninas, toda una fuente de inspiración para otros tantos pintores que acuden allí y que en ocasiones hasta plantan su lienzo. Pero lo que pocos saben es que en su interior, en la última planta de su edificio, se halla también un taller de pintura, una suerte de “hospital” al que van todos las obras que requieren de cuidados para ser expuestas y, con suerte y mucho trabajo, recuperar su forma más cercana a tal y como se concibió.

En ese altillo encontramos a María Moraleda y María Antonia López de Asiaín, quienes no son cirujanas de profesión sino restauradoras de pintura, dos de las mujeres que forman parte del equipo de restuaración del Museo del Prado, el cual abre las puertas Infobae para conocer todos los secretos de este complejo pero indispensable oficio. Ellas son los ojos y las manos encargadas de conservar y restaurar las pinturas del museo, y quienes ejercen de cicerone en esta incursión en el corazón de un edificio que tiene muchas más obras de las que realmente exponen. Algunas de ellas están en estos momentos junto a sus mesas, entre botes de disolvente y pinceles.

“El motivo por el que se restauran las obras depende de las necesidades que se tengan en el museo. Puede ser que sea una obra que va a formar parte de una exposición temporal... también puede ser a petición del conservador... o porque le interese sacar esa obra de almacenes a las salas de exposición permanente”, comienza explicando Moraleda, quien nos recibe en su pequeño taller junto a una obra de Juan de Borgoña y un trampantojo de Francisco Gallardo. “Solemos tener al menos dos obras porque hay procesos que hay que esperar o incluso, bueno, pues para también tomar el tiempo, tomar decisiones”, explica, aunque aclara que los plazos pueden varias considerablemente según la obra: “Depende de muchísimos factores: del estado de conservación de la obra, de la profundidad también del estudio, de la problemática que nos plantee cada una... puede ser de unas semanas a meses o incluso algún caso se ha dado de más tiempo”.

Un proceso complejo y laborioso

“Lo que creo que no todo el mundo sabe es que las obras de arte envejecen, se oscurecen, tienen una evolución histórica. No solo tienen daños de cambios de composición, cambios de iconografía. Y casi todas las obras llevan materiales naturales. Los barnices son resinas naturales, los propios soportes, tanto la madera como el lienzo, son materias orgánicas que cambian con la humedad, con la temperatura, con la luz, y tienen su evolución histórica. La finalidad del restaurador es devolverle su imagen más cercana posible a la que el pintor pintó”, secunda López de Asiaín, quien este 2026 cumple cuarenta años dentro del equipo de restauración del Prado, entre los cuales se ha encargado de obras como La fuente de la Gracia del taller de Jan van Eyck, Las tentaciones de san Antonio Abad del Bosco o El triunfo de la Eucaristía de Rubens.

Moraleda explica cómo el proceso de restauración comienza mucho antes de coger el pincel o los disolventes, pues toda operación lleva antes su radiografía. “Gracias a los estudios técnicos, vemos la estructura interna de la obra, el alcance de los daños. La reflectografía infrarroja nos dan esa información. Podemos ver pérdidas de pintura que a lo mejor se han repintado o a veces vemos un repinte muy grande y decimos ‘hay una pérdida enorme’, y en la radiografía vemos que es muy pequeño”, señala Moraleda, quien recuerda que además de restauradoras, también son historiadoras del arte, otra parte imprescindible para afrontar esta profesión. “Por regla general, la mayoría de los restauradores también tenemos formación de historiadores del arte, porque es un complemento muy valioso para nuestra profesión. El conocimiento de las diferentes escuelas, del artista, poder identificar cuestiones estilísticas que a lo mejor no encajan... todo esto también se aprende mucho con la práctica. Pero esa formación es esencial”, añade.

Una vez tienen recopilada y analizada toda esa información procedente de los estudios técnicos -y que, como nos enseñan, les acompañan en sus tablets- comienza otro proceso, el de limpieza y estabilización de la capa pictórica. “Si esta está levantada y tiene riesgo de desprendimiento —algo que ocurre por el propio secado del óleo y por los movimientos del soporte, ya sea lienzo o tabla, que a veces no acompañan bien— la capa de pintura se quiebra, se separa del soporte y puede desembocar en pérdidas. Entonces volvemos a adherirla. Si hay un riesgo inminente de que eso ocurra, esa es la primera labor“, explica Moraleda, quien destaca que es quizá la parte más arriesgada.

“Lo que retiramos no se puede reponer. Las pinturas tienen un barniz que protege la capa pictórica y permite ver todos los matices, porque el óleo no tiene ese grado de saturación. Todas las pinturas antiguas se concibieron con barniz desde el principio, y con el tiempo se aplicaron capas nuevas porque los barnices se oxidan, se oscurecen y se vuelven mates. Esa acumulación de barnices y suciedades es lo que nos impide ver con claridad la composición, la calidad artística, la técnica del pintor, el colorido, la luminosidad, la profundidad. Es como quitar un velo”.

Los repintes, el principal obstáculo

El principal enemigo de las restauradoras muchas veces no es el tiempo o los materiales, sino los propios repintes que pueda contener la obra, y que dificultan en gran medida su trabajo. “Aparte de los barnices, muchas obras han sido repintadas por daños antiguos, manchas, pérdidas accidentales o envejecimiento de los materiales, y esos repintes muchas veces exceden el daño original”, razona Moraleda, quien detalla que muchas veces las decisiones ante algo así se toman de forma colectiva. “Aunque nuestro punto de vista es importante y muchas veces es decisivo, contamos con otros apoyos, como pueden ser los estudios técnicos, los análisis y también el punto de vista o la decisión del conservador y de la dirección del museo. Son siempre decisiones conjuntas”.

Hay otro trabajo invisible que realizan las restauradoras y no es otro que el de intentar ponerse en la piel del propio pintor, para entender muchos de los aspectos clave d ela obra que van a restaurar y cómo recuperarlos o darles el espacio que merecen. “Parece que cuando uno mira un cuadro todo es simple, y nada es simple. Un pintor piensa dónde colocó la luz, cómo generó el espacio, cómo hace que la mirada del espectador discurra hacia cierto punto. Y todo esto se opaca si los barnices se han oxidado y se convierten en una especie de lámina oscura que no nos deja traspasar. Esto es así siempre. Y la función de los restauradores es devolverle en la medida de lo posible esa luz”, sostiene López de Asiaín. “Nosotras hablamos a veces de los cuadros que parece que tengamos una conversación con ellos. ‘Es que esta obra me pide un punto más de limpieza o que tenga una entonación más’. A veces tenemos una conversación con la propia obra”, revela Moraleda.

¿Cómo saber en todo este proceso cuándo terminar? Se dice que un pintor nunca terminaba del todo un cuadro, pero las restauradoras acostumbran a debatirlo. “Hay un punto justo que si se sigue tocando va en contra de la obra. Al fin y al cabo, nosotros trabajamos con obra antigua y el que haya un punto de paso del tiempo es positivo, aporta a la obra. No puede quedar como si estuviese recién pintada. Porque ha pasado el tiempo por ella. Pero bueno, a veces no es fácil y es algo que también vas aprendiendo y que vas afinando con el paso del tiempo”.

La cantante Olivia Rodrigo ha anunciado su nueva gira internacional, The Unraveled Tour, que recorrerá Estados Unidos y Europa durante 2026 y 2027. Entre las fechas confirmadas, destacan dos conciertos en Barcelona, previstos para el 1 y el 2 de mayo de 2027 en el Palau Sant Jordi. La noticia llega poco antes del estreno de su tercer álbum, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, que estará disponible el 12 de junio. Rodrigo ha presentado The Unraveled Tour como el primer gran proyecto de su próxima etapa musical. La gira servirá para promocionar su nuevo disco, que ya ha generado expectación con el lanzamiento de su primer sencillo, drop dead. Según ha informado la propia artista en sus redes sociales, el tour incluirá más de treinta fechas repartidas entre Norteamérica y Europa.

La intérprete de Vampire ha compartido su entusiasmo por reencontrarse con el público y cantar en directo los temas de su nuevo trabajo. En palabras de Rodrigo: “¡¡Estoy tan emocionada de anunciar The Unraveled Tour!!! ¡¡¡Estoy contando los días hasta que pueda cantar todas las canciones de ‘you se ve bastante triste para una chica tan enamorada’ de ustedes!!!”. La gira se iniciará en septiembre de 2026 en Hartford, Connecticut, y recorrerá ciudades emblemáticas como Pittsburgh, Washington D. C., Chicago, Boston, Montreal, Toronto, Columbus, Filadelfia, Atlanta, Orlando, Sunrise, Nashville, Vancouver, Seattle, Oakland, Sacramento, Las Vegas y Los Ángeles.

Tras su paso por Estados Unidos y Canadá, Rodrigo actuará en Europa durante la primavera de 2027. Entre las ciudades europeas confirmadas figuran Estocolmo, Ámsterdam, Múnich, Londres, París, Milán y, finalmente, Barcelona. Las presentaciones en Barcelona, los días 1 y 2 de mayo de 2027, serán las únicas fechas anunciadas en España hasta el momento. La gira culminará con estos conciertos en el Palau Sant Jordi, convirtiendo a la ciudad catalana en el cierre europeo de The Unraveled Tour. No pasará por Madrid eso sí, donde ya reinó el año pasado durante la celebración del festival Madcool.

Cómo y cuándo conseguir las entradas

La organización ha detallado los procedimientos para la adquisición de entradas. La preventa comenzará el martes 5 de mayo a las 12:00 horas locales de cada ciudad, mientras que la venta general se habilitará el jueves 7 de mayo a la misma hora. Para acceder a cualquiera de las opciones, los interesados deberán ingresar a través del sitio oficial OliviaRodrigo.com o mediante la plataforma de Live Nation.

La demanda se prevé alta, ya que los conciertos anteriores de Rodrigo han registrado llenos totales en diversas localidades. Se recomienda a los seguidores estar atentos a los horarios y a las condiciones de compra publicadas por la organización. El anuncio de la gira ha generado una fuerte respuesta en redes sociales y medios especializados. Muchos seguidores han expresado su satisfacción por la inclusión de Barcelona en el calendario europeo y la oportunidad de ver a la artista en directo después del éxito de su segundo álbum.

La gira coincide con el lanzamiento de nuevas canciones y el reciente estreno en directo del sencillo drop dead, que Rodrigo interpretó por primera vez junto a Addison Rae en el festival Coachella. Esta colaboración fue destacada por la prensa musical como uno de los momentos más comentados del evento. El tercer álbum de Rodrigo, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, supone un paso más en la evolución artística de la cantante. El adelanto de drop dead ha marcado el tono de lo que será la nueva propuesta sonora de la artista, que mantiene a su público a la expectativa ante el inminente estreno del disco y la gira internacional. Con la confirmación de The Unraveled Tour y la inclusión de Barcelona como última parada europea, Rodrigo afianza su posición como una de las voces más influyentes de la música pop actual.

La respuesta directa es sí. El principal responsable de Lionsgate, productora encargada de la película, lo acaba de confirmar en el podcast The Town with Matthew Belloni, en el que abordaba algunas cuestiones relativas a la película como sus reshoots (cuando es necesario volver a rodar algunas escenas tiempo después) o el impacto de esta en la industria. Adam Fogelson, jefe del estudio, respondía a todas estas preguntas y daba nuevos detalles de esa secuela en camino. “Estábamos muy seguros de que la película iba a funcionar desde el mismo proceso de producción”, aseveraba el directivo nada más arrancar la conversación.

Fogelson tampoco rehuía hablar de todos los problemas de producción que ha tenido Michael, especialmente los famosos reshoots de su tercer acto. “Siempre estuve preocupado de cómo íbamos a abordar todo en una sola película con el guion original. Obviamente no puedes abarcarlo todo, los Beatles van a tener cuatro películas”, argumentaba el productor. Ahora hay la posibilidad de una segunda película, tal y como deja entrever el final de la primera, y Fogelson resuelve la gran incógnita. ¿Está en camino? ¿Cómo se pueden dramatizar las acusaciones que enfrentó el rey del pop?

Pendientes de Fuqua

“No me quiero adelantar a los cineastas en cómo tiene que ser una segunda parte”, comienza diciendo Fogelson. “Hay un montón de música y de experiencias vitales que darían para una película sola más allá de las acusaciones”, aclaraba el productor. “Creo que habrá varias maneras en la que los directores serán capaces de sacarlo adelante. En un par de semanas nos reuniremos para saber cuál es la visión que tienen”, revelaba Fogelson, refiriéndose al productor Graham King (Bohemian Rhapsody) y el director Antoine Fuqua, principales responsables creativos de la película.

Con respecto a los tiempos de rodaje, Fogelson sacaba a la luz un problema: el compromiso de Fuqua con Netflix para rodar una nueva película junto a Denzel Washington, con el que ya ha colaborado en Dia de entrenamiento o la saga The equalizer. “Todos tienen mucho trabajo, Graham también está con varios proyectos y no sé como lo resolverán entre él y Antoine”, explicaba Fogelson, quien confirmaba que la película va a suceder, ya sea este año o el siguiente: “La probabilidad es muy alta”. Tan solo es cuestión de tiempo y de ver el resultado final en taquilla de una película que de momento está devolviendo a la gente a los cines y, con acusaciones o no, haciendo que esta salga de la sala con muchas ganas de bailar y cantar.

En esta semana las protagonistas son indiscutibles. Meryl Streep y Anne Hathaway vuelven con El diablo viste de Prada 2, el que sin duda es el estreno más destacado, pero no el único a tener en cuenta. El cine español tiene presencia de la mano de Carmen Machi en una suerte de 12 hombres sin piedad sobre corrupción, el cine de autor tiene su hueco con Resurrection, la ambiciosa película del chino Bi Gan, el acoso escolar del drama australiano La plaga o el terror de Strangers: Capítulo final, cierre de la exitosa franquicia.

El diablo viste de Prada 2

Han pasado unos cuantos años, pero hay cosas que nunca pasan de moda. Miranda Priestly y Andie Sachs, los personajes de Meryl Streep y Anne Hathaway en El diablo viste de Prada, regresan con esta esperada secuela de las peripecias en la revista Runway. Mucho ha cambiado en el mundo de la moda, pero estas dos mujeres siguen entendiendo de estilo y tendencias como nadie, aunque han surgido nuevos problemas. Con la jubilación de Miranda a la vista y los crecientes problemas de publicidad, la estricta jefa tendrá que pedir la ayuda de su antigua secretaria y dejar a un lado su orgullo para salvar su carrera.

Los justos

La gran Carmen Machi encabeza un jurado popular que delibera un caso de corrupción. Aunque las pruebas parecen bastante irrefutables, una noticia de última hora lo cambia todo. Cada uno de ellos recibirá un millón de euros si declaran al acusado inocente en vez de culpable. Pero claro, para que el veredicto y el premio se den, tienen que coincidir todos, y eso hará que cada uno tenga que velar por sus intereses. ¿Un millón de euros o la conciencia tranquila? Poco a poco, las nuevas deliberaciones irán mostrando la verdadera cara de cada uno de ellos.

Resurrection

Una de esas películas imposibles de clasificar, quizá porque contiene dentro de ellas otras tantas de lo más peculiares. El director chino Bi Gan vuelve años después de sorprender con la inmersiva Largo viaje hacia el fin de la noche con esta Resurrection, en la que narra un mundo que ha perdido la capacidad para soñar. Fiel a sus planos secuencia, el director hace recorrer a sus personajes por fastuosos y exóticos escenarios, desde un viejo teatro a un templo, pasando por un club nocturno en el que nada es lo que parece. Pero los sueños tampoco lo son.

La plaga

El cine sobre acoso escolar escribe un nuevo capítulo con La plaga, película australiana que aterriza en cartelera encabezada por Joel Edgerton, actor en películas como Warrior o la reciente Sueños de trenes en Netflix. La película cuenta la historia de Ben (Everett Blunck), un joven que entra al campamento de waterpolo, sin saber que está a punto de formar parte de una cruel tradición, por la cual tiene que atacar a todo aquel que no se integre con una enfermedad conocida como La Plaga. Aunque al principio accede fruto de su ansiedad social, con el tiempo se dará cuenta del peligro que entraña la broma y del daño real que puede estar ocasionando alrededor y a sí mismo.

Strangers: Capítulo final

La saga de terror que repopularizó el llamado home invasion llega a su capítulo final esta semana. Después de volver por todo lo alto en 2024 de la mano de Gabriel Basso y Madeleine Petsch, con otra aventura estrenada el año pasado, Strangers concluye de una vez por todas. En esta ocasión, la joven protagonista, Maya, se enfrenta por última vez a los asesinos enmascarados. Un brutal y sangriento ajuste de cuentas, donde saldrán a la luz horribles secretos, y en el que ella deberá decidir si vengarse o convertirse en aquello que le arruinó la vida.

D esta forma, la Fundación Princesa de Asturias reconoce la tayectoria a una artista que ha desbordado durante décadas los límites de la música para convertirse en una obra de referencia cultural, literaria y artística. La elección de la cantautora, poeta y artista visual estadounidense confirma la vigencia de una figura que, medio siglo después de Horses, sigue representando una forma de entender el arte como libertad, rebeldía y emoción.

El fallo del jurado se ha hecho público este miércoles en Oviedo, tras una deliberación en la que Patti Smith fue seleccionada entre 55 candidaturas procedentes de 30 nacionalidades. El premio reconoce la “creación y perfeccionamiento” en disciplinas que abarcan la música, la literatura, el teatro, la fotografía o la pintura, un terreno amplio en el que la artista estadounidense ha dejado una huella singular. Smith, nacida en Chicago en 1946, ha construido una carrera que combina la intensidad del rock con una sensibilidad poética poco habitual en la cultura popular. Su nombre quedó unido para siempre a Horses, un álbum que transformó el mapa del rock y consolidó una voz propia, áspera y luminosa a la vez.

Su fuerte conexión con España

En España, su visita al Teatro Real de Madrid el pasado mes de octubre dejó una impresión especialmente viva, hasta el punto de que varios medios la han recordado como una actuación que condensó la energía y la coherencia de toda su carrera. Ese concierto, con Horses interpretado al completo, reforzó la imagen de una artista que sigue conectando con el presente sin renunciar a su identidad. Más allá de la música, Patti Smith ha desarrollado una intensa labor como escritora, con una decena de libros publicados, y como creadora visual. Su obra ha sido reconocida con premios como el National Book Award, la Orden de las Artes y las Letras de Francia y un doctorado honoris causa por la Universidad de Columbia.

Esa versatilidad explica en parte la relevancia de su nombre dentro del panorama cultural internacional. No se trata solo de una cantante influyente, sino de una autora que ha sabido convertir la experiencia personal y la memoria en materia artística de largo alcance. La concesión del Princesa de Asturias de las Artes a Patti Smith encaja con una tradición del galardón que ha distinguido a figuras de primer nivel en el ámbito cultural como Meryl Streep, Joan Manuel Serrat o Marina Abramovic. La elección subraya también el valor de una obra que ha conectado distintas generaciones y que sigue dialogando con temas como la libertad creativa, la identidad y la resistencia que encarna como nadie la de Chicago.

Madrid vivirá estos días la auténtica vida cañón, aquella que ha inmortalizado la banda Alcalá Norte y a la que rendirá homenaje con un más que esperado concierto este mismo 2 de mayo, uno de los colofones de una serie de días de fiesta en la capital. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 en la Comunidad de Madrid transforman la capital y sus alrededores en un escenario de celebraciones populares. Este año, el programa destaca por la inclusión de actividades gratuitas para todos los públicos, conciertos al aire libre y un espectáculo de drones sin precedentes.

El mes de mayo marca, como cada año, el inicio de los festejos madrileños más emblemáticos. El 2 de mayo, Día de la Comunidad de Madrid, se une al festivo nacional del 1 de mayo, Día del Trabajador, generando un fin de semana largo con una agenda cultural diversa. Las celebraciones recuerdan el levantamiento del pueblo madrileño en 1808 contra la ocupación francesa, un episodio inmortalizado en las pinturas de Francisco de Goya y que forma parte de la identidad local.

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El 2 de mayo conmemora el levantamiento que protagonizó el pueblo de Madrid en 1808 frente a las tropas napoleónicas. Este acontecimiento supuso el inicio de la Guerra de la Independencia española, marcando un punto de inflexión en la historia nacional. Cada año, la ciudad y la Comunidad de Madrid rinden homenaje a quienes participaron en aquellos sucesos, reviviendo la memoria colectiva con actividades culturales y recreativas. Durante esta semana, la capital se viste de fiesta y miles de personas acuden a los actos programados. El ambiente festivo se extiende por barrios y municipios, convirtiendo la efeméride en un evento de interés tanto para residentes como para visitantes.

La música es uno de los pilares de las Fiestas del 2 de mayo. La explanada de Puente del Rey será, un año más, el escenario principal de los conciertos gratuitos, con acceso libre hasta completar aforo. El programa, confirmado por la Comunidad de Madrid, ofrece propuestas para todos los gustos desde el jueves 30 de abril hasta el domingo 3 de mayo. El jueves 30 de abril, la apertura corre a cargo de Berkana y los Seminuevos a las 20:00, seguidos por Lobos Negros a las 21:30. El viernes 1 de mayo, la jornada comienza a las 12:30 con la Gala de Zarzuela, interpretada por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). Más tarde, el público podrá disfrutar de Bely Basarte a las 19:30 y Judeline a las 21:30.

El sábado 2 de mayo, la programación musical continúa con la Asociación de Coros y Danzas Francisco de Goya a las 17:00, seguida de Arrabel a las 17:30. A las 18:00, se llevará a cabo una recreación histórica del levantamiento del 2 de mayo. Por la tarde, actuarán joseluis a las 19:30 y Acalá Norte a las 21:30. El domingo 3 de mayo, la mañana estará dedicada al Encuentro Nacional de Folclore, desde las 12:00 hasta las 15:30. Por la tarde, habrá un pasacalles con la Rondalla Santa Eulalia de Mos a las 19:30, y, para cerrar el fin de semana, la proyección de la película Rondallas a las 21:00.

Mucho más que conciertos

La edición de este año incorpora una de las propuestas más innovadoras de las fiestas: un espectáculo aéreo con 1.000 drones. El evento se llevará a cabo el sábado 2 de mayo a las 22:00 en el Parque de la Cuña Verde de Latina. Según la web de la Comunidad de Madrid, los drones crearán en el cielo “10 escenarios que representarán diferentes hechos y figuras características que conmemoran la celebración del 2 de Mayo, así como monumentos representativos de la región”. El espectáculo tendrá una duración de 12 minutos y se espera que sea uno de los momentos más concurridos del fin de semana. Además de los conciertos y el show de drones, el programa incluye representaciones teatrales, sesiones de música vermut y actividades culturales en espacios como el Centro Cultural Pilar Miró, la Puerta del Sol, y otras localizaciones emblemáticas. Estas propuestas buscan involucrar a públicos de todas las edades con opciones que abarcan desde el folclore tradicional hasta la música contemporánea.

La programación se extiende más allá del centro de Madrid, alcanzando barrios y localidades como Moratalaz, Morata de Tajuña, Parla, Loeches y Aldea del Fresno. En todas estas ubicaciones, la entrada a los eventos es gratuita, aunque sujeta a la capacidad de los recintos. El objetivo de la Comunidad de Madrid es acercar la cultura y el entretenimiento a todos los rincones de la región, favoreciendo la participación ciudadana y el acceso democrático a la oferta cultural. El carácter gratuito de la mayoría de las actividades facilita que tanto madrileños como visitantes puedan disfrutar de la celebración, reforzando el sentido de pertenencia y la memoria histórica.

Durante las Fiestas del 2 de mayo, los asistentes también podrán participar en talleres, mercados temáticos y actividades infantiles. El ambiente festivo se complementa con la oferta gastronómica tradicional y la animación en las calles. Para quienes planeen asistir a los conciertos y espectáculos, se recomienda llegar con antelación, especialmente en los eventos de mayor afluencia como el espectáculo de drones y las actuaciones nocturnas en Puente del Rey. La Comunidad de Madrid recuerda la importancia de respetar las indicaciones de seguridad y aforo para garantizar el disfrute colectivo. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 se presentan como una cita ineludible en el calendario madrileño, combinando tradición, cultura y tecnología en una programación pensada para todos los públicos. La auténtica vida cañón, que diría Alcalá Norte.

Karol G ha anunciado la segunda preventa de entradas para sus conciertos en España, en el marco de su esperado tour mundial ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’. La artista colombiana, una de las figuras más destacadas de la música latina, ha reforzado su agenda en el país tras agotar la primera tanda de boletos, sumando tres nuevas fechas y ampliando así las oportunidades para que sus seguidores puedan verla en directo.

El lunes se realizó la primera preventa, que rápidamente evidenció la magnitud del fenómeno. La fuerte demanda registrada llevó al equipo de Karol G a ampliar el calendario, confirmando un total de seis conciertos en tres ciudades españolas. Este martes 29 de abril, desde las 10:00 horas, se activa la segunda preventa de entradas a través de la plataforma de Live Nation. Para acceder, es necesario registrarse previamente en el sitio web oficial. Los boletos estarán disponibles inicialmente en Ticketmaster, donde los usuarios ya pueden realizar su registro. La venta general comenzará el 30 de abril, abriendo el acceso a todo el público. Los precios parten desde 70 euros para las entradas más económicas, con opciones premium orientadas a quienes buscan una experiencia más completa.

Fechas y ciudades de los conciertos en España

Karol G se presentará en seis ocasiones en España como parte del ‘Tropitour’. El itinerario incluye paradas en Madrid, Barcelona y Sevilla. Las fechas y recintos confirmados son los siguientes:

• 3 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 4 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 11 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 12 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 24 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid
• 25 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid

La ampliación de fechas responde al extraordinario interés que ha generado la gira. Según la información divulgada, la primera preventa se agotó en tiempo récord, lo que impulsó a los organizadores a añadir nuevas actuaciones y recintos, permitiendo que más seguidores accedan a la experiencia en vivo.

La segunda preventa comienza el 29 de abril a las 10:00 horas, gestionada por Live Nation. Para participar en esta etapa, los interesados deben haber completado el registro previo en el sitio de la promotora. Una vez finalizada la preventa, la venta general de entradas está programada para el 30 de abril, momento en el que se liberarán los boletos restantes al público en general. Los precios de las entradas inician en 70 euros, aunque existen alternativas premium para quienes buscan acceso preferente o experiencias adicionales. El sistema de venta se implementa de forma digital a través de Ticketmaster, con la posibilidad de elegir entre diferentes ubicaciones y paquetes. La organización ha advertido sobre la importancia de comprar entradas únicamente en los canales oficiales para evitar fraudes, señalando que la demanda es especialmente alta y que las fechas podrían agotarse rápidamente.

Así será el ‘Tropitour’

El éxito de la convocatoria para el ‘Tropitour’ en España quedó demostrado desde la apertura de la primera preventa. La artista, que recientemente brilló en el festival Coachella, recibió una avalancha de solicitudes, obligando a los organizadores a revisar la logística y sumar más funciones en las ciudades con mayor demanda. Esta respuesta masiva refuerza la presencia de Karol G en el circuito internacional y consolida su vínculo con el público español. Las tres nuevas fechas —una adicional en Madrid, otra en Barcelona y una más en Sevilla— permiten que miles de fans adicionales accedan a los conciertos, contribuyendo a posicionar la gira como uno de los mayores eventos musicales del año.

La gira ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’ sirve como presentación mundial de Tropicoqueta, el quinto álbum de estudio de Karol G, publicado en junio de 2025. El disco marca una nueva etapa en la carrera de la cantante, con un repertorio que fusiona cumbia, vallenato y pop latino. Parte de este material ya fue presentado en directo durante la actuación de Karol G en Coachella 2026, donde la artista anunció oficialmente el inicio del tour mundial.

El anuncio de la gira se formalizó el 21 de abril, aunque los rumores y expectativas entre los seguidores llevaban semanas circulando. Durante su segunda actuación en Coachella, Karol G cerró el show con un mensaje directo: “Nos vamos de tour”, confirmando así su regreso a los escenarios internacionales. La expectativa por el regreso de Karol G a España refleja el impacto global de la artista y la relevancia de su nuevo trabajo discográfico. La organización recomienda a los fans estar atentos a las plataformas oficiales para no perder la oportunidad de conseguir entradas en esta segunda preventa.

Anne Hathaway ha salido a aclarar una de las historias virales que han surgido durante la producción de El diablo viste de Prada 2, cinta que marca el regreso de la actriz ganadora del Oscar en el papel de Andy Sachs. La polémica se originó tras una revelación de Meryl Streep en una entrevista para Harper’s Bazaar, publicada el mes pasado, donde la intérprete contó que Hathaway intervino directamente con los productores para solicitar la inclusión de modelos de diversas tallas en el set. La declaración de Streep sorprendió a muchos, al resaltar la delgadez de las modelos contratadas inicialmente para una escena central de la película. Según la actriz, “Annie se dio cuenta también, y fue directo a los productores para asegurar que las modelos que aparecerían en la pasarela de nuestro filme no fueran tan esqueléticas”. Streep calificó a Hathaway como “una persona íntegra” en ese contexto.

La historia relatada por Streep rápidamente se viralizó y generó debate en redes sociales y medios de comunicación. La inquietud se centró en cómo se aborda la representación de la diversidad corporal en una franquicia que gira en torno al mundo de la moda. En la entrevista con Harper’s Bazaar, Streep mencionó que no esperaba ver modelos tan delgadas en el rodaje, lo que llevó a Hathaway a intervenir. Este episodio fue interpretado en redes sociales como un ejemplo de activismo dentro de la industria, pero también derivó en rumores sobre posibles despidos de modelos por su talla.

En respuesta a la creciente atención, Hathaway explicó en el programa Good Morning America que el suceso en el set fue un momento breve, que ahora se ha magnificado fuera de proporción. Subrayó que nunca pidió que se despidiera a ninguna modelo, desmintiendo versiones que circularon en plataformas sociales. “Quiero aclarar que se está difundiendo una pequeña desinformación: nadie fue despedido por la inclusión de tallas”, afirmó Hathaway en la entrevista. “Nadie perdió su trabajo; de hecho, se crearon más empleos. Es difícil porque no puedo decir de qué trata la escena, pero hay una canción que Lady Gaga escribió y es maravillosa. ¿No es mejor ver distintos tipos de cuerpos representados en pantalla con esa música?” Este fragmento resume el núcleo de la controversia: la actriz pidió más diversidad, lo que derivó en la contratación de más modelos y no en exclusiones.

Todas las formas son bellas

Durante la premiere mundial de El diablo viste de Prada 2 en la ciudad de Nueva York, Hathaway habló por primera vez en público sobre las declaraciones de Streep. Detalló que su observación se basó en la intención de que el público disfrutara más la escena si se mostraba una gama amplia de cuerpos, ya que “todas las formas son bellas”. Hathaway recordó que, al notar que las modelos presentes respondían a un perfil tradicional, pensó que la escena ganaría fuerza y conexión con la audiencia mostrando más diversidad corporal. “Simplemente me acerqué a los productores y pregunté: ‘¿No creen que la escena sería más sólida si adoptamos un enfoque más inclusivo respecto a las tallas?’”, relató la actriz.

La respuesta de los productores fue inmediata y positiva, según Hathaway. Explicó que se mostraron apenados por no haberlo considerado antes, pero actuaron con rapidez y en cuestión de una hora ya estaban incorporando modelos de diferentes tallas al rodaje. La actriz enfatizó que la medida no implicó la salida de nadie del proyecto, sino que hizo el equipo más amplio y representativo. Hathaway insistió en que la intención siempre fue sumar, no restar, y que la inclusión debía reflejarse como un valor en la producción.

El diablo viste de Prada 2 se estrena en cines el 1 de mayo. Desde que se conoció la anécdota, Hathaway ha sido consultada repetidamente sobre el tema en entrevistas y eventos de prensa. La conversación sobre la diversidad y la inclusión en el cine y la moda ha cobrado protagonismo, impulsada por la visibilidad de los comentarios de Streep y las aclaraciones de Hathaway. La nueva entrega buscará, según sus protagonistas, reflejar una visión más amplia y contemporánea de la belleza, integrando a modelos de diferentes tallas en una de sus escenas clave. La expectativa del público y la crítica se centra ahora en cómo se plasmará este enfoque en pantalla.

Woody, el vaquero icónico de la saga Toy Story, vuelve a la pantalla en la quinta entrega con cambios notables que reflejan el paso de más de treinta años desde el estreno original. Tom Hanks, quien encarna su voz desde 1995, describe con precisión cómo el personaje revela las huellas del tiempo y del uso continuado por parte de sus dueños ficticios. “Ha sido jugado en exceso”, explica Hanks en una reciente entrevista para Entertainment Weekly, aludiendo a la transformación visible en el muñeco. “Tienes un sombrero de goma sobre una cabeza de goma una y otra vez, algo se tenía que desgastar”, comenta sobre el origen de la zona calva que ahora se distingue en la parte posterior de la cabeza de Woody.

Este detalle no es anecdótico ni decorativo: resume una decisión de producción orientada a plasmar la autenticidad del paso del tiempo en los juguetes. “No es plástico moldeado, está hecho de relleno y tela, y eso se asienta con el tiempo”, añade Hanks, enfatizando que Woody “ha cambiado físicamente, y ahora se aprecia una zona gastada y una figura menos firme”. El desgaste visible tras décadas de aventuras es una representación deliberada de cómo los objetos, igual que las personas, sufren transformaciones por la vida y el uso.

La narrativa de Toy Story 5 toma este punto de partida y lo integra a un relato más amplio sobre la adaptación de los juguetes a la era digital. El personaje de Woody, que en las primeras películas representaba la figura del líder clásico y el juguete predilecto, se enfrenta ahora a su propia vulnerabilidad física y emocional. El guion sitúa al vaquero en un momento de transición, mientras sigue liberando juguetes olvidados con la ayuda de Bo Peep y Duke Caboom, lejos de la casa original de Andy y de su última dueña, Bonnie. El desgaste de Woody no solo es físico. El personaje atraviesa un proceso de introspección y adaptación a nuevas realidades, enfrentando la posibilidad de ser reemplazado por dispositivos electrónicos y observando cómo los niños se relacionan cada vez menos con los juguetes tradicionales. Esta dimensión emocional añade profundidad al relato y conecta con el público de distintas generaciones, que ha crecido junto a la franquicia.

El regreso a una saga emblemática

El estreno de Toy Story 5, programado para el 19 de junio, marca un punto de inflexión en la historia de la franquicia. Por primera vez, Andrew Stanton asume la dirección de una película principal de la serie, tras haber sido una de las figuras clave del “Brain Trust” de Pixar y coautor del guion original en 1995. Stanton, de 60 años, reconoce que este proyecto podría ser el último que dirige en el estudio, aunque seguirá vinculado a Pixar como vicepresidente creativo. El nuevo filme retoma a los personajes más queridos del universo Toy Story, incluido Woody, en un entorno donde la tecnología desafía el sentido y la vigencia de los juguetes clásicos. La historia arranca con un giro tecnológico: cincuenta figuras de acción de Buzz Lightyear despiertan en una isla desierta tras la caída de un cargamento, lo que da pie a nuevas dinámicas en el grupo y a la exploración del contraste entre lo analógico y lo digital.

Stanton cita su propia experiencia vital como inspiración para abordar el envejecimiento de los personajes y la pérdida del protagonismo frente a las pantallas electrónicas. El tiempo invertido en la producción de cada película, según el director, equivale a obtener un título universitario: “Cuatro años pasan mucho más rápido mientras envejeces, y quiero que mis cuatro años duren lo máximo posible”, reflexiona Stanton, justificando su posible retiro de la dirección. El trabajo de Tom Hanks como Woody ha evolucionado junto al personaje. El actor relata que, a lo largo de cinco películas, la experiencia de grabación se ha mantenido sorprendentemente constante en su aspecto técnico, pero que la presión y la ansiedad de cada sesión siguen intactas. “Si pudieras haberme tomado en cualquiera de las grabaciones, experimenté la misma ansiedad, presión y exigencia física”, dice Hanks sobre la familiaridad del proceso.

El desgaste de Woody, lejos de ser un accidente, se convirtió en una oportunidad para que el equipo creativo y los actores reflexionaran sobre la longevidad y el valor sentimental de los juguetes. El propio Hanks, entre risas, señala también que el vaquero ha ganado “un poco de barriga” y ya no mantiene la misma firmeza que en sus años más jóvenes, lo que añade humanidad y realismo al personaje. La saga Toy Story ha mantenido un vínculo emocional con varias generaciones gracias a la honestidad en el retrato de sus protagonistas. En Toy Story 5, la evolución de Woody representa la aceptación del paso del tiempo, la adaptación a los cambios tecnológicos y la resiliencia frente a la obsolescencia. Estas transformaciones, reflejadas en su apariencia y su carácter, reafirman el lugar de Woody como un símbolo de la infancia, la memoria y el afecto duradero.

El director británico Dan Reed, responsable del documental Leaving Neverland, lanzó duras críticas contra el biopic Michael, dirigido por Antoine Fuqua y avalado por la familia Jackson. La polémica surge tras el estreno de Michael, que ha recaudado $219 millones en su primer fin de semana y presenta a Jackson como un hombre incomprendido cuya infancia fue arrebatada por un padre autoritario. Según Reed, la producción omite cualquier referencia a las denuncias públicas de abuso sexual infantil que salieron a la luz en los años noventa y dos mil, y concluye la historia antes de que surjan los primeros señalamientos. Reed sostiene que la película “crea una versión de los hechos que esencialmente retrata a Wade, James y otros que han acusado a Jackson de abuso sexual infantil como mentirosos sin decirlo expresamente”.

En Leaving Neverland, Wade Robson y James Safechuck relataron haber sido víctimas de abuso sexual infantil por parte de Michael Jackson cuando tenían siete y diez años. Reed recuerda que los testimonios incluyeron detalles gráficos sobre los supuestos actos cometidos por el artista, así como la manipulación emocional, el aislamiento de sus familias y la entrega de regalos costosos. El documental, presentado en el Festival de Sundance de 2019 bajo estricta seguridad, impactó profundamente al público y a sus protagonistas. “Por el final de la película de más de cuatro horas, no había un ojo seco en la sala”, detalla Reed sobre la recepción de la audiencia. Asegura que, para Robson y Safechuck, ese momento fue “catártico y validante”, pues, por primera vez, sentían que su historia era creída y tomada en serio. Reed también enfatiza que “Jackson había pagado millones a Jordan Chandler y Jason Francia, dos niños que lo acusaron de abuso sexual infantil, pero no pudo silenciar a Wade y James”.

El cineasta británico fue categórico tras ver el biopic: “La primera parte de Michael como niño, eso podía creérmelo. Pero en cuanto llega el Jackson adulto, interpretado por su sobrino Jaafar, eso me rompió la burbuja. Pensé, es un gran bailarín, pero su actuación es muy rígida, y una de las razones es que no tenía mucho guion con el que trabajar. Se convierte en una figura de cera que interpreta canciones, pero no hay ningún atisbo de lo que hace que Jackson sea como es. Es una figura plástica, asexual, en la película”.

La omisión deliberada

Reed acusa a la película de distorsionar completamente el tema de la relación de Jackson con los niños: “Describen a Jackson como un ángel que quería ser bueno con los niños, no tener sexo con ellos”. Según Reed, el filme “sugiere que la relación de Jackson con los niños era completamente benigna y motivada solo por la filantropía”. Para Reed, la omisión no es casual. “El filme simplemente le da la vuelta a la verdad: blanco es negro, negro es blanco, y dos más dos son cinco. Ninguna de las personas que vea la película lo cuestionará, pero es una película imposible de tomar en serio como contranarrativa de Leaving Neverland”.

El director sostiene que la producción evita abordar los aspectos clave: “Es bien sabido que Jackson pasaba mucho tiempo con pequeños compañeros varones, incluyendo llevarlos a su cama por la noche y cerrar la puerta. Eso es indiscutible. Y solo con eso, si alguien hace una denuncia, probablemente sea suficiente para condenarlo en un juicio por abuso sexual infantil. Pero con Jackson, nada de esto parece importar”.

Reed critica la explicación central de la película: “Nadie, ni la familia, ni el guionista, ni nadie más, ha dado una narrativa alternativa salvo: ‘No tuvo infancia, así que necesitaba pasar la noche solo con niños’, lo que no tiene ningún sentido”. El documentalista subraya que Robson y Safechuck “jamás recibieron un centavo” por contar su historia, ni han buscado acuerdos económicos. “Nunca han intentado negociar su silencio por dinero. El dinero lo ganan quienes están cerca de Jackson y quieren contar una narrativa distorsionada que los deshonra”, afirma Reed.

Un juicio inminente

Sobre los procesos legales, Reed estima que un juicio podría producirse pronto: “Creo que sucederá el próximo año. Y si hay un juicio, habrá una avalancha de pruebas y testigos que contarán lo que Jackson hizo o lo que vieron que hizo a los niños”. Reed sostiene que la figura de Jackson ha adquirido un estatus de mito inalcanzable: “Jackson es un mito estadounidense, además de ser una persona real. Cuando eso ocurre, no importa quién fue realmente, porque la persona se transforma en algo que pertenece a la cultura. Se ha convertido en parte de la imaginación colectiva, y esta nunca puede incluir el hecho de que es un pedófilo. No es posible”.

Sobre la reacción de los fans y el entorno digital, Reed afirma haber sido víctima de “amenazas de muerte, campañas de acoso y suplantación de identidad”, muchas de ellas ejecutadas mediante cuentas falsas. A pesar de la presión, Reed insiste en que su propósito fue dar voz a las víctimas y que la responsabilidad de los narradores es “no contribuir a construir mitos que nieguen la experiencia de quienes denuncian abuso”. En palabras de Reed: “Alguien que ha hecho decenas de millones promoviendo una narrativa falsa sobre un hombre que es un pedófilo, eso es algo desagradable”, zanjaba mientras anticipaba una tercera entrega de su serie documental.

La joya escondida de Amaral ha sido rescatada y expuesta por primera vez al público. El Instituto Cervantes de Madrid exhibe desde hoy el manuscrito original de la canción El universo sobre mí, escrito de puño y letra por Eva Amaral. El documento, considerado un tesoro por la banda aragonesa, muestra la letra trazada a bolígrafo y dibujos originales que acompañan las estrofas. La pieza, nunca antes expuesta, se ha convertido en el centro de atención de una muestra dedicada a las letras manuscritas de grandes músicos españoles de los siglos XX y XXI.

La banda Amaral anunció en sus redes sociales el hallazgo del manuscrito: “Encontramos el texto original de ‘El universo sobre mí’. De puño y letra de Eva. Ahora está expuesto en el Instituto Cervantes”. El mensaje, acompañado de una imagen del documento, generó un notable interés entre los seguidores del grupo y del público general. El manuscrito incluye no solo la letra íntegra de la canción, sino también un dibujo de una tarta con una vela encendida —referencia directa al inicio del tema— y la ilustración de una isla desierta junto a la frase “vivir en libertad”. Estos detalles refuerzan el valor emocional y artístico de la pieza, que permitió a la banda reconstruir parte de su historia creativa. El manuscrito de Amaral se presenta como una de las grandes atracciones de la exposición organizada por el Instituto Cervantes. El documento, relacionado con el disco Pájaros en la cabeza (2009), nunca había sido mostrado en público. La letra manuscrita, con anotaciones y dibujos originales, ofrece una visión íntima del proceso creativo de Eva Amaral y Juan Aguirre.

La recuperación de esta hoja fue celebrada por la banda, que la calificó como “un tesoro” al compartir la noticia con sus seguidores. La pieza permite apreciar el trazo personal de Eva Amaral y el desarrollo de uno de los temas más emblemáticos del grupo. Para los visitantes, representa una oportunidad única de contemplar el origen tangible de una canción que marcó a toda una generación. La exposición, que reúne letras originales de numerosos autores, establece un diálogo entre la memoria personal de los artistas y el imaginario colectivo de la música española contemporánea. El manuscrito de Amaral, en particular, destaca no solo por su carácter inédito, sino por la carga simbólica que adquieren los dibujos y palabras escritas a mano.

Un recorrido por manuscritos de grandes nombres

La muestra del Instituto Cervantes no se limita a Amaral. Incluye manuscritos originales de figuras como Enrique Bunbury, cuya letra de ‘Porque las cosas cambian’ (del disco ‘Hellville De Luxe’, 2008) también se presenta por primera vez al público. Estopa participa con la composición original de ‘Pesadilla familiar’, perteneciente al álbum ‘Estopía’ (2025). El recorrido se amplía con piezas de Vetusta Morla, como la letra de ‘Puñalada trapera’ (del álbum ‘Cable a tierra’, 2021), y clásicos de Joaquín Sabina, que aporta su célebre ‘Que se llama soledad’ publicada en ‘Hotel, dulce hotel’ (1987). A la selección se suman autores como José Luis Perales, Miguel Ríos, Rosana, Manolo García, Luz Casal, La Oreja de Van Gogh, Christina Rosenvinge, Valeria Castro, Mari Trini, Juan Carlos Calderón, Rocío Márquez y El Chojín.

La selección de documentos abarca cuatro décadas de música en español, permitiendo observar la evolución del lenguaje y la poética de las canciones a partir de sus versiones manuscritas. El público tiene acceso a textos originales en papel, con correcciones, tachaduras y anotaciones personales de los autores, lo que otorga una dimensión inédita a piezas que forman parte del repertorio popular. Según la organización, el objetivo de la exposición es reivindicar el valor del manuscrito como objeto artístico y documento histórico. La muestra pone en primer plano la materialidad de la creación musical, permitiendo a los fans acercarse a la génesis de canciones que han acompañado momentos clave de sus vidas. La presencia de la letra original de Amaral, escrita a mano y con dibujos personales, refuerza la conexión entre artista y público. El documento expuesto permite rastrear el origen de una de las canciones más reconocidas de la banda, y constituye una pieza única dentro del panorama musical español actual.

La respuesta del público no se hizo esperar: desde el anuncio en redes, la muestra ha despertado el interés de seguidores y coleccionistas. La exposición ofrece así una experiencia distinta a la habitual, centrada en lo tangible y en la huella personal de los músicos en el papel. La iniciativa del Instituto Cervantes de Madrid abre una nueva vía para el acercamiento a la música popular, invitando a contemplar las letras de las canciones no solo como textos, sino como fragmentos vivos de la historia cultural reciente.

La actriz Emma Stone regresa oficialmente al género de la comedia romántica, protagonizando una nueva película junto a Chris Pine que será dirigida por su esposo, Dave McCary. El filme, titulado The Catch, tiene su estreno previsto en salas para el 21 de mayo de 2027 y marca un retorno al tipo de historias que consolidaron la carrera de Stone ante el gran público. Stone es reconocida por su participación en comedias románticas como La La Land, Rumores y mentiras, Crazy, Stupid, Love y Aloha. Su actuación en La La Land le valió el Oscar a la Mejor Actriz Protagonista, uno de los seis premios que obtuvo el filme en los Premios de la Academia. En años recientes, la actriz había abandonado el género romántico, centrándose en colaboraciones con el director griego Yorgos Lanthimos en títulos como Poor Things, Kinds of Kindness y Bugonia.

El anuncio de The Catch representa el primer acercamiento de Stone a la comedia romántica desde hace varios años. Según se informó, Stone eligió este proyecto después de analizar varios guiones y quedar especialmente interesada en la versión más reciente del texto, escrita por Jen Statsky (Hacks) y Travis Helwig, sobre un guion original de Patrick Kang y Michael Levin. Hasta el momento, no se han revelado detalles oficiales sobre la trama de la película. La noticia confirma que tanto Emma Stone como Chris Pine serán los protagonistas de The Catch. Esta colaboración reúne a dos intérpretes con experiencia previa en comedias románticas. Pine ha participado en películas como Princesa por sorpresa 2, Devuélveme mi suerte, o Esto es la guerra. En los últimos años, ambos actores orientaron sus carreras hacia producciones menos convencionales, pero su participación en este proyecto supone un regreso al género que definió etapas previas de sus trayectorias.

The Catch es el primer largometraje de Stone tras Bugonia, su más reciente trabajo con Lanthimos. La actriz obtuvo una nominación al Oscar por ese papel, convirtiéndose en la segunda persona más joven y la mujer más joven en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia. Solo Meryl Streep había alcanzado ese récord a una edad similar, mientras que Walt Disney sigue siendo la persona más joven en lograrlo, con 34 años. La dirección de la película estará a cargo de Dave McCary, quien además de ser el esposo de Stone, tiene una reconocida trayectoria como guionista y realizador. McCary dirigió y escribió numerosos episodios de Saturday Night Live y ha desarrollado una carrera en cine y televisión. En 2024, la productora que comparte con Stone, Fruit Tree, firmó un acuerdo de primera opción con Universal Pictures.

Estrechando lazos

El vínculo personal y profesional entre Stone y McCary añade un atractivo adicional al proyecto, que contará con el respaldo de Universal y la experiencia de ambos en la industria cinematográfica. Entre las películas producidas anteriormente por Fruit Tree se encuentran Poor Things, I Saw the TV Glow, A Real Pain y Bugonia. La producción de The Catch estará a cargo de Fruit Tree y también de 21 Laps, la compañía de Shawn Levy y Dan Levine. Levy, conocido por su labor como productor y director, se encuentra inmerso en la posproducción de Star Wars: Starfighter, filme que llegará a los cines una semana después del estreno de The Catch, el 28 de mayo de 2027.

El guion de la película fue inicialmente escrito por Patrick Kang y Michael Levin, pero la versión que finalmente atrajo a Stone fue desarrollada por Jen Statsky y Travis Helwig. Aunque la sinopsis oficial aún no ha sido difundida, fuentes de la producción indican que el guion fue uno de los factores determinantes para que la actriz aceptara el proyecto. En los últimos años, Emma Stone se ha concentrado en roles dramáticos y colaboraciones de alto perfil, alejándose de las comedias románticas que la impulsaron al estrellato. Su trabajo con Lanthimos ha sido destacado por la crítica y la ha mantenido como una de las figuras más influyentes de su generación.

Por su parte, Chris Pine alternó papeles en cine independiente y proyectos más comerciales, incluyendo su debut como director en Poolman. La unión de ambos actores en una comedia romántica dirigida por McCary representa un reencuentro con el cine mainstream y una apuesta por revitalizar el género con figuras reconocidas y experiencia comprobada. El estreno de The Catch en mayo de 2027 se perfila como uno de los regresos más esperados en la carrera de Stone y una oportunidad para que el género vuelva a captar la atención del público con nuevos rostros y perspectivas.

Netflix ha confirmado la fecha de estreno global de Enola Holmes 3 y ha revelado las primeras imágenes oficiales de la esperada película. La nueva entrega de la franquicia protagonizada por Millie Bobby Brown llegará a la plataforma el 1 de julio, y ya se anticipa como uno de los lanzamientos más destacados del año para el servicio de streaming. En las imágenes publicadas por Netflix, se observa a Enola Holmes, interpretada nuevamente por Brown, junto a Louis Partridge en el papel de Tewkesbury. La pareja aparece en plena celebración de bodas, lo que confirma que el vínculo romántico entre los personajes avanzará de manera significativa en esta tercera parte. Además, el adelanto visualiza el tono de aventura y misterio que ha caracterizado a la saga desde su debut.

