Italia no disputa durante estos días el Mundial, el tercero consecutivo sin el combinado azzurri, que ya parece más resignado que decepcionado en cuanto a lo que a fútbol se refiere. Sin embargo, mientras Lamine Yamal, Kylian Mbappé o Jude Bellingham se disputan el trono mundial del fútbol, en una ciudad al norte de Italia emergen otras estrellas mucho más grandes y casi o tanto más conocidas que ellas. Hablamos de nombres como Charles Chaplin, Cary Grant, Claudia Cardinale o Marilyn Monroe.

Hablamos de Il Cinema Ritrovato, uno de los festivales más singulares del mundo y que se celebra durante poco más de una semana en la ciudad de Bolonia. Este mismo sábado arranca nada menos que su 40º edición, con un gran programa que abarca desde el cine de hace 120 años hasta películas de Martin Scorsese o David Lynch. Un “Mundial” cinéfilo en el que compiten países de todo el mundo llevando sus propias restauraciones de películas, uno de ellos España que además tiene una destacada presencia en esta edición. Pero, ¿cómo puede existir un festival así, un paraíso para los cinéfilos?

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“Es como una gran fiesta: una celebración colectiva del cine en todas sus formas y variantes. Es un evento inclusivo, una orgía de películas que cada asistente disfruta en un orden completamente diferente y muy personal”, explica a Infobae Ehsan Khoshbakht, cineasta iraní y uno de los directores de Il Cinema Ritrovato. “En ese sentido, y espero que esto no suene presuntuoso, es uno de los pocos festivales del mundo que ofrece una selección de películas verdaderamente democrática. Hay tantas versiones de Il Cinema Ritrovato como personas que acuden a él”, alaba Khoshbakht, en contraposición a festivales como Cannes o Venecia, llenos de estrellas (vivas) y estrenos de alfombra roja, pero pensados únicamente para un público reducido y de forma mucho menos accesible.

Cazadores en busca de tesoros cinematográficos

“Nuestro trabajo se parece más a las penurias de un cazador nocturno. Sales a buscar la presa. Muchas noches vuelves a casa con las manos vacías. Otras noches vuelves con algo que crees que puede alimentar a una gran familia con un gran apetito por el cine esencial. Y luego están esas noches excepcionales en las que capturas al tigre”, bromea el director de cine y guionista sobre el trabajo de organizar un festival en el que las películas no solo van a ti, sino que son ellos también los que se encargan de buscarlas. “Implica ver una enorme cantidad de películas e intentar averiguar cómo se pueden organizar en yuxtaposiciones significativas y hilos argumentales reveladores”, explica el codirector, quien es también programador en el Festival de Locarno, uno de los más antiguos del mundo y el cual también presta atención al pasado, aunque está prácticamente dedicado a la actualidad y apoyado por los grandes estrenos.

Ese es quizá el mayor hándicap de Il Cinema Ritrovato, el de seguir apostando por un cine que, como su propio nombre indica, ha de ser reencontrado. “El arte ya no es rentable, salvo cuando está en manos de empresas, agencias y quienes quieren sacar provecho económico de él. Il Cinema Ritrovato se dedica por completo a la idea del arte puro, y cómo consigue sobrevivir es una pregunta que habría que plantear al brillante equipo que se encarga de la gestión financiera del festival. Creo que hacen magia”, asegura Khoshbakht.

Parte del encanto del festival, al igual que el paseo marítimo de Cannes, el casco antiguo de San Sebastián o los variopintos edificios de Berlín, es sin duda la propia ciudad de Bolonia, un anfitrión inmejorable para dar cabida a cine de todas las épocas pero también para hacer de puente entre varias generaciones. “En los últimos diez años, la ampliación del programa ha atraído a personas de diferentes edades y entornos sociales. Y una vez están en Bolonia de repente empiezan a experimentar e ir más allá de la idea que tenían, descubriendo películas que no conocían o directamente olvidadas y sumergiéndose por completo en la totalidad del evento”.

España, protagonista con uno de sus maestros

En la que es su 40 edición, que arranca este mismo sábado 20 hasta el día 28 aunque este año se prolongará algunos días con proyecciones especiales en la icónica Piazza Maggiore, España tiene un protagonismo absoluto. Uno de sus mejores cineastas, Juan Antonio Bardem, es objeto de uno de los ciclos principales de esta edición, con sesiones de casi toda su filmogrfía y presentaciones a cargo de responsables de Filmoteca Española como Carlos Reviriego o Valeria Camporesi, y directores de nuestro cine como Jonás Trueba, encargado de introducir una de las películas más míticas de Bardem, Muerte de un ciclista. “Soy un admirador incondicional de su obra desde que vi Calle Mayor, aunque fue La venganza la que más me conmovió. Lo que me gusta de sus películas son las cualidades subversivas que mantuvo durante la dictadura y la concisión con la que utilizó el modernismo europeo de la posguerra para contar historias tan claramente españolas", revela Khoshbakht.

Bardem será uno de los platos fuertes pero no el único en un festival que también presenta este año una retrospectiva de otro gran cineasta -y en este caso patrio para los italianos- como Luchino Visconti, autor de Rocco y sus hermanos, El gattopardo o Muerte en Venecia. Conocido también por su labor restauradora -a través de la propia Cineteca de Bolonia, una de las punteras en todo el mundo-, Il Cinema Ritrovato también reestrenará clásicos y películas de culto como Amanecer de F.W. Murnau o The devils de Ken Russell. Pero entre tanto historicismo y autor habrá también espacio para la risa con las comedias de Mitchell Leisen: “Habita en un mundo propio —en parte inventado por él mismo— en el que la sofisticación del estilo, el lenguaje y las travesuras sexuales resulta mucho más fluida y sutil que en la obra de muchos otros maestros del género".

La protagonista de esta edición es la actriz Barbara Stanwyck, una de las más prolíficas de todo el Hollywood clásico con títulos que van del melodrama al cine negro pasando por la screwball comedy, pero basta echar un vistazo rápido al festival para darse cuenta que los verdaderos actores principales son los cinéfilos que recorren las calles de Bolonia, en unión con uno de los pocos festivales en todo el mundo que siguen apreciando el cine de antes. “Si se trata de una forma de resistencia, es una resistencia contra la banalidad y contra el desprecio por la historia y la verdad. Si es una celebración, es una celebración de la forma, la belleza, el estilo y el arte sin pretensiones. Hacemos lo nuestro, y si eso parece, desde fuera, un intento deliberado de contrarrestar la comercialización del cine, pues tanto mejor”.

Empatados todos en la primera jornada, todos además 1-1, la segunda cita es casi definitoria en el grupo B, con los enfrentamientos entre Suiza y Bosnia Herzegovina y entre Catar y Canadá. Veremos un duelo entre contendientes del viejo continente, como sucedió ayer con ese Inglaterra - Croacia.

Los ganadores darán un paso adelante hacia la siguiente ronda, aunque aún falte por disputar la tercera jornada. Los perdedores llegarán al límite a esa última cita, que medirá a Suiza contra Canadá y a Bosnia contra Catar. Es uno de los grupos más competidos, y ahora sabemos el porqué.

Este duelo de viejos conocidos se podrá ver a partir de las 21:00 horas en España. Por otro lado, a las 16:00 se verá en Argentina, a las 14:00 en Perú y Colombia; mientras que en México y El Salvador el inicio será a las 13:00 horas.

Transmisión: México (Vix Premium), Estados Unidos (FOX, Telemundo, NBC), Colombia (D Sports), Argentina (TyC Sports y DSports), España (DAZN).

Muchas gracias por acompañarnos en este partido. Mañana seguimos con toda la actualidad mundialista. Nos leemos por Infobae

https://www.infobae.com/espana/2026/06/18/cuando-juega-suiza-el-proximo-partido-del-mundial-2026-contra-que-seleccion-a-que-hora-y-donde-verlo/

Le dejamos con la crónica

/espana/deportes/2026/06/18/suiza-registra-sus-primeros-tres-puntos-en-el-mundial-2026-tras-golear-a-bosnia-y-dibuja-su-clasificacion-para-la-siguiente-ronda/

Final del partido

Suiza se lleva la victoria y los tres puntos tras golear Bosnia

96′ Gooooool de Xhaka

Suiza hace el cuarto desde los once metros, un disparo que se encarga de transformar Xhaka

95′ Penalti para Suiza

El árbitro señala penalti, aunque el contacto es mínimo. La jugada de está revisando, pero se confirma

93′ GOOOOOOOOL DE BOSNIA

Ermin Mahmic recorta distancias en el marcador

90′ Tiempo de descuento

Se añaden seis minutos de tiempo extra

/espana/deportes/2026/06/18/quien-es-manzambi-el-jugador-que-acaba-de-adelantar-a-suiza-en-el-mundial/

89′ GOOOOOOOOOOOOOL DE SUIZA

Manzambi vuelve a ver portería y hace el tercero para sentenciar el duelo

83′ GOOOOOOOOOOL DE VARGAS

Suiza sentencia el partido con un golazo de Vargas

79′ Tarjeta roja para Muharemovic

El jugador de Bosnia corta un gran jugada de Suiza y le cuesta la expulsión

73′ GOOOOOOOOL DE SUIZA

Manzambi, que llevaba unos minutos sobre el terreno de juego, hace el primer gol para los suyos con una gran volea desde el punto de penalti

69′ Pausa de hidratación

El árbitro detiene el partido para realizar una pausa para que los jugadores puedan hidratarse

68′ Paradón de Kobel

Un disparo desde la frontal obliga al portero de Suiza a estirarse para detener el disparo

65’ Tarjeta amarilla para Suiza

Elvedi ve la cartulina por una zancadilla sobre Kolasinac

64′ Cambios en Bosnia

Se marchan Dzeko y Tahirovic y entran Bajraktarevic y Basic

62′ Vaya ocasión de Suiza

Gran remate de Embolo que obliga a Vasilj a mostrar su mejor versión para detener el disparo y lo consigue

59′ También amarilla para Dzeko

El delantero de Bosnia recibe también una tarjeta amarilla por un pisotón al rival

58′ Primera amarilla del partido

Dedic ve la primera amarilla del partido por un agarrón sobre Ndoye

55′ Paradón de Vasilj

Xhaka pone un gran centro al área y Ndoye hace un impresionante remate pero el portero de Bosnia se estira y consigue detener el disparo

50′ Otra vez Ndoye

El extremo de Suiza sigue intentándolo desde la banda con un disparo, pero sale muy centrada y Vasilj atrapa sin problemas

Arranca la segunda parte

Vuelve a rodar el balón sobre el verde con los mismos 22 que en la primera mitad

/espana/deportes/2026/06/18/breel-embolo-la-estrella-en-la-que-confia-toda-suiza-y-que-estuvo-a-punto-de-no-participar-en-el-mundial-porque-eeuu-rechazo-su-visado/

48′ Final de la primer mitad

Los 22 jugadores se marchan al descanso con el marcador en tablas todavía

45’ Tiempo de descuento

Se añaden tres minutos de tiempo extra, la primera mitad se irá al 48

43′ Buena oportunidad para Bosnia

Kolasinac sube por banda con el balón y al llega a línea de fondo busca un centro para Dzeko, pero la despeja un defensa.

40′ Calma relativa

El partido entra en una calma relativa justo antes del descanso, donde ninguno llega ya con demasiada decisión

33′ Como aprieta Suiza

La selección de Suiza sigue rondando la portería de Bosnia en busca de abrir el marcador, pero el gol se resiste

23′ Vaya misil de Freuler

Desde la frontal del área, Freuler manda un obús contra la portería de Vasilj, pero se marchó directamente fuera por muy poco

18′ Nueva ataque de Suiza

La selección de Suiza lo intenta por banda con Ndoye que llega a línea de fondo y busca en centro pero no consigue rematador. Los suizos están cada vez más cerca del gol.

14′ Bosnia también empuja

Memic coge el balón en el centro del campo, se da un autopase y empieza a correr dirección portería suiza, pero el centro se marchó directamente fuera por mucho tras un mal golpeo

11′ Esta vez estaba en fuera de juego

Otra vez Embolo!!! Esta vez buscaba un balón a la espalda de la defensa de Bosnia, pero el linier levanta el banderín de fuera de juego

9′ Vaya ocasión de Embolo

Madre mía vaya ocasión ha tenido Suiza gracias a su delantero estrella, Embolo, pero el balón se marcha por muy poco

6’ Córner para Suiza

Un error del defensa da una ocasión a balón parado para Suiza

1’ Primera falta del partido

Bosnia tiene la primera ocasión del partido a balón parado

Empieza el partido

Ya rueda el balón sobre el césped de estadio de Los Ángeles

Ya salen los jugadores

Suenan los himnos de Suiza y Bosnia

Quedan solo diez minutos para que comience el partido

La alineación de Suiza

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La alineación de Bosnia

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Suiza y el problema con las serpientes en su campo de entrenamiento

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La curiosa historia de uno de los jugadores de Bosnia

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Todos los jugadores de Suiza en el Mundial 2026

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Las grandes ausencias de Suiza

Xherdan Shaqiri y Yann Sommer son las dos grandes ausencias en la convocatoria de la Selección de Suiza para el Mundial 2026. Fueron los dos jugadores quienes decidieron renunciar a la selección

Quedan tres horas que se dispute el partido. A Suiza se le escapó la victoria en los últimos compases del encuentro, mientras que Bosnia tampoco consiguió los tres puntos tras firmar un empate ante Canadá por 1-1.

Bronca en el equipo suiza tras el empate ante Bosnia

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Así es el estadio en el jugarán Suiza y Bosnia

El sueño de Bosnia en el Mundial 2026

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Así han sido los resultados anteriores de Suiza y Bosnia

Suiza y Bosnia de película

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El grupo B, marcado por la igualdad y la incertidumbre

La primera ronda dejó a todos los equipos del grupo con un solo punto, lo que aumenta la tensión de la segunda jornada. Cada gol y cada resultado pueden definir el futuro de Suiza, Bosnia, Canadá y Qatar. El margen de error se reduce al mínimo y la clasificación se decidirá por pequeños detalles.

La experiencia suiza

Con una base de jugadores que ya disputó el anterior Mundial, Suiza confía en su solidez y en la capacidad de gestionar los momentos difíciles. Murat Yakin mantiene su apuesta por futbolistas veteranos, aunque las voces que piden un aire fresco en el equipo aumentan tras el empate inicial. La madurez del grupo puede resultar decisiva en un partido de máxima exigencia.

El poderío aéreo de Bosnia

Bosnia cuenta con la plantilla más alta del torneo, con delanteros como Džeko y Lukic superando el 1,90. Suiza deberá extremar la atención en las jugadas a balón parado.

¿Donde se disputará el encuentro?

El estadio en el que se celebra este encarnizado encuentro es el SoFi Stadium de Los Angeles, con una capacidad para 70.000 espectadores. Allí arrancó la andadura de Estados Unidos con su goleada a Paraguay, se celebró el pasado lunes el Irán - Nueva Zelanda y transcurre el encuentro de hoy.

Los máximos goleadores

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Cambio de entrenadores

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¿Revelación del Mundial?

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El gran reto helvético

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El récord de Suiza que sigue imbatible

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Un poco de humor ante todo

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Messi, el jugador más destacado por el momento

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Un Mundial de récords

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El último baile de Dzeko

Otra de las grandes amenazas de Bosnia Herzegovina será Edin Dzeko, el veterano ariete ex de equipos como Manchester City o Schalke 04 y quien viva sus últimos días como mundialista a sus 40 años, pero sin perder un ápice de calidad.

El otro duelo

Además de este Suiza - Bosnia, el otro duelo del grupo B será el Canadá - Qatar, que tendrá lugar al término de este duelo, siendo retransmitido a las 19:00 horas en Argentina, 17:00 horas en Perú y Colombia, 16:00 horas en México y El Salvador y desde las 00:00 de la noche en nuestro país.

Solo golazos

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Soy de Bosnia, llévame a América

Uno de los himnos de este Mundial 2026 lo está dejando sin duda Bosnia, cuyos aficionados comenzaron a corear a raíz de su triunfo en la repesca frente a Italia y que no ha tardado en hacerse viral en redes.

Mucho más que fútbol

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Jugadores a tener en cuenta

Es difícil anticiparse sin alineaciones, que previsiblemente no saldrán antes de una hora previa al encuentro. Pero basándonos en los partidos de ambos en la primera jornada, no es descabellado pensar que el juego de Suiza pasará por los pies de Xhaka y Freuler, mientras que el peligro de los bosnios procederá de Demirovic, quien se quedó sin ver puerta frente a Canadá y seguro querrá reivindicarse.

Bosnia, a recuperar sensaciones

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Murat Yakin, duda para el partido

Normalmente se suele decir que un futbolista está entre algodones para un encuentro, pero en este caso no es un jugador sino el mismísimo entrenador de Suiza quien se encuentra enfermo. Murat Yakin apenas ha dormido y se encuentra bastante indispuesto, según aseguran medios locales. Habrá que ver si se recupera a tiempo para dirigir a su equipo llegada la hora del partido.

Una Suiza en entredicho

El conjunto helvético llega cuestionado tras el pinchazo ante la Qatar de Julen Lopetegui, y los ánimos están algo fríos después de la dura crítica de su propio capitán, Granit Xhaka.

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Horarios del Suiza-Bosnia en todo el mundo

Este duelo de viejos conocidos se podrá ver a partir de las 21:00 horas en España, siendo el duelo que cierre el día. Por otro lado a las 16:00 se verá en Argentina, en Perú y Colombia a las 14:00 mientras que en México y El Salvador el inicio será a las 13:00 horas.

Previa del partido

Para ir calentando, no viene mal recordar el anterior resultado de ambos contendientes. Suiza empató en su debut ante la Qatar de Julen Lopetegui.

/espana/deportes/2026/06/13/qatar-suiza-en-video-del-cabezado-de-khoukhi-para-el-1-1-a-la-euforia-de-los-qataries-que-logran-el-primer-punto-de-su-historia-y-con-lopetegui-de-entrenador/

¡¡Muy buenos días!! Hoy tenemos un gran partido en el Mundial 2026, que ya ha completado su primera jornada y arranca su segunda vuelta con varios encuentros. Uno de ellos enfrenta a Suiza con Bosnia, las dos selecciones europeas del grupo B, del que también forman parte Qatar y Canadá.

Netflix ha cancelado la serie de ciencia ficción The Boroughs: Jubilación rebelde, producida por los hermanos Duffer, tras una única temporada. El proyecto, que debutó en mayo de 2026 poco después del cierre de Stranger Things, reunió a un elenco encabezado por Alfred Molina y Alfre Woodard para explorar la historia de un grupo de residentes en una comunidad de jubilados que deben unirse para enfrentar una amenaza sobrenatural.

La serie, creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews y producida por los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, fue presentada como una especie de Stranger Things con protagonistas mayores. Junto a Molina y Woodard, el reparto incluyó a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis. La premisa giraba en torno a la idea de que el único recurso que estos personajes no podían permitirse perder era el tiempo. The Boroughs: Jubilación rebelde fue uno de los lanzamientos más esperados de la plataforma, producto directo de la popularidad de Stranger Things y del interés por nuevas historias de ciencia ficción con un enfoque diferente. La serie ofreció, desde su primer episodio, una combinación de nostalgia, humor y suspenso, con una estética y un tono que evocaban el legado de los Hermanos Duffer, pero trasladado a una comunidad de adultos mayores.

Los creadores, Addiss y Matthews, diseñaron la serie pensando en un arco argumental de tres temporadas. Incluso antes de la decisión de Netflix, ya se había abierto una sala de guionistas para una potencial segunda entrega. Este procedimiento es habitual en proyectos de alto perfil que buscan posicionarse rápidamente para una renovación, según se informó desde la producción. El propio Molina expresó su entusiasmo por la continuidad del proyecto en una entrevista de mayo: “Me encantaría seguir con esto. Me gustaría que fuera algo duradero. ¿Quién sabe? La televisión puede ser inestable, pero también brinda grandes oportunidades. Tenemos un reparto maravilloso, una gran premisa y los decorados ya están listos. Me encantaría hacer más”.

Audiencia y factores detrás de la cancelación

Durante sus primeras dos semanas y media en la plataforma, The Boroughs: Jubilación rebelde fue vista por casi 19 millones de cuentas, según datos internos de Netflix. El volumen de visualizaciones ubicó a la serie entre los estrenos más fuertes de la temporada para la compañía. Sin embargo, el elevado costo de producción, en especial por los efectos especiales necesarios para recrear la amenaza paranormal, fue un elemento decisivo en la evaluación de la continuidad. Según fuentes de la industria, los presupuestos de series de ciencia ficción de gran escala suelen ser determinantes a la hora de decidir su renovación o cancelación, aun cuando las cifras de audiencia sean significativas.

La noticia de la cancelación sorprendió tanto al equipo creativo como al elenco, que había manifestado públicamente su interés en continuar con la historia. La apertura anticipada de la sala de guionistas para una segunda temporada es un indicio de que la producción tenía expectativas de continuidad y confianza en el desarrollo de la trama. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde contrasta con otras decisiones recientes de Netflix en materia de renovaciones. La plataforma confirmó en las últimas semanas la continuidad de Tales From ’85, el spin-off animado de Stranger Things, que tendrá una segunda temporada. También recibieron luz verde para nuevas entregas series como Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne, todas ellas parte de la estrategia de diversificación de contenido original de la compañía.

Estas decisiones reflejan la política de Netflix de priorizar proyectos con potencial de largo recorrido y presupuestos más ajustados, sin importar necesariamente el volumen inicial de audiencia. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde ilustra cómo incluso los títulos con un seguimiento considerable pueden ser cancelados si los costos superan las expectativas de rentabilidad a futuro. Netflix no ha emitido un comunicado oficial detallando los motivos de la cancelación, pero la información disponible apunta a la combinación de presupuesto elevado y estrategia de programación como las razones principales. De esta forma, la historia de los residentes de la comunidad de jubilados queda, por ahora, sin resolución en pantalla.

El actor Robert Downey Jr. ha afirmado que Vengadores: Doomsday representa un punto de inflexión para el universo cinematográfico de Marvel, al asegurar que la película ha encontrado la clave para no convertirse en una decepción tras el fenómeno generado por Infinity War y Endgame. “Se trata de cómo se ha estructurado”, explicó el actor, quien regresa a la franquicia en un papel radicalmente distinto, ahora como el villano Doctor Doom.

Durante una conversación con CBR junto al codirector Joe Russo, el ganador del Oscar declaró que el filme “aterrizó en un lugar que creo que más que satisfará a los fans”. Downey Jr. subrayó que la respuesta a la pregunta sobre cómo evitar que las nuevas entregas sean una frustración tras los éxitos anteriores está en el modo en que se ha construido la historia y en la interacción de los personajes. Según sus palabras, “hay algo en Doomsday y lo que viene después que es literalmente el único antídoto para: ¿Cómo lograr que estas películas no sean una decepción después de Infinity War y Endgame? Y vaya si hemos trabajado mucho para lograrlo”.

Downey Jr. enfatizó que, más allá de su propia interpretación, el verdadero mérito se encuentra en la estructura narrativa y en el desarrollo coral del guion. “No se trata siquiera de cómo lo he ejecutado yo”, señaló. “Se trata de la forma en que se ha estructurado, y de los otros personajes”. Estas declaraciones refuerzan la expectativa de que la cinta, lejos de apoyarse únicamente en el regreso de figuras emblemáticas, buscará un equilibrio argumental para sostener la atención del público.

La expectativa generada por Vengadores: Doomsday es considerable. Downey Jr. ha insistido en que el largometraje ofrece una solución genuina al desafío de crear una película que no resulte insatisfactoria después de los eventos culminantes de la saga. El actor explicó que se ha dedicado un esfuerzo notable a este objetivo, convencido de que la película ha alcanzado un nivel que “más que bastará” para los seguidores del universo Marvel. Según Downey Jr., la clave radica en la estructura interna de la historia y en el modo en que los distintos personajes interactúan a lo largo de la trama. Esta estrategia busca diferenciar a Doomsday de otras producciones recientes, señalando que existe “algo” en la película y en su continuación, Avengers: Secret Wars, que constituye una respuesta inédita al riesgo de decepcionar a la audiencia.

“La más compleja emocionalmente”

Joe Russo, codirector de la cinta, aportó su perspectiva al afirmar que la nueva entrega está repleta de sorpresas y que “es la más emocionalmente compleja de todas, y en muchos sentidos, la más madura”. Esto sugiere que la película no solo apuesta por el espectáculo visual, sino por una profundidad temática y emocional inusitada en la franquicia. Downey Jr. también expresó un sentimiento de gratitud por formar parte de este nuevo capítulo, describiendo la oportunidad como un privilegio tras su larga trayectoria como Iron Man. El actor destacó la importancia de afrontar la crítica constructiva y de aceptar los retos que implica responder a las altas expectativas del público: “La gratitud de poder hacerlo. De seguir interactuando con personas que son críticas cuando no alcanzamos el objetivo, pero que entienden lo difícil que es cuando lo logramos”.

El regreso de Downey Jr. adquiere una dimensión particular, ya que su personaje original, Iron Man, salió de escena tras los acontecimientos de Endgame en 2019. Ahora, su incorporación como Doctor Doom marca un cambio de rol significativo que añade una nueva capa de interés al filme. Este movimiento ocurre en un contexto donde Marvel ha alternado entre éxitos como Spider-Man: No Way Home y Deadpool vs. Wolverine, y fracasos en taquilla como The Marvels y Ant-Man y la Avispa: Quantumania. La decisión de confiar el papel central a una figura tan identificada con la saga, pero en un registro opuesto, refuerza la apuesta de Marvel Studios y Disney por revitalizar la franquicia a través de riesgos creativos.

Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre, con la producción de Disney y Marvel Studios. El anuncio se realizó durante la presentación de Walt Disney Studios en CinemaCon 2026, celebrada en el Dolby Colosseum de Las Vegas, Nevada. La atención internacional está puesta en cómo esta nueva estructura narrativa y el giro en el reparto lograrán afrontar el reto de mantener la relevancia del universo Marvel, en medio de una industria cada vez más exigente y volátil.

En una inesperada jugada de casting, Wagner Moura está en negociaciones finales para interpretar al villano principal en la precuela de la saga Ocean’s Eleven, un proyecto que reunirá en pantalla a Margot Robbie y Bradley Cooper. El filme, desarrollado por Warner Bros. y con estreno previsto para el 25 de junio de 2027, contará con Cooper como director, guionista y productor, y con Robbie como coprotagonista y socia en la producción a través de LuckyChap. El fichaje de Moura como antagonista supone una de las sorpresas más comentadas en torno a esta nueva entrega. Según la información disponible, el personaje que encarnará será central en la trama, enfrentando a los padres de Danny Ocean —figura clave de la franquicia— en un golpe maestro ambientado en el Gran Premio de Mónaco de 1962.

La elección de Wagner Moura para dar vida al villano marca un cambio notable en la dinámica del reparto y amplía el alcance internacional de la saga. Moura, quien recientemente hizo historia al convertirse en el primer brasileño nominado al Oscar a mejor actor y en ganar el Globo de Oro por su papel en El agente secreto, lleva una carrera en ascenso en el cine internacional. El rol de villano en la precuela colocará a Moura en el centro de la acción, en una película que explorará los orígenes criminales de la familia Ocean.

La producción ha mantenido en secreto los detalles específicos sobre el personaje y la naturaleza del conflicto, aunque se espera que la interpretación de Moura aporte una nueva dimensión al universo de Ocean’s Eleven. La precuela, que será dirigida y escrita por Bradley Cooper, contará además con Margot Robbie en un papel principal y como productora, junto a Tom Ackerley, Josey McNamara y Milan Popelka. El guion definitivo, desarrollado por Cooper, se mantiene “bajo llave”, pero se sabe que versiones anteriores estuvieron a cargo de Carrie Solomon.

Así será la historia

Durante la última CinemaCon, Robbie confirmó que la historia se desarrollará durante el Gran Premio de Mónaco de 1962, donde los padres de Danny Ocean protagonizarán un atraco de alto riesgo. “Antes de que Danny Ocean pusiera un pie en Las Vegas, dos mentes maestras le enseñaron todo lo que sabía: sus padres”, explicó Robbie al presentar el proyecto. La ambientación en la Europa de los años sesenta y la promesa de un golpe cinematográfico en el corazón del glamur monegasco se perfilan como los grandes atractivos de la nueva entrega. Los detalles adicionales sobre el villano y su relación con los protagonistas están reservados para el estreno.

La saga Ocean’s inició en 1960 con el filme protagonizado por Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin, y fue revitalizada en 2001 por Steven Soderbergh con Ocean’s Eleven, encabezada por George Clooney, Brad Pitt y Julia Roberts. La franquicia sumó dos secuelas directas, Ocean’s Twelve (2004) y Ocean’s Thirteen (2007), y el spin-off Ocean’s Eight (2018), protagonizado por Sandra Bullock y Cate Blanchett. Todas juntas han recaudado más de 1.400 millones de dólares en taquilla internacional. La llegada de Moura, quien también ha sido premiado en el Festival de Cannes y por la New York Critics Circle por El agente secreto, añade prestigio y nuevas expectativas a la franquicia. Entre sus próximos proyectos figuran The Last House junto a Greta Lee, The Last Day con Alicia Vikander, Last Night at the Lobster (donde también dirigirá), el thriller Flesh of the Gods con Kristen Stewart y Art junto a Ralph Fiennes y Colin Farrell.

Barcelona despliega este mes de junio una agenda expositiva vibrante y diversa, donde el arte se convierte en un espacio de reflexión sobre temas universales y contemporáneos. Desde la revisión crítica de los ideales estéticos en El culto a la belleza, hasta la aproximación íntima a la vida cotidiana de la posguerra en la obra fotográfica de Joaquín Tusquets de Cabirol, las principales instituciones culturales de la ciudad ofrecen propuestas que invitan tanto al asombro como al análisis.

La temporada se caracteriza por exposiciones que descomponen y cuestionan los grandes relatos visuales: Desenfocado. Otra visión del arte explora el desenfoque como recurso expresivo y su impacto en la pintura y la instalación contemporánea, mientras El asalto de la ilusión sumerge al visitante en un recorrido sensorial sobre el arte como generador de ficciones, trampas visuales y mecanismos de poder. Cada muestra propone una experiencia distinta, ya sea a través del diálogo entre obras históricas y contemporáneas, la reivindicación de cuerpos y bellezas excluidos, la reflexión sobre la percepción y la realidad, o la recuperación de archivos fotográficos de valor documental. Junio en Barcelona se presenta así como una ocasión única para descubrir exposiciones que dialogan con el presente y abren nuevas perspectivas sobre la creación artística.

El Culto a la belleza

El culto a la belleza ha fascinado a la humanidad durante siglos, y esta exposición propone una revisión crítica de los ideales estéticos que han marcado nuestro pasado y presente. A través de un recorrido por obras, documentos y objetos de diferentes épocas, el visitante se enfrenta a la pregunta central: ¿qué es la belleza y por qué nos obsesiona? La muestra destaca cómo la filosofía, el arte, la ciencia y el mercado han intentado definir, capturar o perfeccionar este concepto, mientras las normas sociales y económicas presionan para mantenernos siempre jóvenes y perfectos.

El público recorre la evolución de los cánones de belleza y analiza el papel del arte, la religión, la medicina, la política y la industria cosmética en la construcción de modelos normativos. Se visibilizan los cuerpos y atributos que han sido históricamente excluidos, invitando a ampliar la mirada sobre lo que consideramos bello y a desafiar los estándares impuestos. La exposición, adaptada por Blanca Arias y Júlia Lull a partir de un proyecto de Janice Li en la Wellcome Collection, reúne obras y objetos históricos junto a instalaciones contemporáneas. Participan artistas como William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar y Regina José Galindo, abordando cuestiones de género, raza, edad y estatus. Así, la muestra reivindica la pluralidad y diversidad de las bellezas, abriendo un espacio de reflexión sobre el control y la representación de los cuerpos en la sociedad actual.

El asalto de la ilusión

El Centro de Arte Santa Mónica presenta esta exposición que examina el arte como una herramienta para crear ilusiones y engaños, analizando cómo estas estrategias han influido en nuestro deseo y en nuestra idea de realidad a lo largo del tiempo. El recorrido invita a los visitantes a reflexionar sobre la manera en que las artes han desarrollado técnicas para manipular percepciones y cómo, en la actualidad, el auge de la posverdad y la inteligencia artificial reabre el debate sobre el papel del arte en la revelación de esos mecanismos.

La muestra se desarrolla a través de un montaje escenográfico dinámico, con espejos, velos y paredes móviles, que sumerge al público en un tránsito constante entre distintos modos de representación. Pintura, fotografía, vídeo e instalación se suceden y se solapan, generando efectos de realidad que desafían las expectativas del espectador y ponen en evidencia la sofisticación de las técnicas artísticas para crear ficción. Organizada en cuatro partes —ilusión, revelación, cuestionamiento y recapitulación—, la exposición guía al visitante a través de un viaje conceptual y sensorial sobre el poder del arte para construir y deconstruir ilusiones. Así, plantea una reflexión crítica sobre la función del engaño y el desvelamiento en la historia y el presente de la creación artística.

Desenfocat (CaixaForum)

CaixaForum presenta presenta Desenfocado. Otra visión del arte, una exposición disponible desde el 21 de mayo hasta el 27 de septiembre de 2026, que invita a reconsiderar el impacto del desenfoque y la indefinición visual en la creación artística. La muestra parte de la emblemática serie de los nenúfares de Claude Monet, donde el artista instauró el uso de lo borroso y lo impreciso como recursos expresivos centrales, abriendo paso a una nueva sensibilidad en la pintura.

La exposición reúne pinturas, fotografías, vídeos e instalaciones de creadores históricos y actuales, articulando un recorrido temático que pone en diálogo diferentes épocas y disciplinas. El visitante encontrará obras de referentes como William Turner, Gerhard Richter y Mark Rothko, junto a propuestas de artistas contemporáneos como Eva Nielsens, Soledad Sevilla y Bill Viola. El recorrido explora cómo el desenfoque, lejos de ser un mero efecto óptico, se transformó en un lenguaje que permitió a los artistas reinterpretar su entorno y cuestionar la percepción de la realidad. Esta clave estética, surgida en tiempos del Impresionismo, sigue vigente como herramienta de experimentación y reflexión en el arte actual.

Seny i rauxa (Disseny Hub Barcelona)

Un total de cuatrocientas obras dan forma a la exposición Seny i rauxa. Noticia de la arquitectura catalana, que ofrece una visión coral y renovada del legado arquitectónico en Cataluña. La muestra se aleja de la cronología habitual y apuesta por una estructura temática, donde las piezas —desde bocetos y planos hasta maquetas y fotografías— se presentan en diálogos inesperados. Esto permite observar cómo el patrimonio arquitectónico catalán es un organismo vivo, en transformación constante, y profundamente vinculado al territorio, pero también abierto a influencias globales.

La exposición integra además obras artísticas y de diseño como pinturas, esculturas y mobiliario, subrayando el diálogo entre arquitectura y otras disciplinas creativas. Esta combinación no es decorativa, sino que muestra cómo los lenguajes visuales se entrecruzan y contribuyen a imaginar nuevas formas de vida y convivencia. La propuesta invita tanto a profesionales como a quienes se acercan por primera vez, a reflexionar sobre la arquitectura como parte central de la identidad colectiva. El recorrido arranca en la fundación de la Escuela de Arquitectura en 1875 y llega hasta la actualidad, mostrando un hilo ininterrumpido de rigor y audacia —seny y rauxa— en la creación de espacios que definen cómo vivimos e imaginamos el futuro.

Joaquín Tusquets de Cabirol (Fundación Mapfre)

La programación dedicada a los archivos fotográficos catalanes incorpora una nueva cita con La forma elocuente, exposición que presenta la obra de Joaquín Tusquets de Cabirol (Barcelona, 1904-1979). Este fotógrafo amateur, activo en las décadas de 1940 y 1950, compaginó su trabajo como químico y empresario con una práctica fotográfica apasionada y constante, desarrollada al margen de los circuitos profesionales. Tusquets de Cabirol se distinguió por su meticulosa atención tanto en la captura de las imágenes como en los procesos de revelado y positivado, que realizaba él mismo. Miembro de la Agrupación Fotográfica de Cataluña desde 1946, participó en un entorno asociativo que favorecía la colaboración, las excursiones colectivas y los concursos, influyendo en la variedad temática y formal de su obra.

Su trabajo, siempre enfocado en escenas cotidianas de la ciudad, el litoral y el ámbito rural, constituye un valioso testimonio visual de la vida en la posguerra. Desarrolló una mirada independiente, ajena a exigencias económicas, que combinaba la exploración formal con la observación sensible de los cambios de gusto fotográfico de su época. Organizada por Fundación Mapfre junto a Photographic Social Vision, la muestra permite redescubrir el legado de Tusquets de Cabirol y su contribución a la memoria visual catalana mediante una selección de imágenes que reflejan la riqueza y complejidad del imaginario colectivo de aquel periodo.

La Fiesta del Cine ha dejado muchas reflexiones detrás de sí, pero quizá no había habido hasta ahora una reacción tan rápida como esta. La semana fantástica en la que los precios del cine descendían hasta los 3,50 euros en casi todas las salas de España dejó un total de 1.352.668 espectadores, el mejor dato de asistencia de primavera desde 2019 según las cifras de ComScore España. Pues bien, la primera respuesta a este dato ha llegado de la mano de una de las cadenas de cine más importantes de este país, la cual ha implementado una nueva medida que podría cambiar para siempre la experiencia cinematográfica.

Hablamos de Cinesa, la cual ofrece desde hoy un nuevo sistema de precios dinámicos en algunos de sus cines. El sistema en cuestión divide cada sala por distintas categorías según su proximidad a la pantalla y otorga un rango distinto de precios según la butaca escogida. De momento solo está disponible en algunos cines, como el Nassica de Getafe, el Parque Principado (Asturias) o el de Salera (Castellón), pero podría aumentarse a otros cines de tener éxito. Por el momento, a la hora de comprar en estos cines la plataforma permite escoger butacas a distinto precio dependiendo de la zona. Mientras que las filas más cercanas a la pantalla tienen un precio más reducido que el resto, las de arriba y centrales ascienden, dependiendo del día -si es del espectador o laborable- y sin contar los posibles descuentos posteriores -carnet universitario o joven, mayor de edad...- a la elección de la butaca.

Tal y como se puede ver en la imagen adjuntada, cada sala se divide según estas franjas de precio, con unos precios que van desde los 8,40 euros hasta los 12,60 por butacas VIP, una opción con la que ya contaba Cinesa previa a esta propuesta. De momento la cadena no ha dado más detalles sobre esta iniciativa, mientras la gente ya ha empezado a valorar la medida de forma muy vehemente. Como era de esperar, en las redes sociales no todos se lo han tomado igual de bien.

Descontento e incomprensión general

"Es de ser ratas. Un cine al que no ir.Si al menos mantuvieran precio y fuera más barato por los extremos, pero al revés, el centro más caro“ o ”La mejor forma de que los cines no terminen de quebrar....solo falta que también pongan una Casita..." eran algunos de los comentarios más críticos, resumidos en un ”es el Ryanair de las salas de cine“, en alusión a las también peculiares medidas de la aerolínea inglesa. No todo eran comentarios negativos, sino que también había quien intentaba poner en valor la propuesta.

“No seré yo quien los defienda pero creo que lo que han hecho es mantener el precio en las butacas centrales y abaratar las de las primeras filas y los laterales. En realidad es hasta mejor para ahorrarte un poco en la entrada sino te importa no estar centrado…“, defendía un usuario en X. ”Realmente no han subido precios. Mantienen precios más o menos y rebajan sustancialmemte las localidades que habitualmente no quiere nadie. Siendo así me parece una buena medida", apuntaba otro. Sea como fuere, la compañía de momento no ha salido al respecto a aclarar las posibles dudas, la misma que desde hace un tiempo sí ha implementado otras medidas como el abono mediante Cinesa Unlimited, una iniciativa que sí tuvo gran acogida y a la que a día de hoy están suscritas muchos usuarios. Habrá que esperar para ver si esta nueva propuesta ha venido para quedarse y qué consecuencias tiene en el futuro de los cines.

El actor Javier Bardem hace historia en Hollywood al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama. El actor dedicó el homenaje a su madre y vinculó su discurso con la importancia del cine y la situación política actual. En una ceremonia celebrada el 16 de junio de 2026, Javier Bardem dejó impresas las huellas de sus manos y pies en el TCL Chinese Theatre de Los Ángeles. Este acto lo posiciona como el primer español en recibir este reconocimiento en uno de los escenarios más emblemáticos de la industria cinematográfica mundial. La ceremonia, que coincide con el estreno de la serie ‘Cape Fear’ de Apple TV, marcó un hito para el cine español y para la comunidad latina y europea en Hollywood.

El evento se desarrolló frente a las puertas del histórico cine, donde ya figuran las huellas de celebridades como Marilyn Monroe. Bardem, ganador de un Oscar, se une así a un selecto grupo de artistas internacionales que han dejado su marca en el corazón de la meca del cine. La impresión de las huellas en cemento incluyó, además de sus manos y pies, la fecha del día y un sol junto a su nombre, un elemento personal con el que el actor quiso sellar el momento.

La ceremonia fue organizada con motivo del estreno de El cabo del miedo, un thriller psicológico de diez episodios producido por Apple TV. Bardem encarna a Max Cady, personaje que previamente interpretaron figuras como Robert Mitchum y Robert De Niro en adaptaciones cinematográficas anteriores. El homenaje, sin embargo, trascendió el simple lanzamiento de una serie y se convirtió en un reconocimiento a la trayectoria del actor y su aporte al cine internacional. El hecho de que Bardem sea el primer español en recibir este homenaje resalta la apertura y la diversidad progresiva de la industria cinematográfica estadounidense. Hasta ahora, solo un reducido grupo de europeos y latinos había sido invitado a dejar sus huellas en el teatro chino, lo que subraya la relevancia de este logro para la representación hispana en Hollywood.

Un sentido homenaje a Pilar Bardem

Durante la ceremonia, Bardem compartió espacio con colegas, representantes del cine internacional y medios de comunicación que destacaron la importancia de su carrera. El actor ya había sido galardonado previamente con un Premio Oscar, consolidando así su posición como uno de los intérpretes más reconocidos fuera de Estados Unidos. En su discurso, Javier Bardem rindió homenaje a su madre, la también actriz Pilar Bardem, a quien atribuyó un papel fundamental en su vida profesional y personal. “Yo no estaría aquí sin mi madre Pilar; ella es la persona más importante en la educación y una lección muy importante que aprendí de ella como actriz es que nunca te cases con el éxito o la derrota porque ambas son una mentira”, afirmó el actor durante la ceremonia.

Las palabras de Bardem reflejaron la influencia de su madre en su formación artística y su visión sobre la profesión actoral. La referencia a Pilar Bardem adquirió un tono emotivo al situarla como guía y referente ético, resaltando la tradición familiar ligada al mundo del cine y del teatro. El actor abrió su intervención recalcando la importancia del cine y la necesidad de preservar su comunidad. Bardem subrayó que, incluso en “tiempos difíciles” marcados por el miedo y la división, persiste el deseo de las personas de formar parte de la comunidad cinematográfica. “Donde el miedo y la división resuenan más alto que la esperanza, la gente continúa queriendo ser parte de la comunidad del cine”, expresó, aludiendo al papel integrador y colectivo del séptimo arte.

La impresión de las huellas coincidió con el lanzamiento de El cabo del miedo, una serie que reinterpreta el clásico dirigido por Martin Scorsese. Bardem asume el rol de Max Cady, siguiendo los pasos de intérpretes como Robert Mitchum y Robert De Niro. El proyecto, distribuido por Apple TV, representa una apuesta por el formato de serie limitada y el thriller psicológico, y marca una nueva etapa en la carrera internacional del actor. El estreno de ‘Cape Fear’ sitúa nuevamente a Bardem en el centro de la atención mediática y refuerza su presencia en la industria audiovisual global. La serie, compuesta por diez capítulos, explora la dualidad moral del personaje y su impacto en el entorno familiar y social, en línea con el estilo de los grandes thrillers estadounidenses. La ceremonia en el Teatro Chino de Hollywood y la nueva producción de Apple TV consolidan el reconocimiento internacional de Javier Bardem, quien suma un nuevo hito a su trayectoria y proyecta la presencia del cine español en el panorama global.

Marvel Studios estuvo a punto de sorprender al mundo eliminando a uno de sus superhéroes más icónicos antes de lo esperado. Durante la producción de Vengadores: Infinity War, los directores Joe Russo y Anthony Russo analizaron seriamente la posibilidad de que Tony Stark muriera en esa entrega, mucho antes de su desenlace en Vengadores: Endgame. La revelación, confirmada por los propios cineastas y por Robert Downey Jr. en una charla exclusiva, expone cómo las decisiones narrativas más trascendentes del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) a veces se debaten hasta último momento.

La idea de eliminar a Tony Stark antes del final de la saga no solo habría impactado a los seguidores, sino que también sorprendió a quienes participaron en la discusión. Según los hermanos Russo, ese tipo de propuestas suelen surgir cuando el equipo creativo busca la mejor manera de mantener la tensión narrativa. “Hay momentos en que pensamos que nadie lo esperaría”, admitió Joe Russo en la entrevista, refiriéndose a la opción de sacrificar a Iron Man durante el enfrentamiento con Thanos en Titán. Durante el proceso de escritura y filmación de Vengadores: Infinity War, los Russo evaluaron todas las posibilidades respecto al destino de los personajes principales. Entre ellas, surgió la alternativa de que Tony Stark encontrara su final a manos de Thanos en la penúltima película, en vez de en el gran cierre de la saga.

El propio Robert Downey Jr. participó en la conversación, bromeando sobre su preferencia: “La mía es simple, no me maten”. Sin embargo, el debate era real. Según los directores, existió un momento en el que la opción de la muerte prematura de Iron Man se consideró “el mejor lugar” para sorprender a la audiencia. “Todo está sobre la mesa. Siempre decimos que la mejor idea gana”, sostuvo Joe Russo, explicando la dinámica de trabajo en una franquicia donde las expectativas del público son tan altas. La escena en cuestión, en la que Thanos apuñala a Iron Man en Titán, fue vista por muchos como una posible despedida del personaje. Sin embargo, finalmente sobrevivió, y el desenlace se pospuso para Vengadores: Endgame. El método de trabajo de los Russo Brothers se caracteriza por la exploración constante de alternativas, incluso aquellas que parecen arriesgadas o poco convencionales. “Hay que estirar las posibilidades y ver hasta dónde llegan”, explicó Joe Russo sobre el proceso de crear una narrativa capaz de sorprender y emocionar.

El regreso de Downey Jr.

El debate sobre el destino de Tony Stark no solo involucraba el impacto inmediato en la trama de Vengadores: Infinity War, sino también la necesidad de que el personaje pudiera contribuir al desenlace de la saga. “Teníamos que pensar cómo podría participar en la siguiente película”, relató el director, evidenciando el nivel de detalle y previsión requerido para mantener la coherencia y el interés en una franquicia de gran escala. La elección de reservar la muerte de Iron Man para Vengadores: Endgame respondió a la búsqueda de un momento aún más emotivo y decisivo, que diera cierre a la trayectoria del personaje y sirviera de clímax para toda una generación de espectadores.

La decisión final de posponer el sacrificio de Tony Stark se tomó tras analizar el efecto que tendría en el público y en la estructura de la narrativa. “Podíamos hacerlo aquí, pero después tendríamos que encontrar la forma de que siguiera participando en la siguiente película”, recordó Joe Russo sobre el dilema. Finalmente, optaron por darle a Iron Man su último acto heroico en Vengadores: Endgame, permitiendo que el personaje tuviera un cierre acorde a su peso en el MCU. El desenlace elegido permitió que Tony Stark completara su arco heroico, enfrentando a Thanos y sacrificándose para salvar al universo, consolidando así su legado como uno de los pilares fundamentales de la saga.

La revelación del debate detrás de cámaras ofrece una nueva perspectiva sobre el desarrollo de las películas más exitosas de Marvel. El propio Robert Downey Jr. reconoció que la posibilidad de morir antes de tiempo estuvo sobre la mesa, aunque, en tono humorístico, se inclinaba por sobrevivir. Estas discusiones reflejan la complejidad de construir una narrativa colectiva que equilibre la sorpresa, la emoción y la continuidad, elementos que han definido el éxito de la saga. La elección final de reservar el sacrificio de Iron Man para el desenlace de Vengadores: Endgame marcó un cierre inolvidable para el personaje y para toda una era del cine de superhéroes.

El cineasta Guillermo del Toro lanzó una advertencia directa sobre los peligros que la inteligencia artificial representa para el futuro del arte cinematográfico. Durante la cena de homenaje organizada por el British Film Institute (BFI) en Los Ángeles, donde fue distinguido con el BFI Fellowship, el director subrayó la gravedad del momento actual para la creación audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización de la imagen. Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, afirmó Del Toro ante un auditorio repleto de figuras de la industria.

Para el realizador, reconocido por obras como El laberinto del fauno y La forma del agua, el auge de la inteligencia artificial y la consolidación empresarial en Hollywood ponen en jaque el ejercicio creativo y la libertad de expresión. “El pacto entre hombre e imagen es sagrado”, sostuvo Del Toro, quien calificó la IA como una forma de “estupidez natural” frente a la autenticidad de la experiencia humana en el arte. Defendió que el propósito de una imagen no es simplemente existir, sino “conectarnos, hacernos sentir belleza”. En su intervención, Del Toro recalcó que la necesidad de expresarse a través de imágenes es tan antigua como la humanidad misma, remontándose a los primeros dibujos en las cavernas. El director alertó que el desarrollo tecnológico, lejos de fortalecer la relación entre las personas y el arte, amenaza con debilitarla. Destacó además la creciente polarización política como un factor de riesgo adicional para la libertad creativa en distintos países.

La aparición de sistemas de inteligencia artificial capaces de generar imágenes y contenidos preocupa al cineasta mexicano, quien ve en ello una amenaza directa a la tradición artesanal del cine. Según Del Toro, el cine ha sido siempre una actividad guiada por la sensibilidad y la intuición humanas, y la automatización de la creación atenta contra esos cimientos. “Nos dicen que las imágenes pueden generarse por medios artificiales. La existencia de una imagen no es solo estar ahí. Es conectarnos, es hacernos sentir belleza”, expresó.

El director advirtió que la industria fílmica y las nuevas generaciones de espectadores enfrentan el peligro de perder la capacidad de interpretar y valorar el lenguaje audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, insistió. Para Del Toro, la defensa del arte es inseparable de la defensa de la libertad: “El arte puede ayudarnos a unirnos, pero estamos en una época en la que eso está en peligro”. El evento en Los Ángeles, celebrado en el restaurante Mother Wolf, reunió a ejecutivos de estudios, cineastas y representantes de la industria, como Ted Sarandos (co-CEO de Netflix), Bill Hader, Jon Favreau y Leonardo DiCaprio. Sarandos presentó a Del Toro como uno de los “maestros modernos del cine”, recordando su primer encuentro cuando el director lideraba la adaptación animada de “Trollhunters” para Netflix.

