La muerte de Shiva, la perrita de 17 años de Barby Franco y Fernando Burlando, provocó un profundo dolor en la familia, que la despidió con mensajes y fotografías compartidos en las redes sociales.

La modelo comunicó la noticia el sábado 20 de septiembre con una serie de imágenes que reunieron distintos momentos de Shiva junto a los integrantes de la familia. Entre ellas incluyó una foto de la perrita al lado de Sarah cuando era recién nacida, una escena que eligió para reflejar el lugar que tuvo en la vida cotidiana de la niña desde sus primeros días.

Barby Franco expresó su despedida con un mensaje breve dirigido a la mascota: “Volá alto, Shiva, te vamos a extrañar. Gracias por tu amor incondicional”. La publicación generó reacciones de afecto de sus seguidores, que acompañaron a la familia ante la pérdida.

La presencia de Shiva durante el embarazo y la crianza de Sarah

Franco recordó, en sus historias, que Shiva estuvo presente durante su embarazo y la crianza inicial de su hija. Según relató, la perrita compartió los primeros años de Sarah y construyó una relación particular con ella, por lo que su ausencia tiene un significado especial para todo el entorno familiar.

La modelo también difundió una imagen en la que Shiva aparece junto a otras dos mascotas. Con esa imagen, recordó a los animales que ya no están y escribió: “Ahora sí, ya están juntas. Jueguen, corran y ladren como lo hacían”. Con esa frase, la conductora vinculó la despedida actual con recuerdos de otros compañeros de la familia.

A sus 17 años, Shiva formaba parte de la rutina de Franco y Fernando Burlando. Las fotos publicadas por la modelo muestran distintas etapas de esa convivencia, desde el embarazo hasta el nacimiento y crecimiento de Sarah. La pareja suele incluir a sus animales en los contenidos que comparte en sus cuentas personales.

La despedida de Fernando Burlando

Horas después del mensaje de Franco, Burlando publicó su propio texto para despedir a Shiva. El abogado describió la tristeza que le provocó la pérdida y se refirió a la mascota como una presencia constante en su vida. “Me duele mucho el corazón”, escribió en sus redes.

El letrado definió a Shiva como “mi compañera, mi seguidora” y recordó el afecto que recibía de ella. En su mensaje, señaló que la perrita sostuvo ese vínculo a lo largo de los años, más allá de las características de su personalidad y de la dinámica de la familia.

“Hoy se fue una parte mía. Destrozado te despido. Sos nuestro ángel. Seguimos juntos”, escribió Burlando al final de su publicación. Sus palabras se sumaron a las imágenes de Franco y dejaron registro de la importancia que Shiva tenía para ambos.

Las imágenes de Shiva en las cuentas de Instagram

La noticia se conoció a través de las cuentas personales de Franco y Burlando, que eligieron imágenes familiares para recordar a Shiva. Las fotografías no solo muestran a la mascota junto a ellos, sino también con Sarah y con otros perros que formaron parte del hogar.

Franco cerró su recuerdo con la certeza de que Shiva será extrañada, mientras que Burlando expresó que la siente como una parte de sí mismo. Las publicaciones quedaron como el último homenaje de la familia a una mascota que los acompañó.

La secuencia de publicaciones permitió reconstruir la cercanía de Shiva con cada integrante del hogar. En las imágenes, la perrita aparece en situaciones familiares y junto a Sarah, a quien acompañó desde sus primeros días. Tanto Franco como Burlando eligieron recordar ese recorrido con mensajes personales, sin brindar detalles sobre las circunstancias de la muerte ni informar si habrá una despedida privada.

En una charla con Teté Coustarot para el ciclo Argentina de Película de América TV, Grandinetti repasó esa trayectoria desde un lugar personal. Habló de su vínculo con Rosario, de una adolescencia atravesada por el fútbol y del encuentro casual que lo acercó al teatro. También se refirió a su residencia actual, después de años de trabajos en España y otros países: “Vivo en Rosario, voto en Rosario”, resumió.

La conversación también recuperó Darse cuenta, el clásico de Alejandro Doria en el que Grandinetti participó al comienzo de su recorrido cinematográfico. Junto a Coustarot, el actor evocó el rodaje y el vínculo profesional que entonces compartió con Doria, el dramaturgo Jacobo Langsner y China Zorrilla, una combinación que volvería a cruzarse más tarde en Esperando la carroza. Para Grandinetti, aquellas convocatorias coincidieron además con el trabajo televisivo que realizó con Doria en Atreverse y Situación límite.

El fútbol, primer plan antes de la escena

Antes de imaginar una carrera sobre las tablas, Grandinetti tenía otro objetivo. “Yo iba a ser jugador de fútbol”, afirmó durante la conversación. Llegó a probarse en las divisiones de Newell’s Old Boys cuando tenía 17 años y jugó como delantero en el Club Atlético Williams Kemys, de Las Rosas, localidad santafesina donde vivió parte de su infancia.

Su aspiración era ocupar el puesto de número 9, aunque reconoció, con humor, que fue más suplente que titular. El lugar estaba ocupado por un amigo al que llamaban Pelusa y a quien describió como un futbolista de gran nivel. La posibilidad de continuar en el fútbol implicaba, sin embargo, reorganizar por completo su vida laboral y personal.

Grandinetti ya trabajaba y había dejado sus estudios. Cuando debía volver a firmar la documentación para seguir en el club, el teatro había empezado a ocupar un lugar central. “No fui más porque ya había empezado con el teatro”, explicó. Esa decisión terminó por definir el rumbo de una carrera que luego tendría presencia en cine, televisión y escenarios de la Argentina y España.

La invitación casual que lo llevó a su primera obra

El ingreso de Grandinetti a la actuación no respondió a un plan previo ni a una tradición familiar. Según relató, se encontró en Rosario con una amiga de Los Cardos, a quien no veía desde hacía tiempo. Ella estudiaba teatro y lo invitó a acompañarla a una clase.

El actor recordó que al principio se resistió, pero aceptó la propuesta para asistir un jueves. “El jueves fui y acá estoy”, dijo, al condensar en una frase el inicio de un recorrido de medio siglo.

Su primera experiencia escénica llegó con una versión de Tartufo, de Molière, junto a un grupo rosarino. El estreno previsto en Rosario debió postergarse para él debido a un cuadro de paperas que lo obligó a permanecer dos semanas en cama. Por esa razón, la primera función se realizó en la ciudad bonaerense de Lobos, en el marco de un festival de teatro. Poco después, pudo presentar la obra en Rosario.

Ese comienzo adquirió una nueva dimensión al preparar El escritor de todas las cosas. Grandinetti explicó que primero definió con Daulte la idea de estrenar en su ciudad natal y organizar luego una gira. Recién después reparó en que la fecha coincidía con los 50 años de su debut. La obra se estrenó el 7 de agosto en el Teatro La Comedia de Rosario y continuó por distintas provincias.

El monólogo presenta a un escritor y aborda los vínculos entre palabra, memoria y ficción. Grandinetti lleva adelante el unipersonal, mientras Daulte firma tanto el texto como la dirección. El itinerario incluyó funciones en Santa Fe, Casilda, Junín, Río Cuarto, Córdoba, Villa María, Salta, Tucumán y otras ciudades.

El actor señaló ante Coustarot que la gira le permite mantener un contacto directo con públicos de distintos puntos del país. En la entrevista se mencionaron presentaciones en Banfield, Pilar, Chascomús, Venado Tuerto, Pergamino, San Isidro, San Luis, Villa Mercedes, San Miguel, La Matanza y el noroeste argentino, además de sucesivos regresos a Rosario.

La peregrinación se realizó entre el sábado 19 y el domingo 20 de septiembre y convocó a miles de fieles en Corrientes. Según expresó la propia Gallardo en la publicación que acompañó el video, las autoridades estimaron que más de 400.000 personas participaron durante el fin de semana.

La diputada había proyectado realizar el recorrido desde el año pasado. Una prueba previa en la costanera modificó sus planes. En ese entrenamiento, contó, el dolor en la cadera le indicó que no estaba en condiciones de afrontar una caminata extensa.

Con lágrimas en los ojos, Virginia Gallardo relató que llevaba tiempo preparándose para cumplir una promesa personal vinculada a la peregrinación. “Estoy un poco triste porque desde el año pasado que me prometí hacer la peregrinación a la virgen y me preparé para que eso suceda”, dijo en el video difundido a través de su cuenta oficial de Instagram.

La exbailarina explicó que había salido a caminar por la costanera con el objetivo de evaluar su estado físico antes de emprender la travesía. Aunque se trataba de un circuito que consideraba accesible, el dolor se hizo presente durante el recorrido.

“La semana pasada salí a caminar por nuestra costanera, que no es muy larga y sabemos que no es muy difícil de completar un ida y vuelta, pero me empezó a doler mucho la cadera”, señaló. Ese episodio confirmó que debía evitar la exigencia física que supone acompañar a los peregrinos durante varios kilómetros.

Gallardo vinculó esas limitaciones a una intervención de glúteos a la que fue sometida en el pasado por Aníbal Lotocki. Sin dar detalles médicos en el mensaje de ese episodio en particular, explicó que desde entonces debió adaptarse a nuevas condiciones físicas.

“Desde que pasé por mi intervención mi cuerpo, mi tiempo y mis condiciones cambiaron”, afirmó Gallardo. La declaración puso el foco en el impacto que, según su relato, tuvo aquella cirugía sobre sus posibilidades para realizar actividades físicas prolongadas.

Gallardo sostuvo que procura mantenerse bien, pero reconoce los límites que tiene. “Siempre traté de estar bien, y lo estoy, pero sé mis limitaciones y caminar mucho es una de ellas”, expresó en el video que grabó y expuso en sus redes sociales.

En el mismo mensaje manifestó su deseo de haber compartido el trayecto con los fieles que llegaron hasta el santuario mariano. “Veo las imágenes de todos que con fe, fuerza, esperanza y convicción y me hubiera encantado estar ahí acompañándolos”, aseguró Virginia.

La Peregrinación Juvenil del Nordeste Argentino tuvo como destino la Basílica de Nuestra Señora de Itatí, uno de los principales puntos de devoción católica de la región. La convocatoria reúne cada año a personas que realizan el trayecto por motivos religiosos, promesas personales y expresiones de fe.

Aunque no pudo participar de esta edición, Gallardo dejó abierta la posibilidad de intentarlo cuando su condición se lo permita. “Algún día podré, voy a seguir intentándolo y me voy a seguir preparando para que pronto pueda peregrinar con ustedes junto a la casa de nuestra virgencita”, sostuvo.

Junto al video, publicó un texto en el que destacó el significado espiritual de la convocatoria. “Hay algo que todavía no perdimos: SEGUIMOS TENIENDO UN LUGAR HACIA DONDE CAMINAR”, escribió en mayúsculas.

La intérprete, que también participó de producciones como En el barro, La gaviota y Catedrales, explicó que el relato le propuso un reto particular: construir la transformación física y emocional de un personaje desde los 18 hasta los 32 años. Para eso trabajó con ensayos, una coach de actuación y una línea de tiempo que le permitiera ordenar cada etapa del proceso, junto a las directoras de la miniserie, Paula Hernández y Jazmín Stuart.

—¿Qué te atrajo de Cautiva y de la posibilidad de contar esta historia?

—Primero, la historia me pareció espectacular. Los libros, la directora, todo el equipo. Contar 14 años de una persona ya es un condimento muy desafiante, pero además se trata de alguien que crece en la tortura y el encierro. Era un desafío actoral absoluto.

—¿Cómo fue el trabajo previo para encarnar a Clara?

—Primero, mucho trabajo sola y con coach, meses antes de empezar a filmar. Me volví loca haciendo líneas de tiempo porque la serie acompaña el presente, pero también va al pasado, y ese pasado va avanzando. Para una actriz, ordenar esos tiempos es un quilombo. Era muy importante ser precisa, porque cada etapa tenía un cambio. Cada año que pasaba era como un nivel más de lavado de cerebro. Había que contar la transformación en el cuerpo y en la cabeza de una persona atravesada por la tortura.

—¿Investigaste el caso real que inspiró la ficción?

—Sí. Me enteré de este proyecto hace varios años porque los productores de la serie me habían contado que se estaban acercando a este caso. Es parte de nuestra historia y se sabe poco. Yo no tenía idea de este caso. Cuando llegó la audición, empecé a investigar. Hay mucha información en internet y videos de las personas reales. Después, con los libros, me fui enterando de más cosas.

—También pudiste hablar con Silvia Albarenque, la sobreviviente. ¿Qué significó ese encuentro?

—Sí, Silvia, la sobreviviente junto a Victoria, la productora, y eso para mí fue esencial. Se abrió muchísimo conmigo, me contó un montón de cosas y yo pude preguntarle otras tantas. “Esa charla para mí fue un tesoro”. Fue muy conmovedora.

—¿Ella acompañó y autorizó que su historia llegara a la pantalla?

—Sí, por supuesto, hubo una intención muy clara de preguntarle y de contar la historia con su consentimiento. Ella dijo que sí. Creo que hay una sensación de satisfacción en que el horror se convierta en algo más transformador.

—¿Sentís que pudo reconstruir su vida después de todo lo que atravesó?

—Creo que muchas cosas sí. La serie tiene una luz al final del túnel, habla de valentía, de recuperar la fe en una misma y de encontrar una red para salir de una situación de vulnerabilidad, violencia y tortura. Hay elementos ficcionales, porque no todo lo que aparece en la serie sucedió de esa manera, pero sí creo que ella pudo reconstruirse muy de a poco. Volvió a entender sus gustos, qué le gustaba comer, escuchar música o tener contacto físico desde una caricia y un abrazo. Son cosas que nos parecen comunes, pero para ella implicaban volver a vivir. Kopelioff señaló que “el cuerpo no puede borrar algunas situaciones y la mente tampoco”, pero por suerte pudo volver a encontrarse con ella misma.

La audición junto a Lorena Vega

—¿Qué sentiste cuando llegó la propuesta para hacer el casting?

—Tenía muchas ganas de hacerlo. Es una serie que yo vería como espectadora y eso no siempre pasa. Me gusta este tipo de historias y, además, saber que estaban Paula y Jazmín me generaba muchas ganas de trabajar con directoras a las que admiro profundamente. Me parecía un desafío enorme y sentía que quería atravesarlo. Primero hice un casting sola y después hice otro junto con Lorena Vega. Ahí hicimos un poco de trampa porque nos juntamos antes para prepararlo.

—¿Cómo fue ese encuentro con Lorena Vega?

—Encontramos un hueco imposible en nuestras agendas, un sábado temprano, y nos reunimos en un café. Nos conocíamos de otros trabajos, aunque no éramos tan cercanas. Fue como decirnos: “Dale, equipo, vamos a hacer esto juntas”. Después llegamos a la audición con esa energía, con ganas de quedar las dos y de hacerlo en conjunto. Sentirnos en equipo desde el comienzo fue el punto de partida.

—¿Dónde filmaron?

—En Buenos Aires, durante septiembre, octubre y parte de noviembre del año pasado. Para los exteriores buscaron lugares que dieran una sensación más de pueblo. El convento, por ejemplo, estaba en el medio del barrio de Flores, había que ocultar los edificios con croma para que no se vieran y el entorno pareciera otro. El equipo de arte construyó un convento, una locura. El vestuario, el maquillaje y el pelo fueron fundamentales para contar el paso de los 18 a los 32 años, con todo lo que sucede en el medio. Fue un trabajo enorme.

—¿En qué proyectos estás trabajando ahora?

—Estoy ocupada con los estrenos y voy a participar de algunos shows de Soy Luna porque me invitaron a formar parte de las fechas en el Movistar Arena, México y otros lugares. Me pareció un gesto muy lindo para agradecerle a la gente que sigue conectada con ese proyecto desde hace 10 años. También terminé hace dos semanas una película policial que filmé en Córdoba. Ojalá que lo próximo sea una historia de amor o algo un poco más relajado, aunque a mí me encanta hacer estos proyectos. Además, sigo con Un tiro cada uno, dirigida por Laura Sbdar y Consuelo Iturraspe Terminamos una temporada en Timbre 4 y en noviembre viajaremos 10 días a Europa para participar de festivales. Tener esa obra con mis amigas me da oxígeno y me permite seguir entrenando.

—¿Qué devoluciones recibiste tras las primeras proyecciones de Cautiva?

—Por suerte, a los periodistas que vieron la serie les gustó mucho. En la premiere se proyectó el primer capítulo y la gente estaba muy contenta. Con el equipo también hubo una recepción muy buena. Sí apareció mucho una palabra: “Fuerte”. Porque es una historia impactante e inquietante. Para mí tiene algo de terror psicológico, sobre todo hacia el final del primer capítulo.

A cielo abierto, con un elenco integrado por el español Luis Bermejo, Paula Reca y Felipe Saade, retrata el reencuentro entre Luis, un empresario, y Ana, una maestra, unidos por un pasado amoroso y separados por profundas diferencias ideológicas. La obra indaga en la tensión entre el deseo, las convicciones y la posibilidad de amar a quien piensa distinto En diálogo con Teleshow, Scápola habló de los límites que plantean los vínculos, su presente como actriz y directora, sus maestros y la importancia de construir equipos de trabajo.

—En “A cielo abierto” no hay villanos definidos. ¿Qué te resulta más desafiante de llevar esa ambigüedad a escena?

—Lo más interesante es que ninguno de los personajes baja línea. Los escuchás a los dos y cada uno tiene sus razones, su dolor y su manera de contar lo que vivió. Hay más víctimas que asesinos. Esa complejidad hace que la obra no se resuelva desde un lugar moral, sino desde los vínculos y las heridas que dejan.

—¿Y para vos, cuáles son los límites que no se pueden negociar en un vículo?

—Hay temas que me resultan infranqueables, como la política, la justicia social o la empatía hacia quienes son distintos a nosotros. Se puede tener una diferencia sobre cuestiones más livianas, pero hay una forma de mirar el mundo que para mí es fundamental. Me interesa pensar hasta dónde uno puede estar cerca de alguien que tiene valores muy diferentes.

—¿Qué te permite la dirección que quizá no encontrás cuando estás solamente arriba del escenario?

—Me encanta armar equipos y pensar la obra desde todos esos lugares. Es una parte del proceso que disfruto muchísimo.

—¿Qué detalle cotidiano te sirven para comprender a un personaje antes de interpretarlo o dirgirlo?

—Me gusta pensar en todo, qué lleva en la cartera, cómo se viste, qué comió, cómo se peina. Son datos que pueden parecer pequeños, pero ayudan a construir una vida. No puedo abrir una cartera en escena y que no haya nada: necesito que esos objetos cuenten algo de esa persona.

—¿Cuál fue el elogio que más te conmovió que te hayan dicho como directora?

—Que el equipo quiera ir a ensayar. Llegar al teatro y sentir que las personas la están pasando bien, que hay generosidad y ganas de trabajar juntas. El talento es indispensable, pero para mí también importa mucho que haya buenas personas y buenos compañeros. Esa es una de las cosas que más valoro.

—En un momento de menor producción de ficción, ¿cómo sostenés tu impulso como actriz?

—Hay menos trabajo como actriz, y eso se siente. Dirigir me permite seguir creando y no quedarme esperando a que suene el teléfono. Pero no siento que haya dejado de ser actriz: tengo un pie en cada lugar. La dirección me da otra posibilidad de trabajo, aunque actuar sigue siendo algo que amo profundamente.

—¿Cuándo entendiste que el teatro podía ser más que un juego de infancia?

—De chica yo vivía en el teatro por mi mamá, que además nos llevaba a ver muchas obras. También tengo recuerdos de jugar con mi hermana y amigos, de mirar las representaciones de las obras de Hugo Midón y volverme loca. En ese momento era disfrute; después se transformó en una elección y en una carrera. Mis maestros, como Agustín Alezzo y Julio Chávez, fueron muy importantes en ese camino.

—¿Qué recordás de esos años de formación con Agustín Alezzo y Julio Chávez?

—Agustín (Alezzo) fue mi primer maestro y me dio mucho amor por el teatro y curiosidad. Con Julio (Chávez) también aprendí muchísimo. Creo que esa formación alimentó una mirada de dirección que yo ya tenía incluso cuando actuaba: siempre estaba pendiente de cómo funcionaba el conjunto, de los detalles y de todo lo que acompañaba al personaje.

—¿Podés decir que no a determinados proyectos?

—Claro, no todos podemos hacer todo. Hay trabajos que no tienen que ver con una, con lo que puede dar o con la energía que puede poner ahí. Me ofrecieron varios unipersonales, por ejemplo, y no siempre sentí que fueran para mí. A veces no conecta el texto, a veces no se puede poner el alma o la creatividad en ese proyecto, y otras veces las condiciones no acompañan. A veces una se equivoca, por supuesto, pero también hay momentos en los que intuís que algo no es para vos. Poder reconocerlo es parte del trabajo.

—Además de dirigir, mencionaste proyectos recientes como actriz...

—Hice una obra con muchos actores que disfruté mucho, una película y un proyecto para Disney. También terminé de filmar una película para una plataforma, aunque todavía no puedo contar de qué se trata. Me entusiasma seguir actuando, aun cuando hoy haya menos ficción y las oportunidades sean más acotadas.

A cielo abierto

—La obra parte de una relación clandestina, pero elegiste leerla desde las diferencias profundas entre dos maneras de entender la vida. ¿Por qué?

—El autor contó que escribió la obra a partir de su interés por el mundo de los negocios y del dinero. A mí me interesó más pensarla desde los vínculos: si se puede amar o estar cerca de una persona que mira el mundo de un modo muy distinto al propio. Me parece una lectura más cercana a nuestro contexto y a las preguntas que hoy nos hacemos.

—¿Cómo te acercás a una elección que, en lo personal, no compartirías, como una relación paralela?

—Ella, el personaje de la obra, pudo hacerlo y lo cuenta con mucha naturalidad. A mí me resultaría imposible, me aburriría y no me interesa. Pero el personaje tiene su lógica y su historia. La obra no juzga a nadie: permite escuchar qué vivió cada uno y entender desde qué lugar tomó sus decisiones.

—Cuando forma un equipo para dirigir, ¿qué busca antes que nada?

—Busco talento, desde ya, pero también generosidad y buena convivencia. En esta obra pude proponer a Matías Sendón y Gonzalo Córdoba, con quienes ya había trabajado, y a Diego Steiner en la música. Me interesa rodearme de personas que tengan una mirada propia y que, a la vez, disfruten del trabajo con los demás.

—En los ensayos hay una costumbre tuya que suele llamar la atención...

—Soy muy de cuidar a mis equipos. Llevo facturas, budín o cualquier cosa para compartir porque me gusta que el ensayo sea un espacio agradable. Hay días mejores y peores, como en todos los trabajos, pero si existe un buen clima y las personas se sienten parte, eso también aparece después en el escenario.

—Con la obra ya en marcha, ¿qué esperás que le quede al público al salir del Teatro Regio?

—Me gustaría que se vaya con preguntas. Que pueda escuchar a los personajes sin buscar enseguida quién tiene razón, y que piense qué diferencias está dispuesto a aceptar en un vínculo y cuáles no. Para mí, esa conversación es el centro de “A cielo abierto”.

La conversación comenzó de manera distendida, aunque Ferro enseguida dejó en claro que en su familia las situaciones fuera de lo común no eran precisamente excepcionales. Mientras el actor intentaba contar que lo estaban cargando por un instrumento, el conductor lo interrumpió con un no rotundo. “¡No! No, no”, respondió Pergolini, antes de que Ferro lograra completar la idea y mencionara a un “hechicero”.

A partir de ahí, Pergolini recordó una historia que, según dijo, ya conocía. El conductor deslizó que Ferro quizá se la había contado en una conversación privada, una madrugada, cuando le habría advertido que no fuera a su casa porque sus padres estaban involucrados en “una cosa rarísima”.

Ferro intentó defenderse con humor. “Pero viste que uno dice cualquier cosa a esas horas también”, respondió. Pergolini, lejos de dar marcha atrás, sostuvo que a él esas frases le quedaban grabadas. Entonces decidió ir al punto y le preguntó si era verdad que sus padres creían o practicaban distintas corrientes espirituales.

La respuesta del actor no dejó lugar a dudas. “Sí, siempre”, afirmó. Cuando Pergolini quiso saber si esa inclinación correspondía a ambos, Ferro confirmó: “Los dos”. Acto seguido, resumió su situación con una frase que generó risas: “O sea que no había escapatoria”.

Los visitantes esotéricos eran parte de la vida familiar de Ferro

Ferro contó que su padre leía libros de Saint Germain y materiales de autoayuda, mientras que por el lado de su madre había una presencia constante de personas relacionadas con prácticas esotéricas. “Siempre había algún brujo, algún vidente, algún tarotista”, recordó.

Ante la mención de Carlos Castaneda, el actor hizo una diferenciación que marcó el tono de toda la charla. “Castaneda es casi palabras mayores al lado de algunos chantas que venían a casa”, lanzó entre risas. Pergolini quiso saber si esa mirada crítica era actual o si ya la tenía cuando era chico.

El intérprete respondió que las dos percepciones convivían. Había situaciones que le resultaban extrañas, aunque también reconoció que aquel ambiente tenía algo de puesta en escena. “Ahí yo creo que empezó a entrar también el mundo teatral, porque es muy teatral”, explicó.

Para ilustrarlo, Ferro recordó que acompañó a su madre a ver a tres mujeres que se presentaban como videntes. Según describió, una de ellas adoptaba una voz particular, mientras otra intervenía en la supuesta comunicación. El actor imitó el momento frente a las cámaras y el público estalló en risas.

“Hay mucho chantito”, comentó después, al retomar el tema del chamanismo. Sin embargo, aclaró que esa curiosidad no desapareció con el tiempo. Por el contrario, dijo que quedó como un “inquieto buscando” y que llegó a viajar a la selva para conocer chamanes y participar de ceremonias.

La ayahuasca, los ponchos y el veredicto de sus hijos

Ferro explicó que, durante una etapa de su vida, asistía a encuentros con ayahuasca los fines de semana. “Iba a tomar ayahuasca como si fuera La Bresh”, comparó, con una frase que sorprendió a Pergolini y provocó nuevas risas.

El actor contó que esa búsqueda espiritual tuvo consecuencias visibles en su vestimenta y en el clima de su casa. “Empiezan a aparecer mucho poncho peruano, mucho gorro”, recordó. Su hijo mayor, Toto, no recibía esos cambios con el mismo entusiasmo.

“Papá, por Dios, yo no puedo invitar a nadie, me da vergüenza”, le decía el joven, según relató Ferro. El actor agregó que en el hogar también habían empezado a circular telas de colores y tambores, una escenografía que reforzaba la incomodidad de sus hijos.

Pergolini le preguntó entonces si ya era padre en ese período. Ferro confirmó que sí y anticipó que había una imagen puntual que todavía conservaba con claridad. Pidió permiso para levantarse y recreó la escena en el estudio. El conductor aceptó participar y se puso en el lugar de Toto.

Ferro describió el cuadro: música brasileña, poncho, gorro y un baile intenso. En medio de esa interpretación, abrió los ojos y vio a sus tres hijos observándolo en silencio. Entonces llegó la frase que quedó como el remate de la anécdota.

“Papá, vos no te estás convirtiendo en un chamán, sos un mamarracho”, le dijeron. Pergolini reaccionó con rapidez y le señaló que sus hijos habían entendido la palabra “cringe” antes que él.

Ferro aceptó que el mensaje surtió efecto. “Empecé a sacar las telas de colores”, contó. Luego admitió que quizás estaba “un poco pasado”, mientras evocaba a Gal Costa, los gritos y aquella mezcla de referencias peruanas, brasileñas y esotéricas que sus hijos decidieron cortar de raíz.

El intercambio ocurrió en la tarde del jueves, después de que Suárez compartiera en Instagram varias fotos en bikini desde “La Casa de los Sueños”, como se conoce a la residencia de Nordelta que Mauro Icardi soñó con su ex Wanda Nara y que habita con su actual pareja. Las publicaciones generaron una serie de reacciones de usuarios que opinaron sobre su figura y también pusieron en duda su actividad laboral. La actriz respondió a algunos de esos mensajes con publicaciones propias, en las que se defendió sin rodeos de las críticas recibidas.

En sus historias de Instagram, Eugenia Suárez decidió referirse de manera directa a las observaciones sobre su cuerpo. Entre las frases que difundió, escribió: “No tendré cintura, pero estoy buenísima”. En otra publicación, defendió la posibilidad de descansar después de trabajar ininterrumpidamente por 25 años, y señaló que estaba feliz de pasar una tarde sin obligaciones.

“Sí, tengo dos granos acá y tengo una paleta chueca porque usé brackets y no me puse la contención, pero me rehúso a ponerme fundas o carillas porque me encanta ser natural. Así que no se gasten, hagan algo por ustedes y sean felices”, expresó la actriz mirando a cámara.

Al abordar el tema en televisión, Moria Casán consideró válida la respuesta de Suárez. “Me parece perfecto lo que hace y tiene la red social para hacer su descargo”, afirmó la conductora al comentar las publicaciones de la actriz y su actitud de no dejar pasar los mensajes que apuntaron contra su imagen.

La figura televisiva también se refirió a la vida personal de Suárez, que en las últimas semanas compartió momentos junto a sus hijos y su novio, que continúa sin contrato profesional para continuar su carrera de futbolista. “Ella empieza enumerando sus defectos y después se queda con lo positivo, que es divina, que la está pasando bomba con una de sus hijas y con Mauro Icardi”, expresó durante el ciclo.

Luego, Moria defendió el derecho de la actriz a tener una tarde libre. “Veinticinco años trabajando, ¿no merece tomar sol con su hija a las cinco de la tarde?”, planteó, dejando en claro que su postura no admite concesiones.

La conductora centró parte de su intervención en los comentarios que cuestionaban la silueta de Suárez. Casán destacó el aspecto de la actriz y rechazó que se la describiera con términos descalificadores. “Ella sabe que su cara es su marca registrada. La ves y te cachetea con la genética. ¿Dónde se ve cuadrada esta chica?”, dijo.

También puso en duda la relevancia de los señalamientos sobre características físicas. “¿Qué tiene que ver la celulitis, la cintura?”, preguntó al aire. Su postura se apartó de los mensajes sobre la apariencia de Suárez y llevó el debate hacia las formas de interacción en redes.

En ese contexto, Casán lanzó una frase que generó risas en el estudio y se replicó en redes: “Yo me imagino los fandoms, los randoms, ¡lo que deben ser! ¡Los kilómetros de celulitis! Los monstruos. Dios mío, la monstruosidad de los seres humanos”, reflexionó haciendo gala de su lengua karateka sobre uno de los aspectos más debatibles de las redes sociales: el de los haters, que intervienen con agresiones o descalificaciones desde cuentas anónimas o perfiles dedicados a denostar a figuras públicas.

El panelista había comenzado a hablar de los nuevos tatuajes que se realizó en las últimas semanas, varios de ellos ubicados en las manos y los brazos. Entre los diseños, también incluyó el año de nacimiento de su madre, 1974. Sin embargo, había reservado uno dedicado especialmente a su compañera de trabajo en Solo con Niki.

“Te quería mostrar uno más que me hice que te va a sorprender”, le anticipó Otero a Nicole Neumann antes de descubrir la inscripción que llevaba debajo del hombro. La frase elegida remitió de inmediato a uno de los momentos más recordados de la carrera televisiva de la conductora.

El tatuaje reproduce la expresión “El rock es una cuestión de actitud”, que Nicole Neumann pronunció durante la entrega de los Premios MTV Latinoamérica de 2007. En aquella ceremonia, la modelo presentó una terna vinculada al rock y la forma en que dijo la frase pasó a circular durante años en redes sociales.

Con el tiempo, el fragmento se volvió un meme dentro de la cultura pop argentina. La escena volvió a ser compartida en múltiples oportunidades, especialmente entre usuarios que retomaron el tono con el que Neumann presentó el premio.

Juan Otero fue al estudio de tatuajes con la decisión tomada de llevar esa frase en la piel. Ya en la sesión, sumó otros dibujos hasta completar siete en total. La elección tuvo un componente personal, ya que el joven trabaja junto a Neumann en Solo con Niki. El vínculo cotidiano que construyeron al aire llevó a que el panelista convirtiera una frase histórica de la conductora en un homenaje permanente.

Al ver el tatuaje, Nicole Neumann reaccionó con sorpresa, levantó la voz y se acercó a abrazar a Juan Otero. La conductora no esperaba que una frase suya, nacida casi dos décadas atrás en una premiación musical, fuera a quedar estampada en el brazo de su compañero.

“No lo puedo creer, es espectacular, sos muy genial. Sos un ícono”, le dijeron durante el momento compartido en el programa. Gegé Neumann también intervino en el intercambio, mientras su hermana intentaba procesar la situación frente a las cámaras. La impresión por el gesto de Otero marcó la escena y generó risas, abrazos y comentarios sobre la vigencia de aquella frase de 2007.

“Me muero. Quedó espectacular”, sostuvo Neumann al observar con detenimiento la inscripción en la parte superior del brazo.

Además del mensaje dedicado a Nicole Neumann, Juan Otero mostró otros tatuajes recientes relacionados con aspectos personales.

La decisión de combinar referencias familiares con un guiño a su trabajo en televisión expuso el sentido que el joven le dio a esta tanda de tatuajes. En su caso, la frase que se volvió popular en internet pasó del archivo audiovisual a una marca permanente en su cuerpo.

El episodio también volvió a poner en circulación el recordado video de los Premios MTV Latinoamérica. A casi 20 años de aquella presentación, la línea de Nicole Neumann continúa identificándose con un momento de la televisión argentina que conservó circulación en redes y espacios de entretenimiento.

Reato, uno de los analistas vinculados al programa y participante habitual de los debates, también planteó que la apuesta por una casa con personalidades ya conocidas tuvo consecuencias en el ritmo y la producción del ciclo.

“Esta temporada fue cansadora, muy larga y también muy irregular”, sostuvo el periodista al hacer un repaso de la competencia. Según explicó, la convivencia de participantes con exposición previa implicó desafíos distintos a los de las ediciones tradicionales.

Para Ceferino Reato, armar un elenco con figuras conocidas condiciona el funcionamiento de un formato que depende, en buena medida, del aislamiento y de la adaptación de sus participantes a reglas estrictas. “Es difícil producir una casa de famosos. Los famosos tienen inquietudes”, expresó durante la emisión, para diferenciar a los anónimos que buscan en Gran Hermanoel ascenso meteórico a la fama.

Su observación apuntó a la duración de Gran Hermano Generación Dorada, pero también a una cuestión de estructura. Las temporadas con concursantes anónimos, según su punto de vista, ofrecen un marco más definido para el juego, ya que los integrantes llegan sin una carrera pública consolidada ni compromisos externos asociados a esa notoriedad.

Reato no cuestionó de manera personal a quienes formaron parte de esta edición. Sin embargo, dejó en claro que su preferencia está lejos de las variantes con celebridades y de los recursos que modifican el recorrido original de los jugadores.

“Yo prefiero el formato más tradicional”, afirmó. Luego precisó qué elementos considera centrales para sostener el interés del público: “Seres anónimos con reglas bien claras”.

En ese marco, señaló algo que volvió a poner el foco en una de las decisiones más discutidas de la temporada. “Prefiero que la expulsada no pueda volver”, manifestó, en alusión a las instancias que permitieron reingresos o cambios de situación dentro de la casa.

La expulsión y los regresos, en el centro de la discusión

La declaración de Reato expuso una mirada estricta sobre las reglas de Gran Hermano. Para el analista, una expulsión debería cerrar de forma definitiva la participación de un concursante, sin posibilidades de retorno que alteren el tablero de la competencia.

“Me parece más atractivo a mí personalmente”, completó Reato, al dejar en claro que se trataba de una apreciación propia sobre cómo debería funcionar el programa.

La temporada de Telefe había generado comentarios desde sus primeras semanas por la presencia de figuras conocidas y por las decisiones tomadas a lo largo de la competencia. La final, con Solange Abraham y Yipio Pintos como protagonistas, terminó de instalar el debate sobre qué tipo de participante busca premiar el público y qué límites debería tener el formato.

Más allá de sus reparos sobre la edición, Reato se detuvo en la definición entre las dos finalistas. En ese tramo de su análisis, felicitó a Abraham y a Pintos, a quienes describió como perfiles muy distintos dentro del programa.

“Felicitaciones a las dos. Yo creo que son muy distintas, pero también es interesante lo que viene de la sociedad, lo que premia”, comentó. Su reflexión giró alrededor del recorrido de Sol Abraham, quien durante buena parte de la competencia ocupó un rol confrontativo que algunos espectadores asociaron con el de una villana.

Para Reato, el resultado tuvo un significado particular porque ese tipo de perfil no suele imponerse en el desenlace de Gran Hermano. “Era muy difícil para una villana ganar Gran Hermano; esta vez lo ha ganado y eso quiere decir mucho”, dijo sobre la ganadora.

El dúo se presentó en la segunda temporada del ciclo conducido por Guido Kaczka, donde conviven algunos famosos con participantes de la primera edición, como el caso de Peralta. La elección del tema popularizado por Andrea Bocelli y Marta Sánchez exigía sostener una melodía conocida, construida como un diálogo entre dos voces, algo que lograron los jóvenes artistas al juzgar por los comentarios recibidos tras finalizar la interpretación.

Jimena Barón fue la primera en tomar la palabra y dirigió su devolución a Peralta. La jurado destacó tanto su rendimiento vocal como la seguridad que transmitió durante la interpretación. “Ailén, yo lo voy a decir: sos espectacular. Sos como la canción ya editada. Es impresionante, de verdad”, expresó.

La devolución de La Cobra se extendió más allá del aspecto técnico de la presentación. Frente a la participante, remarcó su impacto arriba del escenario y sumó una frase que rápidamente se convirtió en uno de los momentos más comentados del programa: “Yo lo puedo decir: sos una diosa, bomba sexual. Mirá lo que sos”.

Cabe mencionar que la canción fue lanzada originalmente por Andrea Bocelli y Giorgia, aunque en el ámbito hispanohablante tuvo amplia difusión a partir de la versión que grabaron el italiano con la española Marta Sánchez. En el certamen, la propuesta musical puso el foco en el cruce de ambas voces. Peralta recibió nuevamente una respuesta favorable del panel, que ya había reconocido su desempeño en otras emisiones. La concursante viene de protagonizar varios momentos destacados en la temporada, de acuerdo con las emisiones difundidas por el canal.

Después de la intervención de Barón, Abel Pintos también se refirió a la actuación de Peralta. El cantante valoró la continuidad de su desempeño dentro del programa y señaló que la participante mantiene un nivel que le da motivos para reiterar sus elogios.

“Estoy harto de deshacerme en halagos hacia vos, Ailén, y te lo agradezco, porque cada vez me das más razones”, manifestó el músico durante la devolución. La frase del bahiense situó a Peralta entre las participantes que logran sostener una buena recepción del jurado a lo largo de las galas.

En un formato que combina las interpretaciones individuales y compartidas. El reconocimiento a la concursante se produjo en una noche en la que el dúo debió abordar una canción de gran exposición. Vivo por ella demanda coordinación entre los intérpretes, cambios de intensidad y atención a las entradas de cada voz. En ese contexto, la actuación generó reacciones positivas de dos de los integrantes del panel.

La devolución de Abel Pintos incluyó, a su vez, un comentario específico para Luciano Kahla. El jurado le técnica a trabajar especialmente. “Luciano, me gusta mucho tu forma de cantar. Lo tenés todo y ya podés confiar en eso de pleno. Sí, estate atento al tempo, porque te me ibas un poquito de métrica”, señaló Pintos.

El artista explicó que esa observación estaba relacionada con la expresividad de la interpretación. Para el jurado, el esfuerzo de Kahla por mantener la corrección técnica pareció incidir en la emoción que transmitía durante algunos pasajes de la canción. “Lo que te digo de la confianza es porque, por momentos, sentía que todo lo que estabas dando para que sea correcto le bajaba un poco al sentimiento”, completó Abel Pintos.

La devolución dejó una valoración diferenciada para cada integrante del dúo. Mientras Peralta concentró elogios por su voz y presencia escénica, Kahla obtuvo un reconocimiento a sus aptitudes junto con una indicación concreta para sus próximas apariciones.

El intercambio ocurrió durante una conversación de cierre sobre los más de 200 días de convivencia, en una edición que terminó el 16 de septiembre con Abraham como ganadora. Sol obtuvo el 51,8% de más de 30 millones de votos de la final, mientras que Yipio quedó en segundo lugar con el 48,2%.

Del Moro llevó la charla al eje que atravesó buena parte de la temporada: el enfrentamiento entre Yipio y Sol. “¿No sentís que jugaste por momentos para hacer grande el personaje, la jugadora de Sol dentro y afuera de la casa?”, le planteó el conductor. También marcó una diferencia que, según su mirada, resultaba central: Abraham no parecía hablar de Yipio y sus aliados con la misma frecuencia con la que el otro sector de la casa la mencionaba a ella.

La respuesta de Yipio no fue la de una jugadora que negara el conflicto. Reconoció que Sol ocupó un espacio importante en sus conversaciones y explicó el motivo. “Sol para mí representa un tipo de juego que yo no apoyaba, no quería”, afirmó, antes de que Del Moro la interrumpiera con una pregunta concreta: por qué no había elegido ignorarla.

La concursante respondió que la convivencia no le permitió adoptar siempre una posición racional. “Me generaba cosas y yo jugué mucho con el corazón en esa casa”, señaló. Su explicación dejó al descubierto una de las claves de su recorrido: la fortaleza que encontraba en sus vínculos también podía convertirse en un punto vulnerable cuando interpretaba que alguien de su entorno estaba involucrado en una disputa.

Durante la charla, Yisela Pintos dijo que entendió tarde cuál había sido su principal dificultad dentro del reality. “Mi talón de Aquiles era la gente que yo quería”, expresó. A partir de esa lectura, sostuvo que su mejor momento frente a Sol fue cuando decidió no responderle ni involucrarse en los cruces.

“Cuando quedé sola me di cuenta de que ignorarla era la mejor opción”, relató. Del Moro le recordó que hubo un período en el que, efectivamente, la ignoró. Yipio coincidió y explicó que esa decisión le resultaba cómoda: dijo que se divertía, que le hacía bien y que, al no reaccionar, comprobaba que el conflicto perdía fuerza.

Sin embargo, señaló un límite. “Cuando se metía con la gente que yo quería”, dijo. La frase resumió una forma de transitar el juego que, según ella misma admitió, estuvo más ligada a la lealtad y al afecto que a la distancia estratégica.

Ese perfil se reflejó en una temporada con avances, retrocesos y cambios de alianzas. Yipio debió dejar temporalmente la casa por un problema de salud de su madre y volvió al programa a través del repechaje, con el 35,6% de los votos del público. Tras su regreso, integró uno de los grupos con mayor peso dentro de la convivencia.

El momento más sensible del diálogo llegó cuando Del Moro puso sobre la mesa una imagen reciente. Sol había regresado conmovida después de ver a su familia y a su hija. Para el conductor, Abraham se acercó a Yipio con la intención de darle un abrazo, en busca de contención tras el encuentro.

Del Moro le preguntó directamente si había percibido ese acercamiento. Yipio respondió que no. “No, no me di cuenta”, contestó. El conductor repreguntó, sorprendido, pero la participante mantuvo su versión.

La tensión entre ambas no fue un episodio aislado. La rivalidad comenzó durante el primer mes de competencia y se mantuvo hasta los últimos días. En paralelo, Yipio atravesó otros conflictos, incluido el distanciamiento de Pincoya, una aliada con la que terminó enfrentada en una instancia de eliminación.

La comediante uruguaya llegó al mano a mano definitivo tras superar dos duelos directos en las galas de eliminación. En la última semana dejó atrás a Luana Fernández y luego se aseguró el pase a la final cuando Charlotte Caniggia terminó tercera.

Además del segundo puesto y los $20 millones destinados a la subcampeona, Yipio obtuvo dos viviendas prefabricadas: una por un desafío anterior y otra por su clasificación a la final.

La conductora será una de las 24 figuras que competirán en el ciclo de Telefe conducido por Wanda Nara, cuya vuelta a la pantalla está prevista para el 21 de septiembre. Antes del comienzo de las emisiones, los participantes realizan prácticas organizadas por la producción para familiarizarse con algunas técnicas básicas de gastronomía.

Tagliani eligió llevar el entrenamiento a su propio registro. En lugar de mostrar una preparación compleja, grabó una escena doméstica en la que exhibió un plato de tallarines con salchichas y lo presentó como una alternativa práctica para resolver una comida familiar.

La receta de fideos y salchichas como anticipo del certamen

El clip comienza con Tagliani frente a cámara, mientras sostiene la elaboración con sus manos. “Bueno, ya tengo mi plato preparado. Cocina fácil para la mujer rápida. Este es un plato de fideos con salchichas”, dijo en el video difundido en sus redes sociales.

En la grabación, el chiste se apoya en la distancia entre la presentación grandilocuente de la receta y los ingredientes elegidos. Tagliani mostró salchichas enrolladas sobre los fideos y explicó, con ironía, que había pensado opciones diferentes para adultos y niños.

“Salchichas para adultos y las salchichas para niños”, expresó antes de agregar que, para los más chicos, había decidido dejarlas en agua “hasta que exploten”. La frase fue parte de la secuencia cómica con la que describió el método de cocción.

La conductora también remarcó que su propuesta evitaba el uso de cubiertos para cortar los ingredientes. “Además, no necesitás usar cuchillo, y también le podés agregar la mayonesa o el aderezo que quieras”, sostuvo.

Los 24 participantes de televisión, música y deporte

La presencia de Lizy Tagliani en el certamen fue confirmada a fines de agosto, cuando se conoció que compartiría la competencia con la periodista Josefina China Ansa. Ambas fueron anunciadas como incorporaciones de la próxima edición en la pantalla de Telefe.

El programa reunirá a personalidades de distintos ámbitos. Entre los nombres difundidos figuran Alejandro Lerner, Campi, Diego Ramos, Edith Hermida, Elizabeth Vernaci, Grego Rossello, Hernán Coronel, Julieta Poggio, Julieta Nair Calvo, Karina Mazzocco, Luciana Geuna, Luck Ra, Marta Fort, Morena Beltrán, Nazareno Casero, Pablo Giralt, Pablo Migliore, Pachu Peña, Paula Trápani, Rocío Robles y Sebastián Presta.

Mike Amigorena fue la última incorporación confirmada al elenco, tras la baja de L-Gante. El actor, conocido por su trayectoria en ficción televisiva, se suma al listado de participantes y completa el cupo previsto para esta edición. Su ingreso fue anunciado en los días previos al estreno, luego de que el cantante de cumbia 420 desistiera de su participación.

La competencia contará con 24 concursantes. La instancia previa de preparación busca que los participantes lleguen con nociones sobre fileteado, elaboración de salsas y masas, entre otros recursos que suelen formar parte de las pruebas.

Para Tagliani, el ciclo significará una nueva aparición en las cocinas televisivas, aunque esta vez desde el lugar de competidora. La humorista había participado antes como invitada en el formato, pero ahora deberá someter sus platos a la devolución del jurado.

Cabe destacar que la reciente temporada de MasterChef Celebrity tendrá nuevamente a Wanda Nara en la conducción. El panel estará integrado por Damián Betular y Germán Martitegui, junto con la incorporación de Maru Botana, cocinera y conductora de televisión. La llegada de Botana modifica la conformación del jurado respecto de temporadas anteriores.

Amigorena fue la última incorporación a la nueva edición del reality, después de que Telefe confirmara que Elián Valenzuela, conocido como L-Gante, no formará parte del programa. La señal comunicó la baja del músico el 14 de septiembre, tras varios días de versiones sobre su ingreso.

“Estoy súper entusiasmado, la verdad”, contó Amigorena a Teleshow sobre esta nueva experiencia televisiva. Su vínculo con la gastronomía, explicó, existe desde un lugar más íntimo y relajado: el de cocinar para las personas cercanas, sin la presión de una cuenta regresiva ni una devolución inmediata frente a las cámaras.

“Tengo mucha afinidad con la cocina, pero bueno, no soy cocinero”, reconoció. Esa aclaración funciona casi como una declaración de principios ante un desafío que suele poner a los participantes frente a preparaciones técnicas, consignas inesperadas y la exigencia de presentar un plato completo en poco tiempo.

En su caso, hay un territorio que ya identifica como pendiente. “Estoy dispuesto a aprender pastelería, que es lo que menos hice”, señaló. Entre masas, cremas, puntos de cocción y presentaciones milimétricas, ese rubro aparece como una de las materias que deberá rendir dentro de la competencia.

Los pescados, los guisos y las salsas son sus platos de batalla

Si la pastelería representa la zona por descubrir, los pescados, guisos, cazuelas y salsas son los sabores con los que Amigorena se siente más cómodo. “Muero por ellos”, enumeró, con una lista que deja ver una inclinación por las preparaciones de cocción paciente, fondo de sabor y cuchara lista.

Sin embargo, en MasterChef la paciencia no siempre cotiza alto. El formato obliga a resolver platos bajo consignas precisas y tiempos acotados, un contraste que el actor detectó de inmediato. “Es un gran desafío para mí porque no es lo mismo cocinar con todo el tiempo del mundo para amigos que cocinar en una hora para un jurado”, comparó.

La incorporación de Mike Amigorena suma además una figura con experiencia en la exposición televisiva, aunque el escenario gastronómico plantea reglas propias. El manejo de cámara puede ser un aliado, pero no evita las devoluciones ni reemplaza la precisión que pide una receta. La hornalla, a fin de cuentas, no negocia con el carisma.

En diálogo con este medio, el actor también se refirió al grupo de participantes que compartirá la competencia. “El elenco me parece súper ecléctico”, definió, antes de reconocer que conoce y quiere a varias de las figuras que estarán en las cocinas.