La trama de Enola Holmes 3 llevará a la joven detective a Malta, donde deberá resolver un caso especialmente complejo. Según la sinopsis oficial, la historia mezcla los desafíos personales y profesionales de Enola, quien se enfrenta a una investigación más enredada y peligrosa que nunca. Mientras intenta descifrar el misterio, también debe gestionar las nuevas etapas de su relación con Tewkesbury, lo que añade una dimensión más íntima al relato. La película cuenta con un elenco principal que retoma varios de los rostros ya conocidos por los seguidores de la franquicia. Henry Cavill regresa como Sherlock Holmes, el hermano mayor de Enola, mientras que Helena Bonham Carter interpreta nuevamente a Eudoria Holmes, la madre de los Holmes. El reparto se completa con Himesh Patel como el doctor John Watson y Sharon Duncan-Brewster en el papel de Moriarty, asegurando continuidad y expansión en el universo narrativo iniciado en las entregas previas.

Una franquicia de éxito

La dirección de esta tercera película recae por primera vez en Philip Baranti, realizador de Adolescence, quien sustituye a Harry Bradbeer, responsable de las dos primeras películas. El guion, en cambio, mantiene la firma de Jack Thorne, que ya había trabajado previamente con Baranti y es responsable de adaptar la saga literaria a la pantalla. Enola Holmes 3 se basa en la serie de libros The Enola Holmes Mysteries, escrita por Nancy Springer, consolidando así la conexión entre la obra literaria y su versión audiovisual. En cuanto a la producción, la película es fruto de la colaboración entre Legendary Entertainment y PCMA Productions. Entre los productores se encuentran Brown, Thorne, Mary Parent, Alex Garcia, Ali Mendes, Robert Brown y Michael Dreyer. Además, la lista de productores ejecutivos incluye a Joshua Grode, Jake Bongiovi (esposo de Brown) e Isobel Richards, lo que refuerza el compromiso de la protagonista en la creación y el desarrollo del proyecto.

El éxito de la franquicia Enola Holmes ha sido notable desde el lanzamiento de la primera película, consolidando a Brown como una de las figuras más populares de Netflix. Enola Holmes 2, estrenada en 2022, mostró a la protagonista abriendo su propia agencia de detectives y resolviendo un caso inspirado en la huelga de las cerilleras de 1888 en Londres, lo que aportó una dimensión histórica y social a la saga. El anuncio de la tercera entrega mantiene el interés de los seguidores y apunta a elevar aún más las expectativas en torno a la franquicia. La confirmación de la fecha de estreno y la publicación de las primeras imágenes oficializan el regreso de la joven detective al centro de la acción. Los elementos románticos y de aventura, sumados a la incorporación de nuevos escenarios y desafíos, configuran un panorama atractivo para los espectadores de todas las edades. Con el estreno global fijado para el 1 de julio, Enola Holmes 3 se posiciona como uno de los títulos más esperados en el calendario de Netflix para 2026.

Sony prepara la unión de El Zorro y Django en una nueva película, apostando por el cruce de dos de los forajidos más célebres del cine contemporáneo. El proyecto, que contará con guion de Brian Helgeland, se inspira en el cómic de 2014 coescrito por Quentin Tarantino y Matt Wagner, aunque la historia que llegará a la pantalla será completamente original. La idea de reunir a Django y Zorro tomó fuerza tras el lanzamiento de Django Desencadenado en 2012, dirigida por Tarantino y protagonizada por Jamie Foxx. El personaje de Django, un cazador de recompensas en el sur de Estados Unidos posterior a la Guerra Civil, se convirtió en uno de los iconos recientes del western revisionista. Por otro lado, Zorro es una figura emblemática de la cultura popular, representada en el cine moderno por Antonio Banderas en La máscara del Zorro (1998) y La leyenda del zorro (2005).

El cruce entre ambos personajes cobró forma en el cómic Django/Zorro, publicado en 2014 y firmado por Tarantino y Wagner. Sin embargo, la adaptación cinematográfica anunciada por Sony no será una traslación literal de la historieta: se desarrollará una trama inédita que, según se informa, llevará a Django a formar una alianza inesperada con el legendario justiciero enmascarado. Aún no se han publicado detalles específicos sobre el argumento. Sony ha confiado la escritura del guion a Brian Helgeland, ganador del Óscar por L.A. Confidential. La elección de Helgeland marca un cambio respecto a versiones anteriores del proyecto. En el pasado, el comediante Jerrod Carmichael fue contactado para escribir un borrador, pero esa versión fue descartada por razones no especificadas. Quentin Tarantino, aunque figura como coautor del cómic original y ha impulsado la idea del crossover durante años, no dirigirá la película ni tiene previsto estar al frente del proyecto.

La dirección permanece vacante y no se ha anunciado quién ocupará esa función en la producción. La combinación creativa de Helgeland y la premisa surgida de la colaboración entre Tarantino y Wagner genera expectación sobre el tono y el estilo que adoptará la película. El respaldo de Sony a la iniciativa refuerza la intención de llevar la historia a una audiencia internacional. El filme se encuentra en una fase temprana de desarrollo dentro de Sony Pictures. No hay fecha confirmada para el inicio de la producción ni para su estreno. Tampoco se ha definido quién asumirá la dirección, y el estudio no ha revelado información sobre el equipo técnico o el resto del reparto. La noticia del avance en el desarrollo responde al interés sostenido de Tarantino por esta historia. Durante años, el cineasta expresó su entusiasmo por ver en pantalla el encuentro entre Django y Zorro, llegando a conversar con diferentes colaboradores para explorar posibles enfoques. La participación de Helgeland en la escritura del guion representa el paso más concreto hasta la fecha para materializar el proyecto.

A la espera de Banderas

Por el momento, Jamie Foxx y Antonio Banderas no han firmado su participación en la película. Banderas ha confirmado públicamente que Tarantino le propuso el papel durante una conversación en la noche de los Óscar de 2020, cuando el actor fue nominado por Dolor y gloria. Sin embargo, no existe confirmación oficial de su incorporación ni de la de Foxx. Banderas expresó en 2022 su entusiasmo por la posibilidad de trabajar bajo la visión de Tarantino, señalando la capacidad del director para transformar materiales inspirados en películas de serie B en producciones de alta calidad. La presencia de ambos actores sería clave para atraer la atención de los seguidores de las sagas originales.

Tarantino no ha dirigido una película desde Once Upon a Time in Hollywood en 2019. El cineasta ha reiterado en diversas ocasiones su intención de retirarse tras realizar su décima película, proyecto que durante un tiempo llevó el título tentativo de The Movie Critic, pero que finalmente fue descartado. En paralelo, Tarantino prepara su debut teatral con una obra titulada The Popinjay Cavalier, que se presentará en el West End de Londres en 2027. Con una obra teatral en el horizonte y sin planes inmediatos de regresar a la dirección cinematográfica, la adaptación de Django/Zorro representa una extensión indirecta de su universo creativo, aunque bajo el liderazgo de otros profesionales.

Turno de noche se ambienta en unas instalaciones gubernamentales donde dos vigilantes nocturnos descubren un hongo alienígena supercontagioso que llevaba décadas olvidado tras un accidente espacial. La amenaza biológica se reactiva y desata el caos, involucrando a un equipo de especialistas en bioterrorismo encabezado por Liam Neeson y a una pareja de jóvenes guardias interpretados por Joe Keery y Georgina Campbell. A partir de ahí, la película propone un ritmo acelerado y una sucesión de situaciones extremas que alternan el horror corporal y el gore con secuencias de comedia y romance inesperado.

El guion de David Koepp se apoya en hechos científicos documentados, como el comportamiento del hongo cordyceps, conocido por invadir el sistema nervioso de insectos y manipular sus acciones. Koepp explica, en declaraciones recogidas por The Hollywood Reporter, que la premisa surgió tras leer sobre parásitos capaces de modificar el comportamiento de sus huéspedes: “Me pregunté qué ocurriría si una mutación permitiera que este hongo afectara a humanos. Esa idea fue el germen de la novela y la película”. La producción, respaldada por Gavin Polone —productor de Bienvenidos a Zombieland—, ha reunido a un equipo técnico experimentado en el género. Jonny Campbell, que previamente dirigió la miniserie Drácula y episodios de Westworld y Doctor Who, aporta su sello a una historia que oscila entre la autoparodia, el suspense y la acción. En palabras de Campbell recogidas por Variety, “Turno de noche mantiene el tono irreverente de Drácula, pero va más allá, apostando por sorprender al público con cada giro de la trama”.

La (nueva) invasión de los ultracuerpos

La película arranca con un accidente de una nave espacial que transporta muestras biológicas y termina estrellada en el desierto australiano, una secuencia inspirada en el reingreso real de la estación Skylab en 1979. El guion plantea la hipótesis de que una muestra alienígena quedó olvidada en instalaciones subterráneas que, años después, pasan a manos de una empresa de vigilancia. El desencadenante es el hallazgo accidental del hongo por parte de Teacake (Keery) y Naomi (Campbell), quienes empiezan a investigar tras escuchar una alarma persistente en las paredes del almacén.

Uno de los puntos fuertes de la película reside en el tratamiento visual del horror biológico. El filme introduce criaturas como el “rey de las ratas”, inspirado en leyendas urbanas y hallazgos reales de roedores con colas anudadas, y un gato mutante llamado Mr. Scroggins, que se convierte en uno de los ejes de la trama. El diseñador de efectos especiales, Dave Elsey, contaba que el proyecto supuso un reto por la diversidad de mutaciones y escenas de transformación, muchas de las cuales fueron resueltas mediante efectos prácticos y maquillaje prostético. El rodaje se realizó entre Marruecos —que simula el desierto australiano— y los estudios Tiburtina en Roma, donde se recrearon las instalaciones militares subterráneas. Además, parte de las escenas clave se filmaron en un búnker real construido durante la Segunda Guerra Mundial en las afueras de la capital italiana, aportando realismo a los laberínticos pasadizos por los que deambulan los protagonistas.

De la estrella de moda a leyendas de la interpretación

Joe Keery, conocido por su papel en Stranger Things, destaca en la piel de un vigilante que intenta dejar atrás un pasado problemático. “Teacake es un personaje que busca redención. Tiene fama de irresponsable, pero la emergencia le obliga a dar lo mejor de sí”, afirmaba el actor en una reciente entrevista. Por su parte, Georgina Campbell interpreta a Naomi, una madre soltera que aprovecha el trabajo nocturno para compaginar sus estudios de veterinaria y el cuidado de su hija. Ambos actores han mencionado la química inmediata que surgió durante el rodaje, un elemento que la dirección supo potenciar para dotar de naturalidad a la relación central del filme.

La dinámica generacional se refuerza con la presencia de Liam Neeson y Lesley Manville, quienes encarnan a dos veteranos que deben colaborar con los jóvenes para frenar la expansión del hongo. “Quinn y Romano tienen una relación de confianza forjada por años de trabajo conjunto. El reencuentro de ambos actores en pantalla aporta verosimilitud a la dupla”, explicaba Campbell en una entrevista para The Hollywood Reporter, dentro de un reparto en el que también destaca la participación de la leyenda británica Vanessa Redgrave. El guion de Koepp se caracteriza por los diálogos ágiles y el humor negro que atraviesa situaciones de alto riesgo. Según los protagonistas, la película encuentra un equilibrio entre la parodia y la tensión, sin perder de vista el desarrollo de los personajes. “Es una historia sobre personas comunes enfrentadas a lo extraordinario, con reacciones reales y sin concesiones al heroísmo convencional”, resumía Georgina Campbell.

La base científica de la trama representa otro de los atractivos del filme. Koepp realizó una investigación exhaustiva sobre los mecanismos de contagio y mutación de los hongos, en particular del género cordyceps, conocido por su capacidad de manipular insectos y expandirse mediante esporas. El autor subraya la proximidad entre la ficción y los riesgos potenciales del cambio climático y el deshielo de materiales biológicos almacenados bajo tierra. Según sus palabras recogidas por Variety, “cuanto más documentada está una premisa, más creíble resulta para el espectador”. La película tira de referentes clásicos del género como La cosa de John Carpenter, La invasión de los ultracuerpos o Temblores con una estética contemporánea y guiños a la cultura pop de los años ochenta. La producción cita entre sus fuentes de inspiración el cine de aventuras subterráneas y el body horror, sin renunciar a momentos de ternura ni a la espectacularidad de los efectos visuales.

La película puede ser la propuesta más diferente por su tono, mientras que como terror puro se mantiene estos días La momia de Lee Cronin. Tanto el director como los actores han enfatizado el carácter disfrutable del filme, que tan bien rima con sus referentes ochenteros, y la importancia de la experiencia compartida entre público y pantalla. “Una historia así merece ser vivida en comunidad, con risas y sustos que se contagian”, manifestaba Liam Neeson. En definitiva, Turno de noche es una de las apuestas más audaces de la temporada para el público aficionado al terror, el humor negro y la ciencia ficción, con un reparto multigeneracional y un equipo creativo que combina experiencia y riesgo narrativo, en una lección de por qué cuanto más verosímil es la historia, más miedo puede generar en el espectador.

Amazon Prime Video ha decidido cancelar Gen V, el spin-off ambientado en el universo de The Boys, tras solo dos temporadas emitidas. La noticia fue confirmada por los productores ejecutivos Eric Kripke y Evan Goldberg, quienes aseguraron que, aunque la serie no continuará, los personajes tendrán presencia en la quinta temporada de The Boys y en futuros proyectos del llamado VCU. La plataforma informó que la decisión se tomó tras el cierre de la segunda temporada, emitida entre septiembre y octubre de 2025. Según un portavoz con conocimiento de la situación, los jóvenes superhéroes de Gen V aparecerán en los próximos episodios de la quinta y última temporada de The Boys. Además, se contempla su participación en nuevas series dentro del universo de Vought, aunque no se han anunciado detalles adicionales.

La cancelación de Gen V pone fin a una de las apuestas más destacadas de Amazon Prime Video en la adaptación de cómics para televisión. El anuncio se da en un contexto donde la franquicia de The Boys se prepara para un cierre definitivo en su quinta temporada, consolidando así el futuro del universo VCU con nuevas propuestas y el cierre de algunas de sus producciones más exitosas. Los productores ejecutivos Eric Kripke y Evan Goldberg expresaron su agradecimiento a los seguidores y al elenco, destacando que, aunque les habría gustado continuar con una tercera temporada, la historia de los personajes de Gen V seguirá viva en otros proyectos. “Estamos comprometidos a continuar las historias de los personajes de Gen V en la temporada 5 de The Boys y en otros proyectos del VCU que están en el horizonte. Los verán de nuevo”, indicaron en un comunicado.

Esta decisión marca un punto de inflexión para la franquicia. Los personajes principales, que lograron captar la atención de la audiencia juvenil, no desaparecerán, sino que encontrarán nuevas oportunidades dentro del universo creado a partir del cómic original de Garth Ennis y Darick Robertson. El desempeño de Gen V en términos de audiencia fue destacado en su estreno. Durante la primera semana de la segunda temporada, que debutó con tres episodios en septiembre de 2025, la serie acumuló 424 millones de minutos vistos, lo que la posicionó en el octavo lugar del ranking de originales en streaming de Nielsen. Esta cifra representó el mayor registro semanal en la historia del programa, con dos tercios de la audiencia correspondiente al segmento de adultos entre 18 y 49 años.

La historia detrás de la cancelación

Sin embargo, tras este pico inicial, Gen V no logró mantenerse de forma sostenida en el top 10, reapareciendo solo una vez más en ese listado durante la segunda temporada. Esta fluctuación en el interés de la audiencia pudo haber sido un factor considerado por Amazon Prime Video en la decisión de no renovar el programa. Gen V situaba su trama en la ficticia Godolkin University School of Crimefighting, una institución donde jóvenes superhéroes —conocidos como “supes”— se entrenan con la esperanza de ser seleccionados para ingresar a The Seven, el grupo de élite de Vought International.

El elenco principal incluía a Jaz Sinclair, Lizze Broadway, Maddie Phillips, London Thor, Derek Luh, Asa Germann, Sean Patrick Thomas y Hamish Linklater. La serie combinaba elementos de sátira social, acción y drama adolescente, presentando nuevas perspectivas sobre la vida de los superhéroes en formación y sus dilemas éticos frente al poder y la fama. Con el cierre de The Boys en su quinta temporada y la cancelación de Gen V, el único proyecto confirmado en el horizonte es el spin-off titulado Vought Rising. Esta nueva serie explorará los orígenes de Soldier Boy (interpretado por Jensen Ackles) y Stormfront (Aya Cash) en la década de 1950, y está programada para estrenarse en 2027. Se prevé un adelanto de Vought Rising durante la última temporada de The Boys. La decisión de Amazon Prime Video refleja la evolución de sus estrategias de contenido y marca el cierre de una etapa para los seguidores del universo de The Boys.

“Desarrollé la película con mi coguionista Louise Peter. Pasamos un verano en la granja en la región del Altmark, donde transcurre la historia. Al principio teníamos en mente una historia distinta, pero durante las veladas, hablando, tomando una copa de vino, empezamos a preguntarnos quién había vivido en aquella granja, qué vidas habían atravesado aquellas paredes. Nos dimos cuenta muy rápidamente de que cualquier intento de escribir un relato estructurado, una trama, acabaría fracasando. Un poco como si el propio lugar se resistiera a formar parte de una narración clásica”, cuenta la propia Schilinski, quien se dio a conocer con Dark Blue Girl, en la que exploraba la historia de amor de una pareja de vacaciones en una isla del Mar Egeo.

En El sonido de la caída se narran las historias de cuatro mujeres jóvenes en épocas distintas. La adolescencia de Alma, Erika, Angelika y Lenka transcurre en la misma granja en el norte de Alemania. La casa va transformándose a medida que pasan los decenios, pero el eco del pasado resuena entre las viejas paredes. A pesar de los años que las separan, sus vidas parecen reflejarse. Cuatro historias aparentemente distintas pero conectadas por un lazo invisible pero muy fuerte que ilustra la identidas femenina alemana y su evolución con el paso del tiempo. “Quisimos explorar la simultaneidad de las temporalidades – el momento en que, en un mismo sitio, una persona vive una experiencia banal mientras que otra pasa por algo esencial, incluso existencia".

Una estética única en los tiempos que corren

Quizá lo que diferencie a El sonido de la película de otras películas actuales, más allá de su peculiar planteamiento, sea su propuesta visual. Una fotografía que retrotrae a otros tiempos y que captura como ninguna la belleza y extrañeza del paisaje rural de la Alemania del Norte en la que se rodó la película. “La cámara casi se convierte en otro personaje, otra mirada, pero nunca se sabe a quién pertenece. Capta algo exterior que los personajes perciben de pronto, como si se sintieran observados. También queríamos imágenes muy claras, puras. Francesca Woodman fue una importante inspiración para nosotros, sus fotografías de cuerpos borrosos, casi fantasmales, comunican una atmósfera flotante que siempre me ha fascinado”, explicaba la directora, quien colaboró estrechamente con su director de fotografía Fabian Gamper para conseguir ese distinguido aspecto visual.

“Además, me parecía esencial evocar el velo que cae sobre los recuerdos con el paso del tiempo. Usamos diversas perspectivas, trabajamos mucho con la steadycam, incluso con un estenopo, con el fin de acentuar la sensación de extrañeza y de disociación. La cámara se convirtió en una extensión del cuerpo”. Desde esta semana los espectadores españoles ya pueden disfrutar en cines de una película tan especial, misteriosa e hipnótica como han definido quienes ya han podido verla. Más allá de compartir el premio con otro título que conquistó las salas el año pasado como Sirat y que ha tenido gran recorrido fuera de nuestro país, El sonido de la caída hace el camino inverso dispuesta sobrecoger con su historia de mujeres a través del tiempo y hacer que se siga la pista de Mascha Schilinski, quien promete ser una de las nuevas grandes voces del cine de autor alemán.

La película Michael es el nuevo biopic que acaba de llegar a cines y que busca narrar la vida y el legado de Michael Jackson, uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. Dirigida por Antoine Fuqua y realizada con el respaldo de la familia Jackson, la cinta recorre desde los años iniciales del cantante en los Jackson 5 hasta su consolidación como estrella global, incluyendo los episodios más celebrados y controvertidos de su carrera. El estreno de la película ha generado una fuerte expectativa y una oleada de debates entre fanáticos y críticos, tanto por su aproximación narrativa como por la presencia de figuras reales en la producción. En este contexto, Víctor Amorín, divulgador musical conocido por su trabajo en el canal Music Radar Clan, publicó un extenso hilo en redes sociales donde analiza de manera detallada los errores históricos y las limitaciones musicales de Michael, aportando una perspectiva crítica desde su especialización en divulgación biográfica y musical.

Para Amorín, Michael es un biopic “correcto” pero excesivamente “simplista”, alineado con la tendencia de los filmes musicales recientes que sacrifican profundidad en favor de una estructura narrativa más accesible. El experto destaca que la película no logra alcanzar la riqueza ni el desarrollo dramático que mostraron biopics previos como los dedicados a Johnny Cash, James Brown o Ray Charles. Subraya que los personajes en Michael son superficiales, con personalidades rígidas y poca evolución, lo que impide captar la complejidad de una vida tan singular como la de Jackson. Amorín sostiene que el filme presenta un “compendio de personajes simples, poco profundos, con personalidades muy marcadas que apenas evolucionan... Creo que no le hace del todo justicia a una historia que pudo ser apasionante”. Esta debilidad, advierte, es común a producciones recientes como Elvis o Bohemian Rhapsody, donde las historias tienden a simplificarse, perdiendo matices esenciales para comprender la trayectoria de los músicos retratados.

Más precisa de lo que se ha dicho

En cuanto al rigor histórico, el divulgador defiende que la película es más precisa de lo que muchos críticos han sugerido. Sin embargo, señala que la omisión de etapas fundamentales limita el entendimiento del público sobre el contexto en que Michael Jackson desarrolló su carrera. Entre estas ausencias destaca la falta de profundidad sobre la decadencia de la Motown antes de la llegada de los Jackson 5, así como su posterior resurgimiento con el grupo familiar. Amorín considera que esta etapa habría enriquecido la narrativa y permitido al espectador comprender mejor la dimensión del fenómeno Jackson. El análisis también apunta a la representación de las relaciones familiares, que en la película se abordan de forma insuficiente. Amorín denuncia que la complejidad y los cambios en la relación entre los miembros de la familia Jackson están poco desarrollados, y que personajes como las hijas quedan relegados a un papel secundario. Además, cuestiona que la película no ahonde en el impacto del “régimen de terror” impuesto por el padre (Colman Domingo) ni en los conflictos internos derivados del éxito y de la salida de Michael como solista.

Otro aspecto controvertido señalado por Amorín es la manera en que los personajes vivos han influido en el relato, interviniendo para suavizar su imagen y exculparse. “Hay a veces más lavado de cara y autoexculpación de los que están vivos que del artista muerto”, resume el divulgador, para quien la producción perdió la oportunidad de ser más pragmática y respetuosa con la historia real. Una de las críticas más severas se dirige al tratamiento del personaje de John Branca (Miles Teller), descrito como una “aberración” y objeto de manipulación narrativa. Amorín admite que Branca jugó un papel relevante para la familia y para Michael, pero insiste en que fue una figura “manipuladora y mezquina”, central en la decadencia del artista. Según el experto, la película omite los aspectos más oscuros y decisivos de esta relación, simplificando un vínculo crucial para la vida de Jackson.

El biopic, además, deja de lado aspectos musicales y creativos esenciales para entender el fenómeno Michael Jackson. El divulgador lamenta la escasa atención al impacto de la trilogía Off the Wall, Thriller y Bad, así como la falta de desarrollo sobre el rechazo inicial de la industria y la crítica, que tardaron en reconocer el valor artístico del cantante. Para Amorín, el filme tampoco explora adecuadamente los procesos creativos y de grabación de Jackson, quien, sin formación musical formal, trabajaba en el estudio de maneras radicalmente distintas a otros artistas. Las observaciones de Víctor Amorín ponen en cuestión la tendencia de los biopics musicales a sacrificar complejidad y rigor por fórmulas narrativas simplificadas, y abren el debate sobre la responsabilidad de este tipo de películas al retratar figuras del calibre de Michael Jackson.

Sobre la omisión de los abusos

Respecto al tema de las denuncias y supuestos abusos, Amorín entiende la decisión de dejarlo al margen. Argumenta que gran parte de la sociedad, especialmente en Estados Unidos, todavía no está preparada para una reflexión objetiva y rigurosa sobre el asunto, tras décadas de sensacionalismo y desinformación que marginaron a Jackson incluso después de demostrarse su inocencia. Critica a medios y periodistas, como Rolling Stone, por su resistencia a revisar años de cobertura sensacionalista, y considera que la película evita “carnaza” y juicios superficiales.

Sobre la representación de Jackson, Amorín descarta la idea de que el filme lo retrate como un “santo” o un personaje excéntrico. Sostiene que, en la etapa que cubre la película, Michael era realmente una persona humilde, centrada en su carrera y dedicada a labores de caridad y ayuda humanitaria. “Iba a hospitales de niños con cáncer, abrió y mantuvo centros de niños sin hogar, llevó cenas a centros de mayores y cenó con ellos”, relata Amorín, quien recalca que muchas de estas acciones no recibieron publicidad, pero están documentadas en biografías serias.

No obstante, el divulgador lamenta que el filme se quede corto incluso en el retrato de su labor benéfica, y señala que parte del público busca “ver carnaza” y juzgar sin documentación. Añade que la película ha servido como catarsis para los fans de Jackson, quienes durante años fueron ridiculizados y ahora encuentran en este estreno una reivindicación necesaria. Por último, Amorín recomienda ver Michael como una experiencia disfrutable y emotiva, aunque no sea la mejor vía para conocer a fondo a un personaje tan complejo. Aun así, considera que la película logra un objetivo relevante: devolver a Michael Jackson una imagen más humana, algo que, según él, la sociedad sigue necesitando.

La actriz Helena Bonham Carter ha abandonado el rodaje de la cuarta temporada de The White Lotus, la exitosa serie de HBO creada por Mike White. La noticia se conoció poco después de iniciada la filmación en la Riviera Francesa, donde la actriz británica había comenzado a rodar sus primeras escenas. Según fuentes internas citadas por el insider Jeff Sneider, “simplemente no era la adecuada” para el papel, motivo por el cual el personaje será reescrito y recasteado en las próximas semanas.

La salida de Helena Bonham Carter se produce tras apenas una semana de trabajo en el set. HBO confirmó que el personaje para el que había sido seleccionada no logró encajar con la visión creativa del equipo. “Con el rodaje apenas iniciado, se hizo evidente que el personaje que Mike White creó para Helena Bonham Carter no encajaba una vez en el set”, declaró un portavoz de HBO al medio Deadline. Según la cadena, el rol ha sido replanteado, está siendo reescrito y será recasteado próximamente.

La decisión de apartar a Bonham Carter implica un cambio significativo en la producción de la cuarta temporada, ya que se trataba de un papel central en la historia. Mike White, creador y director de The White Lotus, suele ser meticuloso en la selección de su elenco. En este caso, Carter era la primera opción del equipo de producción y encabezaba la lista de deseos para la nueva entrega, ambientada durante el Festival de Cannes. El insider Jeff Sneider, que difundió la noticia a través de sus redes, afirmó que HBO decidió recastear el papel de Helena Bonham Carter tras solo una semana de rodaje, justificando la medida con la frase: “Simplemente no era la adecuada”. Esta declaración refuerza la versión de que la decisión responde a cuestiones creativas y no personales. El ajuste se da en un contexto donde la serie ha destacado por su rigurosa dirección de casting y la búsqueda de intérpretes que se adapten con precisión a los personajes creados por White.

Así avanza el rodaje

La producción de la cuarta temporada de The White Lotus no se detiene a pesar de la baja de Bonham Carter. El equipo ha reestructurado el calendario de filmación para centrar las escenas en el resto del reparto, mientras se realiza la búsqueda de una nueva actriz para el rol vacante. La logística de la serie, que reúne a todo el elenco en una única locación durante el rodaje, facilita los ajustes necesarios en la agenda. El elenco confirmado para la nueva temporada incluye nombres como Vincent Cassel, Steve Coogan, Caleb Jonte Edwards, Dylan Ennis, Corentin Fila, Ari Graynor, Marissa Long, Alexander Ludwig, Chris Messina, AJ Michalka, Kumail Nanjiani y Nadia Tereszkiewicz. Entre los actores adicionales figuran Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Heather Graham, Max Greenfield, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Rosie Perez, Ben Schnetzer y Laura Smet.

La cuarta temporada de The White Lotus está ambientada en la Costa Azul, con escenarios principales en el Airelles Château de la Messardière en Saint-Tropez, rebautizado como el White Lotus du Cap, y el Hôtel Martinez como el White Lotus Cannes. Las grabaciones incluyen locaciones en Cannes, Saint-Tropez, Mónaco y París, aunque la trama se mantendrá centrada en la Riviera Francesa. El proceso de recasting para el papel dejado por Bonham Carter se desarrollará durante las próximas semanas. Mientras tanto, la producción sigue adelante bajo la dirección de Mike White, quien también está a cargo del guion de todos los episodios. Junto a él, los productores ejecutivos David Bernad y Mark Kamine supervisan que los cambios no alteren el ritmo del rodaje ni la cohesión del proyecto.

Este recasting es inusual para The White Lotus, ya que la serie se ha caracterizado por la estabilidad de su elenco y la continuidad creativa entre temporadas. Sin embargo, la decisión busca preservar la integridad artística del proyecto, asegurando que cada personaje se corresponda plenamente con la visión del creador. La expectativa en torno a la cuarta temporada de The White Lotus sigue siendo alta. La salida de una actriz del calibre de Helena Bonham Carter añade un elemento inesperado a la producción, cuya fecha de estreno aún no ha sido anunciada. El proceso de selección de la nueva intérprete será seguido de cerca por la industria y los seguidores de la serie, atentos al rumbo que tomará la exitosa franquicia de HBO.

Sin ánimo de comparar al rey del pop con el director de La semilla del diablo, lo cierto es que la premisa de este biopic se presta a ello. No solo acota deliberadamente la historia del cantante para dejar fuera todos los momentos oscuros de su carrera, sino que busca deliberadamente suavizar y encumbrar los momentos que sí escoge para mostrar. Lo bueno es que en el cine, como en muchos otros artes, lo que no se muestra también dice algo, y Michael está llena de omisiones que revelan la propia naturaleza que pretende ocultar a toda costa, desde la verdadera relación de Jackson con sus padres como su influencia en la música popular desde los años 80, sin duda uno de los grandes debes del filme.

La película arranca en Gary, Indiana, a finales de los 60, donde la humilde familia Jackson cuenta con su propia banda, The Jackson 5. El más pequeño de ellos, Michael, parece ser el único incapaz de seguir el ritmo impuesto por el padre, Joseph Jackson (Colman Domingo), quien somete a sus chicos a exhaustivos ensayos y se ensaña especialmente con Michael. Tras fichar por el sello discográfico Motown Records y convertirse en una de las voces más especiales del mundo, el joven Michael comienza a meditar la idea de abandonar el grupo y formar una carrera en solitario, pero la alargada sombra de su padre aún pesa sobre sus hombros.

Un villano para un cuento de hadas

La premisa de la película basta para hacerse una idea de en torno a qué está articulada la película, y no es otra que el personaje de Colman Domingo, padre de Michael en la ficción. Un antagonista silencioso pero siempre presente, y que es en realidad quien delimita la cronología de la película, pues no en vano esta concluye precisamente cuando Michael termina ese viaje de liberación de su figura paterna, que encuentra antes en su guardaespaldas Bill Bray (KeiLyn Durrel Jones). La consecuencia directa es que Joseph Jackson ejerce de agujero negro que absorbe toda la incomodidad y maldad de la película, al tiempo que Michael es descrito como un personaje eminentemente blanco y puro, sin apenas aristas.

Al contrario que otros biopic de la ya larga lista de los últimos años, desde Bohemian Rhapsody hasta Springsteen: Deliver Me From Nowhere, pasando por Elvis o A Complete Unknown sobre Bob Dylan, Michael no tiene altibajos ni claroscuros. Hay una figura casi divina solo empañada por su padre, pero no es una historia de auge y caída, pues en ningún momento se ve una caída como tal. Solo una retahíla de escenas inconexas de animales y visitas a niños terminales para reafirmar la idea de que Michael era una suerte de Peter Pan fruto de su pasado. En definitiva, la película se parece mucho más al cuento de hadas con el que se muestra a Michael tan embelesado -clásicos Disney, cine de Charles Chaplin y demás cortos animados- que a un biopic al uso, y se señala a estos referentes poco menos que como influencia directa antes que el productor Quincy Jones o la verdadera visión original que poseía el propio cantante.

Exhibiendo repertorio

Si hay dos cosas a rescatar de Michael son, por un lado, el propio encargado de dar vida al mito, el sobrino del cantante Jafaar Jackson, quien en su debut cinematográfico da una convincente interpretación sin caer en manierismos, en un papel que podía prestarse mucho a la parodia. Por otro, la exhibición de repertorio del cantante, desde sus primeros temas con The Jackson 5 al disco cumbre Thriller, del cual hay varios temas con la suficiente fuerza como para construir escenas, desde Beat It y su batalla de bandas a la propia Thriller en uno de los pocos momentos en los que se muestra al Michael más genio artístico, cameo de John Landis incluido.

No será un biopic al uso por sus decisiones argumentales y de tono, pero desde luego es musical y son sus momentos musicales los mejores, aunque solo sea por recordar esas canciones y recrearse con la coreografía del rey del pop, fantásticamente recreada. Solo cabe preguntarse si esta fórmula que emprendió Bohemian Rhapsody durará mucho más o si los espectadores pronto se empezarán a hacer preguntas. Las mismas que despierta este atípico biopic, tan lustroso sobre el escenario como vacío fuera de él, embelesado por el ídolo y desinteresado en la persona humana detrás de él. Haya o no una continuación, no parece que en ella vayamos a ver al verdadero Michael.

Michael experimentó modificaciones drásticas tras el rodaje inicial. El tercer acto del filme fue descartado por completo y requirió regrabaciones. Según la información difundida, el guion original abordaba la demanda de 1993 contra Michael Jackson por abuso sexual infantil, acusaciones que el cantante siempre negó. Sin embargo, los productores detectaron después una cláusula en el acuerdo judicial con el denunciante que prohibía cualquier mención o representación del caso en cine o televisión. Este hallazgo legal forzó la reescritura y eliminación de escenas asociadas, lo que impactó también en la presencia de personajes vinculados al entorno del cantante durante ese periodo. Aunque Kat Graham no especificó si su personaje fue eliminado directamente por este conflicto, la coincidencia temporal sugiere que la exclusión de Diana Ross responde a las mismas restricciones legales. La película tampoco incluye a Janet Jackson, hermana del artista, como personaje, señal de la cautela con la que se abordaron relaciones y figuras claves de la vida del músico.

Poco antes del lanzamiento oficial, Kat Graham recurrió a las redes sociales para anticipar al público los cambios. En su comunicado, expresó que “algunas escenas, incluidas las que filmé con un elenco increíble, ya no estarán en la versión final”. La actriz manifestó su agradecimiento al equipo de producción por intentar conservar la integridad de la historia a pesar de estos ajustes forzados. La ausencia de Diana Ross en el corte definitivo representa una omisión notable, dado el peso histórico de la cantante en la trayectoria de Michael Jackson y la industria musical. Ross fue pieza clave en la carrera temprana de Jackson, y su exclusión modifica el retrato del entorno artístico que rodeó al Rey del Pop.

Cambios en el guion y regrabaciones tras problemas legales

El equipo creativo de Michael atravesó una etapa de reescrituras y reshoots a raíz de las restricciones legales encontradas. La imposibilidad de narrar ciertos episodios reales, especialmente aquellos vinculados a procesos judiciales protegidos por acuerdos de confidencialidad, llevó a que se eliminaran personajes y situaciones relevantes para la narrativa.

La dirección quedó a cargo de Antoine Fuqua, quien debió reorganizar la historia para ajustarse a las nuevas limitaciones. El resultado es un filme que se enfoca en los años tempranos de Michael Jackson, su relación con su padre Joe Jackson, y el inicio de su carrera solista, evitando los episodios polémicos prohibidos por acuerdos legales previos. Michael cuenta con un reparto encabezado por Jaafar Jackson, sobrino real del cantante, en el papel principal. Colman Domingo y Nia Long interpretan a Joe y Katherine Jackson, padres del artista. El elenco incluye además a Miles Teller como el manager John Branca, Laura Harrier como la asistente creativa Suzanne De Passe, Kendrick Sampson como el productor Quincy Jones y Larenz Tate en el rol de Berry Gordy.

El filme aspira a un éxito comercial considerable. Se estiman ingresos de al menos 70 millones de dólares en el mercado estadounidense y 150 millones a nivel global durante su primer fin de semana, cifras que lo posicionarían como el biopic musical con mejor debut de la historia y el mayor éxito para Lionsgate en más de una década. La decisión de eliminar a Diana Ross y otros personajes por razones legales marca un precedente sobre el impacto de acuerdos judiciales en la representación artística de figuras públicas. La versión definitiva de Michael refleja tanto los desafíos legales como los límites narrativos en los retratos biográficos de celebridades.

Consultada sobre si tuvo reservas para reincorporarse a franquicias tan populares, Hathaway fue clara: “Ya no me importa ese tipo de cosas. Me sorprende mucho. Pensé que estaba en la sección pequeña y rara del cine independiente. Pensé que ahí iba a quedarme. Así que en realidad estoy bastante encantada de que alguien me haya pedido volver y, básicamente, hacer el equivalente a una gira en estadios”. La actriz reconoció que, en el pasado, priorizaba proyectos independientes y alejados del circuito comercial, pero hoy se siente feliz de poder reencontrarse con el público a través de historias que trascienden generaciones.

La secuela de El diablo viste de Prada reúne nuevamente a Hathaway con Meryl Streep y Emily Blunt. El reparto se completa con Stanley Tucci, quien retoma el papel del perspicaz Nigel, y se suma el ganador del Oscar Kenneth Branagh como el esposo de Miranda Priestly. Esta incorporación añade una dimensión inédita al entorno personal de la temida editora en jefe, interpretada por Streep. La trama de la secuela explora el futuro de Miranda Priestly en una industria editorial en crisis, enfrentando a su exasistente Emily Charlton, convertida ahora en ejecutiva rival. En paralelo, Branagh aporta un nuevo eje narrativo, mostrando la vida familiar de Miranda y las tensiones derivadas de su inminente retiro. El regreso de Stanley Tucci asegura continuidad con la primera entrega y mantiene el espíritu que hizo de El diablo viste de Prada un fenómeno global.

El consejo de Charli XCX

Hathaway profundizó en la transformación de su personaje, Andrea Sachs. La actriz señaló: “Creo que hace veinte años Andy Sachs estaba muy preocupada por hacerlo bien y realmente quería agradar a su jefa. Ahora, creo que quiere ser ella misma. Y me identifico con eso”. Hathaway explicó que, tanto en la ficción como en su vida personal, ha ganado confianza y autonomía, dejando atrás la ansiedad de complacer a otros. Este crecimiento personal se traslada a Andy, quien en la secuela se muestra más segura y decidida.

Un aspecto central en las películas de la franquicia es la moda. Hathaway confesó que uno de sus trajes favoritos quedó fuera del montaje final de la secuela. “Creo que era una camiseta de Phoebe Philo, con una especie de cola. Era más una prenda que otra cosa, pero me encantó”, comentó la actriz. La atención al detalle en el vestuario sigue siendo parte esencial de la identidad visual de El diablo viste de Prada y un guiño a los seguidores de la saga. Además de su regreso a estos proyectos, Hathaway participa en Mother Mary, un thriller psicológico en el que interpreta a una estrella pop. Para prepararse, mantuvo largas conversaciones con la cantante Charli XCX, interesándose en la experiencia real de ser una figura pública en la industria musical.

La primera entrega de El diablo viste de Prada, estrenada en 2006, sigue a una joven periodista que enfrenta la presión de trabajar bajo la estricta Miranda Priestly. El filme recibió el Globo de Oro a la mejor actriz en comedia y varias nominaciones al Oscar y al Sindicato de Actores. El anuncio de la secuela, junto al desarrollo de Princesa por sorpresa 3, ha generado gran expectación entre los seguidores de Hathaway y del cine contemporáneo. El regreso de Anne Hathaway a estos papeles simboliza una etapa de reconciliación con su propio legado y una apertura a retomar historias que siguen vigentes para nuevas audiencias. Para la actriz, volver a El diablo viste de Prada y Princesa por sorpresa es, en sus palabras, “hacer algo así como una gira por estadios”, un reencuentro masivo con el público que la vio crecer en la pantalla grande.

La compañía The Walt Disney Company ha anunciado la apertura de un casting presencial en Girona para seleccionar figurantes y bailarines que participarán en la nueva adaptación en acción real de la película Enredados. El proceso de selección se llevará a cabo el lunes, 27 de abril, en la Fira de Girona, ubicada en el paseo de la Devesa, en horario de 10:00 a 19:00 horas. La organización ha advertido que el acceso podría cerrarse antes si se alcanza el aforo máximo previsto.

La convocatoria está dirigida a hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años, ampliando notablemente el perfil habitual de aspirantes en este tipo de producciones. Según informó la organización, los menores de edad deberán acudir acompañados por un familiar, y todos los interesados deberán presentar un documento de identidad en vigor o el NIE para formalizar la inscripción. El trabajo será remunerado como parte de la producción de la nueva película. La selección se realizará únicamente de manera presencial, sin proceso online disponible. La búsqueda incluye perfiles muy diversos, ya que también se requieren bailarines —profesionales o amateurs— de hasta 70 años, sin limitaciones de origen o apariencia. Esta amplitud responde a la intención de Disney de reflejar una comunidad plural en las escenas multitudinarias que formarán parte del largometraje.

El Barri Vell de Girona será uno de los escenarios principales del rodaje. Esta zona histórica se transformará para representar parte del reino ficticio en el que transcurre la historia, inspirada en el clásico cuento de Rapunzel, de los hermanos Grimm. El equipo de producción ha elegido este emplazamiento por su arquitectura y ambiente, que facilitarán la recreación de la atmósfera fantástica de Enredados. Aunque Girona ocupará un papel destacado, la base principal del rodaje se instalará en la Ciudad de la Luz de Alicante, uno de los complejos audiovisuales más relevantes de España. Otras localizaciones confirmadas incluyen el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, lo que permitirá dotar a la película de una variedad de paisajes y escenarios emblemáticos.

Un nuevo gran rodaje para España

El rodaje comenzará en junio de 2026 y se prevé que se prolongue durante unos ocho meses, según los planes de la productora. Esta extensión permitirá cubrir las diversas etapas de grabación y posproducción, así como coordinar los desplazamientos del equipo entre las distintas localizaciones. La dirección de la nueva versión de Enredados estará a cargo de Michael Gracey, conocido por su trabajo en musicales y películas de gran formato. El reparto principal incluye a Teagan Croft en el papel de Rapunzel y a Milo Manheim como Flynn Rider. La actriz Kathryn Hahn interpretará a la Madre Gothel, uno de los personajes centrales del relato.

Con este elenco, Disney retoma el universo de la cinta animada estrenada en 2010, adaptando la narrativa clásica a un formato con actores reales y escenarios naturales. La selección de intérpretes y localizaciones busca aportar una nueva dimensión visual y dramática al universo de Enredados. La elección de figuras reconocidas y jóvenes talentos responde a la estrategia de la compañía para atraer tanto a nuevos espectadores como a quienes disfrutaron de la versión animada original. Al mismo tiempo, la producción en territorio español supone un impulso para la industria audiovisual local y la generación de empleo en las ciudades seleccionadas.

El actor Brian Cox, conocido por su papel en la serie Succession, compartió una anécdota que revela el impacto que le provocó la presencia de Brad Pitt durante el rodaje de la película Troya en 2004. Durante una conversación con Vanity Fair, Cox, de setenta y cinco años, recordó su experiencia en el set y no ocultó su asombro ante la apariencia de Pitt, quien interpretó a Aquiles en la superproducción dirigida por Wolfgang Petersen. En el video, Cox repasó distintos momentos de su carrera y se detuvo especialmente en su participación en Troya, donde dio vida a Agamenón. El actor subrayó que el ambiente de trabajo fue positivo y resaltó la calidad del reparto, que incluía a figuras como Orlando Bloom, Eric Bana, Brendan Gleeson, Diane Kruger y Sean Bean. Sin embargo, el encuentro con Pitt fue lo que más lo sorprendió.

“Recuerdo que, en un momento, simplemente me quedé agog al ver a Brad, porque nunca lo había visto con ese tipo de vestuario”, comentó Cox, aludiendo a los atuendos clásicos, habituales en las producciones inspiradas en la antigüedad. “Nosotros ya habíamos pasado por esas grandes épicas de vestuario, porque venimos del teatro clásico, siempre sin pantalones. Brad entró y yo me quedé con la mandíbula en el suelo porque era tan increíblemente hermoso”, expresó el actor durante el diálogo. Cox admitió abiertamente que la belleza de Pitt lo dejó sin palabras, pese a que, como él mismo aclaró con humor, es heterosexual. “Quiero decir, soy heterosexual, pero pensé: ‘¡Vaya! Dios mío, este tipo es impresionante’”, dijo, entre risas. “¿Qué posibilidad tiene uno de compartir pantalla con este hombre tan bello?”, reflexionó el actor.

La revelación de Cox sobre la impresión que le causó Pitt en el set de Troya subraya cómo la presencia física puede influir incluso entre colegas con una larga trayectoria en el cine y el teatro. El testimonio de Cox, quien cuenta con décadas de experiencia en producciones históricas y épicas, resalta el efecto que la figura de Pitt tuvo entre los profesionales involucrados en la película. Durante la producción de Troya, Cox no fue el único que quedó impactado por el ambiente y el reparto. El propio actor señaló que la experiencia fue enriquecedora gracias al trabajo conjunto con actores reconocidos y a la magnitud del proyecto. Cox mencionó que trabajar en una película de tales características, con grandes decorados y escenas multitudinarias, supuso un desafío y una oportunidad de crecimiento profesional.

La versión de Pitt

Por su parte, Brad Pitt también ha hablado en ocasiones anteriores sobre su paso por Troya. En una entrevista concedida a The New York Times Magazine en 2019, el ganador del Óscar manifestó que la película representó un punto de inflexión en su carrera. Pitt confesó que, aunque no fue una experiencia dolorosa, no quedó satisfecho con el resultado final y que la forma en que se contó la historia no coincidía con sus expectativas. El actor explicó que había aceptado el papel en Troya tras retirarse de otro proyecto y que fue una decisión ligada a compromisos con el estudio. Pitt consideró que la película adoptó un enfoque comercial, centrado en resaltar la figura del héroe, y que eso le hizo replantear sus futuras elecciones como actor. A partir de ese momento, decidió involucrarse solo en historias que considerara de mayor calidad, lo que marcó un cambio en la dirección de su carrera.

El rodaje de Troya reunió a un reparto internacional y se convirtió en una de las grandes producciones épicas de la década. La película, inspirada en la mitología griega y la Ilíada de Homero, se destacó por su despliegue visual y la interpretación de figuras reconocidas del cine. La anécdota de Brian Cox añade una mirada personal al detrás de escena, revelando cómo la convivencia en un set puede generar momentos inesperados y memorables. El recuerdo de Cox sobre Brad Pitt demuestra que, incluso en el competitivo mundo del cine, la admiración entre colegas puede surgir de la manera más espontánea. El impacto que la imagen de Pitt provocó en el experimentado actor británico se mantiene como una curiosidad dentro de la historia de Troya, una película que, más allá de su recepción crítica, dejó huella tanto en el público como en quienes participaron en su realización.

El actor también señaló que existe la posibilidad de desarrollar una segunda parte que aborde los episodios más controversiales de la vida del cantante. “Y hay una posibilidad de que haya una segunda parte que trate sobre otras cosas que sucedieron después. Esto trata sobre la formación de Michael, cómo fue criado y cómo intentaba encontrar su voz como artista y convertirse en solista. Eso es lo que tengo que decir al respecto”, agregó Domingo. Por su parte, Long intervino con un comentario sobre la posibilidad de una secuela, diciendo: “Si el precio es correcto”. La decisión de no incluir las acusaciones de abuso sexual infantil en la trama principal de Michael responde, según los protagonistas, a la intención de enfocar la narrativa en los orígenes personales y artísticos del cantante. La película busca ofrecer una visión íntima sobre la infancia de Jackson, su entorno familiar y sus primeros pasos hacia el estrellato internacional, dejando de lado los hechos que, a partir de 1993, modificarían la percepción pública sobre su figura.

Según se informó, el primer montaje de la película tenía una duración de más de tres horas y media e incluía una escena con uno de los acusadores de Jackson. Sin embargo, ese fragmento fue retirado tras llegar a un acuerdo con el patrimonio del cantante, que establecía que tales hechos no serían dramatizados en la película. Esta decisión no fue advertida inicialmente por los responsables legales de la familia Jackson al momento de autorizar la producción. En mayo pasado, Michael sumó 22 días adicionales de rodaje para filmar un nuevo final, según reportó el medio Deadline. Durante ese periodo, Lionsgate —la compañía distribuidora— evaluó la posibilidad de dividir la película en dos partes, dada la extensión y complejidad de los hechos abordados.

Las limitaciones legales

El recorte del material relacionado con las acusaciones no solo respondió a criterios narrativos, sino también legales y contractuales. El acuerdo con el patrimonio de Jackson estipuló que los detalles de los señalamientos y los nombres de los acusadores quedarían fuera del relato dramatizado. El proceso de rodaje y edición de Michael estuvo marcado por las restricciones legales impuestas por el entorno del artista. Según fuentes vinculadas a la producción, la decisión de evitar los temas judiciales permitió mantener el foco en la trayectoria profesional de Jackson. Los responsables del filme procuraron no revictimizar ni exponer detalles de los casos judiciales, respetando tanto las cláusulas legales como la perspectiva de los familiares.

El resultado es una película que narra la vida de Michael Jackson hasta el año 1988, cerrando antes del inicio del ciclo de denuncias públicas en su contra. Las expectativas sobre una posible segunda parte quedan abiertas, tal como lo mencionó Domingo, aunque de momento no existe confirmación oficial sobre la realización de una secuela. Las primeras acusaciones formales contra Jackson surgieron en 1993. Posteriormente, en 2003, fue acusado de siete cargos por abuso sexual infantil y dos por intoxicación de menores. El artista negó todas las imputaciones y se declaró inocente, siendo finalmente absuelto en 2005 por un tribunal. Tras su fallecimiento en 2009, otras personas han presentado denuncias similares, reavivando la controversia en torno a su figura.

La ausencia de estos hechos en Michael ha generado opiniones divididas entre los espectadores y críticos. Mientras algunos celebran el enfoque en el legado artístico, otros consideran que omitir los episodios más oscuros de la vida del cantante impide un retrato completo y honesto. A pesar del debate, la producción ha dejado claro que la narrativa actual se limitó a los primeros años de Jackson. La posibilidad de una futura secuela sigue abierta, dependiendo del interés de los productores y de las condiciones legales que rodean la memoria del artista.