Del Toro compartió con los asistentes su vínculo personal con el British Film Institute, que se remonta a sus años de adolescencia en Guadalajara. Narró cómo solía escribir al BFI solicitando copias de clásicos británicos para proyectar en su cineclub local. El cineasta anunció que donará un tercio de sus archivos personales al BFI, como muestra de su compromiso con la preservación y transmisión del legado cinematográfico. “Me emocioné cuando visité el archivo del BFI y vi su historia desde 1935”, confesó.

Durante su discurso, Del Toro enfatizó el valor de proteger el cine como espacio de encuentro y aprendizaje. “No somos guardianes de la puerta. Somos quienes la sostienen para que más personas puedan entrar y salir de la iglesia del cine”, afirmó. El director expresó que ha encontrado salvación personal en las imágenes y que ahora busca retribuir enseñando y promoviendo la educación audiovisual, incluyendo clases sobre la obra de Alfred Hitchcock en colaboración con el BFI. El presidente del BFI, Ben Roberts, subrayó el papel del instituto en la conservación y formación cinematográfica. Roberts destacó la importancia del National Archive, una de las colecciones fílmicas más extensas del mundo, y remarcó que la labor de la organización es defender las condiciones para el éxito del cine británico.

La gala también sirvió para recaudar fondos para el Film on Film Festival del BFI, que volverá a Londres el próximo junio. Roberts explicó que los festivales y los programas de preservación fílmica son parte central de la misión del instituto: “Nuestro trabajo es asegurar que existan las condiciones adecuadas para el éxito del cine”. Del Toro cerró su discurso con una metáfora sobre el momento crítico que atraviesa la industria: “Ahora mismo, el autobús está tan cerca del precipicio que todos tenemos que inclinarnos hacia el lado correcto”. El cineasta instó a sus colegas a unirse en la defensa de la creatividad y la memoria audiovisual como patrimonio de la humanidad.

Semana de altos vuelos en taquilla. Tras dejar atrás la Fiesta del Cine con unos datos de récord y el paso de Steven Spielberg y sus nuevos alienígenas con El día de la revelación, es el momento de recibir en cartelera una nueva hornada de títulos con sus correspondientes protagonistas. Y esta semana esos protagonistas tienen un aspecto de lo más distinguido.

Los juguetes de Toy Story 5 o la actriz Jessica Chastain encabezan las películas más esperadas de esta semana, una con películas procedentes de varios países al más puro estilo del Mundial de fútbol que tiene lugar estos días. Nunca es mal momento para acercarse al cine entre partido y partido, y si no siempre queda organizar un particular Mundial de cine. Pero para los que decidan apostar por las salas, como le gusta decir a Spielberg, aquí van algunas de las películas más esperadas de esta semana.

Toy Story 5

Los juguetes más famosos del cine regresan a la gran pantalla. Más de siete años después de su última aventura, Buzz, Woody y el resto de la pandilla se vuelven a reunir. Esta vez la protagonista es Jessie, la intrépida vaquera que poco a poco empieza a ver cómo la niña con la que juega deja de prestarle atención en favor de un nuevo juguete, por llamarlo de alguna manera... pues en realidad es una tablet. Jessie y el resto del equipo tendrán que hacer todo lo posible para que la niña no caiga en la tentación de las pantallas y de esta forma cada vez más se olviden de los juguetes de toda la vida.

El placer es mío

François Cluzet (Intocable) y Alexandra Lamy (Vuelta a casa de mi madre) dan vida a Fanny y Tom, una pareja que lleva 20 años casada y aparentemente feliz. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Su aventura por hacer feliz a su mujer lo llevará a afrontar grandes desafíos que cambiarán para siempre su relación.

Viva

Presentada dentro de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, Viva apunta a ser uno de los grandes fenómenos del cine español de este año. Escrita, dirigida y protagonizada por Aina Clotet. Ambientada en un futuro marcado por la sequía extrema, la película cuenta la historia de Nora, una mujer a las puertas de los 40 que acaba de pasar por un cáncer de mama y por fin puede reemprender su vida. Sin embargo, pronto sus planes se verán alterados por la aparición de Max, un joven de 23 años.

Caso 137

Dominik Moll, el realizador alemán afincado en Francia y autor de thrillers como La noche del 12, regresa a su género predilecto con este nuevo thriller encuadrado en el cuerpo de policía. Stéphanie (Léa Drucker), agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París. Si bien no encuentra pruebas de violencia policial ilegítima, el caso adquiere un cariz personal al descubrir que la víctima es de su ciudad natal y transformará el caso 137 en algo más que un simple número.

Dreams

Desde que ganase el Oscar en 2022 por Los ojos de Tammy Faye, Jessica Chastain no se ha prodigado en la gran pantalla tanto como quizá le hubiera gustado a sus seguidores. Y, cuando lo ha hecho, ha sido bajo la dirección de Michel Franco, como sucedió con Memory y sucede ahora con Dreams. En ella, Chastain da vida a una acaudalada empresaria que mantiene un romance furtivo con un profesor de ballet. Sin embargo, este es un mexicano sin papeles que precisará de su ayuda para poder formalizar su situación en Estados Unidos. Mientras ambos buscan un punto de unión, la verdadera naturaleza de cada uno saldrá a la luz cuando vengan mal dadas.

La escritora argentina Paula Klein ha ganado la cuarta edición del premio Lumen de novela por El amor inventado. El premio está dotado con 30.000 euros y la publicación en todo el territorio de habla hispana. Participará el jurado, compuesto por las escritoras Ángeles González-Sinde, Elena Medel y Sabina Urraca; Lola Larumbe, directora de la librería Rafael Alberti en Madrid, y María Fasce, directora literaria de Lumen.

“Me llevó dos años de escribir. Intenta responder a una pregunta como es si de verdad conoces a la persona con la que duermes cada noche”, contaba Klein nada más ser anunciada como ganadora. Los protagonisas son una pareja de periodistas, de los cuales Klein se inspiró en varias relaciones reales que se distanciaron por ficcionalizar el sistema de la prensa. “No es basada en hechos reales, sino que use hechos de la realidad para contar una ficción completa”, aclaraba.

Klein detallaba que le costó encontrar una estrcutura adecuada para plasmar el amor conyugal y como juegan las mentiras un papel fundamental en esta. Citando Ms. Dalloway de Virginia Woolf o El adversario de Emmanuel Carrere como referentes, Klein dirigía su mirada hacia los solteros de la sala para desmitificar la idea del matrimonio. “Siempre me pareció que los matrimonios funcionan mejor cuando gestionan los silencios y la omisión, y no el contarse todo. Nunca vamos a conocer del todo a la persona que tenemos al lado”.

Paula Klein, escritora argentina nacida en Buenos Aires en 1986, es doctora en Literatura Comparada por la Universidad de Poitiers y licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires. Reside en Francia, donde se desempeña como profesora titular en la Université Clermont Auvergne. Su labor académica y de investigación se centra en la literatura latinoamericana contemporánea, especialmente en los cruces entre literatura, archivo y el “giro documental” en la narrativa del Cono Sur.

En 2021 publicó su primera novela, La luz de una estrella muerta, una ficción documentada que explora la figura del artista Alberto Greco y la vida cultural de los argentinos en París. Ese mismo año editó el ensayo Petites mémoires et écriture du quotidien. Cortázar, Perec et leurs échos contemporains, que recibió el premio PSL-Translitterae. En 2023 apareció su segunda novela, Las brujas de Monte Verità (Lumen). Además, ha participado en la codirección de publicaciones académicas sobre literatura latinoamericana y la obra de Cortázar. Su perfil combina la docencia universitaria, la investigación y la escritura de ficción y ensayo, con un enfoque en los vínculos entre literatura, historia y política.

La editorial Lumen, fundada en 1960 en Barcelona por Esther Tusquets, ha construido un catálogo que reúne a numerosas figuras de la literatura universal, abarcando novela, ensayo, poesía y gráfica. Este sello, conocido por su apuesta temprana por la literatura escrita por mujeres y por descubrir obras revolucionarias, mantiene vivas las voces de autoras como Alejandra Pizarnik, Anne Carson y Toni Morrison, junto a escritoras contemporáneas como Alia Trabucco Zerán y Sara Barquinero. A lo largo de sus más de seis décadas, Lumen se ha consolidado como un referente en la publicación de clásicos y nuevas propuestas literarias. En su trayectoria, destacan títulos emblemáticos como Apocalípticos e integrados de Umberto Eco y Mafalda de Quino, así como la difusión de fenómenos editoriales como el de Elena Ferrante.

Nuevas generaciones y continuidad

Entre 1994 y 1999, Lumen convocó el Premio Femenino Lumen, un galardón dedicado a reconocer el talento literario de mujeres. El jurado estuvo integrado por escritoras de renombre, entre ellas Nora Catelli, Ana María Matute y Elena Poniatowska, junto a la editora Esther Tusquets. Durante ese periodo, el premio impulsó las carreras de autoras como Ángeles de Irisarri, Ana Rodríguez Fischer y Clara Usón, quienes resultaron ganadoras con obras que hoy forman parte del acervo literario contemporáneo. Cada una de estas escritoras aportó relatos y personajes que enriquecieron el panorama de la literatura de su tiempo. El reconocimiento no solo visibilizó el trabajo de escritoras ya consolidadas, sino que también abrió espacio a nuevas voces. Esta distinción se convirtió en una plataforma para la literatura femenina, contribuyendo a diversificar y fortalecer el canon literario.

En 2023, la escritora argentina Leticia Martin fue reconocida con el premio por su novela Vladimir, una obra que, según Elvira Lindo, introduce al lector en un territorio ambiguo entre el sueño y el castigo. Pilar Castro, de El Cultural, destacó la capacidad de la autora para evocar múltiples historias con un estilo sencillo y fluido. Un año después, la argentina de origen bielorruso Natalia Litvinova fue la ganadora con Luciérnaga, definida por Alana S. Portero como “una novela oscura y tierna, escrita con el poder de la mejor poesía y la cadencia del cuento tradicional”. La obra explora la belleza que puede surgir en medio de la adversidad y refuerza el compromiso de Lumen con la literatura de calidad.

El Premio Lumen ha servido como un espacio de encuentro para escritoras de distintas generaciones, consolidando una tradición que prioriza tanto el valor literario como la diversidad de perspectivas. La permanencia de este reconocimiento y la renovación constante de su catálogo reflejan la apuesta de la editorial por impulsar el talento femenino y por dialogar con las nuevas tendencias de la narrativa contemporánea. El galardón ha revitalizado la visibilidad de escritoras en español, permitiendo que sus historias accedan a públicos más amplios y manteniéndose como un referente de excelencia dentro del panorama editorial.

El cineasta Steven Spielberg reafirmó su rechazo a colaborar con Netflix, subrayando su compromiso con el formato tradicional de las grandes salas y el celuloide de 70mm. En declaraciones recientes a ITV News, Spielberg fue categórico: “Yo nunca haría una película para Netflix, a menos que fuera alguien que hace películas destinadas a enviarse como pequeñas cintas o DVDs a individuos”. Para Spielberg, la esencia de su oficio radica en el encuentro colectivo que solo puede ofrecer una sala llena de espectadores. Aseguró: “Soy un cineasta que cree en las grandes películas, en experiencias teatrales de 70mm”. El director considera que la energía de una audiencia, donde extraños ríen o se asustan juntos, es insustituible y no puede replicarse en una pantalla doméstica.

El realizador dejó claro que su objetivo es crear obras para “grandes recintos”, no para dispositivos personales. Si trabajara para Netflix, explicó, sabría que sus películas solo serían vistas “por millones de personas en sus pantallas hogareñas”, lo que contradice su visión sobre el destino de una película. Así, Spielberg reafirmó que la experiencia cinematográfica no solo depende de la imagen y el sonido, sino del espacio compartido y la reacción colectiva. A diferencia de Apple y Amazon, que han apostado por estrenos amplios en salas para varios de sus títulos, Netflix se mantiene renuente a adoptar ese modelo. La empresa suele limitar la exhibición en cines de sus producciones candidatas al Oscar a una semana, apenas lo suficiente para cumplir con los requisitos de la Academia.

Recientemente, Netflix hizo una excepción con Narnia, dirigida por Greta Gerwig, que tendrá un estreno de 45 días en cines. Sin embargo, poco después del anuncio, el jefe de cine de Netflix, Dan Lin, declaró que la compañía no trabajará en el futuro con cineastas que exijan estrenos teatrales amplios. La posición de Netflix contrasta con la de otros estudios y plataformas que han buscado equilibrar la distribución en salas y el streaming. Esta diferencia marca una línea divisoria en la industria sobre el valor y la función de la exhibición tradicional en la era digital.

El papel de Netflix en el cine de autor

Pese a la resistencia de Spielberg, Netflix ha servido de refugio para directores que buscan concretar proyectos personales. Cineastas como Noah Baumbach, David Fincher, Martin Scorsese, Joel Coen, Jane Campion, Alfonso Cuarón, Todd Haynes y Guillermo del Toro han encontrado en la plataforma la financiación necesaria para llevar a cabo películas que, de otro modo, tal vez no habrían visto la luz.

Entre las producciones más reconocidas en esa lista se encuentran Roma, El irlandés y La balada de Buster Scruggs. El caso plantea un debate sobre el futuro del cine de autor: ¿algunas de estas obras existirían sin el respaldo de Netflix? Mientras algunos directores priorizan la viabilidad de sus proyectos frente a las limitaciones de la distribución tradicional, Spielberg se mantiene firme en su apuesta por el cine como “gran espectáculo” compartido. Por ahora, el director de E.T. y Jurassic Park descarta cualquier colaboración con la plataforma y sigue defendiendo el valor de la experiencia colectiva en pantalla grande como el núcleo de su vocación cinematográfica.

Sir Ian McKellen sorprendió a una multitud de más de dos mil personas en un cine al aire libre en Roma al compartir detalles inéditos de su regreso como Magneto en la próxima película Vengadores: Doomsday. El actor británico, de ochenta y siete años, reveló el truco que utilizó para expresar furia en una de las escenas clave del rodaje: imaginar la destrucción de algo que detesta profundamente.

Durante su intervención en el festival Cinema in Piazza, McKellen relató cómo los directores Anthony y Joe Russo le pidieron un nivel de furia aún mayor para una secuencia en la que Magneto debía desatar su poder destructivo. “Me dijeron: tienes que parecer que odias lo que destruyes”, explicó el actor. Para lograr esa expresión en pantalla, confesó que, en vez de pensar en Nueva Jersey —el destino ficticio del ataque—, gritó “Mar-a-Lago” mientras ejecutaba el gesto, provocando risas y aplausos en la audiencia. En palabras de McKellen, la indicación de los Russo fue clara: debía transmitir odio y rabia genuinos en el rostro de Magneto. Así, el actor optó por un recurso personal: “Grité ‘Mar-a-Lago’ y sentí cómo la energía cambiaba”, contó ante los espectadores, haciendo referencia al complejo poseído por Donald Trump. El episodio, que se produjo durante la grabación de una de las escenas de destrucción masiva de la película, fue recibido con entusiasmo por los asistentes, muchos de ellos seguidores de la saga de Marvel.

Esta confesión resume el enfoque interpretativo de McKellen en su regreso al universo cinematográfico de Marvel. El propio actor subrayó que encontrar una motivación interna auténtica facilita la conexión con el personaje. Su capacidad para transformar una indicación técnica de dirección en una reacción visceral generó uno de los momentos más comentados de la noche en Roma. La escena en cuestión forma parte de Vengadores: Doomsday, la trigésima novena película del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), cuyo estreno está previsto para diciembre. En ella, se produce el esperado retorno de los X-Men interpretados por McKellen y Sir Patrick Stewart, bajo la dirección de los hermanos Russo, responsables de Vengadores: Endgame, la segunda película más taquillera de la historia.

Magneto y los X-Men regresan al MCU

El regreso de Magneto y Charles Xavier marca un cruce de generaciones y universos dentro de la franquicia de Marvel. McKellen y Stewart, figuras centrales en las adaptaciones previas de X-Men, se suman al reparto estelar de Vengadores: Doomsday, que busca continuar el éxito global de Endgame, película que recaudó $2.800 millones en taquilla. El evento en Roma sirvió como antesala exclusiva para mostrar imágenes nunca vistas de la nueva entrega. McKellen se levantó de su asiento para recrear ante el público la escena de la destrucción, ilustrando con gestos y una energía contagiosa el momento en que Magneto libera su ira. Los asistentes respondieron con ovaciones y risas, celebrando el humor y la sinceridad del actor.

Además de hablar sobre su trabajo como Magneto, McKellen aprovechó la velada para compartir recuerdos personales ligados al cine. Presentó una proyección de Las vacaciones del señor Hulot, la comedia francesa de Jacques Tati de 1953, y evocó la emoción de haber visto la película a los catorce años junto a un amigo del que estaba enamorado. El actor describió a Hulot como una figura tan poderosa en la historia del cine como Charles Chaplin o Buster Keaton, y destacó la inspiración que supuso para personajes como Mr. Bean.

La presencia de McKellen en Roma coincide con una etapa activa de su carrera, tras recuperarse de una caída sufrida en 2024 durante una función teatral. En el último año, el actor ha estrenado la película The Christophers, dirigida por Steven Soderbergh, y ha participado en una innovadora instalación escénica en Nueva York. Fuera del escenario, McKellen se ha involucrado en causas sociales y culturales: inauguró un centro de artes escénicas en el condado de Durham, participó en una marcha contra la criminalización de las personas LGBTQ+ en países de la Commonwealth y develó una placa azul de la English Heritage en la antigua residencia de Laurence Olivier en Londres.

En su intervención en Roma, el actor también adelantó que viajará próximamente a Nueva Zelanda para retomar el papel de Gandalf en la nueva producción El señor de los anillos: La caza de Gollum, dirigida por Andy Serkis y producida por Peter Jackson. Según McKellen, esta historia “contará algo que no creo que Tolkien haya escrito”, generando expectativas entre los seguidores de la saga. La noche en Roma dejó la imagen de un actor que, a sus ochenta y siete años, sigue renovando su vínculo con el cine, el teatro y el público. Su método para expresar furia en Avengers: Doomsday —imaginar la destrucción de aquello que odia— se suma a la larga lista de anécdotas de una carrera marcada por la entrega y la autenticidad.

La esperada adaptación de Harry Potter para HBO suma un elemento inédito con la incorporación de Peter Serafinowicz como Peeves el Poltergeist, un personaje clave de las novelas que nunca apareció en las películas originales. La noticia ha generado expectativa entre los seguidores del universo creado por J.K. Rowling, quienes durante años pidieron ver al travieso fantasma en pantalla. Peeves, descrito como un espíritu bromista y revoltoso que recorre los pasillos de Hogwarts, es considerado un favorito entre los lectores. Su ausencia en la saga cinematográfica siempre fue motivo de comentarios y debates dentro del fandom. Según se informó, la nueva serie de HBO recupera la figura de Peeves y le asigna un papel activo, marcando así una diferencia relevante respecto a las adaptaciones previas.

La elección de Serafinowicz para dar vida a este curioso fantasma ha sido celebrada por parte de la comunidad de seguidores. El actor británico cuenta con una trayectoria amplia en cine, televisión y animación. Entre sus papeles más reconocidos figuran Edgar Covington en Parks and Recreation y Denarian Saal en Guardianes de la galaxia, además de su participación en la reciente versión en acción real de Cómo entrenar a tu dragón. También es conocido por su trabajo de voz, que abarca desde Darth Maul en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma hasta Big Daddy en las películas animadas ¡Canta! y ¡Canta! 2.

La presencia de Peeves en la serie representa un ajuste significativo respecto a las películas dirigidas por Warner Bros. En ellas, el personaje fue eliminado en la etapa de montaje. Originalmente, el comediante británico Rik Mayall había filmado escenas como Peeves, pero su participación fue descartada por cuestiones de tiempo. Mayall, fallecido en 2014, llegó a relatar en entrevistas que su trabajo quedó fuera del corte final, aunque recibió la compensación correspondiente y entradas para el estreno, las cuales pasaron a sus hijos. Según las declaraciones de Mayall, estos incluso pensaron que él interpretaba a Hagrid, al no reconocerlo en la película. La decisión de HBO de incluir por primera vez a Peeves en una adaptación audiovisual responde a la intención de ofrecer una versión más fiel y detallada de las novelas. Desde su anuncio inicial, los responsables de la producción subrayaron que buscarían “ir más allá” de lo visto en el cine, profundizando en historias, personajes y matices que no pudieron desarrollarse en películas de dos horas.

Un elenco renovado para una nueva generación

El anuncio de Serafinowicz se suma a la revelación del reparto principal de la serie, encabezado por Dominic McLaughlin en el papel de Harry Potter. Arabella Stanton asumirá el rol de Hermione Granger y Alastair Stout el de Ron Weasley. El elenco también incluye a John Lithgow como el director de Hogwarts, Albus Dumbledore, Janet McTeer como la profesora McGonagall, Paapa Essiedu en el papel de Snape y Nick Frost como Rubeus Hagrid.

La serie, escrita y producida por Francesca Gardiner, planea abordar cada una de las siete novelas de Rowling en temporadas separadas, con el objetivo de explorar a fondo el universo mágico. Mark Mylod, reconocido por su trabajo en televisión, dirigirá varios episodios y ejercerá como productor ejecutivo junto a J.K. Rowling, Neil Blair, Ruth Kenley-Letts y David Heyman, este último responsable de la saga cinematográfica original. La adaptación de HBO se perfila como uno de los proyectos televisivos más ambiciosos del año. Según JB Perrette, presidente de streaming y videojuegos de Warner Bros. Discovery, la serie busca ampliar el alcance de la franquicia con una producción que apuesta por el detalle y el desarrollo narrativo: “El nivel de detalle y lo que han construido lleva lo teatral a un nuevo nivel”.

El estreno de la primera temporada está previsto para diciembre, exclusivamente por HBO Max, mientras que la segunda ya se encuentra en fase de producción. La serie es una coproducción entre HBO, Brontë Film and TV y Warner Bros. Television, con la participación directa de la autora J.K. Rowling en la supervisión creativa. La llegada de Peeves a la pantalla marca un hito para los fanáticos que esperaban ver por fin al poltergeist en acción, aportando un nuevo matiz a una saga que sigue reinventándose para las nuevas generaciones.

Mientras los goles siguen llegando y las selecciones van sumando sus primeros puntos, el cine no se queda atrás. Tras repasar la historia de grupos con grandes naciones de tradición cinéfila como México, Estados Unidos, República Checa, Brasil o Canadá, es el momento de continuar con un nuevo cuadro poblado de nuevas y grandes historias por descubrir.

El Grupo E del Mundial reúne a Alemania, Curazao, Costa de Marfil y Ecuador, y permite leer el torneo también como un mapa cinematográfico. Alemania, en particular, es el caso más evidente: una tradición profunda y múltiple, capaz de abarcar desde el expresionismo más radical hasta la Nueva Ola alemana y, ya en el presente, un cine de autor que mantiene vigencia internacional. En ese recorrido histórico está buena parte de la intensidad del cine alemán, mientras que el resto de combinados poseen industrias mucho más modestas.

Alemania

El expresionismo alemán de los años 20 es una de las grandes invenciones del cine moderno. Directores como Fritz Lang, con Metropolis y M, el vampiro de Düsseldorf o F. W. Murnau, con Nosferatu y Amanecer, construyeron un lenguaje visual que jugaba con la luz, la sombra y la arquitectura para expresar angustia, poder y destino. En esas películas, el escenario no es solo un decorado: es un reflejo de la psique. El expresionismo hizo posible que el cine hablara de lo interior, y esa huella se sigue sintiendo en el cine de terror, en el thriller y en la propia estética de Hollywood.

En los años 60 y 70, la Nueva Ola del cine alemán renovó esa tradición con una mirada más crítica y política. Rainer Werner Fassbinder es una figura central, con obras como Todos nos llamamos Alí o Lola, donde la emoción, la historia y la crítica social se entrelazan con una intensidad casi teatral. Wim Wenders, con El cielo sobre Berlín o Paris, Texas, y Werner Herzog, con Aguirre, la locura de Dios o Fitzcarraldo, llevaron el cine alemán hacia el paisaje, el límite y la obsesión. El cine de esta época no solo desnudó la historia reciente de Alemania, sino que lo hizo con una libertad estética que convirtió el país en una de las grandes referencias del cine europeo.

El cine alemán actual mantiene esa energía, aunque con registros más diversos. Michael Haneke, aunque de origen austriaco y con una carrera internacional, es parte de esa tradición de rigor moral y observación fría, representada en títulos como La cinta blanca. En el presente, directores como Florian Henckel von Donnersmarck, con La vida de los otros, Maren Ade con Toni Erdmann o Christian Petzold, con Ondina o la reciente Espejos Número 3, han consolidado una voz que combina política, memoria e intimidad. Alemania sigue siendo un país donde el cine puede ser tanto un espejo de su historia como un espacio de experimentación estética.

Curazao

Curazao es un caso distinto: una cinematografía pequeña, casi en formación, pero con una presencia que empieza a ser visible en el mapa del cine caribeño y latinoamericano. No hay una gran industria, pero existen iniciativas de producción, festivales y coproducciones que permiten que el cine isleño crezca poco a poco. En ese contexto, el cine de Curazao suele articularse desde una mirada íntima, interesada en la identidad, la lengua y las tensiones entre tradición y modernidad. La película que mejor representa al país a día de hoy es Buladó, de Eché Janga, que retrata la historia de un joven en Curazao y la difícil relación entre su padre y abuelo, representantes de dos generaciones muy distintas de aborígenes.

La isla ha sido escenario de varias producciones internacionales, lo que no significa que su propia voz sea solo acompañamiento. Lo interesante es que, en ese proceso, se está construyendo una sensibilidad propia, que busca narrar la vida caribeña desde dentro, sin caer en el cliché turístico. El cine de Curazao, cuando aparece, suele ser un cine de recuerdos, de familias, de lenguas en contacto, y eso lo hace particularmente honesto. En un país así, el cine funciona más como proyecto que como tradición consolidada. La pregunta no es todavía “¿qué ya hemos hecho?”, sino “¿cómo queremos contar lo que somos?”. Esa condición de cine en construcción no es una debilidad, sino una etapa: el relato de Curazao está empezando a escribirse, y es precisamente por eso que resulta interesante seguirlo.

Costa de Marfil

Costa de Marfil representa un escenario muy particular: el de un cine africano que ha ido ganando presencia internacional sin depender de grandes estructuras industriales. En los últimos años, el país ha producido obras que han viajado a festivales europeos y han logrado una atención que va más allá de su tamaño. El cine de Costa de Marfil suele estar muy atento a la vida cotidiana, a las relaciones familiares, a las tensiones entre tradición y cambio, y a la condición de la mujer en la sociedad contemporánea.

La historia del cine en la región está ligada, en parte, al trabajo del francés Jean Rouch, quien con La Pyramide humaine (1961) realizó una de las primeras incursiones importantes en la filmografía costamarfilesa. Aunque Rouch era francés, su trabajo en Abidján abrió caminos para que el cine local pudiera verse con otros ojos, más cercanos a la experiencia de la gente que a la mirada externa. Junto a esa tradición, Timité Bassori llevó adelante una voz propia con obras como Le Femme au couteau, donde la mujer, la familia y las tensiones sociales se entrelazan con una sensibilidad que no es puramente documental ni puramente narrativa, sino algo intermedio.

En el presente, esa línea se ha renovado con directores como Philippe Lacôte, cuyo La Nuit des rois ha colocado al cine de Costa de Marfil en el mapa internacional con una mezcla de realismo, atmósfera y una estética que juega con la noche, la ciudad y los límites entre lo real y lo mítico. La Nuit des rois no solo narra una historia, sino que construye un mundo visual donde la noche se vuelve un personaje más. El cine de Costa de Marfil, en suma, ha logrado pasar de una tradición ligada a la mirada externa a una voz propia, que busca narrar la realidad con una perspectiva que se siente parte de la comunidad.

Ecuador

Ecuador completa el grupo con una cinematografía que ha ido consolidando una voz propia en los últimos años. El cine ecuatoriano suele moverse entre el realismo social y la observación íntima, con una sensibilidad que busca entender la identidad desde lo cotidiano. Directores como Sebastián Cordero han sido fundamentales en ese proceso, con obras como Crónicas o Ratas, ratones, rateros, que colocaron al cine ecuatoriano en el mapa internacional con una mezcla de tensión urbana y crítica social. Más recientemente, títulos como Alba, de Ana Cristina Barragán, han abierto camino para que el cine de la región se vea con más atención, que han ido consolidando una voz que combina política, memoria e intimidad. El cine ecuatoriano, en suma, suele ser un cine de grietas, de personajes en conflicto, de historias que no se resuelven fácilmente.

Visto en conjunto, el Grupo E funciona casi como una conversación entre modelos de cine distintos. Alemania aporta profundidad histórica y diversidad de registros; Curazao, una escena emergente que está definiendo su voz; Costa de Marfil, un cine africano de proximidad y humanidad; y Ecuador, una tradición que combina realismo social y observación íntima. El fútbol organiza la competencia, pero el cine deja ver otra cosa: cómo cada país construye sus relatos, sus obsesiones y su manera de mirar el mundo.

Cuarto día de Mundial y cuarto grupo a analizar después de repasar los tres primeros en esta particular serie del Mundial de Cine. Tras hablar de las cinematografías de países como México, Chequia, Canadá, Brasil o Marruecos, entre otros, esta vez es el turno de un grupo de lo más desequilibrado, pues un país no solo es el más grande de su grupo, sino probablemente de todos. El lector se puede hacer una idea de cuál estamos hablando, porque la mayoría de películas que haya visto en su vida serán de él.

El Grupo D del Mundial, con Estados Unidos, Turquía, Paraguay y Australia, permite leer el torneo también como un mapa cinematográfico. Cada selección llega con una tradición distinta, más o menos consolidada, pero en todos los casos el cine ha servido para pensar la identidad, la memoria y los cambios sociales desde ángulos muy personales. En esa variedad está buena parte del interés del grupo.

Estados Unidos

Estados Unidos es, de los cuatro, el país con una industria más poderosa y visible, aunque eso no significa que su cine se reduzca al gran espectáculo de Hollywood. Junto a la maquinaria comercial, el país ha producido autores capaces de mirar la sociedad con más filo, desde Martin Scorsese hasta Sofia Coppola, pasando por Spike Lee o el reciente ganador del Oscar Paul Thomas Anderson, cada uno con una manera distinta de examinar la identidad, la familia y el poder.

En ese panorama, títulos como Taxi Driver, Lost in Translation o Do the Right Thing ayudan a entender por qué el cine estadounidense sigue siendo una referencia global: no solo por volumen, sino por su capacidad para convertir lo local en mito. El cine de este país ha sabido, en lo esencial, alimentar tanto el espectáculo masivo como la crítica más punzante, y esa dualidad es lo que lo mantiene en el centro del debate cultural. Para estos días nos quedamos con el que probablemente sea uno de sus mayores directores, John Ford, padre del western y autor de algunos de los mejores títulos que ha dado Estados Unidos, como Centauros del desierto o Quién mató a Liberty Valance.

Turquía

Turquía ofrece un perfil muy distinto, más sobrio y autoral, donde la fuerza del cine depende menos de la industria que de la personalidad de sus directores. Nuri Bilge Ceylan es probablemente su nombre más reconocido, y películas como Érase una vez en Anatolia o Sueño de invierno —ganadora en el Festival de Cannes de 2014— muestran una mirada contemplativa, paciente y muy atenta al conflicto moral. Antes que él, Yılmaz Güney había marcado una tradición de compromiso político y realismo áspero, y más recientemente Fatih Akin ha tendido puentes entre Turquía y Europa con obras como Contra la pared.

Aunque su fuerte está desde hace años en las series, con sus ya famosas telenovelas, el cine turco suele moverse entre la intimidad y el paisaje, entre el dilema familiar y la tensión histórica, como si cada plano tuviera que negociar con una identidad compleja. No hay grandes gestos, sino una observación constante de lo que se cocina bajo la superficie: las relaciones, las heridas no dichas, las contradicciones de una sociedad que cambia rápido.

Paraguay

Paraguay representa una cinematografía mucho más pequeña, pero precisamente por eso muy interesante cuando logra hacerse visible. En los últimos años, el país ha ido construyendo una escena que combina documental, ficción social y una relación muy directa con la experiencia cotidiana. Obras como Matar a un muerto, de Hugo Giménez, o el drama lésbico Las herederas, de Marcelo Martinessi, han colocado al cine paraguayo en el mapa internacional con una mezcla de austeridad y precisión emocional.

En ese contexto, la fuerza no está en la escala sino en la mirada: relatos contenidos, personajes al límite y una sensibilidad que encuentra en lo doméstico y lo social una misma tensión narrativa. El cine paraguayo no busca imponerse con volumen, sino con persistencia, y eso lo hace particularmente honesto.

Australia

Australia completa el grupo con una tradición más amplia de lo que a veces se supone, marcada por una constante conversación entre paisaje, aislamiento e identidad nacional. Peter Weir fue una figura central en la construcción de esa mirada, con películas como Picnic en Hanging Rock o Gallipoli, donde el territorio se vuelve casi un personaje más. A su lado, George Miller llevó el cine australiano a otra dimensión con Mad Max, una saga que transformó un entorno hostil en un universo visual de enorme potencia. También Jane Campion, aunque asociada a una carrera más internacional, partió de un impulso australiano muy claro en títulos como El piano, donde el espacio, el silencio y la subjetividad adquieren un peso extraordinario.

Visto en conjunto, el Grupo D funciona casi como una conversación entre modelos de cine distintos. Estados Unidos aporta amplitud y centralidad industrial; Turquía, densidad autoral y reflexión; Paraguay, una escena emergente que se abre paso con voz propia; y Australia, una tradición marcada por el paisaje y la energía visual. El fútbol organiza la competencia, pero el cine deja ver otra cosa: cómo cada país construye sus relatos, sus obsesiones y su manera de mirar el mundo.

Según información publicada por el diario británico Daily Mail, varios paquetes con material de entrenamiento desaparecieron entre la salida desde West Palm Beach y la llegada a la «Soccer Village» de Kansas City, donde Inglaterra se instalará durante la fase de grupos. Entre los objetos sustraídos figuran las botas de Harry Kane, Jude Bellingham y Anthony Gordon, así como balones oficiales, dispositivos de análisis de rendimiento y material técnico de uso diario.

La delegación inglesa detectó la falta del equipamiento apenas arribó a la sede. Algunos jugadores solo llevaban las botas que calzaban durante el traslado, mientras que el resto del calzado, hecho a medida para la competición, no llegó a su destino. Además, se reportó la desaparición de buena parte de los balones de entrenamiento: según algunas versiones, solo quedó uno disponible para las prácticas tras el robo. El robo afecta directamente la preparación del plantel. Fuentes de la Federación Inglesa explicaron que el material sustraído es clave para la rutina diaria de los jugadores y para la planificación táctica del cuerpo técnico. La pérdida de dispositivos de análisis y pizarras tácticas representa un desafío adicional para el entrenador Tuchel y su staff, que deben reorganizar el trabajo a contrarreloj antes del debut ante Croacia previsto para el miércoles en Dallas.

La policía de Kansas City, ciudad anfitriona de la delegación inglesa durante la fase de grupos, confirmó la detención de dos sospechosos vinculados al robo. Las investigaciones continúan para recuperar el material y esclarecer los hechos. La Federación Inglesa mantiene la coordinación con las autoridades locales y con la organización del torneo para reforzar la protección de sus pertenencias. El incidente cobra especial gravedad porque involucra la desaparición de elementos personalizados, como las botas de los futbolistas, confeccionadas para optimizar el rendimiento y adaptadas a las necesidades de cada jugador. La ausencia de este material obliga a buscar soluciones urgentes y reconfigurar la logística del equipo, en el inicio de una de las competiciones deportivas más seguidas del planeta.

Inglaterra recupera el material

Este sábado, la policía de Kansas City ha anunciado que ha recuperado la mayoría del material robado.

Un portavoz de la Policía de Kansas City, el sargento Phil DiMartino, informó que dos personas fueron puestas bajo custodia en la noche del viernes mientras continúa la investigación.

El alcalde de Kansas City, Quinton Lucas, explicó a la cadena de televisión KSHB que las autoridades locales, estatales y federales trabajan para determinar dónde se produjo exactamente el robo y si existen más implicados.

Inglaterra eligió Kansas City como base de operaciones por su ubicación estratégica, pese a que no disputará partidos de la fase de grupos en esa ciudad. Su debut en el Grupo L está previsto para el 17 de junio ante Croacia en Dallas, antes de medirse a Ghana en Boston el 23 de junio y a Panamá en Nueva York/Nueva Jersey.

Aaron Sorkin, creador y director de The Social Reckoning, reveló el motivo detrás de la ausencia de Jesse Eisenberg en la esperada secuela de La red social. El cineasta explicó que el actor rechazó volver a interpretar a Mark Zuckerberg porque no desea seguir asociado al fundador de Facebook. Sorkin intentó convencerlo durante tres días, pero Eisenberg mantuvo su decisión, marcando así un cambio relevante en la continuidad del personaje para la nueva producción.

El propio Sorkin, responsable del guion tanto de la cinta original como de la secuela, detalló en una entrevista reciente con Vanity Fair que la negativa de Eisenberg obedece a una cuestión personal. Según el director, el actor “simplemente no quiere ser más confundido con Mark Zuckerberg”. Sorkin añadió que Eisenberg “tiene sus problemas con el tipo” y citó situaciones incómodas que el intérprete ha vivido, como el hecho de que jóvenes se le acerquen en aeropuertos con tarjetas que dicen “I’m CEO, bitch” para que las firme. Esta decisión pone fin a una etapa para Eisenberg, quien obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor principal por su trabajo en The Social Network en 2010. El filme, dirigido por David Fincher y escrito por Sorkin, se convirtió en un referente sobre el auge de las redes sociales y el fenómeno Facebook, consolidando la imagen pública de Eisenberg como el rostro cinematográfico de Zuckerberg.

A lo largo de los años, el vínculo entre Eisenberg y el personaje de Zuckerberg se convirtió en una carga para el actor. El propio Eisenberg reconoció públicamente que su negativa a regresar en la secuela no tiene que ver con la calidad del nuevo guion ni con el equipo de producción. “Por razones que no tienen nada que ver con lo increíble que será esa película, de verdad, sinceramente. Pero cuando interpretas a un personaje, sientes que en algún momento te has convertido en otra cosa”, declaró el actor durante una entrevista en el programa Today el año pasado. Eisenberg, que tras The Social Network continuó su carrera en proyectos como A Real Pain, buscó distanciarse de la figura de Zuckerberg y de las implicancias mediáticas asociadas a ese rol. El actor explicó que la exposición derivada de su interpretación llegó a afectarlo en su vida cotidiana, sobre todo por la intensidad con que el público fusionó su imagen con la del fundador de Facebook.

Jeremy Strong, el relevo

Sorkin relató que realizó varios esfuerzos para que Eisenberg reconsiderara su decisión. El director recordó que se reunió con el actor durante tres días, intentando persuadirlo de asumir nuevamente el papel que lo llevó a la fama internacional. “Sentía que el personaje le pertenecía, y él estaba más que probado en ese rol”, afirmó Sorkin en la entrevista. La relación entre ambos se mantuvo cordial, pero la postura de Eisenberg fue definitiva. El contacto inicial sobre la secuela ocurrió en la fiesta de los premios Oscar de Vanity Fair en 2025, donde Sorkin aprovechó para mencionar el nuevo guion. En ese mismo evento, el cineasta se cruzó con Jeremy Strong, quien, ante la posibilidad de que Eisenberg rechazara el papel, se postuló espontáneamente como candidato para interpretar a Zuckerberg.

Ante la negativa de Eisenberg, Jeremy Strong fue seleccionado para encarnar a Zuckerberg en la secuela. Sorkin destacó la actitud del actor desde el comienzo del rodaje: “Apenas llegó el primer día, cuando me saludó ya estaba hablando como Mark”. Strong, conocido por su trabajo en Succession y The Apprentice, asumió el reto de dar continuidad a un personaje icónico para una nueva etapa narrativa. La producción de The Social Reckoning cuenta también con Jeremy Allen White, Mikey Madison, Betty Gilpin y Patrick Fischler en el elenco. El estreno está programado para el 9 de octubre, y el primer tráiler ya fue lanzado, generando expectativa sobre el enfoque renovado que aportará la interpretación de Strong.

La ausencia de Eisenberg marca un cambio significativo en la franquicia, que mantiene a Sorkin como guionista y director. El propio cineasta reconoció el legado de la primera película y la dificultad de encontrar un nuevo rostro para Zuckerberg. La declaración de Eisenberg —“ya no quiere que lo comparen con él”— sintetiza el desgaste y la complejidad de mantener un personaje tan identificado con un fenómeno real y global como Facebook. The Social Reckoning buscará ahora consolidar su propia identidad con un reparto renovado, mientras el público y la crítica esperan ver cómo se resuelve la transición entre dos etapas marcadas por la figura de Zuckerberg en la pantalla.

Cruise celebró el estreno de El día de la revelación (Disclosure Day) con un reencuentro junto a Dakota Fanning y Colin Farrell, sus compañeros en las películas de Steven Spielberg. El evento, realizado el lunes, reunió a los protagonistas de La guerra de los mundos y Minority Report en una función especial para homenajear al director y acompañar el lanzamiento de su nueva película. La noche quedó reflejada en las redes sociales de Cruise, quien compartió una imagen junto a Fanning y Farrell, sosteniendo un busto de Spielberg ante un teatro lleno. El actor quiso destacar la importancia de su relación profesional y personal con Spielberg, así como el valor de estas colaboraciones en su carrera.

En su publicación, Cruise expresó: “No hay nada mejor que una noche de cine de verano con una película de Spielberg en un teatro lleno, rodeado de amigos.” El actor agradeció al director: “Steven, gracias por todas las horas de alegría que nos has brindado en el cine. Ha sido un gran honor y un placer haber trabajado contigo y poder llamarte mi amigo.” A continuación, Cruise añadió: “Felicidades a mi querida amiga Emily y a todo el grupo de artistas que creó esta película. Estuvisteis soberbios. ¡A todos nos encantó ‘Disclosure Day’!”

La reunión de Tom Cruise con Colin Farrell y Dakota Fanning reunió a tres nombres asociados a la filmografía de Spielberg. Cruise y Farrell compartieron cartel en Minority Report (2002), mientras que Fanning interpretó a la hija de Cruise en La guerra de los mundos (2005). La fotografía compartida por Cruise muestra a los tres actores reunidos para celebrar el nuevo estreno y rendir homenaje a quien consideran una figura clave en sus trayectorias. El busto de Spielberg en la imagen funcionó como símbolo del reconocimiento y la admiración que los actores sienten por el director. El ambiente festivo y la emoción del público reflejaron el significado especial que tuvo la velada para todos los presentes.

La película de la que todos hablan

La función de Disclosure Day marcó el inicio de la temporada de cine de verano para Cruise, quien impulsó la celebración como una oportunidad para revivir la experiencia colectiva del cine en pantalla grande. La sala, completamente llena, fue testigo del entusiasmo generado por la nueva obra de Spielberg y del espíritu de comunidad que caracteriza estos eventos. Cruise aprovechó la ocasión para subrayar el valor de la experiencia cinematográfica compartida, destacando el papel de Spielberg en la creación de momentos memorables para el público. Para el actor, asistir a un estreno del director es una tradición que combina el respeto profesional con la amistad personal.

Las palabras de Cruise durante la celebración hicieron hincapié en la influencia de Spielberg en su vida y carrera. El actor reiteró el honor de haber trabajado bajo sus órdenes y de mantener una amistad duradera. En su mensaje, Cruise agradeció a Emily y al equipo creativo de Disclosure Day: “Felicidades a mi querida amiga Emily y a todo el grupo de artistas que creó esta película. Estuvisteis soberbios.” El protagonista de Minority Report y War of the Worlds enfatizó la satisfacción de poder compartir estos logros en compañía de amigos y colegas, reforzando la relevancia de la colaboración artística en el cine.

La nueva película de Spielberg recibió comentarios de la crítica especializada. Según TheWrap, el filme se caracteriza por una realización visual que remite al cine de acción de los años noventa, con una puesta en escena pulida y un estilo marcado. El crítico William Bibbiani describió Disclosure Day como una obra que “tiene todo el brillo de una película de acción de primera categoría de los años noventa, de cuando los grandes estrenos se hacían con personalidad y estilo, aunque no siempre tuvieran sentido”. Bibbiani comparó la película con un episodio de The X-Files por su mezcla de misterio y acción, y destacó el nivel de entretenimiento logrado, aunque señaló que la coherencia narrativa no es el punto fuerte de la producción. Disclosure Day ya está disponible en salas de cine, con el respaldo de figuras emblemáticas y un homenaje explícito a la carrera de Spielberg.

Una reciente filtración sobre The Batman: Parte II ha provocado sorpresa entre los fanáticos del universo del Caballero Oscuro. Nuevos informes aseguran que Sebastian Stan, conocido por su participación en el universo cinematográfico de Marvel, no interpretará al villano que muchos esperaban, sino que dará vida a un personaje inesperado: Victor Zsasz. Esta revelación modifica las expectativas en torno al antagonista principal de la esperada secuela dirigida por Matt Reeves. Desde su anuncio, la secuela de The Batman ha estado envuelta en secretismo. Los rumores apuntaban a que Stan asumiría el rol de Harvey Dent, también conocido como Dos Caras, uno de los enemigos más emblemáticos de Gotham. Sin embargo, el periodista Jeff Sneider informó en The InSneider que el actor no será el nuevo fiscal de distrito caído en desgracia, sino que encarnará a un asesino serial conocido por marcar su piel con una cicatriz cada vez que comete un crimen.

La elección de Zsasz como villano introduce una variante oscura y violenta en la narrativa. Según Sneider, fuentes cercanas al proyecto describen que el guion de The Batman: Parte II presenta “algunas interpretaciones extrañas e interesantes” respecto a los personajes clásicos. La decisión de presentar a Zsasz como figura central, en lugar del tradicional Dos Caras, encaja con una visión más perturbadora y psicológica del universo de Gotham. El propio Sneider cita a un informante que define el tono de la película como “realmente loco”. La noticia ha generado debate entre los seguidores, quienes especulaban sobre la identidad del antagonista desde el anuncio de Stan en el reparto. Victor Zsasz, en los cómics, es un homicida que exhibe patrones rituales y un comportamiento extremo, lo que sugiere que la secuela podría apostar por una atmósfera más inquietante y violenta respecto a la primera entrega.

Junto a la confirmación de Zsasz como villano, la información divulgada apunta a la presencia de The Court of Owls (El Tribunal de los Búhos) dentro del guion. Este grupo, introducido en las historietas recientes de Batman, es una sociedad secreta que manipula los hilos del poder en Gotham desde las sombras. Sneider asegura que el libreto incorpora “elementos extraños” y que la inclusión de The Court of Owls forma parte de este enfoque renovado. Este giro representa una desviación respecto a adaptaciones anteriores, donde los antagonistas solían ser figuras solitarias y no organizaciones clandestinas. El periodista también menciona que otros personajes, cuyos nombres no se han divulgado oficialmente, podrían estar relacionados con esta organización, añadiendo capas de misterio a la secuela.

Un nuevo fiscal

Pese a que Stan no dará vida a Harvey Dent, el personaje sí formará parte de la trama. El actor Brian Tyree Henry interpretará al fiscal de distrito, según el reporte. Henry, conocido por su trabajo en Eternals y Atlanta, se suma así a una lista de intérpretes que han dado vida a Dent, entre los que destaca Billy Dee Williams, quien lo personificó en la película de 1989. La participación de Dent abre la puerta a tramas centradas en la corrupción y los dilemas morales dentro de Gotham, aunque por el momento no se ha especificado si el personaje desarrollará su transformación en Dos Caras durante la película.

El reporte también aclara la situación de otros nombres relevantes dentro del elenco. Se había especulado que Scarlett Johansson y Charles Dance interpretarían a la esposa y al padre de Harvey Dent, respectivamente. Sin embargo, la información más reciente sugiere que ambos encarnarán personajes originales, resultado de la combinación de diferentes figuras del universo Batman. Se desconoce si sus roles estarán conectados con The Court of Owls o si tendrán un peso significativo en la trama principal. La producción se ha mantenido hermética sobre detalles argumentales y la naturaleza de los nuevos personajes, alimentando las teorías y expectativas a medida que avanza el rodaje.

La dirección de la película está a cargo de Matt Reeves, quien también firma el guion junto a Mattson Tomlin. El elenco confirmado incluye a Robert Pattinson, Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Colin Farrell, Andy Serkis, Jeffrey Wright, Charles Dance, Jayme Lawson, Gil Perez-Abraham, Sebastian Koch y Brian Tyree Henry. La filmación está prevista para comenzar este mes en el Reino Unido. Warner Bros. ha fijado el estreno de The Batman: Parte II para el 1 de octubre de 2027, una fecha que los seguidores de Gotham ya marcan en el calendario ante el giro inesperado en la identidad del villano central.

La historia del fútbol femenino no tiene un lugar ni fecha concreta, pero se podría decir que en España empezó a labrarse un nombre en los campos de barro de Villaverde, barrio periférico de Madrid y donde se ambienta Pioneras: Solo querían jugar, la película que llega ahora a cines para explorar estos primeros pasos del deporte rey entre mujeres. Sus protagonistas y creadoras se reúnen con Infobae para hablar sobre la situación de aquella época y cómo no hemos cambiado tanto después de todos estos años, la dificultad de rodar escenas de fútbol de forma verosímil o mandar un recado a los altos dirigentes del fútbol actual.

“Jesús (Ulled Nadal), el productor, leyó un artículo sobre un polideportivo que estaban inaugurando en Villaverde y que llevaba el nombre de Victoria Hernández, una de las pioneras. Empezó a leer, vio que había material interesante y contactó con Marta, que tenía la espinita de ‘¿por qué no se me ha ocurrido esto a mí?’. Me parecía una historia increíble y desconocía la historia de estas mujeres”, recuerda Zebina Guerra, guionista de la película junto a la directora que menciona, Marte Díaz de Lope. La película toma como referencia a Hernández y el resto de jugadoras del histórico Club Olímpico Villaverde, las primeras en profesionalizar y sobre todo visibilizar más allá de un mítico partido en Vallecas entre las Folclóricas y las Finolis, con gente como Lola Flores, Marujita Díaz, Encarnita Polo o Rocío Jurado sobre el césped.

Rindiendo homenaje a las primeras

“Cuando le conté a mis padres la historia de ese partido, les pregunté si les sonaba y les mostré imágenes. Me dijeron que sí, algo recordaban, pero son cosas que quizá en su momento pasaron un poco desapercibidas o no llamaron la atención, tal vez porque no era un tema al que la gente prestara atención. Viéndolo ahora, no solo resulta curioso o exótico, sino que ayuda a entender cómo era la España en la que vivíamos”, reflexiona la directora, encargada ahora de aunar esas poderosas imágenes de archivo cedidas por RTVE con las filmadas con su propio equipo, ese que encabezan Sofía de Iznájar o Bruna Lucadamo. “En un principio, mi personaje estaba más basado en una persona real, pero la historia que se cuenta en la película no es la vida de esa persona. Me ayudó mucho ver entrevistas y vídeos de ella, imaginarme su vida, pero finalmente trabajé sobre lo que estaba escrito en el guion”, revela Sofía de Iznájar, encargada de dar vida a Nati, una de las jugadoras inspiradas en Victoria Hernández.