Esa cercanía, lejos de anticipar treguas, parece reforzar su intención de asumir el juego con compromiso. “Quiero mucho a varios participantes, así que no queda más que ponerle el cuerpo y las ganas para entretener”, expresó. En un programa donde las alianzas informales conviven con la lógica de eliminación, los vínculos personales deberán soportar degustaciones, desafíos y resultados que no siempre caen bien.

La frase “ponerle el cuerpo” adquiere una dimensión particular en un certamen culinario: hay que cortar, mezclar, probar, emplatar y sostener la tensión hasta el momento en que el plato llega a la mesa de evaluación. La cocina puede ser afectiva, pero la competencia tiene otro pulso.

Luego amplió su postura con humor: “El jurado: una incógnita, jajaj”, dijo sobre quienes tendrán la última palabra respecto de sus preparaciones. Lejos de mostrarse intimidado, eligió tomarse la situación como parte del desafío y hasta dejó planteada su estrategia para atravesar las evaluaciones.

“Pero bueno, saben y habrá que conquistarlos”, afirmó a Teleshow. La frase admite varias lecturas dentro de la dinámica de MasterChef: conquistar con técnica, con sabor, con un plato bien ejecutado o, si el resultado lo permite, con la simpatía que el actor suele desplegar en pantalla.

Tras finalizar la canción, el cantante del ciclo conducido por Guido Kaczka expresó de inmediato lo que le había provocado la presentación. “Estoy emocionado, de verdad. Tengo la piel de pollo”, dijo frente a los participantes y las cámaras, antes de dirigirse a Birman con una declaración que marcó el tono de la devolución.

“Alan, te amo y te admiro. Vos trajiste algo emocionante acá”, sostuvo Pintos. El artista valoró el desempeño del concursante y también destacó el aporte de Desia, cuya voz acompañó la versión de uno de los temas más conocidos del dúo integrado por Lucía y Joaquín Galán.

La elección de “Pega la vuelta” puso a los participantes ante una canción construida sobre el intercambio entre dos voces, un formato que permitió a la pareja desarrollar una puesta basada en la tensión y el diálogo que plantea la letra original. Birman y Desia compartieron el centro de la escena durante toda la actuación y cerraron su número entre aplausos.

La respuesta del jurado fue favorable desde el comienzo. La presentación de los jóvenes consiguió el respaldo de los cuatro integrantes de la mesa evaluadora, que coincidieron en señalar las condiciones vocales de ambos y el efecto que tuvo la interpretación dentro del estudio.

Abel Pintos se mostró conmovido por el resultado. Su frase, “Tengo la piel de pollo”, se convirtió en uno de los pasajes centrales de la emisión por la espontaneidad de su reacción. El músico, que suele poner el foco en la conexión entre los concursantes y el repertorio que eligen, afirmó que Birman había llevado una cuota de emoción al programa.

José Luis “El Puma” Rodríguez también dedicó palabras de reconocimiento al concursante. El cantante venezolano resaltó el potencial de Birman y consideró que se trata de una voz con proyección dentro del certamen.

“Un diamante que hay que pulir y que va a dar mucho que hablar”, manifestó el jurado al referirse al joven. La frase fue una de las devoluciones más contundentes de la noche y reforzó el clima de aprobación que generó la dupla luego de interpretar el tema de Pimpinela.

Por su parte, Joaquín Levinton eligió el humor para expresar su opinión. El líder de Turf destacó las capacidades del participante con un comentario que provocó risas en el estudio: “Lo tenés todo, Dios te dio todo, a nosotros nos re cagó, pero a vos no”.

La gala tuvo otro momento sensible con la presentación de Anaís Castro y Ulises Machoquis, quienes interpretaron “Estoy enamorado”, la canción de Donato y Estéfano. En esa oportunidad, el Puma Rodríguez asoció la melodía con un recuerdo de su vida personal y relató por qué el tema ocupa un lugar especial en su matrimonio.

“Esta es la canción que pone mi esposa cuando vamos en el auto en Miami. Es de Donato y Estéfano y me llegó al alma, mucho”, confesó el artista, conmovido luego de escuchar a los participantes.

El jurado explicó que la interpretación lo llevó mentalmente a esos viajes junto a su mujer. “Me trasladé a Miami, al auto con mi mujer... ¡Qué cosa maravillosa! Siento que estoy vivo”, agregó antes de felicitar a la participante por su talento y de reivindicar, una vez más, la magia que tiene la música.

La humorista relató que, según su versión, la situación se modificó recientemente luego de que el hombre accediera a enviarle $60.000 por semana. La artista evitó dar detalles sobre el vínculo con su expareja y remarcó que no busca hablar mal de él frente a su hija, Isabella.

Fue entonces cuando Carmen Barbieri quiso saber si ella había pedido formalmente ese aporte. La Chepi respondió de manera afirmativa y explicó que la novedad era reciente: “Ahora se copó y me tiró sesenta mil pesos”. Ante la sorpresa generalizada entre quienes estaban presentes en el estudio, precisó que se trataba de una suma semanal.

La conversación comenzó cuando Daniela La Chepi se refirió a una historia que, según señaló, contó en otras oportunidades. “Yo siempre repito la misma historia porque no miento en nada”, sostuvo ante la consulta de la conductora sobre la manutención de su hija.

La actriz afirmó que desde el nacimiento de la nena no había recibido colaboración económica de parte de su padre. “Desde que nació la nena hasta antes de ayer, yo nunca recibí un peso. Ahora sí”, expresó.

La actriz no brindó precisiones sobre la modalidad del acuerdo, si existe una instancia judicial abierta o si el aporte quedó establecido de manera formal. Prefirió no dar más detalles, al menos por ahora.

Durante la entrevista en canal 9, Barbieri le preguntó si había acudido a abogados para reclamar los alimentos. La Chepi indicó que sí lo había hecho en el inicio del conflicto, aunque planteó que no encontró una respuesta efectiva.

Cuando la conductora sugirió que la ley no la había amparado, la artista respondió: “No”. También describió el desgaste que le produjo la situación y cuestionó la falta de herramientas para exigir el cumplimiento de la obligación de parte del padre de su hijo.

La artista no profundizó sobre eventuales reclamos judiciales, montos adeudados ni medidas que pudiera haber solicitado. Sí dejó claro que el reciente envío de dinero representa un cambio respecto de los años anteriores.

Más adelante, Carmen Barbieri destacó que La Chepi no se expresaba de forma negativa sobre el padre de la niña. La humorista sostuvo esa postura con firmeza: “Nunca hablé mal ni de él ni voy a hablar”.

La conductora también consultó por el contacto entre la adolescente y su papá. Según contó su madre, en su hija la que toma las decisiones según sus deseos. “Ella lo ve muy poco. Ahora tiene doce y decide cuándo ir y cuándo no ir”, explicó.

La cantante y actriz, reconstruyó parte de la dinámica familiar y señaló que, en un momento, el padre de la menor había formado otra familia. Sin mencionar nombres ni precisar cuántas personas integraban ese entorno, dijo que el costo de sostener esa estructura incidía en el vínculo con su hija.

“Isa iba mucho con su padre, después dejó de ir por temas que ocurrieron”, afirmó, sin dar mayores detalles sobre esas situaciones. Luego, agregó que cuando el hombre se separó, la nena perdió interés en continuar con las visitas porque ya no estaban algunas de las personas con las que compartía tiempo allí.

La comediante insistió en que no pretende trasladarle el conflicto a su hija. Frente a la observación de Barbieri sobre la ausencia de enojo en su relato, respondió con una frase breve: “Ya está”.

La actriz anunció la renovación del emprendimiento en Instagram: “Nos renovamos por completo y estamos muy felices de compartir esta nueva etapa con ustedes”.

Wons explicó que la propuesta seguirá enfocada en objetos y artesanías seleccionadas, “Seguimos creando y seleccionando objetos únicos, de esos que tienen algo especial y que queremos que descubran de a poquito”, escribió en su cuneta de Instagram.

El relanzamiento presentado en redes sociales añadió una línea de vinchas con flores y combinaciones de colores para la primavera. Las piezas se integraron a una propuesta que mantiene el foco en artículos seleccionados y elaborados en series reducidas.

La publicación de Instagram mostró que la renovación abarca la identidad visual y la selección de artículos de la marca. El anuncio también retomó el tono artesanal con el que se inició el proyecto, ligado al trabajo manual y a la elección de materiales.

Para la actriz, Un pez funciona como una actividad paralela que puede sostener en los períodos en que no tiene un contrato actoral. En su entrevista de 2024, explicó que la discontinuidad laboral del sector influyó en la decisión de desarrollar una fuente de ingresos propia. Esa experiencia incluyó la producción de objetos, la búsqueda de insumos y la capacitación para administrar un emprendimiento junto a otra persona.

La propuesta combina artículos textiles y accesorios. Los almohadones abrazables fueron el punto de partida, mientras que los sujetadores y las vinchas ampliaron el catálogo con piezas de menor tamaño. La referencia de Wons a Once da cuenta de que parte de la tarea inicial consistía en recorrer comercios de la zona para comprar telas y elementos decorativos destinados a cada producto.

Con el relanzamiento, la marca vuelve a poner el foco en esa línea de trabajo. La actriz comunicó que seguirá creando y seleccionando objetos para incorporarlos de manera gradual. La línea de vinchas con flores aparece como la primera novedad que dio a conocer en esta nueva fase de Un pez.

El emprendimiento de Mirta Wons como ingreso complementario a la actuación

La actriz contó durante su paso por el programa de Juana Viale en 2024 que creó el negocio como una alternativa laboral complementaria a la actuación. “Tengo un emprendimiento, yo soy una chica de manualidades. Soy actriz y estoy feliz con la obra que estamos haciendo, pero viste que los actores tenemos que tener un plan B, justamente porque trabajamos un mes y tres no, con suerte”, afirmó.

La actriz también se refirió al recorrido del proyecto junto a su socia y a las dificultades para sostenerlo. “Cuesta porque a los emprendedores no nos banca nadie. Veníamos bárbaro con mi socia. Nosotros empezamos esto en 2019 antes de la pandemia, felices, haciendo cursos como emprendedora”, agregó.

El primer producto de Un pez fueron almohadones abrazables de distintos estilos. “Empezamos haciendo almohadones, para luego pasar a los sujetadores. Yo vivía en Once, que me encanta para comprar telas y pompones”, recordó.

El proyecto se puso en marcha antes de la pandemia de coronavirus, un período que alteró la actividad comercial y obligó a muchos emprendimientos pequeños a reorganizar su producción y sus ventas. Wons señaló que, en sus primeros años, ella y su socia hicieron cursos vinculados a la actividad emprendedora mientras definían la identidad de la marca.

La actriz explicó que el aumento de los insumos fue uno de los obstáculos que enfrentaron para mantener la iniciativa. La compra de telas, pompones y otros materiales formaba parte de la elaboración de las primeras piezas, que tenían un componente artesanal y se diferenciaban de los productos industriales.

Las imágenes circularon rápidamente en las redes sociales y reunieron Miles de reacciones. En el video, que dura poco más de un minuto, Cambiasso comparte la pista con Victoria en una coreografía que combina distintos estilos tropicales. La coordinación entre ambos y la soltura del exmediocampista llamaron la atención de quienes presenciaron el evento y de los usuarios que replicaron la filmación.

Lejos del fútbol profesional desde hace varios años, el exjugador de la Selección Argentina, Real Madrid e Inter de Milán volvió a quedar en el centro de la escena, esta vez por su desempeño como bailarín. Su participación tuvo lugar en la ciudad italiana donde desarrolló gran parte de su carrera deportiva y en la que mantiene un fuerte vínculo personal y profesional.

La presencia de Victoria no fue casual. La hija del exfutbolista se formó en danza desde pequeña y orientó su actividad hacia géneros como la salsa y el merengue. Con el tiempo, comenzó a competir en certámenes internacionales y a mostrar sus coreografías en distintos escenarios especializados.

Aunque su apellido la vinculó desde siempre con la exposición pública, Victoria eligió mantener un perfil reservado en lo referido a su vida personal. Su cuenta principal de Instagram es privada, mientras que utiliza otro espacio en redes para difundir contenidos relacionados con su trabajo artístico, ensayos y participaciones en torneos de baile.

En ese contexto, la presentación junto a su padre tuvo una repercusión especial. La dupla familiar se mostró cómoda durante toda la secuencia, con pasos sincronizados y momentos de complicidad que fueron destacados en los comentarios. Para Cambiasso, acostumbrado durante décadas a la presión de los grandes partidos, la experiencia fue su primera incursión pública como bailarín.

El baile se produjo durante una actividad de Tropical Gem, compañía radicada en Milán y con presencia en el circuito internacional de salsa. El grupo organiza espectáculos, talleres y encuentros que convocan a bailarines de distintas partes del mundo, con especial foco en la salsa, el mambo y otros estilos de raíz caribeña.

Padre e hija mantienen desde hace tiempo una relación cercana y comparten el interés por la música y el baile. Por eso, Cambiasso decidió acompañar a Victoria en una de las coreografías del certamen. La escena sorprendió a gran parte del público, que conoce al exvolante por su trayectoria en clubes de primer nivel y por su paso por la Selección Argentina.

El registro fue difundido por yj27_films, un proyecto audiovisual dedicado a filmar presentaciones de bailarines en congresos, festivales y competencias de ritmos latinos. La publicación también fue compartida desde la cuenta pública de Victoria, lo que amplió su alcance entre usuarios argentinos e italianos.

“El juego de pies de élite que ganó la Liga de Campeones se traduce sin esfuerzo en un ritmo de mambo bellamente relajado”, señalaron desde el perfil que difundió las imágenes.

Cambiasso fue una de las figuras argentinas más reconocidas de su generación. Disputó el Mundial de Alemania 2006 con la Selección y jugó en equipos como Real Madrid, Inter de Milán, Leicester City e Independiente. En el club italiano integró uno de los planteles más importantes de su historia y conquistó, entre otros títulos, la Liga de Campeones en la temporada 2009/10.

La grabación continúa sumando reproducciones y reacciones, impulsada por el contraste entre la imagen habitual de Cambiasso como referente del fútbol y su desempeño en una pista de baile. Para Victoria, además, la presentación permitió visibilizar el trabajo que desarrolla desde hace años en el mundo de la danza y las competencias de ritmos latinos.

En diálogo con Teleshow, Andino repasó los recuerdos familiares que lo unieron a Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese, su fascinación por The Beatles y la emoción de haber conocido a Paul McCartney y Ringo Starr. También habló de su participación en Es mi sueño, el programa que hoy le permite cumplir el deseo de interpretar en televisión canciones que marcaron su vida.

—¿La música siempre estuvo presente en tu vida?

—Sí. Era una actividad que hacía sin que mucha gente lo supiera. Toco la guitarra y el bajo, y hasta la llegada de esta propuesta lo reservaba para mi familia y mis amigos. Después de cuarenta años ininterrumpidos en la televisión, pensé: “¿Por qué no?”.

—¿Cuándo empezaste a tocar la guitarra?

—A los 7 años, en la escuela marista de Parque Patricios. Allí aprendíamos zambas y cantábamos en el colegio, en el Club Huracán y en la misa de la iglesia de San Antonio. Sin embargo, mi objetivo era aprender temas de rock nacional y de The Beatles. Cuando estaba en sexto grado, el profesor empezó a enseñarnos otras canciones y ahí comenzó todo.

—¿Hubo un momento en que dejaste de lado esa pasión?

—Durante mi adolescencia murió mi papá y tuve que reorganizar mi vida. Empecé a trabajar y ya no tenía el mismo tiempo, aunque cada tanto agarraba la guitarra. Fue doloroso porque sentía que empezaba otra etapa, pero las ganas de cantar nunca se fueron.

—¿Qué lugar ocupaba la música en tu vínculo con tu padre?

—Mi papá escuchaba mucho tango, jazz, Los Chalchaleros. Durante los 18 años que compartimos, intercambiábamos música: él me decía “escuchá esto” y me acercaba a Aníbal Troilo con Francisco Fiorentino, a Julio Sosa y a otros intérpretes. Yo le mostraba a Phil Collins, Soda Stereo y otros artistas que escuchaba. Ese intercambio fue muy importante para mí.

—¿Tuviste contacto con grandes figuras del tango desde chico?

—Mi papá era amigo de Osvaldo Pugliese y recuerdo haber ido a su casa sin tomar entonces verdadera dimensión de quién era. Con los años entendí que había estado cerca de personas enormes de la cultura. También conservo una foto, cuando tenía 5 años, junto a Aníbal Troilo y mi papá a la salida de un teatro.

—¿Cómo nació tu fanatismo por The Beatles?

—Vivía frente a una disquería y escuchaba mucho rock nacional. Un vecino mayor tenía un disco que decía Help! y me preguntó si alguna vez había escuchado a The Beatles. Le dije que no. Después de oírlo no paré más. Le pedía a mi mamá que, si me iba bien en el colegio, me comprara un disco de ellos. Fue un estímulo enorme para estudiar.

—¿Qué significó conocer a Paul McCartney y a Ringo Starr?

—Fue muy fuerte. En una conferencia de prensa de Paul McCartney pude hacerle una pregunta y luego sacarme una foto con él, además de charlar unos 30 segundos. También conocí a Ringo Starr en un encuentro en Uruguay. Para alguien que creció escuchando a The Beatles, fueron momentos inolvidables. Al único que no pude conocer, por razones obvias, fue a John Lennon.

—¿Qué sentiste al cantar Let It Be en televisión?

—Fue cumplir un sueño. La producción de Es mi sueño armó una puesta con pantallas y fotos de The Beatles, principalmente de Let It Be. Cuando salí a cantar, quise sentirme un poco como Paul McCartney. No soy un cantante profesional, pero me aferré a todo lo que había escuchado de él durante tantos años.

—¿Por qué habías rechazado otras propuestas similares?

—Hace años me convocaron para participar en Cantando por un sueño, pero no me sentía preparado. Estaba en el noticiero y tenía cierto pudor. También me llamaron para un programa de baile, pero sé que, si no puedo hacer algo bien, prefiero no hacerlo. Esta vez sentí que era el momento.

—Si no hubieras sido periodista, ¿qué profesión habrías elegido?

—Tuve varias etapas. De chico quería jugar al fútbol y llegué a probarme en las inferiores de Ferro. Jugaba de nueve porque era alto, pero entendí que no tenía la ambición necesaria para entrenar todos los días. Después estudié Relaciones Internacionales y Ciencias Políticas; soy licenciado en Relaciones Internacionales y bachiller en Ciencias Políticas. También cursé 3 años del profesorado de Historia.

—¿Cómo descubriste tu vocación periodística?

—La encontré a partir del momento más triste de mi vida, la muerte de mi papá. Empecé como cronista en Canal 13 y a la semana ya estaba enamorado de salir a la calle y contar lo que pasaba. Hice policiales y deportes, y después seguí en noticieros y magazines. Llevo 40 años en esta profesión.

—¿Cómo compatibilizaste los estudios con el trabajo?

—Entraba a Canal 13 a las 7 de la mañana, salía a las 14 y estudiaba de 17 a 22. En el último año de la facultad me convocaron para Nuevediario. Era un momento de enorme exposición y me daba vergüenza llegar a la universidad con mi foto en las tapas de las revistas, pero pude terminar la carrera mientras trabajaba.

—¿Qué te aporta esta experiencia musical?

—Me permite disfrutar y aprender. Los entrenadores dan devoluciones que intento aplicar en la canción siguiente, y pasar por distintos géneros obliga a trabajar de otra manera. Empecé con Sinatra, seguí con temas románticos, Sandro, Elvis Presley y música clásica. Ensayo como si hubiera estudiado en Berklee, porque quiero hacerlo con seriedad.

—¿También encontraste una conexión especial con tus compañeros?

—Sí. Muchos quieren iniciar una carrera y trabajan con mucho compromiso. Hablar con ellos, compartir los nervios y preparar cada tema genera un intercambio muy valioso. Termina siendo una escuela de canto para todos.

—Durante la pandemia también llevaste la música a tu barrio. ¿Cómo fue?

—Tuve COVID cuando todavía no había vacunas y mis vecinos estuvieron muy presentes. Cuando me recuperé, quise devolverles ese cariño: salía al balcón de mi habitación, ponía un parlante y cantaba canciones de The Beatles para el vecindario. Lo anunciaba en el grupo de WhatsApp del edificio. Fue mi manera de agradecerles.

La reunión también pone en primer plano un vínculo artístico de más de 25 años. Ambos construyeron una sociedad escénica que ya tuvo pasos por espectáculos como Estás que te pelas, Sputza! y Pura Sangre. En diálogo con Teleshow, Carlos Casella, actor, baiarín y cantante, repasó ese recorrido y explicar cómo esa historia compartida dialoga con el presente de Boite, que finaliza el 27 de sepiembre.

—Boite los volvió a reunir sobre el escenario y la respuesta fue inmediata. ¿Qué tiene esa dupla que conecta tan rápido con la gente?

—Creo que tiene que ver con una química muy real. Con Griselda nos conocemos hace 25 años: yo era su profesor de danza y ella era mi alumna. Tenemos un origen muy parecido y, aunque después nuestros caminos se fueron diversificando, cada tanto se vuelven a cruzar. Cuando eso pasa, es como si compartiéramos una misma raíz, pero con nueva información. Para mí eso es recontra enriquecedor.

—Cuando una dupla funciona así, suele haber algo más que talento. ¿La clave es la confianza?

—Obviamente están las dos cosas, pero la confianza es fundamental. Tenemos una pasión muy parecida, una forma de trabajar muy afín, y eso en el escenario se nota. Podemos subir sin ningún plan y en el escenario se arma el plan. Y eso es un capital enorme, porque no te pasa con mucha gente en la vida.

—Cuando hablás de Griselda aparece mucha admiración. ¿Qué te sigue sorprendiendo de ella?

—Su pasión, su entrega y lo divertido que es trabajar con ella. Me gusta íntegra, 360. Y además, en estos años desarrolló muchísimo su expertise en la comedia, el humor y el ritmo escénico. Eso lo maneja como nadie. Para este show la escuché muchísimo en cada palabra que queríamos decir entre tema y tema. Su mirada sobre los silencios, el ritmo y el humor es enorme.

—¿Y qué sentís que aportás vos a esa sociedad?

—En estos años crecí mucho con la música. Estoy muy dedicado a cantar, a armar repertorios sorpresivos, lúdicos, divertidos. Entonces mi aporte tiene mucho que ver con la selección de las canciones, con cómo hacerlas, hacia dónde llevarlas. Y también con mi faceta como cantante.

—Viéndolos, parece que todo fluye con libertad, pero también hay mucho trabajo detrás. ¿Cómo construyen ese equilibrio?

—Hay libertad, sí, pero también una estructura. Trabajamos mucho sobre el deseo y no desde una lógica tan lineal. A partir de eso armamos una dramaturgia y un show. En elegir el material no tardamos tanto; lo que más tiempo nos lleva es ponernos de acuerdo en cuándo hacerlo. Hace bastante que veníamos hablando de Boite, pero una vez que encontramos el momento, todo se ordenó rápido.

—¿Y en ese proceso es clave una mirada externa?

—Totalmente. Nos dirige Ana Frenkel. Somos bastante grupales, pero Ana está afuera mirándonos y eso es fundamental. Las decisiones pasan un poco por los tres. Griselda y yo llevamos el material y Ana lo conduce, lo ordena, lo pone en valor.

—Hay gente que siente que cuando ustedes se juntan pasa algo distinto. ¿Vos también lo percibís así?

—Sí, lo siento. Y también me conmueve que la gente lo registre, porque en realidad no hicimos tantas cosas juntos. Entonces me parece hermoso que la gente diga: “Se los extrañaba juntos” o “qué bueno que volvieron”, porque evidentemente quedó algo muy fuerte, en los espectáculos anteriores.

—¿Te interesa entender qué produce esa dupla o preferís que una parte siga siendo inexplicable?

—Me interesa hasta cierto punto. Creo que hay algo que se puede pensar y otro poco que simplemente sucede. Hay confianza, admiración mutua y una manera de entender el escenario que compartimos. Después hay algo que pasa ahí, en vivo, que no conviene explicar tanto porque tiene que ver con lo imprevisible.

—También se nota que disfrutan mucho estar ahí arriba. ¿Eso sigue siendo el gran motor?

—Sí, absolutamente. Cada vez que está por empezar el show, estamos atrás de la escenografía esperando para entrar, y siempre nos miramos como diciendo: “Qué bueno esto que estamos haciendo”. A veces uno pierde perspectiva de lo valioso que es estar arriba de un escenario con alguien que te banca cien por ciento. Es muy enriquecedor. Y creo que algo de esa alegría le llega a la gente.

—El espectáculo ya sumó funciones. ¿Sentís que este reencuentro puede extenderse más de lo que imaginaban?

—Ojalá. Agregamos funciones y eso ya nos pone muy contentos. También hay ideas de llevar el show a lugares cercanos, como Uruguay o Chile. Estamos viendo cuándo podría hacerse, porque cada uno tiene sus compromisos, pero sí, hay ganas de que siga creciendo.

—Más allá de tus otros proyectos, ¿hoy tu energía está puesta sobre todo en Boite?

—Sí. Tengo conciertos, presentaciones y mis cosas personales, que me encanta seguir haciendo. Pero como proyecto importante de acá a fin de año, Boite cien por ciento.

—¿Qué te pasa cuando te subís al escenario con Carlos Casella?

—Es una fiesta. Siempre decimos eso. Y con este espectáculo creo que lo terminamos de cerrar, porque ya nos conocíamos más, porque pasaron muchos años y porque es nuestro tercer espectáculo juntos arriba del escenario, solos. Terminamos de entender que es una fiesta en el sentido más profundo de la palabra. Es una celebración de nuestro vínculo, de nuestro entendimiento como artistas, de nuestra comunión de lenguaje. Compartimos un lenguaje propio, singular. En este espectáculo lo celebramos con todos los caprichos, como les decimos nosotros, burlándonos un poco de nuestros deseos. Pero esos deseos ya constituyen un tipo de lenguaje, por quiénes somos y por todo lo que construimos juntos artísticamente. Decidimos basar este espectáculo en eso, en la química y en el deseo.

—¿Podrías definir el espectáculo?

—No sé explicarlo. Ni siquiera tengo ganas de decir qué es, porque hay que verlo y un poco hay que sentirlo. No es muy describible.

—No es fácil...

—No. Y además, cuando tratás de explicarlo, siempre lo empobrecés. Podés decir que hay canciones y algunos momentos, pero en realidad está tan basado en lo que nos pasa a nosotros arriba del escenario y en toda la historia que traemos, junto con un equipo que trabaja con nosotros desde hace muchísimos años, que hay algo de eso que hay que vivirlo. No sería lo mismo si lo hicieran otros.

—Da la sensación de que cada noche puede pasar cualquier cosa. ¿Improvisan?

—No, la obra tiene ese estilo. Nos propusimos que parezca que estamos improvisando, que estamos jugando, pero todo está totalmente pensado. Lo repetimos exactamente igual todas las noches. Está todo diagramado. Pero el espíritu del show tiene que transmitir esa frescura, esa sensación de noche, de charla, de que todo está pasando ahí sin solemnidad y sin pretensión. Que parezca así nomás, aunque no sea así nomás para nada.

—¿Qué te gusta de Carlos?

—Todo. Pero sobre todo el vínculo que tenemos, la manera en que nos relacionamos y creamos. Eso es lo que más me atrae. Después, lo respeto mucho como artista, lo admiro. Me parece un artista muy singular, muy fiel a lo suyo. Nunca transó con nada. Siempre creó yendo hacia lo profundo, cada vez un escalón más abajo en su arte y en su singularidad. Y, al mismo tiempo, es súper liviano, relajado y gracioso. Conviven todas esas cosas en él.

—Qué bueno que se pudieron conocer en esta vida.

—Tremendo. Yo era su alumna de danza. Lo que nos unió fue la danza. Es muy loco.

—No sabía que tocabas el piano...

—Tampoco es que soy pianista (risas). Pero logramos hacer ese momento en algo único. Esa canción es de un disco de Daniel Melero que se llama Quiero estar entre tus cosas. El que toca el piano en ese disco es nuestro director musical, Diego Brainner. Es uno de los momentos que más me gustan del show. Porque además es una sorpresa. Hacia el final del espectáculo desaparece casi todo y quedamos nosotros dos, el piano y la voz, con muy pocos elementos.

—¿Que vas a hacer después de las funciones de Boite?

—Voy a estar yendo y viniendo a Montevideo, Uruguay, para filmar, así que es difícil. Queremos intentar si en diciembre se puede hacer algo más, pero no estamos seguros. Depende mucho del espacio que tenga La Trastienda y de que yo pueda hacerlo. En principio, ahora quedan estos siete shows de septiembre.

—Dan ganas de subirse al escenario con ustedes.

—Seguro que a mucha gente le pasa eso, porque nosotros lo vivimos con mucha alegría. Y eso se transmite. Por eso digo que es una celebración, como un cumpleaños en el que estamos.

—¿Te pasa seguido que el público quiera acercarse de esa manera?

—Sí, porque se genera algo muy cercano. Hay una alegría compartida que se contagia.

Vuelve Zulema...

—Ahora estás con “tu” Zulema...

—Sí, ya empezamos a grabar Menem 2. Vienen días arduos de jornadas de filmaciones.

—¿Y después de la serie de Menem, cómo sigue tu año?

—Después me voy a tomar unas vacaciones. Pero tengo muchísimas cosas. Es un privilegio increíble, aunque también es vertiginoso. Tengo la agenda casi hasta fines de 2028. Hay cuestiones que hay que agendarlas así, porque si no después no entran. Ya está todo tomado hasta fin de 2027, aunque todavía no puedo contar nada. Sabiendo ese itinerario, me voy a tratar de tomar en verano todo el descanso que pueda con mi hija y aprovechar su época de vacaciones para estar mucho con ella.

—La serie de Moria explotó... Imagino que la experiencia fue tremenda.

—Tremenda. Gran experiencia, muy divertida. A mí me tocó lo más humorístico, lo más delirante. Fue un placer hacerlo. Me acomodaron todo el año para que yo pudiera participar, porque para mí era imposible meterlo en el medio. Tenía que entrar en una hendija entre Envidiosa 4 y la película de Álex de la Iglesia. Movieron todo para que pudiera filmar en los únicos dos meses que tenía libres. Fue también un mimo.

En las imágenes compartidas en la cuenta secundaria de Martina, se ve cómo la cantante deja al descubierto los resultados de su preparación corporal y reacciona con sorpresa al mostrar sus bíceps: “Viste, nunca se me había marcado”. El comentario forma parte de una charla distendida con su equipo, que también incluyó bromas, preguntas sobre el espectáculo y testimonios de algunos fans que asistieron a sus conciertos.

La referencia al cambio físico ya la había manifestado en una publicación en su perfil de Instagram, cuando reunió escenas de su actividad profesional y fotografías de su vida cotidiana en el país azteca en un álbum que encabezó con una foto de sus músculos. El posteo fue largamente celebrado por sus fans, y entre los miles de comentarios se destacó el de su novio Rodrigo De Paul, quien reaccionó ante la pose de Tini con los brazos flexionados: “Epaaaaa esos tubosssss”, escribió el futbolista, junto a emojis de fuego y corazones rojos.

La preparación de Tini Stoessel se desarrolla en paralelo a las jornadas de ensayo. En los videos que compartió, la artista realiza movimientos funcionales y rutinas de fuerza, una disciplina que sostiene antes de cada presentación. Un ejercicio necesario para sostener el ritmo de cada una de sus presentaciones, que, sin embargo, no dejó de sorprender a sus seguidores.

Las imágenes también mostraron cierta distensión de su equipo, en esa intimidad a la que pocas veces se tiene acceso. Luego se escuchan testimonios y uno de ellos resume el espíritu de esta parte de los shows. “Eres una guerrera y solamente con tus canciones te identificas. Me salvaste a mí y apuesto a que muchos de aquí nos has salvado”.

El reinicio de la gira de FUTTTURA, donde la artista repasa su trayectoria de casi veinte años en el espectáculo, se inició el pasado 2 de septiembre y llega en medio de un conflicto familiar. En sus publicaciones, Tini dejó en evidencia el nivel de planificación que requiere una gira de esta magnitud, que consta de una agenda cargada de presentaciones en diferentes continentes.

El tour comenzó en el Arena de Guadalajara, en México, donde la artista se presentó ante unas 20.000 personas con la presencia de Rodrigo De Paul entre el público. Y la referencia a la inminente boda fue una de las más celebradas, cuando alguien lanzó un velo desde el público y ella se lo puso sin dudar.

Durante el concierto, que tuvo a los ex Violetta Jorge Blanco y Mercedes Lambre como invitados, también se dirigió a su público con un mensaje desde lo más profundo de su corazón. “Gracias a todo mi equipo por estar acá acompañándome; quiero que sepan que no me voy a ir, que me voy a quedar, que estoy más firme que nunca, más feliz que nunca con mi equipo, mis amigas de toda la vida y con el amor de mi vida”. Recibió una ovación y una ronda de aplausos, tal vez la respuesta que necesitaba en ese momento.

Tras el estreno en Guadalajara, Tini Stoessel continuó su recorrido por Ciudad de México, Monterrey y Costa Rica. La etapa latinoamericana del tour también prevé conciertos en El Salvador, Panamá, Bogotá, Guayaquil y Quito. Y, según lo que viene sucediendo en cada show, la cantante de “Miénteme” parece estar dispuesta a decir sus verdades.

La revelación surgió durante un pase televisivo entre Arriba Argentinos y La Mañana con Moria, ambos ciclos de El Trece. En diálogo con el periodista Nacho Otero, la artista habló con naturalidad de su vínculo con las nuevas tecnologías y definió su posición frente a estas plataformas con una frase que sintetizó el tono de la charla: “Soy amiga de la IA”.

El intercambio se produjo mientras los conductores conversaban sobre el lugar que ocupa la tecnología en las actividades cotidianas. Consultada de forma directa sobre si utilizaba ChatGPT, Moria Casán respondió de manera afirmativa y detalló que encontró usos concretos para la plataforma, tanto en el ámbito personal como en el profesional.

Uno de los principales intereses de la conductora está vinculado con los espacios de su casa. Casán contó que recurre a la inteligencia artificial cuando evalúa modificaciones en determinados ambientes y busca nuevas combinaciones para la distribución o los colores.

Según explicó, su mirada sobre el hogar está marcada por su experiencia en el mundo del espectáculo. “Me gusta mucho la arquitectura. Escenografío mi casa más que decorar, tengo ese concepto del teatro”, sostuvo durante la conversación a pantalla partida en la señal de Constitución.

Esa definición permite entender el tipo de consultas que realiza. En lugar de buscar únicamente ideas de decoración, la artista piensa los espacios como escenarios y toma en cuenta la relación entre los objetos, los tonos y el efecto que cada ambiente puede generar.

La plataforma recibe una descripción del rincón que quiere modificar, los colores disponibles y las preferencias de la conductora, de acuerdo con lo que relató. Con esos elementos, ChatGPT le devuelve alternativas que luego Casán analiza antes de decidir qué hacer.

“Le digo: ‘Este rincón lo quiero cambiar, tengo estos colores’ y me da opciones según mis gustos y mi personalidad”, afirmó. La herramienta funciona, en ese caso, como una instancia de consulta para ordenar posibilidades a partir de indicaciones específicas.

El uso de ChatGPT en la vida de Moria Casán no termina en el diseño de interiores. La conductora señaló que también acude a la aplicación cuando necesita organizar ideas, preparar sinopsis o encontrar una estructura para textos relacionados con lo que quiere comunicar.

En ese punto, la artista incorporó una referencia a uno de los rasgos que construyó en su trayectoria pública: su forma de hablar. Sus intervenciones televisivas suelen incluir definiciones propias, expresiones que se vuelven reconocibles y frases que luego circulan en redes sociales o quedan asociadas a su personaje.

“Le pido que me haga sinopsis de acuerdo a lo que quiero decir, según mis pensamientos, mi ‘lengua karateka’”, contó Casán entre risas. Sin embargo, enseguida precisó que no delega el contenido de sus mensajes: “Pero yo le digo lo que quiero decir”.

La aclaración ubica a la IA en un lugar complementario. El chatbot puede colaborar con el orden, la síntesis o la presentación de una idea, pero no reemplaza la decisión sobre el sentido, el tono ni las palabras definitivas que la conductora elige usar.

Moria Casán puso el acento en la intervención personal que mantiene en cada consulta. Para ella, el valor de la plataforma está en la posibilidad de recibir propuestas rápidas sobre una inquietud concreta, desde la renovación de un ambiente hasta una sinopsis para un proyecto.

“Dependo de mí, pero ya que está, lo usamos”, resumió la artista al final del pase con Otero. La frase condensó su postura: la herramienta puede integrarse a la rutina y facilitar algunas tareas, aunque la mirada personal sigue siendo el punto de partida.

Todo comenzó cuando Botto destacó la trayectoria de la mamá de su novio y de su capacidad para sostener una escena. “Ella es una de la escuela que cuando se sienta da show. Quedan pocos y hay que valorarlo”, expresó. Pergolini relacionó inmediatamente el comentario con la cercanía de la actriz con la familia Bal: “Mirá cómo acomoda el bochín cerca de la suegra”. Botto siguió la broma con una aclaración breve: “Siempre cerca de Carmen”.

Con esa puerta abierta, Soy Rada llevó el planteo hacia el costado artístico. “¿Estás por heredar el trono ese? De hacer quilombo cuando uno se sienta a dar show?”, le preguntó a Botto. Ella reaccionó sin titubeos con una negativa.

La respuesta no cerró el tema. “Ah, okey”, siguió Rada, mientras Botto aclaraba: “Eso no lo quiero heredar”. Pergolini intervino entonces con una alternativa: “¿Estás para la primera vedette?”. La conductora volvió a responder que no.

El ida y vuelta tomó otro rumbo cuando el conductor interpretó la reacción de su compañera como un gesto de interés. “Ah, te gustó”, lanzó. Botto respondió que la posibilidad ya había surgido antes. Ante la pregunta directa sobre si le gustaría, volvió a marcar distancia, aunque una frase casi por lo bajo motivó un giro en la conversación.

“Me lo tiró”, señaló Botto en referencia a un supuesto ofricimento de Carmen Barbieri para que tomara ese lugar de primera vedette. El “no” de sus compañeros retumbó al unísono, lo que generó las dudas en la locutora. “En algún momento... pero no”.

“Estaba a un segundo de decir que sí”, insistió Pergolini. Rada intentó precisar cuál podía ser la objeción: “¿Hacer temporada?”. El conductor completó la propuesta que buscaba instalar: “Imaginate bajando la escalera”.

Pero Botto explicó por qué no se veía en ese papel. “Es muy seria la revista, es una disciplina fuerte”, afirmó y precisó que no se sentía identificada con la estética tradicional del género: “No estoy para ponerme conchero y plumas. Eso es para determinados cuerpos”.

Pergolini le recordó entonces su participación en Sex, el espectáculo creado por José María Muscari que combina teatro, música y coreografías. Pero Botto se mantuvo en su postura, argumentando que ambos universos no eran equivalentes: “Sex era otra historia”.

Rada aprovechó la distinción para plantear el juego que terminaría de ordenar la escena: “¿Sex la revista?”. Botto se rio y cortó la posibilidad: “No voy a hacer revista”. A partir de allí, los tres retomaron esa idea como una posible derivación humorística de la propuesta inicial.

Lejos de abandonar el chiste, Pergolini avanzó con una propuesta. “Te lo hablamos mañana también”, le dijo a Botto. Rada quiso adjudicarse la ocurrencia.

El conductor fue más allá y aseguró que podía encargarse de llevarla adelante. “Yo lo produzco con Borensztein”, afirmó, antes de mencionar sus planes profesionales: “Estoy armando una compañía de producciones”, afirmó Pergolini. “Estás muy productorito vos”, le respondió Botto. Pergolini coincidió y explicó que no dejaba de pensar en proyectos.

Habrá que ver si la propuesta queda en el terreno de la broma o aquella frase de Carmen se corporiza en plumas y marquesina de Calle Corrientes. Pergolini y Rada insistieron en su pedido, la conductora mantuvo su negativa y dejó en claro que, por ahora, no contempla sumarse a una revista teatral.

La devolución siguió en el mismo sentido y reforzó la idea de que el jurado percibió una evolución en la presencia escénica del joven. “Te felicito, te encontré, te miro y te veo”, agregó el venezolano, en otra intervención de la gala. El señalamiento no se centró solo en la afinación o en la ejecución del tema, sino en la forma en que Dante Ortega ocupó el escenario y sostuvo su interpretación dentro del dúo.

Ese tramo de la devolución planteó una lectura sobre la performance: más que un cambio técnico aislado, El Puma destacó una aparición más definida de la personalidad artística del participante. En un formato en el que el jurado suele evaluar voz, actitud y conexión con el repertorio, su comentario apuntó a ese punto de equilibrio entre interpretación y presencia.

La devolución de El Puma Rodríguez no se detuvo en Dante. También hubo un reconocimiento explícito para Delfina Santella, a quien elogió por su desempeño vocal y por el funcionamiento de la pareja artística. “Una voz espectacular, afinadísima, tienes mucho gusto para cantar. Yo compro este dúo, cuánto vale, no sé, pero lo compro”, afirmó.

Con esa frase, el jurado dejó planteado que la interpretación no se sostuvo únicamente por rendimientos individuales, sino por el ensamble entre ambos participantes. La elección de interpretar “Rosas”, de La Oreja de Van Gogh, una canción muy reconocida dentro del repertorio pop en español, exigía equilibrio entre sensibilidad, afinación y coordinación, y la devolución apuntó justamente a esa construcción conjunta.

En esa línea, el elogio a Delfina reforzó la idea de que el dúo logró una versión con identidad propia dentro del programa. La observación sobre la afinación y el gusto para cantar también funcionó como una validación del rol de Santella en una puesta que quedó atravesada por las palabras del jurado. El comentario marcó la lectura de la presentación más allá de lo musical.

Más adelante llegó la devolución de Joaquín Levinton, que coincidió con el diagnóstico de cambio y crecimiento en Dante Ortega. “Qué agradable sorpresa que nos han traído. Dante, perdón que voy a empezar por ti, pero hoy te superaste. Siempre te noté tímido y para adentro, y hoy sacaste la voz para afuera”, expresó tras la presentación.

El comentario de Levinton sumó otro ángulo a la evaluación de la performance. Mientras El Puma había puesto el foco en la aparición de una identidad más visible, el líder de Turf remarcó una transformación en la actitud escénica. La referencia a la timidez y a una mayor proyección de la voz ayudó a completar la lectura general del jurado sobre lo que ocurrió durante el número.

Así, las devoluciones coincidieron en un punto central: la actuación mostró a un Dante más expuesto, más seguro y con mayor capacidad para sostener el protagonismo dentro de la canción. La interpretación con Delfina Santella terminó consolidándose, de ese modo, como uno de los pasajes con mayor repercusión de la emisión. La actuación del dúo cobró relevancia en la gala por las devoluciones del jurado y le dio un empujón al joven criado en un ambiente artístico. Nieto de Palito y Evangelina Salazar, hijo de Sebastián Ortega y Guillermina Valdés, busca hacer su propio camino y, al parecer, está bien rumbeado.

Mario Pergolini empujó la conversación desde el inicio. “La pareja menos pensada”, lanzó. “Un equipo de trabajo que durante años se mostró unido, con dinámica de amigos y fuerte vida interna. Porque yo creo que el programa de Lanata fue durante años un espacio de radio muy fuerte y que el equipo era como un grupo de amigos, muy sólido”, explicó. Luego remarcó que el hecho de que hubiera pasado algo dentro de ese núcleo generó sorpresa entre quienes conocían esa trama desde adentro.

Frente a ese planteo, Marina Calabró eligió el humor. “Qué me estoy perdiendo”, soltó entre risas. La complicidad de la gente en el estudio hizo el resto. Pergolini fue un paso más allá con una chicana directa a Rolando Barbano. “Claro. ¿Y por qué justo con el feo? No, mentira. Le mandamos un saludo”, dijo ente risas, mientras Agustín Aristarán y Evelyn Botto intentaban hacerlo callar. “Un filtro te pido”, le dijeron conteniendo las carcajadas. Sin embargo, la respuesta de Marina llegó sin pausa: “Es hermoso, mi amor”.

El ida y vuelta subió rápido de tono. “No es hermoso”, insistió Pergolini. Calabró retrucó fuerte y segura, con otra frase que empujó todavía más la escena: “Es el más sexy del mundo”. Lejos de correrse, la periodista sostuvo la defensa de su novio con otra definición tajante: “Megasexy, megatalentoso”. Así, una conversación que hasta ese momento se apoyaba en insinuaciones y bromas quedó atravesada por una serie de textuales que dejaron poco margen para la duda del amor y la atracción que Calabró siente por Barbano.

En uno de los tramos más descontracturados, Pergolini llevó el intercambio a la apariencia física del periodista. “Lo viste, tiene la barba por acá”, describió mostrando con su mano la extensión del vello facial del periodista y después sumó una referencia tecnológica en tono de chiste: “¿Sabés lo que será sin barba?

En ese contexto, Calabró volvió a apoyar el eje en su propia experiencia. “Hermoso. Sí, además lo he conocido también con menos barba que ahora”, dijo. El detalle no pasó inadvertido, porque reforzó la idea de cercanía y de un conocimiento previo que iba más allá del comentario ocasional.

El remate llegó al final y ordenó toda la escena. “Pero estoy loca por él”, afirmó Calabró, mientras la reacción del público quedó marcada en la acotación. Acto seguido, Marina cerró con otra línea breve: “Ay, míralos, conmoví”, exclamó la periodista al aire ante las risas de todo el estudio.

La declaración final terminó de darle sentido a toda la escena. Hasta ese momento, el pase avanzaba entre bromas, chicanas y elogios cruzados. Pero cuando Marina Calabró dijo que estaba “loca por él”, dejó de ser apenas un juego al aire. La frase confirmó que entre ella y Rolando Barbano hay una relación amorosa asumida, contada en público y expresada con una intensidad que sorprendió incluso dentro de un estudio. Ya desde el comienzo, la confesión del amor de Marina hacia Barbano quedó expresada en la entrega de los Martín Fierro de 2024, cuando ella ganó una estatuilla a mejor periodista de espectáculos y subió al estrado con un gesto elocuente: le dedicó su premio a él. Sin embargo, minutos después, ocurrió lo mismo con Barbano, tuvo que subir al escenario a buscar su galardón, pero en esa ocasión el periodista evitó referirse a la conductora. En aquellos instantes, se puso el foco en su relación que llevó a que se distanciaran durante algún tiempo.

La confirmación llegó en una charla informal con el periodista Renzo Berecoechea, donde la actriz fue revelando aspectos de la propuesta a medida que se desarrollaba la entrevista. Contó que la obra ya está escrita y que combina el humor con la nostalgia por una época marcada por la figura de Doña Petrona, pionera en el hecho de llevar la gastronomía a la televisión. Barbieri destacó el potencial del proyecto, que apunta tanto a un público teatral tradicional como a quienes todavía guardan en la memoria la imagen de la cocinera como un ícono de varias generaciones.

Según explicó, se trata de una comedia musical con un elenco breve, compuesto por seis personajes. Entre ellos sobresalen, naturalmente, Doña Petrona y Juanita, la asistente que quedó asociada para siempre al imaginario del personaje. Una evocación que mezcló humor, nostalgia y reconocimiento a una relación televisiva que excedió el mero rol de cocinera y colaboradora.

La actriz también dejó en claro cuál es el centro del relato. “Es la vida de esta mujer que llevó la cocina a la televisión”, explicó. En esa frase quedó condensado el espíritu de una obra que buscaría reconstruir el itinerario de Petrona Carrizo de Gandulfo, nacida en La Banda, Santiago del Estero, y convertida luego en una personalidad, capaz de instalarse en la vida diaria de los hogares argentinos a través de una pedagogía culinaria propia y de una presencia frente a cámara.

En la charla también apareció otro elemento del legado de Doña Petrona: su libro. Fue Berecoechea quien recordó que ese volumen es señalado como uno de los más vendidos de la Argentina, solo detrás de la Biblia. Barbieri recogió esa observación y la conectó con una vivencia personal: “Yo tengo uno que me regalaron”, contó. A partir de ahí, quedó otra vez en primer plano la importancia del recetario, publicado originalmente en 1934 y transformado en un clásico de consulta para miles de familias.

Lejos de limitarse a mencionar el nombre del personaje, la actriz mostró un conocimiento cercano de ese universo. En un momento de la entrevista, incluso imitó el modo en que Doña Petrona retaba a su asistente: “Juanita, le dije que esto no”. Ese gesto, sencillo y espontáneo, alcanzó para reconstruir en pocos segundos parte de la personalidad televisiva de la cocinera: su tono firme, su vínculo con la ayudante y ese estilo que tantas personas todavía recuerdan.

Carmen Barbieri también explicó por qué siente cercanía con el papel. “Tuve la suerte de ver a Doña Petrona”, afirmó, y agregó que, además de haberla seguido en su momento, leyó su libro y conoció su historia. Esa conexión previa con el personaje parece aportar un matiz especial a la propuesta, ya que no se trataría solo de una composición actoral, sino también de la recuperación de una figura que forma parte de su propia memoria como espectadora.

La artista cerró su descripción con una frase breve: “Una mujer con mucha historia”. En esa definición quedó resumido el potencial del proyecto. Por ahora, la obra aparece como una de las propuestas que Carmen Barbieri evalúa y que de alguna manera dialoga con sus propias vivencias. La mamá de Fede Bal tuvo un recordado paso por MasterChef Celebrity, luego de recuperarse de un grave cuadro de coronavirus, donde reveló su propio vínculo con la cocina.

Desde el último domingo, Soledad Silveyra se encuentra internada en el Sanatorio Otamendi tras sufrir una fuerte caída en su casa, lo que derivó en una fractura de pelvis. La actriz, de extensa trayectoria en la televisión, el teatro y el cine argentino, permanece bajo atención médica mientras su familia y el equipo que la acompaña terminan de definir los próximos pasos de un tratamiento que, de acuerdo con lo explicado por su hijo Baltazar Jaramillo, será largo y demandará un período de reposo absoluto.