El Festival de Cine de Cannes 2026 ha anunciado una nueva ola de incorporaciones a su selección oficial, entre las que destacan Paper Tiger, dirigida por James Gray y protagonizada por Adam Driver y Scarlett Johansson, y Victorian Psycho, adaptación de la novela homónima de la autora española Virginia Feito, quien además firma el guion. La programación refuerza la apuesta del certamen por la diversidad de voces creativas y la adaptación literaria. Paper Tiger forma parte de la competencia oficial por la Palma de Oro. El filme, dirigido por James Gray, reúne en su elenco principal a Scarlett Johansson, Adam Driver y Miles Teller. La historia sigue a dos hermanos que, en busca del sueño americano, se ven atrapados en una operación criminal que los enfrenta a la “Mafiya” rusa, según la sinopsis oficial. El conflicto pone a prueba los lazos familiares y plantea la traición como un desenlace posible.

La inclusión de Paper Tiger representa el regreso de Gray a la primera línea del cine internacional. Neon adquirió los derechos para América del Norte, lo que anticipa una fuerte presencia en la temporada de premios y una alta expectativa entre la crítica y el público del festival. El filme aparece como uno de los títulos más esperados en la Croisette para esta edición. Entre las novedades, destaca la adaptación de Victorian Psycho, novela de la autora española Virginia Feito. La propia Feito se encarga del guion de la película dirigida por Zachary Wigon, que será presentada en Cannes. El filme narra la llegada de Winifred Notty, una institutriz excéntrica, a la mansión gótica conocida como Ensor House. A medida que se integra en la vida del lugar, comienzan a desaparecer miembros del personal, generando sospechas sobre su presencia.

La actriz Maika Monroe lidera el reparto como Winifred Notty, acompañada por Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Amy De Bruhn y Jacobi Jupe. La producción corre a cargo de Dan Kagan y Sebastien Raybaud, con la participación de compañías internacionales. La selección de Victorian Psycho en Un Certain Regard subraya la atención creciente hacia la literatura española contemporánea adaptada al cine global. Para responder a la pregunta sobre el papel de la literatura española y su impacto en Cannes 2026, Victorian Psycho representa la consolidación internacional de Virginia Feito como guionista y novelista, al tiempo que la película se posiciona entre las propuestas más intrigantes del festival por su fusión de terror gótico y psicología.

Diego Luna vuelve a la dirección

El anuncio de Cannes abarca también la llegada de Ashes, dirigida por Diego Luna y basada en la novela Eating Ashes de la autora mexicana Brenda Navarro. El drama, rodado en español, cuenta con la participación de Anna Díaz, Adriana Paz, Laura Gómez y Charlie Rowe, y será exhibido en la sección Special Screenings. En Un Certain Regard, se suma A Girl’s Story, ópera prima de Judith Godrèche basada en la novela autobiográfica de Annie Ernaux, que explora la juventud, el descubrimiento sexual y las relaciones de poder en la Francia de 1958. La programación también incluye Titanic Ocean, dirigida por Konstantina Kotzamani, una historia sobre adolescentes que entrenan para ser sirenas en Japón.

La oferta de animación se amplía con Tangles, de Leah Nelson, en la sección de Special Screenings, y Lucy Lost, de Olivier Clert, destinada al público familiar en Family Screening. Estas adiciones refuerzan la variedad de géneros y estilos presentes en la edición. El Festival de Cannes celebrará su 79ª edición entre el 12 y el 23 de mayo de 2026. El certamen reafirma su relevancia con una programación que combina nombres consagrados como James Gray y figuras emergentes como Virginia Feito. La presencia de adaptaciones literarias y propuestas internacionales consolida a Cannes como un escaparate clave para las tendencias del cine mundial.

Los actores Michael B. Jordan y Austin Butler encabezarán el reparto del reboot cinematográfico de Corrupción en Miami, que llevará el título oficial de Miami Vice ’85 y será dirigido por Joseph Kosinski, responsable de F1: La película y Top Gun: Maverick. La película, producida por Universal Pictures, tiene programado su estreno para el 6 de agosto de 2027 y se filmará especialmente para salas IMAX. El inicio del rodaje está previsto para finales de este año, bajo la supervisión de los ejecutivos de producción de Universal.

La confirmación del elenco principal sitúa a Michael B. Jordan en el papel de Ricardo “Rico” Tubbs, mientras que Austin Butler interpretará a James “Sonny” Crockett. Ambos personajes fueron populares en la serie original Miami Vice, conocida en España como Corrupción en Miami, donde fueron encarnados por Philip Michael Thomas y Don Johnson. Posteriormente, la saga tuvo una adaptación cinematográfica en 2006 dirigida por Michael Mann, con Colin Farrell y Jamie Foxx como protagonistas.

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En esta nueva versión, Universal apuesta por dos actores que atraviesan un momento destacado en sus carreras. Jordan acaba de obtener el premio Oscar al mejor actor, además del Actor Award de SAG-AFTRA y dos NAACP Awards por su doble interpretación en Sinners, dirigida por Ryan Coogler. Además, Jordan tiene previsto protagonizar, dirigir y producir una relectura de The Thomas Crown Affair para Amazon MGM Studios, cuyo tráiler fue presentado recientemente en CinemaCon. Por su parte, Butler recibió una nominación al Oscar por su papel como Elvis Presley en Elvis, dirigida por Baz Luhrmann. Desde entonces, ha participado en películas de directores reconocidos, como Dune: Parte Dos de Denis Villeneuve, The Bikeriders de Jeff Nichols, Caught Stealing de Darren Aronofsky y Eddington de Ari Aster. Butler protagonizará próximamente el thriller criminal Enemies, de A24, junto a Jeremy Allen White, aunque donde le pudimos ver más recientemente fue en Bala perdida de Darren Aronofsky..

Dos talentos a seguir

El anuncio del reparto fue acompañado por declaraciones del director Joseph Kosinski, quien expresó su entusiasmo por trabajar con ambos actores. “Michael es alguien a quien admiro desde hace mucho tiempo y siempre quise colaborar con él. Austin está demostrando ser un talento a seguir. He admirado mucho sus elecciones”, afirmó Kosinski en una entrevista con Variety. El cineasta ya había manifestado su preferencia por Jordan y Butler cuando surgieron los primeros rumores sobre el proyecto el año pasado.

La película estará dirigida por Joseph Kosinski, quien recientemente finalizó F1: La película, protagonizada por Brad Pitt. Kosinski, conocido también por su trabajo en Top Gun: Maverick, compartirá la producción con Dylan Clark, responsable de Dylan Clark Productions. El guion de Miami Vice ’85 ha sido elaborado por Dan Gilroy, basándose en los personajes creados por Anthony Yerkovich para la serie de televisión original, que fue producida ejecutivamente por el propio Yerkovich y Michael Mann. Un borrador anterior del guion fue escrito por Eric Warren Singer. La supervisión del proyecto en Universal recae en Sara Scott, vicepresidenta ejecutiva de desarrollo de producción, y en Christina Hoffrogge, ejecutiva creativa de producción.

Según la sinopsis oficial, Miami Vice ’85 explorará “el glamour y la corrupción del Miami de mediados de los 80”, inspirándose en el episodio piloto y la primera temporada de la serie original. La ambientación y el enfoque buscarán reflejar el fuerte impacto cultural de Corrupción en Miami, que en su momento definió tendencias en moda, música y estilo visual, tanto en la televisión como en el cine. El proyecto pretende recuperar la atmósfera vibrante y el trasfondo criminal que convirtieron a la serie en un fenómeno internacional. La elección de los protagonistas y del director sugiere una apuesta por renovar la franquicia, manteniendo elementos clásicos y sumando una visión contemporánea. El desarrollo de la película ha generado expectativas entre los seguidores de la serie y los nuevos públicos, que esperan ver cómo se reinterpretan los personajes y el universo de Corrupción en Miami bajo la óptica de Kosinski, Jordan y Butler.

La plataforma Prime Video confirmó que la esperada tercera temporada de El señor de los anillos: Los anillos de poder se estrenará antes de que finalice 2026. De este modo, se contradicen los rumores que situaban el lanzamiento en 2027, según informó una fuente vinculada a la producción a The Hollywood Reporter. El regreso de la serie se producirá tras un intervalo de dos años desde el final de la segunda temporada, emitido en octubre de 2024. Esta pausa generó especulaciones sobre retrasos importantes, pero el anuncio reciente despeja las dudas sobre la continuidad del proyecto y su calendario.

La tercera entrega de El señor de los anillos: Los anillos de poder llegará a la pantalla en 2026, adelantando la fecha que se había manejado en informes anteriores. Tal como reveló un informante a The Hollywood Reporter, el estreno se producirá “un poco antes” de lo que se había especulado. La noticia representa un alivio para los seguidores de la franquicia, quienes esperaban una espera aún mayor. El último capítulo disponible fue el final de la segunda temporada, emitido en octubre de 2024, por lo que la brecha entre temporadas será finalmente de dos años. El anuncio oficial de renovación se realizó en febrero de 2025. Poco después, la producción comenzó en los estudios Shepperton del Reino Unido, lo que permitió cumplir con el nuevo calendario de lanzamiento.

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La sinopsis oficial indica que la temporada tres dará un salto temporal de varios años respecto a los sucesos narrados en la segunda parte. La trama se situará en el punto más crítico de la Guerra de los Elfos y Sauron, periodo que antecede al enfrentamiento mostrado en el prólogo de las películas de Peter Jackson, conocido como la Guerra de la Última Alianza. En esta nueva fase, Sauron busca crear el Anillo Único, objeto que le permitirá ganar ventaja en la guerra y aspirar al dominio total de la Tierra Media. Según el resumen oficial, la historia mostrará el intento del Señor Oscuro por consolidar su poder, en un contexto de máxima tensión entre los distintos pueblos. Esta ambientación permite a la serie explorar eventos anteriores a la narrativa cinematográfica más conocida, ampliando el universo de J.R.R. Tolkien y profundizando en las motivaciones de personajes emblemáticos.

Un salto temporal de varios años

El señor de los anillos: Los anillos de poder se ha consolidado como un fenómeno global para Prime Video, alcanzando alrededor de 170 millones de espectadores en todo el mundo. Su impacto se refleja no solo en la audiencia, sino también en su papel como motor de suscripciones para la plataforma. La serie, que cuenta con uno de los presupuestos más altos de la industria, ha sido descrita como un “éxito rotundo” por ejecutivos de Amazon, aunque la compañía no ha emitido declaraciones formales recientes sobre el desempeño comercial de la producción.

El volumen de visualizaciones y la expectativa generada en torno a cada temporada han convertido a la franquicia en uno de los productos estrella dentro de la estrategia de contenidos originales de Prime Video. El reparto principal contará nuevamente con Charlie Vickers en el papel de Sauron, Morfydd Clark como Galadriel y Robert Aramayo en la interpretación de Elrond. Entre las incorporaciones recientes figuran Jamie Campbell Bower, conocido por su trabajo en Stranger Things, Eddie Marsan de Ray Donovan, así como Andrew Richardson, Zubin Varla y Adam Young. Los roles específicos de los nuevos integrantes aún no han sido revelados.

El desarrollo creativo continúa bajo la dirección de los showrunners y productores ejecutivos J.D. Payne y Patrick McKay. A ellos se suman la productora ejecutiva Lindsey Weber, Justin Doble, Kate Hazell y la directora productora ejecutiva Charlotte Brandstrom. El equipo de producción se completa con Matthew Penry-Davey como productor y Ally O’Leary, Tim Keene y Andrew Lee como coproductores. Payne y McKay compartieron con The Hollywood Reporter que el desarrollo de la nueva temporada estaba en marcha incluso antes del estreno de la segunda, lo que contribuyó a acortar los plazos de preproducción y rodaje. El regreso de El señor de los anillos: Los anillos de poder promete una nueva etapa en la expansión televisiva del universo de Tolkien, con un salto temporal, cambios narrativos y una renovada apuesta de Prime Video por la saga.

Apenas lleva unos días en la plataforma, pero ya se ha convertido en lo más visto. La nueva comedia de Netflix, Compañeras de cuarto (Roommates, Chandler Levack), propone una mirada fresca y caótica sobre la convivencia universitaria, centrándose en el choque de personalidades de dos jóvenes que apenas comparten algo más que el espacio de su dormitorio. Devon (Sadie Sandler), caracterizada por su torpeza social y una relación de dependencia con su hermano menor, se ve forzada a compartir su día a día con Celeste (Chloe East), cuya actitud desenfadada y falta de límites personales pronto transforman la rutina en una experiencia asfixiante.

Lo que comienza como una amistad inesperada entre polos opuestos, rápidamente se convierte en una batalla de pequeñas venganzas. El filme, dirigido por Chandler Levack (I love movies), despliega una serie de episodios humorísticos donde las diferencias entre las protagonistas se vuelven el eje de una rivalidad que, aunque exagerada en ocasiones, refleja situaciones reconocibles para quienes han atravesado la transición a la vida universitaria lejos del hogar. Una crítica a las nepobabies, pero que cuenta con varias de ellas en el reparto, desde la propia Sadie Sandler a Bella Murphy, Zahra Rock, hijas de Eddie Murphy y Chris Rock.

Roommates narra una historia ficticia escrita por Jimmy Fowlie y Ceara O’Sullivan, guionistas de Saturday Night Live, que explora las tensiones y desafíos de compartir espacio en una etapa marcada por la búsqueda de independencia. La trama sigue el recorrido de Devon en su primer año de universidad, desde el entusiasmo inicial por encontrar una amiga, hasta el desencanto provocado por las constantes invasiones de Celeste a su privacidad. La convivencia pronto se convierte en una “guerra de trincheras”, donde los hábitos molestos, la envidia y los conflictos se acumulan. El guion retrata cómo la estrecha relación entre las protagonistas, lejos de fortalecer un lazo, termina por exponer sus debilidades y desencadenar un enfrentamiento explosivo. Esta dinámica, aunque llevada al extremo, encuentra eco en el público joven, aludiendo a experiencias comunes de la vida universitaria.

Un retrato de la vida universitaria en clave Gen Z

El tono de Roommates se apoya en el humor para abordar la tensión creciente entre Devon y Celeste. Las escenas de enredos, discusiones absurdas y situaciones ridículas construyen una narrativa ligera, pero no por ello superficial. El caos que se apodera de la relación entre las protagonistas sirve de vehículo para explorar temas como la falta de madurez emocional, la necesidad de establecer límites y la dificultad de adaptarse a nuevos entornos. La película aprovecha los clichés del género, como las fiestas, los malos entendidos y las bromas pesadas, pero introduce matices propios al centrarse en una perspectiva femenina, menos explorada en las comedias universitarias tradicionales. La rivalidad entre las protagonistas surge de motivos cotidianos, pero evoluciona hasta convertirse en un duelo psicológico cargado de ironía.

La experiencia de convivir en la universidad suele implicar una mezcla de descubrimientos y frustraciones. Para muchos estudiantes, el primer año lejos de casa significa enfrentarse a la novedad de compartir espacio con desconocidos, ajustar rutinas y aprender a negociar diferencias. Roommates capta esa tensión y la lleva al terreno de la comedia, mostrando que el roce constante puede transformar la amistad en enemistad en cuestión de semanas. A lo largo de la historia, el principal motivo de disputa entre Devon y Celeste radica en los límites personales. Las invasiones constantes de Celeste generan un clima de tensión que, aunque exagerado para fines narrativos, resulta creíble para quienes han vivido situaciones similares. El guion consigue que el público se identifique con los personajes, más allá de los excesos de la ficción, y lo hace con un humor muy made in Generación Z.

En declaraciones a FandomWire, Chandler Levack explicaba su interés en plasmar la confusión y el caos propios de la juventud. Señaló: “Vives lejos de casa por primera vez, pero no tienes idea de quién eres. Te aferras desesperadamente a cualquiera que parezca tener algo en común contigo”. Levack defendió la elección de no forzar una reconciliación artificial entre las protagonistas, alejándose de la estructura convencional donde los personajes “aprenden una lección” y se reconcilian al final. La directora destacó que la película busca reflejar la autenticidad de las relaciones humanas, donde no siempre hay redención ni finales felices. Para Levack, el atractivo de la historia reside en su capacidad para capturar la imprevisibilidad de las emociones y el comportamiento de los jóvenes adultos, incluso cuando sus acciones resultan absurdas o extremas.

Un nuevo clásico que referencia al género

La película se inscribe en la tradición de las comedias universitarias, un género consolidado por títulos como Desmadre a la americana (Animal House), Un loco suelto en el campus (Van Wilder) o Aceptados (Accepted). Sin embargo, Roommates introduce una mirada renovada al poner en el centro a dos mujeres cuyas motivaciones, inseguridades y conflictos son tratados con una profundidad poco habitual. El film aborda temas como el autodescubrimiento, el deseo de pertenencia y la búsqueda de independencia, pero lo hace desde el prisma de la experiencia femenina, explorando cómo las presiones sociales y los roles de género influyen en la amistad y la rivalidad entre mujeres jóvenes. La narrativa de Roommates no solo se ocupa del conflicto entre compañeras de cuarto, sino que también retrata el proceso de dejar atrás la adolescencia para asumir responsabilidades propias de la vida adulta. El guion utiliza el enfrentamiento entre Devon y Celeste como metáfora de los miedos, inseguridades y deseos contradictorios que marcan el inicio de la etapa universitaria.

El caos, la diversión y la tensión que atraviesan las protagonistas funcionan como símbolo de las oportunidades y desafíos que supone empezar de nuevo en un entorno desconocido, donde la convivencia puede ser fuente de crecimiento o de conflicto. Aunque la premisa de Roommates se apoya en situaciones exageradas y un tono humorístico, la película logra transmitir un sentido de verdad en la descripción de la convivencia universitaria. El filme reconoce que las amistades pueden surgir de la casualidad y desmoronarse por detalles mínimos, y que la convivencia forzada es, muchas veces, terreno fértil para el conflicto.

Las escenas más hilarantes del largometraje están equilibradas por momentos de incomodidad y tensión, lo que permite que la historia resuene con quienes han experimentado la convivencia en carne propia. La película no ofrece moralejas simples ni soluciones mágicas, apostando en cambio por una representación honesta, aunque caótica, de la realidad universitaria. Al final, Roommates se presenta como una comedia que combina el desenfreno propio de la juventud con una observación aguda sobre los límites de la convivencia. El relato evita fórmulas previsibles y ofrece una visión sincera sobre la amistad, el conflicto y la transición hacia la adultez, apoyándose en el carisma de sus protagonistas y en un guion que no teme exagerar para hacer reír y reflexionar tanto a los jóvenes como a los que ya no lo son tanto.

Fue una de las consideradas como mejores películas de 2025, aunque llegó a nuestros cines a principios de este mismo año. Nouvelle Vague por fin está a punto de ver la luz en plataformas, y eso es motivo de celebración para todos los cinéfilos, que por fin podrán disfrutar de esta particular propuesta que recrea el rodaje de una de las películas más importantes en la historia de Francia, Al final de la escapada. La película, que se presentó oficialmente en el Festival de Cannes y obtuvo nominaciones para premios como los Globos de Oro o los Independent Spirit Awards, no llegó lograr hasta los Oscar pero sí triunfó en los Premios César del cine francés, donde obtuvo cuatro de los hasta diez a los que aspiraba. Pero ya va de camino de ser un clásico de culto para todos sus fans.

La película se ambienta en la París de 1959, en la que el joven crítico Jean-Luc Godard contempla la idea de hacerse director de cine. Tiene una idea entre manos, aunque cree que solo la cámara terminará de dar forma a esa idea. Es por ello que reúne a un improvisado equipo de filmación y que, con la participación del joven actor Jeal Paul Belmondo y la estrella americana Jean Seberg, comienza a construir lo que terminaría convirtiéndose en una película clave en la historia del cine, Al final de la escapada. Por el camino, el equipo se encuentra con multitud de problemas, buena parte de ellos por las excentricidades de Godard en su deseo de rodar por las calles de París en vez de un estudio, como se solía hacer en aquella época.

Dirigida por el cineasta norteamericano Richard Linklater, autor de la trilogía Antes del... y de películas musicales y muy cinéfilas como Escuela de rock o Todos queremos algo, la película es toda una carta de amor al cine en general y la Nouvelle Vague en particular, la corriente cinematográfica surgida en Francia durante aquellos años y que tuvo en Jean-Luc Godard y otros cineastas como François Truffaut o Agnes Varda sus máximos estandartes. Su caótica estructura, sus atrevidos planos y la falta de una cohesión en la historia llevaron a Godard y sus compañeros a influenciar a otros tantos cineastas del futuro, como fue el caso del propio Linklater, quien siempre se ha confesado seguidor de esta corriente cinematográfica.

Una historia de amor al cine

De ahí que lo más brillante de Nouvelle Vague sea precisamente el ejercicio de transformarse ella misma en una película de la época, con un precioso blanco y negro y un formato más cercano al de aquellas películas. La película se mimetiza con esa estética más allá del vestuario y localizaciones, que intentan recrear la París de finales de los 50 en la que se albergaron tantas grandes historias. "La clave está en las lentes antiguas… fue un ejercicio fascinante, como meterse dentro de otra película y tratar de replicar el aspecto de otra época", comentaba el propio cineasta.

Nouvelle Vague llegará a plataformas a partir del 1 de mayo, con su estreno primero en Filmin y al día siguiente en Movistar+, siendo las dos plataformas en España en las que se podrá ver la maravillosa película que rinde homenaje al séptimo arte de la mejor forma posible.

Esta semana tiene nombre y apellido: Michael Jackson. Los estrenos se han adelantado a este mismo miércoles y buena parte de culpa tiene el rey del pop, el cual protagoniza la cartelera con Michael, el biopic en torno al icónico cantante que repasa sus inicios y ascenso a la fama. Protagonizada por el sobrino del propio Michael Jackson, la película cuenta con un amplio reparto para dar vida a toda la gente que rodeó al cantante en sus primeros años de fama, desde su padre Joseph a su representante John Branca.

La película arranca en la infancia de Michael en Gary, Indiana. Allí es el menor de cinco hermanos que forman la banda The Jackson 5, para posteriormente ser fichados por Motown Records y llevados al estrellato. Con la abusiva figura de su padre Joseph de fondo y la tierna relación con su madre Katie, la película explora la intimidad de la familia Jackson y la evolución de la carrera musical del rey del pop.

Jafaar Jackson, quien en la vida real es sobrino del mismísimo Michael, es el encargado de protagonizar la película. Y, más allá del parecido físico a su tío, el joven actor da una interpretación convincente como un joven Michael abriéndose paso en la industria musical. Además, el filme explora su lado más personal, con su obsesión por Peter Pan y otros clásicos Disney, pero sobre todo por los animales, hasta el punto de convertir su hogar en un zoo improvisado con jirafas, serpientes y su fiel chimpancé Bubbles.

Colman Domingo y la familia Jackson

Principal antagonista de la película, Colman Domingo da vida a Joseph Jackson, el polémico padre del artista. Descrito como una gran figura de autoridad dentro de la familia, Joseph es quien inicialmente tiene la visión empresarial de la banda formada por sus propios hijos y quien se mantiene como mánager de Michael durante sus primeros años. Sin embargo, también somete a su hijo a constantes abusos hasta llevarlo al límite, y su relación se distancia cuando Michael pide a sus abogados rescindir su contrato y hacerse con los servicios de un nuevo mánager. Joseph tiene un nuevo desencuentro con Michael para convencerle de hacer el Victory Tour, la que sería la última gira del artista junto a sus hermanos.

En el otro lado de la familia está la madre Katie, interpretada por Nia Long (Los chicos del barrio), y sus hermanos Jackie (Joseph David-Jones), Marlon (Trey Horton), Tito (Rhyan Hill) y Jermaine (Jamal Henderson), además de sus hermanas La Toya (Jessica Sula). En sus inicios en Motown también hacen acto de aparición la cazatalentos Suzanne de Passe (Laura Harrier), encargada de descubrir a los Jackson 5 y llevárselos al sello discográfico, y el productor Berry Gordy (Larenz Tate), quien produce los primeros temas de la banda y le da al joven Michael consejos esenciales para crecer en la industria.

Del guardaespaldas al mánager

Otras dos figuras clave de la película con Bill Bray, guardaespaldas y mano derecha de Michael Jackson, y el agente John Branca, abogado del cantante. El primero, aunque inicialmente es contratado por el padre de Michael, pronto se convierte en una persona en la que el joven puede confiar su vida y contarle sus secretos más personales, como su devoción por los niños y los animales. Está interpretado por el hasta ahora desconocido KeiLyn Durrel Jones, quien ha participado en series como High Maintenance, Succession o Cómo morir sola. Bray fue durante años el guardaespaldas de Michael pero también uno de sus mayores confidentes y amigos, siendo en cierta medida la figura paternal que nunca encontró en Joseph.

Del otro lado encontramos al conocido actor Miles Teller (Project X, Whiplash) como John Branca, quien hace su aparición cuando Michael busca desligarse contractualmente de su padre y poder emprender su carrera en solitario. Branca, que representaba a artistas como The Beach Boys o Bob Dylan, supo entender como nadie la magnitud de una figura como Michael Jackson y le llevó a convertirse en el artista más grande, aparte de mostrarse también como un gran apoyo en los momentos de mayor dificultad. En definitiva, dos personas que son retratadas en la película como esenciales en la complicada vida del cantante de Thriller.

Apenas ha tenido una aparición, pero ya se ha convertido en un momento de lo más especial para la mayoría de fans. Rosalía ha aparecido esta semana en el nuevo episodio de Euphoria y con ello se ha robado todas las miradas. La cantante, que irrumpe interpretando a la bailarina Magick, ya había sido anunciada como una de las principales novedades de la tercera entrega en la producción de HBO Max, pero la realidad ha superado cualquier expectativa. La serie aun tiene episodios por emitir y todo apunta que se seguirá viendo a la artista catalana, pero de mientras ha sido ella misma quien ha querido revelar algunos detalles de su participación en la serie.

“Aquí tenemos a Magick en el backstage, y parece pensativa”, comienza introduciendo a su personaje Rosalía en el vídeo difundido en redes sociales por la propia HBO Max. “Recuerdo estar entre escenas y preguntar a alguna de las chicas si podían enseñarme como bailar con la barra, y me daban buenos consejos para tener mejor agarre, deslizarme mejor o mantener una postura. Me enseñaron mucha técnica y eran de lo más dulces”, explicaba la cantante.

La primera aparición de Rosalía como Magick es precisamente el club de striptease al que entra Rue (Zendaya) para hablar con Alamo Brown (Adewale Akinnuoye-Agbaje), el dueño del mismo. Por el camino se cruzan ambas en un encuentro de lo más accidentado (“Pero mira por dónde vas" le dice Rosalía a Zendaya). A continuación, la bailarina mantiene una discusión con Brown acerca del collarín que tiene que llevar, y que según ella no se puede quitar por si le ve “un detectitve privado”. La escena es insólita porque el personaje de Rosalía entremezcla español con inglés, provocando la confusión del dueño del local quien le espeta que “no habla español”, mientras la cantante le insiste en que necesita llevar puesto el collarín.

“Los demás reaccionarán como tengan que reaccionar”

Lo cierto es que la explicación detrás de la escena la ha dado el propio Sam Levinson, creador de Euphoria y encargado de moldear el personaje junto a la propia Rosalía. “Ella vino a la audición y fue muy divertida. Me encanta lo decidida que es, y me pareció un contrapunto perfecto para Rue. Le decía: ‘No te preocupes demasiado por la diferencia entre el inglés y el español. Simplemente déjate llevar en español y los demás reaccionarán como tengan que reaccionar’, revela el director y guionista.

La tercera temporada de Euphoria aún tiene seis episodios por emitir, y se espera según IMDB que Rosalía participe en todos ellos, aunque está por ver en qué medida. Mientras tanto, parece claro que la cantante se lo pasó de lo lindo durante el rodaje, conociendo a buena parte del reparto y aprendiendo algunos movimientos de bailarina de pool dance. No ha sido la única española del reparto, ya que Priscila Delgado también participa en la serie como otra de las bailarinas, Angel. La propia actriz de Los protegidos prometía más escenas con Rosalía: “No sé si me corresponde a mí desvelar nada, pero ella va a estar presente en esta temporada de muchas maneras. Estoy segura de que a nivel musical también”, contaba en una entrevista en Cinemanía. ¿Qué sorpresas tendrá preparadas?

La posible nominación al Oscar de James Ortiz por su papel en Proyecto salvación ha generado un debate singular en la industria cinematográfica. El titiritero y actor, responsable de dar vida a Rocky, la criatura alienígena que acompaña a Ryan Gosling en la superproducción de Amazon MGM Studios, figura entre los candidatos elegibles para el premio a mejor actor de reparto, según confirmaron las reglas vigentes de la Academia de Hollywood. La noticia reaviva discusiones sobre la legitimidad de las actuaciones híbridas —aquellas que combinan manipulación de títeres, voz y actuación física— en las grandes premiaciones, y plantea interrogantes sobre el futuro reconocimiento de estas disciplinas.

La Academia ha reconocido que Ortiz puede competir formalmente en las categorías actorales, un hecho inusual para una interpretación mediada por la técnica del títere. Esta elegibilidad se extiende también a los premios SAG-AFTRA y a los BAFTA, mientras que los Globos de Oro la excluyen bajo sus normas actuales y los Critics Choice Awards carecen de lineamientos explícitos que la impidan. Este escenario coloca a Proyecto salvación en el centro de una discusión histórica: nunca antes la Academia ha nominado una labor de voz, captura de movimiento o manipulación de títeres en una categoría actoral principal. El caso de Ortiz podría marcar un antes y un después en la manera en que se define y premia la actuación en el cine.

El trabajo de Ortiz como Rocky ha sido descrito como uno de los mayores logros de Proyecto salvación. Al combinar una compleja manipulación física con una interpretación vocal precisa, el artista logra dotar de emoción y presencia a un personaje sin rostro humano ni medios de expresión convencionales. El proceso creativo incluyó ensayos detallados junto a Ryan Gosling, donde se establecieron los movimientos y la interacción antes de incorporar el títere a escena. Según declaraciones recogidas por Variety, Ortiz subraya que su aproximación es la de un actor, no la de un técnico, y que su objetivo es transmitir la humanidad del personaje por encima del espectáculo visual.

La historia de los premios cinematográficos registra antecedentes que ilustran la dificultad de encajar este tipo de trabajos en las categorías tradicionales. Ejemplos como el de Andy Serkis —nominado por su actuación como Gollum en El señor de los anillos y como César en El planeta de los simios— o el de Eddie Murphy como la voz de Burro en Shrek en los BAFTA, muestran que el reconocimiento oficial ha sido esporádico y a menudo relegado a premios especiales o menciones fuera de competencia. El caso de Robin Williams en Aladdín, o de Scarlett Johansson en Her, también encendieron debates sobre el lugar de la voz y la tecnología en la actuación.

Los otros casos

Frente a esta ambigüedad, la Academia de Hollywood creó en 1972 el Special Achievement Award, un galardón destinado a logros sobresalientes que no encajaban en las categorías existentes. Este premio permitió reconocer avances en efectos visuales y sonoros, así como contribuciones artísticas que transformaron la industria. Ejemplos notables incluyen a Ben Burtt por el diseño sonoro de R2-D2 en Star Wars y a Richard Williams por la animación de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Sin embargo, hace más de dos décadas que la Academia no entrega este reconocimiento.

La realidad de Proyecto salvación y la actuación de Ortiz reabre el debate sobre la pertinencia de un premio especial o la creación de una nueva categoría para actuaciones híbridas. La presencia de Rocky en la película no es solo un efecto visual, sino una construcción escénica sustentada en la destreza interpretativa y la conexión emocional con el público. Ortiz y el diseñador Neil Scanlan lograron que el personaje trascendiera la técnica para convertirse en el centro emocional del filme, lo que refuerza el argumento de quienes piden innovación en los criterios de la Academia.

La resistencia de ciertos sectores de la industria ante este tipo de reconocimientos responde a una visión tradicional de la actuación, que privilegia la presencia física del actor en pantalla. Voces como las de Morgan Freeman han calificado en el pasado las interpretaciones mediadas por tecnología como “modas pasajeras” o “caricaturas”. Sin embargo, la evolución de las herramientas narrativas y la creciente integración de técnicas como el motion-capture y la animación en las grandes producciones obligan a repensar estos límites. La candidatura de James Ortiz no solo supone una oportunidad para que los Oscar reconozcan un trabajo interpretativo fuera de lo convencional, sino que también invita a la industria a definir el lugar de las nuevas formas de actuación en su propio canon. Si la Academia decide finalmente nominar a Ortiz o concederle un premio especial, marcaría un hito en la historia de los galardones cinematográficos y abriría la puerta a una redefinición de lo que se entiende por “actuar” en el siglo XXI.

En esta semana todos los focos estarán puestos en el biopic de Michael Jackson, pero no será el único estreno destacado de la semana. Hay espacio para el cine español de la mano de La ahorcada y Sidosa, el documental sobre Eduardo Casanova en conversación con Jordi Évole, pero también para la última aventura de Joe Keery, cantante y actor conocido por dar vida a Steve Harrington en Stranger Things.

Michael

En una época llena de biopics musicales, casi parecía un pecado no tener uno de una de las mayores estrellas de la música moderna, Michael Jackson. Pero ese error se ha subsanado de la mano del director Antoine Fuqua (The Equalizer) y Jafaar Jackson, sobrino del histórico cantante y encargado de darle vida en esta película que narra sus inicios en la música con los Jackson Five y su ascenso hasta convertirse en la mayor estrella del pop.

La ahorcada

Amaia Salamanca y Eduardo Noriega protagonizan este peculiar y terrorífico thriller a cargo de Miguel Ángel Lamata (Isi/Disi: Alto voltaje). Rosa Martín, cantautora conocida como La Ahorcada, se suicida en el jardín de Fran, un hombre al que amaba y que la trataba como un mero objeto sexual. El fantasma de La Ahorcada permanece en la mansión de Fran, negándose a ser ignorado y decidido a darle una lección. Su obsesión acabará convirtiendo la vida de Fran y su familia en un infierno.

El sonido de la caída

Ganó el Gran Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, una de las más nominadas en los Premios del Cine Europeo y, en general, la gran sorpresa del último año. Ahora por fin llega a los cines la película alemana dirigida por Mascha Schilinski que ha conquistado a la crítica y que espera hacer lo propio con el público de nuestro país. La película cuenta la historia de cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, que pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a reflejarse.

Sidosa

Todo el mundo le ha dicho que no lo haga, pero Eduardo Casanova ya no puede más y necesita contarlo. Jordi Évole le acompaña en la revelación más íntima y trascendente de su vida: Eduardo tiene VIH desde los 17 años. Pero antes de contarlo públicamente, necesita hablarlo con algunas de las personas que le han acompañado durante estos años: su doctor, su enfermera, sus amigos. Un viaje catártico con humor, emoción, memoria y cine, que nos permite entender la realidad de las personas con VIH hoy en día y conocer mejor quién es Eduardo Casanova.

Turno de noche

Querido y admirado por todos los fans de Stranger Things, Joe Keery continúa más allá de la piel de Steve Harrington con Turno de noche, pequeña gran película que mezcla terror con comedia al más puro estilo de John Carpenter. Bajo el guion de David Koepp, autor de obras como Parque Jurásico o Misión Imposible, la película se centra en un dependiente de un almacén, quien durante la noche descubre que el almacén contiene en su sótano un peligroso virus que amenaza con expandirse. Con la ayuda de su nueva compañera y la llegada de refuerzos gubernamentales como el jubilado agente interpretado por Liam Neeson, habrá que intentar evitar el colapso de la civilización mientras el virus siembra el terror en el almacén.

Netflix y Legendary han iniciado la producción de la primera adaptación en acción real de Gundam, sumando seis actores al reparto principal. La película representa un nuevo capítulo para la franquicia japonesa que definió el subgénero de ciencia ficción conocido como “mecha”. Entre los nuevos fichajes se encuentran Jackson White (Tell Me Lies), Nonso Anozie (Sweet Tooth), Javon ‘Wanna’ Walton (Under the Bridge), Oleksandr Rudynskyi (The Agency), Ida Brooke (Dune: Parte Tres), y Jason Isaacs (The White Lotus). Sus papeles aún no se han revelado públicamente, preservando el misterio alrededor de los personajes y la trama. Junto a ellos, el elenco principal ya contaba con Sydney Sweeney y Noah Centineo. Según se informó previamente, el equipo lo completan Shioli Kutsuna, Michael Mando y Gemma Chua-Tran.

La producción de este largometraje se desarrolla en Queensland, Australia. La dirección está a cargo de Jim Mickle, conocido por su trabajo como showrunner en Sweet Tooth. Mickle también firma el guion y produce la película junto a Linda Moran a través de la productora Nightshade. Los productores incluyen además a Cale Boyter, Ali Mendes, Sydney Sweeney, Noah Centineo y Enzo Marc. Como productores ejecutivos figuran Matthew Jenkins, Makoto Asanuma y Naohiro Ogata. Esta colaboración entre Legendary Pictures y Bandai Namco Filmworks marca la primera incursión de Gundam en el formato de acción real. La adquisición del proyecto por parte de Netflix se hizo pública en enero, cuando se reportó el acuerdo para llevar la saga a la plataforma de streaming.

El papel que interpretará Sweeney, quien estos días está en todos los focos por la tercera temporada de Euphoria, aún se desconoce. La película anunciará su fecha de rodaje próximamente y será el momento para descubrir más detalles al respecto, como quién es quién y qué arco del amplio universo Gundam querrán adaptar.

De qué va ‘Gundam’

La trama, mantenida en secreto hasta el momento, se centra en dos pilotos de mechas que combaten en bandos opuestos durante una guerra de décadas entre la Tierra y sus antiguas colonias espaciales. Se informó que, a medida que cambian las alianzas y surge una amenaza mayor, ambos personajes quedan empujados a una carrera contrarreloj a través del espacio, con el destino de la humanidad en juego. Esta premisa sitúa la película en el corazón del universo Gundam, caracterizado por conflictos políticos, batallas entre robots gigantes y dilemas éticos alrededor de la guerra. El enfoque en pilotos rivales promete explorar las complejidades de la lealtad y el sacrificio en un contexto de enfrentamiento global.

Gundam debutó en la televisión japonesa en 1979 y desde entonces se ha expandido a través de series animadas, películas, novelas, cómics y una línea de modelos a escala. La saga, propiedad de Bandai Namco Filmworks, es considerada pionera del género mecha, que se distingue por la presencia de robots tripulados en narrativas de ciencia ficción con trasfondo militar y social. El salto al live-action representa un hito para la franquicia, que hasta ahora solo había contado con producciones animadas. El proyecto busca atraer tanto a los seguidores veteranos como a nuevas audiencias globales, aprovechando la plataforma de Netflix para su distribución internacional.

La producción de Superman: Man of Tomorrow ha comenzado oficialmente, marcando un nuevo capítulo en el universo cinematográfico de DC. El anuncio fue realizado por James Gunn, director y guionista de la secuela, quien compartió desde el set una imagen reveladora que incluye un tablero de ajedrez, una placa de identificación de la prisión Van Kull para el reo A. Luthor y una bolsa de patatas Ruffles. Este guiño visual apunta a la presencia central del villano clásico Lex Luthor y anticipa el tono estratégico que podría tomar la trama.

El regreso de David Corenswet en el papel de Superman, sumado a la confirmación de Nicholas Hoult como Lex Luthor, refuerza la continuidad narrativa en Superman: Man of Tomorrow. La secuela trae consigo una dinámica inédita al obligar al Hombre de Acero a formar una alianza con su eterno adversario. Según lo revelado, ambos deberán unir fuerzas para enfrentar a una amenaza de mayor envergadura: Brainiac, quien será interpretado por Lars Eidinger. La incorporación de Adria Arjona al elenco, interpretando a Maxima, representa una de las novedades más comentadas. Maxima, reconocida en los cómics tanto por su papel de antagonista como por su potencial interés romántico para Superman, añade un matiz de complejidad a la historia. La actriz puertorriqueña se suma a un reparto diverso en el que destacan Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo en el rol de Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner, Edi Gathegi como Mister Terrific y Aaron Pierre como John Stewart/Green Lantern.

Superman: Man of Tomorrow no solo amplía el universo de DC con nuevos personajes, sino que también recupera figuras esenciales para la mitología del superhéroe. El regreso de Corenswet reafirma el perfil del Superman contemporáneo que Gunn ha construido desde la primera entrega. Brosnahan, en el papel de Lois Lane, mantiene su posición como el principal vínculo humano del protagonista, mientras que la presencia de Hoult como Luthor anticipa una interpretación renovada del villano. El reparto se presenta como uno de los más variados en la historia reciente de adaptaciones de DC. A la tradicional tríada conformada por Superman, Lois Lane y Lex Luthor, se suman figuras del panteón de DC como Hawkgirl y Linterna Verde, lo que sugiere una posible expansión de la narrativa hacia otros rincones del universo comiquero.

Con la incógnita de Arjona

La adición de Arjona como Maxima genera expectativa tanto por el potencial conflicto como por las posibles alianzas. En los cómics, Maxima ha oscilado entre antagonista y aliada, lo que abre el terreno para una evolución dramática en pantalla. La presencia de personajes como Mister Terrific y Guy Gardner refuerza la apuesta por un reparto coral y multigénero. La historia de Superman: Man of Tomorrow se centra en la alianza forzada entre Superman y Lex Luthor. Ambos deben dejar de lado décadas de enfrentamientos para hacer frente a Brainiac, un villano conocido por su inteligencia superior y su obsesión por recolectar conocimientos y civilizaciones enteras. Esta colaboración incómoda entre héroe y villano introduce una dinámica de tensión y dependencia mutua, en la que las motivaciones personales pueden chocar con la necesidad de sobrevivir ante una amenaza común.

El adelanto compartido por Gunn —el tablero de ajedrez y la placa carcelaria de Luthor— sugiere que la película explorará temas de estrategia, traición y alianzas temporales. La narrativa promete profundizar en las motivaciones de los personajes principales, permitiendo que la relación entre Superman y Luthor evolucione más allá del tradicional antagonismo. En el contexto de los estrenos de DC, Superman: Man of Tomorrow se posiciona como uno de los lanzamientos clave del estudio. La película tiene previsto su estreno para el 9 de julio de 2027, situándose en un calendario en el que DC planea revitalizar varias de sus franquicias. Antes de este lanzamiento, están programados Supergirl para junio de 2026 y Clayface para octubre del mismo año, mientras que The Batman Parte II, dirigida por Matt Reeves y protagonizada por Robert Pattinson, llegará el 1 de octubre de 2027. La primera película de Superman bajo la dirección de Gunn relanzó el universo DC el año pasado, alcanzando una recaudación global superior a los 600 millones de dólares. Esta cifra la consolidó como la cinta de superhéroes más taquillera de ese período y sentó las bases para la continuidad de la saga.

El éxito financiero y crítico de la anterior entrega ha elevado las expectativas para Man of Tomorrow. El anuncio del inicio del rodaje, la confirmación de un elenco robusto y la introducción de nuevos personajes han generado interés tanto entre los aficionados de los cómics como en la audiencia general. A medida que avanza la producción, la apuesta de Gunn y Warner Bros. es clara: renovar la franquicia de Superman, explorar territorios narrativos inéditos y consolidar el universo DC en la pantalla grande. La participación de Adria Arjona y el guiño a Brainiac como villano central marcan el inicio de una nueva era para el Hombre de Acero.

En el segundo capítulo de la nueva temporada de Euphoria, la aparición de Rosalía ha marcado un momento singular para la representación hispana en la televisión internacional. La artista barcelonesa, que interpreta a Magick, irrumpió en la trama con un papel breve pero cargado de significado, imponiendo el acento español en una de las producciones estrella de HBO Max, que acaba de arrancar su tercera y última entrega.

Su personaje, Magick, es una de las strippers que trabajan en el club regentado por el proxeneta Álamo Brown. Desde su primera escena, la cantante deja claro que no renuncia a su identidad: mantiene un collarín ortopédico y se expresa en español, incluso cuando su jefe la presiona para que no lo haga. La joven lleva el collarín tras haber presentado una demanda, lo que le permite percibir una compensación del seguro, aunque esto genera el rechazo de Álamo Brown, quien busca que sus empleadas sigan las reglas del local y se comuniquen exclusivamente en inglés. En una secuencia que ya circula ampliamente en redes sociales, Magick se cruza con Rue (Zendaya) por un pasillo y le suelta un “¡Mira por donde vas, coño!”. La frase, breve y directa, ha sido celebrada por quienes valoran la autenticidad de escuchar español en una serie estadounidense. Esta intervención, aunque limitada en tiempo, ha servido para destacar a la artista en un nuevo registro y abrir la puerta a un posible desarrollo mayor del personaje.

Junto a Rosalía, la actriz Priscila Delgado también ha brillado en el capítulo al interpretar a Angel, otra bailarina del club de striptease. Su participación refuerza la visibilidad de intérpretes españolas en una ficción internacional y suma una capa de diversidad a la narrativa del episodio. Ambas figuras comparten escenario, mostrando distintos matices de la vida en el entorno del club y contribuyendo a la construcción de un espacio donde conviven varias identidades culturales. La irrupción de Delgado, aunque con un papel secundario, ha sido señalada por la crítica y el público como un ejemplo de la apertura de la serie a nuevos talentos europeos y latinos. Su personaje, Angel, aparece en escenas clave en torno a la dinámica del club, consolidando la atmósfera de desesperanza y supervivencia que caracteriza a la temporada.

Aún falta Rosalía por ver

La intervención de Rosalía en español ha generado una ola de reacciones positivas en redes sociales. Para muchos espectadores, escuchar el idioma en una producción global como Euphoria representa un hito cultural. En plataformas como X, los usuarios han subrayado la relevancia de que una figura pública internacional como la cantante catalana utilice el español en una serie líder de audiencia. La breve aparición de la artista ha sido celebrada como un guiño a la comunidad latina en un momento en el que la política estadounidense se caracteriza por un endurecimiento de las políticas migratorias y un clima social tenso para los migrantes. En las horas posteriores a la emisión del capítulo, las primeras imágenes de Rosalía caracterizada como Magick, con su collarín cubierto de brillantes, se hicieron virales. Los fans compartieron capturas y comentarios acerca de la peculiaridad y el carisma del personaje, lo que contribuyó a posicionar su cameo como uno de los temas más comentados de la jornada.

La expectación ante la participación de Rosalía se suma a una tendencia reciente de celebraciones públicas en torno a artistas latinos en espacios de gran visibilidad. El caso más citado por los usuarios ha sido el de la actuación de Bad Bunny en la Super Bowl, interpretado por muchos como una victoria simbólica para la cultura latina en Estados Unidos. En este sentido, la presencia de Rosalía y Priscila Delgado en Euphoria se lee como un paso más hacia la normalización de la diversidad en la ficción estadounidense, donde el español y las historias de personajes hispanos ganan terreno en las narrativas principales.

Pese a que la aparición de Magick ha sido breve, las fuentes cercanas a la producción indican que el personaje podría tener un mayor protagonismo en los próximos episodios, y de hecho según IMDB aparecerá en el resto de la temporada. Se anticipa que en el tercer capítulo habrá una escena de baile centrada en Magick, lo que podría consolidar la posición de Rosalía como un nuevo rostro recurrente en la serie. Hasta el momento, la participación de la cantante se limita a dos escenas en este segundo capítulo, pero la respuesta del público y la repercusión mediática sugieren que su presencia podría crecer. Para quienes siguen la trayectoria de la artista, este debut actoral representa una faceta novedosa y una oportunidad para ampliar el alcance de su influencia cultural en el audiovisual internacional.

Queda confirmado: el rodaje de El caballero de los Siete Reinos permanecerá en Canarias pese a las recientes inundaciones que afectaron parte de la producción. La grabación del spinoff de la famosa saga de Poniente se realiza en una nueva localización de Gran Canaria, desmintiendo así que toda la filmación se trasladara a la península española. Durante la semana pasada, medios locales informaron que la segunda temporada de la serie de HBO no continuaría en el archipiélago debido a problemas climáticos. Sin embargo, fuentes de Atlántico Hoy confirmaron que el equipo se ha instalado en La Fortaleza, ubicada en Santa Lucía de Tirajana. La productora canaria Sur Film es la encargada de coordinar el operativo en la isla, donde han montado carpas y preparado el set de rodaje durante más de un mes.

La situación cambió tras las intensas lluvias que obligaron a suspender la grabación programada en la presa de las Niñas. Ese espacio sufrió inundaciones que impidieron continuar con las escenas previstas, por lo que la producción decidió trasladar esa parte del trabajo a la España peninsular. A pesar de estos contratiempos, la grabación en Gran Canaria sigue adelante, aunque en un entorno distinto al inicialmente previsto. Según la información difundida por Atlántico Hoy, parte de la producción de El caballero de los Siete Reinos se ha reubicado en La Fortaleza. Se trata de un paraje natural de gran valor paisajístico e histórico que ahora servirá de escenario para la serie. La presencia de la productora Sur Film en la zona se remonta a hace más de un mes, con la instalación de infraestructuras temporales y logística para el rodaje.

No se ha confirmado todavía si este entorno representará Fosafría —un lugar emblemático dentro del universo creado por George R. R. Martin— o si será utilizado para recrear paisajes de Dorne, otra región ficticia de la saga. Lo que sí está claro es que este rodaje es completamente independiente del que se intentó realizar en la presa de las Niñas. En ese caso, las inundaciones forzaron el traslado de la producción, mientras que La Fortaleza permanece como núcleo activo del proyecto en Canarias. La decisión de mantener parte de la filmación en el archipiélago supone un impulso para la industria audiovisual local, que llevaba tiempo trabajando para atraer rodajes internacionales. La logística y adaptación del equipo a las nuevas condiciones climáticas reflejan el compromiso de la producción por aprovechar los recursos y paisajes canarios, pese a las dificultades recientes.

A vueltas con el archipiélago

La historia de los rodajes de la saga Juego de Tronos en Canarias ha estado marcada por intentos y cancelaciones. La séptima temporada de la serie principal estuvo cerca de grabarse en las islas, con la intención de que Rocadragón cobrara vida en este territorio, pero finalmente esas escenas se filmaron en otros países europeos. Algo similar ocurrió con la precuela cancelada sobre La Larga Noche, cuyo episodio piloto iba a rodarse en el archipiélago, aunque la producción terminó desplazándose a Italia. El caso de El caballero de los Siete Reinos representa la primera vez que la franquicia concreta un rodaje de relevancia en Gran Canaria.

La grabación en la presa de las Niñas se vio interrumpida por inundaciones, lo que obligó a la productora a suspender las actividades y buscar alternativas en la península. Este cambio afectó solo a esa ubicación específica, mientras que el resto del trabajo en Gran Canaria continuó según lo previsto, aunque en otra localización. La separación de ambos rodajes ha permitido que la producción no se detenga por completo y que Canarias siga figurando como uno de los escenarios principales de la serie. La elección de La Fortaleza demuestra la flexibilidad del equipo y la disposición a adaptar el plan de rodaje ante imprevistos climáticos.