“Marta (la directora), no quiso hacer un trabajo de imitación ni ceñirse con total fidelidad a las vidas reales. Prefirió inspirarse y ficcionar, crear una mezcla. A mí me sirvió ver entrevistas de la persona en la que se inspira mi personaje, pero tampoco quería condicionarme demasiado, secunda Lucadamo, otra de las protagonistas del filme, mientras que ambas coinciden en que lo que más ilusión les hizo vino después de rodar. “Conocer a las mujeres reales fue muy emocionante. Cuando las vimos en el Festival de Málaga nos pusimos a llorar antes de saludarla. Sentimos mucho agradecimiento por poder contar su historia”.

La dificultad de rodar escenas de fútbol

En la película, como sucedió en la vida real, este grupo de chicas se encuentra con una gran oposición por parte de la sociedad de la época, contraria a que las mujerese pudiesen profesionalizarse o siquiera jugar. Tras las cámaras, la verdadera dificultad estaba en trasladar el fútbol de la época a imágenes que aunque no fuesen de archivo no resultasen menos reales. “Era una de las cosas que más me asustaba de la película, pero buscábamos que quedara bien y que tuviera un tono épico pero realista“, confiesa Díaz de Lope, quien da las claves. “Ensayamos mucho. Las actrices entrenaron durante mes y medio, haciendo entrenamientos y repitiendo las jugadas que estaban escritas en el guion, bajo la supervisión de un entrenador de fútbol para cine. Queríamos evitar la espectacularización típica del género y reflejar la rudeza y autenticidad del fútbol de los años setenta, donde el terreno era irregular y el juego mucho más básico”, explica la directora.

A ello ayudó la propia técnica que aportaban las actrices protagonistas, quien ya contaban con cierto pasado futbolero. “Hubo mucho entrenamiento y mucho barro. Yo jugaba al fútbol de pequeña y para la película entrenamos durante un mes y medio en el barrio. Fue una experiencia muy positiva”, apunta Lucadamo, hermana del artista Teo Lucadamo e hija de la también actriz Aitana Sánchez-Gijón. Rodar escenas de fútbol es complicado y conseguir que sean creíbles es un reto. “Nos ayudó mucho entrenar juntas y trabajar las coreografías, además de que nos divertimos”, corrobora Iznájar. Una experiencia previa que sin duda les hizo también acercarse más a sus personajes: “De niña jugaba al fútbol y me trataban como un bicho raro, recibía insultos o condescendencia. Aunque el contexto era diferente, sigue estando presente hoy”, recuerda Lucadamo.

Pioneras: Solo querían jugar llega a cartelera en un momento inmejorable, con la llegada del Mundial de Fútbol masculino y tras las elecciones de un Real Madrid al que aun le acusan muchos de no dedicar todo lo que puede a la parcela femenina. “La inclusión debe nacer de una convicción real, no por obligación ni para quedar bien. La igualdad es algo profundo, requiere conciencia y voluntad de informarse y cambiar”, señala Aixa Villagrán al ser preguntada al respecto, mientras que las creadoras mandan un mensaje directo al ya presidente Florentino Pérez: “Se está viendo que, si se invierte en fútbol femenino, hay recompensa. Van un poco tarde y les diría que deberían ponerse las pilas ya. No puede seguir habiendo esa timidez en apostar por algo donde hay muchísimo talento. La época ha demostrado que hay que apostar por ellas. El fútbol masculino ya ha llegado a su máxima cota y ahora toca darles la oportunidad a ellas”.

El Mundial avanza y, tras un apasionante partido inaugural y un par de partidos llenos de grandes giros de guion, es momento de volver al cine. Tras comenzar una serie en torno a las cinematografías de cada país participante en la competición, y analizar combinados como México, Sudáfrica, Suiza o Canadá, llega el turno de un nuevo grupo con el que descubrir un poco de historia y, sobre todo, grandes películas y personajes.

El grupo C del Mundial, con Brasil, Marruecos, Haití y Escocia, reúne cuatro cinematografías muy distintas, pero todas con una relación muy marcada con la identidad, la memoria y la forma de narrar el país propio. Como ocurre en el fútbol, el interés no está solo en la fuerza de cada nombre, sino en el estilo con el que cada uno se presenta. Y en el cine, esos estilos hablan tanto de historia como del presente.

Brasil: energía, desigualdad y Cinema Novo

Brasil llega al grupo C con una de las tradiciones cinematográficas más ricas y visibles de América Latina, marcada por la tensión entre exuberancia vital y denuncia social. Desde los años sesenta, el Cinema Novo ha sido el eje de esa identidad, con Glauber Rocha como figura central y Deus e o Diabo na Terra do Sol como una de las obras más emblemáticas, donde la violencia rural, la fe y la política se entrelazan en una puesta en escena de fuerza casi visceral. Ese impulso de “hacer cine con lo que hay” no solo definió una época, sino que abrió una línea de continuidad que aún resuena en el cine brasileño contemporáneo.

En décadas más recientes, la tradición se ha renovado sin perder su origen crítico. Carlos Diegues amplió la mirada con historias más narrativas y populares, mientras Walter Salles llevó esa sensibilidad a una escala internacional con Estación Central y Diarios de motocicleta, cuando no la ya icónica Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles y Kátia Lund. Más cerca del presente, Kleber Mendonça Filho ha renovado la conversación con títulos como Aquarius, Bacurau o la reciente El agente secreto, que triunfó en el pasado Cannes y llegó con cuatro candidaturas a los Oscar. Películas donde la tensión política se cruza con una puesta en escena muy precisa y una mirada que no teme mostrar la complejidad de un país hendido por la desigualdad. Brasil, en cine, es a la vez un país de contradicciones fértiles y de una energía que nunca se disuelve en el cliché.

Marruecos: tradición y modernidad con mirada social

Marruecos ha construido una filmografía de enorme personalidad, en la que tradición y modernidad conviven en un diálogo constante, muchas veces conflictivo. La obra de Nabil Ayouch ha sido decisiva para llevar al cine temas contemporáneos con una mirada directa y sin concesiones, como se ve en Horses of God, que explora la juventud y el extremismo, o en Much Loved, una película que aborda la vida de mujeres en los márgenes de la sociedad marroquí. Su cine ha ayudado a abrir el panorama nacional a historias que, hasta entonces, quedaban fuera de la pantalla.

Esa misma preocupación social se encuentra en Faouzi Bensaïdi, presente en Cannes en 2003 con Mille Mois, que aporta una sensibilidad más estilizada y reflexiva, con una puesta en escena que combina realismo y una mirada casi poética sobre el personaje y el espacio. También Laila Marrakchi ha contribuido a ampliar la presencia de miradas femeninas en el panorama marroquí, mostrando cómo la identidad se construye entre tradición familiar, expectativas sociales y deseo de libertad. El cine marroquí ha sabido moverse entre lo local y lo universal, apoyándose muchas veces en historias íntimas para hablar de transformaciones colectivas, y eso le da una voz muy reconocible dentro del cine africano y árabe.

Haití: cine de resiliencia

Haití representa un caso especialmente interesante porque su cine ha tenido que desarrollarse en medio de enormes dificultades materiales, pero eso no le ha impedido generar obras de fuerte identidad y ambición política. Raoul Peck es el nombre más destacado, un cineasta que ha sabido conectar Haití con la historia política mundial a través de películas como I Am Not Your Negro, un ensayo visual sobre James Baldwin, o El joven Karl Marx, donde la historia pasa por su mirada sin abandonar nunca su vínculo con el país de origen. En su obra, Haití aparece no solo como lugar geográfico, sino como punto de partida para pensar la colonialidad, la violencia y la resistencia. Este mismo año, Peck ha estrenado Orwell: 2+2=5, documental en el que explora el legado de la obra de George Orwell 1984 en la actualidad.

El cine haitiano, en general, se percibe como una cinematografía de resiliencia, donde cada película tiene además el valor añadido de existir frente a múltiples obstáculos. No hay una gran industria, pero sí una voluntad clara de contar la historia desde dentro, sin reducir Haití a un estereotipo de tragedia. La mirada de Peck, y de otros autores que han trabajado en su entorno, muestra cómo el cine puede ser un espacio de memoria y de lucha política, no solo un reflejo pasivo de la realidad. En ese sentido, el cine haitiano es un ejemplo de cómo la creación puede mantenerse viva incluso cuando las condiciones materiales son mínimas.

Escocia: Confort y alegría

Escocia completa el grupo con una tradición cinematográfica muy reconocible dentro del Reino Unido, aunque con voz propia, marcada por el realismo social y una veta poética que en ocasiones se vuelve profundamente amarga. Bill Forsyth dejó huella con Gregory’s Girl y Local Hero, dos películas que capturan con humor y ternura ciertas claves del carácter escocés: la vida cotidiana, la relación con el paisaje y cierta disposición a la introspección sin perder la ligereza. En ellas, el cine escocés se muestra capaz de ser divertido y reflexivo al mismo tiempo. Y, curiosamente, con un gran guiño futbolero en la primera, que tendría su secuela años después.

Esa sensibilidad ha derivado, en generaciones posteriores, hacia un tono más duro y estilizado, sin perder la atención al personaje y al entorno. Lynne Ramsay llevó esa mirada a territorios complejos con Ratcatcher y Tenemos que hablar de Kevin, donde la violencia y la tensión familiar se traducen en una puesta en escena muy cuidada. Andrea Arnold también ha aportado una mirada incisiva en su retrato de los márgenes, mostrando cómo la identidad se construye en la intersección entre clase, territorio y deseo. Si se piensa en cine escocés, se piensa en paisaje, sí, pero también en clase, identidad y una melancolía que rara vez cae en el cliché.

La noticia de la semana en la industria cinematográfica llega con la confirmación de una incorporación inesperada al reparto de la esperada secuela The Housemaid’s Secret. Paul Anthony Kelly, quien recientemente atrajo la atención internacional gracias a su interpretación de John F. Kennedy Jr. en la serie de FX Love Story, hará su debut en cine con este nuevo proyecto de Lionsgate. La sorpresa no solo radica en el salto de Kelly al largometraje, sino en el papel que desempeñará dentro de una de las franquicias más exitosas del thriller contemporáneo. Kelly interpretará a Douglas Garrick, un multimillonario que será el nuevo empleador de la protagonista, Millie, interpretada por Sydney Sweeney. Garrick, además, es el esposo del personaje de Kirsten Dunst, Wendy, quien se suma también como gran novedad al elenco.

La secuela El secreto de la asistenta reúne a varias figuras que ya participaron en la primera entrega y agrega nombres de peso al universo creado por Freida McFadden. Sydney Sweeney retoma el rol de Millie, al frente de la historia, y regresa también Michele Morrone en el papel de Enzo, aliado y posible interés romántico de la protagonista. El fichaje de Paul Anthony Kelly ha generado sorpresa entre seguidores y especialistas, pues su trayectoria hasta ahora se había concentrado en la televisión. Su reciente éxito en Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, donde compartió pantalla con Sarah Pidgeon, lo posicionó como una de las revelaciones del año. La decisión de Lionsgate de apostar por Kelly para un papel central marca un giro en su carrera y anticipa una interpretación que podría atraer un nuevo público a la saga.

La incorporación de Kirsten Dunst también suma expectativa, dado su reconocimiento previo en el cine estadounidense. Dunst interpreta a Wendy, esposa de Garrick, personaje que, según la sinopsis, se relaciona con el misterio central que envuelve la trama. La dirección de la secuela estará a cargo de Paul Feig, que repite en el puesto tras el éxito de la primera película. El guion es obra de Rebecca Sonnenshine, adaptadora de la obra original de McFadden. Entre los productores figuran Todd Lieberman (Hidden Pictures), Laura Fischer y el propio Feig (Pretty Dangerous Pictures), además de Sydney Sweeney a través de su productora Honey Trap.

Así será ‘El secreto de la asistenta’

El estreno de El secreto de la asistenta está programado para el 17 de diciembre de 2027 en salas de todo el mundo. El equipo de producción incluye a Carly Elter y Alex Young como productores ejecutivos, y la supervisión de Chelsea Kujawa y Maria Ascanio para Lionsgate. La película se basa en la segunda entrega de la trilogía literaria de McFadden, reconocida por su trama de suspenso y giros inesperados. La noticia de la participación de Kelly responde a la estrategia de Lionsgate de renovar el atractivo de la franquicia incorporando figuras emergentes y consolidadas. La filmación está prevista para comenzar a finales de este año, con grandes expectativas tanto por parte de la crítica como del público.

La saga The Housemaid se ha consolidado como un fenómeno editorial y cinematográfico. La primera película, estrenada en diciembre pasado, recaudó más de 400 millones de dólares, cifra que impulsó la rápida aprobación de la secuela. Basada en la novela de Freida McFadden, la historia original sigue a Millie, una joven que acepta un trabajo como empleada doméstica en una mansión llena de secretos, donde la perfección es solo una fachada y el peligro acecha tras cada puerta cerrada. El libro The Housemaid’s Secret, en el que se inspira la nueva película, ha vendido más de 12 millones de ejemplares y se ha traducido a 40 idiomas. Además, permaneció en la lista de los más vendidos del New York Times por más de 70 semanas y ganó el Premio Goodreads Choice al Mejor Thriller en 2023. La autora publicó en 2024 la tercera parte, The Housemaid Is Watching, y Lionsgate ya planea futuras adaptaciones de la saga.

El éxito de Kelly en Love Story le ha abierto puertas en Hollywood. Su interpretación de John F. Kennedy Jr. fue seleccionada tras un extenso proceso de casting al que se presentaron alrededor de 1.000 actores. Ryan Murphy, creador de la serie, decidió ficharlo como protagonista apenas unas semanas antes del inicio de rodaje, coronando trece años de carrera en la industria. El reconocimiento de la crítica y la expectación por su papel en la secuela han llevado a Murphy a confirmar la participación de Kelly en la próxima temporada de American Horror Story. Representado por Innovative Artists, Luber Roklin y Frankfurt Kurnit Klein & Selz, Kelly se perfila como una de las figuras emergentes más buscadas en la actualidad del cine y la televisión estadounidense.

El primer tráiler difundido por Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios muestra a Nero, un luchador gato negro, y a Rocco, jefe de la mafia felina, en un intenso interrogatorio a otro personaje felino. La escena introduce el tono oscuro y cómico que dominará la película, con referencias claras al ambiente criminal veneciano y a las supersticiones populares que rodean a los gatos negros en la cultura local. Será una película de lo más diferente a lo que acostumbra el estudio, pues la animación combina técnicas pintadas a mano con imágenes generadas por computadora, reforzando el carácter innovador de la producción.

Mark Ruffalo ha sido confirmado en el reparto de voces original para interpretar a Nero, mientras que Laurence Fishburne dará vida a Rocco, el despiadado líder de la mafia. El elenco se completa con otros personajes como Maya, una música callejera, y Lauren, cuya voz será interpretada por Ismail Elsene. El anuncio oficial del casting se realizó durante el Festival de Annecy en 2025, evento en el que el director Enrico Casarosa y la productora Andrea Warren presentaron por primera vez el proyecto al público internacional.

Una propuesta visual muy diferente

La trama de Gatto sitúa a Nero tras años desplazándose por una Venecia repleta de supersticiones y canales. El protagonista duda de sus propias decisiones y comienza a cuestionar si ha vivido correctamente sus nueve vidas, tema recurrente en el folklore felino. Al encontrarse en deuda con Rocco, Nero debe elegir entre someterse a las órdenes del jefe mafioso o buscar una salida diferente a su destino. La aparición de Maya en su vida marca el inicio de una amistad inesperada y el punto de partida de un recorrido por los rincones ocultos de la ciudad, donde la música y la aventura se entrelazan.

El estreno mundial de Gatto está previsto para el 5 de marzo de 2027, exclusivamente en salas de cine para después llegar a Disney+. La fecha, adelantada respecto al calendario inicial, responde a una estrategia de Pixar para evitar la coincidencia con otras producciones de alto perfil. El film se convertirá en el largometraje número 32 de Pixar Animation Studios y representa una nueva apuesta del estudio por explorar temáticas vinculadas a la identidad, la exclusión social y la búsqueda de propósito, todo ello enmarcado en una narrativa para el público familiar.

En palabras de los responsables, “la película busca mostrar cómo incluso los más incomprendidos pueden encontrar su lugar en el mundo”, una idea que se manifiesta tanto en el desarrollo de Nero como en el recorrido emocional que propone la historia. El lanzamiento del tráiler y el póster marca el inicio de la campaña promocional, en la que se esperan nuevas revelaciones sobre el reparto, la banda sonora y los detalles técnicos de la producción. La expectativa crece entre los seguidores de Disney y Pixar, que aguardan el debut de una propuesta que promete renovar el género de animación y consolidar el legado creativo del estudio.

Después de protagonizar La Odisea, que llegará a los cines el 17 de julio Matt Damon ha confirmado su interés en regresar a la saga de acción que marcó su carrera: Bourne. Diez años después del estreno de la última entrega, el actor anunció que él y su equipo buscan activamente ideas para una nueva película. “Intentaremos hacer otra porque todos la amamos”, expresó Damon en una entrevista con Parade. La declaración reaviva las expectativas de los seguidores y reactiva la discusión sobre el futuro de la franquicia.

El intérprete de Jason Bourne detalló que nunca han dejado de explorar caminos para retomar la historia. “Siempre estamos intentando conseguir otra de esas porque nos encantó, a todos los que trabajamos en ellas. Siempre hay algún intento de escribir o de encontrar una nueva historia. Si tienes alguna idea, háznosla saber”, dijo Damon al medio estadounidense. Con esto, el actor deja claro que el entusiasmo y la disposición para volver al personaje siguen intactos, aunque el proceso creativo sigue abierto.

El regreso de Bourne no ha dependido únicamente de la voluntad de su protagonista. En la última década, Universal Pictures ha impulsado diferentes iniciativas para mantener viva la marca. En 2023, Entertainment Weekly reportó que el director suizo-austriaco Edward Berger, responsable de la premiada Sin novedad en el frente, fue convocado para liderar un nuevo proyecto relacionado con la saga. Sin embargo, el proyecto carecía entonces de guion y tampoco tenía a Damon confirmado en el reparto. La información publicada en Deadline Hollywood indicaba que los productores buscarían contar con Damon una vez que existiera un guion, pero no especificaba qué sucedería si el actor rechazaba participar. Universal ya había demostrado antes su disposición para expandir el universo Bourne sin depender exclusivamente de él, una señal de que la franquicia podría evolucionar, aunque la presencia de Damon siga siendo un factor de peso para la audiencia.

Una espina clavada por su relevo

Durante la ausencia de nuevas películas protagonizadas por Damon, Universal experimentó con alternativas. En 2012, Jeremy Renner encabezó El legado de Bourne en el papel de Aaron Cross, un agente vinculado a la organización central de la saga, Treadstone. Esta extensión del universo narrativo buscó mantener la atención del público, aunque no contó con la participación de Damon ni del director Paul Greengrass, quien había dirigido las entregas más celebradas por la crítica. El estudio también intentó llevar la franquicia a la televisión con la serie Treadstone en USA Network, protagonizada por Jeremy Irvine como John Randolph Bentley, otro agente de la CIA. La serie solo tuvo una temporada, pero evidenció el interés de Universal por explotar nuevas vías narrativas para la saga.

El vínculo entre Damon y los directores de la saga ha influido en la evolución de Bourne. En 2012, el actor se ausentó de El legado de Bourne porque Paul Greengrass, director de la segunda y tercera película, no estaba involucrado. Tony Gilroy asumió la dirección de esa entrega, pero Greengrass regresó junto a Damon para Jason Bourne en 2016. Desde entonces, Greengrass ha dirigido otros proyectos y, según declaraciones en 2024, descartó su regreso a la serie, incluso tras una solicitud del príncipe William: “No es para mí, necesitan a alguien más joven, yo ya hice mi parte. Pero espero que encuentren a alguien bueno y joven para hacerlo, creo que están en el proceso”.

El lapso de diez años sin una nueva película de Bourne no responde a falta de interés, sino a la búsqueda de una historia que justifique el regreso del personaje. Damon insiste en que el equipo mantiene la motivación y la conexión con el público, lo que podría allanar el camino para un eventual sexto episodio. Universal, por su parte, ha dejado clara su voluntad de mantener viva la franquicia, con o sin su protagonista original. El futuro de Bourne queda así abierto, pendiente de encontrar la historia adecuada que permita a Damon volver a la acción. La expectativa de los seguidores y la disposición del actor sugieren que el regreso del agente podría ser solo cuestión de tiempo, siempre que la inspiración acompañe al equipo creativo.

Segundo episodio de nuestra serie especial en torno al Mundial 2026 que busca hermanar fútbol y cine a través de descubrir cada país por su particular historia cinematográfica. Después de analizar el primer grupo, con ese partido inaugural entre México y Sudáfrica, es el momento de cambiar de selecciones y poner la mirada en el siguiente grupo, uno con grandes “tapadas” si es que puede decirse así, en términos más futbolísticos que cinematográficos.

El grupo B del Mundial, con Canadá, Bosnia y Herzegovina, Qatar y Suiza, ofrece un buen pretexto para mirar el mapa del cine de estos países como quien hojea una filmografía de contrastes: tradición y periferia, autoría y pulso popular, memoria histórica y modernidad. A falta de una gran industria hegemónica en algunos casos, el interés está precisamente en la diversidad de voces que han sabido convertir limitaciones materiales en identidad estética.

Canadá: identidad y riesgo

Hablar del cine canadiense es hablar de un país que ha buscado su propia voz entre la influencia de Hollywood y la voluntad de narrarse desde dentro. Esa tensión ha producido cineastas de enorme personalidad, desde Denys Arcand, capaz de retratar con ironía la fragilidad moral de la clase media en títulos como Las invasiones bárbaras, hasta Atom Egoyan, uno de los grandes autores del trauma y la memoria en películas como Exotica o El dulce porvenir. También merece mención Sarah Polley, que ha dado una mirada íntima y política a la vez en Women Talking, una obra que consolidó su prestigio internacional. No en vano ha llegado hasta a hacer un cameo en The Studio.

Canadá ha sabido destacar precisamente cuando ha convertido su diversidad en materia dramática. El cine francófono de Quebec, las historias de inmigración y los relatos de aislamiento geográfico han alimentado una filmografía donde la identidad nunca es un decorado, sino un conflicto. En esa tradición, el cine canadiense suele moverse entre el realismo emocional y la experimentación formal, con autores que prefieren las grietas del personaje antes que los grandes gestos.

Bosnia y Herzegovina: memoria y herida

El cine bosnio está marcado por la historia reciente, y eso lo hace especialmente intenso. Emir Kusturica, nacido en Sarajevo, es el nombre más conocido fuera de sus fronteras, con películas como Tiempo de gitanos o Underground, donde el exceso visual, la sátira y la tragedia se mezclan con una energía difícil de olvidar. Su cine, aunque discutido, convirtió la región en una referencia central del cine europeo de autor.

Junto a él, Danis Tanović llevó el dolor contemporáneo a una depuración muy distinta en En tierra de nadie, una sátira antibélica que ganó el Óscar a mejor película de habla no inglesa. Más tarde, Jasmila Žbanić ha sido una de las voces más importantes del país con trabajos como Quo vadis, Aida?, centrada en la masacre de Srebrenica y en la imposibilidad de cerrar del todo las heridas colectivas. El cine bosnio, en suma, suele ser un cine de posguerra, de ruinas visibles e invisibles, donde la historia no se evoca: sigue presente.

Qatar: una industria en construcción

Qatar representa otro escenario: el de un país donde el cine de autor todavía está en consolidación, pero donde el impulso cultural es cada vez más visible. El caso qatarí suele articularse a través de iniciativas de producción, apoyo institucional y proyección internacional más que por una tradición larga de estudios o de grandes sagas nacionales. Eso no impide que haya surgido una sensibilidad propia, interesada en la modernización, la vida urbana y las tensiones entre tradición y cambio.

En este terreno, el nombre más conocido es el de Maimouna Doucouré, aunque vinculada a la producción internacional y no estrictamente a una industria local qatarí; en Qatar, la conversación cinematográfica se ha movido más por el impulso de festivales, coproducciones y plataformas de exhibición. Esa condición de cine en formación no es una debilidad, sino una etapa: el relato qatarí aún está escribiéndose, y precisamente por eso resulta revelador observar cómo intenta definir sus temas y sus formas. Han salido coproducciones como Black Gold, protagonizada por Tahar Rahim o el mismísimo Antonio Banderas, pero a Qatar aun le queda un largo camino por recorrer hasta convertirse en una potencia mundial.

Suiza: ironía y observación

De un modo parecido a Qatar en cuanto a que sus mayores películas son coproducciones, la historia de Suiza es relativamente corta y pleno proceso de evolución. El cine suizo tiene una virtud muy reconocible: la claridad. Sin excesos retóricos, ha producido autores capaces de mirar la realidad con distancia crítica y un fino sentido de la observación. Alain Tanner es una figura capital, con películas como Jonas que tendrá 25 años en el año 2000, donde la política, la juventud y la utopía se entrelazan con una inteligencia poco común.

Otro nombre esencial es Xavier Koller, ganador del Oscar por Viaje a la esperanza, una película que abordó la emigración con sensibilidad social y un tono humano muy accesible. A ello se suma una tradición de documental y cine ensayístico que ha hecho de Suiza un país pequeño en volumen, pero grande en precisión autoral. Más cerca del presente, cineastas como Ursula Meier han reforzado esa línea con obras como Home o La línea, donde el espacio doméstico y el conflicto social se vuelven inseparables. En los últimos años han salido nuevos títulos y voces, como La chica y la araña de Ramon Zürcher y Silvan Zürcher, por lo que solo es cuestión de tiempo que Suiza siga avanzando, quizá con más firmeza que su combinado en el fútbol.

Llega el viernes o lo que es lo mismo, día de estrenos. Después de una semana de lo más cinéfila gracias a la Fiesta del Cine, que ha hecho que las salas se llenen de miles de espectadores, es el turno de renovar la cartelera. Y lo hace con uno de los nombres que más se asocia al éxito en taquilla, Steven Spielberg.

El icónico director es el cabeza de cartel de esta semana, con su nueva película El día de la revelación como estreno destacado. Es una semana que, más allá de los alienígenas del autor de Parque Jurásico, hay una marcada presencia española: hasta tres películas destacamos producidas en nuestro país, con un lugar privilegiado para Pioneras: Solo querían jugar, la película que explora nada menos que los orígenes del fútbol femenino.

El día la revelación

Spielberg no debería necesitar carta de presentación, pero es que además esta promete ser una de sus grandes películas de los últimos años, después de no alcanzar un consenso con Ready Player One, West Side Story o Los Fabelman, en la que exploraba su propia vida en un ejercicio autobiográfico sin precedentes. Irónicamente, el cineasta vuelve ahora a sus orígenes pero no de forma biográfica, sino de género, pues retorna a la ciencia ficción con la que se inició en los 70 y 80 a través de títulos como Encuentros en la tercera fase o E.T. El extraterrestre. En este caso, con la historia de un grupo de personas que descubre que los extraterrestres existen.

Iván & Hadoum

El director Ian de la Rosa firma este romance entre Iván, un joven de Almería, y su nueva compañera de trabajo, Hadoum. Entre ellos comenzará a surgir el amor pero una oportunidad laboral hará que ambos se distancien. La película viene avalada por su selección en la pasada Berlinale y especialmente por su fructífero paso por el Festival de Málaga, donde obtuvo el Premio Especial del Jurado y Mejor Guion.

Todos los colores

También de Málaga llega esta comedia juvenil, Todos los colores. En ella conocemos a Belén, una chica en silla de ruedas a punto de terminar los estudios e incapaz de decidir cuál será su futuro. Todo cambia al apuntarse atletismo, donde conoce a una chica que compite y quien poco a poco le ayuda a ver la vida de otra forma. Beatriz de Silva, autora de otros cortos de marcado carácter humanista como Tula o Hadas, debuta en el largometraje con esta película protagonizada por un joven y prometedor reparto coronado con la presencia de Silvia Abril.

Un talento único

Hasta hace nada era candidato a interpretar al mismísimo Aragorn, y finalmente estará en la nueva entrega de El señor de los anillos, La caza de Gollum aunque en un papel distinto. En cualquier caso, Leo Woodall está triunfando en Hollywood y con esta película quiere seguir demostrando por qué. Lo hace dando vida al aprendiz de un afinador de pianos -interpretado nada menos que por el gran Dustin Hoffman- con un problema de hiperacusia que de repente se convierte en una gran habilidad cuando cambia su empleo por algo mucho más arriesgado, robar cajas fuertes.

Pioneras: Solo querían jugar

Todo el mundo conoce la Selección Española de Fútbol Femenino, campeona del mundo y una de las mejores de todos los tiempos, pero pocos conocen de donde viene. Explorando los orígenes del fútbol femenino en España, Pioneras: Solo querían jugar se ambienta en la España de los 70, en la que la sociedad sigue dando la espalda al hecho de que las mujeres quieran practicar el noble deporte del balompié. Todo cambia cuando se empieza a juntar un equipo de jóvenes estrellas en ciernes y a dar cobertura en los medios a través de una periodista del diario AS. Entre el barro de los campos de Villaverde se comenzará a labrar la vida de unas chicas que hicieron historia.

La saga de comedia policiaca Jump Street prepara su regreso con una nueva entrega: 24 Jump Street está en marcha y, según se informó, Jonah Hill, Channing Tatum e Ice Cube negocian su retorno a los papeles que los consolidaron como parte central de la franquicia. La dirección recaerá en Rodney Rothman, responsable de Spider-Man: Un nuevo universo, quien además coescribió el guion junto a Hill y Meghan Malloy. La producción vuelve a reunir a Phil Lord y Chris Miller, directores de las dos primeras películas. También participa Neal H. Moritz, mientras que Tatum y Reid Carolin producirán para Free Association, y Hill junto a Matt Dines bajo su sello Strong Baby.

La franquicia, que comenzó en 2012, ha mantenido una línea de éxito sostenido. La primera película, titulada en España Infiltrados en clase, presentó a Hill y Tatum como Schmidt y Jenko, dos policías poco convencionales que se infiltran en un instituto para desmantelar una red de drogas. El filme superó los $200 millones en recaudación mundial. La secuela de 2014, Infiltrados en la universidad, repitió la fórmula con los protagonistas encubiertos en la universidad. Este segundo capítulo amplió su éxito al registrar $331 millones en taquilla global, consolidando el atractivo del dúo en la comedia de acción. Ambas entregas contaron con la participación de Ice Cube como el Capitán Dickson, figura de autoridad dentro del humor autorreferencial característico de la saga.

Para la tercera entrega, Rodney Rothman asume la dirección, aportando la experiencia obtenida en proyectos animados y de acción. Rothman también se encarga del guion, que escribió junto a Hill y Malloy, lo que refuerza la continuidad creativa y el tono autorreferencial que distingue a la franquicia. La producción mantiene a los responsables originales: Lord y Miller, quienes aportaron un enfoque autoconsciente en las dos primeras películas. Neal H. Moritz se suma nuevamente como productor, mientras que Tatum y Carolin representan a Free Association, y Hill y Dines producen bajo Strong Baby. Este equipo conjuga experiencia en cine de comedia y acción, lo que anticipa una continuación en la línea de humor meta y parodia de géneros que ha caracterizado a la saga.

Un regreso con un cambio

La decisión de titular la película como 24 Jump Street y omitir el número “23” no es casual. Las películas de la saga, desde su inicio, han jugado con la idea de reinvención y parodia de secuelas. Al cierre de Infiltrados en la universidad, una secuencia muestra a los protagonistas realizando diversas misiones encubiertas en escenarios absurdos: desde escuelas médicas y culinarias hasta el espacio exterior y versiones animadas o de videojuegos. Este recurso permitió a los creadores bromear sobre la posibilidad de múltiples secuelas, convirtiendo el salto directo a “24 Jump Street” en una extensión del humor meta de la franquicia. La omisión de “23” responde así al espíritu de autoparodia y ruptura de expectativas que define a la saga, y así se reflejaba en la publicación en Instagram del productor Neal H. Moritz con el guion de la película y acompañado del mensaje: “Una imagen vale más que mil palabras”.

Aunque se confirma que Channing Tatum tiene una oferta formal para regresar, las negociaciones aún no concluyen. No se ha anunciado oficialmente la participación definitiva del elenco principal, pero la expectativa es alta entre los seguidores. La tercera entrega ha estado en desarrollo durante más de una década. En el pasado, Sony trabajó en un proyecto titulado “23 Jump Street”, que incluso planeaba un cruce con la franquicia Men in Black. Tatum llegó a calificar ese guion como “el mejor que he leído para una tercera película”. Sin embargo, el proyecto fue descartado, y la saga permaneció en pausa. La confirmación de “24 Jump Street” marca un nuevo rumbo, retomando la sátira hacia las propias convenciones de Hollywood y la proliferación de secuelas y crossovers.

El regreso de Hill, Tatum y Ice Cube bajo la dirección de Rothman y la producción de Lord, Miller y Moritz busca revivir el fenómeno de taquilla que representaron las dos primeras películas. La apuesta por mantener el tono autoconsciente y la sátira promete atraer tanto a los seguidores de la saga como a nuevas audiencias. La franquicia “Jump Street”, nacida como adaptación de una serie de los años 80, ha sabido reinventarse con humor y crítica a los clichés del cine comercial, consolidándose como una referencia en la comedia contemporánea estadounidense.

El rodaje de White Lies, la nueva película de Oliver Stone, ha finalizado tras casi tres meses de producción. El proyecto, filmado en Tailandia, Roma y Bulgaria, marca un hito en la carrera del director, quien a sus 79 años ha declarado que se trata de “una de las historias más ambiciosas de su carrera”, posiblemente la última de su filmografía. El reparto reúne a Michael Douglas, Willem Dafoe, Ellen Barkin, Josh Hartnett, Leila George, Yvonne Chapman y Homer Gere.

La noticia confirma que Douglas, quien había anunciado su retiro en julio de 2025, vuelve al cine para sumarse al elenco de la que podría ser la despedida de Stone del género narrativo. El regreso del actor, conocido mundialmente por su interpretación de Gordon Gekko en Wall Street, responde a una invitación personal del cineasta y refuerza el carácter simbólico del proyecto. Junto a Douglas, Willem Dafoe —recordado por su trabajo en Platoon y Nacido el 4 de julio, ambas dirigidas por Stone—, completa un círculo en la filmografía del realizador, que reúne así a figuras centrales de su historia profesional.

Desde el inicio de la producción, a mediados de marzo, White Lies fue presentada como un proyecto de alto perfil. El rodaje se extendió durante cerca de doce semanas y culminó recientemente, según informaron fuentes vinculadas al equipo. La incorporación de Douglas, Dafoe y Barkin se suma a los ya confirmados Josh Hartnett —quien encarna al protagonista— y Leila George, consolidando un reparto internacional de primer nivel. La trama de la película se centra en el personaje de Hartnett, hijo de padres divorciados que, al enfrentar problemas en su propio matrimonio y en la relación con su hijo, repite patrones familiares. Al sentirse atrapado, inicia una búsqueda impulsiva de libertad, que lo lleva a una mayor desorientación personal. El argumento da un giro cuando conoce a una mujer cuya vida contrasta radicalmente con la suya. Este enfoque refleja la tendencia de Stone a abordar dilemas existenciales y conflictos generacionales en sus obras.

Así será la que puede ser su última película

White Lies representa un proyecto largamente postergado por Stone, quien intentó llevarlo al cine durante más de una década. En los primeros intentos, Benicio del Toro estuvo vinculado al papel principal, pero los problemas para conseguir financiamiento provocaron sucesivas cancelaciones. La situación cambió el año pasado, cuando inversores europeos aseguraron los fondos necesarios y permitieron que el rodaje se concretara. El propio Stone se refirió a esta travesía, señalando que había sido “apartado” de algunos circuitos de la industria norteamericana desde el estreno de su serie documental sobre Vladimir Putin en 2017. El regreso de Michael Douglas a la pantalla grande se produce en un contexto especial: después de su retiro, el actor decidió sumarse a la película para acompañar a Stone en lo que este califica como su “canto del cisne”. El vínculo entre ambos se remonta a Wall Street, uno de los títulos más emblemáticos del cineasta, estrenado en 1987.

Stone no dirigía una ficción desde Snowden (2016), lo que convierte a White Lies en su primer largometraje narrativo en una década. El director vivió su etapa más prolífica entre 1986 y 1997, con títulos como Salvador, Platoon, Wall Street, Nacido el 4 de julio, JFK, Natural Born Killers o Nixon. A pesar de su reconocimiento internacional, en los últimos diez años enfrentó dificultades para financiar nuevos proyectos, atribuyéndolo a restricciones de la industria. La producción de White Lies contó con el respaldo de la firma Atlas Artists, que representa a Stone en todas las áreas, con el objetivo de concretar lo que el propio realizador describe como “su sueño”. El futuro estreno de la película genera expectativas por el posible cierre de la etapa narrativa de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo.

El Mundial de 2026 reúne a selecciones de todo el planeta, pero también, de forma indirecta, a tradiciones culturales profundamente distintas. Entre ellas, el cine ofrece una vía privilegiada para entender cómo cada país ha construido su mirada sobre el mundo. Con motivo de la competición de fútbol que paraliza el mundo, desde Infobae nos hemos propuesto un divertido juego con el que seguir los partidos sin perder de vista el cine. Y, con la llegada del partido inaugural, que enfentará a México con Sudáfrica, es hora de hacer una análisis del grupo en clave cinematográfica, con propuestas para las posibles películas a visionar estos días mientras se disputan los encuentros.

El Grupo A del Mundial de 2026 reúne a México, Corea del Sur, Sudáfrica y Chequia, cuatro países cuyas cinematografías permiten leer historias muy distintas de modernidad, conflicto, memoria y renovación. Lejos de ser un simple escaparate de títulos célebres, este grupo dibuja un mapa de cómo el cine puede condensar el carácter de una nación, sus heridas y sus formas de imaginar el mundo. De la densidad simbólica del cine mexicano al gesto experimental checo, pasando por la precisión social surcoreana y la memoria en capas de Sudáfrica, el recorrido ofrece cuatro formas de mirar, narrar y resistir. A continuación te traemos las propuestas para cada uno.

México: del mito popular a la renovación autoral

El cine mexicano ocupa un lugar central en la historia del cine en lengua española. Su etapa clásica, especialmente entre los años cuarenta y cincuenta, levantó un imaginario nacional poderoso a través del melodrama, la comedia ranchera y la figura de estrellas que se volvieron parte del relato colectivo. En ese universo, Macario (Roberto Gavaldón, 1960) ocupa un lugar singular: con su mezcla de realismo, fábula y reflexión sobre la muerte, la película llevó el cine mexicano hacia un territorio más sombrío y metafísico, sin perder su vínculo con las tradiciones populares. Gavaldón convirtió la historia de un hombre pobre obsesionado con comer solo durante el Día de Muertos en una parábola sobre la desigualdad, la fe y el destino. Buñuel, aunqu español de nacimiento, fue otro de los cineastas más destacados de aquella época, con Los olvidados o Él como títulos destacados.

Esa capacidad para unir lo social y lo simbólico sigue siendo una de las grandes fortalezas del cine mexicano. En décadas posteriores, el país atravesó crisis industriales y también momentos de profunda renovación. La aparición de cineastas como Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro devolvió a México al centro de la conversación internacional. Sus películas ampliaron el registro temático y formal del cine nacional, desde la intimidad autobiográfica de Roma hasta la violencia fragmentada de Amores Perros o la imaginación fantástica de El laberinto del fauno, en el caso de Del Toro, una obra producida fuera de México pero inseparable de su sensibilidad cultural. Hoy el cine mexicano, con nombres tan dispares como el de Michel Franco o Alonso Ruizpalacios sigue destacando por su capacidad para retratar la desigualdad, la memoria familiar y la violencia estructural sin renunciar a la ambición estética. Es una cinematografía que se mueve entre el realismo y el mito, entre lo terrenal y lo sobrenatural, como si cada historia buscara responder a una pregunta persistente: cómo filmar un país atravesado por tantas capas de historia.

Corea del Sur: precisión narrativa y crítica social

El cine surcoreano es una de las grandes revoluciones cinematográficas de las últimas décadas. Tras años de restricciones políticas y fuerte control sobre la producción, la industria encontró en los años noventa y dos mil un impulso decisivo que la convirtió en una referencia mundial. Su rasgo más reconocible es la mezcla de géneros: comedia negra, thriller, drama familiar, crítica social y hasta terror conviven con una naturalidad que pocas cinematografías han alcanzado. Parásitos (Bong Joon Ho, 2019) representa de forma ejemplar ese momento de madurez. La película convirtió la desigualdad en una experiencia visual y narrativa de enorme precisión, capaz de moverse entre la sátira, el suspense y la tragedia sin perder coherencia. Bong Joon Ho construyó una obra que es al mismo tiempo local y universal, una radiografía de clase que también funciona como retrato de las tensiones contemporáneas del capitalismo, hasta el punto de que después de ella Hollywood se ha inundado de acento surcoreano.

Pero el cine surcoreano no se reduce a un solo fenómeno. Park Chan-wook, con Oldboy o la reciente No hay otra opción, ha convertido la venganza en una exploración estilizada y brutal de la identidad; Lee Chang-dong, con Burning, llevó la ambigüedad y la contención al centro del relato; y otros autores han seguido ampliando un panorama donde el rigor formal convive con una aguda mirada política. En casi todos ellos aparece una preocupación común: la fragilidad de los vínculos, la presión social, la jerarquía y la imposibilidad de escapar del contexto. La fuerza del cine surcoreano radica precisamente en su capacidad para hacer visibles tensiones que, en otros contextos, quedarían ocultas. Cada película parece construida con exactitud matemática, pero debajo de esa precisión late una gran inestabilidad emocional. Esa combinación explica buena parte de su éxito internacional.

Sudáfrica: memoria, trauma y formas híbridas

El cine sudafricano está inevitablemente atravesado por la historia del apartheid. Durante décadas, la segregación condicionó no solo la vida política y social del país, sino también su producción cultural. Con el fin de ese régimen, el cine se convirtió en una herramienta esencial para pensar la memoria, representar el trauma y ensayar nuevas formas de comunidad. Tsotsi (Gavin Hood, 2005) es una de las películas más conocidas de este periodo. Su historia de un joven criminal en los márgenes de Johannesburgo funciona como relato de redención, pero también como observación aguda de la desigualdad urbana. Yesterday (Darrell Roodt, 2004) aborda el impacto del VIH desde una perspectiva íntima y humana, mientras que District 9 (Neill Blomkamp, 2009) usa la ciencia ficción para convertir la segregación en metáfora visual de la exclusión.

Dentro de este panorama, la obra de William Kentridge ocupa un lugar fundamental. Aunque su trabajo se mueve entre el dibujo, la animación, el cine, el teatro y la instalación, su aportación al lenguaje audiovisual es decisiva. En sus animaciones, hechas mediante borrados sucesivos sobre carboncillo, Kentridge convierte el movimiento en huella y la imagen en memoria en disputa. Obras como Felix in Exile, Mine o More Sweetly Play the Dance no solo dialogan con la historia política sudafricana, sino que la reinterpretan desde la fragilidad, la repetición y la corrección constante. Kentridge hace visible un país hecho de capas: colonialismo, minería, violencia estructural, desplazamiento, culpa y resistencia. Su obra ilustra la historia de un país que se piensa desde sus cicatrices. Por eso su presencia resulta imprescindible cuando se habla del cine sudafricano en sentido amplio, entendiendo el cine no solo como ficción industrial, sino también como arte de la animación y de la imagen en movimiento.

Chequia: ironía, lirismo y modernidad

Aunque Checoslovaquia dejó de ser estado en 1993 con el llamado Divorcio de terciopelo que separó Eslovaquia de La República checa -ahora llamada Chequia-, su importancia en la historia del cine es tal que merece ser rescatada esta etapa, especialmente por el impacto de la Nueva Ola Checoslovaca en los años sesenta. Ese movimiento, asociado a nombres como Miloš Forman, Jiří Menzel y Věra Chytilová, renovó el lenguaje cinematográfico con un tono que combinaba humor, crítica social, observación cotidiana y una libertad formal poco habitual en su tiempo. Las margaritas (Věra Chytilová, 1966) es quizá una de las obras más radicales de esa corriente. Con su estructura fragmentada, su espíritu irreverente y su carga crítica, la película rompió con las formas narrativas convencionales y se convirtió en un gesto de desafío tanto estético como político. Frente a ella, Trenes rigurosamente vigilados (Jiří Menzel, 1966) ofrece una mirada más contenida, pero igualmente incisiva, sobre la vida bajo la ocupación y la opresión.

La tradición checa se caracteriza por esa capacidad para convertir lo cotidiano en una forma de resistencia. Incluso en sus etapas posteriores, la cinematografía del país ha mantenido un interés por los personajes modestos, los conflictos íntimos y el humor como vía de conocimiento. Kolya (Jan Svěrák, 1996) mostró que esa sensibilidad seguía viva en tiempos más recientes, mientras que otras obras contemporáneas han explorado la memoria histórica con una sobriedad muy propia de la región. El cine checo no necesita alzar la voz para dejar huella. Su fuerza está en la ironía, en la precisión del gesto y en una forma de mirar que desconfía de los discursos demasiado rotundos.

México, Corea del Sur, Sudáfrica y Chequia ofrecen cuatro maneras muy distintas de entender el cine. México une mito, dolor y transformación; Corea del Sur convierte la tensión social en una maquinaria narrativa de enorme precisión; Sudáfrica usa el cine y la animación para trabajar la memoria del trauma; y Chequia mantiene viva una tradición de ironía y lucidez crítica. En conjunto, este Grupo A muestra que el cine no es solo una industria o un entretenimiento, sino una forma de pensamiento. Cada país filma desde su historia, pero también desde sus deseos y sus heridas. Y en esa diversidad de voces reside la verdadera riqueza de este recorrido, mientras el Grupo B -con Suiza o Canadá a la cabeza- espera a la vuelta de la esquina.

La noticia llega en un momento simbólicamente preciso. Barnes publicó en enero de 2026, coincidiendo con su octogésimo cumpleaños, Departure(s), un libro que el propio autor ha descrito como “mi última obra, mi partida oficial, mi conversación final con el lector”. Que el jurado del Princesa lo elija ahora no es casualidad: es el tipo de justicia poética que el propio Barnes, lector voraz de Flaubert y Chéjov, sabría apreciar.

Entre las propuestas, apuntó una notable presencia de la literatura hispanoamericana, incluidos “siete maestros españoles de primera línea”, así como autores chinos, japoneses o indios, además de una distribución “razonablemente equilibrada” entre hombres y mujeres, “hay cinco o seis autoras extraordinarias”, dijo. “Si queremos ser exóticos, podemos ser exóticos. Si queremos ser castizos, podemos ser muy castizos. Si queremos ser muy amantes de la igualdad de género y que le toque este año a una mujer, lo podríamos hacer con garantía de que elegimos muy bien”, subrayó el director de la RAE. En sus 45 ediciones, el galardón, concedido cuatro veces de forma compartida, distinguió a diez mujeres -dos en las veinte primeras convocatorias- y, con 23 nacionalidades premiadas, recayó en España 18 veces; ocho más en ámbito hispanomericano -incluido el pueblo de Puerto Rico por su defensa del español- y seis en Estados Unidos, tres en Canadá, dos en Francia y dos en México, entre otros.

De lexicógrafo a arquitecto de la novela moderna

Barnes nació en Leicester el 19 de enero de 1946 y se formó en el Magdalen College de Oxford, donde se graduó con honores en 1968. Sus primeros años profesionales los pasó como lexicógrafo para el suplemento del Oxford English Dictionary, un detalle biográfico que no es anecdótico: en él se adivina al escritor que sería, obsesionado con la precisión de las palabras, con lo que significan y con lo que ocultan. Su debut novelístico llegó en 1980 con Metroland, pero fue El loro de Flaubert (1984) el libro que lo instaló en el mapa de la literatura mundial. Esa novela —inclasificable mezcla de biografía, ensayo y ficción— fue finalista del Booker Prize y ganó el Prix Médicis en Francia, país al que Barnes está unido por una devoción literaria y cultural que recorre toda su obra.

Si hay una constante en Barnes es la desconfianza hacia las certezas. Sus novelas no resuelven: interrogan. El sentido del final (2011), con la que ganó el Man Booker Prize —el galardón más prestigioso de las letras británicas—, es un ejercicio magistral sobre cómo la memoria traiciona y reescribe el pasado. Su protagonista, un hombre ya anciano, descubre que su versión de su propia historia juvenil es profundamente falsa. En poco más de 150 páginas, Barnes desmonta la idea de que somos narradores fiables de nuestras propias vidas. Esa misma inquietud recorre El ruido del tiempo (2016), su aproximación a la figura del compositor Dmitri Shostakóvich atrapado entre el arte y el terror estalinista, y La única historia (2018), una novela sobre el amor y sus consecuencias narrada en tres tiempos gramaticales distintos —un truco formal que en sus manos resulta demoledor.

Pocos escritores británicos han sido tan celebrados en Francia como Barnes. Fue nombrado Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en 1988, Officier en 1995 y Commandeur en 2004, la máxima distinción en ese escalafón. Su fascinación por la cultura francesa —de Flaubert a Montaigne, de la pintura impresionista a la gastronomía— no es el capricho de un anglófilo invertido, sino una forma de mirar su propia tradición desde la distancia productiva del extranjero.

Una despedida que es también un testamento

Departure(s), su último libro, cierra el círculo. Escrito con la conciencia de quien sabe que habla por última vez, el volumen regresa a sus obsesiones de siempre —la mortalidad, el tiempo, el recuerdo— pero con una serenidad nueva. No la resignación del que se rinde, sino la claridad del que ha llegado a algún sitio. El Premio Princesa de Asturias encuentra así a un Barnes que ha convertido su propio final en materia literaria. Hay en eso una coherencia admirable: el escritor que durante 44 años exploró cómo los seres humanos se enfrentan a la pérdida y al olvido termina enfrentándose, con la misma honestidad, al suyo propio.

Además de a Mendoza en 2025, en las ediciones más recientes el Premio Princesa de Asturias de las Letras fue para la poeta, ensayista y política rumana Ana Blandiana (2024); el escritor y traductor japonés Haruki Murakami (2023); el dramaturgo español Juan Mayorga (2022); el escritor, guionista y realizador francés Emmanuel Carrère (2021), y la poetisa, ensayista, traductora y profesora canadiense Anne Carson (2020). De la nómina de galardonados forman parte también autores como los estadounidense Philip Roth, Paul Auster o Arthur Miller; el mexicano Carlos Fuentes; el colombiano Álvaro Mutis; el peruano Mario Vargas Llosa y escritores españoles como Francisco Umbral, Antonio Muñoz Molina, Camilo José Cela, Ángel González, Miguel Delibes o José Hierro.