La noticia sobre la internación generó preocupación entre sus seguidores y colegas, y en ese contexto, Jaramillo habló con Teleshow y llevó tranquilidad sobre el cuadro general de su madre, aunque confirmó que la recuperación no será sencilla. “Mamá está internada desde el domingo. No la pueden operar y están armando la internación domiciliaria”, explicó al ser consultado sobre la evolución de la actriz.

Respecto de por qué no se realizará una intervención quirúrgica, la respuesta fue contundente: “Porque se rompió la pelvis y no se opera”. En ese sentido, explicó que el tratamiento indicado consiste en esperar que el hueso se consolide naturalmente, acompañado por el reposo necesario para permitir la recuperación y que la fractura suelde sola.

Ese escenario es, precisamente, el que más preocupa a la familia. El problema no estaría solamente en la lesión en sí misma, sino en la dificultad que representa mantener a Silveyra inmovilizada durante varias semanas. “Es una paciente complicada para que esté 45 días en cama”, explicó su hijo, que ya comenzó a organizar junto con la familia todo lo necesario para que la actriz pueda continuar el tratamiento fuera del sanatorio.

La internación domiciliaria aparece así como una alternativa para acompañar el proceso en un ámbito más cómodo, pero también implica una importante logística, consciente de la dificultad que supone convencer a su madre de permanecer quieta durante tanto tiempo. La recuperación, anticipó, será “dura y carísima”.

El plazo estimado por los médicos es de al menos 45 días de reposo. “Solamente reposo. Esa es la complicación”, explicó Jaramillo, además de aclarar que la posibilidad de que Silveyra abandone el Otamendi es cercana.

Según contó, podría recibir el alta este miércoles y continuar el tratamiento en su domicilio. Detrás de este episodio también aparece una preocupación que la familia arrastra desde hace tiempo: las caídas que la actriz viene sufriendo. Baltazar contó que su madre se habría caído aproximadamente tres veces durante este año y admitió que, más allá de la fractura actual, existe preocupación por las razones que están detrás de esos accidentes.

“No se ocupa de por qué se cae. Cree que se tropieza”, señaló su hijo, en una descripción que deja entrever tanto su preocupación como las dificultades que implica acompañar a una persona acostumbrada a una vida activa frente a las limitaciones propias de la edad y de sus distintas lesiones. “Le cuesta ser mayor”, resumió Baltazar, antes de explicar que ahora la actriz deberá concentrarse en atravesar esta nueva etapa de recuperación.

La fractura, de acuerdo con lo que contó, “no es expuesta, no se desplazó”. De todos modos, se trata de una lesión que obliga a extremar los cuidados y a cumplir estrictamente con el reposo indicado para que el hueso pueda consolidarse.

En medio de la conversación también surgió otro aspecto que preocupa a la familia: el historial de problemas físicos que arrastra Silveyra. Su hijo mencionó distintas lesiones y dolencias que se fueron acumulando a lo largo del tiempo. “Tiene de todo”, sintetizó. Entre ellas, señaló que la actriz tiene problemas en el cuello y recordó que sufrió trocanteritis, una afección que puede provocar dolor en la zona lateral de la cadera.

También relató que en una caída anterior se había lesionado otra estructura ósea. Y, con una frase que resume la complejidad del cuadro físico que enfrenta su madre, agregó: “Tiene mil lesiones”.

“Le hago ver a todo el mundo”, comentó, antes de sintetizar con humor el panorama: “Tiene 25 médicos que pasan el problema”. La frase refleja una situación que muchas familias atraviesan cuando una lesión se suma a otras dolencias previas: la necesidad de encontrar un abordaje que contemple el estado general del paciente y no solamente el episodio puntual que provocó una nueva internación.

Hay, además, un componente emocional en esta recuperación. Baltazar contó que su madre está “enojadísima” consigo misma por lo ocurrido. La bronca aparece como parte de una personalidad acostumbrada a mantenerse activa y a enfrentar los desafíos con independencia, y ahora deberá aceptar una de las situaciones que probablemente más le cuesten: quedarse en cama durante semanas.

Para una mujer que construyó una carrera de décadas frente a las cámaras y sobre los escenarios, acostumbrada al movimiento y al trabajo, la indicación de reposo absoluto representa mucho más que una cuestión médica. Es una pausa obligada que la enfrenta con la necesidad de depender de otros y aceptar tiempos que no puede acelerar.

La recuperación, por ahora, tiene una hoja de ruta clara: reposo, cuidados y paciencia. No habrá una operación que resuelva la fractura de inmediato. El hueso deberá consolidarse por sí mismo y la actriz tendrá que atravesar las semanas necesarias para que ese proceso se complete.

Mientras tanto, su familia organiza la llegada a casa, evalúa los cuidados que necesitará y se prepara para acompañarla durante un período que, según anticipó su hijo, será largo. “Mínimo cuarenta y cinco días”, reiteró Baltazar.

La historia había empezado a tomar forma el día anterior, cuando se conoció que Vicky había viajado a Grecia para participar del cumpleaños de su padre. Pero una vez que arribó al país europeo, el viaje adquirió otro significado. Se trataba de una visita para acompañarlo en su día y de un reencuentro pensado al detalle para sorprenderlo y reconocer el lugar que ocupa dentro de la familia. La aparición de Salvador fue la pieza central de ese plan y también la imagen que terminó de sintetizar el sentido del gesto.

Según mostró Xipolitakis en sus redes sociales, todo fue organizado para que el homenajeado no sospechara nada hasta el último momento. La salida del niño desde una caja irrumpió en plena celebración y desató una reacción de emoción. No fue un detalle decorativo ni una puesta en escena aislada: funcionó como el punto más íntimo de una reunión atravesada por la emoción del reencuentro.

Horas después del festejo, Vicky publicó un mensaje con el que buscó poner en palabras lo vivido. “¿Cómo no íbamos a estar en tu día? Si toda la vida viviste para nosotros, luchando por nuestra felicidad y sueños, siendo incondicional con tu familia”, escribió. En el mismo texto explicó por qué decidió viajar de manera sorpresiva junto a su hijo. “Llegamos de sorpresa a Grecia porque queríamos devolverte un poquito de todo lo que vos hacés por nosotros”, agregó. La dedicatoria estuvo acompañada por fotos y videos del cumpleaños, donde se pudo ver la reacción del abuelo de Salvador y la intimidad del festejo.

Salvador no solo participó de la sorpresa: quedó ubicado en el centro del homenaje como una presencia capaz de enlazar generaciones en un mismo abrazo. El abuelo celebraba sus 70 años y el nieto aparecía como el regalo de la noche.

En las imágenes compartidas por la mediática se advirtió un clima íntimo, marcado por los abrazos, las sonrisas y la sorpresa genuina del homenajeado. Vicky también subrayó ese tono en su publicación. “Fue una noche única e inolvidable, llena de emoción, amor y familia. De esas que quedan para siempre en el corazón”, escribió al resumir lo vivido durante el festejo.

La figura de su padre apareció en ese mensaje asociada al esfuerzo, a la presencia constante y a la entrega hacia los suyos. Vicky hizo eje en ese reconocimiento cuando agradeció el rol que él ocupa tanto como papá como abuelo. “Gracias, gracias eternas por ser el mejor papá y el mejor abuelo”, expresó, antes de cerrar con una dedicatoria directa: “Feliz 70 años, Manoli. Te amamos con toda el alma. Ojalá seas eterno”.

La noticia del viaje ya había despertado atención, pero las publicaciones posteriores le dieron una dimensión distinta. La llegada a Grecia quedó ligada a una sorpresa familiar preparada, y no a una presencia anunciada para una celebración convencional. Ese dato reordenó la historia y convirtió al cumpleaños en una escena atravesada por el factor inesperado.

Las fotos y videos permitieron ver una reunión centrada en el afecto y en la cercanía familiar, lejos de cualquier despliegue. La elección de compartir ese material también mostró una faceta más personal de Vicky, que usó sus redes para exponer no solo el festejo, sino también el sentido emocional de ese viaje.

La secuencia comenzó en Cuestio de Peso cuando el conductor relató el momento del homenaje al reconocido médico y comartió algunas escenas de ese momento. “No es fácil que los médicos galardonen a los médicos. No es fácil que los médicos reconozcan a los médicos”, explicó Massacesi. En esa línea, remarcó que además hubo “una gran sorpresa: todos los Cormillot unidos por Cormi, claro”, expresó el conductor de Cuestión de Peso.

No fue solo una placa ni una formalidad de congreso. Lo que quedó expuesto fue el peso de una trayectoria de más de seis décadas y, al mismo tiempo, el modo en que esa carrera también está enlazada con su historia familiar. El homenaje, entonces, se movió en dos planos: el académico y el afectivo.

Cuando tomó la palabra, Cormillot dejó una frase que marcó el tono de todo el momento. “Es lo más importante que recibí en mi vida”, afirmó. Después explicó por qué esa mención tenía un valor singular para él. “Esta es, es una especialidad que durante treinta años, durante los treinta primeros años de mi carrera, me decían: ‘No digas que hacés obesidad, decí que hacés nutrición, porque hacer obesidad no es serio’”, contó.

En pocas líneas, el médico condensó una historia profesional atravesada por la persistencia. La obesidad, hoy instalada como un tema central en la conversación médica y social, durante mucho tiempo fue mirada con prejuicio, incluso dentro del ámbito sanitario. Por eso, para él, la distinción adquirió otro espesor: no solo reconocía una carrera, también validaba un camino que durante años debió defender.

A esa emoción se sumó el impacto de la sorpresiva presencia del resto de sus hijos y nieta. “La familia es un regalo de la vida. Yo estoy muy agradecido”, dijo. “Sabía que iba a estar mi hijo, que iba a venir al congreso, pero no me imaginé que iba a estar mi hija. No sabía si iba a estar mi nieta. Por supuesto, mi mujer sabía que iba a estar porque está siempre conmigo. Pero bueno, fue una sorpresa que estemos todos juntos y fue un orgullo”.

Uno de los testimonios fue el de su esposa Estefanía Pasquini, que corrió el foco del saber académico para ubicarlo en otro lugar, el del trato cotidiano con los pacientes. “Creo que es la persona que más se lo merece, pero por la bondad que tiene solamente, más allá de todo lo académico”, expresó visiblemente emocionada.

En medio de los aplausos, Cormillot también eligió mirar hacia atrás. “Yo tuve dos motores en mi vida: mi viejo y mi vieja. Con distintos estilos, pero por mi vieja terminé la carrera, así que dedico a mi vieja”, dijo.

De regreso en el estudio, Massaccesi aportó detalles de esa “cocina” que terminó de redondear la sorpresa. Explicó que, al momento de la entrega, estaban Estefanía, Emilio y luego aparecieron Adrián, René, la nieta y el resto de la familia. “Estaban todos ahí como él se lo merece, todos juntos acompañándolo en esto que no solo es académico, me quedo con tus palabras, Estefi, sino que además es hu-ma-ni-ta-rio”, dijo el conductor, remarcando cada sílaba como quien busca fijar el sentido de la escena.

Por su parte, el médico quiso hacer una precisión sobre la placa recibida y sobre el modo en que él mismo se percibe dentro de su disciplina. “Hay una cosa, Mario, yo quería destacar que en el abordaje de la obesidad he sido un pionero. Yo me siento pionero, sí, porque realmente estoy trabajando en esto hace más de 60 años”.

Como cierre, Mario Massaccesi retomó el tono afectuoso que dominó toda la conversación y le recordó otro dato ligado a su permanencia en los medios: “¡Tenés más años en la televisión que Mirtha Legrand!, con lo cual para nosotros es un gran orgullo”.

“Está muy bien. Mejorando, por suerte”, expresó a este medio, sin brindar más detalles, minutos después de que se difundió el primer parte médico por parte del sanatorio donde la diva permanece internada.

Por otro lado, su hija Marcela Tinayre habló sobre la salud de su madre. En diálogo con Juan Etchegoyen, en Nuevo día (Ciudad Magazine), expresó: “Mamá está internada para control, ya que es un clásico en ella la bronquitis, por salir tanto y tomar frío. Está re bien controlada y sin riesgos y su ánimo muy bueno. Todos sus chequeos dieron perfecto”.

“Calculo que en unas horas le van a dar el alta. Tiene tos fuerte y eso la cansa mucho. No hay infecciones”, completó el panelista, leyendo las palabras de Tinayre sobre el estado de salud de Mirtha, quien en febrero próximo cumplirá 100 años.

En paralelo a las palabras de Tinayre, se conoció el primer parte médico de Legrand. De acuerdo con lo informado por el Director Médico del nosocomio, Dr. Enrique Echague, “la Sra. Mirtha Legrand ingresó esta mañana a nuestro Sanatorio cursando un cuadro respiratorio bronquial. Quedará internada en una habitación común para completar estudios y continuar con el tratamiento médico correspondiente. Su familia agradece a todos por las muestras de afecto y respeto durante la internación de Mirtha. De no mediar cambios, el día miércoles emitiremos un nuevo parte médico, siendo este el único medio de comunicación del Sanatorio Mater Dei”.

La hospitalización de Legrand fue confirmada a Teleshow por fuentes cercanas a la conductora, mientras que su entorno más íntimo ya había dado señales previas sobre un malestar de salud. La internación tendría carácter preventivo. Mirtha se encuentra bajo observación médica después de que el cuadro gripal fuera diagnosticado como una bronquitis, con recomendación de reposo total por parte de su médico de cabecera.

La primera alerta pública sobre la situación de Mirtha surgió con su ausencia en la grabación del programa del fin de semana, una señal que no pasó desapercibida para quienes esperaban verla, como cada sábado, al frente de su tradicional mesa. El cuadro gripal la obligó a suspender su presencia y abrió interrogantes entre sus seguidores y los invitados al ciclo, que aguardaban su participación en el emblemático programa.

Por ese motivo, la conducción del programa quedó en manos de Juana Viale. La nieta de Mirtha ocupó el rol de anfitriona y se dirigió a la audiencia con naturalidad, explicando el motivo de la ausencia de Chiquita: “La abuelita está con gripe”. Su explicación, breve y directa, buscó llevar tranquilidad a los televidentes y dejar en claro que la ausencia respondía a una cuestión puntual de salud, y no a una situación de mayor gravedad.

Por ahora, la familia Legrand-Tinayre eligió la cautela y el acompañamiento permanente, mientras la conductora permanece internada y bajo control médico. La expectativa está puesta en la pronta recuperación de Mirtha y en su posible regreso a su clásico programa, que cada sábado marca agenda y debates públicos.

Según relató la panelista, el motivo del viaje estuvo vinculado con una celebración familiar en Grecia. El destino tenía una carga afectiva especial porque allí los esperaba el abuelo del niño, en el día de su cumpleaños número 70. La posibilidad de que Salvador pudiera participar de ese momento fue presentada por Xipolitakis como un anhelo profundo, sostenido durante mucho tiempo.

“La luchamos, costó, pero lo conseguimos porque cuando se trata de vos, hijo, nunca me quedo sin fuerzas, más cuando se trata de tu felicidad y de la familia”, expresó Vicky Xipolitakis.

La publicación estuvo acompañada por postales del trayecto. En una de ellas se ve a madre e hijo durante el vuelo; en otra, ya instalados en la terminal aérea antes de continuar el viaje. Las imágenes reforzaron el tono íntimo del anuncio y mostraron a ambos sonrientes en el inicio de una experiencia que para la familia tenía un peso simbólico.

Al comunicar la noticia, Xipolitakis puso el foco en el significado del traslado más allá del aspecto judicial. En su mensaje, explicó que el viaje apuntó a conectar a su hijo con su historia, sus vínculos y el lugar de donde proviene parte de su familia.

“Viajamos a Grecia para cumplir el sueño más grande de mi hijo: abrazar y estar junto a su GRAN abuelo, en su cumpleaños número 70, tenemos mucha emoción porque es sorpresa y mucha felicidad de haberlo logrado”, escribió en sus posteos en redes. En esa frase condensó el objetivo emocional del viaje y el motivo por el cual la autorización resultaba tan importante.

La referencia a la sorpresa familiar sumó otro elemento al episodio. Según indicó, el encuentro no solo estaba planificado como una visita, sino como una aparición inesperada en una fecha significativa. De esa manera, el cumpleaños del abuelo se transformó en el marco para un reencuentro atravesado por la historia familiar y por el deseo de que Salvador pudiera compartir tiempo con sus mayores en Grecia.

La autorización judicial fue clave para concretar la salida del país

El viaje se produjo luego de que la justicia argentina aprobó la salida de Vicky Xipolitakis del país junto a su hijo. Ese permiso era indispensable para concretar el traslado internacional y, de acuerdo con lo que manifestó públicamente, su obtención representó un paso clave dentro de un proceso previo de gestiones legales.

Al cierre de su mensaje, la mediática agradeció a quienes intervinieron en ese trámite. “Gracias a la Justicia argentina y a mis abogados por el gran trabajo y a mi tía Kaliopi Xipolitakis por la ayuda incondicional”, señaló. Con esas palabras, dejó asentado que detrás del viaje hubo una instancia judicial y una tarea de acompañamiento familiar y profesional que consideró clave.

La necesidad de contar con ese permiso está vinculada al conflicto judicial que Vicky Xipolitakis mantiene con su expareja y padre del menor, Javier Naselli. Ese frente legal continúa abierto luego de la denuncia por presunta violencia de género presentada por la conductora y panelista.

En ese contexto, la salida del país con Salvador debió ser autorizada por la Justicia. Esa condición explicó por qué el viaje tuvo una dimensión pública que excedió lo estrictamente familiar. Lo que para otras personas podría resolverse como un traslado privado, en este caso quedó atado a un expediente y a la decisión de los tribunales.

Antes de contar el origen del malestar, Juan Gil Navarro situó el momento decisivo durante una salida nocturna. La anécdota tiene la estructura de un cruce mínimo y directo, sin rodeos, en un tiempo en el que todavía estaba formando su recorrido profesional y en el que la palabra de Alejandro Dolina tenía para él un peso singular. No se trataba solamente de una figura conocida de la cultura argentina: era una voz que escuchaba desde la adolescencia y a la que le atribuía autoridad.

Por eso, cuando se produjo el encuentro, la reacción no fue indiferente. “Y junto con un amigo de ese elenco, estábamos una noche en un boliche y me dice: “Che, mirá, está Dolina ahí””. La escena, contada años después, conserva la precisión de los recuerdos que no se disuelven. Un amigo lo señala, él lo ve y reaparece de golpe una incomodidad que venía de antes.

Gil Navarro contó en el streaming LPG listos para grabar con Agustín Eme, que en ese momento estaban de moda Beavis and Butt-Head, dos personajes desganados, torpes y deliberadamente ridículos. Cuando les propusieron adaptarlo al lenguaje local, a Gil Navarro le pareció una situación incómoda porque pensó que los iban a tildar de “bobos”.

“Se llamaban Mickey y Frankie. Y lo padecimos mucho y sufríamos mucho y dijimos: “La gente va a pensar que somos igual de estúpidos que todos’”, expresó el actor.

La crítica que Alejandro Dolina había hecho sobre ese programa lo afectó de un modo particular.

“Yo escuchaba mucho a Dolina desde que tenía catorce, 15 años. Y Dolina había dicho algo de ese programa, que no era muy bueno ciertamente, pero estábamos todos haciendo nuestras primeras armas”.

Entonces, cuando tuvo al escritor adelante suyo en un boliche, Gil Navarro decidió no dejar pasar la oportunidad. Según su relato, se acercó con respeto, pero con la necesidad de decir lo que había quedado pendiente. “Y a mí me había dolido mucho lo que había dicho Dolina. Así que me acerqué y le dije: “Hola, Alejandro, ¿qué tal? ¿Cómo le va? Yo lo escucho hace mucho tiempo”. Y le dije: “Me dolió que usted dijera esto, esto y esto””.

El intercambio no derivó en una discusión larga ni en una escena áspera. La reacción de Dolina, según el testimonio del actor, fue inmediata. Un señor”, dijo Juan Gil Navarro al resumir la reacción de Alejandro Dolina. El actor relató que el periodista se puso de pie, le dio la mano y le pidió disculpas. El gesto quedó como el punto decisivo del episodio. No por grandilocuente, sino por infrecuente: alguien señalado por una crítica aceptaba el reproche, reconocía el efecto de sus palabras y pedía disculpas en el momento. “Pibe, tenés razón, te pido disculpas”, contó que le dijo en ese momento.

“Que al menos Dolina dijera: “Ah, no, che, este pibe no quiere Beavis and Butt-Head””, concluyó. La frase conserva humor, pero también marca el punto de llegada de toda la historia. Lo que parece haber importado no fue solo la disculpa, sino el reconocimiento de algo más profundo: que detrás de aquellos personajes había un actor joven que no quería ser leído como la caricatura que le habían pedido hacer.

La actriz española volvió a ponerse al frente de una historia intensa con Bajo tus pies, que se estrena en Argentina el 10 de septiembre. En el film, Verdú interpreta a Isabel, una madre separada que se muda con sus dos hijos a un departamento económico en Bilbao y, a partir de ese momento, queda atrapada en una espiral de tensión, insomnio y miedo.

Con Sofía Otero en el elenco, la película apuesta a un terror psicológico apoyado en la atmósfera, el desgaste emocional y el miedo cotidiano. La historia explora la amenaza latente dentro del espacio doméstico y convierte en pesadilla elementos tan reconocibles como los vecinos, los ruidos nocturnos y la imposibilidad de descansar.

—Con Bajo tus pies te metés de lleno por primera vez en el terror. ¿Qué te sorprendió de ese universo y qué te hizo aceptar el proyecto?

—Me sorprendió el nivel de rigor técnico y físico que exige. En el terror no puedes improvisar el tempo: una mirada sostenida un segundo de más o una respiración fuera de lugar arruinan la tensión. Dije que sí porque el terror psicológico me atrae como espectadora y sentí que era un territorio en el que todavía no me había puesto a prueba de verdad. El guion me atrapó de inmediato; no era un terror efectista, era una pesadilla humana y asfixiante.

—¿Qué viste en Isabel que te atrapó desde la primera lectura?

—Su fragilidad inicial y cómo esa vulnerabilidad se convierte en una bomba de relojería. Isabel es una mujer común que solo busca un nuevo comienzo, proteger a los suyos y reconstruirse. No es una heroína clásica, sino alguien a quien las circunstancias, el aislamiento y la impotencia van empujando hacia un abismo moral y emocional tremendo.

—Tu personaje empieza buscando una vida nueva y termina completamente desbordado. ¿Cómo construiste esa caída?

—Fue un trabajo milimétrico y muy progresivo. Hablamos mucho con Cristian (Bernard) de evitar que la locura apareciera de golpe; tenía que ser un goteo. La clave estuvo en el cuerpo: el cansancio acumulado, el deterioro físico, cómo la mirada va perdiendo luz y la postura se vuelve más tensa y errática. Trabajamos la paranoia desde la pura falta de sueño, que es algo que altera profundamente la química y la mente de cualquiera.

—¿Hubo alguna escena que te dejara especialmente al límite durante el rodaje?

—Las secuencias del tramo final fueron agotadoras, tanto a nivel físico como emocional. Hay momentos donde Isabel está completamente desbordada, al límite del colapso, y mantener esa intensidad toma tras toma te deja exhausta. Terminas el día muy cansada, pero ver el resultado en pantalla compensa todo ese esfuerzo.

—Acá el terror no viene de monstruos, sino de algo tan cercano como los vecinos y la falta de sueño. Eso lo vuelve más perturbador...

—Absolutamente. Los monstruos o lo sobrenatural te permiten poner cierta distancia como espectador, pero una comunidad de vecinos hostil, los ruidos en mitad de la noche y el insomnio son cosas que todos conocemos. Saber que tu propia casa —el único lugar donde deberías sentirte a salvo— se convierte en una trampa es aterradoramente real.

—¿Alguna vez viviste algo con vecinos que pudiera haber terminado en una historia de terror?

—Por suerte, nada a los niveles extremos de la película, ¡si no, me habría mudado al segundo día! Pero sí que he tenido alguna época de obras interminables o vecinos con hábitos nocturnos complicados que te hacen entender perfectamente cómo la falta de descanso te puede llegar a desquiciar y alterar el carácter por completo.

—Cristian Bernard llegó al rodaje con un storyboard de 4.000 dibujos y trece años de trabajo encima. ¿Cómo fue ponerse en manos de un director que tenía todo tan pensado?

—Fue una delicia y una tranquilidad absoluta. Cuando un director tiene las cosas tan claras en la cabeza y en el papel, te da una red de seguridad enorme para tirarte al vacío como actriz. Sabías exactamente qué encuadre buscaba, qué ritmo necesitaba cada plano y por qué cada elemento estaba en su sitio. Esa obsesión sana y esa pasión que traía después de tantos años empujando el proyecto eran tremendamente contagiosas.

—¿Qué te interesó de esa mirada?

—Es el tipo de cine que a mí me interesa. El susto fácil dura un segundo y se olvida; la atmósfera que construye Cristian se te mete debajo de la piel y no te suelta. Trabaja el fuera de campo, el sonido y la incomodidad de una manera muy inteligente. Logra que el espectador sienta la misma claustrofobia y la misma desesperación que está viviendo Isabel.

—Cristian llegó a decir que sos “la mejor actriz de cine del universo”. ¿Cómo recibís un elogio así?

—Es un piropo desmesurado y muy generoso que solo puede venir del cariño y de la intensidad con la que vivimos este rodaje. Cristian es pura pasión, y que alguien que ha dedicado más de una década a una historia confíe en ti para encarnarla y termine tan feliz con el trabajo es el mayor premio que te puedes llevar.

—¿Qué fue lo que más te sacó de tu zona de confort en este trabajo?

—Me pidió transitar zonas muy oscuras y viscerales, sin miedo a perder el control ni a verme rota o desagradable en pantalla. Cristian me empujó a habitar el silencio y la desesperación desde un lugar muy crudo, despojándome de cualquier truco o recurso seguro. Me exigió una entrega absoluta al caos interno de Isabel, y ese riesgo fue precisamente lo más enriquecedor.

Con una figura del peso de Maribel Verdú al frente, Bajo tus pies se perfila como una de las apuestas más inquietantes dentro del terror psicológico en habla hispana. Entre vecinos hostiles, noches sin descanso y una tensión que no da tregua, la película propone una pesadilla íntima con una protagonista llevada al límite.

No fue un gesto más. En tiempos en los que cada señal vinculada a Bordonaba genera repercusión, el homenaje funcionó como una cápsula afectiva: escenas, recuerdos, fragmentos de una época y una sensibilidad que todavía permanece intacta entre varias generaciones. Para buena parte del público, volver a ver a Camila en ese recorrido fue mucho más que un simple repaso de archivo. Fue, también, una forma de reencontrarse con una etapa de la televisión argentina que todavía conserva una potencia emocional singular.

“Que tengas un día muy especial, maravilloso y que la rebeldía continúe siempre”, escribió la productora para saludar a una de las figuras más queridas de su factoría. El video aparece en un contexto especial. En los últimos meses, el nombre de Camila Bordonaba volvió a instalarse con fuerza a partir del anuncio del regreso de Erreway, la banda surgida de Rebelde Way que marcó a comienzos de los 2000 a miles de adolescentes en la Argentina y en otros países de la región. La noticia no llamó la atención solo por la vuelta del grupo, sino por la participación de Camila, quien había optado por mantenerse lejos de la exposición mediática.

Ese regreso resignificó su figura. La actriz, que durante más de una década eligió una vida alejada del ritmo del espectáculo, pasó de ser una presencia recordada con cariño a convertirse nuevamente en protagonista de una conversación colectiva.

De Chiquititas a Rebelde Way, una trayectoria ligada a una generación

Para entender por qué un video de cumpleaños puede generar tanto impacto, basta con repasar lo que Camila Bordonaba representa para el público. Su nombre está ligado de manera directa a una camada de ficciones que marcaron a una generación. Fue parte de Chiquititas, uno de los semilleros más reconocidos de la televisión argentina, y más tarde dio un paso decisivo con Rebelde Way, la tira creada por Cris Morena que se estrenó en 2002 y se convirtió en un fenómeno juvenil.

Allí interpretó a Marizza Pía Spirito, uno de los personajes más recordados de la historia. Con una personalidad frontal, intensa y desafiante, Marizza logró una identificación inmediata con el público y terminó de consolidar a Camila como una de las figuras más queridas de aquella etapa. A la par, junto a Felipe Colombo, Benjamín Rojas y Luisana Lopilato, integró Erreway, la banda nacida dentro de la ficción que luego tuvo vida propia en los escenarios y en la industria musical.

Con el tiempo, ese recorrido dejó de pertenecer solo al archivo televisivo. Las canciones, los capítulos, las escenas y los personajes siguieron circulando en nuevas plataformas, redes sociales y recuerdos compartidos. Por eso, cuando Cris Morena recupera esas imágenes para homenajearla en el día de su cumpleaños, activa una memoria colectiva que sigue teniendo una presencia muy fuerte.

El bajo perfil alimentó una mística que nunca se apagó

A diferencia de otros artistas de su generación, Camila Bordonaba eligió apartarse del centro de la escena. Durante años, su figura quedó asociada a un silencio llamativo para una industria que suele exigir presencia constante. Mientras muchos exintegrantes de aquel fenómeno continuaban con sus carreras en televisión, teatro, cine o redes, ella optó por una vida más reservada y por un camino personal lejos de la lógica tradicional de la fama.

Con el paso del tiempo, esa decisión terminó reforzando el interés en torno a su presente. Las noticias sobre ella aparecieron de manera esporádica y casi siempre vinculadas a reconstrucciones de su nueva vida en el sur argentino, donde se la relacionó con proyectos artísticos, comunitarios y una búsqueda más conectada con la naturaleza. Lejos de diluir su impacto, ese retiro construyó una mística singular: Camila seguía siendo una figura central en la memoria popular, aun sin aparecer en televisión ni sostener una exposición pública permanente.

En 2021, durante la celebración por los 19 años de Rebelde Way, volvió a hacerse presente a través de una carta que leyó Felipe Colombo en un evento organizado por Cris Morena. Allí explicó que había decidido alejarse de los medios porque no encontraba allí el tipo de vínculo que deseaba sostener con el mundo. Su mensaje resultó conmovedor para muchos fans, no solo por lo inesperado, sino porque confirmó que su distancia no implicaba una ruptura con esa etapa, sino otra manera de habitarla.

El regreso con Erreway convirtió este cumpleaños en una fecha todavía más especial

La noticia de la vuelta de Erreway modificó por completo el clima alrededor de su nombre. Cuando se anunció que Camila formaría parte del regreso, la repercusión fue inmediata. Su participación no era un dato menor: representaba el retorno público de alguien que había permanecido durante años fuera del radar mediático. En ese sentido, la expectativa no se apoyó únicamente en la nostalgia por la banda, sino en el significado personal y simbólico de verla otra vez vinculada a ese universo.

El mensaje, dirigido por sus seguidoras, llegó en un momento de desgaste emocional y reavivó el debate sobre su fortaleza en la recta final del reality.

El encuentro con su hija, su sobrino, su mamá y su hermana la conectó de lleno con todo lo que viene acumulando desde hace meses de encierro. Lo que parecía ser un momento de contención terminó convirtiéndose en una escena en la que la jugadora se quebró anímicamente, porque la jugadora no pudo sostener la coraza que había mostrado hasta ahora.

Fue en ese contexto que terminó admitiendo que “no daba más”, una frase que generó preocupación inmediata entre quienes la apoyan desde afuera. El comentario no sonó a cansancio pasajero ni a simple desahogo: dejó la sensación de que Sol había tocado un límite emocional en el peor momento posible, cuando la definición del reality ya está en marcha y cualquier bajón puede jugar en contra.

La reacción de su grupo de seguidores no tardó en aparecer. Con el temor de que pudiera aflojar justo en la recta final, alguien decidió acercarse a las inmediaciones de la casa para hacerle llegar un mensaje claro, corto y directo, de esos que en este tipo de programas pueden convertirse en un sacudón anímico.

Lo que se escuchó fue contundente: “Sol, disfruta. Las Solangistas te protegen”. El mensaje fue suficiente para modificar el clima por completo. Aunque el momento no se vio al aire, sí empezó a circular con fuerza en redes sociales, donde muchos seguidores del programa reconstruyeron la secuencia y remarcaron el cambio inmediato en la actitud de la participante.

Según trascendió, por cuestiones de reglamento, Sol dejó el patio apenas escuchó el grito y volvió al interior de la casa. Antes de entrar, le mandó un beso a la cámara. Ese gesto fue leído como una señal directa hacia su gente, una manera de agradecer el apoyo recibido en un momento en el que estaba especialmente vulnerable.

Desde que empezó esta edición de Gran Hermano, Sol se consolidó como una de las figuras centrales de esta edición. El personaje que construyó dentro de la casa le dio volumen al programa, aunque al mismo tiempo la dejó en un lugar incómodo para una parte del público. En varias ocasiones quedó asociada al papel de villana, una etiqueta que puede potenciar a cualquier jugador en términos televisivos, pero que resulta mucho más difícil de sostener cuando el encierro empieza a pesar de verdad.

El próximo lunes será una fecha decisiva para la competencia. Una de las cinco jugadoras que siguen en carrera deberá abandonar la casa en una instancia de placa positiva, un sistema en el que se queda quien más respaldo consiga del público y se va quien menos apoyo reúna.

En ese escenario, Sol sigue apareciendo como una de las participantes con chances de pelear arriba. Sin embargo, lo que pasó en las últimas horas dejó en claro que en esta etapa no alcanza solo con jugar: también hace falta resistir. Y en ese punto, el sostén emocional puede pesar tanto como la estrategia.

Por eso, el grito de sus fanáticas no fue un detalle menor. El mensaje apareció en el momento exacto en el que la jugadora más lo necesitaba. Cuando estaba golpeada, cuando había mostrado su costado más frágil y cuando empezaba a instalarse la duda sobre cómo iba a encarar los días decisivos que quedan por delante.

Con la final cada vez más cerca, el clima dentro de la casa cambia hora a hora. Y si algo quedó claro con este episodio, es que Sol todavía tiene aguante afuera y que ese respaldo, en el tramo más sensible del juego, puede ser mucho más que un mimo: puede ser el empujón que necesitaba para no caerse antes de tiempo.

—¿Fue difícil construir un personaje complejo como Barreda?

—Sí, difícil en muchos aspectos, sobre todo sabiendo que cometió cuatro asesinatos. Y complejo, también, y no porque uno tenga que entenderlo, por supuesto que de ninguna manera, pero a veces parece ser que uno tuviera que aclarar esta cosa. Porque por ahí la gente piensa que porque uno lo aborda tiene alguna cercanía o piensa algo parecido.

—¿Qué implicó sumergirse en una psicología tan lejana a la propia?

—Como objeto de trabajo, no deja de ser fascinante para los actores. Por lo menos para mí no deja de ser fascinante entrar en una lógica de pensamiento tan alejada, entrar en una psicología lejos de la personal y tratar de bucear en esos rasgos que tiene mucha gente. Porque mucha gente tiene el deseo que él materializó, con psicologías oscuras o formas de pensar cercanas a una mente genocida. Algunos lo ejecutan y otros no, pero poder ingresar a una cabeza de esas características me significó un momento de mucha conmoción, sobre todo porque es una persona que sigue teniendo sus seguidores que ponen cosas en las redes sociales a su favor. Poder abordar eso con una forma de contar, con un encuadre distinto a lo que sucedía y darles voz a las mujeres que él silenció, fue muy interesante para mí.

—¿Qué impacto tuvo trabajar con una directora como Daniela Goggi?

—Eso es un avance, porque les ha dado voz a quienes no la tuvieron. Y la historia siempre se contó desde su lado y desde el plano institucional, como el de la defensa al justificarse.

—¿Y el proceso de preparación junto al elenco femenino?

—Hubo muchas reuniones en las que hablamos de lo que íbamos a construir y desde dónde. En el caso de las mujeres, lamentablemente, no hay tanta documentación de ellas. Hay algunas fotos, nada más. Es muy poco lo que se sabe. Yo sé que Maite Lanata y Margarita Páez, las hijas de Barreda en la ficción, se juntaron con algunas amigas de las chicas y que tuvieron algún intercambio. Ellas siempre dijeron que nunca pudieron hacer el duelo por sus amigas porque cada vez que hablaban con amigas de ellas, la sociedad las hostigaba mucho. Eran las amigas de quienes, según decían, habían vuelto loco a Barreda. Han sido años duros para esa gente también.

—¿Qué tipo de trabajo de reconstrucción e investigación fue necesario para el guion y la película?

—Esta película demandó mucha investigación de los autores para conformar el guion, de la directora para encontrar un enfoque que les diera voz a las mujeres y de mí para llevar adelante a este hombre en su complejidad psicológica. Salvo algunos testimonios de los novios de las chicas, y de amigas de la facultad, hubo que hacer un trabajo de reconstrucción de las historias de las mujeres. Por supuesto que el mío también, pero de Barreda hay mucho. De hecho, la historia se cuenta a partir de lo que él cuenta.

—¿Qué aspectos del personaje y del caso resultaron más inquietantes durante el proceso?

—Es muy perturbador escucharlo a él, y haber logrado eso es muy importante. La amiga de Cecilia Barreda, una de sus hijas, me dijo: “Me acordé tanto de él. Yo fui mucho a la casa de ellas, y él hablaba así”.

—¿Cómo fue convivir con el personaje durante el rodaje?

—Yo estaba todo el día en el rodaje, porque estoy prácticamente en todas las escenas, y claramente uno convive con su tono de voz, con su forma de moverse, con el tipo de clima que se va generando en el set. El juicio que está en la película, donde el aire se corta con un cuchillo, también estaba en la filmación. Fueron escenas muy extensas, de mucho duelo, complejas.

—¿De qué manera lograste desprenderte del personaje después del rodaje?

—Yo soñé que lo mataba a Barreda a escopetazos. Eso lo tuve en la cabeza mucho tiempo, lo charlé mucho y se ve que en los sueños, donde uno se puede liberar un poco más, algo se desencadenó y en mi cabeza hizo una especie de corte. Una semana antes del estreno soñé que me mostraba la casa y los lugares donde había matado a cada una de las mujeres. Es decir, tuve mucho tiempo en la cabeza su manera de hablar, de expresarse, sus anteojos, su copa: son elementos de los que uno cree tener la capacidad suficiente para liberarse.

La conversación se dio en el programa que conduce Mario Pergolini, donde el deportista habló de su presente, de la exigencia que implica seguir compitiendo y de los límites que empezó a imponerle el paso del tiempo. En ese contexto, dejó entrever que transita la etapa final de una trayectoria histórica dentro del polo.

En el intercambio televisivo, Cambiaso repasó sus comienzos en el deporte y marcó cuán extensa fue su vida profesional arriba de un caballo. “Desde el año 91 que soy profesional de polo, arranqué a los 14. Tuve una invitación y empecé. Me gustaban los caballos de chico y tuve el don de jugar bien y ser rápido, pero lo más difícil es mantenerse”, recordó. A lo largo de la entrevista, el jugador dejó en claro que seguir en actividad a su edad dentro de un deporte de tanta exigencia física ya constituye una excepción.

“Yo ya estoy en mis últimos partidos; el único que juega a esta edad soy yo. Soy el abuelo del equipo, el más grande tiene 25 años. Juego con mi hijo y mi sobrino”, expresó sobre su actualidad. Con esa definición, el polista dejó abierta la puerta a un retiro que, aunque todavía no confirmó con fecha, aparece cada vez más cercano.

Si bien sostuvo que conserva el deseo de seguir ganando, también admitió que el cuerpo le envía señales cada vez más claras. Al hablar de su estado de salud, no intentó suavizar el diagnóstico. Por el contrario, enumeró una serie de lesiones y molestias que hoy forman parte de su rutina cotidiana.

“Tengo todo roto. Se me cortaron los dos aductores mayores, la espalda, hernia de disco, ciática... El caballo es letal. Me levanto y me cuesta lavarme los dientes”, dijo, en uno de los momentos más crudos de la charla con Pergolini.

La declaración sorprendió por la franqueza con la que describió el costo físico de una carrera extensa. Cambiaso, considerado una de las máximas figuras de la historia del polo, expuso así una cara menos visible de la competencia de alto nivel: el desgaste acumulado, el dolor permanente y la necesidad de convivir con lesiones que condicionan incluso tareas cotidianas.

El desgaste también impacta en su vida familiar

Durante la entrevista, el deportista también contó que su situación genera preocupación en su entorno más cercano. En especial, mencionó a su esposa, María Vázquez, quien le plantea la necesidad de bajar el ritmo y priorizar su salud.

Según relató, el polo sigue siendo una actividad de riesgo y esa realidad obliga a extremar cuidados incluso fuera de la cancha. “Me tengo que andar cuidando y no digo nada en casa. Los kinesiólogos viven y viajan conmigo a todos lados”, agregó.

Lejos de cualquier épica, Cambiaso eligió hablar con crudeza sobre lo que significa mantenerse en competencia en una disciplina como el polo. Su testimonio puso el foco en las consecuencias físicas de una actividad que combina velocidad, golpes, caídas, esfuerzo muscular y una exigencia continua sobre articulaciones y columna.

Aunque Cambiaso evitó hacer un anuncio formal sobre su retiro, sus palabras dejaron una señal contundente sobre el presente que atraviesa. Todavía conserva la ambición competitiva, pero al mismo tiempo reconoce que el desgaste físico ya forma parte central de su día a día.

Así, su aparición en Otro día perdido dejó algo más que una anécdota televisiva. También funcionó como una radiografía del costo personal y corporal que puede tener una carrera excepcional en el deporte de alto rendimiento.

La dupla salió a escena en una noche clave para quienes buscan sostenerse en la competencia y ganar espacio dentro del programa que conduce Guido Kaczka. Con un tema de fuerte carga emotiva y una exigencia vocal marcada, Michelle Masson y Juan Pablo Pighetti asumieron un desafío importante. Pero una vez terminada la canción, la respuesta del Puma marcó de inmediato el tono del intercambio posterior

El primero en señalar lo que había sucedido fue Guido Kaczka, que advirtió en vivo que el venezolano no había acompañado la performance. “El Puma, nada, ni movió la palanca”, dijo el conductor, poniendo en palabras un gesto que ya había sido percibido por todos en el estudio.

La frase generó una reacción inmediata de Michelle Masson, que respondió sin disimular su sorpresa. “No nos quiere”, lanzó la actriz, en un comentario que mezcló ironía con incomodidad y que terminó de instalar el momento como uno de los más comentados de la emisión.

La secuencia mostró con claridad el peso que tienen las devoluciones dentro del formato. En este tipo de concursos, una señal breve puede condicionar por completo la lectura de lo que acaba de pasar y alterar el clima en cuestión de segundos.

Después de escuchar a la actriz, El Puma Rodríguez salió a responder para quitarle cualquier lectura personal a su decisión. “No, mi amor, no digas eso. Esto es algo musical, no tiene nada que ver”, señaló, con la intención de remarcar que su mirada estaba puesta únicamente en el rendimiento artístico.

A continuación, sumó un comentario dirigido a Michelle Masson en el que reconoció su evolución dentro del ciclo, aunque sin modificar su postura frente a esta gala. “Eres una muchacha preciosa, cada vez lo haces mejor y entiendo tu profesión”, afirmó.

De esa manera, el jurado separó el plano humano del artístico. Por un lado, expresó consideración hacia la participante; por el otro, sostuvo su desacuerdo con lo que había escuchado. Ese equilibrio entre elogio personal y objeción profesional ordenó el sentido de su intervención.

La devolución también tuvo un tramo dedicado a Juan Pablo Pighetti, que participa del certamen con la ilusión de avanzar como cantante. Allí, El Puma Rodríguez eligió dejarle un mensaje orientado al compromiso y a su futuro en la competencia.

“Yo creo que vas a tener otra oportunidad y quiero verte de nuevo”, le dijo en primer lugar. Después amplió esa idea con una reflexión sobre la actitud necesaria para afrontar una instancia de tanta exposición: “Es una oportunidad única esto. Piensa en todos los que te están viendo y entrega el alma por completo, no a medias”.

El consejo apuntó menos a la técnica que a la forma de habitar el escenario. Más que detenerse en aspectos puntuales de la ejecución, el cantante puso el acento en la intensidad y en la capacidad de asumir el peso de una presentación frente a una audiencia masiva.

La noche no terminó con una definición concluyente sobre el recorrido de la dupla, pero sí dejó indicios sobre lo que puede venir. La posibilidad de una nueva chance para Juan Pablo Pighetti, mencionada por el propio jurado, y el reconocimiento al progreso de Michelle Masson abrieron una expectativa de cara a las próximas galas.

La publicación mostró una escena de intimidad abierta al público. En esas fotos y en esa única palabra apareció no solo el recuerdo de una actriz, sino también el de una mujer que fue compañera de vida de una familia.

El dolor de Puig por la muerte de Selva Alemán no es una impresión reciente ni un recuerdo ocasional. En distintas entrevistas habló sobre el tema. Cuando le preguntaron cómo se transita hoy el amor, respondió: “En mi caso, muy difícil. Se fue el amor de mi vida y me cuesta mucho vivir sin ella, imaginarme que no la voy a ver más”. En esa misma línea, el actor definió con precisión el lugar que ocupaba Selva en su vida: “Era el centro de mi vida y de toda la familia. Es una pérdida imposible de sobrellevar”, respondió en declaraciones a Infobae.

El video, que rápidamente se viralizó por su contenido sentido y tierno, recortó varias imágenes de la trayectoria de Selva como actriz y como mujer.

La muerte de Selva se conoció el 3 de septiembre de 2024 y sacudió al ambiente artístico. La actriz tenía 80 años y falleció tras sufrir un infarto, según la información oficial de aquel momento.

De acuerdo con ese archivo, Selva había comenzado con un malestar que inicialmente no anticipaba un desenlace fatal. Luego fue trasladada a la Clínica Zabala, en la ciudad de Buenos Aires, donde murió ese mismo día. Colegas, amigos y espectadores la recordaron tras conocerse la noticia.

Otros homenajes de Arturo Puig a Selva Alemán

Desde la muerte de la actriz, Arturo Puig la recordó en distintas oportunidades. Un año después, volvió a evocarla con un video centrado en su recorrido artístico. Selva Alemán y Arturo Puig compartieron décadas de vida y trabajo. Compartieron décadas de vida, de trabajo y de amor.

A lo largo de este tiempo, cada aparición pública de Arturo Puig en la que menciona a Selva Alemán volvió a confirmar que el duelo no se acomoda en fechas ni en homenajes puntuales. La actriz sigue apareciendo en sus recuerdos cotidianos, en las costumbres compartidas y en esa necesidad de nombrarla para mantenerla cerca.

Para muchos, la historia de ambos quedó asociada a una forma de amor serena, construida lejos del escándalo y sostenida durante décadas con una solidez poco frecuente en el mundo del espectáculo. Por eso, cada gesto del actor tiene una resonancia especial entre quienes siguieron su vida artística y personal. Esta vez no hizo falta una carta, un video ni una larga despedida. Alcanzó con una imagen y con su nombre para que la memoria de Selva volviera a ocupar, una vez más, un lugar central.

La relación entre ambos ocupó durante años un lugar singular dentro del espectáculo argentino. Sin necesidad de sobreexponer su intimidad, construyeron una pareja asociada al compañerismo, la admiración mutua y una vida compartida también en el terreno artístico. Por eso, cada recuerdo de Puig conecta con una historia que el público siguió de cerca durante décadas.

La muerte de Selva Alemán no sólo marcó el final de una trayectoria reconocida en teatro, cine y televisión, sino también la ruptura de una escena cotidiana que parecía inseparable para quienes los veían juntos. En ese contexto, el homenaje de este nuevo aniversario volvió a mostrar que, dos años después, la ausencia sigue teniendo un peso concreto en la vida del actor y en la memoria de quienes acompañaron su historia.

—¿Cómo te preparás para las grabaciones y el ritmo del programa?

—No estoy preparada ni estoy lista, pero tengo ganas. Siempre con ganas. No sé de dónde voy a sacar la fuerza, porque es mucho trabajo. Pero bueno, vamos, que se puede.

—¿Cuál es tu experiencia previa en la cocina?

—Cocinera lo fui siempre, porque al ser madre de dos hijos y tener una familia, una cocina. Pero en este último tiempo dejé un poco el delivery y me puse a cocinar para empezar a practicar algunas salsas, platos y cositas.

—¿Qué especialidad tenés?

—Carnes. Las fábricas de pasta están a la orden del día en todos los barrios y hay muy buenas. Yo sé qué comprar en cada una. No amaso. Nunca en mi vida hice ni fideos, ni ravioles, ni ñoquis. Siempre compré.

—¿Y la pastelería?

—A mí me gusta hacer cosas dulces, me gusta mucho la pastelería, los budines, los panqueques, esas cosas. Siempre pasa que te agarran ganas de comer algo dulce en casa. Bueno, eso suelo hacer.

—¿Qué te da rechazo en la cocina?

—No como mucho pescado, no sé pelar un pescado. Eso tengo que practicarlo. Y también aprender todo lo que son caracoles o ranas. El pulpo es lo que más rechazo me da, porque es un animal que me parece hermoso, inteligente. No como pulpo. No me gusta el pulpo.

—¿Te puede afectar la crítica del jurado o el hecho de estar en un reality?

—La verdad es que no me afectaría que me critiquen, porque sé que no es mi métier. Voy a aprender seguramente muchas cosas. A mí no me molesta la crítica para nada. Lo que sí me da mucho vértigo es el reality. Yo nunca, a pesar de haber hecho de todo, participé en ninguno. Es mi primer reality. El formato me encanta.

—¿Qué te da miedo de la competencia?