Por el momento, se desconoce qué otras localizaciones de la península acogerán el rodaje de las escenas que no pudieron realizarse en la isla. La producción de El caballero de los Siete Reinos mantiene la investigación sobre nuevos emplazamientos en la España continental, mientras avanza la filmación en Gran Canaria. La permanencia del rodaje en Canarias consolida la posición del archipiélago como destino atractivo para producciones internacionales. La experiencia adquirida por la productora local y la respuesta ante los desafíos climáticos refuerzan el potencial de la región para futuros proyectos del sector audiovisual.

En la historia del cine, la momia ha encontrado un lugar más que notable a pesar de proceder de una religión tan antigua y de menor calado que cualquier otra occidental. Inmortalizada por Boris Karloff, es un mito que se ha llegado a encontrar en la misma liga que los Drácula y Frankenstein y por encima de hombres invisibles o lobos. Había conseguido expandir su narrativa más allá del terror, convirtiéndose en una saga de aventuras de la mano de Brendan Fraser y Rachel Weisz que sirvió incluso para introducir a Dwayne Johnson en el cine. Pero tras el fracasado intento de formar un nuevo universo cinematográfico con Tom Cruise y Sofie Boutella, la leyenda de la momia parecía sepultada definitivamente, a la espera de que otro valiente se atreviese a darle la vuelta al sarcófago y encontrar una nueva forma de contar su historia.

Ese valiente no ha sido otro que Lee Cronin -hasta el punto de titular la película con su propio nombre, no en vano para diferenciarse de la popular saga de Brendan Fraser, director de Posesión infernal: El despertar y quien, siguiendo la estela propuesta por Blumhouse en los últimos años -El hombre invisible de Leigh Whannell, y en menor medida Hombre lobo-, ha querido reimaginar todo un clásico dándole una vuelta por completo, y manteniendo parte de su esencia para virar hacia otros derroteros, como son la tragedia familiar, la maternidad e incluso un atisbo de eutanasia, aunque casi tan soterrado como la propia momia.

Una tragedia en El Cairo, una resurrección en Nuevo México

La momia de Lee Cronin no empieza en el Antiguo Egipto, sino en una suerte de actualidad. El periodista Charlie Cannon se encuentra de corresponsal en El Cairo jutno a su esposa Larissa (Laia Costa) y sus dos hijos, Sebastian y Katie. Mientras él se preocupa por no ser tan gestual en sus apariciones televisivas y ella en cubrir el turno como enfermera, la joven es secuestrada por un extraño culto local que busca revivir un antiguo y demoníaco espíritu. Ocho años después de la tragedia e intentando rehacer su vida en Nuevo México como pueden, la familia Cannon recibe la noticia de que Katie ha sido encontrada en un antiguo sarcófago, completamente momificada y en un estado catatónico, pero viva. Cuando la llevan a casa para que intente retormar su vida, pronto se dan cuenta de que no es del todo la hija que perdieron.

Aquí Cronin, más allá de emprender un camino inverso al mito -no hay un monstruo que humanizar, sino un humano que demonizar- plantea una serie de frentes de lo más interesantes y que están apoyados en una narrativa visual de lo más cruda y descarnada. Como sucediera en otro de los fenómenos de terror del año pasado, Devuélvemela, La momia de Lee Cronin no renuncia a una violencia gráfica, pero tampoco a un humor intrínseco a ella. Convierte en grotesco lo gracioso -los dientes de la niña y la abuela- y en tierno lo terrorífico -los cuidados paliativos de Laia Costa hacia su reencontrada hija-, y de alguna manera todo funciona de forma orgánica, sin cmabios bruscos de tono o escenas que se sientan inconexas.

A ello ayuda un montaje paralelo a la trama de investigación policial en El Cairo encabezada por May Calamawy y los apabullantes efectos especiales de la película, que lo mismo mezcla la serie B como se mira en clásicos como El exorcista, Los otros o La semilla del diablo en la atmósfera de esa inhóspita casa en Nuevo México. El único problema en todo ello es, precisamente, como la película tiene que prescindir del intrínseco drama familiar en pos del terror.

Cinco lobitos tiene la momia

Por la película se asoman temas de tanta enjundia como la sustitución de la hija perdida a través de una nueva, el peso de mantener un matrimonio después de semejante trauma y, por si todo ello fuera poco, la posibilidad de acabar con la vida de una hija que ya no sienten como suya, pues lo que hace es de todo menos vivir. Todas estas cuestiones asoman en algún momento que otro pero, por limitaciones del guion o de los propios actores -Laia Costa recuperando su vena más dramática de Cinco lobitos pero sin casar bien con la inexpresividad de Jack Reynor- no terminan de cuajar. A pesar la extensa duración la película va pasando por encima de estos recovecos solucionando siempre la tensión de la forma más descarnada y violenta posible, lo que fuerza al espectador a apartar la mirada en más de un momento pero nunca lo deja con el corazón en un puño. A diferencia de Devuélvemela, falta una implicación más activa en las emociones de los protagonistas, opacadas por el vacío que produce la Katie momificada.

¿Es mucho peor La momia de Lee Cronin por todo esto? Quizá, pero no deja de ser un fantástico ejercicio de terror de lo más bestia y que pone un sinfín de recursos (desde el split dopter a un juego con los silencios y los ruidos como modo de comunicación) al servicio de su principal objetivo, el miedo. Solo el tiempo, que vendría a ser el Osiris del séptimo arte, podrá determinar si esta revisión del clásico monstruo puede pasar a esa “otra vida” que lograron algunas de sus antecesoras.

La actriz francesa Nathalie Baye, reconocida por haber trabajado con figuras como Steven Spielberg y François Truffaut, falleció a los 77 años, según anunció su familia a medios locales. Baye murió este viernes en su domicilio de París, tras una larga enfermedad que se prolongó durante el último año. Con una carrera de más de cinco décadas, Baye se consolidó como una de las presencias más versátiles y respetadas del cine europeo. Su habilidad para encarnar personajes de toda índole la llevó a colaborar con directores de renombre en Francia y el extranjero, entre ellos Steven Spielberg, quien la eligió para participar en Atrápame si puedes, y François Truffaut, quien le otorgó su primer gran papel cinematográfico.

El anuncio de su fallecimiento generó reacciones inmediatas en el mundo del cine francés e internacional, donde su nombre es sinónimo de rigor actoral y amplitud de registros. A lo largo de su trayectoria, Baye trabajó bajo la dirección de Bertrand Blier, b, Claude Chabrol, Claude Sautet y Marco Ferreri, consolidándose como un rostro habitual en la gran pantalla. Su polifacetismo la llevó a explorar géneros diversos, del drama a la comedia, evitando el encasillamiento y huyendo del estrellato mediático. Nacida en un pequeño pueblo de Normandía el 6 de julio de 1948, Baye inició su formación en danza en Mónaco y Nueva York antes de decidirse por la interpretación. Con solo 18 años, regresó a París para perfeccionar su técnica actoral, lo que la llevó a debutar en el teatro antes de captar la atención de Truffaut. El cineasta francés la eligió para La noche americana, película que supuso su primer gran salto a la fama.

A partir de ese momento, su presencia se multiplicó en el cine europeo. Trabajó con Claude Sautet en Mado, Marco Ferreri en La dernière femme y Maurice Pialat en La boca abierta, entre otros. Su colaboración con Truffaut continuó en L’homme qui aimait les femmes. La proyección internacional llegó con su participación en Atrápame si puedes, dirigida por Spielberg, donde compartió cartel con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks. Baye también formó parte de títulos dirigidos por cineastas contemporáneos como Xavier Dolan, quien la convocó para Laurence Anyways, y Caroline Vaudieu, responsable de Le petit lieutenant, que le valió uno de sus reconocimientos más recientes.

Una carrera llena de premios y elogios

A lo largo de su carrera, Nathalie Baye fue galardonada con cuatro premios César, el máximo reconocimiento del cine francés. Obtuvo el premio a mejor papel secundario en 1981 y 1982, y su consagración definitiva llegó al año siguiente con el premio a mejor actriz por Un étrange affaire, de Pierre Granier-Deferre. El cuarto César lo recibió en 2006 por Le petit lieutenant. Su éxito y prestigio se sustentaron en su capacidad para interpretar personajes complejos y su negativa a limitarse a roles convencionales. Estos reconocimientos consolidaron su estatus como referente de la actuación en Francia y Europa.

Aunque evitó la exposición pública, la vida personal de Baye también atrajo la atención mediática. Durante cuatro años fue pareja del cantante Johnny Hallyday, con quien tuvo una hija, la cineasta Laura Smet. Su vínculo con figuras del espectáculo francés no la alejó de su vocación artística ni de una postura discreta frente a los medios. Baye optó por mantener su vida privada al margen de su carrera, centrándose en el trabajo y el compromiso con su arte. Esta decisión reforzó su imagen de actriz comprometida y alejada del estrellato tradicional.

Nathalie Baye no dudó en expresar opiniones sobre temas de actualidad. Apoyó causas como la lucha contra el cambio climático y, en 2023, firmó junto a otros artistas una columna en respaldo a Gérard Depardieu, acusado y luego condenado por delitos sexuales. Su intervención en debates sociales generó tanto consensos como controversias, evidenciando su disposición a tomar partido en cuestiones complejas. Baye deja una huella indeleble en el cine francés e internacional, tanto por su legado artístico como por su integridad personal.

El director José Luis Garci, primer español en obtener un Oscar por Volver a empezar, recibió el Premio de Honor en el 10 Festival Internacional de Cine de Barcelona Sant Jordi (BCN Film Fest). Durante el evento, ofreció una reflexión crítica sobre el estado del cine contemporáneo y defendió su apego al legado de los grandes nombres clásicos. En una entrevista concedida a Europa Press, Garci afirmó: “Las películas de ahora son distintas a cuando yo me movía en el mundo del cine. Ahora son un poco platos combinados. Está todo metido, todo a la vez en todas partes”. Según el cineasta, los creadores actuales buscan abarcar múltiples géneros y temáticas en una sola obra, lo que, a su juicio, diluye la identidad y la coherencia de las películas.

Para Garci, el cine contemporáneo se caracteriza por su voluntad de “contarlo todo”, sin ceñirse a un solo género o tono. Explicó la metáfora de “platos combinados” con un ejemplo culinario: “Te gusta un filete con patatas, bueno, pero ¿quieres un poquito de ensalada también? ¿Y no te gustaría un poco de pescado? El cine de ahora son un poco platos combinados o ensaladas”. El director ilustró este fenómeno con la reciente Megalopolis de Francis Ford Coppola, que considera representativa de la tendencia a mezclar elementos diversos, algo que, en su opinión, no estaba presente en los trabajos anteriores de Coppola.

En su balance, Garci reconoció que su enfoque personal difiere del dominante en la industria actual. “Creo que yo voy por un lado y el cine va por otro porque me he quedado un poco anclado en el cine que me gusta como John Ford, Alfred Hitchcock, Billy Wilder o Howard Hawks”, señaló. El director opina que habrá que esperar “unos años” para saber si el tiempo da la razón a su generación o a la nueva ola de cineastas. Garci defendió la vigencia de los grandes clásicos. “Creo que han pasado los años y Hitchcock es impresionantemente bueno, y Billy Wilder y John Ford, y no te digo nada de F. W. Murnau y Fritz Lang. Un tipo de cine que me he quedado anclado en ello, pero no me parece mal”. Para él, el cine clásico conserva una calidad y una claridad narrativa que no siempre encuentra en las producciones actuales. El director atribuyó la tendencia actual a mezclar géneros y estilos a la influencia de las series de televisión y a los nuevos formatos de consumo audiovisual. Afirmó que hoy en día las películas suelen tener un exceso de metraje y unos títulos de crédito “interminables”, lo que, según su visión, afecta la experiencia del espectador.

‘Volver a empezar’, el primer Oscar para España

Al recordar su experiencia al ganar el Oscar con Volver a empezar, Garci calificó el momento como “maravilloso”, aunque lamentó que la Academia de Hollywood haya incluido recientemente una categoría para la mejor selección de casting mientras sigue sin reconocer la labor del ‘cameraman’, a quien definió como “el primer espectador de la película”. El director expresó que Sirat merecía el Oscar a mejor sonido por el trabajo realizado por Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas en el Atlas, donde los vientos representaron un desafío técnico “tremendo”. Subrayó así la importancia de los equipos técnicos detrás de cada producción y la necesidad de que sean reconocidos. Garci consideró que, en el panorama actual, él no habría sido nominado a los Oscar. Insistió en que su trayectoria como director está marcada por el cine clásico y que movimientos como la ‘nouvelle vague’ no tuvieron “ningún impacto” en su manera de entender el cine.

El cineasta enfatizó la relevancia del guion en el proceso de aprendizaje para cualquier director: “Acercarse a la dirección a través del guion es bueno”. Se mostró especialmente satisfecho con su última película, El crack cero, que considera la más cercana en espíritu al cine de Howard Hawks. Durante la inauguración del festival en Barcelona, Garci recibió el Premio de Honor como homenaje a toda su carrera. En su discurso, destacó que el galardón tenía un carácter colectivo, compartido con todos aquellos con los que ha trabajado a lo largo de los años. La visión de José Luis Garci sobre el cine actual, en contraste con su defensa del clasicismo y la artesanía, marca el tono de sus declaraciones en el BCN Film Fest. Su postura ofrece una mirada nostálgica pero argumentada sobre las transformaciones del séptimo arte en la era contemporánea.

Robert De Niro sorprendió al público de CinemaCon 2026 en Las Vegas al dedicar palabras de alto reconocimiento a Ariana Grande, su compañera en la nueva entrega de la franquicia Los padres de ella. Tras proyectarse el primer tráiler de Ahora los suegros son ellos, De Niro afirmó: “probablemente es la persona más talentosa con la que he tenido la suerte de compartir pantalla”. Su elogio fue objeto de broma por parte de Ben Stiller, quien replicó con humor: “En cierto modo, ella es como el nuevo Ben Stiller”.

La escena se vivió el miércoles, durante el evento que marca el regreso de la saga tras dieciséis años de ausencia. De Niro y Stiller subieron juntos al escenario para presentar las primeras imágenes de la película, que cuenta con el debut de Grande en la franquicia. El filme, dirigido por John Hamburg, se estrenará en salas el 25 de noviembre de 2026 y ha generado expectativa tanto por la nueva trama como por la integración de figuras de diferentes generaciones.

Ahora los suegros son ellos representa la cuarta entrega de la serie, la primera desde 2010. En esta nueva historia, Grande interpreta a Olivia Jones, la novia de un ya adulto Henry Focker, papel asumido por Skyler Gisondo. El personaje de Grande revela en la trama que se formó como negociadora de rehenes del FBI, lo que le permite ganarse rápidamente la admiración de Jack Byrnes —el exagente de la CIA interpretado por De Niro— y, al mismo tiempo, genera inquietud en Greg Focker, encarnado por Stiller. Tras la proyección del tráiler en CinemaCon, De Niro reiteró su admiración por el talento de Grande ante el público, destacando: “probablemente es la persona más talentosa con la que he tenido la suerte de compartir pantalla”. La intervención de Stiller agregó un tono humorístico al momento, al decir: “En cierto modo, ella es como el nuevo Ben Stiller”.

Una nueva dinámica familiar en pantalla

La trama de Ahora los suegros son ellos se centra en el enfrentamiento generacional y la adaptación de los personajes clásicos a los desafíos de una nueva etapa familiar. El hijo de Greg y Pam Focker, ahora adulto, presenta a su pareja Olivia Jones a la familia. La revelación de la profesión de Olivia como negociadora de rehenes provoca un giro inmediato en la relación con los suegros. El personaje de De Niro, retirado de la CIA, se muestra impresionado, mientras que el de Stiller expresa recelo y confusión, introduciendo nuevas tensiones cómicas.

La llegada de Ariana Grande al elenco se produce tras su nominación al Óscar por su papel como Glinda en las adaptaciones cinematográficas de Wicked. Su presencia en la saga aporta un aire renovador y ha sido recibida con entusiasmo por el público y la crítica, quienes esperan ver cómo se desenvuelve en una comedia coral donde conviven distintas generaciones de intérpretes. La película reúne a parte del elenco original: Owen Wilson, Blythe Danner y Teri Polo retoman sus papeles, mientras que se suman Beanie Feldstein y Eduardo Franco como nuevas incorporaciones. La dirección está a cargo de John Hamburg, guionista y realizador habitual de la franquicia, lo que garantiza continuidad en el tono y el humor característico de la saga.

Durante la presentación, el equipo subrayó que la nueva entrega busca conectar con una audiencia que creció con las películas anteriores, al tiempo que introduce elementos actuales a través de los nuevos personajes. El propio De Niro remarcó la importancia de la química entre el elenco y el aporte de Grande a la dinámica grupal. Ahora los suegros son ellos llegará a los cines el 25 de noviembre de 2026. El regreso de la familia Focker y la incorporación de Ariana Grande han despertado amplia expectativa, especialmente tras la recepción positiva del primer tráiler y los elogios públicos de De Niro a su compañera. La película promete renovar la saga con una mirada contemporánea sobre los conflictos familiares, manteniendo el humor que la convirtió en un clásico de la comedia estadounidense.

Un juez de Los Ángeles ordenó el viernes que Alec Baldwin afronte un juicio civil en octubre por presunta negligencia durante el rodaje de la película Rust, tras el disparo mortal ocurrido en octubre de 2021 en Santa Fe, Nuevo México. La causa penal por homicidio culposo contra el actor fue desestimada en julio de 2024, pero la vía civil permanece abierta debido a las demandas presentadas por miembros del equipo de producción, entre ellos el gaffer Serge Svetnoy.

El magistrado Maurice Leiter resolvió que existen elementos suficientes para que un jurado evalúe si Baldwin actuó de manera imprudente al manipular el arma en el set. Según el fallo, “un jurado razonable podría encontrar que Baldwin ignoró de forma imprudente la probabilidad de que apuntar un arma en dirección a alguien, con el dedo en el gatillo, causaría angustia emocional”. El juicio, inicialmente previsto para mayo, fue reprogramado para el 12 de octubre, tras la solicitud de las partes de más tiempo para discovery y negociaciones de un posible acuerdo, aunque el juez expresó su negativa a permitir nuevas dilaciones.

El incidente que originó las demandas ocurrió el 21 de octubre de 2021 durante la filmación de Rust. El disparo efectuado por Baldwin resultó en la muerte de la directora de fotografía Halyna Hutchins e hirió al director Joel Souza. Baldwin siempre ha mantenido que no sabía que el arma estaba cargada con munición real y que no accionó el gatillo, afirmaciones que la investigación técnica y la fiscalía han puesto en duda en distintas etapas del proceso. En julio de 2024, la jueza encargada del caso penal desestimó la acusación de homicidio involuntario, señalando que los fiscales habían ocultado pruebas a la defensa. Pese a esa resolución, Baldwin enfrenta varias demandas civiles promovidas por técnicos y otros miembros del equipo, quienes alegan haber sufrido daños emocionales y negligencia por parte del actor y la productora.

Entre las demandas en curso, destaca la presentada por Serge Svetnoy, jefe de eléctricos en el set, quien sostiene que experimentó angustia emocional severa como consecuencia directa del disparo. Svetnoy aseguró haber sentido “un golpe de aire” y escuchado el estallido del arma durante el incidente, aunque no resultó herido físicamente. Su demanda alega que la conducta negligente de Baldwin y la falta de protocolos adecuados en la producción pusieron en riesgo la seguridad de todos los presentes.

Sin compensación laboral por falta de pruebas

El juez Leiter permitió que avancen las reclamaciones por daños punitivos, negligencia e “infligir intencionalmente angustia emocional”. En cambio, desestimó el cargo de agresión, al considerar que no hay pruebas de que Baldwin tuviera intención de dañar a alguien en particular. La defensa de Rust Movie Productions intentó que el caso se resolviera por la vía de la compensación laboral, pero el juez rechazó ese argumento por falta de pruebas de relación laboral directa entre la empresa y los demandantes. En palabras de John Upton, abogado de Svetnoy, “Baldwin es la última línea de defensa”, y recalcó en la audiencia que “las armas no se disparan solas”. La decisión del juez permite que un jurado evalúe si la conducta del actor y la productora fue lo suficientemente imprudente como para justificar una condena civil y el pago de indemnizaciones adicionales.

Alec Baldwin ha defendido su actuación en el set, afirmando que desconocía la presencia de balas reales y que siguió las indicaciones del equipo de utilería y dirección. Sus abogados argumentaron que la responsabilidad principal recaía en quienes gestionaban la seguridad y las armas en la producción, no en el actor. Por su parte, la defensa de Rust Movie Productions insistió en que los reclamos debían canalizarse a través del sistema de compensación laboral, postura que el juez descartó en su fallo. Del lado de la acusación, Svetnoy y su equipo legal responsabilizan a Baldwin por no verificar el estado del arma y por apuntar hacia los trabajadores, conducta que, según alegan, contravino las normas básicas de seguridad en la industria cinematográfica. El juez consideró que la evidencia disponible justifica que el caso sea analizado por un jurado, quien deberá determinar el grado de imprudencia y el alcance del daño emocional.

El proceso civil contra Alec Baldwin y Rust Movie Productions está programado para comenzar el 12 de octubre. El juez enfatizó la necesidad de evitar nuevas postergaciones y avanzar hacia una resolución definitiva, dado que el caso lleva casi cinco años en trámite. Las partes aún podrían llegar a un acuerdo extrajudicial antes del inicio del juicio, pero si no lo logran, Baldwin deberá responder en los tribunales sobre su conducta y las consecuencias del disparo ocurrido en el set. El desarrollo del juicio está llamado a esclarecer si existió una negligencia grave por parte del actor y la productora y si los demandantes merecen una compensación por el daño emocional sufrido durante el rodaje de Rust.

“Todo lo que tiene que ver con esa película tiene un sabor dulce para mí. Rodar la película fue increíble, entre nosotros nos llevamos genial, éramos literalmente una banda, un grupo de amigos. Daniel Monzón es, aparte de amigo, para mí de los mejores directores con los que he trabajado. Todo fue perfecto. Lo recuerdo con mucha ilusión”, cuenta nada más llegar a Infobae Begoña Vargas, quien no pudo corresponder al público con una mayor presencia en cines más allá de Centauro y sobre todo de la serie Berlín, spin off de La casa de papel. “Después de Las leyes de la frontera no paré de trabajar", aclara la actriz. “Quizás lo que más echasteis en falta, y en parte yo también, fueron más películas. Porque es verdad que he trabajado más en televisión que en cine. Ahora, como actriz, lo que más me gustaría es hacer películas. Así que estoy abierta a que me llamen”.

Cansada de esperar esas llamadas, y no sintiéndose del todo a gusto con su situación, Vargas tomó la decisión de emprender el camino a Los Ángeles para estudiar música, completamente sola pero con la firme decisión de que necesitaba ese cambio de aires. “Quería entender desde fuera de mi núcleo, que es Madrid y España. Cuando estás en el ojo del huracán es difícil ver las cosas con perspectiva. Tuve la intuición de que debía irme a Los Ángeles. A las semanas de estar allí empecé a ver con perspectiva mi vida aquí, las decisiones que tomaba, si el camino que seguía tenía relación con lo que realmente quería. Me di cuenta de que llevaba toda la vida escribiendo canciones, siempre había estado la música", cuenta la madrileña con raíces en el norte, quien decidió probar suerte como cantante y, tras haber colaborado con Pipiolas en el tema Domingo raro, emprender su carrera como solista.

“Quiero hacer más cosas, no solo ser actriz”

La actriz que diera vida a Cameron en Berlín de Netflix regresó a España con nuevas energías y mentalidad. “Al volver, mi mundo lo vi diferente y empecé a tomar decisiones. Me mudé de casa porque estaba atascada. Volví a clases de canto, de piano. Tomé decisiones a favor del camino que realmente quería”, explica, para por fin encontrarse con la persona que tanto tiempo llevaba buscando. “Tenía miedo porque siempre ha estado ahí, pero la tenía escondida. No tanto como la Begoña cantante o la Begoña actriz, sino que todas en conjunto soy yo también. A veces nos empeñamos en ser una cosa y encajar en un lugar, y a veces intentas encajar en un molde que no es el tuyo. Eso era lo que me hacía sufrir, pero hasta que me di cuenta de eso, tardé un ratito”.

El año pasado, Begoña Vargas inició esta aventura musical con el lanzamiento de su primer tema, a color, una canción en la que ya expresaba su cambio (y ahora estoy mejor / no ves que está florenciendo) mientras exhibía la misma voz que antes tenía miedo a mostrar. “Me costó tiempo acostumbrarme a mi voz, aprender a no juzgarla y a quererla. Ahora llevo más tiempo escuchándome y ya lo acepto”, confiesa. Este mismo año lo arrancó con su segunda canción, LUNA, de nuevo una balada intensa, un sonido y un tono que terminó de cristalizar con La luz de las orillas, el cual revela fue en realidad el primer tema que escribió.

Un futuro musical pero sin dejar de lado el cine

Por primera vez en mucho tiempo, Vargas se siente dueña de su destino y creadora absoluta. “Con los guiones ya hay una historia creada. Yo quería hablar también de cosas que sentía, de lo que me imaginaba. Esa creatividad me faltaba. Por eso también quería ser creadora, tener la página en blanco y decidir de qué hablar”, argumenta, y esa historia que tiene por contar se termina de cimentar con Lunar. Su primer EP con los temas ya publicados más Celeste, la canción más alegre y animada hasta la fecha. “De alguna manera es como un puente entre esa cantautora que he querido mostrar un poco más como carta de presentación, que era simplemente ‘hola, os abro mi corazón y esta soy yo’, hacia lo que quiero que sea un poco el proyecto musical”.

A la espera de ver cómo pone sobre el escenario toda esa emoción y entusiasmo contenido durante tanto tiempo, Vargas admite disfrutar e inspirarse de los conciertos de artistas como Rosalía, Nathy Peluso o Alice Wonder: “Cada una crea su concepto y es interesante ver cómo lo llevan a su terreno. Debo encontrar el mío, que me represente”, afirma, mientras promete que ya está trabajando en su primer álbum, aunque sin olvidar su faceta interpretativa: “Estoy poniendo más energía en la música porque requiere más energía empezar un proyecto de cero y desarrollarlo. Pero estoy abierta a películas maravillosas y a seguir creciendo como actriz”. La gente seguirá sin olvidar a la joven de Las leyes de la frontera, pero ahora está a punto de conocer a la cantante.

Este viernes Rosalía ha dado un paso más que esperado por sus seguidores: el lanzamiento digital de Lux (Complete Works), integrando por primera vez en plataformas de streaming las canciones ‘Focu ‘Ranni’, ‘Novia Robot’ y ‘Jeanne’. Hasta ahora, estos temas solo estaban disponibles en los formatos físicos de vinilo y CD, lo que había generado expectativa entre quienes acceden a la música de la artista catalana a través de servicios digitales. Con este estreno, la discografía de Rosalía en streaming se amplía y permite a un público global escuchar todas las piezas que forman parte del universo ‘Lux’. Las canciones inéditas ya habían sido interpretadas en conciertos recientes en Francia, Italia, España y Portugal, pero solo este viernes han quedado liberadas para la audiencia digital.

‘Focu ‘Ranni’, ‘Novia Robot’ y ‘Jeanne’ son los títulos que completan la edición digital del disco. Hasta la fecha, estos temas formaban parte de una edición especial que únicamente podían disfrutar quienes adquirían el álbum físico. Con la llegada de estas canciones a las plataformas, Rosalía responde a la demanda de sus seguidores que reclamaban poder acceder a la totalidad del disco sin limitaciones de formato. La artista mantiene así la estrategia de ofrecer experiencias diferenciadas, primero premiando a quienes optaron por el vinilo o el CD y, ahora, ampliando el alcance del repertorio a todo el público de streaming.

Las interpretaciones en directo previas, realizadas en escenarios de Francia, Italia, España y Portugal, ya habían anticipado la singularidad de estos temas. Ahora, su publicación digital marca un nuevo capítulo en la difusión de ‘Lux’ y confirma el interés de la cantante en conectar con audiencias diversas. ‘Focu ‘Ranni’ destaca por su alternancia de versos en siciliano y español. En este tema, Rosalía aborda de forma contundente la noción de libertad personal y rechaza cederla por ningún amor romántico. La artista alterna entre un tono melódico y otro más hablado y susurrante, subrayando la profundidad de su mensaje.

En la letra, Rosalía expresa: “No seré tu mitad ni de tu propiedad, seré mía y de mi libertad”. Según ha explicado, la canción se inspira en la figura de Santa Rosalía de Palermo, una noble siciliana que renunció a la vida cortesana y al matrimonio para convertirse en ermitaña en el Monte Pellegrino, dedicándose a la oración. Esta referencia histórica refuerza el mensaje de autodeterminación femenina que atraviesa la composición. La inclusión de ‘Focu ‘Ranni’ en el álbum digital permite que el público acceda a un tema que, hasta ahora, solo se disfrutaba en formatos físicos y en presentaciones en vivo, ampliando el alcance de su mensaje a nivel internacional.

‘Novia robot’, una sátira sobre los juguetes sexuales

‘Novia Robot’ amplía el registro temático del disco al combinar español con fragmentos en mandarín y hebreo. En este tema, Rosalía realiza una crítica directa al modelo social que legitima el placer masculino a costa de la sumisión femenina. La letra satiriza la figura del fabricante de juguetes sexuales que ofrece robots con apariencia de mujer y apunta contra quienes buscan ese tipo de ideal artificial. “Querías un robot pero yo soy real”, canta la artista en un tono irónico y lúdico, evidenciando la tensión entre autenticidad y objetualización femenina. El tema interpela a las mujeres que asumen roles sumisos para obtener la aprobación social y pone en cuestión el mercado que capitaliza con esa imagen. La experimentación lingüística refuerza el carácter global de la crítica y la diversidad de influencias en el trabajo de Rosalía.

El tercer tema inédito, ‘Jeanne’, alterna versos en francés y español. Con esta propuesta, Rosalía muestra su capacidad para fusionar idiomas y estilos en una narrativa musical coherente. La canción aporta una dimensión adicional al disco al incorporar matices culturales y lingüísticos que enriquecen el repertorio general de ‘Lux’. La presencia de varios idiomas en el álbum refleja la voluntad de la artista de conectar con públicos de orígenes diversos, y de experimentar con fórmulas que trascienden el pop convencional. El lanzamiento digital de ‘Lux (Complete Works)’ se acompaña del estreno del videoclip de Focu ‘Ranni. Dirigido por Petra Collins, el video muestra a Rosalía vestida de novia, acompañada por un grupo de mujeres que la sostienen y arropan mientras huye en moto del matrimonio que narra la canción.

Collins recurre a imágenes como el campo y un caballo blanco para simbolizar la liberación, en sintonía con el mensaje central del tema. La colaboración entre la directora y la cantante ya había dado frutos en editoriales de revistas, y en esta ocasión refuerza la narrativa visual del álbum. Con la llegada de las tres canciones a plataformas digitales y el lanzamiento del videoclip, Rosalía consolida la proyección internacional de ‘Lux’, ampliando el acceso a su música y profundizando en los mensajes de autonomía y diversidad que caracterizan su obra.

El Festival de San Sebastián ha anunciado que la retrospectiva de su 74ª edición estará dedicada a José Giovanni, uno de los nombres más influyentes del cine policíaco francés. El ciclo, organizado junto con la Filmoteca Vasca y la colaboración de Filmoteca Española, reunirá la filmografía del novelista, guionista y director, además de la publicación de un libro sobre su obra firmado por Felipe Cabrerizo. La selección incluye títulos emblemáticos como La evasión y El clan de los sicilianos, que consolidaron a Giovanni como referente del género en Europa.

Nacido en París en 1923 como Joseph Antoine Roger Damiani, Giovanni se crio en una familia de origen corso. Antes de alcanzar el reconocimiento cinematográfico, vivió episodios marcados por la ilegalidad y la cárcel. Su experiencia personal fue determinante en la construcción de sus relatos: estuvo acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena fue conmutada por trabajos forzados. De ese periodo surgió la novela La evasión, publicada en 1958 tras su salida de prisión, donde narraba su estancia entre rejas. Esta obra llamó la atención de Jacques Becker, quien la adaptó al cine como Le Trou (La evasión, 1960) y contó con Giovanni como coguionista y consejero técnico.

La irrupción de Giovanni en el cine francés fue inmediata y rotunda. A finales de los años 50 y comienzos de los 60, su nombre quedó asociado a la transformación del polar, el cine policíaco francés, aportando una perspectiva realista y oscura heredada de su experiencia vital. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), inspiró la película homónima de Claude Sautet y le permitió trabajar como guionista. Años después, Jean-Pierre Melville adaptó Le Deuxième souffle en Le Deuxième souffle (Hasta el último aliento, 1966), consolidando la reputación de Giovanni como creador de historias densas y personajes complejos. Estos filmes, junto con A todo riesgo y Un tal La Rocca —basada en L’Excommunié y dirigida por Jean Becker—, situaron sus argumentos en la primera línea del polar, con la presencia recurrente de actores como Lino Ventura, Jean Gabin, Alain Delon y Jean-Paul Belmondo.

Un icono del ‘polar’ francés

Entre 1963 y 1966, Giovanni afianzó su carrera como guionista colaborando con Jacques Deray en títulos como Symphonie pour un massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo (Rififí en Tokio, 1963) y L’homme de Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966). En paralelo, trabajó con Robert Enrico en Les Grandes gueules (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers (Tres aventureros, 1967) y Ho! (¡Ho!, 1968). La versatilidad de Giovanni le permitió moverse entre la escritura, la adaptación y la elaboración de guiones originales, siempre con una mirada crítica sobre la marginalidad, la traición y la redención.

El salto a la dirección llegó en 1967 con La Loi du survivant (La ley del superviviente), un polar ambientado en la Francia bélica, donde Giovanni abordó temas como la Resistencia, el ambiente corso y los códigos de honor. A partir de entonces, se dedicó principalmente a dirigir, aunque no abandonó la escritura. De entre los quince largometrajes que realizó, destacan Le Rapace (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu (Último domicilio conocido, 1970), Un aller simple (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune (El clan de los marselleses, 1972) y Deux hommes dans la ville (Dos hombres en la ciudad, 1973). En estos títulos compartieron escena figuras como Delon, Gabin, Belmondo y Claudia Cardinale, y se consolidó el estilo crudo y directo de Giovanni. Uno de los trabajos más reconocidos de Giovanni como guionista fue Le Clan des Siciliens (El clan de los sicilianos, 1969), dirigido por Henri Verneuil a partir de la novela de Auguste Le Breton. Esta obra reunió en pantalla a Ventura, Delon y Gabin, y es considerada una pieza clave del cine policíaco europeo.

El ciclo del Festival de San Sebastián se inscribe en el programa Klasikoak, creado en 2024 para impulsar la recuperación y difusión del cine clásico. Klasikoak agrupa las películas de la retrospectiva, títulos de la sección homónima y una selección de filmes restaurados que se proyectarán en instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés. El propósito es reivindicar el legado de cineastas que, como Giovanni, marcaron una época y transformaron el panorama cinematográfico europeo.

El director y cómico Mel Brooks anunció oficialmente la secuela de su comedia de ciencia ficción en la presentación de Spaceballs: The New One en CinemaCon. El evento, celebrado en Las Vegas, reunió a parte del elenco original y a nuevas figuras, marcando el regreso de una parodia que dejó huella en el género. Aunque Brooks no asistió en persona a la convención, el cineasta de 99 años envió un video pregrabado para compartir el título definitivo de la esperada producción. Spaceballs: The New One se estrenará en cines el 23 de abril de 2027, según confirmó la distribuidora Amazon MGM.

La noticia generó expectativa inmediata entre los asistentes y fanáticos de la saga. Brooks, responsable de la dirección y coautoría del filme original de 1987, grabó su mensaje con el característico humor que distingue sus creaciones. En la grabación, el director recordó la evolución de las franquicias de ciencia ficción durante las últimas décadas y anticipó el regreso de su sátira al espacio. El elenco original de Spaceballs estará presente en esta nueva entrega. Rick Moranis regresa como Lord Dark Helmet, George Wyner como el coronel Sandurz, Daphne Zuniga como la princesa Vespa, Bill Pullman como Lone Starr, y el propio Brooks interpreta una vez más a Yogurt, el personaje que parodia al maestro Yoda de Star Wars.

A este grupo se suman Josh Gad, Keke Palmer, Lewis Pullman y Anthony Carrigan. Los actores interpretarán personajes nuevos, aunque la producción ha decidido mantener en secreto la identidad y características de estos papeles. Durante CinemaCon, Moranis, Zuniga, Gad y ambos Pullman subieron al escenario para mostrar el primer adelanto de Spaceballs: The New One. El tráiler ofreció una secuencia de parodias en la que se hacen referencias directas a sagas como Star Wars, Avatar y Harry Potter. En una de las escenas, el público observó un paisaje desértico, reminiscente al inicio de The Force Awakens, con robots y exploradores similares a los Jedi desplazándose por las dunas. Uno de los gags más celebrados mostró a Lord Dark Helmet, encarnado por Moranis, usando un urinario junto a un Na’vi, personaje de Avatar. La sucesión de chistes visuales y referencias rápidas evocó el estilo que hizo célebre al primer filme.

Las nuevas parodias

La trama de la secuela se mantiene en absoluto secreto. Amazon MGM informó que los detalles argumentales están “bajo llave, cerradura y un escudo Schwartz de alta resistencia”. Lo único confirmado es que, al igual que la película original, la acción se desarrollará en una galaxia “muy, muy, muy, muy lejana” y que volverá a satirizar franquicias como Star Wars, Star Trek y Alien. El guion de Spaceballs: The New One ha sido escrito por Josh Gad, Benji Samit y Dan Hernandez. La dirección está a cargo de Josh Greenbaum, conocido por su trabajo en Barb and Star Go to Vista Del Mar y Will & Harper. Esta nueva colaboración reúne a parte del equipo original con nuevos talentos, reforzando el carácter intergeneracional del proyecto.

Brooks compartió la primera noticia sobre la secuela en 2023, mediante un video que imitaba el famoso texto inicial en forma de “crawl” de Star Wars. En ese mensaje, el director repasó el crecimiento de la saga creada por George Lucas y subrayó que, pese a la proliferación de trilogías, precuelas, secuelas y derivados, solo había existido una Spaceballs hasta ahora. La fecha elegida para el estreno, 23 de abril de 2027, coincide con el aniversario número 40 de la cinta original. La expectativa entre los seguidores de la saga y los aficionados al cine paródico es alta, en parte por la reunión de los actores principales y la incorporación de nuevas voces en el reparto.

La producción y la campaña promocional han apostado por el secretismo y la sorpresa como estrategia. Hasta el momento, Amazon MGM no ha revelado detalles adicionales sobre la trama, los personajes nuevos o la posible aparición de otras figuras del universo original. La presentación en CinemaCon y el lanzamiento del primer tráiler han sido los únicos adelantos oficiales disponibles, generando especulación y comentarios en redes sociales. La cita para el regreso de Spaceballs a los cines será, oficialmente, el 23 de abril de 2027.

Selena Gomez se incorpora al nuevo proyecto de Brady Corbet, un ambicioso western de cuatro horas que explorará la historia de la inmigración y el ocultismo en Estados Unidos. El filme, titulado The Origin of the World, se encuentra en fase de preproducción y prevé un rodaje de cincuenta días en Portugal y Sudáfrica. La noticia marca un giro relevante en la carrera de Gomez, quien en los últimos años ha sido reconocida en televisión y en la selección de proyectos cinematográficos con directores de renombre. Ahora, la actriz enfrentará uno de los retos más singulares de su trayectoria, al sumarse a una producción que promete extenderse durante casi cuatro horas y abordar temáticas poco habituales en el cine contemporáneo.

The Origin of the World estará dirigida por Brady Corbet, responsable de películas como The Childhood of a Leader, Vox Lux y The Brutalist. Según informó The InSneider, el guion de la nueva cinta tiene actualmente 200 páginas y Corbet ha señalado que la duración final podría alcanzar las cuatro horas, con una calificación “X” prevista por su tratamiento de temáticas adultas. El rodaje contará con una logística internacional: las principales locaciones se ubicarán en Portugal y Sudáfrica. El equipo prevé realizar las filmaciones en formato de 65 mm, una apuesta técnica poco frecuente en la industria actual.

Por el momento, ningún estudio se ha comprometido oficialmente con la distribución. Sin embargo, fuentes cercanas a la producción consideran probable que compañías como A24, Neon o Mubi busquen adquirir los derechos. Si los plazos se cumplen, la película podría estar lista para un estreno internacional en el año 2027. Corbet ha definido The Origin of the World como un western que abarca 150 años de historia, desde el siglo XIX hasta el presente. Aunque la narración se extiende a lo largo de varias generaciones, la mayor parte de la trama se sitúa en los años 70 del siglo pasado, con el foco puesto en la inmigración en el norte de California.

La película más esperada

En declaraciones recientes, el director explicó que la película abordará también el misticismo estadounidense y la historia del ocultismo en Estados Unidos. Para el desarrollo de este eje temático, Corbet colabora estrechamente con el historiador del ocultismo Mitch Horowitz, quien aporta bases documentales y conceptuales al guion. La combinación de elementos históricos, sociales y esotéricos representa una apuesta distintiva dentro del género, alejándose de los esquemas tradicionales del western. El enfoque de Corbet promete un retrato complejo de los movimientos migratorios y de las creencias alternativas que han influido en la cultura estadounidense.

The Origin of the World ha generado expectativas en la industria por la extensión de su metraje, la ambición narrativa y la exploración de temas poco abordados en la cinematografía reciente. Este filme será la cuarta obra de Corbet como director. Su película anterior, The Brutalist, obtuvo 10 nominaciones al Óscar y se alzó con tres estatuillas: Mejor actor para Adrien Brody, Mejor fotografía para Lol Crawley y Mejor banda sonora para Daniel Blumberg. En The Origin of the World, Blumberg regresa como compositor, aunque aún no se ha confirmado si Crawley podrá participar debido a compromisos profesionales en Grecia.

La consagración de The Brutalist consolidó el prestigio de Corbet en el circuito internacional, situando expectativas altas para este nuevo proyecto. La elección de Gomez como protagonista refuerza el interés de público y crítica. Selena Gomez ha sido nominada al Emmy por su papel en la serie Solo asesinatos en el edificio. En cine, ha demostrado una política selectiva en la elección de proyectos, trabajando con directores como Woody Allen, Jim Jarmusch, Jacques Audiard y Harmony Korine. Su incorporación a The Origin of the World representa un paso más en la profundización de su carrera como actriz en propuestas de autor. Gomez se suma así a una producción que desafía los límites convencionales del western y del cine histórico, en un relato que aspira a recorrer dos siglos de transformaciones sociales y espirituales en Estados Unidos.

El director Pedro Almodóvar ha puesto en duda la profundidad interpretativa de Jacob Elordi, al tiempo que lanzó una dura crítica contra la nueva versión de Cumbres borrascosas. El cineasta español compartió su visión sobre el ascenso del actor australiano y la calidad de sus proyectos recientes, en una intervención que no eludió el tono franco. En una entrevista para el pódcast en español “La Pija y la Quinqui”, Almodóvar fue consultado sobre la posibilidad de incorporar a Elordi en algún proyecto futuro. El director no dudó en reconocer la notoriedad y el atractivo mediático de Elordi, pero matizó su reconocimiento con reservas sobre el verdadero alcance de su talento.

“Todavía dudaba si era un ‘sex symbol’ o un actor respetado”, afirmó Almodóvar, abriendo un interrogante sobre la legitimidad del estatus artístico de Elordi. A pesar de calificarlo como una figura “sin duda” destinada a ser una estrella, el director confesó que aún no encuentra elementos suficientes para definir a Elordi como un intérprete de gran rango. Durante la conversación, el director enfatizó su incertidumbre respecto a la dimensión profesional del actor. “He estado preguntándome si es solo un símbolo sexual o un actor respetado”, comentó Almodóvar, subrayando que necesita ver a Elordi enfrentándose a papeles más exigentes antes de llegar a una conclusión definitiva sobre su capacidad artística.

La trayectoria de Jacob Elordi ha llamado la atención de la industria y el público. Su popularidad se ha disparado gracias a títulos como Euphoria, Priscilla y Saltburn, y su participación en Frankenstein le otorgó visibilidad en la temporada de premios. Sin embargo, para Almodóvar, el verdadero desafío sigue pendiente: “Necesitamos verlo —al menos yo— en un papel que le exija más”. Estas declaraciones reflejan la cautela de Almodóvar a la hora de catalogar a Elordi como algo más que un fenómeno mediático. El realizador español dejó claro que su valoración dependerá de futuros trabajos donde el actor demuestre una mayor profundidad dramática.

‘Cumbres borrascosas’ era “muy mala”

Uno de los puntos más duros de la intervención de Almodóvar fue su opinión sobre la reciente adaptación de Cumbres borrascosas. El director calificó la obra de forma contundente: “muy mala”. Sin embargo, precisó que la responsabilidad no recae en los actores principales, entre ellos Jacob Elordi y Margot Robbie. Almodóvar argumentó que la estructura del material original y la dirección limitan las posibilidades de lucimiento actoral. Según su análisis, la adaptación no ofreció a los intérpretes la oportunidad de desplegar matices, lo que impidió una valoración justa de sus talentos. “Ni Elordi ni Robbie tuvieron culpa”, señaló, insistiendo en que la calidad del proyecto no dependió de sus actuaciones.

El director extendió sus críticas a otros trabajos recientes vinculados a Elordi, como Frankenstein, dirigida por Guillermo del Toro. Para Almodóvar, el papel en esta película puede ser “cómodo” para un actor, ya que las interpretaciones modernas del personaje priorizan la estilización y la presencia física sobre la exploración emocional compleja. Desde la perspectiva del cineasta, estos papeles no constituyen un verdadero desafío ni permiten evaluar la amplitud interpretativa de Elordi. Almodóvar reiteró la necesidad de observarlo en roles que requieran un mayor desarrollo dramático antes de situarlo en la categoría de actor consolidado. A pesar de las reservas de Almodóvar, Jacob Elordi ha manifestado interés en expandir su carrera hacia el cine en español. El actor ha reconocido que, para asumir papeles en este idioma, primero debería aprender la lengua. Este proyecto internacional coincide con el momento de mayor visibilidad de Elordi, quien ha logrado captar la atención tanto de la crítica como del público en diferentes mercados.

El surgimiento de Elordi como figura global se ha visto acompañado de debates sobre su verdadera naturaleza profesional. Las opiniones de Pedro Almodóvar aportan una visión escéptica pero abierta, en la que el potencial del actor australiano depende, según el director, de enfrentarse a retos actorales más complejos y menos ligados a su imagen pública como símbolo sexual. Las declaraciones de Almodóvar difundidas en el pódcast, han provocado un debate sobre el impacto de los papeles icónicos y el proceso de consagración de las nuevas estrellas en el cine internacional.

Es viernes, y eso significa una nueva oleada de títulos dispuestos a aterrizar en cartelera. Después de unas semanas con títulos menos comerciales y más espacio para nuevas voces o grandes autores, desde Almodóvar a Christian Petzold, esta vez es el turno de películas más familiares y palomiteras. Terror, humor y poesía se entremezclan en una semana de altos vuelos.

La momia de Lee Cronin o La familia Benetón 2 son quizá los platos fuertes de esta semana, dos películas que no pueden ser más dispares pero que de alguna manera hablan de la fractura del entorno familiar. En cartelera le acompañan el extraño y poético humor de la colombiana Un poeta, el escándalo protagonizado por Isabelle Huppert como la mujer más rica del mundo o la historia real que ha inspirado a Gus Van Sant como hicieran en su día el tiroteo de Elephant o Harvey Milk.

La momia de Lee Cronin

El director Lee Cronin (Posesión Infernal: El despertar) se encarga de hacer su propia versión de La momia, toda una historia mítica en el cine. En esta ocasión sitúa la historia en una familia marcada por un gran trauma: la desaparición de su hija estando en El Cairo. Más de ocho años después, el matrimonio (formado por Jack Reynor y Laia Costa) recibe la noticia de su reaparición en un antiguo sarcófago, pero la pequeña está muy cambiada. Ocho años sepultada le han pasado factura pero hay algo más: parece estar poseída por un espíritu malvado. Poco a poco, los padres irán descubriendo la terrible verdad detrás de la desaparición de su hija, aunque quizá sea demasiado tarde para recuperarla tal y como la recordaban.

Prime Crime: A True Story

Siete años después de su última película, Gus Van Sant vuelve con una historia real, en este caso una acontecida en 1977. Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.

La mujer más rica del mundo

La gran Isabelle Huppert da vida en La mujer más rica del mundo a una señora inspirada en la figura de Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de L’Oréal y protagonista de uno de los escándalos más célebres de Francia. En la película, Marianne Farrère (Huppert) es una mujer que dona una ingente cantidad de dinero a un joven artista, haciendo explotar un gran escándalo que lleva a la hija de esta a destapar un caso de corrupción con un expresidente implicado en el mismo.

Un poeta

Premiada en el pasado Festival de Cannes, esta particular propuesta colombiana llega por fin a cines. En ella se cuenta la historia de Óscar Restrepo, un hombre cuya obsesión por la poesía no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático, ha sucumbido al tópico del poeta en la sombra. Conocer a Yurlady, una adolescente de origen humilde, y ayudarla a cultivar su talento trae algo de luz a sus días, pero arrastrarla al mundo de la poesía quizá no sea el camino.

La familia Benetón 2

Leo Harlem vuelve a la acción con La Familia Benetón. Secuela directa de la película que triunfó en cines en 2024, narra la historia de Toni Benetón (Leo Harlem), quien cree que tiene todo bajo control en su entrañable y divertida familia multicultural, la llegada de dos nuevos bebés pondrá patas arriba la casa y a toda la familia. Los problemas crecen por partida doble pero las aventuras también.

El actor Val Kilmer, fallecido en 2025 tras una larga batalla contra el cáncer de garganta, vuelve a aparecer en la gran pantalla gracias a la inteligencia artificial. La película histórica As Deep as the Grave utiliza tecnología generativa para reconstruir su imagen y su voz, permitiendo su participación en el proyecto pese a que su estado de salud le impidió rodar sus escenas en vida. El filme supone un precedente en la industria cinematográfica y plantea cuestiones éticas y técnicas sobre el uso de la IA en la interpretación.

La producción, dirigida por Coerte Voorhees y producida por John Voorhees, hermano del realizador, estrenó su primer avance durante CinemaCon, la feria de exhibidores celebrada en Las Vegas. El tráiler muestra a Kilmer en distintas etapas de la vida de su personaje, el padre Fintan: desde un hombre joven y apuesto hasta una figura espectral, consolidando la presencia del actor a lo largo de más de una hora en el metraje.