El de las Letras es el penúltimo de los ocho galardones en fallarse este año a la espera de que el 17 de junio se dé a conocerse al ganador de la categoría de la Concordia. Ya han sido distinguidos Patti Smith (Artes); Studio Ghibli (Comunicación y Humanidades); David Klenerman, Shankar Balasubramanian y Pascal Mayer (Investigación Científica y Técnica); la Bóveda Global de Semillas de Svalbard (Cooperación Internacional); Timothy Garton Ash (Ciencias Sociales) y Leo Messi (Deportes).

El actor y director Clint Eastwood, una de las figuras más reconocidas de Hollywood, ha vuelto al centro de la atención pública tras recientes especulaciones sobre su retiro definitivo del cine. La controversia se originó cuando su hijo, el músico Kyle Eastwood, sugirió durante un concierto en Francia que su padre había decidido retirarse, afirmando: “Ahora está retirado, tiene 95 años”. Sin embargo, Scott Eastwood —también hijo del realizador— ha salido a aclarar la situación y a desmentir que exista una decisión oficial por parte del cineasta.

En una entrevista concedida a ScreenRant durante la promoción de la película Lucky Strike, Scott Eastwood fue consultado directamente sobre las palabras de su hermano. Su respuesta fue contundente: “No lo he oído de su boca de momento. Así que no sé qué se siente”. De esta manera, Scott subrayó que, hasta la fecha, Clint Eastwood no ha comunicado personalmente su retiro, ni a sus familiares más cercanos ni al público. “Su carrera en general es algo para admirar, algo que inspira y continúa inspirándome. El trabajo, el arte que ha hecho dentro y fuera de la pantalla —produciendo, escribiendo, componiendo, dirigiendo, actuando— es increíble”, añadió el actor.

La aclaración de Scott responde a una ola de rumores que surgieron luego de que Kyle, también hijo de Clint Eastwood, hablara públicamente sobre la presunta jubilación del director. Durante un concierto en Amiens, Francia, Kyle mencionó ante la audiencia: “Tengo muchos recuerdos trabajando con él. Ahora está retirado, tiene 95 años. Pero tuve mucha suerte de trabajar con él en varias películas. Fue una experiencia genial para mí”. Estas palabras fueron interpretadas por varios medios como una confirmación del retiro definitivo del actor de la Trilogía del dólar. Sin embargo, la falta de un anuncio oficial y las declaraciones recientes de Scott aportan una perspectiva diferente y mantienen la incertidumbre sobre el verdadero estado de la carrera del cineasta.

La intervención de Scott Eastwood ha servido para matizar el alcance de las declaraciones de su hermano y recalcar que la decisión final solo corresponde a su padre. Scott, quien ha trabajado en varias producciones junto a Clint Eastwood, destacó la inspiración que sigue representando su progenitor en el ámbito profesional y personal. “El cuerpo de trabajo es increíble”, dijo, haciendo referencia tanto a los logros artísticos como a la longevidad de la carrera de su padre, que recientemente celebró 96 años el 31 de mayo. Estas declaraciones resultan relevantes porque, en el contexto de Hollywood, los anuncios de retiro suelen ir acompañados de comunicados oficiales o entrevistas exclusivas, algo que en este caso no ha ocurrido. La afirmación directa de Scott —quien insiste en que no ha escuchado a su padre anunciar el retiro— añade un matiz importante al debate: la palabra final sobre el futuro laboral de Clint Eastwood sigue en manos del propio director.

Un legado incuestionable

A pesar de la controversia sobre su retiro, el legado de Clint Eastwood permanece indiscutible. Desde su salto a la fama en los años sesenta con la trilogía de spaghetti westerns de Sergio Leone —Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo— hasta su consagración como director con títulos como Sin perdón (1992) y Million Dollar Baby (2004), Eastwood ha sido galardonado con varios premios Óscar y ha dejado una huella profunda en la industria.

El director Rod Lurie, responsable de Lucky Strike, elogió la capacidad de Eastwood para seguir activo en el cine a edades avanzadas. “Lo que tu padre ha hecho por todos nosotros… ha mostrado lo que somos capaces de hacer como seres humanos hasta edades muy avanzadas. Cuando veo a personas como Clint Eastwood o a otros directores que siguen trabajando en sus ochenta, te dan ganas de seguir logrando cosas”, comentó Lurie. También resaltó la calidad de Juror #2 (2024), película que muchos consideraban la despedida del cineasta. Scott Eastwood ha seguido los pasos de su padre, participando tanto en películas dirigidas por él como en otras producciones de renombre. Ha aparecido en títulos como Gran Torino (2008), Invictus (2009) y Golpe de efecto (2012), así como en películas de acción y bélicas como Fury (2014), The Fate of the Furious (2017) y Fast X (2023). Ambos han compartido pantalla en varias ocasiones, consolidando un vínculo profesional que trasciende la relación familiar.

Por su parte, Clint Eastwood también es recordado por sus contribuciones al género bélico, con películas como El desafío de las águilas (1968), Los violentos de Kelly (1970), Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima (ambas de 2006), donde Scott participó como actor. La familia Eastwood, lejos de confirmar el retiro definitivo del patriarca, mantiene abierta la posibilidad de que el director regrese a la actividad si así lo decide. Hasta que haya una declaración oficial, la incertidumbre persiste, pero el respeto y la admiración por su trayectoria siguen intactos entre sus colegas, familiares y el público.

Después de más de una década de espera, la esperada secuela de It Follows finalmente avanza con novedades sustanciales en su elenco y cronograma. El proyecto, que llevará el título de They Follow, suma a la actriz Naomi Ackie en negociaciones finales para integrarse al reparto, acompañando a Maika Monroe, quien regresará como protagonista. La producción, que había sido postergada por conflictos de agenda, ahora apunta a iniciar rodaje durante el verano, según información difundida por Deadline. La confirmación del regreso de Monroe y la posible incorporación de Ackie marcan el primer movimiento importante en años para una de las secuelas más aguardadas dentro del género de terror. Aunque los detalles sobre el papel de Ackie permanecen reservados y la sinopsis del filme sigue bajo estricta confidencialidad, se sabe que la historia de They Follow estará ambientada diez años después de los sucesos originales.

La película original, It Follows, fue escrita y dirigida por David Robert Mitchell. Estrenada en 2014 durante el Festival de Cannes, rápidamente se posicionó como un fenómeno del terror contemporáneo. El filme narra la experiencia de Jay, interpretada por Monroe, una universitaria de Detroit que, tras un encuentro sexual, comienza a ser acechada por una inquietante presencia sobrenatural. Esta entidad cambia de forma constantemente, adoptando la apariencia de distintas personas mientras persigue a su objetivo, lo que obliga a Jay y a su círculo a buscar desesperadamente una salida a la maldición, que solo puede transferirse a otro individuo mediante un nuevo encuentro sexual.

It Follows destacó no solo por su premisa sino también por su ejecución. Obtuvo un 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, con críticas que la describieron como inteligente, original y perturbadora. El público también respondió favorablemente, otorgando un 66% de aprobación, cifras que consolidaron a la película como una de las más influyentes de la década en su género. Además, el filme logró recaudar USD 23,3 millones en taquilla global, partiendo de un presupuesto muy modesto de solo USD 1,3 millones. La repercusión de la película fue decisiva para la carrera de Monroe, quien después se consolidó como figura emergente del cine de género. Para Mitchell, significó un salto a la dirección de proyectos de mayor envergadura, culminando en el estreno de The End of Oak Street, prevista para el 14 de agosto.

Naomi Ackie, la gran apuesta

El elenco original de It Follows incluyó a Keir Gilchrist, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Daniel Zovatto, Jake Weary, Bailey Spry, Debbie Williams y Ruby Harris en papeles secundarios. La amenaza central del relato era interpretada por diversos actores, entre ellos Ingrid Mortimer, Alexyss Spradlin, Mike Lanier, Don Hails, Leisa Pulido y Ele Bardha. La secuela, They Follow, no comenzó a gestarse oficialmente hasta 2023, cuando se anunció el regreso de Mitchell como guionista y director junto a Monroe en el reparto principal. El inicio del rodaje estaba previsto para principios de 2025, pero complicaciones de agenda obligaron a retrasar el proyecto. Con la reciente actualización sobre el elenco, la producción vuelve a tomar impulso y fija su objetivo para el verano.

En cuanto a Naomi Ackie, su incorporación representa una apuesta relevante para el estudio. Ackie ha consolidado su reputación como una de las intérpretes más solicitadas de la industria. Recientemente participó en Sorry, Baby de A24, bajo la dirección de Eva Victor, y en Mickey 17 de Bong Joon Ho. Además, intervino en The Thursday Murder Club de Chris Columbus, y en el debut como directora de Zoë Kravitz con Blink Twice. Actualmente, protagoniza I Love Boosters de Boots Riley y tiene previsto aparecer en Clayface, una cinta de terror corporal producida por DC cuyo estreno está programado para el 23 de octubre.

La trama específica de They Follow aún no ha sido revelada, pero la ambientación una década después del filme original abre la puerta a nuevas dinámicas y desafíos para los personajes. La combinación del regreso del equipo creativo y la suma de nuevos talentos al reparto ha elevado las expectativas de la comunidad cinéfila, que sigue de cerca cada novedad sobre la producción. El fenómeno de It Follows y el creciente interés por su secuela reflejan el impacto duradero de la película en el panorama del terror moderno, consolidando su legado mientras la franquicia se prepara para una nueva etapa.

Llega el momento de la verdad. El Mundial de Fútbol 2026 está a punto de comenzar y todos los futboleros tienen un largo calendario por delante lleno de partidos. Una bendición para cualquier aficionado al deporte rey, pero un quebradero de cabeza para los cinéfilos que ansían aprovechar los días de verano para ver películas. Pero ¿qué pasaría si ambas aficiones se combinasen? Entonces estaríamos hablando de un Mundial de lo más especial, uno en el que, además de los partidos de fútbol, se pudiese también descubrir películas de todas las selecciones participantes.

Con esa idea en mente, desde Infobae traemos un pequeño juego al que hemos bautizado como Mundial de Cine 2026, y que básicamente consiste en reunir a las 48 selecciones participantes en este Mundial y elegir una película que les represente. Del mismo modo que Luis de la Fuente y otros tantos han hecho su particular convocatoria, los usuarios que deseen participar tendrán que escoger sus películas para representar a cada país. Pueden ser sus películas favoritas, las que tenga pendientes de ver o incluso una que esté directamente relacionada con el fútbol, aunque pronto comprobarán que no hay muchos títulos de esta índole.

La mecánica es sencilla: por cada selección del mundial habrá que pensar y elegir una película, componiendo un total de 48 títulos. ¿El criterio? Que esas películas estén producidas, ambientadas o tengan una gran participación del país a representar. Habrá algunas en las que sea relativamente fácil y haya demasiado donde elegir, como Estados Unidos, Francia o España por mencionar algunas, pero otras en las que la tarea sea mucho más ardua, como por ejemplo Curazao, República Democrática del Congo o Uzbekistán, países que ya de por sí sorprenden en lo futbolístico pero que en lo cinematográfico no es que tengan mucha más historia. Pero no hay nada de qué preocuparse, ya que estos días iremos repasando todos los grupos, proponiendo películas, directores, corrientes cinematográficas y en general hablando de la historia cinematográfica de cada país.

De Bong Joon-Ho a Christopher Nolan

Si en el Mundial se dan cita estrellas como Lamine Yamal, Erling Haaland o Kylian Mbappé, un Mundial de películas no podría ser menos. Convocaremos solo lo mejor de lo mejor, con posibles nombres como Bong Joon-Ho para Corea del Sur, Alejandro Gónzalez Iñárritu para México, Ingmar Bergman para Suecia, Truffaut o Godard para Francia, Almodóvar para España o David Lean y Christopher Nolan para Inglaterra. Se echará de menos a grandes selecciones que han asistido a otros mundiales y que podrían haber aportado grandes títulos, como la Italia de Sorrentino o Fellini, la Polonia de Andrzej Wajda o Paweł Pawlikowski, la Hungría de Béla Tarr o incluso Rusia, ausente ya de la anterior edición por prohibición de la UEFA y la FIFA y que podría haber contado con nombres como Andrei Tarkovsky o Sergei Eisenstein, entre otros.

El jueves será el partido inaugural del Mundial, con México en calidad de una de las anfitrionas y la selección de Sudáfrica, que ya albergó el Mundial que tantos buenos recuerdos trae a España y que casualmente también fue el partido inaugural en aquella edición de 2010. Iremos repasando grupo a grupo las selecciones con sus correspondientes propuestas de películas, pero ya pueden ir pensando títulos para ese primer partido. Aunque parezca complicado, en Sudáfrica hay muchas joyas cinematográficas a rescatar que pronto veremos.

Hugh Jackman sumará un nuevo personaje clásico a su trayectoria: encarnará al pirata Long John Silver en la próxima adaptación cinematográfica de la novela La isla del tesoro, bajo la dirección de Ridley Scott. El actor australiano, conocido por sus interpretaciones en El gran showman, Los miserables, Van Helsing: El cazador de monstruos, Logan y muchos otros, encabezará el reparto de esta ambiciosa producción que reunirá a figuras destacadas del cine internacional.

El proyecto, anunciado oficialmente este lunes, contará con un guion escrito por Jack Thorne, galardonado con un Emmy por Adolescencia. Thorne también se desempeñará como productor ejecutivo, mientras que la producción estará a cargo de Michael Pruss para la compañía Scott Free. La noticia fue confirmada por los representantes de la productora, que presentaron el paquete completo de la película al mercado internacional de cine. La elección de Jackman para interpretar al legendario pirata introduce una nueva faceta en la carrera del actor, quien ha dado vida a personajes tan variados como Wolverine, Jean Valjean y P.T. Barnum. En esta ocasión, asumirá el rol de uno de los antagonistas más célebres de la literatura universal. El personaje de Long John Silver, un cocinero astuto y carismático con una sola pierna y un loro al hombro, es el motor principal de la intriga en La isla del tesoro, novela publicada originalmente en 1883 por Robert Louis Stevenson.

La trama de la película seguirá la estructura clásica de la obra: el joven Jim Hawkins encuentra un mapa que conduce al tesoro perdido del capitán Flint y se embarca en una peligrosa expedición a bordo del barco Hispaniola. Durante el viaje, Hawkins y la tripulación se enfrentarán a una rebelión liderada por Silver, cuyo ingenio y ambición ponen a prueba la lealtad y el coraje de los protagonistas. La historia, ambientada en el siglo XVIII, consolidó muchos de los elementos más reconocibles del imaginario pirata, como el mapa marcado con una “X”, la figura del pirata cojo y la presencia del loro parlante.

El encuentro entre dos grandes

La isla del tesoro es considerada una de las novelas de aventuras más influyentes de todos los tiempos y ha sido objeto de múltiples adaptaciones cinematográficas, teatrales y televisivas. El proyecto dirigido por Scott promete ofrecer una visión contemporánea y espectacular, apoyada en un equipo creativo de primera línea y efectos visuales de última generación. La confirmación de este largometraje ocurre en un momento de intensa actividad para Ridley Scott. El cineasta británico, responsable de títulos como Gladiador, Misión: rescate y Alien: El octavo pasajero, se encuentra en la fase final de postproducción de Las estrellas del perro, su próxima película para 20th Century Studios, cuyo estreno está previsto para agosto. El tráiler de este thriller posapocalíptico, protagonizado por Jacob Elordi, Josh Brolin y Margaret Qualley, fue lanzado recientemente y ha generado expectativa entre la crítica y el público.

Por su parte, Jackman también mantiene una agenda activa. Antes de sumergirse en el universo de La isla del tesoro, el actor estrenará La muerte de Robin Hood, una producción de A24 dirigida por Michael Sarnoski, cuyo lanzamiento está programado para el 19 de junio. Este filme profundiza en una versión madura y sombría del legendario forajido inglés. La colaboración entre Scott y Jackman marca un nuevo capítulo en la tendencia de reinterpretar clásicos literarios con tecnologías de punta y repartos internacionales. El respaldo de Scott Free y la presencia de Jack Thorne como guionista refuerzan las expectativas sobre el tratamiento narrativo y visual que recibirá esta adaptación. Aún no se han anunciado detalles sobre el resto del elenco ni la fecha prevista de inicio de rodaje. Sin embargo, la combinación de un director con la trayectoria de Scott, un protagonista de la talla de Jackman y una obra literaria como La isla del tesoro posiciona a la película como uno de los proyectos más esperados del cine de aventuras en los próximos años.

Pedro Almodóvar regresa a la ficción literaria con la publicación de su primera novela, El hombre que solo escribía en los aviones. El libro, editado por Reservoir Books, estará disponible en librerías a partir del 29 de octubre de 2026. Tras el éxito internacional de su volumen de relatos El último sueño, traducido a treinta idiomas, el cineasta español se adentra por primera vez en el ámbito de la novela, presentando una nueva faceta creativa que amplía su reconocida trayectoria en el cine y la literatura. La editorial ha definido El hombre que solo escribía en los aviones como una novela de alto vuelo literario, en la que la vida del protagonista, Flavio Guijarro, se ve atravesada por una relación intensa con su biblioteca personal y por la totalidad de sus lecturas. El propio lanzamiento ha sido señalado por Reservoir Books como uno de los acontecimientos editoriales más esperados del año, reforzando la expectativa que rodea cada proyecto firmado por Almodóvar.

La novela llegará a las librerías el jueves 29 de octubre de 2026, según informó Reservoir Books. Este sello ya había publicado en 2023 el libro de relatos El último sueño, consolidando una colaboración literaria que ahora suma un nuevo capítulo con el salto del cineasta a la novela. Según la información difundida, el lanzamiento de El hombre que solo escribía en los aviones se presenta como un hito en la carrera del autor, reconocido principalmente por su filmografía, pero cada vez más vinculado al ámbito de la literatura. La noticia de la publicación ha sido recibida como un acontecimiento dentro del sector editorial, ya que marca el debut de Pedro Almodóvar en la novela tras su incursión previa en la narrativa breve. El libro, anunciado como una obra “sorprendente, libresca y apasionada”, refuerza la imagen de un creador en permanente exploración de nuevos lenguajes artísticos.

En El hombre que solo escribía en los aviones, el lector se encuentra con Flavio Guijarro, un personaje que ha dedicado buena parte de su vida a reinventarse. A lo largo de los años, ha tenido múltiples aficiones, aunque pocas han terminado por convertirse en verdaderas profesiones. La excepción es la de actor, una carrera que ha logrado mantener con altibajos y en la que ha encontrado tanto éxitos como fracasos. Durante un viaje de promoción, a diez mil metros de altura, Guijarro descubre de forma accidental una nueva vocación: la escritura. Este hallazgo lo lleva a entregarse de lleno al desafío de combatir los bloqueos creativos y perseguir el sueño de escribir, aunque ese objetivo parece escapársele cada vez que se acerca a terminar una obra. La novela explora cómo la búsqueda de inspiración lleva al protagonista a escenarios inesperados y cómo, en ese proceso, aparece una insólita capacidad para actuar como coach de actores.

Un artefacto literario y creativo

La trama, según lo anunciado por la editorial, se adentra con frenesí en una “selva de experiencias y lecturas, de tramas inventadas y de ideas prestadas”, tejiendo una narración que oscila entre la ficción y la reflexión sobre el propio acto de escribir. El argumento también incluye una incipiente historia de amor entre Guijarro y el actor más exitoso del momento, aunque el desenlace de esa relación permanece como uno de los varios misterios que la novela plantea al lector.

El hombre que solo escribía en los aviones ha sido descrito como una obra “repleta de sorpresas” y dirigida especialmente a quienes disfrutan del arte de narrar y de la lectura compulsiva. La novela recurre a una estructura que atraviesa géneros y estilos, lo que, según Reservoir Books, la convierte en un festín literario tanto para seguidores del cineasta como para lectores en busca de propuestas originales. La publicación de este libro confirma el tránsito de Pedro Almodóvar por caminos poco habituales en la ficción española reciente, consolidando su figura como creador polifacético y dispuesto a experimentar fuera de los límites de la pantalla. La expectativa editorial y cultural ante el lanzamiento de El hombre que solo escribía en los aviones apunta a que su llegada marcará un nuevo capítulo en la trayectoria de Almodóvar, tanto para el público lector como para los estudiosos de su obra.

El anuncio de la novela se produce después del impacto internacional de El último sueño, una colección de relatos que fue celebrada por la crítica y traducida a treinta idiomas. En palabras de The Guardian, se trató de “doce relatos más reales que cualquier autobiografía al uso”. Con este antecedente, el desembarco de Almodóvar en la novela amplía el alcance de su voz narrativa, trasladando su estilo personal al formato largo y permitiendo explorar nuevas dimensiones de su universo creativo. La publicación de El hombre que solo escribía en los aviones representa, según el comunicado de la editorial, una invitación tanto a los lectores habituales de Pedro Almodóvar como a quienes se acercan por primera vez a su obra literaria, para adentrarse en una historia donde la ficción y la vida dialogan a gran altitud.

Lisa Kudrow, conocida mundialmente por su papel en Friends, confirmó el inicio del rodaje de la esperada secuela de Romy and Michele’s High School Reunion —estrenada en España como Romy y Michelle. La actriz, junto a Mira Sorvino, vuelve a interpretar a uno de los dúos más recordados del cine de los noventa. La noticia marca el regreso de una película que, casi tres décadas después, conserva una legión de seguidores y un lugar destacado en la cultura pop.

El anuncio oficial llegó de la mano de 20th Century Studios, que compartió la primera imagen de Kudrow y Sorvino caracterizadas nuevamente como Romy y Michele. El mensaje promocional fue directo: “La reunión que estabais esperando”. Esta frase, convertida rápidamente en tendencia en redes sociales, resume la expectativa acumulada tras años de rumores y peticiones de los fans para una continuación. La secuela se filmará bajo la dirección de Tim Federle y el guion estará a cargo de Robin Schiff, guionista original del filme.

La nueva entrega, que se estrenará directamente en la plataforma Hulu, contará también con el regreso de varios miembros del elenco original. Janeane Garofalo, Alan Cumming, Camryn Manheim y Julia Campbell retoman sus papeles, mientras que nuevas incorporaciones como Keegan-Michael Key, Rob Huebel, Breckin Meyer, Patrick Warburton y Nathan Lee Graham aportarán rostros frescos a la historia. El anuncio del casting fue uno de los puntos más comentados por los seguidores, que celebraron la combinación de continuidad y renovación.

El regreso de un clásico de culto

Romy and Michele’s High School Reunion se estrenó en 1997 y narraba la historia de dos amigas que, tras diez años de haber terminado la secundaria, regresan a su ciudad natal para asistir a una reunión de antiguos alumnos. Las protagonistas, interpretadas por Sorvino y Kudrow, deciden inventar carreras exitosas para impresionar a sus excompañeros. Aunque la película recaudó 30 millones de dólares en taquilla, fue con el paso del tiempo que su humor y sus personajes ganaron el estatus de película de culto. En España, la cinta se conoció como Romy y Michelle, y mantuvo una base de seguidores fieles, especialmente entre quienes valoran las comedias de los años noventa.

El propio Alan Cumming, que regresa en la secuela, explicó en una entrevista anterior por qué la película original perdura: “Es una de esas películas con las que la gente está obsesionada. Era tan ingeniosa y divertida”, indicó. La expectativa generada en torno al regreso de los personajes principales ha crecido con los años, en parte por la escasez de historias similares protagonizadas por mujeres. La confirmación del rodaje llega tras años de especulaciones y rumores. Durante mucho tiempo, los propios actores habían manifestado su deseo de retomar la historia. Sin embargo, el proyecto no avanzaba. Cumming, en declaraciones a Entertainment Weekly, criticó la demora y la atribuyó a la industria de Hollywood. “Creo que el hecho de que no haya habido una secuela es un gran ejemplo de la misoginia en Hollywood. Si hubiera sido una película sobre dos hombres, ya tendríamos seis”, afirmó el actor.

La frase promocional “La reunión que estabais esperando”, difundida por 20th Century Studios y compartida por la propia Kudrow, sintetiza el sentimiento de los seguidores. El estudio acompañó el anuncio con una imagen de Kudrow y Sorvino en el set, vestidas con los emblemáticos atuendos de sus personajes. La fotografía, compartida en redes sociales, se convirtió rápidamente en tendencia y reavivó el entusiasmo por la franquicia. La dirección de la secuela estará a cargo de Tim Federle, conocido por su trabajo en High School Musical: The Musical: The Series. El guion vuelve a estar en manos de Robin Schiff, lo que garantiza la continuidad en el tono y el estilo que caracterizaron a la película original. El estreno directo en Hulu marca un cambio respecto al lanzamiento en cines de 1997, adaptándose a los nuevos hábitos de consumo audiovisual.

En la etapa de The Amazing Spider-Man, la primera película de 2012 tuvo dos horas y dieciséis minutos, mientras que su secuela de 2014 alcanzó dos horas y veintidós minutos. La trilogía protagonizada por Tom Holland también se mantuvo por debajo de este nuevo récord, con Spider-Man: Homecoming (2017) sumando dos horas y trece minutos, Spider-Man: Far From Home (2019) dos horas y nueve minutos, y Spider-Man: No Way Home (2021), que hasta hoy había sido la más larga, con dos horas y veintiocho minutos. Ahora, Spider-Man: Brand New Day supera esa marca, consolidándose como la película más prolongada de la franquicia.

Este nuevo hito no solo impacta a los seguidores del personaje, sino que también tiene implicaciones dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). De las treinta y siete películas estrenadas hasta la fecha, solo cuatro han superado los 150 minutos de duración: Guardians of the Galaxy Vol. 3 (149 minutos), Eternals (156 minutos), Black Panther: Wakanda Forever (161 minutos) y Vengadores: Endgame (182 minutos). El resto de las producciones de Marvel Studios no ha cruzado este umbral, lo que resalta aún más el carácter excepcional de esta nueva entrega del superhéroe neoyorquino.

La extensión de Spider-Man: Brand New Day responde a la necesidad de dar cabida a uno de los repartos más extensos y a múltiples líneas argumentales que, según lo informado, requieren mayor tiempo en pantalla para desarrollarse. Esto permitirá a los espectadores disfrutar de escenas de acción más elaboradas, combates con un nutrido grupo de villanos y la aparición de varios cameos anunciados, entre ellos Punisher y Hulk. El objetivo parece ser que cada personaje y subtrama tengan el espacio necesario para cobrar peso en la historia y evitar la sensación de que los acontecimientos se resuelven de forma apresurada.

Todo lo que sabemos de ‘Spider-Man: Brand New Day’

La trama de Spider-Man: Brand New Day se sitúa tras los sucesos de Spider-Man: No Way Home. Peter Parker, interpretado nuevamente por Tom Holland, vive en el anonimato absoluto después de que Doctor Strange borrara su existencia de la memoria de todos sus conocidos. Ahora sobrevive en secreto y se dedica a proteger Nueva York de los delitos cotidianos, mientras experimenta cambios en sus superpoderes que podrían traer consecuencias inesperadas. Según el director Destin Daniel Cretton en declaraciones a Empire, Parker está completamente volcado en su misión como Spider-Man. Tom Holland explicó a ESB que “es una película sobre la búsqueda de la identidad y el precio de la entrega personal”, y que refleja el paso de Parker de la adolescencia a la madurez.

El elenco de Spider-Man: Brand New Day incluye, además de Holland, a Zendaya en el papel de MJ y Jacob Batalon como Ned Leeds. Se suma Jon Bernthal como Frank Castle/Punisher, en una relación de rivalidad con Parker, y Mark Ruffalo que regresa como Bruce Banner, ahora profesor en la Empire State University. También están confirmados Michael Mando (Scorpion), Marvin Jones III (Tombstone), Sadie Sink, Tramell Tillman, Liza Colón-Zayas y Keith David, aunque los roles de estos últimos no han sido detallados. El guion fue elaborado por Chris McKenna y Erik Sommers.

La producción de la película estuvo en manos de Columbia Pictures, Marvel Studios y Pascal Pictures. Según un reporte de Variety, Tom Holland pidió a Sony Pictures retrasar el inicio del rodaje para poder participar en La Odisea, dirigida por Christopher Nolan. Por otro lado, Amazon anunció que los suscriptores de Prime en Estados Unidos podrán acceder a funciones exclusivas dos días antes del estreno nacional. Spider-Man: Brand New Day tiene previsto su estreno oficial el 29 de julio de 2026.

En un contexto así, casi parece una temeridad reestrenar una película que ya tuvo un modesto recorrido por salas, pero si hay un adjetivo que ha caracterizado precisamente a Jonás Trueba (Madrid, 1981) es precisamente el de iluso. El cineasta se dio a conocer al gran público con Todas las canciones hablan de mí, que le valió la nominación al Goya a Dirección Novel, pero fue con la segunda película, Los ilusos, con la que sentó las bases de lo que sería posteriormente su obra. “Cuando hicimos Todas las canciones hablan de mí quería ser director de cine, tenía esa idea de lo que consiste dirigir una película, estar en todo, intervenir en todo. Con Los ilusos aprendimos a dejarnos llevar, a ser más intuitivos, a confiar más unos en otros. La diferencia es que en mi primera película quería controlarlo todo, como si no te fiaras de lo que tienes a tu alrededor. A partir de esta película eso empezó a cambiar", cuenta Trueba a Infobae con motivo del estreno de Los ilusos 13+13, una nueva versión de la película que lo cambió todo.

“Siempre tuve el anhelo de hacer esto, de dar una segunda oportunidad a la película. La primera versión se estrenó en 2013 con bastantes limitaciones. Ya poco después sentía que esta película merecía otra oportunidad”, cuenta el director, quien menciona una reciente retrospectiva en el Centro Pompidou como la excusa perfecta para rebuscar en su propio archivo y tomar la decisión que llevaba tiempo meditando. “Fue el momento perfecto para terminar la versión que siempre quise hacer, aunque durante mucho tiempo no tuve los recursos ni el tiempo para volver al negativo original”. La trama sigue igual: un joven director de cine (Francesco Carril) deambula por Madrid entre recuerdos, encuentros con amigos, citas románticas y mucho, muchísimo cine.

La misma película, pero muy diferente

Trueba filmó la película originalmente en color, pero para abaratar otros procesos paralelos decidió hacer la película en blanco y negro. “Aunque queríamos rodarla en blanco y negro para homogeneizar elementos de arte, vestuario y luz, el negativo original estaba en color. Nuestra obsesión por el blanco y negro nos permitió hacer ciertas cosas, pero ahora, al dejar asomar el color, me doy cuenta de que no traiciona la idea original. El color estaba ahí, simplemente no lo veíamos. Esta nueva versión permite que dialoguen la original de 2013 y los ajustes de color actuales“, explica sobre esta rebautizada Los ilusos 13+13, aunque puntualiza que no se trata de un remontaje. “Valoramos la tentación de quitar o recuperar secuencias, pero nos dimos cuenta de que eso ya sería otra cosa. Sentimos que la película era como era, muy trabajada en montaje. No quisimos manipularla ni traicionarla, solo intensificarla, crear una versión que es la misma pero mejor, que se ve y se piensa mejor desde la distancia. El color la hace más divertida y resalta el costumbrismo y el humor que ya tenía, además de responder mejor a la energía intuitiva con la que fue hecha”.

Este viaje atrás en el tiempo le ha permitido a Trueba no solo reencontrarse con aquella película que siempre soñó, sino también comprobar cómo en ella estaban muchas de las semillas que fueron creciendo con su cine posterior, desde La reconquista hasta Volveréis. “Con los años, al ver la película de nuevo, he descubierto detalles e intuiciones que apuntábamos entonces y que después he seguido desarrollando en otras películas. Siento que Los ilusos es una carta enviada al futuro, que ahora me devuelve cosas de aquel momento y también de mí ahora, como si hubiéramos intuido mucho más de lo que sabíamos. El espíritu original era libre y saltarín, y el blanco y negro, aunque práctico, le daba una seriedad que no era la intención”, desarrolla el cineasta.

Cuánto ha cambiado Madrid

Haciendo el ejercicio de revisitar —o descubrir— Los ilusos, uno también puede observar lo mucho que ha cambiado Madrid en estos 13 años, la ciudad que Trueba lleva retratando desde siempre como nadie. “Suelo pasear por la ciudad buscando lugares para filmar antes de que cierren. Muchos de los que salen en mis películas ya no existen. Madrid está sometida a cambios constantes, como otras grandes ciudades. Quizás ahora el proceso se ha acelerado, pero es natural. La ciudad nos ha elegido a nosotros tanto como nosotros a ella; filmo en Madrid porque me toca y porque me gusta, aunque no es fácil rodar aquí“, señala el cineasta, quien sin embargo se siente orgulloso de algo que ha pervivido.

“Me alegra que en Los ilusos salgan seis cines de Madrid y que los seis sigan existiendo hoy; el Pequeño Cine Estudio, los Verdi, los Ideal, los Golem, la Filmoteca... Sin embargo, muchas otras cosas han desaparecido, incluso amigos, como Luis Miguel Madrid, que murió de COVID. Cuando rodábamos, era un momento de crisis y se veían muchos comercios cerrados o a punto de cerrar. Ahora la ciudad se está estandarizando, con las mismas tiendas y franquicias en todas partes. Es triste asistir a esa estandarización", reconoce Trueba, quien añade que esa estandarización se ha extendido también al propio cine. “Ahora las plataformas imponen cámaras, códecs y modos de montaje. Te marcan todo y eso es inquietante. A veces es mejor hacer una película más barata y ser más dueño de ella, depender menos de otros. Me preocupa como espectador la homogeneización de la imagen, que incluso en películas premiadas veo una imagen muy estandarizada, como de cine probeta o prefabricado por plataformas”.

Películas de ilusos y para ilusos

En 2013, y a raíz de la propia película, Trueba fundó la productora Los Ilusos Films junto a otros miembros del equipo, como Aura Garrido, Francesco Carril, Itsaso Arana, Vito Sanz o Javier Lafuente, junto al que empezó la aventura y con el que realizó una película desprovista de cualquier subvención u otro tipo de ayuda. “No queríamos ser dependientes de ciertas instituciones, televisiones, ejecutivos o distribuidores. Construimos nuestra propia dependencia, una red de dependencia de nosotros mismos. Había otras películas en ese momento importantes en un sentido parecido; Los ilusos coincidía con otras películas en el aire de los tiempos, pero quizás fue la que marcó más claramente ciertas pautas, cogimos un impulso que nos ha durado todos estos años”.

Esa forma de hacer cine es lo que ha convertido a Jonás Trueba en una de las figuras más libres e independientes de toda la industria. “Soy muy consciente de que mi libertad o independencia consiste en esa red de confianza que se genera con Los ilusos, con un grupo de técnicos y actores que hemos ido renovando. Eso nos ha hecho ser más dependientes de nosotros mismos. En paralelo, hemos ido viendo cómo la industria ha cambiado mucho, se han establecido las plataformas que hace 13 años no estaban aquí produciendo todo", reconoce, y envía un mensaje de esperanza. “Creo que hay que defender la idea de que las películas pueden seguir vivas más allá de su estreno y no morir dos semanas después, ni quedar enterradas en una plataforma. Me gustaría seguir colaborando con distribuidores y exhibidores para revivir películas de hace años, no solo las mías, sino en general. Es importante que los cineastas y los exhibidores impulsen iniciativas para mantener vivas las películas”.

Hace exactamente 26 años, unos hermanos tuvieron la brillante idea de llevar al cine una película que parodiase el terror. Una idea loca y que ya nacía en gran medida muerta, pues Scream había hecho a su manera cuatro años antes y ya iba por su tercera entrega. Pero daba igual, porque la verdadera intención de estos hermanos, los Wayans, no era otra que pasárselo bien y hacer reír al público sin una gran reflexión detrás. “Nunca pensamos en el impacto que tendría la película mientras la hacíamos. Solo queríamos hacer ruido. Queríamos hacer reír a la gente. Al principio algunos no lo entendieron, pero sabíamos que estábamos en algo. Sabíamos la verdad, la cultura y el humor que teníamos y nos mantuvimos firmes“, reconoce Marlon Wayans, una de las mentes detrás de ese éxito que irónicamente llevaría el título original de Scream: Scary Movie.

Lo cierto es que las dos primeras entregas de Scary Movie fueron un auténtico éxito, recaudando casi 500 millones de dólares en todo el mundo, siendo la primera entrega una modesta producción de 19 millones a cargo de Miramax, la productora de otros hermanos, los Weinstein. El enfrentamiento de estos con los Wayans, que reclamaron una mayor compensación y control creativo, llevó a que a partir de la tercera entrega no hubiese rastro de ellos, lo cual podría explicar que esta nueva película, la sexta cronológicamente, recuperé el título original. “Scary Movie era un gigante dormido en la biblioteca de Miramax, y no había forma de traerlo de vuelta sin la familia Wayans. Tienen una voz única, intrépida y original que sigue conectando con el público de todo el mundo", explicaba el actual director del estudio tras la salida de los Weinstein.

Más ‘Scream’ que ‘Scary’

El otro motivo, mucho más lógico, podría ser el hecho de parodiar de nuevo la saga en la que Scary Movie siempre se miró, al menos en sus dos primeras entregas hasta el cambio de manos. Scream “reinició” en gran medida su saga en 2022 con una quinta entrega que eliminaba el 5 del título, y esta ha hecho lo propio. No es la única idea que ha tomado de ese reboot a cargo de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett que entre asesinato y asesinato hacía un concienzudo análisis de la cultura popular en general y del estado del cine de terror en particular. Esta Scary Movie no tiene tanto esa pretensión pero no por ello renuncia a hacer más de un comentario sobre el “terror elevado” y alguna que otra cuestión relativa al género. A su manera, por supuesto, siempre la más burda, ruidosa y chabacana posible, en el mejor sentido posible de la palabra.

Scary Movie recupera al núcleo duro de esas dos primeras entregas, a saber, Cindy (Anna Faris), Brenda (Regina Hall), Ray (Shawn Wayans) y Shorty (Marlon Wayans), aprovechándose en gran medida del hilo argumental de los dos grandes reboots de los últimos años, Halloween y Scream. Lo que siempre diferenció a los Wayans de las posteriores entregas fue esa apuesta genuina por darle un sentido cinematográfico en vez de una retahíla de sketches sin orden ni concierto, y eso es algo que aquí se recupera, aunque sea en detrimento de parodiar otras películas -todo el fragmento de Longlegs se siente demasiado inconexo, a pesar de la poscréditos- o aportar nuevas bromas fuera del imaginario Scream.

Inspirada en su locura, irregular en su final

No en vano los mejores momentos de la película funcionan, como ya sucediera en Scary Movie 1 y 2, por subvertir más que acumular. El prólogo de la película, con el cameo de toda una estrella de Hollywood y de una vieja conocida de la saga, es paradójicamente uno de los momentos más desternillantes de la película, al igual que lo es una secuencia animada que referencia a Kpop: Demon Hunters o toda la secuencia en la Shorty, ahora convertido en streamer, se reúne con el streamer Kai Cenat y el mismísimo asesino Ghostface, buscando emular el ya icónico momento Wazzup!.

Hay que hablar también de la delicia que es recuperar la química y comicidad que respiran Anna Faris y Regina Hall, probablemente una de las grandes parejas femeninas que ha dado el cine cómico en este siglo. También de los certeros momentos de inspiración en su caos, con alusiones a Kanye West, los archivos de Epstein, Chat GPT o las redadas de ICE. Se acostumbra a decir que las películas que buscan hacer comentarios sobre su tiempo están condenadas a tener fecha de caducidad, pero tan cierto es eso como que pasado un tiempo son un documento irrefutable de su tiempo. Y si Scary Movie ya asume que va a pasar de moda, que sea al menos haciendo algunos chistes al respecto.

En definitiva, esta Scary Movie vuelve a los orígenes y da cuenta de que, en todo este tiempo que ha pasado desde Scary Movie 5 (2013, la única que no contaba con ningún miembro del elenco original) ha habido una hilera de grandes películas de terror que merecían ser parodiadas, desde Déjame salir hasta Weapons pasando por La sustancia, Terrifier o It follows. Puede que sean todas las que están ni estén todas las que son, pero es una buena demostración del gran momento ha vivido y está viviendo el cine de terror actual. El propio Marlon Wayans ya ha hablado de una siguiente Scary Movie dirigiendo su mirada hacia los recientes fenómenos de Backrooms y Obsession: “Como dicen, la risa es la mejor medicina. Cuando puedes encontrar humor en situaciones inesperadas, es cuando de verdad eres gracioso. Nos reímos del mundo que nos rodea y a veces es oscuro, pero sabemos cómo traer la luz. La tensión, la comedia y el terror tienen un ritmo parecido”. De momento tendrán que esperar a la recepción de esta, y tomar ejemplo de terror para mejorar en lo que debe y afianzarse en lo que ya brilla.

La llegada del Papa León XIV a Madrid ha supuesto un acontecimiento de relevancia institucional y simbólica para la ciudad. Su visita, enmarcada en una serie de actos oficiales, incluyó un encuentro con el alcalde José Luis Martínez-Almeida y representantes de la Casa Real. La recepción se celebró este 6 de junio, ante la presencia de autoridades civiles y religiosas, que destacaron el carácter excepcional de la visita papal y el fortalecimiento de los lazos entre la Iglesia y la sociedad madrileña.

Durante el acto, Almeida hizo entrega al pontífice de un ejemplar único y artesanal de la obra ‘A la muy antigua, noble y coronada villa de Madrid: historia de su antigüedad, nobleza y grandeza’, escrita por el clérigo Jerónimo de Quintana y publicada originalmente en 1629. El libro, considerado uno de los más completos relatos históricos sobre la capital española, fue elaborado para la ocasión por el Taller de Encuadernación Artística de la Imprenta Municipal-Artes del Libro, institución dedicada a la preservación de los oficios vinculados al patrimonio bibliográfico madrileño.

La entrega del volumen a León XIV se produjo en un contexto de especial relevancia para la ciudad. Según el comunicado del Ayuntamiento, la visita del Papa representa “un acontecimiento de especial significado para Madrid”, y el obsequio busca convertirse en un símbolo de respeto y cercanía, así como de reconocimiento a los valores de diálogo, encuentro y esperanza que el pontífice representa a nivel mundial. En palabras de Almeida, el libro “recoge la memoria de nuestra ciudad a lo largo de los siglos” y pretende ser también un testimonio del aprecio institucional hacia la figura del Papa.

El gesto fue acompañado por otros presentes protocolarios entregados al Pontífice y su comitiva: un rosario y treinta decenarios, elaborados a mano por personas con discapacidad intelectual usuarias de la Fundación Götze, y un libro de acuarelas con edificios y monumentos representativos de Madrid. Además, el Papa podrá degustar pastas de almendra confeccionadas por las monjas agustinas recoletas del Real Monasterio de Santa Isabel, continuando la tradición de colaboración entre instituciones municipales y religiosas.

Un libro de casi mil páginas sobre la historia de Madrid

El ejemplar entregado a León XIV se distingue tanto por su contenido como por su factura artesanal. ‘A la muy antigua, noble y coronada villa de Madrid: historia de su antigüedad, nobleza y grandeza’ es una obra monumental que reúne cerca de 950 páginas dedicadas íntegramente a la historia, el patrimonio y los protagonistas de la villa de Madrid. Su autor, Jerónimo de Quintana, inició la redacción hacia 1617 y empleó cerca de una década en completarla, recurriendo a fuentes como el ‘Teatro de las grandezas de la villa de Madrid’ de Gil González Dávila.

El libro se divide en tres partes. La primera aborda los orígenes y la evolución de Madrid como ciudad; la segunda está dedicada a los personajes históricos que marcaron la vida local; la tercera describe los edificios y monumentos notables de la villa. La portada, grabada por Robert Cordier, presenta una compleja estructura arquitectónica en forma de arco. En el centro destaca la Virgen de Atocha, flanqueada por el escudo de Madrid y alegorías de la Religión, así como figuras que representan a Grecia y Roma. Diversas inscripciones en latín y símbolos clásicos completan la iconografía, reflejando el espíritu barroco y el arraigo religioso de la obra.

La primera edición se imprimió en el Hospital de la Latina bajo la dirección de Quintana, quien por entonces era rector del centro. La obra se vendía en ese mismo lugar, impulsando el acceso al conocimiento histórico de la ciudad por parte de sus habitantes. El ejemplar regalado al Papa corresponde a la edición publicada por el Ayuntamiento de Madrid en 1954, bajo la supervisión de Eulogio Varela Hervías, entonces director de la Hemeroteca Municipal. Esta edición fue realizada mediante tipos móviles en la Imprenta Municipal, consolidándose como uno de los principales proyectos editoriales destinados a recuperar el patrimonio escrito de Madrid.

La encuadernación, a cargo del Taller de Encuadernación Artística de la Imprenta Municipal, destaca por el uso de chagrín blanco, color asociado al Estado Vaticano y empleado tradicionalmente en volúmenes de representación para la Santa Sede. Los elementos decorativos exteriores, estampados en pan de oro, incluyen un marco de inspiración barroca elaborado con hierros históricos y un grabado en bronce firmado por Olivares, destacado grabador español del siglo XX. Las guardas interiores están decoradas con motivos dorados y materiales seleccionados para asegurar la conservación del libro. La Imprenta Municipal-Artes del Libro mantiene desde hace siglos la tradición de realizar encuadernaciones artísticas para regalos protocolarios del Ayuntamiento. Con este obsequio, Madrid reitera su apuesta por la memoria histórica y el patrimonio cultural, entregando al Papa una obra que sintetiza la identidad y el legado de la capital.

El director de cine Steven Spielberg sorprendió a los clientes del pub The Devonshire en Londres, donde apareció sin previo aviso para participar en un trivial sobre su propia filmografía y celebrar el inminente estreno de su nueva película, El día de la revelación. La presencia del cineasta, de 79 años, generó asombro entre los asistentes, que compartieron la velada con uno de los nombres más reconocibles del cine internacional.

Spielberg no acudió solo a la cita. Lo acompañó Colman Domingo, actor que interpreta a Hugo Wakefield en El día de la revelación. Ambos aprovecharon la atmósfera distendida del pub para integrarse en el concurso de preguntas y respuestas, donde los temas giraron en torno a la carrera y las películas emblemáticas del cineasta estadounidense. Los presentes disfrutaron de la interacción directa con Spielberg, quien se mostró cercano y participativo, mientras compartía una pinta de Guinness y respondía entre risas a las preguntas formuladas por los equipos.

El motivo de la celebración fue el inminente estreno de El día de la revelación, la nueva incursión de Spielberg en el género de la ciencia ficción. La película llegará a los cines el 12 de junio y, según las primeras críticas especializadas, se perfila como su mejor trabajo en los últimos veinte años. Tanto Spielberg como Domingo aprovecharon el ambiente relajado para brindar por el éxito anticipado del filme, destacando la buena recepción que ya ha despertado entre la prensa y los asistentes a los primeros pases.

Durante la noche, varios asistentes compartieron en redes sociales imágenes y comentarios sobre el inesperado encuentro. La presencia de Spielberg en el pub, participando activamente en el trivial y celebrando junto al público, fue señalada como un gesto poco habitual en una figura de su trayectoria. El director respondió a preguntas sobre títulos clásicos de su filmografía y compartió anécdotas sobre el rodaje de algunas de sus películas más conocidas, lo que contribuyó a crear un ambiente de cercanía con los seguidores. El día de la revelación representa una vuelta al cine de ovnis y misterios que marcó los inicios de Spielberg. El propio director ha comentado en ocasiones anteriores su fascinación personal por los fenómenos inexplicables y su interés en explorar la relación entre la humanidad y la posibilidad de vida extraterrestre. La noche en The Devonshire sirvió para reafirmar ese vínculo con el público y la vigencia de su legado en el cine contemporáneo.

Un regreso a las raíces de Spielberg

Las primeras reseñas sobre El día de la revelación han sido ampliamente positivas. Críticos de medios especializados describieron la película como “un regreso a la mejor versión de Spielberg” y destacaron la interpretación de Emily Blunt en el papel de Margaret Fairchild, meteoróloga y ex periodista atrapada en una conspiración gubernamental de gran alcance. El guion, firmado por David Koepp, teje elementos de suspense, ciencia ficción y drama, combinando persecuciones, misterios y una trama que mantiene la tensión hasta el desenlace.

En redes sociales y portales de cine, algunos expertos han calificado la película como “absolutamente fenomenal”. Entre los elementos más destacados por la prensa se encuentran la banda sonora, la atmósfera y la capacidad de la historia para mantener al espectador expectante. Según las críticas recogidas tras los primeros pases de prensa, el filme logra conjugar el estilo visual clásico de Spielberg con un enfoque narrativo contemporáneo, lo que ha despertado altas expectativas de cara a su estreno mundial. El reparto de El día de la revelación se completa con Josh O’Connor, Colin Firth y Eve Hewson, quienes acompañan a Blunt y Domingo en una historia coral que explora la tensión entre la necesidad de revelar la verdad y el miedo a lo desconocido. El avance publicado en diciembre mostró escenas de alto impacto visual, con secuencias de persecución, referencias a fenómenos extraterrestres y preguntas sobre el impacto social de un gran descubrimiento.

La conexión entre El día de la revelación y los orígenes creativos de Spielberg es evidente. El director debutó en el género de ciencia ficción con Firelight en 1964 y consolidó su prestigio internacional con Encuentros cercanos del tercer tipo (1977) y E.T. (1982), dos títulos que marcaron época y redefinieron el cine de aventuras y lo fantástico. La nueva película, basada en una historia original de Spielberg, recupera parte de ese espíritu y lo actualiza para una audiencia contemporánea. Durante la velada en The Devonshire, Spielberg recordó su fascinación infantil por los ovnis y los misterios del universo, una pasión que lo llevó a explorar estos temas a lo largo de su carrera. El evento no solo sirvió para celebrar el estreno de El día de la revelación, sino también para reforzar el vínculo entre el cineasta y los seguidores de su obra, en un ambiente distendido y fuera de los circuitos habituales de promoción. Sin anuncio previo, la aparición de Spielberg y su participación en el trivial con el público londinense marcaron una noche singular, que anticipa el impacto que El día de la revelación podría tener en la cartelera internacional.

Netflix ha reafirmado su estrategia en la industria cinematográfica al declarar que no seguirá colaborando con directores que insistan en estrenos exclusivos en cines. Dan Lin, presidente de la división de cine de Netflix, afirmó con claridad que la compañía ha asumido que existen cineastas con los que no buscará acuerdos futuros por este motivo. El mensaje, transmitido en una reciente entrevista con el New York Times, marca una diferencia significativa respecto al discurso conciliador que la plataforma había sostenido en los últimos años.

En palabras de Lin, “hay un grupo de cineastas que todavía quieren estrenos teatrales. Esos son cineastas con los que hemos aceptado que simplemente no trabajaremos”. La declaración llega en un contexto en el que Netflix había mostrado señales de apertura hacia los cines, sobre todo tras su intento fallido de adquirir Warner Bros. y la decisión de ofrecer un estreno completo en salas para Narnia: The Magician’s Nephew, dirigida por Greta Gerwig. No obstante, la postura de Lin recalca que el streaming sigue siendo el núcleo del modelo de negocio de la empresa.