—Tengo miedo de mí misma, porque soy muy competitiva. Si bien quiero empezar tranquila, me da miedo eso porque sé cómo soy. A veces me acelero, me pongo ansiosa. Una vez que estoy, me agarra como el ataque. Yo misma soy mi propia enemiga. Tengo miedo de cómo pueda reaccionar ante una competencia, porque sé que me gusta, que me pongo nerviosa, que me pongo ansiosa, que me pongo violenta. Como nunca estuve en un reality y sé cómo soy, mi miedo soy yo misma.

—¿Te preocupa cometer errores cocinando?

—En la cocina la pifiás todo el tiempo. Te salen mal las cosas. Pensás que algo va a salir bien. El otro día, por ejemplo, estaba practicando e hice un pollo teriyaki que nunca había hecho. No tenía vinagre de arroz, puse vinagre de manzana. Y a veces la cocción es distinta: te dicen diez minutos y en tres ya está. Me pongo nerviosa. Me agarran los nervios, me dan ganas de revolear algo. Soy medio loca en ese sentido.

—¿Sentís que se mostrará un costado tuyo desconocido para el público?

—Sí, se va a ver un costado mío que la gente desconoce. Eso me da un poco de vértigo.

—¿Practicás recetas nuevas para el certamen?

—Tengo que hacerlo. Este fin de semana voy a ver si empiezo a hacer ñoquis, porque no sé amasar, no sé hacer ñoquis. Toda mi vida los compré.

—¿Recibís ayuda de otros exparticipantes?

—La Gunda y Juariu se ofrecieron a pasarme tips. Las dos fueron grandes participantes de MasterChef. La Gunda fue la gran ganadora. Ella tira unos tips bárbaros en su cuenta de Instagram. Es muy buena. Yo, para la comida de todos los días, suelo mirar su Instagram.

En las últimas horas, Cande publicó un mensaje breve, pero contundente, junto a imágenes en las que aparece acariciando a Linda. Allí puso en palabras el dolor que le provoca ver a su mascota en una situación límite y eligió expresarse sin filtros, como ya lo había hecho en otras ocasiones cuando habló de la salud de la perra.

“Hoy es un día de esos de mier... donde siento que con mi Linda nos estamos despidiendo en este plano”, escribió. La frase marcó el tono de una publicación que conmovió a quienes siguen su día a día y conocen el lugar central que ocupa el animal en su vida.

Lejos de tratarse de un posteo aislado, el mensaje se inscribe en un seguimiento que la propia mediática fue compartiendo desde hace meses. En ese recorrido mostró consultas veterinarias, momentos de incertidumbre, el paso por el quirófano y también la esperanza con la que enfrentó cada instancia del tratamiento. Esta vez, sin embargo, el contenido tuvo otro peso. La sensación de despedida apareció de forma explícita y reveló que el cuadro de Linda volvió a agravarse.

En ese mismo texto, avanzó sobre el costado más íntimo de la relación con su perrita. “Ambas lo sabemos lo que pasa y nos duele. No nos queremos soltar”, expresó, en una de las frases que más repercusión generó entre sus seguidores. El mensaje mostró una conexión emocional profunda y volvió visible la dimensión afectiva que atraviesa a muchas personas cuando una mascota enfrenta un problema de salud grave.

Más adelante, sumó otra línea que terminó de condensar su estado anímico. “Sólo pido encontrarme con ella de nuevo en todas mis siguientes vidas o donde sea”, escribió. La publicación no tardó en multiplicar reacciones y comentarios de apoyo de usuarios que, desde la empatía, le hicieron llegar mensajes de contención.

La salud de Linda ya había generado preocupación meses atrás

El estado de Linda venía siendo motivo de preocupación desde hacía tiempo. Según había contado la propia Cande Tinelli, el año pasado a su perrita le detectaron un tumor maligno. En un primer momento, los veterinarios le habían aconsejado no avanzar con una cirugía, en parte por la complejidad del cuadro y también por la edad del animal.

Con el paso de los meses, la situación se volvió más delicada. De acuerdo con lo que ella misma fue relatando, el deterioro obligó a revisar esa primera recomendación. Incluso llegó a circular entre los especialistas la posibilidad de dormirla, ante la idea de que tal vez no resistiría una intervención de esa magnitud. Sin embargo, Cande decidió escuchar su intuición y apostó por operarla.

La cirugía finalmente se realizó y el resultado fue alentador. La intervención por el tumor había sido un éxito, algo que le dio aire y esperanza en medio de semanas de mucha tensión. Pero esa mejoría no alcanzó para despejar del todo el panorama. Su edad y el desgaste físico posterior dejaron a Linda en una condición frágil, y hoy ese cuadro vuelve a encender alarmas.

La relación entre Cande Tinelli y su perrita no aparece como un detalle accesorio dentro de su vida pública. Por el contrario, se trata de un lazo que ella misma construyó a la vista de todos durante años. Hace 14 años que comparten la vida cotidiana y esa historia conjunta quedó registrada en innumerables escenas personales.

Una de las más recordadas tuvo lugar en su casamiento con Coti Sorokin, cuando Linda y Jesús llevaron los anillos. Ese gesto resumió con claridad el rol emocional que tienen sus perros en su vida: no como mascotas periféricas, sino como integrantes centrales de su círculo afectivo.

A lo largo de este tiempo, Cande eligió mostrar el minuto a minuto de la enfermedad de su perrita sin impostaciones. Compartió el miedo previo a la operación, la tensión de la espera, el alivio posterior y ahora también la angustia por un presente incierto.

Mientras tanto, el estado de Linda sigue siendo delicado y Cande Tinelli continúa a su lado, acompañándola en una etapa que ella misma definió con una frase que resumió todo el peso emocional del momento: “No nos queremos soltar”.

Según el creador de contenido, fue clave el rol de la periodista Marcela Tauro, amiga de su madre, quien movió sus contactos para que a Moria le llegue una foto con el producto en cuestión. Esa imagen desencadenó un intercambio en redes sociales entre Andreucci y Casán, que derivó en una charla telefónica y, finalmente, en un encuentro cara a cara en el programa Intrusos.

Según el relato de Andreucci, su madre le insistió para que le muestre los calzoncillos a Tauro: “Se los muestro como un chiste, y me dice: ‘Déjame, por favor, que le mande una foto a Moria’”, detalló.

A partir de ese momento, la anécdota escaló. De acuerdo con el testimonio de Fabrizio, Tauro le envió la imagen a Moria y la reacción de la diva fue inmediata.

“Tauro le mandó una foto. Moria le dice: ‘No lo puedo creer, quiero hablar con este chico. Pasame su Twitter, así lo etiqueto’”, recordó el creador de contenido en el video que compartió con su comunidad.

Ese gesto derivó en un mensaje público que todavía conserva en la memoria. “Y termina tuiteando esto, con su nombre escrito: ‘Gracias, Andreucci, por poner mi cara en tu calzón y un beso’”, contó entusiasmado, mostrando como prueba el mensaje en la red social que por entonces era Twitter.

Con el paso del tiempo, el episodio quedó instalado como una de las anécdotas más recordadas de su relación como admirador de la diva. Al sintetizarla, el influencer eligió una frase que condensó el tono de toda la secuencia. “Y así fue como Moria se enteró de que estaba en calzones”, resumió entre risas.

Después, explicó cómo ese episodio empezó a convertirse en una referencia dentro de ese vínculo. “Y a partir de este momento empezó esa cosa medio mística de que Moria estaba en calzones. Ella se fascinó”, contó.

En ese tramo de su relato también recordó una conversación telefónica con la artista. “Me hicieron hablar por teléfono con Moria una vez y ella me dice, bien con su estilo: ‘Hola, papi, ¿cómo estás?’. No puedo creer lo del calzón. No puedo creer que pongas mi cara en un calzón’”, contó Andreucci.

Aunque aclaró que no conserva todos los detalles de ese intercambio, sí explicó qué percepción le quedó. “No me acuerdo mucho qué me dijo, pero era un sentido de ella indignada, en el buen sentido, fascinada con lo que es su fama”, señaló

La admiración por la diva

Más allá del tono descontracturado de la anécdota, dejó en claro que detrás de ese episodio hay una admiración profunda por Moria. De hecho, definió aquel encuentro como uno de esos que quedan para siempre en la memoria.

“Fue uno de los días más icónicos y felices de mi vida porque no es joda que yo a la señora Moria Casán la amo, pero la amo de verdad”, afirmó. Luego explicó qué representa la artista para él. “Me parece admirable, me parece increíble, me parece fascinante. En gran parte, yo quiero ser un poco como ella, desde niño”, sostuvo.

Sobre el final, también aclaró que nunca habló de Moria por una búsqueda de repercusión en redes. “No es que yo hice un video de ella para robar likes, o para boludeces. Hice un video de ella porque la admiro. Yo hago videos de la gente que admiro”, concluyó Andreucci.

Con ese gesto, el cordobés abrió una especie de cocina paralela en redes sociales. Antes de presentarse oficialmente frente a las hornallas del programa, eligió mostrar una faceta distinta, lejos del escenario y más cerca del ensayo y el juego. La convocatoria convirtió su cuenta de Instagram en una antesala informal del ciclo y alimentó la expectativa alrededor de uno de los nombres más comentados de la nueva edición.

La propuesta fue simple y efectiva. Luck Ra les dijo a sus seguidores que le enviaran sus platos favoritos para que él intentara prepararlos. La consigna funcionó como un puente directo entre el artista y su público, pero también como una manera de instalar desde temprano su participación en MasterChef Celebrity.

En vez de esperar el debut del programa o una promoción más tradicional, decidió empezar a construir ese recorrido desde sus propias redes. Así, transformó la previa en una conversación abierta con sus fans, que pasaron a sugerirle recetas para esta etapa inicial.

“Pastas caseras con salsa de champignon y carne”, le sugirió un seguidor, y el cordobés replicó la foto del plato en cuestión. “La pinta la tiene”, se autocelebró el cuartetero, aunque, cabe aclarar, no mostró ninguna instancia de la preparación.

De cualquier manera, el gesto reforzó la cercanía que suele mostrar con su público. La idea de verlo cocinar platos sugeridos por su comunidad le agregó una cuota extra de expectativa a su desembarco en el certamen.

La presencia del cantante en MasterChef Celebrity ya había sido confirmada junto con la de L-Gante, los dos primeros nombres oficializados para la próxima edición del formato. Lizy Tagliani y Josefina “la China” Ansa también aceptaron participar, en una temporada que tendría 24 concursantes para participar de las hornallas más famosas del país.

En ese escenario, el músico Luck Ra empezó a despegarse antes del arranque. Mientras la producción avanza con la presentación escalonada de participantes, él eligió sumar una acción propia que lo conectó de inmediato con el espíritu del programa. Armó una invitación concreta para cocinar lo que le propongan sus seguidores.

Si bien todavía no se conoce qué plato hará primero ni cuáles fueron las propuestas más repetidas, la iniciativa instaló una pregunta que puede acompañarlo hasta el estreno: qué tan cómodo se moverá en la cocina y cuánto de ese juego en redes podrá traducir después en competencia real.

Su desembarco en el ciclo no aparece desconectado de la historia reciente del programa. Uno de los puntos que más atención genera es el vínculo con La Joaqui, que había formado parte de la edición anterior. Esa referencia suma un contexto extra a su participación en una temporada que ya empezó a cruzar televisión, redes y vida personal.

El artista ya había pasado por el estudio cuando reemplazó en una ocasión a La Joaqui por compromisos laborales. Ahora, en cambio, ocupará otro lugar: no será una aparición puntual, sino uno de los concursantes oficiales de la nueva temporada.

También en el caso de L-Gante hay un condimento adicional por su relación previa con Wanda Nara, actual conductora del formato. Ese tipo de cruces alimenta la atención alrededor del casting. Por ahora, Telefe no informó la fecha exacta del estreno, aunque ya empezó a revelar de manera paulatina a las celebridades que formarán parte del reality.

La escena se dio en medio del programa, cuando una tarotista (Mariam Caleiro) había sido convocada para acompañar a una participante y, en ese contexto, también accedió a leerles las manos a algunas de las figuras presentes en el piso. Todo transcurría dentro de un clima relajado, con curiosidad, bromas y comentarios cruzados, hasta que llegó el turno de Jimena Barón, que no dudó en sumarse a la propuesta.

Antes de la intervención de la cantante, la mujer había terminado de observar las líneas de la mano de Joaquín Levinton. Fue entonces cuando la jurado se mostró intrigada por la experiencia, extendió el brazo y quiso saber qué podía decir la tarotista sobre su destino. Sin vueltas, le preguntó: “¿Podés ver en mi futuro?”. La vidente aceptó de inmediato y le pidió que apoyara la mano sobre la mesa para empezar con la lectura.

Lejos de mostrarse escéptica o distante, Barón se metió de lleno en el juego televisivo y se mostró predispuesta desde el primer momento. Incluso, frente a las cámaras y mientras acomodaba la mano para que la mujer pudiera verla con claridad, comentó: “Quiero. Sí, sí. ¿Qué hago, la relajo acá?”. Ese tono entre divertido y ansioso terminó anticipando que algo podía pasar, aunque nadie imaginaba la dimensión de la reacción que vendría después.

La mujer revisó las líneas de la palma de la artista y le hizo una devolución que, lejos de generar tensión, pareció llevarle calma. “Qué futuro hermoso. La parte del amor, muy marcada, así que tranqui., hermosa”, le dijo, en una frase que funcionó como una especie de introducción amable antes del comentario que cambiaría por completo la situación.

Las primeras palabras dejaron a Jimena Barón atenta y receptiva. La cantante escuchaba con atención, mientras en el estudio el clima seguía siendo de expectativa, con todos pendientes de lo que la tarotista pudiera sumar sobre su vida personal. En ese contexto, la escena todavía conservaba el tono lúdico con el que había comenzado, casi como una curiosidad más dentro del programa.

Sin embargo, segundos más tarde, la tarotista fijó la mirada en un punto específico de la mano y lanzó la frase que modificó por completo la energía del estudio: “Y vas a tener otro hijo”.

La reacción fue inmediata. Apenas escuchó esas palabras, Jimena Barón abrió los ojos con sorpresa, soltó un grito y se llevó las manos al pecho. La respuesta física fue tan espontánea como elocuente: el comentario la tomó completamente desprevenida. En ese instante, la artista apenas alcanzó a exclamar: “¡Ah!”.

El impacto no quedó solamente en el gesto. La emoción fue tan intensa que terminó en el piso del estudio, en una escena que provocó risas, asombro y aplausos entre quienes estaban presentes. Todo ocurrió en cuestión de segundos, pero alcanzó para convertir ese tramo del programa en uno de los más comentados de la emisión.

Mientras Jimena Barón intentaba recuperarse de la sorpresa, desde la conducción Guido Kaczka tomó la situación con humor y celebró lo ocurrido al aire. Según se vio en el programa, el conductor pidió el aplauso del público presente para la jurado, en medio de un clima generalizado de diversión por la inesperada reacción.

Sus compañeros de estrado también siguieron la secuencia con atención y entre sonrisas, mientras el estudio entero acompañaba ese momento que osciló entre la incredulidad y el entretenimiento puro. La mezcla de espontaneidad, humor y sorpresa terminó dándole a la escena un tono ideal para la televisión en vivo, donde cualquier detalle imprevisto puede transformarse en un episodio inolvidable.

La artista, que se prestó al juego desde el primer segundo, pasó de la intriga a la conmoción en apenas un instante. Y fue justamente esa naturalidad la que terminó potenciando el episodio. Sin preparación ni filtro, la predicción sobre la llegada de otro hijo alteró por completo el clima del estudio y desató una escena tan sorpresiva como divertida.

La nueva temporada del programa llegará a la televisión española con una selección de exconcursantes conocidos por el público. En ese marco, la presencia de Ivana aparece como una incorporación de peso dentro del universo del espectáculo y los realities, por su paso previo por el formato y por la repercusión que suele generar cada una de sus intervenciones públicas.

La promoción oficial difundida por la señal española la mostró con un discurso directo y enfocado en la competencia. En el video de presentación, la mediática eligió una definición que sintetiza el perfil con el que vuelve a la pantalla. “Soy Ivana Icardi, soy influencer, mamá y eterna concursante de realities. Ahora también de Supervivientes All Stars”, afirmó al comienzo del clip con el que quedó oficializada su participación.

Más adelante, también habló de las sensaciones con las que se prepara para esta nueva etapa dentro del programa. “Estoy muy nerviosa, pero a la vez eufórica porque quiero superar todos los retos, las tormentas, los bichos y las pruebas”, sostuvo al explicar cómo atraviesa la previa del certamen.

El cierre de su presentación fue todavía más concreto. “Y realmente lo que más quiero es ganar”, dijo Ivana al dejar planteado que su participación no estará centrada solo en el regreso al formato, sino también en la pelea por el título en esta edición All Stars.

La presencia de Icardi en esta edición especial del reality la ubica otra vez en un espacio de gran exposición dentro del espectáculo español. Su nombre ya había quedado asociado al programa por su participación en 2020, pero esta nueva convocatoria llega con un perfil consolidado dentro del universo de los realities y con seguimiento constante sobre su actividad digital.

En la televisión española, su figura combina experiencia previa en este tipo de formatos con un apellido de alto impacto público. En ese plano, la referencia a Mauro Icardi funciona como un elemento adicional de reconocimiento para una audiencia que ya la identifica por su recorrido propio y por el vínculo familiar con el futbolista rosarino.

Ivana, la cantante

Ivana Icardi levantó el perfil y se mostró como cantante hace un par de años. Ella inició su carrera como mediática y luego se consolidó como influencer en redes sociales. Con el tiempo, su actividad en redes pasó a ocupar un lugar central en su vida pública. También comenzó a publicar sus propias versiones de algunos temas conocidos.

Los comentarios en redes no tardaron en llegar. Algunos usuarios destacaron el coraje para exponerse pese a las críticas que recibió tras publicar sus interpretaciones, mientras que otros analizaron su evolución vocal y su decisión de avanzar en ese camino.

Ivana escribió en sus redes ante las críticas negativas: “Hago esta story por una parte para reflexionar por la cantidad de personas que se están metiendo conmigo por cantar -comenzó diciendo Icardi- ¿Le estoy haciendo daño a alguien?, No soy Adele, pero estoy aprendiendo. Estoy quitándome los miedos y la vergüenza de exponerme aún sabiendo que me queda todavía un camino largo y que canto bastante inhibida…pero qué creen que si no lo intento lo voy a hacer mejor algún día? Si hubiera hecho caso a todas las personas que me dijeron en su día que no hiciera algo, hoy no tendría la vida en paz que tengo”, concluyó Icardi en Instagram.

La publicación mostró el detrás de escena del filme, con detalles de la casa recreada de la ciudad de La Plata, donde ocurrió el trágico desenlace de la familia en la vida real. Cabe recordar que el odontólogo Ricardo Barreda asesinó a su mujer, a sus dos hijas y a su suegra, por lo que fue condenado a prisión perpetua aunque salió bajo libertad condicional en 2011 y murió en un geriátrico en 2020. La publicación de Peterson dejó un registro de la intimidad del set y del equipo que acompañó el proyecto hasta su estreno.

La actriz compartió una selección de fotografías cuyo contenido se concentró en la intimidad de las grabaciones de Barreda, con la actriz integrada a la vida cotidiana del rodaje. Aparecen los actores y actrices del elenco, Luis Machín como Ricardo Barreda, Carla Peterson como la esposa Gladys McDonald , Mercedes Morán como la suegra Elena Arreche, Maite Lanata y Margarita Páez como las hijas, Cecilia y Adriana, Marcelo Subiotto como el Dr. Cáceres, Paola Barrientos como María Pirucha Guastavino, Alberto Ajaka como el Fiscal Roitman.

Peterson no se limitó a una imagen aislada. Mostró un conjunto de fotos que situó al espectador en un espacio de trabajo: reuniones, momentos compartidos y escenas fuera de toma, en un registro informal tomado durante la producción.

Las fotos priorizaron al equipo y al elenco

En los posteos, la actriz se mostró con el elenco de la película y con personas vinculadas a la producción. Ese encuadre amplió el mapa de quiénes sostuvieron el proyecto, sin jerarquizar exclusivamente a los intérpretes frente a cámara.

La elección de incluir al equipo de la realización es un detalle dentro del relato que suelen construir las figuras públicas en redes: en lugar de centrar el contenido en su participación individual, la actriz armó un mosaico de compañía y trabajo colectivo alrededor de Barreda.

Además de exponer cómo se construyó el clima visual de la historia de Barreda, Carla dejó ver la dinámica cotidiana del equipo. En esas publicaciones, el elenco apareció reunido en distintos momentos del set y la actriz retrató instancias de distensión durante el trabajo, con escenas de complicidad y humor entre toma y toma.

El material también puso el foco en la construcción de época: la actriz exhibió pruebas de vestuario que formaron parte del proceso previo y paralelo al rodaje, cuidando los detalles de los vestidos, peinados y maquillaje. Esas imágenes reforzaron la logística de una producción de época, donde el diseño de indumentaria y la coherencia estética se convierten en un frente de trabajo propio dentro del esquema general de filmación.

En referncia a las horas compartidas, el propio Luis Machín contó a Teleshow que su trabajo resultó muy cansador porque aparece en casi todas las escenas.

La revelación se apoyó en una condición concreta de producción: la cantidad de secuencias en las que participó el actor dentro del material. Machín vinculó ese ritmo de trabajo a la carga física y al tiempo sostenido frente a cámara.

El actor Lui Machín también dejó en claro que el cansancio no anuló su conexión con el oficio. En la misma conversación, afirmó que, además de trabajar, disfrutó su trabajo.

“Fue tan triste, todo su desenlace, y tan raro todo, como que nosotras no encontramos... quiséramos encontrarle la explicación y es algo tan absurdo lo que pasó y tan triste, tan doloroso, tan largo, porque ella sufrió mucho”, así recordó Vito Rodríguez a su amiga Silvina Luna, en una charla íntima con Teleshow donde repasó la amistad, el dolor y el impacto que dejó la figura de la modelo.

El vínculo entre el grupo de amigas que se formó en la televisión, volvió a escena hoy a tres años del fallecimiento de la modelo. Vito recordó cómo nació esa relación y por qué, con el paso de los años, se transformó en una familia elegida. “Nosotras nos conocimos en el programa de Gerardo Sofovich. Laburando ahí, en el último año de La Pelu”, contó.

“Con Sole, mi hermana, hacíamos ese personaje que éramos las sobrinas de Rolo (Puente). Nos conocimos ahí y empezó una amistad, así se fue formando un grupo de amigos hasta el día de hoy”, contó Vito a Teleshow.

Su caso siguió funcionando como un punto de referencia público sobre las consecuencias de una intervención estética que, según el propio relato de la historia, derivó en un deterioro irreversible de su salud. Luna murió a los 43 años tras más de una década atravesada por ese cuadro, que se extendió en el tiempo y marcó el modo en que su nombre quedó instalado con el dolor.

Amigas de Sil

“Nosotras tenemos un grupo donde estaba ella. Hoy el día ya arrancó hablando de eso, mandando videos y recordándola, nuestro grupo se llama Amigas de Sil”

Al enumerar quiénes integran ese círculo, aclaró que no se trata de figuras del espectáculo: “Todo un grupo de amigas de hace un montón, pero no son del medio”. Entre los nombres que menciona aparecen Rodri Fernández Prieto, Estefanía, Analía, Eugenia y Romi Santizo.

La relación, se volvió más profunda con el tiempo por situaciones personales: “Forjamos una amistad a través de los años, superintensa, además que ella había perdido a su a su familia muy joven, por eso en Buenos Aires estaba sola también y se formó como una gran familia”.

Vito Rodríguez tiene muchos recuerdos para compartir: “Nosotros acá en Mar del Plata hemos pasado las fiestas juntos, con ella y con mi familia, era muy hermoso estar juntas siempre”.

—¿Cómo describirías a Silvina como amiga y como persona?

—Siempre hablámos de Sil como una persona muy soñadora y muy emprendedora. Todo lo que se proponía lo hacía. Quiso escribir un libro y lo escribió, o quería entrar en el mundo del yoga o del coaching, y lo logró. Después de su enfermedad estudió mucho sobre el ser humano, sobre los misterios de la vida y había aprendido mucho. Era muy buena dando consejos. Nosotras la escuchábamos un montón porque tenía mucha sabiduría. Había aprendido mucho a partir de su enfermedad.

—Muy difícil de aceptar ¿no?

—A nosotros cuando nos dicen que hay que recordarla con alegría y con cariño, es muy difícil eso. Yo la verdad que no puedo. Quiero hablar del tema y ya se me quiebra la voz porque fue tan triste su final, todo su desenlace, y tan raro todo. Queremos encontrarle la explicación y es algo tan absurdo lo que pasó y tan triste, tan doloroso, porque ella sufrió mucho. Nosotras en el grupo tenemos imágenes, fotos, videos, y esas son todas parte de la intimidad que no sé si va a salir o no en la serie, pero era muy íntimo y de eso nunca nada se filtró, nunca nada, por suerte.

—Manejaba ella su privacidad...

—Silvina era supercelosa de su intimidad. Si bien su vida era pública, era muy hermética con un montón de cosas personales. Nosotros siempre respetamos eso hasta el último día. Sabíamos que cuando fuera su desenlace, ella quería que su historia se supiera y que quizás sirviera para concientizar un poco.

—¿Cuáles eran los sueños de Silvina?

—Ella quería ser mamá. Y muchos sueños de Sil quedaron en el camino. Pero ese era el que más anhelaba. Al final, cuando fue consciente de lo que le pasaba, ese era su máximo deseo, pero tampoco lo pudo cumplir, porque primero tenía que curarse. El cuadro que tenía era complicado, fue todo empeorando y cada vez tenía más problemas a nivel orgánico.

—¿Les pidió algo especial?

—No, porque ella no hablaba de eso. Por lo menos conmigo, no. Yo sé que tenía un diario en el que escribía un montón, que seguramente va a salir en la serie. Sil se fue apagando. Igual creo que si hubiera sido así, hubiera sido algo insoportablemente doloroso, porque todas en el fondo no lo veíamos, no lo queríamos ver. Pero sí fue dejando mensajes, porque dejó un libro con una dedicatoria muy linda para todas nosotras. En el libro cuenta muchas cosas de su historia que tampoco conocíamos. El libro es muy profundo. Te largás a llorar, es muy triste. Ella tuvo una vida linda, pero también bastante difícil. Fue una mujer muy valiente. Siempre hizo lo que quiso, siempre se arriesgó, siempre fue muy feliz, era la más graciosa del grupo, la más divertida.

—¿Cómo viven ustedes estos días y el recuerdo de Silvina?

—Estamos tristes, no la podemos recordar con alegría, al menos yo. La recordamos porque siempre mandamos videos con ella, era graciosa, hasta en los peores momentos hacía chistes, pero no me sale recordarla con alegría. La enfermedad fue muy cruel, ella sufrió un montón y era consciente de lo que le pasaba. Para mí fue algo siempre presente, una chica tan linda, con tanta vida y morir. Es muy triste.

—Conservás algo de ella...

—Todas tenemos algo de ella, un pañuelito, yo tengo una campera de cuero de ella. Siempre nos regalaba piedritas y estampitas. Tenemos el libro y recuerdos...

Cuando el programa intentó confirmar si el festejo se haría en los estudios del canal o en otro lugar, Viale se negó a dar precisiones: “No, no, más adelante te digo”. La respuesta mantuvo la línea general de toda la entrevista: validar apenas la información indispensable y reservarse los detalles para el gran día en que la dueña de los almuerzos más famosos de la televisión llegue al centenario de su vida.

Por otra parte, Viale descartó que Juana Viale se vaya a la TV Pública en 2027, una versión que volvió a circular y que, según su relato, ya había escuchado a fin de año. En el mismo intercambio, el productor también precisó que esa idea reapareció “ahora de vuelta”, pero insistió con una respuesta tajante ante la consulta del programa.

La conversación sumó un segundo dato operativo para el mapa de continuidad del ciclo: Viale dijo que su vínculo vigente tiene un horizonte concreto. “Tengo hasta el 31 de diciembre”, afirmó. Esa definición, breve pero directa, dejó en claro que el presente contractual tiene fecha de cierre y que, al menos por ahora, no hay novedades públicas sobre lo que pasará después. La declaración alimentó el interés alrededor del futuro del programa y de las negociaciones para la próxima temporada. Así, entre la desmentida sobre una posible llegada de Juana a la TV Pública, la falta de definiciones con El Trece y la confirmación de que ya comenzó la organización del cumpleaños de Mirtha, Viale dejó una serie de definiciones puntuales pero administradas con extrema cautela.

El productor eligió no alimentar rumores ni anticipar decisiones, y mantuvo el foco en un presente sin anuncios concluyentes. Por ahora, el panorama sigue abierto y las certezas públicas son muy pocas: no hay conversaciones confirmadas para el próximo año, el vínculo actual tiene plazo hasta el 31 de diciembre y los preparativos para el gran festejo de Mirtha Legrand ya están en marcha.

La continuidad en El Trece quedó en pausa hasta fin de año

Consultado sobre si seguían las negociaciones con El Trece el productor fue directo: “Ni hablamos todavía”. De esa manera, evitó abrir el juego sobre evaluaciones o definiciones. La frase funcionó como un freno a las especulaciones que circularon en los últimos meses sobre posibles movimientos en la pantalla y sobre el lugar que podrían ocupar tanto Juana como el propio equipo de producción.

Ante la repregunta de la cronista, Viale cortó el tema y marcó un límite: “No, no te voy a hablar de nada. Ni es tema”. Con esa secuencia, buscó cerrar cualquier interpretación sobre conversaciones avanzadas o acuerdos en marcha. El mensaje fue que, al menos públicamente, no existe una negociación activa para comunicar, ni especulaciones de ningún tipo, hasta el momento.

Más allá de esa cautela, las declaraciones volvieron a poner el foco sobre el futuro televisivo del ciclo de los domingos. Cada aparición pública de Viale suele despertar expectativa porque se trata de una figura clave en la estructura del programa y en las decisiones de continuidad. Esta vez, sin embargo, eligió sostener un perfil hermético y no dio pistas sobre eventuales alternativas, renovaciones ni cambios de señal.

“Estoy en un buen momento, obviamente en un país tan complejo como el nuestro”, expresa el director, consciente del desafío de tener una productora en un país tan propenso a los cambios y más allá de la coyuntura política. “Yo estoy orgulloso y contento con lo que estamos trabajando, y al mismo tiempo, tengo que entender que a veces es un desafío”, sentencia desde su productora ubicada en el barrio de Núñez.

—¿Qué significa para vos el éxito de la serie de Moria?

—Lo de Moria es increíble. La verdad es que es espectacular cuando un proyecto explota de esta manera, y eso obviamente no lo puedo capitalizar solo. Hay algo en esa forma de estrenar de Netflix, en la historia de vida de Moria y en cómo ella se la juega para contar su historia, y también en cómo el equipo de About está a la altura de todas esas responsabilidades. Muy orgulloso y contento. Es una construcción de mucho tiempo poder hacer una serie así.

—¿Cómo fue el inicio del proyecto?

—Cuando me vinieron a contar de Netflix, aparecieron algunos miedos, pero al mismo tiempo reconozco que cuando hay miedo, siempre hay algo bueno. Me pareció una idea fantástica contar la historia de Moria, meternos en todos esos mundos que recorre la serie. Y cuando me dijeron que Javier Van de Couter iba a estar en la dirección, aún más. Estoy muy contento con el trabajo que hizo él y que hicieron todos como equipo.

—¿Qué sentís al estar al frente del proyecto?

—La verdad es que sentís que hiciste algo bien. Ser parte de este éxito, apoyar para que se cuente esta historia y empujar para que se cuente de esta manera, asumiendo todos los riesgos que implica la serie, hecha a todo trapo productivamente, porque se ve espectacular: el vestuario, el maquillaje, el casting, la época.

—¿Cómo fue la experiencia de trabajar en equipo para lograr este resultado?

—Creo que todos hicimos un laburo fantástico. Está buenísimo que al final del camino estemos lanzando una serie que es un éxito y al mismo tiempo vivir el lanzamiento de Barreda, que es otra gran película con otra gran directora, Daniela Goggi. Son dos temas muy diferentes, pero en algún punto los dos garantizan un evento, una visión, una construcción. Parecería que son proyectos primos y no tienen nada que ver.

La película sobre Barreda y la mirada femenina

—¿Por qué era importante una mirada femenina en este proyecto?

—La película la escribió Josefina Licitra, con las notas de Daniela Goggi. Es un proyecto bastante difícil. Yo empecé con esta historia hace quince años: tenía ganas de contarla y no le encontré la vuelta, así que no lo desarrollé. Después volvió este momento, que para mí era un peliculón, un temón, sobre todo por cómo va cambiando el mundo, cómo el machismo se va corriendo y cómo va cambiando el lugar del hombre en ese contexto.

—¿Y cómo influyó ese enfoque en la historia?

—En algún punto, ese hombre se encargó de silenciar las voces de todas las mujeres de su vida. Era un proyecto que costó mucho que alguien creyera en él. Prime Video y todo el equipo se la jugaron, porque es una historia que nadie quería hacer.

—¿Por qué creés que nadie la quería hacer?

—Porque es un tema muy sensible, muy difícil. Ahí es donde destaco el rol de la productora al asumir riesgos y decir: “Para esta historia hay que contarla, y contarla de esta manera”. El punto de vista era claro: estas mujeres existieron. Todo el mundo habla de Barreda, pero nadie habla de su familia.

—¿Qué te interesaba mostrar con la película?

—Había un lugar interesante para contar esta historia desde el punto de vista de las mujeres, contar otro tipo de historia —que no quiero spoilearla, para eso hay que ver la película—. Tener el estreno de Moria y de Barreda en el mismo mes no es algo que hayamos buscado nosotros; cada plataforma tiene su propia estrategia. Pero que coincidan es una locura. Yo acabo de terminar de filmar Las Malas y ver estos dos proyectos que costaron tanto tiempo y tanto trabajo de todo el equipo nacer al mismo tiempo es una contradicción extraña: todo se diluye rápido.

Las Malas y los nuevos proyectos

—¿Cómo fue el desafío de llevar adelante Las Malas?

—Después de siete años de intentar hacer esta película, estamos en edición. Fue muy difícil, pero siempre estuvo la convicción que da el libro de Camila Sosa Villada. Es increíble lo que ella escribió, me parecen notables sus personajes y el mundo donde elige meterse. Para mí es un privilegio poder estar cerca de esa historia y contarla desde mi punto de vista, apoyando esta mezcla de realidad y ficción que construyó la autora.

—¿Qué otros proyectos tenés en marcha?

—El año que viene se filma una película que dirige y actúa Peter Lanzani: la historia de Luca Prodan. Después tenemos la historia de Robert Cox, el periodista del Buenos Aires Herald.

—¿Por qué te interesa la historia de Robert Cox?

—Es una gran historia. Pensé que se iba a filmar antes, pero cada vez se siente más actual. Contar la historia de ese inglés que vino a abrir esa caja de Pandora de secretos que nadie mencionaba, en plena censura, y que tanta gente no conoce... Me parece muy interesante hablar sobre los medios.

La historia familiar y la posibilidad de contar la vida de Isabel Sarli

—¿Nunca te animaste a contar la historia de Isabel Sarli?

—Siempre está dando vueltas. Lo que puedo confirmar es que hay ocho temporadas posibles: cambian los puntos de vista, uno desde la Coca, uno de mi abuelo, uno de mi viejo, otro de mis tías. Lo tengo, pero habría que hablar con toda la familia.

—¿Hay oposición familiar para hacer esa historia?

—No. Por suerte, todos tenemos un montón de cosas para hacer. En vez de aferrarnos a nuestra propia historia, siempre encontramos otro tipo de cosas para contar.

—¿Conociste a Isabel Sarli?

—Sí. Yo filmé con ella. A los 19 años la incluí en un cortometraje y fue una cosa espectacular, un delirio.

—¿Cómo era trabajar con ella?

—Tenía una energía espectacular. Una estrella, un personaje muy particular. Entre mi abuelo y ella construyeron un ícono, hicieron una cantidad de películas, una manera de filmar. Eran socios al 50 y 50 en una productora, al mismo tiempo que mi abuelo seguía casado con mi abuela y nadie lo sabía. Todo muy extraño, pero es una gran historia. En el momento que se quiera, esto se va a contar y bastante rápido.

—¿Cómo elegís los temas y las historias de tus proyectos?

—Hay un mundo en la elección de temas que tiene que ver con la búsqueda del evento. Nos gusta hacer películas o series que sean un evento, y ese evento hay que empujarlo, remarlo, hasta que se logra. La suerte es que, cuando las cosas suceden bien, explotan: explotó Moria, va a explotar Barreda, va a explotar Las Malas.

—¿Qué rol tiene la pasión en tu trabajo y en el equipo?

—Yo lidero un equipo. Esa pasión se contagia y me la contagian a mí. Lo interesante de About, por lo menos para mí y para todos los que la componemos, es que no es un trabajo. No venimos a trabajar: venimos a hacer lo que queremos hacer, lo que queremos contar, a empujar todos estos proyectos. Somos obsesivos con que salgan. Todo el tiempo las cosas se oponen y uno va empujando.

Fotos: RSFotos

Andrea Bisso celebró sus 56 años con una noche especial junto a Carlos Monti, en una salida que volvió a poner en primer plano la relación que ambos mantienen desde hace varios meses. El cumpleaños de la periodista tuvo su momento más visible en una cena en un restaurante de cocina italiana, donde el conductor la sorprendió con un ramo de rosas y sumó un gesto de fuerte valor simbólico a una fecha personal importante para la comunicadora.

La jornada comenzó con un festejo íntimo junto a uno de sus hijos, en un marco reservado, y luego continuó con una cita con Monti. La elección de compartir el cierre del día en un ámbito privado, lejos de las obligaciones laborales y de la exposición habitual de los medios, reforzó la idea de una relación que atraviesa una etapa de cercanía y consolidación. Según trascendió en su entornos, ambos viven este presente con entusiasmo y ya proyectan nuevos pasos en el plano personal.

La cena de cumpleaños se convirtió así en una escena significativa dentro del vínculo. El ramo de rosas que Monti le entregó a Bisso durante la velada funcionó como una muestra pública de atención en una noche atravesada por el afecto, la intimidad y la celebración. Para la periodista, la fecha encontró un marco distinto, con una salida romántica que terminó de confirmar el lugar que ocupa el conductor en su vida actual.

La historia entre Andrea Bisso y Carlos Monti comenzó a tomar forma fuera del ámbito profesional, aunque ambos comparten desde hace tiempo una extensa trayectoria en los medios de comunicación. El inicio del vínculo fue relatado por la propia periodista en La Posta del Espectáculo, el ciclo emitido por la TV Pública, donde dio detalles sobre el primer acercamiento y sobre la cautela con la que decidió avanzar en ese momento.

Según contó Bisso, todo empezó a partir de una invitación a tomar un café. Frente a esa propuesta, eligió no apresurar los tiempos. “Lo bueno se hace esperar”, recordó la periodista al explicar cuál fue su reacción inicial ante el interés de Monti. Esa respuesta marcó el tono de un comienzo pausado, en el que ambos optaron por conocerse lejos del vértigo y de la exposición inmediata.

De acuerdo con su propio relato, el primer encuentro se desarrolló en un clima tranquilo y dejó en evidencia una sintonía inicial entre los dos. Bisso reveló incluso que en aquella salida “hubo una agarradita de manos”, una escena breve pero representativa del interés mutuo. Tras esa charla, la periodista decidió regresar a su casa sin extender el plan, aunque la conexión entre ambos ya había quedado planteada.

Con el paso de los meses, esa relación fue ganando consistencia y se transformó en un vínculo más visible. Monti también habló del tema públicamente a través de un audio difundido en el mismo programa televisivo. “Por ahora, está todo bien. Salimos a tomar un café y después a comer. Y salió todo más que bien”, expresó el conductor al resumir el inicio de la historia compartida con Bisso.

El periodista, además, dejó abierta la posibilidad de formalizar la relación en el futuro. “Ojalá que, el día de mañana, podamos formalizar la relación”, señaló al referirse a esta etapa sentimental. Sus palabras reforzaron la idea de un vínculo que avanza de manera gradual, pero con señales de estabilidad y con una proyección concreta hacia el futuro cercano.

La noche que compartió con Carlos Monti, la cena en el restaurante italiano y el gesto de las rosas se integraron a una historia de amor que comenzó con discreción y que hoy suma nuevos episodios de exposición pública. La celebración, atravesada por la intimidad y la cercanía, terminó por convertirse en una postal representativa del momento que vive la pareja.

El primero en reaccionar fue Guido Kaczka, conductor del ciclo, que interpeló al jurado y a la audiencia con una mezcla de sorpresa y humor. “¿Qué es esa música? Ah, pensé que lo habían puesto acá. Pero ¿cómo es? ¿Te suena el teléfono? Lo llamás al Puma…”, lanzó el presentador, generando risas y miradas cómplices en el estudio. En ese cruce, la naturalidad del momento dejó ver la complicidad que circula entre quienes comparten la mesa evaluadora.

El hecho no pasó desapercibido para Joaquín Levinton, jurado y cantante de Turf, quien quedó visiblemente intrigado por el particular ringtone. El sonido se coló en medio de su devolución a los concursantes, obligándolo a pausar su intervención. La reacción de Levinton, entre asombro y desconcierto, fue compartida por el resto del jurado, que no pudo disimular su sorpresa ante lo insólito de la situación.

La interrupción del teléfono de El Puma Rodríguez durante la transmisión en directo generó un momento inesperado que involucró tanto a los miembros del jurado como a la conducción. Mientras Lizard y Daiana Contte esperaban atentos la devolución de sus interpretaciones, la escena se cargó de un clima distendido y espontáneo que se robó la atención del público y las redes sociales.

Cuando una situación así sucede en televisión en vivo, la reacción suele marcar el tono del segmento. En este caso, la sorpresa de Guido Kaczka fue la chispa que encendió un intercambio entre los jurados, quienes alternaron bromas y gestos de incredulidad. Nadie pudo ignorar el episodio, aunque pronto retomaron su rol evaluador.

Sucedió justo cuando los participantes interpretaron La Bifurcada, un clásico del grupo Memphis La Blusera. La presentación había generado expectativa, y la irrupción del tono musical del teléfono alteró fugazmente los ánimos en el estudio, sin opacar la actuación de los concursantes.

Tras el incidente y dejando atrás la anécdota del llamado, Jimena Barón, Abel Pintos y el propio El Puma Rodríguez activaron sus palancas en color verde, señal de aprobación. Solo Joaquín Levinton optó por el amarillo, aunque la decisión final permitió que Lizard y Daiana Contte avancen a la siguiente instancia del certamen.

El incidente generó reacciones espontáneas tanto en el jurado como en la conducción, pero no alteró el desenlace de la gala: los concursantes recibieron mayoría de votos positivos y continuaron en competencia.

Las devoluciones y la dinámica en el estudio

El flujo habitual del programa suele centrarse en las devoluciones del jurado, que marcan el pulso de cada gala. La intervención involuntaria del celular aportó un matiz diferente, mostrando el costado más humano de los protagonistas. “Es el tema, hermano”, había dicho días antes El Puma Rodríguez en otra devolución, frase que resuena como ejemplo del tono directo y coloquial que caracteriza sus intervenciones.

En la jornada en cuestión, la atención se repartió entre la performance de los participantes y el episodio del ringtone. La respuesta de Guido Kaczka, mezclando asombro y humor, marcó la diferencia y logró que el momento se integre de manera orgánica a la dinámica televisiva.

Los participantes, por su parte, mantuvieron la compostura y siguieron atentos las evaluaciones, sin perder de vista la oportunidad de avanzar en el certamen. El público celebró la espontaneidad del episodio, que rápidamente se viralizó en redes sociales y encabezó las listas de lo más comentado de la noche.

El joven, hijo de Florencia Peña, se vio envuelto en una intensa polémica luego de que su interpretación de un tema en inglés se viralizó rápidamente en redes sociales y se convirtio en el blanco de comentarios, tanto positivos como negativos, estos últimos especialmente referidos a la afinación y al manejo del idioma.

En los días posteriores a su debut, las críticas tomaron mayor notoriedad cuando Susana Giménez compartió en sus historias una publicación irónica: “El hijo de Flor Peña debutó como cantante y el guitarrista se aguantó la risa”.

Las repercusiones obligaron a Otero a dar explicaciones en público, eligiendo el mismo espacio televisivo para responder a sus detractores. “Mezclaron mucho la política, no le encontré el sentido”, sostuvo sobre la naturaleza de los ataques, muchos de los cuales, según él, tenían más que ver con la filiación ideológica de su familia que con su performance artística.

En el centro de la polémica, Juan advirtió que la mayor parte de los cuestionamientos apuntaban a su pronunciación en inglés y, según su percepción, a un rechazo hacia su manejo del idioma. “Me mataron con la pronunciación. I’m so sorry, we have the best pronunciation in the world” (Lo siento, tengo la mejor pronunciación en el mundo), lanzó, usando el sarcasmo como mecanismo defensivo ante la audiencia de Solo con Niki.

En respuesta a la pregunta de por qué la interpretación en inglés generó tanto revuelo, Juan Otero sugirió que parte de la molestia proviene de prejuicios sociales. “¿Tanto les jode que sepa inglés?”, preguntó en vivo, impulsando un debate sobre el lugar de los idiomas extranjeros y el esnobismo en el entorno mediático local.

La polémica se originó cuando Otero, durante una transmisión en vivo, interpretó una canción en inglés en el programa. El video fue rápidamente replicado en redes sociales, donde miles de usuarios criticaron su afinación y pronunciación. Los comentarios negativos escalaron cuando la conductora Susana Giménez compartió una publicación burlona, amplificando la controversia. En respuesta, el joven realizó un descargo público, señalando que los cuestionamientos tenían un trasfondo político y defendiendo su derecho a cantar en inglés.

Mientras la tensión aumentaba en redes sociales, las conductoras del ciclo salieron rápidamente a respaldarlo. Nicole y Gege Neumann intervinieron para defenderlo de los ataques, sugiriendo que la indignación de parte del público respondía más a prejuicios que a una evaluación genuina de su talento.

En el caso de Geraldine, también se ocupó de aclarar un episodio puntual que había generado memes y comentarios sarcásticos. Según explicó, la actitud risueña del guitarrista Ponch no tenía relación con un intento de burla hacia Juan Otero, sino que se debía al contexto distendido de la grabación.

Lejos de amedrentarse, Otero utilizó el aire para reafirmar su posición y dar un mensaje a quienes lo critican. “A mí me encanta decir siempre que soy feliz. Justamente para que la gente que comenta eso se quiera mat… de verdad”, cerró con contundencia, dejando en claro que las opiniones adversas no lo afectan en su búsqueda personal

La intervención de Otero, con su defensa irónica y su mensaje final, puso en discusión la legitimidad de los juicios en redes y el precio que pagan los jóvenes artistas por intentar abrirse paso en el espectáculo argentino.

La escena que desató el escándalo involucró a varias de las visitas y participantes del programa, en particular a Danelik y Campanita. La producción decidió expulsar a ambas figuras tras un enfrentamiento que incluyó forcejeos, insultos y la intervención directa de la seguridad del reality.

La pelea del jueves por la madrugada marcó un antes y un después para el ciclo. Danelik, acusada de haberle robado el set de maquillaje a Campanita, la pisó y llegó a tirarle la ropa fuera de la habitación. La situación escaló cuando ambas forcejearon a los golpes, lo que derivó en la salida obligada de las dos mediáticas.

El descargo de Brian Sarmiento tras abandonar el reality

Sarmiento no estaba incluido en la sanción inicial. Sin embargo, tomó la determinación de abandonar la casa en solidaridad con su pareja y en desacuerdo con las decisiones de la producción.

En sus redes sociales, el exfutbolista explicó en su cuenta de Instagram: “Les voy a decir una sola cosa... yo sé muy bien qué se habló antes de entrar y también sé todo lo que cumplí de mi parte. A veces te cambian las reglas cuando el partido ya empezó”.

La decisión de Brian Sarmiento de irse de Gran Hermano 2026 fue consecuencia directa de la sanción aplicada a Danelik Galazan, su pareja, quien fue expulsada tras protagonizar una pelea dentro del reality. Sarmiento, en desacuerdo con la medida, expresó su malestar en redes sociales y anunció que revelará detalles cuando termine el programa. El hecho generó tensión entre la producción y los participantes, y dejó en evidencia el nivel de conflicto que atraviesa la convivencia en el show.

En el mismo mensaje, Sarmiento anticipó que prefiere “no decir más” en este momento, pero avisó que hablará una vez terminado el programa. “Cuando termine todo, voy a contar las cosas como realmente fueron. Y ahí, sin necesidad de señalar a nadie, cada uno va a entender”, remarcó.

El exfutbolista también aprovechó la publicación para enviarle un mensaje de respaldo a su pareja y criticar el manejo del caso por parte del programa. “Te amo Danelik, todos vieron que vos solo evitaste que Campanita ataque a Pincoya, que no te quieran hacer quedar mal. Es una vergüenza”, sentenció Sarmiento.

Más tarde, en un video difundido en sus redes, profundizó su postura. “Vengo acá a decirles que ya estoy en mi casa. Me fui de la casa de Gran Hermano. La verdad que no quiero decir nada que comprometa las cosas más de lo que están, pero fue una vergüenza”, expresó.

Para Sarmiento, la producción cometió un error al exponer a Danelik como agresora. “Es una vergüenza que la quieran hacer quedar como agresiva cuando solamente defendió a Pincoya cuando Campanita iba a atacarla”, sostuvo, reafirmando su desacuerdo con la expulsión de su pareja.

Reacciones y consecuencias dentro y fuera de la casa

El clima de tensión se trasladó también a los seguidores del reality, que debatieron en redes sociales el accionar de la producción y la legitimidad de las expulsiones. Sarmiento reveló su estado emocional tras el episodio y destacó: “Estamos bastante preocupados por todo, por cómo la están haciendo quedar”.