Los responsables de As Deep as the Grave recurrieron a tecnología de IA para recrear la actuación de Kilmer. El actor fue elegido para encarnar a un sacerdote católico y espiritualista nativo americano, pero su salud deteriorada le impidió participar en el rodaje. El equipo, en colaboración con el patrimonio del intérprete y con su hija Mercedes Kilmer, empleó archivos y registros previos para generar la imagen y la voz digitalizadas. La IA permitió que Kilmer aparezca en múltiples secuencias, interpretando a su personaje en diversas edades y situaciones. En el tráiler, el actor incluso pronuncia frases directas, como cuando le dice a una niña: “No temas a los muertos y no me temas a mí”, consolidando la ilusión de una actuación completa.

Los cineastas sostienen que la tecnología fue una herramienta necesaria, impulsada por el deseo de que Kilmer formara parte del proyecto. Según declaraciones de Coerte Voorhees en Variety, el papel fue concebido específicamente para él, aprovechando su herencia nativa americana y su vinculación con el suroeste de Estados Unidos. El guion y la producción se adaptaron para honrar su legado. La inclusión de Kilmer mediante inteligencia artificial contó con la cooperación activa de su familia. Mercedes Kilmer afirmó en un comunicado que su padre habría deseado participar en el proyecto y que siempre vio las tecnologías emergentes como una vía para ampliar las posibilidades del cine. A juicio de la familia, la película representa un tributo fiel al actor y a su visión.

“Un proceder ético”

El equipo de As Deep as the Grave insiste en que su proceder fue ético. Subrayan que la producción se ajustó a las directrices del sindicato de actores SAG y que el patrimonio de Kilmer fue compensado por el uso de su imagen y voz. Los Voorhees remarcan que la decisión de recurrir a la IA respondió a la necesidad y no a un intento de reducir costes ni de reemplazar intérpretes humanos. La presencia digital de Kilmer genera debate en Hollywood. La utilización de inteligencia artificial para recrear actores fallecidos despierta preocupaciones entre profesionales del sector, quienes temen que la tecnología pueda erosionar oportunidades laborales. Los cineastas de As Deep as the Grave defienden que su caso es excepcional: recurrieron a la IA solo para preservar la visión original de la película y la memoria de Kilmer.

La polémica en torno a la IA y la interpretación se intensificó en los últimos años, a medida que los estudios exploran nuevas formas de reducir gastos y maximizar la explotación comercial de grandes nombres. Sin embargo, el equipo tras este filme recalca que la colaboración con la familia y el respeto por el legado del actor fueron prioritarios en todo el proceso. As Deep as the Grave narra la historia de Ann Axtell Morris, una de las primeras mujeres arqueólogas de Estados Unidos, y su trabajo de excavación en el Cañón de Chelly, Arizona. El filme mezcla drama histórico, acción y paisajes naturales, con escenas de excavaciones en acantilados, búfalos corriendo por las llanuras y vehículos enfrentando rápidos.

El elenco incluye a Abigail Lawrie, Tom Felton, Abigail Breslin, Tatanka Means, Jacob Fortune-Lloyd, Wes Studi y Finn Jones. La IA permite que Val Kilmer tenga un papel sustancial, con presencia en más de una hora de la película, según revelaron en CinemaCon. La estrategia de As Deep as the Grave con la inteligencia artificial y la aprobación familiar sitúan al filme en el centro del debate sobre el futuro de la actuación digital y la preservación de los legados artísticos.

Universal ha presentado un nuevo adelanto de The Odyssey, la producción dirigida por Christopher Nolan, que transporta al espectador al universo del poema épico de Homero. El evento, realizado en Las Vegas, ofreció el primer vistazo a la interpretación de Charlize Theron como Calypso, junto al Odiseo de Matt Damon, en una de las escenas clave de esta adaptación. La película, rodada completamente en formato Imax, ha generado expectativas tanto por su elenco como por el enfoque técnico y narrativo de Nolan.

La secuencia mostrada inicia con Odiseo, interpretado por Damon, enfrentando a la ninfal Calypso, quien lo ha mantenido cautivo durante siete años tras su llegada a la isla, luego de la guerra de Troya. En el adelanto, el personaje pregunta: “¿Cuánto tiempo llevo en esta isla, Calypso? No recuerdo nada antes de Troya. ¿Tuve esposa, hijos, tal vez un hijo? Si tuve un hijo, ¿qué edad tendría ahora?”. Esta escena ofrece el primer retrato de la dinámica entre ambos personajes y anticipa el tono introspectivo de la adaptación.

La interpretación de Charlize Theron como Calypso marca uno de los puntos centrales del adelanto. Su personaje, una ninfal inmortal, mantiene a Odiseo en su isla aislado del mundo exterior. El diálogo presentado en el evento no solo resalta la confusión y el anhelo de Odiseo por recuperar su vida pasada, sino que también muestra la relación de poder y vulnerabilidad entre ambos personajes. El público pudo observar cómo Nolan traslada a la pantalla la mitología griega mediante una puesta en escena visualmente ambiciosa y centrada en el conflicto emocional. En paralelo a la interacción entre Calypso y Odiseo, el adelanto introduce a Tom Holland como Telémaco, hijo de Odiseo, quien escucha relatos sobre la guerra de Troya narrados por Menelao (interpretado por Jon Bernthal). La conexión entre padre e hijo aparece como uno de los ejes narrativos que estructuran la historia.

“Una absoluta pesadilla”

Durante la presentación en Las Vegas, los asistentes pudieron ver fragmentos inéditos de la película, que incluyen la recreación de la caída de Troya. La secuencia muestra a los griegos ingresando a la ciudad mediante el conocido caballo de madera, arrastrado por cables a través de la arena hasta situarlo en el centro de la fortaleza. Por la noche, Menelao, Odiseo y otros soldados griegos emergen de su escondite y ponen fin al conflicto que había durado diez años. El adelanto también confirma la participación de un reparto internacional. Anne Hathaway interpreta a Penélope, esposa de Odiseo, y junto a ella figuran Zendaya, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Benny Safdie, Cosmo Jarvis, Michael Vlamis e Iddo Goldberg.

Tras la ovación recibida al subir al escenario, Nolan compartió su entusiasmo por llevar a la pantalla grande una historia que, según sus palabras, ha “fascinado a generación tras generación durante 3.000 años”. El director sostuvo que este proyecto representa “la historia”, y no solo una más dentro del repertorio de relatos universales. Nolan subrayó su interés en aprovechar la tecnología Imax para ofrecer una experiencia inmersiva, grabando incluso los diálogos con la misma intensidad visual que las secuencias de acción. El realizador admitió que filmar La Odisea fue “una pesadilla absoluta”, aunque precisó que lo fue “en el mejor sentido”, y enfatizó el compromiso del equipo durante el rodaje. Nolan también remarcó que la producción se encuentra en su etapa final y que el resultado refleja el esfuerzo colectivo.

La película fue anunciada en diciembre de 2024 y constituye el siguiente gran proyecto de Nolan tras su colaboración con Universal en Oppenheimer, filme que recibió 13 nominaciones al Oscar y obtuvo siete estatuillas, incluida la de Mejor Película y Mejor Director. Nolan firma el guion y produce junto a Emma Thomas, su colaboradora habitual. La Odisea tiene programado su estreno en cines Imax el 17 de julio, consolidándose como uno de los lanzamientos más esperados del año por su propuesta visual y la presencia de figuras destacadas del cine contemporáneo.

Es difícil encontrar hoy día un director como Paolo Sorrentino, que a pesar de los años no ha sucumbido al poder de las majors ni cedido un milímetro con respecto a las exigencias del público. Incluso en sus “aventuras” con actores alejandos de su país o en otros formatos con coproducciones internacionales -Sean Penn en Un lugar donde quedarse, Jude Law y John Malkovich en The Young Pope- ha logrado mantenerse 100% fiel a sí mismo, incluso cuando se le ha tachado de machista o de ser demasiado barroco en su retrato de figuras como Silvio Berlusconi o el Papa. Con su última película, La Grazia, parece haber querido responder precisamente a esas críticas, y demostrarse a sí mismo que se puede dudar sin dejar de ser uno mismo.

Estrenada hace unos días en cines, la película cuenta la historia de Mariano De Santis (Toni Servillo), presidente de la República Italiana que se ha ganado el sobrenombre de “Cemento Armado” después de años como político serio e inquebrantable, pero también como anclado en el pasado e incapaz de tomar decisiones de peso. Su última oportunidad para redimirse se le presenta cuando le llega la propuesta para aprobar, por un lado, la primera ley de la eutanasia en Italia, y por otro dos indultos a dos presos por asesinato en primer grado. El recuerdo de su difunta esposa y la insistencia de su hija le harán replantearse su férrea personalidad y meditar si aprobar cualquiera de esas medidas antes de abandonar el cargo para siempre.

La Grazia plantea una serie de frentes evidentes que de alguna manera ya estaban presentes en el cine de Sorrentino (la política, la familia, el perdón) pero desde una forma de afrontarlos muy distinta. Al comienzo de la película, cuando emerge el personaje de Coco Valori (Milvia Marigliano), el propio De Santis reconoce su condición de soporífero (“No hablemos de mí, es el tema más aburrido que conozco”), un personaje que rehúye el exceso que tanto relucía en cualquier otro personaje de Sorrentino. La joven de Parthenope ya anunciaba un incipiente interés del cineasta italiano por este tipo de personajes contenidos, pero en De Santis ha encontrado el vehículo perfecto para el gran tema de la película: la duda.

Elogio de una duda razonable

De Santis ha basado su mandato en la estabilidad, en ser la voz de la razón y uno de los grandes pilares de la Italia católica en tiempos de cambio. Pero también ha construido su personalidad en torno a esos pilares: una exagerada devoción a su difunta esposa Aurora -de cuya ausencia lo que más le atormenta es una infidelidad-, unos hijos criados desde la máxima distancia -pero cuya opinión en realidad le importa- y una serie de valores cimentados en las leyes más que en la realidad, toda una deformación profesional fruto de ser el autor de un libro de más de dos mil páginas sobre derecho penal. Enfrentarse a los casos de indulto y a la ley de la eutanasia es, de alguna forma, enfrentarse a sí mismo, y admitir que el escudo que ha construido en torno a su persona también se puede deshacer. Un personaje lleno de capas que le valió la Copa Volpi a Toni Servillo en el Festival de Venecia y que es probablemente una de las interpretaciones más conmovedoras y elegantes de los últimos años.

Por el camino, Sorrentino no renuncia a una serie de elementos marca de la casa, solo que sus momentos más notables están más cuidados y dosificados. En La Grazia sigue habiendo espacio para los secundarios carismáticos -la crítica de arte Coco Valori o el “coracero” guardaespaldas del presidente-, hay momentos videocliperos -la llegada del embajador de Portugal-, algún que otro chiste y “saltos a la fantasía” o más bien al propio universo sorrentiniano, como el ingeniero en el espacio o el Papa negro y rastafari de Rufin Doh Zeyenouin. Cada uno de ellos en su justa medida, sin agotar ni saber a poco, aunque sin duda los más fieles a Sorrentino dirán que hubieran escuchado otro rap de Guè en boca de Servillo.

¿De quién son nuestros días?

En definitiva, nos encontramos ante una obra tan depurada y madura que cualquiera diría que estamos ante un director al final de su carrera y no ante uno que aun cuenta con 55 años y muchas películas por hacer. Lo que antes era exceso aquí parece mesura, lo que antes era estridente ahora es rompedor y simpático, y eso solo se consigue después de madurar y reflexionar sobre el cine, pero también sobre la vida. Al igual que Pedro Almodóvar vuelve sobre sus pasos en Amarga navidad, también en cines estos días, Sorrentino parece querer defender su derecho a equivocarse, a dudar como lo hace su protagonista, ya sea sobre el cine o el derecho a la vida.

“¿De quién son nuestros días?“, se dice una y otra vez Mariano De Santis durante la película, una frase con peso que se va haciendo ligera conforme avanza esta, esa ligereza que buscaba y que parece haber encontrado con La Grazia. No está claro cuál será el próximo proyecto del director -bien podría culminar su carrera con esta obra- ni si volverá a tener una aventura más allá de Italia, pero desde luego se ha ganado el derecho a dudar antes que decidir, mientras ha reabierto una serie de cuestiones tanto políticas como vitales en Italia y el resto del mundo. Al fin y al cabo, los días son suyos, y de nadie más.

Warner Bros. ha anunciado el reparto completo de El señor de los anillos: La caza de Gollum, la próxima entrega de la saga inspirada en la obra de J.R.R. Tolkien. El anuncio, realizado durante la presentación de la compañía en CinemaCon, confirmó el esperado regreso de algunos de los rostros más reconocidos de la trilogía original, así como la incorporación de nuevas figuras al universo de la Tierra Media. La película, dirigida por Andy Serkis, llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027.

Entre las novedades que más han llamado la atención destaca la elección de Jamie Dornan para interpretar a Aragorn, conocido también como Strider. Dornan, reconocido por trabajos anteriores fuera del género fantástico, asumirá el papel que en la trilogía original encarnó Viggo Mortensen. La noticia de su fichaje ha generado sorpresa tanto entre los seguidores de Tolkien como en la industria cinematográfica, al tratarse de un cambio de rostro en uno de los personajes centrales de la historia. El actor británico se suma así al legado de Aragorn, figura clave en el imaginario de El señor de los anillos.

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La nueva producción cuenta con el regreso de varios intérpretes emblemáticos. Ian McKellen recupera el papel de Gandalf, y Elijah Wood vuelve como Frodo Bolsón. Además, Lee Pace retoma su personaje de Thranduil, el rey elfo que ya interpretó en El hobbit. Andy Serkis, además de dirigir la película, dará vida nuevamente a Gollum/Smeagol, personaje al que aportó una interpretación decisiva en las cintas anteriores. Entre las incorporaciones, Kate Winslet interpretará a Marigol, y Leo Woodall será Halvard, ambos personajes inéditos hasta ahora en el universo cinematográfico de Tolkien. El reparto se completa con figuras reconocidas y jóvenes talentos que aportarán nuevas dimensiones a la mitología de la Tierra Media.

El elenco, según el anuncio oficial, está integrado por:

• Ian McKellen como Gandalf
• Elijah Wood como Frodo Bolsón
• Andy Serkis como Gollum/Smeagol
• Lee Pace como Thranduil
• Jamie Dornan como Aragorn/Strider
• Kate Winslet como Marigol
• Leo Woodall como Halvard

Jamie Dornan, el heredero de Viggo Mortensen

La presencia de Jamie Dornan como Aragorn ha sido el elemento más sorpresivo del anuncio. Dornan, conocido por sus actuaciones en otros géneros, asumirá la responsabilidad de reinterpretar un personaje que marcó la trilogía dirigida por Peter Jackson bajo la piel de Viggo Mortensen. La decisión de Warner Bros. de confiar este papel a Dornan sugiere un interés por renovar la imagen del personaje y atraer a nuevas audiencias, a la vez que mantiene la conexión con los seguidores de la saga. El señor de los anillos: La caza de Gollum también suma por primera vez a Kate Winslet y Leo Woodall al universo fílmico de Tolkien, ampliando el espectro de personajes y aportando rostros frescos a la narrativa. Esta mezcla de continuidad y renovación en el reparto forma parte de la estrategia de la productora para relanzar la franquicia en la gran pantalla.

La dirección está a cargo de Andy Serkis, quien se posiciona como una de las figuras centrales tanto delante como detrás de las cámaras. El guion cuenta con la firma de Fran Walsh y Philippa Boyens, responsables del éxito de las películas originales, a quienes se suman Phoebe Gittins y Arty Papageorgiou en la adaptación del material de Tolkien. La trama de El señor de los anillos: La caza de Gollum se sitúa en los años previos a La Comunidad del Anillo, y narra la búsqueda del hobbit corrompido por el Anillo Único. Esta aproximación permite explorar nuevos ángulos del universo creado en los años 50 por Tolkien y que ya fue adaptado al cine por Peter Jackson entre 2001 y 2003.

La trilogía original de El señor de los anillos recaudó cerca de 3 mil millones de dólares a nivel mundial y obtuvo 17 premios Oscar, incluyendo Mejor Película para El retorno del rey en 2004. La interpretación de Andy Serkis como Gollum destacó por el uso pionero de la captura de movimiento, tecnología que marcó un antes y un después en el cine digital. La franquicia ha seguido creciendo con estrenos como El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim (2024), y con la serie Los anillos de poder, producida por Amazon-MGM, que prepara su tercera temporada. El anuncio del nuevo reparto reafirma la vigencia de la saga y la expectación por su próxima entrega en la gran pantalla.

La actriz Margot Robbie ha confirmado los primeros detalles sobre la próxima precuela de la saga Ocean’s Eleven, que trasladará la acción al Gran Premio de Mónaco de 1962. La actriz y productora adelantó que el filme se centrará en los padres de Danny Ocean, el legendario personaje interpretado por George Clooney en la franquicia original. Robbie reveló la información durante la presentación del próximo calendario de estrenos de Warner Bros. en CinemaCon, donde destacó la magnitud del plan criminal: “Antes de que Danny Ocean pusiera un pie en Las Vegas, dos cerebros le enseñaron todo lo que sabe —sus padres. Los verán en su mejor momento, y en nuestra nueva película, ejecutando un épico robo en el Gran Premio de Mónaco en 1962”.

La cinta, aún sin título confirmado, situará el núcleo de la trama en uno de los eventos más reconocidos del automovilismo mundial. Según lo adelantado por la propia Robbie, la historia explora los orígenes familiares de Danny Ocean y la sofisticación de un golpe maestro en pleno circuito de Fórmula Uno. El proyecto contará con Bradley Cooper como coprotagonista, quien interpretará presumiblemente al padre del protagonista de la saga. Además, Cooper asumirá la dirección del largometraje tras la salida de los cineastas Lee Isaac Chung y Jay Roach, quienes estuvieron vinculados previamente al desarrollo. Carrie Solomon está a cargo del guion, mientras que la producción corre por cuenta de LuckyChap, la compañía fundada por Robbie.

La filmación de la precuela está prevista para comenzar este año, con el objetivo de estrenar en salas durante 2027. La trama se aparta de las aventuras de Danny Ocean en Las Vegas y desplaza el foco hacia la sofisticación de sus progenitores en el glamour de Mónaco. El evento elegido para el atraco, el Gran Premio de 1962, otorga un contexto de lujo, velocidad y alto riesgo, elementos característicos de la franquicia. La saga Ocean’s se ha consolidado como una de las más reconocidas en el cine contemporáneo de robos y atracos. La versión dirigida por Steven Soderbergh en 2001, protagonizada por George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon y Julia Roberts, revitalizó el género y generó dos secuelas, además de un spin-off liderado por Sandra Bullock. En esta nueva entrega, el argumento se traslada décadas atrás, explorando la herencia criminal familiar y el origen de las técnicas que hicieron famoso a Danny Ocean.

Más allá de Danny Ocean

En paralelo al anuncio de la precuela, Warner Bros. confirmó otro proyecto dentro del universo “Ocean’s”. George Clooney retomará el papel de Danny Ocean en una secuela que reunirá al elenco original, incluyendo a Julia Roberts, Matt Damon, Brad Pitt y Don Cheadle. Esta producción, independiente de la historia de los padres de Ocean, mostrará al grupo de ladrones ya envejecidos, enfrentándose a nuevos desafíos en el mundo del crimen organizado. La presentación de CinemaCon incluyó también un adelanto de otros títulos relevantes en la agenda de Warner Bros. para 2027.

Entre ellos destacan Una película de Minecraft 2, la comedia navideña Margie Claus con Melissa McCarthy, el thriller de ciencia ficción Shiver protagonizado por Keanu Reeves y la continuación de Dune bajo la dirección de Denis Villeneuve. Otros estrenos esperados son Digger con Tom Cruise, la nueva entrega del universo DC titulada Supergirl y la secuela de Prácticamente magia con Nicole Kidman y Sandra Bullock. Respecto al desempeño comercial reciente, el estudio informó que en 2025 logró siete lanzamientos consecutivos con aperturas superiores a 40 millones de dólares (USD 40 millones), sumando títulos como Sinners, Weapons y Una película de Minecraft. Estas películas generaron un total de 4.400 millones de dólares (USD 4.400 millones) en la taquilla mundial, cifra que Warner Bros. no alcanzaba desde 2019.

El codirector del estudio, Mike De Luca, señaló durante el evento: “Ese hito reafirma una verdad simple pero poderosa: cuando se construye una cartelera ecléctica, anclada en una línea diversa de grandes películas, el público responde y regresa a las salas tras la pandemia”. La precuela de Ocean’s Eleven con Margot Robbie y Bradley Cooper se perfila como uno de los estrenos más esperados del calendario de Warner Bros. para 2027, combinando la fórmula del robo sofisticado con el glamour del automovilismo en Mónaco y la exploración de los orígenes de una de las sagas más exitosas del cine reciente.

El universo de Longlegs se expande con una nueva producción que confirma el regreso de Nicolas Cage en su papel como asesino, bajo la dirección de Osgood Perkins y la producción de Paramount Pictures. Este movimiento representa un cambio estratégico relevante para la franquicia y para la industria del cine de terror.

Paramount Pictures ha adquirido los derechos para la próxima película ambientada en el universo de Longlegs, escrita y dirigida por Osgood Perkins. El estudio confirmó que Nicolas Cage volverá a interpretar al enigmático asesino que marcó la propuesta original. Perkins, además de dirigir y escribir, participará como productor. El equipo de producción se completa con Brian Kavanaugh Jones de Range Media, Chris Ferguson de Phobos y Dave Caplan de C2, la empresa que financió la primera entrega.

A pesar del hermetismo sobre la trama, fuentes vinculadas al proyecto subrayan que la nueva obra no será una secuela directa. En cambio, se tratará de una historia “situada en el universo Longlegs”, lo que permite expandir el alcance narrativo sin depender de la continuidad lineal de personajes o hechos previos. El regreso de Cage es un punto central en esta etapa. El actor, quien interpretó al asesino Longlegs con una aproximación que sorprendió al público y la crítica, se suma nuevamente como protagonista y productor, consolidando así su vínculo con la saga.

De Neon a Paramount: un salto de escala para ‘Longlegs’

La transición de la franquicia desde Neon, distribuidora de la primera película, hacia Paramount Pictures responde a una cuestión de escala y ambición. Las fuentes indican que Neon decidió apartarse del nuevo proyecto cuando su envergadura y presupuesto excedieron los parámetros habituales de la compañía. Paramount, respaldada por Skydance, asumió el desafío de producir la nueva entrega, asegurando un mayor alcance tanto en recursos como en distribución internacional. El equipo directivo de Paramount, encabezado por Josh Greenstein y Dana Goldberg, ha priorizado el desarrollo de propuestas de terror dentro de su catálogo. Esta apuesta se traduce en alianzas con productoras especializadas y en la reactivación de franquicias con potencial probado.

La primera Longlegs, lanzada en 2024 por Neon, se convirtió en un fenómeno inesperado. La película recaudó $128 millones en todo el mundo con un presupuesto inferior a $10 millones, posicionándose como el filme independiente más taquillero de la última década. La historia, protagonizada por Maika Monroe como una agente del FBI con dones de clarividencia, giraba en torno a una serie de asesinatos-suicidios en Oregón, relacionados con el asesino Longlegs, interpretado por Cage.

La propuesta destacó por mezclar elementos de ocultismo, manipulación mental, ritos satánicos, muñecos inquietantes y procedimientos policiales. Esta combinación creó un universo narrativo fértil, permitiendo que el proyecto actual se desarrolle en ese mismo entorno sin limitarse a reproducir la fórmula original. El impacto de la película lanzó a Perkins como figura del género de terror y consolidó a Monroe como protagonista en ascenso. El filme también marcó el mayor éxito doméstico en la historia de Neon.

La llegada del universo Longlegs fortalece la estrategia de Paramount Pictures en el género. El estudio ha construido un portafolio robusto mediante alianzas con entidades dedicadas al terror, como la productora dirigida por J.D. Lifshitz y Raphael Margules, y 18Hz de Walter Hamada, responsable de Passenger, próxima a estrenarse el 22 de mayo. Además, Paramount mantiene acuerdos con cineastas como Parker Finn, responsable de las películas Smile, y prepara el relanzamiento de la franquicia Paranormal Activity, con James Wan y Jason Blum en la producción. El reciente éxito de Scream 7, que alcanzó $211,9 millones en taquilla este año, refuerza el contexto favorable para el desarrollo de nuevos títulos de terror.

Osgood Perkins ha mantenido un ritmo constante en la dirección de películas de terror. Tras Longlegs, dirigió The Monkey y Keeper, y culminó la producción de The Young People, protagonizada por Nicole Kidman, Lola Tung y Nico Parker. Por su parte, Nicolas Cage amplía su presencia en la industria. En mayo, encabeza la serie Spider-Noir de Amazon Prime Video y, antes de finalizar el año, interpretará a John Madden bajo la dirección de David O. Russell en el filme Madden.

El actor Jamie Dornan llega a la órbita de El señor de los anillos: La Caza de Gollum como una elección que encaja con su trayectoria: un actor capaz de moverse entre la elegancia, la contención emocional y la dureza física. Aunque su fama global nació con Cincuenta sombras de Grey, su carrera ha ido mucho más allá del fenómeno comercial que lo convirtió en rostro reconocible en medio planeta. Nacido en Holywood, pero no en la ciudad de las estrellas sino en Irlanda del Norte, el 1 de mayo de 1982, Dornan empezó primero como modelo y luego dio el salto a la interpretación. Su debut en el cine llegó con María Antonieta de Sofia Coppola, y desde ahí fue construyendo una filmografía heterogénea, con papeles en drama histórico, thriller y televisión de prestigio.

El gran punto de inflexión de su carrera fue la televisión. En Once Upon a Time dio vida al sheriff Graham Humbert, un personaje que lo colocó ante el gran público, pero fue The Fall la serie que le dio densidad dramática y reputación crítica. Allí interpretó al asesino en serie Paul Spector, un papel que le exigió una mezcla poco frecuente de frialdad, vulnerabilidad y ambigüedad moral. Ese trabajo en The Fall fue importante porque permitió ver a Dornan fuera del encasillamiento romántico o erótico que suele acompañar a las estrellas surgidas de grandes franquicias. La serie consolidó su imagen de intérprete serio, dispuesto a asumir personajes incómodos y psicológicamente complejos, algo valioso para cualquier actor que quiera sobrevivir al peso de la fama masiva.

Su salto a la cultura popular mundial llegó con Christian Grey, un papel que lo expuso a una atención inmensa y a una recepción crítica desigual. Aun así, Dornan salió de esa etapa con una identidad profesional más sólida de lo que muchos esperaban: después de la trilogía, siguió alternando cine comercial y proyectos más contenidos, reforzando una carrera menos lineal de lo que su imagen pública podía sugerir. En títulos como Operación Anthropoid, Robin Hood o La corresponsal, el actor ha demostrado una inclinación por personajes situados en contextos de tensión, conflicto o deber. Esa preferencia es relevante para entender por qué su llegada a la Tierra Media resulta creíble: Dornan no solo aporta presencia, sino también una cierta gravedad que puede resultar útil en una saga donde los héroes rara vez son planos.

Ante el gran reto de su carrera

La elección cobra todavía más sentido si se piensa en Aragorn como figura narrativa: un personaje marcado por el linaje, la carga del destino y la disciplina interior. La interpretación de un Aragorn joven exigiría precisamente eso, una mezcla de firmeza y conflicto interno, y Dornan ha mostrado en pantalla que puede sostener ambos registros sin perder naturalidad. Además, su perfil encaja con la lógica contemporánea de las grandes franquicias: rostros conocidos, pero no saturados hasta el cansancio, con capacidad para atraer a varios tipos de público. En una producción vinculada a Tolkien, ese equilibrio es fundamental, porque la película necesita respetar la memoria del canon sin parecer una simple operación de nostalgia.

También hay un elemento simbólico interesante: Dornan ha sido muchas veces leído como un actor de atractivo físico evidente, pero su evolución profesional apunta a algo más duradero que la mera imagen. Su trabajo en televisión y cine lo ha llevado a consolidar una presencia de intérprete sobrio, una cualidad que puede funcionar muy bien en una historia de persecución, viaje y sombra como la que rodea a Gollum.

Si finalmente su incorporación se confirma en los términos que circulan, el fichaje puede interpretarse como un intento de la saga por combinar continuidad y renovación. Dornan aportaría una lectura más introspectiva de Aragorn, menos épica en el sentido clásico y más atenta al hombre antes que al mito, algo que podría enriquecer el universo de Tolkien con una capa nueva de humanidad. En definitiva, Jamie Dornan no llega a La Caza de Gollum solo como una celebridad reconocible, sino como un actor que ha sabido evolucionar desde el estrellato inmediato hacia una carrera más matizada. Su perfil —entre la popularidad global, la experiencia en televisión de prestigio y la familiaridad con papeles intensos— lo convierte en un nombre especialmente interesante para una franquicia que vive de convertir el pasado legendario en relato vivo.

La primavera asoma por Barcelona y con ella el buen tiempo y las ganas de salir a la calle a disfrutar del sol, pero también de hacerlo en un museo descubriendo nuevas exposiciones de arte. Después de un mes de marzo marcado por títulos como Rodoreda, un bosc o Chez Matisse, dedicada al pintor francés. Durante el próximo mes, y en algunos casos incluso más adelante, los habitantes y visitantes de la ciudad condal podrán disfrutar de exposiciones fotográficas, de artes plásticas o incluso experiencias inmersivas como la de Los últimos días en Pompeya, entre las muchas y destacadas propuestas que aguardan.

Tenemos diecisiete años

La adolescencia, vista desde la perspectiva de más de trescientos jóvenes de diecisiete años, adquiere nuevas formas en la exposición «Tenemos diecisiete años. Un retrato colectivo». A través de fotografía, cine y palabra, estos participantes exploran su identidad y comparten inquietudes, alejándose de miradas adultas y estereotipos convencionales. El proyecto, desarrollado por la Asociación A Bao A Qu, reunió a estudiantes de Cataluña, Lituania y Rumanía en talleres artísticos donde aprendieron a retratarse y narrarse de forma auténtica. Los resultados incluyen fotografías, filmaciones y textos en primera persona, aportando una visión genuina sobre lo que significa tener diecisiete años hoy.

Inspirada en los retratos realizados por Johan van der Keuken en 1955, la muestra integra por primera vez en Barcelona estas obras y las pone en diálogo con las creaciones actuales. La Filmoteca de Catalunya acompaña la exposición con un ciclo dedicado al cineasta neerlandés. Estará disponible en el CCCB del 6 marzo al 17 mayo.

Walker Evans. Now and then

La obra de Walker Evans ha marcado un hito en la fotografía del siglo XX, situándolo como uno de los grandes cronistas visuales de Estados Unidos. Sus imágenes, reconocibles por una aparente sencillez, exploran la complejidad de la vida cotidiana y los paisajes urbanos, captando con lucidez el rostro de una sociedad en constante cambio. En la exposición Walker Evans: Now and Then, bajo la curaduría de David Campany, se presenta una revisión integral de su recorrido artístico. El visitante puede descubrir desde los primeros autorretratos de los años veinte hasta sus experimentos con Polaroid en los setenta. A este recorrido se suman libros y publicaciones que evidencian la profunda capacidad de observación del fotógrafo.

La muestra pone en relieve cómo Evans no se limitó a documentar su entorno, sino que también desafió al espectador a reflexionar sobre el papel de la fotografía y la percepción de la realidad. Su legado, vigente en generaciones de artistas, sigue invitando a cuestionar la mirada y los códigos visuales de cada época. Está disponible en la Fundación MAPFRE hasta el 24 de mayo.

I després de Franco què? (1965-1975)

La antigua prisión de La Model acoge la exposición I després de Franco, què?, una propuesta que marca el cincuentenario de la muerte de Francisco Franco. Organizada por el Ayuntamiento de Barcelona junto al Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, la muestra repasa los últimos años del franquismo y las iniciativas colectivas que surgieron ante el fin del régimen.

El recorrido, comisariado por Andreu Mayayo y José Manuel Rua, se divide en dos galerías: la quinta, centrada en la agonía del dictador y la represión final, y la cuarta, dedicada a los movimientos políticos, sociales y culturales que prepararon el terreno para la democracia. Entre los temas tratados destacan la continuidad institucional, el feminismo, los derechos LGTBI, la libertad de expresión y la movilización obrera. Mediante audiovisuales, testimonios y documentos históricos, la exposición busca ofrecer una mirada crítica sobre una etapa decisiva para comprender el presente y los retos futuros de la sociedad española. Se podrá encontrar en La Model hasta el 19 de julio.

Proyectar un planeta negro

La exposición de MACBA Proyectar un planeta negro. El arte y la cultura de Panáfrica es la primera gran revisión internacional dedicada a las expresiones culturales del panafricanismo desde los años veinte hasta la actualidad. Comisariada por Elvira Dyangani Ose, directora del museo, junto a Antawan Byrd, Adom Getachew y Matthew S. Witkovsky, la muestra reúne cerca de 500 obras creadas por un centenar de artistas de distintas épocas y lugares. El proyecto, desarrollado junto al Art Institute of Chicago y en colaboración con el Barbican Centre de Londres y el KANAL Centre Pompidou de Bruselas, permite que la exposición viaje por estas cuatro instituciones hasta la primavera de 2027. Esta alianza ha hecho posible reunir una colección de tal magnitud y relevancia.

Aunque el panafricanismo ha sido una fuerza reconocida en la historia mundial del siglo XX, nunca antes se había abordado su impacto en el arte y la cultura en una muestra de esta escala. La exposición parte del primer Congreso Panafricano de 1919 y propone una nueva mirada sobre cómo estas ideas han moldeado la creación artística y la visión política global.

Los últimos días de Pompeya

La exposición inmersiva Los últimos días de Pompeya aterriza en Barcelona (IDEAL Montjuïc) tras recorrer ciudades como Madrid, Londres, Viena y Beijing. Reconocida por National Geographic como la “Mejor Exposición Histórica 2024”, la muestra invita al público a retroceder dos mil años y sumergirse en la vida, la cultura y el poder de la antigua Roma.

Más de 850.000 visitantes en todo el mundo han experimentado este viaje multisensorial, que combina tecnología de realidad virtual de última generación, espacios expositivos tradicionales y objetos históricos auténticos. Proyecciones de vídeo envolventes, paisajes sonoros y recursos interactivos permiten recorrer los rincones más emblemáticos de Pompeya, desde batallas de gladiadores hasta la célebre erupción del Vesubio. La propuesta ofrece una reconstrucción digital que transporta al espectador a la historia, permitiendo vivir en primera persona los momentos clave de la ciudad romana antes de su destrucción. Se podrá ver en el IDEAL Montjuïc (Palau Victòria Eugènia, Pabellón 7B) hasta finales de junio.

No todos lo conocen, pero es una de las instituciones más prestigiosas en lo que a música se refiere. El Salón de la Fama del Rock & Roll es una organización estadounidense dedicada a homenajear a los artistas más influyentes y reconocidos en la historia de la música popular. Aunque su nombre destaca el rock and roll, la organización ha incluido a músicos de géneros tan diversos como el hip hop, el soul, el pop y el country. Su sede se encuentra en Cleveland, Ohio, y desde su creación, representa el máximo reconocimiento para quienes han dejado una huella duradera en la industria musical.

Para ser elegibles, los artistas deben haber publicado su primera grabación comercial al menos veinticinco años antes de la nominación. El proceso de selección involucra a un jurado compuesto por más de mil doscientos profesionales del sector, incluyendo músicos, historiadores y representantes de la industria. Cada año, la institución recibe una nueva promoción de miembros, cuya incorporación simboliza la consolidación de una carrera artística de impacto global. La promoción de 2026 confirma la entrada de Oasis, Phil Collins, Iron Maiden, Sade, Wu-Tang Clan, Billy Idol, Joy Division/New Order y el fallecido Luther Vandross. A través de esta selección, el Salón de la Fama reconoce trayectorias que han marcado generaciones y estilos completamente distintos.

Entre los nuevos miembros destaca la incorporación de Oasis, la banda británica liderada por los hermanos Gallagher. Con su fusión de britpop y letras directas, el grupo transformó el panorama musical de los años noventa y sigue siendo referencia obligada para nuevas generaciones de músicos y oyentes. La noticia confirma el reconocimiento formal de su legado por parte de la industria estadounidense. Phil Collins, tanto por su carrera solista como al frente de Genesis, suma décadas de éxitos y composiciones que han influido en la música pop y rock internacional. Su inclusión en la promoción de este año representa la consolidación de una trayectoria marcada por numerosos premios y ventas millonarias en todo el mundo.

La entrada de Iron Maiden subraya la importancia del heavy metal en la historia de la música. La banda británica, fundada en 1975, es considerada pionera del género y su influencia se extiende a varias generaciones de seguidores en distintos continentes. El anuncio oficial destaca la relevancia de sus álbumes y la permanencia de su propuesta musical tras más de cuatro décadas de actividad.

En 2026 también ingresan Sade, reconocida por su voz única y el estilo soul-jazz que ha caracterizado su carrera desde los años ochenta, y Wu-Tang Clan, colectivo estadounidense de hip hop cuya obra transformó la escena musical urbana de los noventa. Ambos nombres ilustran la amplitud de géneros que reconoce la institución, lejos de limitarse solo al rock tradicional. La lista se completa con Billy Idol, referente del punk y la música alternativa, Joy Division/New Order, grupos clave en la evolución de la música electrónica y post-punk, y el fallecido Luther Vandross, figura destacada del soul y el R&B.

Así funciona la selección

El ingreso al Salón de la Fama implica superar una selección rigurosa. Los artistas deben esperar al menos veinticinco años tras su debut comercial para ser considerados. El panel de votación evalúa la calidad, la influencia y la duración de la obra de cada candidato. Según la organización, la incorporación es el máximo sello de reconocimiento para una trayectoria musical, situando a los artistas en la cima del reconocimiento público e histórico.

Además de la categoría principal de intérpretes, el Salón de la Fama concede premios en tres apartados especiales: influencia temprana, excelencia musical y el premio Ahmet Ertegun para no intérpretes. Este año, la rapera estadounidense Queen Latifah, la leyenda cubana Celia Cruz, el pionero nigeriano Fela Kuti, la rapera MC Lyte y el músico Gram Parsons recibieron el reconocimiento a la influencia temprana. La excelencia musical distinguió a la compositora Linda Creed y a los productores Arif Mardin, Jimmy Miller y Rick Rubin. Por su parte, el premio Ahmet Ertegun fue otorgado a Ed Sullivan, figura clave de la televisión estadounidense en los años cincuenta y sesenta.

No todos los nominados logran ingresar cada año. En 2026, varios artistas de renombre quedaron fuera de la selección final. Entre ellos figuran Mariah Carey, Lauryn Hill, INXS, Melissa Etheridge, Jeff Buckley, Pink, New Edition y Shakira. Su exclusión muestra el alto nivel de competencia y el carácter selectivo del proceso, que solo permite la entrada a quienes, según el jurado, han definido una época o influido de manera decisiva en la música popular. El Salón de la Fama del Rock & Roll mantiene así su papel como referente de la excelencia y la diversidad musical, reconociendo a figuras y movimientos que han dado forma a la historia cultural contemporánea.

El actor Robert Pattinson está preparado para casi cualquier rol. En los últimos años ha participado en películas tan variopintas como Good Time, El faro, Tenet, The Batman, Mickey 17 o Die My love, y en los próximos meses hará lo propio con títulos de la talla de El drama, La Odisea o Dune: Parte 3. Sin embargo, sigue siendo inevitable que le recuerden por un rol que marcó, marca y seguirá marcando su carrera durante años, su papel en la saga Crepúsculo. Y lo que es peor para él, los momentos que su interpretación como el vampiro Edward Cullen dejó para el recuerdo.

El británico, que se encuentra en plena promoción de su nueva película, El drama, ha visto como le han recordado uno de sus episodios más incómodos en la piel del vampiro que enamoraba a Kristen Stewart. Durante una entrevista acompañado de su compañera de reparto en El drama, Zendaya, a Pattinson le inquirían por su icónica imagen en la película Luna nueva, segunda entrega de la saga y en la que los personajes viajaban nada menos que a Italia. Una Italia de la que Pattinson podrá tener grandes recuerdos, pero justamente uno de los pocos que quedó inmortalizados fue el de sus abdominales contorneados con pintura para hacerlos más visibles.

“Fui una de las extras durante el rodaje y recuerdo que te contornearon los abdominales”, le recordaba la periodista a Pattinson, ante el estallido de carcajadas de Zendaya y del propio actor. “Es mi peor foto. Estaba en Montepulciano en Italia comiéndome un helado con los abdominales pintados”, recordaba el actor, mientras la periodista y su compañera de reparto intentaban animarle después de recordar un momento tan incómodo.

El drama de Pattinson

No es la primera ni probablemente sea la última vez que le recuerden a Pattinson un momento de su pasado en Crepúsculo, de la cual parece tener una gran galería de momentos, aunque la mayoría de ellos sean de lo más incómodos. El actor es consciente de que marcó a toda una generación bajo la piel de Edward Cullen, pero ha procurado en los últimos años encontrar otros roles que lo desmarquen de aquel por completo. El último de ellos ha sido precisamente El drama, la película que ahora presenta junto a Zendaya y que llega a nuestros cines el próximo 29 de mayo, unas semanas después de su estreno internacional.

En El drama, Pattinson da vida a Charlie Thompson, un conservador en el museo británico de Boston que se enamora de Emma Harwood, una joven que es dependiente en una librería. Al cabo de un tiempo de salir ambos deciden casarse, pero una gran revelación en la víspera de su boda puede torcer para siempre sus planes. Ampliamente elogiada por la crítica, la interpretación de Pattinson es la primera de un año en el que estará también en dos de las películas más esperadas, La Odisea de Christopher Nolan -en la que dará vida al peligroso pretendiente Antínoco- y de Dune: Parte 3 -en la que será el misterioso Scytale, de dudosas intenciones al entrar en la corte de Paul Atreides (Timothée Chalamet). Pattinson sigue esforzándose por mostrar sus mil caras, aunque parece inevitable que le sigan recordando por sus abdominales.

La serie “Mr. & Mrs. Smith” de Amazon Prime Video ha iniciado la producción de su segunda temporada en Los Ángeles, tras un retraso de varios meses. Este nuevo ciclo marca un cambio significativo en el elenco y el equipo creativo, así como en la estructura narrativa de la ficción. Entre las principales novedades, Talia Ryder ha sido elegida para el papel protagonista, sustituyendo a Sophie Thatcher (Heretic). Ryder compartirá pantalla con Mark Eydelshteyn, actor conocido por su participación en Anora, quien ya había sido anunciado previamente para liderar esta nueva etapa. La plataforma no hizo comentarios oficiales sobre la salida de Thatcher ni sobre el resto del elenco principal.

La producción de la segunda temporada se trasladó a Los Ángeles después de que el proyecto recibiera un crédito fiscal de 22,4 millones de dólares del California Film Commission. Originalmente, la grabación estaba prevista para el otoño de 2025, pero la serie sufrió una pausa indefinida antes de retomar el proceso en la nueva ubicación. Este incentivo económico fue determinante para la mudanza, en línea con la política estatal de atraer grandes producciones audiovisuales. En la segunda temporada, Anna Ouyang Moench asume las funciones de showrunner y guionista principal, reemplazando a Francesca Sloane. Moench, con experiencia en títulos como Severance y Bronca, guiará la evolución de la serie hacia un formato tipo antología, distanciándose de la estructura centrada en los personajes interpretados por Maya Erskine y Donald Glover en la primera temporada.

La decisión de modificar la narrativa responde, según se informó, a la intención de explorar nuevas historias dentro del universo de espionaje presentado en la producción. La primera temporada concluyó con un final abierto, dejando las situaciones de los personajes principales sin resolver. Sin embargo, Variety informó en 2024 que ni Erskine ni Glover participarían como protagonistas en la siguiente entrega, que ya no contará con Thatcher. Pero, ¿quién es su sustituta?

Una actriz en tendencia

Talia Ryder, reconocida por su trabajo en Never Rarely Sometimes Always, The Sweet East y Do Revenge, asume así un papel central en una de las apuestas de Amazon Prime Video para el género de acción y espionaje. Junto a Mark Eydelshteyn, la producción busca renovar su propuesta sin perder el atractivo internacional que caracterizó su primera etapa. Mr. & Mrs. Smith fue creada originalmente por Donald Glover y Francesca Sloane, inspirada en la película homónima de 2005 protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie. A diferencia del filme, la serie narra la historia de dos desconocidos que son emparejados como socios en misiones de espionaje, modificando el concepto original de pareja casada.

Hasta el momento, Amazon Prime Video no ha anunciado el resto del reparto para la segunda temporada. Sin embargo, se anticipa la presencia de invitados reconocidos, siguiendo la tendencia establecida en la primera parte. En su debut, la serie contó con la participación de figuras como Paul Dano, John Turturro, Michaela Coel, Sarah Paulson, Parker Posey, Wagner Moura, Alexander Skarsgård, Eiza González, Sharon Horgan y Ron Perlman. La diversidad y el renombre del elenco secundario fueron uno de los sellos de la primera temporada, que recibió 16 nominaciones a los Emmy y obtuvo dos galardones.

La serie es producida por Amazon MGM Studios y New Regency. El equipo ejecutivo para la segunda temporada está encabezado por Anna Ouyang Moench, Donald Glover, Francesca Sloane, Yariv Milchan, Michael Schaefer, Stephen Glover, Anthony Katagas, Fam Udeorji y la propia Maya Erskine, quien se incorpora como productora ejecutiva en este nuevo ciclo. El inicio del rodaje marca una etapa de transición para la franquicia, tras la pausa y los cambios de liderazgo tanto delante como detrás de las cámaras. El desarrollo de la temporada continuará en Los Ángeles, con un equipo renovado y la expectativa de replicar el éxito y el impacto internacional alcanzado en su primera edición.

La llegada de Espejos n.º 3 supone el regreso a la cartelera de uno de los cineastas más influyentes del panorama contemporáneo alemán. Después de su estreno mundial en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes —primera incursión de Petzold en este certamen tras una trayectoria muy vinculada a Berlín, donde ganó el Oso de Plata por El cielo rojo— la película ha pasado por la Sección Oficial de la Seminci y cuenta con una retrospectiva dedicada al director en el D’A Film Festival Barcelona. Este recorrido internacional, marcado por el aplauso de la crítica, precede su desembarco en España, donde la figura de Petzold ha ido adquiriendo cada vez mayor presencia gracias a su colaboración con Filmin y el interés de los festivales nacionales.

La espera para el público español ha sido prolongada: Espejos n.º 3 aterriza en salas un año después de su primera proyección oficial. La película debutó en la Quincena de Realizadores de Cannes, un espacio donde Petzold mostró por primera vez su trabajo fuera del circuito habitual del Festival de Berlín. Su paso por la Seminci y la inclusión en la retrospectiva del D’A Film Festival Barcelona han consolidado el prestigio del filme antes de su estreno general. La distribución a cargo de Filmin refuerza la apuesta por el cine de autor europeo y da continuidad a la presencia de Petzold en el catálogo de la plataforma, donde títulos como En tránsito, Ondina y El cielo rojo han logrado conectar con audiencias que buscan propuestas de gran carga emocional y formal. El debut de Espejos n.º 3 en el circuito español se presenta como uno de los acontecimientos del mes, aunque llegue más tarde de lo previsto.

El fantasma de ‘Vértigo’ habla alemán

La trama de Espejos n.º 3 se construye a partir de un acontecimiento traumático: Laura, interpretada por Paula Beer, es una joven estudiante de piano en Berlín que sobrevive a un accidente de coche en el que pierde la vida su novio. Aunque sale ilesa físicamente, el golpe emocional la sume en un estado de shock y vacío existencial. El relato arranca en ese punto de ruptura, cuando Laura se encuentra desprovista de referencias y anclajes afectivos. Una mujer que presencia el accidente decide acoger a Laura en su casa y cuidarla durante unos días, introduciéndola en la dinámica cotidiana de su familia. Este núcleo familiar está compuesto por la mujer, su marido y su hijo adulto, y en ese espacio doméstico se va tejiendo una extraña intimidad entre los personajes. Bajo la calma aparente del hogar, comienzan a aflorar heridas antiguas y secretos que ponen en cuestión el equilibrio del grupo.

En la convivencia, la figura de Laura va ocupando progresivamente un lugar central, como si la familia intentara, de forma sutil, sustituir a su propia hija ausente a través de ella. Esta dinámica remite al universo de Vértigo de Alfred Hitchcock, donde la obsesión por la sustitución y la proyección emocional sobre otra persona se convierte en el motor del drama. Petzold toma esta referencia no solo como guiño cinéfilo, sino como un elemento estructural: la presencia de Laura en la casa activa mecanismos de duelo, deseo y reparación que arrastran a todos los miembros de la familia.

El desarrollo de la relación entre Laura y la mujer que la acoge está marcado por la ambigüedad y la tensión contenida. Ambas comparten la experiencia de la pérdida y el anhelo de reconstrucción, pero lo hacen desde posiciones muy diferentes: una, como víctima reciente del trauma; la otra, como sobreviviente de un duelo anterior no resuelto. El filme se adentra en ese territorio incierto donde la convivencia se convierte en una forma de exploración emocional y los vínculos se redefinen a partir de la fragilidad común. La historia se despliega en un entorno rural alemán, alejado del bullicio urbano, lo que permite que los personajes se enfrenten a sus propios fantasmas en un espacio suspendido, casi fuera del tiempo. La calma del paisaje contrasta con el tumulto interior de los protagonistas, subrayando la tensión entre lo visible y lo oculto, entre la apariencia de normalidad y la inestabilidad emocional que los atraviesa.

La trilogía del “reencantamiento”

Espejos n.º 3 marca un nuevo capítulo en la larga y fructífera colaboración entre Petzold y Paula Beer. La actriz se ha convertido en la intérprete emblemática del cineasta, tras su participación en títulos como En tránsito, Ondina y El cielo rojo. En cada uno de estos proyectos, Beer ha dado vida a personajes complejos, atravesados por el desarraigo, la pasión y la búsqueda de sentido. La presencia de Beer en el cine de Petzold no es solo una cuestión de continuidad actoral, sino que responde a una afinidad creativa profunda. El director ha destacado en varias ocasiones la capacidad de la actriz para encarnar estados de vulnerabilidad y resistencia, cualidades que resultan decisivas en el universo emocional de Espejos n.º 3. La intensidad contenida de su interpretación sostiene el relato y lo dota de una autenticidad poco frecuente en el cine contemporáneo.

La película dialoga con las anteriores colaboraciones entre ambos, pero introduce nuevos matices: aquí, el foco está en la interacción entre mujeres y en la posibilidad de reconstrucción afectiva a partir del dolor compartido. La química entre Beer y el resto del elenco contribuye a la creación de una atmósfera cargada de tensión y ternura, donde cada gesto y cada silencio adquieren un peso específico. En declaraciones recientes, Christian Petzold ha explicado que Espejos n.º 3 forma parte de un ciclo temático dedicado al “reencantamiento”, junto a sus anteriores filmes Ondina y El cielo rojo. El cineasta se propuso explorar en estas obras la capacidad del cine para devolver el asombro y la emoción a contextos aparentemente anodinos, como la vida en una ciudad alemana en noviembre.