Netflix mantiene su apuesta por el streaming como canal prioritario para sus producciones cinematográficas. Aunque en ocasiones recientes se permitió la exhibición en salas de títulos como Narnia: The Magician’s Nephew, la compañía ha dejado claro que esto no representa un cambio estructural de su política. Según el reporte, “la plataforma no trabajará con directores que insistan en estrenos teatrales”, una decisión que busca evitar conflictos recurrentes y optimizar recursos hacia proyectos alineados con su visión. Para quienes se preguntan por qué Netflix ha adoptado una postura tan definida, la respuesta se encuentra en las prioridades de la empresa: garantizar la exclusividad de su catálogo y maximizar la audiencia en su plataforma. Las declaraciones de Dan Lin evidencian que, pese a algunas excepciones en el calendario de lanzamientos, la estrategia central sigue siendo el consumo en streaming. El ejecutivo enfatizó que la empresa ha asumido la pérdida de colaboraciones con cineastas que ven el estreno en cines como condición indispensable.

La posición de Lin contrasta con la de su predecesor, Scott Stuber, quien había buscado acercamientos con directores reconocidos a partir de propuestas de estrenos más amplios en cines. Stuber, conocido por sus vínculos con la comunidad creativa y su insistencia en captar a cineastas como Christopher Nolan, gestionó títulos como Roma de Alfonso Cuarón y Frankenstein de Guillermo del Toro, intentando ofrecerles exhibición más allá de la ventana mínima requerida para premios. Mientras Stuber apostaba por la diplomacia y el diálogo con los llamados “puristas del cine”, Lin opta por una política más definida y menos negociable. El artículo del New York Times subraya que Lin, pese a su exitosa trayectoria como productor de películas como The LEGO Movie y Sherlock Holmes, demuestra un estilo menos apegado a las convenciones de Hollywood.

Ejemplos y casos recientes

El caso de Remarkably Bright Creatures ilustra la dinámica interna de la toma de decisiones en Netflix. Según el artículo citado, la actriz Sally Field propuso estrenar el filme en otoño para aumentar sus posibilidades de nominación al Oscar. Lin, en cambio, defendió que la fecha óptima era justo antes del Día de la Madre, dado el perfil familiar de la historia. El resultado fue que la película permaneció durante un mes en el Top 10 de la plataforma. Pese a las declaraciones de Lin, Netflix continúa permitiendo lanzamientos selectos en cine. En diciembre, Las aventuras de Cliff Booth de David Fincher tendrá funciones en formato Imax, lo que sugiere que la empresa mantiene cierta flexibilidad con proyectos específicos. Sin embargo, la excepción no anula la regla general: la prioridad es el streaming.

Lin reconoce que su franqueza puede incomodar a algunos talentos. Relató que, en sus primeros meses al frente de la división, cometió el error de interpretar literalmente el pedido de sinceridad de los cineastas, lo que en ocasiones generó tensiones. “Ahora aprendo a leer mejor a las personas y a decir la verdad de la forma más productiva posible”, afirmó. La estrategia de Netflix resulta clara: la empresa ha decidido asumir la pérdida de colaboraciones con directores reacios a renunciar al estreno en salas. Para la compañía, el futuro inmediato del cine propio seguirá estando en la pantalla doméstica.

Sean Penn ha decidido alejarse de las galas de premios, incluidas aquellas tan emblemáticas como los Oscar, debido a lo que describe como una experiencia emocionalmente agotadora y socialmente incómoda. El actor, quien recientemente fue galardonado con la estatuilla a Mejor Actor de Reparto en la 98ª edición de los Premios de la Academia, no estuvo presente en la ceremonia, una ausencia que llamó la atención de la industria y el público.

Penn abordó el tema durante una conversación pública con la presentadora de CNN, Kaitlin Collins, en el marco del 25º Festival Tribeca, celebrado en Manhattan entre el 3 y el 14 de junio. Allí, el actor fue directo: “Ya no asisto a ningún evento en el que tenga que estar en un grupo de más de ocho personas. Es algo que me deja sin ánimos”. Según Penn, la sola idea de enfrentarse a grandes reuniones le provoca ansiedad y una sensación de incomodidad que prefiere evitar por completo. El actor explicó que su rechazo a los eventos masivos no se limita a las ceremonias de premiación, sino que se extiende a cualquier tipo de reunión social amplia. “No es solo porque se trate de una entrega de premios. Sería igual si este grupo fuera a una fiesta posterior. Siempre he sentido incomodidad social en esos ambientes; demasiada gente”, sostuvo durante el diálogo en Tribeca. Penn relató que, tras muchos años de asistir a este tipo de eventos, finalmente ha fijado un límite personal: “Estoy decidido, de por vida, a no ir a ningún lugar donde se reúna un grupo designado de más de ocho personas”.

La decisión de Penn de ausentarse de los Oscar 2025 fue consensuada con sus colegas de la película Una batalla tras otra, con quienes compartió la opinión de que era “mejor para su salud mental” no acudir a la ceremonia. El actor viajó en cambio a Ucrania, donde lleva tiempo trabajando para visibilizar la situación del país ante el conflicto con Rusia y la necesidad de apoyo occidental. Penn siguió la transmisión de los Oscar desde Ucrania, donde la gala comenzó a las 2 de la madrugada y finalizó cerca de las 5. “Por primera vez pude disfrutar realmente de los Premios de la Academia. Estuvo genial”, reconoció.

Penn relató que su decisión de dejar atrás este tipo de eventos fue definitiva tras su experiencia en los Globos de Oro de este año. “Lo máximo que podía sentir era alivio”, comentó. “Saber que no voy a volver a hacer eso es un descanso. Fui a los Golden Globes, nunca había ido antes. Y fue ahí cuando decidí: ‘No puedo hacer esto’”. La incomodidad de Penn en los eventos multitudinarios no responde, según él, a un rechazo superficial de la cultura de Hollywood, sino a una reacción personal muy concreta: la ansiedad que le genera la dinámica social de estos encuentros. “El problema es que en esas reuniones solo tienes quince minutos para cada persona, y eso me provoca ansiedad, es algo que me resulta abrumador”, afirmó.

La postura de Penn ante los selfies

Uno de los factores que más contribuyeron a su incomodidad en los eventos recientes fue la demanda constante de selfies por parte del público y los asistentes. Penn fue contundente: “La gente no debería hacerse selfies nunca con nadie. Es malo para ti; es malo para todos. Es como chuparte el alma”. Incluso ante situaciones extremas, como el caso de una superviviente del Holocausto o un niño en silla de ruedas, Penn mantiene su postura: “¿La abuela del Holocausto y su nieto parapléjico de seis años se acercan? Es un no rotundo”. El actor describió cómo, al salir de los Golden Globes, se vio rodeado por personas que le pedían fotografías, lo que reforzó su determinación de no volver a asistir a grandes eventos. “Es la novena persona”, señaló, refiriéndose al punto de quiebre en el que la experiencia deja de ser tolerable.

Actualmente, Penn encuentra mayor satisfacción en actividades alejadas de los focos de Hollywood. Además de su trabajo humanitario en Ucrania, el actor ha desarrollado una nueva pasión por la carpintería y participa activamente en el Festival Tribeca, donde mantiene una relación de larga data con el cofundador Robert De Niro. Penn admitió que, con el paso del tiempo, ha suavizado su carácter respecto a sus años más turbulentos, buscando espacios en los que pueda sentirse auténticamente cómodo y en control de su entorno. La negativa de Penn a acudir a galas de premios ni siquiera por un Oscar, y su rechazo tajante a los selfies, marcan una etapa de distanciamiento deliberado de la vida pública tradicional de Hollywood, en la que prioriza su bienestar personal y su salud mental por encima de la exposición mediática.

La plataforma y productora Netflix ha decidido pausar la preproducción de su ambicioso proyecto cinematográfico sobre el general cartaginés Aníbal, que reúne a Denzel Washington y Antoine Fuqua en los roles de protagonista y director, respectivamente. La decisión responde a preocupaciones sobre el presupuesto, según se comunicó oficialmente, y deja en suspenso el inicio de la filmación que estaba previsto para el verano en Italia.

La película, titulada provisionalmente Hannibal, tenía previsto comenzar su rodaje en locaciones italianas durante los próximos meses. El proyecto se encontraba en una fase temprana de preproducción cuando Netflix y los productores, entre ellos Fuqua y Washington, decidieron detener temporalmente el proceso. El objetivo, de acuerdo a fuentes citadas, es resolver diferencias presupuestarias que surgieron en las negociaciones con el estudio. Tanto la plataforma como los impulsores del filme esperan que una vez superadas estas dificultades, el largometraje pueda continuar adelante bajo el sello de Netflix. El filme cuenta con un guion del ganador del Óscar John Logan, reconocido por su trabajo en The Aviator y Gladiator. La historia se centra en los enfrentamientos cruciales encabezados por Aníbal durante la Segunda Guerra Púnica, resaltando las batallas más trascendentes contra el ejército romano. El comunicado oficial subraya que Aníbal es considerado “uno de los comandantes militares más destacados de la historia”.

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El freno en la preproducción de Hannibal se debe principalmente a desacuerdos sobre el presupuesto total del proyecto. Las partes involucradas —el estudio y los productores— se encuentran en conversaciones activas para ajustar los costos y definir un esquema financiero viable. Este tipo de suspensiones no es inusual en producciones de gran escala, especialmente cuando se trata de reconstrucciones históricas y rodajes internacionales, que pueden aumentar considerablemente los gastos. Según la información divulgada, la intención es retomar los trabajos una vez que se logre un consenso sobre los recursos necesarios. No se mencionaron cambios en el elenco principal ni en la dirección creativa. Hasta el momento, no se ha anunciado una nueva fecha tentativa para el reinicio de la producción.

Una colaboración duradera

Hannibal representa la sexta colaboración entre Antoine Fuqua y Denzel Washington. La dupla artística alcanzó notoriedad en 2001 con Training Day, película por la que Washington obtuvo el Óscar al mejor actor. Posteriormente, ambos trabajaron juntos en la saga The Equalizer, cuya tercera entrega, The Equalizer 3, se rodó principalmente en Italia y se estrenó en 2023. Estas colaboraciones han consolidado una relación profesional que ha generado expectativas en el público y la industria cada vez que se anuncia un nuevo proyecto conjunto. En el caso de Hannibal, el atractivo radica tanto en la magnitud histórica del personaje como en la experiencia previa del equipo en rodajes internacionales y producciones de acción.

Mientras se define el futuro de Hannibal, Denzel Washington y Antoine Fuqua mantienen una presencia activa en la industria cinematográfica. Washington participó recientemente en Highest 2 Lowest, dirigida por Spike Lee. Por su parte, Fuqua ha cosechado éxito con el biopic Michael, producido por Lionsgate, que relata la vida de Michael Jackson. Esta película tuvo un presupuesto superior a los 155 millones de dólares y ha superado los 850 millones en taquilla mundial, convirtiéndose en uno de los grandes éxitos de 2026. El estudio ya trabaja en una secuela. La pausa en la preproducción de Hannibal refuerza el clima de cautela financiera en grandes estudios y plataformas de streaming, que ajustan sus inversiones ante la volatilidad del mercado global. Ni Netflix ni los representantes de los productores han emitido comentarios adicionales sobre los plazos para una resolución definitiva.

Jacob Elordi no es el único actor con conexión española. La nueva superproducción He-Man y los Masters del Universo llega a los cines este 5 de junio con Nicholas Galitzine al frente del reparto. El actor británico, conocido también por su papel en Rojo, Blanco y Sangre Azul, se ha convertido en uno de los nombres más comentados del momento, no solo por su trabajo en la pantalla, sino por un vínculo especial con España que sorprende a sus seguidores. En el marco de la promoción de la película, Galitzine protagonizó un momento inesperado junto a Camila Mendes, su compañera de reparto, al saludar en un castellano impecable segundos antes de iniciar una entrevista para Los 40. Este gesto no pasó desapercibido y despertó la curiosidad sobre la relación del actor con el idioma español y, en particular, con el País Vasco.

El propio Galitzine explicó durante la conversación cómo surgió esa soltura al expresarse en español y qué lo llevó a aprender la lengua de manera tan natural. Según relató, todo comenzó después del instituto, cuando conoció a una joven originaria del País Vasco que se había mudado a su ciudad. Este encuentro marcaría un antes y un después en la vida personal y lingüística del actor. La relación que mantuvo con la joven vasca fue el motor definitivo para que Galitzine se propusiera perfeccionar su español. No se trató solo de aprender palabras básicas o frases de cortesía, sino de lograr una comunicación fluida, capaz de conectar con la familia de su pareja, que no hablaba inglés. Fue tal el empeño que puso en este aprendizaje que llegó a afirmar: “Empecé a soñar en español”. Este dato, compartido por él mismo, evidencia hasta qué punto la inmersión en el idioma fue profunda.

Galitzine reconoció que, aunque con los años ha perdido cierta agilidad para hablar español, mantiene un cariño especial por la lengua. Durante la entrevista, cada frase que pronunciaba en castellano transmitía la confianza de quien ha vivido el idioma desde la cercanía y el afecto. El acento español, marcado y natural, sorprendió tanto a los periodistas como a los seguidores que pudieron ver el encuentro. La historia, revelada por Camila Mendes con complicidad y humor, añadió un matiz personal a la promoción de He-Man y los Masters del Universo. Mendes comentó que “salió con una chica española en el instituto”, lo que abrió la puerta para que Galitzine compartiera detalles de cómo el País Vasco llegó a su vida. Si bien el actor nunca residió en el norte de España, fue la cultura vasca la que se cruzó en su camino y lo llevó a integrarla en su día a día.

Una gran admiración por Madrid

La conexión va más allá del idioma. Galitzine expresó su admiración por Madrid, una ciudad que, según sus palabras, le resulta especialmente atractiva. Aunque tuvo la intención de mencionar otras regiones españolas que ha visitado o que le gustaría conocer, prefirió centrarse en la capital y en el País Vasco, lugares que guarda con especial estima. Durante la charla, los periodistas invitaron al actor a recorrer tanto Madrid como el País Vasco en alguna ocasión futura. Galitzine recibió la propuesta con una sonrisa y mostró entusiasmo ante la idea de pasar un tiempo en España si se le presentara la oportunidad. Incluso surgió la especulación sobre la posibilidad de que una secuela de He-Man y los Masters del Universo pueda grabarse en la región, considerando el aprecio demostrado por el intérprete hacia el lugar.

La presencia de Galitzine en la industria cinematográfica internacional se refuerza con He-Man y los Masters del Universo, uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera. La película, que cuenta con un despliegue técnico y visual notable, se perfila como un nuevo éxito en la trayectoria del actor. Su vínculo con España, forjado a través de una historia de amor y del esfuerzo por dominar el español, añade un matiz singular a su perfil y lo acerca aún más al público español. Con el estreno de la cinta, la figura de Galitzine queda asociada no solo a los héroes de ficción, sino también a una historia real de integración y afecto por una cultura distinta. El actor demuestra que, fuera del set, las conexiones personales pueden dejar huellas tan profundas como cualquier gran papel cinematográfico.

Pues bien, lo primero que hay que tener en cuenta es que esta nueva Scary Movie es la sexta película de la saga que arrancó en el año 2000 como parodia de los slashers de los 90 como Sé lo que hicisteis el último verano o la mencionada Scream, entre muchas otras. Con apenas veinte millones de presupuesto, esta primera película consiguió unos sorprendentes datos en taquilla, convirtiéndose en un auténtico fenómeno en salas que llevó a sus productores, los hermanos Weinstein, a encargar una segunda película de forma casi inmediata. Esas dos primeras películas correrían a cargo de los hermanos Shawn, Marlon y Keenen Ivory Wayans, protagonistas y director respectivamente junto a las actrices Anna Faris y Regina Hall, encargadas de dar vida a las icónicas Cindy y Brenda.

Los hermanos Wayans desaparecerían con la tercera entrega, dirigida por David Zucker (Ateriza como puedas) y con guion de Craig Mazin (Chernobyl), aunque se dice que la idea original de la película partía de los propios Wayans. La saga daría un pequeño cambio de rumbo a partir de esta entrega, dejando de lado la estructura slasher a lo Scream e incorporando a nuevos personajes como los de Charlie Sheen o Simon Rex en detrimento de los Wayans. Estas tres primeras películas se pueden encontrar actualmente en Movistar+ y HBO Max.

Las dos últimas, las más denostadas

Tras esas tres primeras películas, concentradas en los años 2000, 2001 y 2003, encontraríamos un salto de tres años hasta la siguiente película, Scary Movie 4. Este filme, que tomaba como referencia filmes como The Grudge, La guerra de los mundos o El bosque, estaría de nuevo dirigida por David Zucker y protagonizada por las habituales Anna Faris y Regina Hall, junto a otros que ya se habían incorporado en la anterior entrega como Simon Rex, Kevin Hart o Leslie Nielsen y otros nuevos como Bill Pullman o Craig Bierko como una parodia de Tom Cruise. Esta película se puede ver en Disney+.

Por último, la quinta entrega tardó unos pocos más años de lo previsto, dando signos de una franquicia algo agotada y que había reducido su calidad de producción considerablemente. Scary Movie 5 no llegó a cines hasta 2013, y lo hizo además con el hándicap de prescindir de sus protagonistas, siendo la primera y única película de la saga sin Anna Faris y Regina Hall. En su lugar regresaban Simon Rex, Charlie Sheen y ahora Ashley Tisdale, además de contar con Malcolm D. Lee como director, pero es sin duda la entrega con peor opinión entre los fans. No obstante, puede encontrarse actualmente en Amazon Prime Video. Se desconoce aun dónde podrá verse la nueva que llega ahora a los cines y que prescinde del 6 en su título, quizá como homenaje al reinicio de la saga Scream que parodia, o simplemente una declaración de intenciones de los Wayans por volver a los orígenes.

El mes de junio arranca por todo lo alto, con una semana de estrenos en los que el terror, la aventura, la comedia y el romance se entrecruzan entre sí. Tras una semana protagonizada por la boda entre Zendaya y Robert Pattinson con El drama o el reestreno de Shrek. Esta semana hay algo de drama y algo de reestreno, pero multiplicado por tres. Con este calor seguro que querrás refugiarte en los cines para comprobarlo.

En esta semana coinciden en cartelera la nueva aventura de fantasía medieval con He-Man y los Masters del universo, el terror creepypasta de Backrooms, la parodia de Scary Movie o el acento español con Cada día nace un listo o el reestreno de Los ilusos 13 + 13. Géneros para todos los públicos y nuevas historias por descubrir, con la Fiesta del Cine en el horizonte.

He-Man y los Masters del universo

La gran saga de fantasía medieval escribe un nuevo capítulo, el primero en acción real casi cuarenta años después de la película de Dolph Lundgren. En ella volvemos a conocer la historia de He-Man, el hombre más poderoso del universo. Nicholas Galitzine da vida al joven príncipe Adam, quien se enfrentará a las malvadas fuerzas de Skeletor tras reencontrarse con su poderosa espada. Pero para ello también tendrá que unir fuerzas con impensados compañeros de viaje, como Teela (Camila Mendes) o Duncan (Idris Elba).

Scary Movie

Están de vuelta, y esta vez están dispuestos a cruzar cualquier línea. La saga Scary Movie regresa trece años después de su última entrega y, sobre todo, con el elenco original de las dos primeras entregas, conformadpor por los hermanos Shawn y Marlon Wayans junto a Anna Faris y Regina Hall, las inseparables Cindy y Brenda. Ha pasado mucho tiempo y eso significa que hay muchas películas de terror y tópicos que parodiar, desde fenómenos del año pasado como Weapons y Los pecadores a otras cintas de terror de los últimos años como Déjame salir, Terrifier, Longlegs, La sutancia o las siempre imprescindibles entregas de Scream.

Los ilusos 13+13

Un reestreno, y a la vez una película totalmente nueva. Los ilusos cambió para siempre la forma de ver, pensar y hacer cine en España en el año 2013, siendo una película completamente autoproducida sin ningún tipo de sunvención. Su director, Jonás Trueba, se ha convertido en todo un cineasta de referencia desde entonces, y ahora recupera el negativo original de la película para exhibirla tal cual fue concebida, con un color inédito hasta el momento para alumbrar esta tierna historia de amor y cine por las calles de Madrid.

Todos los días nace un listo

Tras ganar el Goya a Mejor película con La infiltrada, la directora Arantxa Echevarría regresa con esta comedia. Toni Lomas (Hugo Silva) es un hombre que alcanzó la fama cuando participó en un exitoso talent show, pero quien ahora no tiene donde caerse muerto. Su situación cambia cuando Malena (Dafne Fernández), un amor del pasado, le pone en contacto con Junior (Jaime Olías), el hijo de un rico empresario, quien le propone robar un valioso cuadro de la casa familiar. Para llevar a cabo el golpe, Toni buscará dos aliados: la Mari (Susi Sánchez) y el Gallego, formando un equipo en el que cada uno persigue sus propios intereses.

Backrooms

Por último, pero no menos importante, el que promete ser el gran estreno de la semana y uno de los fenómenos cinematográficos del año. Hablamos de una película dirigida por un un director de apenas veinte años, Kane Parsons, y basada en uno de los grandes conceptos de terror en internet, el creepypasta. En una tienda de muebles aparece una extraña puerta, tras la cual desaparece un hombre. Intentando rescatarle de una dimensión desconocida, su terapeuta irá en su busca, descubriendo un mundo complejo y terrorífico.

Dicen que pocas cosas hay tan difíciles a la hora de escribir como hacer reír. A Greta García (Sevilla, 1992) no es que le resulte más o menos complicado, es que no conoce forma mejor de comunicarse a través del humor. Su comedia ha ido tan lejos, que en su nueva novela, Muere, papá (Tránsito, 2026), ha llegado incluso a matar a su padre. Metafóricamente, por supuesto, aunque en ese viaje haya descubierto muchas cosas sobre su progenitor -ella lo llamaría más bien papi o incluso papichulo- y otras tantas sobre ella misma.

“Tenía ganas de hacer algo diferente al anterior, que tuviera otro ritmo, otra estructura. Y me fijé en los dibujos de mi padre, que lleva haciendo desde que soy niña y en los que hay un tema todo el rato: la muerte”, comienza explicando a Infobae la autora, quien presenta estos días en la Feria del Libro de Madrid. “Era inevitable hablar de la muerte porque es algo que nos une a ambos. A medida que lo iba escribiendo, me daban muchas ganas de matar a mi padre en la ficción. También está esta cosa psicológica de matar al padre en las artes. Quizás no fue tan consciente, fue algo más inconsciente, pero me parecía algo totalmente incorrecto y divertido decir: ‘Me permito la licencia de matar a mi padre y de hacer esto’”, cuenta García.

Hermana de la actriz Ingrid García-Jonsson e hija de la artista plástica Anna Jonsson y del fotógrafo José Toro, cuyos dibujos ilustran el libro, Greta comenzó su carrera como bailarina y posteriormente como artista de circo. No fue hasta la pandemia que se decidió a escribir: “Estaba girando muchísimo con espectáculos de circo y estaba muy cansada físicamente, pero quería poder crear otras cosas. Me sentía un poco atrapada en estar repitiendo siempre los mismos espectáculos. La escritura empezó a ser una manera de desfogue: poder crear sin tener que gestionar un espacio, sin que el espectáculo girara, sin toda la gestión económica y administrativa”, reconoce, y fue sirviéndose precisamente de su experiencia previa como hilvanó Solo quería bailar, premio Novel ‘Almudena Grandes’ en 2023 y una de las novelas más rompedoras de los últimos años, precisamente por su estilo tan particular que conquistó a la propia reina Letizia en la Feria del Libro de aquel año. “Con este nuevo la estoy esperando”, bromea.

Buscando cómplices de asesinato literario

En Muere, papá, Greta García cuenta la historia de una joven que vuelve a casa de sus padres y comienza a prestar gran atención a su padre, un hombre jubilado sin oficio ni beneficio que se pasa el día dibujando garabatos sin mayor pretensión, pero al que ahora le incomoda la presencia de su hija. Acompañada de esas ilustraciones, la joven comienza a tejer sus propias reflexiones en torno a un padre al que nunca ha acabado de entender del todo, y cuya repentina muerte sacudirá por completo su vida.

Fuera del libro, y aunque pueda parecer contradictorio cuando hablamos de matar a un padre, ha sido la estrecha colaboración entre Greta y su padre José lo que ha provocado que Muere, papá viese la luz. “Todo ha sido muy mano a mano con mi padre. Todo se lo he ido pasando y si a él le parecía bien, pues bien. No nombro a nadie más que papá, mamá y hermana. Con ellos tenemos este pacto familiar de que nos permitimos todas estas licencias. Me he sentido muy libre por ahí, ha sido más encontrar qué cosas podían sumar a la historia”, detalla García, quien aclara dónde están sus límites en la autoficción. “Sí que está basado en emociones, sensaciones, imágenes y algunos recuerdos, pero luego está muy llevado a la ficción. Mi padre al principio lo planteaba más destartalado todavía, que fuera más sensación de pesadilla y resaca y que no se entendiera prácticamente nada. Él sí que me hizo hincapié en que tenía que tener una narrativa con un conflicto y con cierta tensión. Ahí sí que yo modulé escuchando a mi sponsor padre”, admite la autora, quien establece un diálogo constante entre los dibujos de Toro y su particular y humorística interpretación de los mismos.

Si en Sólo quería bailar Greta establecía su particular imaginario y forma de hablar, plagado de coloquialismos y sevillanismos, en Muere, papá el humor vuelve a ser una herramienta imprescindible, especialmente a la hora de hablar de algo tan grave. “Todo el mundo necesita el humor y todo el mundo lo busca en ciertos momentos para aliviar la carga, porque si no es muy pesado. Parece que si lo haces con comedia es de menos nivel, cosa de la que estoy totalmente en desacuerdo. Tampoco sé hacer las cosas de otra manera. En todos los proyectos que hago, trabajo con payasos. Me encanta hacer reír, lo busco. Cuando estoy en un taller y busco con gente, para mí la risa es la mejor señal. Si hay algo que nos está haciendo mucho reír a los que lo estamos generando, me parece una mina de oro”.

Un elogio de la pereza

Intentar matar a un padre, aunque sea solo desde la ficción, también le sirve a la escritora para mirarse en el espejo y ver la brecha que hay entre una generación y otra. “Algo que me parece muy generacional, de millennial, es que estamos en una situación totalmente diferente a la que vivieron nuestros padres. Nos movemos en unos circuitos muy diferentes. Me da una envidia brutal y digo: qué maravilla poder decir: ‘Me prejubilo a esta edad, me mantengo con ese dinero, no aspiro a nada más, quiero estar, vivir y punto pelota’. Nosotros en la rueda en la que yo me veo, eso es como un: ‘¿Qué?’ Paro dos semanas y me pongo a llorar por las esquinas porque no sé parar", confiesa la autora. “En el libro busco bastante eso: una pasividad total, un parón absoluto, un aburrimiento máximo, como algo desesperante y también muy divertido, muy liberador”.

Entre competiciones de dolor, críticas artísiticas, pajaritos y cerditas y hasta pizzas de pepperoni, Greta García compone un libro único en su especie, el mismo que presentará estos días en El Retiro entre las casetas de Tránsito (Sábado 6 a las 12 y domingo 7 a las 18), Altamarea (Sábado 6 a las 19) o Machado (Domingo 7 a las 12), con su padre ausente y muy presente a la vez: “Me ha dado su sello para que lo ponga y así voy en representación de los dos. Nunca matar a un padre en la ficción tuvo un efecto tan terapéutico en la vida real: “La relación con mi padre sigue siendo exactamente la misma. Simplemente ahora compartimos mucho más tema de conversación con el libro. A mi padre le divierte muchísimo que yo vaya a las presentaciones y le cuente cómo va todo”.

Dicen que se puede saber mucho de una persona por sus gustos cinematográficos. Aficionado al terror, a la comedia romántica, al cine de acción... cada persona tiene un tipo de cine predilecto, y eso de alguna manera dice bastante de su personalidad. Basta conocer las películas favoritas de alguien para detectar ciertos patrones, y en el caso de Enrique Riquelme no iba a ser diferente. El hombre que está en boca de todos desde hace una semana con motivo de su candidatura a la presidencia del Real Madrid y en oposición a Florentino Pérez también tiene una película predilecta, y quizá es una que casi nadie esperaría.

El empresario socio fundador de la compañía COX y desde hace unos días candidato a las elecciones del Real Madrid acudió a El Hormiguero para repasar la actualidad, anunciar su fichaje estrella y de paso contestar a algunas cuestiones más concretas. Una de ellas, cuál es su película favorita, dentro de un gran cuestionario junto a Pablo Motos y las míticas hormigas Trancas y Barrancas. “¿Cuál es tu película favorita de Disney? Conoces mucho a una persona por esto", le advertían a Riquelme.

“Tarzán”, respondía contundente el empresario, sin dar más detalles, y provocando la reacción inmediata de las hormigas, que intentaban razonar la respuesta del candidato nacido en Cox (Alicante). “Por el tema de las lianas, los monos...el Real Mandril”, bromeaban, haciendo alusión a una de las “mascotas” propuestas en el programa en caso de que fuese elegido presidente, junto a otras como el Oso Madroño o el churro Ginés, en homenaje a la mítica churrería y chocolatería del centro de Madrid.

Una película generacional

Estrenada en 1999, cuando Enrique Riquelme tendría justo diez años, Tarzán es considerada todo un clásico de Disney, una de las últimas películas de la considerada era del Renacimiento Disney, que precisamente puso fin esta cinta, aunque hay quien añade títulos como Fantasía 2000 o Tiana y el sapo en la medida en la que continúan la animación tradicional del estudio. La película narra la historia de un peculiar niño que es criado en la jungla por gorilas, desarrollando un instinto más animal que humano, hasta que una expedición lo cambia todo. Tarzán conocerá a Jane, una joven de la que poco a poco se irá enamorando, al tiempo que descubre su identidad como ser humano y se plantea su vida en la jungla, pero también nuevos peligros que le rodean.

Disponible en Disney+, Tarzán está considerada una de las mejores películas de Disney de todos los tiempos, y aunque aun es pronto para saber qué presidente sería Enrique Riquelme en caso de ser elegido, su elección cinéfila no puede tener más sentido. El alicantino ha irrumpido con fuerza en el mundo del fútbol, con el mismo ímpetu que el protagonista pero aun sin los apoyos necesarios. En Rodri o Erling Haaland buscará a sus aliados para convencer al madridismo, y con suerte salir elegido el domingo como rey indiscutible de esa jungla particular que es el Real Madrid.

La actriz española dará vida a Flamenco, uno de los nuevos personajes de esta película. El personaje forma parte de una pequeña pero poderosa comunidad de juguetes olvidados que viven en una casita abandonada del jardín, en la que también están los personajes a los que les ponen voz Bad Bunny (Pizza con Gafas de Sol) y Bizarrap (Gnomo de Jardín), anunciados en los últimos días. La voz de la actriz estará presente en la versión en español para España y Latinoamérica, aunque se desconoce si el personaje será interpretado por otras actrices en el resto de versiones.

Considerada una de las mejores actrices de nuestro país y, desde hace mucho tiempo, una de las grandes representantes de España en Hollywood, Cruz no había tenido hasta ahora una gran presencia en el mundo del doblaje. Fue hace más de quince años que participó en la película, G-Force (2009), en la que daba vida a Juarez, una cobaya (guinea pig) experta en artes marciales, parte de un equipo de agentes secretos animales. El filme mezclaba animación digital para los animales y acción real para los humanos, por lo que se podría decir que Toy Story 5 será la primera participación de la actriz en una película 100% de animación.

Una entrega más que esperada

La historia deToy Story 5 presenta a Woody, Buzz Lightyear,Jessie y el resto de los juguetes enfrentando una nueva realidad tras la llegada de Lilypad, una tablet inteligente que pone en duda su rol en la vida de Bonnie. La trama se desarrolla cuando los juguetes descubren una comunidad de figuras olvidadas en un cobertizo, entre las que destacan los mencionados Pizza con Gafas de Sol, Gnomo de jardín y desde ya el Flamenco de Penélope Cruz. Los protagonistas deben adaptarse a los cambios que introduce la tecnología, mientras se exploran temas de identidad, pertenencia y amistad. La película combina aventura, humor y emoción al mostrar cómo los juguetes buscan su lugar en un mundo donde los dispositivos digitales transforman la manera de jugar y relacionarse.

Habrá que esperar al próximo 17 de junio para conocer a Flamenco y reencontrarse con el resto de amigos de la saga, pero desde luego todo apunta a que Toy Story 5 marcará un antes y un después en el estudio Pixar, después de un loable regreso a sus orígenes con Hoppers, que ya está en Disney+, y contando con la presencia de una gran actriz como Penélope Cruz.

La asistenta cuenta la historia de Millie Calloway (Sweeney), una joven de oscuro pasado que necesita dinero y hogar desesperadamente, y encuentra trabajo como asistenta para una adinerada familia que vive en una gran mansión. Al principio todo parece ideal, pues Millie no encuentra solo estabilidad económica y una cama en la que dormir, sino que la familia parece de lo más agradable. Sin embargo, pronto la madre de la familia, Nina (Seyfried), empieza a presentar un comportamiento de lo más extraño, mientras que Millie estrecha lazos con Andrew (Brandon Sklenar), el padre. Su relación irá a más y pondrá en juego el trabajo de Millie, pero también una serie de cosas que van mucho más allá.

Además de contar con ellas como actrices, La asistenta viene producida por el dúo de actrices, que vieron un filón en las novelas de McFadden. El tiempo les ha dado la razón, pues con el éxito de esta primera entrega ya se ha confirmado que habrá una secuela, por lo que puede que estemos ante el inicio de una nueva franquicia de éxito. Mientras tanto, los espectadores podrán disfrutar de esta primera historia llevada a la gran pantalla por el director Paul Feig (La boda de mi mejor amiga). Pero, ¿cuándo y dónde podrá verse La asistenta?

Un fenómeno que tendrá continuación

Por el momento, la película ha recaudado un total de 14.659.570 €, con más de dos millones de espectadores acumulados según los datos de Comscore. Eso la convierte en la película internacional más taquillera de este 2026 y en la segunda más vista por detrás de Torrente presidente. Ahora La asistenta encontrará nuevos espectadores a través del streaming, con su llegada a la plataforma Amazon Prime Video este mismo viernes 5 de junio. Esa será la fecha de salida para disparar un nuevo fenómeno, ahora en streaming.

Con todo ello en mente, La asistenta promete ser uno de los grandes estrenos en plataformas ya no de la semana, sino probablemente de todo el mes. Con la confirmación oficial de una secuela en camino, El secreto de la asistenta, de nuevo con Paul Feig y las dos actrices protagonistas, Amanda Seyfried y Sydney Sweeney, además de una gran novedad: Kirsten Dunst. A la espera de esta ansiada continuación, Amazon Pone a su servicio esta oscura y trepidante historia de mujeres, secretos, engaños y falsas apariencias.

La coincidencia de fechas entre ambos rodajes obligó a Holland a enfrentar una conversación incómoda con Tom Rothman, jefe de Sony Pictures. “Tuve que llamar y pedir que movieran Spider-Man”, relató el actor a GQ, describiendo el momento como “un trago difícil de asimilar al principio”. Sin embargo, la respuesta del estudio fue positiva, en parte por el respeto que genera Nolan en la industria y la certeza de que el rodaje de La Odisea cumpliría los plazos previstos.

La decisión de Holland no solo le permitió sumarse al elenco de La Odisea, sino que también redefinió el rumbo de Spider-Man: Brand New Day. El retraso en la producción abrió la puerta para que Destin Daniel Cretton, director de Shang-Chi, se sumara al proyecto del superhéroe arácnido. Holland reconoció que, de no ser por el aplazamiento, Cretton no habría estado disponible y el guion no se habría trabajado con el mismo nivel de profundidad durante los seis meses adicionales ganados al calendario. Según palabras del propio Holland, “La Odisea casi salvó Spider-Man”, al posibilitar una etapa de desarrollo más sólida y “la mejor versión de la saga hasta ahora”. El actor considera que, aunque la decisión fue inicialmente complicada para Sony, en retrospectiva el estudio terminó agradecido por el resultado.

Influencia de Nolan y autocrítica en el set de Marvel

La experiencia de trabajar bajo la dirección de Nolan dejó huella en Holland, quien trasladó varias de las enseñanzas del cineasta británico al set de Marvel. El actor confesó que observar la planificación y el rigor de Nolan lo llevó a exigir un enfoque similar en el rodaje de Spider-Man: Brand New Day. “No vamos a llegar al set e improvisar. Necesitamos saber por qué hacemos esta película, más allá de que sea Spider-Man 4 y genere mucho dinero. ¿Por qué la estamos haciendo realmente?”, planteó Holland, quien mantuvo un diálogo constante con los productores Amy Pascal y Rachel O’Connor para asegurar que el proyecto tuviera una razón narrativa y artística sólida.

Cretton, según Holland, resultó fundamental en este proceso, aportando una visión fresca y comprometida con la evolución del personaje y la franquicia. Para Holland, la oportunidad de comparar los métodos de trabajo entre Nolan y el equipo de Marvel fue una herramienta valiosa para elevar el nivel de exigencia y claridad en la producción.

La reorganización del calendario ha terminado por vincular los dos proyectos más relevantes en la carrera reciente de Holland. La Odisea tendrá su estreno el 17 de julio, seguida apenas dos semanas después por Spider-Man: Brand New Day, el 31 de julio. El propio actor reconoce el carácter simbólico de este doble lanzamiento: “Siento que es el comienzo del próximo capítulo de mi vida”, declaró a GQ, refiriéndose tanto al crecimiento profesional como a las transformaciones personales que atraviesa. Ambos filmes representan, para Holland, una oportunidad para redefinirse dentro del ecosistema de Hollywood y explorar nuevos desafíos creativos. El actor afirma que, tras estas experiencias, posee una perspectiva renovada sobre su oficio y el lugar que desea ocupar en la industria cinematográfica.

En la próxima entrega de la franquicia de Gru, mi villano favorito, Minions & Monsters, los célebres personajes amarillos llevarán su característico caos a un nuevo nivel con una secuencia inédita: una escena de más de quince minutos hablada en ‘Minionese’, el peculiar idioma inventado para la saga. La apuesta creativa no solo confirma el espíritu lúdico del universo Minions, sino que también explora los límites de la comunicación visual y sonora en el cine animado contemporáneo.

La película sitúa a los Minions en el Hollywood de los años veinte, donde el grupo intenta rodar una película de monstruos. El resultado es una mezcla de referencias al cine mudo con guiños a títulos clásicos y a la cultura de los monstruos. La dirección está a cargo de Pierre Coffin, creador de los Minions y voz original del ‘Minionese’, quien regresa al rol directivo tras su última participación en Gru, mi villano favorito 3 en 2017. La secuencia hablada íntegramente en ‘Minionese’ ocupa un lugar central en la narrativa, según revela el propio Coffin, quien explica que esta decisión se inspira en las raíces del cine mudo. “Todo lo de los Minions está profundamente influido por las estrellas del cine mudo”, señala Coffin en Empire. La intención es replicar la capacidad de aquel cine para contar historias sin depender del idioma, confiando en la expresividad y la gestualidad de los personajes.

La inclusión de una secuencia de quince minutos en ‘Minionese’ supone un reto poco común para una superproducción animada. En ese tramo, ningún diálogo se presenta en inglés ni en otro idioma humano reconocible, lo que convierte a la escena en un experimento de comunicación puramente audiovisual. Este segmento, respaldado por la música, los efectos sonoros y la animación, busca conectar con el público global a través del humor físico y la universalidad de las situaciones. Según Coffin, este recurso responde a la esencia misma de los Minions, que siempre han funcionado como personajes comprensibles sin necesidad de traducción literal. “El punto es que no los entiendes cuando hablan, pero aun así los entiendes”, explica el director. Este enfoque refuerza la idea de que el atractivo de los Minions radica en su capacidad para cruzar fronteras culturales a través de un lenguaje propio, caótico y, paradójicamente, universal.

Un poco más y a los Oscar

Coffin, responsable de dar voz y personalidad a los Minions desde su primera aparición, sostiene que la conexión con el cine mudo es parte fundamental del éxito global de los personajes. La nueva película se adentra en ese legado al ubicarlos en una época en la que la gestualidad y la música eran las principales herramientas narrativas. “Hay un elemento mágico en todo esto”, afirma Coffin sobre el proceso creativo, subrayando la libertad que ofrece el ‘Minionese’ para experimentar con el humor visual y la improvisación. El director también sugiere que el carácter desenfadado y ligeramente insolente de los Minions resulta atractivo en una era marcada por la corrección política. Para Coffin, la capacidad del público para entender a los personajes sin comprender literalmente sus palabras es un reflejo de la universalidad del entretenimiento animado.

La singularidad de la larga escena en ‘Minionese’ no ha pasado desapercibida en redes sociales. Un usuario de X (antes Twitter) ironizó sobre la posibilidad de que, si la película fuera producida en Francia, podría cumplir los requisitos para competir en la categoría de Mejor Película Internacional en los premios Oscar. La ocurrencia se basa en una interpretación directa de la norma 16 de la Academia, que exige que más del 50 % del diálogo de la película no sea en inglés para ser considerada en esta categoría.

De acuerdo con la normativa oficial, la elegibilidad no depende del reconocimiento oficial del idioma, sino de que los diálogos no sean en inglés. Así, el ‘Minionese’, aunque ficticio, calificaría técnicamente como idioma no inglés. No obstante, la broma subraya el carácter inclasificable del lenguaje de los Minions y la flexibilidad de las reglas para los formatos animados. Esta reflexión humorística ha servido para destacar el carácter disruptivo de la propuesta de Minions & Monsters y el modo en que el cine de animación continúa explorando nuevas formas de narrativa, incluso a través de lenguajes inventados y situaciones poco convencionales.

Cuando Nolan contactó a Pattinson para ofrecerle un papel en La Odisea, el actor británico no dudó en manifestar su interés, pero exigió algo inusual entre sus compañeros: solicitó acceso al guion antes de dar el sí definitivo. Según relató en una entrevista para GQ, Pattinson recordó el intercambio con el director: “Yo le dije, ‘Sí, estoy deseando leerlo’. Y él respondió: ‘¿Quieres leerlo? El resto simplemente dijo que sí’”. La escena ilustra la confianza que muchos intérpretes depositan en Nolan, cuya reputación en la industria ha permitido que actores de primera línea acepten papeles sin conocer los detalles de la historia que van a protagonizar. Matt Damon encarna a Odiseo, el rey de Ítaca, mientras Anne Hathaway interpretará a Penélope y Tom Holland a Telémaco, hijo del protagonista. El reparto lo completan nombres como Lupita Nyong’o, Charlize Theron, Zendaya, John Leguizamo y Elliot Page.

Robert Pattinson fue el único integrante del elenco principal que solicitó leer el guion de La Odisea antes de comprometerse con el proyecto. El propio actor explicó que su petición resultó sorprendente para Nolan, quien ya había recibido respuestas afirmativas sin condiciones de otros intérpretes de renombre. “Todos los demás aceptaron sin pedir nada. Yo necesitaba saber más”, relató Pattinson. La elección de Pattinson de no sumarse automáticamente al filme subraya tanto su método de trabajo como el nivel de anticipación que genera cada nueva obra de Nolan. El director, ganador de dos premios Oscar, suele mantener un alto nivel de secreto en torno a sus proyectos, lo que hace que la mayoría de los actores confíen ciegamente en su visión creativa.

En esta versión de La Odisea, Pattinson interpreta a Antinoo, uno de los pretendientes que intentan apoderarse del trono de Odiseo y casarse con Penélope durante la ausencia del héroe. El actor describió a su personaje como “una especie de James Woods en Casino. Esa fue mi inspiración”. Además, Pattinson compartió detalles sobre su proceso creativo y su interés por añadir elementos particulares a su vestuario. “Pensé que sería divertido verlo en Ítaca. Y es un poco canalla. En las pruebas de vestuario, insistía: ‘Quiero tener calzoncillos de leopardo. Que asomen un poco de mi falda, con algo de brillo y piel’”, contó el actor.

Un rodaje extenuante

La exigencia del rodaje fue otro de los puntos destacados por Pattinson en la conversación. Recordó una escena en la que, mientras estaba en un bar de hotel en el sur de Italia, observó cómo llegaba el equipo después de una jornada de filmación y notó el agotamiento general. “Y eso que solo era un tercio del rodaje. Yo empecé un tercio avanzado y ya habían estado en dos países. La gente simplemente parecía… al final de cada día, todos estaban destrozados”, relató.

Esta declaración da cuenta de la magnitud y el carácter internacional de la producción de La Odisea, que ha implicado traslados por distintas locaciones y jornadas intensivas de trabajo para todo el equipo técnico y artístico. El tráiler recientemente difundido anticipa una adaptación cargada de acción visual y momentos emblemáticos del poema griego. Entre las escenas destacadas, se han mostrado enfrentamientos con cíclopes, la participación de Charlize Theron y la dinámica familiar entre los personajes de Damon, Hathaway y Holland.

La Odisea promete convertirse en uno de los estrenos más relevantes del verano cinematográfico. La decisión de Nolan de no superar la duración de Oppenheimer ha generado expectativas sobre el ritmo y el enfoque que tendrá el filme, mientras los seguidores aguardan la oportunidad de ver en pantalla una nueva relectura de la travesía de Odiseo. A pesar de que la sugerencia de Pattinson sobre los “calzoncillos de leopardo” probablemente no llegará al corte final, la anécdota ilustra el tono y la libertad creativa que algunos actores buscan imprimir en sus personajes bajo la dirección de Nolan.

La fotografía ocupa también un lugar central con la llegada, por primera vez a España, de la serie completa Los Americanos de Robert Frank en Fundación Telefónica, una oportunidad excepcional para redescubrir las ochenta y tres imágenes que revolucionaron la mirada sobre Estados Unidos y la propia práctica fotográfica. Junto a este hito, destaca la exposición de In the American West de Richard Avedon, que reúne ciento diez retratos icónicos de la clase trabajadora estadounidense, seleccionados y positivados por el propio autor. A este panorama se suman otras propuestas que exploran los límites de la imagen y la memoria, consolidando a Madrid como destino indispensable para los amantes del arte en este mes.

Ewa Juszkiewicz (Museo Thyssen-Bornemisza)

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge la primera exposición individual en un museo de la artista polaca Ewa Juszkiewicz (Gdańsk, 1984), dentro del ciclo dedicado a la colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza. Comisariada por Guillermo Solana y realizada en estrecha colaboración con la autora, la muestra reúne alrededor de veinte pinturas que revisitan el retrato femenino clásico europeo. La propuesta de Juszkiewicz destaca por reinterpretar la tradición del retrato, desafiando los cánones históricos de la belleza femenina. Sus obras fusionan técnicas tradicionales con elementos subversivos: las figuras aparecen con los rostros ocultos tras telas, peinados o elementos vegetales, lo que aporta una dimensión surrealista y cuestiona las formas convencionales de representación.

La exposición invita al espectador a reflexionar sobre cómo la pintura europea ha configurado la feminidad a lo largo de la historia, reduciéndola frecuentemente a ideales estáticos de belleza y decoro. En los cuadros de Juszkiewicz, las mujeres escapan a las interpretaciones únicas y abren paso a lecturas contemporáneas y plurales. Reconocida internacionalmente, Juszkiewicz ha exhibido en instituciones como el Brooklyn Museum de Nueva York, el Centre Pompidou-Metz, el Musée d’Art Moderne de París y el Museo Picasso Málaga. Su obra forma parte de colecciones de museos de referencia en Europa, Estados Unidos y Asia.

Richard Avedon. In the American West, 1979-1984 (Fundación MAPFRE)

Por primera vez en España, se exhiben las 110 copias de referencia de la serie In the American West, 1979–1984 de Richard Avedon. Estas imágenes, seleccionadas y positivadas personalmente por el fotógrafo en el laboratorio, constituyen el núcleo de la exposición y del célebre fotolibro homónimo publicado en 1985 tras su estreno en el Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth, Texas.

In the American West marcó un giro decisivo en la trayectoria de Avedon, quien hasta entonces era conocido por su trabajo en la moda y los retratos de celebridades, con exposiciones previas en el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, y portadas para Vogue. Al iniciar este proyecto, el fotógrafo se alejó del glamour y eligió retratar a personas anónimas de la clase trabajadora del oeste estadounidense, lo que generó cierto debate por el contraste con su obra anterior. La serie propone una reflexión crítica sobre la sociedad estadounidense a través del retrato, trascendiendo su contexto original y ofreciendo un testimonio excepcional de la condición humana. In the American West es considerada la obra maestra de Avedon y un referente ineludible en la historia de la fotografía contemporánea.

Volver a imaginar (Photo España)

La exposición Volver a imaginar forma parte de PHotoESPAÑA PRO Talento a bordo 2026 y se inscribe en la sección de país invitado, dedicada en esta edición al Reino de los Países Bajos. Reúne a trece artistas de España y Países Bajos que exploran los límites de la fotografía contemporánea a través de propuestas innovadoras. Las obras exhibidas abordan temas como la identidad, el territorio y la autoridad, empleando técnicas que van desde la fotoescultura y la instalación hasta la reinterpretación de documentos históricos. El público puede descubrir piezas de Rob Hornstra, Aleix Plademunt, Txema Salvans, Anoek Steketee, Javier Arboledas, Jon Gorospe, Eduardo Nave, Juan Couder, Rafael Trapiello, Lurdes Basolí, Ira Lombardia y el dúo Arguiñe Escandón & Yann Gross.

Estos artistas se centran en la creatividad, la experimentación y la expansión del lenguaje fotográfico. La exposición invita a examinar cómo la fotografía puede convertirse en objeto, ser reinterpretada a través de la materialidad y ofrecer nuevas formas de narrar la realidad. Volver a imaginar propone una experiencia visual compartida, conectando al espectador con el proceso creativo y mostrando cómo la fotografía, en constante transformación, sigue siendo un medio relevante para explorar la sociedad y la memoria colectiva.

Mujeres de ingenio (Casa Museo Lope de Vega)

La exposición dedicada a mujeres escritoras del Siglo de las Letras busca dar visibilidad a figuras históricas relegadas del canon, como Luisa Sigea, Olivia Sabuco, María de Guevara, Ana Caro Mallén, Feliciana Enríquez de Guzmán, María de Zayas, Teresa de Jesús y Marcela, hija de Lope de Vega. El objetivo es difundir el patrimonio artístico, literario e histórico recuperando la memoria de autoras que, fuera de los círculos académicos, son prácticamente desconocidas.

La muestra, comisariada por la doctora Esther Borrego Gutiérrez de la Universidad Complutense de Madrid, está organizada en nueve secciones agrupadas en tres grandes apartados: la corte, la casa y el claustro. Esta estructura responde a los contextos en los que estas mujeres desarrollaron su obra literaria durante el Siglo de Oro español. Quienes visiten la exposición podrán conocer, a través de imágenes y textos, los rostros de estas autoras, así como sus libros, manuscritos, firmas y objetos personales. De este modo, el público tiene acceso directo a la vida y producción de escritoras cuya contribución ha quedado marginada en la historia cultural. La propuesta invita a redescubrir su legado y a repensar el lugar de la mujer en la literatura española.