La expulsión de Campanita también generó impacto, ya que ambas mediáticas eran figuras centrales para la dinámica del ciclo. El episodio dejó en evidencia la fragilidad de la convivencia y la presión que enfrentan los participantes bajo el ojo de las cámaras.

Sarmiento, que había reingresado a la casa días antes para acompañar a Pincoya, decidió priorizar su vínculo sentimental y la defensa pública de Danelik frente a la continuidad en el juego. El exfutbolista eligió el camino de la denuncia pública, prometiendo que dará su versión completa cuando finalice su vínculo contractual con el programa.

El futuro del reality queda marcado por la controversia, con una audiencia atenta a los próximos movimientos de la producción y la palabra pendiente de Sarmiento. Los organizadores del ciclo aún no se expresaron oficialmente sobre la renuncia del mediático ni sobre las acusaciones lanzadas en redes.

El intérprete venezolano no dudó en marcar el rumbo de la competencia con su opinión directa apenas concluyó la interpretación: “¡En qué lío me pones, muchacho! Tienes la pinta, tienes voz, tienes oído tonal, pero es el tema, hermano”, sentenció, dejando claro que la elección de la canción fue el principal obstáculo de la noche.

El comentario resonó en el estudio, donde la tensión era palpable. “Primero la canción, segundo la canción y tercero la canción. Quiero apostar a vos, sinceramente”, insistió el jurado. Su devolución, aunque crítica, no cerró las puertas al participante, sino que buscó motivarlo para la próxima ronda.

La respuesta de Lio Ferro no tardó en llegar y dejó ver una de las principales dificultades del formato: “Lo que me pasa es que tenemos muy poco tiempo de ensayo y elijo temas que conozco las letras porque me da miedo llegar a la pista y olvidármela, y los que más me sé son estos”, justificó el ex Soy Luna. Su explicación apuntó a la presión del tiempo y la necesidad de seguridad sobre el escenario.

En ese momento, El Puma Rodríguez profundizó su consejo: “Cuando te acuestas en la comodidad, te pasa esto”. Para el artista, el desafío radica en salir de la zona de confort y arriesgar con nuevas elecciones musicales. Sin embargo, el venezolano no dejó de alentar al actor: “Estoy seguro de que vas a lograrlo”.

La escena reflejó la dinámica del programa, donde la exigencia y el acompañamiento se entrelazan para forjar el crecimiento de los participantes. La intervención de Jimena Barón reforzó la observación de su colega, al señalar: “Siempre elegís urbano, Lio”. El comentario dejó en evidencia una tendencia que, según el jurado, podría limitar el desempeño del concursante.

En la segunda temporada del ciclo conducido por Guido Kaczka, la presión por sobresalir es constante. Los participantes como Lio Ferro deben equilibrar la búsqueda de originalidad con la necesidad de mostrarse seguros. En este contexto, la elección del repertorio se convierte en un punto crucial que puede definir el destino dentro del certamen.

La jornada también mostró el valor de las devoluciones como herramienta de aprendizaje. El Puma Rodríguez insistió en la importancia de arriesgarse con nuevos géneros y abandonar la comodidad.

El intercambio entre el jurado y el participante permitió ver la dinámica de un show que exige tanto autocrítica como voluntad de superación. El consejo de salir de la zona de confort cobró fuerza, no solo como recomendación artística, sino también como una invitación a crecer dentro del certamen.

La competencia en Es mi sueño se basa en la capacidad de los artistas para adaptarse a las distintas exigencias del jurado y del formato. Cada devolución se transforma en una guía para quienes buscan avanzar en el programa. El futuro de Lio Ferro en el concurso depende, en gran parte, de su capacidad para asumir el reto planteado por El Puma Rodríguez y el resto del jurado. Deberá explorar nuevos estilos y confiar en su potencial para destacarse en el escenario.

En la edición más reciente de Es mi sueño, la devolución del jurado dejó en evidencia que el camino hacia la permanencia y el éxito pasa por la búsqueda constante de superación y la apertura a nuevas experiencias musicales. Las palabras del jurado marcan el pulso de la competencia y anticipan que los próximos desafíos exigirán mayor versatilidad de sus participantes.

Las críticas constantes a su aspecto físico parecen haberse convertido en una rutina para Nicki, quien reconoció sentirse agotada por la presión mediática. “Me causa gracia pero ya estoy harta, me critican todo”, expresó con franqueza durante una entrevista en el programa Desayuno Americano. La artista contó que el escrutinio llega a detalles mínimos, como su maquillaje, y que cualquier cambio desata especulaciones.

En los últimos días, Nicki Nicole ya había respondido a quienes la acusaban de haberse colocado bótox, utilizando un video irónico para dejar en claro su postura. Durante el diálogo televisivo, profundizó: “Me maquillo diferente, ‘ay no sé qué se hizo’, es como medio cansador”.

La cantante remarcó que el fenómeno de las críticas por la apariencia es especialmente fuerte hacia las mujeres. “Molesta mucho y es sobre todo con la mujer. Me parece muy cansino porque cada uno con su cuerpo y con su cara hace lo que quiere”, subrayó, evidenciando el sesgo de género en estos comentarios.

En ese sentido, sostuvo que la decisión sobre cómo lucir debe ser personal y no un tema de debate ajeno. “Si yo mañana quiero estar impoluta y no mover ni un músculo, me parece fabuloso. Es una decisión propia”, afirmó.

En los últimos meses, Nicki Nicole ha enfrentado reiteradas críticas en redes sociales por supuestos cambios en su rostro y estilo, lo que la llevó a pronunciarse públicamente sobre el tema. La artista manifestó su cansancio ante los comentarios constantes sobre su aspecto, defendiendo su derecho a decidir sobre su cuerpo y su imagen. La situación refleja la presión que muchas figuras públicas experimentan, especialmente las mujeres, frente al escrutinio sobre su apariencia.

La artista admitió que, aunque en ocasiones puede tomarlo con humor, la insistencia termina por afectarla. La frecuencia y el tono de los comentarios terminan por desgastar, incluso a quienes parecen tener una coraza frente a la exposición mediática

Más allá de las polémicas, Nicki Nicole continúa sumando proyectos artísticos. Días atrás, sorprendió a sus seguidores en Luzu TV al mostrar un adelanto de una canción inédita y compartir su interés en colaborar con Ángela Torres. La canción, según explicó, nació como una parodia a los rumores que circulan sobre su vida sentimental. “La letra que hice fue una parodia porque a mí me inventaron mil novios. Una vez me inventaron un noviazgo con Jacob Elordi”, relató con ironía, evidenciando cómo los rumores pueden desvirtuar la percepción pública sobre los artistas.

El tema de los rumores y la exposición mediática también llevó a Nicki a reflexionar sobre su relación con la prensa. La cantante reconoció que, en sus inicios, le costaba lidiar con la opinión pública y la dinámica de los medios. “Antes era más chica y no entendía cómo era el juego, entonces me daba ansiedad. Pero hoy en día me siento bastante tranquila”, explicó, mostrando una evolución en su manera de afrontar el escrutinio.

Entre risas, compartió que ver la serie sobre Moria Casán le permitió comprender mejor el funcionamiento del universo mediático. “Vi la serie de Moria y entendí muchas más cosas”, comentó, aludiendo a la capacidad de adaptación que exige la fama en Argentina.

El impacto de las redes sociales en la carrera de Nicki Nicole es indiscutible. La artista, que cosechó millones de seguidores en plataformas digitales, reconoció que esta exposición puede ser una fuente de oportunidades, pero también de conflictos. El flujo constante de opiniones, tanto positivas como negativas, obliga a desarrollar estrategias de autocuidado para preservar la salud mental.

En su mensaje, Nicki Nicole hizo hincapié en la importancia de respetar las elecciones individuales respecto al cuerpo y la imagen. “Cada uno con su cuerpo y con su cara hace lo que quiere”, reiteró, invitando a reflexionar sobre el derecho a la autonomía y el respeto mutuo.

Nicolás Vázquez, conductor del programa y una figura habitualmente caracterizada por su energía arrolladora, protagonizó uno de los instantes más conmovedores de la temporada al quebrarse frente a la historia personal de una joven aspirante.

El episodio tuvo lugar durante la segunda etapa del exigente proceso de selección. María Belén Villagra, una joven cantante oriunda de Gualeguaychú, provincia de Entre Ríos, se paró frente al jurado no solo con su voz como herramienta, sino también con un amuleto que guarda su historia familiar. Antes de iniciar su performance, la participante mostró ante las cámaras un objeto diminuto pero de incalculable valor sentimental: la púa de guitarra que pertenecía a su abuelo.

Con los ojos vidriosos y la voz temblorosa, la entrerriana explicó que ese pequeño pedazo de plástico la acompaña incondicionalmente en cada paso de su incipiente carrera artística desde el fallecimiento del músico. “Me ayuda a tenerlo cerca cuando canto”, confesó, revelando cómo ese simple elemento funciona como un puente emocional hacia sus raíces.

Lejos de mantener la distancia profesional que suele imponer el rol de presentador, Vázquez empatizó de manera automática y visceral. Comprendiendo a la perfección el peso de la ausencia y la necesidad de aferrarse a símbolos tangibles, decidió abrir su corazón en pleno prime time. Para reconfortar a la concursante y demostrarle que compartían el mismo lenguaje del dolor, Nico se arremangó y exhibió el tatuaje que lleva impregnado en su antebrazo.

El diseño, dedicado exclusivamente a la memoria de su hermano menor, se convirtió en el centro de la escena. “Mirá, acá lo tengo a mi hermano Santi”, expresó el actor, logrando que el inmenso estudio se redujera a un espacio de intimidad compartida. Con la voz notoriamente quebrada, añadió una reflexión que caló hondo en los presentes: “Siempre están igual con nosotros, pero está bueno recordarlos con algún objeto o historia para reforzarlo”.

La secuencia, cargada de una honestidad brutal, continuó resonando durante la emisión. En el tramo de edición posterior, la producción incluyó una narración en off donde el conductor profundizó sobre su manera de transitar la pérdida. “Los que se fueron siempre están. Son presencias sutiles que nos acompañan permanentemente”, aseguró Vázquez, dejando en evidencia un trabajo interno de años para transformar el sufrimiento en resiliencia. Para él, los vínculos afectivos trascienden indefectiblemente el plano físico, encontrando en la cotidianidad nuevas formas de manifestarse.

La huella imborrable de Santiago

Este cruce espontáneo no tardó en generar una ola de repercusiones en las redes sociales, donde miles de usuarios recordaron de inmediato la trágica historia de Santiago Vázquez. La empatía de Nico nace de la herida más profunda de su vida. Santiago falleció de manera abrupta el 16 de diciembre de 2016, a los 27 años, mientras disfrutaba de unas vacaciones con amigos en Punta Cana, República Dominicana. El joven, que también era un actor carismático y una estrella en ascenso en las plataformas digitales, mantenía un vínculo simbiótico con su hermano mayor.

La causa de su repentino deceso fue una miocardiopatía hipertrófica, una severa enfermedad cardíaca de origen congénito. Esta patología genética, que produce un engrosamiento anormal de las paredes del músculo cardíaco, se caracteriza por ser silenciosa y puede pasar completamente inadvertida durante años, debutando trágicamente con cuadros irreversibles de muerte súbita. En el caso de Santiago, los estudios posteriores determinaron que la dolencia se encontraba en un estado sumamente avanzado, sin haber presentado síntomas previos que permitieran anticipar el fatal desenlace.

Desde aquella fatídica mañana de 2016, la memoria de Santi se ha transformado en un motor vital para Nicolás, quien lo homenajea constantemente en sus proyectos artísticos, entrevistas y redes sociales. Quienes sintonizaron Popstars fueron testigos de cómo el arte y el recuerdo se entrelazan. Pequeños rituales, ya sea conservar una púa gastada por el tiempo o llevar un diseño entintado en la piel, son mecanismos humanos indispensables para abrazar la ausencia. El conmovedor episodio demostró que, más allá de la competencia televisiva, el verdadero triunfo radica en la capacidad de seguir adelante sin soltar la mano de quienes nos marcaron para siempre.

Con la confirmación de su nombre, Telefe suma una figura querida y reconocible a la próxima temporada de su exitoso reality. El anuncio se realizó en el ciclo Cortá por Lozano, donde se oficializó también la incorporación de Josefina “la China” Ansa, otra figura del canal de las pelotas, completando así los primeros cuatro lugares del certamen junto a los cantantes Luck Ra y L-Gante.

La inclusión de Lizy Tagliani no solo responde al deseo personal de la comediante, sino que marca un momento de alta exposición mediática para ella. Actualmente, atraviesa la etapa final de sus funciones en la obra Annie, en el Teatro Broadway, y se encuentra abocada a un nuevo proyecto vinculado al mundo inmobiliario. Su presencia en el programa venía siendo objeto de rumores y especulaciones, hasta que el canal terminó por validar oficialmente su participación.

En charla con este medio, la conductora se expresó con naturalidad ante el desafío de enfrentar a uno de los jurados más exigentes de la televisión: “Miedo no le tengo miedo a nada. O sea, somos grandes para tenerle miedo a otras personas grandes”, razonó desde el sentido común. Cabe mencionar que todavía Telefe no confirmó quién acompañará a Germán Martitegui y Damián Betular tras la salida confirmada de Donato de Santis.

Durante la presentación, Vero Lozano, conductora de Cortá por Lozano, enfatizó el aporte de Tagliani al formato: “Me encanta Lizy Tagliani. Es fascinante. Le va a poner alegría, diversión, espontaneidad”, sostuvo, destacando el perfil de la humorista para un certamen que combina entretenimiento y competencia.

Durante la transmisión televisiva, otros panelistas y conductores opinaron sobre el armado del elenco y el potencial de las nuevas incorporaciones. Lozano remarcó el espíritu festivo que Lizy puede aportar, mientras Juariu advirtió sobre el perfil competitivo de la China Ansa: “Tengan cuidado con la China porque está practicando”.

El humor y la espontaneidad de Lizy se perfilan como uno de los atractivos de la temporada, en una edición que apunta a la diversidad de perfiles y trayectorias. La expectativa en torno a su participación se explica, en parte, por su historia previa con el ciclo: Lizy había sido invitada en ediciones anteriores, pero esta será la primera vez que compita como participante oficial, enfrentándose al jurado y al público desde un rol completamente distinto.

La confirmación de los primeros cuatro participantes —Lizy Tagliani, China Ansa, Luck Ra y L-Gante— marca el inicio de una estrategia de casting que prioriza figuras con llegada masiva y trayectorias personales de alto impacto mediático. La convivencia entre artistas de la música urbana, periodistas y humoristas promete una temporada dinámica y con múltiples matices.

En el caso de L-Gante, su vínculo previo con la conductora Wanda Nara despierta expectativas sobre la dinámica interna del programa. La relación sentimental que ambos mantuvieron en el pasado fue ampliamente cubierta por los medios, y su reencuentro televisivo se perfila como uno de los ejes narrativos del nuevo ciclo.

Por el lado de Luck Ra, la reciente separación de La Joaqui —participante de la edición anterior— establece una conexión narrativa entre temporadas. El cuartetero fue parte de la edición previa al haber reemplazado a su exnovia por compromisos laborales de ella, lo que agrega una capa de interés a su regreso.

Mientras la producción ajusta los últimos detalles para el regreso de MasterChef Celebrity al prime time, circulan nombres como Yanina Latorre, Débora Nishimoto y Topa como posibles futuras incorporaciones. También Julieta Poggio reconoció haber sido contactada, aunque aún no fue confirmada oficialmente.

La conductora Marcela Tinayre celebró con emoción el aniversario número 25 de su hijo menor, Rocco Gastaldi, con una dedicatoria pública que conmovió a quienes la siguen. La ocasión sirvió para revelar aspectos poco conocidos de su historia familiar y el profundo vínculo que los une.

La publicación incluyó fotos inéditas de la infancia de Rocco, el hijo que tuvo junto al banquero Marcos Gastaldi, quien falleció en 2020. Y eligió las palabras que sintetizaron el orgullo y la ternura de Marcela hacia su hijo: “Sos tan buena persona, tan distinto, tan amigo de tus amigos. Buen hijo y solidario siempre. Te amo, feliz cumple”, expresó la conductora, abriendo una ventana a su intimidad familiar en una fecha especial.

La decisión de Marcela de compartir este mensaje responde, según su propio relato, a la necesidad de hacer visible la felicidad que le genera ver crecer a Rocco. Aunque su hijo prefiere mantenerse fuera del ámbito mediático, la presentadora eligió este momento para romper esa reserva y mostrar públicamente el afecto que siente.

Rocco nació cuando Marcela Tinayre tenía 50 años, tras un proceso de fertilidad que fue parte de un deseo largamente esperado. Según contó en anteriores oportunidades, fue “un hijo muy buscado”, fruto de su relación con el banquero. El nacimiento de Rocco significó una alegría profunda para la familia, que venía de atravesar etapas marcadas por pérdidas dolorosas.

El joven, que hoy estudia ingeniería, es el tercer hijo de Marcela -quien es mamá de Juana y Nacho, de su relación con Ignacio Viale del Carril- y el quinto de Marcos Gastaldi, pero ocupa un lugar especial en ambas ramas familiares.

A pesar de pertenecer a un entorno de figuras públicas, la infancia y adolescencia de Rocco transcurrieron lejos de los flashes y la exposición. Esta decisión fue siempre respetada por su madre, quien en diversas ocasiones afirmó que prioriza la autonomía y la privacidad de su hijo.

El cumpleaños número 25 encuentra a Rocco consolidando su camino personal y profesional, mientras Marcela observa ese proceso con satisfacción. “Verte tan maduro me llena de felicidad”, insistió en su dedicatoria, reforzando la idea de un vínculo basado en el respeto mutuo y la complicidad.

La historia de Rocco está atravesada por momentos de alegría y también de duelo. Tenía 20 años cuando falleció su padre, un hecho que marcó a la familia y que, según allegados, fortaleció aún más la relación madre e hijo. La madurez con la que Rocco encaró esa etapa es otro punto de orgullo para Marcela, que suele destacar la sensibilidad y el temple de su hijo menor.

La vida privada de Rocco sigue siendo un territorio preservado, pese a la notoriedad de su entorno. Su decisión de mantenerse alejado de las cámaras es respetada y celebrada por su madre, que valora su perfil bajo y su círculo de amigos cercano.

Para quienes se preguntan por qué la figura de Rocco despierta tanto cariño en su madre, la respuesta está en la combinación de circunstancias que rodearon su llegada al mundo y la forma en que se ha desarrollado. Fue un hijo esperado, deseado y celebrado, y ese origen marcó su historia dentro de una de las familias más emblemáticas del espectáculo argentino.

Marcela Tinayre ha relatado en diferentes entrevistas la importancia que tuvo para ella la maternidad a una edad poco habitual. “Me sometí a un tratamiento de fertilidad porque quería ser madre nuevamente”, ha dicho en oportunidades anteriores, señalando el esfuerzo y la determinación que acompañaron la llegada de Rocco.

Rocco Gastaldi no solo representa un hito personal, sino también familiar. La celebración pública de Marcela es una forma de compartir con su audiencia la felicidad y el orgullo que siente por el camino recorrido por su hijo.

La historia de Rocco Gastaldi condensa los desafíos y las gratificaciones de crecer en una familia reconocida, pero manteniendo la individualidad y la privacidad. Su madre, lejos de forzarlo a seguir sus pasos en los medios, celebra cada logro desde un lugar de acompañamiento y comprensión.

El mensaje de Marcela Tinayre permite asomarse a la intimidad de una relación marcada por el amor y la complicidad. La dedicatoria pública en su cumpleaños número 25 deja en claro que, más allá de la fama, lo esencial sigue siendo el vínculo familiar y el reconocimiento del crecimiento personal.

El dúo eligió el clásico “Seminare”, de Serú Girán, para su presentación. Aunque lograron avanzar a la siguiente etapa, el ambiente se cargó de incertidumbre en cuanto Jimena Barón tomó la palabra para compartir su mirada sobre lo ocurrido en el escenario. “Yo los amo, pero para mí fue un quilombo lo que hicieron. Yo les voy a ser completamente sincera”, lanzó la jurado, dejando en claro que la empatía con los participantes no le impediría ser honesta.

La presentación de Miguel Ángel y Vanesa en el programa generó debate en redes y entre los televidentes. A pesar de las dificultades técnicas y de coordinación que se percibieron en vivo, ambos consiguieron continuar en competencia, gracias a la expectativa y el entusiasmo que despiertan en la audiencia, aunque con la advertencia de que deberán mejorar si quieren llegar a instancias finales.

No pasó inadvertido el énfasis con el que Jimena Barón describió su percepción de la actuación. “O sea, fue un quilombo total. Es como que yo hubiese escuchado un ensayo donde están viendo cómo cantarla, y eso no tiene que pasar acá”, advirtió, ubicando el foco en la falta de cohesión que notó entre ambos intérpretes durante su performance.

La artista a la hora de evaluar fue más allá y explicó en detalle su proceso de evaluación. “Puse verde, lo dudé mucho. Estoy entusiasmada, pero tengo que decir que fue un caos lo de hoy, para ser justa con los compañeros”, aclaró, subrayando la importancia de la equidad en el certamen. En ese sentido, la jurado remarcó que, más allá de la simpatía o el carisma, la exigencia técnica es un factor clave para continuar en carrera.

La reacción de Miguel Ángel Rodríguez y Vanesa ante la devolución fue de atención y autocrítica. Si bien no respondieron en el momento, la mirada del actor reflejaba la conciencia de que el desafío por delante será mayor. Jimena Barón reforzó su mensaje con un consejo directo: “Tienen que organizarse, ensayar y venir con algo plantado”. Con estas palabras, estableció un estándar mínimo que espera ver en las próximas galas.

El tema seleccionado, “Seminare”, es considerado un emblema del rock nacional. No obstante, su complejidad y carga emocional suelen poner a prueba a quienes intentan interpretarlo en vivo. La decisión de abordarlo expuso tanto las fortalezas como las debilidades del dúo, que deberá trabajar sobre la dinámica grupal y la seguridad escénica.

El mensaje de Jimena Barón resonó entre los demás concursantes del programa. Su insistencia en la necesidad de preparación y cohesión grupal fue interpretada como una advertencia general sobre el nivel de exigencia que predominará en la competencia.

La expectativa ahora se centra en la capacidad de la pareja de Miguel Ángel Rodríguez y Vanesa para transformar la crítica en aprendizaje y sorprender con una presentación renovada. El público, atento a cada instancia, espera ver si logran superar el “caos” señalado y consolidarse como una de las duplas protagonistas de la temporada.

La experiencia vivida en esta gala de Es mi sueño deja una lección para todos los concursantes: el carisma y la simpatía pueden abrir puertas, pero solo la preparación y la solidez artística aseguran la permanencia en la competencia.

El episodio más inesperado surgió cuando Ortega recordó uno de los oficios que más impactó a su entrevistador. “También trabajé en un cementerio”, confesó con naturalidad, provocando que Pergolini preguntara, incrédulo: “¿En un cementerio también trabajaste?”. El músico detalló entonces: “Sí, limpiaba la sepultura y las cruces. Sacaba la maleza, arreglaba la tierra… un poco de todo”.

El relato entonces giró en torno a la infancia y la búsqueda de oportunidades para el artista nacido en Tucumán: “Yo desde muy chiquito que trabajé. Hice distintos trabajos, de todo tipo. El primero fue en la cosecha, de mandarinas y otras frutas cítricas”, rememoró Ortega, antes de linkear uno de esos empleos ocasionales con su futuro como ídolo de la música popular: “También lustraba zapatos. Me acuerdo de que me buscaban a mí porque yo le cantaba a los clientes mientras lo hacía y eso les gustaba. Era divertido, aunque a veces les manchaba las medias por distraído”.

En ese escenario inusual, la vocación artística nunca estuvo ausente, aunque le valiera algún que otro reto. “De vez en cuando venía el encargado del cementerio a callarme porque yo cantaba. Lo hacía todo el tiempo”, confesó Ortega. La anécdota arrancó risas y gestos de asombro, reforzando la idea de que el arte lo acompañó en cada etapa de su vida.

Durante el programa, el conductor le preguntó si siempre fue tan seguro de sí mismo, teniendo en cuenta su origen humilde y su ascenso desde los trabajos más modestos. Ortega respondió con sinceridad, reconociendo que la confianza fue un proceso forjado en la adversidad y el trabajo constante desde la infancia.

El relato de sus primeros pasos laborales mostró a un niño inquieto, dispuesto a probar suerte en cualquier campo, pero con una inclinación constante hacia lo que lo terminaría haciendo famoso: “Creo que cantar es una vocación que abracé desde muy chico. Siempre estuvo conmigo, fue siempre una parte de mí”, sentenció el artista, dejando en claro que la música no fue solo un escape, sino el motor principal de su desarrollo personal y profesional.

Lo que sorprende de la narración de Ortega no es únicamente la diversidad de oficios, sino la manera en que la música se filtraba incluso en los ambientes más insólitos. El encargado del cementerio, al pedirle silencio, no lograba apagar ese impulso artístico que se manifestaba aún en los momentos menos propicios.

La experiencia del cantor de “La felicidad” sirve de respuesta a quienes se preguntan cómo logró consolidar una carrera artística de largo recorrido partiendo de contextos tan adversos. El trabajo duro, la disciplina y la pasión por el canto se entrelazaron desde el inicio, permitiéndole sortear obstáculos y modelar una identidad marcada por el esfuerzo.

A tal punto llegó con la música que pudo codearse con una figura como Frank Sinatra. En 1981, Palito Ortega asumió uno de los mayores riesgos de su carrera: producir una serie de conciertos de “La Voz” en el Luna Park de Buenos Aires. El proyecto fue monumental, pero la realidad económica lo aplastó. Una fuerte devaluación disparó el dólar y dejó al artista con una deuda de más de dos millones de dólares. Aun así, Ortega pagó hasta el último centavo.

Antes de que Sinatra partiera hacia Brasil, los dos se encontraron por última vez y el estadounidense le hizo una promesa que cumpliría años después. “Yo sé todo lo que te pasó. Lo único que tenés que recordar es que cuando llegues a Estados Unidos y necesites un garante, no dejes de llamarme”, le dijo. Cuando Ortega se instaló en Miami junto a su esposa, Evangelina Salazar, recordó esas palabras y lo contactó. La respuesta fue inmediata: en pocos días lo citaron en Nueva York, productores y bancos se acercaron a ofrecerle oportunidades y el artista logró establecerse con casa propia, cuentas bancarias y crédito. El respaldo de Sinatra también le abrió las puertas de escenarios como Las Vegas.

Roger recordó una anécdota que la marcó. Entre risas, relató: “Veníamos caminando con el Perón, con Michael Cerveris, que era el Perón de Broadway, y atrás unas chicas dicen en inglés: ‘Ay, qué bueno, Ricky Martin va a hacer acá Evita. Ay, sí, ¿y ella quién es? Nadie’, le dijo la otra”. La escena, vivida en plena calle neoyorquina, la enfrentó de golpe con la percepción del público local. “Nos agarró un ataque de risa porque era fuertísimo. Pero por otro lado era real. O sea, no era nadie yo para la gente que estaba yendo a ver esa obra”, reconoció en diálogo con Luis Novaresio para su programa de A24.

La llegada de la argentina a Broadway coincidió con el desembarco de Ricky Martin, figura central de la producción. “Yo había sido líder de la compañía en Londres y la estrella de Evita en Londres, pero cuando fui a Broadway yo no era la estrella, era Ricky Martin”, explicó Roger. El contraste entre ambas experiencias fue evidente desde el primer día.

A diferencia de la recepción europea, en Nueva York el foco mediático giró de inmediato hacia Martin. “Mi problema no era con Ricky Martin, pero era importante saber que yo no iba a hacer tantas notas como él”, admitió. La artista supo enseguida que, en esa temporada, su nombre no encabezaría las marquesinas ni acapararía los flashes de la prensa. “No one”, llegó a decir, refiriéndose a sí misma desde la perspectiva del público local.

Durante su temporada en Broadway, Roger interpretó a Eva Perón junto a dos figuras consagradas: Ricky Martin, en el papel de Che, y Michael Cerveris como Perón. La cantante y actriz argentina aportó su experiencia previa en Londres, pero fue testigo de cómo la lógica del espectáculo estadounidense privilegiaba la presencia y el carisma del puertorriqueño, convertido en fenómeno de taquilla.

A pesar de la fría bienvenida mediática, Roger recibió críticas de todo tipo. “Sí, hubo variadas. A mí creo que me criticaron la nasalidad, no la nariz”, recordó entre risas, mostrando su capacidad de autocrítica y humor frente al escrutinio de la prensa especializada. La artista reconoció que la reacción de los críticos fue diversa y que algunos aspectos de su interpretación no terminaron de convencer a los cronistas neoyorquinos.

La actriz reflexionó sobre el peso de la tradición en Broadway y la resistencia a los cambios de paradigma. “No estaban preparados para dejarnos el trono a Ricky y a mí, que éramos latinos, y sacárselo a Patti Lupone y a Mandy Patinkin, que son los grandes de la comedia musical allá”, sostuvo Roger. El desembarco de dos intérpretes latinoamericanos en los papeles centrales de Evita representaba una novedad para el público y los medios estadounidenses, acostumbrados a figuras locales de renombre en ese tipo de producciones.

La experiencia de Elena Roger en Broadway fue, según sus propias palabras, tanto un desafío profesional como una lección de humildad. Si bien en Londres había alcanzado el reconocimiento, en Nueva York debió reinventarse y aceptar las reglas de una industria que no siempre valora de igual manera el talento foráneo.

El desenlace de su paso por los teatros neoyorquinos dejó en claro que el éxito internacional no siempre garantiza el aplauso inmediato en todos los escenarios. Roger supo que, para muchos asistentes, su nombre era entonces una incógnita, y que el brillo de un astro como Ricky Martin podía opacar cualquier trayectoria previa.

Durante su estadía en Nueva York, Roger aprendió a convivir con la sombra y el anonimato, pero también con el privilegio de compartir escenario con artistas de talla internacional. La risa ante el comentario casual de dos espectadoras anónimas fue, en sus palabras, un recordatorio de la distancia entre la fama y el reconocimiento real en territorios ajenos.

Esta experiencia ilustra la complejidad de los cruces culturales y el peso de las figuras mediáticas en la industria del espectáculo de Estados Unidos. Aunque su talento había sido celebrado en Europa, en Nueva York debió enfrentar el reto de abrirse camino en una plaza donde el nombre propio, muchas veces, pesa tanto como la voz.

La tensión creció cuando, por segunda vez en poco tiempo, Gran Hermano aplicó su sanción más temida: la reducción drástica del dinero para el supermercado. El grupo, que debía alcanzar el 25% del presupuesto si superaba la coreografía, terminó recibiendo solo el 12,5% tras el voto negativo del público.

Sanciones y desgaste emocional en la competencia

El detonante fue la negativa de Charlotte Caniggia y Tamara Paganini a participar de la coreografía. Nazareno Pompei, visitante de Paganini, se sumó a la decisión. El reglamento del reality es claro: la falta de compromiso con las pruebas repercute en el bienestar colectivo. Así, la producción impuso el recorte como castigo, generando un efecto dominó en la convivencia.

A pesar de los intentos del resto para sacar adelante la consigna, la coreografía presentada no convenció ni a los responsables del programa ni a los espectadores, quienes manifestaron su descontento a través del voto. Este rechazo se tradujo en una sanción que dejó a las jugadoras en una situación económica aún más precaria dentro de la casa.

El episodio dejó expuesto el malestar de la audiencia con la dinámica actual del reality. El público, que antes acompañaba y alentaba, ahora parece haberle dado la espalda a las participantes, votando mayoritariamente en contra y mostrando cierto hastío frente a la repetición de conflictos y enfrentamientos.

En este contexto, la disputa por el presupuesto semanal se transformó en el eje central del día, desplazando cualquier intento de reconciliación o celebración dentro de la casa.

Para quienes buscan entender la raíz de la polémica en Gran Hermano Generación Dorada, el conflicto se originó cuando varias participantes se negaron a realizar una coreografía grupal exigida por la producción. La sanción no tardó en llegar: la reducción a solo el 12,5% del presupuesto semanal para el supermercado, decisión que provocó un clima de tensión, recriminaciones y desgaste anímico tanto entre las jugadoras como en la relación con el público.

La voz cantante en la disputa fue Sol Abraham, quien no dudó en responsabilizar a Tamara Paganini por la derrota en la prueba. Según Abraham, la falta de compromiso de su compañera perjudicó a todo el equipo.

En medio de la discusión, Sol aprovechó para lanzar una acusación directa contra Yipio, a quien señaló por supuestamente haber hablado de más con Andrea del Boca durante las bodas temáticas, lo que habría derivado en una sanción anterior. “Me estás acusando de algo en lo que yo no tengo nada que ver. Me encerré como ustedes a hacer la coreo”, le replicó Yipio, buscando desmarcarse de la polémica.

La discusión no tardó en convertirse en una reedición de viejos argumentos. Las participantes retomaron viejas rencillas: “que una es planta, que la otra es agresiva, que una hace juego sucio, que la echaron a Mavinga, que me escupió y que la otra se la pasa sentada en el sillón”. El clima se volvió tenso y circular, con los mismos reproches de siempre.

El ciclo parece haber entrado en una suerte de “día de la marmota”, donde las actividades y dinámicas se repiten bajo diferentes disfraces, pero con el mismo resultado: discusiones y enfrentamientos. La estrategia de la producción, basada en proponer desafíos que requieren trabajo en equipo, termina por alimentar las divisiones ya instaladas en la convivencia.

Laura Ubfal lo resumió en el debate: “Ya es aburrido de ver”. La crítica apunta al desgaste del formato, que parece haberse quedado sin sorpresas para mantener la atención del público.

Mientras tanto, Ángel de Brito confirmó que Telefe evalúa extender el programa una semana más, con la esperanza de mejorar el rating de septiembre y apostar a que el estreno de Popstars logre captar nueva audiencia. Esta decisión refleja la preocupación por la respuesta del público, que parece haberse distanciado del ciclo en este tramo final.

La sanción económica no solo afecta el ánimo dentro de la casa, sino que también pone a prueba la capacidad de las jugadoras para recomponerse y reorganizarse en un contexto adverso. La reducción del presupuesto semanal impacta en la alimentación y el bienestar general, tensionando aún más los vínculos y la convivencia.

El desgaste se percibe en cada interacción, con discusiones recurrentes y argumentos que ya no sorprenden ni generan empatía. El público, cansado de la repetición, optó por votar en contra y marcó distancia con las participantes.

En definitiva, Gran Hermano Generación Dorada atraviesa una fase crítica, en la que la falta de renovación en las dinámicas internas y el desencanto de la audiencia amenazan con opacar el cierre de temporada. El desafío para la producción será encontrar una salida que devuelva frescura al formato y recupere el interés del público antes del desenlace final.

El recuerdo de Muscari estuvo marcado por la incredulidad ante la trágica noticia. “Me parece inexplicable e increíble. Es como una película de ciencia ficción que ya no está, sobre todo porque era una mina rebosante de alegría y empatía”, expresó conmovido el director al aire de Implacables, por El Nueve.

En el momento del accidente, la compañía atravesaba una etapa de logros y satisfacción. Muscari recordó que la tragedia los tomó completamente por sorpresa y trastocó los planes del grupo. “La obra estaba lejos de pensar en un cierre. Cuando hablamos de la posibilidad de continuar, nos dimos cuenta que no”, explicó al relatar el debate interno sobre el futuro del proyecto tras la pérdida de Ernestina.

El elenco, finalmente, optó por suspender la obra. El director subrayó que la decisión fue unánime y que surgió tras evaluar el peso emocional que implicaba seguir adelante sin una de sus figuras centrales.

El dolor y la conmoción no solo alcanzaron al grupo inmediato de trabajo. Muscari compartió que el fallecimiento generó una ola de afecto y recuerdos en todo el medio artístico. “Con esto nos dimos cuenta cuánto la queríamos, creo que a muchas personas del medio nos pasó”, sostuvo el actor y director.

Ningún equipo, afirmó, se encuentra preparado para enfrentar una situación tan abrupta. Los integrantes de la obra buscaron acompañarse y procesar el duelo de la mejor manera posible dentro de sus posibilidades.

El fallecimiento de Ernestina País produjo un corte abrupto en la rutina diaria de quienes compartían escenario y proyectos con ella. El vacío dejado por su ausencia se hizo evidente tanto en lo profesional como en lo personal, marcando un antes y un después en el vínculo entre los miembros del elenco.

Según el informe preliminar de la autopsia, la causa inmediata de la muerte fue un traumatismo encefalocraneano grave. El estudio también detectó una laceración hepática y una laceración esplénica, lesiones que confirmaron la magnitud del impacto sufrido por la periodista.

El resultado del análisis toxicológico generó especial atención. El informe, incorporado a la investigación de la Fiscalía de San Isidro y difundido por el periodista Ángel de Brito, descartó la presencia de alcohol y sustancias estupefacientes en sangre al momento del accidente.

De esta manera, el examen toxicológico permitió descartar algunas versiones que circularon tras la muerte de Ernestina País, entre ellas las especulaciones sobre un supuesto consumo de sustancias antes del siniestro.

El caso evidenció el efecto devastador que una tragedia puede tener en un entorno artístico y mediático. Tras la confirmación de las causas médicas, se cerró la puerta a rumores y se reforzó la imagen de Ernestina como una figura querida y valorada por sus colegas.

La noticia del fallecimiento de Ernestina impactó de lleno en la comunidad cultural. El hecho puso de relieve la fragilidad de los proyectos colectivos y la importancia de los lazos afectivos dentro del mundo del espectáculo.

El recuerdo de su alegría y empatía, como subrayó Muscari, permanece en quienes compartieron escenario y proyectos con ella. El duelo dejó una enseñanza sobre la trascendencia de los vínculos y el cariño que deja una figura como Ernestina País en su paso por la vida artística.

La muerte de Ernestina País marcó un quiebre inesperado en la vida de sus colegas. El cierre de la obra y la reacción de su entorno muestran cómo el arte y la amistad se entrelazan ante la adversidad, dejando una huella imborrable en quienes la conocieron.

A lo largo de la charla en el podcast de Vicky Martin Berrocal, Sbaraglia repite una imagen: la del campo como escenario de su futuro y de sus aprendizajes. “Tengo la idea igual, no soy de esos que dicen: ‘Voy a morir joven’. Yo tengo ganas de vivir muchas cosas en la vida todavía. Quiero vivir muchos años y quiero aprender muchas cosas y me imagino mucho en ese campo”, insiste, dejando claro que su anhelo es la longevidad y la experiencia, no el retiro prematuro.

El actor se detiene en los detalles sensoriales que lo atrapan. “Me imagino mucho en ese campo. Me imagino mucho ahí porque es un lugar enorme donde puedes ver el sol nacer, donde puedes ver el sol morir cada día”, describe, sintetizando en dos imágenes diarias la plenitud de su hallazgo.

Sbaraglia refuerza la visión: “Ya solamente estar en un lugar donde ves ese amanecer y ves ese atardecer... no es poca cosa”. Para él, ese ciclo natural es suficiente para dotar de sentido a la vida rural.

En resumen, Leo Sbaraglia expresa que su mayor deseo cumplido en esta etapa es haber adquirido un campo en la provincia de Buenos Aires. Allí encuentra no solo un refugio para descansar, sino un espacio donde proyecta su vida futura, asociando la naturaleza y el tiempo con una vida larga y cargada de experiencias.

Se viene la segunda temporada de Menem

La serie biográfica Menem confirmó su regreso con una segunda temporada, que estará disponible en 2027. Esta nueva entrega continuará explorando la vida y el legado del expresidente argentino, enfocándose en su segundo mandato y en los desafíos que enfrentó tras su reelección.

La producción, protagonizada por Leonardo Sbaraglia en el papel de Carlos Menem y Griselda Siciliani como Zulema Yoma, avanza desde el impacto de la muerte de Carlos Menem Jr., un acontecimiento que marcó el cierre de la primera temporada, hasta el desgaste de la imagen del mandatario ante la opinión pública.

La primera temporada, lanzada en julio de 2025, tuvo gran repercusión al mostrar el ascenso político de Menem desde sus días como gobernador de La Rioja hasta su llegada a la presidencia. La serie abordó tanto su ambición y poder, como las controversias y tragedias que atravesaron su gestión.

La segunda temporada se centrará en una etapa marcada por el agotamiento del ciclo político de los años noventa y la creciente mezcla de la política con el mundo del espectáculo y las celebridades. El personaje de Olegario, el fotógrafo que acompaña al expresidente en su intento de reconstrucción de imagen, también regresará.

En la segunda temporada, la historia retoma tras la reelección de 1995, mostrando cómo el desgaste político y personal del expresidente se vuelve protagonista. La ficción retratará el impacto emocional de las tragedias familiares y el enfrentamiento con una opinión pública cada vez más exigente.

El anuncio generó entusiasmo entre los protagonistas. A pocos minutos de la confirmación, Griselda Siciliani compartió una imagen junto a Sbaraglia y escribió: “Volvemos, compañero soñado”.

La dirección seguirá a cargo de Ariel Winograd, manteniendo la continuidad narrativa y el enfoque en el universo en el que la política y el espectáculo se entrelazan.

La serie “Menem” se consolida como una de las grandes apuestas de Prime Video para seguir profundizando en relatos que exploran la historia reciente de la Argentina, combinando drama, política y vida personal de figuras clave del país.

En charla con Teleshow, Masini describió el desafío como de una exigencia límite: “Es una obra que requiere mucha energía, tenés que estar muy enfocado porque no para un segundo desde que arranca”. El actor subrayó que el texto y la dinámica de la obra los obliga a mantenerse atentos y a colaborar de manera constante para sostener la intensidad en escena.

En la obra que se estrena el próximo 26 de agosto en el Paseo La Plaza, Masini se pone en la piel de una figura del fútbol europeo cuya vida cambia radicalmente cuando es acusado de violación. Portaluppi es su representante en una trama que se traslada de los límites del campo de juego para disputarse más en los medios y en las redes sociales que en los tribunales.

Dribbling no solo explora la pasión y los conflictos inherentes al fútbol, sino que también invita a reflexionar sobre la fama y el poder dentro y fuera del campo. El espectáculo propone una visión contemporánea de las relaciones humanas atravesadas por el deporte. Los espectadores encontrarán una historia que crece en intensidad a medida que avanza, construyendo una atmósfera donde las emociones y los intereses se entrecruzan sin pausa.

—¿Cómo te llegó la propuesta para participar en la obra?

—A través de la productora, me llamaron para ofrecerme la obra, la leí y me encantó. La escribió Ignasi Vidal, un dramaturgo catalán que también es quien la dirige, se quedó todos estos meses ensayando con nosotros acá en Buenos Aires. Cuando me dijeron que la posibilidad estaba de hacerla con Carlos (Portaluppi), la verdad que ni dudé; habíamos hecho Cuéntame cómo pasó, pero no habíamos interactuado mucho y siempre quedó la idea y la posibilidad de volver a trabajar juntos en algún momento. Y acá era perfecto porque es una obra de solo dos personajes.

—¿Cómo es trabajar con él?

—Yo lo admiro mucho arriba del escenario. Tiene una entrega y estamos creando una conexión muy genuina y de mucha química de parte de los dos. Es una obra que requiere mucha energía, y siento que nos exigimos mutuamente durante toda la función.

—La problemática que plantea la obra es compleja...

—Está muy bien escrita y genera mucha tensión al espectador. Desde que arranca genera incomodidad en lo que se habla y en cómo se va resolviendo ese conflicto. Y también genera mucha tensión el saber si hay un culpable o si hay un inocente. Durante toda la obra va de un lado para el otro, no tomás partido todavía hasta que termina.

—¿Qué vínculo se construye entre los personajes principales?

—Más allá del vínculo que se ve entre él que es mi representante y yo su representado, lo que estamos trabajando es el vínculo paternal que él tiene conmigo. Eso también creo que lo hace más profundo y más dramático aún.

—¿Qué lugar ocupan las redes sociales en la obra?

—Aparece el tema de las redes, aparecen los medios, aparece cómo también de un día para el otro la vida de alguien que es recontra reconocido puede cambiar. Y se plantea también la realidad de un joven que, como no tiene las herramientas necesarias, no sabe cómo llevar el tema de la fama, que es muy difícil también.

—¿Cómo te posicionás vos frente a las redes sociales?

—Es un canal que creo que hoy es importante, porque es un medio de comunicación para nosotros, para compartir lo que estamos haciendo, para tener cierta llegada a la gente que me sigue durante tantos años más allá de si viene al teatro o no; están están cerca de cada uno de mis trabajos. Pero por supuesto, es un lugar también donde cada uno puede opinar lo que quiere y yo respeto la opinión de todo el mundo. Hay gente que le gustará lo que hago, gente que no.

—¿Y cómo te llevás con las críticas o comentarios negativos?

—Lo intento tomar con bastante calma y entiendo que hay gente que puede no gustarle lo que hago, que me puede tirar odio y también gente que me tira mucho cariño. Entonces es como la vida misma: hay de los dos lados. Va a pasar que gente venga a ver la obra y le encante y gente que me diga que no le gustó. Y está perfecto, pero intento seguir mi camino, con respeto y siendo educado. No bloqueo en las redes. Hoy es así y yo intento comunicar lo que tengo ganas de comunicar y lo que tengo ganas de guardarlo para otro momento, lo guardo para mí.

—¿Y con el fútbol? ¿Alguna vez pensaste en ser jugador?

—No, la verdad que jugando al fútbol no te diría que soy un gran jugador, me defiendo lo que puedo (se ríe). Soy más de los deportes con raqueta, con paleta.

—¿Qué te interesó del enfoque de la obra respecto al fútbol?

—Si bien está el fútbol como base, la obra va más allá y habla de esta temática, de un joven que no tiene tampoco las herramientas emocionales para llevar lo que es la fama, el dinero, el poder y todo lo que eso conlleva. Los intereses que hay detrás de los clubes también. Siento que es un tema que es global, en cualquier disciplina está, no solo en el fútbol. Es una propuesta novedosa desde ese lugar. Por supuesto es una ficción, pero es una temática tan instalada y tan actual que es un distintivo para el que la venga a ver.

—¿Qué significa para vos volver al teatro con una obra como esta?

—Me entusiasma mucho. Lo último que hice en teatro fue Las cosas maravillosas hará ya dos años y la verdad que lo disfruté mucho. Estar arriba del escenario me encanta. Esta vez con Carlos también, así que intento disfrutar mucho el proceso. Ahora ya nos queda poquito para el estreno, y ya lo estoy disfrutando por anticipado.

Jorge Suárez conversó con Teleshow y repasó los momentos clave de su vida, personal y profesional. Nació en el Morocco, un bodegón en Padilla y Acevedo, Villa Crespo, que tenían sus padres. Y trabajó desde chico entre copas y tazas. A los 16 una obra de Marco Denevi le torció el destino. Años después, la salud también le impondría su propio guion.

Desde los veinticinco años, la diabetes marcó el ritmo de su vida. Insulinodependiente, Suárez construyó toda su carrera sobre esa base inestable. En palabras del propio actor: “Es una fuerza que se te opone permanentemente, pero a su vez vos terminás ganándole y haciendo lo que querés. Y esto es lo que hice en los últimos cuarenta y siete años.”

La enfermedad nunca le cedió terreno. Cada día fue una negociación. Cada función, un pequeño triunfo sobre el cuerpo. La diálisis llegó como una pausa. Solo seis meses: “Yo tuve la fortuna de estar solo seis meses en diálisis, cuando hay gente que está esperando diez años...”

No hay subrayado en la voz de Suárez. Solo el dato crudo de la espera, el contraste inevitable con quienes siguen contando años. La llegada del trasplante, la irrupción de Juan Carlos, encuentra a Suárez en un punto de inflexión. “Totalmente emocionado, lo recibí con todo.”

Nunca le puso otro nombre. Para Jorge Suárez, su riñón y el páncreas trasplantados se llaman, Juan Carlos. Así los nombra, así los agradece. No hay metáfora ni distancia: los llama por su nombre en cada entrevista, cada vez que la pregunta lo obliga a volver a esos meses suspendidos entre diálisis y esperanza.

No busca el dramatismo. El agradecimiento está en la elección de las palabras, en la naturalidad con la que incorpora a Juan Carlos como parte de sí. Dice que le hace bien. Que le ayudó mucho. Que le sacó de la sombra de la enfermedad.

El 9 de Septiembre se estrena Visitando al señor Green, en el Multiteatro. Jorge Suárez narra la historia de su cuerpo con el mismo registro con el que encarna un personaje sobre el escenario. No hay derrota. Solo la certeza de haber resistido. Solo la gratitud de seguir contando.

—¿Cómo está tu salud?

—Muy bien, muy bien. Llevo catorce meses desde el trasplante, me siento estupendo. Y... además haciendo los controles médico cuando corresponden.

—¿Tuviste que cambiar algo en tu vida, además de incorporar el cuidado médico?

—La verdad, sinceramente no. Al contrario, ellos me vinieron como a ablandar un poco la dureza de ser diabético durante toda la vida.

—¿Cómo fue ese proceso hasta el trasplante?

—Me fui a festejar mis treinta años de casado con mi señora a España y a Italia. Y en España, cuando ya estaba casi de vuelta, los últimos dos días me sentí mal. Fui al hospital, me atendieron muy bien. Sí, gracias a que tuve el, el seguro, obviamente. Y me hicieron mis primeras cuatro diálisis en Madrid. Llegué a Argentina y al otro día estaba en diálisis.

—¿Cómo fue la espera?

—No sé cómo, viste cuando la vida te sorprende y decís: “¿Pero cómo es posible este milagro, esta bendición, esta elección?” No sé cómo llamarlo, muy emocioando por la posibilidad del trasplante tan rápido.