Petzold sostiene que “no es difícil hacer una historia de amor situada en París, pero sí lo es hacerla en Alemania, en las afueras, en un clima gris y cotidiano”. Su apuesta consiste en reencantar ese mundo con la ayuda de cuentos, canciones de cuna y recursos propios de la historia del cine. El objetivo, según sus palabras, es “volver a abrir las ventanas” de los sentidos para quienes han quedado atrapados en el duelo y la tristeza. El director reconoce que la película nace de la observación de personas traumatizadas, que sienten que sus sentidos han dejado de funcionar. La historia de Laura se presenta así como un viaje hacia la reapertura sensorial y emocional, en busca de una forma de convivencia que permita reparar las heridas del pasado. El filme propone que, incluso en situaciones límite, es posible encontrar nuevas formas de comunidad y afecto.

De Hitchcock a Ravel

El título original de la película, Miroirs No. 3, remite a una pieza para piano de Maurice Ravel que Petzold escuchaba mientras escribía el guion. La música, especialmente el subtítulo Une barque sur l’océan, influyó en la atmósfera y en la construcción de ciertas escenas clave. La relación entre música y narración es fundamental en el filme: las piezas musicales no funcionan como simple acompañamiento, sino que se integran en la lógica interna de la historia, vinculadas a gestos y espacios concretos.

Durante el proceso creativo, Petzold compartió textos del filósofo Werner Hamacher sobre el escritor romántico alemán Heinrich von Kleist con el reparto, para reflexionar sobre la fragilidad de los vínculos humanos. La idea de que “la literatura es como vivir bajo una bóveda frágil que podría derrumbarse en cualquier momento” atraviesa la película, mostrando a los personajes como miembros de una comunidad precaria, donde todo puede romperse, pero donde aún persiste una posibilidad de sostén mutuo. De esta forma, Espejos n.º 3 llega a las salas españolas como una de las propuestas más esperadas y singulares del año pasado, ofreciendo una mirada profunda sobre el duelo, la memoria y los vínculos inesperados que surgen en circunstancias extremas.

Cada vez parece más fácil ponerse de acuerdo en cuanto a música se refiere. O, al menos, eso es lo que se está intentando desde algunas publicaciones, que aprovechan las redes sociales y el tirón de las encuestas en estas para dilucidar algunas cuestiones que merecen la pena. Como, por ejemplo, cuál es el mejor álbum de música. ¿De todos los tiempos? Difícil de decidir, así que mejor acotar por un tiempo, para ponerle un poco más fácil a la gente su elección, tal y como ha sucedido estas últimas semanas con una encuesta más que interesant para cualquier fan de la música que se precie.

“Te presentamos el Pitchfork’s Best Albums Bracket, un torneo de campeones organizado para celebrar nuestro 30.º aniversario. Durante las próximas tres semanas, 32 álbumes se enfrentarán entre sí, y tú nos ayudarás a decidir cuál es el ganador. Cada semana, consulta nuestras historias de Instagram para ver los nuevos emparejamientos de álbumes y vota para que tus favoritos pasen a la siguiente ronda. Al final de cada ronda, publicaremos el cuadro actualizado a medida que el torneo avance hacia la final. Que comience el juego", anunciaba la revista Pitchfork en sus redes sociales. “Pitchfork existe desde 1996 y lleva seleccionando el Álbum del Año desde 1998. Este cuadro incluye todos los Álbumes del Año seleccionados, junto con cuatro álbumes adicionales (marcados con un asterisco) que quedaron entre los tres primeros puestos de nuestras listas de los mejores álbumes de los años 90, 2000, 2010 y 2020″, aclaraba la publicación.

Durante estas últimas semanas, en las redes sociales de la prestigiosa publicación musical se han ido enfrentando títulos tan variopintos como Blonde de Frank Ocean, Illinois de Sufjan Stevens, Norman Fucking Rockwell de Lana del Rey o Renaissance de Beyoncé, mezclando pop, rock, rap o electrónica entre todos los contendientes. Algunos iban avanzando de forma imparable, pero al final solo ha quedado uno. ¿Puedes imaginar cuál ha sido? Bien, tal y como bromeaba la propia publicación, No ha habido sorpresas. “El álbum OK Computer de Radiohead ha ganado el torneo de los mejores álbumes de Pitchfork . Quizá algunos de vosotros estéis pensando: «¡No es ninguna sorpresa!». Para otros, que lucharon con uñas y dientes por los favoritos que han caído, esta victoria puede suponer una decepción. En cualquier caso, os agradecemos vuestro entusiasmo durante la campaña y os invitamos a poner la «música de salida» (para el cuadro). P.D. Si te estás volviendo loco por completar tu propio cuadro, considérate afortunado: dirígete al enlace de la biografía para descargar una versión completa del torneo que puedes imprimir o publicar".

El disco que cambió el rock del nuevo siglo

OK Computer es el tercer álbum de estudio de Radiohead, lanzado en mayo de 1997. El disco marcó un quiebre en el sonido de la banda y en el panorama del rock internacional. A diferencia de sus trabajos anteriores, Radiohead se alejó del estilo centrado en guitarras y letras introspectivas, apostando por una producción más experimental, con capas sonoras densas y una fuerte influencia de la electrónica y el ambient. El álbum explora una amplia gama de temáticas: alienación social, ansiedad tecnológica, consumismo, política, paranoia y visiones distópicas sobre la vida moderna. Canciones como Paranoid Android, Karma Police, No Surprises y Airbag evidencian este enfoque, abordando el impacto de la tecnología y el desconcierto ante el fin del siglo XX.

El disco de la banda liderada por Thom Yorke fue recibido con aclamación crítica y se convirtió en un éxito comercial, alcanzando el número uno en el Reino Unido y ventas de casi 8 millones de copias en todo el mundo. Obtuvo el premio Grammy a Mejor Álbum de Música Alternativa y fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su importancia cultural y estética.

El impacto del álbum en el rock del nuevo siglo se explica por varios factores. Por un lado, introdujo estructuras musicales poco convencionales y un enfoque conceptual, alejándose del formato de singles y adoptando un carácter casi narrativo y atmosférico. Por otro lado, ncorporó elementos de música electrónica y ambient en el rock, lo que influyó en una generación de artistas y abrió el camino a sonidos más experimentales en la música popular. Además, abordó temáticas que anticiparon preocupaciones sociales y existenciales que se volverían centrales en el siglo XXI, como la alienación digital y el desencanto con el progreso tecnológico. Su éxito permitió a Radiohead experimentar aún más en álbumes posteriores, como Kid A, consolidando la idea de que el rock podía reinventarse y dialogar con nuevos géneros y tecnologías. OK Computer es considerado el disco que marcó la transición del britpop y el rock alternativo hacia una era más introspectiva y experimental, anticipando el sonido y las inquietudes que dominarían la música del nuevo milenio. ¿Justo ganador?

Corre estos días por el Museo Reina Sofía una gran inquietud que llega hasta el País Vasco. Desde que el lehendakari Imanol Pradales alzase la voz para pedir el traslado del Guernica, el icónico cuadro de Pablo Picasso, se han sucedido las declaraciones cruzadas y demás polémicas. Pero faltaba por conocer la opinión de quien realmente conoce mejor el cuadro: los restauradores. En muchas ocasiones, los considerados como “doctores” del arte han salido al paso para proteger la integridad de la obra por encima de cualquier interés político.

“Por un lado restauramos aquello que está deteriorado u oscurecido por el tiempo, lo volvemos a un estado lo más cercano posible al original. Pero también cuidamos de la obra en todos esos transportes”, comienza explicando María Antonia López de Asiaín, restauradora del Museo Nacional del Prado, quien habla con Infobae tras desatarse la polémica en torno al cuadro de Picasso. “El Guernica no está preparado para viajar. Ni debería viajar si quiere conservarse bien, porque es una obra muy grande, con mucho deterioro por el tiempo. Cuando se trajo del MoMA enrollado, tenía una serie de fisuras verticales, un craquelado que está fijo, que está estable, pero que no te admite el traslado”, zanja de primeras la experta, que coincide de pleno con el informe elaborado desde el propio Museo Reina Sofía, que desaconseja rotundamente el traslado del cuadro.

Pero, ¿por qué entraña tanto riesgo este movimiento que sugieren desde el País Vasco para celebrar el 90º aniversario del bombardeo de Guernica?

“Los restauradores revisamos la obra y emitimos un informe de conservación. Y decimos: esta obra sí puede viajar o esta obra no puede viajar. Pero si las condiciones de conservación de la obra sí se pueden apañar o hacer una buena restauración, el cuadro está estable y no corre riesgo, lo aprobamos. En el caso del Guernica, es que no se debe apañar. No es que no se pueda, es que no se debe”, recalca la restauradora del Prado, en el cual estuvo el Guernica durante más de 11 años antes de su traslado definitivo al Reina Sofía.

Un traslado que, a pesar de la escasa distancia, ya tenía gran dificultad. “En aquel momento, la empresa de transportes hizo como un camión, como que el suelo entre las ruedas bajaba... Porque no dan la altura, los camiones, punto. De obra de arte tiene tres metros de altura. Y este cuadro no cabe. En la anterior ocasión que se pidió, diseñaron hasta un viaje en carreteras que tuviera los puentes de suficiente altura para poder llevarlo, porque claro, no es una medida estándar de camión”.

El deterioro del Guernica y las razones para su no traslado

El informe facilitado por el Museo Reina Sofía explica con lujo de detalles por qué se niega al traslado. “Los estudios con luz visible han hecho posible apreciar las diferentes alteraciones que ha sufrido la obra. Respecto al soporte, vemos que el perímetro de la tela presenta un gran número de alteraciones causadas por los múltiples clavados y desclavados del bastidor a los que el lienzo fue sometido a lo largo de su historia. El bastidor original carecía de cuñas intencionalmente, por lo que exigía aplicar fuertes tensiones durante el montaje, tensiones acentuadas por el hecho de ser un lienzo de grandes proporciones”, detalla el estudio publicado hace tan solo unas semanas, que también habla de “alteraciones tales como grietas, craquelados y microfisuras atribuidas mayoritariamente a las tensiones provocadas por los numerosos enrollados, traslados y manipulaciones durante sus años de itinerancia”.

El deterioro y el inmenso tamaño del Guernica (776,6 cm × 349,3 cm) son dos de los aspectos en los que López de Asiaín coincide con el Reina Sofía. “Una obra, en lienzo de tan gran tamaño, cuando la mueves, hace como vela, como un barco. El Guernica está muy deteriorado porque es de gran tamaño y precisamente se puede proteger peor porque es de gran tamaño. Entonces, está muy deteriorado... El enrollado causa una serie de fisuras verticales o de craquelados”, confirma la restauradora, quien por otro lado no es ajena a los intereses políticos que hay detrás de este hipotético movimiento. “Es la machada de decir: ‘Yo me traje el Guernica y el Guernica es nuestro’. Es un poco eso, la cuestión política”.

A pesar de todo, la restauradora defiende vías alternativas al traslado del Guernica para poder celebrar ese aniversario sin poner en riesgo el cuadro. “Hay que diferenciar la obra del mensaje. Es decir, esa obra de arte tiene valor para nosotros, para el Reina Sofía, para los restauradores y para los historiadores del arte. Y para el País Vasco la tiene como mensaje. Entonces, realmente piensas, ¿es lo mismo tener la obra de arte en realidad, que puede sufrir, que puede tener un detrimento? Porque para nosotros es un símbolo de nuestra Guerra Civil, de España, de todo, que no tenemos ningún derecho a deteriorar. No te digo que viaje un póster, pero se pueden hacer realidades 3D, cosas diferentes, muy buenas y con el mismo mensaje", defiende la experta.

Este viernes dio comienzo uno de los festivales de música más famosos e importantes de todo el mundo. Hablamos del Coachella, celebrado Empire Polo Club de Indio en California, y que desde hace años se ha convertido en punto de encuentro para algunos de los mejores artistas y otros tantos grupos emergentes. Criticado por algunos sectores por ser también espacio para influencers y distintas marcas, lo cierto es que el Coachella es un escaparate inigualable para cualquier banda que busque darse a conocer internacionalmente, y así ha sucedido con una de las bandas rocks españolas más interesantes de los últimos años.

Hablamos de Carolina Durante, el grupo madrileño formado en 2017 y que inauguró esta nueva edición del festival junto a nombres de la talla de Sabrina Carpenter, Ethel Cain o Slayyyter, la nueva sensación del pop electrónico. La formació española actuaba de hecho a una hora simultánea a estos nombres, lo cual pudo jugar en su contra pero a la vez de una idea de lo bien considerados que están ya para el festival, que no dudó en alinearlos en pleno “prime time” de la jornada inaugural. Carolina Durante se subió al escenario a eso de las once de la noche californiana para asombrar a propios y extraños con una actuación que ya queda para el recuerdo para la banda.

“Pero mis deseos, nunca se cumplen...mentira porque si no, no estaría aquí tocando en el Coachella”, bromeaba el cantante Diego Ibáñez mientras cantaba Verdes, césped, uno de los temas más celebrados de su último disco, Elige tu propia aventura. Carolina Durante era una de las presencias españolas más destacadas en el Coachella junto a otras como el cantante Rusowsky o la banda Mestiza, que combina flamenco con electrónica y que actuará el domingo 12 y el domingo 19 de abril en una jornada muy latina liderada por Karol G. A Carolina Durante aun le queda una segunda actuación programada para el próximo viernes 17, por lo que los espectadores tendrán una nueva oportunidad de vibrar con temas como Cayetano, Las canciones de Juanita o Normal, su gran himno en colaboración con Rosalía, a la que sin duda también se quiere mucho en Coachella.

Mucho más que una reunión de influencers

Como no podía ser de otra manera, la publicación del festival en torno a la banda madrileña se ha llenado de comentarios celebrando su actuación y su energía sobre el escenario, algunos de nuevos fans y otros de viejos seguidores que celebraban el éxito del grupo más allá de nuestras fronteras. “Los deseos a veces sí se cumplen” o" Qué lejos han llegado los muchachitos" eran algunos de los mensajes que se podían leer a raíz de la actuación de la banda en Coachella, una que sin duda será recordada por los miembros de Carolina Durante, pero que también marca un paso de gigante para la escena del rock alternativo español.

Más allá de ser una criticada reunión de influencers y marcas de moda, el Coachella se ha vuelto a demostrar como un escaparate inmejorable para propuestas de todo tipo y aun quedan días de sobra para que desfilen por sus escenarios otras tantas bandas y artistas. Carolina Durante continuará su gira más allá del charco hasta volver a España, donde ya tiene agendados varios conciertos en Sevilla, Valencia, Barcelona o A Coruña, antes de uno de lo más especial en el Movistar Arena de Madrid el próximo 8 de enero de 2027.

La actriz Aitana Sánchez-Gijón reconoció que su voto fue decisivo para evitar que la película Deseando amar obtuviese la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 2000, en una confesión realizada durante una charla con el programa La Script de María Guerra. La intérprete española participó como jurado en aquella edición, que contó con la presidencia del cineasta Luc Besson, y relató que su preferencia por Bailar en la oscuridad inclinó la balanza en una de las decisiones más reñidas de aquel certamen. Según relató, “me parecía un videoclip largo” en referencia a la obra de Wong Kar-wai, mientras que defendió la película de Lars von Trier junto a colegas como Jeremy Irons.

El jurado de ese año enfrentó un debate intenso. Sánchez-Gijón recordó: “Estábamos muy divididos entre Deseando amar y Bailar en la oscuridad. Al final se lo dimos a Bailar en la oscuridad”. La actriz explicó que, a pesar de la belleza visual de la película de Wong Kar-wai, consideró que su estructura se asemejaba demasiado a la de un videoclip extenso, lo que restó puntos a su favor durante la deliberación. Durante la conversación con La Script, la intérprete detalló que la división entre los miembros del jurado fue notoria. Sánchez-Gijón se alineó con Jeremy Irons y otros compañeros para respaldar la propuesta de Lars von Trier. “Jeremy Irons, yo y otros dos compañeros más éramos muy fans de la película de Lars von Trier, que de hecho le dimos también el premio a Björk”, explicó la actriz, subrayando el respaldo que recibió la intérprete islandesa por su trabajo en Bailar en la oscuridad. El fallo otorgó tanto la Palma de Oro a la obra danesa como el galardón de Mejor Actriz a Björk..

La edición número 53 del Festival de Cannes reunió a figuras relevantes del cine internacional, como Jonathan Demme, Nicole Garcia, Barbara Sukowa y Kristin Scott Thomas, quienes formaron parte del jurado junto a Sánchez-Gijón. El certamen, celebrado en la ciudad francesa, colocó en el centro de la atención a dos títulos que, posteriormente, se convertirían en referentes de la cinematografía contemporánea: Bailar en la oscuridad y Deseando amar.

La deliberación final estuvo marcada por las tensiones y la diversidad de criterios. Según recordó Sánchez-Gijón en el programa de María Guerra, la votación se resolvió por una mayoría ajustada. “Yo era de Bailar en la oscuridad. Sabes qué me pasó a mí con Deseando amar? Que me parece una belleza de película, pero me parecía un videoclip largo. Me pasó eso”, afirmó. Esta percepción, compartida por otros miembros del jurado, fue determinante para definir el desenlace de la competencia.

La entrega de premios no estuvo exenta de polémicas. Por otro lado, rodaje de Bailar en la oscuridad generó controversia por los desencuentros entre Björk y von Trier, lo que la cantante expresó públicamente tras recibir el reconocimiento. A pesar de las dificultades en el set, la interpretación de la artista fue considerada una de las más destacadas de la edición, motivo por el cual recibió el respaldo del jurado.

El palmarés de 2000 otorgó el Gran Premio del Jurado a Devils on the Doorstep de Jiang Wen y el Premio del Jurado lo compartieron Songs from the Second Floor de Roy Andersson y Blackboards de Samira Makhmalbaf. Además, el galardón a Mejor Director fue para Edward Yang por Yi Y¡. El testimonio de Aitana Sánchez-Gijón aporta una visión desde dentro de los debates que definen el rumbo de los festivales internacionales de cine. Su relato en La Script de María Guerra revela la influencia de las preferencias personales y las discusiones colectivas en la decisión final de un jurado, así como la complejidad que entraña la elección de una película ganadora entre propuestas de alto nivel artístico.

La cancelación de Be Fri por parte de Pixar, luego de tres años de trabajo y con más de 50 personas involucradas en su desarrollo, marcó un hito inesperado dentro del estudio. Según un extrabajador citado por The Hollywood Reporter, la decisión se tomó porque “Disney pensó que los niños no podrían identificarse lo suficiente con la película”. Esta postura generó un profundo debate interno y expuso las tensiones entre la apuesta creativa del equipo y las prioridades comerciales de la compañía matriz, Disney.

La película, dirigida por Kristen Lester —reconocida por su trabajo en el cortometraje Purl—, estaba inspirada en una vivencia personal de la cineasta: la ruptura de una amistad adolescente. El guion, escrito junto a Blaise Hemingway, proponía la historia de dos chicas que, tras descubrir que su programa de televisión favorito al estilo Sailor Moon es real, debían embarcarse en una misión para salvar a la humanidad. El editor Nicholas C. Smith también formaba parte del núcleo creativo hasta su retiro en 2024.

A finales de 2023, después de cuatro versiones y seis rondas de revisiones internas conocidas como Braintrust, Disney pidió una reestructuración total de la película. El equipo principal, según explica una fuente anónima que participó en el proyecto, “trabajó día y noche durante seis semanas” para reformular la historia conforme a los nuevos requerimientos. No obstante, la compañía decidió finalmente detener el avance cuando el filme estaba listo para pasar a la etapa de animación. De acuerdo con el testimonio recogido, la razón principal detrás de esta cancelación fue la percepción de que “los niños no podrían verse reflejados” en una historia centrada en dos protagonistas femeninas. Según la misma fuente, representantes de Disney expresaron que “no podemos tener una película de poder femenino”. Este criterio contrastó con el reciente éxito de otras producciones del estudio como Del revés 2 y Turning Red, ambas con personajes femeninos al frente.

De ‘BE Fri’ a ‘Elio’

La cancelación de Be Fri coincidió con otras decisiones en la misma línea, como la reconfiguración de la película Elio, que perdió elementos de representación queer en su protagonista tras debates internos. Esta tendencia fue interpretada por algunos empleados como una respuesta a la presión mediática y social tras la polémica en torno a Lightyear, que sufrió críticas por la inclusión de un beso entre personajes del mismo género. El desarrollo de Be Fri se extendió por tres años y requirió la participación de medio centenar de especialistas en animación, guion y storyboard. El equipo pasó por cuatro grandes versiones de la historia, cada una ajustada tras recibir comentarios de los directivos de Disney y Pixar. La última reescritura, realizada en apenas seis semanas, fue descrita por un exempleado como “al nivel de Hoppers”, el más reciente éxito original del estudio.

Fragmentos del material creado para Be Fri circularon en redes sociales, mostrando escenas que evidenciaban la tensión entre las protagonistas y secuencias de acción con elementos sobrenaturales. Pese a la recepción positiva de estos adelantos entre el personal, la decisión ejecutiva fue irreversible. La noticia de la cancelación causó un impacto considerable dentro de Pixar. Según el relato de una de las personas involucradas, los empleados organizaron una especie de “funeral” en memoria del proyecto, colocando notas, dibujos y recuerdos personales en un espacio dedicado a despedir la película. El ambiente reflejaba la frustración y el apego de quienes apostaron por una historia diferente en el catálogo del estudio.

Algunos miembros del equipo manifestaron su decepción por la influencia de las percepciones externas en las decisiones creativas. Una extrabajadora citada en The Hollywood Reporter afirmó que “la broma en Pixar” es que la dirección “no tiene columna vertebral”, en alusión a la falta de firmeza para defender propuestas originales frente a los temores sobre la recepción del público.

El caso de Be Fri fue rápidamente comparado con el éxito de KPop Demon Hunters, producida por Sony Pictures Animation y estrenada en Netflix. Esta cinta, que comparte temáticas de música, aventura y protagonistas femeninas, se convirtió en el título más visto de la plataforma y ganó el premio de la Academia a mejor largometraje animado, superando a Elio. Para quienes trabajaron en Be Fri, la coincidencia entre ambas propuestas refuerza la sensación de oportunidad perdida para Pixar y Disney. Mientras tanto, el estudio muestra signos de recuperación con el lanzamiento de Hoppers, que superó los $330 millones en taquilla global y revitalizó el ánimo interno de cara a próximos estrenos como Gatto y la esperada Toy Story 5. Sin embargo, la cancelación de Be Fri permanece como un recordatorio del delicado equilibrio entre creatividad, diversidad y decisiones corporativas en la animación estadounidense.

Netflix ha revelado el primer vistazo oficial a Ray Gunn, la nueva película animada de ciencia ficción dirigida por Brad Bird, creador de Los increíbles y El gigante de hierro. El largometraje, esperado por fanáticos y la industria desde hace más de tres décadas, marca el regreso de Bird a la animación con una propuesta retrofuturista que combina misterio, detectives y ciencia ficción. Ray Gunn se estrenará en 2026 como parte del catálogo exclusivo de la plataforma.

El proyecto de Ray Gunn nació hace treinta años, cuando Brad Bird escribió el guion para un filme de misterio con tintes de ciencia ficción que iba a producir Turner Feature Animation. Sin embargo, la fusión de Turner con Time Warner en 1996 provocó que la producción se detuviera indefinidamente. Bird, en ese momento, canalizó su energía creativa hacia El gigante de hierro, que se estrenó en 1999 bajo el sello de Warner Bros. Feature Animation.

Desde su concepción original, Ray Gunn se convirtió en un proyecto icónico dentro de la carrera de Bird y en una especie de “obsesión” personal. Durante años, la película permaneció archivada, considerada una “ballena blanca” por el propio director, quien intentó retomarla en distintas ocasiones. Fue finalmente en 2022 cuando el anuncio de Skydance Animation, la productora fundada por David Ellison y dirigida por John Lasseter, confirmó el regreso de la película a la agenda de estrenos. El equipo de producción está compuesto por Brad Bird, John Lasseter, David Ellison, Lisa Beroud y Dana Goldberg. La reactivación del proyecto llevó a Bird a tomar la decisión de no dirigir la próxima secuela de Los increíbles, pese a haber escrito y producido el guion. En su lugar, eligió personalmente a Peter Sohn, director de Elemental, para encargarse de Los increíbles 3, cuyo estreno está previsto para junio de 2028.

Así será la película

Ray Gunn se sitúa en la ciudad de Metropia, un escenario ficticio descrito como “un futuro alternativo visto desde 1939”. La trama sigue a Raymond Gunn, un detective privado que se ve envuelto en un caso de asesinato, extraterrestres y celebridades mediáticas. El reparto de voces está liderado por Sam Rockwell, quien interpreta al protagonista, Raymond Gunn. Lo acompaña Scarlett Johansson en el papel de Venus Nova, una estrella multimedia de la ciudad. Tom Waits completa el elenco principal como Eyera, un personaje alienígena. Las primeras imágenes difundidas por Netflix muestran una estética inspirada en el cine negro clásico y la ciencia ficción de mediados del siglo XX, fusionando referencias visuales del Maltese Falcon y Buck Rogers.

Para Brad Bird, el atractivo de Ray Gunn radica en la posibilidad de fusionar “el cine de detectives de los años cuarenta” con elementos de la ciencia ficción pulp. Bird describió la película como un cruce entre Maltese Falcon y Buck Rogers, y destacó su interés en persuadir a quienes aún no se han acercado a la animación: “Hay un grupo grande de personas que no ven películas animadas. Quiero convencerlos de que es una forma de arte fascinante, y que no debería limitarse en cuanto a los tipos de historias que puede contar”.

La actriz Scarlett Johansson expresó su entusiasmo por el proyecto. En un comunicado, afirmó: “Colaborar con Brad Bird es un hito en mi carrera; admiro su trabajo desde siempre. Ray Gunn representa plenamente el momento artístico que vive Brad. Estoy ansiosa por que el público descubra esta animación extraordinaria, que no se parece a nada existente”. Por su parte, Bird subrayó el carácter personal y experimental del filme. El director insistió en que la animación sigue siendo un medio con potencial inexplorado y que Ray Gunn busca romper con las expectativas tradicionales del género.

Ray Gunn será la cuarta película de Skydance Animation y la segunda que lanzan en 2026, tras el estreno de Swapped en mayo del mismo año. Con la participación de figuras clave de la animación, como John Lasseter, la producción apunta a posicionarse como uno de los lanzamientos más destacados de la plataforma. Netflix confirmó que Ray Gunn estará disponible en su catálogo global este mismo 2026. El anuncio de las primeras imágenes y el elenco ha generado expectativas tanto en el público general como en la crítica especializada, que aguardaba la materialización de este proyecto desde hace décadas. La llegada de Ray Gunn a Netflix representa un acontecimiento relevante para el cine de animación, al reunir a un equipo creativo de alto perfil y ofrecer una propuesta visual y narrativa que promete distinguirse dentro del género.

Steven Spielberg confesó que pasó más de un año involucrado en el desarrollo de Interstellar antes de abandonar el proyecto, el cual finalmente dirigió Christopher Nolan. El director estadounidense compartió su experiencia durante una entrevista con Empire en el marco de la gira de prensa de El día de la revelación, detallando cómo se sintió cautivado por la historia y el proceso científico detrás del filme.

Durante su participación, Spielberg explicó que fue invitado por la productora Lynda Obst y el astrofísico Kip Thorne, quien también fungió como consultor científico de la película. El cineasta relató que dedicó largas jornadas en el Jet Propulsion Laboratory de Pasadena, California, donde conversó con científicos y expertos en ingeniería aeroespacial para comprender los conceptos que sustentan la trama de Interstellar.

“Estuve involucrado en Interstellar durante un año… y me fascinó”, afirmó Spielberg. El director señaló que contrató a Jonathan Nolan para que escribiera los dos primeros borradores del guion. Sin embargo, el proyecto no avanzó como esperaba y, tras su salida, Jonathan Nolan anticipó que su hermano tomaría el relevo. “En cuanto decidí no hacer la película, Chris se subió inmediatamente, probablemente al día siguiente. Interstellar fue mucho mejor película en manos de Chris Nolan que en las mías”, reconoció Spielberg.

Christopher Nolan y la transición del proyecto

Una vez confirmada la salida de Spielberg, Christopher Nolan asumió la dirección de Interstellar. El propio Nolan detalló durante un evento con Timothée Chalamet cómo su hermano Jonathan había trabajado estrechamente con Spielberg tras concluir la colaboración en The Dark Knight. El paso definitivo hacia Nolan como director se dio cuando el proyecto quedó disponible y Jonathan lo puso en contacto con el material. Christopher Nolan reveló que el guion original planteaba ideas que resonaban con su propio interés en el tiempo y la humanidad. “Me impactó mucho el primer acto escrito por mi hermano: era sobre la familia y la humanidad, y tenía una gran carga emocional. Quise tomar esa base y fusionarla con mis propias ideas”, explicó Nolan.

Interstellar se estrenó en cines en noviembre de 2014 con Matthew McConaughey como protagonista, interpretando a un piloto de la NASA embarcado en una misión para salvar a la humanidad. El elenco incluyó también a Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine y Timothée Chalamet. La película recaudó 681 millones de dólares en todo el mundo en su primer recorrido y fue nominada a cinco premios Oscar, obteniendo la estatuilla a mejores efectos visuales.

La recepción crítica de Interstellar resultó más dividida que en otras obras previas de Nolan como El caballero oscuro. Algunos críticos consideraron que el director no logró trasladar la emotividad y el enfoque familiar característicos de Spielberg, pese a que el propio Nolan subrayó que su objetivo era precisamente reflejar esos aspectos. “Me atrajo el enfoque emocional y humano del primer acto. Quería hacer una película que mostrara abiertamente su corazón”, puntualizó Nolan. Las declaraciones de Spielberg y Nolan ofrecen una mirada poco habitual sobre el proceso creativo y las decisiones detrás de una superproducción como Interstellar, evidenciando cómo el cambio de dirección influyó en el resultado final de la obra.

La actriz Olivia Munn, reconocida tanto por su carrera en Hollywood como por haber superado el cáncer de mama, compartió recientemente un incómodo episodio durante una grabación. Munn relató que uno de sus compañeros de reparto varones detuvo la producción durante 45 minutos al negarse a interpretar una escena en la que su personaje era salvado por una mujer. El incidente ocurrió durante la filmación de una secuencia de acción. Según explicó Munn en el programa The Drew Barrymore Show, su personaje era una agente, como parte de un equipo que enfrentaba una amenaza en un búnker. El guion establecía que ambos personajes, el de Munn y su colega masculino, debían cubrir diferentes lados del espacio. En un punto clave, ella debía intervenir y salvarlo de un ataque por la espalda.

La actriz recordó que, al disponerse a grabar la escena, el actor mostró su desacuerdo al percatarse de que sería rescatado por una mujer. Munn describió que su compañero interrumpió el rodaje y se mostró “combativo” frente al director, manifestando abiertamente frente al equipo: “Ella no puede salvarme. No vamos a hacer esto”. La producción se paralizó durante 45 minutos debido a la negativa del actor a continuar bajo los términos del guion original.

El desacuerdo generó tensión en el set. Munn expuso que el actor no tuvo reparos en expresar su postura ante el equipo, elevando el tono del conflicto. Solo después de un extenso intercambio, la actriz propuso una alternativa: en lugar de que su personaje salvara al masculino, ambos intercambiarían de posición en la escena para que la acción resultara menos directa. Finalmente, el actor aceptó la propuesta y la grabación pudo reanudarse.

Una carrera llena de obstáculos

Olivia Munn ha mantenido una presencia activa en la industria cinematográfica, y su testimonio sobre este incidente destaca la persistencia de estereotipos de género en los rodajes. Además de este episodio, Munn relató en el podcast Armchair Expert de Dax Shepherd otra situación difícil con un colega. En esa ocasión, un director con el que trabajó en la serie de HBO The Newsroom intentó obstaculizar su acceso a un papel en una película, describiéndola a los productores como “combativa” y asegurando que llegaba tarde a los rodajes.

Munn explicó que vivía cerca del set y que nunca había tenido problemas de puntualidad, atribuyendo los comentarios a desacuerdos profesionales con el director. A pesar de los intentos de este último por influir negativamente en su carrera, la actriz finalmente consiguió el papel, aunque el episodio dejó una huella en su percepción de las dinámicas dentro de la industria. El relato de Munn pone de manifiesto las dificultades que enfrentan las mujeres en papeles de liderazgo o acción dentro del cine y la televisión. La actriz señaló que no era la primera vez que un compañero masculino se mostraba reacio a aceptar que una mujer ocupara un rol de salvadora en la narrativa. Este tipo de incidentes, según Munn, reflejan obstáculos persistentes en la representación y la igualdad de género en el ámbito audiovisual.

Las declaraciones de la actriz contribuyen al debate sobre la necesidad de romper con estereotipos en la ficción y en los equipos de producción, así como a visibilizar la presión que pueden ejercer ciertos actores para mantener estructuras tradicionales en las historias. Tras el incidente, Olivia Munn encontró una solución pragmática para evitar un conflicto mayor y permitir que la grabación continuara. La actriz sugirió modificar la coreografía de la escena para que ambos personajes intercambiaran posiciones, lo que permitió satisfacer la exigencia del actor sin alterar sustancialmente la lógica de la secuencia.

El día de ayer no fue uno cualquiera para el cine español. Cuando Thierry Fremaux salió a anunciar las películas que formarían parte de la Selección Oficial de Cannes, los espectadores se encontraron con una sorpresa mayúscula: hasta tres nombres españoles aparecieron entre la Competición Oficial. Tres películas españolas para disputarse la Palma de Oro, una participación casi histórica que bien merecía la pena celebrar.

Uno de esos nombres -el segundo que enunció Fremaux tras Minotaur de Andrey Zvyagintsev- fue nada menos que el de Rodrigo Sorogoyen. El director madrileño, conocido de sobra en nuestro país por películas como El reino o As bestas o series como Los años nuevos, atendía a Infobae nada más conocer la noticia de que su película participa en el prestigioso certamen de cine. Aunque admitía que sabía de ello desde hace meses, el cineasta se mostraba tan nervioso como emocionado al compartir sus primeras impresiones: “Nos enteramos muy pronto, la verdad. Hemos estado ahí guardando el secreto y fue sorprendente enterarse tan pronto, pero sobre todo fue una tranquilidad, porque con As bestas tardaron muchísimo y fue una tortura", reconocía entre risas el madrileño.

Su última película había estado dentro de la sección Cannes Premiere en la edición de 2022, pero esta supone la primera vez dentro de Competición, igual que para los Javis, los otros “novatos” que integran la representación española junto a Pedro Almodóvar y su Amarga Navidad. “Participar en cualquier año hubiera sido increíble, pero la buena noticia que tres películas en competición es histórico. Evidentemente, me siento más compañero de Pedro Almodóvar y los Javis que de Pawel Pawlikowski”, comentaba ya más tranquilo Sorogoyen, quien reflexionaba sobre el buen estado del cine español después de que otras dos películas como Romería y Sirat ya compitiesen el año pasado, esta última con el Gran Premio del Jurado y un reconocimiento que le llevó a estar en los Oscar: “Esto viene del año pasado, viene de Tardes de soledad, de Alauda (Ruiz de Azúa) y su Concha de Oro (en el Festival de San Sebastián por Los domingos)... Es un escalón más, la inercia nos está llevando ahí y es muy satisfactorio. Creo que tenemos que estar muy orgullosos“.

Los ojos puestos en Bardem y Luengo

En El ser querido, Sorogoyen presenta una vez más una historia familiar, la de un veterano director de cine que se reencuentra con su hija para rodar una película después de años de distanciamiento. Una premisa que puede recordar un poco a Valor sentimental, la película de Joachim Trier que ya estuvo en Cannes el año pasado y que de hecho obtuvo premio tanto allí como posteriormente en toda la temporada de premios hasta los Oscar. ¿Un hándicap o una ayuda para El ser querido? “Nunca sabes. O sea, si me pongo en plan paranoico te diré: ‘Ah, pues seguro que no ayuda’. Pero luego dices: ‘Bueno, ha pasado toda la vida en la historia del cine que han surgido dos películas muy parecidas durante el mismo tiempo”, explica el cineasta.

“Yo creo que en el Festival de Cannes un jurado no se va a fijar tanto en eso, si la peli les gusta, les gustará. Otra cosa ya son los espectadores y cómo lo perciben... Quiero pensar en positivo y que digan: ‘Pues mira, esta película va un poco de lo mismo, pero voy a verla para descubrir lo distinta que es’. Valor sentimental gustó mucho y la gente querrá ver algo parecido. Ahí sí que tenemos activos, ¿no? A Javier Bardem. Creo que hay algo como que la gente querrá verle“, argumenta el director que comenzó su carrera en solitario con Stockholm, hace ya más de trece años, y que ahora ve los frutos de su gran trabajo todos estos años. “Han venido así las cosas, pero sí pienso que es un camino que vamos haciendo, que nos está saliendo muy bien con Caballo Films, una productora con la que empezamos haciendo Stockholm hace trece años sin dinero, rodada en doce días, una película sencilla. Es innegable que hemos ido desde entonces andando un camino cada vez más reconocido. Se han ido dando así las cosas, pero ya sabes que esto tiene mucho de azar".

Bardem y Victoria Luengo serán los dos principales activos de los que hablaba Sorogoyen de cara a aspirar a esa Palma de Oro. Y el primero sabe bien lo que es triunfar en Cannes, pues lo hizo en 2010 con Biutiful de Alejandro González Iñárritu. “Él es un tipo sencillo y que siempre está de buen rollo, centrado en la alegría del equipo. A él también le ha gustado mucho la película y está muy orgulloso del trabajo y de que vayamos a participar”, afirmaba Sorogoyen, quien se despedía con una gran sonrisa y una promesa. “Tendré que pedirle consejo (a Bardem) para afrontar todo esto, que va a ser mitad alegría mitad nervios”.

Irónicamente, la más destacada de esas es una vieja conocida, pues ya se estrenó hace más de veinte años, solo que en una versión dividida en dos partes. Hablamos de Kill Bill: The Whole Bloody Affair, que une los dos segmentos en una única película. La comedia futurista sobre inteligencia artificial del autor de Piratas del Caribe o la protagonizada por el actor que revolucionó en los BAFTA también destacan sin contar con las películas españolas, Boulevard y La buena hija, que llegan para ratificar el buen momento del cine español.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair

Quentin Tarantino sigue buscando su décima película, y en parte buena culpa de ello lo tiene que considere a Kill Bill como una sola obra en vez de dos, como fue estrenada. Es por ello que ahora llega a cines una versión íntegra del proyecto tal y como lo concibió el director, con más de cuatro horas de diversión, sangre y katanas. La historia es de sobra conocida, la venganza de Mamba Negra (Uma Thurman) que le lleva a recorrer el mundo hasta Japón para encontrar a los autores del desastre en su boda.

Boulevard

Cuando Hasley (Eve Ryan) se muda a una nueva ciudad con su madre, lo último que espera es cruzarse con Luke (Mikel Niso), un joven envuelto en un aura peligrosa y un pasado trágico. Atrapado en sus propios demonios, Luke es todo lo que Hasley debería temer... pero a lo que se siente irremediablemente atraída. A pesar de las sombras que lo rodean, Hasley descubre en Luke una vulnerabilidad y un mundo interior apasionante. Juntos, crearán su propio boulevard: un refugio escondido donde poder ser ellos mismos, cumplir sueños imposibles, atreverse a amar a pesar de los prejuicios, el dolor y las cicatrices que arrastran, y demostrar que el amor es capaz de florecer incluso en los corazones más insospechados.

Incontrolable (I Swear)

Su protagonista, Robert Aramayo, se hizo noticia por “arrebatarle” el BAFTA al mismísimo Timothée Chalamet cuando todo el mundo pensaba que era el favorito. Chalamet tampoco conquistó después el Oscar, pero ahora Aramayo pretende demostrar su mérito en nuestro país con el estreno de su película, en la que da vida a un hombre que padece síndrome de Tourette desde los 15 años, algo que le ha dificultado severamente su vida y con lo que ha tenido que convivir desde entonces. Con una condición poco comprendida, este hombre luchará por visibilizar la enfermedad sin perder su espíritu simpático y divertido.

Buena suerte, pásalo bien, no mueras

El director Gore Verbinski, autor de las primeras entregas de Piratas del Caribe, regresa a al dirección con esta comedia de ciencia ficción sobre inteligencia artificial encabezada por Sam Rockwell. En ella, un hombre con un detonador irrumpe en un restaurante proclamando que viene del futuro. Antes de que se acabe el tiempo, debe reclutar a un grupo de clientes del restaurante claramente no cualificados para detener el inminente apocalipsis de la inteligencia artificial y salvar a la humanidad de los peligros de las redes sociales. ¿El problema? Todo está en su contra, desde extraños escépticos y adolescentes con el cerebro podrido hasta monstruosidades algorítmicas que escapan a su control. Pero si este grupo lo consigue, el mundo podría salir adelante.

La buena hija

Basada en el cortometraje homónimo de la misma directora, Júlia de Paz, La buena hija relata la separación de los padres de Carmela (Kiara Arancibia). Su madre (Janet Novás) y esta se mudan a casa de su abuela (Petra Martínez), y allí parece que la situación puede mejorar, pero Carmela anhela pasar más tiempo en casa de su padre (Julián Villagrán), un artista al que admira profundamente. Sin saberlo, la sombra de este se cernirá sobre las tres generaciones de mujeres en la familia que buscan escoger el futuro que creen merecer.

El festival de cine más importante del mundo ya casi está aquí. Faltan apenas unas semanas para que dé comienzo el Festival de Cannes 2025, que celebrará su edición número 79, un año más con muchas novedades, grandes directores y espectaculares películas que presentar. Esta misma mañana ha tenido lugar el tradicional anuncio de la Sección Oficial, presidido por el director del certamen Thierry Fremaux, quien ha dado a conocer los nombres y títulos que desfilarán por la alfombra roja de la ciudad francesa entre el 12 y el 23 de mayo.

La película que inaugurará esta edición es La Venus électrique, de Pierre Salvadori. Aunque el certamen acostumbra a abrir con algún estreno comercial, como fue el caso el año pasado con la última entrega de la saga Misión Imposible de Tom Cruise, en esta ocasión apuesta por el producto nacional con nombres emblemáticos para los galos como Pio Marmaï. El músico británico John Lennon también será protagonista, con un documental en torno a su vida en los escenarios miembro de The Beatles bajo el título John Lennon: The Last Interview, dirigida por Steven Soderbergh, quien ya ha avisado que tirará de inteligencia artificial para determinados momentos. Además, Fremaux anunciaba la primera película de John Travolta como director, Propeller One-Way Night Coach.

La Competición oficial más allá de la presencia española

La Competición Oficial de este Festival de Cannes es histórica en tanto que contará con dos películas peleando por la Palma de Oro de nuestro país. Se trata de El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, la cual está protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo, y de Amarga navidad de Pedro Almodóvar, que ya se puede ver en cines en España pero que llegará en los próximos meses al resto del mundo, quien sabe si con una Palma de Oro bajo el brazo. Madrileño y manchego tendrán la oportunidad de traer premio a España, pero no serán los únicos destacados en una lista en la que están autores habituales del certamen como Andrey Zvyagintsev, Cristian Mungiu, Laszlo Nemes o Hirokazu Koreeda, quien ya ganó en su día la Palma con Shoplifters. A continuación te contamos todos los títulos al completo.

En competición

• Minotaur, de Andrey Zvyagintsev
• El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen
• The man i love, de Ira Sachs
• Fatherland (1949), de Pawel Pawlikowski
• Moulin, de Laszlo Nemes
• Fjord, de Cristian Mungiu
• Moulin, de Laszlo Nemes
• Histoire de la nuit, de Léa Mysius
• Fjord, de Cristian Mungiu
• Notre salut, de Emmanuel Marre
• Gentle Monster, de Marie Kreutzer
• Hope, de Na Hong-Jin
• The Unknown, Arthur Harari
• Sudden, de Ryusuke Hamaguchi
• Sheep in the Box, de Hirokazu Koreeda
• Coward, de Lukas Dhont
• Garance, de Jeanne Herry
• Nagi Notes, de Hiroshi Fukada
• La bola negra, de los Javis
• The Dreamed Adventure, de Valeska Grisebach
• A Woman’s Life, de Charline Bourgeois-Taquet
• Parallel Tales, de Asghar Farhadi
• Amarga Navidad, de Pedro Almodovar

Un Certain Regard

• La más dulce de Laïla Marrakchi
• Club Kid de Jordan Firstman
• Teenage Sex and Death at Camp Miasma de Jane Schoenbrun
• Everytime de Sandra Wollner
• I’ll Be Gone in June de Katharina Rivilis
• Yesterday the Eye Didn’t Sleep de Rakan Mayasi
• The Meltdown de Manuela Martelli

Fuera de competición

• Her Private Hell, de Nicolas Winding Refn
• Diamond, de Andy Garcia

Proyecciones especiales

• John Lennon: The Last Interview de Steven Soderbergh
• Avedon de Ron Howard
• Les Survivants du Che de Christophe Réveille
• Les Matins Merveilleux de Avril Besson

Cannes Premiere

• Propeller One-Way Night Coach de John Travolta
• Kokurojo: The Samurai and the Prisoner de Kiyoshi Kurosawa
• Heimsuchung, de Volker Schlöndorff
• La troisième nuit de Daniel Auteuil

Midnight screenings

• Roma Elastica, de Betrand Mandico
• Sanguine, de Marion Le Coroller
• Jim Queen, de Marco Nguyen and Nicolas Athane
• Full Phil, de Quentin Dupieux
• Colony, de Yeon Sang-ho
• L’Abandon, de Vincent Garenq

España vivirá en el Festival de Cannes 2026 una ocasión histórica: por primera vez en más de setenta años, tres películas españolas competirán en la Sección Oficial por la Palma de Oro. Los títulos de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen y Los Javis colocan al cine español en una posición inédita dentro del certamen más prestigioso del mundo y confirman el gran momento creativo de una generación de autores muy distinta entre sí, pero unida por una ambición común: jugar en la élite.

El anuncio supone un salto cualitativo para la presencia española en Cannes. En 2025, el país ya había firmado un hito al situar dos películas en competición oficial, Sirat, de Óliver Laxe, y Romería, de Carla Simón. Un año después, la cifra se eleva a tres y confirma que el cine español ha pasado de ser una presencia esporádica en Cannes a convertirse en un actor cada vez más constante dentro de su escaparate principal.

Pedro Almodóvar vuelve a una cita con la que mantiene una relación histórica. El cineasta manchego es, desde hace décadas, uno de los nombres más identificables del cine europeo en el circuito internacional. Su nueva película, Amarga Navidad, refuerza esa conexión con Cannes y vuelve a situarlo en la conversación por la Palma de Oro. Almodóvar es ya parte de la memoria del festival, y su presencia continúa funcionando como una de las grandes cartas de prestigio del cine español.

Rodrigo Sorogoyen representa otra vertiente del momento actual: la de un autor que ha ganado peso a base de un cine intenso, muy físico y de gran tensión dramática. Su llegada a la competición oficial confirma que Cannes mira cada vez más hacia un cine español capaz de combinar ambición industrial y riesgo formal. Tras consolidarse como uno de los directores más influyentes de su generación, Sorogoyen da ahora un salto al escenario donde se mide a los grandes nombres del cine mundial. Lo hará con El ser querido, una historia sobre el propio cine centrada en la relación entre los personajes de Javier Bardem y Victoria Luengo, un director de cine y su distanciada hija que se reencuentran en un tenso rodaje.

La tercera pata del triplete, Los Javis, participará con La bola negra. Su presencia en la competición oficial de Cannes simboliza la expansión de una pareja creativa que ha triunfado en España en casi cualquier formato, desde el musical La llamada a la serie de televisión La mesías. La bola negra llega al festival como el proyecto más reciente de los tres y con un punto de curiosidad añadido: su conexión con Federico García Lorca y con la temática de la homosexualidad en España. Esa mezcla de identidad cultural, riesgo narrativo y proyección global encaja bien con el tipo de cine que Cannes suele premiar o, al menos, debatir con intensidad.

El último antecedente: 1951

En 1951 Cannes marcó un hito inusual para el cine español: por primera vez, cuatro películas españolas compitieron en la Sección Oficial del festival, algo que hoy se considera prácticamente impensable debido a la enorme exigencia de la selección. Ese año España llegó con un contingente realmente generoso, liderado por el director Ramón Torrado, que logró colar dos títulos en la misma edición. Las cuatro películas españolas en competición en Cannes 1951 fueron: Balarrasa, de José Antonio Nieves Conde, Rumbo (también conocida como Sevilla de mis ensueños), de Ramón Torrado, La Virgen gitana, también de Ramón Torrado y La honradez de la cerradura, de Luis Escobar.

Ninguna de ellas se hizo con el máximo galardón, que entonces se repartía en forma de “Gran Premio” a dos títulos: La señorita Julie, de Alf Sjöberg, y Milagro en Milán, de Vittorio De Sica. Sin embargo, el año tuvo otro sabor buñueliano: el cineasta español, ya en su etapa mexicana, ganó el premio a Mejor Dirección por Los olvidados, película de producción mexicana pero firmada por un autor procedente de España.

Más allá de los nombres, el dato tiene una lectura de fondo: el cine español ha conseguido situarse en Cannes con una diversidad que antes parecía improbable. Conviven el autor consagrado, el director de tensión moral y política, y un dúo que ha saltado desde el éxito de masas al prestigio internacional. Eso habla de un ecosistema más amplio, más visible y más competitivo. El cine español llega a Cannes 2026 con varias voces fuertes, estilos reconocibles y una capacidad real para disputar la atención del festival desde distintas generaciones y sensibilidades. En un certamen donde cada selección fija el relato cultural del año, ese triplete coloca a España en el centro del mapa. Pase lo que pase, ya han hecho historia.

Un actor emblemático de la televisión contemporánea, galardonado con varios premios Emmy por su trabajo en una de las series más influyentes de la última década, ha sido confirmado como la gran incorporación para la segunda temporada de Alien: Planeta Tierra, la producción de ciencia ficción que expande el universo iniciado por Ridley Scott en 1979. La noticia marca un nuevo capítulo en el desarrollo de la franquicia, que debuta en televisión con una propuesta ambiciosa bajo la conducción de FX y del creador Noah Hawley.

La segunda entrega de Alien: Planeta Tierra iniciará su producción en mayo, con las grabaciones programadas en los Pinewood Studios de Londres, lugar icónico para la saga, pues acogió las filmaciones de la película original, así como de Alien 3 y Prometheus. El objetivo es aprovechar la infraestructura y el legado de estos estudios para imprimir autenticidad y continuidad visual a la serie. Según la información confirmada, la primera temporada se rodó en Tailandia, mientras que este nuevo ciclo apuesta por regresar a Europa, reforzando su conexión con los orígenes de la franquicia.