Robert Frank & Los Americanos (Fundación Telefónica)

Por primera vez, el conjunto completo de la serie Los Americanos se exhibe en España, reuniendo 83 fotografías de Robert Frank que cambiaron el rumbo de la fotografía mundial. Comisariada por David Campany, especialista en la figura del autor, la exposición permite contemplar todas las imágenes que integran el célebre libro publicado en 1958, considerado uno de los más relevantes de la historia del medio.

Las fotografías, realizadas durante un extenso viaje por Estados Unidos en los años cincuenta, muestran cómo el optimismo inicial de Frank dio paso a una mirada crítica sobre las desigualdades, el consumismo y las tensiones sociales del país. El resultado fue un retrato honesto de una nación que muchos preferían no ver reflejada en esas circunstancias. El material expuesto proviene de la Maison Européenne de la Photographie de París, el International Center of Photography de Nueva York y colecciones privadas. La trascendencia de la muestra reside en que permite redescubrir un proyecto que, más de medio siglo después, sigue generando debate y nuevas lecturas. Los Americanos es una obra que desafió las normas y consolidó a Frank como pionero en la renovación del lenguaje fotográfico, influyendo en generaciones posteriores.

La vida y carrera de Gene Wilder, uno de los actores más recordados de la comedia y el cine estadounidense, llegará a la pantalla grande en una nueva biopic dirigida por Dito Montiel. El proyecto avanza tras la obtención de los derechos de imagen por parte del patrimonio del propio Wilder, abriendo así la puerta a un retrato autorizado del intérprete que marcó a generaciones. Con un guion coescrito por Montiel y Jeremy Roth —conocido por su trabajo en las series Love, Victor y How I Met Your Father—, la película será producida por Aimee Schoof, Isen Robbins y Megan Freels Johnston para Intrinsic Value Films, junto a Josh Kesselman de Mgmt Entertainment. Este equipo busca explorar tanto la dimensión pública como privada de Wilder, abordando los éxitos y desafíos que definieron su vida artística y personal.

La biografía cinematográfica planea adentrarse en la vida del actor desde sus inicios como joven tímido en el teatro hasta alcanzar el estatus de leyenda en Hollywood. Según el comunicado de la producción, la cinta no solo repasará sus papeles más célebres, sino que indagará en las relaciones, luchas internas y circunstancias que moldearon su carrera y su visión del mundo. Gene Wilder, nacido como Jerome Silberman en Milwaukee en 1933, construyó una trayectoria única gracias a su talento multifacético como actor, guionista y director. Tras formarse en teatro y debutar en Broadway en la década del sesenta, se consolidó en el cine con una serie de colaboraciones decisivas junto a Mel Brooks. Su primera gran oportunidad llegó con “Los productores” (1967), donde interpretó a Leo Bloom, papel que le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto.

El reconocimiento mundial llegó con Un mundo de fantasía (Willy Wonka & the Chocolate Factory, 1971). Su interpretación del excéntrico Willy Wonka se volvió un referente cultural, combinando inocencia, ironía y una profundidad emocional que aún hoy conmueve a espectadores de todas las edades. Posteriormente, Wilder protagonizó y coescribió junto a Brooks El jovencito Frankenstein (1974), parodia del terror clásico que se convirtió en un éxito indiscutido y le valió una nominación al Oscar como guionista. En palabras de Dito Montiel, “Gene Wilder fue una de esas personas extrañas que lograban ser más graciosas y más tristes que cualquiera a su alrededor. Eso no es solo un personaje, es toda una vida”. El director aspira a plasmar en la pantalla esa dualidad, mostrando tanto la faceta luminosa del comediante como las sombras personales que enfrentó fuera del escenario.

Un legado de cine y comedia

A lo largo de su carrera, Wilder trabajó en títulos emblemáticos como “Sillas de montar calientes”, “El expreso de Chicago” y “El hermano más listo de Sherlock Holmes”, mostrando su versatilidad en la comedia física, el humor negro y la sátira. Además de su vínculo con Brooks, formó una célebre pareja artística con Richard Pryor en películas como “No me chilles que no te veo” y “Locos de remate”, éxitos de taquilla en los años setenta y ochenta. La biopic también pondrá el foco en los desafíos personales del actor, incluyendo su lucha pública con la enfermedad de Alzheimer y su relación con la actriz Gilda Radner, quien falleció en 1989. La vida íntima y la resiliencia de Wilder, sumadas a su legado artístico, serán pilares del relato propuesto, según anticipa el equipo creativo.

El elegido para dirigir el filme, Dito Montiel, es reconocido por su capacidad para retratar personajes complejos y ambientes urbanos con autenticidad. Su debut con “A Guide to Recognizing Your Saints” fue elogiado en Sundance y le aseguró premios como el Director’s Award y el Special Jury Prize. Desde entonces, Montiel ha dirigido dramas y thrillers como “Fighting”, “Empire State” y “Boulevard”, con figuras como Robert Downey Jr., Dwayne Johnson y Robin Williams en el reparto.

Montiel, representado por WME y Mgmt Entertainment, asegura que la historia de Wilder “no podía rechazarla”. Para la producción, la habilidad del director para combinar comedia y profundidad emocional resulta clave en un proyecto que busca ser fiel al espíritu del homenajeado. El anuncio de la biopic genera expectativa tanto en la industria como entre los admiradores de Gene Wilder, una figura cuya influencia persiste en el cine contemporáneo. La producción se encuentra en fase de desarrollo de guion y selección de elenco, con el objetivo de iniciar filmaciones próximamente. La película promete ofrecer una mirada abarcadora sobre el hombre detrás de personajes inolvidables, mostrando el impacto de su obra y la vigencia de su legado en la cultura popular.

Hoppers cuenta una historia de lo más curiosa: Mabel es una joven que acaba de entrar en la universidad que no tiene otra preocupación mayor en todo el mundo que salvar el estanque de su casa de una gran consterucción que amenaza todo el ecosistema. Sin forma posible de evitarlo, toma una arriesgada decisión, la de convertirse en un castor y liderar al resto de su especie para reocupar el estanque y evitar así la demolición de toda la zona. Mabel comienza así una nueva como infiltrada en el mundo animal, en el que pronto descubrirá hay una serie de reglas que ella está a punto de romper. Con la ayuda del rey de los castores, la joven convertida en mamífera liderará una gran revolución.

La película corre a cargo de Daniel Chong, director inédito en la factoría Pixar -tan solo guionizó un corto de Cars- quien sin embargo viene de una gran rival como Cartoon Network, en la que ha desarrollado su serie Somos osos y posteriormente su propia película. Chong basó su experiencia previa para construir este nuevo mundo animal bajo el amparo de Disney Pixar, y la película combina el alegato ecológico y humanista, pero también una vuelta a las grandes aventuras que siempre han caracterizado las historias Pixar.

El hogar de los animales y la animación

La pregunta del millón, ¿dónde podrá verse Hoppers? Pues bien, como viene siendo habitual en cualquier estreno de este tipo, la película estará disponible en Disney+, hogar por antonomasia de otros títulos del estudio y que alberga grandes historias de animales y de animación. Eso sí, la fecha está a la vuelta de la esquina, porque lo hará este mismo 3 de junio. Un miércoles de celebración para los pequeños y lo más grandes con una historia que devolverá a muchos a los días en los que disfrutaban con Buzz y Woody, Mike y Sullivan y compañía.

El estreno en plataformas de Hoopers coincide además en el tiempo con el inminente estreno en cines de la próxima gran película de Pixar de este año, Toy Story 5. Una nueva entrega de la saga con la que empezó todo que traerá de vuelta al vaquero y el astronauta más famosos de la animación y que aterrizará en cartelera el próximo 17 de junio. Mientras tanto, los espectadores ya podrán disfrutar de las aventuras de Mabel y el resto de castores.

Por recapitular, The Mandalorian and Grogu se centra en la misión que lleva a Mando (Pedro Pascal) y el pequeño amigo verde hasta los confines de la galaxia. El objetivo es rescatar a Rotta el Hutt, hijo del mítico Jabba el Hutt, para llevarlo de vuelta con su familia y poder obtener información sobre el paradero de un general del Imperio fugado. El único problema es que cuando ambos llegan al recóndito lugar de Shakari descubren que Rotta está preso por un caudillo local y sirve como gladiador en la arena. No solo eso, sino que además se niega a volver a casa, por lo que Mando tendrá que arreglárselas para sacar la situación adelante.

Dando un gran salto hacia su final, el gran giro de la película no es solo que Pedro Pascal muestre su rostro ante los Gemelos de Nal Hutta, tíos de Rotta y hermanos de Jabba, sino que este está a punto de morir consecuencia de un veneno impregnado de una monstruosa criatura marina. Sin embargo, Grogu aparece al rescate del mandaloriano y, con la ayuda de un local del planeta Hutta, consigue mantener con vida al cazarrecompensas. Cuando este vuelven en sí avisa a la Coronel Ward (Sigourney Weaver) para que mande a un ejército de pilotos de la Nueva República al planeta a detonar la guarida de los Hutt.

Rotta solo quería una familia

En una gran pelea final, Rotta consigue ser rescatado por Grogu mediante la fuerza, mientras que Mando neutraliza a Embo, el cazarrecompensas que le había tendido una trampa, y todos los malos acaban en el pozo de la misma criatura monstruosa que había envenenado a Mando. Esta devora a los Hutt mientras Embo escapa con vida, aunque sin visos de planear un nuevo ataque contra Grogu y Mando. Estos dos consiguen escapar con vida antes del bombardeo coordinado de las Ala X de la Nueva República, y vuelan de nuevo a la base de esta para reencontrarse con la General Ward. Allí Mando recibe su recompensa y descubre que los Hutt y Lord Janu, el general al que había dado caza, estaban conspirando desde el principio.

Rotta finalmente encuentra en la Nueva República la familia que siempre buscó, y decide quedarse colaborando para el ejército mientras se despide con algo de pena de su nuevo amigo, Grogu. En compensación, Mando le deja a la entrañable criatura pilotar por primera vez la Razor Crest, y activan la velocidad de hiperespacio para buscar nuevas aventuras en rincones lejanos de la galaxia. La pregunta es, ¿cuáles serán esas aventuras? Pues bien, aun existen algunas incógnitas con respecto al futuro de los personajes, no tanto con lo que respecta a Star Wars.

‘Starfighter’, la próxima aventura independiente

Originalmente, esta trama de The Mandalorian and Grogu estaba pensada por Jon Favreau para una cuarta temporada de The Mandalorian, pero en acuerdo con Disney decidieron que era mejor darle su propia aventura en cines y con IMAX para mayor espectáculo y deleite de los fans. La película no cuenta con una escena poscréditos que pueda aclarar hacia dónde irán las próximas aventuras, pero lo cierto es que deja todo abierto para futuras aventuras. Lo que sabemos es que Jon Favreau tenía intención de conectar esta trama con la segunda temporada de Ahsoka, que llegará a Disney+ a principios de 2027 previsiblemente.

Dado que no se ha producido este cruce en la película, habrá que esperar al estreno de Ahsoka para comprobar si Mando y Grogu siguen vagando por la galaxia. Mientras tanto, todo está condicionado al éxito de la película en taquilla, y al de la próxima aventura de Star Wars independiente, titulada Starfighter. Se trata de la primera película en solitario de Star Wars, que introducirá a nuevos personajes y que estará ambientada en la época más desconocida, pues sucede a los eventos de la última trilogía, el 40 DBY, cinco años después del cierre de la historia de Rey o Kylo Ren. Con Ryan Gosling, Amy Adams o Matt Smith y Shawn Levy a los mandos, esta próxima aventura llegará a cines el 27 de mayo de 2027, y para entonces esperaremos saber nuevas sobre el bueno de Mando y el pequeño Grogu.

El regreso del célebre oso de Londres ya es una realidad confirmada. Studiocanal ha dado luz verde a Paddington 4, la próxima entrega de la exitosa franquicia familiar, que incorporará por primera vez a dos nuevos guionistas de renombre: Armando Iannucci y Simon Blackwell. Además, el director Dougal Wilson está en conversaciones para volver tras su debut en la saga con Paddington: Aventura en la selva. El anuncio pone en marcha la cuarta película de una serie que ha conquistado a público y crítica en todo el mundo, consolidando a Paddington como uno de los personajes animados más queridos de la última década.

La novedad más destacada recae en la incorporación de Iannucci y Blackwell al proceso creativo. Iannucci, de origen escocés, es conocido por su trabajo como creador de las comedias Veep y The Thick of It, ambas aclamadas por la crítica y galardonadas internacionalmente. Su compañero de escritura, Blackwell, ha colaborado estrechamente con él durante años y suma créditos como guionista en las mismas series, además de otros proyectos británicos de humor negro como Breeders y Back. Esta dupla ha demostrado su capacidad en el cine con la nominación al Oscar por In the Loop y en la televisión con varios premios Emmy.

La franquicia de Paddington se ha caracterizado por su tono entrañable, el equilibrio entre comedia y ternura, y una producción visual que mezcla acción real con efectos digitales. Paddington 4 llegará tras el éxito de las tres primeras entregas: Paddington (2014), Paddington 2 (2017) y Paddington: Aventura en la selva (2024). Juntas, han superado los 800 millones de dólares en la taquilla global, según los datos de Variety. La saga ha contado con la dirección de Paul King en los dos primeros filmes y de Dougal Wilson en el tercero, quien ahora negocia su regreso para esta nueva aventura.

El futuro de la saga

Para quienes se preguntan qué sucede con la saga, el anuncio de Paddington 4 implica la renovación del equipo creativo en un momento clave para la franquicia. La elección de Iannucci y Blackwell obedece a la búsqueda de una mirada fresca y al mismo tiempo experta, capaz de mantener la esencia amable y torpe de Paddington mientras introduce nuevos matices en el guion. El estudio aún no ha revelado detalles sobre la trama, pero la confirmación del equipo detrás del proyecto ha generado gran expectativa tanto entre los seguidores del oso como en la industria del cine familiar.

La productora Rosie Alison, figura central en la adaptación al cine del personaje creado por Michael Bond, mantiene su rol como responsable general de la producción para Heyday Films. Alison fue quien impulsó la llegada de Paddington al formato de acción real con animación digital hace ya dos décadas, y ha supervisado cada entrega desde entonces. Su continuidad garantiza la fidelidad al espíritu original, un aspecto que ha sido fundamental para el éxito de las películas. La noticia se hizo oficial a principios de año en CinemaCon, cuando la directora ejecutiva de Studiocanal, Anna Marsh, confirmó el desarrollo de la cuarta película e insinuó la contratación de “guionistas de comedia reconocidos mundialmente”. Aunque no se adelantaron detalles sobre el argumento ni las fechas de rodaje, la participación de Iannucci y Blackwell fue recibida como una garantía de calidad narrativa.

Una de las claves del fenómeno Paddington ha sido su capacidad para conectar con públicos de diferentes edades, gracias a un humor universal y una estética cuidada. La segunda entrega, Paddington 2, alcanzó el estatus de película mejor valorada en Rotten Tomatoes durante un tiempo, consolidando la reputación de la franquicia como referente del cine familiar contemporáneo. El reto para los nuevos guionistas será mantener ese delicado equilibrio entre la ingenuidad y la comedia inteligente que caracteriza al oso peruano con duffel coat y sombrero rojo. La expectativa es alta, pero el equipo creativo cuenta con experiencia probada y una base de admiradores que aguarda con entusiasmo las próximas noticias sobre el rodaje y el estreno de Paddington 4.

El dramaturgo Ramón Paso fue detenido tras ser acusado de mantener un comportamiento de carácter sexualizado con una menor de 15 años en la vía pública. El incidente fue denunciado por dos testigos, que alertaron a la policía tras observar los hechos en la zona peatonal del Paseo del Prado, en Madrid. Según la información difundida, los testigos señalaron que Paso, reconocido por su trayectoria en el teatro y su relación familiar con figuras como Alfonso Paso y Enrique Jardiel Poncela, habría realizado tocamientos en los muslos y las nalgas de la menor, además de besarla en el cuello y los hombros. La joven, alumna suya en clases de teatro, fue identificada por los agentes tras la intervención policial.

La policía localizó a Ramón Paso junto a la adolescente en el Paseo del Prado. En su declaración a los agentes, Paso afirmó que se encontraban “dando una vuelta” y que estaba “consolando” a la menor, quien le habría llamado por un presunto caso de acoso sufrido en su centro educativo. Los padres de la joven desconocían que su hija estaba acompañada por su profesor; creían que se encontraba en el cumpleaños de una amiga. La víctima fue trasladada a un centro médico para su valoración y atención especializada, mientras que el dramaturgo fue conducido a las dependencias de la Unidad de Atención a la Familia y Mujer de la Policía Nacional. El hecho generó una rápida reacción entre los presentes y en el entorno teatral.

De acuerdo con los testigos, la actuación de Paso fue considerada “de carácter sexualizado”. La denuncia fue motivada tras observar cómo el adulto besaba a la menor y le realizaba tocamientos en plena calle. La intervención policial se produjo poco después de la llamada, permitiendo identificar tanto al adulto como a la víctima. La policía informó que la menor es alumna de clases de teatro impartidas por Ramón Paso. El dramaturgo intentó justificar su presencia con la joven alegando que la estaba ayudando emocionalmente tras un episodio de acoso escolar. Sin embargo, los agentes procedieron a su detención para esclarecer los hechos denunciados. Según las informaciones recogidas, los padres de la menor confirmaron que desconocían la verdadera ubicación de su hija en ese momento. La joven fue atendida en un centro médico para una valoración exhaustiva y garantizar su bienestar.

Con antecedentes por denuncias en 2024

El caso reciente se suma a una serie de denuncias previas por supuestos delitos contra la libertad sexual presentadas contra Ramón Paso por distintas mujeres. En 2024, la Fiscalía de Madrid presentó una querella basada en los testimonios de varias denunciantes, atribuyéndole presuntos delitos sexuales. Además, siete actrices solicitaron unirse a la denuncia por agresión sexual contra el dramaturgo. Estas acusaciones han suscitado atención mediática y generado un debate en el ámbito cultural y teatral. La trayectoria de Paso, nieto de Alfonso Paso y bisnieto de Enrique Jardiel Poncela, ha estado marcada en los últimos años por la repercusión de las denuncias. La Fiscalía actúa en función de los testimonios y pruebas recabadas hasta el momento, mientras que las investigaciones continúan abiertas.

La noticia de la detención y las denuncias previas han tenido un impacto inmediato en la actividad profesional de Ramón Paso. Tras la presentación de la querella en 2024, el Teatro Infanta Isabel suspendió las funciones previstas de la obra Jardiel enamorado, dirigida por Paso. El actor Pepe Viyuela, quien iba a protagonizar la obra, anunció su salida del proyecto, manifestando públicamente: “No tengo tripas para salir a escena esta tarde”, y expresó su apoyo a las presuntas víctimas. La suspensión de funciones y la retirada de actores reflejan el alcance de las consecuencias sociales y profesionales que enfrentan quienes son objeto de denuncias de esta naturaleza dentro del sector cultural. El caso de Ramón Paso continúa bajo investigación judicial y policial, mientras la comunidad teatral y la opinión pública siguen atentas a los próximos desarrollos y decisiones de las autoridades.

Hay una teoría que dice que existen seis grados de separación para que cualquier persona en la Tierra esté conectada con cualquier otra a través de una cadena de conocidos con un máximo de cinco intermediarios. Pues bien, en el caso de Álvaro Mel y Anna Castillo, los grados de separación con la estrella de cine John Travolta no han necesitado ser tantos. La pareja de actores españoles no solo puede decir que lo haya conocido, sino que además se ha ido de cena con él y su familia, mientras uno de los dos ha rodado junto a él una película entera.

Se trata de Mareas negras, una coproducción entre España y Estados Unidos que está protagonizada por el legendario actor de Grease o Fiebre del sábado noche junto a Álvaro Mel. Así lo confirmaba su pareja, Anna Castillo, quien acudía anoche al programa de La revuelta para revelar a David Broncano y todo el mundo su divertido encuentro con el actor durante una cena de equipo. “Conocí a John Travolta porque hizo una peli con mi chico, y es muy majo”, confesaba la actriz, que estaba allí para promocionar su nueva serie junto a Macarena García, Laura Weissmahr y Victoria Martín, Se tiene que morir mucha gente, que se acaba de estrenar en Movistar+

“Todavía está sin estrenar, se estrenará a finales de año o así, se llama Mareas negras“, confirmaba la madre del propio Mel, presente en el programa. ”Yo he cenado con él, le encantaron unas croquetas de carabineros que no las había probado nunca. Él estaba flipando“, añadía Castillo, detallando ese encuentro durante una cena del equipo de la película. Broncano, en su tono cómico habitual, le preguntaba a Castillo si Travolta era ”de comer chicha", a lo que esta aclaraba que no, que era más bien delicado.

Con un premio bajo el brazo

Dirigida por el cineasta finlandés Renny Harlin (Strangers: Capítulo final), la película cuenta la historia de un padre alejado que intenta reconciliarse con su hija y nieto, pero deben luchar por sobrevivir cuando orcas atacan su barco. Esta aventura marina se rodó en la isla de Gran Canaria, cuyo rodaje comenzó en octubre del año pasado. Además de Travolta y Álvaro Mel, la película cuenta con la hija del estadounidense, Ella Bleu Travolta. Junto a ella precisamente ha estado en el Festival de Cannes, donde presentó su debut en el largometraje como director con Propeller Ven a volar conmigo, estrenada dentro de la sección Cannes Premiere.

Allí fue galardonado con una Palma de Oro Honorífica por su distinguida carrera, la cual ha estado llena de grandes éxitos comerciales y otras películas de autor a las órdenes de cineastas como Brian de Palma. Travolta no es un actor cualquiera y es por ello tan importante que haya entablado relación con una de las parejas de moda en España. Además de una película que pronto verá la luz en cines, el actor ya se lleva el grato recuerdo de su paso por España, croquetas de carabineros incluidas.

A diferencia de otras series basadas en superhéroes, Spider-Noir sitúa la acción en el Nueva York de los años treinta, en plena Gran Depresión. Este giro traslada al conocido héroe arácnido a un ambiente sombrío, plagado de callejones, despachos oscuros y la atmósfera propia de las novelas de detectives. La serie adapta así el espíritu de los relatos policiales y del cine expresionista, integrando elementos visuales y narrativos característicos del género noir. El resultado es una propuesta que, según los primeros visionados, logra captar la esencia de la época y ofrecer al espectador una experiencia diferente dentro del universo de Marvel.

La trama gira en torno a Ben Reilly, interpretado por Nicolas Cage, quien encarna a un detective privado marcado por el cinismo y la mala suerte. Reilly asume el rol de The Spider, un justiciero con superpoderes que enfrenta el crimen en una ciudad hostil y corrupta. Esta versión del personaje se aleja del tradicional Peter Parker y propone un antihéroe adulto, con matices complejos y una historia personal influida por la derrota y la resiliencia. El enfoque, según los creadores, responde a la necesidad de explorar nuevas dimensiones del mito arácnido, adaptándolo a las convenciones del género negro y a un público que busca narrativas más maduras.

La elección de Nicolas Cage como protagonista ha sido uno de los puntos más comentados. El actor, conocido por su versatilidad y por su reciente acercamiento al cine de terror, aporta a Ben Reilly una presencia enérgica y una interpretación marcada por el desgaste emocional. Cage ya había dado voz a una versión animada del personaje en Spider-Man: Un nuevo universo, lo que refuerza el vínculo entre el actor y el universo arácnido. En Spider-Noir, Cage encarna tanto al detective como a su alter ego justiciero, en una construcción que recuerda a los clásicos antihéroes interpretados por figuras icónicas del cine negro.

El reparto se completa con Lamorne Morris, quien da vida al reportero Robbie Robertson, y Brendan Gleeson, en un rol que aporta peso dramático a la trama. El equipo creativo está liderado por Oren Uziel y Steve Lightfoot, showrunners responsables de guiar la adaptación y de definir la estética visual de la serie. Ambos han insistido en que Spider-Noir no es una continuación directa de las películas animadas, sino una relectura del arquetipo del héroe en un contexto distinto, más próximo a las novelas de Raymond Chandler y al universo cinematográfico de títulos como El halcón maltés. Uno de los aspectos más destacados de la serie es la opción de verla en color o en blanco y negro, una decisión que, según la producción, otorga al espectador la posibilidad de elegir la experiencia estética que prefiera. Esta dualidad de formatos no compromete la integridad visual de la obra y refuerza la ambientación noir, sumando una capa de autenticidad que ya se había ensayado en otras producciones recientes de la industria.

El montaje de Spider-Noir busca mantener la tensión narrativa y evitar que el espectador pierda el interés. El ritmo ágil, sumado a la cuidada ambientación, contribuye a que la serie se perciba como una propuesta sólida dentro del catálogo de Prime Video. Aunque al momento del estreno no se registran suficientes reacciones para afirmar que la producción ha alcanzado una aclamación universal, las primeras críticas internacionales son favorables. Se destaca especialmente la calidad visual y la atmósfera conseguida, comparando a Spider-Noir con la serie animada de Batman por su aproximación al género y su respeto por los códigos del cine negro. La llegada de Spider-Noir representa un paso más en la expansión de Marvel en el terreno de las series, apostando por fórmulas narrativas que exploran nuevos territorios estéticos y temáticos. El lanzamiento promete atraer tanto a los fanáticos del cómic como a los seguidores del cine clásico, consolidando a Spider-Noir como una de las apuestas más singulares del año.

Llegada hace unos meses a cines, Núremberg se ambientaba en este hecho que tuvo lugar al término de la Segunda Guerra Mundial, cuando los estados aliados buscaron juzgar a los generales nazis por crímenes de guerra, y se organizó el primer tribunal internacional para este preciso cometido. No obstante, esta película se centra en un aspecto muy concreto del proceso, como es la relación entre el psiquiatra Douglas Kelley (Rami Malek) y el comandante en jefe de la Luftwaffe, mano derecha del mismísimo Adolf Hitler. Una relación que viene recogida en el libro El psiquiatra y el nazi de Jack El-Hai, el cual adapta el director y guionista James Vanderbilt, autor de películas como Zodiac o las últimas entregas de la saga Scream.

La película se podrá ver desde esta misma semana en plataformas, con su llegada a Movistar+ el próximo viernes 29 de mayo. Se une así a estrenos recientes de la plataforma como Gladiator II o Expediente Warren: el último rito en una misma semana en la que han estrenado también la serie original Se tiene que morir mucha gente. Después de aterrizar el pasado 28 de noviembre en cines, la película obtendrá una segunda vida en plataformas, en la que los espectadores podrán comprobar de primera mano por qué Russell Crowe sigue en plena forma.

Una de las mejores interpretaciones de Crowe

El reparto lo completan nombres como John Slattery (Mad Men), Michael Shannon (Man of steel) o Richard E. Grant (Loki), entre otros. Cada uno da vida a los miembros del jurado internacional que llevó a los grandes generales nazis ante la justicia, mientras que Leo Woodall, que estará en la próxima entrega de El señor de los anillos, interpreta a un joven soldado encargado de gestionar los encuentros entre Douglas Kelly y Hermman Göring, ya que es de los pocos soldados americanos que habla alemán. La interpretación del actor de Gladiator o Master and commander es sin duda el gran aliciente del filme, dejando una actuación para el recuerdo como el histórico general nazi que termina ganándose la confianza del doctor por su carisma a pesar de ser un criminal de guerra.

Sea como fuere, este viernes llega a plataformas una de las películas históricas más interesantes de los últimos años y, sobre todo, la primera en retratar la compleja relación entre el psiquiatra y el nazi, al tiempo que deja constancia de la serie de juicios que cambiaron para siempre la historia del derecho internacional. Con un reparto plagado de estrellas y encabezado por un titán de la actuación como Russell Crowe, quien firma una de sus mejores interpretaciones de los últimos años.

Star Wars está intrínsecamente ligada al cine en mayúsculas desde su propio nacimiento, cuando su estreno cambió para siempre las reglas del juego y dio paso a una nueva era, la de los blockbusters y el cine de franquicias que gobernó a partir de los años 80. Por eso se hacía tan extraño que la marca de George Lucas y propiedad de Disney —porque hace tiempo que se convirtió en algo mucho más grande que “películas”— llevase tanto tiempo sin ser exhibida en una pantalla grande. Todo ello ha ido a acabar, irónicamente, con una historia derivada de la producción que también cambió las reglas del juego, pero para llevar a la gente de las salas a casa: The Mandalorian.

Quizá sea demasiada presión y responsabilidad adjudicarle a la serie creada por Dave Filoni y Jon Favreau ese cambio de paradigma —la pandemia se encargó de apuntalarlo—, pero lo cierto es que The Mandalorian fue la cabeza visible de una serie de producciones que buscaron llevar la experiencia cinematográfica hacia los hogares junto a, quizá, Chernobyl y, en menor medida, Gambito de dama, estrenada ya en pandemia. Todas estas y otras tantas podrían estar avaladas por grandes cineastas o actores y tener un calado más o menos cinematográfico, pero ninguna con un nombre que arrastre más público que el de Star Wars. Después de tres temporadas de gran éxito en Disney+ y de allanar el camino para otras miniseries derivadas de menor éxito —Ahsoka, Obi-Wan Kenobi, The Acolyte— a excepción de la celebrada Andor, la saga ha hecho el camino de vuelta a la gran pantalla con esta The Mandalorian and Grogu.

Qué pasa cuando no tienes nada nuevo que contar

Es curioso porque la película puede funcionar como una continuación directa para todos aquellos que hayan visto las tres temporadas de The Mandalorian, pero también como una historia completamente independiente para los que, como sucede con Marvel, se hayan perdido ya entre tanta miniserie fuera del canon cinematográfico. Su espectacular prólogo funciona como reintroducción de Mando (Pedro Pascal), un personaje inspirado en el Clint Eastwood de la Trilogía del dólar de Sergio Leone, pero que aquí bien podría funcionar también como Batman o como una suerte de Indiana Jones, pues no en vano su aventura le llevará a lugares exóticos con traiciones acechando a la vuelta de la esquina.

Acompañado de su inseparable Grogu, la entrañable criatura emparentada con Yoda que sigue funcionando como adorable alivio cómico y contrapeso de la intensidad de Mando, ambos surcan la Galaxia en busca de viejos comandantes del extinto Imperio Galáctico. La coronel Ward (Sigourney Weaver) de la Nueva República los envía al planeta Nal Hutta, hogar del clan Hutt famoso por Jabba el Hutt, para que más tarde viaje a la luna de Shakari en busca de Rotta el Hutt, hijo de Jabba y quien ahora sirve como gladiador para un misterioso antagonista conocido como Lord Janu. Pero, al igual que sucede en los episodios de The Mandalorian, no todo será tan sencillo como parece a la vista para Mando y Grogu.

Y hasta aquí todo lo nuevo que tiene que aportar esta película, no ya al universo de la serie, sino a todo Star Wars. Los fans no encontrarán cameos de viejas estrellas —sí uno de lo más aleatorio a cargo de Martin Scorsese—, nuevos e interesantes personajes o momentos trascendentales como los de cualquiera de las películas de las anteriores trilogías. Hay tres, cuatro como mucho, episodios unidos, pero con evidentes cortes que invitan a pensar que esto fue concebido como una cuarta temporada de The Mandalorian reconvertida en película. En IMAX, eso sí, y que en algunos puntos —el mencionado prólogo, toda la parte de la arena de gladiadores, por más que recuerde a la de El ataque de los clones, o el ataque del monstruo marino en la guarida de los Hutt— se acerca a lo que puede o debería ser una experiencia cinematográfica, pero no hay ni un solo momento genuino que refuerce esa idea. ¿De qué sirve hacer una película así si ya hemos visto a Grogu utilizar la fuerza o sabemos que Pedro Pascal está detrás de Mando? Ni siquiera el supuesto villano de la película estaría a la altura de los de la serie, de un Darth Maul, Snoke o Vader.

¿Dónde está Star Wars?

Siendo todo esto así, hay cosas a rescatar de The Mandalorian and Grogu, aunque sean cosas que en parte ya estuvieran en la serie. La banda sonora de Ludwig Göransson —compositor que se hizo un nombre a partir de la serie y que ha estado desde entonces en títulos como Tenet, Oppenheimer, Los pecadores o próximamente La Odisea— balancea perfectamente entre lo cyberpunk de ese Blade Runner en Shakari, lo terrorífico de Nal Hutta y lo western en todo lo demás. Visualmente sucede algo parecido, con la fotografía de David Klein consiguiendo algunos de los planos más bellos que hemos visto en Star Wars en mucho tiempo. Pero están al servicio de una narrativa insustancial, completamente anquilosada en un formato serial que el director Jon Favreau no ha sabido llevar a la gran pantalla.

En definitiva, estamos ante una obra demasiado fijada a la serie de la que deriva, carente de sorpresas notables y cuya factura visual no es suficiente para justificarlo todo. Una obra en tierra de nadie, demasiado ambiciosa para la televisión y muy lejana de la épica y trascendencia que debería tener una película de Star Wars. Que en siete años desde El ascenso de Skywalker esto sea lo mejor que el universo de George Lucas tiene que ofrecer sin duda es agridulce, y a la espera de ver la próxima película, Starfighter, no tiene pinta de que Star Wars vaya a conquistar a una nueva generación de este modo.

Hoy no es un día cualquiera. Hoy se entrega la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Hoy España puede hacer historia, pues tiene hasta tres títulos entre las contendientes: El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, Amarga Navidad de Pedro Almodóvar y La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi. Estos últimos han desatado una auténtica locura en Cannes, pero mucho antes que ellos alguien dejó su huella en el certamen galo, aunque no de la mejor manera. Con motivo del cierre del festival, recordamos uno de sus episodios más oscuros: el día que toda la prensa se rebeló dejando una gran polémica.

Corría el año 1983, cuando la actriz francesa Isabelle Adjani subió los escalones del Palais des Festivals en Cannes con el equipo de L’Été Meurtier (El verano asesino), y los fotógrafos acreditados depositaron sus cámaras en el suelo y le dieron la espalda. La actriz francesa había rechazado posar en el photocall de prensa previo al estreno, y la respuesta del gremio fue un boicot coordinado que quedó grabado en la memoria del festival más prestigioso del mundo del cine. Cuatro décadas después, mientras la 79.ª edición del Festival de Cannes transcurre entre debates sobre privacidad, nuevas normas de alfombra roja y la omnipresencia de las redes sociales, aquel episodio recupera su vigencia.

Adjani tenía 27 años y era ya una de las figuras más respetadas del cine europeo. Su negativa a posar no fue un capricho, sino una postura deliberada frente a lo que ella consideraba una intrusión sistemática en su vida privada. Los fotógrafos del certamen, que dependían de esas imágenes para su trabajo, interpretaron el gesto como un desaire y respondieron con una protesta sin precedentes: cámaras en tierra, espaldas a la actriz, silencio fotográfico en la escalinata más fotografiada del mundo.

Ni la primera ni la última

Lo que pocos recuerdan es que Adjani no fue la primera víctima de ese ritual de represalia. Según el sitio oficial del Festival de Cannes, el precedente lo estableció Paul Newman en 1975: agotado tras un viaje largo, el actor estadounidense se negó a posar antes de una proyección, y esa misma noche los fotógrafos repitieron la operación. Newman reconoció después que fue “la lección más importante que había aprendido en su vida”. La anécdota revela que la tensión entre los artistas y la prensa gráfica no nació con las redes sociales ni con los smartphones, sino que tiene raíces tan profundas como el propio festival, fundado en 1946. La película que llevó a Adjani a Cannes ese año, dirigida por Jean Becker, no pasó desapercibida: L’Été Meurtier se convirtió en un éxito de taquilla en Francia y le valió a la actriz su segundo César a mejor actriz. La ironía es que el boicot fotográfico, lejos de perjudicarla, amplificó su imagen de mujer que ponía límites a la exposición pública, algo que en 1983 resultaba tan inusual como transgresor.

El episodio cobra una dimensión distinta en la edición de 2026. El festival, que este año abrió con un discurso político de la actriz Eye Haïdara y otorgó una Palma de Oro honorífica al director neozelandés Peter Jackson, sigue siendo un escenario donde la alfombra roja funciona como territorio de negociación entre la imagen pública y la privacidad. Las normas han cambiado: Cannes prohibió los selfies en la escalinata desde 2018 para preservar, según el entonces director artístico Thierry Frémaux, “la calidad y el tempo” del ascenso. En 2025, la organización fue más lejos y vetó los vestidos con grandes colas y las apariencias de desnudez en la alfombra roja.

Pero la tensión de fondo persiste. Una influencer india presente en la edición de 2025 reveló que los fotógrafos acreditados no fotografían a cualquiera que suba los escalones: “No están ahí para fotografiarte a ti. Ni siquiera saben quién eres. Tienes que pagar a un fotógrafo”, declaró, según recogió el medio indio The Siasat Daily. La revelación —viral en redes— mostró que la relación entre los artistas y los fotógrafos en Cannes sigue siendo transaccional, asimétrica y, en ocasiones, conflictiva. Lo que hizo Adjani en 1983 fue, en ese contexto, un acto de resistencia individual frente a una maquinaria de imagen que no distinguía entre el arte y la exposición. El boicot de los fotógrafos fue la respuesta de esa maquinaria. Ninguno de los dos gestos ha perdido su significado en un festival que, 79 ediciones después, todavía negocia los límites entre la cámara y quien se pone delante de ella.

La expectativa era alta desde horas antes. El primero de los conciertos de Bad Bunny en la ciudad reunió a miles de asistentes y activó el habitual ritual de las grandes noches: accesos llenos, teléfonos en alto y una tensión creciente por ver si habría apariciones inesperadas. El show no defraudó. La maquinaria del artista funcionó con precisión y con un repertorio diseñado para alternar momentos de euforia colectiva con pasajes más íntimos. Uno de los instantes más celebrados llegó con Bad Gyal, que apareció por sorpresa sobre el escenario para interpretar “Da Me”. Su intervención desató una reacción inmediata del público y reforzó el carácter festivo de una noche pensada para cruzar estrellas y generar conversación más allá de la música. La escena fue leída como una declaración de intenciones: Bad Bunny no solo ofrece un concierto, sino un acontecimiento cultural.

La presencia de jugadores del Barça añadió una capa extra de notoriedad. Un eufórico Lamine Yamal, Dani Olmo, Gavi, Eric Garcia, Szczesny y Pedri, entre otros, siguieron el concierto desde zonas destacadas del recinto y algunos medios los situaron cerca del espacio conocido como “La Casita”, una de las piezas escénicas más reconocibles del tour. La imagen de los futbolistas disfrutando del recital acabó convirtiéndose en uno de los elementos más compartidos de la noche en redes y en prensa.

“Gracias por creer en mí antes que el resto del mundo”

“La Casita” merece capítulo propio. Ese espacio, inspirado en una vivienda puertorriqueña y concebido como lugar de proximidad con el público y con invitados, se ha convertido en uno de los signos visuales del actual universo de Bad Bunny. En Barcelona volvió a funcionar como centro de gravedad del espectáculo, un escenario dentro del escenario donde el artista refuerza su narrativa de cercanía sin perder el control del gran formato. Más allá del componente celebratorio, el concierto también puso en evidencia el peso industrial del artista. La gira arrancó en España con un impacto inmediato en la conversación pública, y Barcelona se convirtió en una capital musical por una noche. La combinación de entrada agotada, invitados de relumbrón y repertorio de grandes éxitos explica por qué cada paso de Bad Bunny se analiza hoy tanto como un fenómeno de industria como un evento social.

El concierto de Barcelona también funciona como termómetro de una escena en la que el reguetón y la música urbana han dejado de ser periféricos para ocupar el centro del negocio musical. Bad Bunny domina ese territorio con una mezcla de carisma, producción y capacidad para convertir cada concierto en una postal de época. Lo de Barcelona no fue solo un estreno de gira: fue una demostración de poder escénico y de conexión con públicos muy distintos, desde fans jóvenes hasta rostros populares del deporte y la televisión.

“Gracias por creer en mí antes que el resto del mundo”, comentaba el propio Bad Bunny durante la actuación, recordando aquellos primeros años en España, allá por 2017 cuando en vez de llenar estadios lo hacía en discotecas como la Moon de Valencia, su primera parada en nuestro país. Mucho ha llovido desde entonces, pero ha sido el largo camino lo que hace aun más especial este concierto, tan solo el primero de los doce que están por vivir miles de españoles que han crecido con las canciones del boricua.

@jordiferrandez Esto es una vergüenza… @ticketmasteres @Live Nation España #badbunny #badbunnyespaña #badbunnyconcierto #ticketmaster #badbunnyfans ♬ sonido original - Jordi Ferrández

Tras el vídeo, que está teniendo un gran recorrido en redes sociales, se están produciendo reacciones muy dispares. Hay quienes se solidarizan con el autor de la publicación, intentando animarle y mostrando su comprensión con la situación, y otros que por el contrario le atacan directamente por haber pagado tanto dinero para ver a Bad Bunny en esas condiciones: "Si pagas 500€ por ver eso no me vas a dar pena nunca", "pero quien paga 500€ por ver a alguien cantar" o uno que iba mucho más allá: "La problemática de la vivienda...... El precio de la gasolina.... la cesta del supermercado....los Huevos....el aceite..... Pero nos gastamos 500 pavos en un concierto????? Creo que hay que hacer un reseteo de las prioridades".

La próxima gran producción de Christopher Nolan, La Odisea, ya ha empezado a generar debate incluso antes de que su reparto quede completamente definido. Entre los nombres que más curiosidad despiertan aparece el de Elliot Page, cuya posible incorporación ha abierto una pregunta tan simple como estimulante: ¿podría ser un buen Aquiles? La respuesta, desde una perspectiva cinematográfica, es sí. Y no por una razón única, sino por varias.

Lo primero que hay que entender es que hay dos Aquiles en Homero: el de La Ilíada y el de La Odisea. Mientras que el primero es un gran héroe que comanda el ejército aqueo frente a las murallas de Troya, en la segunda obra es una persona distinta, un espíritu que se le aparece a Ulises en el Hades y que difiere mucho de la representación canónica del personaje, hasta el punto de contradecirse con todo lo que había encarnado en el primer canto épico. “Preferiría ser labrador y servir a otro, a un hombre indigente que tuviera pocos recursos, a reinar sobre todos los muertos”, dice el noble guerrero en el Canto XI de la obra original, simbolizando que en muchos sentidos, ya no es el mismo Aquiles épico y victorioso. ¿Podría encajar eso con Elliot Page? Analicemos las razones a su favor.

1. Una vulnerabilidad poco explotada

Aquiles no es solo el gran guerrero de la mitología griega. También es un personaje marcado por el orgullo, la pérdida y una relación difícil con su propia fama. Elliot Page tiene una capacidad interpretativa muy útil para ese tipo de papel, porque suele transmitir conflicto interior, fragilidad emocional y una tensión muy humana que encaja con un héroe trágico. En una película de Nolan, donde los personajes suelen ser tan complejos como la propia trama, esa vulnerabilidad puede resultar más valiosa que la pura contundencia física. Un Aquiles interpretado por Page podría sentirse menos como una estatua heroica y más como un ser humano atrapado entre el deber, el ego y la herida.

2. Un enfoque más cerebral que musculoso

La mitología de Aquiles se ha asociado durante décadas con la fuerza, la belleza y la violencia. Sin embargo, una adaptación contemporánea puede elegir otro camino: el de un Aquiles reflexivo, obsesivo y emocionalmente atravesado por su destino. Ese enfoque encaja muy bien con el estilo de Nolan —con el que ya trabajó en Origen—, que suele preferir personajes que piensan, calculan, dudan y se rompen por dentro. Page tiene el registro necesario para sostener una interpretación de ese tipo. Su presencia puede aportar gravedad dramática sin necesidad de que el personaje dependa exclusivamente de una imagen física de poder. Eso abriría la puerta a un Aquiles más íntimo, menos previsible y, por tanto, más interesante.

3. Un perfil ideal para el trauma y la ambivalencia

Si algo define a Aquiles en el imaginario clásico es su condición trágica. No es simplemente un vencedor, sino alguien que sabe que la gloria tiene un precio. En La Odisea, además, ese universo aparece atravesado por la memoria de la guerra de Troya, de modo que los personajes que orbitan alrededor de esa historia suelen estar cargados de heridas visibles e invisibles. Elliot Page ha demostrado ser especialmente eficaz en papeles donde el dolor no se expresa de forma grandilocuente, sino contenida. Esa cualidad puede funcionar muy bien en un Aquiles que no solo pelee, sino que también cargue con el peso moral de la guerra. En manos de un actor menos matizado, ese conflicto podría perder fuerza; con Page, podría volverse central.

4. Un contraste fresco frente a otras versiones

Cualquier nueva aproximación a Aquiles tiene que convivir con el recuerdo de versiones anteriores, especialmente la interpretación de Brad Pitt en Troya, que dejó una imagen muy concreta del personaje en el imaginario popular. Precisamente por eso, una elección como la de Elliot Page permitiría a Nolan separarse de esa tradición visual y emocional. Ese contraste no sería un gesto meramente estético. También ayudaría a construir un Aquiles menos convencional, más sobrio y más alineado con la sensibilidad contemporánea. Nolan rara vez busca repetir fórmulas, y ese tipo de casting reforzaría la idea de que su película no pretende copiar la épica clásica, sino reinterpretarla. A nivel físico, uno puede pensar que dista bastante del personaje, pero lo cierto es que las descripciones de Homero principalmente inciden en su cabello rubio (xantos, en griego), y no en un físico especialmente grande o musculado, pues Aquiles era más conocido por ser un guerrero extremadamente ágil en el cuerpo a cuerpo.

5. El valor de una sorpresa bien elegida

En el cine de Nolan, el misterio forma parte del propio atractivo de la obra. Sus películas suelen jugar con la expectativa, la información parcial y la revelación progresiva. Un casting inesperado puede funcionar dentro de esa lógica como una extensión del espectáculo narrativo. Hasta Oppenheimer, prácticamente todas las películas de Nolan se caracterizaban por un gran giro de guion, desde el final de Memento hasta Interstellar. Con el tiempo, esos giros se han ido introduciendo a mitad de metraje, por lo que no sería de extrañar que la visita de Ulises al inframundo se situase justo a mitad de película. En ese pasaje aparecen otros personajes de La Ilíada como Agamenón o Áyax el Grande, los cuales se desconoce aún por quién estarán interpretados en caso de aparecer.

Si Elliot Page terminara interpretando a Aquiles, la sorpresa inicial probablemente generaría conversación inmediata. Pero más allá del impacto mediático, lo importante sería si esa elección aporta verdad al personaje. Y, sobre el papel, la combinación parece sólida: presencia, inteligencia dramática, capacidad para el conflicto interno y una sensibilidad adecuada para un héroe trágico. Conviene recordar que, por ahora, todo esto forma parte del terreno especulativo. La Odisea sigue rodeada de información parcial y los detalles sobre el reparto no han sido confirmados de manera definitiva. Aun así, la hipótesis tiene sentido desde el punto de vista artístico, y si alguien merece el beneficio de la duda, ese es Christopher Nolan.

Por otro lado, no hay que olvidar que estamos ante una obra de ficción basada en acontecimientos que pudieron ser reales, pero que tienen más de fantasía que de verdad, con cíclopes, sirenas y otras criaturas mitológicas que pueden ser adaptadas a su antojo, como también puede serlo un semidiós como Aquiles. Por último, la historia de Homero no trata solo de aventuras y monstruos. También habla de la memoria, la pérdida, el regreso y el costo humano del heroísmo. En ese marco, Aquiles no necesita ser únicamente un guerrero imponente. Puede ser también una figura marcada por la contradicción, la culpa y la conciencia de su propio final. Elliot Page tiene recursos suficientes para encarnar esa lectura del personaje. Y en una película de Nolan, donde la épica suele convivir con la introspección, eso puede ser exactamente lo que necesita Aquiles para volver a resultar inolvidable.

Si eres de los que ya ha podido ver los ocho episodios de los que se compone esta segunda temporada, titulada en homenaje al cuadro que pretende robar Berlín y su banda, sabrá perfectamente uno de los grandes giros. Además de robar La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, Berlín planea también despojar a su benefactor, el empresario y supuesto filántropo Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez). Comienza así a urdir un plan secreto del propio plan, con la confidencia de su banda y de Candela (Inma Cuesta), la mujer de la que a su vez se está enamorando.

El robo del cuadro no reviste gran dificultad, pero el de la cámara con todos los tesoros del empresario sevillano sí, capa de fuego incluida. Bruce (Joel Sánchez) y Roi (Julio Peña) son los dos elegidos para adentrarse en la cámara y exponer su vida, sin saber que alguien ya lo ha hecho antes que ellos. Cameron (Begoña Vargas), quien parecía haber dejado la banda, está en realidad infiltrada en una de las embarcaciones con las que Álvaro Hermoso de Medina tiene su mayor fuente de ingresos: el contrabando de diamantes. Cameron es la única “pérdida” del grupo, y su muerte es lo único que falla en todo el plan.

Y comieron perdices

Una vez logran escapar de Sevilla con La dama del armiño y el resto de cuadros de su hasta entonces benefactor, Berlín y su banda se reúnen para celebrar su éxito y a la vez llorar la pérdida de Cameron, en especial un afectado Roi. El joven ladrón se había pasado toda la temporada de mal humor y cuestionando la relación abierta de Bruce y Keila, sin saber que Cameron en realidad sí le quería, y en parte es quien convence a Keila de no abrir la relación con una tercera persona. Una pareja se salva, la otra no. Pero hablando de relaciones, hay más uniones que celebrar.

La primera y más importante, la de Berlín y Candela, a la que por fin pide matrimonio y junto a la que se desposa en la última escena de la serie, en una boda a la que no falta nadie, ni siquiera su expareja Camille (Samantha Siqueiros). Keila y Bruce afianzan su relación, Genoveva (Marta Nieto) deja atrás su vida en Sevilla para fugarse con Damián (Tristñan Ulloa) y Roi es el único que queda soltero, aunque se da a entender que podría encontrar el amor muy pronto. La única incógnita por resolver es precisamente la que va más allá de su final, y es si las aventuras de Berlín continuarán.

“Cuando uno vive asociado durante todo el tiempo que yo he vivido a un viaje como este, pues hay tantas opiniones como personas. Yo nunca, nunca durante los últimos nueve años, había sentido que me tenía que ir. Sí dudé de si podía sostener el personaje porque hubo cambios y yo planteaba mis dudas, pero nunca tuve esa sensación. Y al acabar la temporada hice ‘clac’ y fue inapelable”, comentaba Pedro Alonso en una entrevista reciente a VerTele con motivo del final de la serie, dejando la puerta casi cerrada a la posibilidad de volver al personaje, al menos por el momento. Como él mismo dice, “no hay manera de anticipar lo que te va a pasar en la vida”.

Mientras tanto, y como no teníamos mucha información de la película hasta ahora, conviene recordad de qué va y sobre todo quiénes forman parte de ella. Un reparto de lo más variopinto que va desde estrellas consagradas de nuestro cine como Penélope Cruz o Lola Dueñas hasta internacionales como Glenn Close y jóvenes promesas como Miguel Bernardeu, o el músico Guitarricadelafuente, quien debuta en la actuación.