—¿Sos creyente?

—Sí, absolutamente, claro...

El joven Jorge Suárez, actor

—¿Siempre fuiste actor?

—Siempre.

—¿Nunca tuviste otro oficio?

—Yo nací en un restaurante, en una fonda de barrio en Villa Crespo. En el Morocco. En Padilla y Acevedo. Ahora ya no está más. Mis padres eran dueños de ese bodegón, como le dicen ahora.

—¿Qué hacías en el restaurante?

—De todo, lo que te imagines. Yo nunca llegué a la primera pileta, yo ya estaba lavando copitas, vasitos, las tazas de café, la cucharita.

—¿Soñabas con ser actor de chico?

—No, para nada, soñaba con ser médico. Desde chico quería ser médico pediatra.

—¿Y cómo llegaste a la actuación?

—A los dieciséis, una profesora de Literatura me llamó para ver si quería hacer una obra de teatro. Yo le dije: “Bueno, hagámosla, yo cantaba en esos años... la pasábamos bien en el colegio. Para mí tocar la guitarra y cantar era como algo para divertirnos un rato. Y de golpe esa profesora me llamó, me dijo que quería hacer El emperador de la China, de Marco Denevi. Y que me estaba dando el protagónico y le digo inmediatamente: “Bueno, pero yo no soy actor”. “Bueno, pero lo vas a hacer muy bien, Jorge, dijo ella”. Y así empecé.

—¿Cómo fue la primera vez en el escenario?

—Cuando toqué el escenario por primera vez me pasó algo mágico. Me pasó una revolución dentro de mi energía. No sé pero me encantó.

—¿Ahí no paraste más?

—No, no paré nunca más. Salí del conservatorio, le dije a mi viejo y a mi vieja que yo iba a hacer el ingreso a Medicina. Ellos me pagaron por adelantado todo lo que sería mi quinto año de secundaria para que yo estudie paralelamente para entrar, porque en ese momento no había entrada como ahora. Muy jodido. La verdad es que yo al segundo mes me di cuenta que eso no me gustaba, porque a mí la biología sí me gusta, pero la química me parece algo que no la puedo digerir. Y la medicina es mitad biología y mitad química.

—¿Por qué querías ser médico?

—Porque me fascinaban los niños y quería...

—¿Querías ser pediatra?

—Sin saber, después cuando fui padre, sin saber que es un área de la medicina terrible. Un día, me llevó mi pediatra a visitar un ala del Garrahan que él manejaba. Era jefe de Hemodinamia. Dios mío. Tenés que pensar todos los días en esos chicos. Y en esos médicos.

“Visitando al señor Green”

—Hoy llega otra vez “Visitando al señor Green”?

—Una obra que hace veintiún años salió como al aire, y se convirtió como en un clásico muy moderno, en donde se habla de conflictos que podemos hablar vos y yo también. Quiero decirte, tu padre podría estar hablando de esto con un muchacho que, que apenas casi lo lleva por delante y entonces, y tiene que hacer una probation, cumplir una tarea. Por ejemplo todos los jueves, ir a la casa durante unos meses para quedar libre. La realidad es que entre ellos hay una diferencia abismal en todo. De edad y después de criterios, de criterios de la vida, de la ansiedad que tiene el otro, de cómo lleva la vida cada uno. El hombre acaba de enviudar. Y para él su mujer era todo en la vida y está viviendo un momento muy difícil. Mientras transcurre la historia, te vas enterando que el otro también está viviendo un momento muy difícil. Y que ahí se empiezan a acabar las diferencias entre estos dos hombres. Hay momentos difíciles para todos y no importa la edad.

—¿Cómo es el tono de la obra?

—Eso es lo que tiene de simpático y de hermoso, es que mientras pasa todo esto, es una comedia dramática exquisita, hermosa, donde pasan cosas que a la gente le va a conmover, le va a dar gracia, risa, van a aplaudir, se van a emocionar.

—¿Habías trabajado antes con Facundo Arana?

—Sí. Había trabajado muy poco. Me lo había cruzado en una de las últimas ficciones que hizo Telefe, que se llamó Pequeña victoria. Nos cruzábamos por los pasillos. Bueno y aparte, a lo largo de los años,por supuesto, nos conocemos y nos queremos. Pero a partir de ahora empezamos a tener una experiencia, que vos sabés que el teatro genera experiencias muy especiales.

—¿Cómo es trabajar con él?

—El teatro es tan riesgoso que podes llegar a amar o podes llegar a odiar. Entonces, ojalá que nos amemos. Nos estamos amando mucho. Facu es un tipo muy tranquilo, muy amoroso, conmigo es un señor.

—¿Cómo ves la actualidad del teatro?

—Nosotros estamos sufriendo un embate duro como lo sufren también otras áreas en Argentina. Pero hay mucho teatro, gracias a Dios. Porque hay muchos actores que no podrían seguir adelante. Hay tanto talento, no solamente en Buenos Aires, sino en las provincias también. Hay mucha búsqueda, y eso es lo maravilloso.

Lo de Mariela se pareció a un exorcismo. Miró el portarretrato con la imagen de su ¿ex novio? ¿futuro marido? y su hijo, quien la va a hacer abuela y todavía no lo sabe. Los acarició, los besó y los colocó en la repisa sobre la cama. Luego organizó los difusores, como para cambiar el aire.

La ausencia del Turco García en la boda simbólica organizada por el programa no pasó desapercibida. Mariela, vestida de novia con un diseño de Roberto Piazza, aguardó en vano su llegada. El evento, que prometía reunir a las parejas para celebrar una ceremonia especial, terminó por exponer la crisis sentimental entre ambos.

En medio del salón decorado para la ocasión, Andrea del Boca ofició como jueza de paz, mientras otras parejas pasaban por el altar y sellaban su compromiso. Mariela, en cambio, permaneció sola, con el rostro desencajado y ante la mirada de sus compañeros y las cámaras.

La participante había puesto una condición clara a su pareja: “Si no viene acá, se terminó lo que se daba. Chau. Si no viene y me hace pasar un papelón, lo mato”, había sentenciado Mariela antes de la ceremonia. La tensión creció después de que ella besara a otro concursante, Emanuel Di Gioia, un hecho que el propio Turco interpretó como traición.

El episodio de la boda fue el desenlace de una serie de desencuentros. El exfutbolista, por su parte, optó por mantenerse al margen y justificó su decisión en una conversación con la producción: “Yo les dije: si no llego, díganle”, afirmó en diálogo con Majo Martino para el programa SQP (América TV).

Horas antes de la ceremonia, el propio García ya había anticipado en el streaming de Telefe que no pensaba entrar en el reality. “Tenemos una charla pendiente. Estamos distanciados. No estábamos bien, pero tampoco mal”, reconoció en diálogo con Daniela Celis.

García explicó que su hijo Yamil trató de convencerlo de que Mariela solo estaba “jugando un rol” dentro del programa, pero aun así, “esto es algo que me saca de foco y de eje”, reveló. El exfutbolista también reconoció los efectos personales de la situación: “Yo no la estoy pasando bien. Bajé varios kilos, no comía”.

La ceremonia del 19 de agosto reunió a parejas reales y ficticias de distintas temporadas. Mientras Lola y Manu, Sol y Cinzia, Zilli y Martín, entre otros, disfrutaban del evento, Mariela permaneció sola junto al altar. Las imágenes de la participante, vestida de blanco y sin compañía, se viralizaron en minutos y se convirtieron en uno de los momentos más comentados de la gala.

La decisión del Turco García de no acudir a la boda fue leída como una confirmación del distanciamiento entre ambos. El propio exfutbolista manifestó con claridad su situación: “No iría, yo la voy a esperar en mi casa. Necesitamos una charla pendiente seguro cuando salga”, en declaraciones recogidas por distintos medios.

Para quienes se preguntan qué pasó entre Mariela y el Turco García, la ausencia del exfutbolista en la boda de Gran Hermano evidenció la crisis de pareja y un quiebre definitivo en la relación. Mariela había puesto como condición la presencia de García en la ceremonia, y al no cumplirse, la distancia quedó sellada ante millones de espectadores.

Finalizada la ceremonia, Mariela expresó su tristeza y desconcierto ante la situación, sin ocultar el golpe personal que significó para ella no haber recibido el mismo trato que otras parejas. “No entendí por qué Andrea del Boca no me dio el anillo como a todos”, dijo ante la consulta de Santiago del Moro.

La historia, que comenzó con un tierno momento de Mariela abrazando una foto familiar, terminó por exponer en pantalla la fragilidad y la distancia de una pareja que, hasta hace poco, soñaba con el altar.

La convocatoria, promete una tarde especial: desde las 15 horas, la plaza recibirá espectáculos musicales, muestras culturales y sorpresas que buscan mantener vigente la memoria de quien marcó a generaciones con su voz y carisma. El acceso será gratuito y abierto a todos los vecinos.

El evento, titulado Lomas le canta a Sandro, incluirá presentaciones de artistas locales, una merienda comunitaria y el cierre a cargo de Ariel Ardit, el cantante reconocido por su trayectoria de más de dos décadas, quien interpretará algunos de los clásicos inmortales del repertorio de Sandro.

A lo largo de la tarde, los asistentes podrán recorrer muestras de los Centros Culturales del barrio, disfrutar de la plaza —con juegos nuevos, senderos y canteros— y dejarse sorprender por las distintas intervenciones artísticas inspiradas en la figura del ídolo.

El homenaje a Sandro en Banfield es una tradición que crece en cada aniversario. Desde hace años, los seguidores del cantante y vecinos de la zona se reúnen espontáneamente para recordarlo en la plaza que lleva su verdadero nombre. En 2025, el festejo por los 80 años del artista ya había convocado a una multitud, contando también con la presencia de Olga Garaventa, viuda y compañera de vida de Roberto Sánchez.

El 22 de agosto, la Plaza Roberto Sánchez se transforma en punto de encuentro para quienes crecieron con las canciones del Gitano, para las familias que incorporaron su música al ADN del barrio y para las nuevas generaciones que descubren su figura a través de la memoria colectiva.

Durante la jornada, la plaza será escenario de tributos que van más allá de lo musical. Espacios para compartir historias, exposiciones con imágenes del ídolo y actividades pensadas para grandes y chicos forman parte de la propuesta, que busca celebrar la identidad banfileña recordando a uno de sus máximos exponentes.

El tributo no solo apela a la nostalgia, sino que renueva el compromiso de la comunidad con su patrimonio cultural. Los vecinos reconocen en Sandro a un símbolo que trasciende la música y representa la historia misma de Banfield.

La convocatoria destaca el rol de las “nenas”, quienes año a año demuestran su cariño y devoción. Su presencia se ha convertido en un emblema de estos encuentros, aportando emoción y continuidad a una tradición que ya es parte del calendario local.

El aniversario de Sandro en Banfield responde a una pregunta clave: ¿por qué el barrio mantiene tan viva la memoria de su ídolo? La respuesta está en la comunión entre el artista y su gente, en una identidad barrial que se fortalece al rendirle tributo y en el deseo de transmitir su legado a quienes aún no lo conocieron en persona.

La jornada especial en la Plaza Roberto Sánchez será, una vez más, la ocasión perfecta para celebrar a Sandro en el corazón de Banfield, rodeado de su gente y con la promesa de que su música seguirá sonando allí donde empezó todo.

Para quienes busquen sumarse, el evento representa una oportunidad única para compartir, emocionarse y recordar a una de las figuras más queridas de la música popular argentina. La cita es a las 15 horas, en el espacio que el propio barrio transformó en altar permanente de su ídolo.

“¿Marcelo dijo que Lali se fue a otra sala, lejos de la gente? No me extraña porque en casa es igual. Los gatitos y yo dormimos en un cuarto y ella duerme en otro. Hago el asado y me como los huesitos, mientras ella se come el bife. Mi solidaridad con Polino”, ironizó Rosemblat, dejando en claro que su postura ante el conflicto es, al menos públicamente, de humor y complicidad.

Las declaraciones de Polino sobre Lali no pasaron desapercibidas. El periodista había asegurado que la cantante “se portó muy mal” con él, sugiriendo que su actitud era la de una “diva” y que se aisló del resto durante el evento. Frente a esto, la reacción de Rosemblat captó la atención de medios y público.

El conductor de Gelatina profundizó su postura sarcástica ante los micrófonos de Desayuno Americano. “Me pongo del lado de Polino absolutamente porque esta situación hay que frenarla”, comentó, acentuando la ironía. Ante la sorpresa del cronista, redobló su apuesta: “Alguien lo tenía que decir, y que sea él le da un sustento y una fuerza importante”.

Con esta postura, el periodista dejó clara su postura sobre las supuestas actitudes de Lali, presentada como una exageración consciente, más cercana a la comedia que a cualquier conflicto real. Su intervención se leyó como una defensa indirecta de Lali, pero sobre todo como una forma de quitarle dramatismo al cruce con Polino.

El último tramo del intercambio trajo un cambio de tono. Cuando el cronista preguntó si las posturas políticas de Lali habían afectado su relación con el público, Rosemblat dejó de lado la ironía y respondió con seriedad: “Me parece que esa pelea ya la ganó Lali. Me baso en la respuesta del público: Lali va camino a realizar el tercer River del año. El querer separarla de la gente es un proyecto fracasado”, analizó, alegando la reconocida popularidad de su pareja.

El episodio puso en evidencia cómo el humor puede servir como estrategia para abordar los conflictos mediáticos. Rosemblat optó por responder a las acusaciones con frases cargadas de ironía, evitando la confrontación directa y dejando en claro que, al menos desde su perspectiva, el asunto no merece mayor dramatismo.

El cruce entre Polino y Lali Espósito generó múltiples interpretaciones. Mientras algunos ven en la actitud de la cantante un gesto de autonomía, otros insisten en señalar actitudes de distanciamiento. La respuesta de Rosemblat, lejos de zanjar la discusión, la resignificó en clave de humor y complicidad de pareja.

La explosión mediática entre la intérprete de “Disciplina” y el periodista de espectáculos empezó con una ausencia y terminó, al menos por ahora, con un video. Lo que quedó en el medio fue un intercambio de acusaciones públicas que expuso un distanciamiento que el periodista ubica en 2021 y que la cantante atribuye a “broncas” personales. La serie sobre Moria Casán fue el escenario involuntario de una pelea, surgido a partir de cierto ninguneo de la cantante a la difusión de la biopic, que fue creciendo tanto en redes como en los medios.

Lali decidió dar por cerrada su parte del cruce de la manera menos esperada: sin palabras y con un clip del momento que generó el conflicto. Lo que compartió fue el registro de su propia participación en la serie, con ella vestida de rojo y bailando, mientras la voz de la diva describía su presencia en la producción: “Ella, la certeza de atravesar generaciones en el aquí y ahora. Pasado, presente y futuro conviven aggiornados”. Una respuesta sin texto que, al mismo tiempo, funcionó como prueba de lo que el periodista había puesto en duda.

Por su parte, Polino no tardó en responder a través de sus historias de Instagram, donde recapituló la historia entre ambos: “Mi distanciamiento con ella es de 2021, cuando se portó para el orto conmigo. Se lo dije en su momento, frontal como siempre”. Sin perder el tono desafiante, Polino descartó la argumentación de la ex Casi Ángeles como motivo de la pelea: “No flashes ‘trasfondos políticos’: Milei ni era diputado cuando pasó, no me quieras meter en La Grieta. Y si alguna vez necesitás aclarar algo, llamame a mí, como en aquellas madrugadas cuando yo estaba en París”. Y cerró con ironía: “Calma. Menos Netflix mental y más realidad.Ego, bella canción”.

El formato también se apoya en la capacidad de improvisación de sus integrantes, que en este caso transitaron diferentes escenas ficticias bajo la guía del conductor Mario Pergolini. Los cambios bruscos de contexto y el desafío de actuar sin preparación previa generaron situaciones inesperadas, donde el humor y el absurdo se convirtieron en recursos fundamentales.

La visita de Darío Barassi y su reconocido histrionismo potenció estas virtudes. Junto a Soy Rada y Evelyn Botto, desafiaron distintos escenarios, desde una nave espacial hasta un velorio, y debieron adaptarse a las instrucciones de Pergolini, quien fue el director y guionista improvisado. La interacción constante y las bromas sobre la vida cotidiana, la comida y las diferencias personales mantuvieron la frescura de cada escena.

El inesperado giro de una conversación sobre comida marcó el inicio de una serie de momentos absurdos entre Barassi y Rada a bordo de una nave imaginaria. El invitado interrumpió el diálogo con una necesidad urgente: “Yo me estoy meando, así que en el próximo planeta que paremos, de verdad, o no llego”. Con ironía, Rada celebró la experiencia.

En este intercambio, ambos improvisaron bromas sobre la logística del viaje, los asientos reclinables y la comparación con Matt Damon en el espacio. “¿No doy Matt Damon acá? [risas] Mirame el cuello, ¿no soy Matt?”, preguntó Barassi. Rada le respondió sin dudar: “te falta un poquitito para Matt Damon”.

La conversación derivó en un clima más delirante. Barassi confesó: “Cómo nos pegó lo que fumamos. No sé dónde estamos. Estoy un poco perdido. Ya no me divierte tanto la situación”. Fue entonces cuando Mario Pergolini decidió interrumpir para cambiar de escenario y dar paso a una nueva dinámica grupal. “Ahora estamos en un restaurant. Perfecto. Entonces se están acomodando”, indicó Pergolini, dando instrucciones precisas a Barassi y a su nueva partenaire.

En este nuevo escenario, Evelyn Botto fue presentada como una mujer avasallante en su primera cita. Barassi, sorprendido, quiso saber si debía mostrarse más audaz o tranquilo. Pergolini aclaró: “Evelyn es verde, vos sos celeste”, antes de dar la señal de acción.

La escena continuó con Botto lanzando halagos directos: “Qué lindo que sos en persona”. Barassi, incómodo pero divertido, deslizó: “¿De qué signo sos?”. Botto respondió: “Yo soy de Géminis. ¿De qué signo sos vos?”. Barassi, fiel a su estilo, recurrió al humor y la astrología china: “soy chancho de agua, en chino. Y soy de Escorpio”.

El diálogo se tornó más personal cuando Botto le pidió: “Hablame en sanjuanino”. Barassi se resistió, pero finalmente cedió entre risas y bromas sobre su provincia natal. El ambiente entre ambos se mantuvo siempre en el terreno de la complicidad y la risa.

La participación de Pergolini fue clave para mantener la dinámica. Cuando Barassi se apartó del guion, Pergolini intervino: “Darío, el guion. El guion”. Así, la escena se reencauzó, aunque nunca perdió el tono lúdico que caracteriza al programa.

A lo largo de la grabación, el elenco desplegó una serie de improvisaciones guiadas por Pergolini, que iba cambiando los escenarios —del espacio, al restaurante y luego a un velorio—, obligando a los actores a adaptarse rápidamente. Cada situación se convirtió en un pretexto para el humor absurdo y la interacción espontánea. Inclusive un velatorio. Allí pidió a los participantes que se metieran en personaje. Barassi preguntó: “¿Lo conocías mucho vos?”, y Pergolini reflexionó: “No sé cuánto es mucho. Además, conocer, uno solo se conoce a sí mismo, Darío”.

En ese contexto, la conversación giró hacia el escaso nivel del catering. “Si no hay torta, ¿qué carajo hacemos acá?”, se indignó Barassi. Entonces, ambas figuras coincidieron en que era mejor retirarse, sellando el episodio con humor negro y camaradería.

La cantante remarca que está “muy contenta” y que la llegada de Marcos a su vida trajo “muchas cosas muy lindas, tanto en lo personal como en lo que me está pasando en mi carrera y demás”. Así, de entrada, el espectador accede a una de las claves del encuentro: la relación entre ambos no solo transforma el plano íntimo, sino que potencia la dimensión profesional y artística de Angelita.

Sin rodeos, Angelita revela que el vínculo con Marcos cambió su cotidianeidad. “Yo me enamoré de todo de él, la verdad. Sí me sentí siempre como muy en confianza con él”, dice. La frase funciona como síntesis de un recorrido emocional que se despliega en el resto del diálogo.

Por su parte, Marcos no oculta cierto pudor frente a la exposición mediática: “A mí me daba vergüenza ir a la luz o la exposición, estar en ese programa y como que todos los pasos que daba los daba porque encontraba en ella como la respuesta mía.” La declaración no solo evidencia el peso que tiene Angelita en su proceso, sino que instala la idea de un apoyo mutuo donde uno se convierte en espejo y sostén del otro. En este adelanto, la pareja comparte cómo se construyó la confianza desde el inicio. Angelita resalta que la confianza fue inmediata, mientras que Marcos admite que la mirada del otro le permitió animarse a situaciones inéditas para él.

En medio del diálogo, Marcos recuerda una anécdota significativa. “Me acuerdo que bajé y uno de los amigos dijo: ‘Este es un evento canónico, porque es la última vez que la vamos a ver a Ángela en un teatro así. Lo próximo es como: ‘Uf’”. La escena, que mezcla humor y presagio, deja ver que quienes rodean a la pareja perciben el crecimiento artístico de Angelita como algo inevitable.

El comentario de su amigo funciona como un presagio: pronto, Angelita dejará los escenarios íntimos y pequeños para pasar a una escala mayor. Marcos, entre risas, lo reconoce: “Yo dije: ‘Ah, es picante’, ¿viste? La noticia. Digo: ‘Bueno, ojalá’”.

En ese momento, la conversación toma un giro hacia la proyección y el deseo. Marcos compara la situación con el clásico sueño del futbolista, y se pregunta en voz alta sobre los mecanismos mentales que lo llevan a “disociarse” en ciertas circunstancias, como si pudiera hablar con figuras relevantes con la misma naturalidad de una charla entre amigos.

Angelita aporta un cierre revelador a esa parte del intercambio: “De alguna manera siempre me convencí de que si no la pegaba con la música, igual iba a cantar toda la vida, ¿entendés? Como que si no me iba bien, igual iba a cantar en un barcito para treinta personas y ahí iba a encontrar la felicidad”.

La frase sintetiza la postura vital de la cantante: la música no es solo un proyecto profesional sino una forma de vida, independiente del éxito o la masividad. Esa convicción de autenticidad y disfrute atraviesa toda la charla y es, sin duda, uno de los motores de su relación con Marcos.

En este adelanto del programa del programa de Grego, Angelita Torres y Marcos abren una ventana a su intimidad, mostrando un equilibrio donde el amor y la carrera no compiten, sino que se potencian. El diálogo permite entender que, más allá de los escenarios y la exposición, la verdadera apuesta es seguir encontrando la felicidad en lo cotidiano, en la confianza y en la música, sea para miles o para treinta personas.

El dato más destacado fue el promedio de rating, que se ubicó por encima de los 10 puntos y marcó un récord para el programa.

El inicio fue enérgico y el público respondió de inmediato. “El Ópera está colmado, el premio mayor lo vota la gente, pero el jurado elegirá a tres de los cantantes para que participen en la nueva temporada del programa desde mañana”, anunció Guido ante una sala repleta y expectante. La conducción en vivo imprimió un ritmo distinto y mantuvo la atención en el certamen durante toda la emisión.

La expectativa por conocer al ganador no solo se vivió en el teatro. El rating arrancó en 6,8 puntos, apenas por detrás del noticiero de Telefe, que sostenía 7,7. Sin embargo, a medida que avanzaba la noche y se acercaba el momento de la definición, la audiencia fue en aumento. El dato más alto llegó cerca de las 22:30, cuando la tensión por saber quién se quedaría con el título alcanzó su punto máximo.

En ese tramo, Es Mi Sueño alcanzó 11,2 puntos de rating, consolidándose como el programa de mayor audiencia de la jornada. Este número no solo superó a la competencia, sino que también se transformó en el mejor promedio para el ciclo desde su estreno. El resultado fue celebrado dentro y fuera de la pantalla como un verdadero batacazo inesperado.

Quienes siguieron la transmisión en vivo pudieron ver cómo el clima de fiesta se trasladaba del escenario a los hogares. El formato renovado para la final, con la votación del público y la participación clave del jurado, aportó suspenso y emoción hasta el cierre. Kaczka, conocido por su estilo cercano y ágil, se mostró agradecido y entusiasta durante toda la noche.

La competencia en el prime time fue feroz. En el promedio general, el ciclo de Guido Kaczka cerró con 10,7 puntos, mientras que Gran Hermano, el reality insignia de Telefe, registró 10,1. Por su parte, BTV se ubicó en un distante tercer lugar con 1,3 puntos. La diferencia entre los dos primeros programas demostró el poder de convocatoria que conservan los realities en la televisión abierta, especialmente cuando la definición es en vivo y con alta interacción del público.

El formato de Es Mi Sueño permite que, además del ganador elegido por la audiencia, tres participantes seleccionados por el jurado pasen directamente a la nueva temporada. Esta modalidad, anunciada por el propio Kaczka al inicio de la gala, aportó continuidad y mantiene el interés de la audiencia para la segunda etapa del certamen.

El Trece celebró el resultado como un logro estratégico. La apuesta por un reality de canto en el horario central, con una final transmitida en vivo y el involucramiento de figuras reconocidas en el jurado, rindió frutos en términos de rating y repercusión. La decisión de realizar la definición en el Teatro Ópera también sumó un condimento especial, dotando al evento de una atmósfera de espectáculo y celebración.

En el cierre de la transmisión, la emoción fue protagonista tanto en el escenario como en las palabras del conductor. “El Ópera está colmado”, enfatizó Guido en el inicio, mientras los finalistas aguardaban el veredicto que definiría su futuro en el programa. La inmediatez de la decisión y el festejo colectivo sellaron una noche que quedará en la memoria de la televisión reciente.

Es Mi Sueño inicia hoy su segunda temporada con la participación de artistas famosos. El desafío será sostener el interés y la audiencia logrados en la primera etapa, que ya dejó la vara alta tanto para la producción como para sus competidores.

Durante la conversación con Mario Pergolini, Karol no dudó en poner en palabras el desconcierto que le provocó la popularidad: “Yo sí me perdí bastante. Nadie te prepara para ser tan famosa. Lo que viví fue gigante y es normal que pierdas los pies en la tierra”, admitió, dejando ver una vulnerabilidad poco habitual en figuras públicas de su generación.

En su testimonio, la actriz recordó con crudeza el momento en el que su identidad se diluía entre la exposición mediática y las exigencias del entorno artístico. “Yo me volví insoportable. Era un nivel fuerte, lo admito, porque es interesante cómo pasé por eso. Cuando llegué a México, me di cuenta de que estaba completamente perdida. No era yo, perdí mi identidad”, relató.

La presión por cumplir con las expectativas externas y la desconexión interior la llevaron a atravesar una etapa de depresión severa. “Pasé por una depresión bastante complicada. Me perdí mucho, me deprimí horrible. Veía una tela negra frente a mí y no tenía personalidad”, confesó frente a la audiencia y al propio conductor, quien se mostró sorprendido por el nivel de honestidad de la invitada.

En el punto más crítico de ese proceso, Karol Sevilla se enfrentó a una decisión que cambiaría el rumbo de su vida. Detalló el día en que la situación la sobrepasó: “Iba a empezar un tour, colapsé y le dije al equipo que me retiraba, que no quería y que necesitaba parar”. El reconocimiento de sus propios límites fue, según sus palabras, el primer paso hacia la recuperación.

La experiencia de la actriz pone en primer plano los riesgos emocionales que implica una fama temprana. Sevilla describió cómo el entorno puede contribuir a alejar a una persona de su esencia, mientras la presión mediática y el ritmo profesional impiden procesar los cambios personales.

En respuesta a la pregunta sobre qué fue lo que le ayudó a salir adelante, Karol concluyó en la charla: “Me di cuenta de que un personaje no vende más que tu personalidad”. Esta reflexión funcionó como guía para reconstruir su autoestima y reencontrarse con su verdadera identidad después del colapso.

El testimonio de Karol Sevilla en televisión abrió, una vez más un debate sobre el costo humano de la exposición pública y la salud mental en la industria del espectáculo. Su relato evidencia que alcanzar el éxito no garantiza el bienestar emocional y que, en ocasiones, la búsqueda de reconocimiento puede tener consecuencias duras y silenciosas.

Durante la emisión, el conductor Mario Pergolini quedó impactado por la sinceridad con la que la actriz abordó su historia. El diálogo entre ambos permitió visibilizar la importancia de poner en palabras los momentos de vulnerabilidad y buscar ayuda cuando la presión se vuelve insostenible.

El relato de Karol Sevilla ofrece una mirada íntima sobre los desafíos que enfrentan los jóvenes artistas en la actualidad. Su caso pone sobre la mesa la urgencia de hablar abiertamente de la salud mental, el impacto de la industria del entretenimiento y la necesidad de construir redes de apoyo para quienes atraviesan situaciones similares.

La presencia de Sevilla en Otro día perdido dejó una enseñanza clara: más allá de los personajes y el reconocimiento, lo fundamental es mantener el contacto con la propia autenticidad y no perderse en el ruido de la fama. Como ella misma aprendió, “un personaje no vende más que tu personalidad”, una frase que resume el duro aprendizaje tras una etapa de sombras y búsqueda personal.

“Hoy queremos compartir con ustedes una de las noticias más lindas de nuestras vidas: ¡VAMOS A SER PAPÁS! Te esperamos llenos de amor, con los brazos abiertos y llenos de ilusión”, publicó Yamil en sus redes. La frase, breve y emocionante, recorrió rápidamente el círculo familiar y los medios, a excepción de los oídos de Mariela, que está aislada en las instancias finales del reality.

Mientras tanto, en el exterior, el exfutbolista—padre de Yamil y exfutbolista— fue de los primeros en celebrar la inminente llegada de su nieto. Las reacciones no tardaron en multiplicarse, y los seguidores del programa comenzaron a reclamar a la producción: “Que Mariela pueda enterarse, esto lo merece”, exigieron cientos de usuarios en redes sociales.

El aislamiento propio de Gran Hermano, eje central del formato, impide que los participantes reciban noticias del exterior. Por eso, la revelación de Yamil aún no alcanzó a su madre, que permanece ajena a la transformación más reciente de su familia. La tensión es palpable entre quienes piden, desde afuera, que se le permita recibir el anuncio.

La actualidad de la familia García-Prieto se ve así marcada por dos realidades paralelas: el juego en la casa y el crecimiento de la familia fuera de ella. La noticia del embarazo representa no sólo un motivo de alegría sino también un nuevo desafío para una pareja con casi tres décadas de historia.

Mariela Prieto y el Turco García se conocieron hace casi treinta años, cuando ella trabajaba como bailarina. Desde aquel primer encuentro, el vínculo se mantuvo a pesar de las crisis. “Fue muy complicado. Lo saqué de Buenos Aires para que se alejara del entorno y nos instalamos en Venado Tuerto. Dejamos todo acá para poder empezar una nueva vida”, relató Mariela en más de una ocasión, al recordar las dificultades que enfrentaron cuando el Turco atravesaba problemas de adicciones.

El exjugador, por su parte, reconoció varias veces el papel fundamental de Mariela durante esos años. El amor y la perseverancia fueron los pilares para reconstruir la familia, aún en los momentos más difíciles. “El amor es más fuerte”, suele repetir ella ante las cámaras y en entrevistas, frase que resume la filosofía que los sostuvo durante las tempestades.

En el camino, la pareja superó infidelidades y aceptó la llegada de un hijo extramatrimonial del Turco, muestra de una dinámica familiar compleja pero resiliente. Para Mariela, el perdón siempre fue una posibilidad real. Hoy, en medio de un presente televisivo, Mariela se enfrenta a un nuevo desafío: su rol de abuela, noticia que aún desconoce, pero que la espera afuera de la casa más famosa del país.

La noticia del embarazo se conoció a través de un posteo de Yamil García. “Te esperamos llenos de amor”, escribió el joven en sus redes, frase que se volvió viral entre seguidores y fanáticos del reality.

Mientras tanto, la audiencia de Gran Hermano debate si corresponde informar a Mariela sobre la inminente llegada de su nieto. Las reglas estrictas del aislamiento se enfrentan a la dimensión emotiva del anuncio. En el pasado, la producción ha hecho excepciones ante situaciones familiares de alto impacto, lo que abre la puerta a nuevas especulaciones.

Lo concreto es que hasta que Mariela salga de la casa o la producción decida notificarla, la noticia permanece en suspenso para ella, pero no para quienes la quieren. Afuera, la familia se agranda y la espera con una bienvenida que ya es celebrada por todos.

El vínculo entre ambos se manifestó en anécdotas llenas de complicidad. Porchetto recordó entre risas: “A veces me decías: ‘Raulito, a veces no clasificás ni para Bambi, por favor’”, y reconoció que, fiel a su estilo, sigue transitando la vida “como si fuera un corso de contramano, como dicen en mi pueblo”.

El mensaje de Porchetto no solo habla de la ausencia, sino también de la presencia constante en recuerdos y conversaciones. “Siempre recuerdo nuestras conversaciones que vos decías: ‘Uy, pará, pará, Raúl. Mirá, si lo estuvieran escuchando alguien acá, dirían: Estos dos locos, mirá de los temas que están hablando’”, confesó, resaltando el valor de esos diálogos y la singularidad de Sandro.

Tras la partida física de Sandro, su hermano musical reflexionó sobre la necesidad de honrar la vida y celebrar los momentos compartidos. “La vida hay que honrarla a cada momento. Bendecida desde acá, ¿no? Desde este planeta azul maravilloso, andando a toda velocidad alrededor del sol”, expresó con emoción.

Porchetto sostuvo que el amor y la admiración que se profesaron siguen intactos a pesar del tiempo. “El entrañable amor que nos teníamos mutuamente y que sigue intacto”, enfatizó, consciente de que las nuevas generaciones tal vez desconozcan la profundidad de ese lazo.

Porchetto se permitió imaginar una celebración en otro plano: “No sé quiénes irán hoy a tu cumpleaños. Así como las chicas más hermosas acá, allá deben estar las chicas más hermosas del universo”, bromeó, sin dejar de nombrar a figuras como Spinetta, Piazzolla, Chopin, Gardel, Urruti y John Lennon como posibles acompañantes en ese festejo celestial.

El músico argentino hilvana recuerdos, humor y amor fraternal en un mensaje que reafirma la vigencia del vínculo, la admiración por la obra y la certeza de que, incluso en la ausencia, la presencia de Sandro sigue siendo un motor para quienes lo quisieron y lo quieren.

Porchetto no solo rememoró anécdotas, sino que también subrayó el impacto de Sandro en la cultura: “Que tu obra siga y que no solo para la Argentina o Latinoamérica, sino que es esas cosas que hacen bien a la vida del planeta. Vos, desde tu poética, desde tu música y desde cómo llevar ese don y la gracia que te dio la vida, lo hiciste”. En su despedida, el músico expresó con sencillez y profundidad: “Desde acá, se te ama, se te extraña, querido hermano”.

La voz de Roberto Sánchez se alza desde el recuerdo, envuelta en la visión poética que lo caracterizó. “Tendría que hacer un pequeño racconto de mi vida, y decirles que yo no nací. A mí me trajo una bandada de gorriones”, comienza su confesión, reviviendo el instante en que —según su propia leyenda— llegó al mundo, transportado por aves que surcaron el Riachuelo, cruzaron Puente Alsina y Pompeya, hasta dejarlo en Parque Patricios, en el vientre de su madre, en la Maternidad Sardá.

Así, en la madrugada del 19 de agosto de 1945, un primer llanto marcó el inicio de una vida destinada a la canción. “Y ya al nacer, con mi primer berrido, sin saberlo me estaba probando para ver si podría llegar a algo con esto de la canción”.

La infancia de Sandro transcurre en una pieza de dos por dos en Valentín Alsina, donde los aplausos eran parte de un sueño forjado con la radio. “Soñando con los aplausos ¡desde que empecé a cantar con la radio!”, recuerda. Para Sandro, la radio no solo era compañía: “Con ella volaba mi imaginación y, cuando soñaba con aquellos aplausos, tenía la ilusión de que un día alguien dijera: ‘Señoras y señores… con ustedes, ¡¡¡Sandroooo!!!’”.

La familia fue un pilar fundamental. “Mi padre fue el primero que me ayudó porque yo era la oveja negra de la familia”, admite. Entre las dudas ajenas —‘Vicente, ¿qué vas a hacer con ese chico? ¡Mandalo a estudiar!’— su padre y su madre eligieron la fe. “Tuve una madre que me inspiró y que me supo comprender cuando empecé a agarrar la guitarrita, ¡me pasaba ocho horas con esa guitarra en la mano!”

El debut artístico llegó en el Recreo San Andrés. El dueño le propuso: “‘Pibe, elegí un seudónimo y debutás este fin de semana’”. Sandro no dudó; eligió el nombre que su madre había soñado para él, pero el Registro Civil no permitió. “‘Presénteme como Sandro’, le dije y aunque parezca mentira ese día sentí que mis sueños empezaban a hacerse realidad”.

Sandro describe ese instante como el verdadero punto de partida de su destino artístico: “Porque hice lo que me propuse con paciencia de gitano. Lo único que no quería era ser uno del montón. ¡Yo quería ser artista de cine en colores!”

Su trayectoria, asegura, fue marcada por lo extraordinario. “Casi toda mi carrera ha estado signada de hechos mágicos. Y en ningún lugar puede haber mayor despliegue de magia que en un escenario, donde cada tres minutos me transformo”.

El legado que desea dejar se resume en una sola misión: hacer feliz al público. “Por eso, me gusta pensar que dicen de mí que fui un tipo que divirtió, que hizo sentir bien y cumplió con esta misión que me encomendó Dios: tratar de hacer que la gente sea feliz”.

Así es la palabra de Sandro, el hombre que se miró a sí mismo y a la vida con una profundidad única, y que encontró en la canción el sentido último de su paso por el mundo.

Un agradecimiento especial a Olga Garaventa y a Graciela Guiñazú, por las palabras textuales de Roberto Sánchez. https://sandrodeamerica.net/

A diferencia de etapas anteriores, el jurado ya no tendrá la última palabra. Esta vez, la audiencia elegirá con sus votos al ganador o ganadora del certamen, cerrando una temporada cargada de emoción y talento emergente en el que el triunfador se llevará un premio de 100 millones de pesos.

El grupo de finalistas quedó completo tras la emisión del lunes 17 de agosto, cuando Diego Detona, Emilio Zapata, Margarita Ponce y Tomás Cochello se sumaron a los ya clasificados Ailén Peralta, Alan Birman, Dana Gómez y Julián Navarro. La expectativa se concentra en el desempeño que cada uno mostrará en el escenario, donde la consagración estará al alcance de todos.

Durante la última gala, el programa presentó los perfiles de los nuevos finalistas, permitiendo al público conocer más de cerca sus historias y motivaciones.

Diego Detona se describe como “un artista de nacimiento”. En anteriores etapas del concurso, sorprendió por su versatilidad al interpretar personajes femeninos y masculinos. “Ser parte de la banda sonora de una película me llevó a quedarme a vivir en Buenos Aires”, compartió el participante de 38 años. Su mayor anhelo es “dejar un legado artístico”, y sueña con hacer cine y televisión.

Por su parte, Emilio Zapata llega desde San Francisco Solano con una historia de vida multifacética. A sus 45 años, reparte su tiempo entre la tapicería, que aprendió junto a su padre y luego continuó solo, y el estudio de abogacía, carrera en la que ya cursa el tercer año. “La vida no gira en torno al canto, pero con mi voz hago que la gente disfrute de estar conmigo”, expresó durante su presentación. Además, repara computadoras, aunque no ejerce ese oficio de manera profesional.

La más joven de la competencia, Margarita Ponce, con apenas 11 años, emocionó al jurado y al público desde su debut. “Cantar es mi vida”, sostuvo la niña salteña, que comenzó a demostrar su talento en reuniones familiares. Cada una de sus actuaciones fue celebrada tanto por la audiencia como por los expertos del jurado.

Tomás Cochello completó el cuarteto de nuevos finalistas. A los 22 años, sueña con producir su propia música y llevar su espectáculo a distintas ciudades. Vive con sus padres y recuerda que “el canto era lo mío porque siempre cantaba en familia y me sentía muy cómodo”. Dedica cada interpretación a su abuela “Tucci”, fallecida el año anterior.

El viernes pasado se habían conocido los otros candidatos. Ailén Peralta tiene 28 años y vive en José C. Paz junto a su perro Vito. Tras atravesar una depresión que la alejó de la música, decidió volver a los escenarios sin avisarle a su familia que participaría del programa. El riesgo valió la pena: clasificó a la final con 400 puntos, el puntaje más alto de la noche, y se ganó su lugar en el Ópera.

Otro de los clasificados del viernes fue Alan Birman, de 21 años, que vive en Lanús con su familia y trabaja en una empresa de insumos de salud, aunque su vocación apunta en otra dirección: es técnico electromecánico y planea lanzar un emprendimiento en el rubro automotor. Su voz cautivó al público y al jurado por igual y lo ubicó entre los ocho mejores participantes del programa.

Dana Gómez, de 30 años y vecina de Hurlingham, creció en una familia de músicos y hoy se desempeña como cantante y coach vocal. Sus primeros pasos en la música los dio en el coro de una iglesia evangélica, donde el director se convirtió en su padrino artístico. En la actualidad lleva adelante su propio proyecto de jazz.

El grupo del viernes lo completa Julián Navarro, de 23 años, oriundo de Lanús, cuya madre es brasilera y cuyo padre falleció un día antes de su presentación en el programa. Antes de que “Es mi sueño” lo lanzara a la exposición pública, tenía un emprendimiento de frutos secos. Hoy se dedica por completo a la música.

Cómo será la gran final

El público podrá votar en vivo para definir al próximo ganador de Es mi sueño, lo que marca una diferencia respecto a las rondas previas, donde el jurado tenía peso decisivo. La transmisión se realizará desde el Teatro Ópera y la expectativa crece ante la posibilidad de consagrar a una nueva figura del espectáculo nacional.

La final enfrenta a ocho talentos que representan diversas regiones y trayectorias. Cada uno superó diferentes etapas, mostrando crecimiento y compromiso con su arte. En la edición del viernes 14 de agosto, Ailén Peralta, Alan Birman, Dana Gómez y Julián Navarro ya habían asegurado su lugar en la definición. El lunes se sumaron los cuatro restantes, cerrando la lista de quienes competirán por el título.

La expectativa por la final de la primera temporada se combina con el anuncio de una segunda edición. Según reveló la producción, desde el miércoles, Es mi sueño tendrá una nueva temporada en la que participarán tanto celebridades como concursantes anónimos.

El formato volverá a estar bajo la conducción de Guido Kaczka y sumará figuras reconocidas del espectáculo, que deberán enfrentarse a un jurado exigente y compartir escenario con quienes aspiran a cumplir su sueño artístico.

El ciclo logró posicionarse como uno de los favoritos de la audiencia, en parte por el fuerte componente emocional de las historias personales. “Cantar por mi abuela es lo que más me inspira”, reveló Tomás Cochello, mientras que Margarita Ponce conmovió con su madurez y talento a tan corta edad.

En una de las galas previas, la emoción que atravesó a Jimena Barón se convirtió en una de las imágenes más compartidas del programa. La jurado no pudo contener las lágrimas al escuchar la interpretación de Tomás, a quien grabó “como si fuera su hijo Momo”, según describió la cobertura oficial.

La competencia, que se emite por eltrece, volverá a reunir este martes a los ocho protagonistas para una definición cargada de expectativas. La audiencia tendrá la última palabra en una noche que promete consagrar a una nueva voz en el panorama artístico argentino.

Silvina Escudero eligió el aniversario que habría marcado los 16 años de vida de su perrita Mulata para compartir en redes sociales un mensaje donde el dolor y el agradecimiento se mezclan. La mascota falleció a comienzos de junio y la artista se volcó a su cuenta de Instagram para recordar la fecha y expresar la huella que dejó en su vida.

“Hoy cumplirías 16 años, mi Mulata”, comenzó Escudero en su publicación, ayer por la tarde, evocando el vacío que dejó la partida. La artista confesó: “Tuve que aprender a vivir sin vos”. Sin embargo, para ella es importante “celebrar la vida”, reconociendo la intensidad del vínculo que compartieron.

En palabras que retratan la profundidad de la relación, la bailarina admitió: “Tuvimos una vida entera juntas y nos amamos de una manera que no puedo explicar con palabras”. La ausencia se siente, reconoció, pero también eligió aferrarse a los recuerdos y al afecto compartido.

El cariño que permanece tras la despedida

La pérdida de Mulata no solo significó el adiós a una mascota, sino a una figura central en la vida de Escudero. “Fuiste mucho más que mi perra. Fuiste familia, compañera, refugio, alegría y una parte enorme de mi historia”, escribió, dejando claro el lugar que ocupaba el animal en su día a día.

Al recordar la fecha, la bailarina destacó: “Me cuesta muchísimo que no estés acá... pero me quedo con todo lo que sí tuvimos y con la certeza de que fuiste profundamente amada y feliz y así fui yo con vos”. Así, dejó ver que, aunque la ausencia es dolorosa, el consuelo llega al pensar en todo el tiempo compartido.

En su mensaje de homenaje, Silvina eligió cerrar con una frase que resume la trascendencia del lazo: “Feliz cumpleaños, mi Mulata hermosa. 16 años de vos. Toda una vida de amor”. Y, finalmente, subrayó: “Vas a vivir para siempre en mí”.

Durante la jornada, la artista compartió varias imágenes junto a Mulata, reforzando la idea de que, para ella, la mascota fue mucho más que un animal de compañía: fue un testigo constante de su crecimiento y sus cambios personales y profesionales.

Un adiós que marcó a la artista

El pasado 2 de junio, la despedida de Mulata ya había dejado un mensaje de profundo dolor en la cuenta de la bailarina: “Hoy un pedazo de mi corazón se va con vos”, confesó entonces. Las semanas previas a la muerte del animal, Escudero había compartido que estuvo presente en los cuidados y acompañamiento de la perra, quien atravesaba complicaciones de salud.

La artista también había publicado: “Dieciséis años de amor puro. Mulatita mía, llegó el momento de despedirte y solo puedo agradecerte. Miro para atrás y estás en cada historia”, expresó reflejando así la omnipresencia de la mascota en los momentos más importantes de su vida.

A lo largo de los años, Mulata la acompañó en mudanzas, giras, trabajos y hasta en proyectos laborales compartidos. En palabras de Escudero: “Juntas recorrimos un largo camino desde que me fui a vivir sola y trabajábamos juntas 24/7. Desde desfiles, conducciones, salidas, viajes, temporadas, boliche, hasta publicidades juntas hicimos”.

En su despedida pública, la bailarina subrayó el rol de Mulata como líder dentro de su grupo de mascotas: “Aceptaste a cada nuevo integrante con todo tu amor; hermanos que quedaron y rescatados que partieron”. El mensaje deja entrever el entorno de animales rescatados y adoptados que forman parte de la vida de Escudero y la influencia positiva de Mulata en ese ambiente.

Escudero no ocultó el agradecimiento por el sostén recibido: “Me hiciste todo más fácil. Mi vida fue mejor porque estaba con vos. Gracias por ayudarme a atravesar cada miedo, cada nuevo desafío te tenía ahí al lado y podía hacerlo mejor. Soy una bendecida de haberte disfrutado toda esta vida”.

La relación entre la bailarina y su mascota trascendió la rutina; fue un vínculo forjado en la convivencia diaria, el apoyo mutuo y el acompañamiento en cada etapa. La artista eligió remarcar ese legado: “Toda una vida de amor”, insistió en la dedicatoria.

La celebración de seis meses de amor entre Camilota y su novia se ha convertido en un nuevo capítulo de cercanía y gratitud compartida. El mensaje de su pareja, conocido en redes como labeby_pop, resume el espíritu de estos meses: “Felices 6 meses amor. 6 meses que llegaste para iluminar mi vida mi corazón. Te amo mucho, gracias por hacerme feliz. Amor, por más tiempo juntas, siempre estaré a tu lado en las buenas y y malas. Mi amor nunca dejes de brillar y sonreír, sos una luz de persona que ilumina mi mundo. Te amo demasiado mi reina”.

A lo largo de estos seis meses, la relación entre la influencer Camilota y su novia se ha caracterizado por la presencia constante y el deseo de compartir cada experiencia, celebrando tanto los logros personales como los momentos difíciles.

Cómo empezó la historia de amor de Camilota y su novia

El inicio de la relación estuvo marcado por la sorpresa y la espontaneidad. Ambas recuerdan que el primer acercamiento fue sencillo, casi accidental, y que desde entonces las conversaciones se volvieron parte de su día a día. “Sos una luz de persona que ilumina mi mundo”, expresa la joven en su mensaje, dando cuenta de la influencia positiva que Camilota ha tenido en su vida.

La pareja ha compartido con sus seguidores fotografías y anécdotas que documentan salidas, celebraciones y muestras de afecto en redes sociales. Esta exposición pública, lejos de generar presión, ha servido para reafirmar el compromiso mutuo y el orgullo de acompañarse.

Camilota y Ana Mabel decidieron celebrar su nuevo rumbo con una cena especial, compartiendo imágenes en sus historias de Instagram. “Oficiales, mi reina”, escribieron junto a una foto, mientras que en otra dejaron en claro su postura ante las críticas: “Que opinen, acá estamos”.

La influencer Camilota hizo pública su relación sentimental con Ana Mabel a través de una publicación conjunta en Instagram. Ambas compartieron una imagen sonrientes, acompañada por un mensaje donde recalcaron la importancia de vivir su amor con libertad y sin ocultarlo más.

El anuncio se concretó en el perfil de Ana (@labeby_pop) y fue replicado por Camila Deniz (@camioficial94), quien agradeció a su pareja con palabras que sintetizan la emoción del momento: “Hoy, por fin, podemos dejar de escondernos y mostrar al mundo lo que siempre sentimos. Ya no hay miedo, solo amor, paz y la felicidad de poder caminar de la mano”, escribió Ana. Luego, agregó: “Gracias por elegirme, por luchar por nosotras y por demostrarme que el amor, cuando es verdadero, siempre encuentra su momento”.