El actor en cuestión es Peter Dinklage, reconocido mundialmente por su interpretación de Tyrion Lannister en Juego de tronos, será parte del elenco regular en la segunda temporada de la serie. Aunque los detalles sobre el personaje que interpretará se mantienen en estricta confidencialidad, su llegada ha sido descrita como un movimiento clave para potenciar el atractivo de la producción y captar la atención de nuevas audiencias.nLa noticia se confirmó a través de voceros de FX y fue recogida por medios especializados en entretenimiento. La presencia de este intérprete multipremiado en una de las franquicias más influyentes del cine y la televisión refuerza el carácter ambicioso del proyecto, que busca consolidar su espacio en la oferta actual de series de ciencia ficción.

Alien: Planeta Tierra sitúa su trama dos años antes de los eventos narrados en la película original de 1979 y se presenta como el primer proyecto televisivo de la saga. El personaje principal, Wendy, es una androide interpretada por Sydney Chandler. El reparto cuenta también con Alex Lawther, Essie Davis, Samuel Blenkin, Babou Ceesay, Adarsh Gourav y Timothy Olyphant, quienes regresan o se suman a este universo que explora la interacción entre humanos y formas de vida artificial en un contexto de tensión y supervivencia.

Así será la segunda temporada

El fichaje de Alien: Planeta Tierra con Dinklage viene precedido por una activa trayectoria en los últimos años. El actor, que obtuvo cuatro premios Emmy por su trabajo en Juego de tronos, ha participado recientemente en películas como Roofman, donde compartió cartel con Channing Tatum y Kirsten Dunst, así como en Wicked, junto a Ariana Grande y Cynthia Erivo. Además, fue parte esencial de la serie Dexter: Resurrection y está vinculado a un posible relanzamiento de Poker Face, donde podría tomar el rol protagónico de detective Charlie Cale, reemplazando a Natasha Lyonne. Este proyecto, creado por Rian Johnson, busca nueva casa tras la cancelación de la serie en Peacock luego de dos temporadas.

La versatilidad y el reconocimiento internacional de este intérprete lo han convertido en un referente para producciones que buscan combinar prestigio artístico con alcance global. Su inclusión en el universo de Alien es vista como una apuesta estratégica para atraer tanto a los seguidores de la saga original como a los fanáticos del actor. Alien: Planeta Tierra es una creación de Noah Hawley, conocido por su trabajo en Fargo, quien también se desempeña como productor ejecutivo. El equipo de producción cuenta con figuras como Ridley Scott, David W. Zucker, Clayton Krueger, Emilia Serrano, Bob DeLaurentis, Peter Calloway, Monica Macer, John Campisi y Simon Emanuel. La serie es producida por FX Productions, que ha apostado por expandir el legado de Alien mediante un formato episódico, explorando nuevas líneas narrativas y profundizando en la mitología de la franquicia.

La segunda temporada se perfila como una de las apuestas más ambiciosas del canal para el próximo año, apoyada en la solidez de su equipo creativo y en la capacidad de su reparto para atraer tanto a público fiel como a nuevas generaciones de espectadores. La expectativa generada por la llegada de un actor como Dinklage al elenco de Alien: Planeta Tierra subraya el interés y la apuesta por elevar el perfil de la serie en el panorama internacional, consolidando su relevancia en el competitivo mercado de las producciones de ciencia ficción.

Después de más de diez años alejada de la pantalla grande, Cameron Diaz volverá a los cines encabezando la secuela de Troop Beverly Hills (La tropa de Beverly Hills), la comedia que se ha convertido en un fenómeno de culto desde su estreno en 1989. El proyecto está en desarrollo en TriStar Pictures y, según se informó, contará con la dirección de Clea DuVall, quien también escribe el guion.

La noticia marca un regreso esperado por el público, ya que la última película de Diaz estrenada en cines fue Annie en 2014. Aunque la actriz retomó la actuación en 2025 con la producción de Netflix De vuelta a la acción, este nuevo trabajo representa su retorno a las salas tras una prolongada ausencia de la exhibición tradicional. En los últimos años, la presencia de Diaz se había limitado a plataformas de streaming, por lo que su regreso a los cines se considera un acontecimiento destacado para la industria y sus seguidores.

Cameron Diaz se mantuvo alejada de los sets de grabación durante más de una década, tras haber protagonizado Annie en 2014. Su regreso a la actuación ocurrió en 2025 con la película de acción y comedia De vuelta a la acción, donde compartió pantalla con Jamie Foxx. La cinta, estrenada en exclusiva por Netflix, registró 46,8 millones de visualizaciones en sus primeros tres días, logrando la mayor apertura para una película en inglés en la plataforma desde The Adam Project y posicionándose como el séptimo filme más popular en la historia del servicio.

Pese a este éxito en streaming, la vuelta de Diaz a las salas de cine genera expectativas distintas. La actriz fue una de las figuras más reconocidas del cine comercial a finales de los 90 y principios de los 2000, con títulos como La máscara, Loco por Mary, Los Ángeles de Charlie y La boda de mi mejor amigo. Ahora, su protagonismo en una secuela de un clásico ochentero la coloca de nuevo en el centro de la conversación cinematográfica tradicional.

Una película de culto

La secuela de Troop Beverly Hills está siendo desarrollada por TriStar Pictures. Clea DuVall asumirá la dirección y firma el guion, en lo que representa su reencuentro con el estudio tras el éxito de la comedia romántica Happiest Season. El equipo de producción incluye a Laurence Mark (The Greatest Showman, Dreamgirls), junto con la propia Diaz y Katherine Power, socia de la actriz en la marca de vino orgánico Avaline. En cuanto a la trama, los detalles permanecen bajo reserva. El proyecto busca revivir el espíritu de la película original, que narraba la historia de una mujer de Beverly Hills decidida a liderar a un grupo de niñas exploradoras. La primera entrega fue dirigida por Jeff Kanew y escrita por Pamela Norris y Margaret Oberman, inspirada en hechos vividos por Ava Fries.

La agenda de Cameron Diaz muestra una reactivación notoria de su carrera. Además de la secuela de Troop Beverly Hills, la actriz tiene pendiente el estreno de la comedia negra Outcome, dirigida por Jonah Hill y prevista para el 10 de abril. También regresará a la franquicia Shrek para dar voz a la Princesa Fiona en su quinta entrega, con estreno previsto el 23 de diciembre. A estos títulos se suma Bad Day, una nueva comedia de acción para Netflix dirigida por Jake Szymanski, y una comedia romántica sin título para Amazon MGM, en la que compartirá cartel con Stephen Merchant. Diaz es representada por la agencia LBI Entertainment.

Estrenada en 1989 por Columbia Pictures, Troop Beverly Hills se inspiró en la experiencia real de Ava Fries y se convirtió en un símbolo de las comedias familiares de la época. El filme original estaba protagonizado por Shelley Long, quien daba vida a una acomodada ama de casa de Beverly Hills que asume el reto de liderar a un grupo de niñas scouts, enfrentando situaciones cómicas y desafíos inesperados. La película, aunque recibió críticas mixtas en su estreno, ganó popularidad con el paso del tiempo y se consolidó como una obra de referencia dentro del género. Su mezcla de sátira social y mensaje sobre la autoafirmación personal la hicieron perdurar como un clásico ochentero, lo que explica el interés por retomar su historia en una nueva entrega cinematográfica.

Durante la pandemia, se instaló la idea de que los jóvenes abandonarían las salas de cine en favor del streaming y los dispositivos móviles. Sin embargo, un reciente estudio de Fandango revela que los jóvenes de la Generación Z son hoy el grupo que más asiste al cine, superando incluso a los adultos mayores.

Según la encuesta, el 87 % de los Gen Z fue al cine al menos una vez en el último año, por encima del 82 % de los millennials, el 70 % de la Generación X y solo el 58 % de los baby boomers. Además, este grupo no solo acude más, sino que repite: tanto la Generación Z como los millennials promedian unas siete visitas anuales, superando el promedio de las generaciones anteriores. El estudio también destaca un dato clave para la industria: los jóvenes gastan más en cada visita. Eligen opciones premium, como funciones en Imax, y destinan una mayor parte de su presupuesto a la compra de alimentos y bebidas en el cine.

La encuesta de Fandango, basada en las respuestas de 7.000 adultos, muestra que para los jóvenes, la experiencia de ir al cine tiene un valor social y comunitario que trasciende la simple proyección de una película. Para la Generación Z, asistir a una sala es sobre todo una oportunidad para compartir con amigos y vivir en grupo la emoción del estreno. El vicepresidente ejecutivo de Fandango, Jerramy Hainline, subraya: “Lo más destacable es cuánto valoran el aspecto compartido y comunitario de la experiencia, reforzando que los cines siguen siendo un punto de encuentro social para las audiencias más jóvenes”.

La industria confía en los jóvenes

Este comportamiento contrasta con los millennials, quienes ven en el cine una vía de escape de la rutina diaria, y con la Generación X y los baby boomers, que mencionan el aumento de precios, la falta de estrenos llamativos y la comodidad del hogar como motivos para asistir menos. La principal barrera para todos los grupos no es la oferta de películas, sino la dificultad para coordinar horarios y encontrar tiempo disponible. También incide la necesidad de encontrar promociones u ofertas en boletos.

El sector de exhibición cinematográfica aún registra una caída del 20 % en la asistencia respecto a los niveles previos a la pandemia. Los exhibidores atribuyen esta baja a la reducción en la cantidad de estrenos de grandes estudios y a cambios en los hábitos de consumo. Sin embargo, la reaparición de la Generación Z como público frecuente representa una oportunidad para la recuperación. Hainline afirma que entender los hábitos y motivaciones de los jóvenes es fundamental para el crecimiento futuro de la industria, ya que están “redefiniendo lo que significa ir al cine al priorizar experiencias premium, el encuentro social y nuevas formas de contenidos”.

Las proyecciones para el verano de 2026 son optimistas: el 76 % de los encuestados planea volver al cine entre mayo y agosto. Entre las películas más anticipadas figuran Toy Story 5, Spider-Man: Un nuevo día, El diablo viste de Prada 2, La odisea de Christopher Nolan y Scary Movie 6. El estudio de Fandango muestra que, lejos de apartarse de las salas, los jóvenes han hecho del cine un espacio de encuentro y disfrute colectivo. Para el sector, responder a estas expectativas y potenciar la dimensión social será clave para consolidar el regreso del público y definir el futuro de la experiencia cinematográfica.

La Semana Santa queda atrás, y es momento de volver a la rutina. Pero no todo tiene por qué ser tedioso y cotidiano, ya que en Madrid, además del buen tiempo, llegan también nuevas exposiciones a los museos y galerías de la capital. Tras unos meses con destacadas exhibiciones como la de Hammershøi en el Thyssen, las fotos de Helen Levitt o la historia del emblemático Círculo de Bellas Artes.

Es por ello que este mes de abril viene cargado de grandes novedades, encabezado por la gran exposición de Caixaforum en torno a Asurbanipal, el icónico rey del imperio asirio. No solo eso, sino que también apostamos este mes por espacios más escondidos de la capital, como el Centro Cultural Casa de Vacas o el Espacio Cultural Serrería Belga, hogar de nuevas y viejas historias como las del capitán Ahab de Moby Dick o las pinturas de Menchu Gal. Esta primavera llega cargada de color y vida con todas ellas.

Soy Asurbanipal, rey del mundo, rey de Asiria

El CaixaForum acoge del 9 de abril al 4 de octubre de 2026 la exposición Soy Asurbanipal. Rey del mundo, rey de Asiria, dedicada al monarca que gobernó entre 669 y 631 a. C. y llevó al Imperio asirio a su máxima expansión. La muestra, con piezas del British Museum, presenta esculturas, relieves, marfiles y objetos cotidianos que ilustran la vida, el poder y la complejidad de Asurbanipal: guerrero, cazador, diplomático y erudito. Destaca su célebre biblioteca de tabletas cuneiformes y su impacto en el arte y la cultura del Mediterráneo y Oriente Medio. La exposición subraya la importancia de conservar el patrimonio cultural para comprender la historia de la humanidad.

Moby Dick. The Dream of Captain Ahab

El Centro Cultural Casa de Vacas en El Retiro exhibe, del 2 al 26 de abril, la obra de Esteban Ruiz inspirada en Moby Dick de Herman Melville. La exposición reúne pinturas que reinterpretan la mítica ballena blanca desde una mirada contemporánea, fusionando arte, literatura y conciencia medioambiental. Esteban Ruiz conecta así la relación entre el ser humano y el océano, reflexión que surgió tras su participación en el programa ACCOBAMS para la conservación de cetáceos. Tras años dedicados a la escultura, el entorno marino y una travesía náutica lo motivaron a regresar a la pintura. La colección, enriquecida por el estudio de logbooks balleneros del siglo XIX, se plantea como un viaje por los ritmos y formas del mar. El artista, con trayectoria internacional y talleres en París y Córdoba, afirma que sus obras plasman emociones y vivencias profundas, invitando al espectador a tomar partido ante la grandeza y fragilidad del mundo marino.

Menchu Gal. Imágenes de una vida

El Espacio Cultural Serrería Belga presenta Menchu Gal. Imágenes de una vida, una muestra que reúne cerca de cincuenta obras de la pintora vasca, primera mujer en recibir el Premio Nacional de Pintura en 1959. La exposición, organizada junto a la Fundación Menchu Gal, permite recorrer la evolución artística de Gal a través de paisajes, retratos, bodegones e interiores, donde se aprecia su original paleta cromática y su expresividad. Paisajista destacada, plasmó desde los parajes de Castilla hasta escenas urbanas de Madrid, además de marinas y vistas del País Vasco y Navarra. Sus retratos capturan la esencia de los personajes, mayoritariamente femeninos, mientras que sus interiores y bodegones transmiten intimidad y sosiego. Lejos de las corrientes dominantes, Menchu Gal desarrolló un estilo propio, inconfundible y libre, que refleja su espíritu independiente y cosmopolita, forjado en un siglo XX marcado por grandes cambios y dificultades.

Guercino y sus heroínas bíblicas

El Museo Thyssen-Bornemisza acoge una exposición que reúne seis obras de Il Guercino, figura clave del barroco italiano, para analizar cómo abordó la representación de la mujer en la pintura religiosa. El recorrido se articula en torno a Jesús y la samaritana en el pozo, acompañada por piezas provenientes del Museo del Prado, la Dulwich Gallery y el Musée des Beaux Arts de Estrasburgo. Los lienzos seleccionados muestran a mujeres bíblicas en distintos roles: desde pecadoras arrepentidas y víctimas de injusticia, hasta reinterpretaciones de las llamadas femme fatale. Guercino les otorga protagonismo y matices emocionales, alejándolas de los estereotipos tradicionales. La curaduría de María Eugenia Alonso permite descubrir la capacidad narrativa y el dominio gestual del pintor, invitando a reflexionar sobre el papel de la mujer en la iconografía religiosa. La muestra ofrece una mirada renovada y rica en matices sobre estos personajes.

Guernica africano

El Museo Reina Sofía lanza el ciclo La historia no se repite, pero rima, que pone en diálogo el Guernica de Pablo Picasso con otras obras creadas en contextos históricos y culturales distintos. En esta primera edición, el cuadro de Picasso se exhibe junto a African Guernica, realizado en 1967 por Dumile Feni durante el apartheid sudafricano. Ambas piezas comparten un lenguaje visual dramático, la distorsión expresiva de las figuras y una escala monumental para denunciar la violencia y la opresión. Es la primera vez que la obra de Feni, clave en la modernidad africana, se muestra fuera de Sudáfrica. La exposición, comisariada por Tamar Garb, invita a los visitantes a comparar las obras y reflexionar sobre sus semejanzas y diferencias, así como sobre el contexto político y social que las originó. El ciclo utilizará intervenciones similares para examinar resonancias históricas a través del arte.

Los rodajes de largometrajes y series en Madrid han generado más de 1.500 millones de euros y más de 10.000 empleos entre 2021 y 2024. Las series han actuado como principal motor de crecimiento, representando el 65% de la facturación del sector audiovisual, según el estudio presentado por Madrid Film Office y la Universidad Autónoma de Madrid. El estudio, titulado Dimensión e impacto de los rodajes de largometrajes y series en Madrid, analizó 415 producciones filmadas en la capital. El documento señala que la actividad audiovisual alcanzó una facturación directa de 988,7 millones de euros, con un valor añadido bruto (VAB) de casi 596 millones y una recaudación fiscal de 247,3 millones. Además, se generaron 6.039 empleos equivalentes a tiempo completo.

La presentación del informe tuvo lugar en la Casa de la Panadería. Allí se detalló que, solo en el periodo 2021-2024, los rodajes han impulsado la economía local y han contribuido a consolidar a Madrid como referente internacional en el sector audiovisual. Las series han concentrado la mayor parte de la actividad económica. El informe revela que generaron 621 millones de euros de ingresos y cerca de 4.000 empleos, lo que representa el 65% del total del sector. En contraste, los largometrajes sumaron 367,7 millones de euros y algo más de 2.000 empleos en el mismo periodo.

En el impacto global, las producciones de series alcanzaron los 999,1 millones de euros, cifra que duplica prácticamente la aportación del cine. Estas cifras evidencian el cambio de tendencia en la industria, donde las series se han consolidado como el segmento más dinámico y rentable. Uno de los largometrajes que destaca en el estudio es Todos los nombres de Dios (2023), del que se proyectó una escena con Luis Tosar en la Gran Vía, ilustrando la capacidad de Madrid para atraer grandes producciones nacionales.

Atomización empresarial y empleo temporal

El sector audiovisual madrileño presenta una estructura marcada por la atomización empresarial. Predominan las microempresas y pequeñas productoras, lo que, según el documento, ha favorecido el dinamismo pero también algunos retos en términos de estabilidad laboral. El empleo temporal es una característica central: el 92,9% de los puestos generados por los rodajes corresponde a empleos temporales. Esta realidad responde a la propia naturaleza de los proyectos audiovisuales, que dependen de la duración limitada de los rodajes y la producción.

El informe también detalla que la inversión media en largometrajes de ficción es de 3,6 millones de euros, mientras que en series internacionales la cifra asciende a 26,2 millones por temporada. El impacto de los rodajes no se limita al entorno audiovisual. El estudio identifica 393 millones de euros en consumos intermedios que han beneficiado a sectores como el transporte, la hostelería, el alojamiento y los servicios técnicos. A esto se suman más de 553 millones de euros adicionales y más de 4.000 empleos resultantes de los efectos indirectos e inducidos.

Representantes institucionales han subrayado este efecto de arrastre. Milagros Donés, directora del Instituto L.R. Klein, afirmó que el audiovisual “tiene capacidad de crear empleo y generar actividad económica más allá del propio sector”. Por su parte, la delegada de Turismo, Almudena Maíllo, destacó la repercusión en áreas como la restauración, la hostelería y el turismo, que se ven impulsadas por la actividad de los rodajes. La ciudad de Madrid cuenta con una larga tradición cinematográfica. El 14 de mayo de 1896, en el antiguo Hotel Rusia de la Carrera de San Jerónimo, se celebró la primera exhibición pública en España del cinematógrafo de los hermanos Lumière, apenas cinco meses después de su debut en París. Más de un siglo después, Madrid ha reforzado su imagen como gran plató a nivel internacional. Producciones exitosas como La Casa de Papel, Élite o Velvet han contribuido a esta proyección, consolidando a la ciudad como escenario habitual para series reconocidas.

El estudio también menciona el próximo rodaje de una película de Woody Allen en la capital, previsto para esta primavera. El proyecto se desarrollará íntegramente en Madrid durante la preproducción y el rodaje, y la postproducción se repartirá entre Madrid y Nueva York. El crecimiento del sector audiovisual en Madrid se ha acentuado desde la pandemia. Entre 2021 y 2024, el número de proyectos ha experimentado un aumento sostenido y una mayor presencia de producciones internacionales. Madrid se consolida así como un polo atractivo para la industria audiovisual global, impulsando su economía y empleo, y ampliando su proyección internacional a través de las producciones que elige rodar en sus calles.

La rapera Tokischa ha sido denunciada por la Fundación Española de Abogados Cristianos tras la publicación de unas imágenes en las que aparece semidesnuda en el interior de la Basílica de Santa María del Coro, en San Sebastián. La denuncia, presentada ante el Juzgado de Instrucción de la ciudad, se fundamenta en la posible comisión de un delito de profanación, tras considerar que las fotografías constituyen una “ofensa para los fieles de toda España”.

Según el comunicado difundido por la organización, la artista aparece “en topless y vistiendo únicamente una prenda íntima (tanga)”, posando de forma que califican como provocativa y situada directamente frente a una imagen de Jesucristo. Abogados Cristianos sostiene que Tokischa utilizó “el espacio sagrado como escenario erótico completamente ajeno al culto religioso”. Las imágenes, según la fundación, forman parte de una “estética planificada” para un cortometraje, lo que, a su juicio, demuestra “premeditación y la utilización consciente de un templo católico para fines comerciales y de exhibición, desvirtuando su significado religioso”.

La denuncia presentada por Abogados Cristianos se basa en el artículo 524 del Código Penal, que contempla sanciones para quienes realicen actos ofensivos hacia los sentimientos religiosos en templos o lugares de culto. La organización argumenta que la acción de Tokischa no solo afecta a la comunidad local, sino que ha tenido un fuerte impacto mediático y social en todo el país. En palabras de la fundación, los hechos han generado una “profunda indignación y ofensa en la comunidad de fieles católicos, tanto de la ciudad de San Sebastián como del resto de España”. El comunicado remarca la trascendencia pública del caso, que ha sido ampliamente difundido en redes sociales y medios. De acuerdo con la organización denunciante, el uso de la basílica para la grabación de imágenes de alto contenido sexual constituye un acto de “carácter ofensivo hacia los sentimientos religiosos, mediante el uso irrespetuoso de un espacio sagrado y de sus símbolos”. Abogados Cristianos insiste en que la acción no puede considerarse un hecho aislado, sino que responde a una conducta reiterada por parte de la artista.

Los argumentos de la denuncia

Abogados Cristianos sostiene que la actitud de Tokischa “evidencia una conducta reiterada y una voluntad deliberada de utilizar lugares de culto para generar provocación”. La organización recuerda que la rapera fue sancionada en 2021 por la Fiscalía de La Vega, en República Dominicana, tras realizar “actos similares” en un santuario religioso de ese país. La fundación expone que la reiteración en este tipo de acciones refuerza la gravedad de los hechos denunciados en San Sebastián. En su comunicado, insisten en que la utilización de la Basílica de Santa María del Coro para la grabación de un cortometraje con imágenes de contenido sexual “desvirtúa el significado religioso” del lugar y supone un claro desprecio a los símbolos de la fe católica. Para la organización, la difusión de las imágenes no solo ha causado indignación entre los feligreses locales, sino que representa una ofensa para los católicos de toda España.

La Fundación Española de Abogados Cristianos destaca que su denuncia se enmarca en una línea de actuación orientada a la “defensa de la libertad religiosa” y la protección de los lugares de culto. Recuerdan que ya lograron una sentencia condenatoria por profanación contra activistas de FEMEN, tras un asalto a la Catedral de la Almudena en Madrid, donde las participantes también realizaron actos desnudas en el interior del templo.

Según la organización, este precedente judicial evidencia que acciones como las protagonizadas por Tokischa pueden ser consideradas delito de profanación según la legislación española, especialmente cuando se producen en espacios de culto y con ánimo de provocar un impacto mediático o comercial. La denuncia presentada solicita que se investigue la posible comisión de un delito de profanación y que se adopten medidas para evitar que se repitan conductas similares en otros lugares de culto. Hasta el momento, Tokischa no ha emitido declaraciones públicas sobre la denuncia presentada en su contra.

El cineasta Steven Soderbergh anunció la incorporación de inteligencia artificial en dos de sus próximos proyectos: un documental sobre John Lennon y Yoko Ono y una película ambientada en la Guerra Hispano-Estadounidense. La decisión marca un nuevo capítulo en la experimentación tecnológica del director, conocido por su rapidez y apertura a métodos innovadores. Soderbergh, en una entrevista con Filmmaker Magazine, detalló cómo la IA se integra en distintos aspectos de su proceso creativo. El director reconoció que si bien su estilo ya era ágil, la tecnología podría acelerar aún más la producción y ampliar los recursos visuales disponibles.

El realizador explicó que recurrió a la IA para generar imágenes “temáticamente surrealistas” en sus dos proyectos. Según Soderbergh, el uso de inteligencia artificial le permitió crear visualizaciones que no serían posibles solo con medios tradicionales. Describió la experiencia como “realmente divertida”, aunque matizó que “se necesita un doctorado en literatura para indicarle a la IA lo que debe hacer”.

En palabras de Soderbergh, parte del atractivo radica en la capacidad de la tecnología para transformar ideas abstractas en imágenes inéditas. No obstante, subrayó la importancia de una supervisión humana constante: la IA “requiere una vigilancia muy estrecha” para que los resultados sean fieles a la visión del director. El cineasta sugirió que, aunque la IA puede ahorrar tiempo en la creación de materiales visuales, no reemplaza el criterio artístico. De acuerdo con Soderbergh, la inteligencia artificial se utiliza principalmente en la generación de imágenes que acompañan conceptos filosóficos o pasajes donde el material de archivo no basta para transmitir el mensaje. “Solo así se pueden crear imágenes que sean una versión surrealista de lo que intentan transmitir sus palabras”, afirmó el autor de películas como Ocean’s Eleven o la reciente Confidencial (Black Bag).

Los próximos proyectos: Lennon, Yoko Ono y la guerra

El documental se centra en la faceta menos explorada de Lennon y Ono: su trabajo fuera de la música. El proyecto toma como base una entrevista de tres horas que la pareja concedió a RKO Radio poco antes del asesinato de Lennon. Soderbergh precisó que el 90 % de la película está compuesto por archivos fotográficos históricos. El 10 % restante corresponde a secuencias generadas por IA, diseñadas para ilustrar ideas filosóficas o pasajes abstractos del diálogo. Según el director, estos segmentos aparecen “cuando no existe un componente literal para lo que están diciendo”. El resultado es un montaje en el que los recursos creados mediante IA sirven como puentes visuales entre el archivo y el discurso conceptual. En respuesta a la pregunta sobre cómo se construyen estas imágenes, Soderbergh comentó que el proceso requiere instrucciones detalladas, a menudo complejas, para lograr que la IA produzca imágenes acordes con el tono del documental. El director describió este método como un “experimento visual” que depende tanto del ingenio humano como de la potencia tecnológica.

El segundo proyecto donde Soderbergh aplicará IA es una película sobre la Guerra Hispano-Estadounidense, protagonizada por Wagner Moura. Si bien el cineasta no reveló detalles específicos de la trama, confirmó que la inteligencia artificial jugará un papel relevante en la producción. La intención es aprovechar la tecnología para recrear paisajes, escenas de batalla y contextos históricos difíciles de obtener mediante métodos convencionales. Soderbergh no especificó cuánta proporción del metraje dependerá de la IA, pero insistió en que el enfoque busca combinar recursos digitales y técnicos para ofrecer una experiencia visual distinta. El uso de IA en este contexto responde a la necesidad de representar episodios históricos de manera convincente sin recurrir siempre a efectos especiales tradicionales o reconstrucciones costosas.

El director de la frustrada película de Star Wars reconoció que el uso de IA en la industria cinematográfica plantea desafíos inéditos. Entre ellos, mencionó la demanda de energía y los riesgos medioambientales asociados a la tecnología, así como la necesidad de evitar la reproducción de clichés visuales generados a partir de materiales preexistentes. Soderbergh reflexionó: “Es un momento extraño para hacer cine”, sugiriendo que la integración de inteligencia artificial redefine los límites entre creatividad humana y automatización. Pese a los avances, sostuvo que la intervención humana sigue siendo indispensable para garantizar la coherencia artística y ética de los proyectos.

La aparición de Madonna en la segunda temporada de la serie The Studio marca su regreso a la pantalla tras dos décadas alejada de la actuación. La cantante fue vista en Venecia mientras filmaba escenas para la producción de Apple TV+, acompañada por figuras como Julia Garner y Donald Glover. La participación de Madonna no solo representa un acontecimiento mediático, sino que también pone en primer plano las dificultades que enfrentó para llevar a cabo su propio biopic, un proyecto que finalmente fue cancelado.

La última vez que Madonna apareció en televisión fue en 2003, con una breve intervención en Will & Grace. Su rol protagónico más reciente en cine data de 2002, en el remake de Swept Away. Por ello, la presencia de la artista en The Studio constituye un logro sensible para Seth Rogen y el equipo creativo de la serie, que ya había convocado a celebridades como Martin Scorsese, Charlize Theron y Ted Sarandos durante su primera temporada. En el centro del interés está el biopic que Universal Pictures planeaba sobre la vida de Madonna. En 2021, el estudio ganó una subasta entre productoras para desarrollar el largometraje. Amy Pascal figuraba como productora y la propia Madonna asumiría la dirección y el guion. El proceso de audiciones fue calificado como extenuante, con actrices como Florence Pugh sometiéndose a pruebas intensivas de canto y baile. Finalmente, Julia Garner, ganadora del Emmy por Inventing Anna y Ozark, obtuvo el papel protagónico en 2022.

El guion del biopic proponía un recorrido desde los orígenes humildes de Madonna en Michigan, su formación artística en la Nueva York de los años 80, hasta el lanzamiento de Ray of Light en 1998, álbum que marcó una transformación en su carrera y consolidó su estatus global. Sin embargo, múltiples reescrituras del libreto y cambios en la dirección creativa antecedieron a la suspensión definitiva del proyecto en 2023. Según fuentes cercanas, Guy Oseary, mánager de Madonna, la persuadió para priorizar una gira mundial y abandonar temporalmente sus planes como directora. Al final, los derechos sobre su vida y catálogo musical expiraron en Universal.

El futuro de Madonna (y el de ‘The Studio’)

Actualmente, Netflix desarrolla una serie autobiográfica sobre Madonna, bajo la dirección de Shawn Levy y un acuerdo exclusivo con la plataforma. Julia Garner no está vinculada a esta nueva producción. La serie The Studio incorpora y parodia estos hechos reales a través de una trama en la que el ficticio Continental Studios, encabezado por personajes interpretados por Seth Rogen, Kathryn Hahn, Bryan Cranston, Ike Barinholtz y Chase Sui Wonders, produce una película sobre la vida de Madonna. En el argumento, el equipo viaja a Italia para presentar el biopic en el Festival de Venecia, con la presencia tanto de Madonna como de Garner, generando expectativas y rumores sobre posibles nominaciones al Oscar.

En la ficción, Madonna no interpreta a la directora de su biopic, sino que asume un rol diferente dentro del universo creado por la serie. Fotógrafos captaron también a Donald Glover en el set junto a Madonna y Garner, aunque no se han precisado detalles sobre su personaje. Fuentes próximas a la producción indican que los episodios donde aparece Madonna dedican especial atención al debate sobre la duración de las ovaciones en festivales, fenómeno que suele medirse para anticipar el éxito de las películas en el circuito internacional.

La filmación en Venecia generó un momento viral entre los seguidores de Madonna. Tanto ella como Garner recrearon imágenes emblemáticas del videoclip Like a Virgin de 1984, posando frente a la cámara y navegando en góndola por los canales de la ciudad. La incorporación de Madonna a The Studio implicó negociaciones complejas para Seth Rogen y Evan Goldberg, quienes lograron convencer a una figura celosa de su imagen para sumarse a una trama que revive un proyecto inconcluso de su carrera. Hasta el momento, ni Netflix ni Apple TV+ han emitido declaraciones oficiales sobre la participación de Madonna o el futuro de la serie.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha confirmado las fechas para las próximas ediciones de los Oscar, marcando un giro histórico en la transmisión y el futuro del evento. La 99ª ceremonia se celebrará el domingo 14 de marzo de 2027, mientras que la 100ª está programada para el domingo 5 de marzo de 2028. Ambas galas se transmitirán en vivo a las 19:00 (hora del este de Estados Unidos) por ABC y llegarán a más de 200 territorios globalmente desde el Dolby Theatre en Ovation Hollywood.

Estas serán las últimas ediciones de los Oscar emitidas por ABC antes de que la transmisión pase a YouTube en 2029. La mudanza de plataforma forma parte de una transformación mayor en la estrategia de difusión de la ceremonia, que busca adaptarse a los cambios en los hábitos de consumo audiovisual y expandir su alcance digital. Desde 2029, los Oscar tendrán como nueva sede el Peacock Theater, donde permanecerán al menos hasta 2039, según confirmó la Academia. La decisión de trasladar la transmisión a YouTube representa un hito en la historia de los premios Oscar. Tras décadas de alianza con ABC, la ceremonia más importante de la industria cinematográfica estadounidense apuesta por una plataforma digital con la expectativa de captar a nuevas generaciones de espectadores y garantizar una mayor interacción global.

El calendario de 2027 será especialmente relevante para ABC. Por primera vez, la cadena transmitirá no solo los Oscar, sino también el Super Bowl LXI el 14 de febrero y la entrega de los Grammy el 7 de febrero, estos últimos bajo un nuevo acuerdo de 10 años con la Academia de la Grabación, que incluye transmisión en Hulu y Disney+. De este modo, ABC rompe una tradición de 54 años en la que los Grammy fueron emitidos por CBS. La combinación de estos eventos convierte al primer trimestre de 2027 en un momento clave para la cadena. Se espera que la convergencia de audiencias en torno a los principales premios y competiciones deportivas impacte significativamente las estrategias de programación y la inversión publicitaria en ABC.

Calendario oficial de la temporada de premios

Durante la última edición, la ceremonia de los Oscar reunió a 17,86 millones de espectadores entre ABC y Hulu, lo que significó una disminución del 9% respecto a los 19,7 millones del año anterior. Ese dato había representado un máximo de cinco años para la gala, que históricamente ha oscilado en cifras de audiencia debido a factores como la pandemia y la fragmentación de la oferta televisiva. El interés por la próxima temporada de premios crece impulsado por títulos como la comedia espacial de Ryan Gosling, Proyecto Salvación, y películas anticipadas como Dune: Parte Tres, dirigida por Denis Villeneuve y protagonizada por Timothee Chalamet y Zendaya. También se espera la participación de Digger, de Alejandro G. Iñárritu y con Tom Cruise en el reparto. Hasta el momento, la Academia no ha anunciado quiénes serán los anfitriones de las ceremonias de 2027 o 2028.

La Academia ha publicado el cronograma de fechas clave para el proceso de selección de los Oscar correspondientes a la temporada 2026-2027. El periodo de elegibilidad comenzará el 1 de enero de 2026 y concluirá el 31 de diciembre del mismo año. La fecha límite para la presentación de candidaturas en categorías generales, largometraje animado y mejor película será el 12 de noviembre de 2026. El evento de los Governors Awards está previsto para el 15 de noviembre de 2026. Las votaciones preliminares se abrirán el 7 de diciembre y cerrarán el 11 de diciembre, mientras que la publicación de las listas cortas tendrá lugar el 15 de diciembre.

El proceso de votación para las nominaciones dará inicio el 11 de enero de 2027 y finalizará el 15 de enero. La anunciación de los nominados será el 21 de enero de 2027. El tradicional almuerzo de nominados se celebrará el 16 de febrero de 2027. La votación final para los ganadores abrirá el 25 de febrero y concluirá el 4 de marzo de 2027. La edición número 99 de los Oscar se llevará a cabo el 14 de marzo de 2027 y la edición centenaria el 5 de marzo de 2028, ambas en el Dolby Theatre antes de la mudanza definitiva al Peacock Theater a partir de 2029.

Slayyyter nunca ha sido una artista cómoda. Desde sus primeros pasos en internet, la cantante estadounidense ha construido una carrera a base de exceso, ironía, sexo, melodrama y una intuición muy fina para convertir el caos en pop. Su nuevo álbum, *WOR$T GIRL IN AMERICA*, publicado hace tan solo unos días, confirma que ya no estamos ante una promesa de la escena alternativa, sino ante una autora con un universo propio: deslenguado, vulnerable, kitsch y sorprendentemente coherente. La artista ha pasado a convertirse en una de las actuaciones más esperadas para el inminente festival de Coachella, en el que actuará este mismo viernes y el siguiente con la promesa de dar guerra sobre el escenario.

El disco llega en un momento especialmente interesante para el pop raro, ese territorio intermedio entre el mainstream y el club digital que en los últimos años ha ganado visibilidad gracias a figuras como Charli XCX, quien ya revolucionó el panorama con brat y ha continuado el rumbo con su último álbum para la película Cumbres borrascosas. Pero Slayyyter no ocupa ese espacio como una imitadora ni como una discípula menor. Su propuesta va por otro lado: menos fría, más autobiográfica; menos cerebral, más impulsiva; menos manifiesto generacional y más confesión disfrazada de provocación.

Slayyyter, nacida como Catherine Grace Garner, comenzó publicando música de manera independiente y construyó su nombre en un ecosistema donde la imagen, el meme y la identidad eran tan importantes como la canción. Desde el principio entendió que el pop contemporáneo ya no se juega solo en la radio o en las listas, sino también en la estética, en la circulación digital y en la capacidad de producir un personaje legible de inmediato. Su debut la presentó como una figura radicalmente ligada a la cultura pop de los 2000: Britney Spears, Paris Hilton, Gwen Stefani, Kesha, la estética de club, el brillo sintético y la sexualidad tratada con descaro. Pero debajo de esa capa de artificio había algo más serio. Slayyyter siempre ha cantado desde una mezcla de deseo, inseguridad y resentimiento que la aproxima más a la tradición del pop dramático que a la simple provocación.

*WOR$T GIRL IN AMERICA* parece querer ordenar toda esa trayectoria. El título ya funciona como declaración de intenciones: una broma defensiva, una autoflagelación irónica y una forma de apropiarse del insulto antes de que lo haga el resto. El álbum toma como punto de partida su procedencia del Medio Oeste estadounidense y la sensación de haber crecido en un entorno del que había que escapar para poder convertirse en alguien. Ahí reside buena parte de su fuerza. El disco no se limita a acumular momentos de club o estribillos grandes, sino que trabaja con una idea más amplia de identidad. Slayyyter convierte su biografía en material sonoro y dramático: la chica que quiere salir de una ciudad pequeña, la aspirante a estrella que mira hacia los márgenes de la cultura, la mujer que se sabe objeto de juicio y decide responder con más volumen, más maquillaje y más ruido.

En ese sentido, el álbum representa un paso adelante en su carrera. Si trabajos anteriores como Troubled Paradise o Starfucker ya apuntaban una ambición mayor, aquí la artista parece haber encontrado un equilibrio más claro entre el golpe inmediato y la construcción de un relato. Hablar de Slayyyter es hablar de una artista hecha de referencias, pero no en el sentido menor de la palabra. Sus influencias no son un catálogo de citas, sino el material desde el que ha construido una voz. El imaginario de Britney Spears sigue siendo central: la idea de la estrella pop como figura de deseo, vulnerabilidad y control escénico. También están Kesha y Lady Gaga, aunque en una clave menos grandilocuente y más callejera. A eso se suman el hyperpop, el pop punk, el electroclash, el R&B brillante de los 2000 y una sensibilidad camp que entiende el mal gusto como una forma de inteligencia. Slayyyter no busca disimular esas filiaciones; las exhibe y las exagera. Por eso su música funciona tan bien cuando se mueve entre la euforia y la autodestrucción. En su mejor versión, cada canción parece una escena de fiesta que termina en confesión.

Año 1 después de ‘brat’

La aparición de Brat, de Charli XCX, cambió el clima del pop alternativo. De pronto, los códigos de la electrónica áspera, la ironía, el hedonismo y el lenguaje de club se volvieron no solo deseables, sino también culturalmente dominantes. Pero ese éxito dejó otra pregunta: ¿qué hacen ahora las artistas que venían trabajando ese territorio antes de que se volviera tendencia? La artista ha afirmado que el álbum está inspirado en sus “canciones de iPod”, una mezcla de pop, rock, punk y rap de principios de los 2000 con nombres como U2, Lady Gaga, M.I.A., Kid Cudi, Gorillaz, Ladytron, Soulwax, Sebastian o Death Grips, pero es inevitable no pensar en la cantante de Brat al ver la transición de Slayyyter hacia este sonido electrónico y descarado.

Eso sí, Slayyyter ofrece una respuesta muy distinta a la de Charli. Si Brat representa una forma de depuración estética, una especie de manifiesto afilado sobre la identidad y el presente, Slayyyter insiste en lo contrario: el desorden, la saturación, la exageración emocional. Su música no busca tanto definir una generación como retratar la ansiedad de querer pertenecer a una imagen y no acabar de conseguirlo. Por eso resulta interesante su posición actual. No parece competir con el “momento Brat”, sino explorar su reverso: donde Charli propone precisión conceptual, Slayyyter propone descontrol elegante. Donde una ordena el caos, la otra lo convierte en espectáculo.

Parte de la relevancia de *WOR$T GIRL IN AMERICA* está en que da profundidad social a un proyecto que durante años pudo parecer solo estético. El disco sugiere que la historia de Slayyyter también es la de una chica salida de un contexto donde el pop se vive como aspiración y escape, no como herencia natural. Eso introduce una capa de clase y procedencia que enriquece su personaje. La artista no se presenta como una figura inaccesible, sino como alguien que ha construido su glamour desde la incomodidad. Y ese gesto importa, porque hoy muchas estrellas pop venden autenticidad como si fuera un producto transparente, cuando en realidad el pop siempre ha sido una forma de actuación. Slayyyter entiende eso mejor que casi nadie: no pretende parecer natural, pretende parecer intensa, y en esa decisión hay más verdad que en muchas confesiones literales.

Con *WOR$T GIRL IN AMERICA*, Slayyyter consolida una identidad artística que ya no depende solo del culto digital. El álbum la sitúa en un lugar más serio dentro del pop contemporáneo, como una creadora capaz de unir fiesta, herida y personaje sin que ninguna de esas capas anule a las demás. Su mérito no es sonar “actual”; es sonar a sí misma. En un paisaje musical donde mucha música pop tiende a domesticar su rareza, Slayyyter sigue defendiendo el exceso como método. Y eso, hoy, ya no es solo una pose: es una posición artística. A la espera de lo que suceda en Coachella, parece claro que en este 2026 va a ser una de las artistas a tener en cuenta.

La influencia de Sofia Coppola en el arte actual es innegable. Su sombra llega a la música o el cine de los últimos años, y el último caso no hace más que confirmarlo. Porque el nuevo videoclip de Sabrina Carpenter está inspirado en una de las películas más emblemáticas de Sofia Coppola: The Bling Ring. En House Tour, Carpenter encarna a una ladrona glamorosa acompañada por Margaret Qualley y Madelyn Cline, en un guiño directo a la cultura pop y a las historias reales que dieron origen al film de Coppola.

El video, lanzado este pasado 6 de abril, muestra a las tres protagonistas irrumpiendo en una mansión, tomando baños de burbujas, encontrando la Mona Lisa y hasta robando un Grammy, que hay quien ya especula que sería una alusión directa a Madonna. La secuencia visual remite de inmediato a las escenas de lujo y desenfreno de The Bling Ring, donde un grupo de jóvenes obsesionados con el mundo de las celebridades penetraba en las casas de famosos para apropiarse de sus objetos más preciados. El videoclip termina con las ladronas huyendo en su furgoneta con un mensaje “Acabamos de robar la casa”, dejando una nota de agradecimiento al dueño de la casa, mientras una tarántula cruza la alfombra, coronando la atmósfera de irreverencia y humor negro característica del universo de Coppola.

The Bling Ring es una película dirigida por Sofia Coppola y estrenada en 2013, y que actualmente se puede encontrar en la plataforma Filmin. La cinta se basa en el artículo The Suspects Wore Louboutins publicado en Vanity Fair en 2010, que relata la historia real de un grupo de adolescentes de Los Ángeles. Entre 2008 y 2009, estos jóvenes lograron infiltrarse en las residencias de varias celebridades, como Paris Hilton, Orlando Bloom y Lindsay Lohan, guiándose por información publicada en redes sociales y sitios de noticias del espectáculo. El monto de lo robado superó los 3 millones de dólares en ropa de diseñador, joyas y obras de arte.

La película, al igual que el nuevo video de Carpenter, explora la fascinación con el lujo, la fama y la cultura de la celebridad. Coppola retrata a los protagonistas como productos de una sociedad obsesionada con la imagen pública y la ostentación. El film fue rodado en parte en las verdaderas casas víctimas de los robos y cuenta con la participación de Paris Hilton, quien aparece interpretándose a sí misma. La historia real detrás de The Bling Ring generó un intenso debate mediático sobre los límites de la admiración y el deseo de pertenencia en la era digital. Los miembros de la banda enfrentaron penas de prisión y sentencias millonarias de restitución, tras ser condenados por los robos. La película subraya la trivialidad y el vacío de la cultura celebrity, mostrando cómo los adolescentes buscaban, a través de estos delitos, una conexión ilusoria con el mundo de los famosos.

El debut en la dirección de Carpenter y Qualley

En el video de House Tour, Carpenter, Qualley y Cline forman una banda que irrumpe y saquea una casa con total despreocupación. Bañarse en bañeras de espuma, posar con objetos de arte y robar trofeos son parte de una coreografía visual que recrea el hedonismo y la despreocupación de los personajes de The Bling Ring. La secuencia incluye un momento en el que las protagonistas atropellan accidentalmente a un hombre durante la fuga, manteniendo la línea de humor y desenfado que caracteriza otros videos de Carpenter.

La pieza visual también mantiene la tradición de la artista de incluir desenlaces violentos en sus videoclips, como sucedió en Feather, Taste y Tears. La narrativa alterna entre la irreverencia y el pastiche pop, con referencias directas a la cultura mediática y el universo millennial. House Tour representa el debut de Carpenter como directora. La cantante y actriz codirigió el video junto a Margaret Qualley, marcando un hito en su carrera. A través de una publicación en Instagram, Carpenter agradeció a sus compañeras: “¡¡Ya está disponible el videoclip de House Tour!! Protagonizado por el equipo de limpieza más guapo del mundo: mi querida @isimostar y mi angelito @madelyncline. Dirigido por Margaret y por mí.!”.

El estreno de House Tour se produce días antes de que Carpenter encabece el festival Coachella los días 10 y 17 de abril, compartiendo cartel con Justin Bieber y Karol G. La artista ya había debutado en el festival en 2024, presentando su sencillo Espresso y anticipando que regresaría como cabeza de cartel. En redes sociales, Carpenter celebró la noticia con la frase: “woman of my word” (digna de confianza). La conexión entre el videoclip y la película de Coppola refuerza la mirada irónica sobre el culto a la fama y la apropiación de íconos culturales, consolidando a Carpenter como una figura que entiende y reinterpreta los códigos de la cultura pop contemporánea.

La llegada de Elle Fanning al universo de Los juegos del hambre ha recibido el respaldo explícito de Elizabeth Banks, quien interpretó a Effie Trinket en las cuatro películas originales de la saga. Banks, presente en la premiere de su nueva serie, expresó su entusiasmo ante la elección de Fanning como la versión joven de su personaje en la próxima precuela, Sunrise on the Reaping. “Estaba muy emocionada”, afirmó Banks durante la presentación de The Miniature Wife, la producción de Peacock que protagoniza. Consultada por la presencia de Fanning en el primer avance de la precuela, subrayó: “Creo que es un casting perfecto. Siempre lo he dicho. Los fans la amaron y la querían, así que estoy realmente feliz por ello”.

El respaldo de Banks no solo se limitó a declaraciones públicas. Fanning reveló a The Hollywood Reporter que Banks la felicitó con un ramo de flores y una nota que incluía la frase icónica de la saga, “Que la suerte esté siempre de tu lado”, firmada con el mensaje: “Con todo mi cariño, Elizabeth Banks”. Este gesto personal reforzó la sensación de continuidad y apoyo entre ambas actrices en el traspaso del personaje.

En Sunrise on the Reaping, dirigida por Francis Lawrence, Fanning asumirá el papel de una joven Effie Trinket, quien en esta historia es la estilista del tributo de Distrito 12, Haymitch Abernathy, interpretado por Joseph Zada, antes de los hechos narrados en la saga original. La trama se sitúa en la víspera de los 50.os Juegos del Hambre, explorando los orígenes y motivaciones de personajes clave del universo creado por Suzanne Collins. La elección de Fanning ha generado expectativas entre los seguidores de la franquicia, quienes valoran la continuidad que implica el visto bueno de Banks. El tráiler presentado recientemente mostró a Fanning encarnando a una Effie Trinket joven, lo que ha incrementado el interés por la evolución del personaje y su relación con los protagonistas históricos de la saga.

El elenco al completo

El elenco de la precuela incluye nombres como Kieran Culkin en el papel de Caesar Flickerman, Glenn Close como Drusilla Sickle y Billy Porter como el esposo distanciado de Sickle. También participan Whitney Peak (Lenore Dove Baird), Mckenna Grace (Maysilee Donner), Jesse Plemons (Plutarch Heavensbee), Maya Hawke (Wiress), Kelvin Harrison Jr. (Beetee), Lili Taylor (Mags), Ben Wang (Wyatt), Ralph Fiennes (Presidente Snow), Molly McCann (Louella) e Iona Bell (Lou Lou). Además, se espera la aparición de figuras emblemáticas de la saga original, como Jennifer Lawrence y Josh Hutcherson, quienes podrían retomar brevemente sus papeles en la película, reforzando el vínculo entre la precuela y la historia central de Los juegos del hambre.

Effie Trinket, interpretada originalmente por Banks, fue una figura clave como estilista y mentora de los tributos de Distrito 12. Su presencia en la narrativa permitió explorar la complejidad del Capitolio y el impacto del sistema de los Juegos en quienes lo promueven y lo sufren. La precuela busca profundizar en la juventud de Effie, mostrando sus inicios en el Capitolio y su primer contacto con los tributos, en este caso, Haymitch Abernathy. Este acercamiento permitirá comprender mejor los matices del personaje que, en la saga principal, evolucionó de símbolo del sistema a aliada de los protagonistas. La interpretación de Fanning, bajo la dirección de Lawrence, se perfila como una oportunidad para dotar de mayor profundidad al personaje y explorar las contradicciones de su entorno.

Mientras que la película se ultima, Banks se encuentra promocionando The Miniature Wife, serie en la que interpreta a una mujer que es accidentalmente reducida a quince centímetros por su esposo científico, encarnado por Matthew Macfadyen. Según detalló Banks, la propuesta le resultó atractiva por abordar, mediante el absurdo, el tema de la minimización de las emociones y necesidades en las relaciones de pareja. Banks reconoció que una de sus mayores inquietudes era la credibilidad de los efectos visuales: “Me alivió que la animación digital luciera tan bien. Temía no verme realmente presente en pantalla”. Para las grabaciones, los demás actores utilizaron una figura impresa en 3D de seis pulgadas como referencia de su personaje en miniatura. “Creo que nunca estuve menos preparada mentalmente para un papel, porque no entendía cuánto tiempo estaría actuando sola y lo vulnerable que eso resulta”, concluyó.