La película, basada en la obra de Alberto Conejero La piedra oscura y fuertemente influenciada por la figura de Federico García Lorca, al que va dedicada la película, narra la historia de tres hombres homosexuales en tres épocas distintas. El primero, durante la República Española, el segundo durante la Guerra Civil y el tercero en 2017, en el que buscando información sobre el pasado da con la historiadora que interpreta Glenn Close, Isabelle Durand.

Un desconocido Lorca

Los tres protagonistas, llamados Sebastián, Alberto y Carlos, están encarnados por Guitarricadelafuente, Milo Quifes y Carlos González respectivamente. Penélope Cruz da vida a una cupletista llamada Nené Romero, mientras que Lola Dueñas, la madre de Alberto. Por su parte, Miguel Bernardeu interpreta a Rafael, uno de los soldados del que Sebastián se enamora y por el que terminará sufriendo. Este personaje existió en la vida real, se llamaba Rafael Rodríguez Rapún y fue actor y futbolista del Atlético de Madrid antes de soldado. Buen amigo de Federico García Lorca, participó junto a su barraca en varias ocasiones hasta el asesinato del poeta, lo que le llevó a alistarse en las filas republicanas.

A Lorca, por cierto, se sabe ya que le da vida el artista performativo Alberto Cortés, el cual ha realizado obras recientes como Analphabet. Sin roles aun confirmados, hay actores internacionales como el cómico salvadoreño Julio Torres o el italiano Lorenzo Zurzolo, y otros españoles como Teo Lucadamo (hijo de Aitana Sánchez-Gijón), Daniel Ibáñez o Hugo Welzel, recientemente nominado al Goya por Enemigos. Completan otros viejos conocidos de las obras de Los Javis como Albert Pla o Yenesi Suárez, que estuvo en la producida por Los Javis Mariliendre.

Habrá que esperar hasta el próximo 2 de octubre con su estreno en cines para conocer toda la lista al completo, pero de momento parece que La bola negra está llamada a ser la gran película española del año, sucediendo a Los domingos en los Goya o quién sabe si a Sirat en los Oscar. Desde luego, si este sábado sale con la Palma de Oro o algún otro premio habrá dado un paso de gigante en la carrera por más estatuillas.

Penélope Cruz sorprendió en el Festival de Cannes al revelar que rodó escenas de La bola negra creyendo que tenía un aneurisma cerebral. La actriz compartió el episodio en una rueda de prensa junto a los directores Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como “los Javis”, y al resto del equipo del filme, que compite por la Palma de Oro. Durante la presentación, Cruz relató que recibió una llamada de su médico informándole sobre la posibilidad de un aneurisma cerebral. El diagnóstico, que finalmente resultó ser una falsa alarma, coincidió con el momento en que debía salir a rodar una de las escenas más icónicas de la película: su personaje, la cupletista Nené, debía cantar entre soldados subida en un tanque. El médico le aseguró que podía continuar trabajando, pero la actriz confesó que la noticia la desbordó emocionalmente: “Empecé a llorar”, recordó ante la prensa.

A pesar del impacto, Cruz eligió no contar nada a los directores en ese instante. Explicó que los Javis y el equipo llevaban cinco horas preparando la escena con todos los figurantes, y no quiso interrumpir el trabajo ni generar preocupación. Solo después de finalizar la secuencia, compartió la situación con los directores. Posteriormente, las pruebas médicas descartaron cualquier problema grave, pero la actriz definió la experiencia como “uno de los momentos más surrealistas” que recuerda en su carrera: “Estaba subida en un tanque pensando que tenía un aneurisma”. El rodaje de La bola negra coincidió con la expectativa generada por la participación del filme en Cannes, donde fue recibido con una ovación de más de quince minutos en la alfombra roja del Palacio de Festivales. Este recibimiento, uno de los más largos en la historia reciente del certamen, subrayó la conexión entre el público y el equipo dirigido por los Javis.

Cruz, nacida en Alcobendas en 1974 y ganadora de un Óscar por Vicky Cristina Barcelona, relató que, aunque pensó en guardar para sí misma la anécdota, finalmente decidió compartirla para ilustrar la intensidad de las vivencias que surgen en un rodaje. “Creo que a veces hay que contar estas cosas”, declaró, señalando que son experiencias que se viven en grupo y que exigen salir adelante pese a las dificultades. La actriz expresó además su admiración por los Javis y el deseo que tenía de trabajar con ellos desde hacía tiempo. Aceptó el papel, aunque fuera breve, porque consideraba que el proyecto era especial. “Sabía, en mi corazón, que era algo importante”, afirmó, destacando que no solo se trataba de un filme relevante para España, sino también con proyección internacional.

Volver a Cannes, 25 años después

En la rueda de prensa, Cruz reflexionó sobre el valor del cine como memoria y herramienta de libertad, especialmente para las nuevas generaciones. Indicó que, en ocasiones, una película puede llegar más al corazón que los libros de texto y que La bola negra puede servir de puerta de entrada para descubrir la figura de Federico García Lorca. Sobre su personaje, apuntó que representa la “posibilidad de libertad”, un concepto que siente muy cercano y que le ha permitido construir una carrera marcada por papeles que desafían la injusticia, especialmente en colaboración con Pedro Almodóvar, a quien calificó como su maestro.

Para la actriz, regresar a Cannes siempre es especial. Recordó su primera visita al festival con 25 años y evocó momentos únicos como el estreno de Volver en 2006, que le valió el premio a la mejor interpretación femenina junto a sus compañeras de reparto. Este año, el pase de La bola negra le evocó “los momentos más fuertes” vividos en el certamen, aunque admitió haber sentido un instinto casi maternal en la alfombra roja. Entre bromas dirigidas a los directores y compañeros, Cruz cerró su intervención celebrando la oportunidad de formar parte de un proyecto que considera profundamente significativo, tanto a nivel personal como colectivo.

La situación llegó a tal punto que el productor Jez Butterworth habría amenazado con abandonar la producción si no se resolvía el conflicto. Según la misma fuente, Paramount optó por respaldar a Butterworth y al equipo creativo, y tomó la decisión de no renovar a Hardy para la próxima temporada. El contrato del actor contemplaba una opción mutua para una tercera entrega, lo que le permitía tanto a él como a la productora decidir su continuidad en el proyecto. No obstante, la determinación final habría sido motivada por la intención de preservar la estabilidad del equipo y el rumbo argumental que la serie buscaba consolidar.

El reparto de MobLand se completa con figuras de alto perfil como Helen Mirren y Pierce Brosnan, quienes han ganado peso en la trama a medida que la serie evolucionó. Paramount había descrito a MobLand como su mayor estreno global, logrando 2,2 millones de espectadores en su día de debut. La serie, creada por Guy Ritchie, Jez Butterworth, Ronan Bennett y David Glasser, se convirtió en uno de los grandes éxitos de la plataforma fuera del universo de Taylor Sheridan. El personaje de Hardy, Harry Da Souza, fue desde el inicio uno de los principales atractivos de la serie. Sin embargo, en la segunda temporada el foco narrativo empezó a desplazarse hacia las intrigas familiares y el desarrollo de un elenco más amplio. Según Puck, este cambio de enfoque fue uno de los puntos de fricción con Hardy, quien manifestó su desacuerdo tanto en privado como en el set.

La reacción de Paramount ante estas tensiones fue decisiva. Un informante citado por Puck asegura que la productora priorizó la continuidad del equipo creativo por encima de la permanencia de Hardy. El reporte señala que “la situación se volvió tan insostenible que Butterworth llegó a amenazar con su renuncia”, lo que llevó a la compañía a descartar a Hardy como medida para evitar la pérdida de su showrunner y principal guionista. Por el momento, ni Hardy ni Paramount han emitido declaraciones públicas acerca de la salida. Las fuentes consultadas por Puck explican que el actor tenía la posibilidad contractual de abandonar la serie si así lo deseaba, pero finalmente fue la plataforma la que tomó la iniciativa de prescindir de él. Este episodio coincide con la renovación de MobLand para una tercera temporada, aunque la compañía todavía no ha comunicado oficialmente el futuro del reparto.

La incertidumbre sobre el reemplazo de Hardy o el rumbo que tomará la serie sin su protagonista principal se mantiene. Mientras tanto, la producción parece encaminada a fortalecer la dinámica de conjunto, apoyándose en el liderazgo de Mirren y Brosnan como ejes de la familia Harrigan. La salida de Tom Hardy marca un punto de inflexión en la trayectoria de MobLand. El futuro de la serie dependerá de la capacidad de los guionistas y productores para mantener el interés del público sin uno de sus rostros más reconocibles, en una historia que gira en torno al conflicto entre clanes criminales en Londres.

El dato surge del informe trimestral presentado por Lionsgate, en el que la empresa abordó la situación de su división televisiva y comunicó la programación de sus lanzamientos para el resto del año. Esta comunicación oficial representa la primera confirmación pública de la ventana de estreno para la segunda temporada de The Studio. El dato fue recibido con interés entre los aficionados a las series de humor y sátira sobre la industria del entretenimiento, con la participación de estrellas reales como Martin Scorsese u Olivia Wilde. La segunda temporada de The Studio estará disponible exclusivamente en Apple TV+ en algún momento de 2026. Aunque hasta el momento no se revelaron detalles concretos sobre el calendario, el informe de Lionsgate remarcó que el estreno tendrá lugar en la segunda mitad del año, en línea con la reciente estrategia de la compañía para sus títulos más destacados.

El anuncio oficial se produjo en el marco de la presentación de resultados de Lionsgate, que atraviesa una etapa de menor rentabilidad en su sector televisivo. Durante el último trimestre, los ingresos de la división responsable de The Studio disminuyeron de $543,3 millones a $254,6 millones respecto al mismo periodo del año anterior. Las causas de esta caída, según el propio informe, estarían vinculadas al calendario de estrenos, ya que se lanzaron menos series en el periodo analizado. A pesar de este contexto de menores ingresos y un descenso en la rentabilidad —$40,6 millones el año pasado frente a $30,5 millones en el actual—, Lionsgate aseguró que mantiene su compromiso con la producción de nuevas temporadas y proyectos originales. La empresa destacó a The Studio como uno de los pilares de su estrategia para recuperar terreno en el sector del entretenimiento en streaming.

Así es ‘The Studio’

The Studio es una comedia satírica que narra las peripecias de un ejecutivo de Hollywood enfrentado a las tensiones y cambios de la industria cinematográfica. El reparto principal incluye a Seth Rogen en el papel de Matt Remick, acompañado por la fallecida Catherine O’Hara (Patty Leigh), Ike Barinholtz (Sal Saperstein), Chase Sui Wonders (Quinn Hackett) y Kathryn Hahn (Maya Mason). Además, la serie cuenta con participaciones recurrentes de figuras como Bryan Cranston (Griffin Mill) y Dave Franco, quien se interpreta a sí mismo. La primera temporada fue bien recibida por el público y la crítica, consolidando su lugar entre las producciones más populares de Apple TV+. El programa destacó por su mirada ácida y humorística sobre los desafíos que enfrentan los ejecutivos en una industria en constante transformación.

La confirmación de la nueva temporada de The Studio llega en un momento de ajustes para Lionsgate, que enfrenta una baja en sus ingresos por la menor cantidad de estrenos recientes. A pesar de este escenario, la compañía expresó su confianza en que el regreso de títulos como The Studio y el estreno de nuevas temporadas de otras series reconocidas, como The Rookie: North y la última entrega de Yellowjackets, contribuirán a revertir la tendencia negativa en sus balances.

Por el momento, no se han dado a conocer avances o detalles adicionales sobre la trama de la segunda temporada ni sobre incorporaciones al elenco. Los responsables de la serie y el estudio anticipan que habrá novedades a medida que se acerque la fecha de estreno. El retorno de The Studio a Apple TV+ en 2026 representa una apuesta clave tanto para la plataforma de streaming como para Lionsgate, que busca reafirmar su presencia en el competitivo escenario de las series originales. Los seguidores de la comedia deberán aguardar la confirmación de la fecha exacta, pero ya cuentan con la certeza de que el regreso está asegurado para el próximo año.

Lo primero que hay que entender es que el tiempo en Star Wars funciona como nuestros años, solo que el acontecimiento que marca un antes y un después no es el nacimiento de Jesucristo, sino la Batalla de Yavin, es decir, la guerra que se vería en la primera película estrenada de Star Wars, Una nueva esperanza, y que culminaba con la destrucción de la primera Estrella de la Muerte. Teniendo eso en cuenta, habría que viajar al 148 ABY (Antes de la Batalla de Yavin) para encontrar cronológicamente la primera historia de Star Wars, que sería la serie The Acolyte, estrenada hace dos años que narraba el declive de la orden Jedi en pos del ascenso de los malvados Sith.

Hay que viajar un poco más adelante en el tiempo, hasta el 32 ABY, para encontrar la primera película por orden cronológico, Star Wars: la amenaza fantasma, que reintrodujo el universo Star Wars años después de la trilogía original y que comenzaba presentando a los jóvenes Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker. Sus aventuras continuaron con El ataque de los clones (22 ABY) y La venganza de los Sith (19 BBY), aunque con dos producciones de animación entre medias, The Clone Wars. Tras la caída de la República Clon y el ascenso del Imperio a manos del Emperador Palpatine y Darth Vader, encontraríamos la serie La remesa mala (19-18 ABY), la película Han Solo: Una historia de Star Wars (10 ABY) y las serie Obi-Wan Kenobi (9 ABY) y Andor (5 ABY), preludio de otra película spin-off como era Rogue One: Una historia de Star Wars (1 ABY). Como muchos sabrán, esta película conectaba directamente con los eventos de la trilogía original, lo que nos lleva hasta la Batalla de Yavin.

Hasta la Batalla de Yavin

Con Una nueva esperanza y su final en la Batalla de Yavin comienza un después, y tras la película dirigida por George Lucas que dio comienzo a todo viene El imperio contraataca (3 DBY), con la famosa revelación de que Darth Vader es el padre de Luke, y solo un año después (4 DBY) la conclusión de la trilogía original con El retorno del Jedi. Llegamos hasta el momento que buscábamos, pues a partir del 9 DBY transcurre la serie The Mandalorian y por ende las aventuras del personaje interpretado por Pedro Pascal y su verde y entrañable compañero, bautizado Baby Yoda pero quien se llama Grogu. Las dos primeras temporadas de la serie son sucedidas, todavía en el 9 DBY, por la serie El libro de Boba Fett.

En ese mismo año transcurren también las series Ahsoka y Star Wars: Tripulación perdida, así como la tercera temporada de The Mandalorian y sí, esta película que llega ahora a cines, y que desarrolla la misión de ir en busca de Rotta el Hutt mientras Mando y Grogu persiguen a antiguos generales del Imperio. Por continuar más allá de la película, lo siguiente que vendría sería la serie de animación Resistencia (34 DBY) para ya encarar la última trilogía de películas hasta la fecha: El despertar de la fuerza, Los últimos Jedi y El ascenso de Skywalker, esta última acontecida ya en el 35 DBY. Y hasta aquí llega la historia, a la espera de ver la que será precisamente la próxima película de Star Wars en cines, Starfighter, que transcurrirá en el 40 DBY y contará con Ryan Gosling como protagonista.

La nueva adaptación de Christopher Nolan sobre el clásico griego, La Odisea, llegará a salas el 17 de julio de 2026 con una duración confirmada de 2 horas y 53 minutos. La información fue publicada por las cadenas IMAX y AMC Theatres, aunque posteriormente ambas retiraron el detalle de sus sitios web. Este metraje convierte a La Odisea en la segunda película más extensa de la carrera de Nolan, quedando apenas por debajo de Oppenheimer, que alcanza las tres horas exactas.

El dato sobre la duración fue visible durante unas horas en los portales de preventa antes de ser eliminado, posiblemente por haberse adelantado a la apertura oficial de la venta de entradas. Según se informó, el filme tuvo una preventa limitada en julio del año anterior, permitiendo a los espectadores reservar funciones en formato 70mm IMAX antes incluso del lanzamiento del primer tráiler. Se prevé que en las próximas semanas se habiliten más funciones, tanto en IMAX estándar como en salas convencionales. La Odisea se suma a la tendencia de Nolan de explorar los límites del formato IMAX. El propio director ha manifestado en ocasiones anteriores su interés por no sobrepasar las tres horas, ya que los carretes físicos utilizados por IMAX tienen una capacidad limitada. Para Oppenheimer, el equipo debió ampliar levemente los platillos de proyección para acomodar el metraje. En el caso de La Odisea, la película rozará nuevamente ese límite técnico, aunque no se ha confirmado si el director debió realizar cortes adicionales para ajustar la duración final.

Con este metraje, la nueva obra de Nolan supera a títulos como Interstellar (2 horas y 49 minutos) y El caballero oscuro: la leyenda renace (2 horas y 45 minutos), consolidando su preferencia por narrativas extensas y complejas. Según los datos disponibles, los créditos podrían ocupar entre cinco y diez minutos del total, pero la mayor parte del tiempo estará dedicada a desarrollar la adaptación del extenso poema homérico. La confirmación de la duración establece a La Odisea como una de las apuestas cinematográficas de mayor envergadura del verano, en un calendario que incluirá estrenos como Disclosure Day de Steven Spielberg, Spider-Man: Brand New Day y Supergirl.

Controversias por el reparto y las licencias históricas

La expectativa generada por el estreno de La Odisea se ha visto acompañada por diversos debates en redes sociales y medios especializados. Una de las principales polémicas involucra la elección de Lupita Nyong’o como Helena de Troya y como su hermana Clitemnestra. Algunos sectores criticaron la selección de la actriz, a lo que Nyong’o respondió señalando que se siente honrada por el papel, pero que no dedicará tiempo a defender su participación: “La crítica existirá participe o no”, afirmó la actriz. El filme también ha recibido objeciones por supuestas “inexactitudes históricas”. Parte del público cuestionó el uso de determinados términos en los diálogos, en especial la palabra “daddy”, pronunciada por el personaje de Robert Pattinson (Antínoo) para burlarse de Tom Holland (Telémaco). Esto generó un hilo de discusiones sobre la pertinencia de adaptar el lenguaje antiguo para una audiencia moderna.

Otra crítica frecuente se centra en el diseño de la armadura utilizada por los actores, que según algunos observadores resulta más teatral que históricamente fiel. Nolan defendió en una entrevista a Time que su propuesta es “factible” y que cada decisión fue tomada con especial atención al contexto del filme: “Tuvimos científicos que se quejaron de Interstellar. Pero no quieres que piensen que lo tomaste a la ligera”, declaró el director. El elenco de La Odisea está compuesto por figuras como Matt Damon (Odiseo), Tom Holland, Robert Pattinson, Zendaya, Anne Hathaway, Jon Bernthal, Benny Safdie y Charlize Theron. La presencia de estos intérpretes ha contribuido a aumentar la expectación, reforzando la percepción de que se trata de uno de los lanzamientos más ambiciosos del año.

La película ha sido objeto de un intenso seguimiento desde la primera preventa de entradas, mucho antes de la difusión de cualquier material promocional. La anticipación se refleja tanto en la cobertura mediática como en el volumen de comentarios en redes sociales, donde las discusiones sobre casting, acentos y fidelidad histórica han sido persistentes. A pesar de las controversias, la producción de Nolan se perfila como uno de los grandes acontecimientos cinematográficos del verano de 2026, con la promesa de ofrecer una versión audaz y extensa del mito griego. Fans y detractores coinciden en que La Odisea será, al menos, uno de los temas principales de conversación en la temporada de estrenos.

Estamos hablando, efectivamente, de Star Wars y El señor de los anillos, protagonistas destacadas de una semana en la que también brillan con luz propia el terror de El pasajero nocturno, la lucha libre a las órdenes de todo un líder como Russell Crowe o Carlos Cuevas en un romance con toque vaquero. Todo cabe en cartelera mientras la mirada sigue puesta en lo que suceda en Cannes, donde este mismo fin de semana podría salir una Palma de Oro con nombre español.

The Mandalorian and Grogu

Tu cazarrecompensas favorito y su adorable acompañante están de vuelta. Y lo hacen por todo lo alto, en pantalla grandes después de tres temporadas en las que The Mandalorian se ha convertido en una de las grandes series de Disney+. En esta ocasión, la nueva misión lleva a Mando y Grogu a buscar a Rotta el Hutt, el hijo del famoso Jabba el Hutt y quien ahora sirve como gladiador en una remota luna. El tándem tendrá que encontrarle y llevarle de vuelta a casa sano y salvo, aunque la misión será mucho más peligrosa de lo que parece, con aliados insospechados, nuevos mercenarios al acecho e incluso un gran monstruo marino que pondrá al mandaloriano contra las cuerdas.

Cowgirl

Carlos Cuevas es el gran rostro de este peculiar romance vaquero. Empar, una granjera de 60 años, necesita que su vaca Tona quede preñada para mantener su granja. Tras varios intentos fallidos, pide ayuda a Bernat, dueño de la mayor granja de la zona. Cuando Tona queda preñada, el veterinario advierte que la gestación es de riesgo. Empar se enfrenta al pueblo para proteger la tranquilidad de su vaca. Con la ayuda de Riqui, un joven recién llegado, y Bernat, descubrirá que nunca es tarde para comenzar de nuevo.

Beast (La bestia)

El octágono vuelve a cobrar protagonismo con La bestia. Con la ayuda de su antiguo entrenador, un campeón de MMA retirado e invicto regresa a la jaula para vengar la muerte de su hermano y resolver sus problemas financieros. Russell Crowe da vida a este mentor, mientras que el australiano Daniel MacPherson da vida al luchador.

El pasajero nocturno

El director noruego André Øvredal se ha especializado en un terror de lo más particular en los últimos años, con obras como La autopsia de Jane Doe, Historias de miedo para contar en la oscuridad o El último viaje de Démeter. Con El pasajero nocturno cuenta la historia de una joven pareja que, tras un grave accidente de carretera en medio de la noche, empieza a notar que una presencia demoníaca los persigue. Ellos no lo saben, pero junto a ellos vaga El Pasajero Nocturno, una criatura del inframundo que hará de su viaje toda una pesadilla.

El señor de los anillos: las dos torres

Para terminar, una película que no necesita carta de presentación, pues ya fue uno de los mayores estrenos en su época. El señor de los anillos: las dos torres vuelve a cines con motivo del 25 aniversario del inicio de la trilogía, y lo hace con la perspectiva del tiempo que la ha colocado como la gran infravalorada dentro de la saga. Suyas son algunas de las mejores escenas de toda la franquicia, desde la marcha de los Ents o las discusiones con Gollum hasta la épica batalla del Abismo de Helm.

Una edición limitada de monedas conmemorativas ha sido presentada en el Reino Unido para celebrar el vigésimo quinto aniversario de la primera película de El señor de los anillos dirigida por Peter Jackson. La Royal Mint, ubicada en Llantrisant, Rhondda Cynon Taf, anunció que esta pieza es la primera de una serie de siete monedas que serán emitidas durante los próximos tres años para conmemorar cada uno de los filmes de la trilogía.

La moneda, de 50 peniques, destaca por su diseño y simbolismo. El reverso, o cara posterior, incorpora inscripciones en lengua élfica y en la “lengua negra” de Mordor: “One Ring to rule them all, One Ring to find them, One Ring to bring them all and in the darkness bind them”. Esta inscripción rodea un anillo dorado, inspirado en el “Anillo Único”, que domina el centro de la moneda y encierra el Ojo de Sauron. El anillo está ubicado en la parte superior izquierda de la pieza de siete lados, y todo el conjunto descansa sobre una superficie plateada con detalles grabados que evocan el universo creado por J.R.R. Tolkien. El anverso de la moneda presenta el retrato oficial del rey Carlos III, acompañado de la inscripción “G Rex F D 50 pence 2026”, siguiendo las normas tradicionales de la moneda británica.

La Royal Mint describió el lanzamiento como “forjado no en los fuegos del Monte del Destino, sino en Gales”. Según la entidad, el diseño de la moneda constituye “un hito en la numismática británica” por la integración de elementos icónicos de El señor de los anillos y su cuidada manufactura. La moneda rinde tributo no solo a la saga cinematográfica, sino también al legado literario de J.R.R. Tolkien, autor británico cuya obra ha superado los 100 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo y que inspiró la exitosa trilogía de películas. La Royal Mint indicó que la colección busca capturar el espíritu de la obra y acercar a nuevos públicos a la numismática.

Con Sauron omnipresente

Entre las novedades técnicas, la Royal Mint destacó la incorporación de una tecnología caústica pionera en el Reino Unido. Esta innovación permite que, al incidir la luz sobre la superficie de la moneda, se revele una imagen oculta del Ojo de Sauron. El efecto es visible cuando el haz luminoso atraviesa el centro del anillo, proyectando la silueta del Ojo sobre una superficie cercana. La entidad calificó este detalle como “una primicia de la moneda británica disponible para el público, convirtiéndola en una pieza verdaderamente única de colección”.

La Royal Mint explicó: “Cuando la luz golpea la superficie de la moneda, una imagen oculta se revela, el ojo vigilante de Sauron, emergiendo del espacio negativo en el centro del Anillo”. El efecto, según la institución, está diseñado para “enfocar la luz de manera precisa y deliberada, proyectando la imagen del ojo de Sauron sobre una superficie objetivo”. La directora de coleccionismo de la Royal Mint, Rebecca Morgan, subrayó el atractivo de la colección tanto para aficionados a Tolkien como para coleccionistas numismáticos. “Incluso la comunidad más devota de coleccionistas no habría imaginado una moneda como esta”, afirmó Morgan. Añadió: “Es una hazaña extraordinaria de la artesanía británica, y algo que los fanáticos tendrán que ver para creer”. La Royal Mint también elogió la calidad del diseño, señalando: “Es el tipo de artesanía que incluso los Elfos de Rivendel admirarían”.

El diseñador Thomas T. Docherty fue el encargado de plasmar los símbolos más representativos de la saga en la moneda. Su trabajo fue resaltado por la Royal Mint por incluir la famosa inscripción del Anillo Único en caracteres élficos y en lengua negra, respetando la fidelidad a la obra original. La colección de monedas se presenta como un homenaje a la influencia de El señor de los anillos tanto en la literatura como en el cine. Las películas, protagonizadas por Ian McKellen y Elijah Wood en los papeles de Gandalf y Frodo, respectivamente, han dejado una huella perdurable en la cultura popular desde el estreno de The Fellowship of the Ring en 2001. La Royal Mint confirmó que las próximas monedas de la serie se emitirán para celebrar los aniversarios de las siguientes películas de la trilogía, consolidando así el vínculo entre la tradición británica y el universo de Tolkien.

La fiebre por Bad Bunny ya está aquí, y arranca este mismo viernes en el Estadio Olímpico Lluís Companys. Allí desembarca el conejo malo para una gira que promete ser histórica en nuestro país, con hasta doce conciertos entre Barcelona y Madrid, miles de entradas vendidas, muchas sorpresas y hasta un más que posible encuentro con el mismísimo Papa, que justo estará por la capital española para el quinto concierto del puertorriqueño. Está claro que nadie se quiere perder un evento así.

No es que necesite presentaciones el que fue el artista más escuchado en 2025, pero el cantante ha tenido una gran historia con España. Mucho ha llovido desde aquella primera gira por nuestro país en abril de 2017, cuando un casi desconocido Benito Antonio Martínez Ocasio aterrizó en la sala Moon de Valencia con entradas por apenas veinte euros, y pasando por escenarios de sitios como Girona, A Coruña, Murcia o Tenerife. Convertido en una estrella mundial capaz de eclipsar a cualquier otra en la mismísima Super Bowl, Bad Bunny regresa casi diez años después para llenar un escenario detrás de otro, y no precisamente de discotecas. Porque además del Companys, mítico estadio de Barcelona donde han actuado como U2 o Guns n’ Roses, también acudirá al Estadio Metropolitano, más joven pero que ya ha contado con conciertos de los Rolling Stones o AC/DC.

Más de 600.000 entradas vendidas

El autor de Debí tirar más fotos ha logrado vender más de medio millón de entradas, agotando varios de sus conciertos y causando un furor desde el mismo momento en que las entradas se pusieron a la venta. Pocos sitios habrá en todo el mundo en los que el puertorriqueño vaya a disfrutar de una acogida como la que le espera en España, que ya se ha movilizado en masa para ver al conejo. Literalmente, pues según datos de Trainline los conciertos de Bad Bunny en Madrid y Barcelona han impulsando de forma significativa la demanda ferroviaria en España “con fuertes incrementos en las reservas hacia ambas ciudades durante las fechas de los conciertos, con aumentos especialmente destacados hacia Madrid desde Albacete (+138%), Girona (+113%) o Tarragona (+111%), y hacia Barcelona desde Lyon (+43%), Valencia (+33%) y Madrid (+19%)“.

La ocasión lo merece, pues España forma parte -junto a Portugal, donde da conciertos el 26 y 27 en un destino por el que seguramente también hayan apostado muchos españoles- de una gran gira internacional que arrancó allá por noviembre de 2025 en su natal Puerto Rico, y ha ido pasando por Sudamérica y Centro América hasta llegar a Europa, pero en ningún otro sitio con tantos conciertos como en nuestro país. España canta, baila y hasta respira la música de Bad Bunny, que ha encontrado además en nuestro país el corazón latino de europa, debido a la gran cantidad de fans que residen aquí. Madrid ya ha demostrado ser capital latina en otras ocasiones y es recurrente ver muchos de los conciertos de artistas latinos casi como una segunda casa, pero con Bad Bunny todo apunta a que será algo sin precedentes.

El deseado encuentro con el Papa

El furor es tal, que no se descarta un encuentro de Bad Bunny con el mismísimo Papa León XIV, quien llega de visita a Madrid del 6 al 12 de junio, coincidiendo con la serie de conciertos del cantante en la capital. El propio arzobispo de Madrid, José Cobo, planteaba este más que posible encuentro. “Madrid da para mucho. Pero hay personas --y eso no sé, lo dirá la historia cuando vaya el Papa lo que suceda- que no se oponen, sino crean puentes y puede ser, puede haber puentes. Desde luego, yo creo que en cuanto él se entere que está, pues si quiere hablar con el Papa, el Papa seguro que le recibe, como recibe a todos. Pero no serían cosas antagónicas”, declaraba esta misma mañana el cardenal.

Falta tan solo unas horas para conocer cómo será ese esperado directo que ya ha arrasado en otros países y si Bad Bunny hace de Barcelona y Madrid su casita particular, pero todo apunta a que tendrá guardada más de una sorpresa bajo la manga. Rosalía o algún otro artista de renombre están sobre la mesa, pero con el conejo malo es imposible no soñar a lo grande. Lejos quedan aquellos días de Moon por Valencia, es el momento de que salga al campo, literalmente, a demostrar todo lo que ha crecido y ser ovacionado como se merece.

Tanto para los que estén familiarizados con la serie como para los que no, la película retoma las peripecias del cazarrecompensas conocido como El Mandaloriano y Grogu, una criatura de la misma especie que Yoda que lo acompaña en su viaje por la galaxia. Mando se dedica ahora a perseguir a antiguos comandantes del Imperio, escondidos más allá del borde exterior y que son requeridos por la Nueva República. En esta nueva película la misión llevará a Mando y Grogu hasta la luna de Shakari, para encontrar al gladiador Rotta el Hutt y entregárselo a su familia, quien podría proporcionar información privilegiada.

Pedro Pascal - Mando

Por fin le ponemos cara al Mandaloriano, aunque se supiera por su voz desde hace tiempo que detrás del casco se escondía el mismísimo Pedro Pascal. Mando llega a esta misión más experimentado que nunca, aunque con la sospecha de que no le están contando del todo la verdad. Con la ayuda de Grogu, el cazarrecompensas se embarcará en una de sus aventuras más peligrosas, plagada de traiciones y grandes monstruos que amenazarán con su vida.

Grogu

Controlado por un equipo de titiriteros liderado por Mike Manzel, Grogu es una de las criaturas más especiales que ha deparado el universo Star Wars en los últimos años. En esta ocasión acompañará a Mando en una peligrosa aventura que le llevará desde la nieve hasta la ciénaga de los Hutt, donde tendrá que ayudar a su amigo a sobrevivir con su dominio de la fuerza y la ayuda de otras pequeñas criaturas.

Sigourney Weaver - Coronel Ward

“No se trata de venganza. Se trata de evitar otra guerra”, dice al principio de la película la Coronel Ward, otrora una piloto de élite para la Alianza Rebelde y ahora uno de los puntales de la Nueva República, encargada de mantener el orden en la Galaxia. Para ello, Ward le encarga a Mando que rastree y le traiga a varios de los generales del Imperio que han huido. A poder ser, con vida. La encarna la actriz Sigourney Weaver, quien debuta en Star Wars después de dar vida a otra heroína intergaláctica como la teniente Ripley de Alien.

Martin Scorsese - Hugo

El prestigioso director de cine Martin Scorsese se pasa a la interpretación -ya vimos en la serie de Apple The Studio que tiene un gran talento interpretativo- con este cameo como Hugo Durant, un vendedor ambulante de la luna de Shakari hasta la que viajan Mando y Grogu en busca del paradero de Rotta el Hutt. Reticente al principio, Hugo les revelará que Rotta es ahora un gran gladiador, pero que hay un tenebroso hombre que está a su cargo y que protege a toda la ciudad.

Jonny Coyne - Lord Janu

Ese hombre no es otro que Lord Janu, uno de los principales antagonistas de la película. Este rico y misterioso hombre se dedica a comercializar con sal -bien más que preciado más allá del Borde Exterior- patrocinar a los gladiadores de la arena de Shakari, entre ellos al preso Rotta el Hutt. Mando tendrá que negociar con él la liberación del luchador con forma de gusano, pero Janu no se lo pondrá nada fácil.

Jeremy Allen White - Rotta el Hutt

Hijo del mismísimo Jabba el Hutt, el icónico señor de la mafia que apareció en la trilogía original de Star Wars, Rotta el Hutt fue secuestrado por juntarse con malas compañías y ahora lucha como gladiador en la luna de Sakari. A las órdenes de Lord Janu, Rotta aspira a librar los suficientes combates para obtener su libertad, aunque no desea regresar a su planeta natal con su familia, sino que prefiere viajar y hacerse un nombre. En su camino se cruzarán Mandalorian y Grogu, entablando una gran amistad con este último. Para darle vida esta nada menos que Jermy Allen White, el conocido actor de la serie The bear.

La historia sitúa la acción en el Chicago de los años treinta, lejos de los escenarios góticos y europeos habituales en las adaptaciones de Mary Shelley. En esta versión, Christian Bale asume el papel del monstruo de Frankenstein, mientras que Jessie Buckley encarna a la mujer revivida, un personaje que se convierte en el eje central de la trama. La doctora responsable de la resurrección, interpretada por Annette Bening, añade una capa de complejidad a la narrativa, que se aparta de las convenciones tradicionales.

Quienes buscan dónde ver ¡La novia! pueden encontrarla exclusivamente en la plataforma de HBO Max a partir de este viernes 22 de mayo. Por su parte, la versión clásica La novia de Frankenstein, dirigida por James Whale y estrenada hace más de 90 años, está disponible en Movistar Plus+ para quienes deseen comparar ambas propuestas. La propuesta de Gyllenhaal no pretende ser una adaptación fiel ni al texto romántico original ni al filme clásico de Universal. Más bien, ¡La novia! fusiona elementos de terror, comedia y una perspectiva feminista, generando una obra con identidad propia. El guion apuesta por diálogos agudos y situaciones disparatadas, alejándose del tono solemne de la obra de Shelley y de las versiones previas.

Así es ‘¡La novia!’

En el filme, la criatura de Frankenstein, interpretada por Bale, busca desesperadamente compañía y solicita la ayuda de la doctora para crear una compañera. El cadáver elegido resulta ser el de una mujer asesinada, papel que Buckley asume con un registro actoral que alterna gritos, humor y desgarro. La actuación de Buckley se distancia de sus trabajos anteriores, como en Hamnet, y se adentra en un registro marcado por la excentricidad y la intensidad física. El giro feminista y la mezcla de géneros han sido elementos centrales para explicar la atención mediática que ha recibido la película. Desde su anuncio, ¡La novia! ha generado reacciones encontradas: algunos espectadores y críticos celebran la originalidad y el tono irreverente, mientras que otros manifiestan decepción ante la ruptura con la tradición gótica y la representación clásica.

La película llega a plataformas poco después del éxito de la adaptación de Guillermo del Toro sobre el mismo mito. Sin embargo, mientras la versión de Del Toro apostó por una aproximación visualmente cuidada y un relato más cercano al espíritu melancólico del original, la obra de Gyllenhaal se permite mayor libertad, tanto en la ambientación como en las licencias argumentales. El estreno en HBO Max permite a la audiencia española acceder a una revisión del monstruo de Frankenstein que combina lo grotesco con el humor y la crítica social. La presencia de Penélope Cruz en el reparto, junto a nombres como Buckley, Bale y Bening, refuerza el carácter internacional del proyecto y amplía su proyección fuera de Estados Unidos.

La decisión de dar prioridad a salas IMAX responde al creciente interés de Netflix por organizar eventos presenciales para sus producciones más esperadas. El espacio fijado para el estreno digital fue liberado por Las crónicas de Narnia: El sobrino del mago, dirigida por Greta Gerwig, que postergó su lanzamiento a febrero de 2027, con exhibición en cines y posterior llegada a la plataforma el 2 de abril. El calendario de Las aventuras de Cliff Booth marca una diferencia respecto a la política tradicional de la compañía, aunque un representante señaló que no se trata de un cambio general en la estrategia de estrenos. Netflix ha incrementado el número de películas con lanzamientos en salas, pero el modelo sigue reservado a títulos con directores o elencos de renombre.

La película surge de un guion original de Quentin Tarantino, quien en esta ocasión cedió la dirección a Fincher. Brad Pitt no solo retoma el personaje de Cliff Booth, sino que también participa como productor junto a Ceán Chaffin. El elenco incluye a Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II y Peter Weller. La historia se sitúa en 1977 y presenta a Booth en un Hollywood radicalmente distinto al de la entrega previa. Según la sinopsis, “Brad Pitt regresa a su papel ganador del Óscar como Cliff Booth, solo que esta vez es 1977 y el Hollywood al que se enfrenta es muy diferente”.

Así será la esperada continuación de ‘Érase una vez en Hollywood’

Durante el último Super Bowl se difundió un adelanto donde se ve a Booth en un bar, recorriendo sets y participando en carreras de autos sobre tierra. No está prevista, hasta el momento, la participación de Leonardo DiCaprio, quien interpretó a Rick Dalton en Érase una vez en Hollywood. El estreno exclusivo en IMAX durante dos semanas, a partir del 23 de noviembre, representa una apuesta por maximizar la experiencia cinematográfica antes de la llegada a Netflix el 23 de diciembre. Esta ventana anticipada marca una diferencia con otros títulos recientes de la plataforma.

El espacio liberado por Las crónicas de Narnia: El sobrino del mago permitió a Netflix reorganizar su calendario y privilegiar el lanzamiento de Las aventuras de Cliff Booth en una fecha estratégica. El filme de Gerwig, ahora previsto para 2027, tendrá una ventana de exhibición en cines de más de 45 días, algo inédito para el servicio de streaming. Un portavoz explicó que, aunque Netflix no ha modificado su política general, la compañía ha realizado más estrenos en salas ante la llegada de producciones con potencial de convocatoria masiva.

El regreso de Brad Pitt como Cliff Booth, bajo la dirección de Fincher y con guion de Tarantino, ha generado una alta expectativa en la industria y entre los espectadores. El adelanto presentado en el Super Bowl alimentó la curiosidad sobre el tono y la historia de la nueva entrega. El calendario definido para Las aventuras de Cliff Booth y el modelo de lanzamiento anticipado en IMAX reflejan el interés de Netflix por explorar nuevas formas de distribución para sus proyectos más ambiciosos. La producción se perfila como un hito tanto para el catálogo de la plataforma como para la exhibición cinematográfica en salas.

The Mandalorian and Grogu llega pues con el gran aval de la serie de Dave Filoni y Jon Favreau, máximos responsables de la serie de Disney+, y tras el éxito de tres temporadas que han devuelto la fe en el universo Star Wars, pero que bien merecían una aventura en la gran pantalla. Es por ello que, con motivo de su inminente estreno, te contamos todo lo que tienes que saber de The Mandalorian and Grogu, desde su sinopsis hasta la propia fecha de estreno.

Para empezar, lo primero que hay que saber es que se trata de una continuación directa de la serie, es decir de su tercera temporada. En esta película ya vemos a Grogu -antes conocido como Baby Yoda- como el aprendiz oficial de Mando, y un compañero habitual en cualquiera de sus aventuras. Mando sirve ahora a la Nueva República y tiene la misión secreta de dar caza a antiguos oficiales del Imperio. La coronel Ward le insta a que vaya nada menos que al planeta Nal Hutta, para hablar con los descendientes de Jabba el Hutt, quienes tienen información privilegiada del paradero de un oficial. Al llegar allí le ordenan el rescate de Rotta el Hutt, hijo de Jabba y heredero, quien se encuentra en una recóndita luna preso, y condenado a sobrevivir como gladiador en la arena espacial.

El gran estreno de ‘Star Wars’ en años

Para dar vida a los acompañantes de estas nuevas aventuras de los ya conocidos Mando (Pedro Pascal) y Grogu, en la película aparecen Sigourney Weaver como la coronel Ward, Jermy Allen White como Rotta el Hutt, Jonny Coyne como Janu, Steve Blum como Zeb o incluso Martin Scorsese, quien tiene un pequeño cameo como un vendedor ambulante que ayuda a Mando y Grogu a su llegada a la luna en la que está preso Rotta. También hay nuevos monstruos, como un misterioso contrabandista que acechará a Mando o la terrorífica serpiente marina que se ha podido ver en algunos de los adelantos de la película.

The Mandalorian and Grogu llegará a cines este mismo jueves 21 de mayo, marcando así un hito en el universo Star Wars, siendo la primera película de la saga en más de siete años. Se espera que, tras un exitoso paso por cines, la película termine en Disney+, plataforma original que ha emitido las tres temporadas de la serie, para que así los fans puedan disfrutar al completo de esta aventura con ecos del lejano oeste -o incluso Batman en esta película- que ahora llega a la gran pantalla.

El cineasta danés Nicolas Winding Refn se convirtió en protagonista de la conversación sobre creatividad y tecnología en el Festival de Cannes, al manifestar su postura sobre la inteligencia artificial en la industria cinematográfica. Durante la conferencia de prensa de su último largometraje, Her Private Hell, Refn sorprendió al enfatizar que ve la IA no como una amenaza, sino como una herramienta creativa cuya utilidad dependerá del uso que los artistas le den. Consultado por periodistas acerca de la expansión de la inteligencia artificial en el cine, Refn fue directo: “Para mí, es como un pincel”. El director explicó que ya ha experimentado con esta tecnología en un proyecto futuro y se mostró abierto a explorar sus posibilidades. “Obviamente, nadie conoce todas las implicaciones de lo que esto va a hacer y de lo que va a pasar, pero desde la perspectiva de la creatividad es una invención nueva. Y luego es lo que vas a hacer con ella”, afirmó.

El debate sobre la inteligencia artificial ha marcado la agenda de la edición de Cannes de este año. Mientras parte de la industria expresa reservas y advierte sobre riesgos éticos, Refn optó por subrayar el potencial creativo, alejándose de discursos alarmistas. “Me encanta la creatividad”, sintetizó el director, quien anticipó que el público podrá ver próximamente los resultados de sus experimentos con IA en futuros proyectos. La posición del director danés llega en un contexto global donde la inteligencia artificial genera entusiasmo y preocupación a partes iguales. Desde guiones generados por algoritmos hasta herramientas de edición automatizadas, la IA irrumpe en todas las etapas del proceso fílmico. Para Refn, el verdadero desafío consiste en la capacidad de los creadores para moldear este recurso y transformar la tecnología en arte.

El cineasta remarcó que la inteligencia artificial debe entenderse como un nuevo instrumento, comparable a la aparición de la cámara portátil o la edición digital. “Nadie sabe realmente todas las implicaciones de esto”, repitió, insistiendo en que el futuro de la IA en el cine dependerá de la imaginación y el criterio de quienes la empleen. En su visión, la máquina puede ser aliada, siempre que esté al servicio de una visión artística clara.

Un regreso marcado por la experiencia personal

La voz de Nicolas Winding Refn en Cannes no solo captó la atención por su perspectiva sobre la IA, sino también por la revelación de un episodio personal que marcó su vida y su carrera. Durante la presentación de Her Private Hell, el director compartió que, tres años atrás, estuvo clínicamente muerto veinticinco minutos debido a un “corazón con fugas”, condición detectada de manera fortuita y que requirió una operación urgente.

Refn confesó que, antes de este episodio, se sentía agotado creativamente y había decidido abandonar el cine. “Había llegado al final de mi carrera porque ya no tenía nada dentro de mí”, relató. Sin embargo, vivir una experiencia límite modificó su perspectiva. “Me di cuenta de que había recibido un regalo, podía empezar de nuevo. ¿Cuánta gente recibe una segunda oportunidad? Y yo la recibí”, expresó entre lágrimas. El realizador relató con humor cómo los médicos lograron salvarlo: “Gracias a Dios el cirujano era Tom Cruise y pudo arreglarme con sus manos, luego me devolvió a la vida con electricidad”. El tono distendido contrastó con la emoción visible de Refn, quien admitió que este suceso lo motivó a regresar al cine con renovada pasión.

El retorno de Nicolas Winding Refn a la dirección se materializó con el estreno de Her Private Hell, una producción que mezcla horror y drama psicológico. La película, protagonizada por Sophie Thatcher y un elenco internacional, narra la historia de una actriz que enfrenta conflictos familiares cuando su mejor amiga se casa con su padre, mientras una misteriosa figura y la desaparición de una joven militar añaden tensión y misterio al relato. El filme fue recibido con una ovación de siete minutos en su premiere en Cannes, consolidando el impacto del regreso del director y el interés generado por su nueva obra. Her Private Hell marca el fin de una década de ausencia de Refn en el largometraje y lo posiciona nuevamente en el foco de la industria.

El testimonio de Nicolas Winding Refn en Cannes aportó una voz singular a uno de los debates más presentes en el festival. Mientras la inteligencia artificial redefine los límites de la creación audiovisual, el director danés reivindicó el papel del artista como mediador y responsable último de la herramienta. Según su visión, la clave no reside en la tecnología en sí misma, sino en el uso que cada creador decida darle. Con su regreso a la pantalla grande y una postura clara frente a la inteligencia artificial, Refn reafirmó su lugar como referente de la innovación en el cine contemporáneo.

Francesca Scorsese, hija del reconocido cineasta Martin Scorsese, se incorpora al reparto de la segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith, generando sorpresa entre seguidores y la industria. La noticia fue confirmada por Variety, que detalló que la actriz compartirá pantalla con Mark Eydelshteyn y Talia Ryder, cuyos fichajes ya se habían anunciado previamente. La participación de Scorsese en Mr. & Mrs. Smith marca un nuevo hito en su carrera actoral. En los últimos años, ha destacado en producciones como la serie de HBO y Sky Atlantic We Are Who We Are y en películas como Compañeras de cuarto y Christmas Eve in Miller’s Point. Su apellido genera expectativas por el peso de la herencia artística, pero su trayectoria propia ya es reconocida en el ámbito audiovisual.

El personaje que interpretará Francesca Scorsese en esta nueva temporada aún no ha sido revelado. La producción mantiene en secreto los detalles argumentales, lo que ha incrementado la curiosidad sobre la dirección que tomará la historia y el rol que desempeñará la actriz dentro del universo de la serie. Además, se especula que Donald Glover y Maya Erskine, protagonistas de la primera entrega, participarán en la segunda temporada en algún formato, aunque tampoco se han dado precisiones sobre la magnitud de su retorno. La segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith se está rodando en la ciudad de Los Ángeles. La decisión de trasladar la filmación a California se consolidó tras recibir un incentivo fiscal de 22,4 millones de dólares por parte de la California Film Commission. Este beneficio fue determinante para reubicar la producción, que originalmente tenía previsto comenzar en otoño de 2025, pero debió posponerse de manera indefinida antes de reactivarse.

El desarrollo de la nueva entrega está bajo la supervisión de Anna Ouyang Moench, quien asume como showrunner y productora ejecutiva. Moench toma el relevo de Francesca Sloane, showrunner de la primera temporada, y de Donald Glover, creador de la serie. La estructura creativa se refuerza con la presencia de nombres como Yariv Milchan, Michael Schaefer, Stephen Glover, Anthony Katagas, Fam Udeorji y la propia Maya Erskine, quien además de continuar como actriz, se suma al equipo de productores ejecutivos para esta etapa. En la segunda temporada también se confirma que Donald Glover dirigirá varios episodios, aportando su visión creativa tanto delante como detrás de cámaras. La producción está a cargo de Amazon MGM Studios y New Regency, que apuestan a consolidar el éxito obtenido durante la primera entrega.

Así es la aclamada serie

Mr. & Mrs. Smith se inspira en la película homónima estrenada en 2005, protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie, pero presenta variaciones clave en su trama. En la versión televisiva, los personajes principales son dos desconocidos emparejados como agentes secretos, en lugar de un matrimonio, lo que da pie a nuevas situaciones y dinámicas dentro del relato. La serie obtuvo un fuerte reconocimiento tras su estreno, acumulando 16 nominaciones a los premios Emmy y logrando alzarse con dos estatuillas. Este respaldo de la crítica y la industria ha elevado las expectativas sobre el desarrollo de la segunda temporada y sobre el impacto que tendrá la llegada de Francesca Scorsese al elenco.

El equipo de producción mantiene el hermetismo sobre la trama y el desarrollo de los personajes, lo que ha alimentado las especulaciones entre los seguidores de Mr. & Mrs. Smith. La expectativa por conocer el papel de Francesca Scorsese y la dinámica con el resto del elenco es uno de los principales focos de atención en la previa al estreno de la nueva entrega. La confirmación de su participación, sumada a los incentivos para la producción y la continuidad de figuras como Donald Glover y Maya Erskine, posiciona a la segunda temporada de Mr. & Mrs. Smith como uno de los estrenos más esperados en el panorama televisivo internacional.

“Es sin duda todo un clásico del cine español”, cuenta Miguel López, director de programación y marketing en FlixOlé y encargado de llevar la película hasta Cannes. “Carlos Saura es uno de los cineastas españoles más reconocidos a nivel internacional, detrás de Buñuel y Almodóvar. En las décadas de los 60, 70 y 80 tuvo una trayectoria destacada en festivales, incluyendo Cannes, donde ganó el Premio del Jurado. A pesar de esto, existe mucho desconocimiento sobre el cine español en el extranjero”, reconoce López, quien explica cómo se gestó el regreso de la película a un festival que cada año dedica una sección (Cannes Classics) a recuperar grandes títulos de la historia del cine.

“Sabíamos que Cría cuervos cumplía 50 años de su estreno y que Carlos Saura es un director con gran reconocimiento fuera de España. Anticipamos que la película tendría una nueva vida comercial este año y que el mejor escaparate para una restauración de este tipo son las secciones clásicas de festivales de clase A como Cannes, Venecia o Berlín. La comunicación con los programadores de estas secciones es constante, y en el caso de Cannes, la propuesta fue proactiva por parte de Video Mercury, como hacemos cada año. Presentamos la película a través de la plataforma correspondiente, explicamos el proceso de restauración y los motivos para su selección, y el comité de programación decide si es seleccionada", explica el jefe de programación del Netflix del cine español que lleva años impulsando la imagen de España en el extranjero.