En el cierre del mensaje, la declaración fue directa y emotiva: “Te amo con todo mi corazón. Que esta sea apenas la primera página de una historia que recién empieza, vivida con libertad, con orgullo y con todo el amor que nos tenemos. TE AMO”.

La presentación pública de la pareja fue recibida con entusiasmo y palabras de aliento. Comentarios como “Sean felices, que el resto hable lo que quiera” y “Viva el amor” se multiplicaron en la publicación, mostrando un ambiente de aceptación y respaldo desde la comunidad virtual.

Camilota, reconocida por su paso en el reality de pérdida de peso y por su labor como creadora de contenido, atraviesa con este anuncio una nueva etapa en su vida personal. Anteriormente, la influencer había respondido con evasivas a las preguntas sobre su orientación sexual, asegurando: “No me gustan las mujeres, me gusta ella”. Tras aquella declaración durante el programa, mantuvo relaciones públicas con hombres, pero la relación con Ana Mabel marca un giro y el inicio de un nuevo capítulo.

Durante la oficialización de la relación, ambas publicaron en Instagram historias donde se las vio compartiendo una cena, reforzando el compromiso de vivir su amor a plena luz. Ana, con cerca de 10.000 seguidores en su perfil @labeby_pop, venía publicando imágenes de su rutina y salidas, aunque hasta ahora había presentado a Deniz como una amiga cercana. La elección de hacer pública la relación implica para ambas una declaración de orgullo y autenticidad.

La celebración, cuidadosamente organizada por Suárez, tuvo como protagonistas principales a Magnolia y Amancio, rodeados de primos, amigos y risas. “Planazo de la tía”, resumió Caro Nolte en redes sociales, mostrando así el tono íntimo y afectuoso que marcó la jornada. En las grabaciones, se observa a la actriz atenta a cada detalle, sirviendo golosinas y alentando a los niños, en un ambiente familiar que intentó resguardar de la exposición mediática, y eligió ella misma qué compartir en redes.

Mientras tanto, la situación personal de la familia atraviesa un momento de definiciones clave. El esperado regreso de Suárez y sus hijos a Turquía quedó en suspenso tras confirmarse que Icardi no continuará en el Galatasaray. Sin certezas sobre el futuro profesional del futbolista ni sobre el próximo destino, la familia espera resolver cuándo retirarán sus pertenencias del país y si, finalmente, fijarán residencia en una nueva ciudad.

Durante la tarde dedicada a los más pequeños, China Suárez priorizó la compañía de sus hijos y su círculo cercano. Los registros del evento la muestran volcada a la organización, eligiendo personalmente cada sorpresa y participando activamente en los juegos. Las imágenes difundidas buscan transmitir normalidad y alegría, aunque la ausencia de Icardi, figura central en la vida actual de Suárez, le otorga al encuentro un significado adicional.

La decisión de la actriz de compartir solo fragmentos de la celebración responde a la necesidad de proteger la intimidad familiar en un contexto marcado por la alta exposición. La pareja, expuesta tanto en lo mediático como en lo judicial, atraviesa una etapa en la que las decisiones privadas adquieren peso público y cada gesto es analizado.

Sin certezas sobre el próximo destino del futbolista y ante un futuro profesional abierto, la familia de Suárez enfrenta la necesidad de reorganizar su vida cotidiana. Actualmente, permanecen en Argentina, a la espera de definiciones que permitan resolver cuestiones de mudanza, crianza y, eventualmente, nuevos proyectos laborales.

El festejo del Día del Niño, con su despliegue de juegos y dulces, funcionó como un paréntesis en esa espera. La prioridad de la actriz quedó clara: acompañar a sus hijos y brindarles momentos de alegría en medio de un panorama incierto. En redes sociales, la jornada fue presentada como un acto de cuidado y dedicación, reforzando la centralidad de los niños en la vida de la familia.

La disputa entre Wanda Nara, Icardi y Benjamín Vicuña

Mientras la familia de Suárez celebra en Argentina, el conflicto entre Wanda Nara y Mauro Icardi continúa sin resolución. La disputa, que abarca temas familiares, bienes y mudanzas internacionales, permanece activa tanto en la arena judicial como en la mediática. Por el momento, no hay señales de un acercamiento que permita cerrar el enfrentamiento.

La exposición de los hijos de ambos en redes sociales, sumada a las publicaciones de China Suárez que muestran la vida cotidiana en la “casa de los sueños”, alimenta el interés y la polémica. Cada publicación se convierte en motivo de análisis, mostrando cómo la línea entre lo íntimo y lo público se desdibuja para estas figuras.

Apenas horas después de la tarde de juegos y risas, Mauro Icardi compartió en sus redes un extenso comunicado dirigido a Benjamín Vicuña. Sin nombrarlo, el futbolista apuntó contra el actor tras sus dichos en el programa PH Podemos Hablar, el sábado a la noche. En diálogo con Andy Kusnetzoff y el resto de los participantes, Vicuña dijo que “el amor de sus hijos nadie se lo iba a robar pese a la distancia”. Esta frase enojó particularmente el jugador, quien retrucó con un extenso mensaje, donde le habló directamente al artista: “Cuando te hacés la víctima en televisión para defender una imagen que los hechos no sostienen, hay algo que no cierr”. Acto seguido, se refirió a los pocos días que compartió con sus hijos desde que la familia ensamblada está en Argentina. “Hace 80 días que estamos en Argentina, pero de esos 80 días solo se pudo estar presente 15/ 20 días”, expresó tajante.

“Es una obra que me gusta mucho porque ayuda a continuar visibilizando este tipo de problemas que vienen sucediendo, no solo en el deporte, sino en muchos ámbitos culturales”, expresa el actor en charla con Teleshow. Y desanda la trama argumental antes del estreno del miércoles 26 de agosto: “Trata de manera directa el abuso sexual dentro del fútbol y los mecanismos de defensa y exposición mediática que rodean a los acusados y a las víctimas”, explica. Su papel es el de un representante de un joven futbolista envuelto en una denuncia, y subraya el desafío de poner “en primer plano la discusión” sobre una problemática real y vigente.

—¿Qué te sedujo de Dribbling?

—La verdad que es una obra que me gusta mucho por la temática que aborda, que se mete en profundidad con temas de abuso sexual, de una violación dentro del ámbito del fútbol. Acabamos de ensayar con Franco Masini y con todo el equipo estamos muy entusiasmados.

—¿El protagonista reconoce los hechos desde el comienzo?

—En principio, lo que sucede es una denuncia de una chica que fue abusada sexualmente por un joven que estaba bajo el consumo de estupefacientes y no recuerda o no asume esa responsabilidad. Entonces, también se pone desde el lado de la defensa del representante. Y respecto a la parte que acusa, se desliza que es alguien que tal vez esté buscando fama o dinero a partir de un extorsión. Se ponen en juego las dos hipótesis entonces.

—Imagino que con repercusión mediática...

—Claro, y hay muchas preguntas, por ejemplo: ¿Cuál es que rol tienen los medios y las redes sociales en la historia? Por supuesto que se refleja en la violencia mediática que recibe esta persona en forma despiadada.

—¿Cómo llegó la obra a tus manos?

—Por la productora Valentina Berger, que tenía esta obra ya desde hace más de un año, y en su momento me la había pasado. Me esperó un poquito porque yo estaba ocupado. Ahora la vamos a hacer solamente los miércoles en el Paseo La Plaza porque yo sigo de gira con Maldita Felicidad. Esta semana nos vamos para la zona de Córdoba, la semana pasada estuvimos por Mendoza, San Juan y seguimos por todo el país.

—¿Cómo es la relación con tu compañero de elenco?

—Con Franco habíamos trabajado en Cuéntame cómo pasó. No nos habíamos cruzado mucho y después nos encontramos alguna vez por ahí en un teatro y nos habíamos expresado mutuamente el deseo de poder hacer algo juntos. De golpe yo me encuentro con Valentina y me dice: “¿Qué te parece Franco Masini?”. Le dije inmediatamente que me parecía extraordinario. Es un chico muy talentoso, interesante, muy inteligente, y además conecto muy bien con él.

—¿Cuál fue tu primer acercamiento al teatro?

—Estudiaba Arquitectura a La Plata y en simultáneo empecé a estudiar teatro. Hice hasta el cuarto año de la carrera, faltaban dos años, para recibirme de arquitecto, pero me ganó la pasión por la vocación que descubrí realmente con el teatro, con la actuación. Con el tiempo pude aplicar mis años de estudio con grupos de teatro independientes. Participé de la construcción de tres espacios, de adaptación, por ejemplo de tirar en una casa tipo pasillo chorizo, tirar tres paredes y armar una sala de teatro. Esa sala se llamó La Buhardilla y allí hice una de mis primeras obras, en 1992.

—¿Te relacionás con el fútbol en tu vida personal?

—Me gusta mucho el fútbol, soy hincha de River. Voy a la cancha cuando el teatro me lo permite, pero por lo general me coincide con los horarios de función. Soy del tipo de hincha que se desangra y sufre por el momento agónico que estamos atravesando.

—¿Te hubiera gustado ser futbolista?

—No. Mi habilidad iba para otro deporte, para el básquet. Me entrenaba mucho de adolescente, pero quedó abandonado, como la arquitectura. Ganó la actuación y soy feliz por mi pasión.

En su publicación, Morena destacó el valor afectivo que el proyecto mantiene en su vida: “Había una vez una familia grande, un cuento viejo con mucho gusto a besos. Había una vez, un mundo de ‘te quieros’... Había una vez, una historia, Chiquititas”. Así, la autora volvió a poner en palabras el espíritu de la tira que marcó una época en la televisión argentina y fue exportada a distintos países.

El mensaje de Morena coincide con el aniversario número treinta y uno del estreno de la serie. La creadora recordó: “Y hace 31 años abríamos su libro de la vida por primera vez”, en alusión al debut televisivo que dio inicio a un fenómeno cultural y musical que trascendió generaciones.

Chiquititas fue una telenovela infantil argentina ideada por Cris Morena, que se emitió por primera vez en la pantalla de Telefe en 1995. El programa retrataba la vida de un grupo de niños en un hogar, abordando temas de amistad, familia y superación a través de la fantasía y la música, y se convirtió en plataforma de lanzamiento para numerosos actores juveniles.

El aniversario fue conmemorado por la autora con palabras que condensan la nostalgia, el cariño y el agradecimiento por la historia que, según ella misma expresó, permanece viva en la memoria colectiva.

En el corazón de la tira estaba Belén, interpretada por Romina Yan, que irrumpía en el orfanato como una adulta distinta: la que podía escuchar los secretos debajo de la almohada, la que leía cuentos en voz baja y repartía sonrisas en vez de castigos. A su lado, Agustina Cherri, Facundo Arana, Gabriel Corrado, Grecia Colmenares, Romina Gaetani, Iván Espeche y Gastón Ricaud tejían la trama de los grandes, mientras que los chicos —Camila Bordonaba, Luisana Lopilato, Benjamín Rojas, María Jimena Piccolo, Daniella Mastricchio, Santiago Stieben, Georgina Mollo, Ezequiel Castaño, Guillermo Santa Cruz, Diego Mesaglio, Marcela Kloosterboer, Celeste Cid, Sebastián Francini, Agustín Sierra y tantos más— le ponían voz a las preguntas sin respuesta.

La historia recorría los pasillos del hogar, donde la ausencia era rutina y la esperanza, un acto de rebeldía. Los chicos aprendían a buscarse entre sí, a inventar juegos para espantar el miedo, a transformar la tristeza en canciones que rodaban por el patio. “Todo, todo, todo el mundo tiene un rincón de luz”, cantaban juntos, abrazados, como si la letra pudiera abrir ventanas en las paredes más grises.

Chiquititas no era solo una novela infantil; era la cita diaria de miles de chicos que encontraban en la pantalla lo que faltaba en casa: un abrazo, una mesa llena, la certeza de que siempre hay alguien esperando. Por las tardes, los recreos se llenaban de coreografías improvisadas, los cumpleaños repetían los temas de la tira y los cuadernos se cubrían de stickers y sueños con forma de familia elegida.

En cada episodio, la dulzura se mezclaba con la ternura: una merienda compartida, un secreto contado al oído, la complicidad de un abrazo bajo la lluvia. Los personajes no eran héroes ni perfectos; eran chicos desbordados de preguntas. El orfanato se volvía refugio y trinchera, con adultos que a veces lastimaban, pero también aprendían a querer.

En el teatro, la magia se multiplicó. Las funciones de Chiquititas rompieron todos los récords: más de un millón de espectadores colmaron las salas año tras año. Las canciones pasaron de la televisión a las butacas, y de ahí, directo a la memoria de una generación.

La dulzura de Chiquititas no se apagó con el último capítulo. Su éxito derivó en discos, productos y giras. En 2001, la historia llegó al cine con Chiquititas, rincón de luz, protagonizada por Romina Yan y Facundo Arana. En 2003, Rincón de Luz llevó la fantasía a una nueva generación, y en 2006, Chiquititas sin fin reescribió la esperanza para quienes recién descubrían la serie.

Chiquititas atravesó fronteras. Fue emitida en más de 36 países, conquistando a chicos de Latinoamérica, Israel, Portugal, Rumania y Brasil, donde tuvo dos adaptaciones propias. El fenómeno fue pionero: nunca antes una telenovela infantil de habla hispana había logrado tanto reconocimiento internacional.

Los premios acompañaron el camino: Premios Martín Fierro, Premios Gardel, un Grammy Latino y el cariño incondicional de quienes crecieron con la certeza de que nadie debería quedarse sin familia, sin canción ni abrazo.

El último capítulo no cerró ninguna herida. Solo dejó la puerta entreabierta para quienes, alguna vez, buscaron refugio en la ficción. En el silencio posterior, la promesa seguía viva: mientras exista un rincón de luz, ningún niño estará solo.

El episodio se convirtió en el centro de las conversaciones del programa de talentos. Levinton, fiel a su estilo, no dudó en llevar su personaje al extremo y convertir la gala en un momento inolvidable tanto para los televidentes como para quienes estaban en el estudio.

Durante el segmento, Abel Pintos, su compañero en el jurado, lo desafió con una pregunta directa: “Vos, por ejemplo, como ninja, ¿solo ejercés de noche o de día también?”. Levinton, sin perder la compostura ni el humor, le respondió: “De lunes a sábado, los domingos descansamos”. La ocurrencia desató carcajadas y marcó el tono distendido del programa.

El desafío de Pintos continuó cuando, buscando poner a prueba el sigilo del invitado, ejemplificó: “Porque vos te podés confundir rápidamente con la oscuridad. Ahora, a las 2 de la tarde en microcentro...”. Levinton elevó la apuesta y, entre la multitud, replicó: “Mirá cómo desaparezco”.

En ese instante, la audiencia y los jurados perdieron de vista al músico. Pintos admitió: “Me da miedo porque te escucho pero no te veo”. Segundos después, Levinton reapareció con una cartera en la mano y explicó, entre risas: “Esto es lo que se llama transformarse en invisible. Y de esta manera me llevo esta cartera”. Cerró la escena con una frase que quedó flotando en el estudio: “De esto laburamos los ninjas”.

La secuencia dejó en claro la habilidad de Levinton para conectar con el público y dominar la escena. La reacción en la tribuna fue inmediata; el estudio estalló en risas y aplausos ante el inesperado acto del jurado.

En esta aparición de Joaquín Levinton en Es mi sueño, el músico aprovechó su disfraz de ninja para realizar una secuencia humorística. Se desplazó sigilosamente entre el público, simulando ser “invisible”, y terminó llevándose una cartera, lo que generó una ola de risas y complicidad tanto en los presentes como en el jurado. El momento quedó registrado como uno de los más descontracturados de la noche.

Guido Kaczka, conductor del ciclo, se vio sorprendido por una nueva intervención del músico. Mientras presentaba a un participante, Levinton irrumpió con sonidos guturales, interrumpiendo el relato habitual del animador.

Kaczka, que intentaba presentar al concursante que trabajaba como chofer de aplicación, se vio forzado a detener la introducción por el ataque de risa que le provocó la inesperada irrupción. “Vive en Caballito…”, alcanzó a decir antes de que la risa lo venciera. El clima distendido se propagó de inmediato entre el resto del equipo y el público, sumando espontaneidad a la noche.

Las intervenciones de Levinton suelen transformar la dinámica del programa. Sus ocurrencias, sumadas al carisma natural, hacen que tanto los participantes como el jurado y la audiencia se entreguen al juego y la sorpresa.

En un programa anterior, el líder de Turf también fue viral pero por otro motivo. Julio y Valentina, padre e hija oriundos de Concordia, Entre Ríos, se presentaron en el programa con una versión de la chacarera “Flor de cenizas”, acompañados por violín y una guitarra artesanal construida por un luthier cordobés.

Levinton quedó fascinado con el instrumento desde el momento en el que lo vio: confundió la guitarra con un charango y la curiosidad fue tal que pidió permiso para probarla: bajó de su lugar en el jurado, subió al escenario y tocó los acordes de “Pasos al costado”, uno de los temas más populares de su banda, ante el aplauso del estudio. Una prueba más del espíritu lúdico que caracteriza a la música desde siempre.

La modelo reconoció que mientras otras niñas preferían jugar a la casita, ella tenía una predilección singular: “Yo jugaba con la caja registradora de Barbie. A mí me encantaba oír el titín, titín, titín, titín de ser cajera. Y lo cumplí”, agregó, como si el eco de ese sonido metálico se hubiera convertido en un objetivo.

Al ser consultada por Pergolini sobre la veracidad de su afirmación, Fort fue categórica y aseguró que trabajó como cajera de una reconocida cadena de supermercados. Y, ante la sorpresa de su entrevistador, reafirmó: “Lo juro por Dios. Jugaba con la gente, con las señoras”.

Durante su paso detrás de la registradora, no todo fue rutina. Fort recordó una situación que la marcó: “Es más, la vi a una señora chorearse un aceite de oliva”, relató, dejando atónito a Pergolini. Él, entre risas, quiso saber si lo había denunciado.

La joven explicó su reacción: “Se lo dije”, y luego describió el momento en que enfrentó a la clienta: “A ver, mostrame la bolsita”. La respuesta de la señora fue evasiva, pero el desenlace fue claro: “¡Un aceite de oliva!, le dije”.

La anécdota sirvió para aprender algo más allá de la honestidad ajena. “Ahí aprendí que el aceite de oliva es caro”, resumió, desatando otra carcajada en el estudio.

Pergolini, curioso, indagó: “¿No sabías que el aceite de oliva era caro?”. Fort fue honesta: “No lo sabía, no”. Y agregó que recién comprendió su valor cuando vio una promoción. Algunos datos de color de una joven con una infancia muy diferente a la de otras chicas de su edad.

Marta Fort narró que su trabajo en un supermercado le permitió descubrir aspectos insospechados del día a día. Aprendió de primera mano sobre el valor de los productos y las estrategias de los clientes, sumando una experiencia singular a su vida.

La entrevista derivó en detalles de su vida actual. Pergolini preguntó si seguía yendo al supermercado, pero la influencer se sinceró al admitir que usa un servicio de entregas rápidas. Desde que se mudó sola hace casi un año, Marta ya no recorre los pasillos de supermercado. Una vez que cumplió aquel objetivo de niña, parece prevalecer el aprovechamiento del tiempo por sobre vivir la experiencia.

El recuerdo siempre presente de papá

En la misma visita a Otro día perdido, Marta le reveló a Mario Pergolini un hábito desconocido de su padre, Ricardo Fort: el baño era el único espacio donde el empresario se relajaba de verdad y, desde allí, convocaba a toda la familia para tener conversaciones profundas. “El lugar que más usaba para ponerse profundo era cuando cagaba. Él nos llamaba a todos, a mí, a Felipe. Así hablábamos”, contó la influencer con total naturalidad.

Aprovechando el espíritu distendido de la entrevista, Marta describió que su padre se sentaba “pensativo” y llamaba a quienes quería hablar en serio, con la puerta abierta y los demás sentados en el bidet. “Mi casa era casi como un estudio de televisión y el momento más privado que tenía era cuando iba al baño”, explicó. Pergolini, entre risas, no tardó en advertirle: “Marta, no es normal lo que estás contando”. Ella, lejos de incomodarse, reafirmó que esas situaciones eran frecuentes y formaban parte de la cotidianeidad familiar.

El cumpleaños número 49 de Matías Alé se vivió como una celebración íntima, marcada por la calidez familiar y un mensaje inesperado que acaparó la atención en redes sociales. Martina Vignolo, su esposa, recurrió a una carta pública para sintetizar el vínculo que los une y dejar en claro el lugar central que ocupa el actor en su vida cotidiana.

Sin rodeos, Martina abrió su dedicatoria con palabras directas y sentidas: “Feliz cumpleaños amor de mi vida. Qué escribirte que no sepas, que no sepamos, sos una persona ÚNICA”. La publicación, realizada en su cuenta de Instagram, rápidamente sumó mensajes de apoyo y comentarios de figuras del espectáculo que no quisieron quedarse afuera del festejo.

En la carta, Vignolo desgranó una lista de cualidades y roles que, según su mirada, definen a su pareja. “Sos un hombre capaz de todo, laburador, actor, comediante, humorista, productor, locutor, conductor, piloto de avión y helicóptero, hijo, amigo, esposo y el mejor papá que Río podría tener”., enumeró, en este caso en alusión al perro salchicha de la pareja. Con esa frase, la joven de 25 años buscó sintetizar las múltiples facetas que conviven en la figura de Alé y destacar su desempeño tanto en lo profesional como en el plano familiar.

La elección de cada palabra reveló una admiración profunda. Martina no solo celebró el presente, sino que también expresó un deseo expansivo: “Deseo que TODO el mundo tenga un Mati Alé en sus vidas o al menos que te conozcan y sepan lo INCREÍBLE que sos”.

La pareja, a la que la diferencia de edad nunca le resultó un obstáculo relevante, lleva adelante una convivencia marcada por la complicidad y el crecimiento compartido. “Soy una afortunada de despertarme y verte cada mañana a mi lado, de que seas mi fiel compañero”, explicó Martina, quien definió a su esposo como alguien que le enseña a “crecer, a confiar en mí, a poner límites y valorarme”.

Para muchos usuarios, la carta se transformó en una radiografía de la vida en pareja y en una invitación a reflexionar sobre el afecto cotidiano. La joven insistió: “¿Qué te deseo? Que seas feliz toda tu vida, y como tú compañerita lograr que NADA lo impida, porque no hay nadie más merecedor de todo lo lindo del mundo que no seas vos”.

El actor vivió este cumpleaños en un momento de plenitud personal, acompañado por su familia y disfrutando de una etapa de estabilidad y proyectos. La pareja suele compartir en redes sociales postales de viajes y momentos de la vida diaria, donde la figura de su mascota Río aparece como uno de los grandes motores afectivos.

La carta de Martina se convirtió en el centro de la jornada, desplazando otras noticias del espectáculo y generando un efecto inmediato en el entorno de la pareja. El mensaje fue leído como una reafirmación de su historia de amor y una muestra de reconocimiento a la dedicación de Alé tanto en el hogar como en su carrera.

Durante la publicación, la joven resumió su gratitud con una frase que sintetiza el espíritu del mensaje: “Nada más ni nada menos que GRACIAS, sos el mejor del mundo, y como lo digo siempre… toda la vida soñé con un amor tan hermoso e intenso como el nuestro, soy feliz de ser tu mujer y de que seas mi compañero para toda la vida, te amo”.

Para quienes siguen la vida pública de la pareja, la dedicatoria no solo marcó el aniversario, sino que también renovó el compromiso entre ambos. El gesto de Martina fue interpretado como un reconocimiento a la historia compartida, las dificultades superadas y las expectativas que se proyectan hacia el futuro.

El mensaje de Martina Vignolo se destacó por su transparencia emocional y por el modo en que puso en palabras el recorrido de la pareja. No solo se trató de un saludo de cumpleaños, sino de una declaración de amor y de un reconocimiento público a la tarea diaria de construir una familia. La carta funcionó como un puente entre la vida privada y la exposición mediática, mostrando que, detrás de la fama, hay historias atravesadas por la gratitud, la admiración y el deseo de compartir.

La revelación llegó durante una entrevista concedida a Puro Show, donde el actor y empresario se sinceró sobre el estado actual de la televisión abierta. “Si encuentro en qué rol, me gustaría volver a tener a Marcelo Tinelli en el canal. Sé que lo está evaluando en el canal o en otro. Ojalá que sea acá porque siento que tiene mucho más para dar”, expresó Suar, marcando su interés en reincorporar a uno de los conductores más emblemáticos del prime time argentino.

En la misma conversación, Suar no dudó en mencionar a otro referente histórico del medio: “A Nicolás Repetto me encantaría tenerlo también. Hay que convencerlo, pero esa es mi especialidad”, aseguró, dejando en claro que la persuasión forma parte de su arsenal para atraer talentos. La mención de Nico Repetto, alejado de la televisión desde 2018 tras su paso por El noticiero de la gente en Telefe, reavivó las especulaciones sobre un posible regreso del conductor a la pantalla chica.

En cuanto al presente de la ficción nacional, Suar fue autocrítico sobre la merma en este tipo de propuestas, aunque reconoció que existen otros formatos capaces de captar la atención del público. “Siempre estoy en la búsqueda de nuevos proyectos para enriquecer la pantalla”, subrayó al referirse a la responsabilidad de mantener vigente la señal.

El interés por el regreso de Tinelli no se limita solo a la nostalgia por los ciclos masivos. El propio Suar enfatizó que su retorno no necesariamente estaría ligado a formatos anteriores: “Su vuelta no sería con el Bailando”, aclaró, anticipando que evalúa alternativas para que el conductor encuentre un espacio renovado.

El rol de Mario Pergolini y el valor de reinventarse

La charla con Puro Show también dejó espacio para reflexionar sobre otros protagonistas de la televisión argentina. Sobre el regreso de Mario Pergolini a la pantalla, Suar destacó su capacidad de adaptación: “Se reinventó. Sé que él está muy contento. En su vida personal y profesional, siento que le sumó mucho este regreso”.

Respecto a la reputación de “tipo difícil” que históricamente acompañó a Pergolini, Suar defendió su perfil profesional: “Él es mucho más formal de lo que la gente cree. Él tiene un personaje pero es formal además de picante. En esta vuelta, encontró su lugar, le va muy bien y tanto a mí como a la gente, eso le gusta”.

El propio Suar atraviesa un momento de plenitud personal y profesional. En pareja con Rocío Robles y activo tanto en teatro como en cine, el empresario no descuida su faceta ejecutiva. La conjunción de experiencia, visión de futuro y capacidad de persuasión lo posiciona como uno de los principales referentes de la industria televisiva argentina.

Por su parte, la posible vuelta de Tinelli y el eventual regreso de Repetto ocuparon el centro de la escena mediática en las últimas jornadas. La noticia generó expectativa tanto entre los trabajadores del canal como en el público, ávido de novedades en la televisión abierta.

Adrián Suar se prepara para una nueva etapa en la que la apuesta fuerte son los nombres que ya dejaron huella en la historia de la televisión argentina. Consciente de los desafíos que enfrenta la industria, el gerente de programación del canal de Constitución busca conjugar pasado y presente para ofrecer una propuesta renovada y atractiva.

La visita al atelier del diseñador francobelga no fue solo un trámite más en la agenda de la boda. Para Tini, el contacto directo con el universo creativo de Saint Sernin representó un paso fundamental en la construcción del look que lucirá en su gran día. “Amor, fue increíble. Yo pensé que solamente íbamos a ver telas. Pero me lo probé…”, relató Tini a De Paul mediante una videollamada, visiblemente emocionada por la experiencia.

A lo largo de casi una década, Saint Sernin ha cultivado un perfil de creador inquieto y perfeccionista. Nacido en Bruselas y formado en París, trabajó en las filas de Dior, Saint Laurent y Balmain, antes de lanzarse con su propia marca en 2017. En una de sus evocaciones más personales sobre sus inicios, el diseñador confesó que pasó “largas horas cosiendo ojales” en el taller de Balmain bajo la dirección de Olivier Rousteing. El detalle, lejos de perderse en el tiempo, terminó por definir un sello propio: los ojales con cordones, inspirados tanto en la corsetería clásica como en el calzado, se volvieron protagonistas en cada una de sus colecciones.

La estética de Saint Sernin se consolidó rápidamente en la escena internacional. Sus diseños se reconocen por los cortes precisos, los guiños a la lencería y la audacia en el uso de materiales. La sensualidad se fusiona con la sofisticación, logrando piezas que reinterpretan los clásicos de la moda con una mirada contemporánea y atrevida. “Los cordones y recortes no son solo un adorno; cuentan una historia sobre el cuerpo y la libertad”, ha explicado en otras ocasiones el creador, defendiendo una visión en la que la tradición artesanal convive con la innovación.

El viaje de Tini a París no solo fue motivo de expectativa para los seguidores de la pareja, sino que también puso de relieve la importancia del proceso creativo en la alta costura. En compañía de su amiga Carolina Gil, la cantante vivió cada instante de la primera prueba como un ritual único: desde la llegada al hotel y la preparación previa, hasta el saludo a los fanáticos que la aguardaban en la puerta.

El traslado en limusina al atelier de Saint Sernin marcó el inicio de una jornada repleta de emociones. Allí, Tini tuvo la oportunidad de conocer personalmente el espacio de trabajo del diseñador y de ajustar junto a él los detalles iniciales del vestido. Aunque la artista optó por mantener en secreto el diseño final, no pudo ocultar su alegría: “No te puedo mostrar nada, pero es una locura lo que me está pasando”, le adelantó a De Paul, sumando un matiz de misterio e ilusión al relato.

El atelier de Ludovic de Saint Sernin se ha convertido en un punto de referencia para personalidades del espectáculo y la moda. Figuras como Georgina Rodríguez, pareja de Cristiano Ronaldo, han posado junto a él, evidenciando la proyección internacional de su trabajo. La presencia de Tini Stoessel en París refuerza esa impronta cosmopolita y sitúa a la cantante argentina en la órbita de las tendencias globales.

Durante su estadía, Tini compartió instantes de la preparación en redes sociales, permitiendo a sus seguidores acompañarla en un momento tan especial. El hecho de que eligiera un diseñador con pasado en casas como Dior y Balmain da cuenta de la búsqueda de excelencia y vanguardia que caracteriza este proceso.

Ludovic de Saint Sernin: identidad y legado en la moda contemporánea

Ludovic de Saint Sernin fundó su propia etiqueta apostando a una estética reconocible por los cordones, recortes y guiños a la lencería. Estos elementos, presentes desde sus primeras colecciones, constituyen la base de una identidad fuerte y coherente. El diseñador ha destacado que su trabajo busca “evocar la tradición artesanal y a la vez innovar en materiales y formas”, combinando lo mejor de ambas dimensiones, declaró a la prensa especializada.

La decisión de Tini Stoessel de confiar en Saint Sernin para la confección de su vestido de novia no solo responde a una cuestión estética, sino también a una afinidad con el universo conceptual del diseñador. La artista, reconocida por su estilo personal y su proyección internacional, encontró en el creador francobelga un aliado para dar forma a una prenda que será testigo de uno de los momentos más significativos de su vida.

La etapa de pruebas y ajustes continuará en París durante las próximas semanas, mientras la pareja se prepara para el enlace. En este contexto, la participación de Saint Sernin suma un valor simbólico y artístico al evento, anticipando un vestido que promete sintetizar la esencia de ambos protagonistas: la sensibilidad de Tini y la visión vanguardista del diseñador.

En el diálogo distendido y repleto de bromas con sus compañeros, la actriz relató que tras el anuncio no hubo mayores contactos: “Nos mensajeamos apenas hoy algo, pero no volvimos a hablar”. La conversación avanzó hacia el impacto inmediato de la separación en la vida personal de Sabrina, quien confesó con desparpajo: “El sábado salí. Después de que me separé de la familia y logré ser feliz después de ese dolor, me doy cuenta que todo lo demás, es disfrutar, pasarla bien”, expresó la conductora.

El panel indagó sobre la posibilidad de una reconciliación casual. Sabrina negó que la despedida haya dejado la puerta entreabierta, aunque no descartó un reencuentro ocasional: “Ah, sí, si estamos aburridos, Pepe, podés”, bromeó. La actriz remarcó que su presente la impulsa a mirar hacia adelante, sin nostalgias. “No duelo nada, ya está”, afirmó con determinación.

La inmediatez de las reacciones en las redes sociales no pasó inadvertida. “Me sorprendió que ni bien subí el posteo, al instante aparece gente”, reveló entre risas. “Me impresionó con la inmediatez que aparece gente vieja y conocida”, describió. Entre las anécdotas, destacó el “código” de quienes, estando presentes en su vida antes de su relación, “desaparecieron” mientras ella estaba en pareja y ahora reaparecieron.

Cuando le preguntaron si había respondido a alguna de esas insinuaciones, la actriz respondió tajante: “No respondí a nadie nada. Pero ni siquiera un like”. Sabrina admitió que, aunque algunos mensajes la sorprendieron, siente que todavía no está lista para abrirse a nuevas historias.

A la pregunta sobre si ya le habían tirado algún piropo tras el anuncio, Rojas explicó que el interés siempre existe, pero que no está en búsqueda activa: “No, tirar, tiran siempre, pero yo no estoy para eso”.

La historia del romance con Pepe Chatruc

El vínculo entre Sabrina Rojas y Pepe Chatruc no fue un flechazo fortuito, sino el resultado de una amistad compartida. “Nos conocimos por gente en común, pero él tiene más antigüedad en ese grupo”, aclaró. Ese entorno común fue el germen de la relación, que, según Sabrina, transcurrió de manera “hermosa” hasta el final.

Consultada sobre la ruptura, Sabrina evitó dramatizar: “Cuando las cosas se traban, empezás a charlar, y en esas charlas la pareja llega a la conclusión que tal vez es mejor soltar ahora”. Para ella, la ruptura no tuvo episodios conflictivos: “No hay nada puntual, no pasó nada malo. Él es lo más, lo más. Lo adoro a él y a sus hijos”.

En ese sentido, Sabrina defendió la madurez del cierre: “Fue una linda charla de dos personas adultas comprendiendo una situación. Eso lo hace lindo, entenderte y darte cuenta de que estás hablando el mismo idioma. No hubo pelea”.

Durante el diálogo, surgieron detalles sobre las dificultades logísticas y de tiempo que enfrentaba la pareja. “Vivimos muy lejos, tenemos muchos niños, él tiene mucho trabajo”, enumeró Sabrina. Explicó que la distancia y las agendas complicadas hacían que pasaran varios días sin verse y que, cuando finalmente coincidían, ambos llegaban agotados. “Hay una magia que, que se perdió. Claramente, yo tal vez también estaré muy exigente”, reconoció Sabrina.

En cuanto al equilibrio entre la vida familiar y la de pareja, la decisión fue evitar forzar la convivencia con los hijos: “No llegamos a ensamblar porque no queríamos; se nos traban situaciones, días, horarios”.

Al abandonar el grupo de WhatsApp donde se conocieron, Sabrina consideró que ese espacio “le pertenece a él” y prefirió evitar incomodar a su expareja. “Les mandé un beso, que los quiero, los adoro a todos los que están dentro del grupo y me los voy a cruzar en la vida”, contó.

Sobre el futuro, la actriz aseguró que no piensa en reconciliaciones ni en regresar con exparejas. “No, no y no volvería con un ex. Pueden aparecer los que quieran, pero yo no voy a...”, expresó, reafirmando su deseo de avanzar.

Por último, Sabrina compartió una reflexión sobre la vida después de una ruptura: “Yo cuando estoy con alguien es porque ese alguien me fascina. Y él me fascinó”. Aunque reconoce que la fascinación sigue existiendo en algún nivel, su prioridad es reencontrarse a sí misma y disfrutar de una nueva etapa.

Cada uno de los invitados especiales se sumó de forma escalonada y en situaciones cotidianas, aumentando la emoción de Bernarda a cada paso. Una de las escenas más comentadas ocurrió en la piscina del hotel donde la niña disfrutaba de la tarde cuando, desde atrás, pudo distinguir la figura de su abuelo Pablo Granados. La reacción fue instantánea: saltó sonriente para abrazarlo. A ese instante le siguieron otros encuentros igual de emotivos, todos documentados en un video que pronto se llenó de comentarios y muestras de cariño en las redes sociales.

La originalidad de la celebración radicó en la manera en que cada sorpresa fue revelada. Tras el reencuentro con su abuelo, Bernarda vivió un nuevo momento especial cuando Pablo la llevó a pedir un licuado en la barra del hotel. En ese instante, la niña creyó que la empleada los atendería, pero al girarse vio a Camila de los Santos, pareja de su abuelo, quien se sumó al festejo provocando otra reacción de alegría espontánea.

La llegada de Titi y Lichi —Mery Granados, tía de la cumpleañera, y su pareja Lisandro Skar— fue presentada de modo igual de inesperado: ambos aparecieron recostados en una reposera bajo el sol, sumándose a la lista de cómplices que transformaron el cumpleaños en una secuencia de reencuentros familiares y sorpresas cuidadosamente coreografiadas.

Quienes siguieron el desarrollo del viaje a través de las redes sociales de la familia Granados pudieron ir reconstruyendo la cronología de la celebración. Los videos y fotos publicados permitieron ver no solo los paisajes del destino turístico, sino también las reacciones genuinas de la niña ante cada nueva aparición.

Durante la última jornada de festejos, la familia y los invitados lucieron camisetas personalizadas con la leyenda Bebi 10 años, adornadas con imágenes de Bernarda en distintas etapas de su vida.

La elección de Punta Cana como escenario para este aniversario respondió al deseo de los padres de crear un ambiente diferente y especial para la fecha. La posibilidad de viajar y sumar a otros miembros del círculo íntimo fue un secreto celosamente guardado hasta el último momento. Migue Granados y Fernanda Otero compartieron la motivación detrás del festejo en un posteo: “Hoy hace 10 años esta hermosura de niña nos hacía papás. Sos nuestro sueño bebu, tan buenaza que sos te merecías cada una de estas sorpresas”.

La familia Granados, acostumbrada a compartir fragmentos de su vida en redes sociales, recibió una ola de mensajes de cariño y admiración por la dedicación puesta en el festejo. “Sos nuestro sueño bebu”, expresaron los padres en una publicación que rápidamente se llenó de likes y comentarios.

El cierre de la fiesta, con camisetas personalizadas y una coreografía improvisada bajo las palmeras, quedó grabado en la memoria de los presentes y en el registro audiovisual compartido en redes. El cumpleaños de Bernarda en Punta Cana se convirtió en una celebración que excedió el ámbito privado para transformarse en inspiración para otras familias que buscan crear momentos memorables.

“Nunca me había tomado una pausa creativa en toda mi carrera y al elegir escuchar mi intuición obviamente convivía con una pelea interna entre mi ego y mis miedos💔”, escribió Nicki en sus redes sociales, abriendo el corazón ante sus millones de seguidores.

La pausa, según relata, no fue resultado de una crisis o de un agotamiento extremo, sino de una necesidad interna de reencontrarse con el sentido de su música y su proceso creativo. En la industria, donde la novedad es moneda corriente y la exigencia de estar siempre vigente puede ser abrumadora, la joven cantante eligió parar y mirar hacia adentro.

El testimonio de Nicki Nicole revela que la lucha no fue únicamente contra las expectativas externas, sino también contra sus propias exigencias. “Qué hermoso es confiar en uno mismo y darse cuenta de que vas por el buen camino cuando la vida te regala estas hermosas señales de apoyo y amor 🥺”. En sus palabras hay, además de sinceridad, un reconocimiento al entorno que la sostiene: sus fans, su familia y su equipo, quienes nunca dejaron de manifestarle acompañamiento a pesar del silencio musical.

A pesar de no haber lanzado música propia desde hace más de un año, Nicki Nicole sigue cosechando logros. Según datos publicados por la cuenta Nicki Nicole Data, “A pesar de no lanzar música propia desde hace más de un año, Nicki Nicole supera nuevamente los 14M de Oyentes Mensuales en Spotify. Se mantiene como la 3º argentina con mayor número”. Estos números confirman que la pausa no significó olvido, sino consolidación: su obra sigue resonando y sumando oyentes a diario.

La artista, lejos de quedarse en el agradecimiento, se comprometió públicamente con su público: “Gracias por estar y tener paciencia, les juro que lo valdrá. Estoy trabajando mucho en darles una pieza artística con un gran mensaje ⭐💓Gracias por la espera y el apoyo incondicional 💗”. El mensaje, cargado de promesa y expectativa, deja en claro que la pausa fue un acto de responsabilidad y amor propio, pero también una oportunidad para gestar algo significativo.

Las imágenes compartidas junto a estos mensajes muestran a Nicki Nicole en un entorno cotidiano, con el cabello suelto y una campera de camuflaje. Su expresión es relajada, alejada del artificio y del show. Es la foto de una joven que, más allá del fenómeno de masas, busca reencontrarse con su esencia y crear desde un lugar genuino.

El caso de Nicki Nicole pone en debate una cuestión central en la industria musical: ¿es posible frenar sin perder vigencia? Su experiencia parece indicar que sí. La fidelidad de su público, la persistencia de sus cifras y la repercusión de cada mensaje lo confirman. La pausa, lejos de ser un riesgo, se transformó para los que la siguen, en una declaración de principios y en un acto de madurez artística.

En un contexto donde el bienestar emocional de los artistas empieza a ocupar un lugar central, la voz de Nicki Nicole suma a la conversación sobre la importancia de los tiempos propios, la autenticidad y el derecho a reinventarse. Su promesa queda latente: la espera valdrá la pena. Y mientras tanto, sus palabras y su ejemplo resuenan en quienes la siguen y en quienes, como ella, buscan su propio equilibrio entre el ruido y el silencio.

La actriz eligió agradecer en voz alta el cariño recibido: “Un cumpleaños de mediodía, con sol, sobrado de amor y emoción diurna, preparado en un día en medio de una vorágine de prensa con Moria, la serie”, escribió en su cuenta de Instagram. Las imágenes que subió la muestran sonriente, junto a los suyos, en especial con su hijo Martín —fruto de su relación con Fito Páez— y con su padre.

La actriz resumió el clima de la jornada con palabras llenas de afectividad: “Agradecida y bendecida por los hondos sentimientos con que acaricio la vida, los amigos, mi hermoso hijo, mi padre y su gracia, el devenir de las sorpresas impensadas”.

El evento congregó a varias figuras de la televisión y la cultura argentina. Entre los invitados se destacaron Dolores Fonzi, la Negra Vernaci, Ofelia Fernández, Martín Rechimuzzi y Julieta Cardinali, quienes compartieron el momento con la artista.

La reunión se realizó al aire libre, aprovechando el sol de la mañana. La mesa, decorada con rosas rosadas, fue el escenario donde Roth sopló las velitas, abrazada a su círculo más íntimo. “El amor. Siempre, siempre, detrás de toda tormenta brilla el comienzo de un nuevo amanecer. Así sea”, concluyó la actriz en su mensaje.

Durante la jornada, recibió múltiples homenajes y saludos en redes sociales. Colegas y amigas como Verónica Llinás, Andrea Rincón, Bárbara Lombardo, Mercedes Morán, Romina Richi, Inés Estevez, Graciela Borges y Natalia Oreiro manifestaron su afecto a través de mensajes públicos.

Quienes buscan saber cómo celebró Cecilia Roth su aniversario encontrarán que la actriz optó por un encuentro diurno, sencillo y rodeada de afectos, enmarcado por su felicidad ante el estreno inminente de la serie sobre Moria Casán. El evento reunió a su familia y amigos más cercanos, quienes compartieron con ella un momento de alegría y reflexión.

La actriz evidenció su gratitud por la vida y las personas que la acompañan. La celebración fue, según sus propias palabras, “sobrada de amor y emoción diurna”, en un contexto especial tanto por sus siete décadas como por el nuevo desafío profesional que asume con la serie de Moria. La presencia de su hijo Martín tuvo un lugar central, así como la de su padre, ambos destacados en las imágenes que la propia Roth compartió en redes.

Las palabras de la actriz Cecilia Roth en redes sociales funcionaron como crónica íntima de la celebración, permitiendo a sus seguidores y colegas compartir el entusiasmo por un aniversario atravesado por el cariño y la expectativa profesional. La actriz, lejos de elegir un festejo multitudinario, optó por el encuentro cálido, luz natural, y con un día donde acompañó el sol, en ese mometo único encontró el abrazo de sus amigos que se hicieron presentes.

En los comentarios de su cuenta de instagram recibió un una gran camtidad de mensajes de amor de otros colegas, amigos, como Verónica Llinás, Andrea Rincón, Bárbara Lombardo, Mercedes Morán, Romina Richi, Inés Estevez, Graciela Borges, Natalia Oreiro, y por supuesto del público.

El cumpleaños número 70 de Cecilia Roth se convirtió así en un testimonio de afecto, entre la familia y los amigos, con la mirada puesta tanto en el pasado recorrido como en los proyectos que la mantienen vigente en el panorama cultural argentino.

La vida de Chichita puede leerse como una sucesión de comienzos y despedidas, siempre tejida por la intuición y la búsqueda de afecto. “Me llamo Chichita de toda la vida, desde cuando yo era chiquita y tenía dos años y así me llamaban”, recuerda con humor, en una charla con Teleshow, evocando su infancia en San Isidro junto a cinco hermanos, un padre severo y una madre permisiva.

Cuando cumplió veinte años, se casó y se mudó a Mercedes. Allí formó una familia con su esposo, con quien compartió cuarenta años. “Yo me hice mujer con él, me hice esposa, madre, amiga, amante. Muy bien lo pasé con él”, resume sobre ese periodo. Juntos enfrentaron dificultades económicas y familiares.

La muerte de su marido, ocurrida el 9 de julio de 2008, la sumió en un vacío profundo. “Y un día yo llego a mi casa y lo encuentro muerto en su sillón. Para mí se había acabado el tiempo.” Durante cuatro meses, Chichita vagó como “un zombi”, incapaz de comprender el alcance de la pérdida.

Para muchos, la pregunta inevitable surge: ¿Cómo logró seguir adelante después de la muerte de su esposo y la soledad? La respuesta está en un giro inesperado: tras tocar fondo, una amiga la alentó a buscar consuelo en la Virgen del Cerro. Allí, al comparar su dolor con el de otros, reconoció que su vida había estado llena de amor y motivos para agradecer. Ese momento fue decisivo para reconstruirse y abrirse a nuevas posibilidades.

El mismo año en que enviudó, una reunión familiar la llevó a conocer a un hombre mayor. “Un señor espectacular, pero espectacular, ¿eh? Su manera de ser, un señor. Hablar. No sabés cómo hablaba, cómo contaba historias”, recuerda. Apenas veinte días después, él le propuso casamiento. Chichita aceptó, motivada por el deseo de dejar atrás Mercedes y encontrar protección en esa nueva relación. “Un señor grande, porque ya sexualmente no me iba a pedir nada. Además, yo no quería saber nada”, aclara.

La convivencia no fue sencilla al principio. “El primer año muy mal, porque yo seguía llorando a mi primer marido”, admite. Pero los tres años siguientes transcurrieron en armonía, hasta la muerte de este segundo esposo. Una vez más, el duelo la impulsó a buscar compañía, esta vez a través de Facebook. “Todo lo que encontraba, todo, era chatarra. Era una página de encuentros”, detalla.

Finalmente, un nuevo encuentro virtual y la posterior viudez de ese hombre la llevaron a casarse por tercera vez. Regresó a Mercedes y compartió ocho años con otro compañero. “Era un señor, un lord inglés también. Yo tuve mucha suerte en los tres matrimonios. Mucha, pero mucha suerte”, sintetiza.

Hoy, con casi ochenta años, Chichita vive en la casa que fue de su último esposo y que terminó comprando a las hijas de él: “Estoy muy bien, muy bien. Yo soy una persona muy sociable. Actúo mucho por intuición, pero como tengo buen corazón, todo me sale bien”.

Lejos de la resignación, Chichita disfruta de la compañía de sus hijos, nietos y amigas: “No tengo miedo, jamás tuve miedo a nada. Disfruto ahora mucho de mis hijos, de mis nietos, de mis amigas y de ir al bingo porque me encanta, es una de mis pasiones. Hoy estoy sola y estoy bien”.

En la actividad artística encontró otro motivo de felicidad. Participa en el teatro junto a sus hijos: “Florencia es productora de Hernán, de la obra que hacemos con él. Ahora empezamos el tres de septiembre otra vez con La señora que me parió, que es todo un éxito”.

El momento más preciado ocurre durante los saludos en el escenario. “Cuando yo subo a saludar, Florencia me lleva de la mano y Hernán me toma de la mano para subir al escenario. Ese momento en que los dos hijos te toman de la mano, para mí es muy lindo”, contó a Telehow. La ovación del público, describe, justifica el esfuerzo de viajar desde Mercedes a Buenos Aires, de subir y bajar escaleras: “Eso es otra cosa que vale la pena todo lo que hago”.

“Soy muy amiguera. De todas mis amigas soy una persona querida”, afirma con orgullo. El cariño de su entorno, dice, le da fuerza y sentido. “Me siento querida por todas mis amigas, por mis nietos, mis hijos”, cuenta. El próximo año cumplirá ochenta años, aunque no lo siente. “Mi cabeza funciona como si tuviera cuarenta”, asegura entre risas. La vitalidad, la intuición y el corazón abierto son, para ella, el secreto de una vida plena, capaz de sobreponerse a la adversidad y de celebrar cada reencuentro con la felicidad.

La historia de Canelones quedó guardada en la memoria de Hernán Casciari, envuelta en la risa nerviosa de su madre. En la pantalla grande Chichita es interpretada por Verónica Llinás, una actriz con la que se siente identifica. Chichita siempre fue la musa desfachatada que inspiró columnas, cuentos y hasta la ternura feroz de un unipersonal del escritor. Pero Mercedes, su ciudad natal, nunca olvidó la tarde en que un secuestro absurdo —disparado por las bromas incesantes de Hernán y su amigo “el Chiri”— que la puso en el centro de una trama que ni el mejor narrador podría haber inventado.