The Smashing Machine cuenta la historia de Mark Kerr, histórico luchador profesional que destacó en los años noventa, y que fue una de las caras visibles de los orígenes de la UFC. No obstante, la película se centra no solo en el ascenso a la fama de Kerr, sino también en su descenso a los infiernos, especialmente tras volverse adicto a los opiáceos para mantener a raya sus dolores fruto del esfuerzo físico, y su complicada relación con su Dawn Staples (Emily Blunt), mientras su carrera comienza a truncarse.

Dirigida por Benny Safdie, hermano de Josh Safdie junto al que firmó películas como Good Time o Uncut Gems, la película apuesta por un ritmo narrativo mucho más pausado que sus anteriores películas junto a su hermano, encargado de dirigir en solitario Marty Supreme. La película se recrea en el dolor interno y externo de Kerr, inspirándose en gran medida en el testimonio de este dentro del documental homónimo. El propio Kerr tiene un cameo al final de una película que podrá podrá verse desde el próximo jueves 9 de abril en HBO Max.

De más a menos

Como comentábamos al principio, la película tuvo un inicio fulgurante tras su estreno en el Festival de Venecia, donde cosechó grandes elogios y se llevó el León de Plata a mejor director. Sin embargo, su carrera desde ese momento fue de más a menos, con Dwayne Johnson pasando de ser un claro candidato a todos los premios para quedarse fuera de las nominaciones. The Smashing Machine solo recibió una candidatura para los pasados premios de la Academia de Hollywood, y no fue otra que el Oscar a Mejor maquillaje y peluquería, otro aspecto en el que sin duda destaca el filme. Si contó con algo más de reconocimiento en los Globos de Oro, en los que sí estuvieron nominados tanto Dwayne Johnson como Emily Blunt, pero ambos se marcharon de la gala sin premio.

Sea como fuere, con su estreno en HBO Max Kerr y su historia obtienen una segunda oportunidad, tal y como sucede con no pocos títulos desde la llegada del streaming. La actuación de Johnson buscará conectar ahora con una nueva audiencia que será en última instancia la que dictamine el éxito de esta película, cuya particular sensibilidad podría encontrar su hueco en los próximos meses, y quizá poner en valor el trabajo del actor y la contribución de Kerr al mundo de la lucha profesional, al que desde luego España e Ilia Topuria deben mucho.

Durante las cuatro temporadas anteriores, los personajes han experimentado transformaciones radicales en sus lealtades y motivaciones. A-Train (Reggie) rompió definitivamente con The Seven tras los hechos que afectaron a su hermano y su propio arrepentimiento por la muerte de la novia de Hughie (Jack Quaid). Para la cuarta temporada, A-Train se convirtió en informante de The Boys y, finalmente, optó por proteger a su familia y desaparecer del radar.

El caso de Ryan, hijo biológico de Homelander, marcó uno de los giros más inesperados del cierre de la cuarta temporada. Tras un enfrentamiento con Grace Mallory y Butcher, en el que Mallory muere accidentalmente a manos de Ryan, el joven desaparece, dejando en vilo el futuro de la resistencia y la relación con su padre. En la primera temporada de The Boys, la percepción pública de los superhéroes aún era positiva. Sin embargo, la caída de un avión durante una misión dejó en evidencia la falta de empatía de Homelander. Tras fracasar al intentar salvar el vuelo, Homelander negó ayuda a los pasajeros e incluso amenazó a quienes suplicaban por su vida, un hecho que marcó profundamente a Queen Maeve.

Impacto de ‘Gen V’ y amenazas biológicas

En el desenlace de la cuarta temporada, Butcher volvió a mostrar su lado más despiadado. Tras haber sobrevivido a un tumor cerebral por el uso de Temp V (V24) y luego de inyectarse Compound V, desarrolló una nueva habilidad acompañada de tentáculos parasitarios. La primera manifestación pública de su poder ocurrió cuando, al encontrarse con Victoria Neuman —ahora aliada de The Boys en la lucha contra Homelander— la atacó y la partió en dos frente a su hija Zoe.

El universo de The Boys se expandió con la llegada de Gen V, donde se introdujo el virus anti-supes, creado por el científico Dr. Edison Cardosa en los laboratorios secretos de Godolkin University. Inicialmente concebido para controlar a los superhéroes, el virus fue modificado bajo presión de la entonces decana Indira Shetty para convertirlo en un arma de exterminio masivo. En esta misma serie apareció el compuesto V1, una variante de Compound V capaz de impedir el envejecimiento físico, utilizada por Dr. Thomas Godolkin y Soldier Boy.

A pesar de ocupar la Casa Blanca, Homelander no ejerce el poder de manera directa. Junto a Sister Sage, han colocado al ex presidente de la Cámara Steven Calhoun como presidente títere. Calhoun ha declarado la ley marcial y autorizado la incorporación de cientos de superhéroes como fuerzas de seguridad bajo el mando exclusivo de Homelander. Mientras tanto, Soldier Boy permanece en estado de coma en una instalación secreta, sin que se sepa cuándo podría reaparecer. La quinta temporada de The Boys promete resolver los conflictos abiertos y definir el destino de sus protagonistas, en un escenario donde la lucha entre facciones y las nuevas amenazas biológicas podrían cambiarlo todo.

Noche de bodas fue todo un éxito en su estreno, no solo por su original propuesta -una joven recién casada que tiene que jugar al escondite a vida o muerte- sino por el equilibrio que encontraba entre la violencia descarnada y el humor entre charco y charco de sangre. Sus directores, la dupla conocida como Radio Silence y formada por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, harían más tarde carrera en la saga Scream, para luego volver a esta con Noche de bodas 2, una película que intenta ser una continuación directa de esta -no hay ni siquiera saltos temporales, empieza donde lo dejó la otra-, pero en la que acaba resultando evidente que ya no estamos en 2019 y que la fórmula entonces novedosa se está quedando caduca.

Grace (Samara Weaving) despierta en el hospital después de haber sobrevivido a una pesadillesca noche de bodas, y se reencuentra con su hermana Faith (Kathryn Newton) después de varios años distanciadas. Sin embargo, no saben que al acabar con la familia Le Domas, Grace ha puesto en marcha un nuevo y diabólico juego entre las casas que rigen el mundo, y que necesitan acabar con la novia para ocupar el trono que les dé acceso a todo el poder y riqueza imaginable. Sin embargo, ni Grace ni Faith lo pondrán nada fácil, aunque tendrán que dejar a un lado sus diferencias si quieren sobrevivir a una noche de horrores... una vez más.

Una dupla con química, unos secundarios desaprovechados

Curiosamente, los directores confesaban en una entrevista que el personaje de Faith no estaba en el guion original, y que su inclusión les había llevado en gran medida a cambiar todo el planteamiento de la película. Un personaje que, como ellos mismos buscaban, equilibra el factor emocional para evitar un exceso de cinismo, y que funciona a las mil maravillas gracias a la química evidente entre Samara Weaving y Kathryn Newton. Por el contrario, se echa en falta algo más de músculo en sus sorprendentes secundarios, desde la mítica Sarah Michelle Gellar a Elijah Wood en un papel que se queda más en la anécdota que otra cosa. Hasta Shawn Hatosy, quien coincidió con Wood en The Faculty y ahora protagoniza la serie de éxito The Pitt, palidece en su rol como gran villano de la función, rol que quizá debería haber caído en el prácticamente inédito David Cronenberg.

La llegada de Radio Silence supuso un soplo de aire fresco para la saga Scream, introduciendo el concepto de recuela en su primera película y llevando a los protagonistas al límite en Scream 6, con un humor muy caracterizado por lo irónico y lo meta. Poco o nada de eso está en Noche de bodas 2, que referencia a su predecesora lo justo y necesario y no se aprovecha de sus actores o su contexto para intentar apostillar algún comentario ingenioso. Todo se siente demasiado perezoso y automático, incluso las secuencias más planificadas y violentas, otra de las señas de la casa.

Esta boda ya la hemos visto

Por todo esto cuesta no ver Noche de bodas 2 como una oportunidad perdida por parte de Radio Silence, que se retiró de Scream antes de tiempo sin terminar de desarrollar a los personajes que habían creado y que aquí parece suceder todo lo contrario, pues cierran antes de tiempo todo lo que podía abarcar el universo Noche de bodas. Además, lo hacen con una resolución tan simple que, irónicamente, coincide por completo con la de otra película estrenada hace escasos días, Te van a matar, que a su vez se ha inspirado más que probablemente en la primera entrega de 2019. En definitiva, estamos dando pasos hacia atrás en vez de buscar nuevas narrativas más allá del manido eat the rich.

El triángulo de la tristeza, El menú, Saltburn, Monkey Man, Parpadea dos veces, las continuaciones de Puñales por la espalda... La tendencia al eat the rich ha sido habitual en los grandes títulos tanto dentro como fuera del terror de los últimos años, y aunque recientes eventos como el descubrimiento de los archivos de Epstein no harán más que reforzar estas narrativas, quizá sea el momento de invitar a guionistas y directores a ser algo más imaginativos. Parásitos, Puñales o Noche de bodas, ya no estamos en 2019. Es momento de pedir el divorcio y pasar página.

Llega a los cines una película que plantea, a través de una incómoda verdad, todo un choque cultural y diagnóstico de España, aunque lo haga desde el humor que caracteriza a su director, David Serrano. Hablamos de Laponia, la adaptación cinematográfica de la obra teatral escrita por Cristina Clemente y Marc Angelet, quienes firman el guion. En entrevista con Infobae, Serrano detalla el proceso de llevar esta historia a la gran pantalla, marcando distancia respecto a sus clásicos como Días de fútbol y Al otro lado de la cama. El realizador enfatiza su apuesta por una comedia que se aleja de los estereotipos y ahonda en la realidad cotidiana de la clase media española, en una historia sobre una familia española con un niño pequeño que va a visitar a otra que vive en Laponia. Un viaje que ya comienza accidentado después de revelar una incómoda verdad, y que convierte la Nochebuena en un suplicio para ambas parejas.

Después de varios años sin verse, dos hermanas deciden pasar juntas las Navidades (con sus respectivas familias) en el Polo Norte, donde vive una de ellas. Lo que iba a ser una noche idílica se convertirá en una batalla en la que se sacarán a relucir toda clase de trapos sucios, secretos y mentiras.

El guion de Laponia llegó a sus manos cuando la obra original aún seguía en cartel. Serrano optó por no verla, con el fin de preservar una mirada “más pura, más virgen” para su versión cinematográfica. “Preferí no acercarme con ideas preconcebidas y trabajar directamente sobre el texto que me enviaron los propios autores”, señala. La estrategia buscaba dotar a la película de un enfoque más universal, sin perder la esencia familiar que marcó la función teatral. Al enfrentarse a la adaptación, Serrano recalca que el guion fue escrito por los mismos autores de la obra, lo que permitió mantener la coherencia argumental. “Intentamos no quedarnos solo en la anécdota familiar, sino insistir en los temas universales que ya estaban en el texto”, explica.

El director reconoce que la versión teatral tenía un tono marcadamente cómico, mientras que en la película se optó por rebajar algunos chistes para dar mayor peso a las capas dramáticas. “Había partes más extremas que suavizamos para que la transición hacia los temas graves no resultara abrupta”, afirma. La intención era que los debates intelectuales sobre crianza, tradiciones o la sinceridad con los hijos tuvieran la densidad adecuada y se entendieran con claridad. “Es muy difícil que llegue una comedia así. En España estamos acostumbrados a comedias más chabacanas, quería apostar por un humor pegado a la realidad”, destaca Serrano, comparando el proyecto con otras comedias donde el humor suele estar más subrayado. “Encontrarme con personajes razonablemente inteligentes, que dialogan sin caer en dogmatismos, es un lujo”, resume el también director del musical Voy a pasármelo bien protagonizado por Raúl Arévalo.

Redescubriendo a Julián López

Serrano detalla los motivos detrás de la selección de su elenco principal. La credibilidad de las edades fue un factor clave. El cine, a diferencia del teatro, exige mayor realismo, por lo que recurrió a actores como Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjørn Enger. Sobre Julián López, el director cuenta que llevaba año y medio rechazando comedias y celebró la oportunidad de mostrar una faceta distinta. “Es la primera vez que me enfado de verdad en cine”, le confesó López tras el rodaje. Serrano considera que el actor tiene capacidad para abordar tanto el drama como la comedia, comparándolo incluso con Steve Carell.

En el caso de Ángela Cervantes, su incorporación supuso un cambio de registro respecto a sus papeles anteriores, mucho más dramáticos. El director de casting, Luis San Narciso, fue quien sugirió su nombre. “Vi Chavalas y me convencí de que podía hacerlo de sobra”, comenta Serrano, quien celebra la versatilidad de la actriz. La integración de Vebjørn Enger planteó un reto lingüístico, pues aunque es noruego, debió interpretar a un personaje finlandés y hablar en finés. “El finés no tiene nada que ver con el noruego; tuvimos que contratar una coach para que lograra el acento”, explica. Serrano destaca el esfuerzo del joven actor, que apenas lleva dos años en España y tuvo que aprender diálogos en dos idiomas.

Uno de los ejes de Laponia es el contraste entre la mentalidad española y la finlandesa, tema que Serrano aborda con cautela para evitar caricaturas. “No queríamos el típico español torpe”, aclara. El personaje de Julián López representa a una clase media reconocible, alejada tanto de la caricatura paleta como de la élite internacional. Serrano reivindica el cine pegado a la realidad y cita como referentes a Rafael Azcona y Luis García Berlanga.

La película busca reflejar esa autenticidad, sin subrayados ni tópicos, mostrando una familia que solo se replantea su identidad cuando se enfrenta a un entorno diferente.

El mundo necesita más magia (y cine pegado a la realidad)

El director distingue la intención de retratar “gente pegada a la vida”, con profesiones y preocupaciones cotidianas. “La clase alta, que puede que solo sea el cinco por ciento de la población, no me interesa retratarla”, afirma sobre su preferencia temática. Serrano se detiene en el debate central de la película: la conveniencia o no de mantener la ilusión infantil frente a la verdad racional. Relata su propia experiencia con el descubrimiento de la verdad sobre los Reyes Magos, influido por la actitud racional de su padre. “Cuando le pregunté, me dijo: ‘¿Tú qué crees?’. Siempre quiso hacerme pensar”, recuerda.

Como padre, Serrano confiesa que prefiere preservar la inocencia de sus hijos el mayor tiempo posible. “Intento que mi hijo conserve la candidez y la ilusión, porque el mundo es duro y ya tendrá tiempo de enfrentarse a la realidad”, asegura. La película establece paralelismos entre la pérdida de la magia infantil y la búsqueda de nuevas formas de ilusión en la vida adulta, como el cine o el fútbol. El director repasa la vigencia de sus anteriores trabajos, especialmente Días de fútbol y Al otro lado de la cama. Reconoce que algunos elementos han envejecido y que la sensibilidad social actual es diferente. “Hay chistes y situaciones que hoy serían impensables, pero es enriquecedor ver cómo ha cambiado la mirada social”, señala.

Serrano rechaza el revisionismo extremo, pero valora la posibilidad de observar las transformaciones en la representación de temas como el machismo, la sexualidad y los roles sociales. “El mundo ha cambiado y yo también he cambiado en muchas cuestiones, pero aspiro a no perder la naturalidad y el apego a la realidad”, concluye. Antes de acabar, Serrano revela que junto a Diego San José llegó a escribir una segunda parte de Días de fútbol, pero la productora no la aprobó. Pese a ello, reitera su intención de seguir haciendo cine desde la observación de la vida cotidiana, sin perder el interés por la autenticidad y la conexión directa con el espectador.

Se dice que unos cardan la lana mientras otros se llevan la fama, y en muchos casos es cierto. Pero basta preguntar directamente a muchos de los artistas y bandas que han surgido en los últimos años dentro del rock, desde Carolina Durante a Depresión Sonora o Dharmacide, para darse cuenta de que hay una pequeña gran banda que ha unido a todos de forma inconsciente. No son cabezas de cartel en los festivales más grandes, no suenan constantemente en la radio y no tienen unas cifras que pudieran llamar la atención a primera vista, pero esta banda de rock lleva casi 20 años tocando e inspirando por el camino por su forma de hacer música y de llevarla a los escenarios, donde esa lana se transforma en voces coreando al unísono sus canciones.

Hablamos de Mujeres, el grupo originario de Barcelona y formado por Yago Alcover (cantante y guitarra), Pol Rodellar (bajista) y Arnau ‘Tito’ Sanz (batería), quienes visitan Madrid para presentar Es un dolor inexplicable, el que es ya su séptimo álbum de estudio a las puertas de cumplir dos décadas de “rock y amistad”. Un lema simpático para una banda simpática, que alude a su canción más conocida —precisamente junto a Carolina Durante—, pero que representa muy bien su forma de concebir la música, como ellos mismos explican. “Somos un grupo que va tocando donde puede y disfruta de ello, igual que al principio. Eso es lo que nos mantiene unidos”, resumen los tres, porque da igual que lo diga Pol, Yago o Tito, que Mujeres siempre habla como uno solo.

Los primeros acordes de su álbum tienen mucho de los títulos iniciales de las películas de Woody Allen con esas letras blancas y elegantes. Habrá quien diga que todas sus canciones suenan iguales, pero lo cierto es que pocas bandas pueden decir tener un sonido tan característico y reconocible como el de Mujeres. “El grupo ha tenido dos etapas. Está la primera etapa que cantábamos en inglés, y de aquella guardamos cosillas, pero realmente el sonido nuestro lo cuadramos con Siento muerte", explican aludiendo al álbum que dedicaron con sorna a Isabel Díaz Ayuso por su gestión de la pandemia en las residencias de ancianos de la Comunidad de Madrid. “Quizás con el disco anterior (Desde flores y entrañas) investigamos un poco con temas más raros que se alejaban un poco de nuestro sonido habitual, pero en este disco nos hemos propuesto centrarnos en el sonido que es nuestro... e intentar volver a las canciones así cortas de dos, tres minutos que sean, eh, hits“.

En busca de la misma canción, pero un poco más perfecta

Eso es exactamente lo que promete y lo que da Es un dolor inexplicable, lleno de temas bailables y pegadizos en los que siguen el compás de los anteriores trabajos. “Admitimos que hay algo de autoconsciencia de quererse mantener ahí y en las referencias o los lugares donde nos miramos al espejo. Cuando hablamos algunas veces de grupos que nos flipan, han durado mucho tiempo justamente con esta actitud como única norma posible. Esto se trata de seguir buscando la canción perfecta en esta fórmula”, argumenta la banda, que admite que cada uno de sus miembros puede traer distintas referencias, pero, a la hora de entrar en el estudio, funcionan como uno solo. “No somos como tres personas metidas allí, donde cada una aporta lo suyo, sino que es el grupo. Nos debemos al grupo y es la idea del grupo. Cada uno puede escuchar cosas diferentes o haría cosas diferentes, pero hay una serie de elementos que ya sabemos que tienen que estar en el plato, solo que cada vez son un poco mejores. Y creemos que en este disco se nota mucho”.

Curiosamente, este sonido de Mujeres ha pervivido incluso cuando ha colaborado con otros grupos hermanos —de discográfica, Sonido Muchacho, pero también de espíritu—, colaboraciones de las que salieron la mencionada Rock y amistad junto a Carolina Durante, pero también Al final abrazos junto a Cariño o Cardio y caladas junto a La Élite. En todos ellos con el mismo resultado: artistas únicos pero plegados ante el irresistible sonido de Mujeres. “Son las que más han funcionado porque son colaboraciones con bandas más escuchadas, y nos han abierto muchas puertas. Pero realmente, tanto la de La Élite, la de Carolina y la de Cariño, eran temas nuestros 100%, metiendo voz o alguna guitarra. Y quizás por eso te siguen sonando como muy nuestras”.

Irónicamente, los temas con otras bandas han elevado el nivel de fama de Mujeres, mientras la realidad es que muchas de esas bandas confiesan haberse mirado en el trío de Barcelona como inspiración, tanto para formar la banda en primera instancia como para imitar ese espíritu de constancia y pasión sobre los escenarios. “No somos muy conscientes de esas cosas. Sí que sentimos mucho el cariño, ¿no? Y vemos... un poco que hay una distancia generacional y que de algún modo, pues estamos más cerca de los Punsetes que de todos estos grupos. Pero sí que es verdad que nos ha tocado convivir en la escena, que a algunos grupos les ha ido mucho mejor que a nosotros y que también nos hemos aprovechado de esa estela”, reconoce el grupo, que a su vez se siente orgulloso del reconocimiento recibido por estas mismas formaciones: “Nos sorprende ser referentes, pero seguimos haciendo lo que al principio: tocar mucho y disfrutar”.

20 años de rock y amistad

Mujeres se ha convertido en ese hermano mayor para las bandas que triunfan ahora, como le puede suceder también a Los Punsetes o Kokoshca, pero es precisamente su mayor edad lo que les da un punto de experiencia y visión panorámica después de tanto tiempo sobre escenarios. “La industria se ha transformado muchísimo. La agresividad con la que se busca todo el rato que un grupo sea lanzado, la necesidad que hay también por parte de las discográficas, pero las promotoras también, de tener como nombres muy grandes que puedan vender muchas entradas para poder generar volumen de negocio... Ahora es casi imposible tocar sin ser un grupo ya super profesional”, razona la banda, que empezó compaginando la música con sus respectivos trabajos, pero que eventualmente ha podido pasar esos trabajos a un segundo plano para priorizar la música, algo que ven muy complicado actualmente para las bandas emergentes.

“Es muy difícil querer empezar un grupo sin trabajar desde la idea de que el grupo funcione. Y que el grupo funcione significa, en el fondo, que el grupo efectivamente sea rentable, es decir, que venda suficientes entradas, que tenga la capacidad de poder ser editado por un sello y, por lo tanto, que potencialmente sea lanzado para ser el próximo grupo del momento”, reconocen. Quizá por eso, desde su humilde posición, Mujeres intenta combatir ciertos “vicios” de la industria musical actual, que ha pasado por una campaña para fomentar la compra de vinilos en pequeñas tiendas locales, en las que los fans podían encontrar canciones inéditas en el streaming.

“A veces no se trata tampoco de querer tumbar el streaming, sino más bien de abrir ciertos interrogantes o mover ciertas iniciativas... ser consciente también de que las cosas que haces ahora podrán moldear un poco el futuro en el que viviremos, que el medio es el mensaje”, concluye la banda.

Este 2026 se presenta apasionante para Mujeres por la presentación del disco, pero ya piensan también en el año que viene, en el que cumplirán esos 20 años de rock y amistad: “Tenemos alguna sorpresita pensada”, prometen, a la vez que sueñan con otros 20 años unidos, ya sea montando su propio estudio para “autogestionarse los discos a lo Yo La Tengo” o simplemente montando un “bar chiquitito en el que poder poner una tapa de queso con algo de música”. No son los sueños más grandes ni inalcanzables, sino los de una banda que siempre ha sido fiel a sí misma y que, por el camino, ha inspirado y sumado a tantos otros fieles a su causa.

Cada vez es más complicado saber qué pasa en Rusia, aunque hayan llegado en las últimas semanas películas para arrojar algo de luz como El mago del Kremlin. Aun así, no hace falta indagar mucho para imaginar qué estaba viendo el director Kirill Sokolov en el año 2003. La influencia de Kill Bill en particular y de Quentin Tarantino en general entró como un elefante en una cacharrería en casa del cineasta ruso, que originalmente iba a ser físico y que ha terminado convirtiéndose en una de las voces más interesantes del terror en Rusia, hasta el punto de que era inevitable que terminase desembarcando donde mejor podía funcionar su cine, en la cuna de las patadas voladoras y los charcos de sangre.

En el corazón de Nueva York se ambienta Te van a matar, primer proyecto de Sokolov fuera de Rusia tras las sorprendentes ¿Por qué no te mueres? y Sin mirar atrás, que le labraron un nombre en su país pero que sobre todo atrajeron la atención de los hermanos Barbara y Andy Muschietti, las mentes detrás de Mamá o Bienvenidos a Derry y quienes se embarcan en su primera aventura producida bajo el sello de terror Nocturna, asociado a la gigantesca Skydance, pero de la que seguro saldrán títulos tan interesantes y frescos como este. Curiosamente, Te van a matar se parece mucho más a las películas violentas de Asia que al terror que podrían hacer los Muschietti, pero quizá ha sido ese contraste lo que les ha convencido para apostar por Sokolov. En cualquier caso, hay una cosa que permanece común en ambos y no es otra que el humor, muy presente a lo largo del desfile de hígados, ojos y otras vísceras por los pasillos del hotel.

En ese hotel transcurre por completo la historia de Te van a matar, centrada en el ascenso a los infiernos de Asia Reaves (Zazie Beetz), una joven exconvicta que se adentra en el complejo haciéndose pasar por empleada del hogar para intentar encontrar a su hermana, a la que perdió diez años atrás intentando escapar de su abusivo padre. Para aterradora sorpresa, el staff del hotel tampoco es del todo el que dice ser, ya que Asia se convierte en el objetivo de un culto satánico que lleva operando décadas sin levantar sospechas, pero que encontrará en Asia un hueso duro de roer.

El hotel de los horrores

Por más neoyorquino que pueda parecer el Virgil que acoge la historia, lo cierto es que la semilla remite a la madre Rusia, en concreto al edificio de pisos en el que vivía originalmente Sokolov junto a su mujer. “Enseguida nos dimos cuenta de que éramos los únicos dos menores de 65 años. La mayoría de los demás inquilinos eran ancianas solitarias. Pasaban todo el día dando de comer a los gatos callejeros y, cada vez que salías o volvías, cotilleaban y hablaban de ti. Esta tensión fue creciendo cada vez más, y mi mujer y yo empezamos a bromear diciendo que era una secta que vendría a por nosotros en algún momento”, contaba el director en una entrevista, una inspiración que cristalizó por completo con el visionado, cómo no, de La semilla del diablo, la película de Roman Polanski que revolucionó el terror en los años 60 y que plasmaba como ninguna el horror claustrofóbico y el miedo a las sectas.

De forma mucho más ligera y desenfadada ha querido encarar Sokolov esta película, que se recrea en sus secuencias de acción intentando emular a Tarantino con un hacha en lugar de katanas, pero con el mismo baño de sangre. “La historia empieza con un tono bastante realista, pero a medida que avanza, se vuelve cada vez más alocada. Por eso quise cambiar el lenguaje visual y el estilo para que se viera y se sintiera más alocada a medida que la historia se vuelve más alocada. Partimos de una historia clásica, casi al estilo de La semilla del diablo, y luego damos un giro hacia la realidad de Kill Bill y la de Sam Raimi. Fue una progresión interesante con la que jugar, e intentamos que cada transición fuera fluida e imperceptible“, reconocía Sokolov, mencionando también el anime Afro Samurai como punto clave de referencia.

Reina del grito (y del hacha)

Lo cierto es que lo mejor de Te van a matar es precisamente ese inicio en el que las piezas comienzan a encajarse dentro del puzle, pues una vez el espectador se encuentra en el mismo punto que la protagonista y todas las cartas se ponen sobre la mesa, la violencia crece pero la intriga desaparece. Un giro que, sin desvelar mucho, alude directamente a la isla de Epstein y que viene a confirmar lo agotada que está la fórmula del eat the rich que lleva trabajando la ficción audiovisual en los últimos años, desde El triángulo de la tristeza o El menú hasta Noche de bodas, que precisamente tendrá su continuación la próxima semana.

A pesar de todo, cabe destacar la presencia de Zazie Beetz, imponente protagonista hasta el punto de opacar a los no tan trabajados personajes de Tom Felton o Heather Graham, otrora secundarios de lujo en Boogie Nights y Austin Powers por un lado, y como el icónico Draco Malfoy de Harry Potter por otro, cuando no la dueña del hotel interpretada por Patricia Arquette. La actriz que brillase en la serie Atlanta y que ya tenía experiencia con los cuchillos de su paso por Marvel con Deadpool derrocha carisma por los cuatro costados mientras salta y se desliza en su festival de sangre, coreografiado al más puro estilo John Wick pero que por momentos se puede hacer algo repetitivo en una película que, precisamente por divertida y cómica, deja con un sabor a poco en su conclusión, aunque, tal y como promete su director, quizá falte aún universo por recorrer.

El actor Antonio Banderas reveló en una reciente entrevista con The Times of London —recogida por The Independent— que su llegada a Hollywood estuvo marcada por advertencias explícitas sobre los roles reservados para actores latinos y afrodescendientes. “Me dijeron que estaba, como los negros y los hispanos, para dar vida a tipos malos”, relató. El actor recordó ese primer contacto con la industria estadounidense tras una década de trabajo en España, donde ya había colaborado con figuras como Pedro Almodóvar.

Las palabras de Banderas apuntan a una realidad persistente en el sistema de estudios de Hollywood: la tendencia a encasillar a ciertos grupos étnicos en papeles de villanos o secundarios. Según su testimonio, al cruzar el Atlántico para buscar nuevas oportunidades, escuchó de manera directa que su espacio estaría limitado por el estereotipo: “Te dicen: ‘Estás aquí, como los negros y los hispanos, para interpretar a los malos’”. Y así empezaría el actor, con títulos como Los reyes del mambo tocan canciones de amor.El actor, nacido en Málaga, recordó que esa percepción se vería transformada años después, cuando fue elegido para protagonizar La máscara del Zorro, estrenada en 1998. “El problema fue que, unos años después, era yo quien tenía la máscara, el sombrero, la espada y la capa, y el malo era el Capitán Love, que era rubio y tenía los ojos azules”, explicó Banderas sobre el giro en los arquetipos tradicionales de Hollywood. La figura del héroe pasó a estar representada por un actor español, mientras el antagonista respondía al prototipo anglosajón.

En sus palabras, el intérprete considera que el cambio más relevante no solo se dio con La máscara del Zorro, sino también con su trabajo en la franquicia animada de El Gato con Botas. Banderas enfatizó la importancia de este personaje para el público infantil: “Aún más importante es El Gato con Botas, porque es para niños pequeños. Ven a un gato que tiene acento español, incluso andaluz, y es un buen tipo”.

Del Zorro al Gato con botas

La carrera de Banderas en Hollywood comenzó en 1992, tras consolidarse en el cine español y trabajar bajo la dirección de Pedro Almodóvar en títulos como Mujeres al borde de un ataque de nervios y ¡Átame!. Su primer gran papel en Estados Unidos fue en Los reyes del mambo tocan canciones de amor, donde actuó junto a Armand Assante interpretando a dos músicos que huyen de Cuba y se establecen en Nueva York. Este debut abrió la puerta a una década de ascenso en el cine internacional, con participaciones en películas como Filadelfia, Entrevista con el vampiro y Desperado.

A mediados de los años noventa, Banderas alcanzó notoriedad global al interpretar a Che en Evita, acompañando a Madonna, y posteriormente se consolidó como figura central de producciones de gran presupuesto. Sin embargo, fue con La máscara del Zorro donde logró desafiar de forma directa los moldes de representación. Esta cinta, dirigida por Martin Campbell y coprotagonizada por Anthony Hopkins y Catherine Zeta-Jones, recaudó más de 250 millones de dólares en taquilla mundial, con un presupuesto de producción inferior a 100 millones. La película fue valorada por la crítica como una producción de corte clásico que revitalizaba el género de aventuras. En la reseña de Variety sobre La máscara del Zorro, se destacó la interpretación de Banderas: “Oscuro, confiado, ágil físicamente y sensible con su pareja, Banderas es todo lo que se espera de Zorro”.

El éxito comercial y crítico de La máscara del Zorro permitió el regreso del elenco principal en la secuela La leyenda del Zorro en 2005, también dirigida por Campbell. Con estos proyectos, Banderas se posicionó como uno de los pocos actores latinos en liderar franquicias internacionales y dar vida a héroes con identidad hispana. El testimonio de Antonio Banderas sobre los prejuicios iniciales que enfrentó en Hollywood refleja los desafíos que históricamente han enfrentado los actores de origen latino y afrodescendiente en la industria. Su trayectoria demuestra que es posible romper barreras y ofrecer nuevas referencias para futuras generaciones, tanto en la pantalla grande como para el público infantil.

En un giro inesperado, quienes han intentado ver Torrente, presidente a través de plataformas de streaming no autorizadas se han encontrado con una sorpresa: un mensaje grabado por el propio Santiago Segura. El director y actor madrileño decidió intervenir directamente en la lucha contra la piratería, colando un vídeo dirigido a los espectadores que recurren a canales ilegales para acceder a su última película.

La aparición del clip, titulado Torrente, presidente... ¿o no?, ha sido confirmada en la plataforma Stremio, una de las más utilizadas para la visualización de contenidos piratas. Con una duración de minuto y medio y un peso de apenas 22 Mb, el vídeo no solo ha sorprendido por su existencia, sino también por el tono y el mensaje elegido por su protagonista. El hallazgo del vídeo ha generado un notable eco entre los espectadores que trataron de ver la película sin pasar por taquilla. Al acceder a la versión pirateada, en lugar de la cinta de Segura, se encontraron con la imagen del propio cineasta, quien les habla directamente a cámara. Esta intervención ha sido calificada como “inesperada” y “tan ingeniosa como disruptiva” en foros y redes sociales.

El impacto del mensaje se ha dejado sentir especialmente entre aquellos que no esperaban ser interpelados por el creador de la saga. Para muchos usuarios, la aparición de Segura se ha convertido en el tema de conversación más comentado en torno al estreno digital alternativo de la película. En el vídeo, Santiago Segura se dirige a los espectadores con su estilo habitual, mezclando cercanía y humor. Admite que entiende la tentación de recurrir a vías ilegales, pero pide abiertamente que se pague por ver la película. “Pagad la entrada”, sugiere, sin perder el tono desenfadado que caracteriza sus intervenciones públicas. Durante el minuto y medio que dura el clip, Segura no recurre a amenazas ni reproches. Su estrategia consiste en apelar a la conciencia del espectador, utilizando una combinación de ironía y honestidad. “Hace cuatro días estaba como vosotros, comiéndome los mocos”, afirma el director, reconociendo que también ha atravesado dificultades económicas. Esta confesión busca acercar posturas y evitar el enfrentamiento directo con quienes consumen contenido de manera no autorizada.

Una táctica poco habitual en el cine español

El cineasta aprovecha la ocasión para proponer alternativas más asequibles a quienes no pueden permitirse el precio de la entrada al cine. Recomienda, por ejemplo, esperar al lanzamiento en formato doméstico y comprar el DVD “entre varios amigos”, una opción que mezcla ironía y pragmatismo. También menciona la posibilidad de aguardar a la emisión en televisión en abierto, que, según estima, podría producirse en “un año y medio o dos”, señalando a Antena 3 como la cadena probable. Santiago Segura subraya que está a favor del “intercambio de ficheros culturales”, aunque con matices. “Me voy montando en el dólar, si no me jodéis”, comenta, dejando clara su postura sobre la importancia de apoyar económicamente a la industria audiovisual para que pueda seguir produciendo contenidos.

El recurso de infiltrar mensajes personalizados en emisiones pirata no es nuevo a nivel internacional, pero sí resulta poco frecuente en el entorno del cine español. La industria nacional rara vez adopta estrategias de este tipo para combatir la piratería, a pesar de que la distribución ilegal continúa siendo un reto importante. La elección de Torrente, presidente como objetivo de este experimento responde, en parte, a la popularidad de la saga y a la propensión de sus seguidores a buscar métodos alternativos de acceso. El propio Segura ha reconocido en otras ocasiones la dificultad de controlar el flujo de copias no autorizadas una vez que sus películas llegan a internet.

El impacto del vídeo no ha quedado limitado al mensaje. Algunos usuarios han reparado en el aspecto físico de Santiago Segura durante la intervención, señalando diferencias respecto a sus últimas apariciones públicas. “El vídeo se nota que es antiguo”, comentan en redes y foros especializados. Estas observaciones han alimentado especulaciones sobre la fecha exacta de la grabación, sugiriendo que podría tratarse de un clip preparado con antelación. La lucha contra la piratería sigue siendo uno de los grandes retos de la industria audiovisual, incluso en tiempos de auge de las plataformas legales. La posible iniciativa de Segura, inesperada y directa, reabre el debate sobre los métodos más efectivos para concienciar al espectador y proteger el trabajo de los creadores.

Netflix España ha sorprendido esta semana con la incorporación de títulos emblemáticos del cine patrio a su catálogo, impulsando un resurgir de obras maestras de los 90 que dialogan con audiencias contemporáneas. Entre los 13 estrenos destacados de este final de marzo, destaca un drama romántico que redefine el amor a través de espirales narrativas y destinos inexorables.

Se trata de Los amantes del círculo polar, dirigida por Julio Medem en 1998 y protagonizada por Najwa Nimri y Fele Martínez, ahora accesible en la plataforma en la que ya están triunfando otras películas españolas de la época. Estrenada el 4 de septiembre de ese año, la película narra la historia circular de dos niños, Ana y Otto, cuyos caminos se entrelazan desde Madrid hasta la Laponia finlandesa, explorando romance, muerte y coincidencias bajo el sol de medianoche. Esta vuelta a streaming celebra su legado en un momento ideal para redescubrir su poesía visual.

Julio Medem, en entrevistas de la época, confesó que la cinta nacía de una experiencia amorosa adolescente con una vecina, fusionando sus raíces vascas y alemanas —como la anécdota de un granjero vasco rescatando a un piloto alemán durante la Guerra Civil— para tejer un tapiz personal. “Siempre es un ideal romántico muy fuerte el que se impone en mi cine... tengo cierta frustración con las realidades amorosas”, admitió, destacando cómo sus obras priorizan personajes y conflictos emocionales sobre atmósferas puras. Najwa Nimri, en promoción, enfatizó la intensidad de Ana, un rol que le valió un Ondas a Mejor Actriz, subrayando la búsqueda obsesiva de señales en el amado.

Una reliquia del cine español noventero

La película sorprendió en los Goya 1999 con dos estatuillas: Mejor Montaje para Iván Aledo y Mejor Música Original para Alberto Iglesias, de cuatro nominaciones que incluían Mejor Guion Original para Medem y Mejor Actriz para Nimri. Ganó la Medalla al Mejor Montaje del Círculo de Escritores Cinematográficos, dos Ondas (Mejor Película y Actriz), el Premio del Público en Atenas y Mejor Película de Habla Latina en Gramado. Su paso por Venecia generó elogios por la audacia narrativa, consolidándola como referente del cine vasco y español independiente.

Los amantes del círculo polar marcó un hito en los 90, elevando el cine de autor español al fusionar romance con elementos lacanianos como el sinthome y la mirada, según análisis contemporáneos. Influyó en directores como Amenábar, revitalizando el drama introspectivo frente a comedias dominantes como Torrente. Su taquilla modesta contrastó con un culto perdurable, posicionando a Medem como voz única en la naturaleza, el destino y el círculo vital —temas recurrentes en su filmografía. Hoy, en 2026, su llegada a Netflix amplifica ese legado para millennials y gen Z. Con 112 minutos de hipnótica duración, ofrece capas para rewatches: aviones de papel con preguntas sobre el amor, palíndromos como Otto y Ana, y un final que cuestiona la completud emocional. En Madrid, sus locaciones como la Plaza Mayor invitan a paseos temáticos. Perfecta para tiempos de conexiones efímeras, recuerda que el verdadero amor traza círculos eternos.

Dua Lipa vuelve al cine como protagonista en la nueva película dirigida por Molly Gordon, conocida por su papel en The Bear. La artista británica, reconocida mundialmente por su carrera musical y sus múltiples galardones, se integra al elenco principal de Peaked, un proyecto producido por A24 que ha generado expectativas tanto en la industria cinematográfica como entre sus seguidores. La información sobre el personaje de Dua Lipa se mantiene bajo reserva. Sin embargo, se confirmó que la cantante compartirá protagonismo con la propia Molly Gordon, quien también dirige la cinta, y con Allie Levitan, coautora del guion. El anuncio de la participación de Lipa en Peaked marca un nuevo paso en su incursión en el mundo del cine, tras su breve pero visible paso por la gran pantalla.

Peaked relata la historia de dos jóvenes que marcaron la vida de quienes las rodeaban en la secundaria y que, una década después, buscan revivir los días de gloria durante una reunión de exalumnos. El proyecto se caracteriza por su tono de comedia ácida y mirada crítica hacia las dinámicas sociales de la adolescencia y la adultez joven. En el reparto también figuran nombres destacados como Emma Mackey, Connor Storrie, Laura Dern, Simone Ashley, Levon Hawke, Mitra Jouhari, Gabby Windey, Amy Sedaris, Owen Thiele, Jaya Harper, Emil Wakim y Alex Consani. La variedad y el perfil del elenco refuerzan las expectativas sobre el alcance y la recepción de la película.

La financiación de Peaked corre a cargo de A24, una de las productoras independientes más influyentes del panorama actual. La compañía está involucrada tanto en la producción como en la distribución del filme, junto a David Hinojosa, Zach Nutman y la propia Gordon. Allie Levitan figura como productora ejecutiva. Según el cronograma anunciado, el rodaje está previsto para iniciar el próximo mes, lo que indica que el desarrollo del proyecto avanza conforme a lo planeado.

Una directora a tener en cuenta

La presencia de Molly Gordon como directora añade un atractivo especial al proyecto. Gordon ha alcanzado notoriedad por su interpretación en The Bear, serie que le ha valido reconocimiento tanto de la crítica como del público. Su experiencia como actriz y su reciente salto a la dirección, sumados al respaldo de A24, convierten a Peaked en uno de los estrenos más esperados del próximo año. En cuanto a Dua Lipa, su carrera musical la ha consolidado como una de las figuras más influyentes del pop actual. La cantante ha sido galardonada con tres premios Grammy y siete Brit Awards. Su álbum debut homónimo, lanzado en 2017, incluyó éxitos internacionales como New Rules, que se convirtió en su primer sencillo número uno en el Reino Unido.

El segundo álbum de Lipa, Future Nostalgia (2020), lideró las listas en 15 países y alcanzó el número uno en el Reino Unido. Entre sus sencillos más reconocidos se encuentran Don’t Start Now, Levitating y Break My Heart. Este trabajo le valió el Grammy a Mejor Álbum Vocal Pop en 2021. A lo largo de su trayectoria, la artista ha obtenido varios sencillos número uno en su país natal y múltiples éxitos en el Billboard Hot 100, acumulando miles de millones de reproducciones en plataformas digitales. Su disco más reciente, Radical Optimism, se publicó en 2024.

En el ámbito audiovisual, la participación de Dua Lipa ha sido hasta ahora limitada. Sus intervenciones previas incluyen apariciones en Argylle y Barbie, así como varias presentaciones en Saturday Night Live, tanto como anfitriona como invitada musical. La cantante está representada por CAA, Radical22 y Permanent Press Media. La confirmación de Dua Lipa como protagonista de Peaked refuerza el atractivo del filme y anticipa un encuentro entre dos universos creativos: el musical y el cinematográfico. El avance de la producción, junto a la suma de talentos en la dirección y el elenco, posiciona a la película como uno de los proyectos más seguidos en la agenda de estrenos futuros.

Un primer vistazo a Ewan McGregor y Anne Hathaway enfrentando lo desconocido es lo que propone el primer tráiler de El final de Oak Street, la nueva película que fusiona drama familiar, ciencia ficción y la inesperada aparición de dinosaurios. La cinta, dirigida por David Robert Mitchell, llegará a los cines el 14 de agosto de 2026, y desde su primer avance ha despertado curiosidad por su mezcla de géneros y su atmósfera inquietante.

El adelanto muestra a la familia Platt en un entorno suburbano tradicional, hasta que un evento cósmico irrumpe en su cotidianidad y transporta su vecindario a un lugar desconocido. Entre imágenes de calles destrozadas y una sensación creciente de amenaza, el tráiler culmina con la revelación de al menos un dinosaurio, sumando una capa insospechada a la narrativa. La propuesta, que alterna la intimidad de lo doméstico con lo extraordinario, ha sido presentada como un relato sobre la supervivencia y la unión familiar en circunstancias inexplicables. No es para menos viniendo del director detrás de It Follows y Lo que esconde Silver Lake, dos de las propuestas más enigmáticas y extrañas de los últimos años.

El lanzamiento del primer tráiler ha dado pie a múltiples preguntas sobre el tono y la dirección de El final de Oak Street. Las imágenes iniciales enfatizan la vida tranquila de la familia protagonista, mientras pequeños detalles extraños empiezan a alterar la normalidad. La tensión crece con la llegada del fenómeno cósmico, que no solo desgarra físicamente el vecindario, sino que también lo arranca de su realidad, ubicándolo en un entorno desconocido y hostil. La aparición de un dinosaurio al final del tráiler funciona como un giro que redefine las expectativas del público. Lejos de limitarse a una historia de ciencia ficción convencional, la película parece apostar por el cruce de géneros, combinando elementos de aventura, misterio y drama familiar. Esta mezcla, junto con la participación de dos figuras reconocidas como McGregor y Hathaway, ha generado atención inmediata en redes sociales y medios especializados.

Un relato de lo más peculiar

En El final de Oak Street, una familia suburbana enfrenta una transformación radical de su entorno tras un evento cósmico que los arrastra fuera de su realidad conocida. Este suceso los obliga a replantear sus vínculos y estrategias de supervivencia, mientras descubren que su nuevo mundo alberga criaturas prehistóricas. El filme utiliza la tensión entre lo cotidiano y lo extraordinario para construir una narrativa donde la amenaza no solo proviene del exterior, sino también de la dificultad de adaptarse a lo desconocido.

La sinopsis oficial detalla que, tras el misterioso evento, los Platt comprenden que su supervivencia depende de mantenerse unidos y adaptarse a un entorno que desafía toda lógica. La película explora así el tema de la familia como núcleo de resistencia frente a la adversidad, situando a sus personajes en escenarios que oscilan entre lo familiar y lo fantástico. El relato no solo introduce el peligro físico —representado por los dinosaurios—, sino que también sugiere una amenaza psicológica: la incertidumbre constante, el aislamiento y la pérdida de referencias conocidas. Este enfoque permite que el filme dialogue tanto con el género de catástrofe como con el drama íntimo, añadiendo matices a la experiencia del espectador.

Al frente del reparto se encuentran Anne Hathaway y Ewan McGregor, acompañados por Maisy Stella y Christian Convery. La dirección y el guion están a cargo de David Robert Mitchell, conocido por la aclamada It Follows. La producción está liderada por J.J. Abrams, junto a Hannah Minghella, Jon Cohen, Matt Jackson y Tommy Harper. El equipo técnico incluye al director de fotografía Michael Gioulakis, la diseñadora de producción Maya Shimoguchi, el editor John Axelrad, el compositor Michael Giacchino y la diseñadora de vestuario Erin Benach. Esta combinación de talentos sugiere una apuesta fuerte por el apartado visual y sonoro, elementos clave para construir la atmósfera de extrañeza que anticipa el tráiler.

El final de Oak Street ha atravesado un proceso de desarrollo extenso. El proyecto cambió de nombre —inicialmente se titulaba Flowervale Street— y de fechas en varias ocasiones. Su estreno estaba previsto primero para mayo de 2025, luego para marzo de 2026, hasta fijar la fecha definitiva de agosto de ese año. La película se suma a un 2026 especialmente activo para Anne Hathaway, quien también protagonizará Mother Mary en abril, El diablo viste de Prada 2 en mayo, La Odisea en julio y Verity en octubre.

La actriz española Nicole Wallace ha causado sorpresa entre los seguidores de Isabel Allende y el público español tras la publicación del tráiler oficial de La casa de los espíritus, serie que marca la primera adaptación en español de la célebre novela. La producción, que llegará a Amazon Prime Video el 29 de abril, ha llamado la atención particularmente por el acento chileno que la actriz española adopta en su papel de Clara del Valle.

La serie, compuesta por ocho episodios, adapta una de las obras más conocidas de Allende, ambientada en un país latinoamericano atravesado por tensiones políticas y sociales. En el adelanto difundido por Prime Video, Wallace asume el reto de interpretar a uno de los personajes centrales de la literatura latinoamericana, lo que ha provocado debate entre lectores de la autora y seguidores de la actriz. “El acento falso de nicole wallace…..se la van a comer viva", comentaban algunos usuarios en X a raíz del tráiler. “Nicole wallace yo te adoro pero no podes haber aceptado este papel siendo española”, decía otra, aunque había quien también defendía a la española. “Que hacen los otros paises hablando del acento chileno de nicole wn? no sé como serán otros paises cuando les imitan el acento, pero a ella le salió super bien y nadie se esta quejando

El tráiler confirma que Nicole Wallace, reconocida previamente por su participación en la Saga Culpables, da un giro en su carrera asumiendo el rol de Clara, una figura que atraviesa distintas etapas vitales a lo largo de la serie. El acento chileno empleado por Wallace ha sido uno de los aspectos más comentados en redes sociales y foros especializados, donde se valora el esfuerzo de la intérprete por acercarse a la identidad original del personaje. La reacción ha sido especialmente fuerte en España, donde el salto de Wallace a una producción internacional es visto como un hito en su trayectoria.

Prime Video ha fijado el estreno de La casa de los espíritus para el 29 de abril. Los tres primeros episodios estarán disponibles ese día, mientras que el resto se lanzarán semanalmente hasta el 13 de mayo. La producción abarca más de medio siglo de historia, centrándose en tres generaciones de mujeres de la familia Trueba: Clara, Blanca y Alba. El relato transcurre en un contexto de realismo mágico y turbulencia política, elementos que caracterizan la obra original de Allende. El proyecto es una de las apuestas más destacadas de Prime Video para 2024, reuniendo a un elenco internacional y un equipo creativo con experiencia en producciones premiadas. La serie busca atraer tanto a lectores habituales de Allende como a nuevos espectadores interesados en las historias familiares y los dramas históricos.

Reparto y equipo creativo

El reparto de la serie incluye nombres reconocidos de la escena iberoamericana. Dolores Fonzi comparte el personaje de Clara, interpretándolo en una etapa diferente de la vida. El elenco también cuenta con Alfonso Herrera como Esteban Trueba, Fernanda Castillo en el papel de Férula, Aline Küppenheim, Eduard Fernández, Sara Becker, Fernanda Urrejola como Blanca, Rochi Hernández como Alba y Juan Pablo Raba como el Tío Marcos. La diversidad del reparto refuerza la intención de ofrecer una visión amplia y matizada de los personajes y su entorno. La dirección del proyecto recae en un trío de showrunners: Francisca Alegría, Fernanda Urrejola y Andrés Wood. Además, la lista de productoras ejecutivas incluye a la propia Isabel Allende, Eva Longoria y Courtney Saladino, quienes han supervisado el desarrollo creativo y la fidelidad al texto original.

La serie es una coproducción entre FilmNation Entertainment, responsables de títulos galardonados como Anora y Cónclave, y la productora chilena Fábula, conocida por películas como La memoria infinita y Una mujer fantástica. Esta alianza ha permitido reunir recursos y talentos de ambos lados del Atlántico, con el objetivo de trasladar a la pantalla la riqueza narrativa y visual de la novela. ‘La casa de los espíritus’ representa un puente entre culturas hispanohablantes y una apuesta por el realismo mágico en formato televisivo. La expectativa generada en torno a la serie, el desempeño de Nicole Wallace y la fidelidad a la obra de Allende serán elementos clave para medir el impacto de esta adaptación cuando llegue a Amazon Prime Video el próximo mes.