Jeanette y los hijos de Saura, grandes maestros de ceremonias

Miguel López no estará solo en el Cinéma de la Plage, sino que llegará acompañado de la cantante Jeanette y de los hijos de Carlos Saura, Anna y Antonio. "Los hijos de Carlos Saura están muy ilusionados y es un motivo de orgullo que Cannes reconozca una de las películas de su padre en la sección clásica. Jeanette me comentó que estuvo hace cincuenta años en Cannes en la presentación original de la película, donde cantó, y este año volverá a hacerlo antes de la proyección“, adelanta, mientras que él se encargará de explicar la parte más técnica, la que concierne a esta restauración en 4k: “La restauración no presentó problemas particulares porque los materiales estaban bien conservados en la Filmoteca Española y se realizó con el negativo de imagen y sonido Gracias a la tecnología -digitalización en escáner, corrección de color y un software que elimina desperfectos del tiempo-, es posible generar archivos en alta calidad que facilitan la comercialización y difusión de la película para nuevos públicos”.

Para ese nuevo público que aun desconozca la obra, Cría cuervos narra la historia de Ana (Ana Torrent), una niña marcada por la ausencia de su padre (Héctor Alterio) y que piensa recurrentemente en su fallecida madre (Geraldine Chaplin). Mientras vive con su tía y su abuela en el centro de una Madrid que vive sus últimos días de franquismo, Ana comienza a imaginar su propio mundo, uno en el que es capaz de hacer y deshacer a su antojo y, sobre todo, de invocar constantemente a su madre. Una película tierna e intimista, marcada por los silencios pero que a la vez es un crudo retrato de esa España de la Transición que ahora podrán redescubrir millones de espectadores, primero en Cannes y próximamente en la propia FlixOlé. “La presencia de una película en Cannes Classics es un sello de prestigio y contribuye a su reconocimiento internacional. Un ejemplo es Taxi, de Montxo Armendáriz, que tras pasar por Cannes Classics consiguió una mayor difusión y comercialización internacional. Aun así, queda mucho trabajo por hacer para exportar el cine español".

“Falta todavía camino por recorrer para darle el valor que tiene”, reconocían ambos actores en su entrevista con Infobae hablando sobre esta figura que se incorporó a partir de los años 80 en los centros pero que no todos tienen por qué contar con ella. La propia Macarena confesaba haber querido ser psicóloga antes de convertirse en actriz. “Me hubiera gustado especializarme en infancia, es un tema que me interesa mucho”, al tiempo que reconocía que la película había contado con ayuda profesional externa. “Para preparar el personaje trabajé con dos orientadoras, una me llevó al colegio y me enseñó la sala, me explicó las dinámicas. El guion estaba muy bien escrito, consulté escenas con ellas y me decían que era muy realista”.

En Un hijo se cuenta la historia de estos tres personajes: Manuel (Hugo Silva), Guille (Ian Cortegoso) y María (Macarena García). El primero apenas se habla con el segundo, mientras que este segundo comenzará a encontrar en la tercera un refugio sobre el que ayudarse. A pesar de las reticencias de su padre, Guille comienza a acudir a sesiones con la recién llegada psicóloga, quien poco a poco comienza a entender qué puede ocurrirle a Guille, pero especialmente a su padre. Los dibujos, como se ve en el clip en exclusiva, son una pieza fundamental de las sesiones de orientación de María con el niño, quien se abre con la profesional como no puede hacerlo en casa desde hace tiempo.

Un acercamiento mutuo

La película aborda otros temas, como la estigmatización de ciertos gustos a edades tempranas -personificado en la obsesión de Guille por Mary Poppins-, la gestión de conflictos en las escuelas o la incomunicación padre-hijo. A ello contribuye sin duda la interpretación del joven Ian Cortegoso, al que próximamente veremos también en la comedia Tres de más junto a Salva Reina y Kira Miró. “Fue muy fácil. Ian tiene mucho instinto y es un chico encantador, muy curioso. Los niños entran muy fácil en el juego de actuar. Mi personaje me lo ponía fácil porque podía mezclar mi relación de actriz y personaje”, reconocía la propia Macarena García.

Sea como fuere, con Un hijo parece que por fin comienza a ponerse en valor la figura del orientador escolar, prácticamente inédita en la ficción o al menos en el cine español y que ahora tiene su propia voz en alguien inmejorable como Macarena García. No todos los días se ve películas que retraten de forma tan cercana y justa el entorno escolar, por lo que es de celebrar que se estrenen películas así.

El técnico español Pep Guardiola vive sus últimos días como entrenador del Manchester City. Tal y como afirman varios medios ingleses, y han podido confirmar en el resto de nuestro país, el entrenador se despedirá del club a final de temporada, con el final de la Premier League. Guardiola deja tras de sí un gran legado, pero también una anécdota para el recuerdo: el día que se llevó a toda la plantilla al cine para celebrar su cumpleaños. Y no fue viendo una película cualquiera.

Sucedió en la temporada 2016-2017, la primera del de Sampedor al frente del conjunto sky blue. El City atravesaba una mala racha y se mantenía muy alejado del líder, por aquel entonces el Chelsea de José Mourinho, el mismo que ahora mismo está a punto de fichar por el Real Madrid. Guardiola y su equipo habían sufrido una dura derrota ante el Everton y necesitaban de levantar los ánimos, por ello el entrenador tuvo la idea perfecta: llevarse a todos al cine. Así lo hizo a principios de 2017, con motivo de su cumpleaños. Jugadores, cuerpo técnico y parte del staff del equipo se desplazó hasta el Odeon de Manchester, el cual había reservado una sala entera para la proyección del gran éxito de ese momento: La ciudad de las estrellas (La La Land).

Así es, Guardiola y su equipo ahogaron sus penas (y celebraron su 47 cumpleaños) por todo lo alto con el musical protagonizado por Ryan Gosling y Emma Stone, que como todos saben luego terminaría protagonizando una de las historias más rocambolescas en los Oscar al perder el premio frente a Moonlight. En cualquier caso, el precioso musical dirigido por Damien Chazelle debió de surtir efecto sobre la plantilla, que terminó dando la cara y, aunque no ganó ningún título esa temporada, se terminaría convirtiendo en un equipo de leyenda, con hasta seis títulos de Premier League y una Champions League bajo la dirección de Pep Guardiola, reconocido cinéfilo por otra famosa anécdota que protagonizó tras conseguir la ansiada Champions en 2023.

Su anécdota con Julia Roberts

En marzo de 2023, cuando Guardiola y su City venían de arrasar durante varios años en Inglaterra y tener más cerca que nunca la primera Champions, el técnico reveló en rueda de prensa cual era su mayor fracaso. “Tengo tres ídolos en mi vida: Michael Jordan, Tiger Woods y Julia Roberts. Julia Roberts vino a Mánchester hace años (en 2017), no en los 90 cuando Sir Alex Ferguson estaba ganando títulos y títulos y títulos. Ella vino en el período en que éramos mejores que el United, en estos cuatro o cinco años, ¿no? Y fue a visitar al Manchester United. Ella no vino a vernos. Por eso, incluso si gano la Champions League, no se comparará con el hecho de que Julia Roberts vino a Mánchester y no vino a vernos”, confesaba un entristecido Guardiola.

Pero el fútbol a veces, como en las películas de Hollywood, tiene un final feliz. Guardiola terminó alzándose con la Champions esa misma temporada, y lo que es más importante, recibiendo la felciitación de su actriz favorita. “Felicidades a Pep Guardiola por llevar a tu equipo a ser campeón de la Champions League”, le escribió la intérprete en redes sociales, cerrando así esta bonita y cinéfila historia que, con la más que probable despedida de Guardiola.

Léa Seydoux, la última actriz en encarnar a una “chica Bond”, ha expresado sentimientos encontrados respecto al futuro de la saga tras la reciente venta de los derechos cinematográficos. “Me entristeció un poco enterarme de que se había vendido… pero ahora que es Denis, pensé: ‘Bueno, al menos es él, así que será cine’”, afirmó Seydoux en una conversación reciente, aludiendo a la llegada del director Denis Villeneuve al frente de la franquicia.

El traspaso de la saga James Bond a Amazon MGM motivó una reacción de incertidumbre y nostalgia en la actriz. Seydoux, quien se consolidó como uno de los rostros más emblemáticos de la etapa más reciente de la serie, explicó que su vínculo con el personaje de Madeleine Swann representó un capítulo significativo en su carrera. En las últimas producciones, especialmente en No Time to Die, la actriz interpretó a la única compañera sentimental capaz de marcar un final emocional para el James Bond de Daniel Craig.

La noticia de la adquisición de la franquicia generó inquietud en la actriz, quien reconoció sentir una mezcla de tristeza y alivio tras conocer la designación de Villeneuve como nuevo responsable creativo. “Ahora que es Denis, sentí que el proyecto vuelve a tener una dimensión cinematográfica genuina”, expresó Seydoux. Para la intérprete, el director canadiense representa una garantía de calidad y respeto por la esencia de la saga, gracias a su trayectoria en películas de alto calibre como Dune y Blade Runner 2049.

La actriz subrayó la importancia de que la franquicia permanezca en manos de cineastas con visión autoral. Según Seydoux, el cine de acción y espionaje que caracteriza a James Bond requiere una mirada creativa que combine espectacularidad con profundidad narrativa. En su opinión, el nombramiento de Villeneuve ofrece una oportunidad para renovar la saga sin perder su identidad cinematográfica. “Al menos será cine”, insistió la actriz, aludiendo a su expectativa de que el legado de Bond no se vea diluido en productos serializados o fórmulas industriales.

La llegada de Villeneuve coincide con un momento de transformación en la saga, tras la salida de Daniel Craig y el cierre de un ciclo marcado por la introspección y el desarrollo emocional del protagonista. Para Seydoux, el desafío será mantener el equilibrio entre la innovación y el respeto a las tradiciones que han convertido a James Bond en un ícono global. La actriz, que ha colaborado con directores reconocidos por su estilo personal como Yorgos Lanthimos, Wes Anderson y David Cronenberg, destacó la relevancia de contar con un cineasta capaz de aportar una mirada propia. “He visto cómo la visión de un director puede transformar por completo una franquicia o un personaje”, explicó Seydoux. La intérprete considera que el futuro de Bond podría estar definido por la audacia de sus realizadores.

El personaje de Madeleine Swann permitió a Seydoux explorar nuevos matices en la saga, alejándose de los estereotipos convencionales de la “chica Bond”. En Spectre y No Time to Die, su interpretación aportó una dimensión emocional inédita a la relación con Bond, marcando la despedida de Craig en el papel. Para la actriz, este arco narrativo no solo consolidó su posición en la industria, sino que también redefinió las expectativas de los personajes femeninos en el universo Bond. La recepción positiva de sus actuaciones confirmó la validez de apuestas más complejas y dramáticas dentro de la saga. Seydoux considera que el futuro dependerá de la capacidad de continuar evolucionando sin perder la esencia que caracteriza a James Bond: la mezcla de acción, sofisticación y profundidad emocional.

La designación de Denis Villeneuve como director ha renovado el interés de seguidores y profesionales del cine. Según Seydoux, la combinación entre el estilo visual del director y la narrativa clásica de Bond puede abrir una etapa de grandes logros artísticos. La actriz manifestó confianza en que la saga mantendrá su atractivo internacional y seguirá siendo un referente del cine de acción. Para Seydoux, el desafío es claro: “El verdadero reto será sorprender a las nuevas generaciones sin traicionar a los seguidores históricos de la franquicia”. Su expectativa es que la etapa que inicia bajo la tutela de Villeneuve combine innovación, respeto a la tradición y una apuesta decidida por el lenguaje cinematográfico, consolidando así la vigencia de James Bond en la cultura contemporánea.

Berlín y la dama del armiño es la continuación directa de la primera temporada de Berlín, que llegó a Netflix dispuesta a recoger el éxito sembrado por La casa de papel y se encontró con un público de lo más entregado. Pero con la renovación por una segunda temporada cabía preguntarse si realmente Berlín y su banda podrían emprender su propio camino lejos del recuerdo de El Profesor, Tokio, Rio y compañía. Y bien, la respuesta que sí, aunque no del todo. Hasta Sevilla está dividida en dos por el fútbol, así que una serie no iba a ser menos.

Berlín y la dama del armiño arranca con Berlín (Pedro Alonso) y Damián (Trstán Ulloa) aun disfrutando del éxito de su anterior golpe, pero con la sensación de que un nuevo gran robo espera a la vuelta de la esquina. Este se presenta en forma de cuadro: La dama del armiño de Leonardo Da Vinci, que está a punto de ser llevado a Sevilla para una gran exposición y se convierte en el objeto de deseo de Álvaro Hermoso de Medina (José Luis García-Pérez), un importante empresario y filántropo local que le encarga a Berlín el robo para incorporar la pintura renacentista a su exclusiva colección. Una colección que despierta el interés de nuestro querido ladrón, lo cual lo lleva a inventar un plan maestro: el robo del robo. Mientras preparan el robo del cuadro, también urden un complot para hacerse con la colección al completo de su propio benefactor. Pero nada será tan sencillo como parece, especialmente por las fricciones que surgen dentro de la banda.

El amor nos separará como banda

Porque como los fans ya se podrán imaginar, la gran dificultad para Berlín no está en preparar el robo, ni mucho menos. La verdadera dificultad está en hacerlo con una banda fragmentada poco a poco. Todos vuelven, sí, pero no de la misma manera, ya que la felicidad de los recién casados Keila (Michelle Jenner) y Bruce (Joel Sánchez) comienza a disiparse con la primera amenaza de infidelidad, mientras que la pareja formada por Cameron (Begoña Vargas) y Roi (Julio Peña) está directamente rota. La serie se aprovecha de los primeros para sacar el tema de las relaciones abiertas, mientras que desaprovecha el talento de la otra y tira, literalmente por la borda, la química que habían fabricado en la primera temporada.

Del otro lado, Berlín y la dama del armiño compensa esto con un reparto invitado cargado de grandes estrellas, desde el propio José Luis García-Pérez al más puro estilo villano de James Bond a una ambigua Marta Nieto cual femme fatale o Luis Callejo como temible secuaz de estos. No obstante, la que brilla con luz propia es Inma Cuesta en el papel de Candela, interés amoroso de Berlín en esta temporada y la única capaz de sostenerle la mirada y el pulso a un Pedro Alonso que siempre que está inunda la pantalla con su presencia y sus quizá algo recargados soliloquios. La presencia de la valenciana de nacimiento y andaluza de formación ayuda a traer un poco a la tierra ese aire grandilocuente que siempre rodea al personaje y hacerlo algo más humano en esta aventura, si es que eso es posible.

Berlín: ¿un adiós o solo un hasta pronto?

Con tanto lío amoroso es normal que la serie pierda algo de fuelle en sus episodios centrales, después de un interesante inicio -la parte más thriller con esa infiltración en el cortijo del malo- y antes de un final al puro estilo Ocean’s, pero no merece la pena seguir insistiendo en algo que ya sucedía en La casa de papel como es el culebrón de personajes. El juego de flashbacks ayuda a ir encajando piezas aunque lastre el ritmo de una serie que tampoco parece tener demasiada prisa en contarlo todo, quizá por esa parsimonia tan característica de la ciudad que retrata con tanto mimo.

Es una carta de amor a Sevilla pero también al propio Berlín, en el que bien podría ser su broche final después de un largo camino que arrancó sin muchas esperanzas en La casa de papel y que lo ha terminado convirtiendo en uno de los símbolos de Netflix España y casi de toda la marca en el mundo. Sea este o no su final, tal y como todo apunta, el camino del personaje ha dejado más de un robo para el recuerdo, y sin duda una hilera de corazones rotos.

Eurovisión vive este fin de semana una de sus citas más esperadas en Viena, la ciudad que acoge la edición de 2026 del certamen, con la gran final prevista para el 16 de mayo en el Wiener Stadthalle. La capital austríaca recibe así el festival por tercera vez en su historia, después de haber sido sede en 1967 y 2015, en una edición marcada además por la ausencia de España, que ha decidido no participar este año.

En ese contexto, vuelve a ganar sentido la recomendación de Eurovisión: La historia de Fire Saga, la comedia musical de Netflix protagonizada por Will Ferrell y Rachel McAdams, quien este mismo año ha estrenado Enviad ayuda (Send Help). La cinta se ha convertido en una especie de película de culto para los seguidores del festival por su tono autoparódico, sus guiños al concurso y, sobre todo, por la presencia de figuras reales del certamen en cameos muy celebrados.

Entre esos nombres destacan dos ganadoras tan reconocibles como Loreen y Conchita Wurst, cuya aparición refuerza el atractivo del filme para el público eurofán. También pasan por la película otros artistas ligados a la historia del festival, como Alexander Rybak, Jamala o Netta, en una especie de desfile de iconos de distintas épocas de Eurovisión.

Para compensar la ausencia de España

Eurovisión no solo es una final televisiva: es una cita cultural que moviliza audiencias, debates y una enorme comunidad de seguidores. La edición de 2026 se celebra en Viena tras la victoria del austriaco JJ con Wasted Love, lo que devolvió el certamen a Austria un año después del triunfo de 2025. La final de este sábado se disputará tras dos semifinales celebradas los días 12 y 14 de mayo. La elección de Viena no es casual: además de su peso simbólico en la historia musical europea, la ciudad ya está asociada a grandes eventos internacionales. En esta ocasión, el festival llega en un momento de máxima expectación, con el debate sobre el certamen más vivo que nunca.

La gran novedad de esta edición es que España no participa. RTVE decidió retirarse del concurso después de que la Unión Europea de Radiodifusión mantuviera la presencia de Israel en Eurovisión 2026, una decisión que desencadenó también la salida de otros países como Países Bajos, Irlanda, Islandia y Eslovenia. Se trata de una ausencia histórica: es la primera vez que España no concurre al festival desde su debut en 1961. La decisión ha tenido consecuencias más allá de lo simbólico, ya que RTVE tampoco emitirá la final ni las semifinales de esta edición.

Con Viena como escenario, España fuera del cartel y la final a punto de celebrarse, la película de Netflix vuelve a parecer una elección perfecta para entrar en ambiente eurovisivo. Su mezcla de sátira, nostalgia y apariciones reales la ha convertido en una propuesta ideal para quienes buscan algo ligero, reconocible y muy pegado al espíritu del concurso. En una semana dominada por la música, el espectáculo y la polémica, Eurovisión: La historia de Fire Saga funciona casi como una antesala informal del gran show europeo.

El título en cuestión es Rooster, una serie que, según cifras proporcionadas por Warner Bros. Discovery, ya ha dejado atrás a grandes nombres del catálogo de HBO como Enlightened, Girls, Veep, Silicon Valley e Insecure en términos de audiencia promedio durante los primeros noventa días. Solo Hung y Sexo en Nueva York habían logrado números superiores en la historia reciente del canal, lo que resalta el alcance de este nuevo estreno. Cabe destacar que Rooster se estrenó el 8 de marzo y finalizó su primera temporada el 10 de mayo, por lo que aún dispone de dos semanas adicionales para incrementar su promedio de espectadores en la ventana de medición oficial.

La cifra de 6,5 millones de espectadores en promedio posiciona a Rooster en un selecto grupo de comedias que han logrado captar la atención masiva del público en HBO. Hasta la fecha, solo dos títulos —Hung (2009) y Sexo en Nueva York (1998)— han registrado promedios de audiencia superiores en sus primeras temporadas. Ninguna de las comedias estrenadas en los últimos quince años había conseguido superar esta marca, lo que convierte a la serie en un hito para la plataforma. Este logro adquiere mayor relevancia si se considera el contexto actual de la industria televisiva, donde la competencia entre plataformas es intensa y los hábitos de consumo han cambiado notablemente. El hecho de que una comedia consiga cifras tan elevadas en su debut evidencia el interés renovado del público por las historias originales y el sello distintivo de HBO en la producción de contenido de calidad.

Sinopsis y protagonistas

Rooster se desarrolla en el entorno de un campus universitario y tiene como protagonista a Steve Carell, quien interpreta a un autor con una relación compleja con su hija, encarnada por Charly Clive. La trama explora los vínculos familiares y las tensiones generacionales a través de situaciones cargadas de humor y matices emocionales, elementos que han sido clave para conectar con una audiencia amplia y diversa. El reparto se completa con figuras reconocidas y nuevos talentos, aportando dinamismo y frescura al relato. La interpretación de Carell ha sido especialmente valorada por la crítica, tanto por su versatilidad cómica como por su capacidad para abordar registros más dramáticos cuando la historia lo requiere.

La serie cuenta con la producción ejecutiva de Bill Lawrence y Matt Tarses, quienes también se desempeñan como showrunners. El equipo de producción incluye a Jeff Ingold y Liza Katzer por parte de Doozer, junto a Tarses, Jonathan Krisel, Barbie Adler, Annie Mebane, David Stassen, Anthony King y el propio Carell. Warner Bros. Television es el estudio responsable, respaldando el proyecto a través de acuerdos globales con Doozer y Tarses. La combinación de un elenco sólido, una trama atractiva y la experiencia del equipo creativo ha sido determinante para el éxito de Rooster. La serie ha sabido capitalizar el prestigio de la marca HBO y responder a las expectativas de un público que busca propuestas frescas, inteligentes y con potencial de continuidad.

El desempeño de Rooster en términos de audiencia ha superado las previsiones iniciales y ha generado expectativas sobre su futuro en pantalla. Con dos semanas restantes para cerrar el ciclo de medición de su temporada debut, la serie podría incrementar aún más su récord y consolidarse como un referente de la comedia contemporánea en televisión. La recepción positiva por parte del público y la crítica anticipa posibles renovaciones y un lugar destacado dentro del catálogo de HBO, reafirmando la capacidad de la cadena para producir series que marcan tendencia y capturan la atención de millones.

“Fue la película más difícil que he hecho de lejos. Ni siquiera se le acerca otra”, reiteró el actor. El rodaje implicó largas jornadas en condiciones físicas adversas, especialmente durante las secuencias acuáticas y de acción, que requirieron un esfuerzo sostenido y un alto grado de compromiso por parte del elenco. El actor no ocultó la admiración que siente por el enfoque de Nolan, aunque reconoció que el nivel de exigencia fue superior al de cualquier otro proyecto en el que haya participado. Las escenas en alta mar y el uso de tecnología IMAX incrementaron la complejidad de la filmación, obligando a Damon a adaptarse continuamente a nuevos desafíos físicos y técnicos durante toda la producción.

Christopher Nolan, conocido por su rigor técnico y su apuesta por innovaciones visuales, explicó que el objetivo de La Odisea era crear una experiencia cinematográfica de gran escala. “Al abordar La Odisea, todo se convierte en una cuestión de escala. Necesitábamos que fuera la película más grande que habíamos hecho. Tenía que ser un desafío para todos nosotros, porque esa es la naturaleza de la historia”, afirmó Nolan durante la entrevista. El director insistió en que el tamaño y la complejidad del proyecto estaban alineados con la esencia del relato original. Para Nolan, el mito de Odiseo exigía una puesta en escena monumental, y por eso se optó por rodar íntegramente en formato Imax, una decisión que implicó retos logísticos y creativos tanto para el equipo técnico como para los actores.

El océano es oscuro y alberga horrores

Las secuencias marítimas representaron uno de los principales obstáculos para Damon y el resto del elenco. Las escenas de tormenta, en particular, requirieron que los actores permanecieran durante horas en condiciones de frío y humedad, sometidos a movimientos violentos y coordinados para simular el caos de una travesía peligrosa. Según se mostró en el avance, Damon tuvo que liderar a su tripulación en medio de un mar agitado, poniendo a prueba tanto su resistencia física como su capacidad interpretativa.

El propio Nolan reconoció que someter a los actores a estas dificultades era parte esencial del proceso creativo. El objetivo era transmitir al público la sensación de peligro y aventura que define la epopeya original. Damon, por su parte, valoró la experiencia como una prueba de superación profesional y personal. El rodaje de La Odisea se llevó a cabo utilizando solo cámaras Imax, convirtiéndose en el primer largometraje de la historia filmado íntegramente con esta tecnología. Nolan demostró ante las cámaras de 60 Minutes cómo el proceso implicaba cortar y ensamblar manualmente los fotogramas en el último laboratorio de cine de su tipo en el mundo.

El director justificó la decisión de mantener técnicas tradicionales pese a la popularidad del cine digital, señalando que el formato de 70 mm ofrece una calidad de imagen hasta tres veces superior a la digital. Este compromiso con la excelencia visual supuso mayores costos y una logística más compleja, factores que, sumados al enfoque artesanal, influyeron directamente en la experiencia del elenco y el equipo. La entrevista completa con Christopher Nolan y Matt Damon será emitida el domingo a las 19:00 horas por CBS y estará disponible en la plataforma Paramount+. El anticipo de las declaraciones de Damon generó un notable interés en la industria, posicionando a La Odisea como uno de los estrenos cinematográficos más esperados de la temporada.

El director italiano Paolo Sorrentino prepara un documental que explorará la vida y carrera de Carlo Ancelotti, una de las figuras más influyentes del fútbol internacional. El proyecto, aún sin título, abordará cinco décadas de trayectoria del técnico, desde sus inicios como jugador hasta su rol actual como seleccionador de Brasil para el Mundial de 2026.La noticia fue confirmada tras semanas de especulaciones en medios deportivos italianos. Según se informó, la película ofrecerá una mirada íntima a la evolución profesional y personal de Ancelotti, combinando material de archivo y nuevas grabaciones en diversos países.

El documental se centra en Carlo Ancelotti, quien se prepara para dirigir a la selección de Brasil en la próxima Copa Mundial. El film recorrerá episodios clave de su carrera, mostrando tanto sus éxitos como los desafíos afrontados dentro y fuera del campo de juego. Durante las últimas semanas, diversos blogs y portales de deportes en Italia difundieron rumores sobre el proyecto. Finalmente, las productoras involucradas y el propio Ancelotti confirmaron la realización del documental, que promete un enfoque cercano y humano a la figura del entrenador. La obra incluirá imágenes históricas de los primeros años de Ancelotti y material rodado recientemente en Italia, España, Brasil y en Estados Unidos durante el Mundial. El recorrido culminará con su experiencia al frente del combinado brasileño, un hecho considerado por muchos como uno de los desafíos más relevantes de su carrera.

Carlo Ancelotti nació en una familia agrícola en la región de Reggio Emilia. Su trayectoria profesional comenzó como mediocampista en el club Parma. Posteriormente, jugó para Roma y AC Milan, donde consolidó su fama como jugador. En la década de 1990, Ancelotti inició su carrera como entrenador. Desde entonces, ha dirigido once clubes de primer nivel, entre ellos Chelsea, Paris Saint-Germain, Bayern Múnich y Real Madrid. A lo largo de su carrera ha sumado 26 trofeos y cinco Ligas de Campeones de la UEFA, cifras que lo ubican entre los técnicos más laureados de la historia del fútbol.

De futbolista a leyenda en los banquillos

El documental mostrará cómo Ancelotti ha sabido adaptarse a distintas culturas futbolísticas y liderar equipos en contextos muy diversos, manteniendo siempre un perfil discreto y profesional. Durante la última final de la Champions League 2023/24, Ancelotti celebró una nueva victoria con Real Madrid tras derrotar a Borussia Dortmund en Londres. Este triunfo refuerza su imagen como estratega de élite y será uno de los puntos destacados del film.

La dirección estará a cargo de Paolo Sorrentino, ganador del Óscar por La gran belleza. Este será el primer documental en la carrera de Sorrentino, quien se ha destacado por películas como La mano de Dios —nominada al Óscar y de corte semiautobiográfico— donde ya abordó el impacto social y emocional del fútbol en su propia vida. Sorrentino cuenta con una filmografía centrada en personajes complejos y escenarios de gran carga simbólica. Entre sus trabajos recientes figuran la serie The Young Pope y La grazia, estrenada en el Festival de Venecia. El proyecto con Ancelotti representa una oportunidad para el cineasta de unir dos pasiones: el cine y el fútbol. El documental buscará captar la esencia humana del entrenador, mostrando tanto su faceta pública como momentos poco conocidos de su vida.

La producción está a cargo de Francesco Melzi d’Eril, responsable de filmes como Suspiria y Call Me by Your Name para MDE Films. También participan Tart Productions, MeMo Films y Fremantle, junto a The Apartment. La venta internacional está en manos de FilmNation. En palabras de Ancelotti: “Es un honor contar mi historia junto a Paolo Sorrentino. Siempre he admirado sus obras y su dedicación al arte de narrar”. El entrenador expresó su expectativa ante la oportunidad de mostrar aspectos desconocidos de su carrera y su visión del fútbol. Se espera que el documental tenga una amplia cobertura internacional y acompañe el trayecto de Ancelotti con Brasil en el Mundial de 2026. La fecha de estreno y los detalles de distribución global serán anunciados próximamente.

En Un hijo, película dirigida por Nacho La Casa (Sevillanas de Brooklyn) y basada en la novela de Alejandro Palomas, una psicóloga ejerce de detonante en la vida de un padre y un hijo, quienes también son nuevos en la escuela y están pasando por un episodio de lo más difícil ante la ausencia de una madre. Macarena García da vida a esa psicóloga, María, que tal y como asegura bien podría haber sido su vida de haber seguido otro de sus intereses más allá de la interpretación. “Yo estudié psicología -solo primero- y me hubiera gustado especializarme en infancia, es un tema que me interesa mucho”, reconoce la actriz a Infobae, quien para prepararse el personaje estuvo en contacto con varios profesionales. “Trabajé con dos orientadoras, una me llevó al colegio y me enseñó la sala, me explicó las dinámicas... Me dijeron que el guion estaba muy bien escrito, porque consulté escenas con ellas y me decían que era muy realista”, asegura la actriz.

Del otro lado está Hugo Silva, encargado de dar vida a un padre apático y un tanto arisco que parece incapaz de comunicarse con su hijo. Silva, que sí es padre en la vida real, ya tenía experiencia previa en ese mundo: “He tenido bastante contacto, aunque mis hijos ya son grandes. Ha sido básico, una ayuda muy importante. Creo que invertir en recursos en esas figuras es sembrar algo muy bueno para el futuro”, explica el actor, quien reivindica la figura del orientador en los centros. “Falta todavía camino por recorrer para darle el valor que tiene”, secunda Macarena.

Todos tenemos nuestra Mary Poppins

Aunque Macarena y Hugo se conocen de sobra, pues ambos coincidieron en El ministerio del tiempo, en esta película la clave no está en la química, sino en la ausencia de ella, para hacer verosímil la fricción entre un padre reticente a recibir ayuda y una psicóloga desesperada por ayudar. “El hecho de conocernos de antes ayuda. Entramos en personaje, levantamos una secuencia que está escrita y trabajada. Luego, cuando acaba, nos reímos y hacemos vida normal. Aunque una escena sea fría, hay que poder trabajar juntos, escucharnos y pasar por las cosas”, comentan ambos, así como mencionan la indispensable intervención del pequeño protagonista, Guille, interpretado por Ian Cortegoso : “Fue muy fácil. Ian tiene mucho instinto y es un chico encantador, muy curioso. Los niños entran muy fácil en el juego de actuar, y mi personaje me lo ponía fácil porque podía mezclar mi relación de actriz y personaje”, revelaba con una gran sonrisa Macarena García.

En Un hijo, lo único que tiene ese niño es a Mary Poppins, una figura tan cargada de ilusión como presuntamente mal vista como referencia para un varón que tendría que idolatrar a futbolistas. Preguntados por su Mary Poppins particular durante su infancia, ambos lo tienen claro: ”Mi Mary Poppins fue mi abuela, se inventaba historias para nosotros y nos las contaba muy en serio. Tenía mucho morro, pero seguramente soy actor por ella“, confiesa Hugo Silva entre risas. “Mi madre fue un poco Mary Poppins y también la hermana de mi madre y mis primas. Eran un lugar de alegría, magia y seguridad”, añade Macarena.

Por último, ambos discuten si son conscientes de la responsabilidad social detrás de estas películas. “Me alegra cuando una película apela a la conciencia, pero no siempre tiene que ser así. Me gusta cuando resuena con mis valores”, admite Macarena, mientras que Hugo Silva no lo tiene tan claro. “Nunca pienso en eso. Es bonito cuando la gente cuenta que una serie o película le ayudó, pero no hago las cosas pensando en despertar conciencia. Lo hago porque me emociona el guion”. A pesar de ello, ambos reconocen el papel que muchas veces pueden jugar sin imaginárselo en las vidas de los demás. “A mí me pasa mucho con Los hombres de Paco, que todavía hay gente que me dice: ‘Tuve un mal momento en mi vida y, de repente, os veía y me partía de risa’ o ‘Perdí a un familiar y me ayudasteis mogollón’. Y al final era una serie de comedia. Tampoco era una serie que quisiera despertar ninguna conciencia ni nada. Y fíjate. Ayudaba a la gente. Es muy bonito y reconfortante cuando después pasa eso y la gente te lo dice”.

Cada vez es más extraño encontrar películas que duren mucho tiempo entre su estreno en cines y su llegada a plataformas, pero la que llega este fin de semana a Netflix es un caso extraño. Han pasado meses de su estreno en salas, y aunque no sabía en qué servicio de streaming podría aparecer, finalmente ha sido Netflix la que se ha hecho con ella para incorporarla a su catálogo desde este mismo 16 de mayo. Hablamos, nada menos, de la secuela de una de las películas de terror más importantes de la última década.

Hablamos de Black Phone 2, continuación directa de uno de los grandes fenómenos del género de los últimos años. Lejos de ser una simple película de relleno lanzada a rebufo del éxito de la primera, esta secuela vuelve a estar escrita y dirigida por Scott Derrickson, autor de otros títulos como Doctor Strange y de la saga Sinister. También repetían en esta segunda entrega sus dos grandes protagonistas, el joven Mason Thames como Finn y el aterrador Ethan Hawke en la piel del asesino enmascarado conocido como El Raptor, pues se dedicaba a secuestrar a los niños del barrio de Denver, Colorado. Hay un tercer personaje que también repite en esta película, y que se convierte en el eje central de este nuevo capítulo: Gwen, la hermana de Finn.

En la película, Gwen y Finn viajan a un campamento para ser monitores y sacar un dinero extra para la familia, después de haber conseguido superar el trauma de los eventos sucedidos en la primera película. Ahora Finn se ha convertido en un joven respetado en el instituto, pero su agresividad se ha incrementado y ha perdido por completo la inocencia que le caracterizaba. Receloso de su espacio y especialmente protector con su hermana, Finn descubrirá que el Raptor puede seguir atormentándole a él y a su familia. Incluso desde el otro lado.

Pesadilla en Alpine Lake

Cuando los hermanos llegan al campamento descubren que este se ha suspendido por condiciones climáticas adversas, pero tampoco tienen forma de volver a casa. Les toca pasar allí los próximos días, sin saber que una gran maldición se cierne sobre el campamento, y que la historia de su familia está trágicamente unida a él. Nada parece ocurrir hasta que cae la noche, cuando todos duermen y regresa la figura de El Captor, esta vez desde las pesadillas de Gwen, el único sitio en el que la joven está indefensa. Al más puro estilo de Freddy Krueger de Pesadilla en Elm Street, Finn tendrá que encontrar la manera de rescatar a su hermana y liberarse de una vez por todas de la amenaza de El Captor, quien ahora busca venganza desde ultratumba.

Con unos grandes efectos especiales y look visual que transita entre el analógico de los setenta y el digital, Black Phone 2 es una digna secuela de la película original, que en su día supuso un gran revuelo en el género y que se ha convertido en uno de los títulos imprescindibles del género. Con su llegada a Netflix, esta secuela tendrá una segunda oportunidad de ser valorada como merece tras un discreto paso por cines y la gran incógnita de si habrá una tercera entrega. Aunque eso sería hacer un gran spoiler de qué sucede con Finn y El Captor.

La retratada suele identificarse como Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza, duque de Milán y mecenas de Leonardo. Ese vínculo explica tanto el refinamiento del retrato como su carga simbólica. No se trata solo de inmortalizar un rostro, sino de construir una imagen de estatus, inteligencia y presencia. Leonardo abandona la frontalidad rígida de muchos retratos de su época y opta por una figura en tres cuartos que parece girar hacia alguien fuera del cuadro. El gesto da vida a la escena y convierte al retrato en una especie de instante suspendido.

Uno de los elementos más llamativos de la obra es, por supuesto, el armiño. Su presencia ha sido interpretada de varias maneras: como símbolo de pureza, como alusión a la nobleza o como guiño al propio Ludovico Sforza, asociado con ese animal por emblemas y juegos heráldicos. El resultado es una imagen que funciona en varios niveles a la vez: como retrato íntimo, como representación cortesana y como mensaje político. Leonardo convierte así un detalle aparentemente decorativo en una clave de lectura del conjunto. La fuerza del cuadro también está en su ejecución técnica. Realizado al óleo sobre tabla de nogal, permite a Leonardo desplegar su maestría en los matices de la luz, en la suavidad del modelado y en la delicadeza de las transiciones entre piel, tela y pelaje. El rostro de Cecilia, la torsión del cuerpo y la atención al movimiento hacen que la pintura no se perciba como una pose inmóvil, sino como una figura viva. Ese dinamismo es una de las razones por las que la obra sigue pareciendo tan moderna.

En la vida real ya pasó por España

La historia material del cuadro también contribuye a su aura legendaria. Tras siglos de vicisitudes, acabó formando parte de las colecciones de la familia Czartoryski y hoy se conserva en el Museo Czartoryski de Cracovia. Pero antes de eso tuvo incluso una aparición excepcional en España: en 2011 fue expuesto en el Palacio Real de Madrid con motivo de la muestra Polonia. Tesoros y colecciones artísticas. Aquel préstamo fue un acontecimiento cultural notable, porque permitió al público español contemplar de cerca una de las piezas más valiosas y frágiles de Leonardo, normalmente inaccesible fuera de su sede habitual. Ese episodio confirma hasta qué punto la obra tiene una condición casi mítica: no solo es famosa, también es extraordinariamente rara de ver en vivo.

La relevancia actual de La dama del armiño no se explica solo por su calidad artística, sino por su capacidad de seguir generando relatos. La serie de Netflix la utiliza como motor narrativo porque encaja a la perfección con una historia de atracos: es una obra universalmente reconocible, de altísimo valor simbólico y material, y con una biografía histórica lo bastante rica como para alimentar la ficción. En ese sentido, la pintura demuestra que los grandes iconos del arte no dejan de producir nuevos significados cuando cambian el contexto y el público. Además, su comparación con otros retratos de Leonardo es inevitable. Como ocurre con la Mona Lisa, aquí también aparece esa mezcla de serenidad y misterio que tanto ha fascinado a generaciones enteras. Pero La dama del armiño tiene algo propio: una energía contenida, una dirección de la mirada y del cuerpo que sugieren que la escena continúa fuera del marco. Esa sensación de vida interrumpida es una de las grandes aportaciones de Leonardo al retrato occidental.

Cinco siglos después de su creación, el cuadro sigue siendo una obra maestra no solo por lo que muestra, sino por todo lo que ha llegado a significar. Es un retrato, un símbolo cortesano, una pieza de museo, un icono mediático y ahora también un elemento de ficción contemporánea. Que haya estado expuesto en Madrid en 2011 y que hoy reaparezca en una serie de Netflix demuestra su vigencia extraordinaria: pocas obras del arte europeo pueden presumir de unir con tanta naturalidad el Renacimiento, la historia cultural y el imaginario popular actual. Es de sobra entendible que Berlín y su banda se quieran hacer con él.

The Batman: Parte II completa su reparto con la confirmación oficial de los actores que participarán en la esperada secuela. El anuncio, realizado por el director y guionista Matt Reeves a través de sus redes sociales, detalla los nombres de quienes darán vida a los principales personajes de Gotham en una nueva entrega que ya inició su rodaje. En la lista de actores que regresan destacan Robert Pattinson, quien volverá a interpretar a Bruce Wayne/Batman, consolidando su papel protagónico tras el éxito de The Batman. Junto a él, Andy Serkis retoma el rol de Alfred Pennyworth, el leal mayordomo y confidente de Wayne. Jeffrey Wright regresa como James Gordon, el comisionado de policía de Gotham, mientras que Colin Farrell vuelve a encarnar a Oswald Cobblepot, conocido como El Pingüino.

Entre las incorporaciones más relevantes, Reeves confirmó la presencia de Sebastian Stan en el papel de Harvey Dent, también conocido como Two-Face. La selección de Stan para este icónico antagonista se hizo pública en redes sociales mediante un GIF y el mensaje del director: “In a Gotham state of mind… Welcome”. Este anuncio disipó las especulaciones previas en torno al actor y su posible vinculación con la saga, estableciéndolo como uno de los ejes centrales del nuevo reparto. Otra de las incorporaciones destacadas es la de Scarlett Johansson, cuya presencia en The Batman: Parte II había sido objeto de rumores en las semanas previas al anuncio. Reeves utilizó un GIF de la actriz mirando por un retrovisor y la frase “Next exit, Gotham… Welcome (Próxima parada, Gotham...Bienvenida)” para hacer oficial su llegada a la producción. Aunque su personaje aún no ha sido detallado públicamente, su confirmación añade un atractivo adicional al elenco.

El reparto se completa con Brian Tyree Henry, Sebastian Koch y Charles Dance, quienes también fueron anunciados mediante GIFs en el perfil del director. Si bien los roles específicos de Henry, Koch y Dance no se han hecho públicos hasta el momento, la participación de estos actores ha generado gran expectativa entre los seguidores de la franquicia, que esperan ver cómo se integran a la narrativa de Gotham en esta nueva entrega. Así, junto a los nombres ya mencionados, conforman el elenco principal de The Batman: Parte II: Robert Pattinson como Bruce Wayne/Batman, Andy Serkis en el papel de Alfred Pennyworth, Jeffrey Wright como James Gordon, Colin Farrell encarnando a Oswald Cobblepot/El Pingüino, Sebastian Stan como Harvey Dent/Dos caras, Scarlett Johansson como Gilda Dent, Brian Tyree Henry, Sebastian Koch y Charles Dance, quien presumiblemente dará vida al padre de Harvey Dent.

Un rodaje que ya está en marcha

El método de comunicación elegido por Reeves para presentar a los nuevos miembros del elenco ha sido notoriamente visual y directo, recurriendo a imágenes animadas y frases breves para conectar con el público de una forma contemporánea. La estrategia, centrada en redes sociales, ha permitido mantener el interés de los fanáticos y generar conversación en torno a cada uno de los anuncios.

La producción de The Batman: Parte II inició recientemente, tal como lo evidencian las imágenes filtradas del Batmóvil atravesando escenarios nevados. Reeves compartió varias de estas instantáneas en sus cuentas oficiales, alimentando la expectativa sobre el tono y la ambientación de la secuela. Según lo indicado el pasado agosto en una carta dirigida a los accionistas de Warner Bros. Discovery, el inicio del rodaje estaba previsto para la primavera, luego de superar varios retrasos en la entrega del guion.

La fecha de estreno de la película se ha fijado para el 1 de octubre de 2027, tras una confirmación oficial de la finalización del libreto por parte de James Gunn en julio del año pasado. Este calendario marca una espera considerable para los seguidores de la saga, que permanecen atentos a cada novedad sobre la evolución del proyecto. La confirmación del reparto, junto a los primeros roles oficiales, define la base sobre la que The Batman: Parte II construirá su historia, abriendo la puerta a nuevas tramas y personajes en la reinterpretación contemporánea del universo de Gotham.

Pradera de San Isidro, Madrid. Podría ser un martes cualquiera en el icónico enclave de Carabanchel, pero el que otrora fuera símbolo del Madird más castizo es ahora escenario de una gran reivindicación. En medio del concierto de VVV Trippin’you, banda madrileña -de Móstoles, para más señas- de post-punk electrónico cercano al bakalao, la música se interrumpe para dejar paso a la doble intervención del Sindicato de Vivienda de Carabanchel, de forma virtual a través de un vídeo en el que se denuncia la situación en el barrio con el inminente desahucio de una vecina y su hijo y de forma física con un gran cartel que es sostenido entre los asistentes con un mensaje claro: "Llenan la Pradera, desahucian Madrid“.

A cientos de kilómetros, en los vastos prados a las afueras de A Coruña, la banda Triángulo de Amor Bizarro ultima sus ensayos para aterrizar precisamente en Madrid, donde actúa en las Vistillas este sábado como parte del programa musical de las Fiestas de San Isidro. En medio de este clima de reivindicaciones e incluso de ataques directos al gobierno de José Luis Martínez -Almeida e Isabel Díaz Ayuso, el grupo formado por Rodrigo Caamaño Caamaño (voces, guitarras), Isa Cea (voces, bajo) y Rafael Mallo (batería) presenta su nuevo disco, Mi Catedral (Sonido Muchacho, 2026), pero no por ello va a perder el ánimo político y reivindicativo que los lleva caracterizando durante más de veinte años, en los que se ha convertido en una formación referente para la nueva generación encabezada por Carolina Durante, Depresión Sonora y compañía.

“No nos escondemos y todo el mundo sabe exactamente lo que somos por lo que decimos en las canciones. Si la idea es blanquear algo, nosotros no vamos a blanquear nada”, cuenta contundente Mallo a Infobae de forma telemática, lo cual no deja de tener su ironía tras hacer un disco que habla precisamente sobre lo digital frente a lo analógico, pero en el que también se menciona a Palestina o incluso al mismísimo Luigi Mangione. “Nuestro discurso está claro en las letras. Este disco tiene mucho compromiso con todo lo que está pasando. El amor y la política son dos cosas iguales y ahí está todo. En este disco intentamos dar esos mensajes, pero integrarlos en un discurso calculado, estructurado y con las ideas claras, con un componente artístico”, responden contundentes.

Un nuevo capítulo tras la reorganización de la banda

A pesar de vivir a kilómetros de distancia, Triángulo de Amor Bizarro no es ajeno a la situación de la vivienda en Madrid. “Nosotros hemos tenido que buscar el sitio donde mejor nos sentíamos, que es Galicia. España tiene una tendencia al centralismo, y eso hace que la gente más joven tienda a estar en esas ciudades, pero siempre encontramos un público muy entregado en los conciertos de Madrid. Sabemos cuál es la problemática actual, sobre todo la vivienda, porque parece que el turismo lo salva todo y al final es lo que está dificultando que la gente pueda alquilar de forma justa”, recalcan, y saben de lo que hablan porque puede ser de los sitios que más hayan visitado desde que empezasen a tocar. “Es un modelo que en algún momento alguien promovió y la gente está siguiendo, pero no es un modelo para quienes viven allí. La vida de barrio se resiente porque lo que te permite vivir bien en un barrio desaparece y se convierte en algo para los que no viven allí. Sobre todo afecta la vivienda. Eso está pasando en todas las ciudades”, señala el batería, hablando de su propia A Coruña.

El concierto en el Jardín de las Vistillas será mucho más especial para Triángulo de Amor Bizarro de lo que parece, pues se trata de su puesta de largo del disco tras un adelanto en la también madrileña Sesión Vermú, y ya como un trío literal tras la salida del grupo del teclista y guitarrista Zippo. “Nos ayudó mucho a adaptarnos a las circunstancias. El aniversario, en el que tuvimos que replantear todos los discos tocando solo tres, fue un avance muy grande. Descubrimos nuevas formas de conectar las canciones y eso nos ayudó mucho para el siguiente disco. Convertimos algo que podía ser un bajón en algo muy bueno para los tres”, explica Isa, aludiendo a la gira que realizaron en 2024 por el 20º aniversario de la banda en la cual elegían la setlist en torno a un divertido juego de cartas del tarot. “Más que fácil, fue natural. Estas canciones tienen muchas cuestiones difíciles de ejecución, pero el hecho de ser tres, de cubrir más con menos elementos, nos llevó a preocuparnos mucho más en las tomas y a evitar el procesado digital. Queríamos llevarlo al lado del directo y eso refrescó mucho el sonido. Evolucionaron las canciones de otra forma y nos encontramos con algo nuevo, llegamos a sitios a los que no habíamos llegado antes”, puntualiza Mallo.

Mi Catedral es también el primer trabajo de la formación gallega tras dejar el sello Mushroom Pillow, con el que llevaban toda su carrera, para ser acogida por Sonido Muchacho, hogar precisamente de las bandas a las que tanto ha inspirado Triángulo de Amor Bizarro, aunque ellos prefieran no verse como ejemplos de nada. “Aspiro a que nadie me tome de referencia para nada”, ironiza Isa. “La forma más rápida de coartar tu libertad es tener que dar ejemplo. Si le gusta a la gente, guay, y si no, pues nada. En nuestros conciertos siempre hubo mucha gente que después formó grupos. Mola que sepan que cada grupo puede hacer las cosas a su manera, sin ser siempre igual. Más que decir cómo se tiene que hacer, es mostrar que hay muchas formas de hacerlo”, razona la artista, mientras que Mallo añade que es un viaje que ellos también hacen a la inversa: “Nosotros nos interesamos también por lo que se hace ahora y no nos quedamos solo con los grupos de hace veinte años”.

‘Odiando’ a toda una generación

Se reconozcan o no como referentes, con este disco la banda también ha apostado por varios proyectos en directa comunicación con sus fans y con los aficionados a la música en general, como ha sido abrir un espacio en Substack en el que “destripan” sus canciones e incluso muestran en vídeo como reproducir sus nuevos temas. Una forma de expresarse muy genZ para un grupo que pertenece a una generación anterior, a la que dedican una de sus canciones (Odio a mi generación) de forma socarrona. “De mi generación lo que más odio es el machismo interiorizado, pero cuando digo Odio a mi generación es un sentimiento de ir contra lo que existe, sea la generación que sea. Es muy importante tener criterio propio y sentido común, para no acabar mal de la cabeza", matiza Isa Cea. Ahora se habla mucho de diversidad, pero también hay un gusto por lo normativo, por no salirse ni un poco de donde está todo el mundo. La diferencia es un buen sitio para mirarse a uno mismo y sentirse bien aunque seas diferente. Eso es lo que significa para mí esa frase", secunda Mallo.

Este sábado en las Vistillas tendrán la oportunidad de seguir demostrando por qué es una de las bandas con un sonido único en todo el indie rock español, de poner en escena Mi Catedral y lo que es más importante, de reunirse tanto con ese público que los lleva siguiendo desde hace años como con el nuevo que los ha ido descubriendo a través de su extendida influencia: “Lo que más me gusta de esta generación es que no tienen miedo a ser vulnerables. Antes eso estaba prohibido y creó mucha gente desgraciada por no saber expresarse. Ojalá eso sirva para mejorar cosas en la sociedad”, desea Isa al despedirse antes de ese concierto que, con reivindicaciones como las de VVV Trippin’ You o sin ellas, esperan con ansias. “Tocar en estas fiestas tiene algo especial, porque nuestros amigos nos contactan y parece una fiesta más de arraigo popular y de la gente tirándose a la calle, que es algo que en Madrid se ha ido perdiendo”.