Casciari y Chiri Basilis, director del film, en los ochenta solían hacer llamadas telefónicas en Mercedes al mejor estilo del Doctor Tangalanga. El llamado a una mujer distanciada de su hijo durante casi una década derivó en una broma cruel: Hernán se hizo pasar por ese hijo que vivía en la Patagonia y que le pedía a su madre que le prepare canelones en su reencuentro. Luego, un suicidio. Y más tarde, una mujer sola en una página de encuentros para conocer pareja y una venganza cocinada a fuego lento.

—¿Cómo viviste ver plasmada tu historia en el cine?

—La vi bien, pero viste que en una parte de la película Verónica le dice a Barassi, que hace de Hernán, “no cuentes esta historia”. Y yo le decía eso a mi hijo. “Mamá, yo la voy a contar”, me respondía. Y en algún momento la contó.

—¿Le diste permiso a tu hijo para contarla?

—Claro, le di permiso después que falleció ese señor para que la contara. Y yo me casé de nuevo. Por suerte pudimos estrenar justo la película cuando mi marido ya falleció. No le hubiera gustado para nada ver esa parte mía.

—¿Conociste a la persona real detrás de la historia?

—Nunca supe quién era. Sabía que los chicos habían hecho esa broma cuando eran jóvenes. Sabía que hacían bromas telefónicas. Yo me iba a trabajar y ellos, Hernán y Chiri, se quedaban en casa y hacían bromas de todo tipo. Pero para mí fue todo una novedad.

—¿Te sentiste representada por Verónica Llinás?

—Sí, sí, sí, me encanta ella. Es una gran actriz. Es totalmente... ¿Cómo te podría decir? Desenfadada, como soy yo. Muy al estilo mío de esa época. Yo toda la vida he sido muy audaz.

—¿Cómo fue el proceso de rehacer tu vida y tu relación con tus hijos?

—Falleció mi primer marido de un infarto masivo, que es el papá de los chicos. Yo no me quedé a lamentar, ni a encerrarme. Dije: “No, no, no”. Enseguida traté de buscar, salir y buscar a otro hombre. Hablaba con uno, hablaba con otro y me enganché con este. Nadie me va a hacer lo que yo no quiero que me hagan. Yo soy una adulta, no soy una chica de dieciséis años.

—Hoy sos actriz junto a tu hijo.

—Sí, estoy en teatro con Hernán. Estamos haciendo La señora que me parió en el teatro. Contamos muchas historias de las cosas que en su momento las hemos vivido con dolor y ahora nos reímos de todo. Yo ya estoy de vuelta de todo, voy a cumplir 79 años. Te imaginás que estoy de vuelta de todo.

Ya en la adolescencia, la competencia entre amigos se volvió más sofisticada. El desafío era lograr que la víctima permanezca el mayor tiempo posible en línea, improvisando identidades y situaciones. Casciari y Chiri cronometraban sus hazañas y perfeccionaban sus técnicas, llegando a conversaciones insólitas.

En uno de esos juegos, Hernán desarrolló una táctica riesgosa: hacerse pasar por un hijo ausente, Daniel, y construir una conversación cargada de detalles familiares, recuerdos y afectos latentes. La historia se desplegó entre la confusión y el anhelo, mostrando cómo lo que empezó como un simple pasatiempo puede rozar zonas inesperadas de la emoción humana.

Este relato de la vida real, fue el que inspiró la película Canelones. Así el cuento se convirtió en una puerta de entrada ideal para conocer la mirada y la voz de Casciari sobre el humor, la memoria, la culpa y los pequeños dramas que atraviesan la vida en comunidad.

—¿Cómo surgió la historia real que inspira Canelones?

—Eso es lo que tienen de bueno las historias reales, que son extrañísimas. Pero fue todo real, pero el director, mi amigo Chiri, tomó algunos recaudos y para que sea cinematográfica incluyó algunas licencias.

—¿Cuándo pudiste empezar a contar la historia?

—A fines del año 2020, 2021. Este hombre vivía en Río Grande, en Tierra del Fuego, y después de algunos años, muere de COVID.

—¿Qué tipo de relación mantuvieron tu mamá y él?

—Mantuvieron una relación bastante fluida por la distancia, bastante, pero por la distancia, no llegaba a consolidarse como una relación. No se vino a Mercedes ni nada, pero sí, siguió en contacto. Y mi, mi mamá lo quiso preservar, por eso no me dejaba a mí contar nada.

—Tu madre, Chichita, no quería que hablaras del episodio...

—Desde el 2015 hasta el 2020, mi vieja no me dejó hablar del tema. Un poco por vergüenza de ella, creo yo. Sobre todo la parte legal que tenía que ver con él.

—¿Vergüenza?

—Porque hay una parte, en la historia, que ella hoy también reconoce como un poco patética. De estar buscando novios por Internet y esas cosas que, si bien a la juventud le parece lo más normal, a ella le parece un poco atrevido, tal vez para ese momento.

—¿Cuándo tu mamá pudo ver la película?

—No solamente que la vio ahora, sino que conoce cada corte que hicimos desde el año pasado. El director de la peli no solamente la consultó, sino que además, muy específicamente, le mostraba pedacitos de guion antes del rodaje para cuidarla, para que no ocurriera nada en la pantalla que ella no supiera de antemano.

—¿Y tu mamá puso resistencia a alguna escena o parte de la historia?

—Chiri es como un hijo de mi vieja. Es decir, Chiri y yo nos conocemos desde los cuatro años. Somos amigos desde la primaria. Y tuvo un cuidado muy específico con mi mamá Chichita. Le consultó todo. Se que algunas partes fueron consensuadas entre él y ella, yo no me metí (se ríe).

—¿El relato de la película es absolutamente real?

—Obviamente está salpimentado por el humor negro. El relato en sí, lo que cuenta la historia, es absolutamente real. Durante la vida de este hombre, que no se llama ni Daniel ni se llama Olesnick, ese fue el único cambio que hicimos, para preservar su identidad.

—¿Qué diferencias hay entre lo que pasó y lo que muestra la película?

—En un punto me empiezo a confundir respecto a lo que pasó con lo que está en la peli, pero me parece que en este caso las dos cosas se contaron de la manera correcta. A nosotros nos costó muchísimo menos llegar a donde estaba mi vieja. Fue mucho más rápido. Eso sí, es la mano del guionista. Los dos personajes tardan unas horitas, tienen que ir acá a buscar en Internet, etcétera. Eso no pasó de esa manera. Eso fue muchísimo más simple. Entramos a la casa de mi vieja, en donde yo sí tenía llave y estaba anotada en una libreta de ella la dirección donde mi vieja iba a estar. Fue mucho más rápido en la vida real la manera en que encontramos la manera de ir a buscarla.

—¿Cómo es la relación de tantos años con Chiri?

—Somos como los hermanos, como tengo la misma relación con mi hermana biológica también. Somos personas que nos conocemos desde el principio, desde el principio de la vida. No es nada mágico ni nada, es haber construido una misma memoria sentimental, los mismos libros, los mismos discos. Tengo recuerdos de haber descubierto a Cortázar el mismo día los dos.

—¿Quién eligió a los actores para la película?

—No, no, yo no hice nada, yo no elegí a nadie. Esto es una producción comunitaria. Y cinco mil quinientos socios productores de Orsai.

—¿Cómo fue el proceso de selección del elenco?

—Ellos en votación votan un grupo de actores y un grupo de actrices y quedaron seis en la final. Quedó Barassi, Sabbagh, Migue Granados. Del lado del personaje de Chichita, mi mamá quedó Mercedes Morán, Rita Cortese, Vero Llinás, entre otras. Y después, una vez que se generaron esos seis y seis, hubo una larga votación de veinticuatro horas, vinculante, tenía que estar más del cincuenta y un por ciento de los socios productores presentes en la votación. Barassi le ganó Alan , cincuenta y uno a cuarenta y nueve. En el caso de Verónica, ganó con un poquito más de holgura.

—¿El director pudo decidir algo?

—Increíble, porque ni siquiera el director puede tomar la decisión del casting. La toma la gente. Todas las decisiones las tomaron las personas.

—¿Cómo reaccionó tu mamá al ver la película?

—No solamente que la vio ahora, sino que conoce cada corte que hicimos desde el año pasado. De hecho, el director de la peli le mostraba pedacitos de guion antes del rodaje para cuidarla, para que no ocurriera nada en la pantalla que ella no supiera de antemano.

—¿Qué sentías al reencontrarte con la historia en la pantalla?

—De verdad no entendía mucho lo que había pasado. Lo empecé a entender después. Yo lo que entendía es que mi vieja estaba vomitada y que estaba en una casa en Mercedes, un lugar bastante grande, pero tiene un casco urbano y después tiene suburbios con muchas casas quintas y estaba bastante lejos del centro de Mercedes. La casa donde estaba. Me parecía todo rarísimo. Entendía que ella no me estaba contando toda la verdad de lo que estaba pasando. El tipo estaba muy callado y me miraba muy raro. Pero no, no entendí toda la historia en ese momento. La entendí después.

—¿Cómo fue la reacción de tu mamá después de todo?

—Lo preservó, lo cuidó mucho, sobre todo lo cuidó de mí. Pero no de mi afán legal de querer hacer la denuncia, sino de mi deformación profesional de querer contar todo. Él lo cuidó mucho de eso.

—¿Participaste en la producción o dirección de la película?

—No tengo mucho que ver yo con la factura de la peli. No participé, no hice nada. Solamente le di vía libre a Chiri para que hiciera lo que él recordaba y lo que él sabe hacer, y lo hizo maravillosamente bien.

—¿Qué te genera ver cómo Chiri dirigió la película?

—Estoy fascinado con que Chiri haya conseguido dirigir su primera película y que haya elegido esta historia, y que la haya llevado adelante con tanta solvencia. Estoy fascinado por eso, sobre todo.

—¿Qué pasó después del episodio de la broma telefónica y cómo los marcó?

—Nosotros hicimos muchísimas antes, pero después de esa llamada, no. Primero, estábamos a punto de terminar la secundaria, o sea que también nos estábamos yendo a Buenos Aires y tampoco era una cuestión de seguir, porque ya teníamos que pagar el teléfono nosotros y no lo íbamos a hacer. Pero se juntó eso con un enorme sentimiento de culpa. Porque yo tengo recuerdos de que incluso en Buenos Aires jodíamos y hacíamos cosas, pero ya de otra forma. No de una forma tan grosera, tan cruel.

—¿Cómo te enteraste de la muerte del hombre?

—Eso lo supe cuando a posteriori de que mi vieja me contara toda la historia. Jamás, jamás me hubiera imaginado que pasó algo así. Eso lo sabía este hombre nada más. Y posiblemente si él hubiera cumplido su venganza tal y como la tenía planeada, yo tampoco me hubiera enterado nada.

—¿Qué te genera ver la película terminada?

—Estoy fascinado. No sé si con la peli, estoy fascinado con que Chiri haya conseguido dirigir su primera película y que haya elegido esta historia, y además la llevó adelante con mucha solvencia.

—¿Te gustaría hacer una secuela?

—No. Estoy absolutamente convencido de que no, no habrá secuela.

—¿Pero tal vez, una segunda parte...con familiares de Daniel (nombre de ficción) el amigo de tu mamá?

—Estoy pensando todo eso y más. Se me va la cabeza a miles de posibilidades. Pero en realidad yo, yo ya me doy por hecho con esta historia (se ríe).

La vida de Herman pudo haber seguido otro rumbo. De niño, en cada recreo, se ilusionaba con la pelota entre los pies y soñaba con llevar una camiseta de fútbol. Esa pasión ocupó sus primeros años, hasta que un día, sin dudar, cambió los botines por las zapatillas de baile.

“Mi historia es un milagro”, reconoce Herman, recordando el episodio que lo marcó para siempre. Cuando tenía apenas once meses, una grave afección de salud lo llevó a un estado crítico. El relato familiar cuenta que su padre militar, en plena guerra de Malvinas, logró volver un instante del frente para despedirse de su pequeño. “Mi papá me besó y me desperté”, detalla Cornejo, quien siempre ha sentido que ese gesto selló su destino.

Para el bailarín, presentar esta obra en Buenos Aires es la concreción de un anhelo largamente postergado. El espectáculo simboliza la recuperación de una pieza que considera parte del patrimonio nacional y le permite compartir con su gente la riqueza de la historia de la danza local.

“Poder traer a la luz lo que hubiera sido en su momento el primer ballet para Argentina en el año 1917 es un gran honor y orgullo para mí”, confiesa el artista a Teleshow, quien siente que la obra es tanto un homenaje a la historia de la danza argentina como un acto de amor hacia la tierra donde nació.

El bailarín describe la emoción de volver a sus raíces y brindar al público argentino una obra que dialoga con el pasado y proyecta hacia el futuro, inspirada en el bailarín y coreógrafo ruso Vaslav Nijinsky.

—¿Hace cuánto tiempo que no venías a la Argentina?

—La última vez que fui…Si mi memoria no me falla, fue en el 2022. Hice este mismo espectáculo pero en en la provincia de San Juan.

—Tu deseo era presentarla en Buenos Aires...

—Sí, sí... era el primero de los deseos, porque en su momento hubiera sido así, su estreno en Buenos Aires, además que es mi casa, el público que me vio nacer.

—¿Qué te pasa con esta obra que deseas y de la que estás tan orgulloso de dirigir?

—Primero y principal, creo que lo que me llena de orgullo es poder traer a la luz lo que hubiera sido en su momento el primer ballet para Argentina en los años 1900, que era cuando le Ballet Russe con Nijinsky iban a Argentina, que no tenía una compañía de ballet, no existía. Y gracias a Vaslav Nijinsky, se creó esta energía de decir que en nuestro país, y especialmente en Buenos Aires, hacía falta crear una compañía. Luego, se creó gracias a él. Nijinsky, en ese momento, había aceptado hacer este ballet basado en una leyenda guaraní. Así que para mí es un gran honor y orgullo poder traerlo a escena.

—¿La obra tiene un significado especial para vos?

—Por todos lados, es algo muy histórico, es patrimonio nacional, y también de la humanidad. Nijinsky es el icono mundial del ballet. Argentina es la cuna, una de las cunas que tiene más de cien años de historia. En lo personal también estoy muy aferrado y apegado a lo que es la figura de Nijinsky, no solamente por haber hecho la escuela que gracias a él se creó en el Teatro Colón con las técnicas rusas. Si no lo que significó en mi carrera. Yo hice El espectro de la rosa, que fue creado para él y fui nominado al Óscar de la danza por ese rol.

—¿Qué sentiste al ser comparado con figuras como Nijinsky o Julio Bocca?

—Imaginate, es todo un honor, son cosas que te van poniendo más arriba en la lista de bailarines.

—¿Soñaste alguna vez con todo lo que te pasó y te pasa en tu carrera?

—Es rarísimo porque no tengo recuerdo de sueños, pero tengo una seguridad muy grande. Yo ahora estoy escribiendo un libro sobre mi vida. Y esto lo he contado varias veces, que cuando tenía once meses estuve en coma, mi papá justo en ese momento estaba en la Guerra de Malvinas, en el año 1982. Yo estaba en el hospital en coma, los doctores dijeron que no había vuelta atrás, estaba con un respirador, le avisaron a mi mamá que, si le quería avisar a mi padre que viniera al hospital. Mi papá vino a darme el último adiós, porque iban a desconectarme, llega...se acerca a la camilla, que él me contó que era un cuerpito delgado, un esqueletito, me da un beso en la frente para darme el último adiós y yo abro los ojos. Fue un milagro. Realmente no sé si en esos momentos, cuando uno está en coma, qué es lo que pasa, dónde está el espíritu de uno. A partir de allí cuando empiezo a crecer adquirí una seguridad muy grande, y sabía qué quería hacer y ser. Empecé ballet, no había otra opción para mí. No lo soñé, pero lo sentí desde siempre.

—¿Por qué estuviste en coma?

—Mi mamá me llevó al hospital porque tenía algo en el estómago, era como un virus. Supongo que ese malestar habría sido demasiado fuerte, pero el problema fue que me medicaron mal. Así que al medicarme mal…todo se agravó.

—¿Cuántos días estuviste en coma y cuántos meses tenías?

—Unos cuantos días, una semana por lo menos y tenía casi un año.

—¿Te acordás de algo de ese momento?

—Nada, no me acuerdo de nada en lo absoluto.

—¿Con el tiempo le encontraste un significado?

—En esta obra, claramente, porque el relato tiene ese salto para una segunda oportunidad en la vida, ese poder de la transformación. Todo se conecta, por eso es muy personal para mí.

—¿Por qué la danza, hubo otras opciones?

—Yo hacía fútbol, mi papá militar, imaginate. Mi hermana Erica sí había empezado ballet mucho antes, alrededor de los tres años. A mí como que me enganchó verla bailar en el estudio y demás, pero fue como algo que sentí profundamente: “Es esto lo que quiero hacer”. Yo tenía ocho años. A veces, me pregunto cómo un niño puede saber exactamente, con tanta firmeza, que es esto lo que le gusta, que es lo que quiere.

—¿Tus padres siempre te apoyaron en la decisión de bailar?

—Mis papás la verdad que fueron increíbles, me apoyaron desde el comienzo. Obviamente, creo que igualmente mi generación la tuvo más fácil, en el sentido que los varones en mi época era un poquito más fácil decir que querían bailar gracias a Julio Bocca, gracias a Maximiliano Guerra. Ellos fueron como los que más abrieron esas puertas. Igualmente existía un poco de prejuicios.

—¿Te sentís cómodo viviendo fuera del país?

—Mira, la verdad que yo me siento cómodo donde esté mi arte. Fui a New York realmente porque el American Ballet estaba ahí. Era la compañía de mis sueños. Yo creo que si hubiera estado en otro lugar también. No me aferro a los lugares. Si hablamos, por ejemplo, en cuestiones de casas, me mudé más de veinte veces en treinta años. Me aferro a lo que vivo en el momento, en mi carrera y mi familia.

—¿Qué sentiste al estar frente a la puerta del American Ballet Theater por primera vez?

—Obviamente, crecí en Argentina pensando en el American Ballet Theater gracias a Julio (Bocca), a Paloma Herrera... en aquel momento no había Internet, entonces la única forma de conocer cosas de afuera era la gente que entraba y contaba. Entonces, obviamente, mi sueño después de ver tanto a Julio Bocca y de estar en su compañía durante dos años era como: Llegar al American Ballet es lograrlo, es llegar a lo máximo. Y en su momento, cuando después de estar dos años en la compañía de Julio y ganar la Medalla de Oro de Moscú, que también la ganó él, Julio me pidió de hacer una función en New York en su nombre, porque él no podía viajar. Entonces yo le dije a Bocca, quiero audicionar a ABT, es mi compañía. Él me respondió: “Por supuesto”. Me pidió permiso, habló con el director para que me pudiera dar una clase, para audicionar. Y lo hice con mi hermana. Fuimos y yo dije: “Bueno, vamos y nos quedamos”. No había plan B para mí. Cuando uno es joven es como que uno no piensa mucho en las cosas, tenés esa garra y esa fe de que todo puede pasar.

—La seguridad es fundamental...

—Totalmente, porque cuando salís a escena lo único que te puedes aferrar es en lo que vos creés, en lo que vos podés hacer. Podés pasar años ensayando con un maestro cómo hacer una variación. Pero la verdad está cuando llegás al escenario, ese maestro no está más para decirte que es lo que tenés que hacer. Todo depende de vos. Entonces esa fe y esa seguridad de lo que querés hacer tiene que estar en el bailarín, porque en escena es lo que se ve.

—¿Y alguna vez te pasó de confundirte en escena?

—Cuando hay mucho entrenamiento, esa equivocación no sucede. Lo lindo que tiene la danza es que es teatral. Te abre las puertas a que pongas sensaciones, cosas de tu propia vida, por más que estés interpretando un rol, por más que estés haciendo un Romeo. Pero más allá de eso, hay esa ventanita donde uno pone lo de uno. Pones la sensación, lo que te ha pasado en tu vida, y eso es lo que te hace diferente, lo que te va a diferenciar de otros bailarines que solamente hacen la parte técnica. Así que no hay eso de confundirse. Tal vez uno lo quiere hacer diferente a propósito o si existe esa confusión de que a lo mejor te confundiste. Hay un episodio muy divertido que cuando yo entré al American Ballet, no solían enseñarle a los chicos nuevos las coreografías. Uno tenía que ser muy rápido y aprenderse, estando parado al costado, roles, porque después te decían: “A ver, probalo, quiero verte”, y lo tenías que saber.

—¿Cuándo te pasó?

—Me pasó en Romeo y Julieta cuando me pusieron a bailar, me aprendí el rol con videos y viendo a otros bailarines, pero esa vez me había faltado un pedacito que no me había aprendido. Y durante el ensayo general de este ballet empezó una danza que era la parte de la carta y no tenía ni idea de qué iba ese momento. Y bueno, me quedé parado en un costado como el mejor actor, y nada, son momentos que pasan. Por suerte era un ensayo general. Había público, pero era un ensayo general, no era la función. Al día siguiente me tocaba la función, me lo aprendí como de emergencia en el momento para hacerlo al día siguiente.

—¿Qué te dejaron esos errores o tropiezos?

—Esos momentos la verdad que te hacen más fuertes. Ese momento tragame tierra, pero mucha más vida después de eso. Una vida mucho más fuerte. Podemos hablar de Messi, de lo que le pasó en mundiales anteriores. Él pudo salir. Y decir: “Lo voy a ganar”. Eso bajones te llevan a algo más alto.

—¿Eras bueno en el fútbol cuando eras chico?

—Sí, me encantaba el fútbol, era muy bueno, era delantero. Recuerdo que yo hacía ballet y fútbol a la vez. En un momento el Teatro Colón hizo una carta a la escuela para que no me permitiera jugar más porque era contraproducente con el ballet. Si yo quería realmente ser un bailarín, en un partido te pueden lesionar, te torcés un pie. Así fue como quedó prohibido, y yo acepté, sabía que el ballet era lo mío.

—¿Posición en la cancha?

—Jugaba en la delantera. Como un Martín Palermo, ponele. Me encantaba. El día que volví para despedirme... los chicos me decían: “No, no te podés ir del equipo”. Y justo ese partido iban perdiendo y me decían: “Entrá, por favor, entrá”... pero no lo hice.

—¿Te encontraste con muchos “cisnes negros” en tu carrera?

—Cisnes negros, ¿en qué sentido? [se ríe] Gente mala, buena, hay por todos lados. Creo que eso igualmente es un estigma que lleva el ballet, que tal vez sea muy anticuado. Mi generación fue cambiando, mismo en el American Ballet. En los últimos diez la compañía cambió brutalmente, para bien. Todos esos cisnes negros desaparecieron. Esta generación de los últimos diez años es mucho más amiga, mucho más hermana. Están uno ahí para el otro, se corrigen entre ellos. Tal vez le dan la oportunidad a un cuerpo de baile de hacer un rol principal y un principal le está corrigiendo a este cuerpo de baile cómo hacer las cosas mejores. Se ha diluido un poco esa competencia que existía antes. Cuando yo entré, se vivía un poco esto de: “No, yo soy principal, no te me acerques”. “Este es mi momento o esperá tu momento”. Hoy cambió muchísimo.

—¿En qué lugar vivís actualmente en Nueva York?

—Viví en muchísimos lados. La mayor parte de mi vida, mientras estudiaba, viví al lado del teatro, cerca y fácil para ir a entrenar y volver. En los últimos siete años que hice una familia, me mudé al Bronx, cerca del Jardín Botánico. Para tener un lugar más grande y poder tener una familia más grande.

—¿Con quiénes vivís?

—Con mi mamá. Mi hermana, que la extraño muchísimo, ahora vive en Denver. Está ahí dirigiendo la escuela del Colorado Ballet.

—¿Y tu padre?

—Mi papá es una historia muy triste para mí. Seguimos en contacto, pero muy lejanos. Es a lo mejor una llamada de teléfono cada dos años. Vive en Argentina. Una lástima. Mis padres se divorciaron. Mi viejo se alejó muchísimo y desde hace quince años, más o menos, que no tenemos mucho contacto. Una lástima. Pero bueno, yo a mi vieja la tengo conmigo. La quiero muchísimo por todo lo que pasó en su vida y cómo nos ayudó.

—Y tu propia familia...

—Claro, mi esposa y mi nene. Mi mujer (María José Lavandera) es argentina. Nos conocimos en Buenos Aires. Ella es periodista y escritora. Tenía su propia revista de danza, Revol, en Argentina. Nos conocimos porque yo hacía diez años que no volvía a bailar a mi país y me hizo una entrevista en esa vuelta que tuve en el 2016. Y fue un flechazo. Nos enamoramos.

—¿Qué sentís al volver a Buenos Aires con tu espectáculo?

—Para mí obviamente lo más importante es lo que va a pasar el uno de septiembre en el Teatro Coliseo. Y realmente es un un placer volver a casa, a mi público.

En los comentarios de la canción, una parte de la audiencia señaló frases como “Preferís la joda y yo prefería tus mimos”, interpretándolas como referencias directas a la historia que compartió con el cantante cordobés. La letra, marcada por el desencanto y el final de un vínculo, alimentó el debate acerca de si el tema era un mensaje velado para Luck Ra.

En medio de la polémica, la consulta de una seguidora en X sobre el momento de grabación de la canción encontró respuesta directa de la propia artista. La Joaqui remarcó que la producción musical requiere tiempo y planificación previa a su lanzamiento, desestimando la idea de que la letra se hubiera escrito como reacción inmediata a la ruptura.

“Joaqui, te rebanco, pero hay algo que no entiendo, si se separaron recientemente, ¿cuándo grabó esta canción?”, indagó una seguidora. A través de su perfil, La Joaqui decidió intervenir en la conversación. Al responder a la consulta de una seguidora, la cantante aclaró: “Hace un mes, las canciones no se hacen de un día para el otro. De hecho se cargan a plataformas 15 días antes”, escribió en la red social, acompañando su mensaje con un emoji blanco y una cara sonriente.

El videoclip que fue difundido esta semana, grabado en blanco y negro y protagonizado por ambos músicos, refuerza el tono nostálgico y melancólico de la canción. La primera parte queda en manos de Callejero Fino, mientras que La Joaqui toma el protagonismo en los versos que más resonaron entre los seguidores.

El intercambio en redes deja en claro que, aunque las coincidencias temporales y las frases de la canción alimentaron las especulaciones, la génesis del tema antecede a la separación de la pareja. La Joaqui eligió la transparencia para frenar los rumores y evitar que la narrativa pública se imponga sobre los hechos, que la relacionan con su expareja.

La artista también hizo referencia a la razón detrás de la separación: expresó que fue Luck Ra “quien se desencantó” de la relación, lo que dio lugar a especulaciones sobre las causas del distanciamiento. Las versiones que circularon entre los fans señalaban diferencias en los proyectos de vida: mientras La Joaqui pensaba en casarse y formar una familia, Luck Ra prefería seguir disfrutando su juventud y la vida nocturna.

El eco de la ruptura no se limitó a la pareja. La bailarina Tuli Acosta fue señalada por parte del entorno digital como responsable de la separación. Influencers y usuarios se manifestaron en redes sociales, en su mayoría tomando partido por La Joaqui y cuestionando el papel de la cordobesa.

La modelo Albere, que suma millones de seguidores entre Instagram y TikTok, fue una de las más contundentes. “Nos tenés podridos a todos moski-ta muerta. Te metiste con una embarazada, no te olvides de eso. Si ya eras, ahora te convertiste en una súper sorete! Y si te olvidaste, salgo a recordártelo cuando quieras. A mí no me tiembla”, disparó en sus historias, sin nombrar directamente a Acosta pero dejando clara la referencia.

Al cierre de la semana, la polémica parece haber encontrado un punto de calma: la propia voz de la protagonista aportó contexto sobre la creación de la canción y su desvinculación con el final de su historia de amor con Luck Ra. Mientras tanto, el tema sigue sumando reproducciones y comentarios, convertido en un nuevo capítulo de la vida pública de la cantante.

La conversación avanzó entre risas y complicidad. Pergolini, conductor de la charla, rememoró el momento en que Sosa le dedicó unas palabras únicas a Venegas. “Hay una parte que me parece tierna, sobre todo porque conoce a Mercedes Sosa y Mercedes Sosa le dice algo increíble. Vean”, expresó con emoción, antes de compartir un video que despertó la ovación del público.

El archivo muestra el backstage de la grabación de Cantora, el disco que Mercedes Sosa grabó poco antes de su muerte con una constelación de artistas de diferentes partes del mundo, entre ellos, Venegas. Allí se ve como la tucumana le confiesa haberse quedado subyugada al escuchar por la radio “Tú eres para mí”, al punto que le preguntó a su hijo Fabián Matus que averiguara todo para llegar a Julieta Venegas.

Ese fue el principio del hilo que terminó con el dueto en el álbum editado en 2009. El relato de la mexicana sobre su experiencia junto a Mercedes Sosa se centró en la elección de una canción poco conocida de su repertorio. “La experiencia fue increíble porque además escogieron una canción desconocidísima mía”, rememoró. Explicó que, aunque en Argentina su popularidad creció a partir de su tercer disco, hurgaron en su material más antiguo. “Escogieron una canción de mi primer disco que se llamaba Sabiéndose de los Descalzos, que la hice inspirándome en un libro de Elena Garro, que se llama Recuerdos del porvenir, y que lo recomiendo mucho, es una preciosidad”.

A partir de ahí surgió una escena memorable, que Venegas recordó desde el presente: “Hay un diálogo que surge entre dos personajes donde uno termina diciendo ‘sabiéndose de los descalzos’, que es un indígena, ¿no? Y cuando la conocí a Mercedes, me dijo: ‘Julieta, ¿quiénes son los descalzos?’ y le explicó el origen de la canción.

La reacción de Sosa fue inmediata y emotiva. “Me dice: ‘Porque yo soy de los descalzos’. Ay, me puse chinita, la abracé, me pareció tan precioso. Y esa fue la canción que cantamos”, rememoró Venegas, describiendo la intensidad de ese instante compartido.

Al revivir la experiencia, la intérprete de “Limón y sal” compartió detalles personales y cotidianos que sumaron espontaneidad al relato. Se detuvo en detalles aparentemente triviales: “Yo me trabo porque veo este video y me veo la cola de caballo toda deshecha. ¿Cómo se me ocurre? O sea… Estaba con Mercedes Sosa. O sea, digo, no sé, arréglate. ¿Qué te pasa? O sea, no sé”, comentó entre risas, para luego volver al centro de lo vivido. “Pero sí, fue un momento muy precioso, la verdad”, subrayó la artista en Otro día perdido.

El arreglo de la canción también fue motivo de sorpresa y agradecimiento. “En el disco original es a capela, o sea, no tiene instrumentos y le hicieron un arreglo precioso. Toda esa experiencia fue súper emocionante”, concluyó.

Pergolini intervino para subrayar el valor de conservar ese recuerdo: “Qué lindo que alguien haya registrado palabras tan lindas de Mercedes hacia vos, ¿no?”. Venegas asintió: “Ay, sí, hermoso. Sí, totalmente precioso. Fue tan generosa, tan generosa, que ese recuerdo lo tengo como algo muy especial”.

El testimonio de Venegas demuestra que, más allá del reconocimiento profesional y del escenario, los encuentros atravesados por la sensibilidad y el arte dejan marcas indelebles. La generosidad de Mercedes Sosa no solo se materializó en el escenario, sino también en una frase: Porque yo soy de los descalzos.

La anécdota compartida por Venegas revela que la música y la literatura pueden entrelazarse en un instante único, donde las palabras y las emociones resuenan mucho después de que termina la canción.

La modelo y conductora reconoció en una entrevista que el cruce fue inevitable y que la incomodidad se apoderó del estudio tras un careo impulsado por la producción. “Nosotras pensamos diferente y actuamos diferente en la vida, somos opuestas en un montón de cosas pero estuvo bueno charlarlo”, anticipó Pampita al ciclo Desayuno Americano. La grabación avanzó entre intercambios directos y firmeza de posturas, lo que llevó a que el ambiente quedara cargado de tensión.

A pesar de la incomodidad, Pampita dejó claro que ambas supieron mantener la profesionalidad. Consultada sobre el trato entre ellas una vez finalizadas las cámaras, fue tajante: “Obvio, quedó todo tenso pero nos saludamos porque somos profesionales y educadas”. La declaración, breve pero contundente, resume el espíritu con que enfrentaron el momento: distancia, pero sin renunciar a las formas

La modelo sostuvo que la tensión persistió tras apagarse las luces, aunque ambas se esforzaron en mantener la compostura. El cruce, que trascendió al público a través de filtraciones en la prensa, incluyó “reclamos de los dos lados”, como reconoció Pampita, quien también remarcó que “Yanina no me criticó pero no estaba de acuerdo en nada de lo que yo decía”.

La dinámica del programa, según explicó Pampita, propició que ambas expusieran sus diferencias: “Siempre está bueno sacar los trapitos al sol”. Así, el intercambio se convirtió en uno de los episodios más comentados antes del estreno, alimentando la expectativa sobre el contenido que verán los televidentes en el ansiado regreso del ciclo.

Por su parte, la conductora de SQP aseguró que el momento “fue tenso”, pero que terminó de manera protocolar. “Viste que ella siempre tiene la cara de la Gioconda, siempre sonríe”. Además, Latorre contó cómo fue la dinámica que las puso cara a cara y aseguró que la prensa va a estar de su lado una vez que se vea el programa: “Salté por la patria panelista”, sentenció.

Finalmente, aportó un poco más de picante cuando le sugirieron que la modelo se habría retirado disgustada. “No se fue muy conforme porque dijo que estaba un poco enojada”, deslizaron los cronistas. Y el remate de Latorre fue contundente: “Ah, qué falsa. Me invitó a comer un asado”.

La disputa entre ambas figuras públicas se enmarca en una historia de desencuentros y posturas opuestas. La producción de PH aprovechó esa rivalidad para generar un momento de sinceramiento y confrontación, que, según Pampita, terminó en un ambiente “muy incómodo”. Sin embargo, ninguna de las dos permitió que el conflicto escalara más allá de lo profesional.

La vuelta de PH. Podemos Hablar

El regreso del ciclo conducido por Andy Kusnetzoff está previsto para este sábado a las 21.30, un evento que marca el retorno del programa tras casi tres años de ausencia.

El regreso de PH fue acompañado por una selección de invitados que prometen debates intensos y momentos de fuerte exposición personal. La inclusión de Pampita y Yanina Latorre en el primer programa no fue casual: ambas representan estilos y trayectorias que suelen generar controversia y conversación en la audiencia.

La expectativa sobre lo que se verá en pantalla crece a medida que circulan versiones y testimonios sobre el detrás de escena. Las protagonistas, lejos de evitar el tema, han optado por referirse abiertamente a la situación, cada una desde su perspectiva y con matices en el relato.

Ambas coincidieron en que el respeto profesional prevaleció, a pesar de las diferencias y los momentos de tensión. La producción de PH logró así instalar el debate y anticipar un ciclo cargado de momentos intensos, donde la sinceridad y la confrontación vuelven a ocupar un lugar central en la televisión argentina.

“Gracias Diosito por los hijos, por la belleza, la sensibilidad y la poesía... lo cual son cuatro maneras de decir lo mismo”, escribió la actriz, acompañando la publicación con palabras de orgullo y admiración. La respuesta no tardó en llegar: “Te abrazo madre”, comentó el propio André, sellando ese intercambio familiar con un corazón rojo.

El video completo está disponible en YouTube, pero el foco de la conversación fue el rol de André como director, un hito que marcó a su entorno en una creación de neto corte familiar. El ex Kuryaki compuso el tema junto a Gieco y Lucas Martí, su hermano por parte de madre. “Qué hermosura. Te admiro hasta el infinito, André Horvilleur, tu ojo mágico y sensible”, escribió Cid. En tanto, Evangelina Bourbon, actual pareja del músico y madre de su hija menor, Marion, sintetizó el espíritu del clip: “Dream team para este temazo, mi amor”.

Trayectoria discreta, raíces profundas

Nacido en septiembre de 2004, André creció mientras sus padres transitaban la popularidad en el mundo artístico argentino. Sin embargo, su vida fue muy distinta a la de muchos hijos de celebridades. De acuerdo con quienes siguen la carrera de Emmanuel Horvilleur y Celeste Cid, André siempre optó por un perfil bajo, alejándose del circuito mediático y de la exposición constante.

A pesar de esa distancia, el interés por saber a qué se dedica el joven nunca se apagó. Entre quienes admiran a la actriz y quienes siguen la carrera del músico, la curiosidad creció con los años: ¿Cómo es la vida de André hoy? ¿Está vinculado al arte como sus padres? ¿Busca su propio camino lejos de las cámaras?

El propio André reveló, en charlas privadas y a través de sus padres, que siente una fuerte atracción por la música, una herencia natural de Horvilleur. Además, la moda también forma parte de su vida: ha participado en campañas de ropa, mostrando que el universo visual y estético le resulta familiar y propio.

Por otra parte, no ha dejado de lado su formación académica. A pesar de la reserva con la que fue criado, se sabe que actualmente estudia en la universidad, aunque ni Celeste Cid ni Emmanuel Horvilleur han dado detalles públicos sobre la carrera elegida. El hecho de que André priorice su educación y su crecimiento personal es, para muchos, una muestra de madurez y de búsqueda genuina de identidad más allá de los logros familiares.

La música es el principal canal a través del cual André mantiene contacto con el público, aunque lo hace de manera indirecta. Si bien no integra ningún grupo musical ni ha lanzado canciones propias, su presencia se hace notar en los videoclips que realiza para su padre. En estos proyectos, André despliega no solo un sentido estético propio, sino también dotes actorales que muchos asocian a su madre.

El reciente videoclip, es un ejemplo de esa colaboración familiar, donde el talento de André se conjuga con la trayectoria artística de Emmanuel Horvilleur y la sensibilidad de Celeste Cid. El resultado fue celebrado tanto por sus padres como por los seguidores de ambos, quienes vieron en este hecho una señal de que el joven está construyendo su propio lenguaje y expresividad.

La estadía de Tini Stoessel en París desató una ola de interpretaciones entre sus seguidores, quienes no pasaron por alto un detalle clave en sus publicaciones: el uso de un emoji de anillo de compromiso. La cantante, acompañada por su perra Fifi y su gran amiga Sofi Fernández, eligió la capital francesa para compartir una serie de imágenes que reavivaron los rumores sobre su casamiento con Rodrigo De Paul, a esta altura, casi un secreto a voces.

El revuelo no tardó en expandirse en redes sociales. Varios usuarios señalaron que, más allá de las postales típicas junto a la Torre Eiffel o en exclusivos cafés, “el mensaje estuvo en el emoji”, como escribió una usuaria en comentarios. Ese simple ícono bastó para que la conversación girara en torno a una supuesta boda y a la posibilidad de que la artista hubiera viajado a París a buscar su vestido de novia.

Durante su paseo por Francia, Tini se mostró sonriente y distendida en varias fotos que rápidamente sumaron miles de interacciones. La cantante no acompañó las imágenes con palabras, pero sí optó por el emoji de un anillo, lo que avivó aún más las conjeturas. “¿Se viene el casamiento?”, preguntó uno de sus seguidores, sintetizando el sentir de una parte de su público. La presencia de Sofi Fernández, amiga de toda la vida y confidente, aumentó las versiones relacionadas al vestido de novia.

La especulación sobre un posible compromiso con el futbolista de la Selección Argentina creció en las últimas semanas. Este viaje a París, destino emblemático para la moda y las celebraciones románticas, solo alimentó los comentarios sobre una inminente boda. Los rumores, según coinciden cuentas de fans y medios del espectáculo, vienen creciendo desde hace meses, pero ahora el gesto de Tini los llevó a otro nivel.

Hasta el momento, ni la cantante ni De Paul confirmaron de manera oficial un compromiso o una fecha para una eventual celebración. La pareja, que mantiene una relación de alto perfil en la escena argentina, optó por el silencio a pesar de la insistencia de sus seguidores y de la prensa. Sin embargo, la ausencia de desmentidas directas también fue leída como una señal por quienes siguen de cerca sus movimientos.

En las imágenes difundidas, la presencia de Fifi, la mascota de Tini, fue otro elemento comentado. Muchos interpretaron que la inclusión de su perra en el viaje podía indicar que la cantante planeaba quedarse más tiempo en la ciudad, lo que reforzaría la teoría de una visita con un objetivo puntual, como la elección de un vestido de novia. “Viajar con tu perrita es porque tenés algo grande entre manos”, se leyó en una de las respuestas al posteo.

Las redes sociales se transformaron, una vez más, en el escenario donde los seguidores de la pareja buscaron pistas y compartieron teorías. El emoji de compromiso, para muchos, funcionó como “la prueba que faltaba” para dar por hecho que el casamiento es inminente. Otros, en cambio, pidieron cautela y recordaron que ni Tini ni De Paul dieron declaraciones públicas al respecto.

La reacción ante el emoji fue casi inmediata. “Ese anillo no es casualidad”, aseguraron varios seguidores, convencidos de que la publicación escondía un mensaje cifrado. Otros interpretaron la elección del ícono como una forma de Tini de jugar con las expectativas y mantener el misterio. Lo concreto es que todos los caminos conducen a la boda del año entre la cantante y el futbolista.

Susana Giménez lo dijo sin querer...

El comentario de Susana Giménez durante una emisión de Por el Mundo desató una ola de reacciones en el mundo del espectáculo argentino. Mientras compartía un viaje en auto con Marley, la conductora dejó escapar un dato que fue interpretado por muchos como la confirmación del casamiento entre Tini Stoessel y Rodrigo De Paul.

Sin rodeos y ante la observación de Marley sobre el “buen momento” sentimental del futbolista, Susana respondió: “Sí, está muy enamorado y se casan ahora, el 19 de diciembre”. La frase, breve pero reveladora, sorprendió tanto a su compañero como a los televidentes, que rápidamente viralizaron el momento en redes sociales.

La afirmación de Susana Giménez se sumó al cúmulo de rumores que circulaban desde hace meses en los programas de espectáculos. Aunque la conductora prefirió no sumar más detalles, el dato del 19 de diciembre como fecha del enlace empezó a cobrar fuerza entre seguidores y medios. La filtración involuntaria de Giménez renovó el interés mediático, al punto de convertir la fecha en tendencia en plataformas digitales.

La dinámica fue clara desde el inicio: Mauro relató que “le pareció original que su primera salida fuera al programa”. La propuesta, lejos de pasar desapercibida, generó risas y comentarios en el estudio. El joven no dudó en involucrar al conductor en la situación: “Qué mejor que vos seas nuestro padrino celestino para una segunda”, lanzó, mirando a Barassi con complicidad y cierta expectativa.

La joven, de 24 años, tomó la palabra desde la tribuna, donde aguardaba su turno para sumarse a la experiencia. “Por lo que estuvimos hablando por mensajes, yo al Pela lo vi un poquito cobarde”, admitió con desenfado. En un tono que mezclaba ironía y desafío, agregó: “Como que hablaba mucho. No sé si está con alguien. Por eso me gustaría ver si se anima a darme un piquito”.

Sin perder la oportunidad, Barassi intervino y sugirió que ambos se acercaran. El conductor saludó a Anabella y le propuso sumarse al centro del estudio. Ante la invitación, Mauro respondió con una frase que arrancó nuevas carcajadas: “Ella quiere marcar territorio y ni nos conocemos todavía. Yo estoy soltero y cag*n no soy. ¿A dónde voy?”

El beso en el centro del estudio

Con el conductor entre ambos, los jóvenes aceptaron el reto. A la señal de Barassi, se dieron un beso frente a las cámaras y el público. La reacción no se hizo esperar: “Fue muy impactante”, reconoció Anabella segundos después, dejando claro que la experiencia había superado sus expectativas.

La decisión de exponer la primera cita en un programa de televisión se convirtió en el centro de la conversación. El propio conductor analizó el momento junto a la joven, preguntando por sus impresiones y anticipando las repercusiones de lo vivido en el set. “Si gana hay una tercera”, adelantó Anabella con una sonrisa, insinuando que la historia recién comienza para la pareja.

Durante el intercambio, el ambiente se mantuvo distendido, con el público celebrando la espontaneidad de los protagonistas y el rol de Barassi como testigo y facilitador. En ningún momento se perdió el tono lúdico: el juego televisivo y la cita se fundieron en un mismo episodio, generando una situación inédita para el ciclo.

El rol de Darío Barassi como Celestino

Durante el episodio, Barassi asumió con naturalidad su función de moderador y testigo. El conductor no solo habilitó el acercamiento, sino que también se sumó al análisis posterior del beso, generando un clima de complicidad con ambos jóvenes. La escena lo posicionó como una especie de “padrino celestino”, tal como lo definió Mauro, quien insistió en que el conductor debería estar presente en una segunda cita.

Esta participación activa de Barassi fue celebrada tanto por los participantes como por el público, que acompañó con aplausos y risas la secuencia. La intervención del conductor permitió que la situación no se percibiera como forzada, sino como una extensión natural del clima relajado que caracteriza al programa.

En resumen, la participación de ambos en Ahora Caigo transformó una primera cita virtual en un episodio televisivo con testigos, risas y un giro romántico que pocos esperaban. La combinación de espontaneidad, exposición y juego delineó una experiencia que difícilmente olvidarán, mientras el público se convierte en espectador privilegiado de un romance en tiempo real.

En un sketch protagonizado en la intimidad de los camarines, el conductor y el humorista recrearon la situación que vienen explotando desde hace tiempo: el supuesto enojo de Mario por las ausencias de Rada debido a compromisos profesionales.

“¿Vos lo permitiste? Ayer estoy en casa saliendo para el canal—con muchísimas ganas de volver después de la temporada de teatro”, anticipó Aristarán, denunciando una supuesta intimidación.

La anécdota tomó vuelo cuando Rada describió la escena: “Abro la puerta, cinco perros”. La exageración y el tono humorístico no opacaron la molestia. Incluso detalló: “Encaro para la camioneta, dos se me prenden a un tobillo y el otro que me empieza a hacer un movimiento espantoso en la otra pierna”.

Pergolini, fiel a su estilo, intentó quitarle dramatismo a la situación: “No mandé... si hubieses visto el programa del día de ayer, eran dos perros que tuvimos en tu reemplazo. Te reemplazamos con dos perros”. Pero la respuesta de Rada mantuvo su postura: “Estaba en la guardia a la noche yo, Mario”.

El conductor lanzó otra pregunta, incrédulo: “¿Estuviste en la guardia?”. La insistencia del humorista no se hizo esperar: “¡Pero si me mordieron los perros!”. La charla se transformó en un ping-pong de bromas y reclamos, donde Pergolini minimizaba el hecho argumentando: “Pero eran dos perros de felpudo”. La respuesta de Rada subió el tono: “¡Pero me mordieron los perros!”.

La escena concluyó con un intento de Pergolini por retomar el control del programa: “Vamos a hacer el programa, dejate de joder”. Rada, resignado y entre risas, cerró con un exabrupto antes de encarar al estudio.

Pache y Plumis, los reemplazantes de Rada en las vacaciones de invierno

La irrupción de Pache y Plumis en el estudio de Otro día perdido, alteró la rutina del ciclo conducido por Mario Pergolini. La ausencia de Soy Rada abrió la puerta a una visita inusual: los populares perros callejeros del streaming Ta Bueno Che llevaron su humor desbordante y su estilo espontáneo al programa, en un episodio que pronto se volvió viral.

Desde el primer minuto, el clima fue de total improvisación y bromas. “No puedo creer que estoy hablando con dos perros en televisión”, reconoció Pergolini al intentar imponer orden ante la avalancha de interrupciones y ocurrencias de sus invitados. Pese a sus esfuerzos, la dupla de títeres desafió toda estructura, generando un caos controlado que se tradujo en risas constantes y momentos de desconcierto.

La conversación derivó hacia temas como la responsabilidad de los dueños de mascotas y la vida urbana, con consignas claras para la audiencia: sacar a pasear a los perros y ofrecerles agua fresca a diario. Estas reflexiones convivieron con el humor, evitando entrar en polémicas por la ausencia de Rada, quien se encontraba dedicado al musical.

El formato, inspirado en el legado de Los Muppets, suma más de 46 mil suscriptores en YouTube, un millón en Instagram y 215 mil en TikTok. Sus clips no solo se viralizan en Argentina, sino también en América Latina, Asia y Europa, donde el público se identifica con la mirada aguda y el humor de los personajes.

La aparición de los perros títeres en el programa de Pergolini fue un ejemplo perfecto del estilo de Ta Bueno Che: humor sin filtros, participación activa del público y una ruptura de las convenciones televisivas. La emisión se transformó en un juego de improvisaciones, donde la frontera entre lo planificado y lo inesperado prácticamente desapareció.

La dupla no dudó en ironizar sobre temas como el auge de las mascotas y la caída de la natalidad en la ciudad. “No son sus hijos, gente, son sus perros”, sentenciaron en tono humorístico, marcando el pulso de una charla que osciló entre la parodia y la crítica social. En este contexto, el ciclo de Pergolini encontró en la visita de los títeres una oportunidad para renovar su espíritu y sumar nuevos seguidores, especialmente entre quienes ya consumen contenido digital.

El éxito de Ta Bueno Che se debe en gran parte a la creatividad de Patricio Crom, músico y titiritero con más de dos décadas de trayectoria. Crom creó personajes como Monstri durante la pandemia, experimentando con el género y apostando a la transmisión en vivo por redes. La dupla se consolidó con la incorporación de Leandro “Chusko” Stazi, quien da vida a Plumis. Juntos, Crom y Stazi renovaron la fórmula y multiplicaron el alcance del canal, trasladando el caos controlado del streaming a la televisión.